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ADMIRABLE E S P EC I A L | 2 5 A N I V E R S A R I O D E L G I F F | # M Á S C I N E P O R FAV O R

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GABRIELA CARTOL

AFORTUNADA E S P EC I A L | 2 5 A N I V E R S A R I O D E L G I F F | # M Á S C I N E P O R FAV O R

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PAULETTE HERNÁNDEZ Y PIERRE LOUIS

UNEN SU TALENTO

E S P EC I A L | 2 5 A N I V E R S A R I O D E L G I F F | # M Á S C I N E P O R FAV O R

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SOFÍA ESPINOSA

DISFRUTA DE LA COMEDIA E S P EC I A L | 2 5 A N I V E R S A R I O D E L G I F F | # M Á S C I N E P O R FAV O R

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XIMENA LAMADRID

DESPIDE A SARA E S P EC I A L | 2 5 A N I V E R S A R I O D E L G I F F | # M Á S C I N E P O R FAV O R

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REVISTA CAMEO nace con el fin de difundir los proyectos de cine, televisión y plataformas digitales en México.

AGRADECEMOS EL MATERIAL FOTOGRÁFICO A LAS AGENCIAS DE RP Y A LAS DISTRIBUIDORAS.

NÚMERO 12 JULIO | 2022 A ÑO 2 REVISTA DIGITAL

Editor: Carlos Mora Co editora: Maribel De Luna Colaboradores: Elizabeth Osorio Cinthya Salas Alejandra Lomelí Francisco Javier Quintanar Polanco Angélica Ramírez CORREO:

cameo.revista@gmail.com REVISTA CAMEO revista_cameo issuu.com/revistacameo

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EL LEGADO DEL CINE OLIMPIA por E L I Z A B E T H O S O R I O

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ólo en la Ciudad de México pudo ocurrir que en un predio haya existido el huerto del convento franciscano más importante de la Nueva España, erigido en 1524 y cuatro siglos después se edificara el primer cine sonoro, el Olimpia cuyo edificio resguarda actualmente la Capital del Sexo.

Debido a las Leyes Reforma el convento de San Francisco, el más grande de América por abarcar desde el actual Eje Central hasta la calle de Madero e Isabel la Católica; fue fraccionado, lo que permitió la apertura de calles como 16 de septiembre en la que en 1919 comenzó la construcción de uno de los cines más antiguos y lujosos de la ciudad.

Fue el 10 de diciembre de 1921, cuando Álvaro Obregón arribó a dicha calle para cortar el listón inaugural del Cine Olimpia que ostenta el título de ser la sala que estrenó la primera película sonora, El Cantor de Jazz. Si es de su ánimo caminar por 16 de septiembre y detenerse una antes de Eje Central, verá la placa que recuerda ese hecho histórico en la vida de los cines en la ciudad.

to de las grandes salas de cine como el Cosmos, el Colonial y el Odeón.

El glorioso cine Olimpia se daba el lujo de proyectar solamente películas de estreno y su proyeccionista fue nada más y nada menos que Fernando de Fuentes, el más importante director del cine mexicano de los años 30.

Lo que significa que el Cine Olimpia formó la cinefilia de Fernando de Fuentes que dirigió las películas ¡Vámonos con Pancho Villa! y Allá en Rancho Grande con Tito Guízar, filme con el que se considera dio inició a la época de cine de oro.

Fernando de Fuentes también inmortalizó la imagen de María Félix al darle el protagónico de Doña Bárbara en 1943, a partir de ese papel la actriz sería recordada como la Doña.

El declive del Cine Olimpia comenzó con el terremoto de 1985, su estructura se dañó por lo que cerró por varias meses.

Años después fue fraccionado en varias salas que dejaron de funcionar en 1999.

La construcción del Cine Olimpia comenzó dos años antes, en 1919, cuando el tenor italiano más popular de los años 20, Enrico Caruso colocó la primera piedra; una fotografía de ese día quedó como testigo en la Mediateca del INAH que también resguarda fotografías de su fachada y cartelera.

El adiós al Cine Olimpia provocó indignación entre los capitalinos que añoraban fuera un monumento nacional que albergara el Museo del Cine Mexicano, aspiración que nunca llegó, en 2002 se convirtió en un pabellón con más de 300 locales conocido como la Capital del Sexo.

La capacidad del Olimpia era de cuatro mil butacas y su arquitectura tenía que ser legado de Carlos Crombé, el arquitec-

Hoy, sólo queda su fachada y la nostalgia por el pasado de su existencia al caminar por la calle 16 de septiembre.

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SOFÍA

EN 2014 Sofía Espinosa dio vida a

la cantante Gloria Trevi en la cinta Gloria, sin duda uno de los papeles más importantes de su carrera “ya pasó y está bueno que ahí sigue para quien la quiera ver y es algo que me encanta pero justo se trata de hacer otras cosas”, afirma en entrevista exclusiva a Revista Cameo.

A casi ocho años del éxito de Gloria, la actriz regresa a la televisión en la serie Supertitlán, dando vida a Amelia, una madre soltera que trabaja en un supermercado. La serie creada por Justin Spitzer y adaptada para el público mexicano por Amaya Muruzábal, se puede ver en televisión abierta a través de Azteca 7.

por C A R L O S M O R A

ESPINOSA DEJA ATRÁS A LA TREVI Y EXPORA LA COMEDIA

Cuéntame sobre Supertitlán remake de la exitosa Superstore.

Creo que tiene todo el sentido que se haga esta versión mexicana, tiene esta onda donde “la familia es antes que nada”, en eso somos distintos a los gringos. También hay nuevos personajes como el taquero, los cerillos del supermercado, que no hay en la versión americana. Otro cambio es con mi papel de Amelia, en esta versión mexicana no tiene marido porque se fue a Estados Unidos, y conecta más con cómo podría ser la vida de una madre soltera que tiene que ser el sustento de su casa. ¿Qué fue lo que te gustó de interpretar a Amelia?

Primero que nada hacer comedia en este formato medio sitcom es algo que no había explorado tanto, creo que es todo un reto el ritmo para que caigan los chistes, para que no se vuelva tedioso y camine, fue interesante, y los retos siempre me atraen.

Todos los personajes tienen defectos o vicios que los hacen cómicos y Amelia trata de ser la empleada perfecta, la mujer, la mamá y la amiga perfecta; cuando obviamente no es perfecta, se obsesiona con eso y hasta le sale ese lado competitivo con Jonás Encinas (Jesús Zavala). Por otro lado, ella trata de portarse 12|

bien todo el tiempo pero a la primera que comienza a probar tantito, no es tan cuadrada y se deschonga, eso me cae muy bien de ella porque creo que todos de pronto queremos ser una cosa pero en el fondo no queremos tanto, en realidad es un personaje entrañable porque es amorosa, pero también es una chica que se saltó una parte de su juventud por tener que crecer muy muy rápido y hacerse cargo de una familia, pero sigue siendo muy chavita por momentos, eso me gusta. ¿La versión mexicana conserva los toques feministas de la versión americana?

Sí, y es algo que está muy padre. Justo hay algunas cosas en la gringa que en ésta no, por ejemplo en esa se toca el tema de los latinos, los gremios y las culturas coexisten, se maneja de un modo muy distinto acá y creo que le dieron bien la vuelta a eso. En el episodio de “Dulce-Ana” se va todo a una cosa más feminista o LGBTQ+, creo que tocan las temáticas importantes sin demasiada seriedad, eso es importante porque no se trata de aleccionar pero uno no puede dejar de ser crítico ¿no?

Amelia no se puede controlar, no se puede quedar callada, si algo no le gusta tiene que abrir la boca y pelear hasta ganar o que le den una lección.

"EN SUPERTITLÁN HICIMOS 48 CAPÍTULOS AL HILO EN CUATRO MESES, FUE ALGO MUY INTENSO CON SESIONES MUY LARGAS. AL FINAL VALE MUCHO LA PENA"

Algo destacable de la serie es que entre el elenco hay varios actores que trabajan más en el teatro.

Creo que es algo muy refrescante también tener otras caras. Me parece absurdo que crean que uno hace una cosa y no la otra, ¿por qué no? El formato cambia pero nada más es cosa de entenderle y entrenar en esa otra modalidad.

Para mí fue increíble poder jugar con todos estos actores que vienen de lados tan distintos, había algunos que de plano venían de stand up y ¡claro! tienen una cosa cómica natural que admiro muchísimo, y digo ¡wow, me encantaría tener esa capacidad de resolver tan rápido, tan espontáneo! Creo que fue un buen combo y muy agradable trabajar con estos actores y actrices.

"ME GUSTAN TODOS LOS GÉNEROS, LOS QUE TIENEN QUE VER CON EL PROYECTO Y TE PERMITEN ENTRAR MÁS COMO CREATIVO"

¿Cómo fue trabajar con Jesús Zavala en Supertitlán?

Jesús es un súper actor y además es un gran compañero de trabajo. Este fue un proyecto intenso aunque es una comedia ligera y nos divertimos mucho, hicimos 48 capítulos al hilo en cuatro meses, fue algo muy intenso con sesiones muy largas, y él y yo compartimos gran parte de las escenas, entonces la verdad es que desde el día uno hubo click y comenzamos a generar una amistad y una química que se fue desarrollando con los personajes. ¿Crees que hacen falta más proyectos como éste?

Sí, totalmente. Creo que esta es una serie que si bien es una adaptación es algo distinto a lo que estamos acostumbrados a ver, es un humor distinto, que puede ser raro, y eso me gusta mucho.

Esa parte en la que dices “¿qué onda, 14 |

qué les pasa a estos personajes?” Por ejemplo, el personaje que hace Carlos Orozco, que es Gervasio Cárdenas, me mata de amor porque es un locazo y está completamente deschabetado y dices ¡qué bien!, pero al mismo tiempo están cuidando a los personajes, entonces sí, que haya más proyectos así. ¿Cómo fue el proceso de quitarte el personaje de Gloria Trevi?

Ser Gloria Trevi fue padrísimo, ese proyecto es de los que más he abrazado y disfrutado, pero ya pasó y está bueno que ahí sigue para quien la quiera ver y es algo que me encanta pero justo se trata de hacer otras cosas, y para mí, insisto, me gusta cuando hay un reto u otro tipo de proyecto, personaje, etc, si no qué chiste. Justo ahora que va a haber una serie de Gloria Trevi, me decía la gente: “¿no vas a hacer casting?”, y pienso, ¿por qué?, si ya hice a ese personaje, no me puedo imaginar en hacer a Gloria Trevi toda la vida, ¡no!... Soy actriz. ¿Qué género te gusta más hacer?

Me gustan todos, aunque soy intensa, no lo voy a negar, porque me encanta el drama, me gusta azotarme.También me gusta mucho la comedia que no es un género más sencillo, son cosas muy distintas y esta cosa vertiginosa, rítmica, de tener que estar al tiro todo el tiempo y de no bajar la energía son exigencias distintas pero son muy chidas. Creo que me gustan todos los géneros, pero los tienen que ver más con el proyecto y qué tanto te permiten entrar como un creativo más que como un intérprete. | 15

GABRIELA CARTOL AFIANZA SU TALENTO ORIGINARIA DE ACAPULCO, LA ACTRIZ GABRIELA CARTOL, SIGUE ABRIÉNDOSE PASO EN EL CINE Y LAS SERIES. ESTE 2022 ESTRENA TRES PROYECTOS EN DIFERENTES PLATAFORMAS DE STREAMING: EL REFUGIO, THE RESORT Y EL CENTAURO DEL NORTE.

por C A R L O S M O R A

H

a sido nominada al Premio Ariel en dos ocasiones, en 2015 en la categoría de Mejor actriz revelación por La tirisia y en 2019 en la categoría de Mejor actriz protagónica por La Camarista, está última dirigida por Lila Avilés y una de la cinta que la catapultó a nivel internacional.

“La Camarista es mi regalo divino, de esos que no sabes si en la carrera te van a ocurrir y si te pasa quizá solo pasa una vez, es lo que he escuchado, y eso es esta película para mí. También en lo emocional hay un cambio en mí, no soy la misma actriz antes y después de la película, comprendí el valor de mi oficio, también lo que es observar al otro, y me gané a una de mis mejores amigas actualmente que es Lila Avilés, la directora. Esa película significa mi lotería, literalmente”, nos comparte en entrevista con la Revista Cameo.

La Camarista fue su debut internacional que la llevó por diversos festivales en países como Marruecos, Turquía, España, entre otros. “Fue algo curioso porque para la serie The Resort, una de las escritoras me puso sobre la mesa, cuando estaban buscando quién iba a interpretar a Luna el personaje que juego ahí, dijeron “vean La Camarista, esta chica es ella”, así que la vio el productor, el showrunner, el director y otro escritor. Es una cosa muy loca, porque no sabes quién te va a ver en ese proyecto que parece tan indie y que hasta el día de hoy me sigue consiguiendo papeles en otros lugares”. ¿Cómo te sientes de formar parte de la serie The Resort?

Sin duda es el segundo regalo que me llega. Una de las cuestiones por las que pasé un gran conflicto después de La Camarista fue el ¿y ahora qué? Después de esa película, pensé en qué iba a hacer porque no hay muchos guiones de este calibre, fue algo a lo que me enfrenté, decía “¡Ay, qué chido!”, luego comencé a ver las opciones que tenía y creí que no iba volver a repetir.

Lo natural para mí era hacer películas del tipo de La Camarista y seguir por esa línea, de pronto me di cuenta que en realidad no había tantos guiones, que ese era un guion muy especial y específico que me había tocado y ya estaba, ¿si se volverá a repetir? No lo creo.

The Resort es mi primera serie estadounidense y aunque es una comedia cuenta con un gran elenco como Cristin Milioti, Dylan Baker, Nick Offerman, Amber Rivera, Luis Gerardo Méndez, entre otros. Me pasó que llegué al set y vi el nivel de todos y me pregunté si ese era el nivel en que estaba, en el que estoy, y me decían “ya creétela, ya estás ahí”.

Otro de los proyectos en los que podemos verte actualmente es El Refugio, serie de Starz Play.

Mi personaje Itzel empieza sólo estando ahí y ya está, no hace más; pero, se va desmenuzando, comple18 |

“LA CAMARISTA ES MI REGALO DIVINO, DE ESOS QUE NO SABES SI EN LA CARRERA TE VAN A OCURRIR Y ESO ES ESTA PELÍCULA PARA MÍ" jizando y adquiriendo un valor muy importante dentro de la serie conforme los episodios van avanzando. El personaje es increíble, me encanta que empiece así porque aparentemente únicamente está en la casa y ya está, esa es su función, y luego hay un giro muy interesante que justamente cuando leí los guiones dije “¡Órale! qué increíble que esta mujer empieza muy low profile y luego ¡zaz!”. Me encanta.

Es una serie de ciencia ficción, un género muy poco explorado en México. ¡Híjole! Es la primera vez que trabajo en algo así y algo curioso es que los tres proyectos que tengo en puerta son completamente distintos y me encantó poder ser parte de eso, de pensar que ahí había cabida para mí en tres géneros distintos. Uno es El Refugio que es ciencia ficción-suspenso, The Resort es comedia y Pancho Villa. El Centauro del Norte es drama.

"THE RESORT ES MI PRIMERA SERIE ESTADOUNIDENSE Y AUNQUE ES UNA COMEDIA CUENTA CON UN GRAN ELENCO. ME PASÓ QUE LLEGUÉ AL SET Y VI EL NIVEL DE TODOS Y ME PREGUNTÉ SI ESE ERA EL NIVEL EN QUE ESTABA, EN EL QUE ESTOY, Y ME DECÍAN

“YA CREÉTELA, YA ESTÁS AHÍ”

Me parece que las plataformas digitales, tienen sus pros y contras, creo que uno de sus pros es que se está dando la libertad de explorar y de ir más allá, cuando antes la televisión mexicana era muy cerrada, no había diversidad, ni siquiera cuestionamiento en cuánto a ¿será que los mexicanos podemos hacer bien equis género? Todo era Estados Unidos, ver Walking Dead (2010) o Stranger Things (2016) y ahora creo que sí nos estamos dando más esas posibilidades de decir “probemos otras historias, otros géneros ¡también lo podemos hacer nosotros!”.

Una cosa que da gran valor a El Refugio es esa, que está hecha por latinoamericanos, es una coproducción con Chile, en donde el director es argentino, los actores son mexicanos y chilenos, la producción es chilena; entonces, el haberla hecho así dije “¡qué padre ver una historia así, con una historia latinoamericana!” algo con lo que me identifico y me reconozco, mi familia también y de pronto verme y saberme parte de ese proceso, porque es una serie que veo y digo “a mí me gustaría hacer eso”, y ¡ya estoy haciendo eso!

Explorar ese género fue un aprendizaje porque si bien vengo de hacer drama y cine independiente, también la ciencia ficción tiene sus propias reglas y eso lo aprendí ahí.

Y próximamente viene Pancho Villa. El Centauro del Norte (2022) ¿cómo va ese proyecto?

Esa serie se va a lanzar por Star+, el personaje de Lucita igual es otro que gocé muchísimo y que me hubiese encantado, se lo dije al director Rafa Lara, que hubiera sido una película, daba para mucho porque es un personajazo y quizá en algún punto por ahí, podamos hablar de eso porque en la serie se habla desde el punto de vista de Pancho Villa que es el personaje principal, ahí está Lucita que es la única que se sabe fue esposa legítima.

Lo gocé tanto que ojalá hubiera sido un personaje de cine mexicano porque es uno de nuestros clásicos, de nues-

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"ME PARECE QUE LAS PLATAFORMAS DIGITALES TIENEN SUS PROS Y CONTRAS, CREO QUE UNO DE LOS PROS ES QUE SE ESTÁ DANDO LA LIBERTAD DE EXPLORAR Y DE IR MÁS ALLÁ, CUANDO ANTES LA TELEVISIÓN MEXICANA ERA MUY CERRADA, NO HABÍA DIVERSIDAD" tra historia, es un personaje históricamente importante y me gustaría también contar desde el punto de vista de ella, qué fue ser la esposa de este personaje tan emblemático.

Esa también fue una producción muy top, he tenido la fortuna de estar en producciones donde sí le están apostando en decir “sí, vamos a usar el presupuesto y se va a ver reflejado en pantalla” y eso para mí también es un regalo, no creo que muchos actores tengan esta oportunidad de ver su versatilidad porque son tres proyectos, géneros distintos con personajes completamente diferentes.

Las plataformas están abriendo un gran mercado ¿qué opinas?

Estoy muy feliz. Ahora también estoy

queriendo explorar más, ya había externado la idea de internacionalizar y la vida me dijo ¡va!

Empecé con Hernán (2019), mi primer proyecto en coproducción con España, qué producción, ahí me tocó jugar de la hija de Moctezuma, un papel increíble; luego fue El Refugio donde tuve la oportunidad de viajar a Chile; y luego The Resort proyecto con el que nos fuimos a Puerto Rico a grabar, ¡qué bonito es desear algo, decirlo y que de pronto esté sucediendo! Es muy mágico.

Pienso que las plataformas le apuestan a contenidos distintos porque la tele ya cambió, la audiencia ya cambió, la gente ya creció y está demandando otras cosas. De hecho, creo que también Peacock, que es por donde va a salir The Resort, está apostando por ello, a darle con todo. | 21

Sarah Hoch

25

ANIVERSARIO DE

PASIÓN FÍLMICA

SARAH HOCH, DIRECTORA Y FUNDADORA DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE GUANAJUATO (GIFF), HABLA DE SU PASIÓN POR UNO DE LOS FESTIVALES MÁS LONGEVOS DE CINE EN MÉXICO (1998) Y MÁS QUERIDOS POR LOS AMANTES AL SÉPTIMO ARTE QUE EN ESTE AÑO CELEBRA SU ANIVERSARIO 25, ¡ENHORABUENA! por C A R L O S M O R A

Sarah, ¿Cómo alimentas esa pasión y vocación para planear cada año el GIFF? Creo que es muy bonito, este año es de los posters más cursis que puedes encontrar, y si haces lo que te apasiona no trabajas un día en la vida. Esto sí me apasiona mucho, apasiona a muchos de mi equipo, y los que van llegando más les vale que les apasione, (risas). La mayoría de mi equipo tiene muchos años conmigo, como Nina Rodríguez, la directora de programación del GIFF que lleva 16 años. Nos apasionamos. Es muy duro en estos seis meses del año, pero luego tenemos seis meses en itinerante, que es más padre porque tenemos tiempo para viajar a otros festivales, hacer otras cosas, convocar rally, comenzar con todo el brazo de formación y tenemos una residencia, entonces tenemos cineastas de todo el mundo durante todo el año, eso también es muy bonito, es como cine, cine, cine, todo el año.

El GIFF tiene uno de los mejores slogans de los festivales “Más cine por favor”.

Sobre ese slogan lo he hablado en varias ocasiones. Como ha cambiado tanto la industria en 25 años que arrancamos con “Más cine por favor”, luchando con la industria. Vengo de producción, no estudié cine, no estudié crítica cinematográfica, trabajé en producción; entonces, queríamos trabajar, hacer y ver cine, y no había nada. Hoy 25 años después todo el mundo está chambeando, hay series y sí hay chance uno puede meter su película, todos los actores, directores o productores me hablan “¡Sarah, querida, te quiero! Ahí en el GIFF empecé, pero no puedo ir”.

En Cannes hablábamos de lo mismo, Cannes tuvo problemas con los invitados. Después del Covid no había tanta producción porque nadie podía trabajar o se hizo poco; ahora, hay que sacar todos los proyectos.

"VENGO DE PRODUCCIÓN, NO ESTUDIÉ CINE, NO ESTUDIÉ CRÍTICA CINEMATOGRÁFICA, TRABAJÉ EN PRODUCCIÓN; ENTONCES, QUERÍAMOS TRABAJAR, HACER Y VER CINE, Y NO HABÍA NADA. HOY 25 AÑOS DESPUÉS TODO EL MUNDO ESTÁ CHAMBEANDO" Con tanta plataforma la necesidad de contenido se convirtió en una barbaridad; las plataformas no quieren dar los estrenos de sus películas o no quieren que recorran rutas de festivales, ellos quieren la premier de la película, algo que es muy triste porque tenemos dos películas mexicanas este año que ellos querían estrenar en GIFF, querían la alfombra roja, querían ser celebrados como directores de trayectoria y luego a la semana estar en plataforma. Si veo en Netflix los laureles en el póster ¡pum! yo estoy ahí, es como un sello.

Este año eso va a ser parte de la discusión, el cómo afecta que el espectador esté en tantas series, todos las vemos, pero ya no damos abasto para todo. Los actores están

cansados, pero es lo queríamos trabajo para todos cuando no había nada, ahora hay que torear cómo vernos de vez en cuando.

Llegas a los 25 años del festival, ¿te imaginaste llegar a este aniversario?

Creo que el número no lo entiendo todavía; sin embargo, con la pérdida de Ernesto Herrera (su esposo, presidente, director artístico y cofundador del festival) el año pasado, el hacer su homenaje en poco tiempo, tuvimos que revisar todo, la imagen, los temas, todo el festival y encontramos muchas joyas que dijimos “esto no va para Ernesto, pero lo ponemos para el próximo año” y este año también revisamos todo. En 25 años las computa-

doras o los discos duros se truenan, tuvimos un incendio en una bodega en Silao hace 10 o 15 años en donde teníamos todo lo impreso, las playeras y todo se quemó.

Tuvimos que recuperar todo, Ernesto tenía cajones de cosas, pasamos dos años revisando todo el material.

No me cae el veinte de mi edad, difícilmente me cae el veinte de la edad del festival. Empecé hace treinta y tantos años el festival, entonces sí digo “¡Ah, caray! Está cabrón”. Es algo muy bonito, ha sido toda una vida, algo que me ha llenado de mucho orgullo, he aprendido mucho, es un constante estudio, aprendizaje, he viajado por el mundo; el festival no me va a dejar para el retiro, pero cómo me ha paseado.

Nuestras relaciones con festivales e instituciones internacionales son muy fuertes, nos invitan a todo, estoy en muchos jurados, participo en muchas actividades, conozco miles de cineastas y es algo muy bonito, es padre vivir entre tantos creativos, entre tanta locura e inspiración. ¿Qué sientes de ser parte de la historia fílmica en México?

Primero es un honor porque es México, es mi país, me adoptó muy chiquita y aunque por güera, por el español o por el acento nunca voy a ser mexicana, me siento mexicana. Hay dos películas que van a tocar las cuerdas de mi corazón, hablan de que “puedes ser de aquí, pero a la vez de ningún lugar”, regreso a Estados Unidos y digo “¡qué raros son!”.

"NO ME CAE EL VEINTE DE MI EDAD, DIFÍCILMENTE ME CAE EL VEINTE DE LA EDAD DEL FESTIVAL. EMPECÉ HACE TREINTA Y TANTOS AÑOS EL FESTIVAL, ENTONCES SÍ DIGO “¡AH, CARAY! ESTÁ CABRÓN” Hemos trabajado muchísimo. He vivido el tema del cangrejo, también aquello de que si sacas la cabeza te tiran y eso me ha valido madres. Soy hija de políticos, mis padres fueron políticos, mis abuelos también, tal vez nací con concha, viene en mi genética, pero mi pasión ha sido más grande que cualquier mala persona que se quiera poner en mi camino.

Entendí desde niña que la comunidad que hace cultura es la comunidad que hace arte y los gobiernos van y vienen, dan oportunidad y pueden facilitar o bloquear. A los que dan facilidades, se emocionan o suman, con ellos las cosas son muy benéficas porque la cultura crece cuando hay apoyo; pero cuando no hay apoyo el arte sigue porque somos tercos, no estamos aquí por la lana, estamos aquí porque hay historias que contar y una pasión por el arte, en este caso por el cine. Vamos a estar y luchamos, peleamos.

Tengo una conciencia muy tranquila, he vivido la mejor vida que puedo vivir, el mejor trabajo que puedo hacer, he fallado y he aprendido mucho, me he levantado y caminado hasta lo que considero son resultados y apoyo, y sí he escuchado a los cineastas decir que GIFF siempre ha buscado lo mejor para la comunidad cinematográfica, ha sido México primero y muchas veces hasta Guanajuato con nuestras historias de identidad y pertenencia.

Estoy muy orgullosa de todo el trabajo y por eso hay que festejar en grande estos 25 años, vamos saliendo de dos años muy difíciles en los que mi salud fue muy afectada por el Covid, no sé cuántos años voy a estar aquí en este planeta, por eso quiero que éste lo celebremos, es el proyecto que más amo.

El GIFF fue de los primeros festivales en pronunciarse en contra de la violencia a la mujer y le ha abierto las puertas a muchas mujeres.

Era importante crear esos espacios también, porque sí es muy difícil.

Recuerdo que cuando las mujeres empezaron a trabajar más en el cine

"MÉXICO ES MI PAÍS, ME ADOPTÓ MUY CHIQUITA Y AUNQUE POR GÜERA, POR EL ESPAÑOL O POR EL ACENTO NUNCA VOY A SER MEXICANA, ME SIENTO MEXICANA. REGRESO A ESTADOS UNIDOS Y DIGO “¡QUÉ RAROS SON!”

y la televisión no había suficientes mujeres de este nivel en la producción para invitarlas a una junta, había muchas actrices, personal de maquillaje, peinado o arte, pero pocas o nada de productoras, bueno en televisión sí, pero, productoras, directoras, line producers… Antes todo el crew eran hombres, tal vez en locaciones había una oportunidad para una mujer, pero hoy en día ves los crews y están al 50%. IMCINE nos da los números en los que el 55% de los directores en México son mujeres y 65% son productoras, entonces ya ganamos, ya estamos arriba, aunque hay que pelearlo porque nos lo pueden arrancar muy fácil, a veces una tiene hijos y tenemos que escoger o queremos ser madres, algo que es una gran responsabilidad, pero por ello no podemos hacer tantos proyectos que pueden hacer los hombres. En estos años, 30 o 40 años, conozco a cineastas que empezaron súper fuerte cuando empezó el festival, descansaron y ya están de regreso a los 40 años.

Hay muchas mujeres trabajando, dando grandes resultados. Creo que está demostrado que podemos ejercer nuestras carreras con la misma calidad, tal vez lo hacemos diferente. Somos seres humanos, no hay que poner etiquetas.

Este año rinden homenaje a tres grandes mujeres, las actrices Blanca Guerra y Adriana Barraza y la productora Mónica Lozano.

Es algo muy rico. A Adriana Barraza la estábamos guardando, porque es demasiado joven.

Para los 25 años sí quería a alguien muy especial, así que le escribimos, le hablé y le dije “Adriana, es una celebración importante para nosotros y ojalá nos aceptes este homenaje” y me dijo “Sarah, cumplo 50 años de carrera y no sabía cómo lo iba a celebrar, fue la invitación más bella que he recibido porque lo voy a celebrar en GIFF que es mi festival favorito, voy a recibir la Cruz de Plata y la Medalla de Plata de la Filmoteca”, fue algo que a mí me conmovió mucho y a ella también, no podía creer que ya son 50 años de su carrera, pero si checas su filmografía te das cuenta de que sí, es algo impresionante.

Blanca Guerra es una primera gran actriz de México, también tiene una cara que cuando la vemos sentimos que es demasiado joven pero dijo en la rueda de prensa “¡Por fin!”, no se nos ocurría porque se ve tan joven. Lo que me encanta de Mónica Lozano es que es una súper productora, es productora de mis tiempos, desde hace 25 años, pero no sabía sino hasta la rueda de prensa que ella también cumplía 25 años de carrera, su primera película fue en 1998, entonces la numerología está toda en su lugar, algo muy padre.

"CON LA PÉRDIDA DE ERNESTO HERRERA (ESPOSO, PRESIDENTE, DIRECTOR ARTÍSTICO Y COFUNDADOR DEL FESTIVAL) EL AÑO PASADO, HACER SU HOMENAJE EN POCO TIEMPO, TUVIMOS QUE REVISAR TODO, ERNESTO TENÍA CAJONES DE COSAS Y PASAMOS DOS AÑOS REVISANDO TODO EL MATERIAL" Sin duda, cada edición traes una selección exquisita de oferta cinematográfica, ¿cómo lo logran?

Mucho de eso lo hace Nina Rodríguez. Por supuesto participo, vamos juntas a los festivales, vemos muchas películas, participamos en áreas de las películas como en el final de la producción, en pitchs, tenemos un concurso de guión, sabemos cuáles son los guiones que están saliendo de México, es parte de, es nutrir y acompañar a los proyectos desde el guion hasta el rodaje, a la edición, a su ruta de festivales. Sabemos los proyectos nacionales e internacionales que están en desarrollo, en qué etapa están, entonces estamos esperando muchas películas para invitarlas.

Tenemos una convocatoria y no nos gusta recibir 5 mil películas porque es difícil verlas, por eso hay un control en la convocatoria, por ejemplo este año recibimos 3 mil 300 proyectos de 136 países distintos, que es una cantidad más cómoda, pero 56 |

de todas formas todo lo tenemos que ver en meses.

Nina hasta el último día está consiguiendo y viendo si alguna película ya está terminada, por eso son tantas premieres, son 30 estrenos mundiales, 68 nacionales y 28 del continente americano, queremos que sean proyectos que los vean primero en GIFF, vengan a estar con los directores en los Q&As, tomar tequila, chelita en la noche todos juntos.

Un contenido de este tiempo refleja 25 años de relaciones, 25 años de amistades, de fomentar nuevos creadores, de mantener fuerte el área de cortometraje, de entender por qué es importante conocer a estos cineastas desde jóvenes. Este año queremos recuperar a nuestros públicos, queremos que todos ya salgan de la casa. Es un festival en donde hay de todo, que es gratuito para todos y en espacios donde las personas se sienten seguras y cómodas. De verdad te tiene que apasionar, te tiene que importar para lograr ediciones que trascienden.

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25 ANIVERSARIO

LO IMPERDIBLE PARA ESTE AÑO 50 |

CONSCIENTE

de su labor en el ámbito cinematográfico nacional y de la historia que ha acumulado en este cuarto de siglo, el Festival Internacional de Cine Guanajuato presentará la memoria de su trayectoria en el libro “GIFF 25 aniversario: recuento de los primeros 25 años del festival”: una recopilación invaluable de fotografías, anécdotas y los mejores momentos del festival. Este libro se presenta en colaboración con el Gobierno del estado de Guanajuato.

En el marco de esta celebración se realizarán varias actividades, como la exhibición fotográfica “Un paseo a la fama” con la memoria de los homenajeados e invitados más importantes que han pasado por el festival durante su primer cuarto de siglo. Además se ofrecerá la conferencia “GIFF: 25 años de impulsar al cine mexicano”.

Se proyectará una muestra de cortometrajes con lo mejor del aquel entonces Expresión en Corto, una recopilación de películas que se mostraron en las primeras ediciones del Festival. Ésta incluye directores que hoy son la punta de lanza de la cinematografía mexicana. Podremos apreciar una muestra con las primeras obras de cineastas importantes que han pasado por el festival desde aquellos primeros años como: primeros cortos de autores como: Amat Escalante, René Castillo, Gilberto Esparza, Jorge Villalobos, Carlos Cuarón, Sergio Arau, Guillermo Arriaga, Ernesto Contreras, Valentina Leduc, Edgar Sanjuan y Víctor Zavala. Además, proyectaremos Bajo California: el limite del tiempo de Carlos Bolado, película estrenada en 1998 —al mismo tiempo que nacía nuestro festival.

Como parte de la fiesta por un cuarto de siglo tendremos también como invitados especiales a actores que han pasado por el festival y se han convertido en parte de su historia como: Martha Higareda, Roberto Sosa, Liz Gallardo, Humberto Busto, Krystian Ferrer, Sebastián Zurita, Martha Claudia y Armando Hernández.

HOMENAJE A ADRIANA BARRAZA EL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE GUANAJUATO

aprovecha la celebración de su vigesimoquinto aniversario para honrar el arte y la vida de una de las actrices de cine y televisión más respetadas en la industria. Hablamos de Adriana Barraza, un orgullo de los escenarios en nuestro país que está celebrando 50 años de trayectoria artística. Nominada al Óscar por su actuación en Babel y reconocida por sus interpretaciones en películas como Amores perros, From Prada to Nada, Guten tag, Ramón, Cake, Drag Me to Hell o We Can Be Heroes.

GIFF tributará un homenaje nacional a la reconocida actriz, donde recibirá la Medalla de la Filmoteca de la UNAM, un galardón con 62 años de historia que rinde homenaje a las personas que han contribuido a enriquecer el patrimonio fílmico del mundo con su trayectoria.

Además, Adriana Barraza otorgará una conferencia magistral abierta al público en la ciudad de León.

COMO

parte de los festejos, la Asociación Mujeres en el Cine y la Televisión otorgará un homenaje a la primera actriz Blanca Guerra en la que se le entregará la Cruz de Plata del GIFF y el premio Musa. La actriz es una personalidad con amplísima carrera en películas que han marcado la filmografía nacional como Perro callejero, El imperio de la fortuna, Días difíciles, Santa sangre, Principio y fin, Un embrujo, Danzón, En medio de la nada, Salón México o Su alteza serenísima. Esto sin contar su destacada carrera en la televisión con producciones como Lo que el cielo no perdona, Al filo de la muerte, Si Dios me quita la vida, Velo de novia, Alma de hierro y Abismo de pasión.

Para GIFF es un honor reconocer a la máxima ganadora histórica del premio Ariel y expresidenta de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. La Asociación de Mujeres en el Cine y la Televisión realizará también un homenaje a la reconocida productora Mónica Lozano, a quien también se le entragará el premio Musa y la Cruz de Plata por una labor detrás de cámaras que ha combinado los aspectos industriales, comerciales y artísticos del cine, acumulando un peso enorme en el desarrollo de la industria fílmica mexicana .

Mónica Lozano cuenta con 70 créditos como productora. Desde el 2000 ha producido películas clave en la historia del cine mexicano como Ciudades oscuras, Nicotina, Voces inocentes, Arráncame la vida, Presunto culpable, Colosio: el asesinato, No se aceptan devoluciones, Las oscuras primaveras, ¿Qué culpa tiene el niño?, Sueño en otro idioma y El diablo entre las piernas, sólo por mencionar algunas.

La actriz y la productora ofrecerán una conferencia magistral conjunta en San Miguel de Allende que estará abierta a todo el público.

HOMENAJE A MUJERES EN EL

CINE Y LA TELEVISIÓN

LO MÁS DESTACADO DE

LA FILMOGRAFÍA MUNDIAL

El Festival Internacional de Cine Guanajuato se complace en anunciar que en su convocatoria internacional se recibieron 3 mil 200 películas provenientes de 136 países. De entre ellas se exhibirán 181 cintas de 47 países, con 128 producciones en competencia. En GIFF verás primero que nadie 30 estrenos mundiales, 28 premieres americanas, y 68 estrenos mexicanos.

Como parte de su Selección Oficial de largometrajes internacionales, GIFF exhibirá ocho cintas de ficción que se exhibirán por primera vez en Latinoamérica: A Piece of Sky de Michael Koch, Klondike de Maryna Er Gorbach, Met Mes de Sam de Joong, Ta Farda (Until Tomorrow) de Ali Asgari, Therapy Dogs de Ethan Eng, Unicorn Wars de Alberto Vázquez, Un varón de Fabián Hernández y Yamabuki de Juichiro Yamasaki.

De entre los largometrajes documentales destacan los estrenos de: Excess Will Save Us de Morgane Dziurla-Petit, Fire of Love de Sara Dosa, How to Save a Dead Friend de Marusya Syroechkovskaya, Lo que se hereda de Victoria Linares Villegas y Naked Gardens de Parick Bresnan e Ivete Lucas.

Además, se presentan por primera vez en el país 8 de los largometrajes mexicanas en competencia.

Se proyectarán en muestras especiales dos películas destacadas: Home is Somewhere Else, de Carlos Hagerman y Jorge Villalobos, y 100 Ways to Cross the Border de Amber Bemak —documental sobre los 40 años de práctica artística radical de Guillermo Gómez-Peña y su querida compañía La

Pocha Nostra que se estrenará en México durante el festival.

También se exhibirá Pink Moon, ópera prima de Floor van der Meulen, cineasta neerlandesa y actual residente del festival que recién tuvo su estreno mundial en Tribeca —donde ganó una Mención Especial del jurado. Por su parte, la residente alemana en GIFF Saralisa Volm presentará el estreno latinoamericano de su ópera prima Schweigend Steht der Wald (The Silent Forest), estrenada recientemente en la Berlinale.

GIFF se honra en tener dos estrenos mundiales en la Selección Mujeres en el Cine y la Televisión: La revuelta, de Lucero González —un viaje para redescubrir la gran apuesta de cincuenta años de activismo feminista—, y I got to go to Juchitán, de Sonja Aufderklamm, en la que la directora alemana retrata estructuras matriarcales insospechadas a través de la observación de tres generaciones de mujeres en el pueblo de Juchitán.

Para la Inauguración en Irapuato se proyectará la película Lecciones para Canallas de Gustavo Moheno y en la Gala de la sección infantil Niños en Acción se exhibirá la cinta Uma & Haggen, de Benito Fernández. En la esperada sección de horror Cine Entre Muertos se proyectarán: Bingo Hell de Gigi Saul Guerrero, The Timekeepers of Eternity de Aristotelis Maragkos, Santa sangre, de Alejandro Jodorowsky, y Luzifer de Peter Brunner. Como parte de esta sección se mostrará además la esperada cinta Crimes of the Future del reputado director canadiense David Cronenberg.

TIERRA EL CORTOMETRAJE mexicano Tierra de Fana Adjani ha sido seleccionado para competir en el 25vo. Guanajuato International Film Festival (GIFF), esta notificación se ha dado este viernes primero de julio cuando el festival ha dado a conocer su Selección Oficial Mexicana.

Con esto, el proyecto entra una vez más en festivales internacionales de alto prestigio que consolidan la calidad de está pieza experimental, misma que ya obtuvo su participación en la Selección Oficial y ganó el premio Programer´s Choice como Mejor Cortometraje en el Festival de Cine Queer Fairy Tales, uno de los festivales de cine LGBTQ+ más destacados internacionalmente, realizado en la ciudad de Calgary, Canadá; y su participación con una función especial en GAVLAK Gallery en Los Ángeles, una de las Galerías de arte contemporáneo más importantes a nivel mundial cuyo principal interés

curatorial es apoyar artistas mujeres y LGBTQ+, con la intención de desarrollar las carreras de sus artistas a nivel internacional.

En el marco de la celebración de los 25 años del reconocido festival internacional, las piezas seleccionadas destacan por ser historias que reflejan diversidad y puntos de vista únicos de nuestro país, premisa bajo la cual Tierra se adapta perfectamente al ser una obra que busca mostrar la importancia de las raíces, el cuidado de la semilla, la muxiedad y una Latinoamérica libre.

En Tierra, Lukas 'nahual' (ser sobrenatural que se transforma en animal) es parido por la casa “Madre Tierra”, en un bosque (en la Sierra de Oaxaca), ahí encuentra su mirada en la de otra mujer: Li (Bomba Estereo). Una historia en donde dos personas son una misma entidad, un "Yo en la otra".

Al respecto de esto la directora Fana Adjani comenta: “Para mí es un honor compartir Tierra en este maravilloso Festival como lo es el GIFF. Poder contar con un espacio donde se puedan contar este tipo de historias con perspectivas de género y en formato experimental me entusiasma mucho.”

Oliverio y la Piscina LA ÓPERA prima del mexicano Arcadi Palerm-Artís compite en la Selección Oficial y tendrá tres funciones en León, San Miguel de Allende e Irapuato.

Ha tenido un exitoso recorrido por festivales en Estados Unidos y Europa. Ahora llega el momento de su premier nacional, en el marco de la 25 edición del Festival Internacional de Cine Guanajuato (GIFF), la película Oliverio y la Piscina del cineasta mexicano Arcadi PalermArtís, narra la historia de un chavo de 13 años que debe enfrentarse a la prematura e inesperada muerte de su padre, mientras se adentra en el complejo mundo de la temprana adolescencia.

A partir de ese evento traumático, Oliverio, interpretado por el joven actor Alejandro Areán, cuestiona su realidad aislándose en una tumbona junto a la piscina de su casa, donde vive el duelo mientras deambula en un viaje estático de auto descubrimiento y contemplación. ¿Para qué moverse y tanto esfuerzo? cuestiona.

La película equilibra el drama con la comedia con perspicacia y elocuencia, para hablar del perdón y reflexionar sobre las relaciones familiares neuróticas, en un coming-of-age que sale de los convencionalismos y articula una fluida narrativa a partir del aprovechamiento de sus recursos técnicos y el multifacético elenco con el que cuenta.

Mónica Huarte, quien interpreta a Lily, la madre de Oliverio, hace un descomunal derroche de talento, se desenvuelve en un amplio rango, fuera del que acostumbra, y lo hace con una deliciosa riqueza de matices. Otro que muestra una faceta muy distinta a lo habitual es Jorge Zárate, construyendo una entrañable empleada doméstica.

Con la nota geográfica entra César Troncoso (El Baño del Papa, 2007), leyenda del cine Uruguayo. Y para concluir el reparto está el compositor Jacobo Lieberman, uno de los creadores de música más prolíficos y premiados en la historia del cine mexicano. Pero esta vez además de componer, también actúa en dos papeles.

El director Arcadi Palerm-Artis se adentra en la escritura y dirección en su primer largometraje de ficción después de haber realizado cortometrajes como: Mantra (2005), Sirenas de Fondo (2007) y Bajo el Sol (2012). El guión fue escrito con la colaboración de Gibrán Portela, prestigiado dramaturgo y guionista mexicano, del que subrayamos su trabajo en La Jaula de Oro (2013), Güeros (2014), y La Región Salvaje (2016).

Oliverio y la Piscina se llevó los premios a mejor película internacional y mejor director en Santa Fe Film Festival 2022, mejor película extranjera en Beverly Hills Film Festival 2022, mejor película y mejor director en el World-Fest Houston 2022. Las tres funciones: la primera en León el 23 de Julio a las 18:00 hrs en el Teatro Bicentenario, seguida de una proyección el 26 de Julio a las 18:30 hrs en Cinemex Luciérnaga de San Miguel de Allende y una última en el Teatro de la Ciudad de Irapuato el 29 de Julio a las 20:00 hrs. El director Arcadi Palerm-Artis estará presente junto con parte de su elenco para presentarla con el público mexicano.

X I M E N A

L A M A D R I D

LE DICE

ADIOS A SARA por C A R L O S M O R A

"SARA ES ALGUIEN A QUIEN TENGO MUY CERCA DE MI CORAZÓN, SIEMPRE VOY A TENERLA AHÍ, FUE EL PRIMER PERSONAJE QUE HICE Y ME DEJÓ MUCHÍSIMO AMOR"

EN ENTREVISTA EXCLUSIVA LA ACTRIZ XIMENA LAMADRID HABLA DE LA TEMPORADA FINAL DE LA EXITOSA SERIE DE NETFLIX, ¿QUIÉN MATÓ A SARA?, PROYECTO QUE LA HIZO SALTAR A LA FAMA MUNDIAL CON SU PERSONAJE DE SARA GUZMÁN. ¿Quién mató a Sara? es creada por José Ignacio Valenzuela, dirigida por David Ruiz y Bernardo de la Rosa, y producida por Alexis Fridman, Juan Uruchurtu y José Ignacio Valenzuela. Producida por Perro Azul para Netflix, quien después de la tercera temporada decide poner fin a esta serie de drama y suspenso.

¿Cómo te sientes del éxito que tuvo ¿Quién mató a Sara?

(2022)?

La verdad no sabía que le iba a ir tan bien, obviamente nadie lo sabía y sí estoy muy feliz que a una serie mexicana le haya ido bien. Fueron tres temporadas, ya acabé ese camino que fue de casi dos años desde que empezamos hasta que ya salió la última. ¿Qué te dejó dar vida a Sara Guzmán?

Muchísimas cosas, Sara es alguien a quien tengo muy cerca de mi corazón, siempre voy a tenerla ahí, fue el primer personaje que hice, un personaje complicado porque tiene muchos lados, muchas experiencias la llevaron a hacer las cosas que hizo, mucho sufrimiento, dolor, y tuve el privilegio de poderlo expresar actoralmente. Me dejó muchísimo amor y mucha compasión porque como actores nuestro trabajo es ser empáticos porque vemos a alguien en la calle o en un mercado y es como “sí, yo podría estar en su posición” ¿no? Ese es nuestro trabajo, me dejó más compasión y cambió mi vida. ¿Cómo fue trabajar con el actor francés Jean Renó?

Muy padre. En la tercera temporada casi todas las escenas eran con él y se pone en su papel de hombre malo y eso me ayudó a poder expresarme, yo llegaba al llamado y cuando empezábamos a grabar ya estaba en el papel de Sara.

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"MI GÉNERO FAVORITO DE CINE NO ES ALGO EN ESPECIAL, ME GUSTA EL CINE INDEPENDIENTE COMO EL QUE HACE GRETA GERWIG (LADY BIRD)"

Lo padre de grabar una serie es que llevas mucho tiempo con ese personaje, entonces a Sara ya la conozco muy bien y sólo llego y ya estoy ahí, sintiendo lo que está sintiendo. Con Jean ya tenía lo mío, él solo llegaba y decía sus diálogos, todo estaba en el guion, está tan bien escrito que es intimidante, te da miedo lo que te dice y cómo su personaje manipula a la gente; entonces, estuvo padre reaccionar con eso y con alguien como Jean.

Tratarlo fue muy tranquilo, él es un poco como yo cuando está en el trabajo, yo me pongo en mi lado y no estoy todo el tiempo hablando con la gente, entonces me quedaba un poco en lo mío pero de repente sí platicábamos. Él estaba en lo suyo y de repente llegaba, hacía su trabajo, tenía su espacio

privado, pero es muy joker porque bromea mucho, siempre hace al crew reírse; a veces no entendía las bromas pero estuvo padre. Un actor que me hizo sentir cómoda. ¿Te llegaron mensajes de fans de otros países?

Sí, muchísimo. De hecho, este invierno viajé, estuve en París, Roma, Madrid y la gente me ubicaba, no todos pero sí algunos, me decían “¿Eres Sara?” o cuando viajo a Estados Unidos me dicen “Ximena”, está muy loco. Por ejemplo, como en El juego del calamar (2021) que fue un éxito muy grande después de la nuestra, ellos sí son conocidos más internacionalmente. | 41

Chance y en las redes sociales no fue un boom gigante pero todavía la gente me ubica y sólo por esa serie que es lo único que he hecho que ha salido. ¿Qué opinas de consumir series de una forma tan rápida en plataformas?

Justo he escuchado eso de los mexicanos, vivo en México y he escuchado “sí, vi la serie en una noche” que son unas seis o siete horas de tu vida. También pienso que ver series tan rápidas de tres o cuatro capítulos es como si fueras a ver una película, que duran dos horas o tres horas, técnicamente eso son seis capítulos como en esta última temporada, que fueron capítulos muy rápidos. Siento que por eso empezaron las series porque es algo un poco más largo y haces más dinero porque ves más capítulos.

La verdad, prefiero películas porque me encanta acabar algo y poder ver otra cosa. No soy así como de binge-watching (maratón de series), bueno, recientemente vi Euphoria (2019) la acabé como en dos semanas en total, traté de ver las temporadas muy rápido porque quería ver el trabajo de los actores.

Cuando estás trabajando en un personaje y haces tres temporadas te metes en el personaje, sí lo conoces más y es lo mismo cuando ves una serie. Por ejemplo cuando vi Euphoria terminé deprimida, sintiendo ansiedad, sintiendo lo que sienten los personajes de la serie porque creo que la gente las ve tan rápido. Soy muy picky, escojo muy bien lo que veo, por ejemplo El Juego del calamar (2021) no la he visto porque se ve muy violenta pero creo que sí la tengo que ver. Me encanta ver todo lo que está ganando, premios, soy actriz y es mi trabajo, y de ahí aprendo muchísimo. ¿Qué viene para ti después de ¿Quién mató a Sara?

Viene una película que grabé hace un par de años con Beto Hinojosa, es de terror, es lo único que puedo compartir de la película. Hice otra película que va a salir chance a finales de este año, en cines y en Netflix.

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"TAMBIÉN ESTOY HACIENDO CASTINGS EN ESTADOS UNIDOS, HABLO MEJOR INGLÉS QUE ESPAÑOL PORQUE AUNQUE SOY MEXICANA CRECÍ EN DUBAI Y LUEGO ESTUDIÉ EN NUEVA YORK LA CARRERA DE ACTUACIÓN Y LITERATURA INGLESA"

¿Qué género te gusta hacer?

Hice la película de Beto y también ¿Quién mató a Sara? es un thriller, suspenso, algo que da miedo, no es mi género favorito porque soy muy sensible. Mi género favorito de cine no es algo en especial, me gusta el cine independiente, ahorita que todo el mundo ubica a Greta Gerwig sus proyectos como Lady Bird, ese estilo, como de Roma (2018) de Alfonso Cuarón, como que no pasa nada en la peli pero me encanta, eso es lo más real. Hay una directora que se llama Eliza Hittman, muy buena, o Andrea Arnold que me encanta, también está Mia Hansen-Løve una directora francesa y estas películas en las que en dos horas y media estás con un personaje y no pasan muchas cosas, pero es muy real, muy hermoso cómo lo graban, los close-up, etcétera. Es algo que me inspira muchísimo.

Me encantan las películas, estoy muy emocionada. También estoy haciendo castings en Estados Unidos, hablo mejor inglés que español porque aunque soy mexicana crecí en Dubai toda mi vida y luego estudié en Nueva York la carrera de actuación y literatura inglesa. En la película que va a salir este año, de la que tampoco puedo decir mucho, mi personaje habla inglés y español, está muy padre que la gente pueda ver eso. | 43

PAULETTE HERNÁNDEZ Y PIERRE LOUIS

UNEN SU

TALENTO EN EL TEATRO ¿EL AMOR ES PARA SIEMPRE?, ¿EXISTE EL “AMOR DE MI VIDA”?, ¿CUÁNTOS “AMOR DE MI VIDA” CABEN EN UNA SOLA VIDA?, ¿SOMOS UN CÚMULO DE HISTORIAS EN LUGAR DE UNA SOLA HISTORIA “PARA TODA LA VIDA”?, SON ALGUNAS DE LAS INTERROGANTES QUE PLANTEA LA OBRA SIETE VECES ADIÓS, UN MUSICAL ATÍPICO ESCRITO POR ALAN ESTRADA, JANNETTE CHAO, VINCE MIRANDA Y SALVADOR SUÁREZ. EN REVISTA CAMEO CONVERSAMOS CON SUS PROTAGONISTAS PAULETTE HERNÁNDEZ Y PIERRE LOUIS. por C A R L O S M O R A

El amor es un invento…

Siete veces adiós es una válvula de escape para el artista enamorado, un homenaje a cómo el amor ha creado las más bellas canciones y nos ha acompañado a lo largo de nuestras ilusiones y decepciones, mientras intenta hacer una radiografía de las relaciones en el siglo XXI. Siete veces adiós es una obra escrita por Alan Estrada, Jannette Chao, Vince Miranda y Salvador Suárez que muestra desde la esperanza de lo desolador, la búsqueda de la bondad en la mentira y la nostalgia como motor para el cambio. Un musical atípico que al igual que el amor mismo solo intenta recordarnos que estamos vivos y amar es un salto al vacío que siempre vale la pena, aunque nos parta la madre. ¿Qué sienten de formar parte de la obra Siete veces adiós?

Paulette: Me siento muy contenta y orgullosa de pertenecer al equipo, tuvimos la oportunidad de estar desde el principio del proyecto. También ver el amor que le han puesto a la obra y que sigue floreciendo es muy lindo.

Pierre: Yo estoy muy agradecido, como dice Paulette, poder ser testigo y partícipe de una obra que ahora esta siendo muy exitosa, pero cuando empezamos con los talleres nadie sabía lo que iba a pasar con ella. Y ver ahora en lo que se ha convertido, me siento orgulloso de ser parte de este proceso.

Es la primera vez que comparten escenario juntos.

Paulette: En el trabajo ha sido interesante ver el proceso de cada uno y respetarlo, claro que hay más confianza y mucho respeto, ver el crecimiento de mi compañero, es muy interesante.

Pierre: Es muy padre compartir escena con Paulette, es muy divertido conocernos en esa faceta de actores y trabajar en unos personajes que no somos nosotros, también es una forma de conocernos todavía más a fondo.

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SIETE VECES ADIÓS Dónde ver: Nuevo Teatro Ramiro Jiménez Disponible: Hasta el 14 de agosto

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Son pareja en la vida real, ¿creen que eso aporte algo más al tema de las relaciones de pareja que toca la obra?

Paulette: Hay mucho más confianza y una mejor química. Pero la compañía te apoya en todo, los músicos, cantantes y actores, eso ha sido parte del éxito de la obra, también que los personajes son muy generosos y eso se nota en el escenario.

Pierre: Hay un entendimiento de pareja, tener mucha confianza entre nosotros genera una dinámica muy confiable en el trabajo, al conocernos tanto podemos apoyarnos en el escenario.

ELLA

¿Cómo describen sus personajes?

Paulette: ELLA, es una mujer que es escritora, le encanta observar y encontrar historias en donde sea, tiene un buen sentido del humor, está en proceso de encontrarse y saber realmente qué quiere y eso implica derribar miedos y soltar personas.

Pierre: Mi personaje es ÉL, es una persona noble, con mucho sentido del humor y ensimismado en su mundo, está en una dinámica de una rutina que no lo deja ver el estado actual de su pareja, aunque ÉL podría ser cualquier persona. ¿Qué opinan de los escritores Alan Estrada, Jannette Chao, Vince Miranda y Salvador Suárez?

Paulette: Son personas muy honestas en cuestión de su arte, no tienen filtros y son muy generosas, saben hacer equipo.

La historia surge a partir de momentos duros que cada uno vivió, entonces una manera de convertir su dolor fue plasmarlo en el texto y eso fue su terapia, es lo bonito e interesante de un artista, transformar sus emociones y materializarlas.

Los cuatro son personajes muy comprometidos, si dicen: "vamos a juntarnos cada martes a escribir, lo hacen", es complejo encontrar a cuatro artistas tan comprometidos. Por eso los admiro mucho.

Pierre: Alan es una persona que ha desarrollado su profesión como pocas. Me gusta esa forma de decretar todo lo que quiere hacer y utilizar sus emociones para plasmarlo en una obra, es muy padre. Y tener amistades que están en ese mismo nivel de talento, de entrega y de pasión, es una fórmula ganadora. Siete veces adiós está hecha de emociones genuinas. ¿Qué sienten de ver el teatro lleno?

Paulette: Me conmueve mucho ver el teatro lleno, dar función con 600 personas es un cúmulo de energía muy bonita, también es muy cansado pero a la vez te nutre; es un círculo que te va llenando el alma.

ÉL

Pierre: Algo que le dio al clavo a esta obra es que es muy accesible en cuanto a costos y todo el público puede empatizar y conectar en todos los sentidos con los personajes, eso se refleja en tener un teatro lleno con funciones agotadas. Lo más importante ha sido el de boca en boca, hemos escuchado de personas que han ido a ver la obra hasta doce veces, ese es el resultado del gran trabajo que se hace.

La Ciudad de México tiene una gran oferta de teatro, ¿qué opinan?

Paulette: Hay de todo y para todos los gustos.

La calidad de actores, directores, escenógrafos cada vez va creciendo más. Es muy emocionante ir al teatro y ver que la mayoría tiene propuestas muy buenas.

Pierre: Se agradece que haya más formas y medios de contar las historias. Con la globalización ya pueden traer textos de Argentina, Chile o de cualquier otro país, eso enriquece mucho al teatro. Y después de la pandemia la gente regresó con hambre de ver obras de teatro.

"ME CONMUEVE MUCHO VER EL TEATRO LLENO, DAR FUNCIÓN CON 600 PERSONAS ES UN CÚMULO DE ENERGÍA MUY BONITA"

"LO MÁS IMPORTANTE HA SIDO EL DE BOCA EN BOCA, HEMOS ESCUCHADO DE PERSONAS QUE HAN IDO A VER LA OBRA HASTA DOCE VECES"

LA GRAN LIBERTAD Distribuidora: Cine Caníbal Estreno: 21 de julio

La gran libertad ENCIERROS PEORES A LOS DE CUALQUIER CÁRCEL por F R A N C I S C O J A V I E R Q U I N T A N A R P O L A N C O

HANS HOFFMANN (Franz Rogowski) se ha pasado buena parte de su vida adulta encerrado. ¿El motivo? El párrafo 175 del código penal alemán en esos años, el cual consideraba a las conductas homosexuales como desviadas e inmorales, y a quienes las ejercían se le penalizaba con la cárcel.

De ese modo, desde antes del fin de la guerra en 1945, Hans ha estado entrando y saliendo de diversos penales pertenecientes al sistema carcelario alemán. Y en esos ires y venires desde los cuarenta y hasta finales de la década de los sesenta conoce (y se enamora) de diversos hombres. Al tiempo que traba amistad con Viktor Kohl (Georg Friedrich), un rudo preso aquejado por la adicción a diversas drogas con quien, al pasar de los años; ira construyendo una relación muy cercana y solidaria, aunque este último no se asume abiertamente como homosexual.

En su segundo largometraje de ficción, el realizador y guionista austriaco Sebastian Meise junto con su argumentista Thomas Reider, confecciona un duro y bello relato sobre dos seres marginados por la sociedad a causa de diferentes motivos quienes, en circunstancias adversas; de alguna forma se reconocen el uno en el otro, y construyen un vínculo fuerte, donde el dolor y la soledad se entrelazan con el afecto, la intimidad y la confianza.

En el filme además, Hans y Viktor tienen dos formas de enfrentarse al concepto de la libertad. El primero la desea, porque además del aprisionamiento, siente que la ley y la sociedad también le ha despojado del derecho y la posibilidad de expresar su preferencia sexual libremente y sin temor. Y el segundo dice anhelarla, pero en el fondo siente algo de terror hacia ese concepto, derivado no tanto de sus adicciones o sus propias fobias, como de haberse ya acostumbrado al universo carcelario y su rutina, la cual conoce a la perfección y le brinda cierta seguridad.

Y es a partir de esto (y de la relación entre sus personajes al pasar de las décadas) como Meise y Reider elaboran una obra donde reflexionan sobre el verdadero sentido de la libertad, y permite ver la existencia de encierros peores a los impuestos por una celda; se cuestiona si la libertad es simplemente poder hacer lo que uno quiera sin restricción alguna, y debate sobre qué lugar ocupan en ella el amor y la fraternidad.

Elvis UN COLORIDO SHOW, SIN MÁS por F R A N C I S C O J A V I E R Q U I N T A N A R P O L A N C O

EN SU LECHO DE MUERTE, el empresario conocido como el Coronel Tom Parker (interpretado por Tom Hanks), empieza recordar y relatar sus experiencias con quien fuera la estrella más famosa a la cual representó: Elvis Presley (Austin Butler).

Así, de la mano del personaje quien lleva la voz cantante del relato, en Elvis (EUA-Australia, 2022), la nueva película del australiano Baz Luhrmann, el espectador recorrerá la carrera del que fuese denominado el Rey del Rock & Roll, desde sus inicios de telonero para el cantante country Hank Snow a mediados de los cincuenta, y de ahí da cuenta del meteórico despegue de su carrera como un ídolo para los jóvenes, el cual también sería mal visto por diversos sectores de la sociedad, escandalizados por sus sensuales bailes y contoneos, y por la música que tocaba, fuertemente influenciada por ritmos provenientes del rhythm and blues y el góspel, estilos creados por los afroamericanos los cuales, en esos tiempos de segregación y discriminación racial, no eran bien apreciados.

El filme cubre todos los momentos clave en la carrera de Presley, tanto los más gloriosos como los más polémicos y más tristes, hasta llegar al declive de su carrera (y de su salud física y mental) propiciados por demandantes shows en Las Vegas, por el abuso de sustancias, por una paranoia y fobias rampantes, y por las manipulaciones del Coronel Parker.

El director de Romeo + Julieta (1996); Moulin Rouge (2001) y El gran Gatsby (2013), emplea aquí su estética extraída del videoclip y recursos como pantalla dividida, fotografía caleidoscópica o en blanco y negro, collage

y decenas más, para crear un deslumbrante y glamoroso espectáculo visual en torno al icónico cantante, intérprete y compositor nacido en Tupelo, Mississippi en 1935; y que se convertiría no solo en un celebrado artista, sino en un símbolo de toda una generación, en una presencia influyente para las generaciones sucesivas, y en un inconfundible ícono de la cultura pop.

Sin embargo, como ocurre frecuentemente con el cine de Baz Luhrmann, el espectáculo visual termina por avasallar al contenido de la historia, y tras unos primeros minutos atrayentes, fantásticos y divertidos, la cinta poco a poco comienza a perder atractivo y desinflarse, dejando paso al mero drama chantajista al cual es proclive el realizador.

Al final, Elvis no aporta nada novedoso en lo referente al artista en cuestión, y peor aún, hace grandes omisiones y concesiones en relación con los hechos verdaderos, para reforzar la imagen del artista inocente, puro de corazón y necesitado de libertad, que termina encerrado en una jaula de oro, victimizado y atormentado a causa principalmente, de un torvo empresario quien le cortó las alas.

Y de algún modo el largometraje termina por convertirse en aquello que buscaba criticar, reduciendo a su personaje a una glamorosa y vibrante atracción circense la cual, en su segundo acto termina apelando a la lástima del espectador, protagonista de una historia vistosa, deslumbrante visualmente hablando y narrada vertiginosamente, pero a la cual le falta sustancia y termina por sentirse vacía y carente de algún propósito más allá de solo entretener, como le acontenció en la vida real al propio Presley.

El hombre perfecto EVIDENCIANDO NUESTRA IMPERFECCIÓN NATURAL por F R A N C I S C O J A V I E R Q U I N T A N A R P O L A N C O

EN ELLA (HER) su filme del 2013, el cineasta Spike Jonze planteaba lo que podría ocurrir cuando un hombre se enamora de una inteligencia artificial diseñada para satisfacer todas sus necesidades. Un año después, el realizador Alex Garland desarrollaría en Ex Machina (2014) un relato sobre un programador de computadoras quien es elegido para formar parte de un experimento consistente en evaluar si las cualidades humanas existentes en una vanguardista inteligencia artificial son genuinas

o no. Y ahora, la directora Maria Schrader retoma un poco de las premisas antes mencionadas en su largometraje El hombre perfecto (Ich bin dein Mensch, Alemania, 2021).

La trama se centra en Alma (Maren Eggert), la antropóloga de un prestigioso museo de Berlín, a quien se le invita -al igual que a otros expertos en diversas ramas científicas y sociales- a formar parte de un estudio de gran relevancia, consistente en aceptar en su hogar por una temporada, a un androide el cual, ha sido diseñado

(y su mente electrónica alimentada con un amplio banco de información), con el fin de ser su pareja sentimental perfecta, y satisfacer todas sus necesidades y deseos, incluidos los sexuales. En su caso específico, debe hospedar a uno llamado Tom (Dan Stevens).

Alma en principio esta renuente a prestarse para dicho estudio. Finalmente, motivada por una fuerte bonificación económica que puede emplearse como fondos para sus investigaciones científicas y alentada –y ligeramente presionada- por sus superiores, acepta en su hogar a Tom por un período de prueba de tres semanas, y al término de las mismas deberá escribir un reporte del cual dependerá no solo la forma como serán empleados estos androides dentro de nuestra sociedad, sino también el marco legal, jurídico y ético que deberá crearse para ellos.

Aunque el autómata es encantador y cortés, y se esmera por tratar de hacer feliz a la científica, esta última siempre se muestra incómoda y displicente hacia él, sin que ambos entiendan a ciencia cierta las razones de ello.

Gradualmente, y a fuerza de la convivencia con Tom y de otros eventos que ocurren de forma simultánea en su vida personal y profesional, será como Alma compren-

derá un poco más la naturaleza de lo ocurrido, y ese entendimiento se verá reflejado en su relación con Tom, y en su reporte.

Basándose en un cuento corto de la escritora germana Emma Braslavsky, y jugueteando también con la premisa de películas como Blade Runner (Scott, 1983) y otras similares, además de las antes mencionadas; la cineasta y su guionista Jan Schomburg conciben una historia que se mueve entre la ciencia ficción y la comedia, donde gracias a una serie de situaciones, encuentros y desencuentros entre sus dos personajes centrales, y empleando el humor a modo de eficaz herramienta narrativa, se reflexiona como, a partir de la creación de una inteligencia parecida a la nuestra, diseñada para alcanzar la perfección ante nuestros ojos y procurarnos felicidad; falla en esto último debido quizás a que no a todos nos hacen felices las mismas cosas, y nuestra dicha, estado de ánimo y sentimientos no siempre dependen de factores contemplados en un algoritmo. Y evidencia en cambio, nuestra propia imperfección, percibiéndole como esa cualidad que nos permite relacionarnos y reconocernos, y la cual nos hace verdaderamente humanos.

Mirreyes contra Godínez 2: El retiro LO MISMO, PERO MENOS FRESCO Y ESPONTÁNEO por F R A N C I S C O J A V I E R Q U I N TA NA R P O L A N CO

TRES AÑOS, una pandemia, y un especial después, el grupo conformado por los Mirreyes Michelle (Regina Blandón), Shimon (Alejandro de Marino) y Ricardo (Roberto Aguirre); y por los Godínez Genaro (Daniel Tovar), Nancy (Diana Bovio), Sofía (Gloria Stálina), Conan (Christian Vázquez) y Goyita (Michelle Rodríguez), regresan a la pantalla con una nueva película.

Retomando la trama donde se quedó su antecesora del 2019, en esta secuela la empresa zapatera impulsada por ellos (bautizada como Kuri & Glez.) ha crecido enormemente, lo cual atrae el interés de la exitosa empresaria Katia San Martín (Dominika Paleta), quien desea invertir en la compañía y hacerla crecer. Para Mich y el resto de los Mirreyes ello significa una oportunidad única, pero Genaro no está muy seguro de esta alianza y los otros Godínez tampoco ven dicha propuesta con mucha

MIRREYES CONTRA GODÍNEZ 2 Dónde ver: ViX+

confianza, sobre todo porque ello implicaría doblarles la carga de trabajo y más responsabilidades, entre otras cosas.

Esta situación agudiza las tensiones y los conflictos entre ellos. Y ello orilla a Genaro a tomar una decisión radical: llevarse a todo el equipo a un retiro empresarial, donde por un lado puedan limar esas diferencias, integrarse como grupo y de esa forma, tomar la mejor decisión respecto al ofrecimiento de San Martín.

Pero las cosas no solo no salen según lo esperado, sino que terminan por descontrolarse y encaminarse al desastre.

Con Mirreyes contra Godínez 2: El retiro, el realizador Chava Cartas (director de la primera entrega), así como los guionistas Juan Carlos Garzón y Angie Gudiño; intentan replicar el éxito de su predecesora, echando mano no solo de casi todo el elenco original -y otros personajes- del filme del 2019, sino también añaden algunos otros personajes más que puedan funcionar a modo de catalizadores del conflicto, y estructura con ellos una trama la cual, además de reciclar las diferencias socioeconómicas y la competitividad entre los personajes (motores de la primera cinta), añade otros ingredientes como la guerra de los sexos, la vida conyugal, la responsabilidad social y empresarial, el miedo a crecer y madurar, etcétera.

Sin embargo, a esta nueva entrega le falta frescura, espontaneidad, e incluso el desenfado de la original; elementos que constituyeron buena parte de su eficacia. Y aquí el humor no es ni natural, ni fluido, ni tan pícaro, como el de la primera, e incluso se siente algo repetitivo.

Para colmo, el argumento inicial se pierde en alguna parte de la segunda mitad de la película, haciendo que esta devenga en una sucesión de sketches cómicos poco agraciados y sin mucho sentido ni relevancia para la historia, Y por el contrario, solo abre una serie de subtramas las cuales terminan por no llegar a ningún lado y se resuelven a medias en un desenlace un tanto anticlimático e incoherente. En suma, Mirreyes contra Godínez 2: El retiro no consigue mantener ni el nivel de novedad ni el de eficacia de la original.

Este largometraje forma parte de los contenidos exclusivos de la plataforma ViX+.

RENDEZ-VOUS Dónde ver: Cine Tonalá Disponible: 12 de julio

Rendez-vous O LA CITA DE TUS PESADILLAS “Todo el mundo en una primera cita oculta sus defectos” Joss Whedon - Guionista

por C I N T H Y A S A L A S

EL ABRUMADOR momento de la primera cita siempre ha sido una incertidumbre, aquel encuentro primigenio entre dos personas que se miran como prospecto amoroso y que puede terminar de maneras tan distintas como personas hay en el mundo. La dificultad sube cuando internet aparece en el mapa y el juego del ligue se vuelve una ruleta rusa, esto es Rendez-vous.

Lili y Eduardo se encuentran para tener una primera cita. Ella emocionada, directa y alegre; mientras él se muestra nervioso, apresurado e inseguro. La reunión aparentemente tranquila se torna turbia, la mentira interrumpe de tajo el momento pero ¿quién es el mentiroso? y lo más importante ¿por qué mentir?

Rodada en un bien logrado plano secuencia, que incluye una escena de caminado en la calle que resalta por el acoplamiento puntual de las acciones a suceder en pantalla, Rendez-vous nos convierte en testigos del arriesgado acercamiento físico que son las citas por aplicación, aquí los personajes muestran que pasar el tan temido nivel del catfish - o las estafas de personalidad detrás de una red social -, es únicamente el inicio de la peor cita.

Pablo Olmos Arrayales da su primer paso en el mundo de los largometrajes con este proyecto en el que la realización a una única toma más que un capricho autoral responde a la necesidad de ver realizada su primera película. Con un presupuesto de cortometraje asignado de manera justa a todas las áreas de producción, fue que en 2019 se dio la ejecución de su ópera prima.

Con basta experiencia en la dirección de cortometrajes con títulos como Ven a jugar (2014), Solos (2010) o Demon-ios (2021), el director oriundo

de la Ciudad de México continúa su travesía en el mundo de la ciencia ficción, el horror y el terror.

En esta historia, la primera parte simula un inofensivo drama romántico que se transforma en un thriller después de una copa de vino y la reproducción de un video en el celular.

Helena Puig (Lili) y Antonio Alcántara Cruz (Eduardo) mantienen la tensión de la trama a lo largo de los 105 minutos que dura la película. Sus diálogos carecen del recurrente temor a la jerga popular del que pecan muchas producciones, lo que otorga cierta familiaridad a las conversaciones y da al filtero un nivel de incomodidad verosímil.

La segunda parte de la película, alberga un misterioso clímax bajo la premisa de una venganza familiar. Los personajes entran en un juego de encubrimiento al mejor embuste, una contienda que se detiene en varias ocasiones debido a la entrada de diversos personajes, mismos que resultan piezas clave del desenlace.

Así, esta película de suspenso en blanco y negro producida por Axolotl Entertainment ha tenido una exitosa ruta de festivales y premios que incluyen Mejor Película en Mórbido Film Fest 2019, Espanto Film Fest 2019, Košice International Monthly Film 2019 o Indie-LincsLincoln 2020, por mencionar algunos.

La tenaz propuesta de guión se impone ante los contratiempos que implica un bajo presupuesto, pues se anunció que Rendez-vous tendrá un remake estadounidense titulado Twisted, proyecto que será una colaboración entre Olmos Arrayales y la productora norteamericana Lobo Entertainment, lo que abre la pregunta ¿se puede empeorar, para bien, la peor cita del mundo?

a k i r EFranco FRESCURA EN LA TELEVISIÓN ERIKA FRANCO PARTICIPA EN LA PRODUCCIÓN MEXICANA SUPERTITLÁN, LOGRANDO SER UNA DE LAS PROTAGONISTAS DE LA SERIE QUE SE PUEDE VER EN TELEVISIÓN ABIERTA A TRAVÉS DE AZTECA 7. por C A R L O S M O R A

La actriz es egresada del Colegio de Literatura Dramática y Teatro de la UNAM, estudios que le permitieron tener herramientas para la creación de Michelle, su personaje en Supertitlán. ¿Cómo sientes de participar en Supertitlán?

Hay gente a la que le está gustando mucho, gente a la que no tanto, gente a la que solo por el hecho de estar basada en una historia estadounidense (Superstore) ya le tiran hate, pero creo que está padre porque es algo diferente y puede funcionar muy bien en nuestro país. ¿Cuál crees que es el toque que tiene Supertitlán versus Superstore?

Es muy divertida porque es muy diferente a lo que normalmente se ve en televisión abierta, entonces sí es darle una oportunidad porque va avanzando la historia y los personajes se van desarrollando diferente, vamos agarrando química

entre todos y eso está súper padre. ¿Cómo trabajaste a Michelle?

Fue muy chistoso porque soy totalmente diferente, me gusta mucho el rock, soy muy intelectual, una cosa muy distinta, y para este personaje desde que lo leí dije: “¡Esto está súper divertido! Vamos a quitarnos todos los prejuicios” porque obviamente fui esa chavita emo que odia el reggaeton, lo fui, pero ya después pensé “es un personaje, nunca te vas a volver a permitir estas cosas, déjalo fluir” y estuvo muy padre porque hice mucho equipo con los de maquillaje y vestuario, porque el maquillaje y vestuario de Michelle es muy icónico, es algo que jamás me hubiera puesto y ellos me decían “está muy padre que estés tan abierta y dispuesta a probar estas cosas porque luego las actrices no se dejan”, y al contrario, estaba así de “me voy a poner lo que sea, píntenme el cabello como quieran y ¡vámonos!”. | 63

Mi mamá es de Nezahualcóyotl, entonces claro que me la sé porque conozco a muchos y muchas Michelles, y traté de hacerlo no desde la burla, lo hice con todo el respeto y el amor porque conozco a muchas Michelles; está padrísimo que ella saca adelante a su familia. ¿Cómo fue trabajar con actores que principalmente han hecho teatro?

También soy de teatro y sí es algo que nos saca de la zona de confort, también Carlos Orozco, Azalia Ortiz, Amanda Farah, Nuria Blanco, Concepción Márquez -que fue una delicia trabajar con ella-, es decir, fuimos mucha gente de teatro que no usamos apuntador, entonces fueron 48 capítulos en los que nadie usó apuntador y estar al full con la memoria fue una experiencia súper padre.

Me asustaba mucho estar en un proyecto de televisión porque nunca había estado en uno, pero cuando llegué y vi tantas caras, que si bien no eran mis amistades tal cual ya los había visto en el escenario, dije “¡wow, esto va a estar padrísimo!”.

Creo que le dan a la serie una frescura muy padre.

Todos estábamos muy agradecidos, o sea, sí había una diferencia entre los actores que ya habían tenido toda una experiencia o muchísima trayectoria en la televisión, ellos nos veían a nosotros tan felices y tan agradecidos por estar en ese proyecto que también ellos se sumaron a este viaje, al final creamos una química padrísima entre todos los actores del reparto, nos seguimos viendo, nos esperamos para ver un capítulos de Supertitlán juntos, la verdad es una energía súper padre que tanto en la pantalla como en la vida real existe. ¿Qué sentiste al estar en un proyecto televisivo con tanta diversidad física?

Fue muy lindo ver a gente normal con cuerpos diversos, con tonos de piel diversos. Esto no quiere decir que sean bellos o no, simplemente es belleza que no estamos acostumbrados a 64 |

ver en televisión y eso me importa muchísimo porque justo cuando era niña no había ese tipo de bellezas, entonces al vernos ahí me siento muy orgullosa porque estoy siendo parteaguas de una nueva generación que sí piensa que tenemos que vernos representados y representadas como personas morenas y eso fue un acierto enorme. También el que tuviéramos todos la misma importancia, que no se nos tratara distinto, también eso habla de que las cosas están cambiando y creo que la gente quiere ver cosas diferentes de las que estamos acostumbrados. La diversidad del elenco es bellísima. ¿En esta adaptación se agregaron personajes que no estaban en la serie americana Superstore?

Sí está basada en Superstore, en el concepto de eso, pero se trató de hacer nuevas tramas porque estos capítulos duran más que los originales que son de media hora, acá son de 40 a 45 minutos, un poquito más. Se trató de hacer nuevas tramas que obviamente interactúan con los personajes principales y les cambian la historia.

Es algo diferente, muchas veces piensan que es una copia tal cual pero no, hay otras cositas, están mezclados los capítulos, lo que hace una experiencia nueva, claro “basada en…” pero con cosas diferentes.

No me imaginaba que esto era algo tan grande, cuando hice el casting nunca imaginé que esto fuera a pasar pero estoy muy contenta de haber iniciado con un proyecto tan importante como Supertitlán. Estoy muy agradecida con el equipo creativo, con el crew que construyó un set de mil 700 metros cuadrados ¡una locura! porque eran dos sets que eran un super y estar casi cuatro meses en un super fue una experiencia increíble. Les invito a que la vean.

Más allá de que fue muy cansado hacerla, todos disfrutamos porque creemos que somos parte de algo muy importante, grande y diferente, algo que nos hacía poner todo el corazón y las ganas para que saliera increíble.

"ME ASUSTABA MUCHO ESTAR EN UN PROYECTO DE TELEVISIÓN PORQUE NUNCA HABÍA ESTADO EN UNO, PERO CUANDO LLEGUÉ Y VI TANTAS CARAS CONOCIDAS DE TEATRO DIJE: '¡WOW, ESTO VA A ESTAR PADRÍSIMO!', CREO QUE LE DAN A LA SERIE UNA FRESCURA MUY PADRE"

FAUNA

UNA REFLEXIÓN A LA NARCOCULTURA EL DIRECTOR NICOLÁS PEREDA CUENTA SOBRE SU MÁS RECIENTE PELÍCULA, FAUNA, HA GANADO PREMIOS COMO EL OJO A MEJOR DIRECTOR DE LARGOMETRAJE DE FICCIÓN EN EL FIC MORELIA Y EL PREMIO CINEMA TROPICAL A MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA. TUVO SU ESTRENO MUNDIAL EN EL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE TORONTO.

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por C A R L O S M O R A

Fauna cuenta la historia de Luisa (Luisa Pardo) y Gabino (Gabino Rodríguez) quienes visitan a sus padres en un pueblo minero en el norte de México. La familia queda fascinada con el novio de Luisa, Paco (Francisco Barreiro), actor como ella, porque él es famoso y sale en la conocida serie Narcos. Para hacer frente a las tensiones familiares, Gabino imagina una realidad paralela de detectives y crimen organizado. Una versión astuta y cómica de cómo la violencia se ha infiltrado en la imaginación popular de México.

A parte de director eres guionista, ¿Cómo concibes Fauna?

Fue concebido de manera quizá un poco extraña porque se conjuntó a partir de distintos elementos bastante dispares, me inspiraron distintas cosas al mismo tiempo, por un lado estaba leyendo el libro Fauna, de Mario Levrero que es del que tomo el título y también una parte del thriller; la segunda parte, la tomé de ese libro. Por otro lado, algo que nada que ver, estaba leyendo un libro de Oswaldo Zavala, Los cárteles no existen, sobre política y representación de la violencia en México, me interesó, me inspiró para hablar un poco sobre la representación de la violencia y de la actuación; hay varias cosas en torno a eso en la película.

Una vez que tenía estos dos universos que son bastante distintos, intenté encontrar cómo encajaban unos con otros, y otros elementos más, como por ejemplo hay una escena de Sonata de otoño (1978) de Ingmar Bergman que tomé, y más o menos logré integrar. Fui armando este rompecabezas de fichas un poco dispares, pero que según yo se van uniendo todas en torno a la representación como personajes que son actores. Por ejemplo la madre y la hija a partir de la actuación revelan ciertas verdades una de la otra, se llegan a conocer o a confrontar a partir de la representación. La actuación y la ficción como el lugar de encuentro de la verdad, como el ponerte una máscara para revelarte a ti mismo, es algo de eso.

Fueron distintos elementos, también parto de la escritura de los espacios que conocía, en los que quería filmar, de los actores que conocía y que quería trabajar, que son actores con los que suelo trabajar siempre, como que ya tengo ciertos elementos a priori antes de empezar, como qué va a hacer cada uno de los personajes, los espacios a los que ya había ido y cómo se iba a conjuntar todo en el guion. ¿Cómo trabajaste los personajes?

No sé exactamente pero tiene que ver con la realidad, porque gran parte de mis ideas al escribir una película, un guion, tienen que ver con ciertos personajes, pero la idea es que los personajes se conviertan en los actores, o sea, lo normal es que un actor se convierta en el personaje que lee y acá es un poco al revés, es el cómo hacer que lo que escribo se convierta en la persona que lo actúa. En este caso el personaje de Paco, que es Francisco Barreiro, actuaba en la serie Narcos: México (2018) y en efecto en la primera temporada él no tenía líneas, fue algo que no sabía, me puse a ver la serie, le di fast forward y cada vez que aparecía Paco aparecía en segundo plano o con una reacción, en toda la temporada no tenía diálogos. Ya tenía la idea de la escena para introducirla en el universo de la representación de los narcos en la película pero se me ocurrió a partir de eso de que como no tenía diálogos en su personaje de la vida real entonces esa sería una escena divertida. Después el hecho de que usurpa el diálogo de Diego Luna al final de la temporada, también era divertido el pasar del extra más extra al protagónico. | 67

Haces una crítica a la narco-cultura.

Mi crítica no es tanto al narco sino a la manera en la que el narco está representado en el cine, la tele, las novelas, la música, incluso en el arte contemporáneo. Tiene mucho de esos hombres capos con pistola, sombrero, botas, del norte y con el acento, cuando en realidad el narco es mucho más que ellos, esos cárteles son un elemento pequeño dentro de un universo mucho más grande, hay narcos que son gobernadores, presidentes municipales, militares, policías, incluso famosos, es decir, la vida real está llena de narcotraficantes que no tienen nada que ver con esa gente que es tan divertida de ver, son narcos más aburridos a los cuales no les harían series de televisión, pero que en realidad el narco es eso, tanto como lo otro.

Reducir el narco a lo que está afuera del Estado y la sociedad civil es bastante peligroso porque reduce el problema, porque si el problema fuera que hay unos criminales que trabajan fuera de la ley y del Estado, que están por allá en una esquina matándose entre sí, claro que es un problema, pero es mucho más serio, un problema en el que está involucrada la mayor parte de la sociedad.

Por ejemplo, los dueños de mineras están contratando al crimen organizado y se convierten ellos mismos en narcos, en parte del crimen organizado, para suprimir que los obreros se levanten a pedir mejores prestaciones o sueldos; es muy común, por ejemplo en México, que en todos los espacios en los que hay extracción de recursos naturales fuertes ahí entra el crimen organizado y evidentemente no son esos capos que pasan en la televisión los que organizan ese tipo de situaciones, sino que son los dueños de estas industrias junto con el Estado porque les viene mal que los obreros protesten.

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"LO MÁS INTERESANTE PARA MÍ TIENE QUE VER CON LAS ACTUACIONES, LAS MIRADAS ENTRE ELLOS, CÓMO INTERACTÚAN " Fauna ha estado en varios festivales, ¿cómo fue recibida?

Bien, creo que como la película tiene el elemento de comedia familiar con poses entre un joven que va a visitar a los padres de la novia, son situaciones que son bastante universales, es decir, no es necesariamente una película que hable únicamente sobre esta problemática - el narco -, incluso la película habla de ello pero muy tangencialmente, a final de cuentas es una película que se puede leer y entender o sólo disfrutarse desde muchas posiciones sin necesariamente interpretarla.

De hecho, la idea de la interpretación para mí no es tan importante en la película, ni cuando las veo, las que me gusta ver o las propias; pese a que hay cosas que se pueden interpretar de una película, lo más interesante para mí tiene que ver con las actuaciones, las miradas entre ellos, el cómo ve el suegro al novio o el yerno al novio, o cómo interactúan entre ellos, eso, como una cosa más difícil de hablar porque es la cosa más física, creo que hay cierta intensidad y especificidad, lo que es interesante porque logran no ser estereotipos ninguno de ellos porque son personajes complejos que tienen un peso en la pantalla, eso creo que es más universal porque son como seres humanos mirándose, no tiene que ver con una narrativa específica de un país.

DESAFÍO SOBRE FUEGO LATINOAMÉRICA Dónde ver: HISTORY ON DEMAND Y HISTORY PLAY Disponible: 14 de julio

MICHEL BROWN REGRESA A DESAFÍO DE FUEGO

E

l actor Michel Brown vuelve a la conducción de la exitosa producción de HISTORY Desafío Sobre Fuego Latinoamérica para la quinta temporada de la competencia más filosa de la televisión.

En esta temporada, se incluirán como jurados invitados a celebridades de la cocina, la lucha y la actuación, el mexicano experto en artes marciales Gerardo “Jerry” Arrechea se integra como nuevo juez, y se suma un capítulo extra con la competencia Gran Desafío de Campeones, que le ponen más fuego que nunca a la forja más caliente de Latinoamérica.

Para este nuevo lanzamiento hay nuevas caras en el jurado. Al experto forjador argentino, Mariano Gugliotta, el brasileño Ricardo Vilar y el 70|

queridísimo juez de Desafío Sobre Fuego, versión americana, el filipino Doug Marcaida, se suma una el mexicano experto en artes marciales Gerardo “Jerry” Arrechea.

El actor argentino formó parte de la tercera edición de la competencia, y será el anfitrión de ocho nuevos forjadores. Entre martillazos, martinete, bórax y templados múltiples, el taller más famoso del continente abre de nuevo sus puertas para recibir a participantes de cuatro nacionalidades separados en dos grupos. El primero compuesto por Gerson Bragagnoli, 66 años (Brasil), forjador a tiempo parcial hace 16; Gustavo Cervantes (México), de la ciudad de Puebla, con tres años de experiencia en cuchillería; el carismático Agustín Peppi, de Mendoza (Argentina) que se dedica a

HIJO DE OCTAGÓN, INVITADO EN DESAFÍO SOBRE FUEGO LATINOAMÉRICA A diferencia de otras temporadas, esta edición de Desafío Sobre Fuego Latinoamérica incluirá una serie de celebridades que asistirá a cada capítulo en carácter de jurado invitado . En el primer episodio, el que dirá presente es el hijo de Octagón (hijo del célebre luchador mexicano) quien deberá evaluar un cuchillo inspirado en la lucha libre mexicana.

Dicha arma tendrá que incluir un pomo rompe cristales y, para ello, los participantes tendrán que extraer parte de los materiales de parte de un ring de lucha y de cinturones de campeón, similares a los que reciben los ganadores de la disciplina. Esta edición de Desafío Sobre Fuego Latinoamérica es la más ingeniosa a la hora de plantear actividades relacionadas a las armas que se fabrican, amalgamando jurado y ambientaciones.

Las pruebas de dureza (contra la campana del ring), de penetración (ante una silla) y de resistencia (la puerta de un auto) demuestran la versatilidad y originalidad de los desafíos.

tiempo completo a la forja desde hace once años; y Marco López (México), un forjador a tiempo completo con cinco años de experiencia.

Por otro lado, el segundo grupo está integrado por Sandra Soma (Argentina), de 55 años, forjadora a tiempo parcial desde hace 4 años; Juan Sebastián Gaviria (Colombia), escritor y novelista apasionado de la naturaleza y de la forja; Roger Glasser (Brasil), fue alumno del juez de “Desafío Sobre Fuego Latinoamérica” Ricardo Vilar y forja desde hace 13 años; y Marcio Madalosso (Brasil), de 47 años, forjador desde hace 30 años y desde hace 15 como profesional.

Producida y realizada totalmente en América Latina, la serie regresa más desafiante y totalmente renovada. Otra de las novedades, en este lustro que cumple la emisión, es que -una vez finalizada la temporada regular del programa- habrá un episodio extra que reunirá a los ganadores de todas

las ediciones anteriores, en una nueva competencia: el gran Desafío de Campeones Latinoamérica. Los brasileños Tom Silva, Daniel Jobim y Sandro Boeck, campeones de la primera, segunda y tercera temporada respectivamente, el argentino Facundo Fadón, ganador de la cuarta y quien se consagre en esta quinta edición competirán por un premio adicional de 10 mil dólares y el premio de Campeón de Campeones Latinoamérica.

La modalidad del programa seguirá siendo la misma que en ediciones anteriores. Ocho participantes divididos en dos grupos de cuatro integrantes cada uno en donde el ganador de cada reto suma 100 puntos, el segundo 75, el tercero 50 y el cuarto no suma unidades. Los últimos de cada grupo son eliminados, mientras que los segundos y terceros van a un repechaje. Sólo el mejor podrá coronarse con el título de campeón y llevarse los 10,000 dólares de premio. | 71

MARÍA MARTA: EL CRIMEN DEL COUNTRY Dónde ver: HBO MAX Disponible: 17 de julio

MARÍA MARTA: EL CRIMEN DEL COUNTRY UNA HISTORIA AUDAZ

La nueva serie María Marta: El Crimen Del Country, una producción local que lleva a la pantalla desde la ficción y con una nueva visión, uno de los casos más conmocionantes de la Argentina. La serie estará disponible completa en HBO Max y también podrá verse semanalmente en HBO. La producción propone acercarse al caso de Maria Marta García Belsunce como nunca antes se ha visto, invita a la audiencia a vivir en primera persona lo que siempre le contaron. Con una mirada que ofrece nuevas perspectivas y basada en un trabajo de investigación con múltiples fuentes, se trata de una historia atrapante y audaz que invita a adentrarse al mundo íntimo de María

Marta, para vivir de cerca de lo que pasó antes, durante y después del crimen que conmocionó a la opinión pública, la justicia y a los medios.

El elenco está encabezado por Jorge Marrale (Carlos Carrascosa), Laura Novoa (María Marta García Belsunce), Carlos Belloso (Horacio García Belsunce), Muriel Santa Ana (investigadora/ bloguera Belu Franessi), con la participación especial de Mike Amigorena (el fiscal Marcos del Río), Guillermo Arengo (Guillermo Bártoli), Valeria Lois (investigadora/ bloguera Juana Gomez Andrada); Esteban Bigliardi (John Hurtig), Ana Celentano (Irene Hurtig), María Leal (Elvira, madre de Belu) y Nicolás Francella (El vecino Matías Centeno).

TODO IGUAL, O NO LLEGA LA PRIMERA PRODUCCIÓN ORIGINAL BRASILEÑA

TODO IGUAL, O NO Dónde ver: DISNEY+ Disponible: 20 de julio

La nueva serie Todo igual, o no, es la primera producción brasileña con el sello Disney+ Original Productions, protagonizada por la actriz Gabriella Saraivah, transcurre en Río de Janeiro y está basada en la novela infanto-juvenil Na porta ao lado, de la escritora brasileña Luly Trigo.

Todo igual, o no sigue a Carol (Gabriella Saraivah) en el momento en que atraviesa dos cambios importantes en su vida: por un lado, junto a sus mejores amigas se prepara con emoción y entusiasmo para asistir a la escuela secundaria. Por otro, debe asimilar la idea del casamiento de su madre con su nuevo novio y la inminente convivencia con el hijo de él transitando ambos procesos, vivirá situaciones inesperadas dentro y fuera del colegio, enfrentará desafíos propios de la adolescencia que pondrán a prueba sus amistades, y aprenderá que el primer paso para ser feliz es conocerse y respetar los propios sentimientos, a pesar de que a lo largo del camino se cometan muchos errores.

El elenco de la serie está formado por Gabriella Saraivah, Ana Jeckel, Duda Matte, Clara Buarque, Guilhermina Libanio, Guthierry Sotero, Ronald Sotto, Daniel Botelho, Kiko Pissolato y Miá Mello.

Compuesta por diez episodios de 30 minutos, cuenta con la dirección general de Juliana Vonlanten y guion de André Rodrigues y Luly Trigo.

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SANTA EVITA Dónde ver: Star+ Disponible: 26 de julio

SANTA EVITA

SERIE SOBRE EL ÍCONO ARGENTINO Santa Evita narra la misteriosa historia detrás del cadáver errante de la primera dama argentina Eva Perón después de su muerte, el cual se mantuvo a la espera de ser enterrado durante tres años para la construcción de un mausoleo que nunca se concretó. En 1955, las fuerzas militares de Argentina derrocaron al entonces presidente Juan Domingo Perón y ocultaron el cuerpo de Evita durante 16 años, con el fin de evitar que se convirtiera en un arma contra el régimen. Antes de su muerte, Eva se había convertido en una potente figura política como esposa del General Perón, y, su cadáver errante sin sepultura, influyó en la política del país durante más de dos décadas. Santa Evita es la historia de un cuerpo sin tumba y de la leyenda que nació en torno de él.

A lo largo de sus siete episodios de 45 minutos la serie se centra en una de las figuras femeninas más emblemáticas y controvertidas de la política latinoamericana del siglo XX, cuenta con la producción ejecutiva de la actriz y productora mexicana Salma Hayek Pinault y José Tamez (ambos de la productora Ventanarosa) y con la dirección del realizador Rodrigo García, quien también se desempeña como productor ejecutivo, y del cineasta, actor, director teatral y guionista argentino Alejandro Maci, a cargo también de la producción artística. La serie fue escrita por Marcela Guerty y Pamela Rementería.

El día del estreno es la fecha en la que se conmemora el 70º aniversario del fallecimiento de Eva Perón. Con un reconocido elenco internacional encabezado por Natalia Oreiro (Eva Perón), Ernesto Alterio (Coronel Moori Koenig) y Diego Velázquez (Mariano Vázquez), con la participación especial de Francesc Orella (Dr. Pedro Ara) y Darío Grandinetti como Juan Domingo Perón, la nueva producción de ficción gira en torno al misterio que rodea el destino del cuerpo embalsamado de Eva Perón tras su muerte.

Basada en el best seller homónimo del escritor argentino Tomás Eloy Martínez.

La serie fue grabada en más de 40 locaciones de Buenos Aires, Argentina, contó con la participación de 120 actores y actrices, y 1,300 extras, al tiempo que implicó un meticuloso proceso de reconstrucción de época, de la mano de talentosos equipos locales de fotografía, arte y vestuario, liderados por reconocidos profesionales creativos de la región. Entre otros datos curiosos del rodaje, se destaca, por ejemplo, la presencia en escena de más de 80 vehículos antiguos en acción, así como de 150 piezas de vestuario diseñadas especialmente para la serie.

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LINCOLN PALOMEQUE INICIA EL RODAJE DE PERFIL FALSO El actor colombiano Lincoln Palomeque inició el rodaje de Perfil Falso, la nueva serie de Netflix hecha en Colombia. En esta historia, la atracción, que comienza a través de un sexy perfil creado por su protagonista en una aplicación de citas, se convertirá en un viaje para destapar todas las mentiras de alguien que dijo ser quien no era mientras nos adentramos en un intrincado laberinto de apariencias que engañan, sexo prohibido y poderes que matan. Después del éxito mundial de Pálpito, Netflix sigue apostando por el país para el desarrollo de esta nueva historia protagonizada por la actriz mexicana Carolina Miranda (¿Quién Mató a Sara?) y el actor venezolano Rodolfo Salas (Betty en NY).

Además de Lincoln, el elenco de Perfil Falso

también incluye a Manuela González, Iván Amozurrutia, Lincoln Palomeque, Víctor Mallarino, Felipe Londoño, Carmenza Gómez, Juliana Galvis, Nicole Santamaria y Mauricio Henao, entre otros.

La serie es producida por Telecolombia, dirigida por el colombiano Klych López y escrita por el chileno Pablo Illanes.

A lo largo de su destacada trayectoria actoral Lincoln Palomeque ha participado en series y novelas como: Café Con Aroma de Mujer, La Reina del Sur, Señora Acero, Hasta que la Plata Nos separe, Lorena, Isabel me la Veló, Las Muñecas de la Mafia, La Mariposa, Hasta que la plata nos separé, y las películas Alma de Héroe y Jesús de Nazareth, entre otras.

NELLY & NADINE

FILME GANADOR DEL 26º FESTIVAL MIX : CINE Y DIVERSIDAD SEXUAL El Jurado del Festival MixCine y Diversidad Sexual, que este 2022 ha tenido como Presidenta a Daniela Michel y que reunió a los profesionales de la cultura Jorge Arriaga "La Lore", Gustavo Egelhaaf, Alex Villalobos y Vanessa Bohórquez, han otorgado el Premio Mariposa de Oro del Festival Mix- Cine y Diversidad Sexual para Mejor Película, en esta emisión 26, al filme Nelly & Nadine, del cineasta Magnus Gertten.

El Jurado de este año otorgó este Premio de manera unánime a "una historia sobre la naturaleza invencible del amor, por su sólida construcción narrativa y sus hallazgos visuales para contar un relato profundo e inolvidable, de manera poética, delicada y sincera".

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