Foto: cortesía Idarte / Juan Santa Cruz.
BOG
EDITORIAL
El arte urbano se ha considerado desde los 60 como una manera de expresar las inconformidades políticas que se vivían en aquella época. El grafiti es lo primero en lo que se piensa cuando se habla de este arte. Sin embargo, con el pasar del tiempo este movimiento se ha ido resignificando en sus expresiones artísticas para darle paso a otras formas de interpretar el arte. BOG en su primera edición pretende mostrarles a sus lectores la variedad de vertientes que han surgido de este ámbito cultural. Hoy por hoy el arte urbano brinda otras formas de expresar la libertad y la revolución, como el baile, la música, la fotografía, el teatro, los tatuajes y el body paint. Nuestra propuesta editorial tiene el propósito de incentivar un cambio de pensamiento que amplíe la perspectiva del arte urbano. Queremos que al leer cada uno de nuestros artículos se adentren en este mundo que ha sido estigmatizado y subvalorado por su contexto en la urbe, para así darle el reconocimiento que merece. Los artistas, que son la columna vertebral de BOG, serán los encargados de revelarnos mediante sus historias de vida cómo se apropian del arte. Ellos son la contraposición del discurso de que “del arte no se vive”, porque en realidad su pasión, aunque sea difícil en este país, los ha impulsado a llevar el arte a gran escala y transformarse, no solo a sí mismos, sino a las personas de su alrededor para sembrar un sentimiento de perseverancia. Por: Natalia García y Alisson Torres.
? ENTÉRESE
e t ¿ar ano? b r u Por: Alisson Torres Herrera.
G 6
@alissontorresh
rafitis, murales, tags y adhesivos, o como comúnmente se les conoce stickers, todo esto hace parte del reconocido arte urbano que diariamente se ve en las ciudades. Bajo los puentes, en las vallas, muros e incluso buses, el arte callejero se toma cada rincón de las calles. Nacido en el París de los años sesenta 60 como un movimiento de protesta y con un alto tinte político (art de rue), esta práctica artística se ha globalizado
por el mundo entero bajo la premisa de visión moderna y rebelde. Durante sus primeros años y hasta finales del siglo XX el arte urbano se servía de carteles, afiches y unas cuantas obras que expresaban el sentir de aquellos insurgentes que se atrevían a marcar las calles de los barrios marginales de la ciudad. Así lo afirma la revista Muy Interesante en su artículo “El origen del arte callejero” (30 de mayo 2018). Según Rocío Cervera Crespo, investigadora artística española, estas expresiones se caracterizan principalmente por encontrarse en espacios públicos o fuera de un contexto y espacio artístico convencional, como los museos o galerías. En su ensayo ¿Qué es arte urbano?, asegura
BOG. JUNIO 2021
que la autogestión de los artistas genera una gran diferenciación del arte tradicional, pues ellos mismos deben financiar sus obras y los materiales sin recibir algún pago. En últimas, el arte urbano se ofrece de manera gratuita en los muros bajo la filosofía de “arte por el arte” y “el arte al acceso de todos”; por otro lado, sus mensajes en pro de los movimientos ciudadanos, con crítica social y política, que invitan a la reflexión y a la subversión de sus comunidades, lo hacen inconfundible. Por ello, es común que en muchas ocasiones los murales o grafitis tengan mensajes en contra de sus gobernantes o de la autoridad. Existe una gran variedad de artistas callejeros o urbanos, pero la mayoría son los grafiteros que suelen ser artistas de bajo perfil, que cuidan mucho su identidad, pintan con aerosol usando un esténcil o a mano alzada.
ENTÉRESE
No es común que hagan cosas muy grandes, pues deben plasmar la obra de forma rápida debido a la prohibición en muchos países. Por otro lado están los muralistas, que se diferencian de los anteriores por el uso de grandes superficies para sus obras; suelen tener técnicas más cuidadosas y detalladas. Estos artistas son mucho más reconocidos en la escena y no suelen usar el espray como lo hacen los grafiteros. Y por último están las famosas crews, grupos de dibujantes, pintores y grafiteros que se unen para llenar la ciudad con sus tags, pequeñas marcas o símbolos que los representa; muchas veces también tienen adhesivos o stickers que pegan por toda la ciudad. De todos modos, el arte urbano no se agota en las expresiones plásticas. En la actualidad existen distintas vertientes que pueden catalogarse también como arte callejero. Música, tatuaje, danza, fotografía, cuentería y demás formas que nacen desde un lugar de resistencia en el que en muchas ocasiones no se cuenta con el apoyo de la academia ni de ningún otro órgano estatal que ofrezca garantías para seguir creando. Así, con un alto contenido de crítica social, el trabajo de estos artistas es compartido con el único fin de darse a conocer y extender nuevas visiones de mundo más positivas e incluyentes a todo tipo
de espectador, aunque no se obtenga un provecho económico inmediato por esta labor. Pese al crecimiento del arte urbano y los grandes movimientos socioculturales que impulsa, muchas entidades gubernamentales han financiado y gestionado proyectos en los que se dé visibilidad a la diversidad y se reconozca a los artistas urbanos como autores activos a la hora de brindar enriquecer el arte y la cultura de la ciudad. Asegura el colectivo Distrito Grafiti en su página web que uno de estos reconocimientos a los artistas ha sido el conmemorar el Día del Arte Urbano cada 26 de agosto esperando transmitir un mensaje de cambio y reivindicación para la ciudanía. El estímulo de la Alcaldía Mayor de Bogotá fue ofrecer $1500 millones de pesos a través de la beca “Ciudad de Bogotá de Arte Urbano”. La idea era que los artistas trabajaran y crearan piezas únicas junto a sus comunidades para que los ciudadanos despierten su sentido de pertenencia, se apropien, cuiden y valoren tanto sus territorios como el patrimonio cultural que les puede ofrecer la ciudad. En palabras de Estela Pérez, escritora española, en un artículo publicado en El Periódico, el arte urbano se conoce por todo el mundo; incluso se han nombrado varias ciudades como capitales
BOG. JUNIO 2021
mundiales del graffiti. Una de ellas fue Berlín, debido a que en su época soviética, se pintaron piezas artísticas en el muro como parte de la protesta social; luego de la caída, se preservaron pedazos de concreto como patrimonio cultural del país. Cada año miles de artistas visitan la capital alemana en busca de esta memoria histórica del arte callejero. Debido a esta importancia tan mediática, la UNESCO también ha apoyado y regulado el arte urbano gestionando proyectos y actividades como el “Djerbahood” llevado a cabo en Túnez, que reúne todas las muestras de arte urbano (desde las gráficas hasta las performativas) para fomentar la creatividad, proteger el patrimonio y, sobre todo acabar con los prejuicios que se tienen sobre el arte callejero.
¡DALE CLICK!
Descubre y entérate de la música urbana que tiene BOG para ti.
7
dibújelo
DISTRITO GRAFFITI, LA DIGNIFICACIÓN DE UN ARTE Por: Alejandra Beltran García.
8
Distrito Graffiti forma parte del Instituto Distrital de las Artes, Idartes. Es un programa cuya finalidad es gestar la práctica responsable del graffiti, mediante diferentes estrategias, actividades, programas y áreas de gestión. Distrito Graffiti es un espacio ubicado en la Zona Industrial de Puente Aranda, en la Cra. 53f #5c-1 #5c-99 a. Esta zona es propicia para la práctica y exhibición de este arte, ya que es un sector donde se encuentran grandes fábricas, que por la dimensión de sus muros facilitan la ejecución y el desarrollo de las pinturas. “Este lugar cuenta con más de 5.800 metros cuadrados que han convertido esta localidad en la zona con mayor concentración de grafitis de gran formato de América Latina, además es visitada mensualmente por cerca de 300 personas entre locales y extranjeros”, según la página de la Secretaría de Cultura de Bogotá y el Instituto Distrital de Turismo. En 2011, tras la muerte del graffitero Diego Felipe Becerra por parte de un patrullero de la policía, se gestó una conmoción frente al graffiti y se concluyó que este gremio no tenía
Fotos: cortesía Idartes / Juan Santa
@alejandra_Beltran00
una normatividad clara que les especificara unos lineamientos propios para la ejecución de este arte. Lo único que ellos tenían claro en ese momento era la multa en caso de ser encontrados pintando un muro. Es ahí cuando los artistas y las instituciones piensan en organizarse y se comienza un proceso colectivo. En ese momento el Idartes, la Secretaría de Cultura y la Secretaría de Ambiente, dan inicio a procesos participativos, colectivos y comunitarios para desmarcar el grafiti de esa estigma de vandalismo y delincuencia y darlo a conocer como una práctica artística. A partir del 2012 se empieza hacer un diagnóstico del grafiti en Bogotá, se revisan zonas, destacar artistas y se establecen prácticas. Según Ana María Reyes, Misional de la Gerencia de Artes Plásticas y Visuales de Ideartes, así nace el Decreto 75 de 2013
BOG. JUNIO 2021
de la secretaría de cultura, que promueve la práctica artística y responsable del grafiti en la ciudad y establece normas. Dentro de la normatividad de Distrito grafiti se tiene la posibilidad de participar en convocatorias para pintar los muros. Algunas de estas convocatorias tienen temas específicos pues la mayoría de las veces se hace un proceso conversatorio entre lo que quiere la comunidad y el dueño del muro. Los artistas interesados en pintar el mural deben hacer su inscripción a la respectiva convocatoria y es ahí cuando deben demostrar su trayectoria, su portafolio y una carta de intención. A su vez, estas convocatorias tienen unos evaluadores especializados quienes revisan el recorrido de cada uno de los participantes y determinan los ganadores. Hay convocatorias de pequeños, medianos y grandes formatos,
dibújelo
las cuales están dirigidas a los artistas según su trayectoria y experiencia, es decir formatos pequeños para artistas de poco recorrido y formatos grandes para artistas de gran experiencia. Los artistas interesados también pueden consultar la base de datos de muros autorizados y presentar sus propuestas de lo que quieren pintar allí, las cuales en comienzo serán evaluadas. Para proceder a pintar un muro se debe contar con la inscripción del muro, incluyendo las medidas de este y un documento de autorización. Con el ánimo de fomentar la práctica responsable del arte urbano y el grafiti, Distrito grafiti
cuenta con estímulos como la Beca de Intervención Artística Urbana creada en el año 2013 y que a partir del año 2016 recibió el nombre de Beca Ciudad de Bogotá de Arte Urbano, que va para todos aquellos artistas que se presentan a las convocatorias y que salen favorecidos, para que tengan recursos económicos a la hora de pintar una superficie. La ciudadanía puede participar en los tours que están a cargo de la Gerencia de Artes Plásticas en conjunto con la escuela de mediación Red Galería Santa Fe para mostrar la majestuosidad y el colorido de estos murales, con los cuales estos artistas urbanos están colabo-
rando para embellecer nuestra ciudad. Hay recorridos directamente en la zona de Puente Aranda, otros por el Centro de la Ciudad, que pueden hacerse a pie o en bicicleta.
dibújelo
Por: Alejandra Beltran García.
@alejandra_Beltran00
10
Su nombre de pila es Pablo Forero. Tiene 28 años y se siente muy orgulloso de ser bogotano; le encanta esta ciudad. Es diseñador gráfico de profesión, especializado en Motion Graphics, pero hace unos años renunció a ser un diseñador gráfico de agencia para dedicarse a su mayor pasión, el amor por la pintura, a lo que le dedica todo su tiempo, pues es una persona que poco hace deporte; no disfruta ver televisión ni películas. Siempre está ocupado haciendo murales, pinturas y todo lo relacionado con este arte, gestionando permisos para poder pintar los muros, buscando materiales. También es muy constante en su cuenta de Instagram @tigers.vibes, en la que dedica todo su contenido a mostrar su talento. Luego de terminar un proyecto se encierra en su estudio a pensar en el siguiente. ¿Hace cuánto y de qué manera se involucró con el Street art?
Es por mi hermana. Ella es 10 años mayor que yo y nosotros éramos del barrio puente Aranda. Es un barrio de clase trabajadora, donde siempre hay abundancia de hip hop y de los chicos que bailan break dance. Yo no fui tan talentoso para las rimas, ni para cantar, ni para bailar break dance. Desde muy pequeño fue un poquito difícil la situación económica en la casa, entonces mi mamá hacía que yo hiciera ejercicios de dibujo con el fin de que no estuviera perdiendo el tiempo en la calle. Cuando conecto toda esa influencia de mi hermana, porque ella sí escuchaba mucho hip hop y sus amigos eran como muy raperos, más la disciplina que mi mamá me estaba inculcando con el dibujo, que fue haciendo parte de mí diario, pues se conectó lo que es la pintura o la ilustración con el hip hop y el resultado es el graffiti. ¿Como artista callejero fue fácil involucrarse en el medio y dar a conocer su talento?
BOG. JUNIO 2021
Todavía estoy trabajando en cómo hacerme notar dentro del medio. Existe arte en varios lugares, pero las grandes capitales son las que tienen los grandes expositores. Bogotá claramente tiene, no sé, el número de artistas más alto en Colombia en cuanto a cantidad y la calidad; acá es de niveles increíbles. Todavía estoy trabajando muy fuerte en hacerme ver, eso sí dejando a un lado el ego. No me interesa que digan que soy mejor que alguien.
dibújelo
Ganarme una posición ha sido bastante difícil, llevo más de 15 años pintando y sigo en esa lucha de hacerme notar. Me está tomando mucho tiempo, pero es por la calidad con la que te encuentras en la calle. ¿Cómo surge el nombre “Pablo el tigre”? yo solía trabajar con otro seudónimo que era ERC y cuando me fui a vivir a Australia me encontraba gente que estaba interesada por mi trabajo y deletrear mi Instagram @erc.vd para ellos era extraño, entonces empecé a hacerme algunas preguntas a mí mismo. Bueno pero ese nombre no sé qué tanto me representa y decidí que representaba simplemente una etapa muy bonita de mi vida que tenía que terminar.
Mi hermano mayor falleció hace muchos años y le decían de cariño el tigre y mi nombre es Pablo. También yo experimenté muchas cosas en el exterior por el tema de Pablo Escobar, por las que me relacionaban Pablo, colombiano. Entonces decidí representar el espíritu de mi hermano en tantas cosas buenas que aprendí de él y mi nombre; ahí empecé a trabajar con una identidad más honesta conmigo mismo. ¿Que lo llevó a vivir en Australia? ¿cómo fue esa experiencia? Yo llegué a Melbourne que es como una de las capitales del Street art. Allá llegan los mejores artistas del mundo, los mejores artistas del mundo incluso son nativos de Melbourne. Sabía cómo era el método para conseguir espacios, para conse-
BOG. JUNIO 2021
guir pintura, donde vendían la pintura. Fue empezar de cero literalmente, chocarme con gente muy talentosa, con gente que tenía carreras de más de 20, 30 años cómo empezar a aprender otra vez, pero ahora de esta gente con esa calidad mundial; ver murales de clase mundial. Me tomó un tiempo adaptarme; aprendí un montón. Uno de sus sueños era pintar un edificio y lo pudo cumplir. ¿Cómo hizo para lograrlo y que le dejó esa experiencia? Fue en 2015 por dos factores, el primero y más importante la muerte de Diego Felipe Becerra. A partir de su muerte como que todo cambió en Bogotá. Fue como un antes y un después. El respeto por el grafitero era nulo. La Policía abusaba mucho y luego de la muerte de Diego Felipe se evidenció que había una población de jóvenes muy alta dedicada a esta disciplina. La muerte de Felipe nos puso en el mapa, nos dio un respeto ante las autoridades y pues esto sumado a Petro. Él destinó por primera vez buenos recursos para desarrollar proyectos serios desde la alcaldía. En esa época estaba trabajando con dos amigos, nos organizamos como empresa y licitamos para ese proyecto. Conceptualmente el primer edificio fue el de la cigüeña, que está ubicado en la diecisiete con décima. El concepto fue un homenaje a Diego Felipe Becerra; nos demoramos 15 días y fue una experiencia increíble. Fue un sueño que taché en mi lista de sueños.
11
dibújelo
12
¿Sobre qué temáticas prefiere hacer sus grafitis? Creo que a partir de que fui criado por mi hermana y mi mamá tengo un gusto particular por la figura femenina y todo el tiempo intento hacer mi pintura, mis fondos buscando mucho esa afinidad con la mujer. ¿Dentro de su trayectoria como artista callejero cual es el graffiti que mas lo ha marcado y por qué? El que hicimos en el 2015, el de la cigüeña, fue el primer gran formato que yo hice. Representa cosas bonitas como, por ejemplo, que para esa época yo renuncié a mi trabajo gracias a ese muro. Cada proyecto me va formando más como ser, cada muro me va dando más a entender quién soy. Hace poco en Medellín monté otro que se llama la Pietàt, que es una interpretación de la obra universal de Miguel Ángel; la pinté con un amigo. Esta obra representa mucho para mí porque era un sueño que yo tenía desde muy pequeño, la interpretación de la Pietàt. Miguel Ángel ha sido uno de mis artistas favoritos por muchos años y hacer mi interpretación me hizo entenderlo a él un poquito más y la complejidad de la figura humana. ¿Cuáles son los referentes más importantes para usted del Street art? A nivel nacional tengo muchísimos. Me gusta mucho Chris One; me gusta mucho el trabajo de todo este crew que se llama MDC que son pues muy old school a nivel nacional, pero pues no sólo me fijo en gente que haga Street art, también me fijo mucho en artistas clásicos. La verdad me gusta mucho la
pintura entonces todo el arte del Renacimiento me gusta muchísimo. A nivel internacional, por ejemplo, INTI y el chileno me gusta mucho. Tuve la oportunidad no de conocerlo, pero de verlo en Cali y en la vida real me gustó su trabajo demasiado. En Australia tuve la oportunidad de pintar con uno de mis favoritos que se llama DVATE. También quisiera nombrar a Alfons Mucha, que es un artista del Art Nouveau que incluso tengo un tatuaje de una sus ilustraciones, creo que de todos él es mi número 1. ¿cómo se quiere ver en un par de años a nivel profesional? ¿qué metas tiene? Yo la verdad no pienso mucho en el futuro; intento no planear tantísimo las cosas y menos en estas épocas donde todo está tan impredecible. Eso me hace pensar que hago bien al disfrutar del presente. Sin embargo, pues una de mis metas y una de las cosas por las que yo trabajo todos los días es por vivir a través de ese don que el universo me dio, que considero que es la pintura, mi capacidad para acercarme a la gente para resolver cosas gráficamente. Y de allí en adelante pues lo que pase… lo que sueño es vivir bien, de una manera cómoda, con el valor que yo creo que tiene mi obra, vivir tranquilo, produciendo todo el tiempo lleno de salud, teniendo bien a las personas que amo a mi alrededor y honestamente todo mi enfoque está en desarrollar esos skills, esas habilidades que tengo, para vivir de eso. De ahí en adelante lo que pase no lo pienso mucho. Espero poder
BOG. JUNIO 2021
llegar tan lejos como me lo proponga con mi arte, en muchos más países, pasármela bien, la paso bien pintando.
Fotos: cortesía Pablo Forero.
bog
13
BOG. JUNIO 2021
VÍVALO
ENTRE ZANCOS, UNA PASION POR EL TEATRO DESDE LAS ALTURAS Por: Alisson Torres Herrera.
@alissontorresh
14
En las calles se encuentran una cantidad de significados que muchas veces no son percibidos. Nemcatacoa Teatro es un espectáculo inesperado en las calles, que complementa a la perfección una atmósfera llena de vidas, que encajan con cada show, cada obra, a través de la corporeidad de los actores sin la necesidad de tener que utilizar la palabra. El grupo de teatro callejero pertenece a un sector llamado Sector de Teatro de Calle de Bogotá. Este lugar recopila los grupos más antiguos de la capital y del país como Ensamblaje Teatro, en la localidad de Fontibón; Gota de Mercurio, entre otros. Son casi 18 grupos. Cada uno va creciendo con el objetivo de
impactar en las calles e impactar a la persona del cotidiano. Para algunos integrantes de Nemcatacoa el teatro tiene mil definiciones que los transforman y transforma a su público al ser intérpretes de una cotidianidad que es interrumpida por toda una obra que no necesita de luces ni telones o un backstage. Simplemente necesitan de su público, que son la luz de aquel show que pide ser iluminado. Un teatro que se conforma por sus músicos, un flautista y clarinetista que ambientan el juego escénico. Son claramente actores que se caracterizan por hacer su obra en las alturas, ya que su plano escénico se hace en zancos, de los usados en los circos, pero que ellos apropian. Los zancos los ayudan a expresar y cambiar la corporeidad del
BOG. JUNIO 2021
actor. Estos tienen un origen artesanal y campesino y se enfocaban en las prácticas de las necesidades cotidianas; los zancos siempre han estado presente en el teatro de calle y son básicamente un elemento que transforma alguna parte del cuerpo en una manera de perspectiva. Los actores de Nemcatacoa interiorizan que es una extensión para transmitir toda la energía que logran obtener en las prácticas de un show. Distintas vidas y enfoques, pero un solo propósito, pues al unirse al teatro un grupo de jóvenes, se han descubierto como personas. La mayoría de los integrantes están terminando su pregrado en artes escénicas para ya finalmente dedicarse de lleno a su profesión del teatro de calle. Su camino empezó en el colegio donde el arte los
VÍVALO
ven y a partir de eso sea en el instante o después se genera un cambio de sensaciones, y lo pone a uno a reflexionar y de cierta forma funciona como una cura para ti mismo o para la otra persona. Comenta Camila Venegas actriz de Nemcatacoa. Pues un mensaje que dejan implícito es que, “la vida es igual
que el teatro”. Un universo de posibilidades donde no hay que encasillarse en una sola posibilidad, en una sola solución o un solo camino, sino precisamente en la vida, tú tienes la posibilidad de caerte y volverte a levantar y volver a empezar porque hay mil caminos. “eso es el teatro, no es para encontrar respuestas sino para que genere preguntas; te
BOG. JUNIO 2021
15
Fotos: cortesia Nemcatacoa Teatro
llamaba en todas sus expresiones. Para algunos el teatro fue la ayuda que necesitaban para enderezar el camino de su vida. “El teatro lo escoge a uno”, dice actor Camilo Jiménez. ¿Qué significado le dieron al teatro, al ser partícipes de un mundo indefinido lleno de atributos y como lo reúnen en dos palabras? Magia y libertad, uno siempre está generando y creando experiencias para poder dárselas a alguien. Es como una triada perfecta, prácticamente un pacto que uno genera en el otro también. Yo creo la magia y tú te la vas a creer y vamos a generar este acto de creación, un juego de revivir memorias. Tenemos la libertad de hacer lo que queramos en escena, poder lograr esa potestad con lo que estamos haciendo en ese pedacito de tierrita, de suelo o de escenario. Dice Brayan Rojas, actor del grupo. Revolución, porque es cambiar ciertos patrones en los que se mueve como tal la comunidad y el mundo. El cómo ir a otras realidades que no son permitidas, también el teatro seria catarsis, porque de alguna forma genera cambios tanto en los actores como en los espectadores. El público que ve ciertas cosas, simplemente el momento lo vi-
muestre el camino y tu verás si te vas por allá” indica Brayan. Al abarcar población que generalmente nunca ve teatro, consiste en romper con el paradigma de que el teatro debe que estar en las salas. En el callejero, la gente genera más conexión porque no se espera lo que está pasando y muchos logran ver el teatro, que varias veces se sobre sale del presupuesto de muchos y romper con la estratificación. Por otro lado, el teatro de calle llega a más personas y así mismo los transforma. “Como el chico que limpia vidrios en el semáforo y ve la obra, se conecte o genera un click, le abarquen preguntas o intereses y talves empiece a indagar por el mundo del arte y por ello cambie su rumbo” como lo transmite María Fernanda Capri, el cual es un sueño por inculcar por muchos actores.
ESCÚCHELO
Persistencia; un NUEVO RETO
16
foto: cortesía de shallow Por: Laura Florez Pantoja.
@florez_laura
“Más que una compañía, espero formar una familia en la que se planteen maneras de hacerse oír en este medio”
Róbinson Vargas Gallego, conocido en la escena musical como Shallow, es una promesa del género urbano. A sus 24 años ha logrado introducirse en el mundo de la música, un mercado muy competitivo. Reside en España desde hace un año con el sueño de llevar a cabo su proyecto. ¿En qué consiste su proyecto?, quisiera saber un poco más. “Consiste en reunir varios artistas de diferentes países y crear una unión entre ellos,
BOG. JUNIO 2021
lograr sobresalir como artistas y como personas e intentar cambiar la perspectiva del género urbano”. En ese proyecto hay una gran diversidad regional. Allí están Pipe Moré, de Cali; Oakley, de Palmira; Isaith, de Cartagena; Pipe Trujillo, de España; Piyo, de República Dominicana, y Enyel, de Honduras, entre otros. Este Palmireño compone y canta desde los 16, cuando empezó a escribir sus primeras letras, aunque desde la escuela y desde casa ya lo tenía como un pasatiempo, según cuenta su hermana Leidy, que le lleva 3 años. “La familia lo ha apoyado siempre porque a la edad de 9 o 10 años él se enfocó en eso como en la parte artística, en la parte musical; él siempre quería que le compraran instrumentos de música ya sea guitarra, flauta, tambor, o sea siempre desde muy pequeñito él demostró como que tenía esa vaina artística para todo esto de la música”, añade ella. ¿Quién lo incentivó a cantar y a componer? ¿Es de familia? “Empecé tocando la guitarra con mi abuelo como un hobby. Luego me invitaron un ‘pana’
ESCÚCHELO
que se llama Yordi Duque y Keityn, quien ahora es conocido como el compositor de música urbana más grande de Colombia en estos tiempos. Desde entonces canto y compongo, a partir del 2013”. “Definitivamente él nos sorprendía te lo digo no solo porque sea mi hermano, él ha seguido luchando pues ha tenido, muy buenos contactos, siempre tiene como mucha gente apoyándolo, Desde muy niño fue muy amigo de keityn, que es un compositor ya reconocido aquí en Colombia y a nivel mundial, pero desde siempre ellos dos han estado junticos en la música muy enfocados.” Desde ahí, Róbinson supo que se dedicaría totalmente a la música y se inclinó por componer temas especialmente dentro del género urbano, pues este le genera un gran gusto, así que comenzó por crear sus primeras canciones que en un inicio compartió con sus amigos y familiares más cercanos. Shallow y keityn colaboraron juntos en 2020 en la composición de Noches de soledad, esa canción que dice:
“Hoy te llevaré para un lugar, donde te sientas bien y que puedas ver más allá de los rumores que de mi te están hablando girl, déjame calmar tus noches de soledad.” Lo hicieron a través de la voz de Dylan Fuentes, cantante, actor y compositor barranquillero,
que también es considerado uno de los nuevos talentos urbanos colombianos. Por eso ellos buscan realizar un remix de este sencillo. Además de esto, Shallow no solo ha tenido la oportunidad de trabajar con el género urbano, sino también con el popular, por medio de canciones como Ya para qué y otras más, que estarán próximas a salir en la cautivadora voz de Yadi Gallego, una de las nuevas artistas revelación de la música popular. Sus vivencias se reflejan en letras diversas como por ejemplo Destino, una de sus canciones interpretadas por él, que narra una experiencia de pérdida significativa en su vida, ya que sus letras se inspiran básicamente en vivencias y experiencias del pasado.
“Bendigo el día en que te fuiste, aunque no te despediste, quizás fue mejor, pero yo no logro aceptarlo”. A lo largo de su trayectoria musical, Róbinson ha logrado contar con muy buenos productores que le han brindado experiencia para crecer como artista y compositor. ¿Qué consejo le daría a las personas que quieren iniciar una carrera artística? Luchar, no desistir mucha persistencia, porque soy fiel creyente de que la fe mueve montañas. Ser parte de este mundo no es fácil, sin embargo, Róbinson es consciente de ello y cada día persiste y se esfuerza más para ser escuchado y tratar de cam-
BOG. JUNIO 2021
biar la perspectiva que se tiene de este género, siempre de la mano de su familia.
“Shallow y keityn colaboraron juntos en 2020 en la composición de Noches de soledad”
¡DALE PLAY!
17
ESCÚCHELO
Disciplina, sacrificio y amor por la música
Por: Laura Florez Pantoja.
@florez_laura
Édgar Samuel Novoa, conocido en el medio musical como Dysam, nació en Bogotá, aunque poco después de su nacimiento su familia se mudó a Medellín, donde él creció e incursionó en el mundo de la música desde muy corta edad. Con tan solo 21 años, Samuel tiene claridad de lo que quiere lograr con su carrera artística, ya que desde los 14 empezó con el tema de la música. Dysam recientemente ha empezado a ser reconocido de manera nacional e internacional. A partir del 2020, cuando hizo su lanzamiento con la canción titulada Legado, logró llegar a los corazones de muchos y en especial al del padre de Legarda, quien se sintió conmovido y agradecido por el homenaje a su hijo, cuyos sueños fueron extintos el 7 de febrero de 2019 por la violencia que se vive en algunos sectores de Medellín.
18
BOG. JUNIO 2021
ESCÚCHELO
Legado fue producida por Stranger Boys y compuesta en compañía de Shade. Esta canción se viralizó y a partir de ese lanzamiento Samuel ha contado con el apoyo incondicional de Don Fabio, padre de Fabio Andrés Legarda, quien ha demostrado ser un pilar fundamental en su carrera. Según Samuel, este soporte fue muy importante pues en resumidas cuentas se trató de llevar su carrera a otro nivel, ya que sin duda tuvo repercusión en su trayectoria artística hasta el momento. A lo largo de su carrera ha podido sacar varios sencillos, pero expresa que esto ha podido ser posible gracias a la disciplina, el sacrificio y su gran amor por lo que se encuentra haciendo cada día, pues de todos modos busca transformarse en el artista urbano más influyente de Colombia y quiere inspirar e incentivar a los jóvenes a perseguir sus sueños, ya que ha tenido gran aceptación por parte del público con varias de sus canciones. ¿Cuál es el trabajo más gratificante que ha hecho? Legado y La promesa, pero La promesa es una canción que busca una unión con Dios, con la familia, y la considero muy espiritual, algo más personal. Siento que me conecta con ese mundo. También es una promesa con los seres queridos, y tiene que ver con mi nombre, Dysam que significa Dios y Samuel, pero también disciplina, sacrificio y amor por la música.
“La promesa fue producida por Stranger Boys, Beat Daliry y compuesta por Shade y Dysam, bajo el apoyo absoluto de Don Fabio”
¿Por qué el género urbano?, ¿Qué significa para usted? Pues crecí escuchando reguetón, rap, hip-hop y R&B, eso fue lo que me marcó, y empecé a sentir ese amor por el género, además porque me crie en Medellín que es un lugar de mucha música. ¿Ha tenido la oportunidad de trabajar con otro género? Me gusta explorar muchas líneas, pero dentro del género urbano. Últimamente he estado
BOG. JUNIO 2021
explorando con ritmos latinos, música jazz, ritmos brasileños, no tengo muy claro si se dirá así, y también con corridos, pues los corridos son una plaza que los artistas están explorando, pero no se ha dado el avance y espero hacerlo. ¿Qué proyectos tiene próximamente o cuál será su próximo proyecto? Se llama “20 dando Play” y es un proyecto de mi Mixtape 2020. No tiene nada que ver con el año, pero sí con la visión de artista que quiero llegar a ser, y pues también se viene una colaboración con Royal Legacy, un artista internacional, de Estados Unidos. La colaboración se dará gracias a Stranger Boys quienes trabajan para Warner y Universal Music. Y ahora se vienen varias colaboraciones con gente de Europa, pero no se puede hablar mucho respecto al tema.
“La promesa es una canción que busca una unión con Dios, con la familia”.
¡RE VIRAL!
19
BÁILELO
Los gemelos QUE NO NACIERON EL MISMO DÍA Por: Natalia García Moreno.
@_nataliagarm
“Si todo lo juntamos en una palabra, para nosotros y para el mundo somos arte”.
20
Los Twins Brothers son un dúo de hermanos que se llevan tres años de diferencia, pero su notable parecido físico los hace pasar por gemelos. De allí nace la razón de su nombre artístico y de este proyecto que les cambió la vida. A Jhonatan Mauricio y Jhoan Manuel Castillo Obando nunca se les cruzó por la cabeza que podrían cumplir su sueño de ser artistas, pues el pasado sombrío de desplazamiento forzado que sufrieron sus padres en Tumaco (Nariño) les nubló esa ilusión que ahora después de varios años
BOG. JUNIO 2021
renace con la oportunidad de ser bailarines de reconocidos cantantes como Dejota2021, Choquibtown, Becky G, Joey Montana, Pipe Bueno, Dálmata, Anna Carina, entre otros. “Nosotros nacimos aquí en Bogotá, pero mi familia y nuestra sangre es de Tumaco”, dice Jhonatan, de 23 años, y después agrega: “Lo malo que recordamos es que fuimos a Tumaco porque fallecieron nuestros abuelos y no pudimos volver más porque estaba el tema del conflicto armado”. Para 1994, su padre José Manuel Castillo Cortés, pescador y panadero de profesión, vivía en el barrio Viento Libre, uno de
BÁILELO
los más violentos de Tumaco. Según los testimonios de sus hijos, a diario y a sus escasos 20 años sentía respirar en la nuca el miedo a ser reclutado para las filas de los grupos armados del conflicto colombiano. “Uno no podía salir porque decían: ¡Ey se desapareció fulanito! no dejen salir a los muchachos” resalta Jhonatan. Sin embargo, allí también lo reconocían por el tumbao y la recocha que llevaba a todas partes. Le decían “el panadero salsero” ya que siempre había sido fanático de los discos del Grupo Niche. De hecho, son sus favoritos y todavía, a sus 47 años, sigue contoneándose al oírlos con la sabrosura del Pacífico. Debido a la idea de que en la capital siempre se consigue una mejor vida, José Manuel y Patricia Obando Campaz, la madre de los hermanos, decidieron venirse a Bogotá para mejorar su situación económica y encontrar un lugar seguro donde vivir. Sin recursos económicos pero abrigados por la unión familiar llegaron al barrio Olarte, al sur de la ciudad, donde su padre siguió promoviendo su alegría y pasión por la salsa en su nuevo trabajo como instructor de panadería y de baile en la Fundación PROMADIN para niños de bajos recursos con incapacidad física. “A pesar de no estar en las mejores condiciones nosotros nos teníamos a nosotros mismos, podíamos disfrutar de nuestros papás y aunque a veces nos levantábamos y ellos no estaban a nuestro lado por ir a buscar el pan de cada día o que nos
dejaban en algunas ocasiones con la vecina, agradecemos el hecho de poder tenerlos porque nunca nos sentimos realmente solos”, cuenta Jhoan Manuel, de 20 años. A pesar de que Jhonatan le lleva apenas tres años, la vida lo obligó casi a comportarse como un segundo padre. “De mi hermanito recuerdo mucha felicidad, siempre me ha cuidado, siempre me ha protegido y la verdad lo veo como si fuera un papá. Él era el que me ayudaba a hacer las tareas cuando mis papás no estaban porque tenían que trabajar todo el día para que tuviéramos algo de comer en la noche”.
BOG. JUNIO 2021
Ese sentimiento de hermandad se enlaza a la pasión que comparten por la danza estos dos jóvenes y que, en complicidad de su padre, ha sido sembrada en la vida de ellos por medio de las fiestas y reuniones familiares que hacían alrededor de una ronda de baile. En el 2015, un año antes de que Jhonatan recibiera su título como bachiller en la Institución Educativa Distrital Nuevo Chile, y cuando Jhoan aún cursaba noveno grado en el mismo colegio, decidieron ir a la carrera séptima, en el centro de la ciudad, con la intención de mostrar su talento en la danza. “Unos compañeros que eran rockeros nos prestaron un bafle para poner música y nuestro sueño, en ese entonces, era superarlos a ellos”, cuenta Jhoan. Mientras sus rostros muestran una expresión de asombro y felicidad, me dicen que para su sorpresa esa primera vez que fueron a la séptima recogieron el doble de lo que reunían sus compañeros, tanto en público como en dinero. “Ese día nosotros nos ganamos, hablando económicamente, pues para nosotros era algo loco, nos ganamos 150.000 pesos y para nosotros que no trabajábamos, que solo estudiábamos y ahorrábamos lo de las onces, fue muy chévere”, dice Jhonatan con una sonrisa y una leve mirada brillante de reojo a su hermano que logra revivir la sensación de felicidad de aquella ocasión. Lo primero que hicieron con esa plata fue ir a su casa y pedir permiso para comprarse
21
BÁILELO
22
unos tenis que efectivamente llegaron a sus manos al siguiente día y que usaron por más de 3 años. Lo ideal para todo padre es que, al culminar la etapa de la educación básica, un hijo ingrese a alguna institución educativa de enseñanza superior donde pueda estudiar para ser un profesional o como dicen por ahí “ser alguien en la vida”. Para Jhonatan esa nunca fue una opción, pues en 2016 cuando se graduó, su mamá quería que se inscribiera en el SENA. Él no quería estudiar algo que no le gustara y que lo llevara a estar sentado y encerrado en una oficina trabajando todo el día. Entonces decidió salir a buscar una escuela de baile donde le dieran la oportunidad de desarrollar y mejorar sus habilidades en la danza. Sin rumbo alguno llegó a una academia de artes ubicada en la Avenida Boyacá con calle 80 llamada Baila Studio, donde conoció al que sería su primer mánager, Omar Rueda. “Para mí fue difícil porque uno sentía que estaba pordebajeado, porque uno escuchaba que decían: ese negrito no tiene plata y entonces cómo va a pagar”.
Afortunadamente, el director de la institución les tendió la mano y les dio la oportunidad de trabajar repartiendo volantes de publicidad de los cursos que se dictaban allí a cambio de recibir las clases de formación artística para ser bailarines profesionales. Desde ese momento, Jhonatan y Jhoan empezaron a trabajar de esa forma y luego de unos años, Omar decidió darles la oportunidad de dictar clases de baile. Así, poco a poco, fueron construyendo su imagen artística hasta llegar a aparentar ser gemelos, que precisamente es la propuesta que dispara su futuro como bailarines. Para ellos uno de los momentos más felices fue en junio de 2018 cuando recibieron la primera paga de un vídeo clip que grabaron junto a Joey Montana. El motivo era triple: además de ser la primera vez que grababan, incluyeron a su hermanita de 10 años Laura Sofía; además les iban a pagar por hacer lo que aman. Mencionan que utilizaron ese dinero para pagar el arriendo de su casa. “Nosotros no aportábamos para el arriendo y dijimos qué chévere si esto lo hacemos durante dos o cuatro meses”, comentan en conjunto. Una de sus más grandes participaciones en televisión es su aparición en el comercial de la bebida de productos Postobón Colombiana en el que bailan en medio de una ronda de personas, toman un poco de la gaseosa y terminan juntando sus manos para formar un corazón.
BOG. JUNIO 2021
Ser artista es una profesión muy difícil; habrá días en los que no estará el patacón pisao con jugo de borojó sobre la mesa y algunos otros en los que todo se torne sin horizonte alguno, pero trabajar desde el corazón es la demostración de que sí se puede salir adelante con el sueño que se anhela de pequeño. La cultura afro ha sufrido de discriminación durante décadas y estos “gemelos” lo reconocen. Dicen que a pesar de ser criados con frases como “uno ve a un blanco corriendo y es atleta, pero ve a un negro corriendo y es ladrón”, se sienten orgullosos de su raza y de poder trabajar con artistas como la agrupación colombiana de Hip Hop y música alternativa Chocquibtown, que empodera y lleva a todas partes a su gente por medio de la música. Este dúo hizo parte del video oficial de la canción “Que me baile”, junto a Becky G y antes de toda la coyuntura mundial por el Covid-19 eran los bailarines que apoyaban el performance artístico de la agrupación chocoana. La meta a largo plazo es ser como el reconocido actor estadounidense Will Smith que, además de ejercer muchas de las profesiones en las que ellos se quieren desempeñar, es alguien que se ha ganado el cariño de muchas personas. “Incluyendo a la gente de piel blanca”, dice Jhonatan. “Nosotros queremos desarrollarnos en todos los ámbitos del arte. Queremos actuar, cantar, bailar, hacer humor, ser influencers y muchas otras cosas. Nosotros queremos ser arte en todos los sentidos”.de baile enseñando una coreografía de la
BÁILELO
EL POPPING HECHO
MUJER
Por: Natalia García Moreno.
@_nataliagarm
Ahí estaba ella, en un salón de baile enseñando una coreografía de la canción Kiss Me More de Doja cat ft SZA. Impecable en cada movimiento que ejecutaba con su cuerpo, se dirigía a sus alumnos por medio de la cámara del celular que apuntaba a ella. Llevaba una chaqueta negra holgada, se notaba que no era de su talla, un crop top blanco, una sudadera over size rosada y unos tenis blancos que por la leve suciedad no brillaban del todo. Tenia su voluptuoso cabello trenzado y su rostro sin una gota de maquillaje. Natalia Elizabeth Rodríguez Pérez, más conocida como Nathy Rodríguez, es una de las bailarinas de Popping más reconocidas en Bogotá. El Popping es una combinación de danza Funk y Street Dance que se basa en una técnica de contracción y relajación rápida de los músculos que es lo que se entiende como “Pop” o “Hit”. Los Pops se realizan durante una secuencia de baile al ritmo de una canción y eso es lo que le da la esencia a este estilo de danza urbana. El Popping llegó a la vida de Nathy sin esperarlo. Cuando tenía 14 años practicaba atletismo en Soacha, el municipio que la vio crecer desde su primer momento de vida. Lo hacía junto a su hermana mayor Emily y le gustaba practicarlo porque era muy buena. A pesar de tener sus tenis
23
rotos por la situación económica de aquel entonces y de ser criticada por eso, corría 10 kilómetros de lunes a domingo sin falta con la esperanza de convertirse algún día en atleta. Pero después de un tiempo, el atletismo dejó de apasionar a Nathy porque sentía que ya no la llenaba como antes. Cada vez que el entrenador le exigía y la mandaba a competencias ella en realidad ya no sentía mucho entusiasmo por asistir. Solo lo hacía por él, porque él creía en su talento y también porque a sus papás les gustaba mucho verlas correr, a ella y a su hermana. A pesar de haber ganado la Carrera Atlética Internacional Ciudad
BOG. JUNIO 2021
de Soacha en 2013, Nathy decidió abandonar la idea de convertirse en atleta profesional. Durante su adolescencia fue muy juiciosa, tenía todas las características de la típica niña nerd que se ve en las películas. Por esta razón fue victima de bullying por un buen tiempo, las personas no creían en ella por como se veía. “Crespa, delgada, con gafas y brackets. No, mejor dicho, tenía todo el combo”, dice. Sus notas también les hacían honor a estas características, eran las mejores del salón e incluso el hecho de ser tan dedicada al estudio le dio la oportunidad de ocupar uno de los tres primeros puestos entre
BÁILELO
24
todos los colegios de Soacha y se ganó una de las becas universitarias para el programa Ser Pilo Paga en 2014. Emocionada por tal noticia, en compañía de su mamá hizo todos los papeles que requería el ICETEX para tramitar su inscripción en alguna de las dos universidades donde la habían aceptado; podía elegir entre la Tadeo o la Javeriana. Sin embargo, Nathy no era tan pobre como esperaba el Estado colombiano, el número del Sisbén estaba una décima más arriba de lo permitido y por ello no podían admitir la beca. Cuando llegaron a Soacha, se acercaron a la oficina del alcalde para solicitar que hiciera un cambio en el número del Sisbén y, aunque este accedió, el cambio se efectuaba en dos meses y ella debía dar razón en 15 días de si iba a estudiar o no. Por eso no fue posible que la inscribieran en la Universidad Javeriana, que había sido su elección final. “Mis papás siempre han sido partidarios de que estudiar es lo que se debe hacer, entonces mi mamá me recomendó la Uniminuto, ella estudió Artes Plásticas
ahí” comenta. En 2015 ingresó a la Uniminuto Centro Regional Soacha a la carrera de Comunicación Social y Periodismo, pero ahora se enfrentaba a llevar dos prioridades en su vida que con el tiempo empezaron a discrepar. En 2013, buscando alguna actividad artística que la llenara de nuevo conoció una academia de danza llamada Gedam. “Una amiga me dijo que fuera y yo me enamoré apenas los vi bailar, era una canción de Nicky Minaj así rap y yo quede encantada, al siguiente día renuncié al atletismo” cuenta. Entró a esa academia y ese mismo año hicieron un cypher, que es una ronda de baile en la que improvisan con las bases que tienen en la danza. Cuando llegó el turno de Nathy, ella empezó a hacer todo lo que había aprendido en esos años y de repente con su cuerpo comenzó a hacer Pops. Para todos fue sorprendente porque los bailarines que manejaban ese estilo en Bogotá se podían contar con los dedos de la mano. Hasta el mismo director de la escuela le dijo que ella manejaba un estilo que él no hacía, y Nathy simplemente aplicó lo que había aprendido en
BOG. JUNIO 2021
los videos que veía. Mateo Ortiz, que en ese entonces era el director artístico le empezó a decir “Nathy Popping” porque siempre hacía Pops mientras bailaba. Entonces ya no era solo una bailarina sino la bailarina que hace Popping. Duró ahí aproximadamente un año y se cambió a otra academia. Para seguir con esa nueva pasión que había encontrado se inscribió en otra escuela de baile, pero en Bogotá. Las Piñas era el nombre. El director se llama Jason Chaverra y es uno de los bailarines más reconocidos a nivel nacional. Entrar a este nuevo sitio fue todo un reto porque la idea de ser bailarina se fue arraigando poco a poco a su vida y no podía descuidar sus estudios universitarios. Además, el estilo en el que se estaba sumergiendo en la danza era considerado solo para hombres. No era muy común verlo bailar a una mujer pues requería de mucha fuerza y actitud varonil. Desde ahí, Nathy empezó a medir sus habilidades con las de sus compañeros; quería verse más fuerte y grande que ellos al momento de bailar y así, fue mejorando en su vocación. En 2015 entró al grupo de categoría varsity con solo un año y medio de experiencia. Ese grupo había ganado la Hip Hop Champion Ship Colombia y el premio era ir a representar a Colombia en San Diego, California, pero a causa de que le negaron la visa Nathy no pudo asistir al evento. Ese año fue importante para ella porque conoció a una de sus referentes femeninas en la danza. Su nombre es Jaja Vankova y es una bailarina checa de Animation y Krump. Hacía parte de los jurados de la Super National Hip Hop Dance Colombia y antes del
BÁILELO
BOG. JUNIO 2021
25
Fotos: cortesía Nathy Rodríguez
día de competencia tuvo un taller con ella, les dio unas bases de popping a los asistentes y con eso Nathy siguió practicando todo el año. En 2016 entró a Soul Beat y allí se formó como maestra. Aprendió mucho sobre Street Dance, y José, que era el director, tenía el propósito de que cada uno de los alumnos tuviese conocimiento de todos los estilos. “Hoy en día me siento capacitada para dar clases de cualquier estilo gracias a Soul Beat”. Al principio no se sentía segura de transmitir los fundamentos que había investigado sobre el Street Dance porque no sabia si la información que encontraba en internet era totalmente cierta. En el 2019 fue a Cali y allí tomó un taller con Suga Pop, un bailarín estadounidense de danza urbana que fue coreógrafo de artistas como James Brown y Michael Jackson; es integrante de los Electric boogalos que son la agrupación creadora del Popping. Con él aprendió fundamentación y toda la historia del origen del estilo. Nathy agradece ser bilingüe porque fue una habilidad vital para comprender cada uno de los conocimientos que Suga les compartió. A ella le empezó a gustar el Popping porque la diferencia, le gusta mucho hacer ilusiones ópticas por medio de este estilo. “No es fácil de enseñar, ni de aprender, ni de hacer; solo quien tiene disciplina y lo hace con constancia lo hace bien” dice. De hecho, Emily, su hermana, menciona que lo que más admira de ella es su dedicación por lo que hace. Volviendo al Popping, a veces había debates sobre cómo era la ejecución correcta de los pasos, de cómo debía verse y eso no le agradaba a Nathy. Además, la criticaban por ser mujer y bailar ese estilo. La comparaban con Dytto, que es una bailarina de Robot Dance, porque se parecen físicamente e insinuaban que copiaba lo que ella hacía. A pesar de esas criticas, Nathy empezó a enseñar el estilo con convicción porque sabía que estaba capacitada para hacerlo. Ella es considerada como una de las bailarinas que contribuyó en gran parte a la danza con este estilo, el gremio reconoce que es una de las referentes que inició con el Popping en Bogotá y Soacha. Hoy Nathy tiene 22 años, es Comunicadora social y periodista y además es directora, junto con su amigo Alejandro Lambertine, de su propia academia y agrupación de baile en Soacha, su nombre es Deep Glame. Está ubicada allá porque ella se dió cuenta que en su municipio no había escuelas donde enseñaran correctamente sobre la danza. Fue duro para ella enfrentarse a ese cambio, ya no era la bailarina, sino que era la coreógrafa. Quizá esa actitud arrogante que tuvo al saber que no todos podían hacer Popping la impulsó a convertirse en una de las mejores en este estilo. Desde pequeña sufrió porque creían que podía ser ingeniera o de pronto abogada, pero era imposible que su destino fuera el arte. Tuvo años en los que se sintió deprimida y derrotada, pero logró derribar todas las barreras que se le atravesaron cuando entendió que todo empezaba por ella misma. Karen Martínez, su mejor amiga, dice que Nathy es una motivación de empoderamiento femenino no solo para ella, sino para todas las mujeres que la rodean. “Ella siempre resalta y es inspiradora porque hace estilos que no hacen eventualmente las mujeres. Es emprendedora porque montó su propia academia y eso es algo que motiva a las personas a vivir de su propósito” comenta.
ENTÉRESE
THE INFLUENCE OF URBAN
ART IN COLOMBIA
C 26
olombia during the 1970s experienced an environment of pain, fear and uncertainty for the future. The social circumstances of the violence between political parties and the rise of drug trafficking gave way to ideological revolutions, to an economic bubble with which some people benefited, but others suffered the rigors of unemployment growth and the displacement of rural areas of the country. The increase in crimes that were not as common as the abduction and enforced disappearance of civilians created great discontent with the way the government and the Public Force acted and reacted. In view of this situation emerged the Colombian graffiti that was originally used as messages painted on the walls to exert political and social pressure. This “decoration” of walls was intended to produce fear and therefore was identified as an act of vandalism executed by social misfits, according to the 2015 report of the Jorge Tadeo Lozano University called The Age of Graffiti in Colombia, it was in the city of Cali that for this time a different connotation was given to graffiti, being associated with the influence of hip hop and rap music and not by acts of vandalism having great recep-
Por: Juanita Linares Arias.
@jlinaressa
tion in society and in this way young people began to paint images on the walls of their city related to fictional characters, idols, self-portraits and direct messages. In rural areas, guerrillas used this cultural movement to make propaganda of their ideology through images usually of Che Guevara and the priest Camilo Torres, who in the minds of the citizen were associated with anti-imperialism and its revolution, managing to project an identity of its own. But over time this conception of vandalism has undergone a transition to the current idea of urban art, understood as an artistic expression with informal techniques that is given on the street freely usually in large cities and that links no longer only graffiti but to other diverse forms of artistic manifestation such as photography, music, plays, dance, body paint and tattoos among others, which usually have a content of social protest against the establishment. Revindicating this urban movement as art is an achievement of the artists who have championed this type of manifestation among which Emerson Cáceres stands out better known as Cacerolo who for an interview conducted by the newspaper El Espectador
BOG. JUNIO 2021
stated that it mainly uses the shades of the color black and black and focuses on the face of the human body because it is the most expressive part , with a little red plasma in characters usually of national life its villain side, this because it concludes that, once we have all done something wrong, that is why his signature with which we all identify him is to place to his protagonists the smile of the Joker, that mythical evil of the Batman series for which he was influenced in his childhood. Other well-known artists from our Bogota who through colors, shapes and characters have turned the city into a gallery are Crudo, Saga uno and Toxicómano. The street is the new cultural scene where more and more expressions are created and these are more relevant and influencing in the present of the cities and municipalities of Colombia, they are an expression articulated to the reality of the artists and the public that observes them from their beginning until their completion. This link with citizenship is explained because it is an art aimed at any type of audience, it is free and sincere and expresses the national reality and life itself, becoming a responsible urban art.
RECUÉRDELO
Alma de tinta Por: Alisson Torres Herrera. @alissontorresh
Fotos: cortesia Diego ph
28
Entre aerosoles, tintas, grafitis y un sueño por salir adelante se encontraba a sus 16 años Diego Caicedo, o como muchos lo conocen en su faceta de artista, Joel Aeros. En su pasado se dedicaba a hacer grafitis, siempre le interesó el arte, la manera de cómo poder expresar su cotidianidad y pensamientos mediante las gráficas. Desde hace siete años se dedica al aprendizaje y al estudio perpetuo del tatuaje, el cual le ha ayudado a romper las barreras en su vida. Es meticuloso en cada una de sus piezas que duran toda la vida en la piel de una persona. Cada trazo, pigmento inyectado en la piel de su cliente se convierte en una obra de arte. Su concentración a la hora de tatuar dice bastante de él y de su oficio; la pasión por el arte en tantas horas de trabajo, se ve reflejado en el resultado final. Es un hombre que desde muy pequeño pasó por muchas situaciones de rechazos y persecuciones por haber decidido emprender su camino y dedicarse profesionalmente al arte y a la gráfica. Tuvo muchas críticas de personas practicantes de distintas religiones, maestros y familiares. “Me decían que era un vago, que la gráfica era satánica, que la gráfica no me iba a llevar a ninguna parte”, pero exclama con burla:
“hoy me río en las caras de todos esos maricas”. Hoy en día se siente muy orgulloso por estar cumpliendo cada sueño que muchos le dijeron que no iba a lograr. Con tan solo escucharlo es aquella persona que habla sin tapujos, se caracteriza por ser un hombre directo y no tener filtros con nadie. Como amigo, pareja e hijo ha manejado una sinceridad extrema. “Si tengo que decirle algo a la persona, se lo digo de frente y no espero una respuesta o reacción alguna”. ¿Cuál fue el punto de partida que lo hizo dedicarse a este medio y cuál fue el momento que convirtió a Diego Caicedo en Joel Aeros? A mis 16 años pasaron muchas cosas bonitas que me marcaron; una de esas fue la llegada del grafiti. Empecé a investigar parches en Las Cruces que enseñaban a grafitear. Ellos me enseñaron aerografías, a hacer murales con otros materiales no solo en aerosol. Empecé a hacer, además de murales, camisetas para patrocinar mi estilo de vida. Siempre creí que podría ganarme dinero
BOG. JUNIO 2021
con lo que sabía hacer. En un momento de mi vida pensé que algo iba a pasar y yo iba a ser conocido por lo que sabía hacer; me esforcé aprendiendo las técnicas del grafiti, pero ese momento nunca llegó; realmente uno debe salir de su zona de confort e irse con toda la energía del mundo y no esperar que algo suceda, cuenta él. A los 16 años estaba viviendo apenas su adolescencia y se encontraba en el conflicto de decidir qué iba a hacer con su vida profesional para subsistir. “Digamos que en ese punto era prestar servicio militar y regalarse al vaivén de las situaciones, o realmente creer en lo que iba a empezar a hacer y esforzarse mucho por ello”. El mundo del grafiti le hacía mantener otra identidad en cuanto a “lo formal vs lo informal” para a hacer alusión a la distinción de artistas grafiteros y a la alteridad en relación con la autopercepción, “Hace mucho pintaba grafiti y utilizaba un nickname para tener un bajo perfil y estar en el Underground, era Joel Aeros”.
RECUÉRDELO
Al salir de este universo y enfrentarse al mundo del tatuaje, lo denominaron con el nombre Joel, ya que era su personalidad y reconocimiento de artista del cual ya hacía parte de una atmosfera más allá del grafiti, pues al hacerse una persona pública, hace este nombre más personal y propio que el mismo Diego Caicedo. De alguna manera las situaciones que pasó de negación y acusación, las pasó al hombre artista que ha llevado por dentro siempre, Joel Aeros. La llegada del tatuaje a su vida le cambió la visión en 180 grados, así descubriendo una nueva perspectiva del mundo y las posibilidades que lo esperaban para sentirse completo. Llegó al medio del tatuaje gracias a su “hogar” lugar de trabajo, Artderue y fundamentalmente gracias a la nobleza y sencillez de Bryan y Nano como él lo reitera, quienes le brindaron el apoyo necesario para aprender el estilo de vida del arte del tatuaje. “Por eso soy leal a este parche”. El tatuaje le enseñó que volverse una persona pública involucra su credibilidad en su trabajo para
poder asesorar a sus clientes. El tan solo hecho de haberse obligado a tener más contacto con las personas, le exigió cambiar su forma de pensar, vestir, de ver la vida. “Me ha enseñado que es muy importante conocer otras perspectivas, aparte de la propia”. El constante aprendizaje de alguna manera lo ha formado como persona. Para decirlo de una forma personal, se ha ido haciendo a sí mismo gracias a su pasión por el trabajo. Por otro lado, su personalidad funciona como catalizador para quienes sobrellevan una vida tensa, llena de complicaciones. “Cuando tatúo a un cliente en medio de la sesión, hablamos de su estilo de vida y diciéndolo de una forma mística, con el dolor que ellos están sintiendo, de alguna manera están limpiando sus errores, sus karmas, y se terminan abriendo totalmente hacia el tatuador, diciendo las cosas que hacen o no. Esto refleja lo frágiles que podemos llegar a ser; pero eso también les genera una liberación por medio del dolor y
BOG. JUNIO 2021
terminan más tranquilos, ya que no se sienten juzgados de si son buenas o malas personas; simplemente son ellos en su momento”. Como él dice, hace el trabajo sucio de limpiar energías incómodas. Por su trabajo está expuesto constantemente a interactuar con todo tipo de personas, con energías muy pesadas o muy buenas, confundidas, atormentadas, etc. “Todo eso yo lo recibo y lo he aprendido a soltar. Cuando termino una sesión quedo agotado física y mentalmente, por todo este cuento místico; mi forma de curar esas emociones termina siendo dibujando ¡para mi¡”. Joel recalca que en una sola sesión se carga de todo el sentir que puede transmitir una persona y por ello dice que es de los lados más duros de dedicarse al tatuaje, que la mejor manera de catalizar o curar esas emociones termina siendo dibujando. Esto él lo filtra con lo que llama “los demonios del ser”. Estos dibujos son exactamente demonios que se enfocan en las cosas que atormentan a los seres humanos como las inseguridades, emociones frustradas, los miedos en esencia; así descarga todo lo que recoge en una sesión, en una gráfica. “Con eso me relajo mucho y algo fundamental es sacar a mis perritos a ¡cagar! Me encanta verlos correr y que se sientan tranquilos”. Eso le recuerda esa humildad que transmite ese ser que se convierte en un miembro más de la familia. “Ellos son felices comiendo, saliendo al parque, que no necesitan nada material, no necesitan nada de lo que a los seres humanos nos mantienen atormentados; se encargan de vivir simplemente”. Es un mensaje que hace reflexionar
29
Fotos: cortesia Jonathan Pedraza - Juan Agray
RECUÉRDELO
30
sobre las cosas banales, que muchas veces hace desviar lo que realmente importa, amar, sentir cada segundo que pasa, básicamente vivir sin un reglamento prescrito que se crea inconscientemente o que se inculca por esta “humanidad”. Además, recalca que le ha causado varios conflictos y alegrías realizar cada procedimiento. “Te quedas con una foto y ya, tantas horas invertidas y simplemente la pieza desaparece de tu vida (de mi vida como tatuador)”, pero a la vez le enorgullece saber que alguien tiene su trabajo ilustrado, aquel trabajo que demuestra su aprendizaje y compromiso de tantos años. “Llevo 34 años aprendiendo a tatuar, dibujar, pintar, ilustrar... (es todo un proceso prácticamente desde la cuna)”. Se empeña mucho en su trabajo, al arte del tatuaje. En cada procedimiento deja su granito de arena. Para él, el arte de tatuar es disciplina, estudio, amor a un buen servicio a las ideas de las personas mediante su asesoría. “Entrar en el mundo de cada persona a escarbar un poquito de que es lo que le gusta, cómo podemos llegar a enlazar las dos cosas (mi propuesta y el pensar del cliente), el poder llegar en un solo momento a unir esos dos mundos y generar una gráfica de acuerdo a eso, son cosas bonitas que me pasan a mi cuando tatúo”. Tambien, le complace que sea un oficio tan agradecido ya que las personas al estarlo viviendo literalmente en carne propia, valoran el trabajo, el tiempo y la dedicación del artista sobre su piel. Ya que de alguna forma la persona vive una pequeña parte de la historia del tatuador. A la pregunta de si podría definir el significado de tatuar en dos palabras, respondió: “no, dos palabras son muy poquito para algo tan extenso; simplemente diría amor y disciplina, pero nunca terminaría de concluir lo que significa para mí”. ¿Qué le diría al niño que empezó haciendo grafiti y ese mismo niño que le diría al hombre que actualmente es? “Tengo la fortuna de que ninguna de las personalidades ha cambiado, porque siempre me he mantenido soñando en este quehacer de la gráfica, tal vez, lo único que le podría decir a ese niño sería ¡métale huevas, usted puede! Ya que todas las persecuciones que tuve, me hicieron dudar en un punto, sí podía lograr esto, por la forma de pensar de mi familia, tocaba o tocaba ser testarudo. Creo que lo testarudo, no ha cambiado; es más ¡ha empeorado! y en cuando el niño que le diría al que soy ahora sería: ¡relájate, un tilín a la disciplina! Porque ahora soy mucho más disciplinado a como era hace mucho tiempo, hasta un punto que se vuelve obsesivo que no puedo ni dormir”. Es él héroe de su propia historia, pues su filosofía de vida es “cada día como el ultimó para hacer arte y aprender arte”. “Un maestro me enseñó que un día que dejas de hacer arte, un día que dejas de dibujar, un día que decidiste deprimirte y no hiciste ni mierda, es un día que le niegas al mundo la posibilidad de generar una obra, un dibujo, un propósito”. Para él, el tiempo es muy importante; se mantiene constantemente ocupado o activo ya que considera que es fundamental apropiarse de el para aprender y realizarse como persona. “Nada es seguro y la vida es muy frágil, no sabemos en qué momento dejará de pasar esto tan maravilloso qué es la vida y que mejor que estar tranquilo y decir me esforcé por ello e hice lo que más pude”.
BOG. JUNIO 2021
Foto: cortesia Natalia Garcia Moreno.
CAPTÚRELO
El Arte De ser persistente “Mi trabajo es reivindicar la desnudez de los sentimientos que rodean al protagonista de mi foto, sin impostar ni maquillar nada” Por: Juanita Linares Arias. @jlinaressa
32
Juan Carlos Pérez le ha dado un verdadero sentido y fuerza al arte de capturar momentos únicos empleando y jugando con los contrastes de la luz. Tiene ojos vivaces, sonrisa arrolladora, cabello castaño y tez blanca. Es un personaje lleno de vitalidad, es inquieto y determinado cuando de desarrollar proyectos de campo labor se trata. Es un ser humano luchador y audaz que se abre camino a pasos agigantados en el gremio de la fotografía urbana, no solo por su talento, sino por ser fiel a su filosofía de vida fundamentada en el respeto y en el valor de la libertad. A sus 24 años en la actualidad y 7 años de experiencia profesional, este fotógrafo tiene claramente definido su estilo propio que es la fotografía de eventos. Sus estudios de diseño gráfico en la Escuela de Bellas Artes en Bogotá y su
vinculación experimental con la fotografía, lo han llevado a encontrar en el arte urbano su propio sello que es capturar a sus personajes en su momento más natural. Respecto a su trabajo Juan Carlos manifiesta: “Me fascina que mis fotos logren esa naturalidad porque se salen de la pose de “modelo” donde se fingen expresiones que no están ligadas al momento; por el contrario, mi trabajo es reivindicar la desnudez de los sentimientos que rodean al protagonista de mi foto, sin impostar ni maquillar nada”. Esta visión es admirada por sus seguidores en redes sociales y fanáticos de su obra, que ha logrado exponer en ferias de artistas y exposiciones donde a pesar de que su nombre no les decía a los espectadores mucho antes de ingresar, fue la calidad de su obra la que le permitió salir
BOG. JUNIO 2021
Fotos: Cortesía de Elquetomalasfotos
del anonimato y hoy en día ser reconocido en el gremio. Juan Carlos, más conocido como El que toma las fotos, es un bogotano que ha hecho su propio camino en un sector artístico en el que a pesar de que
CAPTÚRELO
hay muchos fotógrafos, pocos logran sobresalir por su propio esfuerzo y ser apreciados realmente porque por lo general se requiere estar apadrinado. Él no es una super estrella como las que hoy en día retrata porque su labor es estar detrás del obturador de la cámara. Para conseguir su sueño se ha sacrificado y ha asumido los retos cada vez con mayor madurez, cualidades que le han valido reconocimiento y le han permitido ser un referente dentro del arte urbano. Andrés Garzón director creativo de su propia agencia de publicidad El Absurdo y quien ha trabajado con Juan Carlos en diferentes proyectos corporativos indica que: “El que toma las fotos tiene un talento singular y superior porque ve detalles donde otros no los ven, su trabajo comprome-
tido busca la satisfacción de su cliente y es conocido por su sello en el manejo impecable del color y la luz”. Su estudio profesional queda ubicado en la zona Rosa de la calle 82 en la ciudad de Bogotá, este es su territorio donde él experimenta nuevas técnicas de edición y fotografía, situación geográfica que le permite estar cerca a la movida urbana, rodeado de gente joven que como él busca la novedad en sus oficios y profesiones. Es por esto que su curiosidad y creatividad lo llevan a reinventarse, salir de su zona de confort y confesar que su mayor fuente de inspiración son las películas y los documentales no comerciales, aquellos que muy pocos ven, pero en los que Juan Carlos encuentra miradas diferentes e innovadoras, cintas que
BOG. JUNIO 2021
buscan expresar momentos y situaciones, sin palabras tales como Letras Explícitas Straight Outta Compton, L.A. Originals y I’ll Sleep When I´m Dead de allí su fascinación por la trasmisión de sentimientos a través de su obra. La labor de Juan ha dado sus frutos y ha sido el voz a voz el que lo ha llevado a trabajar con varios artistas urbanos y de otros géneros del ámbito musical en diferentes escenarios como conciertos y eventos privados y masivos, donde él puede desarrollar en un ambiente de euforia toda su capacidad para registrar lo que otras personas no ven en el desarrollo de esas actividades y por esto lo buscan algunos artistas como Karol G, Trapical Minds, Annuel, Zion & Lennox, Tres Coronas, Angra la banda, Juanes, Fito Páez. Ellos lo han escogido y lo recomiendan en un mundo en el que perfectamente podrían escoger a otro fotógrafo; esa es su magia. Como persona es un hombre recursivo y persistente que comprende que la construcción de su futuro y la ejecución de sus sueños de no solo ser El que toma las fotos, sino de ser uno de los mejores fotógrafos del país requiere de más sacrificio del que hasta ahora ha realizado y por ello el paso a seguir es continuar explorando nuevas formas de hacer crecer su trabajo, en el aspecto técnico, pero también ampliando su espectro profesional a otras ciudades en Colombia y otras partes del mundo, donde pueda llevar su cámara y donde su imaginación lo pueda llevar.
33
CAPTÚRELO
Su objetivo principal es crecer como persona e impactar de manera positiva a quienes trabajan con él.
Jorge Vanegas
34 Por: Juanita Linares Arias.
@jlinaressa
En el mundo de las redes sociales ser el protagonista exitoso de plataformas como YouTube e Instagram requiere de varios elementos necesarios para empezar a monetizar sus videos. Entre otros, tener una temática interesante, un enfoque arriesgado y un excelente equipo de trabajo. Jorge Vanegas es parte de un ensamble profesional con personajes tan reconocidos como Kika Nieto y Santimaye. Él soporta la parte artística de edición y video que se demanda para ser un producto acogido por sus seguidores y que permanezca en el tiempo. Esta es su presentación hoy en día profesional y que comparte con su verdadera pasión
que es la fotografía urbana, pero como afirma él “todo lo que nos propongamos lo podemos conseguir”. En su caso se evidencia al ser un fotógrafo totalmente empírico, que salió de su ciudad natal Arauca primero hacia Tunja, Boyacá, donde compró su primera cámara marca Nikon D 5.500 que aún recuerda con mucho cariño porque con ella se inició en el mundo de la fotografía con la captura de paisajes y cuerpos celestes. Este vínculo afectivo con la fotografía aumenta en la medida en que descubre las infinitas posibilidades que le permite explorar. Por ello decide viajar a Bogotá para probar con la macrofotografía que es captar imágenes de cualquier índole a una distancia muy cercana para ver detalles que el ojo humano
BOG. JUNIO 2021
no percibe. Asimismo, investigó la técnica del fisiograma que es popularmente conocida como el arte de pintar con la luz. Su curiosidad lo lleva a viajar constantemente a conocer lugares, personas y vivir experiencias nuevas que ha retratado con su cámara. Sus ciudades preferidas son Cartagena, Villa de Leyva, Medellín y la región de los Llanos Orientales, lugares que clasifica de acuerdo con la orientación de su trabajo para ese momento. Jorge al respecto dice “En los paisajes rurales de los Llanos Orientales y de Villa de Leyva logro captar en las noches y con el cielo despejado toda la majestuosidad de la galaxia”. Por otro lado, en Bogotá, Cartagena y Medellín encuentra las locaciones perfectas para sacar el mayor pro-
CAPTÚRELO
vecho a las fotografías de tipo urbano que hoy en día son su enfoque predilecto porque considera que: “La arquitectura se mezcla con las expresiones culturales propias de cada ciudad, que ambientan escenarios diferentes y son influenciados por su clima y por su gente” Al referirse al arte urbano, Jorge se detiene, respira profundo y concluye emocionado que es su verdadera pasión y que el retrato es la técnica que define su estilo. Al indagarle por qué después de trabajar varias posibilidades en la fotografía se ha especializado en retrato, comenta que “En cada persona existe una energía diferente que me permite con mi trabajo trasmitir sus emociones por medio de este arte”. Ya son tres años dedicados a la fotografía urbana sin dejar nada al azar, es un camino elaborado a partir de elementos recopilados por su experiencia y perfeccionados por su capacidad autodidacta de aprender por medio de talleres de personas tan reconocidas como el fotógrafo español Mario Rubio García que lo han llevado a afinar su estilo. En ocasiones algunos de sus seguidores y colegas le han preguntado por qué aún conserva las fotos con las cuales inició en el campo de la fotografía si son totalmente diferentes a su trabajo actual. Jorge sonríe y tiene claro que no eliminaría este tipo de fotos porque han representado su evolución como fotógrafo, pero además le producen un profundo respeto y admiración propia por el Jorge que tomó la iniciativa de seguir su pasión.
Actualmente Jorge tiene en su catálogo trabajos con influenciadores, cantantes y actores tan reconocidos como Carlos Torres, Bryan Moreno, Natalia Betancourt, Guillermo Blanco, Laura Barjum, Shaira, Andrea Parra, Kika Nieto y Santimaye, entre otros muchos artistas que han compaginado armónicamente con las locaciones predilectas de Vanegas. Él muestra asombro al indicar que nunca se había imaginado estar tan cerca del medio de la farándula; este es un nuevo nicho y el que le ha permitido posicionarse gracias a su dedicación y trabajo en los detalles. Es un producto muy limpio sin dejar de ser urbano. De hecho, Jorge manifiesta que acostumbra a hacer secuencias de fotos en diferentes sesiones para lograr captar la esencia de su modelo y darse la oportunidad de superar su trabajo en cada momento lo cual considera que es su reto personal. Su impecable trabajo lo ha llevado a incursionar en diseños de campañas publicitarias con empresas como Bang Energy Drink, Vipe Colombia y Cizone que le permite estar vigente en este campo como nuevo escenario para sus composiciones. Al preguntarle cuál es su proyección al futuro en el mundo de la fotografía, afirma: “sé que mi trabajo es un proceso y que todos los días se aprende algo nuevo, agradezco toda la evolución que he tenido y las personas con las que he trabajado; recuerdo que en ocasiones me ha tocado reinventarme como por ejemplo al inicio de la pandemia cuando realicé sesiones de fotografías incluso por medio de videollamadas; estas y otras
BOG. JUNIO 2021
experiencias me han forjado el criterio suficiente para definir que siempre espero que mi trabajo sea más que una foto, una experiencia única y que me lleve a viajar y trabajar con personas que admiro”. Jorge continúa en su tarea de ampliar su catálogo igual de meticuloso que al principio, siempre listo a planear su nueva sesión de fotos y selectivo a la hora de escoger a sus modelos, pero sobre todo lograr su objetivo de crecer como persona e impactar de manera positiva a quienes trabajan con él.
35
Fotos: cortesía Jorge Vanegas.
PÍNTELO
r o Am
por el arte
Por: Fabiana Moreno Rodríguez.
@fabu_098
“Yo trabajo con mujeres desnudas, porque amo la silueta femenina, porque es algo maravilloso, porque te concentras en un concepto brutal, no en ver a una mujer desnuda”
36
BOG. JUNIO 2021
Alexandra Marín, una mujer de 41 años, de Leticia (Amazonas) pero que se crió en Armenia, Quindío, ha sido creativa desde sus raíces, que irradia confianza antes de conocerla. Gracias a esto es artista corporal, ilustradora y pintora. “Fui muy creativa en el colegio, les hacía los trabajos a mis hermanas. Las profesoras siempre se los quedaban porque eran trabajos muy buenos; en eso siempre fui muy pulida”. Después del colegio decidió estudiar publicidad y mercadeo y fue muy buena en las ventas y en la parte creativa, pero le tocó salirse porque no tenía como costearse la carrera de publicidad y mercadeo. “Nunca tuve la visión de lo que estaba haciendo en ese momento porque empecé a estudiar peluquería para abrir un negocio”. Para empezar a encontrar su nuevo camino decidió buscar a las mejores personas para hacerlo, y encontró una peluquería en Cedritos donde eran muy tecnológicos y ordenados; se enfocaban en pelo o en maquillaje. “Toca investigar siempre, porque las personas famosas no son las mejores y para empezar mi nuevo camino, investigué del tema” Siempre le pareció chévere el maquillaje, y ahí optó por estudiarlo, pero para maquillar a otras personas, nunca le gustó maquillarse a ella misma, además ahí no solo aprendió maquillaje social sino también artístico “Siempre busqué modelos. Era muy estricta con eso” En esa academia encontró a un profesor muy talentoso que se llama Mick. Él inició a llevarla al
PÍNTELO
Esto generó que muchas mujeres sintieran confianza con ella, tanto que muchas modelos que no se les desnudaban a otros artistas si se desnudaron con ella, porque no sentían que fueran a ser irrespetadas. “El body painting es muy liberador y tú no te desnudas enfrente de cualquiera, tanto hombres como mujeres porque es una expresión muy artística, es muy respetuosa hacia la mujer y hacia el cuerpo. Es muy liberador y muy empoderador”. Era increíble la confianza que ella le transmitía a todo el mundo, y siempre fue por lo seria que era con su trabajo, y velaba por hacerlas sentirse seguras, tranquilas y respetadas. Todo fue cambiando. Ella dejó el maquillaje profesional porque lo llevó un nivel más allá y por eso solo dejo el body painting. El costo de producción del arte corporal se tornó mas costoso, entonces decidió buscar trabajo, pero todo empeoró.
“Me di cuenta que la gente buscaba más la actriz que no sabia maquillar, y le daba mas valor a eso, a los seguidores y no al trabajo” Decidió llevar el maquillaje a otro nivel y descubrió con maquillaje artístico que nunca se quedó solo con una cara o un cuerpo, entendió que también podía pintar una pared, un lienzo, una tela que
BOG. JUNIO 2021
camufle una modelo; puede pintar lo que ella quiera. “Me vi sin un mundo de limitaciones, me di cuenta de que yo podía hacer mi composición de acuerdo a lo que yo quisiera. Tú puedes hacer lo que tú quieras, no tienes límites, puedes hacer esculturas, pintar madera, hacer un cuadrado. Para mi trabajar con las manos es increíble. También es difícil es constante, es duro. Hay meses cuando estas blanqueado, pero con la disciplina y la constancia todo se puede y cada vez me gusta más el arte”.
37
Fotos: cortesía Alexa Marín
mundo del maquillaje artístico, y allá fue encontrando su talento cuando el profesor le habló del body painting. Como vio que era tan buena le puso de trabajo final una muestra de arte corporal. De ahí buscó otro profesor que se llamaba Cristian y él era muy bueno en el maquillaje, en el arte corporal, pero en ese momento Alexa no buscaba body painting sino que quería enfocarse en el maquillaje profesional, pero así descubrió su talento artístico. Se embarcó en su búsqueda de trabajo, porque el maquillaje no es económico, y debía solventar todo, ahí estudió f o t o g ra f í a , p o r q u e t o d o comenzó a volverse más visual, y al ser visual el contenido es muy exigente. “Me tocó invertir, en cámaras, luces y todo lo que se necesita en un estudio fotográfico”. Después de estudiar fotografía decidió dedicarse al body painting por completo y fue descubriendo que no le gustaban los artistas corporales colombianos porque eran muy sexistas con sus obras de arte, y no hacían una verdadera composición. “Yo trabajo con mujeres desnudas, porque amo la silueta femenina, porque es algo maravilloso, porque te concentras en un concepto brutal, no en ver a una mujer desnuda” Desde ahí dejó de buscar mujeres voluptuosas para que no vieran su trabajo como algo vulgar o morboso, solo muy pocas veces si era lo que Alexa quería expresar. “Mi trabajo es composición son sentidos con fondos pintados, donde tú ves una serie de cosas, en lo que menos te fijas es en la mujer que está ahí”
PÍNTELO
Del maquillaje p
l a i c o s r a t s e l un ma
ara
Por: Fabiana Moreno Rodríguez.
@fabu_098
38
María del Pilar Gómez Salleg una mujer de 35 años, graduada de La Sabana en Comunicación social y Periodismo, llevaba 11 años trabajando en el sector público en el Ministerio de Hacienda pero renunció este año; solo ha trabajado con el gobierno. Está enfocada en la estrategia digital y su gran pasión es el maquillaje artístico. ¿Cuándo empezó a entrar al mundo del maquillaje? Empecé a maquillar cuando tenia 9 años, porque practicaba ballet clásico y el maquillaje es un arte que está fuertemente vinculado con las artes escénicas, y ahí odiaba que me maquillaran no tenía paciencia, sentía que quedaba horrible, entonces le decía a mi mamá que me pasara el maquillaje de ella porque me gustaba tener el control de lo que me ponía, y así fui volviéndome creativa tanto que mis compañeras también querían
que las maquillara yo. ¿Cómo fue creciendo en el maquillaje? A lo largo de la vida dejé la danza, pero jamás el maquillaje. Empecé a hacer cursos profesionales, para empezar a ejercer, a cobrar por el maquillaje que hacia, porque mi mamá siempre me lo dijo cuando maquillaba a mis amigos en Halloween. Era muy talentosa para hacer el trabajo gratis. ¿Cómo conoció productos del maquillaje? Por Instagram conocí diferentes marcas de gama media, pero en el 2019 viajé a Londres, y allí me empapé sobre el tema. Encontré maquillaje de todas las gamas, cuando viajé quedé aún mas enamorada del maquillaje, y decido hacer mi curso en LCI en Bogotá y ahí entendí de todos los productos. ¿Cómo empezó a hacer contenido en redes? Por mi familia empecé a crear contenido, e inicié en el 2018 pero fue muy difícil porque cuan-
BOG. JUNIO 2021
Foto: cortesía Pily Gómez
“María del Pilar Gómez Salleg, una mujer de 35 años, graduada de La Sabana en Comunicación social y Periodismo”
do empecé ya tenia 7000 segu dores por todas mis relaciones en el trabajo, pero cuando migré mi cuenta a maquillaje me dejaron de seguir y me tocó iniciar con un publico nuevo. ¿A qué horas hace contenido siendo periodista del gobierno? Trabajo todo el día como periodista y a las 12am me siento en el tocador, organizo las ideas, saco materiales, me termino de maquillar a las 4am, me desmaquillo y me pongo editar contenido para redes. Puedo durar hasta
PÍNTELO
las 6am editando los videos. ¿Actualmente en que está trabajando? Renuncié al trabajo en el que estaba porque no me hacía feliz, y no hablo de mi carrera, sino en el trabajo en el que estaba actualmente, no sé si me dedique por completo al maquillaje, o siga igual. Estoy en esa transición, de empezar de 0. ¿Cómo fue cogiendo camino en el maquillaje artístico? Porque siempre he sido súper extra, si algo no es básico en la vida soy yo, odio maquillar no-
vias. Me parece muy aburrida la tendencia, es estresarse todo un día para hacer un maquillaje básico, además siempre he hecho, maquillaje de escenario, el que se debe ver hasta en las últimas filas del teatro y hace poco me pasó, que estaba haciendo un maquillaje full glam, es un maquillaje muy cargado en un live en Instagram y una chica se conecto y me preguntó, que de que me estaba disfrazando y yo le dije esta soy yo en mi día a día. ¿Se ha sentido juzgada por sus maquillajes? No me he sentido juzgada, me pasa mucho lo que te dije, pero soy muy vieja para sentirme juzgada, pero es muy de personalidades, tengo colegas que no hacen maquillaje artístico, por lo que van a decir de ellos, pero yo siento que cada uno hace sus maquillajes a su manera y dar el mensaje de que no siempre deben hacerse maquillajes aburridos para salir a la calle por que se supone que eso es lo que está bien. El maquillaje es para hacer lo que quieras y expresar quien eres. ¿Con qué comenzó a hacer sus maquillajes artísticos? Yo era empírica, sabia maquillar, pero no sabía nada de productos. A los 20 años, me maquillaba con vinilos de la Panamericana, además en Colombia no había muchos productos de maquillaje artístico. En el 2010 me gané 3 millones de pesos en una rumba porque hice un bodypainting de avatar y fui muy creativa además todo lo hice con vinilo de la Panamericana pero cuando llegué, tardé en quitarme ese vinilo como 3 días y ahí entendí que la gente que era profesional en eso no debía demorarse
BOG. JUNIO 2021
3 días en desmaquillarse. ¿Cree que el body Paint es el maquillaje donde más puede expresarse? El body painting es un arte de expresión. Puede expresarte de todas las maneras, pero no solo el bodypainting. En mi opinión pienso que hasta un maquillaje muy básico puede expresar. Tu puedes escribirte en los párpados tipo grafiti no a la reforma tributaria, y la gente entiende, no tengo que hacerme un full body painting, para que la persona entienda lo que quiero expresar por medio de mi arte. El maquillaje es libre expresión en toda su totalidad. ¿Cómo ha expresado una problemática social por medio del maquillaje? El año pasado en cuarentena, hice un video al que le metí el amor del mundo, sobre el feminicidio, los primeros meses de cuarentena ya iban 99 mujeres asesinadas, y no entendía por qué nadie hablaba de eso. Decidí hacer un vídeo en el que expresé lo que siento, además hice un contenido informativo y útil porque puse los números a los que podían llamar si estaban siendo abusadas. Comuniqué una problemática social por medio del maquillaje. ¿Qué es lo que más le gusta de hacer contenido en redes expresando sus ideas? Es muy satisfactorio sentir que lo que haces tiene un impacto, pero no en el ego, sino del impacto social y personal que tienes en la vida de las demás personas. Es el hecho de hacer contenido útil y de calidad para inspirar a los demás y para esto siento que cada uno debe tener su secreto, dentro de su mundo de seguidores.
39