Piel fría de Nebojsa Despotovic

Piel fría

Nebojša Despotović

Agradecimientos: Giorgia Rossi Arte Boccanera Beatriz García-Falero David Luna

Coordina Galería Paula Alonso Texto Luis Mey Entrevista Ana Robledillo Traducción David Luna Diseño Ana Robledillo

Este catálogo se termino de editar en Octubre de 2014 Paula Alonso Galería Lope de Vega, 29 28014. Madrid

Piel fría Nebojša Despotović

Texto Luis Mey

www.galeriapaulaalonso.com

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Yo vi que para mirar a un niño hay que cerrar un poco los ojos.

Luis Mey

Yo vi que para mirar a un niño hay que cerrar un poco los ojos, a veces. ¿Vos te diste cuenta? Más si te perdiste un poco en esa cosa de que eras niño y querías ser adulto, como si solamente por ser posible fuera válido. Después, caíste en el imposible, te quedaste afuera del juego de la silla por no dar la vuelta a la silla antes de sentarte, por más que se te haya caído un poco el pelo. Por eso ves, vos, el grande, a los niños con los ojos entornados: porque es la única manera de mirar tras la niebla. Porque tenés claro que para ver las cosas de todos los días, tu trabajo, tu calle, la calle de todos los autos, no se puede ir con los ojos entornados. Parecerías un delirante, que es igual que soñador, qué sé yo. Pero ahí los tenés, los pibes, los chicos, los que jamás te dirán que juegan cuando juegan, porque esa pelota bajo el brazo es el preludio de una batalla; esa silla, si sirviera nada más que para comer, él, el chico, el que creés que es un chico, jamás se sentaría en ella. Por principios, espero que lo sepas. Y su cuarto vacío, sí, también: ni sueñes –aunque ni quieras, porque soñar ya te cuesta, porque soñar no es administrable– con que está vacío. ¿Quién te dice? ¿Le preguntaste? ¿Te respondió? Porque si te respondió, si abrió la boca al adulto, al juez contrario a su plan perfecto, ya es algo. La palabra, la tuya, tan puta, tan fácil, tal regalada, no es la suya. Su palabra es una excepción. Todavía, en su vida, en su corta y frágil vida, mantiene su palabra escondida como sus ahorros. Lo más importante de ahorrar, para él, fijate bien, entorná bien los ojos, miralo como se ve, por favor, insisto, lo más importante de ahorrar para él es romper el chanchito. Sacrificar para revelar. Y ya lo hará a su tiempo, aunque creas que el sacrificio es necesario, aunque le expliques que le conviene. No te pierdas, o no tanto. Entorná, no un poco, sino más.

Está ahí, como dijo Goethe no le expliques quién es Goethe, no le expliques: ni eso ni nada–: que pensar es mejor que saber, pero no mejor que mirar. No lo refutes ni le expliques, por si se te escapa, o por si estás a punto, qué es, ni siquiera, refutar. No expliques, perdoname, pero te insisto: no expliques. No hagas nada: quedate mirando, como

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dice el proverbio, también: pero ni eso le expliques. Las palabras dicen lo que no son.

Por eso, cuando te diga que la luz de la calle por la que caminás con él es un sol, vos decí que sí, pero que si lo mirás mucho te quema los ojos. Pero dejá que se lo quede, como el niño que ve el sol por primera vez en el mundo y cree que es la primera vez que sale. Dejá que haga camino al andar, y dejá que algún día, mucho después, cuando escuche la frase del poeta, la conecte con su vivencia. Así se aprende la poesía: con la conexión emotiva de cada uno. Dejalo, también, quedarse solo en casa. Y que ordene el desorden, sí, pero que desordene. Es la única manera de explicar el orden, y es la única manera de que mires con sus ojos. Si te perdiste y no tenés la mirada, la suya ahora, al menos, con paciencia, intentá mirar con sus ojos. Dejar de intentarlo es romper el chancho por simple bronca, no por sacrificio, por empatía.

Ni le quites el derecho a la tristeza. Esa cosa Disney no, por favor. Él tiene tanto derecho a la tristeza como el adulto mal crecido: el que se creyó el verso de que era tan especial, tan único que, por eso –como si más allá de ser único hubiera un regalo, como si aquello no lo fuera de por sí–, el mundo era suyo. Todos, sin distinción, tienen la gracia de disfrutar de la felicidad en la infelicidad y el derecho de la infelicidad en la felicidad.

Quién dice que lo que importa es la suma dentro del chanchito. Quién dice que tenés que bajar a él para estar con él. Ni, mucho menos, que tenga que subir a vos para estar con vos. Quién dice. Cuidado. Cuidado con el adulto protector, como si nos pudiéramos proteger de la idea de casa sin hogar, como si tuviéramos un antídoto contra la confirmación de habernos perdido la posibilidad de mirar con sus ojos mientras tuvo sus ojos, los tuyos, los de antes. Como si tuviéramos la moral tan alta para admitir habernos perdido la segunda oportunidad. O haber perdido, lisa y llanamente, algo y admitirlo y seguir adelante cinco minutos después. ¿Lo viste perdiendo una pelota? Está haciendo otra. La hizo. Lo vi. Cinco minutos después, aunque no te parezca una pelota eso que hizo con la bolsa del mercadito y una cantidad de papel de diario impresionante para ponerse a

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Pag. 4: Sin título, 2013. Acrílico y collage sobre tabla. 42x30 cm Sin título, 2012. Collage y acrílico Técnica mixta. 175x235 cm Pag. 8: Brothers, 2013. Óleo sobre lienzo. 170x135 cm

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patear noticias, que es lo que deberías ver, cómo todo lo que patea no interesa. La vida sigue. El partido. Y los fantasmas. Los tuyos y los suyos. Esa silla vacía nunca está vacía.

Ni llena de espíritus: el suyo lo cubre todo.

Por eso te digo, por favor: entorná los ojos. Vas a ver que el blanco se hace gris sin que tengas que explicar a nadie que el gris no es malo. Que el azul no deprime. Que el negro no significa y, mucho menos, para que no se te ría en la cara, le digas que el blanco es pureza. Todo está ahí, en esa cosa suya de que las patas de rana son patas de rana, tan vivas como las patas de una rana, y en su comentario natural de que una ventana es un cuadro y un cuadro una ventana. Y que sí, que cuando veas un zorro, no habrá zorro. Él solo se adjudicará que el zorro habla como hablan los loros que no hablan. Y que los perros son amigos, son familia, aunque su muerte, por más que la lloren, no los lleve a ningún panteón familiar. Que los mire como no puede mirar al sol porque le dijiste, él se acuerda bien, que mirar al sol hace mal y te diga que no importa, que su perro es como un sol. Y se cargue los significados como le parezca. Así después, algún día, quizá, cuando tenga que mirar al hombre que le queda poco, que se acerca a las necesidades de cuidado del niño, entorne los ojos como aprendió de vos y vea más allá, a otro tiempo, al tuyo, aunque no lo haya visto. O sí, a través tuyo. Que no es poco. Y lo vea en tu blanco y negro y de repente haga del gris del vacío de esa habitación que dejaste al irte un mundo de posibilidades suyas, tuyas y de aquellos a los que les toque, él, tan grande, tan hombre, con ojos entornados. Sin grises grises, sino con grises amarillos, llenos de soles que cuelgan estivales en los hoteles de por ahí. Un niño, no te olvides, es ese ser vivo que puede resumirte el terror ni bien te empujes a ayudarlo y te diga, con la ceja torcida, que no necesita ayuda. Que, igual, muchas gracias. Y se pregunte qué hizo, de repente, para verte así, tan pálido, como habiendo llenado una habitación de espejos para ocultar torpemente todo lo que se veía solamente con paredes.

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Sin título, 2012. Acrilíco sobre papel. 30x42 cm

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Sin título, 2014. Técnica mixta sobre papel. 28x24 cm

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Piel fría.

Entrevista a Nebojša Despotović.

“Piel fría” recoge la pintura de tus últimos años en la que se puede encontrar una revisión constante del mundo de la infancia. ¿A qué se debe esta mirada insistente del mundo de la infancia? ¿Por qué esa necesidad de hablar sobre el infante?

Mi intención no ha sido nunca la de pintar solamente niños. Posiblemente no quería pintar a personas adultas con sus identidades definidas y encaminados al mundo geo-político, social, cultural, etc. Quería evitar las vinculaciones con la realidad y, tal vez, por esto pinto a niños.

De igual manera, pienso que todo aquello que sabemos y aquello que somos lo hemos desarrollado en la infancia y ahora estamos ajustándonos al mundo, perdiendo la verdadera alegría de descubrir las cosas.

Los niños son generalmente mucho más sinceros y directos y se alejan de la falsedad. Tienen una vida más rica, viva y turbulenta. En todo caso, no solo dibujo niños pero es cierto que durante años he ralizado muchos trabajos sobre ellos. Infantes que nos desafían con sus miradas como si quisieran algo de nosotros.

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Existe una mirada perturbadora que infringes a todos tus cuadros, provocando atmósferas cargadas y oscuras donde la escenificación de la tragedia casi se puede masticar. ¿Cómo te interesa que el espectador se enfrente a lo monstruoso?

No he elegido representar una situación inquietante.

Sencillamente era necesario para mi llegar a una consistencia narrativa fuerte sin tener que explicar de que se trata exactamente. No creo que se hable solo de lo trágico aunque, es cierto qu,e la inquietud está muy presente. Ahora poco a poco estoy perdiendo este aspecto en particular.

Considero que esto se debe al hecho de que en los diversos periodos de la vida creativa tenemos necesidad de expresarnos de diversas maneras y en este en concreto he buscado siempre una especie de lado oscuro como parte de nuestra esencia. Como un sueño que poco a poco se convierte en una pesadilla pero no lo suficientemente aterradora como para despertarse sudados y gritando. Intuyo que el espectador reconoce en esta atmosfera una parte de nuestra incapacidad de ser completamente felices, existiendo siempre una especie de peligro.

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Pag. 12: Sin título, 2013. Óleo sobre lino, 60x53 cm Sin título, 2013. Acrílico y decollage sobre paoel. 36x50 cm

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Pag. 16: Sin título, 2013. Acrílico y decollage sobre papel. 100x70 cm Pag. 17: Sin título, 2013. Acrílico y decollage sobre papel encolado. 100x70 cm Matisse's studio, 2012. Decollage, acrílico y óleo sobre papel. 216x157 cm

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Si tuvieras que describir al infante de tus cuadros, como lo harías. Ese niño-adulto remite al cuadro de Dorian Gray, a ese retrato cada vez más cargado de vida y al mismo tiempo más destruido por el tiempo…

Los niños que pinto son siempre muy conscientes y nos miran directamente a los ojos. Más que ser parte de una escena compleja me parece que forman parte de un mecanismo del cual no hay salida. Me ha gustado siempre tener estos dos aspectos presentes en mi trabajo. Uno que tiene que ver con la identidad e integridad intelectual y por otra parte una especie de mundo diatópico y oscuro que quiere que nos movamos como marionetas creando falsas mitologías. En todo caso, pienso que además de este aspecto un poco pesante hay siempre una especie de apertura a todo aquello que está en crecimiento. Considero que los individuos que creo no dejan una impresión de que todo está perdido para siempre. Son muy fuertes como personajes.

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El retrato dentro de tu obra adquiere una gran dimensionalidad. Hace unos años el Museo del Prado hacía una exposición sobre Rembrant. El recorrido de la muestra acababa con una pieza que sobresalía sobre las demás: su último autorretrato “Autorretrato como Zeuxis o como Demócrito”. Tenía esa fuerza poderosa de la carne y el tiempo y de sonreír burlando la muerte. ¿Qué es lo que te atrae del retrato?

No he hecho muchos autorretratos. Tal vez cinco, si no me equivoco. Muchos menos de los que hacían los viejos maestros. Me doy cuenta que no debo necesariamente representar mi cara para atribuir a un retrato mis impresiones y preocupaciones. Muchas veces ocurre a los pintores introducen elementos de su propia identidad en los retratos que crean. En todo caso, el retrato ha sido y es parte de un gran número de las obras que hago. Por eso se puede decir que el retrato para mi es fundamental. Me fascina el hecho de cuantos de nosotros estamos atraídos por el cuerpo humano. Mientras seamos humanos el cuerpo seguirá siendo una de las formas más misteriosas para todos nosotros. Y es que no podemos escapar a la curiosidad que nos produce el cuerpo y, en concreto, el retrato. Por tanto, pintar retratos es siempre una aventura y no nos da la posibilidad de hacerlo de manera desenvuelta y relajada. Además es en esa pequeña superficie (el rostro) donde se concentra la máxima carga expresiva cuando se habla de una pintura figurativa. En toda la historia del arte, y en la pintura contemporánea, el retrato tiene un rol especial.

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Sin título, 2011. Óleo sobre lienzo. 99x93 cm

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Sin título, 2013. Acrílico y decollage sobre papel. 140x200 cm Pag. 22: Sin título, 2012. Óleo sobre lienzo. 50x60 cm

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Tu relación con la pintura. El gesto, el movimiento y el tratamiento. Vinculación con los clásicos. La importancia del proceso y de la materia (materiales).

Si tuvieses que elegir entre la experiencia y la intuición del artista cual sería tu respuesta o entre la pintura como tradición o como técnica (pensamiento versus forma).

Todo es importante. Para mi la historia del arte es un referente más que la pintura contemporánea. En todo momento he tenido a pintores referenciales, aunque en general todos lo pintores de la historia del arte son importantes para mi.

El proceso pictórico es importante en cuanto a la preparación, pero solo en el momento de la creación estamos abiertos a la intuición. Durante este proceso vienen sugeridas del mismo trabajo la modalidad que mejor atribuya a una imagen un cierto peso que nos satisfaga. La experiencia es fundamental pero si uno no se mete en discusión cada día no tiene valor, y ésta se convierte en técnica que por sí misma no puede representar nada. El estilo es una cosa a evitar porque lleva a la ideología, o sea, parece que estemos convencidos de algo pero es erróneo. La pintura es algo abierto donde toda ideología asesina a su evolución. Creo que es importante para un pintor conseguir y permanecer fresco durante mucho tiempo en lugar de transformarse en algo rígido y seguro en relación a aquello que hace, tal vez le conviene ser débil y flexible. Creemos conocer el mundo y por eso queremos tener nuestros pensamientos protegidos. Pero realmente el mundo es algo que no conseguimos comprender.

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Espacio vacío, 2012. Acrílico y collage sobre tela. 130x204 cm

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Vista de la exposición Piel fría en la galería Paula Alonso.

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¿Qué hay de tu infancia en tus pinturas? Tiene relación con el conflicto vivido en los Balcanes. ¿Crees que ha afectado –la guerra- a tu concepción de la moral humana?

Mi recuerdo de la guerra no es muy dramático. Era una situación extraña que en el mundo occidental no se había visto desde hacía mucho tiempo, pero recuerdo también que la vida funcionaba de todas maneras y todos buscaban crear un sistema alternativo para sobrevivir. Cuando te encuentras en estas situaciones, todo se tuerce y de algún modo se vuelve interesante. Esto ha influido seguramente en mi identidad y por tanto en mi pintura. Habiendo tenido una experiencia de la vida digamos, particular, esto hace de mi aquello que soy.

En tus últimos trabajos hay un punto de inflexión. Un acercamiento a la abstracción de la pintura que nos remite a Giorgio Morandi. ¿Qué buscas con esta conceptualización de la forma (figura)? ¿Qué crees que ha determinado esta evolución?

Considero que es una evolución normal que podría incluso cambiar en el tiempo y mutar en un enfoque mucho más figurativo. Aquello que quiero decir y que no es la respuesta definitiva es en realidad una perspectiva distinta con la cual me acerco a la forma. Tengo la intención de hacer trabajos aún más sintéticos y al mismo tiempo pictóricamente mas cargados. Como decía antes, es necesario ser flexible y dejarse llevar para poder desarrollar un trabajo que nos permita crecer. Aquello que me interesa es el proceso que se crea mientras nosotros buscamos envolvernos en él, siendo este mismo el que nos lleva a redefinir nuestra modalidad de trabajo y de percepción. Este proceso determina nuestro recorrido.

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Sin título, 2012. Óleo sobre lienzo. 190x230 cm

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Sin título, 2014. Técnica mixta sobre papel. 28x24 cm

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Los dibujos que se encuentran en el sótano de la galería en especial varios retratos evocan a los rostros acuosos de Marlene Dumas que actualmente tiene una muestra en el Stedelijk Museum de Ámsterdam. ¿Quiénes son tus referentes en el mundo del arte? Trabajas con referencias cinematográficas o literarias.

Me apasiona el cine y muchas de mis obras están inspiradas directamente en la atmosfera de grandes películas. Los espacios con los que siento más sintonía creo que son los de Tarkovsky y Bergman, pero hay muchos más. Obviamente mi fuente primaria de inspiración es la historia del arte. En Madrid he visitado el museo del Prado, lo que para mi ha significado mucho y ha sido bastante más estimulante que visitar cualquier exposición de arte contemporáneo. Mis preferidos del Prado son seguramente Goya, Velazquez y Ribera. Tengo una gran pasión por la pintura española y holandesa. No niego que muchos pintores contemporáneos hayan influido en mi trabajo y uno de estos sea seguramente Marlene Dumas. De hecho, a menudo hago referencias claras sobre sobre un trabajo de un artista relevante porque quiero hacer de alguna manera un homenaje a las obras que me han golpeado y así desarrollar una tradición pictórica en lugar de buscar romper con la misma y provocar una especie de revolución.

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Pag. 33: Sin título, 2013. Acrílico y collage sobre tabla. 178x132 cm Pag. 34: Sin título, 2013. Acrílico y decollage sobre papel encolado. 140x100 cm Glorificación, 2011. Acrílico y óleo sobre tela. 199x252 cm

Still life, 2013. Collage, acr铆lico y 贸leo sobre tela. 50x70 cm

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Nebojša Despotović Belgrado, 1982 Licenciado en Bellas Artes (artes visuales y pintura) Fine Arts Academy de Venecia. Italia.

2011 Fundación Bevilacqua La Masa, Venecia. Italia.

Exposiciones individuales 2014 Piel fría, Galería Paula Alonso, Madrid. España Silent Fracture, Boccanera Gallery, Trento. Italia 2012 Porcelain, Ego Gallery, Lugano, CH Diamond and rust, FaMa Gallery, Verona. Italia 2010 Velvet Glove, Boccanera Gallery, Trento. Italia Backdoor, UPP Gallery, Venice. Italia 2009 Human after all (con Giacomo Roccon), a cura di Carlo Sala, Ex Chiesa di Sant’Antonio, Badoere (TV). Italia Exposiciones colectivas 2014 Chiamata a raccolta, curated by Roberto Festi. Mart/Galleria Civica. Trento. Italia 2013 Upokeimenon, curated by Gianluca D’Incà Levis, Dolomiti Contemporanee. Nuovo Spazio espositivo di Casso. Italia Big Bang, curated by Giorgia Lucchi, Boccanera Gallery | Pop.up Space Boccanera, Trento. Italia 2012 Opera 2011 | Lunar Park – Artisti degli Atelier, Bevilacqua La Masa, Gallery of Piazza San Marco, Venice. Italia MyDetour, Palazzetto Tito, Dorsoduro 2826, Venice. Italia 2011 D'Est | La casa – Young Serbian Artists, Palazzo Forti Modern Art Gallery, Verona Vulpes Pilum Mutare, Museo Civico, Bassano del Grappa (Vicenza). Italia Un real time, Marcorossi artecontemporanea, Pietrasanta (Lucca). Italia 54. International Art Exhibition – Venice Biennale / Academy of Fine Arts, Tese di San Cristoforo, Venice. Italia S.O.S.2, Lab 610 XL De Faveri, Sovramonte (Belluno). Italia Artist Talks – Open Studios, Bevilacqua la Masa Foundation, Venice. Italia Essa(y), Young Artists from the Fine Arts Academy, Magazzino 3, Venice. Italia 2010 94. Group Show of Young Artists, Bevilacqua La Masa Foundation, Gallery of San Marco Square, Venice. Italia IN/Carne, Cominelli Foundation, San Felice del Benaco (Brescia). Italia Lost in painting, Villa Brandolini, Pieve di Soligo (Treviso).

Italia Once I lived here, Museo Civico, Asolo (Treviso). Italia Liquida, Contemporary Art Festival, Preview, St. Catherine Museum, Treviso. Italia Hotel A+A International, A+A Gallery, Venice. Italia Ricognizione sulla nuova arte in Veneto, Bazzini Arte Contemporanea, Milan. Italia

Living/Leaving, St. Louis Oratory, Venice. Italia The Berlin Wall, Promenade Gallery, Vlore. Alemania.

2009 93. Group Show of Young Artists, Bevilacqua La Masa Foundation, Gallery of San Marco Square, Venice. Italia Autumn Show, Cvijeta Zuzoric Pavillion, Belgrade. Serbia Immagine. La nuova visione della generazione anni '80, GiaMaArt Study, Vitulano (Benevento). Italia The CREAM Society, La Fornace dell'Innovazione, Asolo (Treviso). Italia Fairy Tales, Antonio Battaglia Gallery, Milan. Italia Rooted, Galerie Claire Fontane, Luxembourg.

Nuove figure 3: Idiosincrasie, Forte Marghera, Venice. Italia 2008 Reazione Mutante, Bugno Art Gallery, Venice. Italia Devozioni domestiche, Contemporaneo Gallery, Mestre (Venice).

Italia CREAM on madnes, OPEN 11, Isola di San Servolo (Venice).

Schlaglichter, GEH8, Dresden. Alemania Nuova Luce, A+A Gallery, Venice. Italia 2007 Accadè, Totem Il Canale Gallery, Venice. Italia 2006 In notte placida, Villa Manin, Passariano (Udine). Italia Proposals to communicate the 93. Group Show of Young Artists, Bevilacqua La Masa Foundation, Venice. Italia OPEN 06, Venice. ItaliaOpen Studios, Villa Vecelli Cavriani, Verona. Italia Residencias 2011 Atelier of Fondazione Bevilacqua La Masa, Venice. Italy Premios 2013 Collectors for Celeste prize – Raw Zone, ArtVerona 2013. Italia 2012 First Prize. Mango Young Artist Award, Swab Fair, Barcelona.

España First Prize. Premio Gruppo Euromobil Under 30, ArteFiera, Bologna. Italia 2011 Studio granted by Fondazione Bevilacqua La Masa, Venezia.

Italia 2010 Lissone Prize, Museum of Contemporary Art, Lissone (Monza e Brianza). Italia 2008 Special mention – Best foreign artist, 3rd International Prize Arte Laguna, Momigliano Veneto (Treviso). Italia 2006 Premio Italian Factory per la Giovane Pittura Italiana, Casa del Pane, Milan . IT

Sin título, 2012. Óleo sobre lienzo. 30x40 cm

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Luis Mey nació en Buenos Aires en 1979. Estudió cine, edición de libros y actualmente cursa la carrera de Derecho en la Universidad de Buenos Aires.

Es autor de Los abandonados -elegida por la Subsecretaría de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires para formar parte del libro Doce narradores argentinos representando a Argentina en la Feria del libro de Frankfurt 2009-, Las garras del niño inútil, Tiene que ver con la furia (este último en coautoría con Andrea Stefanoni) y En verdad quiero verte, pero llevará mucho tiempo.

Acaba de recibir el Premio décimo aniversario de la Revista Ñ (Alfaguara) con su última novela La pregunta de mi madre.

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