JOHNNY INDOVINA
EL SONIDO DEL CORAZÓN AZUL Texto: Andrea Quintana Foto: Gerardo Castillo
Siendo una de las personas más influyentes dentro de la escena gótica, ex frontman del grupo Human Drama. Después de más de veinte años de carrera con esta banda, Johnny sigue vigente en una nueva etapa como solista. Sus inicios se remontan a The Models, formada a mediados de los años 80, la cual considera como una experiencia de aprendizaje, “aprendí a hacer música, a escribir y construir canciones”, comenta. Esta banda tuvo una vida muy fugaz, con solamente dos sencillos. Sobre su aprendizaje en su primera banda, Indovina recuerda que lo mejor fue el cómo se convirtieron en una gran banda del sur; “éramos una banda muy pequeña. Nos tomó mucho trabajo y tiempo, a lo mejor dos o tres años, antes de hacer las cosas muy bien”. Recordando a Human Drama Entrando un poco más en la agrupación que lo dio a conocer en la escena, encontramos a la mítica banda Human Drama, cuyo mejor momento fue “la grabación y la reacción de The World Inside”. Hurgando un poco más en la nostalgia, le pregunto a Indovina si extrañaba su antigua agrupación, después de un momento contesta: “Claro, siempre extrañas las cosas buenas cuando ya no están. Creo que estuvimos juntos la cantidad exacta de tiempo, nos mantuvimos en la cima de principio a fin. Estoy muy orgulloso de lo que hicimos y también de la decisión de haber detenido el proyecto”. Bien dicen que todo lo bueno tiene que llegar a su fin, es por esto que la separación de la banda se basa más en una cuestión de ética que en pleitos encarnecidos entre sus integrantes: “Se terminó por la misma razón por la que empezó, porque parecía lo correcto. Con el último disco Cause and Effect, podía sentir que este proyecto tenía un alto potencial de no sonar a Human Drama; fue solo el momento adecuado, eso lo sientes en el corazón. Creo que si hubiéramos hecho otro álbum no hubiera sido muy bueno. Mentalmente estaba listo para moverme”. Vientos de cambio Así fue que Johnny comenzó su etapa como solista, con Sound Of The Blue Heart pudo seguir madurando, hasta aprender que lo que quería hacer en la música era “hacer álbumes completamente especiales, al igual que canciones que representen algo por si solas”.
La historia de este músico se sigue escribiendo, con dos discos en su haber: Beauty? (2006) y Wind Of Change (2009). El tiempo entre discos no es una excentricidad por parte de Indovina, sino más bien nos muestra que un disco debe salir cuando es el tiempo indicado, no cuando te lo dicta una disquera: “Nos tomó un poco de tiempo tener las letras, ya que fueron muy difíciles, pero al final eso terminó bien porque amo este álbum, es uno de mis trabajos más fuertes”.
como una obra de arte, no solo es una colección de canciones”. Por último, este obscuro personaje reflexiona acerca de la canción que representa al Johnny de hoy: “Es una muy buena pregunta, porque las canciones ahora están en mi pasado, así que la que más se acerca es “Wind Of Change”.
Acerca de este material, Indovina nos traslada a sus típicos paisajes obscuros: “Es un disco bastante triste, creo que es una historia sobre alguien que está perdido y no entiende qué tan perdido está”. Wind Of Change es un material con el cual siente una “gran satisfacción, ya que elevé mis estándares al producir algo
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Saul hudson y el nombre que lo llevÓ a la fama
Texto: Adrián Muñoz Foto: Gerardo Castillo
Además de ser el hijo de la diseñadora de vestuario de un famoso cantante llamado David Bowie y del creador de portadas para Neil Young y Joni Mitchell, entre otros; es uno de los más grandes guitarristas de toda la historia. Saul Hudson nace un 23 de julio en la parte Oeste de Londres, sin embargo, su crecimiento fue en Estados Unidos, donde sus padres residían. De esta manera, desde su niñez, vive rodeado de glamour. A la edad de once, típico en su familia, cambian de domicilio a Los Ángeles. Sus padres se divorcian y convive con su madre la mayor parte del tiempo. A la edad de catorce, su vida da un gran salto, cuando, en compañía de una chica fumaba marihuana y escuchaban un álbum de Aerosmith. Es entonces cuando Slash, mote que el actor Seymour Cassel le otorgó debido a que siempre iba de un lado a otro, siempre de prisa, toma su bicicleta y rápidamente llega con su abuela y le dice que su vida ha cambiado por completo. Su primera alineación la hizo al lado de su amigo Steven Adler, quien en ese instante se autoproclama guitarrista del grupo Road Crew (nombre tomado de una canción de Mötorhead), mientras Hudson se hace cargo del bajo, sin saber utilizar el instrumento, es más, ni siquiera contaba con uno. Asiste a una academia de arte, donde pretende tomar clases de bajo pero lo único que consigue por medio de su abuela, fue una guitarra flamenca sencilla. Al escuchar a su maestro interpretar un tema de los Rolling Stones, decide que ese sería su instrumento favorito y con el cual, sin pensarlo, llegaría a consolidarse como uno de los mejores. Sus primeras lecciones musicales lo orillaron a convertirse en lo que ahora es, una estrella del rock. Su tutor musical constantemente tocaba temas de Led Zepellin y Cream; fue entonces que al verlo con una Les Paul, decide que realmente es lo quería hacer. Entonces plasma un anuncio en un periódico local, solicitando un bajista y recibe respuesta por parte de Duff McKagan, sin embargo, el grupo rápidamente se desintegra. Rápidamente se coloca en una banda local llamada Hollywood Rose, liderada por Axl Rose. Nuevamente este grupo toma un rumbo distinto,
entonces Slash y Adler son llamados a formar parte de un nuevo proyecto llamado Guns N’ Roses, al lado de Rose, Izzy Stradlin y McKagan. Aquí es donde nace la leyenda enfundada en el cuerpo de un simple mortal llamado Saul Hudson, quien gracias al actor Seymour Cassel y viejo amigo le da el sobrenombre que lo llevaría a la fama mundial: SLASH.
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LOS PARDOS AL INFIERNO SIN ESCALAS
“El rockabilly es básicamente ser rebelde, pero debes tener tus ideas bien fundamentadas”. Texto: Andre Dulché Foto: Gerardo Castillo
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Los Pardos es un trío de la ciudad de México que en poco tiempo se ha colocado como una de las bandas más importantes no sólo del rockabilly nacional, si no de la nueva generación del rock en este país. Es un claro ejemplo de cómo puedes hacer carrera profesional gracias a los medios alternativos, mucho empeño y teniendo como base los conciertos y no la venta de los discos. Crystian, su baterista asegura que “lo más importante es tocar, tener el contacto con la gente que es básicamente como se da a conocer una banda, no nada más actualmente, si no desde hace muchos años”. El sonido de esta banda hace que las clasificaciones sean absurdas, porque tienen muchas influencias que van del rock and roll de los 60, el punk rock de los noventa y los clásicos del jazz. “En lo personal no me gusta que te clasifiquen en algo, porque como músico no tienes fronteras, tienes que escuchar y saber de todo. Pero por el otro lado hay que entrar en algo; es la necesidad de la vida.” comenta Paco, vocalista y guitarrista.
Los Pardos han pasado por buenos y malos momentos, su carrera es joven al igual que su actitud ante las adversidades, su “camino al infierno” es largo y con sus paradas obligatorias, sin embargo este trío es una buena promesa del rock mexicano, con una encomienda personal, nunca ser un “Don Nadie”. Otro factor para evitar tipificaciones y crecer musicalmente es que no dudan en alternar con bandas de todo tipo, sin importar si son los Locos del Ritmo, la Sonora Skandalera o Tex-Tex. “Nosotros buscamos conocer todo tipo de gente y público y no nos cerramos nada más al billy, porque sería estar viendo en qué grupito se encaja, eso está mal”, añade su contrabajista, César. En su camino se han dado cuenta que entre ritmos de moda, que muchos artistas buscan fines en común y el desinterés por varias bandas del estilo por hacer un movimiento en grande, han hecho naufragar
la escena nacional, lo que obliga a las bandas de este género a buscar por sí mismos los espacios. Como indica Paco, esto “sucede por altibajos, una temporada está bien y la otra no. Las bandas tienden a estar muy dispersas, hacen clanes y eso es lo que debilita la escena”. Ser una banda de rockabilly, punkabilly o psicobilly o cualquiera de las diferentes ramas, tiene inmerso un gran problema, la creación de los discos es netamente independiente. Esta fue la razón por la cual el disco Don Nadie tardó mucho tiempo en salir masivamente, aunque su
canción icónica “Camino al Infierno” fuera un éxito radial y la gente lo tomara como referencia de la banda; muy a pesar de las críticas de productores y locutores de radio. Pero si de algo se nutre la música es de los comentarios y hay que saber entenderlos. “Sean buenas o malas reseñas te ayudan a mejorar como artista. Yo prefiero que me digan que la verdad para poder hacer bien las cosas”, resalta. Y Paco concluye diciendo que “no siempre tienes que irte de mochilazo a otros países a buscar conciertos o en su defecto, estar arropado con una trasnacional; simplemente se necesita tener un buen trabajo musical. Pero en este caso, la mala suerte también ha jugado un gran papel o en su caso, gracias a los gandallas americanos, porque nos han contemplado en más de una ocasión para ser parte de varios conciertos en Estados Unidos, pero por problemas con la visa no hemos podido, nos han rebotado. Lo más lejos que hemos llegado para el lado gringo ha sido Tijuana”.
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EL UNIVERSO DEL ARLEQUIN Pocas bandas, como la liderada por Tilo Wolff, tienen la visión de crear un concepto único alrededor de la marca del grupo. Por: ANDREA QUINTANA LIMÓN
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Desde su creación en 1990, la percepción de Tilo Wolff hizo que Lacrimosa fuera un suceso, no solamente por su novedoso estilo, si no por ser un gran emprendedor. Mucho antes de formar la agrupación, comenzó publicando su propia revista llamada Dark / Gothic, a los diecisiete años, misma que no funcionó y su interés por la música se hizo presente. Un año después, logró algo que pocos artistas llevan a cabo, crear su propio sello discográfico, Hall Of Sermon, con el objetivo de impedir ser coartado o censurado artísticamente. Siguiendo con ese ímpetu artístico, Tilo ha incursionado en su proyecto solista llamado Snakeskin, el cual cuenta con
El mito detrás de la máscara
Dejando atrás la mercadotecnia de la banda, también hay un universo de significados en sus míticas portadas, adornadas por imágenes monocromáticas de un arlequín, generalmente con un violín, sensuales dibujos de mujeres o imágenes fantásticas. El estandarte de la banda es sin duda el arlequín, presente desde su inicio. Este personaje está inspirado en Charles Chaplin, uno de los ídolos de Wolff, así como las máscaras que representan al teatro universal. El artista Stelio Diamantopoulos, pulió el boceto de Tilo y creó este símbolo, el cual es una expresión abstracta capaz de caracterizar la música de Lacrimosa, al no reflejar expresión alguna y estar dividido entre la felicidad y la tristeza. Diamantopoulos ha realizado todas las portadas del grupo e incluso tocó el bajo en dos discos.
dos producciones Music For The Lost y Canta’ Tronic. Por si esto fuera poco, también ha escrito algunos cuentos. Por otro lado, Anne Nurmi, su ahora inseparable compañera, es fotógrafa, diseñadora de modas y además tiene gusto por el arte culinario. Ella misma diseña y confecciona el vestuario. La mercadotecnia que gira alrededor de la banda es impresionante. La grabación de sus discos conlleva una planeación que va más allá de un simple producto. El preludio es por medio de sencillos, utilizado desde 1993, con la salida de Alles Lüge. Siendo fan de Lacrimosa, seguramente tienes todas las versiones existentes de sus álbumes, como Sehnsucht, que salió a la venta
en seis ediciones de colección, incluyendo la especial en digipack (portada a color) y la limitada en acetato. Por otro lado, editaron el box set Lacrimosa 1993-2009: The Singles; con una producción de dos mil unidades numeradas, para su gira 2009. ¿Otra rareza? El Vintage Classix, con mil copias; contiene siete discos en vinyl y una tarjeta autografiada. Como última joya para sus miles de seguidores, para Schattenspiel, en México se han hecho ediciones de edición limitada de 3 discos en vinilo, una de ellas limitada a solo 600 piezas y otra con empaque especial restringida a 50 unidades. Aunque Lacrimosa ha ampliado sus facetas artísticas, nunca se han considerado un producto comercial y como prueba es el rechazo para la cadena MTV sobre los derechos de promoción de sus videos, lo cual seguramente les hubiera dejado muy buenas regalías. Con respecto de sus conciertos, han recorrido el mundo, con giras de hasta dieciocho meses. Algunos de los países visitados son China, Japón, Hong Kong, Argentina, Chile, Ecuador, Italia, Ucrania, Taiwan y por supuesto México.
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Texto: Andre Dulché
OLIVER PALOTAI el viajero de kamelot
Oliver Palotai puede jactarse de ser un músico versátil, ya que puede tocar sin problemas en una banda de jazz o hacer metal en diferentes vertientes, como queda claro en sus trabajos con Kamelot y ahora con Sons Of Seasons. Al lado de la orden de los caballeros de la mesa redonda, ofrece un concepto que mezcla lo clásico, el glam y el metal sinfónico; esto gracias a la buena selección de músicos y claro, el apoyo de Simone Simons y Mark Jensen de Epica. A pesar de ser un músico reconocido, aún vive su trabajo como amateur, ya que ser parte de una banda fuerte no quiere decir que el camino se abra por sí solo o que nadie criticará el resultado. ¿Cuál es la gran diferencia entre Sons of Seasons y otras bandas? Cuando empecé a escribir las canciones, hubiera preferido cancelar todo el proyecto antes de que nuestro primer material sonara a otras bandas. Tenemos bastantes melodías fuertes pero también una abundancia en detalles, lo cual hace que necesites escuchar el disco varias veces. ¿Qué tan difícil es mezclar el jazz, la música clásica y el metal? Todo fue instintivo. Mientras tocábamos un instrumento lo hacíamos básicamente todo sobre la práctica; escribir música tiene un fuerte lado subconsciente. ¿Cómo fue la llegada de los músicos? Daniel Schild, nuestro baterista, lo conocía de hace algunos años, empezando en tríos de jazz y un año juntos en Blaze Bayley’s Band. Siempre quise tener una banda sólida con él. Jürgen Steinmetz, el bajista, lo conocí en Japón donde tocó como soporte de Kamelot con su banda Silence Force. Henning Basse, el cantante, también fue soporte en Japón con Firewind. Pepe Pierez, nuestro otro guitarrista se unió después de
que el disco saliera. ¿Porqué usar dos portadas diferentes? Napalm Records planeó una edición especial. Yo siempre quise dar a la gente que gasta más algo especial, incluso diseñamos un libro completamente diferente, pero lamentablemente nunca salió.
álbum en su portada también lo representa, la Reina Oscura –que representa el lado oscuro de nosotros- va por su última jugada en una partida de ajedrez contra alguien que no puede defenderse.
¿Cómo reaccionaron los fans de Kamelot a este proyecto? Tenía miedo de que muchos esperaran otro ¿Cómo se dio la colaboración de Simone Simons y Mark Jensen de Epica? disco estilo Kamelot, claro que SOS no Simone es mi novia así que escuchaba las está alejado. La gente en esta escena es canciones desde muy temprano y a veces muy abierta de mente, aceptaron que es las tarareaba, fue fácil escribir para ella. diferente. Incluso la canción “Wintersmith” fue meramente escrita para ella porque me recuer- ¿Cómo ves el futuro inmediato da a la protagonista del libro del que está de la banda? basada. Con Mark, necesitaba algunos Todo ha ido muy rápido en este momento, gruñidos y él lo hace muy bien, con un pero de nueva cuenta, la industria musical está sufriendo mucho por la descarga ilegal sonido rasposo. y quienes sufren esto son las bandas nuevas que todavía no suben como deberían. Es ¿De dónde salió todo el tema por eso que siempre le digo a los fans: si para el disco? “Vermin” en ingles se refiere a los insectos, descargas así no lastimas a los “grandes gusanos, etc. El título trata sobre el aspec- jefes” con cigarros y autos lujosos, pero to de nuestro personaje, representado por sí a los músicos que perciben menos del ejemplo, en pequeños empleados que pa- 95% del ingreso sí. Aún así, amo mucho la tean a sus inferiores y adulan a los superio- música como para rendirme. res. Dioses de nada, Dioses de Vermin. El
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El túnel del tiempo Patti smith
Texto: Toño Sánchez Uribe
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a primera conferencia mundial sobre la condición jurídica y social de la mujer se convocó en la ciudad de México, para que coincidiera con el Año Internacional de la Mujer, en 1975; también era el fin de la guerra de Vietnam con los comunistas en Saigón y curiosamente en ese mismo año, el mundo de la música recibe a Patricia Lee Smith, mejor conocida como Patti Smith. Nacida en Chicago, Illinois en 1946, comenzaría a aportar su riqueza y talento, no sólo musical si no también poético, gracias a la edición de su álbum debut Horses producido por John Cale (ex Velvet Underground) y grabado en los Electric Lady Studios de New York. En esta producción Smith dejó caer a cántaros, a través de sus letras, toda una dinámica feminista e intelectual rematada por los sonidos tonales del punk permeado por el rock alternativo, en abierto desafío a la estética de la música disco con la que competía, por así decirlo, en aquellas épocas. Esta joya tiene una duración de cuarenta y tres minutos y diez segundos, donde se escuchan los ahora míticos temas Gloria / In Excelsis Deo, Redondo Beach, Birdland, Free Money, Kimberly, Break It Up, Land: Horses/ Land of a Thousand Dances / La Merd (De), donde la Smith, (voz y guitarra), es acompañada por el baterista Jay Dee Daugherty, Richard Sohl en los teclados, Ivan Kral en el bajo y coros y Lenny Kaye en la guitarra y coros. Horses viene a representar el salto de una mujer real, que de trabajar en una sórdida fábrica, se rescató a sí misma para convertirse en una celebridad musical y en una activista seria y comprometida con diversas causas, tanto ambientalistas, como antibélicas y de carácter humanista. Musicalmente, pese a haberse encontrado con obstáculos, ha desarrollado una larga carrera que incluye la edición de nueve discos posteriores a éste y escrito una gran cantidad de libros dedicados a la poesía, desde 1970.
QUADROPHENIA Quadrophenia (1979) es una película británica resultado de la adaptación cinematográfica de la ópera rock de The Who, publicada en 1973 con el mismo nombre. Texto: José Luis González Ciceño
El relato es protagonizado por Phil Daniels, quien interpreta a Jimmy, un joven mod, quien vive la época de la posguerra en la Inglaterra que ofrece toda una serie de nuevas experiencias que lastimeramente son coartadas por la presión social. El título, tanto de la película como del álbum doble, hace referencia al estado avanzado de esquizofrenia que inhibe la capacidad de controlar las diferentes facetas de la personalidad cuadruplicada, esto debido a la condición extremadamente volátil de la mente. Precisamente, así es el retrato logrado en este clásico de la cultura juvenil y ópera prima de Franc Roddam, quien hasta antes de Quadrophenia se había dedicado a hacer documentales. Este filme producido por The Who es un relato naturalista de un fenómeno social y de las situaciones arquetípicas del comportamiento juvenil. Una de las anécdotas que conforman esta ficción es el conflicto entre la banda de los mods: jóvenes de clase media que visten trajes impecables, se mueven en sus scooters (motonetas) italianas y se abrigan con tradicionales parkas (chaquetas) militares; y los rockeros quienes visten de cuero y manejan grandes y ruidosas motocicletas. Los integrantes de este movimiento eran jóvenes
de clase trabajadora que tenían dinero en el bolsillo y entusiasmo por hacerse de su propia ropa, música, estilo y personalidad. No era un movimiento revolucionario, pues no pretendían cambiar el orden social ni repudiaban su condición de trabajadores, su único objetivo era evitar ser como todos los demás. Aceptaban trabajar como peones de empresas para poder divertirse como reyes al final de la semana y así poder decirle al mundo “soy alguien, soy una persona con estilo y voy a lograr algo”. La banda sonora es un flujo cambiante de energía juvenil, en ocasiones vertiginoso y de vez en cuando mesurado, oscilando entre lo introspectivo y lo explosivo. La mayoría de las canciones provienen del álbum original, doble vinilo con las letras de las canciones, síntesis de la historia y una serie de fotografías ilustrativas del relato. En 1979 la película tuvo una mala acogida por la crítica debido a la carga sexual, a la violencia y al abuso de drogas dentro de la trama. Pero fue ganando valor gracias a las recomendaciones entre los adolescentes de la época, hasta convertirse en una de las películas de culto del rock.
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la gran manzana
Apple Corps nace en abril de 1967 debido a que varios asesores de John, Paul, George y Ringo les advirtieron que si no invertían su dinero en un negocio tendrían que pagar 3 millones de libras esterlinas de impuestos. Texto: Abel Montaño Foto: Cortesía EMI
Esta compañía iba a ser una sociedad que controlaría una serie de empresas subsidiarias encargadas de diferentes actividades comerciales: Apple Records, Apple Music, Apple Films, Apple Publishing, Apple Retail, Apple Electronics (etc). Paul: “Estábamos sentados en EMI preguntándonos ¿cómo llamaremos a este negocio? Buscábamos nombres por abecedario; A de Apple (manzana), B de Bannana, C de Caterpillar (oruga), y pensamos: Sí A de Apple. Ése debería ser el nombre de la empresa. El logo de la empresa”. El 11 de mayo de 1968, Paul y John viajaron a Nueva York (EU), para anunciar a los cuatro vientos,
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el lanzamiento de Apple Records, en una conferencia de prensa que sólo ha sido comparada, por su cobertura, con el anuncio del fin de la Segunda Guerra Mundial. El mensaje informaba que los discos de The Beatles en adelante se editarán bajo el sello de Apple Records, y serán distribuidos por EMI en Inglaterra y Capitol en Estados Unidos. El 22 de junio, The Beatles compran el edificio que se ubica en el número 3 de Savile Row, el precio: 500,000 libras esterlinas. Lugar que será emblemático ya que el 30 de enero de 1969, en la azotea, tocarán por última vez juntos para el público.
En julio de ese año nace oficialmente Apple, el primer single tendrá las canciones: Hey Jude y Revolution, el primer disco de larga duración (LP) será: The Beatles (álbum doble). Si bien en un principio fue un asunto de impuestos, The Beatles vieron la oportunidad de editar los discos de artistas que les gustarán. Y es a partir de esa última afirmación como comienzan a invitar a cantantes y músicos a grabar, la primera será una muchacha galesa de diecisiete años llamada Mary Hopkin quien participaba en el programa televisivo Oppotunity Knocks. La Modelo Twiggy la había visto y se la recomendó McCartney y a este al escucharla pensó: “Muy bien, muy bien. Deberíamos contratarla para Apple, y quizás hacer con ella un disco interesante”. El primer tema de APPLE con un artista nuevo (Hopkin) fue “Those were the days” inspirada en una melodía rusa, se hicieron los arreglos necesarios y el 30 de agosto de 1968 el single salió para ser número uno en Inglaterra y dos en Estados Unidos, donde “Hey Jude” le impidió llegar al primer lugar. Para el siguiente trabajo en Apple, Paul produciría a Black Dyke Mills Band con una composición propia: Thingumybob, que
sería el fondo de una serie de televisión protagonizada por Stanley Holloway. George produjo a su amigo Jackie Lomax, integrante artistas que les gustarán. Y es a partir de esa última afirmación como comienzan a invitar a cantantes y músicos a grabar, la primera será una muchacha galesa de diecisiete años llamada Mary Hopkin quien participaba en el programa televisivo Oppotunity Knocks. La Modelo Twiggy la había visto y se la recomendó McCartney y a este al escucharla pensó: “Muy bien, muy bien. Deberíamos contratarla para Apple, y quizás hacer con ella un disco interesante”.
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skan dalo
sos de vuelta a la potesta Texto: Andre Dulché
Por muchos años el ska ha sido catalogado como música para pobres o vándalos, pero lo cierto es que este género ha permanecido y visto desfilar modas una y otra vez.
E
n la década de los noventa Quetzal, Mogli, Periko y Gabo escuchaban a grupos como Tijuana No, Mano Negra y La Maldita Vecindad, viéndolas como las narradoras de lo que acontecía socialmente, aprovechando todos los espacios para hacerse escuchar; esa fue su inspiración para formar a los Skandalosos. Salen al escenario como lo hicieran sus ídolos de antaño, con los rostros cubiertos en apoyo de los “zapatistas” y la resistencia, demostrando que los indígenas están en pie de lucha. En cierta forma no buscan ser los protagonistas de lo que cantan y crean personajes; aseguran que hay mucha gente que quisiera decir lo mismo. Para poder hablar de injusticias propiamente, lo mejor es que las hayas vivido y así son ellos, que provienen de un lugar popular de la ciudad de México, la “Sanfe”, mote con el que se conoce a la colonia San Felipe de Jesús, el cual “es un barrio como Tepito pero menos
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agresivo, se consigue y hay de todo. Vivimos en la zona militar, se le llama así porque es un terreno de puros ex militares entonces es un barrio armado, un barrio rojo que está en los límites de Nezahualcoyotl y el Distrito Federal”, expone Quetzal, su vocalista. Su sonido es una mezcla de ritmos propios del ska y el heavy metal, por lo mismo llevan una propuesta ideológica contestataria acorde a su edad y es Mogli, el bajista, quien lo ejemplifica como “la voz de un joven mexicano de entre veinte y treinta años que le cuesta ir a estudiar por falta de dinero o que en el trabajo le pagan muy poco, así es el mundo en un país tercermundista. La política que vivimos es un asco, no existe, no hay ni existirá democracia en México”. Su sonido no es comercial, gustan de decir las cosas que los molestan sin tapujos y aunque ellos desde un inicio han defendido la idea de la tolerancia tal parece que ésta
no es la misma hacia ellos porque han sido víctimas de la censura “disfrazada” de nuestro país, la primera en hacer este veto fue “La Tigresa”, Irma Serrano, en la Plaza de las Tres Culturas, durante un mitin político; al igual que las radiodifusoras importantes las cuales los discriminan, sin embargo esto en lugar de afligirlos los ha colocado con la gente indicada como el Panteón Rococó o Sekta Core, con quienes realizaron su material País Muerte. Incluso Misael, del Panteón, se ofreció en lo económico para realizar este disco.
no visten a la moda o por que simplemente no tocan imitando a bandas americanas en lo ahora llamado erróneamente indie, sobre todo las letras molestan a más de uno por eso es difícil encontrarlos en la radio o en la televisión. Por suerte esto no es ningún problema que no puedan soportar, “seguiremos luchando; mientras tengamos las facultades para hacer que nos escuchen, lo vamos a hacer”, finaliza Gabo.
Fórmulas de sobrevivencia ante uno de los públicos más exigentes como el ska, hay varias; la suya ha sido básica, se trata de “ser uno mismo, no hay protocolo. Sabes cómo es el público, la banda, uno como exponente musical sabe a lo que se arriesga al subir al escenario, si no les gustas te bajan. Si los haces mover fibras con tu música, lo agradecen con las palmas, por eso, nada como respetar al publico todo el tiempo”, añade Quetzal. Curiosamente no son considerados de la escena independiente aunque son un ejemplo real de lo que significa serlo, tal vez porque
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LIBER TerÁn El Gitano Western Texto: Abel Montaño Foto: Gerardo Castillo
Escuchar a Liber Terán, nos recuerda que desde hace más de 100 años la gente escuchaba los corridos para enterarse de lo que sucedía en México. Hoy, gracias a una serie de afortunados encuentros de este autor, podemos oír lo que nos sucede con una mezcla de Tigres del Norte y The Beatles (principalmente con “I´ve just seen a face”). Líber Terán, comenta cómo ve al mercado internacional, a sus seguidores, la escena musical nacional, su música, el ska, la izquierda en México, su futuro, sus experiencias musicales y al Distrito Federal. De su incursión en el mercado internacional… Tiene que ver con la música que uno hace, en general el mercado europeo desde hace tiempo ha puesto los ojos en México por el mestizaje musical que hay. Yo creo que me tocó la suerte de estar en un momento en el cual gente como David Byrne (ex vocalista de Talking Heads) volteó hacia grupos como Los de Abajo y fuimos firmados. Pero fue una cuestión circunstancial. Hoy en día muchos músicos van a Europa o Estados Unidos y logran tener más foros, como Lila Downs o Celso Piña por ejemplo. De su música en solitario, que tiene sus implicaciones… Soy yo haciendo la música que me gusta con la gente que me gusta y con toques un poco rockabilly, más western, con música balcánica y gitana. Toda esa mezcla que estoy tratando de hacer, apenas está teniendo un circuito y creo que poco a poco va teniendo más gente. Me doy cuenta que tengo un público más cautivo, que ya me ubican. No me vienen a escuchar por Los de Abajo, sino a mi música. 24
“Soy yo haciendo la música que me gusta con la gente que me gusta”
De su interacción con su nuevo y viejo auditorio… Hubo unos fans que me siguieron la pista y los otros más recalcitrantes, más fans de Los de Abajo, simplemente no se acercaron. Pero nunca me topé con público que me reclamara debajo de los escenarios, se han portado bien. A lo mejor, también me he abierto a nuevo público, eso quería, mi música no la hago pensando en un público, más bien en mí. De sus composiciones… Yo componía el setenta por ciento de la música en Los de Abajo, prácticamente mucho de mi sello estaba ahí. La diferencia es que tal vez ahora no estoy tan metido con la música afro antillana; pero fuera de todo eso, el sonido tiene similitudes. De los antecedentes y el escenario actual del ska… Creo que se ha transformado, dejó de ser un género único entre el underground, porque realmente hacia 1996 ó 1997, era realmente masivo, la mayoría escuchaba ska, como un getto, era el monopolio del movimiento, por así decirlo. De su condición de juglar… Lo traía de antes, escondido. Muchas de las canciones que saqué en El Gitano Western las compuse hace más de diez años cuando estaba con Los de Abajo, que por una u otra razón no entraban al proyecto porque tenían
un perfil más personal. Pero siempre admiré a músicos con ese formato, desde Lou Reed, Bob Dylan, hasta Rockdrigo, pasando por Blades que es un cronista. Entonces más bien, ahora tengo libertad de escribir lo que quiero, sin necesidad de tener la aprobación de un grupo. De su primer trabajo en solitario… La satisfacción personal fue ver que mi música puede sonar independiente del mainstream, fue un disco que quise hacer porque me dieron ganas y lo logré. Lo hice con mis propios recursos, fue realmente una obra artesanal, lo produje, compuse y ejecuté; fue un trabajo muy mío. De su posición política… Ha cambiado, no soy el mismo del ‘94. Tengo las mismas bases de mi ideología política, me sigo considerando una persona de izquierda pero en mi forma de hacer música no me considero el mismo y no escribo igual que antes, así que rehuyó cada vez más de un lenguaje panfletario. Hay consignas que duran toda la vida, como un ¡Viva Zapata! o ¡El pueblo unido jamás será vencido!, esa si tienen sentido aunque depende de cómo los digas y dónde. Pero no los digo para quedar bien con la gente o para tener un impacto con la gente, entonces no me siento obligado a tener que decir que soy de izquierda o zapatista, simplemente que hago música.
apocalyptica
En corto, nos hablan de su nueva producci贸n y de los obst谩culos que se han encontrado en el camino.
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El arte debe impactarte, reflejar de lo que trata el álbum y además provocar la curiosidad de lo qué hay detrás de él. El proceso creativo del 7th Symphony No había tanta presión después del disco anterior, más bien era cuestión de tiempo, hicimos una gira con doscientas fechas y teníamos que buscar un espacio para hacer el álbum. El anterior tuvo mucho éxito en Estados Unidos, en cierta manera fue nuestro primer disco en el mercado americano, no podíamos esperar cuatro años para otra grabación. En comparación con los anteriores empezamos por los tracks que tenían una composición vocal, sabíamos que era lo que se iba a tardar más por las agendas de quienes iban a colaborar. Tratamos de apartarnos del formato clásico de las canciones de rock, hacerlo más orquestado, integrar más elementos que no tengan que ver con el formato original de este estilo. Nuestro primer sencillo no tiene nada que ver con el resto. Acerca de Gavin Rossdale Al principio teníamos bastantes canciones y queríamos buscar cantantes para ellas, conocíamos a Gavin hacía tiempo porque le hicimos un remix y estábamos familiarizados. “End Of Me” era la indicada. A diferencia de otros discos, como la colaboración de Nina Hagen, antes hacíamos canciones instrumentales y quizá funcionaban para meter voz, pero ahora lo hacemos específicamente. La grabación de Beautiful, de Perttu Es el contrapeso del disco, cuando lo preparamos, queríamos que fueran diferentes para que hubiera variedad y también demuestra que seguimos siendo la banda donde hay tres canciones comerciales y el resto el Apocalyptica de siempre. Es una can¬ción simple, que nos recuerda a Schubert, además de ser un re¬spiro. No es una canción alegre pero tiene muchos momentos dramáticos, el drama también puede ser algo hermoso. De Flyleaf y Broken Pieces Esta canción tiene una historia muy especial,
hace dos años se escribió en Londres con un productor con enfoque clásico. Compartimos el mismo sello con Lacey Mosley; queríamos una vocalista que fuera técnicamente muy capaz, creemos que ella es la indicada porque tiene una voz que contrasta con los arreglos. -La mejor producción Claro, siempre lo último es lo mejor para uno. Este álbum tiene cualidades que los otros no, sobre todo en las partes instrumentales. Por ejemplo, el primer track es de siete minutos, una pequeña sinfonía. Sobre el título lo escogimos porque habla sobre la dirección correcta a la que va el álbum, tiene notas más específicas que los discos pasados, es un álbum más de la vieja escuela. De los invitados Es una combinación de varios factores, teníamos una lista enorme con quienes nos gustaría colaborar pero debíamos ver quién estaba grabando, sacaba disco o podía participar. Lo importante es que a nosotros nos gustara su música y a ellos el grupo para hacer todo más fácil. Por ejemplo, por cuestiones de tiempo no pudimos grabar con Mike Patton y Bruce Dickinson. La canción donde colabora Duplantier la teníamos desde hace algunos años, es totalmente diferente, muy fuerte. Una banda de culto Es imposible saber cómo va a reaccionar la gente, tratamos de hacer el mejor álbum posible, estamos muy orgullosos y contentos de cómo se formó este disco; en el proceso creativo y el resultado. Es un trabajo completo que demue stra un alto grado de pasión. Tratamos de no preocuparnos por el éxito, porque no sabemos qué puede pasar mañana. El destino del metal sinfónico Nunca pensamos en el futuro, Apocalyptica es el reflejo de nosotros en ese momento. No planeamos en dos o tres años cómo
lo haremos. No nos sentimos una banda de música clásica, creemos que somos una banda de rock que a veces tenemos acentos de música clásica pero a veces pop también. Por lo tanto no nos sentimos sinfónicos solo por tocar instrumentos de este tipo. De Mikko en la batería Toca instrumentos de música finlandesa de forma profesional. Es muy bueno en el folk y además baila los cantos tradicionales, es famoso allá. La batería siempre ha sido importante. Mikko es un músico con entrenamiento clásico, quien nos obliga a tomar decisiones arriesgadas, tiene un papel importante. Internet y sus problemas No tenemos estrategias en específico hacia la red y sus descargas ilegales. Tratamos de dar el mejor producto posible, algo que nos ha ayudado con el arte y los videos es que se abrió el mercado americano, Worlds Collide ha sido el álbum que más ha vendido, también a nosotros nos han bajado las ventas, hace tres o cuatro años hubiera vendido tres veces más de lo que ahora lleva (casi un millón de copias). Pero no se puede reclamar a nadie, en dado caso sería a la industria por no hacer algo a tiempo y crear estrategias o alternativas para compensar el avance de la tecnología. Cada vez hay más sitios dónde vender tu música por internet, pero están en otros países. Algo que ha cambiado la situación son las bandas que están de gira, como ya nadie hace dinero vendiendo discos todo el mundo está de gira con treinta, cuarenta o más fechas y son bandas que nunca te imaginabas ver; pero eso también es malo por un lado porque la gente tiene un presupuesto limitado para los conciertos. Debemos tratar de vender más discos pero es difícil.
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Texto: Andre Dulché Fotos: Liliana Velázquez
No estás viendo a Brad Pitt, Johnny Depp ni Orlando Bloom, tampoco a los Tigres del Norte o Intocable, si no que estás deleitando tus pupilas con los auténticos muñecotes del rock nacional, Lalo, Chucho y Paco, mejor conocidos como Tex Tex. 28
tex-tex Hablar de esta banda involucra varios aspectos que a través de los años se han podido vivir dentro de la escena musical en México, es decir, la relegación de los medios “especializados” simplemente por no tener amiguismos o lo que es peor, en pleno siglo XXI se desprecia su música por plasmar letras antigobierno o historias de personas que vemos a diario, pero que no viven en un mundo de fantasía de la clase alta y es esta gente, la que asiste cada semana a los conciertos. Tex Tex, tiene más de dos décadas y su nombre es básicamente la abreviación de Texcoco, Texcoco. Tienen una basta discografía que incluye canciones típicas de la cultura popular como Un Toque Mágico, Me Dijiste, Ahora Que No Vives Conmigo,
Pobre Rocanrolero y últimamente se han agregado Pancho Panchito y Feo, Fuerte y Formal. Hablar con ellos es un deleite, porque son una banda que sabe perfectamente quién es y sobre todo, aman lo que hacen. Después de tantos años en el negocio, recuerdan algo de sus inicios? “Para el primer concierto de la banda nos prestaron una casa que tenía un palomar. Cuando empezamos a tocar, los amplificadores y el baterista, el cual le estaba pegando unos buenos madrazos a la “bataca”, asustaron a las palomas, las cuales empezaron a volar dentro de la casa y se cagaron en la banda. ¡Fue una tocada muy cagada!”, comenta Lalo.
Qué tanto significan los paisanos en Estados Unidos para una banda nacional? Significan un montón de dólares, fama y aplausos, pero sobretodo significa una punta de lanza de la cultura mexicana. Estamos en un lugar donde en realidad nunca debimos de habernos ido, me refiero a un lugar físico, en el cual se encuentran un montón de guerreros que de alguna manera están reconquistando un terreno que es de nosotros, por lo tanto tenemos la obligación de soportarlos de manera cultural. Hay algún disco en especial al que le tengan más afecto? Todos son como hijos, no puedes renegar de ninguno. Te Vas A Acordar De Mi fue un parteaguas para nosotros, hubo oportunidad que desde Argentina hasta Estados Unidos la música de los Tex se escuchará.
A qué se debe que sean muy bien recibidos en cada escenario, sin importar el tipo de público presente? Porque hemos hecho una labor que a lo mejor ya han hecho muchos juglares del rock mexicano. Nos metemos a los barrios o lugares más “chacales” donde nadie quiere entrar. Queremos tocar y divertir a la gente. Qué les significa que los clasifiquen como rock urbano? “Al principio me molestaba porque yo hago rock and roll, no somos 100% rock, si no una banda medio ruda e irónica, a veces contestataria; lo cual es parte de lo que un grupo debe manifestar: actitud, desmadre, también alguna reflexión y sobre todo que proyecte energía”, insiste Chucho. Cómo creen que los medios hayan afectado para relegar a la gente que asiste a estos conciertos?
Viene de una herencia del pasado, todo parte de cómo nos han educado la gente mayor, como los priistas, puristas, panistas, clérigos e infinidad de gente que tiene un control muy férreo sobre la energía de la juventud. Entonces aparecieron muchas bandas rockanroleras, las cuales prepararon las bases y socavaron la autoridad de estas personas. Gracias a ellos, actualmente existe un poco más de libertad, aunque todavía el sentirse diferente nos divide. Por ejemplo Reactor (radio) dicta que es bueno y que es corriente, lo cual es una posición de aquellos vestigios de medievalismo intelectual.
Su último disco We Are A Mexican Band refleja que los confunden de país? Sí, con los europeos, más que nada de Bélgica por que siempre dicen: ¡esos güeyes tocan bien belga! (risas). Si no estuvieran en Tex Tex, ¿Qué estarían haciendo? “Llegó un momento en que la música y el rock and roll avasalló toda esa preparación para dedicarnos a esta aventura, realmente fue más poderosa la cuestión del rock. Si esto no hubiera pasado, yo creo que estaríamos ejerciendo nuestra profesión (Paco es abogado y profesor; Lalo es ingeniero y Chucho médico), pero al final la música se apoderó de nuestras voluntades”, finalizaron.
En busca de aceptación la gente trata de copiar modelos de cómo debe de ser el movimiento cultural y musical de México, es una forma de sobresalir. El tiempo los hará darse cuenta de que están equivocados.
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klaus maine / Scorpions
angela gossow / Arch enemy 30
josé manuel aguilera / la barranca
chica elástica / los elásticos
steve “sex” summers / pretty boy floyd
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