REVISTA CAMEO 4

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Foto | Makeitprensa

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L U I S

R O B E R T O

G U Z M Á N

AC TO R D E ¿ Q U I É N M ATÓ A S A R A ?

“SOY FAN DE LA VIDA Y DE LA FICCIÓN”

REVISTA 04 A B R | 21 M AY | 21

Foto | IQ Icunacury Acosta

J O S E

M A R Í A

D E

T A V I R A

AC TO R D E TO D O LO I N V I S I B L E

“LOS TIEMPOS CAMBIAN Y LO QUE ERA TABÚ AHORA ES NORMALIDAD”

REVISTA

04 A B R | 21 M AY | 21

I S E L A

V E G A

MUJER ECLÉCTICA DEL CINE NACIONAL 1939 - 2021

NÚMERO 04 ABRIL | MAYO | 2021 REVISTA DIGITAL REVISTA

Editor: Carlos Mora Co editora: Maribel De Luna Colaboradores: Elizabeth Osorio Alejandra Lomelí Angélica Ramírez Francisco Javier Quintanar Polanco

cameo.revista@gmail.com revista_cameo

Quiénes somos Ante los acontecimientos recientes que nos llevan a buscar nuevas formas para difundir los proyectos de cine, televisión y plataformas digitales nace la revista Cameo para dar a conocer los trabajos de películas y series.

Directores, productores, fotógrafos, guionistas, creadores de contenidos, distribuidores y demás personas que compartimos el amor por el séptimo arte queremos mostrar la calidad que hay en la industria en México. revista Cameo

• ELIZABETH OSORIO

S

er rescatado del olvido para tener un uso renovado, probablemente es la mayor fortuna que pueda ocurrirle a uno de los tantos cines en estado de abandono en la Ciudad de México; en el pasado, quedó el esqueleto art decó grafiteado y carcomido que permaneció por más de 20 años en la calzada México - Tacuba como el fantasma de los días de gloria del Cine Cosmos.

No volverán las tradicionales matinés que lo hicieron famoso en los años 50 en toda la ciudad, pero el monumental edificio hoy con un blanco deslumbrante que ofrece la idea de estar recién construido, ha renacido como la Fábrica de Artes y Oficios, Faro Cosmos y Escuela de Artes Circenses, impartiendo clases en línea hasta que el semáforo epidemiológico las permita de manera presencial.

Previo a su remodelación realizada por el gobierno capitalino, cuya inversión total fue 220 millones de pesos, iba a tener el macabro destino el ser demolido para funcionar como funeraria; no obstante, los vecinos de la zona que durante décadas disfrutaron principalmente de películas de acción, se opusieron a dejar perder para siempre sus tres mil butacas.

“Era un predio privado, había sido abandonado por los dueños y por su posición geográfica estratégica el dueño decidió venderlo y estuvo a punto de ser una funeraria, pero la comunidad demandó al entonces alcalde de Miguel Hidalgo que no querían que fuera un negocio privado. El alcalde hizo eco de esa demanda y compró el predio, en ese momento se pensó para hacerlo una escuela de danza”, comentó en entrevista para Revista Cameo

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CINE COSMOS

EL RENACIMIENTO DEL

Benjamín González, Director General de Vinculación Cultural Comunitaria de la Secretaría de Cultura capitalina.

Debido al fuerte arraigo que tienen los vecinos de las colonias colindantes con el Cine Cosmos, Benjamín González no dudó en que la nueva vocación del recinto, cuya oferta cultural es permanente tendrá gran éxito.

“El Cosmos es un referente conocido por toda la comunidad y gana legitimidad cuando aquello estuvo abandonado, y ahora reconquistado y eso es muy importante. Además, el modelo que tiene de escuela taller al estilo de formadores de oficios está probado al haber centenares de artistas en todo el planeta que se han formado de esa manera”, explicó el funcionario.

La historia del Cine Cosmos muestra que la fortuna siempre estuvo de su lado, ya que ésta es la segunda ocasión en que renace, la primera ocurrió en 1948 cuando fue reabierto luego de que en 1946 su inauguración se viera frustrada por un inesperado incendio. Fue el 24 de junio del 48, cuando los vecinos de los barrios cercanos se dieron cita a las 21:00 horas para la gran reinauguración, sentados en sus butacas de piel disfrutaron de la película Agonía de Amor de Alfred Hitchcock.

“El Cine Cosmos cuenta con los mejores equipos de proyección y sonido, con la pantalla más moderna y las butacas más confortables. Es un cine en el que usted gozará plenamente del espectáculo”, invitaba el promocional del gran evento en el que se aprecia el edificio iluminado en todo su esplendor obra del prestigioso arquitecto de los cines antiguos de la ciudad, Carlos Crombe.

A pesar de estar ubicado en una zona en la que tenía como competencia otras grandes e icónicas salas como el Cine Ópera, el Cosmos se posicionó en el gusto del público y dejó huella en la vida del entretenimiento de los capitalinos al instaurar las famosas matinés, en las que ver películas a precios de promoción antes del mediodía se volvió una tradición.

“Domingo inauguración de nuestras grandiosas matinees. Tin Tan y su carnal Marcelo en Músico Poeta y Loco y Niño Perdido”, anunciaba el Cine Cosmos el 11 de julio de 1948 en el diario El Universal.

“

A VECES LA GENTE NO CABÍA Y TERMINABAN SENTADOS EN LOS PASILLOS, ESO PROVOCABA PISOTONES, GRITOS Y FUERTES RECHIFLAS. IMAGÍNATE MÁS DE MIL PERSONAS CHIFLANDO PORQUÉ SE INTERRUMPÍA LA PELÍCULA, SIEMPRE TERMINABA EN BRONCA SEGURA EN PLENA AVENIDA MÉXICO – TACUBA” |5

Las funciones llegaron a tener un ingrediente que las hacían “más sabrosas”, según recuerda José González, quien fue asiduo asistente en su juventud cuando era común ir en “bola” con los amigos. “Éramos tantos los que entrábamos cuando había una buena película, que a veces la gente no cabía y terminaban sentados en los pasillos, eso provocaba pisotones, gritos y fuertes rechiflas. Imagínate más de mil personas chiflando porqué se interrumpía la película, siempre terminaba en bronca segura en plena avenida México – Tacuba, con varios dándose de golpes en la banqueta o por donde pasan los carros”, recordó con risa José, quien no vivía cerca de la zona, pero relató “iba hasta allá” por los “buenos huateques que se armaban”.

Además del entretenimiento, el Cine Cosmos tuvo una participación crucial durante la represión estudiantil del 10 de junio de 1971, conocida como El Halconazo, al servir como refugio de estudiantes cuando realizaban la primera gran manifestación en las inmediaciones de la Benemérita Escuela Nacional de Maestros, tras la matanza de Tlatelolco.

Por ello, el nuevo Faro Cosmos inaugurará el próximo 10 de junio una exposición sobre los hechos de 1971, la cual será montada por la Subsecretaría de Derechos Humanos, Población y Migración del gobierno federal.

El rescate del Cine Cosmos permite mantener ese espacio colectivo poblado de las vivencias y recuerda que el patrimonio arquitectónico cinematográfico de la Ciudad de México sí puede ser salvado, aunque las autoridades del gobierno capitalino reconocen que no existe una política que permita hacer la misma maniobra con otros cines.

“No existe una política de rescate de estos lugares, primero porqué es un asunto económico muy fuerte, porqué habría que comprar estos espacios”, dijo Benjamín González, al reconocer que el renacimiento del cine se debió a una serie de acontecimientos que dieron la oportunidad, es decir a un golpe de suerte.

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“Mujer

trasgresora de nuestro cine; actriz, guionista, productora y directora de historias poderosas. Te despedimos con tristeza, también con gran admiración y cariño.

Sigue con nosotros la enorme fuerza que siempre le diste a nuestras pantallas”, con estas palabras el Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) anunciaba el deceso y le daba el último adiós a Isela Vega, quien falleció a los 81 años, a consecuencia de un cáncer contra el cual venía luchando semanas atrás.

Actriz como pocas en la historia y el panorama del cine nacional, Isela Vega Durazo era originaria de Hermosillo, Sonora. En 1957, a sus 18 años de edad, es nombrada Princesa del Carnaval de Mazatlán, y ello le abre las puertas al mundo del modelaje, por lo que decide emigrar a Estados Unidos para especializarse en ello, al tiempo que buscaba perfeccionar su inglés.

Un par de años después regresa a su patria, pero esta vez a radicar y trabajar en la ciudad de México, donde consigue empleo como cantante en diversos bares, interpretando boleros y canciones de The Beatles. De forma paralela, empieza a incursionar en la actuación y en 1960 debuta en el cine con Verano violento dirigida por Alfonso Corona Blake, y al lado de Pedro Armendáriz, Guillermo Murray y Gustavo Rojo.

A partir de allí, su carrera como actriz empezaría a ascender. En 1967, obtiene su primer protagónico en Don Juan 67 de Carlos Velo, compartiendo créditos con el comediante Mauricio Garcés. En 1969 participa en Las pirañas aman en Cuaresma bajo la dirección de Francisco del Villar, y en Las golfas de Fernando Cortés, cuyas temáticas causaron cierta polémica en algunos sectores del público de esos años, y empezaron a forjarle una reputación de mujer sexualmente liberada, percepción que sería reforzada por su participación en los largometrajes La buscona de Emilio Gómez Muriel y El oficio más antiguo del mundo de Luis Alcoriza, ambas de 1970.

Isela vuelve a formar parte de otra controversia en 1971, cuando participa en La primavera de los escorpiones, nuevamente bajo la dirección de Del Villar y con guión escrito tanto por el realizador como por el dramaturgo Hugo Argüelles el cual, por primera vez en la historia del cine mexicano; mostró en pantalla a una pareja abiertamente homosexual, frente a un público (y una sociedad) que aún no tenían la suficiente apertura para hablar de ese tema.

Vega recibe en 1972 su primera nominación al Ariel como mejor actriz gracias a la película Las reglas del juego, dirigida por Mauricio Walerstein un año antes, aunque no lo ganaría en esa ocasión.

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SELA MUJER ECLÉCTICA DEL CINE NACIONAL • F R A N C I S C O JAV I E R Q U I N TA N A R P O L A N C O

VEGA

En 1974, ocurren dos hechos que serían definitivos para la internacionalización de la actriz: su decisión de posar desnuda para la revista Playboy, en su edición de julio de ese año; lo que la convierte en la primera mujer latina en aparecer en la versión norteamericana de dicha publicación. Y su participación en Bring Me The Head Of Alfredo García, película de Sam Peckinpah con la cual incursionó en el cine hollywoodense y en donde además participó con una canción compuesta por ella especialmente para la cinta, la cual interpreta en una escena de la misma.

La polémica en torno a la imagen de mujer liberada de Isela se reavivaría gracias a su participación en los filmes El llanto de la tortuga (1975) dirigida por Francisco del Villar, cuyas escenas de juegos sexuales desinhibidos y violentos serían motivo de escándalo;

y en La viuda negra (1977), cinta dirigida por Arturo Ripstein la cual fue censurada por el mismísimo José López Portillo, y en donde ella daría vida a Matea Gutiérrez, una atractiva mujer cuya cercanía a un cura (Mario Almada), terminaría por alterar la vida de este último, dando pie a una trama que criticaba mordazmente la doble moral imperante en la sociedad mexicana de esos años. El papel de Matea es sin duda una de sus interpretaciones más recordadas y celebradas. Curiosamente, por esta actuación obtendría el Ariel a Mejor Actriz, pero se le otorgaría hasta 1984, cuando el filme por fin pudo ser estrenado.

En los años siguientes, su imagen de sex symbol continuaría explotándose ya fuese a través de diversas comedias con tintes eróticos como La pecadora, el cura y la santa (1977) de Roberto Fandiño y Casa de citas (1978) de

Jesús Yagüe (ambas coproducciones con España), o bien en relatos de alto contenido sexual como Muñecas de medianoche (1979) de Rafael Portillo o Naná (1979) de Rafael Baledón y José Bolaños, basada en la novela homónima de Émile Zola.

También estaría presente en los albores de las sexicomedias mexicanas al participar en filmes como Las cariñosas (1979) de Rafael Portillo; La pulquería (1981) de Víctor Manuel Castro y El macho biónico (1981) de Rodolfo de Anda, por mencionar solo algunas.

En 1980 debuta como productora con el filme Dulces Navajas de Eloy de la Iglesia. Dos años después, participaría como productora, actriz y guionista en la cinta Amor a navaja libre. Y en 1986 ocuparía la silla de la dirección con el largometraje Los amantes del señor de la noche.

Durante la década de los ochenta, Vega volvería a interpretar un papel polémico: el de una mujer trans protagonista de Las apariencias engañan (1983), dirigida por Jaime Humberto Hermosillo y que por su temática caería presa del yugo censor por varios años.

Sería hasta 1999 que la carrera de Isela volvería a tener un repunte. Esto fue gracias a su aparición como Doña Lupe en La ley de Herodes de Luis Estrada, por la cual ganaría al año siguiente su segundo Ariel, ahora por Mejor coactuación femenina. En esa misma categoría, pero ya en el nuevo milenio, volvería a ganar en dos ocasiones más: en 2007 por su papel de mamá en Fuera del cielo de Javier ‘Fox’ Patrón, y en 2015 por interpretar a una abuela entrañable en Las horas contigo, el primer largometraje de Catalina Aguilar Mastretta. En 2017 obtendría una estatuilla más, pero esta última como reconocimiento a su trayectoria.

En alguna ocasión, cuando en una entrevista se le preguntó sobre su vida amorosa y sobre una pareja, ella contestó lo siguiente: “Como pareja no me gustaría tener a alguien a mi lado porque tengo muchos amigos que me acompañan siempre. Nunca estoy sola. No lo hago porque quiera ni porque ya no crea en los hombres, sino porque ya viví. En verdad, sí me gustaría tener a un compañero para andar por todos lados y compartir mi tiempo; pero una gente en mi cama no, duermo muy a gusto sola”.

Isela Vega siempre será recordada por ser una presencia transgresora, no solamente por sus desnudos que resultaron atrevidos para una época, ni por los diversos escándalos y controversias en los que se vio envuelta tanto dentro como fuera de la pantalla; sino también por su postura (asertiva, desafiante, pero siempre abierta y honesta) ante temas como la sexualidad, las contradicciones morales de la sociedad -con las cuales tuvo que lidiar en más de una ocasión-, y los cambiantes rostros de la industria cinematográfica. No fue una mujer adelantada a su tiempo, sino más bien una que abrió camino a nuevos aires y cambios de paradigma.

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Tengo miedo torero DUELO DE ACTORES

Fotos | Mediaontheroad

• Alejandra Lomelí

LA ADAPTACIÓN al cine de la única novela del escritor chileno Pedro Lemebel, Tengo miedo torero, no dejará indiferente a nadie. Película para el lucimiento total de sus actores, la coproducción Chile-MéxicoArgentina dirigida por Rodrigo Sepúlveda, bebe de los melodramas pasionales de Fassbinder y del turbulento contexto político presente en las primeras películas de Almodóvar para recrear el Chile de la dictadura de Augusto Pinochet, en el que el travestismo, la guerrilla y un ambiguo romance se mezclan.

Recreando la agitación política que se vivía en el país en la década de los 80, la película gira en torno a “La loca del frente” (Alfredo Castro), una travesti vieja y pobre que tras ser salvado por Carlos (Leonardo Ortizgris) de una razzia, éste la involucrará en una arriesgada operación clandestina.

Ella se irá enamorando del guerrillero, cuyo plan consiste en asesinar a Pinochet.

No hay duda que las fortalezas de Tengo miedo torero son Alfredo Castro y Leonardo Ortizgris, más el primero al llevar sobre sus hombros una adaptación que requería de un actor de su calibre para materializar a un personaje tan complejo y al mismo tiempo tan ingenuo como es “La loca del frente”. La película es Castro y Ortizgris, un duelo actoral que la eleva sobre sus debilidades.

Hay dos temáticas claras en la historia: el tirante romance y el malestar político, sin embargo, hay muy poco trasfondo de este último, más allá de la información que viene de la voz de “La loca”, a quien, por cierto, la realidad no le gusta, sino la noche, “el show”, afirma en una de las pláticas con Carlos. El filme se limita a recrear manifestaciones y algunas reuniones clandestinas, pero no tienen peso argumental para entender las motivaciones de Carlos.

Pero el talento de sus actores, el exquisito diseño de producción que nos traslada a esos años desesperanzadores, el vestuario y la cautivante fotografía de Sergio Armstrong ganan terreno por encima de sus faltas.

PEDRO LEMEBEL FUE UN ESCRITOR, cronista y artista plástico chileno. Su obra escrita aborda los temas de la marginalidad chilena utilizando para ello algunas referencias autobiográficas. Referente de la literatura homosexual y contestataria, su estilo irreverente se ha dado a conocer por toda Hispanoamérica, siendo uno de los escritores chilenos con mayor proyección internacional. Su obra ha sido traducida a varios idiomas, tales como el francés, el italiano y el inglés.​ Como artista de performances y como escritor, su trabajo se caracterizó por el uso de la provocación y el resentimiento como herramientas para la denuncia política y social. Lemebel fue cronista de Página Abierta, La Nación, de las revistas de izquierda Punto Final (desde 1998) y The Clinic.

TENGO MIEDO TORERO Dirección: Rodrigo Sepúlveda Basada en: Tengo miedo, torero de Pedro Lemebel Fotografía: Sergio Armstrong Dónde ver: Prime Video

LEO NAR DO OR TIZ GRIZ LOS REGALOS QUE LE DA LA ACTUACIÓN TENGO MIEDO TORERO LA NUEVA CINTA EN LA QUE PARTICIPA EL ACTOR MEXICANO ESTÁ BASADA EN LA NOVELA DEL ESCRITOR CHILENO PEDRO LEMEBEL •C A R L OS M O R A

E

l actor Leonardo Ortizgris habla sobre su participación en Tengo miedo torero, la cinta chilena está dirigida por Rodrigo Sepúlveda Urzúa y protagonizada por Alfredo Castro. Este mes se estrena en la plataforma de Amazon Prime Video.

¿Cómo llega la invitación para participar en la cinta chilena?

Estaba en México viviendo (ahora vive en España) y me llamaron para hacer un casting muy reducido sólo para ocho actores, estaban buscando al protagonista de la película chilena Tengo miedo torero, basada en la novela del escritor Pedro Lemebel, un ícono de la cultura literaria chilena, lo hice y después me llamaron para decirme que era el coprotagonista, junto con Alfredo Castro.

Es tu segundo filme que grabas en Chile, ¿Cómo fue la experiencia?

La primera película la hice hace 15 años (Seis), por un golpe de suerte, le ayudé a una amiga chilena a hacer un casting y me tocó darle réplica, poco después los directores me vieron y les gustó mi actuación, fue un filme de bajo presupuesto, y me dijeron que no había manera para irme a Chile a filmar. Estaba encantado con la noticia que me puse a buscar la forma de irme para aquel país, y recuerdo que por esas mismas fechas del rodaje me invitaron a un festival de teatro al sur de Chile, en Puerto Montt y gracias a esa obra de teatro pude viajar para allá, estuve dando las funciones del festival que se llamaba Los temporales teatrales y ahí me quedé un año. La experiencia de estar un año en Chile fue muy gratificante y muy intensa.

Cuando llegó la invitación de Tengo miedo torero ya tuve más idea de lo que es Chile, su gente y su historia. Para mí es un país que tiene mucha importancia desde pequeño, la historia de los chilenos en mi familia ha estado muy presente. ¿Cómo fue el proceso de investigación para hacer a Carlos, tu personaje en la cinta?

Siempre ha estado muy cerca de mí la historia de Chile, si bien mi personaje no es chileno, es un mexicano que está involucrado con las revueltas en Latinoamérica, como lo que pasaba tanto en cuba, Nicaragua y todos los movimientos revolucionarios guerrilleros de aquellos años, sí fue parte de mi investigación, pero desde niño mis padres tuvieron mucha relación con exiliados chilenos, que llegaron a México, había mucha idea y noción de toda la represión y todo el dolor que se vivió en aquel país.

Por otro lado, al estudiar en la UNAM en la Facultad de Filosofía y Letras estuve muy cerca de todo lo que acontecía en América Latina, era un punto de encuentro, de muchos latinoamericanos y un semillero de nuevas juventudes, entonces todo lo que pasaba con Pinochet estaba muy claro.

Y por supuesto, Alfredo Castro me ayudó mucho a ponerme en contexto con la historia, venía de un individuo que vivió la dictadura en ese momento a flor de piel, con todos esos antecedentes la investigación no fue tan profunda.

Fotos | Mediaontheroad

¿Qué recuerdo te llevas de Tengo miedo torero?

Son esos regalos que te da la actuación o a lo que nos dedicamos, tuve la fortuna y agradezco tener a buenos compañeros para poder contar estas historias. Esta historia era muy importante para mí, para Latinoamérica y para los chilenos, retratar un momento tan importante en la historia de ellos. Para Alfredo Castro era un gran desafío y responsabilidad contar esta historia, el mismo Pedro Lemebel le pidió a él que si alguna vez se hacía esta película, él tenía que ser La loca, entonces desde ahí había un gran compromiso. Alfredo es un gran actor, un gran maestro.

Mi aproximación con él fue muy honesta y clara, eso ayudó a generar este vínculo para poder fotografiar y poder contar esta historia de dos seres que viven en universos distintos pero que a la vez los une el momento y el tiempo que se encuentran y con todas sus necesidades.

Carlos, mi personaje está ávido de transformar una sociedad y por otro lado La loca, es una persona que está completamente decepcionada, sabiendo que lo ha perdido todo.

Alfredo me ayudó a construir la relación entre ellos, la verdad una de las mejores experiencias de haber trabajado en esta película fue haber compartido escena y amistad con él.

La cinta ha tenido un largo camino por distintos festivales de cine como en Venecia, en Guadalajara, entre otros, ¿cómo la toma el público de otros países?

Siempre que un trabajo pueda abrir fronteras es muy padre. Por ejemplo, se presentó en el festival de cine en

Egipto, un país donde todavía hay demasiada censura en los contenidos que llegan y ver que tuvimos la posibilidad y fortuna de haber presentado Tengo miedo torero fue muy importante y causó ruido y preguntas, y llevar cine latinoamericano, que casi no llega a esos países fue muy importante.

También estuvo en Venecia, en Corea, entre otros tantos, y es increíble que se pueda hablar de historias latinoamericanas en otras latitudes, me parece que es muy importante y personalmente me llena de orgullo poder mostrar mi trabajo en otros países.

Tengo miedo torero se estrena en Amazon Prime Video y ya no pasó por los cines, ¿Cómo actor cuál es tu sentir?

Híjole, por una parte siento añoranza de no estar con la gente en momentos tan importantes y tan de celebración como es un estreno, y no sólo eso, también es un punto de encuentro y de reunión una sala cinematográfica, eso se echa de menos, lo extraño y me dolería mucho que eso despareciera, aunque no lo creo, pero sí se pierde esta emoción y esta energía de vivir un estreno, y de estar con la gente y ver cómo respira las películas.

También se están fortaleciendo las plataformas, para poder presentar este trabajo que se ha hecho en este par de años y que si no es así, no hay manera de presentarlo, unas por otras, para ser sincero, tengo un sentimiento encontrado de amor y odio por lo que está pasando, esperamos que pronto la gente recupere esta sensación y esta emoción de lo que significa ir a una sala de cine.

JOSÉ MARÍA DE TAVIRA “ES UN GUSTO ENCONTRAR COLEGAS TAN CHIDOS EN EL CAMINO”

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•C A R L OS M O R A

osé María de Tavira, un actor con una larga trayectoria en cine, series y teatro, habla sobre su nueva película Todo lo invisible, cinta que dirige la directora Mariana Chenillo y donde comparte créditos con dos actores experimentados, Ari Brickman y Bárbara Mori. También confiesa sobre su primera incursión en un melodrama de Televisa Fuego ardiente, “uno siempre tiene que aprender” ¿Cuéntame sobre tu participación en la cinta Todo lo invisible?

Estaba trabajando con el productor Beto Hinojosa en la serie de El candidato y se le ocurrió proponerme con Mariana Chenillo (directora de Todo lo invisible) y así me invitaron a hacer la película, estaba muy entusiasmado de trabajar con Mariana, con Ari Brickman y Bárbara Mori y formar parte de esta película.

Fotos | IQ Icunacury Acosta

Precisamente, ¿cómo fue trabajar con Ari y Bárbara?

Fue muy chido, mi personaje es un catalizador en la trayectoria de Ari, la película trata sobre todo de su personaje,

fue una experiencia bonita, son actores un poco más grandes que yo y me dio mucho gusto trabajar con ellos, no había tenido el gusto de trabajar con ninguno de los dos, son espléndidos compañeros.

Siempre es un gusto encontrarte con colegas tan chidos en el camino.

Y sobre trabajar con la directora Mariana Chenillo, ¿cuál fue tu experiencia?

Fue padre porque Maríana es una directora muy peculiar, muy a su manera, es dulce y obsesiva de repente con ciertas cosas, es observadora y tiene una mirada particular, tenía muchas ganas de trabajar con ella, fue un gusto.

También tienes otro proyecto, la telenovela Fuego ardiente, ¿es tu primera incursión en televisa?

Sí, es mi primera vez que me toca trabajar en Televisa, por un lado es algo nuevo para mí, es un sistema de trabajo y lenguaje distinto, un mundo distinto, y no puedo decir que no lo conocía porque mi mamá (Rosa María Bianchi) trabajó cerca de 30 años en esa empresa | 17

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ES MI PRIMERA VEZ QUE ME TOCA TRABAJAR EN TELEVISA, ES ALGO NUEVO PARA MÍ, ES UN SISTEMA DE TRABAJO Y LENGUAJE DISTINTO”

y la conozco muy de cerca, ha sido una experiencia bonita en la cual estoy muy agradecido, la verdad me tratan espléndidamente.

Sobre tu personaje en la telenovela, ¿qué tanto investigaste sobre su profesión?

Mi personaje es biólogo marino y siempre está padre tener la oportunidad de filmar en espacios abiertos, como el mar, tener encuentros con ballenas fue mi bonito, pero no te voy a mentir, no me metí en un curso sobre la ciencia marina pero tuve la oportunidad de bucear un poco, porque los personajes en las novelas tienen tantas facetas, son tan largos y extendidos que el ritmo de trabajo es tan grande que no puedes hacer un trabajo de investigación tan serio sobre los personajes. ¿Qué opinas sobre las telenovelas que empiezan a hablar de temas más actuales?

Los tiempos cambian y lo que era tabú hace 25 años ahora es normalidad, eventualmente el contenido que acompaña a las sociedades, su entretenimiento y sus ficciones tienen que reflejar más o menos sus creencias y eso indica más allá de la apertura de Televisa, indica que el público es lo que quiere.

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Fotos | IQ Icunacury Acosta

Todo lo invisible

ENTRE LA DISCAPACIDAD VISUAL Y EL DUELO • Alejandra Lomelí

TRAS UNA PAUSA de 7 años en el cine para dedicarse a la dirección de episodios para series de televisión como Club de cuervos, Mariana Chenillo presentó en el pasado Festival de Cine de Morelia su tercer largometraje, Todo lo invisible, una película con la que regresa a la tragicomedia luego de Paraíso, buscando en esta ocasión adentrarse en la discapacidad visual y el duelo que acarrea para la persona que la padece. Es una lástima que lo que pudo ser un intenso estudio de personaje se desaproveche debido a un guion que se ahoga entre un mar de ideas y personajes que solo entorpecen el verdadero drama.

La película nos lleva al momento en que Jonás (Ari Brickman) sufre un accidente de coche, perdiendo la vista de forma repentina a causa de las defectuosas bolsas de aire de su auto. Mientras intenta aceptar su nueva condición, emprende una lucha legal contra la automotriz en una clara señal de venganza, sin embargo, el estar en una situación vulnerable ante

TODO LO INVISIBLE Dirección: Mariana Chenillo Guion: Ari Brickman y Mariana Chenillo Fotografía: Alejandro Cantú Distribución: Cinépolis

su esposa e hijas lo llevará a deprimirse y aislarse, hasta que toca fondo descubre que hay otros caminos para poder seguir adelante.

Todo lo invisible es un proyecto que confió demasiado en el talento de su plana actoral, encabezado, además de Brickman, por Bárbara Mori y José María de Tavira, y aunque ellos están muy bien, de hecho, dotaron de capas a unos personajes que estaban prácticamente bosquejados, no es suficiente para ocultar los baches argumentales. Obviamente, el único personaje que está bien desarrollado es el de Jonás, no es extraño ya que Brickman escribió el guion junto a Chenillo.

El gran problema de la película es que pone varios temas sobre la mesa y descuida la línea central, dedicando tiempo a personajes que, si bien ponen los toques cómicos, son prescindibles, o bien, abriendo sub tramas que solo alargan el metraje.

Todo lo invisible está lejos de ser un estudio sobre la ceguera, de sus implicaciones y la depresión, muy a pesar de la deslumbrante actuación de Ari Brickman.

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LUIS ROBERTO GUZMÁN “MI VIDA PERSONAL NO GIRA EN TORNO A MI PROFESIÓN” •C A R L OS M O R A

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uis Roberto Guzmán regresa a las series con ¿Quién mató a Sara?, el nuevo lanzamiento de Netflix. El actor ha participado en producciones como La mexicana y el güero (2020), María Magdalena (2019), y Narcos (2018).

En entrevista exclusiva platica sobre su filosofía de trabajo, “el que mucho abarca poco aprieta, prefiero que todo sea uno a uno y paso a paso”, confiesa.

¿Qué puedes platicar sobre tu personaje?

Se llama Lorenzo Rosi y es un abogado que independientemente de su profesión es honesto y leal, no quiero decir que todos los abogados son así, si no está de acuerdo con lo que está buscando el cliente prefiere no proceder, va por las causas justas y al final de cuentas cuida mucho su vida sentimental y amorosa junto a su pareja (Eugenio Siller).

Ahora que estrenó la serie en Netflix y ha tenido un gran éxito, ¿cómo lo tomas?

No me quedan palabras más que de agradecimiento de tener la oportunidad a través del arte de la interpretación poder llegar a diferentes corazones, idiosincrasias, formas de pensar, diferentes mundos, universos y poder hablar desde un lugar siempre a través de los personajes sin ningún juicio, eso es lo interesante de la ficción.

¿Cómo llega el proyecto de Quién mató a Sara?

Se hizo la propuesta, se analizó y me interesó cuál era la misión de este personaje dentro de la historia, aparte la importancia de hablar de la temática que tocamos, sobre todo mi personaje en esta trama.

¿Dónde fue la grabación de la serie?

La serie fue grabada en la Ciudad de México, fue antes y durante la pandemia, como todo proyecto que le tocó durante ese tiempo hubo una detención para reestructurar todo y volver a grabarla.

Te gusta tomarte tiempo entre una y otra producción, ¿cómo lo llevas?

Mi vida no gira en torno a mi profesión, también los procesos de gestación llevan tiempo y porque no me gusta estar brincando y saltando de una cosa a otra, creo que cada proyecto tiene su momento | 21

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AL FINAL NO ME LAS QUIERO COMER TODAS, NO QUISIERA ESTAR EN TODO, DIGO QUE EL QUE MUCHO ABARCA POCO APRIETA, PREFIERO QUE TODO SEA UNO A UNO Y PASO A PASO”

y por grande o pequeño que sea lleva el mismo ímpetu, la misma hambre, amor, cariño, apapacho y eso conlleva tiempo. ¿Qué debe tener un proyecto para que lo tomes?

Es complicado, es en qué estado están mis células, qué información tengan en ese presente, también hay que evaluar siempre donde uno se encuentra o qué realmente uno quiere hacer y a qué le va a dedicar el tiempo porque el tiempo implica amor y hacer algo con desamor no es recomendable. ¿Te consideras un actor privilegiado?, porque has trabajado en distintos proyectos en diferentes empresas.

Me catalogo como un ser humano completamente libre, mi compromiso es por el proyecto que tienes en ese momento, por otro lado mi vida personal es otra cosa, el compromiso real es dar el 110% cuando estoy trabajando, a veces no podría dar menos, recapitulando cuesta sanar y eliminar los procesos y también cuesta tiempo ver hacia dónde vamos. ¿Qué es lo que te llena como actor?

El 3, 2 ¡Acción! Eso es lo que realmente me prende, esa es mi adicción.

Desde el 2016 no hago cine, y no es porque lo tenga olvidado solo que no ha llegado, no me ha escogido ese personaje y los sets son muy distintos en diferentes ambientes en el momento de 3, 2, ¡Acción! es de qué estás hecho donde se saca el cobre, la madera, lo demás es pura parafernalia. ¿Has pensado en producir o dirigir?

Definitivamente, ese es otro camino que se está explorando poner ese ratoncito mental a tratar de aterrizar y materializar algo, estamos desarrollando contenido con mi productora, un colega de Colombia y uno de España, tenemos 22 |

un proyecto muy bonito, potente, muy atractivo y que al final es universal, y lo interesante de todo es salir a convencer, a vender y lo que estamos haciendo es armar un equipo para que todo concluya y se realice. ¿Cómo ves el panorama del cine mexicano?

Soy fan de la vida y de la ficción y trato de no mezclar las cosas, como decía Meryl Streep cuando terminaba las escenas complicadas en la película Sophie’s Choice que tuvo que entregar su hijo a los nazis, como salía de eso, ella pensaba, terminaba, colgaba el vestuario y se iba a hacer la comida a su marido, en mi caso se cuelga el vestuario, se prepara lo del día siguiente y siempre tiene que haber otro tipo de distracción, que me las doy en mis tiempos de contacto y de viaje a la naturaleza salvaje, a la naturaleza pura. Es como todo, nada es importante al final de cuentas. ¿Qué personaje te gustaría interpretar en alguna serie, cine o teatro?

Me gusta la interpretación de época me gustaría hacer clásicos, me faltan muchas cosas por hacer, algunas se lograrán otras no pero también me gustaría hacer personajes en el teatro, también me gustaría hacer muchos otros, ojalá se den, y me gustaría que lleguen proyectos y personajes con complejidad, con muchos mundos ocultos por descubrir, te ponen al espejo y enseñan, me orientan, abofetean, que me dejen algo, si no, ¿para qué?.

Al final no me las quiero comer todas, no quisiera estar en todo, digo que el que mucho abarca poco aprieta, prefiero que todo sea uno a uno y paso a paso. ¿Cómo has vivido la pandemia?

Por un lado acostumbrándome a este nuevo procedimiento de la vida y por otro agradecido también porque me ha llevado a tener un poco más de conciencia con mi persona y sobre todo con la gente que me rodea, a tratar de llevar un estilo de vida un poco más sana, el estar encerrado me ha hecho un hombre de hogar, otra faceta a la que le agarro cada vez más cariño, al espacio y al hogar.

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HOZE MELÉNDEZ Y SU AMOR PARA CONTAR HISTORIAS •C A R L OS M O R A

A

yer maravilla fui, es la segunda cinta del director Gabriel Mariño, en ella participa el actor Hoze Meléndez, un actor al que no le preocupa participar en cintas de bajo presupuesto siempre que la historia lo enamore, “la película la filmamos en 2016 y a pesar de que fue un crew muy reducido por cuestiones de presupuesto, todas las personas involucradas en ella la hicimos porque la queríamos hacer, no hay otro motivo, más allá del amor hacia la historia y de querer contarla, voy a sonar súper romántico, pero las cosas se hacen con amor”, afirma. ¿Es la primera vez que trabajas con el director?

Sí, Gabriel me llamo directamente para mandarme un cuento que había escrito, ya que la cinta no tiene guion, es un cuento de 15 páginas y me dijo que lo quería filmar, me dijo que iba a actuar el personaje del ente. Así fue como me sumé al proyecto. Es un director que aborda las historias de una manera en la que prioriza la esencia del actor; me gustó trabajar con él.

Me puedes platicar sobre las locaciones Claro, la Ciudad de México es un personaje más de la historia, me gustó como retrata el tema de la soledad en una ciudad tan grande y tan llena de gente, pero al final solitarias, son personas que día a día comparten un espacio geográfico, un espacio como lo es el metro, pero en realidad van desde y con su soledad, y confluyen con otras mentalidades y ritmos, ese tema está muy bien planteado y retratado en Ayer maravilla fui. ¿Qué opinas de las cintas que se van directo a plataformas de streaming?

Lo que me gusta es que el trabajo se vea, al final las cintas están pensadas para que se vean en una pantalla grande, y el sonido envuelva y no haya distracción como el teléfono o demás distractores, entiendo esa parte, pero creo que hay que volver a las salas un lugar de convivencia, es todo un ritual. Por ejemplo, el trabajo del equipo de sonido es desaprovechado cuando lo ves en las televisiones o celulares.

Lo que sí me gusta de las plataformas, es que el trabajo se ve y se comparte, el cine mexicano no tiene la fortuna de salir con tantas copias o de llegar a tanta gente, lo veo de una manera positiva que tu película pueda salir en una plataforma, estaría padre que tuviera su tiempo de rolar en cine y de ahí en plataformas. Al final para eso hacemos nuestro trabajo. ¿Y cómo van tus nuevos proyectos?

Estoy trabajando en varios proyectos, entre ellos un cortometraje que voy a filmar en julio en Tijuana, estoy grabando una serie en Uruguay para HBO, y sí hay mucha chamba. Estoy súper contento y agradecido.

H

an pasado casi cuatro años del estreno de Ayer maravilla fui, en el Festival Internacional de Cine de Morelia y Gabriel Mariño director de la cinta platica el trayecto que ha tenido su segundo largometraje para llegar a las salas de cine, “de las lecciones que me llevo de estos años, es ver todo el trabajo que cuesta distribuir un filme independiente, es un largo camino, pero también lo bonito es ver cómo la vida de una película se puede estirar, uno cree que es de uno o dos años pero no es así, llevo hablando de ella varios años y eso me gusta mucho y me siento muy bien, contrasta con estos tiempos que todo tiene que ser inmediato, estoy contento de su estreno en salas”.

En la cinta logras reflejar una Ciudad de México bastante solitaria, ¿cómo fue?

Curiosamente, la revisión que hago ahora de la película parece profética de lo que ahora se puede observar con el tema de la pandemia y el confinamiento, esta cuestión fantasmagórica o solitaria de la ciudad, me hace sentir bien y mal a la vez porque no era una realidad que quería retratar. Siempre he dicho que tengo una relación de amor-odio con la Ciudad de México, lo que pasaba en el momento que estaba filmando la película era porque sabía que ya iba a dejar de vivir en la ciudad, mi mudanza se aproximaba, (ahora vive en Berlín, Alemania) entonces ya sabía que era cuestión de tiempo que iba a salir de la ciudad y del país, fue una cuestión de carta de despedida a la ciudad.

Por eso muchas de las locaciones que escogimos fueron mis barrios y calles en las que caminaba cuando vivía en la CDMX, cuando iba a la escuela de cine (CCC), que les tengo mucho cariño y por ello busqué retratarlo en la cinta; hay mucho cariño en las imágenes de la ciudad. ¿Cómo fue la filmación de Ayer maravilla fui?

El lenguaje cinematográfico fue un reto. Tenía ganas de filmar una idea que tuviera elementos fantásticos o irreales; siempre he trabajado con presupuestos reducidos y medios mínimos, así han surgido mis películas y me siento bien de trabajar con presupuestos bajos porque a veces las aparentes limitaciones de producción hacen detonar la creatividad. ¿Qué opinas de las cintas que se van directo a plataformas de streaming?

Con Ayer maravilla fui, tuvimos la oportunidad de ir al Festival de Cannes en un working progress antes de que la película estuviera terminada, fue un festival

Fotos | RH MEDIA

GABRIEL MARIÑO AYER MARAVILLA FUI, UNA CARTA DE DESPEDIDA A LA CDMX donde había una gran polémica porque los miembros del jurado, eran Will Smith y Pedro Almodóvar, había dos fuerzas representadas por Almodóvar que decía que el cine pertenecía a las salas y no se podía cambiar por nada, y por otro lado, esta Smith que decía que había que valorar la posibilidad de poder ver cintas de muchos países y de otros directores nuevos a las que de pronto no era tan fácil tener acceso.

Entonces te diría que me encuentro en un punto medio, aprecio la suerte de sentir la experiencia cinematográfica en salas y nunca podría vivir sin ella.

Y aprecio también acceder a una serie o películas por medio de las plataformas, creo que ahí tenemos que tener mucho sentido común y ver qué plataformas contratamos para tener una oferta amplia.

Ayer maravilla fui UNA SENSACIÓN DE MELANCOLÍA • Alejandra Lomelí

LA IMPOSIBILIDAD amorosa y la delgada línea que separa la realidad de la ficción se conjugan en Ayer maravilla fui, segundo largometraje de Gabriel Mariño, un trabajo con el que se permite coquetear con la ciencia ficción para construir un relato evocador insertado en la azarosa Ciudad de México.

Sin ocultar su referencia a la película de Philip Kaufman, Los usurpadores de cuerpos (1978), Ayer maravilla fui sigue a un ente que habita distintos cuerpos. Sin saber cuándo cambiará, camina solitario por la Ciudad de México, pasando de cuerpo en cuerpo. La monotonía y desesperanza de su existencia se trastocan cuando, encarnado como Ana (Sonia Franco), empieza a sentir amor por Luisa (Siouzana Melikian), una joven estilista taciturna. Será entonces cuando el ente deberá encontrar la manera de comunicarse con Luisa a través de sus diferentes rostros.

Fotos | RH MEDIA

AYER MARAVILLA FUI Dirección y guion: Gabriel Mariño Fotografía: Iván Hernández

Aunque Mariño no consigue evitar los lugares comunes del cine mexicano independiente contemporáneo como es la austeridad de escenarios, marcados silencios, fotografía estática y un ritmo pausado, se trata de una película que propone y cuestiona temas como la búsqueda de la identidad, la inestabilidad de las relaciones románticas y, principalmente, la naturaleza incierta, escurridiza del amor.

A pesar del protagónico que tiene la ciudad gracias a sus sonidos, su ajetreo y su deslavada apariencia, no es una crónica urbana como se puede llegar a sugerir, no aporta nada particularmente determinante para la historia. Otra desventaja es que a ninguna de las otras dos encarnaciones (Emilio y Pedro) se les da la profundidad que tiene la de Ana, haciendo que la reflexión quede a medio camino.

No obstante, consigue abrirse como una película poco convencional, rara por sus toques fantástico dentro de los dramas románticos actuales y un vehículo para el derroche de sus actores, quienes tuvieron oportunidad de improvisar la mayoría de sus diálogos. Un cuidado diseño de producción y la fotografía en blanco y negro que aportaw, hacen de Ayer maravilla fui, un ejercicio formal prominente.

G

ustavo Egelhaaf habla sobre su reciente participación en la cinta Sin hijos, de Roberto Fiesco, a quien le manifiesta su total admiración como director y con quien también trabaja en la segunda temporada de la serie El juego de las llaves, próxima a estrenarse. ¿Cómo fue trabajar con Roberto Fiesco, director de Sin hijos?

Muy feliz por Roberto, es una persona muy querida por mí y creo que para toda la industria es adorable, talentoso y me hace feliz que le está yendo bien en su primera película de ficción.

Fue como trabajar en familia, un proyecto entre amigos, tenía muchas ganas de trabajar con él, es tan bonito que tenga éxito la película porque se lo merece y creo que la propuesta visual de él para una comedia romántica es completamente distinta y eso está padre, darle cambios al género que claramente funciona en México y ver que refresque las nuevas propuestas es bastante rico.

El tema central de la cinta es algo que en la actualidad se está viviendo, que las parejas no quieren tener hijos. ¿Qué opinas?

Claro, tenemos el concepto de que las mujeres tienen casi por obligación que ser madres, lo que es completamente falso y erróneo; tener un personaje de una mujer poderosa que decide, que toma la decisión de no tener hijos y casarse, lo que vemos en la película Sin hijos, me parece importante y actual. Me parece bastante refrescante en una comedia romántica.

EL HISTRIÓN PLATICA CON REVISTA CAMEO SOBRE SU RECIENTE COLABORACIÓN EN LA CINTA SIN HIJOS

GUSTAVO EGELHAAF

UN ACTOR SIN ETIQUETAS

•C A R L OS M O R A

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“

TENEMOS EL CONCEPTO DE QUE LAS MUJERES TIENEN CASI POR OBLIGACIÓN QUE SER MADRES, LO QUE ES COMPLETAMENTE FALSO Y ERRÓNEO. SIN HIJOS ME PARECE UNA COMEDIA ROMÁNTICA BASTANTE REFRESCANTE” ¿Cómo llevas el tema de la paternidad?

Lo llevo tranquilo, soy tan apasionado y estoy enamorado de mi trabajo que no me concentro mucho en eso. He de confesar que el cuerpo de vez en cuando me dice “oye, ¿y si quieres un hijo?”. Y sí me llama la atención, pero en un futuro. Por ejemplo, para la edad que tengo mis papás ya nos tenían a mi hermano y a mí. Pero creo que ahora no es prioridad para esta generación o al menos en mi caso, ya que casi todos mis amigos de la preparatoria ya están casados y con hijos y yo no, pero así estoy muy contento. Quiero disfrutar de la vida, con mi familia y mis amigos.

Aparte tengo seis sobrinos, así que básicamente sé lo que es tener un hijo.

También trabajaste con Roberto Fiesco en la segunda temporada de la serie El juego de las llaves, producción de Amazon.

Sí, trabajamos en El juego de las llaves, la acabamos de hacer a finales del año pasado y principios de este. También fue una experiencia muy agradable. ¿Cuándo es el estreno?

Que yo sepa todavía no hay fecha apartada, pero seguramente sea este año y no puedo esperar a que la gente vea lo que hicimos, ver su reacciones y qué sucede porque me puse un poco nervioso, la verdad.

Fotos | Mediaontheroad

¿Y qué traerá la segunda temporada?

Está fuerte, está padre. Soy de Hermosillo y tengo como un lado muy progre y eso me encanta, pero a la vez tengo un pequeño lado conservador y digo pequeño porque es un lado que solo viene del adoctrinamiento que está medio en el ADN y de repente hay cosas que me asustan, pero créeme todas las cosas que se te pueden

ocurrir en esta temporada, y me encanta que se abra el tema de la sexualidad, que la gente empiece a ondear más sobre el tema y quitarnos el tabú de encima ya que los seres humanos somos seres sexuales, deberíamos estar mucho más abiertos a las experiencias y quitar todas esas etiquetas alrededor al sexo. En lo personal voy disfrutando de mi vida sin etiquetas. ¿Estás en pro o en contra de que las cintas se vayan a plataformas en vez de cines?

Pues todo lo hacemos para que la gente disfrute y si esa es la manera de hacerles llegar nuestro trabajo está bien, pero yo siempre termino enamorado de la experiencia de ir al cine, sentarme en la butaca, comprarme unas palomitas y ver una pantalla gigante alrededor de muchas personas que están vibrando junto a ti. Para mí es una experiencia inigualable. | 29

Sin hijos

UNA COMEMDIA QUE NO DECEPCIONA • Alejandra Lomelí

CON SIN HIJOS, Roberto Fiesco entrega la que hasta ahora es su película más comercial, un punto de quiebre en una carrera más bien independiente en la que a través de cortometrajes y su maravilloso documental Quebranto (2013), ha depurado un estilo autoral de temáticas bien definidas, por lo tanto, la película estrenada en Netflix resulta inesperada, y aunque no decepciona, tampoco destaca.

Remake de la película argentina de 2015 del mismo nombre, la mexicana sigue a Fidel (Alfonso Dosal), cuya vida gira alrededor de su hija Ari. Un día se reencuentra con Maria-

na (Regina Blandón), la mujer de la que ha estado enamorado toda la vida, pero hay un problema: ella detesta a los niños. Entonces, Ari decide hacerse pasar por la hermanita de su padre para que él pueda conquistar al amor de su vida.

Austera y sencilla, Sin hijos no es más de lo que podrías esperar de una comedia romántica, quizás no es novedosa, pero tiene la ventaja de colocar a través del género más exitoso del cine mexicano, un tema de tanta actualidad como es la decisión de una mujer de no tener hijos. Aunque la trama se desarrolla de forma atropellada, es una película decente con algunas secuencias de genuina simpatía.

SIN HIJOS Dirección: Roberto Fiesco Historia: Mariano Vera y Pablo Solarz Fotografía: Alejandro Cantú Dónde ver: Netflix

No es tanto una comedia de principio a fin, sino un pequeño drama de enredos y situaciones con toques cómicos, y si bien el trabajo de Alfonso Dosal sostiene la hora y media de película, no todos los actores están en al mismo nivel, lo que incluye a Regina Blandón en un registro más contenido, revelando una falta de rigor en la dirección actoral. Sumado a esto, el clímax llega de forma apresurada, sin preparación, restándole impacto y relevancia.

No obstante, lo que termina siendo Sin hijos es para lo que se creó: una distracción que no le pide nada al espectador más que abandonarse por hora y media a una función inocente y correctamente realizada.

IGNACIO RIVA PALACIO

SIGUE APRENDIENDO DE CADA PROYECTO Y PERSONAJE EL ACTOR SE ENCUENTRA ORGULLOSO DE FORMAR PARTE DEL ELENCO DE EL RISTORANTINO DE ARNOLDO, LA PRIMERA SERIE PARA DISNEY PLUS EN ESPAÑOL

“M

e siento muy satisfecho, orgulloso y agradecido por haber pertenecido a El Ristorantino de Arnoldo”, comenta el actor Ignacio Riva Palacio, sobre la primera producción de Latinoamérica hecha para la plataforma de Disney Plus.

“Creo que no nos imaginábamos el tamaño que iba a tener este programa, fue hasta que empezamos a ver cómo fue construido el pueblo, los vestuarios, la música y demás, y cuando vimos las primeras imágenes nos dimos cuenta de la inmensidad del proyecto en el que estábamos metidos”.

La serie trata sobre el cocinero Arnoldo y su ayudante Francis que abren un pequeño restaurante en Bahía Bonita. Sin embargo, los malvados hermanos Malú y Keno Malvatti (Ignacio Riva Palacio) instalan su food truck, dotado con la tecnología más avanzada, frente a la puerta del restaurante para hacerle la competencia.

“Agradezco que Disney nos esté abriendo la puerta a otras productoras que también hacen contenido para niños, a romper el esquema y llevarnos al límite, está poniendo la vara muy alta”.

“Es una gran responsabilidad pero se siente increíble que la gente lo esté tomando de la mejor manera. Hay una gran respuesta muy positiva del público hacia nuestro trabajo, ese es como nuestro apapacho al alma, saber que estamos haciendo bien la tarea”. ¿Dónde fueron las locaciones?

Está filmada en Argentina, todo el equipo creativo es de allá, la productora y los estudios. Esta es la tercera vez que trabajo con Disney, la primera me fui a Argentina a conducir un programa, después trabajé en el musical de

El Rey León, aquí en México, y me han pedido apoyo en algunas ocasiones para darle réplica a los chavos que van a hacer casting. Disfruto muchísimo trabajar con ellos y más hacer a mi personaje Keno, un villano adorable que hace varios personajes.

Es una serie infantil, ¿Cuál fue el reto actoral?

Fue complejo porque era hacer diferentes acentos, desde costeño, brasileño, francés y buscar varios personajes. La serie está hecha al estilo estadounidense y los productores están ahí con la computadora en las rodillas y buscando, creando en conjunto, me escuchaban y con mucho respeto se hacía conciencia en cuanto a las nacionalidades. Ahí me salió el sueño de hacer varios personajes en un solo personaje.

Disney Plus acaba de llegar a Latinoamérica apostando por proyectos propios, ¿cómo lo ves?

Genial, nos abre la puerta al mundo, ya no vemos sólo contenido latino, ahora el reto es a nivel mundial, vamos a mostrar nuestro trabajo, tanto como actores como producciones y creo que ni siquiera Disney se imaginaba que iba a ser una plataforma tan exitosa con tantos millones de suscriptores en todo el mundo y le está yendo muy bien, es una plataforma que ya llegó para quedarse, definitivamente, por lo mismo deseo que El Ristorantino de Arnoldo tenga una larga vida, varias temporadas porque es una historia que da para mucho.

Y de regreso a México te incorporas a Televisa con la telenovela Te acuerdas de mí.

Sí, esa vieja escuela de que sólo perteneces a una misma televisora y no puedes hacer nada afuera y que ahora puedas regresar, hacer, deshacer, es genial, porque como actor te abre el panorama, la mente, las posibilidades son infinitas y creo que aquí el reto fue quitarme lo payasito, llegué al primer llamado a querer meter lo chusco y el director me frenó en seco y me dijo “no, aquí no, el personaje es totalmente depresivo”.

Lo que me encanta de este personaje es que invita a la gente a quitarle el estigma a los padecimientos mentales, me parece una propuesta muy acertada porque creo que es necesario que en la televisión ya se normalicen estos temas como la depresión, es algo real y algo muy cercano, ahora es una las primeras enfermedades entre el año pasado y éste, a nivel mundial. Un aplauso de mi parte hacia los productores, escritores y la misma empresa que cuenten estas realidades. Como actores tenemos la responsabilidad de transmitir un mensaje correcto, de no hacer un cliché, sino de transmitir algo real.

Fotos | Pinpointcomunicacion

Y en tema actoral, ¿cómo lo vives?

Creo que nunca es un camino terminado, nunca llegas a decir “ya soy un actor consumado”, creo que es un aprendizaje diario de cada proyecto y a mí me gusta pensar que le robo a cada personaje algo que me gusta del personaje, y eso lo apropio a mí (Nacho), a mi vida, algo que me sirva, que me guste y también seguramente les estoy prestando de mi vida a los personajes.

Siento que me ha tocado una carrera privilegiada, no he parado de trabajar y las veces que he parado es por algo en específico, algo he tenido que aprender de esos baches y eso me ayuda a que al día siguiente, cuando encuentro trabajo, sea de agradecerlo.

• Carlos Mora

LA MAMI Dirección, guion y fotografía: Laura Herrero Garvín Música: Josué Vergara

Foto | RH MEDIA

La Mami INTIMIDADES EN UN BAÑO DE CABARET • Francisco Javier Quintanar Polanco

DOÑA OLGA es una mujer mayor quien ha trabajado toda su vida en el mundo cabaretil. Y ahora, se hace cargo del mantenimiento de los baños del Barba Azul, un cabaret en la Ciudad de México donde las mujeres que allí trabajan bailan y beben con los hombres los cuales, noche con noche, llegan al lugar buscando un rato de esparcimiento.

De primera impresión, el trabajo de La Mami (como las y los empleados del local llaman cariñosamente a Doña Olga) pareciera una tarea poco relevante, e incluso ingrata y degradante. Pero conforme avanza este documental elaborado por Laura Herrero Garvín, se hace patente otra realidad.

Así, mientras se contempla a la protagonista llevar a cabo las tareas propias de su cargo, se ve también como, a cambio de una propina; le cuida las bolsas y los objetos personales

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a las mujeres quienes llegan allí a trabajar de noche. Y además, en ocasiones les proporciona maquillaje y otros accesorios que pudiesen hacerles falta para desempeñar su labor.

Pero hay algo más que esta mujer les proporciona a esas empleadas y lo cual no tiene precio: les obsequia su tiempo para escuchar sus problemas, les da consejos y, sobre todo, les brinda apoyo y un espacio donde existe la confianza para que se sientan libres para hablar y desahogarse de los problemas y sinsabores surgidos en su trabajo y en su vida personal. Y hace todo ello sin juzgarlas en ningún momento.

Al igual que su protagonista principal, el documental busca adoptar esa postura libre de prejuicios morales, para mostrar de manera objetiva e íntima a la vez, una realidad muchas veces estigmatizada y menospreciada. Y es gracias a las charlas que varios de sus personajes sostienen con la protagonista

(quien funge por momentos como interlocutora), que el espectador puede adentrarse en las varias razones (algunas de ellas desesperadas) detrás de la decisión de estas mujeres de emplearse como damas de compañía, y las dificultades y sacrificios que tal decisión conlleva en su vida personal, así como los prejuicios con los cuales deben de lidiar, y cómo estos últimos también les impactan emocionalmente.

Pero se podría decir que La Mami va un poco más allá: su mirada es objetiva y rigurosa, pero también irradia un aura de respeto, sensibilidad, emotividad, e incluso resulta un tanto dignificadora y solidaria. Aunque todo ello en realidad emana directamente de los rostros, las palabras y, sobre todo, de las experiencias reveladas por sus personajes. Y dichos elementos son eficazmente potenciados gracias al enfoque elegido por la directora para abordarlos y mostrarlos en pantalla.

Foto | RH MEDIA

EL COMPROMISO DE LAS SOMBRAS Dirección, guion y fotografía: Sandra Luz López Barroso Sonido: José Miguel Enríquez e Isis Puentea

El compromiso de las sombras DE LA MUERTE, EL LUTO Y SUS RITUALES

• Francisco Javier Quintanar Polanco

ES IRÓNICO que uno de los grandes acontecimientos en la vida de los humanos sea la muerte. Cuando alguien fallece, es acostumbrado llevar a cabo toda serie de ceremonias buscando el descanso eterno del alma del difunto o auxiliarla en su paso al más allá, al tiempo que estos ritos permitan a los dolientes darle el último adiós a su ser querido de una forma apropiada, y les ayude a empezar a lidiar con el duelo por su pérdida.

En México, estos rituales han adquirido diferentes rostros y modalidades, resultado de sincretismos socioculturales generados a lo largo de los años. Y prácticamente, en cada región del país, se rinde homenaje al fallecido de formas variables, como ocurre en San Nicolás, Guerrero; y de lo cual nos habla el primer largometraje de la cineasta Sandra

Luz López Barroso, intitulado El compromiso de las sombras.

Para acercarse a ellos, la directora decide seguir con su cámara a Lizbeth Domínguez Marín, una mujer trans afrodescendiente quien es la encargada de celebrar y guiar a los dolientes en la adecuada elaboración y ejecución de los ritos funerarios celebrados en ese poblado, ubicado en la región conocida como la Costa Chica.

Lizbeth es respetada por los lugareños, y sus indicaciones al momento de tener que preparar un velorio y los procesos relacionados al mismo se siguen al pie de la letra; porque es considerada (y ella misma así lo afirma) poseedora de un don especial, el cual le permite saber las necesidades de un difunto, y la manera apropiada de acompañarlo en su camino al otro mundo, por medio de rezos y letanías; cantos, música e incluso bailes; y

otras acciones encaminadas a ese fin.

Y además, la mujer también guía y asiste a los familiares del occiso en todos los momentos de esos primeros días de duelo, y les ayuda a encontrar el consuelo y sobrellevar la ausencia tanto a través de los rituales funerarios correspondientes, como en los novenarios de los días siguientes.

López Barroso registra la labor de su personaje a lo largo de varios funerales, y a través de un enfoque donde combina el acercamiento antropológico con un aura sutil de misticismo, dando como resultado un documental fascinante, hipnótico, y reflexivo el cual, en un tiempo en que a causa de la actual pandemia, muchas personas no han podido despedirse apropiadamente de sus seres amados; adquiere un especial significado… y de cierta forma, podría incluso resultar catártico para algunos en ese aspecto.

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LA VOCERA,

CON PRESENCIA EN FESTIVALES INTERNACIONALES EL DOCUMENTAL La Vocera, dirigido por Luciana Kaplan, tuvo su premier mundial en el pasado Festival Internacional de Cine de Guadalajara (FICG) y que ha estado en diferentes festivales como Ambulante y FICUNAM, ahora tendrá presencia en festivales internacionales, empezando con una premier internacional en el Festival Hot Docs y una función especial en el Festival Internacional de Cine de San Francisco (SFFILM).

El documental que sigue de cerca a María de Jesús Patricio Marichuy, médica tradicional nahua de Jalisco, quien se convirtió en la primera mujer indígena en la historia de México en aspirar a la presidencia generando una profunda reflexión y un cuestionamiento del sistema electoral nacional, presenta en este documental las experiencias colectivas, nacidas desde la resistencia y la rebeldía de pueblos y comunidades indígenas en el territorio mexicano.

A la vez expone los desafíos que María de Jesús Patricio Marichuy, el Congreso Nacional Indígena, las organizaciones civiles y simpatizantes enfrentaron en la campaña del proceso electoral. También evidencia la lucha de los pueblos ante las políticas de despojo por parte del Estado y las industrias del sector privado, el racismo que impera en la sociedad mexicana, y las profundas diferencias que existen en torno al concepto de desarrollo en los territorios indígenas.

Hot Docs, es considerado como el mayor festival de documentales de Norteamérica, y este año celebrará su XXVIII edición de manera virtual con la proyección de 219 películas procedentes de 66 países.

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Fotos | Cinetc

“Los documentales son de vital importancia para ayudarnos a entender el mundo en el que vivimos y para construir puentes de entendimiento entre divisiones culturales, sociales y políticas, particularmente en este momento sin precedentes”, comenta Shane Smith, director de programación de Hot Docs.

La Vocera estará disponible en línea exclusivamente en Canadá del jueves 29 de abril a las 10:00 am al viernes 7 mayo a las 12:00 am De igual manera, tendrá una función especial en el Festival Internacional de Cine de San Francisco (SFFILM) que este este año incluye 42 largometrajes, 56 cortometrajes y 5 cinco mediometrajes, donde es importante resaltar que de la programación completa del festival, el 57% de las películas fueron dirigidas por mujeres cineastas.

Estará disponible en línea exclusivamente en Estados Unidos del viernes 9 de abril a las 12:01 am al domingo 18 de abril a las 11:59 pm.

• Redacción

BORDER SOUTH

5 NUEVOS ESTRENOS

Fotos | RH MEDIA

DOCS EN LÍNEA

PLATAFORMA MEXICANA DEDICADA AL CINE DE NO FICCIÓN Docs-enlinea.com es la primera plataforma de streaming mexicana dedicada 100 por ciento al cine de no ficción.

Sus objetivos son fomentar la difusión y exhibición de las mejores obras documentales internacionales, pero también los trabajos hecho en México y descentralizar la oferta cultural en nuestro país, llevando los documentales a todos los rincones del país.

Su interés es contar historias, entretener y que las personas reflexionen sobre lo que ven en pantalla.

Una ventana alejada de los circuitos comerciales y de la oferta que busca ofrecer son películas que no se pueden ver en ningún otro lado.

• Redacción

Cada año, miles de migrantes recorren un largo camino para llegar a la frontera con Estados Unidos.

Border South es un vívido retrato de las y los hondureños, guatemaltecos, centroamericanos, mexicanos, de todas y todos aquellos que desaparecen en el camino; exponiendo así, un sistema de migración global que genera que los seres humanos sean invisibles mientras están vivos, pero también cuando mueren.

EL GUARDIÁN DE LA MEMORIA Carlos Spector, abogado de migración nacido en El Paso, Texas, lucha por obtener asilo político para los mexicanos que huyeron por la violencia. Es la historia de las familias que en medio de su dolor, decidieron dejar de ser víctimas para luchar por los que se quedaron enfrentándose a la tragedia de ser exiliado en los Estados Unidos.

EL PRECIO DEL PROGRESO Conoce cómo se toman decisiones en la industria alimentaria.

En el contexto de urgencia que determina la mayoría de los debates sobre la próxima agricultura en la Unión Europea, la película explora las intrigas, temores, emociones, presiones políticas y argumentos de actores clave relacionados con la industria alimentaria internacional.

CATÁLOGO DISPONIBLE

BANDA

52 DOCUMENTALES 5· Global SECCIONES Docs

Santa Catarina Minas, Oaxaca, es un pueblo afectado por la pobreza y migración. Un grupo de músicos adolescentes son ejemplos de los vientos de cambio que soplan en la comunidad. Entre el abandono de la música tradicional de su tierra y la invasión de la música sinaloense, la Banda Luz del Rosario emprende un largo viaje al Jalisco Jazz Festival, en donde la improvisación se convierte en el conductor de su música y sus vidas.

· Hecho en México · La Maroma Producciones · Mujeres a cuadro · Nuestra América

27 PRODUCCIONES O COPRODUCCIONES MEXICANAS 21 DOCUMENTALES DIRIGIDOS O CODIRIGIDOS POR MUJERES

CUANDO CIERRO LOS OJOS Adela y Marcelino comparten un aislamiento común entre numerosos hablantes de una lengua indí­gena, procesados sin intérprete por el sistema de justicia mexicano. A través de los sueños y los recuerdos que conservan de su tierra y su gente en la cárcel, externan a dos voces la desorientación y la necesidad de resistir frente a la exclusión contando su historia.

La fiera y la fiesta UNA MEDITACIÓN SOBRE LA RESISTENCIA AL OLVIDO • Alejandra Lomelí

CON EL AFÁN de reconstruir la vida personal y artística de uno de los cineastas latinoamericanos más eclécticos e influyentes, pero injustamente condenado al olvido por las élites de la industria, La fiera y la fiesta nos sumerge en el universo del dominicano JeanLouis Jorge, cineasta de culto admirado por círculos underground de Europa, desconocido por generaciones de cinéfilos, precursor de lo kitsch y principal influencia de la estética de Pedro Almodóvar.

La película dirigida por Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas puede resultar una experiencia confusa para el espectador casual ajeno al exótico surrealismo de Jean-Louis,

algo que para nada es una desventaja ya que la cinta está plagada de referencias a su cine, principalmente a La serpiente de la luna de los piratas (1973) y Mélodrame (1976). Para quienes estén familiarizados, encontrarán un brillante epílogo a una carrera trágicamente aniquilada (Jorge fue asesinado en el 2000).

Guzmán, sobrina de Jorge, en conjunto con Cárdenas desarrollaron también el guion a partir de las notas que el desaparecido cineasta dejó de La fiera y la fiesta. La historia gira en torno a Vera (Geraldine Chaplin), una actriz y directora en decadencia que filma su última película, una en la que plasmará el legado de uno de sus mejores amigos, Jean-Louis Jorge.

Para lograrlo, convoca a los amigos y colegas que convivieron y trabajaron junto al cineas-

LA FIERA Y LA FIESTA Dirección y guion: Laura Amelia Guzmán Israel Cárdenas Fotografía: Israel Cárdenas Distribución: Piano

Foto | Caloumafilms

ta. Sin embargo, distintos aspectos ponen en riesgo el rodaje, como los valores de producción y los fallidos números musicales, por lo que Vero se verá obligada a enfrentarse a los fantasmas de su pasado para que el proyecto llegue a buen puerto.

A medio camino entre el cine experimental y el drama biográfica, la cinta es tanto una meditación sobre la vejez, la resistencia al olvido y la memoria, así como una visión cercana a una forma tan peculiar de hacer y entender el arte cinematográfico.

Quizás esta no es la película que el cineasta realizaría, a veces se hace pesada, reiterativa, excesiva, pero resulta digna y la oportunidad de reivindicar a una figura que debe salir del olvido.

¡Ánimo juventud!

UNA PIEZA FRESCA QUE VALE LA PENA VER • Alejandra Lomelí

¿CUÁNTAS VECES hemos escuchado la palabra “¡ánimo!” tras confesar alguna situación traumática o dolorosa para alentarnos a superar las tribulaciones y encarrilarnos de nueva cuenta en el sendero de la vida? Seguramente muchas, sin embargo, muy pocas veces nos detenemos a pensar en sus alcances, en el caso de ¡Ánimo juventud!, película escrita y dirigida por Carlos Armella, la frase adquiere toques de profunda meditación en torno a los problemas que enfrentan los adolescentes del siglo XXI ante la incomprensión de los adultos, quienes a veces no tienen otra respuesta más que decir: “¡ánimo!”.

Claro que temas como la brecha generacional o los problemas de comunicación entre jóvenes y adultos no son nada nuevo, pero aquí se han conjugado de una forma novedosa, con un entramado de historias no lineal. Armella se ha decantado por la comedia amena y absurda para diseccionar

la vida de cuatro adolescentes capitalinos que transitan hacia la edad adulta y que de forma directa o indirecta se entrecruzan: Martín, un grafitero enamorado de una chica a la que apenas conoce; Dulce, una chica dura por fuera, pero tierna por dentro; Daniel, quien pronto se convertirá en padre, y Pedro, un niño que inventa un lenguaje debido a que se niega a hablar español.

Con personajes carismáticos y un coro de actores que aportan cotas de dramatismo y comicidad de forma natural, ¡Ánimo juventud!, consigue mantener la atención del espectador aludiendo a la experiencia personal, invitándonos a hurgar en el pasado para encontrar esos pasajes que también experimentamos cuando teníamos la misma edad.

Destaca, particularmente, el pulso narrativo de Armella, llevándonos por pasajes turbulentos e incluso sórdidos aunque sin llegar al melodrama, pero intensificando el humor, una decisión que en vez de restar le viene favorable.

Estoy de acuerdo en que algunas de las motivaciones de los personajes pueden ser débiles en términos de la ficción, incluso algunos temas son plasmados superficialmente, no obstante, la manera en que el director ejecuta los momentos más absurdos, es suficiente para reconocer que ¡Ánimo juventud! es una pieza fresca que vale la pena ver.

¡ÁNIMO JUVENTUD! Dirección y guion: Carlos Armella Fotografía: Ximena Amann

GUERRA DE LIKES Dirección: Maria Ripoll Fotografía: Isi Sarfati Guion: Eduardo Cisneros y Jason Shuman Dónde ver: Prime Video

Guerra de Likes

ADICCIÓN A LAS REDES SOCIALES • Alejandra Lomelí

EN EL PRIMER EPISODIO de la temporada 3 de la serie Black Mirror somos testigos de la tragedia tecnológica contemporánea, en la que una mujer, cuya vida depende de su estatus en las redes sociales, cae en desgracia cuando su nivel de “estrellas” (likes) desciende. ¿A qué viene todo esto? Pues a que la premisa de Guerra de Likes, la nueva producción mexicana original de Amazon Prime Video, es la misma, el problema es que la película de María Ripoll termina siendo devorada por su propia pretensión.

La historia sigue a Raquel (Regina Blandón), una diseñadora que, para avanzar en su carrera en el mundo de la publicidad, se reunirá luego de años de enemistad con Foto Cortesía Make It Prensa

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su antigua mejor amiga de la preparatoria, Cecy (Ludwika Paleta), convertida en toda una influencer, con la intención de que le ayude a reunir 10 mil seguidores en sus redes sociales. En este reencuentro, Cecy llega a la conclusión de que su exitosa vida es una ilusión, por lo que intentará modificarla.

A diferencia de Caída en picada, título del episodio de la serie antológica de Netflix, Guerra de Likes es una aproximación desdibujada de la influencia tecnológica y cómo distorsiona la vida real, una película que se regodea en los lujosos escenarios y vestuarios, además del descarado comercial a uno de los restaurantes más caros del país, olvidándose por completo de su objetivo: tejer una comedia sobre las apariencias en el mundo virtual y la lucha des-

carnada por obtener la mayor cantidad de “likes”, en otras palabras, no hay tal “guerra de likes”.

Tampoco funciona como una reflexión sobre la amistad, y es qué, ¿quién va a creer que Regina Blandón y Ludwika Paleta tienen la misma edad? La brecha generacional no sería problema si hubiera química entre las actrices o intención de creerse sus personajes, en cambio ofrecen pésimas actuaciones. No hay desarrollo de personajes, diálogos simplones, personajes secundarios de adorno (Manolo Cardona, Loreto Peralta), errores de continuidad y los infaltables chistes escatológicos que no dan ni pisca de risa, además de una escena de baile final que no tiene ninguna razón de ser. Todo esto hace de Guerra de Likes termine siendo una película gris.

EL TEMA, LA PRIMERA SERIE WEB SOBRE LA CRISIS CLIMÁTICA EN MÉXICO SEIS CORTOMETRAJES DOCUMENTALES NARRADOS A TRAVÉS DE LAS EXPERIENCIAS DE ACTIVISTAS MEDIOAMBIENTALES

Fotos | IQ Icunacury Acosta

LA SERIE WEB El tema, es una idea original de Gael García Bernal y Pablo Montaño, dirigida por Santiago Maza y producida por La Corriente del Golfo, consta de seis cortos documentales que narra los temas fundamentales de la crisis climática en México a través de las historias y experiencias de activistas medioambientales, defensorxs de derechos humanos, comunidades indígenas, académicxs y organizaciones de la sociedad civil.

El actor Gael García Bernal y la escritora y lingüista Yásnaya Águilar, hilan las diferentes historias y reflexionan sobre el impacto de cada problemática.

“El clima está cambiando por nuestra culpa. Es difícil aceptarlo. ¿Por qué nos haríamos daño sistemáticamente sabiendo que al final perderemos todos? El progreso no debería estar ligado a la destrucción de ecosistemas, personas, naciones y un largo etcétera, sin embargo, es en nombre del progreso y la acumulación que se ha justificado la destrucción de la naturaleza en vez de la preservación de toda la riqueza que tenemos en ella. Tenemos que hablar de la crisis climática y de cómo remediarla. Tenemos que hablar de este tema en todos los niveles, en los colegios, en el trabajo, con la familia y en las políticas que emprendamos”, comenta el también productor.

Los cortos están enmarcados en los ecosistemas y paisajes naturales amenazados por el impacto humano en distintos estados del país, y las temáticas que se abordan son: Agua, en Chi-

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LOS VOCEROS

Gael García Bernal Actor, director y productor de cine

Pablo Montaño Politólogo y maestro en medio ambiente

Santiago Maza Estudió cine documental

Yásnaya Aguilar Escritora, lingüista, traductora, investigadora y activista

huahua; Aire, en Monterrey; Carbón, en Coahuila; Océanos, en Cozumel; Energía, en Tabasco; y Alimento en Chapala. Cada episodio muestra una problemática específica y entrelaza visiones, estrategias y acciones para poder plantear un posible futuro con una visión climática que sea parte de la agenda política del país.

Actualmente, México sigue una agenda extractivista que orienta recursos y voluntad política en incrementar la producción y dependencia en los combustibles fósiles, al mismo tiempo, se están llevando a cabo megaproyectos en zonas habitadas por comunidades campesinas e indígenas y donde sobreviven áreas naturales de un alto valor ecosistémico, todo esto bajo la premisa de desarrollo.

El tema, habla de la crisis climática a partir de narrativas que involucran a las comunidades y organizaciones como Greenpeace México, Oceana MX y Wikipolítica Chihuahua entre otras, que luchan en la primera línea contra la degradación ambiental y los impactos que ésta ha traído. La serie presenta argumentos y puntos de exigencia que buscan detonar una conversación en torno a este fenómeno global en el contexto de nuestro país.

Los cortos estarán disponible de manera gratuita en la lacorrientedelgolfo.net y en el canal de YouTube de La Corriente del Golfo, las fechas para los espisodios son: Agua (13 de abril), Aire (20 de abril), Carbón (27 de abril), Energía (4 de mayo), Océanos (11 de mayo) y Alimento (el 18 de mayo).

Todo en Juego UN RELATO SOBRE LA INOCENCIA TRAS su paso por la Cineteca Nacional, Todo en Juego ópera prima de Alfredo Marrón Santander llega a la plataforma de Prime Video.

Con una amplia experiencia en producciones televisivas dedicadas a jóvenes como El Diván de Valentina y Futboleros, Alfredo Marrón Santander presenta Todo en Juego, una película coming of age que desarrolla su trama en la costa de Oaxaca, en donde nos narra la historia de Ismael en 1989. ¿De qué trata la película?

Corre el año de 1989. Ismael tiene 13 años, vive en una remota comunidad de la costa de Oaxaca, México. Ismael sueña con ser un gran beisbolista, pero el asma se lo impide. Vive enamorado de Laura, una chica del pueblo.

Una noche animado por Rubén, un amigo de la comunidad, escapan juntos y van a espiar a la casa de Laura. A la mera hora Rubén, acobardado, sale huyendo y deja solo a Ismael, quien vence al miedo y presa de la curiosidad se queda observando por una de las rendijas de la casa. Para sudes fortuna Ismael es testigo de algo terrible. Este evento lo confronta con sus miedos, lo empuja a crecer y luchar por sus sueños.

“La historia de Ismael es en sí misma interesante porque se sitúa en el campo, con el béisbol de fondo. Quise contar una visión del despertar a la vida, ese momento único que todos experimentamos, a partir de la mirada entusiasta de un niño de 13 años y su primer enamoramiento, su primera afición, su pri-

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Fotos | RH MEDIA

mer problema serio en el mundo de los adultos. Por otro lado, me pareció valioso mostrar una historia del ámbito rural antes de que fuera tocado por el desarrollo urbano.

Era un reto conjugar la vida campirana de un niño rumbo a la adolescencia sus miedos, su enfermedad, su primer amor, sus amigos, con la práctica del béisbol, en un pueblo sin electricidad con sus costumbres y creencias, a donde llegará el progreso gracias a la construcción de una carretera. Los temas que quisimos plasmar son el viaje hacia la madurez, la transición emocional que implica dejar la infancia para siempre y abrirse camino en la vida. El primer beso. La confianza ciega en los amigos. El coleccionismo como expresión apasionada. El aparente desarrollo económico e industrial que oculta injusticias y cambia costumbres milenarias. La traición. El mal”.

Una película de época situada en 1989 el director nos explica ¿por qué?, ”Pensé situar la película en esa época porque fue la última en que la vida del campo, alejada de la ciudad, estaba muy presente por todo México. Eran dos mundos distintos que prácticamente no se tocaban. En ese sexenio comenzó un programa ambicioso que se llamó Solidaridad, que pregonaba grandes avances y mejoras en las múltiples regiones del país. Se dijo que la prosperidad llegaría a todas las comunidades. Me gusta pensar en aquella época como un parteaguas donde, de alguna manera, se perdió la inocencia para siempre”, comenta el director.

• Redacción

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Foto | Caloumafilms

RELIC Dirección: Natalie Erika James Guion: Natalie Erika James y Christian White

Relic LOS MATICES ATERRADORES DE ENVEJECER • Francisco Javier Quintanar Polanco

EDNA (ROBYN NEVIN) es una mujer mayor quien vive sola en una región boscosa y apartada. Un día, desaparece misteriosamente, sin dejar rastro. Su familia es notificada, y su hija Kay (Emily Mortimer) y su nieta Sam (Bella Heathcote) acuden al lugar para averiguar lo ocurrido y tratar de localizar a su familiar, pero no consiguen hallar alguna pista o evidencia de lo ocurrido.

Las cosas dan un giro cuando, una mañana después de su llegada, Edna reaparece en la cocina de su casa. Aunque se ve sucia y algo maltrecha, ella actúa con naturalidad como si nada hubiese pasado, y aparentemente no puede recordar lo ocurrido ni dónde estuvo en los días que se hallaba desaparecida.

En los días siguientes, la anciana comienza a manifestar, de forma cada vez más marcada, repentinos cambios de humor y una conducta anómala, los cuales empiezan a inquietar a Kay y Sam. De forma simultánea, la casa empieza a mostrar inequívocos signos de un deterioro que

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pareciese avanzar a un ritmo acelerado. Y aún más extraño: por diversas partes de la misma “aparecen” habitaciones donde antes aparentemente no las había, transformándola gradualmente en un delirante laberinto. Lo que ocurre con la casa pareciese estar de alguna forma conectado con el estado de Edna, y ello envolverá al trío de mujeres en una espiral demencial y aterradora.

Con este argumento e inspirándose en experiencias personales, la directora australiana Natalie Erika James realiza una notable ópera prima desarrollada en un universo predominantemente femenino, y se centra en las relaciones familiares y afectivas de tres mujeres, las cuales se trastocan por la presencia de una enfermedad degenerativa; convirtiéndolas en un intrincado entramado de emociones mezcladas ya que, derivado de ese padecimiento, de la noche a la mañana terminan convertidas mutuamente en extrañas, en seres irreconocibles que incluso pueden atemorizar.

En clave de cine de horror, la realizadora estructura una eficaz metáfora de las enfer-

medades (físicas y mentales) que suelen acompañar al inexorable proceso natural del envejecimiento, las cuales obligan a los implicados, a adentrarse por terrenos desconocidos y no pocas veces intimidantes, lo que también les exige enfrentarse a toda serie de sentimientos (muchas veces encontrados), y a hacerlos conscientes -no del mejor modo- de su propia mortalidad.

El resultado es un sobrecogedor largometraje donde su autora emplea las convenciones del género cinematográfico antes mencionado, para hablar precisamente de esos procesos naturales y los contrastes que su presencia provoca en lo tocante a percepciones y emociones, y en el cual lo grotesco y aterrador puede coexistir en el mismo espacio de lo bello y lo compasivo.

Con Relic, Natalie Erika James pasa a engrosar la lista de mujeres cineastas quienes con su obra han hecho aportaciones importantes y enriquecido al género del horror, como ha sido el caso de las realizadoras Jennifer Kent, Karyn Kusama, Ana Lily Amirpour, Julia Ducournau y Anna Biller por mencionar solo algunas.

ADRIANA BARRAZA SE UNE AL THRILLER BINGO LA ACTRIZ MEXICANA Adriana Barraza regresa como protagonista de Bingo, cinta dirigida por Gigi Saul Guerrero y que forma parte de la alineación Welcome to the Blumhouse del 2021 para Amazon Prime Video.

La película es parte del grupo de thrillers de terror y misterio de realizadoras y realizadores emergentes, que se lanzará este año en exclusiva la platorma.

En el barrio de Oak Springs vive un grupo de fuertes y testarudos amigos de la tercera edad, que se resisten a ser gentrificados. Su líder Lupita, interpretada por Adriana Barraza, los mantiene unidos como una comunidad y una familia. Pero lo que no saben es que su amado salón de bingo está a punto de ser vendido a una fuerza mucho más poderosa que el mismo dinero.

La carrera de Adriana Barraza abarca más de 40 años en televisión y teatro, y es una de las actrices latinas más influyentes de los últimos tiempos así como una de las 100 actrices latinoamericanas más poderosas.

La directora Gigi Saul Guerrero nació y creció en la Ciudad de México y es conocida por sus contribuciones al cine de terror, recibiendo galardones por sus trabajos como directora y escritora.

Después del éxito de la alineación de Welcome to the Blumhouse que se estrenó en octubre del año pasado, Bingo se une a la lista de lanzamientos para el 2021, que incluyen otros títulos como The Manor, Black as Night y Madres.

Bingo escrita por Shane McKenzie y Gigi Saul Guerrero, junto con Perry Blackshear y tiene como productores ejecutivos a Jason Blum, Jeremy Gold, Marci Wiseman y Raynor Shima.

• Redacción

EUGENIO GRANT

Estatura: 1.78 m Color de ojos: Miel Cabello: Castaño claro Nacionalidad: Argentina

EL ACTOR EUGENIO GRANT HABLA SOBRE SU NUEVO PROYECTO SUGAR BABY, “ES UNA SERIE JUVENIL Y DE TEMAS MUY ACTUALES”, AFIRMA ORIGINARIO DE ARGENTINA, Eugenio Grant ha trabajado en diferentes proyectos televisivos como Like la leyenda, Sincronía, Violeta y ahora se integra a la serie Sugar Baby “somos un grupo de jóvenes que queremos pagar la universidad, cinco chicas y cuatro chicos que nos vamos de viaje y decidimos hacer el grupo y ser sugar baby”.

“Mi personaje se llama Mauricio, es muy divertido, carismático, extrovertido y siempre le gusta estar vivir la vida a lo alto. Es una serie juvenil y de temas muy actuales que no se pueden perder”.

¿Qué es lo que te gusta de la historia?

Toca temas que no se ven mucho, pero pasan en la realidad y la serie lo muestra, muchas personas tiene un sugar baby, sugar daddy o sugar mommy, pero no se sabe porque no está el tema tan expuesto, la serie va a romper un poco con todos esos clichés de que no todo es lindo y color de rosa para un sugar baby, sí estás y vives en lo mejor, pero todo tiene un precio, hay momentos en los que todo está cool y otros donde sufrimos porque al final somos seres humanos. ¿Qué es lo que te llevas de Sugar Baby?

La familia que se formó, desde maquillaje, producción, actores; fue una energía tan bonita y positiva que se refleja en la pantalla, tan es así que sigo hablando con todos.

Y sobre las locaciones en Veracruz, ¿qué opinas?

No conocía Veracruz e iba con una pensamiento distinto a cuando llegué, ver la casa de los sugar baby, que está al lado de un río, me dejó boquiabierto. También la calidad de la gente, cómo nos recibieron y nos trataron me gustó mucho, y la seguridad, el apoyo, la amabilidad desde el restaurante, hasta todas las locaciones y lo que amé fue su gastronomía, se come muy rico.

Foto | SELF

La primera temporada de Sugar Baby tiene 10 episodios y se espera su estreno para el verano del 2021, en alguna de las plataformas digitales.

ANALAY RODRÍGUEZ

ANALAY RODRÍGUEZ Y SU EXPERIENCIA EN SUGAR BABY “TIENE TODO ESTA SERIE”

Estatura: 1.68 m Color de ojos: Café Cabello: Negro Nacionalidad: Cubana, Mexicana

LA ACTRIZ cubana-mexicana Analay Rodríguez regresa a la pantalla chica en la serie Sugar Baby, “estamos en un tiempo de la vida en que necesitamos reírnos, divertirnos, ver lugares lindos, cosas que nos traigan mucha alegría. Tiene todo esta serie”, afirma.

“Mi personaje se llama Analay, es una chica que cree en el amor. No creo que haya personas buenas o malas, solo hay personas transformándose de acuerdo a las circunstancias de la vida, es muy buena amiga para todos, y le gusta saber que su novio se dedica a lo mismo que ella, es algo que la motiva a seguir, pero en el transcurso de la serie va cambiando por todo lo que le toca sufrir”.

¿Cómo defines a un sugar baby?

Cuando buscaba lo que es ser una sugar baby, no encontré mucha información relacionada con lo que realmente es, hay un contrato de por medio, son dos personas que se encuentran y llegan a un acuerdo de “yo te doy esto” y tú “esto u otro”. Esta serie te va contado qué es realmente una sugar baby, se hizo una gran investigación de gente que se dedica a esto para los personajes, es bueno conocer un universo diferente, darte cuenta que existen otras profesiones. El mensaje de la serie es que todo tiene sus consecuencias. ¿Qué te deja la serie?

La magia que hicimos entre todos, eso se va a ver en la pantalla, hicimos un gran equipo. También lo que fue grabar en Veracruz, me encanta el clima, la gente, la comida, soy cubana y con Veracruz hay una relación muy especial, estaba muy contenta, me sentía en casa y quería seguir grabando por más tiempo. ¿Cómo viste el panorama en Veracruz?

Tiene un valor de producción increíble, es un estado que se compromete con lo que hace al cien por ciento, todo el apoyo que tuvimos para grabar fue increíble, los escenarios son espectaculares y lo notas en la fotografía, en el nivel de la imagen, ¡estoy impactada!

• Carlos Mora

Foto | SELF

PLAGIO es un thriller psicológico que sigue a un grupo de doctores en busca de lograr el primer trasplante de cerebro en la historia. Ópera prima de Antz producciones, cuenta con la participación de los actores Fabián Corres, Noah Sánchez, Gabriel de Cervantes, entre otros, la serie está disponible a través de Amazon Prime.

En entrevista con la Revista Cameo, el actor Noah Sánchez cuenta sobre su personaje el doctor Fernando Agustín, “al ver el proyecto y el guion me interesó muchísimo y estoy muy contento por la oportunidad que me dieron de participar en la serie”.

¿Qué opinas de las plataformas como Prime Video que apuestan por nuevas producciones?

Buenísimo, creo que esto ya venía y se aceleró por la pandemia y la situación que tenemos actualmente, le da oportunidad a productoras independientes, a gente que trae muchas ganas, talentosa, que a lo mejor no trae las grandes producciones o gran dinero pero trae buenos proyectos, buenos guiones, actores, cuida muy bien los detalles; es muy bueno lo de las plataformas para que ese tipo de créditos salgan al aire.

Plagio es algo diferente que los pondrá a pensar tiene intriga, suspenso, tiene muchas cosas que los dejarán picados con la segunda temporada. Es un género diferente que casi no se mete aquí en México, es bueno ir abriendo este tipo de géneros para que salgan otra cosas, es padre saber que también en México pueden pasar estas cosas en el sentido de las historias, con la ambientación podamos lograr que la gente cree esta fantasía, que la viva para que la pueda disfrutar.

La serie toca un tema interesante, lograr hacer un trasplante de cerebro.

Claro, fue una de las cosas que me gustó más del proyecto, me hizo investigar, ver que esto realmente tiene una base, porque esto se realiza desde 1954, un soviético, en China, luego un italiano que están haciendo un trasplante de cabeza, no es tal como en la serie que es el cerebro pero sí de cabeza, hay un soporte dentro de la historia que es posible que pase, es algo interesante que te hace pensar, investigar, 48 |

Fotos | Fase7

PLAGIO EL THRILLER PSICOLÓGICO DE INTRIGA Y SUSPENSO decidir, y dentro de la serie aún más porque estamos hablando de varias razones, porque todo mundo quiere hacer ese trasplante de cerebro en la serie, salvar a una persona, cambiar su cuerpo, hay muchas cosas con las cuales cada personaje está interesado para que se realice esta operación, es algo que a la gente le va a gustar y se va a identificar con los personajes. ¿Qué tanto investigaste sobre estos temas y términos de medicina?

Es uno de los privilegios de la actuación, encontrarme con Mariana Chagolla que se encargó de cada detalle dentro de la producción, nos hizo ir a una operación, como mi personaje es neurólogo fuimos con un neurocirujano, Fernando Agustín, que nos estuvo coacheando toda la grabación para que tuviera los detalles, las escenas fueran lo más creíble y real posible, nos llevó a que viéramos la operación, saber el paso a paso y qué se hace en un hospital con los doctores, cómo hablan sobre el caso, de ahí nos pasaron a la zona gris que es donde te lavas, cambias y pasas al quirófano, el lenguaje que tienen entre compañeros, cómo pasan los instrumentos. Me tocó ver cómo le abrían la cabeza a un paciente, fue algo increíble, me dejó un aprendizaje y valorar a los doctores por todo el trabajo que hacen; fue inolvidable la preparación que tuvimos.

• Carlos Mora

CAM ALERT: CAPTURA EXITOSA Dónde ver: Todos los miércoles de abril.

A las 21.10 hrs.

Canal: A&E

Foto | s2comunicacion

CAM ALERT: CAPTURA EXITOSA VUELVE CON UNA SEGUNDA TEMPORADA CADA SEMANA LA SERIE DEJARÁ AL DESCUBIERTO LAS SITUACIONES MÁS PECULIARES A LAS SE ENFRENTAN LOS OPERADORES Y AGENTES POLICIALES REGRESA A A&E la producción original Cam alert: captura exitosa, conducida por el presentador Francisco Paco Zea que muestra la realidad que captan las cámaras de vigilancia ubicadas en distintos estados de México sumando en esta nueva temporada al estado de Jalisco y al de Michoacán, donde se ubica el mayor Centro de control de América Latina.

Con un acceso exclusivo y de primera mano, esta serie expone los distintos crímenes, delitos y hechos que registran las cámaras ubicadas en las zonas metropolitanas, así como los drones que sobrevuelan las ciudades, donde se refleja cómo la tecnología de alto nivel y el monitoreo son la mancuerna perfecta de las fuerzas de seguridad para capturar espectaculares delitos y así lograr combatir el crimen.

Gracias al alto nivel de la tecnología urbana, miles de cámaras monitorean durante las 24 horas los rincones más recónditos de todo el mundo. En esta nueva temporada de la docu serie de ocho episodios, Francisco Zea sigue el trabajo que realizan de manera conjunta la policía, protección civil y los servicios de urgencias médicas del “C4” del Municipio Tlajomulco de Zúñiga en el Estado de Jalisco

y el “C5i” de Morelia en Michoacán que es el más grande de la región latinoamericana para mostrar las sorprendentes y exitosas capturas conseguidas debido a la tecnología de primer nivel instalada en estos centros de monitoreo a lo largo de todo el país.

En esta segunda temporada de Cam alert: captura exitosa, Zea presentará casos que ocurrieron incluso este 2021, recientemente y en el contexto de pandemia, entre los que se destacan dramáticas persecuciones a vehículos robados, escapes de ladrones que intentan huir de la policía, transeúntes desorientados en medio de calles principales, intentos ejecutados o fallidos de robos a distintos comercios, como maniobras indebidas que culminan en espectaculares accidentes.

Además de las cámaras de videovigilancia dispuestas en las distintas regiones del país mexicano, los drones forman parte de la tecnología de la seguridad pública para complementar el arco de las cámaras que están en la zona metropolitana. Los aparatos que sobrevuelan las ciudades capturan, desde otra lente, estos hechos delictivos y ayudan a identificar exactamente a personas que intentan escapar de

sus crímenes en aquellas zonas donde las cámaras tienen algún limitante de acceso, como predios, domicilios, terrenos baldíos, entre otros.

Los drones de dos cámaras DGI se utilizan para labores de inteligencia con mucho más sigilo. Es un aparato más silencioso, con mayor aproximación se pueden acercar hasta 30/40 metros del objetivo, grabando con toda la calidad de video. Y otro a mayores distancias que permite tener grandes alcances, hasta 150/200 metros. Cuentan con tecnología infrarroja para operaciones de noche.

El C5i de Michoacán, construido en un terreno de 31.000 metros cuadrados, es considerado el mayor Centro de Control de América Latina. Posee más 6 mil cámaras de videovigilancia y 18 mil botones de emergencia. En la zona metropolitana de Guadalajara, en el Estado de Jalisco, el C4 de Tlajomulco de Zúñiga cuenta con una plataforma que permite, a través de análisis matemáticos, realizar una predicción del delito y determinar las zonas con mayor incidencia delictiva.

• Redacción

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LEYENDA DE SERGIO RAMOS UNA HISTORIA QUE HABLA DE ÉPICA Y DE GLORIA LA LEYENDA de Sergio Ramos, docuserie de Amazon Original se estrena el próximo nueve de abril en España y en el resto del mundo el próximo 18 de junio en Amazon Prime Video.

La serie tiene seis episodios que recorrerán los hitos que han escrito, escriben y aún escribirán la leyenda del futbolista español Sergio Ramos, tomando como punto de partida los momentos más determinantes de su vida y su carrera profesional durante la pasada temporada. La Leyenda de Sergio Ramos muestra imágenes inéditas de la conquista de la liga, reflexiones sobre las decisiones más relevantes de su carrera, recuerdos de grandes momentos y planes de futuro, todo ello con el testimonio de aquellos que han compartido su vida personal y profesional.

Una historia que habla de épica y de gloria, pero también de dolor y de decepción, porque el camino de un

héroe exige sacrificio y, después de más de 15 años en la élite, Sergio Ramos sigue entregándose al deporte que ama como el primer día.

La serie cuenta con los testimonios de algunas de las personas que han formado parte de la carrera del futbolista, como sus compañeros de vestuario y entrenadores Zinedine Zidane, Vicente del Bosque, Luka Modric, Marcelo Vieira, Toni Kroos, Raphaël Varane, Lucas Vázquez, Raúl González Blanco, Roberto Carlos, Iker Casillas, Jesús Navas o Sergio Busquets; así como amigos y personalidades que han influido en la vida de Sergio Ramos como Alejandro Sanz, Jorge Valdano o Rafa Nadal.

La Leyenda de Sergio Ramos es una producción de ESI (Banijay Iberia), y cuenta con Javier Pereira como productor ejecutivo y con José Rueda como director.

• Redacción

Fotos | Amazon Prime

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LA SEMANA DE CINE CANADIENSE CELEBRA SU SEGUNDA EDICIÓN EN MÉXICO LA MUESTRA CUENTA CON SIETE PELÍCULAS EXHIBIDAS EN LA CINETECA NACIONAL DEL 1 AL 11 DE ABRIL DEL 2021

ANTÍGONA Director: Monia Chokri Duración: 109 min.

Se trata de una vibrante adaptación de la tragedia clásica griega, en la que la historia de Sófocles se transporta a una familia de inmigrantes argelinos en el Montreal de hoy en día. En este filme, Antígona busca imponer sus propios valores, dando preferencia a su sentido de la justicia, dictado por el amor y la solidaridad, frente la ley de los hombres. Esto la lleva a ayudar a su hermano a escapar de prisión provocando con ello una espiral de consecuencias que conmocionan a toda a gente que la rodea.

MENTIRA BLANCA Director: Calvin Thomas y Yonah Lewis Duración: 96 min.

Katie es una popular estudiante de danza que en su afán de pertenecer a la comunidad estudiantil y forjarse un grupo de amigos, decide inventar que tiene cáncer.

Esta situación la lleva a hundirse en una espiral de mentiras y decisiones equivocadas que la arrastran cada vez más lejos. Mentira blanca es un drama cautiva- dor que nos habla de lo lejos que están dispuestas a llegar algunas personas con tal de conseguir lo que quieren.

Director: Xavier Dolan Duración: 120 min.

Matthias es un exitoso joven abogado cuya carrera está a punto de consolidarse. Maxime es un barman con un contexto familiar complejo yqueestáapuntodeirsea vivir a Australia para darse un respiro. La película se enfoca en la relación de estos dos mejores amigos quienes deben protagonizar la escena de un cortometraje en la que deben besarse. Después de ese beso, aparentemente sin importancia, se instala la duda entre ellos pues cuestionan su sexualidad y trastornan el equilibrio de su círculo social.

LO QUE QUEDA DE NOSOTRAS Director: Aisling chin-yee Duración: 80 min.

Dos parejas de madre-hija deben enfrentarse a la tristeza posterior a la muerte del hombre que las unía.

La relación que existe entre estas mujeres va mucho más allá de lo aparente, pues en su esfuerzo por seguir adelante, aparecen los temores y las re- acciones a los que la realidad las confronta.

LA MUJER DE MI HERMANO Director: Monia Chokri Duración: 117 min.

Sophia, es una joven brillante que se encuentra desem- pleada y vive en casa de su hermano Karim. Su cercana relación se pone a prueba cuando Karim, un seductor empedernido, se enamora perdidamente de Eloïse, la ginecóloga de Sophia. En esta divertida comedia, Sophia se cuestiona el sentido de la vida y se ve forzada a tomar decisiones quela llevarán a convertirse el adulto que tanto temía.

INVITADO DE HONOR Director: Atom Egoyan Duración: 104 min.

Jim y su hija Verónica intentan desenredar su complicado pasado lleno de secretos. Veronica es acusada injustamente de abusar de su posición de autoridad con un estudiante de 17 años por lo que es encarcelada. Convencida de que merece ser castigada Veronica rechaza los intentos de su padre por conseguir su liberación anticipada.

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MATTHIAS Y MAXIME

KUESSIPAN Director: Mmyriam Verreault Duración: 117 min.

Mikuan y Shaniss son dos amigas inseparables que crecieron juntas en una comunidad innu del norte de Canadá. Mikuan es la alumna más sobresaliente de su clase mientras que Shaniss trata de juntar los pedazos de una infancia ultrajada. Su amistad se quebranta cuando Mikuan empieza a soñar con salir de la Reserva. Este drama nos muestra las reticencias de una comunidad ante la apertura de sus fronteras y la vitalidad de una joven que sólo busca experimentar nuevas aventuras sin por ello olvidarse de lo suyos.

WARNERMEDIA anunció la conclusión del rodaje de Búnker, la nueva producción Max Original realizada en México exclusivamente para HBO Max, la nueva plataforma de streaming que llegará a la región en junio. La serie se estrenará en una fecha que se anunciará más adelante.

“Búnker ilustra, una vez más, el enorme talento y calidad con la que se produce en Latinoamérica. Incluso en este contexto pandémico y desafiante de protocolos estrictos, grandes esfuerzos se anteponen para seguir contando las mejores historias y llevárselas a nuestras audiencias en la región. WarnerMedia suma esta gran producción de Búnker a su variada y nutrida usina de contenidos,” dice Ricardo Pichetto, Líder de Producción de WarnerMedia Latin America.

Con producciones como Búnker, HBO Max contará con una amplia variedad de contenidos originales latinoamericanos de alta calidad que presentan a los mejores contadores de historias y talentos locales con una voz auténtica y relevante, ofreciendo una nueva experiencia única de entretenimiento para todas las audiencias de la región.

Las grabaciones iniciaron en enero de la mano de la productora Dopamine y siguiendo la aplicación estricta de un protocolo sanitario requerido por WarnerMedia Latin America por parte de todo el equipo de producción y del talento artístico.

“Ha sido una experiencia nueva y desafiante para todos, pero asumimos la responsabilidad con mucho rigor y paciencia, anteponiendo siempre la seguridad y la salud. Agradecemos a todos el esfuerzo extra realizado, y a nuestros compañeros de WarnerMedia por la confianza y el trabajo en equipo realizado durante estas semanas,” explica Fidela Navarro, CEO de Dopamine.

Búnker es una comedia de acción, en la que Vladimiro, un hombre de mediana edad que ha perdido el respeto de su esposa e hijos, solo encuentra la paz en un viejo búnker existente

BÚNKER, LA NUEVA COMEDIA DE ACCIÓN CONCLUYE GRABACIONES LA SERIE INCLUYE A ACTORES DE LA TALLA DE BRUNO BICHIR, MIGUEL RODARTE, RICARDO POLANCO, GISELLE KURI Y LIZ GALLARDO

en el sótano de su hogar; hasta que el destino le da la vuelta y vive una serie de circunstancias repletas de enredos, acción y diversión.

La serie consta de ocho episodios de media hora y cuenta con un gran elenco que incluye a Bruno Bichir, Miguel Rodarte, Ricardo Polanco,

Liz Gallardo, Adrián Vázquez, Claudette Maille, Giselle Kuri, Víctor Oliveira y Jesús Zavala.

El escritor, ensayista y guionista argentino Esteban Seimandi es el showrunner de la serie que cuenta con la dirección de Joe Rendón.

BLINDNESS, es una experiencia narrativa, sonora y luminosa, basada en la novela del ganador del premio Nobel José Saramago Ensayo sobre la ceguera, adaptada por el ganador de los premios Tony y Olivier, Simon Stephens, El curioso incidente del perro a medianoche.

Tras su estreno en Londres en Julio 2020, Blindness fue presentada en el Koninklijk Theater Carré de Ámsterdam. Previo a su estreno en Nueva York, Washington y Toronto, el espectáculo llega a la Ciudad de México, al teatro de los Insurgentes, con la voz de Marina de Tavira (nominada al Óscar por Roma) y la dirección de Mauricio García Lozano, replicando la puesta original de Londres, bajo la producción de Tina Galindo y Claudio Carrera, en sociedad con Diego Luna y Luis Gerardo Méndez.

“Fue muy aterrador para mí ver que algo tan importante, familiar como lo es el teatro, se hubiera detenido, siempre pensé que pasarían muchas cosas pero no esto (la pandemia), porque el teatro es una de las artes más antiguas y que ha sobrevivido incluso a las guerras, y ver que de pronto están cerrados es algo indescriptible”, comenta la actriz Marina de Tavira.

BLINDNESS UN EJERCICIO TEATRAL QUE LLEGA A LA CIUDAD DE MÉXICO

“Empezamos a buscar estas formas muy loables de hacer teatro como lo virtual, que son el testimonio del momento que estamos viviendo. De pronto aparece Blindness, Claudio me da a leer el proyecto, y dije: ¡claro!...

Saramago, Ensayo sobre la ceguera, ¡cómo no había pensado en esta novela!, la novela nos habla de un virus desconocido que va contaminando a la gente y genera una pandemia incontrolable y Saramago lo lleva a este infierno tan desalentador”.

Blindness se trata de la primera instalación teatral inmersiva diseñada con distancia social, producida originalmente por el presti-

giado teatro Donmar Warehouse de Londres (productores también de la obra Privacidad).

“Blindness es realmente un ejercicio teatral, fue hecha dentro de un teatro y el micrófono con el que se grabó la segunda y tercera parte es un micrófono binaural, es una cabeza con oídos que iba conmigo a todas partes, entonces tuve que memorizar el texto como una obra de teatro, hubo un trazo escénico, ensayos, repetición, incluso un poco de cine, no era una grabación donde te sientas a leer, realmente fue en un teatro, realmente fue una puesta en escena. Fue algo que nunca olvidare”.

• Redacción

BLINDNESS Dónde ver: Teatro de los Insurgentes

Foto | IQ Icunacury Acosta

LUIS GERARDO MÉNDEZ “BLINDNESS ES UNA CARTA DE AMOR Y ESPERANZA A LA HUMANIDAD” En BLINDNESS, los asistentes se confrontarán con una experiencia inmersiva instalada en el escenario del teatro de los Insurgentes a través de un extraordinario diseño envolvente lumínico y atmosférico, adentrándose en un viaje en el tiempo y espacio para encontrarse con la protagonista de esta historia, quien narra una inimaginable pandemia mundial de ceguera, con una conclusión profundamente esperanzadora y alentadora, necesaria para el mundo entero en este momento.

“Este proyectorefleja de alguna manera lo que está pasando actualmente en el mundo, Claudio Carrera (productor) estaba muy preocupado por el regreso a los escenarios teatrales y rebotamos muchas ideas de cómo poder reactivar de alguna manera el teatro, porque es algo muy importante para nosotros, para nuestra cultura y sociedad”, comenta el actor y productor Luis Gerardo Méndez.

“Cuando Claudio me presenta la idea de montar Blindness en México fue muy contundente para mí, desde un principio vi a Marina en el proyecto, además es un texto de Saramago, tenía mucho sentido, es muy importante como productor que los proyectos a los que me sumo tengan un sentido, que sean relevantes y tengan algo que decir”.

“El equipo creativo de Londres ha trabajado de cerca con el equipo creativo del teatro Insurgentes para recrear la misma experiencia del West End Londinense en nuestros escenarios”.

“Mi gran preocupación siempre ha sido la seguridad, la idea es muy buena pero siempre dijimos María, Claudio, Diego y yo, ¡esto no va, si no es 100 por ciento seguro!, nos asesoramos con gente especialista en Covid-19 que hicieron el proyecto en Londres y adaptamos cosas en el Insurgentes, desde cantidad en el aforo, ajustes a ventilación, sanitización de los audífonos; creo que donde más trabajo tuvimos fue en el tema de la seguridad. Saber que la gente se va a sentar en el teatro estén todos tranquilos y se entreguen a la experiencia”.

“Blindness es una instalación inmersiva, una manera de reactivar el teatro y la gente que vive de él. También es importante enviar un mensaje para la audiencia de que se puede regresar y tener confianza en los escenarios.

Estoy muy contento con la respuesta que ha tenido la obra con el público, la gente sale muy conmovida, es una obra dura, muy catártica y esperanzadora. Ojalá la sigan disfrutando”.

• Redacción

Fotos | IQ Icunacury Acosta

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