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NÚMERO 19

FEBRERO 2023

AÑO 3

Editor:

Carlos Mora

Co editora:

Maribel De Luna

Colaboradores:

Elizabeth Osorio

Cinthya Salas

Alejandra Lomelí

Francisco Javier Quintanar Polanco

Diego Guerrero Cedillo

Angélica Ramírez

CORREO:

cameo.revista@gmail.com

REVISTA CAMEO

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VECINDADES, PALACIOS OLVIDADOS INSPIRACIÓN DEL CINE MEXICANO

por ELIZABETH OSORIO

Alma (Salma Hayek) desde la ventana de su cuarto de vecindad, fotografía icónica de El callejón de los milagros, filme que retoma este tipo de viviendas como escenario, como se hacía en la época del cine de oro.

Entrañable es la escena de la película Los Caifanes, en la que Paloma interpretada por Julissa y el Estilos quien fuera el maestro Oscar Chávez, romancean en la oscuridad de la noche bajo los tendederos de una antigua vecindad del Centro Histórico de la Ciudad de México.

Mientras Paloma coquetea con el Estilos, dice sentirse maravillada con las ruinas de esa vecindad que ve por primera vez y llama “los palacios secretos convertidos en viviendas humildes”; por su parte el Estilos quien desea un beso suyo le responde que “quien sabe si le gustara teniendo que vivir aquí”.

La memorable canción Fuera del Mundo interpretada por Chávez sirve de fondo para el jugueteo de risas y miradas que los lleva finalmente a recargarse en uno de los muros de tezontle que detienen a ese palacio olvidado y que con seguridad tiene más de dos siglos.

Los Caifanes de Juan Ibáñez muestra a la antigua vecindad como parte del inframundo capitalino nocturno al que se aventuran Paloma y Jaime de Landa (Enrique Álvarez Félix), los novios de clase alta que se encuentran con los Caifanes (Sergio Jiménez, Ernesto Gómez Cruz, Eduardo López Rojas y Oscar Chávez), los chicos de barrio que los adentran a lugares inimaginables de México de mediados de los años 60.

Así como la vecindad fue el escenario central de ésta escena que desde mi gusto es una de las más icónicas del cine mexicano, estas viviendas que, según el Instituto Nacional de Antropología en Historia (INAH) datan de finales del siglo XVIII, han sido inspiración de un sin número de filmes.

Estas edificaciones se encuentran principalmente en el Centro Histórico y fueron palacios de virreyes o conventos, y con el pasar del tiempo comenzaron a ser adaptadas por las generaciones de principios del siglo XX para convertirse en las viviendas de la población más desfavorecida.

En la fisionomía de estas edificaciones destaca un elemento, el cual cumple con una función trascendental en las pelícu-

las mexicanas, debido a que es el espacio de convivencia donde festejan posadas, cumpleaños, funerales y hasta grandes bodorrios, reflejo de una clase social.

En la vecindad del filme El Callejón de los Milagros, protagonizada por Salma Hayek, Susanita (Margarita Sainz), la solterona dueña de la vecindad, celebra su esperada boda con Güicho (Luis Felipe Tovar), en el patio central adornado con las tradicionales palomas blancas en los tendederos y mesas largas en forma de luna para dejar la pista de baile al centro.

El centro de la vivienda sirve, también de velatorio para el funeral de Don Fidel, y es así como se vuelve el lugar en el que sus habitantes ríen y lloran, durante el filme de 1994 de Jorge Fons.

En El callejón de los milagros todos los personajes comparten el mismo espacio (la vecindad) en un barrio del Centro Histórico, el cual podría verse como el verdadero protagonista; por ello es que es una de las películas en las que puede apreciarse casi en su totalidad la fisionomía de la vivienda en sus diversas escenas: la escalera principal que conducía al nivel superior, donde largos y angostos pasillos conducen a las viviendas o a más patios destinados a los lavaderos.

Durante la época de oro del cine mexicano de 1936 a 1957, muchos filmes se desarrollaron en las vecindades: Nosotros los Pobres, con Pedro Infante; Casa de Vecindad y Retorno al Quinto Patio, ambas de 1951 en las que se permite ver el ambiente cotidiano en las vecindades.

Otros grandes clásicos del cine mexicano de oro, como El rey del barrio, el Revoltoso con Tin Tan, así como El Portero con Cantinflas, retratan la vida, usos y costumbres en las vecindades sin las cuales no se podría explicar la sociedad comunitaria del siglo XX, sin perder de vista el valor histórico y arquitectónico de sus muros.

A pesar del tiempo las vecindades de mantienen vivas y adaptándose a los cambios que implica la vida en la Ciudad de México.

Paloma y El Estilos coquetean dentro de una antigua vecindad del Centro Histórico. Película: Los Caifanes.

Tradicional vecindad de la Ciudad de México Fuente: Mediateca del INAH

SOMBRA AQUÍ, SOMBRA ALLÁ MAQUÍLLATE...

MAQUÍLLAME OTRA VEZ

Regina Blandón, protagoniza Maquíllame otra vez, ópera prima del guionista y director chileno Guillermo Calderón. El largometraje, cuyo tema central es la empatía, la amistad y la sororidad, es producida por Fábula, casa productora de los hermanos Juan de Dios y Pablo Larraín

por DIEGO GUERRERO CEDILLO

La cinta narra la historia de un grupo de amigas Alexandra, Ana y Rita (Ilse Salas, Paulina Gaitán y Regina Blandón) que se enfrentarán a una serie de conflictos internos al mismo tiempo que intentan sobrevivir en una imponente, diversa y complicada Ciudad de México.

Regina, platícame de Maquíllame otra vez.

Creo que esta película está muy alejada de todo lo que estamos acostumbrados a ver en comedia, por lo menos en estas últimas épocas. Es una comedia romántica, porque habla del amor-odio que a veces tienes, o no, con las amigas y amigos. Te sueltas y regresas, pero sobre todo habla de la amistad, de la empatía y de la sororidad; de saber que hagas lo que hagas, si tienes un colchón dónde caer, todo está bien, aunque estés en el hoyo.

También trata del dolor, todos los personajes aterrizan en un lugar muy humano y reconocible para quien esté viendo la película. Está linda y nuestro director es una persona brillante, es un gran dramaturgo, guionista y director, con una sensibilidad brutal.

¿Cómo fue trabajar al lado de Ilse y Paulina?

¡Lo máximo! Paulina y yo nos veíamos diario, casi siempre, todo el tiempo y teníamos un nivel de intensidad importante, y juntas más. A veces nos decían: “Cállense un segundito, chicas”, y como toda nuestra producción era chilena y a ella le sale perfecto el acento chileno, todo el tiempo los imitábamos.

Ya me había tocado trabajar con Ilse hace años, en el Hotel de los secretos, y no nos habíamos visto tanto. Siempre la he admirado; me parece una actriz brutal y con una imaginación potente y la manera en que se transforma de una cosa a otra es increíble. La pasamos muy bien; platicamos mucho sobre los personajes y sus relaciones con el director y entre nosotras. Fue un verdadero placer.

¿Encuentras similitudes entre Rita y tú?

Estuvo muy divertido, porque Guillermo me decía: “Tú síguele, di lo que quieras”, y yo de: “No me puede decir que diga lo que quiera, ¡ya corta la pinche escena!” (risas), fue muy divertido.

Platicamos mucho de dónde estaba el personaje y de dónde venía. Me encanta mucho que es una persona sin filtro, es directa, es feroz, es una gran amiga: En cuestiones de lealtad, no quiere hacer sentir mal a nadie, aunque se sienta mal, pero entiende cuando las personas necesitan de ella. Parece muy ruda, pero por dentro sólo está viendo por el bienestar del que está junto, y esa debería ser la base de nuestra sociedad, la empatía.

Hubo libertad para improvisar.

Sí, mucha. Hay una escena en la que acabamos de comernos la vida en pasteles y donas. Guillermo nos dijo: “Ahorita están llenas”, y yo pensé: “Ahorita me desabrocho el pantalón —como cuando uno se tira en el sillón— y aquí voy a decir esto”, era un juego constante y es que a eso nos dedicamos.

Esa libertad se agradece mucho y, sobre todo, poder hacer en el set lo que quieras, porque sólo de la relajación florece la creatividad.

El maquillaje es un gran tema en la película, ¿cómo fue el proceso?

Sí, yo, en mi vida normal, no me maquillo ni me peino mucho, porque esa es nuestra chamba: llegas al set, te maquillan, te peinan, estás ahí una hora y esta transformación, el pelo fosforescente y estar sin cejas, me hizo notas muchas cosas. Yo salía de mi casa y la gente se me quedaba viendo, y es muy impresionante cómo juzgamos al que está enfrente. Te dicen: “te veías mucho mejor antes”, y tú contestas: “¿Quién?, te preguntó”, (risas).

¡Cómo inmediatamente sentimos la necesidad de decirle a la otra persona qué opinión nos merece su look! Esta película habla de eso, del maquillaje como máscara, como para sentirte empoderada en un escenario, o en donde sea; como reflejo de cómo estás por dentro; sin maquillaje para mostrarte sin máscara o no.

No es que se trate sólo del maquillaje, pero sí es una gran alegoría de la vida y las redes sociales; a menos que decidas ser un poco más transparente o no, pero tú estás eligiendo qué le muestras al mundo. Vivimos con filtros y maquillando la vida y está padre la reflexión: mientras más verdadera e íntima sea tu relación con las personas, más rico es todo.

"ME ENCANTA MUCHO QUE RITA ES UNA PERSONA SIN FILTRO, ES DIRECTA, ES FEROZ Y ES UNA GRAN AMIGA"

ELIZA SONRISAS ALISTA EL MAQUILLAJE

por DIEGO GUERRERO CEDILLO

¿Cómo te sentiste al participar en la cinta Maquíllame otra vez?

Estoy encantada de ver el resultado, es un proyecto al que le metimos mucha pasión y mucho corazón. Y me gusta que es una comedia muy auténtica y muy real como es la vida. También es una maravilla ver el trabajo de mis compañeras.

Al momento de actuar, ¿te dio nervios?

Ya había tenido una pequeña colaboración en una película que se llama Me muero de risa, sin embargo, estar dentro de una producción es muy diferente. He hecho televisión, radio, medios impresos, redes y el concepto del cine es totalmente diferente, me impresionó estar en el set y ver a casi casi 100 personas trabajando.

Sobre trabajar con el director Guillermo Calderón, ¿cómo te sentiste?

Es un señorón en todos los aspectos, es un maestro de la dirección. A nivel personal es muy

respetuoso y te retroalimenta de una manera muy efectiva... Todo mi agradecimiento y admiración hacia Guillermo.

¿Qué tanto tuviste la oportunidad de improvisar en el filme?

Soy una persona que le cuesta mucho recordar los textos, (risas). Por otro lado, como el director es chileno nos pedía que hiciéramos los textos más coloquiales, él hizo el guion de una manera más neutral, pero nos dio libertad para expresarnos como lo hacemos en México y usar expresiones como: ¡qué onda carnalita! o ¡qué tranza!

¿Cómo fue trabajar con las actrices Ilse, Paulina y Regina?

Son unas diosas, fue un placer a parte de llamarlas colaboradoras ya las puedo llamar amigas, me apoyaron cada que salía a escena y me guiaban, me sentí muy protegida todo el tiempo del rodaje, fue muy divertido y un gran aprendizaje.

La youtuber y actriz trans participa en la cinta Maquíllame

otra vez, del director chileno Guillermo Calderón, "fue una de las mejores experiencias que he tenido", confiesa en entrevista

Llega la nueva producción original de Netflix. En Revista Cameo conversamos con los actores Valentina Buzzurro y Cuauhtli Jiménez; también, con Analeine Cal y Mayor y Olfa Masmoudi, directora y escritora respectivamente

por CARLOS MORA

muy emocionada, es la primera vez que me veo en tantos carteles en la calle, se me ha subido la emoción y el agradecimiento, es un honor contar esta historia, estoy realmente feliz y emocionada".

¿Cuál es tu nombre de luchadora?

Astromelia, en la vida real sería técnica porque soy algo cobarde, (risas), estuvimos entrenando por tres meses. Admiro y respeto mucho a las luchadoras, tuvimos la oportunidad de convivir con ellas, y mi más grande admiración para ellas, se necesita mucha pasión para luchar. Hablando con una de ellas que se llama Quimera, le pregunté: ¿por qué le gustaban las luchas?, y me respondió, por lo mismo que tú eres actriz, ¡es mi pasión!

¿En la vida real eres técnica o ruda?

¡Técnica!, Lucía es una persona inocente y transparente pero también se está descubriendo en su sexualidad, a gritar y atreverse a ser todo lo que debajo del ring no se atreve.

¿Qué te gustó del mundo de las luchas?

Hace poco estaba en una grabación de una telenovela y estaba platicando con Diana Bracho, ahíme dijo que no sólo en

Valentina Buzzurro

Lucía (Astromelia)

México, sino en el mundo que en algún momento fue a ver las luchas en Londres y que todos gritaban groserías, definitivamente el mundo de la lucha libre nos ayuda a desahogarnos y a ser libres.

La serie tiene un elenco femenino muy potente.

Sí, todavía nos falta mucho para que las mujeres puedan tener muchísimas más oportunidades.

Me gustó que la creadora de la serie es mujer y en todo momento estuvo al pendiente de nosotras, eso me dio mucha seguridad, me dio esa certeza de que todo iba a estar bien. Hay algo que no se dice, pero la energía en el set fue una cosa mágica, estar rodeada de varias mujeres.

¿Dónde fueron las locaciones?

Grabamos en Iztapalapa, me gustó ver las locaciones, porque en algunas series vemos a la clase media o alta, y a otro tipo de clases lo hacen de una manera de cliché, esta serie es mostrar otros barrios de la Ciudad de México, grabar a lugares que desconocía y dije: ¡qué mundo tan maravilloso!, está lleno de colores y cosas muy mexicanas.

El hecho de que la serie vaya a salir en más de 120 países es un gran logro porque es la primera vez que mi familia italiana va a tener la oportunidad de ver un proyecto mío y me emociona mucho.

"ESTOY

"ES UN PROYECTO

bastante completo, es un dramedy que tiene el drama que siempre tiene que existir para que la gente se interese pero con sus buenos tintes de comedia con un elenco mayoritariamente femenil, varias actrices del teatro, del cine y la televisión, entonces eso hace que el ritmo que tiene la serie este muy bien".

Es la historia de Angela, interpretada por Caraly Sánchez quien fue una gran elección como portagosnita porque está espectacular, y el mundo de la lucha libre que tiene un gran arraigo en México, esta muy bien dirigida por Javier Patrón Fox, Analeine Cal y Mayor y Fernando Sariñana Rivera, escrita por Carolina Rivera, entonces estamos muy contentos.

Es una serie que se puede ver en familia, es ligera, digerible, la pueden ver los abuelitos, los niños y los papás por lo que eso le da un buen valor agregado. La delegación Iztapalapa fue el escenario que usamos para esta historia, lo que es positivo porque a veces hay algunas etiquetas o juicios sobre esa delegación, que es uno de los lugares que le da mayor identidad a la Ciudad de México; entonces que se hable de esta manara de sus habitantes, con situaciones familiares que podemos enfrentar todos creo que es muy bueno y esa es mi impresión general.

Cuauhtli Jiménez Lalo

¿Para ti cómo fue trabajar por un crew integrado en su mayoría por mujeres?

Fue muy padre, muy armónico, se trabajó muy bien, tengo que decirlo que fue en gran parte al gran elenco femenil, digo también hay otros actores en la serie como Carlos Aragón, Luis Fernando Peña, Armando Hernández o Rodolfo Zarco que hace un trabajo increíble en la serie. La verdad eran actores, esto me lo dijo Fernando Sariñana un día, de una toma porque sacábamos las escenas muy rápido, era un grupo de porfesionales en su mayoría mujeres.

Nos sentíamos muy cuidados en todo momento, Carolina nos hizo mucho hincapié desde los castings en el tono ligero de comedia que debía de tener la

historia y creo que eso se logró muy bien. Creo que las mujeres tienen algo que aportar muy interesante, no solamente una sensibilidad particular sino un hilo de comunicación muy bueno y eso se ve en la serie. Estamos acostumbrados a que en los depertamentes de vestuario y maquillaje mayoritariamente siempre son mujeres, pero ahorita estaban en otras áreas también, como showrunners, directoras, escritoras, fotógrafas incluso, fue una experiencia muy buena en la que avanzamos muy bien y se nota en la serie.

¿Cómo fue meterse al mundo de la lucha libre?

Lo que ví fue el gran esfuerzo de mis compañeras y de las luchadoras reales que sí las entrenaron. Es muy interesante, todas las escenas de lucha que aparecen en la serie, fueron tres, cuatro o hasta semana y media de filmar, según lo complejo que cada una tenía, era muy cansado porque trabajamos a tres cámaras y las tres cámaras tenían que ir cubriendo primero a la luchadora, luego a la otra, luego a lo que pasaba con el referee y luego a todos los personajes que estaban debajo del ring, se repetía una y otra y otra vez todas las peleas, primero con actrices, luego con las stunts, luego las acróbatas; fue un gran esfuerzo... son unas fregonas.

ANALEINE CAL Y MAYOR directora

CONOZCO a Fernando Sariñana desde hace muchos años, él me dio mi primera película que se llamaba Atlético San Pancho (2001), fue mi primera experiencia como directora.

Después trabajé con él en la serie Madre sólo hay dos (2021), fue algo muy padre y después me llamó para hacer Contra las cuerdas (2023).

¿Qué fue lo que más te gustó de la Lucha Libre Femenina?

Me gustó mucho el tema, porque me gusta cuando me llaman para algo que no he hecho, algo difrerente; a pesar de que ya he dirigido mucho dramedy, nunca

había estado tan cerca de las luchas, el ver toda la preparación que implica tanto de las actrices como las dobles, estar viendo de cerca algo así me encantó, esos son los pequeños retos de las series.

Por otro lado, la historia de una mujer que es madre, - con la que me identifico porque yo también lo soy-, ella tiene que luchar tanto física como metafóricamente para ganarse la confianza y el cariño de su hija.

¿Cómo fue grabar en Iztapalapa?

Nosotros nos sentimos muy cómodos, es decir, estábamos en una parte de la zona en donde había muchísima actividad, era un lugar muy vivo había clases de

pilates, zumba en las esquinas, es un lugar muy animado.

¿Cómo fue para ti involucrarte en las luchas?

Siempre me han gustado las luchas, pero no soy fan. Normalmente llevo a amigos míos que vienen del extranjero porque les llaman mucho la atención. Como tal yo no dirigí las escenas de lucha, hubo otro director que se dedicó de lleno a eso, yo hacía escenas de drama y el otro director las escenas coreografiadas con ayuda de Lady Apache, ella ayudó muchísimo esas escenas, se lograron gracias a ella y a que todos practicaban mucho, pues es mucho esfuerzo.

Foto MARCIA PERSKIE 2011

ACTRIZ y escritora francotunecina que lleva la mitad de su vida en México. Desde 2015 ha trabajado como guionista. Hasta la fecha ha participado el desarrollo de series, teleseries y películas.

¿Cómo surge la idea de crear Contra las cuerdas?

Estoy súper contenta y un poco nerviosa, la verdad. Me emociona muchísimo, es un tema muy mexicano pues abordamos la lucha libre algo que definitivamente nos recuerda al folclor mexicano.

Poder llevar este tema a las mujeres, historias que nos permiten darle a las mujeres roles e identidades que generalmente son atribuidos a los hombres, contar historias en las que se enfrentan a conflictos, deseos y maneras de ser, es algo que es parte de la serie, el entender que es un tema un poco masculino y entender cómo se van a enfrentar a ese mundo, aunque no es el centro sí hay estas puntaditas. No solo en la parte creativa fue increíble, los escritores estuvieron geniales, el crew, las actrices, todo el mundo que estuvo ahí fue genial. Es un proyecto feliz, yo iba al set, he ido a millones de sets y no son felices y aquí sí estaban felices, eran incluyentes, era súper padre. Me mociona muchísimo.

¿Cuál fue el proceso de escritura?

Fue extremadamente organizado a tal grado que realmente pudimos darnos el tiempo de llegar a fondo con todos los personajes para darles un voz propia, para crearlos. Nosotros habíamos escrito cada capítulo de una hora de tanto material e información, obviamente recortamos, pero teníamos tanto mundo de los personajes, tantos arcos y otras cosas que les sucedian, tenían mucho que contar, fue

Olfa Masmoudi escritora

un proceso muy divertido, todos los que están en el crew aportaron muchas cosas muy distintas y atinadas. La unión de todas estas mentes, de los humores, de estas visiones que al final compartíamos las mismas pasiones; ha sido para mí de los proyectos más felices y más a gusto con los que he trabajado, lo hablo y lo extraño, algo muy padre.

¿Qué te inspira, de dónde salen las historias?

Eso es algo que me preguntan seguido cuando hablo de mi profesión. Creo que es extraño porque siempre he sido una persona muy creativa, no recuerdo algún momento en el que no estuviera contando una historia, veo cosas y me estoy imaginando a dónde va esa persona, como que hacerte todas esas preguntas desde un lugar muy imaginativo.

¿Cómo cuidar los temas considerados políticamente incorrectos?

Siempre es algo muy complejo porque además, una cosa es lo que nosotros decidimos y otra son los filtros ejecutivos y de plataforma. Por lo menos de mi parte, siento que ya estoy en un lugar en el que no permito, si yo estoy en el proyecto, que las cosas que van contra mi valores pasen y esto pasa mucho sobreto siendo mujer porque hay muchos temas en la industria. No se trata de lo que yo opino, se trata hacer funcionar la ficción, de qué mensaje quieres llevar ¿no? y justo Contra las cuerdas, son puras mujeres con problemas reales, con caras reales, no estamos con pantones claros todo el tiempo, es lo que es; seguramente hay millones de cosas que critiquen y esta bien, no pasa nada, por lo menos no estoy traicionando mis propios valores, algo que es muy importante cuando sabes que tienes la responsabilidad de algo que van a ver miles de personas.

Foto BRENDA ISLAS

Los minutos negros, cine negro a la mexicana

El cineasta Mario Muñoz y los actores Leonardo Ortizgris y Kristyan Ferrer hablan con la Revista Cameo sobre Los minutos negros, un filme basado en la novela homónima del escritor Martín Solares, que apela al clásico cine negro

DIEGO GUERRERO CEDILLO

Mario, ¿cómo fue que surgió el interés por hacer una adaptación de esta novela?

¡Lo que me involucró fue la novela! Descubrí el libro de manera absolutamente casual; así, caminando, metiéndome en una de mis librerías favoritas —que ya no existe, desafortunadamente— y me lo topé paradito, entre las novedades. Ahí me atrapó y 14 años después sigo hablando del libro.

¿Cuáles fueron las complejidades que encontraste para hacer la adaptación del libro a la película?

Creo que ese es uno de los problemas más lindos: tener algo tan rico, tan increíble. La novela es un lujo, es una delicia; es una novela negra, divertida, emocionante, conmovedora, poblada de una cantidad de personajes alucinantes. Lo difícil fue decidir qué dejas fuera, si todo está padre.

¡Hay tantos puntos de vista increíbles! Justo platicamos con Martín (Solares) y él me decía: "La ficción es como la ventana de un edificio, y es decidir de qué ventana te vas a asomar", entonces decidimos centrar la historia en Rangel y El Macetón, este dúo tan clásico del cine negro del policía rookie, que se está iniciando y el que lo guía en ese proceso.

Otra de las dificultades fue que Martín pudiera despegarse de la novela, porque le había tomado 10 años escribirla, entonces sentíamos que al principio era como en esas películas donde la gente se pierde, está tratando de

salir del bosque y cuando voltea, está en el mismo lugar. Fue un proceso de mucha paciencia de los dos, porque eso pasa en esas secuencias, cuando la gente se pierde en el bosque. Se desespera y dice: "Mierda, ¿otra vez estoy aquí?" Tener paciencia para ir saliendo es clave. La verdad, fue un proceso muy gozoso, porque Martín es un genio; es un tipo con una imaginación desbordada y muy brillante.

¿Cómo lograste aterrizar al género a la realidad mexicana?

Me gustaría robarme el crédito, pero es de Martín. Él inventó a estos personajes, y me parece que el gran hallazgo es Vicente Rangel, que no es un policía, sino que se metió a esa institución porque un tío lo jalo. Él en realidad era músico y, como espectador, eso te permite identificarte con él. Lo ves como un artista y eso ayuda a cruzar la barrera. Además, hay una representación muy importante de la juventud de ese tiempo, es decir, de toda esta fuerza que cobró la gente joven para salir a las calles, para empujar al sistema, para ser utópicos, para ser idealistas. Creo que la Chilanga, de alguna manera, representa eso y enciende esa llama que hace creer que se puede hacer algo.

Leo y Krystian con sus personajes se conectan con eso, y de alguna manera van todos encontrando las complejidades del sistema, de la realidad, de los intereses que hay detrás cuando hay crímenes tan atroces.

"DESCUBRÍ EL LIBRO DE MANERA

ABSOLUTAMENTE CASUAL; ASÍ, CAMINANDO, METIÉNDOME EN UNA DE MIS LIBRERÍAS FAVORITAS, ME LO TOPÉ PARADITO, ENTRE LAS NOVEDADES. AHÍ ME ATRAPÓ Y 14 AÑOS DESPUÉS SIGO HABLANDO DEL LIBRO"

¿Por qué esa fascinación con la novela policiaca y el cine negro?

¡Yo amo el género! No sólo este, sino la idea del género en sí misma, porque creo que es ahora un lenguaje universal y por eso podemos ver Parisite y nos habla, y entendemos el contexto. De alguna manera, nos da una forma de comunicar, donde cada autor de cada nacionalidad puede vaciar sus preocupaciones y sus referentes sociales y proyectarlos a algo muy particular y, al mismo tiempo, a algo muy general.

LEONARDO ORTIZGRIS, quien estuvo nominado a Mejor Actuación Masculina por su interpretación del agente Vicente Rangel, revela cuál fue el proceso de creación de su personaje. El histrión relata que se entrevistó con policías retirados que ejercieron durante la década de los 70 para así entender el contexto de su papel.

¿Cómo le diste la entonación a Rangel, la forma de caminar, la personalidad y el carácter?

Hubo un trabajo previo con Mario de muchas charlas; primero de conocernos, de conocer cómo trabajaba yo en el teatro y cómo ensayaba. Después, Mario me fue bombardeando de referentes cinematográficos, tanto europeos como gringos.

De ahí tuvimos otra sesión que era trabajar con los otros actores policías, invitando también a policías reales y a retirados, que estuvieron ejerciendo su oficio en los años 70. Ellos nos hablaban de sus experiencias y de sus usos y costumbres para aplicar la ley.

De todo eso recibimos muchísima información que nos ayudó bastante para poder llevar a cabo nuestro trabajo como policías. Después de eso, una vez enfrentándose al set de filmación, fue un trabajo muy intuitivo y de aproximación con Mario y de coacheo.

Por una parte fue eso y por otra parte, la intuición de entender la situación en la que estás, entender lo que significa ser un policía no preparado, músico, que está ahí por cuestiones de un infortunio. De pronto uno preestablece muchas ideas de cómo va a caminar el personaje, que si mastica, tiene el ojo cerrado o si tiene un tic; pero las cosas se van dando cuando encuentras y conoces a tu compañero, a quien va a estar ahí con contigo y eso fue El Macetón

"LA NOVELA ES UN LUJO, ES UNA DELICIA; ES UNA NOVELA NEGRA, DIVERTIDA, EMOCIONANTE, CONMOVEDORA, POBLADA DE UNA CANTIDAD DE PERSONAJES ALUCINANTES"

Una vez que Kristyan y yo empezamos a conocernos, los personajes empezaron a adquirir sus volúmenes. Nunca pensé que mi personaje debía ser un poco "mal pedo" con el aprendiz, no lo había pensado así, pero a partir de la propuesta que tiene él, de cómo es su personaje, vienen los hallazgos.

El actor siempre está descubriendo; actuar es descubrir. Cuando estás con tu compañero, que es lo más importante, es cuando empiezas a notar los matices. Tienes un back atrás; información, ideas, pero lo que realmente importa es lo que sale en el momento en el que estás trabajando con el otro.

KRISTYAN FERRER, ganador al premio Ariel por Mejor coactuación masculina por Los Minutos negros, cuenta que la cinta les permitió jugar a los arquetipos, aunque en muchas ocasiones tuvieron que romper con ellos para conseguir la naturalidad que se puede apreciar en los personajes.

El Macetón es el personaje que introduce al espectador en la ficción y desde sus ojos vemos esta historia. ¿Cómo fue interpretarlo?

Era el reto principal. Es un personaje que observa, su trabajo más importante es observar desde el silencio. Tenía que tener algo específico en cada mirada, una cronología conforme va avanzando la película. La cinta pedía que jugáramos a los arquetipos, y al mismo tiempo a hacer una diferencia dentro de ese juego, porque existen los buenos y los malos, pero creo que la novela, en sí misma, daba pie a que creáramos nuestra propia historia. Son cosas totalmente opuestas, pero así fue, era una película en la que teníamos que estar descubriendo todo el tiempo. Comparto lo que dice Leo, mi personaje no pudo haber existido en

las dimensiones que existió si yo no hubiera tenido todos elementos puestos enfrente: a Leo, a José Sefami, a Mauricio Isaac, a Sofia Espinosa, a Tiaré Scanda, a todo el equipo, porque prácticamente de eso se nutre el personaje.

Fue hacerle mucho caso a la intuición —como bien decía Leo—. Prácticamente todo lo que se crea es en el set. Hace poco escuché una entrevista de Jorge Drexler donde hablaba, me parece, que de C. Tangana. Decía: "Pareciera que uno va y hace todo lo que puede en dos horas cuando llega el momento de meterse a un estudio, pero realmente hay treinta años respaldando".

Y pues sí, obviamente estás trabajando con muchos actores con muchísima experiencia y parecería fácil llegar y que ahí se encuentre todo, pero realmente es un trabajo de muchísimo tiempo, de haber trabajado con muchos directores y otros actores, otros textos, y me siento muy agradecido de eso.

Los minutos negros, sortea las complejidades de la realidad mexicana y narra una historia verosimil, intrigante y astutamente subersiva, que señala algunas problemáticas sociales que afectan en la actualidad al país. La cinta está disponible en la plataforma de streaming ViX+.

Los minutos negros

MIRADA BRILLANTE A UN PAÍS SIN LEY

por ALEJANDRA LOMELÍ

AUNQUE escasos en nuestro tiempo, en el cine mexicano hay ejemplos destacados de filmes noir (cine negro), Los minutos negros de Mario Muñoz es el caso más reciente de cómo hacer un noir ambientando en un México sórdido, con temas de resonancia actual y con gran entendimiento de los mecanismos del género. El resultado es una película oscura, sin concesiones y al nivel de los grandes clásicos policiacos; un “noir tropicial” como muy acertadamente han definido otros.

Significando el regreso de Mario Muñoz desde Bajo la sal en 2008, Los minutos negros es la adaptación de la aclamada novela negra homónima del escritor Martín Solares, la cual nos lleva a una serie de retorcidos crímenes y la red de complicidad que existe entre los sindicalistas, los narcotraficantes y la misma policía. Muñoz y Solares coescribe el guion de la película que ahonda en problemáticas como los feminicidios, la pedofilia y la corrupción.

Protagonizada por Leonardo Ortizgris y Kristyan Ferrer, con un elenco de secundarios de primer nivel como Sofía Espinosa, Carlos Aragón, Enrique Arreola y José Sefami, la película tiene lugar en los años setenta, en la ciudad petrolera de Paracuán en el Golfo de México. El detective encargado de la investigación, “Travolta” (Aragón), parece estar más interesado en enterrar el caso que en resolverlo, pero

un pequeño grupo de policías encabezado por el teniente Vicente Rangel (Ortizgris), su aprendiz “El Macetón” (Ferrer) y una arrojada periodista de la Ciudad de México (Espinosa) descenderán por una peligrosa espiral de secretos y corrupción para encontrar al Chacal y llevarlo ante la justicia. Durante los vertiginosos días de la investigación, todos vivirán los minutos más oscuros de sus vidas.

Con una narrativa sofocante aligerada con toques de humor, atmósferas mezquinas que subrayan la red de intereses y corruptela que permiten la existencia de desalmados asesinos, así como actuaciones magistrales de Leonardo Ortizgris y Kristyan Ferrer, Los minutos negros es una mirada brillante a un país sin ley, incisivamente pesimista en su concepto de la justicia o, mejor dicho, a su ausencia, donde no hay compasión y pagan justos por pecadores.

Secretos de familia y tabúes

La actriz Dolores Heredia y el cineasta Julián Robles, dan los detalles del filme Estoy todo lo iguana que se puede, una historia que sumerge al espectador en la idiosincrasia de un pueblo costeño y hace una introspectiva reflexión sobre la libertad

por DIEGO GUERRERO CEDILLO

Basada en El eclipse, la novela del dramaturgo Carlos Olmos, protagonizada por Luisa Huertas, Dolores Heredia, Kristyan Ferrer y Mayra Batalla, la cinta retrata lo complicado que puede ser romper los paradigmas familiares y cuestionar las ideas que han trascendido de generación en generación.

Dolores, me gustaría que me platicaras de tu personaje en la cinta.

Mercedes es un renglón importante de esta familia. Se trata de una película coral, no sabes bien en donde recae el hilo de la historia. Creo que es en esta familia: está la abuela, la madre, el hijo, la hija, la nuera y el marido que murió recientemente. Algunos de estos roles de familia son asumidos, otros totalmente inadvertidos y otros renuncian al personaje que les tocó jugar.

En México hay temas de los que no se puede hablar: no se puede hablar del ejército, de la iglesia, de la familia. Es otro tema tabú.

La familia es un lugar y es el más difícil, como si uno no pudiera decir: “¿Por qué habré nacido aquí?, ¿Esta gente en realidad me ayuda a crecer?, ¿Me ayuda en algo en la vida?”. La película tiene muchas capas, todas casi transparentes, en donde se toca una con la otra. Tiene cosas muy lindas. Ojalá que todo eso que nosotros quisimos plantear en la película le llegue al espectador.

¿Cómo fue trabajar con todo el elenco?

¡Pura cosa bonita! Pero no solo con el elenco, porque casi siempre se pone por delante al elenco y ya estamos lo suficientemente adelante. Poco se habla de todo lo que hay detrás; hay un lugar de donde sale el actor: sales de tu habitación de hotel, de tu camper y entras a la zona de maquillaje; allí encuentras a un tipo de humanidad total y absolutamente única, que son los maquillistas y los peinadores. Yo digo que es como el purgatorio: después sólo veo el cielo, pero antes me toca pasar por este lugar, ese sitio es donde te reciben personas que te van ayudar a darte la última pincelada. Es como un lugar de purificación, para después entrar al set.

Teníamos de verdad a personas muy superiores — humanamente hablando—, hermosas, que nos ayudaban a prepararnos, a estar, a volver a nosotros, a sacar nuestra vulnerabilidad. No es simplemente el elenco, son los creativos, los técnicos, son todos los que colaboran en una película para que suceda.

Estoy todo lo iguana que se puede, muestra aspectos que remiten a la coloquialidad mexicana, a las creencias y costumbre que abundan en los pueblos en los que la realidad se funde con el pensamiento mágico y donde se encuentran conexiones entre causas y efectos que parecen no tener relación entre sí. Al mismo tiempo, desde el

punto de vista de algunos personajes, el espectador puede notar lo inverosímil de las costumbres y lo anacrónico que parece no cuestionar lo que pasa en nuestro entorno.

Julián, ¿cómo fue que te interesaste en hacer una adaptación de esta obra?

Trabajé con Carlos Olmos muchos años, hasta que falleció en el 2003, y él ya tenía una idea. Había ganado una beca para hacer una primera versión del guión y se trató de empujar este proyecto con él en vida. Luego de su muerte pasaron varios años hasta que volví a retomar la idea de hacer una adaptación de la obra y comencé a levantar este proyecto cinematográfico que tomó bastante, como cualquier proyecto de esta índole, y más en pandemia.

La obra trata del tema de la familia y sus costumbres, ¿Cómo fue abordar ese tema tan sensible para los mexicanos?

Creo que la familia en México está un poco sobrevalorada. Nosotros exageramos en los apegos familiares y, como mexicanos, nos hace falta un poco de independencia, pensar en nuestra propia vida. Eso no significa que uno no quiera a su mamá, a su papá o a su hija; uno puede adorar a la familia, pero en México justificamos muchas cosas en nombre de ella y eso estaba muy presente en la obra original.

No estoy contando nada nuevo, y creo que es importante decirlo, porque en el país casi todo el cine, ya sea comercial o cultural, siempre la familia está como el máximo valor. La máxima felicidad siempre es el núcleo familiar y yo no lo creo así. Para mí, la máxima felicidad la tiene uno adentro, con familia o sin ella; eso dependerá de nuestras propias decisiones.

Luisa Huertas

NOCHE DE GALA EN BELLAS ARTES DE ESTOY TODO LO IGUANA QUE SE PUEDE

La cinta del director Julián Robles tuvo una proyección especial en el Palacio de Bellas Artes, que contó con música en vivo, a cargo de la Orquesta de la Secretaría de Marina, Tabuco Ensamble y Marimba Nandayapa. Al evento acudió el elenco encabezado por las actrices Luisa Huertas, Dolores Heredia, Mayra Batalla, entre otros.

Dolores Heredia

Mayra Batalla

Julián Robles

Kristyan Ferrer

Elenco de la película

Diego Lermandel

LA EDUCACIÓN EN LOS BARRIOS DE ARGENTINA

El suplente es la nueva película de Diego Lermandel, reconocido director argentino, que cuenta la historia de Lucio (Juan Minujín), un profesor de letras en la Universidad de Buenos Aires, comienza a enseñar literatura en una escuela secundaria ubicada en una zona periférica de la ciudad, rápidamente se ve envuelto en los conflictos de los estudiantes

por CARLOS MORA

ES UNA TAREA TITÁNICA, CON MALA PAGA, EN LA QUE HAY UNA CREENCIA

Y UNA FE DE QUE ASÍ SE PUEDEN SALVAR VIDAS, ESO QUERÍA MOSTRAR"

Lucio deberá apelar a todo su ingenio para sacar adelante sus clases y al mismo tiempo deberá cruzar sus propios límites y prejuicios para intentar salvar a Dilan, su alumno favorito, quien es perseguido por un grupo narco del barrio en busca de venganza.

Es una película que toca el tema del narcotráfico en las escuelas.

Sí, hay algo de la educación y el narcotráfico como dos polos que se chocan en un punto porque hay algo que establece el narco, sobre todo en chicos de la franja de edad como se ve en la película de unos 15 o 16 años, en donde buscan capturarlos para ofrecerles dinero fácil, rápido y darles un ascenso meteórico con una perspectiva de una muerte joven; mientras que la educación se presenta como el camino lento, a futuro, a una formación, algo que deber ser muy frustrante porque afecta a franjas poblacionales en donde es muy difícil ver una perspectiva del futuro frente a tantas urgencias, ahí es donde un poco confluye todo como si fueran planetas diferentes.

No quería que se volviera una película oscura, así que añado la chispa adolescente, esa frescura con las hormonas a flor de piel, las risas y esa alegría que a pesar de todo siempre está presente, algo que veía en los chicos que hicieron la película porque

requería captar ese momento de la vida en donde si la educación es posible también se vea que sus vidas tiene otra posibilidad, tal vez en otra edad es más complicado, pero en esa edad el ver que todavía son chicos y que viven cosas muy esenciales y a la vez cosas algo dramáticas.

¿Cómo surge la idea de la película?

Me propuso trabajar en la idea, un director argentino que se llama Juan Vera él había hecho unas entrevistas, me las dio y a partir de eso comencé a leerlas y emprender el recorrido de una investigación de casi dos años para ir y entrevistar docentes. Me interesaba mucho contar esta idea de los docentes en estas franjas, que es el último bastión de la educación, después ya no hay más, casi se trata de la última oportunidad de que estén insertados.

Entonces fue ir a ese tipo de escuelas, en esos barrios tan difíciles y contar una historia de esos docentes que se implican tan conmovedoramente de a diario, que ponen en juego su vida, su salud, algunos hasta se mudan al mismo barrio y hacen tareas como las que se muestran en la película, que no tienen nada que ver con las tareas docentes, entre ellas elegí algunas porque son miles, como por ejemplo ir a la casa de los chicos que dejan la

"SIENTO QUE ESTÁN MUY INVISIBILIZADOS EN ARGENTINA, (LA EDUCACIÓN)

ADOLESCENTE, ESA FRESCURA CON LAS HORMONAS A FLOR DE PIEL, LAS RISAS Y ESA ALEGRÍA QUE A PESAR DE TODO SIEMPRE ESTÁ PRESENTE"

escuela, hacer que les abran la puerta, sentarse a tomar un mate con los padres y discutir la posibilidad que esa persona vuelva a la escuela y en el caso de que no vuelva que entiendan que es un tren que pasa y al que después es difícil subirse, es es tipo de tareas y muchísimas otras lo que hacen estos docentes, es lo quería retratar y reflejar en un apelícula.

Siento que están muy invisibilizados en Argentina, es una tarea titánica, con mala paga, en la que hay una creencia y una fe de que así se pueden salvar vidas, lo hacen y bueno, quería mostrarlo.

El protagonista, Juan Minujín, hace un gran trabajo. A Juan ya lo conocía desde hace mucho, nos conocíamos. Juan tiene una larga trayectoría, tenemos casi la misma edad, tenemos amigos en común. Juan es ahora un actor de los más reconocidos de su generación y bueno, queríamos trabajar juntos en algo y cuando tuve la oportunidad lo llamé, tuvimos una charla de café y en seguida vi el brillo en sus ojos, le conmovía, le implicaba, le daban ganas, así que le conté que era una película difícil para hacer, de mucha demanda pues grabar esos lugares no sería fácil, trabajar con chicos que nunca actuaron, le conté

todo y él estaba muy entusiasmado, algo que motoriza todo, comenzamos un diálogo.

Trabajas con actores naturales, ¿cómo fue el proceso?

Creo que tiene que ver con la selección, con el encontrar a las personas adecuadas; después, tiene que ver con el lenguaje o con el código que se establece porque el dirigir a alguien tiene que ver con un código, pues hay una confianza que te depositan, aunque se un actor con trayectoría están ellos también muy desnudos frente a lo que va a pasar y bueno ¿cómo se responde a esa confianza para ayudarlos a llegar a una zona de control o donde ellos puedan asumir ciertos riesgos?

A mí cuando eso me sucede, que creo que ese es desafío de la dirección de los actores, trato de brindarles la confianza de que cuando lleguen a la pileta habrá agua y no recibirán un porrazo, eso no es tan diferente a hacerlo con un actor con trayectoría a un actor que nunca ha actuado, lo que tienen estos últimos es que hay que enseñarles y establecer los códigos mínimos, así como también dejarles margen un poco abierto al no cumplir un plan rígido al pie de la letra, porque a veces los desvíos convienen y te hacen llegar a cosas mucho mejores a las ya planeadas.

"NO QUERÍA QUE SE VOLVIERA UNA PELÍCULA OSCURA, ASÍ QUE AÑADO LA CHISPA

El suplente

CORRUPCIÓN EN EL SISTEMA DE EDUCACIÓN

por ALEJANDRA LOMELÍ

QUIZÁS la premisa de El Suplente, la película de Diego Lerman estrenada apenas el año pasado en el Festival de Cine de San Sebastián, nos parezca poco original, su personaje principal es un profesor de instituto que también será guía de un grupo de adolescentes enfrentados a un contexto turbulento, una premisa que invariablemente nos recordará filmes como Indiferencia de Tony Kaye o la francesa Entre les murs de Laurent Cantet.

No son gratuitas las comparaciones, tampoco es una debilidad que recurra a problemáticas ya vistas en películas sobre la educación, el mérito de este largometraje es el echar una mirada a la situación actual de los estudiantes en Latinoamérica con sus rezagos económicos y violencia latente, lo cual ha permeado hasta en las aulas. Partiendo de una historia de Juan Vera y el propio Diego Lerman, la película cuestiona cómo la educación debe responder ante la violencia cotidiana y cuál es la función de la literatura cuando los jóvenes están constantemente amenazados por una realidad brutal, pero también la pertinencia de la pedagogía en la conciencia social. Con un tono honesto y convincente, el director nos sumerge en un barrio marginal de Argentina para construir una ficción sustentada en conflictos actuales como son la corrupción en el sistema de educación, el control político y la infiltración de drogas.

Lucio (Juan Minujín) es un poeta y profesor de una prestigiosa universidad en Buenos Aires. Su carrera académica da un vuelco cuando acepta el trabajo de suplente de la materia de literatura en una escuela ubicada en un barrio marginal. Lucio deberá apelar a todo su ingenio para sacar adelante sus clases y, al mismo tiempo, cruzará todo tipo de límites morales y prejuicios sociales para intentar salvar a Dylan (Lucas Arrua), su alumno favorito, que está siendo perseguido por un grupo narco en busca de venganza.

Alfredo Castro, Bárbara Lennie y Rita Cortese complementan el elenco central de esta película que mantiene el ritmo de principio a fin, y aunque recurre al mesianismo, es convincente y sostiene muy bien la tensión. Un visionario obligado para una filmografía que ha tratado muy poco el papel del educador en la actualidad.

EL SUPLENTE Distribución: Pimienta Films

Luego de su participación en la serie Hernán y en la cinta Luciérnagas, la joven actriz Ishbel Bautista continúa su carrera con La flor más bella, historia creada por Michelle Rodríguez de corte comingof-age que es producido por Netflix y que busca romper con las convenciones narrativas de la industria de la televisión en México

por DIEGO GUERRERO

CEDILLO

Ishbel Bautista,

APASIONADA DE LA ACTUACIÓN

La actriz detalla cómo fue su participación en La flor más bella, y que mucha gente se ha acercado a ellos para decirles que la historia les dio valor para atreverse a hablar de temas tabú con sus familias.

¿Cómo iniciaste en la actuación?

Empecé chiquita, a los 16 años, en una escuela de iniciación artística del INBA, que es como una carrera técnica en teatro. Posteriormente hice exámenes a varias universidades del país y conseguí entrar a la Universidad Veracruzana.

Me fui a vivir Veracruz cinco años y después tuve la fortuna de tener acercamientos en el cine, porque llevaron los castings al estado y pude acceder poquito a poco a ese mundo. Considero que mi carrera ha sido de mucho picar piedra, de mucha resistencia al fracaso, a las problemáticas económicas, a las desilusiones de la vida, pero también con mucho amor a ese deseo muy grande que tenía de trabajar en la actuación.

Ese era mi sueño más grande, poder vivir de esto, porque lo disfruté mucho desde chavita. Ha sido toda una montaña rusa y ahorita siento que ha rendido muchos frutos y sigo trabajando para mi futuro.

Platícame ¿Qué representa La flor más bella en tu carrera y de dar vida a Majo?

Es un gran paso para mí. Se trata de mi primera serie en Netflix y estoy muy agra-

decida. También es un personaje muy diferente a los que he hecho, sobre todo a Marina, de la serie de Hernán, en donde interpreté a la Malinche.

Me parece bueno aportar a mi carrera a un tipo diferente de personajes, aunque también me gusta que tiene un trasfondo y una crítica a la cual sigo siendo congruente. Creo que el equipo de La flor más bella es muy bonito; es algo diferente para mí y creo que aporta mucho. Espero seguir teniendo personajes diferentes y bellos que me sigan tocando el corazón.

¿Cómo te sientes con el recibimiento de la serie por parte del público?

Todo ha sido muy bonito. He tenido varios mensajes de personas que se sienten muy identificadas y que gracias a la serie han podido hablar con su familia de estos temas delicados, como la diversidad sexual, nuestros cuerpos, la aceptación en nuestras familias; de lo que queremos y de lo que deseamos, y se me hace algo tan bonito.

Me conmueve que la serie les pueda dar la oportunidad de dialogar con sus familias. Creo que ese es el tesoro más grande que nos estamos llevando, además de los comentarios que llegamos a ver. La serie va más allá de un octágono amoroso; también aborda múltiples temas y contenidos de calidad para el público mexicano, que sí era algo que esperaban y que lo recibieron muy bonito.

CORAZONADA: LA LEYENDA DEL MEXICAN DREAM

por DIEGO GUERRERO CEDILLO

José Manuel Cravioto es un virtuoso director de cine que desde sus inicios ha estado interesado en narrar episodios de la historia de México. En su más reciente largometraje, Corazonada, Cravioto lleva una anécdota inaudita al terreno de la fábula y aprovecha para hacer una incisiva crítica a la corrupción que cubre a las instituciones gubernamentales mexicanas.

Desde su primer cortometraje, Déjalo ser, Cravioto mostró interés en los temas históricos y retrató el entorno político y cultural que existía en el país a principios de los años 70. En Mexican Gangsters narró la historia de Alfredo Ríos Galeana, uno de los delincuentes más populares de la historia de México, interpretado por Tenoch Huerta.

En Corazonada, cinta que recientemente se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Rotterdam, Cravioto narra, desde la fábula, cómo dos empleados de la Lotería Nacional intentaron realizar una estafa con ayuda de la magia de la televisión. Protagonizada por Osvaldo Benavides, Bruno Bichir, José Sefami, Michelle Renaud y Kristyan Ferrer, esta película mantendrá al espectador al filo de la butaca en una emocionante y divertida adaptación del género del caper movie, pero muy a la mexicana.

Platícame cuáles fueron tus influencias para lograr adaptar el género de las películas de delincuentes

Michel Mann, Martin Scorsese, Brian de Palma, los grandes maestros de ese tipo de cine. También Steven Soderbergh, obviamente. Algo que me inspiró y orientó mucho fue el cine de David O.Russell, que toma ciertos personajes poco virtuosos generando, de manera colectiva, algo excepcional. La cinta viene de meter a una licuadora todos esos universos. No digo que me basé en ello, simplemente encuentras ciertas brújulas cuando emprendes un proyecto así.

Quería meterle el sabor mexicano, quería que fuera una película de asaltos pero con ese sazón mexicano. La secuencia de montaje nada espectacular, donde alguien se pone un gafete, en lugar de cargar un fusil, me parecía muy graciosa. Alguien se pone un gafete y esa será su arma del día; o limpiar el lente de una cámara en lugar de limpiar un casco, o los lentes de un agente SWAT. Esa era una de las intenciones de la película, llevar ese universo mexicano godín, institucional y gubernamental a las ligas del gran cine de robos.

¿Te costó volver un poco más coloquial el género? Sí, fue muy complicado, porque en un primer momento yo quería abordar la historia de una manera más realista, pero sentía que tenía que llevarlo a los terrenos de la fábula, del cuento, tocar algunos momentos de la

farsa partiendo de estos personajes poco virtuosos que habitan en la Ciudad de México y que tienen trabajos poco vistosos.

El foro original de Me late, sorteo que inspiró este suceso, no me funcionaba. Era muy pequeño para la dimensión cinematográfica, pero tampoco podía ser una dimensión tan grande, por el tipo de personajes que lleva la película y ahí estuvo el reto. ¿Cómo debía ser la cámara?, ¿Cómo debía ser estar ahí? Decidimos que la cámara tenía que ser nerviosa, vibrante, que nos pusiera en el lugar de uno de ellos, como si fuéramos parte del grupo.

¿Cómo fue el proceso de investigación y cómo llevaste eso al guión?

En realidad, el caso lo descubrí en las noticias el día que sucedió. Comencé a escribir algunas líneas y decidí separarme completamente del hecho real, porque en ese momento los personajes estaban prófugos o en la cárcel. Algo que recomiendo cuando abordas una historia así, es no comprometerse mucho con los personajes que la originan para llevarlo al terreno del cuento y reimaginarlo todo; para poner tus propias reglas en ese mundo. No quería que cambiara mi postura sobre el hecho, porque era seguro que algún testimonio iba a resultar interesante. Seguramente hay otras diez películas dentro de la visión de cada uno de los personajes reales, pero justo lo que quería era seguir mi propio camino y contar lo que imaginé cuando leí el caso.

CASANDO A MI EX HUYEN AL COMPROMISO

La película dirigida por Carlos González Sariñana cuenta con las actuaciones de Zuria Vega, Memo Villegas y Juana Arias, en entrevista hablan de esta comedia disponible en Amazon Prime Video

por CARLOS MORA

Casando a mi ex es una comedia romántica en la que vemos a Mariana (Zuria Vega) una exitosa Wedding Planner que no cree en el matrimonio ya que después de ver a su madre fracasar en varios intentos no quiere lo mismo para ella, razón por la que decide terminar su relación con Luis (Memo Villegas) -quien le pidió matrimonio hace casi un año-.

"Creo que esta vinculado el compromiso con el matrimonio y no necesariamente tiene que ser así, creo que con lo que están peleando las nuevas generaciones, ni siquiera es con el matrimonio en si, es con concepto de matrimonio que traemos de años atrás, en la sociedad, para mi el matrimonio no va de la mano de una religión, tiene con la decisión de compartir cierto tiempo, tampoco creo que sea para toda la vida eso nadie lo puede saber, con una persona que eliges comprometerte bajo los términos de esas dos personas", comenta la actriz Zuria Vega en entrevista.

Por su parte el actor Memo Villegas, da vida a un repostero, que también le tiene miedo al compromiso.

"Hoy en día, la expresión y ejecución del amor es muy variada, de matrimonio entre dos personas pero ya estamos viviendo un poliamor entre más personas, el matrimonio tiene una relación entre

otras personas, ya hay nuevas formas de amor, y no necesariamente son faltas de compromiso o entrega, yo veo el matrimonio me gusta pensar como un futuro o la presión que lleva la palabra matrimonio, que es si te casaste no te puedes divorciar y si lo haces fracasas, eso no deberia ser asi".

Las cosas se complican cuando la falsa prometida de Luis, comienza una relación romántica con otra chica (Juana Arias), dato que obviamente Mariana no puede, ni debe saber y conforme avanza la mentira y los preparativos de la boda, Mariana se enfrentará a una serie de problemas familiares que la harán entender el verdadero significado del amor, el compromiso y sobre todo sus sentimientos hacia Luis… aunque quizás sea demasiado tarde.

Para la actriz colombiana Juana Arias el papel de las nuevas generaciones ha cambiado en el matrimonio, "Hoy en dia tenemos la libertad de expresión que es diferente a como era antes, un ejemplo, antes una niña de 18 años ya tenía edad para tener hijos, hoy es más casual y también las relaciones, tenemos un poco de poder decidir lo que queremos y lo que sentimos y dejar estos prejuicios sociales que venimos cargando, antes pensaba que era en solo en Latinoamérica pero ahora en dia siento que ya es a nivel mundial".

una actriz muy maja en méxico

Katixa Mercerreyes

En entrevista con la Revista Cameo, la actriz española expresa su agradecimiento por México, y habla de su debut en el cine con el filme Atrapadas en Familia, una producción original de ViX+. Su personaje es Luisa, una simpática y servicial host

por CARLOS MORA

¿Cómo te sientes del estreno de la película?

Estoy muy emocionada del resultado desde el año pasado la grabamos, creo que las historias se entienden muy bien y estoy muy contenta con el resultado.

La película muestra  diferentes tipos de amor en pareja, ¿qué opinas ?

Eso es lo interesante, la película me enseñó a no juzgar las relaciones, no quedarte con lo que parece y con lo que quieren los personajes, Luisa tiene miedo a no cumplir con las expectativas y tener una relación estable.

Todos los personales tienen estos matices chiquitos pero tienen grandes lecciones refente al amor y las relaciones de pareja. La intención de la película es mostrar los diversos

tipos de amor que hay entre los seres humanos, espero que se pueda crear una empatía con el público y que todo ellos se pueda sentir identificado con las diversas historias.

¿Crees que las nuevas generaciones le tienen miedo al compromiso?

Nace de un cambio generacional, siento que las nuevas generaciones hay más valores hacia la libertad, hacia la autorrealización que antes no se tenía, ya no es la norma, ahora tenemos la libertad para  decidir y te cuestionas si quieres estar con alguien, de las metas que uno tiene profesional y personalmente y hasta qué punto quieres estar con otra persona, nos hemos vuelto más cuidadosos, hasta un punto no está mal, pero también tenemos más miedo a enamorarnos y a querer más .

ME ENSEÑÓ A NO JUZGAR LAS RELACIONES, NO QUEDARTE CON LO QUE PARECE Y CON LO QUE QUIEREN LOS PERSONAJES"

Platícame sobre las locaciones, ¿cómo fue grabar en el bosque?

Son unas cabañas que están subiendo por La Marquesa que está rodeada de oyameles y la energía del lugar era muy bonita. La cinta habla del amor, la amistad, de nuestros miedos, de las relaciones de nuestros padres y con los hijos, se creó un ambiente de trabajo idóneo para hacer esta película.

¿Cómo te has sentido trabajando en México?

Es un país que amo profundamente,  todo el mundo del medio me ha tratado bien, como extranjero nos apapachan mucho y me han abierto las puertas de una manera que no imaginé . Es un país que tienes mucho por conocer, siempre estás conociendo cosas nuevas.

¿Qué opinas sobre las plataformas?

Todo lo que sea poder llevar la cultura al mayor número de casas es muy importante, nos está dando un alcance para contar historias de otros lugares.

¿Qué otros proyectos tienes?

Acabo de estrenar la cuarta temporada de la obra de teatro Así de simple , en el teatro Centenario de Coyoacán.

Es una comedia romántica, en la que una pareja Clara y Joaquín pasan distintos puntos de su relación, hablan de los miedos, el amor, los celos e incluso las inseguridades.

"LA PELÍCULA

VESTIGIUM, CINE PUNK DISPONIBLE EN FilminLatino

TRAS SU PASO por festivales cinematográficos como el de Guanajuato, Shorts México y Macabro, entre otros, el cortometraje Vestigium de Julio César Durán se estrena a través de FilminLatino, la plataforma del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE).

Vestigium fue realizado en la Ciudad de México durante el periodo más álgido de la pandemia (abril a junio de 2020), aprovechando como escenario principal un suceso inédito hasta ese momento: una capital vacía. Se trata de un ensayo en tono de ciencia ficción lo-fi que reflexiona sobre los alcances emocionales de nuestra civilización y la mirada a un mundo donde el ser humano no se encuentra más en la Tierra.

Con una sola protagonista (Denise Roldán en la voz y Alejandra García-Zepeda como intérprete), este cortometraje nos lleva de la mano de una viajera cósmica que, tras recibir un mensaje en el espacio profundo, llega a un planeta Tierra ya deshabitado.

“Si bien mi película no trata sobre la pandemia, el acontecimiento sanitario fue un disparador para la creación de la misma. Siempre he disfrutado de la ciencia ficción con efectos prácticos o incluso que prescinde de efectos especiales, así que con la ciudad vacía sentí que no necesitaba mucho más para contar una historia trascendental al mismo tiempo cuya producción estaba pensada totalmente a la do it yourself. Se trata de cine punk”, comenta Durán, quien además de realizador, se ha dedicado a la crítica, investigación y a la programación cinematográficas.

Cabe destacar que la música del corto es del artista chileno, Near Oceans, lanzada originalmente en su EP homónimo de 2018 y que forma la banda sonora gracias al apoyo del sello independiente We Only Share (WOS) con base en México. Vestigium estará disponible en www.filminlatino.mx partir del 10 de febrero de manera gratuita.

Redacción

LOS CLÁSICOS

NUNCA PASAN DE MODA

RUBÉN ZAMORA

El histrión protagoniza Volver a Caer, al lado de la reconocida actriz Kate del Castillo y el actor español Maxi Iglesias, la serie dramática original de ViX+, es una versión contemporánea del libro Anna Karenina, del escritor ruso León Tolstói

por CARLOS MORA

¿Cómo te sentiste de estar en este proyecto?

Es un proyecto hermoso. Este personaje no es realmente de los que suelo hacer, que sí son malos, en esta historia no hay nadie malo ni bueno, son personas reales que cometen errores con los que tienen que vivir. Jandro, por donde lo veas no es malo, es alguien que está enamorado de su mujer (Kate del Castillo), de su hijo, de su vida, de su status quo, de sus sueños y de repente se van y se enoja, que es algo por desgracia muy normal.

¿Cuál fue el proceso para traer un clásico como Ana Karenina a la actualidad?

Los clásicos nunca pasan de moda porque la buena literatura, la buena música al final hablan de la esencia del ser humano y eso no ha pasado de moda, seguimos siendo los mismos tal vez con otras características sociales o con otros comportamientos, pero siempre he dicho que todas las personas necesitan poder comer, dormir y ser felices, la gente se levanta para amar y ser amada, en el trabajo para tener esas relaciones afectivas con compañeros, con todos; al final es lo que queremos, ser felices, ser amados y encontrar a alguien a quien amar, es algo que no ha cambiado desde los neandertales.

Trabajas con Kate del Castillo.

A Kate la conocía como cualquier admirador, conozco la carrera que ha hecho, el trabajo que ha hecho, el éxito que ha tenido, ser hija de quien es, que sobre eso, soy padre de un hijo y mi hijo tiene padre actor así que sé lo pesado que puede ser con mi hijo de “si vas a ser actor, respeta la actuación, la cuidas y la amas como si fuera tu pareja”.

No sólo no me decepcionó trabajar con Kate sino que se agrandó la admiración que tenía por ella, es una compañera increíble, muy profesional, muy buena gente, es divertida, tiene claro lo que quiere y cómo lo quiere, está muy conectada, voy a hablar de mí, con el compañero actor pues está muy presente y eso se agradece.

TEMPORADAS PORQUE ES ANNA KARENINA, ASÍ QUE VÉANLA"

La serie tiene una producción cinematográfica.

Soy muy fan de ver y hacer series, esta serie la hicimos en lo que se tarda en hacer una película, pero hacer series de cinco o seis meses me gusta porque me permite explorar más mi personaje, la historia y pasan más cosas. Cuando además estás haciendo series de una manera cinematográfica, soy hijo del cine, entonces es la mejor mancuerna, es maravilloso.

El conocimiento y la tecnología están para cuando los quieras utilizar, porqué acceso a las cámaras, al fotógrafo, todo está muy universalizado, nadie tiene ya un secreto, tal vez James Cameron o Ridley Scott tienen esos detalles que pueden jugar más, pero a nivel de lo que hacemos tanto en cine como en televisión ya es más cuestión de gustos y deseos para la historia.

¿Cómo ves la apertura que están teniendo las plataformas de contenido?

Como persona, siempre se agradece la competencia porque vivimos en un mundo en el que por un lado es malo ser tan competitivos, pero por otro lado, vemos los progresos tecnológicos justo por esa competencia y de repente de tener un duopolio como teníamos en México, en la que los actores o trabajan en una o en otra, nunca me gustó eso desde que llegué de España, si de por sí era difícil conseguir trabajo te partían a la mitad, estaba atónito.

Cuando se abrieron otros canales como HBO en México, todo se abrió un poco y ya con la llegada de las plataformas es mara-

villoso porque es más trabajo, más historias y no sólo para los actores porque el verano pasado no había ni una solo cámara para rentar en todo México, las grandes compañías de renta de equipo cinematográfico no tenían ni una sola cámara para rentar y eso es increíble, es trabajo para todos, son historias que a veces contaremos bien, otras mal, pero realmente estamos viviendo un momento muy dulce en México y en Latinoamerica, ojala dure un buen de tiempo.

¿Qué significa ver que tu trabajo llegue a otros países?

Es un gozo que todo llegue a más lugares, que el contenido no esté restringido a un lugar, a un canal o a un horario porque tal vez la quieres ver pero llegas destrozado a las diez de la noche a meter a los niños a la cama y se te pasa o hay muchos comerciales, dan las doce de la noche y tengo que estar a las cinco ya despierto, era complicado, pero estamos ya en un buen momento.

¿Cómo fue trabajar con el director Hari Sama?

¡Fatal! (risas), No, mentira. Es muy dulce, muy sensible, él tiene una sensibilidad muy especial, te hace llevar todo de una manera muy amable para poder llegar a un lugar al que tal vez alguien más te aventaría, él te acompaña. Es muy bueno.

Serán seis capítulos en total, una chulada, los invito a que la vean. Todos los capítulos tienen una sutilidad actoral increíble, estoy muy feliz de formar parte de esto. Tomen en cuenta que no habrá más temporadas porque es Anna Karenina, así que véanla.

"TODOS LOS CAPÍTULOS TIENEN UNA SUTILIDAD ACTORAL INCREÍBLE, ESTOY MUY FELIZ DE FORMAR PARTE DE ESTO. TOMEN EN CUENTA QUE NO HABRÁ MÁS

HARI SAMA VOLVER A CAER, EL REGRESO DE

El realizador dirige la nueva serie de ViX+,Volver a caer, versión mexicana de la serie The Beautiful Lie, adaptación del clásico Anna Karenina, obra escrita por León Tolstói en 1877

por CARLOS MORA

"ESTOYmuy contento porque es un estreno importante para mí, esperamos todos que la gente la reciba bien, lo que es muy especial para el público de esta serie es ver a Kate del Castillo en un tipo y estilo de personaje muy distinto de lo que le hemos visto los últimos años, eso está padre porque es una gran actriz y verla en otro estilo de personaje es algo muy valioso", confiesa el director en entrevista con la Revista Cameo.

¿Cómo llegó este proyecto a tus manos y cómo fue trabajar con Kate?

El trabajar con ella, fue maravilloso, es una actriz disciplinada, comprometida y muy profunda hicimos mucho trabajo de ensayo, de mesa, de la construcción del personaje y acabamos siendo amigos, disfrutamos mucho el trabajo que hicimos juntos.

Y por otro lado, me llamaron sobre este proyecto que está basado en una adaptación que se hizo en Australia de la novela de Leo Tolstoy, leí los guiones de la serie que se había hecho y le vi posibilidad, como director tienes que sentir que el proyecto va a crecer en tus manos que es un lenguaje que viene bien a quien tu eres y que tú le vienen bien al proyecto.

Eventualmente vi la serie original que adaptó el libro en Australia, The Beautiful Lie, y me gustó mucho el tratamiento; lo sentí como un reto, pensar cómo puedo llevar esta obra y llevarla a estar a la altura en México.

Cuéntame de que va la historia.

Volver a caer, aborda la historia de Anna Montes de Oca, una clavadista campeona olímpica que debe enfrentarse a los juicios sociales cuando se enamora de un músico. Lo que parece ser un romance prohibido, la lleva por un viaje de autodescubrimiento que la confronta con la realidad que vive.

Anna pasa de ser una mujer súper empoderada, una de las influencers más importantes del país, a entrar a dimensiones de profunda oscuridad. Kate se aventó con todo a hacer este personaje y para mí fue todo un privilegio acompañarla. Además, encontramos la forma de entramar la historia a México, a la tierra, el mezcal, la esencia del país en una historia que en su momento fue totalmente rusa.

Anna ofrecía matices muy interesantes, porque no se puede analizar bidimensionalmente. Es un personaje complejo que toma una decisión de corazón; es linchada socialmente por tener traumas, heridas esenciales que se destapan cuando está bajo presión. Empieza a vivir en un mundo paralelo y recorre parajes muy sombríos de su psique. Eso la vuelve compleja y hace que el trabajo de Kate sea deslumbrante.

Es una serie filmada con una gran calidad de producción.

En este caso era raro porque es una serie de seis episodios de casi una hora , fue como hacer una película larga, muy grande. Tuve la fortuna de dirigirla toda y no es igual cuando  tienes que dividir la responsabilidad, así que desde el principio pude visualizar todo el proceso, me traje a toda mi familia cinematográfica.

La serie tiene una gran elenco.

Es una pieza que va a atraer mucho al público tiene varios matices porque está en su mundo trágico como el personaje que hace Rubén Zamora, pero hay un universo musical que lleva el otro personaje del que ella se enamora que aquí se llama Vico que es Maxi Iglesias, está también la pareja que hace Daniel Tovar y Lucia Gómez Robledo y la pareja que hace Martín Altomaro y Flor Edwarda Rugola, que es una actriz fantástica, totalmente distinta a la misma reflexión que no hace relacionarnos donde está realmente la felicidad porque la amamos por que la masculinidad tóxica sigue siendo en nuestra cultura y un montón de cosas, van a sufrir, llorar y reír.

Pesero Show la ruta chilanga de amazon music

¿TE IMAGINAS

subirte a un pesero en la Ciudad de México y toparte con Chayanne cantando Volver, volver acompañado por un trío, o al grupo italiano Måneskin interpretando su éxito Beggin, pero con una versión en mariachi?, todo eso y más podrás verlo en la nueva serie de Amazon Music Pesero Show.

“En Amazon Music empezamos a hacer cada vez más proyectos que tengan diversos componentes

que le dan a un artista diversas formas de expresarse y que conecten con su gente y sus fans, por ello nace Pesero Show, para ofrecer a los artistas una plataforma para que interactúen con sus seguidores y se sientan chilangos por un día... pero mexicanos para toda la vida”, comenta en entrevista Paul Forat, cabeza de Amazon Music. La producción cuenta con ocho episodios de 20 minutos cada uno, en ésta los artistas de talla internacional tienen una plática íntima y divertida con la host Pame Voguel, en la cual hablan de sus proyectos, su relación con la Ciudad de México y cantan algunos de sus más grandes éxitos, mientras recorren la gran urbe en una ruta creada especialmente para cada uno de ellos.

Sobre la experiencia de grabar en un espacio tan pequeño como es un microbús, el también cantante compartió lo que ocurrió con Chayanne.

“Aunque a veces las cosas se salen del guion, al final quedan mucho mejor, en el primer capítulo le pedimos a Chayanne pasar cerca del Ángel de la Independencia, que saludara a las quinceañeras y seguir el camino, pero entre broma y broma le pregunté si se animaría a bajar y saludar a una quinceañera que estaba haciendo su sesión de fotos, dijo que sí, se animó; bajar y saludar, suena fácil, pero no lo fue del todo, fue un reto de logística, al final quedó mucho mejor”. Con este proyecto también buscan mostrar destinos turísticos de la Ciudad de México.

“Conforme fuimos grabando, hay un valor que no habíamos visto, y es que estos programas se van a ver en todo el mundo a través del canal de Amazon Music, es poder llevar este pedacito de México a través de estos íconos de la música y artistas mundialmente conocidos”.

El programa es coproducido por Sony Music y Televisa Radio.

Para Ana Villacorta, vicepresidenta de marketing de Sony Music México, el primer desafío de Pesero Show “fue explicarles a los artistas el concepto, ya que no había referencias para contarles de qué se trataba, incluso los internacionales no sabían los términos ‘pesero’ ni ‘chilango’, pero a todos les entusiasmó mucho la idea. Desde un inicio nos pareció maravilloso, tiramos un montón de nombres sobre la mesa, ése fue otro reto, el cuadrar las agendas de ellos y sus mánagers, pero al final todo salió muy bien”.

La producción estará disponible en los canales de YouTube de Amazon Music, Sony Music, sitio oficial y Facebook de LOS40 y el sitio oficial y Facebook de La KeBuena. Cada 15 días estrenarán un nuevo capítulo.

MARIANO AGUIRRE

SENSUAL SU LADO MÁS

por CARLOS MORA

Titanio Tecol es un monólogo original de Gonzalo Villanueva Irañeta y es protagonizado por el actor Mariano Aguirre. Es una historia tan común y tan juzgada que es inevitable sentir empatía por Pepe Sánchez, cuyo deseo es vivir y dejar vivir, en las estructuras sociales que se le han impuesto. El sobrenombre Titanio Tecol es el nombre de fantasía de trabajo sexual de el personaje. Su carácter histriónico, extrovertido, sensible y con algunos rincones oscuros por develar, nos acompañarán a lo largo de esta obra.

La historia de su vida se rige por su relación con los secretos de su familia, con Dios y con su homosexualidad. El personaje descubrirá, desde distintas perspectivas que funden lo ficticio con lo real, lo dramático con lo documental y que develar estas relaciones misteriosas y aparentemente contradictorias lo llevará a enfrentarlas de una manera inimaginable.

Mariano, ¿cómo te sientes de estar en esta obra?

Estoy muy emocionado y agradecido, es un reto muy importante, el libreto y la historia tiene tanto corazón como dice el director (Gonzalo Villanueva), es un privilegio poder contar esta historia en el escenario del Foro Shakespeare.

¿Cuáles son los retos de hacer un monólogo?

Lo más importante es mantener la atención de espectador, es el mayor reto que tengo como actor, eso por un lado, por otro, tengo que trabajar mucho con la memoria para no tener espacios en blanco ya que es mi primer monólogo y tengo que ver cómo enfrentar este reto, ha sido un trabajo de mucho aprendizaje.

TITANIO TECOL Dónde ver: Foro Shakespeare. Sábados de febrero y los miércoles de marzo

Foto

MIGUEL SANKUDO

Titanio Tecol toca el tema del sexoservicio masculino considerado un tema tabú, ¿ustedes qué opinan?

Mariano: La obra es fuerte, habla sin tabúes y es parte de lo que se intenta con esta historia que no se intenta aleccionar o juzgar, al contrario es retratar una realidad de todos los días de miles de personas... puede ser crudo pero queremos generar empatía y que el espectador entienda que es tan humano lo que se hace mi personaje para sobrevivir.

Gonzalo: Claro, no queremos adoctrinar a nadie, creo que la bandera que debe levantar el teatro es invitar a la reflexión, y al cuestionamiento, me parece que es un lugar del texto que es muy singular, el teatro es un espacio de entretenimiento hay que defender ese lugar, pero también recuperar la parte donde nos invita a la reflexión.

Gonzalo, ¿Cómo nace el guion de Titanio Tecol?

Es un docudrama a partir de distintos datos bibliográficos de personas que he conocido en mi vida, también de entrevistas e incluso docu-

mentales que he visto, de ahí fue construir este monólogo de ficción que habla de la vida de un trabajador sexual y actor porno mexicano en la Ciudad de México en estos alocados tiempos del siglo XXI.

Por otro lado, es mi tercer monólogo, antes hice una traducción de El rey Lear y lo adapté a monólogo, donde el bufón del rey cuenta su versión, que lo hice durante más de 12 años y me permitió viajar a varios lugares entre ellos México, me presente en el Festival Internacional de Monólogos de Xalapa; fue una experiencia muy grande.

Y, ¿cómo llega Mariano a la obra?

Hice un casting al que llegaron 17 actores de la televisión y teatro, lo que me interesó de Mariano es que lo conocía por los talleres que había dado de entrenamiento actoral , de ahí me di cuenta del talento que tiene, de su ética y gran compromiso profesional,.

Titanio Tecol demanda un gran esfuerzo emocional y físico, no es la típica narraturgia donde ves al actor o la actriz frente al público hablando y hablando, al contrario, lo que vi en Mario es un cuerpo y una imaginación muy disponible, eso me interesó mucho.

Inteligencia Actoral

¿ser o no ser?

EL DESEO de perfección, inmortalidad y obediencia conducen a un futuro robotizado. Debido a los adelantos de la tecnología, más temprano que tarde, todas las personas podrían ser sustituidas —en sus trabajos, e incluso en su vida privada— por versiones aparentemente incapaces de fallar. Y, si los humanos son remplazados en el teatro, serán removidos de cualquier otro espacio. En ese sentido, el escenario es el límite de la realidad porque no hay acto más real y humano que el teatro… Hasta ahora.

Inteligencia Actoral es una comedia de enredos de corte futurista, que habla de los requerimientos necesarios para que el público suspenda su incredulidad frente al hecho teatral. Al final de cuentas, un actor reproduce conductas y emociones, lo cual constituye también la meta final de la inteligencia artificial. La pregunta es: ¿resulta posible hacerle creer a las y los espectadores que las emociones son reales, aunque el actor no lo sea?

Con esta obra, el público conocerá a Paco Ramos, un actor famoso que está a punto de estrenar una versión de

Hamlet cuando recibe una imprevista propuesta para filmar una película de Hollywood. Como las obras de Shakespeare en México solo dan 24 funciones, y la lista de espera de los teatros es interminable, el director y el actor se confabulan para utilizar un robot suplente que protagonizará la pieza shakesperiana. El reto será que el público, los productores y los miembros del elenco no sepan quién es el original y quién es la copia. ¿Humano o androide? He ahí el dilema.

La puesta en escena cuenta con las actuaciones de Carlos Aragón, Roberto Beck, Dobrina Cristeva, Diana Sedano, Fernando Rebeil, Verónica de Alba y Elena del Río.

Cabe resaltar que esta comedia de ciencia ficción fue creada por el director y dramaturgo Flavio González Mello —ganador del Premio Nacional de Dramaturgia Juan Ruiz de Alarcón y el Premio Nacional de Dramaturgia Víctor Hugo Rascón Banda, entre otros—, quien es autor de obras como 1822, el año que fuimos Imperio (2000), Lascurain o la brevedad del poder (2005) y Olimpia 68 (2018).

Dónde ver: Teatro Helénico Hasta el 19 de marzo.

EL CUERPO EN QUE NACÍ, EN BUSCA DE LA IDENTIDAD

GUADALUPE es una niña durante finales de los años 70, que se enfrenta al reto de crecer y encontrar su identidad entre las locuras liberales de la época, una familia tan rara como cualquiera y el cuerpo en el que le tocó nacer. Un cuerpo que a veces se siente defectuoso y otras veces como su más grande orgullo, pero siempre como una eterna outsider.

La obra, adaptación libre de Bárbara Perrín sobre la novela homónima de Guadalupe Nettel, es una historia de iniciación contada desde dos voces: la niña que vive y la mujer que recuerda. Ambas “Guadalupes" presentan las mismas anécdotas con diferentes perspectivas. La pequeña Lu se sorprende y reacciona desde el presente y la Guadalupe adulta tiende a poetizar el pasado,

dudando a veces de su propia memoria.

Con la participación de un talentoso trío actoral, encabezado por la jóven actriz María Perroni Garza, quien ha realizado teatro desde los cuatro años; con Tamara Vallarta, reconocida actriz teatral que también ha incursionado en cintas exitosas como: Plan V (2018) o El comediante (2021); y con Paulina Treviño, quien ha sido parte de reconocidos proyectos como la cinta Detrás de la montaña (2018).

El cuerpo en que nací, una poderosa puesta en escena traída al Foro Shakespeare gracias a la productora Magnífico Entertainment. Dirigida por Benjamín Cann y estelarizada por María Perroni Garza en conjunto con los talentos alternantes Tamara Vallarta y Paulina Treviño.

Gabriel Tarantini cumple un sueño más

Poder trabajar para Disney+ era un sueño que veía lejano, pero gracias a su arduo trabajo, el actor logra protagonizar la serie juvenil Gina Yei #ConTodoElCorazónYMás, al lado de la actriz puertoriqueña Didi Romero

GINA YEI Dónde ver: Disney+

¿Cómo te sientes con este proyecto, Gina Yei (2023)?

Definitivamente es algo muy cerca de ser un sueño hecho realidad porque trabajar de la mano de una de las compañías más grandes, que es Disney, es algo que en mi vida podría haber imaginado, así que ahí lo dejo. Lo que más disfruté de este proyecto fue el hecho de hacer algo diferente a lo que ya había hecho.

¿Consideras que tiene escencia de High School Musical?

Me encanta, sí la tiene, a eso quisiera agregar que se reimagina ese mundo de High School Musical con el foco a la cultura latinoamericana, sobretodo del Caribe, creo que no importa de qué parte de Latinoamérica seas pues todos pertenecemos a esos sonidos que al escucharlos nos hace mover los hombros.

¿Cómo fue grabar en Puerto Rico?

Partiendo justamente de que Puerto Rico tiene una cultura de cine y de series muy fuerte, creo que esta serie en partícular Gina Yei, con la ayuda de Disney y la productora hicieron un tremendo trabajo porque a parte de que la cultura latina esta presente, los paísajes de Puerto se aprecían desde el frame número uno del episodio. Grabar ahí fue increíble, desde la primera vez que llegue tenía muchas expectativas porque somos poquito menos de veinte en el elenco y me trataron como familia, soy venzolano y encontré mucha similitud de cómo somos en Venezuela a como son ellos, los de Puerto Rico. Lo único fuerte físicamente es el calor, sí hace un montón, pero todo se me hizo muy fácil gracias al acogimiento que recibí allá.

¿Cómo fue la mancuerna que tienes con Didi Romero?

Se me hizo muy fácil trabajar con ella porque es uno de los talentos más prominentes de Puerto Rico en estos momentos, me atrevería a decir que también en el mundo, porque a veces encuentras parejas en otras producciones donde se te hace un poco más difícil clicar, pero ella con su talento y profesionalismo me lo hizo sumanete fácil.

Respecto a la música, el hacer reggaetón, nunca me imaginé que iba a cantar algo de género urbano, mi personaje es un poco más tranquilo, el de el romantiqueo en las canciones. Fue increíble.

¿Qué tan fácil fue para ti inciciarte en el género del reggaetón?

Prácticamente es un genero que representa a Latinoamerica. Sé cantar, pero para mí lo primordial siempre ha sido actuar y sí fue bastante complicado porque tuve que tomar mucha inspiración de gente como Camilo o Sebastián Yatra que más o menos cantan lo que mi personaje quería cantar dentro de la serie, no es Bad Bunny, es un poco más suave. Se me hizo complicado, pero creo que parte de cantar si tienes el don y sabes hacerlo, lo más difícil es perderle el miedo, una vez que lo pierdes el arte puede fluir.

POSITIVA Y ES JUSTO PORQUE LO HICIMOS CON MUCHO CARIÑO, GANAS Y MUCHO TALENTO, NO SOLO ENFRENTE SINO DETRÁS DE CÁMARAS, ESO LO ESTÁN VIENDO EN PANTALLA"

¿Qué te ha dejado este proyecto?

Este proyecto presentó muchos obstáculos físicos por el baile y el canto, cosas que no todos los artistas tienen, no todos los actores somos modelos, cantantes o bailarines, entonces creo que el lanzarme sin ningún tipo prejuicio con la gente de producción, creo que me ayudó. Me quedo con una bonita voz o por lo menos con saber cómo cantar y con un poco más de movimento en mi cuerpo gracias a los coreógrafos de los videos.

" LA RECEPCIÓN DE LA SERIE HA SIDO BASTANTE

ROBERTO CARLO , SE UNE A LA OBRA MENTIDRAGS

El actor y presentador se unió a uno de los musicales más aplaudidos y queridos por el público mexicano, Mentidrags

Dentro de la obra da vida a la española Manoella, prima de Emmanuel, quien se encarga de reunir a las dos esposas de su primo y a sus otras dos amantes para darles la noticia de su muerte.

Corsage

LA EMPERATRIZ REBELDE. NOBLEZAS

ASFIXIANTES Y ANHELOS DE LIBERTAD

por FRANCISCO JAVIER QUINTANAR POLANCO

LA TRAMA tiene lugar en Europa en 1887, al interior de la Casa de Habsburgo. Su protagonista es la emperatriz Elisabeth de Austria y también reina de Hungría, llamada cariñosamente Sissi; quien se ha convertido en una figura emblemática de la realeza, y su belleza es ostentada por la misma como si se tratase de un trofeo.

Pero a pesar de estar rodeada de lujos y de contar con la admiración de propios y extraños, Elisabeth está muy lejos de sentirse feliz. Y al llegar a los cuarenta años, su insatisfacción y tedio se acentúa, al someterse a diversos rituales para conservar y cuidar su belleza, al tiempo que debe atender diversos protocolos nobiliarios los cuales en el fondo le desagradan.

Con una corona sobre su cabeza la cual le resulta cada día más pesada, y sintiéndose todo el tiempo asfixiada, y no solo por culpa de los corsés que se ve obligada a usar diariamente para conservar su espigada figura. Poco a poco, en Sissi comienza a brotar la semilla de la rebelión, manifestándose en todo tipo de caprichos y diversos desafíos en contra de la familia real y sus imposiciones, expresando así su inconformidad y su imperiosa necesidad de liberarse.

Realizada por la cineasta, guionista y activista austriaca Marie Kreutzer, Corsage: la emperatriz rebelde ( Corsage , Austria - Luxemburgo - Alemania - Francia, 2022) es su primera coproducción internacional. En ella, se acerca a los últimos años de vida de una figura de la

nobleza que ya había sido abordada por el cine previamente, en películas como Kaiserin Elisabeth von Österreich (Rolf Raffé, 1921, coescrito por Marie Larisch, sobrina de Elisabeth); La princesa encantadora (The King Steps Out, Josef von Sternberg, 1936); y la trilogía conformada por las cintas Sissi (1955); Sissi emperatriz (Sissi — die junge Kaiserin, 1956) y El destino de Sissi ( Sissi — Schicksalsjahre einer Kaiserin, 1957) dirigidas por Ernst Marischka y protagonizadas por Romy Schneider; por mencionar solo algunos.

Pero en esta nueva versión (estelarizada por Vicky Krieps), Kreutzer aparta al personaje de los reflectores de la opulencia y la tragedia, y más bien trata de acercar al espectador a la figura del ser humano en su intimidad, mostrando sus facetas como esposa, madre, amante, y las afectaciones que sufren a causa del peso de los deberes reales los cuales ella está obligada a asumir. Tal carga, le crea conflictos internos donde se debate entre sus impulsos, sus deseos y sus responsabilidades. Y Sissi busca sobre todo, su libertad.

Para exaltar estos contrastes, la directora y guionista recrea un drama de época, pero con una mirada más contemporánea y relajada en relación del rigor histórico propio de estos relatos, tomándose incluso algunas licencias autorales. El resultado es un ejercicio fascinante y un tanto arriesgado (e inesperado), el cual funciona sobre todo gracias a la precisa, poderosa y por ratos divertida interpretación de su protagonista.

CORSAGE Distribución: Tulip Pictures

LOS FABELMAN Distribución: Universal

Los Fabelman

UN COMING-OF-AGE QUE REFLEXIONA SOBRE LAS CUALIDADES DEL CINE

por FRANCISCO JAVIER QUINTANAR POLANCO

EL MENOR Sam Fabelman (Mateo Zoryan) asiste junto con sus padres Burt (Paul Dano) y Mitzi (Michelle Williams) a su primera visita a un cine. Allí, queda profundamente impresionado con una escena donde un tren se accidenta. Ello evoluciona en obsesión, y en los días siguientes intenta replicar dicha escena valiéndose de juguetes. Al darse cuenta de ello, su madre le facilita la cámara propiedad de su esposo, para filmar con ella su recreación y así pueda verla posteriormente cuantas veces quiera. En ese momento preciso, en el infante queda sembrada una semilla la cual germinará con el pasar de los meses, dando lugar a muchas otras películas caseras rodadas por él, con su familia y amigos como extras.

Años más tarde, Sam se ha transformado ya en un jovencito (interpretado en dicha etapa por Gabriel LaBelle) y su pasatiempo cinéfilo (como así lo denomina su padre) ha crecido junto con él y forma ya parte importante de su existencia. Pero con la llegada de la adolescencia, se vienen también cambios importantes los cuales afectarán su vida, sumergiendo gradualmente a su familia en una crisis, y llevarán al protagonista a vivir diferentes experiencias. A partir de ellas, se cuestionará sobre sus prioridades, y sobre el papel que el cine deberá ocupar en su vida personal y profesional.

En años recientes, cineastas contemporáneos de diversas latitudes decidieron realizar -cada uno por su cuenta- largometrajes autobiográficos y/o autorreferenciales, muchos de ellos de tipo coming-of-age , como fue el caso del irlandés Kenneth Branagh (Belfast, 2021); el italiano Paolo Sorrentino (Fue l a mano de Dios / È stata la mano di Dio, 2021); los estadounidenses Paul Thomas Anderson (Licorice Pizza, 2021) y James Gray ( El tiempo del Armagedón / Armageddon Time , 2022); y los mexicanos Alfonso Cuarón ( Roma , 2018) y Alejandro G. Iñárritu

(Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades, 2022)

A ellos se suma ahora el afamado Steven Spielberg, quien junto con su guionista y colaborador recurrente Tony Kushner, elaboran el argumento de Los Fabelman, donde arroja una mirada retrospectiva y ficcionalizada (pero que paradójicamente se percibe muy genuina) a varios momentos y anécdotas de su niñez y juventud, para por un lado homenajear y reconocer a sus padres y a su familia, pero al mismo tiempo exorcizar algunos demonios y ajustar un par de cuentas pendientes con sus progenitores.

Por otro lado, el relato reflexiona de forma entrañable a la vez que un tanto crítica, sobre su temprana (y no pocas veces conflictiva) relación con el séptimo arte la cual, además de apasionarle y brindarle satisfacciones; también le acarreó problemas, le obligó a tomar decisiones difíciles y hacer algunos sacrificios, a discutir duramente un par de ocasiones con sus seres queridos, e incluso le ayudó a revelar (y enfrentar) una o dos difíciles verdades.

Más que una carta de amor por parte del cineasta hacia su familia y el arte cinematográfico, Los Fabelman es también un análisis y autoanálisis -rayando en lo terapéutico- de su propio pasado y de sus recuerdos y como, con el tiempo, estos moldearon la forma en que el autor ve y se relaciona con el mundo, siendo ello patente en sus cintas. Y además (como enfatiza gracias a una magistral escena), el cine muchas veces fue el vehículo desde donde pudo sincerarse y expresar ideas y sentimientos cuando fue incapaz de hacerlo con palabras. Y de paso, este filme reivindica la capacidad de dicho arte para fascinar, para percibir y mostrar diferentes realidades, para fabular intencionadamente otras, y para mostrar al espectador algunas más, las cuales pueden resultar no muy agradables o francamente incómodas.

COSECHA ÉXITOS

ALFONSO HERRERA

El actor mexicano es uno de los cinco nominados en la categoría mixta a Mejor Actor/Actriz en Ficción Sonora por su interpretación en Batman Desenterrado, en la segunda edición de los Premios Ondas Globales del Podcast.

Los formatos de audioentretenimiento ganan cada vez más relevancia en el gusto del público, así Prisa Audio (parte de Grupo Prisa) en conjunto con Cadena SER y con el apoyo del Ayuntamiento de Málaga, la Diputación de Málaga y la Junta de Andalucía se reúnen para otorgar por segunda ocasión reconocimiento a las mejores creaciones audibles hispanoparlantes.

Entre los poco más de 1,178 proyectos inscritos de 18 países diferentes en la competencia, Batman Desenterrado logró obtener 2 de las 65 nominaciones distribuidas en 13 categorías distintas; se posicionó como uno de los pocos proyectos mexicanos en figurar dentro de la premiación al competir por Mejor Producción y por Mejor Actor o Actriz en Ficción Sonora con Alfonso Herrera como nominado.

Producido por Spotify, Warner Bros. y DC Cómics, Batman Desenterrado es la versión para Latinoamérica del podcast Batman Unburied, una historia escrita por el experimentado guionista de cómics y películas David S. Goyer (Batman Inicia, 2005), que en su versión en español estuvo bajo la dirección del reconocido realizador mexicano Hari Sama (Esto no es Berlín, 2019). Herrera, quien es el encargado de darle vida al personaje protagónico de Batman/Bruno Díaz en este montaje sonoro, compite por la presea contra talento internacional, chileno y español principalmente. A propósito de su nominación en los Premios Ondas Globales del Podcast 2023.

"Estoy muy emocionado por esta nominación, sin duda Batman es uno de los personajes más interesantes en la historia del cómic y del universo DC. Darle voz a este superhéroe tan complejo y de la mano de grandes aliados como lo es Fabula, Spotify, Warner Bros., DC y Hari Sama fue un gran reto y al mismo tiempo una gran posibilidad de trabajar con grandes compañeros actores reinterpretando esta historia y creando algo muy nuestro. Es una invitación al público a sumergirse en este universo sonoro de Ciudad Gótica”, comenta el histrión.

La premiación que contará con un jurado conformado por un panel de expertos y conocedores de la profesión sonora en sus distintos sectores: guionistas, productores, podcasters, actores, directores y artistas creativos. Cabe destacar, que además de las 13 categorías generales los jurados serán los encargados de seleccionar a los ganadores de las categorías especiales Podcast Revelación y a la Trayectoria y consolidación del podcast en España y Latinoamérica.

Los resultados se darán a conocer el próximo miércoles tres de mayo en el Teatro del Soho CaixaBank de la provincia de Málaga, en España.

Redacción

SE SUMA AL ELENCO DE TESIS SOBRE UNA DOMESTICACIÓN

El actor se suma al elenco de Tesis sobre una domesticación, adaptación cinematográfica de la novela homónima e inédita de Camila Sosa Villada, actriz y escritora trans argentina ganadora del premio Sor Juana Inés de la Cruz en la FIL Guadalajara, el Finestres de Narrativa de Barcelona, y el Grand Prix de l'Héroïne Madame Figaro.

"Después de varios proyectos fuera de México, regresar a trabajar en Latinoamérica es algo que me conecta de manera muy profunda y valiosa. Contar nuestras historias es importante, por ello siempre buscaré regresar a mis raíces", comenta el actor de El baile de los 41

En el filme interpretará el personaje del “Abogado”, un exitoso y carismático profesional alejado de su familia paterna y radicado en Argentina desde hace varios años, quien nunca había tenido deseos por una mujer, solo alguna que otra novia en la adolescencia para sobrevivir a la mirada familiar, hasta que conoce a la “Actriz” (Camila Sosa Villada), una mujer trans con la que decide formar una familia. El “Abogado” se entrega a dicho vínculo dispuesto a explorar nuevos acuerdos que le permitan una vida en conjunto.

Tesis sobre una domesticación narra la historia de una exitosa actriz trans, su esposo, un flamante abogado homosexual, y su hijo, adoptado en buena ley, quienes conforman una familia que ha atravesado muchas pruebas y adaptaciones para ser aceptada como tal. Pero esa domesticación de la que extraen su paz, será amenazada por un viaje al pueblo en donde vive la familia de la actriz y un hombre que años atrás la rescató de un ataque.

“Uno de los aspectos que más me interesa del personaje del 'Abogado' es que decide hacerse preguntas frente a una relación afectiva que nunca esperó ni proyectó, y que esas preguntas vuelven al encuentro una posibilidad de amor”, menciona Javier Van de Couter, director y guionista de la película.

La película inició rodaje en enero de este año en Buenos Aires y es una coproducción entre Argentina y México a cargo de Laura Huberman, Ramiro Pavón y Gael García Bernal con su productora La Corriente del Golfo.

Redacción