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NÚMERO 26

SEPTIEMBRE 2023

AÑO 3 REVISTA DIGITAL

Editor:

Carlos Mora

Co editora:

Maribel De Luna

Colaboradores:

Elizabeth Osorio

Cinthya Salas

Alejandra Lomelí

Francisco Javier Quintanar Polanco

Angélica Ramírez

CORREO:

cameo.revista@gmail.com

REVISTA CAMEO

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Michael Chaves profundiza en el origen de La Monja

El director Michael Chaves compartió detalles sobre La Monja II en una entrevista con la Revista Cameo . En esta nueva entrega, la historia se sumerge en los orígenes del universo cinematográfico de El Conjuro . Chaves expresó: "Creo que hemos ampliado el universo de una manera que no habíamos visto antes, utilizando los archivos de casos de Warren".

por SANTIAGO FLORES CHONG

La monja se ha convertido en una especie de personaje icónico dentro del universo The Conjuring, ¿a qué atribuyes este éxito del personaje?

En primer lugar, creo que esta monja es una imagen sumamente poderosa. Lo más destacado es el hecho de que la actriz Bonnie Aarons ha llevado verdaderamente este personaje a un nivel excepcional. Ya era un icono del terror antes de asumir el papel de la monja, pero cuando se puso esa túnica, se transformó verdaderamente en esta icónica villana del cine. Su actuación es extraordinaria y merece un reconocimiento especial. Comprende a la perfección el personaje, comprende lo que provoca miedo y lo explora de manera intensa en cada escena. Además, resulta genuinamente entretenido verla, especialmente porque ella ama su papel. La idea central de la película sugiere que los demonios son, en realidad, ángeles caídos.

Lo interesante de La monja II, es que busca explorar los orígenes de Valak. Una de las cosas que siempre me ha parecido poderosa acerca de Valak y estos monstruos es este elemento de misterio, sabes, que incluso cuando profundizas, te das cuenta de que todavía hay mucho que desconoces. Hemos estado explorando esta línea de descubrir más sobre Valak, de comprenderlo mejor, pero también de mantenerlo envuelto en un misterio y rodeado de teorías. Y, curiosamente, cuanto más nos acercamos, parece que se aleja aún más.

¿DÉ QUÉ TRATA?

La Monja II se ambienta en la Francia de los años 50, cuando un sacerdote es asesinado y un mal se está extendiendo. La secuela del gran éxito mundial sigue a la Hermana Irene cuando, una vez más, se encuentra cara a cara con Valak, la monja demonio. Es una secuela de La monja (2018), siendo así la novena entrega de la franquicia El conjuro. Taissa Farmiga y Bonnie Aarons vuelven a interpretar sus papeles protagonistas como la hermana Irene y Valak, respectivamente.

¿Qué vamos a ver en esta segunda entrega?

Creo que lo más destacado de esta película es la combinación de dos tramas diferentes que se desarrollan de manera paralela. Una de ellas sigue a la hermana Irene (Taissa Farmiga), retomando su historia cuatro o cinco años después de los eventos de la película anterior. La otra se centra en Maurice (Jonas Bloquet), también ubicada cinco años después, y lo encontramos trabajando en un internado que tiene un ambiente muy tradicional de casa encantada. La esencia de El conjuro siempre ha sido contar historias que involucran personas y situaciones familiares que se ven amenazadas por entidades demoníacas o malignas, y esto se refleja en nuestra historia con Maurice en el internado, donde abundan estas características, creando un mundo encantado y emocionante.

La historia de Irene, por otro lado, se trata de su búsqueda para encontrar a Maurice y detenerlo, y este viaje la lleva a través de diferentes lugares en Europa que están inspirados en películas de terror. Lo que resulta fascinante es que este viaje la conduce a atravesar las puertas de una casa encantada, adentrándola en entornos y lugares que no hemos visto previamente en el universo de El conjuro. Esto, en sí mismo, es emocionante. La trama se desarrolla en una situación intrigante y, desde el punto de vista visual, presenta una mezcla de misterio y una atmósfera espeluznante que acompaña a la historia.

¿Qué oportunidades te ofrece este proyecto como director?

Ya sabes, creo que es una buena pregunta. Lo que realmente me atrajo del proyecto fueron un par de cosas. En primer lugar, la oportunidad de rodar en Francia, especialmente en el sur de Francia, que tiene una gran textura. Estamos filmando en gran parte en lugares que tienen una riqueza y una historia increíbles. Estos lugares casi tienen fantasmas, puedes sentirlo cuando entras en ellos. Crecí en el sur de California, así que aquí un edificio antiguo tiene unos 50 años. En Francia, estos edificios tienen cientos de años, y algunos son incluso más antiguos. Algunos están construidos sobre ruinas romanas, y puedes ir al sótano y verlo. Hay algo realmente increíble en toda esa historia. Esa fue una de las cosas que realmente me atrajo, la textura de trabajar en Europa y crear una gran película con ese telón de fondo.

FOTOS WARNER BROS. PICTURES

También me encantó volver a una casa embrujada, en El conjuro III. Fue un giro en la investigación, algo así como la versión de El conjuro pero en el séptimo sentido. Estábamos persiguiendo a un asesino en serie sobrenatural, y fue una exploración muy divertida. Creo que amplió el universo de El conjuro de una manera que no habíamos visto antes, utilizando los archivos de casos de Warren.

Lo que me encantó fue cómo profundizaba en la historia antigua y algunos de los elementos históricos reales. No quiero dar detalles, pero había una profundización en eventos históricos genuinos, y eso fue muy divertido. Pero en el fondo, todo se reduce a la experiencia de la casa embrujada, y creo que en todas las casas embrujadas hay historias sobre personas y familias. Eso es algo que me gusta mucho, y puedes ver cómo los personajes intentan formar su propia versión de la familia. Ese fue un elemento importante de la historia que me atrajo mucho. Fue una respuesta bastante larga, ¡espero que te sea útil!

Estoy emocionado de compartir más detalles sobre el proceso detrás de cámaras y el tiempo que ha llevado llevar a cabo este proyecto.

Sabes, ya han pasado como dos años y medio, lo cual parece mucho tiempo. Literalmente, estaba sentado aquí hablando, por Zoom, en el estudio después de leer el primer borrador del guion. Y yo estaba diciéndoles cuánto lo amaba. Básicamente, me impactó desde el principio, fue el segundo borrador que escribió Akela Cooper, y dijo desde el principio que gran parte de la historia ya estaba allí. Muchos de los personajes y el núcleo de esta búsqueda central, la persecución que Irene lleva a cabo, rastreando a Maurice en este viaje para detener a Valak, ya estaban en su lugar. Realmente me enamoré de ello.

Honestamente, cuando me uní al proyecto, hice una revisión y lo ajusté un poco. A pesar de que la película tiene una gran extensión, y aunque Irene viaja por Europa, sentí que era un poco demasiado extenso por parte de Marisa. Entonces, decidí cambiarlo, básicamente, transformándolo en una escuela en lugar de un pueblo pequeño. Pensé que podríamos conservar todos los elementos de una pequeña ciudad, pero simplemente ubicarlos en un internado, lo que hizo que la historia fuera más compacta. Luego, había otro elemento relacionado con la historia de Akela en el guion. Había un concepto ficticio que no revelaré para no arruinarlo, pero pensé que sería una gran oportunidad para incorporar un hilo histórico real. Comenzamos a investigar, y eso fue algo que me encantó del original, ya que estaba basado en los archivos de casos de los Warren. Quería añadir un elemento histórico real a la historia que acabábamos de completar y formar parte de la narrativa. Fue una gran adición que hice, y me gustaría poder decir de qué se trata, pero tal vez podríamos hacer una entrevista posterior con spoilers después de que todos hayan visto la película. Creo que eso realmente añadió una dimensión interesante a la historia.

Luego, se convirtió en un proceso de preparación, buscando ubicaciones y seleccionando el elenco. Tuvimos un elenco increíble, en serio, actores increíbles, incluyendo a los personajes que regresan de la primera película. También contamos con un grupo de jóvenes actores impresionantes, probablemente uno de los mejores conjuntos infantiles que haya visto en mi vida. Fue un verdadero placer trabajar con ellos. Algunos de ellos son de Francia, como Kingman Rose Downey, quien interpreta a Sophie, y otros son de Irlanda. Realmente hicieron un trabajo excepcional y aportaron mucho a la película. Estoy seguro de que el público quedará impresionado por su actuación.

Estamos hablando de la franquicia más exitosa de películas de historia de terror. ¿Y crees que es importante vincular las películas y los personajes para crear este tipo de sensación de universo compartido, o tal vez todo sucede en el mismo lugar?

Sí, creo que contar una gran historia y una historia coherente es muy importante. Creo que esa es una de las mejores cosas que he visto en el desarrollo de la realización cinematográfica en los últimos 10 años, 20 años, es como si empezaras a tener historias más importantes que se basan entre sí. Me encanta eso. Creo que es realmente poderoso y 100% amplía el universo de El conjuro y desarrolla una historia mucho más grande que estamos contando. Y, por supuesto, solo existe un universo y no hay un multiverso. Contrariamente, es solo este universo, esta única historia. Y creo que lo que esta película hace muy bien es realmente enfocarse y conducirnos hacia una gran historia, eso es lo que la película cuenta dentro de sí misma, pero también en el universo más amplio de El conjuro.

LA MONJA II Distribuidora: warner Bros Pictures

FOTOS WARNER BROS. PICTURES

La aterradora monja-demonio Valak apareció por vez primera en 2016, en la secuela de la exitosa El conjuro (The Conjuring 2) de James Wan. Dos años más tarde, sería la protagonista principal de su primera película, la cual funcionaría tanto como secuela de esta franquicia, como una extensión del universo concebido en la misma. Ahora, tras 5 años y una pandemia, el siniestro personaje vuelve a la pantalla grande una vez más, para seguir aterrorizando a todos (sobre todo a los espectadores) con sus horrendos y grotescos actos.

En esta ocasión, la historia tiene lugar en 1956, cuatro años después de los eventos ocurridos en la primera entrega. Y sigue los pasos de dos de sus protagonistas: la Hermana Irene (Taissa Farmiga), quien ahora vive en un convento en Italia, y Maurice Frenchie (Jonas Bloquet), el campesino que la ayudó a ella y al Padre Burke (Demián Bichir) a enfrentarse a la poderosa entidad, el cual ahora es empleado en un internado para señoritas en Francia. Ambos parecen vivir tranquilos, y aparentan haber dejado atrás la terrible odisea sobrenatural que experimentaron.

Sin embargo, una serie de horripilantes asesinatos y suicidios entre integrantes del clero europeo, atrae la atención del mismísimo Vaticano y les hace sospechar que el maligno ser ha vuelto a este mundo. Por ello, mandan llamar de nueva cuenta a la Hermana Irene, y le solicitan que investigue el caso y averigüe la razón de porqué está cometiendo esos crímenes en diferentes puntos del viejo continente. Pero además, esta vez deberá hacerlo sola, ya que el padre Burke ha fallecido prematuramente. Ella en principio se niega, pero es presionada por la autoridad eclesiástica y termina por aceptar. Afortunadamente, la rebelde Hermana Debra (Storm Reid), quien lleva buena amistad con Irene, decide unírsele en su cruzada, aunque lo hace por su cuenta, sin consentimiento de sus superiores.

Durante sus pesquisas, para el personaje protagónico es evidente no solo que Valak efectivamente está detrás de esos crímenes, sino también que la razón por la cual se está desplazando por Europa, es porque está buscando algo. Ese “algo” resulta ser un objeto que "casualmente" está oculto justo en el lugar donde ahora vive y trabaja Maurice.

LA MONJA II Distribuidora: warner Bros Pictures

La Monja II SECUELA QUE MEJORA, PERO…

por FRANCISCO JAVIER QUINTANAR POLANCO

Pero lo más escalofriante de todo, es que cae en cuenta que este último ha sido poseído por ese demonio, quien lo está usando como instrumento para localizar la reliquia con la cual desea volverse aún más poderoso.

Dirigida por Michael Chaves (La maldición de La Llorona, El Conjuro 3) y con un guión de Akela Cooper, Ian Goldberg y Richard Naing, La Monja II es continuación -y consecuencia- directa de los acontecimientos de su primera parte, la cual tiene un arranque promisorio y en su primera mitad logra combinar (y potenciar) los mejores componentes que hicieron tan popular a la franquicia en sus orígenes (y a los primeros trabajos de Wan), al combinarlos con un thriller de tintes detectivescos en el cual, incluso integra algunas subtramas interesantes, tocando temas como el bullying o la orfandad.

Pero en su segunda mitad, todo comien -

za a deshilvanarse, y termina reducido a un relato más plano, muy convencional, que recicla ideas de su primer capítulo y se torna exagerado y carnavalesco al echar mano (como si fuese un parque de diversiones) de diversas criaturas y espectros para atormentar a los protagonistas, hasta llegar al desenlace donde, aunque se revelan los verdaderos motivos por los cuales las autoridades clericales eligieron a Irene desde el primer momento; resulta ser algo burdo, conveniente y de humor involuntario, digno de las persecuciones rutinarias en cualquier capítulo de la serie animada clásica de Scooby Doo.

Si bien La Monja II resulta fallida en su conjunto, evidencía que la franquicia todavía conserva cierto potencial de impacto y capacidad para horrorizar. Solo necesita quitarse de encima algunos vicios y excesos, y quizás, alguna mirada novedosa que le ayude a refrescarse.

FOTOS WARNER BROS. PICTURES

El director Gustavo Loza regresa al cine con Welcome Al Norte , una comedia familiar que busca romper con los prejuicios que existen sobre Tijuana. La película muestra la vida de Polito (Silverio Palacios), quien, por azares del destino, termina cambiando su trabajo desde Izamal, Yucatán, hasta Tijuana, Baja California. En esta aventura, lo acompañan su esposa Teo (Amorita Rasgado), Spooky (Ricardo Abarca), Caro (Isabel Burr), el Zarigüeya (Héctor Jiménez) y Big Mom (Raquel Garza). En Revista Cameo , platicamos con el elenco sobre esta nueva aventura que formarán nuevos lazos fraternales y descubrirán que todos los mitos sobre Tijuana eran solo eso, mitos.

por CARLOS MORA

Me pueden contar, ¿qué es lo que les gusta de sus personajes?

Silverio: Todo. Yo soy de la idea, como actor y formador, incluso porque me encanta la docencia, de que uno crea sus personajes a partir de los demás, de quienes son la referencia directa y franca de la existencia de este personaje. También soy de la idea, también como actor y docente, de que uno es a través de sus personajes. Es decir, uno entra al set fílmico o al escenario teatral como nada más que permitirse ser a través de ese bendito pretexto que nosotros llamamos personaje. Entonces, cuando compartes esta disposición con tus compañeros, definitivamente surge la magia, las relaciones, y si ambos compañeros nos involucramos en la situación, pues, ¿qué te puedo decir? Es un milagro.

Yo tuve el privilegio de tener actores y actrices con tanta generosidad que no podía echarme para atrás y ser menos generoso en mi disposición actoral. Al contrario, mis compañeros tienen mucha experiencia y mucho talento. No podía quedar mal con ellos. Me encantó poder lograr esta historia que contamos e hicimos con mucho cariño y amor para todo el público.

Raquel: En primer lugar, yo era prejuiciosa con respecto a vivir en Tijuana. Nací en Tampico, Tamaulipas, muy cerca de Brownsville, Texas. La frontera siempre causaba miedo. Yo veía a Tijuana como algo muy lejano a lo que yo descubrí de esa

ciudad. Mi personaje llegó a esa ciudad para vivir un sueño, con un hijo bajo el brazo que no pudo cruzar la frontera y se quedó en Tijuana. Pudo construir una vida y descubrió la ciudad no cruzando la frontera, sino en los sueños de quienes la rodean. Big Mamá, mi personaje, es un ejemplo de ello, y en primer lugar, me quitó un prejuicio sobre la mala publicidad que se le da a esa bella ciudad. Incluso me hice un tatuaje en honor a ella. Me gustó mucho porque no es una ciudad que se nutre del caos o la violencia, sino que se nutre de sueños, actos de superación y amor, y la búsqueda de una mejor vida. Amé mucho a mi personaje, me enseñó que debemos nutrir nuestros sueños.

En la película, se muestra la riqueza que tenemos en México en cuanto a cultura, comida, regiones e incluso acentos. ¿Qué opinan de lo que se muestra en la cinta?

Silverio: Creo que el cine tiene la obligación, entre otras cosas, de reflejar y mostrarnos la amplitud de lo que somos como mexicanos. México abarca desde la península de Yucatán hasta la península de Baja California, desde el Mar Caribe hasta el Mar de Cortés, y posee una diversidad de calidades, colores y sonoridades, desde las aves hasta las ballenas. Por eso es importante reconocerlo a través de una película que, metafóricamente, nos permite oler y saborear a través de las imágenes. Cuando pasamos por Mazatlán y vemos el aguachile que hemos probado en distintas costas de este país, debe recordar que México es varia-

do y que por eso ante el mundo somos un paraíso. Esta película trata de recobrar la fraternidad y la amistad frente a cualquier adversidad, incluso cuando no la reconocemos de inmediato.

Tuve el privilegio de participar y trabajar en mi acento yucateco, pero al final, todos somos iguales, somos hermanos desde el sur hasta el norte.

Héctor: Estoy muy contento de que se haya filmado en Tijuana, crecí allí, y me gusta que se muestre una ciudad diferente con una excelente fotografía y diseño de producción. De alguna manera, me sentía como el anfitrión de todos mis compañeros. Siempre regresar a Tijuana, ya sea para trabajar en cine o teatro, es un gozo para mí. Esta película en particular me deja un muy buen sabor de boca porque hicimos una especie de familia entre todos los que trabajamos en ella. Creo que eso se ve reflejado en la película. Además, el guión quedó mucho mejor de lo que estaba escrito, Gustavo Loza le puso todo su corazón, y me sorprendió mucho cómo logramos darle vida a esas escenas.

La película aborda el tema de la hermandad entre personajes de diferentes estados. ¿Qué pueden comentar al respecto?

Raquel: Al final del día, todos somos hermanos, y creo que en estos momentos debemos recordar que estamos en un país

grande, todos somos de la misma raza y todos formamos parte de un mismo país. Eso debe enorgullecernos y darnos una gran satisfacción. También es uno de los puntos centrales de esta película.

La distribución de la película por Star, tanto en cines como en su plataforma, permitirá que más países puedan apreciar lo que es México y no se dejen llevar por tantas noticias negativas sobre el país. ¿Qué pueden comentar al respecto?

Silverio: Es bueno que lo menciona, Carlos. Sin duda, lo que a veces se muestra en un noticiero probablemente solo refleja lo que sucede en una esquina de una ciudad o incluso en un área limitada. Pero el territorio nacional es mucho más vasto y amplio. La verdad es que hay personas que deseamos contribuir a una relación y convivencia social más madura y entrañable. Queremos contribuir al sentido de fraternidad a nivel nacional e incluso a nivel mundial porque nuestro país tiene valores que realmente valen la pena.La historia del universo se ha construido sobre los principios de humanidad, y en Welcome Al Norte, también se muestra cómo se crean familias. La película aporta al mostrar esta otra forma de conquistar la vida con otros. Aquí es donde la frontera importa menos; no es un límite, sino un punto de partida hacia territorios aún más esperanzadores.

¿Cómo se sintieron al trabajar en esta película?

Ricardo: La verdad, disfrutamos mucho trabajando en esta película. Decidimos convertirla en una experiencia hermosa en la que pudiéramos plasmar no solo lo visual, sino también lo emocional, a través de la comedia, permitiéndonos mostrar dos culturas completamente distintas. A pesar de que son mexicanas, son completamente opuestas. Ver cómo poco a poco el personaje principal se enamora no solo de la cultura de Baja California, sino también de los personajes, fue hermoso. Dentro y fuera del set, tuvimos una excelente química y siempre hubo mucho respeto. En mi caso, fue intimidante tener mi primera escena con Silverio Palacios, pero creo que todos sentimos un gran respeto mutuo, lo cual es muy importante y hermoso de ver en el set. Además, trabajar con Gustavo Loza, quien aporta sus ideas y es muy creativo durante la filmación, fue genial. El guión es una guía, pero cuando estamos en el set, a él se le ocurren mil cosas más, y eso es realmente emocionante. Disfruté mucho esta experiencia y siempre estaré agradecido con todos mis compañeros por lo que vivimos en Tijuana.

Isabel: Fue una experiencia muy hermosa en la que se formó una gran amistad. Siento una profunda admiración por cada uno de los actores, por Gustavo, el fotógrafo, y todas las personas del equipo de maquillaje y vestuario; todos dieron su máximo esfuerzo. Creo que todos estaban emocionados por contar esta historia, y eso se refleja en todo lo que ves en la película. Todos conectamos y nos ayudábamos mutuamente.

Fue un trabajo en equipo bien dirigido, como dijo Richie, Gustavo tenía ideas creativas en el momento, como la canción improvisada al final, y tenías que estar presente todo el tiempo cuando trabajabas con él, metido en el personaje, absorbiendo y escuchando cada cosa, porque si alguien improvisaba algo, tenías que responder y reaccionar. No era solo lo que estaba en el guión, así que eso creó una especie de magia y burbuja entre nosotros. La amistad que experimentamos también fue real. Ir a ver ballenas en medio de la filmación, por ejemplo, fue espectacular. Quiero vivir experiencias así en mi trabajo toda mi vida. Fue una oportunidad hermosa y enriquecedora. Amo mi profesión y tengo un profundo respeto y admiración por todas las personas del elenco. Formamos una hermosa familia.

WELCOME

Amorita: El regalo más significativo para mí como actriz en este proyecto es su multiculturalidad. Lo encuentro sumamente importante porque eso lo hace entrañable. Aprendí muchísimo al crear este personaje, al encontrarme con Silverio Palacios, con Tijuana, con Richie, con Isabel, con Héctor, con Paco. Para mí, esta película representa lo que hemos estado defendiendo en México en estos tiempos: queremos hablar de quiénes somos los mexicanos, no solo desde la Ciudad de México, sino también representando a los Estados. Queremos explorar la vida de una yucateca que lucha por salir adelante, así como la historia de un esposo yucateco que desea lo mismo, pero siente miedo y temor. También, queremos abordar la vida de las personas que viven en Tijuana, como este cholo enamorado que encuentra el amor y refugio en sus amigos. Esta película me emociona profundamente porque cada personaje representa una faceta de México, y nuestro país es diverso en muchos sentidos. Hablamos de Yucatán y hablamos de Tijuana, que son dos mundos distintos. El reflejo de esta película a través de los acentos es hermoso. Agradezco mucho a Gustavo por haberme invitado a ser parte de este proyecto. Ojalá podamos seguir contando historias, ya que nosotros, como actores, representamos a muchos mexicanos. Es maravilloso poder hablar de una película llena de diversión, amor, amistad, encuentros, distancias, miedos y prejuicios. En realidad, esta película me ha enseñado mucho, y estoy muy feliz de ser parte de ella.

Isabel, cómo te sentiste al hacer comedia en esta película?

Para mí, hacer comedia en esta película fue todo un honor. Aprendí de un maestro en el género y estoy continuamente estudiando y mejorando en la comedia, que considero uno de los géneros más desafiantes. Sin embargo, me siento en muy buenas manos y espero tener la oportunidad de seguir participando en proyectos similares en el futuro.

¿Qué opinan de los prejuicios que a veces tenemos de ciudades del norte, específicamente Tijuana?

Welcome al norte MÉXICO DE PUNTA A PUNTA por CINTHYA SALAS

UNO DE LOS GRANDES pasos de la industria cinematográfica actual es el constante empuje a la descentralización de sus historias, de sus personajes y sus argumentos dramáticos. Aquí entra Welcome al Norte, una película que nace con la intención de hacernos mirar a otro lado, uno que no sea la Ciudad de México y dar un paseo por los dos extremos de la República Méxicana: Tijuana, en Baja California e Izamal, en Yucatán. Todo comienza con el imperioso deseo de

Polito Canché, un izamaleño de corazón, de conseguir a toda costa una plaza de trabajo en Cancún debido a la presión de su esposa Teofila. Después de una mentira piadosa que sale mal, Polito es envíado directo a trabajar a la sucursal de Tijuana por dos años como castigo por su comportamiento. Obligado a dejar su tan amada ciudad amarilla, el yucateco se aventura a las desconocidas tierras del norte, en Baja California.

Inocente y sin pretenciones de ser más allá que una historia de “un pez fuera del agua”, Welcome Al Norte se sujeta fuertemente de las actuaciones de Silverio Palacios (Matando cabos, 2004) y Ricardo Abarca ( El repatriado , 2022) para llevar la tención de la historia. Un inusual bromance entre un hombre de familia que vive extrañando a los suyos y un joven que carece de una figura paterna, unidos por las circunstancias pero separados por imposición.

A partir de los toques caricaturescos y cómicos con los que presentan a los personajes, los cholos y los yucas, esta película producida por BTF Media logra su cometido al hacer al público cuestionarse si realmente los norteños y los sureños son así, si hablan así, si lucen así y más que apróximarse a una representación fidedigna de los habitantes de aquellas zonas, coloca a las zonas en sí en el radar del espectador de una manera tan explícita como afable, siendo el uso de la hiperbóle el recurso narrativo clave que abre la conversación alrededor del filme.

Esta película, que representa el regreso a la dirección en cine de Gustavo Loza después de su éxito taquillero ¿Qué culpa tiene el niño? (2016),

posee un transfondo sobre las familias diversas casi imperceptible pero latente al contrastar las costumbres, valores y la moral de una estructura familiar nuclear, con los de una familia monoparental. Al mismo tiempo que enfatiza en la importancia de la amistad como una “familia por elección”.

Con una fotografía que arrabata miradas, bajo el lente de Tonatiuh Martínez ( Sueño en otro idioma, 2017), Welcome Al Norte posee escenas en locaciones que por sí solas dan sustento a esta producción. Además, los trabajados acentos regionales llegan a un convincente grado de verosimilitud, así como el uso del maya y el inglés mezclados con el español, otro punto a su favor.

Inspirada en la comedia francesa Bienvenidos al país de la locura (2008) de Dany Boon, franquicia que ha sido adaptada en diversos países, esta versión mexicana ofrece ser un buen pretexto para reflexionar sobre la fraternidad, la honestidad y la lealtad a uno mismo. Sin complicaciones, sin tramas indescifrables y con un desenlace satisfactorio por su noble obviedad, Welcome Al Norte llega a los cines sin más afán que el de divertir.

MÓNICA HUARTE

"Uno está rogando todos los días que alguien te vea en otro lugar diferente al que todos te conocen, porque, si no, ¿cómo puedes crecer?"

OLIVERIOYLAPISCINA:

Una película sobre el duelo, el perdón y el amor adolescente

Platicamos con la actriz Mónica Huarte y el director Arcadi Palerm-Artís sobre Oliverio y la Piscina , ópera prima del mexicano que equilibra el drama con la comedia con perspicacia y elocuencia, para hablar del perdón y reflexionar sobre las relaciones familiares neuróticas. Se trata de un coming-of-age que se aleja de los convencionalismos y articula una fluida narrativa aprovechando sus recursos técnicos y su multifacético elenco.

por CARLOS MORA

Oliverio, interpretado por el actor Alejandro Areán, cuestiona su realidad aislándose en una tumbona junto a la piscina de su casa, donde vive el duelo de su padre mientras deambula en un viaje estático de autodescubrimiento y contemplación. Se pregunta, "¿Para qué moverse y tanto esfuerzo?". Mónica Huarte interpreta a Lily, la madre de Oliverio, y hace un descomunal derroche de talento, desplegando un amplio rango actoral. Sale de su zona de confort y lo hace con una deliciosa riqueza de matices. Otro actor que muestra una faceta muy distinta a lo habitual es Jorge Zárate, construyendo a Rosita, una entrañable empleada doméstica.

Mónica, tu personaje es algo alejado de la comedia, es un drama. ¿Cómo te sientes?

Fue todo un reto, pero es curioso porque en el teatro sí me ha tocado hacer este tipo de personajes dramáticos, e incluso peores que mi personaje en 'Oliverio' (Lily). Sin embargo, en el cine, a veces es difícil salir de un lugar donde te encasillan, como si solo trajeras la diversión. Se necesita alguien como Arcadi que tenga la visión y vea más allá, que crea que puedo hacer y dar vida a otros tipos de personajes como Lily, que tiene dolor, culpa y esa anestesia emocional. Agradezco y estoy orgullosa de mi personaje. Tiene tintes de humor, pero de una manera diferente. Es muy gratificante sentirse orgullosa del trabajo y estar en esta película tan hermosa.

¿Cómo fue trabajar con Alejandro (Oliverio), especialmente en un tema tan fuerte como la pérdida de un padre?

Tengo que confesar que él me proporcionó todo lo que necesitaba para interpretar mi personaje. Hubo un momento durante la filmación en el que me di cuenta de que solo tenía que concentrarme en sus ojos porque me estaba dando todo lo que necesitaba. Todo estaba a flor de piel, y trabajar con él fue muy fácil.

A veces puede ser difícil porque uno tiene ideas preconcebidas sobre cómo abordar un personaje, pero al segundo día de filmación, confirmé que todas las respuestas estaban en sus ojos. No tenía que buscar en ningún otro lugar. Fue una experiencia deliciosa porque todas las ideas previas se tiraron a la basura, y lo que sucedía entre nosotros era lo único que importaba, tal como debe ser. Por otro lado, fue difícil porque mi personaje es muy duro con él, y sufría

porque adoro a Alejandro fuera de su personaje. Así que, después de cada toma, iba y lo abrazaba hasta que Arcadi me dijo que debía ser menos empática. Incluso llegué a hacerme amiga de su mamá.

¿Cómo fue salir de tu zona de confort?

Uno está rogando todos los días que alguien te vea en otro lugar diferente al que todos te conocen, porque, si no, ¿cómo puedes crecer? Si solo haces lo que ya sabes hacer, se vuelve aburrido. Yo digo que no cuando me ofrecen algo que ya he hecho antes. Pero también debes tener paciencia y decir que no muchas veces antes de que llegue el sí.

Eres una actriz que apoya a muchos directores, haciendo cortos y largometrajes. ¿Qué necesita tener una historia para que decidas trabajar en una ópera prima?

Me encanta trabajar con directores en sus óperas primas. Siento que tienen una perspectiva mucho más fresca que aquellos que llevan muchos años en la industria. Hay tanta ilusión involucrada. Lo mismo me sucede cuando hago cortometrajes.

Salir de mi zona de confort y ver la pasión de alguien que está haciendo su primera película es invaluable. Trabajar con directores apasionados que hacen lo que más les gusta en la vida es lo que realmente importa.

Arcadi sabía lo que quería y cómo lo quería, y eso hizo que trabajar con él fuera una experiencia increíble. Lo único que quiero en este mundo es volver a trabajar con él porque saca lo mejor de mí, y es una delicia colaborar con él. Incluso tenemos escrita una película que haremos juntos porque quedamos muy satisfechos con nuestra colaboración.

Arcadi, ¿cómo surgió la idea para contar esta historia?

La pérdida de un padre es un tema que me pareció interesante. Invité a Gibran Portela a colaborar conmigo, ya que tenía una idea pero no estaba del todo clara. Colaborar con él fue fundamental para incorporar mi propia experiencia en el personaje de Oliverio. Decidí ambientar la historia en la adolescencia, una etapa de la vida complicada e incómoda por naturaleza, ya que no eres ni niño ni adulto. Quise explorar esta etapa que puede ser muy dramática

Cuéntanos, ¿cómo surgió el personaje trans de Rosita, interpretado por el actor Jorge Zárate?

La idea inicial de incorporar a Rosita como una nana en la historia fue de Gibran. Al principio, no sabíamos que Rosita sería un personaje trans. Desarrollamos su historia y trama para enriquecerla a medida que avanzábamos en el proceso. Desde el principio, tuve en mente a Jorge Zárate para el papel, aunque ni siquiera lo conocía ni había trabajado con él antes. Cuando leyó el guion, le gustó mucho y realizó un trabajo increíble. Me sorprendió con lo que logró en Oliverio y la Piscina.

¿Cómo te sientes con tu primer largometraje?

Me siento muy bien. Aún no tengo un método de trabajo definido. Cada actor requería un enfoque diferente, pero siempre me esforzaba por estar ahí para ellos y adaptarme a sus necesidades. Mónica quería hablar y compartir referencias constantemente, mientras que Jorge Zárate prefería un enfoque más silencioso. Fue un proceso enriquecedor y aprendí mucho durante la filmación. Mi objetivo era estar presente para cada uno de ellos. Trabajar en mi primera película fue una experiencia emocionante y desafiante, y estoy emocionado por lo que el futuro me depara como director.

FOTOS PINPOINT

Saw X : Terror a la Mexicana

En Revista Cameo , conversamos con el elenco de Saw X : Renata Vaca, Humberto Hinojosa, Paulette Hernández y Joshua Okamoto , sobre lo que significa formar parte de una de las sagas más importantes del cine de terror en la actualidad. Esta nueva entrega del director Kevin Greutert presenta a un enfermo y desesperado John Kramer (Tobin Bell ) que viaja a México para someterse a un procedimiento médico arriesgado y experimental con la esperanza de encontrar una cura milagrosa para su cáncer. Sin embargo, descubre que toda la operación es una estafa dirigida a los más vulnerables. Armado con un nuevo propósito, el asesino en serie vuelve a su trabajo, cambiando las vidas de los estafadores mediante su característica forma visceral a través de tortuosas trampas.

por CARLOS MORA

RENATA VACA

¿Cómo te sientes al estar en esta franquicia?

Es una emoción muy grande. Recuerdo cuando iba a las lecturas de guion y escuchaba a Tobin Bell decir "I want to play again", esa frase tan icónica de las películas de Saw. Era un sueño para mí, y me siento muy agradecida por esta oportunidad.

¿Cómo es trabajar con Tobin Bell?

Es una persona a la que admiro mucho. Es un actor con muchos años de carrera y un gran éxito en esta franquicia que ya es un ícono del género de terror. En esta entrega tiene unos monólogos gigantes, y eso es admirable. Lo vi en el set totalmente entregado a su personaje, con la mejor energía y una concentración asombrosa. Incluso cuando decían "corte", él seguía en su personaje de John Kramer. Es un actor que mantiene un profundo respeto por su trabajo, sin importar su edad ni la experiencia que tiene.

"Las oportunidades están mucho más cerca de lo que uno cree"

¿Cuál fue tu experiencia trabajando en Saw X?

La verdad es que fue muy agotador (risas). Los rodajes pueden ser intensos en cualquier proyecto, pero en esta película, pones tu cuerpo al límite de la adrenalina. Hay gritos constantes y una gran dosis de emoción que debes ponerle. Al final del día, terminas exhausto. Sin embargo, por otro lado, fue muy divertido. Esas son las cosas que amo de la actuación, me permite vivir situaciones y escenarios que nunca esperarías experimentar. Además, el equipo de maquillaje fue increíble, el set estaba impresionante, y entrar en él generaba una energía muy especial. Es muy interesante trabajar en un proyecto de terror.

¿Qué opinas sobre el hecho de que esta película tuvo locaciones en México?

Me emociona mucho como mexicana y latina en general que tomaran la decisión de incluir a la Ciudad de México en esta película. Los productores y el director me comentaron que en las películas anteriores de Saw no se le daba mucha importancia a la ciudad, pero en esta entrega se menciona y se muestra la Ciudad de México.

Creo que es un gran momento para los latinos, y en este caso, para los mexicanos, para representar tanto nuestra cultura como nuestro talento, que creo que es abundante. Me parece algo muy chido, la verdad, el poder ser parte de este movimiento que está ocurriendo.

¿Cómo fue trabajar los gestos faciales en las escenas de terror?

Híjole, eso es muy interesante. Recuerdo que justo desde el proceso de casting me decían que para esta película, los ojos y la expresión facial eran muy importantes. Fue muy divertido explorar mi cuerpo desde ese punto de vista. Tuve que usar mucho la garganta para las escenas de gritos y llanto. Aunque siempre estuve nerviosa y con esa cosquillita de saber si convencería a la audiencia, creo que al final todo salió muy bien.

Y sobre trabajar con el director Kevin Greutert, un experto en cine de terror. Es chidísimo. Es curioso porque uno se imagina que, al estar en este universo de terror, sería un director muy rudo o fuerte en el set, pero resultó todo lo contrario. Es una persona muy amable, incluso es tímido y habla bajo. Siempre pregunta cómo estás. Pero es un director que tiene muy claro lo que quiere. Ha sido editor y director en la franquicia de Saw.

Has hecho mucha comedia y ahora esta película de terror, ¿cuál es tu género favorito?

Uy, buena pregunta. Creo que sí volvería a hacer terror, fue una experiencia gratificante, pero también me gusta seguir haciendo comedia, y el drama me encanta. Hoy en día, tenemos muchas oportunidades, lo cual me parece increíble. Recientemente, hice una serie para Apple TV llamada Familia de Medianoche, junto a Diego Calva. Él, por ejemplo, participó en Babylon en Hollywood, luego fue a Europa a filmar una película y regresó a México para filmar la serie, lo cual me gustó mucho. Creo que los límites se están desdibujando cada vez más, y uno como actor también se inspira. Las oportunidades están mucho más cerca de lo que uno cree. A veces pueden parecer distantes, pero no lo están.

OCTAVIO HINOJOSA

¿Cómo te sientes al estar en esta franquicia internacional tan exitosa?

que

técnicas

La verdad es que me siento muy emocionado. Creo que no había dimensionado el tamaño de esta franquicia internacional hasta que se anunció que iba a salir el tráiler y los fans de la saga empezaron a hacer pósters de fan art y a buscarnos a mí y a los actores de la película. También comenzaron a enviarnos mensajes por las redes. Es la primera vez que estoy en una película tan esperada.

¿Eres fan del género de terror?

He pasado por etapas en las que soy muy fan y luego en las que me vuelvo más miedoso. Ahora mismo estoy en una etapa de sí.

"En Saw X tuve

volver a las

de actuación"

"

El casting de Saw fue el primero en el que sentí que era realmente abierto. Incluso muchos amigos actores que nunca habíamos coincidido en audiciones para el mismo personaje"

FOTOS PINPOINT

¿Cuál fue tu experiencia al trabajar con Tobin Bell?

Me quedé muy impresionado con él. Disfrutó mucho del rodaje en la Ciudad de México, lo cual me llamó mucho la atención debido a su edad. Es un actor que tiene el oficio al 100 por ciento, siempre llegaba con todos sus diálogos memorizados y en personaje. Tenía muchas escenas al día y estaba muy bien preparado durante los días de filmación. También tenía curiosidad por la Ciudad de México y los días que no estaba filmando, salía a explorarla. Le gustaba ir al teatro, a los museos y a un bazar, y estaba fascinado. Una vez nos invitó al teatro a ir con él, y cuando terminamos de filmar, a todos nos regaló un libro de teatro firmado por él con una dedicatoria muy linda. Es un gran compañero, le tenía mucho respeto. No me esperaba que un actor tan cálido con el resto del elenco.

¿Cómo fue entrar en este ambiente de escenas?

Para mí fue muy intenso porque la manera de filmar de Kevin Greutert era muy teatral. Estábamos al pendiente porque la cámara se movía en un giro de 360 grados, por lo que de repente movía la cámara y quería ver tu reacción en la escena que estábamos grabando. Recuerdo que cuando había algún descanso, prefería quedarme en la situación, ya que era más fácil para mí que estar entrando y saliendo del lugar, o representando angustia o agonía. Pasamos muchas horas en esas condiciones, pero todos estábamos en la misma sintonía.

¿En tu caso, qué tan agotador fue hacer este género?

Fue muy agotador. Estaba particularmente preocupado por mi voz, ya que había muchos gritos en este tipo de películas, y pensaba, "¿qué pasa si me quedo sin voz?". Entonces, tuve que volver a las técnicas de actuación y proyección, como si fuera teatro, pero estar gritando todo el día me preocupaba porque no sabía si al día siguiente podría quedarme sin voz. También tuvimos varios días de entrenamiento con los dobles para prepararnos para la película. Cada actor tuvo su tiempo para entrenar a su personaje, y todos lo hicimos de manera diferente según lo que nos pedía la producción.

Es un elenco muy diverso. ¿Qué opinas al respecto?

Fue algo muy interesante para mí. Normalmente en México, cuando están haciendo el casting para una película o una serie, ya tienen una idea muy definida de cómo debe lucir el personaje. Empiezan a buscar actores con ciertas características físicas, como más claro de piel, más moreno, más alto o más delgado. Sin embargo, el casting de Saw fue el primero en el que sentí que era realmente abierto. Incluso muchos amigos actores que nunca habíamos coincidido en audiciones para el mismo personaje. En este caso, todos habíamos hecho audiciones para dar vida a Mateo. Creo que Kevin estaba buscando actores que pudieran transmitir las emociones a través de los gritos y las miradas. Fue una selección basada más en el talento para dar vida a los personajes que en la apariencia física.

PAULETTE HERNÁNDEZ

¿Cuál fue tu experiencia en Saw X?

Estoy muy contenta; fue una experiencia hermosa desde el momento en que comencé el casting. Me dejó con muchas ganas de seguir explorando este género, el terror, que es mi favorito como espectadora. Estar en una película como esta siempre ha sido mi sueño. También abrió la puerta a que quiera seguir contando estas historias. Lo que no estoy segura es de cómo me sentiré con respecto al gore, ya que algunas escenas suelen darme asco. Pero en cuanto al terror, espero que empiecen a llegar más proyectos.

¿Cómo fue trabajar con el director Kevin Greutert?

Es una de las personas más increíbles que he conocido. Es sensible, te escucha y te permite proponer ideas. Tiene una visión muy clara de lo que necesita, y además, ha trabajado como editor en otras entregas de Saw, por lo que sabe lo que requiere de cada escena. Como actriz, trabajar con él se vuelve divertido de cierta manera, aunque también agotador en este tipo de escenas.

Sobre las escenas de terror, ¿cómo fue grabarlas?

Fue agotador porque a Kevin le gusta mover la cámara constantemente, por lo que debías estar siempre alerta. Tenía que mantener una continuidad en las emociones, lo que a menudo duraba hasta 12 horas seguidas. Imagina

estar cubierto de sangre y además hacer frío, eso hizo que todo el esfuerzo fuera agotador. Las escenas requieren un gran trabajo emocional, ya que son intensas y largas al mismo tiempo. Terminaba exhausta.

¿Y en cuanto al maquillaje, cómo fue el proceso?

Tomó meses; de hecho, tuve que ir a Los Ángeles y hacer múltiples pruebas de prótesis, ya que tenían que ser creadas a medida, no existían en el mercado. Pero al final, quedó muy realista.

¿Qué nos puedes decir sobre trabajar con el elenco?

Formamos un equipo maravilloso. Ya conocía a Renata y desarrollamos una gran camaradería. Fue hermoso sentir el apoyo mutuo entre nosotros. También conocer a Tobin y a todos los actores y actrices de todo el mundo, y ver que todos teníamos la misma intención, que era contar una historia, fue muy conmovedor.

¿Alguna anécdota que quieras compartir?

Fue muy gratificante conocer a Tobin Bell, aunque confieso que antes de conocerlo, me daba miedo debido a su apariencia de villano. Sin embargo, al final resultó ser una persona muy amable. Incluso nos regaló a todos un libro. También me impresionó su dedicación al trabajo; ver cómo ama lo que hace fue muy inspirador.

"

Saw X me dejó con ganas de seguir explorando el terror"

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Fue muy gratificante conocer a Tobin Bell, aunque confieso que antes de conocerlo, me daba miedo debido a su apariencia de villano. Sin embargo, al final resultó ser una persona muy amable"

JOSHUA OKAMOTO

¿Cómo te sientes al participar en esta saga?

Me siento muy contento, además de que es muy importante e icónica. Creo que poder estar en un proyecto de este tamaño me emociona mucho porque además es mi primera participación, digamos para el mercado americano, para Hollywood formalmente, eso me entusiasma un montón.

¿Te gusta este género?

Como espectador, es un género que no consumía mucho porque incluso me revolvía el estómago (risas). Honestamente, no me gustaba tener esa sensación de que había algo o alguien en mi baño o en mi cocina cuando las luces estaban apagadas.

Pero ahora que pude finalmente participar en un proyecto de este nivel, creo que pude relacionarme con el terror desde otro lugar, lo que me hizo perder un poco el miedo. Ahora que veo una película de terror o de gore, creo que estoy viviendo otras cosas, no es solo el susto, sino también las cosas técnicas, el tema de los efectos visuales, la sangre. Creo que es un universo muy interesante, y tener la oportunidad de una producción como esta fue un gran reto.

¿Cómo te sentiste al trabajar con el elenco?

Fue bastante grato poder compartir pantalla, no solo con Tobin Bell, sino también trabajar de la mano con Renata Vaca, Octavio Hinojosa, Paulette Hernández. Fue muy emocionante. Casi todas mis escenas son junto a Tobin, y actuar en inglés es todo un reto, romper esa barrera del lenguaje y poder interpretar en otro idioma que no es el español fue un gran reto para mí, pero es algo que disfruté mucho y para lo cual sigo preparándome para poder seguir participando en proyectos en inglés.

¿Cómo fue tu experiencia trabajando con Tobin Bell?

Es una persona bastante sencilla, fácil de trabajar. Él está muy dispuesto a la colaboración en términos creativos, lo cual facilitó mucho las cosas. Además, es un actor que tiene mucho rigor como ser humano; es increíble.

¿Algo más que quieras agregar sobre la película?

Quiero decir que los mexicanos somos difíciles de matar y que no se la pierdan este 29 de septiembre en todos los cines de México.

" Saw X es un universo muy interesante"

"

Tobin Bell es una persona bastante sencilla, fácil de trabajar. Él está muy dispuesto a la colaboración en términos creativos, lo cual facilitó mucho las cosas"

FOTOS PINPOINT

PAOLA RAMONES

"Todas las directoras queremos gritar... pero con arte"

La joven descubrió su pasión por la dirección de cine desde muy pequeña cuando acompañaba a su papá (Adal Ramones) al set de filmación. Ahora se especializa en la dirección cinematográfica, donde desarrolla su amor por el área creativa.

por CARLOS MORA

En 2020, lanzó su primer cortometraje titulado Renacer, un proyecto que fue nominado en el Festival de Dumbo en Nueva York en la categoría de cortometrajes extranjeros y en Shorts México en la categoría Mujeres en el Cine. Próximamente la veremos con su nuevo cortometraje Somos, donde explora diferentes matices y sentimientos, rindiendo homenaje a las mujeres latinas que desean ser escuchadas. En una entrevista con la Revista Cameo, afirmó: "Es una colección visual que quería mostrarle a mi yo de niña, demostrándole lo que se puede lograr de adulta con sueños y esfuerzo".

¿En qué momento decidiste ser directora?

Nunca actué mucho, tuve algunas apariciones pequeñas y participaciones como invitada, pero me sentí más atraída por la dirección. Recuerdo que cuando iba al trabajo con mi papá (Adal Ramones), me interesaba más observar lo que hacía el director, cómo dirigía la cámara y a los actores, cómo creaba la historia. Empecé a investigar más sobre el trabajo de un director a través de internet y los libros que mi papá tenía en casa. Me interesaba aprender sobre las cámaras, y llegó un

momento en el que me dije a mí misma: "Me está gustando esta profesión". Incluso recuerdo que llamé a mi papá y le dije: "Quiero arriesgarme a dirigir", y él me respondió: "Inténtalo", siempre me ha animado. Así que dirigí mi primer cortometraje antes de terminar la preparatoria, y confirmé que era la carrera que quería estudiar. Ahora, estoy a punto de terminar la carrera y tengo planes de cursar una maestría en dirección de cine y cinematografía. Me apasiona profundamente el tema de la cámara, la dirección de actores y el uso de los colores. Nunca pensé que diría: "Prefiero estar detrás de una cámara".

Vemos que año tras año hay más mujeres directoras, especialmente en México. ¿Qué opinas al respecto?

Es realmente asombroso. Estoy muy emocionada por esta creciente ola de directoras y sé que no vamos a detenernos. En México, contamos con grandes directoras, y me llena de orgullo saber que quizás algún día forme parte de este grupo también. Es un sueño que quiero hacer realidad, ser parte de estas mujeres que desean crear y explorar. Creo que nos esperan cosas maravillosas en el futuro, y me alegra haber nacido en esta época.

¿Crees que la visión cambia cuando una mujer dirige en comparación con cuando lo hace un hombre?

Sin duda, siento que tanto hombres como mujeres tienen visiones diferentes del mundo, pero no creo que se deba exclusivamente al género. La diferencia radica en nuestras experiencias individuales y en cómo percibimos el mundo. Por lo tanto, cuando una película es dirigida por una mujer en comparación con una dirigida por un hombre, la visión inicialmente cambia porque refleja la perspectiva de quien está dirigiendo.

Es sumamente interesante observar el trabajo de las mujeres directoras, ya que nos ofrecen una visión única de temas que quizás no habíamos explorado de la misma manera antes, como la maternidad y la feminidad, entre otros. En última instancia, vivimos y experimentamos estas temáticas de manera diferente a los hombres, y esto enriquece el panorama cinematográfico con perspectivas diversas y valiosas.

Exactamente, ahora las mujeres están contando sus historias que durante muchos años han sido narradas por hombres.

Estoy completamente de acuerdo. Creo que estamos en un momento en el que todas queremos expresarnos, pero lo hacemos a través del arte, con amor. Claro, hay mujeres que quieren expresarse de manera literal debido a tragedias que han vivido, pero también hay una ola de mujeres que desean inspirar a través del arte. Es algo hermoso que me llena de emoción.

Me impresiona cuántas historias tienen las mujeres para contar. Creo que ahora nuestro grito es el más hermoso que podemos dar, y creo que podemos tener un gran éxito en esto. Muchas personas ya no escuchan cuando se recurre a la violencia o la fuerza, pero no hay otra opción. A menudo, las mujeres se ven obligadas a hacer cosas para llamar la atención porque no hay otra salida. Sin embargo, el arte está llevando a muchas mujeres a darle voz a sus experiencias para que la gente las escuche y las vea de una manera diferente, lo que puede cambiar la percepción de la sociedad sobre estos temas.

Recientemente, has dirigido un cortometraje titulado Somos y en él rindes homenaje a las mujeres, ¿verdad?

Sí, ese proyecto trata de que cada fotografía tiene una historia detrás, y todas estas historias se presentan en la editorial como parte de un cortometraje. Cada foto representa a una mujer y todas se ven hermosas en ellas.

Fue una experiencia muy emotiva porque estábamos representando a cada mujer en diferentes roles en un set de filmación. Mientras lo hacíamos y tomábamos las fotos, todas pensábamos en nuestros sueños y en que en algún momento hemos pasado por situaciones similares. Todas podemos ser mujeres en la industria del cine, no porque los hombres sean malos, sino porque queremos ser valoradas por nuestras habilidades y no discriminar por género. A veces, las mujeres enfrentamos obstáculos en la industria, pero este proyecto fue un momento muy especial en el que representamos a cada mujer que forma parte de ella.

Hay muchos simbolismos ocultos en el cortometraje. Solo te voy a contar uno de ellos: hay una escena en la que agarro una pistola, y su significado es que literalmente nos estamos defendiendo con nuestro arte. Ese es el mensaje que quiero transmitir con Somos

¿Qué opinas sobre el cortometraje en México?

Creo que es una forma hermosa de capturar un momento de la vida. Así lo veo yo. Es tomar un fragmento de la vida o lo que quieras expresar y plasmarlo en un cortometraje. También es una excelente opción para que muchas personas puedan iniciarse en el mundo del cine.

Hablas con una gran pasión por tu trabajo.

Mi papá me dijo algo similar. Él es mi maestro principal y me dijo: "Paola, te veo tan feliz y realizada que esto es lo tuyo, qué bendición que lo hayas encontrado, no lo dejes ir". Siempre ha sido un consejo constante de mi papá: "Quédate donde sientas que tu corazón late más fuerte y donde el tiempo pase volando". Creo que lo he logrado, porque me hace muy feliz y disfruto mucho hablando de los proyectos que he realizado.

FOTOS PURE&B

En septiembre de 2016, Paola Buenrostro, una trabajadora sexual y mujer transexual, fue asesinada. El homicidio se volvió viral y abrió la conversación sobre la defensa de una comunidad marginal y estigmatizada: las trabajadoras sexuales trans.

Para buscar justicia, Kenya Cuevas, amiga de Paola y mujer trans, inició todo un movimiento para que el asesino pagara las consecuencias.

La directora Gisela Delgadillo ha registrado todos los eventos que Kenya ha vivido desde 2016 hasta 2022 en el documental Kenya, su ópera prima. La cineasta compartió con la Revista Cameo cómo fue la filmación de esta historia, los peligros, las luchas y los logros que ha tenido la comunidad trans en nuestro país.

¿Cuál fue tu intuición para darte cuenta de que había una historia en la vida de Kenya Cuevas?

Fue pura intuición, sumada a que en ese momento estaba buscando una historia sobre violencia contra mujeres trans para contar a través del cine. Ingresé a la maestría de cine documental en la ENAC (Escuela Nacional de Artes Cinematográficas UNAM) con un proyecto sobre mujeres trans y violencia. Inicialmente, planeaba buscar a la protagonista en la penitenciaría de Santa Martha Acatitla, en el penal varonil.

Sin embargo, coincidió que a finales de septiembre de 2016, mataron a Paola, amiga de Kenya, y la noticia de la protesta de Kenya con el cuerpo de Paola se volvió viral. Dejé de lado el tema de la penitenciaría y las mujeres trans, y comencé a filmar a Kenya. Le dije: "Quiero hacer una película sobre tu caso". Ella rápidamente aceptó, además de que estaba muy impresionada por la noticia y todo el caso de la muerte de Paola.

¿Cuánto tiempo te llevó hacer el documental Kenya?

Casi siete años. Empecé a filmar en 2016, y la última vez que filmé fue en 2021, durante el evento de la disculpa pública de la Fiscalía que se muestra en el documental. Luego, cerramos la producción en 2022 para tenerlo listo para el Festival de Cine del Mundo de Ámsterdam.

¿Cómo fue abordar el tema de la intimidad que se muestra en el documental y cómo te acercaste a Kenya?

Yo quería estar lo más cerca posible de ella, y fue ella quien me abrió las puertas de su casa. Estaba encantada de poder estar tan cerca de ella en esos momentos, y hasta ahora, seguimos siendo buenas amigas. Kenya es una persona sin prejuicios, muy libre y que no oculta nada. Obviamente, cuidé mucho la forma en que la presentaba ante la cámara. Por ejemplo, cuando se estaba bañando, era yo quien estaba grabando en ese momento. Quise filmar de manera respetuosa, siempre protegiendo su privacidad.

Gisela Delgadillo ha registrado los eventos de la activista trans Kenya Cuevas en su ópera prima documental titulada Kenya . La cineasta compartió con la Revista Cameo cómo se llevó a cabo la filmación de esta historia.

por CARLOS MORA

"Kenya ha tenido mucho que ver con la visibilización de la comunidad trans"

Hay una escena en la que le hacen un tratamiento estético con inyecciones, y también tuve cuidado de mostrar solo lo necesario para que no se sintiera expuesta. A veces, dormía en su casa y en cualquier momento ella comenzaba a hacer cosas, y yo le decía: "Perdón, voy a sacar la cámara", y luego la grababa. Quería estar cerca de ella, no solo para la película, sino también porque en ese momento ella necesitaba apoyo. Estaba pasando por muchas dificultades, como la muerte de su amiga Paola, y el apoyo que pude brindarle ayudaba a que no se sintiera sola.

Con tu documental, muestras un lado poco visto en la comunidad trans. Actualmente se habla del tema de manera diferente a como se hacía en 2016. ¿Qué opinas de la comunidad trans en la actualidad?

Es muy positivo, efectivamente ha habido una apertura. Creo que Kenya ha tenido mucho que ver con esta visibilización. Todo el trabajo que se realiza desde Casa de las Muñecas ha planteado un tema que la gente está empezando a tomar en cuenta, y eso es algo bueno. Kenya ha abierto muchas puertas y ha sido invitada a participar en escuelas, empresas, plazas públicas, y el gobierno. Hay una mayor apertura al tema, pero también persiste una violencia estructural brutal.

Las chicas trans siguen atrapadas en contextos donde, a veces, no pueden liberarse, incluso si lo desean. Estos contextos, que la película sugiere pero no se adentra completamente en ellos, incluyen el trabajo sexual y el consumo de drogas, que es un problema grave entre la población trans. A pesar de la apertura, aún existe un contexto estructural de violencia que las somete y las expone a situaciones de alto riesgo, estigmatización y violencia. Sacarlas de esos contextos es complicado, pero el trabajo que realiza Casa de las Muñecas es monumental en relación con este tema.

¿Y qué reacción tuvo Kenya cuando vio el documental por primera vez?

Ella tenía cierta conciencia de lo que había grabado, pero decidí que no lo viera antes de que terminara la edición final, por si había algo que no le parecía adecuado. Estrenamos la película en Ámsterdam, y al final de la proyección, Kenya lloró mucho. La película la conmovió profundamente, y cada vez que la ve, sigue sintiendo una gran emoción.

FOTOS CARLOS MORA

Pedro: el documental que revela

el

lado íntimo del artista mexicano

Pedro narra el acercamiento de la joven cineasta

Liora Spilk al reconocido artista Pedro Friedeberg. El contraste entre los momentos íntimos de estos dos personajes y los eventos públicos del artista completa un retrato tierno y a la vez cómico de una figura destacada del arte mexicano. Es el primer documental sobre el artista, conocido como "el último de los surrealistas mexicanos". El largometraje estuvo nominado en la 65ª edición de los Premios Ariel en la categoría a Mejor Ópera Prima.

por CARLOS MORA

¿Qué opinas de Pedro Friedeberg?

Pedro es mi persona favorita. Uno de los momentos más hermosos de mi vida ha sido sentarme a su lado y platicar de cualquier cosa, quejarnos de la calle, de los baches, o de lo que sea. La animación de la película nos sumerge en un mundo de fantasía. Había un cuadro que estaba en la casa de mi abuela, que es mi primer recuerdo, y es un cuadro que pintaron Leonora Carrington y Pedro juntos. Me daba miedo y me encantaba al mismo tiempo, porque el humor es muy importante para mí. Siento que hay pocos artistas que no se toman en serio a sí mismos. Existe una seriedad necesaria en el mundo de la pretensión artística, que Pedro no tiene y que nos ha enseñado a no tomarnos en serio, a reírnos y a divertirnos, y eso es como una parte

extratextual. Pedro entiende la técnica como el oficio de pintar. Él pasa cuatro o cinco horas al día con una regla y un lápiz. Yo también he encontrado en esos mundos un lugar donde habitar, en las referencias a la literatura y en los espacios imposibles. Creo que fue ahí donde entré en la "Pedromanía" y porque soy una gran amante del pasado y de la nostalgia.

¿Cómo accedió a hacer este documental?

De entrada, no lo planeé así. Si se lo hubiera propuesto, habría dicho que no. Más bien fue una cuestión de constancia, de aparecerme de pronto. Después de esa primera entrevista, parecía que siempre estaba allí. Había una exposición, una presentación de su libro, cualquier cosa, y yo estaba allí.

PEDRO Distribuidora: Pimienta Films

FOTO CARLOS MORA

Fue como una carrera de resistencia, no de velocidad. Me mantuve presente y creo que lo que finalmente le permitió aceptarme, en primera instancia, fue el humor y que le causaba gracia que una joven lo siguiera con una cámara.

También, el cine documental es diferente hoy en día; hace 30 años, tendríamos una gran cámara, pero ahora tenemos la posibilidad de utilizar una cámara pequeña, de crear situaciones íntimas. Él siempre se quejaba de que cuando llegaban a su casa, había 50 personas que dejaban cables y asustaban a sus gatos, lo cual no le gustaba. Por eso creo que no se había logrado hacer una película sobre él, debido a propuestas grandiosas que él rechazaba. La idea de una pequeña cámara, de alguien que pasa desapercibido, creo que le pareció atractiva.

En el documental, vemos entrevistas con varios artistas. ¿Qué puedes decir al respecto?

En él, aparece la escritora Ida Rodríguez Prampolini, gran amiga de Pedro. También es una de las historia-

doras de arte más prolíficas del país desde hace más de 50 años. Además, encontramos a la escritora Elena Poniatowska Elenita. El pintor José Luis Cuevas fue entrevistado durante una comida que tuvo lugar poco antes de su fallecimiento, y la verdad es que estaba bastante lúcido.

Para mí, fue muy importante, en términos de ética, retratar bien a mis personajes y no hablar mal de nadie. Estamos viviendo en un mundo en el que el documental se utiliza para buscar el morbo, y yo quise contar una historia que fuera libre de morbo. Quería que se mostrara la oscuridad y la maldad deliciosa de Pedro, pero eso no significa que estemos hablando mal de nadie. Esto era fundamental para mí: que todos se vieran como personas enteras y que nadie se presentara de una manera negativa.

También aparece mi abuela, como un homenaje a esa generación de artistas. No sé por qué, pero siento que hay ciclos históricos en los que ciertos personajes o temas vuelven a la conversación. No sé por qué, pero parece que la generación de artistas posteriores a la ruptura no ha tenido la misma relevancia.

FOTO PIMIENTA FILMS

FOTO PIMIENTA FILMS

FOTO CARLOS MORA

Las voces detrás de After para siempre

Hablamos con José Ángel Torres (Hardin) y Monserrat Mendoza (Tessa), las voces oficiales de una de las sagas más románticas de la actualidad. También conversamos con la directora de doblaje, Rebeca Gómez. Para esta quinta entrega basada en las novelas de Anna Todd y protagonizada por Hero Fiennes-Tiffin (Hardin) y Josephine Langford (Tessa), seguiremos más de cerca a Hardin, quien está lidiando con las consecuencias de su relación intermitente con Tessa. Hardin decide alejarse y reserva un vuelo sin saber que está viajando directo hacia el amor de su vida.

por CARLOS MORA

AFTER PARA SIEMPRE

Distribuidora: Diamond films

JOSÉ ÁNGEL TORRES

(Hardin Scott en After para siempre).

Actor de doblaje. Conocido por ser la voz de Clemont en Pokémon XY, Saito Hiraiga en La magia de Zero, Atsushi Nakajima en Bungō Stray Dogs, Max en Miraculous: Las Aventuras de Ladybug, entre otros.

Es la quinta entrega de After para siempre, ¿cómo te sientes de formar parte de esta saga?

Muy bien. Hasta ahora he participado en cuatro entregas. Me gusta trabajar en equipo con el director y el ingeniero de audio para resolver los desafíos que surgen durante el proceso de doblaje, adaptando y transmitiendo emociones en otro idioma de la manera más neutral posible para el oyente. Con el tiempo, he adquirido experiencia y, personalmente, encuentro que ver al personaje en pantalla es lo que más me ayuda a conectarme con él. El doblaje me brinda la oportunidad de reinterpretar actuaciones y utilizar todo lo que he aprendido para lograrlo, sin necesidad de cambiar mi voz natural.

¿Cuánto tiempo se lleva hacer un doblaje de una película?

Creo que esto es ambiguo porque depende mucho del proyecto. Depende de la duración del proyecto, del género (si es un documental, una película o una serie, un capítulo de una serie), y otros factores.

¿Cuántos años llevas haciendo doblaje?

Aproximadamente 11 años, desde que comencé mi primer trabajo en este campo. Estudié en una academia de artes y me especialicé en el doblaje de voz, aprendiendo las técnicas y los fundamentos de la actuación que nos enseñaban allí. Después de finalizar mis estudios, empecé a contactar con empresas de doblaje para darme a conocer y poco a poco fui ganando experiencia.

¿Cómo nació esta pasión por el doblaje?

Nunca pensé que me dedicaría al doblaje de voz siendo adulto; fue más bien una casualidad o destino. Siempre tuve habilidad para el habla, un buen oído para los acentos, las fonéticas y el ritmo, habilidades que son fundamentales en el doblaje. Personalmente, disfruto más interpretando personajes de live action que los de caricaturas o animes. Siento una mayor conexión con los actores que están frente a la cámara, aunque también disfruto haciendo voces para otros géneros. A lo largo de mi carrera, he tenido la oportunidad de interpretar algunos personajes memorables que me han permitido explorar la dramatización y la profundidad actoral.

FOTOS CARLOS MORA

MONSERRAT MENDOZA

Tessa Young en After para siempre Actriz y directora de doblaje mexicana, conocida por papeles como Runo Misaki en Bakugan, Panini en Chowder, Suzy Johnson en Phineas y Ferb, Margo en las películas de Mi villano favorito, Lynn Loud Jr. en The Loud House y por ser la voz recurrente de las actrices Chloë Moretz y Olivia Holt.

¿Puedes hablarme un poco sobre el proceso de doblaje?

El proceso de doblaje comienza con el director, quien estudia, observa y analiza el personaje. También nos proporciona información sobre la trama de la película. En el caso de After para siempre, que es la quinta entrega, ya conocemos la historia.

¿Cuánto tiempo llevas haciendo doblaje?

Empecé en el doblaje cuando tenía siete años. Fue un comienzo inusual, ya que me llamaron para una prueba de voz en un proyecto que necesitaba niños, a pesar de que no había tomado cursos de doblaje. En ese momento, estaba estudiando actuación desde muy joven. A lo largo del tiempo, los directores me enseñaron las técnicas necesarias. Ahora, lo hago por amor y pasión.

¿Qué opinas sobre el crecimiento de las plataformas?

El crecimiento de las plataformas es positivo ya que llegan a más personas, pero también tiene desventajas. Por ejemplo, no siempre recibimos regalías por nuestro trabajo en estas plataformas. Además, estamos doblando para mercados internacionales como India o Rusia, no solo para Estados Unidos, lo que tiene un gran impacto laboral en el país de origen de la producción.

¿Qué opinas de las personas que hacen doblaje solo por su popularidad en lugar de su experiencia y talento?

Es importante estudiar y entender conscientemente lo que estás haciendo en el doblaje. La calidad es fundamental en estos proyectos, y creo que tanto los fans como los profesionales lo notan. Aunque a veces se le da oportunidad a personas con muchos seguidores en redes sociales, los fans suelen ser críticos y expresan sus opiniones. En mi opinión, es importante que quienes se dedican al doblaje sean personas que han estudiado y se han preparado adecuadamente.

¿Cómo te sientes respecto a tu participación en esta película, que es parte de una saga importante?

Estoy feliz de participar en cada proyecto en el que trabajo. Este es nuestro trabajo y lo hacemos todos los días. Es emocionante ver cómo una película se convierte en una saga y cómo eso nos brinda más oportunidades para seguir en el medio. No es algo que dure para siempre, pero es gratificante saber que lo que hacemos puede perdurar y ser transmitido a futuras generaciones. Disfruto mucho de mi trabajo, aunque algunos contenidos me gusten más que otros, especialmente los relacionados con el amor.

¿Cómo ves el interés creciente de la gente por conocer más sobre los actores de doblaje?

El acercamiento cada vez mayor de las personas a los actores de doblaje se debe, en parte, a las convenciones y al marketing y la publicidad que rodean a los proyectos. En la última premiere a la que asistimos, muchas personas se acercaron y expresaron su sorpresa al descubrir que yo le daba voz a un personaje. Esto es comprensible, ya que la gente suele asociarnos más con nuestros personajes que con nuestras caras. Aunque lo veamos de manera diferente, los fanáticos sienten una emoción y una conexión especiales con nuestros personajes, lo que resulta emocionante para nosotros.

REBECA GÓMEZ

Actriz y directora de doblaje mexicana. Es reconocida principalmente por sus papeles como Mandy en Las sombrías aventuras de Billy y Mandy, Misa Amane en Death Note, Yoruichi Shihōin en Bleach, la pequeña Suzy en Johnny Bravo, la primera voz de Haruna Otonashi en Súper Once, Pares en Dragon Ball GT, en Legalmente rubia y Legalmente rubia 2, Emily Fields en Lindas mentirosas, entre otros.

¿Cuántos años llevas haciendo doblaje?

Llevo 26 años. Fue totalmente aleatorio; soy administradora e industrial, pero siempre me involucré en actividades artísticas como parte de mi instrucción académica. Mi mamá trabajaba en la radio y le llamó la atención un curso de voz. En realidad, entré a ese curso para aprender sobre producción radiofónica y entender cómo funcionaba. Fue allí donde conocí a mi maestro maravilloso.

Conocí a personas maravillosas; Don Esteban Siller (actor de doblaje) fue quien me dijo que era actriz. Ya había cantado, bailado e incluso hecho teatro, incluyendo teatro musical. Él comenzó a exigirme más y me dio la materia de radionovela, lo cual me encantaba. Aprendí de los artistas de la época. Todavía grabamos junto a ellos en el atril, personas muy exigentes. Ellos lo hacían igual o incluso mejor. Tuve la fortuna de aprender de los grandes, y eso me enamoró.

Mi carrera me ha servido para ver cómo funciona la industria. Creo que esto me ha aportado mucho, ya que puedo ver tanto la parte artística como la parte del cliente, comprendiendo lo que requiere el estudio para optimizar todos los procesos en esta área y darle al actor lo que necesita. Puedo hablar los tres idiomas sin ningún problema.

¿Le has tomado cariño a algún personaje?

Le he tomado cariño a todos. No creo que nosotros le agreguemos algo al personaje. Antes, podía ser diferente;

cuando se creaba el proyecto original, estaba diseñado para un nicho de mercado específico y no se pensaba en llevarlo a otros territorios. Se podían realizar muchos cambios, como en Don Gato y su Pandilla. Si escuchas la versión original, no tiene nada que ver con lo que escuchamos en Hispanoamérica. Se podían hacer cambios en todos los personajes, pero llenaban lo que veías en pantalla. Hoy en día, ya no podemos hacer eso, ya que desde que se crea el proyecto, todos los nombres y la historia están diseñados para encajar y ser aceptados en todo el mundo.

¿Cómo es tu trabajo como directora de voz?

Mi labor comienza cuando un actor recibe una llamada de un director porque ve en él la capacidad para interpretar un personaje. No se trata solo de tener la voz adecuada; para mí, eso es secundario. Clonar la voz sería sencillo, pero la parte interpretativa es esencial. Debo evaluar hasta dónde llega su capacidad de interpretación y cómo encaja con el personaje. También debo revisar el material para determinar qué actor de voz, de entre los que conozco, puede interpretarlo mejor.

Por supuesto, es importante que el actor esté dentro de su rango vocal, pero lo más crucial es el nivel de interpretación. El actor debe ser capaz de llenar al personaje con autenticidad, compartiendo sus emociones y momentos difíciles. Lo que se ve en pantalla debe ser coherente con lo que se escucha.

FOTOS CARLOS MORA

El actor de voz también aprende del actor que interpreta en pantalla. Cuando elijo una voz, debo considerar cómo encajará con las otras voces para que no domine sobre las demás.

Antes, la magia del doblaje incluía el hecho de que todos grabábamos juntos. Ensayábamos las escenas y entrábamos y salíamos de los atriles para que los otros actores pudieran tomar su turno en el micrófono. Era una experiencia hermosa y fue lo que me enamoró de esta profesión. Sin embargo, ha cambiado mucho con los avances tecnológicos. Ahora, muchos llegan sin entender el proceso, y eso ha desvirtuado el arte. Antes, pasábamos meses estudiando y desarrollando los personajes, ensayando antes de filmar una escena. Ahora, algunos no entienden completamente el proceso, y aunque los actores proponen, el límite es igualar al original, nunca proponer de más.

¿Qué opinas de los influencers que hacen doblaje de voz?

Los influencers que incursionan en el doblaje de voz son una estrategia de mercado. Depende del proyecto; algunos los contratan para aumentar la taquilla. Sin embargo, si es un buen proyecto, no es necesario, ya que se vende por sí solo. A veces, se emplea esta estrategia de mercado, pero el éxito suele ser efímero, limitado al estreno, y luego desaparece. En cambio, cuando se trabaja con actores que comprenden y mantienen al personaje, el producto puede venderse y revenderse a lo largo del tiempo.

Si pudiéramos tomarnos el tiempo para educarlos y compartir nuestros conocimientos, ofrecer talleres para que comprendan por

qué se les pide ciertas interpretaciones, y se dieran permiso para sumergirse en el personaje, todos ganaríamos. Lamentablemente, en un mundo saturado de tecnología, a menudo falta tiempo para este tipo de enfoque educativo.

Como directora, ¿cómo es trabajar con los Startalent?

Implica comprender y entender a estas personas, ya que no son actores tradicionales. Mi tarea es ver cómo encajan en el personaje que el cliente les ha asignado y encontrar la forma de extraer lo mejor de ellos para que den vida al personaje de manera convincente. Nunca he tenido una mala experiencia con ningún influencer que haya dirigido, pero cada uno requiere un enfoque diferente. También, en cierto sentido, desempeño el papel de psicóloga. Observo sus redes sociales, su forma de comunicarse y su estilo personal, y utilizo esa información para comunicarme con ellos de manera efectiva en su propio idioma. Esto facilita el proceso y ayuda a que logren su mejor versión en el personaje

En cuanto al estado actual del doblaje en México, ¿cómo lo persives?

En Latinoamérica se está realizando un trabajo excepcional en otros países. Todos tienen el derecho de participar en la industria, pero el nivel de exigencia en México es muy alto. En México, a menudo no se permite que los actores vean el material antes de la grabación, solo el director y el ingeniero tienen acceso a él. En otros países, como Chile, Argentina o Venezuela, los actores pueden estudiar el material por adelantado y grabar sus líneas de manera individual, sin la presencia de un ingeniero o director. Aunque en Venezuela, ocasionalmente, el ingeniero sí habla durante la grabación para lograr la sincronización. Algunos actores venezolanos que han venido a vivir a México han reportado que están acostumbrados a trabajar de esta manera y se adaptan fácilmente al proceso mexicano, incluso sin ver el material de antemano.

El doblaje es un proceso artístico en el que cada miembro del equipo tiene un papel distinto. Trabajamos juntos para lograr un resultado final exitoso.

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El doblaje es un proceso artístico en el que cada miembro del equipo tiene un papel distinto.

Trabajamos juntos para lograr un resultado final exitoso"

"Desde las comunidades, tenemos historias poderosas que contar"

La directora oaxaqueña regresa con su más reciente largometraje, Valentina o la Serenidad , explora un lado más íntimo y vulnerable de sus habitantes. Tuvo su estreno internacional en el marco del Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF).

por CARLOS MORA

" Siempre digo que el cine cambió mi vida y mi percepción del mundo. Cuando llevé una película de otro país, muy distante de mi realidad, encontré mi reflejo en ella. Espero que nuestras películas también permitan a alguien más en otro país encontrar su propio reflejo."

FOTOS CARLOS MORA

Ángeles Cruz está de regreso con su segundo largometraje, Valentina o la Serenidad, que aborda la pérdida de un ser amado. Valentina es una niña que pierde a su padre en un accidente. No conforme con la explicación de la muerte, lo busca en todas partes; al no encontrarlo, se vuelve una niña solitaria.

La cineasta plasma la mirada de su propia comunidad de origen, Villa Guadalupe Victoria, Oaxaca, la cual tuvo su estreno internacional en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF, por sus siglas en inglés).

¿Cómo nace Valentina o la Serenidad?

El guion lo escribí en el año 2020, durante la pandemia. Me invadió el miedo, como a mucha gente, de perder a un ser querido. Este miedo surgió en mí cuando perdí a mi padre. Tenía nueve años y no pude hablar de ello con nadie en ese momento. Ahora que lo expreso a través de la película, quiero mostrar lo solos que quedan los niños cuando muere un padre, ya que los adultos están en duelo y la vida de las personas continúa. Quise escribir sobre cómo se procesan esas ausencias y cómo seguir adelante.

La pandemia fue devastadora para muchas personas. Recuerdo que justo después de terminar mi primera lectura del guion, me enteré de que mi hermano menor se contagió de COVID-19. El personaje de Pedro está inspirado en él, y mi hermano falleció en 2020. Por eso, para mí, se volvió muy importante luchar por hacer la película, conseguir los fondos y filmarla. Creo que 'Valentina o la Serenidad' nos ayuda a enfrentar esos dolores del alma."

En la película, muestras diversas lenguas.

Creo que encontré una conexión especial en un lugar donde a menudo desestimamos lo que nos enseñan en casa, subestimamos lo que nuestras madres o padres quieren compartir con nosotros, como es el caso de las lenguas. En muchas ocasiones, las nuevas generaciones no quieren escucharlas, pero considero que, tal vez, en otro universo, esa sea la única lengua que podamos entender.

En mi búsqueda de cómo acercarnos al mundo onírico y a nuestra cultura, encontré este vínculo. Mi papá era hablante de mixteco, triki, español y tacuate. Cuando quería que no le entendiéramos, hablaba en otra lengua. Era como si dijera: 'Ahora la uso porque quiero que entiendas lo que estoy diciendo'. Para mí, este vínculo hermoso se convirtió en un elemento clave en la película y en el interés de Valentina por buscar esa lengua con la que pueda comunicarse con su padre.

En la película, muestras el aspecto del descubrimiento. Para mí, era importante retratar la naturaleza, las hormigas, los árboles y la textura de la madera, cómo respira la tierra. Esto era relevante para mí porque pensé que era muy observadora cuando era niña. La verdad es que era miope, por lo que los veía muy de cerca. Pero me gustaba compartir esa perspectiva. En la niñez, somos personas muy observadoras, estamos descubriendo el mundo, y en ese sentido, Valentina se toma su tiempo para observar, ver un insecto o un árbol que fue alcanzado por un rayo. Creo que esas cosas nos devuelven algo de lo que somos al nacer y que vamos perdiendo a medida que crecemos.

¿Cómo ves el mundo de los cortometrajes?

A mí, todavía me fascina. Creo que es un formato que representa el desafío de los desafíos porque debes ser muy conciso y claro. No estás ahí para perder el tiempo en un cortometraje; debes ser impactante y dar en el momento adecuado. Siempre quiero estar involucrada en ellos, quiero hacer cortometrajes. Siempre peleo por las historias y creo que no debemos imponerles el formato. Tengo algunos cortometrajes escritos que me gustaría seguir desarrollando, darles su tiempo y espacio para reflexionar y seguir trabajando en este formato.

¿Qué esperas del Festival de Toronto?

Estoy muy emocionada. Nos han tratado de manera increíble. Es un festival que, tan pronto como vieron la película, nos contactaron y nos dijeron que querían el estreno mundial. Es un abrazo muy grande que hemos recibido. Allí estrené Tamara y la Catarina, así que me siento muy contenta de llevar la película allí.

Tras fingir su muerte, el ex dictador chileno Augusto Pinochet (interpretado por el actor Jaime Vadell) decide ocultarse en una isla remota y pasar en secreto allí sus últimos días en compañía de su esposa Lucía Hiriart (Gloria Münchmeyer) y su fiel mayordomo Fyodor (Alfredo Castro). Pero detrás de todo esto hay un secreto aún mayor: Pinochet es en realidad un vampiro quien lleva 250 años viviendo en la tierra, desde tiempos de la Revolución Francesa. Y ha sobrevivido gracias a la sangre y los corazones de sus víctimas durante sus numerosas correrías nocturnas.

Envejecido, el otrora militar y político ha decidido abandonar este mundo de una vez por todas, negándole a su cónyuge el deseo de transformarla en inmortal a través de su mordida, y tratando de dejarle a sus codiciosos descendientes (encabezados por Antonia Zegers) algunas migajas de su riqueza malhabida, ya que esos días de opulencia y poder parecen haberse esfumado junto con sus ganas de seguir viviendo.

Pero todo esto se trastoca cuando en el panorama aparece Carmencita (Paula Luchsinger), una monja a quien se le ha encomendado especialmente acabar con él, y para ello se infiltra en su casa haciéndose pasar por una contable contratada por los familiares de Pinochet, para tratar de recuperar algo de las riquezas perdidas del patriarca. Y entre ella y el matusalénico ser, inicia un juego de seducciones los cuales harán al “conde” cambiar de parecer, al tiempo que le revelarán un par de inesperadas sorpresas.

El pasado 11 de septiembre se cumplieron 50 años del golpe militar ocurrido en Chile, por medio del cual se derrocó al gobierno socialista de Salvador Allende, imponiéndose en su lugar una junta militar encabezada por el propio Pinochet, y que estableció una dictadura que duraría hasta los noventa. Derivado de este acto, en los años siguientes la libertad de expresión fue restringida, los opositores al régimen fueron sistemáticamente silenciados y eliminados, y se cometieron incontables violaciones a los derechos humanos, dejando un mortal saldo de miles de personas encarceladas, torturadas, asesinadas y desaparecidas.

Justo unos días después de dicha conmemoración, la plataforma Netflix ha decidido lanzar El Conde (Chile, 2023), el nuevo trabajo del chileno Pablo Larraín, cineasta quien ha abordado este siniestro período de la historia de su país en reiteradas ocasiones a lo largo de su filmografía, pero que ahora lo hace de un modo inusitado: a través de una comedia satírica de corte sobrenatural.

EL CONDE Dónde ver: Netflix

El conde

VAMPIROS, DICTADORES Y OSCUROS

LEGADOS QUE SE NIEGAN A MORIR

por FRANCISCO JAVIER QUINTANAR POLANCO

Filmada en pulcro blanco y negro, y con un excepcional argumento escrito por el propio Larraín al lado del guionista y colaborador asiduo del cineasta Guillermo Calderón, se trata de una obra de tono fársico, oscura y mordaz en la cual, a través de un vampirizado Pinochet y una serie de personajes en torno suyo, se habla sobre el estatus político actual de su país a raíz de la dictadura, así como de sus repercusiones y ecos en años posteriores. Y es que -metaforizado claramente en diversas escenas del filme-, la sombra de Pinochet (y lo que representa) pareciera no sólo no haber muerto, sino también estar volviendo del más allá, y cernirse amenazadora sobre el Chile actual, cual si fuese una criatura de la noche surcando las alturas de oscurecidos cielos a punto de lanzarse sobre su presa. Como la misma producción señala, los crímenes y fechorías de un dictador quien jamás enfrentó realmente a la justicia, no mueren ni desaparecen, al igual que tampoco lo hacen los vampiros.

El tono del largometraje pasa con total naturalidad de lo grotesco y terrible a lo paródico y jocoso, hasta llegar incluso a momentos verdaderamente sublimes e incluso poéticos, y en él se fusionan tanto referencias a los no-muertos extraídas de la literatura, de la televisión y del propio cine; como otras que remiten a diversos clásicos del cine: por ejemplo, uno no puede mirar al personaje de Luchsinger y no recordar a Maria Falconetti interpretando a Juana de Arco en la película homónima de 1928 dirigida por Carl Theodor Dreyer.

La crítica y desacralización hacia la figura del dictador y lo que simboliza es muy virulenta en El Conde. Larraín prácticamente no deja títere con cabeza y esta cinta seguramente desconcertará a unos, y levantará ámpula tanto entre aquellos ultraderechistas quienes ven a Pinochet como un héroe nacional intocable; como entre sus detractores u otros sectores más liberales y progresistas, los cuales pueden sentir que el director banaliza la figura del tirano (y sus atrocidades) o incluso le resta monstruosidad a sus acciones al dotarlo de cierta “simpatía”.

Lo verdaderamente cierto es que sin duda, estamos ante una de las mejores obras de Pablo Larraín en años. No en balde acaba de obtener el premio al Mejor Guion en la 80ª edición del Festival de Cine de Venecia.

El libro de los deseos

RECUPERANDO EL ANHELO DE VIVIR

por FRANCISCO JAVIER QUINTANAR POLANCO

THELMA (Alexandra Lamy) es una madre soltera quien trabaja duro para mantenerse a sí misma y a su hijo de doce años Louis (Hugo Questel). La relación entre ambos es similar a cualquier otra y transcurre de modo normal.

Pero todo ello cambia cuando el menor sufre un accidente grave a causa del cual se le debe de inducir al coma. Y es así como el mundo de su madre es puesto patas arriba.

Tres meses después del accidente, el niño continúa inconsciente, sin ningún cambio significativo en su condición. Y ello tiene a su madre angustiada, la cual desea encontrar alguna forma de hacerlo reaccionar y ayudarle a salir del estado en que se encuentra. Es entonces cuando casualmente se topa con una libreta de su hijo, en donde (además de notas y una serie de ilustraciones elaboradas por Louis) descubre un listado bautizado por él como "Diez cosas que hacer antes del fin del mundo". De forma espontánea, ella efectúa una de las acciones anotadas allí. Ese mismo día, mientras le platica a su convaleciente hijo, confiesa lo que hizo, y a continuación ve como una lágrima brota de uno de los ojos del infante.

A partir de ese hecho, en la mente de Thelma nace una obsesión que se convierte en determinación, y decide - en nombre de su vástago- hacer realidad cada uno de los deseos de esa lista, porque ella tiene la firme convicción de que si logra completarla, él logrará despertar. Ello la llevará a viajar por diversas partes del mundo, conocer gente excepcional, recibir la gentileza de extraños, e incluso reencontrarse con un capítulo de su pasado el cual ella había dado por cerrado años atrás.

Esta es la premisa central de El libro de los

deseos ( La chambre des merveilles / The book of wonders, Francia, 2023), el nuevo filme de la cineasta francesa Luisa Azuelos (Lol@, Un encuentro, Mi niña), basado en la novela homónima del autor francés Julien Sandrel, editada en 2018. A través de esta adaptación elaborada por Fabien Suarez y Juliette Sales, la autora vuelve a explorar una de las temáticas presentes en algunos de sus anteriores trabajos: las dinámicas existentes y creadas en las relaciones filiales, especialmente entre madres e hijos a partir de determinadas situaciones.

En este caso, al tratar de cumplir los puntos del listado, la protagonista por un lado descubre aspectos de su hijo los cuales hasta entonces le resultaban desconocidos, desde los más sublimes hasta los más pícaros. Y ello le ayuda a conocerlo de forma más íntima y profunda. Por otro lado, mientras intenta hacerle ver a su hijo todas las bellezas que tiene el estar vivo para así alentarlo a salir del coma, en ella misma renacerá su deseo y placer por la vida, y de alguna forma también logrará compartir estos sentimientos con él.

Apoyándose en una sólida interpretación por parte de Alexandra Lamy, en el eficaz guión desarrollado por Suarez y Sales, en la notable fotografía de Guillaume Schiffman y en una estupenda banda sonora a cargo de Astrid Gomez-Montoya y Rebecca Delannet, Azuelos concibe una película la cual transita del drama conmovedor a la comedia ligera y viceversa de forma fluida, y en su esencia resulta entrañable y genuinamente enternecedora, tocando temas como el duelo, la solidaridad, la esperanza, el superar los temores y, en esencia, nunca perder (o en su caso, recuperar) el anhelo de vivir.

EL LIBRO DE LOS DESEOS Distribución: Sxxxxxon

Platicamos con la joven colombiana, Mara Cifuentes sobre su episodio en Ojos de Mujer , donde compartió su inspiradora historia como modelo trans

"Mi transición ha sido un camino de obstáculos...pero es una experiencia llena de libertad y felicidad"

por CARLOS MORA

MaraCifuentes,quien lleva en alto la bandera de la inclusión trans en Latinoamérica,seunea la conversación

en OjosdeMujerparacompartirsuinspiradora historiayhablardelaimportanciadegenerar unimpactopositivodecambio. Elprogramade E!Entertainmentestábajolaconduccióndela influenciadora ChikyBomBom,lapresentadora ycomedianteÉrikadelaVega,laactrizElizabeth GutiérrezylaconductoraCarlaMedina.

Cifuentesllegóalafamatrasaparecerenel realityLaagencia:batallademodelos,enelque formópartedelequipodelamodeloCarolina Castro.Sucarisma,bellezaypersonalidadle sirvieronparaganarseelcariñodelosespectadores,aunquetambiénparaenfrentarlascríticas másdurasalrevelarqueeraunamujertrans. Sumadre,diseñadorademodas,laencaminó almundodelmodelaje.AunqueresideactualmenteenMedellín,nacióenEstadosUnidos. Cuandoeraniña,suspadrestomaronladecisión demudarseasupaísnatal,Colombia.Impulsada porsuamorporelmodelajeyelapoyofamiliar, comenzóaactuarenalgunoscomercialesa

los 17 años. Mara se ha convertido en toda una celebridadyhalogradoposicionarsecomouna delasmodelosmásimportantesdeColombiay

América Latina.

¿Cómotesentisteconestasgrandesmujeres entrevistadoras?Mesentíincreíble,laverdad.TeneraChikyBomBom frenteamífueimpresionante,suenergíaesasombrosa.Personalmente,yalaadmirabadesdelapandemia, cuandotuvealgunassituacionesmuydifícilesenmi vidaytuvelaoportunidaddeescucharla.Durantela pandemia,pasépormomentosmuydurosymeencontrabaenunlugaroscuro,peroparamí,ellafueun rayodeluz.Notéquecuandolecompartíesto,susojos brillaronydurantelaentrevista,hubounaalegríaen suactitudquerealmentemeconmovió.Esunapersonamuyespecial.Encuantoalasotraschicas,nolasconocía,perofuelaprimeravezquetuvelaoportunidad decompartirconellas.Todassonmuyprofesionales ymeencantóelambientederespetoquefomentaron parahablaryescuchar.Cadaunateníasuespacio,y megustómucholaexperiencia.

Entucapítulo,¿vamosaconocermássobreti?

Hablamosdetodoenelepisodiodehoy.Abordamostemasmuyactualesquepuedenserunpoco sensiblesparaalgunaspersonas,perolosdiscutimos.

Cadaopiniónfuemuysincera.

¿Cómohasidotucaminoenlatransiciónparaconvertirteenunamujertrans? equivoca;Noesnadafácil,laverdad.También,lagentequepiensaqueserásúpersimplese noestansencillocomoseimaginan.Sabes,escuestióndellevarlodíaadía,de irresolviendolascosasdíaadía,perosí,esalgomuycomplicadoenlapartesocial.Sobre todoenColombia,nosécómoseaenotrospaíses,peroaquítodavíaesmuycomplicado. Sinembargo,hoyendíaestamosviendounahermosaevoluciónentérminosdeaceptaciónyapoyoporquehaymuchaspersonasquesonmuyabiertas.Entonces,existen muchasoportunidades.Peromitransiciónfuecomplicada,explicarlesamispadres,con eltemoraloquedirían,ycomenzarausarlaropaquesiemprequiseusaryadaptarme aella,porquetienesunaimagendecómocreesqueteverás,perolarealidadesdiferente.Esalgodifícil,peroalmismotiempo,esalgomuyhermoso.Esuncaminollenode obstáculos,peroenloespiritual,mental,personalyfísico,esunaexperienciarealmente hermosa.Esunaexperienciaindescriptibleentérminosdelibertadyfelicidad.

Elodioenlasredesesmuyfuerte,creoqueesalgoqueafectaalasaludmental,apesar dequeintentemosnegarlo,dequeintentemosmostrarnosfuertes,dequedigamosque nonosimporta.Leerunapalabraquetedestruye,queexpresaunaopiniónnegativa, puedellegaraserabrumadoryafectar.Prefieronoleercomentariosahora;anteslosleía yesomeafectómucho,laverdad.Durante2021y2022,recibímuchoodiodepersonas enojadas.Elcasoesqueaprendímuchoymevolvímásfuerte.

¿Cómolidiasconelodioqueencuentrasenlasredessociales?

Elsufrimiento,eldoloryelestrésmehicieronmásfuerte.Ahorapiensoenmímisma antesqueenloquelosdemásdicen,yrealmentecreoquenoestabapreparadaparalo quevendría,perolosuperé,graciasaDios.Ahorasoymásconscientedequeloqueleo meafecta,asíqueprefierollenarmedeamoryleermensajesdepersonasquequieroy conozco.

Tambiénaprendímuchodeestasituaciónaquererme,anoentregarmepornada,porqueantesquería agradaratodoelmundoybuscabaelamordemanera desesperada.Todoeseprocesomeenseñóaamarme, meenseñóqueparaestarbiendenuevoteníaque lucharmucho.Entonces,ahorapiensoennovolvera perdermeporahí.

Aprendíquehaypersonasmalintencionadas,por loquetengoqueprotegermedequienesseacercan, porqueavecesunoniseimaginalasintencionesdelos demás.Esmejorestarrodeadadeuncírculopequeñoen elquerealmenteconfíesyconozcasalaspersonas.Aun así,nuncadebesdescuidarteatimismaysiempredebes estarpresenteentupropiavida,sininmiscuirtedemasiado en la vida de los demás.

¿Cuálcreesqueeslaimportanciadelosmedios paravisibilizaralacomunidadtrans? Creoqueesesencialponereltemasobrelamesapara quelagentepuedaconversarsobreél,yaqueestaesla maneraenquerealmentecomenzamosagenerarun cambio.Cuandounapersonalidadtransapareceenun realityshow,alprincipiopuedehaberunalborotode comentarios.Sinembargo,mealegrasaberquecuandoalguienhaceuncomentario,siemprepuedehaber alguienquerespondaoexplique.Estosucededebidoa queeltemaseestádiscutiendoyseabreunaconversación en la familia.

Así,laspersonasquevenjuntas,quesequieren, todos,comienzanahablarsobreuntema,loquerepresentaunavancerealenlavisibilidad,paramostrar quiénessomosyparaquelagenteentienda.Porquesini siquierahashabladodeestoconnadieantes,puededar miedomencionarlo.Haypersonasquetemenperdersus trabajosdebidoaloqueotrospuedanpensar,yesoes precisamenteloqueestamosluchando. PersonascomoWendyGuevarabrillanenesteespacioporquesonunaespeciedeestrellaquepermiteque seabraesaconversacióndentrodelafamiliayentre amigos.Esuntemaqueestamosempezandoaconocer ydiscutir.Poreso,elentretenimientoestanimportante paramuchosartistasycelebridadestrans.Esunespacio paravisibilizarnos.

Siemprequeparticipamosenentrevistas,hablamos sobreelamor,elperdónyelapoyoaladiversidad,porquequeremoshacerquenuestrasvidasseanunpoco mejores.Cuandoerestransyteenfrentasatantaignorancia,esdifícildesarrollarte.Porejemplo,enColombia, enlospueblos,esmuydifícilparalaspersonastrans empezar,amenudodebenmudarseaunnuevolugar parapodercrecer.Esperoqueenelfuturoyanotengamosquehablar tantodeestetemaporqueseráalgoqueyasehabrá discutidoynormalizado.Aunqueaúntenemosunlargo caminoporrecorrer,paraesoestamosaquí.Ycadavez lleganpersonascomoWendy,quesoncomofarosdeluz paratodasnosotras,señalandoelcaminoaseguir.

SERIES

Ivonne Niño

vive su sueño en la producción

En una entrevista con la Revista Cameo , la productora habla sobre su trabajo en la serie original Pancho Villa: El Centauro del Norte de la plataforma de streaming Star+.

Ivonne gestionó recursos financieros, creativos, técnicos y humanos. También de L-Pop , una nueva producción de Disney+ que explora el mundo del K-pop en México.

por CARLOS MORA

FOTOS PURE&B

"Soy colombiana, pero estoy casada con un mexicano. Llevo ocho años produciendo en México, pero me siento más mexicana que cualquiera. Esta es mi casa, ha sido el lugar donde me siento cómoda, donde he podido formar un equipo espectacular. Las personas con las que trabajo son sumamente capacitadas, con grandes talentos, y trabajar así, como en familia, es muy gratificante. Siempre cito una frase de Chavela Vargas que dice: 'Los mexicanos nacemos donde se nos da la gana'".

¿Cómo ha sido tu experiencia como mujer productora?

Parto de una concepción muy básica: las oportunidades se vuelven potenciales en función de las capacidades y el compromiso que uno mismo adquiera, independientemente de ser hombre o mujer. En mi experiencia, ha sido un camino muy gratificante y generoso, especialmente aquí en México. He encontrado puertas abiertas y personas generosas y profesionales.

Hemos logrado una gran sinergia. Llevo trabajando en México durante ocho años y nunca he sentido rechazo debido a mi género. Al contrario, he sentido mucho apoyo en mi trabajo en BTF Media, donde las dos cabezas, que son hombres, han sido generosas conmigo y han confiado en mí. Hemos trabajado como equipo y ha dado muy buenos resultados.

¿Crees que estamos en una época dorada de las plataformas?

Lo que pienso es que la televisión es un potenciador de la cultura y es el medio masivo más cercano a la población en general. A pesar de que hubo personas que en su momento pensaron que la televisión abierta iba a morir, yo creo que la oportunidad en esta instancia está dada, especialmente por las alianzas que se están formando en cada país con los coproductores de televisión abierta. En este momento, hay muchas plataformas y una gran cantidad de contenido generado, lo que hace que el financiamiento sea un reto difícil de afrontar.

Estamos enfrentando una crisis que implicará depurar los medios con los que nos quedaremos. Sin embargo, la única manera de salvarlo y financiarlo de manera justa será a través de la venta abierta de productos. Es decir, estamos viendo cómo lo que antes era original de Amazon, por ejemplo, ahora lo encontramos en el catálogo de Netflix. Estamos en un momento de búsqueda de nuevas alternativas, no para perder el contenido que ya hemos creado, lo cual fue un gran avance en los últimos dos años, sino para seguir generando ese contenido con diferentes aliados estratégicos.

¿Cómo fue la producción de Pancho Villa?

Tuvimos la gran fortuna de contar, en primer lugar, con libretos muy sólidos. Trabajar de la mano de Rafa Lara y Enrique Rentería para llevar la historia de un personaje tan importante como Pancho Villa a la pantalla fue un objetivo ambicioso. En Pancho Villa y en las producciones que realizamos, especialmente en BTF Media, tenemos una consigna muy importante: el dinero invertido debe verse reflejado en la pantalla.

En ese sentido, las prioridades de la historia y las necesidades de la pantalla eran innegociables. Esto significa que si Rafa me decía que necesitaba 30 caballos, yo le proporcionaba 70. Si decía que requería 100 extras, yo le decía que podíamos tener 180 o incluso 200. Realicé un seguimiento muy cercano de todas estas consideraciones que se plantean durante el proceso de búsqueda de locaciones (scouting) y en el diseño de cada escena. El objetivo era destacar en pantalla el valor de producción. Siguiendo esta premisa, logramos crear un producto que ha sido muy aclamado no solo en México, sino también a nivel internacional. Hemos recibido estadísticas muy alentadoras en países como Japón, Francia, Colombia y Argentina. Ha sido un verdadero orgullo que este producto, que es una historia mexicana auténtica, haya sido apreciado en todo el mundo.

Lo que debemos buscar son historias universales y emociones que puedan transmitirse de manera masiva. Los sentimientos son universales.

En todas partes del mundo, las reacciones a esos sentimientos que provocan nuestras historias deben estar potenciadas por el nivel de calidad de producción que nos permita competir con el mundo entero.

¿Y qué opinas sobre que la gente se identifique con ellas?

La serie L-POP está inspirada en la cultura coreana y aprovecha el fenómeno del K-pop en Latinoamérica.

Es una historia muy conmovedora, hermosa y con un mensaje claro sobre el amor, la amistad, los sueños, las capacidades y la importancia de no abandonar nuestros sueños.

Creo que estos son precisamente los contenidos que los jóvenes necesitan en este momento, para inspirarse y comprender que sus metas no deben abandonarse, que lo que desean y sienten en sus corazones no es reemplazable por nada. Para lograrlo, necesitas buscar aliados que formen

parte de tu familia, de tu círculo cercano y de las personas que amas. Estoy segura de que esta historia conmoverá y dejará una huella importante en Disney+ Latinoamérica.

También viene el lanzamiento de Soy tu fan, la tercera temporada.

Es una serie muy poderosa debido al seguimiento que tiene por parte de los fanáticos y porque creo que hay una generación significativa de mexicanos que crecieron con Soy tu fan y se han identificado con los personajes.

En esta etapa de madurez, con sus propios conflictos y en las décadas de treinta y cuarenta de los personajes, logramos reunir a todo el elenco original, lo cual fue un desafío importante, ya que todos son figuras muy reconocidas en la actualidad y tienen agendas complicadas.

Logramos un reencuentro con una historia más madura y evolucionada en sus propias tramas personales, pero que nunca olvida la esencia de Soy tu fan de toda la vida. La tercera temporada se estrena en noviembre y constará de nueve capítulos en Star+.

P#T@S REDES SOCIALES, MUESTRA EL LADO HUMANO DE LOS INFLUENCERS

PUT@S REDES SOCIALES cuenta la historia de Amanda (Paulina Gaitán), una YouTuber decadente de contenido infantil que acaba de cumplir 30 años, lo que la convierte en una "anciana" de internet. Sin embargo, ella sigue dispuesta a hacer cualquier cosa para mantenerse relevante en las redes sociales, desde filtrar su propia foto desnuda hasta arriesgar su vida (o, al menos, fingir que lo hace). Todo esto lo hace con el objetivo de destronar a la influencer número uno del momento: Vicky Moo (Azul Guaita), quien además resulta ser su media hermana menor. Estuvimos presentes en la alfombra de presentación de la producción original de Prime Video, bajo la dirección de Jorge Ulloa. También desfilaron Hernán Mendoza, Jesús Zavala, Bárbara Torres, Hugo Catalán, entre otros.

P#T@S REDES SOCIALES Dónde ver: Prime Video

FOTOS CARLOS MORA

TIERRA DEL FUEGO, LLEGA POR PRIMERA VEZ A MÉXICO

MÁS ALLÁ DE CONFLICTOS y fronteras políticas, el texto y la visión del director Tiago Correa es justamente la búsqueda del perdón, la empatía, el ponerse en el lugar del otro, y encontrarse en las coincidencias, para vivir en paz como seres humanos. Tierra del Fuego, escrita por el dramaturgo argentino Mario Diament y después de triunfar en numerosas temporadas en Buenos Aires y Madrid, por fin llega a México. Este drama inspirado en un hecho real, cuenta la historia de Yael (Paola Arrioja ), una ex azafata israelí, víctima de un atentado en el que resultó herida y su mejor amiga muerta. 22 años después del incidente, Yael decide visitar y encontrarse con el terrorista autor del atentado (Horacio García Roja), quien está detenido en una prisión de Londres, condenado a cadena perpetua. ¿Podrá perdonarlo?

TIERRA DEL FUEGO

Dónde: Foro Shakespeare Miércoles y jueves a las 20:30 hrs., hasta el 5 de octubre

FOTOS CARLOS MORA

CONSENTIMIENTO, UNA OBRA QUE PONE EN ESCENA EL ENFRENTAMIENTO

ENTRE LA JUSTICIA Y LA LEY

LLEGA POR PRIMERA vez a México: Consentimiento, de la dramaturga inglesa Nina Raine, bajo la dirección de Enrique Singer; con un elenco estelar compuesto por Juan Manuel Bernal, Marina de Tavira, Adriana

Schmidt,

y

Esta puesta promete una experiencia teatral inteligente y reflexiva a través de un texto sólido repleto de guiños hacia la actualidad. Consentimiento plantea el provocador enfrentamiento entre la justicia y la ley, explorando el contraste entre la empatía y la ambición económica, en un mundo donde las relaciones superficiales y los intereses personales prevalecen sobre la verdad y la legalidad. La obra examina la impersonalidad de la justicia en la sociedad contemporánea, a partir de los sufrimientos que enfrenta una mujer víctima de violación. ¿Por qué es ciega la justicia? ¿Es imparcial? ¿O simplemente miope?

CONSENTIMIENTO

Dónde: Teatro Helénico, Jueves, viernes, sábados y domingos, hasta el 1 de octubre

Llabrés, Arturo Barba, Daniela

Alfonso Borbolla

Jana Raluy.

FOTOS CARLOS MORA

Julieta Egurrola

La destacada actriz, quien recientemente fue nominada a Mejor Actriz en la pasada 65ª entrega del Premio Ariel por su participación en la película Ruido , dirigida por su hija Natalia Beristain, habló sobre lo que le permitió hacer este proyecto a sus 70 años de edad. "Tengo 46 años de carrera como actriz, y esta película y nominación me hacen sentir muy gratificada por poder protagonizar una película mexicana", comentó en entrevista con la Revista Cameo.

por CARLOS MORA

"(Ruido ) llega en un momento en el que me siento muy gratificada"

¿Cómo te sientes de protagonizar Ruido, cinta dirigida por tu hija Natalia Beristáin?

Llegó a mí gracias al esfuerzo de mi hija, Natalia Beristáin. Quiero decir, gracias a su esfuerzo por hacer y lograr la película. Cuando ella terminó su segundo largometraje, Los adioses, me prometió que en su siguiente película yo sería la protagonista. Así que en ese momento le dije "muy bien". Pasaron alrededor de cinco años y luego me dijo "ya estoy trabajando en el guion". Cuando me entregó el guion y descubrí de qué se trataba, pensé, "wow, no sabía de qué iba, no me lo había dicho, que es sobre el tema de las desapariciones".

Después se iba a filmar en el año 2020, pero debido a la pandemia fue imposible, así que tuvimos que esperar hasta el año 2021. A pesar de la pandemia, firmamos para seguir adelante. Ya ves, la pandemia nos alcanzó.

Lamentablemente, no hay muchas actrices de mi edad que lo estén haciendo. También llega en un momento muy importante para mí, para apoyar y ser solidaria con el proyecto

de mi hija. En este proyecto, nos buscó a su familia, es decir, su familia de sangre y su familia cinematográfica. Todo se realizó de manera solidaria, cercana y con mucho respeto, especialmente para las madres buscadoras. En ese momento me emocionó, y en ese momento es una maravilla poder decir que somos una pareja de madre e hija extraordinaria. Que ella me dirija, es un caso excepcional y no es común.

Ruido habla sobre las desapariciones de personas en el país, ¿cómo fue el proceso para adentrarse en el papel de Julia? Yo contacté a las primeras familias de las madres buscadoras, que hace 11 años no se llamaban buscadoras, se les conocía como madres de desaparecidos. El nombre ha ido cambiando, ya que ahora buscan y rastrean. Fue a través de Serapaz, una organización para la paz. Tuvimos contacto con ellas y nos pidieron a varios actores, intelectuales y escritores que fuéramos testigos de sus casos, que los acompañáramos.

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En varios casos, acompañamos a las familias a hablar con el fiscal, el procurador y el ministerio público. Hicimos esto no solo para hablar y hablar, sino para intentar resolver los asuntos. Sin embargo, no se resolvieron. Así que tengo cierta cercanía con los casos, casos muy terribles e impactantes, y cada vez son más violentos. Natalia, desde que era joven, me acompañó a manifestaciones, mítines y lecturas de manifiestos. Ella ha estado involucrada en esto desde hace tiempo.

Esperábamos que, al menos en estos seis años, cinco desde que empezó a trabajar en el guion, las cosas se hubieran resuelto o al menos disminuido. Pero ha sido todo lo contrario. Puede decir lo que quiera este sexenio que está en el poder, pero la cantidad de desaparecidos es alarmante: 111,000. Incluso más que durante los sexenios de Felipe Calderón y Enrique Peña Nieto. Es importante seguir poniendo atención en todos los familiares de desaparecidos.

Y en cuanto a la evolución del papel de las mujeres en la industria cinematográfica, ¿cómo lo ve?

Recuerdo que cuando mi hija ingresó al CCC (Centro de Capacitación Cinematográfica) hace más de 10 años, empezaban a haber más mujeres que estudiaban cine.

Dariela Ludlow, la fotógrafa, fue compañera de mi hija y también está nominada. No se trata solo de ser mujer, sino de superar obstáculos. Es necesario demostrar con el trabajo propio. No es simplemente políticamente correcto hablar bien de las mujeres, tampoco es correcto hablar mal de ellas. Creo que existe un doble discurso en muchos aspectos, especialmente en política. Pero desde el punto de vista social, necesitamos entenderlo.

En el teatro, estoy más acostumbrada. Siempre ha habido más actrices en mi mundo, en el teatro o la televisión. En cambio, cuando hablamos de directoras, la cosa cambia. Si retrocedemos al siglo pasado, la situación era difícil debido al dominio masculino en la dirección.

¿Qué opina de la cultura actualmente en México?

Pertenecemos a la comunidad artística y que el presidente nos diga que somos unos privilegiados y que ya basta de tantos privilegios. ¿De verdad, señor Presidente? A los que hemos trabajado toda la vida haciendo teatro, cine, televisión, no somos millonarios, ni supermillonarios.

Yo lo apoyé (AMLO) desde porque estaba con

Cuauhtémoc Cárdenas Solórzano y muchos hicimos eso. Cuando se fue al PRD, fuimos con él. Desde hace 18 años apoyando, y fue la Presidencia, y yo voté por él, para que nos haya pagado así. Que quede a deber a las madres buscadoras, los padres con hijos enfermos de cáncer, lugares este faltos de medicina. Espero que él duerma bien en las noches... supongo que sí.

Sobre la lucha del cine mexicano que tiene que ir sobreviviendo.

Ha sobresalido desde hace cuántos años, pero no hay apoyo. Dicen que sí, pero no es verdad, pregúntales a los que manejan la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC), ¿cuál ha sido el apoyo?, que digan "sí hay, les pagamos la casa, pero ya no vamos a pagar más privilegios", eso se los han dicho. Y dónde quieres que la industria cinematográfica mexicana, que es premiada por tantos países en tantos festivales, se vea aquí.

Sobre el tema de la huelga en Estados Unidos, ¿qué opina?

Creo que ahí viene la industria cinematográfica norteamericana, está en la vanguardia, están más adelante, independientemente de que veas películas, te gusten o no, lo que ellos producen. Pero es una industria muy pesada, que ha invadido todo el mundo, sus películas van a todo el mundo, algo está pasando ahí, que tendremos que abrir mucho los ojos y estar atentos a ver qué nos va, a qué nos espera.

No tenemos prestaciones, no tenemos vacaciones, no es que yo quiera hacerme burócrata. No tenemos en la cuestión de salud, hace años se buscó en la Cámara de Diputados, en la Cámara de Senadores, apoyos, iniciativas, trabajamos por honorarios y hazle como quieras, obviamente según el sapo es la pedrada, hay unos que cobran más que otros, cobran menos, pero eso no quiere decir que igual se tiene que buscar una equidad, no este nos en los honorarios. Tanto hombres como mujeres, porque es igual que en el fútbol.

Las plataformas se están agandallando todo es ganancia. Y de pronto tú dices, oye, "compartan y repartan". Tenemos que estar muy atentos aquí en México para saber qué pasa allá, porque pues nos va a repercutir acá y nos va a llegar tarde o temprano.

"

Lamentablemente, no hay muchas actrices de mi edad que lo estén haciendo (trabajando). Ruido llega en un momento muy importante para mí, para apoyar y ser solidaria con el proyecto de mi hija"

NOCHE PLATEADA DE LOS PREMIOS

ARIEL

EN SU PRIMERA

EDICIÓN ITINERANTE

Los Premios Ariel tuvieron alma tapatía por primera vez en su historia, tras llevarse a cabo la edición número 65 en el emblemático Teatro Degollado de Guadalajara. La sorpresa fue Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades de Alejandro González Iñárritu, ganador a Mejor Dirección, que se llevó ocho premios. Cabe destacar que la ópera prima de la directora Michelle Garza Cervera, Huesera, ganadora de cuatro Arieles, encabezaba la ceremonia con 17 nominaciones, seguida de El norte sobre el vacío de Alejandra Márquez Abella, con 16 nominaciones y que resultó ganadora de Mejor Película y Mejor Coactuación Masculina para Raúl Briones.

Leticia Hujiara, presidenta de la AMACC, comentó: "Estoy muy contenta. Me parece muy lindo poder llegar a esta ciudad tan hermosa, estar cumpliendo este encargo que hice de poder dejar una Academia con estabilidad financiera, de descentralizar la ceremonia de los Premios Ariel. Estoy muy contenta".

¿Qué nos depara en las futuras ceremonias? Nos quedamos un año más en Guadalajara y después tendremos que buscar dónde irnos, porque creo que es muy importante que, una vez que tomamos la decisión de salir de la capital del país, seamos consistentes y congruentes con esa decisión. Nos hemos acercado al estado de Nuevo León, así que espero que podamos encaminar la edición 67 para que se celebre allá. Además, es alentador ver que muchos cineastas de diversos niveles de reconocimiento se nos acercaron y nos apoyaron. Es una comunidad a la que le importa la ceremonia y los Arieles, y eso vale mucho.

• Carlos Mora

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ALEJANDRA MÁRQUEZ ABELLA

¿Cómo te sientes?

Tenemos una industria en este país que tiene mucha apertura para la diversidad de género; no es algo común en el resto del mundo. No hay muchas ganadoras del Óscar a mejor fotografía en Estados Unidos. Si ves las academias de Australia, si te vas a países "desarrollados", no es tan imperante como está sucediendo en México. Me parece curioso. Para mí, la mirada femenina siempre ha sido una apertura. No siento que el mundo se esté volviendo mejor y que se le esté dando más oportunidades a las mujeres. Creo que hay películas hechas por mujeres que no se habían visto y que han captado el interés del público.

¿Cómo decidiste abordar el tema de tu película?

Lo primero que me llegó fue esta trama de un hombre que quiere defender su propiedad de un grupo criminal que la amenaza con tomarla. Para mí, esa es la trama arquetípica de un Western. A partir de ahí, me pareció interesante tomar ese estilo. Después me surgió esta pregunta: ¿quién es dueño de la tierra? Es una pregunta filosófica que para mí era muy importante en la película. Y a partir de ahí se habla de antropocentrismo, patriarcado y muchas cosas más, pero eso es a partir de cómo se cuestiona el Western. Siento que mi película no trata sobre el narcotráfico. A mí me gusta decir que es como un Western vegano.

Tu película fue estrenada en Prime Video. ¿Qué opinas sobre esta nueva forma de consumir cine mexicano?

Tengo el deseo de que pronto entendamos que esto puede ser un sistema híbrido. Las experiencias son tan distintas, tanto en una sala de cine como en la comodidad del hogar. Lo que creo es que podrían convivir. La gente podría ver una película dos veces, primero en el cine y luego en su casa. Sé que hay público para ambas situaciones. Siento que va a evolucionar y que debe suceder poco a poco.

¿Cómo fue trabajar con tu elenco?

Con todos los actores fue maravilloso. Creamos una especie de compañía, ya que la mayoría venía del teatro. Fue muy colectivo todo. Con Paloma Petra fue maravilloso y muy emotivo. Con Dolores Heredia creamos una amistad sólida que próximamente se plasmará en otro proyecto conjunto. Apenas estamos trabajando en una serie, también con algunas integrantes de la película Las niñas bien. Es como reunir a todo el equipo con el que he trabajado; siento que es un all stars de mi películas".

MEJOR PELÍCULA EL NORTE SOBRE EL VACÍO

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MICHELLE GARZA CERVERA

¿Cómo te sientes acerca del éxito de Huesera?

MEJOR

La verdad, estoy un poco sorprendida. Cada paso me ha dejado asombrada, como cuando Huesera requirió mucha inversión y sacrificio de muchas personas.

Sí, ofrece mucho a cambio y es increíble ver cómo la academia está reconociéndolo. No podemos olvidar que en la historia del cine de este país ha habido tantos cineastas a los que he admirado mientras crecía. Al mirar hacia arriba, me siento muy honrada. Agradezco profundamente a la Academia por dar valor y reconocimiento a una película de género de terror, ya que no es tan común.

¿Qué opinas de las otras directoras?

Me siento muy honrada. Admiro mucho a las tres. Son directoras veteranas y con varias películas en su haber. Al verlas, me emociono al ver cómo evoluciona su lenguaje cinematográfico. También siento el deseo de dar mis próximos pasos. Sus películas son fenomenales. Es un honor formar parte de este momento histórico de reconocimiento al trabajo de mujeres en el cine. No es un comienzo, sino más bien una apertura política que finalmente está creando espacios.

También hemos notado que a la gente le gusta el género de terror en el cine mexicano, como con Huesera. ¿Qué opinas?

Huesera es una película autoral realizada con recursos limitados y de manera artesanal por un equipo que asumió riesgos. No representaba grandes ganancias ni algo por el estilo, pero al mezclarlo con el género de terror, abrimos otro camino que implicó una distribución de mayor alcance. Esto fue algo que surgió de manera instintiva. Si bien he amado el género de terror durante mucho tiempo, no podemos olvidar que este género atrae al público al cine. Esto generó una combinación afortunada en Huesera.

Después de ganar en diversos festivales de cine internacionalmente, ¿cómo te sientes ahora con el Ariel?

Creo que el éxito puede ser peligroso, ya que puede traer confusión y desenfoque. No me interesa que sea mi principal motivación. Por supuesto, estoy feliz por Huesera y emocionada de que obtenga reconocimiento, pero estoy más centrada en volver a trabajar con mi equipo creativo para desarrollar nuevas historias. Quiero pensar en pequeño y grande al mismo tiempo, sin enfocarme tanto en lo que ha sucedido. Agradezco mucho, de todas maneras.

¿Continuará la magia de Huesera?

¡Definitivamente, la magia de Huesera seguirá viva!

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ARCELIA RAMÍREZ

¿Cómo te sientes?

La Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) está conformada por gente de la comunidad, por nuestros pares, y son ellos quienes nos reconocen. Me parece muy importante la interlocución en todos los sentidos. Saber qué estamos haciendo unos a otros, apoyarnos y retroalimentarnos permanentemente, creo que es muy importante porque son quienes entienden nuestro quehacer. No solo en el caso de mis colegas actrices, con quienes compartimos el mismo oficio, sino también en el caso de otros involucrados en el cine. Su mirada es fundamental para crecer y evolucionar.

¿Cómo fue para ti dar vida a Cielo en La civil?

Desde que leí el guión, me pareció uno de los personajes más poderosos que he tenido en mis manos. Efectivamente, el arco dramático del personaje es violento, empieza en un lugar muy distinto al que termina, es una transformación que había que dosificar adecuadamente para que fuera verosímil. Este camino fue trazado muy bien por Teodora Mihai, directora de esta película. Ella cuidó mucho el tono con el que quería contar esta historia. Nos reunimos durante un mes y medio para hablar del personaje, analizar cada escena, ya que es un personaje que aparece en todas. Fue un análisis exhaustivo de sus intenciones, objetivos y obstáculos.

Este proceso también nos brindó a ella y a mí una relación íntima, de complicidad, respeto y confianza. Ella creó un guión que no es la historia de la mujer que inspiró a Cielo, ya que muchas personas piensan que es su historia, pero es una ficción. Me dijo: "Quiero que construyas el personaje desde tu imaginario, el guión y todo el material que te proporciono."

Fue un proceso muy placentero junto con todo el equipo, y pienso también en los actores con los que trabajé.

¿Qué opinas sobre el tema de las desapariciones?

Fuimos muy afortunados al tener este equipo y a la convicción con la que todos hicimos la película. Sentíamos una gran responsabilidad de dar vida y voz a un problema que es una de las heridas más grandes de este país. La cantidad de personas desaparecidas en México es inadmisible, y debemos entender este fenómeno a través de todas las historias posibles que se cuentan sobre el tema, hasta que logremos combatir la impunidad y trabajar por un sistema de justicia que acompañe a las víctimas y resuelva los casos. Es un problema multifactorial y creo que La civil aportó una perspectiva y un punto de vista para contribuir a la reflexión, el análisis y la visibilidad del problema.

También felicidades por el premio de tu hija Emilia Berjón (ganadora a Revelación Actoral por Trigal), ¿cómo te sientes como actriz y madre?

Es un orgullo y una gran felicidad. La película Trigal la acompañé y pude presenciar el trabajo de Anabel Caso, una directora de actores maravillosa, cuyas actrices también están nominadas (Nicolasa Ortiz, Úrsula Pruneda y Emilia Berjón).

Vi cómo esas escenas se transformaban, se enriquecen, y cómo construía el relato con finura y sutileza, hablando de un problema tan delicado. Verla nominada como Mejor Revelación es realmente una felicidad enorme. Si mis hijas quieren dedicarse a la actuación, las apoyaré. Es una carrera difícil y he sido afortunada. Se necesita fortaleza interna, y yo intentaré apoyarlas siempre.

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ÚRSULA PRUNEDA

¿Cómo te sientes?

Fíjate que yo no me lo esperaba para nada. Ese día estaba tomando una clase en línea y de repente empezaron a llegarme mensajes que me tomaron por sorpresa. Llamó mucho mi atención porque es una película muy independiente que aborda un tema de manera muy intensa: el despertar sexual adolescente. No es fácil hablar de eso y la forma en que la directora, Anabel Caso, lo que hace es brillante. Es su ópera prima y el hecho de que esté nominada también es destacable. Ella es actriz y conoce el universo personal e íntimo de los actores, lo que hace que la comunicación con ella sea especial, directa y franca. Con una conciencia clara, pidiendo lo que sabe que podemos dar, fue un placer trabajar con Anabel. También con Nicolasa Ortiz; fue un hermoso descubrimiento trabajar con Emilia Berjón. Creo que todo el reparto fue seleccionado con cuidado. Estoy muy contenta y me siento orgullosa.

¿Qué opinas sobre las mujeres directoras nominadas en diferentes categorías?

Para mí es un deleite vivir en esta época. El porcentaje de directoras mujeres en esta edición de los Arieles es asombroso. Refleja la cantidad de mujeres que estamos involucradas en el universo del cine y el audiovisual mexicano. Me siento muy orgullosa de vivir este momento con mis colegas directoras. También me enorgullece que me busquen y me contacten para trabajar con ellas. Me contactan mucho las mujeres para colaborar y poder ser su voz, sus ojos y su cuerpo. Eso me llena de orgullo.

¿Qué opinas sobre el Encuentro de Nominados?

Me cuesta un poco. No soy tan sociable como puede parecer, soy bastante tímida. A veces me cuesta trabajo, pero una vez aquí, como que pensé: "Guau". Todos son compañeros, somos colegas de una forma u otra. Hemos trabajado juntos, formamos una comunidad y es importante que esa comunidad se mantenga unida y conectada, especialmente después de tantos años de encierro por la pandemia. Siento que estamos emergiendo de la oscuridad y así es, y así será.

MEJOR COACTUACIÓN FEMENINA TRIGAL

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RAÚL BRIONES

¿Cómo te sientes?

Estoy muy contento. Para mí, es como una fiesta y una nominación pone tu trabajo en diálogo con otras personas, generando autocrítica y reflexión sobre la sintomatología de tu trabajo como individuo, pero también sobre lo que está ocurriendo en la industria. Además, escuchar las voces protagonistas de la industria es valioso. El premio Ariel es uno de los muchos alicientes que deberían existir para nuestra cinematografía. No debería ser el único, deberían ser muchos. Estar aquí en esta gran fiesta es un honor y un placer, y se siente muy gratificante.

¿Cómo fue trabajar con Alejandra Márquez Abella, la directora de El norte sobre el vacío?

Fue una experiencia genial. Desde el proceso de casting, fue muy informal y en gran medida a través de las redes sociales, con un enfoque millennial.Alejandra es muy puntual y el guión es sólido, con muchos elementos para construir el personaje. No es un guión tan crítico ni tan ambiguo, lo que proporciona un parámetro específico de la realidad que se está abordando.

Queríamos enfocarnos en el diseño de mi personaje, Guzmán. Uno de los aspectos importantes fue evitar la apología del narcotráfico y no mostrar la decadencia del crimen organizado. También deseábamos retratar la decadencia física y psicológica causada por las adicciones, la violencia y el narcotráfico. Creo que logramos transmitirlo de manera efectiva.

MEJOR COACTUACIÓN MASCULINA

El año pasado ganaste por Una película de policías y este año estás nominado por El norte sobre el vacío, ambas estrenadas en plataformas. ¿Qué opinas sobre ese camino?

No estoy en contra. Pero creo que se necesita regulación. Nos están superando en muchos aspectos, no solo en el streaming. Este modelo se está replicando en varias empresas transnacionales que simplemente están evadiendo las restricciones. Por un lado, es bueno debido a la globalización y el alcance que tenemos ahora para una gran cantidad de contenido. Sin embargo, ¿qué pasa con las leyes? Creo que el Gobierno debe revisar las regulaciones para el mundo digital, ya que no estamos comprendiendo cómo la gente se está beneficiando de maneras problemáticas. La huelga en Estados Unidos es un ejemplo, que solo tocó la superficie porque afectó sus intereses.

Por ejemplo, ni Una película de policías ni El norte sobre el vacío pasaron por el cine, y eso es perjudicial tanto para los consumidores de cine como para las audiencias. El problema sigue siendo la distribución.

Sobre la premiación en Guadalajara, ¿qué opinas?

Creo que está bien que existan los Arieles y que la Academia haya hecho un esfuerzo para que exista y haya alzado la voz sobre lo que hace falta. Todo eso me parece genial, pero creo que los Arieles deberían ser la guinda del pastel. Faltan muchos ingredientes en términos de justicia, verdadera democratización cultural y aspectos sociales.

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EUGENIO CABALLERO

Eugenio, ¿Cómo te sientes?

Estoy feliz. ¿Por qué? Primero, porque siempre una nominación y un premio significa que existe una Academia que ha trabajado para que esto sea posible. En segundo lugar, porque esta nominación proviene de mis colegas, personas que entienden las horas de trabajo dedicadas a una propuesta. Además, alejado de los reflectores, hay numerosas categorías y disciplinas en el cine que rara vez se mencionan y de las que la gente sabe poco. Estas disciplinas caen en la intersección entre lo técnico y lo artístico, como el diseño de producción, el vestuario, el sonido y la edición, entre otras. Es un momento en el que estas disciplinas, que a menudo pasan desapercibidas, son reconocidas. Esta es mi octava nominación al premio Ariel y la siento como si fuera la primera. Realmente me emociona, ya que este premio ha sido fundamental en mi carrera.

Has sido nominado y ganador en innumerables ocasiones. ¿Cómo te sientes al ser considerado para premios tan importantes?

Para mí, estos premios son como caricias. Así es como los veo. Hacer cine es un acto profundamente amoroso, y creo que lo único que puedo decir es que cuando pones tu corazón y todo tu ser en una película, es posible que conecte con alguien, lo que puede dar lugar a estas nominaciones.

¿Cómo te sientes al trabajar en cada película?

Sigo disfrutando mucho de mi trabajo, y a pesar de tener mucha experiencia, cada nuevo proyecto es un comienzo fresco. Los ingredientes cambian y es necesario abordarlos desde una perspectiva totalmente nueva.

¿Qué opinas de Bardo?

Bardo es un viaje personal de Alejandro González Iñárritu que nos arrastró a todos. Nos llevó al límite. Es como un salto al vacío sin red, y eso también es algo que aprecio. Me gustan los proyectos poco convencionales. En los sets de Bardo había un sentido épico que encajaba con la naturaleza del relato. No fue fácil; enfrentamos desafíos debido a los complicados y técnicos escenarios, así como a su tamaño. Pero logramos superarlos gracias a un equipo excepcional y al talento que existe en México, que está a la par de los mejores del mundo.

MEJOR DISEÑO DE ARTE BARDO, FALSA CRÓNICA DE UNAS CUANTAS VERDADES

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¿De qué trata tu cortometraje?

Es un cortometraje animado llamado El año del radio. Siguiendo la tradición, es en parte una autoficción. Trata sobre un niño de siete años que queda al cuidado de su tía abuela, quien está un poco senil. Él y sus hermanos están obsesionados con prender la radio todas las noches para escuchar el programa de radio de su mamá. En el programa, su mamá pide a la audiencia que hablen sobre lo que ven y escuchan por la noche, como cronistas. Los niños aprenden sobre la crónica de su ciudad y generan una memoria a partir de la comunidad. Es un homenaje a la radio de los años 90. Pertenece a lo que llamo la trilogía de la memoria, que incluye Somos Mari Pepa, Los lobos y El año del radio

¿Cómo te sentiste al crearlo?

Fue un proceso muy orgánico. Escribí El año del radio y Los lobos al mismo tiempo. Partió de un ejercicio de memoria llamado Me acuerdo qué, recordando cuando mi mamá tenía su programa de radio y lo que me impresionaba de escuchar a la comunidad y sus historias. Uno va descubriendo los alcances y el formato adecuado para las historias que se cuentan.

¿Haz estado en diversos festivales?

Me siento muy bien al respecto. El cortometraje tuvo un recorrido interesante: se estrenó en Suecia en el Festival de Cine de Malmo, ganó un premio

en Miami, estuvo en La Habana y en el Festival de Cine de Guadalajara. También fue el cortometraje inaugural en el Festival de Cine de Guanajuato. Esta nominación es como una cereza en el pastel para el cortometraje. No esperaba nada, es un corto muy querido. Esta es mi primera experiencia como director en animación. Soy de Guadalajara, que tiene una tradición en animación, por lo que me preocupaba la opinión de otros animadores, pero la comunidad ha sido receptiva y lo ha recibido muy bien. La animación como recurso narrativo me encanta; la utilizamos un poco en Los lobos y ahora en El año del radio. Permite expandir sueños e ideas utilizando recursos que a menudo son más complicados en la ficción debido a presupuestos. En animación elegimos la técnica y cómo utilizar nuestros recursos. Ha sido un camino muy gratificante.

¿Cuál es tu opinión sobre el cortometraje en México?

Creo que es una industria que todavía tiene mucho potencial por explotar. No deberíamos considerar el cortometraje como un género menor; hay grandes directores que han construido sus carreras a través de cortometrajes. Hay un mercado, solo necesitamos abrirnos más a este formato. Preparan a los narradores y son excelentes para alternar entre largometrajes y cortos, lo que también considero como entrenamiento para los realizadores.

MEJOR CORTOMETRAJE ANIMACIÓN

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