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REVISTA CAMEO nace con el fin de difundir los proyectos de cine, televisión y plataformas digitales en México.

AGRADECEMOS EL MATERIAL FOTOGRÁFICO A LAS AGENCIAS DE RP Y A LAS DISTRIBUIDORAS.

NÚMERO 12 JUNIO | 2022 A ÑO 2 REVISTA DIGITAL

Editor: Carlos Mora Co editora: Maribel De Luna Colaboradores: Elizabeth Osorio Cinthya Salas Alejandra Lomelí Francisco Javier Quintanar Polanco Angélica Ramírez CORREO:

cameo.revista@gmail.com REVISTA CAMEO revista_cameo issuu.com/revistacameo

Los Estudios Tepeyac al fondo de los Indios Verdes.

E L HOLLYWOOD DE LOS AÑOS 40 QUE TUVO LA CIUDAD DE MÉXICO por E L I Z A B E T H O S O R I O

H

abía una vez en el norte de la Ciudad de México los estudios cinematográficos más importantes de los años 40 y 50 que; por su ubicación, el arribo constante de las estrellas más importantes de la época y la arquitectura de las casas en la colonia Lindavista al estilo californiano, concedieron a dicha zona de la alcaldía Gustavo A. Madero la fama de ser el Beverly Hills chilango.

Se trata de los Estudios Tepeyac que fueron inaugurados 8|

en 1946 con 11 foros en terrenos de Lindavista y que posteriormente, en 1957 cerraron. Después del cierre el ambiente de glamour y fascinación que se vivió en la zona digno de la época de oro del cine mexicano fue sustituido por la cotidianeidad urbana de la estación del metro Indios Verdes y su paradero de autobuses.

No obstante, el recuerdo de los Estudios Tepeyac es motivo de nostalgia para los habitantes de la colonia Lindavista y sus zonas aledañas, las cuales tuvieron como vecinos

Fotografía tomada del Facebook Pedro Infante 100 años.

a las actrices y actores de la época, quienes llegaron a tener ahí sus residencias, debido a la cercanía con los estudios.

“En la calle Necaxa donde vivo, tenía su casa Blue Demon, Maricruz Olivier y dicen que unos familiares de Pedro Infante también vivieron aquí; por eso cada noviembre que es el aniversario de la colonia los vecinos celebran recordando en un periódico mural cuando era común ver a los actores por aquí”, recordó Carlos Arturo Rocha, habitante de la colonia Industrial, donde se sabe igualmente habitó la inolvidable Evita Múñoz, Chachita.

La proximidad de los Estudios con estas colonias, permitieron que sus calles fueran también escenarios de películas como Ay amor como me has puesto de 1951, en la que Tin Tan se pasea por la avenida Lindavista en bicicleta y con un canasto de pan en la cabeza.

Cuando los Estudios Tepeyac fueron inaugurados, el cine mexicano tenía 10 años de haberse consolidado como industria, con bases financieras sólidas que generaban ya grandes producciones que dieron lugar a una época memorable para el país y que fueron reconocidas a nivel internacional e incluso por la UNESCO que nombró Memoria del Mundo al negativo original de la película Los Olvidados.

El 6 de febrero de 1950, teniendo como protagonistas a un grupo de jóvenes, Luis Buñuel comenzó, la filmación de este filme en diferentes locaciones de la Ciudad de México, como en Nonoalco y el barrio

Fotografía: Mediateca del INAH.

de la Romita, pero su base de filmaciones fueron los Estudios Tepeyac, donde se terminó de rodar tan sólo 45 días después, el 9 de marzo.

La Oveja Negra de Ismael Rodríguez, uno de los clásicos en la trayectoria de Pedro Infante, también tuvo locaciones en los Estudios Tepeyac. En esta película el ídolo compartió créditos con los hermanos Andrés y Fernando Soler, este último inmortalizó don Cruz Treviño Martínez de la Garza, la personificación del padre autoritario y machista llevada al límite.

De las filmaciones de esta película en los Estudios quedó una fotografía de autor desconocido en la que se observa a Andrés Soler, Pedro Infante y Wolf Ruvinskis acompañados por personal del staff.

Alrededor de 150 películas de la época de oro del cine mexicano fueron filmadas en los Estudios Tepeyac, antes de que cerraran para siempre en el mismo año que muere Pedro Infante, es coincidencia que el momento de más éxito de la carrera del “ídolo inmortal” coincide con la vida de los estudios. |9

Fotografía del dossier El sabor de lo real: Yolanda Andrade. La Manuela (Roberto Cobo), Ciudad de México, 1978.

F

ue en 1938 cuando Fernando de Fuentes dirige y lanza La casa del ogro, en donde por vez primera en la historia del cine mexicano, aparece un personaje gay llamado Pedro (interpretado por Manuel Tamés), el cual era mostrado como amanerado y estereotipado hasta niveles caricaturescos. Y así, por mucho tiempo, dentro de la industria fílmica nacional, los personajes LGBTQ+ estaban acotados casi siempre a roles incidentales o secundarios, representados de forma unidimensional, burda y satírica, planteados casi siempre como meros comparsas de los protagonistas principales, y su función era invariablemente bufonesca: reírse o hacer escarnio de ellos.

Ese panorama continuaría hasta mediados de los años setenta, salvo por algunas excepciones, como es el caso de Muchachas de uniforme (Alfredo B. Crevenna, 1951) acerca de una joven de un internado de señoritas, y del atormentado amor que profesa hacia una de sus profesoras; La primavera de los escorpiones (Francisco del Villar, 1971) que narra las tortuosos amoríos que dos amantes homosexuales sostienen con una madre soltera, y Los marcados (Alberto Mariscal, 1971), donde se puede adivinar una relación homoerótica entre dos de sus personajes principales.

CINE MEXICANO LGBTQ+ UNA BREVE HISTORIA por F R A N C I S C O J A V I E R Q U I N T A N A R P O L A N C O

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Doña Herlinda y su hijo (Dir. Jaime Humberto Hermosillo, 1985).

A partir de la segunda mitad de los setenta, el entonces llamado Nuevo Cine Mexicano (siendo la primera vez que se acuñaba dicha etiqueta) seria influenciado directamente tanto por las corrientes de pensamiento como por los diversos movimientos políticos y sociales propios de esa época, así como por las diferentes vanguardias cinematográficas de las décadas inmediatamente anteriores. Ello se vería reflejado en diversas producciones que comenzaron a tocar temas de los cuales no se hablaba frontalmente.

Uno de ellos fue la diversidad sexual.

En 1977 (aunque se estrena hasta 1979) se realiza Tres mujeres en la hoguera, película escrita por Carlos Valdemar y dirigida por una estrella de la Época de Oro del cine nacional: Abel Salazar. En ella se desarrolla un drama erótico con tintes de suspenso, que involucra traiciones y triángulos amorosos lésbicos como parte de su premisa argumental. La cinta fue protagonizada por Maricruz Olivier, Pilar Pellicer, Maritza Olivares y Rogelio Guerra.

Y es en 1978 cuando se estrena una de los filmes fundamentales en la historia del cine mexicano LGBTQ+: El lugar sin límites. Adaptación cinematográfica de la novela homónima del escritor chileno José Donoso, fue dirigida por Arturo Ripstein y escrita por este último, en colaboración con José Emilio Pacheco y Manuel Puig (quien no figura en los créditos).

En el filme, un típico macho mexicano (encarnado por Gonzalo Vega) es orillado a confrontar su propia homosexualidad reprimida, gracias a la presencia de La Manuela (Roberto Cobo), un travesti quien vive (y trabaja) con su hija en un prostíbulo de un pueblito como hay cientos en México. Cabe mencionar que, en esta cinta, se dio el primer beso gay a cuadro dentro de un filme industrial producido en nuestro país.

En esa misma década, aparece en el panorama fílmico nacional el director originario de Aguascalientes Jaime Humberto Hermosillo, uno de los primeros cineastas quien se declaró pública y abiertamente homosexual. Pionero también del cine digital en nuestro país, Hermosillo se dedicó a abordar frontalmente el tema de la diversidad en sus películas desde sus primeras obras, y lo continuaría haciendo hasta su muerte acaecida en 2020.

Carmín Tropical (Dir. Rigoberto Pérezcano, 2014).

Quebranto (Dir. Roberto Fiesco, 2013).

Entre algunos de sus títulos más representativos aparecidos entre la década de los setenta y ochenta (previo a su también prolífica etapa en el cine digital) se encuentran El cumpleaños del perro (1974) donde un hombre se prenda, protege y se hace cómplice de un joven vecino quien acaba de asesinar a su esposa; Matinée (1976), un coming of age en donde el destino de dos jóvenes asaltantes queda fatalmente sellado por la celotipia de uno de ellos; Las apariencias engañan (1977), donde Isela Vega interpreta a la primer mujer transgénero del cine nacional y Doña Herlinda y su hijo (1984), en la cual dos jóvenes que sostienen un romance a espaldas de la madre de uno de ellos, aceptan un matrimonio por conveniencia con una mujer para ocultar las apariencias.

Durante la década de los noventa, comienza a haber más apertura en la sociedad y la cultura mexicana para abordar temas relacionados con la diversidad sexual. Ello motiva no solo que en el cine se empiecen a tocar estos temas con mayor frecuencia y naturalidad, sino que incluso comiencen a surgir espacios que buscan brindarles mayor visibilidad a dichas obras.

En 1997 nace el Festival Mix-Cine y Diversidad Sexual, el primer (y más longevo) festival mexicano dedicado exclusivamente a la cinematografía sobre temática LGBT+. Bajo la dirección de Arturo Castelán, este evento celebrará en 2022 su edición número 25, incluyendo en su programación producciones nacionales e internacionales.

Con la llegada del nuevo milenio, y sumándose al trabajo de Jaime Humberto Hermosillo ya en formato digital (con producciones como EXXXorcismos (2002), El Edén y El misterio de Los Almendros (2003), por mencionar solo algunos títulos), en el panorama nacional despunta también el trabajo del capitalino Julián Hernández.

Formado en el otrora Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM (hoy ENAC), fuertemente influenciado por el cine de Pier Paolo Pasolini y de Rainer Werner Fassbinder y buscando siempre tener a la CDMX no solo como escenario sino como protagonista silencioso de sus historias, Hernández debuta con Mil nubes de paz cercan el cielo, amor, jamás acabarás de ser amor (2003), la cual le hizo acreedor al Teddy de Oro, otorgado por el Festival Internacional de Cine de Berlín con el cual se reconoce a aquellas obras con historias o protagonizadas por personas LGBTQ+.

Made in Bangkok (Dir. Flavio Florencio, 2015).

Matinée (Dir. Jaime Humberto Hermosillo, 1977).

Sueño en otro idioma (Dir. Ernesto Contreras, 2017).

Cuatro lunas (Dir. Sergio Tovar Velarde, 2014).

Dentro de las obras más destacadas de Julián Hernández se encuentran El cielo dividido (2005), protagonizada por una pareja de muchachos quienes se entregan a su amor apasionado teniendo a una idílica Ciudad Universitaria como trasfondo; Rabioso sol, rabioso cielo (2009), donde una pareja gay lucha por mantener viva su relación cuando en el horizonte aparece un tercero en discordia; y Yo soy la felicidad de este mundo (2014), donde un cineasta elabora una historia en la cual su realidad y la ficción comienzan a confundirse. Aunado a estas películas, Hernández ha elaborado también múltiples cortometrajes en la misma temática.

En paralelo a la carrera de Julián, se encuentra la de su productor Roberto Fiesco, también egresado de la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas, ENAC (antes CUEC), con una amplia trayectoria en el corto y largometraje, y quien en 2014 obtendría el Ariel por su documental Quebranto, sobre un otrora niño actor quien decidió cambiar de sexo y transformarse en Coral Bonelli.

Durante la ceremonia llevada a cabo en el Palacio de Bellas Artes, al momento de pronunciar su discurso de aceptación, el realizador pondría el dedo en la llaga sobre la homofobia y el rechazo que aún persiste en la industria del cine nacional. “Hoy todo el día estuve pensando que hace más de 10 años, cuando Julián Hernández y yo queríamos producir nuestra primera película Mil nubes de paz…, un alto funcionario del IMCINE dijo: ‘El Estado no tiene por qué apoyar películas de maricones’”, reveló Fiesco de manera impactante esa noche.

En contraste, en 2011 el Festival Internacional de Cine en Guadalajara instauró el Premio Maguey, que en propias palabras de festival “Es un galardón al séptimo arte que difunde y promueve un cine que parte de historias acompañadas de una orientación sexual abierta y diversa, celebrando lo mejor de la cinematografía LGBTQ + del mundo en Guadalajara”.

Para finalizar, es necesario mencionar algunas obras –tanto de ficción como documentales- producidas a inicios de este nuevo milenio, las cuales abordan, desde sus personales miradas y variados ángulos (pero siempre de forma directa, abierta y precisa), el tópico de la diversidad: Quemar las naves (Francisco Franco Alba, 2007); La noche de las flores (Adrián Burns, 2011); Morir de pie (Jacaranda Correa, 2011); Todo el mundo tiene a alguien menos yo (Raúl Fuentes, 2011); En donde chocan las olas (Abraham Miranda, 2013); Carmín tropical (Rigoberto Perezcano, 2014); Cuatro lunas (Sergio Tovar Velarde, 2014); Made in Bangkok (Flavio Florencio, 2015); Te prometo anarquía (Julio Hernández Cordón, 2015); Casa Roshell (Camila José Donoso, 2017); Etiqueta no rigurosa (Cristina Herrera, 2017); Los días más oscuros de nosotras (Astrid Rondero, 2017); Sueño en otro idioma (Ernesto Contreras, 2017); Esto no es Berlín (Hari Sama, 2019); Cosas que no hacemos (Bruno Santamaría Razo, 2020); El baile de los 41 (David Pablos, 2020); Las flores de la noche (Omar Robles y Eduardo Esquivel, 2020); Efímera (Luis Mariano García, 2021); Finlandia (Horacio Alcalá, 2021); Nudo Mixteco (Ángeles Cruz, 2021) y Nunca seremos parte (Amelia Eloísa, 2022). Vale la pena acercase a alguno (o si es posible, a todos) estos títulos.

EN ENTREVISTA EXCLUSIVA CON

SIN CLICHÉS

LA REVISTA CAMEO, EL ACTOR Y CANTANTE CONVERSA SOBRE LA COMEDIA TODO POR LUCY, INSPIRADA EN LA FAMOSA SERIE ESTADOUNIDENSE I LOVE LUCY, UN ÉXITO DE LA DÉCADA DE LOS CINCUENTA. EN ESTA SITCOM, ZUNO INTERPRETA A ESTEBAN, UN GAY QUE VIVE CON SU PAREJA Y ES VECINO DE LUCY, “ES UNA EVIDENCIA GRANDE DE CÓMO HA CAMBIADO LA VIDA EN 2022" por C A R L O S M O R A

¿Qué fue lo que más te gustó de dar vida a Esteban?

Lo disfruté mucho, Esteban es un personaje muy noble, no hay manera de no disfrutarlo porque creo que una de sus características principales es que es hedonista y disfruta de la vida, es un personaje libre, carismático, solar, expansivo y muy expresivo, habitar una piel así es delicioso porque te hace cuestionarte qué tan libre eres como persona, el cómo estás en tu propia piel.

Me permitió relacionarme distinto, desde un lugar sin ningún tipo de prejuicios, ni tapujos, de esta onda que tenemos los seres humanos como verdugos de nosotros mismos al estar siempre en constante chequeo de ¿lo estoy haciendo bien? o ¿esto está bien?

Cuando vi el tráiler por primera vez, me emocionó mucho que desde esos pequeños tips ves eso, a un personaje que aparece y tiene una chispa, algo muy propio de los personajes de la comedia de situación, que engancha al público porque tiene eso, esa característica de que entran a escena y los volteas a ver porque traen algo radiante, eso fue lo que más disfruté de este personaje. ¿Tiene algún parecido a ti?

Por supuesto, uno siempre tiene que dotar al personaje; aunque, Esteban en particular de todos mis personajes es el que ha encontrado una voz muy propia, expresiones y manierismos muy puntuales, obviamente sus referentes son míos y tengo una característica muy particular porque tengo buena memoria y cacho cosas que luego otros no y luego las repito a manera de chiste y entran muy bien, todas esas cosas fueron material de uso para Esteban y otras cosas que luego me aventaba de repente se volvieron una constante y se quedaron para la posteridad entre el elenco.

Sí, definitivamente dotas al personaje de características propias. ¿Qué tipo de sueños has seguido?

He dedicado la mayor parte de mi vida, de mi energía, de mis esfuerzos y de mi tiempo en cumplir y alcanzar mis metas y no como una consigna ni un sacrificio, sino como parte de lo que me hace feliz. Creo que mi trabajo lleva implícito con él la satisfacción de hacer ciertas cosas que a veces se buscan; hay gente que tiene trabajos y sus placeres están en otros lugares, sus hobbies.

Tengo algunos hobbies, pero afortunadamente dentro de lo que hago están muchas de las cosas que yo disfruto; lo que me gusta hacer en mis ratos libres también está en mi trabajo, por eso creo soy bien afortunado en ese sentido y sigo todos los días, no paras por el sueño por alcanzar, y no es que viva en una carrera, que esté corriendo en banda hacía algo inalcanzable, sólo que ahora quiero ir más lejos porque el sueño además siempre se va moviendo, es como la zanahoria y el conejo, es algo que siempre va a estar "allá".

Procuro saborear los procesos, todos y cada uno, porque tienen su magia, su mística; por ejemplo el haber grabado la serie, ahora estar grabando con la presentación y estar compartiendo mi experiencia.

De pronto nos perdemos en la vorágine del “¿qué sigue?”, esta persecución inalcanzable, pero creo que los sueños sí te dan muchas cosas muy buenas, para mí es disfrutar el proceso, seguir colocando objetivos a corto, medio o largo plazo y decir “voy pa’lla” pero en el camino comerse unos helados bien ricos, acostarse en un camastro, luego un libro bien padre, una cancioncita, es decir, hacer placentero el viaje.

"HE DEDICADO LA MAYOR PARTE DE MI VIDA, ENERGÍA, ESFUERZOS Y TIEMPO EN CUMPLIR Y ALCANZAR MIS METAS Y NO COMO UNA CONSIGNA NI UN SACRIFICIO, SINO COMO PARTE DE LO QUE ME HACE FELIZ" ¿Qué opinas sobre cómo se presenta a la comunidad LBGTQ+ en películas o en series hoy en día?

La televisión planteó a los personajes con algunos clichés, ahora es momento de que recojan su desmadre. La televisión y los medios han sido culpables de generar estos personajes que generalmente han sido motivo de escarnio, de burla, de ridiculización, han dibujado personajes que la sociedad, como referencia de la televisión, creen que todo es así.

La televisión tiene una responsabilidad educativa, nos guste o no, porque en México la única fuente de educación o de referente del mundo exterior es la televisión y desafortunadamente sí ha fallado muy fuertemente no solo en personajes homosexuales, en el rol de la mujer, en las relaciones de pareja y cómo se llevan, y una infinidad de cosas.

Creo que estamos en un proceso estructural para reestructurar viejos procesos, aunque estamos lejos, estamos en un rezago de unos 20 años en contenidos a comparación de lo que ha pasado en lugares como Estados Unidos.

La primera vez que dos hombres se dieron un beso en la boca fue en el 98 y en México sucedió en 2018 en un telenovela que hice en Televisa, son 20 años y suena fácil, pero el impacto social es brutal.

"LA TELEVISIÓN PLANTEÓ A LOS PERSONAJES (GAYS) CON CLICHÉS, TANTO ELLA COMO LOS MEDIOS HAN SIDO CULPABLES DE GENERAR ESTOS PERSONAJES QUE GENERALMENTE HAN SIDO MOTIVO DE ESCARNIO, DE BURLA, DE RIDICULIZACIÓN"

Entonces creo que sí es importantísimo que hoy se esté presentando con una naturalidad mucho más evidente en este tipo de personajes, donde se desdibuja la imagen del personaje de comedia, porque además generalmente han sido personajes de comedia porque siempre había que reírse de su condición sexual, de su amaneramiento, su voz, etc, eso se está desdibujando, replanteando, se está abriendo la conversación y creo que por ahí vamos, en ese sentido me gusta.

Esteban, si bien tiene las características que tienen estos personajes al ser expresivos, es hacerlo desde un lugar que no cae en lo común, ni en el cliché, ni es motivo que “lo chistoso es que va a jotear” ¡no! Es un personaje que sí tiene cierta manera de comunicarse y habla de cierta manera, mueve sus manos de cierta manera, está cómodo en su piel y repito, eso puede ser gracioso en ciertas ocasiones pero lo gracioso no está sólo en eso, en el ademán, está en otra cosa, en la circunstancia, es la forma y el fondo de los personajes.

Ojalá que este personaje logre eso, ese esquema nuevo de cómo abordar esos personajes. ¿Cómo ha sido para ti el proceso musical?

Increíblemente gratificante, gracias a esta nueva manera de hacer las cosas, la vida, las circunstancias, el deseo me convirtió en productor, arreglista, distribuidor, marketer, director de videos musicales, productor audiovisual y está increíble porque es padrísimo que te sientes en una silla y todo mundo haga

todo, que tú sólo vayas te pares y cantes tu canción, todo el mundo se encargue de sacarla; son modelos padres que tienen un alcance totalmente distinto.

La ruta de la música independiente es más larga y complicada, pero si lo enfocamos y vemos cuáles son las cosas hermosas y positivas es que te obliga a crecer como artista, persona, creativo, a tener dos opciones: o lo dejas por las buenas porque está muy difícil o le entras y ni modo, habrá días en los que tengas que meter dos o tres golpes y no pase nada.

Todo para luego conectar con más gente que crea en tu proyecto, se sume a hacer cosas chidas, y estoy en ese viaje, afortunadamente, en el que se me ha sumado gente muy interesante y talentosa que cree en este proyecto. Lo mismo con el público porque cada vez más gente conecta conmigo como cantante y yo me entusiasmo cada vez más por compartir y lograr cada vez más cosas en la música. Cuando alguien chulea el resultado de algo, sólo pienso en “imagínate todo el trabajo que hay detrás” y me puedo colgar todas las flores; pero sé que si algo gustó es muy chido.

Otro de tus éxitos es la obra de teatro Los hijos también lloran.

Ha sido una de las experiencias más poderosas en mi vida y mi carrera, es un proyecto que arrancó

casi hace casi 10 años, empezó en el 2013 pero que no sabía cómo lo quería contar si en teatro o cine, entonces escribí una historia que eventualmente se convirtió en un libro, una novela que fue lo primero que resultó de este proyecto.

Contar esta historia que resonó en tantos corazones, que le habló a tantos niños como yo, ese niño que se plantaba en el escenario todas las noches a abrir su corazón y a contar su historia sin ninguna pretensión más que compartir una cosa que había vivido y que tantos escucharan su propia historia a través de eso y recordaran sus propias anécdotas o vieran a sus padres de alguna manera ahí representados, su infancia, los sonidos de su infancia fue maravilloso, una experiencia brutal.

“AHORA TENGO MAYOR VALENTÍA” EUGENIO RUBIO ES UN ACTOR ORIGINARIO DE TEPIC, NAYARIT, QUE DESDE LOS 18 AÑOS SE MUDÓ A CIUDAD DE MÉXICO PARA PERSEGUIR SU SUEÑO, SER ACTOR. AUNQUE SU CARRERA SE HA ENFOCADO MÁS A OBRAS DE TEATRO, SOBRESALEN SU PARTICIPACIÓN EN SERIES COMO NARCOS MÉXICO Y ACTUALMENTE SUPERTITLÁN, DONDE DA VIDA A ADONIS, UN EX INSTRUCTOR DE GIMNASIO QUE TRABAJA EN EL SUPERMERCADO, PROYECTO QUE DEFINE COMO “UN SUEÑO HECHO REALIDAD”

por C A R L O S M O R A

“Me gusta compartir lo que hago y más cuando se trata de un trabajo como Supertitlán, un proyecto inspirado en la serie americana Superstore, aquella es media hora, y la versión mexicana dura más tiempo y hay personajes que no existen, como mi personaje, Adonis, y otros más. Es un gran trabajo de los escritores pues el reto fue tropicalizarla para México, y mantener el humor blanco, ya que es una comedia muy familiar”, comenta el actor en entrevista con Revista Cameo. ¿Cómo fue que te ofrecen el papel de Adonis, en Supertitlán?

Gracias a Joserra Zuñiga, uno de los showrunners de la serie, lo conocí en una entrega de premios Metro, que se entregan a lo mejor del teatro en México, me dijo que estaban haciendo casting para la serie, me platicó del personaje, después me mandó el guion, lo leí y me emocioné mucho, sabía que Adonis era yo, incluso cuando estaba estudiando la carrera de actuación daba clases de zumba a señoras para tener un dinero extra.

En el mundo de la actuación a veces es complicado porque haces el casting pero para que te digan si te quedaste o no suelen tardar algo de tiempo, y me pasó con este proyecto, me llegó una oferta para entrar a una telenovela, pero sentía que Supertitlán era para mí, y no me equivoque, así es la vida, hay que saber seguir la intuición, y al final fue un regalo.

Supertitlán es una comedia que narra las aventuras de sus trabajadores dentro de un supermercado, en su versión mexicana cuenta con las actuaciones de Jesús Zavala, Sofía Espinosa, Luz Aldán, Aldo Escalante, Ricardo Peralta, Erika Franco, Carlos Orozco, entre otros.

“Varios de mis compañeros tienen una larga trayectoria en televisión como Harold Azuara, nos hicimos buenos amigos y compañeros, le aprendí muchas cosas, trae un ritmo y una naturalidad para la comedia, agradecía que mis llamados fueran con él porque lo observaba y no entra nervioso al momento de decir acción, no tenía experiencia de estar en un set tanto

"SABÍA QUE ADONIS ERA YO. INCLUSO CUANDO ESTABA ESTUDIANDO LA CARRERA DE ACTUACIÓN DABA CLASES DE ZUMBA A SEÑORAS PARA TENER UN DINERO EXTRA" tiempo, recuerdo que grabábamos de lunes a sábado, fue así durante casi 4 meses, grabamos 49 capítulos en un tiempo récord”, añade.

En la serie vemos una combinación de actores tanto de televisión como de teatro.

Eso fue algo que me agradó mucho, ver la combinación de actores me hizo sentir muy a gusto, y al final vemos actores comprometidos, por ejemplo, veía a Carmen Ramos, una gran actriz de teatro, acá da vida a Pascualina, una vigilante del súper, ver su entrega y compromiso con el proyecto fue algo que me inspiró.

"CUANDO ESTUDIABA FUI CONSTRUYENDO IDEAS PRECONCEBIDAS SOBRE LA CARRERA DE ACTUACIÓN Y SOBRE LO QUE ES EL MEDIO, ME DIJERON: 'TIENES QUE VERTE MASCULINO, MACHO, PORQUE SI ERES GAY Y FEMENINO NO TE VAN A DAR TRABAJO O TE VAN A ENCASILLAR EN ESOS PERSONAJES'"

"CUANDO SALÍ DE LA CARRERA Y COMENCÉ A TRABAJAR VI QUE ME HABLABAN PARA HACER PERSONAJES GAYS PERO NO ME IMPORTABA, AL CONTRARIO, ESO ME HACÍA SENTIR MUY CONTENTO"

CON EL CORAZÓN DESBORDADO Supertitlán le trajo a Eugenio Rubio la gran oportunidad de tener uno de los personajes principales dentro de una serie, y en lo personal le ayudó a conectarse con su nueva personalidad, pues tuvo que romper con conceptos preconcebidos que tenía sobre la homosexualidad.

“Cuando estudiaba fui construyendo ideas preconcebidas sobre la carrera de actuación y sobre lo que es el medio, me dijeron: “tienes que verte masculino, macho, porque si eres gay y femenino no te van a dar trabajo o te van a encasillar en esos personajes”, así que me dediqué a crear una imagen de mí, muy masculina, porque si iba a alguna reunión y había algún director o productor tenían que verte varonil, son ideas ya muy absurdas”.

Uno de sus primeros trabajos fue una serie web Con Lugar (2017), fue lanzada en YouTube e iba dirigida al público de la comunidad LGBTQ+.

“Cuando salí de la carrera y comencé a trabajar vi que me hablaban para hacer personajes gays pero no me importaba, al contrario, eso me hacía sentir muy contento, por ejemplo, cuando salió la serie Con Lugar, recuerdo que fue un hit no sólo en México sino también Latinoamérica, y aunque salí sólo en el primer capítulo, recibí muchas muestras de cariño y apoyo, incluso me subieron los seguidores de mis redes, fue bonito tener la batuta de un personaje de la comunidad, porque al ser gay no me tiene que dar miedo ni vergüenza decirlo”.

Dentro de la serie Supertitlán trabaja al lado de Ricardo Peralta, famoso youtuber dentro de la comunidad gay, y que en la serie da vida a Mateo.

“Me tocó trabajar mucho a su lado, conforme avanzaba el trabajo creamos una relación de confianza, una vez me acerqué a él y le dije: “gracias a ti, me estoy permitiendo dejar fluir mi lado femenino, sin pensar en si me veo varonil o no”, al contrario me gusta ese lado que estoy descubriendo de mí, yo creo que mi feminidad se destapó en Supertitlán, mi jotería estaba reprimida por tantas malas ideas que me fui sembrando en mi vida. Al final quiero tener buenos proyectos y hacer una carrera larga en la actuación pero si una de las condiciones es aparentar algo que no soy no valdrá la pena, síganme dando personajes gays, necesitamos que haya más personajes que nos cuenten su historia”.

"QUIERO TENER BUENOS PROYECTOS Y HACER UNA CARRERA LARGA EN LA ACTUACIÓN, PERO SI UNA DE LAS CONDICIONES ES APARENTAR ALGO QUE NO SOY NO VALDRÁ LA PENA, SÍGANME DANDO PERSONAJES GAYS, NECESITAMOS QUE HAYA MÁS PERSONAJES QUE NOS CUENTEN SU HISTORIA”

SUEÑA CON UN CINE

SIN ETIQUETAS

por C A R L O S M O R A

El actor comparte con la Revista Cameo un deseo que tiene desde hace años: "que algún momento las historias no tengan que ser “gay” o “heterosexuales” sino sólo sean cine". El protagonista de Cuatro Lunas (2014) recuerda como esta película de Sergio Tovar Velarde abrió paso a la comunidad gay en el cine mexicano contemporáneo al ser una cinta que cuenta cuatro historias sobre el amor y la autoaceptación

¿Qué sientes de que después de ocho años Cuatro Lunas (2014) siga siendo un éxito?

Es bastante increíble. Fue mi primera película, no podía haber sido más afortunado de haber caído en ese proyecto, es un proyecto que me va a abrazar para toda la vida, la gente lo recuerda con mucho cariño, tiene un nicho de fans impresionante e increíble que aparte son los fans más leales y amorosos del mundo, me siguen a todos lados, van y me ven al teatro, están enamorados de Leo (mi personaje) y de su historia con Fito (César Ramos).

La verdad me parece una película muy importante que llegó en un momento en el que nadie la esperaba y tuvo un éxito sin precedentes porque llegó a más de 100 mil personas con tan solo 20 copias, fue algo increíble. Luego nos hacían burla porque nos decían que en Cinépolis Diana éramos el 11 y 12 (obra de teatro) porque no se acababa, creo que estuvo alrededor de cuatro meses en el Cinépolis Diana y seguía agotando

y agotando; eso habla de la necesidad de este tipo de historias, de verse representados en las pantallas, espero vengan muchos proyectos así.

Otro éxito que tienes es la obra de teatro Siete veces adiós, musical original mexicano.

Me encanta esta historia, me hace muy feliz contarla, Fernanda Castillo es una gran compañera, creo que el trabajo que hicieron Alan Estrada y Salvador Suárez a la hora de escribir esta historia es increíble, la música es hermosa, nunca había tenido la oportunidad de estar en un musical y en esta ocasión tengo la oportunidad porque no tengo que cantar, esta combinación que se armó entre un musical-cabaret-obra de teatro tradicional ha sido todo un éxito, no me la creo, yo y toda la compañía.

Llevamos varias semanas completamente agotados y todavía me queda un mes más de dar funciones, el 10 de julio es mi última función, y no nos la creemos, nos parece increíble que el teatro siga así de lleno.

"(CUATRO LUNAS) FUE MI PRIMERA PELÍCULA, NO PODÍA HABER SIDO MÁS AFORTUNADO DE HABER CAÍDO EN ESE PROYECTO, ME VA A ABRAZAR PARA TODA LA VIDA, LA GENTE LO RECUERDA CON MUCHO CARIÑO"

¿Crees que ya se está abriendo más la industria a tocar más temas LGBTQ+?

Me encanta la idea, tengo un sueño que ahora suena utópico, pero que tiene muchos años, de que en algún momento las historias no tengan que ser “gay” o “heterosexuales” sino sólo sean cine, pero mientras eso no suceda festivales como este terminan teniendo la importancia que tienen por eso, porque no todas las historias que cuentan con narrativas LGBTQ+ tiene espacios, así que creo que de verdad deberíamos aprovechar este festival para ver esas historias y encuentren a su público.

Por otro lado, ¿cómo te sientes de ser jurado del Festival Mix en su edición 26?

Estoy muy contento de todo lo que me está pasando, de ser jurado del Mix 26, que nuestra obra Siete veces adiós sea un éxito, que acabo de terminar otra película; estoy muy feliz, la verdad. ¿Cómo ves el crecimiento del festival Mix? Esperaría que estuviéramos muchísimo más evolucionados todavía, que esto fuera muchísimo más grande.

Me parece que un festival que cumple 26 años, que en realidad son 27 porque hubo un festival cero, no tenga la importancia histórica que debería de tener. Me parece que el Festival Mix merece muchísimo más respeto, audiencia y apoyo, y espero que en algún momento suceda porque de verdad es el festival con más tradición

en México, el más longevo, que exhibe películas hechas por personas parte de la comunidad con temas gay, entonces me parece muy importante vanagloriar más, hacerlo más grande por su importancia no sólo en la comunidad LGBTQ+, sino en la comunidad cinematográfica del país. ¿Cómo viviste la pandemia?

La verdad nos pegó muy duro la pandemia, en lo personal me pegó bastante sobre todo anímicamente porque no pude trabajar y eso te pega en el monstruo creativo y tuve que hacer otras cosas, me enfoqué muchísimo más en escribir, pero ya extrañaba muchísimo el set, el escenario, soy muy abrazón, entonces extrañaba mucho abrazar a la gente.

JORGE ARRIAGA LA LORE

ROMPE ESQUEMAS por C A R L O S M O R A

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l actor Jorge Arriaga La Lore, protagonista de la cinta Estrellas Solitarias, del director Fernando Urdapilleta, comparte con la Revista Cameo, su experiencia de trabajar en aquel proyecto, aunque se estrenó en 2014, aún agradece el cariño con el que público recibió a su personaje Joana, una chica trans que afirma “fue un papel que me cambió la vida”. ¿Qué te dejó trabajar en Estrellas solitarias (2014)?

Fue un sueño hecho realidad porque desde muy niño me encantaba el cine, veía la pantalla y decía “algún día me gustaría salir ahí haciendo algo”, lo que sea pero verme en la pantalla grande; sueño que con el tiempo vas perdiendo y dices “esto no es para mí”, piensas que tienes que tener renombre, estar guapo o mamado.

De repente, un día fui requerido para hacer el casting de la película y salió maravilloso, así obtuve el papel de Joana, un personaje que amé, tiene mucha similitud con mi vida y que reflejaba muchas de mis emociones, me cambió la vida.

Tiene mucho de mi alma ese personaje porque me entregué sin saber actuar sólo me dejé guiar por el director, que fue un maestro en mi vida.

"HEMOS GANADO MUCHÍSIMO PERO AÚN NOS FALTA MUCHO MÁS, SEGUIR LUCHANDO CONTRA LA HOMOFOBIA Y CONTRA LAS PERSONAS QUE NO NOS QUIEREN VER EN EL MUNDO"

"DESDE MUY NIÑO ME ENCANTABA EL CINE, VEÍA LA PANTALLA Y DECÍA 'ALGÚN DÍA ME GUSTARÍA SALIR AHÍ HACIENDO ALGO', SUEÑO QUE CON EL TIEMPO VAS PERDIENDO Y DICES 'ESTO NO ES PARA MÍ', PIENSAS QUE TIENES QUE TENER RENOMBRE, ESTAR GUAPO O MAMADO"

¿Qué sientes al saber que aún siguen buscando la película?

Es de verdad una cosa maravillosa porque, sin escucharme mal porque ahí participo, mucha gente me ha dicho que es un filme con personajes entrañables, que te llegan a las fibras morales, te quedan en el alma. Tenía mucho miedo porque la ves y sabes que el tema es difícil, desde el tema transexual, pero a los 10 minutos de la película ya se te olvidó que es una película trans, te adentras en la trama, te olvidas de si los personajes son trans o no, sólo ves la historia de los personajes como Joana o Valentina, incluso de El Muñeco. ¿Cómo ves la comunidad trans en la industria?

Hay un poco más de visibilidad, estamos muy lejos de ser una comunidad y de muchas cosas, es comunidad porque así se nombra, pero realmente estamos lejos pues falta mucha unión, mucho respeto hacia cualquiera parte del LGBTQ+, hemos ganado muchísimo pero aún nos falta mucho más, seguir luchando contra la homofobia y contra las personas que no nos quieren ver en el mundo.

Junio es mes del orgullo LGBTQ+, ¿qué opinas?

Es importante que vean que estamos aquí, que no nos dejemos llevar por el “vete vestido de blanco”, ¡no! Es una diversidad, todos somos parte del arcoiris, no hay que limitarnos, sí comportarnos educadamente pero ser nosotros, ser libres porque al ser libre haces que otras personas que vienen atrás de ti, que a lo

mejor no tiene el valor pero viéndote, puedan tomar la iniciativa de decir yo también puedo. ¿Qué le dirías a las nuevas generaciones que buscan su identidad como personas trans?

Que trabajen honradamente de lo que sea, si pueden estudiar adelante, pero si quieren trabajar puede ser meseras, cajeras, de lo que haya, pero que traten de dignificarse como personas para que no se pierdan, que no se vayan por el alcohol, no se inyecten cosas para verse guapas a costa de su salud, su seguridad y su vida, que se vean guapas pero con otros recursos, es preferible hacerlo con una esponjita a hacerte daño si no tienes posibilidades para hacerte algo bien. Por favor no atenten contra su vida por verse bien un rato. La vida no es para andar jugando a esas cosas. ¿Cómo te sientes de formar parte del jurado del Festival Mix? Estoy muy honrado de pertenecer al jurado de este año, muy contente. Sí he visto crecer al festival, creo que cada vez se integra más gente, es muy importante que cada vez más nos vean, cuando lo ven es maravilloso, de verdad es un respiro.

Este festival nos abre las puertas a muchas personas que nos ha costado mucho trabajo hacernos visibles y creo que es bien importante, además que es el festival gay más antiguo en México, algo maravilloso.

ARTURO CASTELÁN, DIRECTOR FESTIVAL MIX

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n entrevista con Revista Cameo, Arturo Castelán, director delFestival Mix-Cine y Diversidad Sexual, da los detalles de la edición número 26. El festival es el más antiguo de cine de la Ciudad de México, año con año presenta trabajos realizados por los mejores creadores del audiovisual LGBT+. Con diferentes puntos de vista y discursos contemporáneos, unos en retrospectiva y muestra, también cuenta con una selección oficial de seis filmes en competencia por el Premio Mariposa del Festival Mix por C A R L O S M O R A

¿Cómo te sientes de llegar a la 26o edición del Festival Mix? Con el cansancio natural, ese que te da ánimo para continuar, el que dices “ay, bueno ahí viene la siguiente” y movernos a la siguiente oportunidad que tenga el festival de encontrarse con el público. ¿Cómo haces la curaduría?

A rascarle por todo el mundo, por los festivales importantes y demás. Está el Festival Internacional de Cine de Berlín que tiene una sección llamada Panorama que maneja Michael Stütz y de ahí se provee gran parte de lo internacional, en Estados Unidos tenemos festivales hermanos como el Mix Nueva York, Mix Brasil o el Festival Outfest de Los Ángeles, y aquí en México de los grandes festivales. También los cineastas que ya conocen se acercan al Festival Mix. ¿Cuáles son las películas imperdibles de esta 26 edición?

Me encantan las dos películas suecas que vienen, creo que son maravillosas. Una es completamente un documental que se llama Nelly & Nadine (2022) que va sobre dos mujeres que se conocen en un campo de concentración y sobre su vida alrededor del siglo XX, es muy padre; la otra es Los juegos del director (2022), una película del cine erótico sueco, heredera de grandes personajes.

De España viene una película que se llama Mi vacío y yo (2022) que habla sobre la transición de una chica, por cierto vendrá la actriz Raphaëlle Pérez, en la que está basada la película.

Me encantan también las películas israelíes, el año pasado fue el país invitado, es increíble que tengan una cinematografía sobre cuestiones LGBT, viene un documental que se llama Ésta es Gila, ésta soy yo (2022), otra que está en concurso es Cómo decir silencio (2021) que habla sobre política, sobre kibutz y sobre cuestiones de género, todo desde el punto de vista de su directora que es una chica lesbiana que descubre un secreto en el pasado de su abuela.

Y obviamente la sección alemana con la retrospectiva al trabajo de Monika Treut que es una directora básica e importantísima que no solamente tiene este trabajo sobre la actriz Eva Norvind sino trabajos muy importantes sobre la comunidad trans alrededor de 30 años de vida, es un documental que se hizo en el 2001 que se llama Generonáutas (1999) y la segunda parte que es Genderation (2021), que se hizo 20 años después con los mismos personajes.

También está el musical de España El Fantasma de la Sauna (2021), que es una locura este año con Antonia San Juan como la protagonista y bueno, lo mexicano es una película dirigida por una directora española llamada Beatriz Sanchís, The Gigantes (2021) que es una gran apuesta, una muy bonita road movie, y también está la película con la que inauguramos el festival que es Efímera (2021) de Luis Mariano García, que va a dejar a la serie Heartstopper (2022) muy tonta. ¿Cómo ves al cine mexicano en temas LGBTQ+?

Interesante, muy bien. Hay mucho interés sobre la cuestión trans, recibimos muchos cortometrajes sobre eso, lo que nos llama mucho la atención es que no los está dirigiendo gente trans que es algo que estamos haciendo notar porque está muy de moda las cuestiones de la identidad y demás, está padre que tengan un acceso visual y a personajes; esperamos que ya pronto aparezca un di-

rector o directora trans. El año pasado lo logramos con Dana Karvelas que estuvo dirigiendo un cortometraje, pero ojalá que se vayan agregando más personas trans y no necesariamente hagan temas trans, que hablen de lo que quieran, pero que cada vez más ingresemos más personas LGTB Q+ a la fase de la dirección y la producción. ¿Cuáles son los retos que enfrentas cada año con el festival?

A existir. Lo dijo Cristián Calónico, Director PROCINE, realmente no existe un fondo de cultura que esté apoyando a los festivales anualmente, en especial a festivales como este en el que ya tenemos casi un cuarto de siglo trabajando.

Debería de haber, y no es así, uno se tiene que meter al concurso en el que tienes que competir con festivales nuevos o con los proyectos que únicamente se meten a ver qué sacan, es algo muy difícil y un problema que se presenta en la cultura en general en México.

Valeria Lamm

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de

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EN ENTREVISTA EXCLUSIVA CONVERSAMOS CON LA ACTRIZ TRANS VALERIA LAMM, QUIEN HACE SU DEBUT EN LA CINTA EL HOYO EN LA CERCA, DEL DIRECTOR JOAQUÍN DEL PASO, UN THRILLER QUE TRIUNFÓ EN EL PASADO FESTIVAL DE CINE DE VENECIA CON EL PREMIO BISATO AWARD A MEJOR FOTOGRAFÍA. LA JOVEN DA VIDA A JORDI, UNO DE LOS ESTUDIANTES QUE CADA AÑO VAN A UN CAMPAMENTO DONDE LES EDUCAN PROFESORES Y CURAS por C A R L O S M O R A

¿Qué sientes de participar en la cinta El hoyo en la cerca?

Desde los tres años sabía que la actuación era lo mío, me encantaba, por ello estudié en la academia de la primera actriz Patricia Reyes Espíndola MM Studio, durante ese tiempo me dieron las bases para prepararme en este ámbito.

Curiosamente, unos años después en el colegio se acercan a nosotros y nos dicen “fíjate que viene un director que va a grabar una película, él busca chavos, así que habrá una junta para los que estén interesados”. Cuando fuimos ahí estaba Joaquín del Paso, con los directores de casting, inmediatamente el proyecto me atrapó, supe que eso era lo que quería y accedí. Fui quedando callback, tras callback, en un grupo de 500 niños previamente seleccionados, recortaron a 100, de 100 a 60 y de 60 a 35 que fuimos los que nos quedamos. En ese grupo de 35 hicimos un casting más personal y fue en donde me dijeron que iba a interpretar a Jordi.

¿Qué fue lo que más te gustó de Jordi?

La verdad, cuando me comencé a preparar para la interpretación me di cuenta que era un personaje muy difícil porque él no comparte los mismos valores que yo, aunque desgraciadamente conozco gente que sí tiene ese tipo de actitudes, así que decidí agarrarme de esas personas para poder llevar a cabo mi personaje. Estoy fascinada con mi personaje, creo que lo hago bien.

Al mismo tiempo, me siento identificada con algunas partes de Jordi porque es un niño tan misterioso que no está cómodo con su propia piel, lo podemos ver en la escena cuando se viste de mujer y en el momento nadie lo juzga porque se están burlando de la autoridad y los demás lo ven como si fuera un juego, pero él se siente tan cómodo y tiene ciertas actitudes hacia los demás debido a que en su vida cotidiana no está cómodo, tiene miedo de que lo juzguen y lo rechacen del mismo grupo que lidera.

"AL VER QUE LAS ACTRICES MJ RODRÍGUEZ GANÓ EL GLOBO DE ORO Y LAVERNE COX NOMINADA A LOS PREMIOS EMMY, SIGNIFICA QUE VOY A GANAR LOS OSCAR ALGÚN DÍA... ESO ME DA ESPERANZA"

La cinta aborda el tema del machismo, ¿qué opinas?

Es muy curioso porque la película la grabamos hace cuatro años. Tenía entre 13 y 14 años, ahora tengo 17 años, siento que no tenía la madurez de manejar estos temas que se tocan en la película, pero Joaquín nos cuidó mucho en ese aspecto, nos explicó a fondo estos temas.

Después al verla en el Festival de Cine de Venecia mi perspectiva cambió, me dio mucha felicidad ver cómo se tocan esos temas en la película, en especial el tema del machismo tan tóxico que estamos acostumbrados a ver en nuestro país, ese que le está costando la vida a ocho mujeres al día, también hace que México esté ocupando el segundo lugar en transfeminicidios, seguido de Brasil.

Es algo muy triste, creo que al hacer esta película pongo mi granito de arena de lo que queremos hablar, de las cosas que pasan para que se vean con cierto toque de exageración, porque es una película, pero creo que son estos temas de los que se necesitan hablar y al salir de ver la película te pones a pensar “¿cómo desde mi trinchera puedo hacer un cambio para que este tipo de actitudes homofóbicas, clasistas o machistas puedan dejar de suceder?”

"ESTOY MUY CONTENTA DE LA VISIBILIDAD QUE HEMOS TENIDO A LO LARGO DE LOS AÑOS, QUE LA GENTE SEPA QUE LAS MUJERES TRANS NO SON HOMBRES CON PELUCA Y QUE ESTE TIPO DE MUJERES EXISTEN" Estuviste en el Festival Internacional de Cine de Venecia, ¿cómo te fue?

La verdad me encanta hablar y tomarme fotos, esto de prensa lo disfruto mucho porque me gusta que la gente me conozca para este proyecto y para futuras ocasiones cuando vean la película, y mis proyectos futuros los vean desde un ente más personal. Al ir a Venecia estaba muy nerviosa y curiosamente nos habían confirmado que éramos los únicos adolescentes dentro del festival, dentro de una película y el recibimiento de la gente fue increíble.

Recuerdo haber bajado del coche después de mi sesión de maquillaje y peinado, me recibieron como a una reina, lo disfruté muchísimo, entrar por esta puerta tan grande es algo muy especial porque siento que al ser la chica trans más joven al llegar a este festival y más siendo de un país como México, que es de los países más conservadores en Latinoamérica, demuestra que de donde vengas, la religión que tengas o quien seas no te limita nunca a cumplir tus sueños y a llegar a hacer algo grande. ¿Qué opinas del acoso que viven las mujeres?

Desde que tengo la madurez y la capacidad mental siempre hablo de estos temas porque son temas que rara vez son hablados y siguen siendo un tabú. Como mujer, creo que hablar del feminismo es algo muy delicado, pero al mismo tiempo es algo que requiere de mucha valentía; es muy triste ver que el 90% de las mujeres en México hemos sufrido de acoso de algún

¿Qué series te gusta ver?

Mi serie favorita es Pose (2018), retrata justo lo que es ser una mujer trans pues relata este sentimiento de orgullo, esta lucha, y más en los 90 donde las oportunidades de trabajo eran escasas y había de dos: o eras de las que cortan el pelo en las estéticas o eras prostituta, no había de otra. Me encanta que todas las protagonistas son mujeres trans y que no se relata la historia de una sola, nos sentimos identificadas.

tipo en la calle, en las fiestas, en especial en la etapa adolescente donde salimos de fiesta y salir con miedo es algo muy triste, me daba miedo despedirme de mi mamá y no volver a verla, por ejemplo. Desde pequeña, desde que tengo la madurez, he hablado de ello porque me gusta que la gente se sienta incluida.

¿Qué sentiste cuando este año la actriz Mj Rodríguez recibió un Globo de Oro por su participación en Pose?

Al ver que MJ Rodríguez ganó el Globo de Oro y al ver a Laverne Cox nominada a los Premios Emmy, significa que voy a ganar los Oscar algún día, me da esperanza.

Antes creía que este tipo de nominaciones era algo social para ser inclusivos, pero el trabajo de MJ en la serie es extraordinario porque la vemos en diferentes facetas durante las tres temporadas, eso me da la esperanza, que sé que voy a hacer un proyecto más grande y cada vez más grande, para algún día ganar un reconocimiento de esa magnitud.

¿Qué les dirías a las mujeres trans que están en el proceso de enfrentarse al mundo?

La clave para que este proceso sea exitoso es la paciencia. Las entiendo porque al mismo tiempo queremos vernos ¿Qué papel crees que tiene el cine ante estos como queremos, que el mundo temas?

"EN EL FESTIVAL nos perciba como queremos, A las personas que cuando ven una película mexicana DE VENECIA ME pero aquí debes tener mucha sobre violencia y dicen “¡ay!, ¿otra vez más violencia?”, paciencia con tus seres queridos les digo: es lo que vivimos, es lo que tenemos que RECIBIERON COMO porque también es un proceso proyectar, ¿no quieres más películas con violencia?

A UNA REINA, LO para ellos, obviamente sin tolerar ¡pues que no haya esa violencia en la vida real! Que ningún tipo de abuso o discrilas mujeres no suframos esa violencia, las personas DISFRUTÉ MUCHÍSIMO, minación. Luchen hasta el final, diferentes no sufran esa violencia. Se necesitan este PORQUE SIENTO hasta que se sientan satisfechas tipo de películas porque son una plataforma para hacon ustedes mismas y sepan que blar de estos temas que le cuestan la vida no sólo a las QUE SER LA CHICA si yo estoy aquí, si Victoria Vomujeres, sino a muchísimas personas por ser de una lkova está aquí, si Angela Ponce, clase social diferente, tener una preferencia sexual TRANS MÁS JOVEN Miss España, está aquí o Laverne diferente, ser de un género diferente.

EN EL FESTIVAL NO TE Cox sacando su Barbie está aquí, ustedes también pueden lograr Ahora hay más actrices trans, ¿qué opinas?

LIMITA A CUMPLIR TUS eso en cualquier ámbito que se lo Lo percibo como un cambio generacional. La verSUEÑOS Y HACER propongan. dad, estoy muy contenta de ser parte de este cambio Estoy muy contenta con porque ser de un país tan conservador y más siendo ALGO GRANDE" todo el amor y apoyo recibido, una mujer como la que yo soy, es muy difícil vivir en mensajes de chicas que me dicen este mundo y en este país sin seguridad. Estoy muy “me ayudaste a que mis sueños contenta de la visibilidad que hemos tenido a lo largo fueran válidos y a creer en mí” eso es algo que me llena de los años, que la gente sepa que las mujeres trans no son hombres con el corazón de alegría. peluca y que este tipo de mujeres existen, como por ejemplo el caso de la actriz Laverne Cox en la que Barbie se basó para sacar por primera vez ¿Qué opinas sobre la comunidad LGBTQ+ en México? una Barbie transexual inspirada en ella, y esos pequeños detalles para Es una comunidad que tiene muchísimo amor que nosotras son algo muy grande. Por ejemplo, cuando hice historia en el Festival de Venecia como la actriz transgénero más joven en llegar, recibí ofrecer y es diversidad, justo lo que significan las siglas.

Imagínate un mundo donde todos seamos iguales ¡qué muchísimos mensajes de apoyo. Estamos haciendo este cambio, es importante que exista este tipo de visibilidad para que las niñas que vienen flojera! La verdad, para mí significa estar orgullosos de quienes somos, del camino que hemos recorrido para vean la verdadera visibilidad, no la que veíamos en los 90 en donde las lograrlo. mujeres trans eran un chiste.

Efímera EL DESCUBRIMIENTO DE LA IDENTIDAD SEXUAL por A L E J A N D R A L O M E L Í

EL GÉNERO fantástico es uno de los más escasos en el cine mexicano, por eso resulta agradable dar la bienvenida a las películas que nacen bajo este esquema, demostrando que hay vida más allá de las historias de terror, este es el caso de la ópera prima del director Luis Mariano García titulada

Efímera, película sobre un amor adolescente y la aceptación de la muerte.

Responsable de inaugurar la edición 26 del Festival Mix: Cine y Diversidad Sexual México, Efímera no es una película sobre el descubrimiento de la identidad sexual o salir del closet, si bien se enfo-

ca en una relación lésbica, este aspecto no supone un conflicto a superar, un punto a favor, ya que es una película que abraza la diversidad con naturalidad, por el contrario, concentra sus esfuerzos en reflexionar sobre temas universales, recurriendo a la idea de que el amor y la muerte a veces van de la mano.

La película sigue a Emilia (Danae Reynaud), una adolescente solitaria y decidida en lograr sus objetivos académicos, quien tiene la peculiar habilidad de ver un brillo en las personas que están cerca de la muerte. Por estar concentrada en su futuro y agobiada por saber quién morirá pronto, la protagonista prefiere estar sola todo el tiempo, pero esto cambia cuando conoce a Renata (Carla Adell), quien la llevará a disfrutar su vida mientras se enamoran y viven una tierna relación.

Sin mayores ambiciones que reflexionar sobre un peculiar despertar a la vida a través de la muerte, Luis Mariano García encuentra el toque justo para resaltar la facultad sobrenatural de Emilia sin que ello eclipse el verdadero conflicto dramático. Resalta la manera sencilla y ágil con que se desarrolla la trama, así como la personalidad de las protagonistas, permitiendo empatizar con sus deseos, mientras vamos descubriendo, conforme cada una descubre el pasado de la otra, la manera en que buscan trascender.

El punto más débil del largometraje es que la revelación de Renata se siente tardía, para entonces, el conflicto ya es predecible. Pero el camino que nos lleva hasta ahí es más alegre que deprimente, las actuaciones rebozan naturalidad y la conclusión logra su objetivo: hacer catarsis y aceptar.

El director con parte del elenco.

J O A Q U Í N

D E L

P A S O

PRESENTA EL HOYO EN LA CERCA

EL DIRECTOR JOAQUÍN DEL PASO PRESENTA SU NUEVA PELÍCULA, EL HOYO EN LA CERCA, LA HISTORIA COMIENZA EN UN EXCLUSIVO CAMPAMENTO DE VERANO, BAJO LA SIGILOSA MIRADA DE SUS TUTORES, LOS CHICOS DE UNA ESCUELA RECIBEN ENTRENAMIENTO FÍSICO, MORAL Y RELIGIOSO. EL DESCUBRIMIENTO DE UN HOYO EN LA CERCA EN EL LÍMITE DEL CAMPAMENTO DESENCADENARÁ UNA SERIE DE ACONTECIMIENTOS CADA VEZ MÁS INQUIETANTES. EL MIEDO Y LA HISTERIA SE EXTIENDEN RÁPIDAMENTE por C A R L O S M O R A

¿Cómo surge el guion de El hoyo en la cerca?

La empecé a pensar justo después del estreno de Maquinaria Panamericana, en 2016. Está inspirada en ciertas cosas que me sucedieron de adolescente en un periodo muy corto de mi vida y que tienen que ver con la educación religiosa, campamentos y una forma de educar que años después me empecé a dar cuenta de cómo estaba estructurada, fue hasta 2018 más o menos que empecé a escribir el guion; Fernanda de la Peza y yo decidimos arrancar la producción de la película, fue un proceso increíble que está culminando con el estreno de esta película. ¿Cómo fue el proceso para el casting de los jóvenes?

Empecé a hacer casting en las escuelas, el primer reto era a conocer la mayor gente posible, hicimos unos

castings de 500 personas, ya tenía un guion y sabía cuáles eran las personalidades que quería para la película, después reduje el número a 100, hasta que quedaron sólo 35 que iniciaron un proceso de ocho semanas de todos los fines de semana para ir a ensayar conmigo.

Después de tanto proceso y de ver que todos realmente estaban comprometidos con la película, el primer día de rodaje fue un goce, había que dar ciertas indicaciones y las cosas empezaron a ocurrir, lo primero que filmamos en la película fue la llegada a los dormitorios, que es la segunda secuencia de la cinta, era una energía, un ruido, felicidad y todos tenían su uniforme por primera vez, fue una experiencia padrísima y conforme fue avanzando el rodaje y las secuencias difíciles empezaron a aparecer, me di cuenta que realmente habíamos creado unos actorazos. | 49

"ESTÁ INSPIRADA EN CIERTAS COSAS QUE ME SUCEDIERON DE ADOLESCENTE EN UN PERIODO MUY CORTO DE MI VIDA Y QUE TIENEN QUE VER CON LA EDUCACIÓN RELIGIOSA"

El filme toca temas como el patriarcado.

Me interesaban mucho todos estos elementos que se van sumando, emociones y diferentes temas, hacer como una radiografía de la construcción de cierto tipo de masculinidad de una parte de la sociedad, para mí todo el camino desde el inicio hasta el fin y el desenlace trágico habla sobre un proceso de manipulación, de construcción mental que no es de un solo tema, se van juntando; las consecuencias se empiezan a ver en la película y después de ésta quién sabe qué va a pasar con esos niños de la película, cómo van a regresar a sus casas y quiénes van a hacer en 10 años y en 20 años, eso me interesaba o simplemente no mostrarlo todo, mostrar el inicio de algo que más adelante podría ser bastante problemático, más bien que es.

El guion, ¿está basado en tu experiecia?

La coescribí con Lucy Pawlak al igual que Maquinaria Panamericana, ella es inglesa, había estudiado también un par de años en digamos en un internado para mujeres en Inglaterra, cuando le conté del proyecto instantáneamente salieron anécdotas, chistes, traumas y todo tipo de situaciones, empezamos a planear la película como un juego, los maestros de Los Pinos generan una especie de obra de teatro que se va cumpliendo, asustando a los niños y haciendo que se 50 |

vayan acercando cada vez más a ellos, y una vez que están muy cerca están en una situación tan vulnerable que pueden transmitir su ideología, sin embargo hay algo que sale mal dentro de ese guion, algo que no funciona y termina explotando en caos. Veníamos de Maquinaria Panamericana que tenía mucho más comedia, un tono más ligero. Las secuencias más oscuras parecían estar opacadas y parecen modificar mucho el discurso de lo que se quería decir, entonces fuimos digamos direccionando la película hacia un análisis sórdido del ser humano, de las consecuencias de la manipulación, las consecuencias de imponer una ideología en los chavos.

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El hoyo en la cerca EL COMENTARIO SOCIAL SUCUMBE ANTE EL EFECTISMO por F R A N C I S C O J A V I E R Q U I N T A N A R P O L A N C O

UN GRUPO de niños provenientes de diversas familias acaudaladas llega a Los Pinos, un campamento de verano administrado por un grupo clerical. Además de ofrecer algunas actividades de esparcimiento para los chicos, aquellos quienes dirigen el lugar pretenden acercarlos a Dios, y de paso infundirles disciplina y entrenamiento físico, mental e incluso moral; buscando convertirlos en un tipo de élite especial, capacitada para dirigir y tomar decisiones importantes cuando lleguen a su vida adulta.

Desde el primer día de su arribo, varios de los jóvenes comienzan a ensañarse con aquellos a quienes perciben como “diferentes” (por su color de piel, porque se hallan desvalidos físicamente, etc.). Conforme

pasan los días, esta situación se acentuará. y los religiosos a cargo del campamento, no sancionan dichas conductas negativas, solo las ignoran e incluso, parecieran fomentarlas de diversas y sutiles formas, a través de severos castigos que rayan en lo sádico.

Asimismo, quienes dirigen el lugar parecen ocultar algo: le prohíben a los jovencitos entablar contacto alguno con los lugareños (denominados de forma despectiva como “nativos”), y les previenen que es peligroso deambular solos fuera de los límites de la propiedad, delimitados por una cerca metálica. El hallazgo de un hoyo considerable en dicha cerca, aunado a una serie de sucesos a posteriori de este descubrimiento; aumenta su aprensión, la cual es alimentada

por las suspicacias y el hermetismo de los religiosos, y les hace sentir (al igual que al espectador), la presencia de algo rondando en los alrededores… algo siniestro.

En 2016, Joaquín del Paso tendría un debut cinematográfico afortunado gracias a su primer largometraje, Maquinaria panamericana. Un lustro después, vuelve a la gran pantalla con El hoyo en la cerca (México, 2021), la cual como su predecesora busca, a través de la concepción de un microcosmos de características particulares; elaborar una metáfora y crítica social. En este caso, apunta sus baterías hacia las clases altas, y su actitud condescendiente o de plano displicente (llegando al repudio) profesada a aquellos que consideran “inferiores” por motivos económicos, sociales, raciales, sexuales, etcétera.

Y el cómo las autoridades (en este caso eclesiásticas) se vuelven cómplices y toman partido por esas clases privilegiadas, o de plano incitan tal polarización.

Aunque en este nuevo filme hay mejorías en los aspectos formales (especialmente en su edición y ritmo, gracias al trabajo de Paloma López); y el cineasta desarrolla buenos momentos de suspenso y tensión, y logra esgrimir un par de agudos apuntes sobre el odio y el miedo como instrumentos de control y manipulación; no

consigue la redondez discursiva ni la contundencia de su predecesora. Peor aún: el relato en su segunda mitad comienza a tropezar y finalmente caer, a consecuencia de una serie de absurdos en su trama aunados a una decisión de priorizar el sensacionalismo y el efectismo por encima del comentario social inicial, optando por una resolución que pareciese un híbrido enloquecido y de tintes fascistoides entre Canoa (Cazals, 1976) y El señor de las moscas.

Para colmo, al optar por ese desenlace, la retórica de su discurso es afectada, y termina por imponerse la mirada un tanto maniquea y de trazo grueso de sus protagonistas, en contraste con la poca empatía manifestada hacia los pobladores de esa región quienes resultan víctimas de lo que ocurre; y son mostrados casi siempre como seres pasivos, carentes de voz, opinión y voluntad alguna, y finalmente relegados a un segundo plano en pos de darle prioridad al espectáculo de salvajismo y crueldad de los cuales el humano es capaz. Una mirada sesgada y peligrosamente análoga a la que sus personajes de clase privilegiada ostentan hacia quienes no lo son. Aunque eso sí, sin llegar a los polémicos y nocivos excesos de Nuevo Orden (Franco, 2020).

LOS TIGRES LA AGRUPACIÓN LANZA EL FILME LOS TIGRES DEL NORTE: HISTORIAS QUE CONTAR, DONDE NARRAN CÓMO APRENDIERON A TOCAR INSTRUMENTOS HASTA CONVERTIRSE EN LEYENDA DE LA MÚSICA. EN ENTREVISTA, EL DIRECTOR, CARLOS PÉREZ OSORIO, HABLA DE LOS RETOS QUE ENFRENTÓ PARA HACER EL DOCUMENTAL QUE SE ESTRENA POR PRIME VIDEO

por C A R L O S M O R A

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DEL NORTE

HISTORIA

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ontar la historia de una de las bandas más importantes de la música regional mexicana no fue tarea sencilla para el director Carlos Pérez Osorio. “El reto fue enorme”, así lo describe el realizador, y muestra de ello es el documental Los Tigres del Norte: Historias que contar, que se estrena por la plataforma Prime Video, en más de 240 países.

“Fue un poco abrumador al inicio entender cómo mostrar la historia de unas leyendas. ¡Imagina!, la agrupación lleva más de 50 años en la música y en la cima de la popularidad, es una responsabilidad grande con la gente que los adora, para mí Los Tigres no son sólo músicos, son un símbolo de la cultura, no sólo mexicana”.

En el documental se muestran varios testimonios de familias, músicos, empresarios y, por supuesto, la agrupación.

Narran desde cómo empezaron a aprender a tocar instrumentos en el rancho Rosa Morada Mocorito, Sinaloa.

La película rompe los esquemas de un documental musical, mostrando el surgimiento de la banda desde sus humildes comienzos, su viaje como inmigrantes en California y su ascenso, hasta convertirse en uno de los grupos de música regional mexicana más importantes de México y Estados Unidos.

“Los Tigres siempre dicen ‘vamos a trabajar y tocar en tal lugar o en el Azteca’, nunca hablan de la fama o el éxito, desde el principio así lo dijeron y se muestra en el documental. Ellos necesitaron trabajar y buscar una fuente de ingresos para ayudar a su familia, después del accidente de su padre se convirtieron en los proveedores y decidieron dedicarse a la música.

Algo que no sale en el documental es que toda la familia está involucrada en la empresa”.

El realizador destaca que, pese a la fama, Los Tigres del Norte siguen dando lecciones de humildad y siempre son profesionales.

“Me quedo con su profesionalismo, es algo inspirador, son unos profesionales, eran los primeros que llegaban a los llamados, también con los grandes valores con los que cuentan, siempre se manejaron con la verdad y derechos, una gran lección de humildad, son grandes sin olvidarse de dónde vienen y eso para mí es una de las lecciones más grandes que me han dado”.

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LOS TIGRES DEL NORTE: HISTORIAS QUE CONTAR Dónde ver: Prime Video Disponible: 17 de junio

"LA EDICIÓN ES UN TRABAJO FUNDAMENTAL, HAY QUE MOSTRAR IMÁGENES QUE COMUNIQUEN ALGO, PORQUE TIENEN HORAS Y HORAS DE MATERIAL PERO HAY QUE GASTARLO EN 1 HORA 45 MINUTOS QUE DURA EL DOCUMENTAL"

El director también dirigió el documental de Netflix Las tres muertes de Marisela Escobedo y la serie Crónicas del Taco, ve en las plataformas una ventana enorme de distribución para éste género.

“La audiencia se está acercando cada vez más al documental, antes de las plataformas buscarlos no era una tarea sencilla, tenías que ir a cines específicos o festivales. Ahora la gente ha respondido muy bien. La distribución que te da una plataforma como Prime Video es increíble, es muy padre ver que alguien lo pueda ver desde Japón o hasta Europa del Este, queremos que la gente vea nuestras historias, y se acerque a los protagonistas, que entienda su sentir o su arte, como en el caso de Los Tigres”. ¿Cuánto tiempo te llevó hacer el documental?

Lo grabamos en dos años, fue muy rápido. La pandemia nos trajo muchas cosas malas y muy negativas, pero para este proyecto nos ayudó mucho, sin la pandemia Los Tigres no se hubieran frenado, eso nos ayudó a poder entrar en su intimidad. ¿Qué te dijeron Los Tigres del Norte al ver el documental por primera vez?

Estaba muy nervioso, volamos el productor (José Nacif Gobera ) y yo a San José, California, ahí rentamos un pequeño cine para ver el documental junto a la agrupación y sus familiares, al final de la proyección se levantaron y se abrazaron, fue una reacción muy linda, recuerdo que se dijeron cosas: “ay compadre, yo no sabía que usted pensaba eso de mí”, fue un momento muy lindo. Ellos están contentos con el resultado y lo han expresado en varias ocasiones, creo que al final se les hace justicia al mostrar quienes son. ¿Cómo fue la edición del documental?

Uff, con todo el material que hay grabado fácil hubiera dado para ocho horas de documental, (ríe), pero lo importante era entender lo que era lo importante para ellos, su familia, hermanos y Don Juventino, ese señor es fundamental, una gran influencia para ellos y por ello le dedicaron el filme. | 57

DIEGO

EL NOVIO PERFECTO

El actor presenta la película El padre de la Novia, “es muy padre ver a mi personaje (Adán) quien se desvive por su novia y la apoya en todo", la cinta se estrena en HBO Max

BONETA por C A R L O S M O R A

"ES LA PRIMERA VEZ QUE VEO UNA PELÍCULA HOLLYWOODENSE DE ESTE TAMAÑO QUE RECALQUE LA BODA DE DOS FAMILIAS LATINAS, POR UNA PARTE CUBANA Y POR OTRA MEXICANA, Y DEMUESTRA QUE NO SÓLO PORQUE HABLAMOS ESPAÑOL SOMOS LO MISMO”

D

espués del gran éxito que tuvo Luis Miguel: la serie, el actor Diego Boneta regresa con la película El padre de la novia, una nueva versión del clásico de los años 90 del mismo nombre.

La producción resignifica las masculinidades para presentar que los hombres también son vulnerables y lloran.

“Es muy padre ver a mi personaje (Adán) quien se desvive por su novia y la apoya en todo, no es ella quien está siguiendo a él, ahora es al revés, y eso es padre. Crecemos con la idea de lo que significa ser un hombre hoy en día, y creo que es importante romper con esos estereotipos y mostrar que la fuerza está en poder ser vulnerable y estar seguro contigo mismo, aunque no te gusten los deportes o la violencia, es un aspecto que el director quiso mostrar en la cinta”, así se expresa Diego Boneta de su personaje.

La cuestión de deconstruir las masculinidades también es algo en lo que concuerda el director de la cinta, Gaz Alazraki, también creador de la exitosa serie Club de Cuervos, la primera serie original de Netflix en español.

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“Creo que la conexión que los hombres tienen con sus sentimientos ha ido evolucionando desde los años 50, ahora el rol del hombre está siendo reevaluado, y la figura del patriarcado está siendo desafiada. Entonces, los varones estamos batallando por redefinir qué quiere decir ser hombre”.

Entre el reparto de esta nueva adaptación destacan Andy García, la cantante Gloria Estefan, Isabela Merced, Pedro Damián, Macarena Achaga y Adria Arjona, está última novia (Sofía) del personaje de Diego Boneta.

Para el actor, otro de los aciertos de este remake es que se muestra la riqueza Latioamericana al presentar a dos familias de distintos países de la región.

“Es la primera vez que veo una película hollywoodense de este tamaño que recalque la boda de dos familias latinas, por una parte cubana y por otra, mexicana, y demostrar que no sólo porque hablamos español somos lo mismo”, añade Boneta.

Por su parte, la actriz Adria Arjona, hija del cantante Ricardo Arjona y quien se está abriendo camino en la industria del cine en Hollywood, remarcó que también se representa a una novia moderna.

"Una de las escenas que más me gustó fue cuando fui la novia que baila con su padre (Andy García) el día de su boda, la vuelvo a ver y me sigue dando emoción y mucha ternura” Adria Arjona

"Es la primera vez que hago de argentina y eso fue muy bonito,me siento muy honrada por llevar un poquito de mi tierra y mi cultura, hasta de mi acento a Hollywood” Macarena Achaga

“ES UNA PELÍCULA NECESARIA PARA ESTOS MOMENTOS, VENIMOS DE UNOS AÑOS DIFÍCILES DESPUÉS DE LA PANDEMIA Y ES IMPORTANTE VER UNA PELÍCULA COMO EL PADRE DE LA NOVIA" “Cuando escuché que iban a hacer el remake del El padre de la novia . Me puse a pensar en quién es ahora una novia en el año 2022, y también cómo es un padre en esta época. Mi personaje (Sofi) es una mujer moderna que le importa mucho su carrera y que ve en su pareja a alguien parecido a ella, es inteligente y no está de acuerdo en ciertas tradiciones, porque hay que ser honestos, no todas las costumbres tienen que ser buenas y creo que eso debe evolucionar y ése fue un reto”, comenta Arjona, quien considera que trabajar con artistas de una larga trayectoria como Gloria Estefan y Andy García, es como un sueño hecho realidad.

El libro de Edward Streeter ha sido ya adaptado en varias ocasiones: El padre de la novia, dirigida por Vincent Minnelli en 1950 y protagonizada por Spencer Tracy y Elizabeth Taylor. Luego hubo un remake en 1991, con Charles Shyer, tras la cámara, y Steve Martin interpretando al nervioso padre y a Kimberly Williams-Paisley como sufrida hija, incluso hubo una segunda parte, en el año de 1995.

“Es una película necesaria para estos momentos, venimos de unos años difíciles después de la pandemia y es importante ver una película como ésta y más siendo la primera que se hace con un toque muy latino, sólo queda disfrutarla, y así poder reír y llorar”, afirma Boneta.

CHECA EL TRÁILER

EL PADRE DE LA NOVIA Dónde ver: HBO Max Disponible: 16 de junio

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GABRIELA DE LA GARZA GABRIELA DE LA GARZA COMPARTE CON REVISTA CAMEO LOS DETALLES DE SUS NUEVOS TRABAJOS, LA VIDA EN EL SILENCIO, ÓPERA PRIMA DEL DIRECTOR RODRIGO ARNAZ, Y LA EXITOSA SERIE ¿QUIÉN MATÓ A SARA? por C A R L O S M O R A

ACTRIZ DE RETOS

S

obre su papel en la cinta La vida en el silencio, donde da vida a Mariana, madre de un niño que tiene la condición del autismo, la actriz comenta: “como madres se nos exige mucho, siempre hay que cumplir con ciertas cosas, no es fácil criar a un hijo, lo digo por experiencia, ahora súmale que este hijo tiene esta condición, que viene a retar y complicar muchas veces las cosas, sobre todo si no tiene la solvencia económica ni la capacidad emocional, a veces resulta caótico”.

Uff, entrar a un proyecto que sabes que tiene esa proyección internacional, un éxito entre el público, dices: “claro, ¿dónde firmo?”, y después trabajar con Manolo Cardona a quien quiero mucho, lo conozco desde hace muchos años, es un amigo que admiro, y de gente que aprecio; me recibieron con los brazos abiertos, qué más podía pedir, estoy muy contenta. También trabajar con el actor Jean Reno, ¡imagínate!, la verdad había muchos plus como para no estar en la serie.

En la serie eres hija del personaje de Jean Reno, ¿cómo fue trabajar con él?

Trabajaste con Juan Manuel Bernal, con quien Aunque Jean habla español, le cuesta un poquito, estuviste en la serie Monarca. a veces había que acomodar ciertas palabras que eran Muy curioso, en Monarca era mi cuñado, y ahora en complicadas o ciertas frases, pero la verdad que el señor esta película somos pareja, hacíamos bromas e incluso tiene una experiencia, una presencia y un colmillo que me dijo: “ahora estoy con la cuñada”. arrastra de kilómetros. Era muy Trabajar con Juan Manuel es un interesante ver cómo manejaba las "ME PREOCUPA QUE placer, de entrada es una persona escenas aún costándole ciertas cosencilla y honesta con su trabajo, es sas, cómo las sacaba adelante y ver SE PIERDA EL CINE, profesional y es un honor haber poesa seguridad, se aprende mucho, y ES UNA EXPERIENCIA dido hacer este proyecto a su lado. por supuesto las cenas inolvidables También con María Aura, Mónica al terminar los llamados donde nos QUE NO SE IGUALA Dionne y con Farid Navarro, que platicaba anécdotas es algo que no hace el papel del niño con autismo, tiene precio, por ejemplo, contó EN NINGÚN LADO, que lo hace espléndido a pesar de cuando hizo la película de Misión EL HECHO DE VER ser su primer trabajo en cine, y traImposible, al lado de Tom Cruise, y bajar con Rodrigo, siendo su ópera sus anécdotas nos tenían a todos LAS PELÍCULAS EN prima, le puso su corazón a este botados de la risa. Fue fantástico.

UNA PANTALLA proyecto. Recuerdo que la primera vez que me mandó el guion fue hace La vida en el silencio saldrá GRANDE ES TODA UNA nueve años, y ha ido contra viento y en Prime Video, ¿qué opinas EXPERIENCIA, QUE NO marea, incluso una pandemia, para de la nueva forma de consumir levantar el proyecto y ver el estreno, películas?

TE DA LA TELEVISIÓN es algo que le aplaudo y agradezco Es un camino que existe y hay profundamente. que aprovechar, sin embargo, me O EL CELULAR" preocupa que se pierda el cine, es ¿Qué debe tener un proyecto una experiencia que no se iguala para que aceptes hacerlo, incluso si es una ópera en ningún lado, el hecho de ver las películas en una prima? pantalla grande, el rito de ir, comprarte tus palomitas, Siempre hay un riesgo, no sólo en gente primeriza, convivir con el público, y que la veas de principio a fin de repente he dicho: “esto sí será un hit”, y de repente y no tengas ningún distractor, o ponerle a pausa, es una ves el proyecto y dices: “ay dios”. Hay cosas que uno experiencia, parte de nuestra industria; también nos no controla, es como subirse a un tren que espera que hace más independientes el hecho de que se reduzcan llegue a cierto destino pero no sabes si en el camino va a los estrenos y se hagan en plataformas creo que es un descarrilar, es un voto de fe y el director desde un prinpeligro, estamos dependiendo de circunstancias y de cipio mostró mucha pasión por el proyecto y un gran condiciones que no siempre son justas, puede ser que compromiso, además el guion está muy bien escrito le llegue a más gente y tiene sus beneficios que no tiene y tenía una idea de quién iba a conformar el elenco. Y el cine, pero por otro lado, estamos perdiendo otros que cuando me platicaron de todo ello, no había de otra más valen la pena rescatar y defender. que aventarse.

Sobre todo el camino para una película independiente es tan complejo, que si te abren la puerta en Sobre tu participación en la serie ¿Quién mató a una plataforma ni modo de decir que no, pero hay que Sara?, ¿cómo fue la experiencia? sacrificar varias cosas.

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COMBINA SU PASIÓN MARÍA AURA COMBINA SUS DOS AMORES, SER MADRE Y ACTRIZ, “CUANDO TIENES UNA PASIÓN NO LA PUEDES DEJAR, TENGO DOS HIJOS QUE LO SON, PERO TAMBIÉN SOY ACTRIZ. APARTE VIVO EN QUERÉTARO Y VOY A TRABAJAR A LA CIUDAD DE MÉXICO, ESTOY DE UN LADO AL OTRO TODO EL DÍA, PERO CUANDO TIENES AMOR AL TRABAJO NO ES DIFÍCIL. ME SIENTO PRIVILEGIADA Y AGRADECIDA DE TENER PROYECTOS”

C

por C A R L O S M O R A

onversamos con la actriz sobre sus dos más recientes trabajos, la películas La vida en el silencio, del director Rodrigo Arnaz, en ella se cuenta la historia de un joven músico y padre soltero que lucha todos los días para comunicarse con su hijo autista a través de la música. Y por otro lado, Coraje, cinta en la que comparte créditos por primera vez con la primera actriz y tía, Marta Aura. ¿Cómo fue abordar el tema del autismo en la cinta La vida en el silencio?

Hablar sobre este tema me pareció muy importante porque prácticamente no se hace y no se conoce tanto del autismo en las películas. Recuerdo que cuando leí el guion no paraba de llorar, me sentía muy agradecida que llegara a mis manos un

personaje tan especial como Julia, quien es la terapeuta de Sam, el niño protagonista, es un personaje hermoso y muy profundo, con su propia historia, dolor y carencias, que encuentra en la vida de Frank (Juan Manuel Bernal) y Sam (Farid Navarro), un motivo de vida.

Y me parece muy triste e injusto para las personas con un hijo con autismo, que no sean diagnosticados a tiempo, a veces pasan años y los papás sufren al igual que los pequeños, espero que esta película pueda ayudar a alguien a saber si su hijo padece alguna condición de autismo. ¿Cómo preparaste tu papel para la película?

Fue fácil, incluso se lo dije a Rodrigo Arnaz, los personajes están tan bien escritos, al igual las escenas que fueron muy claras, y eso hace fácil conectar con los personajes. Por otro lado, también hice una investigación para saber cómo es un terapia | 11

"ME GUSTA HACER CINE FUERA DE LA CIUDAD DE MÉXICO, CREO QUE URGE DESCENTRALIZAR UN POCO LA TELEVISIÓN Y EL CINE" 68 |

para un niño con este tipo de espectro del autismo, pude observar y ver sus sesiones con niños, obviamente todo autorizado por los papás, así que muchas cosas las aprendí de ellas.

Y también me tocó trabajar con Juan Manuel Bernal, cuando me toca trabajar con un actor o actriz tan bueno, el trabajo es mucho más sencillo.

Aunque la historia es dolorosa, fue un trabajo hermoso y profundo, deseo que conecte con muchas personas y conmueva muchos corazones.

También tienes otra película en estreno, Coraje, ¿puedes platicar de ella?

Claro, recuerdo que cuando vi el trailer hasta quería llorar, dije, “esto es muy duro”.

La cinta está escrita y dirigida por mi primo Rubén Rojo Aura y protagonizada por su madre y mi tía Marta Aura, y por mi otro primo Simón Guevara Aura, cuando supe que iban a hacer la película leí el guion y fue mi esposo quien me animó a participar en ella, así que le llamé a mi primo y le dije que quería estar en su película aunque no tuviera para pagarme, pero sabía que quería estar en su proyecto. Y cuando estuve en el set fue muy agradable, curiosamente nunca había actuado al lado de mi tía Marta, es una persona que admiro y respeto mucho, es mi maestra, mentora y guía. Verla en el set trabajando fue un privilegio enorme, sin duda es una historia fuerte porque cuenta la historia real de mi tía, al igual que su personaje Rosa, ella está perdiendo la vista.

Aunque mi personaje Rosa, es muy pequeño fue algo bonito compartir con una dinastía formada por mi tía y mis primos. Me siento muy afortunada y emocionada por el estreno de la cinta en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara.

do cinematográfico, en el mundo hay adultos mayores o como en el caso de La vida en el silencio, personas con autismo, qué maravilla que el cine nos las pueda regalar, para entendernos un poco mejor.

Es un gran homenaje para la actriz Marta Aura.

Es algo que ella se merecía en este momento de su vida pero ya quiero ver cómo se siente mi tía en el estreno de su película en uno de los festivales más importantes de cine de México, es algo que me emociona y me conmueve mucho. Al final las historias no siempre tienen que ser protagonizadas por las actrices jóvenes, bonitas o la historia de amor, hay mucho más que ver en el mun-

¿Qué otros proyectos tienes?

Tengo dos películas que no se han estrenado aún, una se llama Episódica, fue filmada en Querétaro, es la tesis de titulación de cine de los estudiantes de la escuela Arte 7 que está en esa ciudad, es un guion de ciencia ficción, ahí interpretó a uno de los tres protagonistas de la historia, aún sigue en posproducción pero fue una experiencia muy padre.

Y por otro lado filmé Los Skywatchers que se grabó en Ciudad Juárez a principios de este año, sobre unos buscadores de ovnis, una historia muy diferente.

Me gusta hacer cine fuera de la Ciudad de México, creo que urge descentralizar un poco la televisión y el cine, a ver que más me depara el futuro.

"NUNCA HABÍA ACTUADO AL LADO DE MI TÍA MARTA (AURA), ES UNA PERSONA QUE ADMIRO Y RESPETO MUCHO, ES MI MAESTRA, MENTORA Y GUÍA. VERLA EN EL SET TRABAJANDO FUE UN PRIVILEGIO ENORME"

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Fauna ESTIMULANTE, ABSURDA Y HASTA DISFRUTABLE por A L E J A N D R A L O M E L Í

EN SU RECIENTE largometraje, Nicolás Pereda ha tomado la representación como el hilo conductor de Fauna, película que, obedeciendo a los intereses del director, rehúye del encasillamiento. Más cercana a un ensayo visual, Fauna es tanto una película sobre actores y su proceso para conseguir un performance,

como una crítica a la problemática de la representación del narco en las producciones de amplia distribución y su figura en el imaginario colectivo.

El mecanismo narrativo de Fauna es el de una Matrioska: historias contenidas dentro de otras historias, una metaficción y, a pesar de ello, estamos ante

la película más accesible de Pereda, decantándose por la comedia en clave nada convencional, para cuestionar la permeabilidad de la violencia en la vida cotidiana heredada de la fascinación por las narco series / narco películas. Para lograrlo, el director divide la trama en dos historias claramente diferentes, pero complementarias.

Fauna es la historia de dos hermanos, Luisa (Luisa Pardo) y Gabino (Gabino Rodríguez), quienes acuden a visitar a sus padres que viven en un alejado pueblo de algún lugar de México. La familia queda fascinada con el novio de Luisa, Paco (Francisco Barreiro), actor como ella, porque él es famoso y sale en la conocida serie Narcos: México. Lo anterior compone la primera de las dos partes del largometraje, en un momento, Luisa le pregunta a Gabino acerca del libro que éste lee, una novela. Es entonces cuando, utilizando el recurso de la

metaficción y a los mismos actores, Pereda desdobla la narrativa para dar paso a la representación de la novela: la de un hombre que busca a un tal Rosendo Mendieta, un conocido narco de la región.

La marcada ruptura narrativa resulta la estrategia más estimulante utilizada por el director para ilustrar su ingenioso discurso sobre el imaginario cultural relacionado al crimen organizado, la cotidianidad de la violencia y la responsabilidad moral del actor. Es por eso que, hasta la acción más cotidiana, más mundana y ventajosa ejecutada por los personajes, aporta a la premisa.

Es cierto, Fauna es desconcertante, extraña y casi desesperante, pero una vez que aceptas el juego de ficciones, resulta muy estimulante, absurda y hasta disfrutable.

Nuestras madres DENUNCIA POLÍTICA SINCERA por A L E J A N D R A L O M E L Í

GANADORA de la Cámara de Oro a la Mejor ópera prima en el Festival de Cine de Cannes de 2019, Nuestras madres, de César Díaz, retoma uno de los episodios más oscuros en la historia de Guatemala, el genocidio perpetrado contra las comunidades mayas ixiles durante la década de los 80 en plena guerra

civil. Según datos, durante el golpe de Estado militar, más de cien mil personas murieron asesinadas, mientras quinientas mil fueron desplazadas. Entre las víctimas también estuvieron civiles, activistas sociales, estudiantes, etc., pero, la principal masacre se cometió contra los indígenas.

Conocido por su trabajo como editor para cortometrajes, documentales y largometrajes como la aclamada Ixcanul del también guatemalteco Jayro Bustamante, ser el director de los documentales Semillas de Cenizas (2010) y Territorio liberado (2014), César Díaz dirige con pulso firme su primer largometraje de ficción, el resultado es un filme comprometido, directo y rabioso, con un objetivo claro: desenterrar, reconstruir la memoria histórica, poner fin al silencio.

Ambientada en Guatemala en 2013, Nuestras madres tiene lugar durante los días en que se llevan a cabo los juicios de los oficiales militares que comenzaron la guerra civil; el país está expectante a los testimonios de las víctimas. Ernesto (Armando Espitia), un joven antropólogo de la Fundación Forense, identifica a las

personas desaparecidas de ese periodo, cuyos restos fueron exhumados de fosas comunes. Un día, a través de la historia de una anciana indígena que acude a pedir ayuda para desenterrar a su esposo, asesinado por los militares, Ernesto cree obtener una pista que le permitirá encontrar a su padre, un guerrillero que desapareció durante la guerra.

Las intenciones son claras, la denuncia política sincera, Díaz no recurre a adornos ni sub tramas innecesarias, Nuestras madres no es una película que resalte especialmente por su estilo o propuesta formal, su mérito recae en tocar la herida, en su misión testimonial, es por eso que los momentos más impactantes vienen de los diálogos y de las magistrales actuaciones de Emma Dib, Armando Espitia y Aurelia Caal.

Agua de Arrayán UN CALVARIO CINEMATOGRÁFICO por F R A N C I S C O J A V I E R Q U I N T A N A R P O L A N C O

UN HOMBRE (Isaac Ledezma) viaja con su hijo por carretera, en una camioneta de su propiedad. Él le increpa al menor por diversas razones mientras va conduciendo, distrayéndose y provocando así un accidente, el cual tiene como consecuencia que el niño resulte gravemente herido.

En el hospital, el doctor quien atiende al menor le informa que fue sometido a diversas intervenciones y a un coma inducido para tratar de salvar su vida, y su condición es crítica. Desconsolado y sin saber qué hacer, el hombre se encuentra sentado en el lobby del 50 |

hospital, cuando un extraño hace su aparición y se acerca a él, contándole su propia historia y sugiriéndole le pida a la virgen de Talpa un milagro para salvar la vida del infante.

Así que el atribulado padre decide dejar a su vástago en manos de su abuela, e iniciar la peregrinación hasta el santuario de dicha deidad, haciendo el recorrido a pie como indica la tradición. En el camino se topará con una serie de personajes (interpretados por Lucía Guilmáin, José Carlos Ruiz, Itatí Cantoral, Alberto Estrella, Michelle Rodríguez, Amaranta Ruiz,

Eduardo Santamarina, y Daniela Luján, entre otros) quienes, de una u otra forma, le guiarán y auxiliaran para llegar a su destino, al tiempo que lo ayudaran al momento de confrontarse con su propio dolor y sus miedos.

Esta es la premisa central de Agua de Arrayán, ópera prima del cineasta Alejandro Robles-Gil, la cual está filmada en diversas locaciones del estado de Jalisco. Se trata de un filme independiente de corte religioso, en donde un hombre en situación desesperada, reencuentra la fe al realizar grandes sacrificios para rogar por la salvación de lo que más quiere en el mundo.

Aunque es una obra bienintencionada y de tono cándido, cuenta con la participación de un elenco estelar, e incluye bellas imágenes de la región donde fue filmada, la película resulta muy fallida a causa de un guión plano y elemental, lleno tanto de lugares comunes como de

incongruencias garrafales.

En el rubro de la edición, es un desastre: ni el director ni el (también novato) editor Ramón Ramírez fueron capaces de decidir cuáles escenas era importante dejar en el relato y cuáles no, desembocando en un largometraje de duración excesiva y reiterativo –en relación a la anécdota que buscaba narrar- y con un ritmo cansino y fatal, el cual somete al espectador que la vea, a un verdadero calvario de más de dos horas.

Todo lo anterior, aunado a una deficiente dirección de actores (notoria en las interpretaciones de sus protagonistas principales), hacen que Agua de Arrayán parezca una versión extendida de cualquier capítulo de la serie televisiva La rosa de Guadalupe… pero con más presupuesto, menos dramatismo, falto de pericia y de muy poca solvencia cinematográfica. | 51

FILMES CON PRESENCIA EN EL FICG 37 REVISTA CAMEO HACE UNA SELECCIÓN DE ESTRENO DE PELÍCULAS DURANTE EL MARCO DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE EN GUADALAJARA (FICG)

Lecciones para canallas LECCIONES PARA CANALLAS, dirigida por Gustavo Moheno (Hasta el viento tiene miedo, 2007; Eddie Reynolds y Los Ángeles de Acero, 2015), es una comedia estelarizada por Joaquín Cosío, Danae Reynaud y Diana Bovio, quienes nos harán cómplices de sus fechorías.

Tras la repentina muerte de su madre, Jenny (Danae Reynaud) viaja a la Ciudad de México en busca de su padre: Barry El sucio (Joaquín Cosío), un estafador que la abandonó siendo una niña. Al conocerla Barry la introduce en su mundo de las estafas, develándole los trucos quien será acompañado por Marisela (Diana Bovio), su novia y cómplice. Cuando Barry y Marisela planean la próxima gran estafa, Jenny debe decidir si quiere ser parte del modo de vida de su truculento padre o regresar a su vida normal.

Después de interpretar a tipos rudos y de cuidado como los capos El Cochiloco (El Infierno, 2010) y Don Neto (Narcos: México, 2018), para los seguidores de Joaquín Cosío será un goce verlo ahora en la piel de un estafador.

“Es un tipo con problemas de dinero, de los que siempre están buscando la manera de sobrevivir a las deudas, hasta que llega un momento en que las cosas se ponen demasiado difíciles. Barry es una especie de galán de barrio: un personaje rudo hasta donde se lo permite su pellejo. No es tonto, sino un bribón típico”, comenta el histrión.

La primera proyección tendrá lugar en el Teatro Diana, dentro del marco de la 37 edición del Festival Internacional de Cine en Guadalajara.

Coraje CORAJE es la ópera prima de ficción del director Rubén Rojo Aura, hijo de la actriz y protagonista Marta Aura, quien encarna el personaje de Alma en la película, un papel inspirado por su vida personal.

A través de esta catarsis familiar, Rubén Rojo Aura narra uno de los dilemas más complicado de la vida de su mamá cuando, a punto que quedarse ciega, ella enfrenta la llegada repentina de su hijo, con quien mantiene una relación complicada, cuando éste regresa después de una década de vivir fuera del país.

"La cinta es un proyecto que, al ser tan personal, creo que también resulta honesto; una

película que utiliza la sencillez para acercarse a los espectadores. Coraje habla de nosotros, de nuestras dudas y angustias cotidianas, de nuestras vacilaciones y temores, de nuestros defectos y debilidades, de esa parte que intentamos disfrazar a veces con una sonrisa pero que se encuentra dentro de nuestra propia naturaleza" dice Rubén Rojo Aura sobre el proyecto.

El filme tendrá su premiere mundial en el certamen tapatío donde competirá para el premio Mezcal. La película es una coproducción entre México y España, producida por Apapacho Films, Mago Production & Cinema226.

Lejos de casa Lejos de Casa es un documental que se adentra en los albergues Tijuana donde residen niños y adolescentes, originarios de México y Latinoamérica, quienes en medio de la incertidumbre esperan la resolución a sus peticiones de asilo para entrar a Estados Unidos.

El director Carlos Hernández Vázquez recopila distintos testimonios de jóvenes que debido a la violencia que permanentemente existe en sus lugares de origen, se ven obligados a salir de su país en busca de seguridad y paz; sin embargo, este sueño se ve interrumpido al llegar a la frontera en donde un gran muro de intolerancia los espera.

Los albergues en la zonas fronterizas de México juegan un papel muy importante para el de-

sarrollo de los menores de edad, pues mientras esperan crean amistades, siguen tomando clases y sus familias pueden localizarlos y estar al tanto de su situación como migrantes, asimismo, reciben asesoría jurídica para poder hacer valer sus derechos tanto dentro como fuera del territorio mexicano.

Lejos de Casa es un cinta imprescindible para comprender más acerca de este fenómeno tan relevante para nuestra actualidad como país y continente; además, nos muestra el cambio del paradigma migratorio, personas que por distintas razones deciden dejar sus hogares y familias en búsqueda de la supervivencia. Estará en la competencia por el Premio Mezcal.

Celeste soledad CELESTE SOLEDAD, ópera prima del director y fotógrafo, Alex Argüelles, tendrá su estreno nacional e internacional en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG), con la presencia del director y las actrices protagonistas, Fernanda Echevarría y Michelle Betancourt.

Esta coproducción del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) y Diva Films, está nominada al Premio Mezcal y es la única película mexicana en la categoría de Largometraje Iberoamericano de Ficción.

La cinta narra la vida de dos hermanas con un serio problema de incompatibilidad se ven obligadas a vivir juntas a partir de la repentina muerte de sus padres.

La necesaria convivencia se complica aún más con la imprevisible enfermedad mental de una de ellas, que la llevará a un mundo personal cada vez más tenebroso. Ambas se empeñarán por vivir su duelo alejadas, pero irremediablemente terminarán encontrándose para unir sus propias soledades.

En palabras de su creador, ésta es una historia sobre dos soledades que no encuentran la manera de hacerse compañía, sino hasta después de vivir la crisis producida por la pérdida. "Es una película introspectiva pero no de forma pasiva, mi intención es atrapar la atención del espectador y no perderla nunca, a través del humor, en un inicio, y del drama y el horror, posteriormente." comparte Alex Argüelles.

Agua en las branquias TRAS presentarse en el SoleLuna Doc Film Festival de Italia, Água nas guelras (Agua en las branquias) del director italiano Marco Schiavon, tendrá su estreno en el continente americano en la edición 37 del Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG), donde se presentará como parte de su Selección Oficial en la sección en competencia de Cortometraje Iberoamericano Documental.

Este cortometraje portugués, a cargo de la productora ETHNO, relata la inmersión ritual de Franz, un hombre que durante su niñez se mudó con su familia de una gran ciudad alemana a una pequeña isla perdida en el Océano Atlántico, las Islas Azores, donde con el paso del tiempo logró descubrirse a sí mismo y concebir una vida muy diferente a la que tenía mientras surgía una conexión profunda entre él y su entorno natural. Água nas guelras (Agua en las branquias) es una historia sobre la identidad y el hogar, sobre la complejidad del proceso que lleva a un hombre a conocerse a sí

mismo y que dibuja una metáfora entre el mundo submarino con la vida en la isla. De igual forma muestra la dificultad del impacto con inmersiones en apnea a decenas de metros de profundidad, así como la lucha de venir de una gran ciudad industrializada y encontrarte comenzando una nueva vida en una pequeña isla en medio del océano.

“Recorrí el archipiélago de las Azores durante tres meses en 2017, y tuve el privilegio de conocer estos lugares casi desde la perspectiva de un local, o al menos esa fue mi sensación… Desde hace un tiempo vivo el conflicto entre la vida en la ciudad con su ruido, ritmos frenéticos, pero también con su fascinación arquitectónica, la vida social y el acceso a la cultura, y por otro lado una vida más tranquila ligada a la naturaleza, más sencilla y ancestral, pero también más aislada. Las Azores tuvieron un gran impacto en esta etapa de mi vida y cuando conocí a Franz, su historia y su punto de vista, la idea de retratarlo surgió de forma natural”, comparte el director.

Para su tranquilidad haga su propio museo EN UN PUEBLO minúsculo panameño, llamado Paritilla y ubicado en medio de la nada, habita el fantasma de una anciana llamada Senobia Cerrud, quien tiempo atrás transformó su casa en el Museo de Antigüedades de Todas Las Especies para exhibir ahí una colección única de piezas y obras que han sido minuciosamente clasificadas.

Durante años, esta sabia mujer se levantó temprano para salir a buscar y recolectar lo que otros tiraban, recuperando así lo que le sirva para crear objetos que vivieron en su imaginación y que aprendió a hacer por cuenta propia; creó un mundo fantástico que la acompañó y también escribió poemas y reflexiones que ahora son una llave que abre la puerta al universo que creó.

La voz de Senobia se une a las voces de otras ancianas del pueblo, quienes hablan sobre ella y también sobre sus propias vidas, tejiendo puntos de encuentro y desencuentro en las historias que

cuentan, compartiendo momentos duros, de resistencia, de valentía y conmovedores. Entre todas crean un poderoso retrato de un valioso universo femenino, al tiempo que la creadora del museo trasciende a la inmortalidad a través de sus peculiares y originales creaciones.

Para su tranquilidad haga su propio museo tuvo su estreno mundial en el prestigioso IDFA, International Documentary Festival Amsterdam, y también se la ha seleccionado para otros festivales como HotDocs en Canadá, Festival de Málaga, Cinelatino en Toulose y FICCI en Cartagena. Además, ganó el galardón máximo en la competencia internacional del Festival Millenium en Bélgica: el L’Objectif d’or a la Mejor Película.

Para su tranquilidad haga su propio museo tendrá su estreno latinoamericano en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara con tres funciones.

La vaca que cantó una canción hacia el futuro DESPUÉS de tener su estreno mundial y generar comentarios bastante positivos en el marco de la más reciente edición del prestigioso Sundance Film Festival, la cinta chilena La vaca que cantó una canción hacia el futuro (The Cow Who Sang A Song Into The Future) se proyectará en México como parte de la programación del 37 Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG). Se trata de la ópera prima de la cineasta chilena Francisca Alegría.

Cuando miles de peces mueren en un río contaminado en el sur de Chile, Magdalena (Mia Maestro), una mujer fallecida hace mucho tiempo, emerge entre los cuerpos sin vida, encontrándose con su esposo y causándole un estado de shock por razones obvias, lo cual provoca el regreso a casa de su hija Cecilia (Leonor Varela). Su presencia despierta tanto la curiosidad como

el miedo en su familia, madre e hija se encuentran con una oportunidad de cambiar su futuro.

La película tiene lugar en la Región de los Ríos (Chile), donde en 2017 miles de peces aparecieron muertos y las causas nunca fueron confirmadas, ocurrió meses después de la instalación de una fábrica que ha sido denunciada por verter desechos tóxicos al río y aún funciona. Pensando en esos peces, la directora Francisca Alegría se preguntó si sabían que algo estaba mal, antes de morir, si sintieron miedo mientras estaban agonizando o si podían ver a dónde iban. Los personajes de La vaca que cantó una canción hacia el futuro, especialmente Cecilia, se enfrentan a viejas heridas en el lugar donde habitan las Vacas, las grandes madres, que se ven obligadas a entrar en un sistema que las separa de sus hijos.

Petit Mal DIRECTAMENTE desde el Festival de Cine de Tribeca, llega al Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG) el largometraje colombiano Petit mal de la directora Ruth Caudeli, quien también escribió su guion y actúa en el filme. La cinta es parte de la Selección Oficial y compite por el Premio Maguey, que en su onceava edición sigue promoviendo un cine que parte de historias acompañadas de una orientación sexual abierta y diversa celebrando lo mejor de la cinematografía LGBTQ+ del mundo.

La cinta narra la historia de Martina (Silvia Va-

rón), Laia (Ruth Caudeli) y Anto (Ana María Otálora), tres mujeres que mantienen una relación poliamorosa, encontrando una apasionada y divertida relación compartida en la que gozan de sus reuniones en el patio, sus incansables bromas y el cuidado de los perros que han rescatado. Su relación se pone a prueba cuando Laia es llamada para un proyecto a largo plazo en otra ciudad, dejando a Martina y Anto vulnerables para enfrentar su propia dinámica ante la ausencia de Laia, lo que las obliga a mantenerse en constante evolución. Sus protagonistas son reconocidas por la serie de Netflix Pálpito.

Batman Azteca: choque de imperios HBO MAX LATINOAMÉRICA anuncia Batman Azteca: choque de imperios en la 37ª edición del Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG), el largometraje original de animación que sitúa al icónico superhéroe de DC con el trasfondo de la cautivadora historia de México y sumerge a los fans de todo el mundo en la apasionante cultura de Mesoamérica.

En la época del Imperio Azteca, Yohualli Coatl, un joven azteca, vive una tragedia cuando su padre y líder de la aldea, Toltecatzin, es asesinado por los conquistadores españoles. Yohualli escapa a Tenochtitlan para advertir al rey Moctezuma y a su sumo sacerdote, Yoka, del peligro inminente. Utilizando el templo de Tzina-

can, el dios murciélago, como guarida, Yohualli se entrena con su mentor y ayudante, Acatzin, desarrollando equipo y armamento para enfrentarse a la invasión española, proteger el templo de Moctezuma y vengar la muerte de su padre.

Celebrando actualmente sus 20 años de actividad como líder de la animación en América Latina y reconocida como un actor global en la industria de la animación especializada en programación infantil, Ánima ha trabajado antes con personajes icónicos como Top Cat,en Top Cat, La Película que rompió récords de taquilla en el camino, como con Top Cat Begins que se estrenó con éxito en los cines de más de 35 países.

Mi vacío y yo LA CINTA española Mi vacío y yo, dirigida por Adrián Silvestre, forma parte de la competencia por el Premio Maguey.

La historia sigue las experiencias de Raphi, una persona joven, andrógina que después de ser diagnosticada con dismorfia de género comienza una travesía para asumir su identidad. Su viaje se nutre a partir de compañeras de trabajo, amigas trans, artistas queer y hombres que conoce por aplicaciones móviles y que le ayudan a encontrar un espacio en este mundo lleno de prejuicios.

“Mi Vacío y yo surgió de un largo proceso de trabajo con un colectivo de mujeres trans que conocí en Barcelona. Allí impartí diversos talleres de cine y conocí a Raphaëlle, quien me propuso llevar sus relatos a la gran pantalla”, cuenta el cineasta.

El guión fue escrito por Adrián Silvestre, Carles Marqués-Marcet y Raphaëlle Perez, la protagonista de la cinta, quien a través de esta historia compartió sus experiencias personales.

“El mayor reto fue condensar probablemente los dos años más intensos de la vida de Raphaëlle en unas semanas de rodaje, y hacerlo con verosimilitud y fidelidad a como sucedieron los hechos”.

La película ya obtuvo la Biznaga de Plata, Premio Especial del Jurado en la edición 25 del Festival de Málaga. Y ahora tuvo su estreno en América Latina dentro del FICG. “Nos hace muchísima ilusión llevar la película al FICG porque se trata de un estreno en Latinoamérica, y tenemos muchas ganas de ver cómo el público conectará con la historia de Raphaëlle”.

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SE REVELAN LAS PRIMERAS IMÁGENES 88 |

El cineasta ganador del Premio de la Academia, Guillermo del Toro reinventa el cuento clásico de Carlo Collodi acerca de la marioneta de madera que mágicamente cobra vida para reparar el corazón de un tallador de madera afligido llamado Geppetto. Este fantástico musical animado en stop motion dirigido por Guillermo del Toro y Mark Gustafson sigue las aventuras y travesuras de Pinocho en su búsqueda por encontrar su lugar en el mundo.

Bajo la dirección de Guillermo del Toro y Mark Gustafson, la película cuenta con las voces originales de grandes talentos, incluyendo a Ewan McGregor como Pepe Grillo, David Bradley como Geppetto y la presentación de Gregory Mann como Pinocho.

El elenco también cuenta con la participación de Finn Wolfhard, Cate Blanchett, John Turturro, Ron Perlman, Tim Blake Nelson, Burn Gorman, Christoph Waltz y Tilda Swinton. Llega a Netflix en diciembre.

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LOCOS POR HISTORY Dónde ver: History Play Disponible: 30 de junio

LOCOS POR HISTORY,

SERIE WEB ORIGINAL PARA LOS MILLENNIALS Y LA GENERACIÓN Z HISTORY estrena en sus plataformas digitales la serie web original Locos Por History que, de la mano de tres fanáticos, muestran el lado más cool de la historia en una producción que además propone una interacción con los usuarios en redes sociales.

El mexicano Gonzalo Vega Jr (el vintage), el colombiano Diego Hernández (el geek) y el argentino Nacho Saso (el aventurero), tres fans que se conocieron en las redes sociales de History, ahora se reúnen con la misión de “reclutar” a más fanáticos, compartir diversos puntos de vista sobre temas de interés para Millennials / Generación Z y generar desafíos para participar por grandes premios y experiencias.

En su primera temporada, Locos por History cuenta con 13 episodios inspirados en los contenidos más vistos y comentados por las comunidades de fans en las redes sociales de History Channel, entre ellos los paraísos naturales más preciados de América Latina; platos típicos de la región con el maíz como principal ingrediente; extrañas creencias latinoamericanas, algunas originarias de los pueblos indígenas y otras una herencia europea; reconocidos casos de misteriosos avistamientos de OVNIs en Colombia, Chile, Argentina, Brasil, México y Perú que proponen a viajeros Rutas Ufológicas que nos hacen mirar al cielo; los animales más icónicos de América Latina; autos antiguos, clásicos y máquinas legendarias en la región; la evolución de la moneda, un episodio que propone un recorrido por el Museo Numismático Nacional de la Ciudad de México; icónicos inventos creados por latinoamericanos; la búsqueda de preciados tesoros en históricos mercados de pulgas en Argentina y México; y el vino en América Latina, siendo Argentina y Chile unos de los mayores productores y exportadores de este producto en el mundo.

Esta producción cuenta con contenidos exclusivos e innovadores desarrollados por el equipo de User Creative Solutions de A+E Networks Latin America con el respaldo de nuestros socios comerciales Club Premier y Volkswagen, apoyados por la fortaleza del ecosistema, que entrega casi 600 millones de impresiones mensuales en la región, donde el 75% proviene de plataformas digitales.

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PAPÁS POR ENCARGO,

SIEMPRE FUI YO Dónde ver: Disney+ Disponible: 13 de julio

UNA SERIE CON MUCHO HUMOR Y....

TRES PADRES ADOPTIVOS

Papás por encargo comienza cuando, en el día de su cumpleaños número 13, California recibe un regalo inesperado: las llaves de una van que le envía su madre, Itzel, quien quiere reencontrarse con ella en Zacatecas, después de su enigmática y prolongada desaparición.

Miguel, Morgan y Diego, los tres papás adoptivos que ahora cuidan a California, no están muy convencidos de la idea, pero ella siente que ese viaje los conducirá a la felicidad: ella podrá volver a ver a su mamá y por fin estarán todos juntos para siempre. Esta inusual odisea en familia invita a la audiencia a vivir momentos emotivos, entretenidos y desafiantes, y la embarcará en un roadtrip inolvidable de transformación y crecimiento con el maravilloso territorio mexicano como telón de fondo.

La nueva producción, grabada en Zacatecas, Mazatlán, Pátzcuaro, La Paz y Durango, entre otras ciudades de México, tiene a la diversidad de paisajes y la riqueza cultural del país como grandes protagonistas, al tiempo que presenta una historia en la que la familia en todas sus formas ocupa el centro de la escena. A través de un relato ágil y de gran atractivo visual.

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LIONEL

MESSI INVITADO EN LOS PROTECTORES

Star+ anuncia el fin de producción de la segunda temporada

de Los protectores, la comedia del sello Star Original Productions protagonizada por Adrián Suar (Renzo Mago Magoya), Andrés Parra (Reynaldo Colombia Morán) y Gustavo Bermúdez (Carlos Conde Mendizábal) con el astro del fútbol Lionel Messi como invitado especial en París.

Con estreno previsto sólo en para el siguiente año, la nueva temporada escrita por Marcos Carnevale, con la dirección de Jorge Nisco y realización de Polka, retoma la historia del carismático trío de representantes de jugadores de fútbol compuesto por Mago, Reynaldo y Conde, junto a nuevos personajes y con el futbolista Lionel Messi, debutando actoralmente.

La segunda temporada comienza un año después de la conformación de Los protectores, cuando sus tres socios están disfrutando de haber logrado posicionar a la empresa como una de las más importantes en representación futbolística de Latinoamérica y Europa e inesperadamente sufren un atentado a su cartera de jugadores.

Un empresario siderúrgico de gran poder llamado Ernesto Cartens (Seefeld) decide armar una agencia de representación, pero quiere a los mejores futbolistas y la mayoría pertenecen a la agencia de Mago, Reynaldo y Conde.

A través de maniobras poco lícitas, Cartens se hace de esos jugadores, dejando prácticamente en la ruina a Los protectores, cuyos socios harán lo imposible por recuperar lo que les pertenece.

Compuesta por siete episodios de 45 minutos y grabada en distintas locaciones de Buenos Aires, Argentina, y París, Francia, la nueva temporada promete seguir conquistando a la audiencia con divertidos enredos en torno a las andanzas de sus protagonistas, al tiempo que presenta nuevos elementos de acción y suspenso que agregan giros intrigantes a la trama y revelan las relaciones de poder y competencia propios del mundo de la representación futbolística.

La nueva producción llega tras el éxito de la primera temporada de Los protectores en Star+ y forma parte de la robusta oferta de producciones locales íntegramente desarrolladas en la región y alineadas con el compromiso asumido por The Walt Disney Company Latin America de realizar contenido de relevancia local para sus servicios de streaming, en alianza con casas productoras de la región y sumando a talentos locales.

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LOS JAIVAS Dónde ver: HBO MAX Disponible: 28 de junio

LOS JAIVAS,

DOCUMENTAL SOBRE UNA LEYENDA VIVA DEL ROCK CHILENO Los Jaivas es considerada una de las bandas de rock más importantes de Chile. Sus fundadores (Gato, Claudio, Mario, Eduardo y Gabriel) nos llevan a un viaje psicodélico por su propia historia, nunca antes contada. Desde los archivos íntimos registrados durante más de medio siglo por las cámaras de la agrupación, los viñamarinos nos transportarán en un viaje cósmico de amor, compañerismo y perseverancia venciendo la muerte a través de su obra que logró trascender generaciones.

“Ellos siempre han creído en la música que han hecho, continuaron en una misma línea musical, con un mismo ideal. Y ese ideal fue el que yo vi desde pequeñita, desde que tuve uso de razón y los pude ver como familia, como músicos al lado mío”, opina en el documental Juanita Parra, actual baterista del grupo e hija de Gabriel, baterista original y uno de los fundadores.

“Chile es nuestra máxima consciencia y es nuestra única razón.

Hemos logrado trabajar con los elementos más preciosos de nuestro

pueblo, nuestra patria y nuestro país”, destaca Eduardo Parra en otro momento del documental.

Para la productora Macarena Cardone, adentrarse en el universo de Los Jaivas ha sido una profunda revelación: “Creo que es una pieza épica, muy íntima, de esa historia musical, de su cosmovisión. Siempre unidos, han aportado un discurso de paz y unidad inalterable, transversal y diverso. Los Jaivas representan una inverosímil obra artística que encarna la identidad cultural y emocional de Chile, una banda de rock aún vigente con prácticamente 60 años de historia, considerada una de las más importantes e influyentes de Sudamérica”.

La riqueza visual y narrativa de este especial estará disponible en HBO Max lo que permitirá su visualización en todo el continente. Cardone agrega: “Ahora estará disponible para sus seguidores en toda Latinoamérica a través de HBO Max porque estamos seguros que narra una hazaña única en su género que se debe dar a conocer”.

MS. MARVEL Dónde ver: Disney+ Disponible: 8 de junio

IMAN VELLANI,

NACIDA PARA SER MS. MARVEL KAMALA KHAN, la Súper Heroína nacida en los cómics de Marvel en 2013 y convertida rápidamente en la favorita de los fans, es la protagonista de Ms. Marvel, la nueva serie original estrenada en el servicio de streaming.

La historia gira en torno a una adolescente musulmana de la Ciudad de Jersey que admira a los Súper Héroes y termina obteniendo poderes como ellos, al tiempo que debe lidiar con los desafíos cotidianos de su casa, su escuela y su entorno social.

En la nueva producción, el personaje central de Kamala/Ms. Marvel cobra vida de la mano de la talentosa Iman Vellani, una joven que hace su debut actoral en la serie y encarna a la perfección el espíritu fresco, entusiasta y audaz del personaje, coronando el extenso proceso de búsqueda de la chica ideal para el papel por parte del equipo creativo.

Cuenta Vellani que se enteró de su participación en la serie el último día de la escuela secundaria: “Estaba con mis amigos y recibo un mensaje de texto del director de casting que quería hacer una videoconferencia. Atiendo la videollamada y era Kevin Feige y todos los productores y directores. Pero ni los noteì, porque yo estoy obsesionada con Kevin Feige y Marvel. Y entonces Kevin me dijo: ‘Es unánime. Queremos que seas Ms. Marvel’. Y ahí entreì en total estado de shock”, comenta la actriz.