REVISTA CAMEO 9

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ADAN CANTO

CON PASO FIRME EN HOLLYWOOD

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FIONA PALOMO

HEREDA EL TALENTO

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MABEL MORENO

APRECIA EL MELODRAMA LATINO

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G A B R I E L TA R A N T I N I

AMA LOS RETOS

NÚMERO 09 FEBRERO | MARZO | 2022 AÑO 2 REVISTA DIGITAL BIMESTRAL Editor: Carlos Mora Co editora: Maribel De Luna Colaboradores: Elizabeth Osorio Alejandra Lomelí Angélica Ramírez Francisco Javier Quintanar Polanco Cinthya Salas

cameo.revista@gmail.com

yumpu.com/cameorevista

REVISTA

Ante los acontecimientos recientes que nos llevan a buscar nuevas formas para difundir los proyectos de cine, televisión y plataformas digitales nace la revista Cameo para dar a conocer los trabajos de películas y series.

Directores, productores, fotógrafos, guionistas, creadores de contenidos, distribuidores y demás personas que compartimos el amor por el séptimo arte queremos mostrar la calidad que hay en la industria en México. revista Cameo

El Bosque de Chapultepec y el Cine • ELIZABETH OSORIO

NUESTRO BOSQUE DE CHAPULTEPEC NO SÓLO ES EL PULMÓN URBANO MÁS ANTIGUO DE LATINOAMÉRICA, ES EL SITIO QUE GUARDA ENTRE SUS AHUEHUETES EXTRAORDINARIAS HISTORIAS Y LEYENDAS DE LA ÉPOCA PREHISPÁNICA Y EL ANTIGUO CENTRO DE PODER POLÍTICO POR RESGUARDAR LAS RESIDENCIAS DE LOS EMPERADORES CARLOTA Y MAXIMILIANO, Y EXPRESIDENTES DE MÉXICO. POR SU RELEVANCIA HISTÓRICA SERÍA INCREÍBLE PENSAR QUE EL SÉPTIMO ARTE NO SE MANIFESTARA EN ALGUNAS DE SUS 686 HECTÁREAS; SIN EMBARGO, NO MUCHOS SABEN QUE EL BOSQUE DE CHAPULTEPEC ES DONDE NACE EL CINE MEXICANO, DONDE SE FILMÓ LA PRIMERA PELÍCULA Y EN LA QUE EL PROTAGONISTA FUE NADA MÁS Y NADA MENOS QUE DON PORFIRIO DÍAZ.

PRIMERA PELÍCULA MEXICANA NACE EN EL BOSQUE DE CHAPULTEPEC

Primera película mexicana Año: 1896 Descripción: Porfirio Díaz a la derecha en una cabalgata por el bosque

Fue en agosto de 1896 que se filmó en el Bosque la primera escena en la historia del cine mexicano, apenas un año después de que los hermanos franceses Lumière inventaran el cinematógrafo. Con el fin de que otras naciones conocieran el novedoso aparato los Lumière prepararon a emisarios, fue así que Gabriel Veyre y Claude Von Bernard llegan a México y presentan a Porfirio Díaz en el Castillo de Chapultepec el invento del momento.

Para mostrar el potencial del cinematógrafo, grabaron sólo unos instantes el paseo a caballo del Presidente Díaz, quien iban acompañado de soldados y entre ciclistas que disfrutaban del bosque.

DUELO DE PISTOLAS, LA PRIMERA PELÍCULA DE FICCIÓN

Cuatro meses después en diciembre del mismo 1896, nace el cine de ficción y nuevamente el Bosque de Chapultepec es el escenario. Gabriel Veyre filmó Duelo de Pistolas, basada en un hecho real sobre un duelo que tuvieron dos diputados en el que uno murió y otro terminó encarcelado.

Este filme creó una gran controversia al exhibirse, porqué los espectadores creyeron que en realidad estaban viendo un asesinato.

Duelo de Pistolas Año: 1896 Descripción: Primer filme de ficción

Santa, primera versión (silente) Año: 1918 Descripción: Castillo de Chapultepec

Restaurante y Café de Chapultepec Año: 1904

LA PRIMERA VERSIÓN DE SANTA Y EL CASTILLO DE CHAPULTEPEC

La película Santa fue filmada en 1918 por primera vez en su versión silente; sí se trata, de la misma historia que conocemos como la primera cinta sonora mexicana realizada en 1938 y que protagonizó la bella Lupita Tovar, quien personificó a la humilde muchacha de belleza inusual condenada a la prostitución después de quedar embarazada de un soldado.

La versión Santa de 1918 no sonora, que fue un éxito de taquilla, dirigida por Luis G. Peredo mostró el Castillo, el Lago de Chapultepec y su emblemática fuente como parte de los escenarios en los que Santa pasea una vez que llega del campo a trabajar a un burdel en la gran ciudad.

EL DESPARECIDO RESTAURANTE CENTRO POLÍTICO DE CHAPULTEPEC

De Santa damos un salto en el tiempo para hablar sobre el restaurante y café de Chapultepec que aparece en la película la Sombra del Caudillo de 1960, este sitio se encontraba donde hoy está el Museo de Arte Moderno y desde donde se aprecia una de las fachadas laterales del Castillo.

Se sabe que el elegante restaurante y café se ubicaba en dicho punto desde finales del siglo XIX, al estar abajo del Castillo que aún era la residencia presidencial, se convirtió en un importante centro de reunión de la élite política de la época; militares, diputados y gobernadores se daban cita ahí para charlar o para aguardar mientras subían al Castillo a visitar al Presidente en turno.

En la Sombra del Caudillo dirigida por Julio Bracho podemos a ver al emblemático villano del cine mexicano de oro, Carlos López Moctezuma llegar al restaurante y tomar café con miembros de la política, quienes esperan al general Ignacio Aguirre que será el sucesor de Álvaro Obregón en la presidencia.

Sería imposible nombrar todos los filmes que han tenido como locación al Bosque, son innumerables… Calabacitas Tiernas, 1948 con Tintán que decide ir a suicidarse al Bosque de Chapultepec; Ensayo de un Crimen de Luis Buñuel en la que aparece Miroslava y Ernesto Alonso charlando entre los enormes árboles; El Bolero de Raquel, 1957 protagonizada por Cantinflas, quien bolea los zapatos de un turista a quien le cuenta la historia del Castillo, entre muchas otras.

En tiempos más recientes, la película Romeo y Julieta de Leonardo Di Caprio y Claire Danes, estrenada en 1996, tuvo locaciones en el Castillo, el filme muestra el esplendor que aún tiene el sitio histórico.

VERSÁTI

ADAN

CANTO En entrevista exclusiva para la Revista Cameo, el actor platica de sus nuevos proyectos, la serie La chica que limpia y la película Herida,

al lado de la ganadora del Oscar, Halle Berry, "son proyectos y personajes distintos, pero es lo lindo de este trabajo, que puedes agarrar cosas importantes de los personajes"

•C A R L OS M O R A

"HAY MUCHA COMPETENCIA, INCLUSO EN UNA CARRERA, SI TÚ ESTÁS CORRIENDO NO ESTÁS VIENDO CÓMO VAN LOS DEMÁS, TÚ A LO TUYO, SIEMPRE ME DECIDÍ A ENFOCARME DE ESA MANERA Y AQUÍ ESTAMOS"

¿Qué puedes platicar sobre tu participación en la serie La Chica Que Limpia?

Los creadores de la serie tenían interés de buscar a alguien que entendiera la mentalidad de una persona haya nacido en los Estados Unidos pero con padres mexicanos.

Estuvimos construyendo hasta encontrar a este personaje, Arman Morales. Conforme estuvimos grabando hubo algunos cambios para irlo puliendo, mi objetivo siempre fue representar a un mexico-americano cien por ciento porque conforme va pasando la temporada hay personajes con los que hablo en español, eso me encanta, no hablas en inglés con un mexicano en Estados Unidos y mira que llevo muchos años viviendo acá, tengo familia y amigos en ambos lados de la frontera.

En la serie hay actores de diferentes nacionalidades, ¿qué opinas de esta diversidad que tiene?

Siento que lo que está pasando con las plataformas es que hay más interés de acercarse a la realidad, de buscar historias y personajes apegados al realismo, es algo que me encanta.

Por ejemplo, en Beverly Hills la mayoría de los que viven ahí son árabes, esa es una realidad.

Tú estás entre dos países y dos culturas, la mexicana y la americana, ¿cómo lo vives?

Exacto, soy mexico-americano, tengo familia mexicana y americana, no hay necesidad de encajarse en un cuadrito. Los colores y los detalles de la cultura mexicana son francamente lo que más aprecio de mi personalidad o de mi carácter, es una de las cosas que le 10 |

decía a las productoras que al crecer en el norte de México todo esto del “hombre de palabra, honradez, ser trabajador, no depender de nadie”, este tipo de pensar es algo que llevo conmigo día con día. ¿Qué opinas de los remakes de la serie, la original Argentina y la mexicana?

No he tenido la oportunidad de ver la argentina ni la mexicana, no quería que influyera en la manera en la que iba a abordar la historia, pero cuando un proyecto está bien escrito se trata de una historia totalmente distinta con el mismo título. Me gustó mucho el setting, estábamos en Las Vegas, Nevada, en donde hay una revoltura de nacionalidades, hay gente que está buscando ser millonaria e inmigrantes de Cuba que están buscando sobrevivir y crear una vida digna, o en el caso de la serie ver a una mujer camboyana que se fue de su país tratando de salvar la vida de su hijo, son historias que ocurren y que quisieron representar.

También protagonizaste la cinta Herida (2020) para Netflix.

Fue bastante trabajo y cuando digo ‘trabajo’ me refiero a la destreza física que se requirió para representar a Desi DeMarco, mi personaje. No sabía qué iba a pasar en escena, así que lo que hice fue entender el personaje, de dónde venía, dónde nació, en qué década, qué traumas o abusos vivió y el tipo de resentimiento que siempre llevaba con él, uno en donde todo el mundo tenía la culpa de su miseria.

Platicando con Halle Berry le dije “lo bueno es que ya acabaron mis escenas encendidas, me puedo relajar

un poco más”, así que empezamos a grabar y ¡explotó otra vez! No sabes qué es lo que lo va a encender y eso es algo con lo que, en este caso en particular, tenía que tener mucho cuidado, tenía que realmente entender la estructura de este personaje para vivir la violencia que tiene. ¿Cómo fue trabajar con Halle Berry?

Es lindísima, muy entregada a su trabajo, se asegura de que todo vibre en la misma frecuencia. Es muy dedicada, ella se tomó su tiempo a pesar de que fue una película independiente en la que teníamos que llevar la cosa rápido, logró tomarse su tiempo y hacer su trabajo como actriz, algo en lo que es genial, todos sabemos que es tremenda. Particularmente en esta película fue brutal, pero también terminar y luego ir detrás de la cámara a analizar, fue una gran experiencia y nos convertimos en buenos amigos.

Cuéntanos sobre la versatilidad de tu carrera, sabemos que no te encasillas en los mismos papeles.

Lo que he percibido a lo largo de los años es que hay actores que funcionan muy bien en algo en particular y a lo mejor no tienen el interés en hacer otra cosa y no va a pasar, no creo que sean malos actores, solamente es un diferente estilo. En lo particular, lo que me encanta es la transformación, lo que ocurre en la mente, en el ritmo, incluso en el corazón.

Por ejemplo, con el personaje de Desi en Herida, siempre estaba encendido, la cara siempre la tenía roja y era algo que no pensé, pero así ocurría; con Arman en La chica que limpia, él es un poco más calmado, controlado y se enciende, pero luego luego regresa porque es más estratégico. Es lo lindo de este trabajo, que puedes agarrar cosas importantes de los personajes para pulir tu persona.

Hace unos años fuiste un X-Men y recientemente Salma Hayek (Eternals) comentaba que no hay actores latinos que figuren en el cine de superhéroes, ¿qué piensas sobre este tema?

Depende de los cómics que estemos hablando porque al final del día todo está basado en cómics. Para nada soy experto en el tema, pero tengo entendido que empezaron de los años 50 o antes y uno tiene que considerar el tiempo en el que vivía la gente, el tipo de referencias que tenían alrededor. Como yo hice a Sunspot recuerdo que era brasileño y ese fue un superhéroe latino, pero no tengo conocimiento de qué más latinos hay por ahí, si no hay no sé por qué, creo que es una cuestión de los autores de cómics. | 11

"TENGO FAMILIA MEXICANA Y AMERICANA, NO HAY NECESIDAD DE ENCAJARSE EN UN CUADRITO. LOS COLORES Y DETALLES DE LA CULTURA MEXICANA SON FRANCAMENTE LO QUE MÁS APRECIO DE MI PERSONALIDAD"

"ESTUVIMOS CONSTRUYENDO A ESTE PERSONAJE (ARMAN MORALES) CONFORME GRABÁBAMOS, HUBO ALGUNOS CAMBIOS PARA IRLO PULIENDO" ¿Qué fue para ti estar en el blockbuster X-Men: Días del futuro pasado (2014)?

Fue muy diferente porque son producciones en las que están cientos de personas en el set, sets enormes, efectos especiales, algo ridículo. Es mucho esperar en el tráiler y luego llegar, estar al 200 por ciento y luego volver a esperar horas en el tráiler, además de que en el maquillaje son horas también por todos los efectos.

Es bonito, más que nada el convivir con tanta gente y actores imaginando que una pelota de tenis es un monstruo y le estamos aventando fuego o lo que sea, estamos jugando. ¿Crees que los inmigrantes y los latinos están dejando de ser invisibles en la industria?

Siento que es la mentalidad de uno mismo el no considerarse invisible porque eso he notado. Con amigos o conocidos, también latinos, ya sea de México o de Latinoamérica, la actitud es lo más importante, cuando uno deja de pensar ‘A los mexicanos nos hacen menos’, uno ya no se pone en esa caja.

Uno es un individuo y debe ser seguro de sí mismo, hacer lo que a uno le gusta con pasión, hablar con la gente con certidumbre, a lo que uno va. La actitud de victimización nunca es sobrable, pero hay gente muy fuerte en México y Latinoamérica, y por eso inevitablemente vamos a ver que toda esta gente comienza a aparecer y hacen un fuerte impacto. ¿Qué opinas de las plataformas que están saliendo y que miran más a Latinoamérica porque necesitan más proyectos, más actores, productores, etc.?

Es buenísimo, hay mucha carne en Latinoamérica porque es una cultura riquísima y hay muchas historias por hacer. En lo particular, estoy desarrollando una producción méxico-americana, estamos apenas empezando, no tengo nombre, tengo la historia, creo que nos va llevar por lo menos un par de años para llevarla a cabo pues es compleja, basada mucho en cosas que viví de pequeño, no nada más en México sino también en los Estados Unidos.

Lo que se me hace impresionante es el contraste de estilos de vida y de culturas, en Ciudad Acuña cuando tenía nueve años íbamos a ciertos vecindarios y veíamos cómo vive la gente ahí, con casas de cartón y siendo lindísimas personas, llegabas a sus casas y la gente te podía ofrecer tacos de chile, y acá en los Estados Unidos luego ves a chicos quejarse porque su iPhone no funciona, no está mal pero es un contraste impresionante. Hay una necesidad de tocar piso y de recordar qué es lo importante, lo valioso y saber cuáles son los riesgos o los problemas de la vida. ¿Cómo ves la competencia tanto en México como en Estados Unidos?

Hay mucha competencia, pero una de las cosas, que no sé si para bien o para mal, desde chico nunca quise considerar el tema de la competencia. Incluso en una carrera, si tú estás corriendo no estás viendo cómo van los demás, tú a lo tuyo, siempre me decidí a enfocarme de esa manera y aquí estamos. | 13

FIONA PALOMO SIN DUDA ALGUNA EL TALENTO SE HEREDA, PRUEBA DE ELLO ES LA HIJA EDUARDO PALOMO Y CARINA RICCO, QUIEN EN TAN CORTO TIEMPO HA LOGRADO ESTAR EN DOS GRANDES PROYECTOS: LA SERIE CONTROL Z Y SU DEBUT EN EL CINE CON ¡QUÉ DESPADRE!

•C A R L OS M O R A

SE ABRE CAMINO

Ni tuyo, ni mía

"(HÉCTOR SUÁREZ) ES DE ESOS SERES QUE LLENAN LOS ESPACIOS DE UNA MANERA MÁGICA. FUE UN HONOR HABER TRABAJADO A SU LADO"

¿Qué fue lo que te llevas de la película?

La fortuna de haber trabajado con grandes personas y actores, un honor estar en pantalla con Héctor Suárez y Diana Bracho. Fue aprender todos los días con grandes maestros en set, es un regalo enorme, son personas que quiero mucho y hasta el día de hoy tengo contacto con todos, se volvieron una familia para mí y eso es muy valioso en la industria.

También crear una historia tan bonita y blanca, retrata valores, la relación de padre e hija. Me parece que tiene mucho corazón y es muy bonito ser parte de ello. ¿Cómo fue compartir escena con Héctor Suarez?

Lo recuerdo como uno de los días en los que más reí en mi vida, es una cosa impresionante haberlo tenido enfrente y trabajar con él, verlo en escena y al final cuando dicen “corte” fue algo que me marcó mucho.

Es de esos seres que llenan los espacios de una manera mágica. Fue un honor haber trabajado a su lado.

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También estuviste con Concepción Márquez, otra primera actriz.

Ella trabajó con mi papá (Eduardo Palomo), en Corazón Salvaje, fue muy bonito, es de esa generación que trabajó con él, fue llegar con la familia porque te dicen “¡Ah! yo te cargué”, Héctor (Suárez) me cargó de bebé y yo ni sabía. Es algo padre, pues te encuentras con seres con los que ya cruzaste camino cuando ni siquiera tenías recuerdos. A Concepción la quiero tanto, tiene un corazón enorme y trabajar con ella estas escenas juntas fue una complicidad maravillosa.

Otro proyecto en el que participas es la serie Control Z, ¿cuál fue tu experiencia?

Siento agradecimiento de estar comenzando mi carrera y que ya me haya tocado estar con distintos tonos y jugar con algo tan crudo y fuerte como Control Z y luego con algo tan blanco con ¡Qué despadre!

Me parece un reto muchísimo mayor la comedia, estaba aterrada de tener un papel importante en la película, de estarlo haciendo por primera vez en mi primera película y con el elenco que me tocó, era un miedo o nervio todos los días, estoy cobijada con todo este precioso reparto. Era trabajar duro todos los días, desde ensayos antes de rodaje hasta llegar a set para hacerlo bien, por suerte estar con todos ellos ayudó muchísimo.

En Control Z son los tonos oscuros del ser humano y lo que pueden vivir los chicos en la escuela, ese realismo es un tanto más fácil, así que es precioso tener estos retos y poder mostrar distintos seres humanos.

Creo que mientras más lejanos sean los personajes entre sí y más lejanos a mí misma es más grande el reto y más grande el gozo. Es una ganancia cuando logramos enseñar seres humanos distintos. Estoy muy agradecida, ha sido todo muy bonito.

En la serie trabajas al lado de la nueva generación de actores, ¿cómo te sientes?

Me cae más el veinte, esa es la siguiente generación.

Control Z fue muy grande y significante para todos, compartir eso y ese camino que al final fueron tres años de trabajar juntos, de vernos meses y meses al año y pasar la pandemia, fue muy interesante compartir esta etapa del mundo, de nuestras vidas y carreras al mismo tiempo, los quiero mucho, me alegra verlos triunfar y que les vayan bien. Mientras más se sumen al arte a contar historias y que lo hagamos de una forma honesta, es precioso. Crecí mucho como persona.

Sin duda el talento se hereda, ¿en algún momento has pensado que tienes la vara alta por los trabajos que hicieron tus papás?

No, siempre ha sido algo muy bonito para mí porque son un ejemplo a seguir. Mi papá como actor y ambos (papá y mamá) como seres humanos sobre todo. Los percibo como tener dos ángeles que me acompañan a través de esta industria y del mundo.

Claro que ante el ojo del público y de la industria, del medio se puede esperar cierta altura de nosotros al tener estos padres, pero concentrarse en eso me parece no es lo mejor para el corazón porque al final somos seres distintos, individuos. Es igual a compararse con cualquier otra persona.

"(CONTROL Z) FUE MUY INTERESANTE COMPARTIR ESTA ETAPA DEL MUNDO, DE NUESTRAS VIDAS Y CARRERAS AL MISMO TIEMPO, LOS QUIERO MUCHO, ME ALEGRA VERLOS TRIUNFAR Y QUE LES VAYAN BIEN"

Control Z

Lo que he procurado es mejorar por mí, aprender mucho de ellos, como de muchos otros artistas que quiero mucho y admiro los conozca o no, ir forjando mi propio camino y ganarme mi lugar y mi nombre en el trabajo.

Esto sucedió sin querer, pero hasta ahorita nadie sabía quiénes son mis papás, sucedió, nunca fue mi búsqueda pero al mismo tiempo es lindo porque quiere decir que llegué ahí por mí, eso es muy gratificante. Para mí mis papás son un ejemplo a seguir. ¿Qué otro género te gustaría explorar?

Estoy por comenzar una película con la casa

productora de Catatonia Cine y con un director que se llama Jorge Puchi, que su ópera prima fue hace dos años y ganó en el Festival Internacional de Cine de Morelia y se llama 50 o dos ballenas se encuentran en la playa. Es una película muy dura porque trata sobre la violencia sexual en el medio, voy con Alfonso Dosal y me emociona mucho porque es otro tono completamente diferente que amo con locura, pues es increíblemente humano, crudo y fuerte jugar con eso y tener que explorar esa realidad, es un gran reto.

Y ojalá, cuando baje un poquito todo esto de la pandemia, me encantaría hacer teatro

MAURICIO OCHMANN Y SANDRA ECHEVERRÍA

ARMAN SU

¡DES...PADRE! Nos platican sobre su experiencia al participar en la nueva comedia ¡Qué despadre!, dirigida por Pitipol Ybarra •C A R L OS M O R A

¿Qué les dejó realizar este proyecto?

SANDRA: Estoy contenta de poder trabajar en una comedia, casi siempre me han llamado para hacer dramas y cuando me llaman para comedias me emociona mucho porque es el género que más disfruto hacer y el que menos he hecho. Trabajar con Pitipol Ybarra (Pedro Pablo Ibarra) es una gran oportunidad, es de los directores que ha hecho películas muy taquilleras, las más importantes en México en los últimos años.

Y Mauricio (Ochmann), lo amo, lo conozco desde hace más de mil años… No vamos

a hacer cuentas pero este sería mi tercer proyecto con él y tenemos una gran conexión, una gran amistad, además de que lo admiro mucho como actor y que maneja la comedia de una forma increíble.

Vi la película y me emocionó mucho esta relación de los dos personajes que tiene una química maravillosa, hay mucha magia.

Les va a gustar mucho, se van a divertir y sobre todo está padrísimo que sea para toda la familia, ahora que tengo un hijo de seis años no puede ver casi todo de lo que está en televisión.

"YO EMPECÉ MI CARRERA CON HÉCTOR (SUÁREZ) CUANDO TENÍA 16 AÑOS, ÉL FUE EL QUE ME DIO MI PRIMERA OPORTUNIDAD Y EMPECÉ A HACER SKETCHES. PARA MÍ ES MÁGICO HABER TENIDO LA OPORTUNIDAD DE QUE ÉL ESTUVIERA EN ESTA PELÍCULA" MAURICIO OCHMANN

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MAURICIO: Este es un proyecto entrañable para mí por muchas razones, es una película deliciosamente escrita y me gustó ver el arco de mi personaje, que pasa de ser ese adolescente tardío, chavorruco que no da su brazo a torcer, no quiere crecer en diferentes ámbitos de su vida y cuando le cae la noticia que tiene una hija, se le mueve el mundo.

A través de la comedia se logra transmitir el mensaje de la paternidad, de hacerte responsable, de contener, amar y todo el duelo que pasa mi personaje, y del personaje de Fiona Palomo que trae toda está búsqueda de un eslabón perdido.

Siento que mucha gente se va a identificar con esta parte, este vínculo y esta relación, también con el personaje de Sandra Echeverría que es como mi terapeuta de cabecera en esta negación de querer crecer, ella se vuelve una consejera.

También está la parte de la necesidad que tenemos todos de ser amados y encontrar una relación que te haga crecer.

Siento que el público se va a identificar muchísimo con los personajes porque sí es un producto para toda la familia, la pueden disfrutar porque se van a reír muchísimo.

Para mí es maravilloso como papá, como ser humano, como artista hacer proyectos que divierten, que entretienen, que son entrañables y que dejan mensaje, dejan mi objetivo cumplido.

Sandra, la película toca el tema de la edad ¿temes envejecer?

Como mujer hablo: por supuesto que sí. De pronto dices “¡Ay, Dios! Ya no soy la niña que era antes”, están llegando nuevas chavas, nuevas generaciones y de pronto te ves en pantalla todo el tiempo y empiezas a ver cambios, a ver cosas y dices ¿qué puedo hacer? Pero hay que envejecer con dignidad, aceptar la edad de una forma madura y eso es trabajo porque cuando eres chico no lo entiendes.

Cuando era chica pensaba “¿Por qué se preocupan tanto las mamás? ¿por qué las cremas y tanto gastadero en la piel?” y de repente estás en esa edad y lo entiendes. Es parte del proceso de la vida.

Mauricio, ¿cómo fue trabajar con Héctor Suárez?

Fue divertidísimo. Yo empecé mi carrera con Héctor cuando tenía 16 años, él fue el que me dio mi primera oportunidad y empecé a hacer sketches. Para mí es mágico el haber tenido la oportunidad de que Héctor estuviera en esta película con nosotros, me pareció mágico.

A pesar del proceso de salud que estaba viviendo y el que haya aceptado hacer esa actuación especial después de tantos años de no haber trabajado con él y volver a verlo como un niño con esa grandeza, esa maestría, nos tenía a todo el crew muerto de la risa. Sé que va a ser una escena muy entrañable y que la gente se va a divertir muchísimo. Para mí era un maestro y seguirá siéndolo porque ahí está su legado para toda la vida. | 23

J AV I E R ÁV I L A

DA VOZ A LAS VÍCTIMAS DE LA VIOLENCIA

EL CINEASTA REGRESA CON NIÑA SOLA, un documental donde los familiares narran la violencia vivida por Cintia, una víctima de feminicidio •C A R L OS M O R A

Niña sola es un documental bastante crudo, ¿por qué decidiste hablar sobre el tema de la violencia de género?

Justo ese fue el principal objetivo, visibilizar el caso de Cintia, exponer quién era, las metas que tenía, su vida y su contexto, porque evitar eso es parte de lo que nos desensibiliza. De pronto todo son estadísticas y números, se nos olvida quiénes son las personas a quienes les arrebataron la vida, hay que empezar a llamar las cosas por su nombre. ¿Cómo llega la historia a tus manos?

En septiembre del 2016 se registran en Tijuana cinco feminicidios y eso para Tijuana era algo extraño porque no existía un registro así, históricamente hablando. Toda la ciudad se puso mal y había pánico por todos lados, necesitaba encontrar información pues tenía muchas preguntas de cómo es que esto estaba pasando y realmente no encontraba información, únicamente encontraba opiniones de un posible asesino en serie y varias tonterías. Di con una nota del Semanario

Z Tijuana escrita por Saúl Ramírez en la que él sí había ido con los familiares de las víctimas e hizo un breve recuento de los casos, creo que de cuatro de los cinco casos. Contacté a Saúl para ponerme en contacto con los familiares de las víctimas, tenía interés de platicar con ellos para desarrollar un proyecto.

Mi intención era abarcar todos los casos en un inicio y él me sugiere que vayamos primero a conocer a Arcelia porque tenía la intención de dar a conocer el caso de su hija porque estaba muy molesta de que no hubo atención de los medios hacia el caso, nadie sabía quién era Cintia, ni que la habían asesinado.

Conozco a Arcelia, que desde el primer momento me abrió las puertas de su casa, porque quería que se supiera su caso, era algo que ella necesitaba, contar la historia de su hija y la suya, es ahí cuando decido enfocarme solamente en esta familia porque me pareció que ahí estaba lo que queríamos decir, ahí estaba la gestación de toda la violencia que ha marcado a esta familia a través de generaciones.

"DE PRONTO TODO SON ESTADÍSTICAS Y NÚMEROS, SE NOS OLVIDA QUIÉNES SON LAS PERSONAS A QUIENES LES ARREBATARON LA VIDA" | 25

"ME DEJA CLARO QUE HAY UNA GRAN FALTA DE VOLUNTAD POR PARTE DE LA AUTORIDAD Y QUE HAY UN DESINTERÉS ENORME POR ESCLARECER LOS CASOS" Los testimonios están en voz en off, ¿por qué utilizar este recurso?

Eso fue lo único que estaba definido desde antes de comenzar a filmar, que era: evitar las entrevistas a cuadro. Quería enfocarme en las voces, quería que fueran lo suficientemente fuertes, que perforarán, que las tuviéramos ahí como si fueran nuestras propias conciencias hablándonos a la hora de ver la película.

Esto también apoyaba mi intención de no ser invasivo al estar platicando en sus hogares. Era el objetivo de querer dejarnos guiar por las voces.

Lo primero que hicimos fue una entrevista con Arcelia (madre) y con Bertha (hermana), a partir de ahí me quedó muy claro que ellas tenían una gran capacidad para narrar, recordar y nombrar y se tenía que hacer uso de eso. Entendí que la misma historia y los personajes están moldeando la película, nunca quise ir en contra de eso sino tratar de describir la película intuitivamente, con el estómago y con lo que uno siente a través de las atmósferas que uno visita para intentar capturarlo. ¿Qué aprendizaje te dejó hacer Niña sola?

Varias cosas en diferentes niveles. De entrada, me quedé un poco igual con el tema de la autoridad porque estamos en el mismo punto de hace cinco años y cacho, parece que no va a haber forma de que agarren a este tipo porque ya pasó el tiempo. Me deja claro que hay una gran falta de voluntad por parte de la autoridad y un desinterés enorme; Villa del Campo es 26 |

una comunidad muy violenta y agresiva en donde no hay ley. Me parece que para la autoridad es más fácil deslindar y olvidar a estas comunidades que tratar de interceder para mejorar y transformar; están dejando a las comunidades por sí solas, que se rasquen con sus propias uñas, ese fue un recordatorio.

Algo que podría llamar ‘aprendizaje’ es convivir con Arcelia y Bertha, fueron unas cachetadas de humildad, pues hay problemas más grandes en los que enfocarnos en lugar de las cosas a las que nos queremos enfocar. Aprendí a cuestionar mi papel en las relaciones que decido tener, no sólo en relaciones sentimentales, amistosas o con mi familia. A cuestionar por qué tomo las decisiones que tomo, por qué pienso lo que pienso y por qué decido entablar una relación con alguien, ese fue el aprendizaje más grande.

El documental ha estado en varios festivales, ¿cómo lo han tomado?

Un poco por sorpresa porque al ver la película entendían que era algo normalizado en México, no podían entender por qué era así. Decir ‘México’ es decir ‘macho’, es una ideología arraigada a través de años.

Eso los sorprendió mucho. Saben qué es el ‘machismo’, pero creo que lo asocian con algo del pasado y el hecho de que siga tan vigente los toma por sorpresa.

Todas las reacciones fueron positivas en el sentido de estar a favor de la película y de querer interesarse más en el tema porque había muchas preguntas respecto a eso, al papel de las autoridades y de la cultura.

NIÑA SOLA Dirección y guion : Javier Ávila Fotografía: Alejandro Guzmán Edición: Omar Guzmán

Niña sola

UN FILME QUE ESTREMECE • Alejandra Lomelí

DECIR que el documental es el género que goza de buena salud en México no es gratuito, los directores han tomado sus equipos y desde miradas únicas han capturado una variedad de problemáticas, sobre todo, la realidad más desoladora de nuestro país empañado por la violencia, el tema más urgente ante la indiferencia de las autoridades. En este rubro, los largometrajes relacionados a la violencia feminicida ocupan un lugar único, siendo el medio a través del cual se conocen casos que han quedado impunes.

Niña sola, de Javier Ávila, presenta un caso acontecido en Tijuana en septiembre de 2016, mes en el que ocurrieron seis feminicidios en la ciudad fronteriza; éste, en específico, no fue dado a conocer en medios informativos más que en

el seminario Zeta por el periodista Saúl Ramírez, mientras que las autoridades judiciales actuaron de forma arbitraria.

El documental relata la historia de Cintia, la joven de 19 años que fue asesinada por la expareja de su mamá. El trabajo está narrado por la señora Arcelia Verduzco, madre de Cintia, así como por su hija mayor, quienes también exploran sus propias vidas, marcadas por relaciones de pareja abusivas. Ambas tratan de encontrar una explicación al crimen que todavía está impune, mientras siguen luchando para que se haga justicia y poder encontrar un nuevo sentido a sus vidas.

Javier Ávila tomó la afortuna decisión de no recurrir a los típicos cuadros de entrevista, sino a una narración en voz en off de la señora Arcelia y de Bertha (hija

mayor y hermana de Cintia), una estrategia que dialoga de forma más directa con el espectador, resultando en un relato poderoso, sensible y conmovedor.

Es una experiencia sensorial que sobrecoge, ya sea por los testimonios, los cambios de tono en las voces o por esas imágenes que acompañan e ilustran lo relatado, pero también que resultan inquietantes al mostrar escenarios abandonados que describen muy bien esa sensación de alerta.

Más allá de sus valores cinematográficos, un documental como Niña sola resulta relevante por su capacidad de indagar en temas como el machismo, las señales de peligro y esa radiografía que hace de la violencia en las relaciones de pareja.

e d R E K el BÚN N Ó D N E JOE R HABLAMOS CON EL DIRECTOR

sobre su nueva serie, se trata de una comedia de acción y bastante humor negro, distinta a lo que hemos visto en los últimos años •C A R L OS M O R A

¿Cómo definirías este proyecto?

Es un proyecto raro, nuevo y distinto a las opciones de comedia que hay. Esperamos que justo lo que provoque es que se animen más productores a apostar por proyectos arriesgados y con otro tipo de contenido, ese es el objetivo de fondo.

Es un producto que llegó a mí en mayo del año pasado en medio de la pandemia y cuando lo leí por primera vez dije ¡órale, esto sí es muy distinto a lo que he leído o las cosas que me han ofrecido! Y al mismo tiempo también fue arriesgado, es un ver cómo quieren hacer esto, cómo se las van a arreglar con tanta gente, los coreanos, los idiomas…

Fue un proceso de mucho trabajo de la mano con Dopamine y con HBO Max para unificar visiones y sobre todo aterrizar a la idiosincrasia mexicana porque finalmente es un proyecto escrito en Argentina, producido por españoles y hecho para México, por lo que la parte más importante de mi trabajo fue aterrizarlo para México en lenguaje, en costumbres o en situaciones. Al final, pudimos entregar algo muy padre que es un universo autoconclusivo y autorreferencial, tiene sus propias reglas, porque es México pero no es México, eso le ayuda mucho porque mantiene la verosimilitud de la historia y eso es lo más importante.

¿Al público mexicano le gusta el humor negro?

Habiendo tenido la fortuna de hacer diferentes tipos y tonos de comedia, este en particular es muy divertido porque es muy refrescante. De repente hacer chistes pasados de lanza, con lenguaje muy altisonante y situaciones extremas ayuda a darle variedad, algo que me encanta porque al final mucho de esto tiene que ver con el ADN de los mexicanos, nos encanta reírnos de nosotros, de las situaciones y de las desgracias.

En la televisión muchos proyectos tratan la comedia con una falta de profundidad importante, aunque aquí no es que sea una comedia súper inteligente porque no es el caso, pero por lo menos lo aborda desde otro lugar, no se trata de hacer bullying, albures o juegos de palabras.

Aquí las situaciones están bien planteadas y las actuaciones refuerzan algo que ya venía desde el papel, esa es la parte que valoro más del proyecto, la libertad editorial para probar diferentes tipos de humor y el voto de confianza de la productora y del estudio para hacerlo, a partir de eso se puede mostrar como un referente de algo que funciona en otro estilo de comedia y que el público lo puede recibir bien, eso es positivo para todos.

La dupla que hacen Bruno Bichir y Miguel Rodarte, es un duelo de actuación.

Miguel y Bruno son pilares de la industria audiovisual nacional, carreras impecables de los dos, increíbles personajes diversos, actores con herramientas, con una exquisitez a la hora de trabajar y sobre todo grandísimos seres humanos, es lo más bonito de todo, descubrir en este proceso creativo a dos seres completamente diferentes entre ellos dos y que al mismo tiempo funcionan como esa pareja dispareja que le da mucho balance al proyecto.

Cada vez que grabábamos escenas y trabajar juntos era un deleite porque uno subía al otro, era como ver un duelo actoral. De repente las escenas crecían mucho gracias al trabajo entre ellos dos y la química que tienen, era un gozo estar ahí en ese set, moríamos de risa todo el tiempo y ver hasta dónde podíamos llevar esas escenas. El resultado es muy bonito, a mí me emociona mucho Búnker porque es una muy bonita combinación entre un producto comercial, obviamente, y un toque muy autoral no solamente de mi parte sino de todos los involucrados, eso es raro de encontrar.

Otra actriz que destaca es Damayanti Quintanar.

Ella es de las mejores actrices de su generación, si no es que la mejor, sobre todo por ese rango tan versátil que tiene porque la gente puede pensar en ella en La muchacha que limpia (2021) o en El secreto de Selena (2018) como algo dramática y este personaje es divertidísimo, en el que es una cabrona que está fastidiando y que además está acomplejada del personaje de Alfonso Borbolla, es un personaje muy divertido y complejo que para que funcione necesitas una tremenda actriz.

Creo que al nivel de Bruno Bichir, al de Miguel Rodarte o el de Ricardo Polanco, que es un experto en comedia, justamente Damayanti es de las grandes joyas de Búnker porque su personaje en realidad sale poco pero lo hace tan bien que brilla mucho.

Como director, ¿qué opinas de la oportunidad que están dando las plataformas de streaming?

Afortunadamente estamos viviendo un boom, una época dorada de la televisión en México, en el sentido que hay una cantidad de oferta, una demanda impresionante, y eso genera que de entrada todos tenemos voces distintas y a lo mejor en alguna época, hace 20 o 30 años que pasó esto del Nuevo Cine Mexicano no había tantas producciones ni espacio para tantas voces y hoy que se abaratan los costos, la tecnología se homogeniza, y que las plataformas estén necesitando contenido ha abierto espacio para voces distintas y eso es benéfico para todos, independientemente de si los proyectos pueden funcionar o no, lo que están generando es una industria que está creciendo con la certeza de que habemos ahora sí varias generaciones conviviendo al mismo tiempo, algo que no había pasado desde la época de Cine de Oro Mexicano.

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"BÚNKER, ES UN PROYECTO RARO, NUEVO Y DISTINTO A LAS OPCIONES DE COMEDIA QUE HAY. ESPERAMOS QUE JUSTO LO QUE PROVOQUE ES QUE SE ANIMEN MÁS PRODUCTORES A APOSTAR POR TRABAJOS MÁS ARRIESGADOS" Eso es importante porque todos vamos aprendiendo de las experiencias, de los errores o de los aciertos y lo que genera son mejores proyectos hacia delante.

Creo que las plataformas serán clave en apoyar a la diversidad como lo hace HBO en este momento, para decir “esta es una comedia irreverente, en tono de comedia negra y acción, para México específicamente”, lo mismo hacen en Argentina y luego lo vuelven a hacer en Colombia y ahí es donde verdaderamente se enriquecen los productos, es muy emocionante y halagador poder ser parte del proceso porque al final es el punto de inicio de un movimiento más grande de cómo nuestra industria va a crecer. ¡Qué padre que haya tanta chamba! ¿En qué otros proyectos estás trabajando?

El año pasado también hice un sitcom clásico después de Búnker, también es ácida pero tiene otro tono y se va a llamar Todo por Lucy con Daniel Tovar y Natalia Téllez para Amazon, va a salir en el transcurso de estos semestres, no tiene fecha todavía pero pronto.

También estoy empezando a filmar, todavía no puedo contar de ese proyecto, pero estoy en el proceso de arrancar.

Me encanta el teatro, he hecho dos obras, la primera fue en 2018 que se llamó Cinema 35 con Martín Altomaro, Pierre Louis y Damayanti Quintanar, desde entonces he querido regresar al teatro, también el año pasado teníamos una obra Daniel Tovar y yo, pero por pandemia no la pudimos hacer en teatro y la terminamos haciendo streaming, se llamó El efecto del amor con Giselle Kuri, Ileana Fox y Daniel Martínez; y justo ahora ya tengo los derechos de una obra nueva y mi ideal sería poder montarla dentro de unos semestres, y volver a hacer cine, para mí eso es muy importante.

Este año estoy moviendo un par de proyectos y si todo sale bien ahí vendrán.

Búnker

Búnker

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MABEL MORENO "EL MELODRAMA BIEN HECHO ES U N A B E L L E Z A"

L A AC T R I Z C O LO M B I A N A N O S C O M PA R T E LO S D E TA L L E S D E S U PA R T I C I PAC I Ó N E N L A N U E VA V E R S I Ó N DE CAFÉ CON AROMA D E M UJ E R •C A R L OS M O R A

¿Qué piensas del éxito que ha tenido la novela en la plataforma?

Muy contenta, es una fortuna estar en proyectos que lleguen a tantos lugares y que traigan tanta visibilidad. Es la segunda vez que me pasa algo así, la primera vez fue con La reina del flow (2018), me siento afortunada y pienso que realmente estoy escogiendo muy bien mis proyectos. ¿Cómo te sientes de hacer a Lucrecia, una villana?

Me gusta mucho Lucrecia porque en un principio la ven como una villana, una mujer que hace esa figura antagónica junto a Lucía, pero con el pasar de los capítulos entiendes muy bien quién es esta mujer, no la justificas pero sí la vas entendiendo, te das cuenta que al final ella tiene un muy buen corazón, se ve con el pasar del tiempo. ¿Habías visto alguna de las versiones anteriores?

Sí, vi la original, fue una versión que vi cuando estaba muy chiquita, tengo recuerdos de esa versión, la gocé muchísimo, me encantó. Es una novela muy bonita y muy bien escrita, en el momento en el que me llamaron para hacer esta nueva versión me dio mucha emoción. ¿Qué opinas sobre aquella creencia de que con las plataformas digitales las telenovelas serían un tema caduco?

Siempre he creído que el melodrama bien hecho es una belleza, es muy nuestro, muy latinoamericano, de la habla hispana y sería una pena que se perdiera. Hay muchos lenguajes, no creo que haya uno mejor que otro, y cuando una novela se hace bien es fantástica.

La telenovela es un lenguaje que no se va a perder, tenemos que seguir haciéndolo y bien; por ejemplo, uno ve la original de Café con aroma de mujer, un melodrama muy bien hecho, en México también han hecho varias que son importantes y bien hechas y uno lo sigue viendo con el tiempo. No creo que sea algo para terminar, es para que hagamos cada vez mejor lo nuestro, pero claro también hay que hacer series, otros lenguajes pero esto no implica que las novelas vayan a morir, es algo a lo que estamos muy acostumbrados.

" LAS PLATAFORMAS SON UNA MARAVILLA, PUEDES VER LO QUE QUIERAS CUANDO DESEES, ES UNA BUENA FORMA DE TENER PRODUCTOS AL AIRE Y DE LLEGAR AL MUNDO ENTERO"

Netflix está apostando por hacer novelas, ¿cómo ves esta decisión?

Hay que apostarle al buen melodrama, creo que Café con aroma de mujer es una apuesta con un lenguaje muy real, pero no deja de ser la novela en la que la chica pobre se enamora del hombre con plata, no deja de ser Cenicienta pero bien contada, rodeada de unos paisajes increíbles, de las personalidades profundas de cada personaje. No es dejar de hacerlo, es hacerlo bien, y si Netflix va a apostar a hacer buen melodrama o este tipo de series, telenovelas, me parece fantástico. Como actriz que ha hecho teatro, cine y novelas, puedo decir hay varios ejemplos de buenas novelas, me parece bien que miren a Colombia y a México, porque eso es trabajo para todos nosotros.

Es una maravilla esto de las plataformas, puedes ver lo que quieras cuando desees, es una buena forma de tener productos al aire y de llegar al mundo entero.

Con el tema de la inmediatez ¿cómo te ha ido con el público?

Esto ya me había pasado con otros proyectos y uno recibe siempre muy contento el cariño del público, soy fan de las redes sociales, me encanta porque ahí es donde uno se da más cuenta de eso, de los fans.

También cuando está al aire en Colombia, cuando vas en la calle la gente te para y te dice cosas súper bonitas y eso pasa en las redes, me parece maravilloso siempre recibir el cariño del público, es divino ver que le reconozcan a uno el trabajo. Siempre me gusta decir que no trabajo para ello, me encanta día a día mi trabajo, pero es un plus increíble, y bienvenido sea más de mil veces.

Ahora los actores pueden trabajar en distintos países gracias a las plataformas.

El mundo se vuelve pequeño en ese sentido que me parece importantísimo, el poder trabajar en tantas ciudades y en muchos lenguajes diferentes, me refiero a serie, novela o película, te da la oportunidad de hacer muchas cosas en muchos lugares. | 35

ESTEFANÍA VILLARREAL

ORGULLOSA

REBELDE

L A AC T R I Z V U E LV E A DA R V I DA A CELINA FERRER, E N L A N U E VA VERSIÓN DE REBELDE ¿Cómo te sientes de estar en esta nueva etapa de Rebelde, pasando de ser alumna a la directora del Elite Way School?

Muy afortunada que me hayan dado la oportunidad en un momento pleno de mi vida personal, y también el personaje está pasando justamente por una plenitud, una evolución. Fue el tiempo y el lugar preciso para hacer a Celina nuevamente.

La serie tiene su toque de nostalgia, ¿qué recuerdos te trajo?

Les decía a mis compañeros que siempre estaba con piel de gallina, ese era mi feeling, al volver a escuchar las canciones me creaba mucha nostalgia, muchos movimientos en mi corazón porque son canciones que marcaron toda una época de mi vida, que siempre van a estar ahí, que siempre van a ser importantes.

Es un proyecto al que quiero mucho y siempre lo voy a amar. Honestamente sí me crea bastante nostalgia.

Rebelde

¿Crees que era tiempo para un nuevo reboot de Rebelde?

No sé si hacía falta, pero creo que está bien tener por generaciones diferentes proyectos y en este caso tocó que se hiciera un reboot de Rebelde y creo que lo pueden aprovechar las nuevas generaciones.

El fin común es juntar a tres generaciones en una, porque cuando digo tres me refiero a Rebelde Way (2002), con Rebelde México - RBD (2004) y la serie de Netflix (2022). Es importante esa idea de poder mezclar generaciones, así si no habían visto una versión ya la van a ver y se empapan de más ideas, de más contenido.

Más que una necesidad fue algo que pasó, que está pasando y la respuesta de la gente es con lo más me quedo, la gente ha sido muy amorosa al recibirnos, nuevamente en mí caso con este personaje, y a los chicos que tienen un talento desbordado, lo disfrutan mucho, son músicos y componen. Es un buen momento de ver este 2022 de una manera distinta. | 37

“ME ENFOCO EN MI TRABAJO PARA QUE CADA DÍA SEA MEJOR, MÁS PROFESIONAL Y QUE SEA DEL INTERÉS DE LA GENTE, AL FINAL ELLOS DECIDEN”

Rebelde

¿Qué opinas de la diversidad que se muestra en esta versión de Rebelde?

Ese es un punto que hay que destacar de este proyecto, pues hay mucha diversidad y mucha inclusión de los problemas actuales de una manera honesta y más aterrizada, aunque al final no dejan de ser rebeldes. ¿Cómo tomaste los comentarios en los que comparaban a una versión con la otra?

El trabajo habla por sí sólo, es lo único que puedo contestar a eso. El profesionalismo con el que cada uno desarrolla su trabajo, eso es lo importante. Si se callan bocas o no, siendo honesta, no es de mi interés porque yo me enfoco en mi trabajo para que cada día sea mejor, más profesional, más limpio y que sea del interés de la gente porque al final ellos deciden, ellos llevan la batuta, el mando de todo esto.

En cuanto a mí y a mi compañera Karla Cossío la respuesta ha sido impresionante y totalmente positiva, obviamente salen las preguntas en las que los fans quieren tener primicias, quieren saber X o Y noticia, pero no podemos decirles

muchas cosas. En general, a ojo de buen cubero, la respuesta ha sido increíble.

El elenco juvenil es muy talentoso.

Traen un nuevo chip generacional donde hacen todo y no te dejan de sorprender. Ellos son artistas, se podría decir de algunos que natos. Para mí era como un concierto diario porque cada que los veía cantar, cada que los veía desenvolverse o en los tiempos muertos se ponían a componer música y canciones, improvisaban con ruido, con las mesas, todo el tiempo estaban creando música. Traen el talento totalmente y lo disfrutan, lo gozan y uno como espectador al final goza. ¿Te llegaron a pedir algún tip o consejo?

Sí, uno que otro se acercó conmigo a platicar en muchas ocasiones, me contaban de sus dudas o curiosidades. Al final también soy aprendiz en esta vida, no soy maestra, entonces aprendí mucho de ellos. Fue un dar y recibir continuo porque ellos también dan mucho a nivel actoral.

• Carlos Mora | 39

GABRIEL TARANTINI

TQM

D E S P U É S D E PA R T I C I PA R E N L A É X I TO S A S E R I E 1 0 0 D Í A S PA R A E N A M O R A R N O S , E L V E N E Z O L A N O P R OTAG O N I Z A S U P R I M E R L A R G O M E T R A J E TQ M

¿Qué fue lo que más te gustó de participar en TQM? El reto del personaje fue lo que más me encantó, para bien o para mal me han felicitado mucho, pero creo que siempre se puede hacer un mejor trabajo.

Interpretar a alguien con múltiples personalidades, con este trastorno fue lo que más me gustó, en mi mente logré hacerlo de una manera en la que no me comprometí a mí mismo como persona y pude hacerle justicia al tabú de hablar de la salud mental, que era también el objetivo del personaje.

difícil tener el budget que uno tiene y no el de Hollywood o el tiempo de Hollywood como para reunirse con gente que está pasando por eso, así que lo mejor que puede hacer fue reunirme con psicólogos que me pintaron un poco un panorama de cómo esta gente se comporta y creo que eso fue lo que más me ayudó para construir a los tres personajes, llevarlos a un tema físico para que la gente reconozca las Qs (habilidades que miden la inteligencia emocional) de cada personaje y no se confundieran y salieran del cine.

Y lo más complicado de hacer este papel Fue grabar durante la pandemia, nosotros comenzamos a grabar a principios de marzo y lo más difícil fue eso. Hablando del personaje, yo quise llevarlo porque sé que iba a ser bastante complicado contarle la historia a la audiencia y que no se confundiera con los personajes, es decir, para diferenciar a Franchesco, Gregorio y Miguel Ángel me metí mucho por la fisicalidad.

Preparandome para el papel tuve la oportunidad de leer muchísimo sobre varios casos y hablar con psicólogos porque desgraciadamente es muy

¿Cómo has vivido la pandemia?

En el sentido personal bien, lo he sabido manejar de forma bastante chévere porque me he concentrado en escribir, en buscar otros proyectos, en hacer conexiones, no quedarme estancado sentado en un sofá esperando la próxima llamada.

Me gustan mucho las guitarras así que me concentré mucho en eso para la paz mental y para que uno no sienta que no está haciendo nada. Escribí bastante, leí muchísimo y por más que así fue, salió trabajo, salieron cosillas el año pasado que de verdad fueron increíbles. | 41

¿Cómo fue trabajar con una mezcla de actores mexicanos, venezolanos y colombianos?

Todos los países latinoamericanos tienen una cultura sumamente rica e impresionante, entiendo que obviamente la prioridad siempre va a ser dar trabajo a la gente de donde uno es para que todo el mundo pueda crecer al mismo tiempo, estoy totalmente de acuerdo con eso.

Porque no podemos ser como en Gran Bretaña que hacen televisión y reclutan a actores de Australia, Estados Unidos, regiones de África o distintas regiones dentro de Europa, entonces ¿por qué no podemos amalgamar todas las culturas nosotros como latinos? Si eso tiene sentido con la historia y los personajes ¿por qué no aprovecharlo? Creo que eso fue lo que hicimos en TQM, traer varias culturas y esas culturas uno las ve en cámara y le agregan algo a los personajes. Ana Carolina Grápales es colombiana; Pablo Azar y Anna Silvetti son mexicanos y yo venezolano. También el crew estaba conformado por gente de Venezuela, Cuba, México o norteamericanos, entonces fue también el compartir todas esas culturas y agregarlas al proyecto.

Muchas personas te reconocen por 100 días para enamorarnos (2021) ¿qué significó para ti está serie?

Fue otra tremenda oportunidad de Telemundo para mí porque me han dado muchísimas y lo agradezco. Imagínate trabajar con un cast que tiene a Ilse Salas, Mariana Treviño, David Chocarro, Erick Elías, Macarena García, Fernanda Urdapilleta o a Xabiani Ponce de León, es algo que agradezco porque estoy expuesto a culturas nuevas.

100 días para enamorarnos

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El consumo mayor viene por parte de México y estoy expuesto muchísimo a la cultura mexicana, estoy enamorado de su cocina, entonces no veo la hora de trabajar en México y hacer un proyecto ahí para poder ensalarme y empicarme la vida con todo lo que los mexicanos hacen, porque podría comer comida mexicana todos los días de mi vida.

Esa serie para mí fue un gran peldaño porque en Netflix fue un éxito y hasta hoy en día no sólo mi familia sino que también mis amigos me siguen diciendo “¡Wow, tú eres el bully de 100 días para enamorarnos!”. Yo no soy así, pero sí, ese sí soy yo. ¿Qué piensas de que plataformas como Amazon están abriendo la oportunidad de ser escaparate para películas independientes de bajo presupuesto?

Es una tremenda plataforma. Digamos que todas las plataformas streaming, como Amazon Prime, son un trampolín para proyectos como el de nosotros. Si te pones a analizar todo lo que hicimos, que fue tratar de grabar un largometraje en 12 días en una sola locación, con cinco actores, con un crew reducido y con presupuesto que no fue el de Hollywood, es también decirle a la gente que sí se puede hacer.

Hoy en día todo mundo tiene un teléfono que graba en calidad impresionante y los actores de tus películas pueden ser amigos, gente que está alrededor tuyo, gente que puede contar historias y tú mismo puedes contar historias que quieras contar, que sepas que van a dar un bonito mensaje. Se pueden hacer, se pueden lograr, se pueden montar en plataformas que abren el panorama a este nuevo consumo de streaming.

• Carlos Mora

TQM

"PARA FILMAR UNA PELÍCULA, HOY EN DÍA TODO MUNDO TIENE UN TELÉFONO QUE GRABA EN CALIDAD IMPRESIONANTE. INCLUSO LOS ACTORES PUEDEN SER AMIGOS O GENTE QUE ESTÁ ALREDEDOR TUYO"

EL REY DE LA FIESTA Dirección: Salomón Askenazi Guion: Salomón Askenazi y Karen Chacek Fotografía: Nur Rubio Sherwell

El rey de la fiesta ESTUDIO ÍNTIMO SOBRE LA CRISIS PERSONAL • Alejandra Lomelí

LA USURPACIÓN, la crisis de la mediana edad, los deseos reprimidos, la dualidad y las almas gemelas son tan solo algunos de los temas que dan vida a El rey de la fiesta, tercer largometraje de Salmón Askenazi, director que ha venido construyendo una filmografía consistente, con historias en apariencia sencillas, las cuales le han permitido experimentar propuestas sonoras y visuales que complementan muy bien el universo tan peculiar en el que se encuentran inmersos sus protagonistas.

Su reciente película es resultado de sus intereses narrativos, no es casualidad que algunas de las cuestiones de Dos veces tú, su trabajo anterior, estén presente en la historia que sostiene con gracia y fuerza el actor Giancarlo Ruiz en un doble papel: un hombre insatisfecho con su vida (Héctor), deseando el estilo relajada

de su hermano gemelo (Rafael). El vacío, la frustración, la monotonía, pero también el impulso vital que le ofrece el sacar ventaja de una situación trágica, le infunde a Héctor la chispa necesaria para vivir; así de simple y así de complejo a la vez.

Héctor es un hombre cincuentón que vive una crisis de identidad, no encuentra consuelo en su trabajo y su familia apenas lo soporta. Rafael, su hermano gemelo, es su socio y su opuesto total, un hombre excéntrico que vive en fiesta perpetua. Luego de un accidente, Héctor decide hacerse pasar por Rafael. Tras algunos días de usurpar su identidad, las consecuencias de este intercambio comenzarán a pasarle factura, impactando en todas las personas que están cerca de él.

En una afortunada mezcla entre el thriller psicológico y la tragicomedia,

El rey de la fiesta es un estudio íntimo sobre la crisis personal y las contradicciones de la condición humana, para abordarlo, el director toma decisiones inteligentes en el rubro técnico, resultan sugerentes y bastantes significativos los juegos de espejo en los que vemos a Héctor duplicado en una suerte de invitación para adentrarnos en su mente.

Si bien algunas subtramas no son relevantes para el conflicto principal, ni todos los personajes secundarios se desarrollan de forma adecuada (algunos podrían eliminarse), e incluso el desenlace pierde fuerza conforme Héctor llega a un callejón sin salida, El rey de la fiesta tiene elementos muy bien cuidados que hacen que la experiencia sea disfrutable: toques de humor negro, un buen diseño de producción, fotografía atmosférica y un diseño sonoro sorprendente.

Silencio Radio TRABAJO PERIODÍSTICO QUE SIGUE INCOMODANDO • Alejandra Lomelí

SILENCIO RADIO Dirección y guion: Juliana Fanjul Fotografía: Jérôme Colin

QUIZÁS lo que más nos mueve de un documental como Silencio Radio es esa terrible afirmación de que ningún periodista está a salvo en México. En un país cuyo sistema de gobierno es la democracia, nadie debería morir por ejercer el periodismo. Ambas sentencias se mencionan en distintos momentos del metraje dirigido por Juliana Fanjul, testimonios que resumen muy bien la idea central de este largometraje que busca echar una mirada a la lucha de Carmen Aristegui contra la censura.

En marzo de 2015, Carmen Aristegui fue despedida de la MVS, estación de radio donde había trabajado durante años. Apoyada por más de 18 millones de oyentes, la periodista emprendió una lucha contra lo que claramente era un acto de censura tras dar a conocer el trabajo periodístico “la Casa Blanca de Enrique Peña Nieto”. Silencio Radio cuenta ese difícil momento en la carrera de Carmen, así como su búsqueda por crear un espacio contra la desinformación valiéndose del único medio que tenía a su disposición: el internet.

Con material de archivo, reflexiones en voz de Fanjul y algunos fragmentos de entrevistas realizadas para el documental, la directora hace un recuento de la convulsión social y política de ese momento (la desaparición de los 43 normalistas de Ayotzinapa, el escándalo de Estafa Maestra, las campañas políticas, La 4T, etc.).

Es una pena que, por momentos, el documental pierda el sentido de denuncia en favor a construir un relato que no oculta la admiración a la figura que observa, es cierto que tampoco Fanjul se molesta en ocultarlo, es ella la voz en off que narra y quien se reconoce como parte de la audiencia, además de confesar que fue Carmen quien le ayudó a despertar su conciencia crítica. Pero, lo que podría haber sido una documentación fílmica única sobre uno de los trabajos periodísticos más arriesgados y un claro ataque por callar a una periodista, así como las implicaciones que enfrentó Aristegui, termina siendo apenas un acercamiento somero, bienintencionado de una lucha que parece interminable.

Resulta inevitable pensar que la sinopsis promete más de lo que el largometraje realmente nos da, hubiera sido interesante adentrarnos en la lucha legal de Carmen contra el medio de comunicación, más momentos en las juntas editoriales, así como las implicaciones personales y profesionales de un trabajo periodístico que sigue incomodando.

FANTASÍAS Dirección: Guillermo del Toro Guion : Guillermo del Toro y Kim Morgan Novela: William Lindsay Gresham Fotografía: Dan Laustsen

El callejón de las almas perdidas LA MONSTRUOSIDAD ABRAZADA • Francisco Javier Quintanar Polanco

INTENTANDO escapar de su pasado, Stanton “Stan” Carlisle (Bradley Cooper) termina llegando a un carnaval ambulante, en donde consigue empleo, traba íntima amistad con varios de los integrantes de su compañía e inicia un romance con una de ellos: Molly Cahill (Rooney Mara).

Al mismo tiempo empieza a demostrar sus dotes como adivinador (producto en realidad de agudas habilidades de observación y elaborados engaños). En poco tiempo, Stan y Molly terminarán por abandonar la compañía, para buscar juntos un futuro mucho más promisorio.

Un par de años después, la pareja ha montado un espectáculo de mentalismo en un lujoso centro nocturno, y ejecutan su número de forma rutinaria y sin mayores contratiempos, hasta que una noche aparece la doctora en psiquiatría Lilith Ritter (Cate Blanchett) quien, tras retar públicamente a Stan (y quedar un tanto expuesta en el proceso), posteriormente se reúne con él, y terminan por formar una particular alianza (la cual eventualmente deriva en un extraño romance), con el objetivo de estafar a personas opulentas (y muy poderosas) quienes han sido pacientes de la propia terapista, y que consideran que Carlisle tiene un don especial y sobrenatural.

Stanton ve en esta situación una gran ventana de oportunidad para beneficiarse y llenarse de dinero los bolsillos, pero las cosas –a la par de sus mentiras- pronto escalarán y se saldrán de control dramáticamente, y el protagonista terminará perdiendo las cosas verdaderamente valiosas de su vida, y descubrirá (de la peor forma) que uno puede huir del pasado, pero no de

su verdadera naturaleza.

El callejón de las almas perdidas (Nightmare Alley, EUA-México-Canadá, 2021) es el muy esperado onceavo largometraje de Guillermo del Toro, y su primera incursión formal en el cine negro, adaptando la novela homónima del estadounidense William Lindsay Gresham de 1946, la cual fue llevada al cine un año después de su publicación por el cineasta Edmund Goulding, con Tyrone Power en el estelar.

A partir del material original, el director tapatío junto con su guionista (y actual pareja) Kim Morgan, desarrolla en esta nueva versión un sofisticado, retorcido y un tanto violento y sangriento thriller psicológico de oscuras atmósferas y aún más oscuros personajes, en donde el combustible de la trama lo constituyen la mentira y el engaño. Y especialmente el autoengaño, siendo de alguna forma, una despiadada exploración de las posibles (y funestas) consecuencias del mismo.

En muchos de sus trabajos anteriores -y de manera análoga a lo planteado por Tod Browning en Fenómenos (Freaks), su filme de culto de 1932-, del Toro esgrime que los monstruos más terribles suelen ser los propios seres humanos, en especial aquellos quienes albergan su deformidad (y maldad) en su interior. Esta premisa es puesta al centro del relato, a través de varios personajes decadentes, corrompidos y siniestros, conscientes de su propia condición envilecida con la cual intentan lidiar de diversas formas. Y al interactuar con el protagonista, estos seres gradualmente harán que él enfrente (y termine por aceptar y abrazar) su propia monstruosidad.

Fantasías

PARAFILIAS EN TONO DE COMEDIA

• Francisco Javier Quintanar Polanco

ES BIEN SABIDO que no todos los seres humanos encuentran el placer sexual de la forma habitual, y en su búsqueda por obtenerlo tienen que recurrir a diversos métodos y conductas los cuales se salen de lo común, en menor o mayor medida.

El término que agrupa a dichas alteraciones es parafilias.

Y son precisamente las parafilias el tema central del nuevo filme de la dupla formada por los hermanos David y Stéphane Foenkinos (La delicadeza, 2011), intitulado en nuestro país como Fantasías (Les fantasmes, Francia, 2021), la cual formó parte de la edición 25 del Tour de Cine Francés celebrado en nuestro país el año pasado.

Para abordar el tema, el dúo parisino desarrolla un conjunto de episodios o sketches, conformados por diversos elencos con reconocidos actores (algunos de ellos de corte internacional) como

Monica Bellucci, Karin Viard, Denis Podalydès, Nicolas Bedos, Ramzy Bedia y Carole Bouquet, entre otros. Y cada episodio está dedicado a una fantasía sexual específica.

Así, se narran las historias de una pareja que gusta de hacerse pasar por otras personas para avivar la llama de su pasión; la de una profesora cuya vida cambia radicalmente cuando un video erótico protagonizado por ella y su marido es accidentalmente subido a Internet; la de un par de mujeres quienes se erotizan en sepelios o momentos donde la muerte está presente; la de un hombre el cual desarrolla atracción por la hermana de su prometida; la de una mujer que se excita con el llanto y las lágrimas; e incluso la de una pareja que ha descubierto el placer al no llevar a cabo relaciones sexuales entre ellos.

La premisa recuerda un poco a lo que

Woody Allen hizo hace ya cincuenta años en su cinta Todo lo que usted siempre quiso saber sobre el sexo, pero temía preguntar (Everything You Always Wanted to Know About Sex * But Were Afraid to Ask, 1972), donde intentaba recrear (y reflexionar sobre) parafilias como el voyerismo, la zoofilia, el travestismo, etcétera. Sin embargo, en comparación con el de los franceses, la película del estadounidense resulta superior, con mucho mayor sustancia y varios momentos memorables. Y, por el contrario, el trabajo de ellos no resulta ni tan contundente ni muy cohesionado, e incluso se percibe un tanto desigual en cuanto al nivel de eficacia entre cada episodio que lo conforma.

Fantasías es sin duda una obra menor en la trayectoria cinematográfica de los hermanos Foenkinos, la cual se conforma con meramente entretener.

FANTASÍAS Dirección y guion : David y Stéphane Foenkinos Fotografía: Alexis Kavyrchine

Los ojos de Tammy Faye CLAROSCUROS DE UN PERSONAJE CONTROVERSIAL • Francisco Javier Quintanar Polanco

DURANTE los años setenta y ochenta, el matrimonio Jim y Tammy Faye Bakker se convirtieron en la pareja de evangelistas televisivos más influyente de los Estados Unidos. Mientras predicaban mensajes sobre el amor, la unión familiar y otros de tintes motivacionales, crearon una enorme cadena televisiva y un parque temático -ambos de corte religioso-; forjando un poderoso emporio, a través del cual incluso apoyaron las causas de diversos políticos republicanos de esos años.

La pareja siempre proyectó una imagen de felicidad y moral intachables, y se volvieron para muchos un ejemplo a seguir. Pero dicha imagen se desmoronaría cuando ambos se vieron envueltos en una serie de escándalos de diversa índole, que terminarían por poner fin a su gran negocio familiar, y a su relación.

La historia de los Bakker -narrada desde la perspectiva de Tammy Faye- ya había sido abordada en dos documentales: The Eyes of Tammy Faye (Fenton Bailey y Randy Barbato, 2000) y el filme televisivo Tammy Faye: Death Defying (Chris McKim, 2005). Ahora, el cineasta, actor y comediante Michael Showalter vuelve a acercarse a la historia, a través de Los ojos de Tammy Faye (EUA, 2021) un largometraje de ficción que toma como punto de partida la obra homónima de Bailey y Barbato, respaldado por un gran elenco encabezado por la actriz Jessica Chastain, quien se sometió a una increíble transformación para interpretar a la propia Tammy.

El resultado es una película donde se

narra la historia de su protagonista, desde el momento en que conoce a su futuro marido Jim durante sus años escolares, siguiendo sus pasos cuando juntos comienzan su carrera como evangelizadores, su salto a la fama gracias a su presencia en la televisión, y la construcción -y posterior caída- de su gran imperio empresarial.

El guión escrito por Abe Sylvia se centra (como su propio título indica) en la figura de Tammy Faye, confeccionando un retrato íntimo, por momentos dramático y pletórico de claroscuros, adecuado para plasmar a un personaje muy contrastante; el cual por un lado ostentaba una imagen glamorosa y un tanto excéntrica; fue partícipe en las actividades (no siempre muy éticas o lícitas) de su marido, contribuyendo además de modo significativo a forjar su gran negocio televangelista, y luego verse también envuelta en los escándalos de fraude en torno a él. Y por otro lado externó opiniones en apoyo a la comunidad gay, especialmente en favor de aquellos quienes fueron víctimas de la gran pandemia de esos años: el VIH/ SIDA, facilitando espacios para brindarles un foro de expresión y presencia mediática, en un momento en el cual hacerlo públicamente contravenía los posicionamientos de la clase religiosa y política dominante en esos años.

Así, Los ojos de Tammy Faye resulta ser una biopic cuyo principal atractivo radica en el desempeño actoral de Chastain, quien ofrece una de sus mejores interpretaciones a la fecha.

LOS OJOS DE TAMMY FAYE Dirección: Michael Showalter Guion: Abe Sylvia Fotografía: Mike Gioulakis

Pig MÁS DE LO QUE SE APRECIA A SIMPLE VISTA • Francisco Javier Quintanar Polanco

ROB (Nicolas Cage) vive como un ermitaño, en una cabaña apartada en la zona boscosa de Oregón. Su única compañía es una cerda la cual, además de emplearla para buscar trufas, es su mascota y compañera en ese retiro y soledad autoimpuesta.

Una noche, su sueño es intempestivamente interrumpido por unos sujetos que lo golpean y se llevan a su animal.

Tras recobrar la conciencia a la mañana siguiente y percatarse de que han raptado a su cerda, Rob emprende una incansable cruzada con el único fin de recuperarla de las manos de sus captores, y ello lo llevará a viajar a la ciudad de Portland, para lograr dicho propósito.

Partiendo de una anécdota que guarda ciertas analogías a la empleada en la saga de John Wick (el duelo que aqueja al protagonista, un oscuro pasado, el vinculo estrecho desarrollado hacia un animal), el director y guionista Michael Sarnoski estructura en Pig, su opera prima, un relato que, a pesar de las semejanzas antes mencionadas, cambia las expectativas y

toma un rumbo opuesto al de la famosa franquicia estelarizada por Keanu Reeves. Y en lugar de desarrollar un vertiginoso filme de acción orquesta un drama más pausado, con pinceladas de thriller y tono melancólico, en el cual mientras el personaje avanza en sus pesquisas para hallar a los responsables del rapto, denota que en él hay más de lo que se ve a simple vista, al revelarse ciertos aspectos de su propia personalidad y su pasado, así como los muchos significados asociados a su verdadero nombre: Robin Feld.

Por otro lado, aquellos que tuvieron que ver, directa e indirectamente, con el secuestro del porcino; gradualmente deberán encararse con Rob, dando pie a momentos de suma tensión, los cuales no se deciden por la vía de los golpes o las armas, sino porque el propio Feld (con sus palabras y/o acciones) les obliga a enfrentar verdades incómodas o realidades que se negaban a aceptar, orillándolos a la autorreflexión, haciendo que los enfrentamientos devengan en intensas y emotivas catarsis.

Pig termina por ser un sencillo y modesto filme, pero gratamente sorprendente y profundamente conmovedor, donde se tocan temas como los sueños frustrados o nunca concretados; la pérdida en sus diversas formas; y los duelos personales dolorosos y devastadores, abordados con gran pericia y sensibilidad, y a través de personajes que no buscan la simpatía del espectador, sino que más bien (gracias a un agudo y certero argumento, aunado a actuaciones convincentes), terminan por conquistarlo a través de sentimientos como la compasión y la empatía.

En ese sentido, la interpretación contenida y bien matizada de Cage resulta destacada, al encarnar un personaje que al tiempo que detona diferentes emociones en diversos personajes, desnuda frente al espectador aspectos de un complejo pasado y de las razones que lo llevaron a su autoexilio. Y al final, dadas las circunstancias generadas tras la desaparición de su cerda, deberá buscarle un nuevo sentido a su existencia.

PIG Dirección: Michael Sarnoski Guion: Vanessa Block y Michael Sarnoski Fotografía: Patrick Scola

Ricochet

SOBRE LA IMPREDECIBLE PSIQUE HUMANA • Francisco Javier Quintanar Polanco

MARTIJN (Martijn Kuiper) es un europeo quien vive solo en una casa a las afueras de una comunidad en la provincia mexicana. Aunque la gente lo conoce y lo estima, él se comporta de modo reservado y taciturno. La razón de ello es la terrible muerte de su hijo, por la cual se ha alejado de todos (incluso de su familia) para entregarse por completo a su duelo y tristeza. Cansado, enfermo y llevando a cuestas el dolor de su pérdida, el tiempo en la vida del protagonista parece haberse detenido.

Todo esto cambia cuando un día se entera que el responsable del deceso de su retoño está de vuelta en el pueblo. Ello lo hará tomar una sorpresiva decisión la cual desembocará en un violento desenlace.

Inspirado en una nota sobre un hecho real acaecido en Argentina -trasladado y adaptado a nuestro entorno rural- Ricochet, el primer largometraje del cineasta

Rodrigo Fiallega, llama la atención gracias a varias particularidades. Se trata de un filme con una mirada muy personal y de realización austera, que contrasta enormemente con la trayectoria previa del director, quien ha participado en el rubro de efectos visuales en hiperquinéticas y fastuosas superproducciones hollywoodenses como Misión imposible 4: Protocolo fantasma, Los indestructibles 3 o Tortugas Ninja 2: Fuera de las sombras.

Para su ópera prima, Fiallega establece además una narrativa y ritmo muy pausados e introspectivos, con una cámara la cual sigue incansablemente al protagonista, tanto en sus actividades cotidianas como en sus charlas ocasionales con sus amistades del poblado. Es decir, buena parte de la historia reposa sobre sus hombros.

Del mismo modo, el realizador decide (junto con su cinefotógrafa Natalia Cue-

vas) privilegiar los planos abiertos y distantes, con la intención de que el espectador siga los pasos y andares de Martijn con cierta lejanía, tratando de crear -estilísticamente hablando- una sensación de distancia física y emocional entre quien observa y quien es observado.

Por otra parte, el guión desarrollado por el propio Rodrigo va dejando sutiles pistas que, como si fuesen pequeñas migas de pan, van guiando al espectador por la trama, y lo irán preparando para un desenlace el cual aunque imprevisto, no es del todo inesperado, porque de alguna forma va anunciándose a través de dichas pistas.

Y finalmente, la película termina reflexionando acerca de la impredecible psique humana la cual puede derrumbarse dramáticamente de un momento a otro; de forma análoga a un cuadro que se cae solo, cuando el clavo de donde se sostiene cede sin previo aviso.

RICOCHET Dirección y guion: Rodrigo Fiallega Fotografía: Natalia Cuevas

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Memoria LA NUEVA PELÍCULA DE APICHATPONG WEERASETHAKUL LA MÁS RECIENTE entrega del artista visual y director de El tío Boonmee que recuerda sus vidas pasadas (2010) y Cementerio de esplendor (2015), es protagonizada por la actriz ganadora del Óscar Tilda Swinton y cuenta con la participación del actor mexicano Daniel Giménez Cacho, cinco veces ganador del Ariel, .

Desde que se sobresaltó con un fuerte "bang" al amanecer, Jessica (Tilda Swinton) no puede dormir.

De visita en Bogotá para ver a su hermana hospitalizada, se hace amiga de Agnés (Jeanne Balibar), una arqueóloga que estudia restos humanos descubiertos dentro de un túnel en construcción.

En un pequeño pueblo cerca del si-

tio del túnel, Jessica se encuentra con Hernán (Elkin Díaz), un pescador con ideas excéntricas.

Compartendo recuerdos junto al río, descubre el inesperado origen del ruido que no la deja dormir.

La película es coproducida por Piano, tuvo su premiere mundial en el Festival de Cannes 2021, en el cual fue galardonada con el Premio del Jurado.

Desde entonces ha recorrido varios festivales internacionales como Chicago, Londres, Sevilla, Sydney, Palm Springs y Jerusalén, entre otros, posicionándose como una de las mejores películas del 2021 según varias revistas especializadas como Les Cahiers du Cinema y La Tempestad.

MANTO DE GEMAS,

GANA EL OSO DE PLATA DIRIGIDA por la cineasta boliviana-mexicana Natalia López Gallardo, la película Manto de gemas, recibió el Oso de Plata, Premio del Jurado, durante la ceremonia de premiación que clausuró el festival de Berlín, uno de los más prestigiosos del mundo.

El filme, cuya producción empezó antes de la pandemia, pudo por fin ser presentado al público en su premiere mundial durante los primeros días del festival. El esperado debut como directora de Natalia López Gallardo, protagonizado por Nailea Norvind, Antonia Olivares, Aida Roa y Juan Daniel García Treviño, formó parte de la selección oficial en competencia por el Oso de Oro, donde compitió junto con otros 17 títulos internacionales.

La película, producida por el director y productor Joaquín del Paso y la productora Fernanda de la Peza, será distribuida en cines bajo el sello de Piano Distribución.

En pleno proceso de divorcio Isabel se instala en el campo donde descubre que su ayudante María tiene una hermana desaparecida.

Isabel le ofrece su ayuda para encontrarla y el destino de ambas queda entrelazado.Mientras tanto la comandante de policía, Roberta, quiere rescatar a su hijo de los bajos fondos del crimen. Ahí se cruzará por azar con las dos indagadoras. Tres caminos se unen en un mundo de confusión y abandono donde, a pesar de todo, no muere el ánimo de rebelarse ante el infortunio.

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El Prófugo THRILLER PSICOLÓGICO CON TOQUES DE COMEDIA ROMÁNTICA PROTAGONIZADA por Érica Rivas (Relatos Salvajes), la cinta cuenta con las actuaciones de Cecilia Roth (Todo sobre mi madre) y Nahuel Pérez Biscayart (120 latidos por minuto), El thriller psicológico El Prófugo de la directora argentina Natalia Meta, narra la historia de Inés, una cantante y actriz de doblaje que vive una tragedia cuando está de vacaciones con su pareja sentimental.

Después de ese evento comienzan las pesadillas vívidas y sonidos recurrentes que no le permiten recuperarse de la tragedia y que alteran su vida y trabajo.

La película compitió a mejor película en la Selección Oficial del 70 Festival de Cine de Berlín y representó a Argentina como precandidata a la nominación a Mejor Película Extranjera en los Premios Óscar.

Protagonizada por Érica Rivas, la actriz del segmento de “la boda” en Relatos Salvajes, cinta nominada al Óscar como Mejor Película Extrajera en 2015, y cuenta con la participación de la reconocida Cecilia Roth,

ganadora del Goya a Mejor Actriz por Todo sobre mi madre de Pedro Almodóvar, y la participación de Nahuel Pérez Biscayart, actor argentino ganador del Premio César en Francia por 120 latidos por minuto de Robin Campillo.

Escrita y dirigida por la argentina Natalia Meta, la cinta combina elementos de thriller psicológico con momentos de comedia romántica, la cinta está inspirada en la novela El Mal Menor de C.E. Feiling.

“Está la novela, es escalofriante, pertenece al género de terror pero yo lo encaré por otro lado. La película tiene un componente de comedia bastante grande, si bien se sirve de los elementos fantásticos es una historia sobre el amor, el deseo y las relaciones humanas”, comentó la directora en entrevista.

Sobre la película, Carlo Chatrian, Director Artístico de la Berlinale comentó: “No conocía a la directora argentina Natalia Meta. Su película fue una gran sorpresa. Es un largometraje que nos lleva dentro de la mente de una mujer”.

INICIA EL RODAJE DE LA SEGUNDA TEMPORADA DE

30 MONEDAS

HBO Max anunció que la exitosa serie dramática 30 MONEDAS regresará para una segunda temporada que constará de 8 episodios de 50 minutos cada uno. Esta serie de acción y fantasía está dirigida por Álex de la Iglesia, y coescrita por de la Iglesia y Jorge Guerricaechevarría. La segunda entrega comenzará su producción este mes y estrenará en todos los países en el 2023.

La mayoría de los habitantes de Pedraza han perdido la cabeza, recluidos en un hospital psiquiátrico. Elena yace en la cama de un hospital madrileño en coma; Paco, destrozado por los remordimientos, intenta cuidar de ella. Mientras el horror crece a su alrededor, nuestro grupo de héroes debe enfrentarse a un nuevo enemigo. Alguien tan perverso que hasta el diablo le teme. ¿Pero qué pasa con el padre Vergara? ¿Ha muerto, junto con su archienemigo, el cardenal Santoro? ¿Dónde se esconden las almas torturadas?

"Si la primera temporada fue la reunión de las nubes de la tormenta, la segunda será la vorágine que precede a una tormenta épica. Los personajes se ven envueltos en una trama infernal, en la que la muerte y la resurrección son dos caras de la misma moneda", dijo Álex de la Iglesia.

30 MONEDAS se rodará en España, Italia, Estados Unidos, Francia y Reino Unido.

DAN EL CLAQUETAZO DE LA SERIE

LA REBELIÓN

Inició el rodaje de la serie original La Rebelión en la Ciudad de México. La serie es protagonizada por un poderoso elenco femenino que incluye a Aracely Arámbula (La Doña), Daniela Vega (protagonista de la película ganadora del Oscar: Una mujer fantástica), Ana Serradilla (El hubiera si existe) y Adriana Paz (Vis a vis), constará con seis episodios.

Este thriller melodramático está dirigido por Iñaki Peñafiel (Express, La Cocinera de Castamar) y escrito por Adriana Pelusi (Control Z). La serie se estrenará en Pantaya en los EE. UU. y Puerto Rico en el tercer trimestre de 2022.

La serie cuenta la historia de cuatro mujeres, aparentemente felices, deciden abandonar sus hogares de manera inesperada. Nadie sabe dónde están, pero poco a poco se ira descubriendo que tenían demasiadas razones para escapar. El motivo principal, rebelarse en contra de sus matrimonios y sus vidas de amas de casa que no resultaron como ellas pensaban. Pero huir tiene sus riesgos y las mujeres estarán unidas no solamente por este viaje que las 4 emprenden, sino que también por un asesinato.

“Estamos muy orgullosos de iniciar nuestra primera producción con el

equipo Elefantec. Sabemos que esta será una serie especial, con un elenco repleto de estrellas, una historia que los mantendrá al borde de su asiento, y un equipo creativo de primer nivel”, declaró Mario Almeida, director de contenido de Pantaya.

La serie es el ejemplo perfecto del tipo de proyectos que Elefantec busca, contenido de alta calidad para la audiencia Hispana de EU y Latinoamericana, siendo este un proyecto respaldado por los mejores talentos Latinos de la industria frente y detrás de cámaras. Agradecemos a Pantaya por acompañarnos en esta visión”, dijo Pepe Bastón, co-fundador de Elefantec Global.

La serie se centra en situaciones reales que reflexionan sobre el matrimonio, la libertad, la maternidad, el patriarcado, las amistades, las construcciones sociales y el lado oscuro de las vidas aparentemente perfectas de cuatro personajes que ignoran los secretos de las personas con las que viven y a quienes creen conocer.

El elenco incluye a Alex De La Madrid (Monarca), Arap Bethke (Buscando A Frida), Macarena García (Control Z), Erik Guecha (La Bandida), Blanca Guerra (Tres Veces Ana), entre otros.

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PUSH

LA CRISIS DE LAS VIVIENDAS ACTUALMENTE se vive en todo el mundo una crisis lenta y mordaz: los precios de la vivienda se están disparando y este monstruo, aparentemente invisible, amenaza con dejar a las personas sin un hogar digno y seguro. Esta es la problemática que aborda PUSH de Fredrik Gertten, también conocido por películas como Big Boys Gone Bananas!* (2012), Bikes vs Cars (2015), Becoming Zlatan (2016), entre otras.

En el filme viajamos a distintas ciudades del mundo con Leilani Farha, Relatora Especial en Vivienda por la ONU, para conocer las condiciones algunos habitantes de metrópolis como Valparaíso, Chile; Seúl, Corea del Sur; Berlín, Alemania; Toronto, Canadá; Harlem, Nueva York y pequeños barrios como Notting Hill en Londres. A través de los testimonios de las personas que se han tenido que enfrentar a desalojos y agresiones por parte de las empresas inmobiliarias, esta película expone ante el público la inquietante situación a la que las próximas generaciones deberán enfrentarse si no se detiene, lo antes posible, la rapiña de los inversionistas.

Pese a que cada una de las ciudades que se mencionan tiene sus particularidades y no se pueda asegurar que todas los hechos se desarrollen del mismo modo en cada uno de ellos, en PUSH es posible entrever que el sistema del capitalismo

salvaje funciona igual en todo el mundo: en Toronto, en los últimos 30 años, el precio de las viviendas ha aumentado un 425%, mientras que los ingresos de las familias solo un 133%, en Notting Hill, un barrio que se volvió muy popular en Londres, cientos de personas perdieron sus hogares y otros tantos fallecieron luego del atentado contra los residentes de la Torre Grenfell, en Harlem un joven trabajador asegura que el 90% de su sueldo se consume en renta, mientras en Valparaíso el ecocidio se vuelve más común, y en estos procesos las personas están por debajo de la acumulación de la riqueza.

Asimismo, de la mano de otros especialistas en la materia como la socióloga Saskia Sassen y el ganador del Premio Nobel en Economía Joseph Stiglitz, el panorama resulta aún más complejo pues Sassen afirma que para los compradores los edificios no tienen nada que ver con la viviendo sino como mercan-

cía, y por su parte Stiglitz explica que este problema proviene de la crisis financiera de 2008, cuando distintos gobiernos se aliaron con entidades bancarias y gracias a esa mancuerna estado-banco, firmas privadas como Blackstone pudieron volverse gigantes dentro del mercado y permitieron la desregularización de multinacionales.

A la luz de estas perspectivas, el director Fredrik Gertten construye un documental incisivo y fundamental para la discusión política, económica y humanitaria. Leilani Farha también permite un acercamiento a su intimidad: se muestra estresada ante la situación, comparte momentos con su familia y también se muestra abierta ante la cámara para confesar las inseguridades que rondan su mente, sin embargo, se da cuenta de que allá afuera hay una gran cantidad de personas que simpatizan con su causa y están dispuestos a ayudar.

La cinta aborda, con un toque humorístico y cotidiano, diferentes preguntas muy valiosas incluso para México: ¿a quién le resulta raro que en cuanto veamos tiendas vintage, bares de moda y personas vistiendo de “cierta forma” suban la renta de un pequeño cuarto en ciertas colonias de la Ciudad?, ¿o quién no ha pasado aterrado a lado de los mega proyectos que amenazan con dejar sin agua a los vecinos de los lugares en donde se desarrollan?

JOSHUA OKAMOTO

EL ACTOR

originario de Guadajalar, participa en la segunda parte de la exitosa película mexicana Sexo, Pudor y Lagrimas.

"El Fichas", es un personaje LGBT+ dueño del bar donde junto con el Güero (Nacho tahhan), atienden a los protagonistas de la cinta, sitio que visitan para pasar las mejores veladas y recordar sus mejores momentos juntos. Este par se convierten en los anfitriones perfectos.

“Estoy seguro que las nuevas generaciones podrán disfrutar de esta nueva entrega con la potencia del elenco original y la frescura de nosotros los jóvenes, espero que esta película se gane el cariño de los espectadores, los más importantes”, comenta Okamoto.

La secuela de Sexo, Pudor y Lágrimas que estrenará en 1999, cuenta la historia de lo que pasó con los personajes originales veinte años después, y de paso también tendrá la mirada de una nueva generación que verá con otra óptica los líos en los que sus papás se metieron.

Para el actor “fue todo un honor formar parte de la nueva entrega y sobre todo poder trabajar de nuevo bajo la dirección de Alonso Iñiguez, pero ahora en la pantalla grande quien ha sido cómplice creativo y amigo y es que hacer cine rodeado de amigos siempre es una dicha”.

En Guadalajara, comenzó a involucrarse con el arte escénico, convirtiéndose en su principal motivo por el que decide migrar a la Ciudad de México he ingresar a estudiar la carrera de Actuación y Artes Escénicas en CasAzul de Argos.

Comenzó su carrera actoral en teatro e hizo la transición frente a las cámaras en el año 2018 con la exitosa serie original de Netflix Narcos: México. Un año antes, se estrenó como director con el cortometraje Ema (2017), le siguieron El Club (2019) e hizo su debut en la pantalla grande bajo la dirección de Alex Sánchez en el drama Sonriendo con el Corazón (2019). En 2021 protagoniza Muerte al verano, una película dramática dirigida por Sebastián Padilla que trata sobre la pérdida de los sueños y la inocencia; cinta que continúa en cartelera en algunas salas de cine de México.

EL SOCIO Dónde ver: History Jueves, 22,40 hrs.

MARCUS

LEMONIS H I S TO R Y E S T R E N A N U E V O S E P I S O D I O S D E L A O C TAVA T E M P O R A DA D E E L S O C I O

E

l reconocido multimillonario y protagonista de la exitosa serie, Marcus Lemonis, platica sobre la nueva temporada de El Socio, en los episodios el empresario visitará ocho empresas, cada una de las cuales presenta distintos desafíos en una era sin precedentes, para evaluar cada negocio y trazar un camino a seguir.

History: ¿Cómo eliges la empresa en la que vas a invertir en el programa?

Marcus Lemonis: Creo que lo que hago es tratar de encontrar oportunidades para enseñar una lección y que otros empresarios o empresarias puedan comprender qué tienen que hacer o no hacer para tener éxito. Creo que a lo largo de los años hemos luchado para contar cada una de las historias que hay allí afuera. Hemos visto varios problemas en las diferentes historias que aparecieron con diferentes ángulos, ya sea problemas en la sociedad empresarial o una mala relación. Y la idea es que la gente pueda realmente dar darse cuenta de que hay algo para aprender aquí.

H: ¿Cuántas empresas salvaste y cuánto dinero has invertido?

ML: Bueno, yo invertí más de lo que debería. Empecemos con eso, mucho más de lo que debería. Creo que desde el principio de la serie, y con History fuimos socios durante los ocho años que existe, yo diría unos 70 millones de dólares. Hay días que me levanto y me rasco

la cabeza y digo si estuve bien en hacer todos estos tratos, pero creo que lo importante, como una persona de los negocios, ya sea un dueño o alguien que quiere ser dueño, es que no todas las decisiones que uno tome van a funcionar. Y está bien para mí que la gente vea cuando las cosas no funcionan. Cuando yo fallo, cuando yo me equivoco y cuando las cosas salen bien.

Mi definición de éxito realmente no es puramente económica. Entonces que el negocio vaya creciendo y que la gente que es dueña de esos negocios vaya creciendo es igualmente de importante para mí que ninguna otra cosa. Pero sí hemos tenido unas grandes ganancias.

Eso seguro.

H: ¿Qué tiene de bueno la temporada 8?

ML: Creo que lo que yo traté de hacer diferente en la temporada 8 es realmente entender que las empresas no necesariamente necesitan dinero para resolver sus problemas. A veces necesitan disciplina, a veces estructura. Y me di cuenta que muchas veces me quemé al decidir las cosas demasiado rápido. Entonces, en este caso en la temporada 8, tanto para mí como para el resto, trato de ir despacio. Al movernos más despacio podemos llegar a tener mejores resultados y eso se va a ver en esta temporada.

H: Estás trabajando en la temporada 9, ¿Qué esperamos?

Marcus Lemonis: Bueno, pusimos a la serie en una pausa, de hecho no estamos trabajando en la 9. Ahora estoy trabajando en otro programa sobre la renovación de los hogares para que la gente entienda que el negocio en el hogar es más importante que el negocio por empresa. Lo que hicimos fue ponerle una pausa a la temporada 9.

• Con información de History, Cesar Sabroso

ALTO! FRONTERA, ACCESO EXCLUSIVO AL TRABAJO DE LAS AUTORIDADES

ALTO! FRONTERA Dónde ver: A&E Miércoles, 21,00 hrs.

A&E estrenó la nueva temporada de Alto! Frontera, el exitoso docureality que brinda un acceso exclusivo a los puntos fronterizos más calientes de América Latina para documentar el trabajo que realizan diariamente las autoridades para detectar a personas y a peligrosas organizaciones criminales que buscan realizar todo tipo de tráfico ilícito por cielo, mar y tierra.

A diferencia de la primera temporada, en esta segunda entrega de Alto! Frontera, el reconocido actor y conductor mexicano Julio Bracho presentará frente a cámara cada uno de los 12 episodios que fueron producidos durante la pandemia y que prometen más adrenalina, sorpresa y un acceso de primera mano a los operativos que van desde delitos menores hasta tráfico de grandes cantidades de drogas y armas.

Cada frontera de América Latina es un desafío para quienes intentan quebrar los límites de la legalidad.

Las cámaras de A&E acceden en exclusiva a los puntos fronterizos en Brasil, México, Colombia, Chile, Bolivia y Perú, para documentar en esta segunda temporada los originales métodos de contrabando, especialmente en aeropuertos, en los que las autoridades detienen todo tipo de tráfico ilegal.

Por tierra o por mar, el objetivo es prevenir el movimiento oculto de drogas, bienes prohibidos y divisas no autorizadas que generan pérdidas millonarias y potenciales peligros sanitarios. Desde experimentados criminales, hasta pequeños comerciantes que ven una oportunidad para generar un ingreso, los agentes deben actuar con eficacia para detener y evitar que logren su cometido.

En aeropuertos, por donde atraviesan miles de toneladas de carga, se detectan las sofisticadas técnicas policiales para frustrar las tácticas ilegales cada vez más ingeniosas de ocultamiento de drogas y tráfico de documentación falsificada. Los pasajeros arriesgan hasta sus propias vidas para cumplir con estos envíos.

A&E muestra en cada episodio los delitos más singulares en este impactante docureality que se centra en las personas que arriesgan todo para burlar los controles fronterizos, y las trágicas situaciones que surgen cuando son descubiertas por las autoridades que les marcan con firmeza.

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EL OSCURO DESEO DE ARIANA SAAVEDRA

L A AC T R I Z S E I N T EG R A A L A S EG U N DA T E M P O R A DA D E L A S E R I E O S C U R O D E S EO

L

a actriz Ariana Saavedra participa en la segunda y última temporada de la exitosa serie Oscuro Deseo, con el personaje de Julieta Lazcano, quien será la prometida de Darío, interpretado por Alejandro Speitzer. “Mi personaje es una tragedia, una mujer con mucha ilusión. Protegida por su padre, pero con un destino fatal. Es dulce, inteligente, sensual e inocente”, describe.

Para conseguir el papel la actriz comparte que tuvo que recorrer un largo camino, en donde su talento y perseverancia, fueron la clave para obtenerlo. “El casting de Julieta lo di por perdido. Lo había casteado 7 meses antes de que empezara la producción y no tuve ninguna respuesta, fue hasta Semana Santa de 2021 cuando me llaman para el callback.

“Estaba en Valle de Bravo. Siempre llevo mi aro de luz a todas partes, y ese día decidí dar el todo por el todo. De verdad estoy muy orgullosa de ese callback. Al día siguiente me dijeron que al fin la oportunidad que tanto había esperado, se me había dado”, detalla.

La actriz tiene una exitosa carrera en el mundo del modelaje, ha participado en videos musicales de cantantes como Maluma, y en producciones como Veinteañera: Divorciada y Fantástica, Educando a Nina y en las tres temporadas de Control Z; sin embargo, para ella este proyecto tiene un enorme significado.

“Significa una nueva oportunidad, un nuevo reto. Mi primera vez como actriz en muchas cosas, por ejemplo, mi primer desnudo, mi primera vez usando arnés, y la verdad mi primera vez en donde puedo ser yo y en donde mis propuestas son escuchadas. Significa el comienzo de mi carrera, donde la gente puede ver de lo que soy capaz”.

En esta nueva temporada de Oscuro Deseo, Alma (Maite Perroni) intenta reconstruir su vida. Ahora divorciada de Leonardo (Jorge Poza), se ha tomado un año sabático en la universidad para acudir a un grupo de apoyo donde intenta recuperarse. El destino de Alma tendrá un nuevo y dramático viraje cuando se entere de que está por celebrarse una boda que la sacude en lo más profundo: Darío está por casarse con Julieta.

Encuentros explosivos y una sorpresiva tragedia serán el detonador para un nuevo e inquietante juego de espejos y giros inesperados.