REVISTA CAMEO 7

REVISTA #

PAULINA GAITÁN

MUERE POR DAR VIDA A

FRIDA KAHLO,

“ES MI SUEÑO DORADO”

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REVISTA #

GABY DE LA GARZA

SALE DE SU ZONA DE CONFORT CON AMARRES, “ES UN PROYECTO DE ENSUEÑO”

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REVISTA #

MAYRA BATALLA

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VIVE SU SUEÑO CON NOCHE DE FUEGO

REVISTA

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JUL|AGO|21

T O N Y

D A L T O N

A C TO R D E L A P E L Í C U L A T E L L E V O C O N M I G O

ME LLEGA UN BUEN PROYECTO Y LO HAGO, PARA MÍ NO EXISTE ESE “¡AY, YA SE FUE A HOLLYWOOD!”

NÚMERO 07 SEPTIEMBRE | OCTUBRE | 2021 REVISTA DIGITAL BIMESTRAL Editor: Carlos Mora Co editora: Maribel De Luna Colaboradores: Elizabeth Osorio Alejandra Lomelí Angélica Ramírez Lupita Mejía Cinthya Salas Francisco Javier Quintanar Polanco

cameo.revista@gmail.com

yumpu.com/cameorevista

REVISTA

Ante los acontecimientos recientes que nos llevan a buscar nuevas formas para difundir los proyectos de cine, televisión y plataformas digitales nace la revista Cameo para dar a conocer los trabajos de películas y series.

Directores, productores, fotógrafos, guionistas, creadores de contenidos, distribuidores y demás personas que compartimos el amor por el séptimo arte queremos mostrar la calidad que hay en la industria en México. revista Cameo

PUENTE DE ALVARADO De la época de Tenochtitlán a la era de las salas grandes salas de cine • ELIZABETH OSORIO

¿Te hubieras imaginado que la historia de la época dorada de las grandes salas de cine está ligada con los primeros años de la conquista española?, aunque se tratan de acontecimientos y épocas distintas, sólo las calles de la Ciudad de México permiten tal semejanza, y se encuentra en la memoria del trazo de la avenida Puente de Alvarado y su tramo contiguo, San Cosme.

Esta calzada recién nombrada por el gobierno de la Ciudad, México – Tenochtitlán ha resguardado por siglos la leyenda de la retirada de los conquistadores de la capital, en la que Pedro de Alvarado supuestamente clavó su lanza en las aguas que la inundaban e hizo un salto único con el que huyó de los mexicas, hecho tan increíble que le dio el nombre de Puente de Alvarado.

Cuatro siglos después ya urbanizada, sin la acequia y el suelo pantanoso que la cubrió, los descendientes de la mezcla entre mexicas y españoles vivieron en esta avenida, el auge de las salas de cine más famosas de su tiempo, aquellas que alimentaron la cinefilia con los estrenos del cine de oro mexicano y con películas de segunda corrida.

Al puro estilo arquitectónico art decó el Cine Roxy inaugurado en 1937, fue unos de los más emblemáticos de la zona, inspirado en el Cine Roxy de Nueva York, éste estuvo a dos calles de Puente de Alvarado en la calle Dr. Atl sobre San Cosme.

La sala llegó a tener hasta cinco mil butacas distribuidas en varios niveles exhibía principalmente películas de la Metro- Goldwyn- Mayer (MGM), por lo que vecinos de las colonias Santa María la Ribera, San Rafael, Tacuba y Guerrero disfrutaron de grandes producciones del cine estadounidense, como Lo que el Viento de Llevo, Cantando Bajo la Lluvia o el Mago de Oz.

El Cine Roxy sucumbió ante la llegada de la televisión y fue a finales de los años 50 que desapareció, el inmueble fue demolido y hoy en su lugar se encuentran diversos locales comerciales.

Mientras el Cine Roxy vivía su decadencia, tan sólo una calle adelante en dirección al metro Normal se erigían dos esculturas gigantes perfectas que representan a la comedia y a la tragedia, y que sobresalen hoy como los fantasmas de la ruina del Cine Ópera.

Ubicado en la calle Serapio Rendón de la colonia San Rafael, el Cine Ópera abrió sus puertas en 1949 con el melodrama mexicano Una Familia de Tantas, protagonizada por Fernando Soler y Martha Roth. Su inauguración se da en el mejor momento del cine de oro mexicano, hecho que la marca como el lugar por excelencia para ir a disfrutar del séptimo arte nacional.

Tras ser un cine de lujo, con los años se convirtió en una sala de segunda corrida, llamada así debido a que las películas que exhibía ya no eran estrenos, aunque no modificó la temática familiar de sus cintas, por lo que en años posteriores llegó a tener en su pantalla películas como E.T. el extraterrestre.

Aunque dejó de funcionar hace más de 20 años, el inmueble sigue en pie, pero apagado y en ruinas, y a primera vista llena de nostalgia a los capitalinos que lo vieron en su esplendor.

Sobre la misma calle Serapio Rendón, adentrándose en la colonia San Rafael, en el número 87 el Cine Encanto ostentó la reputación de ser el más bonito de la ciudad, contemporáneo del Cine Roxy, fue inaugurado en 1937 con cinco niveles de butacas, fue tan alto que los asistentes veían la pantalla de manera inclinada.

Su altura le permitió tener una luneta y un anfiteatro, también fue una sala de segunda corrida que recibió principalmente a vecinos de San Rafael y Santa María la Ribera, quienes recuerdan sentarse en filas según el nombre de su calle y salir de la última función pasadas las 11 de la noche.

Su fin inició con el terremoto de 1957, cuando los techos cayeron sobre las butacas que por fortuna por la hora ya estaban vacías, afectado igualmente por la llegada de la televisión el Cine Encanto cerró en 1960.

Aunque han transcurrido siglos desde que aconteció por Puente de Alvarado o México – Tenochtitlán la huida de los españoles y décadas desde que dichos cines entretuvieron a los capitalinos, ambos acontecimientos son dignos de recordar cuando transite por esos rumbos, pues ambos forman parte del México que ya dejó de existir. |7

Foto: Carlos Mora

PAULINA REAL, HONESTA Y SIN FILTRO

GAITÁN • CARLOS MORA

“Los proyectos han llegado por algo y creo mucho en la intuición, han sido un acierto y mucha suerte”.

Confiesa la actriz PAULINA GAITÁN al preguntarle sobre sus nuevos planes en distintas plataformas digitales.

“Siento que he tenido mucha suerte porque empecé con Narcos que fue la primera serie que agarró Netflix para Latinoamérica, luego entre a Amazon con Diablo Guardián que fue la primera serie que agarró Amazon para Latinoamérica, viene Star+, HBO. “El trabajo habla por uno; es un cúmulo de todo, realmente amar la chamba y respetar el trabajo de los que están”.

Estás en la nuevaserie de Star+ No fue mi culpa, ¿de qué trata la serie?

Cuenta diferentes historias sobre mujeres que han sufrido algún tipo de violencia, me siento muy orgullosa de poder participar en esta serie porque siento que es necesaria, Latinoamérica está muy lastimada por tanto feminicidio, tanta agresión y maltrato a la mujer y poco a poco hemos ido levantando la voz, abriéndonos ese camino, y mientras nosotros más hagamos este tipo de series más enseñanzas damos a la gente que, todavía no tiene la educación o no les llega la información, este es el granito de arena que nosotros como actores, artistas, escritores y demás podemos hacer y generar un cambio positivo.

Es importante hacer visible estos temas.

Sí, son necesarios. El sistema está muy jodido y nosotros podemos generar un cambio desde nuestra trinchera, por lo que me siento muy satisfecha al poder hacer este tipo de proyectos, en los cuales hay un personaje fuerte, hay una enseñanza, hay un cambio y todo esto a mi llena de emoción como actriz, como mujer.

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El presidente

Foto: Carlos Mora

También estás en Asesino del olvido de HBO Max. Es una serie que se hizo primero en Turquía, es un remake, vi unos dos o tres episodios y me pareció una joya lo que estaban haciendo, luego llega la propuesta de hacer esto y al lado de Damián Alcázar, que es de los actores con los que siento que más he trabajado, lo admiro como ser humano y como actor.

La mancuerna que logramos hacer creo que fue padrísima; soy una policía en un mundo de hombres y ella se tiene que abrir camino, tiene que buscar que la respeten para poder resolver un caso bastante importante y va la historia de Damián ahí de la mano.

Has sido policía, esposa de Pablo Escobar, migrante… ¿Qué otro papel te gustaría hacer?

Me muero por hacer a Frida Kahlo, es mi sueño dorado. Siempre estoy comentando que me gusta mucho para ver si a alguien se le prende el foco y se logra armar en algún momento, me encantaría.

Me gustan mucho los personajes que viven o vivieron, es decir, reales, porque siento que es un reto doble porque uno tiene que seguir la línea de la persona, pero uno no es un imitador, entonces debes de poner de tu cosecha cosas que funcionen para el personajes y eso es algo que me ha gustado mucho y lo he disfrutado.

Narcos

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“Me gustan mucho los personajes que viven o vivieron, es decir, reales, es un reto doble y es algo que me ha gustado mucho y lo he disfrutado” | 11

Me casé con un idiota

“De pronto me encuentro haciendo comedia y disfrutando no siempre estando en el drama, no siempre buscando la emoción oscura. También es bonito navegar por otro lado” Por ejemplo, cuando hice a Tata Escobar ese fue el reto, cuando hice a Nené en El Presidente también fue complicado, creo que ese tipo de retos me llenan mucho porque no es tan fácil; hay que echarle más chamba de la que uno le da. ¿Temes a las comparaciones?

Siempre y es válido, no me enojo ni me ofendo, al contrario todos tenemos derecho a tener una opinión ya sea buena o mala, pero al final uno tiene que aprender y tomar de las opiniones malas y decir “Igual y aquí no estuvo tan bueno, no fue un acierto, pero estamos aquí para siempre mejorar” para darle proyectos de calidad al público.

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Regresas a la comedia con Me casé con un idiota junto a Alfonso Herrera.

Mi personaje es standupera y se casa con el personaje de Alfonso, pero se da cuenta de que él tiene que mandar a hacer un guión para reconquistarla porque tienen una situación y entonces es todo lo que sucede con esta pareja tan dispareja y cómo llegan a terminar entendiéndose el uno al otro, es una comedia romántica bastante tranquila pero tiene sus toques de sensibilidad, de realismo, es algo que me gusta porque soy muy conocida por ser una actriz intensa, de estar en proyectos duros, con personajes dramáticos y de pronto me encuentro haciendo comedia y disfrutando. También es bonito navegar por otro lado.

“Me muero por hacer a Frida Kahlo, es mi sueño dorado. Siempre estoy comentando que me gusta mucho para ver si a alguien se le prende el foco y se logra armar algo en algún momento, me encantaría”

Violetta, me enseñó a vivir la vida al cien por ciento

Diablo guardián

¿Qué recuerdos te trae la serie Diablo Guardián?

Estoy muy agradecida con ese proyecto porque es el primer protagónico que tuve y es un personaje bastante complejo. Violetta es una mujer difícil, que quería entender y manejar por aquello de que soy muy intensa, es un personaje que nadie puede manejar.

Ella es un torbellino y la disfruté como loca, fue la primera que sentí lo que es llevar toda la chamba, todas las escenas en los días y lo intenté hacer de una manera muy cuidadosa.

Trabajé con un gran director, Sebastián Silva, un gran amigo mío, hicimos una mancuerna maravillosa. Creo que todo eso ha ayudado a que mi trabajo sea positivo, no solamente lo que hago sino el equipo por el que estoy rodeada, tienes a un director, un fotógrafo, tienes a todo un crew que lee el guión pero que al final son entendimientos diferentes o ideas distintas y lo que intento es hablar un poco con todos y ver qué piensa cada persona del personaje, somos un equipo y es parte de sentirlo como una familia, crear juntos. ¿Qué le aprendiste a Violetta?

Hay algo entre Violetta y yo que es una cuestión del rollo arrebatado, de no pensar, de hacer, de accionar y de no tener miedo.

Ella me quitó muchos prejuicios, miedos y telarañas que uno se crea en la cabeza sin sentido y también a vivir la vida al cien por ciento.

A partir de que hice a ese personaje mi vida cambió cabrón, se fue hacia otro lado, uno de paz conmigo misma y de entender a no juzgar, entender que soy esa persona que debo amar y que me valga lo que los demás opinen o digan de mí.

En redes sociales eres de las pocas actrices que comparten esa intimidad con sus fans.

Es muy necesario, más ahora que tenemos que abrirnos, esto es lo que soy y lo que a mí me gusta mostrar. Soy una persona que no tiene mucho pudor y me gusta lo que soy, me amo, si subí 20 kilos o estoy 22 kilos menos también lo hago.

Creo que es una cuestión de mostrarle al público que te sigue que el cuerpo no lo es todo, que uno puede ser sexy, bonita y demás.

También me ayuda mucho mi novio que es fotógrafo y tiene una visión fina sobre la fotografía y que hemos explorado ese lado juntos, al final es un trabajo que entre él y yo hemos hecho y que he aprendido a disfrutar, creo que a la gente también le gusta ver eso, ver cuerpos naturales, les gusta ver a las personas siendo reales, honestas y sin filtro.

Territorio

“Desgraciadamente en México te encasillan mucho, hay que estar buscando hacer cosas distintas para que la gente diga ‘¡Órale! No la había visto hacer esto y me gusta’ o ‘¡No sabía que era Paulina!’, eso ayuda también a que haya más trabajo” ¿Cómo haces para pasar de dar vida a Violetta en la serie de Diablo Guardián a Lupe en la cinta Territorio? Personajes totalmente diferentes.

Es todo un proceso, la creación de personajes es llevarte de la mano del director o directora porque al final ellos son los que tienen la película o la serie en la cabeza, si uno logra entender el concepto, ver los personajes, empiezas a crear desde un lado más honesto y más padre. Siempre de la mano de ellos, al final eres parte de un equipo, uno se vuelve uno con el director y trabajar de esa manera es muy rico porque te permiten también crear, buscarle cosas nuevas a los personajes, si ya hice a Violetta mi siguiente proyecto que sea un reto, algo completamente distinto. Aunque desgraciadamente en México te encasillan mucho, hay que estar buscando hacer cosas distintas para que la gente diga “¡Órale! No la había visto hacer esto y me gusta” o “¡No sabía que era Paulina!”, eso ayuda también a que haya más trabajo. ¿Cómo fue trabajar en la cinta Territorio?

Fue un proceso maravilloso, es una de las películas que más me gustan. Trabajar con Andrés Clariond, con José Pescina, con Jorge A. Jiménez, la verdad fue un proceso muy bonito y muy intenso. Clariond es un hombre que tiene la película muy clara, entonces a mí me encantaba porque nos ponía a ensayar, él grabó con su camarita toda la película ensayada, cuando entrabamos al set a hacer las escenas sacaba su laptop y nos decía 16 |

“Mira, está reacción no. Necesito un poco menos, aquí necesito un poco más”, nunca había trabajado de esa manera y me pareció maravilloso poder vernos y entender desde una manera más visual lo que él necesitaba, fue un acierto increíble de Andrés. Los ensayos eran uno tras otro hasta que él como nosotros estuviéramos cómodos y satisfechos.

El director Andrés Clariond comenta que la película es muy íntima, que él es como un voyerista… ¿A quién no le gustaría saber qué es lo que hacen los vecinos? Uno nunca sabe qué es lo que sucede pasando la puerta. Territorio es una historia de tres personajes, pero es una historia fuerte y común, que pasa y que casi no se habla del tema, de este lado de la masculinidad, por eso me pareció tan interesante el guión y a lado de dos grandes actores como mis compañeros yo dije ¡Qué maravilla!

Ya había visto su anterior película Hilda y me encantó muchísimo el trabajo de Andrés, sentía que era un director bastante clavado y meticuloso y no me equivoqué en nada. La verdad a mí me gusta trabajar así, soy esa intensa a la que le gusta hacer 300 ensayos, platicar y volarnos, irte hasta el pasado del personaje y crear desde que son chiquitos porque creo que la educación es lo que te marca y te dice hacia dónde jalar. Soy esa intensa que le rasca hasta el fondo.

Territorio

UNA BOCANADA DE AIRE FRESCO • Alejandra Lomelí

CINCO AÑOS después de debutar con Hilda (2014), Andrés Clariond regresó al Festival de Cine de Morelia en 2019 con Territorio, una película arriesgada en muchos sentidos, necesaria y con la que ofrece una observación al tema de la masculinidad tóxica y sus desastrosas consecuencias, abriendo un debate que ya no puede ser ignorado. Un microcosmo configurado por vicios sociales.

También escrita por Clariond, Territorio es un tour de forcé en el que somos testigos del desmoronamiento físico y emocional de Manuel (brillantemente interpretado por José Pescina) que, al saberse estéril, sus inseguridades al no poder tener el hijo que tanto desean él y su esposa Lupe (Paulina Gaitán), lo llevarán a traspasar límites impensables, encontrando en Rubén (Jorge A. Jiménez), su nuevo trabajador y amigo, al donador ideal para llevar a cabo una inseminación artificial, quien a cambio le pedirá quedarse unos días en su casa con la promesa de marcharse pronto a Estados Unidos. La presencia viril de Rubén, así como una inseminación fallida, amenazan la estabilidad del matrimonio que se revelará endeble,

así como las incertidumbres y celos de Manuel.

Es difícil encontrar historias distintas en el cine y Territorio es una de ellas, una bocanada de aire fresco que estremecerá con su valiente propuesta. Subvirtiendo en muchos momentos las expectativas de la audiencia, Clariond toma temas como el poder y la paternidad para desarrollar un discurso sin concesiones entorno a la figura masculina en una sociedad profundamente patriarcal como la mexicana, diseccionando muy bien conductas como sus miedos, obsesiones y la violencia.

Clariond es un estupendo director de actores, no obstante, la tercia que sostiene una trama en constante tensión sabe lo que está haciendo y entregan interpretaciones poderosas, aunque, por supuesto el que destaca es José Pescina gracias al sugestivo estudio de personaje.

Territorio plantea una conversación necesaria que ya no debe dejarse para después: la urgencia de redefinir los roles de género, la identidad, la vida en pareja y la paternidad elegida. El conjunto de actuaciones y propuesta ha dado como resultado una película contundente y propositiva.

TERRITORIO Dirección y guion: Andrés Clariond Fotografía: Santiago Sánchez

MAYRA BATALLA Y SU NOCHE DE FUEGO EN CANNES • CARLOS MORA

Noche de fuego

MAYRA BATALLA es originaria de Álamo, un pequeño poblado al norte del estado de Veracruz. En entrevista exclusiva con la revista Cameo habla desde sus años de estudiante hasta su paso por Cannes (Francia), donde Noche de fuego cinta que protagoniza, fue una de las más aclamadas del festival, gracias a la visión de la directora Tatiana Huezo.

“Es curioso, pareciera que el querer ser artista sólo es para la gente que está en las grandes ciudades, es como lo ve el capitalino, pero el interés por el arte viene de quien sea, no importa de dónde sea. Crecí entre Álamo y Tampico, empecé a hacer teatro en la secundaria y en la preparatoria. A los 15 años daba funciones de fin de semana, me iba de gira por todo Tamaulipas y tenía contacto con grandes obras. A los 17 años me vine de Tampico, porque me gané una beca para hacer un diplomado en La Casa del Teatro. Jamás pasó ese momento de ‘¿a qué me voy a dedicar en mi vida?’”.

En Noche de fuego, ¿qué tanto tiene tu personaje (Rita) de ti?

Todo. En Álamo se crece así, era un ambiente bastante cercano a mí y a mi madre, hay mucho de eso en la película. También estas historias de mamás sacando a sus hijos solas, sin esperar a que alguien vaya a rescatarlas, lo hacen porque es lo que tienen y ya.

Noche de fuego

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“Tatiana (Huezo) es de las directoras más rigurosas con las que he trabajado y nunca sentí eso de “ah, porque ella es mujer”, al contrario es todo una profesional”

La cinta muestra a unas madres e hijas bastante aguerridas…

Justo Tatiana (Huezo) quería eso, que son víctimas de algo que está alrededor de ellas pero no son unas personas que vivan como víctimas y ni siquiera se cuestionan si deberían o no serlo o qué les corresponde en la vida.

Hablando de estas feminidades, pareciera que con todos los discursos feministas es algo que apenas está sucediendo, que las mujeres tienen un despertar y yo digo ¡perdón, pero ni madres!... Crecí con puras viejotas que trabajan, que tienen su dinero, que van, vienen y más allá de estas cuestiones de feminismo de libro, son mujeres que deciden por ellas y no se lo cuestionan, hay que salir adelante y punto. ¿Qué sientes de trabajar con un equipo donde la mayoría son mujeres?

La reacción de sorpresa es sobre todo del lado masculino, para mí es obvio. Más bien creían que no podíamos, pero insisto siempre he crecido rodeada de mujeres que pueden hacer lo que quieren.

Fue tan arduo como con cualquier otro crew, tan riguroso y profesional como cualquier otro, esa es la verdad.

Tatiana es de las directoras más rigurosas con las que he estado y nunca sentí que “ah, porque ella es mujer”, es toda una profesional.

Sin duda, lo que sí es muy notorio para mí es esto del detalle porque sí hay una mirada distinta hacia los detalles, se mira para otras cosas, para otros lados, eso sí.

No diría que es mejor ni peor, simplemente es diferente y agradezco que me esté tocando eso porque salen otras historias.

“En Cannes, la niñita de Álamo explotó, salió corriendo gritando de felicidad. A manera personal, fue una gran celebración de todo ese camino andado, sentí que iba a lado mío mi madre, mis tías, abuelas y esas mujeres con las que crecí”

Estuviste en el Festival de Cannes, cuéntame la experiencia.

La niñita de Álamo explotó, salió corriendo gritando de felicidad. A manera personal, fue una gran celebración de todo ese camino andado, sentí que iba a lado mío mi madre, mis tías, mis abuelas, esas mujeres con las que crecí.

Por otro lado, es un enorme privilegio, Cannes es el sueño de muchísimos pero son muy pocos los que realmente tienen la posibilidad de cumplirlo. Es un privilegio estar en esas salas, estrenar ahí con esa película, con esa directora, que la gente la haya recibido de esa manera es una enorme alegría. ¿Qué le dirías a esa niña de Álamo, ahora que estuviste en uno de los festivales más importantes?

Esa niñita sí lo imaginó, todas esas cosas sí las decía, las imaginé, las fantaseé.

Por supuesto, no tenía noción ni de qué era Cannes; pero, qué le diría a esa niñita: ¡Muy bien! Por haber seguido las inquietudes y los sueños.

Sobre todo cuando no tienes ningún panorama que te diga “ve por ahí, lo vas a lograr”, nunca hubo una garantía, jamás, ni cercanamente, nada a mi alrededor que me dijera que eso era posible para mí, estaba en mi cabeza nada más. La aventaría para arriba. ¿Qué mensaje te gustaría que se llevaran las niñas que vean Noche de fuego?

Se dice que los sueños se hacen realidad, pero yo agregaría que uno debe encargarse de realizar esos sueños y que vayan por ello. Eso de que te llegue la oportunidad no, las oportunidades no se piden, van y se toman, se crean con lo que tengas, donde estés, como estés, con los pesitos que tengas o no tengas, uno tiene que encargarse de hacer esos sueños.

No estoy diciendo que sea sencillo, pero tampoco es sencillo quedarse con las ganas de hacer algo y quedarse toda la vida sintiendo que pudiste haber hecho algo pero no te atreviste, eso está más cañón.

La reina de la naranja

“Con La reina de la naranja quise hacer un homenaje a todo lo que soy” ¿Cómo ves el panorama del cine mexicano?

Está siendo un momento increíble para el cine mexicano, estar en Cannes al lado de películas de cualquier país. Es decir, nuestra varilla está bastante alta, hacemos cosas muy bien hechas y me siento muy orgullosa de ser parte de eso, diría que no hay que parar y seguir peleando por esos recursos para seguirlo haciendo.

Por otro lado, hiciste un cortometraje, La reina de la naranja (2020)?

Sí, fui la reina de la naranja de Álamo, lo hice regresando de hacer Noche de fuego. Pero la reina de la naranja es una niña que va en un toldo de una camioneta de redilas dando naranjas a la gente, pero me sentí ¡wow, la Reina! Para mí es todo ese juego de esa niñez de jugar con estás fantasías de niña que pueden ser una cosa tan tonta y tan sutil, pero para mí es como “uno es quien uno quiere” y quise hacer un homenaje a todo eso de lo que soy con La reina de la naranja.

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NOCHE DE FUEGO Directora y guion: Tatiana Huezo Fotografía: Dariela Ludlow Música: Leonardo Heiblum y Jacobo Lieberman

Noche de fuego

UN FILE SOBRE MUJERES AGUERRIDAS EN TIERRA DE NARCOS • Adriana Góchez

EN MÉXICO, hasta 70 mil personas son víctimas de trata, de acuerdo con cifras recientes que dio a conocer el Sistema Nacional para el Desarrollo Integral de la Familia. Aunque no se especificó el género y edades con mayor número de casos, el más reciente informe de la Oficina de las Naciones Unidas contra la Droga y el Delito alertaba hace unos años que 20 mil niños y niñas son captados por redes de trata cada año, de éstos, 45 de cada 100 son niñas indígenas. A raíz de esto algunas madres han decidido esconder a sus hijas en hoyos, tal como lo constató la escritora Jennifer Clement, quien llevó esta historia a su novela Ladydi, que ahora retoma Tatiana Huezo en su primer filme de ficción Noche de fuego.

Tatiana Huezo, cuya cinta fue ovacionada en el Festival de Cannes, hace un crudo retrato de esta realidad de las mujeres en Guerrero, donde ante temor a que algún día “desaparezcan” a sus hijas, madres tratan a toda costa de “aniquilar” todo el rastro de su feminidad: cabello largo, ropa que muestre el desarrollo de sus senos y caderas, incluso hasta rasgos de su rostro, por eso les prohíben maquillarse.

Las llevan a la estética, no para embellecerlas, sino para “afearlas”.

Noche de fuego sigue la historia de tres amigas —interpretadas por tres actrices naturales— que crecen en un lugar donde manda la “ley del narco”, los hombres migran a Estados Unidos, las mujeres se quedan a cargo de los hogares y la mayor parte de la comunidad trabaja en campos de amapola. La cinta hace un repaso de su vida desde la niñez y la pubertad hasta llegar a su adolescencia.

Rita (Mayra Batalla) es la madre de Ana, quien es escondida en un hoyo del tamaño de un ataúd para evitar que se la lleven hombres armados. El rapto de niñas se conoce en el pueblo, las tres amigas, por ejemplo, juegan en una casa abandonada donde desapareció una vecina llamada Juana, de su familia tampoco hay rastro. En algún momento del filme

Ana le pregunta a sus amigas: “¿Qué creen que pase cuando una de nosotras de repente se vaya?”, es un cuestionamiento latente en su vida.

En el filme, cuyo rodaje se hizo en la Sierra Gorda de Querétaro e Hidalgo, en Neblinas, Tatiana Huezo (Tempestad) echa mano de su experiencia como documentalista y también regala a los espectadores imágenes poéticas en las que se aprecia la abundante vegetación del lugar o el contraste del verde con el intenso rojo de la flor de amapola, por ejemplo.

También muestra que pese a que el lugar donde viven las niñas de la historia está asediado por la violencia, ellas disfrutan de su infancia con juegos que alguien que habita en las grandes ciudades envidiaría: nadar en una laguna, un sitio donde pareciera se detiene el tiempo y sólo hay tranquilidad, jugar a adivinar los sonidos del lugar o el pensamiento de alguna de sus amigas.

Es reír y abrazar la vida aunque alrededor se respire muerte, aún cuando hay días en que helicópteros sobrevuelan y hay que correr a casa a esconderse, cuando maestros deciden retirarse de la comunidad porque no hay condiciones de seguridad o cuando se ven pasar hombres armados a bordo de camionetas.

Lejos de revictimizar a estas mujeres —niñas y madres— que luchan contra la realidad que viven, Huezo muestra a mujeres fuertes y decididas a hacer todo lo que esté en sus manos con tal de evitar que sus hijas sean raptadas. Son mujeres aguerridas que ante la falta de autoridades crean alianzas y mecanismos de autodefensa, pese a que también están librando batallas internas. Niñas rebeldes que también reclaman “ser” y que no las oculten.

Noche de fuego es una cinta sobre ser niña y mujer en tierra de narcos, pero también de la fuerza de madres para proteger a sus hijas. El filme llega a los cines del país el próximo 16 de septiembre, después también formará parte del catálogo de Netflix.

CLASES DE HISTORIA CON

MARCELINO ISLAS

E

staba por estrenar La Caridad (2015), mi película anterior al lado de Verónica Langer, y durante el Festival de San Diego platicábamos de dónde venían las historias, ahí surgió la idea de hacer una película más luminosa, en la que el personaje tal vez partiera del mismo principio, pero encontrara dentro de su arco dramático la posibilidad de vivir y disfrutar, así surgió el guión de Clases de historia.

El guión se lo escribí directamente a Vero con el mismo nombre del personaje. Fue un proceso de bastante tiempo, lo debo de haber escrito en el 2014 o 2015 y estuvimos preparando la película por dos años y conseguimos el EFICINE para poder filmarla en el 2017. ¿Cómo fue trabajar la soledad que se ve plasmada en el personaje de Vero?

Todos estos conceptos los veníamos trabajando desde La Caridad; ha sido muy grato. Me dedico a dar clases, ese es mi verdadero trabajo y siempre hablo de esta posibilidad de encontrar actrices y actores colaboradores, suena algo muy sencillo y suena como el método para el que siempre preparamos a los nuevos cineastas y no es tan frecuente, pero con Vero Langer encontré esta posibilidad de colaborar, de ir construyendo poco a poco y desde el guión ir pinponeando ideas, encontrarme con una persona que comparte la sensibilidad y comparte muchas de las ideas que queríamos poner en pantalla.

Fue muy rico poder trabajar así porque puede enfocarme en otras cosas a la hora de rodar. Fuimos construyendo a partir de ahí este retrato de la monotonía, la rutina y la soledad con un final distinto y más luminoso que era lo que queríamos, a donde queríamos llegar.

La película ha estado en varios festivales, ¿cómo fue recibida?

No esperábamos que la comunidad LGBT+ abrazara de esa forma la película y fue muy bonito. Estuvo en los festivales de Hamburgo y Múnich, en Florencia ganó en un festival queer, estuvimos en Frameline en San Francisco… Fue muy padre, esperemos que también la comunidad en México abrace la película, tenemos muchas ganas de compartir con el público.

Otro reconocimiento fueron las nominaciones al Premio Ariel, el año pasado.

Sí, decimos que no hacemos las películas para ganar premios, pero qué bonito se siente cuando se reconoce el trabajo y más porque es difícil mostrar y compartir el trabajo en nuestro país tan invadido de otra cinematografía que se consume principalmente. Estoy contento por todo lo que ha vivido la película y esperemos que ahora, hablando de segundos aires y con la pandemia que limitó poder estrenar hace un año, que ahora la película tenga su segundo aire, que viva y disfrute igual que Vero.

¿Cómo ves el panorama del cine mexicano?

Estamos en una lucha difícil por mantener los apoyos, por mantener la capacidad de producción a la que llegó el cine nacional porque pasamos de producir como cinco películas en los 90, era poquísima la producción y todos estos estímulos y apoyo que se consiguieron, porque no los dio el gobierno, se consiguieron a través de lucha de generaciones anteriores a la mía y que nos han llevado a producir muchísimo.

Ahora hay que luchar por mantener esa producción y nuestro cine sea visible en cartelera, en las plataformas e incluir a todas las visiones. Hay que seguir buscando a nuestro público. Hay que buscar porque estoy seguro que nuestro cine es interesante y para la gente puede llegar a serlo también si se dan la oportunidad de revisarlo y verlo.

• Carlos Mora

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V E R Ó N I C A L A N G E R Y SU SEGUNDO AIRE EN CLASES DE HISTORIA

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Tuvimos reacciones bonitas. Fui a Alemania y tuvimos dos festivales queer, uno en Múnich y otro en Hamburgo, donde la gente estaba también muy identificada, nos sorprendimos un poco porque en realidad no pensamos que era una película para este nicho, no la sentimos así cuando la hicimos, de hecho yo no sé hasta el día de hoy qué pasa realmente entre Eva y Miss Vero, no sé si ellas llegan a tener una relación o no, no lo sé y lo dejó en el misterio. Encajó perfecto ahí, la gente la recibe con mucho amor, deja un mensaje optimista, un mensaje de vida.

Clases de historia

L

a actriz Verónica Langer regresa a la pantalla grande con la cinta Clases de historia de la mano del director Marcelino Islas. En entrevista con la revista Cameo la actriz habla de su personaje Miss Vero y la relación con su alumna interpretada por la actriz Renata Vaca.

“El personaje de Vero llegó al mundo de una manera natural. Mantuve una relación con Marcelino (Islas) desde que escribía el guion de Clases de historia, de alguna manera lo acompañé en el proceso, discutimos la enfermedad y el por qué ella no se quería sanar...

“Además, es un personaje que en cierto sentido es tan cotidiano, como cualquier persona normal que anda por la calle. Sólo te vas metiendo en la historia, vas conociendo al personaje, te vas relacionando con los demás, vas haciendo lo que te pide el director y llegas al set con una foto en la cabeza de quién es ese personaje y después te tienes que entregar y fluir con el conjunto”.

La película ha estado en varios festivales.

Lo más impactante fue Tokio, por un lado, porque es un público muy diferente, a la gente le llegó mucho pero su manera de reaccionar era distinta, era un silencio sepulcral en la sala, la película tiene sus momentos de humor, aquí con el público latino o mexicano que la ha visto sabemos en qué partes se ríen y allá era un silencio sepulcral. Se acababa la película y hasta el último momento aplaudieron, se quedan en estado de frizz hasta que pasan todos los créditos y aplauden, luego sales y hay una cola esperando los autógrafos, es otra cultura, otra manera de relacionarse, fue muy padre.

¿Qué opinas de los segundos aires en personas mayores?

La edad por la que estoy pasando, esta década que estoy viviendo que son los sesentas ha sido una época muy plena, tal vez la mejor en mi carrera profesional, ha sido una época muy feliz. Creo que es bueno si tienes salud, entusiasmo y pasiones.

Uno cuando es joven naturalmente tiene otra visión de la vida, piensas que una persona de 50 ya está grande y cuando vas pasando por las diferentes edades te das cuenta que sigues siendo el mismo, en realidad sigues viviendo y sigues entusiasmándote. Si tienes eso, la fortuna de poderte enganchar con los proyectos, es una etapa tan rica como cualquier otra, vivo en los segundos, los terceros, en los cuartos, en el aire que me toque, si te pasa un vientecito agárrate porque es maravilloso, de lo que se trata es de vivir.

El año pasado la cinta tuvo varias nominaciones al premio Ariel.

El Ariel lo recibí por La Caridad que fue la anterior película que hicimos con Marcelino Islas, el año pasado también estuve nominada, pero creo que ya con ese es suficiente premio. Los premios uno dice que no importan pero sí importan, uno se siente bien recibiéndolos, el premio Ariel en particular es un reconocimiento de la propia comunidad porque es otorgado, como todos sabemos, por los que alguna vez lo han ganado o han estado nominados que son los que pueden votar y es muy gratificante.

Renata (Vaca) y yo ganamos juntas un premio en el Festival Internacional de Cine de Hermosillo como Mejores Actrices y ellos dijeron que nos lo querían otorgar a las dos porque se veía que había sido un trabajo de conjunto, eso me pareció muy bonito. Da mucha alegría, es sentir que los demás están viendo y apreciando el trabajo que uno hace. ¿Cómo ves el panorama del cine mexicano?

Como actores de cine y televisión estamos ante el surgimiento de las plataformas de las series y de todo esto, por un lado está muy bueno pues por un lado los actores, directores, fotógrafos, directores, todo mundo está corriendo para hacer series, pero creo que realmente tenemos que seguir luchando por hacer un cine que sea nuestro, contenido nuestro con el que nos podamos identificar, que sea nuestro cine porque muchas veces no queremos convertirnos en hacedores de proyectos que a lo mejor vienen de otra parte, que pueden ser padres, pero a la vez no podemos hacer a un lado nuestra propia idiosincrasia como creadores, eso no hay que olvidar y tenerlo sobre la mesa.

Es un momento difícil, no sabemos hasta qué punto estos recortes van a seguir, los fideicomisos volaron. La moneda está en el aire y ojalá todo pueda seguir adelante.

• Carlos Mora

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“Eva fue, sigue y será siendo todo un viaje de aprendizaje para mí. Es el primer personaje fuerte que hago y el primer co-protagónico que hice en mi carrera”

RENATA VACA

LA JOVEN PROMESA DE CLASES DE HISTORIA

Platícame de tu personaje Eva y sobre la química con Vero Langer.

Eva fue, sigue y será todo un viaje de aprendizaje para mí. Es el primer personaje fuerte que hago y el primer co-protagónico en mi carrera, y gracias a Marcelino (Islas) que se aventó ese viaje conmigo, de la mano del director, construimos algo muy especial, honesto y real, fue un trabajo arduo de dos años antes de filmar la película con referencias de películas, con ejercicios increíbles que a Marcelino se le iban ocurriendo.

La química con Vero fue algo que ocurrió muy natural, fue un regalo para todos, para la historia, para las dos, para mí encontrando cómo abordar ciertas cosas en este despertar a la actuación. Fue mágico, para mí lejos de ser sólo compañeras y de estar compartiendo este espacio que fue la filmación, creo que fuimos amigas desde el momento uno, teníamos una conexión muy grande, las dos nos reíamos y compartíamos todo el tiempo.

La admiro infinitamente, desde el ensayo uno tuvimos una improvisación, estaba nerviosa pero Vero siempre fue y ha sido brazos abiertos para mí como actriz, como amiga, como compañera, para mí fue increíble.

Los tres estuvimos involucrados en la película y creo que eso se refleja en la pantalla, en muchas entrevistas de las cosas que más hablan y lo que más rescatan es esa química, esa relación que nació entre nosotras. ¿Qué fue lo que te dejó Clases de historia?

Muchísimas cosas, últimamente he estado reflexionando mucho respecto a cómo funciona la industria, el cómo es ser actor, actriz, director, escritor, de todo, y de pronto pensar en la cantidad de situaciones que tienen que confabular para que por ejemplo te den un

Clases de historia

personaje, para poder hacer un personaje, tantas cabezas que tienen que decidir, tantas cosas que se tienen que acomodar y estar en ese punto y en ese momento para que suceda.

Me parece mágico, cada proyecto, cada oportunidad, especialmente esta que no me cansaré de decirle a Marcelino ¡gracias por confiar en mí!, por darme ese regalo de ser ese personaje tan importante y tan especial que es Eva. Me deja esperanza, ganas de trabajar, de entregarme cada vez, de vivir como hemos mencionado, de hacer, de disfrutar, de encontrarte en el otro, que creo que es justo lo que ocurre con esta relación, que se encuentra la una en la otra, Vero en Eva y Eva en Vero. Me deja alegrías, esperanza, emoción, un empuje vital muy grande tanto como actriz, como a nivel personal. ¿Qué opinas del cine que se hace en México?

Espero que, hablando del futuro, mi generación, las que vienen abajo y en todas las generaciones haya mucha hambre; hablando de mi generación hay hambre de hacer cosas en el buen sentido, muchas ganas de hacer cosas, de intentar, de probar, de romper con moldes; creo que está existiendo un despertar muy grande en muchos sentidos, confío en que mis compañeros y toda la gente que tiene ganas probar cosas, de hacer cosas, las haremos y nos aventaremos de cabeza e intentaremos hacerlo. Espero que haya un futuro brillante y emocionante.

• Carlos Mora

Clases de Historia FEMINIDAD AMOROSA • Lupita Mejía

CLASES DE HISTORIA Dirección y guion: Marcelino Islas Hernández Fotografía: Hans Bruch Jr. Música: Amado López

AUNQUE MARCELINO ISLAS no es un director novato, el tratamiento de sus historias posee una sensibilidad difícil de encontrar en los cineastas de mayor trayectoria.

Atiborrado de historias insípidamente melosas, el cine mexicano presenta en ocasiones, narrativas que permiten al espectador adentrarse a la magnificencia de la cotidianeidad.

El cineasta estrenó en 2018, Clases de historia una cinta que forma parte de la “trilogía de la tristeza” como él intituló a sus películas anteriores, La Caridad (2015) y Martha (2010). Navegando entre la atosigante soledad y el desanimo, Islas se aventuró a explorar el universo femenino y lo que esto conlleva: sexualidad, enamoramiento, cambios físicos y hastío matrimonial. No es de sorprender que, para Clases de historia el cineasta decidiera recurrir por segunda ocasión a Verónica Langer, actriz con la cual logró formar una mancuerna creativa desde La Caridad.

Y aunque a simple vista el planteamiento de ambas narrativas podría asemejarse, como consecuencia de la simplicidad estilística y una contención de emociones que explotan conforme la historia llega a su clímax, Clases de historia es un alegato al encuentro amoroso entre dos almas aparentemente desiguales.

La premisa es hasta cierto punto simple. La protagonista Vero (Verónica Langer), una maestra de sesenta años que imparte clases de historia en una secundaria rompe con su trabajo monótono al conocer a Eva (Renata Vaca), la nueva y rebelde estudiante. Sabemos que Miss Vero se encuentra enferma de cáncer, ¿de qué tipo?, ¿cuál es el diagnostico?, el director no responde al espectador tales interrogantes y conforme la complicidad entre ambas mujeres se desarrolla, poco importan estos nimios detalles.

Aunado a un ambiente familiar nulo en comunicación y relaciones, Vero no encuentra alicientes en un matrimonio muerto con Daniel (Héctor Holten), ni cariño real por parte de sus hijos, quienes tienen la manía de tratarla como a un infante que precisa cuidados. Es entonces, que Eva -la alumna rebelde- al pedirle ayuda con los trámites de aborto, la hace consciente de lo finito en la existencia; alentándola a realizar cambios en su actitud, ropa, gustos musicales y decisiones.

Son ambas, a pesar de la diferencia de edad, con graves problemas de comunicación y cuyo crecimiento personal

es completado y apoyado por la otra. Eva encuentra en Vero una figura de amor y cariño, que ni su novio le ha logrado otorgar realmente, mientras que su contraparte explora una sexualidad frustrada en la que el amor hacia otra mujer resurge después de una experiencia trunca con una amistad de juventud.

La película utiliza los viajes como elemento metafórico para dotarle un arco dramático a los personajes. Desde una simple ida al supermercado, una fiesta que propicia un coqueteo y el más importante de todos, la visita a La ventana del diablo en Tezontepec con la finalidad de comprobar la leyenda que Eva comparte con Vero, la posibilidad de encontrar brujas y nahuales. Mítica y realidad son aceptados por la maestra de historia que antes privilegiaba el devenir grisáceo y ahora, con un cambio externo -ropa y cabello- e interno permite que Eva se convierta en su profesora.

Es también, relevante el uso que Marcelino Islas dota a la música. Sobre todo, en las escenas donde la intimidad se vuelve una presencia constante, desde Kenny y los Eléctricos con No huyas de mi hasta Dártelo de Ruzzi, las almas que se encontraron en una temporalidad inesperada parecen alimentarse de las letras para apoyar su transformación. Y como toda película mexicana independiente, es esencial que el final quede abierto ante los asistentes, por lo que el beso que Eva y Vero se propician al final de la cinta -no es spoiler, pero un suceso inevitableevidencia una relación sin etiquetas.

Con esta ambigüedad que va de la agresión al amor, las relaciones heterosexuales de ambas quedan atrás y dan paso a un entendimiento más profundo, nunca experimentado. Tal es el logro en la dirección de Islas, que festivales de cine como Tokio, Hamburgo, Múnich y San Francisco reconocieron a la cinta por la delicadeza del tratamiento queer otorgada.

Sin caer en los clichés comunes de la melancolía cinematográfica, un simple gesto y expresión bastan para convertir a Clases de historia en un filme esencial de la filmografía mexicana contemporánea. Sin pretensiones, más que el retratar qué sucede cuando la vida misma parece detenerse a cierta edad, Vero y Eva proporcionan un cuestionamiento válido sobre las relaciones humanas. ¿Cuándo despertaremos del sueño que la rutina misma nos ha impuesto?, ¿quién nos ayudará?

LABERINTO YO’EME Director y guion: Sergi Pedro Ros Fotografía: César Gutiérrez Miranda

Laberinto Yo’eme UN DOCUMENTAL DE DENUNCIA • Alejandra Lomelí

LOS GRUPOS ÉTNICOS han sido históricamente despojados y abusados de sus territorios, costumbres y derechos, en México no es la excepción, aunque sobreviven, su lucha no ha sido fácil y actualmente enfrentan un sinfín de tribulaciones que constantemente ponen en peligro su permanencia. Laberinto Yo’eme viene a echar luz a una problemática que amenaza a la tribu yaqui, asentada a orillas del río Yaqui en Sonora y cuyo territorio siempre se ha visto comprometido por fuerzas exteriores.

Dirigido por Sergi Pedro Ros, el documental abre la función con una leyenda que cuenta la manera en que se creó la tribu y las incursiones enemigas que los llevaron a ser una comunidad guerrera, dicha pantalla en negro da paso a secuencias poéticas en donde podemos ver algunas ceremonias y danzas tradicionales que contrastarán con los crudos testimonios de miembros de la comunidad, revelando no sólo la manera en que les han arrebatado sus recursos naturales, específi-

camente el agua (el río), sino también la manera en que el territorio se ve amenazado ya sea por narcotraficantes o por el propio gobierno, mientras que la adicción a las metanfetaminas se ha convertido en un problema severo.

El documental es, por lo tanto, el relato crudo y de primera mano, de aquellos que resisten la lucha a las agresiones del exterior, denunciando las distintas caras que ha tomado el enemigo: policías, autoridades, narco mensajes, drogas, alcohol, presa, etc., mientras buscan la respuesta en las raíces de su identidad.

Laberinto Yo’eme no es un documental cuyo objetivo sea innovar la forma del género, su interés radica en su discurso, uno profundamente desgarrador, y lo hace con soltura. Un documental, ante todo, de denuncia, del que debemos reconocer la valentía de los testimonios y la apertura de la tribu para permitir la incursión del equipo cinematográfico. Un trabajo necesario y pertinente.

Chilangolandia, una celebración a la CDMX Platicamos con Carlos Santos, director de la película Chilangolandia, sobre su relación de amor-odio con la Ciudad de México.

• CARLOS MORA

“LA CIUDAD DE MÉXICO

es sumamente cinematográfica, cuando haces cine lo que buscas es drama, giros inesperados, que sea mística la película y esta ciudad tiene todo eso, es caótica pero es mágica al mismo tiempo, pasan cosas que no creerías que suceden pero sí, tiene finales inesperados siempre, estamos al borde del colapso pero nunca pasa, es el escenario perfecto para una película.

“Bromeo con la ciudad de Nueva York, que también es un lugar donde se filman muchas películas, pero ahí se tienen que inventar enemigos, que van a llegar los marcianos o va a llegar un tsunami para que sea dramático; pero acá no tenemos que imaginarnos nada, tenemos ya nuestro drama, nuestros antagonistas y nuestra magia, sólo es cuestión de retratarla.

“Siempre he tenido claro mi objetivo personal de dedicarme a hacer cine, estaba trabajando en varios proyectos para mi primer largometraje y estaba escuchando Molotov mientras iba en un Uber, preocupado por otros proyectos y me llegó el pensamiento, Molotov es una banda icónica, chilanga, tiene un aura muy particular y me cuestioné ¿cómo transmitir el aura de esta banda a una película?

En ese momento me vino la palabra chilangolandia a la mente, me di cuenta que era un título o un concepto prometedor porque con una palabra te puedes imaginar de qué trata la película, es muy efectivo en ese sentido”.

Dicen que solo los mexicanos nos reímos de nuestras desgracias.

Eso es algo muy profundo que tenemos nosotros, venimos a esta vida a vivirla y el mexicano a pesar de que le está pasando una situación muy adversa encuentra la forma de seguir siendo jacarandoso, de reírse, de sacarle humor a la situación, de disfrutar de lo que le toca vivir y salir adelante con ingenio.

Bajo esa mentalidad hay grandes personajes, irreverentes, impredecibles, jacarandosos, llenos de empatía porque la alegría por vivir que nos caracteriza es algo envidiable, a veces nos comparamos con los japoneses o con los alemanes que son sumamente fríos y calculadores, que tienen índices de suicidio muy altos y nosotros tenemos una realidad económica y social complicada, pero somos alegres y sabemos encontrar la forma de divertirnos y disfrutar, de ver por los nuestros.

Chilangolandia

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¿Cómo sumas un elenco de primera?

Chilangolandia es una película que se hizo de forma independiente totalmente y cuando la estábamos filmando nunca nos acercamos con ningún distribuidor, queríamos hacer una película sin preguntarle a nadie y sin que nadie se metiera en el guion y en el cast.

Afortunadamente nos salió el chistecito y conseguimos una muy buena distribución. Los actores se sumaron al proyecto a pesar de que no teníamos mucho capital y creyeron en nosotros, les cautivó su personaje y poco a poco se fueron sumando actores de mucha trayectoria como lo son Silverio Palacios, Luis Felipe Tovar, Carlos Corona, hasta tenemos a Francisco Denis, un actor venezolano que sale en la serie Narcos.

En el caso de Liliana (Arriaga) fue muy chistoso porque escribí el personaje de Carmen y no sabía quién podía ser ese personaje y hay un reality show de Eugenio Derbez de Amazon en donde de los comediantes el último en reírse perdía y ahí salía Liliana en su personaje de La Chupitos y ahí es donde la pude ver y mi intuición me dijo que tenía el potencial para hacer a Carmen de una forma muy fresca y muy auténtica y nos salió.

Chilangolandia

“La Ciudad de México me encanta, está llena de magia. ¿Quién no tiene una novia, una esposa que a veces se pelea con ella, pero que después no puede vivir sin ella? “ Ella en un principio dudó hacer el personaje porque su zona de confort es La Chupitos, que ya llevaba haciendo 20 años, pero la convencimos de que se saliera de ahí. Me acuerdo de la primera escena que grabamos con ella, ahí me di cuenta que el personaje iba a ser entrañable porque veíamos en ella algo que no habíamos visto.

Es una mamá mexicana matriarcal, que no se le atora nada, que trae al esposo en friega, es parte de nuestra cultura y creo que no se había visto en el cine de una forma puntual y el resultado ha sido, por lo menos en los estudios de mercado que hicimos de la película, que el personaje de Carmen era el más querido porque a la gente le da placer ver a esta mamá que no se le atora nada. ¿Cómo te sentiste con tu ópera prima?

Fue una gran aventura, no es nada fácil. No quiero dar el mensaje de “agarra tu dinero y haz tu película sin preguntarle a nadie” porque sí es difícil, te enfrentas a miles de retos y miles de problemas que tienes que resolver en cuestión de segundos en el set, no lo hubiera hecho si no tuviera más de 15 años de experiencia en el medio de la publicidad y de hacer videos, ahí es donde yo agarré callo y me preparé.

Cuando estás en el set dirigiendo hacen esa analogía de que es como un tren que no lo puedes parar, se van

presentando obstáculos y tienes que resolverlos mientras sigues andando y siempre es así, siempre van a haber imprevistos que no contemplabas, vas a tener que jugar con recursos con los que pensabas que contabas y ya no cuentas, siempre va a ser una aventura y tienes que tener mucho callo para salir ileso y sacar la película adelante.

Mi consejo para que alguien se aviente a hacer una es que sí lo haga, pero que se prepare mucho para hacerlo porque una vez que estás filmando no hay vuelta atrás y se van a presentar retos que no tenías contemplado resolver.

Dicen que a la Ciudad de México, la amas o la odias…

La Ciudad de México me encanta, está llena de magia. ¿Quién no tiene una novia, una esposa que a veces se pelea con ella, pero que después no puede vivir sin ella?

Es lo mismo con Chilangolandia, juega con nosotros pero la amamos, de repente te da momentos mágicos, luego te da momentos muy caóticos, es impredecible y sus habitantes son mágicos, llenos de alegría y energía.

Es una ciudad magnética no nada más para los chilangos sino también para los que la visitan, los extranjeros, pues a todos nos cautiva, nos estimula para bien o para mal. Al final la película es una celebración a esta ciudad. | 41

Chilangolandia

CHILANGOLANDIA Dirección y guion: Carlos Santos Fotografía: Felipe Escalona

UNA CINTA QUE LA AMAS O LA ODIAS • Cinthya Salas

POCAS VECES un lugar es parte del cast de una película y este es el caso de Chilangolandia, historia que versa sobre las desventuras de un grupo diverso de sus habitantes: un matrimonio con problemas maritales, un trío de guardaespaldas asalariados cuyo principal atributo es la obediencia y un entrenador de fútbol aficionado que sueña con convertir a su sobrino en el próximo astro del balón pie; todo se complica cuando 10 millones de pesos y una relación amorosa imposible enredan los caminos de los personajes para cambiar sus vidas por completo en menos de 72 horas.

Filmada de manera cien por ciento independiente, la cinta toma como escenario principal diferentes puntos populares de la ahora Ciudad de México, tales como el Zócalo, estaciones del Metro, Tlalpan, el Templo Mayor o la Avenida Central, que es una de las principales rutas que conectan a la Capital con las zonas periféricas del Estado de México.

Bolillos, micros verdes con luces neón, danzantes aztecas, San Judas Tadeos gigantes en espaldas de fieles creyentes, tianguis con carpas de colores, temblores, vecindades antiguas, taxis en mal estado y el típico acento ‘cantadito’ dan al espectador la inmersión completa de lo que es vivir como el chilango promedio en una de las ciudades más pobladas del mundo a lo largo de los 93 minutos que dura el relato.

Bajo el argumento y dirección de Carlos Santos, esta ópera prima pone a las dificultades económicas como un reiterado problema en la mayoría de los personajes, un eje de acción que motiva sus sueños y deseos. De igual manera expone las numerosas formas en las que el abuso de poder corrompe todo lo que toca, sin importar las clases sociales, edades, género o profesión.

Diputados corruptos, narcotraficantes violentos, jóvenes apasionados y una severa ama de casa, entre muchos otros, son los diversos y contrastantes roles de este largometraje que corren bajo un elenco conformado por la comediante y actriz Liliana Arriaga, los actores Silverio Palacios, Luis Felipe Tovar, Pierre Louis, Moises Iván Mora y la célebre fashion blogger Priscila Arias.

Esta comedia del 2021, producida por la casa productora independiente Sastre Films, junta de manera visual y sonora la experiencia del vivir en la Zona Metropolitana del Valle de México, idea que en primer instancia se presenta como una exclusión a otros estados del país, pero que al mismo tiempo son características tan reconocibles y tan atemporales que no importa en qué lugar del país sea vean uno sabe que se trata de Chilangolandia, un lugar que sin lugar a dudas o lo amas o lo odias.

Gaby de

la Garza

AMARRES EL PODER DE LA ENERGÍA • CARLOS MORA

“ES UN PROYECTO

que tiene una factura increíble, del que me siento muy orgullosa, cien por ciento mexicano todo y creo que al público le va a gustar y lo va a disfrutar mucho”. Así empezamos la entrevista con Gaby de la Garza sobre la serie Amarres, de la plataforma de HBO Max. “Estoy muy emocionada e ilusionada de este proyecto, en septiembre vamos a cumplir dos años que terminamos de filmar la serie. Es el proyecto más hermoso que he hecho en toda mi carrera y eso que tengo unos muy queridos, que me han encantado y he disfrutado, pero esta vez es la oportunidad de hacer algo diferente, de tener otro registro, de buscar en otro universo completamente ajeno a mí. Lo disfruté de principio a fin con un equipo maravilloso de trabajo, no hubo ningún pero.

“Es una historia divertida, que no sea ha visto en México, es un dramedy de 10 capítulos que habla de una mujer, entre comillas sola, madre de tres hijos, cada uno de un padre distinto que por diferentes circunstancias de su vida, ya verán en la historia, tiene que salir adelante de una manera poco peculiar que es entregándose en el negocio de su abuela que le hereda cuando ella muere, un puesto de brujería en el mercado de Sonora”.

PHOTO: Olga Laris IG @olgalaris MAKE UP: Zarina IG @akasadgal

“Es la primera vez que me dan esa oportunidad de salirme de parámetros, que me dan chance de proponer cosas, hay mucho de mí en Ana” Ana va descubriendo habilidades que ella tenía escondidas o reprimidas, va a tomar el control de su vida y a salir adelante porque no hay de otra, porque tenemos que hacerlo y porque tiene tres hijos que dependen de ella. Hay que tomar las riendas y hacer lo que se tiene que hacer.

Es una historia donde muchas mujeres van a poder verse reflejadas, es una historia además hecha por y para mujeres en su mayoría y creo que hay que recalcarlo porque le da un sello distinto a la historia, le da un feeling y tesitura distinta, lo que no quiere decir que sea mejor o peor, sino diferente porque ahora vienen nuestras historias y creo que ya es momento.

Un detalle de la serie es que tienes el cabello rizado, diferente a tus otros personajes.

Es un cambio radical en muchos sentidos, como actriz lo disfruté muchísimo. Aunque he tratado de que no me encasillen, de no hacer los mismos papeles, de no repetirme siempre, es difícil ir en contra de lo que la gente percibe, te ven de cierta forma físicamente o por los papeles que has interpretado piensan que sólo puedes hacer ciertas cosas.

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Es la primera vez que me dan esa oportunidad de salirme absolutamente de esos parámetros, que me dan chance de proponer cosas, hay mucho de mí en Ana, de mis abuelas, de mi familia y me dieron ese chance de ir abonando, de ir construyendo juntos este personaje.

El resultado es espectacular, creo que la gente lo va a disfrutar; además es una serie que te da para arriba, que es lo que necesitamos también hoy en día con todo lo que estamos viviendo, este caos mundial.

Necesitamos ver cosas que nos diviertan, que nos dejen cosas positivas y que hablen también de lo que somos como mexicanos, de esas raíces que tenemos tan impregnadas, de esta manera de ver la vida, esta cosmovisión que abarca todo lo que es la brujería, el cómo impacta en nuestras vidas directa o indirectamente, fue muy interesante. ¿Crees en la magia o en los amuletos?

Tuve la oportunidad de pasar muchas horas en el mercado de Sonora conviviendo y aprendiendo de todas estas brujas hermosas, porque hay muchas escuelas, muchas corrientes, está la nuestra la mexicana, la indígena, la prehispánica que es con la que estoy más a fin a esa filosofía. Está también la santería que viene de Cuba y que tiene otro enfoque.

Amarres

A una de las brujas que me enseñaron y me abrieron las puertas de sus locales para lo que necesitara, fue increíble, le dije: “Dime la neta, ¿tú crees que todo esto que haces realmente funciona? ¿qué es lo que funciona en un hechizo, en un amarre?” y ella misma me lo dijo: “Mira, no es el hilito rojo que traes en la muñeca, no es el amarre, no es lo que te tomas, es la energía, la intención que tú le pongas a eso, el cómo lo decretas y la fe que tú le tienes a eso es lo que realmente funciona”, y en eso concuerdo plenamente.

La mente crea, lo que la mente cree y es así, no es magia, lo que pasa es que nos cuesta trabajo creerlo. Por supuesto creo que la energía sirve y funciona para bien y para mal. ¿Qué opinas del futuro de las plataformas en México?

Me ha tocado sin querer ser, de alguna forma, pionera en muchos lados. Por ejemplo, con Las Aparicio fuimos pioneras en Cadena 3, antes de que se volvería Grupo 48 |

Imagen, fuimos el primer contenido de ficción que ellos produjeron, lo mismo en Canal Once con Bienes Raíces que fue de los primeros proyectos de ficción que hicieron, también Vuelve Temprano cuando Cadena 3 se volvió Grupo Imagen fue el primer proyecto de ficción.

Ahora me está tocando hacerlo con Amarres el ser parte de esta apertura de contenidos latinoamericanos en esta nueva plataforma. Me siento orgullosísima porque ¡ni yo me la creo! ver mi nombre y mi foto en el póster de Amarres al lado de Game of Thrones, True Detective, de todas estas series que sigo, admiro y me encantan, la verdad me siento muy orgullosa.

En México tenemos muchísimo talento, sabemos hacer las cosas, somos referente de muchos países en cuanto a la forma en la que contamos nuestras historias y Amarres es un proyecto que va a enganchar al público porque es novedoso, original, está bien hecho y porque habla de nosotros, de nuestra sociedad, de cómo la mayoría de nosotros vivimos y salimos adelante en un mundo tan adverso como lo tenemos hoy.

“Amarres tenía todo desde un principio, es una historia distinta, divertida, que me forzó a salir de mi zona de confort es un proyecto de ensueño” ¿Qué sientes al ver que la serie se ve en varios países?

Es maravilloso, muy emocionante. De repente las redes sociales nos dan oportunidad de ver hasta dónde se ve nuestro trabajo porque a veces no lo dimensionamos, sabemos que el trabajo se ve muy lejos pero no sabemos si realmente la gente lo está viendo, le está llegando, lo está entendiendo y con las redes sociales tienes ese contacto directo, inmediato con el público.

Cuando te llegan mensajes de Bulgaria, de Dubái, una vez me llegó un mensaje de Grecia, de países con los que ni siquiera compartes idioma o costumbres y que realmente están entendiendo y disfrutando tu trabajo es verdaderamente maravilloso. El poder cruzar estas fronteras y decir lo que quieras decir es espectacular y a la vez una responsabilidad muy grande.

Amarres

Por último, ¿Qué debe tener el guion para que hagas el proyecto?

Primero tiene que ser una historia que no haya hecho antes, una historia que me rete, que me proponga crecer, que tenga que realmente poner mucho de mi parte porque eso es lo que a mí me gusta, meterme hasta el fondo, no me gustan las cosas sencillas.

Trabajar con gente con la que vaya a disfrutar mi trabajo, que no vaya a ser una pesadilla, que sea gente luminosa, positiva, que me proponga, me rete y haga crecer.

Amarres tenía todo desde un principio, es una historia distinta, divertida, que me forzó a salir de mi zona de confort y por supuesto el elenco, los actores con los que tuve la oportunidad de trabajar, con Marcelo Tobar que es un gran director, la historia de Fernanda Eguiarte que es maravillosa, en fin, fue un equipo y un proyecto de ensueño. | 49

J O R D Y

U L L O A

“LA PREFERENCIA SEXUAL NO DEBE DEFINIR A NADIE”

JORDY ULLOA, JOVEN ACTOR QUE INTERPRETA A CHARLY EN LA SERIE AMARRES DE HBOMAX, SE DICE MUY AGRADECIDO POR LA ENORME OPORTUNIDAD Y SOBRE TODO CON LOS FANS QUE HAN RECIBIDO A SU PERSONAJE CON MUCHO CARIÑO.

• CARLOS MORA

A parte de actor eres músico, ¿cómo nace el gusto por la actuación?

Estuvo chistoso porque quería ser músico desde que cumplí 12, toda mi bolita de amigos se metieron cañón en el rock y me empezaron a enseñar, me enamoré y dije ¡A esto me quiero dedicar!

En la secundaria, en mi escuela había teatro musical, mi papá me estuvo presionando mucho para que entrara a hacer teatro porque eso me iba a ayudar y pensé que estaría bueno porque podría cantar en un escenario, me metí y me enamoré, ya nunca me pude bajar, me fascinó. ¿Unes estás dos facetas?

Sí, se complementan mucho y me encantan. Además, con mi carrera, estudié ingeniería en audio, produzco música, por lo que todo va de la mano, es muy complementario y me hace muy feliz. ¿Cómo llegas a Amarres?

Fue una coincidencia muy padre. A mí me llama Fernanda Eguiarte, la guionista y showrunner de la serie, porque me había visto justo en algunas obras escolares en la prepa y en la universidad y no sé cómo estaba buscando a un Charly, se le ocurre llamarme y decirme “Oye, tengo este personaje para esta serie ¿te gustaría audicionar?”, dije que por supuesto que sí, me mandan los guiones, mando mis tapes rápido y me escogen.

Sobre Charly, ¿qué te gusta del personaje?

Fue muy peculiar porque por un lado una de las indicaciones que me dieron entre Fernanda Eguiarte y Marcelo Tobar fue “sé tú, el personaje es muy tú”. Es un chavo que es bastante lindo, creo que la parte que lo hace complejo y padre es que tiene una dualidad, lo ves y lo conoces al principio y se ve súper malo, mala onda, agresivo, ni siquiera sabe procesar bien sus emociones lo que es una cosa muy bonita porque en su relación con Armando (Martín Saracho) ves cómo se va soltando. ¿Cómo fue trabajar con Martín Saracho y crear esa química que se ve en la serie?

Una delicia, te podría decir que es de las mejores cosas que me han pasado en la vida. Cuando leí el guión y vi que iba a tener esta relación con otro chavo, estaba un poco nervioso y dije “A ver qué pasa, ¿qué pasa si no nos llevamos bien?”, no lo conocía. Llegó y me doy cuenta que es un tipazo, que es súper lindo y creo que la producción también se involucra porque nos ponían mucho en el mismo camper, entonces de repente en los tiempos muertos pasamos mucho tiempo juntos y nos hicimos súper amigos. | 51

La verdad creo que formamos una mancuerna padrísima en la que los dos confiábamos mucho en el otro, las decisiones que tomaba el otro, en seguir el juego, en entender esta relación de mucha confianza, porque se volvió una cosa que teníamos nosotros.

Es el primer proyecto que hago de esta magnitud y pasamos mucho tiempo trabajando en nuestros personajes y también interactuando nosotros, llevándonos bien, platicando de la vida y de qué nos gustaba, que no, y de repente en esas mismas pasadas de escena, había cosas que ya sabía, si al otro se le iba tal diálogo, entonces decías o hacías alguna cosilla para que se acordara rápido. Nos respaldamos muy bien, formamos una mancuerna bien padre, nos reíamos mucho. Lo adoro. ¿Qué opinas sobre estas nuevas etapas en la televisión y el cine en las que ya se está normalizando este tipo de parejas?

Me fascina, es muy importante no sólo normalizarlo sino visibilizarlo, hay mucha gente que tiene prejuicios a partir de no conocer y no entender. Es muy fácil hacerse una idea a la distancia, puedo decir que al crecer yo no entendí muy bien a la comunidad y haciendo teatro musical me rodeé de personas que son parte de la comunidad, que se volvieron personas muy importantes, desde maestros, amigos, amigas, hay gente en la serie también.

Es padrísimo, la idea y lo que me encantó también del personaje es que son dos chavos que se quieren y que son diferentes, no es que sean “dos chavos gays”, solamente son dos chavos y eso es algo muy importante que la gente tiene que entender, que más allá de las preferencias sexuales de alguien, son personas que viven la vida igual que todos los demás.

Me sentí muy honrado de tener esta responsabilidad con la comunidad, de representar; también de eso me colgué un poco de Martín, de que cualquier decisión de la que pudiera estar nervioso o de ciertas cosas de las que no estaba tan cómodo, lo tenía a él para agarrarme e ir juntos, tal cual como pasa en la serie fue una cosa que pasó en la vida real. ¿Como actor, cómo ves el interpretar personajes gays sin tantos clichés?

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“La primera cosa que me dijeron del personaje fue ‘es un personaje gay, ¿no te importa?’ y dije que no, no es una cosa que deba definir a nadie” La primera cosa que me dijeron del personaje fue “es un personaje gay, ¿no te importa?” y dije que no, creo que tenía tanta cercanía con personas con preferencias sexuales diferentes a la mía que entendí que no es una cosa que deba definir a nadie, es parte de tu personalidad, así como a alguien puede gustarle el chocolate y a alguien no, me parece que es exactamente lo mismo.

Es padrísimo el hecho de enriquecer estos personajes, ya no es un estereotipo, es una situación de vida más; así como los tres hijos de Ana en la serie tienen tres papás diferentes, Armando es gay, el papá de María se suicidó y el papá de Olga es bien mocho, simplemente son situaciones de vida distintas, lo que lo hace muy real y lo acerca a muchísima gente que a lo mejor en otros momentos no se hubiera visto representada en la tele, menos en la tele mexicana. La serie es muy mexicana por todos lados.

“Ha sido muy bonito, he recibido mensajes de mucho apoyo, de mucha gente que ama al personaje de Charly”

Hablando de Amarres y la magia, ¿tú crees en eso?

No soy tan supersticioso y no tengo tanto contacto con esas cosas, pero para mí es padre cómo lo toca la serie, porque la idea es “ahí está y hay gente que lo cree” pero hasta la propia protagonista, Ana, al principio dice que no cree en esas cosas. Avanza la serie y comienza a tener fe, pero nada te asegura que las cosas salen porque ella hizo magia, simplemente es una forma de ver el mundo e interpretar tu realidad, es algo bien padre porque al final esas cosas son algo a qué aferrarse cuando las cosas a tu alrededor son un caos, como pasa en la serie. Esa parte me fascina.

Por otro lado, creo que es cien por ciento parte de nuestra cultura, todos hemos oído de un té de calzón, todo mundo ha dicho “Ay, me tengo que ir a hacer una limpia”, por más que creas o no creas es parte de nuestra cultura, de nuestro día a día, de nuestra cotidianeidad.

Aparte es algo muy lleno de vida, muy jocoso y muy latino, muy divertido incluso en esta parte oscura, en este misticismo que genera expectativa y nos hace imaginarnos cosas, un mundo lleno de posibilidades en un mundo muy aterrizado y muy real, eso es padrísimo. Me sorprendió, la verdad. ¿Qué te han comentado los fans de la serie?

Ha sido una experiencia rarísima, no voy a mentir.

Terminamos de hacer la serie hace dos años, una parte de mí decía “No sé qué esperar y no sé qué significa que hayamos hecho esto”, todo estaba padrísimo pero no alcanzaba a entender. wLa parte que más me ha gustado es cuando la gente me escribe “Estoy en tal capítulo, lo que hiciste me chocó y ahora te odio” y después me mandan “¡Ay, no!

Pobrecito de ti”, eso me fascina porque ese fue un poco mi proceso al momento de leer la serie y de hacer las escenas. ¿En qué otros proyectos andas?

Ahorita por la pandemia un poco me detuve, pero en febrero hice una película que se llama El grosor del polvo, la hice con nuestro asistente de dirección de Amarres que se llama Jonathan Hernández, no estoy seguro cuándo va a salir pero estuvo padrísima. Me he enfocado también en la parte de audio, en la música, estoy produciendo un EP de cinco canciones para un artista nuevo que se llama Saeth, que creo va a estar increíble y estoy trabajando en algo de música mía, que no sé si lograré sacar este año o el próximo. | 53

CARLOS ARMELLA

Le da ÁNIMO a la JUVENTUD EL DIRECTOR CARLOS ARMELLA REGRESA CON SU NUEVO FILME ¡ÁNIMO, JUVENTUD! “SIENTO QUE NO HAY MUCHO CINE JUVENIL EN MÉXICO, SI HABLAMOS DE ESE TIPO DE CINE QUE SÍ TOQUE PREOCUPACIONES”, AFIRMA A LA REVISTA CAMEO. 54 |

• CARLOS MORA

¿Cómo ves eso de que muchas producciones están en espera de estrenar en cine y otras van directo a plataformas?

No puedo hablar por todos, obviamente, pero creo que casi siempre preferimos estrenar en cines porque desde que concebimos la película nos imaginamos esa pantalla grande, cuando hacemos el diseño sonoro, panear sonido de aquí allá, el atmos, todo es pensando en la sala de cine. Creo que todos pensamos en eso, a final de cuentas sí, un poco nos han ganado las plataformas; si queremos que más gente la vea esa es la mejor salida.

Me siento afortunado de que vamos a poder estrenar en salas; por otro lado la película ya está en plataformas en Estados Unidos desde hace tiempo. Qué pena que en allá no pudo salir en cines, hay la posibilidad de que se presente en algún festival, pero es algo muy selecto, pero qué bueno que se estrenó en EU, fue en HBO, es un gran logro que no se consiguió tan fácil.

Me genera un sentimiento encontrado, me parece que seguimos haciendo cine queriendo que se vea en salas de cine, por lo menos yo, pero sí queremos también esas plataformas, hay que tratar de aprovechar lo mejor de los dos mundos. Los que se van directo a plataformas es otro tipo de estreno y otro tipo de alcance, si la gente lo disfruta al final eso es lo importante.

Todos soñamos con el cine y aunque con la contingencia todo se complica, ustedes realizadores, al final quieren que se vea su producto ¿no? ¡Claro! A mí luego me pasa que veo una película en Netflix, en Amazon o HBO y digo ¡Chingón, la quiero ver! y la pongo, pero me pasa con algunas que me hubiera gustado verla en cine ¿por qué? Porque cuando llegaron mis hijos le puse pausa, me dio hambre, me paré fui al baño, sonó mi celular, etc. entonces tal vez la vi completa, pero sí hay ciertas cosas por las que dices “Hubiera sido genial verla en el cine”. Seguimos, todavía, adaptándonos a este tiempo. ¿Cómo concibes el guión ¡Ánimo, Juventud!?

Curiosamente, llevo ya muchos años escribiendo, pero este guión en particular, que nació a finales de 2014, fue muy atípico y rápido. Nació a partir de la primera imagen que tuve, que fue de un graffiti que vi cuando estaba circulando por la calle que decía “Cris, te amo”, en una pared que pareció un lugar muy raro, muy aislado y me puse a pensar quién lo había escrito y quién era Cris, podría ser Cristóbal, podía ser Cristina; y en el por qué escribirlo ahí, si alguien lo vio escribirlo ahí, obviamente no era la pared de la persona que lo escribió… Entonces eso me disparó muchas cuestiones, empecé a imaginar el personaje y la situación, era un poco absurdo, el mismo trend de pensamiento me fue dictando el tono de la historia. De repente en esa historia que empecé a imaginar apareció este otro personaje, que era esta chica que por un lado es la buena onda pero de manera ruda, tenía su propia historia y demás, se construyó el personaje de Dulce. | 55

“Intenté plantear este terreno medio donde sí hay ese mundo trágico, pero a pesar de que vivimos en esta realidad también nos reímos” Por ahí, apareció el personaje de Cris y me imaginé su entorno familiar, surgió el personaje de Pedro y finalmente el personaje de Daniel, que venía de otro lado, pero lo empecé a conectar.

Con el guión el primer tratamiento fue muy rápido porque en cuestión de tres semanas de haberme sentado a escribir ya lo tenía y después fue seleccionado para participar en TorinoFilmLab. Estaba en realidad tratando otro proyecto y este se dio tan fácil que como que te lo dicta solito, “este es el que está avanzando, el que ya tiene ganas de salir adelante”, además tenía un tono muy distinto a todo lo que había hecho anteriormente, mucha gente me ubicaba por documentales, por algunos de mis cortos, algunos pocos que vieron mi película anterior En la estancia (2014) que era más experimental, más de arte, y esta que era muy distinta.

Al mismo tiempo, aunque no eran vivencias sí había inquietudes y un humor que sí era muy personal, tengo humor negro, muy oscuro, me gusta mucho el sarcasmo y hacia allá lo fui guiando. Después, ya de estar escrito y con cada una de las historias y cada uno de los personajes me di cuenta que sí había muchas cosas en común, que sí había puesto cosas muy personales ahí, desde la timidez e inseguridad de Martín, hasta el hambre de madurar de Daniel, la cuestión bravucona y el querer romper con lo que la sociedad te está moldeando a hacer que tiene Dulce y la búsqueda de un camino propio 56 |

que tiene Pedro, esas ganas de separarse de todo lo que le están diciendo y abrir su propio camino.

También conforme lo escribía y estas escenas que sucedían en la escuela, la secundaria o la prepa, cuando la escribí tenía en mente a la escuela a la cual yo fui que fue la misma en primaria, secundaria y prepa. Ya que empezamos a hacer la película y empezamos a buscar locaciones vimos muchas escuelas, curiosamente terminamos filmando en la escuela a la cual yo asistí, de tantas que vimos. Yo me resistía, como que pensaba que eso era parte de mi vida personal y que no era parte de esta historia de ficción, pero después de ver muchas, la que se adaptaba mejor a la puesta en escena que yo había imaginado al momento de escribir el guión era esa, la escuela que yo conocía.

Sin tener esa intención al principio, terminó volviéndose personal, no diré autobiográfico, pero sí algo muy personal. Terminé filmando en la escuela a la cual asistí toda la vida y ahí se desarrollaron estos personajes que sí tenían características mías.

El humor negro se nota mucho en la película y el sarcasmo está justo en el título ¡Ánimo, juventud!

Es bastante ambivalente. Por un lado, y creo que a lo mejor esta es la primera impresión que tienen algunos al escuchar el título, es como ¡órale chavos, vamos! como muy señor, la verdad. Pero, al mismo tiempo tiene ambivalencia porque “ánimo” es una palabra rara, se la dices a un enfermo terminal ¿no?, a un wey que te dice “Me acabo de divorciar” pues ¡ánimo!

Se vuelve esa intención de “sal adelante”, pero por otro lado es “no veo mucha esperanza, ¿qué te puedo decir?”. Es un punto que veía en la película, el ímpetu de salir adelante y por otro lado es el adulto diciéndole a la juventud “¡Híjole!, no hay mucho futuro pero ánimo”.

La película recuerda a filmes como Perfume de violetas (2001) o De la calle (2001) por este humor ácido y negro de la juventud. ¿Consideras que la película es muy realista, alejada de las propuestas juveniles que vemos en las series?

Estas películas tienen grandes lecciones, pero al mismo tiempo traté de alejarme de la tragedia, del drama duro de la adolescencia que sí, sabemos son realistas debido a muchos casos que se viven en la Ciudad de México, y de las comedias muy ligeras que también vemos mucho, incluso más, que son evasivas de la realidad y muy aspiracionales.

Intenté plantear este terreno medio donde sí hay ese mundo trágico, sí hay ese realismo duro que nos ha tocado y les toca vivir a estas nuevas generaciones, pero a pesar de que vivimos en esta realidad también nos reímos.

Siento que no hay mucho cine juvenil en México, si hablamos de ese tipo de cine que sí toque preocupaciones y el tono de lo que los adolescentes traen. Hay ejemplos remontándome a años atrás como Temporada de patos (2004), más reciente Somos Mari Pepa (2013), que están en ese terreno de chicos viviendo cosas terribles, difíciles, pero no perdiendo el humor, ese espíritu juvenil. ¿Cómo fue trabajar con los adolescentes?

En cuanto al tipo de experiencia que tienen los jóvenes de ahora con la que yo tuve, creo que sí, la tecnología ha generado grandes cambios como con los celulares que nos acercan, pero nos alejan también; lo que trae nuevas problemáticas, algunas siguen siendo las de siempre, la incomprensión de los adultos como en el caso de Daniel, el embarazo adolescente, el bullying que a lo mejor antes no lo llamábamos bullying, pero existía y era muy pesado, ahora es el ciberbullying.

Hay muchas cosas similares, muchas cosas nuevas, algunas muy difíciles. También hay una energía renovada en los jóvenes, eso está padre.

Cuando los empezamos a castear y empezamos a ver a diferentes jóvenes, obviamente tenía una historia escrita, pero la quería dejar abierta, esa etapa ya la pasé hace muchos años y quiero que hablen, que se muevan, que actúen, que se preocupen como los jóvenes de hoy en día, pues tengo que estar abierto a lo que ellos aportan. A través de los castings, los callback, el taller de actuación que hicimos antes de filmar con los chicos, nos fuimos conociendo e intercambiando ideas; sobre todo yo absorbiendo cosas que fui adaptando a sus personajes y al guión que no te voy a decir que cambió muchísimo, no, terminó siendo lo mismo, pero los detalles se fueron moldeando a lo que ellos son. Eso trajo una energía muy positiva lo que hizo fácil el trabajo con ellos.

“(La cinta) nació a partir de la primera imagen que tuve, que fue de un graffiti que vi cuando estaba circulando por la calle que decía “Cris, te amo” Me han preguntado mucho ¿no es muy difícil trabajar con adolescentes? Claro, y esa es un poco la problemática que planteó en la película porque cuando nos ponemos en el papel de “soy adulto, tengo que lidiar con un adolescente”, creo ya entramos con la idea de “qué hueva, son difíciles, incontrolables, son hipersensibles…”

Traté de no entrar con esa mentalidad.

Creo que es más difícil dirigir a un viejo ¿por qué? porque hasta ahora no he sido viejo, pero sí he sido adolescente y basta con que me remonté a mis experiencias de adolescencia, a ese sentimiento, a esa rebeldía y esa incomprensión para entenderlos a ellos y tratar, aunque ya son tiempos distintos y generaciones distintas, de tener un puente donde podamos comunicarnos; cosa que a lo mejor si un viejo me platica que tiene problemas de vejiga es como te entiendo, pero no te entiendo porque no lo he vivido. Todo depende de cómo entras y con ellos intenté reconectar con mi adolescente interno, parte de la experiencia fue releer mis cuadernos, mis diarios de adolescencia, escuchar la música que escuchaba, sobre todo para remontarme a esos sentimientos y con base en eso sentirme adolescente al momento de lidiar con adolescentes. | 57

Emma, filme dirigido por Julio Bárcenas y protagonizado por Cassandra Iturbide, relata los sueños y aspiraciones de una niña de 8 años quien está en una lucha entre lo que le dice la sociedad y lo que realmente quiere hacer.

Julio, ¿de dónde sale esta idea de juntar el fútbol y la religión?

Como en los sueños, no sabemos de dónde viene la inspiración, pero aquí está presente. Esta inspiración viene no de mí, sino de la guionista que es Adriana Pelusi, pluma maravillosa que ha escrito varias piezas que han estado ya en cartelera; Adriana es compañera mía y la admiro, admiro su manera de poder interpretar el mundo y ella es súper pambolera y al igual que yo estudió en un colegio religioso.

También tratamos de que no fuera una película religiosa y de resignificar todas estas cosas, de encontrar un resignificado de la mujer dentro del deporte, algo que viene por añadidura, algo que plantea Adriana desde el principio, que me parece muy interesante porque hoy por hoy tenemos hasta una liga mexicana de futbol femenil, no lo habríamos imaginado en su momento y hoy es una realidad. Por eso la película nos inspira tanto. ¿Cómo fue dirigir a los niños?

No son fáciles, requieren muchísima energía, la verdad he tenido la suerte de trabajar con niños en set, mis cortometrajes todos tienen pequeñines en pantalla y he trabajado en otras películas como Tesoros, en donde los personajes principales son también pequeñines. Uno aprende mucho de la gente con la que trabaja y he tenido la oportunidad de trabajar con grandes cineastas, en Emma

EMMA, LA NIÑA “SANTA”Y CRACK DEL FUTBOL este caso María Novaro me enseñó mucho del trabajo en set con los niños y me llevó a entrarle sin miedo a esa experiencia.

Sobre el cameo de Julieta Egurrola como la madre superiora ¿cómo le dijiste?

En general, a todos mis compañeros actores adultos que nos hicieron el favor de acompañarnos en la película, Julieta Egurrola, Michelle Rodríguez, Áxel Ricco, Astrid Romo… Era increíble porque ves Astrid a lado de Cassandra y ¡es su mamá!, ¿cómo lo hicimos? Bueno, la vida nos lleva por esos caminos, nos pone en esas situaciones. Y con doña Yolanda Martínez, que era la Madre Gloria, que en paz descanse, fue un regalo poder haber trabajado con ella.

Le imprimen un carácter del que Cassandra puede platicar, de cómo le fue con la maestra Egurrola; que además, es una escena muy bonita en la que ellas dos pudieron convivir y compartir como actrices, creo que es de las principales cosas que están padrísimas.

Cassandra ¿qué fue lo que más te gustó de interpretar a Emma?

Amo todo de Emma. Fue una experiencia increíble conocer a gente tan buena, tan talentosa. Hice muy buena amistad con muchos de los que están aquí, eso fue lo que más me gustó. Aparte eso, es lo que te deja Emma, valores súper bonitos, te dice que tienes que creer en ti, creer en los demás para lograr una buena amistad y trabajar en equipo. ¿Cómo fue trabajar con la primera actriz Julieta Egurrola?

Cuando me dijeron que tenía escena con ella estaba muy nerviosa porque sé que es una actriz muy talentosa, muy conocida y que tiene muchos años de experiencia, estaba nerviosa y a la vez contenta de poder compartir una escena o el estar en pantalla con ella.

Estaba muy emocionada. Cuando me tocó la escena estaba temblando, porque aparte tiene un carácter fuerte y en la escena ella tenía que hablar todavía más fuerte; pero es padrísimo poder compartir trabajo y estar con gente tan talentosa, es lo importante. Nos divertimos, platicamos y tuvimos muy buena química entre todos, creo que fue lo que más me gustó.

• Carlos Mora

EMMA Dirección: Julio Bárcenas Guion: Adriana Pelusi de Icaza Fotografía: Christian Rivera

Emma

LA IMPORTANCIA DE LA MIRADA INFANTIL • Cinthya Salas

LA CINTA CUENTA LA HISTORIA DE EMMA, una estudiante de primaria de 8 años que al tener un repentino accidente con un balón tiene una visión que la hace replantear sus metas y planes a futuro.

Todo se complica cuando llega un niño nuevo a la escuela, Andrés, quien a través del fútbol y entre diversos conflictos creará un fuerte vínculo con la protagonista.

Filmada entre la Ciudad de México y Morelia, Michoacán se trata de la ópera prima de Julio Bárcenas, reconocido productor y asistente de director en proyectos tales como Los Últimos Cristeros (2011) o Tormentero (2017) y series del calibre de Soy Tu Fan (2011) o Diablero (2018), sólo por mencionar algunos de sus trabajos.

La película plantea un relato en el que la fe se muestra en sus diversas formas: desde una oración frente una figura religiosa reconocida, pasando por el amor hacia lo que nos motiva, hasta el simple, pero a veces complicado acto de confiar en uno mismo y sus instintos.

Con la ayuda del balón pie los personajes encuentran un lazo que los reúne a distintos niveles, convirtiéndo a este deporte en uno de los elementos principales en la trama, al replantear la idea de fe y santidad

que se presentan en un inicio. Banderas, camisetas, balones, porras y todo lo que implica ser fanático del soccer en México se puede encontrar de manera puntual en este film.

A través de 81 minutos se presenta el debut cinematográfico infantil de Cassandra Iturralde bajo el rol principal y de Esaú Ávila, conocido ex-integrante de la primera generación de La Academia Kids en 2013, acompañados de un gran elenco integrado por Áxel Ricco, Astrid Romo, Michelle Rodríguez, Silverio Palacios y Julieta Egurrola.

Mediante escenas fantásticas y oníricas de ovejas parlanchinas o brillos de luz que aparentan ser mágicos este largometraje de ficción, escrito por Adriana Pelusi y producido en 2018 con ayuda de EFICINE, nos adentra en las inquietudes de los niños que, al contrario de lo que podría pensarse, no son nada infantiles.

Ganadora del ​​premio a Mejor Película del XXXIV Calcutta International Cult Film Festival (India, 2020), Emma pone sobre la mesa la importancia de la mirada infantil en temas tales como el amor, la amistad, la pasión y el compañerismo; y deja de lado aquel adultocentrismo que asegura que “los niños no entienden de ciertos temas”.

YALITZA APARICIO,

PROTAGONIZA EL CORTOMETRAJE HIJAS DE BRUJAS HIJAS DE BRUJAS (Daughters of Witches), cortometraje protagonizado por Yalitza Aparicio, “es la actriz perfecta para esta historia y no puedo estar más emocionada de que sea su primer ficción estrenada desde Roma, su debut cinematográfico que le valió una histórica nominación al Oscar. Estoy muy honrada de haber dirigido este proyecto, con un cast y un crew de grandes profesionales representando a México ante una audiencia global, en nuestro propio idioma”, comenta la directora Faride Schroeder.

Hijas de Brujas puede verse a partir del primero de octubre en Hulu, junto con los otros siete cortometrajes que pertenecen al “Huluween” de este año. En México, podrá verse en el canal de Youtube de Hulu, “La magia y el poder del linaje femenino son algunas de mis obsesiones como mujer y como cineasta. En Hijas de Brujas pude narrar estas mismas obsesiones, esta vez, utilizando el género”.

Producido por Voces Imaginarias para 20th Century Digital Studio, coescrito por Mario Muñoz (Bajo la sal, Los minutos Negros) y Karen Acosta. “He escrito ficciones que van sobre el misterio y lo policiaco, ahora abordamos el misterio desde la fantasía y el terror sobrenatural. Hulu nos

dio la libertad para plantear una historia original y que hiciera sentido con México, con nuestro misticismo y con Faride, que es una directora con una gran sensibilidad y convicción sobre los temas de la representación de las mujeres en el cine”, menciona Mario Muñoz, también productor del corto.

“En este tipo de género, como en muchos otros, no es común encontrar una historia 100% femenina. Me motiva ver la pantalla llena de personajes femeninos autosuficientes, mujeres que son protagonistas, a las que les suceden cosas y que provocan otras”, aclara Schroeder.

Cada año HULU, la plataforma de streaming que pertenece a Disney/Fox diseñada y abierta a contenidos diversos, hace una búsqueda de nuevos talentos para que intervengan en “Huluween”, una muestra de 8 cortometrajes de terror. En esta ocasión invitaron a participar a la directora mexicana Faride Schroeder (4 kilos de recuerdos, Zurcidos invisibles, Mercy, Oasis) que nos cautivará con un cortometraje de misterio sobrenatural hablado en español donde la directora explora el misticismo de la cosmovisión mexicana desde la mirada femenina, según las propias palabras de la directora.

ALEJANDRO G. IÑÁRRITU

FINALIZA EL RODAJE DE SU NUEVA PELÍCULA BARDO BARDO (o Falsa Crónica de unas Cuantas Verdades), la nueva película de Alejandro G. Iñárritu, ha concluido su rodaje en la Ciudad de México.

20 años después de haber filmado su primera película, Amores Perros, y más recientemente The Revenant, Birdman y la instalación virtual Carne y Arena, el cinco veces ganador del Oscar regresó a su país natal, México, para producir y rodar este nuevo proyecto, completamente mexicano.

Escrita por Alejandro G. Iñárritu y Nicolás Giacobone, Bardo es una comedia nostálgica en el marco de un viaje épico. Una crónica de incertidumbres donde el protagonista, un reconocido periodista y documentalista mexicano, regresa a su país enfrentando su identidad, sus afectos familiares, la absurdidad de sus memorias, así como el pasado y nueva realidad de su país.

El filme cuenta con Daniel Jiménez Cacho y Griselda Siciliani en los papeles principales. La cinematografía estuvo a cargo del fotógrafo franco-iraní Darius Khondji, el diseño de producción fue llevado a cabo por Eugenio Caballero, y el diseño de vestuario por Anna Terrazas.

FINLANDIA,

UN SEÍSMO REAL QUE HARÁ QUE LAS MUXES DESAFÍEN Y ACABEN SANANDO SU ALMA La cinta narra la lucha de las Muxes por el reconocimiento de su género como un tipo más en la sociedad, a la misma vez que combaten sus propias pasiones, traumas y sentimientos escondidos. Delirio es el líder que guiará a esta comunidad hacia el descubrimiento de sí mismos. Mariano y Amaranta se encuentran bajo un alud negro de sufrimiento que les nubla la salida a la libertad. El temblor que acosa a Oaxaca desde años atrás terminará en un seísmo real que hará que las muxes desafíen su destino y acaben sanando su alma. Un viaje que transforma la vida de una diseñadora. Su forma de apreciar la realidad que le rodea y la visión interna de sí misma cambia cuando comienza a convivir con los habitantes de esta parte de la sociedad consiguiendo descubrir el origen de su tormento.

La película de producción México / Española, dirigida por Horacio Alcalá y protagonizada por Noé Hernández, Cuauhtli Jiménez, Andrea Guasch y Erik Israel Consuelo, retrata a una comunidad Oaxaqueña que no tiene miedo a desafiar los conceptos de identidad y género llegando a lo más hondo de sus pasiones a través del contacto con la tierra que cuidan: las muxes.

Finlandia se presentará en Competencia Oficial del Premio Maguey y Hecho en Jalisco en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara.

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LA CANDIDATA,

DOCUMENTAL QUE HABLA SOBRE MISS GAY VENEZUELA La Candidata es un documental dirigido por los cineastas Emil Guevara Malavé y Ronald Rivas Casallas, quienes sintieron la necesidad de contar una historia sobre el culto de la belleza, pero esta vez, desde un lado más humano, desde la perspectiva de 5 personajes que viven la belleza femenina como travestis y que buscan cumplir su sueños de ganar un lugar en el mundo, a través del certamen Miss Gay Venezuela. Un consurso que se inspira en el tan reconocido Miss Venezuela y que da la oportunidad a sus candidatas de sentir que tienen un espacio, que les hace posible tener la mirada en un mundo lleno de color y brillo, pero también de clandestinidad. Esta historia pone a prueba a sus cinco personajes llevándolos a cuestionar su idea del cuerpo, de lo femenino y masculino y su propia necesidad de completarse a través de la mirada del otro.

Argenis, Yanvaldo, Daniela, Eduardo y Dayana tienen un deseo en común: Ganar la Corona. En la película hacemos un recorrido que nos permite conocer el gran reto, de quienes animados por la tradición de los concursos de belleza, organizan e intentan recrear los años dorados de la televisión Venezolana y la grandeza de lo que representaba el certamen en el país, previo a la crisis política y económica que vive Venezuela desde hace más de 20 años.

Las candidatas, impulsadas por la idea de cumplir su sueño de ser una reina de belleza por una noche, participan sin saber las implicaciones físicas, económicas y emocionales a las que se verán expuestas. En la búsqueda de mostrar su identidad y ser aceptados, los personajes se someten a grandes esfuerzos, con el fin de lograr la imagen perfecta: los trucos de belleza y el performance que muestra el ideal de lo femenino más exuberante: lo culturalmente deseado por los venezolanos. Se trata, quizás, de la fantasía de lo femenino y de ser el

centro de todas las miradas, aunque sea sólo una noche.

La Candidata busca que el público conozca de forma vivencial, las historias de 5 personas que representan a un grupo, que va mucho más allá de solo la idea de ganar un concurso que los corone como el travesti mas bello del año, es una historia cautivadora que nos habla de cómo se vive con una identidad distinta a la “socialmente aceptada” y que a consecuencia, eso los hace personas fuertes, decididas y a la vez vulnerables ante sus sueños.

“En la región latinoamericana estamos debatiendo temas como el lenguaje inclusivo y la violencia de género. Nuestra película explora y reflexiona sobre el peso que tiene ser de un género o de otro. La manera en que construimos nuestra realidad tiene que ver con las historias que nos contamos, con cómo nos contamos a nosotros mismos” comentan sus directores.

También nos hablan sobre su participación en la edición 36 del Festival Internacional de Cine de Guadalajara, “es un honor estar en El FICG, representa para nosotros un espacio de mucho valor y simbolismo; hemos fantaseado con estar en este cartel y mostrar esta película es una unión con México. Nos sentimos honrados de contar con un equipo 100% mexicano en la postproducción y además, contamos con la colaboración de una de las mujeres más importantes de la escena musical y audiovisual de la cultura mexicana como lo es Zemmoa, que además es reconocida esta 36º Edición como Icono Queer por el premio Maguey. Creemos que La Candidata puede encontrar resonancia en el público mexicano y reforzar los lazos que unen a ambos países y comparten histórica y culturalmente”.

MI NOVIA ES LA REVOLUCIÓN

UNA VISIÓN MÁS DE LA FEMINIDAD DEL DIRECTOR MARCELINO ISLAS La más reciente película del director Marcelino Islas Hernández, Mi novia es la revolución. protagonizada por Sofía Islas, Ana Valeria Becerril y Flor Edwarda Gurrola se encuentra en Competencia Oficial del Premio Maguey en el marco del Festival Internacional de Cine en Guadalajara.

Para Marcelino Mi novia es la revolución es una película sobre crecer. Es la historia de Sofía, quien entra a la adolescencia y se enfrenta al desencanto de dejar de ser una niña y despertar en un mundo que no es perfecto” La película es protagonizada por Sofía Islas, hija de Marcelino Islas, Ana Valeria Becerril, Flor Edwarda Gurrola, también cuenta con las actuaciones de Renata López, Martha Claudia Moreno, Paco Rueda, Mauro Sánchez Navarro, Pedro Hernández, Verónica Langer y Ana Lorena Rodríguez. El rodaje se realizó en 21 días y se filmó en Las Arboledas en el Estado de México, bajo la producción de Andrea Toca, Daniela Leyva Becerra Acosta y Aída Herrerías.

Mi novia es la revolución se vive en el México de 1994. Sofía está por cumplir 15 años, pero no quiere fiesta. Acaba de mudarse a Las Arboledas tras la separación de sus padres. Sofía pasa los días en la aburrida compañía de su hermana menor. La monotonía desaparece cuando Sofía encuentra a Eva, una chica de actitud rebelde con la que descubrirá el amor y las decepciones que le acompañan, un turbulento viaje lleno de asaltos, ilusiones y rock and roll. Es inevitable, crecer es inevitable.

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