En los años 40 ir a la fuente de sodas del desaparecido Hotel Regis, significaba ver un desfile de las figuras consagradas del cine de oro mexicano, quienes se reunían ahí para planear sus próximas películas, disfrutar de sus tertulias e incluso conocer nuevos aspirantes a actores o simplemente para pasar un buen rato.
Bastaba caminar por la avenida Juárez iluminada por las marquesinas de las icónicas salas de cine de la época, y llegar al soberbio edificio del Hotel Regis que derrumbó el terremoto de 1985, encontrar su entrada y seguirse de largo unos pasos para buscar el acceso a la fuente de sodas, donde las estrellas de cine mexicano del momento estarían noche a noche.
¡Qué deleite debió ser cruzar el salón de la fuente de sodas que, a la vez era una farmacia y ver a Gabriel Figueroa charlar con Emilio el Indio Fernández, observar a Jorge Negrete sentado tomándose un café, sentir la presencia de Ismael Rodríguez y sentarse a poca distancia de ellos para escuchar sus murmullos, risas y platicas!
Gabriel Figueroa relató en sus memorias que “la droguería”, cómo llamaba a la fuente de sodas por ser también la farmacia del Regis, era propiedad de la familia Mateos Fournier, quienes fiaban por simpatía a la gente del cine que asistía a su establecimiento.
El máximo fotógrafo del cine de oro compartió que su grupo de amigos que asistió de manera cotidiana a la “droguería” le llamaban “La Peña” que estaba conformado por Julio Bracho, Emilio Fernández y Antonio Badú y fue su lugar predilecto de reuniones entre la década de los 30 y 40.
“Todos nosotros íbamos cada noche a cenar, algunas veces también a comer y teníamos servicio telefónico, o sea que nos podían dejar recados allí, como si fuera nuestra oficina. La droguería Regis estaba junto al Hotel Regis, sobre avenida Juárez, y entre los concurrentes sosteníamos batallas a huevazos y a pastelazos, que sacábamos de la cocina”, escribió Gabriel Figueroa en su libro de memorias.
Figueroa aseguró con picardía que el resto de la clientela terminaba participando en la trifulca que comenzaban “los del cine”, ¿se imagina estimado lector, los desmanes tan divertidos que se debieron vivir en la fuente sodas del Regis?
Se dice que fue en este legendario sitio, donde Emilio el Indio Fernández en una de sus visitas escribió unas líneas del argumento de María Candelaria, con las cuales posteriormente convenció a Dolores del Río para protagonizar dicho clásico del cine de oro mexicano.
¡Había que dejarse ver en el Regis!, era lo que decían los que andaban buscando una oportunidad en el cine; Ismael Rodríguez contó en sus memorias que ahí llegaba Abel Salazar antes de ser famoso, quien más tarde sería uno de los Tres García, junto a Pedro Infante. En busca de un “papelito” en el naciente cine de oro, Abel buscaba quien le invitara un café.
La fuente de sodas del Regis fue una de las primeras que existió en la ciudad, y junto con el resto de los establecimientos que pertenecieron al legendario hotel: El Capri que fue el centro nocturno donde desfilaron figuras como Chavela Vargas; el restaurante Paolo y la taberna Greco fueron trascendentales en la vida nocturna y social del México que ya se fue y no volverá.
Cualquier persona que deseaba destacar en la sociedad, política, cine, en los negocios lo tenía que hacer en la Ciudad de México dentro del Regis, porqué sabían que ahí es donde convergía el universo al que deseaban pertenecer.
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La flor más bella, definitivamente me ancló a vivir", confiesa la actriz sobre su primer protagónico en una serie, en entrevista con la Revista Cameo
por CARLOS MORA
Esmeralda, ¿cómo te llega este personaje?
Este papel me llegó hace un año y al principio me decían muy pocas cosas que era sólo un papel inspirado en la vida de Michelle Rodríguez, empecé a hacer castings, de los que fueron varios filtros y pensaba “okay, se está poniendo chido” y de repente me dijeron que me había quedado. Me quise ver cool por telefóno así de “otro día, otro dólar” y colgué y empecé a correr por toda mi casa y aún así no dimensionar lo que iba a hacer un año después, entonces sin duda ha sido de lo mejor que me ha pasado en la vida.
¿Qué significa La flor más bella para ti?
Significa mucho, es la primera vez que digo esto pero ya lo diré, creo que esta serie me salvó la vida, se va a cumplir un año de que me diagnosticaron esclerosis múltiple remitente recurrente (EMER), me lo diagnosticaron al mismo tiempo que La flor más bella entonces de verdad se sentía como si el mundo se acabará y de repente, si algo me salvó, fue estar con estas personas.
Además, qué loco es el universo porque nuestra showrunner también tiene esclerosis múltiple, entonces caí en el mejor lugar donde pude haber caído, no sé qué hubiera sido de mí sin este proyecto, que además, ahora lo veo y pienso cómo en ese momento sentía que el mundo se me iba a acabar y un año después me siento en el año uno, como si apenas me estuvieran saliendo
dientitos; entonces, si esta serie hizo esto conmigo no sé qué podría hacer por otras personas.
No se acaba el mundo, pero se siente así, desde el fondo de mi corazón sé lo que se siente ya no querer estar aquí, ahora, un año después le diría a Esmeralda “sólo espera y agarrate porque es el tsunami más cañón que hemos tenido”, eso de que “después de la tormenta viene la calma”, para mí después de la tormenta vino el paraíso, La flor más bella me emocionó a vivir, a ir por más. ¿Quién lo diría? Esa Esmeralda de principio de año estaría en shock, quiero decirle que siga tomando sus medicamentos, que siga yendo a terapia, que sé que es un momento muy difícil, pero que después de eso vamos a grabar tres películas y una serie en ese mismo año.
La serie muestra una diversidad de personajes.
Me acuerdo de mis primero trabajos de teatro, hace unos 14 años, en donde mis primeros papeles papeles eran muy pequeños, a lo largo de mi carrera he visto la discriminación que hay a los actores y actrices que no entramos en divertos estereotipos físicos; es un poco el romper con el “la bonita es así y la chistosa es así”, creo que es hacer una rebelión y saber que todos y todas podemos hacer otros papeles.
La Flor más bellas es una maravillosa e inspiradora historia de Mich (Michelle Rodríguez), saber que ella abrió muchas puertas, por la cual estoy pasando actualmente y por la que esperamos
que pasen muchas más; es algo increíble y sobretodo que nos brinda mucha dignidad, al menos en México no había visto un personaje como esta Mich ficticia que es muy inspiradora.
¿Crees que este personaje entusiasma a más aspirantes a llegar a soñar con ser protagonistas?
¡Claro! Incluso personas muy cercanas a mí me confesaron hace tiempo que de verdad no iba a ser actriz porque las actrices son “estas personas”, tenemos la concepción de que las actrices son sólo un tipo de mujer: altas, delgadas y rubias.
Parecía que sólo éramos estas mujeres que no éramos dignas de amar, que no éramos personas que podían ser deseadas, personas complejas y lo que me fascina de La flor más bella es que este personaje es una chica que normalmente está mal vista, que sea ruidosa, escandalosa, ambiciosa, que vaya por lo que quiere, es decir, es una mujer muy poderosa. Me fascina que esto se este haciendo ahorita, nos tardamos porque esto debió de haber estado desde siempre, pero mejor tarde que nunca.
¿Consideras que aunque se trata de una comedia contiene mensajes muy acturales?
Sí, para mí es muy fuerte escuchar palabras dichas en la serie, para empezar la gordofobia, decir “esto es un acto de gordofobia”, “esto es whitexican”, etcétera, porque sí es una comedia increíblemente hecha, con una gran dirección y grandes actores y actrices y también tiene una denuncia social, sí creo que esta es una serie muy rebelde, con la que lo único que quiero es que vayamos por más.
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LA CARRERA DE ACTUACIÓN ME SANÓ POR EL HECHO DE SABER QUE PODEMOS HACER TODOS LOS PERSONAJES QUE QUERAMOS, EL LÍMITE ES ALGO IMPUESTO "
¿Crees que el aspecto físico esta peleado con el talento?
Recuerdo cuando iba en la preparatoria de Bellas Artes, ahí tuve una maestra que cuando una vez que estaba haciendo un ejercicio, me dijo “me da lástima verte”, estaba muy feliz haciendo mi ejercicio y me dijo eso y me quedé muy acomplejada ese año porque no podría creer que le diera lástima a alguien o que eso sienta alguien al verme; así estuve acomplejada hasta que me tocó otra maestra que vio que estaba acomplejada por mi peso y me mandó a ver una obra y sólo pensaba “¡ya, déjame en paz! ¡no sólo puedo hacer estos personajes!”, hacer la carrera me salvó.
La maestra me mandó a ver una obra en la que un hombre enorme hacía acrobacias, cosas que he visto que ni una persona delgada hace, porque ser delgado no es sinónimo de salud o de ser más atlético, eso fue impresionante. También estar en la carrera de actuación me sanó por el hecho de saber que podemos hacer todos los personajes que queramos, el límite es algo impuesto y creo que La flor más bella rompe con esto al saber que el límite se lo pone uno y si nos lo ponen los demás, pues lo derrumbamos.
Es ilógico que los protagónicos todos estos años sean personas lo menos parecidas a lo normal, entonces al final siento muy personal estas peleas, la pelea de Tenoch Huerta, la pelea que tenemos Mich y yo, sí se siente que venimos con todos, que ya estamos cansado y no sólo nosotros, también el público tiene verse de verse ahí.
¿Cómo fue trabajar con Netflix?
¡Qué emoción! Deben saber que llevo manifestando esto cinco años, encontré mis videos de ese entonces, son videos que subí así de “¡Hola, Netflix! Si algún día quieren trabajar conmigo estaría perfecto”, manifesté, trabajé por esto y de pronto llegar a la plataforma, a este precursor que cambió todo, fue llegar a las grandes ligas, no sabía cómo comportarme.
Ha sido maravilloso, creo que esta es la gran oportunidad de las plataformas, es increíble que se puedan hacer estas historias, que se puedan contar historias rebeldes que puedan apoyarnos. Es un sueño hecho realidad, hasta me da miedo porque pienso ¿y ahora qué? Pero, lo estoy disfrutando.
¿Consideras que con este proyecto Michelle Rodríguez aportó en el tema de la representación?
Justamente, en el estreno le comenté a Mich que quién diría hasta dónde se puede llegar cuando una mujer decide cambiar las cosas, para mí eso es ella ahora, es una mujer que decidió no quedarse con lo mínimo, con las moronas, ella decidió cambiar la jugada. Pienso que esto es un efecto dominó que espero no se detenga, es muy poderoso porque creo que es una invitación a las posibilidades de lo que se puede hacer en conjunto.
Estrenas la película Navidad en vivo para HBO, ¿cómo te sientes?
¡No puedo creer que los estrenos de ambos proyectos estén entre los estrenos más vistos! Porque para empezar son titanes
para mí, recien se estrenó la serie La flor más bella que fue mi primer protagónico y mi primera película para HBO llamada Navidad en vivo (2022), igual con grandes actores, un director hermoso y con productores asombrosos, fue una experiencia maravillosa porque para empezar era cosa de contagiarte, de tener el espíritu navideño en julio, preguntarte ¿qué me va a traer Santa? y ahora saber que ya estrenó me hace pensar que el universo me cuida porque es una fortuna todo esto que me está pasando y más poder vivir en estos tiempos donde estás cosas están pasando, donde puedes grabar tres películas, dos series… Estoy en un momento que mi Esmeralda pequeña nunca se hubiera imaginado ¡jamás! Sí se siente esa sensación de que estoy haciendo un buen trabajo y que vamos por más. Es muy padre, ha sido un año con muchos retos.
¿Cómo fue tu proceso para dar vida a una muxe?
Me fui a Juchitán, conocía a Estrella Vázquez platiqué con ella para saber un poco más su experiencia, lo que implicaba ser muxe en Juchitán y lo que observé fue que, lejos de ese paraíso de la diversidad sexual que muchas veces se plantea en algunas notas y en reportajes, también hay discriminación y que hay un espacio de aceptación en cuanto a lo social que tiene que ver con las fiestas, con integración de ellas a la actividad económica y todo esto, las relaciones que la mayor parte de ellas me platicaban siempre estaban en la clandestinidad, las relaciones con hombres que eran casados o con hombres que no andaban abiertamente con ellas, hay como una deuda que todavía existe hacía ellas.
Todo esto era parte de la historia de mi personaje Amaranta, una de las cosas importantes para mí, además de trabajar el mundo emocional y comprender porque ella no deja a su padre a pesar de la violencia que ejerce en su contra y de porque prefiere estar soportando de una relación en la que no es correspondida de la manera que quiere.
Era importante trabajar una manera de habitar ante la cámara que suavizará mi presencia, mido 1.80 cm, tengo una espalda enorme, soy muy grandote, pensé es que tenía la oportu-
nidad para construir el personaje de manera formal, como se mueve, como habita el espacio, trabajar una feminidad y una sutileza en el caminar, en los gestos con las manos cuando le está sirviendo el café al papá, como abre el frasco de café, como le sirve el desayuno, como le sopla al fogón, como habla, encontrar ese tono de voz agudo en esa voz a punto de romperse, todo esto tomó unas semanas de exploración.
Fue un proceso muy rico, muy bonito, con un crew súper rifado, nos aventamos seis semanas de rodaje en Oaxaca, fue muy poco tiempo realmente, totalmente entregados, tuvo mucha magia y fue muy cálido poder filmar en Oaxaca
Han estado en diversos festivales, ¿cómo les ha ido?
La película la estrenamos en el Festival de Guadalajara, ganó el premio al “Mejor Director”, en el Festival de Cine de Seattle ganó el premio del público de “Mejor Película”, también estuvo en el Festival de Córdoba en España, y sigue presentándose en varios otros como: Arizona, Alemania, en Finlandia se presentó hace pocos días, en Israel estuvo a finales de octubre. Y recientemente HBO la compró para transmitirla a partir del próximo año en varios países de Europa y en noviembre estrenamos en la Cineteca Nacional, lo que me tiene muy contento.
El actor protagoniza el filme Finlandia, una película que retrata a la comunidad Muxe de Oaxaca
"PARA MÍ, INTERPRETAR A LOS PERSONAJES DE 'JACINTA' Y 'AMARANTA' FUERON REGALOS... NO ME ARREPIENTO DE HABERLOS ACEPTADO"
Trabajas al lado de Noé Hernández.
Fue un regalo, ya lo había visto y era un admirador de su trabajo, pero mucha gente cercana me había dicho, “es que lo tienes que conocer, tienes que verlo no sólo actuar sino la calidad de ser humano que es” y es muy bello verlo, hay además de una disciplina y una ética, una mística en el trabajo de Noé muy bonita, es el tipo de actor con el que a mí me gusta trabajar, que entiende que el cine y la ficción en general es un trabajo en equipo, es un ser absolutamente generoso con sus compañeros en escena y que tiene una mística de porque quiere contar esta historia, porque se involucra en este proyecto, y creo que de estos actores hay pocos.
¿Crees que la masculinidad está peleada con lo femenino para un personaje?
Para empezar, no está peleada, creo que estas ideas de las nuevas masculinidades hacen sobre todo hincapié en que somos seres duales, somos seres multidimensionales y que un hombre puede tocar lo femenino y lo toca, aunque de repente en México nos cuesta reconocerlo, para empezar, luego para continuar, diría que, sobre todo en mi carrera y en el oficio en el cual me dedicó, sin negar que, efectivamente existen semejanzas con los personajes tanto e “Jacinta” como de “Amaranta” porqué las tengo, pero de repente la gente puede decir, “hay porque tú haces, si tú no eres, tú no perteneces, tú no representas” y es que, la esencia misma de mi trabajo implica personificar o contar realidades que no atraviesan.
Soy tabasqueño hice un trabajo para neutralizar mi acento y poder hablar de una manera neutral, entonces, siempre se busca una neutralidad en la corporalidad, en la voz y un poco en la estructura mental, para que, a partir de esa neutralidad pueda lanzarme a contar historias que no me pertenecen y a construir un personaje que sea distante de mí y entre más distante es mayor el mérito, porque nuestro oficio se trata de eso.
¿Qué opinas de las películas que se estrenan en plataformas y no en el cine?
El cine tiene que verse en las salas de cine y no es por una cosa viejita, no es lo mismo encerrarte en una sala oscura, verla en una pantalla grande y disfrutar de ese momento de darle tu atención a lo que estás haciendo de verlo además en un espacio habilitado para ver una cara en una dimensión más grande y todo lo demás que te permita apreciar la historia y los valores con los que está hecho de una manera diferente.
Las plataformas son buenas, son una gran herramienta, sirven para acercar al público que no va a ir al cine a gastar, porque también el cine se ha vuelto una cosa muy cara, pero el cine es importante que siga viéndose en las salas, creo que las plataformas a pesar de que han ayudado y financiado muchas de las películas tienen que seguir teniendo esa apertura de que las películas primero tengan corrida en salas y después lleguen a la plataforma para también estar ahí, porque sabemos que las corridas en salas comerciales de repente se agotan o duran unos meses y en la plataforma sabes que la podrás ver en cualquier momento.
Trabajas en la nueva película de Luis Estrada, ¡Que viva México!, ¿cómo fue tu experiencia?
Es una sátira como bien hace Luis Estrada, tuvo esta idea que nos contó antes de iniciar el rodaje, fue un poco como se sentó él a diseñar a los personajes, está idea de la Lotería Mexicana como este espectro de los personajes en México, sí tiene los estereotipos, porque repito, hay que entender el tono y el género de él.
Luis tiene ese gran mérito de siempre ser exitoso tanto con la crítica como con la taquilla, lo que no es cosa menor, es muy raro en México, porque normalmente tenemos dos tipos de cine, hablando generalidades por supuesto, tenemos un cine que normalmente solo ve la comunidad cinematográfica, a gente muy asidua al cine y otro que es muy comercial, que son normalmente historias rosas, comedias románticas, comedias de risas fácil, hablar de cosas muy importantes, muy puntuales con una gran acidez y con una gran agudeza a través del sentido del humor, es un honor trabajar con él.
Y sobre tú personaje.
No puedo contar mucho, solamente que es “Jacinta” o “Jacinto” para algunos, pero para ella es la “Jacinta” y ya veremos qué es lo que sucede con ella en la historia, hice dos audiciones para este personaje, cuando quedé fui muy feliz, porque son admirador desde la Ley de Herodes, creo que es un director imprescindible en México, me encantan los temas políticos y sociales... es un sueño cumplido trabajar con el gran Luis Estrada.
Con 29 años de edad, el actor se compromete profundamente en cada uno de los proyectos en los que se involucra. Apasionado de su profesión y de contar historias que propongan narrativas demandantes y relevantes para las audiencias
por DIEGO GUERRERO CEDILLOEL HISTRIÓN participa en los filmes Finlandia, de Horacio Alcala, y Ruido, cinta que aborda el tema de las madres buscadoras, película dirigida por Natalia Beristáin, "es un crudo retrato de la triste realidad que se vive en México", comenta en entrevista con la Revista Cameo.
La cinta fue presentada en el pasado Festival Internacional de Cine de Morelia y llega a Netflix el próximo 11 de Enero. El actor confesó, en entrevista con la Revista Cameo, que cuando vio la película por primera vez en la pantalla no pudo contener las lágrimas, pues es un tema profundo que debe ser abordado y denunciado por parte de la sociedad.
En Finlandia compartes pantalla con los actores Cuauhtli Jiménez, Noé Hernández y Ángeles Cruz, ¿cómo fue tu experiencia?
Es una película que habla sobre tres muxes de la región de Oaxaca. El muxe joven, que se está descubriendo, que no es aceptado por su madre, que está en esta batalla de identidad para defender quién es; de descubrir dónde está su padre y que lo veremos descubrirse y revelarse. Luego está el personaje de Delirio, interpretado por Noé Hernandez, quien es la matriarca de esta comunidad de muxes y que vemos que es aceptada por su madre, pero tiene un amor perdido que se fue a algún lugar y que desde allá le escribe cartas.
Y por último tenemos la historia de Cuauhtli Jiménez, que hace a Amaranta, una muxe que tiene una relación pasional con un hombre casado y que, además, ella no es aceptada por su madre y por su padre. Es el cruce de estas historias que hablan un poco de defender la identidad, de defender quienes son.
¿Cuáles fueron las complejidades a las que te enfrentaste para abordar ese tema?
La principal complejidad fue como tocarlo con delicadeza, abordarlo de una manera respetuosa. Eso nos llevó a tener acercamiento con la comunidad muxe, a relacionarlos con ellos y de ahí ha derivado una relación muy linda. Estrella Vazquez, quien es una muxe de la comunidad de las Intrépidas Buscadoras de Peligro, en todo momento estuvo cerca de nosotros.
Durante el rodaje ella fue nuestra asesora de vestuario, ella decía todo lo que se tenía que hacer o no hacer para construir este universo. Nos asesoró en la voz, en el zapoteco, porque hay algunas frases que se dicen en Zapoteco y entonces estuvimos muy cobijados y cuidados en este proceso con gente de la misma comunidad.
Es interesante saltar de una realidad a otra como actor, ¿qué opinas al respecto?
Sí, totalmente. Fue un reto el poder brincar esta realidad y
también descubrir en qué puntos convergía con Mariano, mi personaje en Finlandia. Descubrir esta feminidad sin tabúes desde un respeto, desde un reconocer que en nosotros existe esta parte sensible que, por herencia, nos ha sido bloqueada; donde los hombres no lloran, donde toda esta masculinidad que traemos cargando como Pipila a veces nos ha hecho olvidar toda esa parte sensible.
Por otro lado estrenas la cinta Ruido, ¿cómo te sientes?
Es una historia sobre las madres buscadoras. Julia (Julieta Egurrola) está buscando a Gertrudis, que es su hija desaparecida, de 25 años, y que lleva nueve meses perdida. En este proceso legal, donde se va a encontrar con la corrupción y de lo burocrático, Julia se da cuenta de que han omitido información importante para localizar a su hija, que no han estado buscando bien. Eso detona en este personaje la decisión de emprender una búsqueda de manera personal, donde se va a encontrar con algunos colectivos.
¿Cómo fue trabajar con la directora Natalia Beristáin?
Es una película verdaderamente necesaria. Es el segundo largometraje de ella y ha sido un deleite poder jugar con ella. Es una directora que le apuesta todo a lo actoral. Trabajar con ella en el set ha sido muy rico; compartir con Julieta Eugurrola, que es toda una institución de la ficción en el teatro, en el cine y en la televisión; con Arturo Beristáin, por lo mismo.
Ha sido un reto muy interesante. Si bien fue una intervención breve la que tengo, es un momento importante en la historia que detona hacia donde va a ir el rumbo de los personajes.
El filme se presentó en el pasado Festival Internacional de Cine de Morelia, ¿cuál fue tu experiencia?
Fue verdaderamente hermosa; un aplauso muy emotivo que duró minutos. Era la primera vez que veía la película y terminé llorando. A pesar de que conocía el guión, verla en la pantalla es totalmente distinto. Había gente llorando; es muy fuerte, una película que busca mostrar en pantalla este ruido que causan las desapariciones de las personas y encontrar nosotros ese ruido para hacer sonar esta denuncia.
Es importante hablar de esto. Si bien, lo vemos en periódicos, de pronto se ha normalizado.Es importante no sólo por las cifras, porque esas cifras se convierten en un dolor en cada una de esas personas que están buscando. Es importante empatizar, ser sensibles a este tema, porque todos somos responsables del gobierno que tenemos, somos responsables de estas desapariciones, en nuestras pequeñas grandes acciones como comunidad.
"EN FINLANDIA TUVIMOS UN ACERCAMIENTO CON LA COMUNIDAD MUXE Y DE AHÍ HA DERIVADO UNA RELACIÓN MUY LINDA"
El actor Sebastián Dante interpreta a Vicente Fernández de joven en la serie de Netflix; quien nos confiesa en entrevista el aprendizaje que le dejó el Charro de Huentitán: "Él nunca se rindió y cumplió sus sueños, yo tampoco me voy a rendir"
por CARLOS MORA¿Qué sentiste cuando te dijeron que ibas a interpretar a Vicente Fernández?
La verdad muchísima emoción, como muchos sabemos Vicente es una persona muy importante para nuestro país, por sólo pensar en dónde puso la música mariachi en el mundo. Primero sentí mucha emoción, me sentí muy agradecido porque estaba en un momento un poco difícil, entonces fue emoción de representar a una persona tan importante, tan icónica de la música.
¿Cómo fue meterte en el personaje?
Es como un ritual en el que uno se transforma, pero no lo hubiese podido hacer sin la preparación de nuestros dos coaches Mónica Jiménez, Iván Flores y con nuestros tres directores, fue un trabajo arduo en el que fuimos viviendo todo un proceso en el que sí observábamos todo el material audiovisual de Vicente, pero hay un elemento que es interesante que justo la etapa que me toca a mí no es todavía un Vicente mediático, apenas se estaba abriendo un camino como cantante y tener todo este proceso de poder construir el personaje más que sólo vestirme de charro, todo junto con mis
compañeros Kaled Acab, Sebastián García y Jaime Camil fue algo muy interesante, divertido y aprendí mucho de ellos.
Creo que no hubiera logrado este ritual de “el charro” sin todo ese proceso previo.
¿Qué fue lo que más te atrajo de la vida de Vicente?
Primero uno está obligado a ver todo ese material audiovisual que no solamente tiene que ver con las películas, sino con todas las entrevistas, los programas de televisión en los que Vicente pudo estar. Al principio era buscar o tener ese “encanto”, es gran personalidad que tenía, pero sí fue muy claro y en algún momento se planteó que no haríamos una parodia, al final ciertos elementos que nosotros veíamos pudimos replicarlos de una forma actoral, sin embargo lo más importante era tener esta vivacidad, este juego, ese charming del cantante.
Lo que le admiro mucho es que nunca se rindió, siempre estuvo buscando la forma de poder anteponer a sus adversidades para cumplir su sueño, con eso me quedo, me parece que ese el rasgo de carácter que disfruté poder hacer, esa perseverancia, la tenacidad de luchar contra viento y marea para ser cantante.
"ALGO CON LO QUE ME QUEDO ES QUE VICENTE FUE UNA PERSONA QUE VINO DE ABAJO, ES ESTE EJEMPLO ASPIRACIONAL NO SÓLO DEL MEXICANO SINO DEL LATINOAMERICANO"
¿Qué sientes de que el proyecto está en una plataforma como Netflix?
Es interesante, la verdad no siento que me haya caído el veinte, pero hay mucha gente muy linda que me ha escrito de muchas partes del mundo. Tener esa exposición es algo muy nuevo para mí, estoy viviendo justo la experiencia, pienso que es muy lindo poder trabajar y que tanta gente pueda ver ese proyecto en el que invertimos no sólo tiempo, también un montón de corazón, lo que puedo decir es que estoy contento de que la gente la haya recibido tan bien que hayan disfrutado mi trabajo.
Al final uno como actor hace su trabajo, actúa, está presente en las circunstancias del personajes y habitando esos momentos específicos de un personajes, para mí es poco común en qué va a pasar después, ahora me estoy dando cuenta del monstruo que es esta plataforma global, que está en los dispositivos de casi todos usuarios asiduos a las series. Se siente bonito tener esta proyección y que la gente reaccione bien y lo disfrute.
¿Cómo fue meterte en una época en la que no viviste?
La serie tiene valores de exposición muy ambiciosos, que son muy bellos, grabamos en más de cinco estados de la república, en dos países, hay más de 300 locaciones, es un paisaje muy interesante. De alguna forma habitar no sólo esos espacios que tienen tanta historia, hace una década, una época en la que mi abuelo tenía la edad que yo, porque no fue la generación de mis padres, fue la de mi abuelo, poder visitar esos tiempos en la posibilidad que te ofrece la ficción, que es un texto muy distinto de lo que hoy tenemos con la inmediatez de los celulares, las pantallas, los black mirrors, toda la producción sí te obliga a habitar un espacio desde otro lugar, en donde la gente se comunicaba mucho más con el cuerpo, las llamadas eran limitadas, las cartas eran algo de esperar días y días para ver si ya habían contestado esa carta de amor; entonces, se trataba de una realidad completamente distinta que fue muy increíble poder habitar y poder entrarle al uego de que sí es una generación completamente distinta a la mía en el modelo del pensamiento, los paradigmas eran otros, la forma de pensar, la familia significaba otra cosa, al final eso sí es nuestro origen, me acuerdo de charlas y charlas con mi abuelo en donde él me contaba cómo era esa época, los años 80.
¿Qué te dejó El Rey?
Estoy en un momento de mi vida en el que estoy como esponja, estoy aprendiendo mucho, para mí fue un gran aprendizaje no sólo saber la manera de producir una serie en esa escala, las filmaciones, los llamados continuos, tanto cansancio, estrés y mucho placer cuando estás en la toma.
De Vicente me llevo el poder conocer a una persona que fue tan icónica y que no enseña tanto sobre la superación personal, como de la carencia pudo llegar a lo más alto y convertirse en El Rey para regalarnos su música y su voz, pensar que nunca se rindió y cumplió sus sueños, yo tampoco nunca me voy a rendir.
También participaste en el filme El baile de los 41, ¿cómo fue la experiencia?
Fue mi primer largometraje, al final poder hacer un largometraje por primera vez fue una experiencia de mucho aprendizaje con un personaje que admiro muchísimo que es David Pablos, el director de Las elegidas (2015) una de mis películas mexicanas favoritas, para mí fue cumplir varios sueños y aprender mucho de un montón de gente, entender cómo funcionaban las filmaciones.
y he ido a todos los estudios de Hollywood, todos dijeron no. Así que quien sea que diga sí, con esa persona haré la película”.
Estas son las palabras pronunciadas por Guillermo del Toro cuando por fin tuvo la venia de la empresa Netflix para poder llevar a cabo uno de sus sueños largamente acariciados: filmar su propia versión animada contando la historia del entrañable muñeco de madera que mágicamente cobra vida.
El famoso cuento de hadas escrito por el italiano Carlo Collodi ha sido llevado al cine previamente
en infinidad de ocasiones. La primera de ellas data de 1911, y fue una versión live-action dirigida por el también italiano Giulio Antamoro. La versión cinematográfica más conocida e icónica es sin duda la animada de 1940, supervisada por los directores Ben Sharpsteen y Hamilton Luske, y realizada por los estudios Disney. Curiosamente dichos estudios lanzaron este año en su plataforma digital una nueva versión del filme, la cual combina actores reales con animación CGI y efectos digitales, dirigida por Robert Zemeckis.
Fue en 2008 cuando Del Toro dió a conocer que estaba desarrollando una nueva versión (más oscura) del relato de Collodi. A mediados de febrero de 2011, se anuncia que dicha versión será escrita por el propio
Guillermo al lado de su antiguo colaborador Matthew Robbins (La cumbre escarlata, Mimic, Don't Be Afraid of the Dark), y la cual será elaborada en animación stop-motion, codirigida por Mark Gustafson y Gris Grimly, basada en los diseños de este último, con del Toro produciendo junto con The Jim Henson Company y los estudios Pathé. En 2012, Grimly sale del proyecto y se da a conocer que ShadowMachine serían los encargados de producir y animar la película, programando su estreno para 2013 o 2014.
Sin embargo, el sueño comienza a tornarse en pesadilla cuando el proyecto se queda atorado en un development hell (o infierno de producción) por tres años, sin lograr avances significativos en ese tiempo, al tiempo que su presupuesto comenzó a dispararse,
"PinochoGuillermo del Toro
lo cual el propio del Toro da a conocer públicamente a finales de agosto del 2017, solicitando la ayuda de alguno de los grandes estudios para financiarlo. Al no obtener respuesta positiva de ninguno de ellos, el 8 de noviembre de 2017, se anunció que el proyecto se cancelaría.
Casi un año después, el 22 de octubre de 2018, Netflix entra al quite, y la producción se reanuda, y se fija una fecha de estreno para el 2021. Pero después (por decisiones ejecutivas de la empresa, principalmente) se decide retrasar su estreno en dicha plataforma un año o quizás dos. Finalmente, a finales de enero del 2022 se da a conocer (por medio de un teaser oficial) que el estreno se llevará a cabo en diciembre de este año.
Aquí cabe destacar la presencia de talento mexicano (además de del Toro) en la realización del filme, aportándole su propia magia allí mismo. Particularmente del Taller del Chucho de Zapopan, Jalisco, conformado por René Castillo, Sergio Valdivia, Mayrení Seda y Luis Téllez, este último fungiendo como supervisor de animación. El resto del equipo se complementa con Karla Castañeda como directora de arte, Rita Basulto como pintora de marionetas, León Fernández como cabeza del departamento de marionetas y Odín Acosta como gerente de producción.
Pinocho tuvo su premier en el Festival de Cine de Londres el 15 de octubre de 2022. Mientras que su premier en México se llevó a cabo en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de Morelia, donde fue programada.
Previo a su estreno en la plataforma Netflix, se planeó hacer funciones de preestreno a finales de noviembre en diversas salas de cine de la república mexicana. Y fue allí donde el filme sufrió un nuevo revés, ya que la cadena Cinemex (que se había comprometido a incluir la película en pantallas de varios de sus complejos) decidió dar marcha atrás y suspenderlas, al parecer porque la película sólo podría permanecer dos semanas en exclusiva en los cines a partir del 24 de noviembre, antes de ser lanzada en la mencionada plataforma digital. Ello provocó el enojo y airadas protestas del cineasta.
A pesar de estos y otros reveses, la película ha sido recompensada por una recepción positiva por parte tanto de la crítica como de los medios especializados.
Por ejemplo, en el popular sitio web de reseñas Rotten Tomatoes, actualmente la película cuenta con un 97% de críticas positivas por parte de la prensa especializada, y con un 85% de aceptación por parte de la audiencia.
Por otra parte, el filme ha sido reconocido como Mejor filme animado por parte tanto de la Asociación de críticos de Cine de Los Ángeles, como por la de Washington D.C.. Y hace unos días se dió a conocer que está nominada para los Globos de Oro (otorgados por la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood) en su edición que se celebrará en 2023, donde compite en la misma categoría, así como en la de Mejor Música Original (para Alexandre Desplat) y Mejor Canción Original (por Ciao Papa,
composición del propio Desplat, Roeben Katz, and Guillermo del Toro).
Para finalizar, vale la pena citar las palabras del cineasta, que describen la importancia que para él, tiene este proyecto: “Ninguna forma de arte ha influido en mi vida y mi trabajo más que la animación y ningún personaje en la historia ha tenido una conexión personal tan profunda conmigo como Pinocho. Quería hacer esta película desde que tengo memoria. De niño sentí cierto parentesco con la figura de Pinocho. Estaba muy interesado en saber si podía ser él mismo y ser amado. Lo hermoso de él es que no es una criatura perfecta. Es un niño muy difícil Lo veo y creo que Pinocho es una rareza, una criatura extraña, y lo amo por eso”.
PUBLICADA por entregas entre 1881 a 1883, “Las aventuras de Pinocho” o, simplemente, “Pinocho”, de Carlo Collodi, es uno de los cuentos clásicos más leídos de la historia. Fue Walt Disney Productions con Pinocho en 1940 quien inauguró las varias adaptaciones cinematográficas que se han realizado de la obra, siendo también la dirigida por Matteo Garrone con Roberto Benigni una de las más conocidas. Si nos queda duda del atractivo de este querido cuento clásico, este año se estrenaron dos nuevas adaptaciones de la obra, pero es sin duda la dirigida por Guillermo de Toro y Mark Gustafson la que está destinada a hacer historia.
Tener numerosas versiones de una misma historia pudo haber jugado en contra de Pinocho de Guillermo del Toro, afortunadamente, el director mexicano da un viraje a la historia ya conocida, entregando una verdadera reinvención, sorprendiéndonos y atemorizándonos por partes iguales con su visión sombría del muñeco de madera que desea ser un niño de verdad, aunque sin caer en spoilers, ese deseo no es lo central en esta alegoría del crecimiento y la honestidad, sino de aceptar las diferencias, la compleja relación entre padre e hijos, la vida y, sobre todo, la muerte.
La película sigue la historia de una marioneta de madera que mágicamente cobra vida para reparar el corazón de un afligido carpintero llamado Gepetto. Ambientada en la Italia de los años 30, gobernada por Benito Mussolini, Pinocho de Guillermo del Toro es una animación en stop motion que sigue las aventuras del travieso y desobediente Pinocho en su búsqueda de un lugar en el mundo, a través de un relato que no rehúye de los elementos más oscuros mientras aborda temas como la redención y el poder del amor paternal.
En definitiva, este Pinocho es quizás la adaptación más ambiciosa a la fecha, un deleite visual y un logro de la animación. Es también un relato oscuro que hace énfasis en los elementos más miserables de la condición humana y eso es necesario. Guillermo del Toro no maquilla el verdadero sentido de los cuentos de hadas y entrega el acercamiento más desafiante e importan que se ha realizado a este clásico.
PINOCHO DE GUILLERMO DEL TORO Dónde ver: Netflix
“Papá, todavía no entiendo una cosa: todo el mundo lo quiere, a él; todos le estaban cantando, y es de madera como yo. ¿Por qué lo quieren a él, y no a mí?”
Pinocho
“Todas las cosas buenas requieren paciencia” Geppetto
"Yo… yo te amo tal y como eres”Geppetto
“A veces, a las personas les dan miedo las cosas que no conocen pero, un día te conocerán y van a quererte” Geppetto
"Lo que debe pasar, pasa. Y un día… ya no estamos”
Sebastián J. Grillo
EL CINEASTA ganador del Premio de la Academia Guillermo del Toro reinventa el cuento clásico de Carlo Collodi acerca de la marioneta de madera que mágicamente cobra vida para reparar el corazón de un tallador de madera afligido llamado Geppetto. Esta fantástica película en stop motion dirigida por Guillermo del Toro y Mark Gustafson sigue las aventuras y travesuras de Pinocho en su búsqueda por encontrar su lugar en el mundo.
La exhibición Un Pinocho hecho de madera mexicana sobre el detrás de cámaras de Pinocho, de Guillermo del Toro, fue inaugurada en la Cineteca Nacional.
Esta exposición presenta 11 maquetas de los personajes utilizados durante la cinta, imágenes del proceso creativo, así como entrevistas con los animadores mexicanos y el mismo Del Toro hablando acerca de la producción.
En la función estuvieron presentes: Karla Castañeda (Directora de arte), Luis Téllez (Supervisión de animación de stop-motion), Angelica Lares (Supervisora de producción), René Castillo (Animador de stop-motion), Mayrení Senior Seda (Animador de stop-motion), Odín Fernández (Gerente de producción/Primer asistente de dirección), Rita Basulto (Cinematografía/Pintora de marionetas) y Sofía Carrillo (Vestuario).
También asistieron algunos integrantes del elenco de doblaje como son Jesse Conde (Gepetto), Emilio Treviño (Candel Wick), Talia Marcela (Espíritu del bosque y la muerte), Germán Fábrega (Conde Volpe) y Gaby Cárdenas (Directora de música), entre otros.
Esta muestra estará abierta al público hasta el 30 de diciembre. Pinocho esta disponible en cines selectos y en Netflix a partir del nueve de diciembre.
“Las personas a veces tienen miedo de cosas que no conocen” Geppetto
por CARLOS MORA
El comediante y presentador de televisión Capi Pérez confiesa que una de sus mejores armas para lograr el triunfo en LOL: Last One Laughing México es nunca haber temido a la vergüenza y por lo tanto ser “amigo del ridículo”.
“Me encanta hacer personajes, improvisar, me motiva mucho que me pongan retos, eso me enriquece mucho; además, un punto muy importante es que nunca he conocido la vergüenza, desde niño nunca he tenido vergüenza de nada, me atrevo a burlarme de todos en el programa, porque del primero que me burlo es de mí mismo, entonces es una herramienta, cuando eres amigo del ridículo y de la incomodidad como lo soy, todo mundo te la pellizca”, comenta en entrevista.
El comediante regresó en la quinta temporada de LOL: Last One Laughing México, en la cual compite con personalidades como Mauricio Barrientos, Ricardo Peralta, “El Diablito”, El Borrego Nava y La Chupitos, interpretada por Liliana Arriaga, quienes luego de fracasar en ediciones anteriores tendrán una nueva oportunidad de ganar el máximo premio.
Reconoció que tiene unos grandes contrincantes, pero está dispuesto a darlo todo en esta entrega. “Recuerdo lo dura que está la competencia, de por sí ese formato es un verdadero reto para cualquier comediante, ahora cuando entran personas con experiencia de cómo se juega, realmente es todavía más complicado, porque no hay límites para hacer reír, humillarte, quebrar al compañero. Por eso estando ahí no sabes lo nervioso que te pone competir”.
Compartió que se propuso hacer el mayor número de personajes y hacer que fluya su comedia. “Me ha ayudado mucho el ritmo de la televisión en vivo, el hecho de estar todos los días en un programa en vivo (Venga la alegría) te obliga a estar generando cosas, desechar lo que ya dijiste, no clavarte en una idea y clavarte en la que sigue, creo que sin querer me estuve preparando para este reality, cada vez que me invitan lo disfruto”.
LOL MÉXICO Dónde ver: Prime VideoLOL México, recientemente se estrenó en Prime Video, está bajo la conducción y coproducción de Eugenio Derbez, a quien admira El Capi Pérez, pues lo ve como un ejemplo a seguir.
“Lo admiro más por su ética de trabajo, por su responsabilidad por el contenido, pero sobre todo, por su compromiso con la risa, con la comedia, para él, como muchos de nosotros que nos dedicamos a esto, hacer reír es sagrado, es una profesión seria, suena irónico, pero de él he aprendido que hacer reír es una cosa seria, me ha ayudado a ser un comediante más profesional”.
Dijo que desde su infancia admira al actor de No se aceptan devoluciones. “Cada vez que convivo con Eugenio Derbez es muy enriquecedor, se conjugan muchas cosas dentro de mí, la principal es la admiración que siento por él desde que era niño, es uno de los comediantes que me formó, cada vez que me encuentro con él o lo saludo, trato dentro de mí, de detenerme para no verme tan fan y mostrarme profesional, porque es una leyenda de la comedia en México”, contó El Capi Pérez.
En Prime Video, el conductor recientemente incursionó en el stand up en el show Capi Pérez: elotes para todos, que a inicios de diciembre de lanzó.
“Tengo mi especial de comedia, nunca creí que pudiera armar un especial de comedia, no es mi especialidad el stand up y aún así me entregué todo a esta rutina desde hace tres años, la grabé en mi tierra, Aguascalientes, en la Feria de San Marcos, creo que esa vibra se siente, estoy muy feliz porque le está yendo muy bien, creo que el objetivo se está cumpliendo, que es motivar a la raza, a pasarla bien, mientras yo digo estupideces en el escenario, que es mi especialidad”.
"LO QUE ME HA AYUDADO MUCHO ES EL RITMO DE LA TELEVISIÓN EN VIVO, CREO QUE SIN QUERER ME ESTUVE PREPARANDO PARA ESTE REALITY, CADA VEZ QUE ME INVITAN LO DISFRUTO”
UNA ALTA DOSIS de irreverencia es lo que promete la quinta temporada de LOL: Last One Laughing México , que en esta nueva entrega se llena de campeones sin corona que buscarán el triunfo, adelanta el actor y productor Eugenio Derbez.
“Es única porque está llena de campeones sin corona. Quiero felicitar a todos los participantes por su esfuerzo, por hacer de esta temporada una de las mejores de todas”, dijo Eugenio Derbez, quien es presentador y coproductor de la serie.
Los seguidores de este espectáculo podrán ver de nuevo a Carlos Alberto Pérez, “El Capi”; Mauricio Barrientos, “El Diablito”, “El Borrego” Nava y a la carismática “Chupitos”, interpretada por Liliana Arriaga, quienes luego de fracasar en temporadas anteriores tendrán una oportunidad de lograr su cometido.
Competirán también por segunda ocasión el influencer y participante de Master Chef Ricardo Peralta, la standupera Isabel Fernández y los conductores del podcast La Cotorrisa, Ricardo Pérez y Slobotzky. Todos ellos intentarán, ahora sí, hacerse del premio del millón de pesos que, según las reglas, será donado a una causa benéfica.
“Gracias por dejarse humillar, por dejarse bullear, por perder la dignidad, con tal de darle al público una gran temporada. Gracias a los productores y a Amazon por el gran equipo que hemos formado para hacer este show”, dijo el actor, quien se recupera de una fractura en el hombro que sufrió hace varios meses.
En un mensaje que grabó para el evento de lanzamiento, en la Ciudad de México, Eugenio Derbez aplaudió “lo irreverente” de esta nueva temporada y elogió la audacia y compromiso de los participantes.
El famoso reality show de Prime Video llega a su quinta temporada hoy y promete divertir con los mejores chistes, actuaciones y dinámicas, no sólo al público, sino a sus propios rivales del programa.
A lo largo de sus cinco temporadas, LOL México puso en su escenario a otros comediantes famosos, como la Maestra Lety de Paco de Miguel, y los monólogos de comedia de Coco Celis, Sofía Niño de Rivera y Alex Fernández, entre otros.
Durante seis episodios, los espectadores serán testigos de hasta dónde son capaces de llegar los participantes en su intento de convertirse en el máximo LOLStar.
“Es enriquecedor, humillante y retador, pero sobre todo muy divertido e inspirador para mí como comediante”, compartió en la alfombra roja el conductor de Venga la Alegría, “El Capi” Pérez, quien remarcó el honor que para él significa ser nuevamente parte de este reality.
Por su parte, los productores de la serie, Marie Leguizamo y Javier Williams afirmaron que esta quinta entrega de LOL México destaca sobre las demás, ya que promete sorprender al público.
“Estamos emocionadísimos porque es la mejor (temporada), con los mejores perdedores de las cuatro anteriores. Tenemos un gran elenco, los mejores chistes y sketches… es la más irreverente y desmadrosa”.
LOL MÉXICO Dónde ver: Prime VideoPeace peace now now, la nueva producción de STAR+ es narrada por Yalitza Aparicio, Daniela Vega, Ester Expósito y Shirley Manson; la miniserie documental cuenta con cuatro episodios donde en cada entrega revelan una historia de mujeres que se enfrentaron a conflictos armados en distintos países de latinoamérica
por CARLOS MORA
PEACE PEACE NOW NOW Dónde ver: STAR+
se encuentra con las abuelas de Sepur Zarco, en Guatemala, un grupo de mujeres sobrevivientes de la guerra civil que azotó suelo guatemalteco durante 36 años, llevándose consigo las vidas de más de 200 mil personas.
"Hacer esta serie ha sido una experiencia increíble porque me doy cuenta que hay muchas cosas que desconocemos, cuando supe que me tocaba hablar del caso de las abuelas de Sepur Zarco busqué información y no había mucha, hasta que me encontré hablando con ellas fue que aprendí cosas maravillosas; se han enfrentado a tantas cosas buscando justicia. Por otro lado descubrí que aunque están en otro país la similitud que tienen con México es muy parecida, sobre todo en el tema de la violencia que se vive en el país. Hay veces que ves las cifras de feminicidios que hay en México y sales a otros países y ves que es igual, da mucho coraje, necesitamos avanzar en estos temas. Contar estas historias y ver sus testimonios nos sirve para no repetir sucesos de violencia, que la justicia vaya encontrando su camino para que ya no haya más violencia hacia la mujer".
"FUE MUY INTERESANTE VER CÓMO SE FUERON CONTANDO LAS HISTORIAS, QUE YO CONTARA UNA HISTORIA DE GUATEMALA, QUE DANIELA HABLARA DE COLOMBIA Y ESTER UNA DE MÉXICO; ME GUSTÓ EL INTERCAMBIO"
cuenta la historia de la periodista mexicana Lydia Cacho, autora del libro Los Demonios del Edén. Su investigación denunció redes de pedofilia y tráfico sexual de menores en las que participaban empresarios, políticos, jueces y narcotraficantes del país y, tras su publicación en 2014, fue arrestada ilegalmente, torturada, amenazada y finalmente dejada en libertad para terminar escapando del país para salvar su vida.
"Estar en este proyecto ha sido un regalo, desde niña tuve la suerte de estar en una familia donde mis padres me inculcaron los valores del feminismo, siempre me han apoyado para ser la mujer que quiero ser y sin tener ningún límite, sin que afecte los cánones que impone la sociedad hacia nosotras, creo que gracias a esto he crecido como una mujer libre y feliz. Estoy muy agradecida al movimiento feminista y a todas las mujeres que generaciones atrás han luchado tanto para que este movimiento sea una opción y una lección de vida para nosotras, lamentablemente todavía hay muchas mujeres que no la tienen tan fácil en cuanto a la libertad y el derecho de elegir por las sociedades en las que viven. Por eso también siento una responsabilidad para hacer todo lo que esté a mi alcance para utilizar el altavoz. Con mi profesión puedo contar estas historias para llegar a la mayor cantidad de gente posible, gente joven que es el futuro y crear conciencia del feminismo.
"CONOCER A LYDIA FUE TREMENDAMENTE INSPIRADOR, ME DESPERTÓ DE ALGUNA MANERA, VER TODO LO QUE HA LOGRADO UNA PERSONA EN SU VIDA, ELLA NOS DA UNA LECCIÓN DE
DANIELA VEGA, viaja a Turbaco, Colombia, para compartir la historia de un pueblo fundado y construido por mujeres desplazadas de sus hogares, producto de las guerrillas y paramilitares colombianos.
"Estoy emocionada, esta serie nos hace pensar en todas las mujeres que ya no están aquí entre nosotras pero también en la cantidad de mujeres que vienen que si pueden ver lo que nosotras estamos vislumbrando con esta serie. Me gusta pensar que se trata de traer a la memoria las mujeres que ya no están, pero no porque no quisieron, fue porque hubo otras manos que decidieron sacarlas del mapa, por ello, invito a seguir sembrando para seguir cosechando una forma más equitativa, las diferentes feminidades, todas y todos tenemos que tener el derecho de vivir en paz. Les digo a todas las personas a las que les llegue el mensaje de la serie, que si un día se les cierra la puerta, no hay nada más hermoso que luchar por pertenecer. No se trata de una lucha de hombres contra mujeres, se trata de encontrarnos los unos con los otros en paz".
" Peace peace now now es una serie que reivindica la voz de las mujeres, tanto ancianas como jóvenes, todas aquellas que han logrado posicionar los temas en sus comunidades, en nuestra sociedad que han cambiado las leyes, nuestra historia. Es una revolución de las mujeres, esperamos que la disfruten tanto como nosotras logramos hacerla".
Productor del filme Santa Bárbara
¿Cómo fue trabajar con la directora de Santa Bárbara, Anaïs Pareto?
Hemos encontrado un método que salió natural de trabajar juntos, yo desde mi postura como actor y ella desde su postura como directora hemos podido entablar un diálogo y sobretodo trabajar sin llevar el trabajo a la casa, que al inicio sí fue difícil, pero hemos ido aprendiendo conforme va pasando el tiempo y los proyectos. Comunicarse con el actor es también muy importante, es algo que te da mucha libertad para proponer y al mismo tiempo también sabe cómo generar un diálogo para generar juntos lo que ella quiere ver en escena. Ha sido muy agradable, creo que cuando uno tiene claras las cosas y las hace con pasión y ganas todo es disfrutable, es un juego en serio, el juego más serio que puedes jugar.
¿Cómo fue trabajar en multiculturalidad?
Afortunadamente hemos evolucionado, ahora las historias no sólo involucran historias de norteamericanos, justamente se han vuelto multiculturales. Claro que sigue existiendo un gran mercado en el que sólo ellos producen, actúan y realizan, pero creo que en estos tiempos hay historias por todos lados.
Soy honesto, nunca fue mi intención irme a Estados Unidos a probar suerte, no estoy peleado con eso, he podido trabajar ahí ya, pero siempre me interesó Europa, empezando por España y eso fue lo hice desde hace ya 10 años, intentando por allá he podido trabajar en España, Italia, me interesa Francia pero ahí es un mercado curioso para involucrarse, he conocido gente con la que hay proyectos que posiblemente echemos a andar, y me llama la atención eso, el cómo se hacen las cosas allá; al final, somos países de una lengua de origen latín y por ello sentí un poco más de cercanía.
A uno de pronto le dan ganas de irse de un lado, para el otro, en mí caso creo que fue por la influencia que tuve desde muy joven de ver por primera vez una película en la Cineteca en la que el actor era Gérard Depardieu y yo dije “¿qué es esto?”, me despertó esa cosquilla y a partir de ahí no paré y mis ojos, mi cabeza, se enfocaron en eso, en cruzar el charco, chingandole.
¿Cómo es trabajar con gente involucrada en producción de otros países?
Es muy similar a aquí, los departamentos funcionan igual. Donde sí puede variar es en los horarios, aquí estamos acostumbrados a jornadas de 12 horas y allá a veces con ocho o nueve horas, que son las que tienen estipuladas rigurosamente es con lo que se elabora el plan de rodaje. Todo es muy similar, claro que también he estado en producciones en las que hay que meterle riñones, no le tengo miedo al trabajo porque lo disfruto tanto que el tiempo pasa volando, puedo estar filmando 12 horas y no me canso.
¿Qué te gusta de actuar en otros países?
La verdad es que siempre tengo un pie aquí y un pie allá, me interesa contar mucho contar las historias que suceden en mi país, estoy allá ahora porque de repente encuentras un lugar donde te sientes cómodo, tengo una niña que me gustaría que creciera libremente y no estar preocupado de que puede pasarle algo, también que ella se sienta con libertad; claro, también quiero mostrarle México, me encanta la Ciudad de México, muchos estados, como Morelia, le quiero mostrar todo, así que la única forma de hacer es estando de aquí para allá. Estaré haciendo esto hasta que los huesos me dejen.
¿Qué viene para ti en 2023?
Viene dos películas, una de la que soy coproductor y cuya idea original es mía, la dirige Mauro Mueller, se llama El conserje, es mexicana, fue filmada aquí; también filmé la ópera prima de Pierre St Martin que se llama No nos moverán, que esperamos el próximo año ya esté lista, también Sin Sangre (2023) de Angelina Jolie.
Ahora estoy trabajando en un proyecto personal que posiblemente sea mi ópera prima en la que quiero trabajar con mi hija, que ya la conocieron, el tema de migración, es un tema que me ha interesado desde que tengo uso de razón y ahora quiero retratar una historia en donde justo pueda retratarlo, pues yo soy migrante, con una situación diferente. No será documental, estamos tratando de que con todo lo aprendido hacer un guión con el que podamos jugar, pues el legado que le dejaré a mi hija pues es lo que sé hacer y veo que ella lo disfruta también, entonces jugaremos a esto, será otra travesura que espero nos funcione.
¿Ahora que vives en España qué extrañas de México?
Soy del sur de la Ciudad de México, por el Estadio Azteca, pero no extraño nada porque vengo constantemente, tengo una casa allá, algo que facilita las cosas. Disfruto mucho cuando estoy aquí, me encanta la Ciudad de México, también Barcelona entonces cuando estoy allá disfruto allá, cuando toca acá, disfruto acá. La verdad es que hasta ahora no he tenido tiempo de extrañar, lo más alejado que he estado de México fue un año en la pandemia en el que no podía viajar y ahí sí dije “¡Ay, cabrón!” pues no he tenido esa necesidad de alejarme tanto tiempo, mientras pueda estaré entre aquí y allá.
por Carlos Mora"HE PODIDO TRABAJAR EN ESPAÑA, ITALIA, ME INTERESA FRANCIA PERO AHÍ ES UN MERCADO CURIOSO PARA INVOLUCRARSE, HE CONOCIDO GENTE CON LA QUE HAY PROYECTOS QUE POSIBLEMENTE ECHEMOS A ANDAR"
EUGENIO CABALLERO, reconocido diseñador de producción, dio una MasterClass en la pasada edición del Festival Internacional de Cine Fantástico Feratum. El ganador del Oscar recordó sus trabajos con los directores mexicanos Guillermo del Toro, Alfonso Cuarón y Alejandro González Inárritu por CARLOS MORA
directores de arte y los diseñadores de producción somos parte fundamental de la creación de un mundo que funciona únicamente para un película, es decir, cada película tiene un mundo que se elige con sus propias reglas, a veces ese mundo es de fantasía, entonces es muy claro que hay que crear todo, pero otras veces, es realista. En el momento que se escogen las calles dónde se va a filmar se eligen ciertas cosas de esta realidad pero otras se dejan fuera, entonces se convierte en un mundo exclusivamente para el filme, eso es algo fascinante porque puedes crear un montón de mundos, si se hace un mundo de fantasía se puede dar un significado a cada una de las cosas que va a haber en set".
"Para mi tiene que ser una recreación emocional para poder transmitir cada historia y que sea distinta, tengo una pasión por los detalles, me encantan las texturas porque son parte del diseño y lo otro es esta aproximación emocional que hay en los sets".
"Cada director con los que he trabajado como Del Toro, Cuarón, Inárritu y otros tantos, son muy distintos entre ellos y su forma de trabajo, cada proceso es distinto y es algo que es una de las cosas que más me interesa en mi oficio, me sigue pareciendo muy divertido mi trabajo, es como jugar con un juguete gigante.
Lo que sí tienen en común entre ellos es que tienen un hambre por contar historias, de buscar la verdad y es una cosa que me parece esencial, son trabajadores incansables e hiper detallistas, cada detalle cuenta, y por ello cada uno de los planos, de los extras, es muy importante, tiene ese gran nivel, yo también me encuentro en ese nivel y es algo que he aprendido de ellos, es un código común que nos funciona muy bien para trabajar juntos".
"ME
con la historia, con lo que comen, lo que huelen, la música que se escucha en la calle, los libros, entonces todo empieza a tener un gran significado, todas esas ideas las voy anotando en un libro que es donde plasmo todo esos detalles, antes lo hacía manual, ahora lo hago de forma digital. Recuerdo cuando hice de El laberinto del Fauno, ese lo realicé después de encontrarme en Cannes a Guillermo Del Toro, fuimos a cenar y me dijo: 'Quiero que hagas mi película', y durante dos horas me contó toda la historia, hablamos sobre las ideas e imágenes, los personajes, me explicó todo de una manera muy clara, después de que terminó de contarme me dijo: 'todo bien, ahora tengo que ir a escribir el guión, yo te busco cuando lo tenga', y mientras comía yo estaba anotando todo. Recuerdo que en esa época no había hecho cine de fantasía, ni tampoco había filmado en Europa, y tampoco conocía mucho sobre la Guerra Española que era un referente para la película. Después hice una investigación, renuncié a todo lo que estaba haciendo y me dediqué a hacer un libro con todas las referencias para El laberinto del Fauno, cuando Guillermo me trajo el guión le mostré el libro, recuerdo que mientras lo hojeaba se reía mucho, al final me comentó: 'qué bueno que eres diseñador de producción, porque este sería un libro de un serial killer'. Me sirvió mucho mi investigación porque fue una guía para trabajar con Guillermo".
"En Roma era importante conversar mucho con Alfonso Cuarón porque no había un guion de la cinta, entonces había que ver que iba a pasar con los sets para recrear las épocas de los 60 y 70, pero no era porque no lo tenía escrito, era porque es la metodología de trabajo de Alfonso. Así que cuando me platicó de Roma lo primero que me dijo fue 'no te voy a enseñar el guion', pero después fui de los primeros en leerlo, cuando ya estábamos concentrados en la filmación. Cuando supe que era un filme en blanco y negro fue raro, porque yo siempre me guió en el color, y la verdad si la sufrí un poco, después entendí que los grises también son color, pero se tenía que estudiar mucho más porque muchos colores se ven muy distintos en la vida real como un color naranja, amarillo, verde o azul, todos estos colores transmiten el mismo tono de gris, no se crean constantes, pero Roma tiene un blanco y negro que no es nostálgico, porque no queríamos dar un tono de las películas de épocas pasadas, entonces hubo que tener muy claro los contrastes que había que dar. Creamos una paleta de color para que se notara el contraste con la ropa, los tapices y todo el set, hicimos un traductor de blanco y negro donde realmente podíamos ver cuáles eran los contrastes que había, tenías que usar colores muy pasteles en el set para poder lograr esos tonos satinados, por ejemplo, el sillón de la casa principal era un amarillo fosforescente pero daba el tono perfecto que queríamos ver en pantalla".
"Algo que recuerdo mucho fue cuando la actriz Marina de Tavira me comentó que se sorprendía mucho que los cajones que había en los set de Roma, estaban llenos de ropa y tenían correspondencia, cartas personales que aunque sabíamos que no se iba a abrir ningún cajón, ella decía que le ayudaba para entrar más en su personaje".
LA REALIZADORA Tania Ximena Ruiz nos habla de Pobo 'Tzu', Noche Blanca, un documental que se centra en la erupción del volcán Chichonal, que en 1982 sepultó el poblado zoque de Esquipulas Guayabal en Chiapas. Más de 35 años después, los pobladores de Nuevo Guayabal hacen el esfuerzo por recuperar su viejo hogar
por CARLOS MORA
¿Cómo llegas a esta historia?
Conocí al volcán Chichonal en el 2014 con los vulcanólogos del Instituto de Geofísica, cuando fui por primera vez estaba segurísima de que esa era una historia muy fuerte, estaba impresionada por el volcán, ya tenía investigación de paisaje en volcanes y en hacer video para videoarte en volcanes, pero este volcán era muy especial y me parecía que nadie sabía lo que había pasado.
Mucha gente mayor se acuerda de las cenizas, que hubo una erupción, pero después todo el tema se abandonó y justo por todo el desastre ecológico y social el tema se veló, algo que me parecía fortísimo. ¿Cómo llegar a la historia? Bueno, fue una suerte de sucesos, de encuentros, de casualidades, de procesos, de pruebas, de hacer ejercicios con cámaras y de hacer entrevistas, porque primero fue un suceso enorme al ser 16 comunidades enterradas por la erupción del volcán Chichonal, todas con una historia.
Encontrar Esquipulas Guayabal fue un hallazgo muy especial porque además ellos tienen una historia muy particular, ellos regresaron y volvieron a fundar el pueblo a un kilómetro de donde está el pueblo enterrado, ellos ya habían intentado una búsqueda en 1985 en la que querían desenterrar una parte, en la que estaban Román Díaz Gómez y Trinidad Díaz Arias, quienes fueron unos impulsores my grandes para todo esto.
Desde que llegamos ahí, fuimos con la idea de ir compilando material y vimos que ya era algo mucho más sólido, la primera vez filmamos a finales de 2017, ahí ya armamos algo y lo fuimos construyendo más como una película. A esto se unió PIANO y Calouma Films, filmamos la mayor parte y así es lo que es, todo fue con mucho apoyo de muchas personas, con mucha asesoría y rebote de ideas de varios colaboradores.
Destaca mucho la fotografía, felicidades.
Se sintió el punto de vista del volcán, de sentir su presencia, fue algo que se trabajó tiempo antes pues vimos referencias, construimos la imagen, la manera de hacerlo, de que la cámara estuviera móvil, el mismo lugar ayudó pues el paisaje es increíble. Teníamos ya conocimiento de cómo se veía el volcán a ciertas horas, con neblinas, algo que es muy importante dentro de la cosmogonía, lo teníamos muy claro para saber en qué momento filmar. Ver el volcán fue algo que fuimos planeando, fue mucho conocimiento de cómo retratar al lugar, planear todo antes.
¿Cómo decides que el documental sea contado en lenguaje zoque?
Una de las cosas que comenzaron a desaparecer a partir de la erupción fue la lengua, eso contribuyó a su paulatina desaparición, en la actualidad las personas mayores son las que la hablan, la mayoría de jóvenes ya no y los niños mucho menos, se está perdiendo de una manera acelerada y esto a causa de la erupción porque reubicaron a todos en otros lugares, en zonas en las que sentían discriminación por hablar la lengua, entonces esto era esencial, no sólo el poder recuperar históricamente el paisaje, sino también que fuera un documento de la lengua.
Eso también hizo que el proyecto tomara esa sensación ficcional porque ellos nos hablan a nosotros en español, pero entre ellos hablan zoque, nunca en español, por lo que era importante tener este testimonio en el que ellos se sintieran en un espacio de confort y seguridad con su lengua materna.
El impulso de excavar que ya existía desde muchos atrás, desde el 85, había surgido por la iglesia, así como se cuenta en la película, para encontrar la campana y reliquias. Entonces, el mismo hecho de que todo comenzara por la iglesia ya es un símbolo de toda esta ritualidad, la forma en la que surge toda la memoria no es del todo católica, hay un sincretismo que existe todo el tiempo.
Los ritos fueron saliendo conforme la marcha, conforme se iba excavando aparecían los fantasmas y se decidió hacer la misa, que era para conciliar a todas estas almas que estaban ahí, fue algo que duró dos horas, muy muy larga y eso era absolutamente documental, no había manera de decirles “por favor, apoyo porque no alcancé esta toma”.
La danza, se decidió justo cuando se abrió por primera vez la explanada abierta de la iglesia después de 40 años, en ese momento 36 años, cuando la vieron dijeron que la última vez que ellos estuvieron ahí ellos habían hecho la Danza del Tigre, que se hacía en la explanada de la iglesia y la querían hacer ahora que ya estaba abierta, la danza también fue larguísima pues duró tres horas, es toda una historia cosmogónica, la cuenta Trinidad en la página de Pobo ‘Tzu, hay una entrevista de él en la que sólo habla de la danza, es largo y sobre la cosmogonía Zoque, sobre las máscaras de los españoles, sobre los dioses, es algo complejo, todo un universo.
La película ha estado en diversos festivales ¿cómo ha sido la reacción del público?
Ha sido una recepción muy bella, hemos tenido sesiones de preguntas y respuestas de una hora y media después de la función, largas, que incluso se han tenido que cortar. Se han generado muchas emociones, muchas reflexiones sensibles en cuanto al retornar, todas muy diferentes, en todos los lugares en los que se ha presentado, incluso en el extranjero la película ha generado una sintonía muy particular.
En México ha habido proyecciones muy bellas, tuvimos dos proyecciones en comunidades indígenas que no son de la lengua zoque y hubo mucha conexión con eso, a pesar de que no es la misma lengua, había esa conexión del retornar a la tierra y del origen. Fueron respuestas y reacciones del público muy valiosas.
¿Cómo surge el lanzamiento del canal MX Nuestro Cine?
Como es bien sabido, el Canal 22 tiene una vocación cultural fundamental y durante toda su existencia ha dado un papel muy importante a la cinematografía, dentro de esto al cine mexicano, pero también hay una conciencia de que nuestro cine necesita mucha mayor visibilidad, que los espacios que encuentran nuestras películas, incluso las muy contemporáneas, para ser vistas son reducidos, con difícil acceso a las salas cinematográficas; entonces, hay un gran número de películas que se producen en el país, que si bien pueden seguir un circuito de festivales y ser muy reconocidas en general, cuando regresan al proceso de exhibición, uno que debería de ser natural, se topan con que realmente no hay espacios adecuados ni justos para que esto suceda.
Esta es una preocupación por parte de la televisión pública, por lo que se esta tratando de que el cine, a través de la pantalla de televisión, pueda ofrecer a la audiencia televisiva acceso a la cinematografía porque es muy importante, es un reflejo de no-
sotros, a veces para bien, otras veces nos desagrada lo que vemos porque no somos tan bonitos como nos gustaría, pero, también están ahí nuestras mejores causas, nuestro amigos, ideales, preocupaciones, es un espejo de la sociedad, por ello es absolutamente necesario que la sociedad tenga acceso a ver todo lo que se está haciendo en esta forma de expresión. Es eso: garantizar acceso.
El canal surge porque se ve esta necesidad, el proyecto está en construcción desde 2019, para luchar para que una de las señales esté al servicio de la transmisión del cine mexicano.
¿Qué tenemos? Tenemos cortometrajes, documentales, ficción, animación, entrevistas a creadores. Se transmite un corto y puede ir acompañado de una entrevista que se había hecho en el archivo de Cine-secuencias (2018) y que se recupera para mostrarse en acompañamiento a la película o incluso, una serie muy valiosa pero tal vez no muy vista que se llama Los que hicieron nuestro cine (2002).
En entrevista con la Revista Cameo, Guadalupe Ferrer Andrade, coordinadora de MX Nuestro Cine, platica sobre el nuevo canal de televisión abierta dedicado a la difusión del cine nacional por CARLOS MORA¿Cuál será el alcance de cobertura del canal?
Tenemos el tema de que el Canal 22.2 baña como televisión abierta al Valle de México y que en el resto de la República pueden entrar por distintos sistemas de cable, quien tiene internet lo puede ver por streaming, entonces lo queremos es poder dar acceso por televisión abierta a todo el país, eso nos encantaría, pero por el momento estamos con esto y creo que es una ganancia el hacer que la gente visite, revisite o vea por primera vez cine mexicano. Cabe resaltar que también tendrá presencia en sistemas de cable que cubren territorio nacional, estos son: Sky, Megacable, Dish, Izzi y Total Play. Además, en redes sociales pueden encontrar al canal como “MX Nuestro Cine”. Claro, la apuesta es que algún día lleguemos por televisión abierta a nivel nacional.
¿Cómo funcionará el acervo fílmico?
Por ejemplo, la película Como agua para chocolate (1992) fue un acto generoso de su director Alfonso Arau, se la pedimos y la facilitó, al momento de la transmisión aparecía “Canal 22” no decía “MX Nuestro Cine agradece el apoyo del director”; así varios distribuidores mexicanos, que algunos también son productores como Mandarina Films, Pimienta Films, Machete Films, etcétera, han sido también muy generosos y han participado con nosotros permitiéndonos que en un espacio dominical, prime time como se le conoce al horario de las 21 hrs, nosotros podemos transmitir sus películas y siempre lo haremos con el reconocimiento al gesto que ellos han tenido.
Estoy muy contenta de decir que Nudo Mixteco (2021), que acaba de ganar un Ariel, la vamos a transmitir el 25 de diciembre, eso gracias a Mandarina Films. También vamos a transmitir La habitación (2016) de Machete Producciones y aquí me gustaría poner un ejemplo, en el archivo de Cine-secuencias se grabó el rodaje de esa película detrás de cámara, entonces hay dos programas de cómo se hizo esa película que reúne varios talentos y a varios directores en una historia sobre cómo se va transformando un espacio habitacional según el tiempo, además hay entrevistas sobre las participaciones de directores de arte, productores, etcétera, así cuando la gente vea todo eso verá que cuesta muchísimo hacer una película, no me refiero sólo a dinero, sino a talento, esfuerzo, tiempo. La idea es que queramos, apreciemos y nos guste nuestro cine.
¿Se han acercado con más directores?
En general estamos agobiados, pero ahí vamos. Sí, nos
hemos acercado a otros directores que también han visto de muy buena gana la posibilidad de que transmitamos sus películas, esto comenzará en enero del 2023, ya verán. Así que, por ahí veo un encuentro bueno de ganar-ganar, pues podemos hacer visible los proyectos, la gente se va a acercar a determinadas obras y va a disfrutarlo, quien nos apoye tendrá la recompensa de haber hecho una película que pueda ver la gente.
Estamos interesados también en adquirir derechos, pero eso va a ser a más largo plazo porque es un tema de recursos, pero reconocemos perfectamente bien la importancia de adquirir derechos. Por el momento trabajamos mucho con la buena disposición de los directores y distribuidores.
Por otro lado, con la Filmoteca de la UNAM ha sido una relación muy buena porque nos han dado varios títulos que son súper importantes y que, no sé por qué, no son tan conocidos, cuando son una maravilla. Parte del cine silente que se ha restaurado como El tren fantasma (1926), algo que nos tiene muy contentos, tendrá más horarios porque algo que estamos haciendo es repetir un mismo título en distintas ocasiones con el fin de dar la posibilidad de que más gente pueda ver las películas, los cortos, los documentales, con todo.
Vamos a contar también con unos materiales de la Universidad de Guadalajara (UDG), del Departamento de Imagen y Sonido que igualmente han hecho unos trabajos estupendos, en fin, la idea es abrir la posibilidad de que las obras sean vistas.
Muchas películas que ganan o son nominadas al Ariel a veces no llegan al cine ¿habrá algún acercamiento con la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) para la transmisión de algunos de estos títulos?
Claro, lo que pasa es que la AMACC tampoco es dueña de derechos, con la Academia ya existe una propuesta, que supongo ellos están pensando, para que pudieran tener un espacio permanente para hablar sobre lo que les importa de la cinematografía, del estado actual de la industria.
Además, ellos han hecho una gran cantidad de trabajos, conversatorios que podrían transmitirse porque son con la gente que hace nuestro cine, entonces me imagino que si de aquella serie que hicieron llamada Jueves de cine (2021) en Casa Buñuel, ellos quisieran compartir a Canal 22 parte de estos programas sería algo maravilloso, pues incluye no sólo voces de maestros sino también de los jóvenes talentos que están por ahí. ¡Ahí vamos!
“El 14 de marzo cumplí 83 años, así que se puede decir que estoy viviendo horas extras, y las he vivido muy contento. Si puedo vivir 10 años más, sería una propinota que me dará la vida, pero no estoy angustiado ni estoy azotado; simplemente quiero seguir trabajando en lo que hago: escribir, dirigir, actuar y cumplir mi ciclo. Con eso estoy más que satisfecho.”
es un extracto de una de las últimas entrevistas que Héctor Bonilla concediera a un medio periodístico este año, meses antes de fallecer a consecuencia de un cáncer de riñón que lo aquejaba desde unos años atrás. Con su deceso, concluyen más de 60 años de versátil carrera, en los cuales deambuló por los escenarios del teatro, la televisión y el cine.
Héctor Hermilo Bonilla Rebentun (su nombre completo), nació el 14 de marzo de 1939 en Tetela de Ocampo, Puebla. Estudió en la Escuela Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes de México (INBA) Entre sus primeras obras teatrales figuraba Puños de oro, la cual presentó en 1962.
Ese mismo año, debutaría en el séptimo arte con Jóvenes y bellas, una comedia romántica dirigida por Fernando Cortés. En 1967, Bonilla apareció en su primera telenovela, que se titulaba La Casa de las Fieras, en la que interpretó al personaje de Ramiro.
En el universo cinematográfico, Héctor participaría en alrededor de 38 películas. Durante los años sesenta y setenta intervendría en títulos como Pax? (1967) de Wolf Rilla (la cual
nunca fue estrenada); Con licencia para matar (1968) de Rafael Baledón; Patsy, mi amor (1968) de Manuel Michel, -con guión de un entonces incipiente Gabriel García Márquez-; y varias películas emblemáticas en la carrera del cineasta Jaime Humberto Hermosillo como El cumpleaños del perro (1974), Matinée (1976) y María de mi Corazón (1979).
De esa época, sin embargo; el actor mismo resalta su participación en tres filmes particulares. El primero de ellos es Narda o el verano (1970) de Juan Guerrero, de la que él mismo comenta: “Hice una película basada en un cuento de Salvador Elizondo, que es idéntica a Y tu mamá también (Alfonso Cuarón, México, 2001). Es el mismo argumento, nada más que el éxito monumental que tuvo la de Cuarón fue gracias a que se hizo con una mirada más abierta. Nosotros la hicimos con la gazmoñería de la época encima. Pero es la misma historia: dos amigos que no se atreven a reconocer una relación homosexual y la consuman a través de una mujer. Es exactamente lo mismo. La fotografiaba Gabriel Figueroa y éramos Enrique Álvarez Félix, Amadee Chabot y yo.”
El segundo y tercer filme de los cuales hace mención son El cambio (1971) y Meridiano 100 (1976), ambos bajo la dirección del también ya fallecido Alfredo Joskowicz, participando como guionista en este último.
“Me cabe la enorme satisfacción de haber estado en la primera película independiente que se filmó en el país”, recuerda Bonilla con orgullo al referirse a El cambio. Pero no pasa lo mismo con Meridiano 100, la cual recuerda como un proyecto que no salió bien.
“Junto con Alfredo Joskowicz quería buscar el camino de la independencia fílmica. Entonces empezamos a planear una segunda película. Escribimos el guion, pero tuvimos un distanciamiento porque tocamos un tema muy delicado. Era una película que sostenía que la guerrilla foquista, (una teoría revolucionaria inspirada por el Che Guevara) no funcionaba, y tratábamos de dejar en claro que la que funcionaba era la de Vietnam”, relata el artista.
Y explica: “La película era sobre un grupo de guerrilleros que se meten a la sierra en la desorientación total, en el aislamiento y que acaban matándolos a todos. Pero Alfredo, que era un intelectual, votaba mucho por trabajar de forma directa con el cuento francés que derivó la película, y yo insistía en que fuera más político. Vale más ser obvio que confuso con un tema tan
delicado. Esto dio como resultado que fuera una película fallida. Quedó perdida” dijo.
El activismo político de Héctor Bonilla siempre fue una constante en la carrera del actor. De hecho, recuerda que su participación en Narda o el verano posiblemente le salvó de haber muerto la fatídica noche del 2 de octubre, en la masacre en la Plaza de las Tres Culturas. “Se hizo en 1968 y me salvó la vida, pues el 2 de octubre, en lugar de estar en Tlatelolco, me encontraba en Acapulco filmándola. Se estrenó en 1970”.
Y dicho activismo es muy patente particularmente en dos filmes emblemáticos, que aluden a esa funesta fecha y a los días venideros: Rojo amanecer (1989) de Jorge Fons, y El bulto (1991) de Gabriel Retes. En la primera, interpreta a Humberto, un padre de familia en medio del conflicto de la Matanza de Tlatelolco; mientras que en la segunda le da vida a Alberto, ex militante político quien se reencuentra con Lauro (Retes), viejo compañero de luchas quien recibiese un brutal golpe durante la matanza del 10 de junio de 1971 (conocida como el halconazo), y quedando en coma como consecuencia. Lauro despierta varios años después, solo para descubrir un mundo diferente, donde los ideales por los cuales lucharon parecen estar en declive.
Sobre Rojo amanecer, Héctor afirmó que “Es fundamental para mí, pero que va mucho más allá de mi trabajo, porque yo la inventé. Es decir, el guion que escribió Javier Robles no se podía filmar por muchas cuestiones en esos tiempos, y yo fui el único pinche loco que se metió en esa aventura. Pero esas son cosas extras de trabajo”.
A lo largo de su carrera cinematográfica, el actor fue acreedor a seis nominaciones a los Premios Ariel de las cuales ganó tres, en 1975 por su participación en Meridiano 100; en 1991 por su actuación en Rojo Amanecer; y el último fue el Ariel de Oro en reconocimiento a su gran trayectoria que le fue otorgado en 2019.
En los últimos diez años, Bonilla continuó alternando su presencia en el teatro, la televisión y desde luego en el cine, interviniendo en diversos filmes como Las paredes hablan (2012) de Antonio Zavala Kugler; Una última y nos vamos (2015) de Noé Santillán-López; 7:19 (2016) de Jorge Michel Grau; Treintona, Soltera y Fantástica (2016) de Chava Cartas; El Hotel (2016) de Carlos Marcovich; Ana y Bruno (2017) de Carlos Carrera (donde prestó su voz al personaje del Doctor Méndez); Una familia con madre (2018) de Enrique Arroyo y Dime cuándo tú (2020) de Gerardo Gatica González.
Su último papel estelar fue interpretando a Don Servando en Una navidad no tan padre estrenada en Netflix en 2021, la cual es secuela de la película del 2016, Un padre no tan padre, ambas dirigidas por Raúl Martínez.
En un mensaje compartido en Twitter por su hijo Fernando Bonilla, se dio a conocer que el mismo actor escribió años atrás su propio epitafio en el cual expresaba una frase muy acorde a su forma de ser: “Se acabó la función, no estén chingando. El que me vio, me vio. No queda nada”.
EL TIEMPO DEL ARMAGEDÓN Distribución: Cine Caníbal
EL TIEMPO DEL ARMAGEDÓN es el más reciente ejercicio fílmico de un cineasta repasando su infancia durante momentos de cambios políticos y sociales determinantes para su país, en esta ocasión es James Gray quien nos sumerge en la Nueva York de la década de los 80 para componer una agridulce mirada al fin del sueño americano y el malestar de una sociedad llena de desigualdades y profundamente racista; el fin de los tiempos que, metafóricamente, anuncia el título.
La historia gira en torno a Paul Graff (Banks Repeta), quien lleva una infancia tranquila en los suburbios neoyorquinos. Junto a Johnny (Jaylin Webb), un compañero de clase excluido por su color de piel, se dedican a hacer travesuras. Paul cree contar con la protección de su madre (Anne Hathaway), presidenta de la asociación de madres y padres de alumnos, y de su abuelo (Anthony Hopkins), con el que mantiene una muy buena relación. Pero, tras un incidente, es enviado a una escuela privada, cuyo consejo de administración cuenta con el padre de un importante político. El elitismo y el racismo sin complejos
con el que se encuentra, cambiarán drásticamente su mundo.
Gray es un cineasta con un marcado estilo clasicista, sin embargo, El tiempo del Armagedón se siente como algo inédito en su filmografía, no necesitamos de una declaración del director para constatar que se trata de un proyecto muy personal, una obra con mucha sensibilidad y corazón, pero también muy honesta al momento de observar las fisuras en la era de Ronald Reagan. Este sentimiento es lo que marca la distancia con relación a sus otras películas.
Como era de esperarse, el elenco compuesto por actores consolidados es una de las mayores fortalezas de la película (memorable Anthony Hopkins), así como la fotografía de Darius Khondji y la reconstrucción del ánimo de una sociedad preocupada por un porvenir incierto. No todo es perfecto, faltó profundidad en el personaje más importante, Paul, el cual llega a ser insufrible, así como el desaprovechamiento de tramas con mucho potencial para redimir al personaje, pero es imposible no caer rendidos ante esta cautivadora mirada al pasado.
RODRIGO (Daniel Tovar) y Gabriela (Natalia Téllez) son una pareja que llevan ya un tiempo juntos, y entre ellos existe una buena relación, donde parece imperar el amor, la comprensión y la confianza. Una noche, mientras tienen una agradable velada con un par de amigos, entre la conversación casual surge el tema de los amores permitidos, es decir, una especie de acuerdo entre parejas en el cual cada uno de sus integrantes se compromete a tolerar y permitir que el otro sostenga una relación amorosa con su ídolo, si se diese la remota posibilidad. Tras polemizar un poco en el tema y, a modo de juego, la pareja protagónica acepta el acuerdo, y continúan con la velada tranquilamente.
Un par de días después, mientras Rodrigo sale de su trabajo a la calle por café, sufre un accidente y es arrollado por el vehículo de la afamada actriz y modelo española Macarena Barrios (Clara Lago) –casualmente, la permitida del protagonista-, quien apenada por el hecho (y tratando de evitar una futura demanda la cual dañe su imagen pública), decide invitar a salir a Rodrigo,
fingiendo estar un poco interesada en él. Este último acepta, y le miente a su pareja para poder llegar tarde a casa, argumentando cuestiones de trabajo.
Esa noche las cosas se salen un poco de control, y tanto Macarena como Rodrigo terminan festejando en un antro, y desatrampándose un poco en público. Tras volver a casa, él le oculta a Gabriela lo ocurrido para no lastimarla. Pero para su mala suerte, alguno de los asistentes a ese antro le tomó video, y lo sube a redes volviéndolo tendencia, así que para la mañana siguiente sus amigos, compañeros de trabajo, y en realidad, todo el mundo se entera de lo que pasó… incluida Gabriela. Herida y desconcertada al descubrir la mentira de Rodrigo, ella le recrimina y discuten fuertemente. Y de ahí las cosas entre ambos comienzan a complicarse, y su relación comienza a venirse abajo.
En Amores permitidos , el cineasta -especializado en comedia- Raúl Martínez (Un padre no tan padre, El mesero, Cuando sea joven ) hace un remake de la cinta argentina Permitidos (2016), escrita por Julián Loyola y Jonathan Kleiman –con base en una historia de Gabriel Korenfeld-, y dirigida por Ariel Winograd, en el cual plantea una humorosa –aunque conservadora- reflexión sobre la infidelidad, las relaciones sentimentales y los celos.
Al conflicto entre la pareja protagónica, se añade un elemento más como catalizador: la intervención de las redes sociales y los medios de comunicación (particularmente de la televisión) quienes en un ánimo sensacionalista y en su búsqueda del mero espectáculo banal y efímero, actúan inescrupulosamente (o están dispuestos a hacerlo) y terminan por exponer –y humillar- a los involucrados de forma pública. Aunque la película hace algunos apuntes interesantes sobre dichos tópicos, se queda un tanto en la superficie. Y aunque lo que trata de contar es una comedia ligera y de enredos, no le hubiera venido mal profundizar y matizar un poquito más en esos rubros.
TINJA (Siiri Solalinna) es una jovencita finlandesa quien parece vivir una vida de ensueño, al lado de su hermano Matias (Oiva Ollila), su padre (Jani Volanen) y su madre (Sophia Heikkilä). Esta última es una influencer que constantemente sube videos sobre su familia de apariencia perfecta, y alienta a su hija a practicar la gimnasia, a lo cual ella accede, tratando de complacer los deseos de su progenitora.
Un día, mientras su mamá graba un video para su popular blog , un cuervo entra a la casa, provocando estropicios en la sala. Tras ser capturado –y ultimado por la mujer-, a Tinja se le encarga la ingrata tarea de deshacerse del animal muerto. Esa misma noche, la menor es despertada por un extraño ruido, y se adentra en la zona boscosa cercana a su hogar para descubrir al ave que se encuentra aún con vida. Tras ponerle fin a su dolorosa agonía, la joven encuentra cerca del cuervo un peculiar huevo el cual parece pertenecerle. En una acción resultado de la culpa y la piedad, decide llevárselo consigo e incubarlo en su habitación en secreto.
Tras regresar de una rutinaria práctica gimnástica, la adolescente descubre a su madre en los brazos de otro hombre llamado Tero (Reino Nordin). Lejos de tratar de tratar de ocultar lo sucedido o mostrar algún indicio de vergüenza o arrepentimiento, ella le comenta que su relación con este hombre es algo necesario para ser feliz a plenitud, y le pide a su hija no comentar nada y manejar el asunto como un secreto entre ellas. Mientras tanto, el huevo al cuidado la niña cuida comienza a crecer desmesuradamente conforme pasan los días.
Para la siguiente práctica de gimnasia se
integra Reetta (Ida Määttänen), otra jovencita quien reciente se ha mudado al lugar y, de hecho, vive cerca de ellos. Mientras observa la rutina ejecutada por la recién llegada, la madre de Tinja se percata de que la nueva alumna es muy talentosa, y presiona a su hija hasta grados límite para perfeccionar su propia rutina, propiciando que una de sus manos se ampolle y termine por sangrar. Esa noche, mientras la niña acaricia el huevo (que para entonces es ya del tamaño de ella), no se percata de que el cascarón del mismo absorbe la sangre que brota de sus heridas.
No pasa mucho tiempo para que el descomunal huevo eclosione, y lo que sale de allí es un híbrido monstruoso, el cual pronto revelará un vínculo muy especial con la menor, respondiendo (muchas veces agresivamente) a las emociones manifestadas por ella. Simultáneamente, la vida de Tinja comienza a sufrir de dramáticos reveses, y la presencia de esta criatura no hará sino precipitarla a ella y a toda su familia a un dramático desenlace.
Cría siniestra ( Hatching/Pahanhautoja, Finlandia-Suecia, 2022) es el primer largometraje de la directora Hanna Bergholm. Un relato oscuro y fantástico, donde empleando el recurso del doppelganger o doble malvado, concibe alegorías sobre diversos tópicos, como los muchas veces dolorosos ritos de paso de la infancia a la adolescencia; de las difíciles relaciones entabladas entre madres e hijas, pero, sobre todo; de las consecuencias que una maternidad asfixiante, megalómana e impositiva pueden tener en los menores de edad, engendrando seres de psiques quebradas y retorcidas.
CRÍA SINIESTRA Distribución: Cine Caníbal
CONOCIDO por sus películas de comedia, suspenso y romance, Humberto Hinojosa Ozcariz se adentra en el cine de terror con No abras la puerta, una historia en la que explora temas como el peso del linaje y la violencia de género a partir de elementos sobrenaturales en lo que, en definitiva, es un coming-of-age sobre los miedos por repetir los errores de nuestros antepasados, tomar nuestras propias decisiones y de autodescubrimiento.
No abras la puerta sigue a Fausto (Iñaki Godoy), un tímido adolescente y su madre Rosario (Elena de Haro), una mujer religiosa, quienes cambian de ciudad huyendo de su pasado y buscando una vida en la que puedan pasar desapercibidos. Fausto establece una relación cercana con Esther (Ximena Lamadrid), una joven que le hace sentir por primera vez que pertenece. Sin embargo, en este nuevo hogar una serie de apariciones y muertes siniestras transforman su vida, una fuerza obscura lo amenaza. Fausto deberá descubrir que el origen del mal proviene de él mismo.
Con un elenco que también incluye a Mauro Sánchez Navarro y Alberto Guerra, esta película sobre los fantasmas del pasado se toma su tiempo para revelar el conflicto interno del personaje, un relato a cuenta gotas que no siempre funciona cuando se trata de generar tensión o impacto, una decisión que también repercute en un ritmo terriblemente irregular, haciendo imposible mantener interesado al espectador aun con su trama de herencias malditas y el descubrimiento del primer amor.
Si bien destacan algunas secuencias de terror bien ejecutadas como la escena de apertura, estas van perdiendo relevancia conformo la trama se acerca a su resolución, para entonces, todo se vuelve predecible. No obstante, hay elementos que merecen ser destacados, por ejemplo, la actuación de Iñaki Godoy y Ximena Lamadrid, el maquillaje y prostéticos, así como una fotografía grisácea que acentúa la soledad de las calles de la ciudad y la sensación malsana de la atmósfera.
En suma, No abras la puerta es otra película de buenas intenciones que no consigue trascender, condenada irremediablemente al olvido.
Reviviendo la Navidad es la comedia navideña que llega a alegrar la temporada, entre risas, enredos y claro las reuniones familiares. Chuy (Mauricio Ochmann), un hombre malhumorado que cada año lamenta celebrar su cumpleaños el 24 de diciembre, se despertará un año después sin recordar nada del año que ha pasado. Pronto se dará cuenta de que tras una maldición, está condenado a seguir despertando Nochebuena tras Nochebuena para lidiar con las consecuencias de no aprender las lecciones sobre amor, empatía y aceptación que le permitirán reconectar con sus seres queridos. Atrapado en esta divertida prueba decembrina, Chuy estará acompañado de su emprendedora esposa; Daniela (Ana Brenda Contreras), sus simpáticos padres; Silvia (María Rojo) y Nestor (José Sefami) y una Diva Madrina (Mannu NNa) muy multifacética. Esta divertida comedia navideña es dirigida por Mark Alazarki.
REVIVIENDO LA NAVIDAD Dónde ver: Netflix
ViX+ presentó su nueva serie romántica Travesuras de la niña mala, basada en la aclamada novela de Mario Vargas Llosa, ganador del Premio Nóbel. Protagonizada por Macarena Achaga y Juan Pablo Di Pace, bajo la dirección de Alejandro Bazzano y Pavel Vázquez.
La serie relata la épica historia de amor de una joven inconformista y aventurera, y Ricardo, que está atrapado en una rutina previsible y al que ella llama el “niño bueno”. Gracias a “la niña mala”, este aprende a salir poco a poco de su elemento. La vida de los dos personajes se entrelaza en el trascurso de 40 años en encuentros en Lima, París, Madrid, Tokio y Londres, entre otras ciudades. La “niña mala” nos desafía a cuestionar la vida en piloto automático, transformarnos y asumir más riesgos para sentirnos vivos y buscar la felicidad en lo emocionante. Se plantea qué vale la vida sin esos momentos de emoción, desde la perspectiva de un personaje que vive como si fuera inmortal.
La nueva serie es producida por W Studios y estrena en exclusivamente en ViX+, el servicio premium de streaming en español de TelevisaUnivision que ofrece a los suscriptores más de 10,000 horas de contenido premium, incluidas más de 70 series y películas originales de ViX+ durante su primer año. ViX+ está disponible con suscripción en Estados Unidos, México y la mayoría de los países de Latinoamérica.
La serie fue escrita por la experta guionista María López Castaño y cuenta con David Azcano como cinematógrafo. Participan también Fernando Soto, Fernando Cayo, Martijn Kuiper, Rowi Prieto, Vanessa Saba, Víctor Civeira, Néstor Rodulfo, Steph Bumelcrownd, Javier Dulzaides y Renata Chacón.
DESPUÉS, la segunda película de ficción de la cineasta Sofía Gómez Córdova (Los años azules, 2017), terminó su rodaje después de un mes de filmación en Jalisco (Guadalajara y Melaque) y en Aguascalientes.
Acompañada en actuación por primera vez por su hijo Nicolás Haza, Ludwika Paleta protagoniza esta cinta dando vida a Carmen, una mujer que después de haber perdido a su hijo de 20 años, Jorge (interpretado por el mismo Nicolás), debe enfrentarse con el pasado y sus decisiones, con su propia identidad. ¿Qué le queda después de la pérdida?
El camino de la sociedad mexicana hacia una realidad más equitativa en torno al lugar de las mujeres sigue siendo largo y complejo. Después busca iniciar nuevos diálogos en torno a la maternidad y las decisiones que ésta conlleva.
"El filme es una reflexión sobre la maternidad desde distintas alternativas: la decisión de desearla, la decisión de vivirla, la decisión de rechazarla, y sobre las circunstancias que atraviesan las generaciones de mujeres al momento de encarar estas decisiones, cuando los preceptos sociales sobre los roles de género, las relaciones sentimentales o la sexualidad se han ido transformando", comentó Sofía Gómez Córdova.
El año de la plaga, cinta basada en la novela de Marc Pastor, es una coproducción entre México y España, cuenta la historia de Víctor (Iván Massagué), quien después de romper con Irene (Ana Serradilla), sus amigos se empeñan en encontrarle una nueva novia.
A pesar de estar renuente a olvidarla, Víctor se da la oportunidad de conocer a Lola (Miriam Giovanelli), el conecte de sus amigos de trabajo. Pero un día de repente, Irene lo llama y le pide ayuda, ya que la gente a su alrededor se está comportando de un modo diferente, como si hubieran perdido los recuerdos y las emociones.
Eventos inexplicables están sucediendo a su alrededor, como si “algo” poseyera a las personas, haciendo que su comportamiento cambie.
Influido por las películas y series que han marcado su infancia en los años 80s, Víctor tendrá que enfrentar sus miedos y convertirse en el héroe que nunca fue, para rescatar a Irene de un siniestro destino.
"Hace ocho años fui a una librería a buscar un libro, y paseando por los pasillos me encontré con la típica mesa con las pilas de las novedades literarias. Entre ellas estaba El año de la plaga. Agarré un ejemplar, leí la sinopsis y pensé que ahí había un material estupendo para hacer una película. Y así se quedó. Con el tiempo, el productor David Matamoros de Zentropa me llamó y me habló de la posibilidad de hacer una adaptación de un libro. Cuando me dijo el título resultó que era El año de la plaga. Me preguntó que si lo conocía, le contesté que claro que lo conocía y le conté lo que me había pasado”, comentó el director Carlos Martín Ferrera.
El año de la plaga es distribuida por Benuca Films y se estrena el 29 de diciembre en cines selectos.
El sueño de ayer, largometraje dirigido por Emilio Maillé, donde Rubén Albarrán da vida a Dámaso Pérez Prado, el famoso músico cubano, considerado ¡el rey del mambo! disponible en la plataforma Amazon Prime Video Latam.
El sueño de ayer, da inicio cuando el músico cubano Dámaso Pérez Prado despierta en el año 2020 y está en busca de Magdalena, la mujer que amó y perdió. El dilema es, que Pérez Prado está muerto desde hace mas de 30 años y no se ha dado cuenta de ello.
En su búsqueda encuentra a Lázaro un joven que lo guiará por la ciudad de México en un viaje de ensueño y lleno de trabas, lo cierto es que la vida conducirá a Dámaso de vuelta con Magdalena y de regreso a una muerte más tranquila.
Este cuarto largometraje de Emilio Maillé, es protagonizado por Rubén Albarrán, Benny Emmanuel, Mikaela Monet , Raquel Martínez, , Arcelia Ramírez, Ofelia Medina, Blanca Guerra, Paco Rueda, Claudette Maillé y Adriana Llabrés, es producción de Alebrije Producciones y el Caimán en coproduc-
ción con Simplemente, North Films, Cluster Studio y Estudios Churubusco Azteca.
”
El sueño de ayer, fantástico viaje con Dámaso Pérez Prado, es una película contemporánea, donde las memorias del personaje principal llegan por oleadas confusas, en un desgarrador y melancólico viaje por la ciudad de México que se entrega como un set fantástico y mágico. No se trata de un biopic de Pérez Prado, “el sueño de ayer” es mas bien una película que tiene que ver con la memoria y la nostalgia", confiesa Maille.
Y añade, "es tocar al pasado, pero en el presente Pérez Prado es un personaje perdido en el tiempo pero que la música y la noche guían hasta encontrar lo que busca. Aquí Pérez Prado es un personaje cansado y soñador. Una especie de quijote del ritmo, incansable, hablador, sin sueño y en búsqueda sin límites del amor de su vida. El filme es un proyecto donde morir de nuevo es lo más desgarrador que podría suceder, y donde la vida, aún muerto, bien vale la pena ser vivida”.
EL SUEÑO DE AYER Dónde ver: Prime Video
POR SU IMPECABLE y enorme trayectoria a nivel internacional para fortalecer al cine independiente, el cineasta y productor catalán, Lluís Miñarro, recibió el Premio Cuórum Morelia Iberoamericano 2022 durante la séptima edición de Cuórum, festival de Cine Independiente con Perspectiva de Género y LGBT+.
Miñarro ha producido cincuenta largometrajes que han sido seleccionados en los festivales más importantes a nivel internacional, como el Festival de Cannes, la Berlinale, la Mostra de Venecia, el Festival de San Sebastián y el Festival de Locarno. En manos de Antonio Álvarez, director de Cuórum Morelia, se le otorgó el símbolo del uróboro que simboliza el ciclo eterno de las cosas y el esfuerzo y/o lucha eterna.
Sumamente emocionado Miñarro mencionó: “Estoy muy contento con el recibimiento que me han dado en Morelia, pero sobre todo en participar en un festival como lo es Cuórum, un espacio necesario para el diálogo y la reflexión y reconocer el trabajo que han hecho para seguir exhibiendo cine independiente...El cine mexicano es muy importante, por lo cual hay que mantener esa imagen del cine, porque también es una respuesta de cómo es el país en el extranjero”.
Las películas de Eddie Saeta, la productora que Miñarro fundó hace más de treinta años, han conseguido más de 120 premios internacionales, entre ellos, la Palma de Oro del Festival de Cannes por Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (Apichatpong Weerasethakul) en la 62ª edición del Festival de Cannes en 2010. Con su cine ha representado a Cataluña y a España en más de 800 festivales internacionales.
Cuórum Morelia decidió realizar el FOCO EDDIE SAETA para reconocer la valentía y la creatividad que Miñarro ha puesto en películas que mueven, porque ha tenido la visión y sensibilidad de apostar por directores valientes por lo que se eligieron tres de sus títulos emblema: Stella cadente, Family Strip y Escudella.
La ceremonia de clausura de la séptima edición de Cuórum
Morelia que presentó más de 20 películas con temáticas relacionadas al género y a la identidad sexual, así como proyectos con nuevas propuestas artísticas.
“El valor de ser diferente” fue el lema que abanderó este año, durante el discurso de clausura se explicó que ser diferente siempre es estar expuesto al escarnio público en todos los sentidos, quien es diferente y quiera vivir como su corazón le dicta, debe estar dispuesto a ser valiente, y el valor no llega del cielo, sino de las adversidades. Además de reconocer a todxs lxs realizadores nacionales e internacionales que participaron este año, de manera conjunta la equipa del festival invitó a “Ser valientes, ser diferentes, que solo así encontramos a nuestrosverdaderos amigxs”.
ALEJANDRO ANDRADE PEASE inicia el rodaje de su segundo largometraje Hombres Íntegros, filme que hablará sobre el machismo y la inconsciencia patriarcal.
La trama surge de la experiencia que el cineasta tuvo durante su infancia y adolescencia. Con este filme, el realizador reflexiona sobre la identidad, la familia y el miedo a ser uno mismo en un contexto social económicamente privilegiado.
El cineasta apuesta por un elenco juvenil para estelarizar su segunda película la cual trata sobre Alf (interpretado por Andrés Revo), un adolescente privilegiado, que regresa a estudiar a su escuela, después de estar un año afuera. Ahora ya no se identifica más con sus amigos de siempre, deportistas y populares, sino que empieza a acercarse a Oliver (interpretado por Joaquín Emanuel Garduño), un alumno nuevo y totalmente diferente al resto de los chicos. Sin comunicación verdadera en casa, ni padres presentes, Alf tendrá que enfrentar solo este momento de transición en su vida y escoger entre seguir con su vida de antes o cambiar todo y enfrentarse a los demás. Un terrible suceso hará que la amistad entre Alf y Oliver quede profundamente fracturada, dejándole a Alf una gran lección de vida que tendrá que aprender para crecer y madurar.
El resto del elenco juvenil está conformado por Arianna Arely Hermosilla, Emilio Puente Bustindui, Héctor Kuri Hernández, Pablo Delgado Márquez y Jan Ades Lipovich,. Además, el reparto se completa con artistas de gran trayectoria como: María Aura, Tomás Rojas, Moisés Arizmendi, Norma Pablo, Concepción Márquez, Elizabeth Guindi y Verónica Toussaint.
Después del éxito de su ópera prima, Cuernavaca (2017), selección oficial el Rome Film Festen 2017 y en Festival Internacional de Cine de Guadalajara 2018 y ganador de los premios de mejor película, mejor actriz y mejor director en el New York City International Infest Film Festival en 2018; premio a la dirección en el Festival Internacional de Cine de la Paz en 2018; y Mejor película mexicana en el Playa del Carmen International Queer Film Festival 2019. Alejandro empezó a escribir en 2018 junto con Armando López Muñoz lo que sería el guión de su siguiente largometraje que pasó por varios talleres y asesorías hasta obtener el resultado final.
“Hombres Íntegros es una película que surge de un lugar muy personal. Estudié en una escuela parecida a la que retratamos, y en primera persona pude ver tanto lo positivo como lo negativo de la clase dominante que ahí se educaba. Sobre todo el tema del machismo, el clasismo y racismo. Que en esos entornos parecen bromas, pero que pueden acabar en tristes historias. Este es un intento de hablar de esto y mostrar la génesis del machismo en un grupo de jóvenes”, comentó el realizar.
La película contará con música original de Christina Rosenvinge, una cantautora española de ascendencia danesa de música rock/pop e indie.
