PRESTIGE Switzerland Volume 66

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COVER © The Guy Bourdin Estate 2023 Courtesy of Louise Alexander Gallery

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Image database, Peter Anton, Loremo, Guy Buseyne, Bucheron, Harry Winston, Maison Belmont, Pacharee, Bentley Motors, Ferrari, Montblanc, Bizzarrini, Coperini, Yves Saint Laurent, Sportmax, Tom Ford, Penhaligon’s, Jo Malone, Kilian Paris, Carolina Herrera, Rituals, Rivoli, Hermès, Minotti, Campana, Acqua di parma, Dior, Prada, Rimowa, Palace, Hasselblad, Andrés Brugal, Hennessy, Sprüngli, Monarq Caviar, Burberry, Gucci, Archer Adams, Montegrappa

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Issue CHF 10.–/€ 9.50

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ISSN Print: 1662-1255

ISSN E-Mag: 2813-1495

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Eine Oase der Entspannung

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Established in 1934, the Swiss Deluxe Hotels group combines 39 of Switzerland’s most iconic five-star hotels:

ANDERMATT: The Chedi Andermatt AROSA : Tschuggen Grand Hotel ASCONA : Castello del Sole, Hotel Eden Roc BAD RAGAZ : Grand Hotel Quellenhof & Spa Suites BASEL : Grand Hotel Les Trois Rois

BERN : Bellevue Palace, Hotel Schweizerhof Bern & Spa CRANS-MONTANA : Guarda Golf Hotel & Residences, LeCrans Hotel & Spa GENÈVE: Beau-Rivage, Four Seasons Hotel des Bergues, Mandarin Oriental Geneva

GSTAAD : Gstaad Palace, Le Grand Bellevue, Park Gstaad, The Alpina Gstaad INTERLAKEN: Victoria-Jungfrau

Grand Hotel & Spa LAUSANNE : Beau-Rivage Palace, Lausanne Palace LE MONT-PÈLERIN : Le Mirador

Resort & Spa LUGANO : Hotel Splendide Royal LUZERN : Mandarin Oriental Palace Luzern MONTREUX : Fairmont Le Montreux Palace NEUCHÂTEL : Beau-Rivage Hotel PONTRESINA : Grand Hotel Kronenhof

ST. MORITZ : Badrutt’s Palace Hotel, Carlton Hotel St. Moritz, Kulm Hotel St. Moritz, Suvretta House VEVEY:

Grand Hôtel du Lac VITZNAU : Park Hotel Vitznau ZERMATT: Grand Hotel Zermatterhof, Mont Cervin Palace, Riffelalp Resort 2222 m ZÜRICH : Baur au Lac, La Réserve Eden au Lac, The Dolder Grand, Widder Hotel

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ART & CULTURE 22

22 DIE UNVERGESSENE LEGENDE Enzo Ferrari

44 MARKENMACHER

Die grossen Namen grosser Marken

50 DER AMERIKANISCHE MYTHOS

Roy Lichtenstein

60 DER GIPFEL DER KUNST

Die Skulpturen von Lorenzo Quinn

64 UNBESCHWERTE NOSTALGIE

Wayne Thiebaud in der Fondation Beyeler

WAT CHES & 94

70 EIN JUWEL DER ZEIT Antoine Pin von Bulgari im Interview

78 MIT STIL UND GESCHICHTE Hamiltons Jazzmaster-Kollektion

JEW ELLERY

82 DOPPELTE FARBENFREUDE

Zwei neue Big-Bang-Modelle von Hublot

84 LEBENSFREUDE FÜR DIE UHRENBRANCHE

Georges Kern von Breitling im Gespräch

94 SPORTLICHE ELEGANZ

Hermès H08

98 VOM ELEKTROPIONIER ZUM ALLESKÖNNER

Der Audi Q8 e-tron

108 DIE WIEDERGEBURT EINER GÖTTIN

DS Automobiles

114 SPORTLICHER LUXUS Die dritte Generation des Range Rover Sport

120 MIT GENUSS UND STIL Dominik Hartmann und Genesis

124 GETEILTER LUXUS Meros Yachtsharing

MOTION 98

128 KÜNSTLERISCHE HAUTE COUTURE Elsa Schiaparelli

140 UNENDLICHKEIT SCHAFFEN Die Welten von Louis Vuitton und Yayoi Kusama

152 FRÜHLINGSERWACHEN

Die Kollektionen für Frühling und Sommer

162 DER FUTURIST Paco Rabanne

BEAU TY &

172

178 LIV ING TRAV EL 194

168 DIE KRAFT DES WASSERS Bulgari Man Rain Essence

172 EDITOR’S CHOICE Düfte für sie und ihn

174 HAUTPFLEGE IN HARMONIE elline Switzerland

WELL BEING

178 OBJEKTE DER REINHEIT Eine Outdoor-Kollektion von Vincent Van Duysen

186 KOLUMNE Maura Wasescha

190 DIE KRONE VON DUBAI Burj Al Arab

194 WUNDERLAND KAMBODSCHA Kultur und Luxus am Golf von Thailand

198 NACHHALTIGKEIT UND GEMEINSCHAFT Six Senses Resort Ibiza

200 FRÜHLINGSGEFÜHLE IN DER REGION LUGANO Kunst- und Kulturtipps

202 GLANZ DER WELTMEERE Oceania Cruises

BALGACH Eggenberger Wohnen BASEL Möbel Rösch, Passion for beds BERN Sleep Atelier BÜLACH Scheidegger Möbel KRIENS Möbel Amrein LUZERN Buchwalder-Linder, Waldis Büro und Wohnen OLTEN Möbel Kissling ROLLE Styles Interiors SAANEN Röthlisberger Interiors SCHATTDORF Muoser WILL Gamma Einrichtungshaus ZOLLIKON Colombo la Famiglia ZÜRICH Kordeuter, Zingg-Lamprecht ZWEISIMMEN Müller-Hirschi Interieur

206 KUNST AM KÜCHENTISCH Ein Besuch im «elmira»

212 DIE DELIKATESSE AUS DEM MEER Erntefrische Shrimps aus der Schweiz

214 EDLER DUNST Kauf und Konsum von Vintage-Zigarren

218 GENUSSMOMENTE Kulinarische Hotspots

220 EINE KÜCHE VOLLER FINESSE IGNIV in Bangkok

222 NATURWEIN Was zeichnet ihn aus?

224 DER WERT DER KUNST Kaufkriterien im Kunstmarkt

GENERATI ON

GENF • BASEL • SITTEN • ZÜRICH

MIT EIFER UND FLEISS

EDI TO RIAL

Sie formen, erschaffen, repräsentieren – die Menschen hinter grossen Marken. Es sind erst ihre Ideen, Visionen und ihr Tatendrang, die aus einem Namen ein Unternehmen, aus einer Vorstellung eine DNA, aus einer Marke einen Mythos machen. Die Frühlingsausgabe von PRESTIGE steht ganz im Zeichen dieser bemerkenswerten Persönlichkeiten.

Sein Tod im Februar erschütterte die Welt. Paco Rabannes innovative und futuristische Designs machten ihn zu einer Legende der Modebranche. Unter Verwendung unkonventioneller Materialien wie Metall, Kunststoff und Papier kreierte Rabanne Kleidung, die die Norm herausforderte und die Grenzen dessen, was als modisch galt, sprengte. Seine «Twelve Unwearable Dresses» symbolisierten einen Meilenstein der Modegeschichte – eines der kunstreichen Kleider ist nun auf dem Cover der vorliegenden Frühlingsausgabe zu bewundern, getragen vom amerikanischen Supermodel Donyale Luna, inszeniert vom Fotografen Guy Bourdin Mitte der 1960er-Jahre.

Eine weitere unvergessene Legende ist Enzo Ferrari – der grosse Motorenthusiast verstand als Erster, dass das Auto als blosses Objekt der Begierde für die Entdecker der Mobilität ein Luxusgut oder gar ein Kunstwerk hätte werden können. Wir widmen uns dem spannenden Lebensweg des Visionärs und den geschichtsträchtigsten Modellen des Rennstalls.

Zudem feiern wir den 100. Geburtstag eines Künstlers, der die amerikanische Kunst in den 1960er-Jahren neu definierte. Gefeiert dafür, gewöhnlichen Gegenständen von Hot Dogs bis zu Mülleimern monumentale Kraft zu verleihen, widersetzte sich Roy Lichtenstein dem traditionellen «guten Geschmack» und wurde Teil einer Avantgarde, die den Begriff Pop-Art in einer neuen Kunstform verkörperte: jugendlich, subversiv, hell und frisch.

Swenja Willms Editor in Chief

ART & CUL TURE CUL TURE

ART &

Enzo Ferrari – der grosse Motorenthusiast verstand als Erster, dass das Auto als blosses Objekt der Begierde für die Entdecker der Mobilität ein Luxusgut oder gar ein Kunstwerk

DIE UNVERGESSENE LEGENDE

Die Geschichte von Enzo Ferrari, einem der grössten Italiener des 20. Jahrhunderts, begann in Modena. Von hier aus begann das Abenteuer eines Mannes, der in seiner Zeit unauslöschliche Spuren hinterlassen hat. Enzo Ferrari war ein Weltbürger, weil er Moden und Generationen ein Gefühl von Modernität im Voraus vermitteln konnte. In seiner Vision des Unternehmers steckte die Kraft der Kreativität: Die Autos für Ferrari waren und mussten eine Mischung aus Kraft und Stil sein, eine Kombination aus Geschwindigkeit und Eleganz. Enzo Ferrari hatte eine einzigartige Perspektive auf die Welt. Er hatte eine aussergewöhnliche Fähigkeit, die Ideen zu verwirklichen, auf die sich sein neugieriger Verstand konzentrierte. «Wenn du es dir vorstellen kannst, kannst du es tun», war eines seiner Lieblingsmottos. Aber Enzo Ferraris Perspektive auf die Welt war nicht nur bildlich, sondern auch wörtlich, gesehen durch die ikonische Sonnenbrille, die fast immer auf seinem Gesicht befestigt war. Seine Leidenschaft, Weisheit und Liebe zum Detail haben dazu geführt, dass er Ferrari von Grund auf neu geschaffen und zu weltweiter Anerkennung sowohl für seine Motorsportleistungen als auch für seine beispielhaften Strassenautos geführt hat. Was er träumte, machte er wahr.

hätte werden können.

Autorin_Swenja Willms Bilder_Ferrari S.p.A.

DIE GEBURT EINER LEGENDE

1898

Enzo Anselmo Ferrari kommt am 18. Februar 1898 in einem Vorort von Modena zur Welt. Seine Geburt wird jedoch aufgrund des starken Schneefalls erst zwei Tage später offiziell registriert. Enzos Vater besitzt ein kleines metallverarbeitendes Unternehmen mit 30 Arbeitern, die Brücken und Dächer für die staatliche Eisenbahn fertigen.

1908

Der zehnjährige Enzo und sein Bruder Alfredo besuchen ein Autorennen auf der «Via Emilia» in Bologna. Das Rennen gewinnt Felice und der kleine Enzo ist vom Rennen begeistert.

1919

Enzo zieht nach Mailand, um dort für Costruzioni Meccaniche Nazionali (CMN), einen italienischen Hersteller von Automobilen, zu arbeiten. Er beginnt als Testfahrer und wird später Rennfahrer für das Unternehmen. Sein Debüt als Rennfahrer gibt er im Jahr 1919 im Bergrennen von «Parma – Poggio di Berceto», bei dem er als Vierter am Steuer eines 2.3-Liter-Vierzylinders CMN 15 / 20 ins Ziel kommt.

1920

Nach einigen Rennen mit einer Isotta Fraschini 100 / 110 IM Corsa holt sich Enzo im Jahr 1920 in der «Targa Florio» in einem Sechsliter-Vierzylinder-Alfa-Romeo Tipo 40 / 60 den zweiten Rang. Dies ist der Auftakt einer 20-jährigen Zusammenarbeit mit Alfa Romeo, wobei Ferrari die Rolle des Testfahrers einnimmt, bevor er schliesslich zum Leiter der Alfa-Corse-Motorsportabteilung berufen wird. Diese Position hält er bis September 1939 inne.

1929

Im Jahr 1929 gründet Ferrari in Modena die Scuderia Ferrari. Das Ziel des Rennstalls ist es, Fahrzeugeigentümern Rennteilnahmen zu ermöglichen. Die Gründung des Rennstalls ist der Start frenetischer Motorsportaktivitäten, die zur Schaffung des offiziellen Teams führen.

1931

Enzo Ferrari beendet sein letztes Rennen als Fahrer auf der Rennstrecke der «Tre Province» am 9. August 1931. Er kommt hinter Nuvolari als Zweiter in einem Alfa Romeo 8C-2300 MM ins Ziel. Die Entscheidung, nicht mehr aktiv am Motorsport teilzunehmen, ist das Ergebnis der Geburt seines Sohnes Alfredo, genannt Dino, am 19. Januar 1932, sowie der stetig wachsenden Arbeit als Chef des Rennstalls.

1938

Die Scuderia Ferrari löst sich Ende 1937 auf und Anfang 1938 zieht Enzo Ferrari nach Mailand, um die Führung der Alfa-CorseAbteilung zu übernehmen.

1939

Am 6. September 1939 verlässt Enzo Ferrari Alfa Romeo unter der Auflage, dass er den Namen Ferrari in den kommenden vier Jahren nicht in Zusammenhang mit Rennwagen verwenden wird. Ab diesem Zeitpunkt ist es eines seiner Ziele, Alfa Romeo mit einem seiner eigenen Fahrzeuge zu schlagen.

Am 13. September 1939 gründet Ferrari in der «Viale Trento Trieste» in Modena am alten Firmensitz der Scuderia Ferrari die Auto Avio Costruzioni.

1940

Auto Avio Costruzioni fertigt zwei Versionen eines Fahrzeugs, den Ferrari 815 nennt (acht Zylinder, 1500 Kubikzentimeter). Er basiert auf dem Fiat-Chassis eines Fahrzeugs, das in der letzten vor dem Zweiten Weltkrieg ausgetragenen «Mille Miglia» startete. Die Modelle werden vom jungen Alberto Ascari und Marquis Lotario Rangoni Machiavelli aus Modena gefahren, können jedoch nicht brillieren.

1945

Ferrari beginnt Ende des Jahres 1945 mit dem Entwurf des ersten Automobils, das seinen Namen trägt. Sein ambitionierter Plan ist es, diesen mit einem V12-Motor zu versehen. Diese Triebwerksform wird sich durch die gesamte Geschichte des Unternehmens ziehen. Der Grund, weshalb sich Ferrari für einen V12 entscheidet, ist dessen Vielseitigkeit: Er kann in Sport-Prototypen sowie in Rennwagen und sogar GT-Fahrzeugen eingesetzt werden.

1952

Nach dem ersten Sieg bei der «Mille Miglia» im Jahr 1948, dem ersten Sieg bei den 24 Stunden von «Le Mans» im Jahr 1949 und dem ersten Formel-1-Grand-Prix-Sieg 1951 wird Ferrari im Jahr 1952 dank Alberto Ascari zum ersten Mal Weltmeister, was man im darauffolgenden Jahr mit demselben Fahrer wiederholen kann.

1969

Ferrari ist sich bewusst, dass er eine starke Partnerschaft eingehen muss, um sein Unternehmen weiterzuentwickeln. Er unterzeichnet ein Abkommen mit der Fiat-Gruppe, die 50 Prozent der Anteile des Unternehmens übernimmt.

1988

Enzo Ferrari stirbt am 14. August im Alter von 90 Jahren. Ein Jahr zuvor präsentierte er den F40, das letzte unter seiner Regie entwickelte Fahrzeug.

DER BEGINN EINES VERMÄCHTNISSES: FERRARI 125 S

Es war das erste jemals von Ferrari produzierte Auto und markierte den Ursprung des Unternehmens. Der Ferrari 125 S aus dem Jahr 1947 wurde von einem Team unter der Leitung von Enzo Ferrari entworfen und sollte auf der Rennstrecke nach dem Zweiten Weltkrieg in Europa antreten. Der 125 S wurde von einem 1.5-Liter-V12-Motor angetrieben, der 118 PS leisten konnte, was für ein Auto seiner Zeit viel Leistung war. Der 125 S gab sein Renndebüt beim Grossen Preis von Rom 1947, bei dem er als Zweiter durchs Ziel raste. Weitere Erfolge folgten während der gesamten Saison. Der Erfolg des 125 S etablierte Ferrari als ernsthaften Konkurrenten in der Rennwelt und war der Beginn einer langen und geschichtsträchtigen Erfolgsgeschichte für die Marke. Heute gilt der Ferrari 125 S als äusserst wertvolles und begehrtes Sammlerstück und ist ein Symbol für das Erbe und Vermächtnis des Unternehmens.

DER BEDEUTENDSTE FERRARI DER WELT: 166 MM

Der 166 MM Touring Barchetta war das Auto, das Ferrari 1949 ein ausserordentliches Jahr bescherte und mit dem die Erfolgsgeschichte des jungen Unternehmens von Enzo Ferrari begann. Bereits bei seiner Präsentation auf dem Turiner Autosalon im September 1948 beeindruckte der 166 MM die Kritiker mit seinen schön geschwungenen, feinen Linien. Doch kaum einer konnte vorausahnen, was dieser Rennwagen in der Hitze des Wettkampfs 1949 noch alles zustande bringen würde.

Als im April die Welt des Motorrennsports aus dem Winterschlaf erwachte, errangen zwei Ferraris 166 MM Barchetta einen atemberaubenden Sieg bei den ikonischen Mille Miglia. Dann gewann Luigi Chinetti beim legendären 24-Stunden-Rennen von Le Mans mit einer Weltklasse leistung und holte für Ferrari den ersten Sieg in La Sarthe. Nur wenige Wochen später lag Chinetti wieder vorne und gewann auch das 24-Stunden-Rennen von Spa. Das waren drei Weltklassesiege auf einmal für Enzo Ferraris nach wie vor junge Sportwagen-Firma. Das springende Pferd war da. Der Aufstieg von Ferrari begann.

«WENN DU ES DIR VORSTELLEN KANNST, KANNST DU ES TUN.»

Enzo Ferrari

DER BEGEHRENSWERTERSTE SPORTWAGEN ALLER ZEITEN: FERRARI 250 GTO

Der Ferrari 250 GTO gilt als Legende der Sportwagen und wurde von 1962 bis 1964 hergestellt. Das Auto wurde von Giotto Bizzarrini und Sergio Scaglietti entworfen und gebaut, um in der «Gruppe 3 Grand Touring Car»-Kategorie der FIA anzutreten. Ein 3.0-Liter-V12-Motor, der eine Leistung von rund 300 PS versprach, und das aerodynamische Design optimierten ihn als Teilnehmer für Hochgeschwindigkeitsrennen.

Der 250 GTO erzielte grosse Erfolge auf der Rennstrecke und gewann zahlreiche Rennen und Meisterschaften, darunter die GT-Klasse der Sportwagen-Weltmeisterschaft 1963. Er war auch ein Favorit von Privatrennfahrern, die seine Leistung und Zuverlässigkeit zu schätzen wussten. Heute ist der Ferrari 250 GTO mit nur 39 jemals gebauten Exemplaren eines der begehrtesten Sammlerautos der Welt, wobei einige Exemplare für mehrere Millionen US-Dollar verkauft wurden. Seine Kombination aus Seltenheit, Leistung und ästhetischer Schönheit hat ihn zu einer Ikone des Automobildesigns und der Automobiltechnik und zu einem Symbol der bewegten Geschichte von Ferrari gemacht.

Enzos letztes Meisterwerk: Ferrari F40

Der Klassiker Ferrari F40 feiert dieses Jahr seinen 36. Geburtstag. Er war das schnellste Strassenauto seiner Zeit und, was vielleicht noch wichtiger ist, wahrscheinlich der aufregendste Supersportwagen, der jemals gebaut wurde. Er war der letzte Ferrari, den Enzo Ferrari, der 1988 starb, persönlich in Auftrag gegeben und entworfen hatte, um 40 Jahre Ferrari-Automobilherstellung zu feiern. Die cleane, effektvolle Karosserie, die auch nach 36 Jahren noch modern aussieht, setzte auf leichte Türen, Motorhaube und Kofferraumdeckel aus Carbonfasern. Sein Stahlrohr-Gitterrohrrahmen wurde durch Kevlar-Gewebe verstärkt, um die Torsionssteifigkeit zu erhöhen. Er schlug ein neues Kapitel in Sachen Einsatz von leichten Materialien bei Ferrari auf und wog nur 1100 Kilogramm. Damit ist er einer der leichtesten Supersportwagen aller Zeiten. Aus seinen 29 Litern schöpfte er 478 PS: laut, energisch, überwältigend – und ausgelegt für maximalen Fahrspass.

Der LaFerrari aus dem Jahr 2013 gilt weithin als eines der exklusivsten und begehrtesten Autos der Welt und wurde für seine aussergewöhnliche Leistung, fortschrittliche Technologie und sein atemberaubendes Design gelobt. Aufgrund seiner begrenzten Produktion von 499 Exemplaren und seines hohen Preises ist er mit einem Marktwert von über einer Million US-Dollar jedoch auch eines der teuersten Autos auf dem Markt. Ferraris erster HybridSupersportwagen kann Geschwindigkeiten von 220 Kilometern pro Stunde erreichen –der Hybrid-Antriebsstrang, bestehend aus einem 6.3-Liter- V12-Motor und einem Elektromotor, leistet insgesamt 950 PS und eine Beschleunigung von 0 auf 60 Meilen pro Stunde innerhalb von drei Sekunden. Er zeichnet sich ausserdem durch fortschrittliche Aerodynamik, eine leichte Kohlefaserkarosserie und ein innovatives aktives Federungssystem aus, das zu einem aussergewöhnlichen Handling und einer ausgezeichneten Fahrdynamik beiträgt.

DER ERSTE HYBRID: LAFERRARI

FABRIKEN BESTEHEN AUS MASCHINEN, WÄNDEN UND

ICH GLAUBE, DASS FERRARI

VOR ALLEM VON SEINEN

LEUTEN GEMACHT WIRD.»

Enzo Ferrari

EINE ACHTZYLINDER-GESCHICHTE:

FERRARI 488 GTB

Mit dem Ferrari 488 GTB begann ein neues Kapitel in der Geschichte der AchtzylinderWagen von Ferrari. Der Supersportwagen wurde 2015 als Nachfolger des 458 Italia der Öffentlichkeit präsentiert. Der Name 488 bezieht sich auf das Hubvolumen eines seiner insgesamt acht Zylinder. Und dieser Motor war eine Revolution: ein V8-Turbo, der ein 40 Prozent höheres Drehmoment und mit 670 PS immerhin 150 PS mehr als der Vorgänger 458 besass. Das Äussere des 488 GTB ist mit Fokus auf Aerodynamik gestaltet und weist einen scharfen, aggressiven Look auf. Die Karosserie des Autos besteht hauptsächlich aus leichten Materialien wie Aluminium und Kohlefasern, um die Leistung und das Handling zu verbessern. Der Innenraum ist ebenfalls mit Fokus auf Leistung gestaltet, mit einem fahrerorientierten Cockpit und einer Reihe fortschrittlicher Funktionen, darunter ein digitales Armaturenbrett-Display und ein High-End-Audiosystem. Mit einem Soundtrack, der dem der acht Saugzylinder von Ferrari ebenbürtig war, schrieb er Geschichte. Er wurde dreimal hintereinander mit dem «Engine of the Year» ausgezeichnet und schliesslich zum «Best of the Best» der letzten 20 Jahre bei den «International Engine of the Year Awards» 2018 gekürt.

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MENSCHEN.

UNERMÜDLICHE FORSCHUNG UND INNOVATION: DER PUROSANGUE

Enzo Ferraris gut ausgeprägter Geschäftssinn war mit einer gewissen romantischen Ader verbunden. Ferrari stellte Sportwagen her, die, wie er immer wieder betonte, mit den besten Motoren der Welt und mit Karosserien ausgestattet waren, die von den edelsten Karosseriebauern entworfen und von dedizierten Handwerkern gebaut wurden. Der Ferrari Purosangue ist die neueste und in vielerlei Hinsicht beeindruckendste Manifestation einer anderen Qualität, die Enzo Ferrari verkörperte: Pragmatismus. Er hatte kein Problem mit der Idee eines «praktischen» Ferraris. Der Purosangue ist ein Auto, das einfach entwickelt werden musste. Er wurde mit dem gewohnten Können und der Finesse des Centro Stile designt, damit sich jeder Millimeter des Wagens wie ein echter Ferrari anfühlt, der jetzt mit zusätzlichen Türen ausgestattet ist. Der Ferrari Purosangue ist der erste viertürige Viersitzer von Ferrari. Modelle mit zwei

Rücksitzen haben von Anfang an eine wichtige Rolle in der Strategie des Unternehmens gespielt. Bei zahlreichen Ferrari-Modellen war die Kombination von Spitzenleistung und erstklassigem Komfort eine der Säulen ihres Erfolgs. Jetzt hat Ferrari als Höhepunkt von 75 Jahren Spitzenforschung ein einzigartiges Fahrzeug geschaffen. Es verkörpert perfekt die DNA von Ferrari und verbindet Leistung, Fahrvergnügen und Komfort in vollkommener Harmonie. Aus diesem Grund heisst dieses neue Modell Ferrari Purosangue – italienisch für Vollblut. Der aufstrebende Luxus-SUV wird von einem V12-Saugmotor angetrieben, der einen Benzinmotor mit einem Elektromotor kombiniert und satte 725 PS liefert. Damit ist der Purosangue der leistungsstärkste SUV der Welt. Erste Auslieferungen sind für Ende des Jahres vorgesehen. Tatsache ist, dass der Purosangue alles vereint, was Ferrari in den letzten 75 Jahren gelernt hat. Und er eröffnet ein ganz neues Kapitel.

NIKI HASLER

FERRARI, SOLO FERRARI

Niki Hasler ist vom Ferrari-Virus schon seit seiner Kindheit infiziert. Vater Walter Hasler wurde in den 80er-Jahren offizieller Händler der italienischen Marke – dies, nachdem er privat als erfolgreicher Vertreter von Mercedes-Benz schon jahrelang exklusive Modelle mit dem springenden Pferd auf der Haube bewegt hatte. Niki lernte den Job von der Pike auf als Mechaniker, übernahm bald auch Führungsaufgaben im väterlichen Betrieb. 2002 entschied er, sich mit der Ferrari-Vertretung und sieben Mitarbeitern zu verselbstständigen. Heute beschäftigt die Niki Hasler AG, Official Ferrari Dealer und Officina Ferrari Classiche, 35 qualifizierte Fachkräfte.

Schon als Zwölfjähriger durfte Niki seinen Vater erstmals nach Maranello begleiten. Er kann sich noch genau an einen 288 GTO Evoluzione erinnern, der am Werk vorbeifuhr – unvergesslich für ihn. 18 Jahre alt war er, als er mit einem Ferrari 512 TR zu einem Treffen der weltweiten Ferrari-Händler in Modena fuhr. Mit 23 Jahren kaufte sich Niki seinen ersten Ferrari, einen dunkelblauen

355 Spider mit cognacfarbenem Interieur, er hatte das Auto für den Showroom bestellt. Vater Hasler war jedoch von der Konfiguration nicht begeistert und betrachtete sie als unverkäuflich. Also leistete sich Niki das Auto aus seinem Ersparten und er hat es heute noch. Diese Leidenschaft und Begeisterung für die Marke, aber vor allem auch die Detailkenntnis jedes Ferrari-Modells hat sich Niki Hasler seit frühester Jugend bewahrt, sie wird vor allem im persönlichen Gespräch spürbar.

Dieses fortwährende Engagement zahlt sich aus. Mit einer treuen Stammkundschaft ist die Niki Hasler AG im Neuwagengeschäft von Ferrari ausserordentlich erfolgreich. Dies wurde 2021 bestätigt, als man zum «Ferrari Dealer of the Year» ernannt wurde. Für die Kunden veranstaltet Niki Hasler jedes Jahr zahlreiche attraktive Veranstaltungen wie Modellvorstellungen, Dynamic Roadshows, Renn- und Rallye-Events, Ferrari-Touren, Testdrives und regionale Giro-Ausfahrten.

Zu einem wichtigen Standbein wurde 2006 die «Officina Ferrari Classiche». In dieser exzellenten Abteilung wird dem Besitzer von Klassik-Ferraris ein Service geboten, der das unschätzbare Erbe dieser Autos schützt. Dies hat nicht nur einen technischen und historischen, sondern vor allem auch einen ökonomischen Wert, der sich bei den grossen Auktionen niederschlagen kann. Das Team der «Officine Ferrari Classiche» verfügt auch über das nötige Know-how, um komplexe Restaurationen zu bewältigen und das Auto in seine ursprüngliche Form zu bringen – wie es seinerzeit das Werk verlassen hatte. Der Ferrari wird damit auch optimal für die wertvolle Echtheitszertifizierung vorbereitet, die in Maranello erfolgen kann und den Wert zusätzlich bestätigt.

Im Klassikbereich kooperiert die Niki Hasler AG mit allen renommierten internationalen Experten und kann deren Wissen jederzeit abrufen. Zusätzlich wurde mit einem Archiv und einer Bibliothek auch ein bedeutendes Ferrari-Dokumentationszentrum aufgebaut, welches laufend erweitert wird.

Die Niki Hasler AG ist in Basel in passendem Umfeld untergebracht: Showroom und Werkstatt für die neuen Modelle in einem attraktiven Neubau, «Officina Classiche» sowie Archiv und Bibliothek im passenden, wunderschön renovierten Altbau.

©Niki Hasler AG

MARKEN MACHER

Sie zählt zu den einflussreichsten und innovativsten Persönlich keiten der Modebranche: Miuccia Prada formte die DNA des italienischen Modehauses und entwickelte es von einem Leder warenunternehmen zu einem globalen Modeimperium weiter. Sie ist bekannt für ihren unkonventionellen Designansatz, der High Fashion mit Utilitarismus verbindet und traditionelle Vor stellungen von Weiblichkeit und Schönheit infrage stellt. Ihre Entwürfe werden oft als intellektuell beschrieben, mit einem Schwerpunkt auf durchdachter Konstruktion, Minimalismus und unerwarteten Details.

Als Enkelin von Mario Prada, dem Gründer des Luxusmodehauses, übernahm sie bald die Führung des Modehauses und wurde 1978 Kreativdirektorin von Prada. Eine der frühesten und ikonischsten Kollektionen von Miuccia war ihre Herbst / Winter-Show 1988, die einfache, stromlinienförmige Silhouetten in

Erfolg aufgenommen. Miuccias Fähigkeit, Trends zu antizipieren und zu gestalten, war ein Markenzeichen ihrer Karriere. Mit ihren Designs verschob sie konsequent die Grenzen von Androgynie, Technologie und Nachhaltigkeit. Neben ihrer Arbeit bei Prada engagiert sich Miuccia auch für zeitgenössische Kunst und Kultur. Sie und ihr Ehemann Patrizio Bertelli bauten sich über die Jahre eine riesige Sammlung zeitgenössischer Kunst auf und sponserten zahlreiche kulturelle Veranstaltungen, darunter die Biennale von Venedig und die Fondazione Prada, ein Zentrum für zeitgenössische Kunst und Kultur in Mailand.

Trotz ihres Erfolgs und Einflusses ist Miuccia bescheiden geblieben und hat sich stets ihrer Vision verpflichtet. Ihre zurückhaltende Persönlichkeit und ihre Hingabe an das Handwerk, verbunden mit stundenlanger Arbeit in ihrem Studio, versinnbildlichen ihre Leidenschaft für die Marke. Auch nach ihrem Abtreten als Co-CEO Ende 2022 wird der Einfluss der Modeikone auf das Luxushaus spürbar bleiben.

SIE STEHEN HINTER DEN LOGOS GROSSER LUXUSMARKEN: PERSÖNLICHKEITEN, DIE DIE GESCHICHTE, GEGENWART UND ZUKUNFT PRESTIGETRÄCHTIGER UNTERNEHMEN PRÄGEN.

Autorin_Swenja Willms

KARL LAGERFELD

Über drei Jahrzehnte hielt Karl Lagerfeld das Zepter als Kreativdirektor von Chanel in der Hand. Während seiner Zeit an der Spitze des Luxusmodehauses brachte Lagerfeld seine eigene, einzigartige Vision und seinen eigenen Stil in die Marke ein und verwandelte sie in ein modernes, relevantes und zeitloses Mode-Kraftwerk.

Lagerfeld wurde 1933 in Hamburg geboren und begann seine Modekarriere 1955 als Assistent von Pierre Balmain in Paris. Später arbeitete er für Jean Patou und Chloé, bevor er 1983 zum Kreativdirektor von Chanel ernannt wurde. Diese Position hielt Lagerfeld bis zu seinem Tod im Jahr 2019.

Lagerfelds Einfluss auf Chanel war immens. Er revitalisierte die Marke, indem er ihr eine frische und moderne Sensibilität verlieh, während er dem Erbe und den Traditionen des Labels treu blieb. Er war bekannt für seine innovative Verwendung von Materialien, seine Beherrschung von Schnitten und der Schneiderei und seine Fähigkeit, elegante, raffinierte Designs zu kreieren, die sowohl zeitlos als auch zukunftsweisend waren. Einer von Lagerfelds bedeutendsten Beiträgen zu Chanel war seine Neuinterpretation der ikonischen Tweedjacke der Marke. Lagerfeld aktualisierte das

klassische Design, gab ihm eine schlankere Silhouette, modernisierte die Knöpfe und Taschen und verwendete unerwartete Materialien wie Denim, Leder und Spitze. Die aktualisierte Jacke wurde zu einem festen Bestandteil der Marke Chanel und ist bis heute ein Markenzeichen. Ebenso stellte Lagerfeld für Chanel auch neue Accessoires und Kollektionen vor und erweiterte die Marke über die reine Kleidung hinaus. Dazu zählte die «Boy Bag» – die Handtasche wurde schnell zu einem Must-have für Fashionistas auf der ganzen Welt.

Lagerfelds Einfluss auf Chanel ging über die Modebranche hinaus. Er war eine kulturelle Ikone, bekannt für seinen unverwechselbaren persönlichen Stil, seinen Witz und Humor und seine Liebe zu Literatur, Musik und Kunst. Er war eine feste Grösse in der Welt der High Society und der Prominenten und wurde oft mit berühmten Freunden wie Anna Wintour oder Beyoncé fotografiert. Sein Tod im Jahr 2019 war ein erheblicher Verlust für die Modebranche und für die Marke Chanel, doch seine zeitlosen Designs und innovativen Ideen leben auch heute noch im Hause Chanel weiter.

GIORGIO ARMANI

Seine Karriere in der Modebranche begann in den 1960er-Jahren als Schaufenstergestalter für La Rinascente, ein grosses Kaufhaus in Mailand. Anschliessend arbeitete er als Designer für verschiedene Modelabels, darunter Nino Cerruti und Hitman, bevor er 1975 sein eigenes Unternehmen gründete, das sich seitdem zu einer der bekanntesten und einflussreichsten Modemarken der Welt entwickelt hat. Giorgio Armanis Kleidungsstil ist unverkennbar: Schlichtheit, klare Linien, dezente Eleganz. Geboren wurde er am 11. Juli 1934 in Piacenza, einer Stadt in der italienischen Region Emilia-Romagna. Er wuchs in einer bürgerlichen Familie auf und studierte Medizin an der Universität Mailand, brach es aber nach drei Jahren ab, um eine Karriere in der Modebranche einzuschlagen.

Armanis erste Kollektion für seine gleichnamige Marke wurde 1976 veröffentlicht und von der Kritik hoch gelobt. Seine Designs und die luxuriösen Materialien waren sofort ein Hit bei Moderedakteuren und Einkäufern. Im Laufe der Jahre erweiterte sich Armanis Marke nicht nur um Kleidung, sondern auch um Accessoires, Düfte, Brillen und Einrichtungsgegenstände. Heute ist Armani mit einem Nettovermögen von über sieben Milliarden US-Dollar einer der erfolgreichsten Modedesigner der Welt.

© Photographer Unknown, The Roy Lichtenstein Foundation

AMERIKANISCHE DER

MY TH OS

Vom Proto-Supermodel Twiggy, das falsche Wimpern und ein UnionJack-Kleid in Swinging London rockte, bis hin zu Eero Aarnios trippigem, umhüllendem Ball-Stuhl – Pop sickerte so tief in Mode, Möbel und Produktdesign ein, dass es schwer ist, den Look und die Stimmung der 1960er- und 1970er-Jahre von der Kunst der Epoche zu trennen. Nach dieser ersten Welle ging die Bewegung nie wirklich weg. Jede nachfolgende Generation von Künstlern und Designern hat die Lebenskraft des Pop wiederbelebt und ihm gleichzeitig eine neue Richtung gegeben. Roy Lichtenstein war einer der einflussreichsten und innovativsten Künstler, die die Pop-ArtBewegung prägten. Ein Blick zurück auf seine Erfolge, zu Ehren seines 100. Geburtstags.

Es war eine grosse Veränderung im Zeitalter der Moderne. Mit Wurzeln im Neo-Dada und anderen Bewegungen, die die eigentliche Definition von Kunst selbst infrage stellten, wurde Pop in den 1950er-Jahren im Vereinigten Königreich inmitten eines soziopolitischen Klimas der Nachkriegszeit geboren, in dem sich Künstler der Feier von Alltagsgegenständen zuwandten und das Alltägliche auf das Niveau der bildenden Kunst hoben. Die amerikanischen Künstler Andy Warhol, Roy Lichtenstein, oder James Rosenquist wurden bald zu den berühmtesten Verfechtern der Bewegung. Vielleicht aufgrund der Einbeziehung kommerzieller Bilder ist Pop-Art zu einem der bekanntesten Stile der modernen Kunst geworden. Eine neue Kunstform, die alles verkörperte, was jugendlich, subversiv, hell und frisch war.

DER SCHLECHTESTE MALER DER USA

Roy Lichtensteins von Comics inspirierte Gemälde und sein respektloser Witz finden seit über einem halben Jahrhundert bei Kunstsammlern und Enthusiasten Anklang. Museen und Galerien konkurrieren darum, seine Arbeiten auszustellen, und auf dem

© Estate of Roy Lichtenstein

Markt ist er einer der begehrtesten Namen in der zeitgenössischen Kunst. Gefeiert dafür, gewöhnlichen Gegenständen von Hot Dogs bis zu Mülleimern monumentale Kraft zu verleihen, widersetzte sich Lichtenstein dem traditionellen «guten Geschmack» und wurde Teil der neuen Avantgarde, die die amerikanische Kunst in den 1960er-Jahren neu definierte. Bevor die Pop-Art-Bewegung hohe Wellen schlug, wurde er als schlechtester Maler Amerikas und als Saboteur der hohen Kunst beschimpft, da seine Arbeiten im Kontrast zum damals vorherrschenden abstrakten Expressionismus standen. Seine ersten vollständig vollendeten Gemälde basierten auf Bildern aus Comics und Anzeigen und wurden in einem Stil gerendert, der die groben Druckverfahren der Zeitungsreproduktion nachahmt. Diese Gemälde belebten die amerikanische Kunstszene neu und veränderten

die Geschichte der modernen Kunst. Nach seinem anfänglichen Triumph in den frühen 1960er-Jahren schuf er ein Œuvre von mehr als 5000 Gemälden, Drucken, Zeichnungen, Skulpturen, Wandgemälden und anderen Objekten, die für ihren Witz und ihre Erfindungsgabe gefeiert wurden.

Roy zeigte schon früh künstlerisches und musikalisches Können: Schon als Teenager zeichnete, malte und bildhauerte er und verbrachte viele Stunden im «American Museum of Natural History» und im «Museum of Modern Art». Nach seinem Abschluss 1940 studierte er Malerei an der «Art Students League of New York». Zu seinen frühen künstlerischen Idolen zählten Rembrandt, Daumier und Picasso. In den späten 1940er- und frühen 1950er-Jahren begann Lichtenstein in Serien zu arbeiten und seine Ikonografie wurde von

© Courtesy The Library of Congress, Prints & Photographs Division, Paul Berg Collection

Lichtenstein und Leo Castelli inmitten der Werke «Mr. Bellamy» (1961), «Girl With Ball» (1961) und «Step-on Can with Leg» (1961).

«POP ART LOOKS OUT INTO THE WORLD.

gedruckten Bildern gezeichnet. Sein erstes nachhaltiges Thema –intime Gemälde und Drucke im Stil von Paul Klee, die sich lyrisch über mittelalterliche Ritter, Burgen und Jungfrauen lustig machten – könnte durchaus von einem Buch über den Teppich von Bayeux inspiriert worden sein. Lichtenstein warf dann einen ironischen Blick auf amerikanische Genrebilder des 19. Jahrhunderts, die er in Geschichtsbüchern sah, und schuf kubistische Interpretationen von Cowboys und Indianern, die mit einer fauxprimitiven Laune gespickt waren. Wie bei seinen berühmtesten Pop-Gemälden der 1960er-Jahre tendierte Lichtenstein zu dem, was er als das «dümmste» oder «schlechteste» visuelle Objekt bezeichnen würde, das er finden konnte, und veränderte oder verbesserte es dann. In den 1960er-Jahren galt Gebrauchskunst als verachtenswert und mit dem Aufkommen des abstrakten Expressionismus befanden sich die amerikanischen Erzähl- und Genrebilder des 19. Jahrhunderts bei Kritikern und Sammlern auf dem Tiefpunkt ihres Ansehens. Das Paraphrasieren, insbesondere das Paraphrasieren verachteter Bilder, wurde zu einem

IT DOESN’T LOOK LIKE A PAINTING OF SOMETHING, IT LOOKS LIKE THE THING ITSELF.»

Roy Lichtenstein

© Estate of Roy Lichtenstein

RECHTS In der Wohnung des Galeristen Leo Castelli, etwa Anfang der 1980er-Jahre, steht die Skulptur von Roy Lichtensteins «Head with Blue Shadow» aus dem Jahre 1965.

© Estate of Roy Lichtenstein, photo © Prosper Assouline

herausragenden Merkmal von Lichtensteins Kunst. Lange bevor Lichtenstein 1961 seine charakteristische Ausdrucksweise fand, machte er auf die Kunst und den Geschmack von Konventionen aufmerksam, die Kunst und Gesellschaft durchdrangen. Was andere als trivial abtaten, faszinierte ihn als klassisch und idealisiert – in seinen Worten «ein rein amerikanischer mythologischer Gegenstand».

DER PIONIER DER POP-ART

Lichtensteins erste Einzelausstellung erfolgte 1951 in der «Carlebach Gallery» in New York, gefolgt von einer Vertretung in der «John Heller Gallery» von 1952 bis 1957. Um seine akademische Karriere wieder aufzunehmen und New York näherzukommen, nahm Lichtenstein eine Stelle als Assistenzprofessor an der «State University of New York» in Oswego im Norden des Bundesstaates an.

Estate of Roy Lichtenstein

Er wurde eingestellt, um ab September 1957 Industriedesign zu lehren. Oswego erwies sich als geografisch und ästhetisch isolierter, als Cleveland es jemals war, aber der Umzug war sowohl für Lichtensteins Kunst als auch für seine Karriere günstig. Lichtenstein löste sich von der Repräsentation zu einem vollständig abstrakten Stil und trug breite Pigmentschwaden auf die Leinwand auf, indem er die Farbe mit einem um seinen Arm gewickelten Lappen über die Oberfläche zog. Gleichzeitig bettete er Comicfiguren wie Mickey Mouse und Donald Duck in gebürstete, expressionistische Hintergründe ein. Aber wie Lichtenstein sagte: «Mir ist nicht in den Sinn gekommen, den Cartoon-Stil nachzuahmen ohne dessen Farbtextur, die kalligrafische Linie, die Modulation –all die Dinge, die zum Expressionismus gehören.» Bekannt wurde Lichtenstein zu dieser Zeit vor allem durch die Verwendung der «Benday Dots», einer Drucktechnik, aus deren farbig gedruckten

Assouline rückt mit seinem neuen Bildband «Pop Art Style» die kultige Kunstbewegung und ihre Designstile ins Rampenlicht und enthüllt ihre historischen Auswirkungen und ihren anhaltenden Einfluss auf unsere heutige Kultur. Dieser farbenfrohe Band vereint dynamische Bilder aus verschiedenen Epochen und Medien, um die Energie und den Überschwang von 60 Jahren Pop-Art-Stil auszudrücken.

POP ART STYLE

Julie Belcove

Assouline

272 Seiten, 180 Illustrationen

ISBN: 9781649800732

WWW.ASSOULINE.COM

© Board of Trustees, National Gallery of Art, Washington DC

6 © Estate of Roy Lichtenstein

Das Werk «Look Mickey» war ein Geschenk von Roy und Dorothy Lichtenstein zu Ehren des 50-jährigen Jubiläums der National Gallery of Art.

Punkten eine Fläche oder mechanische Muster entstehen, um Texturen und Farbabstufungen zu vermitteln – eine stilistische Sprache, die gleichbedeutend mit seinem Thema ist. Dieser Druckprozess wurde zu einem Markenzeichen, das für immer mit Lichtenstein und Pop-Art identifiziert wurde. Zu den ersten erhaltenen Gemälden in diesem neuen Modus – basierend auf Comicstrips und Illustrationen aus Werbeanzeigen – gehörten «Popeye» und «Look Mickey». Die Energie und Radikalität seiner Werke erkannten schnell Kunsthändler und Galerien aus New York. So entschied sich Leo Castelli, der führende Händler für zeitgenössische Kunst, die Werke Lichtensteins 1962 in seiner Galerie zu präsentieren. Die Ausstellung war ausverkauft und machte Lichtenstein berüchtigt.

In den späten 1960er-Jahren wurden seine Arbeiten weniger narrativ und abstrakter, während er weiterhin über die Natur des Kunstunternehmens selbst nachdachte. Er begann, den Begriff der Pinselstriche

die Bausteine der westlichen Malerei – zu erforschen und zu dekonstruieren. Eine weitere ganze Palette von Werken, die in den 1970er-Jahren entstand, brachte komplexe Begegnungen mit Kubismus, Futurismus, Purismus, Surrealismus und Expressionismus zum Ausdruck. Lichtenstein erweiterte seine Palette über Rot, Blau, Gelb, Schwarz, Weiss und Grün hinaus und erfand und kombinierte Formen. Er isolierte gefundene Bilder nicht einfach, sondern stellte sie nebeneinander, überlagerte, fragmentierte und setzte sie neu zusammen. In den Worten des Kunsthistorikers Jack Cowart waren Lichtensteins virtuose Kompositionen «ein reichhaltiger Dialog von Formen – alle intuitiv modifiziert und von ihren nominellen Quellen befreit». Lichtenstein befand sich auch auf dem Höhepunkt seiner geschäftigen Karriere als Wandmaler.

Im August 1997 erkrankte Lichtenstein an einer Lungenentzündung. Er starb unerwartet am 29. September 1997 im Alter von 73 Jahren in New York City an den Folgen der Krankheit.

PERCEPTION

In diesem neuen Band der Assouline Ultimate Collection werden 100 von Lichtensteins denkwürdigsten Werken, ausgewählt vom Kunsthistoriker Avis Berman, aufwendig reproduziert – aus dem ikonischen Whaam! und Drowning Girl sowie spätere Neuinterpretationen von Gemälden von Picasso, Matisse und van Gogh für öffentliche Aufträge wie das Times Square Mural, das in der U-Bahn-Station Times Square in New York City installiert ist. Mit atemberaubenden Gatefolds, die die Bandbreite von Lichtensteins Kunst in all ihrer Farbe und Schönheit offenbaren, ist dieses Buch eine Traumsammlung für Pop-Art-Liebhaber auf der ganzen Welt.

ROY LICHTENSTEIN: THE IMPOSSIBLE COLLECTION Assouline

200 Seiten, 120 Illustrationen

ISBN: 9781614287100

WWW.ASSOULINE.COM

«ORGANIZED

IS WHAT ART IS ALL ABOUT.»

Roy Lichtenstein

KUNST DER GIPFEL DER

AUF DEN SPUREN INTERNATIONAL

BERÜHMTER KÜNSTLER FÜHRT

DER WEG DIESMAL IN DIE

GIGANTISCHE, SCHNEEBEDECKTE

BERGWELT DER FRANZÖSISCHEN

ALPEN. DIE SKULPTUREN VON

LORENZO QUINN ZIEREN DEN WINTERSKIORT COURCHEVEL: FÜR

DIE 14. AUSSTELLUNG VON «ART AT THE SUMMIT» PRÄSENTIERT

DER ITALIENISCHE KÜNSTLER

UND SOHN VON HOLLYWOODFILMLEGENDE ANTHONY QUINN GEMEINSAM MIT DEN GALERIEN

VON BARTOUX SIEBEN SEINER

MONUMENTALEN WERKE, DIE EINER WAHREN ODE AN

DIE LIEBE GLEICHEN.

LORENZO

Lorenzo Quinns Skulpturen wurden in den letzten zwei Jahrzehnten von Kritikern und Kunstliebhabern gleichermassen gelobt, vom Vatikan und dem Staat Katar in Auftrag gegeben und in unzähligen Galerien auf der ganzen Welt ausgestellt. Nach den Kanälen von Venedig, den Pyramiden von Gizeh in Ägypten und den grossen Parks von London sind die bedeutsamen Skulpturen von Lorenzo Quinn nun zum ersten Mal in den Alpen von Courchevel bis April zu bestaunen. Mit seiner Kunst möchte er das Bewusstsein für die Schönheit der Natur und die Notwendigkeit, achtsam mit ihr im Einklang zu leben, schärfen. Auf den Skipisten und im Ort verzaubern sieben prächtige Kunstwerke mit romantischen Bezeichnungen wie «Finding Love» und «Infinite Love» diesen wunderschönen Platz auf der Welt in ein Freilichtmuseum. «Wenn es völlige Stille gäbe, wäre es vielleicht möglich, die Geräusche zu hören und die Gefühle zu spüren, wenn sich zwei Menschen ineinander verlieben», behauptet Quinn und widmet sein Kunstwerk «Finding Love» auf dem Gipfel von La Vizelle in 2659 Metern Höhe der Liebe. Sein weiteres Meisterwerk «Infinite Love» auf dem Gipfel von La Biollay, der nur mit Skiern oder dem Lift auf 2230 Metern Höhe zu erreichen ist, ermutigt mit seiner Botschaft: «Durch die Herausforderungen der Zeit müssen wir immer an den goldenen Momenten festhalten, die wir gemeinsam verbracht haben. Der Regenbogen erscheint immer nach dem Sturm.»

Autorin_Cécile von Fürstenberg

©Lorenzo Quinn

©Courchevel TourismeArt au sommet 2022-2023The Four Loves

EINE LEGENDE DER KUNST

Lorenzo Quinn wurde 1966 in Rom geboren, studierte Kunst in der «American Academy of Fine Arts» in New York, arbeitete in Werkstätten und Giessereien sowohl in Europa als auch in den Vereinigten Staaten. Trotz seines berühmten Oscar-gekrönten Schauspielervaters Anthony Quinn schlägt sein Herz mehr für die Kunst als für die Schauspielerei. Seine beeindruckenden Werke bescheren ihm einen phänomenalen Erfolg. Seine Inspiration sind die alten Meister Michelangelo, Bernini, Carpaux und Rodin. Schon zu Beginn seines Schaffens 1982 entdeckte er sein Talent für die Bildhauerkunst, da er sich als Maler nicht individuell ausdrücken konnte. Das Arbeiten mit Plastiken ermöglichte es ihm, seine intimsten Gefühle darzustellen. All seine Werke auf der ganzen Welt vermitteln eine Botschaft, die den Betrachter zum Nachdenken über seine Rolle als Individuum in der Gesellschaft und dessen Auswirkungen auf andere anregt. Sogar im Vatikan thront Quinns geschaffenes Antlitz vom Heiligen San Antonio in Stein gemeisselt. Sein bedeutendstes Werk, der Globus des Lebens, ist eine monumentale Bronzeskulptur in Form eines Globus. Drei Jahre lang arbeitete der Bildhauer an seinem zehn Meter hohen, rund 60 Tonnen schweren Globus, der aus mehreren für sich sprechenden Teilen aus Bronze gebaut ist. Der Innenraum kann von den Besuchern betreten werden. Entstanden ist das Prachtstück an der spanischen Mittelmeerküste in Figueres, einst Wirkungsstätte des Surrealisten Dalí.

L’APOGÉE COURCHEVEL

Um die Kunst stilvoll auf sich wirken zu lassen, bietet das Fünf-Sterne-Luxushotel L’Apogée Courchevel die ideale Destination, um sich nahe der Ausstellung bei köstlichem Essen in einem entspannenden Spa und in romantischen Bergsuiten zu erholen. Das Hotel zieht sympathische Gäste aus aller Welt an, die nicht nur wegen der Kunst kommen, sondern auch, um ausgiebige Tage auf den traumhaften, 600 Kilometer langen Pisten des weltbekannten Skigebiets Trois Vallées zu verbringen. Schon beim Aufwachen blickt man noch im kuscheligen Bett auf ein imposantes Bergpanorama. Das Herz hüpft vor Freude, wenn man bei dieser Aussicht aus den Federn springt, noch schnell ein paar Runden im Indoorpool dreht, ein köstliches Frühstück mit selbstgemachten Crêpes, Obst, Croissants und duftendem Café geniesst, um sich dann im Hotel eine perfekte Skiausrüstung auszuleihen und direkt über einen hauseigenen Lift auf die Piste zu gehen. Nach so viel frischer Luft in der Natur servieren das japanische Restaurant Koori und die Sterneküche von Jean-Luc Lefrançois kulinarische Hochgenüsse. Mehr braucht es nicht, um glücklich zu sein.

THE WOODWARD GENF

Wer diese Traumwelt nicht abrupt verlassen möchte, besucht auf der Rückreise das nur zwei Autostunden entfernte The Woodward Hotel. Es ist die jüngste Neueröffnung im Portfolio der Oetker Collection Masterpiece Hotels und das erste All-Suite- Hotel in Genf. Direkt am Ufer des Genfersees gelegen und mit einem atemberaubenden Blick auf den majestätischen Mont Blanc, befindet sich das 1901 im Post-Haussmann-Stil erbaute Hotel am Quai Wilson und wurde vom weltbekannten Architekten Pierre-Yves Rochon sorgfältig umgebaut. Das Hotel bietet zwei erstklassige Restaurants, das L’Atelier Robuchon und das Le Jardinier, die beide in ihren New Yorker Niederlassungen mit Michelin-Sternen ausgezeichnet wurden und in Genf von Küchenchef Olivier Jean geführt werden.

TRENDS

PETER ANTON

Der amerikanische Künstler und Bildhauer Peter Anton verwandelt Süssigkeiten in Kunstwerke. Die übergrossen Skulpturen kreiert er mittels verschiedenster Materialien wie Gips und Lehm in seinem Atelier in Connecticut und zelebriert damit die Freude am Essen. Seit über 25 Jahren werden seine ikonischen Werke ausgiebig in Einzelausstellungen auf der ganzen Welt präsentiert.

P L

GGUY BUSEYNE

Guy Buseyne studierte das Handwerk des Möbelbaus, bevor er sich der Innenarchitektur zuwandte. In der Partnerschaft mit Gardeco entwickelte der Künstler eine aussergewöhnliche Skulptur, die sowohl für den Innen- als auch für den Aussenbereich geeignet ist. Egal, ob Sie zwei Menschen sehen, die sich umarmen, oder eine Person, die die Leidenschaften ihres eigenen Herzens erforscht –es ist eine Skulptur voller emotionaler Reaktionen.

LOREMO

Gegründet im Jahr 2019, ist Loremo die erste digitale Plattform überhaupt, die personalisierte Kunst von exklusiv kuratierten Künstler*innen im abstrakt zeitgenössischen Stil anbietet. Anders als bei anderen Anbietern handelt es sich bei jedem Kunstwerk um ein Unikat, das mittels algorithmusbasiertem Web-Konfigurator nach Wunsch und Bedürfnis der Kund*innen angefertigt wird. Aspekte wie Farbpsychologie, persönliche Eigenschaften und vorhandenes Interior werden dabei einbezogen. Ziel ist es, das Kunstwerk in Kontext zu diesen Merkmalen zu setzen, ein emotionales Gesamterlebnis zu schaffen und gleichzeitig wertsteigernde Investitionskunst anzubieten.

ART& CULTURE

ARTBOOK

ADie 1990er-Jahre waren eine Zeit tiefgreifender politischer Veränderungen, von der Auflösung des Ostblocks bis zum Aufkommen von Handelsabkommen, die die Welt, in der wir heute leben, noch immer beeinflussen. Hervorgegangen aus diesem entscheidenden Jahrzehnt, das auch die Produktion, Verbreitung und Rahmung von Kunst in der Karibik geprägt hat, zeichnet «Forecast Form» einen Weg in die Gegenwart und hebt Formen, Materialien und Prozesse hervor, die neue Denkweisen über Identität und Ort offenbaren. Dieser Buchband enthält wissenschaftliche Essays neben reich illustrierten Tafelabschnitten und Texten, die sich auf eine generationenübergreifende Gruppe von 37 Künstlern konzentrieren, die in ganz Amerika und Europa arbeiten.

UNBESCHWERTE NOSTALGIE

LINKS

UNTITLED (CITY VIEW), 1993 Öl auf Leinwand, 50.8 x 40.6 cm

RECHTS TWO PAINT CANS, 1987 Öl auf Papier auf Karton aufgezogen, 34.9 x 50.5 cm

ZU BEGINN DES NEUEN JAHRES 2023 WIDMET DIE FONDATION BEYELER DEM AUSSERGEWÖHNLICHEN, IN EUROPA JEDOCH BISHER NAHEZU UNBEKANNTEN AMERIKANISCHEN MALER WAYNE

THIEBAUD (1920–2021) DIE ERSTE EINZELAUSSTELLUNG IM DEUTSCHSPRACHIGEN RAUM. IN SEINEN STILLLEBEN MIT ALLTAGSGEGENSTÄNDEN BESCHWÖRT THIEBAUD IN BETÖRENDEN PASTELLTÖNEN DIE VERHEISSUNGEN DES «AMERICAN WAY OF LIFE». GLEICHZEITIG BEZEUGEN SEINE ERSTAUNLICHEN PORTRÄTS, MULTIPERSPEKTIVISCHEN STADTANSICHTEN UND LANDSCHAFTEN DIE VIELSEITIGKEIT DES TECHNISCH BRILLANTEN MALERS. ANHAND VON 65 GEMÄLDEN UND ZEICHNUNGEN AUS ÖFFENTLICHEN WIE PRIVATEN, VORWIEGEND AMERIKANISCHEN SAMMLUNGEN PRÄSENTIERT DIE RETROSPEKTIVE DIE WICHTIGSTEN WERKGRUPPEN DES KÜNSTLERS UND LÄDT DAZU EIN, SEINE EINZIGARTIGE MALWEISE SOWIE SEINEN TAKTILEN UMGANG MIT DER FARBE ZU ENTDECKEN. DER IN DEN USA FÜR SEINE STILLLEBEN BERÜHMTE THIEBAUD LOTETE DIE MÖGLICHKEITEN DES MALERISCHEN AUSDRUCKS AN DER GRENZE ZWISCHEN SICHTBARER UND IMAGINIERTER WELT AUS UND SCHUF SO EINE GANZ EIGENE, ZWISCHEN IRONIE, WITZ, NOSTALGIE UND MELANCHOLIE CHANGIERENDE BILDSPRACHE.

Autorin_Swenja Willms

© Wayne Thiebaud Foundation/2022, ProLitteris, Zurich

Foto: Matthew Kroening

OBEN

GIRL WITH PINK HAT, 1973

Öl auf Leinwand, 91.4 x 74.9 cm

UNTEN

EATING FIGURES (QUICK SNACK), 1963

Öl auf Leinwand, 181.6 x 120.7 cm

Wayne Thiebaud gehört zu den führenden Vertretern der amerikanischen figurativen Kunst und steht damit in der Tradition von Malern und Malerinnen wie Edward Hopper und Georgia O’Keeffe. Früh entdeckte er sein Interesse für Comics und Zeichentrickfilme, er arbeitete kurzzeitig in der Trickfilmabteilung der Walt Disney Studios und später als Werbegrafiker und kommerzieller Zeichner. Von 1949 bis 1953 studierte er Kunst an der San José State University und der California State University in Sacramento. Zeit seines Lebens war er in der Lehre tätig und bildete Generationen von Künstlerinnen und Künstlern aus. Thiebaud bewegte sich abseits der grossen Kunstmetropolen und malte unabhängig von den jeweils vorherrschenden Kunstbewegungen. Aufgrund seines Interesses an Objekten der Populärkultur wird er oft der Pop-Art zugerechnet – eine Einordnung, der er sich selbst jedoch stets verweigerte. In Anbetracht seiner eigenen Sichtweise auf die Ästhetik der Massenproduktion und seines Fokus auf die Malerei kann Thiebaud eher als ein Vorläufer der Pop-Art eingestuft werden. Er selbst bezeichnete Diego Velázquez, Paul Cézanne, Henri Rousseau und Piet Mondrian als Vorbilder, war aber als Cartoonist auch stark durch Werbegrafiker und Plakatmaler beeinflusst. Viele den amerikanischen Lebensstil widerspiegelnde Motive aus dem Alltag, von Kaugummiautomaten über farbenprächtige Torten und in sich verschlungene Autobahnstrassen, oft in das Sonnenlicht der Westküste getaucht, finden sich in Thiebauds Gemälden. Auf den ersten Blick erscheinen seine Bilder geradezu plakativ und selbsterklärend. Bei genauerer Betrachtung stellt man jedoch bald fest, dass sie über eine weitere Ebene verfügen. So setzen sich die Kompositionen aus schier unzähligen Kombinationen oft intensiv leuchtender Farben zusammen, die das Motiv in den Hintergrund treten lassen. Für den Maler waren die Grenzen zwischen Gegenständlichkeit und Ungegenständlichkeit fliessend, indem er durch den gezielten Einsatz der Farbe das Motiv einem Abstraktionsprozess unterzog. Im Vordergrund seines Interesses standen vielmehr die Möglichkeiten der Malerei und insbesondere der Farbe.

© Wayne Thiebaud Foundation/2022, ProLitteris, Zurich

© Wayne Thiebaud Foundation/2022, ProLitteris, Zurich Foto: Katherine Du Tiel

Die Ausstellung präsentiert in einzelnen Themen gewidmeten Räumen Thiebauds wichtigste Werkgruppen. Dazu gehören seine Stillleben, Figurenbilder, Stadtansichten und Flusslandschaften. In seinen Werken hat Thiebaud die Eindrücke seines Lebens verarbeitet. Auf einzigartige Weise erweckt er mit seinen flimmernden Farbwelten, harmonisch wirkenden Kontrasten und vibrierenden Linien Torten, Landschaften und Menschen zum Leben. Obwohl die Motive gleichsam humorvoll und ironisch anmuten – wie Comics regen sie zum Schmunzeln an, unterhalten oder bringen das kindliche Staunen zurück –, bergen Thiebauds Bilder etwas Nostalgisches und Melancholisches in sich. Nach den ersten Glücksgefühlen beim Anblick der prächtigen Bäckereiauslagen oder Stofftierregale

mischt sich mitunter ein Anflug von unerwarteter Traurigkeit in die Betrachtung – eine Sehnsucht nach einer vergangenen Welt oder einer längst verflossenen Liebe. Über diese nostalgische Anwandlung hinausgehend, lösen Thiebauds Bilder aber durchaus auch Gefühle der Beklemmung aus, die sich an der Künstlichkeit seiner Stillleben, Figuren und Landschaften entzünden. Gerade angesichts gesellschaftlicher Entwicklungen in der heutigen Zeit fällt die Absenz des Natürlichen und des Gesunden in den Darstellungen geradezu ins Auge, sodass Thiebauds Bildwelten trotz all ihrer Verheissungen und ihrer Farbenpracht durchaus auch als künstliche, einsame und toxische Orte wahrgenommen werden können.

FLOOD WATERS, 2006 / 2013 Öl auf Leinwand, 121.9 x 152.4 cm

© Wayne Thiebaud Foundation/2022, ProLitteris, Zurich

© Wayne Thiebaud Foundation/2022, ProLitteris, Zurich

© Wayne Thiebaud Foundation/2022, ProLitteris, Zurich Foto: Matthew Kroening

Wayne Thiebaud wurde am 15. November 1920 in Mesa, Arizona, geboren und wuchs hauptsächlich im kalifornischen Long Beach auf. Seine Vorfahren gehörten zu den ersten Siedlern mormonischen Glaubens, die sich in der Mitte des 19. Jahrhunderts in Utah niederliessen. Zu Zeiten der Wirtschaftskrise zog Thiebaud mit seiner Familie vorübergehend zurück nach Utah, wo sie Landwirtschaft betrieb. Ab 1935 besuchte er die Highschool, auf der er schon seine Mitschüler*innen und Lehrer*innen karikierte. Im Sommer 1936 arbeitete er in der Trickfilmabteilung der Walt Disney Studios, wo er unter anderem lernte, Mickey Mouse zu zeichnen. Während seines Diensts beim Militär gestaltete er die Comicserie Aleck für das Mitteilungsblatt des Stützpunkts Mather Field und entwarf Poster und Wandbilder. Diese Zeit markiert den Beginn seiner Karriere als Maler. Von 1949 bis 1953 studierte Thiebaud an der San José State University und der California State University in Sacramento Kunst – dort spielte er auch Tennis, eine Leidenschaft, die ihn sein Leben lang begleiten sollte. Noch während des Studiums wurden seine Werke 1951 in einer Einzelausstellung in der Crocker Art Gallery in Sacramento gezeigt, im selben Jahr nahm er einen Lehrauftrag am Sacramento City College an. Bei einem Aufenthalt in New York in den 1950er-Jahren lernte er Willem und Elaine de Kooning kennen. 1962 stellte Thiebaud erstmals seine Werke in der renommierten New Yorker Allan Stone Gallery aus. Zehn Jahre später zeigte Harald Szeemann seine Arbeiten auf der wegweisenden Documenta 5 in Kassel. Auch als Professor für Malerei genoss Thiebaud einen ausgezeichneten Ruf. Generationen von Künstler*innen bildete er aus, darunter Bruce Nauman, der zeitweise sein Assistent war. 1978 präsentierte das San Francisco Museum of Modern Art die Ausstellung «Wayne Thiebaud: Recent Work». Das Whitney Museum in New York widmete Thiebaud 2001 eine Retrospektive.

Wayne Thiebaud, dessen Werke in bedeutenden amerikanischen Museen anzutreffen sind, malte bis an sein Lebensende. Aus Anlass seines 100. Geburtstags widmete ihm das Crocker Art Museum 2021 die Ausstellung «Wayne Thiebaud 100: Paintings, Prints and Drawings». Trotz des Booms der figürlichen Malerei wird Thiebaud in Europa nur sehr selten ausgestellt und seine Werke sind kaum in öffentlichen Sammlungen vertreten.

OBEN

THREE CONES, 1964

Öl auf Karton, 33 x 37.5 cm

UNTEN

PIE ROWS, 1961

Öl auf Leinwand, 55.9 x 71.1 cm

«ICH WÜRDE GERNE GLAUBEN, DASS ICH ALLES MALEN KANN, AN JEDEM TAG, ZU JEDER ZEIT, AUF JEDE WEISE, WIE ES MIR BELIEBT.»

WAT CHES&

WATCHES JEW ELLERY

& JEWE LLERY

JUWEL DER ZEIT

SCHILLERND, FASZINIEREND, FRÖHLICH, IKONISCH. DIE ZEIT VERGEHT IM TAKT VON BULGARI. DIE NEUEN SCHMUCKUHREN DER MAISON AUS ROM BEGLEITEN DIE WERTVOLLEN MOMENTE DES LEBENS, GESCHMÜCKT MIT FUNKELNDEN EDELSTEINEN UND GEWAGTEN TECHNIKEN. ANTOINE PIN, MANAGING DIRECTOR WATCHES BEI BULGARI, IM GESPRÄCH ÜBER DIE KOSTBARKEIT DER ZEIT.

Autorin_Swenja Willms Bilder_Bulgari

PRESTIGE: Herr Pin, die neueste Uhrenkollektion von Bulgari trägt den Titel «Time is a Jewel». Was bedeutet Zeit für Sie und was bedeutet sie für Bulgari?

ANTOINE PIN: Zeit symbolisiert diese bestimmte Art von Kostbarkeit – sie kann nie nachgeholt werden. Im Grunde bringt uns das zurück zu unserer Menschlichkeit, weil es keine sozialen Unterschiede gibt. Wir sind alle mit der Vorstellung konfrontiert, dass Zeit etwas ist, das verschwindet. Wir versuchen, das Beste daraus zu machen, es ist also eine Art Aufmunterung und für mich ein Zeichen, wie wir mit der Kostbarkeit des Lebens umgehen. Die Schmuckuhren von Bulgari sind folglich der beste Weg, um die Schönheit des Lebens hervorzuheben, denn wenn das Leben die Hölle wäre, wäre die Zeit ein Fluch. Das Leben ist ein aussergewöhnliches Mysterium und wir sollten jeden Moment davon ausnutzen.

Kostbar ist nicht nur die Zeit, sondern auch die Edelsteine, die sie für Ihre Schmuckuhren verwenden.

Die Schönheit des Lebens verbirgt Kostbarkeiten, die mittels unserer Fähigkeiten und der Zeit ans Licht kommen. Mit unseren Schmuckuhren verwandeln wir raue Felsen aus unserer Umgebung in etwas Aussergewöhnliches.

Unsere Umgebung, Mutter Natur, symbolisiert folglich auch die Kostbarkeiten des Lebens. Was noch?

Als Juwelier zelebrieren wir natürlich Edelsteine. Aber unser Handwerk ist am Ende ein weiterer Ausdruck des Lebens. Es gibt einerseits das Know-how, andererseits aber auch das Talent. Talent zu besitzen und dieses auch für sich zu entdecken, ist eines der grössten Geschenke unseres Lebens. Die Gabe unserer Mitarbeiter, solche Kostbarkeiten herzustellen, beweist einmal mehr das Mysterium des Lebens. Nur die geschicktesten Hände bringen solch enorm komplexen Werke zustande, wie wir sie hier präsentieren. Und am Ende halten wir etwas in den Händen, das weit mehr ist als eine rein funktionale Uhr.

Die Ansprüche an eine Uhr gehen folglich über die reine Funktion hinaus. Was suchen Damen bei Bulgari bei der Wahl ihrer Uhr?

Verführung, Spass, Emotionen. Frauen betreten unseren Laden mit der Erwartung, etwas Aussergewöhnliches zu erleben. Ich fordere unsere Kundinnen stets dazu auf, all unsere Uhren in den Boutiquen zu tragen und auszuprobieren. Denn erst dann siehst du das Funkeln in ihren Augen und spürst die Kostbarkeit des Augenblicks. Die Frauen fühlen sich wie Cinderella, wie in

«WIR SIND HIER, UM ALLE GEHEIMNISSE DES LEBENS ZU FEIERN, EINSCHLIESSLICH UNS SELBST.»

Antoine Pin, Managing Director

Bulgari Watches

einem Märchen (lacht). Daran werden sie sich erinnern. Es ist ein Moment voller Emotionen.

Welche Farben und Steine waren die Inspiration für die neue Kollektion?

Es ist eine grosse Variation von allem. Die Mitarbeiter in unseren Studios spielen stets mit der Assoziation von Farben, Steinen und Harmonie. Sie gehen mit den Augen eines Kindes an die Arbeit. Was fasziniert uns? Womit spielen wir? So entstanden beispielsweise die beweglichen Blütenblätter unseres «Divas’ Dream», die sich bei jeder Bewegung des Handgelenks rühren. Ein spielerisches Detail, das von keiner bestimmten Inspiration geprägt war, sondern aus der reinen Intuition heraus.

Was ist für Sie das Herzstück von «Time is a Jewel»?

Mein Favorit ist die «Serpenti Tubogas Infinity», eine wahrliche Meisterleistung unseres Handwerks. Einerseits hat diese Neuheit auch etwas Frustrierendes, denn seit ihrem 75-jährigen Bestehen hat die Serpenti niemals einen solchen Sprung in ihrer Entwicklung getätigt. Dank unserer neuen technologischen Errungenschaften wird nun jeder einzelne Teil des Wickelarmbands einzeln aufgewickelt, wodurch sich für uns endlose Möglichkeiten ergeben, beispielsweise die individuelle Besetzung mit Diamanten.

Die neue «Serpenti Tubogas Infinity» ist das perfekte Beispiel dafür, wie Bulgari Uhren in Schmuck verwandelt. Trägt sie mit ihren 75 Jahren bereits den Status einer Ikone?

Auf jeden Fall. Das Format der Serpenti ist einzigartig. Sie vereint ein unverwechselbares Design mit herausragender Technik. Sie ist ein Objekt der Begierde.

Sie sind seit mehr als 20 Jahren in der Uhrenindustrie tätig. Wie bereichern Sie Bulgari und zukünftige Kollektionen mit Ihrem Wissen?

Ich habe während meiner Arbeit in der Uhrenbranche gelernt, dass gewissen Dinge seine Zeit brauchen – auch wenn ich kein geduldiger Mensch bin. Aber so lernt man am besten, die Zeit, die einem gegeben ist, zu schätzen.

MUST HAVES

DIVAS’ DREAM Kostbare mobile Blütenblätter flattern um das perlmuttfarbene Zifferblatt von «Divas’ Dream», angetrieben von den Bewegungen des Handgelenks. Ihre Form erinnert an das Ginkgoblatt und symbolisiert die Vereinigung der Gegensätze. In diesem Modell kombiniert Bulgari die kostbarsten Edelsteine wie Topase, Tansanite, Amethyste, Turmaline, Rubine und Diamanten mit Armbändern aus Alligatorleder.

SERPENTI SEDUTTORI

Zwei neue «Serpenti Seduttori»-Modelle mit tiefschwarz lackierten Zifferblättern bereichern die vom legendären Reptil inspirierte Kollektion. Im spektakulären Kontrast zum Zifferblatt ist das erste aus Stahl gefertigt, während es die zweite mit der Schönheit von Roségold kombiniert. Das faszinierend gewundene Gehäuse wird an der Seite von einem rosafarbenen Rubellit beleuchtet, der die Krone krönt. Das Armband mit seinen emblematischen Schuppen scheint nahtlos in das Gehäuse überzugehen.

ALLEGRA Farben und Formen funkeln hemmungslos –mit Allegra stellt Bulgari einen spritzigen Cocktail voller Überraschungen zusammen. Die Edelsteine –Turmaline, Citrine, Rhodolite und Peridote –explodieren in einer Vielzahl von fröhlichen Formen, die mit rosa oder gelben Saphiren assoziiert werden.

DIVAS’ DREAM MOSAICA

Auf dem vollständig gefassten Zifferblatt der «Divas’ Dream Mosaica» erinnert ein fächerförmiges Muster an die Mosaiken, die die Caracalla-Thermen schmücken, mit einem subtilen Saphirverlauf, der von Himmelblau bis zu tiefem Azurblau reicht.

Auf der Lünette und der Krone, die mit Diamanten im Cabochonschliff besetzt sind, erhellen leuchtend farbige Edelsteine die Stunden. Die Uhr ist mit einem spektakulären Armband gepaart, besetzt mit einer Fülle funkelnder Diamanten. Der transparente Gehäuseboden enthüllt ein fein verziertes mechanisches Uhrwerk mit Automatikaufzug.

SERPENTI TUBOGAS INFINITY

Die legendäre Bulgari-Schlange wagt eine neue Metamorphose. Mit «Serpenti Tubogas Infinity» schlüpft das Reptil in eine kostbare und unendlich kreative Haut, denn zum ersten Mal setzt sich die Serpentinensilhouette vom Uhrengehäuse bis zum Armband mittels raffinierter Edelsteinbesatzung fort. Eine mit Edelsteinen besetzte Lünette und acht Diamanten auf der Rundung des Gehäuses symbolisieren den Kopf der Schlange.

STIL

& MIT

GESCHICHTE

Autorin_Swenja Willms Bilder_Hamilton

Die für ihre perfekte Kombination aus klassischer Ästhetik und innovativer Uhrmacherkunst bekannte Jazzmaster-Kollektion wird 2023 um die sportlich-elegante JazzmasterPerformer-Serie erweitert, die sich mit einzigartigen Details und einem ausgewogenen Design präsentiert. Mit ihrer zeitlosen Ästhetik richtet sich die neue Jazzmaster-PerformanceSerie an diejenigen, die auf der Suche nach grossem Stil sind. Sie ist in einer Reihe von Optionen erhältlich, die allesamt als Damen- und Herrenuhren getragen werden können: von ausdrucksstarken 42-Millimeter-ChronographVersionen bis hin zu extravagant-eleganten 38-Millimeter-Modellen und 34-MillimeterAutomatikuhren. Der Jazzmaster Performer Automatic Chronograph im 42-MillimeterFormat ist in vier individuellen Ausführungen erhältlich und präsentiert sich mit einem Design, das für Dynamik und Action steht. Die vier Versionen bestechen durch ihre meisterhafte Kombination aus innovativer technischer Leistung und urbanem Charisma. Sie sind mit einem eleganten Edelstahlgehäuse oder einem gewagten roségoldfarbenen PVD-Gehäuse ausgestattet und besitzen eine fest fixierte Lünette mit Tachymeterskala. Die stilvollen JazzmasterPerformer-Zeitmesser werden mit einem Edelstahlarmband oder einem perforierten Lederarmband im Rennsportstil kombiniert, die die Dynamik der Kollektion unterstreichen.

ES IST DIE EINZIGARTIGE VERBINDUNG DES AMERIKANISCHEN STILS MIT SCHWEIZER TRADITION, DIE HAMILTON IN DEN OLYMP DER UHRMACHERINDUSTRIE BEFÖRDERTE. NOCH HEUTE LEBT DER AMERIKANISCHE GEIST IN DEN ARMBANDUHREN. SO WIDMETE HAMILTON DIE JAZZMASTER-LINIE DEM MUSIKSTIL, DER IN DEN SÜDSTAATEN DER USA GEBOREN WURDE. MIT ZWEI MODELLNEUHEITEN ERGÄNZT HAMILTON DIE SCHWUNGVOLLE KOLLEKTION.

Dank einer Wasserdichtigkeit von bis zu zehn Bar und einer verschraubten Krone ist diese Jazzmaster für alle Abenteuer bereit. Die neue Jazzmaster-Performer-Serie präsentiert sich mit einem zu allen Anlässen passenden Design und verleiht der JazzmasterKollektion eine auf Leistung ausgerichtete Dynamik. Die Jazzmaster-Performer-Zeitmesser sind robust genug für ein abenteuerreiches Wochenende und stilvoll genug für gehobene Anlässe – wie gemacht für alle, die Funktionalität und Stil miteinander kombinieren möchten.

EXZELLENZ IM DOPPELPACK

Seit ihrer Lancierung im Jahr 2013 wird die Jazzmaster Face 2 Face als Pionierin der modernen Uhrmacherkunst von Hamilton angesehen: Die Uhr besitzt ein doppelseitiges Zifferblatt, das einer einzigen Uhrkreation zwei völlig unterschiedliche Persönlichkeiten verleiht. Mit der neuen Jazzmaster Face 2 Face III, der dritten auf 999 Modelle limitierten Edition, etabliert sich die Kollektion als eine Kombination aus avantgardistischem Design und klassischer Ästhetik. Das 44-Millimeter-Wendegehäuse mit zwei Zifferblättern kombiniert eine schlichte Zeitanzeige mit Chronographenfunktionen mit Messskalen und einem Gehäuseboden aus Glas. Die Jazzmaster Face 2 Face III vereint somit unkonventionelle Elemente mit klassischen Merkmalen. Sie ist mit einem braunen Patina-Lederarmband ausgestattet, dessen blaue Nähte für einen auffälligen Kontrast sorgen und der Uhr einen sportlichen Touch verleihen. Mit ihrer komplexen Zifferblattästhetik und ihrem vielseitigen Look erfindet die Jazzmaster Face 2 Face III die Regeln der Uhrmacherkunst neu, indem sie avantgardistische Innovation in ein klassisches Uhrengehäuse einbettet. Dieser Zeitmesser mit doppelter Persönlichkeit ist ein Blickfang, der für Gesprächsstoff sorgt – wie geschaffen für extrovertierte Uhrenliebhaber.

DREI FRAGEN AN VIVIAN STAUFFER, CEO BEI HAMILTON

PRESTIGE: Herr Stauffer, Hamilton ist als bikulturelle Marke mit amerikanischem Erbe und Schweizer Gegenwart bekannt. Wie viel vom amerikanischen Geist steckt noch in der Uhrenmarke?

VIVIAN STAUFFER: Die Produktion unserer Uhren befindet sich in der Schweiz, aber der Geist der Marke bleibt amerikanisch. Unsere amerikanische Vergangenheit inspiriert uns täglich. Amerika ist stets Vorreiter im Bereich Innovation und Technik, sei es bei Elektrofahrzeugen, der Fahrt ins Weltall oder bei Handys. Auch wenn wir einen sehr traditionellen Hintergrund haben, so versuchen wir doch, einzigartig hinsichtlich der Uhrenindustrie zu sein und diesen Innovationsgeist zu fördern.

Sie sind 2007 zum ersten Mal bei der Marke eingestiegen. Was hat Sie so fasziniert, dass Sie so lange an Board geblieben sind? Wir stecken viel Ehrgeiz in die Entwicklung unserer Produkte. Ich denke, unser Storytelling hebt sich vom Markt ab. Wir müssen dabei nicht nostalgisch sein. Wir zwingen uns dazu, innovativ zu sein. Die erste elektrische Uhr der Welt war eine Hamilton, angetrieben von einer Batterie im Jahr 1957. Die erste digitale Uhr war eine Hamilton, 1970. An diese Fortschrittlichkeit wollen wir auch heute noch anknüpfen. Wir haben folglich die Verantwortung, unsere Kreationen für die Zukunft weiterzuentwickeln. So reiht sich beispielsweise die Ventura, eine dreieckige Uhr, in das Konzept ein.

Innovativ ist auch die neue Face 2 Face III. Ein neues Kernstück ihrer Kollektion?

Die neue Face 2 Face III nutzen wir, um das Spotlight auf eine bestimmte Kollektion zu werfen. Die Jazzmaster-Kollektion ist unsere jüngste Kollektion – und auch die modernste. Hierfür benötigen wir innovative Modelle. Die neue Edition interpretiert die Idee des drehbaren Gehäusedesigns neu und verleiht der gleichnamigen Serie Flair und Raffinesse. Dieser neue Zeitmesser mit zwei Gesichtern bringt uhrmacherisches Know-how und Designkreativität in den Vordergrund und verleiht einer der prominentesten Komplikationsuhren von Hamilton eine dezente Wendung.

MUST HAVES

HAMILTON JAZZMASTER PERFORMER AUTOMATIC

Die 38-Millimeter- und 34-Millimeter-Versionen der Jazzmaster Performer zeigen sich in gewohnt sportlich-eleganter Optik, jedoch mit einer Auswahl an schlichteren, minimalistischeren Zifferblattoptionen, die entweder mit einem Sonnenschliff versehen oder aus Perlmutt gefertigt sind. Mit ihrem Automatikwerk H-10 verbindet die Jazzmaster Performer präzise Zeitmessung mit hochfunktionalem Design.

HAMILTON JAZZMASTER PERFORMER AUTOMATIC CHRONOGRAPH

Die Jazzmaster Performer Automatic Chronograph im 42-Millimeter-Format ist in vier individuellen Ausführungen erhältlich und präsentiert sich mit einem Design, das für Dynamik und Action steht. Die vier Versionen sind mit einem eleganten Edelstahlgehäuse oder einem gewagten roségoldfarbenen PVD-Gehäuse ausgestattet und besitzen eine fest fixierte Lünette mit Tachymeterskala. Das aussergewöhnlich gut ablesbare Zifferblatt bekommt mit drei Chronographenzählern, die in ihrer Optik an Geschwindigkeitsmesser erinnern, eine neue sportliche Ästhetik. Der Chronograph wird durch das automatische Chronographenwerk H-31 mit 60 Stunden Gangreserve und einer Spiralfeder aus Nivachron™, einer antimagnetischen kompensierenden Legierung, angetrieben.

HAMILTON JAZZMASTER FACE 2 FACE III

Die innovative Jazzmaster Face 2 Face III besitzt ein rundes 44-Millimeter-Wendegehäuse mit zwei Zifferblättern. Eines davon kombiniert eine schlichte Zeitanzeige mit Chronographenfunktionen, während das andere Messskalen und einen Gehäuseboden aus Glas präsentiert. Das Hauptzifferblatt ist in eine vielschichtige Mechanikarchitektur eingebettet, der äussere Ring dient der Zeitanzeige, während die drei Chronographenzähler die verstrichenen Stunden, Minuten und Sekunden festhalten. Die einander überlagernden Nebenzifferblätter sind auf der sichtbaren Datumsscheibe angebracht. Beim Umdrehen des Gehäuses offenbaren sich auf dem zweiten Zifferblatt die Tachymeter- und Pulsometer-Skalen, mit denen Fans des aktiven Lifestyles ihre Geschwindigkeit und ihren Pulsschlag messen können. Das skelettierte Zifferblattdesign erlaubt einen Blick auf das automatische Chronographenwerk H-41 mit 60 Stunden Gangreserve.

DOPPELTE FARBENFREUDE

SIE MÖGEN DEN GLEICHEN STRAHLENDEN

LOOK HABEN, DOCH DAVON SOLLTE MAN

SICH NICHT TÄUSCHEN LASSEN: DIE NEUEN

BIG-BANG-MODELLE VON HUBLOT SIND

KEINE EINEIIGEN ZWILLINGE.

Welche Regeln gelten für die neuen Stücke, die bei der LVMH Watch Week vorgestellt werden? Wenn es solche Regeln überhaupt gäbe, hätte sich Hublot allerdings wahrscheinlich nicht daran gehalten, da sich die Marke ansonsten auch an keine Regeln hält. Zu diesem ersten grossen Uhrenereignis des Jahres 2023 liess sich die Manufaktur von ihrem Bestseller aus dem Jahr 2022 inspirieren und kreierte in einer augenzwinkernden Haute-Joaillerie-Spielerei ein Paar zweieiige Zwillingsuhren, die uns zu einer Runde «Richtig oder falsch?» einladen. Obwohl wir es hier mit zwei neuen BigBang-Modellen zu tun haben, können wir also eine lustige Partie «Finde die Unterschiede!» spielen. Davon gibt es insgesamt sieben. Doch fangen wir mit dem an, was gleich ist. Die erste Ähnlichkeit ist ein Fest für die Augen. Man muss kein Edelsteinexperte sein, um zu erkennen: Beide Uhren sind Rainbow-Modelle. Das heisst, sie sind mit einer Flut durchscheinender Edelsteine in einem perfekten Farbverlauf geschmückt, der sich nahtlos durch alle Schattierungen des Regenbogens zieht – entsprechend dem Namen. Dabei sind die beiden Modelle nicht einfach nur mit Steinen besetzt, sondern vom Gehäuse über die Lünette bis hin zum Armband vollständig ausgefasst. Edelsteine treffen hier auf die schönsten Mineralien: Rubin, Amethyst, Blautopas, Tsavorit und ein ganzes Spektrum von Saphiren – rosafarbene, orangefarbene, blaue und gelbe. Jeder der funkelnden Steine hat seinen eigenen, einzigartigen Farbton – subtile Nuancen, die der Edelsteinfasser mit fachkundigem Blick und geschickten Händen Stein für Stein

Autorin_Swenja Willms Bilder_Hublot

aufeinander abgestimmt hat. Das Modell «Big Bang Integrated» ist mit insgesamt 174 Steinen besetzt, das «Time Only»-Modell mit 176 Steinen und die Armbänder der beiden Varianten sind mit 768 beziehungsweise 748 Steinen ausgefasst. Ausserdem sind beide Uhren aus demselben Metall beziehungsweise derselben Legierung gefertigt: King Gold, das Hublot so sehr am Herzen liegt und dessen Herstellung ausschliesslich von der Manufaktur selbst beherrscht wird. Die Goldfarbe dieser Legierung ist wärmer als die von herkömmlichem 18-Karat-5N-Gold. Da die Legierung Platin enthält, eignet sie sich auch perfekt für alle Polier- und Satinierarbeiten, die bei diesen beiden Varianten ihre ganze Wirkung entfalten. Flache, satinierte Oberflächen wechseln sich mit polierten Schrägungen ab, die mit jedem einzelnen Edelstein um die Wette funkeln. Und schliesslich haben beide Modelle das gleiche komplett schwarze Zifferblatt: Hauptplatine, Höhenring und Datumsfenster. Diese Elemente sind in ein sattes Schwarz gehüllt, das den perfekten monochromen Hintergrund bildet, um den Glanz der Rainbow-Fassung voll zur Geltung zu bringen. Zu den zwei grossen skelettierten Zeigern und der goldenen, mit schwarzem Kautschuk überzogenen Krone gesellen sich zwei «Ohren» bei drei und neun Uhr. Gehäuse und Armband gehen nahtlos ineinander über: So bilden sie hinsichtlich Stil, Material und Farbe eine perfekte Einheit und gewährleisten zugleich höchsten Tragekomfort.

Die beiden Uhren werden von zwei verschiedenen Werken angetrieben. Die erste ist ein Chronograph, in dem das UnicoManufakturwerk mit automatischem Aufzug schlägt: das erste hauseigene Uhrwerk von Hublot – ein skelettiertes Kaliber, das eine Gangreserve von drei vollen Tagen aufbaut. Dieser prestigeträchtige Mechanismus ist in einem grossen Gehäuse mit 42 Millimeter Durchmesser untergebracht. Das zweite Werk ist in einem 40-Millimeter-Gehäuse verbaut – ein Durchmesser, der jetzt zum ersten Mal seit seiner Vorstellung im Jahr 2022 wieder bei der Big Bang erscheint und dieser Uhr einen kompakteren, kantigeren Charakter verleiht. Das Werk, die drei Zeiger und das Datum dieser «Time Only»-Ausführung sind perfekt an das Gehäuse angepasst und füllen dessen gesamten Raum aus. Mit einer Höhe von nur 9.3 Millimeter bleibt die «Big Bang Integrated Time Only King Gold Rainbow» deutlich unter der Zehn-Millimeter-Marke und ist die perfekte Verschmelzung von Haute-Horlogerie-Sinn und HauteJoaillerie-Unsinn.

LEBENSGEFÜHL

Seit Juli 2017 lenkt der ausgesprochen

uhrerfahrene Manager Georges Kern die Geschicke der 1884 gegründeten Schweizer

Traditionsmarke Breitling. Seitdem geht

es mit Umsatz und Prestige permanent aufwärts. Im Interview spricht Georges

Kern über Luxus, Manufakturarbeit sowie die inneren und äusseren Werte feiner Armbanduhren.

Autor_Gisbert L. Brunner Bilder_Breitling

PRESTIGE: Breitling ist uhrmacherischer Luxus. Wo fängt dieser an? Nach oben gibt es ja keine Grenzen. Aber wo fängt der uhrmacherische Luxus am unteren Ende an? Und was zeichnet Breitling als Manufaktur der Luxuskategorie aus?

GEORGES KERN: Die Welt der Uhrenindustrie hat sich in den letzten 20 Jahren stark verändert, das Verhalten der Konsumenten ebenso. Entscheidend ist, dass sich Luxus, und zwar jede Art von Luxus, grundsätzlich demokratisiert hat. Inzwischen hat eine zunehmend breite Bevölkerungsschicht Zugang zu Luxusprodukten.

Wie äussert sich das? Ein Beispiel bitte.

Wir Menschen geniessen gerne und wollen uns etwas Gutes tun – das bedeutet, wir wollen auch Zugang zu Luxusprodukten haben, insbesondere nach der Covid-Pandemie und in Zeiten des Ukraine-Kriegs.

Bezogen auf die Uhrenindustrie?

Es ist ein Phänomen, dass digitale Zeitmesser der analogen Uhrenindustrie in keiner Weise geschadet haben. Ganz im Gegenteil: Heute kauft man keine Uhr mehr, um die Zeit abzulesen. Eine Armbanduhr ist ein Statussymbol und verkörpert einen gewissen Lebensstil, verbunden mit Emotionen und Träumen. Insofern spielt die Funktionalität einer mechanischen Uhr eine geringere Rolle als noch vor 20 oder 30 Jahren. Und heute koexistieren beide Produktgruppen – Smartwatches und mechanische Uhren. Sie sind

komplementär und haben beide ihre Berechtigung mit unterschiedlichem Zweck. Der Aspekt Manufaktur und Kompetenz im Luxusbereich ist fast schon eine Conditio sine qua non. Bei einer teuren Luxustasche fragt man nicht nach der Qualität des Leders. Die ist selbstverständlich gegeben. Das Gleiche gilt für Luxusuhrenmarken. Die Kunden gehen einfach davon aus, dass wir eigene Werke anbieten.

Wie war das früher aus Ihrer Sicht?

Vor 20, 30 Jahren war das Werk einer Uhr das wichtigste Verkaufskriterium, danach das Design und die Marke. Heute ist es genau umgekehrt: Man kauft die Marke, dann wählt man das Design, und das Werk wird vorausgesetzt. Die Qualität muss gegeben sein. Neulich war ich bei einem grossen Automobilhersteller. Dabei habe ich erwähnt, dass niemand ein Auto aufgrund der Qualität des Motors kauft. Es ist ein Statement, ein Luxusauto zu fahren. Wenn die Qualität nicht stimmen würde, dann wäre die Marke in Schwierigkeiten.

Die Marke ist also immens wichtig.

Bei der Auswahl der Konsumenten steht die Marke heute an oberster Stelle. Die Qualität muss a priori gegeben sein. Und wenn eine Marke die erwartete Qualität oder in unserem Fall keine eigenen Uhrwerke anbieten kann, dann ist sie nicht wettbewerbsfähig. Das ist eine grundlegende Veränderung.

Zu einer grossen Marke gehört Storytelling. Auf diesem Gebiet ist Breitling mit Fug und Recht ein grosser Meister.

Ja, dabei muss man aber auch die Zeichen der Zeit erkennen und gesellschaftliche Veränderungen aufnehmen. Die Welt hat sich selten so stark verändert wie in den letzten Jahren mit Covid. Carpe diem ist zur Grundhaltung geworden. Die Menschen möchten hier und jetzt vom Leben profitieren, denn wer weiss, was morgen passieren wird.

Wie ging es Breitling in diesem Zusammenhang?

Ängste und Befürchtungen haben auch uns Ende des letzten Jahres umgetrieben, dass es wegen Covid, Inflation, Energiekrise und so weiter zu einer Verlangsamung kommen könnte. Dem war nicht so. Am Ende hatten wir das beste Weihnachtsgeschäft in unserer Geschichte. Die Januar- und Februarverkäufe waren ebenfalls fantastisch. Es läuft nach wie vor gut. Und man darf davon ausgehen, dass sich die asiatischen Märkte positiv entwickeln.

Kommen die chinesischen Touristen in gewohnter Weise zurück?

In einer anderen Form. Der Tourismus wird hochwertiger sein, weniger Massentourismus. Die chinesischen Behörden vergeben die Visa bekanntlich nur sehr begrenzt. So kommen weniger Touristen in die Schweiz, das Erlebnis wird für sie aber hochwertiger.

Bewährt sich im Vertrieb die Philosophie, mehr und mehr eigene Boutiquen zu eröffnen?

Absolut. Eine Boutique ist wie ein Plakat. Sie ist die bestmögliche Werbung für Breitling. Unser Preissegment ist dabei ein grosser Vorteil. Wir belegen einen Sweet Spot, den relevante Konkurrenten nicht abdecken können, da sie entweder zu teuer oder zu preiswert sind. Das bedeutet zudem, dass wir auch lokalere Standorte neben den typischen Luxuseinkaufsstrassen wählen können und dabei genügend Umsatz generieren.

Welches sind die Vorteile dieses Preissegments?

Es sind Preise, die eine grosse Kundschaft zu bezahlen bereit ist. Das Gros unserer Produkte liegt in einer Preisspanne von 3500 und 20’000 Euro. Das bedeutet für uns, dass wir nicht zwingend an der Münchner Maximilianstrasse oder an der Croisette in Cannes sein müssen, sondern beispielsweise auch in Strasbourg, Bordeaux, Köln oder Stuttgart.

Ganz bewusst, wenn ich richtig verstehe … Ganz bewusst. In Mailand haben wir nicht in der Via Montenapoleone eröffnet. Gleichwohl haben wir eine einzigartige Boutique mit sehr viel Platz, in der wir alle Aspekte der Marke uneingeschränkt präsentieren können. Und die Kunden finden uns, das belegt der Umsatz.

Philosophie verstanden. Wird das Vorgehen mit ortsansässigen Konzessionären abgesprochen?

Es gibt natürlich Standorte, an denen wir unbedingt mit einer Boutique vertreten sein wollen und nach Örtlichkeiten suchen –in den USA beispielsweise in Städten wie Chicago, Washington und so weiter. Jedoch besprechen wir das mit unseren Handelspartnern und suchen gemeinsam nach Möglichkeiten. Aber es kommt umgekehrt auch vor, dass Konzessionäre mit Opportunitäten und Vorschlägen an uns herantreten.

Das künftige Top-Produkt lautet Premier. Welches ist denn hier die Zielgruppe? Hat Breitling da spezielle Menschen im Fokus? Unsere Premier-Linie ist ganz klar als Prestige-Uhr positioniert, die unsere Historie und unser Know-how repräsentiert. Sie ist etwas ganz anderes als eine Superocean oder Avenger. Hier bringen wir unsere ganze Manufakturkompetenz mit ein und verwenden grösstenteils Edelmetallgehäuse.

Die Ikone ist und bleibt aber Navitimer. Oder irre ich mich? Natürlich ist die Navitimer in Bezug auf den Umsatz wichtiger als die Premier, eben weil sie besagte Ikone mit herausragendem Wiedererkennungswert ist. Aber bei der Premier-Linie werden wir in Zukunft keine Komplikationen ohne Edelmetallgehäuse anbieten. Ganz anders bei der Navitimer.

Wir reden aber auch von einer gänzlich anderen Optik. Sicher. Die Premier ist viel klassischer als eine Navitimer. Wenn jemand die Geschichte von Breitling mit ihren drei Gründergenerationen und dem Uhrmacherhandwerk mag, dann ist die Premier die Richtige. Innerhalb dieser Linie bieten wir beispielsweise auch einen Handaufzug oder flachere Modelle an. Demgegenüber vermitteln die Navitimer oder die Top Time einen jeweiligen Lifestyle. Aber die eine Produktlinie, welche der Geschichte der Gründergenerationen von Breitling und ihrer Innovationskraft gerecht wird, ist die Premier, und das wird sie künftig noch vermehrt sein.

Eine Zeit lang war es ja so, dass es bei Breitling eine Differenz von ein paar tausend Schweizerfranken oder Euro zwischen Armbanduhren mit Innenleben von Sellita oder dem hauseigenen B01 gab. Wem es nur auf die Optik ankam, griff zur günstigeren Version. Hat sich das inzwischen geglättet? Spielt das für die Klientel heute keine Rolle mehr? Will man einen Breitling-Chronographen, und das bevorzugt mit dem B01?

Also zunächst haben wir das Glück, ein sehr gutes Image zu haben, was es uns ermöglicht, in höhere Preissegmente vorzudringen. Ein Beispiel dafür ist unsere Navitimer. Als wir sie letztes Jahr neu lancierten, haben wir innerhalb der Linie sämtliche zugekauften Werke eliminiert und einzig unser B01 verbaut. Und dabei sind die Preise für einen Chronographen in der Tat teilweise von 5500 auf 7500 bis 8000 Schweizerfranken gestiegen. Gleichwohl sind die Volumina explodiert.

Gratuliere! Dann war das exakt der richtige Weg. Es gab ja den feinen Unterschied mit Panda-Zifferblättern als Erkennungsmerkmal des B01 und mit einfarbigen Zifferblättern für die nicht eigenen Uhrwerke. Aus und vorbei.

Das ist richtig. Unser Ziel ist es, zu 100 Prozent Manufakturwerke anzubieten, das heisst, alle Chronographen-Modelle mit B01 auszustatten. Wir haben die kritische Masse erreicht. Wir sind viel effizienter geworden und können diese Volumina generieren.

Besitzt das bewährte B01 Entwicklungspotenzial?

Wir werden vielleicht einmal – wenn man es mit der Autoindustrie vergleicht – ein Turbomodell haben. Das würde bedeuten, dass wir eine Silizium-Spirale einbauen und zehn Jahre Garantie oder andere Dekorationen anbieten. Aber grundsätzlich bleibt es ein bewährtes B01-Werk mit Zusatzaspekten, die das Produkt aufwerten.

Bei den Manufaktur-Kalibern hat Breitling die Garantie ja schon auf fünf Jahre ausgedehnt. Honoriert das die Kundschaft?

Sicher. Aber die Kunden erwarten das auch. Und wenn wir eine «Luxusversion» des B01 entwickeln, dann werden wir zehn Jahre Garantie anbieten. Auch das erwartet unsere Klientel. Am Ende des Tages kauft der Kunde ein Lebensgefühl. Und er setzt voraus, dass die Qualität und Garantiezeit gegeben sind. Darüber hinaus braucht es heutzutage aber noch viel mehr, um anspruchsvolle Kunden gewinnen und zufriedenstellen zu können: ein über-

zeugendes, unverkennbares Design, einzigartige Boutiquen und Storytelling sowie Markenwerte, mit denen sich der Kunde identifizieren kann.

Breitling macht ja ungefähr 50 Prozent oder sogar noch etwas mehr des Umsatzes mit Chronographen. Und der Chronograph ist eine Uhr, die – glaube ich – mehr äusserlich wirkt als funktional. Wer braucht heute noch die Chronographen-Funktion oder wer nutzt sie im Zeitalter von Smartphones wirklich? Worin also besteht die Faszination des Chronographen? Sind es die Drücker, ist es das spezielle Zifferblatt oder ist es vielleicht auch das Bewusstsein, ein sehr spezielles Uhrwerk mit Schaltradsteuerung zu besitzen?

Zum einen ist da dieses Bewusstsein, etwas Spezielles zu besitzen. Es ist definitiv ein anderes Gefühl, einen Chronographen anstatt einer Dreizeiger-Uhr am Handgelenk zu tragen. Der Chronograph ist technisch anspruchsvoller. Der zweite Punkt ist die Ästhetik. Ein Chronograph kann entweder ein Bi-Compax oder ein Tri-Compax sein. Das ermöglicht verschiedene Looks auf dem Zifferblatt. Ich trage gerade den Tourbillon-Chronographen, der noch komplizierter als ein Automatik-Tourbillon ist. Ein ewiger Kalender von Breitling müsste ein ewiger Kalender mit Chronograph sein, weil Chronographen Bestandteil unserer Geschichte und unserer Pionierleistung sind.

ELEGANZ SPORTLICHE

Hermès erschafft Objekte. Objekte, die von Hand hergestellt sind und zu treuen Begleitern werden. Entstanden aus einem anspruchsvollen, nützlichen sowie funktionellen Savoir-faire, bergen sie eine Leichtigkeit, die das Unerwartete oft auszeichnet. Auch die Zeit ist bei Hermès ein Objekt, verkörpert durch die 2021 entworfene H08, die Stärke und einen hohen Qualitätsanspruch vermischt. Die zeitgenössische Design-Signatur des Zeitmessers wird durch ihre geometrischen und fliessenden Linien unterstrichen und setzt mit harmonischen Kontrasten ein klares Statement. Die Vielseitigkeit der Uhr zeichnet sich im Zusammenspiel der Formen und Materialien ab. Liebe zum Detail und präzise Handgriffe sorgen für einen sportlich-eleganten Look. Sinnliche, Lebensfreude ausstrahlende Linien offenbaren eine einzigartige Formensprache, die in einem runden Zifferblatt mit origineller Typografie, untergebracht in einem quadratischen Gehäuse mit abgerundeten Kanten, zum Ausdruck kommt. Die von Philippe Delhotal, dem Kreativdirektor von Hermès Horloger, kreierte Uhr Hermès H08 vereint Textur und Mineralität, tiefe Farbtöne und bunte Akzente, geometrische und klare Linien, eine matte und glänzende Optik. Das neueste Signaturmodell wird nun durch ein Modell aus Gold und Titan bereichert. Das aus einer widerstandsfähigen, leichten Legierung bestehende kissenförmige Gehäuse der

Hermès H08 weist einen Mittelteil aus Roségold auf, der mit einem Gehäuseboden aus Titan mit schwarzer DLC-Beschichtung kombiniert wird. Ein kontrastreiches Zusammenspiel, das durch die Lünette und Krone aus schwarzer Keramik betont wird. Das zweifarbige Gehäuse mit abwechselnd satinierten und polierten Oberflächen bringt die Tiefe des geschwärzten und gekörnten Zifferblatts, von dem sich die vergoldeten, leuchtenden Zeiger und arabischen Ziffern abheben, zum Ausdruck. Am zentralen Minutenring und Sekundenzeiger mit schwarzer Vernickelung wird das Datum in einem kissenförmigen Fenster bei 4:30 Uhr angezeigt. Die gut ablesbare, harmonische Anzeige wird vom mechanischen HermèsManufakturwerk H1837 mit Automatikaufzug angetrieben. Das Armband aus schwarzem und anthrazitfarbenem Gurtarmband oder schwarzem Kautschuk mit einer Faltschliesse aus DLC-beschichtetem Titan unterstreicht die Eleganz dieses neuen Modells.

Mit ihrem sportlichurbanen Look verweist die H08 auf die maskuline Welt von Hermès. Ihre Vielseitigkeit wird nun durch ein neues Modell aus Roségold und Titan neu interpretiert.

Autorin_Swenja Willms Bilder_Hermès

BOUCHERON

Zu ihrem 18. Geburtstag erhielt Prinzessin Elizabeth 1944 von der königlichen Familie eine Aquamarinund Diamantbrosche von Boucheron. Während ihrer Regentschaft als Königin von England trug sie dieses Schmuckstück immer wieder bei zahlreichen Anlässen. Inspiriert von dieser besonderen Brosche beschloss Claire Choisne, Creative Director Boucheron, das Wesen des königlichen Juwels aufzugreifen und es in einer neuen Kollektion zeitgenössisch zu interpretieren. Für die neue HauteJoaillerie-Kollektion «Histoire de Styles – Like a Queen» standen die Möglichkeit, ein Schmuckstück auf verschiedene Arten zu tragen, sowie die Verwendung von Farben im Mittelpunkt. Entstanden sind 18 Schmuckkreationen, die die Eleganz dieses Art-déco-Stücks widerspiegeln.

TRENDS

by

HARRY WINSTON

Harry Winston widmet dem chinesischen Jahr des Hasen in seiner «Premier»-Kollektion einen kostbaren Zeitmesser aus Rotgold. Diese bezaubernde Hommage ist in einem raffinierten 36-Millimeter-Gehäuse aus 18 Karat Rotgold untergebracht und majestätisch mit 57 Diamanten im Brillantschliff besetzt. Das glänzend rote Alligatorlederarmband greift die rote Farbe des Zifferblatts auf und wird mit einer Dornschliesse aus Rotgold, die mit weiteren 17 Diamanten im Brillantschliff besetzt ist, geschlossen.

Dieser ebenso verspielte wie atemberaubende Ring aus Gelbgold, 18 Karat Weissgold und Titan besteht aus zwei Tassen, die von einem Innendekorationsobjekt, dem Doppelglas, inspiriert sind: eine für den Tag, die andere für den Abend. Sowohl technisch als auch ästhetisch innovativ, dreht sich dieses kinetische Schmuckstück dank seines zentralen Kugellagers um sich selbst, wobei die beiden Schalen durch eine Achse verbunden sind.

M B P

PACHAREE

HNatürliche Perfektion definiert das Süsswasserarmband von Pacharee. Die in der Schweiz ansässige Gründerin und Designerin Pacharee-Sophie entwirft Schmuck und Kleidungs stücke, die vom Form- und Farbspektrum ihrer Reisen inspiriert sind. Nur natürliche Perlen voller einzigartig schöner Eigenschaften werden ausgewählt, um die kostbaren Schmuckstücke zu zieren.

JEWEL LERY

MAISON BELMONT

We add luxury to your everyday life.

BASEL | BERN | GENEVA | LUCERNE | LUGANO | ZURICH

MO TI ON

MOTI ON

VOM ELEKTROPIONIER

ALLESKÖNNER ZUM

MIT DEM AUDI E-TRON STARTETE

AUDI 2018 IN DAS ZEITALTER DER

E-MOBILITÄT UND MARKIERTE

DAMIT DEN AUFTAKT FÜR DIE

ELEKTRISCHE ZUKUNFT DER VIER

RINGE. SEITHER SETZT DAS MODELL MASSSTÄBE IM SEGMENT DER

ELEKTRISCHEN OBERKLASSE-SUV.

DER NEUE AUDI Q8 E-TRON KNÜPFT NUN AN DIE ERFOLGSGESCHICHTE DES ELEKTROPIONIERS AN.

Mit dem Audi e-tron läutete Audi vor rund vier Jahren seine elektrische Zukunft ein. Seitdem verfolgt das Unternehmen eine konsequente E-Roadmap und verfügt mittlerweile über ein E-Portfolio von acht Modellen. Bis 2026 werden es mehr als 20 sein. Dann bringt Audi nur noch rein elektrische Modelle neu auf den Weltmarkt. «Mit unserer Unternehmensstrategie «Vorsprung 2030» haben wir ein fixes Datum für den Ausstieg aus dem Verbrenner festgelegt und klar entschieden, dass Audi bereits in elf Jahren eine rein elektrische Marke sein wird», sagt Markus Duesmann, Vorsitzender des Vorstands der Audi AG. Als neues Vorreitermodell geht im Jahr 2023 nun der Q8 e-tron an den Start. Als Topmodell der elektrischen SUV und Crossover besticht der neue Q8 e-tron durch sein optimiertes Antriebskonzept, bessere Aerodynamik, höhere Ladeperformance und Batteriekapazität. «Der neue Audi Q8 e-tron ist mit seiner gesteigerten Effizienz und Reichweite sowie mit seinem geschärften Design ein weiterer wichtiger Baustein in unserem E-Portfolio, um die Menschen mit emotionalen, alltagstauglichen Modellen für die E-Mobilität zu begeistern», so Duesmann. Auch Audi-Technikvorstand Oliver Hoffmann stellt den durch die Weiterentwicklungen verbesserten Kundennutzen in den Vordergrund: «Wir haben im neuen Q8 e-tron so-

Autorin_Swenja Willms Bilder_Audi

wohl Batteriekapazität als auch Ladeleistung nochmals deutlich steigern können. Damit erreichen wir eine optimierte Balance zwischen Energiedichte und Ladefähigkeit und sorgen so für mehr Effizienz.» Mit der Modellbezeichnung Q8 e-tron reiht sich das Modell an der Spitze der Audi-Nomenklatur ein und setzt damit ein klares Statement, dass es sich beim Audi Q8 e-tron um das Topmodell der elektrischen SUV und Crossover handelt. Auf den ersten Blick sind Audi Q8 e-tron und Q8 Sportback e-tron als vollelektrische Modelle erkennbar. Dafür sorgt die neue Frontund Heckgestaltung, die die Elektro-Designsprache von Audi konsequent weiterführt. Als prestigeträchtiges elektrisches SUVModell von Audi führt der Q8 e-tron die neue Corporate Identity im Exterieur mit zweidimensionaler, schnörkelloser Gestaltung der vier Ringe ein. Neu ist auch die Modellkennzeichnung mit einem Audi-Schriftzug auf der B-Säule. Um das neue FamilienLogo an der Front markanter erscheinen zu lassen und die vier Ringe als zentrales Element hervorzuheben, setzt Audi künftig auf Wunsch mit dem Projektionslicht Singleframe das Fahrzeuggesicht in Szene.

Audi bietet den neuen Q8 e-tron in zwei Karosserievarianten an: als klassisches SUV und als Sportback, der das Raumangebot eines SUV mit der eleganten Linienführung eines grossen Coupés verbindet. Für beide Karosserieformen stehen jeweils drei Antriebsvarianten zur Wahl – alle mit elektrischem Allrad-

antrieb. Die Leistungspalette reicht von 250 Kilowatt (kW) im Q8 50 e-tron über 300 kW im Q8 55 e-tron bis zu 370 kW im SQ8 e-tron, der von drei Elektromotoren angetrieben wird. Die Reichweiten liegen zwischen 491 und 571 Kilometern.

MEHR EFFIZIENZ, HÖHERE REICHWEITE: DER ANTRIEB

Eine hohe Reichweite ist einer der zentralen Ansprüche, die Kund*innen an ein Elektrofahrzeug haben. Mindestens genauso wichtig ist aber die Ladezeit. Hier punktet der Audi Q8 e-tron mit einer im Wettbewerbsumfeld einzigartigen Ladekurve. Sie verläuft auf hohem Niveau – das bedeutet, dass selbst bis zu einem Ladezustand von 80 Prozent der Strom noch mit hoher Ladeleistung fliesst. Der elektrische Antrieb des Audi Q8 e-tron kombiniert mit hoher Performance die unterschiedlichsten Ansprüche, die Fahrer*innen an ein SUV der Oberklasse stellen: Er bietet dank des elektrischen Allradantriebs ausgezeichnete Traktion auch bei schwierigen Strassenverhältnissen oder in kritischen Situationen. Darüber hinaus erlaubt der Audi Q8 e-tron dynamische Fahrleistungen in Verbindung mit einem effizienten Antriebsstrang. Durch Verbesserungen an vielen Komponenten des Antriebskonzepts überzeugt der Q8 e-tron mit segmentüblichen Verbrauchswerten und gesteigerter Reichweite. Dabei überarbeitete das Entwicklungsteam

das Herz des Motors gründlich, wie der technische Projektleiter Jens Müssig sagt: «Alle Änderungen tragen dazu bei, die Reichweite des Audi Q8 e-tron zu steigern, ohne die sportlichen Qualitäten zu schmälern.» Das gilt auch für das noch sportlichere Modell, den Audi SQ8 e-tron. Er wird von drei Elektromotoren angetrieben –zwei an der Hinterachse, einem an der Vorderachse – und bietet dank seines elektrischen Torque Vectoring überlegene Fahrleistungen sowohl in der Längs- als auch in der Querdynamik.

EIN FRISCHES GESICHT

Der neue Audi Q8 e-tron ist ein vielseitiges Modell mit zwei eigenständigen Karosserievarianten. Schon auf den ersten Blick sind der Audi Q8 e-tron und der Audi Q8 Sportback e-tron als vollelektrische Modelle erkennbar und haben doch ihren ganz eigenen Charakter. Dafür sorgen die neue Front- und Heckgestaltung mit der charakterstarken Singleframe-Maske, dem invertierten Grill sowie einer Spange oberhalb der neu gestalteten Diffusoren am Heck, die die Elektro-Designsprache von Audi konsequent weiterführen und die SUV-DNA betonen. Zwei Linien stehen zur Wahl: die attraktive Einstiegsvariante Advanced sowie die S line. Dazu kommt der Audi SQ8 e-tron, der seine Athletik durch wertige Aluminiumoptik-Applikationen und einen grossen Diffusor im Heck unterstreicht. Auch der Unterfahrschutz wirkt

RECHTS

High-Performance-Laden unterwegs: innerhalb von circa 31 Minuten von zehn Prozent auf 80 Prozent laden. Der Audi SQ8 e-tron glänzt an High-Power-Charging(HPC)-Stationen nicht nur mit seiner Ladeleistung von bis zu 170 kW, sondern auch mit seiner stabilen Ladekurve.

nun breiter und erzeugt so eine stärkere SUV-Optik. Das Licht kommt beim Q8 e-tron auf Wunsch aus digitalen Matrix-LEDScheinwerfern – eine Weltinnovation in der Grossserie, die Audi im Herbst 2019 mit dem e-tron Sportback vorgestellt hat. In jeweils 1.3 Millionen Pixel zerlegt, lässt sich das Licht hochpräzise steuern, was viele neue Funktionen ermöglicht. Das Orientierungslicht markiert in Engstellen beispielsweise die Position des Autos in der Spur. Zusätzlich stehen mit der erweiterten Verkehrsinformation, dem Spurlicht mit Fahrtrichtungsanzeige für Autobahnen und dem Orientierungslicht auf Landstrassen drei neue Funktionen zur Verfügung. Besonders auffällig sind auch die virtuellen Aussenspiegel, die die Kund*innen auf Wunsch hinzubuchen können. Ihre flachen Träger integrieren am sechseckigen Ende je eine kleine Kamera mit einer Auflösung von 1280 mal 1080 Pixel. Jeder Träger birgt einen LED-Blinker sowie optional eine Top-View-Kamera. Im Innenraum des Fahrzeugs erscheinen die Bilder der virtuellen Aussenspiegel auf OLED-Displays im Übergang zwischen Instrumententafel und Tür.

Drei Elektromotoren verleihen dem Audi SQ8 e-tron eine aussergewöhnliche Dynamik. Sie ermöglichen eine Beschleunigung von null auf 100 Kilometern pro Stunde in 4.5 Sekunden.

Die Spitze des Interieur-Programms bilden die vielfach einstellbaren Individualkontursitze. Sie verfügen neben der pneumatischen Sitz- und Lehnenwangeneinstellung auf Wunsch über eine Massagefunktion.

S-MODELL ALS SPORTLICHES DERIVAT

Der Audi SQ8 e-tron und der Audi SQ8 Sportback e-tron geben ihre Elektro-Power auf den ersten Blick zu erkennen. Ihre Frontund Heckstossfänger sind stark konturiert. Die besonders gross und expressiv gezeichneten Air Curtains an der Front erinnern an eine Jet-Düse. Ein vertikaler Steg betont die Sportlichkeit und verbindet sich optisch mit dem Unterfahrschutz. An der Front und am Heck setzen silberfarbene Anbauteile Akzente – ein exklusives Feature für die S-Modelle, ebenso wie die Aussenspiegelgehäuse in Aluminiumoptik. Verbreiterte und durchströmte Radlaufblenden lassen das S-Modell optisch satt auf der Strasse stehen, ein aerodynamischer Diffusor unterstreicht diesen Auftritt zusätzlich im Heck. Hier finden sich als wiederkehrendes Element die horizontalen Stege mit ihrer Lamellenstruktur aus der Tagfahrlicht-Signatur wieder. Das horizontale Blade am Heck ist ebenso in Aluminiumoptik gehalten wie die Elemente im Seitenschweller und im Singleframe.

KOMFORT UND OBERKLASSEANSPRUCH

Dank modernster Technologie und hochwertig verarbeiteter Materialien erkennt man im Innern des Q8 e-tron sofort, dass es sich um ein Oberklasse-Modell handelt. Das grosszügige PanoramaGlasdach lässt den Innenraum ausserdem noch heller erscheinen. Das Ausstellen und Öffnen des Glaselements erfolgen elektrisch. Ebenso komfortabel werden die lichtdichten Sonnenrollos betätigt. Geöffnet verbessert das zweiteilige Panorama-Glasdach das Innenraumklima durch effiziente Entlüftung. Ein integrierter Windabweiser reduziert dabei die Windgeräusche. Für angenehmen Sitzkomfort auch bei hohen Aussentemperaturen sorgt die dreistufige Belüftung. Sie ist schon für die Seriensitze erhältlich, deren Lederbezug detailreich perforiert ist. Besonders bemerkenswert sind die vielfach einstellbaren Individualkontursitze. Sie verfügen neben der pneumatischen Sitz- und Lehnenwangeneinstellung auf Wunsch auch über eine Massagefunktion. Zehn pneumatische Kissen lockern die Rückenmuskulatur in sieben wählbaren Programmen und drei Intensitäten. Damit tragen sie vor allem auf langen Reisen zum Wohlbefinden bei.

DIE WIEDERGEBURT EINER GÖTTIN

MIT STARKEN FRANZÖSISCHEN WURZELN UND EINER KOMBINATION AUS INNOVATIVER

TECHNOLOGIE, HOCHWERTIGEN MATERIALIEN UND EINZIGARTIGEM DESIGN HAT ES DS AUTOMOBILES

GESCHAFFT, SICH VON DER MASSE ZU

DIFFERENZIEREN UND SEINEN EIGENEN PLATZ

IN DER BRANCHE ZU SCHAFFEN.

In den Sechzigerjahren erweiterte Citroën die DS-Reihe um die Modelle ID und DS Pallas. Die rollenden «Göttinnen» waren nicht nur bei zahlreichen Prominenten auf der ganzen Welt beliebt, auch Staatsoberhäupter vertrauten auf sie. Frankreichs ehemaliger Präsident Charles de Gaulle ging ohne den «göttlichen Beistand» seiner Déesse keinen Staatsgeschäften nach. Das Attentat von 1962, bei dem ein Reifen seiner DS getroffen wurde und die Flucht trotzdem noch eindrucksvoll gelang, machten die Fahreigenschaften des Automobils zu einer Legende.

SIE

Sie war wie von einem anderen Stern: Als Citroën den Nachfolger des grossen Traction Avant im Oktober 1955 auf dem Pariser Automobilsalon erstmals der Öffentlichkeit vorstellte, war die DS mehr als nur ein neues Modell, sie war die Geburtsstunde einer neuen Baureihe, die die Welt des Automobils nachhaltig veränderte. Presse und Öffentlichkeit nahmen die DS mit Begeisterung auf und schon bald galt sie als Ikone der Automobilbranche und schrieb als «Déesse», zu Deutsch «Göttin», Geschichte.

Das französische Raumschiff fiel sinnbildlich und optisch komplett aus dem gewohnten starren Rahmen. Optisch, weil das auf fast fünf Meter gestreckte und in grosszügigen Formen gebogene Blech eher wie ein Ufo anmutete. Und sinnbildlich, weil die DS völlig neue Technik an Bord hatte, darunter das legendäre, hydropneumatische Fahrwerk, mit welchem DS zahlreiche damalige Konkurrenzprodukte in den Schatten stellte. Das innovative Luftdruckfahrwerk hielt die Karosserie unabhängig von der Beladung stets in derselben Höhe und dämpfte dabei ungewohnt komfortabel. Zahlreiche Bauteile aus Aluminium und Kunststoff machten das Auto leicht und die Karosserieform windschnittig. 75 PS reichten so in der ersten Version, der DS 19, für damals flotte 140 Kilometer pro Stunde.

Weitere Innovationen und Designmerkmale machten die DS schnell zu einem Erfolgsmodell. Sie war eines der ersten Serienautos, das mit deutlich haltbareren Gürtelreifen vorfuhr und in bestimmten Versionen mit einem Bremsdruckspeicher versehen war, der das Auto selbst bei Ausfall des Systems leichter zum Stoppen bringt. Während der Produktionszeit von 1955 bis 1975 wurden mehr als 1.5 Millionen DS-Modelle hergestellt. Die unvergleichliche Federung machte die DS auch zum idealen Krankenwagen und sie eignete sich ebenso gut als Taxi. Praktisch: Dank des hydropneumatischen Fahrwerks benötigte die DS bei einem Radwechsel keinen Wagenheber. Das Luftdruckfahrwerk hob das Auto von selbst hoch. Eine passende Stange sicherte die jeweilige Position, die für den Wechsel nötig war.

Mit technischen Entwicklungen sorgte DS auch in den folgenden Jahren immer wieder für Aufsehen und versetzte die Fachwelt in Staunen. So auch 1967, als die DS erstmals mit einem Kurvenlicht ausgestattet wurde – eine Weltneuheit!

Zu Beginn der Siebzigerjahre liess die Popularität der DS langsam nach und 1975 lief die letzte «Göttin» bei Citroën vom Band. In Vergessenheit gerieten die Ur-DS-Modelle aber nie. Bis heute sind sie ein bedeutender Teil der Automobilgeschichte, werden von Sammlern und Enthusiasten auf der ganzen Welt geschätzt und gelten als Meilensteine in Bezug auf Design und Technologie. Von dem Anspruch, andersartige Autos zu bauen, hat sich Citroën nach Produktionseinstellung der DS und der Übernahme durch Peugeot im Jahr 1975 nach und nach verabschiedet. Nutzwert und Funktionalität standen fortan im Vordergrund. Der einst avantgardistische französische Automobilhersteller wandelte sich zur Volumenmarke.

Doch das Erbe der Ur-DS hallte nach und es war nur eine Frage der Zeit, bis die Konzernführung die Talente der Göttin wiederbelebt. So geschehen 2008, erst als hochwertige Produktlinie bei Citroën, ab 2015 als eigenständige Marke DS Automobiles. Béatrice Foucher, CEO von DS Automobiles: «Wir sind zwar eine sehr junge Marke, das gibt uns aber auch viele Freiheiten. Gleichzeitig sind wir auch eine Traditionsmarke. DS steht seit jeher für Handwerkskunst, Raffinesse und Technologie – Werte, die heute noch gelten und auf unsere aktuellen Fahrzeuge zutreffen.»

Die Modellpalette von DS Automobiles umfasst mittlerweile vier «Göttinnen» – vom kompakten SUV DS 3 über die innovative DS 4 und die DS 7, die aktuell auch den französischen Präsidenten Emmanuel Macron begleitet, bis zur PremiumLimousine DS 9. Alle Modelle verbinden nicht nur technische Innovationen, sondern auch eine Auswahl an hochmodernen Antriebssystemen mit effizienten Verbrennungsmotoren sowie Hybridsystemen und elektrischen Antrieben, die unter dem Namen E-Tense zusammengefasst werden.

Das Herz der «Déesse» schlägt dabei stets für das Schöne und Aussergewöhnliche. «Es ist etwas, das uns Menschen tagtäglich begleitet und uns inspiriert. Wir werden jeden Tag motiviert, etwas Besonderes zu leisten. Natürlich ist es sehr schwierig, etwas noch nie Dagewesenes zu erschaffen. Gleiches gilt für uns im Unternehmen: Wir müssen mit der Marke DS etwas Besonderes auf den Markt bringen und einen eigenständigen Weg gehen. Wenn man sich unsere Concept Cars anschaut, dann verkörpern diese ohne Zweifel die Fähigkeiten und die Kreativität unserer Designer, etwas Neues und Aussergewöhnliches zu erschaffen», sagt Béatrice Foucher.

Aussergewöhnlich ist die Liebe zu den Details. Dazu gehört auch der Clous de Paris. Das Designelement ist zentraler Bestandteil der DS-Sprache und ziert nicht nur die Kühlerhauben der französischen Premium-Modelle, sondern findet sich auch in zahlreichen Details und Elementen im Interieur wieder. Der Clous de Paris wurde 1786 vom Uhrmacher AbrahamLouis Breguet erfunden. Dabei handelt es sich um eine Serie von Gravuren, die aussehen, als wären sie mit einem Nagel gemacht worden. Das klassische Muster zählt aufgrund seiner Schönheit, der Zartheit und der Ausgewogenheit zu den am höchsten bewerteten Mustern in der Welt des Luxus. Diese Liebe zu klassischem Luxus spürt man nicht nur in der Verarbeitung des Interieurs bei den DS-Modellen, sondern in jedem noch so kleinen Detail.

Die Raffinesse in den Details ist tief verankert und Teil der automobilen Haute Couture von DS Automobiles. Und wie bei der Pariser Haute Couture wird auch bei DS besonders viel Wert auf Handarbeit gelegt. Zum einen natürlich in den futuristischen Einzelstücken, den Concept Cars, in vielerlei Hinsicht aber auch in den Serienmodellen. So sind zum Beispiel alle Lederlenkräder handbezogen. Auch die Sitze aus Nappaleder im UhrenarmbandFinish bekommen eine handgearbeitete Endmontage. Sowohl Armaturenbrett als auch die lederne Mittelkonsole wird für das Finish manuell umkantet und die Türverkleidung wird manuell gesäumt. Auch beim Dachhimmel aus Alcantara werden die letzten Schritte in reinster Handarbeit vollzogen. Einzigartig und unverkennbar ist die DS-Lichtsignatur, seien es die DS-LED-Vision-Scheinwerfer mit den drei sich drehenden Modulen, die wie Diamanten funkeln, die markanten Tagfahrleuchten in Säbelzahnoptik oder die Rautenmuster in den Rückleuchten.

Die Verbundenheit zur Haute Couture spiegelt sich aber nicht nur in der Extravaganz wider. Als offizieller Partner der Paris Fashion Week verbindet DS Automobiles die Mode- und die Automobilwelt auf aussergewöhnliche Art und Weise. Doch nicht nur die Pariser Fashionwelt zählt zu den Inspirationsquellen, auch die Kunst. Seit der Markengründung besteht zwischen DS Automobiles und dem Pariser Kunstmuseum Louvre eine enge Partnerschaft. Beide teilen sich dabei dieselbe Philosophie: das Vereinen von Historie und Moderne, um die Zukunft zu gestalten.

Und vor DS Automobiles dürfte eine rosige Zukunft liegen. So hat das Unternehmen in den letzten Jahren eine beeindruckende Entwicklung durchgemacht und sich als eine ernstzunehmende Konkurrenz in der Premium-Automobilbranche etabliert, geprägt von einer vielschichtigen Geschichte, innovativen Entwürfen, technischen Fortschritten und einer starken Verbindung zur französischen Kultur. Ganz nach dem Credo des «Savoir-vivre» – der Kunst, das Leben zu geniessen.

MOTION

BIZZARRINI

Die Marke Bizzarrini, die Anfang 2022 mit dem 5300 GT Corsa Revival wieder in die Welt eingeführt wurde, hat ihr erstes komplett neues Auto, den Giotto, vorgestellt. Benannt nach dem Firmengründer Giotto Bizzarrini, ist es ein Supersportwagen in limitierter Auflage, der sich auf italienisches Design, aussergewöhnlichen Luxus und ultimatives Fahrvergnügen konzentriert. Eine puristische Wahl, authentisch und unglaublich selten.

TR EN DS by

BENTLEY MOTORS

Bentley hat sich mit dem aufstrebenden Pop-ArtKünstler Max Mavior zusammengetan. Der junge Deutsche gestaltete ein Paar Skier aus der neuen Kollektion «Bomber for Bentley ICE», die während des Hahnenkamm-Rennens 2023 präsentiert wurden. Jedes Skiset ist auf 200 Paar limitiert und wird ausschliesslich aus den edelsten Materialien hergestellt.

FERRARI X MONTBLANC

FUnter dem Namen «Montblanc Ferrari Stilema SP3 Limited Edition 599» wurde ein edles Schreibgerät von Ferraris Designabteilung unter der Leitung von Flavio Manzoni mitgestaltet – dem Mann, der für die Entwicklung von Autos wie F8 Tributo, 296 GTB sowie dem neuen 499P Hypercar verantwortlich war. Die zweite gemeinsame Kreation der beiden Unternehmen ist von den atemberaubenden Linien des Ferrari Daytona SP3 aus Maranello inspiriert und kombiniert dessen Silhouette mit legendärer Handwerkskunst.

SPORTLICHER LUXUS

Steinbrüche, rötliche Erde, staubige und enge Serpentinenstrassen –die Gegend um Les Comes vor den Toren Barcelonas ist so etwas wie ein Mekka für alle, die die Herausforderung lieben. Wer hier rein elektrisch ins Gelände will, sollte mit dem Gaspedal sanft umzugehen wissen

und gleichzeitig bis zu 30 Grad seitliche Steigungen und bis zu 32 Grad Steigungen souverän bewältigen. Für den neuen Range Rover Sport ein Leichtes, denn auch abseits befestigter Strassen ist das Luxus-SUV dynamischer und souveräner denn je. Der Range Rover Sport der dritten Generation ist der begehrteste und fortschrittlichste aller Zeiten. Neben der neuesten Entwicklung des intelligenten Allradantriebs (iAWD) sorgen die neuesten Geländeinnovationen und -technologien für eine breite dynamische Leistungsfähigkeit. Das mehrfach preisgekrönte Allround-Fahrsystem «Terrain Response 2» erkennt automatisch die am besten geeigneten Einstellungen für das Gelände und wendet sie intelligent an, während der Pivi-Pro-Touchscreen den Fahrer jederzeit auf dem Laufenden hält. Der neue Range Rover Sport ist ausserdem das erste Range-Rover-Modell mit adaptivem Offroad-Tempomat, mit dem sich der Fahrer voll und ganz auf das Lenken im Gelände konzentrieren kann.

Die kargen Felsstrassen führen uns auf einen Berggipfel 600 Meter über dem Meeresspiegel. Dieser bietet einen atemberaubenden Blick auf die etwa zehn Kilometer lange und fünf Kilometer breite Montserrat-Bergkette, die nordwestlich von Barcelona liegt. Vor diesem grandiosen Bergpanorama wartet schon die nächste Herausforderung: eine Rallyestrecke, auf der der neue Range Rover Sport seine Power unter Beweis stellen kann. Der offizielle James-Bond-Stuntfahrer Mark Higgins sitzt am Steuer, als

Die Fähigkeit, Herausforderungen zu meistern, liegt in der DNA eines jeden Range Rover Sport. Grund genug, um die dritte Generation der Modellreihe als Plug- inHybrid im katalanischen Hinterland mittels

herausforderndem Felsanstieg auf Herz und Nieren zu testen.

Autorin_Swenja Willms Bilder_Jaguar Land Rover Schweiz AG

der neue Range Rover Sport seine Leistung demonstriert. Wir staunen nicht schlecht, als der Wagen auf den Sandstrassen, hoch in den Bergen Barcelonas, eine Geschwindigkeit von 90 Kilometern pro Stunde erreicht

rein elektrisch. Für den neuen Range Rover Sport steht eine Palette leistungsstarker und effizienter Antriebe bereit. Zur Wahl stehen Sechszylinder-Plug-inHybrid, Mildhybrid, Sechszylinder-Diesel und -Benziner aus der Ingenium-Reihe sowie ein neuer, besonders kraftvoller 4.4-LiterTwinturbo-V8-Benziner. Ab 2024 wird Land Rover dann mit einem vollelektrischen Range Rover Sport den Weg der Elektrifizierung seines Modellprogramms weiterführen. Erol Mustafa, Programmverantwortlicher für Range Rover Sport bei Jaguar Land Rover, sagt: «Der neue Range Rover Sport bietet eine umfangreiche Auswahl moderner Antriebe, die optimal auf den dynamischen Charakter des Modells abgestimmt sind. Die elektrifizierten Sechszylinder-Diesel- und Benzinmotoren aus der Ingenium-Reihe bürgen für souveräne Leistung. Daneben bieten die Plug-in-Hybride nicht nur eine grössere Reichweite, sondern die ultimative Kombination aus Effizienz und Kraft – und sie können bis zu 113 Kilometer rein elektrisch zurücklegen.»

Mit dem neuen Range Rover Sport wird jede Fahrt zum Ereignis – nicht zuletzt, weil das britische Performance-SUV im Hinblick auf Dynamik und Fahrereinbindung exakt an die Wünsche der Nutzer angepasst werden kann. Zugleich überzeugt die neue

Modellgeneration mit reichlich verwöhnendem Komfort und Kultiviertheit. Hinter diesen weit gespannten Fähigkeiten stecken nicht zuletzt zahlreiche moderne Technologien.

Für umfassendes Wohlbefinden und ein optimiertes Innenraumumfeld sorgt beispielsweise Cabin Air Purification Pro, das weiterentwickelte System zur Reinigung der Innenraumluft. Gute Unterhaltung versprechen andererseits verschiedene leistungsstarke Audiooptionen aus dem Meridian-Programm. Als hochentwickeltste und stärkste Variante, die jemals an Bord des Range Rover Sport kam, krönt das Meridian Signature Sound System das Angebot: mit bis zu 29 Lautsprechern inklusive vier Lautsprechern in den Kopfstützen der Vordersitze und der beiden hinteren Aussenplätze, die persönliche Ruhezonen erzeugen. Dabei spielt die aktive Geräuschunterdrückung der nächsten Generation eine wichtige Rolle, indem sie Aussengeräusche unterdrückt, die sich den Weg in die Passagierkabine bahnen wollen.

Als sich der ereignisreiche Tag mit dem neuen Range Rover Sport dem Ende neigt, findet Stuntfahrer Higgins die passenden Worte: «Es braucht absolutes Selbstvertrauen und Entschlossenheit, um Grenzen neu zu definieren. Oft geht es weniger um Schnelligkeit als um mentale Stärke und ein gutes Gefühl fürs Gaspedal. Mit dem neuen Range Rover Sport Electric Hybrid haben wir gezeigt, was erreicht werden kann, wenn Spitzentechnologie und menschliche Fähigkeiten zusammenarbeiten.»

GENUSS&

MIT STIL

Autorin_Swenja Willms Bilder_Genesis

Zwei Komponenten, vereint in einer Partnerschaft: Der junge

Sternekoch Dominik

Hartmann verkörpert als offizieller Schweizer Partner die koreanische Gastfreundschaft des Luxusautomobilherstellers Genesis mit kulinarischen Gaumenfreuden.

Kaum hatte der 30-jährige Küchenchef sein erstes eigenes Restaurant eröffnet, das Magdalena in Rickenbach oberhalb von Schwyz, verlieh ihm der Guide Michelin – von null an – zwei Sterne. Der Gault&Millau krönte das Ausnahmetalent Dominik Hartmann mit der Auszeichnung «Entdeckung des Jahres 2021» und zwei Jahre später mit dem «Aufsteiger des Jahres 2023». Der junge Shootingstar begeistert mit einer undogmatischen, raffinierten Küche, in deren Mittelpunkt er die vegetarische Kochkunst stellt. Prägende berufliche Stationen waren die zwei Jahre bei Andreas Caminada im Schloss Schauenstein sowie als Souschef bei Fabian Fuchs im EquiTable, bevor sich schliesslich Hartmanns Traum vom eigenen Restaurant erfüllte. Mit dem gleichen Elan geht er auch die neue Partnerschaft mit der koreanischen Automarke Genesis an: «Mit viel Leidenschaft, Mut und einer grossen Prise Kreativität konnte ich mir schon früh den Traum eines eigenen Restaurants erfüllen. Ich schaue aber lieber in die Zukunft und auf die Reise, die noch vor mir liegt. Und für diese Reise habe ich in Genesis den perfekten Partner gefunden. Ich freue mich auf viele spannende Projekte, die ich gemeinsam mit Genesis in die Tat umsetzen werde», so Hartmann, der bei Genesis vor allem im Zusammenspiel von ausgeklügelter Einfachheit und erfrischender Eleganz das besondere Etwas sieht.

PRESTIGE: Herr Hartmann, Sie sind der erste offizielle Schweizer Partner für Genesis. Was bedeutet Ihnen diese Partnerschaft?

DOMINIK HARTMANN: Ich habe mich riesig über diese Chance gefreut und bin sehr glücklich, Partner für Genesis zu sein. Ich freue mich auf viele erfolgreiche und spannende Momente, welche wir in der Partnerschaft erleben können. Es macht mich auch ein wenig stolz, dass dieser Deal zustande gekommen ist und Genesis das Potenzial in unserem Restaurant Magdalena gesehen hat. Es ist schön, mit so einem tollen Team bei Genesis zusammenzuarbeiten, und ich bin gespannt, wohin dieser Weg führt.

Gastfreundschaft steht sowohl bei Genesis als auch bei Ihnen als Küchenchef im Zentrum. Was zeichnet einen guten Gastgeber aus?

Für mich ist ein guter Gastgeber jemand, der es schafft, dass sich die Gäste wohlfühlen – fast schon wie zu Hause. Wir wollen, dass unsere Gäste zu uns kommen und ein schönes und einzigartiges Erlebnis haben. Das Gleiche habe ich bei Genesis erlebt.

Welches ist das Geheimrezept Ihres Erfolgs mit dem Restaurant Magdalena?

Wir versuchen, alles mit Leidenschaft anzugehen, und machen das, was uns am meisten Spass macht. So hat das Ganze etwas von einer gewissen Lockerheit und ist nicht so steif. Man sieht unserem Team an, wie viel Herzblut dahintersteht und wie sehr jeder einzelne für unser Restaurant alles gibt.

Im Magdalena kochen Sie mehrheitlich regional. Haben Sie sich auch schon mal an der koreanischen Küche probiert?

Koreanisch habe ich ehrlich gesagt noch nie ausprobiert, aber wir haben am diesjährigen White Turf ein Four Hands Dinner realisiert, bei dem wir mit lokalen Produkten den koreanischen Touch hereingebracht haben. Solche Geschichten finde ich spannend und es ist eine tolle Herausforderung.

GETEILTER

DER TRAUM DER EIGENEN YACHT IST ZUM GREIFEN NAH. DAS UNTERNEHMEN MEROS ÖFFNET DEN ZUTRITT ZUR YACHTING-WELT UND DEM DAMIT VERBUNDENEN LIFESTYLE DANK EINES REVOLUTIONÄREN CO-OWNER-MODELLS. MITEIGENTÜMER BEI MEROS GENIESSEN DADURCH DIE MÖGLICHKEIT, EINE YACHT JE NACH PERSÖNLICHEM BEDARF FÜR MEHRERE WOCHEN IM JAHR ZU NUTZEN. DER AUSSERGEWÖHNLICHE SERVICE, DAS CATERING UND DIE LIEBE ZUM DETAIL DER WUNDERBAREN CREW MACHEN DAS ERLEBNIS UND DIE ZEIT AN BORD ZUM PERFEKTEN ORT, UM MAGISCHE ERINNERUNGEN ZU SAMMELN.

ER L U X U S

Er stellt für viele den Inbegriff von Luxus und Exklusivität dar: der Besitz einer eigenen Yacht. Zuoberst auf der Wunschliste stehen wohl aufgrund ihrer technischen und gestalterischen Exzellenz die Modelle von Sunseeker. Der führende Yachthersteller setzt neue Massstäbe in puncto Performance und Individualität. Der Gründer Robert Braithwaite träumte davon, eine neue Art von Boot zu bauen. Er brach die Grenzen im frühen Bootsdesign und revolutionierte den Motorbootbereich mit aussergewöhnlichen Designs, die auf eine Handvoll Kunden zugeschnitten sind.

Doch der Erwerb und die Nutzung einer eigenen Yacht sind heutzutage so aufwendig wie nie – verschiedene Vorschriften im Hinblick auf die Yacht-Registrierung aus steuerlicher Sicht sowie im Hinblick auf die Anstellung der Crew sind zu beachten. Um sowohl den Aufwand beim Erwerb und Management der Yacht zu eliminieren, als auch die zeitliche Nutzung von Yachten zu optimieren und finanziell attraktiver zu gestalten, entwickelte das international tätige Unternehmen Meros Yachtsharing ein neuartiges Konzept. Meros ist ein exklusives SharedOwnership-Modell für anspruchsvolle Sunseeker-Enthusiasten und bietet heute als einziges Unternehmen in Europa die Möglichkeit, neue Sunseeker-Superyachten als Mitbesitzer zu nutzen. Mehrere Co-Owner teilen sich in der Regel eine Superyacht zeitlich und finanziell. So vereint Meros das Beste aus Chartern und Besitz einer eigenen Yacht. Die Yachten sind das ganze Jahr über ein grossartiges Zuhause, die es nicht nur ermöglichen, sorgfältig ausgewählte Reiseziele zu geniessen, sondern die auch die Freiheit geben, nach Belieben Abenteuer zu erleben. Während einer jeden Reise steht den Mitgliedern von Meros rund um die Uhr eine eigene Crew zur Verfügung. Diese besteht jeweils aus Kapitän,

LINKS

Die Superyacht «Sunseeker Meros Signature 95» wurde von Sunseeker gemeinsam mit Meros entwickelt und ist speziell auf die Bedürfnisse von Meros-Kunden ausgelegt, die zeitversetzt eine Meros-Yacht besitzen und nutzen können.

Autorin_Swenja Willms Bilder_Meros

EIN REVOLUTIONÄRER ANSATZ

Meros Yachtsharing wurde 2019 vom Unternehmer Martin Huber gegründet. Ziel war es, dem Markt eine echte Alternative zum Alleineigentum von Yachten mit so wenig Kompromissen wie möglich und auf höchstem Niveau zu bieten. Zwei Beteiligungsmodelle bietet Meros Yacht sharing an: Flex Share und Quarter Share.

Flex Share wurde für das neue Flaggschiff der Flotte, die «Sunseeker Meros Signature 95», entwickelt. Mehrere Personen teilen sich die Nutzung einer 95er-Superyacht.

Das Meros-Flex-Share-Modell wird im Mittelmeerraum ausgebaut und bietet Meros-Kunden die Möglichkeit, wochenweise zwischen gleichwertigen Yachten in anderen Regionen zu wechseln. Das spart erhebliche Transferkosten, ermöglicht es aber trotzdem jedem Teilnehmer, unterschiedliche Seegebiete zu erkunden.

Quarter Shares werden von Meros für die «Sunseeker 86» angeboten, was einem 25-prozentigen Anteil entspricht. Bei dieser Beteiligungsvariante erhält der Co-Owner dabei die Möglichkeit, bis zu zwölf Wochen pro Jahr Zeit an Bord zu verbringen. Die anteiligen Kosten für den Unterhalt, eventuell anfallende Reparaturen sowie den Wertverlust werden auf die Co-Owner aufgeteilt und müssen im Gegensatz zum Alleineigentum an einer Yacht nicht durch einen alleinigen Eigner getragen werden.

Deckhand, Stewardess und First-Class-Privatkoch. Sie sorgen für den Service, das Catering und eine Reiseroute, die auf die Vorstellungen des Co-Owners individuell zugeschnitten wird.

NEUES FLAGGSCHIFF VON MEROS AUF MALLORCA

Sie ist das Ergebnis eines unübertroffenen Ansatzes an Design, Handwerkskunst und Leistung: Die «Sunseeker Meros Signature 95» ist eine Superyacht, die speziell für die Bedürfnisse von MerosKunden entworfen wurde, und das neue Flaggschiff des Unternehmens. Aufgrund der idealen Kabinenkonfiguration wählte das Meros-Team die 95er-Yacht von Sunseeker als Basis für umfangreiche Designänderungen im Exterieur wie Interieur aus. Das Ergebnis ist das neue Meros-Flaggschiff, das Einsteigermodell ins Superyacht-Segment und Basis für den zukünftigen Aufbau der Meros-Mittelmeer-Flotte. Die «Sunseeker Meros Signature 95» ist mit ihrem neuen, modernen Look kaum mehr als Standard95er-Yacht zu erkennen. Das liegt an der modifizierten Frontpartie und an der stylischen Farbgebung der Lackierung. Auch die Innenausstattung wurde überarbeitet.

Insgesamt verfügt die Superyacht über fünf Kabinen auf zwei Decks, die bis zu zwölf Schlafplätze bieten. Eine Besonderheit ist die Masterkabine auf dem Hauptdeck, die sich über drei Ebenen erstreckt und ein offenes und luxuriöses Wohnen mit Blick auf das Wasser ermöglicht, wodurch sie auch für längere Aufenthalte geeignet ist. Das Oberdeck-Layout wurde von der neuen Ocean-Serie von Sunseeker inspiriert und entsprechend gestaltet, sodass es nun möglich ist, auf der Flybridge einen Whirlpool und einen JetSki mit Kran unterzubringen. Auf dem Oberdeck befinden sich zudem eine Bar und ausreichend Platz für zwölf Gäste. Die neue Yacht ist ein Meilenstein in der Geschichte des Unternehmens: «Seit Meros 2019 an den Start ging, stand für uns die Entwicklung eines perfekten Sharing-Konzepts im Superyacht-Segment im Fokus, dessen Optimierung wir mit eigenem Yacht-Design und Flybridge-Layout der «Sunseeker Meros Signature 95» finalisiert haben. Das Meros-Team hat unter der Leitung von Sunseeker eine Yacht entworfen und in Auftrag gegeben, die mit allem Schritt hält, was derzeit in diesem Sektor angeboten wird», erklärt Martin Huber, Gründer und Managing Director von Meros Yachtsharing. Das neue Meros-Flaggschiff wird im Südwesten von Mallorca liegen, in einem Hafen mit Ganzjahresbetrieb.

FA SHI ONFASH ION

KÜNSTLERISCHE

HAUTE COUTURE

Autorin_Swenja Willms Bilder_Schiaparelli

SIE REVOLUTIONIERTE DIE MODEBRANCHE MIT IHREN KÜHNEN, GEWAGTEN UND AVANTGARDISTISCHEN

DESIGNS. ELSA SCHIAPARELLIS INNOVATIVE HERANGEHENSWEISE AN HAUTE COUTURE KOMBINIERTE KUNST, MODE UND FANTASIE.

RECHTS

ESEs war eine Zeit folgenschwerer Kriege und hoffungsvoller Taten, in der sich eine aufstrebende italienische Modedesignerin als feste Grösse der Haute Couture zu etablieren begann. Elsa Schiaparelli gilt als eine der prominentesten Modefiguren zwischen den beiden Weltkriegen und wurde 1890 in Rom als Tochter einer Adelsfamilie geboren. Trotz ihrer privilegierten Erziehung rebellierte sie gegen die Zwänge ihrer Klasse und verfolgte eine Karriere in der Modebranche. Anfang der 1920er-Jahre zog sie nach Paris und arbeitete an ihrer ersten Strickkollektion, die sie zusammen mit einer armenischen Strickerin entwickelte. Das «Trompe-l’œilMotiv» auf einem handgestickten Pullover diente als Katalysator für die Gründung des Hauses. Der schwarz-weisse Pullover zeigte die Illusion einer Schleife, eines durchbohrten Herzens, eines Skeletts oder eines Matrosentattoos und erlang sofort internationale Popularität. Motive, die die Liebe der Designerin zur Kunst widerspiegelten.

Elsa Schiaparelli und Salvador Dali pflegten eine enge Freundschaft.

Das stark surrealistische «Skeleton Dress» wurde von Elsa Schiaparelli in Zusammenarbeit mit Salvador Dalí für ihre Kollektion 1938 entworfen.

Durch ihre engen Beziehungen zu Künstlern, Kunsthändlern und Schriftstellern, die ihre Herangehensweise an das Modedesign stark beeinflussten, wechselte Schiaparelli bald zur Haute Couture. Während dieser Anfänge der Pariser Couture und der Etablierung der Avantgarde-Bewegung waren Kooperationen zwischen Künstlern und Designern an der Tagesordnung. Eine der gefestigtsten Beziehungen zwischen Kunst und Mode ist sicherlich die Liaison, die Schiaparelli mit dem Surrealismus etablierte. Die Couturierin liess sich nicht nur von der Bewegung inspirieren, um einige ihrer bemerkenswertesten Stücke wie den Schuhhut zu kreieren, sondern sie lud auch surrealistische Künstler ein, zur Kreation ihrer Modeobjekte beizutragen, zum Beispiel zu ihrem berühmten Hummerdruck und den zerrissenen Trompe-l’œil-Kleidern, die beide aus von Salvador Dalí entworfenen Stoffen hergestellt wurden. Elsa Schiaparellis erste künstlerische Zusammenarbeit präsentierte sie 1931 mit der russisch-französischen Schriftstellerin Elsa Triolet, welche die ikonische Aspirin-Halskette kreierte, die aus Porzellanperlen bestand. Diese Zusammenarbeit markiert die erste lange Reihe von Elsas Kollaborationen, grosse Köpfe ihrer Zeit folgten, darunter Jean Cocteau, Man Ray und Meret Oppenheim.

EIN COUTURE-HAUS IM WANDEL

1935 zieht das Couture-Haus in das Hôtel de Fontpertuis am 21. Place Vendôme in Paris. Über fünf Stockwerke verteilen sich 98 Zimmer und eine Boutique im Erdgeschoss. Das Gebäude wurde vom berühmten Innenarchitekten Jean-Michel Frank in Zusammenarbeit mit dem Schweizer Bildhauer Alberto Giacometti

Der 1927 für ihre erste Kollektion entworfene Pullover mit Schleife erlangte grosse Popularität im Modeolymp.

©Courtesy of the Philadelphia Museum of Arts

RECHTS

bestimmte

entworfen und galt als die erste moderne Interpretation eines Couture-Hauses, in dem sich Boutique und Atelier in einem Gebäude befinden. Eine der berühmtesten Kreationen von Schiaparelli war die Farbe «Shocking Pink», die sie in vielen ihrer Designs verwendete. Die Farbe war so beliebt, dass sie als «Schiaparelli-Rosa» bekannt wurde und noch heute verwendet wird.

Schiaparelli war eine Pionierin, vor allem, weil sie die Grenzen der traditionellen Couture herausforderte, die Grenzen dessen, was für die Couture-Standards akzeptabel war, ausreizte und mit ihren Definitionen spielte. So machte Schiaparelli zum Beispiel Gebrauch von ungewöhnlichen Materialien wie Zellophan oder von sichtbaren Reissverschlüssen in Couture – etwas, das sich damals auf Unterwäsche oder billigere Produktionen beschränkte. Während des Zweiten Weltkriegs schloss Schiaparelli ihr Modehaus und emigrierte nach New York. Später eröffnete sie Ende der 1940er-Jahre ihr Modehaus in Paris wieder, musste aber feststellen, dass sich die Mode nach dem Krieg verändert hatte: Minimalismus stand hoch im Kurs, die Einfachheit der Kreationen von Coco Chanel galt als chic und Schiaparellis bunter, glitzernder, surrealistischer Stil hatte ausgedient. 1955 folgte die definitive Schliessung der Boutique aufgrund der Sparmassnahmen der Nachkriegszeit. Der Ort blieb aber nach wie vor Treffpunkt der Pariser Coutiers.

«Shocking Pink»

in den späten 30er und 40er Jahren die Couture-Crowd. Die Farbe wurde zur Visitenkarte von Elsa Schiaparelli.

Die eleganten Kleidungsstücke der Frühjahrskollektion setzen Statements. So wird ein taillierter Bustier aus plüschigem Samt mit einer schmetterlingsförmigen Sonnenbrille kombiniert.

Auch nach ihrem Tod 1973 bleibt Schiaparellis Einfluss auf die Mode noch spürbar. Viele ihrer Designs sind zu Ikonen geworden und ihre innovative Herangehensweise an Mode inspiriert weiterhin Designer auf der ganzen Welt.

EINE RÜCKKEHR ZU DEN WURZELN DER HAUTE COUTURE

2012 kehrte Schiaparelli zu ihren Wurzeln zurück und eröffnete wieder im Hôtel de Fontpertuis am Place Vendôme 21. Diego Della Valle, der Besitzer von Tod’s, verlieh der Marke ein zweites Leben. Im darauffolgenden Juli entwarf Monsieur Christian Lacroix eine Elsa Schiaparelli gewidmete Haute-Couture-Kollektion und belebte die Maison neu. Seit Frühling 2019 verhilft der künstlerische Leiter Daniel Rosberry der Marke zu neuem Rum. Elsa Schiaparelli versprach bei ihrer Arbeit immer Überraschung. So verwischt auch die neue Frühjahrskollektion unter Rosberrys Leitung die Grenzen zwischen dem Realen und dem Unwirklichen. Nichts ist so, wie es scheint, in diesen Kleidern. Neben einer Anspielung auf Dantes Organisationssinn liess sich der Kreativdirektor auch direkt von einigen seiner fesselndsten Bilder inspirieren. Der Leopard, der Löwe und die Wölfin, die Lust, Stolz und Habgier repräsentieren, finden hier in spektakulären Präparationen Gestalt, die vollständig von Hand aus Schaumstoff, Harz und anderen künstlichen Materialien hergestellt werden. Die Pailletten der Kleider sind aus lederbeschichteten Blechplatten gefertigt und der scheinbar irisierende Schimmer der Samtkleider ist in Wirklichkeit handgemalt, mit Pigmenten, die je nach Perspektive die Farbe ändern, wie die Flügel eines Schmetterlings. Eine Kollektion, die dem charakteristischen Erbe Schiaparellis würdig ist.

UNENDLICHKEIT SCHAFFEN

DIE WELTEN VON LOUIS VUITTON YAYOI KUSAMA &

WANN GEHT MODE ÜBER

MODE HINAUS? VIELLEICHT, WENN SIE MIT BLICK

AUF DIE EWIGKEIT UND UNENDLICHKEIT GEMACHT

IST. ZEHN JAHRE NACH

IHRER ERFOLGREICHEN

KOLLABORATION VERLEIHT

DIE JAPANISCHE KÜNSTLERIN

YAYOI KUSAMA ERNEUT

FÜR LOUIS VUITTON

OBJEKTEN DER MAISON

UND DES PRÊT-À-PORTER

IHRE TRANSFORMATIVE HANDSCHRIFT.

Die japanische Künstlerin Yayoi Kusama, Priesterin einer totalen, hypnotischen und farbenfrohen Kunst, ist auf der ganzen Welt als Avantgarde-Künstlerin bekannt. Seit ihren bescheidenen Anfängen im Jahr 1929 in Matsumoto, Japan, veränderte Kusama auf magische und entschlossene Weise ihr eigenes Leben. Während ihrer abenteuerlichen Reisen in den 1950er- und 1960er-Jahren verzauberte sie Menschen weltweit mit der Kraft ihrer Kunst. Als sie in den 1970er-Jahren nach Japan zurückkehrte, wurde sie schnell zur vielleicht herausragendsten globalen Künstlerin des 21. Jahrhunderts. Das letzte Mal, dass Louis Vuitton der Magie von Yayoi Kusama begegnete, war im Jahr 2012. Damals nahm sich Yayoi Kusama eines der zeitlosesten und magischsten der emblematischen Objekte der Maison zu eigen – sie bemalte eine Louis-Vuitton-Truhe mit ihren charakteristischen Polka Dots, also mit Punkten, die für Kusama die Unendlichkeit darstellen. Doch die Beziehung endete nicht mit diesem wertvollen Objekt – zehn Jahre später entwickelte sie sich weiter und entfaltete sich durch fortgesetzte und erweiterte Gespräche. Louis Vuitton hat eine lange Geschichte der Zusammenarbeit von Künstlern, die vor rund 100 Jahren begann. Gaston-Louis Vuitton, der Enkel des gleichnamigen Gründers und Familienästhet, begann damit, Künstler mit der Gestaltung von Schaufenstern und Werken für die Geschäfte selbst zu beauftragen. Dieser Impuls ist durch die Zeit gereist und hat in der heutigen Zeit noch mehr Resonanz gefunden. Seit 1988 hat die Maison einige der grössten Namen aus Kunst und Design zur

Autorin_Swenja Willms Bilder_Louis Vuitton

Zusammenarbeit eingeladen, unter anderem Sol LeWitt, Richard Prince, Takashi Murakami und Jeff Koons. Hier reiht sich auch Yayoi Kusama ein, deren charakteristische Objekte, Motive und Vorstellungen von Unendlichkeit die Maison bereichern – mit all ihren Produktkategorien: von Taschen bis hin zu Herrenmode, Damenbekleidung oder Sonnenbrillen, Düften, Schuhen und Accessoires.

EINE KOMPLEXE KOLLEKTION

Im Einklang mit der künstlerischen Zusammenarbeit von Louis Vuitton in der Vergangenheit basiert die Begegnung zwischen der Maison und Yayoi Kusama auf Aufrichtigkeit, Bildersturm und vor allem auf einer gegenseitigen Wertschätzung von Handwerk und Exzellenz gegenüber dem Alltäglichen. Bei Louis Vuitton ist alles möglich, wenn es um die Magie der Herstellung von Objekten geht. Kusamas ikonische Polka Dots wurden von der Künstlerin persönlich auf die Objekte der Kollektion übertragen. Sowohl Louis Vuitton als auch Yayoi Kusama setzten sich zum Ziel, dass

die Personen, die solche Objekte besitzen, sowohl die Sorgfalt als auch die emotionale Investition spüren, die für ihre Herstellung erforderlich waren. Die Objekte und deren Träger sollen Teil ihrer Geschichte werden, die hoffentlich auch Teil der Geschichte zukünftiger Generationen werden wird – und sich somit ins Unendliche erstreckt. In diesem Streben nach dem Unendlichen durch Handwerk sind sowohl Louis Vuitton als auch Yayoi Kusama letztendlich vereint.

Das Motiv der «painted dots» ist der Ursprung der breitgefächerten Kollektion – eine direkte Übersetzung von Kusamas Handschrift durch eine komplexe Siebdruck- und Prägedrucktechnik auf Leder oder eine beschichtete Leinwand. Kusamas Motive haben sie fast ihr ganzes Leben lang begleitet, bereits als zehnjähriges Kind begann sie damit, ihre «painted dots» zu malen. Hier zeigt sich eine Vielfalt von Prêt-à-Porter, Lederwaren, Accessoires und Düften – von einer farbenfrohen Iteration der Punkte, die dem Originaldesign entsprechen, bis hin zu einer Abstufung von Schwarz, Silber, Grau und Weiss speziell für Männer.

Ausserdem gibt es eine spielerische Begegnung von Kusamas charakteristischen Pinselstrichpunkten mit dem Monogramm von Louis Vuitton, das sich durch die Kollektion zieht von Hartschalengepäck und einer Fülle von ikonischen Taschen aus weichem Monogramm-Segeltuch für Damen und Herren über Stiefeletten, Turnschuhe und Derby-Schuhe bis hin zu Prêt-à-Porter aus technischem Nylon für Herren in Form einer gepunkteten MonogrammDaunenjacke und von Cargohosen. Die gemalten Punkte setzen ihre Verbreitung auf zusätzlichen Lederwaren wie den weissen Capucines und schwarzen Dauphine-Taschen sowie einem schwarzen Lederrock mit mehrfarbigen Pinselstrichknöpfen fort; dann auf gebrauchsfertigen Pyjama-Anzügen aus Seiden-Twill, aufwendig bedruckten Denims und Kaschmir-Strickwaren für Damen mit massgeschneiderter Oberbekleidung für Herren in Form eines präzise bedruckten Mantels aus reiner Wolle. Die Accessoires sind vielfältig, von wendbaren Fischerhüten, Seidenschals und Edge-Kettenschmuck in der Damenwelt bis hin zu Baseballmützen, Gürteln und Brillen bei den Herren. Die bunten und in Graustufen gemalten Punkte reisen auch in das Reich der Düfte der Maison und umhüllen sowohl die Verpackungen und Flakons als auch die Reisekoffer.

Einen weiteren Teil der Kollektion zieren die «metal dots», inspiriert von Kusamas gespiegelten Kugeln, einem Motiv, das aus ihrem Narzissengarten bekannt ist, der auf der 33. Biennale in Venedig 1966 gezeigt wurde. Hier werden die silbernen Kugeln unterschiedlicher Grösse mit höchster Präzision von Hand platziert, eingebettet in schwarze und silberne Lederwaren für Damen wie eine Cannes-Tasche oder eine Capucine. Am futuristischsten wirken die «metal dots», wenn sie als Farbverlauf auf Kleidungsstücken aus Lammleder aufgetragen werden, beispielsweise auf einer silbernen Bikerjacke und einem eleganten Minikleid aus silbernem Leder.

Als Kusamas Ruhm in den 1960er-Jahren in Amerika zunahm, wurde sie als «Princess of Polka Dots» bezeichnet. Im Gegensatz dazu bezeichnet sich Kusama selbst als «besessene Künstlerin»: «Mein Wunsch war es, die Unendlichkeit des unbegrenzten Universums von meiner eigenen Position aus mit Punkten vorherzusagen und zu messen», sagt Kusama in ihrer Autobiografie «Infinity Net». Der gemalte Punkt verwandelt sich im Laufe der Jahre in Kusamas vielleicht bekanntere «infinity dots», das bekannteste Motiv der Künstlerin, das nun auch in die Kollektion von Louis Vuitton übertragen wurde. Die Unendlichkeitspunkte verschmelzen in unterschiedlichen Farbkombinationen mit einer Vielzahl von MaisonIkonen, insbesondere in Bezug auf Lederwaren, Schuhe und Silhouetten.

Eine weitere Besessenheit von Kusama besteht in ihren Blumen. Die flüchtige Schönheit des Vergänglichen wird mit dem Sinn für das Ewige und Unendliche kontrastiert und durch ihre Arbeit dennoch dauerhaft gemacht. Unter Verwendung der etwas psychedelischen Blumenmalerei von 1993 entfaltet sich eine exotische Blume über Accessoires und Prêt-à-Porter für Männer und Frauen. In seiner formelleren Iteration für Männer wird dieses unverwechselbare Blumenmuster aufwendig als Jacquard in massgeschneiderten Wollanzügen und als Fil Coupé in Baumwollhemden umgesetzt. Sogar ein lässigerer College-Blouson weist eine aussergewöhnliche Stickerei der Blume auf. Lederwaren verwenden einen eleganten Prägedruck auf weissem Leder, um die Schönheit und Komplexität der Blume hervorzuheben. Bei den Capucines-Taschen für Damen hingegen wird ein auffälligerer Ansatz verfolgt, bei dem das Motiv aufgeblasen wird, um die Taschen entweder in Schwarz oder Rot auf Taurillon vollständig zu umhüllen. Ein kurzer Jacquard-Wickelrock und ein Oberteil verfolgen einen ähnlichen Ansatz für Frauen und ahmen das Aufrollen und Entfalten der grossen Blume in Schwarz und Weiss nach.

Die Zusammenarbeit von Louis Vuitton und Yayoi Kusama wird in einer vollständig immersiven visuellen Landschaft gefeiert, die von Schaufensterdisplays über Pop-ups bis hin zu anamorphotischen Werbetafeln reicht – neben AR-Erlebnissen, einem XR-Spiel und einer speziellen Werbekampagne. Im Januar 2023 wurde bereits der erste Teil der Kollektion eingeführt, der zweite Teil folgt am 31. März 2023.

«FORGET YOURSELF. BECOME ONE WITH ETERNITY. BECOME PART OF YOUR ENVIRONMENT.»

Yayoi Kusama

Eine Kollektion mit einem Hauch von Oxymoron, für wandelnde Männer. Die Silhouetten der Herbst/WinterKollektion 2023 von Hermès spielen mit unterschiedlichen Längen und Volumina. Basics der Männergarderobe werden dekonstruiert, aufgerüttelt und treten mit ihren neuen Proportionen in einen spannenden Dialog. Kies, Karamell, Schokolade, Kohle, Kaffee oder Elfenbein – die gedämpfte Farbpalette überrascht mit hellen Akzenten, die an den glänzenden Strahl eines gleissenden Winterlichts erinnern.

MONCLER

HDas italienische Modelabel Moncler steht für seinen unverwechselbaren Stil und verbindet in jeder Saison auf das Neuste die traditionelle Handwerkskunst zusammen mit innovativer Performancewear. Zu den Highlights der aktuellen Eyewear-Kollektion gehören die hochwertigen Brillenfassungen im Vintage-Stil, die exklusiven Modelle aus der Moncler-Genius-Kollektion sowie die futuristischen Skimasken. Jedes Modell spiegelt perfekt den modernen Gedanken des Hauses zusammen mit seiner langjährigen Erfahrung wider und eignet sich ideal für die bevorstehenden Wochenenden in den Bergen.

MEN TRENDS

by

OOFF WHITE Klassiker neu interpretiert: Diese schwarzen Leder-Derbys von Off White erhaschen einen Hauch Farbe durch die eisblaue Gummisohle. Der perfekte Herrenschuh für BusinessTermine und edle Events.

FRÜHLINGSERWACHEN

ES IST DIE SYNERGIE AUS NEUEM UND ALTEM, EIN GESCHICHTSTRÄCHTIGES SYMBOL ODER EINE HOMMAGE AN DIE VIRTUOSITÄT DER HANDWERKSKUNST –DIE KOLLEKTIONEN FÜR DEN FRÜHLING UND SOMMER WECKEN MODEGEISTER AUS DEM WINTERSCHLAF.

Autorin_Swenja Willms

©Ferragamo

Die Verbindung zu neuen Menschen, neuen Techniken und neuen Materialien führt zu neuen Ideen. INUIKII experimentiert in diesem Sommer mit neuen Flecht-, Strickund Häkeltechniken, die Komfort mit Design verbinden und die Signature-Modelle um zahlreiche Details weiterentwickeln. Die handgefertigten Muster sind starke Bindungen, die Füsse länger als nur für eine Saison einbetten.

Für Ferragamo steht der Frühling für elegante Leichtigkeit und zeitgemässe Klarheit. Kräftige Farben, die an einen Sonnenuntergang erinnern, werden gepaart mit skulpturalen Accessoires und grafischen Mustern. Das ist Ferragamos neue Sprache des Luxus: ausgesprochen modern, raffiniert und begehrenswert.

Die Sommerkollektion von Max Mara erinnert an einen Urlaub an der französischen Riviera. Hier, an sonnenverwöhnten Stränden, wurden Meisterwerke und Manifeste grosser Künstler und Aristokraten erdacht und ein zeitloser Look geschmiedet. Rückenfreie Tanks, voluminöse Matrosenhosen aus Segeltuch, weitkrempige Sonnenhüte und lange, träge Röcke, die die Hüften umschliessen, verkörpern den Stil der modernen Riviera.

Bei jeder Kollektion von Maria Grazia Chiuri geht es darum, der kreativen Fantasie Raum zu geben. Für die Capsule-Kollektion «Plan de Paris» hat die Kreativdirektorin der Damenlinie von Dior das Bild einer Karte von Paris aus den Archiven des Hauses verwendet. Damit zeichnet sie ihren eigenen Weg zwischen Autobiografie und Reflexion nach. Charismatische Mäntel, Korsette, weite Röcke und barocke Accessoires sind das Sinnbild des Pariser Chic.

Als ultimatives Symbol der Schönheit, das untrennbar mit der Geschichte des Hauses und seiner Stilsprache verbunden ist, verdeutlicht Rot die Leidenschaft von Chanel für Farbe. Stolz getragen oder wie ein dezentes Satzzeichen übergestülpt, spricht es Bände über die Kraft und Freiheit – der Bewegung und des Denkens –, die Gabrielle Chanel Frauen geben wollte, als sie 1924 ihren ersten Lippenstift kreierte. Eine Farbe, die in der Frühjahrskollektion einen ehrenwerten Platz eingenommen hat, von klassischen Tweed-Jacken und Kleidern bis zu unzähligen Schattierungen in Lippenstiften und Lidschatten.

Inspiriert von den Gemälden und Porträts der Präraffaeliten erweitert Marco De Vincenzo, Kreativdirektor von Etro, seine traumhafte und poetische Vision und erschafft ein neues Paradies rund um den Garten Eden. Eine Kollektion als starkes Symbol für Liebe, Verführung und Ewigkeit. Exzentrische Drucke und kostbare Stickereien zieren die Kleidungsstücke der Kollektion.

YVES SAINT LAURENT

Kraftvoll, elegant und gewollt lässig. Die Frühjahrskollektion von Anthony Vaccarello für Yves Saint Laurent steht für die mystische Anziehungskraft der Marke. Übergrosse Silhouetten, ausladende Mäntel und Trenchcoats aus Leder, Wolle oder Tweed, gepaart mit taillierten Kleidern in einer gedämpften Farbpalette aus Braun, Purpur, Olive und Taupe.

WOMEN S

COPERNI

Klassische Pantoletten mit Zebramuster aus weichem italienischem Leder mit einem eleganten Stiletto-Heel. Diese charakteristischen Slipper sind ausserdem mit einer stützenden Sohle und einem sorgfältig proportionierten Fussgewölbe ausgestattet sowie mit einem kleinen silbernen CoperniLogo verziert.

SPORTMAX

Die «Bouba»-Tasche aus pflanzlich gegerbtem Leder zeigt, wie modern Vintage sein kann. Der übergrosse Holzrahmen, gepaart mit Messingelementen, ermöglicht das Tragen als Clutch. Dank des verstellbaren und abnehmbaren Schulterriemens kann die Handtasche aber auch über der Schulter getragen werden.

Y C TRE NDS

DER

FUTURIST

Autorin_Swenja Willms Bilder_Paco Rabbane

Sein Tod erschütterte die Welt. Modeschöpfer und Parfümeur Paco Rabanne hat als revolutionärer Designer eine ganze Generation mit seiner radikalen Vision von Mode geprägt.

SEINE

Seine innovativen und unkonventionellen Designs machten ihn zu einer Legende der Modebranche. Paco Rabanne wurde 1934 in Spanien geboren, zog in den 1960er-Jahren nach Frankreich und wurde schnell zu einem Pionier der futuristischen Modebewegung. Mit einem Fokus auf gewagte Materialien und experimentelle Designs prägte Rabannes Arbeit Jahrzehnte der Modebranche. 1966 lancierte er seine erste Kollektion, die eine radikale Abkehr von den traditionellen Stilen der damaligen Zeit darstellte. Unter Verwendung unkonventioneller Materialien wie Metall, Kunststoff und Papier kreierte Rabanne Kleidung, die die Norm herausforderte und die Grenzen dessen, was als modisch galt, sprengte. Coco Chanel verspottete ihn gar einst als «Stahlarbeiter der Mode». Neben seinen gewagten Entwürfen war Rabanne auch für seine Verwendung unkonventioneller Modelle bekannt. Er besetzte häufig Models, die nicht Teil der traditionellen Modewelt waren, darunter Tänzer, Schauspieler und Sportler – ein neuartiger Ansatz, der dazu beitrug, die Definition von Schönheit in der Modebranche zu erweitern.

Heute ist die Marke Paco Rabanne weiterhin eine treibende Kraft in der Modebranche, mit Fokus auf innovative Designs und die Verwendung unkonventioneller Materialien. Insbesondere die Düfte der Marken «1 Million» und «Lady Million» waren ein grosser Erfolg und wurden weltweit zu Bestsellern.

Paco Rabannes Kostüme für den Kultfilm «Barbarella» machten ihn weltberühmt. Getragen wurden sie von der Schauspielerin Jane Fonda.

LINKS

Die französische Sängerin Françoise Hardy, abgelichtet in den Victoria Embankment Gardens.

Paco Rabannes Vermächtnis als Modepionier und Innovator kann nicht hoch genug eingeschätzt werden. Seine unkonventionellen Designs und die Verwendung mutiger Materialien haben Generationen von Designern beeinflusst und dazu beigetragen, die Modebranche, wie wir sie heute kennen, zu formen.

UNTRAGBARE MODE

Paco Rabanne setzte im Laufe seiner Karriere viele Statements mit seinen Kollektionen. Die ikonischste von allen geht jedoch zurück auf das Jahr 1966, als der Pionier seine «Twelve Unwearable Dresses» präsentierte. Diese Kleider waren in Bezug auf Design und Material revolutionär und stellten die herkömmliche Vorstellung infrage, wie ein Kleid aussehen sollte. Das Konzept hinter der Kollektion war es, Kleider zu kreieren, die nicht nur optisch auffallen, sondern auch völlig unkonventionell sind. Jedes Kleid wurde aus unkonventionellen Materialien wie Metall, Plastik und Papier hergestellt und alle wurden so entworfen, dass sie im traditionellen Sinne nicht tragbar sind. Die Kleider sollten eher als Kunstwerke und nicht als praktische Kleidungsstücke angesehen werden.

©Keystone

©REPORTERS ASSOCIES/Gamma-Rapho/ Getty Images

Françoise Hardy und Salvador Dali mit Paco Rabanne in Frankreich am 19. Mai 1968.

Das erste Kleid der Kollektion war aus Aluminium gefertigt und von der Idee einer Rüstung inspiriert. Es war so konzipiert, dass es steif und unhandlich war, was es unmöglich machte, sich darin zu bewegen. Ein anderes Kleid wurde aus Plastikscheiben hergestellt, die miteinander verbunden waren, um einen Kettenhemdeffekt zu erzeugen. Das Kleid war schwer und unbequem zu tragen, aber es erzeugte eine auffällige visuelle Wirkung. Eines der einprägsamsten Kleider der Kollektion wurde aus bunten Papierkreisen gefertigt. Das Kleid wurde entworfen, um einmal getragen und dann weggeworfen zu werden, was den Wegwerfcharakter der modernen Gesellschaft widerspiegelt. Ein anderes Kleid bestand aus Metallgewebe und wurde entworfen, um über einem nackten Body

getragen zu werden, wodurch ein Gefühl der Verletzlichkeit und Entblössung entsteht. Die «Twelve Unwearable Dresses» waren wegweisend in Bezug auf die Verwendung unkonventioneller Materialien und die Ablehnung traditioneller Modenormen. Sie stellten die Idee infrage, dass Mode praktisch und tragbar sein sollte, und sie gingen an die Grenzen dessen, was in der Modewelt als akzeptabel angesehen wurde. Heute gelten die «zwölf untragbaren Kleider» als Meilensteine der Modegeschichte. Sie ebneten zukünftigen Designern den Weg, mit Materialien und Konzepten zu experimentieren, und sie inspirieren auch weiterhin neue Generationen von Designern, die Grenzen dessen zu erweitern, was in der Mode möglich ist.

© The Guy Bourdin Estate 2023 Courtesy of Louise Alexander Gallery

Das amerikanische Supermodel Donyale Luna, inszeniert vom Fotografen Guy Bourdin Mitte der 1960er-Jahre.

WELL TY & BEAU BEING

BEAUTY & WELL BEING

DES

DIE KRAFT WASSERS

Autorin_Swenja Willms Bilder_Bulgari

DIE NATUR IST VOLLER WUNDER UND VON DAHER EINE UNERSCHÖPFLICHE INSPIRATIONSQUELLE

FÜR DIE BULGARI-MAN-KOLLEKTION. DIE MARKE

BULGARI SETZT IHRE IMMERSIVE REISE FORT, UM DIE TIEFSTE VERBINDUNG ZWISCHEN DEM

MENSCHEN UND DER NATURWELT UM IHN HERUM

ZU ERFORSCHEN. SIE ERKUNDET DABEI DIE REGENERATIVE ENERGIE DES ELEMENTS WASSER, INDEM SIE DIE TRANSFORMATIVE KRAFT DES REGENS EINFÄNGT. WIE DIESER MAGISCHE MOMENT, WENN DER LETZTE REGENTROPFEN FÄLLT UND ALLES PLÖTZLICH ANDERS AUSSIEHT, IST BULGARI

MAN RAIN ESSENCE EINE EINLADUNG, DIE ALLES

VERÄNDERNDE UND KREATIVE KRAFT DIESES

NATÜRLICHEN PHÄNOMENS DURCH EINE FRISCHE, BELEBENDE UND MINERALISCHE DUFTSIGNATUR ZU ERLEBEN.

und das elegante und unglaublich moderne Charisma des Kristallmoschus-Akkords zum Leben erweckt. Seine ganze Schöpfungsund Lebenskraft ist jetzt durch seine grünen und aquatischen Noten wahrnehmbar, die sich nach und nach auf der Haut ausbreiten. In diesem präzisen Moment, wenn Sie ganz in diesen reinen Energiefluss eintauchen, verändert sich alles. Der Regen ist vorbei, aber die von ihm hinterlassene und entfesselte Kraft hält vor. Der Mensch hat die vitalisierenden Kräfte der Natur intensiv erlebt, er strotzt vor neuer Energie und Stärke: Wie die nasse und regenerierte Umgebung fühlt er sich von den maskulinen und tiefen, mineralischen Ambra- und Guajakholz-Noten im Duftausklang belebt. Der Regen hat die unerschöpfliche Vitalität aufgedeckt, die in ihm steckt.

Ein Geruch. Ein Klang. Eine wesentliche Lebensquelle. Ein Zeichen dafür, dass sich etwas verändern wird. Regen ist nicht nur ein Naturereignis, das durch die Essenz des Wassers für Erneuerung und Regeneration sorgt. Regen ist zudem das immersive Gefühl, das es jedem Menschen ermöglicht, die Wechsel und Bewegungen der Natur instinktiv wahrzunehmen und zu erleben, wie sich alles in Bewegung setzt und sich – sobald es vorüber ist – auf neue Anfänge vorbereitet. Seine durchdringende Kraft durchquert den Himmel, die Bäume und sogar die Erde, sie berührt jedes Lebewesen und den Menschen selbst, der fühlen kann, wie seine lebendige Kraft und seine formende Energie durch ihn hindurchströmen. Denn die Natur lebt und dieses Leben ist ihre Verbindung zum Menschen.

Alberto Morillas, der Meister-Parfümeur hinter der BulgariMan-Duftkollektion, hat die Vorfreude, den Nervenkitzel und die lebhafte Nachwirkung des Regens in einem olfaktorischen Crescendo eingefangen. Bulgari Man Rain Essence ist so kraftvoll und so wesentlich wie der Regen mit seiner frischen, holzigen Moschus-Signatur und der transparenten und prickelnden Duftaura. Ein Parfum, dessen Kraft durch eine potente Mineralität ausgedrückt wird, die auf die Transparenz dieses regenerativen Elements der Natur anspielt. Im Auftakt kündigt eine scheinbare Stille an, dass bald etwas passieren wird. Die Farbe des Himmels verändert sich, die Luft ist anders, lebendiger. Plötzlich macht ein lebhafter Geruch, der das energetisierende Aroma von grünem Tee und die prickelnde Frische von Orangenessenz verströmt, eine Offenbarung: Es geht bald los. Gelassenheit, die von aufregender Spannung durchzogen wird. Die ersten Tropfen fallen gleich. In der Herznote gibt der Duft die pure Intensität des Augenblicks wieder. Tropfen für Tropfen modelliert der Regen unerbittlich jede Oberfläche und durchdringt sie, wobei er die Natur und ihre unbändigen Energien durch seinen transparenten Akkord von weissem Lotus

DIE SCHÖPFERISCHE KRAFT DES REGENS

Der Regen «formt» die Natur. Auf gleiche Weise scheint der Flakon von Bulgari Man Rain Essence von einer fliessenden Energie geformt zu sein, die unvorhersehbare Spiegelungen und eine wesentliche, raffinierte Anziehungskraft erzeugt. Der elegante Silberglanz und der faszinierende Spiegeleffekt des Verschlusses, der an das Abbild eines Wassertropfens erinnert, prägen den transparenten Glasflakon. Dieser weist wiederum eine leicht reflektierende Dimension auf und spiegelt so den klaren und frischen Eindruck des Dufts wider. Der Flakon ist eine Ode an die schöpferische Kraft des Regens und fängt die inspirierende Dualität dieses Naturereignisses in seinem Zwischenspiel aus Bewegung und Einfachheit, belebender Frische und tröstlicher Kraft, monumentalen Formen und einem essenziellen, strahlenden Feinschliff ein. Um das gesamte Erlebnis noch zu steigern, wird die silbern gebürstete Umverpackung von einem optischen und taktilen, aufgeprägten Regeneffekt veredelt, zusätzlich zu der olfaktorischen Immersion in die vitale Welt von Bulgari Man Rain Essence.

DIE KRAFT DER ELEMENTE

Seit jeher sucht der Mensch nach verschiedenen und endlosen Bindungen zu der natürlichen Welt, die ihn umgibt. Durch die Übertragung dieser unauflöslichen Symbiose auf Duftsignaturen schreibt Bulgari Man eine grossartige Geschichte von unwiderstehlichen, maskulinen Düften, die sich die endlose Kraft der natürlichen Elemente zunutze machen.

transformativste und ungestüme Seite der Natur verkörpert. Seine heilige und mythische Kraft wird durch die sinnlichen Noten und neoorientalischen Akkorde von Bulgari Man in Black eingefangen.

Die Geschichte geht weiter, indem sie das urbane Leben mit der natürlichen Welt in Einklang bringt und das Element Holz durch die Fähigkeit von Bulgari Man Wood Essence erkundet, um den Menschen wieder mit der Natur zu verbinden: eine neoholzige Signatur, die die Rolle des Menschen als Bürger der Natur feiert, der in Harmonie mit seiner Umgebung lebt.

Bulgari Man Terrae Essence zollt der Kraft der Erde, ihrem authentischen Reichtum und ihrer vielfältigen Fruchtbarkeit Tribut –mit einer warmen und mühelos eleganten Duftsignatur. Der Duft repräsentiert unsere Erdverbundenheit und unsere Fundamente und validiert die Natur als ultimative Inspirationsquelle, von der der Mensch das Kultivieren, Züchten und Kreieren gelernt hat.

Jetzt rundet Bulgari Man Rain Essence die Kollektion der Kraft der Elemente ab –mit einer Einladung, die unaufhaltsame kreative Kraft des Wassers durch die transformative und regenerative Kraft des Regens zu erleben. Eine frische, holzige Moschus-Signatur als Hommage an den Nervenkitzel und die lebhafte Nachwirkung dieses natürlichen Elements in einem olfaktorischen Crescendo.

Mit Kühnheit und Grösse befreit Bulgari Man Glacial Essence die wahre Kraft der Luft mit einer eisigen Frische, die durch holzige Fougère-Noten vermittelt wird. Wie ein eisiger, befreiender Atemzug beschwört der Duft die Fähigkeiten der Natur herauf, um den Menschen zu neuen Horizonten zu führen und die Lebenskraft hinter diesem immateriellen Element einzufangen.

EDITOR’S CHOICE

1. TOM FORD

«Electric cherry» vereint die üppige Säure von Morello-Kirsch-Noten mit aufregendem Ingwer, während opulenter Jasmin-Sambac mit einem faszinierenden Aroma lockt. Ambrettolide führt einen verführerischen Moschusduft ein, der einen warmen Atem freigibt, der sich mit würzigem rosa Pfefferkorn vermischt. Der elektrische Kirschduft ist in einer luxuriösen, hellroten Iteration der ikonischen PrivateBlend-Flasche enthalten.

2. PENHALIGON’S

«Highgrove Bouquet» ist eine Hommage an die herrlich duftenden Sommer in Highgrove Gardens, dem königlichen Landsitz von Prince Charles. Hier blühen im Sommer in üppiger Pracht die Silberlinden, geschmückt mit ihren silbergefütterten, herzförmigen Blättern, die mit gelben Blütenzweigen gesprenkelt sind und die Luft zart parfümieren. Ein ebenso erhebender wie sonnendurchfluteter und strahlender Duft mit Lavendel, Geranie, Zedernholz und Iris.

3. KILIAN PARIS

«Can’t Stop Loving You» – eine wahre Liebeserklärung – wurde von Gründer Kilian Hennessy in Zusammenarbeit mit dem Parfümeur Alberto Morillas kreiert und tritt mit der nordafrikanischen Orangenblüte als Herzstück in die olfaktorische Familie der Narcotics ein. VanilleAbsolue aus Madagaskar verleiht dem Genuss eine doppelt gourmandige Anregung, während Noten von Eichenmoos eine erdige Intensität verleihen.

4. JO MALONE

Eine Sammlung verführerischer, kraftvoller Düfte, inspiriert von fernen Ländern, fesselnden Ritualen und wertvollen Inhaltsstoffen. Die Düfte von «Cologne Intense» bieten Wärme, Tiefe und Volumen, bewahren aber dennoch die Klarheit und Natürlichkeit, für die Jo Malone London bekannt ist.

5. CAROLINA HERRERA

Nach dem weltweiten Erfolg von «Bad Boy» und «Bad Boy Le Parfum» verleiht Carolina Herrera der Dualität des modernen Mannes mit «Bad Boy Cobalt» einen elektrisierenden Touch. Rosa Pfeffer, Geranie, Trüffel, Eichenholz und Vetiver verleihen dem Duft einen eleganten Ausdruck.

HAUTPFLEGE IN HARMONIE

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Im Bereich der High-End-Hautpflege war die Schweiz schon immer ein konstanter Star für Forschung und Innovation. Die besten Wissenschaftler der Welt setzen sich dafür ein, neue Wirkstoffe zu finden, die eine schöne, strahlende Haut fördern. Die perfekte Symbiose aus modernster Forschung, gewissenhafter Produktion und neuartigen Inhaltsstoffen mit wissenschaftlich nachgewiesener Wirksamkeit macht elline Switzerland zu einer einzigartigen Hautpflegemarke, die höchste Ansprüche der Branche erfüllt. Alle Produkte sind mit der höchsten Vegan-Zertifizierung ausgezeichnet und werden vor allem ohne vorherige Tierversuche hergestellt, ausserdem sind die Produkte von elline Switzerland frei von jeglichen Parabenen, synthetischen Farbstoffen, schädlichen Konservierungsmitteln und Sulfaten. Die hochwirksamen Wirkkomplexe werden aus reinen Rohstoffen nach neuesten Forschungserkenntnissen und höchsten Qualitätsstandards hergestellt. So bedienen sich die Produkte an Inhaltsstoffen wie reinem Gletscherwasser oder Edelweiss-Extrakt. Diese Komplexe pflegen harmonisch Haut und Körper und machen elline Switzerland zu einem strahlenden Beispiel purer Schönheit – der Kraft der Schweizer Natur und Forschung.

Autorin_Swenja Wilms Bilder_elline Switzerland

MUST HAVES

INSTANT EYE LIFT

Klare Augen und ein strahlender Blick sind die Kennzeichen jugendlicher Schönheit – und sie können wieder die Ihren sein. Das kraftvolle Instant Eye Lift enthält einen wirksamen AntiAging-Komplex aus kugelförmigen Goldkristallen, kurzkettiger Hyaluronsäure und persischem Seidenbaumextrakt. Es reduziert das Auftreten von Falten und hat eine straffende Wirkung auf die gesamte Augenpartie, einschliesslich des oberen Augenlids. Weitere Highlights: Die kostbare Creme wirkt aufhellend und reduziert das Auftreten von dunklen Ringen und Altersflecken.

24K LIFTING SERUM

Das unvergleichliche Strahlen ewiger Jugend steckt in einem Tropfen «Treasures of Youth» 24k Lifting Serum. Trifft er auf die Haut, entfaltet sich der kostbare Anti-Aging-Wirkstoffkomplex aus sphärischen Goldkristallen, kostbarer Hyaluronsäure und multiaktivierenden Zellrezeptoren, die eine aussergewöhnliche Regeneration der tieferliegenden Hautschicht hervorrufen. Erreicht ein einzelnes Goldpartikel die Zelle, gelangen Hunderte von Hyaluronsäuremolekülen gleichzeitig in die Zelle und regen die Herstellung von Kollagen und körpereigener Hyaluronsäure an. Das Auftreten von Falten und Hautunebenheiten wird reduziert und die unverwechselbare Ausstrahlung kommt zum Vorschein.

MIRACLE MASK

Geben Sie Ihrem Teint die goldene Note: Die prächtige Miracle Mask gibt Ihnen einen intensiven Feuchtigkeitsschub und ein exquisites Dufterlebnis in einem. Verlockende Patschuli-, Sandelholz- und Vanillenoten verhelfen Ihnen zu einem Zustand tiefer Entspannung, während eine einzigartige Kombination aus Goldkristallen, Hyaluronsäure und Schweizer Edelweiss-Extrakt

Ihre Haut mit wertvollen Essenzen salbt. Reines und mineralreiches Gletscherwasser aus der unberührten Schweizer Landschaft rundet die verwöhnende Behandlung ab.

MICELLAR GEL CLEANSER

Das Mizellen-Reinigungsgel mit reinem und mineralreichem Schweizer Gletscherwasser ist der ideale Einstieg in das tägliche Schönheitsritual. Es bildet die perfekte Basis für alle wertvollen Produkte der ellineSwitzerland-Hautpflegeserie. Die innovative Mizellenstruktur entfernt Schmutz und Makeup, ohne die Haut zu belasten, während die pH-neutrale, antireizende Formulierung die Haut reinigt, befeuchtet und erfrischt, ohne auszutrocknen. Ausserdem wird die Talgproduktion der Haut durch einen antibakteriellen, innovativen Wirkstoffkomplex wieder ins Gleichgewicht gebracht.

BE AU TY

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RITUALS

Warme, leichte und beruhigende Düfte mit Noten von Vanille, Veilchenblatt oder Baumwollblüte beleben die «Private Collection Comfort» von Rituals. Verleihen Sie Ihrem Zuhause eine besondere Atmosphäre mittels Duftstäbchen, Raumspray, Handpflegeprodukt oder Duftkerzen.

Die Lidschattenpalette in «Cherry Smoke» präsentiert pigmentierte, glänzende Lidschatten in kraftvollen Rottönen und ist Teil der dunkleren Seite der «Private Blend Cherry Experience». Ziegelrot, kräftiges Burgunder und tiefe Weinfarben finden ihren Platz in der schimmernden Palette.

R

RIVOLI

«Le Privilège L’eau De Jour N°02» ist die Überarbeitung der ersten Formel für noch mehr Leistungskraft. Die neu aufgelegte Pflegeformel stärkt die hauteigene Schutzfunktion und bietet ein 360-GradAnti-Aging-Programm. Die natürliche Eigenproduktion von Hyaluronsäure, Kollagen und Elastin wird wieder angeregt –für eine sichtbar jüngere Haut.

by

TRENDS

HERMÈS

Hermès präsentiert die Rouge Hermès Spring-Summer 2023 Limited Edition Collection. Die drei Lippenstifte dieser Kollektion wurden von Pierre Hardy, dem Schöpfer von Beauty-Objekten und Kreativdirektor von Hermès Schuhe und Schmuck, entworfen. Mit ihrer transparenten Formel und dem funkelnden Finish bringen die drei neuen Farben dieser limitierten Edition Komfort und Glanz auf die Lippen.

Gesund leben mit Detox Teas, Smoothies, Nahrungsergänzungsmitteln, Gesichts-, Körper- und Haarpflegeprodukten.

VEGAN, NATÜRLICH UND NACHHALTIG VON NATURE4BODY

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LI VI NG

LIV ING

OBJEKTE DER REINHEIT

Autorin_Swenja Willms Bilder_ Molteni&C

BEI SEINEN WERKEN IST DIE BEZIEHUNG ZWISCHEN INTERIEUR-DESIGN UND ARCHITEKTUR TIEFGREIFEND. VINCENT VAN DUYSENS EINRICHTUNGSGEGENSTÄNDE

SCHEINEN IN EINER ARCHITEKTONISCHEN PERSPEKTIVE KONZIPIERT, DIE SICH NICHT ALLEIN AUF DIE FORM BESCHRÄNKT, SONDERN IN EINER AUFMERKSAMEN WAHRNEHMUNG DES INNENRAUMS UND DESSEN BEZIEHUNG ZUR EXTERNEN ARCHITEKTUR ZUM AUSDRUCK KOMMT. FÜR DAS ITALIENISCHE DESIGN-UNTERNEHMEN MOLTENI&C ENTWARF DER KREATIVDIREKTOR NUN DIE ERSTE OUTDOOR-KOLLEKTION.

OBEN

Die neuen Outdoor-Teppiche von Molteni&C heben natürliche, mediterrane Farbtöne hervor und zeichnen sich durch strukturelle Gewebe und organische Muster aus.

Für die erste Outdoor-Kollektion von Molteni&C hat Creative Director Vincent Van Duysen, geleitet von seiner charakteristischen zurückhaltenden Eleganz, eine Kollektion entworfen, die sowohl visuell ausdrucksstark als auch hochfunktional ist. Durch die Zusammenführung von Originaldesigns von Foster + Partners und Ron Gilad sowie wiederentdeckten Archivstücken von Gio Ponti und Luca Meda tauchte Van Duysen in die reiche Tradition des italienischen Designs ein und tauchte mit einer Kollektion auf, die von einem angeborenen Sinn für das Savoir-faire geprägt ist, mit starker Betonung auf Handwerkskunst und einem tiefen Respekt für das Erbe. «Genauso wie in der Indoor-Kollektion 2022 für Molteni&C verfolgte ich die Idee von Wohlbefinden, von organischer Verspieltheit in einer architektonischen Vision der Möbel. Ich wurde von der Moderne inspiriert, um an die Idee der Durchlässigkeit und Transparenz zwischen Innenund Aussenräumen und an diese enge Verbindung mit Licht und Natur zu erinnern», erklärt Vincent Van Duysen.

Die «Landmark»-Kollektion ist ein Beweis für italienisches Savoir-faire: eine raffinierte Mischung aus Tradition, Handwerkskunst und zeitlosem Stil.

ZEITLOS UND MODERN

Die Outdoor-Kollektion umfasst mehrere Konzepte, die unter einer einzigartigen organischen Vision existieren. Die «Landmark»Kollektion enthält eine mit Spannung erwartete Neuauflage des klassischen Palinfrasca-Sofas des berühmten Designers Luca Meda, ein Wunderwerk des italienischen Savoir-faire und feiner Handwerkskunst.

Die «Timeout»-Kollektion von Van Duysen präsentiert ein elegantes Angebot an Outdoor-Essentials, das von den glatten Formen der modernistischen Architektur inspiriert ist, während die «Heritage»-Kollektion eine Neuauflage von zwei der beliebtesten Sessel von Gio Ponti umfasst. Die Kollektionen werden durch neue Teppiche von Van Duysen selbst, Nicola Gallizia und Marta Ferri zusammengehalten, die auch eine raffinierte, originelle Outdoor-Textilkollektion kuratiert haben, die sich durch subtile Muster, reichhaltige Stoffe und warme Töne auszeichnet. Und schliesslich fügen sich zwei aussergewöhnliche Einzelstücke von Foster + Partners und Ron Gilad, nahtlos in die gesamte Kollektion.

Das Fil Rouge der gesamten Kollektion ist ein Gespräch zwischen Materialien. Die üppige Verwendung von massivem Teakholz in der «Landmark»-Kollektion ergänzt auf natürliche Weise die starken Metallprofile der «Timeout»-Kollektion. Auch gewebte Motive ziehen sich durch die gesamte Kollektion – in Form von verflochtenen Seildetails der «Timeout»-Kollektion und der gewebten Rückenlehne des Palinfrasca-Sofas aus Teakholz oder

EVA-Polyurethan, das von der traditionellen Korbmacherei inspiriert wurde.

Um den Aussenbereich voll und ganz zu erleben, wird die Kollektion durch eine Outdoor-Küche vervollständigt, die von Vincent Van Duysen entworfen wurde. «Geselligkeit und Raffinesse sind die Schlüsselwörter, die ich dieser Outdoor-Küche zuschreiben wollte. Möbel mit einem einfachen, aber strukturierten Gefühl, bei denen Funktionalität und Raffinesse koexistieren, um ein modernes Design zu schaffen», sagt der Creative Director. Die Helios-Outdoor-Küche verkörpert italienische Handwerkskunst kombiniert mit innovativer Technologie. Ihre klaren Linien und die monolithische, aber diskrete Wirkung ermöglichen die Kombination mit den Kollektionen «Landmark» und «Timeout». Texturen mit einem Materialgefühl, das an Naturstein-, Keramik-, Teakholz- oder Stahloberflächen erinnert, sorgt für eine grosse Auswahl an Optionen, die eine umfassende Anpassung ermöglichen und die Küche für verschiedene Stile und Umgebungen geeignet macht. In Anbetracht der starken Materialpalette der OutdoorKollektion wurden die Farben sorgfältig aufeinander abgestimmt. Organische Töne wie Rost, Wüstengelb, Erdbraun, Olivgrün und Anthrazit sorgen dafür, dass Stücke aus unterschiedlichen Kollektionen problemlos zusammenleben können.

Das unerschütterliche Engagement von Molteni&C für Nachhaltigkeit bildet den Kern der neuen Kollektion. Es ist eine Verantwortung, die in jedem Schritt der Produktion verfolgt wird, von der Konzeption bis zum Lebensende des Produkts. Die

Möbel der Kollektion sind überwiegend monomaterial und stammen aus zertifizierten Lieferketten, einzelne Teile sind austauschbar und, wie im Fall der Polsterung, recycelbar.

AUS DESIGN WIRD ARCHITEKTUR

Vincent Van Duysens kreative Ader wird neben der neuen Möbelkollektion von Molteni&C mit der Erweiterung des Hauptsitzes in Guissano, Italien, sichtbar. Mit einer Erweiterung von 1400 Quadratmetern ist der Pavillon ein Symbol für die DNA und die Werte des Traditionsunternehmens und ein weiterer Schritt in der Wachstums- und Internationalisierungsstrategie der Gruppe. «Wir sind stolz darauf, in unserem Gelände ein von unserem Kreativdirektor entworfenes Stück Architektur zu beherbergen, ein neues Zeitgenössisches, das in die historische Stätte integriert ist und den neuen Weg des Unternehmens in die Zukunft signalisiert», sagt Carlo Molteni, Vorsitzender der Molteni-Gruppe. Es ist das erste von Van Duysen entworfene architektonische Projekt innerhalb der Unternehmensgrenzen. Das ursprüngliche Layout geht auf architektonische Entwürfe der frühen 1950er-Jahre zurück, von denen die grosse Treppe, die Fassadenverkleidung und die typischen Fensterrahmen noch erhalten sind. Neben dem Showroom, den Büros und dem Produktionsbereich beherbergt der Pavillon einen Kulturraum, der die Geschichte des Unternehmens aufzeichnet: Das Molteni-Archiv, die von Patricia Urquiola entworfene QallaMInstallation und das 2015 eingeweihte Molteni-Museum finden hier zudem ein neues Zuhause.

FÜNF FRAGEN AN VINCENT VAN DUYSEN

PRESTIGE: Herr Van Duysen, was symbolisiert der neu errichtete Pavillon am Hauptsitz von Molteni&C?

VINCENT VAN DUYSEN:Die Idee dahinter ist, dass die Betrachter des Pavillons aufgrund des Volumens und der grossen Glasflächen durch ein rhythmisches Element geführt werden. Die rationalistische Säulenarkade flösst ihnen Gelassenheit und Ruhe ein. Der subtil mit dem Hauptgebäude verbundene Pavillon belebt den Charakter des Geländes durch die Hinzufügung der Aussenräume und seinen Dialog mit dem Grün, das die Innenräume zu durchdringen scheint.

Es ist das erste architektonische Projekt ihrerseits innerhalb des Unternehmens. Welche Ziele und Herausforderungen haben Sie sich dabei gestellt?

Die Herausforderung bestand darin, den Dialog zwischen den verschiedenen Gebäuden und den häuslichen Umgebungen fortzusetzen, um der Kunst des Lebens im Freien zu frönen. Ziel war es, Besuchern oder Kunden ein ganzheitliches Erlebnis zu bieten, das stark in den sinnlichen und synästhetischen Charakter zwischen Innen und Aussen eingebettet ist, während man Moltenis Kreationen geniessen kann.

Sind sie lieber Architekt oder Designer?

Für mich gibt es keinen Unterschied zwischen den beiden. Wenn ich ein Objekt, ein Gebäude oder ein Interieur entwerfe, möchte ich immer noch dieselben Ziele erreichen und denselben Werten folgen: Zeitlosigkeit, Organizität, Textur, Taktilität und einem Gefühl von Schutz. Ziel ist es, das Leben der Menschen zu verbessern.

Weshalb haben Sie sich dieses Jahr dazu entschlossen, die erste Outdoor-Kollektion von Molteni&C vorzustellen?

Es war eine gemeinsame Entscheidung, vor allem, weil wir es für richtig hielten. Die Lancierung der ersten OutdoorKollektion ist eine natürliche Konsequenz der Reise des Unternehmens in die Lebenskunst, aber auch eine nie zuvor so ersehnte Freiheit, eine Sensibilität – für das Leben im Freien –, die eng mit dem Respekt für die Natur und dem Konzept der Nachhaltigkeit verbunden ist.

Haben sich die Anforderungen an Outdoor-Möbel verändert?

Für mich sollten Outdoor-Möbel heute in der Lage sein, verschiedene Materialien – organische versus technische – und Technologien meisterhaft zu kombinieren, ohne an diesem Pakt der Verantwortung und Nachhaltigkeit gegenüber unserer Umwelt zu scheitern. Sie müssen das Leben derer verbessern, die solche Möbel und Gegenstände benutzen.

Bei der Gestaltung der «Timeout»-Kollektion wurde Van Duysen von den strengen Formen der modernistischen Architektur beeinflusst, in der ein scheinbar kalter Charakter durch feine Linien gemildert wird.

Nach der zwei Jahre anhaltenden Corona-Krise, die den Wintersportort St. Moritz stark beeinflusste und den lebendigen Ort zu einem stillen und ruhigen Örtchen machte, war die Wintersaison 2022/23 der absolute Höhenflug und darüber hinaus eines der erfolgreichsten Jahre. Ich kann mich kaum daran erinnern, in welchem Jahr wir einen vergleichbaren Ansturm von Besuchern hatten und alles ausgebucht war. Bereits Ende November war die gesamte Gastronomie und Hotellerie in St. Moritz ausgebucht und wir mussten uns wortwörtlich um die Tische und Zimmer rangeln, die wir für unsere Kunden reservierten. Es war nicht immer leicht, in dieser Saison einen kühlen Kopf zu bewahren und unseren Klienten trotz allem einen möglichst erholsamen und reibungslosen Aufenthalt zu gewährleisten. Für uns ist die Zeit nach Corona sehr positiv und ich spüre, wie die Leute wieder reisen und ihr Leben ohne Einschränkung geniessen wollen. Die Anfragen sind viele und wir sind erfreut, dass auch wieder vermehrt aus aller Welt angereist wird, um hier den Winter zu verbringen.

Dieses Jahr waren die Temperaturen im normalerweise kalten St. Moritz eher mild und angenehm. Wir können uns sehr glücklich schätzen, dass wir trotz der im Vergleich zu den vorherigen Jahren hohen Temperaturen genügend Schnee hatten und der Wintersport wie gehabt seine Attraktivität beibehalten konnte. Viele andere Skigebiete in der Schweiz hatten bedauerlicherweise kaum Schnee und die künstlich gemachten Skipisten mitten im

EINE FESTLICHE SAISON

Grünen sind auch nicht sehr ansprechend und fördernd für begeisterte Wintersportler. Daher zog es viele vom Unterland hoch ins Oberengadin, um winterliche Festtage im Schnee zu verbringen. Nach den Festtagen erwartete uns das alljährliche Snow Polo, bei dem ich wie jedes Jahr als Sponsor mitwirkte. Es war lange nicht klar, ob das Polo «on the lake» stattfinden wird – aufgrund der hohen Temperaturen, die es der Eisschicht nicht erlaubten, dick genug zu werden. Glücklicherweise gab es in der zweiten Januarwoche einen Temperatursturz und der See konnte doch noch gefrieren, wodurch das Polo sicher durchgeführt werden konnte. Ich habe wieder viele Persönlichkeiten kennengelernt und war natürlich auch erfreut, altbekannte Gesichter zu treffen, mit all den Gästen das Wochenende auf dem See zu geniessen und den Event zu feiern. Auf die kommende Sommersaison freuen wir uns und sind gespannt, wie diese ausfallen wird.

Ich freue mich immer wieder zu sehen, wie meine Kunden und Besucher des Engadins die Schönheit des Sommers hier für sich entdecken und die sonnigen Monate gefüllt mit wunderbaren Events erleben.

Autorin_Maura Wasescha

WELLNESS DESIGN

Entworfen vom italienischen Architekten Antonio Citterio, macht Personal Line Ihr Training zu Hause zu einem einzigartigen Erlebnis mit Hunderten von Video-Workouts auf dem integrierten Display und über die Technogym App.

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LIVING

TRENDS by

MINOTTI

MEin dänischer Name für eine Designlinie mit klarer japanischer Inspiration: Aus dieser Gegensätzlichkeit entstehen die harmonischen Formen des Sofas «Lars», das vom japanisch-skandinavischen Duo Inoda+Sveje entworfen wurde. Eine weiche, asymmetrische, kontinuierliche und organische Kurve, die auf fünf schlanken Beinen ruht. Es sind zwei Versionen – aus offenporig lackiertem, massivem Eschenholz in der Farbe Lakritz oder aus Light Brown gebeiztem Canaletto-Nussbaum – erhältlich.

Interpretation des «Cocoons» von Fernando und Humberto Campana für die Louis-Vuitton-«Objets Nomades»-Kollektion. Das Gehäuse aus Glasfaser ist in einem gitterartigen Design gestaltet und mit ausgesprochen weichem Lammfell überzogen, das ebenso für die flauschigen Kissen, welche die Form des Sitzes annehmen, verwendet wurde.

Dieses Design stellt einen komfortablen und behaglichen Rückzugsort dar, der beruhigend wirkt und zum Entspannen einlädt.

ACQUA

DI PARMA

«Acqua di Parma meets Tenuta Luce» erfüllt den Raum mit der Energie der Weinreben, frische, aromatische Noten von Lavendel und Thymian verschmelzen mit einem Hauch von Wacholder und Zedernholz versinnbildlicht die Haptik sonniger Erde, während sanftes Sandelholz an traditionelle, italienische Weinfässer erinnert.

DIOR

Das Haus Dior präsentiert eine beispiellose Publikation, «Dior Metamorphosis», die die fesselnden Aufnahmen der Restaurierung von 30 Montaigne enthüllt, eingefangen vom Fotografen Robert Polidori. Mehr als zwei Jahre lang wurde der ehemalige Wohnort Christian Diors, der Haus, Schauplatz und Salon gleichzeitig war, zwischen Dekonstruktion und Wiederauferstehung umfassend renoviert. Robert Polidori lädt uns zu einem unglaublichen und intimen Besuch ein, um hinter die Kulissen zu blicken.

TR AV ELTR AVEL

ER THRONT VOR DER SKYLINE DUBAIS WIE EIN WÄCHTER, DEN BLICK GERICHTET AUF DIE WÜSTENMETROPOLE UND DEN PERSISCHEN GOLF, DAS SEGEL GESETZT, DAS IHM DIE MARKANTE SILHOUETTE VERLEIHT. DER «BURJ AL ARAB» IST WEIT MEHR ALS EIN HOTEL

–

DER «TURM DER ARABER» IST EIN SYMBOL DER VERGANGENHEIT UND ZUKUNFT DES EMIRATS. EIN BESUCH DES ARCHITEKTONISCHEN WUNDERWERKS.

DIE KRONE DUBAI VON

WER

Wer in der Oase des Luxus baden möchte, ist in Dubai gut beraten. Die futuristische Minimetropole in den Vereinigten Arabischen Emiraten scheut sich nicht vor Protz und Prunk. Ein entsprechendes Wahrzeichen für die Stadt wurde 1994 mit dem Bau des «Burj Al Arab Jumeira» gesetzt. Das segelförmige Hotel sollte zur Ikone Dubais werden und forderte nicht nur die Normen des Hoteldesigns heraus, sondern hat auch die Bedeutung von Luxushotellerie in Dubai und auf der ganzen Welt neu definiert. Das höchste All-Suite-Hotel der Welt bietet seinen Gästen einen Aufenthalt, der über das Erwartete hinausgeht – von mit Michelin-Sternen ausgezeichneten Köchen und Mixologen bis hin zu erfahrenen Floristen und privaten Butlern. Das Design des Gebäudes, das 2020 sein 20-jähriges Bestehen feierte, wurde vom Architekten Tom Wright entworfen. Er wurde beauftragt, einen bahnbrechenden Überbau zu schaffen, der das Erbe und die Traditionen Dubais und Arabiens widerspiegeln sollte. «Burj Al Arab» ist architektonisch so gestaltet, dass es einem wogenden arabischen Dhau-Segel ähnelt. Es ist das erste Mal, dass ein teflonbeschichtetes Glasfasergewebe in dieser Form und Grösse vertikal verwendet wurde. Eine beträchtliche technische Herausforderung für das Designteam: Das Segel ist tagsüber blendend weiss und verwandelt sich in ein Farbspektrum bei Nacht. Gestützt auf 250 Gründungspfähle, die 45 Meter in den Meeresboden gerammt wurden, wurde das Hotel auf einer künstlichen Insel errichtet und bietet eine wirklich atemberaubende Kulisse. Die künstliche Insel steht 280 Meter vor der Küste und ist durch eine schlanke, sanft geschwungene Brücke mit dem Festland verbunden. Die mutige Auswahl an Farben, Stoffen, Materialien und Oberflächen, die die Innenräume des «Burj Al Arab Jumeirah» definieren, wurde von den vier Elementen Feuer, Wasser, Erde und Luft sowie der Wüste der Emirate und arabischen und internationalen Motiven inspiriert. Die chinesische Innenarchitektin Khuan Chew ist die Frau hinter der unverwechselbaren Innenausstattung. Nennenswerte Details sind beispielsweise die Verwendung von 24-Karat-Blattgold, das auf rund 2000 Quadratmetern zur Verschönerung der opulenten Innenausstattung des Hotels beiträgt, oder die grösste Swarovski-Kristalldecke der Welt.

Autorin_Swenja Willms Bilder_Burj Al Arab Jumeriah

EIN ORT FÜR UNSTERBLICHE ERINNERUNGEN

Schon beim Betreten der Lobby, geschmückt mit üppigen Blumenarrangements, Aquarien und Springbrunnen, wird der Inbegriff arabischer Gastfreundschaft spürbar. Rosenwasser, Datteln und authentischer arabischer Kaffee warten bei der Ankunft der Gäste. Meine rund 180 Quadratmeter grosse Suite, die sich über zwei Stockwerke verteilt, bietet einen atemberaubenden Blick auf den Arabischen Golf. Angenehme Temperaturen von 24 Grad im Januar locken zu einem Besuch der Pool-Area. Direkt gelegen am 100 Meter langen Infinitypool ist das «SAL». Hier kreiert Küchenchef Paolo Mannis Gerichte, inspiriert vom Meer und der Iberischen Halbinsel Spaniens und Portugals in einem südeuropäischen Setting. Kulinarisch weiter geht die Reise abends im «Al Muntaha», was auf Arabisch «Das Höchste» oder «Das Ultimative» bedeutet. Das auf der 27. Etage gelegene Restaurant serviert fanta sievolle moderne französische und italienische Küche von Küchen chef Saverio Sbaragli und bietet ein unvergleichliches Panorama auf die Küste von Jumeirah sowie einen spektakulären Blick auf die in der Ferne schimmernden Palm- und World-Inseln. Hier serviert Saverio eines der exquisitesten kulinarischen Erlebnisse Dubais, darunter ein Drei-Gänge-Mittagsmenü und ein Sechs-Gänge-Degustationsmenü.

Verwöhnung im «Burj Al Arab» gehört zum Standardprogramm. Neben der Vielzahl an Weltklasse-Restaurants und Bars bietet das «Talise»-Spa einen diskreten Zufluchtsort für Hotel- und Tagesgäste. 150 Meter über dem Arabischen Golf gelegen, erstreckt sich das Spa über zwei Ebenen und bietet 14 luxuriöse Behandlungsund Therapieräume, separate Infinity-Innenpools für Männer und Frauen, Jacuzzi, Saunen, Dampf bäder und Tauchbecken. Für meinen ersten Besuch in Dubai wurde die Messlatte dank des Besuchs im «Burj Al Arab» hoch angesetzt. Was arabischer Luxus genau bedeutet, durfte ich hier am eigenen Leib erfahren. Ein Erlebnis, das die grenzenlosen Möglichkeiten innerhalb Dubais symbolisiert und den ikonischen Status des «Burj Al Arab» legitimiert.

WUNDERLAND

DIREKT AM GOLF VON THAILAND LIEGT KAMBODSCHA ZWISCHEN LAOS, VIETNAM UND THAILAND. SIEM REAP IST EINER MEINER ABSOLUTEN LIEBLINGSORTE IN ASIEN. DIE KLEINE, ABER LEBENDIGE STADT MIT KREATIVEM DORFFLAIR HAT SO EINIGES ZU BIETEN! MIT EINER PULSIERENDEN FEINSCHMECKERKULTUR, ENDLOSEN CHARMANTEN CAFÉS, EINER BLÜHENDEN KUNSTUND HANDWERKSSZENE UND EINEM PULSIERENDEN NACHTLEBEN

KÖNNEN SIE DIE REICHE GESCHICHTE DIESER REGION UND IHRE NÄHE ZU KAMBODSCHAS HÖCHSTEN KULTURSCHÄTZEN – DER ANTIKEN TEMPELSTADT ANGKOR WAT –ERLEBEN.

Angkor Wat («Tempel der Hauptstadt») steht bei vielen Weltenbummlern auf der Wunschliste. Siem Reap ist der ideale Ausgangspunkt, um die Tempelanlagen von Angkor Wat zu besuchen, und zugleich Hauptstadt der gleichnamigen Provinz. Neben gehobenen Hotels und edlen Restaurants findet hier auch ein Grossteil des Nachtlebens in Kambodscha statt.

Während die Roten Khmer Kambodscha verwüsteten und von 1975 bis 1979 für den Völkermord an etwa zwei Millionen Menschen verantwortlich waren, ist das Land heute stabil. Der glorreiche Tempelkomplex von Angkor Wat zog im Jahr 1993 noch 7000 Besucher jährlich an, mittlerweile ist diese Zahl auf zwei Millionen pro Jahr angestiegen.

Der Tempel wurde entworfen, um den Berg Meru, die mythologische Heimat hinduistischer Götter, nachzubilden, von dem angenommen wird, dass er das Zentrum der Welt war. Der Hauptturm ist etwa 200 Fuss hoch und die äusseren Türme symbolisieren zusätzliche Gipfel, während die zwei Meilen lange Umfassungsmauer die Ausläufer am Rande der Welt darstellt und die Wassergräben dazwischen die Ozeane darstellen. Ursprünglich als hinduistischer Schrein erbaut, verwandelte er sich langsam in eine buddhistische heilige Stätte.

Die Ruinen von Angkor Wat erzählen von einer Zeit zwischen dem 9. und 15. Jahrhundert, in der über eine Million Menschen in der riesengrossen Tempelanlage lebten. Der Tempel ist zwischen 5:00 und 5:30 Uhr ein Touristenmagnet wie keine andere Sehenswürdigkeit. Es gibt inmitten der Tempelanlage einen grossen Seerosenteich, an dem die Touristen zu dieser Tageszeit auf ein

Autor_Urs Huebscher Bilder_Anantara

KAMBODSCHA

besonderes Spektakel warten

den Sonnenaufgang. Vor der Kulisse der lotusförmigen Tempeltür offenbart sich dem Betrachter binnen weniger Sekunden ein farbenfrohes Schauspiel: Urplötzlich wird es aus tiefster Dunkelheit hell, dann färbt sich der Himmel für kurze Zeit in ein leichtes Rosa. Ein neuer Tag beginnt!

In der Gegend gibt es etwa 150 ausgegrabene Tempel, und es wird angenommen, dass es unter der Erde 150 weitere gibt, die nur darauf warten, ausgegraben zu werden. Angkor Wat ist bei Weitem die grossartigste und am besten erhaltene und wahrscheinlich einzige Tempelanlage, die seit ihrer Erbauung (in der ersten Hälfte des 12. Jahrhunderts) ein wichtiges religiöses Ziel geblieben ist. Die Fertigstellung unter der Herrschaft von König Suryavarman II. dauerte über 30 Jahre und rund 6000 Elefanten sollen den Steintransport durchgeführt haben.

RÜCKZUGSORT ANANTARA ANGKOR

Die ideale Unterkunft in der charmanten Stadt Siem Reap ist das Anantara Angkor Resort & Spa, nur eine kurze Entfernung von der prächtigen Tempelanlage von Angkor Wat entfernt und ein grossartiger Ort, um die Geschichte und das Erbe Kambodschas kennenzulernen, während es gleichzeitig alle Annehmlichkeiten eines modernes High-End-Resorts bietet. Es gibt 39 Zimmer und Suiten, die von gemütlichen und eleganten Deluxe-Zimmern bis zu geräumigen Premium-Deluxe-Zimmern reichen, die alle wie Studios gestaltet sind und über Lounge, Schlafzimmer und einen halboffenen Badezimmerbereich verfügen. Darüber hinaus verfügt jedes Zimmer über einen eigenen Balkon mit herrlichem Blick auf den Pool und die Umgebung. Noch beeindruckender sind die luxuriösen Anantara- und Sothea-Suiten – letztere verfügen sogar über eine private Bibliothek, die sich in eine Lounge, ein Esszimmer

oder einen Besprechungsraum verwandeln lässt. Das dazugehörende Spa ist ein wahrer Genuss und bietet mit Sicherheit den Rahmen für viele Stunden glückseliger Ruhe.

Die liebevollen Hände der Mitarbeiter von Anantara sind allgegenwärtig in allen Hotels der Fünf-Sterne-Hotelgruppe, die für ihren hervorragenden Service und ihr exquisites Ambiente bekannt sind. Unter den Mitarbeitern befinden sich auch Gurus, die sich um spezifische Bedürfnisse kümmern können – sogar bis hin zu der Art von Kissen, die Sie für glückselige acht Stunden mit Morpheus benötigen.

RESIDIEREN IM HERRENHAUS

Umgeben von hohen, jahrhundertealten Bäumen und vielfältiger, tropischer Flora vereint das historische Herrenhaus FCC Angkor by Avani Vergangenheit und Gegenwart auf charmante Weise. Hier kamen einst Archäologen, Prominente, Reisende sowie Journalisten aus aller Welt zusammen. Die Mischung aus französischem Kolonialstil und modernen Elementen lässt die Geschichte des Ortes auch im Hotel aufleben. Jede(s) der 80 Zimmer und Suiten ist mit einer antiken Schreibmaschine sowie gerahmten Titelseiten regionaler Zeitungen ausgestattet. Vertikale Lamellen, weiss getünchte Wände, offene Räume sowie Khmer-Kunst mit bezaubernden Schnitzereien und traditionellen Fliesen prägen das Innere. Das 80-Zimmer-Boutique-Hotel ist in der Tat ein Stadthotel, hat aber den Look & Feel eines Resort-Refugiums. Bei einem Spaziergang durch den Hotelgarten vergisst man vielleicht ganz, dass man sich eigentlich im Herzen einer pulsierenden Stadt befindet. Die Fülle an tropischer Flora und üppiger Vegetation beruhigt den Geist und schafft eine entspannende Atmosphäre rund um das gesamte Hotel. Alle Zimmertypen bieten einen tropischen Blick auf die Gärten oder den Pool. Das helle und luftige Design, kombiniert mit nostalgischem Dekor, sorgt dafür, dass sich jeder wie zu Hause fühlt.

WWW.ANANTARA.COM/EN/ANGKOR-SIEM-REAP WWW.FCCCOLLECTION.COM/ANGKOR

GASTFREUNDSCHAFT, NACHHALTIGKEIT UND GEMEINSCHAFT

Das ganzjährig geöffnete Six Senses Resort in der abgeschiedenen Bucht von Xarraca an der Nordspitze Ibizas bietet ein umfassendes Angebot an Annehmlichkeiten und Erlebnissen: Farm-to-TableKonzept, Musik, Kunst, nachhaltige Mode, Kultur und Wellness. Jedes Erlebnis ist von den Traditionen und Werten der Insel inspiriert. So entstand ein einmaliger Ort, der bedeutungsvolle Momente der Gemeinschaft, Spiritualität und Feierlichkeiten bereithält.

NACHHALTIGES DESIGN

Angetrieben durch eigene erneuerbare Energiequellen – bis zu 51 Prozent zu jedem Zeitpunkt – und mit eindrucksvollen Zielen für Zero Waste und Verzicht auf Einwegkunststoffprodukte steht Nachhaltigkeit im Mittelpunkt. Somit wurde Six Senses Ibiza das erste BREEAM-zertifizierte Resort auf den Balearen. BREEAM ist das angesehenste und am weitesten verbreitete Zertifizierungssystem für nachhaltiges Bauen und setzt neue Massstäbe für nachhaltige Immobilien weltweit.

IBIZA GILT FÜR DIE HEUTIGE GENERATION VON KREATIVEN UND KULTURSUCHENDEN ALS

EINES DER ANSPRUCHSVOLLSTEN

REISEZIELE DER WELT.

AUTHENTISCHE KULINARISCHE REISEN

Kulinarisches Flaggschiff des Resorts ist das HaSalon Ibiza. Das gesamte Bar- und Restaurantangebot ist die geballte Kraft biologischer, saisonaler und regionaler Zutaten, die auf völlig neue

Autor_Urs Huebscher Bilder_Six Senses

und innovative Weise zubereitet werden. Die offene Küche lässt die Gäste Teil des kreativen Prozesses werden, wenn sie sich im Schatten der 100 Jahre alten Olivenbäume um den Chef’s Table versammeln, an dem 50 Gäste Platz finden. The Farmer’s Market bietet eine authentische Auswahl an natürlichen und nachhaltigen Spezialitäten, von der Holzofenpizza bis hin zu traditionellen Kaffees und anderen Leckereien. The Orchard ist das wohl intimste Speise-Erlebnis des Hotels, das gekonnt klassische, lokale Küche mit mexikanisch-peruanischen Cocktails verbindet. Live Cave, Twin Bar und Farmacy Bar bieten gehaltvolle MixologieErlebnisse, bestehend aus individuell zubereiteten Bio-Säften, Elixieren, Weinen und Spirituosen.

ENTSPANNUNG FÜR ALLE SINNE

Von Signature- und lokal inspirierten Behandlungen über Biohacking, das die natürliche Erholung des Körpers anregt, bis hin zu mehrschichtigen Wellness-Workshops und massgeschneiderten Hautpflegelösungen: Im Six Senses Spa werden die individuellen Bedürfnisse eines jeden Gastes stets berücksichtigt. Die Rose Bar bietet mit einer Reihe an Präventionsprogrammen eine Möglichkeit, die Jahre etwas zurückzudrehen. Diagnostik, moderne Heilungsmethoden, Biohacking, Ernährung und Schönheitsbehandlungen werden hierzu gekonnt kombiniert.

NEUE PRIVATE RESIDENZEN UND MANSIONS

Die neuen meisterhaft gestalteten Unterkünfte mit drei bis zehn Schlafzimmern eignen sich perfekt für Familien und Gruppen für eine gemeinsame Auszeit an atemberaubender Lage: grosszügige Innenräume und Schlafzimmer mit eigenem Bad, private Pools sowie Aussenbereiche für den Sonnengruss und Sundowner-Cocktails. Auch besondere Dienstleistungen wie ein eigener Koch, Concierge und Spa-Behandlungen in den eigenen vier Wänden werden angeboten. Eine weitere Besonderheit dieser Residenzen ist, dass die Gäste Teil der Six-Senses-Ibiza-Gemeinschaft sind. Das bedeutet, dass sie einen unvergleichlichen Zugang zu den umfassenden Annehmlichkeiten und Angeboten des Resorts haben.

THE BEACH CAVES

Direkt am Wasser mit Blick über die wunderschöne Xarraca-Bucht liegt The Beach Caves des Six Senses Ibiza. Ein neuer verlockender Unterhaltungsort, der einen raffinierten und doch verspielten Ansatz für Essen, Musik und Unterhaltung in den schönen Norden der weissen Insel bringt. The Beach Caves zelebriert alles, was Ibiza ausmacht. Es vereint ein anspruchsvolles, eklektisches und freigeistiges Konzept für Essen, Musik und Unterhaltung. Direkt am Meer gelegen, beherbergt es ein Restaurant sowie eine Bar, die den ganzen Tag über geöffnet sind. Hinzu kommen private Speiseräumlichkeiten, der Xarraca Room mit Live-Musik und sogar ein modernes Aufnahmestudio. WWW.SIXSENSESIBIZA.COM

FRÜHLINGSGEFÜHLE in der Region Lugano

LUGANO IM FRÜHLING IST JEDES JAHR ZUM

STAUNEN SCHÖN. IM MEDITERRANEN KLIMA BLÜHT

DIE NATUR AUF – SOWOHL RUND UM DEN SEE ALS AUCH IN DEN ROMANTISCHEN DÖRFERN HIER IN DER REGION. NACH DEM WINTER WECKT DIE FARBENPRACHT IN DEN PARKS FRÜHLINGSGEFÜHLE. AUCH WENN SIE VON DEN BERGGIPFELN DIE

SPEKTAKULÄRE AUSSICHT INS TAL GENIESSEN, IST DIES GERADE ZU DIESER JAHRESZEIT EINMALIG. FREUEN SIE SICH AUF EIN BUNTES ANGEBOT AN FESTIVALS, SPORT- UND KULTURVERANSTALTUNGEN. UND ERLEBEN SIE DIE TYPISCHE GASTFREUNDSCHAFT DES SÜDENS DER SCHWEIZ MIT ALLEN SINNEN.

NATURSCHÄTZE DER REGION

Ein Besuch in der Region wäre nicht vollständig ohne eine Schifffahrt auf dem Luganersee und einen Besuch der Ortschaften am Seeufer. Das romantische alte Fischerdorf an den Hängen des Monte Brè kann nun von Lugano aus auf nachhaltige Weise mit dem Schiff Ceresio 1931 erreicht werden – dem ersten vollständig elektrisch betriebenen Motorschiff der Schweiz mit Schnellladefähigkeit, das die «Green Line Cruise» auf der Strecke zwischen Lugano und dem alten Fischerdorf Gandria betreibt. Der verkehrsfreie Ortskern ist eine Oase der Ruhe mit seinen malerischen engen Gassen und Treppen, die Einblicke und Ausblicke gewähren. In der Umgebung von Gandria kann man alte und neue Olivenhaine bewundern, die vom Sentiero dell’olivo (Olivenbaumweg) durchquert werden, der zwischen Castagnola und Gandria verläuft. Ein Spaziergang durch die Farbenpracht und den Blütenduft im Parco San Grato ist ebenfalls einen Ausflug wert. In der Nähe des malerischen Dorfes Carona gelegen – zwischen dem Gipfel des Monte San Salvatores und dem Monte Arbostora –, bietet der Park eine grosse Vielfalt an Azaleen, Rhododendren und Koniferen, die jedes Jahr zur Blütezeit für einen wahren Rausch an Farben und wunderbaren Düften sorgen. Zwischen April und Mai organisiert der Verein «Amici del Parco San Grato» geführte Besichtigungen, um Sie in die Geheimnisse und Wunder dieses grossartigen Parks zu entführen. Tauchen Sie ein in die Natur des botanischen Parks, lassen Sie sich sanft schaukeln, während Sie das herrliche Panorama bewundern, das sich vor Ihnen auftut. Lassen Sie sich von einer Brise umschmeicheln und von den wärmenden Strahlen der Sonne küssen.

Autorin_Swenja Willms ©Lugano Region

EINE STADT MIT KUNSTREICHTUM

Das kulturelle Angebot der Museen und der reiche Veranstaltungskalender bilden ein attraktives Ensemble: Lugano, die Wiege grosser Künstler, beherbergt noch immer grosse Ausstellungen aller Art sowie kulturelle Veranstaltungen. Zu den wichtigsten Kultureinrichtungen gehören das Kunst- und Kulturzentrum LAC, das Herzstück der kulturellen Aktivitäten der Stadt, das Museo d’arte della Svizzera italiana (MASI) und das Museo delle Culture (MUSEC). Die gesamte Region bietet dank der zahlreichen Museen und Kulturräume zudem viele Möglichkeiten für Kulturliebhaber.

KULINARISCHE HIGHLIGHTS

Die Tessiner Küche in ihrer unverfälschten und einfachen Form kann in den Grotti genossen werden. Rustikale Orte, oft im Schatten alter Bäume, mit Tischen und Bänken aus Granit, an denen man das Mittag- oder Abendessen im Freien geniessen kann. Die GrottiTour ermöglicht es Ihnen, eine der Grotten im Gebiet der Cantine di Gandria – Grotto San Rocco, Caprino, Grotto dei Pescatori, Cantine di Gandria und Grotto Elvezia – mit dem Boot zu erreichen und dort ein traditionelles Abendessen am See zu geniessen. Der Service findet im Sommer an den Wochenenden statt, mit Abfahrten von der Anlegestelle Lugano Centrale und von Paradiso. Wer die Stadt aus der Sicht der Einheimischen und in gastronomischer Hinsicht entdecken möchte, kann mit «Taste My Swiss City Lugano» in den Geschmack der Stadt eintauchen und fünf der nach Meinung der Einheimischen besten Orte zum Essen und Trinken besuchen. Die Stationen der individuellen Foodund Weintour reichen von der Via Nassa mit dem Feinkostladen Bernasconi über die traditionellen Restaurants Bottegone del Vino und La Tinera bis hin zum Grand Café al Porto in der berühmten Via Pessina für ein süsses Dessert.

Für diejenigen, die eine geführte Tour bevorzugen, bietet die Food & Wine Tour Lugano die Möglichkeit, die Altstadt, die interessantesten Anekdoten und die verstecktesten Ecken in Begleitung eines lokalen Führers zu entdecken und dabei mehrere Stopps einzulegen, um lokale Spezialitäten zu kosten. Es ist mehr als eine Verkostung, denn es handelt sich um ein echtes Wandermenü.

TANZ UND KULTUR

Die ansteckende Energie des «Summer Jamboree», des grössten internationalen Kulturfestivals Amerikas der 40er- und 50erJahre in Europa, kommt zum zweiten Mal an die Ufer des Luganersees. Vier Tage voller Spass zu den Klängen der amerikanischen Musik und Kultur der 40er- und 50er-Jahre, die man auf keinen Fall verpassen darf. Eine unverzichtbare Gelegenheit, die amerikanische Musik und Kultur in all ihren musikalischen Formen zu entdecken und zu erleben: Rock ’n’ Roll, Swing, Country, Rockabilly, Rhythm ’n’ Blues, Hillbilly, Doo-Wop, Western Swing. Neben den zahlreichen Live-Konzerten wird es natürlich auch zahlreiche Rahmenveranstaltungen geben: Record Hop in verschiedenen Ecken der Stadt mit Top-DJs aus der ganzen Welt, Burlesque-Show und Kabarett, Weinlese-Markt, Oldtimer-Park für amerikanische Autos vor 1969, Friseurladen. Es wird kostenlosen Swing- und Rock-’n’Roll-Unterricht, um die ersten Schritte zu lernen, und das «Summer Jamboree on the Lake Dance Camp» geben –ein Intensivprogramm zum Erlernen von Swing- und Rock-’n’-Roll-Tänzen mit einigen der besten Tänzer der internationalen Szene.

©Lugano Region

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VISTA BRINGT AUF DIE WELTMEERE GLANZ

IM MAI WIRD DIE VISTA VON OCEANIA CRUISES ERSTMALS IN SEE STECHEN. DAS NEUESTE FLOTTENMITGLIED BEGEISTERT NEBEN DER FEINSTEN KÜCHE AUF SEE, HOCHWERTIGEM ANBORD-ENTERTAINMENT UND DESTINATIONEN ABSEITS DER BEKANNTEN PFADE MIT EINEM LUXURIÖSEN UND DENNOCH LEGEREN AMBIENTE.

In ihrer Debüt-Saison wird die Vista auf 18 Reisen zu mehr als 24 Ländern auf vier Kontinenten führen – von den Sandstränden Asiens im Osten bis hin zu den glitzernden Hollywood Hills im Westen. Darunter sind viele kleine Häfen, die sonst nicht auf den klassischen Kreuzfahrtprogrammen zu finden sind. Dabei wird die Reederei einmal mehr ihrem Anspruch gerecht, den Gästen Zugang zu neuen, unvergesslichen Destinationserlebnissen zu ermöglichen.

IMPOSANTE RÄUMLICHKEITEN

Eine beachtliche Säule aus Licht und Kristall heisst die Gäste in der Lobby auf das Herzlichste an Bord der Vista willkommen. Das in Naturtönen gehaltene Pool-Deck sowie The Grand Lounge mit ihrer glamourösen Atmosphäre zählen zu den weiteren Glanzstücken der öffentlichen Bereiche des eleganten Neubaus. The Grand Dining Room stellt durch seine zeitgenössische Interpretation der Belle Époque eine Hommage an die frühen 20er-Jahre in Paris dar. Mit einer Vielzahl an Gesellschafts-, Erholungs- und Wellnessbereichen, die sich über sechs der insgesamt elf Gästedecks erstrecken, steht die Vista für das charakteristische Boutique-Luxuserlebnis der Marke Oceania Cruises.

Autor_Urs Huebscher Bilder_Oceania Cruises

DIE FEINSTE KÜCHE AUF SEE

Insgesamt zwölf Gourmet-Treffpunkte werden für Genussmomente sorgen – darunter zwei neue Restaurants und eine hauseigene Bäckerei, die auf der Vista Premiere feiern. Ember ist das neueste Mitglied der Restaurantfamilie von Oceania Cruises und kombiniert originelle amerikanische Kreationen mit beliebten Klassikern. Auch die Aquamar Kitchen wird erstmals an Bord der Vista eröffnen und verbindet Gaumenfreuden mit Wellness.

EIN ZUHAUSE AUF SEE

Mit dem luxuriösen Interieur der Vista erfüllt die Reederei ihre Ansprüche einmal mehr und setzt neue Massstäbe im Bereich des stilvollen Wohnens auf See. Hinter den Türen der Kabinen, Suiten und Penthouses warten grosszügige Badezimmer mit Regenwaldduschen, edle Polster und Möbel, hochwertige Kunst sowie eine durchdachte und ansprechende Raumgestaltung – alle mit einer eigenen Veranda. Die kleinste Kabinenkategorie verfügt bereits über beachtliche 27 Quadratmeter. Noch mehr Platz bieten die Suiten der Vista mit bis zu 223 Quadratmetern. Die sprichwörtlichen «Meeres-Residenzen» trumpfen je nach Kategorie mit separaten Ankleidezimmern, einer Teakholzveranda inklusive 180-GradAusblick oder auch einem eigenen Barbereich auf. Besonderes Highlight sind die drei Owner’s-Suiten, die sich über die komplette Schiffsbreite erstrecken und exklusiv im Ralph-Lauren-HomeStil gestaltet sind. Premiere hat eine neue Kategorie von Verandakabinen auf Concierge-Niveau, mit der sich Oceania Cruises an Alleinreisende richtet.

WWW.OCEANIACRUISES.COM

PRADA

Der Picknick-Rucksack mit diversen Details besteht aus Nylon, einem Stoff, den Prada erstmals in die Welt des Luxus einführte und der Teil der Marken-DNA ist. Das Accessoire ist mit dem ikonischen Triangolo-Logo aus emailliertem Metall verziert und enthält zwei Sandwichboxen aus Edelstahl, zwei Bestecksets, zwei 500-Milliliter-Wasserflaschen sowie Servietten aus Leinen.

JOHNSTONS OF ELGIN

RDas Luxus-Kaschmir-Reiseset umfasst Kamel-KaschmirReisesocken und eine mit Kamelseide gefütterte Kaschmir-Augenmaske, präsentiert in einer KaschmirReisetasche mit Kordelzug. Machen Sie das Reisen zu einem Vergnügen für einen besonderen Menschen, unabhängig von seinem Ziel.

RIMOWA X PALACE

Der Original Cabin Desert, der in Zusammenarbeit mit Palace entworfen wurde, ist ein Stück in limitierter Auflage und mit exklusivem Design. Die Oberfläche des ikonischen Koffers zeigt eine Wüstenlandschaft aus einer fantastischen Welt – wir sehen ein faszinierendes mehrfarbiges Muster aus warmen und lebendigen Farben, die auf Rosaund Sandtöne auf dem silbernen Aluminium treffen. Dieses Muster erzeugt zusammen mit dem Glanz der gerillten Hartschale eine optische Illusion von Licht, das vom rosa Himmel reflektiert wird.

P TRA VEL TRENDS

H

JHASSELBLAD

Ein Set für jedes Abenteuer. Das «X2D 100C Lightweight Field Kit» enthält Hasselblads neuestes Topmodell unter den spiegellosen Mittelformatkameras, die X2D 100C, und die Objektive XCD 4 / 21 und XCD 4/45P. Insgesamt wiegt das Kit nur 1810 Gramm. Es ist somit ideal für lange Shootings oder Wanderungen zu schwer zugänglichen Orten geeignet.

CULI NA

RI UM CULI NARI UM

KUNST AM KÜCHENTISCH

GAST UND GLEICHZEITIG TEIL DER KÜCHE SEIN. IM ALTEHRWÜRDIGEN LÖWENBRÄU-AREAL INMITTEN ZÜRICHS ERFAHREN GOURMETS UND GENIESSER EIN NEUARTIGES GASTRO-ERLEBNIS

À LA CHEFS TABLE. EIN KONZEPT, DAS AUS EINEM DINNER EIN ERLEBNIS UND AUS GERICHTEN KUNSTWERKE MACHT.

ACHT

Acht Tische stehen verteilt im Raum, es herrscht ein industrielles Ambiente im denkmalgeschützten Löwenbräu-Silo in Zürich. Ich betrete eine Welt der Kontraste, das Fine-Dining-Restaurant «elmira» macht vieles anders. Dies wird mir schon vor dem Betreten des Lokals bewusst. Denn gleich einem Konzertbesuch wird die Tischreservierung für das kulinarische Erlebnis im «elmira» im Voraus über ein Onlinetool gebucht. So entsteht für das Küchenteam eine Planungssicherheit und somit kaum bis kein Foodwaste. Für die Gäste steht der Genuss stets im Vordergrund, da das mühsame Prozedere um die Abrechnung entfällt. Selbst die Tischwahl wird bei der Onlinebuchung dem Gast überlassen. Ich entscheide mich für einen Tisch direkt an der offenen Küche gelegen.

Schliesslich möchte ich Chefkoch Vilson Krasnic genau im Blick haben, wenn er die essbaren Kunstwerke vorbereitet, die uns hier begegnen sollen. Entgegen der allgemeinen Erwartung, dass es in einer Gastroküche laut und hektisch zu- und hergehen muss, herrscht in der offenen Küche Ruhe und Harmonie. «Mittlerweile können wir den Stress gut verstecken», verrät mir Krasnic am Ende des Abends und schmunzelt dabei.

Dass das Team miteinander harmoniert, wird auf den ersten Blick klar: Freude herrscht in der Küche, man lacht, Gastgeber Nicolas Bernet schnippt lässig mit seinen Fingern im Takt der Musik und schreitet schwungvollen Schrittes durch das kleine Lokal. Die Distanziertheit und Kühle, die vielleicht in einem edlen Restaurant vermutet wird, sucht man hier vergebens. Auf Du und Du ist man als Gast mit dem Küchenchef und Sommelier –eine Atmosphäre, die für diese intime Art von Dinner notwendig ist. Schliesslich werden die Speisen teilweise erst direkt am Tisch gemeinsam mit dem Gast vollendet.

Im Sieben-Gänge-Gourmet-Menü ist die Wein- oder Saftbegleitung inklusive.

Autorin_Swenja Willms Bilder_Mirabelle AG

Bereits beim Amuse-Bouche wird klar: Das hier wird kein gewöhnliches Sieben-Gänge-Menü. Gebackener Tofu, serviert am Partyspiess, oder ein Berlingot – ursprünglich ein französisches Bonbon in pyramidenähnlicher Form, im «elmira» jedoch in salziger Variation aufgetischt mit Kürbis und Spitzkohl-Kimchi. Der Appetizer macht Lust auf mehr und noch bevor der eigentliche erste Gang angerichtet wird, versetzt mich Krasnic mittels seiner sorgfältig ausgewählten Speisen und derer visuellen Darbietung auf dem Teller in ein Setting fern des Löwenbräus. So schweife ich umher, knusprige Chips vom Kräuterseitling und eine würzige Pilzessenz versetzen mich in einen dichten Mischwald an einem lauwarmen Herbsttag. Was dem Gaumen folgt, erblickt das Auge zuerst: Reagenzgläser, drapiert auf einem Bett mit Moos und Eicheln – der zweite Vorgeschmack auf das hochkarätige Dinner.

ERLEBNISKÜCHE MIT KULINARISCHEN ÜBERRASCHUNGEN

Die Gäste des «elmira» haben die Wahl zwischen einem pflanzenbasierten und einem tierischen Menü – so können auf Sterneniveau erstmals alle Bedürfnisse gestillt werden und Veganer*innen wie auch Fleischliebhaber*innen gemeinsam ausgehen. «Unsere regionalen Produkte sind stets auf die Saison angepasst und werden durch die innovative Veredelung zu den Stars des Hauses», sagt Chefkoch Vilson Krasnic. Für den Winter werden die saisonalen Zutaten haltbar gemacht, um auch in der kalten Jahreszeit abwechslungsreiche Gerichte anzubieten. Der erste Gang des Abends wird serviert und erweitert das Verständnis des herausragenden Talents des Küchenteams. Das Radieschenkarussell, gebettet auf Ziegenfrischkäse, wahlweise gepaart mit Kalbszunge oder

Im denkmalgeschützten Löwenbräu-Silo in Zürich warten acht exklusive Tische auf die Gäste.

Senfkörnern, kommt einem Kunstwerk gleich. Den letzten Schliff, gleich der Signatur auf einem Gemälde, verleiht Krasnic dem Gericht mit einer Balsamico-Essenz, die direkt am Tisch vor den Augen der Gäste das Werk vollendet. Die Nähe zum dreiköpfigen Küchenteam schafft Zeit und Raum für Gespräche. Anekdoten und Kurzgeschichten zu den Gerichten sind keine Seltenheit. Das Personal wird zum Kompagnon. So lernen wir Benjamin Décôtes-Genon kennen, Chef de Partie, der beim Servieren des Brotgangs erklärt, dass in seiner Heimat, der Bretagne, das Sprichwort gilt: «Butter ist Leben». Deswegen bekommen Brot und Butter im «elmira» ihren eigenen Gang und die Chance, zu glänzen. Die passende Butterbegleitung zum ofenfrischen Sauerteigbrot wird in Form einer cremigen Schnittlauchbutter oder einer CrispyChicken-Skin-Butter gereicht.

Auch wenn die Produkte saisonal sind, scheut sich Krasnic nicht davor, seine Gäste in kulinarisch fernere Orte zu entführen. So gleicht der dritte Gang, der Feldkaviar, angerichtet auf einer Tofucreme, einer Reise nach Japan. Der passende Oolong-Tee wird dazu gereicht, denn die passende Getränkewahl ist auch hier kein Zufall. Gastgeber und Sommelier Nicolas Bernet hat für jeden Gang die passende Wein-, Saft- oder Teebegleitung ausgearbeitet. «Wir haben den Fokus auf biodynamische Weine aus dem Inund grenznahen Ausland gelegt, die ein perfektes Pairing bieten»,

sagt er. Eine weitere Spezialität des Hauses ist die von ihm selbst hergestellte nichtalkoholische Saftbegleitung. Neben hausgemachten Shrubs und Kombuchas serviert der Sommelier feine Obstsäfte, die alternativ zum Wein mit den Gängen harmonieren. Dabei können die Gäste bei jedem Gang neu entscheiden, von welchem Wein oder Saft sie noch mehr geniessen möchten. Auch für Mutige hält Bernet etwas bereit: Zum vierten Gang, einer Winter-Schnitte, basierend auf Sellerie, karamellisierten Zwiebeln, Kastanie und Périgord-Trüffel, wird der hausgemachte ZwiebelShrub gereicht. Streng im Geruch, doch überraschend im Geschmack – die süsssaure Note sorgt für eine regelrechte Explosion im Gaumen.

Nach rund vier Stunden endet unser kulinarischer Abend auf Sterneniveau. Welche Leckerbissen das restliche Menü des «elmira» vervollständigen, wird an dieser Stelle verschwiegen. Natürlich gehen wir nicht, ohne einen kurzen Schwatz mit dem Küchenchef und Sommelier zu halten. Der Abend endet eben, wie er begonnen hat, in familiärer Atmosphäre und mit Liebe für den Gast.

Die regionalen Produkte werden im «elmira» stets an die Saison angepasst.

SHRIMPS

ERNTEFRISCH AUS DER SCHWEIZ

SWISSSHRIMPS WERDEN NACHHALTIG

GEZÜCHTET – UND DAS NÄHER, ALS MAN

ERWARTET: IN RHEINFELDEN IM FRICKTAL.

DIE KURZEN TRANSPORTWEGE UND DIE

SORGFÄLTIGE AUFZUCHT MACHEN

DIE MEERESTIERE ZU EINER ECHTEN DELIKATESSE.

Wer sich im Restaurant für das Menu mit Shrimps entscheidet, kriegt aufgetischt, was eine mehrmonatige Reise hinter sich hat. Die Ware wird tiefgefroren, in Schiffscontainer verladen und stammt meist aus Asien, Thailand, Vietnam oder Indien. Rund 8000 Tonnen Shrimps werden jährlich in die Schweiz importiert. Ganz auf die leckeren Meeresfrüchte verzichten, das wollten die Gründer der SwissShrimp AG nicht und verfolgen seit mehreren Jahren das Ziel, Shrimps in der Schweiz aufzuzüchten. Inzwischen hat sich ihre Zucht im aargauischen Rheinfelden zur grössten innerhalb der Schweiz und Europas entwickelt. Die Aufzucht startet mit winzigen Postlarven. Sie wachsen innert 100 bis 120 Tagen auf ihre endgültige Grösse an. Die SwissShrimp AG setzt auf Nachhaltigkeit, hohe Wasserqualität und verzichtet auf den Einsatz von Antibiotika. Das macht sich in der Qualität bemerkbar. Oder wie Gastromanager Boris Walker es formuliert: «Die Konsistenz fällt auf. Der leichte, zarte Biss hat mich sofort überzeugt. Ein tolles Produkt, das sich für rohe Zubereitungen wie Ceviche eignet.»

Autorin_Swenja Willms Bilder_André Scheidegger

ERNTEFRISCH UND AUS DER REGION

SwissShrimps gibt es in drei unterschiedlichen Grössen, markant ist die bläuliche Farbe des frischen Fleisches. Bei der Zubereitung mit Hitze verfärbt es sich und erhält die typische rosa Farbe. Die Delikatesse lässt sich ausgezeichnet roh geniessen, dabei kommen der knackige Biss und der hervorragende Eigengeschmack besonders gut zur Geltung. Sie schmecken nicht nur gut, sondern überzeugen auch als Proteinquelle ebenso wie als Lieferant wertvoller Omega-3-Fettsäuren.

Wer SwissShrimps online bestellt, erhält sie erntefrisch nach Hause geliefert. «Wir ernten nur so viele Tiere, wie für die aktuellen Bestellungen nötig sind», erläutert Geschäftsführer Rafael Waber. Für den Transport ist es wichtig, dass die SwissShrimps durchgehend gekühlt sind. Deshalb hat das Unternehmen gleich eine eigene Frischebox entwickelt. Die blaue Mehrwegbox kann wiederverwendet werden und wurde mit dem Swiss Packaging Award ausgezeichnet. Die Box lässt sich retournieren, so fällt wenig Abfall an und die Kreislaufwirtschaft wird gefördert.

EIN GEHEIMTIPP: UNGESCHÄLT UND MIT KOPF

Wer beim Grossanbieter Shrimps kauft, greift gerne zu geschälten Tieren ohne Kopf. Doch der charakteristische Geschmack steckt hauptsächlich in den Köpfen und Schalen. Gourmets verwenden die Karkasse (Schalen) sowie die Köpfe der SwissShrimps als Grundlage für würzige Fonds und Suppen.

Zu den beliebtesten Rezepten zählen «Salade Niçoise mit SwissShrimps», «Tagliatelle mit SwissShrimps und Trüffel» und «SwissShrimps an Champagnersauce». Auf der Website gibt es zahlreiche Rezepte kostenlos – auch solche, die von Kochprofis wie David Geisser oder Mike Wehrle eigens kreiert wurden.

WWW.SWISSSHRIMP.CH

AUSFLUGSTIPP FARMBESUCH

Die SwissShrimp AG bietet für Gruppen geführte Farmbesuche an. Geschäftsleiter Rafael Waber gibt Auskunft.

Was erwartet die Besucher auf der Shrimpsfarm?

Los geht es im Besucherzentrum, Sie starten in unserer Ausstellung, die exklusiv für Gruppen zugänglich ist. Im anschliessenden Referat erfahren Sie vieles über die Aufzucht, Umweltprobleme und die Tiere. Wussten Sie etwa, dass Shrimps bei Gefahr rückwärts wegschwimmen? Auf dem Rundgang wird es tropisch, in der Halle mit den Salzwasserbecken ist es rund 30 Grad warm.

Kann man vor Ort SwissShrimps probieren?

Wir bieten Besuche mit Degustationen, Apéro petit oder riche an. Bis zu 56 Personen können wir empfangen.

Wie könnte der Tag weitergehen?

Ich empfehle einen Abstecher in die Saline Riburg, die von uns zu Fuss erreichbar ist. Sie ist seit 1848 in Betrieb. Wir nutzen Salz und Abwärme der Saline für den Betrieb unserer Salzwasserbecken. Es gibt einiges zu entdecken, etwa das historische Bohrhaus. Imposant ist auch die grösste Holzkuppel Europas, unter der das Salz gelagert wird.

EDLER DUNST

EIN STÜCK KUBA INMITTEN ZÜRICHS. MUSIK, COCKTAILS UND NATÜRLICH DAS MARKENZEICHEN DES KARIBISCHEN STAATES: EINE ZIGARRE. WIR BEFINDEN UNS IM «MANUEL’S». DAS ETABLISSEMENT AN DER LÖWENSTRASSE BIETET AUF SEINER ERSTEN ETAGE MITTELS GEPFLEGTER SMOKER-LOUNGE UND BEGEHBAREM HUMIDOR EINE EXZEPTIONELLE AUSWAHL EDELSTER ZIGARREN. DURCH DIE PARTNERSCHAFT MIT DER PALTURO GMBH KONNTE GESCHÄFTSFÜHRER

MANUEL FRÖHLICH IM JAHR 2015 SEIN SORTIMENT MIT AUSGEWÄHLTEN

VINTAGE-ZIGARREN ERWEITERN. WAS MAN BEI DEREN KAUF UND KONSUM BEACHTEN SOLLTE, ERKLÄRT DER AFICIONADO GEMEINSAM MIT SASKIA STAUB, GESCHÄFTSFÜHRERIN DER PALTURO GMBH.

PRESTIGE: Zigarren aus Kuba sind ein beliebtes und dadurch auch ein rares Gut. Was macht kubanische Zigarren so besonders?

MANUEL FRÖHLICH: Die Qualität des Tabaks. Kubanischer Tabak hat nämlich die Eigenschaft, dass er sich über die Zeit geschmacklich entwickelt und verändert. Werden Havannas richtig gelagert, fermentiert der Tabak langsam weiter. Mikroorganismen im Tabak sorgen dafür, dass eine Zigarre über die Jahre immer milder wird. Nikotin, Schärfe und Bitternoten werden abgebaut. Deswegen eignen sich kubanische Zigarren auch besonders als Anlageobjekte, weil sie mit der Zeit reifen –vergleichbar mit einem guten Wein.

Hinzu kommt das Image von kubanischen Zigarren.

MANUEL FRÖHLICH: Der Erfolg der kubanischen Marken basiert auf ihrer Authentizität. Cohiba zum Beispiel ist wirklich vom inneren Kreis Fidel Castros gegründet worden. Und wer eine Cohiba raucht, hat genau diese Bilder der Revolution im Kopf. Eine solche Geschichte kann keine Marketingfirma entwickeln. Darauf basiert die ausserordentliche Kraft dieser Marke. Selbst Verarbeitungsmängel, die hin und wieder auftreten, nehmen die Konsumenten im Rahmen des «sozialistischen Gesamterlebnisses» in Kauf. So etwas würde ein Konsument beim Kauf einer 100-Franken-Zigarre einer anderen Marke niemals akzeptieren. Sicher ist: Der kubanische Tabak mit seinem vollmundigen Geschmack ist einzigartig.

Gibt es Beispiele, an denen die immense Preisentwicklung von Zigarren sichtbar wird?

SASKIA STAUB: Ein Beispiel ist die «Cohiba Sublimes» von 2004, die seit ihrem Jahrgang jedes Jahr im Preis um 21 Prozent angestiegen ist. Oder ein «Majestuoso»-Humidor, gekauft im Jahr 2016 für 4000 Franken, kann heute für 40’000 Franken verkauft werden. Das sind 50 Prozent Rendite pro Jahr.

Was sind die Gründe für derartige Preissteigerungen?

MANUEL FRÖHLICH: Seit ich im Zigarren-Geschäft tätig bin, also seit 20 Jahren, ist die Produktion von Tabak in Kuba mehr oder weniger stabil geblieben. Der Boden für den Tabakanbau ist limitiert. Manchmal fehlt es auch an banalen Dingen, zum Beispiel an Düngemitteln, oder es steht kein Benzin für Traktoren bereit. Gleichzeitig wächst die Nachfrage kontinuierlich. Durch die Corona-Krise, die daraus folgende Kurzarbeit und die Lockdowns hat die Knappheit nochmals andere Dimensionen angenommen. Das Angebot ist in den vergangenen zwei Jahren deutlich zurückgegangen und hat eine Spirale in Gang gesetzt.

Das typische Problem mit Luxusgütern.

MANUEL FRÖHLICH: Knappheit im Luxusgütersegment ist ein ganz wichtiger Faktor. Aber im Fall von Kuba ist es eben keine künstliche Verknappung, sondern Realität.

Mit der Palturo GmbH spezialisieren sie sich seit 2015 auf kubanische Vintage-Zigarren. Wie ist diese Geschäftsidee entstanden?

SASKIA STAUB: Unsere Businessidee basierte auf dem Gedanken, dass kubanische Zigarren über die Jahre besser werden. Da es noch keinen professionellen Anbieter in diesem Bereich gab und sowohl Manuel als auch mein Mann Zigarrenliebhaber sind, entschlossen wir uns für den Aufbau unseres Vintage-Business. Dazu haben wir ein Drei-Säulen-Prinzip gewählt, beruhend auf Bestsellern, Raritäten und Vintage-Zigarren. Von unseren Bestsellern kaufen wir jedes Jahr eine bestimmte Anzahl Kisten über den offiziellen Habanos-Importeur, der uns eine Herkunftsgarantie und erstklassige Qualität bietet. Die Kisten werden anschliessend zur Veredelung bei konstant 18 Grad Raumtemperatur und einer

Autorin_Swenja Willms Bilder_Manuel’s GmbH

Luftfeuchtigkeit von 67 Prozent gelagert und immer wieder kontrolliert. Nach fünf bis sieben Jahren sind diese Zigarren gereift und bereit für den Verkauf. Die zweite Säule stellen unsere Raritäten dar, limitierte Produkte oder Reservas, Humidore und Jars –also Produkte, die schon einen gewissen Investitionswert haben. Und in der dritten Säule haben wir Zigarren, die schon gereift sind, die wir von Sammlern kaufen, bei denen aber Herkunft und Lagerung einwandfrei sind. Durch diese drei Säulen konnten wir eine unglaublich breite und tiefe Sammlung aufbauen. Zurzeit besitzen wir über 2000 Kisten Vintage-Zigarren.

Eignet sich prinzipiell jede Zigarre zur Veredelung oder gibt es Unterschiede?

MANUEL FRÖHLICH: Von einer Reifelagerung profitieren Zigarren aus Kuba besonders, auch weil die verarbeiteten Tabake in der Regel relativ jung sind. Als Anlageobjekt steht ebenfalls die Havanna im Fokus. Für Vintage-Zigarren aus anderen Herkunftsländern gibt es praktisch keinen Markt. Ein besonderes Aging-Potenzial besitzen Zigarren, die aus kräftigen, nikotinreichen Tabaken gerollt werden, die im oberen Teil der Tabakpflanze wachsen. Diese Zigarren brauchen länger, bis sie eine Phase erreicht haben, in der sie als geschmacklich begehrenswert gehandelt werden. Sondereditionen, «Ediciones Limitadas», werden in limitierter Stückzahl aus besonders wertvollen Tabaken gerollt. Sie sind meist etwas dunkler und aromatischer. Hier lohnt sich eine Lagerung doppelt, für den Geldbeutel und den Geschmack.

Gibt es auch Risikofaktoren beim Kauf einer Vintage-Zigarre?

SASKIA STAUB: Fälschungen, gerade aufgrund der Preissteigerungen, nehmen massiv zu. Aus diesem Grund kaufen wir unsere Zigarren nur beim offiziellen Importeur. Ansonsten ist das Risiko zu gross. Auch bei Sammlungen müssen wir genau hinschauen.

MANUEL FRÖHLICH: Es ist die gleiche Problematik wie bei anderen Sachanlagen. Aber bei den Zigarren geht es aufgrund der Lagerung noch einen Schritt weiter. Auf den ersten Blick ist es schwierig, festzustellen, wie die Zigarren über die Jahre hinweg gelagert wurden und was für eine Geschichte sie haben. Wir bieten unseren Kunden einen grossen Vorteil, da alles lückenlos dokumentiert ist.

Was empfehlen Sie unseren Lesern bei einem Besuch im «Manuel’s»?

MANUEL FRÖHLICH: Nehmen Sie sich genügend Zeit und lassen Sie sich ausführlich beraten. Der Genuss einer gereiften Havanna ist ein Erlebnis. Natürlich für den erfahrenen Aficionado, aber auch für Geniesser mit wenig Erfahrung steht die faszinierende Welt der Vintage-Zigarren mit ihrem milden und harmonischen Geschmack offen.

GENUSS MOMENTE

BESONDERE MOMENTE BEDÜRFEN EINES

BESONDEREN AMBIENTES. DREI KULINARISCHE

HOTSPOTS BIETEN ZEIT UND RAUM FÜR

FREUDE AM GENUSS.

ZEIT FÜR ZWEISAMKEIT

Das Übernachtungsangebot «Just the two of us» des «The Dolder Grand» steht ganz im Zeichen von romantischen Stunden, die nach individuellen Bedürfnissen und Wünschen gestaltet werden können. Neben einer erholsamen Übernachtung mit garantiertem Zimmer-Upgrade werden die Gäste von Champagner, Schokoladenerdbeeren, einem reichhaltigen Frühstück sowie einem Abendessen im mit 14 Gault&Millau-Punkten ausgezeichneten Restaurant Saltz erwartet.

ENTSPANNTES ALL-DAY DINING

Lockere Atmosphäre, loungiges Ambiente und zeitgemäss interpretierte Brasserie-Klassiker: Damit überzeugt das VUE. Die Brasserie, die kontemporären Lifestyle mit der Belle Époque vereint, setzt auf saisonale Gerichte aus verschiedenen Regionen Frankreichs. Am Mittag ergänzt das Menu du Jour das Angebot. Der Respekt gegenüber den Zutaten, die möglichst regional bezogen werden, steht im Zentrum. Die Weine auf der Karte stammen aus Frankreich und der Schweiz. In den Sommermonaten avanciert die Bellevue-Terrasse zum «Hotspot» von Bern. Hier trifft man sich zum spontanen Feierabenddrink, diniert in guter Gesellschaft, geniesst die «Belle Vue», lauscht den Klängen des Resident-DJs und feiert das Leben.

EIN AMUSE-BOUCHE-MITTAGSMENÜ

Entdecken Sie die Neuheit von Maison Décotterd: das «Amuse-Bouche-Mittagsmenü». Ein Einblick in die Welt des Chefs –in kleinen, überraschenden Portionen. Das Gourmet-Restaurant von Stéphane Décotterd, ausgezeichnet mit 18 Gault&MillauPunkten und einem Michelin-Stern im Jahr 2022, bietet einen atemberaubenden Blick auf den Genfersee und spiegelt die Vision des Chefs von einer regionalen, umweltbewussten und originellen Küche wider. Das Mittagsmenü für besondere Mittagspausen bietet ein echtes gastronomisches Erlebnis für einen schnellen Mittagslunch von maximal eineinhalb Stunden.

A TRENDS

CULINA RIUM

ANDRÉS BRUGAL

Seit 134 Jahren steht Brugal für meisterhaften dominikanischen Rum und präsentiert nun seine neueste und bisher exklusivste Abfüllung. Die limitierte Edition ist eine Hommage an den Pioniergeist des Gründers Andrés Brugal. Die tiefe, warme und strahlende bernsteinfarbene Flüssigkeit bietet breite, ausgewogene Noten von gerösteten Kaffee- und frisch geernteten Kakaobohnen, sanft überlagert vom süssen Duft von hausgemachtem Dulce-de-LecheFudge und zartschmelzendem dominikanischem Rumkuchen.

M

MONARQ CAVIAR

Der Sevruga ist ein kräftiger Kaviar, der Sie mit seinem unerreichbaren Schmelz überraschen wird. Eine königliche Note für Ihre Tafel. Dank seiner cremigen Textur und der perfekten Reife erfreut er den Gaumen mit einem stark salzigen Geschmack und einer bemerkenswerten Länge im Abgang.

HHENNESSY

Hennessy Paradis wurde 1979 von Maurice Fillioux kreiert. Dieser harmonische Cognac zeichnet sich durch seinen anmutigen, seidigen Charakter aus und begeistert sofort mit seiner satten Kupferfarbe. Seine fein nuancierten aromatischen Qualitäten begrüssen diejenigen, die Glückseligkeit und Freude suchen. Zur Feier des Jahres des Hasen gibt es diesen eleganten Cognac in einem edlen Material: einer Porzellankaraffe. Seit 1863 kreiert Maison Bernardaud immer mehr aussergewöhnliche Porzellanarbeiten und stellt auch dieses Jahr wieder die 888 HennessyParadis-Dekanter zur Verfügung.

SPRÜNGLI

Zum diesjährigen Osterfest erscheint der charmante

Nico-Osterhase von Sprüngli in einer neuen, köstlichen Geschmacksrichtung: Der

Nico Brombeer besticht mit eleganten, dunklen Beerenaromen und erweitert damit die vielfältige Auswahl edelster

Nico-Osterhasen aus bester Schokolade.

Eine Küche FINESSE voller

DIE RESTAURANTS DER «IGNIV»-FAMILIE HABEN SICH ALLE DERSELBEN KULINARISCHEN

PHILOSOPHIE VERSCHRIEBEN – UND DOCH BESITZT JEDES VON IHNEN SEINEN GANZ EIGENEN CHARAKTER. AUF BASIS DER GESCHMACKSWELT DES BÜNDNER DREI-STERNE-KOCHS

ANDREAS CAMINADA KREIEREN VIER KÜCHENCHEFS IN VIER RESTAURANTS – VERTEILT IN DER SCHWEIZ UND IN ASIEN – FANTASIEVOLLE GERICHTE, REGIONAL VERWURZELT UND WELTOFFEN ZUGLEICH. IM APRIL 2020 ÖFFNETE DAS JÜNGSTE KIND DER «IGNIV»-FAMILIE IM HOTEL ST. REGIS IN BANGKOK SEINE TORE. DER WEIT GEREISTE KÜCHENCHEF DAVID HARTWIG SORGT DAFÜR, DASS DIE DNA DER «IGNIV»-KÜCHE AUCH IN DER KULINARISCH

VIELLEICHT SPANNENDSTEN METROPOLE ASIENS EUROPÄISCH BLEIBT. EINHEIMISCHE PRODUKTE UND DAS KNOW-HOW DER THAILÄNDISCHEN KÖCHE SIND GLEICHWOHL TEIL

DER KÜCHE.

PRESTIGE: Herr Hartwig, wofür steht die «IGNIV»-Familie?

DAVID HARTWIG: Das Essenskonzept ist das Teilen. «IGNIV» leitet sich vom rätoromanischen Wort für Nest ab, und genau so sollen sich unsere Gäste fühlen. Es geht um ein komplettes Erlebnis rund um Essen, Wein, Design, Kunst und das Teilen all dessen mit Freunden oder der Familie.

Wie haben Sie den Weg nach Thailand gefunden?

Andreas Caminada fragte mich, ob ich nach Bangkok möchte, und ich sagte ja. Ich sagte ja zum Umzug, entschied mich aber bewusst dazu, in Bangkok zu bleiben und hier zu leben. Ich fühle mich hier zu Hause und sehr wohl, es ist eine erstaunliche Stadt mit spannender Kultur. Ich bin glücklich, dass ich einen Ort gefunden habe, an dem ich mich zu Hause fühle.

Welche Stationen prägten ihre kulinarische Karriere, bevor Sie nach Bangkok kamen?

Im Januar 2018 hörte ich auf, im «Schloss Schauenstein» zu arbeiten. Ich habe mich dann entschieden, für eine Restauranteröffnung mit meinem ehemaligen Küchenchef James Kent nach New York zu gehen. Ausserdem war ich zu dieser Zeit viel freiberuflich tätig im Catering, als Aushilfe in verschiedenen Restaurants oder gar als Privatkoch. Dann folgte 2019 die Eröffnung von «Crown Shy» in New York City. Anschliessend begann ich im Juli 2019 mit den Vorbereitungen für die Eröffnung des «IGNIV» in Bangkok.

Wie kombinieren Sie im «IGNIV» in Bangkok die europäische Küche mit der thailändischen?

Wir versuchen nicht, thailändisch und europäisch zu kombinieren. Unsere Gäste kommen zu uns, weil sie europäische Küche und keine thailändische Küche wollen. Das bedeutet auch, dass sie europäische Produkte wollen. Wir verwenden folglich lokale Produkte und versuchen, diese in unser Geschmacksprofil aufzunehmen und auf diese Weise zu verwenden.

Was ist Ihr Signature Dish?

Eine unserer Visitenkarten ist die Gurke mit Dill und Yuzu, die eine Kindheitserinnerung von mir ist. Ein anderer Signature Dish ist der Blumenkohl, der immer in irgendeiner Form auf der Speisekarte steht. Und dann der Toast Deluxe sowie unsere Räucherforelle mit Bergkombu und Zuckererbsen.

WAS IST EIGENTLICH NATURWEIN?

SEIT GUT 15 JAHREN BRODELT DIE DISKUSSION UM

DEN NATURWEIN. WENIG INTERVENTION – NICHT

NUR, ABER VOR ALLEM IM KELLER. AROMEN

ABSEITS VOM WEIN-MAINSTREAM, NATUR PUR

OHNE KOMPROMISSE. DOCH VOR UNSEREN AUGEN FINDET EIN PARADIGMENWECHSEL STATT. WIRD

DER NATURWEIN ERWACHSEN? BESTIMMT! UND DIE

BESTEN SIND WEGWEISEND, SIE BILDEN DIE

BRÜCKE ZWISCHEN RADIKALEM NO-INTERVENTIONDENKEN, TERROIR UND ARTISANALER WINZERKUNST. NATURALWINE GOES CLASSIC!

VINATUR: EIN LABEL FÜR MEHR KLARHEIT

Smith & Smith hat sehr genau abgesteckt, was einen Wein zu «Vinatur» macht. Eine wenig eingreifende Vinifikation ist nicht der Weisheit letzter Schluss, aber ein guter, um nicht zu sagen unabdingbarer Start. Darüber hinaus gehören eine nachhaltige, gesunde Vinikultur und zusätzliche Bemühungen für Nachhaltigkeit zu den Anforderungen für dieses Label.

«LA PERFEZIONE E LA GIUSTA DOSE DI

IMPERFEZIONE» – FRANK CORNELISSEN

Frank Cornelissens Nerello Mascalese vom Etna wird heute als stilprägend erachtet – obwohl oder gerade weil der gebürtige Belgier bei Naturwein-Klischees abwinkt! Er setzt auf Terroir und viel Handwerk schon im Rebberg. Für Naturwein gibt es kein Einheitsrezept. Zweifellos gehören diese einzigartigen Lagenweine in das Vinatur-Sortiment! Denn keiner sonst vermag das Terroir Siziliens so einzufangen wie Frank Cornelissen.

Mehr Naturvertrauen, mehr Pragmatik, weniger Dogmatik. Ein bisschen Schwefel verkünstelt keinen Naturwein, er macht ihn besser, sauberer, lagerfähiger. Den Rest, den wird die Natur schon richten.

Entdecken Sie jetzt die Weine von Frank Cornelissen und vielen weiteren unter www.smithandsmith.ch/Vinatur.

MUNJEBEL ROSSO «CS» IGP BIO 2016

NERELLO MASCALESE

Eine sensible, grosse Seele – diese hellrote Frucht, die ist voll zarter Liebe, so fein wie tief, dunkle Mineralität.

CHF 70.00 / 75 cl

MUNJEBEL ROSSO «CR» IGP BIO 2016

NERELLO MASCALESE

Was für eine geradezu wollüstige, süssliche und doch so noble rote bis braune Frucht – und dieser glänzende, dunkle mineralische Schimmer!

CHF 70.00 / 75 cl

Autor und Bilder_Smith & Smith

FIN AN CEFINANCE

Keith Haring – «Totem»

DER WERT DER

Autorin_Swenja Willms Bilder_Banque Heritage SA

Roy Lichtenstein – «Red Lamps»

Jean-Michel Basquiat – «Untitled (Head)»

Kunst gehört zu den schönen

Dingen

des Lebens. Sie

berührt, inspiriert, fasziniert oder

einfach nur. Aber was ist Kunst wert? Und wie findet man das heraus?

Johannes Barth, Partner und Verwaltungsrat der Banque Heritage SA und Kunstsammler, gibt Auskunft.

PRESTIGE: Herr Barth, Kunstdienstleistungen nehmen an Bedeutung zu. Warum?

JOHANNES BARTH: Für viele Menschen ist Kunst mehr als nur Dekoration. Je mehr man sich mit Stilen, Epochen und Kunstformen beschäftigt, desto mehr entdeckt man seinen eigenen Geschmack. Man entdeckt vielleicht ein Kunstwerk und denkt, «das will ich haben», kann aber nicht einschätzen, was das Objekt der Begierde eigentlich wert ist. Zweifellos ist der Kunstmarkt ein boomender Wirtschaftszweig für sich. Das merkt man spätestens, wenn man eine Kunstmesse wie die Art Basel besucht – ob in Basel, Miami oder Hongkong. Hunderte von Galerien kommen zusammen und bieten ihre Schätze dem interessierten Publikum an. Auch Auktionshäuser veröffentlichen oft und gerne die Zuschläge für besondere Werke. Jedes Jahr werden neue Rekordpreise für alte und neue Meister ausgerufen – und bezahlt! Aber wer berät mich, wenn ich zum Beispiel in einer Galerie etwas entdecke, das ich mir gerne ins Büro oder ins Wohnzimmer hängen oder stellen möchte? Die Galerie ist bei der Abwicklung und dem Transport sehr hilfreich, handelt aber grundsätzlich im eigenen Interesse beziehungsweise im Interesse der Künstlerin oder des Künstlers. Kunstberatung erfüllt hier mehrere Zwecke: die Einordnung des Werkes in eine Qualitäts- und Preisklasse, die Verhandlung mit der Galerie und auch die Suche nach Alternativen. Oft fällt es Interessentinnen und Interessenten sogar schwer, nur nach dem Preis zu fragen. Auch ein grosser Name ist keine Garantie für ein begehrtes und hochpreisiges Meisterwerk. Man sollte schon genau Bescheid wissen, bevor man einen Kaufvertrag unterschreibt. Auch beim Verkauf oder bei der Suche nach Werken ist ein Netzwerk fast unerlässlich. Dieses muss über Jahre, wenn nicht über Jahrzehnte aufgebaut werden.

Was qualifiziert die Banque Heritage im Bereich Kunsthandel?

Kunst ist in allen unseren Büros allgegenwärtig. Die Eigentümerfamilien haben zum Teil seit Generationen Kunst gesammelt und verfügen über einen reichen Erfahrungsschatz, aber auch über die richtigen Partner, wenn es um Expertenmeinungen, Netzwerke und die Begleitung eines Kaufs oder Verkaufs geht. Davon profitieren zum einen wir selbst, indem wir regelmässig in engem Kontakt mit Künstlern, Galerien und Kunstexperten stehen. Zum anderen schätzen das unsere Kunden, die sich bei einem Besuch in unseren Büros oder privat bei uns zu Hause davon überzeugen können, dass wir wissen, was wir tun.

Welches sind die wesentlichen Entscheidungsgrundlagen für eine Kaufempfehlung?

Ich selbst kaufe grundsätzlich nur das, was mir wirklich gefällt, und habe auch fast keine freien Wände mehr. Aber ich kaufe selten, was mir nur gefällt. Bei manchen Künstlern, vor allem wenn man sie früh entdeckt, kann man nach ein wenig Beratung recht gut abschätzen, ob sie in absehbarer Zeit auf dem Markt höhere Preise erzielen werden. Ich spreche jetzt nur für mich, da ich fast ausschliesslich zeitgenössische Kunst sammle, aber es gibt eigentlich immer gute Anzeichen. Manchmal ist ein schönes Kunstwerk tatsächlich nur dekorativ, und manchmal ist ein Kunstwerk eines grossen Namens, zugegebenermassen subjektiv, eher unspektakulär. Was niemand will, ist etwas, das man im Estrich verstaut, egal zu welchem Wert.

gefällt

Peter Halley – «Form»

Bei neuen oder aufstrebenden Künstlern sind die Preise oft noch sehr attraktiv. Aber man muss sie entdecken oder auf sie aufmerksam gemacht werden, und das ist fast ein Fulltime-Job. Was vielen nicht bewusst ist: Der Grossteil der nachhaltig wertvollen Kunst auf dem Markt bewegt sich preislich im tiefen fünfstelligen, das eine oder andere sogar im vierstelligen Bereich. Statt noch einer Uhr lieber noch eine Lithografie eines Pop-Art-Künstlers?

Die Abstufungen sind zudem enorm: Man kann sich vom Poster über die Lithografie, das Original in mehrfacher Ausführung bis hin zum Unikat hocharbeiten. Je nach Künstler kann man jedes Mal eine Null an den Preis anhängen …

ebenso natürlich für die Ermittlung des maximalen Verkaufspreises.

Grundsätzlich bestimmt der Markt den Preis. Allerdings kann ein Experte unabhängiger als eine Galerie einschätzen, was für den Künstler, den Stil, das Medium oder ähnliche Werke aktuell bezahlt wird. Wenn ein Künstler oder eine Künstlerin stirbt, ist das Werk sozusagen abgeschlossen. Der Katalog ist automatisch komplett. Wenn kein Werk mehr auf dem Markt ist, lässt sich der Wert zwar nur schwer bestimmen, aber die Begehrlichkeit lässt die Bereitschaft eines potenziellen Käufers oder einer potenziellen Käuferin, einen höheren Preis zu zahlen, schnell ansteigen. Hinzu kommt der Wert eines Werkes im Kontext des Gesamtwerkes des Künstlers – gut zu sehen am Auktionspreis von 195 Millionen USDollar für Andy Warhols Marilyn im vergangenen Jahr.

Kann die Banque Heritage auch bei der Beschaffung von besonderen Werken unterstützen?

Wie eingangs erwähnt, ist ein verlässliches Netzwerk und darin der Zugang zu unabhängigen Branchenexperten das A und O. Die persönlichen Erfahrungen der Eigentümerfamilien helfen uns, die richtigen Kontakte zu aktivieren. All dies ermöglicht es uns, unsere Kundinnen und Kunden beim Erwerb oder der Veräusserung von Kunst mit Rat und Tat in nahezu allen Belangen zu begleiten und zu unterstützen – auch bei der Suche nach besonderen Werken.

Johannes Barth war bis zur Fusion mit der Banque Heritage im Juni 2019 Hauptaktionär und CEO der Sallfort Privatbank AG, anschliessend stellvertretender CEO der Banque Heritage und ab 2020 auch Head of Private Banking. Seit 2021 sitzt er im Verwaltungsrat der Banque Heritage.

Johannes Barth sammelt seit seiner Studienzeit hauptsächlich zeitgenössische Kunst. So ist über Jahrzehnte ein Netzwerk entstanden, das es ermöglicht, die eigene Expertise durch Branchenexpertinnen und -experten zu ergänzen und den Kundinnen und Kunden im Rahmen einer erweiterten Vermögensberatung anzubieten.

«EIN GROSSER NAME IST KEINE GARANTIE FÜR EIN BEGEHRTES UND HOCHPREISIGES MEISTERWERK.»

Johannes Barth

Keith Haring – «Untitled» (from the Blueprint Drawings)

PROGRESS CIRCLE OF

Der «Circle of Progress», vertreten durch AUDI

Schweiz, die Swiss Deluxe Group und das High-ClassMagazin PRESTIGE, steht für höchsten Anspruch, immer wieder wichtige Impulse zu setzen und die grossen, transformalen Herausforderungen in einer exklusiven Markenwelt zu begleiten.

Dies gelingt am besten gemeinsam, in einem Netzwerk aus spannenden und inspirierenden Persönlichkeiten. Wir planen unsere nächste Veranstaltung am Dienstag, 23. Mai 2023, ab 18:00 Uhr im The Dolder Grand / Zürich.

Im sehr exklusiven Kreis und in einer aussergewöhnlichen Location beleuchten wir am frühen Abend den Transformationsprozess in unterschiedlichen Branchen und aus unterschiedlichen Blickwinkeln.

UNSERE IMPULSGEBER AN DIESEM ABEND SIND:

FELICITAS MORHART

Vize-Dekanin und Professorin für Marketing an der HEC Lausanne, Gründerin des Swiss Center for Luxury Research

«Luxus im Spannungsfeld des Wertewandels»

RALPH HOLLMIG

Corporate Projects

Audi AG «Mobiliy Transformation»

OLIVER BRUNSCHWILER Berater, Unternehmer und Verwaltungsrat

«Nachhaltiges Wachstum durch Purpose»

HEIKO STAHL

Vitra International AG General Manager

Switzerland | Austria, Head International Key Account Management «The New Workplace Purpose»

Motiv, das erstmals in den 1970er-Jahren auftauchte, war eine Neuinterpretation der Gucci-Rhomben – ein Muster aus den Archiven der 1930er-Jahre. Hier ist eine Miniaturversion des Designs mit Emblemen aus der Reitvergangenheit des Hauses –dem Horsebit and Web Stripe – gepaart.

BURBERRY

Eine kompakte Aktentasche sorgt für Ordnung im Büroalltag. Dieses Modell von Burberry ist aus Leder und zu 30 Prozent aus Biomaterial gefertigt, das aus erneuerbaren natürlichen Ressourcen wie Pflanzen und Rizinusöl gewonnen wird. Die Tasche kann an den Griffen an der Oberseite oder mit dem abnehmbaren Schulterriemen getragen werden.

TREN DS

by

MONTEGRAPPA

Das «007 Spymaster Duo» bietet Stärke, Stil und bahnbrechende Spielereien. Die aus grauem Edelstahl gefertigten Züge auf den oberen Laufund Kappensegmenten des Schreibgeräts erinnern an die ikonische 007-Kanonenlauf-Titelsequenz. Ein falsches Laufsegment verbirgt eine Reihe von Manschettenknöpfen, verziert mit dem legendären 007-Logo, die je nach Bedarf herausgezogen und wieder verriegelt werden können. Füllfederhalter und Tintenroller werden in nummerierten Auflagen von 380 Stück herausgegeben.

ARCHER ADAMS

MIn den letzten zehn Jahren war Archer Adams, die berühmte Luxus-Dachmarke aus London, die stilvollste Art, im Regen trocken zu bleiben. Die PremiumRegenschirme werden aus hochwertigen Materialien handgefertigt und sind mit einer Reihe versilberter Köpfe wie einem Löwen, Jaguar oder Delphin erhältlich.

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HOCH ZU ROSS DIE INSPIRIERENDE REITERWELT VON HERMÈS

Das Haus Hermès wurde 1837 als Sattlerei gründet und ist diesem Ursprungsmetier stets treu geblieben. Noch heute stellt Hermès die qualitativ anspruchsvollsten Sättel sowie Pferdezubehör her und pflegt seine Tradition mit grosser Hingabe. PRESTIGE begibt sich auf die Spuren des Luxusherstellers in der Welt des Pferdesports.

EINE WOCHE DER WUNDER WATCHES AND WONDERS 2023

Ganz Genf summt im Rhythmus der Uhrwerke. Mit dem Salon «Watches and Wonders» präsentieren über 50 Uhrenmarken ihre tickenden Neuheiten. PRESTIGE wirft einen Blick auf die neusten, kunstvollsten und seltensten Uhrenkomplikationen.

VOR SCHAU

DER MANN HINTER PATEK PHILIPPE THIERRY STERN

Im exklusiven Interview gibt Thierry Stern einen Einblick in die Historie von Patek Philippe. PRESTIGE spricht mit dem CEO über Veränderungen in der Uhrenbranche, heiss ersehnte Neulancierungen und die Entwicklung des erfolgreichen Unternehmens.

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