29 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata

REVISTA DE CINE | FESTIVALES | FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MAR DEL PLATA

NOVIEMBRE | 2014

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MAR DEL PLATA Del 22 al 30 de noviembre Mar del Plata, Argentina 2014

PEZ DORADO Editor responsable Francisco Abelenda Directores Soledad Bianchi Germรกn Gonzรกlez Sosa Secretaria de redacciรณn Rosario Salinas Redactores Soledad Bianchi Laura Valeria Cozzo Germรกn Gonzรกlez Sosa John Lake Rosario Salinas Luciana Wainer

ISSUU http://issuu.com/pez_dorado/docs Email redaccion.pezdorado@gmail.com 2 Pez dorado noviembre 2014 | Festivales

Contenido 29 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata

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Muestra 29/60 por Soledad Bianchi

9 Jauja por Rosario Salinas 12 Jauja por Germán González Sosa 15 El Perro Molina por Rosario Salinas 18 El Patrón, anatomía de un crimen por Germán González Sosa 20 Blanco fuera negro dentro por John Lake 21 Los muertos por John Lake 22 El cuarto azul por Rosario Salinas 24 Matar un hombre por John Lake 25 Big in Japan por Germán González Sosa 26 Ojos que si ven: El cine de Lombardi por Germán González Sosa Festivales | noviembre 2014 Pez dorado 3

28 Sinfonia da necrópole por John Lake 30 Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia)

por Luciana Wainer

32 Desacato a la autoridad, relatos de punks en Argentina 1983-1988 (Capítulo 1) por Germán González Sosa 33 La danza de la realidad por Laura Valeria Cozzo 35 Balance del 29 Festival de Mar del Plata por John Lake

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Muestra 29/60 Festival de Mar del Plata 2014 Curaduría e investigación Fernando Martín Peña

Investigación en archivos Laura Tusi

Diseño de montaje Agnese

Asistente de investigación Belén Noceti

»Soledad Bianchi«

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n la 29º edición, el Festival Internacional de Mar del Plata cumple 60 años. Así lo cuenta 29/60, la muestra curada por Fernando Martín Peña. Él también es el responsable del libro 60 años, 60 imágenes, souvenir imprescindible de este festival, con fotos y relatos con la marca del creador de Filmoteca.

La muestra propone un recorrido por la historia, no sólo del evento y su transcurrir, sino de la cinematografía nacional, latinoamericana e internacional, en sus (eternos) resplandores. Allí se evidencian aquellas variantes

Asistente de montaje Agustín Ravotti

El festival, su historia, sus imágenes que hicieron posible el desarrollo del Festival: La industria, las estrellas, el público, los críticos, los programadores, las autoridades gubernamentales, pero, sobre todo, las películas y sus representantes. La muestra, que no olvida detalles, establece, mediante diferentes tipos de registros, un viaje en el tiempo, viviendo el Festival desde antes de su concepción, esgrimiendo la necesidad de su existencia y probando su valor como evento anual obligatorio.

Laura Tusi, investigadora cinematográfica, llevó a cabo la enorme búsqueda

del material allí exhibido.

Ella fue quien nos explicó la intención de cada estación, en una esclarecedora visita guiada, donde, además de conocer los datos que abajo revelamos, comprobamos algo que ya sabíamos: el fomento en pos de recuperar registros, es imprescindible para salvaguardar el patrimonio audiovisual argentino, que sufrió la terrible falta de políticas en materia de preservación en el siglo pasado, entre dictaduras y democracias desinteresadas, sobretodo destructivas.

No detenerse a mirar, escuchar, la pantalla que

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recibe al público cuando concluyen las escaleras al Auditórium, sería un desacierto. Allí se exhiben tres videos: un documental dando cuenta de la industria nacional cinematográfica, realizado en 1948 para presentar en la exhibición que propició la creación del primer festival en 1954, y dos noticieros de la época. Luego de esta introducción, en el hall del Auditórium que antecede la sala, la muestra 29/60 se expande entre videos, fotografías, audios, relatos y posters.

Lo primero que llama la atención es el mediometraje Buenos Aires en relieve. Se puede ver la ciudad de Buenos Aires macerada por 1954, no casualmente, hace 60 años. Impresiona el nivel de detalle que hace posible no sólo relieve que

describe su nombre, sino sus planos cercanos, casi subjetivos. De allí consta la mítica foto del General Perón con lentes de cartón, presto a ver la primera película 3d de Argentina (hubo que importar equipos para poder exhibir esta gran novedad de la imagen con volumen apreciable).

Así empezaron a llegar las delegaciones de diferentes países a festejar el primer encuentro de cine internacional en Argentina, y Latinoamérica.

En la muestra, cada estación será la encargada de verificar lo ocurrido los posteriores años, de continuidad y ruptura, política y fomento de la industria. El florecimiento del cine (mundial) en nuestras pantallas, cuando ni siquiera existía la videocasetera. Así vemos,

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por ejemplo, los 60´ trajeron la nueva ola francesa a nuestros pagos, y a todo el cine de europeo que se fue liberando de las guerras y dictaduras que lo tenían contenido. Hay también imágenes sobre el único festival realizado en la Ciudad de Buenos Aires, que por suerte, volvió sin éxito a la feliz donde fue concebido, para darnos ese respiro de mar y aire necesarios, entre funciones de cine, colas y comidas atragantadas en camino a otra sala. Comprobamos en el transcurso de la muestra que participaron del festival personalidades como Norman Mc Laren, Mary Pickford, Emilio “El Indio” Fernández, Abbas Kiarostami, Abel Ferrara, Josef Von Sternberg, Cesare Zavattini, Paul Newman, hasta Jean-Paul Belmondo. René Mujica, Zully Moreno, Amelia Bence, Fernando Ayala, David Viñas, Rodolfo Khun, Jorge Prelorán, Leopoldo Torres Nilsson , entre millones de caras conocidas que uno juega a recordar cuando las descubre, como la misma muestra lo propone en un sector, con fibrón y todo, para escribir sus nombres.

En la pantalla más emotiva, dedicada a discursos de participantes del festival, sobresale Leonardo Favio, que da lugar al surgir de las lágrimas, entre Pino Solanas, William Dafou, Carlos Saura y otros.

También, una sección propuesta para mostrar el trasfondo del festival, los jurados y la crítica y otra con inéditas fotos de Mario David. La pantalla rimbombante, dedicada a las alfombras, rojas y su contracara, donde vemos las maniobras de la gente por tratar de ver alguna estrella, en unas ocurrentes fotografías tomadas por cronistas gráficos aburridos de famosos.

Destacable son ciertas ideas y coincidencias que se encuentran en la muestra. Por ejemplo, aquel paralelismo entre José Celestino Campusano, con Legión (2006), Vikingo (2009) y Fantasmas de la Ruta (2013), y sus motoqueros bonaerenses de piel y hueso, contrastando con la presencia no sólo de la película En busca del destino (Easy Ryder) en 1970, sino con la participación unas décadas después de Peter Fonda como estrella invitada en el Festival. También,

aquella confluencia entre el 60/90, que mezcla la generación que creó el llamado Nuevo Cine Argentino con la otra nueva etapa de este suceso tres décadas después, reafirmando la decisión de viraje de la sección Vitrina Argentina a Competencia Argentina. En otra pantalla, a propósito de los 90, Lisandro Alonso nos cuenta lo que significó, tanto para él como para los de su generación, la sección Contracampo.

Programada a partir de 1996 por el ya fallecido Nicolás Sarquís, proveniente de aquella generación del 60´ (y de Banfield), que daba lugar a las películas que estaban en la periferia del cine industrial.

Los posters de Medea (1969), de Pier Paolo Pasolini, que en otra foto junto con María Calas

verifica su asistencia a la presentación de esta película en el Festival, Las aguas bajan turbias (1952) de Hugo del Carril, Los inundados (1962), de Fernando Birri, entre otros, nos dan el impacto visual de lo que fue el festival en sus años jóvenes, así como el importantísimo re-estreno en 1965 de Nobleza Gaucha (1915), primer hit argentino de la época del cine mudo, a modo de festejo por los 50 años de su estreno.

Cómo yapa, uno se puede sentar a tomar un café y escuchar las críticas de Homero Alsina Theveret, en tres diferentes secciones ambientadas según la época. Un complemento impecable para tantas corridas y emoción cinéfila.

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»Rosario Salinas«

Jauja Director: Lisandro Alonso Intérpretes: Viggo Mortensen Ghita Nørby, Viilbjork Malling Agge País de origen: Argentina | Dinamarca | Holanda | Alemania | Francia | EE.UU. | México Duración: 108’ Año: 2014

Insoportablemente hermosa

J

auja es una película hermosa, filmada en 35 mm, sus encuadres de planos generales son virtuosos, la profundidad de la imagen atrapa nuestra mirada, la estética es sumamente cuidada.

Pero no todo es bucólico como parece sugerir esta descripción, porque en Jauja pasa de todo, hay un teniente que se masturba en una de las primeras escenas y se manosea en muchas otras, hay huida de amantes, bailes (en fuera de campo), nativos salvajes comandados por un ex coronel del ejército que asalta, mata y dicen que va vestido de mujer (en otro fuera de campo), un perro que aparece en medio del desierto y nos

guía hasta una cueva inquietante, un salto en el tiempo. Resumiendo, hay tiros, lío y cosha golda también.

Vi la película dos veces, la primera, cuando transcurrían las dos terceras partes de la proyección las luces se encendieron y –como si fuera un despliegue publicitario– apareció en escena el mismísimo Viggo Mortensen para pedir disculpas por un error en la proyección y decirnos «tienen que verla de nuevo porque no van a entender un carajo por la falta de subtítulos en los diálogos en danés».

La interpretación de Jauja es un ejercicio de pura arbitrariedad. Aunque uno siempre piensa que su

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subjetividad interpretativa se apoya en elementos diseminados en la película para ayudarnos a encontrar la salida.

Al igual que una pintura que se pintó sobre otra, Jauja tiene múltiples capas. Son memorias que subyacen a otras memo-

desierto, ese lugar donde no hay refugio, ni agua, ni comida, donde acechan los peligros y crecen los espejismos. Por el otro, el camino inverso es un viaje hacia la interioridad, hacia los abismos del amor, del extrañamiento, de los sentimientos producidos

man a sí mismos.

La adolescente, por su parte, ha recurrido a este viaje porque necesita ir en busca de los fragmentos que le permitan reconstruir su vida, curar su propio parche caliente. Es por eso que la pregunta «¿Qué es lo que hace que

rias, pero al mirar y volver a mirar para descubrir las diferencias, los elementos que fueron borrados pero que aún permanecen debajo, podría decirse que en Jauja las dos imágenes son idénticas, mirarla desde el inicio hasta el final o partir del final hasta el principio revelan la misma cosa. Por un lado, la historia de un padre buscando a su hija, la película aquí se hace lenta, los planos son abiertos, se demora atravesando paisajes inhóspitos, debajo de soles ardientes y noches estrelladas, hay un

por el abandono de una madre, y aquí el viaje es vertical, vertiginoso en la imaginación de una adolescente o de un perro (son los únicos personajes que transitan las dos historias).

En la primera escena de la película Ingeborg le dice a su padre que quiere un perro que la siga siempre.

Este perro que ha atravesado el espacio y el tiempo detrás de ella, tiene una gran lastimadura en el lomo, su cuidador dice que es un parche caliente, que cuando los perros no entienden algo se lasti-

la vida funcione y siga adelante?» se enuncia dos veces y sirve de unión a los dos puntos extremos que forman esta historia, el desarrollado en la Patagonia en una época que parece ser la de la Campaña del Desierto y el actual que transcurre en un castillo de Dinamarca.

Viilbjørk se transforma en Ingeborg para asegurarse de que Gunnar Dinesen, su padre, no la va a abandonar haga lo que ella haga.

Hasta aquí los elogios, ahora vienen los palos... hay un recurso narrativo

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que hace agua, es el que tiene que ver con las verdades reveladas en una caverna. Al ver a una vieja vestida ridículamente a la entrada de una caverna mi hígado acusó una patada y me dijo «alerta, alerta, esto suena a new age y encima se parece a Interestelar, si solo falta la biblioteca...» y los hígados nunca se equivocan.

Vista desde la primera historia diría que esto nunca sucedió y que es solo la alucinación de un viajero insolado, un espejismo del desierto. Interpretada a la luz de la segunda historia podemos afirmar que está dentro de lo onírico y en ese terreno las viejas con aspectos de tarotistas pueden ser un elemento lícito.

Las cavernas, desde La República de Platón parecen ser el lugar indicado para develar el ser y el no ser pero cuanto mejor hubiera sido que a esta caverna se la tragara el desierto.

PEZ DORADO Pez dorado es una revista con grandes pretensiones, queremos descifrar ese gran enigma que es el Cine y mostrar nuestro amor por él con ese objetivo escribimos manifiestos, nos agazapamos en las sombras dispuestos a saltar sobre el lector para que comparta con nosotros nuestras esperanzas, nuestras pesadillas y nuestros deseos.

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»Germán González Sosa«

Communication Breakdown

U

na de las atracciones de este 29 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata fue el estreno apenas anticipado del último filme de Lisandro Alonso: Jauja.

Con la actuación estelar de la superestrella de Hollywood estatizada, Viggo Mortensen, Jauja tiene todas las fichas puestas para ser la carta de presentación del cine Argentino en el mundo.

Lejos de representar a nuestro cine en general, la película reafirma la visión estética de Alonso mientras que ahonda, haciendo pie en su vasta cinefilia, en la concepción del lenguaje cinematográfico del autor.

Situado en la época de 12 Pez dorado noviembre 2014 | Festivales

la conquista del desierto, con la pasiva y ansiosa llanura de fondo, toda acción dramática se diluye en la inmensidad del horizonte. Los leiv motiv se sofocan mientras se superponen, una hija de origen Danés en tierras salvajes, lejos de la confortante aristocracia se elude de su primitiva realidad abocándose a pasatiempos burgueses como la pasión y el amor.

El desenlace encuentra su tragedia fuera de campo, con la muerte del amante y la niña convertida en cautiva.

Esto enciende la búsqueda desesperada del padre, reinterpretando The Searchers de John Ford (1945), cuyo film representaba un descargo del

director, sobre un cine que ayudo a formar y del cual queda afuera, simbolizada con el final de John Wayne tomándose el brazo y observando el reencuentro detrás del marco de la puerta, que lo encuadra fuera de la reunión. En Jauja, la búsqueda es impotente y se pierde en los esfuerzo de encontrar un norte, un sentido, una pista. Absortos en la belleza del paisaje que lo abarca todo, noches luminosas que

dan paso a lo onírico, que en la profundidad de una caverna, pasado, presente y futuro se funden en una realidad anacrónica.

La madre, la hija, la mujer dan cuerpo al mito, un mito anglosajón que contrasta con la otra caverna, más mítica y primitiva, la de Favio en Nazareno Cruz (1975).

La narrativa soporífera y encriptada de Jauja complica la comunicación con el espectador, que de no tener conocimientos

previos sobre este cine de élite queda imposibilitado para mantener algún tipo de diálogo fructífero con la película.

Es ahí donde los iniciados, festejan el formato de proyección estilo super 8 u otros caprichos estilísticos de Alonso, como guiños cinematográficos exclusivos, que fomenta el onanista deseo de la aristocracia cinéfila argentina de que triunfe el excluyente cine «para entendidos».

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»Rosario Salinas«

El Perro Molina Director: José Celestino Campusano Intérpretes: Daniel Quaranta Florencia Bobadilla Assiz Alcaráz Damián Ávila Carlos Vuletich País de origen: Argentina Duración: 88’ Año: 2014

Un samurái en el conurbano

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l peligro y la muerte están siempre presentes en el horizonte de Antonio Molina, porque El Perro Molina es un ex convicto que acaba de salir de la cárcel y está planeando un robo que le permita retirase.

La narración de Campusano se ajusta a un esquema clásico, presenta los personajes y sus coordenadas de espacio y tiempo, desarrolla el nudo de la historia y le da un desenlace.

El Perro Molina es un ladrón y un asesino, pero sus acciones se rigen por ciertos preceptos morales que provienen de su propia praxis. Posee un sentido de lo que es justo. Al estilo de un samurái, tiene códigos de honor y el honor está emparentado con

la lealtad. Porque Molina mata pero no pierde su humanidad, las muertes innecesarias no entran en su esquema y el sufrimiento de la víctima es algo que se debe evitar.

Su contracara es Gonzalito, un adolescente que hace culto de todo aquello que Molina odia, disfruta causando sufrimiento, mata para la cana y por dinero. Es tan malo que no respeta ni a los discapacitados ni a las viejitas, y mucho menos a las mujeres. Es un ser brutal, sin escrúpulos, un psicópata enajenado.

Ramón es un malviviente de poca monta que ha crecido oyendo hablar de Molina y quiere aprender de él, pero es un alcohólico que se inyecta hasta

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perfume barato directamente en la vena, le faltan unos bombones de licor en el tarro. Molina sabe de sus limitaciones pero responde por él porque Ramón le salvó la vida en un momento en que El Perro haciendo un trabajito se distrajo.

el trabajo así que ella no está dispensada de atender a los clientes.

La lista de los malos no está completa sin el comisario Ibáñez, es el peor de todos, contrata a Gonzalito para sus aprietes y asesinatos, negocia libertades a cambio de

mujeres. Las mujeres de Campusano en El Perro Molina son estúpidas, algunas lindas, otras feas, algunas madres otras prostitutas, algunas viejas, otras jóvenes pero todas irredimiblemente estúpidas.

El terreno en el que se

El Calavera es un cafisho que regentea un prostíbulo. Es un personaje multifacético, por un lado, es un duro que no le paga sobornos a la cana, por el otro, es un tipo sensible y romántico que se enamora de una de sus fámulas.

Como dueño y señor en su feudo exige su droit de cuissage, porque el abuso y la servidumbre sexual están tan naturalizados en su entorno que esta práctica es un derecho «informal» del Calavera pero para inspirar respeto exime de esta tarea a su amada. Eso sí el trabajo es

ejecuciones. A su perfil psicológico le falta algo si no mencionamos a las putas, ya que él mismo dice que necesita de ellas para sentirse hombre. La vieja historia, poder, abuso y sexo se entrecruzan, el sometimiento es lo suyo, pero su terreno no es el de la «transgresión» sino el de la «animalidad».

Luego están las mujeres y en este universo masculino llevan las de perder.

Así como existen ciertas texturas en la construcción de los personajes masculinos, estas desaparecen en el caso de las

desarrolla la historia es el conurbano bonaerense, un lugar real y mítico que funciona como un borde, un borde que antecede al precipicio, porque el universo que nos muestra Campusano es el de una marginalidad y una brutalidad visceral.

Puestos estos elementos en pantalla se desarrollan múltiples historias que se van hilvanando y relacionándo entre sí. La narración se va haciendo compleja y potente, va ganando en tensión y verosimilitud, gracias a un guión muy logrado aun-

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que juegue en contra la actuación no profesional, con las excepciones de Daniel Quaranta en la piel de Molina, y de Assiz Alcaráz como Gonzalito, el resto cae en un recitado y una marcada falta de naturalidad.

El desenlace de la historia se da en medio de un crescendo donde los equilibrios precarios se rompen y se desencadena el drama llevándonos a una confrontación final, todo hace presumir un duelo, sin embargo las dos muertes que acontecen tienen las características de un ajusticiamiento, no hay igualdad de condiciones, la moral de los personajes involucrados no los situa en el mismo nivel en la confrontación eso hace que el único enfrentamiento digno de un western sea una escena anterior, la de la caza del jabalí, ahí hay algo de duelo y de ritual, un enfrentamiento que necesariamente terminará con la muerte de alguno de los contendientes.

Pero cuando Molina decide hacer justicia por mano propia a uno le dispara con una escopeta de doble caño, manteniendo la suficiente distancia para

no involucrarse, el enemigo ahí es una escoria que contamina, al otro, lo mata a puntazos, porque ahí hay un conflicto emocional, el cuchillo va haciendo su trabajo sin pausa, de un modo exento de mediaciones donde el dolor y la furia de Molina van hundiendo su cuchillo múltiples veces en el cuerpo hasta robarle la vida.

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»Germán González Sosa«

El Patrón, anatomía de un crimen Director: Schindel Sebastián Director: Joaquín Furriel Germán de Silva Mónica Lairana País de origen: Argentina Duración: 90’ Año: 2011

Cine compromiso

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l cine es una maquinaría prepotente de representación.

Puede imitar y reproducir hechos cotidianos con tanta facilidad y efectividad que traspasa los límites de la verosimilitud.

Por eso decimos muchas veces que el cine es bigger tan life haciendo referencia al film de Nicholas Ray, obnubilados por las aventuras, romances e intrigas que nos ofrece la pantalla grande. Pero cada tanto, la realidad nos sorprende con historias tan complejas y crudas como cualquier guión de Tarantino.

El patrón, anatomía de un crimen recoge una de esas historias y la representa de manera ficcional, lo que en su momento

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fue una crónica judicial.

Una historia de esclavitud moderna que pone en discusión la ética de la representación. ¿Cómo debe encararse una película que busque abarcar la profundidad del hecho sin caer en la espectacularización misma?

La respuesta es con compromiso. No hay grandes gestos técnicos del director, no hay travellings, ni movimientos de cámara que busquen protagonismo. Tampoco se cae en la postura Bazineana de sostener los planos hasta que la realidad se revele tan insoportable y horrible como es. La narrativa es dinámica, no se busca la reflexión existencial del espectador, simplemente mostrar, contar. El director

elige su (nuestro también) interlocutor que es el abogado que descubre el caso, Marcelo Di Geovanni (Guillermo Pfening).

A medida que el abogado avanza en el caso y descubre las razones sociales y culturales que rodean al caso lo hacemos nosotros

tragedia personal, anacrónica y asilada socialmente, la crítica al Estado es por la mera burocratización de la justicia y no por ser un sistema corrupto o ineficaz, entiéndase que funcionaría si lo hacemos funcionar. Es entonces donde el mensaje rebota

sa una señora pregunto quién era el actor que hizo de Hermógenes… si señora, es el mismo de la novela) para darle cuerpo y alma a la historia y que el espectador no rechace al protagonista por ligar automáticamente al actor con sus otros personajes

también, conociendo así el submundo explotador que rodea la cotidianidad y costumbrismo de una carnicería de barrio.

Solo hasta ahí se anima el director a encarar la representación dejando el verdadero compromiso a quién le pone la piel al personaje principal, Hermógenes (Joaquín Furriel). Quien realmente tiene que transmitir la historia, siendo la misma una

en todos sus niveles de lectura, el compromiso del abogado (en la ficción y el real) que logro hacer funcionar lo que no funcionaba, y de Joaquín Furriel, comprometido con su papel, poniendo su físico como garantía, secando su rostro para lograr la textura visual del verdadero Hermógenes, abandonando su imagen ideal de galán (al punto que en la conferencia de pren-

más banales.

La película es efectiva y oscura a la vez, y a pesar de ser efectista no pierde su compromiso gracias a la prolijidad de trabajo en conjunto de director/actores, y nos evita el ingrato momento de cuestionarnos la abyección.

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»John Lake«

Branco sai preto fica Blanco fuera negro dentro Director: Adirley Queirós Intérpretes: Marquim do Tropa Dj Jamaica Gleide Firmito País de origen: Brasil Duración: 93’ Año: 2012

Heridas impunes

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unca antes el cine político se centró en los discapacitados, sus disfunciones, las prótesis, las dificultades de desplazamiento y los elementos de apoyo para expresar la brutalidad de la represión policial. Los disminuidos protagonistas son el fruto de la represión de las fuerzas del orden que tuvieron lugar en los bailes organizados en los suburbios negros de Brasilia en la década del ochenta.

Desde una radio clandestina un minusválido que utiliza una silla de ruedas evoca las canciones de aquella época y los turbulentos momentos vividos cuando los uniformados arremetían con palos y caballos. Un amigo del locutor que utiliza una pierna ortopédica, planea junto a su amigo un

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sabotaje a la capital brasileña como represalia por los perjuicios físicos y psicológicos. La película toma un cariz documental al describir con minuciosidad las reiterativas actividades cotidianas de los inválidos y detallar, con cierto regodeo, las ventajas y la forma de colocarse las prótesis.

Queirós con su osadía y aires renovadores buscó impactar en el espectador con la fuerza de las imágenes. Sin embargo, el efecto se diluye al desviar la atención en los usos y costumbres de los lisiados de manera insistente (la escena del ascensor para la silla de ruedas se repite cuatro veces). Una manera controvertida de expresar una crítica, mezcla de ciencia ficción y realidad, que queda a mitad de camino.

Desidia e insensatez Por John Lake

¿

Los muertos Director: Santiago Mohar Volkow Intérpretes: Elena Larrea Santiago Corcuera Florencia Ríos País de origen: México Duración: 88’ Año: 2014

Qué valores morales expresan los personajes de Los muertos? Se puede afirmar que casi ninguno. ¿Qué responsabilidades asumen esos personajes, desagradables, por momentos despreciables y que no generan en absoluto empatía? Nuevamente se está en lo cierto al aseverar que no toman compromisos de ningún tipo. Jóvenes, de posición económica sólida disfrutan del sexo, las drogas y las fuertes borracheras mientras se pasean de manera indiferente ante manifestantes que protestan en el Zócalo. Parecen alejados de la realidad (una sociedad plena de violencia), están en otro mundo al tiempo que reniegan de su país. El desprejuicio los lleva a tener relaciones con

la pareja de su mejor amigo, la falta de solidaridad los hace huir ante el hallazgo de dos cuerpos asesinados por la mafia de la droga, el bienestar financiero los autoriza a destruir obras valiosas y arrojar muebles al vacío. Las resacas los conducen a arriesgar inútilmente sus vidas al manipular armas de manera riesgosa y no tener pleno control de sus actos. Ante la tragedia solo las madres demuestran dolor, los jóvenes tan solo confusión.

Una mirada despiadada de ciertos grupos de privilegio mexicanos situados en una burbuja, que deambulan como zombies por la vida.

La apreciación del director, extremadamente crítica, no fue vista con buenos ojos por sus coterráneos.

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»Rosario Salinas«

La Chambre bleue El cuarto azul Director: Mathieu Amalric Intérpretes: Mathieu Amalric Stéphanie Cléau Léa Drucker País de origen: Francia Duración: 76’ Año: 2014

Rhapsody in blue

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malric en El cuarto azul nos va introduciendo en la intimidad de una habitación de hotel filmando cuidadosamente detalles de la misma, demorándose en un escritorio, unos vasos sobre una mesa, una puerta, hasta presentarnos una cama deshecha en un primer plano. Al mismo tiempo escuchamos jadeos y expresiones que nos indican el momento culminante de una relación sexual.

La habitación está en penumbras, los detalles continúan siendo iluminados por la cámara para destacarlos de la oscuridad de su entorno, una gota de sangre sobre una sábana, unos pies, las sábanas arrugadas, unas llaves

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sobre una mesa de luz, el rostro de una mujer, su sonrisa, nuevas gotas de sangre esta vez sobre una toalla y los fragmentos de la conversación entre los amantes.

—¿Te hice daño?

—No —¿Te va a preguntar tu mujer qué te ha pasado?

—No —¿Me amas?

—Eso creo —¿Pasarías toda tu vida conmigo? […]

Son diálogos incompletos e imágenes fragmentarias que la cámara va trayéndo a la luz, como las pequeñas piedras de un mosaico se van uniendo para completar una escena que es parte del recuerdo ya que una brusca interrupción

«—¿Solía morderlo?» hace que tomemos conciencia de que estamos en medio de un interrogatorio y atrapados en una trama policial.

La pasión, el amor y el crimen atraviesan esta historia.

Por un lado, está Esther

un psiquiatra, la policía y el juez. Se marca la diferencia temporal entre los interrogatorios y los recuerdos narrados a través de un constante corte de planos.

Julien es obligado a reiniciar el mismo relato muchas veces, a recordar

—¿Te imaginas cómo pasaríamos los días?

—Acabaríamos por acostumbrarnos —¿A qué?

—A nosotros […]

Las pruebas contra Julien son circunstanciales, incriminatorias en el caso

Despierre, quien desarrolla por Julien Gahyde, al que conoce desde la adolescencia, una pasión con algunos tintes que la acercan a la erotomanía. Por el otro, Julien, para quien Esther es solo un amorío extramatrimonial más, intenso sí, pero en el que no le va la vida, su amor está más vinculado a su mujer Delphine aunque este carezca de pasión. Su hogar es lo que constituye el eje en su vida.

Todo el resto de la película transcurre en el presente de los interrogatorios al acusado por parte de

cualquier detalle por nimio que sea, debe contestar las mismas preguntas que evocan siempre los mismos hechos, hechos banales en sí pero que apuntan a un drama del que no hay vuelta atrás.

Descubrimos que lo que para Julien eran «solo palabras» dichas al calor de la pasión para Esther fueron promesas a cumplir, planes compartidos.

—Pasarías la vida entera conmigo?

—¡Claro!

—¿Tan seguro estás? ¿No tendrías miedo?

—¿Miedo de qué?

de Esther respecto de su marido, poco claras con respecto a la muerte de Delphine, fue Esther… fue su suegra… sin lugar a dudas no fue él.

Otra vez las palabras van desdibujándose, perdiendo sentido para Julien, esta vez las palabras de los abogados, del juez, de los policías… va tomando distancia, aislándose, como si los hechos le ocurrieran a otro, se muestra impasible, resignado, indiferente, impersonal, se va apagando, ya nada queda en él, lo ha perdido todo.

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»John Lake«

Matar a un hombre Director: Alejandro Fernández Almendras Intérpretes: Daniel Candia Daniel Antivilo Alejandra Yañez País de origen: Chile Duración: 82’ Año: 2012

La violencia está en nosotros

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n claro ejemplo en el que hombres temerosos y retraídos reaccionaban con violencia ante situaciones límites fue Deliverance (1972) de John Boorman. Recientemente Relatos Salvajes (2014) de Damián Szifrón mostraba los instintos más bajos de los diversos personajes con el único fin de vengarse. En ambos casos se trataron de ficciones. Matar a un hombre, en cambio, está basada en hechos reales que tuvieron lugar Chile. Un guardabosque diabético, apocado y evasivo vive con su esposa e hijos en un barrio humilde en la periferia de una ciudad. Su vida se ve trastornada cuando él y su familia se ven acosados por una pandilla comandada por Kalule, un personaje detestable y pendenciero.

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Los infructuosos reclamos ante las autoridades policiales y la maraña de pruebas solicitadas por la fiscalía para justificar su intervención, deciden al protagonista a hacer justicia por mano propia. La desesperación desata la furia hasta las últimas consecuencias en un camino sin retorno donde la culpa juega un rol trascendental. Los motores, el entorno y los ruidos del bosque constituyen la banda sonora de un thriller, cuya tensión está siempre latente a través de las amenazas de Kalule y el uso de las armas y las herramientas del trabajador forestal.

Premiado en Sundance, el film refleja con habilidad la lucha de un hombre que en un determinado momento se cansa del agobio y dice: “Basta”.

»Germán González Sosa«

Big in Japan Director: Jeffcoat John Intérpretes: Drudy David Jeffcoat John Sean Lowry País de origen: EE.UU. Duración: 93’ Año: 2014

This is Big in Japan

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reinta años pasaron desde el estreno del rockumental ficcional This is Spinal Tap y el director y productor de MTV John Jeffcoat reflota el género de la mano de Tennis Pro, una bandita de mala muerte oriunda de Seattle.

Los coloridos personajes caricaturizan su estigma de eterno under mientras actúan los problemas que conlleva la doble vida, de rockero y ciudadano bien adaptado. La catarsis llega a su clímax cuando la banda liga un viaje a Japón de la mano de un cazatalentos que supo tener su época dorada con el grunge. El humor se mezcla con la nostalgia cuando el viaje iniciático del grupo se diluye persi-

guiendo el paraíso perdido del rock, esa quimera inalcanzable para todo aquel que este fuera del sistema de difusión industrial.

La excentricidad de las tierras orientales magnetizan la trama del falso documental y el cruce cultural parece ser la única construcción del guión.

Nada que ya no se haya visto en Lost in translation pero sin el tedio narrativo de Sofia Coppola.

Más televisiva que cinematográfica Big in Japan es una de esas películas ligadas al rock que adornan los festivales, que suman para cumplir la cuota musical que vaya a saber por qué, son indispensables.

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»Germán González Sosa«

Ojos que si ven: El cine de Lombardi Director: José Ridoutt Polar País de origen: Perú | Canadá Duración: 60’ Año: 2003

Un punteo visual

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o hay forma prolija de arrancar con la vorágine de un festival de cine. Es fácil abombarse con tantas propuestas. Si no se tiene algún TOC sublimado la idea de un cronograma personal es utópica. Y si a pesar de todo uno lograse coordinar todo lo que desea versin resignar nada, la fortuna te puede jugar alguna que otra mala pasada.Películas que se bajan, fallas de sonido que cancelan las funciones, o simplemente las filas interminables para comprar entradas que terminan estando agotadas. Todo esto le ocurrió a este humilde redactor y motivó esta especie de crónica nefasta.

Es así que perdiendo

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toda ambición uno puede dejarse llevar y terminar en cualquier sala viendo cualquier cosa, de cierta forma, eso es lo más genuino de un festival, caer de improviso y encontrar alguna joyita, algún bodrio o como lo que realmente viene al caso, una guía visual.

Ojos que si ven, es un documental que repasa la obra de Francisco Lombardi hasta el 2003, justamente abarca todas las películas que se iban a proyectar del director peruano.

Repasando su cine, se repasa su formación cinéfila y la estética de cine latinoamericano perdido en los 90’s. Sus filmes comparten la estética de caballos salvajes, o

plata quemada, con Fito Paez de fondo, mezclado con el cine de Rocha o Favio. Un atractivo morboso para el espectador nostálgico que va desde Muerte al amanecer (1977) basado en hechos reales y que revive la historia de un condenado a

transcribe a un Rodión Raskólnikov crístificado, readaptando a la víctima del neoliberalismo Reaganeano, testigo inmóvil del deterioro social y moral que sufriría en años posteriores no solo el Perú, sino también toda América Latina.

por la cultura castrense, arraigada hasta la médula de un país castigado por los gobiernos de facto y la guerrilla armada. En La boca del lobo, el contrapunto de La ciudad y los perros, profundiza el miedo invisible, la paranoia y el fantasma rojo de

muerte injustamente que remite a Juan Moreira, hasta la adaptación de la novela erótica de Vargas Llosa, Pantaleón y las visitadoras (2000).

Sin compasión (1994) basado en la novela Crimen y castigo de Dostoievski, adaptada al Perú contemporáneo noventoso,

La ciudad y los perros (1985) y La boca del lobo (1988) echan luz sobre los conflictos militares desde dos puntos de vista contrapuestos. La ciudad y los perros, basada en otra novela de Vargas Llosa, refleja la construcción social y racial de un Perú filtrado

sendero luminoso. Una guerrilla camuflada en la pobreza, cuya cara no se distingue ni se diferencia de la cara del pueblo.

Hostigada por la censura, peligró su estreno en las tierras incaicas por su simbólico final, en donde el protagonista se pierde en un rojo atardecer.

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»John Lake«

Sinfonia da necrópole Sinfonía de la necrópolis Director: Juliana Rojas Intérpretes: Eduardo Gomes Luciana Paes Hugo Villavicenzio País de origen: Brasil Duración: 85’ Año: 2014

Romance entre tumbas

E

l título algo insinuaba, pero ante la vorágine de películas que normalmente se ven en un festival, ciertos detalles quedan de lado hasta que el cinéfilo se sienta en la butaca y comienza la proyección. La cinematografía francesa se ha especializado en películas cantadas como Los paraguas de Cherburgo (Jacques Demy, 1964), Les Chansons d’amour (Christophe Honoré, 2007) vista en un BAFICI o Conozco la canción (Alain Resnais, 1997). El cine latinoamericano dentro del género musical se ha dedicado más a promocionar la figura de cantantes en un estrecho vínculo con las compañías discográficas que lanzaban sus graba-

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ciones. Por ende, fue una sorpresa la comedia de Juliana Rojas que tiene lugar en un cementerio y que por el tipo de canciones vinculadas al trabajo y las tareas cotidianas se asemeja a Jeanne et le garçon formidable (Olivier Ducastel, Jacques Martineau, 1998). Así como en el film francés un plomero explicaba con una melodía como destapaba las cañerías, en el brasilero son los enterradores que al ritmo de un samba describen su labor diaria.

Deodato es un tímido y sensible aprendiz que encuentra muchas dificultades en sus nuevas tareas, ya sea por el esfuerzo al tener que cabar las fosas, la sofocación de los encierros en las bóvedas y

los olores nauseabundos de los muertos desterrados. Los desmayos están a la orden del día y las licencias médicas son su salvoconducto. Todo cambia con el arribo de una empleada administrativa de una funeraria que debe censar las tumbas

las ostias no consagradas como si fueran papas fritas o bien haciendo crucigramas en el confesionario mientras espera a los fieles; el inspector obsesionado con la muerte que persigue al sacerdote con radiografías que registran supuestos tumo-

nen sexo en la parte trasera de un coche fúnebre con olor a formol. También los muertos tienen su lucimiento en un baile en el cual se quejan por su destino con ciertas reminiscencias del videoclip Thriller (John Landis, 1983) interpretado por Mi-

para un nuevo emprendimiento del campo santo.

Ante la falta de espacio el director proyecta construir nichos en propiedad horizontal para dar sitio a la nueva clientela, negociar con los deudos de los difuntos propietarios de grandes superficies y apoderarse de los sepúlcros abandonados. Todo se explica a través de una marcha musicalizada, lo cual agiliza el desarrollo de las acciones. La pareja principal está rodeada de innumerables personajes secundarios muy simpáticos: el cura que ofrece

res; la vendedora de coronas fúnebres en búsqueda de frases originales para las cintas que cruzan los arreglos florales; los compañeros del protagonista que le aconsejan cómo conquistar a la recién llegada («Las mujeres son como las tumbas hay que prepararlas con maña»).

Políticamente incorrecta, las irreverencias sorprenden por la osadía como la canción de los féretros vacíos que comienza con el pequeño ataúd de un bebé («Dios ayuda al que busca rápido consuelo») o cuando los amantes tie-

chael Jackson. Divertida y peculiar crítica social al mercado inmobiliario que con toda justicia se llevó el premio de la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica (FIPRESCI).

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»Luciana Wainer«

Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia) Birdman or (The unexpected virtue of ignorance) Director: Alejandro González Iñárritu Intérpretes: Michael Keaton Edward Norton Naomi Watts Emma Stone Andrea Riseborough Zach Galifianakis País de origen: EE.UU. Duración: 119’ Año: 2014

Birdman No es la primera vez que el arte se analiza a sí mismo; el metalenguaje es una forma cada vez más usual para criticar o llamar a la reflexión sobre diversos temas, incluso, en ocasiones, funciona como burla del mismo medio que se utiliza. En este caso, el tema que se pone en juego no es únicamente el cine, sino también su histórica «rivalidad» con el teatro; el rol del actor en el medio artístico, la legitimidad de la crítica, las redes sociales como un nuevo parámetro del éxito y hasta los límites de la ficción. Sin duda, nos hallamos ante una propuesta, cuanto menos, ambiciosa.

Riggan Thompson (Michael Keaton) es un ac-

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tor en decandencia de Hollywood que se niega a protagonizar la cuarta película de Birdman, una saga de superhéroes con la que ha logrado reconocimiento, y pretende lograr su legitimidad adaptando, dirigiendo y actuando una obra de teatro en Broadway. Tanto su compañero de escena (Edward Norton), los prejuicios de la crítica y su alter ego de Birdman; una voz de la conciencia que lo único que hace es humillarlo y recordarle el éxito de su anterior personaje, parecen anticipar que la obra será un fracaso.

Sin embargo, el peso de este film no recae en la historia a contar, si no en la manera en que se cuenta. Y es que Iñárritu

nos recuerda aquella corriente de intelectuales que defendía la idea de que el verdadero cambio en el cine se haría desde la estructura narrativa y no desde el contenido, ya que siempre ha puesto una especial atención en la ruptura del tiempo lineal, y

Pero este no es el único elemento que sobresale, la banda sonora también juega un papel determinante a la hora de narrar la historia; por momentos acompañando la acción con óperas grandilocuentes y por momentos planteando una especie de

una película que impacta, entretiene y nos sorprende en todo momento.

Sin embargo, cabe preguntarse si el despliegue de recursos estéticos está en función de la historia o es una mera demostración de virtuosismo técnico.

Por momentos se percibe

el entretejido de pequeñas historias. Aunque Birdman no tenga el mismo juego de alternancia temporal que sus antecesoras, traza un desafío a la inversa: la ilusión de un único y extenso plano secuencia, planteando un reto no sólo para el director, sino también para el actor, que debe construir secuencias de acción mucho más largas y sostenerlas por más tiempo, y por último para el director de fotografía, Emmanuel Lubezki, quien es uno de los mayores responsables de que dicha ilusión se lleve a cabo.

disonancia con la imagen a través de sonidos incidentales, todos creados originalmente por Antonio Sánchez, y hacia el final, por si pasaba desapercibido, aparece la personificación del músico en ficción.

Si a esto le sumamos actuaciones perfectamente logradas, un ritmo que va in crescendo hasta el final, varias escenas con un gran atractivo estético (un actor que sobrevuela la ciudad, una tienda de Nueva York recubierta por luces de colores que crean una atmósfera onírica), tenemos como resultado

cierto exceso de «guiños al espectador», que terminan abrumando más que sumando, y le quitan fuerza a la acción que transcurre. La crítica que Iñárritu pretende hacer sobre la banalidad del efectismo en los medios posmodernos, parece haberse inmiscuido hasta en su propia película.

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Anecdotario de un pasado sin futuro Por Germán González Sosa

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o televisivo viene infiltrándose en el cine de manera desproporcionada. Abusando del star system nacional, que hizo base en las telenovelas mientras proliferaba el Nuevo Cine Argentino, el cine actual necesita de los primeros planos para jerarquizar su impronta industrial. La taquilla responde a

Desacato a la autoridad, relatos de punks en Argentina 1983-1988 (Capítulo 1) Director: Tomás Makaji Patricia Pietrafesa País de origen: Argentina Duración: 56’ Año: 2014

la propuesta convirtiendo en éxito películas como El secreto de sus ojos (Juan José Campanella, 2009), hasta Betibú (Miguel Cohan, 2014).

Esto lejos de marcar una diferencia entre mainstream y midstream genera una tendencia del primero hacia el segundo, como si esa fuera la forma de llegar a las masas.

Desacato a la autoridad es un documental cien por ciento televisivo. Sus

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tiempos son televisivos, su montaje es televisivo, su estética es muy VH1, en fin, su concepción se pensó para la TV. Más allá de lo interesante de la temática, la falta de registro o la mala calidad del mismo vuelven tedioso el desarrollo del documental. Las entrevistas le dan color pero no hacen al contenido, que oscila entre la explosión sintomática del malestar social post dictadura, encarnado por la hiperexpresividad estética del punk.

Los Fanzines eran los medios precarios donde lo que importaba era comunicar, había una idea detrás de la estética chocante y precaria. Hoy ese punk mutó, el under desapareció, murió con Cromañon, con Chabán, y con los artistas convertidos en empresarios musicales. Y casi como un obituario a la cultura perdida, devorada por lo industrial, este documental que buscaba rescatar el espíritu adolescente, sepulta ese pasado idílico con una película ideal para vender(se).

»Laura Valeria Cozzo«

La danza de la realidad Director: Alejandro Jodorowsky Intérpretes: Brontis Jodorowsky Pamela Flores Jeremías Herskovits País de origen: Francia | Chile Duración: 130’ Año: 2013

Con el arte se crea, se cura y se sueña

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ras 23 años lejos de los sets de filmación (pero siempre presente de algún modo en la pantalla grande), el polifacético artista Alejandro Jodorowsky vuelve con un nuevo filme, único e inclasificable como su creador. Se trata de una fantástica autobiografía imaginaria como sólo a él se le hubiera ocurrido realizar y que lleva inscripto su sello como toda su breve pero intensa filmografía. Adorada por quienes lo aman y abucheada por los que intenta entenderlo (como si ello fuera posible o, peor aún, deseable), es imposible permanecer indiferente a la extraña magia de La danza de la realidad.

La película intenta re-

construir la niñez del director en Tocopilla, un pequeño pueblo chileno devenido en su olvidado Macondo, a través de una libre interpretación de su autobiografía homónima, inspirada no tanto por los hechos documentables como por sus deseos, sueños y miedos cuando niño. Lejos de toda idealización del pasado, la mirada de Jodorowsky no es nostálgica sino creadora de nuevos sentidos: desciende a sus recuerdos de infancia para dialogar con su niño interior en busca del significado para una vida siempre tan intensamente vivida. Puebla a Tocopilla con los personajes más maravillosos jamás creados: están las “personas reales” pero re-

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creadas siguiendo los anhelos más profundos de su corazón (como el de su madre, la bondadosa Sara, cantante frustrada, que llena el aire con sus dulces gorjeos) y también los seres de existencia imaginaria pero que dejaron honda huella en su

hay hechos biográficos comprobables en los que se apoya la narración, es la fantasía la que manda y así el mundo de su niñez se vuelve metafórico: la película comienza cuando se abre la carpa de un circo y se termina (por el momento) con un viaje a

mágico, lejos de toda ley de la razón, y es ese (sur)realismo artístico el que da forma a la mitificación reconciliadora de su pasado. Visualmente impactante y genialmente actuada (su hijo Brontis en el rol de su abuelo Jaime pero mejor aún el niño

corazón, como el Teósofo y la reina de copas del Tarot de Marsella; del otro lado, la «gente común» sigue su paso indiferentes, anónimos, todos igualitos tras sus máscaras. Si bien

lo desconocido.

La vida es una danza, afirma el gran psicomago, y la realidad es la unión de todas las cosas del mundo. Pero, obviamente, se trata de un universo

Jeremías Herskovits como Alejandrito), el maestro invita al espectador a entrar a su mundo, a su inconsciente y a su corazón.

No apta para prejuiciosos racionalistas.

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»John Lake«

Balance del 29 Festival de Mar del Plata

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as colas a medianoche en un día de semana por la peatonal San Martín, los intrépidos transeúntes que corren de sede en sede para llegar a horario con una identificación que les cuelga del cuello, los madrugadores cinéfilos que a las nueve en punto se ubican en el Auditorium, la espectadora que ingresa a la sala en rollers y se sienta en el suelo para descubrir de qué tratan tantos eventos convocantes han desaparecido de la ciudad. Durante nueve días se proyectaron más de cuatrocientos films entre cortos y largos y es el momento de evaluar los resultados.

Las tres secciones de competencia de largome-

trajes (internacional, latinoamericana y argentina) presentaron un muy buen nivel en sus propuestas.

En la más importante, los debutantes Lisandro Alonso y Ezequiel Acuña junto al habitué José Campusano, ahondaron con aires renovados una vez más en los tipos de personajes que pueblan sus filmografías. Italia con Le Meraviglie y Corea con Alive alcanzaron puntos muy altos. El consagrado Pedro Costa y el inglés Peter Strickland se diferenciaron del resto con lenguajes más radicales que pueden gustar o no, pero que abren nuevos caminos en el universo cinematográfico. La ganadora Come to my voice, Ventos de agosto, No

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todo es vigilia y el thriller de Amalric La chambre bleu estuvieron en un peldaño más bajo pero sin desentonar. El cine latinoamericano sorprendió con la brasilera Sinfonia da Necrópole, emocionó con la colombiana Ella, puso la cuota de suspenso con Matar un hombre y arriesgó sus fichas con Branco sai preto fica, a la postre la vencedora. Los directores locales se destacaron con La huella en la niebla, El 5 de Talleres, Aventurera, El hijo buscado, El patrón, anatomía de un crimen y Salud rural.

La siempre atrayente «Panorama Autores» brilló en un nivel superlativo.

Sobresalieron entre otras Wild (Jean-Marc Vallée), Amour fou (Jessica Hausner), Birdman (Alejandro González Iñárritu), Haemoo (Shim Sung-bo), Magical Girl (Carlos Vermut) y Mommy (Xavier Dolan) que agotó las localidades de la sala más grande del festival en su primer pasada. Los géneros de terror y acción tuvieron su cuota en las secciones «Hora Cero» y «Las Venas Abiertas», donde descolló A Hard Day del coreano Kim Seong-hun por toda la adrenalina que

desparramó con su ritmo frenético además de los resquicios para cierto humor muy festejado. En la sección «Focos» Claire Denis reafirmó sus punto de vista sobre África y los inmigrantes, el peruano Francisco Lombardi se centró en lo político y el pionero del cine gay mejicano Jaime Humberto Hermosillo desembarcó con toda su promiscuidad gozosa. En las «Revisiones» se le rindió homenaje a dos de los cuatro grandes directores argentinos de la época dorada de los estudios, Daniel Tinayre y Carlos Hugo Christensen en su etapa brasilera.

Mención aparte para el muy aplaudido spot de Esteban Sapir como carta de presentación del festival, en el cual fusionó postales marplatenses con pasajes de famosas películas. Las charlas y conferencias a cargo de los directores invitados, presentaciones de libros, la proyección gratuita al aire libre de Relatos Salvajes y cine silente con música en vivo coronaron un festival que presentó salas con numeroso público, ávido de explorar otras miradas detrás de una cámara.

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PEZ DORADO Pez dorado es una revista con grandes pretensiones, queremos descifrar ese gran enigma que es el Cine y mostrar nuestro amor por él con ese objetivo escribimos manifiestos, nos agazapamos en las sombras dispuestos a saltar sobre el lector para que comparta con nosotros nuestras esperanzas, nuestras pesadillas y nuestros deseos.

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