Lado V No.2 | RUSSIAN RED by Pólvora

No.2 Mayo 2014

Russian Red MÚSICA

ARTE

MODA

DISEÑO

LIVE

CONTENIDO Russian Red MÚSICA

ARTE

MODA

DISEÑO

LIVE

CONVERSE RUBBER TRACKS

CLOCK OPERA

COEUR DE PIRATE

DRIVING MRS. SATAN

PRÓXIMOS CONCIERTOS

GAP COLOR FEST 2014

RUSSIAN RED

THE SOUNDS

SIDDARTHA

ORQUÍDEA RADIANTE

DANIELA MARTÍNEZ GONZALEs

SANGHOM KING y LACOSTE L!VE

TECh

NÜ SOUND

AGRADECIMIENTOS Gracias a todas las bandas que fueron parte de éste número; a Nikon México, S.A. CONTACTO

de C.V. por el voto de confianza, a Luis Morgado por su apoyo, a Rafael Salinas

REVISTA LADO V

y Yunuen Velázquez de OCESA, a Rafael Ortega de Eureka & Co., a Lalo Rojas de

ladov@polvora.com.mx

Sicario, a Discos Intolerancia, Roberto, Sal, a René García, a Mauricio Mendía de Lemur

facebook/revistapolvora

Enterteinment, Daniela Cortés y María José Madero de Colours y a Pablo Holman de El

@polvorarock

Pólvora, La Explosión del Rock®, es una revista de distribución gratuita. Editor responsable Andrea Quintana Limón. La reproducción total o parcial del material publicado está estrictamente prohibida. Los editores declinan cualquier responsabilidad sobre la veracidad y legitimidad de los mensajes contenidos en los anuncios. El contenido de los artículos, notas, crónicas, historias y arte es responsabilidad de los autores.

EDITORIAL DIRECCIÓN ANDRÉ DULCHÉ andre@polvora.com.mx EDITOR EJECUTIVO OLIVIA HERNÁNDEZ olihdez@live.com.mx MARKETING ALFREDO HUERTA alfredo@polvora.com.mx DISEÑO EDITORIAL Y CREATIVO JULIÁN A. TREJO N. trenieblas@hotmail.com CORRECIÓN DE ESTILO ANDREA QUINTANA andrea@polvora.com.mx FOTÓGRAFÍA MR.CASTLE @MrCastleManu YOMERENGUES @hectorpani

EDITOR EN JEFE HÉCTOR PANIAGUA hector@polvora.com.mx CO-EDITOR / COORDINACIÓN GENERALMANUEL CASTILLO manuel@polvora.com.mx EDITOR ASOCIADO ISRAEL PÉREZ joseisraelp@me.com STAFF ANDRÉ DULCHÉ CHARLIE TROOPER ERIKA CID ANNA PANIAGUA NALLELY HERNÁNDEZ ROMEL RESÉNDIZ VICHO GONZÁLEZ LADO V CREW

Desarrollado por:

Por Anna Paniagua

onverse Rubber Tracks regresa a la Ciudad de México con su segundo estudio itinerante en Honky Tonk Studios del 1 al 16 de junio. Rubber Tracks es un proyecto que busca ofrecer a los músicos de cualquier género tiempo de estudio gratis para grabar música original a lado de técnicos expertos, con el único requisito de que se encuentren ubicados en el área de la Ciudad de México. Entre el talento incluido en el proyecto destaca Héctor Castillo, el premiado productor con el que los artistas convivirán para obtener un material discográfico de alta calidad, del cual conservarán todos los derechos. Converse Rubber Tracks seleccionará un máximo de 14 artistas locales para grabar en un periodo de dos semanas. El programa nació de la voluntad de la marca por devolverle algo a la comunidad musical y proporcionar una plataforma para los artistas emergentes que quisieran expresar su creatividad.

El proyecto inició en Brooklyn en julio de 2011 y con él, miles de artistas emergentes han tenido la oportunidad de grabar en un estudio moderno sin costo alguno, dándoles la oportunidad de adquirir profesionalismo dentro de su carrera. El proceso de selección ya está vigente y el plazo de presentación de artistas para solicitar tiempo de estudio termina el 1º de junio. Para mayor información visita http://www.converse.com.mx/ rubbertracks donde se detalla la convocatoria e instrucciones para el proceso de registro.

CLOCK OPERA

Una NUEVA experiencia musical Por Romel Reséndiz

lock Opera es una banda londinense conformada por Guy Connelly, Andy West, Che Albrighton y Dan Armstrong. Con tan solo un LP y unos cuantos singles, éste grupo ha demostrado poseer un sonido único y vibrante; pocas bandas actuales se le podrían comparar en términos de originalidad y ritmo, contando con un sonido conciso. Sus sencillos incluyen; “White Noise” (2009), “A Piece of String” (2010) “Belongings” (2011), “Once and for All” (2012,) “Belongings” (2012) y “The Lost Buoys” (2012). Sus EP, que en su mayor parte son compilaciones de sencillos y remixes son; A Piece of String Remixes (2010), Once And For All (2010), Lesson No. 7 (2011) y Man Made (2012). Todos estos materiales llevaron a que realmente ansiáramos escuchar su primer LP, Ways To Forget (2012), que reúne todas las canciones que se habían dejado escuchar por separado y también agrega algunas nuevas. Ahora bien, Ways To Forget es quizás uno de los mejores discos que se lanzaron en 2012, ya que las canciones de Clock Opera destacan por su singular mezcla de ritmos y el uso del sintetizador que nos deja vibrando de principio a fin.

Las canciones son en su mayoría aceleradas, fuertes, muy melódicas y jamás son lentas, todas se toman su tiempo para conquistarnos o por el contrario, comienzan fuertes y rápidas, para no hacernos perder el tiempo; la comparación más clara para que apreciemos esto sería al momento de escuchar “A Piece Of String”, seguida de “The Lost Bouys”. La primera comienza rápido, y el sonido se mantiene la mayor parte de la canción, siendo la excepción en los coros, ya que bajan para darle una melodía muy concisa; “The Lost Bouys”, por el contrario, empieza muy despacio y poco a poco toma fuerza hasta el coro donde nos deja sentir todo el ambiente que fue contruyendo la canción. Pero, siendo honesto, de las 10 canciones que conforman Ways To Forget, no cuenta con una que podamos omitir a la ligera, es recomendable escuchar este disco de principio a fin, ya que ni un solo tema decepciona. La banda anunció que ya trabaja en un nuevo disco para el año entrante, pero aún podemos seguir escuchando sus trabajos previos y disfrutarlos al máximo. Clock Opera es una experiencia musical imperdible que nos deja juguetear con sonidos que pocas veces se conjugan de manera tan placentera, en pocas palabras, IMPERDIBLE.

COEUR DE PIRATE

Atmósferas mágicas con un toque de aventura Por Héctor Paniagua

éatrice Martin, mejor conocida como Coeur de Pirate (Corazón de Pirata) es el nombre de una de las cantantes y compositoras más sobresalientes de la escena franco-canadiense. Su carrera comenzó en 2008 y ha tenido un gran despunte desde el lanzamiento de su primer álbum homónimo que vio la luz al final de ese año y reafirmó su triunfo tras el lanzamiento de su segundo material de estudio titulado Blonde, que sería lanzado al mercado en noviembre de 2011 e incluía los temas “Adieu” y “Golden Baby”. Coeur de Pirate ha sido nominada como artista favorito, y ha ganado algunos premios como Revelación del Año en los Premios Félix y a Mejor Artista, dúo o grupo francófono del año en los Canadian Independent Music Awards. Su sonido se define como una fusión de atmósferas mágicas con

un toque de aventura, siempre acompañadas de percusiones atrevidas, acordes de piano melodiosos y líricas basadas en los textos de Kundera, que con un toque vocal fresco, funciona como la cereza del pastel y hacen de Coeur de Pirate una artista de escucha obligada. Actualmente Coeur de Pirate lanza su más reciente material discográfico titulado Child Of Light, que en realidad nace como el soundtrack del videojuego homónimo y que actualmente se encuentra en el mercado bajo el sello de Ubisoft desde abril de 2014 en formato digital y que saldrá al mercado físico a mediados del mes de mayo. Néatrice Martin, conquista con su melodiosa voz en el idioma del amor y se convierte así en una de las grandes exponentes del indie pop /folk de la escena franco-canadiense.

DRIVING MRS. SATAN El Heavy hecho Indie Por Alfredo J. Huerta R.

or más increíble que parezca, el heavy metal con este proyecto de origen inglés, ya tiene su lado hipster. Puede que a muchos headbangers y ‘trues’ no les agrade la idea, pero Driving Mrs. Satan es un grupo que debe ser escuchado si eres fan de la música más pesada del planeta. Clásicos de Iron Maiden, Black Sabbath, Motörhead, Helloween, Slayer y hasta de Faith No More, son interpretados con un toque de folk, jazz y pop, géneros que gustan a quienes usan lentes de pasta y son grandes amantes de la cultura. Además de la música, ¿el grupo tiene algo más que llame la atención? Sí. El plus, que hará que no puedas odiar las versiones, es la belleza de Claudia, cantante que no tenía idea de la existencia de los temas hasta que comenzó el proyecto y fue adentrándose en el mundo de los riffs. “I Want Out” fue la primera canción transformada en abril de 2012, y la culpable de que “Hells Bells” (AC/DC), “Never Say Die” (Black Sabbath) y

“Living After Midnight” (Judas Priest) se unieran a una edición digital que llamó la atención de todos de forma automática. El trío se complementa con Ernesto en la guitarra y Giancomo en el contrabajo, fan de toda la vida del heavy metal y encargado de crear el proyecto. Driving Mrs. Satan se convirtió en uno de los debuts más interesantes dentro del pop europeo en 2013 y atrajo la mirada de todos con el video de “Battery” de Metallica, donde un fondo negro y varios focos son lo único que acompañan a los músicos durante tres minutos. Si bien es una banda de covers, para nada se acercan a las que suenan en los bares y que abundan en el mundo. Simplemente se encargaron de crear una versión fresca y muy indie de las rolas que han marcado a generaciones enteras. Metalero o no, Popscotch es un disco que se debe escuchar varias veces para disfrutar y digerir el sonido suave que seguro te durará en la cabeza por semanas.

AFI REGRESA A MÉXICO

Foto: Manuel Castillo

Luego de presentarse con éxito en el escenario principal de Vive Latino, la banda liderada por Davey Havok anuncia una fecha en la ciudad de México, en un lugar más íntimo. El primer día de noviembre, AFI llega de nuevo a la Ciudad de México para reventar el Plaza Condesa, con temas clásicos como “Silver And Cold” o “Miss Murder” y claro, de su último material, Burials. Boletos a la venta, a partir del 16 de mayo. ¿Dónde? Plaza Condesa ¿Cuándo? 1 de Noviembre, 2014 ¿Cuánto? Próximamente precios ¿Que temas sonarán? Miss Murder, Girls Not Grey, Silver And cold, Love Like Winter, Medicate, entre otras.

WARPAINT AL JOSÉ CUERVO SALÓN

Warpaint, una de las bandas más representativas del art-rock estará de nueva cuenta en México. Emily Kokal (vocalista, guitarra), Theresa Wayman (guitarra), Jenny Lee Lindberg (bajo) y Stella Mozgawa (batería) presentaron el año pasado el sencillo “Love Is To Die” que complementa otros temas como “Disco// Very” y “Keep It Healthy” que son parte de su más reciente placa, Warpaint. ¿Dónde? José Cuervo Salón ¿Cuándo? 12 de junio ¿Cuánto? $550 y 750 pesos

GAP

COLOR FEST 2014 Por: Anna Paniagua /Fotos: @soyelpani

l pasado 17 de mayo se celebró el GAP Color Fest 2014 como parte de la promoción de la marca norteamericana en nuestro país. El concierto que tuvo lugar en el José Cuervo Salón estuvo lleno de energía y mucho color con el que cientos de personas se movieron al compás de la música. En ésta edición Jot Dog, Jumbo y Sussie 4 fueron los artistas encargados de poner el ambiente en un concierto único que ofrecieron en el recinto de Polanco. La primer banda en hacer aparición fue Jot Dog, liderada por María Barracuda que preparó el escenario con acordes melódicos y letras inclinadas hacia el pop, pero que hicieron vibrar a la gente que se daba cita en el lugar para la gran fiesta del color. Su presentación incluyó temas como “Las Pequeñas Cosas” y “Lluvia De Estrellas” mismos que el público coreo sin cesar y prepararon el escenario para Jumbo.

Tras un intermedio para preparar el escenario y desplegar una gran cantidad de polvo de colores que teñiría los rostros del público, fue que los regiomontanos tomarían sus posiciones para crear un gran colapso de emociones en el recinto al interpretar “Siento Que…”, “Fotografía”, “Cada Vez Que Me Voy” y “Rockstar”. Los norteños aprovecharon además para dar un previo de la presentación oficial de su más reciente álbum titulado Alfa Beta Grey en el Teatro Metropólitan a realizarse el día 27 de Junio de 2014. Tras un derroche de energía y aplausos que dejó Jumbo, el último grupo de la noche, Sussie 4, subió al escenario para dar cierre a la noche del GAP Color Fest, creando una atmósfera llena de acordes electrónicos, que transportó al público a una época tropical y fancy. Con Sussie 4 sonaron “Vida” y “The Reason Is You”, así como el tema que les dio fama “Stars”, mismo con el que cerraron la noche y dejaron a todo el público lleno de buena vibra y sobretodo, color.

El universo masculino de

Russian Red Por: Nallely HernĂĄndez / Fotos: CortesĂa Sony Music

esde Alex Turner hasta Pablo Neruda, son los personajes que la cantante originaria de Madrid, España, Lourdes Hernández; conocida como Russian Red, utilizó como inspiración para su tercer material de estudio Agent Cooper. El álbum nombrado como uno de los personajes icónicos de la serie de televisión Twin Peaks, creado por el cineasta, fotógrafo y también músico David Lynch junto a Mark Frost, fue la premisa que siguió la española para su nuevo trabajo musical. Con diez temas que llevan el nombre de los amores platónicos y hombres que han inspirado la trayectoria artística de Lourdes; Agent Cooper se traduce en la evolución musical de la cantante, quien al contar con el apoyo del productor Joe Chiccarelli (The White Stripes, The Shins, The Strokes) hace que el sonido de indie-folk al que nos tenía acostumbrados en sus pasados albúmenes Fuerteventura y I Love Your Glasses se convierta en ritmos con más elementos eléctricos. Previo a su presentación en el Lunario del Auditorio Nacional de la Ciudad de México, la madrileña conversó con Pólvora sobre este nuevo material y su evolución musical.

P. De regreso a México y con un estilo diferente, ¿cómo te sientes? R. Muy feliz en verdad porque es un momento en donde empiezas a probar cosas nuevas y ver qué sucede y la verdad es un gusto que la música, y evolución de mi trabajo, me siga llevando a muchos sitios y que esta vez me traiga a México, que considero es una plaza muy importante.

“Este nuevo disco es muy orgánico y como todo, es parte de una evolución que refleja un poco este momento de mi vida.. ”

P. Agent Cooper es diferente a Fuerteventura y I love Your Glasses, ¿así fue el proceso creativo? R. Sólo se fue dando. Este nuevo disco es muy orgánico y como todo, es parte de una evolución que refleja un poco este momento de mi vida donde me siento madura, sabes. Lo definiría como una etapa de transición y exploración del saber qué tipo de mujer estoy proyectando. También está la parte de mi constante búsqueda del amor definitivo, como un viaje por todos estos hombres que han sido inspiración en mi vida y quienes me han vuelto al objetivo principal, que es proyectar el amor pero no a manera de ficción sino algo más real. P. ¿Cómo se dio el acercamiento con Joe Chiccarelli?

R. Fue menos romántico de lo que pueda parecer. Estábamos buscando alguien que pudiera manejar un sonido más eléctrico, que pudiera expandirlo a más ideas y él fue el indicado. Joe es una de esas personas que tiene esa percepción para los sonidos, lo convierte en alguien más práctico, y bueno, se complementó con ese lado más perceptivo que tengo. Pero creo que está parte eléctrica y distinta se vio influida por la segunda parte de la gira de mi segundo disco Fuerteventura, donde el formato de la banda cambió. Ya me acompañaban más músicos y cuando empezamos las maquetas de las nuevas canciones el nuevo sonido llegó así, con más integrantes. De ahí que decidiera irme a vivir a los Ángeles y buscar ese sonido que necesitábamos. P. ¿Cómo ha sido tu estancia en América? R. La verdad siempre ha existido un lazo bastante fuerte con el continente pero principalmente con Latinoamérica, el primer país que visite fue Colombia y algunos familiares viven aquí en México, entonces es siempre una delicia venir aquí y poder mostrar mi trabajo.

P. Haz estado en Glastonbury hasta íntimos lugares en distintas ciudades de América, platícanos tu percepción del público latinoamericano. R. Creo que existe diferencia en cada país, así como sus áreas geográficas hay variedad de personalidades asentadas y en los conciertos. Pero en América Latina hay mucha emoción a flor de piel, la gente es muy abierta a diferencia de otros sitios que he visitado. No sé como describirlo, su cariño lo demuestran de una manera más física. Es Increíble. P. ¿Cómo se forma la mancuerna Natalia Lafourcade/Russian Red? R. Fue una cosa inmediata de afinidad, de ser mujeres, mirarnos e inspirarnos y luego esa parte de coincidir en Madrid pero principalmente me atrajo la efervescencia musical que tienen tanto Natalia Lafourcade y Ximena Sariñana. Es algo que no ves en España y bueno cada vez que ellas visitaban Madrid, mi manager hacia lo posible para que nos encontráramos para platicar y no sólo en lo musical sino por la admiración que tengo por lo que hacen las mujeres mexicanas y su buena música. Me inspiro mucho en eso, en el papel de ellas, en su independencia de hacer las cosas, en su estética. Y la verdad estoy muy emocionada de por fin hacer algo con Natalia. Tiene un talento impresionante. P. Después de estas dos fechas, ¿cuándo te veremos de vuelta en México y con una estancia más larga? R. Creo que con suerte en otoño tendremos otra gira más extensa por Latinoamérica, la verdad espero que llegué pronto porque me he quedado con muchas ganas de hacer shows en otras ciudades de México.

“.. en América Latina hay mucha emoción a flor de piel, la gente es muy abierta.. ”

COLDPLAY Simplicidad inmejorable Por Andre Dulché

comienzos de siglo, había terminado el grunge y el nü metal estaba decayendo; el ciclo de la vida musical tendría que retomar sus orígenes a esos tiempos en donde Inglaterra tenía a dos de las bandas más importantes de la historia, Rolling Stones y The Beatles. Con Oasis, Travis, Stone Roses y Pulp liderando el britpop, ya en plena maduración, fue el turno para que desde Londres una banda alzara la mano con un disco sin virtuosismos ni pretensiones; de hecho caía en la simpleza de sus sonidos y las letras eran contundentes, sin metáforas rebuscadas que lograban que cada escucha se conectara con

lo que oía en su reproductor. Esto los llevó a lo más alto de las listas de popularidad y desde entonces empezó su camino para convertirse en el monstruo mediático que es Coldplay hoy en día. En pleno año 2000, con escasos cuatro años de formación, Chris Martin, Johnny Buckland, Guy Berriman y Will Champion lanzarían Parachutes, con una portada donde aparecería un globo terráqueo amarillo (que la banda comprara en un mercado

de pulgas por 10 libras) y que fuera reflejo de su contenido sencillo. La voz de Martin resultaba suave y sin fuerza, no en un mal sentido pero nunca ha tenido la mejor voz, y se conjugaba perfecto con esos riffs agudos como en caso de “Shiver”; lo mismo creaban un dream pop lleno de romanticismo en “Yellow” o incluso, relucían ciertos toques de rock influenciado por Radiohead en “Sparks”. El inicio con “Don’t Panic” es claro y realmente marcaría el sello

de la banda, que resulta en un tempo lento de las armonías, las cuales parece que van deslizándose poco a poco. Por otro lado, Martin parece que recita una gran carta de amor en los 10 tracks, con frases que van desde ‘nunca quise hacerte daño’ en el pináculo de la canción número seis, “Trouble” hasta ‘siempre te amaré, aquí estoy y esperaré en la línea siempre’ en la breve pero concisa “Parachutes”. Parachutes resulta la gran obra de Coldplay, a diferencia de otras bandas sabes qué encontrarás en los discos siguientes, caso claro A Rush Of Blood To The Head y si bien nunca serán la estrellas de la música que el mundo necesitaba, siempre será una banda que puedas escuchar con tus papás sin ningún remordimiento.

La NOCHE DE

THE SOUNDS From Sweden with Sweet Music

Por: Andre Dulché / Foto: @soyelpani

n Plaza Condesa a reventar, una banda que se entregó en cada instante a un público frenético y claro, una vocalista como Maja que es de las mejores hoy en día arriba de un escenario. Desde Suecia llegarían The Sounds una vez más a México, como dijera la rubia ‘llevamos haciendo giras por México y Estados Unidos por 11 años y acabamos de cumplir 16 juntos, con 5 discos que amamos cada uno de ellos y con el más reciente ‘Weekend’ y queremos que cada día, lo vivan como si fuera un fin de semana’. Cada uno de ellos; Maja Ivarsson, Feliz Rodríguez, Johan Bengtsson, Jesper Anderberg y Fredrik Nilsson son un show por sí mismos y que en conjunto hacen una gran banda, haciendo bailar y llevar a la gente a la euforia desde los primeros riffs y beats. “Emperor”, “Song With A Mission” y “Shake, Shake, Shake” arrancaron su presentación, con esa actitud de Maja en el escenario que va de la arrogancia, a la sexualidad, a la emoción a la gratitud en instantes,

luciendo un traje entallado de piel y mostrando sus largas piernas y un poco más en varias ocasiones, provocando que la gente aventara desde brassieres hasta chamarras de piel, y claro, no faltó la bandera de México y una infinidad de cigarros los cuales la sueca los devoraba uno a uno, así como las cervezas que la acompañaban para ‘limpiar’ la garganta. “Dance With The Devil”, “Seven Days A Week”, “Something To Die For”, “Take It The Worng Way” y “Dorchester Hotel” seguían un recorrido por su carrera, donde Anderberg pasaba de los sintetizadores a la guitarra disfrutando cada instante, las sonrisas en los nórdicos y las varias fotos que tomaban ellos a la gente hacían de este concierto especial, sobre todo al tenerlos como único platillo en la noche y no como en sus primeras visitas que eran teloneros. El momento calmado y melancólico, con solo el piano de

base se vivió en “Wish You Were Here” y después volvió la fiesta con “Midnight”, “Weekend”, “4 SOngs & A Fight” y “No One Sleeps When I’m Awake” y la gente hacía cimbrar el lugar de alegría, hasta la parte final del primer set donde la cerveza volaba, los celulares dejaban de grabar y Maja ya con bandera y souvenirs puestos tocarían “Painted By Numbers”, “Living In America”, “Outlaw” y “Ego” para retirarse por un instante del entarimado. Regresaron pero con la grata sorpresa de verlos todos vestidos de charros, cerrando con el trío de despedida “Tony The Beat”, “Rock N’ Roll” y “Hope You Happy Now”. Así se vivió una noche con The Sounds donde Maja demostró ser del top de ‘frontwomen’ a nivel mundial, nunca desafinando, interactuando con la gente y dejándose querer, sin duda una Debbie Harry del siglo dos mil.

SIDDHARTHA Y EL VUELO DEL PEZ Por: Andrea Quintana / Foto: Ipsaim Ruiz

espués de preguntarse Why You?, “como una pregunta existencial, había gente que pensaba que era algo más bien de amor pero era una pregunta más de preguntarse por qué tú existes” y de haber estado Náufrago, “la temática del disco estuvo muy relacionada con lo que vivía, ya que estuve dos meses encerrado solo en una cabaña y me fui a aislar para hacer el disco”;Siddhartha empieza una nueva etapa con El Vuelo Del Pez. “Habla de un proceso de evolución y cambio en donde puedes desarrollar la habilidad de volar, te puedes salir de tu entorno y conoces un mundo exterior que desconocías y ahora lo ve a través de la imagen del disco está el pez volando y ve el agua hacia abajo, así que ve su vida anterior”. Este nuevo material representó una aventura totalmente nueva para el jalisciense, ya que “es la primera vez que hago un disco con tanta gente involucrada, la banda, los músicos que tocan conmigo en vivo me acompañaron en este proceso de grabación y pre producción y se integraron mucho al desarrollo de los temas”. Este tercer álbum estuvo ‘tocado’ por personas como Aldo Muñoz “con el cual he trabajado desde el primer disco y es un músico el que ha equilibrado esa etapa solitaria” y Yamil Rezc, “hizo una parte de coproducción, que eso es algo que nunca había hecho con un personaje externo”; además de varios músicos invitados como Jesús Báez tecladista de Zoé u otro gran amigo, Caloncho. Tratando de encontrarse en un mar de sonidos, Siddhartha realiza un viaje por sus tres discos tratando de definirse a sí mismo: “El primer disco fue muy experimental e intuitivo, todavía no tenía claro cómo quería sonar pero así se dio. El segundo tiene un hilo conductor y un sonido que

lo caracteriza. Con este tercero sí había como cierta finalidad de saber cómo quería que sonara. Tal vez el tercer disco es decisivo por lo que la gente te puede llegar a juzgar para saber si les gusta o no, pero mi sonido como tal no es algo que ni yo quisiera que existiera”. La elección de los sencillos que acompañan a este material, se da de manera totalmente democrática: “hicimos algo que no habíamos hecho, subimos todo el álbum a Youtube, porque de todas maneras lo iba a terminar haciendo otra persona; y nos dejamos guiar por el número de plays de cada canción, en este caso “Bacalar” es la que tenía más plays sobre cualquier otra canción”. El video que acompañará a este tema sin duda contará con un “hilo conductor que aunque no necesariamente sean seriados, sí vayan de la mano del tema y la imagen del disco para que no sean obras aisladas del tema. Este video lo grabaremos en Bacalar (Quintana Roo) y va a tener mucho que ver con la temática global del álbum”. Y, en un mundo en donde la era digital ha desplazado a la industria discográfica, para Siddhartha es algo que “mientras podamos seguirlo haciendo a mí me gustaría continuar haciéndolo, porque el disco tiene también un pedazo que si solo escuchas la música no alcanzas a ver el concepto total”. Es por eso que el arte en El Vuelo Del Pez, complementa la visión del mismo: “la fotografía y cómo se diseñó dice mucho de la idea. La portada fue algo que hicimos mucho hincapié, nos interesaba mucho que saliera ésta ave volando sin que vieras al ave o al pez del agua y como solo era la sombra de él. Para mí esa imagen ejemplifica muy bien lo que quiere decir el título. Y cuando ves el arte es como un arte conceptual, porque no es tan literal ya que cada canción tiene una foto. Así que a veces esa foto termina de hacerte entender el tema o la canción”.

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ORQUÍDEA RADIANTE una invitación a la innovación Por Erika Cid

omo cada año, Pantone, autoridad del color a nivel mundial para la industria del diseño, hizo una larga investigación en la cual rastreó cuidadosamente el mundo en sus ámbitos sociales, culturales, tecnológicos, artísticos y deportivos para asignar al “Orquídea Radiante” como el color favorito para este 2014 en diferentes industrias como el diseño gráfico, industrial, el diseño de moda y para el hogar. Leatrice Eiseman, directora ejecutiva de Pantone Color Institute ha declarado que este color es “expresivo, exótico, inspira confianza y evoca una gran alegría, amor y salud”. Orquídea Radiante se ha apoderado de la moda y el estilo de vida, siendo el favorito de grandes diseñadores como Gucci, Emilio Pucci, Max Mara, Carolina Herrera, Burberry, Kenzo y Marc by Marc Jacobs, pero ¿por qué todos se han vuelto locos por este color? Las diferentes tonalidades del orquídea destacan el color del brillo natural de la piel por lo que la hacen ver más saludable que nunca, la industria textil y cosmética dan maravillosas opciones de vestidos, trajes de baño, blusas, labiales, sombras de ojos y esmaltes de uñas. Este color fomenta la creatividad debido a la magia, y el simbolismo ligado a él, estos fueron factores importantes para designar al Orquídea Radiante el color del año. La psicología del color designa a la familia de derivados del Orquídea como denotadores de afectividad, empatía, además de estar asociados con éxito y sabiduría. Así que éste es un color que definitivamente no puede faltar en nuestro estilo de vida.

DANIELA MARTÍNEZ GONZALES Moda con un toque kawaii Por: Israel Pérez / Fotos: Pólvora Crew

ori es la colección otoño/invierno 2014 que se creó como proyecto final de carrera de Daniela Martínez en Universidad Centro y que nació gracias a la gran influencia nipona que posee la diseñadora. La colección está basada en las subculturas por las que Japón está compuesto, como las Lolitas, las Harajuku Girls, Mori Girls, etc., que viven ‘disfrazadas’ o que simplemente usan lo que desean hasta explotar su imagen para pertenecer a un grupo. Mori intenta romper con el paradigma de la moda en occidente, e instaurar un estilo en donde importa el hoy, lo que se usa en la calle, donde no hay pasarelas, no hay temporadas, texturas o colores a combinar, si no que simplemente se busca mezclar lo que más te gusta; definición que en parte retoma el concepto Kawaii, donde se mezcla la

inocencia, lo creepy y el toque girly y tierno. Así, en entrevista exclusiva para Lado V, Daniela Martínez, nos habla sobre el punto que México ocupa en el mapa global de la moda al mencionar el crecimiento que ha tenido respecto al tema, al expandirse el público que habla de moda, que compra objetos de moda por internet y que incluso llega a diseñar sus propias prendas, así como el avance creativo que existe en el mercado mexicano. La mexicana compartió por igual sus experiencias de cómo le gustaría sumergirse más en el mercado, colaborar con algunas otras marcas para así entender cómo funciona el engranaje de la moda y poder hacer crecer su marca tanto en un sentido de diseño como artístico, para poder dirigirse hacia el vestuario de teatro y cine, mapa que llama su atención.

¿Como definirías tu estilo? Suelo ir en dos caminos, combino mucho la corriente del punk y lo kawaii. A veces puedo ser muy girly e infantil, llena de colores y estampados de animales, y por otra parte puedo usar solo negro o ropa de mis bandas favoritas. ¿En qué punto decidiste dedicarte a diseñar? Desde que me di cuenta que podía crear todas las cosas que quería para mí y que por cuestiones de distancia o economía no podía tenerlas. Siempre me ha gustado el diseño y el diseño de moda reunía todas las características de lo que soy y lo que quiero crear. ¿Cual es la principal herramienta para un diseñador? La creatividad, debes resolver cualquier cosa que se te dificulte en el proceso respetando tu estética y logrando o sobrepasando lo que desde el principio deseabas expresar. Y por supuesto el amor por lo que haces.

“México ha l egado a ser un país en donde cualquier cosa se puede desarrollar exitosamente si hay amor e inteligencia en nuestra producción”

¿Cuál fue el mayor reto al presentarse en el FashionWeek? Replantear todo lo que quería expresar con mi colección, hacer el tema más obvio y por lo tanto recrear prendas que no habían sido desarrolladas al máximo como al principio se pensaba. Querer hacer más y más y darte cuenta que el tiempo no es suficiente. ¿Qué se necesita en México para ampliar el mercado de los diseñadores? Yo considero que debemos mentalizar de otra manera a la moda en México, tomar en cuenta que no solo es la moda en los medios, poner atención a lo que la gente usa en la calle, a lo que crean aún sin venderlo. México todavía no puede tomar un camino en la moda como París o Milán, la producción de nuestros objetos no puede llevar el mismo ritmo. Y no es algo malo, lo que a veces consideramos que son nuestros defectos es de lo que nos podemos aprovechar.

INFLUENCIAS Admiro a muchas personas, me la paso en redes sociales como Instagram observando cómo se viste la gente en todo el mundo, especialmente Japón y Australia. Soy fan de las personas que crean sus looks no importando si las texturas combinan, si es ropa de niños o cosas diferentes. Me inspiro en el trabajo de Edward Meadham y Benjamin Kirchhoff creadores de la marca Meadham Kirchhoff, porque combinan todo lo girly a la máxima expresión, logran hacer diseños kitsch que me encantan y pueden ser prendas tan casuales como formales.Y la mayor inspiración obviamente fue el street fashion que logra la gente en Japón.

Foto: P贸lvora Crew Maquillaje: Jorge Reyes Edici贸n: Ori贸n Maldonado

SANGHOM KIM se une a Lacoste L!VE Por Andre Dulché

l artista francés Sanghom Kim se une a la marca del cocodrilo como director e ilustrador de una nueva colección. Kim es reconocido por ser multidiciplinario ya que maneja la acuarela, la pintura y la realización de videos a un alto nivel a tal grado que casas de moda y músicos han recurrido a sus creaciones, como Sebastien Tellier, M, Manos Bewitched o Surkin. Con motivo a la justa mundialista en Brasil, Kim se enfocó a hacer un corto manga donde visten las prendas que estarán cobrando vida por Lacoste L!ive. Ambientado en los años 80 y creando 10 referencias para hombres y mujeres, además teniendo al número 27 como eje tanto de la animación como las prendas.

ASTROBOY

Por André Dulché

stroboy, o como le dicen sus familiares y amigos Astro, es un robot que nacería de la mano del Dr. Tenma para reemplazar a su hijo que muriera en un accidente, con el mismo físico pero sin las virtudes del humano como llorar, mentir o la desobediencia. Ozamu Tezuka es el creador del personaje e historia, que en su lenguaje original se llamaraTetsuwan Atomu (Átomo, El Brazo Poderoso) en la ya lejana década de los años sesenta y teniendo su primera transmisión en Japón en 1963 en su versión anime a manos de Rintaro. Por su parte, el manga fue serializado en la revista Shōnen de Kobunsha entre 1951 y 1968 y recopilado en 23 tomos La trama que envuelve al pequeño Astro fue censurada en Estado Unidos por la NBC al ser tachada de inhumana (obvio, son robots), degradante con los animales y hasta involucraban en su queja, secuestros de animales para convertirlos en cyborgs, que para esa doble moral que se vivía en esos tiempos en el país vecino del norte era lo más predecible. El propio Ozamu en la reedición de los cómics ejemplifica su descontento ante los americanos en las páginas de las ediciones de los años 80, así que encontrar estos títulos darán un valor político social extra a una historia que en si ya muestra mucho, como son valores sociales decadentes y un terror / respeto a la tecnología que hoy en día uno encontraría normal, aunque en realidad uno no puede construir un cyborg, bueno, ni un robot con las facultades de Astro. Los 52 capítulos de la serie animada muestran aspectos sociales como la utopía de vivir en paz unos con otros siendo de diferente especie, que hasta el último capitulo no se llega a dar y el temor de que la tecnología rebase al hombre. Como una especie de Pinocho robotizado, estos seres creados con placas y microchips no

pueden mentir, lo cual los hace mejores policías y políticos que las personas; a pesar de no mostrar sus sentimientos tal cual, su intromisión al mundo humano los asemeja a la gente común y corriente, ya que pueden ir a la escuela e ir aprendiendo poco a poco o en su defecto y según su creador, tener la información básica para sus propósitos, así que muchos de ellos optaron por hacerlos máquinas de guerra. Un aspecto que hace de Astroboy un clásico más allá de las armas y que extrañamente saca láseres del trasero, es cómo entiende la vida, conoce los valores de la amistad y fidelidad dignos de ser adquiridos hoy en día, a pesar de ser maltratado cruelmente y sufrir por ser diferente, sabe reponerse y aun así, salvar al necesitado. Otra forma de aprender con los duros golpes de la vida es con su familia, creada por el mismo equipo de científicos que hicieran a Astro, dándole a sus padres y la más importante, Lucero, su hermana, que realmente juega el papel más incómodo para los puristas y conservadores, en especial en el capítulo donde hace las preguntas más difíciles de contestar ¿Dónde vive y quién o qué es Dios? Y que al final de cuentas, no queda en lo más mínimo convencida. Por si esto fuera poco, no se puede dejar a un lado al némesis del protagonista, Atlas, quien fue creado con el mismo molde de Astro, ¡por lo cual son hermanos! La eterna disputa del hermano que no entiende por qué los robots no aniquilan a la raza humana y en caso de Astro, que cree por completo en las posibles víctimas, muy similar a la batalla mutante entre el Profesor Xavier y Magneto en los X-Men. En resumidas cuentas, Astroboy es un obligado para cualquier geek y seguramente, acabarás admirando a un más el trabajo del considerado ‘Dios Del Manga’. No hay excusa para no verlo ya que venden la serie completa (ZimaEntertainment) a muy bajo precio. P.D. La película del 2009 no es mala pero tampoco le hace justicia.

Bienvenido

Samsung S5 Por Charlie Trooper

esde la salida de la generación Samsung Galaxy, se catalogaron como equipos con un interesante hardware combinado con un software que sale superando las expectativas de los usuarios; por lo cual su último lanzamiento, el Samsung Galaxy S5 se ha convertido en el mejor smartphone hasta la fecha, debido a su innovación durante la evolución de estos equipos. La nueva joya de Samsung en móviles es un smartphone con pantalla Super AMOLED de 5,1 pulgadas, procesador Qualcomm Snapdragon 801 de cuatro núcleos, 2 GB de RAM, cámara de 16 megapíxeles, batería renovada y Android 4.4.2 (Kit-Kat) con la correspondiente capa Samsung TouchWiz, poniéndose a la cabeza de la competencia directa, el tan temido iPhone 5s. La duración de la batería es

interesante, así como los diversos modos de ahorro de energía, lo cual ayuda a resolver ese gran problema en los smartphones. La reducción del software innecesario es sin duda una gran mejora. La pantalla sobresale por su mejora en cuanto al tamaño y resolución, además el diseño es funcional; junto con la innovadora característica de su lector de huellas digitales para mejorar su seguridad y su resistencia al agua (IP67) dan un plus en el Galaxy S5. La cámara produce fotos de gran calidad; y si de grabación de video se trata, ha sido catalogado en el mercado actual como el mejor celular para grabar vídeo HDR. La conexión WiFi y 4G van realmente rápidas, teniendo la posibilidad de utilizar ambas para potenciar este punto, cuyo rendimiento es más que suficiente incluso para entretenerte con juegos de gráficos complejos y aplicaciones múltiples.

Despertando en el día 2 Por Vicho González

l 28 de abril será recordado en el ‘geekverse’ como el Día Uno, cuando oficialmente Nokia se volvió parte de

siendo muy relevantes para entender la dirección de todo esto; el primero y más crítico es que al convertirse en una sola empresa, será más sencillo llegar a la barrera de equipos de ‘smartphones’ de bajo costo, ya que el tener un equipo cuyo costo sea menor a los $2,000 pesos ayudará a traer adeptos de Android. El segundo, sencillamente, será la línea de tabletas de Nokia. Sin duda alguna, se están corriendo riesgos con la línea de Nokia X y sus equipos híbridos (Android + Windows Phone) para poder llegar a un territorio inexplorado en cuanto a precio y clientes. El primer producto de esta nueva era a probar es el Nokia XL, del cual hablaremos en la próxima edición.

Microsoft. Esta compra por parte de la gente de Redmond, nos trae a los usuarios muchas interrogantes sobre el camino que van a tomar en cuanto a los dispositivos y servicios. Algo que es muy cierto es el ‘ganarganar’ que han estado teniendo ambas empresas, solo basta recordar su Lumia en alianza con Windows Phone para ser su sistema operativo, y fue esta misma unión la que trajo a Nokia de nueva cuenta a competir en las ligas mayores. Hay dos puntos que terminan

sound

NÜ SPLASHH Londres-Indie pop

Por Romel Reséndiz Splashh conformada por Sasha Carlson, Toto Vivian, Thomas Beal y Jacob Moore es una de las agrupaciones más prometedoras que a la fecha suenan con fuerza en la escena musical. Estos londineneses sin duda alguna se están volviendo un ícono, es increíble para todos los que escuchamos de ellos cuando apenas habían lanzado “All I Wanna Do” la fama de la que se han hecho, siendo de esas bandas que demuestran el gran poder que, actualmente, el adecuado uso de los medios en internet (como facebook, twitter soundcloud, bandcamp y sobre todo youtube) nos pueden ayudar. Para hacer simple esto, cuando escuché a Splashh por primera vez el video de tenía a lo mucho cerca de 56 visitas, según recuerdo, ¡ahora tiene 218,228 y contando! Es realmente increíble, me repito. Pero, ¿qué hace de Splashh una banda tan ‘especial’? Bueno, para comenzar, el hecho de que tengan un sonido marcadamente veraniego, cool y psicodélico que invita a olvidarse de todo; pero al mismo tiempo es lo suficientemente enérgico para imaginarnos surfeando, aventándonos unos ‘shots’ en la fiesta o manejando nuestro coche en la carretera. Las canciones de su primer LP (Comfort, 2013), son una recopilación del montón de sencillos con los cuales nos hicieron esperar ansiosamente un producto más grande (y sólido) durante meses. Splashh es sobre todo un deleite para oídos exigentes, sus marcadas influencias de grupos como The Pixies desembocan en una serie extremadamente placentera de sonidos.

MOTORIFIK Paris-Indie rock

Por Héctor Paniagua Una guitarra limpia y un sintetizador al fondo, apoyado con acordes suaves y una voz melodiosa, es la definición sonora de Motorifik, banda originaria de Bidoré, Paris que retoma el concepto del dream pop y lo fusiona con el post punk, creando una atmósfera única y de grata escucha. Motorifik es una banda joven, pero que en su trayectoria ya cuenta con un álbum lanzado en otoño de 2010, a manera muy confidencial, sin label y sin editor, pero que llegó facilmente a la prensa especializada en Inglaterra y EU, obteniendo buenas críticas. Secret Things es el nombre de este primer material e incluye temas altamente recomendables como “Secret Things”, “Ghosts”, “Flames On The Ocean” y “Nostalgie” que hacen en general que ésta banda sea de escucha obligada. El grupo trabaja para escribir nuevo material y formar un nuevo álbum; lanzar la nueva edición de Secret Things con creaciones en video de las siete canciones principales, en donde el tema homónimo es el primer clip y además, comenzar pronto una gira por Europa y de ser posible por América Latina.

NELUE España-Indie pop Por Héctor Paniagua Fernando Gomez Suarez o mejor conocido en la escena como Nelue es un asturiano que vive en Madrid desde los 18 años y se ha convertido en uno de los más influyentes remixers españoles apoyando a un gran número de cantantes de indie pop. Nelue ha creado un concepto ecléctico que nos recuerda sonidos antaños cercanos al deep house con toques electro funk, lo que da como resultado la creación del cosmic disco con toques psicodelicos. Fernando Gomez estudió Ingeniería en Audio y desde ese momento ha sido colaborador de distintos proyectos como Bienvenido Sr. Trance (RNE), Lorca (Universal), Plan 9 (Warner Chapel/Boa Records), Sara Da Pin Up (Warner/Surreal IE), mismos que lo llevaron a colcarse rapidamente en la escena. Nelue ha optado por la independencia y así comienza a sumar trabajos en solitario como Paradise Road, EP editado bajo el sello Disciple Of Groove, así como otros discos como Deconstructed EP donde destacan trabajos como “Deconstructed” y “Pierced Heart” creados en colaboración con la cantante española Russian Red. Nelue suma actualmente colaboraciones con otros artistas de la región como Anni B. Sweet, Kayele Joanna y David Paredes. Sonidos con tendencia al NYC House, disco, funk y pop ocentero es la propuesta del asturiano.

DEEP TIME EUA-Guitar pop

Por Romel Reséndiz Deep Time (anteriormente conocida como Yellow Fever) es una banda rock pop originaria de Texas; aunque lleva bastante tiempo en la escena, resalta su renacimiento en el LP homónimo, Deep Time. Este disco lanzado en el 2012 marca un estilo y ritmo que rara vez podemos gozar. El disco Deep Time (2012) que nos entregan Jennifer Moore y Adam Jones tiene una serie de temas capaces de hacer placentera la tarde o el camino de quien sea, principalmente por el hecho de dejar una atmósfera cálida pero nada somnífera. La guitarra se mantiene jugueteando con los compases del bajo, y la voz de Jennifer es lo bastante notoria como para dejarnos una grata sensación musical, principalmente refleja ésta capacidad junto a los cambios en el ritmo en canciones como “Gold Rush” y “Homebody”. También “Clouds” es uno de los temas más disfrutables del disco, resaltando nuevamente la combinación de sonidos y matices que crea Deep Time. Al contar con un único LP como Deep Time, la banda no tiene el catálogo más amplio de canciones, pero realmente vale mucho la pena zambullirse en una experiencia musical bastante refrescante, capaz de convencer a muchos escépticos si se le da una oportunidad, es una banda altamente recomendable.

The Sounds Foto: @soyelpani

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