OtakuGamerZ Magazine - TOMO 21 Junio 2016

otaku gamerz tomo #21 - JUNIO 2016

MEGADIMENSION NEPTUNIA VII THE LEGEND OF DREAMS

clannad la familia es la base de todo

G OTAKUGAMERZ G OGZ Magazine

BLOODBORNE TRASCENDIENDO LA PESADILLA

CONTENIDOS

GAMING SECTION

RELEASES

Catherine

Junio 2016 & Temporada Verano 2016 Primera Edición.

ACTUALIDAD GAMING / Kevin.

Bloodborne

OTAKU SECTION Koukaku no Pandora ACTUALIDAD / Juan

MUNDO RPG / Luis.

One Piece Pirate Warriors ACTUALIDAD GAMING / Juan.

MegaDimension Neptunia VII

07 Ghost

CRONICAS OTAKU / Isela.

Tema del Mes - MUNDO RPG / Neto.

Street Fighter V

Shiki

CRONICAS OTAKU / Luis

CLANNAD

Tema del Mes - CRONICAS OTAKU / Neto.

Ore Monogatari

ACTUALIDAD / Isela.

AIR TV

RETRO OTAKU / Jenny.

Haikyuu Series

ACTUALIDAD / Isela

Las Cronicas de Colosho / Carlos

El Ascenso al Lado Oscuro de los Videojuegos El Rincón de Cedlink / JC

¿Deberia ser Overwatch Free to Play?

THE MODERN ZONE / KaCeX.

STORIES SECTION Chrysanth - Episode 0

visita A NUESTRO NUEVO AFILIADO :

carta del editor

S

e dice que soñar no es algo malo, puede ser algo premonitorio, algo que deseas, algo que evitas que ocurra siento esto ultimo una pesadilla, pero el objetivo al final de todo eso es que deseas que eso ocurra (o lo contrario) en la vida real, desde cosas como tener un futuro diferente al ofrecido (CLANNAD), hasta pasar por vivir la vida como quieres (Neptunia VII), o incluso cambiar algo que no esperabas y volver a arreglarlo (Chrysanth), todo cumple lo mismo.

Ese Objetivo que debes lograr para conseguir algo, sin eso el sueño puede convertirse en frustracion.

Estamos ante un nuevo tomo de OGZ Magazine, como les prometimos el mes anterior estamos ya en buena forma y venimos con muchas novedades entre las que debo restaltar hay una nueva sección la cual esperamos que les guste, ademas de los habituales articulos hechos con el mejor de los gustos por los miembros de nuestro equipo, sin mas que decir que disfruten los dejamos con el tomo.

Ernesto Corpeño - Director & Editor.

Contacto: @ShdowVader - fb.com/netosvogz

“ ” Los sueños son algo que lograras solo con voluntad no es algo gratis.

team NETO DIRECTOR & EDITOR JUAN CO-DIRECTOR GENERAL LUIS CO-DIRECTOR EDITORIAL JENNY CO-DIRECTORA MULTIMEDIA ARIS IDEA ORIGINAL Y DISEÑO OMAR COLUMINISTA & ASESOR GENERAL JC COLUMNISTA CARLOS COLUMNISTA KaCeX COLUMINISTA CONTRIBUYENTE ISELA REDACTORA SELE REDACTORA MIGUEL REDACTOR JUANPI REDACTOR EMELY REDACTORA & MANGAKA JOSÉ REDACTOR & VBLOGGER KEVIN REDACTOR & CM FANPAGES

@ShdowVader; fb.com/netosvogz @Juanx66 @lehuezo @JennyNavarret @ArisRamoz @ChessCaster fb.com/CedlinkJuanCarlos @Colosho_23 bit.ly/Juegatei @isela_hyung @SeleShawol @MiguelReyes40k @yukkijuanpi @Emzwells; @tadashellia fb.com/JoseMarquezYT

features Tomo 21 - Junio 2016.

Articulos Destacados.

07 - Ghost CRONICAS OTAKU / Isela La historia entre venganza y religión algo que es tan viejo en la vida real, que siempre es interesante cuando se crean obras de ese estilo.

Air TV RETRO OTAKU / Jenny

Después de Kanon, vemos como Key fue mejorarndo su manera de lograr crear verdaderos dramas lacrimogenos, en los cuales el objetivo es que el espectador sienta 07 Ghost nos pone en la piel de el dolor que se ve en la serie perTeiko Klein que buscara la vengan- sonalmente. za detrás de un crimen comentido, y que para ello debera meterse en En AIR vemos como se mezcla el las manos de un conflicto tan difi- tema de las reencarnaciones, con cil que tendra repercusiones en si un romance que es poco concreto mismo. por el destino.

Bloodborne MUNDO RPG / Luis

El Ascenso al Lado Oscuro de los Videojuegos.

El Rincón de Cedlink / JC

El llevar tus obras al siguiente nivel, es lo que siempre buscara todo creador para seguir siendo reconocido como alguien que sabe hacer productos de calidad sin desmerecer tu sello. Bloodborne eleva el sentido de los Souls de From Software a otro nivel, entrando en una era victoriana y con un ambiente sumamente mas refinado, siendo un verdadero Must Have que debe tener cualquiera.

DLC, Expansiones, Juegos Incompletos, Pases de Temporada.

Desde la Septima Generación de consolas hemos visto una epidemia de estos elementos que han causado un gran cambio en como se ven los videojuegos como tal, pero debemos ponernos a pensar, todo es negativo, ¿es un mal para la industria?, ¿y es algo que ha llegado para quedarse en la industria?.

releases

Tales of Zestiria the X

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ucho podemos esperar de Uforable aunque no necesariamente en el buen sentido despues de los problemas que tuvieron con la adaptacion de God Eater. Ahora bien recibir una nueva adaptacion animada de una saga tan influyente como Tales Of siempre es bienvenido, celebrando sus 20 aĂąos de vida, veremos esta nueva manera de vivir el ultimo capitulo de la franquicia: Zestiria.

Nos meteremos en la piel del Pastor Sorey, y veremos cual sera la mejor forma para salvar a todos a su alrededor, la verdad el misterio que ejercer Ufo sobre esta serie da mucho a que pensar, se habla sobre que solo sera una simple adaptacion del videojuego, lo cual seria agradable viendo lo aceptable que fue el videojuego en ese apartado, ahora bien las adaptaciones de juegos no se han llevado muchas buenas palmas ultimamente y mas viendo que se ha visto varias novedades en las ultimas temporadas, ademas puede resultar el caso de que sea una serie con argumento originall, el tiempo nos dira si esta serie cambiara esa marea sobre este tipo de series.

D-Gray Man Hallow

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as expectativas sobre las nuevas aventuras de Allen Walker han andado divagatorias ultimamente pero no se puede negar, el Hype y la sinfluencias que genera el regreso de una de las mejores sagas de la decada pasada.

Y es que desde los problemas que ha tenido su mangaka para confinuar una serie que se caracterizo por su buen ritmo y desarrollo de personajes, la cuestion de que el elenco de Seiyuus fue cambiado, o a que la nueva serie solo tendra 13 episodios hacen que debamos pararnos en seco y pensar si valdra la pena este regreso o fue algo precipitado.

Solo podemos decir que esta vuelta de Allen a las andadas es bienvenidas y no dejara indiferente a nadie aunque quizas nos quedemos con una probada demasiado corta de este peculiar regreso.

En el proximo tomo hablaremos algo en general de la saga y claro hablaremos algo del arco que se relatara en Hollow para que no se pierdan de ningun detalle.

Odin Sphere Leifharsir

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din Sphere es uno de aquellos juegos que saliera para el final de ciclo de vida de PS2 que era demasiado ambicioso para su propio bien, un estilo de arte al que Vanillaware no ha acostumbrado por su belleza, pero que pasó factura al hardware por su ambición.

La entrega original podía jugarse cómodamente, pero la ausencia de una tasa de cuadros estables laceraba la presentación; ahora con una segunda oportunidad para brillar y con el poder de hardware de mejores prestaciones Odin Sphere logra realizar su misión.

No importa en qué plataforma de juegue el proceso de remasterizado es impecable.

En cuanto a historia, es un cuento desde 5 perspectivas interconectadas con el fin de prevenir el temido fin del mundo, para ello cada personaje debe avanzar su historia personal y en el camino pueda que cruce palabras o espadas con el resto del elenco. Es una historia simpática con combate refinado, arte increíble y una segunda oportunidad para un juego presa de la ambición.

Atelier Sophie: The Alchemist of the Mysterious Book

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telier ha estado por varios años estancado en unos principios fundamentales que le han valido algo de infravaloracion comparado a otras sagas de varios años dentro del mundo de los videojuegos, pero eso empieza a cambiar con Sophie que marca el inicio de la sub.saga Mysterious dentro de la ya veterana franquicia de Gust.

Enfoncandonos de nuevo en un modelo de alquimia retador para los jugadores ya veteranos de la franquicia, la novedad de un sistema de tiempo en el cual, sease el dia, la noche o si hay elementos en el clima cambiara la forma en la cual visitaras los Dungeons, recolectaras elementos y demas.

A su vez Sophie nos enfoca con una historia que podriamos decir se enfoca un poco menos en los personajes (aunque sigue siendo de vital importancia) y reza mas en el viaje en general esperamos que este nuevo capitulo sea el que marque el cambio dentro de esta saga que ya va para los 20 años de haber iniciado, esperen reseña pronto por aqui por cierto.

otaku section

the best+ • • • • • •

KOUKAKU NO PANDORA 07 - GHOST SHIKI ORE MONOGATARI AIR TV HAIKYUU SERIES

El mundo presentado en este anime es obviamente un futuro en el cual los humanos están muy familiarizados con las prótesis de brazos y de piernas, también existe una considerable cantidad de robots que conviven con los humanos para hacer sus vidas más simples, y no podía faltar que casi todos sus sistemas estén interconectados por internet y sean dependientes de este, sin decir que durante la serie demuestra ser fácilmente manipulable por hackers/terroristas o grupos que fácilmente podrían ser catalogados en uno de los 2 anteriormente mencionados (el estar todo interconectado a internet y ser dependiente de esto es siempre es un preámbulo de un desastre en este tipo de series).

Koukaku no pandora ACTUALIDAD – Escrito por Juan

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La temporada de invierno del presente año “2016” nos trajo una agradable ola de series inclinadas a la ciencia ficción, afortunadamente, sin significar que todas sean lo mismo , o sentir que al ver una o dos de estas ya habías visto todo y creyendo que ya no seria necesario ver las demás, como en el lado de la más prominente “Dimensional W” que era la más madura dentro de lo que cabe enfocada a las a la acción y desventuras de un Badass y su compañera, o Heavy Object , entre otras.

Tenemos a “Koukaku no Pandora” una serie que desde su inicio nos podemos dar cuenta que será una serie menos subida de todo, es decir, que no se tome muy enserio asi mismo y que ha sido un gran acierto en mi opinión, y mejor aun combinarlo con comedia que rodea los capítulos de la serie ya que si se hubiera tratado que esta serie fuera tomada enserio, hubiera sido una gran error, ya que argumentalmente el peso de la historia ni de broma es el pilar fuerte de esta serie. Adelanto, el punto fuerte son los personajes principales”.

La historia inicia cuando nuestra personaje principal llamada “NENE” es confundida con un robot por una científica “Uzal” , y esto es inusual ya que es cierto que hay robots y humanos con implantes cibernéticos en sus cuerpos, pero Nene, es un caso muy especial , ella es una de las pocas personas en la tierra que tiene una prótesis de cuerpo completo ( algo así como Robocop ),y por una gran casualidad hecha por el autor , digo casualidad del destino, Uzal tiene de acompañante “Clarion”, que mas casualidad, Clarios es otra de las pocas personas en la faz de la tierra, ( acuérdense que les decía que afortunadamente la serie no pretende que la tomemos con seriedad) la comedia comienza desde aquí, ya que Nene es una chicha Yuri, (es muy picara con Clarion.

Esto explicaría la forma en que nene trata a clarión, solamente que habiendo carencia de morbo, ya sin olvidar que esto en parte es una comedia, nene es una es una chica de buen corazón y algo ingenua, por no llamarla en alguna veces torpe Y debido a que la serie solo con 12 capítulos, y la trama tiene que ir rápida , nene termina a cargo de clarión que a no ser que simplemente es cariñosa y no una ninfómana lujuriosa , lo cual me esperaba , un poco mas de morbo y esta serie no se hubiera salvado de ser un hentai.

Durante las semanas que se emitía este anime la principal razón por la cual me mantenía fielmente viendo cada minuto que duraba era

surdo, las cosas kawaii y la forma de ser de nene le dan sabor a esta serie. Yo pensaba que algún tema obsceno era casi imposible en esta serie y luego viene esta serie y me da una patada en la entrepierna, diciéndome que aun faltan cosas que ver.

cada capítulo, era por los personajes principales, especial mente por NENE, que a simple vista parece de lo más genérico que uno se podría encontrar y quizás hasta cierto pudo sea así.

Buer, es una criatura propiedad de la doctora Uzal cuya función…. No esa cosa entre sus piernas no es su pene, ya sé que parece raro, y hasta perturbador es verlo aparecer, pero esa cosa es una tercera pierna. Parece ser que los animadores querían meter algo de morbo y bueno, antes que morbo diría que sacaron algo… Curioso, es como el maestro Happosai (Ranma 1/2), o el típico personaje pervertido que solo sirve como saco de golpes de una de las chicas (Clarión es este caso).

Pero hay algo que no es fácil hacer genéricamente y es las buenas vibras, la alegría que puede irradiar un personaje y que este conecte contigo y hasta cierto punto la necesidad de ver un escena a un personaje que en mi caso, me termino agradando muchísimo, ya que me atrevería a decir que Nene es de los personajes más especiales que he visto de lo que va del año, ya que la considero un personaje que irradia alegría y buenas vibras cuando aparece.

Todos estos elementos podrían generar una buena series, memorable, o un desastre de serie que no tardara más de 2 capítulos en abandonarla. Pues todo depende de los gustos de cada quien, en lo personal la series tiene varios fallos, por momentos es muy lenta, las escenas de acción son pocas (aun que modestamente aceptables), y dependiendo si conectas con los personajes (en especial con Nene) muy probablemente esta serie no sea para ti.

Nene en ocasiones peca de una adolescente e inocente que podría pecar en lo absurdo con el colmo de desear luchar con todas sus fuerzas por la paz mundial, sin quitarle quesea un deseo loable, pero siendo francos todo esto no hace que me encante mas el personaje de Nene, y bueno Clarion es todo lo opuesto, si no fuera por el hecho que ya sabes que es una humana también, no sería descabellado pensar que es una robot.

Aun que si por el contrario a todo lo anterior mencionado, si la serie es capaz de mantener tu atención capitulo tras capitulo, y logras conectar con los personajes, tengo la corazonada que esta serie te resultara muy disfrutable.”Hasta podría lograr alegrarte el día,

Es totalmente serie, hasta el punto de ser muy reservada con sus emociones. Mas opuestas no pueden ser, y en eso consiste el encanto de esta pareja dispareja.

Y… después de haber mencionado todo esto, cual podría ser el objetivo de la serie….

Salvar el mundo, de que mas podría ir... lo ab-

como lo logro en ciertas ocasiones, claro, si puedes ignorar el hecho que de vez en cuando estarás viendo una pierna que mal intencionadamente está ahí para crear humor obsceno y que dependiendo de cómo lo asimile cada quien, puede perturbar, dar gracias, o pensar que es un intento de broma que no me causo gracias.

No todo anime tiene que ser una obra maestra, profunda, con gran guion, lleno de momentos súper épicos y memorables, para llegar a ser disfrutables. A veces con algunos pequeños pero significativos detalles pueden

llegar a ganar nuestra atención o devoción en otros casos, como el mío, que estoy consciente que esta serie es muy floja en muchos aspectos, pero sus personajes me hicieron serle fiel a esta serie y seguirla.

Quien sea que este leyendo este articulo, si medianamente te llamo la atención el anime, mira el primer capítulo, con eso ya te darás una idea muy clara de cómo es la serie, más clara de lo que pudiste haber leído aquí.

07 - GHOST: CRONICAS OTAKU – Escrito por Isela.

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ealtad, obediencia, responsabilidad y muchas cosas más, son aspectos normalmente infundidas en la escuela militar sin embargo mientras lo demás candidatos reciben clases en un salón o se reúnen en el comedor para distraerse un momento con un buen alimento, Teito Klein se encuentra en otra facilidad escondida para el resto de estudiantes mejorando no solo sus habilidades de combate sino también las de un asesino.

07-Ghost es un manga ilustrado por Yuki Amemiya y Yukino Ichihara que comenzó su publicación el 25 de Noviembre de 2005 hasta el 11 de enero de 2014, de misma manera fue llevado a la animación por parte de Nobuhiro Takamoto con los Estudio DEEN, tuvo su primera edición el 6 de abril de 2009 y finalizó el 21 de Septiembre del mismo año, contando con 25 episodios.

07 Ghost cuenta además con una compilación de ciertas historias separadas de la original, enfocada en diversas historias cortas de los personajes en situaciones únicas e inéditas del pasado.

Estas historias recibieron el nombre de “07 Ghost Children”. Actualmente consta de 3 tomos y comenzó a publicarse el 25 de agosto de 2010.

Un poco sobre la historia La historia se basa en Teito Klein, un huérfano que no tiene recuerdos de su pasado, lo único que puede recordar es que desde pequeño fue denominado como esclavo y acogido por las fuerzas militares para ser entrenado por ellas, sin embargo el entrenamiento que recibe es diferente a los demás. La finalidad de esto es que los altos mandos quieren convertirlo en un arma del ejército, que no tenga piedad por sus contrincantes y pueda asesinar fácilmente y es capaz de lograrlo debido a sus grandes habilidades con el Zaiphon, la cual es una habilidad algo rara de ver por lo que es apreciada.

Teito se da cuenta que es mediante sueños en los que él puede ver cosas sobre su pasado pero no está muy seguro de ello.

Debido a las condiciones en las que se vio forzado a crecer se convirtió en una persona fría que no era capaz de mostrar sus sentimientos, sin embargo con el paso del tiempo conoce a Mikage quien se convierte en su mejor amigo.

DESTACADO 1

A Mikage no le importaba lo que decían los demás de Teito pues se conocía que era un esclavo por lo que la mayoría evitaba juntarse con él, por lo que forman un gran lazo de amistad.

Teito se encuentra conviviendo con unas religiosas y unos sacerdotes y aunque al inicio no lo sabía, la iglesia y los secretos que ésta esconde son la llave para recordar todo su pasado y la razón del asesinato de su padre.

Justamente en el día previo del examen final para poder graduarse de la escuela militar Teito y Mikage hacen un juramento en el que ambos prometen ayudarse uno al otro. El examen es considerado muy difícil pues 1 de cada 25 estudiantes logra aprobarlo, afortunadamente ambos salen victoriosos de la prueba llevándolos un paso más cerca a la graduación.

Personajes Principales

Es en uno de sus sueños en los que Teito ve un panorama lleno de sangre en plena guerra y recuerda que una de las personas asesinadas es su padre que murió en manos de un hombre llamado Ayanami, quien resulta ser el comandante general del grupo más poderoso del ejército. Teito intenta atacarlo pero es enviado a prisión, sin embargo Mikage le ayuda a escapar pues sabía que por el delito que había cometido sería ejecutado. Teito escapa y es acogido por una iglesia, la cual esconde muchos secretos y se dice que está bajo la protección de unos legendarios 07 fantasmas.

Teito Klein: Es un joven testarudo que lucha por lo que quiere y por aquello que le interesa proteger, a pesar que sea algo frío al momento de pelear o que no sea capaz de expresar muy bien sus sentimientos no significa que no los posea. Es con la ayuda de Mikage, los sacerdotes de la iglesia y Haruken, que Teito es capaz de conocer el significado de la amistad y de misma manera éstos le son de mucha ayuda en el momento en el que debe tomar un rumbo diferente es su vida, con la finalidad de no solo descubrir su pasado sino descubrirse a sí mismo, pues se da cuenta que así como necesita recuperar sus recuerdos y solventar una gran cantidad de dudas, debe luchar contra las fuerzas de un gran poder que alberga dentro de él, uno del que aún no es consciente que posee y que tanto la iglesia como el ejército desean tener en sus manos pues puede presentar paz o destrucción.

Sin embargo a pesar de su apariencia y su naturaleza pacífica puede ser letal en una batalla.

.Frau: Es uno de los sacerdotes de la iglesia que a pesar de mostrar cierto recelo con Teito es a la vez aquel que más le ayuda en su estadía. De misma forma él es miembro de los 07 Ghost conocido como Zehel. Frau es el único fantasma que puede portar la Guyana de Varloren. A pesar que sea un sacerdote pervertido que cuela revistas pornográficas a la biblioteca es una persona que realmente pone todo de su parte para poder ayudar a las personas y cuando el caso lo requiera poder salvar sus almas. De igual forma es el que asume el puesto como mentor para Teito para ayudarle en su nuevo camino de convertirse en sacerdote.

Castor: Es otro sacerdote quien convence a Teito de tomar el examen para convertirse en sacerdote, ya que la misma profesión tiene beneficios que podrían serle de mucha ayuda al joven. Es el más serio de los sacerdotes pues en un inicio él era el que más desconfiaba de la misma presencia de Teito dentro de la Iglesia. Sin embargo con el paso del tiempo llegó a depositar un poco de confianza en él. Es también conocido como el fantasma de “Fest” y utiliza su Zaiphon para manipular marionetas de tamaño real que a veces tienden a espantar a las personas.

Labrador: Es conocido como el sacerdote más amable de los tres. Tiene una personalidad muy dulce, lo cual lo convierte en aquella persona a la que la mayoría puede recurrir cuando afrontan un momento muy difícil. La mayor parte del día se la pasa en los jardines con las flores siendo éstas las que se ven en relación a la utilización de su Zaiphon con las flores.

Hakuren Oak: Proviene de una familia considerada como una de las más prestigiosas debido a que cada uno de los hombres de esa familia dedican su vida al ejército y son personas de alto rango, sin embargo esa no es la vida que el joven quería por lo que tomó otro camino diferente, desde que vio como un sacerdote joven salvaba la vida de su madre, quien luego resulta ser Frau siendo así que Hakuren lo admire demasiado.

Teito lo conoce al momento en que se prepara para tomar el examen para convertirse en sacerdote. Al inicio la relación entre ellos no es nada buena, sin embargo las situaciones en las que se ven obligados por parte del examen les exige que trabajen en equipo por lo que ambos hacen el intento de llevar una relación más pacífica. De misma forma Teito se dio cuenta que Hakuren se parecía un poco a Mikage, razón por la cual el joven se muestra un poco más abierto con el otro.

Mikage: Es el mejor amigo de Teito, después que lo ayudó a escapar, Ayanami lo aprisionó y le obligaba a tomar una decisión entre poder proteger a su familia, razón por la cual él había entrado en la escuela militar o proteger a Teito. Sin embargo el nunca olvidaría el juramento que hizo con su mejor amigo, incluso si eso le obliga a ser manipulado por el mismo Ayanami y el ejército.

Ayanami: Es un líder estoico, severo y frío, cuenta con su comando de agentes especiales trabajando para el ejército, sin embargo uno de sus principales objetivos es poseer el Ojo de Miguel, que se dice que puede generar armonía o destrucción y hará lo posible por poseerlo.

Dulce Melodía La música original de la serie fue compuesta y editada por Kotaro Nakagawa. El tema inicial llamado “Aka no Kakera” y la canción de cierre titulada “Hitomi no Kotae” son pambas presentadas por Yuki Suzuki y Noria respectivamente.

Ambos temas nos acompañan durante toda la serie y me enorgullece decir que ambas son muy buenas melodías, por lo que el tema del inicio tiene un ritmo un poco más rápido, la canción del final es una balada dulce.

Opinión General 07-Ghost es un anime muy entretenido, no solo porque tiene escenas de peleas y acción con el uso de poderes sobrenaturales, sino porque también es tiene un lado divertido y sentimental. En lo personal me agradó conocer a tantos personajes, cada uno de ellos era muy diferente y con un estilo muy definido y la trama además de mostrar un lazo muy fuerte entre Mikage y Teito es una buena representación del amor entre los amigos y la familia. De igual manera esto se ve luego representado con los residentes de la iglesia, así mismo en las escenas en las que todo se está tornando demasiado serio aparece Frau con algún tipo de idiotez que alivia el momento.

Una de las cosas que más me agradó es la evolución que presentan los personajes, el traspaso y cambio que puede tener una persona en base al ambiente que lo rodea o incluso las mismas personas que se encuentran a su alrededor. Teito quien en un inicio era un niño amable, feliz y bondadoso tuvo que enfrentar un pasado trágico además de la perdida de sus recuerdos y una infancia llena de dolor y sufrimiento, sin embargo en su vida logran aparecer personas determinadas a hacer que eso cambie y devolverle la felicidad al joven, en un inicio fue Mikage quien trata de cumplir su promesa de apoyarlo y ayudarle cuando lo necesite.

Frau quien a pesar de verse obligado a convivir todo el tiempo con Teito, y debo decir obligado por que a pesar que le tiene cierto agrado al joven lo encuentra también problemático, aunque la verdadera razón de esto es porque ambos son ciertamente similares por lo que sus personalidades pueden rozar o llevarse a la perfección. Pero es debido a un collar para prisioneros que Ayanami intentó colocar en el joven para regresarlo al ejército no funciona como esperaba, arrastrando a Frau en ello.

En lo personal el tiempo se me fue volando mientras veía por completo los 25 capítulos, la trama no se siente pesada, al contrario es ligera pero a la vez con mucho contenido por apreciar y no hay un solo capítulo que sea aburrido, al contrario el hecho que sean solo esa cantidad de capítulos es algo triste, pues incluso la trama queda inconclusa y puedes llegar a conocerla del todo si lees el manga, a pesar que sea un final abierto te da una idea del rumbo en el que se enfoca después y es verdaderamente interesante.

A lo largo del artículo dejé fuera muchos términos o aspectos relacionados a la labor que hace la iglesia y los 07 fantasmas o incluso la relación que éstos tienen con las acciones del ejército, porque fue muy interesantes ir conociéndolos con forme van avanzando los episodios y sentí que si enumeraba cada una de ellas el mero artículo bastaría para poder conocer todo sobre la serie y ya no sería tan entretenida el dedicarle unos cuantos minutos.

Es por ello que si este artículo te deja con unas cuantas dudas o interés acerca del pasado de Teito, por que el ejército se enfrasca tanto en que es necesario que él regrese no solo como prisionero sino como algo más o simplemente porque Ayanami asesinó al padre de Teito, te recomiendo que le des a 07-Ghost una oportunidad.

Shiki lo logra por medio del misterio, actúa por momentos como una especie de thriller con un misterio central que juega con los conceptos de una forma interesante complementado por un elenco extenso cuyas interacciones forman una interesante telaraña de historias, en esencia, el pueblo de Sotoba es el protagonista de esta historia que para el final nos hace cuestionar quien era en realidad el verdadero monstruo de la historia.

Estudio: Daume Guion: Kenji Sugihara, Dirección: Tetsurou Amino, Compositor: Yasuharu Takaashi Temporada: Verano 2010, Capítulos: 22 + 2 ovas - Adaptación del manga Shiki.

SHIKI CRÓNICAS OTAKU – Escrito por Luis.

V

ampiros, lo que alguna fue un monstruo terrorífico no ha tenido alguna de las mejores rendiciones en los últimos años; incluso aquella película de comedia de 1995 “Dracula: Dead and Loving It” es una buena representación del famoso chupasangre, se trata de una comedia que juega con los poderes del vampiro para causar risas por medio de todos los tropos asociados a este tipo de historias: el derramamiento, el ajo, los reflejos, las estacas y los poderes del vampiro son parte de una obra que se toma a sí misma en serio pero en el fondo es un desfile de situaciones ridículas que crean una pieza que causa risas.

Para una comedia es una buena representación del monstruo que escapa de la tendencia de utilizarlos como antagonistas malvados, creaturas que luchan con poderes sobrenaturales o que por alguna razón tienen la propia muerte como sirviente. Shiki al igual que aquella vieja película es una gran rendición del concepto, lo que aquella vieja comedia lograba con las risas.

Sotoba es una un pueblo antiguo que yace en mitad de la nada, el transporte publica pasa esporádicamente por el lugar lo que parece ser una tema común para indicar cuan remoto es una locación, como ya debería intuirse se trata de un lugar pacifico donde el tiempo se mueve lento, la vida avanza a paso de tortuga y en general no hay mucho que hacer en el pueblo. Es un lugar pacifico rodeado por un frondoso bosque que cortan la comunicación con el mundo, salvo la calle principal que reiteradamente referida como la única vía de entrada o salida.

Se trata de todo aquello que conocemos de estos lugares, es increíblemente pacifico, remoto y ciertamente un lugar genial para vivir si el aire fresco, tranquilidad y ritmo lento de vida es lo que se desea. Este parece ser el caso para la población mayor, ancianos que viven allí desde que son niños y que forman el espíritu de Sotoba, el entretenimiento para la gente mayor es escaso por lo que su fuente de diversión es discutir sobre rumores o hablar de las peripecias de la población joven que proveen entretenimiento gratuito con su energía.

No hay extraños en el pueblo, en un núcleo relativamente pequeño eventualmente todos terminan conociendo a todos en algún punto de sus vidas, de allí que todos los habitantes de Sotoba sepan el nombre o al menos el apellido de los demás habitantes.

Puesta bajo observación en su casa y guardando reposo mientras su situación mejora el medico intenta encontrar la razón para su severa anemia que parece solo empeorar cada día. Finalmente, Megumi muere por un fallo de corazón y es la primera víctima de una enfermedad desconocida.

Los frondosos bosques que rodean al pueblo son principalmente usados para los féretros y entierros, es una de las fuentes de ingreso del poblado y una mística capturada por un autor del pueblo que describe al mismo como uno “rodeado por la muerte”. Una aseveración que raya casi en lo profético considerando el tipo de historia ante la que nos encontramos.

La historia empieza con Megumi Shimizu, una joven completamente irritada por el estilo de vida de Sotaba, su deseo es escapar del lugar para ir a la gran ciudad y su hostilidad hacia la gente que le agrada su vida en la tranquila aldea es aparente desde los primeros minutos.

Lo único que la saca de su mentalidad negativa es su amor platónico en Natsuno Koide proveniente de la ciudad hasta el punto de espiarlo en las noches, naturalmente su atención rayando el acoso no es bienvenido e incluso ignorada.

Por un momento su atención es capturada por los nuevos habitantes, una familia que se muda al viejo castillo que descansa sobre una colina con vista a todo el pueblo, con su curiosidad completamente dominada Megumi es la primera en hacer contacto con los nuevos residentes. Contrario a la paranoia del resto de niños como Kaori Tanaka y su hermano, Megumi vuelve ilesa de su visita si bien un poco cansada. Todo parece ser negocios como siempre en el pueblo hasta que Megumi desaparece y todo el pueblo parte para su búsqueda, con linternas en mano y gritando su voz la búsqueda avanza hasta que la encuentran colapsada en el bosque con una severa falta de sangre.

Esta es la primera mitad de Shiki, una que toma un rumbo bastante verosímil con el personal médico buscando una explicación para la muerte súbita de Megumi, buscan pistas, obtienen conclusiones y arman una línea de tiempo de la enfermedad. Mientras tanto, más casos con los mismos síntomas de Megumi empiezan a aparecer y la única pista es una pequeña series de mordidas atribuidas a un insecto. El doctor Toshio Ozaki que funciona como un segundo protagonista junto a Natsuno es la línea de frente visitando pacientes y probando tratamientos en busca de una cura.

Funciona como una especie de serie de misterio, los personajes empiezan a ser víctima de la paranoia al ver múltiples personas infectadas y temiendo ser los próximos en la larga línea de personas enfermas, mientras tanto el doctor Toshio empieza a notar un patrón en los casos reportados acercándose peligrosamente a la verdad cuando encuentra que las transfusiones de sangre son un buen método para estabilizar a las personas.

En este misterio que comprende Shiki hay algunas cosas que no funcionan por completo bien, por ejemplo Natsuno es una papel en blanco, no hay mucho que hablar del salvo que todo el tiempo parece estar malhumorado con la excepción de su amigo cercano.

Mientras que el doctor tiene sentido al ser quien encara la enfermedad de frente, Natsuno parece no contribuir mucho a la historia salvo y parece solo estar allí como una plot device que aparece en una parte posterior. Es de aplaudir el esfuerzo de darles un diseño único a los personajes, su rostro, cabello y ocupaciones están bien definidas, sin olvidar que Shiki es famosa por un estilo agudo de dibujo pero que funciona bien cuando gran parte de los personajes son una entidad diferente una de otra.

Sotoba cambia gradualmente con cada vez menos gente en las calles, las instituciones de gobierno local incluyendo la Clínica empiezan a presentar falta de personal por la enfermedad e incluso algunos pacientes claramente en mal estado de salud empiezan a rechazar el tratamiento. La situación sigue empeorando hasta que fuera de toda opción aquellos que saben la verdad recurren a medidas desesperadas, los métodos funcionan y el caos se desata en Sotaba llevando hacia una segunda parte que cambia por completo el tono de un misterio hacia una lucha por sobrevivir.

Es en esta segunda parte donde se encuentra el desenlace de toda la tensión que se venía acumulando, pero quizás lo más importante es que hace un buen trabajo creando ambigüedad demostrando que ambos lados son capaces de atrocidades. Y hay pocas series que conozco que hayan generado empatía por ambos lados de un conflicto, aun cuando el segundo fue el primero en lanzar la piedra.

Shiki es acompañado por una banda sonora bastante tranquila que hace uso de coros, no por tranquila no quiere decir que no es capaz de generar tensión en aquellos momentos que lo ameritan. En general la banda sonora es en algunos momentos hasta invisible para dejar que la escena se mueva por sí sola, es incluso relajante cuando se remueve del contexto pesado de la serie.

Mención especial merecen los temas de apertura, en particular Kuchikuze por Buck Tick que desde el primer momento vende el tema de muerte que asola a Sotoba y funciona como una forma de indicar que el inicio de la serie no es representativo de todo el paquete.

Es dificil escribir sobre Shiki sin causar spoilers, es una historia que vive o muere por sus pequeños detalles y una progresión lenta que se encarga de justificar los eventos. Partiendo desde lo inusual que es que el tema de vampiros se trate con todo respecte, una trama que consiste en ilustrar que en una lucha por sobrevivir la moralidad es gris, que es difícil nombrar héroes cuando cada lado ha cometido atrocidades y la incesante sensación en que no había forma que esta historia terminaría con un final feliz.

Para aquellos que deseen un poco de suspenso en su rutina de anime, Shiki es una excelente opción.

LA FAMILIA ES LA BASE DE TODO.

Clannad:

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CRONICAS OTAKU Escrito por Neto

osotros como seres humanos, a veces nos cuesta entender de manera sencilla el significado que tiene la familia sobre nuestra vida, esos seres cercanos que no solo nos dieron la vida sino que también nos ayudaron a criarnos y a educarnos para ser las personas que somos, claro esta no son reglas fundamentales para el crecimiento de una persona, pero intentan darnos esa “calidez” y sobre todo ese sentimiento de felicidad que siempre buscamos como tranquilidad personal.

Key es famosa por brindar un tema central a sus obras “trágicas” mientras que en Angel Beats y Little Busters se concentraron sobre la amistad, AIR nos dio un ambiente más unipersonal de pareja, y Kanon nos muestra como puede ser ambiente entre tus conocidos de ciudad, CLANNAD nos da una muestra más cercana al ambiente de la familia, esa madre cariñosa, ese padre divertido y atento, como a su vez ese padre que nunca supo como criar a su hijo pero que intento cuidarlo de la mejor manera posible, y claro como se crea y se mantiene una familia… y como se puede destruir.

Y es que la obra “maestra” de Jun Maeda, nos

puede mostrar ese lado tan trágico, como a la vez esa felicidad oportunidad de ser padre, de ser madre, de ser hijo, de ser amigo de un buen padre, entre otras muchas cosas y es que a lo largo de esos 8 años de existencia, Tomoya, Nagisa y Cia nos muestran que la vida puede ser injusta, dura pero también placentera y alegre.

Creador: Jun Maeda; Estudio: Kyoto Animation; Director: Tatsuya Ishihara; Guion: Fumihiko Shimo; Capítulos: 44 Episodios divididos en dos temporadas + 2 OVAS; Basado en la Novela Visual de Key/Visual Arts; Año: 2007 – 2009.

Hora de Crear una relación, a base de dangos Tomoya Okasaki es un joven que está en la secundaria, ha pasado digámoslo en sencillas palabras una vida bastante infeliz, sin madre y un padre que no le mostro un cariño tan profundo, por tanto se dedico o más bien fue tildado con la fama de chico problema, incluso pandillero si hablamos de manera exacta, con amigos como Sunohara Youhei, que podrías esperar de una persona que se tilda como alguien sin futuro, ni aspiraciones, pero todo

TEMA DEL MES

cambia cuando conoce a Nagisa Furukawa.

Ella podríamos tildarla como la inocencia hecha persona, humilde, algo ignorante, tímida pero una persona con pensamientos profundos, y sobre todo con grandes sentimientos, ella al inicio conoce a Tomoya de la manera más casual, y bajo la excusa de que ella quiere hacer una obra para el festival estudiantil empieza a tomar forma la historia.

Para ello no podrán hacerlos solo, con ayuda de Youhei y de chicas como las gemelas Fujibayashi (Kyou y Ryou) es como el grupo empieza a formar, pero eso es solo la superficie de esta historia y es que Hikarizaka oculta un secreto bastante especial, pero a la vez sumamente funesto.

En el camino, hacia el objetivo veremos como Tomoya conoce nuevas personas como Tomoyo, Kotomi, Mei (la hermana de Youhei) o los padres de Nagisa: Sanae y Akio, pero a su vez la “aventura” de Tomoya no solo es conocer gente, sino que es ver sus pasados, conocer sobre su vida, y incluso sufrir junto a ellos.

Todo esto ocurre mientras vemos como la mayoría de las chicas de una manera u otra sienten atracción por nuestro protagonista, aun

así Tomoya tiene la elección al final de todo y podemos ver como elige a Nagisa sobretodo, sabiendo no solo que ella determinara su forma de actuar, sino su vida misma… pero este es el inicio del trayecto y eso no será fácil.

THE AFTER STORY La relación de Nagisa y Tomoya, es donde empezamos a ver el concepto de familia dentro del argumento, vivirán problemas juntos pero a su vez experimentaran grandes experiencias juntos, y es que es parte del ciclo de la vida sufrir y alegrarse pero juntos, tienen de apoyo al resto de sus amigos (si bien las chicas al inicio resignados a la decisión de Tomoya, pero la aceptan tranquilamente) y claro de los padres de Nagisa, que deben recalcarse gracias al apoyo que brindan a la pareja protagonista, dándoles alegrías y claro siendo verdaderos elementos de soporte a la hora de las dificultades.

Pero la verdadera prueba está a punto de empezar, y eso es cuando deciden dar el paso a tener una relación formal y a hacer crecer la familia teniendo un hijo, pero digamos que el destino aquí nos quiere mostrar la parte negra del asunto y todo se debe a las debili-

Hikarizaka descansa sobre lo que podríamos decir es un campo sumamente especial, que puede dar bendiciones a la gente, así como maldiciones es sobre este espacio que se sujeta la vida y la familia de Tomoya, en el cual las buenas acciones ayudaran a ejercer que ocurra esa esperanza que harán que todo valga la pena, aunque claro deberás sufrir un verdadero calvario para lograr ganarlo todo.

dades tanto de Nagisa como de Tomoya, en primer lugar ella aun con todas sus virtudes tiene problemas graves de salud desde que era pequeña, ocasionando que sufra continuamente de enfermedades largas y que la dejan sumamente debilitada.

A su vez Tomoya si bien es fuertemente físicamente hablando, a nivel emocional es un caos comparado al confort y gracia que Nagisa le brinda, siendo demasiado susceptible a caídas emocionales mas cuando ella entra en problemas de salud por dar un ejemplo, ahora bien esa prueba que deberán enfrentar a la hora de pasar al siguiente nivel, puede ocasionar algo tan serio como ver el final de todo, literalmente…

Es aquí donde la serie inicia su verdadero significado, pero acompañada de su peor ingrediente y es el drama severo que contiene, para no entrar en detalles cabe decir que la esperanza es a lo que Tomoya se intenta sostener para vivir el verdadero lio que vivirá por impedir perderlo todo, claro está y como dijimos al inicio también hay un elemento sobrenatural que ejerce sobre todo.

Cabe aclarar de nuevo el soporte tan grande que Akio y Sanae, le dan a nuestro protagonista algo que será sumamente fundamental para que el no desista de seguir el camino, pero sobre todo para darle un significado específico: La Familia es la Base de Todo, y jamás debes dejar de confiar en los seres que te aman y quieren. Esto debe recalcarse ya que habrán momentos en los cuales Tomoya sentirá que es mejor “morir”, pero eso no es la solución al problema, al igual que en la vida real debes enfrentar todo al pie de la cara para que valga la pena el premio conseguido.

THE OTHER SIDES CLANNAD es originalmente una Visual Novel, y también nos da una perspectiva a que hubiera ocurrido a si Nagisa y Tomoya no hubieran terminado juntos, debemos acordarnos de que habían otras chicas que lo querían más que como un simple buen amigo, en especial si bien hay 6 chicas dentro de las posibilidades de Tomoya sin sumar a nuestra “heroína” protagonista, es de recalcar quizás a las más populares y a las que el anime y la novela en si les da más énfasis: Kyou y Tomoyo.

Es de enfatizar mas el de Tomoyo ya que es el que adquiere en simple vista más desarrollo, ella en esencia sufrió una parte de su pasado muy parecida a Tomoya, tildada de chica problemática y solo buscando peleas hasta que cierto evento hizo un cambio en su vida, ella por tanto comprende mucho de la actitud de un Tomoya que no tiene todavía un objetivo claro en la vida, además ocurren otras cosas como que el cambio de Tomoyo en su actitud fue tan radical que podríamos decir que ocasiona un conflicto de intereses con las personas que están a su alrededor (ella es la

Por último la ruta de Kappei, un personaje incluso omitido en el anime, se basa mucho en enfrentar la vida a pesar de los problemas físicos (debido a un accidente tiene discapacidad permanente) y pues aquí Tomoya ejerce mas el papel de consejero viendo otra perspectiva en el cual no solo debes ver tus propios problemas, sino que los del más cercano prójimo pueden llegarte a alcanzar.

presidenta del consejo estudiantil, y de ahí las obligaciones y actitudes de su cargo).

Eso hace que Tomoya deba enfrentar una decisión entre buscar la felicidad personal, o el triunfo de su “amada”, podríamos decir que es el típico caso de que no vas alcanzar nunca la felicidad completa y debes sacrificar algo para obtenerla, cabe aclarar que la aventura de ellos en Clannad es solo el inicio, pero el resto deberemos hablarlo en otra ocasión ya que eso es aparte en el TOMOYO AFTER. Ahora bien Kyou, es el típico caso de dos hermanas disputando algo, y es que nos concentramos en el caso de que Ryou su hermana gemela también está enamorada de Tomoya, aquí vemos mas la perspectiva de Kyou en el cual debe decidir si quiere su felicidad personal o la de su hermana, podríamos decir que es un caso sumamente más normal, que los que enfrentan Nagisa o Tomoyo, pero no por eso está exento de protagonismo, sino que el objetivo que nos quiere mostrar dicha ruta es que a veces para alcanzar la felicidad además de sacrificar cosas, deberás poner tus intereses sobre los de las demás personas y eso es algo que podríamos verlo en el día a día.

En si Ryou es lo mismo solo que como la continuación de Kyou (si bien no se vio en detalle en el anime) y Kotomi se concentro más en su pasado que no podríamos declararlo como arco romántico en sí, aunque si está cargado de sentimiento dramático, por la superación que debe enfrentar para pasar sus problemas y ver hacia el futuro.

Podríamos decir que el significado general de CLANNAD como obra, es mostrarte diversas facetas que uno enfrenta en la vida, y como pueden o deben superarse, claro está viéndolos desde la mejor perspectiva posible.

THE REAL LIFE, EL VERDADERO SIGNIFICADO DETRÁS DE CLANNAD Jun Maeda dio varias enseñanzas cuando creo esta obra, tildada por muchos de sus seguidores como su obra magna, pero quizás la principal es enlazar todo el entramado del argumento a la vida real: tener una familia, vivir

experiencia, sobrevivir a las malas situaciones, enfrentar decisiones criticas, tener o no ese apoyo indispensable a la hora de enfrentar el día a día, en realidad podríamos decir que CLANNAD es una obra espejo, de esas que te hacen ver y decir: “Mi vida es la adecuada o no”, y si tengo una familia decir: “¿Realmente cuido a mi familia?, ¿He hecho lo correcto por ella?”.

Pero en si realmente debemos ver que la vida a veces ofrece segundas oportunidades, pero a veces no y jamás debemos afianzarnos a alcanzar nuestros objetivos de esa forma, algo que tiene Nagisa es su genial optimismo que junto a la realidad de Tomoya pueden hacer lograr grandes cosas, y eso quizás es el otro sentimiento que nos deja esta novela y es: No es malo tener ayuda, sobre todo si esa ayuda viene de la persona que mas aprecias en tu vida, séase en cualquiera de sus rutas eso es algo que se debe recalcar, Tomoya jamás estará solo, tendrá alguien que le ayudara a superarse y sobre todo alguien que lo reconfortara y le dará seguridad… cariño.

Cuando tienes una familia eso es lo que buscas, y claro no debemos dejar de lado los amigos e incluso los familiares fuera del circulo intimo son especiales, pero en definitiva aparte de todo el drama que puede significar la serie, tiene una enseñanza y es recalcándolo de nuevo: La Familia es la base y centro de todo.

Animación Realmente CLANNAD fue el inicio de ese punto de inflexión para Kyoto Animation, donde empezaron a ser reconocidos por sus animaciones de alto nivel y ese especial énfasis a los detalles, desde ver como vuelan los pétalos de cerezo, hasta ver los elementos 3D del “mundo ilusorio”, es algo digno de ver para un anime del 2007-2009, otra cosa que hay que recalcar siempre con KyoAni es su poca apreciación de Quality en sus cuadros viéndose una calidad bastante notable, en si cero quejas ante un trabajo de suma calidad y que junto a Haruhi representaron el sello de identificación del estudio japonés aun en la actualidad.

Música Realmente Jun Maeda y Shinji Orito son una pareja formidable, creando melodías que pueden ser recordadas en el tiempo, eso sin desmerecer sus canciones pasando por la lacrimógena Chiisana Tenohira, hasta pasar por la tranquila y especial: Ana, O la excelente y especial: Two Shadows. En el caso del Opening si bien Megu Meru es especial sin decir que es sumamente tranquila, en el caso del anime: Toki o Kizamu Uta del After Story Arc, representa mucha de esa epicidad que alcanzas a ver en Clannad, una canción casi venida del cielo.

En general es una banda sonora que no te dejara indiferente, sobre todo porque se mezcla muy bien con la situación presentada en el argumento, ninguna melodía esta de más o de menos, y eso es bastante de recalcar.

Conclusión: La vida es una aventura, jamás debes hacerlo solo CLANNAD jamás será de esas obras que solo son para pasar el rato, o para entretenerte de hecho pueden hacerte sufrir mentalmente por su drama uno de los más complejos que hay, pero la enseñanza que dejan detrás de todo es algo que te hace pensar sobre todo en sí mismo, y es que la vida siempre está sujeta a cambios, muchos de ellos inesperados y no debemos mentir que enfrentarlos solos es un dilema que nadie quiere enfrentar, pero cuando tienes alguien que te acompañe podrás enfrentarlos sin problemas, claro no toda compañía es buena, pero cuando hablamos de familia es la mejor que puede haber.

La verdad es una obra no recomendada para todo público, ya que su fuerte drama es algo que debes tolerar pero quitando eso, es algo que va a ser rato que detestes, sobre todo por su desarrollo tan bien hecho y por sus excelentes personajes que le dan vida a una obra especial. Podríamos decir que Key/Visual Arts es una máquina de lágrimas y están en lo correcto, pero además de eso son una maquina de sueños y de enseñanzas que de una u otra manera te servirán para algo en la vida.

Su nombre en español es traducido como “Mi Historia” ó “Mi Historia de Amor”. Es un manga escrito por Kazune Kawahara e ilustrado por Aruko, serializado en la revista de Shueisha Bessatsu Margartet. Cuenta con 10 volúmenes, la cual comenzó su publicación en Octubre del año 2011, además de una adaptación al anime producida por Madhouse, quien comenzó a trasmitirla en abril del 2015 y cuenta con 24 episodios, el último de ellos siendo emitido el 23 de septiembre del mismo año, de misma manera también produjo una adaptación a la pantalla grande, emitida en cines japoneses.

Un poco sobre la historia

Ore Monogatari

ACTUALIDAD – Escrito por Isela

H

ay personas que dicen que el amor es algo sencillo y hermoso que se encuentra a la vuelta de la esquina, sin embargo eso es difícil si eres extremadamente musculoso y mides casi dos metros de altura. Puede sonar un poco extraño pero es la realidad de Takeo Goda, un estudiante que lamentablemente tiene mala suerte en el amor ya sea porque no le es atractivo a las niñas de la escuela, porque les resulta intimidante o por que éstas se ven atraídas a su mejor amigo.

Nuestro personaje principal Takeo Goda nunca ha tenido la oportunidad de confesar su amor a las chicas que le gustan, pues estas siempre declaran su amor hacia su mejor amigo, sin embargo eso no le deprime y trata de ver siempre el lado positivo de las cosas, a pesar que una parte de sí piensa que nunca tendrá suerte en el amor. Es hasta un día, cuando se encuentra en el tren de regreso a casa que salva a una joven de un acosador que las cosas cambian, experimentando lo que unas personas llaman “Amor a primera vista”.

Ore Monogatari es una comedia romántica que nos muestra como es la vida de Takeo Goda como estudiante el cual experimenta varias desilusiones amorosas, sin embargo estas no lo desaniman en lo más mínimo pues no es una persona que pueda guardar rencor hacia ninguna persona. Pero esto cambia hasta que encuentra a Rinko, quien resulta ser una chica dulce y un poco tímida en el ámbito del romance, quien luego de ser salvada por Takeo busca encontrar formas de pagarle el favor y a la vez poder acercarse a él para conocerlo mejor.

Sin embargo Takeo se apresura y confunde las obvias señales de la joven y piensa que ésta, como muchas otras se ha enamorado de su mejor amigo Suna y se propone a ayudarla – sin que ella lo sepa, a poder conquistar a su amigo. Es gracias a la sensatez de Suna que Takeo logra ver la situación tal cual es, Rinko está realmente enamorada de Takeo. Es un giro sorpresivo en la historia, pues es una pareja un poco inusual.

Esto da comienzo a las aventuras de la pareja, ambos experimentando por primera vez un romance correspondido y se ven envueltos en varias aventuras, las cuales solo les hacen ver que con cada momento que pasa se encuentran más enamorados uno del otro.

Estudiantes A lo largo de la animación vamos encontrando diferentes personajes que le dan vida a esta historia, como lo son los padres de Takeo, sus compañeros de clase e incluso el grupo de amigas de Rinko, sin embargo nos centraremos en los tres personajes principales.

Takeo Goda: Es un protagonista un poco inusual, ya que a pesar de ser estudiante de primer año de la Escuela Superior es demasiado alto y musculoso, de manera que la mayor parte de mujeres tienden a encontrarlo intimidante y desagradable. Por otro lado, es muy popular entre los hombres, convirtiéndose en amigo de cualquiera ya que éstos admiran su fuerza, físico y personalidad. A pesar de tener una apariencia intimidadora es en realidad una persona amable y desinteresada, quien siempre tratará de ayudar a cualquiera que lo necesite, incluso si éstos luego lo ignoran o huyen de el. Encuentra el amor luego de salvar a Rinko de un acosador, aunque al ser un poco despistado cree que ésta tiene sentimientos por su mejor amigo.

Rinko Yamato: Después de ser salvada por Takeo se enamora inmediatamente de él. Es una joven carismática, alegre, con una habilidad increíble en la repostería quien a diferencia del resto de mujeres ve a Takeo como realmente es, sin importarle su físico. Su personalidad es dulce y admira cada aspecto de Takeo desde su fuerza hasta su bondad e incluso si sus amigas no ven mucho atractivo en él, Rinko piensa que es el hombre perfecto no dejándose llevar por las apariencias, sino que se basa en los hechos y lo que ha logrado presenciar, encontrando cada aspecto de Takeo como muy varonil con un toque de dulzura.

Makoto Sunakawa: Llamado Suna como abreviación, es el mejor amigo de la infancia, vecino y compañero de clases de Takeo. Es una persona que disfruta leer, con una personalidad tranquila, estudiosa y racional con una apariencia que atrae a todas las chicas.

Sin embargo a pesar de ello no acepta la confesión de ninguna, pues todas ellas habían hecho comentarios no muy agradables sobre

Takeo. A pesar de aparentar ser muy serio que incluso las chicas aseguran que jamás lo han escuchado reír, es un poco más abierto con Takeo pues realmente valora su amistad. Consideró que Rinko era una buena chica al haber aceptado a su amigo tal y como es. A pesar de no aparentarlo a primera vista valora mucho su amistad con Takeo, de manera que estaría dispuesto a ayudarle cuando lo necesite y a sacrificar su propia felicidad por la de su amigo.

Live Action Debido a la agradable trama el manga también cuenta con una adaptación a la pantalla grande con el mismo título original, “Ore Monogatari” en japonés y “My Love Story!!” en inglés, el cual es llevado a los cines japoneses el 31 de Octubre del años 2015, bajo la dirección de Hayato Kawai, y un guion elaborado por Akiko Nogi. De misma manera ésta trata de mostrar la esencia de nuestros personajes así como una selección de eventos específicos para la trama de la historia.

En cuanto al reparto se cuenta con Suzuki Ryohei, como nuestro principal Takeo Goda. Mei Nagano, como Rinko Sunakawa, y con Kentaro Sakaguchi quien le da vida a Makoto Sunakawa. Así mismo se encuentran también Ter-

awaki Yusufumi y Suzuki Sawa como el padre y madre de Taeko respectivamente.

En Cuanto a la Música.

El tema que da apertura a la animación es interpretado por Trustrick, con el tema “Answer” o “Respuesta” en español, es una melodía un poco delicada pero con el buen sonido de la guitarra eléctrica, con una letra que es acorde a la trama o que incluso algunos podrían sentirse identificados. En el video podemos observar a cada uno de los personajes con imágenes que presentan a cada uno de ellos tal cual es.

Por otro lado tenemos a “Shiawase no Arika” como tema al final de cada uno de los episodios, el cual es interpretado por Local Connect, es una balada perfecta para la finalización de ésta dulce animación.

En Conclusión Ore Monogatari es una animación que a pesar que puede estar llena de clichés y frases demasiado empalagosas es a la vez realmente divertida. Muestra las diferentes ocasiones o circunstancias en las que las parejas pueden encontrarse, obviamente con un poco de imaginación en ella. De misma manera se encuentran las diferentes dificultades o pensamientos que tanto un chico como una chica pueden tener al experimentar su primer amor sin mencionar la participación del grupo de

amigos cercanos de cada uno de ellos.

La historia se encuentra muy bien desarrollada, con ciertas circunstancias que terminan siendo sorpresivas, con forme va avanzando la historia se muestra como la relación de nuestros principales se va fortaleciendo y cómo logran esquivar las diferentes dificultades que se les presentan, incluso si una de ellas es la planeación de una cita perfecta o los pensamientos de un futuro y los exámenes de la universidad.

Si bien ésta animación puede estar dirigido a un público más que todo femenino, al ser una comedia romántica demasiado dulce definitivamente puede ser del gusto de cualquiera que solo tenga como finalidad pasar su tiempo con una serie con una trama ligera.

En lo personal, que no soy de las personas que ven mucho Shoujo, Ore Monogatari ciertamente tiene diferentes aspectos que te hacen querer seguir viendo cada episodio, en especial porque es muy probable que muchas chicas puedan sentirse identificadas con Rinko y sus reacciones ante el comportamiento de Takeo hacia ella, así como a no juzgar a las personas enteramente por sus apariencias sino más bien a su personalidad y la tranquilidad que esa persona pueda darte.

Air (TV): RETRO OTAKU - Escrito por Jenny.

A

ir TV es una de esas series en que al final te dejan más dudas que respuestas pero eso no le quita el hecho de que sea una obra maestra, atractiva, aunque al principio no lo parezca. Es una de esas series que personalmente vi dos veces para entenderla mejor y una tercera vez para redactar el articulo porque habían cosas que olvide por completo.

Autor: Estudios KEY Anime: Air TV, Estudio: Kyoto Animation, Género: Drama, romance, fantasía y comedia, sobrenatural, Duración: 13 capítulos + 2 especiales + 1 película, Emisión: 6 de enero del 2005 al 31 de marzo del 2005, Manga: 2 tomos Air TV al estilo muy propio de KEY, con su mezcla de lo sobrenatural y lo real nos dice que por más que evitemos estar solos siempre habrá alguien que estará a nuestro lado aun si no nos lo dice directamente pero muy en el fondo lo estará pues aunque queramos poner distancia entre los que amamos y nosotros; la vida siempre se encargara de mostrarnos que no sirve de nada vivir infeliz por algo que inevitablemente pasarás más al contrario vivir cada momento como si fuese el ultimo y morir

sin remordimientos de lo que pudimos haber hecho y no hicimos, que “el hubiera no existe, solo el presente”.

Historia - La eterna amante de la soledad La historia se centra en Yukito, un joven que viaja de pueblo en pueblo buscando indicios de una chica alada de la cual su madre le contaba historias cuando era niño y que él tenía que encontrarla y ayudarla si su corazón se lo dictaba. Un día descansando cerca del mar una chica se le acerco y hablo con él y entre plática y plática terminó yendo a la casa de la chica y por una extraña razón su madre permitió que se quedara. La chica se llama Misuzu y es una chica que fue rechazada por sus padres al nacer y cuidada por su tía (Haruko).

Ella tiene una vida un poco triste pues no tiene amigos por considerarla extraña.

Misuzu parece saber vivir así y hasta cierto punto acepta el rechazo por ser algo con lo que ha vivido toda su vida pero aun así es difícil mantener el temple ante lo que nos lastima ¿no?

En su estadía en este lugar se encuentra con personajes singulares, entre ellas Kano, quien

DESTACADO 2

es una persona de carácter y la cual intenta en un principio engañar a Yukito pero esconde un secreto. Aunque no lo parezca ella tiene episodios en los que camina dormida y parece como si estuviese poseída y es que no acepta el hecho de que su madre murió y al parecer intenta inconscientemente suicidarse en varias ocasiones pero Yukito encuentra la manera de ayudarla y al final vuelve a ser normal.

Otra de las historias q la serie presenta es la de Minagi Tohno quien es una chica que al principio no habla mucho y pareciera que no le importa lo que alguien le diga pero eso no sucede con su amiga Michiru, una niña un tanto molesta y que constantemente golpea a Yukito pero en el fondo siente aprecio por él, Tohno parece no gustarle ir a su casa pues su madre tiene problemas mentales y no la recuerda por lo que es muy doloroso para ella pero su madre termina recordándola y ambas viven felices de nuevo, como consecuencia Michiru debe irse pues ya cumplió su cometido.

Volviendo a la historia principal, Yukito se entera de que Misuzu tiene ciertos ataques cuando está a punto de volverse amiga de alguien y recuerda la historia de su madre y desea de todo corazón salvar a Misuzu y al hacerlo un

enorme destello se ve y de pronto aparece un sujeto de la época antigua que tiene un gran parecido a Yukito y es un guardián (Ryura) de una chica alada Kanna y de quien se enamora y ayuda a escapar del templo junto con Uraha donde la tienen para ir a buscar a su madre y reunirse con ella.

Al encontrarla se dan cuenta que los andan buscando y al atacarlos la madre de Kanna es alcanzada por unas flechas y fallece. Los demás siguen escapando hasta un lugar seguro pero Kanna al darse cuenta de que no hay escapatoria, abre sus alas y se eleva al cielo, pero unos monjes ponen una maldición sobre ella y las flechas la alcanzan desapareciendo en el cielo cual burbuja que explota.

Ryura y Uraha logran escapar y son acogidos en casa de un monje que cuidan de los seres alados que lo necesiten. Uraha aprende la magia del templo con el fin de poder llegar hasta la doncella alada y acabar con la maldición de la que vive presa, y así seguirá por las siguientes generaciones con cada persona en que reencarne la doncella a menos que alguien logre terminar con ella.

Yukito al volver donde Misuzu regresa en la

Algo que puede molestar a más de alguno es que al principio el desarrollo de la historia principal es lento y se sabe muy poco sobre ella pero al llegar su momento, sorpresivamente nos hace querer saber más sobre ella y aquí aplica lo de “no juzgar su libro por su portada” sin haberlo leído todo en este caso sin haberlo visto todo.

Personajes Los personajes en la historia todos son diversos y cada uno tiene un propósito en la misma aunque no mucho aportan a la historia principal pero dejan indicios de los seres alados.

forma de un cuervo y no recuerda nada de lo que vivió con ella pero al recordarlo su espíritu habla con Misuzu y se despide de ella.

Haruko por su parte está decidida a darle todo el amor y el cariño que no le dio a Misuzu durante los 10 años que la ha cuidado y quiere rectificar su error y así es ambas viven felices pues al fin pudieron alcanzarse la una con la otra. Lamentablemente eso hace que la maldición de Misuzu se cumpla y la felicidad dura muy poco tiempo pero a pesar de todo al final pudieron decirse lo que sentían y ya no tenían remordimiento ni culpa alguna. A veces lo único que necesitamos es que alguien nos diga cuanto nos quiere ¿no es así?

Historia La historia aunque es compleja es realmente buena, aunque a veces tengamos que retroceder un poco y ver algunas partes 2 veces es entendible su desarrollo y va de acuerdo a la línea de la historia, los capítulos 8 y 9 nos ayudan a aclarar muchas dudas que tal vez teníamos con la historia principal. Si ponemos atención aunque es el estilo dramático de Key es una historia que a mi parecer es diferente a Clannad y Kanon pues mezcla esos momentos de la época antigua con lo moderno y le dan un toque mágico y diferente a la historia.

Las historias de las chicas secundarias son emotivas y nos transmiten ese sentimiento pero no tanto como nos lo transmiten los personajes principales. Hay momentos en los que no entiendes muy bien la situación y puedes juzgar precipitadamente a los personajes pero a medida se descubre todo, entiendes perfectamente el significado de lo que ocurría.

Los personajes principales por su parte están muy bien su desarrollo y nos cautivan con sus gestos, sus risas, su tristeza su alegría, su temor; mas en las partes dramáticas donde se siente más ese sentimiento, esa impotencia de no poder hacer nada y solo aceptar lo que pasa.

Me gustó mucho la participación de los personajes Ryura, Kanna y Uraha, le dieron un toque cómico, serio y a la vez triste a la historia. Con momentos románticos de una forma muy sutil que casi no se aprecia con los personajes principales Yukito y Misuzu.

Música La música de Air me gustó mucho, esas melodías que aun recorren por mis oídos y esa banda sonora espectacular, acorde a cada momento presentado en la serie que te transmiten hasta ese lugar son simplemente maravillosas, ese tipo de música vale la pena.

Animación

Conclusión

La animación a mi parecer es excelente, tomando en cuenta la época en que la serie fue lanzada tiene muy buenos paisajes, tanto tradicionales como modernos.

Air TV es una muy buena serie si te gustan las de tipo drama y surrealismo y con historia un poco compleja pero que al verla te deja una buena reflexión y es que no podemos estar solos por siempre, por más que queramos evitar las cosas, en el momento menos esperado llegan a nosotros y para bien o para mal tenemos que vivirlas pues al evitarlas nunca sabremos si es bueno o malo lo que nos pasa.

Esos momentos en que enfocaban al mar, al cielo y esos atardeceres parecían reales como si no fuese animación y te transmitían esa sensación de frescura y tranquilidad al verlos.

gunda temporada que tiene 25 episodios bajo la dirección y el mismo estudio que la primera temporada. Salió al aire en el 3 de Octubre del 2015 hasta el 27 de Marzo del 2016. Y actualmente se ha anunciado una tercera temporada para Octubre del presente año con el título: Haikyuu!! Karasuno vs Academia Shiratorizawa.

Acerca de la trama La historia se centra en Hinata Shoyo quien desde pequeño vio como en una de las pantallas de televisión de una tienda se estaba presentando la final de un partido de volibol, solo bastaron unos cuantos segundos para que quedara enamorado del deporte, pero lo que más le fascino era el equipo que jugaba por parte del instituto Karasuno.

haikyuU SERIES ACTUALIDAD – Escrito por Isela

C

oordinación, el trabajo en equipo, el sonido del silbato e incluso el mismo apoyo de la audiencia son cosas que no pueden faltar en un buen partido.

Algunos pueden pensar que el Volibol es un deporte sencillo en comparación al Basquetbol o el fútbol, pero en realidad es todo lo contrario. Es muy importante que un equipo esté muy bien balanceado y que cada uno de sus jugadores conozca cuáles son las posiciones adecuadas y sus responsabilidades dentro de la cancha, de lo contrario no serán más que la burla para los espectadores, lamentablemente ese es uno de los temores de Hinata Shoyo.

Haikyu!! Es un anime deportivo con un poco de drama entre los personajes. El manga fue creado por Haruichi Furudate, publicado en Shonen Jump desde el 20 de febrero de 2012 hasta la actualidad. Por otro lado la animación fue dirigida por Susumu Mitsunaka por parte del estudio de Producción I.G. Comenzó su transmisión el 6 de abril de 2014 hasta el 21 de septiembre del mismo año, contando con 25 episodios.

De misma manera Haikyu!! Cuenta con una se-

El mismo Hinata era lo que podían llamar un enano por lo que al ver un jugador de pequeña estatura ser el mejor jugador del equipo lo motivó. Es por ello que decide formar un equipo de volibol en su escuela, sin embargo las cosas no fueron nada fáciles.

No a muchos estudiantes les interesaba la idea por lo que no contaba con un equipo sólido siendo Hinata el único que contaba con las habilidades para el deporte, a pesar de ello no se dio por vencido y se enfocaba en mejorar cada día más para poder ser como su ídolo a quien llamaba “Pequeño gigante” sin embargo cuando al fin logra inscribirse en un torneo con su equipo es derrotado por el equipo favorito del torneo, en el equipo se encuentra un joven llamado Tobio Kageyama, quien es conocido por sus grandes habilidades en el deporte. Desde ese momento ambos crean una gran rivalidad y el destino parece jugarles en su contra, ya que cuando Hinata logra graduarse para la preparatoria vuelve a encontrar a Kageyama nada más y nada menos que como otro aspirante al equipo de volibol de Karasuno.

Miembros del equipo Shoyo Hinata: Es un chico optimista que no sabe cuándo rendirse, siempre está dispuesto a esforzarse al máximo por algo que lo apa-

hacer unos ataques excepcionales incluso si para lograrlo deban pasársela discutiendo el resto del tiempo, pues sus personalidades son completamente contrarias.

siones, incluso si hay ocasiones en las que se siente inseguro con sus habilidades trata de dejarlo de lado practicando más rigurosamente. A pesar de ser bajo en estatura tiene grandes habilidades para el volibol, convirtiendo sus debilidades en fortalezas logra ser uno de los mejores jugadores del equipo, en especial porque es muy veloz dentro de la cancha y el su estatura le permite moverse con mucha agilidad, además de contar con unas grandes habilidades en el salto. Tiene la posición de bloqueador central.

Tobio Kageyama: Su posición es la de armador. Tiene una actitud seria todo el tiempo e incluso suele ser juzgado por su apatía, sin embargo es una persona que realmente ama el voleibol por todo lo que representa, desde la precisión hasta el mismo arte del juego.

Es por ello que siempre quiere hacer todo lo posible para ganar, cosa que le hizo merecedor de un apodo en su antigua escuela, era conocido como el “Rey de la Cancha”, más que todo porque era demasiado ambicioso que incluso su antiguo equipo no parecían tolerarlo.

A pesar de ello él quiere ser también reconocido por sus habilidades, por lo que se esfuerza todo el tiempo incluso si eso significa que deba trabajar con Hinata, pues ambos logran

Daichi Sawamura: Es el capitán del equipo y atacante lateral, trata de ser comprensivo con los demás dándose a respetar por el resto del equipo, siendo siempre un buen apoyo para ellos sin embargo también puede ser un capitán estricto con tal de poner orden cuando las cosas se vuelven un poco conflictivas.

Yu Nishinoya: Su posición es la de líbero, quien es conocido como el mejor jugador del equipo, es el ace del equipo de Karasuno, incluso cuando es también de baja estatura demuestra que eso no es un obstáculo para triunfar en el deporte. Tiene un temperamento fuerte y puede ser un poco distraído si hay chicas lindas cerca pero al momento de estar en la cancha se convierte en la mejor defensa de Karasuno.

Keishin Ukai: Solía ser el ayudante de su madre en la tienda pero su abuelo había sido el legendario entrenador de Karasuno y se decía que Ukai había heredado sus habilidades por lo que el equipo insiste y trata de convencerlo de ser el nuevo entrenador. Al inicio oponía mucha resistencia pero es convencido cuando le mencionan sobre un partido de práctica contra Nekoma, que es la escuela contrincante de Karasuno desde tiempos memorables.

Kenma Kozume: Es el armador por parte de Nekoma, la escuela rival de Karasuno. A simple vista puede parecer un estudiante antipático sin interés por algo específico, lo cual no es del todo erróneo pues prefiere los videojuegos antes de estar en una cancha. Al no tener mucho interés por el deporte no es particularmente excepcional, sin embargo es un gran observador. Además de ser el armador del equipo es considerado como el arma secreta pues puede observar y analizar al otro equipo de manera que puede crear a la vez estrategias que contrarrestan a sus contrincantes.

La historia muestra una gran cantidad de personajes que abarcan hasta equipos e otras escuelas como los jugadores rivales de nuestros

OST El tema inicial se titula “I’m a Believer” o “Soy un creyente” presentada por SPYAIR, mientras que el nombre del segundo tema se titula “Climber” o “Escalador” por su traducción al español por Galileo Galilei. Ambos temas nos presentan a los personajes de la trama mostrando sus habilidades en el deporte con pequeñas jugadas o movimientos, comenzando con una tonalidad tranquila la cual va a aumentando en su ritmo haciéndolas muy pegajosas y agradables de escuchar.

Reseña Para ser honesta jamás he sido fan de los animes deportivos, simplemente no consideraba que la trama de éstas fuera más que…deporte, pero decidí darle una oportunidad a Haikyu!!

Porque el Volibol es mi deporte favorito. Es una buena serie para pasar el tiempo o incluso para conocer un poco más sobre el Volibol, ya que como en todos los animes de ésta categoría siempre hay episodios o escenas en las que los mismos personajes explican la dinámica del deporte, sus posiciones y todo lo que conlleva.

Verdaderamente lo disfrute porque había momentos en los que podía sentirme identificada con unos de los personajes además, la dinámica entre ellos era divertida lo que hace que el espectador pueda sentir las mismas emociones que ellos al momento de encontrarse en la cancha. Como mencioné anteriormente no es necesario que solo conocedores del tema puedan verlo y disfrutarlo, cualquiera puede incluso hasta aprender algo nuevo.

Si hay algo de lo que pueda quejarme es sobre el drama en sí, pero creo que es porque consideraba que ciertas situaciones solían ser demasiado exageradas por algunos de los personajes. Por ejemplo, hay uno de los jugadores que era considerado como el mejor del equipo, pero hubo un partido en el que cada uno de sus ataques fue bloqueado por el equipo contrario haciendo que después de ello él ya no quería volver a jugar en su vida. Como dije anteriormente, drama. Sin embargo es comprensible que situaciones como esas les den un poco más de emoción e incluso duración a la trama de la historia, de lo contrario sería demasiado monótona. Considero que es una buena serie siempre y cuando busques algo diferente o simplemente curiosidad por un anime deportivo.

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CATHERINE BLOODBORNE ONE PIECE PIRATE WARRIORS STREET FIGHTER V EL ASCENSO AL LADO OSCURO DE LOS VIDEOJUEGOS

de muertes extrañas en las cuales el factor común son hombres jóvenes que mueren mientras estas durmiendo y son encontrados con una mirada de angustia y miedo, ante esto, la noticia aparece en noticieros locales dando paso a un sinfín de teorías sobre las extrañas muertes. Paralelamente un extraño rumor comienza a difundirse en el cual se dice que si las personas sueñan que están cayendo deben despertarse rápido, ya que si golpean el suelo y mueren en dicho sueño también lo harán en la realidad.

Catherine:

ACTUALIDAD GAMING Escrito por Kevin

T

odos alguna vez hemos tenido pesadillas, donde nos persigue cierta cosa o huimos de algún peligro que nos acecha e incluso algunos hemos soñado que morimos, pero, ¿que pasaría si no solo es un mal sueño y en verdad fallecemos en la vida real? con esta pregunta como parte esencial de la trama ATLUS nos trae uno de sus grandes juegos en la actualidad orientado a un público maduro titulado Catherine y del cual hoy en OGZ les vamos a reseñar...

LOVE IS OVER

el juego comienza con el jugador como espectador de un programa televisivo llamado ‘Golden Playhouse’ el cual tiene como eje central presentar las situaciones de personas con asuntos sobrenaturales, luego aparece la presentadora de dicho late show llamada ‘The Midnight Venus, Trisha’ que en esta ocasión nos presentara la historia de nuestro protagonista Vincent Brooks. en el vecindario donde vive Vincent, últimamente han estado ocurriendo una serie

Mientras tanto, Vincent se encuentra en una café de la zona contemplando la idea del matrimonio junto a Katherine Mcbride, su novia desde hace 5 años, quien lo presiona para que acepte dicha idea, Vincent se muestra reacio a tal idea ya que no se siente preparado para dar un paso tan grande como el matrimonio y le pide tiempo a Katherine para pensarlo.

Esa misma noche, en el bar ‘The Stray Sheep’ el cual él y sus amigos frecuentan, pide consejo a estos sobre qué hacer ante la idea del matrimonio, luego de una charla y unas copas conoce a una misteriosa y hermosa chica llamada ‘Catherine’ la cual se sienta a su lado y comienza a tener una charla amena junto a nuestro protagonista, el cual se da cuenta que es su tipo de chica y luego de unas copas mas, bueno, ya se imaginaran lo que paso.

Luego de conocer a Catherine, Vincent comienza a tener pesadillas cada noche en las cuales el y otros hombres, que tiene apariencia de ovejas ante él, deben escapar de de varios horrores que intentan matarlos, ya que si mueren en el sueño, morirán en la vida real.

La vida de Vincent se vuelve cada vez complicada ya que por un lado cada mañana Catherine aparece junto a él y no recuerda como llego a esa situación, al otro lado, Katherine sigue presionando con la idea del matrimonio y con la sospecha de que Vincent le oculta algo, y por ultimo debe sobrevivir a las pesadillas que le acechan todas las noches para no morir. Con esta primicia nuestra misión será la de ayudar a Vincent a no solo escapar de las pesadillas, si no también a decidir que hacer sobre su situ-

embriagarnos con cerveza, sake, ron o bebidas exóticas, independientemente de cuál escojamos para embriagarnos, cada vez que bebamos aparecerán datos curiosos sobre la bebida que se ha elegido, así de igual manera puedes mantenerte sobrio, aunque estando ebrio los movimientos de Vincent serán mas rápidos en las pesadillas, también podemos entablar conversaciones con las demás personas del bar las cuales pueden guardar información útil.

ación sentimental actual.

Jugabilidad Una de las grandes virtudes de Catherine es su sistema de juego, el cual combina elementos de una visual novel y un juego de puzzles formando así una relación equilibrada entre ambos, en el día deberemos ayudar a Vincent a decidir sobre su situación, vida cotidiana y respondiendo mensajes de las chicas, dependiendo que elección se tome, en la parte inferior derecha nos aparecerá un medidor, el cual se moverá a la derecha o a la izquierda según nuestras acciones.

Por las noches deberemos ayudarle a escapar de las pesadillas, en las cuales el debe escalar una torre hecha de cubos y nuestra labor será formar el camino junto a él para q pueda escalar mientras cada cierto tiempo un bloque de cubos cae, haciendo que nuestra única opción sea subir. A medida se va a sobreviviendo a las pesadillas, estas irán aumentando la dificultad y añadiendo bloques con cubos especiales, como cubos de hielo en los cuales resbalaremos, cubos explosivos, cubos destruidos los cuales se despedazan cuanto más tiempo estés sobre él, etc. al final de cada pesadilla nos espera un jefe basado en las preocupaciones de Vincent, los cuales no tendrán piedad a la hora de evitarnos la escalada a la meta.

Cuando estamos en el bar, podemos elegir

También a lo largo del juego y dependiendo de qué acciones hayas tomado, llegaran mensajes de texto de Catherine y Katherine, a los cuales deberás responder a conciencia propia, dependiendo de lo q respondas, ellas responderán o dejaran de hacerlo. En el caso de Catherine, esta te enviara fotos de ella junto con sus textos.

En las pesadillas, cada que superes una, llegaras a una zona segura donde te encontraras con otras ovejas, guardar tus procesos e incluso hay un par de ovejas las cuales te pueden dar tácticas de escalada que servirán a lo largo del juego, también está el confesionario, el cual una vez estés preparado te llevara al siguiente nivel, no sin antes hacerte una pregunta la cual según tus respuestas, influirá en el juego.

Catherine posee una amplia rejugabilidad, ya que según nuestras acciones obtendremos uno de ocho finales disponibles al terminar el juego principal. luego tenemos el modo Babel, el cual consiste en escalar 4 pilares, cada uno adornado con obstáculos y una dificultad elevada para cada uno, pero para poder accesar a ellos, se debe obtener el premio de oro en cada una de las nightmares de la historia principal, luego de esto tendremos acceso al noveno final del juego.

También fue incluido un modo versus, en el cual dos jugadores pueden competir entre sí para ver quién es el que alcanza la meta primero, un modo bastante entretenido debemos decir, ya que puedes dificultarle la escala a tu contrincante y/o hacerlo caer para obtener la victoria.

Banda sonora

Conclusión

La música que nos acompaña a lo largo del juego son arreglos de temas clásicos con un toque moderno para enfatizar el ambiente del juego, de hecho podremos escuchar en ciertas partes del juego un arreglo de la conocida marcha fúnebre.

En fin, Catherine es un gran título que pone a prueba tus habilidades de pensamiento y lógica de los puzzles y tu parte moral en cuanto las decisiones que tomas, altamente recomendable y una deliciosa experiencia para jugar, como dato curioso, Vincent aparece en una especie de cameo en el juego ‘Persona 3 Portable’ en el club escapa de en ciertas noches bajo el nombre de ‘Man Drinking Alone’ , en cierto momento si colocas las decisiones correctas en el cuadro de dialogo, se mostrara una imagen y el comenzara a hablar sobre sus problemas en sus relaciones, se desconoce si hay alguna relación entre Catherine y el universo de Megami Tensei, puede que fuere un guiño o algo más.

El Soundtrack fue compuesto por el gran Shoji Meguro, por esa razón los temas nos darán un sabor a los de la saga persona. Además como un toque bastante gracioso, cada que superas un nivel se puede escuchar el tema de aleluya de los ángeles anunciando la victoria.

Catherine fue bien recibido en la comunidad gamer, ganándose buenas críticas debido a su intrigante historia y su sistema de juego, aunque en sus primeros lanzamientos en Japón varios Gamers japoneses se quejaron de la elevada dificultad que el juego poseía aun seleccionando el ‘Easy Mode’, ante esto ATLUS decidió lanzar un parche el cual disminuía la dificultad del juego original, algo así como un Benningers Mode, dicho parche fue incluido en el lanzamiento en América, aunque se detecto que en un pequeño número de copias se presentaba un bug, el cual hacia que el nivel de Axis Mundi en el Babel Mode fuese insuperable.

Catherine fue lanzado para PS3 y Xbox360, la caratula del juego fue diferente para cada consola, en la versión de Ps3 en la portada aparece Catherine, mientras que en la portada para Xbox aparece Katherine. para ambas consolas hubo 2 versiones especiales, la primera llevaba por nombre ‘ Love Is Over Edition’ la cual incluía unos bóxers como los que utiliza Vincent en el juego, una camisa con unos corazones como los que aparecen en la saga The Legend Of Zelda que viste Catherine y una copia del Soundtrack del juego. Mientras que la segunda llevaba por nombre ‘Stray Sheep Edition’ la cual incluía una camisa de color rosa como la de Vincent, un poster de Catherine y una copia del Soundtrack, todo esto empacado en una caja de pizza alusiva al bar que frecuenta Vincent.

Bloodborne: MUNDO RPG- Escrito por Luis

E

s ya sabido que los primeros o dos años del ciclo de vida de una generación se caracterizan por la falta de exclusivas que justifiquen adquirir una consola sobre otra, para PS4 ese tiempo llegó probablemente con Bloodborne, una nueva propiedad intelectual de los mismos creadores de los ya populares Dark Souls con un nuevo planteamiento y estilo de juego que demuestra todo lo aprendido por el estudio. Podría considerarse un spin-off por las muchas similitudes que se perciben pero esto es un insulto para una de las más grandes experiencias de la presente generación.

Desarrollador: From Software Distribuidor: Bandai Namco, Consola: PS4 Jugadores: 1, Fecha de Lanzamiento: 15/03/15 Todos los elementos que ya conocemos de la saga Souls se encuentran presentes, la “experiencia” que recolectamos es dejada en el sitio de nuestra muerte pero ahora algún enemigo puede tomar posesión de ella obligando a luchar para recuperar aquello que hemos perdido. El sistema de subida de niveles tomas un giro hacia la simplificación con menos parámetros que Dark Souls II y una clara dis-

tinción entre armas de destreza o fuerza. La dificultad por veces criticada y en otras ocasiones alabada hace su regreso, con un mejor balance de forma que cualquiera pueda terminar la historia.

Yharnam, una ciudad condenada En un inicio Bloodborne parece prestar demasiados elementos de sus predecesores, la historia vaga está presente, trasfondo también está presente, el combate brutal sigue allí y la existencia de un concepto central del mundo también está presente. Podría argumentarse que el cambio de planteamiento es meramente reemplazar la palabra ‘almas’ por la palabra ‘sangre’, en un inicio parece ser el caso al encontrar una plétora de objetos que hace mención del líquido tanto en nombre como descripción. Pasado un poco el tiempo y tras un par de notas encontramos que de hecho es un concepto mucho mejor explorado de lo que jamás ha logrado la saga Souls o en su defecto, uno mucho más interesante.

Yharnam es una vieja ciudad situadas sobre las ruinas de una civilización más antigua, naturalmente equipos de exploración fueron enviados a las ruinas, lo que encontraron debajo

DESTACADO 3

cambiaría por completo la cultura y forma de vida de Yharnam. Efectivamente se trataba de sangre, no cualquier sangre, sangre proveniente de seres Antiguos, creaturas fuera de la comprensión humana que fueron encontradas en los laberintos. Su sangre, un potente remedio para cualquier dolencia, su distribución, regulada por la iglesia que ganó un poder inconmensurable al ser quien ministraba el santo remedio.

En resumen, el mundo de Bloodborne está manchado en sangre, no es el simple hecho de hacerle honor al título, es parte del planteamiento y narrativa que vamos descubriendo conforme avanza la trma. Esta sangre, la sangre milagrosa que corre por los cuerpos de todos los Yharnamitas es la razón por el que el sistema de rally tiene sentido tanto narrativa como mecánicamente. Y la razón por la que Yharnam es una ciudad condenada por su sed de sangre, la ingesta de sangre tiene un problema añadido: convierte a la gente en bestias, una de-evolución que causa a la persona volver a sus instintos más básicos.

Sangre es también es la razón por la que el Cazador protagonista arriba a Yharnam, en busca de una cura para una enfermedad no

conocida, algunos argumentan que se trata de anemia y ésta es la razón que el Cazador no es afectado por la sangre, sea cual sea el caso, el Cazador es mostrado al inicio siendo atacado por una bestia nacida de la sangre, bestia que arde en llamas al tocar al Cazador indicando que no caerá víctima de la bestialidad. Con unas pocas palabras para darle dirección, el Cazador se embarca en una peligrosa travesía para encontrar el origen de la ministración de sangre y con suerte curar su enfermedad.

Más rápido, más agresivo El concepto de un combate más rápido va más allá de aumentar la velocidad de movimiento, es un cambio radical en el diseño de la fórmula de combate de los Souls que le da un aire de frescura que ya era necesario. El combate se basa en la agresividad y en mantener la ofensiva. Es un concepto que rápidamente hace el juego mucho más atractivo para aquellos que han ignorado la saga por su ya conocido combate lento que consiste en soportar ataques con el escudo hasta encontrar un momento para dejar ir un ataque propio.

Bloodborne lanzas los escudos a un costado, las animaciones son más rápidas y con con-

sumos de stamina reducido en comparación con Dark Souls, los ataques ya no son una ceremonia de bodas entre el jugador y la animación, el compromiso sigue presente pero la ventana de error es mucho más amplia permitiendo enlazar series de ataques con esquivos de forma sin tanto peligro de un contraataque.

El sistema de rally es un pequeño cambio en el que por un breve momento podemos recuperar salud perdida si dañamos a los enemigos, cada ataque recupera una porción de la salud perdida de forma que si la situación lo amerita podemos seguir al ataque a pesar de las heridas recibidas. Es una pequeña adición, pero cambia por completo el combate al permitirnos mantenernos en la línea de frente en todo momento. No todas las armas curan la misma cantidad, armas pequeñas tienen menores ratios de ganancia a comparación de armas serradas hechas con el propósito de derramar sangre.

Claro que el sistema de rally no siempre puede ser usado por completo, algunos jefes son demasiados peligrosos y no convienen probar suerte, en ocasiones es mejor retirarse y usar uno de los objetos curativos a nuestra disposición, es una ruptura de aquello que el juego nos ha enseñado pero por fortuna estas situaciones en las que rally no es una opción casi siempre vienen de la mano de jefes opcionales cuyos ataques son poco predecibles y rápidos como para tomar el riesgo.

Quitando eso de lado, un combate bien ejecutado en Bloodborne es como una danza en la que cada parte intenta predecir que paso ejecutará su pareja con el propósito de frustrarlo.

La sensación de esquivar un ataque por una pequeña fracción de tiempo para continuar de inmediato con uno propio es una sensación increíble, algo que funciona mucho mejor en combates estilo duelo contra otros cazadores pero que también puede sentirse cuando se realiza el combate contra las abominaciones que encontramos a la largo del viaje. Debido a esta naturaleza de constante agresión los enemigos de Bloodborne suelen tener mayores reservas de HP que los enemigos normales de la saga Souls.

La variedad de armas, o mejor dicho, la poca variedad de ellas es uno de los temas espinosos que generaron críticas a Bloodborne.

Viniendo de juegos que ofrecen muchas variantes de equipo es de esperar que existan quejas, pero solo basta ver la enorme variedad de movimientos y combinaciones de cada una de ellas para darnos cuentas que a veces menos es más, incluso cada arma tiene un modo alterno con un repertorio de movimiento igual de variado.

Casi todas las armas en Bloodborne son únicas, mi favorita como jugador de destreza son las Blade of Mercy, una daga pequeña que se divide en dos dagas con velocidades de ataque astrales capaces de causar muerte por mil cortaduras de forma rápida. Otras son armas pequeñas que solo son el mango para un arma más grande, ejemplo de esto es el Kirkhammer, una delgada espada de plata que en modo alterno dicha espada se convierte en la empuñadura de un temible martillo capaz de aturdir a los enemigos más grandes.

La variedad en comparación a Souls es poca, pero rara vez DKS ha tenido armas tan desarrolladas en sus movesets como las de Bloodborne.

Hablando de satisfacción, al realizar un ataque fuerte por la espalda dejamos a los enemigos en un estado vulnerable que los abre para un Ataque Visceral, como el nombre indica,

el cazador inserta su mano en el enemigo y la remueve de forma violenta causando daño masivo acompañado con un efecto de sonido y salpicaduras de sangre que refleja la letalidad de dicho ataque. Los enemigos grandes que enfrentamos no se salvan de este ataque, después de recibir daño considerable o ser golpeados constantemente en un punto débil quedan abiertos ante un Ataque Visceral. Y no hay nada más satisfactorio en el juego que un Ataque Visceral sobre estas abominaciones.

Mundo gótico de pesadilla

From Software es conocido por hacer juegos difíciles, pero Bloodborne es quizás su pieza más accesible a la fecha, claro, las primeras horas pueden ser abrumadoras incluso para veteranos de la saga que tiene que desaprender hábitos y reeducarse con otros, también las cantidades de HP de los jefes al inicio del juego vuelven los encuentros un combate de atrición, espíritu que se pierde pasada la mitad del juego cuando los parámetros empiezan a pagar dividendos. La curva de dificultad tiene un alto precio de entrada que una vez superada alrededor del tercer jefe se torna bastante manejable. Prueba de ello es el increíble número de personas que tiene al menos un trofeo perteneciente a algunos de los finales.

Iluminación, efectos y demás están muy bien logrados mostrando un gran trabajo de From Software con sus avances hacía la presente generación, es bueno en todo lo que hace y con los últimos parches el desempeño se ha estabilizado con bajones de cuadro únicamente cuando la escena se llena de efectos.

Mencionar abuso de efectos como el humo de algunos objetos o la casi universal presencia de textura húmedas con el propósito de reflejar algo de luz en el suelo.

El nuevo motor para la presente generación se desempeña bien y trae un ya necesario lavado de cara a sus franquicias que ya venían necesitando una actualización. La calidad de texturas es buena siendo capaz de simular materiales como tela o cuero que abunda en las vestimentas, las creaturas muestran volumen en su cabello y algunos jefes son realmente impresionantes en su construcción.

Dejando eso de lado, Bloodborne casi logra la perfección en la composición de escenas.

El primer vistazo a Yharnam, el Sueño de los Cazadores y Cainhurst son un manjar para la vista, son material para incontables capturas de pantallas intentando encontrar ese ángulo perfecto para capturar la escena. Muchas de estas escenas se miran mucho mejor de lo que pareciera posible en el hardware de PS4.

La ambientación estilo Gótica está lograda a la perfección, bajo el baño de la luna Yharnam siempre tiene esta estética de terror que muchos juegos de ese género matarían por emular. Estatuas de seres que no podemos reconocer se erigen muy por arriba de nuestras cabezas, cuartos llenos de cadáveres con jaulas en sus cabezas pueden encontrarse en pasillos, lugares lúgubres que requieren de antorchas para navegar, bosques opresivos con trampas y una aldea con un cielo fuera de este mundo. Todos estos son lugares por los que pasaremos, algunos solo serán una ‘bonita’ vista, otros serán completamente terroríficos por las formas, sonidos y ambientes presentes en escena.

existe Cainhurst para un cambio de aires en la nieve, aunque este también es un invierno de muy corto.

Los diseños de enemigos pasan de Bram Stocker a Lovecraft pasada la mitad de la historia, hay pistas sobre la existencia de las abominaciones que se convierten en nuestros enemigos, de vez en cuando podemos dar un vistazo a lo que está por venir. Tras un increíble evento el mundo presenta sus verdaderos colores y finalmente podemos notar la clase de ‘villanos’ a los que nos enfrentamos: creaturas intimidantes que escapan las convenciones de monstros, diseñados de tal forma que al poner atención a los detalles encontramos cosas terroríficas como cuando vemos de cerca a Ebritas y notamos que tiene ojos en la parte interna de su cabeza, o el sentimiento incomodo cuando descendemos a un cuarto completamente oscuro para encontrar un cerebro pútrido lleno de ojos incapaz de defenderse.

Caza tus pesadillas, ese es el lema de Bloodborne.

Bloodborne constantemente se da la tarea de incomodar al jugador, de hacerlo sentir fuera de lugar y que hay algo que no anda bien o que no calza por completo en el lugar. Es un juego intimidante, no solo en dificultad sino también en escenarios. En particular, la zona alta de Cathedral Ward evoca este sentimiento incomodidad al acompañar el lugar con sonido incómodo y una atmosfera opresora, mismo efecto se logra en Yahargul que hace estas dos partes del juego algunas de las más terroríficas. Los patrones en las paredes con gente que ha quedado inmortalizada en la roca con caras y gemidos de sufrimiento es uno de los detalles que vale la pena admirar y pensar cuanto cuidado se ha puesto en los escenarios.

Si hay algo negativo de esta presentación Gótica es cuan poca variedad se percibe, después de un tiempo el asombro se convierte en un sentimiento de deseo por mayor variedad de escenarios, algo que se logra en Nightmare Frontier pero que hace poco cuando el resto del juego vive bañado en penumbra. Siempre

Como es de esperarse, el cuento que se narra no es uno de esperanza. Siendo fiel al espíritu de Lovecraft en el que las cosas nunca salen bien, la curiosidad desmedida de algunos personajes trae consigo todas las calamidades que asolan a Yharnam, algo que se alinea perfectamente con la forma que utiliza Souls para contar sus historias que nunca tienen un final feliz. Si hay algo en lo que la inspiración en Lovecraft se desvanece es en el concepto de vencer físicamente a estos seres y tomar su poder, pero el espíritu nunca se abandona por completo.

Una banda sonora intimidante El acompañamiento ideal para toda esta escenografía de pesadilla es una banda sonora que toma la tarea de intimidar al jugador, es un estilo perfecto para Bloodborne que lanza vocales en latín acompañado por música orquestada. Si bien, esta combinación existe en otros medios es raro ver un uso tan extensivo en un videojuego de forma que alrededor de la mitad de las piezas tienen alguna participación vocal.

El tema que acompaña al primer jefe que enfrentamos sube el listón tan alto que incluso el propio juego tiene problemas superándolo en la mayor parte de sus composiciones, el inicio lento que abre el paso para la parte vocal y una parte central compuesta por violines, cellos e instrumentos de aire sientan el tono de un combate contra un ser 5 veces nuestro tamaño. El tema de Cleric Beast es perfecto para iniciar, mientras que otros como Daughter of the Cosmos son perfectos para ilustrar el cambio en el tipo de historia con una sensación de divinidad dado el ser que al que nos estamos enfrentando.

Es una lástima que muchos temas estén nombrados tras el jefe que se combate, efectivamente haciendo que el nombre de la pista sea un spoiler. Pero puede estarse seguro que todos los temas tienen una calidad alta, todos con el mismo propósito de intimidarnos, en otras ocasiones causarnos tristeza o incluso ira en el enfrentamiento Chalice Dungeons, una travesía solo para los pacientes Bajo las ruinas de Yharnam yacen las ruinas de la vieja civilización de donde se obtuvo la sangre, también es la zona donde todo lo que ha logrado Bloodborne con su diseño de niveles viene a morir.

En papel los Chalice Dungeons son una gran idea que promete muchas horas adicionales de exploración, además de esto la exploración se realiza en una zona de gran importancia para el Lore del mundo. Las ruinas donde todo empezó es ciertamente algo que cualquiera con sed de conocimiento por el mundo desea explorar. El problema ocurre en que su generación al azar es contraria a todo lo que From Software ha logrado por medio de su diseño de niveles. Los primeros dos o tres calabozos no son tan malos, pero la sensación de estar explorando un lugar nuevo desaparece por completo.

Los calabozos siguen una formula normal que consisten en desbloquear la puerta que lleva al jefe, vencer al jefe y seguir el descenso has-

ta llegar al fondo del Calabozo. La recompensa por esto es la oportunidad de hacer más calabozos, la recompensa por explorar cada recoveco de estos calabozos es encontrar materiales para hacer más rituales para abrir más calabozos. Es un ciclo de no acabar cuyo fin es obtener algunos objetos realmente poderosos pero que son overkill para el juego base, es solamente para aquellos que les gusta optimizar y con la paciencia para soportar un tortuoso ciclo que pierde la novedad en las primeras dos horas.

El trofeo de platino requiere explorar al menos 6 de estos Cálices, uno de ellos es un brutal calabozo donde tanto la vida como el daño enemigo se reduce a la mitad, pero no así los otros tipos de daño. Dicho daño ajeno al físico es causado por un jefe que fácilmente puede matarnos en un ataque, la única solución es aprenderse el patrón de memoria, morir una y otra vez poniendo a prueba que tan bien conocemos los indicios a los ataques. En resumen, tener paciencia, jugar a la defensiva, algo que va completamente en contra a lo que se nos ha enseñado durante toda la travesía.

The Old Hunters, un capítulo digno de ser explorado

nal está marginalmente arriba de él, lo cual es un logro enorme.

The Old Hunters toma lugar en Hunter’s Nightmare, una especie de purgatorio para cazadores que han sucumbido a su sed de sangre.

Los Cazadores viven un ciclo sin fin en el que cazan bestias, una maldición que los afecta a ellos, a sus hijos y a los hijos de sus hijos por toda la eternidad. Todos los cazadores en la pesadilla vienen de un tiempo anterior cuando los cazadores eran abundantes, sus armas eran herramientas brutales que derraman sangre a borbotones y quizás la razón por la que las nuevas armas (las encontradas en el juego base) son mucho más refinadas.

Era lo que tanto FromSoft como sus fans necesitaban, una bocanada de aire fresco no solo por medio de las mecánicas de juego (que siendo honestos no son tan diferentes a Souls pero varían lo suficiente para que no se sientan iguales), sino también por medio de un planteamiento que se ha explorado pocos en los videojuegos. El cambio de aire le sienta bien, el diseño de niveles con una calidad y una composición de muerte demuestra que el equipo aún tiene jugos creativos, el diseño de enemigos por veces parece ser proveniente de una pesadilla, una oportunidad para explorar otra dirección de arte y una historia que no deja impresionar meses después de haber concluido por primera vez el juego.

El objetivo del DLC es llegar al fondo de esta maldición para eliminarla de raíz, la maldición es cruel condenando a los infractores a una eternidad haciendo aquello que los llevo allí en primer lugar, atormentando por la eternidad a algunos de los grandes nombres que escuchamos durante el juego base. Este viaje para detener la maldición es memorable, pasando a través de versiones retorcidas de lugares que ya conocemos para movernos hacia lugares con unas de las mejores atmosferas.

Los combates contra jefe están un nivel por arriba, teniendo significado para la narrativa y proporcionando un reto para aquellos sedientos tras los fácil que se vuelve el juego base para el final. Cuando la última cinemática termina hemos combatido a 3 de los jefes más memorables y con la maldición finalmente rota el viaje en el mundo de Bloodborne finalmente puede darse por concluido.

Conclusión: el aire fresco que hacía falta No hace falta ocultar mi amor por Bloodborne, fácilmente se convirtió en uno de mis juegos favoritos del año 2015 y de todos los tiempos por muchas de las razones que se han expuesto en los párrafos anteriores, si bien hay detalles como los Chalice Dungeons, el bendito estado de Frenzy o los ogros del DLC lo considero la cúspide de From Software, un listón puesto en alto que ni el mismo Dark Souls III pudo superar. Únicamente el Dark Souls origi-

Con la salida de Dark Souls III me encontré ante el final de una luna de miel con la saga Souls, un título increíble y un digno final para la saga que no decepcionó, pero una vez rodaron los créditos simplemente no me importó, el interés por continuar se había esfumado. Solo podía pensar cuan cansado me sentía de la formula y en mi deseo de no tocar el título por largo rato.

Mientras tanto, hace poco inicié otra partida de Bloodborne, con ruta (Cainhurst pronto), arma (Chikage) y build (Bloodtinge + Dex) ya decididos para luego pasar el DLC de nuevo en cooperación con un buen amigo. No pude evitar sonreír al pensar en la aventura que me esperaba.

ria, en el caso que le llame la intención, o por el contrario perder el interés totalmente de la trama y dedicarse 100% a repartir golpes a mas no poder.

La carne de cañón que caracteriza a los tirulos Warriors es cuando tu manejas a uno de los sombrero de paja contra hordas sin fin de enemigos, algo semejante a un mar de enemigos que tu puedes derrotar sin mucha dificultad.

Que para que mentirles esta clase de juegos no suelen ser desafiantes para el jugador, con la excepción de muy contadas situaciones.

One piece pirate Warriors

ACTUALIDAD– Escrito por Juan

O ne Piece Pirate Warriors fue el primero juego (año 2012) de la ahora famosa serie Warriors de One Piece. La popularidad de esta saga se ha hecho notar en entre los fans de los sombrero de paja y no es para menos, la de idea de manejar a la tripulación del sombrero de paja mientras pasan por una diversidad de aventuras basadas en parte en el anime/manga original (del autor Eiichiro Oda) es algo simplemente provoca mojar los pantalones a algunos de sus fans y a toros y a otros como yo, solamente nos emocionamos como niños de 12 años que están emocionados porque están dando por T.V. DBZ O Digimon.

Algo curioso que hacen estos títulos Warriors de One Piece es que abarcan una gran cantidad de arcos argumentales de la trama principal y te los presentan se una forma súper resumida, o un equivalente a agregar arcos argumentales dentro de una licuadora y el resultado es una súper mezcla compacta de la historia original. Aunque a decir verdad, una persona que no sea seguidor del anime/manga, no tendrá problemas en entender la histo-

No te asombres si en una partida normal llegas a matar a mas de 300 enemigos ya que el propósito es de este tipo de juegos hacer sentir poderoso al jugador mientras que el solo se dedica a machacar botones, y a armar combos para matar de diferentes maneras a la infinidad de enemigos que ves en pantalla y los que seguirán remplazando a los ya caídos por tus puños.

Obviamente no todos los enemigos son iguales (aunque casi), existe los enemigos más comunes que son los mas débiles y los que más abundaran en pantalla, sobra decir que son los que más mataras a lo largo del juego, y algunos generales de zona, que los podría describir como los saco de boxeo que son los que más aguantan castigo antes de caer, aun que no serán mayor reto.

El objetivo y dificultad que te encontraras residen en completar ciertos objetivos en cada fase (o etapa =arco argumental) en los que esta divididos el juego. Que desde obtener “X” ítems, erradicar los enemigos de “x” zona del juego, interceptar a un mensaje antes de que este llegue a su destino y matar a un jefe de zona (estos no son enemigos genéricos). A groso modo en esto son los objetivos que deberás cumplir para pasar a una siguiente etapa y volver a completar alguna de las atareas anteriormente expuesta, o quizás alguna que me he dejado olvidada por allí.

Las misiones u objetivos que debas cumplir no parezcan nada del otro mundo no te debe engañar ya que es muy posible que tengas

momentos adecuados y se armonizaba perfectamente con el Gameplay, haciendo relucir aun las épicas batallas contra los enemigos.

Durante el juego podrás conseguir una diversidad de monedas/ emblemas que son los coleccionables del juego, y a la vez son los Power ups que podremos asignarle a un personaje para incrementar sus habilidades. Sin olvidar mencionar que cada jugador que utilices irá incrementando su barra de nivel y con ellos se elevaran las estadísticas de fuerza, vida, etc.

que repetir la misión porque fallaste varios de los objetivos que se te asignaron y no los cumpliste todos , o uno que era esencial para la victoria no es completado, deberás repetir cierta parte de la misión o en el peor de los casos toda! Y esto puede ser algo desalentador para el jugador, ya que hay algunas misiones que debido a la complejidad del mapa o el simple hecho que la ultima o antepenúltima sub misión que te asignan lo falles puedes llegar a perder hasta una hora que en algunas ocasiones las misiones suelen rondar por ese tiempo en ser completadas.

La música de este juego no podría que está mal, únicamente que es muy genérica y para nada memorable. Durante tu aventura estarás acompañados de algo parecido a música de ascensor, hasta que te pones a repartir golpes que la música se pone un poco más animada, la verdad que es algo que no desentona con el juego en sí, sin embargo más vale que te gusten las canciones ya muchas rolas son muy parecidas entre si, por no decir que se repiten, y debido a que estarás concentrado en el degenero que estarás viendo en pantalla mientras derrotas enemigos tras enemigos y tratas de cumplir los objetivos de la misión lo antes posible, seguramente no te des de cuenta de que la música está allí.

Es decir, es muy opuesto a lo que sucede en el juego Shadow of the Colossuus donde la música estaba claramente presente en los

El juego cuenta con juego cooperativo online para ciertas misiones (Dungeons) especiales de la historia. A fecha de mayo del 2016 el online sigue funcionando, advierto que hay algo de lag, pero nada que haga una partida injuzgable, únicamente que es muy difícil encontrar partida, en mi caso personal casualmente encontré en 3 minutos al que parece que era la única persona aparte de mi que estaba buscando partida, después de jugar unos 1 minutos condicha persona se fue de la partida y no volví a encontrar otro jugador en los 25 minutos que espere a que el servidor me emparejara con otro jugador.

En resumen, el online está Abandonado y po-

cos son los que están aun en el y no de extrañar por los años que tiene el juego en el mercado y los oros 2 títulos que ya han salido, añadiendo que pronto saldrá el 4.

Las horas que se le pueden exprimir a este título no son nada despreciables, ya que es muy re-jugable si estas interesado de en jugar con cada uno de los personajes y también el tiempo que te llevara conseguir cada una de los coleccionables, monedas de poder o si simplemente quieres llevar a tus personajes favoritos al nivel máximo.

Vale la pena hacerse con este título si aun no lo has jugado, en lo personal digo que si, ya que lo deberías de poder adquirir a un precio de riza por los años que tiene el titulo de haber salido. Si no recuerdo mal está a un precio de $10 en la PlayStation Store Gringa, asumo que serán 10 Euros en la Store Española.

Si eres un fan de la Los sombrero de paja te aconsejo este juego, que pese a no ser una revolución en el género o un juego muy destacable, estoy casi seguro que te gustara. Las voces están en su idioma original con las voces de los respectivos dobladores del anime (versión japonesa) pero sin preocuparse del idioma ya que trae subtítulos en español.

En el caso de no estar seguro si quieres entrarle a este tipo de juegos, puedo decirte que no tienes mucho que perder, hablando de dinero claro, pero aun así te diría que el que no arriesga no gana, y podrías de perderte de un juego que podría terminar encantándote. O si directamente prefieres la idea de jugar los juegos posteriores a este, también lo aconsejo, he jugado hasta el Pirate Warriors 3 y me alegra adelantarte que cada entrega ha ido superándose, y refinando su propia formula al hacer cada juego.

THE LEGEND OF DREAMS

MEGADIMENSION NEPTUNIA VII: MUNDO RPG – Escrito por Neto.

T

odos tenemos sueños… pesadillas...

Esas cosas que nos hacen ver cosas fantásticas y que nos hacen mirar el futuro con satisfacción, o con miedo.

Desde hace tiempo se dice un dicho que los sueños pueden hacerse realidad, séase personalmente o a nivel colectivo, en la historia de los videojuegos a opinión de muchos sectores (no todos) hubo una era en la cual los sueños no solo se hicieron realidad, sino que también se convirtieron en tragedia, pero que a final de cuentas se transformaron en leyenda.

Compile Heart me acaba de dejar personalmente con un grado de desagrado ajeno por Omega Quintet (leer el tomo anterior), a su vez la saga de las Diosas de Gamindustri a la cual le administro una gran fe y devoción desde hace ya 3 años, ha sabido hacerse de un nombre polémico debido a saturada sobreexplotación, a niveles solo vistos en sagas como Mario, Sonic the Hedgehog o Call of Duty, aunque la mera verdad que sin contar Spin-offs y “ReBirths” no ha habido algo inédito desde hace justamente 3 años, es por eso que ver su cuarta entrega canoníca para PlayStation 4 puede traer diversas opiniones al respecto.

Pero en general, sus detractores y el mundo en general han caído a la evidencia de que de una u otra manera (pero sin ir más allá) Compile Heart se ha sabido redimir, pero para el fan de la serie es casi como mana caído del cielo, revolucionando sus cimientos y demostrando que no se deben cantar muertos antes de tiempo, pero para algunos pocos como este servidor, representan algo mas debido a su argumento, en una muestra alegórica, graciosa pero sobre todo muy respetable de una de las eras mas legendarias de la historia de los videojuegos, La Era del fin de los sueños… La Leyenda de los Sueños, eso es Megadimension Neptune VII (V2). Es hora del decimo viaje general a Gamindustri, ¿All your Ready?

Desarrollador: Compile Heart; Publicador: Idea Factory International; Consola: PlayStation 4; Año: 2015-2016.

Zero Dimension Arc: Fui infravalorada… busco mi interior… mi sueño es…

Han pasado algunos años desde la aventura de Neptune por Ultradimension (Nep Victory), Gamindustri vive una era de paz y prosperidad alejada de esos tiempos donde las Con-

TEMA DEL MES

sole Wars dominaban el ambiente y la era de la piratería amenazaba con todo lo existente, un día nuestra simpática pero ingenua CPU encuentra una consola blanca con una espiral naranja, se nota mucho que tiene varios años decide llevarla al Basilicom (el hogar de la CPU) para ver si Nepgear le podía ayudar con este problema.

Cuando encienden la consola, son literalmente absorbidas por el aparato y pues nuevamente han viajado a otra dimensión, el lugar donde llegan es un sitio en un grado de destrucción prácticamente apocalíptico, y en donde no ven a ningún ser humano hasta que se encuentran con una chica especial llamada Uzume Tennouboshi, ella es la CPU de ese decadente lugar llamado por ella misma: Zero Dimension, y desde eso y reconociendo después que deben volver a casa, la intentan ayudar para ver su problema.

El arco de Zero Dimension la verdad es algo novedoso en la franquicia de Neptune por muchas razones, entramos de un solo con trama de verdad, algo de lo cual Victory resintió mucho en su tiempo, a su vez contiene un alto grado de la comedia que siempre caracteriza a la franquicia, a esto ayuda Uzume que en si

es una chica más atractiva que Neptune pero algo igual de ingenua que ella, aunque no es a propósito y es que esta nueva personaje padece de amnesia no recordando mucho más que ella es la líder de ese lugar, pero ni recuerda el nombre de la ciudad o algo diferente.

En pocas palabras Zero Dimension agrada por su trasfondo, además de su rápida ejecución sin ir sin rodeos, la aparición de personajes como Umio (un pez parlanchín, que a la larga va siendo el primer personaje masculino de importancia en la saga… aunque no es humano) o la nueva Neptune (de la cual no daré mayores detalles, sobre todo si no han jugado Victory) ayudan a ese énfasis de novedad, dando quizás su mayor clave en que la ejecución es demasiado rápida, dejándote con ganas de más, además claro de ciertos cliffhangers que serán resueltos más adelante.

Hyperdimension Arc: Las Cuatro protagonistas, la historia más conocida del mundo.

Neptune después de ciertos eventos logra regresar con Nepgear a casa y pasan ciertos meses, el periodo llamado Shift Period (lo que aquí conoceríamos como el cambio de gen-

masiado a la nostalgia de los juegos originales, dando una pauta de confianza y de sentirse “como en casa”, pero en general son momentos muy específicos y eso sin contar el arco de Noire (para mi profunda decepción personal) y el de Vert (con su absurdo melodrama que no me trague para nada) que hacen desbalancear el producto general, a su vez la conclusión es demasiado trivial dándose quizás asi para dar una mejor conexión a Heart Dimension, pero no era tan necesario.

eración) estaba en pleno apogeo, y las CPU deben planear algo para evitar una pérdida de popularidad tan abrumadora que las haga despedirse del cargo, para ello organizan un festival y un torneo con fines “deportivos”, o al menos así era hasta que Gold Third apareció, luego de derrotar a las diosas, paso algo inesperado el tiempo y la historia de Gamindustri cambiaron.

Ahora las cuatro diosas separadas deberán ver cómo enfrentar este nuevo problema, y volver al Status Quo que había gobernado Gamindustri.

La verdad la idea es prometedora, por primera vez en un capitulo principal de la franquicia, manejaras a las cuatro diosas por un tiempo, el problema es que todo lo bueno acaba ahí, cayendo en demasiado cliché y en comprobar una verdad ya cantada, y es que desde Neptune mk2 que dio como conclusión a la historia real de Hyperdimension, mucho se decía sobre que podía hacerse para que las CPU siguieran con protagonismo.

En si la cosa tiene sus momentos, en especial ciertas escenas del arco de Blanc recuerdan con gran satisfacción a la seriedad que el Neptune Original tenía en su argumento, a su vez escenas del arco de Neptune conmemoran de-

A su vez la inclusión de los nuevos personajes es tan trivial por decirlo de forma amable, haciendo más interesante los momentos de la Older Neptune de Zero Dimension, de IF y Compa por citar algunos ejemplos. El punto “positivo” es que aquí ves por completo el sistema del juego, algo sumamente limitado en Zero Dimension, pero no es un pretexto suficiente a la completa decepción de este arco intermedio la cual llamaría en resumen: El Relleno más innecesario de la saga.

Heart Dimension: La Conexión a un momento de Gloria, la Era de los Sueños… y de las Pesadillas.

Todo ha vuelto a la normalidad… o al menos eso creían en lo que buscan respuestas a lo ocurrido y sobre todo porque hay ciertas conexiones extrañas a Zero Dimension, las CPU se enfrentan a una prueba de acero, una vía de acceso con la dimensión apocalíptica ha sido abierta, pero lo peor es que verán a alguien inesperada detrás de este evento y que a su vez es la responsable de todo lo ocurrido desde que Neptune y Nepgear viajaron a esa dimensión…

Es inseparable no revisar Heart Dimension con Zero Dimension, ya que en pocas palabras es la secuela de esta, viendo más de cerca lo relacionado a Uzume, y como ella es capaz de ser tan importante para todo el espacio-tiempo de Gamindustri.

En general es como cuando salieron Sonic 3 y Sonic & Knuckles, o un ejemplo más cercano a como son los Trails in the Sky o los Trails of Cold Steel, inseparables uno del otro (aunque

La Comunidad Gamer se puede dividir cuando hablamos del asunto “Dreamcast”, desde una consola que mereció el destino que vivió, hasta una horda que dice que fue la catástrofe más grande desde el Shock del 83, una era que se puede definir como gloriosa para los fans de SErvice GAmes, así como para los fans de compañías como CAPCOM o SNK, que vieron al alcance de mortales verdaderas joyas maestras que pasaran a la historia por su alta calidad, si bien han llovido ya 15 años desde el fin de esa era, Neptune VII da muestras de la gloria y el desastre que fue la misma en la persona de Uzume.

el arco de Hyperdimension está también involucrado, pero como lo mencionamos en su calidad de relleno, es tan irrelevante que no le interesara a nadie) Pero quizás su mayor énfasis es ver esa historia de Uzume Tennouboshi, un relato que recuerda poderosamente la era de una de las consolas más legendarias de la historia, pero a su vez de las que peor suerte tuvo en su época, un cuento en el cual las pesadillas de todo lo malo que ocurrió en esa era y todos los sueños que se tenían y lo que se alcanzaron se mezclan, en realidad Megadimension si solo hubiera tenido a su primer y último arco hubiera sido perfectamente uno de esos juegos que amas u odias, todo dependerá de que tan identificado te sientas con la historia.

En general con dos de sus tres arcos en óptimas condiciones quizás la principal queja es que el juego en historia es sumamente corto a lo que se esperaba no obstante es muy superior al desorden de ideas que tenía Victory, y a opinión personal es una historia que causa mayor mella que la vista en MK2 (aunque esto ya es más diversificación personal).

Opinión: La mella del asunto de la espiral… un juego hecho para conocedores de cierta era.

Sin entrar en materia de Spoilers, ver tanta referencia a la Blanca de SEGA, ver pormenores que fueron reales (pero claro bajo otro punto de vista) de esa época, causan una sensación de pensar, las épocas del pasado fueron mejores, pero claro ver al futuro es lo más importante de todo.

Ahora bien, el juego da tanto énfasis (el embrollo de Hyperdimension Arc, si bien le da un aire moderno y actual al argumento, no deja de ser simple relleno) al embrollo de Uzume que muchos que no se sientan identificados con la Era de los Sueños digan: “Esto a mí me va y me viene, recordar una consola que fracaso de una compañía que ya pasaron sus mejores días, no es algo que me deba sentir emoción” En si les diré que tienen razón, pero para en lo personal, su servidor alguien que se define como SEGUERO de nacimiento.

En primer lugar los estilos de combos: Rush y Power se mantienen en su lugar, siendo el primero para tener mejor rango de Hits, mientras el segundo se dedica a un mayor alcance de Damage, pero el modo de Break es sustituido por el modo Standard, que es más que nada como un hibrido de los dos anteriores.

Ahora bien en lo referente a la defensa de los enemigos esta sigue estando presente, pero ahora debes quitarla de una manera diferente; los Break Parts sirven para desarmar a los enemigos y hacer que su defensa caiga rápidamente, ahora bien esto dependerá de las combinaciones de combos que hagas.

Y es que ahora tendrás hasta la oportunidad de pegar 5 golpes de manera continua, mas la oportunidad de un EX Finisher al fin, este se activara recordando los tiempos de MK2 mediante una combinación ya prefijada según el estilo de golpe que ocupes, por ejemplo habrán EX Finishers que se activaran apretando una combinación de Rush + Power + Standard + Rush o otras diversas maneras, estas combinaciones podrás ejecutarlas siempre y cuando aparezca un icono amarillo sobre el golpe, claro esta no siempre poner los mejores combos en tu personaje te aseguraran un buen Finisher, deberás sacrificar eso por ocasiones.

Además de eso ahora las armas tendrán una diferencia en como podrás marcar tus combos ya que por ejemplo ciertas armas te dejaran marcar hasta el Quinto Combo de cierta forma, mientras que otros no te dejaran pasar del tercer combo, claro está mientras una ventaja o desventaja pueda estar ahí, su contraparte será el alcance del daño y demás extras que el arma tenga como tal.

En lo referente a los Skills como siempre dependen de la barra de SP, no regenerable por cierto salvo que estés en una ciudad, haciendo que debas cuidarlos más, además está la interacción de personajes que harán que puedas generar Skills especiales las cuales ya existían desde antes en la saga, pero ahora toman mayor importancia, claro nos referimos a los Formation y Coupling Skills; dependiendo de la ubicación que tengan las personajes,

y claro su afinidad mediante el Lily Rank (que cabe aclarar ahora es menos tedioso de mejorar que antes) puedes ver Ataques más poderosos que no solo pueden marcar la diferencia, sino que son los más seguros a la hora de marcar un Break Parts por ejemplo.

Quitando eso, el resto de esquemas (uso de ítems, instalación de mejoras mediante los anillos o demás) siguen estando iguales, podríamos decir que en general el juego busca ser un poco más interactivo y que sobre todo dejes de buscar la barra de EXE Drive para acabar tus peleas, al menos hasta llegar a niveles avanzados, Además para activar la forma Next Form (la nueva generación del HDD) debes tener presente que requiere un gasto extra de EXE Drive, aunque en compensación los Skills que dependen del SP se gastan menos, sin quitar que un EXE Special solo es posible de activar en dicho modo, siendo quizás los ataques más poderosos del juego (Las Sisters también tienen un nuevo ataque final, aun sin tener Next Form), cabe decir que la dicha barra mencionada ya no es fija y debes cargarla siempre que entres

a cada Dungeon, pero en palabras generales VII tiene las suficientes mejoras para hacerlo interesante pero sin traicionar sus principios fundamentales.

Por último es de señalar las Giant Battles (que no detallare como ocurren ya que sería hablar demás del argumento del juego), un modo especial de batalla en el cual combatís solo usando Skills (no todos cabe señalar) y los EXE Attacks, cabe decir que es un modo más sencillo que las batallas normales ya que incluso es el único modo donde el SP se regenera, pero cabe señalar que son batallas estimulantes por su especialidad y por su tema de batalla (del cual hablaremos más adelante) haciéndolas quizás batallas en las cuales la espectacularidad premia sobre la jugabilidad en sí.

Gráficos: NEXT GEN… NEXT NEP. La verdad como fue señalado al inicio del presente artículo, Omega Quintet deja mucho que desear como el debut de Compile Heart en la generación actual, pero realmente Neptunia cumple con lo mínimo que se puede de la franquicia y del sistema, aunque también es algo que PlayStation 3 pudo haber corrido eso si con algo de esfuerzo.

Lo destacable viene siendo el tema de los 60 frames por segundo, algo que ya al fin habían logrado los Re; Birth en su versión de PC, pero que sea aquí logrado por primera vez de manera nativa es lo mínimo que se le puede exigir a Compile Heart para un juego que aun

sigue siendo humilde en muchos aspectos.

Y es que no nos engañemos Megadimension sigue luciendo como un Neptunia, texturas sencillas, escenarios poco detallados pero si algo cabe recalcar es la definición y la velocidad de todo, fluidez total, excelente definición no veras malas texturas en lo absoluto, veras una velocidad de combate muy de acuerdo a los tiempos que corren, con algunas caídas puntuales (algo que se corregirá en su port próximo a PC) y sobretodo animaciones que no son muy detalladas y marcan un punto de inflexión en el aspecto general del juego, luciendo todavía con ese poco detalle que se veía desde la generación pasada.

Puntos a favor tienen las transformaciones, completamente nuevas y que tienen mejor aspecto que en el pasado, sobre todo las que son para transformar a Next Form, son un buen deleite visual. Si bien podríamos decir que en general se le debía haber exigido aun mas a Compile Heart, cumple con el mínimo que debe contar un juego de PlayStation 4 y es esa bendita taza de frames, lo cual hace que el poco detallado de los escenarios sea perdonable aun.

En el lado de las conversaciones 2D, estas siguen manteniendo su encanto, con sprites completamente nuevos, se puede decir que han sabido evolucionar dentro de su línea a los nuevos tiempos, nada que criticar ahí.

Quizás como punto final es de destacar la dif-

erencia entre los nuevos dungeons y los clásicos que siguen estando presentes en su mayoría, los primeros lucen con un buen detallado siendo en realidad los mejores escenarios del juego, desde pasar por un bosque de cerezos hasta estar en una Arcade, son esas cosas que hacen sentir gusto de ver las cosas en VII, por otro lado los escenarios clásicos si bien lucen mejor hacen mostrar más sus carencias de la falta de definición en los tiempos actuales.

Duración: Lo estándar con novedades curiosas.

Quizás un punto en contra de VII, es ver su duración y es que si bien no está del todo mal era esperable mas comparado a los capítulos anteriores debido a lo que se había promocionado sobre los 3 arcos y demás.

La duración de la historia en Megadimension puede andar alrededor de las 40 horas, si te vas por el camino cortó y solo vas por el argumento, ahora bien explorar todo lo cual es diverso en un Neptunia, sin decir sacar los dos finales y demás puede acercarte a las 100 horas sin problemas.

Muchas de esas novedades radica en cumplir objetivos secundarios, ya séase para conseguir ítems, para conseguir el tesoro secreto que ahora requiere que cumplas cosas por

ello, o simplemente por hecho de farmear que sigue siendo el pan de cada día en la saga.

Además es de destacar los dos dungeons especiales llamados: Neplunker (en honor a la saga veterana Spelunker) y es la base de estos escenarios se basa en el plataformeo algo irónico y extraño para un juego RPG, el objetivo básicamente es sobrevivir dicho Dungeon y contas con vidas para ello, poniendo en la mesa que puedes morir por casi cualquier cosa si no tienes cuidado, un reto bastante exigente incluso para los veteranos en la saga pero no se hacen a la idea de ver un plataformas en un RPG. Aparte de ello y de conseguir los coleccionables, quizás VII quede algo lejos de cumplir las expectativas dichas en la publicidad o por los trailers, pero cumple con lo justo en duración con lo que se puede esperar de un Nep y eso es lo importante.

Música: Una Odisea al alma, Nueva OST de Calidad + Viejas conocidas de sobra.

Cabe aclarar antes que nada que ya he hablado de dicho Soundtrack con anterioridad cuando el juego salió en Japón, no obstante quisiera ahondar más en el tema, y es que la saga recibió la revitalización necesaria que requería en ese aspecto, tanto en su apartado de melodías como de canciones.

Resaltar melodías como DIMENSION ZERO,

WILL BE VENUS (que parten de la misma base musical), VOLTAGE o Sailing of a DayDream hacen ver lo diverso y único que es VII, algo que ayuda a eso es la variedad de compositores que hay en el juego, pasando por Takeshi Abo (Steins;Gate); Earthbound Papas (Nobuo Uematsu y Cia, no necesitan presentación) o el ya conocido Kenji Kaneko que podríamos decir es el compositor base de la franquicia, tenemos una variación de temas en donde abunda lo electro, con alguna que otra belleza especial, entre las que hay que destacar Shukumei no Kaikou (Encounter of Destiny) que es el tema dedicado a las Giant Battles y les da un ambiente épico especial.

También están melodías rescatadas de anteriores juegos de la saga, siendo quizás la nota más aburrida del apartado y no destacando en ningún aspecto en general, por suerte en un radio de uso comparado al nuevo Soundtrack, su apreciación es mínima lo cual es de agradecer no arruinando el balance general del uso de melodías en el juego.

Por último cabe ver las canciones, Mousou Katharsis tema de Heart Dimension, es el más destacable por su estilo baladistico, aunque los temas de Zero y Hyper Dimension también andan en buena calidad, el Opening: Soutaisei VISION hecho por nao, es quizás uno de los mejores Opening de la saga, por su buen

ritmo y alcance, el Ending: Mirai e no Resolve, hecho por Ayane está dentro de la línea de ella con su alcance electrónico, en general una OST que puede dejar indiferente a algunos, pero a otros al igual que por ejemplo el argumento del juego les encantara.

Conclusión: La Espera de los sueños valió la pena.

He sido fan de la saga desde hace 3 años y la he puesto en una especie de altar ya pasado ese tiempo probando todos sus juegos, y estando encantado de ellos a más no poder, ahora bien no soy ningún ciego y la saga pedía a gritos la palabra: Renovación, para mantener vivo el interés en la franquicia, y realmente puedo decir que Compile Heart cumplió con lo que debía hacer.

Con un argumento que si bien lamentablemente no será del gusto de todo público, bien sea por desinformación, bien sea por nulo interés en el tema de fondo, para los que lo sepan apreciar es una gran vista al pasado y a un tiempo interesante de la historia, un tiempo que mas que fracasos y glorias combinadas, fue un periodo de ensueño que en esta época llena de tantos problemas en el mundo Gaming muchos desean que volviera.

A su vez cumple con lo mínimo que se puede

esperar de esta generación en el apartado técnico y jugable, no sacrificando ninguna de sus bases pero dejando claro que se pueden incluir las novedades suficientes para agradar a cualquiera, igual en el apartado sonoro recibió el alcance de novedad que debía recibir lo cual es de infinito agradecimiento.

Ahora bien como fue declarado hubieron ciertos aspectos del argumento referido a las protagonistas que son de puro balde, dando otra advertencia de que la saga en el sentido de sus personajes principales esta en un punto muerto, y como señalamos anteriormente

irse por otros sentidos no puede ser del gusto de todo mundo, y es algo que debe tener en cuenta Compile Heart para el futuro de la saga.

Pero en definitiva, Megadimension Neptunia VII es el mejor juego de la saga hasta la fecha, cumplió con todo lo que un fan puede esperar, y cumple con todo lo que cualquiera esperaría de la saga séase con previa información, habrán siempre quienes dirán lo contrario pero la verdad el camino esta trazado y si respetan las bases la saga principal (spin-offs) no van a dejar de mejorar, solo es cuestión de esperar.

tante corto... Pero en fin, obviemos la técnica de mercadeo de ‘mostrar todo y no dejar nada para que descubran después’ (la cual se está usando demasiado tanto en juegos y películas en los últimos días), pasemos a otro factor que le daba una ventaja bastante inteligente a SFV en cuanto a su desarrollo: Las betas.

Todos esperábamos que tras haber mostrado una beta, ósea un ‘pedacito’ de lo que sería en sí todo el pastel, después de haber tenido tantas pruebas y feedbacks de los Gamers y después de haber visto con 1 año de tiempo lo que hizo MK (insisto), tendríamos un lanzamiento sorprendente, que llenaría las expectativas de todos y que cuando menos superaría todo lo que se vio en las fases de pruebas... sin embargo, la realidad fue otra.

Street Fighter V LAS CRÓNICAS DE COLOSHO Escrito por Carlos

E

l legendario juego de peleas hizo su esperado regreso este 2016 tras exprimir hasta la última gota de lo que pudo sacarse a todas y cada una de las versiones de su anterior título... Teniendo únicamente (en mi opinión) a Mortal Kombat X como digno rival de juego de peleas de actual generación de consolas, habiendo tenido la oportunidad de observarlo por casi 1 año.

Los ojos de los Gamers estaban sobre Street Fighter V como el juego que destronaría a MK de ‘The King Hill’... pero, ¿¿realmente lograría cumplir tal logro?? ...en resumidas, ¡¡NO!! ¡¡Gracias!! ...OK, OK hagamos un pequeño Review y analicemos los pros y los contras del infame juego de Capcom.

Contras Vayamos bastante atrás, me refiero a antes de su lanzamiento... Si bien Capcom siempre se ha caracterizado por preparar excelentes trailers de sus juegos de pelea, dígase del juego en general y en los anuncios de los peleadores, debo decir que con los de SFV se quedó bas-

La falta del clásico modo Arcade desalienta, a estas alturas un modo Historia es crucial para mantener la atención de los jugadores (más que todo de los casuales) y tampoco se encontraba, la indisponibilidad de opciones que fijan fecha hasta un mes siguiente (que casi fueron dos) decepciona, un caótico modo online que tardaba horas para encontrar un match, sin mencionar los más de 5Gb de descarga de la primera actualización desespera... en fin, un coctel de desorden de un juego que se lanzó sin estar completo, aderezado con el rage de los miles de jugadores que esperaban mucho, que termina en un rechazo bastante considerable hasta de los Gamers más tolerantes.

Apenas se contó con un modo de historia ‘introductorio’ que no tiene mayor relevancia, un modo survival que a pesar de tener boosts para ayudar al jugado, resulta bastante desbalanceado y frustrante (y todo para sacar míseros colores de los trajes), y pues claro el modo versus que a este si no encontraron forma de como estropearlo... bueno que no le pusieron los temas musicales de los personajes como cuando peleas Online.

Pros En fin, luego de tocar esa llaga, podemos decir que en sí que Capcom tenía ‘buenas intenciones’, queriendo sacar su contenido poco a

poco para ir ‘sorprendiendo’ a los jugadores, aunque realmente no supo llevar las cosas tan bien como hizo Killer Instinct en su momento...

Primeramente, lo más importante es que las actualizaciones de versiones de SFV serán gratuitas, es decir que no se tendrá que comprar juego nuevo cuando en el futuro se les ocurra darle un Update fuerte a todo el juego. En SFV podremos ganar puntos que nos ayudarán para comprar contenido como personajes, escenarios y trajes (obviamente los cuales son costosos), pero bien en algún momento podremos desbloquear, a menos que no nos importe regalarle un poco más de monedas a Capcom que también nos da la opción de comprar contenido de esa forma.

Al momento del lanzamiento del juego se contaba con 16 peleadores, entre ellos 4 nuevos, y así mismo se anunciaron otros 6 más que se irán desbloqueando para ser comprados cada mes después de la salida del juego y dando la oportunidad de probarlos primero por un tiempo para convencernos de comprarlos o no.

Con la primera actualización de Marzo se nos permitió jugar con Alex de SF3, así como desbloquear la Store en la que podemos comprar trajes y una que otra tontería como colores, además se habilitaron los Trials que nos permiten conocer mejor las mecánicas y abrir la mente a nuevas posibilidades de combos y tácticas, es de mencionar que son considerablemente más sencillos que los de SF4.

En la actualización de Abril tenemos de regreso a un viejo favorito, Guile, quien no decepciona en lo absoluto y viene con sus Sonic Booms recargados. Ahora bien, para Junio se espera una nueva actualización sin peleador nuevo, pero si un modo con el cual SFV podría recuperar un poco más de atención, el modo historia/cinemática, el cual nos ayudará a esclarecer que es lo que se supone que está pasando en el juego y a unir los eventos que unen (cronológicamente) a SF4 y SF3.

Generalidades, modos de juego y mecánicas de pelea A nivel gráfico SFV cumple, eso si lo comparamos en retrospectiva con sus anteriores en-

tregas. Pero si lo comparamos con MKX se queda algo atrás, y sin decir de los escenarios que no sé porqué Capcom siempre se afana en hacerlos tan ridículos en su mayoría. La música de los escenarios es ‘meh’ como siempre, pero los temas de los personajes siempre son y serán de los mejores en su tipo en todos los juegos de pelea, aunque el gran ‘pero’ es que solo se activan mientras juegas Online y no en modo versus local.

Las voces robotizadas del anunciador o de los menús no son de mi agrado personal (y recuerdan bastante a SF3), y realmente me quedo toda la vida con el anunciante de SF4 (que recordaba los tiempos de SFAlpha3). La diversidad de peleadores está bien lograda, aunque realmente esperaba ver un roster más amplio en cantidad, y los personajes nuevos están tirados solo porque sí... no se les ve solidez alguna (igual como pasó en SF4). El modo Online es decente, aunque hasta la fecha sigue siendo un tanto aburrido y tedioso el buscar rivales.

En cuanto a mecánicas de juego, definitivamente es un SF distinto a lo que vimos en su entrega pasada, para algunos más lento, para otros más rápido, pero en lo que sí que es mucho más fácil de aprender a dominar que el sistema anterior. En cuanto al sistema de movimientos especiales, tenemos un buen balance entre los personajes que lanzan energía y los que son de ataques físicos, se mantienen los

ataques clásicos y se nivelan de alguna forma con una que otra característica nueva o con la ayuda de las barras de EX. Los Critical Arts dejan mucho que desear desde que solo es 1 por jugador y que son bastante ‘rápidos’ por así decirlo en términos de la animación de los mismos y del Hype que puedan causar. La agregación de ‘la barra V’ trae de vuelta los counter que nos ayudarán a ganar un poco de espacio cuando estemos rodeados o de accesar a una habilidad única para cada personaje o boosts de energía, lo que sí está bastante desbalanceado en mi opinión.

Ahora bien, las ‘V-Skills’ son un desperdicio de nombre, pues se hubieran apreciado más los ‘Focus Attacks’ de SF4 que simplemente meter a fuerza un movimiento especial al presionar Patada y Golpe Medios.

A nivel de modos de juego, SFV se fue por el desagüe, tanto en modo local como Online.

Pues como ya se planteó, da la impresión de ser un juego incompleto y que aparentemente ha sido planteado desde el principio solo para nivel competitivo. Por esto último Capcom ha perdido una gran cantidad de jugadores veteranos y de igual forma ha perdido el interés de que los jugadores casuales se animen a probar su juego con el solo hecho de leer tantas malas críticas.

En cuanto historia, Street Fighter nunca ha sido exactamente claro con lo que es o no canónico, pero al hacer un poco de investigación te das cuenta que al menos entre el tiempo de el primer SF hasta SF4 es comprensible lo que va pasando, pero al hacer el salto a SF3 se pierden de vista muchos puntos importantes, lo cual se supone se nos planteará en este título.

Esperemos que Capcom cumpla y que las actualizaciones de versiones sean transparentes y sin necesidad de pagar extra por ellas. Respecto a la compra del contenido extra, si bien se puede comprar con puntos ganados en el juego, esto es bastante difícil de ganar y luego que terminas los ‘modos’ que te ofrecen por el momento no se pueden repetir para ganar más puntos, y nos se pueden ganar jugando versus o con un amigo Online... en otras palabras, hay que pelear en modo Ranked para ganar unos cuantos centavos (casi literal porque dan pocos puntos) y lograr ajustar para comprar lo que deseas, o le metes dinero extra y te quitas esa complicación.

Palabras finales Capcom volvió a cometer el error de lanzar su juego antes de tenerlo afinado, como paso con Marvel vs Capcom 3... Como fan de esta saga legendaria debo decir que SFV no es malo... pero no es un juego completo, y va a pasar un rato para que lo nivelen a lo que todos esperábamos.

Es divertido para jugar con los amigos, aunque después de un rato va a aburrir. Si vas buscando jugar modos de 1 jugador te vas a aburrir mucho más rápido. A menos que vayas directo a buscar pelea al Online, que pues como dije antes igual es de tenerle paciencia, el juego se queda cortó en rejugabilidad a nivel general para un jugador.

SFV ha sido planteado como un juego para torneos tipo la EVO, pero se ha descuidado para el resto de Gamers. Esperemos que Capcom se dé cuenta de sus fallas y que se reivindique de alguna forma con el contenido faltante o en sus próximas actualizaciones.

EL ASCENSO AL LADO OSCURO DE LOS VIDEOJUEGOS: El Rincón de Cedlink - Escrito por JC.

L

a industria del Gaming ha evolucionado mucho desde sus inicios, para bien o para mal se ha adaptado a los tiempos modernos. Aun que para muchos (y me uno a ellos) la frase: “que haya progreso no significa que las cosas mejoren” es un fiel reflejo de lo que vivimos, a la gran mayoría parece no importarles que les vean la cara de tontos cada año o algo así.

Desde la quinta generación el mundo de las consolas de sobremesa venía haciendo guiños a la creciente Internet, usando periféricos para conectarse por fax/modem de 64kb, más que todo para algún intento de juego multiplayer o descarga de alguno que otro objeto.

Ya en la Sexta generación el internet fue adentrándose poco a poco en el mundillo de las consolas y juegos como Final Fantasy XI, Resident Evil Outbreak o Phantasy Star Online comenzaron con los juegos multiplayers on-line; el tema de descarga de contenido aun estaba limitado más que nada por la capacidad de almacenamiento de las consolas. Pero no fue hasta la séptima generación cuando el internet pasó a ser parte indispensable de los juegos de estas consolas.

¿Pero por qué digo que todo se va al traste?

Por varias razones que paso a enumerar en estos instantes: DLC, anualidades y juegos incompletos.

DLC Hay que admitir que ya desde antes de la Séptima Generación (PS2, Xbox 360 y Wii) ya habían juegos con entregas anuales (cof cof FIFA cof cof) era lo peor que había. Pero luego las compañías comenzaron a vender DLC (Downloadble Content, o contenido descargable) absurdos.

Antes de seguir aclaremos algo: hay 2 conceptos diferentes DLC y expansiones.

DLC: es contenido que viene a completar el juego, es decir armas, colores, skins, personajes y cosas por ese estilo. No hacen que el juego sea más largo, ni tampoco que se agrega algún valor para re-jugarlo.Si son de la vieja escuela podrán hacer un símil así: Marvel vs Capcom 2 y Marvel vs Capcom 3; en el primero desbloqueabas a los personajes jugando y juntando puntos, puntos que luego podías usar como dinero para desbloquear a los personajes (más de la mitad del plantel).

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Si son de la vieja escuela podrán hacer un símil así: Marvel vs Capcom 2 y Marvel vs Capcom 3; en el primero desbloqueabas a los personajes jugando y juntando puntos, puntos que luego podías usar como dinero para desbloquear a los personajes (más de la mitad del plantel), mientras que en Marvel vs Capcom 3 solo hay 2 personajes a desbloquear y solo se pueden desbloquear pagando.

Expansión: Una expansión es aquella que viene a complementar un juego, te da nuevas aventuras, nuevas campañas, etc. El ejemplo más clásico de una expansión que se me viene a la mente es la de WarCraft 3, Frozen Trone o la de Diablo 2 con Lord of Destruction, que alargan el modo campaña con nuevas historias y más horas de juego.

Puedes vivir tranquilamente tu vida sin comprar un solo DLC. ¿Es malo que existan los DLC? Estrictamente no, lo que sí es malo es que se abuse de esta práctica y que la gente caiga como por ejemplo juegos con DLC el día 1 de lanzamiento o DLC que desbloquean datos que ya de por si están en el disco que ya compraste.

Aun que es obvio que los DLC, al igual que las expansiones, no son de compra obligatoria o ¿sí?

Durante la generación pasada se quiso implementar DLC obligatorios para jugar on-line en juegos como FIFA o The Last of Us, esto con el fin de sacarle provecho al mercado de segunda mano, a Dios gracias esta práctica no se popularizo, aun que si aparecieron los famosos pases de temporada, que no es más que pagar DLC por adelantado.

Para terminar este punto, ¿Los DLC son malos?

Ni si, ni no, yo soy de la idea que los DLC de nuevos escenarios, personajes o mapas o cosas por el estilo está bien, pero luego de un tiempo, no como a día de hoy los DLC en el día de lanzamiento son cada vez más comunes (ya no basta solo pagar el juego, sino que además hay que pagar los extras desde el día de estreno).

Hay juegos que tienen tantos DLC, que todos juntos valen más que el juego original, si lo sacan es porque hay gente que los compra, pero la que alguien los compre… supongo que hay de todo.

¿Una prueba de ellos es el FIFA, hace años (allá por el 2001), fue la primera vez que me engancho un juego de FIFA, para ese entonces el multijugador online no estaba tan desarrollado, y jugar una temporada con un equipo en ese entonces era una entretención para rato.

Recuerdo que jugué con el Real Madrid una temporada, y recuerdo haber jugado los 3 torneos: liga, copa del rey y Champions durante esa temporada.

Anualidades Y eso no lleva a otros juegos que están matando al mundillo de los videojuegos y es que se vienen los juegos con entregas anuales. Quizás de las prácticas que aquí critico. ¿Quién no conoce la entrega anual más famosa? claro hablo de la saga de FIFA, desde 1996 esta saga no ha fallado con su entrega anual.

Siendo la mayor diferencia (y en varios casos la única) la actualización de plantillas de los equipos y la actualización de los uniformes de los equipos.

Y es que el problema con las entregas anuales es ese precisamente, el poco tiempo de desarrollo hace que estas entregas sean abundantes en bugs, pero y es que estos juegos no solo van con sendos errores de programación, sino también cada vez se olvidan mas del modo de un jugador y se enfocan solo al multijugador y en muchos otros casos dejan al multijugador local de lado y enfocándose completamente al online.

Es malo que un juego se enfoque solo al multiplayer? No para nada, pero lo que sí me parece extremadamente malo es que por ser anualidad, se vaya dejando de lado el modo campaña o para un solo jugador, para ir lo enfocando al multiplayer solamente.

Pero ahora ese modo solo está disponible en el modo carrera. Y ¡Oh Sorpresa! El modo carrera de FIFA 13 (fue el ultimo FIFA que jugué en el 2013) tenía un error, el cual hacia que tu juego se quedara trabado al pasar el primer año. Error que según se nunca repararon, sacaron una actualización se supone para repararlo, pero a mí siempre me paso. Y cuando se lo comentaba a varios amigos que juegan al FIFA año con año, me dijeron que ellos el modo para un jugador ni lo tocan, solo juegan el multi. Para concluir lo malo de las entregas anuales es: • Juegos sacados al mercado con sendos errores • Casi nula variación entre un juego y su entrega anterior • La eliminación del modo para un solo jugador, por centrarse más al multijugador.

• Estas actualizaciones te las venden a precio de un juego nuevo y completo, y al cabo de un año se deprecian horriblemente y si no las vendiste en su momento, estas condenado a que queden en tu repisa tragando años y años de polvo.

Si el público no fuera tan ciego y no se dejaran influenciar por, lo que sea que los obliga a comprar las anualidades de los juegos (llámese marketing, amigos, moda o lo que sea), estos juegos podrían actualizarse con un DLC o una expansión que valga una fracción del juego completo y todo mundo feliz, pero como no es así, todos parecen estar contentos con sus entregas anuales, pagando precios completos por un juego que viene repleto de errores y con diferencias apenas perceptibles, pero bueno cada quien.

Juegos incompletos Y esto sí es el colmo. A ver vamos por partes, de entre los muchos modelos de vender video juegos actualmente, uno que se está haciendo popular es sacar al mercado un juego incompleto (ya saben con pocos personajes, pocas armas, mapas, etc.), pero conforme pasa el tiempo, la desarrolladora va agregando nuevos contenidos que terminan de hacer completar el juego, hasta ahí todo suena bien.

El problema viene cuando comienzan a cobrar, es decir si yo pago el mismo precio por un juego completo, espero que el juego venga completo. Pero a día de hoy se han encontrado con el método: “págamelo todo y luego te completo el juego… si me ronca la gana”.

Vámonos a un ejemplo reciente con el Star Wars Battlefront, de por si este juego venia corto de contenido, sin modo campaña y otras quejas. En un primer momento se dijo que EA Games iba a completar el juego conforme pasara el tiempo, y se vendía un pase de temporada (aparte del valor del juego) lo cual les iba a permitir tener el contenido que fueran sacando. ¿Qué fue lo que paso? De entrada una cachetada para lo que compraron el juego el día 1, EA Games redujo el precio a la mitad, luego la más grande cachetada aun, se anuncia Star Wars Battlefront 2 dejando abandonado a los que compraron el SWB 1.

Vendió un juego incompleto a precio de un juego completo (entiéndase precio completo entre $60 y $70 dólares depende del país donde compres el juego), y prometió completarlo, pero no hay nada que lo obligue a hacerlo.

Algunos juegos si lo hacen como por ejemplo Splatoon y Street Fighter 5 (este último de momento va cumpliendo, pero aun está a tiempo de echarse para atrás jajaja) que el día de lanzamiento venían pobres de contenido, pero con el paso del tiempo se le fueron agregando contenidos por DLC gratuitos.

Otro ejemplo de juego incompleto es Hitman 2016, Square Enix lanza este juego en por capítulos, al menos en este caso el juego no lo venden a un precio de juego completo, y en este caso parece que la cosa va por buen camino, porque parece que las promesas se están cumpliendo y no quedara ninguna en el aire.

Pero el peligro con este tipo de juegos, como dije antes, es que a la compañía se le ocurra no sacar más y dejarlos abandonado.Lo que si sucede con este tipo de juegos, es que el capitulo suele durar muy poco y mientras sale el siguiente cap, el juego queda en el olvido.

Y aun así, no sabemos si el capitulo que será lanzado cumplirá con un mínimo de calidad.

En lo personal el único juego que compraría y que funciona de este modo es Killer Instinct para Xbox One, el cual cada temporada te van introduciendo nuevos personajes, en fin es un juego de pago por capitulo si lo quieres ver de ese modo, pero ya sabes que la calidad no decaerá, y prácticamente tu pagas por todo el juego o solo una parte, pero ya es decisión tuya.

Conclusión Sé que con el paso del tiempo, los modelos de negocios van cambiando. La tecnología lo está cambiando todo. Pero en nuestras manos esta que estas prácticas abusivas de las compañías no prosperen.

Pero a día de hoy el mayor problema que enfrentamos no es tanto las prácticas sino a los fanáticos ciegos, los famosos fanboys que terminan comprando todo aun que sea la peor basura que se les pueda ofrecer. Peor aún, es gente que no acepta que alguien tenga una opinión diferente o simplemente se dejan llevar por la moda.

Como en todo hay que ser comprador inteligente, no dejarse engañar por falsas publicidades que hoy está de moda que las revistas le dan notas de excelente a jugos que no lo son, pero que se nota de sobremanera que los

maletines mandan. Incluso Metacritic ahora ya no es tan confiable por las notas de las páginas y usuarios que crean cuentas falsas, solo para subir o bajar notas de algún juego.

Pero también es posible informarse bien, y eso es parte de nuestro deber como compradores responsables, saber qué es lo que estamos comprando y no dejar que otros nos digan que comprar.

el modelo F2P. Incluso podemos decir que este género en el Gaming, prácticamente tiene definido de pies a cabeza como deben funcionar futuros competidores, sería peligroso alejarse de la receta.

Existe también una característica compartida entre estos dos juegos, los personajes que participan en ellos salen de una u otra forma de diseños existentes de sus propiedades intelectuales. Este no es el caso de Overwatch, sus personajes son completamente nuevos, pero también es la primera incursión de Blizzard en los juegos FPS.

¿DEBERIA SER OVERWATCH FREE TO PLAY? THE MODERN ZONE – Escrito por KaCeX. ~ Columnista Contribuyente ~ Contacto: bit.ly/Juegatei

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ecordemos porque en un inicio se pensaba que esta nueva IP de Blizzard podría ser F2P. Sus dos últimos juegos, que no formaron parte de una saga claro está, entraron en el modelo de negocio de las microtransacciones debido al género al que pertenecían.

Los First Person Shooter no parecen ser tan exitosos en el mercado F2P. Por su naturaleza competitiva los multiplayer de disparos suelen ser objeto de diversión para hackers, lo que resulta en complicaciones para los creadores, en forma de parches periódicos, así como para la comunidad que no suele ser tolerante ante estos abusos.

Sin embargo, al ver cómo está diseñado Overwatch, se puede notar que están intentando desintoxicar a las comunidades que lleguen a él, quitando prácticamente del camino el tan criticado kill/death ratio y poniendo en su lugar lo que has hecho mejor en esa ronda, ¿lecciones aprendidas de los MOBA tal vez?

En el caso de Hearthstone, un juego de cartas coleccionables en línea, tiene la capacidad de monetizar las cartas a través de paquetes que pueden ser comprados con la moneda dentro del juego o con dinero real.

Cabe mencionar que es muy fácil ver que las pequeñas trampas que promueven las microtransacciones están ahí, ya que existen skins, poses, taunts y grafittis que se pueden desbloquear mediante una especie de cofre con el que te premian cada vez que subes de nivel en el juego, o bien, puedes acelerar el proceso y comprar los cofres directamente por $1.99, de dinero real, claro.

Además, le da la oportunidad a Blizzard de crear expansiones pagadas y gratuitas para mantener el interés de los jugadores. Por otra parte tenemos a Heroes of the Storm. Sacar un juego como este presenta sus dificultades, ya que entre los diferentes MOBA existentes el rey definitivo es League of Legends, por lo tanto, es muy complicado que un nuevo competidor pueda participar del mercado sin usar

Quizás el mayor indicio de sus orígenes F2P son los créditos de Overwatch, los cuales te permiten desbloquear de forma específica cualquiera de los ítems mencionados anteriormente, el problema es que no existe forma de comprar estos créditos directamente sino que es un premio aleatorio de los cofres que puedes ganar o comprar. Siendo este el caso, no veo gran beneficio en comprar cofres con

tu dinero. Tal vez en un futuro distante, los desarrolladores consideren llevarlo a F2P, tal como lo hizo Valve con Team Fortress 2.

En conclusión, es mi opinión que este juego en su concepción fue diseñado para soportar el modelo F2P, pero teniendo en cuenta que Blizzard Entertainment es un subsidiario de Activision, fueron ellos quienes tomaron la decisión o tal vez recomendaron, de que Overwatch no debería ser F2P, tanto por la problemática ya mencionada de los FPS en este modelo de negocio y porque esta es una nueva propiedad intelectual que podría ser un

hit aún sin tener una campaña single player.

No hay duda de que los gamers le tienen más fe a Blizzard que a Activision, aún cuando son prácticamente la misma compañía, y tal vez este sea un caso de éxito para los FPS que solamente cuentan con multiplayer, luego de casos controversiales como Evolve y Titanfall, que se tardaron más tiempo en salir al mercado que en aburrir y decepcionar a los jugadores.

STORIES section

CONTENTS • CHRYSANTH EPISODE 00

CHRYSANTH - EP00: Escrito & Ilustrado por Emely.

Explicación por Neto.

T

odos tenemos deseos, sueños, cosas que queremos cumplir, pero claro no siempre podremos hacer cumplirlos aunque claro no es una regla común que deba cumplirse, hay veces que pueden hacerse realidad. Podría decirse que es una odisea pero claro no es tanto así cuando hablamos de llegar a lo imposible por tal de lograrlo, a veces no es simple expresarlo en hechos sino que las palabras pueden ayudar en ese cometido, ya que el objetivo final es el mismo de una manera u otra.

Chrysanth nos exhibe esa presentación, un deseo que no ha podido cumplirse algo que coincide con muchas cosas que se desean en la vida real, pero claro a veces los sueños son como las estrellas difíciles de alcanzar, pero siempre buscaras cumplirlos para lograrlo, aun con que no está la seguridad de que se harán realidad o no. O Al menos ese es el objetivo al meternos en la piel de nuestro protagonista rojizo misterioso.

A su vez podríamos decir que estamos en un caso en el cual la unión perfecta para lograrse debe meterse a una prueba, y que mejor testigo que el lazo rojo del destino para decidir eso, entre nuestro protagonista y nuestra “heroína” Amelia Hope.

Cabe aclarar que a veces ese deseo de alcanzar tus sueños te puede llevar a la últimas consecuencias, es así donde ese “sueño” puede hacerse realidad, aclarando debe decirse con influencia sobre natural o divina dependiendo del caso en especifico en Chrysanth del dios solar Ra, que será como nuestro arbitro en esta aventura que combina romance con el clásico tema del destino, quien diría que una “flor” daría el ámbito central de esta obra (es de decir que Chrysanth toma referencias de una clásica obra japonesa, la cual dejaremos que la investiguen ustedes mismos).

Claro estamos hablando de algo que podrán haber oído con anterioridad (el típico milagro, Deus Ex Machina, función de deseos, etc).

Pero Chrysanth es diferente a lo largo de este manga verán porque esta obra no será la típica en la cual veremos un desarrollo tan rápido, sino al contrario veremos el por qué se tuvo que llegar a esta que ocurre en el capítulo 0 que presentamos a continuación.

En si es un honor para OtakuGamerZ Magazine abrir esta sección, en la cual presentaremos “historias” séase Fanfics o Mangas como el que tenemos a continuación y en realidad es un honor tener a Emely en nuestro equipo para que nos relate esta historia que se que les encantara. Para la próxima edición Emely los guiara por esta explicación, dando una descripción más específica de la obra, viendo además sus personajes y claro una percepción personal de lo que espera que ustedes disfruten a lo largo de esta manga.

Debemos además claro está sin estar de mas la advertencia que se animen a leer en profundidad cada capítulo que presentemos y pongan sus propias conclusiones, las explicaciones que daremos antes de cada capítulo será más

que nada para darles una introducción en el mundo de Chrysanth, dejando el argumento en si al descubrimientos de nuestros lectores, en pocas palabras nos evitaremos dar spoilers y mejor descubran la trama ustedes mismos.

Además de momento tenemos la primicia de presentar esta obra en español, habiéndose disfrutado hasta el momento únicamente en ingles, y pues esperamos que les guste esta obra, a partir del próximo número, en el cual empieza en si la obra (esto es en palabras resumidas un prologo de la misma) veremos la cantidad estándar de un manga (20 páginas) pero en si es un honor como Director de la Revista dar este espacio que nos ayuda a identificarnos con nuestro lema completo: “Compartir nuestras experiencias, el mundo anime y Gaming es nuestra Historia”.

Sin detenerlos más disfruten y esperamos se deleiten con esta obra de fantasía y romance.

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