REVISTA CAMEO 6

REVISTA

06

JUL|AGO|21

T O N Y

D A L T O N

AC TO R D E L A P E L Í C U L A N I T U YO, N I M Í A

“SI LLEGA UN BUEN PROYECTO LO HAGO, PARA MÍ NO EXISTE ESE ‘¡AY, YA SE FUE A HOLLYWOOD!’”

REVISTA

06

JUL|AGO|21

z

E L Y F E R

T O R R E S

AC T R I Z D E L A S E R I E G U E R R A D E V E C I N O S

“ME ENCANTA SER PARTE DE DE ESA MOVIDA DE ACTORES MEXICANOS... Y ADEMÁS MORENOS”

z

z

REVISTA

06

JUL|AGO|21

A N A

V A L E R I A

B E C E R R I L

AC T R I Z D E L A S E R I E C O N T R O L Z

“CADA VEZ ME CONVENZO MÁS QUE LOS PROYECTOS QUE LLEGAN TE BUSCAN A TI”

Q U E

L I M P I A R A Q U E L R O B L E S

M U C H A C H A

E S P E C I A L

L A

A N A L A Y E V S K A

M O R G A N N A L O V E

S E R I E

R O B E R T O W O H L M U T H

NÚMERO 06 J U LIO | AGOSTO | 2021 REVISTA DIGITAL BIMESTRAL Editor: Carlos Mora Co editora: Maribel De Luna Colaboradores: Elizabeth Osorio Alejandra Lomelí Angélica Ramírez Francisco Javier Quintanar Polanco Cinthya Salas

cameo.revista@gmail.com

yumpu.com/cameorevista

REVISTA

Ante los acontecimientos recientes que nos llevan a buscar nuevas formas para difundir los proyectos de cine, televisión y plataformas digitales nace la revista Cameo para dar a conocer los trabajos de películas y series.

Directores, productores, fotógrafos, guionistas, creadores de contenidos, distribuidores y demás personas que compartimos el amor por el séptimo arte queremos mostrar la calidad que hay en la industria en México. revista Cameo

MEXICANNES: MÉXICO VUELVE A SONAR FUERTE EN EL AFAMADO FESTIVAL Hace pocas semanas concluyó la 74 edición del Festival de Cannes. Una edición precaria en opinión de muchos de sus asistentes y expertos, debido a la pandemia del COVID-19 y sus consecuencias, las cuales se hicieron sentir tanto en una asistencia menor a la acostumbrada en años previos al 2020, una disminución en sus alfombras rojas (y por ende, del glamour) que caracterizan a este evento a causa de las estrictas medidas sanitarias, y la aprensión de los asistentes (en especial los no vacunados o con certificado no europeo), quienes debieron someterse a constantes pruebas (haciendo largas filas) para detectar posibles contagios.

•F R A N C I S C O J AV I E R Q U I N TA N A R P O L A N C O

Noche de fuego, dirigida por Tatiana Huezo.

52 |

Arcelia Ramírez, La Civil

En contraste, su programación fue muy abultada, con 24 largometrajes en la Competencia Oficial, otros tantos en la Quincena de Realizadores, y más de 60 películas repartidas en las secciones Una Cierta Mirada, la Semana de la Crítica y fuera de competencia. Todo esto en 12 días de actividad.

Una de las cosas que se mantuvo inalterable en Cannes fue la presencia del cine mexicano, el cual (al igual que en años anteriores) logró destacar allí y llevarse preseas importantes. Tal fue el caso de Noche de fuego, el primer trabajo de ficción de la documentalista Tatiana Huezo.

Basada en la novela Prayers for the stolen, de la estadounidense Jennifer Clement, el filme tiene lugar en un poblado de la Sierra de Guerrero, en el cual los hombres han abandonado sus hogares en busca de mejores oportunidades de trabajo, dejando atrás a sus familias quienes deben lidiar con los cárteles locales de la droga que controlan el lugar y acostumbran “levantar” jovencitas con perversos propósitos. Para protegerlas de ello, sus madres las disfrazan como varones. Y la trama se enfoca en una jovencita que aspira a abandonar ese lugar algún día para forjarse un mejor futuro.

Producida por Nicolás Celis (Roma), la película abarrotó la sala Debussy donde fue estrenada, desde media hora antes de que iniciara su exhibición, con la cual concluyeron las funciones de la sección Una Cierta Mirada, donde competía. Antes de comenzar la misma, Huezo agradeció a su cuadro de actores, a la comunidad - y especialmente a las niñas- de Neblinas (donde fue rodada la cinta), y a Celis y Jim Stark, sus productores; y afirmó que este largometraje “ha sido uno de los retos más grandes que he tenido en la vida”.

Al finalizar la proyección, estallaron los aplausos del público, los cuales se prolongaron durante 10 minutos. Muy emocionada, Tatiana se dijo muy feliz y satisfecha por este resultado. “Ha sido un viaje muy largo y estoy muy orgullosa de estar aquí y poder compartirlo con un público que aplaude de esta manera. Espero que esta película pueda llegar muy pronto a México y poder compartirla con nuestra tierra madre”, dijo. Finalmente, Noche de fuego obtuvo la mención especial del jurado de la sección Una Cierta Mirada; considerada la segunda más importante en el marco del festival.

Dentro de esa misma sección compitió (y corrió con una suerte similar) La civil, coproducción entre México, Bélgica y Rumania, dirigida por Teodora Mihai (cineasta originaria de este último país), protagonizada por Arcelia Ramírez y producida por Teorema, la casa productora de Michel Franco, un director con un historial de triunfos en el festival, ya que en 2017 ganó el premio especial del jurado con Las hijas de Abril, y sus películas Chronic (2015) y Después de Lucía (2012) también han obtenido importantes reconocimientos en Cannes.

La cinta está basada en la historia real de la activista Miriam Rodríguez, quien en 2014 sufrió el secuestro y posterior asesinato de su hija Karen Alejandra, a pesar de haber pagado varios rescates exigidos por sus captores. Ante esto (y la incapacidad de las autoridades para dar con los culpables), Miriam decide encontrarlos por su cuenta, e inicia una cacería donde, armada y valiéndose de varias identidades falsas y disfraces; empieza a dar cacería a cada uno de los responsables del crimen de su hija, y a entregarlos a la justicia.

Tras su primera proyección en el Festival de Cannes, el filme y su actriz protagonista recibieron una ovación de poco más de 8 minutos. La civil terminaría por alzarse con el premio Courage (Valentía), de reciente creación.

Pero los triunfos mexicanos en Cannes no pararon allí, y lograron colarse incluso hasta las categorías principales en su Sección Oficial. Como fue el caso de Memoria de Apichatpong Weerasethakul, cinta protagonizada por Tilda Swinton y que cuenta con la actuación de Daniel Giménez Cacho; la cual obtuvo el Premio Internacional del Jurado. Dicha película es una coproducción con nuestro país, donde Julio Chavezmontes y Sebastián Hofmann (fundadores de la casa productora PIANO) fungieron como productor y productor asociado respectivamente. Del mismo modo Annette, el más reciente trabajo del francés Léos Carax y también una coproducción de PIANO, se alzó con el premio a Mejor Dirección.

De este modo, el cine y la presencia mexicana en uno de los máximos eventos del séptimo arte, pudo hacerse sentir de nuevo con mucha fuerza, entusiasmando a propios y extraños.

Pamela Albarrán, Angenieux Lenses

|7

“NUNCA HE TENIDO LA MIRA EN EU” •C A R L OS M O R A

“NO VIVO EN HOLLYWOOD, VIVO EN LA CONDESA”, confiensa TONY DALTON al preguntarle si busca hacer más proyectos en Estados Unidos.

Ahora el actor protagoniza la cinta mexicana Ni tuyo, ni mía, de la directora Sandra Solares, “la conozco desde hace mucho tiempo y le comenté que podía contar siempre conmigo”

Ni tuyo, ni mía

¿Cómo llegas a Ni tuyo, ni mía?

Desde hace muchos año Sandra (Solares) me había dicho que ella quería escribir y hacer una película, la conozco desde hace mucho tiempo, le comenté que podía contar conmigo siempre. Después escribió Ni tuyo, ni mía, leí el guion, me gustó y la hicimos. ¿Cuéntame sobre tu personaje y sobre la química que tienes con Alejandra Barros en la cinta?

El personaje se llama Roberto, es un hombre empresario de negocios casado que desde el principio vive una vida bastante monótona y él empieza a tener un romance con una maestra de baile, que es el personaje de Prakriti (Maduro), y Amanda, que hace Alejandra Barros, está tratando de recuperar a su marido y mi personaje se da cuenta de que realmente ama a su esposa y regresa con ella.

Trabajar con Ale estuvo increíble, hace muchos años que no la veía y la quiero mucho.

A pesar de estar en grandes proyectos en Estados Unidos aún te vemos haciendo películas en México, ¿cómo es que decides a no enfocarte tanto en tu carrera en allá, como otros actores?

No lo sé, vivo en México. Siempre he dicho desde hace muchos años, nunca he estado con la mira en Estados Unidos o no me llama la atención en lo más mínimo, a mí lo que me llama la atención es hacer buenos proyectos sea en México, en Estaods Unidos, Colombia o Argentina, que he trabajado también.

“Busco nuevos proyectos y si me hablan de EU, Argentina o España y están padres con todo gusto los hago” Me llega un buen proyecto y lo hago, para mí no existe ese “¡Ay, ya se fue a Hollywood!”, no vivo en Hollywood, vivo en la Condesa y si me hablan para un trabajo voy y si no me regreso a México y trabajado aquí, no cambia nada, nada más son proyectos, unos más grandes, otros más chicos pero trato de hacer cosas que tengan algún tipo de mensaje, que tengan calidad, que esten interesantes y que sea un personaje diferente que no haya hecho. ¿Qué necesita tener el proyecto para que decidas hacerlo sea un proyecto pequeño o grande?

Tiene que tener un buen guion, una historia interesante, que la gente que lo esté haciendo sepa lo que está haciendo y que sea un personaje diferente, que no haya hecho yo antes.

Ahora vemos actores como Tenoch Huerta, Eiza González, Ana de la Reguera, entre otros…

Pero Anita (de la Reguera) lleva ahí 15 años, Demián (Bichir) también, Anthony Quinn antes de eso… Creo que hemos estado siempre por ahí, como asomándonos algunas veces cuando nos llaman, pero no sé si hay más.

Creo que siempre va a haber un poquito de salsa picante en Estados Unidos, pero también a gente de otras ciudades y de otros países, no sé, te digo que no me fijo mucho en eso. Busco nuevos proyectos, si me hablan de allá, si me hablan de Argentina, si me hablan de España y están padres con todo gusto los hago.

Ahora con las plataformas que están llegando como Disney+, HBO+ y que están produciendo sus series, ¿hay más trabajo?

Creo que es un buen momento, la verdad porque es bueno que se rompan un poco las cadenas de lo que estaba establecido antes.

Hace no mucho tiempo la única opción era Televisa, como actor, eso te limitaba mucho y te esclavizaba a lo que ellos quieren y ahora ese no es el caso en lo más mínimo, al contrario, creo que Televisa ya se quedó muy atrás y todos los demás presentaron mejores proyectos, mejores cosas con que trabajar, más modernas, diferentes que la telenovela, no que haya nada malo con las teleno-

“La única opción era Televisa, como actor, eso te limitaba mucho y te esclavizaba a lo que ellos quieren y ahora ese no es el caso” velas simplemente que prácticamente era la única opción y ahorita se está abriendo a que salgan cosas diferentes, eso es algo muy bueno para todos, incluso hasta para el espectador, le abre un poco la mente de que no nada más sea María la del barrio que es la muchacha que se enamora del señor rico o cualquiera de esas historias que eran muy similares.

Ahora podemos ver cosas diferentes, incluso nosotros, hace 10 años en Televisa hicimos la serie Los Simuladores, para mí gusto era muy buena e interesante, a la gente le gustaba, pero para Televisa era “queremos algo más telenovelesco” y justamente por este tipo de decisiones se quedaron ellos atrás y las demás personas, como dices, HBO+, Disney+, Amazon dijeron “nosotros sí vamos a hacer cosas un poco más interesantes” y los rebasaron por la derecha.

Ni tuyo, ni mía

Cada año hay más presencia de mexicanos en EU tanto en series como en cine... ¿Tú crees que hay más?

Al final gana el espectador.

Y te abre la mente también, somos muchísimo mexicanos y todo el tiempo nada más estás viendo a la mujer de la calle o el hombre de la calle que se enamora…

Las historias eran muy básicas en las telenovelas; que como digo, no tienen nada de malo las telenovelas pero era la única opción y creo que si ves algo un poco más arriesgado y algo un poco más interesante, te abre la mente a pensar cosas diferentes porque estas viendo la televisión todo el día y nada más ves a María la del barrio o algo así, es tu realidad y si empiezas a ver cosas más arriesgadas e interesantes siento que te puede abrir la mente a pensar cosas diferentes que tal vez no hubieras podido hacer antes cuando estábamos un poco más esclavizados por un canal solamente.

Estás en otro proyecto Amalgama de Carlos Cuarón y estuviste en el Festival de Málaga.

Estuvo buenísimo, estuvimos Stephanie Cayo, Miguel Rodarte, Carlos Cuarón y yo. La película estaba en selección oficial, nos fue muy bien, la película está muy buena. La verdad estuvo bonito salir de México a Europa después de todo este tema de la pandemia y ver gente en las calles, gente en los cines y que la recibieran tan bien.

Regresaste a un festival de cine y un poco a la normalidad.

Es que es raro todavía, los cines no están ni a la mitad de capacidad, pero por lo menos hay gente. En el caso de las entrevistas, en persona es un poco raro porque tienen ahí como una mica, enmascarados todos, ya sabes, pero al menos es algo, antes era todo desde tu casa y vía zoom, entonces es un poquito tratar de regresar a la normalidad de lo que antes vivíamos.

Fue un paso en el camino correcto, siento y creo que cada vez lo están haciendo más.

NI TUYO, NI MÍA Dirección y guion: Sandra Solares Música: Felipe Franco Fotografía: Ximena Amann

Ni tuyo, ni mía EL NACIMIENTO DE UNA INESPERADA AMISTAD • Alejandra Lomelí

SANDRA SOLARES lleva más de veinte años produciendo películas, muchas de ellas verdaderos taquillazos, sin embargo, apenas estrena su primer largometraje como directora con Ni tuyo, ni mía, película en la que aborda las relaciones de pareja, la infidelidad y el nacimiento de una inesperada amistad que llevará a los involucrados a redefinir la manera en que ven la vida y lo que aportan cada uno a sus respectivas relaciones.

Estrenada en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara en 2020 donde compitió por el Premio Mezcal, la película es protagonizada por un cuarteto de actores que es por mucho la mayor fortaleza de la película: Tony Dalton,

Alejandra Barros, Prakriti Maduro y José Fors, vocalista de la Cuca y quien debuta como actor.

Roberto (Dalton) y Amanda (Barros) son una pareja adinerada y monótona, cuya rutina cambia por completo cuando Roberto conoce a Lía (Maduro), una bailarina de flamenco que lo enamora con su vitalidad. Al descubrir su engaño, Amanda toma la decisión de formar una alianza con la persona menos pensada: Diego (Fors), un músico callejero que toca frente a su oficina y que, casualmente, es pareja de Lía. Juntos, Diego y Amanda, buscarán la forma de volver a atraer a sus respectivas parejas, sin sospechar que en el camino formarán un lazo entrañable y descubrirán nuevas

formas de vivir y dar amor.

La película no destaca particularmente por su propuesta a pesar de partir de una premisa, aunque cliché, atractiva al focalizar la acción en la inusual amistad que surge en un momento comprometido, algo que viene directamente de un guion ambiguo al que le faltó, claramente, un momento climático. Tampoco es que los personajes generen empatía, son, en el peor de los casos, unidimensionales, siendo el de Amanda el más afectado al quedar como una mujer que no está dispuesta a perder su estatus económico.

Cuidada en su aspecto visual y en la dirección de arte, Ni tuyo, ni mía termina siendo una comedia con poca sustancia.

Ni tuyo, ni mía es una película bastante realista.

Es la idea, hay momentos que son cómicos pero son naturales, quise plasmar la realidad de estos personajes que se encuentran en el México que vivimos, con los sonidos que estamos acostumbrados, con música ecléctica de todo tipo… En fin, sí quería ponerlos en un lugar natural y bastante real. ¿Cómo sumaste al elenco a Tony Dalton, Alejandra Barros, José Fors y Prakriti Maduro?

Siempre pensé en Tony y Ale, ellos eran mi Amanda y Roberto. A Tony le mandé el guion porque me interesaba mucho su opinión, le gustó y eso me dio mucha fuerza para sentir que tenía algo interesante, me dijo: “claro, voy a hacer a ese Roberto”.

Después platiqué con Ale y aceptó muy rápidamente, hemos hecho proyectos juntas y nos conocemos bien, entonces esa fue la parte fácil.

Parte el papel de Diego quería un músico de verdad, una persona que pudiera tocar, cantar y que realmente no fuera un voice over, siempre he sido muy fan de José Fors, lo he seguido durante toda su carrera, lo conozco desde su primer banda e iba a todos sus conciertos, me la jugué porque no es actor, lo busqué y me dijo que no, pero igual le mandé el guión, lo leyó y me dijo “si tú crees que puedo, sí te lo hago, sí me comprometo”.

Y a Prakriti (Maduro), la conocí en Venezuela, estaba produciendo una película allá, se me hizo una chica a la que no le puedes quitar la vista de encima, es como un imán, le conté de la película e igualmente me dijo que sí casi inmediatamente, estuvieron en el barco desde el inicio. ¿Cuál fue el reto de dirigir?

Es un gran reto. Siempre he dicho “los productores que produzcan, los directores que dirijan, los actores que actúen. Paren de creer que todos podemos hacer todo”, siempre he sido muy firme con que cada chango a su metate; sin embargo, tenía esta idea y mis amigos, la gente que me conoce me decían “dirígela tú”, había dirigido un corto, videos musicales… entonces había dirigido en chiquito, por así decirlo.

Esta es una película muy controlable porque tiene cuatro actores y es una comedia romántica, a lo mejor se sale un poquito de lo romántico y va más hacia la

N I

T U Y O ,

N I

M Í A

UNA HISTORIA AL NATURAL

S

Ni tuyo, ni mía

Ni tuyo, ni mía

andra Solares es productora, directora y guionista, ha producido más de 40 proyectos, entre las que destacan, Y tu mamá también, No se aceptan devoluciones y la serie de Netflix Diablero. Ahora presenta su primer largometraje como directora Ni tuyo, ni mía, “escribí este guión pensando en lo que quería, en lo que me gusta y cuando lo tuve listo pensé en producirlo con algún director, pero poco a poco me dí cuenta que era algo que quería contar”, revela en entrevista con la revista Cameo. amistad, es una historia más natural, pero es una historia con la que podía, no tiene grandes escenas de acción, efectos visuales, nada que se pueda llegar a complicar.

Era más conectar con los actores, con los personajes que se estaban presentando y que conocía muy bien.

Lo que más me ayudó a dar ese pasito de productora a directora fue que mi equipo, tanto de producción como de dirección, todo mi crew completo, todos me cobijaron muchísimo y llegué ahí por primera vez como directora y de verdad me sentí en mi casa. Nunca sentí que yo estuviera en un lugar donde tuviera que probar algo, sino que me sentí muy cómoda, muy en mi casa.

Mis actores me escuchaban, opinaban, pero al final del día lo que yo quería comunicarles lo entendían muy bien y lo hacían, fue una experiencia muy rica. ¿Qué opinas sobre la nueva ola de directoras que están surgiendo?

Me parece fundamental la mirada de la mujer, como la del hombre, somos compa-

ñeros, creo que ambos tenemos nuestras formas de comunicarnos, puede ser un buen director o puede ser una mala directora, pero me encanta esta apertura y la inclusión que se esta dando.

Intento ver cine mexicano y me he sentido muy contenta de ver películas de gente y chicas que conozco, que son creativas y propositivas.

Sí tenemos una mirada, de pronto diferente y puedes llegarlo a notar, pero en esa diferencia radica lo rico, lo sabroso, a lo que se ha visto últimamente.

¿Cuál crees que sea el panorama del cine mexicano?

Creo que ha sido difícil, esta etapa de pandemia ha sido complicada. También lo que ha pasado con IMCINE, los recortes de los fideicomisos, el cine en México siempre ha sido un poquito heroico. Tenemos además un boom de series, una industria de series de televisión con la que también hay que competir porque antes antes íbamos a ver el cine en el cine y ahora se ve en todos lados, incluido el celular.

No creo que el cine se acabe, son momentos diferentes, retos difíciles, pero el cine mexicano va prevalecer de una forma u otra. Vamos a encontrar la forma de seguir colando en salas el cine que hacemos, todavía hay muchos aficionados que no prefieren la tele.

El cine es el cine, siento que siempre va a haber una forma de volver a estar ahí, en es lugar donde se apaga la luz y se ve una película.

• Carlos Mora

“Me parece fundamental la mirada de la mujer, como la del hombre, somos compañeros, creo que ambos tenemos nuestras formas de comunicarnos”

UN CHARRITO MUY

TA LEN TO SO

C HRISTIAN VÁZQUEZ

•C A R L OS M O R A

sobre su participación en la cinta Te llevo conmigo, de la directora Heidi Ewing. ”Es un proyecto que desde el proceso de casting fue muy particular y especial en todos los sentidos, desde ahí empezó el camino. Tuvimos la suerte de estar en el Festival de Sundance 2020, para mí esa fue la premiere, y ver la respuesta del público ha sido increíble”.

“Es una cinta que toca los corazones de la gente que ha ido a verla, es muy conmovedora, entrañable y esperanzadora en muchos sentidos; estoy muy contento”, cofiesa el actor.

Para Heidi Ewing, Te llevo conmigo, es su primera película de ficción, y cuenta la historia de Iván y Gerardo, dos hombres nacidos en Puebla que se enamoran pero por las condiciones de vida en México se ven obligados a irse a los Estados Unidos en busca del sueño americano.

“Heidi es documentalista, le encanta trabajar con la realidad y quiso absorber un poco en ese sentido, conmigo tuvo una entrevista, sobre quién era, de dónde vengo, eso sirvió para encontrar la esencia de Gerardo, mi personaje, porque está basada en hechos reales y había que retratar una memoria emocional que era este recuerdo de ellos (Gerado e Iván), este añoramiento durante el paso de los años, cómo se conocieron y demás para poder traer algo tanto en la ficción como en la realidad.

Te llevo conmigo

CONVERSAMOS CON EL ACTOR ORIGINARIO DE GUADALAJARA

“Es un genio en todos los sentidos, la manera en la que trabajé con ella fue muy particular, humana y un proceso muy generoso; todo el tiempo está escuchando, y a la vez es muy humilde porque ella desconocía este mundo de los actores, estaba de ‘a díganme cómo le podemos hacer para…’, fue un acto de amor, así es como lo defino”.

Christian da vida a Gerardo pareja del chef Iván García y confiesa que sintió al conocerlo “algo mágico, estaba muy nervioso, lo conocí en uno de sus restaurantes en Nueva York y estábamos muy impacientes (Armando Espitia) y yo, y pensé ya estamos aquí, vamos a conocer a los protagonistas de la historia’. Se presentaron y todo, y empecé a notar cosas que tenía de él: gestos, tonos al hablar y demás”…

Pensaba, “¡Wow, esto es mágico!”, y sí lo fue, nos mimetizamos de una forma extrasensorial, que no sé cómo explicarlo.

Al principio este proyecto iba a ser documental, pero no se logró porque faltaba mucho material de archivo.

Cuando ellos vieron la película por primera vez su reacción fue de mucho respeto, admiración y agradecimiento, estaban muy contentos.

Diste vida a Gerardo, ¿platicaste con él previo a la filmación o en qué te basaste para darle vida?

El proceso fue sin ellos, porque Heidi fue muy acertada en esa dirección, desde el principio nos dijo: “no quiero que investiguen nada de ellos, la película va sobre ellos pero no quiero que tengan ninguna referencia, no quiero que sepan quiénes son, ni nada porque así eran antes”, y es cierto, yo no soy la misma persona de hace diez años atrás, ni física, ni mentalmente, pero lo que siento es que se sigue conservando la esencia.

Nos quiso que fuera una imitación de los protagonistas, quería que se notara la química en pantalla, ese enamoramiento para que justificara toda la travesía de por qué se fueron hacia Nueva York, y por qué uno alcanzó al otro.

Fue un reto increíble y aprendí bastante, todo el tiempo se abordó desde este lado humano y no del juicio, buscar las preguntas y encontrar un poco las respuestas en el estar haciendo las cosas, en estar viendo las escenas y estar escuchándola.

Eres un actor muy versátil, has estado en varios proyectos en tan poco tiempo como Mirreyes contra Godínez, series que van desde De brutas nada, Sitiados, entre otros… ¿Cómo te ves en ese aspecto?

Me siento muy bendecido, afortunado, agradecido con la gente que en su momento me ha tendido la mano y me brindó la confianza para poder sumarme a sus proyectos desde Oveja Negra con Humberto Hinojosa, que fue su ópera prima y después con I hate Love.

18 |

Te llevo conmigo

Y recuerdo mucho la primera oportunidad que me dieron en la cinta Trade con un personaje secundario…

Ahí empezó toda esa bola de nieve.

Me siento feliz de ver todo lo que ha provocado esta película (Te llevo conmigo), las buenas críticas y el recibimiento de medios muy importantes en EU como The Rolling Stone, The New York Times, The Guardian, ver cómo se expresan de la película y de cómo ven nuestro trabajo, es algo sin palabras.

Esta película es reafirmar muchas cosas y el saber que no me puedo confiar y decir: “ok, las cosas se están haciendo bien, ha valido la pena el sacrificio”.

ORIGINARIO DE GUADALAJARA, Jalisco, el actor tomó la decisión de irse a la Ciudad de México con sólo 16 años, “siempre me dije: ‘quiero aventurarme, quiero llenar esta maleta de muchas ilusiones, sueños e irme a la Ciudad de México a tocar puertas, cumplir sueños’ y ahora ya son 18 años desde que tomé esa decisión y me siento muy contento”.

De brutas nada

“Es una responsabilidad como actor y como figura pública dar voz a cada personaje y cada película” Otro proyecto que estrenas en Netflix es la serie de comedia Guerra de vecinos, ¿me puedes platicar un poco más?

Guerra de vecinos es una serie que me cayó como anillo al dedo, el mejor regalo del cierre del año pasado, por lo que vivimos y seguimos viviendo con la pandemia, la empecé a hacer en octubre y la finalicé en diciembre en Guadalajara, entonces fue como regresar a mi origen y agradecer una vez más la oportunidad, en ese caso fue Fernando Sariñana que es uno de los productores.

Guerra de vecinos es una comedia de dos familias que se ven enfrascadas en una circunstancia en la que tienen que compartir el mismo código postal por un sinfín de cosas que van sucediendo.

Guerra de vecinos

Lo bonito de esta serie no es el cliché de ricos contra pobres, al contrario, es ver los valores de las familias mexicanas, ambas, no importa el estatus social. Ver cómo hay familias que pase lo que pase siempre siguen siendo unidas, sólidas, con valores muy bien marcados.

Mi personaje Tomás es el hermano del personaje que maneja Vanessa Bauche, es un personaje súper noble, que va a hacer hasta lo imposible para que siempre esté bien su familia. Hay una escena donde se van a identificar mucho con él, es más te lo puedo firmar porque es un personaje muy humano.

Has destacado también en películas y series de comedia, siendo que no eres comediante, pero manejas muy bien este género y no recurres al clásico pastelazo, por así llamarlo, ¿cómo ha sido para ti manejar este género?

Ha sido con mucho respeto. Yo como actor siempre estoy abierto a cualquier posibilidad y soy muy accesible en todo momento a cada proyecto, soy muy consciente de dónde estoy pisando. Trato de ser siempre lo más humilde posible para escuchar al director, a los compañeros. No es que lo sepa todo pero sé escuchar y me puedo acoplar a cualquier circunstancia o situación.

El género de la comedia es muy técnico, muy preciso, es más complicado que hacer drama porque se requiere un timing, una concentración específica.

Creo que para que las cosas se puedan hacer bien uno tiene que tener la voluntad y la disposición de que van a salir bien, eso es lo que me ha funcionado mucho a mí.

ANA VALERIA BECERRIL

Ana Valeria Becerril se ha convertido en una de las actrices jóvenes con mayor futuro en la actuación, conversamos en exclusiva de sus nuevos proyectos desde la éxitosa serie Control Z hasta su nueva cinta Los Dias Que No Estuve.

“Cada vez me convenzo más de que los proyectos y los personajes llegan solitos, ellos te buscan a ti”, confiesa la actriz Ana Valeria sobre su nuevo trabajo en la cinta Los Dias Que No Estuve, ópera prima del director Samuel Ríos Y Valles, y cuyo estreno fue en exclusiva para la plataforma de Blim Tv. “Cuando me llegó el guión de esta película estaba en un momento medio raro y al leerla me dije: ‘esta película me va a sanar y necesito hacerla, después conocí a Samuel (el director) y a Martín Altomaro y tuvimos una buena química, y cuando supe que se iba a grabar en las playas de Oaxaca, dije ¿¡Dónde firmo!?, platica la actriz de Las hijas de Abril.

los personajes como si nosotros los hubiéramos escrito.

Me siento muy afortunada, muy agradecida y muy emocionada del crecimiento de mis compañeros a la par mio y decir “sí, esta es la nueva generación de actores de México”. ¿Cuál crees que sea el éxito de Control Z, para que a a los pocos días de su estreno fue una de las series más vistas en México y en otros países?

Creo que siempre hay una cuestión de mexicano que atrae mucho, evidentemente a nosotros como mexicanos y al resto de latinoamérica, pero también fue que nos dimos chance de tomar un montón de riesgos y hablar de temas complicados sin pelos en la lengua y decir “Si vamos a hablar de bullying, vamos a hablarlo desde lo gacho, no tratar de maquillar nada” y creo que eso mucha gente lo agradeció porque me llegaban mensajes de gente compartiendo sus experiencias en ese momento o cuando estuvieron en la secundaría o en la prepa y era muy fuerte veer qe la gente sí se estaba reflejando en eso y que eso era un reflejo de que habíamos hecho algo bien.

“LOS PERSONAJES TE ELIJEN A TI”

na Valeria Becerril se ha convertido en una de las Sobre las locaciones,actrices ¿Qué fue lo que jóvenes más te gustó?

Todo. Creo que todas esas playas son mágicas, hay lugares preciosísimos y algo que me gusta mucho de la película es que con mayor futuro el mar y la playa no es un simple escenario, es otro personaje y es una de lo que conversamos le está pasando al personaje de en la metáfora actuación, Héctor. en exclusiva de sus nuevos También estás en un gran proyecto como lo es la serie Control Z, en Netflix, ¿puedes adelantar algo lo que viene para la proyectos, desde la deexitosa segunda temporada?

Puedo decir poco. SóloZ puedo decir que primera fue inserie Control hasta susi lanuetensa, que los dejaron al filo de la butaca, ésta esta subida a la décima potencia, es buenísima. La filmamos en pandemia y va cinta Los Días que no estuve. la verdad es que para los retos que eso implicó, porque claro, nuestra prioridad era la salud de todos, pero aún así logramos “Cada vez me convenzo más de que los proyectos y hacer una temporada de una calidad increíble, de una calidad los personajes llegan solitos, ellos te buscan a ti”, confiemucho mayor que la primera y les va a encantar. sa la actriz Ana Valeria sobre su nuevo trabajo en la cinta Los días que no estuve, ópera prima del director Samuel Control Z es un semillero de nuevos rostros de talento para Ríos y Valles, cuyo estreno fue en exclusiva para la plala televisión y para el cine, ¿cómo te sientes de formar parte de taforma de Blim Tv. esta nueva generación de actores?

“Cuando me llegó el guion de esta película estaba en Me siento muy orgullosa y sé que es gracias a que un montón un momento medio raro y al leerla me dije: ‘esta pelíde gente ha depositado su confianza en nosotros y decir “los cula me va a sanar y necesito hacerla’, después conocí a actores jóvenes se están preparando , pero son igual de talenSamuel (el director) y a Martín Altomaro y tuvimos una tosos que cualquier otro actor que tenga ya renombre o de una buena química, y cuando supe que se iba a grabar en las carrera larga y vamos a dejarles las riendas a ellos” Sí, toda la playas de Oaxaca, dije: ¿¡Dónde firmo!?, platica la actriz confianza que nos han depositado para proponer, para hacer de Las hijas de Abril.

20 |

¿Qué te ha dejado el personaje de Sofía en Control Z? Un montón de cosas, para empezar intuición porque si algo he desarrollado para personificar a Sofía es trabajar mi intuición todos los días, tratar de jugar a que soy Sofía y que puedo ver todas las cosas que ella ve. También confianza en mí misma y la enseñanza de estar bien querer hacer las cosas tú, pero puedes dejarte ayudar, que está bien buscar ayuda porque a veces no puedes hacer todo tú sola.

Los días que no estuve

A

Trabajas con dos grandes actores mexicanos, Irene Azuela y Martín Altomaro, ¿cómo fue trabajar con ellos?

Me sentía la más afortunada compartiendo pantalla. Irene es una de las actrices mexicanas que más admiro y compartir pantalla fue increíble.Y la relación que creamos Martín y yo fue muy buena, trabajamos súper bien desde el principio y me la pasaba muy bien.

Hablando del festival de Cannes, tú estuviste en 2017 con Las hijas de Abril ¿Puedes platicar el cómo fue tener esa experiencia de haber estado en uno de los festivales más codiciados, más representativos del cine en el mundo?

Ha sido la mejor experiencia que he vivido y fue empezar con el pie derecho mi carrera, es un lugar bellísimo como tal la ciudad de Cannes, pero todo el festival y todo lo que hay alrededor, tanta gente unida viendo cine y las cara que ves, que crees que solamente vas a ver en tele y ahí están. Fue la mejor experiencia que he tenido hasta ahora. ¿A quién conociste que te haya impresionado ver en vivo? ¿Ana Valeria de quién es fan?

Compartes dos y grandes mexicanos, Me encontré en uncon pasillo casi meactores desmayo a Kristen Irene Azuela y Martín Altomaro, ¿cómo fue trabajar Stewart. Casi me muero del susto,fue de ¡No puede ser, sí exiscon ellos? te, sí es real! También a Mads Mikkelsen, que es uno de mis Me sentía la más afortunada. Irene es una de las acactores favoritos. trices mexicanas que más admiro y compartir pantalla fue increíble. relaciónbastante que creamos Martínen y yo fue Este año ya van dosLa películas ovacionadas el fesmuy buena, trabajamos súper bien desde el principio. tival ¿cómo ves que cada año hay más presencia de cine mexi-

cano en este festival?

Sobre locaciones, ¿qué afue lo que más porque te gusMe parece quelas estamos volviendo ganar terreno tó? siempre estuvimos presente, era nada más por cuestiones ajeTodo.

Creo que todas esas playas mágicas, nas, no sabría decir cuáles, que estuvimos unson tiempo fuerahay del lugares preciosísimos y algo que me gusta mucho la foco y es ahora recordarle al mundo el talento mexicano yde que película es que el mar y la playa no es un simple escelas historias de México importan y también las historias del resnario, es otro Tenemos personajeun y una metáfora de lo que le está to de latinoamérica. montón de talento. pasando al personaje de Héctor.

También estás en un gran proyecto como la serie Control Z, en Netflix, ¿puedes adelantar algo de lo que viene para la segunda temporada?

Sólo puedo decir que si la primera fue intensa, que los dejaron al filo de la butaca, ésta está subida a la décima potencia, es buenísima. La filmamos en pandemia y la verdad es que para los retos que eso implicó, logramos hacer una temporada de una calidad increíble, mucho mayor que la primera y les va a encantar.

Control Z es un semillero de nuevos rostros de talento para la televisión y para el cine, ¿cómo te sientes de formar parte de esta nueva generación de actores?

Me siento muy orgullosa y es gracias a que un montón de gente ha depositado su confianza en nosotros y decir “los actores jóvenes se están preparando, pero son igual de talentosos que cualquier otro actor que tenga renombre o una carrera larga y vamos a dejarles las riendas a ellos”. Y toda la confianza que nos han depositado para proponer, para hacer los personajes como si nosotros los hubiéramos escrito.

Me siento muy afortunada, agradecida y emocionada del crecimiento de mis compañeros a la par mío y decir “sí, esta es la nueva generación de actores de México”.

Control Z

¿Cuál crees que sea el éxito de Control Z, para que a pocos días de su estreno fuera una de las series más vistas en México y en otros países?

Creo que siempre lo mexicano atrae mucho, pero también fue que nos dimos chance de tomar un montón de riesgos y hablar de temas complicados sin pelos en la lengua y decir “Si vamos a hablar de bullying, vamos a hablarlo desde lo gacho, no tratar de maquillar nada” y creo que eso mucha gente lo agradeció porque me llegaban mensajes compartiendo sus experiencias en ese momento o cuando estuvieron en la secundaria o en la prepa y era muy fuerte ver que la gente se estaba reflejando en eso y que eso era un reflejo de que habíamos hecho algo bien. ¿Qué te ha dejado el personaje de Sofía en Control Z? Un montón de cosas, para empezar intuición, porque si algo he desarrollado para personificar a Sofía es trabajar mi intuición todos los días, tratar de jugar a que soy Sofía y puedo ver todas las cosas que ella ve. También confianza en mí misma y la enseñanza de estar bien, querer hacer las cosas tú, pero dejarte ayudar, que está bien buscar ayuda porque a veces no puedes hacer todo tú sola.

Hablando del festival de Cannes, tú estuviste en 2017 con Las hijas de Abril ¿puedes platicar cómo fue participar en uno de los festivales más codiciados, más representativos del cine en el mundo?

Ha sido la mejor experiencia que he vivido y fue empezar con el pie derecho mi carrera, es un lugar bellísimo, todo el festival y lo que hay alrededor, tanta gente unida viendo cine y las caras que ves, que crees que solamente vas a ver en tele y ahí están. Fue la mejor experiencia que he tenido hasta ahora. ¿A quién conociste que te haya impresionado?

Me encontré en un pasillo y casi me desmayo a Kristen Stewart. Casi me muero, fue de ¡No puede ser, sí existe, sí es real! También a Mads Mikkelsen, que es uno de mis actores favoritos. ¿Cómo ves la presencia de películas mexicanas en el festival?

Me parece que estamos volviendo a ganar terreno porque siempre estuvimos presentes, era nada más por cuestiones ajenas, no sabría decir cuáles, que estuvimos un tiempo fuera de foco y es ahora recordarle al mundo el talento mexicano y que las historias de México y el resto de Latinoamérica importan.

Las hijas de Abril, Cannes

• Carlos Mora

Los días que no estuve UNA APUESTA INTIMISTA • Alejandra Lomelí

¿ERES FELIZ CON TU ESTILO DE VIDA? ¿Tienes el trabajo que te gusta? ¿Estás bien con tus padres, pareja, amigos, hijos? ¿Qué harías si tuvieras la oportunidad de empezar de nuevo? Esas son tan solo algunas de las preguntas que dan vida a Los días que no estuve, notable ópera prima de Samuel Ríos Y Valles. Filmada en locaciones de Puerto Vallarta, Oaxaca y Ciudad de México, es también la primera película original de Blim TV, el servicio de suscripción de video bajo demanda de Televisa.

Los días que no estuve gira en torno a la idea de los nuevos comienzos, las consecuencias de las decisiones, dominar los demonios, reconciliarse con el pasado y aprender de los errores, partiendo de ese arrebatador, pero excitante deseo de abandonarlo todo y empezar desde cero.

La película sigue a Héctor Medellín (Martín Altomaro), un famoso conductor/patiño de televisión de un programa para amas de casa, quien se da cuenta, luego de la muerte de su ex esposa (Irene Azuela), que no es feliz con su familia, ni con su trabajo, ni con su forma de vida. Cuando se le presenta la oportunidad, se hace pasar por muerto y comienza una nueva vida

LOS DÍAS QUE NO ESTUVE Dirección: Samuel Rios Y Valles Guion: Pablo Aramendi, Luis Gamboa, Samuel Rios Y Valles Fotografía: Jordi Planell Dónde ver: Blim TV

refugiado en una playa en donde nadie lo conoce, trabajando como cocinero de un pequeño restaurante. Años después, su hija Gina (Ana Valeria Becerril), a la que abandonó cuando era pequeña, vacaciona en la playa en la que él se encuentra escondido. El inevitable reencuentro, así como las personas que lo rodean en su nueva vida, lo ayudarán a entender que debe dejar de huir de sí mismo, tomar responsabilidad de sus acciones y enfrentar a sus demonios.

Con un Martín Altomaro entregando una actuación sorprendente, reflejando los vacíos existenciales y batallas morales de su complejo personaje, Los días que no estuve es una película sin pretensiones. Su apuesta es intimista, desarrollando a fuego lento una reflexión sobre las heridas emocionales auto infligidas e infligidas a los demás. Aunque su participación es breve, Ana Valeria Becerril es formidable en cada una de sus escenas, funcionando como perfecto contrapunto del personaje de Héctor.

Formalmente correcta, Samuel Ríos Y Valles muestra oficio narrativo en este melodrama cargado de emotividad, con una historia con la que cualquiera puede identificarse.

MERCEDES HERNÁNDEZ CON FUERZA EN SU MIRADA “El cine nos da la posibilidad de mirar tan de cerca y que no podamos mentir”, comenta la protagonista del Sin señas particulares, un cinta que refleja el dolor de las desapariciones en México •C A R L OS M O R A

¿Cómo logras transmitir tantos sentimientos con sólo la mirada?, algo que destaca del filme Sin señas partículares.

Muchas gracias, creo que sí, que los ojos no mienten, como dicen los ojos son la ventana del alma. El cine nos da la posibilidad de mirar tan de cerca y que no podamos mentir, creo que la mirada de Magadalena, mi personaje en Sin señas particulares, es una mirada llena de miedo, de esperanza, de tristeza, de enojo…

Lo que me dices que logro transmitir también es sobre todo gracias a la espléndida dirección que hizo Fernanda Valadez, ella me fue guiando en todo momento, me fue entonando y ajustando para que todo quedara como ella lo había planeado y lo había pensado.

Magadalena es una madre aguerrida, ¿te basaste en alguien?

La directora (Fenanda Valadez) decidió que íbamos a abordar el guion desde la ficción, es decir, no tuvimos conversaciones con personas reales, no buscamos, ni nos guiamos en testimonios. La historia de Magadalena es una historia ficticia que probablemente está asentada en la realidad, pero así es la ficción.

Como actriz, lo que hice sí fue leer muchos testimonios, de notas periodísticas de personas desaparecidas, que eran encontradas por sus familias años después y las personas desaparecidas sin poder dar una explicación exacta de qué era lo que había ocurrido.

También leí estudios del impacto psicosocial que genera en los familiares de los desaparecidos el estar en constante búsqueda. A nivel teórico busqué empaparme de información, pero fui obediente con la directora de no hablar con los familiares, ni las víctimas. | 25

¿Cómo fue trabajar con Fernanda en su ópera prima y en un crew principlamente femenino?

Había trabajado con Fernanda en su tesis, se llamó 400 Maletas y fue una producción del Centro de Capacitación Cinematográfica, así que ya la conocía, por lo tanto sabía cuál era su método de trabajo.

Sin embargo, cuando filmamos Sin Señas Particulares encontré a una directora mucho más madura y segura de lo que quería y cómo lo quería.

Para mí trabajar con ellas (Fernanda Valadez y Astrid Rondero) fue una experiencia espléndida porque al ser tantas mujeres había una energía femenina que las mujeres entendemos, como una especie de forma de ver y de entender la vida, de bromear, nos sentíamos en un ambiente no machista, es la verdad.

El compañero de sonido, Isael, nos reíamos de él y le decíamos que era nuestra cuota de género porque sí había un hombre y era él, pero en general éramos pura mujeres. Estuvimos bastante tiempo juntas y fue una experiencia muy fortalecedora, muy alejada de esta idea estereotipada de que las mujeres somos conflictivas, en absoluto, las mujeres somos colaboradoras, compañeras, hermanas y sororas, como se dice también cuando hay un proyecto en común la fortaleza se va contagiando entre todo el equipo. ¿Crees que hay más apertura en la industria para las mujeres?

Lo considero valioso y necesario porque las mujeres queremos dirigir y producir, antes se confinaba a las mujeres a los departamentos de arte, de vestuario y poco a poco fuimos ganando terreno.

Pienso que lo justo es que cada mujer esté en el área y en el departamento que quiera estar, para el que esté capacitada, el tema es que para poder capacitarnos debemos tener acceso a las escuelas y a las producciones, por eso tiene que haber equidad, por ejemplo, si en una escuela de cine entran 30% de mujeres y de esas 30% se dedican al departamento que te acabo de mencionar, vamos a encontrar a una sola directora. Eso es lo que hace la desigualdad.

Las mujeres llegamos 200 o 300 años después a la educación en la historia mundial, a las letras por ejemplo, por eso hay menos mujeres poetas, no porque haya menos inteligencia o menos sensibilidad, sino porque hemos llegado después a los espacios, pero creo que este está siendo el siglo de las mujeres y me siento muy afortunada de que me toque vivirlo.

“Este está siendo el siglo de las mujeres y me siento muy afortunada de que me toque vivirlo” Sobre las filmaciones, ¿dónde fueron?

Estuvimos filmando en Guanajuato, diferentes locaciones y momentos del año por eso la película da la impresión de que el recorrido es muy largo. Luego fuimos a la frontera, estuvimos en Tijuana y Tecate, Baja California, una parte del equipo cruzó la frontera para hacer una toma en la garita y en la aduana.

Fuimos un equipo muy pequeño, cuando estuvimos grabando en allá eran sólo la directora, la productora que estaba haciendo también sonido en ese momento, la fotografía y yo, era muy discreto el equipo.

Recuerdo que en Guanajuato no había planta de luz, ni hubo camiones, ni campers, todo fue un equipo muy reducido por lo tanto no llamamos la atención y nunca me sentí en riesgo al haber filmado Sin señas particulares. Tal vez el único riesgo es que hacía muchísimo frío, pero fuera de eso no y ahora que me lo preguntas tal vez sí fuimos un poco temerarias, pero por fortuna nunca nos pasó nada.

Otra serie en la participas es Todo va a estar bien, serie original de Netflix.

Es una serie creada, producida y dirigida por Diego Luna. Filmamos el año pasado en septiembre, tengo un personaje que se llama Idalia, ella forma parte de la familia protagonista y la serie habla de lo complicadas que son las relaciones interpersonales y de las múltiples posibilidades de familias que hay, de lo difícil que es sostener relaciones duraderas.

“Qué bueno que me está tocando en esta época porque en otra habría sido sirvienta de todas las telenovelas... y ¡qué horror!

Me siento muy afortunada de estar en Toda va a estar bien porque es una serie muy gozosa, teníamos mucho miedo del Covid, pensé que me iba a contagiar, pero fuimos muy cuidadosos, el protocolo que había era durísimo y filmamos sin tener bajas, ni contagios, ni nada.

Entonces fue un regalo enorme que me dio la pandemia, además me divertí muchísimo y como actriz agradezco mucho que se me deje de estigmatizar y que me permitan hacer un personaje con todos lo matices de Idalia, que es una mujer que goza de la vida, que es alegre, que disfruta…

En el tráiler de la serie se te ve jugando fútbol…

Sí, está bien padre que tenga chance de ser personaje así de diferente a los que me ha tocado jugar.

Sobre el panorama de las plataformas digitales, ¿qué opinas?

Opino que la realidad se impone y que la audiencia quiere ver aquello con lo que se identifica, el color de piel por ejemplo y con la variedad de tonos de piel que hay en México deberíamos poder verlos en los contenidos que miramos; la variedad de roles que jugamos también, creo que es necesario y que bien que quien escribe los contenidos reconozca que tiene que salir del lugar común: todos son blancos, todas son delgadas, los problemas que tienen son superficiales, o sea, el problema más grande que tienen es saber si hay leche de almendras o no en el Starbucks, ¡no puede ser!

Entonces, qué bueno que me está tocando en esta época porque en otra habría sido sirvienta de todas las telenovelas y ¡qué horror!

Sin señas particulares

Somos

“De la serie Somos, aprendí que no tenemos que juzgar a nadie” Otro proyecto importante en tu carrera es la serie Somos, ¿Qué enseñanza te deja el personaje de doña Chayo?

Me deja dos enseñanzas grandes, una que no hay que juzgar a las personas, por supuesto a los personajes jamás, pero a las personas tampoco porque doña Chayo se ve envuelta en un situación de complicidad con el narco y esto es más allá de su voluntad, de su educación, las personas cuando viven en un ambiente de violencia se ven afectadas por las circunstancias, que es lo que le pasó a ella, no sabemos si un día nos va a tocar a nosotros.

Otra cosa que me dejó es que sí hay personajes que son más empáticos con la audiencia y tiene que ver con la autenticidad con la que están hechos, no tiene que ver con la grandilocuencia, ni con el poder, ni con la belleza, tiene que ver con esta mezcla de algo extraño y bello porque doña Chayo es una señora entrada en años, muy pobre y lastimada por el clima, el trabajo, pero es muy linda también porque es incansable, es chiquita, es mucho más grande su carro de hot-dogs que es más pesado que ella.

Es una presencia constante en el pueblo, es de estas personas que siempre vemos y que por lo tanto juegan un papel social muy importante. Me deja la experiencia de que no hay personajes pequeños para nada, todos los personajes pueden crecer

mucho, ser maravillosos y memorables en la gente.

He recibido cientos de mensajes de todo el mundo de personas que me han dicho que se han sentido muy conmovidas con doña Chayo y estoy muy agradecida.

En la serie hay actores naturales, ¿qué opina de ello?

La mayoría son actores naturales, pienso que trabajar con actores naturales es una experiencia importante para los actores profesionales, que tenemos que entrenarnos para ser capaces de trabajar con ellos porque los actores naturales no actúan, ellos son así, son los personajes y así fueron elegidos, tenemos que empatar con ellos, al revés.

Jesús Sida Domínguez hace el personaje de Paquito, demuestra en la serie que un personaje natural puede ser tan entrañable, porque es auténtico y no está pensando nunca en el resultado, en el impacto, en cosas a futuro, se divertía mucho cada día en las nuevas tomas y en lo que íbamos a hacer cada día y tal vez es lo que deberíamos hacer también los actores profesionales, no estar todo el tiempo pensando en el futuro y esperando cosas.

Me gusta mucho trabajar con actores naturales, en Sin señas particulares la mayoría lo son, me gusta mucho.

Sin señas particulares LA METÁFORA DEL MÉXICO CONTEMPORÁNEO • Alejandra Lomelí

SI HUBO UN FILME que no dejó indiferente a nadie el año pasado ese fue Sin señas particulares, la ópera prima de Fernanda Valadez, directora, guionista y productora egresada del Centro de Capacitación Cinematográfica. Estrenada en el Festival de Cine de Sundance, en la competencia Drama de la sección World Cinema donde recogió el Premio del Jurado a mejor guion y Premio del Público, para iniciar un recorrido lleno de reconocimiento en festivales como el de San Sebastián y el Festival Internacional de Cine de Morelia como parte de la competencia de la selección oficial, la película anunció la llegada de una cineasta con una habilidad deslumbrante para narrar, desde la ficción, una denuncia a la aterradora realidad del país.

Escrita por Valadez y Astrid Rondera, la SIN SEÑAS PARTICULARES Directora: Fernanda Valadez Guion: Fernanda Valadez y Astrid Rondero

película plasma el horror de las desapariciones forzadas y la escalada de violencia a través de Magdalena (Mercedes Hernández), una madre que inicia un peregrinaje por los lugares más sórdidos del país para conocer el paradero de su hijo luego de que éste dejara su hogar con la intención de cruzar la frontera de Estados Unidos, luego que las autoridades quieren que firme su certificado de muerte. En el camino conoce a Miguel, un chico que ha sido deportado recientemente y que, a través de su viaje, asegura haber descubierto un país totalmente cambiado.

Con imágenes poéticas, un buen manejo de los primeros planos y una difusa profundidad de campo que resulta bastante significativa al momento de recordarnos que estamos ante un trabajo que, más allá de su función artística, expone el hartaz-

go ante la indiferencia de las autoridades los horrores del crimen organizado, Sin señas particulares es la metáfora del México contemporáneo, de muertos vivos al servicio del narco. Una realidad tan monstruosa en la que el diablo parece haberse encarnado.

Mercedes Hernández es la columna vertebral de este trabajo. Su interpretación compleja y contenida, es perfecta, ya que es capaz de transmitir toda su desesperación, incertidumbre y terror ante la devastadora realidad con tan solo una mirada.

No es raro que la cinta nos recuerde trabajos como Tempestad (Tatiana Huezo, 2016) o La libertad del diablo (Everardo González, 2017), aunque estos son filmes documentales, siguen la línea temática del que resulta no solo uno de los debuts más inspirados, sino necesarios.

FRACTAL

UN CUENTO SOBRE LA JUVENTUD ACTUAL

F

ractal, ópera prima de la directora mexicana Mariana González, en entrevista con la revista Cameo habla de los por menores de hacer cine en México.

Fractal

En México, durante una fría mañana de domingo, tres amigos dejan que sus sentimientos broten mientras buscan a una cuarta amiga que desapareció tras una fiesta, esa es la premisa de la película Fractal.

“Estoy contenta y muy emocionada porque ya pasaron varios años desde que la hicimos y finalmente compartirla con la audiencia sí me emociona. Nos toca estrenar en tiempos de pandemia, la gente no está yendo mucho al cine y nos toca un poco difícil porque es una película independiente. Per estoy contenta de compartir mi ópera prima y espero que la vea mucha gente”, cuenta en entrevista la directora.

Fractal

¿Cuánto tiempo te llevó hacer Fractal?

Empezó en 2017, escribí el guion en unos diez meses, en lo que escribes y reescribes, todo ese proceso. Luego en 2018 la filmamos, duramos 18 días filmando, después la postproducción y en total la terminamos en 2020.

Estrenamos en festivales el año pasado, en medio de la pandemia, en el Festival de Cine de Málaga, estuvo increíble tener ese estreno internacional porque es un muy buen festival en España. En México estrenamos en el Festival Internacional de Cine de Guanajuato, en total pasaron tres años en todo este proceso.

También escribiste el guion, ¿cómo surge la idea de plasmar los sentimientos de la juventud actual?

El guion surgió porque quería retratar una juventud en el limbo, un poco sin rumbo. Siempre he dicho que Fractal es un cuento de juventud, de esta juventud que no sabe a dónde va, ni qué quiere y ahí están, encontrándose…

Cuando la escribí acababa de cumplir 26 años y justo estaba encontrando un poco de mi camino y quise poner ese sentimiento.

En la cinta reflejas temas como la inseguridad, las drogas... ¿cómo haces la denuncia de una manera sutil?

Desde un principio quise que fuera muy realista. Desafortunadamente pasan muchísimas cosas muy tristes en nuestro país todos los días, pero también hay muchas historias que nada más son una alerta, quise retratar ese realismo del peligro latente que puede cristalizarse o no.

El tema es que sí vivimos en un país muy complejo, es muy preocupante que te subas a un taxi o uses una aplicación y ya está tu amigo tomándole foto a la placa, que estés mandando la ubicación a tu mamá, o piensas “no me voy a quedar dormida, porque si lo hago no sé a dónde voy a parar”. ¿Sabes?, igual para cuando vas a un antro o un bar, y estés cuidando tu bebida de que no le echen nada, que no lo adulteren.

Tienes que tener precaución. Es lo que vivimos y que esté normalizado no quiere decir que esté bien y es un peligro latente que vivimos los jóvenes, así nos está tocando, ojalá un día las cosas cambien.

¿Qué tanto esfuerzo implica levantar un proyecto de cine en México, y más una ópera prima?

Muchísimo, ha sido un proceso largo y de mucho trabajo, pero también de mucho apoyo padre de gente que se sumó al proyecto, que les gustó el guion, los personajes, que creyeron en mí y en lo que estábamos haciendo, se sumaron y poco a poco fuimos uniendo fuerzas para hacer Fractal.

Cuando regresé a México tenía muchos guiones de largometrajes que quería hacer, pero son muy ambiciosos y necesitaban un presupuesto muy grande, y con Fractal encontré justo esa historia personal y chiquita, relativamente sencilla de filmar, de estos tres personajes buscando a una amiga.

Como directora, ¿qué opinas que cada año haya más mujeres en la industria, no sólo en México sino a nivel internacional?

Increíble. A mi generación también nos está tocando esta transición turbulenta a la equidad absoluta en la industria. Todavía hay que seguir tomando medidas y haciendo lo necesario para incluir a más chicas directoras, productoras, de todo, pero creo que estamos en un momento increíble.

Hay que seguirlo trabajando, pero ya sé de muchos sets, de crews donde todas las cabezas son mujeres, en donde ya no hay el tema de “tú no, porque eres mujer”, ya lo estamos dejando atrás y eso me emociona muchísimo.

Aparte he notado que las mujeres somos bien comprometidas y apasionadas, si tienes una chica en el crew sabes que lo va a dar todo, también los hombres, pero siento que específicamente las mujeres tienen una fuerza y una energía que ya nos vamos a empezar a comer el mundo.

Así lo creo, ya lo estamos haciendo.

• Carlos Mora

| 31

Fractal UN VIAJE DE AUTODESCUBRIMIENTO • Alejandra Lomelí

EN LA ÚLTIMA DÉCADA, los directores mexicanos han encontrado formas estimulantes de analizar el ambiente de inseguridad que se vive en el país, Julio Hernández Cordón lo ha hecho desde la ciencia ficción (Cómprame un revólver, 2018), Issa López a través del terror (Vuelven, 2017) y así podemos seguir enunciando realizadores con películas que, por lo regular, tienen un estreno en cartelera muy limitado. A este grupo se une Fractal, la ópera prima de Mariana González.

Fractal nos sumerge en la incertidumbre y desesperación de saber que una persona ha desaparecido. La premisa, aunque sencilla, resulta totalmente efectiva para que la historia avance y elabore un subtexto más amplio de una juventud aburrida, sin propósitos, o que se encuen-

tra, como dice su directora, “en el limbo”.

Además, parte de un motivo con el que cualquier espectador puede involucrarse dado el contexto social.

La película tiene lugar durante un domingo en la Ciudad de México, Tamara (Ruth Ramos) y Marco (Juan Carlos Huguenin), quienes son novios, son avisados por Fede (Mario Moreno del Moral) que una amiga de ellos, Mónica (Ximena Romo) ha desaparecido en un ‘after’. Es entonces que los tres amigos de veintitantos años comenzarán la búsqueda de su amiga, un viaje que los llevará no sólo a descubrir los peligros del país, también a remover en sus propias y encontrarle un sentido a la vida más allá de las fiestas y la cocaína.

Como toda road-movie, Fractal es un

FRACTAL Dirección y guion: Mariana Gonzaléz Fotografía:Luis Posada

viaje de autodescubrimiento de unos personajes que están claramente perdidos, cuyo horror por desconocer el paradero de una persona los impulsa a salir de su ostracismo, dándose de bruces contra una realidad sórdida que les revela sus irresponsabilidades, indiferencias, miedos y vacíos, pero también sus determinaciones para tomar las riendas de su futuro.

En tres personajes, y a veces en cuatro con la breve aparición de Mónica en una contundente Ximena Romo, tenemos un retrato de esa juventud apática, “fractal” diría el título.

Un trabajo notable, narrativamente bien llevado, así como un elenco que entrega buenas interpretaciones, Fractal presenta a una directora a la que vale la pena dar seguimiento.

Yermo EL LAZO QUE NOS UNE • Alejandra Lomelí

LUEGO DE REALIZAR uno de los documentales más perturbadores sobre la violencia, sicarios y las víctimas del crimen organizado en México como fue el necesario La libertad del diablo (2017), Everardo González nos lleva en un viaje más amable por 10 de los desiertos más grandes del mundo para dar con aquello que nos une a todos sin importar la latitud e inclemencias del ambiente.

Aunque Yermo (2020) pareciera un trabajo anómalo en una filmografía en la que se ha abordado con valentía la manera en que la sociedad se encuentra presa del narcotráfico, así como la psicosis que esto genera, no es así, ya que al igual que el resto de sus largometrajes, el interés del director está en dar voz a los sujetos para que sean

YERMO Dirección, guion y fotografía: Everardo González Música: Raúl Vizzi Edición: Paloma López Carrillo

ellos quienes nos descubran sus territorios.

En 2012, Everardo González acompañó al artista visual Alfredo de Stéfano por los desiertos más inhóspitos alrededor del mundo como el de Atacama, Thar, la gélida estepa mongola y el Sahara Occidental, entre otros, de ese metraje nació Yermo.

Construida desde la impericia, desde la incomprensión, desde la sorpresa y el asombro mutuo, el documental reflexiona en tono a la idea de comunidad, a la relación del hombre y su entorno en el que la naturaleza, las bestias y los seres humanos dependen de cada uno para seguir habitando un mundo que se supone desolado.

Un trabajo que muestra una vez más la solvencia narrativa de González para revitalizar el documental, un género que toma

muy pocos riesgos. En este sentido, es destacable el trabajo de edición que encadena las planicies sin que haya ninguna leyenda que nos anticipe la ubicación, una decisión con fines claramente narrativos, pero, principalmente, que da con el objetivo: descubrir el lazo que nos une.

Si bien entra en la categoría de documental etnográfico, el director no se queda en la mera observación de los otros, de hecho, es todo lo contrario: son los observados quienes observan e interactúan con los que están tras la cámara, quienes incluso opinan de ellos. Una “etnografía a la inversa” como acertadamente lo define el director. Es eso lo que da esperanza al género y lo hace una de las propuestas más sólidas de la cartelera.

SELVA TRÁGICA Dirección y guion: Manuel Alcalá Dónde ver: Netflix

Red privada: ¿Quién mató a Manuel Buendía?

DOCUMENTAL MUY REVELADOR • Alejandra Lomelí

“RED PRIVADA” era el título de la columna en la que Manuel Buendía escribía fuertes críticas en contra del gobierno. En ella no faltaba el humor negro y una elegante narrativa, pero lo que más llamaba la atención de los lectores era el resultado de sus investigaciones en las que se revelaban los vínculos del gobierno con el crimen organizado, el nacimiento de los grupos de ultraderecha y las operaciones de la CIA en México. Sus agudos artículos lo convirtieron en un personaje incómodo para la clase política y capos de la droga, por eso, cuando ocurrió su asesinato el 30 de mayo de 1984, se consideró como un crimen de Estado, idea que recoge el documental Red privada: ¿quién mató a Manuel Buendía?, ópera prima de Manuel Alcalá.

Apoyándose en testimonios de perio-

distas, algunos de ellos contemporáneos de Buendía, material de archivo, opiniones de ex funcionarios públicos y fragmentos de sus elocuentes escritos narrados por Daniel Giménez Cacho, el documental que llegó a Netflix toma la pregunta que desde hace más de treinta años ha permeado en el imaginario popular, mientras explora los posibles motivos tras uno de los crímenes más brutales por frenar el ejercicio periodístico.

Con un notable trabajo de investigación, el largometraje es un testimonio de la valentía periodística de Manuel Buendía, un recordatorio para no olvidar su vida y labor, pero, principalmente, porque es necesario conocer la verdad. Al margen, aquí también encontramos un vistazo al periodismo mexicano y las herramientas

de censura que el gobierno utilizaba para controlar a la prensa.

Aunque es un documental muy revelador, en ocasiones es imposible seguirle la pista ante la gran cantidad de información, quizás un formato de miniserie le favorecería mejor, ya que cada una de las hipótesis resultan sumamente interesantes como para profundizar en ellas. Por lo mismo, no hay una visión crítica de Buendía, es decir, no se muestra su lado más cuestionable como, por ejemplo, su participación como funcionario público, mencionad muy por encima.

Pero Red privada: ¿Quién mató a Manuel Buendía?, es un trabajo valioso que nos muestra que hay pasajes muy oscuros en la llamada verdad histórica que son precisos esclarecer.

La visita PROPUESTA TEATRALIZADA • Alejandra Lomelí

RODADA de forma independiente y en tan solo 17 días, La visita es la ópera prima de la directora Ana Mancera con la que busca hacer un retrato generacional de las relaciones de pareja.

Un trabajo ambicioso, pero limitado por su ajustado metraje, antojándose una observación más profunda para los temas que propone.

La película cuestiona el compromiso en el matrimonio, la fidelidad e infidelidad confrontados ante un estilo de vida más ligero y libre que caracteriza el espíritu de los millennial, porque de acuerdo a Mancera, el largometraje habla en específico a esta generación.

La visita cuenta la historia de Alicia (Ivana De María) y Enrique (Mariano Palacios), una joven pareja de casados cuya

relación se ve comprometida cuando Carlota (Fiona), una antigua amiga de Alicia, llega de visita a su casa por unas semanas. Enrique deberá lidiar con el deseo sexual que nace en él a consecuencia del juego –muy obvio- de seducción por parte de Carlota.

En la sinopsis también se menciona que Alicia y Enrique pasan por un momento difícil en su relación, un aspecto fundamental para comprender la inseguridad que el personaje que Alicia siente al verse amenazada por la sensualidad de Carlota, sin embargo, el frágil vínculo no queda establecido en la pantalla. Los celos, el enojo, incluso la tensión sexual de Enrique, todo se maneja de forma muy superficial, derivando en un inexistente dilema moral que, por más que los acto-

res se esfuercen por mostrar actuaciones contenidas en función de sus batallas internas, no consigue el impacto emocional esperado.

De esta forma, la catarsis de Enrique con una chica trans, y la de Alicia con la propia Carlota, momento en que la película busca proponer una reflexión que impacte a los espectadores, cuestionando la masculinidad, la percepción libre del amor y el llamado “género fluido”, queda desprovista de fuerza dramática, sin una problematización clara sobre las implicaciones de la monogamia y la infidelidad.

La directora se apoya acertadamente en la labor de sus actores, una tercia y a veces un cuarteto que saca a flote una propuesta extremadamente teatralizada.

LA VISITA Dirección: Ana Mancera Guion y fotografía: Manuel Caballero

M

rcos Bucay cuenta con una trayectoria como escritor y director de varios episodios de Club de Cuervos, guionista de la cinta Guadalupe Reyes y showrunner de la serie Cómo sobrevivir soltero, ahora estrena Fondeados, su primer largometraje como director y escritor. El filme es protagonizado por los actores Ricardo Polanco y Aldo Escalante.

“Uno siempre quiere lanzarse y buscar la oportunidad de dirigir, y Netflix me la dio por lo cual estoy bastante feliz y agradecido. Nos tardamos cinco años en levantar a Fondeados, filmamos en tiempo de pandemia lo cual estuvo difícil pero también fue un reto bonito para demostrar que sí se puede hacer bien las cosas en la pandemia. Es un proceso que me llena como creador, ver mi pieza desde como la imaginé hasta verla terminada y otras personas lo vean, es el cierre de un círculo de una forma mágica”. ¿Cómo surge la idea de Fondeados?

Me interesan las comedias sobre emprendimiento, sobre amigos y tecnología, no hay nada de ese tipo en México, por lo cual me dije: “es un tema que a la gente le va a interesar”, cada vez más hay más emprendedores y creo que refleja un lado de la sociedad a la que le late experimentar, irse por su propio camino, poner sus reglas y le gusta ser dueño de su vida y a lo que se dedica. Basándome en una especie de investigación del mercado y las redes sociales di con estos temas, y de ahí surge el guion de Fondeados.

Fondeados

M A R C O S

B U C A Y

Fondeados, un vistazo al mundo de los emprendedores La cinta plantea la libertad de escoger tu profesión y muestra la libertad de los millennials, ¿qué opinas?

En realidad es lo que yo consumo constantemente, veo a la gente a mi alrededor y veo estos patrones, la gente cada vez busca más la libertad. Ahora con la pandemia se nota más, de irse a vivir a donde ellos quieren, trabajar en lo que aman y eso, ya se puede. Los influencers nos han demostrado que hay posibilidad de monetizar cualquier cosa que tú quieras, es cosa de que a la gente le interese el contenido que estés promoviendo para poder hacerte famoso en internet.

Netflix sigue apostando por contenido original y la industria mexicana, ¿cómo lo percibes?

Imagínate, es el sueño de todos, antes teníamos que ir a picharle los proyectos a pocos compradores, no había esta competencia, creo que en toda industria donde hay competencia hay oferta y demanda y se va profesionalizando, se va haciendo más grande y productivo para todos, es un negocio.

Eres director, guionista, productor, ¿con cuál etapa te quedas?

Siempre digo que soy escritor-director, para mí lo primero siempre está en la escritura y es la parte del proceso a la que más tiempo y esfuerzo le doy para que cuando esté dirigiendo no tenga que sufrir. Es el proceso que más disfruto, el

que me da las herramientas para poder hacer un buen producto y el proceso de la dirección es el proceso divertido, experimental, de estar ahí encontrando e improvisando y ver a dónde te lleva la obra. ¿Algún reto? Todos los días en una filmación son uno, cada escena tiene un reto diferente, grados de complejidad, como tú te la imaginabas a veces no está saliendo, lo que pensaste que iba a pasar no está pasando o no tienes las herramientas necesarias. Siempre en dirigir hay un reto, pero es padre porque te obliga a maquinar con la cabeza mucho más rápido.

No me puedo quedar con una parte del proceso, cada una tiene su belleza, hasta hacer música y editar es algo increíble.

En Fondeados tocas el tema de redes sociales, ¿para ti son una ventaja o desventaja?

Son una gran ventaja, empecé haciendo videos en 2008 y tenía que mandarle personalmente un mensaje de Facebook a todas las personas para que vieran mi video en YouTube porque todavía nadie estaba conectado en las formas y plataformas en las que estamos ahorita. Sin duda, para mí las redes sociales son una bendición para distribuir mi contenido.

La comedia es uno de los géneros favoritos de la audiencia en México, ¿qué opinas?

La comedia en México, viéndola desde dentro, sólo puedo opinar que cada vez está mejor, la verdad. Creo que las audiencias cada vez van a encontrar más diversión e interés en la comedia mexicana porque hay un avance constantemente.

Los creadores están tratando de hacer cosas diferentes, obviamente la industria marca un estándar de lo que se ve, lo que vende y lo comercial, y está en nosotros como creadores romper eso, no con palabras sino con productos como Fondeados, demostrar que se puede hablar de comedia en otras voces, en otros tonos, en otras temáticas y que la gente está interesada en estos temas. No me gusta hablar sobre el estado de un género, me gusta hablar de mi trabajo y cómo a mí me inspiran ciertas personas para mejorar. ¿Qué otros proyectos vienen?

Estoy trabajando en dos temporadas de Cómo sobrevivir soltero, serie de Amazon que saldrá ara el 2022, un par de películas en proceso de fondeo y voy a entrar a otra serie que se anunciará en unos meses.

• Carlos Mora

| 39

Ricardo Polanco LOS ACTORES RICARDO POLANCO Y JORGE ZÁRATE par-

ticipan en la nueva cinta original de Netflix, Fondeados, la que se adentra en la vida de dos emprendedores millennials desempleados que publican un video sobre su revolucionaria aplicación en un sitio de financiación colectiva. Cuando la aplicación recauda millones de dólares, se dan cuenta de que antes tienen que crear la aplicación. Una comedia del director y guionista Marcos Bucay. ¿Cómo fue trabajar con Marcos Bucay?

Ricardo Polanco: Escribe, dirige y crea esos universos, es muy interesante y va en la línea de la comedia que ha hecho, es un poco diferente y variada la película, pero viene con ese sello de Marcos.

Jorge Zárate: Me gusta valorar a los directores viéndolos en el set, no tanto en los resultados que tenemos, es un hombre muy asertivo y de esos que te dejan ser para ver qué te sirve y te indica hacia dónde llevar las cosas; el cuidado que percibí de Ricardo (Polanco) y Aldo (Escalante) muy correctos para llevar a buen término el protagonismo de ellos. Está muy bonita y divertida.

Fondeados es una comedia para pasar un agradable momento...

RP: Es primordial de pronto soltar un par de carcajadas, se construyó para lograr eso y es interesante que toca un tema muy en boga que son las redes sociales, entrepreneur y uno puede conseguir financiamiento económico no necesariamente de una empresa o del gobierno, también toca el tema de las relaciones de amistad, familiares, laborales, justo está llena de esa carnita que toca estos temas a través de la comedia.

JZ: El tema no me es fácil, es algo muy novedoso desde mi edad, me gusta reconocer que no sé de qué hablan, darme cuenta y aprender; de repente este contexto cibernético a mí me resulta y me provoca más 40 |

un emprendedor en fondeados...

Jorge Zárate inquietud en este momento de la pandemia, me tengo que acostumbrar a esto del nuevo formato, de esta dinámica de comunicarse, me resulta novedoso; desde mi edad es el videófono, lo que veía sólo en las películas del Santo ahora es una realidad y me da mucho gusto hacia donde avanzó la humanidad, aunque apenas vamos a poder percibir si están bien o mal los jóvenes que usan muchos gadgets, que se comunican solo por línea, no sé el resultado de los niños y la escuela por Zoom, no sabemos qué resultados vamos a tener, creo que hasta dentro de 30 años sabremos si fue exitoso todo este uso de la tecnología. Esta película tiene exactamente eso, agrégale que todos tenemos el empresario adentro, tenemos un proyecto que es el negocio ideal, todos queremos emprender algo y está reflejado muy claramente en gran parte de la sociedad. En ese sentido la película nos identifica mucho. ¿Qué piensan de los nuevos trabajos millennials en base a lo que plantea la película?

RP. Da lugar a generar nuevas oportunidades para distintas cosas, en este caso deciden hacer una aplicación disruptiva, según ellos es interesante, mientras podamos tener una variedad de contenido, cosas, la gente lo consuma y sea lícito no veo algún problema, me parece bien padre tener la oportunidad de no buscar recursos tal vez del gobierno o de empresas, justo ellos están buscando la manera de generar autoempleo.

ofrece apoyo a lo millennials

JV. Abundar en que estos nuevos oficios o carreras exitosas, son coach de vida que no entiendo muy bien, informaciones casi técnicas para baristas, para ser DJ me parece inquietante, me gustaría a mí serlo porque me gusta la música, son cosas que son novedosas por la misma tecnología, la desgracia que percibo en esto es que cierto sector de la sociedad se queda fuera de estos logros y de este avance que todos puedan gozar, lo veo democrático para cierto sector de la sociedad no para todo mundo, no se hable de la fobia a la tecnología que algunas personas mayores tienen a los aparatos. Estamos ante una película con un contexto adecuado para el espectador actual, que están “cibernitizados”; hablando en sociedad, qué bueno que generaron este tipo de trabajo, que no falta la crítica.

• Carlos Mora

| 41

Elyfer

Torres

“Me encanta ser parte de esta representación de actores latinos en el mundo y además morenos” •C A R L OS M O R A

E

lyfer Torres debutó en 2019 como protagonista de la telenovela Betty en NY de Telemundo, en Estados Unidos, y sin duda eso fue un parteaguas en su carrera.

Ahora regresa con la nueva serie de Netflix, Guerra de vecinos, una comedia que narra la vida de dos familias completamente opuestas que terminan viviendo en un barrio de clase alta.

“Con Guerra de vecinos, todavía soy esa niña que la ve y se emociona, qué bonito tener esa capacidad de sorprendernos con esas cosas, antes lloraba de felicidad, ahora ya no, pero sigo muy contenta de que nuestro trabajo, porque somos un gran equipo, haya rendido frutos tan maravillosos”, comparte en exclusiva Elyfer, para la revista Cameo.

Sobre tu personaje en Guerra de vecinos, ¿qué cosas tienes en común con ella?

Tere tiene tantas cosas parecidas a mí que cuando la leí me parecía absurdo, y dije: “Wow, tengo que ser yo”, siempre busco hacer personajes que tengan un mensaje, un aprendizaje al final de las historias, que no sean nada más contarte una historia y entretenerte porque sí; sino porque vas a aprender algo con nosotros o conmigo personalmente.

Cuando veo a Tere sé que es una chava fuerte, independiente, es una mujer morena, pobre, digna… Dignifica muchísimo a esta parte de la población y a mí me emociona muchísimo hacer este tipo de personajes, también es abiertamente feminista, creo que tampoco tenemos muchos personajes así en la televisión mexicana. Me enamoré desde el primer momento que la leí.

Creo que es de las cosas más bonitas que me han pasado en la pandemia, después de un año difícil, al final fue un respiro y un abrazo al corazón, y estoy muy feliz con todo lo que sucedió con este proyecto. | 43

Guerra de vecinos

entren dentro de la comedia para que las personas se cuestionen; creo que ese era el reto con ella. Creo que eso es muy cercano a lo que yo soy en mi vida.

Guerra de vecinos toca, desde la comedia, temas bastante polémicos como el racismo, el clasismo, el feminismo...

Justo, lo que buscamos cada uno desde su trinchera, desde su personaje, es la concientización de lo que somos como país. El otro día me preguntaban, “¿Oye, pero hay muchos estereotipos?”, sí claro, son todos los estereotipos que vivimos todos los días en nuestro país, la utilización de los estereotipos y de la ridiculización de estos es para que nos demos cuenta que no están chidos, a través de la comedia, y que digas ¡Wow, me estoy riendo de estos!, además de que te la pasas increíble.

Las dos familias son exactamente iguales, son espejos, y nada tiene que ver ni su dinero, ni su color de piel, ni nada. Creo que se ridiculiza un poco más la postura blanca, esta estructura del poder tonta que tenemos en México a partir del color de piel y el estatus socioeconómico. Como bien mencionas se tocan temas muy importantes en nuestra actualidad, y qué gusto, qué gozo que podamos cuestionarnos y reflexionar a partir de morirnos de la risa. ¿Cómo fue trabajar con Vanessa Bauche, quien es tu mamá en la serie?

Vanessa es un monstruo de la actuación, es una institutriz de la industria, la verdad verla trabajar es increíble y dices: ¡Wow, cómo Vane puede llegar a cierta emoción o a cierto lugar con solo vernos a los ojos! Una actriz se nutre mucho del trabajo que hacen los otros actores. De verdad era increíble trabajar porque es todo lo que te dicen, las técnicas de actuación que tienen que pasar, aprendí mucho de ella. A mis compañeros los quiero mucho, aprendí y lo gocé muchísimo.

La comedia te sale bastante bien...

La verdad es que cuando hago un personaje nunca pienso ¡qué complicado personaje! o ¡qué difícil es hacer comedia de este tipo! porque al final mi personaje (Tere) tampoco es el chistoso de la historia y tampoco pretende serlo, es comedia situacional, las cosas que le suceden hacen que sea chistoso, pero ella no lo es ni busca serlo.

El reto particular de esta comedia, hacer que temas tan serios como el racismo, el clasismo y el feminismo 44 |

Te ha tocado tener más proyectos para la comunidad latina en Estados Unidos, como Betty en NY, Enemigo íntimo, entre otros. ¿Qué sientes pertenecer a esta generación de actores que figuran en EU? Me parece increíble, creo que es justo y necesario. Estaba leyendo estadísticas y ahora el 19% de la población en EU somos latinos. Somos demasiadas personas viviendo allá como para que no exista representación en los medios de comunicación, como para que no existan historias centradas y enfocadas en nosotros y en nuestra historia y en lo que somos, y no hablo sólo de mí, hablo de muchísima gente mexicano-americana que ellos no están contados en este 19% ¡Entonces somos un chingo más! Estoy muy feliz de que haya más apertura, mi tirada al final va a ser Hollywood, es mi sueño, quiero hacer películas en inglés, en eso estamos.

Me encanta ser parte de esta representación, parte de esa movida de “actores mexicanos y latinos en el mundo y además morenos”, lo digo porque hay más apertura. En Latinoamérica todas las historias que nos cuentan son de gente blanca para gente blanca, aunque las historias sean delirantes, he vivido eso, que casteo para un personaje, está increíble y me dicen: “No, no, no, es que toda la familia es blanca” y digo ¡Claro, no quería a la hija morenita! ¿Cómo ves la globalización que se vive en la industria y que puedas trabajar libremente en diferentes plataformas y televisoras?

Está increíble, porque ser actor es también difícil, todos y todas ven la parte bonita de “¡Ah, qué padre! Estos morros salen en la tele” y “Estos tipos ganan bien cuando actúan”, y cosas así, pero lo que no te contamos es que tenemos meses de desempleo, el último proyecto que hice fue una película con Vadhir Derbez en marzoabril, entonces llevo desde abril sin proyecto, tampoco digo ¡Ay, la estoy sufriendo un chingo! pero la vida del actor es muy volátil, entonces también era difícil decir “Bueno, si trabajo con otra empresa me van a correr” y está horrible, somos freelance y en cualquier momento acaba ese proyecto.

Me parece fabuloso que tengamos la libertad como cualquier otra profesión, porque somos cualquier otra profesión, la única diferencia es que la gente nos topa, de ahí en fuera somos exactamente igual, trabajadores, con seguro. Está increíble que podamos hacer todo tipo de proyectos en todo tipo de televisoras. ¿Qué otros géneros te gustaría hacer?

Me encantaría hacer terror o quiero hacer un dramón, también hacer cine independiente, muero por hacer ese tipo de historias, películas de festivales.

Siento que muchas personas en la industria piensan que como actriz no puedes hacer eso porque “ya hizo comedia, como ya hizo esta cosa como súper popular, entonces no puede hacer este tipo de personajes distintos”, me encantaría hacer este tipo de cosas, por eso me entrené como actriz, y obviamente seguir retando a la comedia, la comedia casi la descubrí con Betty y me da mucha vida.

Betty en NY

... un giro de 1800 en su carrera ¿Cómo ha cambiado tu vida después de Betty en NY? Muchísimo, mi vida ha cambiado para siempre. Primero por todo el aprendizaje personal que Betty me regaló, “Puedo ser lo que yo quiera, no importa de dónde venga ni cómo me veo, ni quién soy, simplemente con amor, con talento y con mucho esfuerzo puedo lograrlo”. Eso es lo que aprendí de ese maravilloso personaje y es algo que jamás voy a soltar, me cambió la vida.

El cariño y el amor de la gente, para mí no era normal ir al súper y que alguien saludara y me dijera “¡Gracias por Betty! por hacer el proyecto, me encantó”, eso me llena el corazón, creo que es lo más bonito en la carrera del artista, que te reconozcan no por lo que eres sino porque en tu vida mejoraste algo, lo que sea. Hay muchas chavitas que me dicen “Gracias a Betty tengo amor propio” y desde ahí, esos comentarios me hacen sentir bien y me cambiaron la vida.

Betty en NY

Cuando interpretaste a Betty, ¿tuviste alguna presión en hacer a un personaje que es icónico en la televisión mundial?

Al principio ni siquiera lo pensé, el no pensar en lo que puede salir mal, el no pensar en que ya mucha gente ya hizo a Betty. Nunca me cuestioné nada de esas cosas hasta el día del estreno, eso sí te puedo confesar que el día del estreno, que fue el 8 de febrero, no se me va a olvidar, en Estados Unidos, me acuerdo perfecto que ese día sí tenía mucho miedo, van a empezar todas las comparaciones, y si ya empezaron antes de que saliera dije “Hoy van a empezar más que nunca”.

Durante todo el proceso jamás lo pensé y eso fue lo que me ayudó a crear una Betty auténtica, creo que todas las Bettys somos muy auténticas. Justo yo no vi ninguna otra versión antes para poder crear desde mi lugar algo nuevo; porque es difícil crear algo nuevo pues es una historia que ya se ha contado muchas veces y me dije que no tenía que ver ninguna otra Betty para crear a partir de lo que yo leo, como creo cualquier otro personaje, sin saber que es un personaje que se ha hecho mil millones de veces.

Me empezó un poquito el tema de la comparación, pero lo solté y dije “esto es lo que tengo que ofrecer” y lo hicimos con muchísimo amor. Empecé a ver que le iba muy bien al proyecto, que la gente lo empezó a recibir con muchísimo amor y te relajas, y dices ¡Wow, sí les gustó mi trabajo!

Afortunadamente no lo pensé más que un día en mi vida y el público me calló la boca, me calló la mente, esa ansiedad mental que me nació, el público en dos, tres días, me la terminó de callar porque les gustó y porque fue un proyecto al que le fue muy bonito. Te lo juro, yo lloraba de felicidad todos los días, nunca me había pasado eso, lloraba de agradecimiento, es que no puede nadie ser tan feliz, qué pedo. Nunca me había sentido así tan plena en toda mi vida. | 45

ADRIA D I S F R U TA R H A C E R C O M E D I A

MORALES La actriz originaria de Tamaulipas, se encuentra muy feliz por su participación en Guerra de vecinos, serie original de Netflix

C

uenta a la revista Cameo, la dicha de formar parte de una de las series más vistas de la plataforma tanto en México como en otros países, “estoy con el corazón agradecido, qué más te puedo decir.

Hay muchas emociones que no se pueden explicar pero lo más cercano sería un agradecimiento infinito de saber que algo que hicimos a la gente le está gustando y no solamente en México, sino alrededor del mundo. Se siente muy bonito”. ¿Cómo llegas a Guerra de Vecinos?

Era media pandemia, fue como en julio-agosto del 2020, hice un casting, lo mandé y de repente me dijeron ”tienes callback”, lo hice por zoom, me acuerdo perfecto, y me dijeron “ya quedaste, eres Yola y vámonos a vivir a Guadalajara”, porque se filmó allá. Así fue como terminé el año pasado viviendo allá, filmando un proyecto que me tiene con las emociones al mil.

canos y actrices colombianas, actores peruanos. Varía también desde ahí, desde los elencos, es algo muy bonito que podamos participar así.

Adria Morales, Ana Layevska y Vanessa Bauche, en Guerra de vecinos.

Una de las ventajas que tiene Netflix, es que expone el trabajo de mexicanos en otros países.

Eso está increíble, es lo que estuvimos esperando y seguimos trabajando para que se abran las plataformas y el mercado para todos, eso se puede ver en Netflix y en otros lugares; también en producciones latinoamericanas hay actores mexi-

Guerra de vecinos cuenta con un gran elenco, como Ana Layevska, Christian Vázquez, Vanessa Bauche, Elyfer Torres, entre otros.

Fue muy lindo, es un elenco de primer nivel, las actrices y los actores que participan en este proyecto son increíbles, independientemente de todo lo que han hecho, te lo digo como actores y seres humanos.

Compartí mucho con Ana Layevska porque el universo de mi personaje (Yola) tiene mucho que ver a lado de Ana que es Silvia y los vecinos de la privada. Puedo decir que es una maestra, tiene una comedia brillante y la admiro muchísimo, me encantó conocerla y trabajar con ella, me la pasé increíble porque de pronto podría haber momentos de estrés por la pandemia, y al llegar al set y empezar a trabajar era morirme de la risa.

Aprendí muchísimas cosas, por ejem-

plo, de Vanessa siempre se puede aprender algo, es una mujer increíble, brillante.

A Elyfer ya tenía el placer de conocerla, es una gran mujer que quiero mucho.

Te puedo decir que trabajar con estos actores y actrices ha sido un regalo que también se puede ver en la pantalla, es algo muy valioso.

Aunque es comedia, la serie toca temas fuertes como el clasismo, racismo, el feminismo, entre otros, pero con un humor distinto.

Lo que me parece muy interesante, creo que lo hicieron muy bien, cuando se escribió el guion del proyecto se apoyaron mucho en una organización de estos temas para poderlos tocar y abordar desde un lugar respetuoso.

Eso me parece increíble porque es una comedia, pero te va dando unas clases, nos va enseñando los temas en la sociedad mexicana, que son muy reales, que mucha gente no los tiene tan presentes, entonces en Guerra de Vecinos los puedes ver muy puntuales y se trabajan para hacer consciente a la gente.

Te puedo hablar de mi personaje, Yola, me preocupaba decir esas cosas, pero luego cuando ves todo el guion entiendes que está siendo el personaje así porque también va a dar un mensaje. Es muy importante e interesante que las producciones de comedia mexicana ya también se están cuidando esos temas. ¿Prefieres hacer drama o comedia?

Me encanta la comedia, me encanta reír y no había tenido la oportunidad de hacer comedia como tal, y me la pasé increíble. Es un trabajo súper delicado porque hacer comedia es difícil, es complicado, hacer reír a la gente es de las cosas más difíciles que hay, creo que hacer llorar es sencillo y hacer reír no tanto.

Si tú me preguntas ¿qué prefieres hacer comedia o drama? pues depende de qué se trate la historia pero a mí me encanta hacer reír y reírme y en esta serie seguro me la pasé muerta de risa haciendo mis escenas.

• Carlos Mora

PAT R I C I O G A L L A R D O

El actor regresa en la segunda temporada de la éxitosa serie Control Z; Gerry y los alumnos del Colegio Nacional se enfrentarán a un desconocido vengador que trae nuevas intrigas

Es una serie que toca temas actuales como el ciberacoso, el bullying, la identidad de género...

He visto que uno de los personajes que más ruido tuvo y que la gente más agradeció fue el de Isabela (Zión Moreno) porque en México nunca se había hecho un personaje tan serio sobre la comunidad trans. Hay mucha gente que le agradece que se hayan dado a conocer este tipo de temas.

Perteneces a la nueva generación de actores...

Honestamente siento mucha satisfacción, nunca quise ser una actor más desde que comencé mi carrera, de alguna manera ser alguien que innova, alguien que te recuerde.

Me da mucho gusto y si esto sigue así espero poder servir bien el puesto en la actuación. ¿Cómo usas las redes sociales en tu vida?

Hace unos cuantos años era muy abierto, compartía todo, pero últimamente me hice un poco privado en ese aspecto. Creo que ha llegado el momento en el que tenga que considerar seriamente esa pregunta. Depende mucho de la gente a mi alrededor, por ejemplo, si tengo novia y me diga que no quiere que hable de ella, es algo que tengo respetar.

Hay un límite, una línea muy fina en la cual sí se le tiene que compartir a los fans, me gusta compartir cosas y si están pasando buenas cosas en mi vida me gusta compartirlo. ¿Para ti las redes han sido una ventaja o desventaja?

Ventaja totalmente. En primera porque son una fuente de trabajo, en segunda porque me conectan con la gente y la gente comparte sus teorías sobre la serie y en esta temporada voy a ver los beneficios y cómo los inspira, es muy bonito.

• Carlos Mora

La segunda temporada de Control Z, viene con mucha acción.

Claro, ahora ves las consecuencias de que pasó en la primera temporada y ves la explosión de los actos de los implicados. Es una temporada con mucho más suspenso y acción que la primera.

La serie está entre las más vistas de Netflix.

Creo que son bastantes factores, no soy analítico y usualmente no tengo idea de ese tipo de cosas, pero creo que es una serie muy universal.

Las situaciones que suceden en la serie pueden suceder en cualquier país, no son territoriales.

Puedes ser un chavo de la India que va a la escuela y también te pueden hackear y exponer tus secretos o de cualquier país como Arabia Saudita o Alemania…

También otro tema que toca es el de las redes sociales y no creo que no haya un chavo que no las tenga, más ahora con la pandemia. ¿Qué viene para tu personaje, Gerry?

En la primera temporada se ve una evolución de Gerry y más en el último capítulo, él no pudo con la culpa de haber matado a Luis, ahora imagínate que se le fue el balazo a otra persona, trae el pasado completamente en sus hombros, es de los personajes a los que más les pesa.

Vvamos a ver como le caen todas las consecuencias y cómo lidia con su sexualidad.

Control Z

Ana Layevska E S P EC I A L | L A M U C H AC H A Q U E L I M P I A

•C A R L OS M O R A

A

na Layevska, con más de 20 años de trayectoria, ha participado en un sinfín de proyectos tanto en cine como televisión, confiesa, en entrevista exclusiva para la revista Cameo, sus ganas por seguir actuando.

Y platica sobre su participación en dos nuevas series, por un lado, el thriller policiaco La muchacha que limpia, de HBO Max, y por el otro, la comedia Guerra de vecinos, de Netflix, “no te voy a negar que estoy contenta y me andan embelesado el ego cañón, pero desde el lado profesional es un logro en mi carrera estar en dos plataformas tan importantes”.

En La muchacha que limpia, tienes un gran personaje, ¿cómo te adentraste en la piel de Sonia? ¡Gracias, qué bueno que te gustó!, Es un personaje muy peculiar porque La muchacha que limpia es un proyecto muy rifado, es un proyecto difícil porque retrata temas muy fuertes y tiene imágenes bastante explícitas.

Es un personaje que tiene una transformación porque la va carcomiendo el miedo, la van consumiendo las malas acciones de los demás; piensa que tiene una vida perfecta, pero no. Ella quisiera tener la vida perfecta, pero por acciones ajenas a ella no es así. Al principio se hace que no ve nada, pero cuando le empiezan a tocar a los suyos la va consumiendo el miedo y acaba de una manera, para mí como una sorpresa, no esperaba ese final ¿sabes? El cómo tu propia familia te hace mierda y puede acabar contigo. ¿Qué fue lo que te llamó la atención de la serie?

Fue un proyecto que hice sin mucho tiempo. Empezamos a mediados de agosto de 2019, el proyecto va para dos años. Fue una selección de casting, me pareció un personaje excesivamente pesado y superficial, luego le dimos un poquito más de carnita, por así decirlo. Se notó desde un principio que me divertía y que la estaba gozando. A mí, más que el personaje me llamó la atención el proyecto. El proyecto está redondo, está muy bien hecho, tiene muy buen elenco, un gran showrunner, es un proyecto del cual estoy muy orgullosa.

HBO sin duda sigue poniendo el ojo en México, ¿qué opinas?

Es algo extraordinario. Hay mucho contenido hoy en día, hay tantas plataformas y siguen saliendo, es algo que me sorprende, entonces como hay mucha variedad también hay mucha competencia, tienes que destacarte y Latinoamérica es un mercado muy amplio, muy grande, muy consumidor de las series, y por supuesto tene-

mos que estar a la altura de todas las series mundiales para destacar y creo que justamente La muchacha que limpia logra ese propósito.

La temática de la serie es cruda y fuerte, ¿cómo te preparaste?

Como intérpretes muchas veces nos toca exponer cosas que a lo mejor nos duelen en el alma, que no quisiéramos exponer, pero son parte de una realidad. En ningún momento queremos promoverlo, pero sí, de cierta manera eso pasa, eso sucede en la sociedad y concientiza.

Piensa, quizás si tú te reflejas en algún momento en esto, a lo mejor concientiza un poco más a la gente y sensibiliza.

Estar en dos súper producciones al mismo tiempo, y en dos plataformas digitales a nivel mundial, no cualquier actriz puede “presumirlo”, ¿cómo te sientes?

Definitivamente estoy contenta, desde el lado profesional es un logro, y sí, no te voy a negar que estoy contenta y me andan embelesado el ego cañón. Ahora, eso no significa que yo he cumplido con mi propósito como profesional, a mí me gusta mucho trabajar, hacer proyectos que sean memorables, creo que lo estoy logrando un poquito con Guerra de vecinos porque mucha gente la está viendo y está entreteniendo, que es mi ley como actriz: entretener a la gente de la manera que sea.

Y si es la manera a través de la risa, pues qué mejor.

Sin embargo, amo tanto la actuación y lo que hago que quiero seguir explorando y rompiendo mis propios límites como actriz.

Agradezco estar en dos plataformas, lo cual implica que eventualmente a lo mejor voy a brincar a personajes que son todavía más entrañables, más complejos, más difíciles. Eso sí me da mucho gusto.

Hablando de los límites, ¿qué tan difícil ha sido quitarse el estigma de ser actriz de telenovela?

Hace como unos cinco o seis años, cuando apenas comenzaban las series, todavía traía mucho el estigma de las telenovelas, ojo, creo que ha cambiado tanto la televisión en México principalmente, que las telenovelas siguen existiendo, pero los actores que hacen novela ya también hacen un montón de cosas.

Entonces ha llegado un momento en el que ni siquiera tengo que luchar contra eso, en algún momento de mi carrera sí, tenía que demostrar que sí la puedo hacer. | 51

E S P EC I A L | L A M U C H AC H A Q U E L I M P I A

La muchacha que limpia

“Me gusta entretener, me gusta actuar, hacer personajes y que vean mi trabajo” Ahorita hay algunos actores que han hecho cine y vienen a hacer telenovelas como Paz Vega (Cuna de lobos), es una mujer que tiene una carrera inmensa, impresionante y se vino a hacer una telenovela, entonces eso ya es un poquito cosa del pasado.

En ese sentido, ¿cómo has vivido la evolución de la televisión a las plataformas?

He salido en Televisa obviamente, en Telemundo, salió un proyecto en HBO, un proyecto en Amazon Prime, para Netflix es mi segundo proyecto porque hice Yankee hace algunos años… ¡Claro! Hay mucha diversidad y es parte natural de la oferta que hay, ahorita hay mucho trabajo porque hay mucha demanda de consumir televisión.

Y del drama que viviste con La muchacha que limpia a la comedia y la risa con Guerra de vecinos, ¿cómo llega este proyecto?

Igual por casting, soy de esas actrices que me llaman a audicionar. Lo que sí es que se decidieron muy rápido, por ejemplo con La muchacha que limpia sí pasé todo un proceso de casting, callback, entrevista, muchos pasos y en Guerra de vecinos hice un casting por Zoom y al 52 |

día siguiente me avisaron que me había quedado y dije !Oh, ok!

Me dan el primer capítulo y dije “¡Dios mío, esto es una belleza! ¡Esto es hilarante! Esto me provoca carcajadas mientras lo leo…¡Qué está pasando!” Por supuesto fue una grata experiencia porque hacer algo como actor que está muy bien escrito desde un principio y está hecho con buena base, buenos cimientos, pues es mucho más fácil, más agradable, más divertido. La verdad la pasé bomba, sí ha sido el proyecto en el que más me he divertido como Ana, me despertaba todos los días de buen humor porque iba al set a divertirme.

Nos fuimos a Guadalajara, eran tiempos difíciles porque era uno de los primeros proyectos que arrancó postcovid, eran muchas pruebas, mucho cuidado, protocolo, gente que de pronto daba positivo y cambiaba todo el plan.

Me tuve que separar de mis hijos porque por temas de Covid los tendría que tener encerrados en un hotel y dije ¡No hay manera! Pero en sí, yo la pasé increíble.

La comedia te sale muy bien, ¿cómo fue hacer Guerra de vecinos?

La comedia es dificilísima porque siempre hay una

línea muy delgada en aclarar que ahora es comedia de lo absurdo, no es un humor sutil, es un humor fuerte, sin anestesia, se dicen las cosas como son y en un tono arriba. Es difícil, qué te digo, te tienes que acostumbrar al tono, al ritmo, constantemente es coral, todo el mundo tiene que participar, todo el mundo le responde a todo, como una orquesta. Es un género muy preciso y estudiado.

Detrás de esta serie hay ocho escritores, nuestra creadora Carolina Rivera que es como la cabeza, Fernando Sariñana que es uno de los showrunners… Pero en el equipo nada más de Carolina hay ocho escritores, es decir, todos los chistes, todo el ritmo, todas las secuencias están muy bien planeadas, no lo escribieron así de “¡Ay, se nos ocurre esto!” Cuando grabas comedia tienes que ser súper puntual, los textos son tal cual. ¿Algún género que te falta por explorar o que te gustaría hacer?

Buena pregunta. Quisiera hacer algo que fuera extremadamente realista, un realismo fuerte, como súper artístico… Como lo que hace Michel Franco, quizá. Iba a decir Carlos Reygadas, pero él no contrata actores, pero algo como un Iñárritu (Alejandro), ya me fui súper ambiciosa.

Algo de un realismo absoluto. Un Cuarón (Alfonso), algo así porque para eso sí es difícil entrar como actor en general, es raro que te den un personaje en el que tengas que no actuar y a la vez no ser tú, es complejísimo. A mí no me ha pasado nunca.

Qué bueno que tengas ganas por seguir haciendo buenos proyectos.

Claro. No hablo de calidad, a mí me gusta entretener, me gusta actuar, hacer personajes y que vean mi trabajo, también porque tengo muchísimos proyectos enlatados, aunque no creas, porque no han salido o que salieron hace poco y en Ecuador, y dices ¿neta?

No te voy a negar que sí me importa que el trabajo sí lo vean, para estudiar pues me meto a un curso y que me vean mis compañeros y el maestro; pero sí, todavía tengo muchas ganas de seguir actuando.

E S P EC I A L | L A M U C H AC H A Q U E L I M P I A

P

laticamos con Morganna Love, cantante y actriz mexicana sobre su experiencia de trabajar en la nueva serie de HBO Max, La muchacha que limpia, donde da vida a Brigitte, “cuando leí el proyecto, las escenas y supe de qué se trataba me emocioné mucho. Sabía que iba a ser un proyecto fuerte, un proyecto grande que retrataba, desafortunadamente, muchas de las situaciones que se viven acá en México, entonces fui a hacer casting, después hice una prueba de química con el actor Gustavo Sánchez Parra, conLove, quiencantante y actriz Platicamos con Morganna más tengo escenasmexicana en la serie... y ya, quedé y de estoy sobre sume experiencia trabajar en la nueva muy contenta”. serie de HBO Max, La muchacha que limpia, donde da vida a Brigitte, “ cuando leí el proyecto, las escenas La serie retrataytemas fuertes losme feminicisupe de qué secomo trataba emocioné mucho. Sabía dios, la trata de blancas y demás, ¿qué opinas que una que iba a ser un proyecto fuerte, un proyecto grande serie haga visibles estos temas ante la sociedad? queque retrataba, desafortunadamente, La verdad sí pensé era un arriesgue porque hay muchas de las situaciones que se viven acá en entonces fui muchos intereses, pero también fue una manera deMéxico, dea hacer casting, después hice una prueba de química nunciar a través de lo que hacemos, la actuación es una el actor Gustavo Sánchez Parra, con quien más forma de denuncia,con de visibilización de los feminicidios tengo escenas la serie... y ya, me quedé y estoy y de todo lo que está podrido en laen sociedad mexicana.

Creo que ha sido un acierto el haberla hecho con gente muy contenta”. que tiene muchísima sensibilidad sobre estos temas como Damayanti Quintanar porretrata ejemplo, con los directoLa serie temas fuertes como los feminicires, con los productores que no le tuvieron miedo a tratar dios, la trata de blancas y demás, ¿qué opinas que una el tema de la manera queapueste vemos por queestos es bastante serie temas cruda, y que los haga visibles diría yo, pero al parecer la realidad supera la ficción. ante la sociedad?

La verdad sí comunidad pensé que eratrans un arriesgue porque hay Sobre la visibilidad hacia la en muchos intereses, pero también fue una manera de series y películas, ¿qué sientes al ver que cada día hay denunciar a través de lo que hacemos, la actuación, más? es unamuy forma de denuncia, de visibilización de los feEstoy súper contenta, esperanzada sobre todo. minicidios y de todo podrido en la socieTengo mucha esperanza, pensé que nolo seque iba está a lograr ver... Porque sabemos la comunidad ha sido dad que mexicana.

Creo quetrans ha sido un acierto el haberla fuertemente estigmatizada y violentada nuestro país, hecho con gente queentiene muchísima sensibilidad pero poco a poco estamos tomando lugares, sobre estos temas comoempezando Damayanti Quintanar por a contar nuestras propias historias estas produccioejemplo, con losen directores, con los productores que nes. Hay una serie que se llama Pose que darlede la manera que no le tuvieron miedo aempezó tratar elatema protagonismo a todas sus actrices, todas sus actrices son vemos que es bastante cruda, diría yo, pero al parecer trans, yo hago el doblaje, me tocó hacerlo para Latinoala realidad ficción. mérica y fue muy grato darmesupera cuentalaque poco a poco habemos más actrices trans que estamos dando la cara Sobre la cine, apuesta que hace en HBO por nuestra comunidad en el la televisión, las Max, se sume a otras plataformas que dan oportunidad al talento plataformas digitales, estoy muy contenta.

El hecho de que hayan tomado mexicano. en cuenta a un personaje trans en La muchacha que limpiaCada y quevez haya tenido yo la fortuna más contenta, con estode vemos que el cine, encarnarlo me hacelas muy feliz, un granmexicana, trabajo, tuve series, la fue televisión el trabajo de muchíuna muy buena dirección y misestá compañeros se más en calidad, sima gente creciendoactores cada vez portaron increíble, en general con la producción nos llepero sobre todo se está poniendo en el ojo de todo el vamos muy bien, les tengo mucho cariño y terminamos mundo.

Siempre hemos sido famosos por hacer las adorándonos mutuamente. cosas bien hechas, pero también ya nos están volteandodea doblaje ver otroshaces países otras producciones cada vez ¿Qué personajes enyPose?

El doblaje es el estelar, la madre Blanca Evangelista, es una diosa, es espectacular y Mj Rodríguez, que es quien la encarna, acaba de ser nominada a los Emmy, así que estamos súper contentos.

más importantes, estamos muy contentos trabajando en estos proyectos. Ojalá que cada vez más hagamos producciones de tanta calidad como lo fue La muchacha que limpia.

Sobre la visibilidad hacia la comunidad trans en series y películas, ¿qué sientes al ver que cada día hay más?

Estoy súper contenta, muy esperanzada sobre todo.

Tengo mucha esperanza, pensé que no iba a lograr ver... Porque sabemos que la comunidad trans ha sido fuertemente estigmatizada y violentada en nuestro país, pero poco a poco estamos tomando lugares, empezando a contar nuestras propias historias en estas producciones.

Hubo una serie que se llama Pose que empezó a darle protagonismo a todas sus actrices, todas sus actrices son trans, yo hago el doblaje, me tocó hacerlo para latinoamérica y fue muy grato darme cuenta de que poco a poco habemos más actrices trans que estamos dando la cara por nuestra comunidad en el cine, la televisión, en las plataformas digitales, estoy muy conteta. El hecho de que hayan tomado en cuenta a un personaje trans en La muchacha que limpia y que haya tenido yo la fortuna de encarnarlo me hace muy feliz, fue un gran trabajo, tuve una muy buena dirección y mis compañeros actores se portaron increíble, en genera con la producción nos llevamos muy bien, les tengo mucho cariño y terminamos adorándonos mutuamente. ¿Qué personajes de doblaje haces en Pose?

El doblaje es el estelar Madre Blanca- Evangelista, es una diosa, es espectacular y Mj Rodriguez, que es quien la encarna, acaba de ser nominada a los Emmy así que estamos súper contentos.

Sobre la histórica nominación de MJ Rodriguez a mejor actriz en los Emmy, ¿Qué sientes?

Tenía el sueño de que no fuera importante hablar de nuestra sexualidad, de nuestro genitales como actrices, como cantantes… Sino que fuera precisamente

Morganna Love

“La comunidad trans ha sido fuertemente estigmatizada y violentada... pero poco a poco estamos tomando otros lugares” Sobre la histórica nominación de MJ Rodríguez a mejor actriz en los Emmy, ¿qué sientes?

Tenía el sueño de que no fuera importante hablar de nuestra sexualidad, de nuestros genitales como actrices, como cantantes… Que fuera precisamente eso lo que les importara, nuestro trabajo actoral, y el llegar a verlo es muy lindo, es un sueño hecho realidad que ya no se hable de nosotras a nivel sexual sino a nivel profesional, eso es espectacular para mí, me encanta vivirlo cada vez más.

En La muchacha que limpia tocan un tema muy importante: el romance entre tu personaje y el de Gustavo Sánchez Parra, ¿qué opinas de que lo hagan visible y se busque normalizarlo? ¡Exacto! Pues como es, como ha sido siempre, a través de la historia las mujeres trans nos hemos pasado siendo súper pasionales, pero la gente nos quería ver que también tenemos historias de amor, que también nos enamoramos, somos detallistas, sensibles, cariñosas. Es increíble que la historia gire alrededor de este romance que se va formando entre Correa y Brigitte y que colaboren en una causa buena de justicia. ¿Cómo haces para lidiar con el hate en las redes sociales?

Al principio sí me afectaba mucho.

Cuando empecé mi carrera y comencé a ser más visible en la televisión, en la radio, en las revistas, todos estos medios empezaban a tirarme tanto odio; luego cuando vino el nombramiento de las mujeres más poderosas de México, ahí vino muchísimo odio y fue tremendo porque veía eso con mucha tristeza, que eran los mismos políticos los que me estaban agrediendo y todos sus seguidores también se iban contra mí.

Era pesado porque ya no lo sentía tanto por mí, sino por toda la gente que está vulnerable allá afuera, yo como quiera ya voy

a 20 años de carrera, ya no me cuezo al primer hervor, ya me he formado una coraza contra personas ignorantes y siempre habrá gente frustrada. Lo que me da coraje y tristeza es que afuera hay gente muy vulnerable, eso es lo que me ocasiona conflicto, pero ahora ya hasta los extraño cuando no me agreden. Dicen por ahí que alimento mi alegría con su odio y eso está bien padre. Ya me doy cuenta de quién vive feliz su vida y quién es sumamente miserable. ¿Y en el tema de la música cómo vas?

Estoy muy contenta porque acabo de estrenar sencillo hace un día, dos días… Lo subimos a YouTube, el tema: “Con puro tequila”, que hice junto al cantante y compositor Alex Arroyo, él compuso este tema para que lo cantáramos los dos. Lo compuso en muy poco tiempo y después de que yo lo escuché le dije: ¡Me encanta! y decidí producir yo misma el video. Estamos muy contentos porque lleva un día arriba y ha tenido mil 500 vistas o algo así, a la gente le está gustando mucho. Es un género que yo no había abordado, como es el regional mexicano, no había cantado con mariachi, bueno había cantado pero en conciertos en vivo, no lo había hecho grabando un tema. Fue una experiencia que me gustó, a la gente le gusta cómo suena mi voz en este género, así que estoy muy contenta también en el tema musical.

• Carlos Mora

Raquel Robles E S P EC I A L | L A M U C H AC H A Q U E L I M P I A

L

a actriz Raquel Robles habla de los por menores de la nueva serie de HBO, La muchacha que limpia, en la que interpreta a María: “busco crear conciencia con mi personaje sobre temas como la desigualdad social”.

¿Qué más podemos saber de María?

Ella trabaja en la casa de la familia Valladares como parte de sus empleadas domésticas y es la niñera, es juguetona, coqueta y es un personaje que podemos ver de diversas formas.

Es la mejor amiga de Rosa (Damayanti Quintanar) a quien ve como la hermana mayor, con quien se siente protegida y se vuelve su confidente.

La serie toca temas bastante actuales como los abusos, la desigualdad social, entre otros.

Es una realidad que existe y me gusta mostrarla, ver que no todo es ficción. Hay que hacer conciencia como sociedad y ver lo que estamos haciendo para cambiar esos temas e ir más a fondo y que no se quede en el sólo ¡lo vi en una serie... y todo está bien!. ¿Cómo fue tu relación de trabajo con Damayanti Quintanar?

La complicidad que tiene que haber en el papel de ella y el mío es una relación de hermanas y creo que se muestra en pantalla, pero en la vida real ya habíamos trabajado juntas y también como mejores amigas en la serie de Julio César Chávez interpretando a dos boxeadoras, recuerdo que cuando me dieron la noticia que había quedado en el proyecto aún no sabía quién iba a interpretar a Rosa, después Damayanti me escribió y dijo “mira, otra vez juntas”, son de esas relaciones que crea el universo.

Y por supuesto que fue un gozo volver a crear magia con ella y me encanta, para mí y para el personaje de María fue un regalo. Fuera del set también somos amigas. ¿Cómo ves que HBO retome y apueste por producciones mexicanas? ¡Me encanta! ese espacio y posibilidades hay cada vez más. Habla de que hay una diversidad tanto para el público como para los actores, para la gente que trabaja, para los creativos, y eso fuera de ser competencia, creo que es inspiración de ver lo que está haciendo el otro para también hacerlo.

En ese espacio de plataformas impulsar a crear, decir “no nos detengamos de producir, actuar, hacer casting, crear más” y a mí me encanta que estén volteando a ver a esta parte del mundo y que también nosotros podamos explorar y llegar a más espacios, a más ojos de todo el universo, porque literal cuando una serie está en una plataforma como ésta la puedes ver en diferentes países.

Sobre la continuidad de los episodios, ¿cómo ves que HBO aún mantiene un formato distinto?

Me pasó con la serie de Loki, “¡cómo que hasta el miércoles, yo lo quiero ya!” y eso igual te habla de un espacio que hemos creado en la tecnología para que tengamos todo a un dedo. Justo el otro día también leí un libro de “todos los días sigue adelante” porque estamos tan acostumbrados a que te mando un Whatsapp y te enlazo sú-

“Me gusta seguir contando historias y también decirles que el actor no solamente cuenta historias, también las crea todos los días” per rápido y si no se presenta lo que yo quiero en este momento “¡ya!” y tiro la toalla. En HBO será un episodio cada domingo y después ya estarán los ocho capítulos juntos, pero es la forma y creo que también deja una cosa picada, algo de “ya quiero saber más”. ¿Qué otros proyectos tienes en puerta?

Espero seguir contándoles pronto de mi siguiente proyecto, terminé otra serie que se llama El Repatriado y otra que acabo de terminar con Disney, una de las primeras series latinoamericanas para su plataforma de Disney+ y me tiene súper contenta.

Me gusta seguir contando historias y también decirles que el actor no solamente cuenta historias, también las crea todos los días.

• Carlos Mora

| 57

Roberto Wohlmuth E S P EC I A L | L A M U C H AC H A Q U E L I M P I A

h

P

ara Roberto Wohlmuth dar vida a Ramiro en la serie La muchacha que limpia, le costó trabajo por la poca empatía que tiene con él, “no fue un personaje tan amigable en la historia, pero se defiende un poco, su ira personal le ayuda a no ser tan odiado, creo que hay varios que se pueden identificar con él”, nos confiesa el actor en exclusiva.

La muchacha que limpia es la nueva serie de HBO Max, un thriller policial que cuenta la historia de Rosa (Damayanti Quintanar), una madre soltera con dos trabajos, uno en una fábrica de químicos y otro como personal de limpieza en la casa de una de las familias más ricas de la ciudad. Por azares del destino termina trabajando limpiando las escenas de crimen. ¿Cómo fue darle vida a Ramiro y adentrarse en este mundo del crimen?

Fue un tema bastante complicado para mí. Respeto mucho a las mujeres y este tipo es bastante desdeñable, con esto arranca la historia, con parte de los feminicidios y estos temas que están ahora en el ojo del huracán, en todas las noticias lo están pasando recientemente. Por ese lado, pensé: “¿qué mensaje quiero dar a gente que la vea?”, porque mucha gente piensa que sólo es actuación, y sí, pero también qué es lo que queremos contar. Al final la historia aborda un tema muy importante. ¿Por qué crees que es necesario hablar de temas como feminicidios y violencia de género, en las series?

Cuando se tocan temas importantes sociales en la ficción a veces nos entra por otro lado la información y es más digerible a estar viendo las protestas, que obviamente son necesarias, pero mucha gente piensa “¡Otra vez lo mismo!”, entonces tal vez le llega a la gente por otro lado en donde puedan sentirse identificados.

Es difícil hablar del tema porque mucha gente tiene miedo, mujeres o personas de la comunidad LGBTQ+ tienen miedo de hablar. Siento que el tema de la televisión nos ayuda un poco, es una herramienta adicional para poder transmitir y comunicar y de llegar por otro lado a la gente. ¿Cómo recomendarías La muchacha que limpia y por qué deben de verla?

Se las recomiendo porque la historia es bastante particular, es de un tema que casi no se habla o me atrevería a decir que no se ha hablado; salvo la primera versión de esta serie, que fue la argentina La chica que limpia. Pero, también porque es una de las nuevas series que se están haciendo aquí en México con el tema policiaco que no lleva tantos años abordando temas así.

Por otro lado, que se avienten a ver lo que está pasando, particularmente en nuestra ciudad, también en el país y en toda Latinoamérica. Este tema le atañe a todo el mundo.

Se nota la calidad de trabajo que presenta HBO Max, ¿cómo ves que retome producciones en México?

Estoy feliz. Es una de las metas que tenía en mi carrera, hacer algo en HBO. Desde que empezaron a hacer Sr. Ávila, a mí toda la vida me ha gustado y tenía esta cosquillita personal de hacer algo. Qué bueno que se están aventando y obviamente con la plataforma nueva evidentemente tendrán que hacer mucho más contenido, pero qué bueno que arrancamos nosotros.

La muchacha que limpia

Has participado en varias series como La reina del Sur, Señora Acero, El señor de los cielos, entre otras, ¿qué opinas de las “narcoseries”?

Opino que están bien como una parte de entretenimiento y no entrar en temas de si glorificas o no, creo que ver un programa con información es provechoso. En La muchacha que limpia hasta podríamos decir “¡Mira, le va bien a este cuate!”, pero no. A fin de cuentas habría que ver la forma en la que ahora y en un futuro se puedan contar estas historias, donde se vea que el crimen no paga, como dicen.

Como entretenimiento está bien, pero también se le debería de dar un giro a las historias de los personajes para que también puedan ganar los buenos o transmitir un mensaje un poco más positivo. ¿Para ti qué significa ser el villano?

Me encanta hacer los villanos, es algo que me gusta muchísimo, creo que puedes explorar muchas cosas que normalmente no tocas nunca en tu vida; por ejemplo, en mi vida normal yo soy una persona completamente pacífica, no tengo nada que ver con estos personajes, pero eso me divierten tanto, es como ir a jugar, me identifico como cuando ves a los chavitos, a los niños de “Ay, voy a jugar al malo, al matón”.

Pero a veces es difícil, en este caso al final dije: “a ver cómo lo recibe la gente”, o sea, cómo reciben a Ramiro, porque he recibido varios comentarios en redes sociales que dicen “¡No, sí está cañón este cuate!”, más por la sensibilidad del tema.

Sobre tu participación en Limbo, la nueva película de Alejandro González Iñárritu, ¿qué puedes adelantar?

Tuve una participación pequeña. De ahí no te puedo decir muchos detalles, pero afortunadamente es otra cosa de mi bucket list que tenía en mi vida. Ojalá se repita porque sería increíble, la verdad pasé por bastantes tropiezos para llegar a hacer algo ahí. Se casteó una vez, se canceló, se cayó el proyecto por la pandemia, lo retomaron y al final de cuentas sí pude lograr hacer ahí algo.

Espero que pronto te pueda contar todo lo que va a pasar, yo feliz de seguir contándoles.

Y sobre tus proyectos futuros Ya casi se nos acabó el año. Tengo unos proyectos que no han salido al aire, una serie que va a salir de TV Azteca y otra película que no ha salido.

• Carlos Mora

| 59

An a

Ha ri

reras ont C da en Br

ma Sa

Luis Pr i

o et Aaron Díaz

TODA LA SANGRE

SERIE QUE EXPLORA LA COMPLEJA HERENCIA CULTURAL DE MÉXICO Inicia el rodaje de la serie Toda la sangre, un thriller policiaco que consta de 10 episodios, dirigida por Luis Prieto y Hari Sama, ambos directores reconocidos internacionalmente. Los actores Aaron Díaz y Ana Brenda Contreras interpretarán los papeles principales de esta sofisticada serie de género basada en los libros del autor mexicano Bernardo Esquinca.

Aaron Díaz interpretará el papel de Eugenio Casasola, un reportero de nota roja que se une a la teniente Edith Mondragon, interpretada por Ana Brenda Contreras y Elisa (Yoshira Escárraga), una antropóloga del INAH, con el objetivo de descifrar una serie de asesinatos que han conmocionado al país. Juntos recorren la Ciudad de México

persiguiendo a un asesino ritual que, tiene como peculiaridad, recrear antiguos sacrificios aztecas.

“Estamos sumamente orgullosos del equipo que reunió Zasha Robles de Spiral International para dar vida a esta serie, con talentos de primer nivel tanto detrás como delante de las cámaras”, comenta Mario Almeida, director de contenido de Pantaya.

“Somos muy afortunados de poder trabajar con creadores tan talentosos como Luis Prieto, Hari Sama, Aaron Díaz y Ana Brenda Contreras, además del equipo de producción de Fremantle México, que conforman el equipo ideal para crear nuestro thriller azteca Toda la sangre, afirma Zasha Robles, showrunner y productor ejecutivo, creador de la serie gana-

dora del Emmy internacional Falco.

Toda la Sangre cuenta con un equipo creativo y un elenco de increíble talento, que harán cobrar vida a esta sofisticada historia ambientada en México y con el telón de fondo de algunas de las obras arquitectónicas más emblemáticas de la Ciudad de México”, señala Superna Kalle, presidenta de canales internacionales de STARZ. “Estoy muy orgullosa del proyecto y espero con ansias ofrecer una historia compleja y cautivante a los públicos de STARZPLAY. Prieto es conocido por haber dirigido películas Kidnap y series de TV White Lines, Snatch; mientras que Sama se hizo conocido por su premiada película Esto no es Berlín, This is Not Berlin.

REGRESAN LOS

ACUMULADORES COMPULSIVOS

Parecen personas comunes. Pero hacen de sus casas el cofre que guarda absurdos tesoros: colecciones de objetos inútiles como adornos navideños, periódicos, hasta anillas de latas de gaseosa… conoce de manera directa y sin concesiones, el lado oscuro de los coleccionistas y desordenados compulsivos, y su lucha por vencer su necia obsesión atesoradora.

Dependiendo de la situación, se cuenta con la ayuda de un terapeuta, un organizador profesional o un equipo de limpieza que guiará a nuestros recolectores para mantener su comportamiento bajo control.

ACUMULADORES COMPULSIVOS Dónde ver: A&E Todos los martes 10, 17, 24 y 31 de agoto Hora: 16:30

¿QUIEN DA MÁ$?

VUELVE CON TODO Y MÁS COMPETITIVO QUE NUNCA ¿QUIÉN DA MÁ$? regresa para su decimotercera temporada, con los los subastadores y compradores favoritos de la televisión, Dan y Laura Dotson, Brandi Passante, Jarrod Schultz, Darrell Sheets, Kenny Crossley, Rene y Casey Nezhoda, así como Ivy Calvin y sus hijos, entre otros.

En esta temporada, que promete ser más competitiva que nunca, ellos irán en búsqueda del gran hallazgo dispuestos a arriesgarlo todo, a pujar por el contenido de los depósitos y, si tienen suerte, encontrar algún tesoro.

La acción y diversión van de la mano en la inversión, por el menor precio posible, con la esperanza de encontrar alguna joya oculta, en cada una de las bodegas abandonadas.

Así le sucederá a unos de los compradores de ¿QUIÉN DA MÁ$? en esta nueva temporada que tendrá su golpe de suerte al encontrar monedas y billetes de curso legal en una bodega luego de pagar 150 dólares por el depósito.

¿QUIÉN DA MÁ$?

Dónde ver: HISTORY Estreno: domingo 22 de agosto Hora: 22:40

ATLÁNTICO A PIE,

UN ESPECIAL DE DIEGO TORRES Radio Disney presenta: Diego Torres: Atlántico a pie,un especial exclusivo para STAR Channel que celebra el lanzamiento del nuevo álbum del reconocido artista argentino. El programa invita a la audiencia a descubrir las nuevas canciones y los diversos géneros musicales que incluye el nuevo álbum, a través de la narración de Diego y su productor, con anécdotas del proceso de grabación, inspiraciones y distintas situaciones con artistas invitados de diferentes partes del mundo.

En un encuentro de culturas, el especial contará con la participación de artistas que forman parte de Atlántico a pie, como los colombianos Fonseca y Carlos Vives, Macaco, la cantante afroespañola Buika, los brasileros Ivete Sangalo y Natirus, y el artista francés Florent Pagny.

es el álbum más reciente de Diego Torres y el primero de estudio desde su disco de 2015.

El disco, compuesto por 13 canciones, incluye 4 de los exitosos sencillos del artista lanzados anteriormente Un poquito, Esa mujer, Amanece y Este corazón, así como una versión acústica de Amanece y un remix urbano de Un poquito.

Atlántico a pie tiene, además, una fuerte impronta multicultural, marcada por abundantes colaboraciones internacionales con artistas amigos y colegas con quienes Torres tiene una relación

DATE CUENTA,

BUSCAR EL AMOR A TRAVÉS DE UN REALITY SHOW

El nuevo álbum. Lanzado en mayo de este año, Atlántico a pie

ATLÁNTICO A PIE Dónde ver: STAR CHANNEL 13 de agosto Hora: 10 pm

Juegos sexys, romance, risas y mucha diversión, se podrán ver mientras un grupo de solteros busca el amor en Date Cuenta, el nuevo reality show de citas queer conducido por Karime Pindter y Manu Nna, a través del canal de YouTube: Con Lugar TV. En el programa se invitará a los participantes a encontrar el amor. En cada capítulo, se reunirá a un grupo selecto de 15 participantes que buscarán competir entre ellos por una cita con un famoso soltero codiciado como: el youtuber Candrés Peredo y el periodista y conductor Gerardo Escareño.

Manu Nna, comediante mexicano, será el conductor del programa y quien guiará a los concursantes a través de los juegos de eliminación. Junto al standupero, estará Karime Pindter la reina del Reality TV mexicano, que tendrá un rol muy importante en el programa ya que será la encargada de ayudar a los solteros a seleccionar correctamente al ganador de la cita romántica.

A través de una serie de juegos de eliminación y preguntas íntimas, se irán seleccionando los mejores perfiles y finalmente se obtendrá a un ganador, el cual tendrá una cita romántica con el soltero y juntos podrán comprobar si tienen conexiones reales.

DATE CUENTA Dónde ver: YouTube: conlugar Todos los jueves desde el 29 de julio

JUANPA + CHEF

PONE A PRUEBA SUS HABILIDADES CULINARIAS Juan Pablo Zurita se une a HBO Max y pronto sorprenderá a todos con inesperadas recetas para preparar desde casa, de la mano de reconocidos chefs.

La nueva serie JUANPA + CHEF constará de seis episodios y está basada en la versión norteamericana SELENA + CHEF. Producida en México, la serie tendrá como protagonista al influencer y actor mexicano quien de la mano de renombrados chefs, dará una muestra de sus habilidades culinarias a través de la preparación de divertidas recetas.

Acompañado de manera remota por invitados, familiares y amigos, Juanpa se adentrará en la aventura de crear platillos para sus seguidores y así dar a conocer a todos más sobre otra de sus pasiones: la cocina.

Cada emisión contará con recetas diferentes para quienes buscan aprender más sobre el arte de cocinar. Además, con la guía de diversos mentores, JuanPa brindará consejos y trucos para evitar desastres durante la preparación de cada platillo.

JUANPA + CHEF es una producción ejecutiva de Anouk Aaron y Paula Kirchner de parte de WarnerMedia Latin America, y el desarrollo de la serie corre bajo el cargo de Sergio Nakasone para WarnerMedia.

HBO Max refuerza su compromiso de contar historias que se adaptan a cada país y dar espacio a talentos locales.

JUANPA + CHEF es una de las más de 100 producciones, bajo la marca Max Originals, planeadas para producirse en Latinoamérica en los próximos 2 años.

La llorona

HORROR Y COMENTARIO SOCIAL • Francisco Javier Quintanar Polanco

EN GUATEMALA, el general Enrique Monteverde (Julio Diaz) esta siendo procesado penalmente, acusado de ser el principal responsable de un genocidio cometido en contra de una comunidad rural maya, perpetrado años atrás. Aunque las pruebas y los testimonios en su contra son contundentes, y el fallo inicial de la corte lo señala como culpable, absurdamente el procedimiento es anulado por un mero tecnicismo, haciendo que la sentencia quede sin efecto y el general sea liberado.

Furiosa por el injusto resultado del juicio, una turba de personas (conformada principalmente por indígenas y/o víctimas directas e indirectas de las atrocidades de Monteverde), se vuelca en contra del militar retirado, quien junto con su familia se ven obligados a enclaustrarse en su propia residencia, la cual es rodeada por la enardecida muchedumbre quienes deciden acampar alrededor de la misma, y día y noche le gritan consignas e insultos, al tiempo que arrojan piedras y otros objetos en contra de los habitantes de la misma, quienes deben

guarecerse en el interior para evitar estas agresiones.

Ante esa claustrofóbica y estresante situación, el general y su familia en principio intentan mostrar indiferencia. Pero conforme los días pasan, se vuelve más difícil para ellos fingir que no pasa nada. Y Monteverde empieza a escuchar (primero como murmullos, y luego con más estridencia) los lamentos de una mujer los cuales le incomodan y luego comienzan a atemorizarlo a grados demenciales. Esto coincide con la llegada de Alma (María Mercedes Coroy), una joven indígena quien en principio viene a auxiliarlos con las labores domésticas.

Pero hay algo extraño en ella, escondido en sus silencios y su enigmática mirada.

Con La llorona (2019), el guatemalteco Jayro Bustamante concluye su denominada “trilogía del desprecio”, iniciada en 2015 con Ixcanul, y continuada con Temblores, también del 2019. Inspirándose en hechos reales ocurridos en su país en 2013, el cineasta concibe una fábula oscura donde retoma el mito ancestral y lo traslada a la

LA LLORONA Dirección y guion: Jayro Bustamante Guion: Jayro Bustamante, Lisandro Sánchez.

Fotografía: Nicolas Wong Distribución: CineCANÍBAL

época actual, teniendo como motor y combustible varios temas relacionados entre sí: las diversas atrocidades cometidas por regímenes autoritarios en contra de la población civil para reprimirla violentamente o incluso llegar al genocidio por motivos políticos, económicos o raciales; la impunidad que protege a los autores de dichos crímenes, eximiéndoles de cualquier responsabilidad por sus acciones; y la actitud muchas veces cínica de dichos perpetradores, contrastada con la indignación y enojo de la población la cual clama justicia y castigo para los criminales.

Bustamante emplea la leyenda (y los elementos propios del cine de horror) para abordar (y denunciar) estos temas, y en clave de metáfora, insertar un comentario referente a que si bien estos siniestros personajes pueden eludir la justicia terrenal, hay otra de la cual jamás podrán salir bien librados y no será clemente con ellos. Esa justicia reside oculta e n su propia conciencia y se alimentará de su culpa y su remordimiento, hasta el final de sus días.

VIEJOS Dirección y guion: M. Night Shyamalan Fotografía: Mike Gioulakis Distribución: Universal Pictures Mexico

Viejos

LOS HORRORES DEL PASO DEL TIEMPO Y EL OCASO FÍSICO • Francisco Javier Quintanar Polanco

PRISCA (Vicky Krieps) y Guy (Gael García Bernal) son un matrimonio joven el cual ha decidido tomarse unas vacaciones junto con sus pequeños, y deciden llevarlas a cabo en un resort ubicado en un lugar tropical de belleza exuberante, donde son recibidos cálidamente por su personal y por su gerente.

A poco tiempo de haber llegado allí, se enteran que el hotel posee una playa privada, reservada para huéspedes “selectos” como ellos. Y deciden ir allí, acompañados de un par de familias quienes, al igual que ellos, también han sido invitados por la administración del hotel. Así, son transportados al bello lugar (franqueado y oculto por una descomunal muralla de piedra), donde todo señala que pasarán una tarde agradable y relajada.

Sin embargo, el súbito hallazgo de un cadáver y varios sucesos extraños cambian drásticamente esa sensación, siendo el más dramático de ellos el descubrir que en ese sitio su reloj biológico avanza de forma vertiginosa, y sus cuerpos y mentes están en-

vejeciendo anormalmente rápido.

Aterrados por tal descubrimiento intentan huir, pero al tratar de volver por donde vinieron, “algo” no les permite pasar.

Tampoco hay señal de celular, por lo que no pueden llamar a nadie ni pedir auxilio.

Escalar por el elevado y escarpado muro de roca tampoco es opción. Y la distancia por mar parece insalvable para huir nadando.

Acorralados, empiezan a ser presa de la desesperación, el miedo y el enojo, los cuales harán brotar en ellos lo mejor y lo peor de sí mismos.

En Viejos (Old, 2021) M. Night Shyamalan adapta la novela gráfica Sandcastle de Pierre Oscar Levy y Frederik Peeters, y donde redefine en clave de terror la frase: “la vida pasa en un abrir y cerrar de ojos”, condensando en poco más de 90 minutos todos los temores que gravitan alrededor del proceso natural de envejecer, particularmente aquellos relacionados con la gradual pérdida de la juventud y de la salud física y mental por cuestiones degenerativas vinculadas a dicho proceso.

Y mientras los personajes parecen no tener más opción que enfrentarse a su propio ocaso físico (y ver cómo sus hijos pasan de ser niños a adultos en cuestión de horas), también intentan dilucidar las razones del porqué fueron elegidos las cuales, como ya es regla en el cine de Shyamalan; son explicadas en una dramática vuelta de tuerca final. De hecho, se podría decir que en realidad cuenta con dos giros en su desenlace. El primero sorprende e indigna a un tiempo.

Y el segundo está de sobra y peca de moralino.

Aunque Viejos quizás no es de los mejores trabajos del autor de títulos como Sexto sentido, Señales, La aldea, o la trilogía Eastrail 177 (compuesta por El protegido, Fragmentado y Glass), algunas decisiones estéticas muy particulares en su lenguaje audiovisual y puesta en escena; un par de logrados momentos los cuales brindan lecturas interesantes e invitan a la reflexión, y la probada habilidad que el cineasta posee para estructurar una narración de suspenso, hace que valga la pena darle un vistazo.

Una ronda más LA VIDA COMO UNA GRAN BORRACHERA (Y RESACA) • Francisco Javier Quintanar Polanco

MARTIN (Mads Mikkelsen), Tommy (Thomas Bo Larsen), Peter (Lars Ranthe) y Nikolaj (Magnus Millang) son un cuarteto de amigos y profesores quienes trabajan en un colegio en Copenhague, y comparten algo más que una entrañable amistad: todos se sienten insatisfechos con su vida personal y profesional, y día con día deben de lidiar con la apatía de sus alumnos para con ellos y sus clases.

Una noche, durante una cena en la cual los cuatro se reúnen para celebrar una ocasión especial, mientras charlan sobre diversos temas surge en la conversación el nombre de Finn Skårderud, un psiquiatra noruego quien ha llevado a cabo una serie de investigaciones sobre los estímulos positivos que la ingesta moderada de alcohol puede tener en los aspectos emocionales y creativos de una persona. Pero el tema queda solo como tema de charla.

Después de esa velada, movido por dificultades conyugales y una depresión en aumento; Martin decide hacer una prueba consigo mismo, y empieza a beber en el trabajo. Posteriormente, sus colegas se unen a él y deciden poner a prueba las teorías de Skårderud y ver si efectivamente, el consumo controlado de la bebida mejora su desempeño laboral e intelectual. Ello desatará toda serie de situaciones. Algunas cómicas, otras no tanto, pero que, de una forma u otra, les ayudará a recuperar algo importante, extraviado tiempo atrás: las ganas de vivir.

Estelarizada por un brillante y extrovertido Mads Mikkelsen, y ganadora del Oscar en 2021 a Mejor Película Internacional, Una ronda más (Druk / Another Round), el nuevo trabajo del cineasta danés Thomas Vinterberg (Festen: la celebración, Calles peligrosas, Submarino);

es un relato el cual, moviéndose alternadamente entre la jocosidad, la melancolía y lo dramático, conjunta en su cocktail argumental temas como la crisis de la mediana edad, la pérdida de la juventud (y de sus ideales) y el alcoholismo, para crear un relato de trama sencilla, de tono liviano y un tanto irreverente, pero muy humana y conmovedora, que todo el tiempo elude cualquier cuestionamiento moral y ético hacia sus personajes o a las consecuencias de sus acciones, ni tampoco cae en moralejas ni en mensajes aleccionadores.

En el fondo, el filme enfatiza que en la vida no existen respuestas correctas, y el errar es también parte del proceso de maduración. Pero sobre todo, invita al espectador a celebrar la vida, con todo y sus altibajos... sin temor a sus tragos amargos o a una posterior resaca.

UNA RONDA MÁS Dirección: Thomas Vinterberg Guion: Thomas Vinterberg y Tobias Lindholm Fotografía: Sturla Brandth Distribción: Gussi Cinema