POLY 256 - Avril 2023

MAGAZINE

Maryam Firuzi

Volker Schlöndorff

Will Eisner

Mélissa Laveaux

Berlin

Une nouvelle production de La Femme sans ombre de Richard Strauss (01, 05 & 09/04) est le point d’orgue du Festival de Pâques du Festspielhaus de Baden-Baden (0110/04). La cité thermale accueille à nouveau l’Orchestre philharmonique de Berlin et son directeur musical Kirill Petrenko, pour une programmation explorant les feux de la Vienne 1900, où étincellent les Vier letzte Lieder de Strauss (07 & 10/04), interprétés par l’incroyable Diana Damrau. Eine neue Produktion von Die Frau ohne Schatten von Richard Strauss (01., 05. & 09.04.) ist der Höhepunkt der Osterfestspiele des Festspielhauses in Baden-Baden (01.10.04.). Die Kurstadt empfängt erneut die Berliner Philharmoniker und ihren musikalischen Leiter Kirill Petrenko für ein Programm, das das Feuer Wiens um 1900 erkundet, in dem die Vier letzten Lieder von Strauss (07. & 10.04.) von der unglaublichen Diana Damrau interpretiert werden. festspielhaus.de

Paris

Une petite mais passionnante exposition du Kunstmuseum de Bâle permet de redécouvrir l’œuvre de jeunesse de Bernard Buffet, artiste existentialiste et populaire (jusqu’au 03/09). Il s’intéresse alors à la face sombre de l’existence dans ses natures mortes, portraits et paysages. Eine kleine, aber begeisternde Ausstellung im Kunstmuseum Basel erlaubt es die Jugendwerke von Bernard Buffet, Existenzialist und Populärkünstler (bis 03.09.) neu zu entdecken. In dieser Zeit interessiert er sich für die düstere Seite der Existenz in Still-Leben, Portraits und Landschaftsbildern. kunstmuseumbasel.ch

Moscou, Kiev, Sofia…

Après une édition 2022 consacrée aux cultures tsiganes, le festival pluridisciplinaire Arsmondo (21/04-14/05) de l’Opéra national du Rhin part cette année à la découverte des mondes slaves. Entre lyrique (Le Conte du Tsar Saltane de Rimski-Korsakov), expositions, rencontres… voilà passionnant voyage !

Moskau, Kiew, Sofia…

Nach einer Auflage im vergangenen Jahr, die der Roma-Kultur gewidmet war, entdeckt das multidisziplinäre Festival Arsmondo (21.04.-14.05.) der Opéra national du Rhin in diesem Jahr die slawischen Welten. Eine begeisternde Reise zwischen Lyrik (Das Märchen vom Zaren Saltan von Rimski-Korsakov), Ausstellungen, Begegnungen! operanationaldurhin.eu

Nature morte au poisson, 1948, Stiftung Im Obersteg, Depositum im Kunstmuseum Basel Photo : Martin P. Bühler © ProLitteris, Zürich

Kirill Petrenko © Monika Rittershaus

Hot

La crise climatique a une influence sur tous les domaines de la vie : avec l’exposition 1,5 Degrés (07/04-08/10), la Kunsthalle Mannheim explore l’interaction entre l’homme et la nature avec plus de 200 œuvres signées Joseph Beuys, Caspar David Friedrich, Germaine Richier, Anselm Kiefer…  Die Klimakrise hat einen Einfluss auf alle Bereiche des Lebens: Mit der Ausstellung 1,5 Grad (07.04.-08.10.) erkundet die Kunsthalle Mannheim die Interaktion zwischen Mensch und Natur anhand von mehr als 200 Werken von Joseph Beuys, Caspar David Friedrich, Germaine Richier, Anselm Kiefer…  kuma.art

Showtime

La 45e édition du festival franco-allemand Perspectives (25/05-03/06) dévoile ses premiers noms. Fouad Boussouf orchestre la rencontre fantasmée entre la voix de l’Égyptienne Oum Kalthoum et les vers du poète Persan Omar Khayyam (Oüm). Olivier Dubois se présente en solo dans son nouveau projet chorégraphique, Pour sortir au jour, et Mikaël Serre plonge dans l’afro-capitalisme triomphant du pharaonique projet du port de Ndayane (Sénégal) conçu par un conglomérat de Dubaï (Dialaw Project).

Die 45. Ausgabe des deutsch-französischen Festivals Perspectives (25.05.-03.06.) kündigt die ersten Namen an. Fouad Boussouf orchestriert die phantasierte Begegnung zwischen der Stimme der Ägypterin Oum Kalthoum und den Versen des persischen Dichters Omar Khayyam (Oüm). Olivier Dubois präsentiert sich solo mit seinem neuen choreographischen Projekt, Pour sortir au jour, und Mikaël Serre taucht in den triumphierenden Afro-Kapitalismus des pharaonischen Projekts des Hafens von Ndayane (Senegal) ein, das von einem Konglomerat aus Dubai entworfen wurde (Dialaw Project). festival-perspectives.de

Comics

La BD dans tous ses états : voilà ce que propose l’exposition De Crumb à Moog (13/04-13/05, Médiathèque Puzzle de Thionville). Sous-titrée Confessions illustrées et musique dessinée, cette présentation permet d’apprécier originaux et autres sérigraphies de toute beauté. Der Comic außer Rand und Band: Das bietet die Ausstellung Von Crumb bis Moog (13.04.-13.05., Médiathèque Puzzle de Thionville). Die Präsentation mit dem Untertitel Illustrierte Geständnisse und gezeichnete Musik erlaubt es, sehr schöne Originale und Serigraphien zu bewundern. puzzle.thionville.fr

Pour sortir au jour

© Pierre Gondard

Emerson Pontes & Uýra Sodoma, Série Uýra Elementar Amazônia © Keila Serruya

Art woman

Co-directrice de la Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, la très engagée Çağla Ilk vient d’être nommée commissaire du Pavillon allemand de la Biennale de Venise 2024, souhaitant «  exploiter le potentiel de l‘art à changer la société, afin de façonner un nouvel avenir commun ».

Die Ko-Direktorin der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden, die äußerst engagierte Çağla Ilk, wurde zur Kuratorin des Deutschen Pavillons auf der Kunstbiennale in Venedig 2024 berufen, wo sie „die gesellschaftsverändernden Potentiale von Kunst nutzen [will], um eine neue gemeinsame Zukunft zu denken“ kunsthalle-baden-baden.de – labiennale.org

Music machine

Immense chef bien connu à l’Opéra national de Lorraine (où il a dirigé Alcina et Le Palais enchanté), Leonardo García Alarcón mène un travail palpitant sur le répertoire baroque. À la tête de sa Cappella Mediterranea, il propose un Orfeo de Monteverdi (12 & 13/04), dont la première représentation, en 1607, passa longtemps pour l’acte de naissance de l’opéra occidental. Cette version de concert est attendue d’une intense théâtralité et d’une poésie puissante. Der große Dirigent Leonardo García Alarcón, der an der Opéra national de Lorraine (wo er Alcina und Le Palais enchanté dirigierte) wohlbekannt ist, führt eine spannende Arbeit am Barock-Repertorium aus. An der Spitze seiner Cappella Mediterranea präsentiert er einen Orfeo von Monteverdi (12. & 13.04.), dessen erste Repräsentation im Jahr 1607 lange als der Geburtsmoment der westlichen Oper galt. Diese Konzertversion verspricht eine intensive Bühnenwirkung und machtvolle Poesie. opera-national-lorraine.fr

Jazzmen

À l’occasion de la sortie de son nouvel album, Soft Power (28/04), Christophe Imbs est en concert au Cheval Blanc de Schiltigheim (06/04). Pour cette soirée, le pianiste et ses complices, dont le saxophoniste Julien Lourau, arpentent un jazz décomplexé.

Anlässlich des Erscheinens seines neuen Albums Soft Power (28.04.) gibt Christophe Imbs ein Konzert im Cheval Blanc in Schiltigheim (06.04.). Für diesen Abend durchstreifen der Pianist und seine Komplizen, darunter der Saxophonist Julien Lourau, einen hemmungslosen Jazz. ville-schiltigheim.fr

© Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, Photo Nick Ash

© Alicia Gardes

© Charles Nemo

SCÈNE BÜHNE

22 À Sarrebruck, le Goncourt de Nicolas Mathieu Wie später ihre Kinder (Leurs enfants après eux) gagne les planches

In Saarbrücken erobert Wie später ihre Kinder (Leurs enfants après eux) des Goncourt-Preisträgers Nicolas Mathieu die Bühne

24 Avec Graces, Silvia Gribaudi met à bas les stéréotypes

Mit Graces spielt Silvia Gribaudi mit Stereotypen

MUSIQUE MUSIK

42 La Canadienne Mélissa Laveaux dévoile un nouvel album féministe

Die Kanadierin Mélissa Laveaux enthüllt ein neues feministisches Album

44 Rencontre avec Zaho de Sagazan, entre electro et chanson française

Begegnung mit Zaho de Sagazan, zwischen Elektromusik und Chanson française

50 Stéphanie d’Oustrac interprète Armide dans la tragédie lyrique de Lully Stéphanie d’Oustrac interpretiert Armide in der Operntragödie von Lully

EXPOSITION AUSSTELLUNG

56 Le Kunst Museum Winterthur accueille les peintures d’Odilon Redon

Das Kunst Museum Winterthur empfängt die Gemälde von Odilon Redon

58 La Fondation Beyeler rend hommage à Wayne Thiebaud

Die Fondation Beyeler würdigt Wayne Thiebaud

72 L’organique Alchimia nova d’Anne Marie Maes métamorphose la Kunsthalle de Mulhouse

Die organische Alchimia nova von Anne Marie Maes verwandelt die Kunsthalle de Mulhouse

GASTRONOMIE

86 Place aux lauréats 2023 du Guide Michelin

Platz für die Preisträger 2023 des Guide Michelin

88 Rencontre avec Sven Wassmer, héraut de la « nouvelle cuisine alpine suisse »

Begegnung mit Sven Wassmer, Vorreiter der „neuen Schweizer Alpenküche“

98 Un dernier pour la route : le Weingut Kopp

Auf ein letztes Glas: das Weingut Kopp

COUVERTURE TITELBILD

Dans cette série intitulée Reading for Tehran Streets (2016), la plasticienne Maryam Firuzi (exposée chez Apollonia, voir page 68) se met en scène dans l’espace public de la capitale iranienne en train de lire. Composition onirique – on a le sentiment que son esprit se projette au dehors –, elle est aussi éminemment politique et subversive. Les cordes corsetant le corps de l’artiste jusqu’à remplacer sa chevelure génèrent un puissant érotisme entrant en résonance avec l’aspect méditatif nimbant l’ensemble.

In dieser Serie mit dem Titel Reading for Tehran Streets (2016) inszeniert sich die Künstlerin Maryam Firuzi (ausgestellt bei Apollonia, siehe Seite 68) im öffentlichen Raum der iranischen Hauptstadt beim Lesen. Traumhafte Kompositionen – man hat das Gefühl, dass ihr Geist sich im Bild widerspiegelt –, die ebenfalls äußerst politisch und subversiv sind. Die Seile, die den Körper der Künstlerin wie ein Korsett einschnüren, sogar ihre Haare ersetzen, sorgen für eine starke Erotik, die in Einklang mit dem meditativen Aspekt treten, in den das Ensemble gehüllt ist. maryamfiruzi.com

THOMAS FLAGEL

Théâtre des balkans, danse expérimentale, graffeurs sauvages, auteurs africains… Sa curiosité ne connaît pas de limites. Il nous fait partager ses découvertes dans Poly Balkantheater, experimenteller Tanz, afrikanische Autoren... seine Neugierde ist grenzenlos !

SARAH MARIA KREIN

Cette française de cœur qui vient d’outre-Rhin a plus d’un tour dans son sac : traduction, rédaction, corrections… Ajoutons “coaching des troupes en cas de coup de mou” pour compléter la liste des compétences de SMK. Diese Französin im Herzen ist mit allen Wassern gewaschen: Übersetzung, Redaktion, Korrektion... Fügen wir „Truppenmotivation im Falle von Durchhängern“ hinzu.

www.poly.fr — www.poly.fr/de mag.poly magazine.poly

DIRECTEUR DE LA PUBLICATION HERAUSGEBER

Julien Schick julien.schick@bkn.fr

RÉDACTEUR EN CHEF CHEFREDAKTEUR

Hervé Lévy herve.levy@poly.fr

LA RÉDACTION DIE REDAKTION

Thomas Flagel thomas.flagel@poly.fr

Suzi Vieira suzi.vieira@bkn.fr

Julia Percheron redaction@bkn.fr

JULIEN SCHICK

Il papote archi avec son copain Rudy, cherche des cèpes dans les forêts alsaciennes, se perd dans les sables de Namibie… Mais comment fait-il pour, en plus, diriger la publication de Poly ?

Er plaudert mit seinem Freund Rudy über Architektur, sucht Morcheln in den elsässischen Wäldern. Aber wie schafft er es nebenbei Herausgeber von Poly zu sein?

ANAÏS GUILLON

Entre clics frénétiques et plaisanteries de baraque à frites, elle illumine le studio graphique de son rire atomique et maquette à la vitesse d’une Fiat 500 lancée entre Strasbourg et Bietlenheim. Véridique !

Zwischen frenetischen Klicks und Wurstbuden-Humor erhellt sie das GraphikStudio mit ihrem atomaren Lachen.

TRADUCTRICE ÜBERSETZERIN

Sarah Krein sarah.krein@bkn.fr

ONT PARTICIPÉ À CE NUMÉRO

HABEN AN DIESER AUSGABE TEILGENOMMEN

Benoît Linder, Pierre Reichert, Irina Schrag, Daniel Vogel & Raphaël Zimmermann

STUDIO GRAPHIQUE GRAFIKSTUDIO

Anaïs Guillon anais.guillon@bkn.fr

Emma Riedinger studio@bkn.fr

DIGITAL

Mohamed Outougane webmaster@bkn.fr

MAQUETTE LAYOUT

Blãs Alonso-Garcia logotype

Anaïs Guillon maquette avec l’équipe de Poly

ADMINISTRATION GESCHÄFTSFÜHRUNG

SUZI VIEIRA

Après Courrier international ou Books, elle pose ses valises à Poly. Intraitable avec les concepts, elle jongle avec les mots comme son homonyme le faisait avec les ballons à la Coupe du monde 1998.

Nach Courrier international und Books, ist sie bei Poly angekommen. Unnachgiebig wenn es um Konzepte geht, spielt sie mit den Worten, wir ihr Homonym mit den Bällen bei der Fußballweltmeisterschaft 1998.

ÉRIC MEYER

Ronchon et bon vivant. À son univers poétique d’objets en tôle amoureusement façonnés s’ajoute un autre, description acerbe et enlevée de notre monde contemporain.

Miesepeter und Lebenskünstler. Zu seinem poetischen Universum von Objekten aus Blech kommt ein weiteres hinzu, die bissige und virtuose Beschreibung unserer zeitgenössischen Welt, die er graviert.

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SIRET : 402 074 678 000 44 — ISSN 1956-9130

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Xantia's road trip © Ludovic Récolet

Nettoyage de printemps Frühjahrsputz

isser. Enlever les aspérités au maximum. Édulcorer. Tel semble être le credo de ceux qui souhaitent réécrire les livres de Roald Dahl, notamment auteur de Charlie et la Chocolaterie, pour en supprimer des termes jugés offensants (liés au genre, à l’aspect physique, etc.). Une «  censure absurde » pour Salman Rushdie. Tout comme l’annonce de la nouvelle édition édulcorée de James Bond, héros macho amateur de Vodka Martini. On en passe et des pires… Tropisme anglo-saxon dommageable, cette volonté de purification stylistique au nom d’une morale frelatée s’insinue, lentement mais sûrement, dans nos contrées. Tacite, Luther ou encore Voltaire qui écrivit : « Pourquoi les Juifs n’auraient-ils pas été anthropophages ? C’eût été la seule chose qui eût manqué au peuple de Dieu pour être le plus abominable peuple de la terre. » Il y a du boulot ! On conseille aux censeurs de ne pas s’arrêter à la réécriture de textes venus d’une époque où des mots et des attitudes, qui pourraient être considérés comme blessants par les lecteurs modernes, étaient monnaie courante. Non les gars, prônons l’interdiction ! Et puis, pour montrer le bon exemple, dressons de grands bûchers avec les ouvrages sacrilèges. Ah bon, ça a déjà été fait ?

GLlätten. Alle Unebenheiten entfernen. Entschärfen. Das scheint das Kredo von jenen zu sein, die die Bücher von Roald Dahl, unter anderem Autor von Charlie und die Schokoladenfabrik, neu schreiben wollen, um Begriffe zu löschen, die als beleidigend angesehen werden (in Bezug auf Geschlecht oder physische Eigenschaften, etc.). Eine für Salman Rushdie „absurde Zensur“. Ebenso wie die Ankündigung der neuen entschärften Auflage von James Bond, dem Macho-Helden und Wodka-Martini-Liebhaber. Und das ist bei weitem noch nicht alles… Eine schädliche, reflexartige, angelsächsische Reaktion, dieser Wille zur stilistischen Reinigung im Namen einer verfälschten Moral, dringt langsam, aber sicher in unsere Regionen ein. Tacitus, Luther oder auch Voltaire, der schrieb: „Warum sind die Juden keine Menschenfresser? Das wäre die einzige Sache, die dem Volk Gottes gefehlt hätte, um das entsetzlichste Volk auf Erden zu sein.“ Es gibt viel Arbeit! Wir raten den Zensoren sich nicht mit Texten aus Epochen aufzuhalten, in denen die Worte und Haltungen, die von den modernen Lesern als verletzend empfunden werden könnten, gang und gäbe waren. Nein, Leute, lasst uns das Verbot empfehlen! Und dann, um mit gutem Beispiel voranzugehen, lasst uns große Scheiterhaufen mit den frevelhaften Werken aufschichten. Ach, das wurde schon gemacht?

Par Von Hervé Lévy — Illustration de von Éric Meyer pour für Poly

Tambour battant

Lauréat d’un Oscar et de la Palme d’or pour Le Tambour , Volker Schlöndorff était de passage à Strasbourg, invité par Augenblick, festival du cinéma de langue allemande en Alsace. Rencontre avec un monument du septième art.

Volker Schlöndorff, Preisträger eines Oskars und einer Goldenen Palme für Die Blechtrommel war in Straßburg Gast des Festivals Augenblick, das dem deutschsprachigen Kino im Elsass gewidmet ist. Begegnung mit einem Monument der Filmkunst.

pour für Poly

Quelle est votre définition d’un film ? Je me souviens de cette phrase de Stendhal, apprise à l’école, qui caractérisait ainsi un roman : « Un miroir qui se promène sur une grande route. » Pour moi, elle répond parfaitement à votre question.

Vous évoquez les romans : une des constantes de votre carrière est leur adaptation au cinéma. Comment l’expliquez-vous ?

Quand un livre vous frappe, vous avez envie d’en parler à d’autres, de le partager, et comme vous avez peur qu’ils ne le lisent pas comme vous l’avez lu, c’est mieux de faire un film pour leur montrer. C’est à la fois une attitude généreuse et une volonté de contrôle [Rires]. J’ai commencé ainsi [avec Les Désarrois de l’élève Törless d’après Musil, en 1966, NDLR], puis essayé d’écrire des scénarios originaux, mais ça ne m’a pas réussi, alors je suis retourné à la littérature. De toute manière, c’est mieux de faire ce qu’on sait faire plutôt que ce qu’on désire faire.

Pourquoi ne pas avoir choisi des pièces de théâtre pour fondement de vos films, comme le fit si souvent votre ami Billy Wilder ?

Dans une œuvre littéraire, ce ne sont pas les dialogues, ni la structure drama-

tique qui m’intéressent, mais plutôt les atmosphères, les gros plans de visages, les non-dits… Le théâtre est trop bavard pour le cinéma. Une bonne pièce est une horloge bien huilée, il faut absolument la reprendre telle quelle : c’est ce que j’ai fait en adaptant Diplomatie de Cyril Gélyen, en 2014. Le roman laisse plus de liberté, et puis on peut se cacher derrière l’auteur. Pour moi, un réalisateur se doit d’être discret et disparaître derrière le film.

Vous vous êtes même attaqué à Proust en 1984, avec Un Amour de Swann…

Et je ne le regrette pas, même si tous mes amis, Bertrand Tavernier et Louis Malle en tête, avaient essayé de me convaincre de ne pas toucher à cette “vache sacrée”, dans la mesure où ça ne pouvait selon eux, que générer une cascade de malentendus. Cela ne m’a pas intimidé. Je crois avoir ouvert la voie à l’époque, puisque d’autres m’ont emboîté le pas, mais plus je vois d’adaptations de Proust, plus je me dis que la mienne tient le coup [Rires].

Votre cinéma se confronte aussi extrêmement régulièrement à l’histoire allemande : d’où vient cet autre invariant ?

Dans Zazie dans le métro , Raymond

Queneau fait dire à un de ses personnages : «  La vie m’a fait ce que je suis » Je suis arrivé pour la première fois en France à 14 ans, à Strasbourg : mon père avait pris ses trois fils dans sa Coccinelle pour leur montrer la ville et la région, le Retable d’Issenheim en particulier. Auparavant, je n’avais jamais pensé m’intéresser à ce pays. Wiesbaden, où nous vivions, était en zone américaine : j’étais totalement branché sur les USA, le jazz, Hemingway, etc. Et voilà qu’un voyage fait tout basculer… J’ai voulu en savoir plus, jusqu’à y faire mes études, quittant mon pays en 1956 pour Vannes [où il étudie chez les Jésuites, au Lycée Saint François-Xavier, NDLR]. À l’internat, j’étais évidemment le seul Allemand et il fallait toujours que je donne le point de vue de l’Allemand : quand nous avons regardé Nuit et Brouillard d’Alain Resnais [autre ancien élève du Lycée Saint François-Xavier, NDLR], j’étais seul au milieu d’une centaine de petits Français qui me posaient la même question :

« Comment cela a-t-il été possible ? » Je n’ai cessé de me confronter à l’histoire de mon pays depuis, c’est devenu une nécessité dès ce moment. Mais je ne suis pas seul et toute une génération a eu les mêmes interrogations.

Que reste-t-il aujourd’hui de ce “nouveau cinéma allemand”, où vous

Par Von Hervé Lévy – Photo de von Benoît Linder

avez côtoyé Alexander Kluge, Wim Wenders, Werner Herzog, Werner Schroeter ou encore Margarethe von Trotta ?

Des amitiés avec Werner [Herzog] ou Wim, mais aussi le souvenir d’un temps où on croyait pouvoir renouveler le cinéma et gagner la bataille de la cinéphilie, surtout en Allemagne, à la suite de la Nouvelle Vague. De cela reste malheureusement très peu. Cette bataille a été perdue dans mon pays. En France, les choses sont différentes.

Pourtant, il y a aussi une crise du cinéma…

Le cinéma d’art et d’essai était déjà un peu malade. Il ne faudrait pas que la pandémie lui ait donné le coup de grâce : beaucoup de personnes âgées – qui forment une bonne partie du public – n’ont pas retrouvé les salles, par peur mais aussi parce qu’elles ont appris à se servir d’Internet [Rires]. Les jeunes commencent à découvrir ce genre, on le voit notamment dans les festivals comme Augenblick. Il faut mener une véritable croisade auprès d’eux pour leur montrer qu’existe autre chose que Netflix.

Was ist ihre Definition eines Films?

Ich erinnere mich an diesen Satz von Stendhal, den ich in der Schule gelernt habe, der den Roman so beschrieb: „Ein Spiegel, der über eine große Straße wandert.“ Für mich antwortet er perfekt auf diese Frage.

Sie erwähnen die Romane: Eine Konstante in ihrer Karriere ist ihre Umsetzung im Kino. Wie erklären Sie das?

Wenn ein Buch Sie bewegt, wollen Sie darüber mit anderen sprechen, es mit ihnen teilen, und da Sie Angst haben, dass diese es nicht lesen, wie Sie es gelesen haben, ist es besser einen Film zu machen, um es ihnen zu zeigen. Es handelt sich gleichzeitig um eine großzügige Haltung und einen Willen nach Kontrolle [Lacht]. So habe ich angefangen (mit Der junge Törless nach Musil im Jahr 1966, Anm.d.Red.), bevor ich versucht habe eigene Drehbücher zu schreiben, aber das ist mir nicht gelungen, deswegen bin ich zur Literatur zurückgekehrt. Auf jeden Fall ist es besser,

das zu machen, was man kann, als das zu machen, was man möchte.

Warum haben Sie keine Theaterstücke als Grundlage für ihre Filme ausgewählt, wie es ihr Freund Billy Wilder so oft tat?

In einem literarischen Werk sind es nicht die Dialoge oder die dramatische Struktur, die mich interessieren, sondern eher die Atmosphären, die Großaufnahmen von Gesichtern, das Nicht-Gesagte… Das Theater ist zu geschwätzig für das Kino. Ein gutes Stück ist wie ein gut geöltes Uhrwerk, man muss es absolut genauso umsetzen: Das habe ich bei der Adaptation von Diplomatie von Cyril Gélyen im Jahr 2014 gemacht. Der Roman lässt mehr Freiheiten und man kann sich hinter dem Autor verstecken. Für mich sollte ein Regisseur diskret sein und hinter dem Film verschwinden.

Sie haben sich sogar 1984 an Proust gewagt, mit Eine Liebe von Swann… Und ich bedauere es nicht, selbst wenn alle meine Freunde, allen voran Bertrand Tavernier und Louis Malle, versucht hatten mich davon zu überzeugen die Finger von dieser „Heiligen Kuh“ zu lassen, da das, wie sie sagten, nur einen Wasserfall von Missverständnissen auslösen konnte. Das hat mich nicht eingeschüchtert. Ich denke ich habe damals den Weg bereitet, denn andere sind mir gefolgt, aber je mehr Adaptationen von Proust ich sehe, desto mehr sage ich mir, dass meine den längeren Atem hat [Lacht].

Ihr Kino konfrontiert sich auch extrem oft mit der deutschen Geschichte: Woher kommt diese andere Konstante?

In Zazie in der Metro lässt Raymond Queneau eine seiner Figuren sagen: „Das Leben hat mich zu dem gemacht, der ich bin.“ Ich bin zum ersten Mal, mit 14 Jahren, nach Straßburg gekommen: Mein Vater hatte seine drei Söhne in den Käfer gesteckt, um ihnen die Stadt und die Region zu zeigen, insbesondere den Isenheimer Altar . Vorher hatte ich nie daran gedacht mich für dieses Land zu interessieren. Wiesbaden, wo wir wohnten, war eine amerikanische Zone: Ich fuhr total auf die USA, den Jazz, Hemingway, etc. ab. Und diese

Reise hat alles verändert… Ich wollte mehr erfahren, sogar hier mein Studium durchführen, verließ mein Land 1956 in Richtung Vannes (wo er bei den Jesuiten im Gymnasium Saint FrançoisXavier studiert, Anm.d.Red.). Im Internat war ich natürlich der einzige Deutsche und ich musste immer den deutschen Standpunkt erläutern: Als wir Nacht und Nebel von Alain Resnais schauten (ein anderer ehemaliger Schüler des Gymnasiums Saint François-Xavier, Anm.d.Red.) war ich alleine inmitten von rund hundert kleinen Franzosen, die mir die selbe Frage stellten: „Wie war das möglich?“ Ich habe mich seitdem ohne Unterlass mit der Geschichte meines Landes konfrontiert, es ist ab diesem Moment zu einer Notwendigkeit geworden. Aber ich bin nicht alleine und eine ganze Generation hat sich dieselben Fragen gestellt.

Was ist heute von diesem Neuen Deutschen Film übrig, im Zuge dessen Sie mit Alexander Kluge, Wim Wenders, Werner Herzog, Werner Schroeter oder auch Margarethe von Trotta verkehrt haben?

Freundschaften mit Werner [Herzog] und Wim, aber auch die Erinnerung an eine Epoche, in der wir daran glaubten, dass wir das Kino erneuern könnten und den Krieg der Kinobegeisterung, vor allem in Deutschland, gegen die Nouvelle Vague gewinnen könnten. Davon bleibt leider sehr wenig übrig. Diese Schlacht wurde in meinem Land verloren. In Frankreich liegen die Dinge anders.

Dennoch gibt es auch eine Krise des Kinos…

Das Kunst-und Essay-Kino kränkelte schon ein wenig. Es darf nicht sein, dass die Pandemie ihm den Todesstoß versetzt: Viele ältere Personen – die einen großen Teil des Publikums ausmachen – haben nicht den Weg zurück in die Säle gefunden, aus Angst, aber auch weil sie gelernt haben das Internet zu benutzen [Lacht]. Die Jungen beginnen erst damit dieses Genre zu entdecken, das sieht man insbesondere hier bei Augenblick. Man muss bei ihnen einen regelrechten Kreuzzug führen, um ihnen zu zeigen, dass etwas jenseits von Netflix existiert.

L’impossible retour

Affaire de famille signée Laurent Mauvignier, portée à la scène par Arnaud Meunier, Tout mon amour conte le retour fracassant d’une fille, dix ans après sa disparition à l’âge de six ans.

Par Daniel Vogel – Photos de Pascale Cholette

Bien avant le saisissant Histoires de la nuit (Minuit, 2020), le romancier Laurent Mauvignier publiait la pièce de théâtre Tout mon amour. Une sorte de polar métaphysique dans lequel un couple (Le Père et La Mère) revient dans la maison paternelle à la suite du décès du grand-père. Un retour “forcé” dans ce lieu près du bois où avait disparu, il y a dix ans, leur fille de six ans, sans qu’on en trouve, depuis, la moindre trace. Mais voilà qu’en ce jour de deuil, une mystérieuse adolescente de 16 ans frappe à la porte, prétendant être Elsa. L’auteur propose un condensé de thématiques qui jalonnent, depuis, son œuvre centrée sur la complexité des rapports familiaux, les fantômes et le passé qui ne passe pas. Si la Mère s’arc-boute contre ce retour, s’obstinant dans son refus d’y croire, son mari vacille, au point de demander au Fils de les aider à trancher. Écrit en séquences parsemées d’ellipses, le texte «  nous fait vivre au plus près la difficulté de chaque personnage d’avoir pu continuer après un tel traumatisme », confie Arnaud Meunier qui a choisi pour duo de parents les excellents Philippe Torreton et Anne Brochet. Et le metteur en scène de poursuivre : «  Les dialogues au scalpel, la partition où chaque souffle, chaque émotion semble être vibrante dès la lecture, offrent aux acteurs et actrices une palette puissante pour l’interprétation. » Chaque personnage de ce huis clos vertigineux s’y révèle incroyablement seul face au poids des années, à celui de l’absence, du doute et de la résignation dévorante. Derrière la simplicité de la situation, Mauvignier distille son lot d’ambiguïtés, à l’image du fantôme

provoquant du Grand-Père venant tourmenter les vivants. Est-il possible de dépasser la douleur ? Mais aussi de vivre au milieu des non-dits familiaux ? L’auteur se plaît à esquisser ce qui doit guider son passage à la scène : «  Silences, dénis, non-dits, souffles entre les corps. Le spectateur participe de ces frottements, il doit sentir la proximité des acteurs, être l’un d’eux. Pour autant la scène est frontale : on commence dans la sécurité d’une forme convenue. Le mystère, la folie, la violence, l’irréalité surgissent, envahissent, gangrènent le monde connu par les récits qui minent la temporalité, par le jeu des acteurs et, surtout, par la lumière, qui doit être très travaillée, très insidieuse. Elle doit conduire à la brume et à la nuit des êtres, révéler un monde inconscient de peurs, de fantômes, d’interdits. Les gestes des uns et des autres sont tout en retenue : comme les paroles, le personnage les cherche, les esquisse, ne les trouve pas toujours, pas tout de suite – ou alors il les regrette, les réprime, voudrait les annuler. Il les minimise. » Le décor réaliste d’un intérieur aux parois translucides à l’envi n’empêche aucune lecture psychologique de la pièce dont les nœuds familiaux, antérieurs au drame qui s’y joue, influent sur la psyché abîmée d’un couple tentant de conserver la tête hors de l’eau.

Au Théâtre national de Strasbourg du 11 au 15 avril et au Grand Théâtre de Luxembourg mercredi 19 et jeudi 20 avril tns.fr – theatres.lu

Rouge neige

Jean Bellorini invente un dispositif de casques et micros pour conter le chef-d’œuvre de Pouchkine, Onéguine, au souffle près.

Des bougies, des chandeliers, quelques chaises. Une table, un piano, un violon. Rien de plus qu’une allée étroite entre deux gradins de spectateurs se faisant face dans une intimité renforcée par les casques revêtus par les cinq comédiens et les spectateurs. Les 5 523 vers de ce roman d’Alexandre Pouchkine, paru en 1833, André Markowicz a mis de longues années à s’autoriser à les traduire. S’y joue une page du romantisme russe, à laquelle la vie de l’auteur est attachée. Eugène Onéguine, jeune aristo en vogue à Saint-Pétersbourg, quitte la ville pour la maison de campagne dont il vient d’hériter, à côté de celle de Lenski, poète ardent. Sur les bords de la Neva, un drame va se jouer, susurré au creux de l’oreille d’un public plongé dans un conte, porté par l’imaginaire d’un roman-fleuve. Entre chœurs et chuchotements, Tatiana trône au centre, pièce maîtresse, avec sa cadette Olga dont l’écrivain a confié au nouveau venu être totalement fou, du déchirement des deux amis. L’ainée, éconduite par Onéguine lors de sa fête d’anniversaire, l’observe charmer sa sœur. Par jeu ? Provocation ? Supériorité d’esthète et de classe ? Simple folie ou passe-temps risible ? Jean Bellorini se plait à amplifier la vitalité débordante du roman d’un auteur dont la trajectoire flamboyante s’écrit en double du

destin et de “l’âme russe”. En 1837, Pouchkine, condamné à l’exil depuis une dizaine d’années pour ses pamphlets contre le tsar Alexandre Ier, est contraint à la vie loin des siens, dans des provinces reculées. Pris d’envies suicidaires mais fervent chrétien, il provoque en duel à tour de bras sans trouver quiconque pour oser s’attaquer à cette figure dominante des lettres, jusqu’à tomber sur le bon idiot, comme le décrit André Markowicz. Il meurt à 37 ans et accède au statut de mythe. Quarante ans plus tard, Tchaïkovski lui consacre un opéra dont sont ici utilisés des extraits revisités par Sébastien Trouvé, fidèle compositeur du directeur du TNP à Villeurbanne. La sombre rêverie nocturne – qui a tout de la veillée funèbre –aboutira au duel fatidique mettant aux prises Onéguine et Lenski. Entre parties chorales et confidences chuchotées au creux de l’oreille, se déchire l’insouciante ambiance de bals, de fête et d’alcool émaillant la vie monotone de la campagne. Chacun y apprend avec douleur la vanité de l’existence et fait face à ses illusions perdues.

Au Théâtre Dijon Bourgogne du 3 au 7 avril (à partir de 15 ans) tdb-cdn.com

Par Irina Schrag – Photo de Pascal Victor

Stupeur et tremblements

En explorant Les Petits pouvoirs qui dictent nos relations, Charlotte Lagrange écrit et met en scène un thriller à l’esthétique léchée et à l’ambiguïté confondante.

Par Thomas Flagel – Photo de Simon Gosselin

Comme souvent dans le théâtre de Charlotte Lagrange, la scénographie emprunte le réalisme d’intérieurs proprets, dessinés au cordeau d’une simplicité trompeuse. Bureau d’architecte, cuisine ouverte, salon avec table basse en teck et onsen (bains chauds dont l’eau est issue de sources volcaniques), l’espace ouvert va rapidement se remplir d’un grondement cauchemardesque, donnant à ce thriller insulaire des airs de film lynchéen floutant à l’extrême la distinction entre réalité et fiction, présent et passé, fantasme et concret. Pour l’autrice et metteuse en scène, il ne s’agit jamais d’une quête de vérité sociologique, mais d’une tentative, sans cesse renouvelée, d’approcher une sensation du monde tel qu’il nous bouleverse. Elle propulse Laïa, recrue d’une petite agence d’architecture parisienne, dans un projet qui va, rapidement la dépasser. Sous l’impulsion de

son compagnon Étienne, qui apprend la cuisine japonaise pour la convaincre de se donner à fond pour le projet phare de Diane et Benoît qui l’emploient (la réhabilitation d’une île japonaise sans âme qui vive), la jeune diplômée se retrouve au cœur – à moins qu’elle ne le devienne – des conflits et de l’ambiguïté des luttes de pouvoir jalonnant les relations des co-associés. Jusqu’ici tout va bien, si ce n’est les frustrations et l’indignation naissant de la domination masculine se frayant, insidieusement mais surement, un chemin entre des êtres censés égaux. C’était sans compter les visions qui assaillent Laïa. Les vapeurs chargées d’eau s’élevant dans l’espace lui confèrent des attraits fantastiques que l’apparition d’un corps, et l’absence totale de souvenirs lui permettant de reconstituer le fil des événements jusqu’à sa découverte, achèvent d’instaurer. Charlotte Lagrange orchestre une intri-

cation des détails psychologiques entre vie personnelle et passé ressurgissant qui viennent teinter les situations en entretenant des zones de flou volontaires pour chacun des personnages. Si le sang se répand sur scène, les énigmes et non-dits se multiplient à l’instar des flash-back incontrôlables, comme sous l’effet d’un puissant hallucinogène brouillant les identités, qui finissent par dessiner la cartographie d’un système dont on hérite et qui se transmet, génération après génération. L’envie de revanche pour casser l’engrenage de cette chaîne de reproduction des Petits pouvoirs menant à d’inévitables violences (sexuelles, psychologiques, etc.) est grande… et consumante.

Au NEST (Thionville) mercredi 12 avril, dès 14 ans nest-theatre.fr

Smells Like Teen Spirit

Le Saarländisches Staatstheater invite Leyla-Claire Rabih à adapter, en français et en allemand, le Goncourt de Nicolas Mathieu, Wie später ihre Kinder (Leurs enfants après eux). Interview.

Das Saarländische Staatstheater lädt Leyla-Claire Rabih ein, in französischer und deutscher Sprache Wie später ihre Kinder (Leurs enfants après eux) des Goncourt-Preisträgers Nicolas Mathieu zu adaptieren. Interview.

Quels sont vos choix pour passer du roman à la scène ?

Le processus est complexe car je mélange des comédiens français et d’autres de l’ensemble permanent du Théâtre national de la Sarre. Nous avons des manières bien différentes de faire du théâtre : très centrée sur le texte en France, là où les Allemands sont dans l’action. Pour adapter le roman, j’ai choisi de garder des moments de récits individuels et d’autres collectifs, car j’aime voir un groupe d’acteurs faire collectif. Et puis j’ai été extrêmement touchée par la manière dont Nicolas Mathieu raconte socialement les années 1990 : cette question de la fin des hauts fourneaux et de la sidérurgie en Lorraine résonne comme un miroir difracté avec la situation de l’autre côté de la frontière. Les comédiens font le parallèle avec

le déclin économique de la Ruhr, les lotissements désertés, les 2 e et 3 e générations de travailleurs immigrés… Je suis arrivée avec une version du texte coupée mais non distribuée, pour faire les choix avec eux.

Cette distribution franco-allemande n’est pas totalement bilingue. Un pari ?

Un peu, mais cela permet aussi d’avoir des accents allemands dans les parties jouées en français, qui apportent le même décalage, voire étrangeté, qu’avec l’arabe des parents du roman. Je rêvais d’en faire une pièce totalement bilingue mais les comédiens ne le sont pas, donc tout sera surtitré pour que les passages d’une langue à l’autre ne posent pas problème. Mais trouver notre langage théâtral commun dans l’équipe reste un défi.

Vous avez travaillé une scénographie faite de voiles et de vidéo…

La vidéo porte des paysages montrant l’étirement du temps, les lumières des quatre étés successifs, l’eau très présente dans le texte. À côté de ce qui est dit, il y a un travail d’ambiance, de paysages intérieurs se déployant sur des papiers suspendus, qui créent différents supports et rapports aux images.

Cette saga sociale est marquée par une grande mélancolie, ce que l’auteur désigne comme la promesse de la mort, «  ce qui ne sera jamais plus »…

Il passe son temps à changer de focale, passant de l’intime à l’analyse macrosociologique dépeignant cette époque de déclin. Et il manie en plus le suspense comme personne, faisant sentir l’imminence d’une tragédie qui n’arrive

Par Von Thomas Flagel – Photos de von Honkphoto & Martin Kaufhold

jamais. La bande son du roman nous plonge dans Nirvana avec cette idée que la jeunesse de l’époque allait transformer le désespoir en décibels pour réinventer un monde… On sait depuis que ça n’a pas marché.

Appuyez-vous sur le côté roman noir, avec ses codes particuliers ?

J’en garde l’esprit avec la tension omniprésente. Il y a une histoire de deal de drogue qui devient une revanche sociale plus qu’une plongée dans la pègre. J’aime beaucoup l’évolution du personnage de Hacine, petite frappe devenant grand dealer avant de s’y casser les dents et de se voir dompté par le salariat. On trouve son antagoniste, Anthony et cette fille avec laquelle il rêve de foutre le camp mais qui lui échappe. C’est une pièce sur l’échec d’une jeunesse et leurs parents aux corps broyés par le capitalisme et l’absence de travail.

Wie bringen Sie den Roman auf die Bühne?

Der Prozess ist komplex, denn ich mische französische Schauspieler und andere aus dem festen Ensemble des Saarländischen Staatstheaters. Wir haben sehr unterschiedliche Arten Theater zu machen. In Frankreich sehr textzentriert, da wo die Deutschen in der Handlung sind. Um den Roman auf die Bühne zu bringen, habe ich mich dazu entschieden Momente der individuellen Erzählung und andere, kollektive zu bewahren, denn ich mag es zu sehen, wie eine Gruppe von

Schauspielern zum Kollektiv wird. Und dann war ich sehr von der Art und Weise berührt, wie Nicolas Mathieu die Gesellschaft der 1990er Jahre erzählt: Diese Frage des Endes der Hochöfen und der Hüttenindustrie in Lothringen klingt wie ein Spiegelbild der anderen Seite der Grenze. Die Schauspieler stellen eine Parallele zum wirtschaftlichen Abstieg des Ruhrgebiets, den verlassenen Siedlungen, der 2. und 3. Generation der immigrierten Arbeiter her… Ich bin mit einer aufgeteilten, aber nicht verteilten Version des Textes angekommen, um die Auswahl mit ihnen zu treffen.

Diese deutsch-französische Besetzung ist nicht völlig zweisprachig. Ein Wagnis?

Ein bisschen, aber das erlaubt es auch deutsche Akzente in Teilen zu haben, die auf Französisch gespielt werden, was denselben Abstand, die selbe Fremdartigkeit bringt, wie das Arabisch der Eltern im Roman. Mein Traum war es ein vollständig zweisprachiges Stück zu machen, aber die Schauspieler sind es nicht, also wird alles übertitelt, damit der Übergang von einer Sprache zur anderen kein Problem darstellt. Aber unsere gemeinsame Theater-Sprache innerhalb der Truppe zu finden, bleibt eine Herausforderung.

Sie haben eine Inszenierung aus Tüchern und Videos erarbeitet… Das Video trägt Landschaften, die die Streckung der Zeit verdeutlichen, die

Lichter der vier aufeinanderfolgenden Sommer, das im Text sehr präsente Wasser. Neben dem was gesagt wird, gibt es eine Arbeit mit der Atmosphäre, innere Landschaften entfalten sich auf aufgehängtem Papier, das unterschiedliche Untergründe und Beziehungen zum Bild kreiert.

Diese soziale Saga ist von einer großen Melancholie geprägt, das, was der Autor als das Todesversprechen bezeichnet, „das, was nie wieder sein wird“…

Er ändert ohne Unterlass seinen Fokus, geht vom Intimen zur makro-soziologischen Analyse über, während er diese Epoche des Verfalls beschreibt. Und noch dazu erzeugt er eine unvergleichliche Spannung, die das unmittelbare Bevorstehen einer Tragödie spüren lässt, die nie eintritt. Der Soundtrack des Romans taucht uns in Nirvana, mit der Idee, dass die Jugend dieser Epoche die Hoffnungslosigkeit in Dezibel umwandeln würde, um die Welt neu zu erfinden… Seither wissen wir, dass dies nicht geklappt hat.

Unterstreichen Sie den Hang zum Roman noir mit seinen besonderen Codes?

Ich behalte seinen Geist mit der omnipräsenten Spannung. Es gibt eine Geschichte um einen Drogendeal, der eher zu einer sozialen Revanche wird als zu einem Abtauchen in die Mafia. Ich mag die Entwicklung der Figur Hacine sehr, der Kleinganove, der zum Großdealer wird, bevor er sich daran die Zähne ausbeißt und von der Arbeitnehmerschaft bezwungen wird. Man findet seinen Antagonisten Anthony und dieses Mädchen, mit dem er gerne abhauen würde, das ihm aber entweicht. Es ist ein Stück über das Scheitern einer Jugend und ihrer Eltern mit vom Kapitalismus und der Arbeitslosigkeit zerstörten Körpern.

À l’Alte Feuerwache (Sarrebruck) les 30 et 31 mars, puis les 02, 07, 08, 19, 21 & 28 avril, le 17 mai et le 23 juin (surtitré en allemand et en français)

In der Alten Feuerwache (Saarbrücken) am 30. und 31. März, dann am 02., 08., 21. & 28. April, am 17. Mai und 23. Juni (mit deutschen und französischen Übertiteln) staatstheater.saarland

Amazing Grace

Dans Graces, la chorégraphe italienne Silvia Gribaudi envoie valser les normes de beauté et les injonctions à la minceur.

In Graces jagt die italienische Choreographin Silvia Gribaudi die Schönheitsideale und Forderungen nach Schlankheit zum Teufel.

Motif classique s’il en est, les Trois Grâces ont été peintes, sculptées et décrites de nombreuses fois depuis l’Antiquité, de Botticelli à Maillol, en passant par Raphaël ou Rubens. Les déesses grecques ont laissé place à des représentations nues de l’allégresse (Euphrosyne), de l’abondance ou du charme (Thalie) et de la splendeur (Aglaé). C’est de ces visions de la beauté, toutes fortement ancrées dans l’imaginaire collectif, dont Silvia Gribaudi s’empare pour renverser le culte de la jeunesse et de la perfection. Ses Charites (leur nom originel chez les Grecs) à elle sont trois ballerinos en chaussettes et slip noirs. Avec son corps tout en rondeurs, bien loin des codes du milieu, la chorégraphe les rejoint sur scène pour s’attaquer aux normes. Elle offre la sensualité de sa chair en contrepoint à celle de ses partenaires, revisitant avec un humour ravageur

et une subtilité complice la peinture néoclassique et la danse classique, le voguing, le haka ou encore le kung-fu. Rien de sexy ni d’ultra spectaculaire. Si l’Italienne nous saisit, c’est par sa manière de bousculer, dans une irrévérence jouissive, les tabous de représentation du corps. D’interroger en profondeur les clichés physiques, la bienséance prude comme la construction des canons de beauté qu’elle renvoie aux calendes… grecques ! Le décalage induit par son renversement de genre – prendre trois hommes pour jouer les Grâces et leur adjoindre une femme plus proche des Nanas de Niki de Saint Phalle que de l’iconographie ayant traversé le temps et les époques – n’est que le premier contre-pied d’une artiste capable de se moquer autant d’elle-même que de ce que nous prenons, collectivement, comme échelon du beau, du réussi, de l’esthétique. Ne vous y trompez pas, le

bagage chorégraphique de chacun des interprètes n’a rien à envier aux meilleurs ballets contemporains. Si Silvia Gribaudi tance l’érotisation à l’excès du corps féminin – et la prison qu’elle représente –, elle n’épargne en rien les attendus de la danse, où la silhouette est un outil au service d’une vision, elle-même traversée par une flopée de stéréotypes dont nous héritons collectivement. La pensée de l’impact social, collectif et intime de ces questions s’offre sans crier gare, ni s’appesantir. Libre à chacun de s’interroger sur le sens de ce qui le fait rire, mais aussi sur les normes qui nous prennent en tenaille.

Als klassisches Motiv schlechthin wurden die Drei Grazien seit der Antike unzählige Male gemalt, in Stein gemeißelt und beschrieben, von Botticelli bis Maillol, über Raphaël oder Rubens. Die griechischen Göttin-

Par Von Thomas Flagel – Photos de von Claudia Borgia & Chiara Bruschini

nen haben Akt-Darstellungen der Freude (Euphrosyne), des Überflusses oder des Charmes (Thalia) und der Pracht (Aglaia) Platz gemacht. Dieser Formen der Schönheit, die alle sehr stark im kollektiven Bewusstsein verankert sind, nimmt sich Silvia Gribaudi an, um den Kult der Jugend und der Perfektion zu stürzen. Ihre Chariten (ihr ursprünglicher Name bei den Griechen) sind drei Ballerinos in Strümpfen und schwarzen Slips. Mit ihrem Körper voller Rundungen, der von den Codes des Milieus meilenweit entfernt ist, gesellt sich die Choreographin zu ihnen auf der Bühne, um die Normen zu attackieren. Sie bietet die Sinnlichkeit ihres Körpers dar, als Gegengewicht zu jenen ihrer Partner und interpretiert mit umwerfendem Humor und Subtilität die neoklassische Malerei und den klassischen Tanz, das Voguing, den Haka oder das Kung-Fu neu. Nichts, was sexy oder äußert spek-

takulär wäre. Wenn die Italienerin uns mitreißt, ist es mit ihrer Art und Weise, in einer genussvollen Respektlosigkeit die Tabus der Darstellungen des Körpers umzustoßen. Auf tiefgründige Weise die physischen Klischees zu erkunden, den prüden Anstand, sowie die Konstruktion der Schönheits-Kanons, die sie verwirft. Der Abstand, den sie durch die Umkehrung der Geschlechter – sie nimmt drei Männer, um die Grazien zu spielen und fügt ihnen eine Frau hinzu, die den Nanas von Niki de Saint Phalle nähersteht als der Ikonographie, die die Zeiten und Epochen durchzieht – hervorruft, ist nur das erste Täuschungsmanöver einer Künstlerin, die gleichzeitig dazu fähig ist, sich über sich selbst lustig zu machen, wie über das was wir kollektiv als Maßstab der Schönheit, des Erfolges, der Ästhetik anlegen. Täuschen Sie sich nicht, das choreographische Gepäck jedes einzelnen Interpreten steht

den besten zeitgenössischen Balletts in nichts nach. Während Silvia Gribaudi die exzessive Erotisierung des weiblichen Körpers – und das Gefängnis, das diese darstellt – schilt, spart sie nicht bei den Erwartungen gegenüber dem Tanz, bei dem die Silhouette ein Werkzeug im Dienste der Vision ist, die selbst von vielerlei Stereotypen belastet ist, die wir kollektiv geerbt haben. Der Gedanke an den sozialen, kollektiven und individuellen Einfluss, dieser Fragen taucht ohne Vorwarnung oder Schwere auf. Es bleibt jedem frei überlassen sich zu dem zu hinterfragen, was ihn zum Lachen bringt, aber auch zu den Normen, die uns in die Zange nehmen.

Aux Bains Douches (Montbéliard) jeudi 6 avril In Les Bains Douches (Montbéliard) am Donnerstag den 6. April mascenenationale.eu

Saturday Night Fever

Marco Berrettini revient à ses amours pour les marathons disco de son adolescence dans Sorry, Do the Tour. Again !

Marco Berrettini kommt zu seiner Leidenschaft für den DiscoMarathon seiner Jugend zurück, mit Sorry, Do the Tour. Again!

Par Von Thomas Flagel – Photos de von Cyril Porchet

Pour la génération de Marco Berrettini, John Travolta est une icône. Celle d’une époque où le disco, juste avant l’éclosion du hip-hop, régnait sur les clubs du monde entier. Il y a plus de deux décennies, le chorégraphe – qui fut, à ses 15 ans, champion allemand de disco ! – revisitait les marathons de danse dans lesquels se pressaient de jeunes gens affublés de numéros pour danser jusqu’à ne plus en pouvoir. Vêtus de pattes d’eph’ et chaussures à talon sur fond de hits de Donna Summer, Sylvester ou Boney M., les interprètes se prêtent au jeu de sacraliser des pas de danse populaire, entrés dans l’imaginaire collectif grâce notamment au cinéma (Saturday Night Fever). Mais c’est du côté plus grinçant de Cassavetes que penche Berrettini, s’inspirant d’Opening Night (1977) et d’un essai de Peter Sloterdijk (Règles pour le parc humain, Fayard / Mille et une nuits, 1999) afin de développer une critique acerbe du développement de la compétitivité – nourrie d’une bonne dose de narcissisme – jusque dans les loisirs de masse. De poses cultes à icônes de publicité, les danseurs ne s’appartiennent plus vraiment dans cette société du spectacle.

Für die Generation von Marco Berrettini ist John Travolta eine Ikone. Jene einer Epoche, in der der Disco, kurz vor der Entfaltung des Hip-Hops in den Clubs der ganzen

Welt herrschte. Vor mehr als zwei Jahrzehnten hat der Choreograph – der mit 15 Jahren Deutscher Meister im Disco war! – die Tanz-Marathons neu interpretiert, in denen die Jungen, mit Nummern ausstaffiert, tanzten bis zum Umfallen. Mit Schlaghosen und Absatzschuhen zu Hits von Donna Summer, Sylvester oder Boney M., machen sich die Interpreten ein Spiel daraus populäre Tanzschritte zu sakralisieren, die – insbesondere dank des Kinos (Saturday Night Fever) – in die kollektive Vorstellungswelt eingegangen sind. Aber Berrettini hat eher einen Hang zur bissigen Seite von Cassavetes, indem er sich von Opening Night (1977) und einem Essai von Peter Sloterdijk (Regeln für den Menschenpark, Suhrkamp Verlag, 1999) inspirieren lässt, um eine scharfe Kritik der Entwicklung der Wettbewerbsfähigkeit – genährt von einer guten Dosis Narzissmus – bis in die Freizeitaktivitäten der Massen hinein, zu entwickeln. Von Kult-Posen zur Werbeikone, gehören sich die Tänzer nicht mehr wirklich selbst, in dieser Gesellschaft der allgegenwärtigen Show.

Au Théâtre Ledoux (Besançon) mardi 4 et mercredi 5 avril

Im Théâtre Ledoux (Besançon) am Dienstag den 4. und Mittwoch den 5. April les2scenes.fr

Regard dépouillé

Dans Pourtant chacun tue ce qu’il aime, la chorégraphe Camille Mutel explore la place de la nourriture dans nos liens à l’autre et au vivant.

ImAngesicht des Todes

In Pourtant chacun tue ce qu’il aime erkundet die Choreographin Camille Mutel den Platz der Nahrung in unserer Beziehung zum Anderen und zum Lebenden.

Par Von Thomas Flagel Photos de rép étition Probenphotos © CCN - Ballet de Lorraine

Dans la continuité de Not I, que vous dansiez en solo, vous imaginez le second volet avec deux danseurs d’une série de quatre spectacles… Cette quadrilogie intitulée “La place de l’autre” était une envie dès le départ d’associer une pièce à une saison : l’hiver pour Not I et, à rebours, l’automne pour Pourtant chacun tue ce qu’il aime. J’étais partie au Japon, en résidence à la Villa Kujoyama de Kyoto, pour travailler sur la cérémonie du thé, dans l’idée de réfléchir à comment offrir quelque chose à quelqu’un. Je décalais les choses vers l’Occident en servant un verre de vin, mais surtout du temps en partage, des mouvements étirés. Dans cette nouvelle création aussi, je pars des gestes, ceux de tuer pour se nourrir, en questionnant la place des mets et du vivant qu’on ingère. Nous avons rencontré des paysans dans diverses régions, afin de voir comment ils font pour gérer leur autonomie alimentaire, quels liens ils tissent avec leurs bêtes, de la naissance à la mort, avec beaucoup de soin.

Cette gestuelle du patrimoine rural, en voie de disparition, est celle des chasseurs, des pêcheurs, des cueilleurs…

Ce patrimoine immatériel de l’humanité disparaît petit à petit, d’une part parce que les lois contraignent de plus en plus le fait de donner la mort aux animaux dans les fermes, mais aussi parce que la transmission parents-enfants diminue. J’ai toujours vécu à la campagne avec l’intuition que le bon sens paysan est proche du rite : on n’assassine pas les animaux, il y a des rapports ritualisés au sacrifice, qui n’en font pas un geste anodin, ni banal. En les observant de près et en les interrogeant, nous avons aussi découvert leur respect et leur

conscience de la mort, proche d’un rapport d’égal à égal avec la bête.

Vous avez pratiqué le butō et êtes une adepte du minimalisme et de la lenteur à la recherche d’une qualité de présence. Comment travaillez-vous cette fois, sans être au plateau ?

Nous sommes dans le concret des actions observées. Plus que du minimalisme, je parlerais d’une sobriété de mouvements : de quoi avons-nous besoin pour chasser à la sarbacane, pour cueillir une grenade. Nous cherchons une conscience de soi et du geste juste, afin de lui laisser le plus de place possible, l’étirer pour basculer vers un monde poétique. Ainsi nous cueillons des cornes et tirons sur des grenades… J’ai l’impression d’être encore plus radicale qu’avec Not I. Comme dans Le Cheval de Turin de Béla Tarr, qui s’attarde longuement sur un repas à table avec des patates, j’aime m’attarder sur les choses, en prenant le temps. La simplicité est complexe à atteindre.

Qu’en est-il de la musique ?

Si la pièce est envahie par fragments comme une nature morte – peau de chèvre, cornes, crâne, lait, cloche… –, nous avons travaillé le son à partir du souffle grâce à de vieux orgues en bois. Ils dessinent des branches dans l’espace.

In einer Kontinuität mit Not I, das Sie als Solo tanzten haben Sie sich den zweiten Teil mit zwei Tänzern aus einer Serie von vier Aufführungen ausgedacht…

Dieser Vierteiler mit dem Titel „Der Platz des Anderen“ ent-

sprach von Anfang an der Lust darauf, ein Stück einer Jahreszeit zuzuordnen: Der Winter für Not I und, rückwärts, der Herbst für „Dennoch tötet jeder das, was er mag“. Ich war nach Japan gereist, für eine Künstlerresidenz in der Villa Kujoyama in Kyoto, um zur Teezeremonie zu arbeiten, mit der Idee wie man jemandem etwas schenken könne. Ich verschob die Dinge in den Westen, indem ich ein Glas Wein servierte, aber vor allem gemeinsame Zeit, ausgedehnte Bewegungen. In dieser neuen Kreation gehe ich ebenfalls von den Gesten aus, jenen zu töten, um sich zu ernähren und stelle den Platz des Gerichts und des Lebenden in Frage, das man einnimmt. Wir haben Bauern in verschiedenen Regionen getroffen, um zu sehen, wie sie ihre Lebensmittel-Autonomie gestalten, welche Beziehung sie zu ihren Tieren aufbauen, von der Geburt bis zum Tod, mit viel Sorgfalt.

Diese Geste des ruralen Kulturerbes, die zu Verschwinden droht, ist jene eines Jägers, Fischers, Sammlers… Dieses immaterielle Kulturerbe der Menschheit verschwindet nach und nach, einerseits weil die Gesetze die Tatsache auf Bauernhöfen zu töten immer mehr einschränken, aber auch weil die Weitergabe von Eltern an Kinder abnimmt. Ich habe immer auf dem Land gelebt mit der Intuition, dass der gute Menschenverstand des Bauern dem Ritus nahesteht: Man ermordet die Tiere nicht, es gibt ritualisierte Beziehungen zur Opfergabe, die daraus keine harmlose oder banale Geste machen. Als wir sie aus der Nähe beobachteten und sie befragten, haben wir auch ihren Respekt und ihr Bewusstsein für den Tod entdeckt, nah dran an einer Beziehung auf Augenhöhe mit dem Tier.

Sie haben den Butoh praktiziert und sind eine Anhängerin des Minimalismus und der Langsamkeit auf der Suche nach der Qualität des gegenwärtigen Moments. Wie arbeiten sie dieses Mal, ohne auf der Bühne zu sein? Wir sind im Konkreten der beobachteten Szenen. Mehr als von Minimalismus würde ich von einer Nüchternheit der Bewegungen sprechen: Was brauchen wir, um mit dem Blasrohr zu jagen, um einen Granatapfel zu ernten. Wir suchen ein Bewusstsein des Selbst und der richtigen Geste, um ihr den größtmöglichen Platz einzuräumen, sie zu strecken um in eine poetische Welt zu gleiten. So ernten wir Hörner und schießen auf Granatäpfel… Ich habe den Eindruck noch radikaler zu sein als bei Not I. Wie in Le Cheval de Turin von Béla Tarr, die sich lange an einem Essen am Tisch mit Kartoffeln aufhält, mag ich es, mich mit Dingen aufzuhalten, mir Zeit zu nehmen. Die Einfachheit ist schwer zu erreichen.

Und was ist mit der Musik?

Während das Stück von Fragmenten eingenommen wird, wie ein Still-Leben – Ziegenhaut, Hörner, Schädel, Milch, Glocke… – haben wir den Klang ausgehend vom Atem alter Holzorgeln erarbeitet. Sie zeichnen Äste im Raum.

Au Carreau (Forbach) mardi 4 avril et au Centre culturel André Malraux (Vandœuvre-lès-Nancy) mercredi 15 et jeudi 16 novembre Im Carreau (Forbach) am Dienstag den 4. April und im Centre culturel André Malraux (Vandœuvre-lès-Nancy) am Mittwoch den 15. und Donnerstag den 16. November carreau-forbach.com – centremalraux.com

Qui dort danse

Le chorégraphe catalan Marcos Morau réveille La Belle au bois dormant pour le Ballet de l’Opéra national de Lyon.

Wer schläft tanzt

Der katalanische Choreograph Marcos Morau erweckt La Belle au bois dormant* für das Ballet de l’Opéra national de Lyon.

Spécialiste de scénographies réalistes servant les dystopies qui peuplent ses créations, Marcos Morau investit un espace muséal vide de toute œuvre, mais pas de vie. Sa belle endormie, qui s’éveille cent ans après notre ère, n’a de princesse que le costume. Pas de prince charmant aux alentours, ni d’injonctions parentales à la maternité. La nouvelle aurore de son existence n’est, pour autant, pas de tout repos car le chorégraphe la place – à moins qu’il ne la diffracte littéralement –

au cœur des douze autres danseurs du Ballet de l’Opéra national de Lyon. Hommes et femmes sont ainsi vêtus des mêmes robes à crinoline, recouvertes de tulle blanche, idéales pour embrasser les diverses teintes caméléonesques d’une création lumière zénithale qui se répand sur le plateau depuis un plafond mouvant. Le clin d’œil à La Servante écarlate, avec le rouge du même nom, est appuyé par des coiffes rappelant celles de la série. L’éclairage tressaute et les teintes vibrent à l’instar des corps

pris dans une intensité folle de postures et de regards oscillant entre crainte et curiosité renouvelées. L’impavidité des visages tranche avec les mouvements brusques d’êtres aux bustes corsetés de dentelle, dont les changements d’états et de directions, tout en ruptures et rejets du crâne en arrière, défient l’anatomie humaine. Cet essaim de volatiles, têtes de guingois, enchaîne les mouvements collectifs de balancier et de fulgurances inquiétantes par contamination et imitation. Comme possé-

Par Von Thomas Flagel – Photos de von Jean-Louis Fernandez

dés, la rigidité des interprètes offre au regard une désarticulation étonnante et fascinante, renforcée par des jambes longtemps invisibles sous les volumes des armatures des costumes. L’apparence heurtée en ferait presque des automates – ou des pantins robotiques manipulés par les ondes d’un boitier électrique lumineux – si Marcos Mauro ne prenait un malin plaisir à disséminer, petit à petit, des signes d’humanité se glissant dans ce cauchemar où les flexions renversées du dos voisinent avec autant de possibles doubles de la belle. Dans les contretemps de la musique de Tchaïkovski, le Chilien Juan Cristóbal Saavedra glisse ses nappes d’electro gorgée de synthés qui accompagnent un plafond s’abaissant, lame menaçante qui se refermerait comme un clapier sur quiconque défierait, seul, la norme. L’arrivée d’un bébé, que chacun et chacune se passe dans un somptueux mouvement continu tel un trésor dont il faudrait, ensemble, prendre le plus grand soin, se détourne du dogme du foyer nucléaire. À vitesse grand V, le poupon grandit, toujours entouré de ses figures tutélaires, anonymes mais fortes de leur multiplicité, tandis qu’elles trouvent le courage d’effriter décor et costumes, révélant le squelette d’un monde et ses illusions de cadre. La danse se fait plus libre, sautillante, toute en volte-face et tournoiements. Dans le futur selon Morau, la liberté provient définitivement de la force du groupe.

Als Spezialist für realistische Bühnenbilder, die den Dystopien dienen, welche seine Kreationen bevölkern, nimmt Marcos Morau einen von sämtlichen Werken geleerten Museumsraum ein, der doch von Leben gefüllt ist. Sein Dornröschen, das hundert Jahre nach unserer Zeit erwacht, hat von der Prinzessin nur das Kostüm. Kein charmanter Prinz weit und breit, keine elterliche Anordnung zur Mutterschaft. Die neue Morgenröte ihrer Existenz ist nichtsdestotrotz nicht ganz erholsam, denn der Choreograph platziert sie – es sei denn er bricht sie buchstäblich – inmitten von zwölf anderen Tänzern des Ballet de l’Opéra national de Lyon. So sind Männer und Frauen mit denselben Krinolinröcken bekleidet, bedeckt mit weißem Tüll, ideal um die verschiedenen chamäleonartigen Farbtöne einer Lichtkreation zu empfangen, die sich von einer sich bewegenden Decke aus über die Bühne ergießt. Der Seitenhieb auf The Handmaid’s Tale mit dem Scharlachrot wird durch Kopfbedeckungen verstärkt, die an jene der Serie erinnern. Die Beleuchtung wackelt und die Farbtöne vibrieren, wie die Körper, die von einer verrückten Intensität an Haltungen und Blicken erfasst werden, zwischen Furcht und Neugierde hin und her schwanken. Die Furchtlosigkeit der Gesichter steht mit den brüsken Bewegungen von in Spitze eingeschnürten Wesen in Kontrast, deren Zustands-und Richtungswechsel, voller Brüche und Würfe des

Kopfes in den Nacken, die menschliche Anatomie herausfordern. Dieser Vogelschwarm mit schiefen Köpfen reiht die kollektiven Bewegungen des Pendels und des Geistesblitzes aneinander, die durch ihre Ansteckung und Imitation beunruhigend werden. Wie besessen liefert die Steifheit der Interpreten dem Betrachter eine erstaunliche und faszinierende Exartikulation, die von Beinen verstärkt wird, die unter den Volumen der Kostüme lange unsichtbar bleiben. Das Erscheinungsbild würde sie fast zu Automaten werden lassen – oder zu roboterartigen Hampelmännern, die von den Strahlen eines leuchtenden Elektro-Kastens manipuliert werden –wenn Marcos Mauro nicht eine teuflische Freude daran hätte, nach und nach Zeichen der Menschlichkeit in diesen Albtraum gleiten zu lassen, in dem die umgekehrten Beugungen des Rückens neben ebenso vielen Doppelgängern der der Schönen stehen. In das Kontratempo der Musik von Tschaikowski fügt der Chilene Juan Cristóbal Saavedra seine Elektro-Landschaften voller Synthesizer ein, welche eine Decke begleitet, die sich senkt, eine bedrohliche Klinge, die zuschnappt wie ein Kaninchenstall, über jedem der es allein wagen würde die Norm herauszufordern. Die Ankunft eines Babys, das jeder sich weiterreicht wie einen Schatz, den man gemeinsam behüten müsste, kehrt dem Dogma der Kleinfamilie den Rücken. Das Baby wächst in einem Wahnsinnstempo, immer umgeben von seinen Vormündern, die anonym, aber durch ihre Vielfalt stark sind, während sie den Mut finden, den Dekor und die Kostüme zu zerbröckeln, so dass das Skelett einer Welt und ihrer Illusionen zu Tage gebracht wird. Der Tanz wird freier, hüpfender, voller Kehrtwendungen und Drehungen. In der Zukunft, so Morau, resultiert die Freiheit definitiv aus der Stärke der Gruppe.

À l’Opéra de Reims (en coréalisation avec Le Manège) du 14 au 16 avril, dès 12 ans In der Opéra de Reims (Gemeinschaftsproduktion mit Le Manège) vom 14. bis 16. April, ab 12 Jahren operadereims.com – manege-reims.eu

> Audiodescription le dimanche 16 avril à 14h30

* Dornröschen

Murray Head

Avec la musique de Gerome Nox et une installation de Koo Jeong A, la chorégraphe Michèle Murray crée DANCEFLOOR pour le Ballet de Lorraine. Interview.

Mit der Musik von Gerome Nox und einer Installation von Koo Jeong

A kreiert die Choreographin Michèle Murray DANCEFLOOR für das Ballet de Lorraine. Interview.

À moins d’un mois de la première de votre nouvelle pièce, où en êtes-vous ?

Les éléments chorégraphiques commencent à être bien en place, il nous reste à l’associer et la modifier avec tout ce qui cohabite avec la danse : lumière, son et proposition plastique de Koo Jeong A.

Cette artiste coréenne, installée à Paris, est notamment l’autrice de sculptures phosphorescentes. Est-ce dans cette direction qu’elle intervient dans votre pièce ?

Sa proposition d’un objet scénique n’est pas encore figée. Je n’en ai moi-même pas vu le résultat final, ce qui correspond à ma manière de travailler. Je collabore littéralement avec des artistes d’autres domaines que le mien. Chacun planche de son côté autour d’une idée commune, ce qui permet d’explorer différentes pistes. Mais je peux vous dire que la sienne devrait être lumineuse, en effet.

Vous poursuivez votre chemin avec Gerome Nox, créateur de musique électronique et électroacoustique…

Je le connais depuis longtemps, ce qui me donne une grande confiance. Plus qu’un compositeur, c’est un vrai sculpteur de son, faisant de l’electro avec de vrais instruments. J’ai voulu décaler l’imaginaire du dancefloor en ne prenant ni un DJ ni de la techno.

Pour la première fois, vous avez 25 danseurs à disposition. Comment abordez-vous ce groupe ?

Je travaille toujours en fonction de ma situation concrète plutôt qu’à partir d’une idée extérieure que je poserais sur un projet. Quand Petter Jacobsson, directeur du CCN, me l’a proposé, je me suis dit avec mon équipe qu’avoir tous ces danseurs, c’était comme un immense dancefloor. C’est resté ! Il représente pour moi autant le plateau, le lieu du théâtre et de la technicité des interprètes – avec leur formation classique et contemporaine de haut niveau – que le côté populaire d’un club. J’orchestre la cohabitation de ces deux univers dans un nouvel objet et me réjouis du foisonnement de ces 25 danseurs.

Cette rencontre se fait-elle par contamination, rapprochements, écarts ?

Par rapprochements et contaminations par exemple en faisant des adages* sur un tempo différent de celui, habituellement lent, du classique, ou en se servant d’un motif propulsé dans un espace nouveau. Ou encore en débutant un mouvement avec une énergie de dancefloor du samedi soir, mais réalisé dans une forme à la Cunningham. L’univers que nous créons part également de l’expérience du clubbing propre aux danseurs et de l’histoire de la danse qui est inscrite dans leur corps. C’est eux qui écrivent le vocabulaire final, d’après le travail sur des procédés d’écriture instantanée que je leur propose à base de motifs, règles, contraintes de temps, d’espace, de types de relations. Le tout encadré par des balises. J’essaie surtout d’abaisser la production de mouvement de ces virtuoses, d’initier des changements d’échelle autour d’un même motif pour les laisser inscrire des choses chorégraphiquement, en étirant le temps.

Wie weit sind Sie weniger als einen Monat vor der Premiere ihres neuen Stückes?

Die choreographischen Elemente stehen, sie müssen nun verbunden und verändert werden, mit all jenem, was mit dem Tanz koexistiert: Licht, Ton und die plastische Arbeit von Koo Jeong A.

Diese koreanische Künstlerin, die in Paris wohnt, ist unter anderem Autorin phosphoreszierender Skulpturen. Weist ihre Mitwirkung an ihrem Stück in diese Richtung?

Ihr Beitrag eines Bühnenobjektes ist noch nicht fixiert. Ich selbst habe das Endresultat noch nicht gesehen, was meiner Art des Arbeitens entspricht. Ich arbeite buchstäblich mit Künstlern anderer Disziplinen als der meinen zusammen. Jeder sucht seinerseits zu einer gemeinsamen Idee, was es erlaubt verschiedene Wege zu erkunden. Aber ich kann Ihnen sagen, dass ihrer sicherlich mit Licht zu tun hat.

Sie setzen Ihren Weg mit Gerome Nox fort, einem Schöpfer von elektronischer und elektroakustischer Musik… Ich kenne ihn seit Langem, so dass ich ihm volles Vertrauen

Par Von Thomas Flagel – Photo de von Julien Reyes

entgegenbringe. Mehr als ein Komponist ist er ein wahrer Bildhauer des Tons, der Elektromusik mit echten Instrumenten produziert. Ich wollte die Vorstellungswelt vom Dancefloor trennen, indem ich weder einen DJ noch Technomusik nehme.

Erstmals stehen Ihnen 25 Tänzer zur Verfügung. Wie gehen Sie an diese Gruppe heran?

Ich arbeite immer in Funktion meiner konkreten Situation, statt ausgehend von einer äußeren Idee, die ich über das Projekt stülpe. Als Petter Jacobsson, Direktor des CCN, es mir anbot, sagte ich mir mit meinem Team, dass die Tatsache alle diese Tänzer zur Verfügung zu haben, wie ein riesiger Dancefloor ist. Und das ist geblieben! Er wird für mich gleichzeitig die Bühne, der Ort des Theaters und der Technik der Interpreten – mit ihrer klassischen und zeitgenössischen Ausbildung von höchstem Niveau – sowie die populäre Seite eines Clubs. Ich orchestriere das Zusammenspiel dieser beiden Universen in einem neuen Objekt und freue mich über die Fülle dieser 25 Tänzer.

Passiert diese Begegnung über Ansteckung, Annäherung, Abstand?

Durch Annäherung und Ansteckung, zum Beispiel indem ein üblicherweise langsames Adagio*, in einem anderen Tempo ausgeführt wird oder indem man sich eines Motivs bedient, das in einen neuen Kontext versetzt wird. Oder auch indem man eine Bewegung mit der Energie des Dancefloors am Samstagabend beginnt aber in einer Form à la Cunningham

realisiert. Das Universum, das wir kreieren, geht ebenfalls von der Erfahrung des Clubbings aus, die den Tänzern eigen ist und der Geschichte des Tanzes, die ihre Körper geprägt hat. Es sind sie, die das schlussendliche Vokabular schreiben, nach einer Arbeit rund um spontane Schreibverfahren, die ich ihnen anbiete, auf der Basis von Motiven, Regeln, Beschränkungen von Zeit, Raum und Typ der Beziehungen. Das ganze eingefasst von Markierungen. Ich versuche vor allem die Bewegungs-Produktion dieser Virtuosen zu drosseln, Veränderungen des Maßstabes zu einem gleichen Motiv zu initiieren um sie aus choreographischer Sicht Dinge prägen zu lassen und dabei die Zeit zu strecken.

À l’Opéra national de Lorraine (Nancy) du 1er au 7 avril, soirée complétée par Acid Gems, chorégraphie d’Adam Linder

In der Opéra national de Lorraine (Nancy) vom 1. bis 7. April, der Abend wird abgerundet von Acid Gems, einer Choreographie von Adam Linder ballet-de-lorraine.eu – opera-national-lorraine.fr

> Bord de scène avec les chorégraphes, samedi 1er avril après la représentation

* Mouvements amples exécutés sur un tempo lent afin de parfaire l’équilibre et la ligne du danseur.

* Ausschweifende Bewegungen, die zu einem langsamen Tempo ausgeführt werden, um das Gleichgewicht um die Linie des Tänzers zu vervollkommnen.

The Visible Man

Dans sa toute dernière création, C A R C A S S , Marco da Silva Ferreira signe une pièce politique réhabilitant l’héritage du folklore, mâtiné de danses urbaines.

Mit seiner neuesten Kreation, C A R C A S S, präsentiert Marco da Silva Ferreira ein politisches Stück, das das Erbe der Folklore rehabilitiert, gekreuzt mit Streetdance.

Quelles traces l’histoire collective imprime-t-elle dans les corps ? Comment renouveler la mémoire sans oublier les sombres soubresauts du passé ? Le Portugais Marco da Silva Ferreira s’empare de ces questions dans une recherche tissant des liens entre communauté et identité. C A R C A S S réunit dix danseurs métissés et deux instrumentistes qui, sur fond de batterie et de musique électronique, épluchent à leur manière les danses folkloriques standardisées, marquées par l’autoritarisme de la dictature

et son immuable paternalisme. Ils les relient aux mouvements culturels ayant émergé dans les groupes minoritaires (LGBTQIA+) ou dans les anciennes colonies. Emportés par un jeu de jambes sautillant, empruntant autant à la tradition qu’aux danses urbaines, naît un flot continu de mouvements dans lesquels se percutent house dance, jumpstyle, grands battements classiques, mouvements robotiques ou encore ronde populaire. Le duckwalk (marche les jambes légèrement brisées) et les dips (chute dorsale au sol, une jambe repliée,

l’autre tendue en l’air) rappellent les balls du voguing, là où la frénésie rythmée du kuduro angolais se mêle à l’ambiance fiévreuse et débridée des clubs. Comme un fil rouge, les pas croisés, bondissant d’un pied sur l’autre, offrent une liberté en apparence totale au haut du corps des interprètes pour cheminer de concert. Ce qui pourrait ressembler à un simple melting-pot prend, par sa mise à l’épreuve de la durée et de l’épuisement qu’elle entraîne, la forme d’une quête de transcendance collective, de sens kinesthésique, de confiance en

Par Von Thomas Flagel – Photos de von José Caldeira

ce qui se joue par les sensations et les connexions entre gestes familiers.

Le chorégraphe réhabilite à sa manière des danses mises de côté pendant longtemps pour avoir été vidées de leur substance et caricaturées par le salazarisme. Les lier aux éruptions identitaires et aux revendications de visibilisation et d’égalitarisme actuelles engage une réflexion politique sur l’héritage culturel, le métissage, ce qu’on perpétue et ce qui est remplacé. Les époques se percutent avec le chant révolutionnaire du Grupo de Acção Cultural formé par le poète et militant communiste José Mário Branco. Sa Cantiga sem maneiras, dont les vers se projettent sur le fond de scène, dénonce dans le même élan fascisme et exploitation des travailleurs sous la voix d’une femme. Les danseurs ont recouvert leurs académiques * troués d’étoffes colorées et enlèvent le haut qu’ils agitent comme des drapeaux flottant entre leurs bras, le corps secoué de pulsations. Ils détournent cette contrainte et les effets de la dictature, main sur le visage et doigts dans la bouche pour offrir un cri silencieux au présent, comme au passé. Même sueur et même besoin d’exploser les cases (de genre, d’identité, de pudeur excessive) dans une marche libératrice, dopée par une sensualité fiévreuse.

Welche Spuren hinterlässt die kollektive Geschichte in den Körpern? Wie kann man das Gedächtnis erneuern, ohne die düsteren Zuckungen der Geschichte zu vergessen. Der Portugiese Marco da

Silva Ferreira nimmt sich dieser Fragen an, in einer Suche, die eine Beziehung zwischen Gemeinschaft und Identität herstellt. C A R C A S S vereint zehn Tänzer mit gemischter Herkunft und zwei Instrumentalisten, die vor dem Hintergrund von Schlagzeug und Elektromusik, den standardisierten Folkloretanz seiner Schale entledigen, der vom Autoritarismus der Diktatur und ihrem unveränderlichen Paternalismus geprägt wurde. Sie verbinden sie mit den kulturellen Bewegungen, die in den Gruppen der Minderheiten (LGBTQIA+) oder den ehemaligen Kolonien aufgetreten sind. Von einem springenden Beinspiel mitgerissen, das ebenso Anleihen bei der Tradition wie beim urbanen Tanz macht, entsteht ein kontinuierlicher Fluss an Bewegungen, in denen Housedance, Jumpstyle, große klassische Beinschläge, roboterartige Bewegungen oder auch populäre Rundtänze aufeinanderprallen. Der Duckwalk (gehen mit leicht eingeschlagenen Beinen) und die Dips (ein Rückensturz auf den Boden, mit einem abgeknickten Bein, das andere in die Luft gestreckt), was an die Balls des Voguings erinnert, da wo die rhythmische Leidenschaft des angolanischen Kuduro sich mit der fieberhaften und ungezügelten Stimmung der Clubs mischt. Wie ein roter Faden, bieten die überkreuzten Schritten, von einem Fuß auf den anderen hüpfend, eine anscheinend totale Freiheit für den Oberkörper der Interpreten. Was an einen einfachen Melting-Pot erinnern könnte, anhand der Prüfung der Ausdauer und der Erschöpfung, die sie mit sich zieht, nimmt die Form einer kollektiven Transzendenz

an, mit kinästhetischem Sinn, Vertrauen in das was durch die Wahrnehmung geschieht, die Verbindung zwischen familiären Gesten.

Der Choreograph rehabilitiert auf seine Weise Tänze, die lange links liegen gelassen wurden, da sie ihrer Substanz beraubt und vom Salazarismus karikiert worden waren. Sie mit den identitären Bewegungen zu verbinden und mit den Forderungen nach mehr Sichtbarkeit und Egalitarismus engagiert eine politische Reflexion zum kulturellen Erbe, zur Rassenverschmelzung, zu dem was fortgesetzt und ersetzt wird. Die Epochen prallen mit den revolutionären Gesängen der Grupo de Acção Cultural aufeinander, die vom Poeten und militanten Kommunisten José Mário Branco gegründet wurde. Seine Cantiga sem maneiras, deren Verse auf den Hintergrund der Bühne projiziert werden, denunziert mit dem gleichen Elan Faschismus und Ausbeutung der Arbeiter mit der Stimme einer Frau. Die Tänzer haben ihre gelöcherten akademischen Tanzanzüge mit bunten Stoffen bedeckt und ziehen das Oberteil aus, das sie wie Fahnen im Wind schwenken, zwischen ihren Armen, mit von Zuckungen bewegten Körpern. Sie spielen mit diesem Zwang, wie mit den Effekten der Diktatur, mit der Hand auf dem Gesicht und einem Finger im Mund, um der Gegenwart einen stillen Schrei zu schenken, wie in der Vergangenheit. Derselbe Schweiß und dasselbe Bedürfnis die Grenzen zu überschreiten (des Geschlechts, der Identität, der übermäßigen Scham) in einem Marsch der Freiheit, der von einer fieberhaften Sinnlichkeit beflügelt wird.

Au Maillon (Strasbourg) mercredi 5 et jeudi 6 avril (présenté avec Pôle Sud)

Im Maillon (Straßburg) am Mittwoch den 5. und 6. April (präsentiert mit Pôle Sud) maillon.eu – pole-sud.fr

> Conférence de Daniela Guzman Martinez, docteure en Arts du Spectacle, autour des appropriations politiques des danses traditionnelles, à la Maison de l’Amérique Latine - Café Libro (Strasbourg) mardi 4 avril à 19h

* Combinaison de danse classique

* Bekleidung im klassischen Tanz

Equilibrium

Dans l’écrin home-made de deux remorques, Laurent Mesnier invente une Construction à l’équilibre précaire.

Im selbstgebauten Rahmen aus zwei Anhängerfahrzeugen, erfindet Laurent Mesnier eine Construction in unsicherem Gleichgewicht.

Par Von Thomas Flagel

Son amour de la bricole et de l’inventivité à tout crin porte Laurent Mesnier depuis un bon bout de temps. Le scénographe et constructeur bisontin a créé, avec l’équipe de Tricyclique Dol (Ben Farey et Guillaume de Baudreuil), sa propre salle de spectacle sur roues. Deux camions et autant de remorques totalement réaménagées servent de scène et de gradins mobiles à La Construction, sa dernière pièce, dans laquelle des objets quotidiens et anodins sont posés dans un équilibre précaire sur un ensemble – tout aussi disparate – de tiges et de baguettes. La fragile sculpture qui en découle, sensible aux aléas de la moindre maladresse ou du tremblement guettant l’interprète, prend la silhouette fluette de l’éphémère. Dans le récit muet qui se tisse entre l’homme et la matière, l’inexorable chute maintient en état d’alerte. La peur au ventre et la ténacité en étendard, l’architecte de peu semble en quête d’absolu, d’harmonie avec son espace et son temps, même si à force de tisser sa toile, sa liberté de mouvement se rétrécit à vue d’œil…

Seine Liebe zu Basteleien und seinen leidenschaftlichen Einfallsreichtum trägt Laurent Mesnier seit einer Weile mit sich herum. Der Bühnenbildner und Baumeister aus Besançon hat mit dem Team von Tricyclique Dol (Ben Farey und Guillaume de Baudreuil), seinen eigenen Veranstaltungssaal auf vier Rädern geschaffen. Zwei Lastwagen und ebenso viele Anhängerfahrzeuge, die total umgebaut wurden, dienen

als Bühne und mobile Zuschauerränge für La Construction, sein aktuelles Stück, in dem gewöhnliche Alltagsobjekte auf einem – genauso vielschichtigen – Ensemble aus Stängeln und Stäbchen balancieren. Die zerbrechliche Skulptur, die daraus entsteht, ist anfällig für die kleinste falsche Bewegung oder Schwingung des Interpreten, wird zur zarten Silhouette des Vergänglichen. In dieser stummen Erzählung, die sich zwischen dem Mann und der Materie entspinnt, versetzt der unausweichliche Sturz in Alarmbereitschaft. Mit der Angst im Bauch und der Beharrlichkeit, die er sich auf die Fahne geschrieben hat, scheint der Architekt des Wenigen auf der Suche nach dem Absoluten zu sein, nach Harmonie mit seinem Raum und seiner Epoche, selbst wenn seine Bewegungsfreiheit mehr und mehr eingeschränkt wird, desto weiter er sein Netz spinnt…

Sur le campus Esplanade, bâtiment Le Patio (Strasbourg) du 31 mars au 6 avril (en partenariat avec le Service universitaire d’Action culturelle) puis dans l’Eurométropole de Strasbourg du 12 au 24 avril (dès 7 ans) Auf dem Campus Esplanade, im Gebäude Le Patio (Straßburg) vom 31. März bis 6. April (in Kooperation mit dem Service universitaire d’Action culturelle) dann in der Eurométropole de Strasbourg vom 12. bis 24. April (ab 7 Jahren) tjp-strasbourg.com

> Rencontre avec les artistes, jeudi 6 avril après la représentation de 19h

Amor trip

Avec Cosmo Safari, Romane Santarelli réussit un premier album d’une rare inventivité.

Mit Cosmo Safari gelingt

Romane Santarelli ein erstes

Album von seltenem Einfallsreichtum.

C’est de l’electro instrumentale, fraîche et colorée, et pourtant… À travers les sonorités synthétiques de ses claviers, Romane Santarelli déploie une musique narrative, parvient à murmurer des histoires phoniques aux oreilles euphorisées de ceux qui l’écoutent et se laissent emporter dans la danse onirique à laquelle la Clermontoise les convie. Pour son premier album, le brillant Cosmo Safari, la jeune femme ajoute même à ses tracks des samples aériens de sa voix, comme sur Hello Elie, morceau dédié à son petit neveu, palpitant comme la vie naissante et l’éveil à l’amour inconditionnel. Conçu tel un voyage en quatorze stations, l’opus s’apprécie aussi bien corps en transe sur le dancefloor qu’allongé les yeux fermés sur le canapé du salon, même si c’est en live que l’expérience se fait 100 % tripante. La compositrice et performeuse soigne en effet sa scénographie au millimètre : pas moins de sept artistes lui ont prêté main forte pour donner chair à ses pensées – vidéaste, bédéiste, etc. D’Amoramas à I Love You So, en passant par Isabelle, composé en une nuit à peine au moment de l’hospitalisation de sa mère, il n’est question ici que d’amour, sous toutes ses formes et métaphores.

Es ist instrumentale Elektromusik, frisch und bunt, und trotzdem… Durch die synthetischen Klänge

der Tastaturen hindurch entfaltet Romane Santarelli eine narrative Musik, sie murmelt phonische Geschichten in die euphorischen Ohren von jenen, die ihr zuhören und sich in den traumhaften Tanz entführen lassen, zu dem die Künstlerin aus Clermont-Ferrand einlädt. Für ihr erstes Album, das brillante Cosmo Safari fügt die junge Frau ihren tracks luftige Samplings ihrer Stimme hinzu, wie auf Hello Elie, einem Stück, das ihrem kleinen Neffen gewidmet ist, aufregend wie das entstehende Leben und die Geburt einer bedingungslosen Liebe. Wie eine Reise mit vierzehn Stationen aufgebaut, genießt man das Werk ebenso in Trance auf der Tanzfläche, wie mit geschlossenen Augen auf der Couch liegend, selbst wenn die Erfahrung nur in live 100% mitreißend ist. Die Komponistin und Performancekünstlerin achtet bei ihren Inszenierungen auf jeden Millimeter: Nicht weniger

als sieben Künstler haben ihr geholfen ihren Gedanken Leben einzuhauchen – Videokünstler, Comiczeichner, etc. Von Amoramas bis I Love You So, über Isabelle, das sie in nur einer Nacht komponierte, während ihre Mutter ins Krankenhaus kam, geht es hier nur um Liebe, in allen ihren Formen und Metaphern.

À l’Espace Django (Strasbourg) jeudi 13 avril Im Espace Django (Straßburg) am Donnerstag den 13. April espacedjango.eu

Par Von Suzi Vieira Photo de von Aloïs Rebaud

Édité par Erschienen bei Balagan Music / Wagram Music wagram-stories.com

Outrenoir

Âme tourmentée, le Suisse Nuit incolore réécrit son histoire et réinvente ses attaches avec son nouvel EP, Insomnia

Als gequälte Seel schreibt der Schweizer Nuit incolore seine Geschichte neu und erfindet sich neue Beziehungen mit seiner aktuellen EP, Insomnia

Par Von Suzi Vieira – Photo de von Augustin JSM

Àtout juste 19 ans, Théo Marclay agitait déjà les compteurs de son compte TikTok en publiant, depuis sa chambre de Fully, dans le Valais, des vidéos de ses chansons, postées comme autant d’épisodes d’un fascinant manga musical – regroupées en deux EP Histoire de Nuit 1 et 2, sortis l’an dernier. Repéré et aussitôt signé par Wagram, ce Suisse d’origine vietnamienne, adopté par des parents propriétaires d’un magasin d’instruments de musique, a construit un singulier univers emo-pop, à la croisée du romantisme goethien et du lyrisme des animés japonais. Insomniaque

poète des heures maussades, il s’est créé une sorte d’avatar, Nuit incolore, puisant dans son histoire personnelle et sa quête des origines pour nourrir des textes ombrageux et faire entendre la voix d’une communauté asiatique trop invisibilisée en Europe à son goût. Son tout nouvel opus, Insomnia, dessine le portrait tourmenté d’une certaine génération d’enfants adoptés à l’international, entre sentiment d’imposture, double identité et réinvention de soi.

Mit gerade mal 19 Jahren brachte Théo Marclay schon den Zähler seines TikTok-Kontos zum Explodieren, als er, von seinem Zimmer in Fully im Kanton Wallis aus, Videos und Lieder veröffentlichte, die er wie Episoden eines faszinierenden musikalischen Mangas postete – zusammengefasst in zwei EPs Histoire de Nuit 1 und 2, die im vergangenen Jahr erschienen. Sofort von Wagram entdeckt und unter Vertrag genommen hat dieser Schweizer vietnamesischer Herkunft, der von Eltern adoptiert wurde, die Besitzer eines Geschäfts für Musikinstrumente sind, ein besonderes Emo-Pop-Universum geschaffen, auf halbem Wege zwischen Romantik à la Goethe und der Lyrik eines japanischen AnimeFilms. Als schlafloser Poet der grauen Stunden hat er sich eine Art Avatar erschaffen, Nuit incolore (farblose Nacht), der aus seiner persönlichen Geschichte und seiner Suche nach seinen Ursprüngen schöpft, um melancholische Texte zu nähren und die Stimme einer asiatischen Gemeinschaft in Europa hörbar zu machen, die seiner Meinung nach zu unsichtbar ist. Sein neuestes Werk, Insomnia zeichnet das sorgenvolle Portrait einer gewissen Generation von adoptierten Kindern aus aller Welt, zwischen dem Gefühl der Hochstapelei, der DoppelIdentität und der Neuerfindung des Selbst.

À La Marquise (Lyon) jeudi 6 et vendredi 7 avril, à La Maison bleue (Strasbourg) vendredi 28 avril et au Noumatrouff (Mulhouse) samedi 29 avril

In La Marquise (Lyon) am Donnerstag den 6. und Freitag den 7. April, in La Maison bleue (Straßburg) am Freitag den 28. April und im Noumatrouff (Mulhouse) am Samstag den 29. April marquise.net – lamaisonbleue-stbg.com – noumatrouff.fr

Édité par Erschienen bei Cinq 7 / Wagram Music cinq7.com

Transgression songs

Avec Mama Forgot Her Name Was Miracle, la Canadienne

Mélissa Laveaux rend hommage à toutes celles qui, à travers l’histoire, ont fait avancer la cause féminine.

Mit Mama Forgot Her Name Was Miracle, präsentiert die Kanadierin Mélissa Laveaux eine Hommage an all jene, die durch die Geschichte hinweg, die Belange der Frauen vorangebracht haben.

Par

Mama Forgot Her Name Was Miracle : sacré titre pour un album ! Comment l’avez-vous conçu ?

En un sens, il s’est imposé à moi. En composant, je me suis rendue compte que mes chansons tournaient toutes autour de figures féminines ayant réalisé l’impossible, sans même prendre conscience, sur le moment, qu’elles accomplissaient des miracles. En y réfléchissant, j’ai repensé à une anecdote au sujet de ma mère, Miracula. Au Canada, elle s’est toujours faite appeler Michelle. En migrant d’Haïti au Québec, elle a occulté son nom… Un comble quand on s’appelle “Miracle” !

Laquelle des héroïnes évoquées dans les 13 morceaux du disque vous parle le plus ?

Toutes font écho à certains aspects de ma vie. La légende de la papesse Jeanne, qui a déjoué le système patriarcal de l’Église, m’a totalement captivée, moi qui ai été élevée dans une famille catholique très pieuse, avec laquelle j’ai dû rompre en raison de son homophobie. Il y a aussi l’incroyable histoire de Ching Shih, devenue l’une des pirates les plus puissantes de la planète, l’athlète lesbienne intersexe Helen Stephens, qui tint tête à Hitler…

Sans oublier l’afro-américaine Faith Ringgold, exposée en ce moment-même à Paris*…

Elle qui a combattu à travers toute son œuvre les stéréotypes racistes du regard blanc, dénoncé l’invisibilisation des femmes dans l’histoire, réhabilité les savoir-faire des esclaves avec ses Protest Quilts, on lui a nié le statut d’artiste en refusant de l’exposer pendant plus d’un demi-siècle ! Malgré cela, elle est restée droite dans ses bottes, poursuivant sans relâche son travail. Quelle force d’âme !

Sur votre précédent opus, Radyo siwèl, qui plongeait dans le folklore haïtien, vous exploriez déjà les questions liées au genre…

Découvrir le vaudou – que mes parents, catholiques fervents, n’ont jamais pratiqué – m’a réconciliée avec Haïti, moi qui pensais que l’homophobie de ma famille relevait de la tradition… En fait, le culte le plus traditionnel de l’île est bien plus ouvert que je ne le pensais aux personnes LGBTQIA+, lui qui

conçoit le genre comme s’échelonnant sur un spectre, où les identités sexuelles des divinités échappent à toute binarité. En créole haïtien, il n’y a d’ailleurs qu’un seul pronom pour la troisième personne.

Vous êtes canadienne, née de parents haïtiens, et vivez à Paris depuis quinze ans. En tant que femme noire et queer, quel regard portez-vous sur l’Hexagone ?

C’est très différent du Canada, ni mieux, ni pire, mais différent. Je me souviens avoir été surprise, au début, par l’entre-soi qui régit les rapports sociaux, sans même que les gens s’en rendent compte. J’allais aux fêtes d’une amie architecte, et tout le monde y était architecte ; même chose pour une de mes connaissances journaliste. C’est fou, vous qui diabolisez tant le fameux “communautarisme” anglo-saxon, vous ne vous mélangez pas ! [Rires]

Mama Forgot Her Name Was Miracle: Ein verdammter Titel für ein Album! Wie haben Sie es aufgebaut?

In gewissem Sinne, hat er sich mir aufgedrängt. Während des Komponierens, ist mir bewusst geworden, dass meine Lieder alle um feminine Figuren kreisten, die das unmögliche vollbracht haben, ohne sich für den Augenblick darüber im Klaren zu sein, dass sie Wunder vollbrachten. Als ich darüber nachdachte, habe ich mich an eine Anekdote über meine Mutter Miracula erinnert. In Kanada ließ sie sich immer Michelle rufen. Als sie von Haiti nach Québec immigrierte, hat sie ihren Namen vertuscht… Das ist doch allerhand wenn man „Miracle“ (dt., Wunder) heißt!

Welche der Heldinnen, die in den 13 Stücken der Platte angesprochen wird, spricht am Meisten zu ihnen?

Alle sind ein Echo auf gewisse Aspekte meines Lebens. Die Legende der Päpstin Johanna, die das patriarchische System der Kirche durchkreuzt hat, fesselte mich zutiefst, mich die in einer sehr frommen katholischen Familie aufwuchs, mit der ich aufgrund ihrer Homophobie brechen musste. Es gibt auch die unglaubliche Geschichte von Ching Shih, die zu einer der mächtigsten Piratinnen des Planeten wurden, die intersexuelle, lesbische Athletin Helen Stephens, die Hitler die Stirn bot…

Von Suzi Vieira – Photo de von Adeline Rapon

Ohne die Afro-Amerikanerin Faith Ringgold zu vergessen, die aktuell in Paris ausgestellt wird*… Ihr, die in ihrem ganzen Werk die rassistischen Stereotype des weißen Blicks bekämpfte, die Unsichtbarkeit der Frauen in der Geschichte denunzierte, das Savoir-Faire der Sklaven mit ihren Protest Quilts rehabilitierte, wurde der Status der Künstlerin verweigert, indem man sie mehr als ein halbes Jahrhundert lang nicht ausstellte! Und trotzdem ist sie sich selbst treu geblieben, hat ihre Arbeit ohne Unterlass fortgesetzt. Welche Willensstärke!

Auf ihrem vorigen Werk, Radyo siwèl, das in die Folklore Haitis eintauchte, erkundeten Sie schon Gender-Fragen… Den Voodoo zu entdecken – den meine Eltern als fromme Katholiken nie praktiziert haben – hat mich mit Haiti versöhnt, mich, die dachte, dass die Homophobie meiner Familie mit der Tradition begründet sei… Tatsächlich ist der traditionellste Kult der Insel sehr viel offener für LGBTQIA+ als ich dachte, da er das Geschlecht als eine Staffelung auf einem Spektrum betrachtet, bei dem die sexuellen Identitäten der Gottheiten nicht binär sind. In der Kreolsprache Haitis gibt es außerdem nur ein einziges Pronomen für die Dritte Person.

Sie sind Kanadierin, mit haitianischen Eltern und seit fünfzehn Jahren leben Sie in Paris. Wie sehen Sie Frankreich

als schwarze Queer-Frau?

Sehr anders als Kanada, weder besser noch schlechter, aber anders. Ich erinnere mich daran, dass ich am Anfang über das Unter-sich-bleiben erstaunt war, das die sozialen Beziehungen beherrscht, ohne dass sich die Leute dessen bewusst sind. Ich ging auf eine Feier einer Freundin, die Architektin war, und alle waren Architekten ; das selbe für einen Bekannten, der Journalist war. Das ist verrückt, ihr, die ihr so sehr den berühmten angelsächsischen Kommunitarismus verteufelt, vermischt euch nicht! [Lacht]

À La BAM (Metz) samedi 15 avril et à La Rodia (Besançon) vendredi 28 avril

In La BAM (Metz) am Samstag den 15. April und in La Rodia (Besançon) am Freitag den 28. April citemusicale-metz.fr – larodia.com

Édité par Erschienen bei Twanèt

Faith Ringgold. Black is beautiful, au im Musée Picasso (Paris) jusqu’au bis 02/07 museepicassoparis.fr

The Tempest

Révélée en trois morceaux à peine, Zaho de Sagazan dévoile un premier album puissant, emportant les âmes dans une Symphonie des éclairs sur fond d’orage electro.

Mit nur drei Stücken bekannt geworden, enthüllt Zaho de Sagazan ein erstes starkes Album, das die Seelen in eine Symphonie des éclairs (Symphonie der Blitze) vor dem Hintergrund eines Elektro-Gewitters entführt.

Par Von Suzi Vieira – Photo de von Ben Pi

Vous n’aviez pas sorti d’album que votre agenda 2023 était déjà bien rempli, entre concerts et festivals ! Mais qui êtes-vous au juste ?

Je suis née à Saint-Nazaire, dans une famille de cinq filles. Après avoir arrêté la danse, à 13 ans, j’ai découvert l’ennui.

J’écoutais Long Way Down , de Tom Odell, en boucle et voulais faire comme lui. Nous avions un piano à la maison, abandonné dans une pièce à l’écart. Je m’y suis assise pour essayer et je ne l’ai plus lâché. C’est devenu une idée fixe. Je courais m’y mettre en rentrant du col-

lège. Tout est donc parti de l’obsession d’une petite fille en pleine crise d’adolescence, pour laquelle son piano était le seul à pouvoir la comprendre.

Vous avez des textes très forts, dans lesquels on sent l’influence de la

chanson française d’après-guerre… Ce que j’aime le plus chez ces artistes, notamment Barbara, c’est la concision poétique, cette capacité à raconter des histoires en très peu de mots. J’essaye d’aller vers cette synthèse : plonger dans une émotion en un texte bref, sans en faire des caisses. Plus jeune, j’étais très émotive – une vraie tempête ! –, ça bouillonnait en moi et j’étais incapable d’exprimer aux autres ce que je vivais. Condamnée à être incomprise… Écrire des chansons m’a permis de réussir à me livrer, sans pour autant parler de mon petit nombril ! Il s’agit plutôt d’exprimer ce qui, dans l’intime, touche à l’universel, un peu comme les poètes.

Le disque s’ouvre sur un hommage à Baudelaire et à ses Fontaines de sang. De quoi parle ce morceau ?

J’y reprends le champ lexical du poème pour parler de la surexploitation par l’Homme de la planète. Gagné par l’avidité, celui qui s’abreuvait naturellement à la fontaine de vie a fini par en sucer tout le sang, jusqu’à condamner à mort ses propres enfants… Pas très joyeux ! [Rires]

Dans la chanson-titre, vous avez cette ligne : «  Je ferai danser les gens / Au rythme de mes pleurs »…  Je trouve beaucoup de profondeur à la tristesse. Là où on est le plus vulnérable, on est aussi, selon moi, le plus vrai. S’il «  fait toujours beau au-dessus des nuages », moi je suis de ces oiseaux qui préfèrent rester « danser sous l’orage ».

Comment avez-vous composé

Les Dormantes, qui parle d’un amour toxique et violent ?

C’était peu après le lycée, pour revenir sur l’histoire terrible qu’avait vécu ma meilleure amie, elle qui découvrait alors l’amour. À l’époque, c’était un sujet peu abordé dans la société : #Metoo n’était pas encore passé par là. Moi, j’ai cru aux excuses de ce type, aux paroles de ma copine qui m’assurait qu’il allait changer, etc. Quand elle a fini par s’en sortir, j’ai eu un contrecoup terrible. Comment avais-je pu laisser passer ça ? C’est de ce mécanisme de la manipulation que je voulais parler. J’ai mis du temps à l’écrire, mais ça m’a fait beaucoup de bien. Les chansons ont ce pouvoir extraordinaire.

Sie hatten noch kein Album herausgebracht, da war ihr Terminkalender für 2023 schon gefüllt zwischen Konzerten und Festivals! Aber wer sind Sie?

Ich bin in Saint-Nazaire geboren, in einer Familie mit fünf Mädchen. Nachdem ich mit 13 Jahren mit dem Tanzen aufgehört habe, entdeckte ich die Langeweile. Ich hörte Long Way Down von Tom Odell in Endlosschleife und wollte es machen wie er. Wir hatten zuhause ein Klavier, dass in einem Raum verlassen herumstand. Ich habe mich darangesetzt, um es auszuprobieren und habe es seitdem nicht mehr losgelassen. Es ist zu einer fixen Idee geworden. Wenn ich vom Gymnasium heimkam, rannte ich zu ihm. Alles ist also aus der Obsession eines kleinen Mädchens mitten in der Pubertät entstanden, das einzig von seinem Klavier verstanden wurde.

Sie haben sehr starke Texte, in denen man den Einfluss des französischen Nachkriegschansons spürt… Was ich bei diesen Künstlern am meisten liebe, insbesondere Barbara, ist die poetische Kürze, diese Kapazität mit sehr wenigen Worten Geschichten zu erzählen. Ich versuche zu dieser Synthese zu gelangen: In einem kurzen Text in eine Emotion einzutauchen, ohne zu dick aufzutragen. Als ich jünger war, war ich sehr empfindsam – ein echter Sturm! – es brodelte in mir und ich war nicht dazu fähig, den anderen mitzuteilen was in mir vorging. Dazu verdammt, unverstanden zu sein… Lieder zu schreiben hat es mir erlaubt mich mitteilen zu können, ohne nichtsdestotrotz von meinem kleinen Bauchnabel zu sprechen! Es geht eher darum das auszudrücken, was in der Intimität das Universelle berührt, ein bisschen wie die Dichter.

Die CD beginnt mit einer Hommage an Baudelaire und an seine Fontaines de sang (Blutbrunnen). Wovon spricht dieses Stück?

Ich nehme hier das lexikalische Feld des Gedichts auf, um über die Ausbeutung des Planeten durch den Menschen zu sprechen. Von der Gier ergriffen, hat jener, der auf natürliche Weise an der Quelle des Lebens trank am Ende all ihr Blut ausgesaugt, bis er seine eigenen Kinder zum Tode verurteilte… Nicht

sehr fröhlich! [Lacht]

Im Titelsong haben Sie diese Zeile: „Ich werde die Leute zum Tanzen bringen / Im Rhythmus meiner Tränen.“

Ich finde, dass die Tristesse eine große Tiefe hat. Da wo man am verletzlichsten ist, ist man, so denke ich, auch am echtesten. Wenn es „über den Wolken immer schön ist“, bin ich einer dieser Vögel, der lieber „im Gewitter tanzt“.

Wie haben Sie Les Dormants komponiert, das über eine toxische und gewalttätige Liebe spricht?

Das war kurz nach dem Gymnasium, um auf die schlimme Geschichte zurückzukommen, die meine beste Freundin erlebt hatte, sie, die gerade die Liebe entdeckte. Damals war das ein Thema, das in der Gesellschaft kaum angesprochen wurde: Es gab noch kein #Metoo. Ich habe an die Entschuldigungen dieses Typs geglaubt, an die Worte meiner Freundin, die mir versicherte, dass er sich ändern würde, etc. Als sie sich schließlich aus der Beziehung befreit hatte, hatte ich schlimme Nachwirkungen. Wie hatte ich das geschehen lassen können? Über diesen Mechanismus der Manipulation wollte ich sprechen. Ich habe lange für das Schreiben gebraucht, aber es hat mir sehr gutgetan. Die Lieder haben diese außerordentliche Macht.

À L’Épicerie Moderne (Feyzin) vendredi 28 avril, à La Vapeur (Dijon) samedi 29 avril et au Parc de Champagne (Reims) dans le cadre du festival La Magnifique Society dimanche 25 juin

In L’Épicerie Moderne (Feyzin) am Freitag den 28. April, in La Vapeur (Dijon) am Samstag den 29. April und im Parc de Champagne (Reims) im Rahmen des Festivals La Magnifique Society am Sonntag den 25. Juni epiceriemoderne.com lavapeur.com lamagnifiquesociety.com

Édité par Erschienen bei Disparate zahodesagazan.store

Soundwich

Prophète de la “noirwave” et chantre du renouveau de la culture africaine, Petite Noir revient avec un sublime second album, intitulé MotherFather.

Als Prophet der „Noirwave“ und Sänger des Neuanfangs der afrikanischen Kultur ist Petite Noir mit einem überwältigenden zweiten Album mit dem Titel MotherFather zurück.

Par Von Suzi Vieira – Photo de von Lucie Rox

Son père est congolais, sa mère angolaise. Lui-même est né en Belgique, mais a grandi en Afrique du Sud, où l’on parlait français à la maison. Aujourd’hui basé à Londres, Yannick Ilunga de son vrai nom, 32 ans, est l’architecte d’un fascinant genre musical, ou plutôt d’une démarche artistique nouvelle, doublée d’un mouvement presque politique : la “noirwave”, qu’il défend depuis son premier opus solo, La Vie est belle / Life Is Beautiful, sorti en 2015. Revendiquant la négritude comme espace de création sans limites, il puise son énergie dans l’identité fragmentée de la diaspora africaine.

«  Le monde entier est ma maison », répète d’ailleurs souvent l’artiste nomade, qui a passé sa jeunesse à Cape Town, dans un pays où être noir, et surtout immigré, peut parfois coûter la vie. Entre new wave, trip-hop, post-punk, electro et kizomba, l’auteur-compositeur conçoit ses morceaux comme «  des sandwichs de sons », où s’empilent et se mêlent toutes les cultures qui sont les siennes, où la spiritualité et les anciens savoirs du continent noir se voient réintégrés et réinvestis pour dessiner les possibles à venir. Son nom de scène, ce gaillard d’1,82 mètre l’a choisi comme un clin d’œil à sa position de dernier-né dans la famille, et comme le symbole de son refus de toute assignation – de race, de nationalité ou de genre. “Petite” au féminin, “Noir” au masculin, pour clamer qu’il est, en cela aussi, un mix.

Dépassant tous les dualismes, MotherFather, son deuxième véritable disque (hors EPs et mini-albums), creuse à nouveau le sillon de l’éveil à la conscience (sociale, spirituelle, politique), si cher à ce fils de politicien et opposant congolais. « Everything falls for a reason […] No more lies, no illusions / It‘s such a simple thing / They don‘t want us to be equal, equal » (“Tout tombe pour une raison [...] Plus de mensonges, plus d‘illusions / C‘est une chose si simple / Ils ne veulent pas que nous soyons égaux, égaux”), chante-t-il sur l’excellent Simple Things, où se révèlent aussi l’instrument et la voix du so cool trompettiste de jazz floridien Theo Crocker. Autre featuring de choix sur le langoureux Blurry, pour lequel la star du rap zambien Sampa The Great (adoubée par monsieur Kendrick Lamar, rien que ça !) prête sa voix le temps d’un couplet. De 777 à Numbers, en passant par Finding Paradise, les dix morceaux de la tracklist alternent entre douceur et abrasion, composant une œuvre captivante, inspirée de l’histoire de Yannick Ilunga, entre périodes sombres et possible renaissance. Épigraphe ou exergue, une citation de Petite Noir lui-même accompagne le titre sur la pochette : « The darkness is comforting sometimes » (“L’obscurité est parfois réconfortante”). On y verrait presque un aphorisme nietzschéen.

Sein Vater ist Kongolese, seine Mutter Angolanerin. Er selbst ist in Belgien geboren, aber wuchs in Südafrika auf, wo man zuhause Französisch sprach. Heute in London installiert, ist jener, der mit richtigem Namen Yannick Ilunga heißt, 32 Jahre alt und Architekt eines faszinierenden Musikgenres, oder eher einer neuen künstlerischen Vorgehensweise, die mit einer fast politischen Bewegung einhergeht: Die „Noirwave“, die er seit seinem ersten Solo-Werk La

Vie est belle / Life Is Beautiful (2015) verteidigt. Er, der die Negritude als grenzenlosen Kreativraum einfordert, schöpft seine Energie aus der fragmentierten Identität der afrikanischen Diaspora. „Die ganze Welt ist mein Zuhause“, wiederholt der Nomaden-Künstler häufig, der seine Jugend in Cape Town verbrachte, in einem Land, in dem die Tatsache schwarz und vor allem Einwanderer zu sein, manchmal das Leben kosten kann. Zwischen New Wave, Trip-Hop, Post-Punk, Elektro und Kizomba, entwirft der Autor und Komponist Stücke wie „Klang-Sandwichs“, in denen sich alle seine Kulturen mischen und in der die Spiritualität und das altüberlieferte Wissen des schwarzen Kontinents neu integriert werden um die zukünftigen Möglichkeiten zu skizzieren. Seinen Bühnennamen hat das 1,82 Meter große Mannsbild als eine Anspielung auf seine Position als Letztgeborener und als Symbol für seine Ablehnung jeglicher Zuweisung – von Rasse, Nationalität oder Geschlecht – gewählt. „Petite“ in weiblicher Schreibweise, „Noir“ in männlicher, um auszudrücken, dass er auch hier eine Mischung ist.

Indem sie alle Dualismen überwindet, verfolgt MotherFather, seine zweite echte CD (neben EPs und Mini-Alben), erneut sein Ziel der Bewusstseins-Erweckung (sozial, spirituell, politisch), die diesem Sohn eines kongolesischen Oppositionspolitikers so wichtig ist. „Everything falls for a reason […] No more lies, no illusions / It’s such a simple thing / They don’t want us to be equal, equal“ (“Alles fällt aus einem Grund heraus [...] Keine Lügen, keine Illusionen mehr / Eine so einfache Sache / Sie wollen nicht, das wir gleich, gleich sind“), singt er auf dem exzellenten Simple Things, das auch das Instrument und die Stimme des so coolen Jazz-Trompeters aus Florida, Theo Crocker, offenbart. Ein weiteres Featuring findet man auf dem verführerischen Blurry für das der Star des sambischen Raps The Great (von keinem Geringeren als Kendrick Lambar zum Ritter geschlagen!) für eine Strophe seine Stimme leiht. Von 777 bis Numbers, über Finding Paradise, die zehn Stücke seiner Trackliste wechseln zwischen Sanftheit und Abrieb, wodurch sie ein fesselndes Werk komponieren, inspiriert von der Geschichte von Yannick Ilunga, zwischen düsteren Perioden und einer möglichen Wiederauferstehung. Epigraph oder Motto, ein Zitat von Petite Noir selbst begleitet den Titel auf dem Umschlag des Albums „The darkness is comforting sometimes “ („Manchmal ist die Finsternis tröstlich“). Man könnte darin fast einen Aphorismus von Nietzsche sehen.

À La Cartonnerie (Reims) jeudi 13 avril

In La Cartonnerie (Reims) am Donnerstag den 13. April cartonnerie.fr

Édité par Erschienen bei Roya roya.world

In memoriam

Donné en création mondiale par l’Orchestre philharmonique de Strasbourg, Memoria de Bruno Mantovani est une plongée au cœur du drame arménien.

Das in Uraufführung vom Orchestre philharmonique de Strasbourg gespielte Memoria von Bruno Mantovani taucht ins Zentrum des armenischen Dramas ein.

Compositeur majeur de notre temps, Bruno Mantovani est de retour à Strasbourg, cité chère à son cœur, où avait été créé son premier opéra, L’Autre côté (2005). En compagnie du Concerto pour piano n°3 de Prokofiev et de La Mer de Debussy, l’OPS – auprès duquel il est en résidence cette saison – interprète Memoria, une page que la phalange strasbourgeoise lui a commandé. Sous la direction d’Aziz Shokhakimov se déploie une pièce évoquant l’offensive de septembre 2020 menée par l’Azerbaïdjan (soutenu par l’armée turque), pour envahir une partie du Haut-Karabagh. Dédiée à quatre étudiants de l’Université française d’Arménie tombés pendant cet épisode tragique, la partition magnifiant les cordes – qui touche le public de manière extrêmement directe – «  est une lamentation pour des jeunes gens qui ont perdu la vie  », selon son auteur. Et de poursuivre : «  Plus largement, elle rend hommage à tout un peuple et à un pays de culture. On peut lui envoyer tous les drones et tous les chars possibles, il sera impossible de l’effacer. Son âme est immortelle : c’est ce que j’ai tenté d’exprimer avec cette œuvre. »

Einer der größten Komponisten unserer Zeit, Bruno Mantovani, ist zurück in Straßburg, einer Stadt, die ihm am Herzen liegt, in der er seine erste Oper L’Autre côté (2005) geschaffen hatte. Neben dem Klavierkonzert Nr. 3

in C-dur, opus 26 von Prokofjew und La Mer von Debussy interpretiert das OPS – bei dem er dieses Jahr zu Gast ist –Memoria , eine Seite, mit der die Straßburger Künstler ihn beauftragt haben. Unter der Leitung von Aziz Shokhakimov entfaltet sich ein Stück, das die Offensive Aserbaidschans von 2020 (mit Unterstützung der türkischen Armee) zur Invasion eines Teils der Republik Arzach thematisiert. Vier Studenten der Französischen Universität von Armenien gewidmet, die in dieser tragischen Episode gefallen sind, verherrlicht die Partition – die das Publikum auf extrem direkte Weise berührt – die Streichinstrumente und ist, so der Autor, „ein Klagegesang für junge Menschen, die ihr Leben verloren haben“. Und er fährt fort: „Im weiteren Sinne ist sie eine Hommage an ein ganzes Volk und ein Land der Kultur. Man kann ihm alle möglichen Drohnen und Panzer schicken, es ist unmöglich es auszulöschen. Seine Seele ist unsterblich: das habe ich in diesem Werk auszudrücken versucht.“

Au Palais de la Musique et des Congrès (Strasbourg) jeudi 20 et vendredi 21 avril

Im Palais de la Musique et des Congrès (Straßburg) am Donnerstag den 20. und Freitag den 21. April philharmonique.strasbourg.eu

Par Von Hervé Lévy – Photo de von Blandine Soulage

Une femme puissante

Elle est une des plus grandes voix françaises d’aujourd’hui : la mezzo-soprano Stéphanie d’Oustrac chante le rôletitre d’Armide de Lully, à Dijon. Entretien.

Eine starke Frau

Sie ist eine der größten französischen Stimmen von heute: Die Mezzosopran Stéphanie d’Oustrac singt die Titelrolle in Armide von Lully in Dijon. Interview.

Au début de votre carrière, vous étiez estampillée “chanteuse baroque” : quel est aujourd’hui votre rapport avec ce répertoire ?

Il m’occupe moins sur scène, mais reste quand même très cher à mon cœur. Je suis ainsi extrêmement heureuse d’aborder à nouveau le rôle d’Armide, que je n’ai chanté qu’une seule fois dans ma carrière, en 2008, au Théâtre des Champs-Élysées, dans une mise en scène de Robert Carsen.

À vos débuts, en 1998, vous avez été remarquée dans le rôle de Médée dans Thésée de Lully, à Ambronay, puis avez souvent incarné des héroïnes du compositeur : quel est votre lien avec lui ?

J’adore Lully, car ses opéras sont du théâtre chanté. Les textes de son librettiste Philippe Quinault – dans Armide mais aussi dans bien d’autres tragédies lyriques, comme Atys ou Thésée, que vous évoquez – sont merveilleux de finesse et j’adore la manière dont cette langue est mise en musique. Cela a été une chance de démarrer avec de tels personnages de tragédie, qui sont toujours d’une grande complexité. Complètement déstabilisée, Armide est ainsi bouleversante lorsqu’elle dit à Renaud les sentiments qu’elle a pour lui.

Personnage de La Jérusalem délivrée du Tasse, Armide est une magicienne musulmane qui s’éprend de son ennemi, le chevalier croisé Renaud. Qui est-elle pour vous ?

Elle est une femme puissante, qui se voit obligée d’utiliser ses pouvoirs pour être aimée, ce qui la rend malheureuse ! Pour une fois, elle tombe vraiment amoureuse d’un homme… qui lui résiste car il n’est voué qu’à la gloire et à la guerre. Elle le retient grâce à sa magie, mais sait très bien que ça ne va pas marcher, que ses sortilèges sont vains. Cette histoire d’être qui aime sans être aimé en retour est totalement intemporelle. En creux se dessine un questionnement essentiel : où se situe le pouvoir ? Armide est un personnage éminemment tragique, à l’image de Didon ou de Médée.

Qu’est-ce qui est important, lorsqu’on s’empare d’un tel personnage ?

C’est un travail qu’on ne fait pas seul, le chef et le metteur en scène sont nos complices. Lorsque j’ai chanté Armide en 2008 sous la direction de William Christie, ce que j’ai aimé est qu’il n’a pas peur des silences, qui sont essentiels en musique.

À Dijon, Dominique Pitoiset met Armide en scène en s’inspirant de cer-

taines dystopies contemporaines : « Je ne voulais pas de costumes Grand siècle ! J’ai donc imaginé un univers scénique plus proche de nous, un peu futuriste même », décrit-il. Comment abordez-vous cette première rencontre avec lui ?

Je vais regarder ce qu’il propose, quel est son monde artistique : mon désir est, à chaque fois, d’arriver la plus ouverte et disponible possible. Débarquer avec une Armide aux contours déjà définis n’a aucun intérêt : nous allons la construire ensemble et je suis sûre qu’elle sera bien différente de celle de 2008 !

Am Anfang ihrer Karriere hatten Sie den Stempel „Barock-Sängerin“: Wie stehen Sie heute zu diesem Repertorium?

Es beschäftigt mich weniger auf der Bühne, liegt mir aber immer noch sehr am Herzen. So bin ich extrem glücklich erneut die Rolle der Armide anzunehmen, die ich ein einziges Mal in meiner Karriere, 2008, im Théâtre des Champs-Élysées in einer Inszenierung von Robert Carsen gesungen habe.

Zu ihren Anfängen, im Jahr 1998, wurden sie in der Rolle der Médée im Thésée von Lully, in Ambronay,

Par Von Hervé Lévy – Photo de von Jean-Baptiste Millot

bemerkt und haben danach häufig Heldinnen des Komponisten verkörpert: Wie ist ihre Beziehung zu ihm? Ich liebe Lully, denn seine Opern sind gesungenes Theater. Die Texte seines Librettisten Philippe Quienault – in Armide, aber auch vielen anderen lyrischen Tragödien, wie Atys oder Thésee, die Sie erwähnen – zeugen von großer Finesse und ich liebe die Art und Weise, wie diese Sprache in Musik umgesetzt wird. Es war ein Glück mit solchen Figuren der Tragik zu beginnen, die immer sehr vielschichtig sind. So ist Armide, die komplett verunsichert ist, überwältigend, als sie Renaud, die Gefühle, die sie für ihn hat, gesteht.

Als Figur aus Das befreite Jerusalem von Tasso ist Armide eine muslimische Zauberin, die sich in ihren Feind, den Kreuzritter Renaud verliebt. Wer ist sie für Sie?

Sie ist eine starke Frau, die sich dazu gezwungen sieht ihre Macht zu benutzen, um geliebt zu werden, was sie unglücklich macht! Nur dieses eine Mal verliebt sie sich wirklich in einen Mann… der ihr widersteht, da er sein Leben nur dem Ruhm und dem Krieg gewidmet hat. Sie hält ihn dank ihrer Magie zurück, weiß aber sehr gut, dass das nicht funktionieren wird, dass ihre Zaubereien umsonst sind. Diese Geschichte eines Wesens, das liebt, ohne im Gegenzug geliebt zu werden, ist total zeitlos. Indirekt zeichnet sich eine grundlegende Frage ab: Wo liegt die Macht? Armida ist eine äußerst tragische Figur, ähnlich wie Didon oder Médée.

Was ist wichtig, wenn man eine solche Figur aufgreift?

Es ist eine Arbeit, die man nicht allein macht, der Dirigent und der Regisseur sind unsere Komplizen. Als ich Armide im Jahr 2008 unter der Leitung von William Christie sang, mochte ich, dass er keine Angst vor der Stille hat, die für die Musik so wichtig ist.

In Dijon inszeniert Dominique Pitoiset Armide indem er sich von gewissen zeitgenössischen Dystopien inspirieren lässt: „ Ich wollte keine Kostüme des 17. Jahrhunderts! Deswegen habe ich ein Bühnenuniversum erfunden, das uns nähersteht und so-

gar ein bisschen futuristisch ist“, beschreibt er. Wie gehen Sie an diese Arbeit mit einem Regisseur heran, mit dem Sie erstmals zusammenarbeiten?

Ich werde schauen, was er anbietet, was seine künstlerische Welt ist: Mein Wunsch ist es, jedes Mal, möglichst offen und frei zu sein. Mit einer Armida mit schon definierten Konturen anzukommen macht keinen Sinn: Wir werden sie zusammen konstruieren und

ich bin sicher, dass sie ganz anders sein wird als jene von 2008!

À l’Auditorium (Dijon) du 25 au 29 avril et à l’Opéra Royal du Château de Versailles du 11 au 14 mai

Im Auditorium (Dijon) vom 25. bis 29. April und in der Opéra Royal du Château de Versailles vom 11. bis 14. Mai opera-dijon.fr

chateauversailles-spectacles.fr

Violoncellissimo

Opérant un focus sur le violoncelle, le Festival de Pâques de Colmar permet de découvrir de multiples facettes de l’instrument. Mit einem Fokus zum Violoncello erlaubt es das Festival de Pâques von Colmar die zahlreichen Facetten des Instruments zu entdecken.

Directeur artistique du festival, Marc Coppey a souhaité, cette année, mettre son instrument en valeur – auquel une fête sera dédiée (02/04) – dans un programme alléchant, qui comporte notamment une résidence en trois temps du Prague Philharmonia : chaque concert permettra de (re)découvrir un des concertos pour violoncelle marquants du répertoire, avec des solistes majeurs comme Anne Gastinel, István Várdai, et bien sûr Marc Coppey, qui donnera celui d’Elgar (08/04), dernière grande partition de son auteur, qu’on peut voir comme un testament musical pétri de flegme et de mélancolie. Accompagnée par l’Orchestre symphonique de Mulhouse, dirigé par Augustin Dumay, l’incroyable Stéphanie Huang – un peu plus de 25 ans et un talent invraisemblable, consacré par le Concours Reine Élisabeth 2022 – interprètera le Concerto n°1 de Saint-Saëns (09/04). Notre coup de cœur va néanmoins au concert de clôture, dédié aux quatuors pour piano et cordes de Brahms (17/04), où le clavier sera tenu par l’immense – et trop rare – Krystian Zimerman. Moment d’anthologie attendu…

Der Künstlerische Leiter des Festivals, Marc Coppey, wollte in diesem Jahr sein Instrument in den Mittelpunkt stellen – dem ein Fest gewidmet sein wird (02.04.) – in einem verlockenden Programm, das unter anderem eine Residenz der Prague Philharmonia in drei Teilen beinhaltet: Jedes

Konzert wird es erlauben eines der markanten VioloncelloKonzerte des Repertoriums (wieder) zu entdecken, mit großen Solisten wie Anne Gastinel, István Várdai, und natürlich Marc Coppey, der jenes von Elgar spielen wird (08.04.), die letzte große Partitur ihres Autors, die man als musikalisches Testament voller Phlegma und Melancholie betrachten kann. In Begleitung des Orchestre symphonique de Mulhouse, unter der Leitung von Augustin Dumay, wird die unglaubliche Stéphanie Huang – ein bisschen mehr als 25 Jahre alt und ein außergewöhnliches Talent, ausgezeichnet beim Wettbewerb der Queen Elisabeth II. im Jahr 2022 – das Concerto n°1 von Saint-Saëns (09.04.) interpretieren. Unser Favorit ist nichtsdestotrotz das Abschlusskonzert, das den Quartetten für Klavier und Streicher von Brahms (17.04.) gewidmet ist, bei dem die Tasten vom großen – und zu seltenen – Krystian Zimerman bespielt werden. Der Abend ist jetzt schon legendär…

En l’Église Saint-Matthieu, au Musée Unterlinden et dans d’autres lieux (Colmar), à la Confrérie Saint-Étienne (Kaysersberg) et à Art’Rhena (Vogelgrun) du 31 mars au 17 avril

In der Église Saint-Matthieu, im Musée Unterlinden und an anderen Orten (Colmar), in der Confrérie Saint-Étienne (Kaysersberg) und in Art’Rhena (Vogelgrun) vom 31. März bis 17. April les-musicales.com

Par Von Hervé Lévy – Portrait de von Marc Coppey, photo de von Olivier Roller

Inside / Outside

À Karlsruhe, la contemporanéité se marie avec l’histoire. Illustration en deux expositions : KunsthalleKarlsruhe@ZKM et Genesis. In Karlsruhe mischt sich die Gegenwart mit der Geschichte. Illustration mit zwei Ausstellungen: KunsthalleKarlsruhe@ZKM und Genesis

Par Von Raphaël Zimmermann

tableaux de céramique de quatre mètres par deux. Le cycle Genesis va habiller sept stations du métro, métamorphosant l’espace public en spectaculaire galerie d’art.

Tous deux membres de l’initiative Kultur in Karlsruhe – rassemblant plus de 30 institutions de la cité – la Staatliche Kunsthalle et le ZKM coopèrent : après la fermeture de la première nommée pour rénovation en novembre 2021, le second accueille les chefs-d’œuvre, du Moyen-Âge à l’époque contemporaine, d’une collection qui compte près de 100 000 pièces sur quelque 2 000 m2. Voilà de quoi donner une perspective nouvelle sur les toiles de Grünewald, Ernst, Rubens, Cézanne, Delaunay, Klein… Un délicat autoportrait de Rembrandt dans des tons bruns d’une incroyable douceur – contrastant avec l’air sombre et grave d’un homme plongé dans l’affliction après la mort de son épouse, en 1642 – voisine avec une toile monumentale de Gerhard Richter de la fin des sixties . Dans Stadtbild F , il métamorphose une vue aérienne d’une ville en structure indistincte venant questionner les perceptions du regardeur. Autre superstar de l’aire germanique présente à Karlsruhe, Markus Lüpertz a créé 14

Die Staatliche Kunsthalle und das ZKM, die beide Mitglied der Initiative Kultur in Karlsruhe sind – die mehr als 30 Institutionen der Stadt vereint – kooperieren: Nach der Schließung der Ersteren im November 2021 aufgrund ihrer Renovierung, empfängt die Zweite die Meisterwerke vom Mittelalter bis in die Gegenwart, aus einer Sammlung, die rund 100 000 Werke zählt, auf einer Fläche von 2000 m2. Eine neue Perspektive für die Gemälde von Grünewald, Ernst, Rubens, Cézanne, Delaunay, Klein… ein zartes Selbstportrait von Rembrandt in Brauntönen von unglaublicher Sanftheit – das mit dem düsteren und ernsten Aussehen eines Mannes in Kontrast steht, der nach dem Tod seiner Ehefrau 1642 im Jahr zutiefst betrübt ist – das einem monumentalen Gemälde von Gerhard Richter vom Ende der sechziger Jahre gegenübersteht. In Stadtbild F verwandelt er die Luftaufnahme einer Stadt in eine undefinierbare Struktur, die die Wahrnehmung des Betrachters in Frage stellt. Ein weiterer Superstar der deutschen Kunst, der in Karlsruhe präsent ist, Markus Lüpertz, hat 14 Keramik-Gemälde kreiert, von vier auf zwei Metern. Der Zyklus Genesis wird sieben Stationen der U-Bahn schmücken und verwandelt den öffentlichen Raum in eine spektakuläre Kunstgalerie.

Au ZKM (Karlsruhe), exposition des chefs-d’œuvre de la Staatliche Kunsthalle à partir du 29 avril

Im ZKM (Karlsruhe), Ausstellung der Meisterwerke der Staatlichen Kunsthalle ab dem 29. April kunsthalle-karlsruhe.de – zkm.de

Dans le métro de Karlsruhe, présentation de 14 œuvres de Markus Lüpertz à partir du 28 avril

In der U-Bahn von Karlsruhe, Präsentation der 14 Werke von Markus Lüpertz ab dem 28. April genesis-lüpertz.de

kulturinkarlsruhe.de

Dreams are my reality

Winterthur, les œuvres oniriques d’Odilon Redon emportent le visiteur entre Rêve et réalité, de noirs abyssaux en couleurs éclatantes.

À

Pour Odilon Redon (1840-1916), Winterthur n’est pas une cité comme les autres : patrie de ceux qui commencèrent très tôt à collectionner ses œuvres – Hedy et Arthur Hahnloser ou Richard Bühler –, la cité abrite le Kunst Museum, qui accueillit la première exposition qui lui fut dédiée

In Winterthur entführen die verträumten Werke von Odilon Redon den Besucher zwischen Traum und Realität, von tiefem Schwarz bis zu strahlenden Farben.

Par Von Hervé Lévy après sa disparition, en 1919. Puisant largement dans ses collections, comptant une centaine de ses pièces, l’institution helvète explore l’œuvre d’un des représentants les plus singuliers de la modernité naissante : contemporain et proche des impressionnistes, il participa même à la huitième et dernière exposition du

groupe, en 1886. Reste que l’artiste demeure irrémédiablement solitaire, imaginant des Noirs, (lithographies ou fusains) qui annoncent le symbolisme et fournissent le substrat d’une grande partie d’un parcours, où se déploient quelques albums graphiques : Les Origines (1883), où l’influence de Darwin est perceptible, Hommage à Goya (1885) ou encore La Tentation de SaintAntoine (1888). Pour lui, le noir nimbant ses œuvres est du reste «  l’agent de l’esprit bien plus que la belle couleur de la palette ou du prisme  ». Chimères énigmatiques, cyclope souriant et hideux à la fois, satyre sardonique, œil flamboyant se détachant de l’éther et autres organismes primitifs composent des paysages intérieurs qu’on dirait sortis d’un recueil d’Edgar Allan Poe ou d’un poème de son traducteur, Charles Baudelaire, auteur d’une phrase qui va si bien à l’art d’Odilon Redon : « L’étrangeté est le condiment nécessaire de toute beauté. »

Dans les années 1890, les noirs s’étiolent progressivement : «  J’ai épousé la couleur », écrit alors un artiste désormais établi, dont les galeristes se nomment Paul Durand-Ruel ou Ambroise Vollard. Mais cela ne veut pas dire que l’étrangeté est absente d’une palette où le rêve dialogue sans cesse avec le réel, comme dans les efflorescences du Quadrige ou Le Char d’Apollon (vers 1910) ou au cœur des constellations rougeoyantes de ses Papillons (vers 1912). On garde une tendresse particulière pour Alsace ou Moine lisant (vers 1914) : le peintre retranscrit avec une grande délicatesse l’aventure intérieure

de cet homme dont la douce spiritualité irradie sur toute la toile avec force. Personne n’a mieux résumé son art que Pierre Bonnard, affirmant : «  Ce qui me frappe le plus dans son œuvre, c’est la réunion de deux qualités presque opposées : la matière plastique très pure et l’expression très mystérieuse. »

Für Odilon Redon (1840-1916) ist Winterthur keine Stadt wie jede andere: Als Heimat von jenen, die sehr früh damit beginnen seine Werke zu sammeln – Hedy und Arthur Hahnloser oder Richard Bühler –, beherbergt die Stadt das Kunst Museum, das die erste Retrospektive präsentierte, die ihm 1919 nach seinem Tod gewidmet wurde. Die Schweizer Institution schöpft aus ihrer Sammlung, die rund hundert Werke umfasst, um einen der außergewöhnlichsten Repräsentanten der entstehenden Moderne zu erkunden: Als Zeitgenosse und Freund der Impressionisten nahm er sogar an der achten und letzten Ausstellung der Gruppe im Jahr 1886 teil. Trotzdem bleibt der Künstler ein hoffnungsloser Einzelgänger, denkt sich Noirs (Lithographien oder Kohlezeichnungen) aus, die den Symbolismus ankündigen und das Substrat für einen große Teil eines Rundgangs darstellen, in dem sich einige graphische Alben entfalten: Les Origines (1883), bei dem

die Einflüsse von Darwin spürbar sind, Hommage à Goya (1885) oder auch La Tentation de Saint-Antoine (1888). Für ihn ist das Schwarz, das seine Werke umgibt „ der Agent des Geistes, sehr viel mehr als die schöne Farbe der Palette oder des Prismas “. Rätselhafte Chimären, lächelnder und gleichzeitig grässlicher Zyklop, hämischer Satyr, ein brennendes Auge, das sich aus dem Himmel löst und andere primitive Organismen komponieren die inneren Landschaften, die aus einem Erzählband von Edgar Allan Poe oder einem Gedicht seines Übersetzers Charles Baudelaire stammen könnten, dem Autor eines Satzes, der gut zur Kunst von Odilon Redon passt: „Die Eigenartigkeit ist die nötige Zutat jeder Schönheit.“

In den 1890er Jahren werden die Schwarztöne langsam schwächer: „Ich habe mir die Farbe angeeignet“, schreibt ein nun etablierter Künstler, dessen Galeristen Paul Durand-Ruel oder Ambroise Vollard heißen. Aber das heißt nicht, dass die Eigenartigkeit von einer Palette verschwindet, auf der der Traum ohne Unterlass einen Dialog mit der Realität eingeht, wie in den Effloreszenzen von Quadrige oder Le Char d’Apollon (um 1910) oder im Herzen der roten Konstellationen seiner Papillons (um 1912). Wir haben eine besondere Vorliebe für

Alsace oder Moine lisant (um 1914): Der Maler spiegelt mit großer Behutsamkeit das innere Abenteuer dieses Mannes wider, dessen zarte Spiritualität das gesamte Gemälde erstrahlen lässt. Keiner hat sein Werk besser zusammenfasst als Pierre Bonnard, der sagte: „ Das, was mich an seinem Werk am meisten berührt, ist die Verbindung zweier fast gegensätzlicher Qualitäten: Die sehr reine plastische Materie und der sehr mysteriöse Ausdruck.“

Au Kunst Museum / Reinhart am Stadtgarten (Winterthur) jusqu’au 30 juillet

Im Kunst Museum / Reinhart am Stadtgarten (Winterthur) bis zum 30. Juli kmw.ch

Légendes Bildunterschriften

1. Le Polype difforme flottait sur les rivages, sorte de cyclope souriant et hideux / Der missgestaltete Polyp trieb an den Ufern, eine Art lächelnder und hässlicher Zyklop Extrait de l’album Blatt 3 des Albums Les origines, 1883 Kunst Museum Winterthur, Geschenk des Galerievereins, 1921 photo : SIK-ISEA, Zürich, Lutz Hartmann

2. Alsace (Moine lisant) / Elsass (Lesender Mönch), vers um 1914, Kunst Museum Winterthur, Geschenk des Galerievereins, 1919, photo : Hans Humm, Zürich

3. Bouquet au vase noir / Blumen in schwarzer Vase, vers um 1903, Kunstmuseum St.Gallen, Schenkung Marlies und Walter

Knopfli, im Andenken an Victor und Martha Mettler-Salzmann 1980, photo: Sebastian Stadler

American way of life

La Fondation Beyeler consacre une ample rétrospective à Wayne Thiebaud, peintre majeur du XX e siècle, allant bien au-delà du pop art où il est souvent cantonné.

Die Fondation Beyeler widmet Wayne Thiebaud, einem der großen Maler des 20. Jahrhunderts eine breitgefächerte Retrospektive, die weit über die Pop-Art hinausgeht, auf die er oft beschränkt wird.

Par Von Hervé Lévy

Un présentoir rempli de douze reproductions de toiles iconiques signées Velázquez, Mondrian, Monet, Picasso, etc. : 35 Cent Masterworks (1970-72) rassemble les modèles de Wayne Thiebaud (1920-2021), tout en questionnant L’Œuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique, pour reprendre le titre d’un célèbre essai de Walter Benjamin. Renvoyant à la production de masse et à la fascination pour les objets d’une banalité à pleurer, une telle composition a contribué à placer son auteur dans la case pop art, dont certains en firent un précurseur. Une classification qu’il a toujours refusée, même si plusieurs séries sont trompeuses, hésitant entre gâteaux ordonnancés comme les soldats d’une parade militaire (Pie Rows, 1961) et glaces scrupuleusement alignées (Three Cones, 1964). Le visiteur croise même Mickey Mouse (1988), rappelant un passage éclair par les studios Disney au mitan des années 1930. S’il peint la société de consommation américaine, l’artiste va au-delà du pop, s’intéressant avant tout

à la couleur, dont il explore le spectre avec grande intensité, faisant parfois presque oublier le motif : il en est ainsi dans Two Paint Cans (1987), deux pots de peinture sur lesquels couleurs et reflets se répondent dans une chorégraphie visuelle d’une grande force, abolissant la frontière entre figuratif et non-figuratif : « Au fond, je suis convaincu que mon travail est abstrait », déclarait du reste Wayne Thiebaud.

Se découvrent également des portraits impassibles : hyperréalistes au premier regard, ces figures isolées dévoilent des compositions rigoureuses – incroyable Woman in Tub (1965) manifestant une fascination pour Mondrian – et une appétence pour matière et couleur. Si Girl with Pink Hat (1973) entre en résonance avec certaines toiles de la Renaissance, elle nous saisit surtout par la puissance du chromatisme, que ce soit dans la relation complexe entre le chapeau et son ombre ou dans l’utilisation des teintes : «  Une belle ligne orangée

autour d’une épaule et un cadmium bleu clair autour de l’autre. Cela se fonde sur ces principes scientifiques.  » déclarait l’artiste. Encore moins connus sont les paysages, canyons abrupts (Rock Ridge, 1962) et surtout vues urbaines, où il joue avec la perspective et les points de vue : les rues de San Francisco se métamorphosent en montagnes russes plus vertigineuses que le réel, défiant les lois de la gravité, et les highways sautent à la figure du visiteur (City Views, 2004). Wayne Thiebaud peint décidément l’American way of life sous toutes ses coutures, y instillant, à l’image d’Edward Hopper, un sentiment de mélancolie et de tristesse.

Ein Verkaufsständer, der mit Reproduktionen ikonischer Gemälde von Velázquez, Mondrian, Monet, Picasso, etc. gefüllt ist: 35 Cent Masterworks (1970-72) versammelt die Vorbilder von Wayne Thiebaud (1920-2021) und hinterfragt gleichzeitig Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit, um den Titel des berühmten Essais von Walter Benjamin zu zitieren. Eine solche Komposition, die sich auf die Massenproduktion und die Faszination für herrlich banale Objekte bezieht, hat dazu beigetragen, ihren Autor in die Schublade Pop-Art zu stecken, zu deren Vorreiter einige ihn erklärten. Eine Klassifizierung, die er immer ablehnte, selbst wenn einige Serien täuschen können, die zwischen Kuchen

Légendes Bildunterschriften

1. Pie Rows, 1961, Collection Wayne Thiebaud Foundation

© Wayne Thiebaud Foundation/2022, ProLitteris, Zurich

Photo: Matthew Kroening

2. Eating Figures (Quick Snack), 1963, Collection privée Privatsammlung, Courtesy Acquavella Galleries

© Wayne Thiebaud Foundation/2022, ProLitteris, Zurich

zögern, die wie Soldaten bei einer Militärparade aufgereiht sind (Pie Rows, 1961) und peinlich genau geordneten Eissorten (Three Cones, 1964). Der Besucher trifft sogar Mickey Mouse (1988), was an eine kurze Episode in den Studios von Disney Mitte der 1930er Jahre erinnert. Auch wenn er die amerikanische Konsumgesellschaft malt, geht der Künstler über den Pop hinaus, interessiert sich in erster Linie für die Farbe, deren Spektrum er mit großer Intensität erkundet, die manchmal fast das Motiv vergessen lässt: So ist es bei Two Paint Cans (1987), zwei Farbeimern, auf denen Farben und Reflexe aufeinander antworten, in einer visuellen Choreographie von großer Stärke, die die Grenzen zwischen dem Figurativen und dem Nicht-Figurativen aufhebt: „Im Grunde bin ich überzeugt, dass mein Werk abstrakt ist“, erklärte Wayne Thiebaud.

Man entdeckt ebenfalls gefühlsarme Portraits: Auf den ersten Blick hyperrealistisch, enthüllen seine isolierten Figuren rigorose Kompositionen – das unglaubliche Woman in Tub (1965) zeugt von einer Faszination für Mondrian – und ein Verlangen nach Materie und Farbe. Auch wenn Girl with Pink Hat (1973) wie ein Echo einiger Renaissance-Gemälde wirkt, bezaubert sie uns insbesondere dank der Kraft der Chromatik, ob bei der komplexen Beziehung zwischen dem Hut und seinem Schatten oder der Verwendung der Farben: „Eine schöne orangefarbene Linie um eine Schulter und ein helles Kadmiumblau um die andere – das basiert auf diesen naturwissenschaftlichen Prinzipien.“ führt der Künstler aus. Noch weniger bekannt sind die Landschaften, abrupte Cañons ( Rock Ridge , 1962) und vor allem Stadtansichten, in denen er mit der Perspektive und den Aussichten spielt: Die Straßen von San Francisco verwandeln sich in Achterbahnen und sind schwindelerregender als die Originale, fordern die Gesetze der Schwerkraft heraus und die Highways springen dem Betrachter ins Gesicht (City Views, 2004). Wayne Thiebaud malt wirklich den American way of life in allen seinen Facetten, und beträufelt ihn, ähnlich wie Edward Hopper, mit einem Gefühl von Melancholie und Tristesse.

À la Fondation Beyeler (Riehen / Bâle) jusqu’au 21 mai

In der Fondation Beyeler (Riehen / Basel) bis zum 21. Mai fondationbeyeler.ch

> 23.04., (10-18 Uhr) Familientag mit speziellen Führungen und Aktivitäten für Kinder

> 29. & 30.04., 20. & 21.05. (12-18 Uhr) Open Studio, kostenlose Workshops zu verschiedenen Arbeitstechniken für alle Altersgruppen > 01.04. & 13.05., (14-16:30 Uhr), Kunst und Kuchen mit Führung, Zeichenkurs zu Patisserien mit anschließender Verkostung

Arrêt sur image

Immersion dans les flâneries ripolinées d’Heiner Meyer, Schöner als echt jette un regard sur toute la carrière de l’artiste pop allemand.

Eintauchen in die lackfarbenen Bummeleien von Heiner Meyer: Schöner als echt wirft einen Blick auf die gesamte Karriere des deutschen Pop-Art Künstlers.

Cinquante ans tout juste qu’Heiner Meyer fige sur ses toiles la psyché de notre néolibérale et consommatrice société. Au fil du parcours de Schöner als echt (“Plus beau que vrai”), la rétrospective que lui consacre la kunsthalle messmer pour son soixante-dixième anniversaire, se croisent et se répondent ainsi, d’une cimaise à l’autre, statues antiques (Erscheinung II, 2002) et icônes hollywoodiennes (Black Dress, 2005), clinquantes voitures de luxe (Luxury, 2010) et bravaches héros de bande dessinée (Royal

Flush, 2010), Hommage à Picasso (1975) et visage figé d’une Penelope Cruz à la bouche glossée (Sundae I, 2012). Juxtaposant les flux d’images, présentes ou passées, qui inondent nos vies, son œuvre se déploie en une myriade d’instantanés, composant touche après touche une sorte de puzzle-monde de la contemporanéité, entre règne des apparences et marchandisation à tout crin. C’est à la fois beau et triste à pleurer, nostalgique et désillusionné, comme un cruel miroir tendu à notre trop humaine humanité.

Seit genau fünfzig Jahren fängt Heiner Meyer auf seinen Gemälden die Psyche unserer neoliberalen Konsumgesellschaft ein. Im Laufe des Rundgangs von Schöner als echt , der Retrospektive, die ihm die kunsthalle messmer zu seinem siebzigsten Geburtstag widmet, treffen sich so, von einer Wand zur anderen antike Statuen (Erscheinung II, 2002) und HollywoodIkonen (Black Dress, 2005), kitschige Luxusautos (Luxury, 2010) und großmäulige Comic-Helden (Royal Flush, 2010), eine Hommage à Picasso (1975) und das festgehaltene Gesicht einer Penelope Cruz mit Gloss-Mund (Sundae I, 2012). Indem es die Flut der Bilder aus Gegenwart und Vergangenheit, die unsere Leben überschwämmen, einander gegenüberstellt, entfaltet sich sein Werk wie eine Unzahl von Momentaufnahmen, die Stück für Stück eine Art Puzzle-Welt unserer Zeit bilden, zwischen der Herrschaft des Scheins und der leidenschaftlichen Vermarktung. Eine Ausstellung, die gleichzeitig schön und zum Heulen traurig, nostalgisch und desillusioniert ist, wie ein grausamer Spiegel, der unserer allzumenschlichen Menschheit vorgehalten wird.

À la kunsthalle messmer (Riegel am Kaiserstuhl) jusqu’au 25 juin

In der kunsthalle messmer (Riegel am Kaiserstuhl) bis zum 25. Juni kunsthallemessmer.de

Par Von Suzi Vieira – Photo de von Heiner Meyer

Black Dress, 2005

Jedi poetry

Avec Diplomausstellung 22/23 – Perspektiven, la Staatliche Hochschule für Gestaltung Karlsruhe met à l’honneur ses jeunes talents. Mit der Diplomausstellung 22/23 – Perspektiven, stellt die Staatliche Hochschule für Gestaltung Karlsruhe ihre jungen Talente ins Rampenlicht.

Par Von Suzi Vieira

Établissement renommé pour ses enseignements en matière d’art numérique ou de philosophie des médias, fondé en 1992 dans le même mouvement qui vit naître dans la “ville-éventail” le ZKM – dont elle est voisine et auquel elle est étroitement associée –, la Staatliche Hochschule für Gestaltung présente cette année encore les travaux de fin d’études de ses diplômés. Dans l’atrium de l’école se côtoient ainsi photographies, films, installations sonores et autres performances explorant les effets des écrans et réseaux sociaux sur la société et l’individu, questionnant l’accélération généralisée de nos vies ou faisant lire par des plantes les théories du regretté penseur de l’écologie Bruno Latour ! Fidèles à l’esprit de la maison, chacune des œuvres est une invitation à repenser les espaces de liberté présents et futurs. Coup de cœur pour ViDi, immersif “visualisateur poétique” tout en sons et lumières imaginé par Kathi Rüll, et pour le brillant petit théâtre de l’absurde conçu par Benjamin Breitkopf, Schachtnovelle, détonante performance multimédia façon Ubu Roi au pays des Jedi et des sabres lasers.

Als Einrichtung, die für ihre Lehre im Bereich der Digitalkunst oder der Medienphilosophie bekannt ist und 1992 gleichzeitig mit der Geburt des ZKM in der Fächerstadt gegründet wurde – in deren Nachbarschaft sie sich befindet und mit der sie aufs Engste verbunden ist –, präsen-

tiert die Staatliche Hochschule für Gestaltung in diesem Jahr erneut die Abschlussarbeiten ihrer Absolventen. Im Atrium der Schule begegnen sich so Photographien, Filme, Klanginstallationen und Performances, die die Effekte der Bildschirme und der sozialen Netzwerke auf die Gesellschaft und das Individuum erkunden, wobei sie die generelle Beschleunigung unserer Leben in Frage stellen oder von Pflanzen die Theorien des schmerzlich vermissten Vordenkers der Ökologie, Bruno Latour, vorlesen lassen! Dem Geist des Hauses treu, ist jede der Arbeiten eine Einladung dazu die aktuellen und zukünftigen Freiheitsräume neu zu denken. Unser Favorit ist ViDi, ein „Poetic Visualizer“ zum Eintauchen in Klang und Licht, der von Kathi Rüll erfunden wurde und das brillante, kleine Theater des Absurden, das von Benjamin Breitkopf konzipiert wurde, Schachtnovelle, eine explosive Multimedia-Performance à la Ubu Roi im Land der Jedi und der Laserschwerte.

À la Staatliche Hochschule für Gestaltung (Karlsruhe) du 4 au 21 mai In der Staatlichen Hochschule für Gestaltung (Karlsruhe) vom 4. bis 21. Mai hfg-karlsruhe.de

Légendes Bildunterschriften

1. Benjamin Breitkopf, Schachtnovelle

2.Kathi Rüll, ViDi - A Poetic Live Visualizer Based on Sound and Color Perception

American comics’ spirit

Avec Will Eisner, Graphic Novel Godfather, le Cartoonmuseum de Bâle retrace le parcours et les géniales expérimentations du père fondateur de la BD moderne.

Mit Will Eisner, Graphic Novel Godfather, erzählt das Cartoonmuseum Basel den Werdegang und die genialen Experimente des Gründervaters des modernen Comics.

Par Von Suzi Vieira

L’homme incarne à lui seul toute une page de l’histoire de la bande dessinée. Véritable monstre sacré, Will Eisner (1917-2005), qui révolutionna le genre en le faisant évoluer des comics au roman graphique, était avant tout un immense raconteur d’histoires. « Un écrivain qui dessine », comme ce curieux congénital aimait à dire… Ce n’est pas pour rien que les “Oscars” américains de la BD portent son nom ! En matière d’“art séquentiel”, il a presque tout inventé. Dès ses débuts, ce fils de juifs d’Europe de l’Est réussit l’exploit de sortir les aventures de super-héros du ghetto des fanzines pour pré-ados. De 1940 à 1952, il fait de sa série The Spirit, publiée dans le supplément dominical de divers journaux, un laboratoire, développant ses épisodes sur plusieurs pages, détournant les codes en ne dotant ce justicier masqué en costume croisé d’aucun super-pouvoir et en s’interrogeant sur les causes de la criminalité plutôt que de s’en tenir au récit de ses exploits. Comme le rappelle l’accrochage du Cartoonmuseum dans la vaste rétrospective qui lui est consacrée, le génial visionnaire va même jusqu’à faire passer son antihéros au second plan pour mieux raconter la vie des quartiers populaires, où s’entassent pendant la Grande Dépression les pauvres et les immigrés parmi lesquels il a grandi. La série est truffée d’inventions et d’astuces graphiques, relègue le décor à quelques motifs évocateurs (bouche d’égout ou poubelle), explose les conventions de la case et du phylactère (splendide

planche du 5 septembre 1948, où l’on assiste au mortel saut de l’ange de Gerhard Shnobble !), reproduit des cadrages de cinéma, etc.

Tous ces principes, Eisner les réunira pour créer son œuvre sans doute la plus célèbre, Un Bail avec Dieu (1978), sur la couverture duquel il fait figurer, pour la première fois de l’histoire, le terme de graphic novel. Près de 200 pages d’une liberté folle, en forme de plongée existentielle au cœur d’un immeuble du Bronx. L’artiste a alors plus de soixante ans et inaugure une deuxième partie de carrière diablement féconde, novatrice et personnelle. On reste époustouflés devant les planches originales de Jacob le Cafard (1988) – son chef-d’œuvre – ou celles de l’autobiographique Au Cœur de la tempête (1991). Le parcours s’attarde aussi sur des aspects méconnus de l’œuvre eisnerienne, productions pédagogiques à destination des jeunes recrues de l’armée ou ouvrages théoriques tirés des cours donnés à la New York School of Visual Arts. Quant aux toutes dernières années de sa vie, l’infatigable dessinateur les consacre à combattre l’antisémitisme, réécrivant la vie de Fagin le Juif (2003) – horrible personnage d’Oliver Twist, dont Dickens a fait la caricature même du fourbe sémite –, ou reprenant, dans Le Complot (2005), achevé peu avant sa mort, l’histoire des tristement célèbres Protocoles des Sages de Sion

Ein Mann, der ganz allein eine Seite der Geschichte des Comics verkörpert. Ein echter Superstar war Will Eisner (1917-2005), der das Genre revolutionierte, indem er es vom Comic bis zum Graphikroman weiterentwickelte, aber in erster Linie war er ein großer Geschichtenerzähler. „Ein Schriftsteller, der zeichnet“, wie es dieser geborene Neugierige gerne zusammenfasste… Nicht ohne Grund tragen die amerikanischen „Oscars“ des Comics seinen Namen! Im Bereich der „sequenziellen Kunst“ hat er fast alles erfunden. Von Anfang an gelingt es diesem Sohn jüdischer Einwanderer aus Osteuropa die Abenteuer der Superhelden aus dem Ghetto der Fanzines für Früh-Pubertäre herauszuholen. Von 1940 bis 1952 macht er aus seiner Reihe The Spirit, die in der Sonntagsbeilage verschiedener Zeitungen veröffentlicht wird, ein Labor, entwickelt seine Episoden über mehrere Seiten hinweg, spielt mit den Codes, indem er diesen Verfechter der Gerechtigkeit im zweireihigen Anzug mit keinerlei übermenschlicher Fähigkeit ausstattet und eher die Gründe für die Kriminalität analysiert, als sich darauf zu beschränken seine Heldentaten zu erzählen. Wie es die Hängung im Cartoonmuseum in dieser breitgefächerten Retrospektive erinnert, geht der geniale Visionär sogar so weit, seinen Antihelden in den Hintergrund zu stellen, um das Leben in den Arbeitervierteln besser erzählen zu können, in denen sich in der Weltwirtschaftskrise

Légendes Bildunterschriften

1. The Spirit, Supplément du dimanche Sonntagsbeilage, 12.1.1941

2. To the Heart of the Storm, 1991

3. Life On Another Planet, 1978-1980

4. The Spirit, Supplément du dimanche Sonntagsbeilage, 1950

Ende der 1920er Jahre die Armen und die Einwanderer zusammendrängen, unter denen er aufgewachsen ist. Die Serie ist voll von Erfindungen und graphischen Tricks, beschränkt die Szenerie auf einige aussagekräftige Motive (Gullys oder Mülleimer), lässt die Konventionen der Panels und Sprechblasen explodieren (eine wunderbare Bildtafel vom 5. September 1948 bei dem man dem tödlichen Kopfsprung von Gerhard Shnobble beiwohnt!), reproduziert die Bildeinstellungen des Kinos, etc.

Alle diese Prinzipien wird Eisner verbinden, um sein zweifelsohne berühmtestes Werk zu kreieren, Ein Vertrag mit Gott (1978), auf dessen Titelbild erstmals in der Geschichte der Begriff graphic novel steht. Rund 200 Seiten einer wahnsinnigen Freiheit, in Form eines existentiellen Eintauchens inmitten eines Wohngebäudes in der Bronx. Der Künstler ist damals über sechzig und beginnt einen zweiten Teil seiner Karriere, die teuflisch fruchtbar, innovativ und persönlich ist. Die Originalzeichnungen von Lifeforce (1988) – seinem Meisterwerk – oder das autobiographische Zum Herzen des Sturms (1991) machen den Betrachter sprachlos. Der Rundgang befasst sich auch mit der unbekannteren Seite seines Werks, pädagogischen Produktionen für die jungen Rekruten der Armee oder theoretischen Bücher, die seine Kurse an der New York School of Visual Arts zusammenfassen. Seine letzten Lebensjahre hat der unermüdliche Zeichner dem Kampf gegen den Antisemitismus gewidmet, indem er mit Ich bin Fagin (2003) die Geschichte einer schrecklichen Figur aus Oliver Twist neu erzählt, aus der Dickens eine Karikatur des hinterlistigen Semiten gemacht hatte, oder indem er in Das Komplott (2005), das er kurz vor seinem Tod vollendete, die traurig berühmte Geschichte der Protokolle der Weisen von Zion erzählt.

Au Cartoonmuseum (Bâle) jusqu’au 18 juin Im Cartoonmuseum (Basel) bis zum 18. Juni cartoonmuseum.ch

> Visites guidées en français 16/04 et 21/05, 14h

> En parallèle, est présenté Hécatombe Collectives, fruit de la résidence du bouillonnant collectif genevois du même nom

> Sonntagsführungen am 02.04., 14.05. und 11.06. um 14 Uhr

> Parallel dazu wird Hécatombe Collectives präsentiert, das Ergebnis einer Künstlerresidenz, der gleichnamigen jungen Kreativen aus Genf

Une image à soi

Exit le male gaze ! Avec Trans(e)galactique, le duo de Superpartners SMITH et Nadège Piton explore la face dégenrée de l’histoire de la photographie.

Ein Bild für sich

Schluss mit dem male gaze! Mit Trans(e)galactique erkundet das Duo Superpartners aus SMITH und Nadège Piton die degenerierte Seite der Geschichte der Photographie.

Par Von Suzi Vieira

Posons-le tout de suite : ceci n’est pas une anthologie de la photographie trans et/ou queer. C’est une proposition toute subjective – fièrement revendiquée comme telle par les deux commissaires complices ! – de promenade à travers les œuvres de trente-cinq artistes LGBTQIA+ ayant jeté le trouble dans l’image du genre, des fifties à nos jours

et de Marseille à New York, en passant par le Brésil. On y croise les iconiques dames de la Place Blanche, Gaëtane et Jackie, immortalisées au début des années 1960 par Christer Strömholm, les autoportraits en odalisque colorée de Laurence Philomène (tenant le journal visuel de sa transition), ou encore les verts clichés de cartes postales détournées de l’artiste d’origine mauricienne Kama La Mackerel. Ici règne une ambiance de fête en safe space, de douce et enivrante soirée entre ami e s, avec lumière de club violette et boule à facette, où les corps échappent à toute définition binaire, se font pluriels ou mutants pour annihiler les frontières entre les galaxies et entrer dans la trans(e).

Sagen wir es gleich: Dies ist keine Anthologie der Transoder Queerphotographie. Es ist ein sehr subjektiver Vorschlag – der stolz als ein solcher von den beiden Kuratoren beansprucht wird! – für einen Spaziergang durch die Werke von fünfunddreißig LGBTQIA+-Künstlern die das Bild des Geschlechts in Frage gestellt haben, von den Fünfzigern bis heute, von Marseille bis New York über Brasilien. Man trifft auf die ikonischen Damen von der Place Blanche, Gaëtane und Jackie, die in den 1960er Jahren von Christer Strömholm verewigt wurden, die Selbstportraits als bunte Odaliske von Laurence Philomène (die als Tagebuch ihrer Verwandlung dienen) oder auch die grünen Aufnahmen von verfremdeten Postkarten der aus Mauritius stammenden Künstlerin Kama La Mackerel. Es herrscht eine festliche Stimmung im safe space , angenehme und berauschende Abende zwischen Freunden und Freundinnen mit violetter Clubbeleuchtung und Diskokugel, bei denen die Körper sich jeglicher binären Definition entziehen, vielfältig oder mutierend werden, um die Grenzen zwischen den Galaxien aufzuheben und in Trance zu fallen.

À

la galerie de La Filature (Mulhouse) jusqu’au 14 mai

In der Galerie von La Filature (Mulhouse) bis zum 14. Mai lafilature.org

Légende Bildunterschrift Marcel Bascoulard, Pose 1, 24 juin 1971

The Landscapers

Avec Erwin Olaf & Hans Op de Beeck : Inspired by Edward Steichen, le MNHA rend hommage au maître américain de la photographie, dans un hypnotique dialogue à trois bandes avec l’art contemporain.

Mit Erwin Olaf & Hans Op de Beeck : Inspired by Edward Steichen

würdigt das MNHA den amerikanischen Meister der Photographie, in einem hypnotisierenden Dialog im Dreieck mit der zeitgenössischen Kunst.

Par Von Suzi Vieira

Elle date de 1904, et c’est l’une des dix photos les plus chères du monde. Moonrise-Mamaroneck (Moonlight : The Pond) a frisé les trois millions de dollars aux enchères en 2006. Plus qu’un cliché, un tableau, vision mystérieuse et mélancolique d’un étang sous la lune… Signé de la star américaine de la photographie Edward Steichen (1879-1973), l’un des trois tirages connus de cette œuvre fait partie des 178 que le fond de l’artiste natif du Grand-Duché, légua à l’État luxembourgeois en 1985. Avec six autres, elle constitue le cœur et point de départ d’une exposition en forme de regards croisés portés sur le maître par deux artistes d’aujourd’hui: le photographe néerlandais Erwin Olaf et le plasticien belge Hans Op de Beeck. Aux paysages crépusculaires de Steichen, formant tantôt des tapisseries abstraites (Nocturne-Orangerie Staircase, 1910) tantôt des estampes japonaises (The PoolEvening, 1899), répondent aussi bien les théâtrales compositions en noir et blanc du premier que les vastes aquarelles et sculptures désenchantées du deuxième.

Pour sa série Im Wald (2020), ésotérique allégorie de l’impérieuse indifférence de la nature et de son assourdissante force silencieuse – inspirée des grands peintres romantiques –, Olaf semble même multiplier les citations directes au génial pionnier. Si ce n’étaient les silhouettes fantomatiques dressées sur la barque qui le traverse, le paysage inquiétant de tranquillité d’Auf dem See (2020) pourrait en effet se confondre, par ses jeux de lumière entre ciel et eau, brume et reflets, avec le métaphysique Big White Cloud (1904) du mentor. Quant à l’onirique monochrome Zwischen den Bäumen (2020), rythmé par les fûts des arbres millénaires, on pourrait presque y voir une copie – version nocturne et sombre – de l’iconique Pond de Steichen. En dialogue avec toutes ces photographies, les aquarelles géantes et sculptures monochromes d’Op de Beeck déclinent, elles aussi la palette sourde des gris. Chacune des « fictions visuelles » du Flamand opère comme une suspension du temps, à l’instar du couple d’adolescents grandeur nature de la saisissante installation The Cliff (2019),

perché sur son rocher, les pieds dans le vide. L’art et la vie se mêlent, pour mieux nous mettre face à nous-mêmes, à la nature et au sublime, renvoyant notre mortelle condition à son insignifiance désabusée. Ce potentiel narratif des images, ces histoires laissées inachevées, comme des points de fuite offerts à l’imagination du regardeur, c’est sans doute encore ce qui réunit le mieux les trois artistes ici présentés.

Sie ist von 1904 und ist eine der zehn teuersten Photographien der Welt. Moonrise-Mamaroneck (Moonlight: The Pond) hat bei einer Versteigerung im Jahr 2006 fast drei Millionen Dollar erzielt. Mehr als ein Bild, ein Gemälde, eine mysteriöse und melancholische Aufnahme eines Teichs im Mondschein… Vom amerikanischen Star der Photographie Edward Steichen (1879-1973) signiert, gehört einer der drei bekannten Abzüge dieses Werkes zu den 178, die die Stiftung des aus dem Großherzogtum stammenden Künstlers 1985 an den luxemburgischen Staat vermachte. Mit sechs anderen stellt sie das Zentrum und den Ausgangspunkt einer Ausstellung dar, in der zwei Künstler von heute einen Blick auf den Meister werfen: Der niederländische Photograph Erwin Olaf und der belgische Bildhauer Hans Op de Beeck. Auf die Landschaften in der Dämmerung von Steichen, die mal abstrakte Wandteppiche (Nocturne-Orangerie Staircase, 1910) mal japanische Druckgrafiken (The Pool-Evening, 1899) bilden, antworten ebenso die theatralischen Kompositionen in schwarzweiß des Ersten wie die großen Aquarelle und die desillusionierten Skulpturen des Zweiten.

Für seine Serie Im Wald (2020) eine esoterische Allegorie der gebieterischen Gleichgültigkeit der Natur und ihrer ohrenbetäubenden, stillen Kraft – inspiriert von den großen Malern der Romantik – scheint Olaf den genialen Pionier vielfach direkt zu zitieren. Wenn da nicht die gespenstischen Silhouetten auf dem Boot wäre, das ihn durchquert, könnte die beklemmend ruhige Landschaft von Auf dem See (2020) in der Tat, aufgrund ihrer Lichtspiele zwischen Himmel und Wasser, Nebel und Spiegelungen, mit dem metaphysischen Big White Cloud (1904) des Mentors verwechselt werden. Was das traumhafte monochrome Zwischen den Bäumen (2020) angeht, dem die Stämme jahrhunderteralter Bäume Rhythmus verleihen, könnte man darin fast eine Kopie – in einer nächtlichen und düsteren Version – des ikonischen Pond von Steichen sehen. Im Dialog mit allen diesen Photographien deklinieren die riesigen Aquarelle und monochromen Skulpturen von Op de Beeck ihrerseits ebenfalls die dumpfe Palette der Grautöne. Jede der „visuellen Fiktionen“ des Flamen wirkt wie eine Unterbrechung der Zeit, wie beim lebensgroßen jugendlichen Paar der ergreifenden Installation The Cliff (2019), auf seinem Felsen sitzend, mit den Füßen im Leeren. Die Kunst und das Leben gehen ineinander über, um uns besser den Spiegel vorzuhalten, uns die Natur und das Überwältigende zu zeigen, uns auf unsere Sterblichkeit und unsere Bedeutungslosigkeit zurückzuwerfen. Dieses narrative Potential der Bilder, diese unvollendeten Geschichten, die wie Fluchtpunkte der Vorstellungskraft des Betrachters geschenkt werden, ist sicherlich das, was die drei hier präsentierten Künstler am meisten vereint.

Au Musée national d’Histoire et d’Art (Luxembourg) jusqu’au 11 juin

Im Musée national d’Histoire et d’Art (Luxemburg) bis zum 11. Juni mnha.lu

Légendes Bildunterschriften

1. Erwin Olaf, Zwischen den Bäumen, Im Wald, 2020, © Studio Erwin Olaf, Amsterdam

2. Hans Op de Beeck, The Cliff, 2019 © Studio Hans Op de Beeck, Brussels

3. Edward Steichen, The Pool Evening, 1899, printed after 1953, Coll. MNHA

Iran Hair

Dans le premier volet d’Aspects de la photographie contemporaine iranienne, Babak Kazemi et Maryam Firuzi questionnent l’Iran d’aujourd’hui en toute élégance À un cheveu près.

Im ersten Teil von Aspekte der zeitgenössischen iranischen Photographie stellen Babak Kazemi und Maryam Firuzi den zeitgenössischen Iran auf elegante Weise mit Um Haaresbreite in Frage.

Par Von Hervé Lévy

La photographe Maryam Firuzi a fait poser ses amies, avant de leur demander de lui donner des mèches de cheveux qu’elle a ensuite brodées sur les portraits imprimés sur toile. Rousses, brunes, noires ou blondes, ces crinières s’épanouissent en séduisantes volutes évoquant les cascades d’efflorescences de certaines miniatures persanes dans la série Before

our chance to watch ends vol. 2, Gisoo (2018-2020). Esthétiques, pour ne pas dire érotiques, ces œuvres sont avant tout des actes d’affirmation politique dans un pays soumis à la dictature des mollahs : « Dans la loi islamique, lorsque les cheveux d’une femme sont coupés, le hijab n’est plus une obligation ; c’est comme si les cheveux, qui étaient autrefois un ornement sur le visage de

la femme, étaient devenus un élément corporel mort, ôtant alors son caractère séduisant et désirable  », explique celle qui a placé le corps de la femme au cœur de sa pratique, à l’image de Concealment (2018). Dans ces clichés carrés n’émergent que le rond du visage et une main, le reste étant recouvert par des amoncellements de coquillages, plumes ou encore branches, comme si

elle voulait nous dire qu’elle préfère se fondre dans la nature plutôt que d’être forcée de se dissimuler. Dans Reading for Tehran Streets (2016), elle pose en extérieur, en train de lire, dans des compositions rigoureuses dont l’artifice est revendiqué – on pense à Gregory Crewdson –, comme si le contenu de sa lecture prenait corps dans son environnement extérieur, se manifestant par un déluge onirique. Dernière série exposée, Scattered Memories of a Distorted Future (2021) montre ses amies artistes dans un édifice abandonné, qu’elles ont orné de leurs œuvres. Maryam Firuzi désire nous questionner : que peut faire l’art face à la ruine ?

À côté de ses œuvres sont accrochées celles de Babak Kazemi, entre réflexion d’une extrême finesse sur l’industrie pétrolière (A Report for D’Arcy, 20032013) évoquant Sebastião Salgado et questionnements sur la fonction de l’armée en revenant sur son service militaire (Sir Yes Sir, 2008). On demeure éblouis par The Exit of Shirin and Farhad (2012), revisitant le Roméo et Juliette perse à l’aune de la contemporanéité, puisqu’il illustre le parcours du combattant des jeunes Iraniens pour s’aimer… Voilà deux artistes passionnants, engagés dans la défense des libertés, deux vrais résistants vivant en Iran, dont le combat n’a rien à voir avec certains plasticiens occidentaux en plastique prenant la pose du rebelle… sans risque aucun.

Die Photographin Maryam Firuzi hat ihre Freundinnen posieren lassen, bevor sie sie um Haarsträhnen bat, um diese auf die auf

Leinwand gedruckten Portraits zu sticken. Rothaarig, brünett, schwarz oder blond, diese Mähnen entfalten sich in verführerische Windungen, die an die Kaskaden einiger persischer Miniaturen aus der Serie Before our chance to watch ends vol. 2, Gisoo (2018-2020) erinnern. Ästhetisch, um nicht zu sagen erotisch, sind diese Werke vor allem Akte der politischen Behauptung in einem Land, das der Diktatur der Mullahs unterworfen ist: „Nach islamischem Gesetz, ist der Hidschab keine Verpflichtung mehr, wenn die Haare einer Frau abgeschnitten sind ; so als ob die Haare, die früher eine Zierde für das Gesicht der Frau waren, zu einem toten körperlichen Element geworden seien, die also seinen verführerischen und begehrenswerten Charakter nehmen “, erklärt jene, die den Körper der Frau ins Zentrum ihres Schaffens gestellt hat, wie bei Concealment (2018). In diesen viereckigen Aufnahmen taucht nur das Rund des Gesichts und eine Hand auf, der Rest ist mit Haufen aus Muscheln, Federn oder auch Ästen bedeckt, so als ob sie uns sagen wollte, dass sie sich lieber in der Natur versteckt als dazu gezwungen zu sein sich zu verbergen. In Reading for Tehran Streets (2016), posiert sie im Außenraum, lesend, in rigorosen Kompositionen, deren Künstlichkeit abseits ist – man denke an Gregory Crewdson –, so als ob der Inhalt ihrer Lektüre in ihrem Außenraum zum Leben erweckt würde, was sich durch eine Traum-Sturzflut ausdrückt. Die letzte ausgestellte Serie Scattered Memories of a Distorted Future (2021) zeigt ihre Künstler-Freundinnen in einem verlassenen Gebäude, das sie mit ihren Wer-

Légendes Bildunterschriften

ken geschmückt haben. Man könnte glauben, dass uns Maryam Firuzi fragen will: Was kann die Kunst im Angesicht einer Ruine?

Neben ihren Werken sind jene von Babak Kazemi aufgehängt, zwischen Überlegung einer extremen Finesse zur Erdölindustrie (A Report for D’Arcy, 2003-2013), was an Sebastião Salgado erinnert, und Fragen zur Funktion der Armee bei der Rückkehr aus seinem Militärdienst ( Sir Yes Sir , 2008). Man bleibt sprachlos vor The Exit of Shirin and Farhad (2012), einer Neuinterpretation eines persischen Romeo und Julia im Angesicht der Modernität, denn es illustriert den Parcours zweier junger Iraner, um sich lieben zu dürfen… Zwei begeisternde Künstler, die für die Verteidigung der Freiheit engagiert sind, zwei echte Widerstandskämpfer, die im Iran leben, deren Kampf nichts mit dem einiger westlicher Künstler zu tun hat, die Rebellenposen einnehmen… ohne jegliches Risiko.

À l’Espace Apollonia (Strasbourg) jusqu’au 16 avril

Im Espace Apollonia (Straßburg) bis zum 16. April

apollonia-art-exchanges.com

> Le second volet d’Aspects de la photographie contemporaine iranienne se déroulera de juin à début septembre, avec des expositions au Parlement européen, à Apollonia, sur un bateau et, en extérieur, dans tout Strasbourg.

> Der zweite Teil von Aspekte der zeitgenössischen iranischen Photographie wird von Juni bis Anfang September stattfinden, mit Ausstellungen im Europäischen Parlament, in Apollonia, auf einem Schiff und im öffentlichen Raum in ganz Straßburg

1. Maryam Firuzi, Before our chance to watch ends vol. 2, Gisoo, 2018-2020

2. Babak Kazemi, The Exit of Shirin and Farhad, 2012

Ecofeminism

Avec La Parabole du Bièvre et Pas de cerise sans noyau, Suzanne Husky et Ju Hyun Lee se reconnectent à notre environnement. Mit Das Gleichnis des Bibers und Keine Kirsche ohne Kern, verbinden sich Suzanne Husky und Ju Hyun Lee mit unserer Umwelt.

Par Von Julia Percheron – Photos de von Angélique Pichon

Deux expositions se répondent à Montbéliard. D’un côté, les vidéos, aquarelles et installations végétales de Suzanne Husky, Américaine d’adoption. « Certaines œuvres sont spécialement créées pour l’occasion, comme la Forêt de saules », explique la commissaire Adeline Lépine. Plusieurs arbres proviennent ainsi de la réserve naturelle de Brognard et, plongés dans une source d’eau, sont en train de bourgeonner. « C’était un pari. L’artiste désirait une installation vivante, donc nous sommes ravies que cela fonctionne. Lorsque ce sera fini, ils retourneront dans leur milieu. » Le castor est au cœur de cette première partie de la visite : « Historiquement implanté en France, il joue un grand rôle dans la biodiversité et est donc lié à l’homme.  » À l’étage, le savoir-faire agricole de Ju Hyun Lee est à l’honneur. Nous sommes là dévoile une centaine de noyaux de cerises, disposés entre des baguettes de bois, oscillant autour de tubes en papier de riz qui frôlent des peintures réalisées à base de pigments minéraux. Ces squelettes de fruit, qu’elle considère comme des individus, ne sont finalement pas si éloignés de l’animal sauvage exposé au rez-de-chaussée, tous deux invitant à explorer notre rapport au monde.

Zwei Ausstellungen gehen in Montbéliard einen Dialog ein. Auf der einen Seite Videos, Aquarelle und pflanzliche Installationen von Suzanne Husky, einer

Wahl-Amerikanerin. „Einige Werke sind speziell für diese Gelegenheit kreiert worden, wie der Weidenwald“, erklärt die Kuratorin Adeline Lépine. So stammen mehrere Bäume aus dem Naturschutzgebiet Brognard und sind, in Quellwasser getaucht, dabei Knospen zu treiben. „Das war eine Wette. Die Künstlerin wollte eine lebendige Installation, deswegen sind wir begeistert, dass es funktioniert. Danach werden sie in ihr natürliches Milieu zurückkehren.“ Der Biber steht im Zentrum dieses ersten Teils des Rundgangs: „historisch in Frankreich verwurzelt, spielt er eine große Rolle für die Biodiversität und ist somit mit dem Menschen verbunden.“ Im Obergeschoss kommt das landwirtschaftliche Savoir-Faire von Ju Hyun Lee zu seinen Ehren. Die Installation Wir sind hier enthüllt rund hundert Kirschkerne, die zwischen Holzstäbchen verteilt sind, rund um Rohre aus Reispapier, die Malereien berühren, welche mit mineralischen Pigmenten realisiert wurden. Diese Frucht-Skelette, die sie als Individuen betrachtet, sind schlussendlich nicht so weit entfernt vom Wildtier, das im Erdgeschoss ausgestellt wird, beide laden uns dazu ein unsere Beziehung zur Welt zu erforschen.

Au 19 (Montbéliard) jusqu’au 30 avril

Im 19 (Montbéliard) bis zum 30. April le19crac.com

De Natura Rerum

Apicultrice

et apprentie biochimiste, la Bruxellloise Anne

Marie Maes investit la Kunsthalle de Mulhouse avec ses œuvres organiques, fruits d’une Alchimia nova poétique.

Die Imkerin und Biochemie-Studentin Anne Marie Maes aus Brüssel erobert die Kunsthalle von Mulhouse mit ihren organischen Werken, die die Frucht einer poetischen Alchimia nova sind.

Par Von Suzi Vieira

Entre laboratoire de folles expériences et savant cabinet de curiosités, Anne Marie Maes a transformé, le temps d’une déroutante exposition, le musée mulhousien en poste privilégié d’observation de la nature, dans toute sa mystérieuse complexité et sa plus fascinante beauté. Ici, d’étranges peaux microbiennes aux teintes cuivrées ( Sensorial Skins, 2017), lés de tissus organiques développés par l’artiste belge à partir de la fermentation de microbes et de levures, agrémentés de kombucha, thé noir ou hibiscus selon la nuance, tantôt rosée, tantôt marronée, qu’elle veut bien leur donner… Là, des tableaux singuliers (Fluid Interactions, 2023), carrés de métal soigneusement alignés, où les coulées de cire d’abeille dévoilent une délicate gamme chromatique de jaunes et de gris, sublimés par le dessin moucheté des ferrobactéries qui ont parfois pullulé. La plasticienne conçoit

depuis de nombreuses années une œuvre éminemment esthétique et sensible – stupéfiante de poésie ! –, qui s’appuie autant sur la recherche scientifique et la microbiologie que sur sa passion pour les insectes butineurs.

En témoigne le Bee space, chambre obscure spécialement aménagée, où se répondent deux immersives installations vidéo plongeant le spectateur au cœur de la colonie et le plaçant à hauteur de l’infiniment petit. Variation Games (20172018) est en effet le fruit d’une longue étude du comportement des abeilles, réalisée aux moyens de caméras très sophistiquées, placées à l’intérieur de la ruche. Le film alterne, sur fond de bourdonnement intense, entre prises de vue des travailleuses s’activant à la construction du nid et gros plans futuristes obtenus grâce à un microscope, où les poils d’une d’entre elles se muent en robotique armure métallique faite de lances ou de piques. En face, A Bee is a Bee is a Bee (2022) est une captation de la performance éponyme réalisée par l’artiste au Palais de Tokyo. Alvéoles, rhizomes, lichens… Anne Marie Maes puise dans la nature comme dans un répertoire de matières, de formes et de couleurs infinies. Associée pour l’occasion à l’équipe de Pierre Fechter, chercheur en biotechnologie au CNRS de Strasbourg, elle a notamment créé Microbial Life (2022), ensemble de sculptures en forme de colonnes de Winogradsky, ou encore le majestueux Pantone Alsace : Reading the Landscape (2023), qui clôt le parcours de la plus belle des manières. Bogues de noyers communs, garance, bourdaine ou encore renouée du Japon : elle a tiré des plantes et champignons cueillis dans la région les pigments pour présenter, en trois splendides tapis de laine tissée, le nuancier chatoyant des paysages du fossé rhénan.

Zwischen Labor für verrückte Experimente und Kuriositätenkabinett für Gelehrte hat Anne Marie Maes, für eine verblüffende Ausstellung das Museum in Mulhouse eingenommen, wie einen privilegierten Beobachtungsposten der Natur, in ihrer ganzen mysteriösen Komplexität und ihrer faszinierenden Schönheit. Hier bizarre mikrobielle Häute in Kupfertönen (Sensorial Skins, 2017), Bahnen aus organischen Stoffen, die die belgische Künstlerin ausgehend von gegärten Mikroben und Hefe entwickelt hat, die mit Kombucha,

schwarzem Tee oder Hibiskus verziert sind, je nach der Farbnuance, rosafarben, bräunlich, die sie ihnen verleihen will… Dort erstaunliche Gemälde (Fluid Interactions, 2023), sorgfältig aneinandergereihte Quadrate, deren Bienenwachs-Güsse eine zarte Farbpalette von Gelb-und Grautönen enthüllen, in denen es vor gesprenkelten Zeichnungen der eisenoxidierenden Mikroorganismen wimmelt. Die Künstlerin entwirft seit mehreren Jahren ein höchst ästhetisches und sensibles – überraschend poetisches! – Werk, das sich ebenso auf die wissenschaftliche Forschung und die Mikrobiologie wie auf ihre Leidenschaft für die Nektarsammler stützt.

Davon zeugt Bee space, ein speziell eingerichteter dunkler Raum, in dem zwei Videoinstallationen den Besucher ins Zentrum der Kolonie eintauchen lassen und ihn auf Augenhöhe mit dem unendlich Kleinen bringen. Variation Games (20172018) ist in der Tat das Ergebnis einer langen Verhaltensstudie der Bienen, die Mithilfe von höchst spezialisierten Kameras realisiert wurde, welche im Bienenstock platziert waren. Der Film zeigt abwechselnd, vor dem Hintergrund eines intensiven Summens, Arbeiterinnen, die das Nest bauen und große futuristische Aufnahmen, die dank eines Mikroskops gemacht wurden, auf denen die Haare einer von ihnen sich in einen roboterartigen Panzer aus Lanzen oder Spießen verwandelt. Gegenüber ist A Bee is a Bee is a Bee (2022) eine Aufnahme der gleichnamigen Performance, die von der Künstlerin im

Palais de Tokyo realisiert wurde. Alveolen, Rhizome, Flechten… Anne Marie Maes schöpft aus der Natur wie aus einem Repertorium an Materialien, Formen und unendlichen Farben. Zu dieser Gelegenheit hat sie sich mit dem Team von Pierre Fechter, Forscher in Biotechnologie am CNRS in Straßburg zusammengetan und unter anderem Microbial Life (2022) kreiert, ein Ensemble von Skulpturen in Form von Winogradsky-Säulen, oder auch das majestätische Pantone Alsace: Reading the Landscape (2023), das den Rundgang auf die schönste Art und Weise abschließt. Stachlige Schalen der Gewöhnlichen Rosskastanie, Färberkrapp, Faulbaum oder auch Japanischer Staudenknöterich: Sie hat aus den in der Region gesammelten Pflanzen und Pilzen Pigmente gewonnen, um in drei wunderschönen gewebten Wollteppichen, den schillernden Farbfächer der Landschaften der Oberrheinischen Tiefenebene zu präsentieren.

À la Kunsthalle (Mulhouse) jusqu’au 30 avril

In der Kunsthalle (Mulhouse) bis zum 30. April kunsthallemulhouse.com

Légendes Bildunterschriften

1. Variation Games, 2015, vidéo

2. Bee is a Bee is a Bee, 2022, performance au im Palais de Tokyo © Photo : Margarita Maximova

3. Sensorial Skins, 2017 © La Kunsthalle Mulhouse / Photo : Jean-Jacques Delattre

4. Sensorial Skins, 2017 © Photo : Anne Marie Maes

Imperfect world

La Néerlandaise Magali Reus dresse Le Plat principal au cœur de La Synagogue de Delme, une réflexion sur la nature, l’homme et son mode de consommation à outrance.

Die Niederländerin Magali Reus präsentiert mit Le Plat principal (Das Hauptgericht) im Herzen der Synagoge von Delme eine Überlegung zur Natur, dem Menschen und seinem überflüssigen Konsum.

de von Eva Herzog

Entre le rez-de-chaussée et le premier étage, dix-sept sculptures et peintures de Magali Reus sont positionnées le long d’un parcours immersif. Un premier Candlestick attire l’œil, tout d’aluminium vêtu sur ses trois mètres de haut. Intitulé Blacklight Tamatar, le pied du candélabre sombre abrite une étrange aubergine en plâtre. Disproportionnée, celle-ci révèle l’intérêt que porte l’artiste à la nature et à notre monde d’hyperconsommation. «  Ce qui l’inspire, c’est la façon dont les choses s’hybrident dans nos sociétés », développe Benoît Lamy de La Chapelle, directeur du centre d’art et commissaire d’exposition. «  À travers cette œuvre, on voit que le légume semble pousser de manière artificielle, là où n’est pas sa place. Cette ambiguïté est partout

dans les autres créations.  » La série de photographies Landings met ainsi en scène plusieurs groseilles, pêches et autres abricots enchevêtrés dans une décharge domestique. Pour ce rendez-vous, l’artiste plasticienne révèle également quatre œuvres inédites liant tradition française et produits de grande distribution : des pots de confiture ou de miel en résine pigmentée, inspirés par la marque Bonne Maman et répondant au nom acidulé de Clémentine.

Zwischen dem Erdgeschoss und dem ersten Stock sind siebzehn Skulpturen und Gemälde von Magali Reus entlang eines Rundgangs aufgebaut. Ein erster Candlestick zieht den Blick auf sich, seine drei Meter Höhe ganz in Aluminium gekleidet.

Unter dem Titel Blacklight Tamatar ist im Fuß des Kerzenständers eine bizarre Aubergine aus Gips untergebracht. Völlig disproportioniert enthüllt diese das Interesse, das die Künstlerin der Natur und unserer Welt des Hyper-Konsums entgegenbringt. „Das, was sie inspiriert, ist die Art und Weise wie sich die Dinge in unseren Gesellschaften hybridisieren“, erklärt Benoît Lamy de La Chapelle, Kurator der Ausstellung und Direktor des Kunstzentrums. „Anhand dieses Werkes sieht man, dass das Gemüse auf künstliche Weise zu wachsen scheint, da wo es keinen Platz hat. Diese Ambiguität findet sich überall in ihren anderen Kreationen wieder .“ Die Photographie-Serie Landings inszeniert so mehrere Johannisbeeren, Pfirsiche und Aprikosen, die im Hausmüll verschlungen sind. Für diese Ausstellung präsentiert die Bildhauerin ebenfalls vier unveröffentlichte Werke, die die französische Tradition und Produkte der Massenindustrie verbinden: Marmeladen-oder Honiggläser aus pigmentiertem Kunstharz, die von der Marke Bonne Maman inspiriert sind und auf den säuerlichen Namen Clémentine antworten.

Au Centre d’art contemporain de La Synagogue de Delme jusqu’au 4 juin Im Centre d’art contemporain de La Synagogue de Delme bis zum 4. Juni cac-synagoguededelme.org

Par Von Julia Percheron – Photo

> Atelier découverte dès 6 ans autour de l’exposition Le Plat principal, mercredi 12 avril (14h)

Légende Bildunterschrift

Landings (August, Flotsam), 2022. Courtesy de l’artiste The Approach, London; Fons Welters, Amsterdam et Galerie Greta Meert, Bruxelles.

sélection expositions Ausstellungs-Auswahl

Mode, fétiche, fantaisie Mode, Fetisch, Fantasie En réunissant une soixantaine d’études, l’institution offre une possibilité inédite de découvrir Füssli en dessinateur et auteur d’un univers fascinant d’images aussi provocantes qu’excentriques.

Mit rund sechzig Studien bietet die Institution die Möglichkeit Füssli als Zeichner und Autor eines faszinierenden Universums von ebenso provokanten wie exzentrischen Bildern zu entdecken.

Jusqu’au Bis 21/05, Kunsthaus (Zürich) kunsthaus.ch

La Beauté du Diable Die Schönheit des Teufels Une exploration de la présence de Satan dans l’art contemporain sous l’angle de sa figuration et de ses métamorphoses… Eine Erkundung der Präsenz Satans in der zeitgenössischen Kunst aus dem Blickwinkel seiner figurativen Darstellung und seiner Metamorphosen…

Jusqu’au Bis 21/05, Frac Franche-Comté (Besançon) frac-franche-comte.fr

Catherine Meurisse, une place à soi

Catherine Meurisse, ein Platz für sich Zoom sur la carrière d’une artiste prolifique et protéiforme, à la fois dessinatrice de presse et d’albums pour la jeunesse, et autrice de romans graphiques. Fokus auf die Karriere einer produktiven und vielförmigen Künstlerin, die gleichzeitig Pressezeichnerin und Autorin von Jugendbüchern und Graphikromanen ist.

Jusqu’au Bis 03/09, Musée Tomi Ungerer (Strasbourg) musees.strasbourg.eu

Hors usage Außer Gebrauch

Un large éventail d’objets quotidiens illustre les modes de vie d’autrefois : de la plume à la machine à écrire, de la chaise à porteurs aux véhicules à roue…

Eine große Vielfalt von Alltagsobjekten illustriert das Leben

von früher: Von der Feder bis zur Schreibmaschine, von der Sänfte bis zu Fahrzeugen mit Rädern…

Jusqu’au Bis 17/09, Barfüsserkirche (Bâle) hmb.ch

La Répétition Die Wiederholung

L’exposition s’attache à montrer comment la création peut aussi procéder par répétition, insistance, multiplication, accumulation, plutôt que dans des œuvres ou des gestes isolés. Die Ausstellung zeigt wie das kreative Schaffen auch mit Wiederholung, Hartnäckigkeit, Multiplikation, Anhäufung vorgehen kann.

Jusqu’au Bis 27/01/25, Centre Pompidou-Metz centrepompidou-metz.fr

Conduits : Paintings from the 1980s

Réunissant trente peintures majeures provenant de collections publiques et privées, ainsi qu’un ensemble inédit de dessins, croquis et notes, cette rétrospective se concentre sur la première décennie de la carrière de Peter Halley.

Mit dreißig wichtigen Gemälden aus öffentlichen und privaten Sammlungen, sowie einem unveröffentlichten Ensemble von Zeichnungen, Skizzen und Notizen konzentriert sich diese Ausstellung auf das erste Jahrzehnt der Karriere von Peter Halley. 31/03-15/10, Mudam (Luxembourg) mudam.com

Anti-Fashion

Depuis près de 50 ans, le thème de la mode est un fil rouge dans le travail de la superstar qu’est devenue Cindy Sherman. Voilà qui éclaire son œuvre photographique sous une nouvelle perspective !

Seit fast 50 Jahren ist das Thema der Mode ein roter Faden in der Arbeit des Superstars, der Cindy Sherman geworden ist. Ein neuer Blick auf ihr photographisches Werk!

21/04-10/09, Staatsgalerie (Stuttgart) staatsgalerie.de

Catherine Meurisse, dessin pour Zeichnung für Zadig, 2022 © Catherine Meurisse Peter Halley, Prison, 1989, Collection Sammlung CAPC Bordeaux © Steven Sloman

Art attitude

Avec plus de 200 galeries venues de quinze pays, art KARSLRUHE célèbre son 20e anniversaire de fort belle manière.

Mit mehr als 200 Galerien aus fünfzehn Ländern feiert die art KARLSRUHE ihr 20. Jubiläum auf die schönste Art und Weise. Par Von

Une page se tourne pour art KARSLRUHE, puisque cette vingtième édition est aussi la dernière dont le fondateur de l’événement, le galeriste Ewald Karl Schrade, est commissaire1. L’occasion était donc belle de laisser carte banche à ce passionné, qui a toujours eu pour credo : « Il est primordial de créer un dialogue entre les époques, que les œuvres s’éclairent les unes les autres. » Les visiteurs découvriront ainsi un best of de sa collection personnelle, montrant des plasticiens qu’il a contribué à mieux faire connaître, à l’image du peintre Christopher Lehmpfuhl – avec ses couches épaisses formant d’envoûtants paysages – ou Willi Siber et ses constellations colorées en trois dimensions. On aime aussi les incroyables découpages et collages en relief de grand format signés Marion Eichmann2, qui a notamment réalisé un impressionnant travail sur le Reichstag.

Large panorama de la production artistique des 120 dernières années, la manifestation est devenue un rendez-vous majeur dans le sillon rhénan, où l’on croise des classiques – de Picasso à Rauschenberg, en passant par Miró –, mais aussi des maîtres de l’art d’aujourd’hui, parmi lesquels Georg Baselitz, Gerhard Richter ou Ambra Durante, dont les dessins ont été couronnés par le Prix art KARLSRUHE en 2022. En termes de styles (mais aussi de tarifs), l’éventail est large et séduisant dans une foire où alternent stands et larges espaces dédiés à la sculpture monumentale. Pas moins de 26 cette année, dont The Cage de Fahar Al-Salih (présenté par la galerie Yvonne

Hohner) : quelque 600 cages à oiseaux construites en feuilles de palmier interrogent tout autant la liberté et l’oppression que la migration et les traditions en Irak. Parmi les exposants, mentionnons la berlinoise Karl Oskar Gallery – qui dédie un solo show à la sculptrice Ulrike Buhl, dont les formes organiques sont animées d’une mystérieuse force intérieure – ou Radial (Strasbourg), montrant notamment les saisissantes gammes chromatiques de Frank Fischer, qui questionne l’histoire de l’art en toute finesse, sans oublier la Galleria Stefano Forni (Bologne), avec les toiles aériennes et mélancoliques d’Edite Grinberga. On craque également pour la Galerie Burster (Berlin), présentant les œuvres du natif d’Heidelberg, désormais installé à Karlsruhe, Alex Feuerstein, compositions aux formes familières, s’ordonnançant pour générer des créatures oniriques, comme une baigneuse, dont la contemplation prolongée n’épuise pas la fascination qu’elle génère.

Ein Kapitel schließt sich für die art KARLSRUHE, denn diese zwanzigste Auflage ist auch die Letzte, die vom Gründer der Veranstaltung, dem Galeristen Ewald Karl Schrade kuratiert wird.1 Die Gelegenheit bot sich also diesem Kunstnarr freie Hand zu lassen, dessen Kredo immer war:

„Es ist primordial einen Dialog zwischen den Epochen herzustellen, so dass sich die Werke untereinander beleuchten.“ So werden die Besucher ein Best of seiner persönlichen Sammlung entdecken, das Künstler zeigt, zu deren Renommée er beigetragen hat, wie den Maler Christopher Lehmpfuhl – mit

Hervé Lévy

Ewald Karl Schrade © Henning Schacht Overhead Gallery (Münster), art KA 2022 © Messe Karlsruhe / Lars Behrendt

seinen dicken Farbschichten, die zauberhafte Landschaften bilden – oder Willi Siber und seine bunten dreidimensionalen Konstellationen. Wir lieben die unglaublichen Schnitte und reliefartigen großformatigen Collagen von Marion Eichmann2, die unter anderem eine beeindruckende Arbeit zum Reichstag realisiert hat.

Als breites Panorama der künstlerischen Produktion der vergangenen 120 Jahre ist die Veranstaltung zu einem der wichtigen Termine in der Rheinebene geworden, bei dem man auf die Klassiker – von Picasso bis Rauschenberg, über Miró – trifft, aber auch zeitgenössische Meister der Kunst, darunter Georg Baselitz, Gerhard Richter oder Ambra Durante, deren Zeichnungen im Jahr 2022 vom Preis der art KARLSRUHE ausgezeichnet wurden. Was die Stile (aber auch die Preise) betrifft, ist die Bandbreite groß und verführerisch, bei einer Messe, auf der sich Stände und große Freiräume für monumentale Skulpturen abwechseln. Nicht weniger als 26 in diesem Jahr, darunter The Cage von Fahar Al-Salih (vertreten durch die Galerie Yvonne Hohner): Rund 600 Vogelkäfige, die aus Palmblättern gebaut wurden, analysieren ebenso die Freiheit und die Unterdrückung, wie die Migration und die Traditionen im Irak. Unter den Ausstellern ist die Karl Oskar Gallery aus Berlin zu erwähnen – die der Bildhauerin Ulrike Buhl eine Solo-Show widmet, deren organische Formen von einer mysteriösen inneren Kraft animiert werden – oder Radial (Straßburg), die insbesondere die ergreifenden chromatischen Paletten von Frank Fischer zeigt, der die Kunstgeschichte mit viel Finesse in Frage stellt, ohne die Galleria Stefani Forni (Bologna) zu vergessen, mit ihren luftigen und melancholischen

Gemälden von Edite Grinberga. Wir haben ebenfalls eine Schwäche für die Galerie Burster (Berlin), die die Werke des gebürtigen Heidelbergers Alex Feuerstein präsentiert, der heute in Karlsruhe wohnt, mit Kompositionen aus geläufigen Formen, die so angeordnet sind, dass sie Traumwesen schaffen, wie eine Badende deren lange Betrachtung nicht die Faszination erschöpfen lässt, die sie ausübt.

Au Parc des expositions (Karlsruhe) du 4 au 7 mai

In der Messe (Karlsruhe) vom 4. bis 7. Mai art-karlsruhe.de

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1 Lui succèdera un duo formé par l’historienne de l’art Olga Blaß et Kristian Jarmuschek. À la tête d’une importante galerie berlinoise, ce dernier préside, depuis 2013, la Fédération allemande des galeristes et marchands d’art.

2 La Städtische Galerie d’Offenburg accueillera prochainement une exposition monographique dédiée à l’artiste (29/04-08/10) – galerie-offenburg.de

1 Seine Nachfolger sind das Duo aus der Kunsthistorikerin Olga Blaß und Kristian Jarmuschek. Der Inhaber einer wichtigen Berliner Galerie ist seit 2013 Vorstand des Bundesverbandes Deutscher Galerien und Kunsthändler.

2 Die Städtische Galerie Offenburg empfängt in Kürze eine monographische Ausstellung der Künstlerin (29.04.-08.10.) – galerie-offenburg.de

Stefan Rohrer, Arancio, 2011 Galerie Scheffel, art KA 2022 © Messe Karlsruhe / Jürgen Rösner

Jeux de cartes

Les colmariennes Éditions Bucciali fêtent leur 40e anniversaire avec notamment la parution d’un somptueux Tarot de Marseille

Kartenspiele

Die Éditions Bucciali aus Colmar feiern ihren 40. Geburtstag, insbesondere mit dem Erscheinen eines prächtigen Tarot de Marseille

Par Von Hervé Lévy

Raymond Waydelich, Tomi Ungerer, Gérard Titus-Carmel, Godwin Hoffmann, etc. Tous ont collaboré avec Rémy Bucciali qui fonda son atelier / galerie en 1983. Conception au cours de résidences, impression, édition et diffusion : la démarche totalement intégrée d’une institution labellisée “Entreprise du patrimoine vivant” est singulière. On ne compte plus les eaux-fortes, aquatintes et autres pointes sèches sorties de ses presses. « L’estampe est le fruit du geste de l’artiste appliqué à même le cuivre, préservé tel quel  », résume Rémy, rejoint par sa fille Alma dans l’aventure. Artiste, elle vient de réaliser vingt-deux fascinantes aquatintes en couleurs tirées à trente exemplaires (proposées en coffret ou à l’unité) reprenant les arcanes majeurs du Tarot de Marseille en les mettant au goût du jour : l’ermite est un SDF, la papesse évoque une influenceuse consultant ses mails sur un ordinateur, le chariot est celui d’une Gay Pride… Voilà manière très élégante de mettre les techniques anciennes au service de la modernité, étant bien entendu que la mort demeure indicible et hors du temps.

Raymond Waydelich, Tomi Ungerer, Gérard Titus-Carmel, Godwin Hoffmann, etc. Alle haben mit Rémi Bucciali zusammengearbeitet, der sein Atelier / Galerie 1983 gründete. Entwürfe im Rahmen von Residenzen, Druck, Verlagsarbeit und Vertrieb: Die gänzlich integrierte Vorge-

hensweise einer Institution mit dem Label „Unternehmen des lebendigen Kulturerbes“ ist außergewöhnlich. Unzählige Radierungen, Aquatinta und Kaltnadelradierungen sind aus seiner Presse herausgekommen. „ Die Druckgraphik ist das Ergebnis der Geste des Künstlers, die direkt auf dem Kupfer appliziert und so bewahrt wird“, fasst Rémy zusammen, dessen Tochter Alma ihn nun in diesem Abenteuer begleitet. Sie ist Künstlerin und hat gerade zweiundzwanzig faszinierende Aquatinta in Farbe realisiert, von denen es 30 Abzüge gibt (als Gesamtedition oder einzeln), die die großen Geheimnisse des Tarot de Marseille aufnehmen und sie aktualisieren: Der Eremit ist ein Obdachloser, die Päpstin erinnert an eine Influencerin, die auf ihrem Computer ihre Emails liest, der Wagen ist jener einer Gay Pride… Eine sehr elegante Art und Weise, alte Techniken in den Dienst der Moderne zu stellen, während der Tod natürlich unaussprechlich und zeitlos bleibt.

Présentation du Tarot de Marseille d’Alma Bucciali à L’Estampe (Strasbourg) vendredi 31 mars et samedi 1er avril. La série sera aussi visible à la galerie située 31 rue des Jardins à Colmar Präsentation des Tarot de Marseille von Alma Bucciali in L’Estampe (Straßburg) am Freitag den 31. März und Samstag den 1. April. Die Serie wird anschließend auch in der Galerie zu sehen sein (31 rue des Jardins, Colmar) editions-bucciali.com – estampe.fr

sélection galeries

Modulab

Six artistes se partagent la galerie messine avec Dessine-moi un dessin (jusqu’au 15/04). Parmi eux, le Nancéien Benoît de Mijolla, adepte du dessin sur images imprimées.

Sechs Künstler stellen in der Galerie in Metz (bis 15.04.) mit Zeichne mir eine Zeichnung aus, darunter Benoît de Mijolla, der ein Anhänger der Zeichnung auf gedruckten Bilder ist. modulab.fr

Life & Death

Dans la galerie strasbourgeoise Ritsch-Fisch, Hervé Bohnert poursuit sa quête de lien entre la mort et la vie. Memento Vivere (jusqu’au 14/04) réunit statues, photos et autres objets à l’aspect déconcertant, telles que l’aquarelle d’une nonne aux mains ensanglantées et la sculpture sur bois représentant des amants trépassés aux corps décharnés.

In der Straßburger Galerie Ritsch-Fisch setzt Hervé Bohnert seine Suche nach der Verbindung zwischen Tod und Leben fort. Memento Vivere (bis 14.04.) vereint Statuen, Photographien und Objekte mit erstaunlichen Aspekten, wie das Aquarell einer Nonne mit blutigen Händen und die Holzskulptur, die zwei verstorbene Liebende mit abgemagerten Körpern darstellt. ritschfisch.com

Underwater

Fascinée par les méduses et le monde sous-marin, Lisa Amble présente des aquarelles colorées à la galerie bâloise Eulenspiegel (jusqu’au 22/04). Dans Quallen vor allem, nuances vermeilles et chatoiements bleutés se succèdent. Von Quallen und der Unterwasserwelt fasziniert, präsentiert Lisa Amble in der Basler Galerie Eulenspiegel bunte Aquarelle (bis 22.04.) unter dem Titel Quallen vor allem, in denen Rot-Nuancen und bläuliches Schillern aufeinanderfolgen.

galerieeulenspiegel.ch

Fragile

À Karlsruhe, la galerie Alfred Knecht rend hommage à Franz Bernhard avec Voré (15/04-13/05). Jouant avec le bois, le fer et l’acier, il dresse des sculptures et dessins où l’homme apparaît comme un être fragile.

In Karlsruhe würdigt die Galerie Alfred Knecht den Bildhauer Franz Bernhard mit Voré (15.04.-13.05.). Indem er mit Holz, Eisen und Stahl spielt, produziert er Skulpturen und Zeichnungen, in denen der Mensch ein zerbrechliches Wesen zu sein scheint.

galerie-knecht-und-burster.de

Galerie 2023

Lons-le-Saunier accueille les sculptures anthropomorphes de Michel Boetsch et les portraits de Jérôme Bouscarat et Jean-Michel Zazzi (jusqu’au 27/04).

Lons-le-Saunier empfängt die menschenähnlichen Skulpturen von Michel Boetsch und die Portraits von Jérôme Bouscarat und Jean-Michel Zazzi (bis 27.04.).

galerie2023.fr

Bitche & Art

Les peintures à l’huile de Peggy Nullans s’exposent à la galerie de Bitche (jusqu’au 29/04). Plongez dans des jeux d’ombres et de lumière.

Die Ölgemälde von Peggy Nullans werden in der Galerie Bitche & Art de Bitche (bis 29.04.) ausgestellt. Ein Eintauchen in ein Spiel aus Licht und Schatten.

ville-bitche.fr

Galerie Estades

L’institution de Baden-Baden dévoile les sculptures de Damien Colcombet (jusqu’au 20/05). Parmi elles : baleine à bosse, chevreuils et girafe en bronze.

Die Galerie Estades in Baden-Baden zeigt die Skulpturen von Damien Colcombet (bis 20.05.), darunter ein Buckelwal, Rehe und eine Giraffe aus Bronze.

estades.com

© Lisa Amble

© JP Ritsch-Fisch

© Julia Percheron

Mise au vert

Table bistronomico-locale, chambres charmantes et spa flambant neuf : en plein cœur de l’Alsace, l’hôtel-restaurant Mont Champ du Feu séduit.

Ab ins Grüne

Eine regionale Bistroküche, charmante Zimmer und ein nagelneuer Spa: Im Herzen des Elsasses verführt das Hotel-Restaurant Mont Champ du Feu.

Point culminant du Bas-Rhin, le Champ du Feu est un espace naturel féérique. Voilà un établissement idoine pour profiter de ses attraits, en toute saison : ski, randonnée au cœur de paysages sauvages ou, tout simplement, contemplation de la voûte céleste. Rustique et chic, montagnard et moderne, l’hôtel ★★★★ aux chambres habillées de bois clair et de tissu blanc s’est récemment vu doter d’un espace spa. Au menu : sauna, douche sensorielle, fontaine à glace, espace soins ou encore ample piscine intérieure… Avouons qu’il y a de quoi s’offrir une parenthèse enchantée permettant de reprendre son souffle, en plein cœur des Vosges, à moins d’une heure de Strasbourg ou Colmar. Ouverte à tous, la Table du Champé – où œuvrent, à quatre mains, Marc Koeniguer et Thierry Bouillon – propose une expérience culinaire dans laquelle les fondamentaux de la tradition régionale se métissent de contemporanéité. On adore le délice sylvestre qu’est une noisette de chevreuil habillée de choux verts, s’amusant d’un jus réduit et agrémentée de pommes Darphin – exquises galettes – et d’une poêlée de champignons du moment.

Als höchster Gipfel des Elsasses ist das Champ du Feu ein märchenhafter Naturraum. Ein geeignetes Etablissement, um in jeder Saison von seinen Vorzügen zu profitieren: Ski, Wanderungen durch wilde Landschaften oder, ganz einfach, Beobachtung des Himmelszeltes. Rustikal und schick, bergtypisch und modern hat das Viersternehotel mit Zimmern, die von hellem Holz und weißen Stoffen ausgekleidet sind, vor Kurzem einen Spa-Bereich bekommen.

Auf dem Menü: Sauna, Sinnesdusche, Eisbrunnen, Behandlungsraum oder auch ein großes Hallenschwimmbad… Alles was man braucht für eine zauberhafte Pause, die es erlaubt, inmitten der Vogesen, weniger als eine Stunde von Straßburg oder Colmar entfernt, durchzuatmen. Die für alle geöffnete Table du Champé – in der vierhändig Marc Koeniguer und Thierry Bouillon wirken – bietet eine kulinarische Erfahrung in der sich die Grundlagen der regionalen Tradition mit zeitgenössischen Elementen mischen. Wir lieben den waldigen Genuss, den eine Rehnuss in Grünkohl darstellt, die sich mit einer Jus-Reduktion, einem Kartoffelpuffer und einer Pfanne Champignons der Saison amüsiert.

L’hôtel-restaurant Mont Champ du Feu est situé 154 route de la Serva (Belmont). La Table du Champé est ouverte tous les soirs et le dimanche midi. Menu à 44 €.

Das Hotel-Restaurant Mont Champ du Feu liegt in der 154 route de la Serva (Belmont). La Table du Champé ist jeden Abend und sonntagmittags geöffnet. Menü zu 44 €. montchampdufeu.com

> Un buffet gourmand et savoureux avec animation musicale est proposé chaque vendredi soir.

> Jeden Freitagabend wird ein köstliches Gourmet-Buffet mit musikalischer Untermalung angeboten.

> Un menu en quatre plats est créé spécialement pour Pâques, tandis qu’une chasse aux œufs est organisée dimanche 9 avril.

> Zu Ostern wird ein Viergänge-Menü angeboten, während am Sonntag den 9. April eine Ostereiersuche organisiert wird.

Par Von Pierre Reichert – Photo de von Mont Champ du Feu

Love letters

C’est l’événement gastronomique dans la capitale européenne : Chère Amie, brasserie de l’Hôtel des Postes, ouvre ses portes. Es ist das gastronomische Ereignis der europäischen Hauptstadt: Chère Amie, die Brasserie des Hôtel des Postes, öffnet seine Pforten.

Par Von Pierre Reichert – Photo de von Studio Preview

Entièrement requalifié, l’Hôtel des Postes, fleuron néo-gothique de la Neustadt érigé à la toute fin du XIXe siècle, abrite une brasserie spectaculaire (la salle principale s’étend sur 300 m2 et sous 5 mètres de plafond), où abondent les clins d’œil à l’ancienne fonction du lieu. Réalisé par le designer Pascal Claude Drach, le décor de Chère Amie – comme le charmant début d’une lettre d’amour – convoque l’univers épistolaire et galant, mixant tradition au charme suranné et codes contemporains avec un bar elliptique de 12 mètres de

long, coiffé d’une structure monumentale où sont accrochés 400 coupons textiles, comme autant de pages blanches… D’une cuisine ouverte où officie Alexandre Haudenschild (les aficionados de La Hache ont pu découvrir la maestria d’un chef également passé par le Buerehiesel) sortent des plats brasserie mis au goût du jour. Un joli pâté en croûte pistaché précède une choucroute qui pourrait bien devenir un musteat ou une fine fricassée de volaille aux morilles, avec sa purée de pomme de terre, il va sans dire. Les débats s’achèvent avec un dessert signature, L’Enveloppe, célébrant les noces du chocolat et des épices. On ne vous en raconte pas plus, vous nous en direz des nouvelles… par lettre !

Das in seiner Gesamtheit umfunktionierte Hôtel des Postes, neugotisches Schmuckstück der Neustadt vom Ende des 19. Jahrhunderts, beherbergt eine spektakuläre Brasserie (der Hauptsaal erstreckt sich auf 300 m2 mit 5 Meter hohen Decken), die voller Anspielungen auf die ehemalige Funktion des Ortes ist. Vom Designer Pascal Claude Drach realisiert, ist die Dekoration der Chère Amie – wie der charmante Beginn eines Liebesbriefes – eine Erinnerung an ein galantes Universum der Briefe, eine Mischung aus veraltetem Charme und zeitgenössischen Codes mit einer elliptischen Bar von 12 Metern Länge, die gekrönt wird von einer monumentalen Struktur an der 400 Textil-Kupons hängen, wie ebenso viele unbeschriebene Seiten… Aus einer offenen Küche, in der Alexandre Haudenschild wirkt (die Stammgäste von La Hache konnten das Können eines Küchenchefs kennenlernen, der auch im Buerehiesel gearbeitet hat), strömen modernisierte Brasserie-Gerichte. Eine schöne Pastete im Blätterteigmantel mit Pistazien geht einer Chouchroute (verschiedene Fleischsorten mit Sauerkraut) voraus, die zu einem must-eat werden könnte oder einem feinen GeflügelFrikassee mit Morcheln, natürlich mit seinem Kartoffelpüree. Der Genuss endet mit einem Dessert des Hauses, L’Enveloppe (Briefumschlag), der die Verbindung von Schokolade und Gewürzen feiert. Wir erzählen nicht mehr, teilen Sie uns ihre Eindrücke mit… per Brief natürlich!

Chère Amie est situé dans l’ancien Hôtel des Postes, 5 avenue de la Marseillaise (Strasbourg). Ouvert tous les jours. Menu déjeuner de 15 à 28 €

Chère Amie liegt im ehemaligen Hôtel des Postes, 5 avenue de la Marseillaise (Straßburg). Täglich geöffnet. Mittagsmenu von 15 bis 28€ chere-amie.fr

Stars

L’Alsace a vibré au rythme du Guide Michelin un week-end durant, il y a quelques semaines. Retour sur une cérémonie réussie. Das Elsass stand vor einigen Wochen ein Wochenende lang im Zeichen des Guide Michelin. Rückblick auf eine gelungene Zeremonie.

Ils sont venus, ils sont tous là. La salle Érasme du PMC de Strasbourg rassemble le gotha de la gastronomie française et européenne en ce 6 mars. Tous attendent les nouvelles Étoiles du Guide Michelin France qu’on vous décrit dans les pages suivantes pour nos régions (ainsi que celle obtenue par un restaurant luxembourgeois, le palmarès Benelux ayant été dévoilé le 13 mars à Mons). Donnant une belle visibilité à un espace où restauration et hôtellerie représentent 57 000 emplois et 8 % du PIB, cette opération est « un investissement pour l’Alsace  », résume Frédéric Bierry, président de la Collectivité européenne d’Alsace (et grand ordonnateur de l’affaire). Et de rappeler que « l’organisation décentralisée de l’événement Michelin à Cognac a généré une hausse de 7% de la fréquentation touristique et hôtelière sur le territoire l’année suivante », mais aussi que « la CeA, en tant que territoire hôte, a décidé d’étaler cet événement sur une année, (jusqu’en

2023) dans le cadre d’Alsace, capitale de la gastronomie européenne. »

Sie sind gekommen, sie sind alle da. Die Salle Érasme des PMC de Strasbourg versammelte am 6. März alles, was in der französischen und europäischen Gastronomie Rang und Namen hat. Alle erwarten die neuen Sterne im Guide Michelin für Frankreich, die wir ihnen auf den folgenden Seiten für unsere Regionen beschreiben (sowie jene, die ein Restaurant in Luxembourg erhalten hat, die Ausgabe für die Benelux-Länder wurde am 13. März in Mons präsentiert). Diese Operation, die der Region, in der Gastronomie und Hotelgewebe 57 000 Arbeitsplätze und 8% des BIP darstellen, eine schöne Sichtbarkeit verliehen hat, ist „eine Investition für das Elsass“, wie es Frédéric Bierry, der Präsident der Europäischen Gebietskörperschaft Elsass (und großer Drahtzieher der Veranstaltung) zusammenfasst. Und er erinnert daran, dass

„ die dezentralisierte Organisation der Michelin-Veranstaltung in Cognac zu zusätzlichen 7% beim Tourismus und den Hotelbuchungen im Folgejahr geführt [hat].“, aber auch, dass „die Europäische Gebietskörperschaft Elsass sich als Gastgeber dazu entschieden hat, dieses Ereignis über ein Jahr zu verteilen, (bis Juni 2023) im Rahmen von Elsass, Hauptstadt der europäischen Gastronomie.“

> Retrouvez un entretien avec Frédéric Bierry, président de la Collectivité européenne d’Alsace à propos de la gastronomie sur poly.fr > Lesen Sie ein Interview mit Frédéric Bierry, Präsident der Europäischen Gebietskörperschaft Elsass über die Gastronomie auf poly.fr/de

> Remise des Étoiles du Guide Michelin Allemagne au Konzerthaus (Karlsruhe) mardi 4 avril

> Verleihung der Sterne des Guide Michelin Deutschland im Konzerthaus (Karlsruhe) am Dienstag den 4. April guide.michelin.com

Par Von Hervé Lévy – Photo de von Alexandre Schlub / CeA

Local

Depuis 2021, le couple formé par Jeanne Satori et David Degoursy œuvre chez de:ja (Strasbourg) pour un vibrant hommage aux artisans avec lesquels ils travaillent. Locavore, maîtrisée et joliment inventive, leur gastronomie se décline en menus aux intitulés évocateurs : Fenaison, Moisson et Vendange

Seit 2021 huldigt das Paar aus Jeanne Satori und David Degoursy bei de:ja (Straßburg) den Handwerksmeistern, mit denen sie arbeiten. Regional, kontrolliert und voller Einfallsreichtum dekliniert sich ihre Gastronomie in Menüs mit Titeln wie Heuernte, Ernte und Weinlese. deja-restaurant.com

Classe

Après avoir officié au Secrets des Grands Express (Geispolsheim), Thomas Koebel a posé ses valises au Relais de la Poste (La Wantzenau) en juillet 2019. Son plat signature ?

Un croustillant de pigeon au foie gras, où s’entrecroisent audace et maîtrise de la tradition, qui fait figure d’étendard pour un chef qu’on apprécie tout particulièrement.

Nachdem er im Secrets des Grands Express (Geispolsheim) gearbeitet hatte, ließ sich Thomas Koebel im Juli 2019 im Relais de la Poste (La Wantzenau) nieder. Sein kulinarisches Markenzeichen? Eine knusprige Taube mit Foie Gras, bei der sich die Kühnheit und die Tradition mischen, die das Aushängeschild eines Küchenchefs sind, den wir besonders schätzen. relais-poste.com

Nature

Une cuisine locale et naturelle : tel est le credo d’Enfin (Barr) fondé par Carole Eckert. Au piano, on trouve le chef Lucas Engel : passé par l’Auberge du Frankenbourg, il propose une cuisine locale et naturelle, où le végétal se taille la part du lion, servie dans le cadre épuré d’une ancienne menuiserie rénovée avec un goût qu’on retrouve rarement ! Eine natürliche und regionale Küche: Das ist das Kredo von Enfin (Barr), das von Carole Eckert gegründet wurde. Am Herd findet man den Küchenchef Lucas Engel: Er, der auch in der Auberge du Frankenbourg arbeitete, bietet eine lokale und natürliche Küche an, bei der den Pflanzen der Löwenanteil zukommt, serviert in einem schlichten Rahmen einer ehemaligen Tischlerei, die mit einem selten guten Geschmack renoviert wurde!

enfin-barr.com

de:ja © Mike Weiss

Enfin

© Lucas Muller

© Relais de la Poste

©

Life is a Flower

À quelques encablures de Châlons-sur-Saône, Saint-Rémy abrite une des quatre nouvelles tables doublement étoilées au Guide Michelin. Au piano de L’Amaryllis, installé dans une ancienne minoterie, œuvre Cédric Burtin, véritable ambassadeur du terroir bourguignon. Sauces sublimes, plats gourmandissimes – à l’image de cannellonis où les cèpes dialoguent avec une poitrine de porc fermier –, carte des vins magnifiant la région et desserts d’une belle finesse font de cette adresse un incontournable.

Einen Steinwurf von Châlons-sur-Saône entfernt, beherbergt Saint-Rémy eines der vier neuen Restaurants im Guide Michelin, die mit vier Sternen ausgezeichnet sind. Am Herd von L’Amaryllis, das in einer ehemaligen Mühle installiert ist, arbeitet Cédric Burtin, ein echter Botschafter des Terroirs Burgund. Wunderbare Soßen, äußerste leckere Gerichte –wie die Cannelloni, bei denen die Steinpilze einen Dialog mit Schwein vom Bauernhof eingehen – eine Karte, die die Weine der Region ins Zentrum stellt und Desserts von schöner Finesse, machen diese Adresse zu einem Muss. lamaryllis.com

La Vie en Rose

Caroline Esch et Valérian Prade tiennent une des maisons les plus séduisantes du Grand-Duché. Dans un pavillon de verre et d’acier niché au cœur du parc de Kayl, se découvre Eden Rose. S’y déploie une cuisine toute de raffinement et de subtilité, bien souvent accompagnée de vins luxembourgeois.

Caroline Esch und Valérian Prade führen eines der verführerischsten Häuser des Großherzogtums. In einem Pavillon aus Glas und Stahl im Herzen des Parc de Kayl entdeckt man Eden Rose. Hier entfaltet sich eine Küche voller Raffinesse und Subtilität, die oft von luxemburgischen Weinen begleitet wird. edenrose.lu

Photos © Eden Rose

L’Amaryllis

Less is more

Sensation du Guide Michelin 2023, Sven Wassmer a rejoint le club très fermé des chefs helvètes triplement étoilés. À Bad Ragaz, au restaurant Memories, se déploie sa « nouvelle cuisine alpine suisse ».

Die Sensation des Guide Michelin 2023, Sven Wassmer gehört nun zum sehr kleinen Kreis der mit drei Sternen ausgezeichneten Schweizer Chefköche. In Bad Ragaz, im Restaurant Memories, entfaltet sich seine „neue Schweizer Alpenküche“.

Nous avions été époustouflés à l’ouverture de sa table en 2019 : quelques années plus tard, Sven Wassmer transforme l’essai au Grand Resort de Bad Ragaz, établissement qui rassemble… six Étoiles au Michelin. Trois pour Memories, son navire amiral, une pour Verve by Sven –  healthy & chic –et deux pour Igniv (nid douillet imaginé par Andreas Caminada 1 , où officie Joël Ellenberger). Posé en plein cœur du Heidiland, le palace à l’élégance intemporelle est célèbre pour ses eaux bienfaisantes, vantées par Paracelse en 1535. Dans un ample vaisseau de bois, qu’il a imaginé de A à Z, le chef – qui brilla auparavant au 7132 Silver de Vals – œuvre dans une cuisine complètement ouverte. Les convives assistent alors, fascinés, au ballet harmonieux des hommes de l’art, rythmé par quelques échanges saisis au vol, bien souvent en Schwyzerdütsch . «  C’est une nouvelle manière d’envisager l’hospitalité, au plus proche de notre travail. La transparence est de mise, nous n’avons rien à cacher », s’amuse le chef.

Chantre de la «  nouvelle cuisine alpine suisse  », proche de la nature, Sven Wassmer insiste sur l’importance «  de l’héritage culinaire de cet espace géographique. Il est impossible d’oublier notre histoire, nos racines et de passer à coté de l’esprit des lieux, qui s’incarne avec force dans plusieurs produits. » Et ses assiettes à la puissante identité sont d’une contemporanéité éblouissante, étant bien entendu «  qu’un pas vers l’avant est possible uniquement lorsqu’on regarde en arrière ». Et voilà en quelque sorte la célèbre phrase de Marc Bloch,

dans Apologie pour l’histoire, appliquée à la gastronomie : « L’ignorance du passé ne se borne pas à nuire à la connaissance du présent. Elle compromet, dans le présent, l’action même.» Une philosophie qui trouve son application pratique dans l’utilisation de techniques ancestrales : fermentation, mise en bocaux, séchage, etc. Autre credo du chef : un minimalisme assumé – «  Plus je cuisine longtemps, plus je supprime »,

sauce crémeuse et d’huile de sapin, « un arbre dont le goût change à chaque saison  ». En hiver, sa force ombrageuse va comme un gant à une création à l’harmonie épurée, évoquant, dans son esprit, certaines partitions d’Arvo Pärt, tandis qu’elle rappelle, sur le plan esthétique, l’action painting – quelque part entre Jackson Pollock et Sam Francis –par ses ondoiements satinés de roses et de marrons. Mais les mots sont d’imparfaits ambassadeurs pour décrire un goût incomparable. Il en va de même d’une composition joliment circulaire magnifiant le caviar suisse 2 aux réminiscences de noisette, délicatement installé sur un lit de champignons fermentés. Voilà alliance entrant en résonance avec une bouteille de pinot noir d’une infinie douceur du voisin Weingut Sprecher von Bernegg. Un soleil d’hiver rougeoyant à l’irradiante vigueur végétale, où la betterave rouge rencontre le cassis et le pin demeure également dans notre mémoire. Car c’est bien de cela qu’il s’agit dans un établissement dont le nom sonne comme un manifeste : «  Nous apportons nos souvenirs dans les plats. Ceux qui s’assoient à table ont les leurs. Nous en forgeons ensemble de nouveaux, le temps d’une soirée. » Et ils sont durables.

revendique-t-il –, histoire d’aller au plus profond du goût, à l’image d’un Mies van der Rohe adepte du Less is more Toute sa vision du monde semble se concentrer dans un invariant de la carte, un omble chevalier du Val Lumnezia cuit à la perfection, accompagné d’une

Als er 2019 sein Restaurant eröffnete, waren wir verblüfft: Wenige Jahre später hat Sven Wassmer im Grand Resort in Bad Ragaz Erfolg, einem Etablissement, das sechs Sterne im Guide Michelin vereint. Drei für Memories, sein Flaggschiff, einen für Verbe by Sven –  healthy & schick –und zwei für Igniv (ein gemütliches

Par Von Hervé Lévy – Photos de von Lukas Lienhard

Nest, das von Andreas Caminada1 entworfen wurde, in dem Joël Ellenberger kocht). Inmitten von Heidiland ist der Palace mit zeitloser Eleganz berühmt für seine wohltuenden Wasser, die schon 1535 von Paracelsus gerühmt wurden. In einem großen Holzschiff, das er von A bis Z erdacht hat, arbeitet der Chefkoch – der vorher im 7132 Silver in Vals im Einsatz war – in einer komplett offenen Küche. Die Gäste wohnen, fasziniert, dem harmonischen Ballett der Männer der Kunst bei, dessen Rhythmus von einigen im Vorbeigehen gerufenen Worten – oft in Schyzerdütsch – bestimmt wird. „ Es ist eine neue Art die Gastfreundschaft zu betrachten, so nah wie möglich an unserer Arbeit. Transparenz ist angesagt, wir haben nichts zu verstecken“, amüsiert sich der Chefkoch.

Als Verfechter einer „neuen Schweizer Alpenküche “, die naturnah ist, betont Sven Wassmer die Bedeutung „ des kulinarischen Erbes dieses geographischen Raums. Es ist unmöglich unsere Geschichte zu vergessen, unsere Wurzeln und den Geist des Ortes nicht zu beachten, der stark von mehreren Produkten verkörpert wird.“ Und seine Teller mit einer sehr starken Identität sind bezaubernd zeitgenössisch, denn natürlich „ist ein Schritt nach vorne nur möglich, wenn man auch zurückblickt“. Und so kann der berühmte Satz von Marc Bloch in Apologie der Geschichtswissenschaft auf die Gastronomie angewandt werden: „Die Unkenntnis der

Vergangenheit schadet nicht nur der Kenntnis der Gegenwart; sie gefährdet in der Gegenwart die Aktion selbst.“ Eine Philosophie, die ihre Anwendung in der Verwendung altüberlieferter Techniken findet: Gärung, Einwecken, Trocknen, etc… Ein weiteres Kredo des Chefkochs: Ein Minimalismus, zu dem er steht – „Je länger ich koche, umso mehr lasse ich weg“, behauptet er – um in den tiefsten Kern des Geschmacks einzutauchen, wie ein Mies van der Rohe, der ein Anhänger des Less is more war. Sein gesamtes Weltbild scheint sich in einer unveränderlichen Größe seiner Karte zu konzentrieren, ein Saibling aus dem Val Lumnezia, der perfekt gegart ist und von einer cremigen Soße und Tannenöl begleitet wird, „ ein Baum dessen Geschmack sich mit jeder Jahreszeit verändert“. Im Winter passt seine scheue Kraft wie die Faust aufs Auge zu einer Kreation mit schlichter Harmonie, die in seinem Geiste an einige Partitionen von Arvo Pärt erinnert, während sie aus ästhetischer Sicht dem Action painting gleicht – irgendwo zwischen Jackson Pollock und Sam Francis – mit ihren sanften Wogen in Rosa und Braun. Aber Worte sind unperfekte Vertreter, um einen unvergleichlichen Geschmack zu beschreiben. Genauso steht es mit einer wunderbar runden Komposition, die den Schweizer Kaviar2 verherrlicht, mit leichten Haselnussnoten, der auf ein Lager aus gegärten Champignons gebettet wurde. Eine Verbindung, die in einen Dialog mit einer Flasche Pinot Noir vom

benachbarten Weingut Sprecher von Bernegg tritt. Eine rötliche Wintersonne mit strahlender Pflanzenkraft, in der die Rote Beete auf Schwarze Johannisbeere und Arve trifft, wird uns ebenfalls im Gedächtnis bleiben. Denn das ist es, worum es in einem Haus geht, dessen Name wie ein Manifest klingt: „Wir bringen unsere Erinnerungen in die Gerichte ein. Diejenigen, die sich an den Tisch setzen haben die ihrigen. Gemeinsam schmieden wir neue, einen Abend lang.“ Und die sind nachhaltig.

Le restaurant Memories est situé dans le Grand Resort de Bad Ragaz. Ouvert du mercredi au samedi, le soir uniquement. Menus de 279 à 379 CHF

Das Restaurant Memories liegt im Grand Resort von Bad Ragaz. Geöffnet mittwochs bis samstags, ausschließlich abends. Menüs von 279 bis 379 CHF memories.ch – svenwassmer.com

> Dans le même établissement se trouve Verve by Sven. Ouvert tous les jours. Menu à 139 CHF

> Im gleichen Haus findet man Verve by Sven. Täglich geöffnet. Menü zu 139 CHF resortragaz.ch

1 Iconique chef suisse officiant au Schloss Schauenstein – andreascaminada.com

2 Il provient d’esturgeons élevés dans de l’eau de source de montagne par la maison Oona oona-caviar.ch

1 Ikonischer Schweizer Chefkoch, der im Schloss Schauenstein arbeitet – andreascaminada.com

2 Er stammt von Stören, die im Quellwasser des Berges vom Hause Oona aufgezogen werden oona-caviar.ch

In the Realm of the Senses

Avec Ox & Klee, Daniel Gottschlich explore les six saveurs fondamentales. Visite à Cologne pour découvrir une gastronomie d’avant-garde distinguée par deux Étoiles au Guide Michelin

Mit Ox & Klee erkundet Daniel Gottschlich die sechs grundlegenden Geschmacksrichtungen.

Besuch in Köln, um eine Avant-GardeGastronomie zu entdecken, die mit zwei Sternen im Guide Michelin ausgezeichnet wurde.

Par Von Hervé Lévy

Blotti dans l’une des trois gigantesques Kranhäuser (littéralement “maisons-grues”) érigées au début du XXIe siècle sur les rives du Rhin – et rapidement devenues des symboles de Cologne – le restaurant est un havre de paix et de douceur au modernisme élégant. Au loin, le fleuve miroite dans l’obscurité. Installé ici depuis 2016, Ox & Klee tient son nom de «  deux symboles très forts, le bœuf et le trèfle (Ochs et Klee, en allemand). En espagnol, un proverbe affirme : “Si le bœuf mange du trèfle, tout le troupeau sera rassasié”. Oxalis est en outre le nom latin du trèfle, d’où l’orthographe. Chez nous, le premier désigne le menu avec des produits animaux, le second, le menu végétarien », résume Daniel Gottschlich, qui pratique une cuisine d’avant-garde aux multiples séductions. Son fil rouge ? Une exploration des six saveurs fondamentales. Si quatre sont bien connues – sucré, salé, acide, amer –, la cinquième se nomme umami (“savoureux”) : liée au glutamate, elle évoque un goût soyeux et a été mise en lumière par Kikunae Ikeda en 1908. Au mitan des années 2010, des travaux publiés dans la revue Chemical Senses en ont dégagé une sixième, que les scientifiques ont baptisé oleogustus, montrant que le palais humain peut distinguer le gras des autres goûts.

Le génie du chef quadragénaire est d’avoir imaginé un menu inventif et puissamment cohérent – qui se révèle souvent ludique avec des jeux convoquant les sens et l’esprit –, où se déploie l’intensité des possibles gustatifs de ces six saveurs, et de leurs combinaisons, représentées par autant de pictogrammes. Il débute avec six bouchées ciselées (y éclate notamment l’alliance de la betterave rouge et du quinoa) : aux

convives de découvrir à quel goût chacune est associée. De clins d’œil rhénans (un Halve Hahn1 3.0 d’une extrême finesse, accompagné de l’indispensable Kölsch2, ou un bretzel revisité servi dans son écrin) en “cuisine monde”, l’expérience est éblouissante. Dans cette œuvre d’art totale en dix ou quinze actes, on craque pour l’alliance du sandre et des salsifis, composition toute en émulsions délicates, piquetée de pétales et d’herbes conférant à l’ensemble l’aspect d’une toile abstraite d’un lyrisme brutaliste. Il est accompagné d’un iconique Jurançon du domaine Didier Dagueneau, Les Jardins de Babylone Une merveille, comme tous les vins sélectionnés, pour une harmonie explorant l’histoire de la viticulture, où les flacons géorgiens dansent avec d’extatiques quilles bulgares. Partout transparait le feu qui anime Daniel Gottschlich, également batteur passionné, qui créa notamment Hors d’œuvre de Vito Žuraj, livrant de nouveaux éclairages sur son métier.

In eines der riesigen Kranhäuser, die zu Beginn des 21. Jahrhunderts am Rheinufer errichtet wurden – und schnell zu einem Symbol für Köln wurden – schmiegt sich das Restaurant hinein, das eine Oase des Friedens und der Ruhe mit eleganter Modernität ist. In der Ferne schillert der Fluss in der Dunkelheit. Das seit 2016 installierte Ox & Klee verdankt seinen Namen „zwei sehr starken Symbolen, dem Ochsen und dem Klee“. Ein spanisches Sprichwort behauptet „Wenn der Ochse Klee frisst, wird die ganze Herde satt“. Oxalis ist außerdem der lateinische Name für Klee, daher die Schreibweise. Der Name „Ox“ steht bei uns außerdem für das Menü mit tierischen Produkten, der „Klee“ für das vegetarische Menü“, fasst Daniel Gottschlich zusammen, der eine avantgardistische Küche mit vielerlei Ver-

führungen praktiziert. Sein roter Faden? Eine Erkundung der sechs grundlegenden Geschmacksrichtungen. Während vier von ihnen wohlbekannt sind – süß, salzig, sauer, bitter – heißt die fünfte umami („wohlschmeckend“): Sie steht mit Glutamat in Verbindung, erinnert an einen seidigen Geschmack, der 1908 von Kikunae Ikeda ans Licht gebracht wurde. Mitte der 2010er Jahre haben Forschungen, die in der Revue Chemical Senses veröffentlicht wurden, einen sechsten zur Geltung gebracht, den die Wissenschaftler oleogustus getauft haben, was zeigt, dass der menschliche Gaumen das Fett von den anderen Geschmacksnoten unterscheiden kann.

Das Genie des vierzigjährigen Küchenchefs drückt sich in der Erfindung eines einfallsreichen unheimlich kohärenten Menüs aus – das sich oft als ein Spiel für Geist und alle Sinne herausstellt – in dem sich die Intensität der Möglichkeiten dieser sechs Geschmacksnoten und ihre Kombinationen entfaltet, die von ebenso vielen Piktogrammen repräsentiert werden. Es beginnt mit sechs ausgefeilten Häppchen (in der sich insbesondere die Verbindung von Roter Beete und Quinoa auslebt): Es ist den Gästen überlassen, zu entdecken, zu welcher Geschmacksnote jedes gehört. Von rheinischen Anspielungen (ein Halver Hahn1 3.0 von extremer Finesse, in Begleitung eines unvermeidlichen Kölsch 2, oder einer neu interpretierten Bretzel in ihrem Schmuckkästchen) bis zur modernen Küche ist die Erfahrung bezaubernd. In diesem totalen Kunstwerk in zehn oder fünfzehn Akten, werden wir schwach für die Verbindung des Zanders mit der Schwarzwurzel, eine Komposition in Form einer eleganten Emulsion, übersät mit Blütenblättern und Kräutern, die dem Ensemble den Aspekt

eines abstrakten Gemäldes mit brutalistischer Stimmung verleihen. Es wird begleitet von einem ikonischen Jurançon vom Weingut Didier Daguenau, Les Jardins de Babylone. Ein Meisterwerk, wie alle ausgewählten Weine, für eine Harmonie, die die Geschichte des Weinanbaus erkundet, in der georgische Flaschen mit überschwänglichen Weinen aus Bulgarien tanzen. Überall spürt man das Feuer, das Daniel Gottschlich beseelt, der ebenfalls ein leidenschaftlicher Schlagzeuger ist, der insbesondere Hors d’œuvre von Vito Žuraj aufführt, womit er ein neues Licht auf seinen Beruf wirft.

Ox & Klee est situé Im Zollhafen 18 (Cologne). Ouvert du mercredi au samedi, le soir uniquement. Menus de 185 à 260 €

Ox & Klee liegt Im Zollhafen 18 (Köln). Geöffnet mittwochs bis samstags, ausschließlich abends. Menü von 185 bis 260€ oxundklee.de – danielgottschlich.de

> Retrouvez l’entretien complet avec Daniel Gottschlich sur poly.fr > Lesen Sie das komplette Interview mit Daniel Gottlich auf poly.fr/de

1 Préparation typique de Cologne : un demi petit pain de seigle est agrémenté de gouda, de concombre et de moutarde, puis saupoudré de paprika.

2 Bière de fermentation haute, brassée dans les environs de la cité, au goût légèrement fruité et à la faible amertume, traditionnellement servie dans un verre cylindrique haut et étroit (le Kölner Stange) d’une contenance de 20 centilitres.

1 Typische Speise aus Köln: Ein halbes Roggenbrötchen mit Gouda, Gurke und Senf, mit Paprika bestreut

2 Ein obergäriges Vollbier, das in Köln oder Umgebung gebraut wurde, mit einem leicht fruchtigen Geschmack und geringer Bitternote, traditionell wird es in hohen, schlanken zylindrischen Gläsern (Kölner Stange) mit einem Fassungsvermögen von 0,2 Litern serviert

Baba au Bubu

Distinguée par une Étoile au Michelin depuis 2008, la cuisine d’Éric Westermann est toute de sincérité et d’évidence. Visite au Buerehiesel, adresse phare de Strasbourg.

Baff im Bubu

Seit 2008 von einem Stern im Guide Michelin ausgezeichnet, ist die Küche von Éric Westermann ehrlich und unverkennbar. Besuch im Buerehiesel, einer der Spitzenadressen in Straßburg. Par Von Hervé Lévy

Aux commandes du Buerehiesel depuis 2007 – « J’ai l’impression que c’était hier  », s’amuse-t-il –, Éric Westermann a transformé la maison que son père Antoine avait portée au firmament des trois Étoiles du Guide Michelin en un établissement où décontraction rime avec distinction. Véritable réussite, cette mue a conquis les Strasbourgeois – mais pas que… – qui se sont réappropriés un restaurant affectueusement surnommé “Le Bubu” par bien des convives, qui en ressortent le sourire aux lèvres. Si le maître des lieux désire évidemment magnifier le produit – «  qu’il soit noble ou tout à fait banal, il doit être au top » –, son credo se résume en une

phrase : « Au final, les seuls qui ont raison dans l’affaire, ce ne sont ni les guides, ni les journalistes, mais les clients. C’est pour eux qu’on travaille. » Si Éric a su se faire un prénom, l’ombre du père plane encore, parfois, sur la cuisine du fils : « Si je touche aux cuisses de grenouilles, je finis au pilori  », se marre-t-il, évoquant une recette immuable depuis des décennies. Il est vrai que la chair soyeuse des pattes de l’amphibien poêlées au cerfeuil et accompagnée de schniederspaetle – ravioles typiques de l’Alsace du Nord – farcies d’une étuvée d’oignons tutoie la perfection. Ce qui se joue entre le gras du duo beurre / crème et l’acidité d’un trait de Melfor est d’une mer-

veilleuse subtilité. On mange ça avec les doigts, sans façons.

Mais Éric Westermann ne demeure pas confit dans le passé, imaginant des plats d’une grande sincérité, à l’image d’un effiloché de tourteau au citron vert servi avec une fine gelée de crustacés aux agrumes irradiant comme un soleil d’un jaune translucide, presque irréel, tombé dans l’assiette. Quinoa et légumes croquants font revenir cette composition marine vers le rivage avec un intense bonheur. Exquisément terrienne est également une tartelette de courge de Nice légère comme un songe, à la charmante esthétique spiralaire, à laquelle

Éric Westermann, le sommelier, Maxime Petit, & le chef de cuisine,Fabrice Thouret

une marmelade de yuzu donne un sacré coup de fouet. Enfin, impossible d’oublier les noces royales de la puissance et de la délicatesse avec sa majesté le lièvre – issu de la chasse locale, il va sans dire –, qui se marie avec les réminiscences châtaignées d’une compression de patates douces. Que ce soit sous l’iconique verrière ou sur une des plus belles terrasses de la cité, les beaux jours venus, on quitte cette “maisonnette des paysans” joliment grisé. Et le vin n’y est pas pour l’essentiel…

Seit 2007 Chef des Buerehiesels

– „Ich habe den Eindruck, dass es gestern war “, lacht er – hat Éric Westermann das Haus, das sein Vater in den Himmel der drei Sterne im Guide Michelin getragen hat, in ein Etablissement verwandelt, in dem sich Ungezwungenheit auf Aufzeichnung reimt. Ein echter Erfolg, diese Veränderung hat die Straßburger – und nicht nur die… – begeistert, die sich ein Restaurant wieder angeeignet haben, das von vielen Gästen, die es mit einem Lächeln auf den Lippen verlassen, zärtlich „Le Bubu“ genannt wird. Auch wenn der Meister des Ortes natürlich das Produkt verherrlichen will – „ob edel oder gewöhnlich, es sollte immer top sein“ –, lässt sich sein Kredo folgendermaßen zusammenfassen: „Schlussendlich sind die Einzigen, die Recht haben, weder die Gastronomieführer noch die Journalisten, sondern die Gäste. Sie sind diejenigen, für die wir arbeiten.“ Und auch wenn Éric sich einen Vornamen machen konnte, schwebt der Schatten des Vaters manchmal noch über der Küche des Sohnes: „Wenn ich etwas an den Froschschenkeln ändere, werde ich an den Pranger gestellt“, amüsiert er sich, als er von einem seit Jahrzehnten unantastbaren Rezept erzählt. In der Tat gleicht das seidige Fleisch der Schenkel der in der Pfanne gebratenen Amphibie mit Kerbel in Begleitung von schniederspaetle – typischen Ravioli aus dem Nordelsass – die mit gedämpften Zwiebeln gefüllt sind, an Perfektion. Das, was sich zwischen dem Fett des Duos Butter/ Creme und der Säure eines Spritzers Melfor abspielt ist herrlich subtil. Man isst es mit den Fingern, ohne Schnickschnack.

Aber Éric Westermann ist nicht der Vergangenheit verhaftet, denkt sich Gerich-

te von großer Ehrlichkeit aus, wie einen gezupften Taschenkrebs mit Limette, der mit einem feinen Krustentier-Gelee mit Zitrus serviert wird, das wie eine durchsichtige gelbe, fast irreale, Sonne scheint, die auf den Teller gefallen wäre. Quinoa und knackiges Gemüse lassen diese Meereskomposition mit intensivem Glück an Land gehen. Köstlich erdverbunden ist auch ein Törtchen aus Langem Kürbis aus Nizza, traumhaft leicht, mit einer charmanten Spiral-Ästhetik, dem eine Yuzu-Marmelade den nötigen Pfiff verleiht. Und schließlich ist es unmöglich, die königliche Hochzeit der Macht und der Zartheit mit seiner Majestät dem Hasen zu vergessen – es versteht sich von selbst, dass er aus der

lokalen Jagd stammt –, der sich mit den Kastaniennoten eines Süßkartoffelpürees vermählt. Ob unter dem ikonischen Glasdach oder, wenn die schönen Tage wieder kommen, auf einer der schönsten Terrassen der Stadt, verlässt man dieses „Bauernhäuschen“ leicht berauscht. Und das liegt hauptsächlich nicht am Wein…

Le Buerehiesel est situé dans le Parc de l’Orangerie (Strasbourg). Ouvert du mardi midi au samedi. Menus de 49 à 129 € Das Buerehiesel liegt im Parc de l’Orangerie (Straßburg).

Geöffnet dienstags bis samstags. Menu von 49 bis 129€ buerehiesel.fr

Des étoiles dans les yeux

Marquant la rencontre grandiose de chefs étoilés et de vignerons talentueux, la première édition du Wein & Gourmet Festival crée l’événement à Baden-Baden.

Mit Sternen in den Augen

Die erste Ausgabe des Wein- & Gourmet-Festivals, das die Begegnung begnadeter Sternechefs mit talentierten Winzern feiert, ist das Ereignis in Baden-Baden.

Par Von Hervé Lévy

Magazine de référence dans l’aire germanique, Falstaff fait son festival au cours d’un week-end gourmand, où se succèdent dégustations de crus prestigieux et de mets raffinés, master-classes, cook shows et autres ateliers. Avouons que la liste des plus de 150 vignerons venus d’une douzaine de pays a de quoi donner le tournis, des stars du bordelais (Angélus, Lynch-Bages, Beychevelle…) aux valeurs sûres allemandes, à l’image du Weingut Kopp (voir page 98), en passant par de véritables découvertes autrichiennes, comme la maison Esterházy, dont le Tesoro – mélange de blaufränkisch et de merlot – est pure merveille. Seront aussi organisés de multiples dîners, sous la houlette de chefs étoilés

comme Anthony Sarpong ou Paul Ivić qui, parmi les premiers, a su donner ses lettres de noblesse à la cuisine végétarienne dans son établissement viennois. On croisera bien évidemment les deux régionaux de l’étape auréolés d’une Étoile au Guide Michelin  : Malte Kuhn proposera une découverte culinaire de… l’Australie (21/05), dans un dîner organisé dans sa Hidden Kitchen, arrosé des meilleurs crus de la Barossa ou de l’Eden Valley. Pour sa part, Stéphan Bernhard déclinera sa «  cuisine du cœur  » qu’on aime tant, au Jardin de France im Stahlbad, dans un dîner au champagne (19/05) où l’intensité de l’itération n°23 de la Cuvée Grand Siècle de LaurentPerrier (assemblage des millésimées 2002, 2004 et 2006)

Massimo Bottura © Marco Poderi

rencontrera l’invraisemblable finesse d’un Amour de Deutz 2010. Bien d’autres chefs de la cité thermale seront de la partie, comme Farid Fazel (œuvrant avec élégance au Fritz & Felix du Brenners Park-Hotel) ou Alexander Gillis, au piano du Rizzi, qui y propose une belle rencontre entre la cuisine méditerranéenne française et italienne, piquetée d’influences asiatiques. Enfin, impossible de ne pas mentionner la présence d’une des superstars mondiales, Massimo Bottura (trois Étoiles à l’Osteria Francescana de Modène), pour un dîner de gala (20/05). Voilà génie jouant avec les richesses de la tradition culinaire italienne pour la propulser dans le XXIe siècle, avec des plats emblématiques aux noms poétiques comme Une Anguille remontant le fleuve Pô ou Souvenir d’un sandwich à la mortadelle, dans lesquels les sens rencontrent l’intellect avec une finesse rarement atteinte ! Si l’homme est plein d’humour – le titre d’un de ses livres, Ne jamais faire confiance à un chef italien trop mince (Phaidon, 2015), le confirme –, il possède une rigueur invraisemblable et un bel altruisme… Fondateur de Food for soul, organisation à but non lucratif encourageant la lutte contre le gaspillage alimentaire et l’isolement social, il a en effet créé les restaurants solidaires Refettorio, proposant aux démunis des repas de qualité à base de produits destinés à être jetés…

Das Magazin Falstaff feiert ein Festival mit einem Gourmetwochenende, bei dem sich Verkostungen von prestigeträchtigen Jahrgängen und raffinierten Speisen, Masterclasses, Kochshows und Ateliers aneinanderreihen. Die Liste der mehr als 150 Winzer aus rund zwölf Ländern ist schwindelerregend, von den Stars des Bordeaux (Angélus, Lynch-Bages, Beychevelle…) zu den besten Winzern Deutschlands, wie dem Weingut Kopp (siehe Seite 98), über echte österreichische Entdeckungen, wie das Haus Esterházy, dessen Tesoro – Mischung von Blaufränkisch und Merlot – ein pures Meisterwerk ist. Es werden auch zahlreiche Abendessen unter Führung von Sterneköchen wie Anthony Sarpong oder Paul Ivić organisiert. Ersterer hat der vegetarischen Küche in seinem Restaurant in Wien ihren Adelsbrief verliehen. Man wird natürlich auch die beiden mit einem Stern im Guide Michelin ausgezeichneten regionalen Talente treffen: Malte

Kuhn präsentiert eine kulinarische Entdeckung… Australiens (21.05.), bei einem Abendessen in seiner Hidden Kitchen, begleitet von den besten Jahrgängen aus der Barossa oder der Eden Valley. Stephan Bernhard seinerseits dekliniert seine „Küche des Herzens“, die wir so lieben, im Jardin de France im Stahlbad, bei einem Abendessen mit Champagner (19.05.) bei dem die Intensität der 23. Ausgabe der Cuvée Grand Siècle von Laurent-Perrier (Assemblage der Jahrgänge 2002, 2004 und 2006) auf die unglaubliche Finesse eines Amour de Deutz 2010 trifft. Viele andere Küchenchefs der Kurstadt sind mit dabei, wie Farid Fazel (der mit viel Eleganz im Fritz & Felix im Brenners Park-Hotel wirkt) oder Alexander Gillis, am Herd im Rizzi, der dort eine schöne Begegnung zwischen der französischen und der italienischen mediterranen Küche anbietet, gespickt mit einigen asiatischen Einflüssen. Und schließlich muss man die Präsenz eines der weltweiten Superstars der Küche für ein Galadinner (20.05.) erwähnen: Massimo Bottura (drei Sterne in der Osteria Francescana in Modena). Ein Genie, das mit dem Reichtum der kulinarischen Tradition Italiens spielt, um sie ins 21. Jahrhundert zu versetzen, mit sinnbildlichen Gerichten mit poetischen Namen wie Ein Aal, der den Fluss Po hinaufschwimmt oder Erinnerung an ein Mortadella-Sandwich, bei dem die Sinne auf das Intellekt treffen, mit einer selten erreichten Finesse! Auch wenn der Mann voller Humor ist – Traue niemals einem dünnen, italienischen Koch, bestätigt dies –, arbeitet er mit einer unglaublichen Genauigkeit und einem schönen Altruismus… Der Gründer von Food for soul, einer Nichtregierungsorganisation, die gegen Lebensmittelverschwendung und soziale Isolation kämpft, bietet im solidarischen Restaurant Refettorio, das er gegründet hat, Armen qualitativ hochwertiges Essen auf der Basis von Produkten an, die dazu bestimmt waren, weggeworfen zu werden…

Au Kongresshaus et dans toute la ville (Baden-Baden) du 19 au 21 mai. Billets à 95 € (une journée) et de 195 à 395 € (pour les trois jours) Im Kongresshaus und in der ganzen Stadt (Baden-Baden) vom 19. bis 21. Mai. Tickets für 95€ (ein Tag) und von 195 bis 395€ (für die drei Tage) wein-gourmet-festival.de – badenbadenevents.de

Anthony Sarpong © Lars Heidrich

Stéphanie de Boüard-Rivoal © C. Perrinet Lhermitte

Topp !

À quelques encablures de Baden-Baden, le Weingut Kopp exerce ses séductions, produisant notamment des rieslings d’anthologie.

Einen Steinwurf von Baden-Baden entfernt, verzaubert das Weingut Koop, insbesondere mit seinen außergewöhnlichen Rieslingen.

C’est l’histoire d’une ascension météorique, celle d’un domaine d’un hectare, fondé par Ewald Kopp en 1996, qui en compte aujourd’hui trente-deux. Après la disparition subite de son père, en 2012, Johannes s’est retrouvé aux commandes d’une maison devenue une référence en quelques années dans le paysage viticole germanique. Passage en biodynamie, prise en compte d’un écosystème dans sa globalité – avec un élevage de highlands –, création d’un restaurant attenant nommé Ebanat, avec Stefan Schmidt au piano, et soin extrême apporté aux vinifications sont quelques éléments de la réussite d’un projet global. Sur les pentes du Fremersberg s’épanouit le Feigenwäldchen, que la maison exploite en totalité, terroir historique en terrasses, propice au riesling et produisant des crus aux arômes de pomme et de citron, dotés d’une belle minéralité et d’une incroyable finesse. Et comme le domaine n’hésite pas à expérimenter, on conseille de goûter l’extrême et jubilatoire complexité d’un viognier vinifié en amphore…

Es ist die Geschichte eines kometenhaften Aufstiegs, jener eines Weinguts von einem Hektar, das 1996 von Ewald Kopp gegründet wurde und heute über zweiunddreißig Hektar verfügt. Nach dem plötzlichen Tod seines Vaters im Jahr 2012, sitzt Johannes am Steuer eines Hauses, das in weni-

gen Jahren zu einer Referenz in der deutschen Weinlandschaft geworden ist. Übergang zur Biodynamik, Berücksichtigung des Ökosystems in seiner Gesamtheit – mit einer Aufzucht von Highlandrindern – Kreation eines angrenzenden Restaurants mit dem Namen Ebanat mit Stefan Schmidt in der Küche und eine besondere Sorgfalt beim Keltern sind einige der Elemente des Erfolges eines Gesamtprojekts. An den Hängen des Fremersbergs entfaltet sich das Feigenwäldchen, das das Haus allein bewirtschaftet, ein historisches, terrassiertes Anbaugebiet, das günstig für Riesling ist und Jahrgänge mit Apfel-und Zitronenaromen produziert, die mit einer schönen Mineralität und einer unglaublichen Finesse ausgestattet sind. Und da das Weingut nicht vor Experimenten zurückscheut, raten wir die extreme und begeisternde Komplexität eines Viogniers zu kosten, der in der Amphore gereift ist…

Weingut Kopp

Ebenunger Straße 23 (Sinzheim-Ebenung) weingut-kopp.com

> Kopp & Kultur #2 (13/04, 18h) marque la rencontre entre le vin et l’art, grâce à une dégustation avec le sculpteur Rüdiger Seidt.

> Kopp & Kultur #2 (13.04., 18 Uhr) für eine Begegnung von Wein und Kunst, dank einer Weinprobe mit dem Bildhauer Rüdiger Seidt L’abus d’alcool est dangereux pour la santé, à consommer avec modération.

Par Von Hervé Lévy – Photo de von Lucie Greiner / Medienagenten