Pólvora No. 5 | Edición Especial by Pólvora

EDICIร N ESPECIAL

No. V, SEPTIEMBRE 2014

The Rolling Stones Daft Punk Amon Amarth Soundgarden ยกY Mรกs!

YO SOY LA PRIMERA DE LA CLASE

24.2 5 CPS 100-12800 FULL HD GPS

Megapíxeles

Disparo contínuo

ISO expansible hasta 25600

Video con audio a 1080p

Integrado

Contenido

LOS INFIERNO

BLACK SABBATH

DE LA TIERRA

LALOBILLY

JOSÉ FORS

EL BLUES EN LOS INICIOS DEL ROCK

20 SOUNDGARDEN 22

LA CASTAÑEDA

PAGANINI Y JIMMY PAGE

TOMMY

LUZBEL

AMON AMARTH

OPERA MARGNA

THE ROLLING STONES

ZURDOK

LOS TRES

JOY DIVISION

DEF LEPPARD

PÓLVORA GEEK

LADO V

ADANOWSKY

MODA: HAYLEY WILLIAMS

DAFT PUNK

CONTACTO

AGRADECIMIENTOS

REVISTA PÓLVORA

Gracias a todas las bandas que fueron parte de este número, a Nikon México, S.A.

andre@polvora.com.mx

de C.V. por el voto de confianza, a Eyescream Productions y Helados Producciones

facebook/revistapolvora

por el soporte; pero sobre todo a la gente que hace que esto sea posible: escritores,

twitter/@polvorarock

Pólvora, La Explosión del Rock®, es una revista de distribución gratuita. Editor responsable Andrea Quintana Limón. La reproducción total o parcial del material publicado está estrictamente prohibida. Los editores declinan cualquier responsabilidad sobre la veracidad y legitimidad de los mensajes contenidos en los anuncios. El contenido de los artículos, notas, crónicas, historias y arte es responsabilidad de los autores.

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LOS INFIERNO

¡El caníbal expulsado del garaje! Por: Andre Dulché / Foto: Manuel Castillo ‘El rockstar en México es Charlie Monttana’

os Infierno es una banda que le ha tocado ese estigma de no ser profetas en su tierra, ya que cuentan con mayor reconocimiento en Europa que en México; lo cual no les importa en lo más mínimo. Se crearon con miembros de Los Explosivos y Lost Acapulco, juntando a la crema y nata de la escena garaje en México; lanzaron su primer material Nada Que Perder, reflejando que ese disco solo sería una prueba para hacer algo diferente y hoy, con su segundo álbum Caníbal, van en serio, abriéndose paso con un género poco respetado en nuestro país pero que en otras tierras son de los favoritos.

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Platicamos con ellos en sus cuarteles y aquí la entrevista:

¿Qué tanto dejó Nada Que Perder? No hubo cosas negativas, al contrario fue un disco que nos catapultó y nos puso en el gusto de mucha gente. En realidad, Los Infierno siempre hacemos rock and roll directo, lo que nos da la gana y no nos esperábamos ningún tipo de resultado. Incluso iba a ser una banda de un solo disco. Así que ese material en especial, que solo hubo unas cuantas copias, fue el principio de este bonito viaje.

¿Cómo les fue en su viaje por Europa?

“...como el público mexicano, la neta no hay y no es ‘guayaba’, es real...”

Ya fuimos dos veces, nuestra primera gira muy bien, en la segunda mejor, hicimos como 35 shows y ya nos vamos otra vez. Nos va super chido. Hay una escena más grande para nuestro tipo de música, que respondan mejor no creo, porque como el público mexicano, la neta no hay y no es ‘guayaba’, es real. Pero allá, lo que sucede es que hay más bares y lugares donde tocar; la gente no se cierra tanto, no clasifica tanto las cosas, entonces puedes tocar garage en una discoteca de moda y no pasa nada, la gente tiene una apertura más grande. En los festivales se pone muy padre como el Festival Beat en Italia o en Alemania en un hoyo punk. Vas tocando después de

bandas tremendas de punk recio, se suben Los Infierno y es un putazo, esa anécdota es muy buena. Así que hemos estado en muchos países donde nos fue muy bien.

¿Creen que se tardaron mucho o fue el tiempo exacto para sacar nuevo material? Nunca hemos dejado de hacer discos, entre el Nada Que Perder hicimos uno que se llamó Paulino, editamos cosas mientras estuvimos en Europa, cosas nuevas, Los Infierno siempre están trabajando en su siguiente material. Caníbal, yo creo que se tardó el tiempo que necesitaba y nosotros nunca dejamos de sacar material, el tema es que no fue en México así que la gente no se enteró. Esto fue porque las disqueras europeas empezaron a pedirnos el material; entonces si una disquera me lo pide y nadie en México está interesado, pues me voy a Europa, no tengo porqué no hacerlo. Entonces sacamos como 5 o 6 discos en varias ediciones y mientras, ya estábamos haciendo el Caníbal. Llegamos, lo grabamos, hicimos todo el numerito y ya salió. Le vamos a dar la importancia de Caníbal a México, porque no es que tengamos abandonado a nuestro país, es que aquí de pronto es complicado, difícil, si no tocas lo que a la mayoría le gusta no tienes oportunidad y eso está gacho.

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Con Caníbal sigue el punk recio, ¿cómo hacer discos que no suenen a lo mismo?

Haciendo alusión a “Soy El Rock And Roll”, ¿cómo es en nuestro país?

Por eso Caníbal lo produjo otra persona, porque todos los discos anteriores los habíamos hecho nosotros mismos; entonces llega el momento en que cansa y a uno como músico le suena igual, llegas a ese punto en que sabes que es tu banda pero que tienes que darle un giro diferente. Recurrimos a Tito (Molotov), nos gustó mucho el resultado y para nosotros suena mucho más cañero.

Bueno, dependiendo a qué te refieras. Si te refieres a una industria del R&R no hay, pero sí hay R&R, bandas hay por todos lados, unas que se dedican más otras menos, hay un sitio o varios como el Alicia y Foros que dan cabida a muchos músicos que andan en las calles, hay mucha música. El tema es que no nos enteramos, no nos damos cuenta, no volteamos a ver, porque si no eres mediático nadie te voltea ver y no alcanzas nada. No hay una infraestructura para poder vivir de eso. El R&R está escondido y también poco ayuda la gente muy malinchista que a veces no tiene esa apertura y ese tacto para justo hacer eso. Van a un festival o club y ni dejan escuchar la propuesta, siempre dicen que ‘tocan bien culero’. También la cultura de la

El primer sencillo “Si No Te Late” … Es sobre un ‘güey’ que tiene problemas con su vieja porque no le gusta el R&R, no le gusta que se dé un jalón de mota, no le late ir a los toquines porque la empujan en el slam; fue como una paradoja, porque siempre nos ha pasado con alguna novia.

Entre estas nuevas canciones “Perdedor” se sale de su estilo… No sé, yo creo que sí, pero también está chido intentar otras cosas. “Perdedor” es una canción que es alusivo a cuando eres tímido y tratas de decirle a una morra lo que sientes; entonces llegas con tus amigos para pedirles un consejo y te agarran ‘carrilla’ cuando saben que es muy fácil decírselo. Pero todas las canciones de Los Infierno tienen algo que ver en cosas muy buen pedo, no decimos groserías, no tenemos porqué, no denigramos a la mujer o al hombre, hacemos las situaciones muy cotidianas, unas muy clavadas otras muy cagadas.

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gente que va a los concierto no está chida, no son tolerantes y eso es lo que sí hay en Europa, si no les gustas no te chifla ni te chinga, esperan y se dan la oportunidad de escucharte.

Relacionado a esto, ¿existen los rockstars? No, son un mito. Eso es un invento de la televisión, la gente te hace a los ídolos e íconos, la gente vive normalmente y cuando conoces a los ‘rockstars’ mexicanos son más normales que nada, no tienen el jacuzzi lleno de 30 viejas, es un rollo que nos vendieron los gringos de toda la vida. Bueno, que allá sí hay una industria del R&R y puedes vivir, pero generalmente toda la gente vive lejos de lo que te enseñan, sí tienen dinero para comprarse una mansión pero no están de fiesta todo el día, se dedican a otras cosas, obviamente el glam nos vendió esa visión. El rockstar en México es Charlie Montana y eso como en pedo glam, pedas de a de veras. ‘Chupar’ de verdad y es el güey más normal ahorita. Podemos mirarlo todavía, los videos de Mötley Crüe, de ese tipo de grupos, que hacen espectáculos muy grandes, de repente ves documentales y ves que estaban hundidos en la mierda, eso no es ser un rockstar, eso es ser un pendejo.

BLACK SABBATH

Por Elías Levy

n 1980 a Black Sabbath le acontecían dos cosas muy importantes: ser considerados como la mayor referencia del heavy metal y atravesar serios problemas con su vocalista y fundador, Ozzy Osbourne. El momento de cambio había llegado, y con la necesidad de continuar el éxito en el que se encontraban, fue importante darse cuenta hacia dónde se tenía que avanzar y comenzar a evolucionar. La búsqueda para que alguien pudiera suplir el gran trabajo realizado por Ozzy parecía algo realmente difícil, hasta que un día, en un concierto de Rainbow en Los Ángeles, Tony Iommi tuvo la fortuna de conocer a Ronnie James Dio, vocalista de la banda en ese momento y que también buscaba un nuevo proyecto en el cual participar. Dio fue el gran acierto que impactó a la industria de la música, aportando lírica y grandes cambios al sonido de la banda; aunque muchas personas no compartían la idea, ya que el sonido de la voz sufrió grandes alteraciones en el estilo del tono. Con la experiencia de Ronnie y la gran conexión musical de Iommi, Geezer Butler y Bill Ward, se puso en marcha la creación de uno de los clásicos más valiosos de Black Sabbath y del metal en general: Heaven And Hell. La grabación de los ocho tracks,

producidos por Martin Birch, se realizó en las ciudades de Miami y París, lugares donde fueron escritas “Neon Knights”, “Children Of The Sea” (la primera creada para el álbum), la homónima “Heaven And Hell” y la siempre melancólica “Lonely Is The Word”. El disco logró ventas de platino en Estados Unidos y de oro en Inglaterra y Canadá, siendo una obra maestra por donde se le quiera ver; puntualizando en todo momento el gran trabajo realizado por estos grandes músicos, que con su vasta experiencia, crearon uno de los mejores discos del género. Después de 34 años, solo queda disfrutar la gran calidad de estos himnos y valorar el tiempo y dedicación empleados en el desarrollo del disco, que por si fuera poco, cuenta con una de las portadas más icónicas de la industria. Tracklist: 1. NeonKnights 2. Children Of The Sea 3. Lady Evil 4. Heaven and Hell 5. WishingWell 6. Die Young 7. WalkAway 8. LonelyIs The Word

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DE LA TIERRA

el d-mente de la tierra

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Por Andre Dulché

l frontman que hizo historia con A.N.I.M.A.L., que siguió su camino con D-Mente sin miedo a combatir en la escena y empezar desde abajo una vez más, ahora es el líder vocal de DTL o mejor dicho, De La Tierra. En esta banda, que tiene de base la autogestión a pesar de ser todos los integrantes rockstars con sus bandas originarias, es decir, El Señor Flavio con Fabulosos Cadillacs, Andreas Kisser en Sepultura y el que para muchos es el ingrediente más controvertido, Alex Hernández de Maná, lograron ser firmados por Roadrunner Records, siendo la única banda latina en el sello y con ello apoyar el lanzamiento de Maldita Historia, su álbum debut. Quién más que el propio Giménez para presentar a DLT desde su particular forma y claro, sin dejar a un lado su paso por A.N.I.M.A.L. y D-Mente, con quienes sigue en pie de lucha.

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buscar un mánager o una compañía más que nosotros. Fue juntarnos, hablar y empezar a enviarnos maquetas, juntarnos en un cuarto para ver si eso podía ser realidad porque a veces podemos ser muy amigos pero a la hora de tocar no tenemos química. Por suerte, fue increíble, en 11 ensayos hicimos las canciones del disco, DLT está hecho con el alma, con sinceridad, amor, nos sentimos felices. El disco salió con Roadrunner y somos la primera banda latinoamericana en habla hispana en ser parte del sello; pero cuando lo grabamos lo hicimos con nuestro dinero, nos financiamos el video, el arte y las fotos, no es que esperábamos llegar a una compañía y menos nos creemos los salvadores de nadie, ni la súper banda. Somos cuatro amigos que quisimos juntarnos para hacer metal con la posibilidad que tenemos un background detrás que es empezar de cero pero sabiendo que hay muchos errores que cometimos y trataremos de no cometerlos ahora, después entregar sinceridad para quienes nos quieran recibir y tengan la mente abierta. ¿Qué tiene este proyecto que no tenías antes? Cuatro individualidades que somos cuatro frontman. Hay algo que es bueno, tenemos un respeto mutuo y las decisiones las tomamos todos, no hacemos nada sin que los cuatro estemos consensuados, de esa forma creo vamos a durar muchos años. No es la idea de DLT hacer este disco y se terminó, firmamos ya por tres discos y hay para rato.

¿Cómo recuerdas ese paso con A.N.I.M.A.L. y ahora lo que haces con D-Mente? Todo lo que hago trato de disfrutarlo al máximo, con A.N.I.M.A.L disfruté desde el primer día hasta el último el crecimiento que tuvimos hasta que terminó, y con D-Mente disfruto el crecimiento infinito que va teniendo. No me pongo a pensar en qué podría haber sido o en qué sería. Trato de subirme al escenario para 5, 10 o 5000 personas y entregar lo mejor y ser lo que soy.

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¿Con cuál disco de A.N.I.M.A.L. te quedas y qué ha servido de base para Maldita Historia? Me gustan todos los de A.N.I.M.A.L pero a este nuevo proyecto creo que lo que más se puede parecer es ANIMAL 6 que por ahí no se escuchó mucho pero es muy pesado, también creo tiene cosas de El Nuevo Camino Del Hombre. ¿Cómo fue el decir, ‘saben qué, hagamos una banda’? DLT es la unión de cuatro amigos, no hubo misterio alguno, es la realidad. No nos vino a

Tú y Kisser ya tienen tiempo tocando heavy, ¿cómo fue ver acoplarse a Flavio y Alex? Muy fácil, Flavio es mi amigo de muchos años y tiene una formación desde chico de skate y surfer, le encantan las bandas de punk y primitivas hardcore, así que no dudaba que en DLT iba a estar feliz. Alex me impresionó al tocar cuando grabamos, porque es impresionante su actuación, podría ser baterista de cualquier banda de metal extremo internacional. No me impactó porque sabía cómo tocaba ya que en Maná se destaca pareciendo fácil lo que toca; siempre que nos cruzábamos me decía: ‘estoy escuchando el nuevo disco de Suicide Silence, de Machine Head o de Lamb Of God’, así siempre ha sido, Alex siente la música que está tocando. ¿Será el proyecto alterno de los cuatro? Esto se tomará con seriedad, no hay prioridad, esa sería la música. Para mi será D-Mente y DLT y los demás igual. Lo estamos tomando en serio, desde el primer minuto que nos juntamos, esto es realidad no un reality, tocamos porque tenemos ganas y queremos hacer de esto un camino.

“...no queremos tocar nada de otra banda porque creemos que llegó el momento de hacer resurgir el metal latinoamericano...”

¿Qué te gustó de hacer Maldita Historia? En este disco me gustó la dualidad de tocar con ellos. En las letras es volver a retomar las riendas de los años 90, que se perdieron, hablar de lo que sentimos, lo que siempre vimos y que muchas veces se calla, pero es el momento de hablar, por eso Maldita Historia. Este tema, como casi todo el disco, habla básicamente de lo que vive Latinoamérica; de la falta de oportunidades, injusticia, del mal manejo político pero trayendo un mensaje positivo de la realidad, nunca dejar de soñar, eso queremos transmitir a los chicos. Que en esa hora de show se viva una hermandad y se vayan llenos de energía para vivir sino ¿para qué estamos? Estamos para unificar, no para dividir. ¿Cómo serán los conciertos de DLT? Nada más de DLT, no queremos tocar nada de otra banda porque creemos que llegó el momento de hacer resurgir el metal latinoamericano, el cual está muy fuerte pero en el underground, los medios no le prestan atención, hay muchas bandas con ganas de tocar, sacar su disco y tienen todo menos la radio, el apoyo. Con DLT también quisimos decir, si cada uno tiene un nombre y seguramente tendremos más exposición, esto va a ayudar a que crezca el movimiento,

que todos los nuevos tengan la oportunidad de mostrarse, que no se muera en el intento, ser una puerta para que otros puedan entrar. De hecho en nuestros shows, que duran lo mismo que el disco, podemos invitar a una o dos bandas locales para darse a conocer y tocar en buenas condiciones. No somos un super grupo, eso déjaselo a los gringos; somos una banda latina, que venimos del diferentes bandas y estamos entregando lo mejor de alma, para hacer crecer este sentimiento hacia el mundo. Es hora de hacerse escuchar, basta de prejuicios, basta de separatismos, no puede ser que cualquier banda anglo venga y diga que el público es el latinoamericano, y nosotros en lugar de ayudarnos y unirnos vivimos separando y diciendo excusas; si uno es más punk o más heavy o más pop, basta, seamos hermanos y unamos la historia. Esta es la única forma de crecer para que los chavos de 12 o 15 años que tienen la energía puedan sacar adelante esta historia y que las compañías y medios crean en el metal, el punk, grindcore, lo que sea, pero es tiempo de unificar y ojalá lo entiendan.

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Lalobilly: â&#x20AC;&#x153;Vivo por y para la mĂşsicaâ&#x20AC;? una entrevista con el contrabajista de Rebel Cats, una de las bandas pioneras del rockabilly nacional. Por Gustavo Azem

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duardo Vargas Uribe, mejor conocido como Lalobilly, era un adolescente que soñaba con componer canciones, grabar un disco y pisar los mejores escenarios de México. El destino lo llevó a conocer a los integrantes de su banda favorita y, después de entablar una gran amistad con ellos, lo invitaron a formar parte de la agrupación. Sus sueños se cumplieron, pues acaba de grabar su tercer disco y ha tocado en festivales como el Vive Latino y Rock al Parque.

• La música de Lalobilly Eduardo nació el 31 de Agosto de 1991 en Teoloyucan, Estado de México. Desde niño estuvo rodeado de música, pues por aquél lugar es muy común escuchar banda sinaloense, norteño y mariachi. Estos ritmos han sido parte importante para Lalobilly: “Mucho de mi espectáculo es influenciado por los contrabajistas de las bandas norteñas. Su forma de manejar el instrumento es algo único”, dijo. Sus primeros acercamientos con el rock n’ roll son gracias a su abuelo, pues él ha sido seguidor del género desde los años 50. “A veces, cuando lo visitaba, ponía algunos discos. Me llamaba la atención, pero nunca le tome importancia”, comentó. — ¿Recuerdas la primera vez que escuchaste rockabilly? —Sí, lo tengo muy claro. Fue en un concierto masivo donde se iban a presentar las bandas Nana Pancha, Lost Acapulco y Sr. Bikini. Pero entre todos ellos, un par de bandas me llamaron la atención por su estética: la ropa, los copetes y la actitud, todo me encantó. Me refiero, claro está, a Rebel Cats y Los Gatos.

• Fantasías de rockstar. Desde el 2006, lalobiily comenzó a formar bandas como Charmin Band y Billy Rockers. Tocaban refritos de otras canciones y se presentaban en las fiestas que hacían en la colonia. Pero él siempre quiso más que eso: “Yo no deseaba tocar solamente covers. Mi sueño era componer canciones originales, grabar un disco y tocar en grandes escenarios”. Eduardo acostumbraba visitar el Tianguis Cultural El Chopo y uno de esos sábados conoció a los integrantes de su banda favorita: Vincent Van Rock y Vince Monster. De ellos aprendió un poco más sobre la cultura del rockabilly. Le recomendaron discos, le sugirieron películas y le dijeron dónde comprar ropa. A partir de entonces, comenzó una gran amistad. Además, con ellos aprendió a tocar

rockabilly en la guitarra y Vincent le dio sus primeras lecciones de contrabajo: “Me enseñaban puras canciones de Rebel Cats, entonces me sabía todo su repertorio. Entonces tuvieron problemas con su contrabajista y me dieron la oportunidad de tocar con ellos”, dijo. Así fue como Lalobilly fue invitado a tocar en la banda que admiró por tanto tiempo: “El plan era que yo me quedara hasta que llegara un contrabajista nuevo. Y por suerte no encontraron a ninguno y me quedé yo”, comentó. Sin embargo, él todavía era menor de edad y no podía asistir a los bares y demás lugares en los que la agrupación tenía sus presentaciones.

“Mucho de mi espectáculo es influenciado por los contrabajistas de las bandas norteñas. Su forma de manejar el instrumento es algo único”

por muchos años y ver todo desde el escenario era impresionante. Estaba muy nervioso. Salí al escenario y en la primera canción se me entumió la mano, no pude tocar”, dijo. Actualmente, la banda se encuentra promocionando el nuevo disco. Para esta grabación invitaron a varios personajes conocidos dentro de la escena rockera nacional. Quien destaca es, sin duda, Johnny Laboriel (q.e.p.d): “Recuerdo que Laboriel estaba muy impresionado con nuestra música. Llegó a decir que nosotros no éramos los autores originales de las grabaciones. Te cuento que esa rola que compartimos, fue la última canción que grabó ese gran artista. Experiencias como ésta, hacen que el trabajo de músico sea muy gratificante”. — Y después de todo lo que me has contado, ¿ qué significa para ti la música y, específicamente, el rockabilly? Lo es todo para mí. Ya no puedo pensar en vivir sin la música. También ha transformado mi estética: la forma de vestir, de peinarme, mi forma de pensar, la música que escucho. Vivo por el rockabilly y para el rockabilly.

• Datos sobre lalobiily: • Viviendo el sueño El sueño comenzaba para Lalobilly, pues, apenas cuatro meses después de ser miembro oficial de Rebel Cats, entraron al estudio para grabar el tercer disco de la agrupación y el primero en el que participaría: “Me fue muy bien. Era algo extraño, como todas las primeras veces. Tuve que acoplarme a muchas cosas como grabar solo y con un metrónomo. Sobre todo porque el contrabajo es un instrumento muy sensible. Llegué a tal grado, que pinté mi instrumento para saber dónde tocar las notas correctamente. Afortunadamente, el disco salió muy bueno”. La banda siguió creciendo y comenzó a ganar simpatía frente al público nacional. Entonces, gracias a la popularidad que la banda logró, fueron invitados a participar en el escenario principal del Festival Iberoamericano De Cultura Musical: Vive Latino. Otro sueño cumplido para Lalobilly: “Fue muy emocionante. Asistí a ese festival

Disco favorito: “Elvis Presley”- Elvis Presley. Libro favorito: El perfume –Patrick Suskind. Película favorita: WalkThe Line – James Mangold Lugares favoritos: Los escenarios. Ídolos e influencias: Carl Perkins, Jerry Lee Lewis, Elvis Presley.

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De las tripas de

JOSÉ FORS Por: Andre Dulché / Foto: Manuel Castillo

reador de engendros musicales como Cuca y Forseps; otros más oscuros y teatrales como las Óperas Rock de Dr. Frankenstein y Orlok El Vampiro, José Fors nos revela algo más allá de su trabajo, sus gustos y pensamientos como, ¿qué banda nunca debió existir?

El primer álbum que compraste: Qué penoso, el primer disco de Chicago. Hasta el momento me sigue gustando, ese fue el que compré con dinero que me regalaron. Pero el primero que compré con dinero que yo me gané con el sudor de mi frente barriendo una tienda de discos, fue uno de Frank Zappa del cual estoy más orgulloso.

La mejor portada de un disco: Tendría que ir por uno de Alice Cooper, quizá el Muscle Of Love, que era una caja de cartón o el School’s Out que era un escritorio. Soy muy clavado con las portadas, me encanta andar viéndolas y luego las mejores son de grupos que ni me gustan. Me gustan las portadas sencillas, me gusta mucho la del primer disco de solista de Iommi que solo tiene su logotipo al centro.

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Disco que te hubiera gustado haber hecho: el primer disco de Free, es un disco que me encanta y creo que el primero de Forseps es prácticamente el intento de querer hacer algo como eso, son muchos géneros del rock con muchos invitados.

Disco que nadie creería que tú tienes: Son varios, yo creo que nadie creería que tengo discos de James Taylor, es algo que me encanta; ahora estoy viendo Blue Grass, las sonatas de Bach, El Jardín de Clarilú que es lo que más escucho hoy en día porque es lo que más le gusta a mi hijo Jack; y Pink, nadie creería que me gusta Pink.

Con qué canción o disco te gustaría ser recordado: Quizás el Forseps 2. Creo que abarca todos mis gustos dentro de la música, ahí está la canción de “Nada Cambia” que es de mis consentidas o “El Hombre De La Marcha”.

Banda que nunca debió de haber existido: Hay una lista interminable, pero diría que Moderatto, es lo más horroroso de todo incluyendo al panzón que se maquilla. Yo los quiero mucho a casi todos porque son buenos cuates y músicos y esto es una mera crítica constructiva, pero se meten con cosas que yo respeto mucho y es una burla al R&R. Empezó como un chiste casero y al final es un producto, lo que me da coraje es que ellos no creen en lo que están haciendo sino en el dinero, se me hacen buenos músicos desperdiciados, metiéndole mierda a la gente y vendiéndose como una banda de rock.

El último álbum que compraste y te decepcionó: El último de Megadeth no me encantó, lo oí una vez y ahí lo dejé, ninguna canción me encantó.

La mejor canción de tu generación: Es que ya ni sé cuál es mi generación (risas). “School’s Out” fue un gran himno para mí en esa época porque además que odiaba la escuela, era gran fan de Alice Cooper.

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EL BLUES EN LOS INICIOS DEL ROCK Por Héctor Elí Murguía

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través del tiempo la música se ha transformado continuamente y todos los buenos artistas son influenciados por alguien o algo para poder comenzar a escribir una canción o a tocar un instrumento, todo depende en dónde y en qué tiempo se haya encontrado el artista; inclusive el hit de cuando iba en la secundaria o la música que escuchaba cuando se juntaba con sus amigos a hacer cualquier clase de cosa. Sobre todo cuando se trata de la cultura rock, hablamos de que no hay ningún estilo que se salga de lo no hecho tiempo atrás. Con todo tipo de géneros conectados, he aquí una muestra de ellos y la influencia que ha causado un género sobre otro: El Blues. Es extraordinario que, con tan solo 3 notas, se pueda llegar a componer una obra maestra que tal vez, no le pida nada en el aspecto emocional a la novena sinfonía de Beethoven o a cualquier obra de Bach. El Blues, originario del sur de Estados Unidos, forma parte sin lugar a dudas de una de las moléculas en el Rock. Este género nació a partir de la raza afroamericana establecida en Norteamérica, donde los negros contaban una historia con un ritmo y melodía melancólicos, y utilizaban instrumentos meramente de cuerda para sonorizar sus sentimientos. A partir de los años 50, el Blues se muda al norte de Estados Unidos dando un giro para transformarse en el ‘Chicago Blues’ o ‘Electric Blues’ utilizando principalmente guitarras y bajos eléctricos junto con una esplendorosa batería. Tres de los principales pilares en este movimiento que fueron Willie Dixon, Muddy Waters y Jimmy Reed, incursionaron en el uso de la ‘Steel Guitar’, que poco después comenzaría a darle ese soplido de vida al clásico solo de guitarra en el rock y sus

géneros posteriores. El maestro de la guitarra eléctrica B.B King fue uno de los iniciadores de incluir solos en sus canciones creando así un nuevo estilo. Estos grandes del Blues se convertirían en íconos para las nuevas generaciones de superestrellas genios que comenzarían a perfilar un camino al nuevo género sin límites: el Rock. En su adolescencia, Mick Jagger y Keith Richards se encontrarían en 1960 y decidirían formar una banda, influenciados por el exquisito blues americano, sus letras y acordes. Tal era su influencia por el Blues que, el primer día de su presentación sin tener un nombre como banda, Brian Jones guitarrista líder, decide adaptar el nombre de una canción de Muddy Waters, “Rollin’ Stone” a la nueva banda, creando así una de las más exitosas agrupaciones del planeta, The Rolling Stones. En el caso del cuarteto ingles más famoso y reconocido en todo el mundo; Lennon, McCartney, Harrison y Starr, fueron las influencias Blues las que les dieron el ingrediente principal para comenzar a componer canciones. Uno de sus artistas más admirados fue Chuck Berry y sin sus riffs de guitarra, George Harrison nunca hubiera llegado a crear lo que pudo crear . También el mundo del Blues se presenta en cada uno de los singulares álbumes de Led Zeppelin, donde la potente voz de Robert Plant y los estruendosos y poderosos riffs del legendario Jimmy Page, vienen de una descendencia directa del Blues, y todo el espíritu ‘zeppelinesco’ es totalmente blusero. Según Page en una entrevista dada en 1970, sin el Blues, Led Zeppelin no hubiera existido; ¿Un mundo sin Led Zeppelin?, la pregunta se contesta sola. El Rock no se crea ni se destruye solo se transforma.

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Dos décadas de

SUPERUN La oda de Soundgarden Por Andre Dulché

ra 1994 y el grunge dominaba al mundo. Los sonidos estrepitosos, líricas depresivas y en otros casos existencialistas se hacían notar en cada reproductor, la lluvia de Seattle se hacía presente en cada frecuencia radial que se dignara llamar de rock. Entre Nirvana, The Melvins, Alice In Chains, Pearl Jam o STP no se puede dejar atrás a Soundgarden, esa banda que tenía un gran vocalista, imán con las mujeres y que se hacía acompañar por riffs pesados emulando a Black Sabbath o en su mejor momento, buenos viajes de Led Zeppelin. Son estos sonidos que te hacían sentir el ácido en la piel que se mezclan en Superunknown, traducido como ‘superdesconocido’, de esta banda formada en 1984 en la cuna del grunge y que engendrara este material en 1994 bajo una portada contundente, un fondo negro que albergaba en una bola de cristal el dolor y desesperación de la banda distorsionada, reflejando los sentimientos de una generación X. Setenta minutos donde la voz de Chris Cornell retumbaría con sensualidad y poder, que también serviría para que el tomara las riendas de la banda en el escenario, forjando al frontman que es el día de hoy. El sonido que desprendía esta ópera magna es pesado, englobante que deja poco respiro y abre los espectros para la psicodelia y lírica que ya no se repetirá, esos momentos de inspiración que quedan plasmados y difícilmente se encontrarán de vuelta, como un buen estimulante. Fueron 16 canciones las grabadas en Bad Animals Studio por Michael Beinhorn; en este lugar Cornell tomaría posesión del micrófono, Kim Thayil de la guitarra, Ben Sheperd del bajo y Matt Cameron de la batería para crear instantes excepcionales, como podemos resumir los 5:17 minutos de “Black Hole Sun”, donde los slides y la voz marcarían a la banda por siempre, acompañado por un video inspirado en la serie Dr. Who y algunas escenas de cintas de David Lynch y que incluso, años después, fuera considerada inapropiada para sonar en la radio a la caída de las Torres Gemelas en Nueva York; “Speed Kills / The People That We Love” de Bush le hacía compañía en la lista. “Spoonman” fue el primer sencillo del álbum, inspirado en Artis Spoonman, un artista callejero de California quien tocaba música

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NKNOWN con cucharas; este hombre aparece en la canción al final tocando con sus instrumentos de cocina. Esta canción más adelante los haría acreedores de un Grammy por mejor canción Metal en 1995, cuando estos premios significaban algo. Otro tema considerado en 2001 como inapropiado es “Fell On Black Days”, donde la voz de Cornell va arrastrando las palabras y las guitarras van de un estilo hard/country acoplándose con la batería de Cameron, quien en todo el disco suena potente, impecable. “Let Me Drown” bajo el mensaje claro de ahogamiento, nada rebuscado, presentaba el inicio de todo, con coros místicos y poco a poco Cornell dejaría escapar su poder vocal, los riffs mostraban que iban por todo mientras el retumbe de platillos y tarolas sería incesante. AC/DC y Sabbath tendrían un hijo no deseado en el sonido envolvente e hipnotizante de “My Wave” y la densidad cual lava ardiente está impregnada en “Mailman”. “Superunknown” debía ser fuerte, para sostener el título del disco y así resulta de principio a fin, potencia que de forma innegable te hace ir a un viaje setentero, alucinógeno. La caída del sedante, ese momento donde quedas atrapado entre las ilusiones y la realidad durará un poco más de seis minutos en “Head Down” y luego se repetiría en la instrumental “Half”, los únicos dos temas que escribiera Ben Shepherd. En “Limo Wreck” las guitarras se tornan oscuras, lentas, como entrada al inframundo, así como dictara el ‘Sábado Negro’. “The Day I Try To Live” es un mensaje de que el sonido de la banda podía evolucionar sin dejar la denzura, pero sí, menos cargado donde los coros llevarían toda la fuerza. “Kickstand” se tornaba en una furia punk garaje de minuto y medio que serviría de puente para “Fresh Tendrils”, esta enredadera volvía a atraparte en el viaje retro mientras que en “4th Of July” se siente una vibra demasiado abrumadora. El cierre, “Like Suicide” de siete minutos de duración conjugaba percusiones, riffs eclécticos que se sienten como una píldora que al ingerirse uno puede relajar los músculos, cerrar los ojos y soñar con algo dulce, ya que el amor es como un suicidio, no todos se atreven. “She Likes Surprises” el punto final a esta aventura sensorial, un aterrizaje ecléctico, que va de lo hard, lo crudo del grunge a lo ‘Sargento Pimienta’; ya ese ser desconocido ha cobrado forma y no es otro ser más que tú. Un disco ambicioso que mejoraba en todos los sentidos la crudeza anterior, el resultado sencillamente fue abrumador. Estas canciones pasaron el veredicto de los años y son las más pedidas y gozadas en cualquier concierto de Soundgarden. Tal vez, el pasado no podrá separarse jamás de ellos.

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LA CASTAÑEDA

25 años de locura e insanidad

Por: Andrea Quintana / Foto: Manuel Castillo

a historia, tal vez pocas veces contada, de la locura detrás de La Castañeda comienza con cuatro jóvenes en busca de una identidad y cuyo primer acercamiento para buscarla fue el nombre de Café De Nadie, “refiriéndose a un grupo de escritores estridentistas que se reunían en este lugar para departir”. Mucho antes de que los hilos de esta banda se juntaran en este manicomio, un hombre fungió como el catalizador de todos ellos: el escritor Antonio Domínguez Hidalgo. Incluso las primeras ‘tocadas’ de estos chicos precisamente fueron en la casa estudio del escritor allá por Indios Verdes, y poco a poco quedaron maravillados por “toda la filosofía de los guerreros prehispánicos” incluida en el libro que les prestaría el escritor; Mitos, Fábulas y Leyendas del México Antiguo. Ahora faltaba el nombre, y como si fuera todo sacado de una historia mística y misteriosa, fue “uno de esos seres extraños que se han tropezado en la historia de la banda” el que precisamente en medio de como 200 nombres se acercó en plena discusión para decirles “ustedes están como para La Castañeda”, para que “prácticamente después de que nos bautizara, desapareciera de nuestras vidas”.

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Así, para 1989 rompería los paradigmas establecidos en la música con uno de los discos representativos del rock nacional, Servicios Generales, vinilo editado originalmente por el sello Rock and Roll Circus, el cual este año cumple 25 años de haber sido concebido por las mentes enfermas de Salvador Moreno (voz), Omar de León (teclados), Oswaldo de León (guitarra) y Edmundo Ortega (bajo). El nombre de este material cuenta con una historia intrínseca con el manicomio fundado por Porfirio Díaz; “era el nombre de bienvenida al manicomio, entrando al recinto estaba en piedra ésta inscripción y de ahí canalizaban a los internos a las distintas áreas”. Pero, este Servicios Generales también se le puso por el eclecticismo y diversidad de su contenido; “prácticamente se vertieron rolas que ya teníamos armadas, como “América Caliente”. Luego hicimos las urbanas como “Cautivo de la Calle” que eran nuevas canciones”. Este material hizo que en menos de un año, la banda ya se encontrara tocando en Europa; “existe una versión en acetato, que prácticamente fue un requisito para ir a nuestro primer Festival en Viena, antes del primer año de la banda estábamos tocando ya en Europa y nos pidieron un disco

impreso para esto. Entonces se hizo el Servicio Generales en acetato pero cuando regresamos de Europa emprendimos una gira por el norte y ahí se pactó nuestra firma con BMG el sello Culebra”. Precisamente fue este cambio de disquera que se vuelve a grabar este material, simplemente con el nombre Servicios Generales II , en donde incluirían seis canciones más, incluyendo el clásico “Transfusión” un tema “más conceptual que escribimos en Viena”. Del sonido crudo y casi de ‘garage’ del primer material, pasaríamos a canciones más producidas, en donde definitivamente el proceso de grabación fue enteramente diferente; “ese acetato lo grabamos en una tarde y lo mezclaron en otra, lo tuvimos listo en dos días. El segundo, fuimos a Los Ángeles y tuvimos dos meses para grabarlo. Fue un disco que tuvo los manteles largos”. Todo esto sentó las bases para que La Castañeda continuara expandiendo su mensaje de locura e insanidad, le seguirían a este Servicios Generales de 1989 siete materiales discográficos, que hasta la fecha nos siguen adentrando cada vez más a este hospital psiquiátrico y dejando que broten de nuestra mente todos nuestros temores humanos.

Los 5 “live” L que debes escuchar

os trabajos “en vivo” o “live” los amas o no los toleras. Puedes esperar con ansias el disco o video de tu banda favorita sobre el escenario o simplemente brincarte el video en Youtube y buscar las versiones de estudio. Hay materiales infumables, que destruyen parte de la carrera de una banda con pésimas producciones; pero puedes alejarte de ellos si tomas en cuenta el siguiente conteo.

1. KISS – Alive!

2. QUEEN – At Wembley

3. IRON MAIDEN – Rock In Rio

Los mercadólogos y emprendedores musicales con más éxito en el mundo. El cuarteto que marcó época por sus shows llenos de pirotecnia, maquillaje y sangre, fue uno de los culpables de la oleada de materiales live con este disco de 1975. Alive! se lanzó el 10 de septiembre y contiene 16 temas de sus tres primeros álbumes de estudio. Sin lugar a duda éstas frente al primer hit de Gene Simmons, Paul Stanley, Ace Frehley y Peter Criss. La crudeza que mostraban en aquellos años y el éxito en ventas, hicieron que se lanzaran tres discos más bajo el mismo formato. Las recomendadas: “Deuce”, “Parasite”, “Let Me Go”, “Rock ‘N Roll” y “Black Diamond”.

1986, 72 000 espectadores, un lugar mítico en Londres y Queen con el mundo a sus pies. Estas palabras pueden reseñar a la perfección el disco que mostraba a la banda en su mejor momento, llena de virtuosismo y carisma en cada show. La creatividad de Mercury y compañía quedó plasmada con una excelente selección de canciones, las cuales estaban arropadas con una especie de magia que solo ellos podrían crear. El álbum que todo rocker y fan de Queen debe tener en su colección. Las recomendadas: “Under Pressure”, “Radio Ga Ga”, “Bohemian Rhapsody” y “We Will Rock You”.

De la ‘Doncella’ se puede elegir cualquier disco en vivo. Desde el Live After Death de 1985 hasta el Flight 666, concierto/ documental con el que llegaron a las salas de cine. Pero nos quedamos con el concierto grabado en 2001 en Río de Janeiro. Rock in Rio plasmó el regreso de Bruce Dickinson a la banda, la unión de Dave Murray, Adrian Smith y Janick Gers en las guitarras y la gira de uno de sus mejores discos en los últimos años: Brave New World. Una mezcla de clásicos, temas nuevos y dos rolas que fueron grabadas con Blaze Bayley, es lo que encontrarás en el tracklist de casi 2 horas. Las recomendadas: “Fear of the Dark”, “Hallowed Be Thy Name”, “Brave New World” y “The Clansman”.

4. THE WHO – Live At Leeds

5. UFO – Strangers In The Night

Para muchos el mejor de la historia. Fue lanzado en 1970 y grabado un 14 de febrero, fecha llena de crudeza y alejada de toda miel para Roger Daltrey, Pete Townshend, John Entwistle y Keith Moon El concierto en la Universidad de Leeds, Inglaterra, tuvo bastante interacción con el público mientras los británicos interpretaban de forma salvaje, “Tommy” su primera ópera rock. El disco fue un éxito, al grado de que el New York Times lo colocó como “el mejor álbum en directo de todos los tiempos”. Las recomendadas: “My Generation”, “Summertime Blues”, “Magic Bus” y “Substitute”.

Grabado en 1978 durante la gira del disco Obsession en Estados Unidos. Este fué último trabajo de Michael Schenker con la banda, quien años más tarde mencionara que la selección de canciones no fue la mejor; dejando claro que su relación con Phill Mogg estaba más que rota. Strangers In The Night tiene entre sus 15 tracks, clásicos que no han dejado de sonar por más de 30 años y que han marcado a una gran cantidad de músicos. Si quieres buen hard rock y conocer parte de las raíces del género, debes acercarte a este álbum. Las recomendadas: “Lights Out”, “Rock Bottom”, “Natural Thing” y “Doctor, Doctor”.

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Paganini y Jimmy Page Un pacto con el diablo Por Abel Monta単o

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partir de la cinta El Violinista Del Diablo, uno empieza a relacionar personajes. Dos músicos que marcaron su tiempo son: Niccolò Paganini y Jimmy Page. Se dice que los dos, cada uno en su época, han tenido pacto con el diablo, lo que les ha traído una fuente inagotable de dinero, fama y poder sin límites. Diversos estudiosos dicen que en su música hay mensajes subliminales que invocan a actos sacrílegos, rituales satánicos, a la magia negra, la brujeria, y demás acercamientos al chamuco.

Capricho número 5 Niccolò Paganini Bocciardo, era un excelente compositor y violinista, que tuvo un gran éxito. Cuenta la leyenda, que a partir de que le pidió ayuda a Satanás a cambio de su alma, las cosas cambiaron radicalmente, lo que le trajo un amplio poder, dinero y sexo a raudales. Sus triunfos por Europa, causaban asombro y temor, así que mientras estaba en la cúspide prácticamente nada se le negaba. Sin embargo, cuando muere éste brujo, no hay un solo cementerio en el viejo continente que quiera recibir sus huesos, por lo que su hijo tiene que cargar con el cuerpo embalsamado por más de una década hasta que consigue que los restos del músico sean enterrados en Parma (Italia). Se cuenta que de vez en vez, las brujas lo van a ver a su sepulcro para hacer misas negras.

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Escalera al cielo

“...Jimmy y sus amigos hacen sus propias fiestas que son bastante salvajes (en las que por supuesto, invitan al Príncipe de las Tinieblas)...”

En las décadas de los sesenta y setenta, había grandes rockeros que tenían su lugar ganado a pulso, pero sin duda Led Zeppelin (Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones y John Bonham), poseía su propio espacio y desde un principio. (Su primer disco de Led Zeppelin [1969], costó menos de $1,800 dólares y se vendieron, tan solo en la década de los sesenta, 10 millones de copias). Los éxitos son indiscutibles, sus primeros seis LP (Led Zeppelin I, Led Zeppelin II, Led Zeppelin III, Led Zeppelin IV, Houses of the Holy y Physical Graffiti), están entre los mejores 200 de todos los tiempos. Además, tienen varias canciones que son consideradas himnos del rock como; “The Rain Song”, “Whole Lotta Love”, “When The Levee Breaks”, “Kashmir”, “Stairway To Heaven”, “Communication Breakdown”, “Ramble On”, “Immigrant Song”, “Black Dog”, “Rock And Roll”, “Houses Of The Holy”, “I’m Gonna Crawl” y un gran etcétera.

Los demonios andan sueltos Aleister Crowley (La bestia 666), era un inglés que nacido hace dos siglos formó su propia marca; Magik. Al frente de este grupo, realizaba unas misas en las que

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daba rienda suelta a sus pasiones; el sexo y el diablo. Entre orgía y orgía, se da tiempo para escribir El Libro De La Ley, en el cual prácticamente declaraba que cada quien podía hacer de su vida un papalote siempre y cuando obedeciera a Satanás. Ya metido en gastos, decide crear su secta: Astro De Plata, en la que por supuesto seguía con sus ritos esotéricos en una mansión (el Palacio de Boleskine), que compró en Escocia cerca del Lago Ness (donde se dice que vivía un monstruo marino).

Houses Of The Holy (Casas Del Santo) Justamente, esa bonita mansión, donde se hicieron cualquier cantidad de misas satánicas, la compró Page con las ganancias generadas por sus canciones. Cabe comentar, que en ese palacio, Jimmy y sus amigos hacen sus propias fiestas que son bastante salvajes (en las que por supuesto, invitan al Príncipe de las Tinieblas), tanto, que en una de ellas muere John Bonham después de tomarse más de veinte botellas de vodka en menos de 24 horas. La pregunta es: ¿Dónde se enterrará a Page?

Tommy Por Josh Nebula

Atrás de ti veo a millones, en ti veo la gloria, por ti tengo una historia . . . Al momento de hablar de la historia del rock, un suceso muy importante que no debe de pasar desapercibido, es la creación de la primera ópera rock: Tommy. Escrita por Pete Townsend e interpretada por uno de los tres primeros grupos en llegar al Salón de la Fama del Rock: The Who. La creación de una ópera rock es igual de compleja que cualquier ópera clásica, ya que se da una música exclusiva a cada personaje y de la misma forma existen diálogos casi nulos, a diferencia de la comedia musical que hay diálogos entre cada tema, por esto mismo la aportación de Tommy al mundo de la música y de la historia misma es muy importante.

El Capitán Walker nunca regresó, solo dejó el recuerdo de lo que fue un gran amor . . . Tommy Walker (Roger Daltrey), nace a finales de la Segunda Guerra Mundial, pero pierde a su padre (el capitán Walker) cuando se

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encontraba en batalla y queda solo con su madre (Ann –Magret), la cual en unas vacaciones conoce a Frank Hobbs (Oliver Reed), un tipo oportunista que la enamora y se muda con ella, en ese momento aparece el capitán Walker (Robert Powell) y Frank en un ataque de desesperación cuando lo encuentra con miss Walker, lo mata. Tommy ve esto por accidente y le crea un severo trauma que lo deja ciego, sordo y mudo, momento en el que la vida del pequeño Tommy da un giro inesperado.

¿Tommy puedes verme? ¿Tommy puedes oírme? En su afán desesperado de curar a Tommy, su madre lo lleva a un templo, en el cual el sacerdote mayor (Eric Clapton) lo lleva a su objeto de deidad que es una estatua de Marilyn Monroe, lo cual no tiene ningún resultado, y luego Frank en un momento de alcohol cree que el sexo lo podrá ayudar y en esta ocasión lo lleva con una prostituta (Tina Turner) la cual abusa de él y lo droga

sin tener ningún resultado. Mientras el pobre Tommy sufre los maltratos físicos y sexuales de su primo Kevin (Paul Nicholas) y de su tío Ernie (Keith Moon), sobrino y hermano de Frank respectivamente. Tommy no hace más que mirar al espejo, el cual en un momento de descuido, escapa y llega a un basurero, donde encuentra una máquina de pinball, en la cual descubre su potencial en este juego, mismo que lo hace llenarse de fama y fortuna hasta llegar a enfrentarse al campeón del pinball (Elton John) y así mismo venciéndolo. Después de intentos fallidos de llevarlo con el doctor (Jack Nicholson) para curarlo, su madre ya alcohólica, estrella a Tommy en el espejo y al caer en la piscina Tommy se cura . . .

de su propio ego, se convierte en un líder religioso, al cual la gente lo sigue hasta que eventualmente descubre que es una farsa, terminando todo en una tragedia.

Mírame, siénteme, tócame, escúchame .. . Una obra de arte en toda la extensión de la palabra, una excelente dirección de Ken Russell, un reparto que incluye grandes figuras del cine y de la música, todo esto acompañado de la música de The Who y temas clásicos como “Pinball Wizard”. Sin duda a pesar de ser de 1975, este filme trata diversos temas que no pasan de moda, y se mantiene vigente por su aportación a la historia del cine y de la música, Tommy ha hecho historia en el rock

Extra Extra léalo todo, el mago del Pinball se cura milagrosamente .. . Al curarse, Tommy descubre su potencial como persona y no satisfecho con la fama y fortuna por el pinball, decide crear una secta, en la cual como dirigente y presa

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Modelo: Sassafrass Foto: TURK3Y

LUZBEL los demonios mexicanos Por: Alfredo Huerta / Foto: Manuel Castillo

standartes del metal mexicano en toda la extensión de la palabra. Esa sería la frase con la que podríamos definir la carrera de Raúl Fernández Greñas y Luzbel, quien a pesar de las adversidades, se mantiene en pie de guerra. Después de una exitosa presentación en el Vive Latino, con una nueva alineación que trajo consigo un regreso apabullante a los escenarios, tuvimos la oportunidad de entrevistar al creador de himnos como “Sin Piedad”, “Loco”, “Hijos del Metal” y “Pasaporte al Infierno”. ¿Cuántos años de carrera celebra Luzbel? Greñas: Empezamos en 1985. Ya tenemos casi 30 años, sin olvidar el receso que tomamos de 17 años. Actualmente Luzbel está tomando nuevamente mucha fuerza. Recientemente se presentaron en el Vive Latino, Teatro Aldama, etc. ¿Cómo se sienten con esto? G: La presentación que hicimos en el Aldama estuvo casi a reventar, tomando en cuenta que nos alejamos 17 años de los escenarios, aunque platicando con varios amigos, muchos fueron al teatro por morbo y para ver cómo sonábamos. Víctor Nava: Esa presentación no tuvo mucha publicidad física y casi llenamos el lugar con información que se corrió en internet y dos o tres entrevistas. Había mucha expectativa y nos fue brutal.

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¿A qué creen que se deba este resurgimiento? G: Realmente fui yo el que se retiró, y a pesar de esto, muchos me han comentado que parece que nunca me fui. La gente en cada concierto nos quiere y acepta a la banda. Estamos viviendo algo muy padre. Los músicos nuevos están inyectando fuerza a Luzbel y era algo que necesitaba desde hace mucho tiempo. Ustedes, como músicos nuevos dentro de la banda, ¿cómo veían a Luzbel desde afuera? G: Nunca lo vieron. Son fresas. [Risas] V. N: Yo conocí al grupo cuando estaba en la prepa con el clásico “Por Piedad”. Cuando me habló Raúl para comenzar el proyecto, me empecé a empapar de todo lo que rodeaba a Luzbel, además de enterarme de la fuerza y presencia que tiene en México. Para mí fue una super oportunidad y la estoy disfrutando muchísimo. Antes de ser parte de la alineación, ¿qué canción les gustaba y ahora disfrutan tocar? V. N: “Por Piedad”. Nunca me había imaginado poder tocarla y es algo que gozo en cada presentación. Algo muy satisfactorio para los que somos nuevos es que Raúl nos invita a poner nuestro toque y actualizar las rolas. No nos limita

a nada y gracias a eso no terminamos siendo una banda de covers [risas]. G: Lo que él quiso decir es que no soy tan ojete como parece [risas]. ¿Van a editar las canciones con este sonido nuevo? G: Sí, yo soy dueño de todo y no hay ningún problema con eso. Lo que hice con Juan Bolaños, solo los dos somos dueños de eso; pero en el caso de los materiales Metal Caído Del Cielo, Pasaporte Al Infierno y La Rebelión De Los Desgraciados, todos son completamente míos. ¿Piensan lanzar un recopilado de éxitos? G: Sí, de hecho ese ya es uno

de nuestros planes. Estamos en charlas para lanzar un tiraje en vinilo de los discos que te comentaba. ¿Cómo han logrado quitar la imagen de “Lvzbel”, banda de Arturo Huizar, de la mente de los fanáticos? G: Con nuestro sonido hacemos que en cada presentación se olviden de ella. De hecho el disco que lanzamos el año pasado realmente fue un recopilatorio, fueron regrabaciones y principalmente lo hicimos para limpiar el nombre y demostrar cómo se hace la música. El 99% de las canciones son de mi creación. Mi sello es lo que ha regido durante todos estos años y el Luzbel verdadero es donde estoy yo.

Así de fácil. ¿Qué podemos esperar en un nuevo disco? V. N: Rolas 100% de nuestra autoría. No se va a tratar de regrabaciones o remasterizaciones. Todas las canciones serán inéditas, con un toque más denso. G: Tendrá dos estilos: uno denso, de hecho mucho más denso que Black Sabbath, y un toque mucho más prendido que el de la banda que tú me digas. ¿Crees que actualmente se ha perdido el sentimiento por hacer metal en México? G: Hay mucha calidad en nuestro país, pero desgraciadamente nadie tiene sonido propio. Todos se parecen entre ellos. Si no tienes un

sonido definido, no destacas y no sobresales. Luzbel siempre ha sido punta de lanza en México. V. N: Un problema que tiene la escena nacional es que muchos han caído en la imitación y no se han preocupado por explorar su propia propuesta. Se ha perdido la búsqueda, algo que ha hecho Raúl durante toda su carrera. Para terminar, ¿cómo definirías a la banda? G: La versión actual me agrada muchísimo. Todos son músicos responsables y comprometidos. En los primeros años la fiesta era todo. Actualmente el trabajo y ser profesional son primero. La fiesta viene después.

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AMON AMARTH

Una vida vikinga con Death Metal Por Alfredo J. Huerta R.

uecia, el quinto país más extenso de Europa, metalero por excelencia y lo más importante para este artículo: lugar donde nacieron los vikingos liderados por Johan Hegg. La carrera de Amon Amarth se remonta a 1988 cuando iniciaron su camino como Scum, con Themgoroth (de Dark Funeral), Olavi Mikkonen (guitarra) y Ted Lundström (bajo), estos dos últimos pilares de la banda actualmente.

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En 1992 se une Hegg en la voz, cambiando su mote por ‘Monte del Destino’, significado del nombre en Sindarin, lengua élfica de la Tierra Media creada por J.R.R. Tolkien en El Señor de los Anillos. Este 2014 visitaron por cuarta ocasión nuestro país y tuvimos la oportunidad de entrevistar a la banda. Checa todo lo que nos dijeron. Llevan más de 20 años en el negocio y han sufrido pocos cambios en su alineación. ¿Cuál es la fórmula para mantenerse unidos por tanto tiempo? Es difícil de contestar. No sabríamos decirte la fórmula ya que para varios de nosotros es la única banda en la que hemos estado. Si tuviéramos que especular, te diríamos que el hecho de tener mucho éxito nos ha ayudado. Además, repartimos el dinero en partes iguales entre los cinco. ¿Cómo fue la transición del GRINDCORE de Scum al DEATH METAL de Amon Amarth? Al inicio teníamos un sonido más tradicional de Death Metal, pero como todos crecimos con la música de los ochenta, hay muchas bandas de Heavy Metal como influencia. Esas melodías poco a poco comenzaron a ser más importantes en nuestra música hasta que llegamos al sonido que tenemos

actualmente.

Olavi Mikkonen y Johan Hegg.

Las historias de vikingos están fuertemente relacionadas con la banda, ¿por qué decidieron que estos mitos fueran parte de su música? No hubo un momento específico en el que dijimos que ese sería el tema de la banda. Solo sucedió. La mitología vikinga siempre ha sido de gran interés para nosotros, así que llegó de forma natural a nuestros temas.

Son de un país donde el Metal es un estilo de vida, ¿se han encontrado con algún obstáculo que los haga pensar en tirar la toalla? Creemos que en Suecia es muy fácil empezar una banda de metal. No hay muchos tabúes en torno al género en nuestro país, de hecho es muy abierto y tolerante en lo que respecta a la cultura, no importa qué tan extrema sea.

¿Hay alguna historia que defina la esencia de Amon Amarth? No hay ninguna. Los temas encajan a la perfección con la música. La brutalidad combinada con melancolía es una buena mezcla que nos llena de ánimo como banda. “The Pursuit Of Vikings”, “Death In Fire” y “Runes To My Memory” son algunos de sus éxitos. ¿Es difícil mantener ese poder en cada disco durante tanto tiempo? Siempre intentamos trabajar juntos en la creación de las canciones para encontrar la mejor manera de escribir y recordar todo fácilmente. Si el escritor de la canción no logra conseguir más ideas para concluir el tema, el resto de la banda lo apoya, especialmente

Deceiver Of The Gods incluye “Hel”, rola grabada con Messiah Marcolin de Candlemass, ¿cómo fue trabajar con él? ¡Absolutamente increíble! El tipo es una leyenda, un completo profesional, y como se sabe, uno de los mejores vocalistas del mundo. Nos sentimos orgullosos y afortunados de ser sus amigos. Tienen una gran cantidad de seguidores en México, ¿recuerdan algo de sus visitas anteriores a nuestro país? ¡Siempre es genial tocar en México! Los fans son fantásticos y llenos de energía. Para terminar, ¿hay alguna frase o canción que pueda describir su carrera? It’s A Long Way To The Top If You Wanna Rock’n’Roll… (Es un largo camino hacia la cima si te gusta el Rock’n’Roll).

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El primer acto de

OPERA MAGNA Por: Andre DulchĂŠ / Fotos: Manuel Castillo

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na buena obra se divide en varios actos, el primero tiene que enganchar al espectador y en su mayoría, plantear lo que será el futuro. Así es como podemos describir el Acto I de los españoles, Opera Magna. La banda se ha consolidado en España entre la demanda de bandas metaleras en búsqueda de un espacio en las grandes ligas, ‘es que los grupos de nuestro estilo están inactivos, tenemos a Alquimia o Dark Moor, pero en nuestro estilo concreto no hay muchas bandas. Este estilo tuvo un boom en cierto momento y cuando pasó, muchos grupos se bajaron del carro, pero los que seguimos creyendo en el estilo sin que sea una moda sino porque nos gusta, hemos seguido y ahí seguiremos, esa es la idea.’ Entre su trabajo más reconocido encontramos el disco homenaje al escritor estadounidense, Edgar Allan Poe, del cual comentan que les ‘encanta como escritor y hemos leído mucho de él, por eso decidimos hacer el tributo a Poe y hay muchos relatos suyos que no pudimos incluir a lo mejor por temática. Por ejemplo, El Escarabajo de Oro por la trama no se presta para hacer una canción heavy. La Caída de la Casa de Usher me parece increíble, tiene un ambiente con muchos simbolismos, y cuando te vas adentrando a la historia estás en constante tensión leyéndola; pero de todos los temas que hicimos nos quedamos con “El Corazón Delator”.’ Agregando que tal vez Poe podría haber sido buen creador de canciones de heavy metal; ‘es uno de los escritores obscuros que hay que tener, incluso hay muchos grupos que le dedican canciones como Lovecraft por la temática; sobre todo en nuestro estilo que es más teatral, adornado con orquestaciones, se presta más hacer una buena obra tomando eso como base.’ Sobre Acto I, los europeos buscan mejorar lo anterior y adoptar una serie de entregas al público en forma de Eps, poder cuidar más el trabajo en cada tema y también darse un respiro creativo. Sobre esta idea

y la historia que las conduzca se verá más adelante; ‘La idea es sacar tres actos que versan sobre lo mismo y que en el momento en que estén los tres juntos se sepa el hilo conductor. Si tú los ves por separado tienen sentido, pero la idea es que cuando tengamos los tres actos acabados, sea cuando el público pueda ver el formato completo y entender esta historia’. De igual forma entienden este álbum como una evolución enorme entre El Último Caballero a Poe soportada por los cambios en la alineación. La banda también ha incursionado en el idioma anglosajón para abrir camino, aunque parece ser más difícil de lo que uno pensaría, ‘se hicieron dos temas en inglés por el mercado europeo; pero allá el lenguaje castellano es minoritario, tiene que ser en inglés o si no es muy difícil acceder, es complicado. Culturalmente estamos más próximos a México que a Alemania, tenemos seguidores alemanes pero son muy pocos, son más asiduos en Japón y es una cuestión lingüística. Como oyente dejando a un lado al músico, creo que no oigo música en francés o en alemán; en ese sentido nuestro grupo llega mucho más a Latinoamérica’. Agregando los problemas para tocar en su patria ‘ha pegado mucho la crisis que estamos viviendo, el IVA a lo cultural ha subido mucho y han puesto muchos impuestos que han hecho daño; si ya de por sí no iba mucha gente a los conciertos, con eso menos asisten. Pero por suerte nuestra ciudad siempre ha respondido cada vez más, no ha ido decreciendo, no nos podemos quejar. Hay varias ciudades que nos han seguido bastante; Barcelona, Madrid, Alicante, Valencia, siempre hemos tenido buen recibimiento y hay otras ciudades que nos ha costado un poco más de trabajo. Al final como nosotros ejercemos como nuestros propios gestores, nosotros decidimos tener menos beneficios e intentar que venga más gente, porque lo que nos interesa en el fondo es que la gente nos escuche y haya un ‘boca a boca’, nos compensa más que la entrada sea más barata pero que sea más gente’.

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THE ROLLING STONES: GOATS HEAD SOUP

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Por Héctor Elí Murguía

ra el año de 1973, el mundo se abrumaba con una nueva corriente de sonidos y armonías que corrían en diferentes direcciones. Nombres como Led Zeppelin y Pink Floyd alcanzaban la cima del Olimpo, expresando al mundo su basta creatividad que reflejaba desde el lado más oscuro de la luna hasta una forma muy sutil de llegar al cielo con una escalera. Melodías conjugadas con un toque de catarsis social quedaban atrás con artistas como Elvis Presley, Chuck Berry, The Beach Boys o una banda que había terminado su historia reciente en ese tiempo, The Beatles. La única manera de sobrevivir a una etapa llena de amor, paz, trajes, gabardinas y cortes de cabello con forma de hongo, era una sola, la libertad de expresión y por supuesto, muchas drogas. The Rolling Stones fue uno de los pocos grupos sobrevivientes de la época de los sesenta que se tomó de las manos y de sus largas cabelleras para sobrevivir ante tal movimiento social y musical, una reforma que le vendría a bien a Mick Jagger, Keith Richards, Bill Wyman y Charlie Watts. Después de la muerte del guitarrista Brian Jones, la prueba fue superada, el intento de copiar al cuarteto de Liverpool había terminado; no más romance en el pensamiento ni mucho menos portadas y conceptos iguales a sus contemporáneos. Una nueva era estaba por comenzar, la era de los Stones. En la constelación del rock quedaron grabados álbumes como Let it Bleed (1969), Sticky Fingers (1971) y el famoso Exile On Main Street (1972). Así, exiliados

y con un amor shakespireano hacia el blues; hasta que en 1973 el guitarrista Mick Taylor le daba un giro completo al sonido de la banda. Los Stones se trasladaron a Jamaica directamente hacia los estudios Dynamic Sound para empezar lo que sería un banquete lleno de delicias y un platillo conocido en esa isla; una sopa de cabeza de cabra, donde el ingrediente principal sería una pizca de blues, funk y romanticismo. Como entrada, se serviría un delicioso riff en la guitarra de Keith invocando fuerzas vudús que hechizan a todo ser humano a presenciar una danza con el Señor D en “Dancin’ with Mr D”. Sublime, con toda libertad Jagger le canta a su danza, propia, única y que jamás se había visto. Para continuar el banquete, el invitado de lujo Billy Preston, se sirve de sus habilidades en el órgano para sazonar junto con Taylor en la guitarra una pieza llena de ritmos y un toque de funk en “100 Years Ago”. Dejando la danza a un lado, un sabor amargo endulza un platillo cantado y escrito por Richards, “Coming Down Again” donde le expresa su pena al desamor. Como ya era una costumbre, los Stones no soltaban de ninguna manera los temas sociales y como plato fuerte se sirve “Doo Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)” una canción que relata a través de un ‘wah wah’ y saxofones, la historia de una muerte injusta y otra causada por una sobredosis. Dentro del plato fuerte había algo que le recordaba a Jagger y a Richards el salado y tenue sabor de las lágrimas con “Angie”, balada en triste tono de La Menor que sería la más reconocida de este banquete tan

solo por retratar con un verso la historia de los traicionados por el amor: ‘Aún te amo… pero donde sea, aunque te quiera olvidar, veo tus ojos’. El postre vendría en el lado B del vinilo con “Silver Train” un tren cargado de guitarras con slide haciendo un tributo a su inspiración sureña norteamericana. “Hide Your Love” predecesora de “You Gotta Move” presenta un piano tocado por Mick Jagger en una improvisación de blues, una virtud de los Stones que era más dulce que un pastelillo en el postre de cualquier escena musical. Para quien prefería algo más frío llegaba “Winter” donde quedaba plasmado el “solo” de guitarra más sentimental de Mick Taylor. Por si fuera poco, una menta para quitar el aliento mezclado de los alimentos hacía recordar los años psicodélicos con “Can You Hear The Music” completamente coral y eludía las capacidades vocales de los maestros del blues. Para concluir con el banquete, faltaba algo que recordara la esencia de los Stones y que embriagara como el sonido añejo de Chuck Berry, la vetada “Star, Star (Starfucker)” que expresaba libremente el sabor de un destilado de irreverencia a partir de un par de versos referentes hacia una mujer que era toda una estrella en la cama. Bailable, añorable, entrañable se concluía un banquete que sería recordado con la alegría de todos aquellos ‘Hooligans’ que de alguna manera se encontraban a sí mismos en las letras y la irreverencia de los que siempre serán recordados como la banda más antigua del mundo.

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Larga vida a

Zurdok Por: Diego Gasca / Foto: Manuel Castillo

“Sí nos dan muchas ganas de seguir haciéndolo, sí hay mucha emoción por continuar” -Zurdok

ay veces en que las personas son las que se encargan de que estés enterado acerca de algo importante dentro de la historia. Musicalmente hablando, la gente es la que aún mantiene vivas a muchas de las bandas que ya no existen por alguna u otra razón, de hecho, es a través de pláticas que muchos se enteran y escuchan a ciertas agrupaciones. Inclusive esos grupos se vuelven más conocidos y famosos cuando ya no están, porque las personas se aseguran de que su esencia nunca muera. En los noventa, aquella época cuando el rock encontraba su auge, donde todos parecían aceptar este género y cuando día tras día México escuchaba un sonido nuevo tras otro; un quinteto surgió, curiosamente no en la gran Ciudad de México, sino en Monterrey, descentralizando la música y siendo inconscientemente uno de los creadores de lo que ahora conocemos como la

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‘Avanzada Regia’. Esa joven agrupación de nombre Zurdok, impactó tanto con su propuesta alternativa, agresiva, diferente, que solo bastaron tres discos y un corto periodo de actividad para dejar una huella brutal en la escena y un vacío en sus seguidores después de que estos músicos decidieran separarse. Aunque en su momento de actividad tuvo un gran impacto, no fue sino en su etapa inactiva cuando la gente pedía con bastante insistencia el regreso de estos regios y su popularidad crecía gracias a los que tenían la curiosidad de saber quién era Zurdok. En este año, en el marco de la celebración de los quince años del Vive Latino, cuatro de los seis integrantes originales se volvieron a juntar y retomaron este camino una vez más. Más que un regreso, ellos ven este reencuentro como la continuación de una historia que quedó pausada hace más de

10 años. Esta pausa se dio gracias a la necesidad de explorar proyectos individuales, mismos que ahora serán puestos en pausa para que el libro de Zurdok se siga escribiendo. Con más madurez, una mejor ejecución al tocar un instrumento y con la misma magia que la última vez que pisaron la sala de ensayos, es como estos músicos se vuelven a juntar, o por lo menos, así es como describen ellos su momento actual en conjunto. La dirección que tomará la banda en esta ocasión, tiene como objetivo seguir la extensa y selectiva gira de conciertos, la cual está llena de presentaciones en festivales, y también la planeación de su ansiado cuarto material discográfico.

Estos músicos comentaron que su nueva producción empezará a crearse a finales de este año, con la opción de ser la primera de varias más; dejando entrever que al parece los creadores del “Hombre Sintetizador” seguirán con vida durante un largo tiempo. “La música de Zurdok es hacer música con la que nos sintamos a gusto, que se nos haga interesante en el momento y creo que continuamos con esa misma filosofía. Cada uno de nosotros tiene influencias muy distintas y la mezcla de eso es lo que hace que nuestro sonido sea tan característico; como los discos anteriores que tenemos, que pueden ser hasta cierto punto un poco eclécticos, pero al final es un sonido honesto que nos gusta manifestar

cuando hacemos discos. Estamos muy emocionados por empezar a trabajar en el cuarto disco”, comentó el vocalista Gerardo ‘Chetes’ Garza. El panorama pinta bien para una agrupación que da gracias por su vigencia y continuidad a la amistad, a la buena química que hay al componer y al ensayar, y al interés de hacer música juntos. Pero los regiomontanos no dejan de agradecer, pues ellos manifestaron que fue gracias a la amistad que decidieron volver; pero también fueron sus seguidores, los encargados de mantener viva su esencia, los cuales influyeron bastante en la decisión para seguir dando este gran salto en sus carreras.

LOS TRES “La Vida Que Yo He Pasado” Por: Andrea Quintana / Foto: Gerardo Castillo

a casi cumpliendo 30 años de carrera artística, las canciones y discos de Los Tres nos llevan a diversas partes de la historia tanto de Chile como de la misma banda. Así que en esta ocasión, nos dejaremos llevar un poco por la imaginación y nos adentraremos al trasfondo de canciones icónicas de la banda como “Amor Violento” hasta el escándalo actual con “Hey Hey Hey” y en varios discos como el Fome o el Coliumo, todo en palabras de uno de sus creadores, Roberto ‘Titae’ Lindl. • “Hey Hey Hey” y el escándalo feminicida. La historia del video es un triángulo entre un policía y dos mujeres. Salió el video y autoridades del gobierno nos acusaron de femicidas, así tal cual, femicidas de ‘me despierto y mato una mujer’, así era su premisa. Chile para unas cosas es un país conservador, la gente quiso molestar porque salen dos chavitas besándose como si nadie viera eso en el cine; entonces fue bastante artificial la cosa. Pero la canción fue subiendo a tal grado que el gobierno nos hizo el favor. Es increíble que sacudiéramos tantas cabezas. • “Jefe De Jefes”, un pequeño tributo tras las rejas. Tocamos Jefe de Jefes porque nos gusta mucho y poco a poco vamos tomándole el gusto. En Chile también la tocamos, en los campos ponen mucha música mexicana y cuando vamos a estos pueblos la gente se vuelve loca. El día del Vive Latino no vi nada tele, ni me había enterado que aprehendieron al ‘Chapo’ y resultó como un homenaje tras las rejas. Si hiciéramos un disco tributo seriía a los tacvbos o a los Tigres Del Norte. • “Hágalo Usted Mismo”, la huella de Pinochet. Chile en algunas cosas ha cambiado mucho, en otras sigue igual. Sigue siendo un país súper conservador, estamos como al final del mundo entonces en varios temas somos tradicionalistas y todavía está la huella de Pinochet, no se ha ido, es un tema que todavía está presente. • “Amor Violento”, los ‘cojones’ en medio de la dictadura. Es bien loco lo que pasó con ese tema, porque en ese entonces había que tener ‘cojones’ para ponerle a un tema así, porque estábamos en la época de la dictadura y todos los

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grupos chilenos trataban de ser más inteligentes que el otro, todos haciendo letras muy rebuscadas; entonces Álvaro hizo este tema que influyó mucho en la época, en donde hablaba del amor sin tapujos. Entonces fue muy loco sacar ese tema en ese tiempo y lo que pasa ahora en los conciertos, porque la tocamos al día de hoy y es muy agradable poder hacerlo, porque a la gente le encanta.

pero siempre habrá algo que redescubrir de lo que hemos hecho. Y si lo hicimos, quiere decir que fue interesante en su época y retomarlo es interesante; estamos permanentemente redescubriéndonos.

• “Agua Fría” y su imposibilidad de recordar tantas canciones. El otro día nos pidieron “Agua Fría” y Álvaro empezó a darle pero no recordaba nada, entonces el guitarrista nuevo se sabe toda la discografía de nosotros, es el más estudioso de todos nosotros, entonces yo le pedía los acordes a él, eso estuvo un poquito difícil. Pero hay que estar preparados. Lo que pasa es que con Los Tres tenemos 12 discos y muchos temas por disco, entonces siempre hay temas por descubrir y retocar, a parte los hits, que uno tiene que tocarlos siempre

• “Déjate Caer”. Era algo que nunca habíamos hecho y la estructura es única. Nos salió una cosa rara y todavía no me explico porque pegó tanto en realidad, porque fue el tema que nos hizo hacer el Unplugged de MTV. La compusimos con el alma, pero siempre está el desafío de hacer otra que sea tan buena como esa, entonces es algo entretenido el no dormirse en los laureles. Es entretenido pensar en otros temas que impacten de igual forma.

• Coliumo y el temblor en Chile. Lo malo es que sigue temblando así que la gente se le viene al tiro a la memoria el terremoto. Es algo que no se va nunca.

• Fome, el mejor disco de Los Tres. Para mí el Fome porque fue muy concentrado; pero el primero (Los Tres) también es muy bueno, tenía esa ingenuidad de un primer aire con el cual queríamos conquistar Santiago, veníamos de Concepción y era todo muy nuevo; las composiciones, la manera en que las hicimos, pensamos que estábamos cambiando el mundo. Entonces si lo ves a lo hecho ahora tiene muchas fallas, ya que no había ni recursos ni estudios en Chile en ese momento, la época que reinaba era la del casete. Y, después de tantos años de andar de gira, en estudios y detrás de un instrumento, la última importante confesión por parte de Roberto es; “yo no me aburro nunca, yo tengo el mejor trabajo del mundo y venir a México es muy emocionante porque hay gente que se emociona con las canciones de uno entonces eso te mantiene activo, es difícil que a uno le aburra esto. Eso de viajar, conocer gente nueva, nosotros tenemos el mejor trabajo del mundo.

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JOY

DIVISION: el inicio de un género a través de la oscuridad lírica Por Jhoselin Sánchez Vargas

oy División, una banda icónica de finales de los 70, surgida en Gran Bretaña y conformada por Ian Curtis, Bernard Sumner, Peter Hook y Stephen Morris. Esta banda se convirtió en mítica y llena de misterios con un transcurrir de cuatro años y un vocalista que decidió terminar con su vida, finalizando así con un grupo que plasmó los cimientos para el género post punk. Destacan sus influencias musicales desde grupos como los Sex Pistols, David Bowie e Iggy Pop, este último se convertiría en el icono máximo de origen. Su vocalista, Ian Curtis, irónicamente daba vida a líricas que en sí mismas reflejaban un auténtico sentir existencialista: “Él asesina por el premio, que es ganar un minuto para agregarlo a su propia vida. Mientras la enfermedad se ahoga entre los gritos que piden más, pedir a Dios: hazlo rápido y observemos su caída” [“Atrocity Exhibition”, álbum Closer,1980]). A través de discos como Unknown Pleasures y Closer refleja parte del alma atormentada de Curtis, el cual padecía epilepsia; esta enfermedad avanzó al ritmo en que crecía la banda y se asocia al fin de la agrupación. Ian Curtis llegó

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a tener ataques mientras realizaban presentaciones, los cuales a veces pasaban desapercibidos y que los asistentes tomaban como una autentica contribución al espectáculo. Esta banda llamó la atención a la prensa inglesa y brindó conciertos por toda Europa, además de haber tenido presentaciones en diversos programas de televisión. Planeaban iniciar una gira por EUA; sin embargo la depresión, los problemas personales y de salud de su líder lo llevaron a dar fin con su vida. Paradójicamente, para dar este paso, Curtis escogió como fondo musical el disco The Idiot de Iggy Pop. El filme que representa con más claridad la vida de esta banda es 24 Hours Party People (2002), película que a través del humor negro plasma los momentos más relevantes y significativos de la agrupación a través de la proyección de la década de los años 70 con una perspectiva musical e histórica de la diversas bandas que marcaron estos días. Con estos damos una introducción al legado de una época, un género y una agrupación que dejó una marca en Inglaterra y en todo el mundo.

Recordando a:

DEF LEPPARD

y su HYSTERIA Por Alfredo J. Huerta R.

i “Women”, “Animal”, “Pour Some Sugar On Me” o “Rocket” no te dicen nada, fracasaste como fan del rock. Tan fácil como eso. El cuarto álbum de los ingleses, lanzado en 1987, significó un récord de ventas para la banda, posicionándolos en el número 1 del Billboard con “Love Bites” y llenándolos de dólares de por vida de la mano del productor Robert John “Mutt” Lange. Sin duda el sonido es bastante comercial y no le agradó a los más “trves” que aclamaban el Pyromania, pero la gran calidad como músicos no se puede ocultar;

quienes a pesar de los contratiempos, accidentes y enfermedades, demostraron que se puede tener más del 70% de hits en un solo disco. Por si fuera poco, Hysteria fue el trabajo donde Rick Allen sorprendió al mundo con su batería electro-acústica llena de pedales para suplir su brazo izquierdo, el cual perdió en un accidente automovilístico. El as bajo la manga de Phil Collen y compañía es “Gods Of War”, rola donde los efectos de sonido y la tecnología sonora de esa época marcan cada acorde.

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one pIEce

Unlimited World Red El gran viaje de Monkey D. Luffy Por Andre Dulché

l pirata conocido como ‘Sombrero de Paja’ o ‘Mugiwara’, Monkey D. Luffy junto a su tripulación Nami, Tony Tony Chopper, Brook, Franky, Nico Robin, Sanji y Roronoa Zoro se embarcan en una nueva aventura para PS3 y Nintendo 3DS. Basado en el manga creado por Eiichiro Oda (el más vendido de Japón con más de 300 millones de copias) y el exitoso anime de Konosuke Uda (el cual va por el capítulo 659) es el juego que los fans de esta saga esperaban desde hace años, sobre todo los otakus que lo han seguido fielmente durante 15 años, ya que mezcla el RPG con acción, personajes nuevos y dos modos, historia y coliseo. El mismo Oda estuvo involucrado en el modo historia, creando dos protagonistas: Pato y Redfield. El primero es el causante

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de que el Sunday Sunny se adentre a la isla Trans Town, después de unas batallas Luffy se tornará en el gran héroe del lugar, así como en cada isla que pisa en el anime. Con algunos cambios en la historia ya conocida, es que buscarás a tus camaradas y tendrás que realizar diferentes aventuras, claro, con algunos mini juegos incluidos como cazar o pescar tu comida. Esto será bastante divertido para quienes siguen la serie. Para los que prefieren las peleas directas y estar viendo desfilar a los personajes desde los nakamas principales hasta Buggy,

Crocodile, Portgas D. Ace o Boa Hancock está el modo Coliseo con siete tipos de batallas y teniendo de jefe final al molesto Donquixote Doflamingo. Hasta el momento es el juego de One Piece que todo otaku esperaba, incluso las voces son las mismas del anime para que no haya falla en reconocer un ‘Gomu Gomu No’ o un ‘Santoryu’. La búsqueda por ser el Rey de los Piratas continuará…

Recordando a:

THE LEGEND OF ZELDA

Por Elías Levy

n 1992 Nintendo presentaba la continuación de una de las sagas más queridas y representativas de los videojuegos, The Legend of Zelda: A Link To The Past, la versión del SuperNes donde el programador Shigeru Miyamoto aprovechó las mejoras que proporcionaba la nueva generación en la consola, creando una obra maestra dentro de las aventuras de Link… y por supuesto, de los jugadores. Para este título, el malvado de Gannon sigue con el objetivo de conseguir el poder de la Trifuerza, apoderándose de la princesa Zelda y llevando acabo planes de destrucción. Pero nuestro héroe, Link, tiene el coraje para poder acabar con todo el mal dentro de Hyrule con ayuda de la

Espada Maestra. Este fue un juego mucho más dinámico, con la posibilidad de almacenar gran cantidad de ítems y poderes especiales; además de ser un juego largo, con muchos calabozos multinivel dentro de un mapa bastante extenso, diversos ecosistemas con luz y obscuridad, y como

es costumbre, múltiples trucos y secretos dentro de las Tierras. En ese año el juego vendió millones de copias y revolucionó la historia de Nintendo para siempre. Los fanáticos mencionan que es uno de los favoritos dentro de la saga y no se equivocan.

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Los superhéroes

y el cine Por Carlos Miranda

no de los nuevos impulsos que ha tenido el cómic ha sido gracias al cine y desde la época de los setenta hasta la actualidad se han realizado exitosas películas de héroes como Batman o Iron Man; así mismo ha tenido grandes fracasos como los Fantastic Four o Daredevil; así cada año se tienen la confrontación entre grandes producciones de los héroes de las viñetas al cine, generando ganancias por más de mil millones de dólares anuales derivados de sagas como Avengers y Batman. Ahora con el inminente lanzamiento de Justice League, así como la constante creación del universo Marvel en el cine, Pólvora ha decidido hacer un conteo de las diez mejores películas que se han estrenado de superhéroes, algunas siendo pioneras en el género, otras convirtiéndose en películas de culto no solo para los fanáticos del cómic, si no por el público cinéfilo en general:

1- The Dark Knight Una película que desde antes de su lanzamiento causo polémica debido al repentino fallecimiento de Heath Ledger, el cual durante el filme había interpretado a uno de los villanos más emblemáticos del caballero de la noche, The Joker, lo cual valió que no solo tuviera más reflectores sobre ella, sino también un Oscar para este género. El segundo filme de la saga realizado por Christopher Nolan, que sentó las bases realistas desde Batman Begins, logró plasmar una trama llena de suspenso, teniendo momentos críticos por parte del Joker, como la destrucción del hospital o la conversión de Harvey Dent a Dos Caras, lo cual llevaron al límite de sus capacidades a Batman, que vió destruidos muchos sueños, pero forjó al héroe que salvó a Ciudad Gótica de la desgracia, posicionándola en el primer puesto de este conteo polvoroso.

2- Captain America: The Winter Soldier Desde

las

decepciones

que

muchos

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fanáticos habían tenido con Thor: The Dark World e Iron Man 3, esta película tendría que venir a levantar el barco del universo fílmico de Marvel, a fin de seguir con la construcción de la sagas fílmicas, por lo cual en Captain America: The Winter Soldier, se buscaría volver a las raíces de este personaje para seguir fundamentando las bases para futuros filmes de la compañía Con esta nueva película retomamos a un Steve Rogers tratándose de adaptar a un mundo diferente del cual tiene recuerdos, donde viejas memorias regresan a su vida, al igual que añejos enemigos que creyó enterrados, resurgirán para tratar de destruir lo que él consideraba seguro en esa época. Todo ello bajo el regreso de un viejo aliado, el cual tendrá que enfrentar para llegar a la verdad.

3- Batman Este filme vino a resurgir el género de los superhéroes en el cine, después de muchos fiascos que se realizaron durante la época de los ochentas como Howard The Duck, Capitán América o Los Cuatro Fantásticos. Bajo la batuta de Tim Burton, logró atraer a muchos fanáticos gracias a un Batman con una personalidad oscura y semejante a su símil de la historieta, teniendo como punto clave una ambientación de Ciudad Gótica realizada con las diferentes técnicas usadas en películas como El Extraño Mundo de Jack

o el Joven Manos de Tijera. Protagonizada por Michael Keaton, Batman enfrenta a un enemigo diferente a los que ha logrado meter en la cárcel durante su cruzada de justicia nombrado The Joker, interpretado de una manera muy apegada al cómic por Jack Nicholson, este personaje amenaza a la ciudad para que el murciélago humano se entregue antes de que seguir causando estragos que afecten a la población. Esto le vale estar en el tercer lugar del conteo de Pólvora.

4- Iron Man El multimillonario, filántropo, playboy y superhéroe de Marvel llegó en el 2008 a las pantallas del cine bajo la actuación de Robert Downey Jr., que para muchos fue un acierto por parte de la editorial, ya que tanto en físico como en personalidad siempre se apegó a la historia del hombre debajo de la armadura de hierro. Con Iron Man tenemos la historia del inicio del héroe traída a la época actual, donde cambiamos a los chinos comunistas de los sesentas a terroristas islámicos de la actualidad, los cuales en su afán de raptar armamento de Stark, terminan secuestrándolo para que sea su desarrollador de armas personal, pero no contaban con que el arma que realizaría sería el inicio de una nueva faceta de Tony ante el mundo como Iron Man.

5- Scott Pilgrim V.S. The World Proveniente de una de las novelas graficas más reconocidas de los últimos años, Scott Pilgrim nos muestra una nueva forma de ver a los superhéroes más cercanos a la realidad, con infinidad de referencias de la cultura pop tales como clichés de videojuegos, películas, cómics y series de televisión, aunado a una historia de amor un poco retorcida pero con gracia. En la película tenemos a Michael Cera como Scott Pilgrim, un chico aparentemente normal que vive en Canadá, donde se dedica en ser un rockstar junto con su banda Sex Bomb Omb y acompañado de su novia Knives Chau. Toda esa tranquilidad se rompe ante la presencia de Ramona Flowers, una chica que lo enamora desde el primer momento, pero para conquistarla deberá pasar por 7 ex novios que le harán la vida imposible con tal de que no llegue al corazón de la chica.

6- Superman Uno de los íconos enfundados en el traje de Superman fue sin duda Christopher Reeve, que desde los setentas cuando se realizó la audición hasta en la actualidad con Man of Steel, se convirtió en un referente para la imagen del hombre de acero tanto en el cine como en la televisión. Lamentablemente solo la primera entrega de esta saga resulta una joya para los comiqueros cinéfilos. Como parte de ésta película, tenemos los inicios de Superman, pasando por una breve explicación de la destrucción de su planeta, pasando por la historia del pequeño Clark en la Tierra hasta convertirse en el reportero novato de Daily Planet, todo ello bajo las enseñanzas de su padre Jor-El interpretado por Marlon Brando, que durante una de las escenas en la Fortaleza de la Soledad, le da un discurso a Clark, siendo catalogado como uno de los más emotivos del cine contemporáneo.

7- 300 La oda de la guerra donde los espartanos con un ejército reducido a trescientos soldados dispuestos a morir por su patria se enfrentan a diversos retos para detener al ejército persa en su afán de derrotar al imperio griego y controlar sus tierras, aquí es donde 300 se hace presente en la narrativa de la

novela gráfica escrita por el afamado Frank Miller desde su perspectiva de la batalla de Termópilas. En el filme basado en la historieta vemos al rey espartano Leonidas encarnado por Gerald Butler, encargado de reunir un ejército no solo de simples mortales que peleen por sobrevivir, sino de una horda de héroes que mueran por su soberanía ante la tiranía de un rey con poderes de un dios. Todo ello bajo un despliegue de efectos especiales y sobre todo las secuencias realizadas de una forma muy parecida al cómic, la ponen como una de las favoritas del género.

8- Watchmen Alan Moore retoma el concepto de los superhéroes traídos a la historia mundial con Watchmen, donde en un planeta protegido por un grupo de superhéroes de diferentes formas y poderes, sucumben ante la naturaleza humana de los mismos, llevándolos a conseguir diversos propósitos propios a costa de lo que sea. Es por ello que el cine no dudó en llevar esta saga a las salas de cine, en donde a pesar de tener un apego fiel al cómic con trama y personajes como Silk Specter, The Comedian o Dr. Manhattan, nunca fue reconocida por Moore, debido a que no había autorizado la adaptación por falta de apego a la esencia de la novela. Aun así, resultó en una historia completa y sobre todo respetando muchos parámetros como la historia casi paralela a la historia mundial real, así como su influencia en el mismo de los actos de cada personaje.

9- The Avengers Cuando juntas a un grupo de superhéroes de

diferentes tiempos y poderes para defender a la Tierra de una invasión extraterrestre, lo primero que se viene a la mente son The Avengers, los cuales desde las primeras historietas de Marvel, han venido a proteger al universo bajo la guardia de los más poderosos héroes como Iron Man, Captain America, Ant-Man o Black Panther. Ahora, si en el cine juntas a los superhéroes del universo que Marvel ha formado en torno a Iron Man, Captain America, Thor, Hulk y héroes agregados durante los diversos filmes tenemos a The Avengers como una película esperada por los fanáticos del cómic; donde una invasión de alienígenas, así como la captura de Loki, serán el detonante para ver a los héroes más poderosos de la Tierra unir sus fuerzas ante las nuevas amenazas de este universo.

10- The Crow James O’ Barr creo una de las novelas gráficas más atractivas de los años noventa, aunque se publicación fue en 1989, mezclando poesía con una historia de acción que tenía una fuerte carga social y personal (ya que el autor es bastante extraño); reflejando el dolor de O’Barr al perder a su novia a manos de un conductor ebrio en un accidente automovilístico, ambientada en un escenario caótico de Detroit, Michigan. La cinta de 1994 también incluye sucesos trágicos, como la muerte de Brandon Lee (interpretando a Eric Draven de forma magistral) en un ‘accidente’ de producción aunque se rumora que la mafia estuvo involucrada debido a su padre, Bruce. La película refleja la oscuridad de la obra gráfica y va un poco más, con violencia en personajes que así lo requieren, un villano desalmado y la contra parte, la pequeña Sarah quien sirve como guía espiritual a Draven. Hasta la fecha, obligada para rockeros y comiqueros.

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In Flames por Manuel Castillo

Amduscia por Manuel Castillo

Suicide Commando por Manuel Castillo

Machingon por Manuel Castillo

Children Of Bodom por Javo Hernรกndez

Molotov por Manuel Castillo

Machingon por Manuel Castillo

Fear Factory por Manuel Castillo

Gogol Bordello por Manuel Castillo

Cuarteto De Nos por Manuel Castillo

Daft Punk MÚSICA

ARTE

MODA

DISEÑO

LIVE

ADANOWSKY la parte femenina que todo hombre lleva

Por: Andrea Quintana / Foto: Ulises Ávila

a nada y el todo, la noche y el día, la luna y el sol, la muerte y el nacimiento, la tierra y el cielo, la recompensa y el castigo, la mujer y el hombre, todo parece ser una eterna dualidad entre géneros. La realidad es que, como el yin y el yang, las dos mitades forman un todo...y Adanowsky lo sabe. Su dualidad comenzó desde el vientre materno; “Antes de que yo naciera, mi madre estaba embarazada de una niña pero la perdió. Después se embarazó de mi hermano y soñaba con tener una mujer. Cayó embarazada de mí, mi padre sacó una carta del tarot y apareció una estrella, que significa una mujer y eso pensaron que sería. Así coincidieron en el nombre de Ada. Yo creo que mi padre quería darle gusto a mi madre porque había sufrido mucho. Cuando nací y me recibió, vio mis testículos y dijo: ‘¡no es Ada es Adán!’”. Ese estigma de haber nacido hombre, fue algo que lo atormentó durante bastante tiempo, “yo me sentí prisionero de esa decepción de mi madre y entonces pensé que tenía que deshacerme de eso, de ese fantasma, tenía que convertirme en Ada y vivir mi neurosis”. Y así, como en la mitología griega Hermafrodito se unió con un espíritu creando un ser de doble sexo, Adanowsky aceptó esa parte femenina; y casualmente, “nunca antes me había sentido tan masculino”.

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“Siempre me han gustado las bandas antiguas, como Los Dug Dugs, Javier Bátiz“

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Pero, esto no quiere decir que a Adanowsky le gusten los hombres, simplemente que ha encontrado un equilibrio y que ha asumido su femineidad. Incluso, la mente bizarra de este personaje vestido con traje blanco, ojos bien delineados y boca color carmín se adentra a un pensamiento o realidad alterna: “Sí, me hubiera gustado ser mujer; saber lo que es estar embarazado, tener una vagina, tener un orgasmo vaginal, tener tetas, sacar leche, tener crisis de histeria porque sale la luna, ser más inteligente que los hombres, me hubiera encantado”. Y, hablando un poco más de esa nueva imagen de Ada y el trabajo que cuesta lucir un maquillaje impecable, sonríe y confiesa: “ aprendí a maquillarme yo mismo, me desesperaba mucho pintarme los labios, era terrible, al principio me tardaba una hora y media y ahora solo 45 minutos”. Así, si Eva nació de la costilla de Adán, es lógico que “todo hombre que desprecia a la mujer se desprecia a sí mismo, desprecia su parte femenina y viceversa. Yo no veo diferencia entre hombre y mujer, todo hombre o mujer que lucha por su poder vive en una ilusión, estamos totalmente unidos hombre y mujer”.

Welcome to my world Paradojicamente, escuchar el nuevo disco de Adanowsky nos adentra a un ambiente sensual, retro, en donde el amor y la lujuria se encuentran presentes y mezclados junto

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a sonidos pop futuristas y muchos sintetizadores; sin duda, canciones más felices. “El Ídolo era un joven de 23 años, que quería brillar que soñaba con él, tenía miedo a la muerte y muchas neurosis del pasado, así que puse todo eso en el disco y lo saqué. Amador era salir de la obscuridad para ir a la luz, dejé de lado la angustia e intenté abrir mi corazón; porque vi a una curandera y me dijo que tenía el corazón cerrado, así que usé el arte para sanar eso. Con Ada dejé la melancolía y tristeza de lado, porque siempre cantaba que estaba mal y solo. La gente me asociaba con la melancolía y nostalgia, qué horror, así que en este mundo tan decadente, tengo que aportar alegría.” Pero, dejando de lado al Ídolo y a Amador, este es el primer disco para Ada: “me tardé mucho porque traté de recrear un ambiente, una manera de cantar que es nueva, canto en inglés, fue un mundo que crear. No fue nada fácil, yo siempre quise cantar funk, pero nunca me atreví porque me dije ‘no soy negro’. Pero después empecé a escuchar Talking Heads y me dije ‘porqué yo no, porqué la música tendría que tener algún color’ y me lancé”. Pero, lo que nunca cambiará en Adanowsky, es que ahora como artista y después de haber pasado su adolescencia en París yendo a infinidad de conciertos, lo único que intenta es “hacer lo mismo que a mí me hubiera gustado ver cuando tenía 15 años, intento divertir a ese Adán. Simplemente hago lo que me gusta, me divierto en el escenario”.

UN AÑO DE GIRAS, UN AÑO DE LOOKS CON

HAYLEY WILLIAMS Paramore en “Reading Festival“ 2014

Por: J.A.T.N.

areciera que la cabellera de la bella y colorida Hayley Williams, vocalista de la banda de pop-punk Paramore, cambiara con la temperatura, por que en este último año hemos visto un gran cambio en la gama de colores que utiliza para teñirse “la mata”. Acostumbrados a los rojos, naranjas y rosas, en este 2014, Hayley nos ha deleitado con tonos fríos que van desde el azul, hasta el verde, y pasando por el aguamarina, recorriendo así toda la parte del círculo cromático que le faltaba. Hayley nos ha acostumbrado al cambio, tanto con la música de Paramore, como con su imagen, y no es de sorprenderse ya que lo ha hecho desde que sus fans la conocemos. Así pues, te presentamos algunos de los looks más destacados de este año de la “Camaleona” Williams. Y si acostumbras teñírtelo como ella, te preguntamos, ¿cuál de estos te gustaría probar ahora?

Paramore en “The Directv Beach Bowl“ 2014

Paramore en “102.7 KIIS FM’s“ 2014

Paramore en “GMA” 2014

Paramore en “AP Music Awards“ 2014

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24 golpes de MIKEL ERENTXUN Por: Andre Dulché / Foto: Ulises Ávila

n músico que en 30 años de carrera ha logrado vivir la prueba del tiempo y salir ileso, pasando por una era dorada en España con gente ávida de escuchar rock en español hasta hoy en día, siendo padre por quinta vez y acercándose a un nuevo público, uno que nunca pensó atraer. Mikel Erentxun fue parte de Duncan Dhu en los años ochenta, que en México será recordado por la era del Rock En Tu Idioma donde provenían bandas compatriotas como Radio Futura, Los Toreros Muertos o Alaska y Dinarama; con dicha banda siempre será recordado por el tema “En Algún Lugar”. Ahora, con su más reciente material 24 Golpes busca explorar terrenos que no pudo hacer antes, nunca pudo presentarlo en México debidamente y sentía que era una deuda a pagar ya que el ibérico considera a este país como su segundo hogar. “Curiosamente, solo pude presentar 24 Golpes en Tijuana, por una gira que hicimos en Estados Unidos, lo que no hemos hecho es el formato en privado; me gustaría tocar algún día es Mexicalli’ señala

el fanático de la Real Sociedad. Sobre este álbum, Erentxun comenta: ‘es un disco de rock and roll, es muy sencillo con pocos arreglos; bajo, batería y un par de guitaras. También es inmediato, lo grabamos en pocos días y del cual estoy realmente muy orgulloso. En sí puede ser un disco B de Eléctrica PKWY, son las dos caras de una misma moneda’. UNA NUEVA ETAPA Aunque lleve más discos grabados como solista que con Duncan Dhu, siempre estará con esa referencia, la cual no le influye en lo más mínimo; ‘siempre estaré ligado a Duncan Dhu y tampoco me importa, estoy muy orgulloso de ello, he grabado más como Mikel y estos discos me alejan de lo que hacía antes y me acercan a un público más indie y han sido los que mejores críticas han recibido’. El tiempo ha pasado no solo para él, también en la industria y la sociedad, a lo que él se refiere; ‘tuve la suerte de vivir los ochenta que es algo irrepetible, habrá cosas interesantes pero como esa no, la escena era desconocida y las ansias de escuchar rock en español inundó la tele y la radio,

eso se fue diluyendo hasta desaparecer. Vivimos una etapa gris, la escena ha caído un 80%, se venden menos discos y va menos gente a conciertos, aunque en España también hay cosas interesantes, nuevas propuestas como Vetusta Morla, que como pasaba en los años ochenta son los independientes los que dan guerra y están alzando la voz’. Este seguidor implacable de artistas como Bob Dylan y Johnny Cash, encuentra su mayor reto en seguir activo y creando, esto sin olvidar tener gente en sus conciertos y vender discos físicos, para ello se guía de sus letras, las cuales las considera personales: ‘generalmente hablan de relaciones personales y no de realidades sociales, no las puedo evadir pero en una frase de amor pueden reflejarse. Vivo una quinta paternidad y eso me da mucha energía, totalmente alejado de la crisis económica, las nuevas vivencias van más por el paso del tiempo o nueva hija que me interesa más que hablar de Rajoy. Como persona te implica y afecta y eso es imposible pero prefiero evadirme e irme directo a mi vida.’

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FITO PÁEZ canciones de amor mientras tanto Por: Arturo G. Aldama / Foto: Manuel Castillo Para MK, OZ y CM

onvertido en uno de los nombres referenciales del rock argentino, acreedor del título de ‘maestro’ por parte de los más jóvenes, Fito Páez es un sobreviviente. De la tenebrosa dictadura que hubo en su país, de los vericuetos de la industria musical y de sí mismo. La tabla de salvación para él y muchos de sus oyentes ha estado únicamente en sus canciones que tres décadas después siguen teniendo el duende para engancharse a la víscera cardiaca de veteranos y recién iniciados en su música.

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Mi primera memoria de Fito Páez es en el noticiero Hoy Mismo a finales de los 80. Lo recuerdo hablando alocadamente, disparando palabras más en juego de dobles sentidos que en un esfuerzo por armar un discurso, y, después del tema que tocó solo al piano, al conductor del programa, Guillermo Ochoa, nervioso, intentando justificar el estrafalario comportamiento de su invitado por el asesinato de sus tías durante la dictadura en Argentina. Fito era todo lo contario al mundo de mis padres y, como adolescente que era, por supuesto, me encantó. Pasarían muchos años antes de que Fito volviera a México. Aquella visita inaugural ocurrió tras la publicación de Ciudad De Pobres Corazones (1987), su tercer disco solista. En 1988 salió Ey!, con una variada paleta rítmica y letras ácidas de tintes surrealistas, terminaba por definir su personalidad fuera de la sombra del divino Charly García, con quien siempre será comparado; no tuvo gran repercusión, sin embargo, era una época donde los

pibes desayunaban o compraban un disco. A duras penas logró editar Tercer Mundo cuando los aprietos monetarios lo obligaron a migrar, igual que muchos otros músicos argentinos (entre ellos Andrés Calamaro). Pero Tercer Mundo tuvo un éxito que lo obligó a volver para satisfacer la antes inexistente demanda de sus presentaciones en vivo. El Amor Después Del Amor (1992) lo convertiría en ídolo del Cono Sur y el resto de Latinoamérica terminaría por rendírsele con Circo Beat (1994), que incluía “Mariposa Tecknicolor”, su mayor éxito hasta la fecha. A partir de entonces su discografía se regularizaría y sus visitas a nuestro país se harían constantes. En su versión roquera más electrificada, acompañado solo de su piano y un bajo o por una orquesta sinfónica; en el Teatro Metropólitan, en el Zócalo, en la gayola del Auditorio Nacional o apretujados en un reducido club, Fito posee la rara destreza de poner a flotar las más frágiles e intensas de las sensaciones, aquellas que las presiones cotidianas nos obligan a enterrar al fondo de nuestra coraza por mero instinto de

supervivencia, y señala a otra existencia posible, al vuelo de la emoción, donde encontramos fuerza en nuestra debilidad, donde el suspiro preludia el grito, donde nada es contradicción, todo es un río del yin al yang sin necesidad de escondernos de nosotros mismos. Quizá no alcancé a comprender todo esto sobre Fito Páez hasta su pasada presentación en la edición XIV del festival Vive Latino. Antes de su presentación me topé a un buen hombre, quien me dijo que se encontraba ahí para “llorar el mal de amores”. Creía que hablaba de una metáfora hasta que en medio del recital volteé y realmente lo vi derramando lágrimas. Sentí ganas de decirle muchas cosas para las que no encontré palabras, de cualquier modo ya las estaba diciendo el tipo encima del escenario. Lo que hay en Fito Páez, parafraseando otro de sus títulos, son canciones de amor mientras tanto, mientras la ilusión se desploma o llega la estocada fatal. Solo se trata de vivir, esa es la historia.

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DISCOS PARA

Daft

Random Access

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TODA LA VIDA:

Punk Memories

Por Le Kat

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a pasado ya más de un año desde que el dúo francés integrado por Thomas Bangalter y Guy-Manuel de HomemChristo hiciera público su más reciente disco y es momento de hacer un análisis del impacto que ha tenido esta obra para la escena musical. Siendo hasta ahora el proyecto más ambicioso que han llevado a cabo los robots – quienes, por primera vez en su discografía oficial usaron músicos en vivo en lugar de ‘samples’ –, la verdadera trascendencia de este álbum radica en su importante papel para el resurgimiento de un género olvidado (y despreciado) por muchos; nos referimos a la música Disco. Este ritmo tan popular en los años 70 fue la primera gran fuente de inspiración para los jóvenes músicos que eventualmente se convertirían en uno de los más exitosos actos de la música electrónica en el mundo. Sin embargo, la evolución natural de la música popular convirtió al género en poco más que un recuerdo. Fue en el año 2008 cuando los siempre innovadores Thomas y Guy-Manuel ignoraron este hecho y se determinaron a hacer un álbum compuesto de genuina y fresca música Disco. Reconocidos por su actitud perfeccionista, el dúo nunca se apresuró a lanzar el proyecto hasta que este quedara tal y como ellos lo habían visualizado, aunque cabe mencionar que durante este lapso, lograron darse algunos meses para trabajar en el soundtrack de la película Tron: Legacy. Es importante saber que, aún cuando Random Access Memories es sin duda alguna el bebé de los robots, gran parte del sonido que se pudo lograr se debe a los colaboradores que trabajaron en este disco con el dúo. Bangalter y de Homem-Christo contaron con la presencia de algunos de los más grandes ídolos de su infancia, tales como Giorgio Moroder (acreditado como uno de los pioneros de la música electrónica) y el muy reconocido Nile Rodgers (compositor de incontables éxitos de la música popular y guitarrista de la banda de Disco Chic). En el álbum también se pueden encontrar nombres más contemporáneos como el de Julian Casablancas (vocalista de la banda The Strokes) y Pharrell Williams, sin mencionar un grupo de talentosísimos músicos de apoyo entre los cuales se destaca Paul Jackson Jr. (guitarrista de sesión para Michael Jackson, Elton John y Luis Miguel, entre otros).

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Pero, ¿a qué se debió el enorme éxito de este disco?

La respuesta es simple; corazón, talento y un poco de suerte para lanzar su álbum en el momento adecuado. Y es que no cuesta trabajo imaginar a un par de adolescentes soñando con crear algún día música que provocara la misma reacción en sus contemporáneos como la que hacían sus ídolos setenteros. Desde su primer disco, Homework, el dúo se enfocó en hacer música bailable usando en gran medida la técnica del ‘sampleo’, la cual es - en esencia – tomar algún pedazo de una pieza musical ya existente y crear nueva música a base de esta. Los robots perfeccionaron esta técnica en su siguiente disco, Discovery, el cual – antes de que el Random Access Memories fuera lanzado – era su disco más exitoso. Popularmente, existe una gran cantidad de personas que piensan que el género electrónico o el rol de un productor de dicha música no requieren de gran talento más allá de darle ‘Play’ a una grabación. Sin embargo, basta con solo analizar el proceso creativo de los más exitosos productores de música electrónica para darse cuenta que el talento comienza desde la habilidad para encontrar – o muchas veces crear – el sample correcto y añadirle la instrumentación complementaria que más le beneficie, hasta encontrar los timbres correctos para los sintetizadores o dominar el uso de los vocoders (sistema electrónico que combina la voz de un cantante con algún otro instrumento musical). Algunos de los más ambiciosos productores han incluso lanzado trabajos audiovisuales de larga duración, como es precisamente el caso de Daft Punk con sus películas Interstellar 5555 (largometraje animado que complementaba la música del álbum Discovery) y Electroma (película ‘live action’ protagonizada por el dúo). Volviendo al Random Access Memories, su lanzamiento se da en un momento muy conveniente para el grupo francés; un momento en el que la música electrónica ya ha ganado mucho terreno en el ámbito popular y el empleo de instrumentación electrónica es casi obligatorio en las canciones pop más exitosas. Curiosamente, Daft Punk usó menos instrumentación electrónica en este disco que en cualquier otro de sus trabajos previos. En una época donde la innovación no es la principal característica, probablemente lo

más novedoso ha sido traer de vuelta algo ya conocido. Tan solo basta con escuchar los trabajos de agrupaciones como Earth, Wind & Fire, The Jackson 5 y sobre todo el mismo Chic para darse cuenta de que el sonido de este álbum no es nada nuevo. Sin embargo, al ser algo que ya no se produce regularmente, se vuelve interesante escucharlo al ser interpretado por nuevas generaciones.

Las canciones

Finalmente nos dedicamos a lo que hace grande a cualquier álbum; sus canciones. Si bien Random Access Memories contiene canciones que pueden no ser totalmente digeribles para el público en general (como las instrumentales “Motherboard” y “Contact”), la gran mayoría cuentan con estructuras musicales muy sencillas y melodías e instrumentaciones memorables. El disco abre con la canción “Give Life Back To Music”, la cual nos introduce al sonido base del vocoder de Daft Punk, en conjunto con las legendarias guitarras de Nile Rodgers y Paul Jackson Jr., que caracterizarán al álbum. El ritmo baja un poco con “The Game Of Love”, canción un tanto más melancólica y en la cual el dúo intentó emular el sonido de un ‘robot con emociones’. Nos encontramos después la colaboración del italiano Giorgio Moroder en “Giorgio By Moroder”, en la cual el dúo nos da un viaje a través de los diferentes estilos musicales que los han caracterizado, mientras el mismo Giorgio narra un poco acerca de su vida, sus inicios e ideología como músico. Volviendo a una atmósfera melancólica, Daft Punk nos deleita con “Within’” pieza en colaboración con el pianista canadiense, ‘Chilly Gonzales’, y en donde nos demuestran una vez más que son los maestros del vocoder. Poco después toca compartir créditos con Julian Casablancas en la canción “Instant Crush”, la cual nos

presenta una agradable combinación del estilo de The Strokes con el de Daft Punk y la voz modulada de Casablancas. Luego nos topamos con la primera de las dos colaboraciones entre Pharrell Williams y los robots en “Lose Yourself To Dance”, la cual parece directamente sacada de algún disco de Chic. Esto no es coincidencia, ya que el otro colaborador de esta canción es el ya mencionado guitarrista de dicha banda, Nile Rodgers. Para todos aquellos que gozan de escuchar este álbum en acetato, esta es la canción que marca el término del primer disco. Al inicio de la siguiente canción, muchos podrían pensar que accidentalmente pusieron una canción de Pink Floyd en su época más psicodélica, y no es hasta que escuchamos la voz de Paul Williams (de gran fama en los años 70) que nos damos cuenta que estamos escuchando la pieza titulada “Touch” la cual podría ser considerada una variación melancólica del éxito más grande de este álbum. Pero, ¿de cuál éxito estamos hablando? Estamos hablando de la canción a la cual probablemente se le deba gran parte de la popularidad de este disco, la ‘Smells Like Teen Spirit’ de este álbum; hablamos de “Get Lucky”. Esta pieza cuenta con solo cuatro acordes y una sencilla – pero pegajosa – letra. Sin embargo, rápidamente se convirtió en la canción más reconocida del dúo francés (sobrepasando su anterior sencillo más exitoso, “One More Time”). En esta canción nos deleitamos una vez más con la combinación estrella de la distintiva voz de Pharrell Williams, la guitarra inmediatamente reconocible de Nile Rodgers y el dominio de Daft Punk en los sintetizadores y vocoders. Esta pieza sintetiza perfectamente el sonido y la dirección que tomó este álbum y ya se ha convertido en un clásico de la música popular. Después de esta gran canción, Thomas y Guy-Manuel nos demuestran junto con Paul Williams que la música de Daft Punk no solo contiene música de calidad, sino que también es capaz de brindar letras profundas. Hablamos de “Beyond”, para la cual Williams escribió una letra después de que el dúo le presentara una idea básica de lo que buscaban para la canción. Más adelante, y con una fluidez extraordinaria, seguimos con la pieza instrumental “Motherboard”, la cual contiene elementos más variados que el resto de las canciones, como flautas y guitarras acústicas.

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Si bien, puede que sea muy pronto para comparar este disco con obras clásicas como Abbey Road, The Wall y Thril er, no cabe duda que este es un álbum que no puede faltar en la colección de todo melómano.

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Pasamos después a “Fragments Of Time” la cual es producto de la colaboración con Todd Edwards, quien ya había trabajado anteriormente con Daft Punk para la canción “Face To Face”. Esta nueva colaboración pretendía alcanzar una atmósfera ‘veraniega’, por lo cual la letra de la misma refleja claramente la experiencia de Edwards al visitar a los robots en California durante el verano para la grabación de esta canción. Ya casi para cerrar el álbum, nos topamos con la hipnótica “Doin’ It Right”, la cual nos muestra la colaboración con el estadounidense Noah Lennox, mejor conocido como ‘Panda Bear’. Esta canción es la más simple del disco en cuanto a instrumentación se refiere y nos provee de una combinación entre la voz de Panda Bear y los vocoders de Daft Punk. Para cerrar con broche de oro este álbum (y muy al estilo del Dark Side Of The Moon), la agrupación eligió la pieza instrumental “Contact”, en la cual predomina el sonido del sintetizador y adicionalmente contiene grabaciones de la misión de la NASA, Apollo 17.

Un disco para toda la vida Finalmente, y como todo gran álbum, el Random Access Memories no es tan solo una colección de canciones; es una experiencia. Ya seas fan del rock, del metal, del jazz o del hip hop, este disco es una pieza exquisita que no fallará en deleitarte en – al menos – un par de ocasiones. Si bien, puede que sea muy pronto para comparar este disco con obras clásicas como Abbey Road, The Wall y Thriller, no cabe duda que este es un álbum que no puede faltar en la colección de todo melómano. Para los amantes del Disco y de la música electrónica, este es un material para toda la vida.

Artista: Daft Punk Año: 2013 Género: Dance, Electrónica Canciones destacadas: “Give Life Back To Music”, “Giorgio By Moroder”, “Lose Yourself To Dance”, “Get Lucky”, “Doin’ It Right”.

LOS 5 “INDIES” QUE DEBES ESCUCHAR Por Nallely Hernández

3. Public Access T.V. – Garage Punk Groove

1. The Bohicas – Garage Rock

2. Baby Strange – Indie Rock

Esta banda originaria de Londres es la nueva adquisición de la disquera que ha visto nacer a las principales alineaciones indies de los últimos años (Arctic Monkeys, The Kills, Franz Ferdinand) nos referimos a Domino Records. Aunque la banda no tiene ni un EP grabado, con sólo escuchar sus tres únicos temas “XXX”, “Crush Me” y “Worms”, nos muestran que tal vez la rebeldía en las guitarras, las voces graves y la intensidad en cada interpretación son las primeras características de una prometedora carrera musical. Si no lo crees, te invitamos a escucharlos.

Banda integrada por Johnny Madden y los hermanos Connaire y Aidan McCann, también originarios de Londres, son la nueva versión (un poco más jóvenes) de The Vaccines pero con algunos toques oscuros. La banda, que inició con pequeñas presentaciones en algunos bares, supo ganarse la atención, con su propuesta irreverente y un tanto pegajosa, de algunos medios locales; mismos que los ayudaron a hacer presentaciones en lugares más grandes y que sin duda expandieron el rumor de estos jóvenes irreverentes.

Seguimos con las propuestas que toman las fórmulas establecidas para darle un toque contemporáneo. Esta banda une la melodiosa manera de hacer música de Phoenix con la agresividad de cada nota como The Strokes. La coincidencia es razonable, ya que los tres jóvenes que hacen posible esta propuesta, son originarios de Nueva York. Actualmente están Promocionado Su Primer EP Rebounder, Bajo El Sello De Rough Trade.

4. Courtney Barnett – RockAlternativo

5. Reignwolf – Blues Rock Este proyecto es el ejemplo de que “calidad es mejor que cantidad”. Integrado solo por el canadiense Jordan Cook, su individualidad no le ha impedido o intimidado para ser el acto telonero de Black Sabbath durante sus presentaciones por Europa. Con solo una guitarra, un micrófono y un bombo, Reignwolf transmite toda la energía del blues y el rock con potentes interpretaciones e interesantes canciones. Una de las más importantes y reveladoras actuaciones de este canadiense fue para KEXP de Seattle, presentación que a más de uno sorprendió y seguirá sorprendiendo.

Porque no todo en la escena “indie” significa folk y voces que imiten el estilo de Cat Power, te presentamos a Courtney Barnett. Originaria de Australia, inició su carrera musical con un sello discográfico llamado Milk! Records, pero no fue hasta 2013 cuando empezó a llamar la atención por la música que hacía, llena de humor algo retorcido bajo un estilo sesentero. Barnett, quien ya cuenta con un primer álbum debut que se estrenará a finales de año, hace varios meses comenzó a sonar en los principales festivales europeos de verano, como Glastonbury, Live At Leeds y recientemente sorprendió con su actuación en Lollapooloza Chicago 2014. Con estas referencias vale la pena escuchar su trabajo.

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ASTROS

naturaleza psicodélica Por: Nallely Hernández / Foto: Cortesía Astros

al vez sean esos riffs y teclados surrealistas que acompañan sus letras amigables y divertidas, lo que hacen poner nuestra atención en una de las principales propuestas de la escena musical independiente en Chile: Astro. Con sólo dos discos y varias presentaciones en importantes festivales latinoamericanos y una reciente participación en el Primavera Sound de España; la banda integrada por Andrés, Octavio, Zeta, Lego y André, nos demuestran que la psicodelia está en la naturaleza. Pólvora Lado V platicó desde Chile con Andrés Nusser, vocalista y guitarrista y Daniel Varas, tecladista y bajista, de la banda sobre su trayectoria, influencias, planes y la escena musical en Chile. P. En 2008 comenzó su proyecto y hace unos días se presentaron en el Primavera Sound. ¿Cómo fue el inicio de esta aventura musical, el primer acercamiento con la música para cada integrante de Astro? El de Octavio, fue desde casa donde había una caja de batería que le habían regalado años antes a su hermano. Luego en el colegio hizo una banda con unos amigos, y como él tenía una caja en su casa, entonces le tocó ser el baterista. Andrés tenía un piano en su casa. A los 6 se metió a clases de piano para aprender a tocar. Zeta tenía que esperar a su mamá que daba clases de ballet, ahí había un piano, eso le llamó la atención. Después su papá le regaló un Casio grande y así empezó hasta ahora. Lego siempre tuvo motivación por su papá y su hermano, siempre tuvo acceso a la música. Desde chico sabía que quería ser baterista. P. ¿Cuándo y cómo se dieron cuenta que era momento de juntarse para hacer música? Andrés y Octavio venían haciendo música desde hace ya un tiempo, y lo mismo Lego

y Zeta por su lado. Cuando Astro recién empezó eran sólo Andrés y Octavio, pero las manos se hacían pocas y habían ganas de agrandar el proyecto. Entre todos nos conocimos en una fiesta. A las semanas ya éramos una banda. P. ¿En qué se inspiraron para el concepto de la banda y el primer disco de 2008? Lo principal eran las ganas de subir canciones a Myspace y al mismo tiempo tocar en vivo, que era algo que antes no hacíamos mucho. El concepto de la banda se dio solo, digo, no se pensó cómo iba a ser, simplemente fue. P. ¿Cuáles son sus influencias musicales? Cuando recién empezamos hubo influencias en música y estética de bandas como Animal Collective, Empire of the Sun, MGMT y Vampire Weekend. P. Sus videos son muy divertidos y psicodélicos, ¿se involucran mucho en la realización de la parte audiovisual? Siempre estamos muy presentes en lo que hacemos, aunque hay algunos trabajos (como el video de Panda) en los que hemos dejado que otros lo realicen. Ha habido de todo. El que más nos gusta es el de Ciervos, que fue muy interno de la banda. P. Haciendo una retrospectiva de estos 5 años de trabajo, ¿en qué punto se encuentra Astro, a nivel musical y personal? Han pasado muchas cosas, hemos viajado mucho, aprendimos a hacer un show sólido en escenario, hicimos 2 discos, muchos amigos. Creo que más que nada hemos ganado perspectiva, la que estamos ocupando para producir nuestro disco nuevo. Astro en este minuto se encuentra en un punto decisivo, digo, si este disco queda bien, nos podría ir muy bien.

P. ¿Qué opinan de comparaciones con bandas como MGMT? La comparación era correcta en algún minuto, está todo bien para nosotros. Lo que estamos haciendo ahora ya agarró una dirección más propia. P. La banda nace en un país donde la escena musical independiente es muy fuerte, ¿cuál es su percepción, resulta fácil mantener un proyecto musical en Chile? No es que sea fácil, creo que lo que pasa es que se trabaja mucho. También pasa que no hay solo bandas nuevas, sino también disqueras, promotores, festivales, venues, escuelas de música, cultura en la calle. Pero a los que les va muy bien, siempre trabajan mucho. P. ¿Qué banda nos recomiendan seguirles la pista? Niño Cohete. P. Estuvieron en el Vive Latino de 2012, ¿qué les pareció nuestra escena musical? ¿Alguna banda favorita? Porter y Hello Seahorse son geniales. Café Tacvba fue nuestra banda sonora a los 14 años. Una vez se subió Rubén a cantar “Ciervos” con nosotros en un festival en Panamá. P. Por cierto, Ximena Sariñana hizo un cover al tema Ciervos, ¿qué les pareció? La Ximena es muy buena onda, la verdad nos sorprendimos cuando escuchamos la canción. ¡Nos puso bien felices! P. ¿Qué más tienen planeado para 2014; disco, colaboraciones, más festivales? Estamos produciendo un disco nuevo y ahí está puesta toda nuestra energía. De festivales, nos vamos a quedar más por estos lados para mantenernos enfocados en el disco. Tenemos ya bookeados un par en Chile, Perú y Argentina, posiblemente Brasil también.

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Modelo: Mell Mermaid Foto: Javo Hernรกndez

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