REVISTA CAMEO 2

REVISTA 02 | DIC 20

J E S Ú S

Z A V A L A

P R OTA G O N I S TA D E D I M E C UA N D O T Ú

“LOS ACTORES DE MI GENERACIÓN SOMOS MUY AFORTUNADOS”

Quiénes somos Ante los acontecimientos recientes que nos llevan a buscar nuevas formas para difundir los proyectos de cine, televisión y plataformas digitales nace la revista Cameo para dar a conocer los trabajos de películas y series.

NÚMERO 02 DICIEMBRE 2020 REVISTA DIGITAL MENSUAL

REVISTA

Directores, productores, fotógrafos, guionistas, creadores de contenidos, distribuidores y demás personas que compartimos el amor por el séptimo arte queremos mostrar la calidad que hay en la industria en México.

Editor: Carlos Mora Co editora: Maribel De Luna Colaboradores: Alejandra Lomelí Francisco Javier Quintanar Polanco Angélica Ramírez

cameo.revista@gmail.com

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¡Más cine mexicano por favor!

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revista Cameo

Buñuel en el Laberinto de las Tortugas

EL PUNTO DE INFLEXIÓN DE UN EMBLEMÁTICO CINEASTA •F R A N C I S C O J AV I E R Q U I N TA N A R P O L A N C O

E

n 2008, el dibujante e ilustrador español Fermín Solís edita la novela gráfica intitulada Buñuel en el Laberinto de las Tortugas, en la cual elabora una ficción en torno a las circunstancias que propiciaron y rodearon el rodaje de la tercera obra de Luis Buñuel, intitulada Las Hurdes, tierra sin pan de 1933. En 2018, el cineasta (también español) Salvador Simó, retoma dicha publicación para transformarla en su tercer largometraje animado.

Situada a inicios de los años treinta, la historia arranca en París, después de que Buñuel ha estrenado La Edad de Oro, su segunda película en colaboración con Salvador Dalí y suscrita al movimiento surrealista; la cual causó gran revuelo y le atrajo tanto profunda admiración por parte de cinéfilos, artistas e intelectuales, como también el repudio de diversos sectores de la sociedad europea de esos años, generando un escándalo que incluso llegó hasta el propio Vaticano.

La controversia generada por dicho filme satisfizo a Buñuel, pero pronto le acarreó problemas, cuando empieza a encontrarse con obstáculos insalvables para filmar nuevamente en Francia. Al mismo tiempo, llega a sus manos (gracias al antropólogo Maurice Legendre) un estudio etnográfico sobre Las Hurdes, una región española sumida en extrema pobreza.

Atormentado por sus delirantes sueños, cansado de vivir a la sombra de Dalí, y frustrado porque las puertas en territorio galo parecen habérsele cerrado, Buñuel decide convertir este estudio en su siguiente proyecto, aunque no tiene el capital necesario para realizarlo. Pero gracias a un golpe de suerte,

Ramón Acín, un profesor de tendencias anarquistas y amigo personal de Luis; logra conseguir la cantidad de dinero necesaria para que ello pueda llevarse a cabo.

De ese modo, Buñuel, Acín y un pequeñísimo equipo de filmación se embarcan en un azaroso viaje a esa región española el cual, aunque el primero lo ignora; marcará un cambio significativo en su carrera, por el choque que le producirá enfrentarse a una realidad dura y desgarradora –la cual se obsesiona en mostrar a todo el mundo-; por los conflictos surgidos entre él y su amigo Ramón derivados del rodaje y de los sucesos que allí tienen lugar; y porque la experiencia en su conjunto, lo llevará a reflexionar sobre sus decisiones y su proceder como artista y como persona.

Al emplear animación tradicional, Buñuel en el Laberinto de las Tortugas aprovecha las bondades de este medio, para recrear en pantalla grande el mundo onírico que rodeaba al director, alojado tanto en sus pesadillas como en ciertas alucinaciones las cuales acosaban al artista, dando pie así a una imaginería visual seductora, contrastada con la inclusión de segmentos del documental real, usados para puntualizar ciertos momentos de la trama y enfatizar el choque de realidades experimentado por el cineasta, apoyándose en un guión atractivo que nos acerca a la figura del legendario Luis Buñuel al enfocarse en un momento crítico en su carrera, abordado desde un ángulo desmitificador a la vez que respetuoso, aunque sin caer en la solemnidad gracias a variados toques de humor y una sutil irreverencia, y confiriéndole a la totalidad de la obra un cariz íntimo, emotivo, y desde luego muy humano.

BUÑUEL EN EL LABERINTO DE LAS TORTUGAS Dirección: Salvador Simó Guion: Eligio R. Montero y Salvador Simó Música: Arturo Cardelús

LA OBRA GRÁFICA

En 1932 Luis Buñuel rodó en Extremadura su tercer trabajo como director, Las Hurdes, tierra sin pan, una de las películas malditas de su filmografía y documental pionero en nuestro país. Fermín Solís retrata, en esta magnífica novela gráfica, un momento decisivo en la vida de Buñuel y quizá de todo gran creador: el dilema entre cultivar el arte por el arte o servirse de él como un medio para transformar la sociedad. La nueva edición impresa a todo color e ncluye extras.

LA CRÍTICA HA DICHO...

“Buñuel en el laberinto de las tortugas es un cómic espléndido para adentrarse en la leyenda de un director maldito, quizá en el momento más trascendente y extraño de su carrera. Todo un acierto” Cómics para todos “Hay una tendencia en el cómic de autor a experimentar y buscar nuevos lenguajes” Pablo Delgado, ABC Cultural “Un tebeo excelente a todos los niveles” Gerardo Vilches, The Watcher and the Tower “La obra más ambiciosa y densa de toda la carrera de Solís” Pepo Pérez, Con C de Arte “El cineasta que retrata Solís filma la crudeza real y a veces fuerza secuencias para conmocionar. Cree que el fin justifica los medios” Tereixa Constenla, El País “Novela gráfica afrancesada y ágil en la que la acción transcurre entre el humor provocado por los tintes surrealistas que ponían en juego las contradicciones del aragonés” Daniel Montserrat, El Periódico de Aragón “Una novela gráfica tan emotiva como respetuosa con sus personajes” Pedro Ramos Delgado, Diagonal “Solís consigue crear desde un rigor documentado un gran libro gráfico del mundo, en el que se puede encontrar más de una enseñanza en este drama documental” Pablo Delgado, ABC

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EL AGENTE TOPO Dirección y guion: Maite Alberdi Fotografía: Pablo Valdés Música: Vincent van Warmerdam

El Agente Topo

UN RELATO DE ESPIONAJE MUY ESPECIAL SERGIO ES UN AFABLE ANCIANO quien asiste – junto con otros adultos mayores- a una entrevista de trabajo donde solicitan gente octogenaria para una labor no especificada. Al ser elegido, descubre la insólita naturaleza de su nuevo empleo: ha sido reclutado por un investigador privado para infiltrarse como agente secreto en una casa hogar para ancianos -haciéndose pasar como un interno más-, e indagar si el trato que en ese lugar dan a las personas de tercera edad es el apropiado, a solicitud del familiar de una de las residentes de esa casa.

Aunque Sergio se esmera en un inicio en su tarea, pronto las cosas se complicarán y tomarán un rumbo distinto, y terminará comportándose menos como espía y más como cualquier otro de los adultos mayores quienes allí habitan, gracias a la estrecha convivencia y los lazos afectivos que desarrolla con varias de las ancianas de ese lugar. Y para este “topo”,

pronto será evidente que las crueldades e inhumanidades sufridas por algunos de los longevos inquilinos, no provienen del interior de la casa de retiro…

Lo que podría sonar como el argumento potencial para una comedia, se trata en realidad de un sorprendente documental de la cineasta chilena Maite Alberdi, quien en varias ocasiones a lo largo de su carrera se ha mostrado muy interesada en abordar temas vinculados a las personas de la tercera edad, en trabajos previos como La Once (2014) o Yo no soy de aquí (2016).

En el caso específico de El Agente Topo, Alberdi plantea un acercamiento lúdico y original, el cual juguetea con las convenciones del cine negro y de espías, confeccionando con ellos una especie de cándida parodia estelarizada por un protagonista sencillamente encantador, quien valiéndose de gadgets que pa-

recen sacados de cualquier película de James Bond, y reportándose con su jefe continuamente -vía WhatsApp-, intenta llevar a cabo su misión. Ello desembocará en varias situaciones chuscas, pero a la vez enternecedoras las cuales atrapan de inmediato al espectador.

De manera transversal, entre dichas situaciones graciosas y momentos conmovedores, sutilmente la directora también expone duros temas, como el maltrato emocional, el abandono y el rechazo padecidos por varios de los ancianos del lugar, infringidos -tristemente- por sus propios familiares; la mayoría de los cuales una vez que los ingresan allí, no los visitan y parecen olvidarse de ellos.

Así, El Agente Topo es una obra donde, conjuntando humor y sensibilidad, se propone una reflexión acerca de cómo tratamos como sociedad a nuestros adultos mayores.

• Francisco Javier Quintanar Polanco

PREMIAN LA FOTOGRAFÍA DE 449 EL CINEFOTÓGRAFO Alejandro Mejía fue galardonado con el premio de la Rana de Oro al Mejor Docudrama por su fotografía por la cinta 499, dentro del festival de cine de Camerimage que se celebra en la ciudad de Toruń en Polonia, que celebra como cada año, lo mejor de la fotografía mundial.

El mexicano se conviertió en el sexto fotógrafo de nuestro país en en recibir dicho premio, otros ganadores han sido Rodrigo Prieto Amores perros, Aleksander, Guillermo Navarro El laberinto del fauno, Alfonso Cuarón Roma, Lorenzo Hagerman Heli y Ernesto Pardo Tempestad.

Otros de los reconocimientos que ha recibido la cinta es el Premio a Mejor Fotografía del Festival de Tribeca.

El filme de Rodrigo Reyes será presentado en el GuadaLAjara Film Festival, después de un recorrido que ha tenido en festivales internacionales como Tribeca, Hotdocs, IDFA o Camerimage, la película tuvo su premiere en México dentro del FICM. Entrelazando elementos del documental y la ficción, 499 explora el legado brutal del colonialismo en el México contemporáneo, en vísperas de cumplirse 500 años de la conquista del imperio azteca por Hernán Cortés.

• Redacción

Rendez-Vous UNA ORIGINAL Y DESAFIANTE ÓPERA PRIMA LILI (HELENA PUIG) y Eduardo (Antonio Alcántara) son una pareja que están por encontrarse en persona por primera vez. Ambos se conocieron por medio de redes sociales, y acordaron reunirse en una cita romántica a las afueras de un museo. Luego salen a caminar y charlar por la calle. Y poco después deciden enfilar hacia el hogar de Eduardo, quien ha invitado a cenar a Lili a modo de disculpa con ella por haber llegado tarde a su encuentro.

Todo transcurre de manera normal hasta que llegan a casa de él, cuando a los pocos minutos de estar allí, Lili descubre que la excusa dada por Eduardo para justificar su tardanza era falsa. Y esa mentira (en apariencia inocua) es el preludio a una serie de otros engaños que pronto se descubrirán, haciendo que la apacible y romántica velada se transforme en una noche tensa, de escabrosas verdades, juegos de poder, violencia en escalada y giros inesperados de los acontecimientos, en donde la única certeza existente, es que ninguno de ellos es quien dice ser.

Este es el plot central alrededor del cual está estructurada Rendez-Vous, largometraje debut

del cineasta mexicano Pablo Olmos Arrayales, una obra especialmente notable por autoimponerse una serie de retos técnicos para su realización: filmar en blanco y negro; rodar toda la acción en una sola toma, sin cortes; en un único y formidable plano secuencia que

RENDEZ-VOUS Dirección y guion: Pablo Olmos Arrayales Fotografía: Luis Enrique Carrión Música: Alvaro Arce Urroz

transcurre en diferentes escenarios -interiores y exteriores-; y que el soporte principal recaiga casi exclusivamente en solo dos personajes.

Olmos Arrayales sale bien parado de este reto, obteniendo un filme soberbio en su manufactura. Se adivina que detrás de todo esto hubo una planificación exhaustiva, intensos ensayos y minuciosos preparativos para tener cada detalle calculado con precisión matemática.

Su ritmo en contraste es fluido y dinámico, con un suspenso en crescendo que termina por estallar en los minutos finales. Todo ello complementado con un dueto estelar que logra imprimirles frescura y espontaneidad a sus actuaciones, haciendo que el espectador se enganche con la historia transcurridos los primeros minutos.

Aunque Rendez-Vous no esta exenta de sus detalles, sin duda es una obra formidable, que intenta -y consigue- apartarse de los lugares comunes del cine mexicano actual, y brinda una bocanada de aire fresco al cine de género en nuestro país.

• Francisco Javier Quintanar Polanco

FICUNAM PRESENTA IMAGEN PARA SU EDICIÓN 11 ELISA MALO fue la elegida para realizar la imagen del 11º Festival Internacional de Cine UNAM, quien se inspiró en la obra del cineasta taiwanés de origen malayo, Tsai Ming-lian.

La artista mexicana es egresada de La Es-

meralda. En 2009 formó parte del Seminario de Fotografía Contemporánea del Centro de la Imagen. Ha participado en el Festival Drawing (a) Live en el MAM, parte de su trabajo se ha presentado en muestras individuales como Se-

cret Spells, Arcoíris Lumpen: Flama Aura Druzy y Tiki Tiki, así como en exposiciones colectivas en Alemania, Brasil, Costa Rica, Estados Unidos, Japón y México.

• Redacción

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RECONOCEN LA FOTOGRAFÍA DE SELVA TRÁGICA LA PELÍCULA SELVA TRÁGICA de la directora Yulene Olaizola tuvo su premiere en México dentro de el Festival internacional de cine en Guadalajara (FICG), donde fue reconocida con Premio Mezcal a Mejor fotografía a la colombiana Sofía Oggioni, quien desarrolló un trabajo complejo y sólido durante la filmación que tuvo lugar entre México y Belice.

La cinta mexicana estuvo presente en el pasado festival de cine de Venecia, donde ganó dos premios, Mejor dirección otorgado por la crítica independiente y Mejor película sorrisso diverso como Mejor película extranjera.

Otros encuentros fílmicos han sido San Sebastián, Nueva York, Busan en Corea del Sur, Mar de Plata, por mencionar algunos festivales donde ha generado comentarios positivos entre la crítica y el público.

El trabajo de Sofía Oggioni ha abierto brecha en su país al convertirse en una de las primeras directoras de fotografía de largometrajes de ficción y documental.

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“La luz es una poderosa herramienta narrativa que debe diseñarse de acuerdo con cada historia que se cuenta”, comenta Sofía.

Entre otros reconocimientos han destacado en el Free spirit award como Mejor película en el Festival Internacional de cine de Varsovia, Polonia. Asimismo ganó el Premio del público en el Festival de cine latinoamericano de Biarritz, Francia, y el Premio del jurado standard readers en el Festival de Viena en Austria.

Selva Trágica se ubica en el año de 1920, en la frontera entre México y Belice, donde en la profundidad de la selva Maya, donde no hay ley y los mitos prevalecen, un grupo de mexicanos trabajadores del chicle cruza su camino con Agnes, una misteriosa joven beliceña. Su presencia provoca tensión entre los hombres, avivando sus fantasías y deseos. Con vigor renovado enfrentan su destino, sin darse cuenta que han despertado a la Xtabay, una antigua leyenda que acecha desde el corazón de la selva.

• Redacción

Fotos | Makeitprensa

TONY DALTON INICIA GRABACIONES DE HAWKEYE EL MEXICANO Tony Dalton se une a la serie Hawkeye que prepara Disney+, el actor ha iniciado las grabaciones de este proyecto en Atlanta y Nueva York, junto a la actriz Vera Farmiga.

Después de participar en la serie Better Call Saul, Dalton se ha convertido en uno de los primeros actores mexicanos en sumarse a las filas de los aclamados Estudios Marvel, por su gran participación en proyectos dentro de la

industria de Estados Unidos. Dalton dará vida al villano Jack Duquesne conocido como Swordsman, y será el mentor del Clint Barton, quien a su vez será interpretado por Jeremy Renner, Hawkeye.

Dentro de las imágenes que se han filtrado del rodaje, se puede ver a los personajes de Tony Dalton y Vera Farmiga en una locación que se sitúa en diciembre de 2024.

• Redacción

JESÚS ZAVALA

UN ACTOR AFORTUNADO JESÚS ZAVALA CONVERSA EN ENTREVISTA EXCLUSIVA PARA LA REVISTA CAMEO DE SU REGRESO AL CINE Y SU EXPERIENCIA EN LA CINTA DIME CUANDO TÚ •C A R L OS M O R A

“S Foto | IQ Icunacury Acosta

iempre he dicho que los actores de mi generación somos muy afortunados en cuestión de trabajo; estamos viviendo un momento en el que ‘llueven’ proyectos, ya sea de cine, series o teatro, también al crecimiento que hay con las nuevas plataformas de streaming y al público que pide cada vez historias de calidad, aunque en la actualidad estemos viviendo un momento tenso por el tema de la pandemia del Covid-19”.

“Me tocó una época en la que se estrenaban tres o cuatro cintas mexicanas al año y en la última década ya llevamos un buen ritmo de estrenos porque cada fin de semana había uno o dos, incluso llegaban a competir el mismo fin de semana”.

Y reafirma, “hay que darle la confianza a la gente de que existe mucho material nacional, hay una gama exquisita de géneros en la industria en México, cosa que no habíamos visto nunca, encuentras drama, terror, ciencia ficción, comedias de todo tipo y documentales que han participado en festivales internacionales; hay muchas historias que contar, mucho talento, muchos proyectos muy interesantes que tienen que recibir luz verde, pero si no recibimos el apoyo ni de arriba ni del público esto va a retroceder y creo que no nos podemos permitir esto”.

Sobre su trabajo en la ópera prima del director Gerardo Gatica, Dime cuando tú, Zavala comenta, “fue una de las mejores experiencias, hubo mucho apoyo, libertad, paciencia a la hora de buscar los matices y los diferentes perfiles de mi personaje Will”.

Recuerda cuando recibió una llamada del director para presentarle el proyecto, “desde el momento que nos sentamos a platicar entendí perfectamente lo que tenía en mente, quisimos tratar de darle algo fresco a lo que había estado haciendo en comedia”.

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“DIME CUANDO TÚ QUEDÓ MARCADO EN MI MEMORIA” JESÚS ZAVALA comparte escena con los primeros actores Verónica Castro, Héctor Bonilla, José Carlos Ruiz y Rosa María Bianchi, de los que no duda en platicar su admiración hacia ellos.

“Una de las razones importantes para aceptar Dime cuando tú fue cuando Gerardo y yo nos sentamos por primera vez para platicar del proyecto y me mencionó de manera muy casual, ‘están tal y tal actor... y bueno, también Verónica Castro’, y yo: ¡cómo!, ¿va a estar Verónica Castro? fue algo muy emocionante.

Creo que para los actores de mi generación, espero que todos lo tomen así, cuando te tocan este tipo de proyectos, es algo que debería quedar marcado en tu memoria y en tu carrera, porque son actores que han dedicado 50 años al entretenimiento, son máximas figuras en México y que te toque compartir set con ellos es algo que vas a contar en un futuro, algunas veces te toca un actor de ese talle en cada proyecto, pero aquí me tocaron todos juntos y por es agradezco al universo”.

Y no oculta su admiración, “tienes tanto que aprender, estás todo el tiempo con la oreja parada y el ojo atento, ves cómo realmente se trabaja y el tipo de respeto que le tienen a la industria, son actores que llevan tanto tiempo en esto. Aquí me reencontré con Rosa María Bianchi, uno de mis trabajos de niño en la televisión fue con ella, y 18 años después compartir nuevamente set fue algo emocionante, no nos habíamos visto y en el primer momento que nos vimos nos abrazamos con mucho cariño. No me había tocado trabajar ni con Verónica Castro, Héctor Bonilla y José Carlos Ruiz, y fue una experiencia genial, siendo las figuras que son llegan a tiempo, preparados con sus escenas, son jornadas larguísimas y no existe ninguna queja por parte de ellos, sin ningún destello de divo o diva, no existen esas cosas, son personas que han amado sus trabajos y es genial esta oportunidad, es algo que estaré contando durante mucho tiempo”.

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“Normalmente se nota cuando el director es su primer filme, pero con Gerardo no fue el tema, pareció que él estuviera haciendo una de sus 50 películas, estaba en una posición bastante segura”.

Agregó que su personaje es un joven de nacimiento americano que se quedó a cargo de sus abuelos, luego de que sus papás fallecieran.

“De Will sólo nos parecemos en dos cosas, una es que soy algo antisocial, a veces me cuesta trabajo relacionarme con nuevos grupos de personas, ¡sabes! soy muy reservado, serio, algunas veces me dicen sangrón pero nada que ver, con el tiempo me he vuelto así, y la segunda cosa en común es que fui muy cercano a mis abuelos, entonces esa conexión que tiene mi personaje también la sentí desde el momento que leí el guion.

“Me gustó mucho participar en la cinta porque es una comedia muy natural y orgánica, se siente fresca, tiene momentos de drama, de comedia romántica, tiene momentos muy bonitos, creo que es una gran acierto de la película y cada uno de los que participamos en ella le fue aportando su sello”.

Sobre las locaciones por diferentes puntos de la Ciudad de México, comenta: “recuerdo que cuando iba en un avión leí el guion y la forma que describían a la ciudad empecé a imaginármela de una forma espectacular, justo sabía que era uno de los protagonistas de la cinta.

“La forma en que retrató Michel Castro a la ciudad fue algo mucho más grande de lo que me había imaginado, pensaba que algunos lugares iban a ser complicados para poder filmar, pero no, grabamos en lugares que no se había filmado en más de 25 años, un lugar mágico fue el teatro Fru Fru, cuando llegué les dije, ‘este es el set perfecto’, es un lugar con historia, espíritu y textura, entonces en cámara se ve espectacular, es un viaje en el tiempo; lo veo como un tributo a la Ciudad de México por cómo la plasman en el filme”.

LA PARED DE TROFEOS Con 18 años de trayectoria en telenovelas, cine, teatro y series, sin duda, uno de sus personajes más entrañables de su filmografía es Hugo Sánchez, de la serie Club de cuervos a quien Zavala describe como uno de sus personajes más importantes de su carrera, pero no le gusta encasillarse.

“Siempre digo que Hugo está en mi pared de trofeos, en sentido figurado, fue algo que me cambió en lo personal y como actor completamente mi carrera, pero desde el último día en que me quité el vestuario se quedó colgadito, como en todos mis personajes tengo un proceso en el que hay que soltarlos, unos duran más, pero los cierro por completo.

“Mucha gente me pregunta, ¿no te molesta que la gente te diga Hugo? Y les digo que no, es algo que se hizo bien, no nada por mí parte sino de todos, fue una serie bien escrita, dirigida y actuada desde sus protagonistas hasta el actor invitado. Al contrario, se carga con mucho orgullo, nada más que como actor quieres hacer otros personajes.

“A mí ya me pasó otra vez veces, de niño hice un proyecto infantil y mi personaje que se llamaba el chaneque, ese momento todo el mundo me decía desde niño, ‘¡tú siempre vas a ser el chaneque!’, y pasó lo mismo con Hugo; y seguro después va a llegar otro, la culpa no la tiene el público, es responsabilidad de cada actor tratar de hacer las cosas lo más alejado posible a cada personaje. Al final ves esa pared de trofeos que sirve para recordarte de todas las cosas que has hecho, están todos tus personajes, los sientas ahí con orgullo, pero ahí se quedan... como un bonito recuerdo”.

Foto | IQ Icunacury Acosta

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Dime cuando tú VISTOSA SIN SER PRETENCIOSA LA COMEDIA ROMÁNTICA MEXICANA goza de buena salud, es rara la propuesta que no logra encabezar la taquilla, sin embargo, muy pocas consiguen salirse de las convenciones y clichés; el mayor reto siempre será reinventarse. Dime cuanto tú busca alejarse de la típica historia de la pareja que tras sortear todas sus dificultades termina junta, es también la apuesta del escritor y director Gerardo Gatica por renovar la rom-com hecha en México.

Con la canción homónima de Juan Gabriel como laitmotiv, la película sigue las aventuras y desventuras de Will (Jesús Zavala), un joven mexicano-americano que, tras la muerte de su abuelo (José Carlos Ruíz), emprende el viaje con rumbo a la Ciudad de México que éste le tenía planeado para conocer sus raíces, además de una lista de cosas que debe hacer para salir de su monótona vida, entre ellas está la encomienda de enamorarse. El interés amoroso de Will será Dani (Ximena Romo), pero el sentimiento nacerá de forma inesperada.

Modesta sin ser gris, vistosa sin ser pretenciosa, Dime cuando tú no teme tomar riesgos.

Los protagonistas, a pesar de tener una personalidad típica de la comedia romántica, no están supeditados al cumplimiento de un arco convencional, aquí el amor triunfa, pero no como lo conocemos, sino que toma el matiz del amor fraterno. Esto convierte a la ópera prima de Gatica en una suerte de anti comedia romántica que aprovecha muy bien el talento de Ximena Romo y Jesús Zavala para conseguir su objetivo.

Con un elenco secundario integrado por primeros actores como Verónica Castro, Héctor Bonilla, Rosa María Bianchi y el ya mencionado José Carlos Ruiz, quien por cierto hace una breve participación, la película se apoya en la chispa cómica de sus experimentados histriones, pero en la plantilla joven, a excepción de Romo y Zavala, los gags no se ejecutan con ingenio ni naturalidad en la mayoría de las ocasiones, lo que revela una falta de agudeza en el timing y en la dirección de actores.

Si bien la comedia tiene sus tropiezos, se agradece su cuidada factura técnica y sus escenarios, especialmente la inclusión del Teatro Fru Fru, uno de los teatros más bellos, pero muy olvidados de nuestro país.

Finalmente, Dime cuando tú es una comedia ligera que dejará con un buen sabor de boca a aquellos que busquen algo más que una típica comedia romántica.

• Alejandra Lomelí

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DIME CUANDO TÚ Dirección y guion: Gerardo Gatica Fotografía: Michelle Castro Música: Tomás Barreiro

XI ME NA ROMO

EN BUSCA DE NUEVOS RETOS

U

na de las jóvenes promesas del cine y que está destacando en la última década es Ximena Romo, al menos este año obtuvo una nominación al premio Ariel como Mejor coactuación femenina por la cinta Esto No Es Berlín, del director Hari Sama, también estuvo en la premier de La diosa del asfalto, de Julián Hernández, en el pasado Festival Internacional de Cine de Morelia y cierra el 2020 con el filme Dime cuando tú, ópera prima de Gerardo Gatica. En entrevista con la revista Cameo cuenta los detalles de esta comedia.

“En los últimos años he estado en la búsqueda de hacer cosas opuestas entre mis personajes, también he estado en una exploración física y buscando retos, cosas diferentes, y ha sido casual que todo esté saliendo este año. En la comedia Dime cuando tú tenía un pendiente con ese género, de un personaje (Dani) que fuera diferente a lo que había interpretado y siento que se logró ese cometido”.

Dime cuando tú, cuenta la historia de Will (Jesús Zavala), un joven mexicano americano, que al morir su abuelo descubre los planes que éste tenía de mandarlo a México para conocer sus raíces.

“Cada director o directora son un universo, cada quien tiene sus estilos de trabajo, Gerardo

tuvo muy en claro qué tenía que hacer y qué tipo de trabajo quería, generó un ambiente de trabajo muy ameno y es un director que sí se apoya en los demás”.

Romo confiesa que ha rechazado trabajos donde la han querido encasillar en personajes a los que ya ha interpretado.

“Gerardo tiene mucha experiencia como productor y ese fue uno de los motivos por los que tomé este proyecto; aunque es su ópera prima, es un director que siempre estuvo muy interesado en que todos los creativos que estuvimos en el set nos sintiéramos muy cómodos, dejó que a nuestros personajes les impregnáramos nuestra propia esencia, que aportada a la película y el set se volvió muy diverso, divertido, ameno y nos llevamos muy bien”.

El filme cuenta con la participación de José Carlos Ruiz, Héctor Bonilla, Verónica Castro y Rosa María Bianchi; “no me tocó trabajar directamente con todos ellos, pero siento que aportan a la película algo especial, es una cinta que trae un espíritu muy luminoso”.

• Carlos Mora

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G

erardo Gatica pasó de ser el abogado de la actriz Verónica Castro a dirigirla en su la película Dime cuando tú. Comparte en entrevista con la revista Cameo su experiencia en la transición de la abogacía, su paso por la producción de filmes y ahora su debut como director de cine; además marca el regreso de una de más grandes actrices de México a la pantalla grande.

“A Vero la conozco desde niño, le tengo un enorme cariño, a su hijo Michel Castro -fotógrafo de la película- es mi amigo desde la infancia, hay una relación muy cercana. Mi carrera en el cine se la debo a Michel, siempre platicaba con él de hacer una película juntos y así fue.

Primero le enseñé el guion, lo leyó, le gustó y aceptó ser el fotógrafo de la cinta, pero sabía que también tenía que salir su mamá y un día fuimos a comer con Verónica, le comentamos de la cinta y le dijimos que no aceptaríamos una negativa. Para mí fue increíble dirigir a Vero, aparte marca su regreso después de casi 35 años que no hacía cine, y que pudiera trabajar junto a su hijo Michel fue un proceso muy bonito y satisfactorio”.

También el filme cuenta con las actuaciones de Rosa María Bianchi, José Carlos Ruiz, Héctor Bonilla, Andrés Almeida, Ximena Roma y Jesús Zavala.

“Fue algo muy bonito que todos aceptaran estar en el proyecto, les había contado de la película, leyeron el guion y dijeron que sí inmediatamente. Héctor Bonilla es un querido amigo de muchos años y fue una de las personas que siempre me impulsó a dirigir. Con algunos actores ya había trabajado, con otros fue la primera vez y me agradó que todos ellos les dieron ciertos matices e imprimieron cosas originales a sus personajes y eso me ayuda mucho como director a formar esa confianza y poderme apoyar en ellos”.

Después de ser productor de exitosas películas como Museo, Ya no estoy aquí y Bellas de noche, entre otras. Gerardo dice sentirse orgulloso de su ópera prima.

“Fue una interesante transición con la cual me siento muy contento, fue algo que quería hacer desde hace mucho tiempo, en los proyectos que produzco tengo una buena relación cercana con los directores, de los cuales he aprendido mucho y siempre me llamaba la atención dirigir. He mantenido relaciones

GERARDO GATICA DE ABOGADO A DIRECTOR cercanas en lo personal con Alonso Ruizpalacios, que me parece uno de los mejores directores de México y una extraordinaria persona, con él tuve mucha plática y diálogo, con Katina Medina Mora platiqué desde el guion hasta algunos tips y también con Manolo Caro, que de hecho hace un cameo en la cinta, así como varios colegas y amigos de todos los lados y de todas las posiciones que me apoyaron”.

Y resalta que no fue una transformación sencilla, “¡imagina!, es muy difícil después de tantos años ser productor y ahora pasarme al lado del director; sí hubo días y momentos, en los que decía ¿qué hice?, no tanto por la dirección sino por la producción, al principio fue un poco complicado desprenderme totalmente de esa responsabilidad y ese reflejo de cargar con las cosas de producción pero conforme fue pasando el tiempo me fui aclimatando, fue un proceso muy bonito que espero pronto repetir”.

• Carlos Mora

Que sea ley

UN DOCUMENTAL MILITANTE TRAS AÑOS de activismo, el movimiento por la despenalización del aborto marcó un precedente en el verano de 2018, cuando en Argentina, la Cámara de Diputados discutió y aprobó la iniciativa de legalización del aborto seguro y gratuito, la cual terminó siendo rechazada por el Senado. En esos momentos determinantes en el que el parlamento estaba debatiendo, en las calles se vivía una de las grandes manifestaciones de la Marea Verde.

En este contexto, el director Juan Solanas, retrata en Que sea ley la intensidad y fervor de los pañuelos verdes desde el epicentro de la marcha para tejer un documental que invita al espectador a sensibilizarse con la lucha.

Con cifras alarmantes de las muertas por

abortos clandestinos (tan solo en Argentina fallece una mujer al día por abortos mal realizado), la función nos sitúa en una realidad inapelable en la que, de las 320 millones de mujeres que viven en Latinoamérica, solo el 8% puede interrumpir libremente su embarazo.

El director toma este trozo de realidad y lo arropa con una serie de crudos testimonios de sobrevivientes de malas prácticas, familiares de aquellas mujeres que perdieron la vida, legisladores, dirigentes del movimiento y líderes religiosos para exponer las posturas a favor y en contra. No obstante, el director no teme tomar una postura, haciendo de Que sea ley un documental militante.

No resulta extraño que la mayor fortale-

za del documental que cerró la edición 15 de Ambulante Gira de Documentales sean precisamente los viscerales testimonios de las mujeres porque, cinematográficamente, propone muy poco. Más allá de un trabajo de edición que empata muy bien con la trepidante Marea Verde y sus batucadas, así como una destacable documentación in situ de las manifestantes, la pieza sufre de una narrativa anodina y típica de los talking heads.

Pero sus deficiencias de estilo no logran ensombrecer el potente y rabioso mensaje de Que sea ley: lo urente y necesario que es legislar sobre el aborto. En este camino, el trabajo de Juan Solanas es pertinente.

• Alejandra Lomelí

QUE SEA LEY Dirección: Juan Solanas Música: Paula Moore Fotografía: Juan Solanas

Locas por el cambio UNA COMEDIA VISTOSA SIN SER PRETENCIOSA ERA CUESTIÓN de tiempo para que Amazon Prime Video produjera su primera película mexicana original, series locales como Diablo Guardián, Un Extraño Enemigo, Pan y circo, El juego de las llaves y De brutas, nada, cimentaron el camino para la cristalización de Locas por el cambio, una comedia con la que la plataforma apuesta a lo seguro. Y adelanto que no decepciona.

La película escrita y dirigida por Ihtzi Hurtado, no es muy diferente a la mayoría de las películas de intercambio de cuerpo, por lo tanto, la moraleja es la misma: ponerse en el lugar del otro, valorar lo que cada quien tiene y limar asperezas. La trama gira en torno a Paula (Mariel Molina), una chica rica y popular que está a punto de casarse, y Paulina (Sofía Sisniega), una chica casada y con hijos

que debe de trabajar para sacar adelante a su familia. Paula y Paulina se reencuentran en una fiesta de generación de la primaria, pero tras una pelea, y a la mañana siguiente, descubren que cada una despierta en el cuerpo de la otra.

Se agradece que Locas por el cambio sea una película sin pretensiones, su objetivo es hacer reír a través de una comedia ligera y una historia simple que no pretende encontrar el hilo negro, por el contrario, utiliza la premisa del intercambio para tejer una divertidísima reflexión sobre la verdadera riqueza, el agradarse a uno mismo, tomar las decisiones correctas y poner la atención en el lugar correcto.

Al tratarse de una obra producida por uno de los gigantes del streaming, la película técnicamente es impecable, su diseño de pro-

LOCAS POR EL CAMBIO Dirección y guion: Ihtzi Hurtado Fotografía: Carlos Hidalgo Música: Manuel Vázquez

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ducción, vestuario y maquillaje están cuidados a detalle, mientras que la fotografía, sin ser particularmente destacable, consigue acompañar las atmósferas de forma adecuada, encontrando su mayor lucimiento en el antro de la Prieta (Raquel Garza).

Aunque formalmente Locas por el cambio es cumplidora, no sería lo mismo sin su elenco, Sisniega y Molino se llevan la película con su vis cómica, pero el elenco secundario integrado por Alejandra Ley, Itatí Cantoral, Raquel Garza como Mónica Dionne es digno de mención, sus intervenciones son muy chistosas.

Locas por el cambio no es la mejor película del año, pero sí una de las comedias mexicanas mejor logradas.

• Alejandra Lomelí

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MAURICIO ARGÜELLES

UN LOCO POR EL CAMBIO

l actor y productor Mauricio Argüelles se siente totalmentesatisfecho de que su nueva película Locas por el cambio pueda ser vista en 240 países al mismo tiempo gracias a Amazon Prime video.

“Nos llena de orgullo y mucha responsabilidad ser la primera película mexicana original de la plataforma de streaming, es algo que nos emociona.

Locas por el cambio la filmamos el año pasado, con la idea de salir en septiembre del 2020 a los cine de México, pero estaba en posproducción cuando justo llegó la pandemia del Covid-19 y tuvimos que ver otras opciones, le enseñamos la película a Amazon y les gustó por muchas razones, una es que era una comedia ligera, ópera prima de la directora Ihtzi Hurtado, una historia protagonizada por dos mujeres (Sofía Sisniega y Mariel Molido) y un elenco muy respetable en el género de la comedia; esas fueron las razones por las que se animaron a lanzar este proyecto”, cuenta en entrevista con la revista Cameo.

“Nunca hubiera pensado que esta película se pudiera ver en tantos países al mismo tiempo; lo bueno de un servicio de streaming es que tu película va a vivir ahí y que la gente la podrá ver en el momento que ellos quieran; es algo emocionante”.

Su faceta como productor incluye uno de los títulos más taquilleros del cine mexicano No manches Frida 1 y 2, y otras cintas como Pura sangre, Ni tú ni yo, La rebelión de los godínez.

“La producción se me ha dado por una necesidad de crear mis propios trabajos y contenidos, así me he ido abriendo las puertas en este medio, es algo que lo he ido trabajando y también lo disfruto mucho. Pero me gusta más ser actor, ¿sabes?, eso de estar frente a la cámara o arriba de un escenario es algo que me encanta”.

El filme escrito por Ihtzi Hurtado cuenta con un gran talento de actrices como Itatí Cantoral Concepción Márquez e Isabel Martínez ‘La Tarabilla’, entre otros.

“Está padre que Amazon apueste por un contenido fresco para sus consumidores, la competencia que está habiendo entre plataformas, televisoras y todo lo demás es lo más sano para la industria, la fortalece y da trabajo a actores, directores, guionistas y a todo el gremio, y terminamos ganando todos”.

Sobre el futuro que vislumbra en la industria cinematográfica por los recortes presupuestales en apoyo al cine y la etapa de contingencia que se vive por la pandemia, Argüelles destaca: “Nos tenemos que ir adaptando con los cambios, como productor y actor creo que el cine también se tendrá que reinventar de alguna manera, hay películas que se seguirán disfrutando en la pantalla grande y la gente seguirá apoyando el cine, pero las plataformas también le abren la puerta a muchos cineastas”.

• Carlos Mora

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ITATÍ CANTORAL

APOYA A LOS NUEVOS TALENTOS

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na actriz como Itatí Cantoral que cuenta con una larga trayectoria tanto en televisión como cine, no duda en apoyar a los nuevos talentos a realizar lo que ella afirma son “sus sueños. Estamos viviendo una época creativa muy interesante, hay que contar nuevas historias, por eso apoyo a los nuevos creativos a que se realicen sus obras”, así platica sobre su participación en la cinta Locas por el cambio, ópera prima de la realizadora Ihtzi Hurtado.

“Me siento muy contenta de participar en este proyecto, conozco a Mauricio Argüelles desde hace muchos años, es un ser humano impresionante y muy talentoso. Trabajé con él en la película No manches Frida 2 y conozco su etapa de productor. Cuando conocí a su esposa (Ihtzi) me platicaron de su primera película y me encantó, y al final se dio una oportunidad de trabajar con ellos, me platicaron de mi personaje La Güera, un personaje que no había hecho en ningún lado, es una mujer de barrio que tiene su salón de belleza y lucha por sacarlo adelante y me gustó hacerla porque tuve la oportunidad de divertirme mucho... la pasé muy bien”.

Cantoral ha trabajado con un sinfín de directores y pocas veces le ha tocado un proyecto donde trabaje con una realizadora, “me gustó mucho el guion y la dirección de ella, se nota que estaba escrito por y para las mujeres; ella como directora estuvo en todo, es una película muy auténtica, porque no es una película por encargo, ella la escribió y la tuvo visualizada desde un inicio. Y también comparto mucho con ella, somos mujeres que combinamos el ser madres, esposas y que trabajamos en esta industria, es de admirarse”.

Locas por el cambio se estrenó por Amazon Prime Video, a lo que la Cantoral resalta “como actriz agradezco bastante que existan estas oportunidades que están ofreciendo las plataformas de streaming, la televisión ha ido avanzando y nosotros también tenemos que hacerlo, ya no es como antes que sólo podías trabajar en una televisora; siempre he pensado que los actores somos como doctores o científicos, analizamos la vida y ésta cambia constantemente, hace diez años era totalmente diferente, tenemos que ir con la actualidad e ir por el cambio”.

• Carlos Mora

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AMORITA RASGADO TALENTO OAXAQUEÑO “ES UN SUEÑO hecho reali-

dad”, expresa Amorita Rasgado sobre su participación en la película Locas por el cambio, y es que la actriz tuvo la oportunidad de trabajar en un proyecto rodeada de primeras actrices como Itatí Cantoral, Mónica Dionne, Raquel Garza, Concepción Márquez e Isabel Martínez ‘La Tarabilla’.

“No me tocó hacer nada con Concepción, ni con ‘La Tarabilla’, pero cuando las vi en la pantalla fue muy padre verlas, Concepción es una ternura de persona y una gran actriz, y qué decir de Isabel, yo era muy fan de niña, lloré y me reí con la película”.

Locas por el cambio escrita y dirigida por Ihtzi Hurtado, que desde hace una década estaba trabajando en el proyecto, cuenta la historia de Paulina (Sofía Sisniega) y Paula (Mariel Molino) que través de un hechizo intercambian su alma dejándolas atrapadas en el cuerpo de la otra.

“Me siento muy contenta y orgullosa de esta historia, por un lado están primeras actrices y por otro también hay caras nuevas, como es mi caso, que nos están dando una oportunidad de actuar en este tipo de filmes”.

Amorita es originaria de Oaxaca y desde pequeña mostró interés por el arte y la actuación, por lo que terminó estudiando en el grupo teatral Tehuantepec.

“En algún momento cuando éramos pequeños nos gustaban las historias de cambio de cuerpo y con brujas también dentro de la historia, recuerdo que cuando era pequeña me gustaba disfrazarme

de actrices que veía en las telenovelas, en la época de los 80 y 90, así que la vena de actriz desde pequeña la tengo”.

Aunque su debut fue en cine y se dio de la mano de Francisco Vargas en 2005 con la multipremiada cinta El violín, la comedia es uno de los géneros que Amorita ha sabido compaginar con el drama.

“Me acuerdo cuando estudiaba en una escuela de Xalapa, tuve clases de clown y comedia, te juro que salía llorando y me decía: ‘nunca podré hacer comedia, lo mío es el drama, el llanto y el golpe de pecho’, pero el destino te lleva por otros rumbos.

Ahora me pregunto, ¿estoy orgullosa de explorar esta parte, me siento cómoda? La respuesta es sí, aunque es mucho trabajo sí quiero seguir haciendo comedia”.

DOBLE ORGULLO Locas por el cambio, se convierte en la primera película para Latinoamérica de la plataforma Amazon Prime Video.

“Por algo pasan las cosas, con la pandemia del Covid-19 temíamos que no iba a estrenar en los cines, y la verdad da mucha tristeza por todo el esfuerzo y cariño que le pusimos a este proyecto. Por suerte llegó Amazon y me conforta que la gente pueda verla en cada rincón de México. Que mi gente de Tehuantepec, Oaxaca pueda verla porque es muy complicado que la vean en cine, pues muchas veces no llegan las películas. Y también tengo primos en Denver, Colorado, que platicaron cómo se juntaron para ver la película, eso me llena de orgullo... estoy que no me la creo”.

• Carlos Mora

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Emiliano X | CM Foto

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• CARLOS MORA

in lugar a duda El baile de los 41, se convirtió en un parteaguas en la carrera como actor de Emiliano Zurita, en la cinta dirigida por el ganador al Ariel, David Pablos, Zurita interpreta de una manera magistral a Evaristo Rivas pareja sentimental de Ignacio de la Torre y Mier (Alfonso Herrera).

“El baile de los 41 para mí es el proyecto que como actor siempre estás buscando, que sea así de complejo, que te permita construir un personaje y no sólo una parodia. También debe tener una gran historia, que se aprecia desde el guión que fue escrito por Monika Revilla, la dirección de David y unos compañeros que siempre me empujaron a llegar a más; siempre intento hacer lo mejor de mi trabajo pero esta vez fui muy afortunado”.

David Pablos, ganador del Premio Ariel en 2016 a mejor director y mejor guión original por su trabajo en la película Las Elegidas, es la primera vez que trabaja una cinta con actores de profesión.

“Se convirtió (David) en un gran amigo y como actor ha sido uno de los mejores directores con lo que he trabajado, fue curioso porque él dijo que nunca había trabajado con actores como sus protagonistas, fue hasta El baile de los 41, creo que es justo eso, él sabe lo que busca, sabe lo que es importante para cada escena y eso se lo sabe trasmitir a los actores. Para mí fue muy importante entender que los silencios de un personaje y las miradas pueden decir mucho más que cualquier texto y toda la película es gracias a él, se enfocó en cada detalle, era muy bonito poder confiar en él y saber que iba a contar esta historia de una manera honesta, que se alejaba de las caricaturas y los clichés y creo que lo logró de una manera formidable”.

“EL BAILE DE LOS 41 ES EL PROYECTO QUE SIEMPRE ESTÁS BUSCANDO COMO ACTOR” Emiliano Zurita comenta que para dar vida a Evaristo Rivas, fue un proceso largo de aprendizaje. ”Tuve varias cosas que aprender, en lo técnico fue bailar vals, montar a caballo, pero lo que sí hice mucho fue leer, David nos dio bastante libros, me los acababa y le pedía más, en total leí 6 o 7 libros de varios y diferentes temas. Libros sobre El Porfiriato como El exilio, de Carlos Tello, que relata la vida personal de la familia Díaz después de que fueron exiliados y llega a tocar ciertos temas de Ignacio de la Torre; me concentré mucho en el tema de cómo era la carrera de jurisprudencia en esa época, y así hacerme preguntas como ¿a qué edad estudiaban o trabajaban?”

“Otro libro que me interesó mucho fue La tiranía de la opresión que habla de la importancia del honor en el México del Porfiriato y cómo eso definía la relación social, los roles

femeninos y masculinos a través del honor profundamente machista, era algo que se me hacía muy crítico para un personaje que aunque sea un macho su honor y su nombre valga menos por el hecho de ser homosexual, como si su vida no tuviera sentido, fue algo que intenté inculcarle a mi personaje”.

El baile de los 41 retrata los hechos de la famosa redada a una fiesta travesti sucedida en 1901 durante El Porfiriato, popularmente conocida como el Baile de los cuarenta y uno.

“Más allá de una historia de época, es una historia de relaciones humanas; para Alfonso y para mí era importante generar una buena química con nuestros personajes y también crear una hermandad entre los 42, generar ese amor que se tienen todos y que en verdad comparten algo muy especial. En el caso de nuestra pareja era importante mostrar el lado del amor y de la conexión, al final siento que no importa la orientación sexual, te puedes identificar con la búsqueda del amor, de la felicidad y la libertad, y al final eso queríamos hacer. Ya lo demás son escenas de sexo pero eso pasaba a segundo plano y era algo muy técnico”.

Sobre cómo vislumbra el tema LGBT+ en la actualidad, el hijo de los actores Christian Bach y Humberto Zurita, comenta: “Me hace muy feliz el hecho de que la comunidad LGBT+ tiene mucha más presencia en los medios y que se aleje de los personajes caricaturizados, creo que todas estas historias ahora están buscando ser contadas del lado real, creo que cada vez tienen más voz, por ejemplo, hice unas las fotos para la revista ELLE México sobra moda sin géneros, sin etiquetas, que muestra lo femenino en lo masculino y lo masculino en lo femenino y es algo muy padre, también salieron otras portadas como Vogue o Bad hombre; queremos hacer esto visible de alguna manera, se vuelva común y la gente ya no le dé importancia negativa a estos temas, que la gente lo acepte y lo vea como algo normal, sólo es un rango de masculinidad, una gama de orientaciones sexuales. Creo que falta mucho que recorrer pero hemos hecho grandes avances, y es muy bueno ver que los medios poco a poco lo impulsan más”.

oZurita

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PÍA

WATSON UNA ACTRIZ VERSÁTIL

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•C A R L OS M O R A

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Foto | IQ Icunacury Acosta

no de los nuevos rostros en el cine mexicano al que hay seguirle la pista sin duda es Pía Watson, actriz que destaca por su trabajo en la película Conversaciones, dirigida por Eduardo M. Clorio, donde la joven actriz da vida a Fernanda y a su alter ego La trina.

“Fue un proceso bastante largo de trabajo con Eduardo para encontrar el porqué había llevado a mi personaje a tomar una decisión tan drástica, ante el trauma que vive en la historia; nos enfocamos a trabajar desde la voz hasta la corporalidad de La trina y Fernanda, para lograr que se entendiera el cambio de transición y al final fueran la misma persona”, comenta en entrevista con la revista Cameo.

Conversaciones cuenta la historia de una familia mexicana a través de las relaciones y conflictos de dos hermanos y de diez fantásticas y oscuras conversaciones. Con un elenco formado por Pía Watson, Tato Alexander, Gimena Gómez, Marco Treviño, Israel Amezcua, Karla Coronado, Christopher Aguilasocho, María Fernanda Tovar, Fitzgerald Navarro, Xochiquetzal Martínez, Norma Mora, Allison Santiago, Roberto Cazares, Michele Abascal, Iván Mondragón y Alberto Estrella.

Sobre este último Pía comparte una anécdota: “nunca había trabajado con Alberto estrella, estuve a punto de trabajar con él en una obra de teatro en El círculo teatral, al final ya no se dieron las cosas pero le guardo mucho cariño.

De hecho, mi primer acercamiento con la actuación fue a través de su escuela, lo recuerdo en mis primeras clases, incluso en las que yo ni siquiera sabía que quería ser actriz, ya después conociéndolo como persona (en ese intento de montaje) veo la enorme calidad de persona y la calidad que tiene, es muy lindo. En cuanto a su trabajo en la cinta, me sorprendió al igual que todos mis compañeros; me gustó ver la dimensión que le dieron a los personajes que sólo había leído en el guion”.

En su paso por el teatro destaca su participación en la obra de teatro Rotterdam, donde compartió escena con la actriz Valeria Vera, “es una obra que cambió mi vida de muchas formas, recuerdo que estaba a punto de irme de México cuando me la ofrecieron y me quedé por ese proyecto, es una obra preciosa e importante en mi vida”.

También ha tenido la oportunidad de trabajar en series como Rosario Tijeras y El secreto de Selena. “Tanto el cine, teatro y televisión son tres lenguajes muy distintos, por ejemplo, el teatro se disfruta mucho como actor porque lo estás viviendo y el cine también lo disfrutas de una forma diferente, tienes claro que estás trabajando con una cámara, y si hay un diálogo interesante con el fotógrafo y con el director, es subrayar muchas cosas como actor, al final terminas con un documento de lo que sucedió, y la verdad disfruto hacer las tres cosas por las herramientas diferentes que tengo que emplear como actriz”.

DEL DRAMA A LA COMEDIA Otro de los proyectos que emociona a Pía Watson es su participación en la cinta Half Brothers, el primer filme producido y también actuado por Luis Gerardo Méndez.

“Fue una grata experiencia, trabajar en dos idiomas, en una producción en Estados Unidos; generalmente los personajes mexicanos en películas norteamericanas no se los dan a actores con mi perfil, porque no tengo el estereotipo físico de una mujer mexicana, y me gustó mucho que esta película se trató de alejar de esos estereotipos, los escritores Eduardo Cisneros y Jason Shuman han estado luchando por ello en sus guiones, es algo que me gustó del proyecto”.

Sobre su trabajo en una película de alto presupuesto Pía Watson dice sentirse afortunada: “Espero que se puedan abrir nuevas posibilidades de proyectos más interesantes tanto en México, Estados Unidos o en cualquier parte del mundo, es algo que a todos los creadores nos entusiasma, por un lado poder compartir Conversaciones todo un drama, como Half Brothers una comedia diferente. Me tocó una buena fortuna”.

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Conversaciones TEATRAL, CRUDA, DIVERTIDA Y ATERRADORA ES CURIOSO QUE REFLEXIONAMOS sobre las decisiones que tomamos cuando éstas nos pasan factura, sus consecuencias marcan para bien o para mal el rumbo que toman nuestras vidas y el lugar en el que estamos ahora. ¿Nuestra vida está predeterminada o la construimos día a día? Esa quizá sea la mayor interrogante en Conversaciones, segundo largometraje del director Eduardo M. Clorio.

Con un elenco coral plagado de actores consolidados y rostros recurrentes en la pantalla chica, Conversaciones es un experimento narrativo y un ejercicio de estilo que reúne varias técnicas, así como un vehículo propicio para actuaciones complejas como pocas veces se puede conjuntar en el cine mexicano. Resulta difícil dar una sinopsis sin revelar partes fundamentes de su trama, pero basta decir que a lo largo de 97 minutos se desarrollan 10 conversaciones, algunas fantásticas, otras oscuras y otras muy cómicas en las que se va revelando la historia de una familia.

Con una estructura arriesgada que transcurre narrativamente en reversa, sin mayor ambición que la de realizar un ejercicio dramático que exige la atención del espectador para armar este puzzle, la cinta toca temas tan espinosos como la infidelidad, la identidad

CONVERSACIONES Dirección: Eduardo M. Clorio Fotografía: Cesar Fuentes

sexual, el incesto, la venganza, los feminicidios, las desapariciones, la salud mental, la frivolidad de las redes sociales, el clasismo, la muerte y muchos otros. Su mayor virtud es precisamente su mutabilidad para compactar, desenredar y condensar tantos frente haciéndolo disfrutable y comprensible.

A medio caballo entre el drama, la comedia y el suspenso, esta película que destaca por ser totalmente independiente no está exenta de errores, hay fragmentos que se alargan innecesariamente impactando en un ritmo irregular, y aunque no todos los actores estén en el mismo timing (lo que también depende del género de cada pasaje), los personajes son muy atractivos por la manera en la que están diseñados, sin embargo, y aunque breve, es Alberto Estrella el que cimbra con su interpretación, no por nada su personaje es el que reúne todas las contradicciones que están presentes el guion.

Conversaciones no se parece a nada de lo que ha llegado este año a las pantallas de cine, eso se debe subrayar. Teatral, cruda, divertida y aterradora, este espejo de emociones y relaciones nos dejará reflexionando por un buen rato.

• Alejandra Lomelí

La pasión de Javier UNA MARCA SIGNIFICATIVA EN LA LITERATURA LATINOAMERICANA EN LA DÉCADA DE 1960, América Latina vivía una gran agitación político-social, fue la época de las revoluciones contra la dictadura y los golpes de estado. En este contexto, los escritores tomaron un papel fundamental en la difusión de los nuevos paradigmas, por ejemplo, Javier Heraud.

Javier Heraud fue un poeta que, ante la efervescencia y el romanticismo de la revolución cubana, decide ir en busca de su controversial llamado vital, su “llamado salvaje”, por lo que decidió involucrarse en la guerrilla encontrando un trágico destino al morir acribillado por miembros de la Guardia Republicana a la edad de 21 años. Aunque su vida fue corta dejó una marca significativa en la

literatura latinoamericana.

La fascinante vida de Heraud ha sido la inspiración de La pasión de Javier, una biopic que busca reconstruir los últimos años de vida del poeta. Con Stefano Tosso en el papel del escritor, la película de Eduardo Guillot consigue cuajar un retrato emotivo que captura el inmenso amor de Heraud por su patria y por las letras.

Si bien La pasión de Javier logra transmitir con sensibilidad el arrojo de Heraud por vivir hasta las últimas consecuencias, la película adolece de un guión plano a pesar de intercalar dos tiempos narrativos, tampoco hay rigor para unificar la gran variedad de temas en la construcción del personaje, por ejemplo, el

rechazo del personaje por estudiar derecho y el conflicto que eso le significó con su padre, su frustrado romance con su musa Laura, su pasión por las letras, su descontento con la política, la guerrilla… todos ellos conviven y se enfrentan, pero ninguno tiene un verdadero peso en su arco.

Por el contrario, hay un trabajo sobresaliente en la construcción de las atmósferas bohemias, las tertulias literarias y el sorprendente diseño de arte, dejando en claro que, La pasión de Javier es, ante todo, una película que rinde homenaje a la expresión literaria, pero si buscas una exploración exhaustiva de la fascinante figura, aquí no la encontrará.

• Alejandra Lomelí

LA PASIÓN DE JAVIER Dirección: Eduardo Guillot Fotografía: César Fe

Eduardo Guillot

“EL CINE ES REALMENTE MI PASIÓN”

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l director peruano Eduardo Guillot Meave presentó su segundo largometraje La pasión de Javier, en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de Guadalajara, donde comparte con la revista Cameo sus impresiones de estar presente en dicho festival y con esta “nueva normalidad”.

“Fue un honor ser invitado a la edición 35 del FICG, estoy muy agradecido, siento que el esfuerzo que hizo el festival por hacerlo presencial fue muy importante, y que sigan peleando por el cine es un gran logro”.

La pasión de Javier está inspirada en la vida del poeta peruano Javier Heraud; es protagonizada por Stefano Tosso.

“Es una historia que no se había contado, cuando leí el libro de Cecilia Heraud, hermana de Javier, encontré una historia fascinante, de un muchacho de clase media que tiene una sensibilidad como poeta y más adelante se convierte en guerrillero y al final le sorprende la muerte a los 21 años. Creo que su historia merecía ser contada, me costó mucho como estructura el guion porque tenía muchos ángulos y fueron años de investigación, y encon-

tré que desde su etapa de universitario tenía un interés por la política, por las injusticias que hay en Perú, las desigualdades que han y siguen existiendo”.

Con locaciones desde Lima, hasta París y pasando por la selva de Perú, Guillot Meave destaca que su proceso de filmación no fue fácil en cuestión de presupuesto y más por ser una cinta de época ambientada en los años 60.

“En Perú tenemos presupuestos muy bajos para el cine, me costó mucho hacer esta película, incluso busqué financiamientos entre algunos productores, incluso recurrí a préstamos personales, pero le tengo mucho respeto al cine, he dirigido y producido varios programas, he tenido esa suerte, pero el cine es realmente mi pasión”.

Después de estar en la muestra del FICG, La pasión de Javier, ha tenido un gran recibimiento entre los festivales, “tuvimos mucha suerte que fuera seleccionada por el festival de Chicago, también el prestigioso festival de La Habana, y en 2021 vamos a estar presentes en el festival de París, y esperamos sumar otros”.

• Carlos Mora

DIEGO DE ERICE

EL JUNIOR, SU PRIMER PROTAGÓNICO • CARLOS MORA

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l año 2020 quedará en la memoria de Diego de Erice por la oportunidad de hacer su primer protagónico en El junior, una serie que aborda los temas de narcotráfico pero en comedia, es decir, una narcocomedia producida por Comedia Networks, nuevo sello de Televisa Networks.

En entrevista exclusiva para la revista Cameo, el actor narra su experiencia y cuenta más detalles de la serie que se estrenará en el primer trimestre del 2021. ¿Cómo te sientes con esta nueva oportunidad en tu carrera?

Cuando me lo ofrecieron me dijeron: ‘Diego, te queremos ofrecer el protagónico de la primer narcocomedia en México’. Me generó mucha expectativa y mucha ilusión, la comedia es un género que me encanta. Abordamos el tema del narco visto de una manera divertida, manejamos una parodia de las narcoseries. La historia es original y cuenta con escritores que han estado a cargo de programas muy exitosos como XHDERBEZ, La secu, La familia peluche, entre otros; y está dirigida por Javier Solar el director de Los simuladores y quien el año pasado ganó un Emmy por la serie El vato.

Platícanos quiénes forman parte del elenco de El junior Hay un elenco muy sólido, fíjate que como es mi primer protagónico me daba mucho miedo y nervios, pero cuando me dijeron quién iba a estar en el elenco me terminé de convencer por el proyecto. Están Jesús Ochoa, Luis

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Felipe Tovar, Luis Fernando Peña, Alejandro Calva y María Fernanda Yepes; la sinergia que se ha creado con el elenco es maravillosa. “¡Imagina!, María Fernanda no había hecho comedia y nos tocó a nosotros cobijarla y darle la bienvenida, se ha generado una relación muy estrecha que la gente cuando vea El junior llegué a notarlo.

Y cuéntanos sobre tu papel en la serie El junior es mi personaje, es hermano de María Fernanda, y por azares del destino llega a tener que aprender todo sobre el negocio del cártel y del mundo del narcotráfico, porque se crió afuera de ese mundo. Es algo nuevo para mí, algunos actores ya habían trabajado en narcoseries pero yo no, por eso intercambiamos información y platicamos sobre las escenas, nos ayudamos y damos consejos. Estoy con la responsabilidad de llevar este papel lo mejor posible, claro que acepto todos los consejos que dan, y todo sea en pro de sumar para este gran proyecto.

Se cree que es fácil, pero ¿qué tanto te has preparado para obtener un papel estelar?

Aún tengo nervios, esos siempre dan pero mientras se sientan es porque te sigue emocionado y gustando lo que haces en tu trabajo, pero más que nerviosos con este proyecto sentí mucha responsabilidad sobre mis hombros, de estar en una producción tan grande, estamos grabando en formato de cine, de memoria, sin apuntador, con locaciones en el exterior que le da un look más real y más vivo a la serie. Por eso tengo el compromiso de estudiar mis escenas. ¿Qué opinas de la saturación en pantalla de las narcoseries?, ¿Crees que se ha abusado?

No voy a hablar mal de un género en el que no me he desarrollado, pero como espectador siento que la gente está cansada de ver lo mismo, no nada más de las narcoseries, por lo regular son repeticiones o es el refrito o la adaptación de la novela que ya vimos.

Ahora con El junior la apuesta es generar un nuevo contenido, por eso estamos haciendo la primera narcocomedia que no tiene nada que ver con las otras series. Por lo regular las narcoseries toman a personajes famosos de la cultura del narco o historias y las dramatizan un poco o con un corte de documental; en este caso es una historia original, los personajes son ficción, no están basados en nadie y lo que estamos haciendo es poner la comedia en un universo donde no había estado antes.

Fotos | Makeitprensa

Sobre las televisoras o plataformas de streaming que apuestan por otras propuestas, ¿qué puedes comentar?

Me gusta que se apueste a proyectos grandes y a nuevas propuestas, muchas veces los escritores tienen muy buenas historias en la cabeza pero les dicen al final que no, que hagan la misma novela donde la pobre se enamora del rico, y es bueno, al final la fórmula no falla,

por eso es muy exitosa, pero ya hay mucho público y un target muy grande que le podemos meter otro tipo de contenido y la comedia que estamos logrando es justamente un contenido distinto. ¿Cuántos capítulos tendrá El junior?

Son 16 episodios y se ha platicado dentro de la producción que si quedan largos probablemente puedan subir a 24 episodios, pero en un principio sólo 16 aprobados que conforman la primera temporada y si todo sale viento en popa podríamos estar grabando la segunda temporada a principios del próximo año.

Es un gran proyecto, hay escenas donde nos hemos tardado todo el mediodía en una sola escena, nos ha tocado trabajar con más de 40 extras, hay disparos, persecuciones, tomas con drones, por eso la posproducción es un proceso bastante grande, pero estoy muy feliz orgulloso con el resultado, ya lo verán.

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Foto | Makeitprensa

PEPE GÁMEZ GRABAR EN TIEMPOS DE PANDEMIA

“Un poco Tediosa”, así recuerda el actor Pepe Gámez su experiencia al grabar la segunda temporada de la serie Falsa identidad, bajo las nuevas normas que existen debido a la enfermedad del Covid-19.

“Me atrevo a decir que fuimos de las primeras producciones en México que retomamos grabaciones, la pandemia nos agarró en la mitad del proyecto, entonces tuvimos que parar el trabajo. Después, al tener que regresar al set bajo una nueva normalidad de filmación fue muy raro, pero me siento contento de poder haber terminado de grabarla”, comparte en entrevista exclusiva con la revista Cameo.

Originario de Tamaulipas afirma que estuvo tres meses en su casa debido a la cuarentena que desde marzo se vive en México.

“Al principio tenía muchas ganas de salir pero también había miedo, para ser honesto se me mezclaron los sentimientos entre aburrimiento y temor. Pero hay que ser profesional y tener ganas de avanzar, de seguir. Recuerdo que hubo demasiadas pruebas covid, acabé haciéndome como 25 test en dos meses, eran los lunes y jueves, además tenía que usar cubrebocas y caretas todo el tiempo”.

“Para mí el director siempre es la persona más importante y que tiene la voz y el mando más alto en un set, y ahora ese poder pasó a los médicos, porque llegaba el doctor, incluso interrumpía las grabaciones y me decían, ‘ponte la careta’, y sí te saca de onda y te cuestionabas, ¿ahora, a quién le hago caso?, aún estando el director frente de mí. Recuerdo que nos dijeron en una junta por zoom, ‘tienen que hacerle caso a los doctores, ellos ahora son la autoridad más alta’, entonces tuve que entender la nueva forma de trabajo y de dejarte conducir”.

Y añade, “para ser honesto sí me molesté, porque terminas muy confundido, de repente fue complicado ensayar las escenas usando cubrebocas y careta porque no escuchas a tu compañero, ¡es imposible!, las veces que me dijeron que me pusiera la careta sí les comentaba: ‘no escucho nada’, y me volvían a reprender ‘que te la pongas’; fue una forma de ajustarse, de aprender, de tener una dosis de humildad porque al final los médicos

también hacían su trabajo. Un problema que llegó a ser constante fue cuando al usar mucho la careta se te llegaba a marcar en la frente, y al notarse la marca avisaban para que la maquillista fuera y te la tapara. Pero hicimos un gran equipo, desde producción, actores, y todo el set, y nos pusimos las pilas y sacamos un buen trabajo y todo mundo le dejó su corazón, lo hicimos de una manera increíble”.

Falsa identidad es una serie producida por Telemundo, protagonizada por Camila Sodi y Luis Ernesto Franco, a quien Pepe recuerda cuando se contagió de Covid. “¡Imagina!, el Güero Franco, el protagonista de la serie, tuvo Covid. A mí me tocó grabar con él tres días seguidos, hicimos varias escenas juntos entre ellas dentro de una camioneta, y yo juraba que ya me había contagiado, recuerdo que ese fin de semana me puse un poco hipocondriaco y le avisé a mi familia que el protagonista se había enfermado y que estaba casi seguro que yo también me iba a enfermar, entonces recibí muchos mensajes de apoyo por parte de todos ellos. Y al final la libré, no me dio nada, pero sí reforcé mi forma de cuidarme, lo hice al triple, me puse gel antibacterial todo el tiempo y casi no me quitaba la careta, y salí limpio de mis grabaciones”.

Sobre el Deivid su personaje en Falsa identidad Gámez confiesa: “Me encanta hacer a este personaje, mi trabajo como actor es encontrar a mis personajes lo más parecidos a mí, encontrar la parte orgánica y real que Pepe le pone a los personajes. Con él comparto ese gusto por el ejercicio y por las armas, recuerdo que mi papá tenía una armería en un pueblo en Tamaulipas, tenía muchas armas y cuando era niño me llevaba de cacería, hacíamos tiro al blanco, incluso había un campo de tiro y ahí trabajaba mi puntería; desde pequeño me enseñó cosas de armas y en lo personal me encantan, y les tengo mucho respeto, sé utilizarlas; me divertí mucho en la serie y de prestarle al verdadero yo al Deivid”.

Otro personaje que ha marcado su carrera es Juan López, exmarido de Jenni Rivera en la bioserie Mariposa de barrio.

“No conocía mucho de la historia de Jenni Rivera, la Diva de la banda, sabía cosas básicas de ella, y formar parte de ese proyecto me llevó a investigar más a fondo sobre lo que fue su vida privada para poder interpretar a su segundo marido Juan López. Tuve la fortuna de conocer a su familia, fue un trabajo que hice con todo el respeto del mundo, me quedé encantado de formar parte de esa bioserie, me dejó un sabor de boca como actor muy grato; la recuerdo con mucho cariño” • Carlos Mora

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