Pólvora no. 4 | APOLO by Pólvora

No. 4, Abril 2014

APOLO

Los Bunkers Let’s Buy Happiness Larva Meshuggah Babasónicos

Contenido

NOTICIAS

LOS BUNKERS

KING CRIMSON

HARDCORE SUPERSTAR

VELVET UNDERGROUND

BABASÓNICOS

LAZCANO MALO

2O LA VELA PUERCA 24

LOS REVERSE

AGUAS TÓNICAS

30 APOLO 38

THE WALL

40 LARVA 42

MESHUGGAH

ÍDOLOS

LOS COMING SOON

50 LET’S BUY HAPPINESS 53

LED ZEPELLIN

COMICS, SUPERHEROES Y R&R

NÜ SOUND

AGRADECIMIENTOS CONTACTO

Gracias a todas las bandas que fueron parte de éste número; a Nikon México, S.A.

REVISTA PÓLVORA

de C.V. por el voto de confianza, a Eyescream Productions y Helados Producciones

andre@polvora.com.mx

por el soporte, a Rafael Salinas de OCESA, a Rafael Ortega de Eureka & Co., a Discos

facebook/revistapolvora

Intolerancia, Roberto, Sal, a René García, a Mauricio Mendía de Lemur Enterteinment,

@polvorarock

al señor Carlos Miranda Rojas, a Arturo G. Aldama editor de Marvel México y al señor Azael Meléndez de Grupo Radiosa por su apoyo incondicional. A toda la gente que hace que esto sea posible y a nuestros lectores, mil gracias. Pólvora © 2014

Pólvora, La Explosión del Rock®, es una revista de distribución gratuita. Editor responsable Andrea Quintana Limón. La reproducción total o parcial del material publicado está estrictamente prohibida. Los editores declinan cualquier responsabilidad sobre la veracidad y legitimidad de los mensajes contenidos en los anuncios. El contenido de los artículos, notas, crónicas, historias y arte es responsabilidad de los autores.

EDITOR EN JEFE ANDRÉ DULCHÉ andre@polvora.com.mx DISEÑO EDITORIAL Y CREATIVO JULIÁN A. TREJO N. trenieblas@hotmail.com HÉCTOR PANIAGUA hector@polvora.com.mx

CO-EDITOR /COORDINADOR GENERAL ANDREA QUINTANA andrea@polvora.com.mx CORRECIÓN DE ESTILO CAROLINA DAZA black_deathandlove@hotmail.com

MARKETING ALFREDO HUERTA alfredo@polvora.com.mx

RP & P ANA CANCINO ana@polvora.com.mx MIRIAM MARTÍNEZ miriam@polvora.com.mx

WEBMASTER CARLOS MIRANDA carlos@polvora.com.mx

ASISTENTE EDITORIAL HECTOR PANIAGUA hector@polvora.com.mx

FOTÓGRAFÍA MANUEL CASTILLO @mrcastlemanu manuel@polvora.com.mx JAVO HERNÁNDEZ javohernandezfotografia@hotmail.com YOMERENGUES @hectorpani

STAFF ALEJANDRO PIÑA ANDREA CANTÚ GERARDO LUGO JOSH NEBULA NALLELY HERNÁNDEZ SERGIO PALACIOS PÓLVORA CREW

THE 69 EYES directo al Plaza Condesa Los vampiros de Helsinki estarán de regreso a México, esto bajo el cobijo de su más reciente álbum de estudio X y sus grandes éxitos que saliera en Halloween del año pasado. El show se espera esté basado en el The Best Of Helsinki Vampires, que incluye temas como “Dead N’ Gone”, “Lost Boys”, “Tonight” y “Rosary Blue” que en la versión del disco lo acompaña la tatuadora Kat Von D. The 69 Eyes se formó en Finlandia a principios de los años 90, con un sonido glam rock que poco a poco fue teniendo ambiente más y más oscuro hasta lo que tenemos ahora, un hard rock gótico que en voz de Jyrki hace que las mujeres caigan rendidas a sus pies. La cita es el 27 de septiembre en el Plaza Condesa.

De nueva cuenta, Joselo Rangel hará un libro contando las peripecias de estar en una de las bandas más importantes de México, Café Tacvba. Así como ha contado varias anécdotas tanto en su columna en Milenio o el libro que publicara el año pasado, el tacvbo tendrá ahora su primera obra con el sello Rythm And Books titulado Crocknicas De Un Tacvbo, el cual estará listo para el mes de mayo. Esta edición estará disponible en México y Argentina. Joselo se une a la larga lista de rockeros con libros bajo este sello editorial, la cual se agranda este año con el poemario de Carlos Aviléz de QK; Armando Chong con apoyo de José Fors en las ilustraciones tendrá su obra Haikús o El Otro Rock Mexicano Vol.1 de David Cortés.

6 polvora.com.mx

Otro libro más para JOSELO RANGEL

THE HORRORS se tornan luminosos Los ingleses de The Horrors están de regreso con nuevo material y nuevo sencillo. El nuevo álbum llevará por nombre Luminous y se espera esté en tiendas virtuales y convencionales en pocos meses, mientras tanto está listo su primer ‘single’ “I See You”. Los británicos se tomaron 15 meses para hacer esta nueva producción y para anunciar su regreso, tuvieron que hacer un video a cargo de Cherise Payne donde se muestran imágenes del disco en siete minutos, además de incluir fragmentos de los otros temas. Según su líder y vocalista Faris Bodwan, el sonido es más brillante, positivo y bailable, lo cual le gustará a sus seguidores más recientes y los que los conocieron por temas como “Sheena Is A Parasite” o “Jack The Ripper” es una desilusión más.

Guerra eterna para ARCH ENEMY

Después de Khaos Legions, para muchos el mejor disco de la banda con Angela Gossow en las voces, y a poco tiempo de lanzar su nueva placa, War Eternal, la agrupación sorprendió a sus fans con la salida de Angela y la adición de la ex vocalista de The Agonist, Alissa White- Gluz. Acerca de este nove¬no disco de los europeos, fue producido por Jens Bogren en Suecia, en Fascination Street Studios y promete ser igual de agresivo que los pasados y con un mensaje claro, no solo gritar por hacerlo. ‘El sonido va a algunos lugares que no habíamos visitado, War Eter¬nal dejará su propia marca, líricamente es un disco mucho más personal y siento que las canciones tienen más dinámicas y profundidad que antes… Muchas veces la vida es una lucha, una guerra en contra de lo que me gusta llamar ‘cadenas mentales’ en la sociedad que tratan de evitarte vivir la

vida de la manera deseada, que tratan de evitar que hagas tus sueños realidad. Siempre he resentido eso y siempre lo haré. El título resume nuestra actitud colectiva como banda también; los escenarios serán de¬struidos, los tímpanos sangrarán. No habrá más remedio. Esto, señoras y señores, es ‘War Eternal’, señaló el guitarrista Michael Amott. Con esto la banda sigue su camino y aunque Angela ya no estará al frente del escenario, se encontrará de una manera diferente con Arch Enemy, ahora como mánager.

polvora.com.mx

Los Bunkers

Íconos andinos en México Por Carlos Miranda

na de las bandas más representativas de la nueva ola de música rock en Chile sin duda han sido Los Bunkers que desde hace más de 10 años han tomado la batuta de grupos como Los Tres o La Ley, dejando no solo una nueva impresión de la corriente que se está reavivando en este país sino poniendo una nueva métrica a todo el rock latinoamericano. Es por ello que en esta entrevista para Pólvora, retomaremos un poco de la historia de la banda desde sus inicios; pasando por su migración a México hasta convertirse en cabezas fuertes de festivales abriendo camino dentro de este turbulento medio musical y sobre todo cómo mantener la esencia que los ha caracterizado, con ese sentimiento serio pero con un talento que ha madurado gracias a discos como Vida de Perros o Música Libre en homenaje a uno de los trovadores más importante de Latinoamérica como es Silvio Rodríguez.

Cuando Lucybell, Los Tres y Los Prisioneros estaban teniendo éxito en México, ¿dónde estaban ustedes y cómo veían eso a lo lejos? Bueno a las tres bandas nunca las vimos teniendo el mismo éxito en México, pero con Los Prisioneros sí nos sorprendió el éxito, ya que en Chile no se supo que les iba bien por estas tierras, más bien se vivía el éxito de su último disco Corazones con el que se hicieron más conocidos aquí. También influyó el lanzamiento de MTV Latino donde uno de los primeros videos fue de ésta banda, aparte sobre Lucybell y Los Tres no se veía mucha percepción de éxito en Chile, solo con La Ley. Nosotros nos veíamos haciendo nuestro propio material en esa época, Los Tres fueron importantes para nosotros, era la música que más se acercaba hacia nosotros, el llamado del rock and roll. Con Lucybell nosotros ya estábamos activos, pero no los sentimos musicalmente cerca. Con el tiempo, llegando a Santiago de Chile en la época del 2000 los conocimos y hay una gran amistad con ellos.

está muy desarrollado, de hecho justamente cuando empezamos a comienzos de los 2000, los grupos grandes que había eran los que quedaban de los años noventa, ahora hay una renovación de la música, súper sana para Chile y la industria musical, se dejó esa onda de los artistas quejones sin oportunidades. Ahora la tecnología le ha enseñado a la nueva camada de bandas que si tú quieres algo, llegas y lo tomas para ti, y eso es lo que están haciendo. Ahora con un computador puedes hacer el disco, el arte del disco, promocionarlo en redes sociales y a un click de distancia puedes editarlo en Japón. Para los artistas el llevar las canciones a la gente en Chile se volvió mucho más fácil e hizo que se renovara la música rápidamente, el hecho de que el negocio como sea que se llame, sea tan pequeño hace que los artistas se dediquen a su arte dejando poco espacio a las ganancias monetarias, por lo cual se dedican a hacer buenas canciones y el público lo ve y lo siente

¿Cómo ven al Chile de sus inicios al de hoy?

¿Por qué decidieron dejar Chile, llegaron a un tope o es parte de la evolución?

Muy cambiado, desarrollado. El Chile musical

Sí, un poco por casualidad y un poco por

polvora.com.mx

llegar a un tope debido a un circuito pequeño de recintos de conciertos, fácil de recorrer, siendo muy caro debido a que está centralizado en Santiago. Después de un par de años y buenos discos, empezábamos a repetir lugares y las mismas cosas, entonces llegó la invitación del Vive Latino en el 2006, sabíamos que había un par de canciones sonando aquí en México pero no les creíamos mucho a nuestros mánagers. Llegamos aquí en el 2006 con una grata sorpresa en ese festival, teniendo a 30 mil personas cantando varias canciones nuestras, por lo cual pensamos que había que hacer algo aquí, empezamos a venir cada vez más seguido por más tiempo. Hasta que llegó un punto en que decidimos radicar en México, representó una renovación de fuerzas y metas, el volver a recorrer un nuevo país, súper amante de la música, así que fue todo en uno.

Con Vida de Perros llegó el momento de Los Bunkers en México, ¿cómo asimilan ese disco y sus temas tiempo después? Justamente como el disco que nos abrió las puertas en México, es nuestro quinto

“Ahora la tecnología le ha enseñado a la nueva camada de bandas que si tú quieres algo, llegas y lo tomas para ti...”

disco de estudio y es un cambio radical a lo que estábamos haciendo antes y también sirvió para que comenzaran a conocer los discos anteriores; y aunque Barrio Estación nos abrió muchas más puertas en México, Vida de Perros fue el punto más importante pero no el más alto ya que disco o tema que hemos lanzado nos han ido acercando a otro lugar o gira dentro de este país, han sido canciones exitosas para la gente, todo esto nos mantiene contentos.

Fue divertida la participación que tuvieron en 31 Minutos con “Una Nube Cuelga Sobre Mi”, ¿Cómo es que surge esta idea y qué les pareció? Fue muy entretenido, viniendo de la idea que 31 Minutos tomó a los niños como gente pensante, donde se les mostraba el Chile de esta época a su manera; eso fue lo que nos motivó para poder trabajar juntos, nos juntamos con los muchachos y pensamos cómo podríamos realizar algo con esta canción, quitarle un poco de oscuridad con un video en donde participaran los muñecos, ahí es donde empezamos a amarrar los cables. Cuando empezamos a grabar, los muñecos ya estaban guardados, ya habían grabado todas sus temporadas, entonces reunieron el equipo para realizar de nuevo algo con este proyecto junto con la canción, quitando la seriedad de la banda. Con todo listo, dejamos todo de lado para poder ser más alegres; disfrazándonos de bananas, de grupos de cumbia, fue divertido para nosotros y la gente, realizando varias payasadas. La idea también no era que los muñecos se metieran en un video de los Bunkers, si no nosotros entrar a ese mundo.

¿Qué tan riesgoso fue hacer un disco como Música Libre? Mirando para atrás, fue muy riesgoso porque nadie conoce a Silvio Rodríguez, no es para nada un éxito comercial; pero lo hicimos porque cumplíamos años, porque es música que nosotros escuchamos desde pequeños sin contar que con Silvio aprendimos a tocar la guitarra desde niños antes de empezar en el rock, además la figura de este trovador y sus canciones tienen una importancia política muy importante en Chile. Entonces fue muy importante y personal, de hecho al momento de editarlo y mostrarlo a la gente era un poco vergonzoso, había muchas cosas que venían viscerales, de los sentimientos mismos puestos ahí, todo ello derivado de las canciones. Al principio estábamos intrigados con la reacción de la gente, con la noticia inicial que haríamos este disco, los silviomaniacos se rasgaron las vestiduras, y los demás no entendían porque ese disco o la trova, fue un riesgo pero al final fue una satisfacción y un regalo para nosotros, tomando la batuta de enseñar a las nuevas generaciones esta música.

¿Por qué pasó tanto tiempo para editar el disco inédito, La Velocidad De La Luz? Básicamente porque nos sorprendió el trabajo que nos dio el Música Libre, ese nivel que nos dieron las canciones de Silvio, así como el cambio de mánager, por lo cual relanzamos un par de singles, y eso también hizo que se le diera vida a este disco, ya que además venían muchas canciones propias antes de que saliera La Velocidad De La Luz. Todo ello nos enseñó a subir nuestro nivel

polvora.com.mx

tanto musicalmente como en producción, haciendo que tardara más este disco en ver la luz por su nivel de trabajo.

Ahora están gozando de lo hecho con La Velocidad De La Luz, pero ¿cuándo empieza a forjarse lo nuevo? Sí y no, estamos mucho fuera de casa, muchas giras, necesitamos un tiempo tranquilo para meternos a la zona de ensayo, pero sí hemos conversado sobre qué dirección queremos que tome el nuevo disco. En general no tratamos de forzar los pasos que siguen en nuestra carrera, aunque en este medio es complicado hacerlo debido a que hay muchas manos metidas en un proyecto. Tratamos en general ver una pintura de los escalones que hay que ir subiendo, pero los tiempos se van acomodando de acuerdo a la gira, los sencillos, etc.

Después de haber pisado escenarios y festivales grandes ¿qué retos les falta por cumplir? Muchas cosas más, para nosotros lo que nos interesa es que nuestras canciones tengan el máximo de oportunidades, que lleguen a más personas y que tengamos más invitaciones a festivales como Coachella, Lollapalooza o Vive Latino. Lo que queremos es abrir puertas para nuestra música, nuevos escenarios, como ver qué pasa con España, con Latinoamérica, que recién nos enteramos que empiezan a editar La Velocidad de la Luz en Argentina, con la comunidad latina en E.U, todo ello en base a nuevos territorios para estos discos.

10 polvora.com.mx

KING CRIMSON

Red

Por Gerardo Lugo

ing Crimson quien desde su primer álbum en 1969, In the Court of the Crimson King, detonara los oídos de los fanáticos del llamado rock progresivo y que sorprendiera a toda una audiencia acostumbrada a escuchar melodías pegajosas, guitarras débiles poco distorsionadas y letras plagadas de “miel”. El Rey Carmesí llegaba nuevamente con una contundente obra, la cual nacería en noviembre de 1974: “Red”. Un disco plagado de denzura, obscuridad, riffs poderosamente disonantes y una orquestación que hacía tiempo no se escuchaba en Crimson. Basta con escuchar el poder de “Red” pieza instrumental con la cual se abre esta obra y da nombre al álbum, es aquí donde las disonancias nos van guiando por una profundidad llena de fuerza y precisión percusiva, teniendo un puente donde la presencia de las cuerdas nos tranquilizan por momentos para después regresarnos a esta dimensión de pesadez y virtuosismo. “Fallen Angel” nos lleva a un mundo donde la melodía vocal del principio es rota poco a poco por la perseverancia de las disonancias de Fripp y esas ‘Lagrimas por el nacimiento de un hermano’ se van tiñendo otra vez de oscuridad perpetua. “One More Red Nightmare” una pesada-pesadilla, contada en primera persona; es un tipo en autobús dormido quien sueña que se desploma el avión donde va volando pero despierta antes, paranoica opresión al igual que la estridente música que la acompaña.

“Providence” resulta una fúnebre improvisación nacida en el estudio donde estaban grabando, el nombre es tomado de dicho estudio. Sin duda alguna es una pieza clave en este disco, escuchamos una labor que goza de estridentes acordes, neurosis continua que va dibujando a un futuro Crimson lleno de fuerza, penumbra y dictámenes irrepetibles. “Starless” cierra este estremecedor álbum, la pieza va de lo fúnebre y depresivo a lo ácido y por momentos agresivo. Nos recuerda al primer King Crimson donde el dramatismo jugaba un papel fundamental en su obra; la orquestación todo el tiempo está presente llevando la melodía vocal con gran apoyo, las intervenciones del saxofón hacen aún más conmovedor el preámbulo de tensión para romper pausadamente con el tema y darle un giro total al cierre llevándonos nuevamente a la veloz agresión neurótica siempre imperante. Red es sin duda el álbum que marca a un Crimson como uno de los grupos más vanguardistas de todos los tiempos, no solo encuentras virtuosismo, también poesía, riffs que bien pudieron haber sido inventos por un Black Sabbath amorfo o más acido. Es un álbum fundamental en la historia del rock en general, no solo del progresivo, rompe esquemas que el mismo rock no se permitía hacer. *El rey Carmesí nos muestra lo completo y duro que puede sonar una banda, un álbum que será difícil que envejezca.

polvora.com.mx

JOCKE BERG

12 polvora.com.mx

E G

el detonante sexual de HARDCORE SUPERSTAR Por Andre Dulché / Fotos: Carlos Miranda

ocke Berg, es el vocalista de la banda sueca Hardcore Superstar, la cual hoy en día sin duda es la más importante dentro del glam/sleaze metal; con riffs potentes, letras que van de la fiesta a la nostalgia y apropiándose de un estilo que Def Leppard, Poison o Skid Row dejaron plasmado en los años 90. Lleno de tatuajes, sus clásicas bermudas y sinceridad en cada respuesta y ansioso por presentarse por primera vez en México fue que Berg esperaba en el sofá del hotel, sabiendo que era un capítulo más en la aventura que HCSS inició desde el 2005, donde han pasado por todos los rincones de Europa e incluso al Rocklahoma. La primera pregunta que llegaba a la mente, ¿cómo hacer que desde el disco Hardcore Superstar a C’Mon Take On Me evolucione sin cambiar el estilo ni cansar al fan? Y así es como empezaba esta pequeña charla… “Cuando hicimos nuestro disco en el 2005, el homónimo, encontramos la fórmula de cómo Hardcore Superstar debería sonar, de ahí ya es fácil hacer la música que amamos y no la que una disquera amaría. Cuando desarrollas un estilo, como el nuestro que es lo que llamamos un ‘street metal’ es fácil hacer la música que hacemos ahora porque ya sabemos qué hacer.” Ya son varios discos, pero de los anteriores ¿cuál es su favorito? ‘Me gusta mucho el Dreaming In A Cascket porque fue hecho en un periodo de mi vida que estaba un poco triste, sin embargo cuando hice el disco estaba feliz, terminó siendo el más cercano a mi corazón.’ A lo que

continuó mencionando tres temas que definen a la banda al pasar los años ‘creo que las canciones que nos engloban son “Above The Law”, “We Don’t Celebrate Sundays” y “Bang On Your Head”. Creo que son las que la gente escucha en vivo o en el disco y son las más puras, no pueden salir mal, es la verdadera esencia de Hardcore Superstar.’ Riffs que a veces son más de hard rock, coros pegadizos de principio a fin, mucho sexo y comicidad encontramos en sus canciones como “Here Comes That Sick Bitch”, de la cual recuerda que ‘la hicimos de una historia real, había una mujer en Europa que no nos dejaba en paz, no podíamos hacer nada sin verla cerca así que decidimos hacerle una canción y así nació’. Ahora para Berg, ¿cómo debe hacerse un buen coro a la HCSS? ‘Deben tener mucha energía, buenas letras y buen riff. Todo depende del humor en que lo escribes, a veces estás triste, todos lo hemos estado o también felices. Por ejemplo, C’Mon Take On Me fue escrito en un modo de fiesta, es para salir de bar en bar. Puedes ponerlo y pasártela bien y salir a la fiesta y regresar a casa para seguirla y puedes ponerlo de nuevo.’ Si es en modo fiesta, ¿cómo será la que enorgullezca el espíritu HCSS? ‘La mejor es cuando tocamos en vivo, esa es nuestra verdadera fiesta. Cuando salimos y vemos al público, conocer a los fans y ver que pasan un buen rato al igual que nosotros, esa es la que queremos vivir. Por eso nos gusta mezclar el setlist, la mitad es de canciones que nos gustan y la otra con algunas que sabemos el

público quiere.’ De esos primeros shows en Suecia a hoy ha pasado mucho, ¿cómo fue ese primer show y ahora después de recorrer el mundo, cómo es salir de gira? ‘Ese primer concierto…estaba muy nervioso, temblaba demasiado. Pero después de tres canciones ya era de ¡Sí! ¡Hagamos esto! Hemos hecho lo mismo por tantos años que reconozco que odio salir de gira, no las dos horas que estamos tocando, si no que tenemos 24 horas de espera para subir y patear traseros. Un verdadero tour con nosotros en Europa es básicamente estar en un camión, puedes beber alcohol como loco todo el día y lo hacemos. A veces escribimos canciones, nos ponemos en forma física también y hacemos muchas entrevistas.’ Ahora parece que son los últimos en seguir el legado del sleaze, ¿qué pasó con el género? ‘El grunge mató al sleaze, por suerte han salido nuevas bandas como Crash Diet, pero creo que somos el top de las bandas actuales. Recuerdo que el primer disco que compré con mi dinero fue el Destroyer de KISS pero mi favorito era el Shout Of The Devil de Mötley Crüe, lo compré en una Navidad, me gustó la fuerza y el look que traían que le dije a mi mamá, quiero ser como ellos.’ Actitud, es básicamente lo que ahora separa al rockstar del vocalista común o será que ya no existen estos especímenes… ‘El rockstar sigue vivo, hay gente como Slash que sí lo es pero al final son gente como nosotros solo que con fama. El sexo, drogas y alcohol sigue aplicándose, pero al menos para nosotros las drogas no.’

polvora.com.mx

Los cuatro puntos cardinales de VELVET UNDERGROUND Del rock al arte pop Por Arturo G. Aldama

doptaron su nombre de una suerte de fanzine que hacía crónica del lado más oscuro de la contracultura sesentera. El Velvet Underground abordaba las puntas delicadas de la experiencia humana –fragilidad para envolver en terciopelo- a través de un ataque visceral y crudo como las cloacas de Nueva York. Si Bob Dylan es acreditado como el Prometeo que robó a los dioses de las letras la poesía para el rocanrol, el recientemente fallecido Lou Reed completó la profanación con los retratos de sadomasoquismo y adicción que acompañados por el sollozo pantanoso del bajo y la viola de John Cale, la batería primigenia de Moe Tucker, las guitarras chirriantes de –el también difunto- Sterling Morrison y el propio Lou concretaron un primer álbum, The Velvet Underground & Nico (1967), que era choque y refutación de las nubes de ingenuidad jipi buenaondera. Vendió pocas copias, pero como Brian Eno inmortalmente describiría: “cada persona que lo compró quiso formar una banda”. Ninguna exageración, la herencia Velvet cruza la genética punk y new wave, pueden no gustarte pero sin ellos la mitad de los artistas que te gustan no existirían. Ahí donde nos asombra que los Beatles en diez años hayan provisto una articulación que hasta la fecha sostiene al rock, cabe acotar que a los Velvet les bastó un sexenio y cuatro discos para diagramar el lado oscuro de la fuerza. Aun con Andy Warhol trepado en el vagón, habiendo diseñado la emblemática portada del plátano y llevándolos a pasear por Estados Unidos con su Exploding Plastic Inevitable (precedente de lo que hoy llamamos espectáculo “multimedia”), otros grupos recibían mayor publicidad, como los Doors, que cantaban sobre atravesar al otro lado, mientras el Velvet lo hacía en lírica y sonoridad. En “Sunday Morning” una melodía casi de cajita musical encubre un canto de ansiedad en la sofocada voz de Lou Reed. En “Femme Fatale” la búsqueda de la belleza abre también el escenario para la humillación. El yonqui de “Heroin” elige la aguja en un intento de alcanzar ‘el reino’ más allá del óxido de los días, aun-

14 polvora.com.mx

que al final se resigna a la muerte, agradece a Dios la pérdida de consciencia y admite que simplemente no está seguro de nada. Es en esta franja entre las esperanzas y el fracaso, en la duda abrumadora y las certezas tambaleantes, que siempre se movieron las composiciones del Velvet; fijarse solo en la sordidez de sus temas significa quedarse en la superficie, hablaban principalmente del impulso a buscar la gracia y la caída que a menudo conlleva ese esfuerzo. Aquel debut lo concluía “European Son” con una detonación de disonancia y corriente de consciencia que su segundo álbum encumbraría. Ya sin la presencia de Nico (que en buena medida había sido imposición de Warhol), White Light/White Heat (1968) anuncia desde la portada en negro un paso más dentro del abismo, aunque también un trabajo eufórico. La canción del título cuenta la experiencia de algún viaje químico desde un plano puramente sensorial, donde la razón ha cesado de emitir juicios, resaltado por una línea de bajo taladrante que crece hasta generar un ruido efectivamente blanco, como la luz referida, estallido y vértigo del momento de revelación. Las dos

aportaciones vocales de John Cale -el relato hablado de “The Gift” y “Lady Godiva Blues”la tendencia siniestra, mientras “Here She Comes Now” y “I Heard Her Call My Name”, cada una creciendo en estridencia y estupor, sirven de corolario para la pieza central del disco: “Sister Ray”, casi diecisiete minutos del rocanrol más abrasivo en una jornada que difumina los límites entre dolor y placer. En contraste, su tercer disco The Velvet Underground (1969), muestra su lado más amable y dulce, como la inocente foto en blanco y negro elegida para la carátula. Ahora con John Cale fuera de sus filas (lo reemplazaría Doug Youle), el grupo perdió parte de su extremismo sonoro, pero las canciones por sí mismas pasaron a primer plano, cristalizando en momentos de ternura no correspondida -“Candy Says” o “Pale Blue Eyes”-, e incluso en una abierta plegaria - “Jesus”, con un Reed que implora ‘help me in my weakness, ‘cause I’m falling out of grace’. Aun así aparecían los episodios hiperquinéticos de “What Goes On” y “Beginning To See The Light”, que de nuevo provocaba el acercamiento de los contrarios, el instante de la iluminación, cuando la realidad apare-

cería sin caretas, es también el de la máxima enajenación, con una letra que exclama ‘hay problemas en este mundo, pero ninguno es mío’, y este es uno de los momentos más felices en toda la discografía del Velvet. Antes de grabar la cuarta entrega, el embarazo de la baterista Moe Tucker forzó al relevo del hermano de Doug, Billy Youle, quien los acompañó en varias presentaciones en vivo y participó las sesiones de Loaded (1970). Aquí el principal mérito de Lou Reed radica en haber demostrado que era perfectamente capaz de escribir canciones de rocanrol tradicional con una banda que prácticamente ya no sonaba al Velvet Underground. Para cuando se publicó, Lou Reed oyó “Sweet Jane” y “Rock And Roll” –las primeras canciones del grupo que recibían aire radiofónico- en la casa de sus padres, adonde se había retirado a hacerla de contador. Unos años después volvería con una carrera solista que fue todo menos predecible. Para las entendederas de hoy la trascendencia que tuvo quizá la explique mejor un tuit que leí en el amanecer de su muerte: ‘su mayor legado será que nunca podrán dedicarle un especial de X-Factor’.

polvora.com.mx

Uno más de BABASóNICOS Latido romantisísmico Por André Dulché

16 polvora.com.mx

na banda que a partir del año 2003 se ha convertido en una favorita de las nuevas generaciones, con un disco Infame que mostraba que ser “Putita” no estaba fuera de lo común, que era divertido ser “Irresponsable” a pesar de andar “Con Mi Diablo”. Solo después de haber creado una de las joyas del rock latinoamericano, Jessico. Babasónicos, siempre polémicos y creativos, aunque parecen repetir la misma fórmula últimamente, tiene un nuevo engendro llamado Romantisismico el cual incluye 12 tracks y tiene de primer sencillo “La Lanza”, así como una de sus baladas más empalagosas en “Celofán” y lo que consideran uno de sus temas más pesados como en los años 90’s, “El Baile De Odín”, este último tal vez un resultado de haber trabajado con el mismo productor de los discos Babasónica o Dopádromo. Adrián ‘Dárgelos’ Rodríguez habla sobre este disco, el pasado de la banda y por qué los fans de antaño puede que no vuelvan a escuchar temas de sus primeros discos…nunca más. Un Romantisísmico y sus significados… ‘Disfrutamos el disco porque ha generado muchos comentarios amenos, parece disfrutar de alegría. No tiene una inspiración específica, siempre nuestros discos responden a la coyuntura y realidad en que vivimos, le damos batalla con los discos. Romantisísmico sale de pensar en el tiempo del romanticismo corrupto de bajos niveles de moralidad, levanta y rescata ese sentido de la realidad. Buscamos el contraste, un movimiento que cimbra las relaciones humanas, entender qué tan ridículo es sostener una postura en las relaciones.’

El legado Babasónico… ‘No está en nosotros decir que marcamos algo en la historia a pesar de los 22 años de carrera. Intentamos en el 92 aportar sangre nueva e ideas, jamás pensamos llegar hasta acá. Ahora sí te diría que somos una evolución de cierta historia estilística argentina, es una consecuencia de dónde vienes que da un sabor exótico. En mi opinión, en Argentina sigue existiendo el rock que critica la política pero es muy localista, la música testimonial es cuando había control de los medios y eso fluía por un circuito no convencional. Ahora esa crítica pasa a ser marketing de rebeldía. El mundo no necesita de nadie de nosotros, al final solo te recordará tu mamá. Hacer canciones es como alquimista, crear éter y que llegue a las personas. Yo sí escucho mi música, aunque claro, no nos podemos escuchar todo el tiempo, ni que fuéramos Dorian Grey.’ Los primeros discos… ‘Siempre fueron pensados para ser música editada, esas canciones fueron pensadas para tocarlas una vez. La hiedra crece. Cuando salió Vedette hicimos un show de esos discos, fue un capricho. Es música que por algún motivo no queremos presentarlas, por lo tanto no tienen mucha producción. Haciendo un disco nuevo confrontas las ideas del pasado, cambió la temática. Hoy uno de esos cambios fue tener a un bajista nuevo, Tuta, que cambió la dinámica y eso hizo aventurarnos a un tono más alto, más bailable. Eso deja atrás el otro. Cuando llegamos la primera vez a México con Trance Zomba era lo único que tocábamos con algo de Pasto; a partir de Jessico había poco contenido de los noventa como “Seis Vírgenes Descalzas”, “Sátiro”, “Desfachatados” y algo de Babasónica.’ Con esto Babasónicos empieza una nueva etapa, dejando de lado el pasado y caprichos personales para seguir avanzando.

polvora.com.mx

LAZCANO

MALO

18 polvora.com.mx

Y la canción bastarda Por Andrea Quintana

azcano Malo es un verdadero bastardo, ya que aunque es “hijo del Rock & Roll y la Trova, ninguno de los dos lo reconoce”; y es cierto que por este pequeño problema de ‘identidad’ este tamaulipeco se había quedado un poco más del lado de la trova, hasta que temas como “Huitzilopochtli” comenzaron a abrirle la brecha a este rockero de corazón. Ahora, Lazcano (sí, para todos ese es su nombre) se presenta “ante el mundo en sociedad” cumpliendo 15 años de carrera artística, lo cual ha sido “una gran satisfacción porque a pesar de ir en contra de la corriente, contra viento y marea; a pesar de no tener el apoyo de los medios o de una disquera trasnacional, uno sigue al pie del cañón”. A lo largo de tanto tiempo, este cantautor creador de la Canción Bastarda, ha logrado construir una gran legión de seguidores. Sus influencias son igual de eclécticas, van de KISS, Queen, AC/ DC, Clapton y Def Leppard, en lo musical; pero “por el otro lado está la cuestión letrística, en donde Joaquín Sabina es uno de mis grandes ídolos”. ¿Cuándo te diste cuenta de que eras un bastardo? Me doy cuenta casi a cada momento, fíjate que llegué a lugares de trova y de repente me veían raro porque no sonaba a trova, pero yo creo que eso mismo me valió para que la gente me volteara a ver. Entonces de pronto grabé un disco con Leonardo de Lozanne y con Poncho Toledo de La Lupita y eso valió para que de repente algunos rockeros voltearan a verme y se preguntaran acerca de lo que hago. De pronto también la escena del rock sienten que los textos son muy troveros entonces ni de aquí ni de allá. Tuve que buscar mi propio sello o categoría y surgió en una borrachera con unos amigos haciendo alusión a Fernando Delgadillo porque él es el creador de la canción informal y yo riéndome un poco de mi situación dije ‘soy el creador de la canción bastarda al ser hijo de la trova y el R&R y ninguno de los dos me hace caso’.

Crees que naciste en una mala época, ya que si hubieras estado en los 70 sería de lo más normal… Definitivamente yo vengo de una influencia setentera, ochentera e incluso sesentas, tengo por ahí a Elvis Presley en un cuadro grandote, tengo mucha influencia del rock clásico y creo que se hizo muy buena música en esos tiempos; no sé si hubiera tenido en esa época la influencia de esa música. A la hora de componer y hacer mi estilo, de repente sale a relucir todo eso que escuché de chavo.

rock es la actitud en el escenario.

¿Cuándo fue el momento en que se dio el acercamiento con el rock? El rock ha estado siempre en mi vida, pero no siempre uno tenía todos los elementos juntos como para que sonara a rock o a lo mejor era un rock silvestre, de repente te hacían falta unos conocimientos musicales, incluso solamente escribías queriéndole dar tintes rockeros pero a lo mejor te faltaban en el acervo cultural algunas séptimas menores o unas progresiones y acordes para que sonaran al R&R. Pero creo que siempre ha estado presente porque me tocó toda la influencia de la música en inglés de los 80 y 90, entonces creo que se ha hecho una simbiosis, una amalgama muy singular a la hora que yo compongo; porque mezclo todos esos elementos y ritmos.

¿Se sintió raro tocar ante un público más rockero como el de Enanitos Verdes? Yo conocí a Marciano Cantero hace un buen de años y gracias a que nos hicimos grandes amigos a raíz de una canción que escribimos juntos para ellos, “A Las Tres” del disco Pescado Original, surgió una gran amistad y siempre me había prometido que alguna vez les abriría un concierto, al principio iba a ser en el Metropólitan y a la mera hora no se pudo. Pero bueno, al final valió la pena la espera porque llegó el Auditorio Nacional y la verdad estaba muy nervioso porque me dijeron un día antes y además nada más iba con mi guitarra y voz; afortunadamente la gente reaccionó estupendo y de ahí surgió la propuesta para ir al Vive Latino, la cual era otra preocupación porque iba como yo pero con la banda y de repente es un ‘timing’ distinto estar con tu guitarra y con tu banda completa. Afortunadamente nos fue bastante bien.

¿Cuáles son las canciones más rockeras que tienes? Tengo varias, ahora en estos tiempos es muy difícil identificar un sonido como rock, todo el mundo dice que hace ‘alternativo’. Hay una rola de Billy Joel que por ahí dice, ‘es el nuevo sonido pero a mí me sigue sonando a R&R’ y bueno tengo varias que podrían caber en ese rubro aunque es rock suave, están “Cuéntame”, “Objeto Sexual”, “Dos Tallas Más”, “Gracias Al Rock”, “Viejo Rabo Verde”, por decir algunas. Por ejemplo hay power ballads como “El Rey Del Universo”. Yo creo que el R&R se ha nutrido de tantos estilos de tanta influencia que hay con esta globalización los ritmos se han diversificado, así que lo que cuenta en el

“Huitzilopochtli” era la que necesitabas para gustarle a mucha gente… Es una de mis clásicas, es la ayuda divina; esa canción me ha dado muchas satisfacciones, no sé si sea la danza que me aviento por ahí que le está agradando o que nos mintieron los católicos y realmente sí existen los dioses aztecas y a Huitzilopochtli le agrada que yo cante su canción y lo dé a conocer, pero creo que es la ayuda que estaba esperando.

Este nuevo disco inédito que estás planeando, ¿hacia dónde lo piensas llevar? Definitivamente no me olvidaré del rock, es un rock suave como a mí me gusta, R&R con melodía; tocando tema interesantes, literariamente hablando, diversión, ritmo, melodía, a lo mejor algunas profundas algunas no tanto, porque yo creo que el ser humano es así, a veces quiere algo que le haga llorar, reír o bailar, creo que en ese abanico de posibilidades viene el nuevo disco; con humor, sarcasmo, con todo eso que a lo largo de estos 15 años me ha caracterizado.

polvora.com.mx

LA VELA PUERCA En la piel y hasta en los huesos Por Andrea Quintana

on casi 20 años de carrera, La Vela Puerca sigue siendo una banda que, con gran talento musical, no ha logrado obtener en nuestro país el reconocimiento que se merece. Dejando atrás a ese ‘viejo de arriba que no sabe vivir’, la banda liderada por los dos Sebastianes, Teysera y Cebreiro, se encuentra reencontrándose con sus fieles seguidores mexicanos comenzando con el lanzamiento por parte de Discos Intolerancia del disco doble, Piel y Hueso. La base de este éxito se encuentra en la gran versatilidad, que los lleva a tocar varios géneros y dejar que la imaginación e inspiración vayan fluyendo: “uno empieza tocando un estilo de música, pero desde un comienzo todos sabíamos que queríamos tener una banda de canciones y no aferrarnos a ningún estilo”. Seguramente, el salir de la monotonía y del aburrimiento sin imitar a esas bandas que suenan igual, los ha llevado a enfrentarse a diferentes “desafíos musicales” aunque sin duda esa es la parte que los mantiene vivos. “Empezamos tocando ska, punk, después la cosa se fue transformando en otra, porque nosotros mismos decidimos tener esa libertad”. La composición de estos uruguayos se encuentra plagada de nostalgia y líricas que promueven la reflexión en el escucha; así han nacido seis materiales de estudio en los cuales estos hombres han tenido la valentía de dejar plasmados estos sentimientos: “la nostalgia la tenemos todos, simplemente que algunos tienen la valentía de mostrarlo y otros no. En lo personal, compositivamente y en toda la vida, no existe la alegría sino tristeza. Trabajando retrospectivamente, empezamos a entender que esa parte existe”, comenta Sebastián Teysera. Normalmente anormal… Uno de los grandes logros de esta agrupación ha sido el lanzamiento del DVD de la banda, Normalmente Anormal, el cual “fue un viaje muy extenso y el documentarnos sirvió para echar un vistazo a lo que fue el pasado de la Vela y todas las cosas que, en la vorágine del presente y en lo que estás buscando el futuro, te olvidas de mirar hacia atrás con todo lo que has vivido; fue una cosa muy fuerte para cada uno”. Pero más allá del redescubrimiento de cada uno de los integrantes, sirvió para que la gente se diera cuenta de todo lo que tuvo

que pasar la Vela para poder seguir en esta lucha continua; “nos ganamos el respeto más allá de lo musical”. “Quisimos que tuviera algo más que un concierto en vivo” recuerda Carlos “Coli” Quijano el encargado del saxofón y terminó convirtiéndose en una historia “sincera en la que no nos mostramos como héroes, sino con nuestras carencias y virtudes”. Rematando con las palabras del trompetista, Alejandro Piccone: “Fue nuestro primer proyecto como banda independiente, después de cambiar de disquera ni estar dependiendo de ellas”. Así, llegamos a su último disco de larga duración, Piel Y Huesos, un disco doble en donde “la piel es la parte lenta, como cuando se te pone la piel china y los huesos es la parte hosca, medio caníbal”, ejemplifica de muy buena manera Teysera. “No pensamos en hacer un disco doble sino uno para tocar en vivo. El Impulso fue más tranquilo y para tocarlas en vivo es más difícil. Queríamos hacer 12 canciones con un tinte más rockero, mucha guitarra, y después surgió la otra cara más tranquila, creando una diferencia grande entre los dos”, recalca Piccone. Mi canción, siempre la misma… Así como las personas se van transformando, las bandas también van mutando en otros sonidos y muchas veces, al mirar hacia atrás, uno ya no es el mismo ni el gusto por las canciones es igual; es por eso que un gran consejo de estos charrúas cuando se toca una y otra vez la misma canción es “tratar de nunca llegar al extremo de no tener ganas de tocar una canción, sino que preferimos guardarla y volver a disfrutarla más adelante”. Aunque al final de cuentas como “Satisfaction” de The Rolling Stones, “la reacción de la gente ayuda por que aunque nosotros la hayamos tocamos mucho, la gente que nos va a ver no la ha escuchado tantas veces”, concluye Piccone. Por eso es ‘mejor abrir la mente, mirar siempre al frente. Que ningún camino lleva a igual destino…’.

polvora.com.mx

OS REVERS

Con actitud rebelde Por Héctor Paniagua

l rock clásico es uno de los géneros que irónicamente en la actualidad han sido más descuidados, por ello algunas bandas tratan aún de conservar la alineación, bajo, batería, guitarra y voz para que con riffs sencillos y líricas sin pretensión puedan hacer sentir al público la esencia del rock. Ante tal premisa, surgen Los Reverse, banda originaria del Distrito Federal, que deja atrás la complejidad de los géneros para subirse a un escenario y divertirse haciendo lo que les gusta: Hacer ‘rock n fucking roll’. Conformados por los hermanos Rick y Chris de Cadent voz/guitarra y batería respectivamente, Eduardo Macías en el bajo y Roberto Fabre en la guitarra y coros, Los Reverse estrenan Cobra EP, su más reciente material discográfico y del cuál nos hablan en entrevista exclusiva para Pólvora, así como de trayectoria en la escena subterránea mexicana.

¿Cómo definen su música y cuáles son sus principales influencias?

banda que tiene click porque todos somos carnales y tenemos mucho sentimiento.

Roberto: Nuestra música es una forma de tirar desmadre, sin pretensiones, alivianarse y gritar lo que sientes. Yo soy amante del jazz, me encanta el rollo de la improvisación, pero siempre he encontrado el rock como la forma de quitarme un peso de encima. Es una liberación musical, una vibra de éxtasis. Rick: Somos 4 amigos que hacemos rock n’ roll. El rock es un género que sale natural y es con lo que crecí, cosas que me enseñaron mis padres. ¿Cómo se forman los Reverse? Roberto: Nos fuimos encontrando en la fiesta. Yo primero conocí a una banda de Guadalajara llamada Los Velter que conocían a Rick, Chris y Lalo y andaban buscando un liro, me pasaron el material, chequé las maquetas y decidí tocar con éstos ‘vatos’. Los Reverse son como una necesidad psicológica de aprender y de gritar al mundo lo que sientes, lo que pasa diario.

Con respecto a su material el Cobra EP, ¿Qué hay detrás de la producción? Rick: Concluir el EP fue un verdadero reto porque la banda ha tenido varios cambios de guitarrista. Arturo Tranquilino de Yokozuna fue el primer guitarrista que pensamos en que trabajara con nosotros, no para quedarse pero sí para que hiciera unos cuantos arreglos, accedió y fue mientras trabajábamos con él en casa Velter cuando conocimos a Roberto, quién terminó de grabar el material. Fue un disco sin paros, grabado en un home studio y realizado con el apoyo de muchos amigos como Emmanuel Aspero (Infinhito Studio) quien nos ayudó a grabar las baterías, Chris Bolado (Velter) quien nos ayudó en la mezcla y Arturo Tranquilino y Shok Murillo en algunas guitarras. El material se mandó masterizar con Noe Somerville en Londres Inglaterra, mismo que ha trabajado para The White Stripes, Interpol y The Datsuns.

¿Qué es lo que quieren gritarle al mundo? Roberto: Diversión, mucha diversión, amistad y agradecimiento. Los Reverse hablamos de las cosas que vivimos, los reventones y de las situaciones con las que nos sentimos identificados. Somos una

¿Cómo lograron trabajar con Noe Somerville? Buscando. Nosotros definimos nuestro sonido como Rock n’ Roll y decidimos buscar a alguien que hubiera trabajado antes con el género y lo encontramos.

¿Qué hay de las líricas del Cobra EP? Las letras no son nada profundas, no hablamos de las estrellas bajo el sol y la luna que reflejan tu mirada en el río. Hablamos de la ‘peda’, las mujeres y de lo atascada que es la vida, ‘Baby, baby soy un atascado, pero no tanto como tú’. La banda que nos escucha no busca música pretenciosa, ni nosotros buscamos ese rol. Tratamos de hacer audible la vida y revivir los momentos divertidos. Su sencillo “Groovie Groupie” ¿De qué va? Habla de una chica sensual atascada, de esas que te manejan, te sobrepasan y son tan sensuales y cabronas que te gustaría hacer todo con ellas, pero más allá te gustaría estar un largo rato a su lado. ¿Qué esperan del EP? Del EP no esperamos nada, sólo nos estamos poniendo las pilas, buscando la madurez y esperamos trabajar mucho. Hasta el momento éste material nos ha llevado a tener algunas presentaciones en El Pasagüero, El Alicia, pero vamos por más.

polvora.com.mx 23

El viaje sonoro de AguasPsicodelia tónicas albiceleste Por Nallely Hernández

“Aguas tónicas es el sonido del metal fundido en cáñamo ardiendo en lo profundo de un valle multicolor que rodea un gran lago de efervescencia” 24 polvora.com.mx

el blues de doce compases a la psicodelia, acompañados de los poderosos riffs setenteros que anunciaron la llegada del stoner rock, sin perder el sentimiento de temas instrumentales con ligeras texturas. Así es el viaje sonoro que nos prepara Aguas Tónicas, banda originaria de Rosario, Argentina. Con diez años en la escena musical independiente de su ciudad, dos EP y su último sencillo Krakatoa, la alineación integrada por Mariano Conti, Jorge Caproitti, Santo Martínez, Esteban Manino y Mauro Cuffaro, platicó con Pólvora Rock acerca de su propuesta, expectativas y anécdotas. “Desde niños la música ha sido parte esencial de nuestras vidas y la adolescencia fue la que marcó el comienzo de una identidad musical. Algunos eran Punks, otros escuchaban AC/DC y soñaban con ser Angus Young o cantar como Eddie Vedder pero en general siempre fue una manera de diversión que con el tiempo se volvió una tarea intelectual” “La oportunidad de formar Aguas Tónicas llegó con el deseo de formar una banda entre amigos que se conocen y coinciden en el tiempo, espacio y espíritu. Empezamos como un trío, más tarde mutamos a cuarteto para finalmente evolucionar a quinteto. Quizás algún día tengamos formato de orquesta…” La oportunidad de consolidar la banda como un proyecto a largo plazo, llegó con el certamen Conexión 06, donde Aguas Tónicas resultó finalista y con ello, pudieron

realizar una gira por diversas ciudades “Más allá de la aventura que representa salir de gira, nos sirvió para pulir nuestro sonido, experimentar y jugar en las grandes ligas, algo muy raro para una banda under” Los EP Canal de amor y confusión y Los Desposeídos, les han valido comentarios interesantes gracias a su marcada influencia musical que muchas veces es relacionada con Kyuss hasta Black Sabbath. “Quizás tomamos prestados sonidos pero no nos interesa el virtuosismo ni la copia exacta. Muchas veces nuestro sonido es un sonido mal copiado y ahí es cuando empieza a tener los colores de Aguas Tónicas. Los errores terminan proporcionando muchos más datos que los aciertos. Nos atraen los discos con mala crítica” Para Aguas Tónicas existen dos álbumes que han sido base para su música, “Spirit of Eden de Talk Talk y Dopesmoker

de Sleep, dos álbumes que siempre estarán como principales influencias y tal vez el sonido de la banda intenta ser un mix de esos álbumes.” El quinteto argentino considera la importancia del imaginario como parte de su proceso y crecimiento musical. “Aguas Tónicas está nutrido de paisajes, vivencias, charlas, lecturas, de supuestos, de concretos y obviamente de sonidos de la vida. Nos inspiramos más en las cosas que nos pasan o que deseamos que buscar cual o tal sonido” Respecto al nuevo material que están preparando adelantaron, “estamos indagando en introspecciones rítmicas. La incorporación de Andres Tarrab como nuevo baterista, aportó nuevos matices al sonido general y disparado la búsqueda de ritmos hipnóticos del sur. Creemos que este disco va a cerrar la búsqueda que empezó con Los Desposeídos. Como parte del crecimiento musical, la banda decidió lanzar Discos del Saladillo un sello discográfico virtual con cierta orientación lo-fi y experimental, donde propuestas amigas expresan el espíritu de su territorio. ”Interpretamos de manera contemporánea el ecosistema que nos tiene por seres vivos”.

polvora.com.mx 25

Modelo: Cats Melody Foto: Javo Hernรกndez

Apo

olo Entrevista : H茅ctor Paniagua Fotos: P贸lvora Crew

esde tiempo atrás el norte de nuestro país ha estado parcialmente aislado del resto, siempre al borde de una delgada línea que separa dos países, dos culturas, que ha generado también que el apoyo a la industria musical se vea desbalanceado y se promueva la migración de muchos músicos mexicanos para algunas ciudades norteamericanas como Los Ángeles, causando una gran fuga de talento. Sin embargo, aún existen músicos que defienden el rock mexicano, ese rock clásico y que rechazan ‘el sueño americano’ para hacerse sonar en nuestro país y emprender una aventura. Apolo es el nombre de un Dios de la mitología greco-romana, padre de las musas, que representaba las artes y hoy en día, representa la fuerza y el nombre del cuarteto chihuahuense conformado por Santiago en el bajo, Iván en la Batería, Iván (Zurdo) en la guitarra y Albar en la voz, que ahora reafirma el compromiso para mantener la escena del rock viva. En entrevista exclusiva para Pólvora, Apolo nos relata sus inicios, sus experiencias y su travesía para llegar a la Ciudad de Los Palacios y hacer sonar su música en todo nuestro país. ¿De dónde surge el nombre Apolo? Iván: La idea nació a raíz de Zurdo, a él se le ocurrió el nombre cuando veía un documental de cohetes, y no se le puso así por el cohete Apolo, sino porque el nombre en sí representaba fuerza y transmite esa vibra. Apolo el Dios, el Dios de la música, de las artes, el Dios del Sol que transmite toda esa energía en nuestra música. Creemos que nuestra música está muy ligada a esa energía que dan los planetas y que da el Sol, de hecho tenemos algo con el Sol que nuestro tercer disco se llama Tercer Solar.

30 polvora.com.mx

polvora.com.mx

La banda ha recibido un gran apoyo de Omar Rodríguez ¿cómo se formó esa relación? A Omar Rodríguez lo conocimos en el camino. Ocurrió cuando llegamos al DF. ¿Qué tan complicado es crecer como banda en un estado tan grande como es Chihuahua? Zurdo: Algo complicado. Chihuahua sí tiene una escena floreciente, pero no existe el impulso. Geográficamente es un estado muy aislado, la ciudad más grande es Chihuahua, Juárez y tan sólo Torreón está a 6 horas, por lo que es una verdadera complicación salir y que lleguen cosas a Chihuahua. Otro problema es que no está muy arraigada la cultura de pagar por la música y por lo tanto no van muchas bandas a tocar. Hay muy buen nivel musical, pero no muchas bandas salen de ahí. Faltan espacios, difusión, exposición y mucho apoyo del gobierno; solo hay como 3 bares para tocar y la gente no paga el cover. Son una banda de rock sumergidos en un mundo de música banda y folclórica ¿Qué tan bien es aceptada su música en el norte? Albar: Creo que en general en provincia es más fácil tener una banda de rock porque hay menos gente, sin embargo como dices ésta gente está muy ligada a la banda norteña y a la música folklórica, pero más allá de la región el problema del rock no depende tanto del lugar si no depende del país en sí. El rock finalmente es un género que a nivel nacional tiene muchos menos asiduos y siempre estamos compitiendo con los géneros musicales multitudinarios como el pop. En México hay que luchar por el rock en cualquier estado. Muchas de las bandas de la frontera van en busca del sueño americano ¿por qué ustedes prefirieron mirar hacia México? Santiago: Yo soy de Juárez y en Juárez hay un buen rock. Me tocó ver que muchos amigos se fueron a El Paso y a Los Ángles, pero nosotros por la lírica de nuestras canciones nos gustó quedarnos acá. Sí, era más fácil llegar a Los Ángles, pero finalmente buscamos hacer rock en nuestro idioma, rock en español. ¿Por qué elegir la Ciudad de México como la nueva casa de Apolo? Santiago: El DF tiene una mejor cultura del rock. Nosotros decidimos hacer rock y en ésta ciudad hay mucho apoyo. Aquí probamos con gente nueva, nuevo público y en general encontramos mejores oportunidades para vivir en la música pues aquí es donde la industria tiene movimiento. ¿Cuáles fueron las primeras complicaciones de llegar a la gran ciudad? Albar: Como banda la primera complicación fue tener que empezar de cero, pues Apolo tuvo su etapa en Monterrey, por lo que nos tuvimos que ganar a la gente de nuevo. Tuvimos algunas tocadas en donde no iba nadie,

32 polvora.com.mx

pero después se fueron llevando una buena impresión. Otras complicaciones fueron las económicas, pues dejamos todo, trabajo, carrera, familias, novia y aquí tuvimos que hacernos de nuestras chambitas para poder subsistir. Hemos crecido mucho musical y personalmente y la ventaja es que ya no tenemos que hacer cosas tan extrema para sustentarnos. Zurdo: Cuando llegamos Santi y yo, nos venimos con los 60 Tigres, llegué con 5 pesos, mi lira, mi pedalera y una maleta, mis amigos me recibieron muy bien y fue muy chido no tener nada de varo, porque hasta la gente en el Metrobús pasaba la tarjeta por mí. Estas experiencias son cosas que te forman personalmente y siempre que haces lo que quieres de alguna manera se te va a redituar. Ahora ya tenemos tantos años dedicándonos a la música que las cosas se van acomodando en su lugar y en su momento. ¿Cómo empezó el trabajo de grabación? Ivan: Todo la música comenzó en Monterrey de 2007 a 2010, ahí no conocíamos a nadie, nos fuimos a la aventura de buscar lugares, llegar a más gente y expandirnos. Yo en mi vida había ido a Monterrey. Ahí conocimos a los 60 Tigres, tocamos en el garage en el Café Iguana y fue que encontramos a Sasha Trujeque, quién fue

polvora.com.mx 33

ingeniero de Cerati y ha trabajado con Kinky, Cartel De Santa ; gran productor y la persona con la que nos acercamos a las grandes ligas. Antes habíamos trabajado con Mauricio Terracina, pero ese material nunca vio la luz. Las voces se trabajaron ya en DF. ¿Qué hay de su nuevo EP Tercer Solar? Ivan: Es un álbum que contiene 3 canciones que son de la camada que se hizo con Sasha y dos que son material inédito. Tercer Solar es la transición del Apolo que comenzó en 2010 hasta 2012 y presente. Además de éste EP estamos pensando en lanzar al mercado un disco de larga duración que estará producido por Omar Rodríguez. Tenemos dos años consecutivos estrenando EP, 2012, 2013 y ahora en 2014 planeamos estrenar el LP. ¿Qué se siente escuchar sus temas en el radio? Albar: Ya habíamos sonado en 2010 con el tema “Dimensión Atroz” y ni nos habíamos dado cuenta. Nos enteramos porque en una entrevista nos dijeron, ¿ustedes son los que suenan en el radio? Y fue así que buscamos y sí, sonábamos en Mexicalli, Torreón, Tijuana, Chiapas, Los 40 principales, y pues está muy padre, muy chido. No formamos la banda con el objetivo de ser una gran banda de rock y nos da mucho gusto el espacio radial pues ya no hay bandas que se dediquen a hacer rock ni emisoras que programen rock.

34 polvora.com.mx

Por cierto, un dato curioso es que sonamos en varias estaciones del país y en Chihuahua nunca nos programan, pues el norte tiende a voltear más hacia Estados Unidos, hacia la música en inglés. Ya no hay bandas que tocan rock ¿Cuál es el fondo musical de Apolo? Santiago: Nunca pensamos en tocar rock porque va a estar chido después, fue lo que salió y fue creciendo de lo que nos gustaba. El sonido análogo tipo Black Sabbath, Led Zepellin, Deep Purple, es lo que me mueve. Batería y pedales. Por otra parte escuchamos de todo, desde cumbias hasta afrobeat, rancheras y folk, Caballo Dorado, Dead Meadow, Portugal The Man y hasta Miley Cyrus, es más allá detrás (señala) tenemos una bola en la que nos colgamos (risas). No tenemos computadoras ni pistas, nos gusta que sea rifero, como en los 60. Zurdo: No sabemos tocar ni acordes ni voice synth, apenas tocamos lo que tocamos. Albar: Sabes tocar guitarra, batería, bajo y cantar, no hay más, es lo que sabemos hacer.

De todas las rolas que tienen ¿cuál es la que más los prende en el escenario? “Catarsis”, es como una catarsis para todos, no solo para nosotros sino para todos. Es la rola en la que la gente reacciona más. ¿Cómo componen sus temas? Albar: Es una especie de imaginario colectivo que tiene la banda. En algunas canciones todos llegamos a un acuerdo de cuál será la temática, o en otras llegamos con ideas estructuradas y ya solo se revisa la métrica y la melodía, pero en general siempre se revisa antes, me gustaría que esta canción dijera tal cosa. Santiago: Todo depende de lo que estés viviendo, si estás leyendo un libro, sueños extraños, todo es muy personal. ¿Hay algún tema que refleje una vivencia en específico? Santiago: “Altar” refleja el desierto de Altar. Yo viajaba en un tráiler, y veía la inmensidad. “Lobo Estepario” está basado en el libro de Herman Hess. Todas las rolas dependen de las vivencias y la vibra de cada quien, qué sienten con la canción.

polvora.com.mx

Del Caradura a compartir escenario con los Foo Fighters ¿Cómo han vivido ese rápido crecimiento? Zurdo: Desde el hecho de venir al DF fue exponerse a los masivos, una vez tocamos en León con Molotov y había como 20, 000 personas, entre más personas mejor, así lo vemos todos. Albar: Más que crecimiento, fue una especie de premio, pues todo el año pasado estuvimos chambeando duro para tratar de llegar a los oídos en distintos rincones del país. Foo fue la cereza del pastel, fue el cierre de la gira, después de 33 fechas. ¿Cómo concretaron la fecha con los Foo Fighters? Albar: Foo Fighters fue una elección meramente de Dave Grohl, músico apoya músico. Dave Grohl recibió la propuesta a través de Butch Vig, productor de Nirvana en el Nevermind, (e integrante de Garbage n.d.l.r.) primero le mandaron el booklet de OCESA y les dijo, no se preocupen, ya tengo banda. La consola se la pedimos a The National y nos la prestaron, armamos un equipo de trabajo muy eficiente y el show fue un éxito.

36 polvora.com.mx

Participaron en el Festival Maquinaria ¿Cuál fue su experiencia? Zurdo: Son bandas que nos gustan mucho, cuando compartes escenario con bandas grandes y de importante trayectoria es lo mejor. Es muy grato recibir comentarios y escuchar ‘wey están bien chidos’, como Chino Moreno de Deftones lo dijo. De alternar con internacionales es lo mejor dejar una impresión en ellos. ¿Alguna banda con la que les gustaría alternar? Con Led Zepellin (risas) y Black Sabbath al mismo tiempo, que se suban a tocar con nosotros (risas). Dead Meadow, otras bandas de rock psicodélico; estaría genial subirnos con ellos antes de que cerraran el show, sería muy emocionante porque es un mismo rubro, rock psicodélico, rock nuevo. Portugal The Man. Finalmente qué es lo primero que les viene a la mente cuando dicen Apolo: Albar: Un satélite enorme, la imagen del Dios con el estandarte. Santiago: Ay wey, Donde toco. Ivan: Es muy difícil separarla de mi vida, es todo lo que hago cotidianamente. Algo tengo que hacer. Zurdo: Regocijo.

polvora.com.mx

THE WALL Adi贸s al mundo cruel Por Josh Nebula

38 polvora.com.mx

Cómo llenamos esos espacios vacíos en nuestras vidas si no incluimos a Pink Floyd con The Wall? Para los amantes del rock en todos los géneros es innegable no poner este filme como un ícono en la historia, ya que nos transporta a un mundo real sin tiempo, donde el tratamiento de las temáticas como la represión de la autoridad, la discriminación, los traumas de la niñez, la guerra, los deseos reprimidos y hasta la pérdida de seres amados, siguen siendo temas de la actualidad y no exclusivos de un solo gremio sino del mundo en general, todo esto acompañado de unas letras muy introspectivas, profundas y con una música que refleja estas situaciones con sentimientos y emociones únicas.

Mamá te protegerá bajo su ala, no te dejará volar pero quizás te deje cantar . . . La vida de Pink (Bob Gelvdof) afamada estrella de rock, es el tema principal de este aclamado filme dirigido por el director británico Alan Parker, donde nos muestra todas las etapas de la vida de nuestro

protagonista. Su niñez se ve severamente afectada por la pérdida de su padre en un bombardeo en la Segunda Guerra Mundial, su madre lo sobreprotege de tal forma que la inseguridad del mismo crece poco a poco, hasta afectarle incluso ya en su madurez, desde sus relaciones personales hasta su vida profesional, después de una sobredosis y de tanto estrés, hace un juicio a sí mismo para librarse de todas esas paredes que encerraban su ser y lo mantienen aprisionado, limitando su felicidad.

De nuevo tengo este sentimiento, no puedo explicarlo, no entenderías que este no soy yo . . . A pesar de no caer en los géneros más conocidos en la combinación de música / filme como la ópera rock o la comedia musical, el viaje al que nos transporta esta película con cada tema es intenso y reflexivo, sin necesidad de diálogos constantes, más bien muy esporádicos, pero la

secuencia de los temas con la que está armado nos transporta a diferentes emociones, junto con la combinación de imágenes que el ilustrador Gerald Scarfe incluye.

Tengo una segunda visión con grandes poderes para observar . . . El rock y la vida alrededor de este mismo, son retratados de una forma sin igual y asertiva, desde el primer momento de escuchar “In The Flesh”, tema con gran emoción e interpretación, que tiene sus matices fuertes y suaves; crea un contraste en la pantalla, gracias a que su combinación represiva del alter ego militar con una letra que habla sobre los disfraces que uno mismo llega a tener como persona. “Young Lust” es una letra totalmente sexual que crea un enfoque distinto al ver como en la historia se combina con una escena de groupies buscando el backstage y su acercamiento al artista que

se encuentra hundido en su depresión; “One Of My Turns” nos lleva a reflexionar sobre la comodidad, la monotonía y esa explosión interna que sale después de darnos cuenta que nuestra naturaleza nos lleva normalmente a desear más; “Nobody Home” representa una parte muy interna de lo que son los momentos de soledad, introspección o depresión que llega a mostrar los procesos que se van pasando a lo largo de la vida de un músico atormentado o con las emociones a flor de piel; y esto solo por mencionar unos de los cuantos temas que maneja esta película. The Wall ha marcado un sinfín de vidas, en especial de músicos y haciéndose parte del score de su día a día desde hace muchos años, recomendable verla, pero sobre todo saborearla.

polvora.com.mx 39

LARVA Luchando por reconocimiento Por Alfredo J. Huerta R.

Shock metal? Por más raro que parezca, éste es el mote con el que Larva se autodefine desde el año 2000. La intención de ésta banda es hablar del lado negativo del ser humano; de esa parte destructiva, rencorosa y vengativa de la que se debe reflexionar a diario. Peech (vocalista y guitarrista), Tantrum (baterista), Baliz (bajista) y Jesucristo (teclados y sintetizadores) son fieles seguidores del shock rock, el visual kei (movimiento estético con origen en Japón) y lo demuestran en el vestuario, escenografía y performance que los acompaña en cada una de sus giras. Aprovechando el impulso de haber ganado el premio IMAS por Mejor Disco de Metal y la batalla diaria por reconocimiento, nos dimos la tarea de entrevistar a este cuarteto. Tuvieron una presentación en el Chopo el pasado 18 de octubre, ¿cómo se sintieron? ¿Qué tal la respuesta de los fans? Baliz: Se puso muy bien a pesar de las fallas de audio y logística que se presentaron durante el evento. Los fans respondieron y nosotros dimos todo. Nos da mucho gusto que la gente nos vea en cualquier lugar que nos presentemos. Entrando de lleno con la historia de Larva, ¿cómo es que nace la banda? Peech: Empezamos a tocar cuando íbamos en la prepa como una especie de terapia y de juego para poder expresarnos; poco a poco se fue

40 polvora.com.mx

convirtiendo en algo más serio para mí y aquí seguimos a pesar de los cambios de alineación. ¿Por qué Larva? ¿Alguna relación o afición con los insectos o fue mera coincidencia? P: Larva es una criatura pequeña, grotesca y fea cuyo único objetivo es convertirse en una mosca para ser parte de un ecosistema, algo como nosotros cuando éramos pequeños. Elegimos el nombre porque siempre estamos luchando por alcanzar nuestro estado de perfección. ¿El constante cambio de look y el juego de colores tiene algo que ver con lo que comentas? P: Los colores se han dado a través de la discografía y las giras. Tratamos de mantener un vestuario que siga la misma línea y un concepto.

B: Intentamos que lo plasmado en cada disco se refleje sobre el escenario. Creemos que en los shows debemos mostrar algo más que la música y un plus visual ayuda mucho, ya sea visual o simplemente colorido. Con todo esto es más fácil que nos recuerden. ¿Por qué denominar su música como “shock rock”? P: El shock rock se refiere a toda esa onda teatral de bandas como Rammstein, Marilyn Manson, Alice Cooper, Kiss que no se estancan en solo subirse a tocar de jeans o pijama sino que se preocupan por su imagen y dar un show visual. Nosotros queremos seguir esa línea y creo que nos va funcionando. Además de los músicos que ya mencionaste, ¿en quién o

quienes se inspiran para hacer sus rolas? P: Tenemos miles de influencias y lo más chido es que todas son diferentes. Yo soy un hijo del Nü Metal pero cada quien tiene una rama muy diferente que nos ayuda a no estancarnos en un solo sonido.

músicos deberían imitar, siendo responsables y profesionales con su carrera. B: Hay muchas puertas para crecer en esto, pero las mismas bandas las vamos cerrando. La mayoría solo lo ve como un hobbie y terminan por desaparecer rápidamente.

En el número pasado tuvimos la oportunidad de entrevistar a TRANSMETAL, la leyenda del metal mexicano. En su experiencia, ¿qué tan complicado es vivir del rock hoy en día? P: Es bastante difícil e imposible vivir de esto en nuestro país, hay quienes lo logran, pero te aseguro que es menos del 1% de las personas que estamos luchando. Nosotros no vivimos de la música, pero sí vivimos para ella. Tenemos a Larva como nuestra prioridad y es algo que muchos

¿Cómo se dio el proceso creativo para lanzar “La Explosión Plástica”? ¿Con qué problemas se encontraron en el camino en éste, su primer disco? P: Ese disco fue simplemente una recopilación de todas las rolas que veníamos tocando de forma amateur. Teníamos 14 canciones, nos juntamos y decidimos grabarlas. Sinceramente “La Explosión Plástica” no tiene mayor ciencia. Su último disco es “El Día De La

Peste”, ¿qué tiene de diferente con los anteriores? P: A pesar de que “Anormal” sea el disco que toda la gente recuerda, “El Día De La Peste” es un trabajo muy diferente, tanto musical como conceptualmente hablando. En este disco alcanzamos una calidad decente y nos acercamos a lo Industrial, dejando el Grunge y el Nü Metal de trabajos anteriores. Lo más curioso de todo es que inicialmente no iba a ser un disco, todo estaba planeado para que fuera un libro pero por falta de presupuesto decidimos darle un giro y comenzar a grabar en una azotea. Somos independientes hasta los huesos; no conocemos a nadie en el medio. ¿En algún momento pensaron en estar nominados para los IMAS? ¿Les ha dado proyección el haber ganado el premio o siguen igual que antes? P: ¡Nunca! Llegamos a la premiación con una actitud muy derrotista porque creíamos que de la nominación no íbamos a pasar. B: Pensamos que era una broma de “Te Caché” [risas]. No entendíamos como había pasado y se vio cuando ganamos y subimos al escenario, ¡nadie sabía qué decir! P: Todo lo hemos hecho so-

los, no tenemos un productor o mánager que nos respalde y es por eso que ganar el premio, sabiendo de dónde venimos, fue algo muy padre. B: Fue un logro de vida y sí nos dio un empujón anímico. Nos valoramos un poco más pero sin llegar a los extremos y ahora seguimos trabajando mucho más para seguir creciendo. Se acerca su aniversario, ¿Tienen planeado algo? ¿Qué viene para la banda? P: Nunca hemos celebrado un aniversario porque no tengo la fecha exacta de cuando empezó Larva, pero sí estamos seguros que para estos 13 años, haremos algo, aunque sea pequeño. Tenemos planeado lanzar una recopilación de nuestras mejores canciones de forma gratuita, a pesar de que a nosotros no nos gusta la idea de subirlo para que lo descarguen ya que siempre nos preocupamos por dar una presentación y empaque al disco para que la gente pague por él. No muchas bandas cumplen 13 años de carrera, es por eso que para diciembre saldrá éste proyecto y empezáremos a grabar en 2014 un nuevo disco.

polvora.com.mx

Meshuggah Aliens infernales Por Alfredo J. Huerta R.

Formados 1987 en Umeå, Suecia y con un nombre bastante peculiar, que significa “loco” en hebreo y Yiddish (idioma que se desarrolló en Europa Central y Europa del Este desde el siglo X), la banda liderada por Jens Kidman (vocalista) y Fredrik Thordendal (guitarrista) regresó a nuestro país como parte de su tour por Latinoamérica. Recientemente tuvimos la oportunidad de entrevistar a Mårten Hagström, guitarrista de la banda, para conocer la afición de Meshuggah por las películas de Ciencia Ficción, los elementos que componen su música y la evolución que han sufrido con el paso de los años.

En 2010 grabaron el DVD “In Space No One Can Hear You Unless You Scream”. ¿Cómo fue la experiencia durante la grabación de este DVD en vivo? Era un proyecto que siempre quisimos hacer pero que por diferentes cuestiones no habíamos podido realizar. La mayor parte del tiempo estábamos grabando o de gira, pero cuando pudimos realizar este trabajo fue bastante divertido y pudimos crear el

42 polvora.com.mx

concepto original de “Alien”. Sinaduda fue una muy buena experiencia. Acabas de mencionar la película de “Alien”. ¿Cuál es la versión que más te gusta? De todas las versiones que han salido me gustan la primera y la segunda por encima de las demás. La primera película es un clásico. Además de “Alien”, ¿qué película de ciencia ficción es tu preferida? No tengo una en especial, la mayoría de las películas me gustan y no sólo de Ciencia Ficción, también soy muy aficionado a las películas de terror y drama. Hay muy buen material

y es difícil decidirse por alguna. ¿Hay algún elemento de estas películas en la música que componen? No lo sé, supongo que sí hay alguno. En lo personal cuando compongo experimento con cualquier sonido. Si estamos de tour, juego con el ruido del medio ambiente, de las personas, etc. Tratamos de crear una atmósfera peculiar y a pesar de que nos agraden las películas de terror, no veo una relación directa con nuestra música. Muchos los definen como una banda que se acerca al Groove Metal, ¿cómo se podría definir el sonido de Meshuggah? Simplemente somos una banda de metal y no te podría decir en que subgénero estamos. Si a las demás personas les parecemos una banda de Groove Metal es aceptable pero creo que no es el camino verdadero. Honestamente hacemos

metal libremente y eso es lo que finalmente nos inspira. Después de su tour, ¿cómo se sintieron ¿cómo se sienten al visitar Latinoamérica? ¿Es diferente a lo que viven en Europa? Ha sido una magnifica experiencia y es un honor poder visitar México. Por varias razones no habíamos podido estar en su país, como problemas con fechas que no cuadraban, ofertas para entrar al estudio y grabar o problemas similares, pero, finalmente pudimos tocar en México y fue algo muy interesante. No sé si sea diferente a lo que hemos vivido en otras partes del mundo, muchas bandas que han tocado en México dicen que público tiene mucha energía y pasión. Creo que eso es lo mejor que pudimos encontrar. ¿Cómo es un día en el tour de Meshuggah? [Risas] Cada día del tour es muy diferente y muy divertido. La pasamos muy bien juntos y disfrutamos cada momento y el estar juntos. Hay mucha unión y es lo que queremos transmitir a los fans; bajamos del autobus, convivimos con la gente y lo aprecian mucho. Estar en un tour es bastante intenso.

Con 20 años en la música, ¿Cuáles han sido sus mayores logros? Si me lo preguntas a mí no podría responderlo y supongo que te daría una respuesta muy aburrida, pero supongo que el mejor logro que hemos tenido es poder vivir de la música que tocamos sin ser el clásico “American Idol”. Hablando un poco de su historia, ¿Cuáles serían las principales diferencias entre su primer disco, “Contradictions Collapse”, y el más reciente, “Koloss”? No es fácil encontrar una diferencia aunque la más obvia sería el tiempo transcurrido y la energía que tenemos actualmente. El punto más importante que encuentro es el toque de “Djent” que se le dio en ambos discos. Los fans tienen sus rolas favoritas, pero ustedes, ¿tienen alguna en especial? Es bastante difícil decidirse por alguna. Me encanta “Bleed” por la intensidad que tiene, al igual que “I Am Colossus”, canción de nuestro más reciente disco.

polvora.com.mx

Doro por Andre Dulché

Dark Tranquility por Andre Dulché

In Flames por Manuel Castillo

Xandria por HĂŠctor Paniagua

Sonata Arctica por Manuel Castillo

P.O.D. por Manuel Castillo

Linkin Park por Manuel Castillo

Primus por Manuel Castillo

Los Coming Soon Groove bonaerense Por Nallely Hernández

Cuando se habla de la escena musical en Argentina, lo primero que viene a la mente es el sonido de fiesta y carnaval de Los Fabulosos Cadillacs o Los Auténticos Decadentes, bandas que sin duda, proyectan melodías con fusiones de géneros musicales que resaltan el sentimiento de alegría y fiesta que tenemos los latinoamericanos. A partir de esa premisa, muchas agrupaciones buscan dejar su sello musical en la pista de baile o en la memoria colectiva de quienes disfrutan mover el cuerpo. Y Los Coming Soon, forman parte de esa ola de nuevos ritmos que demuestran que la fiesta también está en el “house-hecho-en-casa” y el groove veraniego. Pólvora platicó con los integrantes de la banda; Patricio Hirsch (voz y guitarra), Laura Hirsch (teclado y voz), Javier Otero (bajo) y Rodrigo Bodaño (batería), sobre sus inicios y propuesta musical. ¿Cuándo fue el primer acercamiento con la música para cada integrante de la banda? Patricio: El primer recuerdo musical que tengo es escuchar el riff de guitarra de “Day tripper” de The Beatles y tirarme al piso del éxtasis que me producía, como fervor religioso. También fue a través de la guitarra, intentando tocar esas melodías tan hermosas que nunca me abandonaron. Estamos hablando de un niño de 6 años, totalmente prendido a esos sonidos. Laura: Mi primer acercamiento fue a través de los discos. Al tener hermanos mayores estaba constantemente expuesta a las música que ellos escuchaban. Así que mi acercamiento se inició primero con los discos, y segundo con el piano que estaba en nuestra casa y que tocaba desde muy pequeña. Rodrigo: El primer acercamiento fue a través de un regalo que le pedí a mis padres a la tierna edad de 3 años. Así tuve mi

48 polvora.com.mx

primer batería de juguete. Desde ahí nunca más me alejé de los tambores y siempre supe que estaba destinado a ese instrumento. Javier: El primer acercamiento fue de niño, con el bajo y con la batería también. Típicamente un niño queriendo imitar a sus ídolos. ¿Cuándo y cómo se dieron cuenta que era momento de juntarse a hacer música? Patricio: La música siempre formó parte de nuestra historia familiar. Desde siempre estábamos escuchando discos, viendo videos, componiendo canciones; al ser hermanos el proceso fue totalmente natural. A fines de 2010 ya tenía algunas canciones bastante decentes, aunque no todas terminaron formando parte del disco debut. Cuando tuvimos nuestro primer tema terminado (‘No Way’ -de ‘We are Family’- 2012) nos dimos cuenta casi instantáneamente que teníamos una banda. Y el nombre surgió como algo muy es-

g n

pontáneo; al principio nos íbamos a llamar ‘We Are Family’ pero después decidimos que ‘Los Coming Soon’ era un nombre más representativo de la música que estábamos haciendo, así que reservamos ese nombre para el disco y el otro para la banda. ¿En qué se inspiraron para su primer disco, We Are Family? Patricio: El proceso creativo inició en agosto de 2010 y finalizó en enero de 2011, dando por resultado los 10 temas del disco debut. La inspiración vino de varios lados, principalmente de la naturaleza de cada instrumentos, de intentar lograr una textura aterciopelada a partir de cada instrumento y la naturalidad de su sonido, sin efectos, sin sobrecarga de arreglos, y con mucho groove. El resto fue trabajo de composición, trabajar para que las canciones se acercarán a lo que teníamos en mente: un disco que se pudiera escuchar cuando la noche comienza lentamente a hacerse de día, ese fue el momento del día que inspiró a We Are Family. La voz de Patricio se asemeja a la de Erlend Øye (The Kings of Convenience) solo que con teclados y acompañado por la voz de Laura ¿Cuáles son sus influencias musicales? Patricio: ¡Sí! ya nos lo han mencionado. Somos fans del trabajo de Erlend así que esa influencia está presente. En general con la banda compartimos un mismo amor por la música de origen negro, en todas sus formas: funky, groove, jazz, dub, disco. Y

por la música house. Todos coincidimos en nuestro amor por Prince, MJ, Marvin Gaye, Bill Withers, King Tubby, Paul Simon. Esos son nuestros superhéroes. A principios de 2013 tuvieron la oportunidad de abrir el show de Toro y Moi, ¿cómo fue el acercamiento y qué tal les fue? Patricio: Fue increíble ese show, sala llena en Niceto Club. Ese tipo de shows son un premio; Toro y Moi es un artista a quien admiramos y de quien tenemos sus discos. Nos fue muy bien, dimos un show bien compacto de canciones bailables y terminó siendo una fiesta. Creo que fuimos un muy buen warm-up para el gran recital de Toro y Moi. ¿Pudieron platicar con Chazwick Bundick? Sí, platicamos con él, le dimos nuestro disco. Nos felicitó (él y su banda); estuvieron viendo nuestro show a un costado del escenario y les pareció que tocamos con mucha onda ¡Fue muy cool! Celebramos nuestro costado más funky. Después de un año deciden lanzar el video “La pista” que anuncia un nuevo disco, como su nombre lo dice, ¿ será más bailable de lo que fue We are family? Correcto. El nuevo disco (‘We Are Friends’) fue editado a principios de este año y tiene como eje la pista de baile. Sinceramente nos sentimos cada vez más cómodos en ese rol, la banda groovea y las sutilezas afloran. Y el plan es que suene distinto

cada vez que tocamos en vivo, como si fuéramos una banda de jazz. ‘La Pista’ es el primer single y sirve un poco como muestra del tono que va a tener el disco. La idea es poner a todos a bailar y que el show en vivo sea una fiesta. La banda nace en un país donde la escena musical independiente es muy fuerte ¿cuál es su percepción, resulta fácil mantener un proyecto musical en Argentina? Como todo proyecto independiente requiere de mucho amor, esfuerzo y trabajo. La escena para éste tipo de música es muy incipiente todavía así que tenemos mucho trabajo por delante. ¿Qué más tienen planeado para 2014? Patricio: Para el 2014 el plan es principalmente editar el disco (en Marzo), grabar un nuevo video y tocar por todos lados. Estamos en un momento de expansión y nuestro deseo más fuerte es poder viajar y dar a conocer nuestra música. Queremos que la gente nos escuche! Y por otro lado continuar con la composición, y si todo sale bien, a fin de 2014 ya registrar el nuevo material que complete lo que será una trilogía (We Are Family - We Are Friends). ¿Tienen planes de visitar México? Patricio: ¡Sí! sería un sueño hecho realidad. Ya son varias las veces en que casi vamos a visitar tierras aztecas, todavía no hemos podido concretar. ¡Ojalá éste 2014 podamos ir a presentar nuestro nuevo material!

polvora.com.mx 49

El indie de Newcastle llega con

Let’s Buy Happiness Alegría británica Por Nayelli Hernández

ewcastle considerada una de las ciudades con más historia de toda Inglaterra, fue hogar de la bombilla eléctrica de Joseph Swan y la turbina de vapor que contribuyó a la revolución industrial, solo necesitó un poco de tiempo —una década— para ofrecer su parte a la escena musical. Bandas como The Animals y The Shadows incorporaron a esta ciudad al movimiento sonoro que comenzaba a gestarse. Decidimos iniciar con el pequeño breviario histórico para situar en contexto a Let’s Buy Happiness, banda originaria de la histórica ciudad del noroeste de Inglaterra y quien recientemente visitó nuestro país para presentar su nuevo sencillo Run y su EP No Hot Ashes (2009). Pólvora tuvo la oportunidad de platicar con el quinteto formado por los hermanos Sarah y James Hall, Graeme Martin, Mark Brown y James King, previo a la presentación que ofrecieron en El Imperial.

polvora.com.mx

7. ¿Qué les pareció la experiencia de tocar en un festival así? Fue increíble, teníamos 5 canciones apenas y nos dijeron debes tocar 30 minutos y estábamos seriamente asustados. Tomamos el riesgo pues tocamos Fast Fast por primera vez y tuvimos que enfrentar el pánico de un escenario tan grande.

A un año de su comienzo y con su sencillo “Dirty Lakes”, les valió para presentarse en el Festival Glastonbury donde compartieron escenario con Foals, Florence and the Machine, The XX, Mumford&Sons.

. Platíquenos, ¿cuándo fue su primer contacto con la música? J. K. Para mí, fue el jugar con la grabadora de mi padre, y bueno, amaba los pantalones de cuero de KISS. J.H. Para mí puede ser cuando comencé a tocar la guitarra, alrededor de los 6 o 7 años. M. B. Yo, cuando escuchaba a ABBA en el auto de mi abuelo. G. M. Yo escuchaba música con guitarristas debido a que me gusta tocar la guitarra y deseaba ser guitarrista. S.H. Mi padre compraba discos y entre ellos compró algunos de ABBA y algunos de Coldplay. Eso me gustaba escuchar, luego compró de Pink Floyd los cuales fueron una gran influencia para mí. 2. ¿ABBA inspiró a la banda? LBH. No. (Risas) 3. ¿Cómo empezó el proyecto para formar Let’s Buy Happiness? J. K. En la secundaria cada quién tenía sus instrumentos, guitarras, batería bajo, etc. Después pensamos en hacer una banda,Sara fue nuestra conexión. Luego tocamos en una fiesta con apenas 3 meses de conocernos. Así empezó todo.

4. Y el proceso creativo, ¿cómo fue? S.H. Nos tomó trabajarlo 4 años. En realidad es mucho tiempo porque queríamos darles un álbum del cual sentirnos orgullosos. J. K. Las personas tienen que entender que nos aseguramos de que suene lo mejor posible y al final lo disfrutaran. 5. ¿Es fácil crecer en un país tan musicalmente grande como lo es Inglaterra? S.H. Es muy competitivo. Podría parecer fácil pero con tanta música en el mercado, hay que hacer algo para sobresalir. Parece una dictadura musical. Hay dos estaciones de radio que son las que dictan lo que debe escucharse lo cual lo hace más difícil. J. K Es algo curioso porque en Newcastle existen los recursos y pudimos aprovecharlo pero es el resultado de largos procesos previos. 6. ¿Cómo llegaron al Festival Glastonbury? LBH. Básicamente los jueces eligieron una canción de las 12 bandas que participamos y los fans votaron por su favorita. Así entramos, fue una de las más votadas.

8. ¿Pudieron hablar con algunos de las bandas presentes? J.H. ¡Sí! fue algo surreal, son grandes chicos con un gran sentido del humor. En la trastienda bebimos unas cervezas y los XX se acercaron a saludarnos. Se portaron genial con nosotros. S.H. Inclusive uno de mis amigos a los que invitamos sin querer, se encontró con Julian Casablanca de los Strokes en su camerino y mi amigo estaba disculpándose y Julian dijo “no hay problema amigo”. Mi amigo después nos dijo “este tipo es asombroso” 9. ¿Han conocido alguna banda mexicana? J.K. Sí, a Molotov es una gran banda, legendaria en México; también a Simplifier y a Tropikal Forever, son grandiosos todos. 10. ¿Qué piensan de los fans mexicanos? LBH. No conocemos muchos pero sabemos que son muy fieles a las bandas que les agradan y están dispuestos a invertir por algo que les gusta.Además son increíblemente calurosos. Nos gustaría regresar y conocer más de este país. 11. ¿Próximos planes? LBH. Nos encontramos lanzando lo que será nuestro nuevo material.También nos gustaría participar en más festivales musicales. Hasta el momento este ha sido el mejor viaje que hemos tenido. Excepto por la cruda que tuvimos aquí en México pero eso no es culpa del país en lo absoluto.

¡México es sensacional! No queremos irnos. Todos son amables, la comida es deliciosa y hay mucha gente que está ahí para ayudarnos.

Led Zeppelin IV Rock and roll del cielo Por Sergio Palacios

n otoño del 1971 cae una bomba sobre las oficinas de Atlantic Records: el cuarto álbum del dirigible LED ZEPPELIN está ya listo y saldrá para la navidad. Pero, hecho sin precedente en la historia de la música y del rock and roll, los cuatro atípicos y virtuosos músicos piden a su gargantuesco manager, Peter Grant, que exija a la disquera una portada sin nombre, sin referencia, sin número de catalogo, sin nada de nada. Tan sólo, en la portada, una foto de un viejito desconocido cargando ramas , encontrada en alguna tienda de antigüedades en Reading y cuatro símbolos a manera de runas en el sello. ¿El motivo? Hartos de las críticas de algunos periodistas que los tachaban de mediocres, alegando que el éxito de su música se debía a una maquina no publicitaria y no a su verdadero talento, Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones y John “Bonzo” Bonham quieren lanzar un álbum completamente anónimo … y dejar que la música hable por sí sola. Not bad. Con el tiempo, nos preguntamos si realmente no fue publicidad invertida.

El álbum es considerado una obra maestra por la crítica: muchos alegan que la sola “Stairway to heaven”, la metamorfosis perfecta de balada a Power Rock, vale por todo. Tal vez lo valga por el número de veces que se ha tocado en la radio (se habla de más 4 millones y contando) pero el mismo Robert Plant la cataloga como “Pinche canción de boda” (i?). No se puede negar la influencia que ha tenido en millones de guitarristas que se han iniciado gracias a “Stairway..” en la guitarra acústica , de hecho el riff inicial es muy sencillo y se va complicando en ejecución. De ahí su grandeza. Pero el álbum de las runas , tiene momentos más grandiosos que la única y sonada escalera al cielo. Toda la obra es un pictograma de Hard Rock , Folk Blues y psicodelia. Un patchwork de sonidos, desde la apertura y pausada “Black Dog”, siguiendo con “Rock and Roll” y la pachecota “Battle of evermore”. El momento culminante es el épico cierre “When the levee breaks”. Sin la afamada escalera, el “cuarto álbum” de Led Zeppelin , como lo llama Robert Plant, seguiría siendo un gran trabajo discográfico.

polvora.com.mx

Cómics, Superhéroes & Rock´n Roll Rock del noveno arte Por Carlos Miranda

54 polvora.com.mx

na de las cosas que más ha estado unido al mundo del rock desde sus inicios han sido las historietas o cómics, no solo como parte de la creación de personajes rockeros en las historias como lo fueron la banda de Rock & Roll, The Archies en el célebre cómic Archie o la mutante Dazzler, en el mundo de X-Men, si no que también tendríamos la participación de diversos rockeros dentro de los universos de las mejores editoriales de cómics en el mundo. Al iniciar los años setenta Marvel Comics, la cual vivía un boom gracias a héroes como The Avengers, Fantastic Four y Spider-Man, voltearía a ver la música más influyente de esa época dentro de la juventud de todo el mundo, el rock, y tomaría a uno de los grupos con mejor marketing de todos los tiempos, Kiss, para abrir el mundo de la historieta a los rockeros. Como parte inicial de la participación de Gene Simmons y compañía dentro de esta editorial, sería en la serie ya extinta de Howard The Duck en el año 1977, en donde durante dos números harían una participación especial a lado del pato superhéroe para salvar al mundo; y sobre todo dejando una brecha muy interesante para que fueran el primer número de Marvel Comics Super Special en donde no solo repetirían al siguiente año, sino también como parte de las historias que presentaría Marvel con esta serie de cómics, tendríamos a The Beatles publicado en 1978, e incluso un número

polvora.com.mx

que no se llegó a publicar en América de la famosa canción “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, el cual llegó a ser editado en países como Japón, Francia y Holanda, siendo una reliquia para comiqueros y fanáticos de la banda. Esta no sería la última vez que veríamos a Kiss en un cómic, ya que años después en la década de los noventa con Image, que en ese momento vivía momentos de gloria de la mano de Todd McFarlane, fueron los encargados de crear Kiss: Psycho Circus en donde con 31 números y algunos especiales narraron la historia del disco homónimo al cómic; teniendo muy buen recibimiento entre sus seguidores dando pauta a no solo merchandising de esta serie, si no futuras series de cómics de la banda tanto en otras editoriales como Dark Horse e IDW, así como la creación del Kiss Comics Group, división encargada de las historietas de la banda en el 2007.

56 polvora.com.mx

Retomando la era inicial del contacto rockero con los cómics, tenemos también en la casa de las ideas a Alice Cooper, como parte de la serie Marvel Premiere, una serie en la que los editores observaban las posibilidades ante el público de nuevos personajes antes de apostar por otorgarles una serie regular. En este caso durante el número 50 presentado en 1979, tendría una historia llamada Tales From The Inside, derivado del disco From The Inside, ambas partes tomaban como referencia las esquizofrénicas experiencias de Cooper ingresado en un hospital psiquiátrico en el que todos están más locos que él; lo que estaba bastante cercano a la realidad ya que el cantante había estado ingresado para intentar superar su alcoholismo, teniendo como inclusión personajes como un médico chiflado y una celosa pero espectacular enfermera. Esta no sería la última ocasión que el

pionero de shock rock trabajaría para Marvel, ya que en 1994 a la par del disco conceptual The Last Temptation lanzaría junto con Neil Gaiman una serie de tres cómics homónimos al disco en donde narraría la historia de las canciones, teniendo como protagonista a un chico llamado Steven y un misterioso personaje de las sombras dedicado al show (en alegoría a Cooper). Pasaría el tiempo y con ende mayores exponentes del rock se acercarían al mundo de los cómics, no solo como personajes, si no que llevarían sus obras musicales al plano de las viñetas conformando historias que irían a la par de las canciones. Uno de los ejemplos fue Stone Sour, banda conformada por el actual vocalista de Slipknot, Corey Taylor, el cual llevó la historia de House of Gold & Bones 1 & 2, en cuatro números editados por Dark Horse Comics, causando gran revuelo durante la San Diego Comic Con por medio de una historia en donde se involucra una transición de la raza humana a una nueva realidad en donde un nuevo mundo desconocido y algunas consecuencias de sus actos les presentarán nuevos retos de adaptación. Otro cómic derivado de esta tendencia San Diego Comic Con/Rock fue a cargo de la banda sueca In Flames que presentó su serie de cómics llamada The Jester´s Curse,

basada en la historia del icónico personaje de la banda conocido como Jester Head. El primer libro titulado Lunar Strain: Part 1 ya fue lanzado en una edición especial durante ésta convención, además se encuentra a la venta por medio de la página oficial del cómic, y se espera que sea lanzada continuación de esta intrigante historia. Para finalizar tenemos una obra muy interesante desde el punto de vista tanto editorial como visual, ha sido Umbrella Academy, escrita por Gerald Way, el vocalista de la extinta banda My Chemical Romance, que desde su primera miniserie de la mano de Dark Horse Comics, le ha valido premios como el Eisner en el 2008 como mejor Serie Limitada. Este cómic narra la vida de un grupo de superhéroes adoptados por un inventor llamado Reginald Hargreeves y está compuesta por dos partes: “Apocalypse Suite” con seis números editada desde el 2007 hasta el 2008 y “Dallas” igualmente con seis números que se publicaron desde 2008 al 2009, contemplando en algunos lapsos de estos arcos algunas historias breves impresas y digitales. Para el futuro de Umbrella Academy se espera el lanzamiento de la nueva saga, incluyendo la adaptación fílmica de la primera saga, dejando a este cómic como una de las más prolíficas participaciones del mundo rockero en las viñetas.

polvora.com.mx

sound

NÜ

Glass Towers

Por Romel Reséndiz

Australia-Género: Indie / Post-Punk Glass Towers es un grupo australiano de rock, que muestra influencias muy claras del sonido que Twoo Door Cinnema Club popularizó ya hace unos años, pero con un giro más fuerte y una voz más profunda. Conformada oficialmente por Benjamin Hannam, Daniel Muszynski y Sam Speck, el sonido que han logrado resultó en un disco muy atractivo. Halcyon Days (2013) es el nombre de su álbum debut y muestra una gran influencia de grupos con TDCC y New Navy, sin perderse entre la gran cantidad de grupos que han optado por las guitarras pop y el sonido del sintetizador. Glass Towers, ofrece un gran material desde el primer contacto, como ocurre con “In This City”, tema abrumador que juega con el tono ya establecido, pero que muestra un fuerte y profundo giro logrado por la voz, adornado con coros dramáticos y menos melódicos, que aleja a la banda de los estereotipos marcados por el indie pop. Las canciones de Hacyon Days son guiños de un mundo “lujurioso”, que nos permiten exprimir las posibilidades de cada día en temas como “Tonight” (She said, are you lonely and are you wanting?) o la sensacional “The Best Of Friends”, que refleja en las líricas la ‘individualidad’ de la banda. What We Were, When We Were (2011) y Collarbone Jungle (2012) son los Eps que conforman el resto del material discográfico que posee Glass Towers y en el cual podemos observar la madurez y las transiciones en el sonido de la banda. Glass Towers es una banda que cumple y llena parte de la demanda indie, sin caer en estereotipos y todo un must para los amantes de Two Door Cinemma Club y similares.

58 polvora.com.mx

The Virginmarys Inglaterra-Género: Hard Rock, Rock Psicodélico The Virginmarys es una banda de rock formada en 2006,en Macclesfield,Inglaterra, producto de una banda previa llamada For Tomorrows. The Virginmarys, en sus inicios ofrecieron una serie de conciertos por diversas partes del país sin resultado aparente, hasta 2010, fecha en que se presentaron en el Download Festival, donde ofrecieron un tour y dieron soporte a shows como Slash, Terrorvision, Skunk Anansie, Eagles of Death Metal, The View, Ash, Feeder, Queens Of The Stone Age y We Are Scientists convirtiéndose rápidamente en una banda headliner en diversos festivales en UK, Europa, EU y Japón. El material de la banda se compone de una serie de EP’s y mini álbumes como Cast the First Stone (2010), Just a Ride (2011), Portrait of Red (2011) y Dead Man’s Shoes (2012), así como un primer material de larga duración titulado King Of Concflict (2013), mismo que ganó el Editors Choice en iTunes US tras su lanzamiento, así como la nominación a Álbum del año en los Classic Rock Awards 2013. Conformados por Ally Dickaty (voz), Danny Dolan (batería), Matt Rose (bajo), ésta banda inglesa ofrece sonidos de antaño, fusionados con riffs modernos, energéticos y melodías de escucha obligada.

The Mynabirds Por Elly MD

Estados Unidos – Género: Indie Rock / Garage Rock The Mynabirds es una banda estadounidense formada en el 2009, con un sonido descrito por Pitchfork Media como “…de corazón abierto, políticamente comprometida, pop feminista que, milagrosamente, nunca vira hacia el sentimentalismo”. Cuenta con dos discos: What We Loose In The Fire We Gain In The Flood (2010) del cual cabe mencionar la crítica de Anthony Lombardi en Pop Matters como “…un alma purgante, una poderosa declaración de la supervivencia y la auto afirmación que se destaca ampliamente por encima de la actual cosecha de egocentrismo que puebla la escena musical underground actual” y Generals (2012), álbum sobrio lleno de exquisitos tintes de post trip hop. The Mynabirds, cuenta con marcadas influencias de jazz, new wave, post punk, electro-pop, e incluso dance punk; la vocal, con lírica fresca, dulcemente violenta, digna de ser soundtrack en la escena de tu vida al tener un ámbito que provoca una sutil empatía; el motivo es competente y se denota el potencial puro de la trayectoria de Laura Burhenn, además compositora y fundadora. Por otra parte se pueden distinguir los mejores temas de la escena casi underground que en la actualidad se pueden escuchar, la frase que maneja es perfecta y la candencia espléndida, la precisa dosis de repetición para la sorprendente variación con el contraste adecuado. Si tienes ganas de una experiencia satisfactoria The Mynabirds te la ofrece con la intensidad característica de un blue-eyed soul electrizante, te recomendamos ponerle play.

The

Orwells Royal Republic Por Romel Reséndiz

Suecia-Género: Garage Rock, Hard Rock Bandas emblemáticas de rock han salido de Suecia, la gran capital de la música, y Royal Republic es sin duda una de las más recientes joyas de la corona. Originarios de Malmö, Suecia, Royal Republic es una banda de rock alternativo creada en 2007 y conformada por el cantante y guitarrista Adam Grahn, el guitarrista Hannes Irengård, el bajista Jonas Almén y el baterista Per Andreasson. En su haber tienen un primer álbum de larga duración titulado We Are The Royal, el cual fue grabado en Beach House Studios bajo la producción de Anders Hallback y mezclado por Stefan Glaumann (Rammstein, Europe, Def Leppard) en los estudios Toytown en Estocolmo. Lanzado en febrero de 2010, el álbum recibió una gran cantidad de críticas positivas, lo que llevó a la banda escandinava a lanzar un segundo material titulado Save The Nation en 2012. De inmediato los sencillos “All Beacuse of You” (2009) y “Underwear” (2010) alcanzaron el puesto #1 en la Bandit Rock’s Most Wanted-list, así como “Tommy Gun” (2010), tema que se posicionó como el #1 en MTV Rockchart. Sexo y rock n’ roll es su tema, el cual adornan con riffs energéticos, percusiones profundas y voces potentes propias del mejor rock hecho en Suecia.

EUA-Género: Garage Rock Revival / Indie Rock Provenientes de Elmhurst, Illinois, The Orwells es una agrupación muy prometedora. Conformada por Mario Cuomo (voz), Dominic Corso (guitarra), Matt O’Keefe (guitarra), Grant Brinner (bajo), y Henry Brinner (batería) ésta banda revitaliza la escena en base a un sonido garage y punk combinados. La voz particular de Cuomo ayuda a cargar sus canciones con un aire ligeramente melancólico pero bajo ningún término menos potente. The Orwells tocan para llenar de energía a quien los escucha, te permite ir de fiesta y disfrutar con afines como Black Lips sin perder nunca identidad. The Orwells solo han lanzado un LP titulado Remember When en (2012) y recientemente han retomado el estudio para lanzar su más reciente EP titulado Other Voices y Who Needs You (2013), que muestra la madurez de la banda, refleja la calidad y promete ser el impulso para que la banda consiga una mayor presencia en el medio. Al momento de hacer una meticulosa revisión de su repertorio musical, es muy difícil no sentirse atrapado por sus melodías violentas y enérgicas, como es el caso “Lays At Rest”, tema que parece un trozo de alguna película de terror serie B o incluso gore (“now my baby is dead”), así como “Mallrats (La La La)”, tema que complementa la escena. “Painted Faces and Long Hair”, con un riff super pegajoso, “Hallway Homicide”, la rola más fuerte del álbum y “Ancient Egypt”, que en el penúltimo lugar, crea una atmósfera en blanco y negro llena de tintes románticos que suenan en el coro ‘Hey Amy!, I heard you’re crazy about me lets stay in tonight! lay in the moon light we can split a smoke and drink till 3....’ The Orwells son una banda llena de fuerza, digna para ‘parar la oreja’ y poder gozar de toda su ‘ondita’.

polvora.com.mx 59

Modelo: Mafer Foto: HĂŠctor Paniagua

速

facebook.com/serLipSick