Hatje Cantz Herbstprogramm 2016 by Cathrin Rollberg

Neuerscheinungen / New Publications

H E R B ST / FALL 2016

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Neuerscheinungen

# 890169

Herbst / Fall 2016

New Publications

H ATJ E CA N TZ

Hatje Cantz Verlag Mommsenstraße 27 10629 Berlin Deutschland Tel. +49 30 3464678-00 Fax +49 30 3289042-62 berlin@hatjecantz.de Postwiesenstraße 5a 70327 Stuttgart Deutschland Tel. +49 711 4405-200 Fax +49 711 4405-220 contact@hatjecantz.de www.hatjecantz.de Verlegerische Geschäftsführung / Publisher Dr. Cristina Inês Steingräber Kaufmännische Geschäftsführung / Managing Director Dr. Thomas P. J. Feinen

Programmleitung / Program Directors Dr. Cristina Inês Steingräber Dr. Sibylle Luig Ulrike Ruh

HIGHLIGHTS Kunst / A rt Fotografie / Photography Architektur / Architecture

Programmbereich Fotografie / Consulting Editor for Photography Art Books Nadine Barth Marketingleitung / Marketing Director Sascha Perkins Tel. + 49 30 34678-13 Vertriebsleitung / Sales Director Daniel Engels Tel. +49 30 3464678-18 sales@hatjecantz.de Edition Gerd Hatje Sabine Jenske Tel. +49 30 3464678-16 egh@hatjecantz.de

104 116

Presse / Press Sara Buschmann Tel. +49 30 3464678-08 presse@hatjecantz.de

Special Price INDEX

1 10 20 / 112 22 / 113 24 5 0 / 113 60 / 112 62 / 112 72 78 80 / 113

SEAN SCULLY ROBIN RHODE TARYN SIMON JANNIS KOUNELLIS GORAN DJUROVIC TITUS SCHADE MONIKA GRZYMALA HARALAMPI G. OROSCHAKOFF ULRICH STROTHJOHANN

SCHWEIZ AVA Verlagsauslieferung AG Centralweg 16 8910 Affoltern am Albis Tel. +41 44 76242-50 Fax +41 44 76242-10 verlagsservice@ava.ch www.ava.ch N O RT H A M E R I C A Artbook | D. A.P. 155 Avenue of the Americas Second Floor New York, N. Y. 10013-1507 USA Tel. +1 212 627 1999 Fax +1 212 627 9484 orders@dapinc.com www.artbook.com UNITED KINGDOM / REPUBLIC OF IRELAND Gestalten UK Ltd Emma Ferguson, Lee Williams 65 London Wall London EC2M 5TU United Kingdom Tel. +44 20 7628-4829 Fax +44 20 7628-4828 e.ferguson@gestalten.com www.gestalten.com AU ST R A L I A booksatmanic distribution PO Box 8 Carlton North VIC 3054 Tel. +61 3 9380 5337 Fax +61 3 9380 5037 manicex@manic.com.au www.manic.com.au B E LG I U M Exhibitions International Kol. Begaultlaan 17 3012 Leuven Tel. +32 16 296900 Fax +32 16 296129 orders@exhibitionsinternational.be www.exhibitionsinternational.be FRANCE Interart 1, Rue de l’Est 75020 Paris Tel. +33 1 43493660 Fax +33 1 43494122 commercial@interart.fr www.interart.fr

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W E LT W E I T (außer in den u. g. Ländern) / Main Distributor for all countries Bestellungen richten Sie bitte direkt an: Koch, Neff & Oetinger Verlagsauslieferung GmbH Schockenriedstraße 39 70565 Stuttgart Deutschland Ansprechpartnerin / Contact person: Antje Grimm Tel: +49 (711) 7899 2010 Fax: +49 (711) 7899 1010 HatjeCantz@kno-va.de www.kno-va.de

B E R L I N / B R A N D E N B U R G / M E C K LE NBU RG-VOR POMME R N / SACHSE N / S A C H S E N - A N H A LT / T H Ü R I N G E N UND BREMEN / HAMBURG / NIEDERS A C H S E N / S C H L E SW I G - H O L ST E I N buchart Verlagsvertretungen Jastrow Seifert Reuter Braune Office: Cotheniusstraße 4 10407 Berlin Tel. +49 30 44732180 Fax +49 30 44732181 Showroom: Greifenhagener Straße 15 10437 Berlin Tel. +49 30 44737260 service@buchart.org

N O R D R H E I N - W E ST FA L E N / R H E I N L A N D - P FA L Z / SAARLAND / LUXEMBURG / HESSEN (außer Rhein-Main-Gebiet / PLZ-Gebiete 60–64 und 68) Büro für Bücher Gerd Wagner Poststraße 39 41334 Nettetal Tel. +49 2157 1247-01 Fax +49 2157 1247-02 g.wagner@buerofuerbuecher.de Benedikt Geulen Meertal 122 41464 Neuss Tel. +49 2131 1255990 Fax +49 2131 1257944 b.geulen@buerofuerbuecher.de Ulrike Hölzemann Dornseifer Str. 67 57223 Kreuztal Tel. +49 2732 558344 Fax +49 2732 558345 u.hoelzemann@buerofuerbuecher.de B AY E R N / H E S S E N (nur Rhein-Main-Gebiet / PLZ-Gebiete 60–64 und 68) Friederike Rother c/o Vertreterbüro Würzburg Huebergasse 1 97070 Würzburg Tel. +49 931 17405 Fax +49 931 17410 rother@vertreterbuero-wuerzburg.de B A D E N - W Ü RT T E M B E R G Michael Klein c/o Vertreterbüro Würzburg Huebergasse 1 97070 Würzburg Tel. +49 931 17405 Fax +49 931 17410 klein@vertreterbuero-wuerzburg.de Ö ST E R R E I C H Seth Meyer-Bruhns Böcklinstraße 26/8 1020 Wien Tel. +43 1 2147340 Fax +43 1 2147340 meyer_bruhns@yahoo.de SCHWEIZ Scheidegger & Co. AG Obere Bahnhofstrasse 10A 8910 Affoltern am Albis Tel.: +41 44 76242-41 oder -47 Fax: +41 44 76242-49 Urs Wetli u.wetli@scheidegger-buecher.ch Stephanie Brunner s.brunner@scheidegger-buecher.ch THE NETHERLANDS Jan Smit Eikbosserweg 258 1213 SE Hilversum Tel. +31 35 6219267 Fax +31 35 6238905 jan@jansmitboeken.info

SOUTH ERN AN D SOUTH E A ST E U R O P E Bookport Associates Alessandro Corno, Joe Portelli Via L. Salma, 7 20094 Corsico (MI) Italy Tel. +39 02 45103601 Fax +39 02 45106426 bookport@bookport.it M I D D L E E A ST Richard Ward Ward International Ltd Unit 3 Taylors Yard 67 Alderbrook Rd London, SW12 8AD United Kingdom Tel. +44 20 8672-1171 richard@wibx.co.uk I N D I A / PA K I STA N / S R I L A N K A / BANGLADESH Sara Books Pvt Ltd. Ravindra Saxena 7 /28, Ansari Road, Daryaganj, New Delhi 110002 India Tel. +91 11 23266107 Fax +91 11 23266102 ravindrasaxena@sarabooksindia.com www.sarabooksindia.com E A ST A N D S O U T H E A ST A S I A (except Japan) / R U S S I A Publishers International Marketing Ltd Chris Ashdown 1, Monkton Close Ferndown Dorset, BH22 9LL United Kingdom Tel. +44 1202 896210 Fax +44 1202 897010 chris@pim-uk.com JA PA N Infinite Book & Art Services Haruhiko Oguchi 2-28-12, Nishihara, Shibuya-Ku Tokyo 151-0066 Tel. +81 3 3469-5708 Fax +81 3 3469-5708 haru@aw.catv.ne.jp M E X I CO / C E N T R A L A N D SOUTH AMERICA IMA / InterMediaAmericana Ltd David Williams PO Box 8734 London SE21 7ZF United Kingdom Tel. +44 20 72747113 Fax +44 20 72747103 david@intermediaamericana.com

Falls Sie diesen Prospekt über unseren Postverteiler

S C A N D I N AV I A Elisabeth Harder-Kreimann Joachim-Mähl-Straße 28 22459 Hamburg Tel. +49 40 55540446 Fax +49 40 55540444 elisabeth@harder-kreimann.de

erhalten haben und keine weitere Zusendung wünschen, informieren Sie uns bitte unter contact@hatjecantz.de oder +49 711 4405-200 / If you have subscribed to our preview and wish to stop receiving it, please write to contact@hatjecantz.de or call +49 711 4405-200

Liebe Leserinnen und Leser, mit dem vorliegenden Herbstprogramm möchten wir eine

Dear Readers, With this fall’s program we would like to take a stance

Position in der aktuellen Debatte um kulturelle Werte

in the current debate on cultural values by making

einnehmen, indem wir als Verlag unseren Beitrag zur

a contribution to the preservation and development

Erhaltung und Weiterentwicklung von Kultur leisten und

of culture and addressing contemporary issues that

dabei auch aktuelle Themen adressieren, die aufrütteln.

shake us. The photo series Blutiger Boden by Regina

Die Fotoserie Blutiger Boden von Regina Schmeken zeigt

Schmeken shows the crime scenes at which the National

die Tatorte der erschütternden Morde des NSU und setzt

Socialist Underground (NSU) committed its harrowing

sich mit dem Thema des Fremdenhasses auseinander.

murders and examines the subject of xenophobia.

In der Ausstellung Keine Angst vor Partizipation lernen wir,

In the exhibition Don’t Be Afraid to Participate! we learn

wie Inklusion in gemeinschaftlichen Wohnformen

how inclusion in communal living arrangements

gesellschaftlicher Exklusion entgegenwirkt. Auch das

works against social exclusion. The oeuvre of the African

Werk des afrikanischen Architekten Francis Kéré zeigt, wie

architect Francis Kéré also demonstrates how

durch gemeinschaftliches Denken, lokale Materialien und

collaborative thinking, local materials, and participative

partizipative Prozesse herausragende Gebäude entstehen,

processes contribute to the construction of outstanding

die die Gesellschaft positiv beeinflussen. Aber auch die

buildings that have a positive influence on society. But

klassische Fotografie und Malerei bilden in der Tradition

in the publishing house’s tradition, classic photography

des Verlags weiterhin das starke Fundament für unser

and painting continue to constitute the strong

Programm. Fred Herzogs ikonenhafte Street Photography

foundation of our program. Fred Herzog’s iconic Street

wie auch die spektakulären Landschaftsaufnahmen von

Photography as well as the spectacular landscape

Samuel Zuder vom heiligen Berg Mount Kailash in Tibet

photographs by Samuel Zuder of sacred Mount Kailash in

entführen uns in andere Welten. Und die umwerfenden

Tibet carry us off into other worlds. And the stunning

Fotos vom Rhein, vom 19. Jahrhundert bis hin zu Arbeiten

photographs of the Rhine, from the nineteenth century

von Chargesheimer, Henri Cartier-Bresson und Candida

to works by Chargesheimer, Henri Cartier-Bresson,

Höfer, holen uns zurück nach Deutschland. Auch die

and Candida Höfer, bring us back to Germany. Painting

Malerei ist mit dem neuen Band des Werkverzeichnisses

is also radiantly represented with the new volume

von Gerhard Richter, dem Katalog zur Ausstellung in der Fondation Beyeler zum Blauen Reiter sowie den

of Gerhard Richter’s catalogue raisonnée, the volume accompanying the exhibition at the Fondation Beyeler

Publikationen zu Paul Klee, Jean-Michel Basquiat,

on the artists of Der Blaue Reiter, as well as with

Sean Scully und vielen anderen glänzend repräsentiert.

publications on Paul Klee, Jean-Michel Basquiat, Sean

Kunst kann aufrütteln, versöhnen, beruhigen und

Scully, and many more. Art can shake, reconcile,

provozieren, und ich bin davon überzeugt, dass für jeden

pacify, and provoke, and I am convinced that each one

von Ihnen in unserem Programm genau das zu finden

of you will find exactly what you personally expect

ist, was Sie sich persönlich von der Kunst erhoffen.

from art in our program.

Ihre CRISTINA STEINGRÄBER

CRISTI NA STEI NGRÄBER

HATJ E CA N T Z

N EWS

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News Unsere Veranstaltungen sowie alle News finden Sie unter www.hatjecantz.de You can find information about our events as well as the latest news at www.hatjecantz.com

Wir gratulieren! Wieder einmal konnten unsere Bücher sowie unsere Künstlerinnen und Künstler international überzeugen: So belegte Meilensteine des Motorsports – Mercedes-Benz 300 SL Rennsportwagen beim ADAC Motorwelt Autobuch Preis 2016 in der Kategorie »Design« den ersten Platz und gewann gleichzeitig einen Award des Type Directors Club (tdc.), New York. Für ihre nachhaltigen Kunstwerke wurde Nalini Malani mit dem Preis der Asia Society gekürt. Der Maler Sean Scully gewann den Harper’s Bazaar Art International Artist of the Year Award und der diesjährige Direktor der Architekturbiennale von Venedig, Alejandro Aravena, erhielt für sein Projekt über partizipative Strategien im sozialen Wohnungsbau den renommierten Pritzker-Preis. Wir gratulieren allen Gewinnern!

MARKUS HENTTONEN & NADINE BARTH

Meet the Artists! Artist talks and book presentations create a particular closeness between artists, us as publisher, and our audience: In Berlin, the 87-year-old photographer Frank Horvat spoke with his protégé, Christine Turnauer, and publisher Dr. Cristina Steingräber about his recent monograph Please don’t smile and offered very personal insights into his work. At the Leipzig Book Fair, the lyricist Nora Gomringer and photographer Andreas Herzau gave an account of how they managed to express their fascination for music in text and image with their publication Bamberg Symphony. The Kunstverein Zurich and the Ortreport collective presented the publication Up Up: Stories of Johannesburg’s Highrises, Bernhard Leitner held an artist talk on his Sketchbook – Notation Sound Spaces, and the Finnish photographer Markus Henttonen introduced his work Twisted Tales, Road to Hope – to name just a few. By the way: our events are always accompanied by renowned representatives of the press and are announced through our social media network.

FRANK HORVAT & CHRISTINE TURNAUER

We will have booths at the following FAIRS : ART BASEL

16.–19.6.2016 FRANKFURTER BUCHMESSE

19.–23.10.2016 PARIS PHOTO

Congratulations! Once again, our books as well as our artists have been internationally recognized. Milestones of Motor Sports Mercedes-Benz 300 SL Racing Car won first prize at the ADAC Car Book Prize 2016 in the design category as well as a prize by the Type Directors Club (tdc.) New York. For her sustainable artworks, Nalini Malani was awarded a prize by the Asia Society. The painter Sean Scully won the Harper’s Bazaar Art China art prize for International Artist of the Year, and this year’s director of the Architecture Biennale of Venice, Alejandro Aravena, received the prestigious Pritzker Prize for his project on participatory strategies in social housing. Congratulations to all the winners!

Social-Media-Kanäle / Social-Media-Channels WIR NETZWERKEN WE ARE NETWORKING Wir sind in den sozialen Netzwerken aktiv und haben mehr als 15 000 Follower. Sie finden uns auf Facebook, Twitter, Pinterest und Instagram. We are active on social media and now have more than 15,000 followers. You can find us on Facebook, Twitter, Pinterest, and Instagram.

BUCH- und KUNSTMESSEN BOOK and ART FAIRS Auf folgenden MESSEN werden wir mit einem Stand vertreten sein

Veranstaltungen mit Künstlerinnen und Künstlern Unsere exklusiven Künstlergespräche und Buchvorstellungen schaffen eine besondere Nähe zwischen Künstlern, dem Verlag und unserem Publikum: So sprach beispielsweise der 87-jährige Fotograf Frank Horvat mit Weggefährtin Christine Turnauer und Verlegerin Dr. Cristina Steingräber in Berlin über seine aktuelle Monografie Please don’t smile und gewährte sehr persönliche Einblicke in sein Œuvre. Lyrikerin Nora Gomringer und Fotograf Andreas Herzau erklärten auf der Leipziger Buchmesse, wie es ihnen gelang, mit der Publikation Bamberg Symphony die Faszination von Musik in Text und Bild auszudrücken. Der Kunstverein Zürich und das Kollektiv Ortreport präsentierten das Buch Up Up. Stories of Johannesburg’s Highrises, Bernhard Leitner führte Künstlergespräche zu seinem Skizzenbuch – Notation Ton-Räume und der finnische Fotograf Markus Henttonen stellte sein Werk Twisted Tales, Road to Hope vor – um nur einige zu nennen. Übrigens: Unsere Veranstaltungen werden stets von relevanten Pressevertretern begleitet sowie über unser Social-Media-Netzwerk kommuniziert.

AN DR EAS H ERZAU & NORA GOMR I NGER

SEAN SCULLY

10.–13.11.2016 Wir werben in We advertise in

DIE ZEIT, ZEIT MAGAZIN, Weltkunst, Monopol, Merian, Feinschmecker, A&W, ART, Petra u. a. / et al.

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H IG H LIG H TS

HIGH LIGHTS 5

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Spektakuläres Ausstellungshighlight: reichhaltig bebilderter Überblicksband mit den zentralen Werken des Blauen Reiters Spectacular standout exhibition: richly illustrated overview with key works from the Blaue Reiter movement

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Fondation Beyeler, Riehen/Basel

4.9.2016 – 2 2.1.2017

»Den Namen ›Der Blaue Reiter‹ erfanden wir am Kaffeetisch …« – WAS S I LY K A N D I N S K Y

Kandinsky, Marc und Der Blaue Reiter / Kandinsky, Marc, and Der Blaue Reiter Hrsg. / Ed. ULF KÜSTER, FONDATION BEYELER, RIEHEN/BASEL, Texte von / texts by OSKAR BÄTSCHMANN, ANDREAS BEYER, ANNEGRET HOBERG, CATHRIN KLINGSÖHR-LEROY, ULF KÜSTER, MARTA RUIZ DEL ÁRBOL Ca. 250 S. / pp., ca. 180 Abb. / ills., 24,5 x 30,5 cm, Hardcover Ca. € 58,– [D], CHF 75,00, $85.00, £55.00 ISBN 978-3-7757-4168-2 (Deutsch) ISBN 978-3-7757-4169-9 (English) September 2016

Wenige Jahre nur war München zu Beginn des 20. Jahrhunderts der »Hotspot« der künstlerischen Avantgarde in Deutschland. Als wahrer Glücksfall für die Kunst erwies sich die Initiative des russischen Malers Wassily Kandinsky, gemeinsam mit Franz Marc die Redaktion des Almanachs Der Blaue Reiter zu gründen und eine Ausstellung gleichen Titels zu organisieren: ein programmatisches Unterfangen, das noch vor dem Ersten Weltkrieg die Moderne in Deutschland einläutete – und international hohe Wellen schlug. Die Namen der Protagonisten Franz Marc, Gabriele Münter, Alexej von Jawlensky, August Macke und anderer klingen seither nach, die von ihnen initiierte Überführung der Malerei in eine vibrierende, transzendentale Farbigkeit und Abstraktion bildet ein wesentliches Kapitel der internationalen Kunstgeschichte. Die prächtig bebilderte Publikation widmet sich einem Thema, das eine damals revolutionäre Neubewertung der Künste in einem offenen Europa zeigt. For just a few years at the beginning of the twentieth century, Munich was the “hot spot” of Germany’s artistic avant-garde. Russian painter Vassily Kandinsky and Franz Marc’s initiative as founding editors of the almanac Der Blaue Reiter (The Blue Rider) was a stroke of luck for the arts. The journal and exhibition of the same name made international waves as they heralded the start of the modern era in Germany before the World War I. Since then, the names of the movement’s key players, Franz Marc, Gabriele Münter, Alexej von Jawlensky, August Macke et al., signal an essential chapter in the international history of art, marked by the transition of painting into a vibrant, colorful and transcendental form of abstraction. This beautiful publication dedicated to the subject presents a revolutionary re-valuation of the arts in an open Europe.

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Der Bildzauberer PauI Klee als Vorläufer des Surrealismus Paul Klee, the image wizard as precursor to Surrealism

Paul Klee und die Surrealisten / Paul Klee et les surréalistes Texte von / Texts by MICHAEL BAUMGARTNER, GUITEMIE MALDONADO, OSAMU OKUDA, JÜRGEN PECH, ANNE SOPHIE PETIT, HANS-PETER WITTWER, Gestaltung von / graphic design by ANDREAS PLATZGUMMER Ca. 374 S. / pp., ca. 380 Abb. / ills., 23 x 27 cm, Hardcover Ca. € 49,80 [D], CHF 64,90, $75.00, £45.00 ISBN 978-3-7757-4154-5 (Deutsch) ISBN 978-3-7757-4155-2 (French) November 2016

Was haben Louis Aragon, Antonin Artaud, Paul Éluard, Joan Miró und André Masson mit dem Maler und Bauhausmeister Paul Klee zu tun? Diese genreübergreifende und überaus spannende Fragestellung wird nun erstmalig in einer facettenreichen Ausstellung verhandelt. Dass die französischen Surrealisten ihre zentralen Begriffe, wie »Traum«, »Kosmos« und »Vision«, in der magischen, transzendentalen Malerei Klees reflektiert sahen und ihn zu ihrem Spiritus Rector machten, ist auch vor dem Hintergrund der politischen Situation in Europa zwischen den Weltkriegen bemerkenswert. Ausstellung und Katalogbuch betrachten ein faszinierendes Kapitel von Künstlerbeziehungen und stellen deren enorme kunsthistorische Bedeutung heraus. Präzise beleuchtet und geordnet nach einzelnen Themenbereichen, wie etwa »Écriture automatique«, »Die Welt als Traum« oder »Porträts und Masken«, vermittelt das Buch dem Leser Aufschluss über eine wichtige Schnittstelle zwischen literarischer und künstlerischer Avantgarde in Europa in bewegten Zeiten.

What do Louis Aragon, Antonin Artaud, Paul Éluard, Joan Miró, and André Masson have to do with the painter and Bauhaus master Paul Klee? This cross-genre and fascinating subject is examined for the first time in a multifaceted exhibition. The fact that the French Surrealists saw their key concepts such as “dreams,” “the cosmos,” and “vision” reflected in the magical, transcendental painting by Klee and even made him their spiritus rector, is remarkable considering the backdrop of Europe’s political situation between the world wars. The exhibition and catalogue shed light on this fascinating chapter of the relationship between artists and expose its enormous art historical dimension. Organized according to individual subject areas such as “Écriture automatique,” “The World as a Dream,” and “Portraits and Masks,” the book provides readers with information about this important interface between the literary and artistic avant-garde in Europe during a turbulent era.

»Klee war die wichtigste Begegnung meines Lebens. Erst durch seinen Einfluss befreite sich meine Malerei von allem.« 18.11.2016 – 1 2.3.2017 – J OA N M I RÓ AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Zentrum Paul Klee, Bern

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Als eines der ältesten deutschen Museen verbindet das Städel Museum 700 Jahre Kunstgeschichte mit einer seit 200 Jahren gelebten Pflege zeitgenössischer Kunst. Seit der Eröffnung des Erweiterungsbaus im Jahr 2012 konnte das Museum seine Sammlung »Kunst nach 1945« nicht nur besser präsentieren, sondern auch noch weiter ausbauen – ein beispielloser Zugewinn von rund 1000 Werken war innerhalb von nur wenigen Jahren zu verzeichnen. Ausschlaggebend hierfür war insbesondere die Bereitschaft sowohl der Deutschen Bank als auch der DZ Bank, dem Städel bedeutende Konvolute aus ihren Sammlungen zu übergeben. Ebenso konnte das Museum in den letzten Jahren eine Reihe von herausragenden Schenkungen in Empfang nehmen, und das seit 2007 existierende Städelkomitee 21. Jahrhundert trug mit großem mäzenatischem Engagement zu diesem Wachstum bei. Die Neuausgabe stellt neben den 300 Werken der Erstauflage nun auch über 40 Neuzugänge

Die StädelSammlung im Fokus – aktualisierte und erweiterte Neuausgaben Städel-Collection in focus – updated and expanded new editions

auf anschauliche Weise vor. Die Kunst der Moderne im Städel Museum bietet einen konzentrierten, äußerst qualitätvollen Überblick über die Entwicklung der europäischen Malerei- und Skulpturgeschichte im 19. und 20. Jahrhundert, ergänzt durch Beiträge der Fotografie. Mit Gemälden wie Claude Monets Mittagessen, Edgar Degas’ Orchestermusikern, Pablo Picassos Fernande Olivier, Franz Marcs Liegendem Hund im Schnee oder Ernst Ludwig Kirchners Stehendem Akt mit Hut verfügt das Museum über Schlüsselwerke der neueren Kunstgeschichte. Doch lebt die Sammlung – neben weltbekannten Meisterwerken des Realismus, Impressionismus, Symbolismus und Expressionismus – auch von den Überraschungen, die gerade weniger namhafte Werke abseits des üblichen Kanons bereithalten. In dieser erweiterten Neuauflage werden rund 300 bedeutende Gemälde, Skulpturen und Fotografien vorgestellt, darunter 19 Arbeiten, die erst im Laufe der letzten Jahre in die städelsche Sammlung kamen.

Kunst der Moderne (1800–1945) im Städel Museum Hrsg. / Eds. FELIX KRÄMER, MAX HOLLEIN, Texte von / texts by INGO BORGES, CHANTAL ESCHENFELDER, ANNA FEULNER, ANNA FRICKE, FELIX KRÄMER, NERINA SANTORIUS, Gastbeiträge von / guest contributions by PETER-ANDRÉ ALT, MATTHIAS DÖPFNER, WILHELM GENAZINO, NEO RAUCH, HELMUT SCHMIDT, ROGER WILLEMSEN u. a. / et al., Gestaltung von / graphic design by PETER SCHMIDT GROUP Ca. 320 S. / pp., ca. 295 Abb. / ills., 22,5 x 27 cm, Softcover € 35,– [D], CHF 44,00, $55.00, £32.50 ISBN 978-3-7757-4161-3 (Deutsch) Juni / June 2016

As one of Germany’s oldest museums, the Städel Museum combines seven hundred years of art history with two hundred years of the active cultivation of contemporary art. With the opening of its extension in 2012, the museum was not only able to better present its collection of post1945 art, but it could continue its expansion, acquiring an unprecedented one thousand works within just a few years. This was made possible in particular by the willingness of both Deutsche Bank and DZ Bank to present the Städel with important bodies of works from their collections. The museum also accepted a number of generous donations in recent years, and the Städel Committee for the 21st Century, which was formed in 2007, contributed to this growth through its commitment of patronage. Besides the three hundred works from the first edition, this new version now presents more than forty additional entries into the Städel’s collection.

Gegenwartskunst (1945–heute) im Städel Museum Hrsg. / Eds. MARTIN ENGLER, MAX HOLLEIN, Texte von / texts by MARTIN ENGLER, ANNA FRICKE, CHARLOTTE KLONK, CAROLIN KÖCHLING, Interviews mit / interviews with KLAUS GALLWITZ, FRIEDHELM HÜTTE, LUMINITA SABAU, SYLVIA VON METZLER, Gestaltung von / graphic design by PETER SCHMIDT GROUP Ca. 368 S. / pp., ca. 430 Abb. / ills., 22,5 x 27 cm, Softcover € 35,– [D], CHF 44,00, $55.00, £32.50 ISBN 978-3-7757-4162-0 (Deutsch) Juni / June 2016

Complimented by photography, the Städel Museum’s collection of modern art presents a concentrated and select survey of the development of the history of European painting and sculpture in the nineteenth and twentieth centuries. The museum houses a number of major works from recent art history, including paintings such as Claude Monet’s The Luncheon, Edgar Degas’s Orchestra Musicians, Pablo Picasso’s Fernande Olivier, Franz Marc’s Dog Lying in the Snow and Ernst Ludwig Kirchner’s Standing Nude with Hat. In addition to world-renowned masterpieces of Realism, Impressionism, Symbolism, and Expressionism, the collection also particularly thrives on the surprises which lesser-known works outside of the standard canon have to offer. In this expanded and revised edition, around 300 major paintings, sculptures, and photographs are presented , including numerous pieces that have only entered the Städel’s collection in recent years.

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Neuer Blick auf die Renaissance: namhafte Fachautoren betrachten die kulturellen Austauschprozesse Fresh look at the Renaissance: renowned experts examine processes of cultural exchange

Europa in der Renaissance / Europe in the Renaissance

Die Renaissance erlebte einige der bedeutendsten Umbrüche der Weltgeschichte: die Erfindung des Buchdrucks mit beweglichen Lettern, die Entdeckung eines unbekannten Kontinents, die Erarbeitung eines neuen Weltbildes; sie versuchte, die Rätsel der Natur zu lösen, praktizierte Alchemie, machte sich daran, eine neue Medizin zu entwickeln, konzipierte ein neues Menschenbild und schuf Schönheit in Gestalt von Bildern und Bauten, Skulpturen und Literatur. Was an Neuem ersonnen und geformt wurde, wäre ohne kulturellen Austausch undenkbar gewesen. Die Kultur der Renaissance war eine Ära des Dialogs und der Ideenflüge über weite Räume und Zeiten hinweg. Anhand von zahlreichen Beispielen – Kunstwerken, wissenschaftlichen Instrumenten und Dingen des Alltags – spürt diese Publikation den unterschiedlichen Wegen des Transfers auf eindrucksvolle Weise nach. Namhafte Autoren führen den Leser bis in die Antike und in den Orient, nach Italien und durch halb Europa.

The Renaissance experienced some of the most important advances in human history: the invention of the printing press using movable letters, the discovery of an unknown continent, and the formulation of a new view of the earth. It was a time when people sought to solve the riddles of nature, experimented with alchemy, set out to develop a new medical science, conceived a new vision of humankind, and created beauty in the form of pictures and architecture, sculpture and literature. All these discoveries and creations would have been unimaginable without cultural exchange. The Renaissance was an era of dialogue and new horizons in thinking over great distances and time. Based on numerous examples—works of art, instruments, and objects of everyday life—this publication invites readers to trace the various paths of transference. Renowned authors take us to antiquity and the Orient, to Italy and through half of Europe.

Metamorphosen 1400–1600 / Metamorphoses 1400–1600 Texte von / Texts by BERNARD AIKEMA, PETER BURKE, CAROLINE CAMPBELL, PATRIZIA CASTELLI, FELIPE FERNÁNDEZ-ARMESTO, TOBY E. HUFF, URS LEU, NICOLETTE MOUT, ROBERT MUCHEMBLED, BERND ROECK, HEINZ SCHILLING, ACHATZ VON MÜLLER, Gestaltung von / graphic design by ATELIER STERNSTEIN Ca. 336 S. / pp., ca. 320 Abb. / ills., 22,8 x 29 cm, Hardcover Ca. € 49,80 [D], CHF 64,90, $75.00, £45.00

»Ein Zeitalter internationaler Bilderwanderung« – A BY WA R B U RG

ISBN 978-3-7757-4072-2 (Deutsch) ISBN 978-3-7757-4073-9 (English) August 2016

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Schweizerisches Nationalmuseum, Landesmuseum Zürich / Zurich

1.8. – 2 7.11.2016 12

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Die Fortsetzung des verlegerischen Großprojektes The continuation of an ambitious publishing project Gerhard Richters Werk umfasst mehr als 3 000 einzelne Arbeiten. In fünf Jahrzehnten entstand ein stilistisch vielfältiges und komplexes Œuvre, das Richters Rang als bedeutendster lebender Künstler belegt. Anlässlich des 80. Geburtstags des Künstlers im Februar 2012 erschien der lang erwartete erste Band des Werkverzeichnisses, das Dietmar Elger, Leiter des Gerhard Richter Archivs an den Staatlichen Kunstsammlungen Dresden, in jahrelanger Recherche vorbereitet hat. Der auf sechs Bände angelegte, wissenschaftliche Catalogue Raisonné aller Bilder und Skulpturen soll bis 2020 publiziert werden. Er bietet neben großzügigen und zahlreichen ganzseitigen farbigen Abbildungen der Werke vollständige technische Informationen zu allen Arbeiten, Angaben zu den handschriftlichen Bezeichnungen des Künstlers sowie zur Provenienz, Literaturverweise und Ausstellungsnachweise. Kommentare, Zitate und Vergleichsabbildungen zu einzelnen Katalognummern ergänzen die Werkangaben.

Gerhard Richter Catalogue Raisonné. Volume 2 Nos. 199–388, 1968–1976 Hrsg. / Ed. DIETMAR ELGER für das / for the GERHARD RICHTER ARCHIV, STAATLICHE KUNSTSAMMLUNGEN DRESDEN, Text von / text by DIETMAR ELGER, Gestaltung von / graphic design by GABRIELE SABOLEWSKI Ca. 640 S. / pp., ca. 580 Abb. / ills., 25 x 29 cm, Leinen / clothbound € 248,– [D], CHF 177,60, $375.00, £225.00 Subskriptionspreis pro Band (bei Abnahme der gesamten Reihe) / Subscription price per volume (with a subscription to the entire series): €198,– [D], CHF 240,50, $300.00, £180.00 ISBN 978-3-7757-1979-7 (Deutsch, English) November 2016

Gerhard Richter’s oeuvre embraces in excess of three thousand individual works. Over a period of five decades, he has created a stylistically heterogeneous, complex body of work that testifies to his status as the most important living artist of our time. This long-awaited first volume of the catalogue raisonné was released on the occasion of the artist’s eightieth birthday in February 2012. Dietmar Elger, director of the Gerhard Richter Archive at the Staatliche Kunstsammlungen Dresden, has spent years researching and preparing this publication. The six-volume catalogue raisonné of all of Richter’s paintings and sculptures will be published till 2020. Aside from the richly colored illustrations, many of them full-page, it includes full technical details, information about the artist’s handwritten notes, and the provenance, bibliography, and exhibitions of each individual work. This information is supplemented by commentary, quotes, and comparitive illustrations.

Bisher erschienene TITEL der Reihe / Previously published TITLES in the series

Gerhard Richter Catalogue Raisonné. Volume 1 Nos. 1–198, 1962–1968 ISBN 978-3-7757-1978-0 (Deutsch, English) € 248,– [D], CHF 177,60, $375.00, £225.00

Gerhard Richter Catalogue Raisonné. Volume 3 Nos. 389–651-2, 1976–1987 ISBN 978-3-7757-1980-3 (Deutsch, English) € 248,– [D], CHF 177,60, $375.00, £225.00

Gerhard Richter Catalogue Raisonné. Volume 4 Nos. 652-1–805-6, 1988–1994 ISBN 978-3-7757-1981-0 (Deutsch, English) € 248,– [D], CHF 177,60, $375.00, £225.00

Editionsplan der weiteren BÄNDE / Release schedule of the other VOLUMES Catalogue Raisonné. Volume 5 Nos. 806–899-8, 1994–2006

Catalogue Raisonné. Volume 6 Nos. 900–0000, 2007–2019

ISBN 978-3-7757-3230-7 September 2018

ISBN 978-3-7757-3714-2 September 2020

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Die geballten Textgefüge des einflussreichen amerikanischen Künstlers und Multitalents erstmals im Detail untersucht The bundled text fragments of the influential and multitalented American artist examined in detail for the first time

Words Are All We Have Paintings by Jean-Michel Basquiat Hrsg. und Text von / Ed. and text by DIETER BUCHHART Ca. 160 S. / pp., ca. 100 Abb. / ills., 26,5 x 31 cm, Hardcover Ca. € 40,– [D], CHF 48,70, $60.00, £35.00

Der erste afroamerikanische Künstler, der internationale Aufmerksamkeit erfuhr, war im New York der 1980erJahre Jean-Michel Basquiat (1960–1988). Der enorme Umfang seines Œuvre steht umgekehrt proportional zu der kurzen Schaffenszeit, die ihm blieb. Die Komplexität und die wegweisende innovative Kraft seiner Malerei und Zeichnungen wurden bereits diskutiert – dieses Buch stellt nun den schöpferischen Aspekt der Sprache in Basquiats Werk in den Mittelpunkt. Mit seiner komplexen Struktur, seinem spontanen Rhythmus, seiner gesampelten, collagenhaften und alle Sinne ansprechenden Erscheinung katapultierte es sich in die Umlaufbahn der Pop-Poeten der Beat-Generation und der Protagonisten der musikalischen Avantgarde. Das Multitalent Basquiat kreierte ein flirrendes, synkopiertes Text-Bild-Gefüge, das der amerikanische Kurator und Kritiker Robert Storr sehr treffend als »Eye Rap« bezeichnete. Mit ebendieser avantgardistischen, unprätentiösen spontanen Herangehensweise schrieb Jean-Michel Basquiat Kunstgeschichte. Für ihn war dies ein künstlerisches Mittel, um auf die Komplexität des modernen Lebens in der Großstadt zu antworten.

In the New York of the eighties, Jean-Michel Basquiat (1960–1988) was the first African-American artist to receive international attention. The enormous scope of his oeuvre is inversely proportional to the short, productive period he was given. As the complexity and trailblazing innovative power of his paintings and drawings has been previously discussed at length–this book focuses on the creative aspect of language in Basquiat’s work. With its complex structures, spontaneous rhythms, and sampled, collage-like manifestations appealing to all the senses, his work was vaulted into the orbit of the Beat Generation’s pop poets and the protagonists of the musical avantgarde. The multitalented Basquiat created a shimmering, syncopated fabric of images and text, which the American curator and critic Robert Storr aptly called “eye rap.” It was this unpretentious, avant-garde, and spontaneous way of working with which Jean-Michel Basquiat wrote art history. It was an artistic means for him to respond to the complexity of modern life in the big city.

ISBN 978-3-7757-4184-2 (English) September 2016

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Erste Monografie auf Deutsch: das psychologisch eindringliche Werk einer Pionierin der Malerei The first German monograph: the psychologically penetrating work of a pioneer in art Die amerikanische Künstlerin Alice Neel (1900–1984) wurde erst in jüngerer Zeit als eine der wichtigsten figurativen Malerinnen in der amerikanischen Kunstgeschichte des 2o. Jahrhunderts gewürdigt. Während der Phase der revolutionären Abstraktion nahm sie ihre eigene radikale Position ein und entwickelte eine außergewöhnliche und eigene Formensprache, stets mit dem Anspruch, in ihren psychologisch eindringlichen Gemälden »Wahrhaftigkeit« zu vermitteln. Neel zeigte die Ängste und Schwächen des menschlichen Geschlechts in einer Zeit beispiellosen politischen, sozialen und technologischen Wandels auf. Der Ausstellungskatalog präsentiert rund 70 Gemälde. Die Autoren werfen einen Blick auf Neels künstlerische Entwicklung, die Rezeptionsgeschichte ihres Lebenswerkes, ihre Beziehung zur Fotografie des 20. Jahrhunderts, ihre Position im Hinblick auf die zweite Welle des Feminismus und auch auf ihr persönliches Interesse an der europäischen Kunst des frühen 20. Jahrhunderts. Sie vermitteln dabei einen frischen Eindruck vom kulturellen und künstlerischen Umschwung in Amerika.

The American artist Alice Neel (1900–1984) is acknowledged as one of the most important figurative painters in the history of American art in the twentieth century. Operating during a period of revolutionary abstraction, she took her own radical position by adopting a particular, idiosyncratic formal language, while always keeping an aim towards establishing “the truth” in her psychologically penetrating works. Neel portrays the anxieties and frailties of the human race in a period of unprecedented political, social, and technological change. The exhibition catalogue presents around seventy paintings. The authors review Alice Neel’s artistic development over approximately sixty years, and set out the history of her oeuvre’s reception, her relationship to twentiethcentury photography, her position in relation to secondwave feminism, and her personal interest in early twentiethcentury European art. This survey conveys Neel’s fresh impression of America at a time of cultural and artistic transition.

Alice Neel Painter of Modern Life

AUSSTELLUNGEN / EXHIBITIONS: Ateneum Art Museum, Helsinki

Hrsg. / Ed. JEREMY LEWISON, Texte von / texts by BICE CURIGER, PETRA GÖRDÜREN, JEREMY LEWISON, LAURA STAMPS, ANNAMARI VÄNSKÄ Ca. 240 S. / pp., ca. 130 Abb. / ills., 25 x 29 cm, Hardcover € 39,80 [D], CHF 48,50, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4176-7 (Deutsch) Juni / June 2016

9.6. – 9.10.2016 Gemeentemuseum Den Haag

5.11.2016 – 1 2.2.2017 Fondation Vincent van Gogh Arles

4.3. – 1 7.9.2017 Deichtorhallen Hamburg

13.10.2017 – 1 4.1.2018 18

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Das umfassende Schriftwerk des irischamerikanischen Malers Sean Scully The comprehensive written oeuvre of the Irish-American painter Sean Scully Sean Scully gehört zu den größten abstrakten Malern unserer Zeit. Er ist auch einer der unverblümtesten. Seit Ende der 1960er-Jahre wird seine visuelle Ausdruckskraft um eine verbale Dynamik ergänzt, die ebenso fasziniert wie seine Kunst. Scullys schriftliche Werke, die von einfachen Ideenskizzen bis zu umfassenden Betrachtungen über Künstler wie Vincent van Gogh, Giorgio Morandi und Mark Rothko reichen, zeichnen sich durch einen brutalen Lyrismus und die Mühelosigkeit ihrer aphoristischen Ausdrucksweise aus. Zugleich biografisch und politisch, treffend und unbeirrbar, bieten die nahezu 200 Texte, die in dieser Publikation versammelt sind, einen einzigartigen Blick auf eine der fesselndsten künstlerischen Vorstellungswelten des letzten halben Jahrhunderts. Die Leser werden darin einen Geist entdecken, der sich unermüdlich mit den tiefgründigsten Fragen von Kunst, Kulturgeschichte und mit Themen befasst, die einen Kunstschaffenden heute umgeben. Neben Faksimiles handgeschriebener und oft auch mit Zeichnungen versehener Seiten präsentiert der Band auch Schlüsselwerke, die Scullys Worte illustrieren.

INNER: The Collected Writings and Selected Interviews of Sean Scully

Sean Scully is among the greatest abstract painters of our age. He is also one of the most outspoken. Since the late sixties, Scully’s visual expressiveness has been matched by a verbal dynamism that is no less arresting than his art. Varying widely in form from brief reflections of compressed eloquence to essay-long meditations on artists such as Vincent Van Gogh, Giorgio Morandi, and Mark Rothko– Scully’s writings are distinguished by a brutal lyricism and the effortlessness of their aphoristic turn of phrase. At once biographical and political, poignant and unflinching, the nearly two hundred texts that comprise INNER: The Collected Writings and Selected Interviews of Sean Scully provide a unique perspective on one of the most engaging artistic imaginations of the past half century. Here, readers will discover the effusions of a mind tirelessly wrestling with the profoundest issues of art, cultural history, and what it means to be a creator in the contemporary world. The volume will be accompanied by key images illustrating Scully’s words as well as facsimile reproductions of handwritten pages by the artist into which drawings have been integrated.

Zu diesem Buch erscheint eine

Hrsg. / Ed. KELLY GROVIER, Texte von / texts by SEAN SCULLY, Gestaltung von / graphic design by HANNES AECHTER Ca. 320 S. / pp., ca. 50 Abb. / ills., 19 x 26 cm, Hardcover Ca. € 48,– [D], CHF 59,50, $75.00, £45.00 ISBN 978-3-7757-4164-4 (English) ISBN 978-3-7757-4200-9 (Chinese) August 2016

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p. 112 Please find more information at www.editiongerdhatje.com

“A bricklayer of the soul.” – B O N O

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“. . . something that comes from an interior, creative strength. It’s gutsy, poetic, political, and provocative all at once. It merges many different languages – performance, drawing, film, and dance converge in his work.” – T U CC I RUS S O

Die jüngste Publikation zum südafrikanischen Performancekünstler The most recent survey of the South African performance artist Der in Berlin lebende Künstler Robin Rhode (*1976 in Kapstadt) bedient sich einer Vielzahl visueller Sprachen, wie Fotografie, Performance, Zeichnung und Skulptur, um beeindruckend schöne Erzählungen zu schaffen. Rhode, der im erst kürzlich von der Apartheid befreiten Südafrika aufwuchs, sah sich dort mit neuen Formen des kreativen Ausdrucks konfrontiert, die eher vom individuellen Geist motiviert waren, als von einer politischen oder sozialen Absicht diktiert zu sein. Diese Publikation legt den Schwerpunkt auf den Einfluss der Arte povera der frühen 1960er- bis in die 1970er-Jahre, die Rhodes hybride Street-Art-Ästhetik prägte. Im kreativen Dialog mit der italienischen Kunstbewegung verwandelte er urbane Landschaften und Innenräume in Fantasiewelten, in denen Zeit und Raum verdichtet und zweidimensionale Darstellungen zum Thema dreidimensionaler Interaktionen eines einzigen Protagonisten werden. Rhodes Arbeiten zeigen ihn als Meister der Illusion, sie führen eine reiche Palette an historischen und zeitgenössischen Referenzen vor Augen und ein angeborenes Talent für das Verschmelzen hoher und niedriger Kunstformen.

Robin Rhode Tension

The Berlin-based artist Robin Rhode (*1976 in Cape Town) engages in a variety of visual languages such as photography, performance, drawing, and sculpture, to create arrestingly beautiful narratives. Coming of age in a newly post-apartheid South Africa, Rhode was exposed to new forms of creative expression motivated by the spirit of the individual rather than dictated by a political or social agenda. This new publication emphasizes the creative influence of the Italian art movement Arte Povera during the early sixties and seventies, on Rhode’s hybrid street-based aesthetic. The creative dialogue transformed urban landscapes and interior spaces into imaginary worlds, compressing space and time, as two-dimensional renderings become the subject of three-dimensional interactions by a sole protagonist. Rhode’s work reveals a mastery of illusion, a rich range of historical and contemporary references, and an innate skill for blending high and low art forms.

Zu diesem Buch erscheint eine

Texte von / Texts by ANDREA BELLINI, MICHELE ROBECCHI, Gestaltung von / graphic design by STEFAN SENGER Ca. 232 S. / pp., ca. 450 Abb. / ills., 30 x 22,4 cm, Leinen / clothbound € 49,80 [D], CHF 64,90, $75.00, £45.00 ISBN 978-3-7757-4160-6 (English, Italian) Juni / June 2016

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Taryn Simons künstlerische Untersuchungen der Inszenierung von politischer Macht Taryn Simon’s artistic research into the staging of political power In Paperwork and the Will of Capital vereint Taryn Simon (*1975) – eine der originellsten und anspruchsvollsten Konzeptkünstlerinnen unserer Zeit – Geopolitik, Gartenbauwissenschaft und die Kunst des Stilllebens, um zu untersuchen, wie die Inszenierung von Macht erschaffen, ausgeführt, vermarktet und erhalten wird. Bei der Unterzeichnung politischer Abkommen, Verträge, Vereinbarungen und Dekrete, die einige der wichtigsten Belange unserer Zeit festlegen, werden mächtige Männer von Blumenarrangements flankiert, die dazu angetan sind, die Bedeutung der Unterzeichnenden und der von ihnen vertretenen Institutionen zu vermitteln. Simon stellte die Arrangements anhand von Archivaufnahmen bedeutender Ereignisse nach und fotografierte sie; dann trocknete und presste sie die Blumen für ein Herbarium. Dieses prächtige Buch, teils Naturstudie, teils Metapher, zeugt von einem kunstvollen und faszinierenden Prozess künstlerischer De- und Rekonstruktion.

Taryn Simon Paperwork and the Will of Capital

AUSSTELLUNGEN / EXHIBITIONS: Gagosian, New York

18.2.–26.3.2016 Garage Museum of Contemporary Art, Moskau / Moscow

17.3.–22.5.2016 Tel Aviv Museum of Art, Tel Aviv

15.9.2016–14.1.2017 In Paperwork and the Will of Capital, Taryn Simon (* 1975)—one of the most original and challenging conceptual artists of our time—brings together geopolitics, horticultural science, and the art of the still life, to investigate how the stagecraft of power is created, performed, marketed, and maintained. At signings of political accords, contracts, treaties, and decrees determining some of the gravest issues of our time, powerful men flank floral centerpieces curated to convey the importance of the signatories and their represented institutions. Simon reconstituted and photographed the flower arrangements from archival images of key events; she then dried and pressed the flowers as herbarium specimens. This sumptuous book, part nature study, part metaphor, bears witness to an elaborate and intriguing process of artistic deconstruction and reconstruction.

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Texte von / Texts by HANAN AL-SHAYKH, DANIEL E. ATHA, KATE FOWLE, NICHOLAS KULISH, Gestaltung von / graphic design by JOSEPH LOGAN, TARYN SIMON 198 S. / pp., 1006 Abb. / ills., 25,5 x 33,7 cm, Hardcover € 78,– [D], CHF 99,00, $100.00, £70.00 ISBN 978-3-7757-4157-6 (English)

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»Das Beklemmendste an diesen Fotografien ist, dass auf ihnen weder die Mörder noch die Mordopfer zu sehen sind. An Schmekens Aufnahmen wirkt gerade das Unauffällige, Banale und Gewöhnliche unheimlich .« – H A N S M AG N US E N Z E N S B E RG E R

Im Frühjahr 2013 begann Regina Schmeken, die Tatorte des Nationalsozialistischen Untergrundes (NSU) zu fotografieren. Um der Beklemmung zu begegnen, die jeden ergreift, der sich mit den Attentaten auseinandersetzt, entschloss sie sich, die Fotografien im Rahmen einer Ausstellung zu zeigen. Dabei geht es darum, die Ungeheuerlichkeit dieser scheinbar willkürlichen Gewalt zu vergegenwärtigen sowie der Ermordeten zu gedenken. Der Titel bezieht sich auf die Propagandaformel »Blut und Boden« und damit auf die Überzeugung der Nationalsozialisten, dass ein »gesunder Staat« nur auf der Einheit von »eigenem Volk und Boden« gründen kann. Die Opfer des NSU waren vor allem türkischstämmige Mitbürger, die kaltblütig umgebracht oder schwer verletzt wurden. Regina Schmeken fotografierte in acht deutschen Städten Orte, die auf den ersten Blick keine Spuren mehr aufweisen. Entstanden ist ein großformatiger Bilderzyklus in Schwarz-Weiß, dessen Motive in dem vorliegenden Bildband dokumentiert sind. Die Fotografien, die die Geschehnisse mit bildnerischen Mitteln gleichsam aufarbeiten, wirken verstörend eindrücklich.

In early 2013, Regina Schmeken began taking pictures of the crime scenes of the National Socialist Underground (NSU). To overcome the sense of oppression that takes hold of anyone dealing with the crimes, she decided to turn her photography project into an exhibition. The aim is to show the monstrosity of these apparently random acts of violence and to commemorate the victims. The title makes reference to the Nazi slogan Blut und Boden (Blood and Soil) which reflects the conviction that the essentials of a “healthy nation” are its people and the soil on which it is built. Most of the NSU victims who were severely injured or even murdered in cold blood were of Turkish origin. Regina Schmeken took photographs of sites in eight German cities that at first glance no longer exhibit any visible traces of the crimes. The result has been a series of large-format black-and-white pictures, which have been documented in the present volume. The photographs come disturbingly impressive and reflect the process of coming to terms with the events by pictorial means.

Regina Schmeken Blutiger Boden. Die Tatorte des NSU Hrsg. / Ed. MI LITÄR H ISTOR ISCH ES MUSEUM DER BU N DESWEH R, DRESDEN, Texte von / texts by HANS MAGNUS ENZENSBERGER, SHERMIN LANGHOFF, GORCH PIEKEN, KATJA PROTTE, AN ETTE RAMELSB ERGER, MATTH IAS RO GG, FER I DU N ZAIMO GLU Ca. 144 S. / pp., ca. 80 Abb. / ills., 30,5 x 22 cm, Hardcover Ca. € 35,– [D], CHF 44,00, $55.00, £32.50 ISBN 978-3-7757-4158-3 (Deutsch) Oktober 2016

AUSSTELLUNGEN / EXHIBITIONS: Militärhistorisches Museum der Bundeswehr, Dresden

3.11.2016 – 7.5.2017 26

sowie weitere Stationen / and further venues

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Der Rhein – 60 fotografische Positionen zwischen Zeugnis und Mythos The Rhine— sixty photographic positions between testimony and myth Der Rhein ist ein Bilderstrom, und das gleich im doppelten Sinn. Seit Beginn der Bildproduktion ist der berühmteste aller europäischen Flüsse ein Motiv, das in zahlreichen Gemälden, Zeichnungen und Stichen Verbreitung findet. In ihrer Summe erzeugen und modellieren die Rheinbilder kollektive Vorstellungen, welche die Wahrnehmung des Flusses bis heute prägen. Sie changieren dabei zwischen Zeugnis und Mythos, zwischen Klischee und Kunst. Der Ausstellungskatalog erkundet die ambivalenten Wechselwirkungen zwischen Fluss und Bild anhand der Fotografie, jenem technischen Verfahren der Moderne, das in einem besonderen Spannungsfeld zwischen Wirklichkeitstreue und Sehnsucht nach Imagination steht. Über 60 namhafte Fotografen, insbesondere aus den Ländern – Deutschland, Frankreich, Schweiz und den Niederlanden, die der Rhein verbindet, präsentieren ein Spektrum, das von freien dokumentarischen und bildjournalistischen Arbeiten bis zu fotokünstlerischen Positionen reicht.

bilderstrom Der Rhein und die Fotografie 2016–1853 Hrsg. / Ed. LVR-LAN DESMUSEUM B ON N, CH R ISTOPH SCHADEN, Texte von / texts by ADELHEID KOMENDA, CHRISTOPH SCHADEN, GERALD SCHRÖDER, MONA SCH U B ERT, u. a. / et al. Gestaltung von / graphic design by PETER KRÜ LL Ca. 256 S. / pp., ca. 180 Abb. / ills., 22 x 27 cm, Hardcover Ca. € 29,80 [D], CHF 37,40, $45.00, £26.99 ISBN 978-3-7757-4190-3 (Deutsch) September 2016

Since the beginning of pictorial production, the Rhine, Europe’s most celebrated river, has been the subject of numerous paintings, drawings, and engravings. By and large, these images of the Rhine create and model collective notions that influence our perception of the river to this very day, alternating between testimony and myth, between cliché and art. The exhibition catalogue explores the ambivalent correlation between river and image based on photography, this modern technical process that occupies a special field of tension between reality and imagination. More than sixty renowned photographers, primarily from the countries adjacent to the Rhine—Germany, France, Switzerland, and the Netherlands—present a spectrum of photographic positions that range from documentary and photojournalistic to artistic.

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: LVR-LandesMuseum Bonn

9.9.2016 – 2 2.1.2017

»Ich bin bereit, dem Rhein alles zu glauben ...« – H EINRICH BÖLL ,

1957

Mit WERKEN von / With WORKS by: Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Chargesheimer, Hannes Maria Flach, Francis Frith, Robert Häusser, Candida Höfer, Barbara Klemm, Herbert List, Ute Mahler, Charles Marville, Lee Miller, Gerhard Richter, Albert Renger-Patzsch, Frits Rotgans, August Sander, Wolfgang Tillmans, … 29

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Atemberaubende Fotografien vom Nabel der Welt Breathtaking photographs from the hub of the world 2012 unternahm Samuel Zuder (*1965) eine Reise zu einem der faszinierendsten Orte der Welt. Der Legende nach wurde er von niemandem bis auf Yogi Milarepa im 12. Jahrhundert jemals bestiegen, wenngleich von Abertausenden Pilgern umrundet: Der Mount Kailash, der wegen seiner außergewöhnlichen symmetrischen Form auch »Juwel des Schnees« genannt wird, liegt inmitten der Gesteinswüste der tibetischen ChangtangHochebene. Verehrt von gleich vier Glaubensrichtungen – Hinduismus, Buddhismus, Jainismus und Böns –, ist er das Sujet des Fotografen, der die Anziehungskraft dieses Ortes – sein Versprechen von Glück und Erleuchtung – in Bilder bannt. Über mehrere Wochen begleitete Zuder mit einer analogen Großformat-Kamera die Wallfahrer auf ihrem rund 53 Kilometer langen Pfad um den Berg, den sie alle als Ursprung der Welt betrachten. Die stille Erhabenheit des Mount Kailash spiegelt sich nicht nur in den beeindruckenden Landschaftsaufnahmen, sondern auch in den Gesichtern der Menschen auf diesem Weg wider.

Samuel Zuder Face to Faith | Mount Kailash | Tibet Text von / Text by SAMUEL ZUDER, Gestaltung von / graphic design by PETER SCHMIDT, BELLIERO & ZANDÉE Ca. 192 S. / pp., ca. 70 Abb. / ills., 28 x 33 cm, Hardcover Ca. € 58,– [D], CHF 75,00, $85.00, £55.00 ISBN 978-3-7757-4150-7 (Deutsch, English) September 2016

In 2012, Samuel Zuder (*1965) set out to one of the most fascinating places in the world. According to legend, the yogi Milarepa was the only one to have scaled it in the twelfth century, although thousands of pilgrims circumambulated it: Mount Kailash—also known as the “Jewel of Snow” due to its unusually symmetrical form—in the middle of the rocky desert of Tibet’s Changthang plateau. Venerated by four religious orientations—Hinduism, Buddhism, Jaina, and Bön— the photographer harnessed the magnetism of this site, its promise of happiness and enlightenment, in his images. With his large-format, analogue camera, Zuder accompanied pilgrims over a period of several weeks on their approximately fifty-three-kilometer-long path around Mount Kailash–which they regard as the origin of the world–to capture its silent grandeur.

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“Herzog’s affectionate reportage was made out of a feeling for places and structures that, because of their specific qualities, evoked that particular kind of response–an impulse to savour, celebrate and commemorate.” – J E F F WA L L Pionier der Farbfotografie: Umfassendes Überblickswerk mit unveröffentlichtem Fotomaterial Pioneer of color photography: Comprehensive overview with unpublished photographic material

Fred Herzog Texte von / Texts by DAVID CAMPANY, HANS-MICHAEL KOETZLE, JEFF WALL Ca. 320 S. / pp., ca. 230 Abb. / ills., 26,5 x 26,5 cm, Hardcover Ca. € 35,– [D], CHF 44,00, $45.00, £32.50 ISBN 978-3-7757-4181-1 (Deutsch, English) November 2016

Fred Herzog wurde vor allem durch seinen ungewöhnlichen Einsatz von Farbe in den 1950er- und 1960er-Jahren bekannt, einer Zeit, in der Kunstfotografie häufig nur mit Schwarz-Weiß-Aufnahmen in Verbindung gebracht wurde. Mehr als 50 Jahre lang arbeitete der kanadische Fotograf nahezu ausschließlich mit Kodachrome-Diafilmen, und erst im vergangenen Jahrzehnt ermöglichte es ihm der technologische Fortschritt, archivalische Pigmentdrucke herzustellen, die den außergewöhnlichen Farben und der Intensität der Kodachrome-Dias entsprechen. In dieser Hinsicht können seine Fotografien als Prototyp für die New-Color-Fotografen der 1970er-Jahre gelten. Diese Monografie vereint mehr als 230 Aufnahmen, von denen ein Großteil nie zuvor reproduziert wurde, und enthält zudem Beiträge gefeierter Autoren wie David Campany und HansMichael Koetzle. Fred Herzog ist die bislang umfassendste Publikation zum Werk dieses bedeutenden Fotografen.

Fred Herzog is known for his unusual use of color in the fifties and sixties, a time when art photography was frequently associated with black-and-white imagery. The Canadian photographer worked almost exclusively with Kodachrome slide film for over fifty years, and only in the past decade has technology allowed him to make archival pigment prints that match the exceptional color and intensity of the Kodachrome slide. In this respect, his photographs can be seen as a prefiguration of the New Color photographers of the seventies. This book brings together over 230 images, many never before reproduced, and features essays by acclaimed authors David Campany and Hans-Michael Koetzle. Fred Herzog is the most comprehensive publication on this important photographer to date.

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Aufgegabelt: Fundstücke aus privaten Fotoalben Unearthed: finds from private photo albums »Ich verstehe nicht, wie man an einem Baum vorübergehen kann, ohne glücklich zu sein«, heißt es in Fjodor Dostojewskis Roman Der Idiot. Und vielleicht erklärt dieser Ausspruch auch ein wenig das zwischen den 1920er- und 1950er-Jahren beliebte, aber bislang in keinem Buch thematisierte Motiv von Frauen auf Bäumen, die der begeisterte Sammler Jochen Raiß auf seinen Flohmarktstreifzügen entdeckt hat. Aus Kisten, in denen sich zahlreiche Momentaufnahmen aus fremden Leben wild zusammengewürfelt befanden, zog er Schwarz-Weiß-Aufnahmen junger Frauen heraus, die in schwindelerregender Höhe ihrem Gegenüber manchmal fast verliebt zulächeln. Die Publikation versammelt die Bildfunde dieses charmanten Genres, die Raiß über die Dauer von 25 Jahren zusammengetragen hat. Ob keck die Beine baumeln lassend, lässig in die Astgabelungen geschmiegt oder sportlich die Baumwipfel erklimmend – jedes Bild hat seine ganz eigene Geschichte, die es zu entdecken gilt. Ein Buch voller Nostalgie.

Frauen auf Bäumen / Women in Trees Hrsg. und Text von / Ed. and text by JO CH EN RAISS, Gestaltung von / graphic design by GABRIELE SABOLEWSKI 112 S. / pp., ca. 55 Abb. / ills., 12 x 17 cm, Hardcover € 15,– [D], CHF 19,90, $25.00, £13.99 ISBN 978-3-7757-4167-5 (Deutsch) ISBN 978-3-7757-4218-4 (English) Juni / June 2016

» Auf all diesen Fotos sind Frauen zu sehen, deren Lebensgeschichte ich niemals erfahren werde. Ich weiß nicht, warum und wo sie auf einen Baum gestiegen sind, wen sie anlächeln. Das lässt viel Raum für Geschichten, die im Kopf entstehen können. « – J O C H E N R A I S S

“You know, I don’t know how one can walk by a tree and not be happy at the sight of it?” writes Fyodor Dostoyevsky in The Idiot. Perhaps this sentence could also be used to explain the theme of women in trees that was so popular between the twenties and fifties and, until now, has never before been assembled in a book. The enthusiastic collector Jochen Raiß discovered this subject during his flea market excursions. He pulled black-and-white photographs out of boxes in which he found numerous snapshots of other people’s lives thrown together haphazardly. They feature young women at dizzying heights who at times smile into the camera as if they were in love. The publication assembles the finds from this charming genre that Raiß compiled over a period of twenty-five years. Whether cheerfully dangling their legs, casually nestling in the forks of branches, or athletically climbing to the treetop— each picture has its very own story to discover. A book full of nostalgia.

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“Hyper real, crisply focused, you can study and wonder at the insane detail of these sets […]” – SA M M E N D E S

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Zu Gast bei James Bond – spektakuläre Aufnahmen des SpectreFilmsets Visiting James Bond— Spectacular pictures of the Spectre film sets Basierend auf den spektakulären Kulissen des letzten James-Bond-Films Spectre hat das britische Künstlerduo Anderson & Low ein höchst kreatives Kunstprojekt geschaffen. In den Aufnahmen, die allesamt in den Pinewood Studios entstanden sind, stellte das Künstlerduo eine frontale Kollision von Fantasie und Wirklichkeit in den Mittelpunkt, indem es sowohl die enormen Ausmaße als auch die außerordentliche Detailtreue der Kulissen fotografisch festhielt. Dass sich in diesen Aufnahmen auch die schmucklosen Studios ins Bild drängen dürfen – was die Illusion des Sets in der Regel zerstört –, hat hier den gegenteiligen Effekt. Denn vielmehr verstärkt sich dadurch das Gefühl von Staunen und trickreicher Täuschung. So erwecken die wunderschön gestalteten und prächtig fotografierten Bilder die riesigen, detailreichen Tableaux zum Leben und erschaffen eine Poesie und erzählerische Fantasie, die gleichzeitig den Film widerspiegeln. Diese Publikation stellt eine einzigartige Studie des Filmschaffens und der konstruierten Narrative in der Fotografie dar.

The British artist duo Anderson & Low has created a highly original art project based on the brilliant artifice of the spectacular sets from the latest James Bond movie, Spectre. Shooting entirely at Pinewood Studios, the artist duo highlights a head-on collision of fantasy and reality by photographing the sets’ massive scale and extraordinary detail. Allowing the bare soundstage to intrude on the images would normally shatter the illusion of the sets. In this case, however, it has the reverse effect and enhances the sense of illusion, artifice, and wonder. Through a poetic and painterly eye, the beautifully designed and magnificently photographed images bring to life these detailed and massive tableaux, creating a poetry and narrative fantasy that mirrors the movie. This book represents a unique study in movie-making and constructed narratives in photography.

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Camera Work, Berlin

24.6.–27.8.2016 Anderson & Low On the Set of James Bond’s Spectre Vorwort von / Foreword by SAM MENDES, Text von / text by SCOTT BUKATMAN, Gestaltung von / graphic design by CHEE HO WAN Ca. 64 S. / pp., ca. 40 Abb. / ills., 32 x 25 cm, Hardcover Ca. € 38,– [D], CHF 46,90, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4198-9 (English) Juni / June 2016

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Einblick in die Arbeit des Berliner Architekturbüros Insight into the work of the Berlin architectural practice Das Büro Staab Architekten widmet sich seit seiner Gründung 1991 einem breiten Spektrum von Bauaufgaben, das von Neubauten in sensiblen Stadt- und Landschaftsräumen bis zu Umbauten und Neuinterpretationen von denkmalgeschützten Gebäuden reicht. Seine Handschrift lässt sich nicht anhand formaler Ähnlichkeiten erkennen, sondern in der methodischen Herangehensweise, die hinter der individuellen Entwicklung jedes einzelnen Projektes steckt. Aus den komplexen Rahmenbedingungen jeder Bauaufgabe wird eine Vielzahl von Bezugspunkten bestimmt, aus denen Form, Funktion und Materialität der Bauwerke entwickelt werden. Anhand übergeordneter Themen und einer Auswahl von Projekten wird die Arbeitsweise des Büros aus eigener Sicht und aus der Perspektive des Architekturkritikers Florian Heilmeyer näher beleuchtet.

Since founding their office in 1991, Staab Architekten have devoted themselves to a broad spectrum of construction projects that range from new buildings in sensitive urban spaces and landscapes to conversions and reinterpretations of landmarked buildings. The office’s signature cannot be identified based on formal similarities but rather in the methodical approach behind the individual development of each project. Many points of reference are determined by the complex parameters of each construction project, from which the form, function, and materiality of the structures are developed. Based on overarching themes and a selection of projects, light is cast on Staab Architekten’s approach from the perspective of the office itself as well as that of architectural critic Florian Heilmeyer.

Staab Architekten Verwandte Unikate / Kindred Objects Texte von / Texts by FLORIAN HEILMEYER, STAAB ARCHITEKTEN, Gestaltung von / graphic design by FERNKOPIE Ca. 352 S. / pp., ca. 500 Abb. / ills., 30 x 25,8 cm, Leinen / clothbound Ca. € 68,– [D], CHF 86,00, $105.00, £60.00 ISBN 978-3-7757-4204-7 (Deutsch) ISBN 978-3-7757-4205-4 (English) November 2016

Ausgewählte Projekte / Selected projects: LWL-Museum für Kunst und Kultur, Münster; Neue Galerie Kassel; Museum der Bayerischen Könige; Richard-Wagner-Museum, Bayreuth

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Eine Design-Bibel, die begeistert A fascinating design bible Dänemark hat längst internationale Designgeschichte geschrieben. Dänische Möbel, Textilien, Haushaltsgegenstände und -utensilien der 1960er- und 1970er-Jahre sind heute gefragter denn je. Die herrlichen Stücke werden inzwischen von Designgalerien angeboten und sind auf Flohmärkten kaum mehr zu finden. Kurzum, das nordische Gebrauchsdesign für jeden Tag hat sich zu einer international gesuchten Trophäe für Kenner entwickelt. Die Publikation bietet einen umfassenden Überblick über jene Alltagsobjekte, die bis heute in Dänemark, aber auch weltweit Designgeschichte geschrieben haben. Der Leiter der Forschungsabteilung des Designmuseums in Kopenhagen, Lars Dybdahl, dringt zusammen mit 32 führenden Wissenschaftlern und Publizisten in die spannende Geschichte der einzelnen Gegenstände ein. Spielerisch vorgestellt und in ihrem historischen Kontext verortet, lässt der Katalog diese einzigartige Objektwelt in einem neuen Licht erscheinen.

Denmark has long since written international design history. Today, Danish furniture, textiles, and home appliances and utensils from the sixties and seventies are more popular than ever. The beautiful pieces are available for sale at design galleries and have become a rarity at flea markets. In short, Nordic items for everyday use have become internationally sought-after trophies for sophisticates. This publication provides an extensive overview of those everyday objects that have to this day written design history both in Denmark as well as worldwide. Along with thirty-two leading scholars and journalists, the head of the library and research at the Designmuseum Danmark in Copenhagen, Lars Dybdahl, advances into the fascinating history of the individual objects. Playfully presented and situated in their historical context, the catalogue sheds new light on this unique world of objects.

101 Danish Design Icons Hrsg. / Ed. DESIGNMUSEUM DANMARK, Texte von / texts by LARS DYBDAHL, u. a. / et al. Ca. 464 S. / pp., ca. 250 Abb. / ills., 20,5 x 26,5 cm, Hardcover Ca. € 39,80 [D], CHF 48,50, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4212-2 (English) Oktober / October 2016

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Einfach schön: die bibliophil ausgestattete Monografie über den dänischen Möbeldesigner Simply beautiful: the elaborately crafted monograph on the Danish furniture designer Børge Mogensen (1914–1972) war einer der wichtigsten und einflussreichsten Vertreter des dänischen Möbeldesigns. In mehr als 30 Jahren schuf er eine Vielzahl an Qualitätsmöbeln, von denen einige bis heute als DesignKlassiker gehandelt werden, wie etwa sein Spanischer Stuhl. Beeinflusst von traditioneller Handwerkskunst, ließ er sich oft auch von Shaker-Möbeln inspirieren. All seine Ideen hielt er sogleich fest – ob auf Streichholzschachteln, Servietten oder bereits verwendeten Briefumschlägen. Diese prachtvolle Monografie untersucht Mogensens spannende Arbeitsweise und stellt seine bekanntesten und beliebtesten Möbelstücke und -serien vor. Werkstattzeichnungen, Skizzen und Aufnahmen seiner Möbel sowie Fotografien aus seinem Alltag ermöglichen spannende Einblicke in die Welt des dänischen Designers, dessen Möbel nicht nur sehr gut aussehen, sondern auch eines im Besonderen sind: funktional.

Børge Mogensen (1914–1972) was one of the most important and influential representatives of Danish furniture design. In more than thirty years, he created a wealth of quality furniture, many pieces of which are sold as design classics to this day, for example his Spanish Chair. Influenced by traditional craftsmanship, he was also often inspired by Shaker furniture. He noted down all of his ideas immediately—whether on matchboxes, napkins, or used envelopes. This magnificent monograph examines Mogensen’s interesting approach and presents his most well known and most popular pieces of furniture. Workshop drawings, sketches, and photographs of his furniture as well as pictures from his everyday life permit fascinating insight into the world of the Danish designer, whose furniture is not only very attractive but above all: functional.

Børge Mogensen Möbel mit Format / Simplicity and Function Text von / Text by MICHAEL MÜLLER Ca. 240 S. / pp., ca. 230 Abb. / ills., 22 x 27,5 cm, Hardcover Ca. € 49,80 [D], CHF 64,90, $75.00, £45.00 ISBN 978-3-7757-4210-8 (Deutsch) ISBN 978-3-7757-4211-5 (English) Oktober / October 2016

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P wie PARTIZIPATION Kompakt informiert: was macht »Wohnen heute« zukünftig aus Compact information about “contemporary living” in the future

Die gemeinsame Erarbeitung der Regeln des Zusammenlebens und der baulichen Ausformung nach den Wünschen und Bedürfnissen der Teilnehmer ...

P for PARTICIPATION The joint drafting of rules for community living and the design of architecture that meets the needs and desires of the participants in the course of workshops . . .

Die Fortentwicklung des Wohnungsbaus in den europäischen Großstädten steht angesichts einer nicht nachlassenden Urbanisierung gegenwärtig vor großen Herausforderungen. Zugleich wächst das Interesse an Wohneigentum, und die Differenzierung von Wohnbedürfnissen steigt aufgrund des demografischen Wandels. Als Reaktion darauf entstehen gegenwärtig neue Bauinitiativen, die an individuellen Anforderungen und selbstbestimmten Organisationsformen ausgerichtet sind. Diese Wohnprojekte folgen einem gemeinsamen Ansatz im Planungs- und Wohnprozess: der Partizipation! Von A wie Architekt bis Z wie Zeitbedarf stellt dieses Buch alle wichtigen Begriffe zum gemeinsamen Planen und Wohnen kurz und prägnant vor. Die Begriffe begleiten die Konkretisierung der Ideen, die Konzeptfindung und die Planungsprozesse von Wohnprojekten und bilden ihre innere Struktur ab. Sie sind Teil der Kommunikation zwischen Bewohnern, Bauherr und Architekt und beschreiben den Weg hin zum Wohnen in der Gemeinschaft.

The further development of housing in the major European cities faces a number of challenges in these days of rampant urbanization. This trend is coupled with a growing interest in home ownership and increasingly diverse domestic requirements that are the result of demographic change. In response to these challenges, new building initiatives are being formed with the aim of meeting individual requirements through self-determined forms of organization. These housing projects take a communal approach to both the planning process and later day-to-day living: Participation! From A for Architect to Z for Zoning, this book provides a brief and informative overview of all the key terms describing communal planning and living. These terms accompany the development of ideas and concepts as well as the planning processes for housing projects and map their inner structure. They are part of the communication between residents, client, and architect, and describe the path toward the ultimate goal of living in a functioning community.

Keine Angst vor Partizipation / Don’t Be Afraid to Participate Das kleine ABC des gemeinsamen Bauens und Wohnens / The Little ABC of Communal Planning and Housing Hrsg. / Ed. ARCHITEKTURMUSEUM DER TU MÜNCHEN, in Zusammenarbeit mit / in collaboration with MITBAUZENTRALE MÜNCHEN, Texte von / texts by NATALI E SCHALLER, H EI KE SKOK, H I LDE STROB L, Zeichnungen von / drawings by SABINE HIRSIG, Gestaltung von / graphic design by KW NEUN GRAFIKAGENTUR 96 S. / pp., 50 Abb. / ills, 12,5 x 19 cm, Softcover € 9,80 [D], CHF 13,50, $15.00, £8.99 ISBN 978-3-7757-4178-1 (Deutsch, English) Lieferbar / Available

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Architekturmuseum TU München in der Pinakothek der Moderne

17.3. – 1 2.6.2016

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Erste Monografie über den AgaKhan-Preisträger First monograph on the recipient of the Aga Khan Award for Architecture Diébédo Francis Kéré (*1965 in Burkina Faso) steht wie kaum ein anderer Architekt für das Zusammendenken konstruktiver, sozialer und kultureller Aspekte des Bauens. Nicht nur mit seinen Entwürfen für Christoph Schlingensiefs Operndorf machte er sich einen Namen. Vor allem für die realisierten Bauprojekte in seiner Heimat Burkina Faso erhielt er zahlreiche internationale Preise – darunter 2004 den Aga Khan Award for Architecture. In seinen Gebäuden vereint sich seine Ausbildung an der Technischen Universität Berlin mit den traditionellen Baumethoden Burkina Fasos. Dabei stellt er die gesellschaftlichen und historischen Notwendigkeiten vor Ort ins Zentrum seiner Gestaltungskonzepte. Das Innovative: Er setzt auf die Bewohner. Sie werden zu Fachleuten ausgebildet und so zu Konstrukteuren ihrer Zukunft. Die erste Monografie zu seinem umfassenden Werk bietet einen einzigartigen Einblick in das Schaffen dieses herausragenden Architekten und führt vor Augen, dass sich Architektur nicht nur um Gebäude, sondern immer auch um Menschen dreht.

Francis Kéré Architektur / Architecture Hrsg. / Ed. ANDRES LEPIK, Texte von / texts by AYCA BEYGO, ANDRES LEPIK u. a. / et al., Gestaltung von / graphic design by VERENA GERLACH Ca. 160 S. / pp., ca. 120 Abb. / ills., 24 x 28 cm, Hardcover Ca. € 38,– [D], CHF 46,90, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4216-0 (Deutsch) ISBN 978-3-7757-4217-7 (English) November 2016

Unlike almost any other architect, Diébédo Francis Kéré (*1965 in Burkina Faso) stands for the association of constructive, social, and cultural aspects of building. He made a name for himself not only with his designs for Christoph Schlingensief’s Opera Village Africa. He has received numerous international awards, primarily for his building projects in his native country of Burkina Faso— including the 2004 Aga Khan Award for Architecture. His structures join his formal training at the Technische Universität Berlin with the traditional building methods of Burkina Faso. In doing so, he places local social and historical needs at the center of his design concepts. The innovative thing about this work is: he relies on the inhabitants. They are trained to become professionals and thus the constructors of their own future. This first monograph on his extensive oeuvre provides unique insight into the creative work of this outstanding architect and renders visible the fact that architecture not only revolves around buildings, but always around people as well.

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Architekturmuseum TU München in der Pinakothek der Moderne November 2016

»Mit Diébédo Francis Kéré findet die Architektur zurück zu ihrem tiefen Sinn.« – M A R I O B OT TA 47

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ART 48

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“Promise to be rigorous, to follow the path of the opposition, promise to drag out by its hair, to force out that half-glimpsed breath of poetry. Promise to be less pluralistic, to see in verticality the only possible way out, wherever it leads. Promise to pay your debts and always in person.” – J A N N I S KO U N E L L I S

Ein Ausnahmekünstler gibt sich die Ehre! Jannis Kounellis hat für unsere EDITION GERD HATJE eine Lithografie geschaffen, die ein Stück Arte povera auch für Zuhause erschwinglich macht: Das Blatt mit dem Titel Untitled zeigt den Stiefelabdruck des Künstlers auf Papier. Lakonisch und mit den sparsamsten Mitteln ist eine Arbeit entstanden, welche die Gegensätze Statik (Stein) und Dynamik (Schuhsohle) miteinander verbindet. Eine poetisch anmutende Arbeit mit dem ruppigen Charme der Arte povera.

Die Publikation zu Kounellis’ spektakulärer Inszenierung in den Hallen der Monnaie de Paris The publication accompanying Kounellis’s spectacular staging in the halls of the Monnaie de Paris

Wer die Ausstellungsräume der Monnaie de Paris im Frühjahr dieses Jahres betrat, hielt unwillkürlich den Atem an. Jannis Kounellis (*1936 in Piräus), Mitbegründer und einer der wichtigsten Vertreter der Arte povera, konzipierte für die historischen Hallen der französischen Münzprägeanstalt ein neues, offenes Kunstwerk, das mit dem Ort eine Verschmelzung der besonderen und wortwörtlichen Art eingeht. Wie bei all seinen Arbeiten kommt für Kounellis der Raum zuerst ins Spiel, die Idee, ihn zu füllen danach. So vollziehen Buch und Ausstellung die Entwicklung seines Werkes anhand der Räume nach, in denen diese lebendige Kunst jeweils Gestalt annimmt.

Those who entered the exhibition spaces of the Monnaie de Paris in this spring would have surely held their breath. Jannis Kounellis (*1936 in Piraeus), cofounder and one of the most important representatives of Arte Povera, designed a completely new, open work of art for the venerable halls of the Monnaie de Paris, the French Mint. As is the case for all of his works, for Kounellis what comes into play first is space, followed by the idea for filling it. Thus the catalogue as well as the exhibition consummate the development of his oeuvre on the basis of each of the spaces in which this vibrant art takes shape.

Jannis Kounellis Texte von / Texts by CHRISTOPHE BEAUX, JANNIS KOUNELLIS, CHIARA PARISI, Gestaltung von / graphic design by JULIA WAGNER, grafikanstalt 64 S. / pp., 47 Abb. / ills., 20,7 x 27,9 cm, Hardcover € 30,– [D], CHF 37,50, $45.00, £26.99 ISBN 978-3-7757-4159-0 (English, French) Lieferbar / Available

MEH R I N FORMATION EN ZU DI ESER ARBEIT FI N DEN SI E AU F S. 113 U N D U NTER WWW.EDITIONGERDHATJ E.COM An exceptional artist does the honors! For our EDITION GERD HATJE, Jannis Kounellis has created a lithograph that makes a piece of Arte Povera affordable for one’s own home: the sheet with the title Untitled features the artist’s boot print on paper. Laconically and with the most economical means, a work was produced that joins the opposites of static (stone) and dynamic (sole of a shoe). A work suggestive of poetry with the rough charm of Arte Povera. MORE INFORMATION ON THIS WORK CAN BE FOUND ON P. 113 AND AT WWW.EDITIONGERDHATJE.COM 50

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»Ich will mein Ich in Farbe und Form kleiden ...« – WILHELM MORGNER

AUSSTELLUNGEN / EXHIBITIONS: Kunsthaus Zürich / Zurich

3.6. – 2 5.9.2016

“I want to dress my Self in color and form . . .” – WILHELM MORGNER

MoMA, New York

20.11.2016 – 1 9.3.2017

Wilhelm Morgner und die Anfänge der abstrakten Kunst Hrsg. / Ed. KLAUS KÖSTERS, Texte von / texts by KLAUS KÖSTERS, WALTER WEIHS, Gestaltung von / graphic design by GABRIELE SABOLEWSKI 192 S. / pp., ca. 200 Abb. / ills., 24 x 28 cm, Hardcover Ca. € 39,80 [D], CHF 48,50, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4097-5 (Deutsch) November 2016

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Wilhelm Morgner (1891–1917) gehört zu den wenigen Künstlern der europäischen Avantgarde, die schon vor 1914 einen ganz eigenständigen Weg in die Abstraktion fanden. Ihm blieben allerdings nur wenige Jahre für sein künstlerisches Schaffen, da er 1917 im Ersten Weltkrieg fiel. Anlass dieser Publikation ist der 100. Todestag Morgners 2017. Ausgangspunkt seines künstlerischen Weges war die expressionistische Vorstellung vom Künstler als Ausnahmemenschen, der sich von der Tradition befreit und aus sich selbst heraus eine neue Kunst schafft. Später sollte Morgner sich theosophisch-anthroposophischen Vorstellungen nähern, die ihn zur abstrakten Kunst führten – wie Wassily Kandinsky, Franz Marc, František Kupka und Piet Mondrian, die im Buch mit vergleichbaren Arbeiten vorgestellt werden. So fügen sich Morgners Bilder in eine europäische Kunstströmung ein, die vor 1914 ganz entscheidend die Entwicklung zur abstrakten Kunst einleitete.

Dada ist da! In Zürich schon immer und zum 100. Jubiläum der Bewegung in diesem Jahr erst recht. Einer der gepriesensten Protagonisten der Bewegung steht im Fokus dieser fulminanten Publikation: Francis Picabia (1879–1953), der AppropriationKünstler, bevor es dieses Wort überhaupt gab, der schneidige Rennfahrer, Salonlöwe und Frauenheld, der den Autoritäten spottete und sich mit Chuzpe der Kunstgeschichte »annahm«. Seine Kunst erscheint wie ein Spiegelbild seiner selbst: Sie bewegt sich zwischen Kitsch und Ambition, ist exzentrisch, ironisch und exzessiv zugleich. Der Katalog umfasst Texte namhafter Autoren, die die Position Picabias in die Dada-Bewegung einordnen und seinen Beitrag zur Kunst der Moderne kritisch hinterfragen. Nicht zuletzt der opulente Abbildungsteil macht das aufwendig ausgestattete Buch zu einem Lesevergnügen mit Langzeitwirkung, weit über den Ausstellungsbesuch hinaus.

Wilhelm Morgner (1891–1917) is one of the few artists of the European avant-garde to find his own way to abstraction before 1914. Only a few years thereafter remained for his artistic work, however, as he was killed in action in 1917 during World War I. The occasion for this publication is the hundredth anniversary of Morgner’s death in 2017. The starting point of his artistic path was the Expressionist concept of the artist as an exceptional individual who liberates himself from tradition to create a new kind of art on his own accord. He would later show an interest in theosophy and anthroposophy, which led him to abstract art—like Vassily Kandinsky, Franz Marc, František Kupka, and Piet Mondrian, who are also presented in the book with comparable works. Thus Morgner’s paintings fall into line with a European art movement that decisively contributed to the development of abstract art prior to 1914.

Dada is here! It always has been in Zurich and even more so on the hundredth anniversary of the movement this year. One of the most lauded protagonists of the movement is now the focus of the brilliant exhibition at the Kunsthaus Zürich: Francis Picabia (1879–1953), an appropriation artist before the term even existed, the dashing racecar driver, lounge lizard, and womanizer who ridiculed authorities and “adopted” art history with chutzpah. His art was like him: between kitsch and ambition, eccentric, ironic, excessive. The retrospective promises to be a red-letter event. The catalogue provides essays and texts by well-known authors who situate Picabia’s position in the Dada movement and scrutinize his contribution to art of the modern era. The quality of the illustrated section makes for an elaborate exhibition catalogue that is a wonderful read in the long term, long after having visited the presentation.

Ein Verwandlungskünstler und subversiver Exzentriker An artist of transformation and a subversive eccentric

Francis Picabia Unser Kopf ist rund, damit das Denken die Richtung wechseln kann Hrsg. / Eds. CATHÉRINE HUG, ANNE UMLAND, Texte von / texts by GEORGE BAKER, CAROLE BOULBÈS, MASHA CHLENOVA, BRIONY FER, GORDON HUGHES, DAVID JOSELIT, JEAN-JACQUES LEBEL, BERNARD MERCADÉ, ARNAUD PIERRE, RACHEL SILVERI, JURI STEINER, ADRIAN SUDHALTER, AURÉLIE VERDIER Ca. 368 S. / pp., ca. 300 Abb. / ills., 24 x 30,5 cm, Hardcover € 55,– [D], CHF 69,00, $85.00, £50.00 ISBN 978-3-7757-4175-0 (Deutsch) Juni / June 2016

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Ohne den Faden zu verlieren – einer lebendigen Webtradition auf der Spur Without losing the thread—on the trail of a living weaving tradition

Museum der Kulturen Basel

21.10.2016 – 2 6.3.2017

Mustergültig Globale Spuren in der lokalen Ikat-Mode Global Traces in Local Ikat Fashion Mit Beiträgen von / With contributions by LORRAINE V. ARAGON, MONIQUE BAGAL, JOANNA BARRKMAN, PETER DAMARY, ROY HAMILTON, WILLEMIJN DE JONG, RICHARD KUNZ, PAOLA VON WYSS-GIACOSA Ca. 200 S. / pp., ca. 50 Abb. / ills., 21 x 30,5 cm, Softcover Ca. € 39,80 [D], CHF 48,50, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4186-6 (Deutsch) ISBN 978-3-7757-4187-3 (English) November 2016

Beeindruckend zeitlos: Ekrem Yalcindags monumentale Ornamentwelten in der Tradition geometrischer Abstraktion und Konzeptkunst

AUSSTELLUNG / EXHIBITION:

Die Publikation nimmt ihre Leser mit auf eine Reise in eine Handwerkskunst, die nicht nur Kenner, sondern auch Laien in ihren Bann zu ziehen vermag. In aufschlussreichen Texten tragen Ethnologen und Kunsthistoriker dazu bei, den umwobenen Forschungsgegenstand aus unterschiedlichen Blickwinkeln kennenzulernen: Ikat, die vor allem in Indonesien, Indien, Mittel- und Südamerika ausgeübte Technik und Kunstform, komplexe Muster auf handgewebten Textilien zu kreieren, hat sich im Laufe der Jahrhunderte stetig weiterentwickelt. Fremde Einflüsse wurden aufgesogen und in lokalen Mustern kreativ verarbeitet. Im Mittelpunkt des Buches stehen die Arbeiten von Meisterweberinnen aus Ostindonesien und Timor-Leste. In ihren Stoffen spiegeln sich nicht nur Mode und Modernität, sondern auch Aspekte der Globalisierung.

Striking Patterns

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The publication takes readers on a journey to a handicraft that causes not only experts to prick up their ears but laypeople as well, capturing their imagination with each new chapter. At the same time, ethnologists and art historians aid in becoming familiar with the object of research from various perspectives. Ikat, the technology and art form of creating complex patterns on hand-woven textiles that is practiced primarily in Indonesia, India, and Central and South America, has continuously developed over the course of centuries. Foreign influences were absorbed and creatively integrated into local patterns. The main objects of research are works by female master weavers from eastern Indonesia and Timor-Leste. Their fabrics reflect not only fashion and modernity but also aspects of globalization.

Impressively timeless: Ekrem Yalcindag’s monumental ornamental worlds—in the tradition of geometrical abstraction and Conceptual Art

Der in Istanbul, Wien und Frankfurt am Main lebende Ekrem Yalcindag (*1964 in Gölbasi) zählt zu den wichtigsten zeitgenössischen Künstlern. Yalcindag, der in der Türkei aufwuchs, entwickelte seine Bildsprache vor fast 20 Jahren als Student von Hermann Nitsch und Thomas Bayrle in Frankfurt. Sein feiner, pastoser Farbauftrag, der mit einem Pinsel der Stärke null ausgeführt wird, erfordert einen enormen Zeitaufwand und führt zu einer reliefartigen Malerei, die sich aus Hunderten kleiner Flächen aufbaut. Dass Yalcindags Farbauftrag an den der amerikanischen Farbfeldmaler erinnert, verwundert nicht, führt man sich seine intensive Auseinandersetzung mit der Minimal Art vor Augen. Die Publikation bietet erstmals eine Analyse seiner originären Werkentwicklung und Bildsprache. Sie leistet aber auch einen wichtigen Beitrag zur Erforschung der Rezeption außereuropäischer ornamentaler Traditionen innerhalb der zeitgenössischen Kunst.

Living in Istanbul, Vienna, and Frankfurt am Main, Ekrem Yalcindag (*1964 in Gölbasi) is one of the most important contemporary artists. Having spent his childhood in Turkey, he then developed his visual language as a student of Hermann Nitsch and Thomas Bayrle in Frankfurt am Main nearly twenty years ago. His meticulous, impasto technique executed with an extremely fine paint brush demands an enormous amount of time. It results in relief-like paintings constructed from hundreds of layers. That Yalcindag’s application of paint recalls the American Color Field painters should be of no surprise if one keeps in mind his intense engagement with Minimal Art. This publication offers the first analysis of the artist’s original practice and visual language, while also providing an important contribution to the study of the reception of non-European ornamental traditions within contemporary art.

Ekrem Yalcindag Hrsg. / Ed. BEATE KEMFERT, Texte von / texts by BURCU DOGRAMACI, MARTIN SCHULZ, HEINZ PETER SCHWERFEL, Gestaltung von / graphic design by PROJEKT SURFACE Ca. 120 S. / pp., ca. 80 Abb. / ills., 24 x 30 cm, Hardcover Ca. € 35,– [D], CHF 44,00, $55.00, £32.50 ISBN 978-3-7757-4152-1 (Deutsch, English) Oktober / October 2016

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen Rüsselsheim

7.9. – 6.11.2016

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Der Toulouse-Lautrec des Times Square The Toulouse-Lautrec of Times Square

Einsamkeit und die verzweifelte Suche nach Anerkennung im New York der 1980er-Jahre wurden ungeschönt vom kalifornischen Maler Patrick Angus (1953–1992) eingefangen. Das schiere Drama seiner expliziten Motive und seine überragend exakte Beobachtungsgabe, die im Kontrast zu einer schillernden Farbigkeit stehen, werden derzeit im internationalen Kontext als Wiederentdeckung gefeiert. Dabei ist das Sujet eines Künstlerlebens in der New Yorker Halbwelt – und damit unvermeidlich des eigenen Lebens – nur an der Oberfläche von Bedeutung. Vielmehr sind es die Sehnsucht nach Liebe, Freundschaft und Akzeptanz, die uns in seinen Gemälden und Zeichnungen universell und unmittelbar ansprechen. Dieser mit einer grandiosen technischen Ausführung einhergehende poetische Gleichklang verleiht den Gemälden und Zeichnungen von Patrick Angus einen unwiderstehlichen emotionalen und allgemeingültigen Reiz. Das Buch ist eine posthume Hommage an einen großartigen, leidenschaftlichen Künstler, der viel zu früh an Aids verstarb.

Patrick Angus Painting and Drawings Texte von / Texts by DOUGLAS BLAIR TURNBAUGH, MARK GISBOURNE, Gestaltung von / graphic design by ANDREAS PLATZGUMMER

Isolation and a desperate search for recognition in New York in the eighties are captured unsparingly by American painter Patrick Angus (1953–1992). The stark drama of his explicit themes, the phenomenal exactitude of his observations juxtaposed against the brilliant iridescence of his colorations, are currently being celebrated as a rediscovery in an international context. The subject of a homosexual artist’s life in New York’s demimonde is only the veneer of meaning of his work. Although his subject is inevitably his own life, it is a reflection the human condition we all know, the longing for love, friendship, and acceptance. This poetic unison, supported by superb technical execution, gives Patrick Angus’ paintings and drawings their irresisitable, emotional, and universal appeal. Painting was the passion of Patrick Angus’ short life. Dying a victim of the AIDS plague, his only wish was that his work would survive him. This book is a posthumous homage to a great artist.

Ca. 192 S. / pp., ca. 100 Abb. / ills., 30,5 x 27,4 cm, Hardcover Ca. € 45,– [D], CHF 55,90, $70.00, £40.00 ISBN 978-3-7757-4180-4 (Deutsch, English) September 2016

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»Es sind die einfachen Dinge, die mich faszinieren und bewegen.« – VELIMI R I LIŠEVIĆ

Revolution im White Cube Revolution in the White Cube

“It is the simple things that fascinate and move me.” – VELIMI R I LIŠEVIĆ

Der Maler Velimir Ilišević (*1965 in Sisak) hat sich längst von seinen großen Vorbildern Vincent van Gogh oder Chaim Soutine befreit, um zu einer eigenen, erfahrungsgesättigten Bildsprache zu gelangen. Seine Motive findet Ilišević im persönlichen Alltag. In einem assoziativen Spiel verwandelt er diese und gibt dem nur schwer Kommunizierbaren Raum. Seine Kunst lädt die Betrachter ein, über den pastosen Farbauftrag und fragmentarische Objekte in suggestive Farb- und Bildwelten vorzudringen. Der Katalog präsentiert sein vielgestaltiges Werk erstmals in einem umfassenden Überblick. Besondere Beachtung erhält der jüngste Gemäldezyklus, ein monumentaler Reigen zu Ferdinand Hodler, der Iliševićs künstlerische Praxis exemplarisch erfahrbar macht. Ergänzt wird der Band um kunsthistorische Artikel und einen literarischen Text von Miljenko Jergović sowie durch einen Fotoessay von Goran Potkonjak.

Ein Zen-Mönch, der Graffitis auf U-Bahnwagen sprayt und berühmte Leute mit Farbe bewirft: der Künstler Gen Atem, der wilde Pionier der europäischen Urban-Art-Bewegung. In den 1980er- und 1990er-Jahren arbeitete er mit der New Yorker Hip-Hop-Legende Rammellzee zusammen. Ihre gemeinsamen multimedialen Performances Gothic Futurism – Ikonoklast Panzerism waren Kult: Selbst Madonna, die Beastie Boys und Public Enemy gehörten zu den Zuschauern. In diesem Buch wird nun Gen Atems neueste Arbeit präsentiert: ein Bildersturm auf alle und alles. Sowohl das Schöne und Faszinierende als auch das Schreckliche und Belanglose, ja sogar das Unfassbare und Unbegreifliche werden attackiert und infrage gestellt: Zerstört Globalisierung unsere Kultur und rettet Selbstdarstellung meine Identität? Er setzt auf die Macht der Bilder und lädt den Betrachter ein, selbst Antworten zu erfinden: Nur wer teilnimmt, ist bereit für die Revolution.

Gen Atem Meditated Vandalism

Velimir Ilisevi´c v

Zwischen Halt und Neubeginn Texte von / Texts by KATHLEEN BÜHLER, MATTHIAS FISCHER, MIL JENKO JERGOVIĆ, Fotoessay von / photo essay by GORAN POTKONJAK, Gestaltung von / graphic design by GUIDO WIDMER Ca. 176 S. / pp., ca. 160 Abb. / ills., 24 x 30 cm, Hardcover Ca. € 40,– [D], CHF 48,70, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4192-7 (Deutsch) September 2016

The painter Velimir Ilišević (*1965 in Sisak) has long since liberated himself from his great paragons Vincent van Gogh and Chaim Soutine and discovered his own, experience-laden pictorial language. Ilišević finds his motifs in his personal everyday life. He transforms these in a play with associations and gives space to what is difficult to communicate. His art invites viewers to advance into suggestive worlds of color and images by means of the impasto application of paint and fragmentary objects. The catalogue presents his multifaceted oeuvre for the first time in an extensive overview. Special attention is given to his most recent series of paintings, a monumental ensemble on Ferdinand Hodler, which allows for experiencing Ilišević’s artistic practice in an exemplary way. The volume is supplemented by art-historical articles and a literary text by Miljenko Jergović as well as a photo essay by Goran Potkonjak.

AUSSTELLUNGEN / EXHIBITIONS: Museum zu Allerheiligen Schaffhausen

23.9.2016 – 1 2.2.2017 58

sowie weitere Stationen / and further venues

Texte von / Texts by GEN ATEM, RÉMI JACCARD, Gestaltung von / graphic design by MIRIAM BOSSARD Ca. 200 S. / pp., ca. 120 Abb. / ills., 20,9 x 27,4 cm, Softcover Ca. € 38,– [D], CHF 46,90, $60.00, £35.00

A Zen monk who sprayed graffiti on subway cars and threw paint at famous people: the artist Gen Atem, the wild pioneer of the European urban art movement. In the eighties and nineties Gen Atem worked with New York hip hop legend Rammellzee. Their joint, multimedia performances Gothic Futurism— Ikonoklast Panzerism were legendary: even Madonna, the Beastie Boys, and Public Enemy were among the spectators. Now his latest work is presented in this book: a clash with everyone and everything. Both the beautiful and fascinating as well as the horrible and insignificant, even the intangible and incomprehensible is attacked and questioned: is globalization destroying our culture, and does self-representation preserve my identity? He relies on the power of images and invites viewers to devise their own answers: only he or she who participates is ready for the revolution.

ISBN 978-3-7757-4183-5 (Deutsch, English) September 2016

KU NST / ART

AUSSTELLUNGEN / EXHIBITIONS: Musée Ianchelevici, La Louvière, Belgien / Belgium

18.11.2016 – 8 .1.2017 sowie weitere Stationen / and further venues

“The world here truly is a stage. We play our mysterious parts, there are enigmatic entrances and exits into perplexing rooms, and an unseen director seems to cast the roles from one painting to another. . .” – B E R N A R D D E W U L F Für die EDITION GERD HATJE hat Goran Djurovic unter dem Thema »Tragikomedia/Casting« eine Reihe Originalarbeiten bestimmt: eindrucksvolle Aquarelle, die er als Vorstudien und persönliches bildhaftes Gedächtnis produziert. Durch das serielle Arbeiten wächst ein Repertoire von Bildfindungen heran, dessen er sich dann für die Komposition der Großformate wieder bedient. Zeitgleich ist jede Arbeit ein eigenständiges Kunstwerk, das im Kleinen bereits einen repräsentativen Einblick in sein Arbeiten und in seine Motivauswahl vermittelt. MEH R I N FORMATION EN ZU DEN 10 EI NZELMOTIVEN FI N DEN SI E AU F S. 112 U N D U NTER WWW.EDITIONGERDHATJ E.COM For the EDITION GERD HATJE, Goran Djurovic provided a series of original works on the theme “Tragikomedia/Casting”: striking watercolors that he produced as preliminary studies and a personal visual memory. When working in series, a repertoire of pictorial compositions evolves that he then makes use of for the composition of the large formats. At the same time, each work is an independent work of art whose small format provides representative insight into his approach and his choice of motifs.

Motiv ähnlich, nicht identisch / Motive similar, not identical

MOR E I N FORMATION ON ALL TEN U N IQU E SPECIMENS CAN BE FOU N D ON P. 112 AN D AT WWW.EDITIONGER DHATJ E.COM

Eine zeitgenössische »condition humaine«, intensiv und atmosphärisch dicht A contemporary condition humaine, intense and atmospherically dense

Goran Djurovic (*1952 in Belgrad) studierte in Dresden Malerei, heute lebt und arbeitet er in Berlin. Seine Gemälde zeigen irritierende, ans Absurde grenzende Inszenierungen, die eine verstörende und zugleich magisch wirkende Anziehungskraft besitzen. Eine dramatisch ausgeleuchtete, kulissenhafte Architektur lässt seine darin agierenden Protagonisten in einer kühlen, aber nicht kalten Szenerie auftreten. In mehreren Farbschichten bringt der Künstler seine mal düstere, mal heitere Vision von einer tragikomischen Existenz auf die Leinwand. Dabei greift er auf die Malweise alter Meister zurück: Viele Farbschichten liegen unter der sichtbaren Oberfläche. Das in den Zwischenschichten aufgetragene Weiß bringt die Gemälde von innen heraus zum Leuchten. Gegenüber früheren Jahren arbeitet der Künstler seit einiger Zeit verstärkt auf großem, respektive sehr großem Format. Diese neuen Bilder sind hier erstmalig in diesem Buch versammelt.

Goran Djurovic (*1952 in Belgrade) studied painting in Dresden and currently lives and works in Berlin. His painting deals with irritating stagings that border on the absurd and possess a disturbing, and at the same time, magical appeal. The dramatically lit, stage-like architecture causes the protagonists to appear on a cool, but not cold, scene. The artist applies his sometimes dismal, sometimes humorous vision of a tragicomical existence to the canvas in several layers of paint. In doing so, he draws on the painting style of the Old Masters: numerous layers of paint lie under the actual visible surface. The white in the intermediate layers causes the light to radiate from within. In contrast to the early years, of late the artist has been increasingly working on large or very large-scale formats. These have been assembled for the first time in this volume.

Goran Djurovic Tragikomedia Texte von / Texts by BERNARD DEWULF, ROGER PIERRE TURINE, Gestaltung von / graphic design by HANNES AECHTER Ca. 160 S. / pp., ca. 110 Abb. / ills., 24,5 x 29,5 cm, Hardcover Ca. € 40,– [D], CHF 48,70, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4196-5 (English, French, Dutch) September 2016

KU N ST / A RT

KU NST / ART

Geheimnisvoller Architekturkosmos: ein faszinierendes Überblickswerk zu Titus Schades Bildwelten Mysterious architectural cosmos: a fascinating overview of Titus Schade’s worlds of images

»Malerei ist für mich ein Spiel auf der Leinwand. Mit Farbe setze ich auf die zweidimensionale Fläche Dinge, ähnlich wie ein Modellbauer, der seine Platte bestückt.« – T I T US S C H A D E

Titus Schade hat für unsere EDITION GERD HATJE in seiner präzisen Zeichentechnik 10 Unikate gefertigt: Sie zeigen stark ausgeleuchtete Fassaden von Fachwerkhäusern, die wie ausgeschnitten wirken. Inhaltlich sind innerhalb der Werkserie immer jeweils zwei Motive als zu einander gehörig identifizierbar, erkennbar an einer ähnlichen Architektur vor jeweils hellem und dunklem Hintergrund. Dabei wird auf spielerische Weise ein »Setzkasteneffekt« erzielt, indem der Künstler die entsprechende »Schublade« gleich mitliefert: Die Lade mit Schlüsselloch im unteren Teil einer jeden Arbeit ist Teil der Zeichnung! MEH R I N FORMATION EN ZU DEN 10 EI NZELMOTIVEN FI N DEN SI E AU F S. 112 U N D U NTER WWW.EDITIONGERDHATJ E.COM Titus Schade created ten unique specimens in his precise drawing technique for our EDITION GERD HATJE: they feature the intensely illuminated façades of half-timber houses that look like they have been cut out. In terms of content, two motifs each can be identified within the series that belong to one another, recognizable based on their similar architecture against a light and a dark background. The artist achieves a “shadow-box-like effect” in a playful way by providing the corresponding “drawer”: the drawer with a keyhole at the lower edge of each picture is part of the drawing!

Die Leinwand ist seine Kulisse. Titus Schade (*1984 in Leipzig), ehemaliger Meisterschüler von Neo Rauch, malt komplexe und entrückte Bildräume, die so kontrolliert wie eigenartig wirken. Fachwerkhäuser, Windmühlen, Kirchen und rohe 1960er-Jahre-Bauten treten merkwürdig verflacht – wie ausgeschnitten – in Erscheinung, als hätten sie kein Volumen. Und sie bewohnen einen Raum, dem seine gewohnten Perspektiven verloren gegangen sind. Ob als Teil einer Regalwand in Reihe gestellt oder vor einer tiefschwarzen Fläche im Hintergrund, die gemalten Gebäude bilden eine Art magische Ortschaft, die sich zwar mit den Augen betreten, aber mit Worten kaum beschreiben lässt. Die Monografie versammelt eine umfangreiche Auswahl dieser einzigartigen Werke, die von 2009 bis 2016 entstanden sind. Sie lädt dazu ein, Schades kulissenhafter Malerei zu begegnen und durch ihre Illusionsräume zu wandern.

The canvas is his backdrop. Titus Schade (*1984 in Leipzig), former master student of Neo Rauch, paints complex and enraptured pictorial worlds that seem as controlled as they are unique. Half-timbered buildings, windmills, churches, and crude buildings from the nineteen-sixties seem strangely flattened and cut out, as if lacking volume. They inhabit a space where conventional perspectives have become lost. The painted buildings— whether lined up in a shelving unit or against the darkness of an inky black surface— form a kind of magical locality that can be entered with the eyes, though hardly described in words. This monograph brings together an extensive selection of these unique works, created in the period between 2009 and 2016. It invites us to encounter Schade’s backdroplike paintings and to wander through their spaces of illusion.

Titus Schade Allnacht Texte von / Texts by KITO NEDO, LEONIE PFENNIG, NEO RAUCH, MARC RIES, Gestaltung von / graphic design by KATHARINA FIEDLER 120 S. / pp., 70 Abb. / ills., 24 x 30 cm, Softcover € 39,80 [D], CHF 48,50, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4148-4 (Deutsch, English) Lieferbar / Available

MORE INFORMATION ON ALL TEN UNIQUE SPECIMENS CAN BE FOUND ON P. 112 AND AT WWW.EDITIONGERDHATJE.COM 62

KU NST / ART

Ein Geheimtipp der deutschen Kunstgeschichte nach 1945

AUSSTELLUNGEN / EXHIBITIONS: Kunsthalle Mannheim

11.11.2016 – 8 .1.2017

The sleeper of post-1945 German art history

sowie weitere Stationen / and further venues

Fritz Schwegler (1935–2014) war Bildhauer, Dichter, Maler und Musiker und von 1972 bis 2001 Professor an der Kunstakademie Düsseldorf. Hier prägte er als Lehrer und Persönlichkeit Künstler wie Katharina Fritsch, Thomas Huber, Martin Honert oder Gregor Schneider. Er selbst gehörte zu den Künstlern der legendären, von Harald Szeemann kuratierten documenta 5, blieb aber trotz einer aktiven Ausstellungstätigkeit ein Geheimtipp. Die vorliegende Monografie ermöglicht endlich einen fundierten Einblick in Schweglers umfangreiches, vielseitiges Werk, das seit den 1960er-Jahren die Grenzen der Bildhauerei neu definierte und die Wende hin zum Konzept vollzog. Sie richtet den Blick auf sein innovatives Gesamtwerk, stellt innere Bezüge zwischen den unterschiedlichen Werkphasen her und erschließt so seine komplexe wie sinnreiche Gedanken- und Formenwelt. Neben den »Annäherungen« von Barbara Klemm, Peter Handke und Michael Krüger kommt der Künstler auch selbst zu Wort.

Fritz Schwegler (1935–2014) was a sculptor, poet, painter, and musician, and was a professor at the Kunstakademie Düsseldorf from 1972 to 2001. As a teacher and personality he influenced artists such as Katharina Fritsch, Thomas Huber, Martin Honert, or Gregor Schneider. He was one of the artists who exhibited at the legendary documenta 5 curated by Harald Szeemann, yet he remained an insiders’ tip despite his exhibition activity. This monograph finally allows for a profound insight into Schwegler’s extensive, multifaceted body of work, which beginning in the sixties redefined the boundaries of sculpture and made the transition to the concept. It directs one’s attention to his innovative oeuvre, creates internal connections between his various working phases, and in doing so taps into his complex and ingenious world of thoughts and forms. Besides the “approximations” by Barbara Klemm, Peter Handke, and Michael Krüger, the artist himself has an opportunity to speak.

Fritz Schwegler Die Retrospektive Texte von / Texts by WALTER GRASSKAMP, PETER HANDKE, MICHAEL KRÜGER, U LR I KE LOR ENZ, FR ITZ SCHWEGLER, WOLFGANG ULLRICH, Fotos von / photos by BARBARA KLEMM, Gestaltung von / graphic design by HACKENSCHUH COMMUNICATION DESIGN

Ca. 192 S. / pp., ca. 250 Abb. / ills., 24 x 28 cm, Hardcover Ca. € 39,80 [D], CHF 48,50, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4203-0 (Deutsch) November 2016

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Die einmalige Schweizer Plattform für rahmensprengende Arbeiten

Eine Reise durch die Klanggeschichte von Konflikten

The exceptional Swiss platform for works that defy limitations

A journey through the acoustic history of conflicts

Seit dem Jahr 2000 findet auf der weltweit wichtigsten Messe für zeitgenössische Kunst, der Art Basel, die Sonderschau Unlimited statt. Das Konzept dieser Großausstellung auf musealem Niveau und im Rahmen einer Kunstmesse, ist einzigartig und bei Sammlern wie Besuchern gleichermaßen beliebt. 70 bis 90 Künstler erhalten jährlich Zugang zu der außergewöhnlichen Plattform, die Grenzen sprengt und mit neuen Präsentationsmöglichkeiten experimentiert. Gezeigt werden überdimensionale Kunstwerke, die nur in einer gigantischen, 17 000 Quadratmeter messenden Halle ihre Wirkung entfalten können. Die aktuelle Ausgabe der Unlimited verspricht wie schon ihre Vorgänger eine aufsehenerregende Schau zu werden. Sie versteht sich nicht als Museum, das ordnet und klassifiziert, sondern als eine dynamische Präsentation singulärer Arbeiten der Gegenwart. Der klassische Katalog dokumentiert und begleitet das Spektakel.

For Whom the Bell Tolls

Unlimited Art Basel | Unlimited | 2016 Hrsg. / Ed. ART BASEL, Gestaltung von / graphic design by JONATHAN ABBOTT Ca. 208 S. / pp., ca. 90 Abb. / ills., 16,5 x 21 cm, Softcover € 45,– [D], CHF 50,00, $70.00, £40.00 ISBN 978-3-7757-4156-9 (Deutsch, English, French) Juni / June 2016

The special exhibition Unlimited has been taking place under the auspices of the world’s most important art fair, Art Basel, since 2000. The concept of this large, museum-like exhibition that takes place within an art fair is unique and popular with both collectors and visitors. Every year, between seventy and ninety artists are invited to this exceptional platform, which defies limitations and experiments with new forms of presentation. Oversized works are shown to their best effect in the gigantic, 17,000 square-meter hall. Like its predecessor, the current installment of Unlimited promises to be a show that will attract considerable attention. It is a dynamic presentation of unique contemporary works that does not understand itself as a museum, which orders and classifies. The classic catalogue documents and acts as a guide to the spectacle.

Art Basel | Unlimited | 2016, Basel

16. – 1 9.6.2016 66

Für zahlreiche Künstler spielen Reisen und die Begegnungen mit anderen Ländern und Menschen eine entscheidende Rolle im kreativen Prozess. The Sense of Movement. When Artists Travel war die erste Publikation, die im vergangenen Jahr anlässlich der BMW Art Journey erschien – einer gemeinsamen Initiative von BMW und der Art Basel, die Künstler mit Reisestipendien unterstützt. Das Buch stellte ikonische Künstlerreisen über die Epochen der Kunstgeschichte hinweg vor. Mit dem jetzt vorliegenden Band folgt die Künstlerposition des ersten Stipendiaten der Initiative: Der Hongkonger Künstler und Komponist Samson Young hat auf seiner zweimonatigen Reise durch elf Länder und fünf Kontinente dem Klang und der Geschichte von Glocken nachgespürt. Die entstandenen Kompositionen, Bilder und Texte erzählen vom Spannungsverhältnis zwischen Krieg und Frieden, Verbundenheit und Konflikt, und von der politischen Dimension des Klangs.

Samson Young’s Art Journey Hrsg. / Ed. ANDRÁS SZÁNTÓ, BMW GROUP MUNICH Ca. 192 S. / pp., ca. 80 Abb. / ills., 18 x 24 cm, Hardcover Ca. € 29,80 [D], CHF 37,50, $45.00, £26.99

Journeys and encounters with other countries and people play a decisive role in the creative process of many artists. Last year we published The Sense of Movement: When Artists Travel, the first volume commemorating the BMW Art Journey—a joint initiative by BMW and Art Basel that supports artists with travel grants. That inaugural compendium featured iconic artists’ journeys through art history. The second volume in the series memorializes the first journey undertaken by a recipient of this unique award. Hong Kong-based artist and composer Samson Young traced the sounds and the complex histories of bells in a two-months-long journey that took him to eleven countries on five continents. The artist’s compositions, images, and texts give expression to the relationships of tensions between war and peace, solidarity and strife, and of the political dimension of sound.

ISBN 978-3-7757-4170-5 (English) November 2016

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Die Dokumentation des Prix Ars Electronica 2016

Brisante Zukunftsthemen in der digitalen Revolution

Ars Electronica Festival, Linz

The documentation of the Prix Ars Electronica 2016

Volatile future issues in the digital revolution

Seit 1979 begleitet und analysiert die Ars Electronica nun bereits die digitale Revolution und ihre mannigfaltigen Auswirkungen. Im Fokus standen und stehen dabei stets Prozesse und Trends an der Schnittstelle von Kunst, Technologie und Gesellschaft. Sichtbar wird diese künstlerisch-wissenschaftliche Recherche in Gestalt eines alljährlich in Linz (Österreich) ausgerichteten Festivals, dessen fünftägiges Programm Konferenzen, Podiumsdiskussionen, Workshops, Ausstellungen, Performances, Interventionen und Konzerte umfasst. Geplant, organisiert und umgesetzt wird das Festival gemeinsam mit internationalen Künstlern und Wissenschaftlern. Im Fokus stehen dabei stets andere brisante Zukunftsthemen. In diesem Jahr sind es die »Radical Atoms and the Alchemists of the Future«. Mit Bildern und Texten dokumentiert das Buch die diesjährige Ausgabe des Ars Electronica Festivals.

Ars Electronica 2016 Radical Atoms and the Alchemists of the Future Hrsg. / Eds. HANNES LEOPOLDSEDER, CHRISTINE SCHÖPF, GERFRIED STOCKER, Gestaltung von / graphic design by GERHARD KIRCHSCHLÄGER Ca. 320 S. / pp., ca. 550 Abb. / ills., 16,5 x 24,1 cm, Softcover Ca. € 28,– [D], CHF 35,60, $45.00, £25.99 ISBN 978-3-7757-4193-4 (English) September 2016

Ars Electronica has been accompanying and analyzing the digital revolution and its manifold implications since 1979. It has consistently focused and focuses on processes and trends at the interface between art, technology, and society. This artistic-scientific research becomes visible in the form of a festival that is organized every year in Linz (Austria). Its five-day program comprises conferences, panel discussions, workshops, exhibitions, performances, interventions, and concerts. The event is planned, organized, and produced in collaboration with international artists and scientists. Each festival addresses a different volatile future issue. This year it is the “Radical Atoms and the Alchemists of the Future.” The volume uses images and texts to sketch this year’s edition of the Ars Electronica Festival.

8. – 1 2.9.2016

Der Prix Ars Electronica ist der traditionsreichste Medienkunstwettbewerb der Welt. Seit 1987 alljährlich ausgeschrieben, gilt er wegen seiner Kontinuität, der hohen Anzahl sowie Qualität der Einreichungen als Trendbarometer der weltweiten Medienkunst. Mit vielen Bildern, Texten und Statements der Jury bündelt das Buch jene Arbeiten, die 2016 in den Kategorien Computer Animation/ Film/VFX, Digital Communities, Interactive Art und u19 – Create Your World ausgezeichnet wurden. Ebenfalls im Buch enthalten ist ein Best-of des erstmals im Rahmen des Prix Ars Electronica ausgeschriebenen Starts-Prize der Europäischen Kommission. Im Fokus des hoch dotierten Wettbewerbs standen innovative Projekte an der Schnittstelle von Wissenschaft, Technologie und Kunst.

The Prix Ars Electronica is the most traditionsteeped media art competition in the world. Announced annually since 1987, because of its continuity and the large number and quality of the submissions it is considered a trend barometer of global media art. With numerous images, texts, and statements by the jury, the book assembles those works that were awarded prizes in 2016 in the categories of Computer Animation / Film / VFX, Digital Communities, Interactive Art, and u19— Create Your World. The volume also contains a “best of” list of the Starts Prize awarded for the first time by the European Commission within the scope of Prix Ars Electronica. The highly remunerated competition focused on innovative projects at the interface between science, technology, and art.

CyberArts 2016 International Compendium Prix Ars Electronica Hrsg. / Eds. HANNES LEOPOLDSEDER, CHRISTINE SCHÖPF, GERFRIED STOCKER, Gestaltung von / graphic design by GERHARD KIRCHSCHLÄGER Ca. 320 S. / pp., ca. 550 Abb. / ills., 16,5 x 24,1 cm, Softcover Ca. € 28,– [D], CHF 35,60, $45.00, £25.99 ISBN 978-3-7757-4194-1 (English) September 2016

Ars Electronica Festival, Linz

8. – 1 2.9.2016 69

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Junge Kunst aus Polen

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Deutsche Bank KunstHalle, Polish Institute, Berlin

21.7. – 3 0.10.2016

Young Polish art

Seit 2003 wird in der Galeria Zachęta alle zwei Jahre der renommierte VIEWS-Kunstpreis verliehen, ein Preis für junge polnische Kunst. Die mit der Auszeichnung verbundene Ausstellung in der polnischen Nationalgalerie verschafft der gegenwärtigen Kunstszene des Landes internationale Aufmerksamkeit. Common Affairs stellt in Berlin eine Auswahl aktueller Positionen von Nominierten oder Gewinnern des VIEWS Award aus den vergangenen 15 Jahren vor. Die Rückschau ist darauf ausgerichtet, eine Aktualisierung der künstlerischen Praktiken der jüngsten Vergangenheit vorzunehmen. Dieses Update ermöglicht es, die interessantesten Phänomene und dringendsten Probleme, mit denen sich die Künstler auseinandersetzen, vorzustellen und sich gleichzeitig mit den Veränderungen der polnischen und internationalen Kunstlandschaft zu befassen. Ein besonderer Schwerpunkt wird dabei auf Positionen gelegt, die sich mit Geschichte und Politik von Erinnerung und Repräsentation, von Transformationen und nahendem Wandel beschäftigen.

Common Affairs Revisiting the V I E W S Award— Contemporary Art from Poland Hrsg. / Eds. DEUTSCHE BANK AG, Frankfurt; POLISH INSTITUTE, Berlin; GALERIA ZACHĘTA, Warschau / Warsaw, Einführung von / introduction by JULIA KURZ, STANISLAW WELBEL, Texte von / texts by EVA MA JEWSKA, BARBARA STEINER, Gestaltung von / graphic design by TYMEK BOROWSKI, STUDIOKRIMM Ca. 240 S. / pp., ca. 60 Abb. / ills., 17 x 24 cm, Hardcover Ca. € 35,– [D], CHF 44,00, $55.00, £32.50 ISBN 978-3-7757-4147-7 (Deutsch, English, Polish) Juli / July 2016

Since 2003, the prestigious VIEWS prize for young Polish art has been awarded in the Zachęta Gallery every two years. The award is accompanied by an exhibition in the prominent gallery, which helps to garner more international attention for the contemporary Polish art scene. Common Affairs presents a selection of current positions by artists who have won or were nominated for the VIEWS Award in the past fifteen years. The retrospective in Berlin updates the artistic practices of recent history. While this updating process accentuates the interesting phenomena and urgent problems that the artists have engaged with, it simultaneously examines the shifts and changes in the cultural landscape of Poland and abroad. Particular focus is placed on positions that address the history and politics of memory and representation, transformation and imminent transition.

Mit WERKEN von / With WORKS by:

Paweł Althamer, Tymek Borowski, Karolina Breguła, Rafał Jakubowicz, Robert Kusmirowski, Anna Molska, Karol Radziszewski, Janek Simon, …

Nochmals erweitert: der globale Guide zu privaten, öffentlich zugänglichen Sammlungen zeitgenössischer Kunst Expanded again: the global guide to private collections of contemporary art open to the public

Der überarbeitete und erweiterte BMW Art Guide by Independent Collectors präsentiert 256 öffentlich zugängliche Privatsammlungen zeitgenössischer Kunst – große wie kleine, bekannte wie noch unentdeckte. Die prägnanten Sammlungsporträts mit zahlreichen farbigen Abbildungen entführen den Leser in über 40 Länder und häufig in Regionen oder Stadtviertel abseits des Gewohnten. Dieser praktische Guide ist die gemeinschaftliche Publikation, die aus der seit einigen Jahren bestehenden Partnerschaft zwischen BMW und Independent Collectors, dem internationalen Online-Netzwerk für Sammler zeitgenössischer Kunst, hervorgegangen ist. Weder im Internet noch in Buchform existierte bislang eine vergleichbare Zusammenstellung von internationalen Privatkollektionen, darunter einige, die ihre Türen für Kunstinteressierte und Kenner erstmalig öffnen.

The updated BMW Art Guide by Independent Collectors presents 256 private collections of contemporary art accessible to the public— featuring large and small, famous and the relatively unknown. Succinct portraits of the collections with countless color illustrations take the reader to more than fourty countries, often to regions or urban districts that are off the beaten path. This practical guide is a collaborative publication stemming from the partnership between BMW and Independent Collectors, the international online network for collectors of contemporary art. To date, neither the Internet nor any book has ever contained a comparable assembly of international private collections, including several that have opened their doors to art lovers and connoisseurs for the first time.

Der vierte BMW Art Guide by Independent Collectors / The Fourth BMW Art Guide by Independent Collectors Hrsg. / Ed. BMW GROUP, INDEPENDENT COLLECTORS, Texte von / texts by SILVIA ANNA BARILLÀ, NICOLE BÜSING, ALEXANDER FOR B ES, J EN I FU LTON, H EI KO KLAAS, CH R ISTIAN E MEIXN ER, ANNE REIMERS, Redaktion / editorial work SYLVIA DOMINIQUE VOLZ, Gestaltung von / graphic design DORTEN STUDIOS Ca. 256 S. / pp., ca. 110 Abb. / ills., 12 x 18,5 cm, Softcover Ca. € 15,– [D], CHF 19,90, $25.00, £13.99 ISBN 978-3-7757-4144-6 (Deutsch) ISBN 978-3-7757-4145-3 (English) Oktober / October 2016

Auch als E-book erhältlich / Also available as an e-book ISBN 978-3-7757-4220-7 (Deutsch) ISBN 978-3-7757-4221-4 (English)

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Die zweite Monografie zum Werk von Monika Grzymala The second monograph on the oeuvre of Monika Grzymala

»Grzymalas Raumzeichnungen eignet etwas Überwältigendes, das staunen macht, ohne zu erschrecken.« – R E I N H A R D E R M E N »Bei einem Reliefbild wie in dieser Edition, das zwischen der Zweiund Dreidimensionalität entsteht, kann die lineare Geste in einer neuen Form in Erscheinung treten.« “In the case of a relief such as in this edition, which develops between two-and threedimensionality, the linear gesture can emerge in a new form.” – MONIKA GRZYMALA

Für ihre raumgreifenden Installationen ist Monika Grzymala international bekannt. Das stark verkleinerte Format der Edition hingegen versetzt sie in die Lage, ihre »Bildnachricht« auch in die Wohnzimmer zu schicken. Für die EDITION GERD HATJE hat sie diese selbst auferlegte Herausforderung angenommen, nicht ohne eine besondere Anforderung an den verwendeten Werkstoff zu stellen. Erstmalig arbeitet sie mit einem Papierton-ProzellanGemisch, das nach einer speziellen Bearbeitung rein weiß und transluzent erscheint und von der Künstlerin zu Reliefs verarbeitet wird. ALLE 11 U N I KATE FI N DEN SI E I N KÜ RZE AU F WWW.EDITIONGERDHATJ E.COM

Monika Grzymala is known worldwide for her space-consuming installations. However, the very small format of the edition enables her to send her “visual news” into living rooms as well. She took on this selfimposed challenge for the EDITION GER D HATJ E, not without making special demands on the material she used. She is working for the first time with a blend of paper clay and porcelain that becomes pure white and translucent following a special working process, and which the artist converts into reliefs. ALL ELEVEN U N IQU E SPECIMENS CAN BE FOU N D SHORTLY AT WWW.EDITIONGER DHATJ E.COM

Monika Grzymala (*1970) begann ihre künstlerische Ausbildung als Steinbildhauerin und Restauratorin, danach studierte sie bildende Kunst an den Kunsthochschulen in Karlsruhe, Kassel und Hamburg. Die in Berlin lebende Installationskünstlerin beschreibt ihre Arbeiten meist als »Raumzeichnungen« und zeigte ihre Werke in zahlreichen internationalen Gruppenund Einzelausstellungen, unter anderem im Museum of Modern Art in New York, in der Hamburger Kunsthalle, in der Fabrica in Brighton, in der Albertina in Wien und zuletzt im Reykjavík Art Museum. Grzymala selbst betrachtet Zeichnung als von der Hand geführtes Denken und physische Linie im Begriff des Werdens, wobei die Raumzeichnung eine in die Architektur hineinspielende Geste repräsentiert und damit die bildhauerische Denkweise, das »Körperdenken«, der Installationskünstlerin auf einzigartige Weise sichtbar werden lässt. Wie eindrücklich dies erlebbar ist, zeigt diese Monografie.

Monika Grzymala (*1970) began her artistic training as a stone sculptor and restorer, after which she studied visual art at the art colleges in Karlsruhe, Kassel, and Hamburg. The Berlin-based installation artist generally describes her work as “spatial drawing” and has presented her works in numerous international group and solo exhibitions, at, among others, the Museum of Modern Art in New York, the Kunsthalle Hamburg, the Fabrica Brighton, the Albertina in Vienna, and most recently at the Reykjavik Art Museum. Grzymala sees the drawing as thought carried out manually and the physical line poised to come into being, whereby the spatial drawing represents a gesture that plays into the architecture and therefore causes the installation artist’s sculptural mode of thought, her “physical thinking,” to become visible in unique spatial drawings. This monograph shows how impressively this can be experienced.

Monika Grzymala Raumzeichnung / Drawing Spatially Gestaltung von / Graphic design by MALTE KAUNE Ca. 136 S. / pp., ca. 100 Abb. / ills., 21 x 26 cm, Hardcover Ca. € 38,– [D], CHF 46,90, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4195-8 (Deutsch, English) September 2016

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Dokumentation von Værslevs PleinairAusstellung auf der Insel der Impressionisten

Zeitgenössische Kunst im Dialog mit Meisterwerken des Impressionismus AUSSTELLUNG / EXHIBITION:

Documentation of Værslev’s plein-air exhibition on the island of the Impressionists

Fredrik Værslev The Constant Gardener / La constance du jardinier Hrsg. / Ed. JACOB FABRICIUS, Texte von / texts by VANESSA CLAIRET, JACOB FABRICIUS Ca. 112 S. / pp., ca. 40 Abb. / ills., 29,5 x 21 cm, Hardcover € 35,– [D], CHF 44,00, $55.00, £32.50

Contemporary art in conversation with masterpieces of Impressionism

»Zeit«, »Wiederholung« und »Metamorphose« sind die zentralen Begriffe im Werk von Fredrik Værslev (*1979 in Moss, Norwegen). Oft überlässt er seine Leinwände einfach der Natur und beobachtet, inwieweit sie ihre »Signatur« auf ihnen hinterlässt. In der Ausstellung auf der Île des impressionnistes in Chatou ließ sich der Prozess direkt am Ort des Geschehens nachverfolgen. 19 minimalistisch besprayte Leinwände, genauer gesagt, imitierte Markisenstoffe, waren über die Seine-Insel verteilt. Die Sonnensegel hingen an Bäumen herab und waren von Oktober bis Dezember der Witterung ausgesetzt. Dass Værslev mit seinem Ausstellungstitel zugleich auch auf John le Carrés Roman Der ewige Gärtner (The Constant Gardener) anspielt, in dem eine Frauenleiche in einem Gebüsch gefunden wird, macht den Clou perfekt. Diese Publikation dokumentiert die Pleinair-Ausstellung in ihren verschiedenen Stadien und führt gekonnt in das sich wandelnde Werk des Künstlers ein.

ISBN 978-3-7757-4151-4 (English, French) Juni / June 2016

“Time,” “repetition,” and “metamorphosis” are the central concepts in the work of Fredrik Værslev (*1979 in Moss, Norway). The artist places his canvases outdoors to observe the degree to which nature leaves its “signature” on them. In the exhibition on the Île des impressionnistes, Chatou, this process could be witnessed directly where it was taking place. Between October and December, nineteen minimalistically sprayed canvases, or mimicked awnings to be exact, were scattered across the island on the Seine and hung from trees. That Værslev references the John Le Carré novel The Constant Gardener, where the corpse of a woman is discovered in a bush, in the title of the exhibition is a perfect showstopper. This publication documents the plein-air exhibition in its various stages and masterfully introduces the changing work of the artist.

Die ehemalige Villa der Industriellenfamilie Sidney Brown-Sulzer im schweizerischen Baden beherbergt heute das Museum Langmatt mit seiner exquisiten Sammlung vor allem von Hauptwerken des französischen Impressionismus. Die Ausstellung präsentiert ausgesuchte Werke der Sammlung und stellt sie Arbeiten internationaler Gegenwartskünstler gegenüber. Beziehungsreich treten sie in einen Dialog, der dem Betrachter ein vergleichendes Sehen ermöglicht und ihm neue Einblicke in die Behandlung von Licht, Bewegung und Oberfläche in der Kunst verschafft. Vor allem in der Fotografie hat sich die Hinterfragung der malerischen Möglichkeiten während der letzten Jahrzehnte zu einem wesentlichen Topos entwickelt. Zugleich führt die zunehmende Medialisierung unserer Wirklichkeit zu einer Sehnsucht nach intensivem Austausch mit Natur und Landschaft. Eine vielversprechende Begegnung, die nun auch mit diesem Katalog zu entdecken ist.

Museum Langmatt, Baden

25.9 – 1 1.12.2016

Langmatt, Licht, Libellen – Impressionismus heute? Von / By MARKUS STEGMANN, Gestaltung von / graphic design by GABRIELE SABOLEWSKI Ca. 144 S. / pp., ca. 80 Abb. / ills., 23,5 x 29 cm, Hardcover Ca. € 40,– [D], CHF 48,70, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4174-3 (Deutsch) September 2016

The former family villa of the industrialist Sidney Brown-Sulzer in the Swiss city of Baden now houses the Museum Langmatt with its exquisite collection of primarily major examples of French Impressionism. The exhibition presents choice Impressionist works and juxtaposes them with those by international contemporary artists. The two points of view enter into a dialogue that enables viewers to make visual comparisons and provides them with new insight into the treatment of light, movement, and surface in art. In recent decades, the scrutiny of painterly possibilities has developed into a principal topos, particularly in photography. At the same time, the increasing mediatization of our reality leads to a longing for intense encounters with nature and landscape. A promising confluence that can now also be experienced with this catalogue.

KU N ST / A RT

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Im Reich der Schattenspielerin Nalini Malani

Asche zu Asche … Ashes to Ashes . . .

In the realm of the shadow player Nalini Malani

In ihrem 35. Buch untersucht die angesehene niederländische Kulturtheoretikerin Mieke Bal die neue Sprache, welche die indische Künstlerin Nalini Malani (*1946 in Karatschi) seit Beginn dieses Jahrhunderts in ihren Schattenspielen entwickelt hat. In Malanis neuer Kunst wird die Idee vom (mehrfach) bewegten Bild – Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft – auf äußerst beeindruckende Weise umgesetzt. Es handelt sich um eine legendäre, politisch engagierte Kunstform, die bei Ausstellungen wie Paris – Delhi – Bombay … im Pariser Centre Pompidou (2011), der Kasseler documenta (13) (2012) und Scenes for a New Heritage im New Yorker Museum of Modern Art (2015/16) Wellen schlug. Mieke Bal vollführt einen einzigartigen Dialog zwischen fünf Schattenspielen von Malani und theoretischen, kunstrelevanten Themen. Sie untersucht dabei die Komplexität, Überlagerung und Vielfalt von Bildern, Gedanken, Geräuschen und Bewegungen: Technologien und poetische Fragmente, Erzählungen und Archive, die politisch ebenso wirksam sind wie künstlerisch.

Nalini Malani In Media Res: Inside Nalini Malani’s Shadow Plays Text von / Text by MIEKE BAL, Gestaltung von / graphic design by WILLEM MORELIS Ca. 440 S. / pp., ca. 120 Abb. / ills., 17 x 24 cm, Hardcover Ca. € 45,– [D], CHF 55,90, $70.00, £40.00 ISBN 978-3-7757-4146-0 (English) Juni / June 2016

In her thirty-fifth book, the eminent Dutch cultural theorist Mieke Bal (*1946 in Heemstede) explores the new language that Indian artist Nalini Malani (*1946 in Karachi) has been developing since early this century with her shadow plays. The result of Malani’s new art is an extremely powerful application of the idea of the (multiple) moving image— past, present, and future. An iconic, politically engaged art form that has made waves at exhibitions such as Paris—Delhi—Bombay at the Centre Pompidou in Paris (2011), documenta (13) in Kassel (2012), and Scenes for a New Heritage at the Museum of Modern Art in New York (2015–16). Mieke Bal conducts a unique dialogue between five of Malani’s shadow plays and theoretical issues concerning art. It examines the complexity, layering, and multiplicity of images, thoughts, sound, and movements: technologies and poetic fragments, narratives and archives, as effective politically as it is artistically.

Der Schweizer Künstler Ugo Rondinone (*1964 in Brunnen) variiert seine künstlerischen Praktiken permanent: Von monumentaler Skulptur, Installation und Malerei bis zu delikater Kleinplastik und Collage reicht die Bandbreite seiner Werke. Oft kombiniert er industriell gefertigte Elemente mit manueller Arbeit und befragt mit seiner Kunst das Verhältnis des Menschen zu der ihn umgebenden Realität. Anschaulich dokumentiert der Katalog Rondinones erste große Einzelausstellung in Frankreich, in deren Rahmen sich das Carré d’Art in Nîmes in ein begehbares Gesamtkunstwerk verwandelt. Skulpturen und Gemälde verschmelzen zu einer szenischen Installation, die ein spezielles Raum-Zeit-Empfinden erzeugt. Sternenhimmel, Monumentallandschaften und Tierskulpturen verbinden sich zu einem poetischen Ganzen, das die Schönheit der Naturphänomene, die Unendlichkeit des Kosmos und die menschliche Existenz in eine zeitgenössische Neuinterpretation der Sichtweise der Romantik überführt.

Encompassing monumental sculptures, installations, paintings, collages, and delicate small-scale sculptures, the artistic practice of the Swiss artist Ugo Rondinone (*1964 in Brunnen) is constantly in flux. Often combining manufactured elements with manual labor, his artworks investigate the relationship between humans and the environment that surrounds them. The catalogue vividly documents Rondinone’s first major solo exhibition in France, which turned the Carré d’Art in Nîmes into a synthesis of the arts through which one can walk. Generating a specific feeling for space and time, the sculptures and paintings were transformed into a scenic installation. Star-filled skies, monumental landscapes, and animal sculptures were combined to constitute a poetic whole that conveys the magnificence of natural phenomena, human existence, and the cosmos in a contemporary reinterpretation of the Romantic approach.

Ugo Rondinone Becoming Soil Texte von / Texts by JEAN-MARC PREVOST, CORINNE RONDEAU, Gestaltung von / graphic design by DANIEL BOCCATO, STUDIO RONDINONE Ca. 100 S. / pp., ca. 80 Abb. / ills., 24 x 31 cm, Hardcover + Booklet Ca. € 40,– [D], CHF 48,70, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4163-7 (English, French) Juni / June 2016

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Carré d’Art – Musée d’art contemporain, Nîmes

15.4. – 1 8.9.2016 76

KU NST / ART

Die Vermessung der osteuropäischen Welt The mapping of the Eastern European world

»Kunst ist die letzte Freiheit, die wir haben.« – H A R A L A M P I G. O ROS C H A KO F F

Haralampi G. Oroschakoff (* 1955 in Sofia) gilt als ein Vorläufer des Ost-West-Dialogs in der Kunst und als Erneuerer der Ikonenrezeption in der westlichen Malerei. In den 1980er-Jahren fiel er mit Zeichnungen, Textcollagen, Installationen und Videoperformances auf. Seine Bildserien führen die monochrome Malerei eigenständig weiter und benennen die unsichtbare Kulturgrenze zwischen dem postlateinischen Westen und dem postbyzantinischen Osten. Das reich illustrierte Buch ist eine Zeitreise durch Leben und Werk des Abkömmlings einer alten exilierten russischen Familie mit Wohnsitzen in Berlin, Cannes und Wien. Oder, wie Elke Schmitter es treffend zusammenfasst: »Oroschakoffs Spurensicherung der mythisch fremden Welt des Ostens öffnet den Blick für die Vielgestalt dieses ›anderen Europas‹ in seiner ›slawischen Duldsamkeit, asiatischen Grausamkeit, und orientalischen Poesie‹ zu einer konkreten Kunst der Kartographie brüchiger Oberflächen sowie polemisch benutzbar gewordener Symbole von farbintensiver Kraft.«

Haralampi G. Oroschakoff Doppelkreuz

»Noch in den ersten Videopartituren Ende der 1970er-Jahre war mir der Prozess ein unablässiges Mittel auf dem Weg zum Gesamtkunstwerk. So erlaubt er narrative Elemente, verschiedene Ausdrucksmittel der Realisierung und in der Vervielfältigung das nötige Gegenüber zum gewünschten Sperrbezirk der Doppelkreuze. Die Editionen waren bisher limitierte Auflagen (Radierung, Siebdruck, Lithographie). Heute schließe ich das Räumliche nicht mehr aus (Eisen, Glas, Stein, Stahl). Das sind die Möglichkeiten.« MEH R I N FORMATION EN FI N DEN SI E I N KÜ RZE AU F WWW.EDITIONGERDHATJ E.COM

“The process was an unabating means on the path to a synthesis of the arts even in the first Video Scores in the late seventies. It allows narrative elements, various means of expression in their realization, and in their duplication the necessary counterpart to the desired restricted area of the Double Crosses. The previous editions were limited (etching, silkscreen print, lithograph). Today, I no longer include the spatial (iron, glass, stone, steel). These are the possibilities.”

Haralampi G. Oroschakoff (*1955 in Sofia) is considered a pioneer of the EastWest dialogue in art and a renewer of the reception of Eastern iconography in Western painting. He attracted attention in the eighties with drawings, text collages, installations, and video performances. His series discretely advance monochrome painting and designate the invisible cultural boundary between the postLatin West and the post-Byzantine East. The richly illustrated book is a time journey through the life and oeuvre of the offspring of an old, exiled Russian family with residences in Berlin, Cannes, and Vienna. Or, as Elke Schmitter aptly summed up: “Oroschakoff’s investigation of the mythical, foreign world of the East opens one’s eyes to the diversity of this ‘other Europe’ in its ‘Slavic forbearance, Asian brutality, and Oriental poetry’ to become a concrete art of the cartography of brittle surfaces as well as vividly colored symbols that can be used polemically.”

Hrsg. / Ed. DIANA GRÄFIN VON HOHENTHAL UND BERGEN, HARALAMPI G. OROSCHAKOFF, Gespräch mit / conversation with ELKE SCHMITTER, Text von / text by MICHAEL MAAR Ca. 224 S. / pp., ca. 225 Abb. / ills., 22,5 x 30,5 cm, Hardcover Ca. € 48,00 [D], CHF 59,50, $75.00, £45.00 ISBN 978-3-7757-4207-8 (Deutsch, English) Oktober / October 2016

Mit einem Booklet, das ausgesuchte Texte und Rezensionen zu seinem Leben und Werk im Zeitraum von 1980 bis 2016 enthält. With a booklet containing selected texts and reviews on his life and work in the period from 1980 to 2016.

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KU NST / ART

Die geistreiche Sichtbarmachung des Nicht-Vorhandenen Rendering visible what is nonexistent

»Loch allein kommt nicht vor, so leid es mir tut.« – KU RT T U C H O LS K Y, ZU R SOZ I O LO G I SC H E N P SYC H O LO G I E D E R LO E C H E R 1 9 3 1 Für die EDITION GERD HATJE produziert Ulrich Strothjohann das Objekt »Spielautomat / Reenactment«. Dieses Multiple ist eine Interpretation der Aufnahme einer Spielautomatenfront, die in seiner Löcher der Welt-Serie auftaucht. In der Fotografie als Sperrmüll am Straßenrand deponiert, erfährt der ausgediente Gegenstand nun eine Transformation zum dreidimensionalen Wand- und Kunstobjekt. Strothjohann übernimmt die Originalmaße und überträgt sie auf eine lasierte Holzplatte. Jedes Exemplar ist ein Unikat. Es erhält den individuellen Schriftzug eines seinerzeit real existierenden Spielautomaten, sowie eine handgefertigte Aufbewahrungskiste. MEH R I N FORMATION EN ZU DEN 10 EI NZELMOTIVEN FI N DEN SI E AU F S. 113 U N D U NTER WWW.EDITIONGERDHATJ E.COM

Ulrich Strothjohann is producing the object »Spielautomat / Reenactment« for the EDITION GERD HATJE. This multiple is an interpretation of the photograph of the front of a wall machine that appears in his series Mapping Holes. Deposited on the curb as bulk garbage in the photograph, the worn out object experiences a transformation into a three-dimensional wooden panel for the wall. Each one receives the individual lettering of what at the time was an actual wall machine and is a unique specimen, as well as a hand-made storage box.

Ulrich Strothjohann (*1954), der seit einigen Jahren wieder in Berlin arbeitet, War Mitte der 1980er-Jahre Teil der Kölner Kunstszene und machte dort im Umfeld von Martin Kippenberger erstmals auf sich aufmerksam. Seine Arbeiten kommentieren auf humorvolle Weise die Absurdität und Widersprüchlichkeit unserer Existenz. Diskret und pointiert legt er Finten aus, stellt ironische Bezüge her, schafft hintergründige Allegorien und führt den Betrachter mit großem Spaß in die Irre. Sprache und das geschriebene Wort sind wesentliche Komponenten seiner Kunst, spielerisch ist sein Umgang mit Bildern und Begriffen. Häufig sind seine Arbeiten mit Handlungsanweisungen versehen, welche die scheinbare Funktionalität des Objektes erklären, dessen Sinnhaftigkeit jedoch genüsslich ad absurdum führen. Die Löcher der Welt sind eine 116-teilige Fotoserie von unbedeutend erscheinenden Schauplätzen, die der Künstler auf diversen Reisen von 1984 bis 1998 fotografiert hat. Die Serie führt auf hinreißende Weise eine Ikonografie des NichtVorhandenen vor Augen.

Ulrich Strothjohann (*1954), who has been working in Berlin again for several years, was part of the art scene in Cologne in the eighties and attracted attention for the first time in the circle around Martin Kippenberger. His works make humorous comments on the absurdity and contradictoriness of our existence. He discretely and pointedly devises all sorts of tricks and ruses, makes ironic connections, creates subtle allegories, and has fun leading the viewer astray. Language and the written word are essential components of his art; his treatment of images and concepts is playful. His works are often provided with instructions that explain the apparent functionality of the object depicted, however whose sense is reduced to absurdity. Mapping Holes is a 116-part series of photographs of seemingly insignificant settings that the artist took pictures of on various travels between 1984 and 1998. The series captivatingly renders visible an iconography of what is nonexistent.

Löcher der Welt / Mapping Holes Ein topologisches Tagebuch / A Topological Diary von / by Ulrich Strothjohann Text von / Text by ULRICH STROTHJOHANN Ca. 144 S. / pp., ca. 117 Abb. / ills., 17 x 24 cm, Hardcover Ca. € 35,– [D], CHF 44,00, $55.00, £32.50 ISBN 978-3-7757-4202-3 (Deutsch, English) Juni / June 2016

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Neugier auf magische Momente: Sascha Weidners lang ersehnte Monografie Curiosity for magic moments: Sascha Weidner’s long awaited monograph

Sascha Weidner (1976–2015) hatte den Blick für magische Momente, er wusste das Poetisch-Flüchtige auf Papier zu bannen. Dem Dokumentarischen enthoben, zeigen seine Fotografien Bekanntes aus gänzlich neuen, ungeahnten Perspektiven und überführen den Alltag in Traum- und Fantasiewelten. So wird etwa das orangegelbe Licht einer Straßenlaterne, das einen Ahornbaum beleuchtet, zu einem Goldregen, werden Unfallautos magisch von Rauchwolken umspielt oder zerwühlte weiße Laken zu Wolkenformationen. Das Beiläufige erfährt besondere Bedeutung und die scheinbare Leichtigkeit der Bilder eine melancholische Tiefe, Verletzlichkeit und Intimität. Das nun erscheinende Künstlerbuch wurde von Sascha Weidner selbst noch zu Lebzeiten konzipiert und in seiner jetzigen Form fertiggestellt. Hundert großformatige Abbildungen entführen den Leser in die Bildwelt dieses leider viel zu früh verstorbenen Ausnahmekünstlers.

Sascha Weidner (1976–2015) had an eye for magic moments; he knew how to capture the poetic, the fleeting on paper. Removed from the documentary, his photographs feature familiar things from completely new, unsuspected perspectives and transfer everyday life into make-believe worlds. For instance, the orangeyellow light of a streetlamp that illuminates a maple tree becomes golden rain, plumes of smoke swirl magically around cars damaged in accidents, or ruffled white sheets become cloud formations. The incidental receives special meaning, and the apparent lightness of the pictures a melancholic depth, vulnerability, and intimacy. Sascha Weidner prepared and brought this artist’s book to completion in its current form during his lifetime. One hundred large-format illustrations carry the reader off into the visual world of this exceptional artist, who unfortunately died much too young.

Sascha Weidner Intermission II Gestaltung von / Graphic design by OLE TRUDERUNG Ca. 156 S. / pp., ca. 100 Abb. / ills., 28 x 28 cm, Hardcover Ca. € 40,– [D], CHF 48,70, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4191-0 (Deutsch, English) September 2016

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Von Wien nach New York: das Lebenswerk eines der großen Fotografen des 20. Jahrhunderts From Vienna to New York: the oeuvre of a major photographer of the twentieth century

Berührende Alltags- und Sozialstudien aus dem Wien der Zwischenkriegszeit und faszinierende Aufnahmen vom American Way of Life. Einfühlsame Porträts großer Persönlichkeiten – von Albert Einstein bis Arturo Toscanini – und Street Photography in New York: Das Werk des österreichisch-amerikanischen Fotografen Robert Haas (1898–1997) umfasst viele Themen und vereint den Blick auf zwei Kontinente. Seine künstlerische Karriere begann er im Umkreis der Wiener Moderne in den 1920er-Jahren. In den 1930er-Jahren etablierte er sich als international erfolgreicher Fotojournalist. Nach seiner Flucht vor den Nationalsozialisten 1938 fand Haas in den USA eine neue Heimat. Neben seiner Arbeit als bekannter Grafiker und Drucker in New York dokumentierte er in eindrucksvollen Aufnahmen den amerikanischen Alltag. Mit Robert Haas ist ein großer Fotograf und ein herausragendes Œuvre wiederzuentdecken, das der Katalog erstmals in noch nie gezeigten Vintage-Abzügen präsentiert.

Robert Haas Der Blick auf zwei Welten / Framing Two Worlds Hrsg. / Ed. ANTON HOLZER, FRAUKE KREUTLER, Texte von / texts by ANTON HOLZER, FRAUKE KREUTLER, URSULA STORCH Ca. 200 S. / pp., ca. 150 Abb. / ills., 24 x 28,5 cm, Hardcover Ca. € 35,– [D], CHF 42,70, $55.00, £32.50 ISBN 978-3-7757-4182-8 (Deutsch) ISBN 978-3-7757-4199-6 (English) November 2016

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Wien Museum

24.11.2016 – 5.3.2017 86

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Moving studies of everyday life and society in Vienna between the two world wars, and fascinating pictures of the American way of life. Sensitive portraits of major personalities—from Albert Einstein to Arturo Toscanini—and Street Photography in New York: the oeuvre of the Austrian-American photographer Robert Haas (1898–1997) encompasses numerous themes and unites the views of two continents. His artistic career began within Viennese modernism in the nineteen-twenties. He established himself as an internationally successful photojournalist in the thirties. After fleeing from the National Socialists in 1938, Haas found a new home in the United States. Besides his work as a well-known graphic artist and printer in New York, he documented everyday life in America in striking photographs. This catalogue allows readers to rediscover a major photographer and an outstanding oeuvre while presenting vintage prints that have never before been shown.

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Neue West, Berlin

29.4. – 6.5.2016

Nicht nur wir bewegen uns täglich durch den städtischen Raum. Es ist auch die spezifische Gestaltung dieses Raumes, die uns bewegt und anleitet. Wie in kaum einer anderen Stadt wird dies in Berlin spürbar. Seit der Wende ist das Stadtbild einem beständigen Wandel unterzogen, der von unzähligen einzelnen Bauvorhaben über die Umwidmung bestehender Gebäude bis zur Umwälzung ganzer Bezirke reicht. Der Ausstellungskatalog Berlin Raum Radar macht sich auf die Spurensuche nach dieser urbanen Morphologie. In über 80 Werken vereint er künstlerische Auseinandersetzungen mit dem städtischen Raum Berlins innerhalb der letzten 15 Jahre. Ob einfühlsame Detailstudie, philosophische Observation oder gestalterische Vision – die verschiedenen Perspektiven bilden ein Panorama der Veränderungen Berlins. Und sehenden Auges vollzieht man einen Wandel nach, der nicht nur das Erscheinungsbild einer Stadt, sondern auch unsere Wahrnehmung von ihr ebenso nachhaltig und auf immer neue Weise prägt.

Not only do we move ourselves daily through urban space, but it is also the specific design of this space that moves and guides us. In almost no other city is this more apparent than in Berlin. The cityscape has undergone permanent change since its reunification that ranges from hundreds of individual construction projects and the conversion of existing structures to the upheaval of entire districts. The exhibition catalogue Berlin Raum Radar sets out to trace this urban morphology. In more than eighty works it brings together artistic examinations of urban space in Berlin from the past fifteen years. Whether sensitive detail study, philosophical observation, or creative vision—the various perspectives constitute a panorama of the changes in Berlin. With eyes wide open, one can trace a transformation that not only characterizes the appearance of a city but also equally influences our perception in lasting and continually new ways.

Bildwelten des Wandels Visual worlds of change

Berlin Raum Radar Neue Architekturfotografie / New Architecture Photography Hrsg. / Ed. NADINE BARTH, Texte von / texts by NADINE BARTH, NIKOLAUS KUHNERT, ANH-LINH NGO, Gestaltung von / graphic design by JULIA WAGNER, grafikanstalt 128 S. / pp., ca. 80 Abb. / ills., 22 x 22 cm, Hardcover € 25,– [D], CHF 32,50, $40.00, £22.99 ISBN 978-3-7757-4179-8 (Deutsch, English) Lieferbar / Available

Mit WERKEN von / With WORKS by: Iwan Baan, Peter Bialobrzeski, Tacita Dean, Mitch Epstein, Christine Fenzl, Markus Henttonen, Ola Kolehmainen, Arwed Messmer, Andreas Mühe, Robert Polidori, Friederike von Rauch, Sarah Schönfeld, Michael Wesely, Ulrich Wüst, Harf Zimmermann, …

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Ein fotografischer Streifzug durch das Leben eines großen Fotografen

Unveröffentlichte Bilder aus dem Probeshooting für Marlboro

A photographic ramble through the life of a great photographer

Unpublished photographs from the trial photo-shoot for Marlboro

Frank Horvat (*1928 in Abbazia, heute Opatija, Kroatien), Modefotograf der ersten Stunde und einer der ersten Profifotografen, der Photoshop einsetzte, blickt mittlerweile auf rund 70 Jahre Tätigkeit und eine schillernde Karriere zurück. Nun gewährt der Grandseigneur einen sehr persönlichen Einblick in sein Privatleben: Die Autobiografie in Bildern zeigt private Momente aus all seinen Lebensphasen. Wir begegnen den großen Themen der Menschheit wie Geburt und Tod, sind Zeuge seiner Fähigkeit zu spielen und mit Tieren umzugehen, sehen seine Familie, seine Freunde. Es sind Alltagsbilder, wie sie jeder Mensch in einem Album gesammelt haben könnte. Ein »kleiner« Unterschied ist allerdings unübersehbar: Hier war bereits früh ein Meister am Werk, die Qualität der Bilder spricht für sich. Jedes der Fotos, die in chronologischer Folge erscheinen, wird im Anhang von Horvat selbst und meist ausführlich kommentiert.

Der weite Horizont der Prärie, hinter dem die Sonne untergeht, galoppierende Pferde und lässige, Lassos schwingende Cowboys. Es sind diese Bilder, die dem Mythos Amerika eine einzigartige visuelle Gestalt verleihen, ihn ebenso sicht- wie spürbar machen. Wie kaum ein anderer zeitgenössischer Fotograf hat sich Dieter Blum (*1936 in Esslingen) mit diesem Thema auseinandergesetzt, es aktualisiert und hinterfragt. Die 60 Fotografien der Serie Cowboys, die 1992 für Marlboro entstanden sind, legen hiervon Zeugnis ab und werden in diesem Ausstellungskatalog erstmals vollständig zusammengeführt. Der Topos des »Lonesome Cowboy« wird auf humorvolle Weise gebrochen und durch einen »Arbeiter« ersetzt, der im Team alltäglichen Tätigkeiten nachgeht – an der Bar steht, Zeitung liest, Wäsche wäscht, Ski fährt, ein Bad nimmt. Eine hinreißende Bildergeschichte, die Fiktion und Realität, Mythos und Wirklichkeit ineinander überführt und dekonstruiert.

Dieter Blum Cowboys. The First Shooting 1992 Hrsg. / Eds. RENATE WIEHAGER, FRIEDERIKE HORSTMANN,

Frank Horvat

Texte von / texts by FRIEDERIKE HORSTMANN,

Photographic Autobiography Text von / Text by FRANK HORVAT Ca. 608 S. / pp., ca. 246 Abb. / ills., 16,5 x 20,3 cm, Softcover Ca. € 38,– [D], CHF 46,90, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4208-5 (English) November 2016

Frank Horvat (*1928 in Abbazia, today Opatija, Croatia), a pioneering fashion photographer and one of the first professional photographers to use Photoshop, can meanwhile look back at around seventy years of activity and a dazzling career. The grand seigneur now allows us very personal insight into his private life: the autobiography in pictures reveals personal moments from all phases of his life. We encounter the great themes of humankind, such as birth and death, are witness to his ability to play, and to handle animals, we see his family, his friends. They are everyday images like anyone could have assembled in an album. However, there is one slight difference: a master was clearly at work here early on, the quality of the photographs speaks for itself. In the appendix, Horvat comments, in most cases at length, on each of the chronologically ordered pictures.

The wide horizon of the prairie on which the sun sets, galloping horses, and laid-back cowboys swinging lassos. These are the images that lend the myth of America visual form, make it both visible as well as palpable. Unlike hardly any other contemporary artist, the photographer Dieter Blum (*1936 in Esslingen) has dealt with, updated, and scrutinized this subject. The sixty photographs in the series Cowboys, which were taken in 1992 for Marlboro, testify to this fact and are being assembled for the first time in their entirety in this exhibition catalogue. The topos of the “lonesome cowboy” is ruptured in a humorous way and replaced by a “worker” who pursues everyday activities in a team— stands at the bar, reads the newspaper, washes laundry, skies, takes a bath. An enchanting story that converts fiction into fact, myth into reality, and deconstructs them.

RENATE WIEHAGER, Gestaltung von / graphic design by SUPERFANTASTIC, BERLIN 136 S. / pp., 94 Abb. / ills., 26 x 21,5 cm, Hardcover € 39,80 [D], CHF 48,50, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4166-8 (Deutsch, English) Lieferbar / Available

AUSSTELLUNG / EXHIBITION: Daimler Contemporary, Berlin

30.4. – 6.11.2016 88

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Ein sensibles Zeugnis der Krankheit und des komplexen Alltags der Betroffenen

Im Fokus: das Matriarchat im indischen Bundesstaat Meghalaya

A sensitive report on the disease and the complex everyday life of those affected by it

In focus: Matriarchy in the Indian state of Meghalaya

Jason Sangik Noh ist Chirurg und auf Krebserkrankungen spezialisiert. Parallel zu seiner medizinischen Laufbahn hat er sich intensiv mit Fotografie beschäftigt. Sein Buch lässt sich keiner bestimmten Kategorie zuordnen: Es ist eine Art Bild-Notizbuch mit Skizzen, Fotos und handschriftlich verfassten Anmerkungen. Auf diese Weise verschmelzen wissenschaftlicher Anspruch und menschliche Anteilnahme zu einem beeindruckenden und berührenden Dokument. Als eine der am kompliziertesten zu behandelnden Erkrankungen der modernen Zivilisation forderte die Krankheit den Autor zu dieser »Biografie des Krebses« heraus. Es ist ihm gelungen, sich ohne Pathos mit dem Thema auseinanderzusetzen und es auf diversen Ebenen zu beleuchten. Für Erfolg und Genesung, aber auch Niederlage und Verzweiflung findet er sein eigenes bildnerisches Vokabular. Dieses Projekt erregte große Aufmerksamkeit und gewann den aktuellen Preis der Ilwoo Foundation in Korea.

Jason Sangik Noh Biography of Cancer Hrsg. / Ed. ILWOO FOUNDATION, SEOUL KOREA, Texte von / texts by FRANCOIS HEBEL, JASON SANGIK NOH, Gestaltung von / graphic design by KARSTEN FRIEMEL/TENY Ca. 208 S. / pp., ca. 200 Abb. / ills., 23,5 x 27,5 cm, Hardcover Ca. € 40,– [D], CHF 48,70, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4214-6 (English) Mai / May 2016

Jason Sangik Noh is a surgeon and specializes in cancer treatment. Parallel to his medical career, he has dealt intensely with photography. His book cannot be assigned to a specific category: it is a kind of picture notebook with sketches, photographs, and handwritten remarks. His scientific aspirations and human interest merge to come an impressive and touching document. As one of the diseases of modern civilization that is the most complex to treat, it challenged the author to create this Biography of Cancer. He has succeeded in examining the theme without pathos and analyzing in depth its many levels. He finds his own pictorial vocabulary for success and recovery, as well as for failure and desperation. This project gained a great deal of attention, and won the recent Ilwoo Photography Prize.

Karolin Klüppel (*1985 in Kassel) kann bereits auf ein Schaffen zurückblicken, das sich einer Vielzahl enthusiastischer Besprechungen und Auszeichnungen erfreut. Die außerordentliche Resonanz verdankt sich dem eleganten Changieren ihrer Fotografien zwischen Dokumentation und Komposition sowie ihrem ausgeprägten Gespür für eindrückliche Themen. Die Bilder der Serie Mädchenland bestechen nicht nur durch ihre eindringliche und kontemplative Ästhetik, sie erzählen auch eine Geschichte. Durch die Gesichter von Mädchen erblickt man die Lebenswelt und Kultur der Khasi, eines indigenen Volkes im indischen Bundesstaat Meghalaya, dessen Gesellschaftsform matrilinear organisiert ist: Hier wird die jüngste Tochter in der Erbfolge bevorzugt. Heiratet sie, zieht ihr Ehemann in das Haus ihrer Familie ein, die Kinder erhalten den Namen der Mutter. Nur die Geburt einer Tochter sichert die Kontinuität des Clans. Von 2013 bis 2015 verbrachte die Fotografin insgesamt 10 Monate in dem Khasi-Dorf Mawlynnong und fing dort magische Bilder ein.

Karolin Klüppel Mädchenland / Kingdom of Girls

Karolin Klüppel (*1985 in Kassel) can already look back at a body of creative work that enjoys a wide range of enthusiastic reviews and awards. This extraordinary resonance is due to the elegant alternation of her photographs between documentation and composition as well as her marked sense of impressive subjects. The pictures in the Kingdom of Girls series stand out not only due to their powerful and contemplative aesthetic, they also tell a story. The girls’ faces reveal the lifeworld and culture of the Khasi, an indigenous people in the Indian state of Meghalaya with a matrilineal social system: the youngest daughter is given preference in the order of succession. When she marries, her husband moves into her family’s home, the children receive the mother’s name. Only the birth of a daughter guarantees the continuity of the clan. Between 2013 and 2015, the photographer spent a total of ten months in the Khasi village of Mawlynnong, where she captured these magical images.

Hrsg. / Ed. KAROLIN KLÜPPEL, Texte von / texts by AN DR EA J ESKA, KAROLI N KLÜ PPEL, Gestaltung / graphic design by HANNAH FELDMEIER Ca. 96 S. / pp., ca. 40 Abb. / ills., 23 x 26 cm, Hardcover Ca. € 39,80 [D], CHF 48,50, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4206-1 (Deutsch, English) September 2016

F OTO G R A F I E / P HOTO GR A P HY

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Ein einzigartiges zeitgeschichtliches Dokument – jetzt auch mit englischem Begleitheft

Gefangen hinter dem roten Vorhang Captured behind the red curtain

A unique historical document– now accompanied by an English booklet

Jeder neue Tag barg für Stefan Hanke (*1961 in Regensburg) die Gefahr, einen Menschen weniger kennenlernen zu können, der eine der größten Katastrophen der Menschheitsgeschichte überlebt hat, die in Europa je stattgefunden haben. Beinahe elf Jahre reiste der Fotograf für sein Projekt Tausende von Kilometern, um die letzten Überlebenden der nationalsozialistischen Konzentrationslager zu treffen. Bei diesen intensiven Begegnungen entstanden Aufnahmen, die uns Geschichte(n) äußerst reflektiert näherbringen. So traf Hanke auf die polnische Schriftstellerin Zofia Posmysz am Morgen nach der Verleihung des Bundesverdienstkreuzes an sie in einer Baracke des ehemaligen Frauenlagers AuschwitzBirkenau. Den Prager Pavel Stránský hingegen fotografierte er im Nürnberger Justizpalast, wo sich von 1945 bis 1949 die führenden Vertreter des NS-Regimes vor Gericht verantworten

Stefan Hanke

mussten. Hankes Bilder sind keine Dokumentationen, sondern Interpretationen dieser bewegenden Begegnungen.

Am 27. Februar 1975 wurde der Westberliner CDU-Politiker Peter Lorenz von der Bewegung 2. Juni entführt. Gibt man heute die Schlüsselbegriffe in eine Internet-Suchmaschine ein, erscheint nur ein Foto, das (noch) im kollektiven Bildgedächtnis verankert ist. Es zeigt Peter Lorenz auf einem mehrfach reproduzierten, unscharfen Foto als Opfer in seiner Zelle. Versteckt im Archiv aber hat ein bisher unbekanntes Konvolut aus rund 3 000 Negativen die Zeit überdauert. Sie entstanden im Rahmen der Ermittlungen des Berliner Staatsschutzes, darunter auch die Dokumentation eines minutiösen Reenactments der Polizei aus den Originalbaustoffen des Kellerraums. Im Gegensatz zu den Ereignissen im Deutschen Herbst 1977 ging diese Entführung unblutig zu Ende. In seiner künstlerischen Arbeit setzt Arwed Messmer die Archivalien durch eine Reihe von Entscheidungen über Material, Größe, Ausschnitt und Platzierung zueinander in Beziehung, erschließt sie so erstmalig visuell und verknüpft sie in seiner nicht linearen Erzählung mit eigenen Fotos.

Zelle / Cell

KZ überlebt / Concentration Camp Survivors Texte von / Texts by STEFAN HANKE, CHARLES CHAPLIN, ECKART DIETZFELBINGER, JOACHIM WOLBERGS, Gestaltung von / graphic design by ANDREAS PLATZGUMMER 264 S. / pp., 123 Abb. / ills., 22 x 33 cm, Hardcover ISBN 978-3-7757-4020-3 (Deutsch) € 39,80 [D], CHF 48,50, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4197-2 (Deutsch + English booklet) € 49,80 [D], CHF 64,90, $75.00, £45.00 Juli / July 2016

AUSSTELLUNGEN / EXHIBITIONS: Dokumentationszentrum Reichsparteitagsgelände Nürnberg

15.7. – 3 1.12.2016 Gedenkstätte Theresienstadt, Tschechien

5.4. – 7.7.2016 Gedenkstätte Auschwitz / Birkenau, Polen

Januar – F ebruar / January – F ebruary 2017 Kunst-und Gewerbeverein e. V. Regensburg

25.3. –30.4.2017 92

sowie weitere Stationen / and further venues

For Stefan Hanke (*1961 in Regensburg), each new day harbored the danger of being able to meet one less person who had survived one of the greatest disasters in the history of humankind to occur in Europe. For his project, for nearly eleven years the photographer traveled thousands of kilometers in order to meet the last survivors of National Socialist concentration camps. Photographs were created during these intense encounters that relate stories and give us an understanding of history in a highly insightful way. Hanke met with the Polish writer Zofia Posmysz the morning after she received The Order of Merit of the Federal Republic of Germany in a barrack at the former women’s concentration camp in Auschwitz-Birkenau. And he took pictures of the Praguer Pavel Stránský in the Nuremberg Palace of Justice, where the leading representatives of the Nazi regime stood trial between 1945 and 1949. Hanke’s photographs are less documentary than personal interpretations of these gripping encounters.

On February 27, 1975, Peter Lorenz, a Christian Democratic politician in West Berlin, was abducted by the Bewegung 2. Juni (June 2 Movement). Today, when one enters key terms into an Internet search engine only one image appears that is (still) embedded in collective visual memory. It features Peter Lorenz in a photograph reproduced many times as a victim in his cell. However, a body of about three thousand negatives has survived, hidden in an archive. They were produced within the scope of investigations by Berlin’s state security and also include the documentation of a meticulous reenactment by the police featuring the original materials used to build the basement space. Unlike the events that took place during Germany’s fall of terror in 1977, this abduction ended without bloodshed. In his artistic work, Arwed Messmer places the images in a relationship to one another through a series of decisions concerning material, size, detail, and placement. In doing so he makes them accessible visually and links them with his own photographs in a nonlinear narrative.

Konzept und Fotografie von / Concept and photography by ARWED MESSMER, Gestaltung von / graphic design by CARSTEN EISFELD Ca. 160 S. / pp., ca. 100 Abb. / ills., 24,5 x 34 cm, Softcover + Beileger / folder Ca. € 38,– [D], CHF 46,90, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4185-9 (Deutsch, English) Oktober / October 2016

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ARCHITECTURE & DESIGN

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Zauberhafte Aquarelle der Designkunst

Mehr Nichts ist möglich It is possible to get more nothingness

Enchanting watercolors from the art of design

Johannes Schütz Modelle & Interviews / Models & Interviews Interviews mit / with JOHANNES SCHÜTZ, mit einem Gastbeitrag von / with a guest contribution by THOMAS SCHEIBITZ, Gestaltung von / graphic design by CARSTEN EISFELD Ca. 560 S. / pp., ca. 570 Abb. / ills., 16 x 24 cm, Softcover Ca. € 58,– [D], CHF 75,00, $85.00, £55.00 ISBN 978-3-7757-4165-1 (Deutsch, English) Oktober / October 2016

Das Foto eines Bühnenbildmodells ist eine Täuschung. Es erzeugt den Eindruck, als hätte die Aufführung schon stattgefunden. Modelle haben eine diskrete Energie, die sich noch steigert, wenn man sie fotografiert. Der Philosoph Gaston Bachelard hat die Arbeit an der Miniatur freundlich banalisiert, als »eine metaphysische Ausgleichsübung, um mit geringem Risiko weltschöpferisch zu sein«. – Kaum ein anderer führt dies deutlicher vor Augen als der Bühnenbildner Johannes Schütz. Ob am Wiener Burgtheater, am Deutschen Theater, Berlin, oder am Hamburger Schauspielhaus – seine Werke sind schlicht, radikal und klar zugleich. Die formale Strenge, die Schütz äußerst bedacht konzipiert, ist eine Einladung in Welten, in denen man sich ebenso verlieren wie konzentrieren kann. Die Publikation erlaubt es, anhand der fotografierten Modelle in diese Bühnenräume nicht nur einzutauchen, sondern auch die Arbeitsweise des gefeierten Bühnenbildners in spannenden Interviews kennenzulernen.

The photograph of a stage design model is an illusion; it creates the impression of the performance having already taken place. Models have a discrete energy that is heightened even more if one takes pictures of them. The philosopher Gaston Bachelard politely trivialized working on the miniature as “an exercise that has metaphysical freshness; it allows us to be world conscious at slight risk.” Hardly anyone else renders this more clearly visible than the stage designer Johannes Schütz. Whether at the Burgtheater in Vienna, the Deutsches Theater in Berlin, or the Schauspielhaus in Hamburg— his works are at once simple, radical, and clear. The formal austerity that Schütz conceives with extraordinary caution is an invitation into worlds in which one can both lose as well as collect oneself. Based on the photographed models, the publication permits not only immersing oneself in these stage spaces but becoming acquainted with the celebrated set designer’s approach in fascinating interviews.

In der Reihe der großen dänischen Designer wird Finn Juhl (1912–1989) in einem Atemzug mit Hans J. Wegner und Arne Jacobsen genannt. Besonders bekannt machten ihn seine skulpturalen, organisch anmutenden Tische, Stühle und Sofas. Aber auch mit seinen komplexen Innenausstattungen, die er in den 1940er- und 1950er-Jahren entwickelte, feierte er große Erfolge. Dazu zählen die Dänische Botschaft in Washington, D. C. oder der Sitzungsraum des Treuhandrats der Vereinten Nationen im New Yorker UN-Gebäude. Dass Finn Juhl ein begnadeter Aquarellist war, ist bisher nur Eingeweihten bekannt. Diese Publikation eröffnet ihren Lesern nun erstmals einen einzigartigen Blick auf die Arbeitsweise des Designers. Mehr als 125 feinsinnige Papierarbeiten vermitteln die Genialität ihres Schöpfers: Endlich werden Finn Juhls Möbelklassiker, Wohnkonzepte und Inneneinrichtungen in ihrer ganzen Komplexität erfahrbar, da man ihre Entstehung von Beginn an nachverfolgen kann.

In the rank of great Danish designers, Finn Juhl (1912–1989) is mentioned in the same breath with Hans J. Wegner and Arne Jacobsen. He became particularly well known for his sculptural, seemingly organic tables, chairs, and sofas. However, the complex interior designs he developed in the forties and fifties were also enormously successful. These include the Danish Embassy in Washington, D. C., or the conference room of the United Nations Trusteeship Council in New York. Only the most adept would be aware of the fact that Finn Juhl was also a talented watercolor painter. For the first time, this publication allows readers to take a unique look at the designer’s working method. More than 125 subtle works on paper communicate the ingenuity of their creator: Finn Juhl’s furniture classics, living concepts, and interior designs can finally be experienced in all their complexity, as one can trace their development from the beginning onwards.

Watercolors by Finn Juhl Text von / Text by ANNE-LOUISE SOMMER Ca. 192 S. / pp., ca. 200 Abb. / ills., 23,5 x 27,5 cm, Halbleinen / Half cloth Ca. € 39,80 [D], CHF 48,50, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4209-2 (English) Oktober / October 2016

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Die Stadtvilla neu definiert

Die Suche nach Ausdruck und Identität

The urban villa redefined

Search for expression and identity

Paris, Antwerpen, Zwolle und Bremen – in diesen Städten arbeitet das Atelier Kempe Thill an der Gebäudetypologie der Stadtvilla, die heute als eine Vision zeitgenössischen Wohnens den Wohnungsbau in Westeuropa wesentlich prägt. Die in dieser Publikation vorgestellten Projekte basieren allesamt auf diesem Grundtypus. Aus den nationalen und regionalen Besonderheiten und deren bewusster Konzeptualisierung entstehen jedoch jeweils ganz eigene Interpretationen. Der Band spürt den Projekten des Ateliers Kempe Thill in ihrem Spannungsverhältnis zwischen architektonischem Entwurf und lebensweltlichen Bedingungen nach. Zahlreiche Abbildungen sowie Texte namhafter Architekten und Kritiker eröffnen ein Verständnis für die Bauten und ihre Entstehungsprozesse. So bietet der Katalog ein Panorama der Bedingungen, unter denen gegenwärtig in Europa kollektiver Wohnungsbau entsteht.

Atelier Kempe Thill Villa Urbaine Hrsg. / Eds. ANDRÉ KEMPE, OLIVER THILL, Texte von / texts by JEAN-LOUIS COHEN, ERIC LAPIERRE, Gestaltung von / graphic design by HEIMANN & SCHWANTES Ca. 144 S. / pp., ca. 200 Abb. / ills., 16,5 x 23,5 cm, Hardcover Ca. € 39,80 [D], CHF 48,50, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4213-9 (English, French) November 2016

Paris, Antwerp, Zwolle, and Bremen—the Atelier Kempe Thill works in these cities on the building typology of the urban villa, which today essentially characterizes housing in Western Europe as a vision of contemporary living. The projects presented in this publication are all based on this basic type of structure. However, very distinct interpretations develop from specific national and regional features and their conscious conceptualization. The volume traces the projects by the Ateliers Kempe Thill in their relationship of tension between architectural design and lifeworld-related conditions. Numerous illustrations as well as texts by well-known architects and critics shed light on the buildings and their processes of origin. The catalogue thus provides a panorama of the conditions under which collective housing is currently developing in Europe.

Ornament and Identity ist der Nachfolger der höchst erfolgreichen Publikation At Work des renommierten, in Rotterdam ansässigen Architekturbüros Neutelings Riedijk. In ihrem neuen Buch zeigen die Architekten auf überzeugende Art und Weise, dass Gebäude mit einer eindringlichen Ausdrucksform neue lokale Identitäten in einer globalisierten Welt schaffen. In zwölf thematischen Kapiteln – »Moiré«, »Image«, »Seam«, »Emblem«, »Letter«, »Pattern«, »Frame«, »Ridge«, »Grid«, »Diamond«, »Relief« und »Filigree« – werden dem Leser Zusammenhänge zwischen Form, Bedeutung und zeitgenössischen Ornamenten aufgezeigt. Zahlreiche Abbildungen realisierter Gebäude und faszinierende Modelle sowie von Materialmustern und einzigartigen Ornamenten, entworfen von Neutelings Riedijk Architects, geben einen Einblick in ihre Arbeit und ihre Suche nach Ausdruck und Identität.

Ornament & Identity Neutelings Riedijk Architects

Ornament and Identity is the successor of the well-received At Work, a publication by renowned Rotterdam based architecture firm Neutelings Riedijk. In their new book they convincingly demonstrate that buildings with a powerful expression create new local identities in a globalised world. In twelve themed chapters Moiré, Image, Seam, Emblem, Letter, Pattern, Frame, Ridge, Grid, Diamond, Relief and Filigree, readers are guided on the exploration of the connection between form, meaning and contemporary ornaments. Realised buildings, intriguing scale models, material samples and unique ornaments designed by Neutelings Riedijk Architects illustrate the craftsmanship and their search for expression and identity.

Gestaltung von / Graphic design by ZAK GROUP, LONDON Ca. 360 S. / pp., ca. 260 Abb. / ills., 23,7 x 28,5 cm, Leinen / clothbound Ca. € 58,– [D],CHF 75,00, $85.00, £55.00 ISBN 978-3-7757-4215-3 (English) Oktober / October 2016

“… we design hems, ridges and rims to create new identities…” 98

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Katalog zum Chilenischen Pavillon auf der Architekturbiennale in Venedig

Einblicke in Teherans soziale und politische Gemeinschaftsräume

Catalogue accompanying the Chilean Pavilion at the International Architecture Exhibition in Venice

An interior view of Tehran’s social and political community spaces

Der Chilenische Pavillon auf der 15. Architekturbiennale von Venedig zeigt unter dem Titel Against the Tide die Arbeiten junger Architekturstudenten der Escuela de Arquitectura in Talca, die dort nicht nur lernen zu zeichnen und zu planen, sondern auch ihr Projekt zu promoten, Bauherren zu finden und Finanzierungen aufzustellen, bevor sie es umsetzen. In 15 Einzelstudien präsentiert das Buch ihre Ergebnisse: kleinere Häuser und öffentliche Gebäude, die in den ländlichen Gegenden Zentralchiles realisiert wurden und nicht nur baulich eine Revolution darstellen. Maßgebend waren Komponenten wie ökologische Materialien und die Schonung von Ressourcen, verknüpft mit dem übergeordneten Ziel, das Leben der Menschen vor Ort und ihre Lebensbedingungen deutlich zu verbessern und durch innovatives Bauen eine soziale und gesellschaftliche Perspektive aufzuzeigen.

A Contracorriente / Against the Tide Hrsg. / Eds. ANDREA GRIBORIO, JOSÉ LUIS URIBE, Texte von / Texts by JOSÉ BENGOA, MANUEL CUADRA, ALFREDO JOCELYN HOLT, ERNESTO OTTONE, JUSTO PASTOR MELLADO, JUAN ROMAN, JOSÉ LUIS URIBE, Gestaltung von / graphic design BY CRISTINA PAOLI · PERIFERIA 160 S. / pp., 106 Abb. / ills., 24 x 29 cm, Softcover Ca. € 40,– [D], CHF 48,70, $60.00, £35.00 ISBN 978-3-7757-4188-0 (Spanish) ISBN 978-3-7757-4189-7 (English) Juni / June 2016

Against the Tide, the Chilean Pavilion at the 15th International Architecture Exhibition of the Venice Biennale, exhibits the work of architecture students from the Escuela de Arquitectura in Talca who have conceived, financed, designed, and constructed smallscale architecture in order to obtain their professional degree in the field. They have built with a minimum of resources, with the residue of agricultural processes, and with local materials easily available in a rural environment. This catalogue contains the fifteen projects chosen for the exhibition, with texts by different authors that examine these architects’ training and the customs of a territory both anodyne and extraordinary. Against the Tide speaks to the contrary direction in which some things move. It puts the accent on the customs and landscape of a rural world of forestry and agriculture, helping to improve the everyday lives of people through architecture.

Chilenischer Pavillon auf Architekturbiennale von Venedig / Chilean Pavilion at the International Architecture Exhibition in Venice

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28.5. – 2 7.11.2016

Das Leben in Teheran blüht und gedeiht in seinen Innenräumen. Wenn öffentlicher Raum kontrolliert und überwacht wird, dann werden Wohnräume zu Kunstgalerien, Clubs, Kulturzentren, Fabriken und Büros. Innenräume sind nicht länger die ausschließliche Domäne von individuellem Leben und Familienangelegenheiten; Wohnungen und Häuser werden zu Räumen, in denen neue Formen kollektiven Lebens ausprobiert und gefördert werden, sowie zu Schlachtfeldern sozialer Konflikte und politischer Wählerschaften. Durch sein umfassendes Kompendium an Zeichnungen stellt Tehran. Life Within Walls eine archäologische Untersuchung der Politik und Ökologie von Innenräumen in der iranischen Metropole dar, von der Gründung der iranischen Hauptstadt bis zum heutigen Tag. Das Buch ist zugleich ein anschaulicher Einstieg in das Studium Teherans und der islamischen/iranischen Architektur, aber auch ein methodisches Experiment zur Untersuchung zeitgenössischer Städte. Die im Anhang gezeigten sechs Projekte bieten eine fantasievolle – und dennoch pragmatische – Vision für die Zukunft von Teheran.

Tehran: Life Within Walls A City, its Territory, and Forms of Dwelling Hrsg. / Ed. TU DELFT, Vorwort von / foreword by SALOMON

Life in Tehran proliferates and thrives in its interiors. When public space is policed and controlled, domestic interiors become art galleries, clubs, cultural centers, factories and offices. Interiors cease to be the exclusive domain for individual life and family matters; homes become the spaces in which new forms of collective life are experimented with and nurtured, and the battleground for social conflicts and political constituencies. Through its extensive apparatus of drawings, Tehran: Life Within Walls presents an archaeological inquiry into the politics and the ecologies of the interior spaces of the Iranian metropolis, from its foundation as the Iranian capital until today. The book is at the same time an accessible entry point for the study of Tehran and Islamic/Iranian architecture, as well as a methodological experiment for the study of contemporary cities. An appendix of six projects provides an imaginative—yet radically pragmatic—vision for the future of Tehran.

FRAUSTO, Texte von / texts by AMIR DJALALI, HAMED KHOSRAVI, FRANCESCO MARULLO, Nachwort von / epilogue by MICHIEL RIEDIJK, Gestaltung von / graphic design by MARCO UGOLINI Ca. 224 S. / pp., ca. 100 Abb. / ills., 18,5 x 24 cm, Softcover Ca. € 35,– [D], CHF 44,00, $55.00, £32.50 ISBN 978-3-7757-4143-9 (English) August 2016

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Schloss und Park Benrath Fotografien von / Photographs by MARCUS SCHWIER, Gestaltung von / graphic design by JAN VAN DER MOST Ca. 144 S. / pp., ca. 80 Abb. / ills., 21 x 28 cm, Hardcover Ca. € 24,80 [D], CHF 32,40, $40.00, £22.99 ISBN 978-3-7757-4177-4 (Deutsch, English) August 2016

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Außergewöhnliche Begegnungen: Geschichte(n) der Stiftung Schloss und Park Benrath

Wiederentdeckt! Die frühen Bauten eines der bedeutendsten Vertreter der modernen Architektur

Extraordinary encounters: history of the Benrath Palace and Park Foundation

Rediscovered! The early buildings of one of the most important representatives of modern architecture

Wie kaum eine andere Anlage verbindet das Ensemble von Schloss und Park Benrath scheinbare Gegensätze zu einer harmonischen Einheit. 1770 nach Plänen von Nicolas de Pigage fertiggestellt, fließen hier Architektur und Landschaft ineinander, ergänzen und bereichern sich wechselseitig. Schlossund Gartenanlage stehen nicht nur unter Denkmalschutz, der Park ist zudem als Naturschutzgebiet ausgewiesen. Die Stiftung Schloss und Park Benrath hat sich dem Erhalt dieser einzigartigen Symbiose verschrieben. Mit ihren Museen und Veranstaltungen setzt die Stiftung die Begegnung von Gegenwart und Historie schillernd in Szene. Der Band stellt neben der Bau- und Nutzungsgeschichte besonders die Stiftungsarbeit an diesem außergewöhnlichen Ort vor. Neben den Texten laden die prachtvollen Bilder des Architekturfotografen Marcus Schwier den Leser zu einem außergewöhnlichen Spaziergang durch Raum und Zeit ein.

The Benrath Palace and Park ensemble harmoniously unites apparent opposites. Completed in 1770 according to plans drawn up by Nicolas de Pigage, architecture and landscape merge, complementing and enhancing one another. And so it is not surprising that the palace and gardens not only have landmark status, but that the park has also been declared a nature sanctuary. The Benrath Palace and Park Foundation has dedicated itself to the preservation of this unique symbiosis. It colorfully stages the encounter between the present and the past with its museums and events. Besides the history of the building and its use, this volume presents the work performed by the foundation at this exceptional site. Texts and magnificent pictures by the architectural photographer Marcus Schwier take readers on an extraordinary stroll through space and time.

Sobald sein Name fällt, hat man sie vor Augen: großzügig in die Natur hineinkomponierte, lichtdurchflutete Bungalows, die den architektonischen Stil der amerikanischen Westküste um Los Angeles prägen. Dass Richard Neutras (1892–1970) Karriere in Berlin-Zehlendorf ihren Anfang nahm, wird manchmal übersehen. Dabei stellen gerade die Zehlendorfer Häuser einen äußerst faszinierenden Abschnitt in Neutras Werk dar. Sie offenbaren mit ihrem komplexen Farbkonzept und ihrer extravaganten Innenausstattung nicht nur den experimentellen und radikal innovativen Entwurf. Vielmehr erkennt man in dieser kaum bekannten Seite seines Bauens auch schon Andeutungen, die sich in folgenden Projekten wiederfinden. Die vorliegende Publikation würdigt das Frühwerk eines der Hauptvertreter der klassischen Moderne und präsentiert neben historischen Quellen neue, bisher unveröffentlichte Dokumentationen der Häuser und ihrer ersten Bewohner.

At first mention of his name, one can easily picture them: light-flooded bungalows that are lavishly composed into nature and that characterize the architectural style of the American West Coast surrounding Los Angeles. But it is sometimes overlooked that the career of Richard Neutra (1892–1970) began in Berlin-Zehlendorf. And yet these houses in Zehlendorf represent a fascinating phase in Neutra’s work. With their complex color schemes and extravagant interior design, they reveal themselves to be more than just an experimental and radically innovative design. Indeed, these lesser-known aspects already hint at elements that will be taken up again in future projects. The present publication finally provides for a rightful appreciation of Neutra’s early works and, alongside historical sources, it collects countless new and unpublished documents about the houses and their first residents.

Richard Neutra in Berlin Die Geschichte der Zehlendorfer Häuser Text von / Text by HARRIET ROTH, Gestaltung von / graphic design by MARGARETHE HAUSSTÄTTER Ca. 320 S. / pp., ca. 170 Abb. / ills., 22,8 x 26,7 cm, Hardcover Ca. € 45,– [D], CHF 55,90, $70.00, £40.00 ISBN 978-3-7757-4153-8 (Deutsch) Juni / June 2016

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S PE CIAL PRICE

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Special Price Eine Auswahl unserer schönsten Bücher zum Sonderpreis A selection of our most beautiful books at a special price Weitere Sonderausgaben finden Sie unter www.hatjecantz.de You can find more special-price-editions at www.hatjecantz.com

Paul Klee Leben und Werk

Eine umfassende Monografie zu Leben und Werk von Paul Klee A comprehensive monograph on the life and work of Paul Klee

Apple sets design standards— this lavishly illustrated volume explains why

Skulpturen 1997–2014

Umfangreiche Monografie zum skulpturalen Werk der letzten Jahre

Mass production as a means of artistic expression—Warhol meets Made in China

160 S. / pp., 69 Abb. / ills., 24,4 x 30,6 cm, Hardcover

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ISBN 978-3-7757-3010-5 (Deutsch)

ISBN 978-3-7757-3006-8 (Deutsch)

ISBN 978-3-7757-3792-0 (Deutsch)

ISBN 978-3-7757-3662-6 (English, Chinese)

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Von New York lernen Mit Stuhl, Tisch und Sonnenschirm

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New York as a model for sustainable urban development

128 S. / pp., 93 Abb. / ills., 33,7 x 48,7 cm, Hardcover

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ISBN 978-3-7757-3857-6 (Deutsch, English)

Massenproduktion als künstlerisches Ausdrucksmittel – Warhol meets Made in China

Comprehensive monograph on the sculptural works of recent years

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Apple setzt Designmaßstäbe – der umfangreiche Band erklärt warum

Charles Ray

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Die Reisen des Casanova

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SP ECI A L P RI CE

Chagall

Gregory Crewdson

Hilma af Klint

Meister der Moderne

Beneath the Roses. Werke 2003–2007

Eine Pionierin der Abstraktion / A Pioneer of Abstraction

Die Anfänge und das frühe Schaffen des wegweisenden Avantgardisten

Für alle Fans der irritierenden Fotoinszenierungen

Einblicke in andere Dimensionen der Existenz

The early days and work of the pioneering avant-garde painter

For all fans of staged photographs

Insights into different dimensions of existence

Dramatic, exotic, and beautiful: new light is cast on a myth.

196 S. / pp., 128 Abb. / ills., 25 x 28,7 cm, Hardcover

140 S. / pp., 128 Abb. / ills., 30 x 41,2 cm, Hardcover

296 S. / pp., 272 Abb. / ills., 21,9 x 28,2 cm, Softcover

112 S. / pp., 68 Abb. / ills., 21,5 x 27 cm, Softcover

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144 S. / pp., 101 Abb. / ills., 24,3 x 28 cm, Softcover

ISBN 978-3-7757-3464-6 (Deutsch)

ISBN 978-3-7757-2173-8 (Deutsch)

ISBN 978-3-7757-3488-2 (Deutsch)

ISBN 978-3-7757-3606-0 (Deutsch)

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ISBN 978-3-7757-3607-7 (English)

ISBN 978-3-7757-3644-2 (Deutsch)

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Was ist Kunst? / What Is Art?

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»Ein kluger Spaß – auch für Erwachsene.« – B R I G I T T E

106

27 Fragen. 27 Antworten / 27 Questions. 27 Answers

Für junge Leser und Erwachsene For young readers and adults

Frida Kahlo Dramatisch, exotisch und schön: Ein Mythos wird neu beleuchtet.

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1914 – Welt in Farbe

Blow-Up

Farbfotografie vor dem Krieg

Antonionis Filmklassiker und die Fotografie

Aus dem Archiv der Medien pioniere Albert Kahn, Sergej M. Prokudin-Gorskii und Adolf Miethe

Der Voyeurismus der Kamera: Vanessa Redgrave, Veruschka und Jane Birkin im Swinging London

From the archive of media pioneers Albert Kahn, Sergej M. ProkudinGorskii, and Adolf Miethe

The voyeurism of the camera: Vanessa Redgrave, Veruschka, and Jane Birkin in Swinging London

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280 S. / pp., 1020 Abb. / ills., 23,4 x 29,2 cm, Softcover € 9,95 [D], CHF 13,30, $15.00, £8.99 ISBN 978-3-7757-3736-4 (Deutsch) ISBN 978-3-7757-3737-1 (English) Lieferbar / Available

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Paul Gauguin Metamorphosen

Alle Facetten des großen Malers in einem Band All facets of the great painter in one volume

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ISBN 978-3-7757-3527-8 (English)

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Neo Rauch Begleiter

Die bedeutendsten Arbeiten von Neo Rauch in einer opulenten Monografie An opulent monograph featuring Neo Rauch’s most significant works 332 S. / pp., 155 Abb. / ills., 24,6 x 29,6 cm, Hardcover € 29,95 [D], CHF 36,80, $45.00, £26.99 ISBN 978-3-7757-2520-0 (Deutsch) Lieferbar / Available

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Berliner Luft Der etwas andere Reiseführer über die Hauptstadt: mit kultigen Fotografien vom Wedding bis nach Zehlendorf A slightly different guide to Berlin: with iconic photographs from Wedding to Zehlendorf 256 S. / pp., 168 Abb. / ills., 14 x 21 cm, Softcover € 7,95 [D], CHF 10,90, $15.00, £7.99 ISBN 978-3-7757-2616-0 (Deutsch, English) Lieferbar / Available

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Arno Schmidt als Fotograf

Verner Panton

Matteo Thun

Ron Galella

Entwicklung eines Bildbewusstseins

Spiegel-Kantine

The Index Book

Paparazzo Extraordinaire!

Eindrucksvolle Schwarz-Weißund Farbaufnahmen des bedeutenden Schriftstellers

Verner Pantons Gesamtkunstwerk: die SPIEGEL-Kantine, eine Orgie in Orange, Rot und Lila

Architektur und Produktdesign von Der ungekrönte König unter Matteo Thun – von seinen frühesten den Paparazzi: Ron Galella, Arbeiten bis heute, von A bis Z berühmt und berüchtigt

Striking black-and-white and color photographs by the distinguished author

Verner Panton’s synthesis of the arts: the SPIEGEL cafeteria, an orgy of orange, red, and purple

Matteo Thun’s architecture and product design. From his earliest to his most recent works, from A to Z

Uncrowned king of the paparazzi: the notorious Ron Galella

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368 S. / pp., 321 Abb. / ills., 23,9 x 28,9 cm,

200 S. / pp., 104 Abb. / ills., 19,6 x 21,7 cm,

ISBN 978-3-7757-3149-2 (Deutsch, English)

22,5 x 24,6 cm, Hardcover

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ISBN 978-3-7757-3321-2 (Deutsch)

ISBN 978-3-7757-3499-8 (Deutsch, English, Italian)

ISBN 978-3-7757-3324-3 (Deutsch, English)

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Ichundichundich Picasso im Fotoporträt

»...ein Meister der Selbstinszenierung« – M U S E U M LU DW I G

108

Ein furioser Bilderreigen – weltberühmte Künstlerfotografen sehen Picasso

Weltenschöpfer Richard Wagner, Max Klinger, Karl May

Zur künstlerischen Wesensverwandtschaft der drei sächsischen Genies

A grand series of images—worldfamous photographers see Picasso

On the related artistic natures of three Saxon geniuses

272 S. / pp., 304 Abb. / ills., 22,1 x 24,8 cm, Hardcover

232 S. / pp., 222 Abb. / ills., 24,8 x 29,8 cm, Hardcover

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€9,95 [D], CHF 13,30, $15.00, £8.99

ISBN 978-3-7757-3198-0 (Deutsch)

ISBN 978-3-7757-3537-7 (Deutsch)

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» F antasten aus Sachsen« – D E R TAG E S S P I E G E L

109

E DITION G E RD H ATJE

OLIVO BARBIERI OLAF OTTO BECKER ROMAN BEZJAK PETER BIALOBRZESKI BAE, BIEN-U THORSTEN BRINKMANN DANIELE BUETTI CHIEN-CHI CHANG DAVID CLAERBOUT AMY CUTLER FRANK DARIUS SABINE DEHNEL ANDREA DIEFENBACH MARK DION GORAN DJUROVIC

110

PETER DOWNSBROUGH KERSTIN DRECHSEL FILIP DUJARDIN ANDREAS FEININGER PHILIPP FÜRHOFER FRANK GAUDLITZ ANDREAS GEFELLER PETER GRANSER MONIKA GRZYMALA GUIDO GUIDI TERRY HAGGERTY JACQUELINE HASSINK PETER HEBEISEN KATI HECK THILO HEINZMANN

ULRICH HENSEL MARKUS HENTTONEN CARSTEN HÖLLER FRANK HORVAT TOM HUNTER ODA JAUNE JOAN JONAS NADAV KANDER JANNIS KOUNELLIS FRANK KUNERT MICHAEL LANGE VILLE LENKKERI MARTIN LIEBSCHER ROSA LOY NIKO LUOMA

M+M MARRIGJE DE MAAR UTE MAHLER ANNETTE MESSAGER MARIKO MORI ARMIN MUELLER-STAHL LOREDANA NEMES MARTIN NEUMAIER WALTER NIEDERMAYR / KAZUYO SEJIMA + RYUE NISHIZAWA (SANAA) WALTER NIEDERMAYR ERIK NIEDLING HERMANN NITSCH CATHERINE OPIE

OSTKREUZ NELLI PALOMÄKI ELIZABETH PEYTON BAS PRINCEN MICHAEL REISCH ROBIN RHODE MARTIN ROEMERS AURA ROSENBERG TITUS SCHADE STEVE SCHAPIRO HANS-CHRISTIAN SCHINK PETER SCHLÖR KEN SCHLUCHTMANN JULIAN SCHNABEL URSULA SCHULZ-DORNBURG

SEAN SCULLY TARYN SIMON NEDKO SOLAKOV ULRICH STROTHJOHANN WOLFGANG TILLMANS SZE TSUNG LEONG CHRISTINE TURNAUER TIMM ULRICHS CARLO VALSECCHI JÖRN VANHÖFEN EVA VERMANDEL ROBERT VOIT WIM WENDERS UWE WITTWER

111

E D IT I O N GERD HATJ E

www.editiongerdhatje.com

Titus Schade, Modellhäuser, 2016 Acryl und Tusche auf Papier, Künstlerrahmung Format: 40 x 30 cm 10 Unikate, Set von 2 Arbeiten Signiert, mit Buch Acrylic and ink on paper, artist’s frame Format: 40 x 30 cm 10 original works, set of 2 works Signed, with book 3.500,00 € (SET-PREIS / SET PRICE)

E DITION G E RD H ATJE

Jannis Kounellis, Untitled, 2016 Lithografie auf BFK Rives 250g Blatt: 40 x 35 cm, Motiv: 32 x 27 cm Auflage 45 + 5 AP Signiert, nummeriert In Mappe, mit Buch Lithograph on BFK Rives 250g Sheet: 40 x 35 cm, image: 32 x 27 cm Limited edition of 45 + 5 AP Signed, numbered In folder, with book 680,00 €

Sean Scully, Untitled (Landline), 2016

Robin Rhode, Door, 2008‒2016

Aquatinta-Radierung auf Hahnemühle Bright White Blatt: 71,1 x 53,3 cm, Motiv: 25,4 x 12,7 cm Auflage 40 + 10 AP Signiert, nummeriert In Mappe, mit Buch

Pigmentdruck mit individueller Zeichnung Format: 52,6 x 52,6 cm 20 Unikate + 2 AP Signiert In Mappe, mit Buch

Aquatint on Hahnemühle Bright White Sheet: 71.1 x 53.3 cm, image: 25.4 x 12.7 cm Limited edition of 40 + 10 AP Signed, numbered In folder, with book

Pigment print, with an individual drawing Format: 52.6 x 52.6 cm 20 original art works + 2 AP Signed In folder, with book

4.500,00 €

Ca. 1.500,00 €

Goran Djurovic, Tragikomedia / Casting, 2016 Acryl und Tusche auf Papier Format: ca. 30 x 20 cm / 20 x 30 cm 10 Unikate Signiert In Mappe, mit Buch Acrylic and ink on paper Format: ca. 20 x 30 cm / 30 x 20 cm 10 original art works Signed In folder, with book Motiv ähnlich, nicht identisch / Motive similar, not identical

112

Ca. 1.500,00 €

Ulrich Strothjohann, Spielautomat / Reenactment, 2016 Multiple, Kiefernsperrholz, Acryl, in handgefertigter Holzkiste Format: 48 x 35 x 3 cm 15 Unikate + 2 AP Signiert, mit Buch Multiple, wood, acrylic, in handmade wooden box Format: 48 x 35 x 3 cm 15 original art works + 2 AP Signed, with book Ca. 1.500,00 € 113

BI L D N ACHWEI S / CREDI TS

3/4 Robin Rhode, Restless Mind, 2009

Jean-Michel Basquiat, Masonic Lodge, 1983; Moses and the Egyptians, 1982, Guggenheim Bilbao Museoa; © The Estate of Jean-Michel Basquiat / ADAGP, Paris / ARS, New York 2016; © VG Bild-Kunst, Bonn 2016

Jannis Kounellis, Artist’s shoes with golden soles, 1975, © Photo: Claudio Abate; Untitled, 1991, at Synagogue Stommeln Pullheim, © Photo: Claudio Abate, © VG Bild-Kunst, Bonn 2016

Wassily Kandinsky, Fuga, 1914, Öl auf Leinwand, 129,5 x 129,5 cm © Fondation Beyeler, Riehen / Basel, Sammlung Beyeler Photo: Robert Bayer, Basel

9 Giorgio de Chirico (1888 – 1978), Ritratto (premonitore) di Guillaume Apollinaire, 1914; Öl und Kohle auf Leinwand, 81,5 x 65 cm, Centre Pompidou, Paris, Musée national d‘art moderne / Centre de création industrielle, Ankauf 1975, © 2015, ProLitteris, Zurich; Photo: CNAC/ MNAM Dist. RMN - Adam Rzepka, © VG Bild-Kunst, Bonn 2016 René Magritte (1898 – 1967), La sortie de l’école, 1927, Öl auf Leinwand, 73 x 100 cm, Privatbesitz, © 2015, ProLitteris, Zurich; Photo: Prolith AG, © VG Bild-Kunst, Bonn 2016

10 Laserstein, Lotte, Russisches Mädchen mit Puderdose, 1928; Städel Museum, Frankfurt am Main, © VG Bild-Kunst, Bonn 2016; Photo: © Städel Museum; Artothek Richard Prince / Cindy Sherman, Panamakanalzone 1949 / Glen Ridge 1954; Untitled (Richard Prince and Cindy Sherman) aus der Serie Double Portrait, 1980; erworben 2015 als Schenkung der DZ-Bank

13 Hans Holbein d. J., Madonna des Bürgermeisters Jacob Meyer zum Hasen, 1525/26 und 1528. © Sammlung Würth, Photo: Philipp Schönborn Albrecht Dürer, Porträt von Erasmus von Rotterdam, 1526, © Graphische Sammlung ETH Zürich

15 Gerhard Richter, 239-1 Seestueck (bewoelkt), 1969

21 Sean Scully, Air, 2015; Backs and Fronts, 1981

23 Robin Rhode, Cutting Corners (spread sheet), 2011; The Moon Is Asleep, 2015; Robin Rhode, 2005 © Photo: Paolo Mussat Sartor

25 Taryn Simon, Paperwork and the Will of Capital, 2016; Memorandum of Understanding between the Royal Government of Cambodia and the Government of Australia Relating to the Settlement of Refugees in Cambodia. Ministry of Interior, Phnom Penh, Cambodia, September 26, 2014; © Taryn Simon Source image with botanist’s iden tifications, Memorandum of Understanding between the Royal Government of Cambodia and the Government of Australia Relating to the Settlement of Refugees in Cam bodia. Ministry of Interior, Phnom Penh, Cambodia, September 26, 2014 © Taryn Simon. Courtesy Gagosian Gallery. Siv Channa/ The Cambodia Daily Cairo Communiqué on International Cooperation for the Protection and Repatriation of Cultural Heritage. Cairo, Egypt, April 8, 2010; © Taryn Simon

35 Archiv Jochen Raiß

37 Palazzo, Rome from the project On the Set of James Bond’s Sepctre; Secret Room, Tangier Hotel from the project On the Set of James Bond’s Sepctre; Bond Boat from the project On the Set of James Bond’s Spectre © Anderson & Low, All Rights Reserved

39 Staab Architekten, Neue Galerie Kassel © Photo: Werner Huthmacher, Berlin Staab Architekten, Museum der Bayerischen Könige, Hohenschwangau (WIT); © Photo: Marcus Ebener Staab Architekten, LWL-Museum für Kunst und Kultur, Münster © Photo: Marcus Ebener

41 Affen, Kay Bojesen © Photo: Mette Mærsk, Pernille Klemp Nilfisk-Staubsauger G70, Fisker & Nielsen, Design 1958 Dreirad, Modell Kipper, Winther, Design 1970er Jahren

114

BI LDNACH W E IS / CRE DITS

www.hatjecantz.de

48/49 50/51

Exhibition views of Jannis Kounellis at Monnaie de Paris, Photo: Manolis Baboussis, Courtesy of the artist, © Monnaie de Paris, 2016, © VG Bild-Kunst, Bonn 2016

53 Francis Picabia, udnie (Jeune fille américaine; danse) 1913, Centre Pompidou, Musée national d’art moderne – centre de création industrielle, © Photo: Erich Lessing; © VG Bild-Kunst, Bonn 2016

56/57 Patrick Angus, J.B. in drag (standing), 1988; Boys Do Fall in Love, 1984; Untitled (Self Portrait), 1980s Art by Patrick Angus © Douglas Blair Turnbaugh

60/61 Goran Djurovic, Image of Medatation, 2015; Kartenleser, 2016; © Photo: Luc De Corte; Playground/looking east (Detail), 2015; Hawkers Tray, 2015; © Photo: Jesse Stone

62/63 Titus Schade, Der Schacht, 2011; Eisenstadt, 2014; Regal Katastrophe, 2011; Photo: Uwe Walter; © Titus Schade / VG Bild-Kunst, Bonn 2016

64/65 Herr, morgens beim Aufkrauen, Galerie Schmela Düsseldorf 1974, Bernd Jansen/VG-Bild-Kunst, Bonn (Fotografie). Fritz Schwegler/VG-BildKunst, Bonn 2016 Fritz Schwegler, 88 Souveräne (Detail), © the artist / VG Bild-Kunst, Bonn 2016

67 Samson Young, Switzerland, Alps between Nyon and Berlin, The Journey; Morocco, Fez (Medina), The Process; Morocco, The hills, Fez, Listening

68/69 Ars Electronica Center, © Photo: Nicolas Ferrando, Lois Lammerhuber Myconnect, © Saša Spačal, Mirjan Švagelj, Anil Podgornik Drone 100, © Intel Corporation Nick Ervinck, 3-D-Printing; Prix Ars Electronica, Goldene Nicas, Photo: Tom Mesic

70 Karol Radziszewski, Vitrine (Filo, 1986–1990 and DIK Fagazine, 20052014 magazines), © Courtesy of the artist and CoCA in Torun

72/73 Monika Grzymala, Raumzeichnung (Poyraz-Lodos), 2015, Gruppenaus stellung Spaceliner, Arter space for art, Istanbul Türkei; Raumzeichnung (outside/inside), 2016 Detail, Gruppen ausstellung LINE, Lisson Gallery, London Großbritannien; Raumzeichnung (liquid), 2015, Gruppenausstellung How Space Turns/Wie Raum Wird, Museum für Gegenwartskunst, Siegen

75 David Schnell, Castel, 2014 © courtesy Galerie EIGEN + ART Leipzig/Berlin, Photo: Uwe Walter, Berlin; © VG Bild-Kunst, Bonn 2016 Edgar Degas, Weiblicher Akt, um 1885-86, © Museum Langmatt, Stiftung Langmatt Sidney und Jenny Brown, Baden

76 Nalini Malani, Remembering Mad Meg, 2007/11, Paris-Delhi-Bombay, Centre Pompidou, Paris, 2011, Collection Centre Pompidou, Paris, © Payal Kapadia and the artist; Transgressions, 2001/14; You can’t Keep Acid in a Paper Bag, Kiran Nadar Museum of Art, New Delhi, 2014, © Gireesh GV, KNMA and the artist

Ugo Rondinone, Primal, 2013, bronze, installation de 44 chevaux. Courtesy de l’artiste, Galerie Eva Presenhuber, Zürich, Gladstone Gallery, New YorkBruxelles & Esther Schipper Gallery, Berlin. Vue de l’exposition à la galerie Esther Schipper, 2013; © Andrea Rossetti fünfundzwanzigsterjunizwei tausendundfünfzehn, 2015 Courtesy Sadie Coles HQ, Londres

78/79 Haralampi G. Oroschakoff, Doppelkreuz Maria Kalina, 2000; Doppelkreuz, 2016; Cannes, 1988, © Photo: Michael Corris; © VG Bild-Kunst, Bonn 2016

80/81 Ulrich Strothjohann, Löcher der Welt

82/83 Dieter Blum, Low Clearance 1, 1992 Daimler Art Collection, Stuttgart/Berlin

84/85 Sascha Weidner, Blühende Mandel baumzweige II, 2003; Touché II, 2005; Renaissance II, 2012; Reflection II, 2013; Implode II, 2011, © Estate of Sascha Weidner, Courtesy Galerie Conrads, Düsseldorf

86 Porträt des Bildhauers Fritz Wotruba, Wien 1930er; Marlene Dietrich bei den Salzburger Festspielen, Salzburg 1936; © Wien Museum/Robert Haas

88 Frank Horvat, 2010 06 26, BoulogneBillancourt, France, self-portrait Frank Horvat, 1984, BoulogneBillancourt, France, Michel, Elisabeth (sœur de Sandra), FH, Fiammetta, Sandra, Marco, Lorenzo, Rebecca

89 Dieter Blum, Lonely (22), 1992, Red Light, 1992, Low Clearance 1, 1992 Daimler Art Collection, Stuttgart/Berlin

92 Stefan Hanke, Sofia Posmysz in einer Baracke des ehemaligen Frauenlagers des KZ AuschwitzBirkenau, 2012; Leon Weintraube vor der Zeppelin tribüne auf dem ehemaligen Reichs parteitagsgelände in Nürnberg, 2014

96 Johannes Schütz, Blaue Skizze; Orpheus und Euridice, 2003

Die Bildrechte liegen bei den genannten Rechtehaltern sowie bei den Künstlern und ihren Rechtsnachfolgern. / Images copyrights for works reproduced: artists and their legal heirs. COVERMOTIV / COVER I LLUSTRATION Fred Herzog, Red Stockings, 1961, Archival pigment print, Courtesy the artist and Equinox Gallery Monika Grzymala, Raumzeichnung (fusion), 2016 Detail, Gruppenausstellung Tensioni Strutturali # 1, Eduardo Secci Contemporary, Florenz Italien

BILDUNTERSCHRIFTEN UND BILDNACHWEIS DER ABGEBILDETEN WERKE / CAPTIONS AND CREDITS FOR THE REPRODUCED WORKS im Inhaltsverzeichnis: / in the table of contents: Archiv Jochen Raiß; Daniel Buren, Les Portes, 1985, © Horst Ziegenfusz, VG Bild-Kunst, Bonn 2016; © Sean Scully; © Illustrations: Sabine Hirsig

Preisänderungen, Lieferbarkeit und Irrtümer vorbehalten. / Prices, specifications, and terms subject to change without notice. Redaktionsschluss / Copy deadline: 25.04.2016

101 Inside a commercial building in Tehran; Source: Claudio Cuneo, 2013

103 Richard Neutra, Berlin, 1920; Dreh bühne, Onkel-Tom-Strasse 85 o. 87, 1924

115

I N DEX

101 Danish Design Icons 40/41

A A Contracorriente / Against the Tide 100 Anderson & Low 36/37 Angus, Patrick 56/57 Ars Electronica 46/47 Atelier Kempe Thill 98 Atem, Gen 59

B Basquiat, Jean-Michel 16/17 Benrath, Schloss und Park 102 Berlin Raum Radar 87 Bilderstrom 28/29 Blum, Dieter 89 BMW Art Guide 71

C Cell 93 Common Affairs 70 CyberArts 69

D Djurovic, Goran 60/61 Don’t Be Afraid to Participate 44/45

E EDITION GERD HATJE 110–113 Europa in der Renaissance / Europe in the Renaissance 12/13

F Frauen auf Bäumen 34/35

G Grzymala, Monika 72/73

Haas, Robert 86 Hanke, Stefan 92 Herzog, Fred 32/33 Horvat, Frank 88

Richter, Gerhard 14/15 Rhode, Robin 22/23 Rondinone, Ugo 77

I Ilišević, Velimir 58

J Juhl, Finn 97

K Kandinsky, Marc und Der Blaue Reiter 6/7 Keine Angst vor Partizipation 44/45 Kéré, Francis 46/47 Paul Klee und die Surrealisten / Paul Klee et les surréalistes 8/9 Klüppel, Karolin 91 Kounellis, Jannis 50/51

L Langmatt, Licht, Libellen 75 Anderson & Low 36/37

M Malani, Nalini 76 Mogensen, Børge 42/43 Wilhelm Morgner und die Anfänge der abstrakten Kunst 52 Mustergültig 52

N Neel, Alice 18/19 Richard Neutra in Berlin 103 Neutelings Riedijk 99

O Oroschakoff, Haralampi G. 78/79

P Picabia, Francis 53

116

www.hatjecantz.de

S Sangik Noh, Jason 90 Schade, Titus 62/63 Schmeken, Regina 26/27 Schütz, Johannes 96 Schwegler, Fritz 64/65 Scully, Sean 20/21 Simon, Taryn 24/25 Special Price 104–109 Staab Architekten 38/39 Städel Museum, Gegenwartskunst im 11 Städel Museum, Kunst der Moderne im 10 Striking Patterns 54 Strothjohann, Ulrich 80/81

T Tehran 101

U Unlimited 66

V Værslev, Fredrik 74

W Weidner, Sascha 84/85 Women in Trees 34/35

Y Yalcindag, Ekrem 55 Young, Samson 67

Z Zelle 93 Zuder, Samuel 30/31

Programmleitung / Program Directors Dr. Cristina Inês Steingräber Dr. Sibylle Luig Ulrike Ruh

HIGHLIGHTS Kunst / A rt Fotografie / Photography Architektur / Architecture

104 116

Presse / Press Sara Buschmann Tel. +49 30 3464678-08 presse@hatjecantz.de

Special Price INDEX

1 10 20 / 112 22 / 113 24 5 0 / 113 60 / 112 62 / 112 72 78 80 / 113

SEAN SCULLY ROBIN RHODE TARYN SIMON JANNIS KOUNELLIS GORAN DJUROVIC TITUS SCHADE MONIKA GRZYMALA HARALAMPI G. OROSCHAKOFF ULRICH STROTHJOHANN

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