Pólvora No.3 | TRANSMETAL by Pólvora

Proyecto Maconha Never Shout Never JaurĂa Kapanga Def Con Dos

No. 3, Septiembre 2013

L A T E M S AN

l e d a d a leyen

l a n o i c a metal n

Contenido

JAURÍA

LOU REED

EMILIE AUTUMN

AGRUPACIÓN CARIÑO

LOS LEOPARDOS

DEF CON DOS

ROCKSTARS VISUALES

MON LAFERTE

TRANSMETAL

EDITOR EN JEFE

PÓLVORA FM

ANDRÉ DULCHÉ

ALFREDO HUERTA

THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW

FOTÓGRAFÍA

KAPANGA

PROYECTO MACOHNA

andre@polvora.com.mx CO-EDITOR /

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RP & P

PÓLVORA CREW

40 ARMANDO PALOMAS 42

THE DRAYTONES

REVISANDO A THE WHO

ÍDOLOS

50 NEVER SHOUT NEVER 52

NÜ SOUND

LA DE ATRÁS

ANA CANCINO ana@polvora.com.mx

AGRADECIMIENTOS

MARKETING ALFREDO HUERTA

CONTACTO

Gracias a todas las bandas que fueron parte de éste número, a Eyescream Productions

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y Helados Producciones por el soporte, a Rafael Salinas de OCESA, a Rafael Ortega de

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enovarse o morir, esa siempre debe de ser la premisa por la cual nos debemos de regir todos. Es por eso que en Pólvora hemos renovado nuestra revista, manteniendo nuestro compromiso con el rock. Sin duda, al hojear cada una de las páginas, podrás encontrar un diseño fresco y dinámico que van de la mano con las bandas de gran calidad que formaron parte de ésta edición. En este número podrás encontrar a artistas como Jauría, Def Con Dos, Mon LaFerte, Never Shout Never y Kapanga, así como a una de las leyendas del metal mexicano, Transmetal, quienes se encargaron de adornar nuestra portada, lo que reitera nuestro compromiso con la escena nacional. Contamos también con músicos mexicanos como Los Leopardos, Agrupación Cariño, la nueva banda del Dr. Shenka de Panteón Rococó, Proyecto Maconha, entre muchas otras noticias relacionadas con sumergirse en la escena musical. Finalmente agradecemos a los colaboradores que forman parte de ésta nueva etapa y los invito a todos a sumergirse a la gran Explosión del Rock.

¡Bien enidos! polvora.com.mx

â&#x20AC;&#x153;el problema con el fanatismo es que es un poco peligrosoâ&#x20AC;?

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JAURÍA los perros de attaque

Por Andre Dulché

Cuando se anunció que ‘Ciro’ Pertusi dejaría Attaque 77, fue un golpe muy duro para todos sus seguidores tanto en Argentina como en México, quedaba la incógnita de saber qué pasaría con el vocalista y guitarrista hasta que se anunció el nacimiento de Jauría. Ciro, alma y vida de muchos temas de Attaque 77, empezó de nuevo desde la nada, acompañado de Ray Fajardo, ex El Otro Yo; Pichu Serniotti, ex Cabezones; y Mauro Ambesi, ex Expulsados; con quienes lanzó su disco homónimo. Sin duda esta Jauría tiene mucho de Attaque 77, imposible no hacerlo, como comenta Ciro “yo soy Pertusi y yo he sido el mismo más maduro, si se quiere, pero la persona que estuvo en Ataque 77 no es una persona que yo inventé para esa banda, entonces no puedo agarrar e intentar ser otra persona o un nuevo personaje para Jauría, soy el mismo porque digo y siento las mismas cosas”. El cambio de banda fue duro para muchos fans acérrimos de la banda creadora de ‘Western’, para él seguir con sus antiguos compañeros sería como estar “casado sin amor” y por ende su salida era necesaria. Entendiendo los puntos negativos y positivos que involucra una banda nueva, queda consciente de lo que pueden ser los fans, por eso pide “tratar de no ser muy fan de nadie, ya que el problema con el fanatismo es que es un poco peligroso”.

Desde tu salida de Attaque 77, ¿cómo lo recuerdas? Estoy orgulloso de la historia de Attaque 77, soy un defensor, soy la historia del grupo. Aún estando afuera, sigo siendo considerado una parte muy importante de la banda. Me alegra, porque ya no estaba contento en mi relación con los chicos y no me gustaba como estaba dentro de la banda. No quería que eso me llevara a olvidar todos los momentos vividos, 21 años de buena carrera con tantas canciones y discos buenos. Estoy muy contento de cómo ha resultado el movimiento, no lo planeé tanto como la gente cree, simplemente tuve una salida casi de emergencia.

¿Pesa volver a empezar desde abajo? No, la verdad es que la conclusión que saqué es que no sabía que era tan bueno volver a empezar. Lo imaginaba como algo meramente duro y sacrificado, que lo es, pero no pensaba que iba a ser proporcionalmente divertido, sorpresivo y lleno de nuevas emociones. Hay que tener en cuenta que con los chicos estamos viviendo un romance y como todo nuevo romance nos parece una situación ideal, un estado de gracia muy perfecto, así que no se hace nada difícil. De hecho he tenido oportunidades que no me las hubiese podido dar antes; nadie iba a pensar que Attaque y La Renga podrían to-

car juntos, además haber tocar de soporte con Red Hot Chilli Peppers y Foo Fighters.

¿Cómo se han involucrado los fans? Mira, es algo que se fue dando muy natural. Digamos que el hecho de haber tocado en bandas que han crecido tanto, a veces dificultaba manejar la relación con el público, porque a veces era muy multitudinario y nunca se podía satisfacer a las personas. Lo lógico al no poder brindarle a todos lo mismo, es injusto brindarse a unos pocos, entonces realmente la banda lo único que puede hacer era tocar sus canciones e irse, porque es imposible poder darle a cada uno lo que quiere. En cambio ahora es diferente, estamos recomenzando, entonces a fuerza nos encontramos con la gente y eso marcó un poco el camino a seguir. Vamos a aprovechar este gran momento el poder relacionarse con la gente cuando aún no somos tan masivos.

Los fans son muy celosos, ¿cómo respondieron los fans de Attaque 77 al cambio? Bueno, los fans acérrimos son muy celosos, muy sufridos con esa cuestión porque no hay cosa que les venga bien en un punto. No lo digo como una crítica, sino como una realidad. Están los que no les gusta que hayas hecho otra banda, porque para ellos me tenía que haber quedado en Attaque 77, como sea y les respondo que para quedarme en el modo que estaba y a la fuerza me parece como estar casado sin amor, no me parece justo. Después están aquellos que creen que si se arma una banda nada será parecido a la banda anterior. Es lógico que algunas cosas suenen parecidas. Otros hubieran querido que hiciera una carrera de solista, lo cual para mí hubiese significado algo aburrido, porque se cuales hubieran sido los resultados.

¿Qué tema de Jauría es el que los representa? Me parece que “Indios Kilmes” nos identifica muy bien, porque tiene mucho que ver con el destierro en un punto, creo que es lo que vivimos nosotros, que quedamos desterrados de nuestro hogar natal. Tiene que ver mucho de defender a la madre naturaleza, tratar de vivir armónicamente con ésta, es un ámbito que se opone a todo lo contrario sobre todo con un capitalismo tan latente.

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¿Siempre serás peleador social? A veces pensé en cómo hacer para escapar al momento fulminante en el cual me encuentro siempre, en la misma situación de estar tratando de conciliar un poco esas cosas que me queman y que no me dejan dormir, es un poco el entorno y el mundo en que vivo, siempre quiero tratar de ver lo mejor o tratar de aportar algo para la causa. Lamentablemente lo he intentado pero nunca puedo, siempre termino escribiendo

el amor, entonces hasta en esos casos he escrito siendo muy comprometido.

¿Cuánto tiempo de vida tiene un disco, ya con todo el recorrido que llevas? En este caso, yo pienso que un disco tiene que tener, una suerte de más de dos años, para mí esa cuestión de cada año hay que sacar un disco no me parece. Creo que los discos tienen que salir cuando ya esté listo, cuando las canciones salgan naturalmente; en el caso de Jauría este es un disco que da para disfrutarlo. Pero también hay bandas como Divididos que tardan más años en sacar un disco y lo veo muy bien. No me parece que todos los años debe de haber un disco y tampoco me parece que tenga que tener 10 o 15 canciones, tienen que ser los que a uno les salgan, porque es algo artístico, tiene que ser menos estereotipado, libre. Por último y conociendo su trabajo y su ideología ya a sus más de 40 años de vida, Ciro tiene un mensaje para los gobiernos y jefes explotadores “la única forma de domar a la Jauría es dejarla en libertad, es indomable. Cuanto más se atrapa, más en situación de ataques por defensa se producen. Cuando uno acorrala a un animal, por más bueno que sea, se va a tratar de defender, lo ideal es no acorralarlo.”

“la única forma de domar a la Jauría es dejarla en libertad, es indomable.” desde un punto comprometido, inclusive las cosas que artistas transforman en muy banales, como el amor. No es algo tan ligero, es algo más difícil que implica mucha relación con los espacios, lo histórico y lo cultural. Hoy en día están cambiando mucho los conceptos de cómo se siente y se vive

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l llamado glam rock que en los años setenta se identificaba más por la apariencia andrógina que por el sonido, atraparía a Lou Reed para entregarnos una obra maestra; su segundo disco en solitario. Dejando atrás el rock psicodélico y experimental, Reed se adentró en un sonido majestuosamente crudo, pesado y en ocasiones cargado de melancolía. Las letras son sórdidas y luminosamente violentas, himnos como “Walk On The Wild Side” es un saludo irónico y gráfico a todos los inadaptados y travestis que circulaban por las calles cercanas a la casa Taller de Andy Warhol. “Satellite Of Love” una alucinante historia donde el productor del álbum hace los coros; me refiero a David Bowie; mientras que nace uno de los mayores himnos a la heroína, “Perfect Day”, una verdadera oda melancólica, triste y profunda a la adicción que más tarde sería parte de la cinta Trainspotting. La lírica lleva una fuerte carga de Allen Ginsberg, donde es notoria su sarcástica y áspera manera de ver el mundo, uno donde el fracaso de la generación de las

LOU REED

transformer Por Gerardo Lugo

flores se dejaba ver más cerca y que Reed lo refleja favorablemente en sus textos, las duras distorsiones y claro, su vestimenta en cuero negro y su pálida actitud, como ocurre en “Vicious”, una violenta descripción de una chica bastante adicta y poco divertida. Transformer es el álbum que le otorga a Lou Reed el estatus de maestro del rock crudo y rasposo, sin duda alguna es parte de la inmortal del rock.

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EMILIE AUTUMN

la muñeca de Devil’s Carnaval Por Andre Dulché 10 polvora.com.mx

E N

milie Autumn es una mujer que vive en una realidad distinta, siempre directa y con mucho sentido del humor que queda plasmado en cada disco que hace lleno de experiencias personales. Entre las presentaciones de su gira como promoción de Fight Like A Girl se tomó el tiempo de actuar en Devil’s Carnival, una película dividida en tres episodios (al menos es la idea original) y en ella Emilie interpreta a Painted Doll; una sexy muñeca que cambia besos a cambio de información; con un trabajo que no se aleja mucho de su espectáculo burlesque en vivo. Incluso Captain Maggott también aparece en este primer episodio como parte del ‘crew’ del circo. Entre el reparto se encuentra Bill Moseley que muchos recordarán como Otis en La Casa de los Mil Cuerpos. La trama se fundamenta en tres personas a punto de morir, las cuales al momento de partir de este mundo ganan un boleto para ser parte del Carnaval como personajes involuntarios, dicho carnaval es dirigido por el Diablo. En otra parte, Dios está fabricando juguetes, desechando los imperfectos como Painted Doll y enviándola a la caravana (se deduce que todos los personajes llegando de la misma forma). Según las formas de vida y de seguir las 666 reglas se sabrá el destino de dichas víctimas, todo esto bajo una gran musicalización en 56 minutos. Dejar en claro,

es un musical de terror. En exclusiva, Emilie nos cuenta la experiencia al hacer esta cinta, donde se espera el segundo episodio donde Dios y sus ángeles resultan más macabros que todo el Carnaval. ‘Ha sido una de mis más divertidas experiencias porque fui capaz de ir dentro de la realidad de otra persona. Estar en un mundo creado por otros y juntos hacer un carnaval, un circo donde todo es real. Fui feliz al no estar en mi historia, primero extraño porque estoy acostumbrada a hacer todo por mi cuenta, yo creaba y escribía todo, pero ver a través de otros ojos y ser solo una parte de la historia teniendo cierta libertad con mi personaje (como el loco maquillaje porque tomaba tres horas diarias para ponerlo y una para quitármelo), lo hizo una experiencia bellísima.’ Emilie continúo hablando sobre la música y su canción “Prick! Goes the Scorpion’s Tale”, ‘es muy raro que yo haga canciones de otros pero estaba tan agradecida y me gustaba tanto la música sin ser mía que me sentí orgullosa, además de no tomar responsabilidad por escribirla. Me gustó contar la historia y hacerla en un personaje fuerte y logré explicar el mensaje. Fue grato estar al servicio de otro y ayudar a cumplir su sueño. También me benefició al ver que en la gira por Estados Unidos había muchos con sus playeras de ‘ratas’, me di cuenta que era otra forma de estar conectados con ellos”.

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AGRUPACIÓN CARIÑO maldito sabor Por Andre Dulché / Fotos: Manuel Castillo

“Kurt Cobain es el epítome de cansarse de triunfar, se cansó tanto que se durmió para siempre.”

Con estas palabras es que la Agrupación Cariño se manifiesta con Cansados De Triunfar, después de haber ‘brincado el charco’ y presentarse en festivales tanto en USA como en México. Con su humor totalmente irónico, la ‘Agrupa’ firma este sarcasmo idílico con la siguiente explicación: “porque la neta estamos cansados y no hemos triunfado tanto; pero también estamos cansados de que todas las bandas digan es bien difícil, nos ha

costado mucho trabajo, no me dieron la beca del FONCA, sacar el disco es muy caro, más bien es increíble cómo pueden seguir con esa tonadita. Así que mejor algo muy priista, omitir todo ese pesimismo y decir estamos triunfando.”

Aparece la pista titulada “Maldita Tú”, la cual llevaba ya algún tiempo grabada, ¿por qué tardarse tanto en meterla? Nosotros como tocamos mucho, vamos soltando rolas; entonces

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“Maldita Tú” fue la primera, hasta que llegamos a la rola 10, que es nueva, y alcanzamos a juntar esto. Ahorita ya estamos tocando dos o tres rolas nuevas que no vienen en este disco, que vendrán en el tercero. Vamos al revés y vamos sacando canciones para ver cómo jalan hasta que se juntan en un disco.

¿Han viajado por su cuenta fuera de la ciudad? ¿Qué les falta a las bandas para salir a provincia?

La verdad es que es difícil salir cuando no has llegado a cierto nivel, porque luego económicamente no sale, porque si no tienes radio nadie te va a ver y tu viaje no sale porque van 80 personas a un antro a verte y pagan 30 pesos de cover. Además tienes que pagarte el camión, la habitación. Nosotros por ejemplo somos 10 y en una camioneta de 12 personas tenemos que caber, con el mánager, los instrumentos, y pagar las habitaciones más las comidas. Aunque en algún momento lo tienes que hacer, tienes

que empezar aunque si la banda no está muy bien posicionada ¿para qué vas?

¿Todavía ser músico es un negocio? Sí, se puede vivir de la música, no holgadamente pero sí. Además siempre tienes la esperanza de romperla, creo que es lo bonito a otras profesiones, la gente ya está muy medida. Lo bonito de la música es que a lo mejor mañana sacamos una rola y nos hacemos multimillonarios, es bonito soñar.

¿Cómo se siente músicos anónimos?

ser

Creo que eso nos pasó con “La Cumbia de la Influenza”, porque nos empezaron a hablar de varias partes, como Italia y Colombia, porque ahí era solo la canción y Agrupación Cariño no existía. De hecho ni la pudimos cobrar

y fue todo un tema porque tiene millones y millones de views y era más la rola de la enfermedad que nuestra. Pero al principio a todos les pasa eso y poco a poco la gente te va conociendo.

nuevo es más funk que cumbia; “El Abismo” es una balada de la OTI; “La Luna” es más gipsy o gitana. Son muchos ritmos diversos, no estamos en esa moda.

¿No sienten el riesgo de caer en una moda? ¿Qué se acabe?

¿Qué opinan de que ahora Los Ángeles Azules estén de moda?

Sí, creo que a nosotros nos han etiquetado mucho como que somos parte de la Electrocumbia, así empezamos con el Colectivo de la Súper Cumbia Futurista, pero sí nos despegamos rápido porque no utilizamos computador o secuencias, nuestra onda es hacer canciones con instrumentos. Yo creo que eso de los Dj’s va a morir pero la banda de 10 gueyes nunca va a morir. Por ejemplo con “Son Malherido” una rola de este disco

Es muy tarde celebrar a esta banda, debieron celebrarla en el 97, se tardaron y hay bandas muy jóvenes, eso ya fue. Si mezquinamente quieres ponerte a hacer dinero al final de la carrera de unos güeyes, adelante. Pudieron haber hecho algo nuevo, pero solo le cambiaron el teclado, porque la armonía es la misma.

rendirle un bien hecho?

homenaje

El mejor homenaje siempre es que hagas una canción inspirada por. Me encantaría un día subirme a un escenario y decir que una canción se la dedicamos a Juan Gabriel y una nueva basada en la vida de este señor, pero creo que siempre el mejor homenaje va a ser que la música que impacta tu vida se refleje en una canción nueva.

¿Cómo sería su mejor tocada? El Madison Square Garden, con todas las chicas de playboy y que nos abriera Juan Gabriel, luego Joan Sebastian, cierra la Agrupación con DJ Astro de invitado. Barra libre por el Chapo Guzmán.

¿Ustedes creen que hay alguna banda a la cual

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LOS LEO- femme rockabilly …y qué? PARDOS Por Carlos Miranda / Fotos: Pólvora Crew

na de las bandas que ha sobrevivido a la inestable escena rockabilly en México son “Los Leopardos”, quienes además de buenas canciones mantienen de forma innata el concepto de femme power como prioridad. Integrada en esta nueva etapa por Deny, Cookie y Joe, esto a la salida de Mimi quien se encargaba de las voces. En 2010 sacarían su primer disco Viejos Días De Radio que incluye “Hot-Rod”, “Ciudado Johnny”, “No Me Miras” y “Psychocherry” los cuales lograron posicionarse dentro de la escena tanto nacional como internacional. Ahora están de vuelta con su nueva placa, Sí... ¿y qué? el cual tuvo su presentación en el mítico Foro Alicia, que también sirvió de casa productora del álbum. Aquí la entrevista exclusiva para Pólvora con motivo de este nuevo material donde se abarcan temas como la escena rockabilly en México desde este felino punto de vista:

Se salió Mimi, ¿Cómo se ajustaron a ese cambio? Cookie.- Una decisión difícil, en vísperas de navidad, no sabíamos qué íbamos a hacer, yo había hecho pininos en la voz y con el apoyo de mis compañeros, fue que yo cantara, de pronto no encontramos un cuarto elemento, por lo que se formó la alineación que está ahorita, Deny me apoya en los

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coros, nos sentimos bastante bien y más unidos que nunca.

¿Cómo fue que armaron este disco?

Cookie.- Ahora las composiciones están a cargo de los tres, entre Deny y yo estamos a cargo de las composiciones, y Joe también, en la rima. Pero los tres estamos muy libres para aportar nuevas ideas. Deny.- Lo diferente de este disco es que en el pasado ya estaban las canciones hechas, entonces cuando estaba Mimi solo era interpretarlas. En este disco hubo libertad total, ahora puedo meter lo que me guste sin el miedo de lo que pase. Es un disco más libre, más feliz y más de nosotros.

¿Por qué hacer del lado femenino el punto fuerte de esta banda? Joe.- No es que la banda haya sido creado con esta alineación, de hecho cuando se iniciaron Los Leopardos no pensé que fuéramos a acabar en un grupo que predominaran las mujeres, que bueno, la verdad si es que están aquí ellas, es por su talento, son músicas talentosas, con inventiva y sobre todo, creativas. En tu grupo siempre quieres que tus músicos sean lo mejor, lo demás fueron cosas del destino. Ellas han aportado mucho, este disco ya suena más al grupo, más como una

alineación con ese punto de vista femenino. No es sacar provecho de este lado femenino, pero como son buenos músicos, eso hay que aprovecharlo, ellas escriben las letras de sus experiencias.

¿Qué canciones de este disco refleja la nueva etapa de la banda? Cookie.- Yo tengo una canción que se llama “Algodón”, es una composición para mi hija. Deny.- “No Eres Tú, Soy Yo”, me gusta mucho, “Labios Rojos”, también porque salimos del normal rockabilly que es muy feliz y bailable, todo fiesta. En este se muestran cosas que nos han pasado, que sin querer te equivocas de persona y terminas con otra. Cosas que nos sucedieron mientras estábamos juntos. La relación en este disco ayudó a unirme más con Cookie, lo cual ayudó en hacer estas rolas.

¿Cómo hacer canciones diferentes dentro del rockabilly y que no suenen siempre a lo mismo?

tardamos mucho en el proceso de esperar a grabarlo.

Deny.- Es un poco complejo, no es que sean bailables completamente, si no que ya no son tan referentes a la fiesta, es complicado a veces reflejar la tristeza, pero nos fuimos hacia el western, hacia el hillbilly, lo que le dio el toque más sombrío. Era algo que ya teníamos ganas de hacer, por ejemplo tenemos una canción que es al estilo jazz. Otra con ritmos latinos.

¿Existe una escena real de rockabilly en México?

¿Qué esperamos de este nuevo disco? Cookie.- Está muy divertido, tiene muchos estados de ánimo, desde la que te ponen el cuerno, hasta la que estabas muy borracha y pones el cuerno. Es como un disco muy completo, trae toda nuestra energía,

Deny.- Sí existe. Lo ideal sería que esas bandas se juntaran más para hacer eventos más grandes. Si fuéramos más unidos entre nosotros, se podrían dividir en tocadas y la gente conocería más el género. Joe.- Yo creo que la escena apenas se está conformando como tal, antes había un interés por el rockabilly, pero las bandas eran muy amateur, así como las tocadas, creo que ahora ha ganado profesionalización. Estamos abriendo espacios, aprender a cómo llevar las cosas, todo eso le falta a la escena para tener penetración a niveles masivos.

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DEF CON DOS poco pan y pésimo circo Por Andrea Quintana / Fotos: Manuel Castillo

na de las cosas más difíciles para una banda es mantener sus valores intactos sin caer en aquello que tanto critican, ya que muchos grupos ‘contra estatarios’ simplemente cuentan con una ideología de dientes para afuera. El caso de Def Con Dos es totalmente diferente, ya que ha logrado crear un bastión con el balance perfecto entre comercialización e independencia creativa. Desde sus inicios en 1990, con su material Primer Asalto, la banda española ha plasmado en sus letras los defectos de la sociedad española, la cual se caracteriza “por su conformidad y un espíritu que ansía una burguesía de clase media pudiente. Viviendo en una sociedad globalizada, el gran problema de las personas es que la mayoría quiere comprar, de hecho ahora todo el mundo está esperando que pase la tormenta para poder volver a comprar más de lo que necesita.” Los polémicos textos de Def Con Dos, se asemejan a profecías que poco a poco se van cumpliendo; “hace 17 años nosotros hablamos de cosas que están pasando ahora, pero lamentablemente la gente se encontraba muy cómoda con el sistema y estaba provocando esa burbuja que se estaba viendo que un día estallaría, nadie quería mirar la realidad y nadie salía a la calle a protestar. Ahora, por más que la gente proteste, sigue siendo conformista, deberíamos de estar quemando el parlamento”. Ahora, la banda cuenta con más de 20 años de carrera y nos trata de retratar esa España, la cual sigue siendo idiota, en donde el pueblo tiene el gobierno que se merece.

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¿Qué tanto han cambiado ustedes musicalmente? Desde el 89, mucho, tal vez desde el 2000 no tanto. Nosotros empezamos como un grupo paralelo de Julián Hernández de Siniestro Total, el hacía toda la composición y nosotros jugábamos a ser Los Residents, a crear un grupo que no existía en la realidad. Pero después entró Jesús, el bajista, y nos propuso hacer un grupo como el que tenemos ahora. Los tres cantantes, con una base de hip hop chapucero sustentada con una banda de rock, llevando también samplers y secuencias. Empezó en el 93, con el disco Armas Pal Pueblo y es lo que hemos venido haciendo con sus distintas variantes; mezclar hip hop con rap con todo tipo de música ruda como el metal, hard core, punk y todo tipo de sonidos que nos gustan.

¿En qué sentido creen que España es idiota? En todos los sentidos, España es idiota desde hace muchísimo tiempo, desde su creación hace 500 años. Es idiota porque es un país que se ha construido en unos cimientos de corrupción, nepotismo y de intolerancia hacia la diversidad, lo que ha provocado que sea un país deficitario. Después de que se terminó la dictadura de Franco, que no cayó sino que se terminó porque así lo quiso, se heredó un sistema absolutamente injusto. Afortunadamente debido a las cir-

cunstancias económicas, todo ha explotado y está todo como revisándose, esperemos que sea así, pero el hecho de que no haya pasado eso hasta que no hubo una crisis económica denota hasta qué punto somos idiotas, mientras hubo pan y circo todo el pueblo estaba contento.

Se dice que el pueblo tiene el gobierno que se merece, ¿qué tanto están de acuerdo con esto? Es evidente, algunos de los dirigentes que tenemos en España son como instituciones heredadas del franquismo y de la monarquía que no la votaba nadie; pero en el resto hay una democracia que la gente vota y los votos no se manipulan, es decir que los anormales profundos que tenemos como gobernantes los ha votado la gente, por lo cual la gente tiene lo que se merece.

¿A qué creen que se deba que sus canciones parecen muy locales, pero para nosotros resultan muy personales? Es que la estupidez, en cualquier ámbito del mundo, se reconoce fácilmente y los que estamos en contra eso de inmediato los identificamos y además te sientes acompañado cuando ves que la gente piensa como tú. Y yo creo que en el mundo globalizado, en el que vivimos, la estupidez

domina en todas partes; creo que pocos países se escapan a esa ola de estupidez, con lo cual pues el mensaje de Def Con Dos no tiene problemas para ser comprendido en otro país.

¿Qué es lo que más les molesta de lo que ha pasado últimamente en España? Lo que más nos molesta es que si la gente hubiera escuchado más a Def Con Dos y menos a Pimpinela, al Puma, Raphael o Enrique Iglesias, se hubieran dado cuenta de lo que iba a pasar. Y, sin embargo, en su momento la gente nos tachaba de que éramos agoreros, un grupo pretencioso con pretensiones intelectuales y nos descalificaban por ello; sin embargo, hoy día hay muchísima gente que nos está apoyando porque se dan cuenta de que tocábamos canciones desde el 95 y hay unas que avisan muy claramente de lo que iba a pasar. Eso es lo que nos indigna, es decir, que la gran debacle de España era perfectamente previsible.

Después de haber dado el mensaje varias veces, ¿no hay una especie de hartazgo porque la gente no entiende? Sí, nosotros paramos en el año 2000 un poco por eso, porque llevábamos muchos años haciendo una música y contando las cosas de algo que creíamos era muy interesante y sobre todo trabajando mucho, yendo no a ganar dinero fácil sino a invertir dinero en tu espectáculo para que fuera mejor y la gente no lo valoraba. Luego detrás de ti se subía un retrasado mental con una guitarrita diciendo algo de la revolución cubana y todos estaban contentos, quiere decir que sí es cierto que Def Con Dos ha considerado que vivimos en un país idiota, que no valora lo que tiene.

¿Hoy todavía sirven los símbolos o ya se ha tergiversado el concepto? Los íconos son necesarios ya que la gente necesita que se lo pongan bien facilito porque es muy complicado pensar por ti mismo, porque no es un ejercicio ni agradable ni sencillo, es más fácil adherirte a una ideología y decir que eres eso, y ya con eso te compras un comportamiento. A ser independientes y hacer lo que uno quiere ser es lo que no se atreve casi nadie, es muy molesto y complicado pero a la larga es mucho más gratificante.

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Rockstars Virtuales de la computadora a un escenario Por Carlos Miranda

Tal vez hayan oído de Miku Hatsume, una superestrella de Japón, la cual durante más de cinco años ha tenido diversas presentaciones alrededor de Asia y Europa con gran despliegue de show dentro y fuera del escenario, solo que con una ligera desventaja, ella es virtual. Para muchos ideal, para otros, inalcanzable por ser generada por computadora para satisfacer los gustos de los fanáticos acorde a sus exigencias. Esta idea que suena futurista, es una realidad actualmente, no solo con Miku, si no en el ámbito del rock, donde hay exponentes que lo han llevado al plano musical con gran éxito desde hace tiempo dando alternativas al futuro de la música.

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Gorillaz

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Miku Hatsume

La primera banda rockera que tomó este concepto fue Gorillaz, un proyecto definido como Dark Pop y Zombie Hip-Hop, fue creado en el año 1998 por Damon Albarn, vocalista de Blur, y Jamie Hewlett, creador del cómic Tank Girl. Todo empezó con la idea de tener una banda de dibujos animados, la cual se fundamenta en cuatro personajes: 2D (Voz), Noodle (Guitarra), Murdoc (Bajo) y Russel (Bateria/Rap), los cuales en un inicio fueron usados para todo el marketing detrás de la banda, así mismo en los videos musicales, pero al ir ganando popularidad dentro del medio, fueron llevados al escenario primero en pantallas donde se proyectaban a los integrantes interpretando las canciones para después pasarlos al plano del holograma. La banda tiene en su haber cuatro álbumes de estudios: Gorillaz en el 2001, Demon Days en el 2005, Plastic Beach en el 2010 y The Fall en el 2011, todos liderados por Albarn y teniendo colaboraciones especiales como Mick Jones y Paul Simonon de The Clash. Así mismo, existe una historia que se fue conformando desde el primer disco, el cual narraba la historia de cada uno de sus integrantes, las aventuras que vivían y su estilo de vida durante el pasar de los discos. Actualmente, por diferencias entre Albarn y Hewlett la banda entró en un receso “indefinido”, dejando como legado el haber

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Drummer (Baterista), William Murderface (Bajista) y Toki Wartooth (Guitarra Rítmica), si no también han hecho acto de presencia de forma irónica en algún capítulo, figuras del rock como James Hetfield y Kirk Hammett de Metallica, Jeff Loomis, Steve Smyth, y Warrel Dane de Nevermore, el guitarrista de Arch Enemy, Michael Amott; King Diamond y el cantante de Cannibal Corpse, George “Corpsegrinder” Fisher.

Dethalbum I, II y III, así como diversos tours realizados en Estados Unidos junto a bandas como Mastodon, All That Remains, también reemplazaron a Megadeth en el Mayhem Festival en el 2011.Todo ello conformado por Brendon Small, Gene Hoglan y Bryan Beller como intérpretes tras bambalinas de la banda, dejándoles en el 2009 un Revolver Golden God Award como la mejor banda internacional. Para el futuro de la banda, viene una ópera rock que se estrenará en octubre de este año titulada Metalocalypse: The Doom Star Requiem, dejando aun en esperanza para los fanáticos el lanzamiento de una quinta temporada.

Dethklok no solo ha sido una exitosa banda dentro de la caricatura, sino ha ido más allá en el mundo real, debido a que desde su inicio en octubre del 2007, ha lanzado un LP: Adult Swim Presents: ...And You Will Know Us by the Trail of Dead on Tour with Dethklok y tres discos de estudio: The

Con estos dos exponentes de la ola de la música de artistas virtuales del rock, ¿Las figuras virtuales son el futuro para la creación de nuevas bandas/artistas? Solo las tendencias y sobre todo los fanáticos dictarán, el cual tendrá sus tintes polémicos, pero al final podría convertirse en una alternativa.

Miku Hatsume en concierto

ganado un Grammy, nominado a otros seis más y ser la Banda del Año en el 2010 en los premios GQ. La siguiente banda es Dethklok, la más brutal, nació en un programa de la barra Adult Swim de Cartoon Network llamado Metalocalypse, creada por Brendon Small y Tommy Blacha, es definida como una mezcla de Spinal Tap con Scooby-Doo y Noruega, tiende a ser una parodia/celebración de la cultura del heavy metal haciendo referencia en cada episodio a estos aspectos como estilo de vida, vestimenta, bandas o lugares. Todo ello narrado durante las cuatro temporadas, en donde no solo se cuenta la historia y aventuras de Nathan Explosion (Vocalista y lider), Skwisgaar Skwigelf (Guitarrista), Pickles The

Dethklok

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MON

LAFERTE

la andina tornasol Texto y Fotos: Héctor Paniagua

a sencilla extranjera Mon Laferte, caracterizada por una voz poderosa llena de tintes desgarradores, crea un nuevo puente hacia el sur del continente y a través de su música logra viajar kilómetros para tratar de seducirnos con una experiencia auditiva que transita en el rock y en el pop alternativo, y que se concreta en su más reciente material discográfico titulado Tornasol. Dentro de este nuevo proyecto, la cantautora nos muestra una serie de sonidos novedosos y agresivos que la han llevado a participar en algunos otros planes como Mystica Girls, agrupación de heavy metal donde es vocalista principal y realizar colaboraciones con otros músicos como Renee Mooi y Mariel Mariel. Así, desde Chile, Laferte nos ofrece en exclusiva una entrevista para Pólvora en donde nos habla sobre el puente musical entre ambos países, su dualidad indie-metalera y la promoción de sus nuevos proyectos.

¿Cómo es el cambio entre hacer heavy metal de puras mujeres y éste proyecto solista? ML: Ha sido complicado, porque mi proyecto siempre ha sido mi música solista. Tengo dos discos y siempre he tratado de componer la música que siento. Hace dos años durante un concierto conocí a Cynthia, guitarrista de Mystica, y me pidió ser su vocalista, lo cual me agradó pero lo asumí como un desafío, en primera por el viaje constante MéxicoChile y en segunda por tener que adaptarme a otros tonos y estilos musicales. Hoy después de ese reto me siento muy cómoda y la paso realmente bien.

¿Qué diferencias encuentras entre los públicos? Muchas diferencias. El público metalero es power, puros hombres chacones, bastante positivo y sobre todo siempre busca que los

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músicos sean súper virtuosos, que toquen muy fuerte; por ejemplo, con Mystica canto un tema que se llama “The Conquest” que tiene un grito al final de la grabación y que en vivo el público siempre está a la expectativa de ‘a ver si sale’ (Ríe). En cambio, el público indie es un público con más sentimiento, más tranquilo, y en realidad a mi me gusta mucho, porque yo soy un músico que toca con feeling y sin tanto grito.

¿Qué diferencias encuentras entre Chile y México? Mi gente en general es muy parecida, pero en Chile soy un poco más conocida, me entienden más, e incluso algunos de mis temas ya suenan en la radio. En México apenas se va abriendo camino, porque aunque yo me siento muy mexicana, el acento y esas cosas siguen siendo raras.

¿Por qué elegiste México para desarrollarte profesionalmente? Yo quería viajar, aprender de otras culturas y otra música, pero tampoco quería ir tan lejos; así fue que me enteré por unos amigos que México era un país muy generoso, muy cultural, muchos antros, y fue que decidí dar el paso. Finalmente México es como estar en casa. Chile es un país muy chiquito y te da pie a estar siempre en los mismos lugares, en cambio, en México hay una gran cantidad de posibilidades y para que estés en el mismo lugar tienen que pasar muchos años.

¿Qué ha pasado en Chile en los últimos años que hace que las mujeres tomen las riendas en la música? No creo que sean sólo las mujeres, también hay muchos hombres como Gepe, Pedro Piedra, pero sí es una realidad que las mujeres han tenido mayor participación, y no solo en Chile; a nivel mundial las mujeres han levantado la voz y han tomado de cierta forma el control de la música.

Con respecto a tu nuevo material Tornasol, ¿Quién estuvo a cargo del arte? El arte lo hizo un amigo chileno llamado Fab Ciraolo, el mismo que hizo la famosa imagen de Frida Kahlo con una playera de Daft Punk. Fue una historia curiosa, pues yo quería que hiciera la portada del disco, pero jamás pude encontrarlo, hasta que un día por un amigo lo conocí y creamos el arte juntos. El dibujo del interior del empaque, lo hice yo. Es bonito reflejar la música a través de imágenes.

mucho miedo a éste tema.

¿Cuáles son tus aspiraciones próximas? ¿Algún escenario por conquistar?

Por ejemplo el disco se llama Tornasol y la portada es así, tiene ritmos y colores amplios, que se reflejan siempre en el arte.

¿Cuál es la lírica contenida en Tornasol? Al principio parece que las líricas no tienen una gran profundidad, porque muchas de ellas las hago por el desmadre, para

tocarlas en vivo, pero cuando lo piensas hay temas honestos y de corazón como por ejemplo “Orgasmo Para Dos” y “Tornasol”. Las líricas son básicamente de cosas que pasan, como por ejemplo hay un tema que habla de cómo te sientes a los 30; cosas de mujeres.

De todos éstas canciones

¿Cuál es tu favorita? “Tornasol”. De todas las canciones que he compuesto es la que más siento, no se por qué. Al principio no sabía en realidad de que trataba, pero ahora se que trata de un miedo a la muerte, pero a la vez trata de ver a la muerte de una manera positiva. Refleja mucho una etapa que pasé en mi vida en donde tenía

Mi máxima aspiración es poder tocar en todos los lugares, desde los lugares más pequeños hasta los grandes festivales por el renombre. Todos los escenarios son importantes. Mi meta es tocar de lunes a domingo, porque creo que cuando tocamos en vivo es cuando la gente responde mejor, y lo considero mi fuerte. Quiero seguir capturando la vibra de la gente y el momento. Así Mon Laferte continúa con la promoción de su más reciente material discográfico titulado Tornasol, mismo que se puede adquirir en formato físico y digital y contiene 14 cortes musicales que incluyen “Tornasol”, “Orgasmo para dos”, “Vuelve por favor”, “Flor de Amapola”, “Muerte en el Ring”, y “Hey Hey” mismos que la han hecho llevar su música a través de los rincones de Latinoamérica. Música fresca que transita entre el rock y diversos géneros del pop, con tintes sintéticos, dramáticos y llenos de energía que dejarán satisfechos a los escuchas.

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Modelo: Andrea Cantú Foto: Javo Hernández

transmetal el estandarte del metal mexicano Por Alfredo Huerta / Fotos: Pólvora Crew

nfravalorados, criticados e incluso odiados; Transmetal es una de esas bandas que a pesar del gran esfuerzo y dedicación que han ofrecido al género durante más de dos décadas, no es reconocida como debería. Con 27 años de carrera, más de 20 discos y un sinfín de clásicos, la familia oriunda de Yurécuaro, Michoacán (la capital del mundo, como ellos la llaman) se encuentra en un punto, donde la madurez y la ambición, son el motor que los mantiene en pie.

El comienzo

1987. Los hermanos

Partida comienzan con un sueño: tocar thrash por simple gusto. Temple de Acero, donde participaban Juan Partida (guitarra) y Javier Partida

(batería), fue el punto de partida para que, después de un giro en la lírica de las canciones, se decidieran cambiar a Transmetal, uniéndose al proyecto Lorenzo Partida (bajo) y Alberto Pimentel (guitarra y voz) para lanzar el primer demo: “Velocidad, desecho y metal”, que contaba con nueve canciones.

El primer logro: “Muerto en la cruz”

1988. Año bisiesto y el

más importante para la banda en su corta carrera. “Muerto en la Cruz” fue el título del primer disco, el cual fue editado por Avanzada Metálica, sello filial de Discos y Cintas Denver. 25 minutos y ocho tracks bastaron para que se hicieran de fieles seguidores, los cuales iban reclutando en sus pequeñas pero poderosas presentaciones.

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Con el ánimo renovado y estrenando disco con festejo de un año más en pie, tuvimos la oportunidad de entrevistar al cuarteto leyenda, quienes no dejan de rodar por todo el país, demostrando porqué son los estandartes del metal mexicano.

¿Cómo se siente Transmetal después de tantos años de carrera? Lorenzo: ¡Venga! Yo me

animo. Nos sentimos plenos y satisfechos de que el nombre de Transmetal aun después de 26 años siga interesando, existiendo y abriendo puertas.

La verdad; ¿Pensaban aguantar tanto tiempo? Javier Partida: No, la verdad no. Fíjate que cuando iniciamos, la idea era hacer un grupo de heavy metal que tocara temas en español; teníamos como influencia a Black Sabbath, Judas Priest, Slayer y demás bandas ochenteras, quienes hicieron que buscáramos tocar por diversión. Después de casi 27 años, sentimos que todavía tenemos la pasión con la que empezamos.A pesar de vivir momentos muy difíciles, nunca pensamos en eso. La primera vez que Alberto (Pimentel) salió de la banda, mucha gente pensó que ya no seguiríamos; pero siempre que pasamos por algún problema, tomamos más fuerza y salimos adelante.

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Nos comentaban de sus influencias, ¿Por qué decidirse por el Thrash con toques de Death y no en otro estilo?

Lorenzo: Cuando empezamos a montar las primeras canciones, como “Rostro Maligno” o “Enviado del infierno”, tenían ciertos tintes de thrash, género que estaba de moda y de death, el cual apenas llegaba a México pero que nosotros ya teníamos identificado, gracias a discos de Possessed, Exodus, entre otros. Lo primero que hicimos sonaba a thrash con algo de Black Sabbath, una mezcla rara pero que nos gustaba y que después pudimos explotar.

¿Que tanto les ha costado respetar el sonido crudo y directo con el que empezaron? Javier: Lo que ha hecho que Transmetal siga, es la constancia,

a pesar de los cambios y todas las adversidades. El que llevemos tanto tiempo en un país donde el metal no tiene muchas oportunidades, ha hecho que no nos cerremos a ningún espacio, ya sea nuevo o pequeño, aprovechando lo que venga para mostrarnos y dejar en alto nuestro nombre.

Juan Partida: Algo que ha enriquecido a la banda es la gente que ha trabajado con nosotros; tal vez por eso cada disco es tan diferente. El estilo lo mantenemos, pero el matiz es el que cambia. Ahora está Chris con nosotros y está aportando bastante.

Sus primeros años fueron bastante inciertos, al menos eso se veía en esa época. ¿Cómo se fue dando su crecimiento en la escena? Lorenzo: Lo que siempre ocurrió con Transmetal fue que nunca hubo un plan, propósito o algo por el estilo; lo único que queríamos era tocar la guitarra y hacer ruido. Tiempo después alguien nos contó que había un lugar por Sullivan en donde tocaban bandas por las tardes y nos invitaron porque “tocábamos mejor que los demás”; fuimos, Ramsés estaba entre las bandas de ese día y vimos que nos habían mentido; ellos tocaban mucho mejor que nosotros. Conocimos al “Doc” Mendoza, manager del lugar y participamos como grupo abridor. En ese entonces solo teníamos cinco canciones y la verdad la gente enloqueció. A partir de eso comenzamos a trabajar sin pago, durante cuatro o cinco años. Nuestro propósito era tocar donde se pudiera y regar el nombre en todos lados sin compromiso alguno. Con el tiempo nos dimos cuenta que necesitábamos dinero y con la poca o mucha publicidad que teníamos, fuimos pidiendo apoyo económico para tocar y grabar un disco. El proyecto comenzó como un juego y luego se convirtió en la cosa más seria que te puedas imaginar.

acostumbrada a la alineación original. Durante cinco años tocamos en todos lados, incluso en los lugares más tenebrosos que te puedas imaginar, dentro de colonias bastante conflictivas, pero que se convertían en tocadas magnificas. Emocionalmente sí nos afectó. El hecho de que se diera un cambio implicó empezar de cero, ensayar nuevamente y hacer que el público se identificara a la alineación.

rockeando y ver a Transmetal. Ahora que lo logré, solo queda disfrutar y cumplir con la misión del rock.

Chris, ¿Cómo te sientes de ser el vocal y compartir escenario con estás leyendas? Chris: Es un sueño hecho realidad, desde que estaba más pequeño era no querer ir a la escuela por estar

¿Cómo fue la etapa entre “Sepelio En El Mar” y “Zona Muerta”? Javier: Fue muy complicada porque la gente ya estaba

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He aprendido que hay que tener los pies en la tierra y al público en las nubes. Me siento muy contento al tener una respuesta favorable de la gente.

¿Cómo fue que entraste a Transmetal? Juan: Él nunca lo quiere decir, pero Cristóbal

es nuestro sobrino. Ya estaba destinado a ser parte de nosotros. Javier: Se integró con nosotros en 2009, justo después de la salida de Alberto, quien decidió retomar a Leprosy. Grabamos “Decadencia en la Modernidad” y aquí seguimos.

Uno de los vocales con los que tuvieron oportunidad de trabajar fue George Fisher, de Cannibal Corpse. ¿Qué recuerdan de esto? Lorenzo: Cuando estábamos grabando “México

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Bárbaro” (1996), el ingeniero y productor Scott Burns, el mesías del metal en ese entonces, nos preguntó si queríamos trabajar con una de las bandas a las que les había producido y nos ofreció la oportunidad de ir a ver el ensayo de Cannibal; aceptamos y días más tarde invitó a George para participar en el disco. Quedamos encantados. Fue una experiencia única, la cual recordamos con mucho cariño.

¿Alguna experiencia especial? Javier: Una vez fuimos a tocar a una prepa, no recuerdo cual y cuando llegamos nos enteramos que los chavos que organizaron no tenían un permiso para organizar la tocada. Llegamos con nuestro equipo, ellos se colgaron de la luz y empezamos a tocar; la gente empezó con el slam y los que no sabían qué era se empezaron a prender y a golpear a los demás porque pensaban que los estaban agrediendo. Desde las escaleras empezaron a llover sillas y se convirtió en una batalla campal muy sangrienta y agresiva. Ese día estuvo tremendo. Tocamos afuera de Bellas Artes en el Día Mundial de la Danza y hemos estado en festivales fuera del país. Cada experiencia es revitalizadora. Lorenzo: Yo recuerdo una de cuando fuimos a tocar a Puebla. Alternamos con una banda muy importante en aquella época y cuando llegamos con el organizador nos enteramos que no sabía que se necesitaba un permiso para tocar y todo estaba cancelado. De repente alguien llegó y le ofreció un espacio que tenía junto a su casa. Todos pensamos que era un lugar “x”, pero no; resultó ser un criadero de cerdos con un espacio grande donde acomodaban el estiércol. Afortunadamente ese día había pasado el camión que recolecta-

ba todo eso y solo dejo un poco. La gente, que era poca, aceptó y todos estaban bien prendidos. Cuando salimos a tocar se armó el slam bien grueso; los chavos a la mitad de éste se acercaron al montón de estiércol y empezaron a aventarlo a todos lados. La recuerdo mucho porque salimos como marranos. Fue algo muy divertido. Juan: La que yo recuerdo fue una vez que íbamos para San Luis Potosí. Ya era de madrugada y andábamos en la carretera; Lorenzo tenía una camioneta que se llamaba “La Galletera”, como las de Gamesa. Ya estaba dormido cuando de repente vi mucha luz dentro de la camioneta, desperté y vi que la puerta se había abierto; todo el equipo se venía tirando a la mitad de la carretera y nos tuvimos que orillar para intentar buscarlo a las tres de la mañana.

a estar cerca de la mítica Arena López Mateos de Tlalnepantla, en el festival Monstruos del Metal Mexicano… Lorenzo: Imagínate lo que será ese festival. El flyer está teniendo gran apoyo y nos reencontraremos con viejos amigos; esperamos que sea un gran evento. Seguro el espíritu de la Arena se transmitirá al Centro de Convenciones y será algo que siempre recordarán los fanáticos. Estamos trabajando en un nuevo disco que lo tendremos listo en noviembre o diciembre de este año. Traerá nueve canciones completamente nuevas y esperamos que ese trabajo por fin nos haga millonarios.

¿Qué viene para Transmetal en los próximos meses? En octubre van

Recientemente participaron en el Hell and Heaven Metal Fest, ¿qué opinan del festival y de la oportunidad de compartir cartel con bandas internacionales? Javier: Es muy interesante tocar en festivales. La trascendencia de este evento fue que estábamos en nuestro país y en el escenario principal. Fue bien importante para nosotros ya que gente de Costa Rica nos llevó a su tierra para tocar. Nos ayudó bastante y es una experiencia muy grata como banda. Lorenzo: Yo creo que Transmetal fue coronado en ese festival por la magnitud y publicidad que lo rodeaba. En 20 segundos ya estábamos en la Patagonia, algo que no había ocurrido en ningún otro festival. Sonamos magnífico gracias al ingeniero, que nunca supimos quién fue. Lo sentimos como un regalo.

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Una frase: Infierno de Dante…

Kreator y Overkill…

Javier: Scott Burns. Chris: Mi vida del rock. Lorenzo: La carta de presentación de Transmetal. Juan: El disco que dio a conocer al grupo.

Javier: Los dioses del thrash y “Feel the Fire” Chris: Un ejemplo a seguir. Lorenzo: Banda apreciable. Juan: Ídolos.

Mazakuata Records… Javier: Juego y realidad. Chris: El sello elegido por los dioses del metal. Lorenzo: Un sueño con muchas posibilidades de ser verdadero. Juan: Alternativa para los músicos. Arena López Mateos… Javier: La catedral del metal en México. Chris: El primer lugar que pisé para ver a Transmetal. Lorenzo: El hogar del metal, sin duda. Juan: Donde inició el metal.

George “Corpsegrinder” Fisher… Javier: Un tanque de guerra. Chris: Bomba nuclear. Lorenzo: Una mezcla de admiración y aprecio. Juan: Poder y agradecimiento. Muerto en la Cruz… Javier: Primer disco de Thrash en México. Chris: Lo que ha marcado mi vida. Lorenzo: La primera piedra. Juan: El inicio de todo.

Yurécuaro, Michoacán... Javier: El lugar donde nacimos. Chris: La capital del mundo. Lorenzo: Un pueblo que apenas nos descubrió. Somos sus hijos pródigos. Juan: La raíz de todo. México Bárbaro… Javier: Nuestra realidad. Chris: La actualidad de nuestro país. Lorenzo: Un disco profético hace 15 años. Juan: Scott Burns.

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Transmetal… Javier: Todo lo que soñaba Chris: Lo mejor del mundo. Lorenzo: Mi sueño hecho realidad. Juan: Parte de mi vida.

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THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW música alucinante, extravagancia, locura, humor negro y perversión Por Josh Nebula Antes de que existieran las salas 4D con movimiento, aromas, viento y lentes de tercera dimensión, existió The Rocky Horror Picture Show. A casi 40 años de su aparición en cines, este filme se ha convertido en un clásico de culto gracias a todos sus elementos tanto histriónicos como musicales, con una trama sin igual llena de locura y perversión que ha influido directamente en los cambios culturales a nivel mundial.

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a historia comienza cuando después de una boda normal una pareja de jóvenes, Brad Majors y Janet Weiss se quedan después de la ceremonia religiosa y Brad le declara su amor a Janet y se comprometen, después entra un narrador que cuenta cómo van a cambiar sus vidas, en una noche lluviosa de noviembre que nunca olvidarían. Esta amable pareja, yendo a visitar a un viejo amigo de ellos, el Dr. Everett Scott, en su viaje en carretera se les poncha una llanta, recuerdan haber visto un castillo cerca de donde sufren este imprevisto, a donde deciden regresar a pedir ayuda. Al entrar al castillo se percatan que hay una celebración que ofrece el dueño del mismo, el excéntrico, perverso y travestí Dr. Franken Furter, el cual los invita a que conozcan su último descubrimiento científico, la creación de la vida misma, la cual materializa en un ser humano llamado Rocky, el cual creó para sus placeres sexuales, y ahí es donde todo se sale de control para la hermosa pareja y los habitantes del castillo, volviéndose todo locura, emociones extremas y placeres no convencionales. Prepara tu arroz, protégete de la lluvia, levántate de tu asiento y baila, insulta a los actores !!!!! Para disfrutar una buena función de The Rocky Horror Picture Show hay todo un ritual.

Cada que se presenta este film se presenta simultáneamente lo mismo representado de manera teatral debajo de la pantalla, pero ahí no termina todo, desde que empieza la función doble, el público debe estar preparado para participar en todo momento, desde aventar arroz a los actores y a la pantalla cuando está la boda, llevar periódicos para cubrirse de la lluvia al igual que Janet al llegar al castillo o con pistolas de agua para mojar a toda la audiencia, pararse a bailar en “ The Time Warp”, prender sus linternas o encendedores cuando Janet ve la luz del castillo hasta insultar a Brad Majors cada que se presenta (ASSHOLE!!!!) cantar algunos pedazos de canciones o interpretar los silencios de los diálogos con bromas pesadas e insultos. I Really Love That Rock And Roll !!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!! Uno de los elementos más importantes es la música, comparable por su trascendencia con otras obras clásicas del rock en el cine como Tommy, The Wall o incluso Jesus Christ Superstar. En la introducción de la película se altera el tema de 20th Century Fox haciéndolo más psicodélico, entrando después a la gran presentación de la película con solo unos labios

cantando “Science Fiction, Double Feature”, canción con letra satírica y música típica de balada de rock and roll, después tenemos la canción de “Dammit Janet”, donde Susan Sarandon demuestra sus cualidades musicales al cantar a dueto con Barry Bostwick en una escena de humor negro ya que al declararle su amor de manera alegre, la iglesia se prepara para una ceremonia luctuosa. Después otro clásico a dueto de nuestros protagonistas es la canción “Over the Frankentein Place” que da paso al tema más representativo de la obra, “The Time Warp”, un rock and roll que no pasará desapercibido por los amantes de la música, y va en crescendo la música al escuchar la excelente interpretación de Tim Curry en “Sweet Transvestite”, y más temas clásicos vienen conforme va avanzando la película cada uno con un toque especial en música y letra, incluyendo la participación de Meat Loaf en “Hot Patootie”, y sucesivamente el viaje musical va incrementando esas sensaciones que combinadas con todos los demás elementos nos dejan una excelente experiencia sensorial. Película de culto que no debes de dejar de verla y preferentemente si llega a haber una puesta en escena en alguna sala de proyección y si amas al rock como muchos de nosotros, es esencial tener este soundtrack en tu vida. ¡Saludos!

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AGNAPAK

un luchador veterano Por Carlos Miranda / Fotos: Héctor Paniagua

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Cuando hablamos de Kapanga, estamos volteando a ver a una de las bandas más representativas del rock en Argentina, la cual durante 20 años no hace distinción alguna en presentarse tanto en magnos festivales como el Vive Latino o pequeños sitios como podría ser el Foro Multicultural Alicia. Representan una esencia del rock latinoamericano que pocas bandas conservan actualmente, mezclando la ironía y la fiesta con ritmos que van de la murga pasando por el rock o el reggae; todo esto ha quedado plasmado en varios discos siendo Lima el más reciente, al cual le puedes exprimir cada canción y hacer una bebida refrescante a base de “sonidos nuevos con tintes electrónicos, sin perder la esencia de Kapanga, ska con cuarteto cordobés y rock en general, las líricas diferentes también, es como un disco que nos hicimos de replanteo.”

¿Les gusta recordar lo que han hecho?

¿A qué se refieren con el “Jefe Max”?

La película a veces la vemos y nos seguimos divirtiendo, es entretenida, descubrimos más cosas, tal vez los discos no los escuchas mucho, solo cuando presentas un show importante, buscas rolas viejas para aprenderlas de vuelta y pasa que redescubres esas canciones. Mentiríamos que escuchamos siempre Kapanga, estamos de gira todo el año, solo escuchamos el último disco.

Es un juego de palabras, muy ah doc a la cultura mexicana, una vez fuimos a ver a Máximo Romero, en Buenos Aires, de ahí el “Jefe Max” como título tentativo, por lo cual al ir componiendo la canción nos gustó la formación de este nombre en torno a las anécdotas.

En este redescubrimiento de las viejas canciones, ¿Les gusta cambiar en vivo algo de ellas? Siempre, es una característica nuestra desde el primer álbum, respetamos las canciones como fueron compuestas originalmente, pero en vivo la planteamos diferente, las volvemos a arreglar, porque mucho de ello se plasma en un concierto y eso en un disco no lo puedes grabar.

¿Por qué decidieron hacer este cambio y no seguir la línea? Porque era el noveno disco nuestro y podemos habernos quedado cómodamente haciendo lo que sabíamos que iba a funcionar, pero como artistas que somos, inquietos, nos gusta investigar, es un replanteo para generar algo nuevo en nuestra banda.

¿Qué les dejó el haber hecho una película? Una experiencia maravillosa, porque nos divertimos mucho haciéndola y sabemos que para nosotros es abrir una puerta más en donde nosotros podíamos explayar nuestro arte, que es también divertirnos con lo que hacemos y con lo que nos gusta disfrutarlo.

En el disco hay una canción titulada “La Crudita”, ¿Cuál ha sido su peor cruda? El año pasado nos agarró la cruda bárbara en el DF (risas), otra fue cuando despertó el sentimiento de escribir esta canción, está la anécdota, con nuestro mánager, salió lo de la resaca en Argentina, y que aquí se dice cruda, por eso la canción. La mejor cura para la resaca es mucho limón, y para la cruda moral, estamos condenados.

¿Cómo fue trabajar en un video con la tortuga lechuguera? La verdad, la tortuga es un animal noble en peligro de extinción y queríamos reivindicarla, me pareció una gran protagonista, lo cual derivó en una idea de ser la actriz del video y nosotros traficando con la lechuga, su mayor anhelo, lo cual nos deja sin micro para la gira y la lechuga.

¿Qué les emociona de este nuevo disco? Cronológicamente, fue componerlo, luego ensayarlo, todo cada cosa la hemos disfrutado al máximo, y después con ese disco ya plasmado salir a tocar, llegando a México para presentarlo, todo eso se disfrutó al 100%, esta gira la disfrutamos como si fuera nuestra primera gira, renovando todas esas energías, esas ganas, somos conscientes de que somos privilegiados en estar aquí.

¿Se sienten nervios a estas alturas de su carrera el salir de su país y promocionar este nuevo disco? No sé si es nervios, pero sí es una ansiedad y enorme gratificación de tener la oportunidad y darse cuenta que se abren estas puertas y se pueden aprovechar, se disfrutan muchísimo. Son muchos sentimientos, hay sorpresa, como cuando los fanáticos esperan en el aeropuerto o conocer nuevos lugares donde no hemos estado como en Puebla, teniendo nuevas ciudades que conocer, como un nuevo territorio que ganamos. Subir un peldaño más, con cada tour que hacemos, nos basamos en eso.

Al ensayar estos nuevos temas, ¿Cuál es en lo personal, la que quieren tocar en vivo? “La crudita” era una, y sobre todo venirla a tocar acá. Nos la piden los fans mexicanos y como siguiente sencillo en Argentina. Hasta ahora no pudimos tocar

muchas del disco Lima, por lo cual mostraremos un poco de lo nuevo y de este material.

Ya son 20 años, ¿de dónde sacan fuerzas para no deshacerse como otras bandas? Mira, lo fundamental es el compromiso con la música y con nosotros, desde que tocamos desde la primera vez, de todos los logros que tuvimos, los países que visitamos y mostramos nuestra música, de todo lo que nos regaló la música, poniendo disciplina. Aparte pasarla bien entre nosotros, tenemos la oportunidad de estar todo el tiempo de gira, y eso nos nutre y nos da vida. Disfrutamos muchísimo lo que hacemos.

¿Es difícil triunfar fuera de tu país? Nosotros tenemos una anécdota de la primera vez que venimos a tocar aquí, tocamos en Monterrey, donde nos invitaron los Cadillacs y parecía que tocábamos en Argentina, ya que la gente sabía muchas canciones, y eso es lo que tiene de bueno estar afuera, conoces gente, es como volver a las raíces. Todo eso no lo compra el dinero, es una oportunidad que te da la música, te muestras como eres.

El nombre de Kapanga viene de un luchador, ¿cómo verían a éste 20 años después? Con algunas carnes caídas, pero vigente porque la experiencia se la dieron los años. Con cicatrices con medallas, contento, sigue haciendo lo que quiere, entre las cuerdas. Que aprendió y que le hizo frente a sus combates saliendo airoso, no se sabe si ganó todos pero sigue. Tiene muchas batallas por seguir.

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PROYECTO D

e las entrañas de las hojas de cannabis llega el Proyecto Maconha, un colectivo sonoro que desde el nombre podremos encontrar la irreverencia y los estatutos bajos los cuales se formaron. Reuniendo a lo mejor de varias bandas encumbradas del ska en nuestro país, tenemos al Dr. Shenka y Monel de Panteón Rococó, Aldo Acuña de Malditos Cocodrilos y Maldita Vecindad, Yocu Arellano de Los de Abajo junto a Dub Hermann y Ángel Reyes, luchando a favor de la marihuana y del bienestar del planeta. Con esta nueva alineación, encontramos diferencias bastaste significativas, ya que “ahora se transmite mucha energía, flow y sentimiento a la hora de tocar, nos hemos conectado bastante bien y estamos muy contentos. Creo que ese ha sido el cambio, mucha más energía y fuerza para salir a tocar”. La camaradería siempre se encuentra implícita cuando se decide iniciar cualquier proyecto con músicos de diferentes bandas, así Aldo recuerda que aunque no habían tocado juntos, siempre han tenido ese acercamiento con los más jóvenes; “musicalmente siempre hemos tenido una afinidad, nos identificábamos mucho con lo que hacían los otros en este nivel y finalmente nos acompañamos en lo artístico, en la sensibilidad, en lo que hay dentro de la música y en lo esencial, independientemente de haber tocado o no juntos en el mismo proyecto”. Así es que mezclando la vieja escuela del rap y el boogaloo de las calles de Nueva York, con el electrónico alemán, el reggae y el hip hop, es lo que encontraremos dentro del eclecticismo del Proyecto Maconha, los cuales tratarán de luchar a favor de temas

di sí a la legalización Por Andrea Quintana / Fotos: Manuel Castillo

tan controversiales como lo es el significado del grupo, la marihuana.

¿Qué tan liberador funciona este proyecto para mandar a descansar a sus otras bandas? Monel- Finalmente creo que cualquier proyecto que uno decida emprender hay que tener la seriedad, obviamente el compromiso lo tengo con Panteón Rococó porque es una banda con la que vengo trabajando desde hace 18 años. Así que Proyecto Maconha es totalmente distinto a Panteón y creo que eso te da esa libertad de experimentar. Nosotros andábamos buscando un espacio para liberarnos, no porque estuviéramos hartos sino para hacer algo diferente. La parte liberadora de los otros proyectos es seguir haciendo música, estamos haciendo lo que nos gusta hacer en otro lado con otros compañeros musicales.

¿Cuál es la ideología de Proyecto Macohna? Aldo- Con el puro nombre, al decir Maconha, ya estamos haciendo una declaración o edicto en donde las cosas van a ser abiertas, porque se tocan todos esos temas con la visión personal de alguno o desde una cuestión más intima pero eso siempre termina revelando una cuestión social. Hacemos un planteamiento más duro, por ejemplo al hablar de la legalización de algunas drogas como una cuestión global, en donde no se puede circunscribir nada más a México porque es una política dictada desde otra esfera; son decisiones políticas tomadas en otros escenarios. México y varios países van siguiendo esas directrices o primeras líneas que tiran el gran poder, las grandes corporaciones, lo grandes poderes políticos mundiales, la esfera de la industria y por otro lado estamos todos nosotros llamados a responder a eso, a esas políticas depredadores de las grandes compañías, del porqué a nivel mundial se penaliza el uso de ciertas substancias y se promueve el uso de otras y eso no está a discusión. Son muchas preguntas que van mucho más allá del ámbito nacional y creo que en este caso Macohna está respondiendo mucho a ese momento, a este escenario en donde nos encontramos dentro de una sociedad donde lo último que importa es el ser humano y todo lo que importa es la ganancia.

Cronistas de México durante muchos años, ¿cuál es el mensaje de su primer material Musik Non Stop? Aldo- Estamos más clavados en la onda del reciclaje y ahora que estamos en el cambio de nuevos integrantes es eso, como una especie de reciclaje musical, de vida propia, ese es el concepto. De repente hay temas sociales pero son vivencias propias de lo que nosotros somos como músicos y personas. Musicalmente van a encontrar

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de todo, desde cumbia hasta sonidos prehispánicos además de apuestas y propuestas que realmente lo enriquecieron.

¿Cuál es el principal problema al que se han enfrentado? Monel- La dificultad para nosotros es poder cuajar los tiempos porque todos vienen de otras bandas y trabajando alrededor de la música, cuadrar las agendas es difícil lo cual no nos da la oportunidad de tocar mucho.

Ustedes vienen de una escena en donde la camaradería era lo que imperaba, ¿ahorita lo ven similar o las envidias ganan? Aldo- Hay de todo, pero esta idea de camaradería es como ser del mismo equipo y hay que seguir haciendo colectivos; porque la característica de nuestros grupos originarios fue siempre un trabajo colectivo, es como hemos aprendido

O MACONHA mucho a andar, a trascender. Es raro que una banda le ponga el pie a otra, y más bien hemos compartido los escenarios, y todo lo que implica trabajar a nivel de la independencia. Si bien algunos de nosotros tenemos o tuvimos un contrato discográfico, con una compañía, lo que sí es cierto es que independientemente de tener contratos internacionales, siempre operamos de manera independiente y el éxito se basa en esto. Y esa independencia genera también la posibilidad de saber a dónde van a ir tus apoyos y en nuestro caso siempre ha sido apoyar al músico, porque nosotros como músicos crecimos con un montón de preguntas que nos tocó a nosotros responder. Monel- Uno tiene que estar enfocado en las cosas buenas que ha aprendido y reproducirlas porque así es como se dan las mejores cosas, se van a seguir abriendo espacios y va a seguir habiendo música. Igual y

nosotros en algún momento vamos a desaparecer, pero gente que viene atrás es la que tiene que seguir y tiene que existir ese espíritu de camaradería, porque no hay que olvidar que lo que estamos haciendo es música y como tal, estás tocando fibras que van más allá que un contacto físico, estás hablando de almas y cuando alguien lo vibra así, para mí es genial.

¿Cómo ven la evolución de la escena? Aldo- Básicamente, lo que se ven son dos secciones o escenarios claramente definidos. Por un lado, lo que se ve a nivel mediático, mainstream, de pronto el Panteón suena y es una banda que tiene un

montón de trabajo detrás, y te preguntas cómo puede ser que un proyecto como ese no esté en todos lados y esté representado por todas las instancias. Pero no va a ser, porque finalmente hay una clara división en el manejo y difusión de la información. Del otro lado siempre está la gente que está en el canal de la independencia, moviéndose por sí misma, buscando sus espacios, llamando y haciéndole patente a los medios qué es lo nuevo y lo que va sonando. Cheko- Creo que los espacios siempre van a hacer insuficientes a pesar de que cuando nosotros empezamos existían menos que hoy; con ello quiero decir que hay que apoyar los espacios nuevos y abrir más debe de ser una lucha, porque al final la cultura es un derecho. Deberían de reproducirse espacios que tienen otro tipo de visión y que va ligado al impulsado de las nuevas bandas.

¿Han visto cambiar al país? Monel- Sí ha cambiado el país, pero muy poco para bien. Desafortunadamente seguimos teniendo problemas que se debieron de haber solucionado desde hace muchos años y sigue la cuestión de la corrupción en incremento, con gente que se roba el dinero de todos los mexicanos. Finalmente el mal de toda sociedad es esa clase política.

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ARMANDO PALOMAS el estudio de la pendejología Por Andrea Quintana / Fotos: Vickster Aguascalientes

dentrándonos en los poco estudiados y muchas veces desestimados terrenos de la Pendejología, definida como “la ciencia que estudia a los pendejos y sus consecuencias”, nos

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acercamos al maestro Armando Palomas, para que nos ilustre acerca de este delicado tema que afecta a todos los sectores de la sociedad mexicana. Los antecedentes de este

fenómeno se encuentra en el “PUP” ( Partido Único de Pendejos) término que escuché en un Lp que tenía mi padre, el cual manejaba muchas cosas de las que ahora me cotorreo. Así, la

chas cosas”. La premisa en la que se basa esta corriente ideológica es la siguiente: “pendejear lo pendejeable, porque cuando pendejeas lo impendejeable te puedes convertir peligrosamente en un pendejo señalable”. Es por esto que, cuando uno se adentra a la Pendejología, lo más importante es evitar interesarte por el qué dirán; “si me pusiera a hacer un análisis de lo que dicen de mí o de lo que puede ser criticable estaría jodido. Además

sonas mediáticas de las que hace burla también es necesario conocerlas; “No puedes establecer una diferencia si no las tienes, yo conmemoro y agradezco, que existan pendejos, porque quizá al final cuando me pitorreo de ellos, de ellos vivo. Entonces espero que la cantidad de pendejos en este país, por los menos algunos en los ámbitos musicales, deportivos o políticos no dejen de existir”. Pero, el esperar que la gente siga esta corriente no es algo

“Al fracaso, le robé unos besos…”

Pendejología moderna se basa en aspectos de la vida que a todo mexicano nos incumbe: “pendejo es aquél que votó por Enrique Peña Nieto, él que ve la televisión, él que no se pone condón. Actualmente es muy fácil ser un pendejo, me parece que este país tiene que tener cierta cantidad de pendejos, es el punto de equilibrio para mu-

sería un pendejo frustrado. Para mí mientras siga habiendo un poco de tequila, presentaciones y shows en diferentes ciudades, mientras la piratería siga haciendo su trabajo como el diablo manda, me parece que seré un tipo feliz. Además el ayer ni el futuro me interesa, solo lo que vivo día con día”. Después de más de 20 discos estudiando y desentrañando la realidad mediante la ironía, el Maestro Palomas comenta que este elemento es decisivo para la creación de su música: “mi música, sin la ironía, sería Chayanne, Reyli o cualquier tipo que está en la TV y es gente que se debe antes que nada a sus compañías disqueras, después a su público y por último a ellos”. Aunque a todas estas per-

que Armando Palomas desee, en sus propias palabras admite que: “lo que espero es que cada vez fueran menos y eso haría que mi trabajo fuera más difícil, eso me encantaría”. “Creo que lo que he generado durante 20 años sin el apoyo de la televisión y los medios, infunde respeto, en ese sentido estoy contento con eso”, eso sin duda lo define como un verdadero estandarte del rock nacional y como tal, sabe que lo que la escena nacional necesita son “letristas que sean lo suficientemente rockeros, porque no necesitamos músicos que suenen a rock inglés pero que digan puras estupideces, necesitamos retener esa rebeldía, ironía, esa burla picante y esa voz de denuncia, para poder hablar de un verdadero rock mexicano”.

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Draytones talento argentino en tierras inglesas Por Nallely Hernรกndez

Kurt Cobain, dijo una vez: “La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión. Que la música sea el alimento del amor.” Con estas sabias palabras del precursor del grunge, se puede describir el trabajo y la historia de Gabriel Boccazzi y The Draytones.

ocazzi es un joven originario de Argentina, amante del rock y rhythm and blues de los 60’s, quien decidió llevar a la práctica ese sinónimo de libertad que alguna vez profesó Cobain. El guitarrista y líder de la banda, Gabriel Bocazzi, platicó con Pólvora, vía mail desde Londres, acerca de su pasión por la escena musical británica y la historia de The Draytones que es considerada por algunos medios ingleses como “el rescate del Brit Rock de los 60’s.”

P: Gabriel, ¿cuándo decides viajar a Inglaterra? GB: En 2002, después del caótico colapse económico que sufrió Argentina en el 2001, y con pocas esperanzas de concretar un proyecto artístico serio, pero sobre todo con la curiosidad de explorar el mundo y vivir algo nuevo. Londres era la opción que pensé acertadamente. Le sacaría el mayor provecho en lo profesional. Siempre me gustó la escena musical británica y me pareció más productivo estar aquí (Londres). También la idea era estudiar composición en el Royal Academy of Music, para la cual audicioné sin éxito.

P: ¿Cuándo y cómo nace The Draytones y esta unión entre Argentina e Inglaterra con su música? GB: The Draytones fue resultado de la separación de una banda previa, llamada The Skylines, en la cual Luke (ex baterista) y yo tocábamos. En el 2006, convocamos bajista, así se unió Chris Le Good y fue hasta 2009 que

Andy Pickering se integra en los teclados y guitarra acústica. Pero a finales del 2012, Luke y Chris dejaron la banda para dedicarse a otros proyectos, y a principios del 2013 Steve Dawson (batería) y Pablo Scopinaro (bajo) se unieron para producir nuevo material.

P: Al escucharlos pareciera que estamos en 1960 ¿Cómo describen a The Draytones? ¿Cuáles son sus principales influencias musicales? GB: The Draytones es una banda ecléctica; es rock, es pop, es garage, es psicodelia, es jazz, pero siempre enmascarada por un mismo sonido. Quizá el sonido que homogeneiza todo un álbum, es el sonido de los amplificadores valvulares, guitarras de caja, una batería afinada, un bajo seco con marcadas melodías, armonías vocales y ritmos que tienden a moverle el piecito a la gente ¡Y sí!, todo esto fue heredado de la génesis del rock y el pop moderno. Bandas como The Beatles, The Kinks, Los Gatos Salvajes, The Who, The Zombies, Beach Boys, etc., pero también de bandas recientes como The La’s, Oasis, The Coral, Blur, Pulp, entre otros.

bendición para nuestro difícil fue empezar de cero; desarrollo artístico. Mientras cero amigos, familia, trabajo, otros sellos discográficos idioma, dinero, hogar. Empezar de abajo. Pero justamente lo te presionan para escribir canciones más apetecibles que me mantuvo con los pies en la tierra fue haberme unido a para el mainstream, con 1965 Records tuvimos toda la libertad una banda como bajista, donde me di cuenta art íst ica. que existía la Hicimos La banda tuvo la oportuni- lo que posibilidad de dad de ser firmada 1965 un contrato quisimos, Records y ser producidos g u i a d o s discográfico. Formar la por Stan Kybert, quien tuvo un poco a su cargo bandas como banda en sí no por los Oasis, Massive Attack y al consejos fue una tarea músico Paul Weller, figura y muy ardua, el tuve la suerte importante del movimiento talento de mod en Inglaterra. de encontrar nuestro s i e m p r e productor buenos músicos en general. Stan Kybert. Por ello a la hora de grabar, P: Forever on hasta el Up teníamos algo muy claro, la in my head así como al- banda debía grabar en vivo. Sin gunos EP’s, se realizaron hacer capas y las grabaciones no bajo el sello 1965 Records sólo se harían en vivo sino que ¿Cómo fue el proceso de también en cinta abierta, nada grabación y trabajar bajo de grabar en digital. Finalmente ese sello? sí se mezcló todo digitalmente, GB: 1965 Records fue una pero del micrófono iba a la cinta.”

P: Fue difícil consolidarse con una banda, en un país que desconocías (geográficamente), y encontrar a las personas correctas para hacer música. GB: Fue difícil adaptarse, pero no porque sea una sociedad muy distinta a la nuestra o un país desconocido, lo que fue

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P: Respecto a ese concierto en las Islas Malvinas ¿cómo se sintieron y qué comentarios recibieron? GB: Estábamos un poco incómodos, es un tema delicado. Sobre todo cuando nos dimos cuenta que los isleños tenían la sospecha de que í b a m o s con una intención política. Después, con el pasar de los conciertos esa sospecha se disipó.

el parche con las dos banderas (logo de la banda) al lugar que fue alguna vez su infierno. Entonces, nosotros nos sentíamos más seguros de no estar faltándole el respeto a nadie. Nunca lo hubiéramos hecho sin él. Tuvimos el apoyo de todo el m u n d o , veteranos de guerra y fans. Pero no me pondría la investidura de un mensaje de paz y amor en el mundo, eso sería muy pretencioso. De lo que estoy seguro es que somos el portavoz de una generación que se siente incómoda con la desunión.

Después de varias giras en Europa, la banda tuvo la oportunidad de tocar en las Islas Malvinas, territorio lastimado por conflictos políticos entre Inglaterra y Argentina, donde dichas naciones disputan actualmente el territorio.

Teníamos la garantía de estar con un ex combatiente argentino, Gabriel Sagastume. A él, se le ocurrió la idea de llevar la música de The Draytones y

P: También han estado en

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varios festivales, desde Londres a Japón ¿Cómo les fue? GB: ¡Nos fue genial! No hay nada como recorrer el mundo tocando con tu banda de rock. Mis festivales favoritos, el Summer Sonic en Japón y el Rockness en Escocia al ladito del lago Ness, donde no vimos ningún monstruo.

P: La banda nació de países donde la escena musical es muy fuerte, Argentina e Inglaterra ¿cómo ven la música alternativa de cada país? Y ¿Qué bandas nos recomiendan escuchar? GB: De Inglaterra, recomiendo que escuchen Temples y The See See. De Argentina recomiendo hoy que escuchen Banda de Turistas. Creo que estas bandas justamente representan lo mejor del sonido independiente de cada uno de

los países. Desde luego hablo con base a mi gusto personal. Seguramente no coincidirá con mucha gente.

P: ¿Cuándo escucharemos nueva música de The Draytones y qué podremos esperar de ese nuevo material, algunas canciones en castellano? GB: Al momento estamos acabando de escribir nuevo material y haciendo demos, esperemos entrar a grabarlos en el estudio antes de fin de año. ¿Qué pueden esperar del nuevo material? ¡Pura fineza musical! Y desde luego ya hay un nuevo tema en castellano.

P: Mucha gente los sigue en México, ¿tienen planes de visitar nuestro país? GB: Sí, tenemos planes, esperamos que se concreten pronto.

ormados en 1964 en Londres, Inglaterra, The Who fue la punta de lanza del movimiento Mod en aquel país. Y es que The Who, no era una banda más, sino cuatro personalidades explosivas y diametralmente opuestas: Roger Daltrey, vocalista de la banda, quien había encontrado al guitarrista, letrista y compositor Pete Townshend, un estudiante de arte, al silencioso pero efectivo bajista John Entwistle y al baterista Keith Moon, logrando dinamita pura. Estos cuatro entes, transmitieron las fricciones que seguido se daban dentro de la banda en una mezcla poderosa de Rythm and Blues, que poco a poco los fue diferenciando de sus contemporáneos como los Kinks o incluso los Beatles. Así, los 60’s fueron una década muy prolífica en cuanto a creación musical. Los grandes grupos y las grandes obras maestras del rock, surgieron en esa época: Dylan, Los Beatles,

The Who sings my generation Por Sergio Palacios los Stones, Pink Floyd, el Velvet Underground, lo que convirtió a éste momento en el foco en donde todo mundo comenzaría a protestar y todo estaba por inventarse; en otras palabras, la cuna perfecta para editar My Generation (Titulo original del álbum en el Reino Unido), álbum que representaba la protesta de un clan de adoles-

centes denominados “Mods” hacia el sistema. La representación del malestar de la juventud con todo lo que esto conlleva. La importancia del LP radica en varios puntos: en cómo se llevó este malestar a la música, en la influencia que las rolas tuvieron en muchos grupos de rock y en la innovación. Basta citar la canción epónima en cuya estructura se encontraba un solo de bajo en vez del tradicional solo de guitarra. Fuera de dos covers de James Brown, el resto de los temas son excelentes composiciones originales, muchas muy cortas, en promedio 2.30 mins. Y The kids are allright NO ES de Los Beatles…

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Epica por Manuel Castillo

Motionless in White por HĂŠctor Paniagua

Corrosion Of Conformity por Manuel Castillo

Garbage por Manuel Castillo

Halestorm por HĂŠctor Paniagua

The Agonist por Manuel Castillo

Stone Sour por Manuel Castillo

Pierce The Veil por HĂŠctor Paniagua

Saxon por Manuel Castillo

Arch Enemy por Andre DulchĂŠ

NEVER SHOUT NEVER conociendo un poco

de Christofer Drew Por Andre Dulché

¿Cómo fue trabajar los talleres en un festival como Warped? Fue excelente, ya lo habíamos hecho en el 2010. Es muy gratificante hacerlo entre un tour donde tocan muchas bandas, sobre todo porque la gente que va es muy abierta de pensamientos. Toda la gente que estaba interesada, porque en USA no es algo que importe mucho, llegaban y nos preguntaban cosas sobre la composición de la música, había gente muy diversa e interesada en aprender.

n poco tiempo Never Shout Never ha logrado un éxito bastante considerable, con una legión de fans bastante numerosa y fieles en especial al líder del trío Christofer Drew. Este carismático vocalista, quien además es nominado por la asociación protectora de animales PETA como uno de los vegetarianos más sexys del rock, habló en exclusiva para Pólvora desde su casa en Missiouri, después de terminar unos talleres literarios en el Vans Warped Tour de este año y mientras escribe temas de lo que será el próximo disco de la banda.

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¿Cómo fue su primera vez en México? Fue sorprendente, honestamente esa primera vez en la Ciudad de México fue uno de nuestros mejores conciertos, se sentía mucho la calidez de la gente, cuando subimos al escenario veíamos a toda esa gen-

te feliz, podíamos sentir la buena vibra y es bueno sentirse así ya que hemos pasado tiempo sin estas emociones.

¿Cómo es tocar en otro país? Es muy diferente por la cultura y el idioma, es desconocido porque sales de tu hogar pero aprendes de la gente y eso lo hace muy emocionante. Al contrario, tocar en casa como fue el festival Lovedaze aquí en Missouri es muy divertido, ves a toda tu familia y amigos, todos llegan juntos y te olvidas del resto del mundo.

¿Cómo no volverse loco con un éxito tan repentino? No pensando en ello demasiado, dar respeto a los demás y no ser egoísta, ser honesto y llevar una vida humilde. Estar motivándose

y amar tu música, ser feliz con lo que tienes, de nada sirve estar triste.

¿Qué tiene de diferente el nuevo disco Sunflower? Tiene canciones sobre tener una buena vida, es sobre la felicidad. Todo el álbum es muy relajado y minimalista, quitar todo ese estrés, incluso resulta espiritual. A diferencia de los demás es muy optimista así como soy yo.

¿Cómo van formando el setlist para los conciertos? Tenemos que escoger canciones con las que nos sintamos mejor en vivo, y por ahí un par de Sunflower; es una mezcla de lo que hemos hecho desde hace años desde nuestro primer EP. Buscamos que todos se pasen un gran rato, no hay realmente una

estrategia detrás de ningún show como para vender lo nuevo. Tocar por un tiempo las mismas canciones da confianza, tocar nuevas por primera vez es un gran reto, es un poco intimidante. Hay que mezclarlas bien con temas que te relajen un poco.

Por último, ¿cómo fue el cambio de tu alimentación? Llevo una dieta un poco estricta, como cosas saludables o lo más que pueda cuando estoy de gira para tener mucha energía arriba del escenario, claro a veces se antoja comer con todos los demás. Antes me cansaba mucho porque siempre estaba muy lleno, básicamente cambié mi forma de comer para dar un mejor concierto y además se refleja en mi vida.

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sound

NÜ

ALKLINE TRIO Por Alejandro Piña

Estados Unidos – Género: Rock punk Hijos pródigos de la escena punk de Chicago. Sus letras de desamor y muerte pueden parecer muy fatalistas, pero son solo un acercamiento a las locuras que puede generar la mente humana. Matt Skiba conduce a esta poderosa tercia rodeados de calaveras y corazones rotos. En abril pasado lanzaron su octavo material discográfico “My Shame Is True” y el primer sencillo “I Wanna Be A Warhol” venía acompañado de un video con una muy sexy actuación de Milla Jovovich quedándose en poca ropa. Además de ser Alkaline Trio, Skiba tiene un proyecto con el bajista de AFI y el baterista de My Chemical Romance, llamado “Matt Skiba and The Sekrets”. No importa con quien toquen, si juntos o en sus proyectos alternos, al final nos hacen preguntar ¿quién dice que el punk rock bonito no existe?

Fake Club Inglaterra – Garage Rock/Pop Alternativo Formado por Aicha, Chloe, Carmen, Roise y Vicky, las Fake Club se hacen llamar las nuevas Spice Girls, pero ahora con instrumentos, o mejor aún, una banda que representa el decaimiento de los valores de la generación actual. Con toques grunge, rocker y con tintes de pop ‘rudo’, la banda inglesa de chicas nos remonta a los noventas con su álbum debut “Balls To The Wall”, lanzado en NY este año, mismo que fue producido por Kevin Killen (U2, Elvis Costello y Kate Bush) y masterizado por Bob Ludwig, quien ha trabajado desde AC/DC hasta Zappa. Su propuesta: algo de rock al estilo de The White Stripes, reflejado en temas como “What You Gotta Do” , “Beauty Queen” y “Over and Over”.

Aguas Tónicas Argentina – Género: Blues Experimental/Space Rock Aguas Tónicas, banda argentina formada en 2004 e integrada por Mariano Conti, Jorge Caproitti, Santo Martínez, Esteban Manino y Mauro Cuffaro. En 2006 editaron su primer disco homínimo, Aguas Tónicas en el cual nos recuerda por qué el rock setentero es el estandarte de toda una generación. Su primer disco llevó a la banda a ser ganadora de Conexión 06 en Argentina, con lo que lograron dar una gira por algunas ciudades de su país. En 2009 su segundo material, Amor y Confusión salió al mercado seguido por Los Desposeídos, en el cual se plantea una descripción sonora clara y psicodélica. Aguas tónicas se une a esta ola de escena musical independiente en Argentina que ha dado mucho de qué hablar estos últimos años.

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Deap Vally

Por Héctor Paniagua

EUA - Géreno: Rock/Blues Tintes de rock clásico, riffs agresivos y líneas armónicas sencillas es la propuesta de Deap Vally, dueto norteamericano formado por Lindsey Troy (voz y guitarras) y Julie Edwards en la batería que desde 2011 ha conquistado los oídos más exigentes y levantado suspiros y energía en los escenarios más importantes de la escena, entre los que se incluyen su más reciente participación en el festival de Chicago, Lollapalooza 2013 y Glastonbury en Inglaterra. Estas chicas provenientes del ‘valle’ debutaron con el sencillo “Gonna Make My Own Money” bajo el sello de Ark Recordings el 30 de julio de 2012, obteniendo una respuesta positiva en los Estados Unidos e Inglaterra, lo que las llevó de inmediato a participar en diversos festivales de música, como el Hyde Park en Londres y el Lattitude Festivalin Henham en Suffolk, Inglaterra. Definida por ellas como la banda que se formaría si Led Zepellin y The White Stripes se encontraran, Deap Vally se ha colocado como una de las bandas revelación más importantes de 2013, llevando a éste par al top de las listas de reproducción de la BBC Radio 1, donde su tema “End OF The World” fue nominado por Zane Lowe como el track más hot en el mundo.

Tijuana Panthers EUA- Género: Garage Pop/Surf/ Country/Rock Con algo de rock & roll y surf, el trío proveniente del sur de California, Tijuana Panthers, nos remonta a la época del Miami Vice y nos trasladan a la tierra del bikini, el sol y la arena. Formados por Chad Wachtel, Daniel Michicoff y Phil Shaneen, TP debutaron en 2010 con su primer álbum de larga duración titulado Max Baker, mismo que trasladó el sonido de los setentas al siglo XXI y ahora regresan con Semi Sweet, segundo álbum de estudio que contiene 12 cortes y que conserva su línea musical. Habiendo participado en Coachella, Tijuana Panthers es una banda de escucha casi obligada.

Delorentos Irlanda - Género: Rock/Pop/Alternativo Jóvenes propuestas musicales, día con día inundan Dublín. Una de ellas es Delorentos, banda integrada por Ronan Yourell, Kieran McGuinness, Níal Conlan y Ross McCormick que se dio a conocer con su el EP Leave It On, con el que lograron entrar en el “Top 30 Irish Singles Chart” y les permitió publicar su primer álbum en 2007, llamado In Love With Detail y un segundo titulado You Can Make Sound, con un tinte más independiente. No tardó mucho para que los irlandeses siguieran con el proceso de composición y lanzar un tercer álbum a principios de 2012, Little Sparks, el cuál fue producido por Rob Kirwan (U2, Pj Harvey, Depeche Mode). Sonidos dulces, bailables y alternativos son la propuesta de Delorentos.

We are scientists Por Nallely Hernández

EUA - Género: Rock/Pop/Alternativo Entre tantas especulaciones respecto al origen del nombre de la banda, lo cierto es que We Are Scientists solo quiere mostrar al mundo que no necesita de muchos integrantes o de un nombre complejo en un proyecto musical, para robar la atención de algunos melómanos. Esta fusión de electro rock acelerado que logra poner a bailar a más de uno, surge cuando We Are Scientists _ o también conocidos como W.A.S _ se forma en California con Keith Murray (guitarra y voz) Chris Cain (bajista) y Michael Tapper (batería), quienes aún siendo estudiantes del colegio Claremont, comenzaron a tocar en algunos festivales escolares. La banda no tardó en editar cuatro EP´s: Safety, Fun, and Learning (In That Order) y Bitchin’ en 2002, In Action en 2003 y The Wolf’s Hour en 2004, mismos que promocionaron en radios universitarias además de hacer una gira en algunas ciudades de Estados Unidos, lo cual les valió tocar en el festival South by Southwest en 2010. A principios de este año, la banda solo ha revelado planes de lanzar un vinilo de siete pulgadas, que contará con los temas “Let Me Win” y “Something About You”, extraídos de su nuevo álbum que aún no tiene título y fecha de lanzamiento. El cual, seguro nos seducirá con su música desenfadada y rockera.

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Modelo: Andrea Cantú Foto: Javo Hernández

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