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ESPECIAL FICM 2023 | WISH | ERNESTO CONTRERAS | ADAL RAMONES

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ADAL RAMONES UN CUENTO DE NAVIDAD, EL MUSICAL

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WISH: EL PODER DE LOS DESEOS

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LUCIO GIMÉNEZ CACHO GODED EL HIJO DE PUT* DEL SOMBRERO

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NÚMERO 28 NOV | DIC 2023 A ÑO 4 REVISTA DIGITAL

Editor: Carlos Mora Co editora: Maribel De Luna Colaboradores: Elizabeth Osorio Cinthya Salas Alejandra Lomelí Francisco Javier Quintanar Polanco Angélica Ramírez

CORREO:

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Los sueños se

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hacen realidad Con Wish: El poder de los deseos, Disney celebra sus primeros 100 años de vida. Así nos da la bienvenida a la audiencia al reino mágico de Rosas, donde Asha, una ingeniosa soñadora, pide un deseo tan poderoso que es escuchado por una fuerza cósmica: una pequeña esfera de energía ilimitada llamada Estrella. Asha y Estrella se enfrentan a un enemigo imponente, el rey Magnífico, soberano de Rosas, para salvar a su comunidad y demostrar que cuando la voluntad de una persona valiente se une a la magia de las estrellas, pueden ocurrir cosas maravillosas.

por C A R L O S M O R A

E

n una entrevista con la Revista Cameo, conversamos con el elenco encargado de darle voz en español a los personajes de la película: María León (Asha), Lucero Mijares (Dhalia) y José Eduardo Derbez (Valentino). ¿Cómo se sienten al participar en esta película que conmemora los 100 años de Disney?

Lucerito: Creo que puedo hablar por los tres, estamos súper contentos y agradecidos con todo el equipo de Disney por ser parte de esta película que quedará marcada para siempre, tanto para nuestros hijos como para nuestros nietos. La película transmite muchos mensajes como el amor, la amistad, la familia, y creo que cualquiera puede identificarse con ella.

María: Es uno de mis sueños hecho realidad. Estoy desbordada de gratitud y emoción, enamorada de la película porque no la habíamos visto completa hasta la premiere, y comenzó a tocar muchas fibras sensibles dentro de la historia. Los mensajes llegaron no solo a mí como parte de la película, sino también como la niña que creció y evolucionó con todos los mensajes que Disney nos ha dado a lo largo de los años. Esta película en particular tiene mensajes contundentes que han cambiado la historia y las necesidades sociales en torno a la unidad.

Jose Eduardo: Cuando la vi por primera vez, me sentí muy contento, con muchos sentimientos hacia la película. Incluso antes de dormirme, traía las canciones todo el tiempo en la mente porque son muy pegajosas. Tuve una reflexión sobre que es un proyecto que perdurará toda la vida, y aún no lo puedo creer.

Uno de los mensajes es que no hay edad para los deseos, ¿qué opinan?

María: Claro, pero también es importante hacernos cargo de nuestros propios deseos, porque a veces queremos dejarlos en manos de alguien más. En mi profesión, por ejemplo, puedes pensar en "que el mundo me descubra", pero también debemos luchar por conseguirlo. Mientras tengamos un destino, siempre habrá un camino. ¿Qué pasa cuando alguien entrega su deseo a alguien más? ¿Qué sucede con su vida? Creo que es una lección importante y un mensaje hermoso.

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Jose Eduardo: Creo que no debemos compartir nuestros deseos, sino luchar por ellos.

Lucerito: Nunca debemos perder esta ilusión de luchar por nuestros sueños y perseguir lo que queremos lograr; la práctica hace al maestro.

La película muestra el amor entre familia y amigos, ya no solo busca el amor de un príncipe como tradicionalmente se mostraba en las películas de Disney, ¿qué piensan?

María: Para Asha, es genial por dos razones. Primero, su sueño es que su familia y las personas que quiere la vean como una figura protectora. Regresamos a la idea de que ella protege a su familia y no necesita que la protejan a ella; lo hace sola. Además, se enfrenta a un villano hombre, rompiendo con la tradición de villanas mujeres. Ver a varias mujeres liberándose de este hechicero malvado, empezando por la esposa que rompe con el yugo de su malvado esposo, es una guerra de mujer contra hombre, y eso es algo nuevo.

¿Qué les gusta de sus personajes?

Lucerito: A mí me encanta que Dahlia es muy dulce, siendo cocinera. Imaginen un pastelito delicioso y hermoso. Incluso tiene una muleta, creo que por eso me llamaron (risas).

Es maravilloso ver a los personajes con esta normalidad. Dalia también tiene un carácter fuerte, al igual que yo, y a veces lucha por lo que quiere hasta lograrlo y ser feliz.

María: Creo que Asha, además de ser justa, incorruptible y generosa, es una chica muy humana y un poco torpe.

No entiende la torpeza de las cosas que le suceden, pero su humanidad se ve reflejada en errores, caídas y en cómo llega a esta historia de la tirolina. Se sigue asombrando de su propio destino, y eso es hermoso.

Jose Eduardo: En cuanto a Valentino, amé todo de él. Es directo, irreverente pero a la vez muy tierno. Ver la amistad que todos tienen, especialmente con Asha, me encantó.

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NUNCA ES TARDE PARA SOÑAR: Juan Pablo Reyes

El productor mexicano detrás de Wish: El poder de los deseos, la película que celebra los 100 años de magia de Disney. Ha colaborado en el desarrollo de filmes como Frozen, Zootopia, Moana, Raya y el último dragón y la última fue Encanto.

por C A R L O S M O R A

Wish: El poder de los deseos da la bienvenida a la audiencia al reino mágico de Rosas, donde Asha (María León), una ingeniosa soñadora, pide un deseo tan poderoso que es escuchado por una fuerza cósmica: una pequeña esfera de energía ilimitada llamada Estrella. Asha y Estrella se enfrentan a un enemigo imponente, el rey Magnífico, soberano de Rosas, para salvar a su comunidad y demostrar que, cuando la voluntad de una persona valiente se une a la magia de las estrellas, pueden ocurrir cosas maravillosas.

"Exploramos tantas ideas para lo que podría haber sido esta película que celebra la magia de Disney, pero encontrar algo tan humano como tener un deseo y querer lograr algo en la vida es algo que creo que todos los personajes de Disney tienen. Si buscas contar una historia de algo tan real y tan intrínseco a lo que nos hace humanos, todo empieza con esa idea tan humana de luchar por los sueños", comentó el productor en la conferencia de prensa durante su visita a la CDMX. ¿Cómo fue trabajar en una historia original?

Desde el principio, cuando estábamos planeando la película, creo que lo primero que decidimos fue no hacer una historia convencional. No queríamos juntar todos los personajes o algo así. Queríamos contar una historia que en esencia se sintiera real y muy al estilo de Disney. Surgió la idea de pedir deseos a las estrellas, ya que eso es algo que comparten todos los personajes, pero queríamos hacer algo un poco más elegante, con nuevos personajes, un villano y la heroína, Asha. Todo se dio de manera natural y orgánica, naciendo de la idea de un lugar mágico donde cualquier persona de cualquier origen pudiera venir, algo similar a lo que sucedía en el Mar Mediterráneo durante la época medieval, donde personas de diferentes continentes vivían juntas.

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Cuando ves cualquier película de " Disney, siempre empieza con este logo y ves la estrella ahí. Creo que para mí, eso es algo muy bonito: un personaje que siempre ha estado ahí para nosotros, y fue emocionante darle vida

"

Sobre la animación y cómo fue trabajar en ella: Todas las películas comienzan desde cero y con mucha investigación. En el caso de Wish: El poder de los deseos , investigamos el legado de Disney, desde Blancanieves hasta eventos más recientes como Frozen y Encanto. Estudiamos los estilos y la evolución de la animación, desde los clásicos hasta las texturas más modernas. El aspecto de la película se basó en la historia, no fue algo impuesto, sino que surgió naturalmente al contar un cuento de hadas que ocurrió mucho antes que otras historias conocidas. Walt Disney creció viendo libros con ilustraciones similares, por lo que el aspecto de la película se eligió para reflejar esa nostalgia. Fue muy padre emplear animación 2D, mezclada con 3D que cada vez se ha mejorado gracias a los avances tecnológicos.

WISH: EL PODER DE LOS DESEOS Distribuidora: Disney

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¿Cómo es tu trabajo como productor?

Empieza desde el desarrollo y consiste en impulsar avances creativos en la historia. Enfrentar desafíos como encontrar la mejor historia y equilibrar la producción es parte de mi trabajo. Estoy siempre al lado de directores y guionistas, apoyándolos y proporcionándoles estrategias y herramientas creativas para avanzar. La parte técnica, como gestionar horarios, es crucial para lograr que la mejor historia llegue a la audiencia.

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WISH: EL PODER DE LOS DESEOS CELEBRA 100 AÑOS DE MAGIA DE DISNEY LA CIUDAD DE MÉXICO celebró la llegada de Wish: El poder de los deseos en una alfombra azul llena de magia y nostalgia, con la presencia de María León (la voz en español de Asha), José Eduardo Derbez (Valentino), Lucero Mijares (Dhalia) y Francisco Colmenero (Sabino), entre otros actores de la familia Disney.

No podían faltar en este emocionante evento los queridos personajes Mickey Mouse y Minnie Mouse.

WISH: EL PODER DE LOS DESEOS Distribuidora: Disney

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Wish: El poder de los deseos HOMENAJE HECHO CUENTO CINE

por C I N T H Y A S A L A S

“The Wonderful World of Disney: Disney’s 100th Anniversary Celebration” es el nombre del proyecto con el que el gigante Walt Disney Studios celebra su primer siglo de vida.

Una festividad que incluyó miles de productos, eventos promocionales y por supuesto, animación. Así, nació la última película del estudio títulada Wish: El poder de los deseos, una historia que busca revivir en tan sólo 95 minutos la clásica mágia de las historias que hicieron famoso a este emporio del entretenimiento. ¿Logrará cumplir su deseo en taquilla?

Simplemente Wish, por su título original, nos cuenta la historia de Asha una joven curiosa y alegre cuya meta es ser la aprendiz mágica de Magnífico, el rey del Reino de las Rosas.

La expectativa e ilusión de la joven de 17 años se derriba cuando descubre que su ídolo, y la única persona autorizada

WISH: EL PODER DE LOS DESEOS Distribuidora: Disney

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para hacer mágia en pueblo, en realidad ata los deseos de las personas y elige arbitrariamente cual cumplir y cual no. Decidida, la protagonista se prepara para enfrentar al malvado rey y salvar los deseos de los habitantes con ayuda de una atrevida estrella mágica y una cabra parlante llamada Valentino.

Dirigida por el estadounidense Chris Buck, conocido por su trabajo como director en Tarzán (1999) y Frozen (2013); en dupla con la tailandesa Fawn Veerasunthorn, quien hace su debut en la dirección con esta película después de participar como artista de storyboard en las cintas Frozen, Moana y Zootopia (ambas 2016). Un experimentado dueto en la animación que unió fuerzas para este largometraje tributo a Walt Disney Studios.

El mensaje de película es explicito y mencionado en repetidas ocasiones “la voluntad humana es capaz de crear cosas maravillosas, de cumplir deseos”, alentador y sin tapujos. Todo es desarrollado en un ambiente medieval que recuerda a los clásicos cuentos de princesas

como Blanca Nieves y los siete enanos (1937), La Bella Durmiente (1959) o La Cenicienta (1950).

Cabe aclarar que las reglas del universo de Wish quedan incompletas: no se sabe con claridad la periodicidad de la “Ceremonia de los deseos”, no se explica a detalle las consecuencias de “dar un deseo al rey cumplidos los 18 años”, el por qué el rey es la única persona autorizada para hacer magia o de dónde provienen los conocimientos de la magia negra utilizada al final de historia; una serie de inconsistencias que al final se desdibujan entre el mar de referencias que el espectador deber estar listo para captar.

Aladdin, Peter Pan, La Sirenita, La espada en la piedra, Fantasia 2000 o La Princesa y el Sapo, son tan sólo algunos de los títulos que aparecen homenajeados en esta película en donde las alusiones no son solamente gráficas, como en los escenarios, el diseño de personajes y las secuencias animadas de la magia; sino que las hay también en diálogos, en canciones o ciertos argumentos de la trama, un mix que rescata lo más memorable de los diversos mundos que forman parte de este conglomerado del cine.

Una linda historia familiar sobre la importancia de la familia, la convicción y los sueños con un trasfondo para los verdaderos fanáticos de Disney, en el que ver la película significa el reto de entender y notar las cien referencias a otras obras insertadas a lo largo de esta animación de larga duración.

Con un doblaje latino a cargo de las voces de María León, José Eduardo Derbez, Lucero Mijares y Francisco Colmenero, Wish: El poder de los deseos. Magia, valentía y un colosal tributo a todas las historias que han hecho de Disney uno de los estudios más prolificos de las últimas décadas se conjuntan en este esperanzador filme.

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L I L A

A V I L É S

"AMO SER

CINEASTA

CON TODO MI SER" Después de su ópera prima, La camarista, la cineasta regresa a la pantalla grande con Tótem, una película coral con la que busca desentrañar los vínculos familiares y cuya trama nos sumerge en un torbellino de emociones. por C A R L O S M O R A

Con tus palabras, ¿cuéntame de qué trata Tótem?

Claro, es una película coral con personajes locos que están metidos en una casa. La historia sigue a una protagonista llamada Sol (Naíma Sentíes), una niña de siete años que vive un día particular. No me gusta contar tanto la historia, pero es una cinta que habla de la casa, de cómo habitamos a nosotros mismos.

Después de La camarista, ¿cómo te sentiste?

Bien. A veces la gente espera que uno siga repitiéndose en su filmografía, pero esta no es La camarista. Como dice el libro Totem y tabú de Sigmund Freud, hay una especie de presión para hacer una segunda película. Pero desde que hice La camarista, sabía que mi segunda película iba a ser Tótem, donde quería regresar con la idea de la casa, de cómo nos habitamos a nosotros mismos, de cómo nos relacionamos, cómo vamos en conjunto. Salió de ahí, y de ahí se va haciendo una especie de guisado para comer, ya lo vas ensalzando y poniendo los ingredientes que hacen falta. ¿Cómo fue trabajar con Naíma Sentíes, la protagonista?

Lo que fue muy lindo con Naíma es que ella tiene una mente y un corazón recíproco; hay que adaptarse. Naíma nunca había actuado en su vida, pero Gabriela Cartón y yo fuimos las culpables de este elenco extraordinario; sabíamos que ahí estaría la película. Dentro de este cuerpo chico habita un ser extraordinario. Gabriela y yo hicimos juntas los castings, fue muy rudo pero fue muy bello el proceso.

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Agradezco a las productoras; pedí mucho que fuera lo más progresivo y ascendente. También destaco la participación de Mateo García; él es escritor y no tiene que ver con la actuación, y en Tótem es el papá (Tonatiuh).

Buscaba a ese personaje y no encontraba hasta que le dije: "Tú vas a hacer el papá", y mira, salió muy bien. ¿Cómo eres como directora?

Soy una control freak (risas), pero también doy mucha libertad a mis actrices y actores. No soy una persona tan racional, y tampoco digo "quiero esta fórmula o esta". Soy una persona que le gusta mucho reírme en general; eso viene de algo muy personal. Tuve la felicidad de que mi hija ha sido mi maestra, mi guerrera y mi todo; son esos regalos del alma y la vida.

Para ti, ¿qué es el cine?

Yo amo ser cineasta con todo mi ser; ya no me veo haciendo otra cosa. Si la vida me da vida, quiero ser como la gran directora Agnès Varda, viejita y seguir buscando contar mis historias. Me parece importante seguir con esta búsqueda como cineasta y adaptarme a otros formatos y seguir juntando. Lo que aprendí con Tótem es que uno tiene una idea, pero sé que se tiene que ir adaptando y cambiando a este torbellino; a veces así son los días de filmación. Así llegó Tótem, un poco enloquecida la tercera película, ya quién sabe cómo llegará (risas).

Es lindo encontrar la esencia de cada historia; es como los hijos, para los que tienen muchos, tienes que ir buscando la esencia de cada uno ya que todos son diferentes. Así veo yo cada proyecto. Por eso hay que avalar siempre esa diversidad y encontrar en mi ser como cineasta la mejor congruencia para hacerlo.

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Tótem ha sido una película muy premiada en los festivales internacionales de cine alrededor del mundo, pero también es la seleccionada de México para representar al Oscar. ¿Cómo te sientes?

Lo que ha sido extraordinario con esta película, por suerte, ha viajado mucho por el mundo; creo que es el sueño de cualquier cineasta y de todo el equipo. No sé qué vaya a pasar con el Oscar, pero está ahí; para mí, ya es un gran logro bellísimo. La vamos a acompañar.

Haremos lo que se puede para estar al nivel.

Amo ser cineasta, pero amo ser cinéfila y, como digo cada año, este no es la excepción. Hay películas extraordinarias, entonces ya solo formar parte de esa generación de maestras y maestros ya es un logro total.

Y como siempre predigo, tan grande y tan pequeñita como siempre. | 23

MONTSERRAT MARAÑÓN comparte su experiencia de trabajar en Tótem, película de la multipremiada directora mexicana Lila Avilés.

CINE

¿Cuál fue tu experiencia al trabajar con Lila Avilés?

Maravillosa. Es una directora que trabaja en lo sutil y meticuloso, en lo profundo, sin buscar grandes aspavientos. Es una mujer con la que se trabaja muy a gusto, sin estrés; te hace sentir parte del proyecto. Tótem trata sobre una típica familia mexicana, y lo curioso es que esa historia ha conmovido a muchísima gente alrededor del mundo.

Fue una experiencia muy linda y gratificante. ¿Qué fue lo que te atrajo de este proyecto?

Fue una película que hicimos con el corazón, sé que suena a cliché, pero así fue en realidad. Y lo que más me gustó fue cómo esta película aborda la temática de la familia. Fue un reto mostrar los vínculos entre los actores, que quedaron muy sólidos para que el espectador pudiera percibirlos.

Siento que es una de las virtudes que tiene esta película. Por eso, todos queríamos contar esta historia, ya que, al final, a todos nos tocó en algún momento una situación parecida a la que vemos en el filme. Después, la experiencia de ir a tantos festivales de cine; nunca había participado tanto con una película, es algo maravilloso.

Háblame de alguna experiencia en los festivales.

Muchas. Desde pisar la alfombra de la Berlinale y ver todo el glamour que tiene ese festival, hasta estar en Francia, Perú, Corea del Sur, entre otros lugares. En un festival de cine en China, incluso gané un premio a mejor actriz de reparto, algo que realmente no me esperaba. Nunca imaginé llegar hasta China.

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"Tótem, una película que hicimos con el corazón"

¿Qué opinas de trabajar con la nueva ola de directoras jóvenes que están haciendo cine, como Lila?

Muy bien. Algunos son directores que han hecho teatro, por eso es muy importante que la directora sepa mover los hilos o motivos de sus actores, ya sean actores o actrices. Como actriz, al menos tengo que confiar en mi director o directora, porque debo darle lo que me pide, y no es lo mismo trabajar en una plataforma que en el cine o en el teatro. Uno tiene que ser lo suficientemente maleable y entregarse a las emociones y a quien te va a dirigir; ahí no hay otra opción, porque al final nuestro trabajo es interpretar.

LA ACTRIZ MEXICANA Teresa Sánchez vuelve a trabajar con la multipremiada directora Lila Avilés después de participar en su ópera prima La camarista (2018). Ahora regresa a Tótem, el segundo largometraje de Avilés, un filme que reflexiona sobre la vida, la muerte y la familia. ¿Cómo te sientes al estar en Tótem?

Uy, feliz. Trabajar con Lila es un gozo, además de ser mi amiga y una directora extraordinaria. Estoy en las nubes con este proyecto. ¿Cómo te ofrecieron trabajar en esta película?

Tenemos una historia con La camarista, así que generamos un vínculo muy lindo. Siento que a partir de ahí hay como una complicidad, un estado así como permanente de compartir inquietudes.

Además, ella ya tenía este personaje delicioso para mí. ¿Qué te gustó de tu personaje?

Todo. Había muchas propuestas para llegar a lo que es Cruz, y siento que está muy semejante a quien yo soy, no a como a mí me gusta acercarme a las personas y mediar, contener, ayudar.

Con Mateo García Elizondo, no te puedo explicar la exquisitez que fue trabajar con él, conocerle desde el minuto uno, una generosidad. Él no es actor y se acercaba a códigos totalmente ajenos y desconocidos. Esto de entregarse de la manera en que lo hizo, no tengo palabras para agradecerle.

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"TRABAJAR CON LILA AVILÉS ES UN GOZO"

Lila se ha convertido en una directora muy premiada a nivel mundial. ¿Qué opinas?

Se me hace muy inspirador porque es como tener este anhelo, pero además esta certeza y focalizarte y ver lo que ella logra sin toda la academia de otros directores. Otros directores sin todo este envoltorio, diría yo, sin desmeritar otras formaciones. Me parece ejemplar e inspirador, como que ahí está y no hay imposibles. Lo vemos una y otra vez, no en este tipo de ejemplos.

• Carlos Mora

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Tótem CINE

RETRATO DE UNA FAMILIA EN CRISIS por F R A N C I S C O J A V I E R Q U I N T A N A R P O L A N C O

La pequeña Sol (Naíma Sentíes) se dirige junto con su madre Lucía (Lazua Larios) a casa de sus abuelos, donde se va a celebrar el cumpleaños de su padre Tonatiuh (Mateo Garcia) junto con parientes y amigos. Pero dicho festejo también tiene cierto sabor a despedida, ya que este último está gravemente enfermo de cáncer y no le queda mucho tiempo de vida.

Esa situación pesa sobre cada uno de los miembros de la familia, quienes afrontan esa pena de diversas -y a veces opuestas- maneras. Y la inminente pérdida también hace que afloren sentimientos como la pena y el enojo, haciendo que el caos pronto se apodere de ellos, y comience a enrarecer el ambiente y resquebrajar sus relaciones internas. Mientras la niña observa dicho proceso, en su interior comienzan a colisionar sentimientos encontrados, y donde solo un deseo impera: que su padre no muera.

A partir de esta premisa, la cineasta y actriz Lila Avilés (La camarista) continúa con la mirada de corte social presente en su anterior ópera prima, y desarrolla en Tótem una aproximación hacia este particular clan de tipo íntimo, dramático, humano y eludiendo cualquier maniqueísmo, haciendo que el espectador se acerque de forma natural a cada uno de los componentes de tan complejo multiorganismo, revelando sus personalidades e idiosincrasias y cómo estas chocan y/o interactúan entre ellas. De ese modo, crea un lienzo muy fidedigno y realista de una familia y sus dinámicas, especialmente frente a una situación límite y angustiante como la inevitable partida de uno de sus miembros, la cual amenaza con ser el detonador que termine por destruirla, aunque ellos desesperadamente tratan (por medio de la solidaridad y el cariño) de mantenerla cohesionada a como dé lugar.

Este retrato de una familia mexicana de cierta clase social reproduce imágenes y situaciones cotidianas las cuales resultarán identificables especialmente para el público nacional, además de guardar estrechos paralelismos con otras representaciones que el cine mexicano, a lo largo de su historia, ha hecho sobre los núcleos familiares en crisis. Y aquí, tras las sonrisas amables, las pugnas entre sus integrantes por nimiedades, los momentos chuscos o jocosos y algunos discursos que rayan en lo cursi, se oculta un dolor y una frustración en aumento; e inclusive se aspira cierto aire de decadencia (potenciado por una casa-escenario que parece haber visto pasar ya sus mejores años), transformando gradualmente el festejo en una experiencia agridulce. Y para su protagonista infantil se torna en una especie de duro y triste rito de iniciación a la edad adulta.

Tótem se hizo del Premio del Jurado Ecuménico en la Berlinale de este año, y será la película que representará a México en la próxima entrega del Oscar en 2024.

TÓTEM Distribución: Cine Caníbal

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PAPÁ O MAMÁ, EL PRIMER VIAJE A LA COMEDIA DE

ERNESTO CONTRERAS El director de Cosas imposibles incursiona en este género; “se trata de ir aprendiendo, entendiendo cómo funciona eso Lo que me gusta hacer tanto es contar historias”.

por C A R L O S M O R A

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PAPÁ O MAMÁ, Distribución: Videocine

l director mexicano Ernesto Contreras, quien ha dirigido historias conmovedoras como Cosas imposibles, El último vagón y Sueño en otro idioma, hace su primer viaje a la comedia en la cinta Papá o mamá, remake del filme homónimo francés en el que una pareja que siempre busca el éxito y la perfección se divorcia, pero ahora también quiere salir triunfadora de esta situación, así que cada uno hará cualquier cosa con tal de no conseguir la custodia de sus hijos.

“Es una exploración distinta, un género que me interesaba abordar y que no había tenido la oportunidad, que cuando me invitaron a este proyecto, dije, claro, es la oportunidad perfecta para ello, con la libertad creativa que quería, con el equipo con el que quería trabajar, ha sido un viaje muy bonito”, comentó en entrevista con la Revista Cameo.

La cinta, protagonizada por Silvia Navarro (Florencia) y Mauricio Ochmann (Vicente), le permitió al director tener diversos aprendizajes, por eso revela que volverá a explorar el género de la comedia y otros más. “¿Volver a hacerlo?, sí, otros géneros también, todos. En todos estos años dirigiendo he pasado por muchísimas experiencias de diferentes géneros, no sólo en mis películas, en series, cuando pasé por los videoclips, cuando pasé por la publicidad, el documental,

se trata de ir aprendiendo, creciendo, entendiendo cómo funciona eso que me gusta hacer tanto, que es contar historias”.

Contreras en esta ocasión buscó que Papá o mamá tuviera su propia versión mexicana que le permitiera reflexionar sobre situaciones que podrían ser muy dramáticas como un divorcio, pero desde un tono divertido y entretenido.

“Queríamos que en papel estuviera una historia que fuera muy nuestra, hay una versión francesa, que está muy bien y todo, pero dijimos ahora hagamos la nuestra desde una perspectiva que me permitiera contar el tipo de cuestiones que a mí me gustan, con personajes que fueran sí divertidos, entretenidos, pero con una complejidad de lo que significa vivir una situación como la que ellos están viviendo. “Éste podría ser un dramononón; sin embargo, está abordado de tal forma que resultara divertido. Es eso, todo el rigor, la disciplina, que a pesar de ser una comedia, uno pudiera pensar, eso está muy divertido, sí, pero hay todo un trabajo detrás que nos permite tener esa libertad para crear, divertirnos, para que finalmente sea como una gran ecuación en la que todos los elementos están entonados en la misma frecuencia”, comentó.

Celebró tener la oportunidad de trabajar con actrices como Silvia Navarro, con quien también colaboró en una serie próxima a estrenarse llamada Tengo que morir todas las noches.

“Es una gran actriz, cuando se dan estos encuentros creativos dices yo quiero seguir trabajando con él o con ella, en el caso de Silvia pasó eso, pasó también con Mauricio, con los chicos que, si deciden seguir en esto, los seguiremos viendo en pantalla, porque son grandes talentos, son muy jóvenes, pero se ve el talento de cada uno. Siempre digo que son coincidencias, complicidades para que surjan estos universos y estas historias que tienen que provocarnos cosas como espectadores”.

Contreras señaló que volver a trabajar con algunos actores es como ir creando un universo en el que se cruzan las series y películas que ha dirigido. En esta ocasión vuelve a traer a la pantalla a Nora Velázquez, quien protagonizó la película Cosas imposibles.

“Después del encuentro tan lindo que tuvimos en Cosas imposibles, fue invitarla (a Nora), estuvo supercontenta de interpretar a Alicia, algunos compañeros de mi equipo se ríen de mí, porque dicen que hay un universo en el que casi en todas las películas y series empiezan a cruzarse todos los personajes, en Papá o mamá está Nora Velázquez, pero también Nora Huerta, que ha estado conmigo en un montón de películas y series. Lo más padre es encontrarte proyectos que te mueven, te reten, te emocionen, es el caso de Papá o mamá”, finalizó.

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PAPÁ O MAMÁ, PRESENTA A LAS FAMILIAS ACTUALES PARA LOS ACTORES Silvia Navarro (Florencia) y Mauricio Ochmann (Vicente), quienes dan vida a esta pareja perfecta que se divorcia, Papá o mamá representa a las familias actuales en las que se generan acuerdos, la separación ya no es tan satanizada y las mujeres tienen mayores oportunidades de desarrollarse, tanto en lo personal como en lo profesional. “Esta película es el pretexto perfecto para reírnos de situaciones y de nosotros mismos en cuanto a relaciones de pareja, padre o hijo, madre o hijo, el tema del divorcio tan satanizado, de repente es una buena opción. Vivimos dentro de un mundo de muchas etiquetas, hay conceptos añejos que hoy no funcionan, para unos

sí, para otros no, tenemos que vivir con más libertad de podernos mover”, comentó Ochmann. Por su parte, Navarro dijo que el haberse divorciado en la vida real le ha permitido desarrollarse plenamente y es algo positivo que ve de estos tiempos. “Tengo la fortuna de estar separada de su papá, porque puede irse con su papá cuando tengo cosas, es perfecto. Sí considero que las nuevas oportunidades de familia nos dan a nosotras las mujeres libertades, el apoyo desde otro lugar me ha permitido hacer este tipo de películas, salir de México, que vuelen a mi hijo para estar con él, considero que como mujeres tenemos que sentirnos a gusto”.

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por C A R L O S M O R A

l documental, narrado por la actriz Mabel Cadena, nos lleva a emprender un fascinante viaje por la cultura y espiritualidad mexicanas en busca de los orígenes de la Virgen de Guadalupe, un ícono surgido tras el estremecedor choque entre Europa y los pueblos mesoamericanos. Con todas sus luces y sombras, esta virgen morena es el primer y más importante signo de identidad mexicana. ¿Cómo surge la idea de hacer este documental?

Aunque se han publicado muchas cosas sobre este tema, lo que me llamó la atención es que no se había realizado ninguna película, ya sea de ficción o documental, que diera voz al trabajo de los historiadores científicos. Pensé que era apropiado basar el documental sucesivamente en el trabajo de estos historiadores, ya que no se pueden utilizar cosas que no sean reconocidas por ellos. Aunque soy gnóstico, si alguien tiene dudas sobre la fe que la gente profesa, les insto a que se den una vuelta a la Basílica de Guadalupe, ya que esto es algo que se siente y vibra. Creo que el tema de las apariciones es relevante, no necesariamente por si se prueban o no, sino por todas las cosas positivas que hay detrás del fenómeno, como la fe y el secretismo que ha logrado la unidad y la identidad en el país.

La Virgen de Guadalupe se convierte así en la primera bandera que tuvo México. Al final del día, esto es México, y es parte de nuestra mexicanidad mantener un templo con más peregrinos católicos que el Vaticano, tiene un valor significativo.

"Tonantzin Guadalupe, un documental sobre nuestra mexicanidad" El realizador Jesús Muñoz llega con su nuevo documental, Tonantzin Guadalupe, que aborda un tema tabú en México: los orígenes históricos de la Virgen de Guadalupe. El propósito del documental es indagar en los inicios del culto a la 'Virgen Morena' del Tepeyac, la imagen más celebrada y famosa en México, presentado a través de una puesta en escena de documentos históricos, hasta ahora desconocidos.

"Creo que, dentro de todo lo que el mundo puede ofrecer en este momento, esta película es muy positiva"

¿Cómo fue abordar el documental y llevarlo también a la ficción?

Surgió desde dos perspectivas. En primer lugar, durante la investigación, me di cuenta de un silencio entre la fecha en que aparece la Virgen de Guadalupe en el Tepeyac en 1531 y la primera vez que se da a conocer el relato tal como lo conocemos. Me pareció fascinante investigar qué estaba sucediendo en la Nueva España durante ese periodo, con el objetivo de entender la formación de México y cómo se dio inicio a este fenómeno. Aunque encontré muchos documentos, tres de ellos me parecieron especialmente relevantes, ya que no trataban precisamente sobre alguna aparición.

En algún momento, sería increíble poner estos documentos en escena para entenderlos mejor, ya que ese es el propósito de las escenificaciones teatrales. El teatro, después de todo, tiene su origen en la representación de eventos en lugar de simplemente leer documentos.

Has participado en varios festivales; ¿Cómo ha sido la recepción y qué comentarios has recibido?

En primer lugar, hay un gran interés y curiosidad por parte del público en general para conocer la historia, no solo el relato, sino la historia de la Virgen de Guadalupe. Lo más interesante es que, al comenzar el proyecto, establecimos como regla fundamental no herir sensibilidades. Dada la naturaleza controvertida del tema, estábamos preocupados de no inclinarnos demasiado hacia un extremo u otro mientras hacíamos la película. Esto se debe a que queríamos ser justos con el trabajo de los historiadores, ya que personalmente creo en la importancia de la historia.

Por otro lado, también entendemos y respetamos que el 80% de los mexicanos creen en la Virgen de Guadalupe, y eso añade otra capa de complejidad al tema. Sin embargo, para mi sorpresa, la recepción de la gente creyente ha sido muy positiva. Realicé pruebas con algunos amigos muy católicos mientras editaba la película, solo para tener una idea de la dirección que tomaban las cosas. Además, durante las presentaciones, he recibido comentarios muy interesantes y positivos, incluso de personas muy creyentes. Algunos de ellos expresaron que, a pesar de su fuerte fe, estaban dispuestos a ver de qué se trataba la película. Al final del día, les gusta y les gusta conocer más sobre el origen de su fe. Creo que se sorprenden al darse cuenta de que su fe también tiene aspectos sincréticos.

TONANTZIN GUADALUPE Estreno: 7 de diciembre en exclusiva con Cinemex

El documental es narrado por Mabel Cadena, ¿cómo aceptó entrar en este proyecto?

En primer lugar, decidimos que debía ser una narradora, ya que buscábamos un ícono femenino, y nos pareció mucho más apropiado que fuera una mujer. Además de ser una buena actriz, era fundamental que tuviera una voz atractiva, y Mabel cumplía con ambos requisitos. Su voz es realmente excepcional, y personalmente me encanta. También consideramos que sería ideal que fuera una actriz con proyección en Estados Unidos. La idea era que, al elegir a alguien reconocido, respaldar la seriedad del proyecto. En otras palabras, si un actor de renombre respalda el proyecto, se asume que hay seriedad en el mismo, al igual que cuando Leonardo DiCaprio respalda un proyecto relacionado con el calentamiento global.

Le presentamos el proyecto a Mabel, vio la película y le gustó mucho. Aceptó el proyecto de inmediato, mostrándose como una profesional y talentosa. Además, es muy simpática y sencilla.

CINE

"Las películas de un país son como el álbum de fotos de una familia" Laura Baumeister habla de su ópera prima, La hija de todas las rabias, un filme que explora la visión de la maternidad. "Me gustan los lugares que te despiertan preguntas", confiesa la realizadora nicaragüense.

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por C A R L O S M O R A

a película tuvo su estreno mundial en el 47° Festival de Toronto y formó parte de la Selección de Largometraje Mexicano del 20° Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM). El filme narra la historia de María (Ara Alejandra Medal), una niña de once años que vive en un inmenso basurero de Managua. Para María, este lugar es como un parque de diversiones donde inventa juegos con cada cosa que encuentra. Tras envenenar accidentalmente a los cachorros que su madre estaba criando para vender, la niña es llevada a una fábrica de reciclaje para que “aprenda a trabajar”. Las semanas pasan y la madre no regresa a buscarla. María, quien ya ha entablado amistad con otros niños que trabajan en la fábrica, no puede creer que ella también ha sido abandonada.

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¿Cómo fue el proceso de la película?

El proceso de La hija de todas las rabias comenzó hace cinco años. Había hecho varios cortometrajes y sabía que me interesaba trabajar la relación madre e hija y cuestionar un poco la maternidad, a lo femenino se nos ha asignado tradicionalmente. Entonces tenía claro que quería seguir en ese tema.

Pero sentía que a mis trabajos les faltaba el territorio. Yo, como inmigrante y extranjera, sentía que había algo del espacio que no terminaba de salir completamente a la luz, y es ahí donde decido regresar a filmar a mi país (Nicaragua). En ese proceso me hice la pregunta, ¿cuál de los lugares de mi país no he podido olvidar y que me represente un reto? Así regresé al basurero que conocí en mi adolescencia como parte de una investigación escolar. Fue algo que regresó a mi memoria, y decidí retomar el contacto y aterrizar a estos personajes de madre e hija en una relación tierna pero a la vez violenta, y cómo el tema del abandono las iba a atravesar en ese lugar. ¿Cómo llega a ti la protagonista Ara Alejandra Medal?

Para encontrar a Ara Alejandra Medal, creo que fue uno de los mayores aciertos de este proyecto. Primero, ya habíamos visto casi 300 niños y niñas en comunidades aledañas al basurero, y teníamos una base de datos con videos. En algún momento del proyecto, se presentó la pandemia, lo cual pospuso el rodaje durante un año. Yo tenía otra candidata, pero durante ese año creció y ya no funcionaba. Estábamos a cinco meses de filmar y no teníamos protagonista, pero teníamos toda esa investigación y esos contactos y lazos ya hechos con la comunidad. Lo que hice fue revisar los videos, buscando dos cosas: un rostro potente y un recurso imaginativo diferente. Ara Alejandra resaltó inmediatamente. Ella tiene una rabia digna, no la rabia del privilegio, no la rabia del capricho, no la rabia del berrinche, sino la digna rabia de la injusticia que le atraviesa la piel, y eso es muy difícil de actuar en un niño. ¿Cómo fue el proceso de trabajar con Noé Hernández, este gran actor?

Noé es súper generoso. Yo había visto su trabajo, obviamente me gustaba, y se lo propusimos. Dijo sí de inmediato. Leyó el guión, me dijo que estaba interesado y comenzamos a trabajar.

Gran parte del trabajo fue a distancia porque yo estaba en Nica-

ragua y él estaba en México. Era muy importante que conociera el basurero, la comunidad y la casa de Ara. Él estaba totalmente dispuesto, y creo que eso permeó en el personaje.

Con esta película pones a Nicaragua en el radar del cine latinoamericano. ¿Cómo te sientes?

Esta es la quinta película de ficción de la historia de mi país, y es la primera dirigida por una mujer nacida en Nicaragua. Es interesante porque no lo pensé tanto en su momento. Yo venía de estar súper metida en la escena cinematográfica mexicana.

Sabía que quería hacer una película allá, pero no lo estaba pensando tan conscientemente en cuanto al aporte a la memoria histórica de mi país. Me parece necesario e interesante que una de esas películas sea protagonizada por mujeres. También hablar de la inequidad, las injusticias y las adversidades en un país muy azotado. No es casual que estemos viendo este lugar y ese nivel de carencia, pero incluso en medio de esa carencia, la capacidad de levantarse es un rasgo de los nicaragüenses. ¿Qué opinas de que haya más mujeres en el cine en Latinoamérica?

Soy parte de esto y soy expectante de lo que está pasando en la escena artística global, especialmente en la visualización y los espacios de protagonismo y de alzar la voz que estamos tomando las mujeres. También es importante decir que siempre hemos estado ahí, solo que ahora se está reequilibrando el escenario. Me parece importantísimo porque al final somos ciudadanos de este mundo, del mundo pequeño y del mundo grande, lo íntimo y lo público. Todas las películas y los puntos de vista de este mundo contados desde esta perspectiva son distintos. ¿Quién fue la fotógrafa de La hija de todas las rabias?

En esta película, la mayoría de los jefes de departamento somos mujeres, mujeres rabiosas. La fotógrafa se llama Tereza Kuhn, es alemana, es mi colega y estudiamos juntas en el CCC (Centro de Capacitación Cinematográfica). Comenzamos a colaborar, y cuando llegó el proyecto, ella ya había visitado Nicaragua, conocido a mi familia y se metió de lleno en el proyecto.

Nos conocimos en México, y justo considero a México un puente que enlaza al mundo, especialmente a Latinoamérica, con diferentes creativos. | 37

CINE

J U L I Á N

H E R N Á N D E Z

"ME CONSIDERO UN CORTOMETRAJISTA QUE HACE LARGOMETRAJES" El realizador habla, en el marco de la 21ª edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), sobre sus trabajos más recientes: el largometraje La huella de unos labios y el cortometraje Cobalto.

"Si pudiera, haría cortometrajes todo el tiempo, y de vez en cuando realizaría largometrajes. Me encanta regresar a ese formato cinematográfico", comenta.

E

n La huella de unos labios, Román (Hugo Catalán) es un actor de cine de clase B recluido en su departamento mientras una pandemia mantiene en vilo al mundo.

Aldo (Mauricio Rico), un joven indígena y trabajador esencial con permiso para salir, vive frente a él en una unidad habitacional. Se conocen en línea, pueden hablarse e incluso verse por videollamada, pero no pueden encontrarse.

Eventualmente, la tentación de romper el encierro se presenta. ¿Cómo nace La huella de unos labios?

Nace en 2020, durante el confinamiento por la pandemia.

Tuve muchas ideas, y una de ellas era explorar el deseo, un tema recurrente en mis películas. Fue el punto de partida y evolucionó a medida que avanzaba. La película aborda el tema del contacto en medio del temor a contagiarse, reflejado en una escena donde el protagonista, Hugo Catalán, sale a la calle usando mascarilla y guantes, una práctica que él también adoptó en la vida real.

Vuelves a trabajar con Hugo Catalán, ¿cómo es tu colaboración con él?

Colaborar con Hugo es muy satisfactorio, aunque, como en cualquier relación profesional, también hemos tenido conflictos.

Justo antes de esta película, tuvimos un desacuerdo importante.

A pesar de eso, nuestra colaboración ha sido enriquecedora a lo largo de los años. Hugo es un actor valiente, sin miedo a desafíos, y ha crecido enormemente desde que nos conocimos en 2009. A pesar de nuestros desacuerdos, nos entendemos muy bien. ¿Eres un director que no deja de hacer cortometrajes?

A veces es complicado dejar de hacer cortometrajes. Recuerdo las palabras de un amigo que decía que el cortometraje es el espacio de libertad y experimentación en el cine. Sigo haciendo cortometrajes para probar nuevas ideas y trabajar con actores que luego podría incluir en largometrajes. Si pudiera, haría cortometrajes todo el tiempo.

Siempre destacan los nombres de tus filmes, ¿de dónde nacen los títulos?

Los títulos de mis películas a menudo son citas de otras películas. En el caso de La huella de unos labios, la idea surgió de una película de Juan Bustillo Oro, un director que admiro. Me gusta jugar con títulos que tengan significado y conexiones con otras obras. ¿Cómo nace el cortometraje Cobalto?

Cobalto surgió a partir de una idea sobre el cuerpo y la memoria. La fotografía y la captura de momentos efímeros de una pareja que sabe que no estará junta, pero busca revivir esos momentos fugaces.

Trabajar con Joaquín Bondoni para este cortometraje fue una experiencia gratificante, y ya estamos planeando otro proyecto juntos.

Sobre los desnudos masculinos en tus películas, ¿crees que sigue siendo tabú?

Aunque algunos piensen que las cosas han cambiado, persisten opiniones negativas sobre los desnudos masculinos. Personalmente, no lo hago con un objetivo sensacionalista, sino como parte integral de la narrativa. La película La huella de unos labios aborda las dificultades de acercarse a otros en un mundo donde el contacto físico se ha vuelto complicado, reflexionando sobre el cuerpo y su percepción en la sociedad actual.

• Carlos Mora

Monster CINE

DIFERENTES REALIDADES DE UNA MISMA HISTORIA por F R A N C I S C O J A V I E R Q U I N T A N A R P O L A N C O

MINATO (Sōya Kurokawa) es un niño en apariencia como cualquier otro de su edad, quien sostiene una también rutinaria relación con Saori (Sakura Andō), su madre la cual enviudó tiempo atrás. Pero ello comienza a alterarse cuando esta última se percata de que su hijo se comporta de una manera extraña.

No pasa mucho tiempo para que Saori se dé cuenta de que la raíz de esta conducta anómala es porque el menor parece estar sufriendo algún tipo de maltrato. Al indagar sobre ello, descubre que el aparente responsable de ello es Michitoshi Hori (Eita Nagayama), un profesor de la escuela a la que asiste Minato.

Ello la orilla a ir personalmente al plantel educativo a hablar con los encargados respecto al tema, pero al hacerlo es recibida y tratada de una forma desconcertante, lo cual la asombra e indigna al mismo tiempo. Y a partir de allí darán inicio una serie de situaciones a través de las cuales, poco a poco brotará la verdad sobre lo ocurrido.

Esta es la premisa de Monster (Kaibutsu, Japón, 2023) el más reciente filme del cineasta nipón Hirokazu Kore-eda (De tal padre, tal hijo, Nuestra pequeña hermana, El tercer asesinato) donde, a través de un recurso narrativo similar al empleado por Akira Kurosawa -otro maestro del cine japonés- en su obra Rashomon (1950); va relatando la trama a partir de las diversas experiencias (y puntos de vista) no solo de los tres personajes antes mencionados, sino también de otros más quienes también están involucrados en el asunto, y con sus distintas perspectivas va tejiendo una compleja historia donde las cosas no resultan ser lo que parecen a primera vista evidenciando así

que no hay una verdad absoluta, sino una pluralidad de ellas; y en la cual atraviesa transversalmente tópicos como el bullying, el machismo, el alcoholismo, la violencia infantil y el uso poco ético de las redes sociales, entre otros.

Al igual que en sus trabajos previos, Kore-eda explora en esta película el cómo los vínculos afectivos se pueden trastocar en intrincados laberintos por diversas circunstancias, propiciadas principalmente por instituciones públicas que se conducen con poca ética y sensibilidad. Pero sobre todo, por una sociedad que se ha tornado cruel, caótica, fría y amoral.

Monster obtuvo el Premio a Mejor Guión y la Palma de Oro Queer en la pasada edición del Festival de Cannes. Y además fue el último largometraje musicalizado por el compositor Ryuichi Sakamoto, quien falleciera un par de meses antes de que la cinta fuese estrenada internacionalmente, por lo que la misma está dedicada a su memoria.

MONSTER Distribución: Tulip Pictures

Priscilla CINE

RETRATO DE TODA UNA GENERACIÓN por A L E J A N D R A L O M E L Í

S

ofia Coppola no es ajena al género biográfico, aunque no lo ha abrazado por completo, una de las películas que más proyección le otorgó fue María Antonieta (2006), su atípica biopic sobre la reina austriaca que da título al filme.

En su último filme, Priscilla, rodado en aproximadamente 30 días y protagonizada por Cailee Spaeny y Jacob Elordi, la directora adapta el libro de memorias, “Elvis and Me”, escrito por Priscilla Beaulieu Presley en 1985, en donde relata el encuentro con la persona que para bien y para mal cambió su vida, Elvis Presley: desde su primer encuentro en una base militar en Alemania, pasando por su largo noviazgo y su turbulento matrimonio. En el libro, la eterna acompañante del “Rey del rock and roll” desveló sin concesiones los largos periodos de soledad, aislamiento, hasta su adicción inducida a las pastillas para dormir y el maltrato psicológico que ejerció sobre ella Elvis, pero también su gran historia de amor. ¿Qué llevó a Sofia Coppola a tomar a una de las figuras míticas de la cultura pop de las décadas de los 60 y 70 para realizar su octavo largometraje? La directora, quien también es la guionista del filme, relató en conferencia de prensa desde Nueva York, que el libro, “Elvis and Me”, le proporcionó una perspectiva diferente para aproximarse a uno de sus temas predilectos: la transición de la adolescencia a la vida adulta; todo ello a través de la vida de una mujer de la que realmente se conoce muy poco.

“Su historia me conmovió mucho y me conecté con la forma en que describió todo lo que pasó en su transición de niña a mujer independiente después de pasar por circunstancias tan inusuales. (…) sentí que su historia hablaba mucho de lo que enfrentaban las mujeres de la generación de mi madre, pero desde una perspectiva única. Así lo sentí, y decidí sumergirme en el mundo del folclore estadounidense de Graceland de los años 60”, mencionó Coppola.

Hablando sobre el proceso de adaptación 38 años des-

pués de la publicación, Sofia compartió que fue muy enriquecedor trabajar de cerca con Priscilla Presley, ya que la autora se mostró dispuesta a revivir esa época, compartiendo sus vivencias a detalle y proporcionando información extra que no está en el libro, aspectos de personalidad que complementaron la construcción de los personajes cinematográficos, en este sentido, la directora señaló las escenas en que el Elvis de Jacob Elordi, recita diálogos de Humphrey Bogart, o alude a Marlon Brando.

Por otro lado, la directora, especialista en contar historias sobre empoderamiento femenino y por aproximarse a la construcción de la identidad durante la adolescencia, afirmó sentirse en el momento perfecto en su vida, madre de una adolescente, para retomar la historia de Priscilla Presley y llevarla al celuloide: “Tuve la sensación de que sabía cómo hacerla. Siempre lo descubres sobre la marca, siempre es un desafío porque nunca sabes realmente lo que estás haciendo, pero en esta ocasión, sentía que era algo que se relacionaba con el trabajo que me interesaba y la idea de encontrar la propia identidad, un tema que siempre me atrae. Entonces realmente pude ver la historia desde ambas perspectivas mientras, es decir, desde el punto de vista de sus padres y la tensión de ella”.

Durante su intervención, la actriz Cailee Spaeny describió a Priscilla como “una historia emocionante por conocer y contar”, y elogió la dirección de Coppola: “Se siente tan real, ella siempre encuentra una descripción realista de las adolescentes y yo estaba muy emocionada de contar esta historia, no me imagino a nadie más haciendo esta película”.

Priscilla tuvo su estreno mundial en la Selección Oficial del Festival de Cine de Venecia de este año, donde ganó la Copa Volpi de Mejor Actriz para Cailee Spaeny.

CINE

Priscilla, UNA HISTORIA DE AMOR Y UN VIAJE DE EMANCIPACIÓN por A L E J A N D R A L O M E L Í

DE PRISCILLA, la película más reciente de Sofia Coppola, podríamos decir que, en esencia, es una película sobre la transición de la niñez a la vida adulta, sin embargo, no es un coming of age cualquiera, la película que adapta el libro de memorias de Priscilla Ann Beaulieu, mejor conocida como Priscilla Presley, “Elvis and Me” (1985), es un drama intenso, casi crudo, sobre la vida privada de Priscilla Presley tras los muros de Graceland, la soledad y el maltrato psicológico que ejerció su marido sobre ella, así como la deconstrucción de su propio mito, creado en parte por la prensa rosa de la época, como por el propio Elvis Presley.

En manos de Sofia Coppola, biopic y coming of age se complementan para dar como resultado un retrato elocuente que consigue adoptar el punto de vista del personaje, permitiéndole, a su vez, diseccionar a toda una generación de adolescente.

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Con guion de la propia Coppola, la película sigue a Priscilla Beaulieu (Cailee Spaeny), quien conoció a Elvis Presley (Jacob Elordi) en una fiesta cuando aún era una adolescente, mientras que él ya era la meteórica superestrella del rock and roll; una figura amada por las grandes multitudes, pero totalmente solitario en su vida privada. La película recrea diferentes momentos en la vida de la pareja, desde su encuentro en una base militar alemana, hasta la llegada de ella a Graceland; su largo noviazgo y su turbulento matrimonio.

Estrenada mundialmente en el Festival de Cine de Venecia 2023, ganando la Colpa Volpi de Mejor Actriz para Cailee Spaeny, Priscilla recoge todos los temas presentes en los anteriores trabajos de Coppola, pero adquiriendo un tono más íntimo que responde muy bien a la historia de origen, con atmósferas asfixiantes y un trabajo de iluminación que destaca más por las sombras en que sumerge a sus personajes que por las incandescentes luces de los escenarios.

Una película más compleja de lo que podemos intuir a primera vista, resultando bastante significativas las escenas en que se observa a Priscilla maquillarse, ya sea la secuencia inicial que recrea un día normal en Graceland, o para dar a luz a Lisa Marie. Una suerte del mito de Pigmalión, una historia de amor, una crónica de los abusos psicológicos y, sí, un viaje de emancipación. | 45

CINE

"Como director, quiero explorar y contar historias de otros lugares" JULIO ROMÁN comparte detalles sobre su última película, Nosotros, los de la fe, una divertida comedia de enredos que narra la vida y los conflictos de una familia de creyentes a lo largo de 20 años, explorando sus interacciones con personas que tienen visiones de la vida diferentes. La película sigue a la familia en su búsqueda por cumplir la voluntad de Dios, presentando situaciones

por C A R L O S M O R A

¿Cómo nace este guion de Nosotros, los de la fe?

Yo comparto la escritura del guion con Arturo Allen, y nace en la pandemia. Arturo y yo estuvimos hablando mucho durante ese tiempo acerca de desarrollar proyectos, de historias y nuestras experiencias en nuestra vida de fe. De ahí empezamos a desarrollar la idea de esta comedia que exprese de manera honesta el viaje de fe que experimentamos como seres humanos. Así fue como todo comenzó en conversaciones, con Arturo contándome sus experiencias y yo compartiendo las mías. Poco a poco fuimos desarrollando la historia hasta culminar con el guion de Nosotros, los de la fe, un proceso que nos tomó más de un año. Estuvimos prácticamente todo este periodo de pandemia escribiendo. ¿Cuál fue tu experiencia al grabar en México?

Para mí fue maravilloso; fue mi primera experiencia internacional. Soy de Puerto Rico, pero nunca fuera, había filmado en otros país. Me encantó la ciudad, el equipo de trabajo fue maravilloso, los actores mostraron un nivel de compromiso impresionante con sus personajes, su profesionalismo y creatividad. Fue una experiencia muy intensa ya que estuvimos filmando durante 36 días, pero la disfrutamos mucho.

Háblame sobre el elenco. También destacan mucho los actores y actrices como Violeta Isfel, Verónica Macías, entre otros. ¿Cómo fue trabajar con ellas?

Fue genial. Cada uno de los actores y las actrices es sumamente creativo y tiene mucha experiencia en distintas facetas. Siempre estaban aportando ideas. En la industria llamamos a esto el proceso creativo, y realmente me gustó porque, en primer lugar, añade riqueza a los personajes y a la historia. No es solo como director, lo que tú tienes visualizado, sino esas particularidades que los actores aportan que enriquecen mucho la historia y el guion. A la hora de ver la película, se siente esa pasión, ese detalle, ese amor, y cada personaje está bien trabajado. Gran parte de esto se debe al compromiso que tenían los actores con sus personajes. ¿Cómo manejan el humor en México, Puerto Rico o Colombia en comparación?

Partimos de la premisa de que es una película honesta, una comedia humana.

Creo que el tipo de humor que trabajamos, al enfocarse en el ser humano y en las experiencias que vivimos, se traduce muy bien en México, Puerto Rico y otros lugares. Realizamos pruebas de pantalla en diferentes países y la reacción es similar en cada uno. Las personas se conectan con la historia y las situaciones no son específicas de un país, sino que están conectadas con la verdad y la realidad del ser humano.

Sobre el tema de las religiones, ¿cómo crees que lo recibirá el público?

Creo que las personas se identificarán y reconocerán su propio viaje de fe. Hay un camino para cualquier miembro de la audiencia. Cualquier persona puede identificarse. En gran medida, creo que la audiencia se conectará con alguno de los personajes y disfrutará de la historia.

Por otro lado, hay personas que quizás se sientan confrontadas con la historia, ya que fue sumamente honesta. No escondimos nada, sino que hablamos con sinceridad. Algunas personas lo recibirán con aplausos y otras con críticas, pero la mayoría se conectará y disfrutará de la historia.

NOSOTROS, LOS DE LA FE Distribución: CanZión Films

¿Cómo surgió el título de la película, Nosotros, los de la fe?

El título fue idea de Arturo Allen. Estuvimos trabajando con otro título, y un día Arturo me llamó y sugirió cambiarlo. Le pregunté qué tenía en mente, y me dijo: "Nosotros, los de la fe". Inmediatamente me encantó. Creo que es un título que expresa el corazón de la película y, al mismo tiempo, es provocado. ¿Volverías a filmar fuera de Puerto Rico?

Claro. No solo quiero contar historias de nuestro país natal, sino también explorar y contar historias de otros lugares. La experiencia fue maravillosa, y quiero repetirla. Filmar fuera de Puerto Rico permite a los cineastas sumergirse en otras culturas, explorar y conectar con diferentes personas. Además, seguir contando historias que eleven a los seres humanos y exploren la naturaleza humana. ¿Cómo ves la industria del cine latinoamericano actualmente?

Creo que está creciendo; se están haciendo nuevas propuestas, y más personas están produciendo. El desafío está en lograr que las películas salgan de sus países y se vean en otros lugares. La distribución es crucial para que las películas no solo se proyecten en salas de arte, sino también en cines comerciales en diferentes países. Debemos ser hábiles en cómo manejamos nuestras historias para que sean universales y conecten con personas de diferentes lugares, como sucedió con Nosotros, los de la fe.

Hay que pensar desde el inicio en llevar el proyecto a todo Latinoamérica y conectarse con lo que está sucediendo en otros países para elevar la producción y llegar a nuevas audiencias.

CINE

La calle de la navidad, EN BUSCA DEL ESPÍRITU DECEMBRINO por C A R L O S M O R A

Eddie Murphy, el famoso comediante, hace su debut en las cintas navideñas con La calle de la navidad, donde da vida a un padre de familia que se ve engañado por una traviesa y divertida elfa (Jillian Bell). Cabe destacar que esta es la primera vez que el actor, con una trayectoria de 47 años, realiza una película con temática navideña. Dirigida por Reginald Hudlin y producida por Ron Howard, Brian Grazer, Eddie Murphy, Karen Lunder y Charisse Hewitt-Webster, cuenta

con el guion de Kelly Younger, quien confesó que se inspiró en anécdotas de su infancia.

La trama es bastante sencilla. Chris (Eddie Murphy) es despedido de la empresa en la que trabajaba, mientras que su esposa Carol (Tracee Ellis Ross) está a punto de ser ascendida en su empleo. Ella, junto a sus tres hijos, intenta comunicarse con su padre, ya que este no los comprende. Ven en un concurso de decoración navideña que realiza su vecindario

FOTOS PRIME VIDEO

LA CALLE DE LA NAVIDAD Dónde ver: Prime Video

cada año la solución a sus problemas económicos, ya que el premio es de 100 mil dólares. El personaje de Eddie Murphy se obsesiona con ser el ganador, llevándolo a buscar en diversas tiendas de decoración hasta que encuentra una misteriosa tienda bajo un puente, similar a la villa de Santa Claus. Allí conoce a una elfa que fue exiliada por el mismo Santa Claus y que ahora busca castigar a la gente traviesa convirtiéndolos en figuras de adornos. Ella engaña a Chris para que firme un contrato en el cual debe aprender y entender el verdadero espíritu de la Navidad; de lo contrario, terminará siendo una figura de adorno.

Cabe señalar que la trama es sencilla, pero la animación es destacable. Así, La calle de la navidad combina humor y situaciones bastante alocadas, siendo una película que sin duda te hará pasar un buen rato, ya sea durante la cena de Navidad o para el recalentado cuando buscas algo entretenido.

SC E IRNI E S

Based on a true story, una serie misteriosa e hilarante

¿

La mejor combinación de risa y misterio llega a Universal+; protagonizada por Kaley Cuoco y Chris Messina.

Alguna vez pensaste que hacer un podcast sobre un asesino serial sería la solución a tus problemas de pareja? Imagina un escenario en el que el destino reúne a una desesperada agente de bienes raíces, una ex estrella del tenis en franca decadencia y a un servicial plomero, casualmente después de un inesperado y sangriento asesinato. Ava (Kaley Cuoco) y Nathan (Chris Messina) se niegan a ser simples espectadores en medio de este giro del destino y están decididos a aprovechar la obsesión de Estados Unidos por el true crime para alcanzar la fama y, de paso, resolver sus problemas personales de una vez por todas.

En entrevista, los protagonistas de la serie hablan sobre lo que significa formar parte de Based on a True Story y nos muestran por qué el true crime es uno de los géneros más populares de la actualidad.

Kaley, ¿puedes hablarme un poco de tu personaje, Ava? Ava es agente inmobiliaria y está casada con Nathan (Chris Messina). Llevan mucho tiempo juntos y están a punto de tener un bebé. Tienen pocos recursos, su matrimonio está fracasando y las cosas no van bien.

Por otro lado, ella es una gran adicta a true crime y tiene un grupo de podcast que escucha semanalmente. Y entonces se les presenta una situación que hace que Ava se entusiasme con la idea de empezar un podcast de true crime con Nathan. Están tan entusiasmados y envueltos en ello hasta que empieza a ser muy peligroso y están bastante jodidos sin salida.

Chris, ¿cómo fue trabajar con Kaley?

Bueno, en parte fue simplemente el ritmo natural del guion. Y en gran parte es Kaley. Ella tiene su ritmo y yo solo traté de seguir su ejemplo para ser honesto. Pero todos esos momentos tenían el ADN del amor, así que si Ava quería hacer algo, aunque a Nathan no le pareciera una buena idea, lo único que quería era hacerla feliz para que pudieran seguir juntos y enamorados. Así que cualquier decisión que tomaba era realmente por ella. Todas mis escenas con ella fueron muy divertidas.

BASED ON A TRUE STORY Dónde ver: Universal+

¿Cuál fue su reacción cuando recibieron por primera vez el guion de Based on a True Story?

Kaley: Es ridículo. (Risas) Toman una decisión terrible una tras otra. Y como dijo Chris, Nathan siempre intenta complacerla y hacerla feliz. Y está desesperado por volver a encarrilar su matrimonio, así que cuando Ava se emociona con la idea de hacer este podcast sobre esta persona, realmente no está pensando en lo malo que podría ser para la familia.

Chris: Es solo pensar en lo mucho que te quiero.

Kaley: Es todo lo que necesito saber.

Chris: Están tan desesperados y tan perdidos. Creo que esa es una de las muchas razones por las que quería hacer esto, porque su único camino de vuelta es la ruta más ridícula, súper oscura e histérica.

Kaley: Además, los podcasts están de moda y Ava está súper metida en ellos. Ella sabe que estos podcasts hacen mucho dinero y este sería el momento de hacerlo. Nadie más va a tener este acceso y ella cree que no es mala idea. Que lo racional te hace hacer cosas muy estúpidas.

El tono de la serie salta entre tantos géneros. En un momento es una comedia, al siguiente es terror y luego drama. Como actores, ¿cómo se desenvolvieron con tanta fluidez en ese contexto?

Kaley: Eso es lo divertido y desconcertante de una serie como ésta.

Está por todas partes. Me reía en cuanto entraba Chris y me preguntaba: "¿Esto da miedo, qué demonios estamos haciendo? Todo está bien, aquí vamos. Pero es una cuerda floja difícil, y tienes que encontrarla sobre la marcha.

Chris: Lo hace. Es capaz de pasar mágicamente de lo más divertido a lo más conmovedor. Fue difícil y fue como ver una clase magistral.

Kaley: ¡Clase magistral! Me gusta. (Risas) ¿Puede hablarnos de Craig Rosenberg, el creador y guionista de Based on a true story?

Chris: Es un guionista fantástico. Cuando lees los guiones, piensas: "No tenía ni idea de que esta serie iba en esta dirección". Fue muy divertido leerlo y, por lo tanto, también interpretarlo y, con suerte, verlo.

Kaley: Craig nos ayudó mucho una vez que nos vio hacer lo nuestro juntos. Nunca sabes cómo van a funcionar dos personas juntas y, obviamente, esperábamos que fuera genial y que hubiera química. Pero una vez que entendió lo que estábamos haciendo, dijo: "Veo lo que estáis haciendo, seguid con ello y haced lo que necesitéis". Simplemente nos dejó ser nosotros. Y nos dejó hacer esa magia juntos.

• Redacción

SERIES

AMOR EN NAVIDAD Dónde ver: Lifetime

LIFETIME PRESENTA CUATRO NUEVAS PELÍCULAS DE

Amor en navidad

Tras el éxito de Amor en Navidad en 2022, Lifetime presenta cuatro nuevas películas de su colección navideña producida en México con talento latinoamericano.

Realizadas en distintas locaciones de Guadalajara, México, se suman a la colección de la franquicia Lifetime Christmas Movies y consta de cuatro películas de una hora de duración, que se emitirán en toda la región durante noviembre y diciembre, con historias que destacan el amor, la unión familiar y sobre todo las tradiciones y costumbres de la Navidad en América Latina.

Con estas nuevas películas, la colección Amor en Navidad ahora cuenta con 8 historias navideñas origina-

les, las que serán parte de la programación especial de fin de año de Lifetime y que se sumarán a las más de 60 películas y 22 estrenos que estarán en pantalla durante noviembre y diciembre. El 16 de diciembre el canal ha preparado un maratón de Amor en Navidad, llevando todo el espíritu navideño a millones de hogares en Latinoamérica.

Amor en Navidad cuenta con reconocidos actores de México, Puerto Rico, Argentina y Venezuela, con los roles protagónicos de Marjorie De Sousa y Gonzalo García Vivanco; África Zavala y Rodrigo Guirao; Cecilia Galliano y León Peraza; Fabiola Campomanes y Carlos Ponce.

AMOR EN NAVIDAD S2: NOVIOS POR NAVIDAD

Valeria tiene una importante agencia de eventos y es contratada para organizar la boda navideña de su exnovio y su antigua mejor amiga. No quiere presentarse en la boda sin la pareja ideal y decide aceptar la propuesta de Camilo, un antiguo compañero de clases, y fingir que son novios. No se imagina que esta travesura les cambiará la vida

AMOR EN NAVIDAD S2: MI AMOR EN NAVIDAD

Lucas es un famoso cantante, reconocido por su exitoso tema navideño. Decide no seguir cantando su hit este diciembre y cancela sus conciertos para pasar las fiestas en el pueblito en que creció. Al llegar se encuentra con Elisa, su amor de juventud, a quien no ha podido olvidar. Su canción podría ayudarla a salvar la guardería del pueblo.

AMOR EN NAVIDAD S2: JUNTOS ESTA NAVIDAD

Tras una ruptura amorosa, Isabel alquila una cabaña vacacional para pasar sola la navidad. Pero un error hace que la misma casa sea alquilada a Juan Andrés, un padre viudo, y su pequeña hija. Se ven obligados a compartir las fiestas. Y la convivencia y la magia navideña hacen de las suyas.

AMOR EN NAVIDAD S2: INTERCAMBIO NAVIDEÑO

Dos gemelas: Maya y Ana María, fueron separadas al nacer.

Tras muchos años descubren el secreto y se conocen, sin decirle a sus familias adoptivas que descubrieron el secreto.

Cansadas de la rutina de sus vidas, una navidad deciden intercambiar roles. Y cada una descubre, en la vida de la otra, lo que extrañan en las propias.

T E AT R O

los papás dijeran: "'A Ojalá ver, fuera celular, fuera la tablet. Vámonos al teatro.'

Eso sí que sería un gran milagro de Navidad

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ADA RAMONE

"Dar vida a Scrooge, es mi sueño de Navidad" El actor da vida al señor Scrooge en Un cuento de Navidad, el musical, basado en el clásico del dramaturgo inglés Charles Dickens. "Queremos llevar un mensaje de amor para estas épocas tan difíciles que estamos pasando como humanidad. Sobre la producción, vamos a tirar la casa por la ventana; incluso, en una de esas, el público va a ver nevar", nos confesó Ramones en entrevista con la Revista Cameo.

por C A R L O S M O R A

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FOTO CARLOS MORA

n cuento de Navidad, el musical narra la historia de Ebeneezer Scrooge, un viejo avaro que cree que la riqueza personal es más valiosa que vivir en armonía con la gente que le rodea, por lo que la idea de ayudar al prójimo y celebrar la Navidad es algo que aborrece. Sin embargo esto cambiará para Scrooge en la víspera de la Navidad con la llegada de tres espíritus que lo llevarán a reconciliarse con su pasado, entender su presente y cambiar su futuro. La puesta en escena cuenta con música de Alan Menken (Aladdin, La Bella y Bestia) y letras de Lynn Arhens (Anastasia). El libreto es de la misma Arhens y Mike Ockrent. La puesta en escena se estrenó en Nueva York en 1992 y ahora se monta en la Ciudad de México con dirección y coreografía de Oscar Carapia, una orquesta en vivo de 60 músicos dirigidos por Analí Sánchez. ¿Cómo te sientes de dar vida a Ebeneezer Scrooge?

Es un personaje icónico. No dudo que muchos compañeros actores sueñen con interpretarlo, y yo tuve ese sueño. Dije: "Algún día serás Scrooge". Ojalá lo haga en una edad en la que todavía pueda maquillarme de viejo. Que no llegue el día en que me digan: "Adal, así estás divino". Ya no te maquilles tanto, ponte un poco de polvo para el brillo, pero así estás divino, (risas). Después en 2019 tuve la fortuna de comprar los derechos y dijimos: "vamos a hacerla en 2020", pero nos cayó la pandemia. Ahora vamos a hacer la producción aún más grande. Ya tuvimos una presentación en Monterrey y fue muy exitosa, pero en la Ciudad de México vamos a hacerla más grande aquí con música en vivo. Realizamos un casting exhaustivo de bailarines, cantantes y actores, regresaremos a Monterrey, Puebla y Guadalajara. Así que prepárense porque puede que nieve. Queremos hacer algo grandioso. Esta obra de teatro lleva música, toda la compañía baila, hace coros, contra coros, y hay momentos de canciones. Creo que es un gran mensaje en estos tiempos difíciles que estamos viviendo como humanidad. Es una esencia, un mensaje que dice: hay cosas más valiosas que el éxito profesional, como ser exitoso en la bondad y compartir con los demás. En estos tiempos difíciles, enseñarle a tus hijos esos valores es hermoso.

¿Por qué crees que Un cuento de Navidad, el musical, no pasa de moda?

Porque creo que es ese mensaje de valores. La gente necesita una dosis de bondad. A veces decimos: "No puede ser que haya tanta maldad", pero la maldad está en los corazones de la mayoría de las personas. Si tenemos una dosis de maldad, cerremos esas puertas con candado y dejemos que brote el corazón, que no sea de piedra, sino un corazón que ama y desea. ¿Cómo te sientes como productor?

Producir teatro es un deporte de alto riesgo y despertar al público es un desafío. No todo es ir al estadio Azteca a ver un partido de fútbol y beber 10 cervezas.

Al teatro se va, aunque haga frío, llueva, tómate tu tiempo, sal con más tiempo y llega al teatro. Venzamos esos enemigos del teatro. Hay fútbol, pero no voy al teatro. Llueve, no voy al teatro. Hay que privarse, no voy al teatro. Ve al teatro porque al final de cuentas, tu hijo quedará marcado por esa historia, y en este caso, esa historia lo marcará positivamente. ¿Qué es el teatro para ti?

A diferencia de la televisión, que es más efímera, el teatro es un playground, mi jardín de juegos, donde entras y eres otra persona. Puedes romper cosas que luego la producción vuelve a poner.

Es mágico. Cuando dices, "Me quedé con la chica en la obra de teatro", piensas: "Lo logré". Recuerdo cuando produje, dirigí y actué Sueños de un seductor, una obra de Woody Allen. Fueron muchas funciones con llenos impresionantes. Para mí, es un jardín de juegos, un lugar donde puedes ser creativo y cambiar cosas sobre la marcha. Es una experiencia única.

Tu hija Paola Ramones está haciendo sus pininos como directora y cinematógrafa. ¿Cómo te sientes al verla abrirse paso en esta industria?

Estoy muy orgulloso de mi hija. Desde pequeña supo lo que quería. Los jóvenes que saben lo que quieren desde niños tienen una ventaja enorme. Le dije: "Te acercas más a la probabilidad de éxito si desde joven haces lo que te gusta". Pienso en la ventaja que tienen los jóvenes que tienen una pasión desde niños. ¿Crees que tu apellido pesa en tu hija?

En algunos casos funciona, y en otros se convierte en un peso. Hay familias famosas cuyos apellidos están envueltos en escándalos. Creo que algunos hijos tienen la fortuna de llevar el apellido más allá, mientras que otros prefieren no usarlo. Hay muchas fórmulas y depende de cada generación y de cada miembro de la familia. En el caso de mis hijos, estoy feliz porque siempre me han acompañado en los camerinos. Han visto la atención que requiere el trabajo y la belleza de vivir en estos lugares.

FOTO CARLOS MORA

¿Cómo logras el equilibrio entre la familia y el trabajo?

Es difícil y como malabares sobre una cuerda floja sin red protectora. Siempre habrá heridas en los hijos causadas por los padres. Uno de mis temores es que mis hijos tengan heridas por mi ausencia en momentos importantes. Pero así es la vida, y todos tenemos heridas que nos hacen crecer. En este momento, estoy viviendo una etapa hermosa con mis hijos. Puedo besarlos y abrazarlos en público, y eso es algo maravilloso.

También mis hijos resienten cuando estoy de gira. Recuerdo cuando iba de gira y no existían las videollamadas, solo llamadas de teléfono. Era difícil estar lejos y perderme momentos importantes.

Pero agradezco a Dios por el trabajo que me ha dado. Aunque pueda ser pesado, estresante y agotador, cuando salgo al escenario y toco la madera, es hermoso.

Un cuento de Navidad, el musical. Corta temporada en el Teatro San Rafael a partir del 8 de diciembre y hasta el 1 de enero; también se presentará en Puebla, el 2 de diciembre, Guadalajara, el 5 y Monterrey, los días 15 y 16 de diciembre.

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"EL TEATRO ES MI VIDA, AUNQUE SUENE A CLICHÉ TONTO" Lucio Giménez Cacho Goded hace su debut en el teatro con la obra El Hijo de Put* del Sombrero, un texto escrito por el estadounidense Stephen Adly Guirguis; la obra es dirigida por Daniel Giménez Cacho. por C A R L O S M O R A

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a obra narra la historia de Jackie (Lucio Giménez), un exalcohólico y exyonki que, después de salir de la cárcel y pelearse con Verónica (Lakshmi Picazo), su pareja desde el instituto, se va a vivir con Rafa (su padrino en el proceso de desintoxicación), un papel que alternan los actores Francisco Rubio y Rodrigo Virago. Lo que él no sabe es que incluso aquellas personas que creemos buenas y puras pueden no serlo tanto. Una historia que aborda temas como la drogadicción, el alcoholismo, el engaño o la traición de una forma fresca y divertida, pero muy real. Dirigida por Daniel Giménez Cacho, esta obra es una irónica reflexión sobre los diferentes tipos de dependencia, las recuperaciones y las recaídas.

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historias, aprender a convivir con diferentes tipos de personas. En la vida real, casi no bebo alcohol y no tengo ninguna adicción, aunque al final todos somos adictos a algo, ya sea a las emociones o a las peleas con la pareja. Allí me di cuenta de la complejidad humana y de que los seres humanos somos bastante complejos. Fue una experiencia muy difícil pero, al mismo tiempo, hermosa.

También recuerdo que ingresé sin celular; no podía llevarlo, pero pedí ayuda para que me permitieran llevar el guion.

Tenía que esconderme en un cuarto porque nadie sabía que iba para preparar un personaje de una obra. El padrino me permitía estudiar mi libreto. Regresando de Morelos, dos días después, comenzamos a ensayar la obra.

¿Cómo te sientes, Lucio?

Muy feliz, muy agradecido, la verdad, por estar en este proyecto. ¿Cómo nace El Hijo de Put* del Sombrero?

Todo comenzó gracias a Francisco Rubio, quien alterna el personaje de Ralf con Rodrigo Virago. Él tomó el texto, que siempre había querido montar, pero hacía muchos años.Después me propuso a mí que diera vida a Jackie, y acepté. Luego él fue organizando todo el equipo. Se acercó a Daniel para preguntarle si quería dirigirlo. ¿Cómo te preparaste para interpretar a Jackie cuando leíste el texto por primera vez?

La primera vez que lo leí lo sentí bastante ligero y pensé que mi personaje era muy interesante. Pero después me di cuenta de que el texto es bastante intenso.

Estudié en la Casa del Teatro, donde me enseñaron a sumergirme en la profundidad de los personajes y analizarlos para darles vida. Después, conocí a un padrino de Doble AA que tiene un anexo en Morelia.

Platicando con él, decidí ingresar al anexo para entender mejor a mi personaje. Lo que me sorprendió mucho fue cómo me sumergí en una experiencia bastante intensa. Fue fuerte pero al mismo tiempo increíble. Ingresé con la mentalidad de que solo me serviría para la obra, pero en realidad me ayudó en todo: como persona, al escuchar miles de 58 |

Jackie, tu personaje tiene tanto dolor que logras transmitirlo en el teatro, ¿qué sientes al presentarte en cada función?

A mí me encanta, me encanta sufrir, llorar, y eso me fascina. De hecho, las cosas que más me cuestan son las partes alegres o luminosas. Ahí es donde más me cuesta, pero cuando se trata de rasgarte el alma, abrirte y entregar la vida para el personaje, ahí es cuando me digo, por fin, esto me gusta mucho, hasta diría que no me cuesta mucho.

Lo que sí diría es que es mucho trabajo mental, pensar en cosas que te duelan y estar activo para que eso se traduzca en el cuerpo. ¿Cómo fue trabajar con este equipo de actores?

Trabajar con todos ellos fue increíble, la verdad. Estaba nervioso al principio porque es mi primera obra profesional saliendo de la carrera, y pensaba que se notaría mi poca experiencia. Pero la verdad es que todos me recibieron de manera tan cariñosa. Hay un diálogo muy padre, muy bonito, y trabajar con todos. La verdad, aprendo un montón de ellos, de verlos trabajar. A Jackie lo veo como una pelota de ping pong, y todos los otros personajes son raquetas, se lo van pasando, entonces, yo nada más los veo trabajar. Estoy ahí, casi no hago nada más. Los veo trabajar y me encanta. Es increíble.

¿Crees que en el teatro se forma una familia?

Se siente como familia, una hermandad de "vamos juntos y nos vamos a partir la madre feo, pero te quiero, güey".

Me encanta. ¿Qué opinas de los desnudos en las obras?

A mí me gusta, no me es difícil, me siento tranquilo, hasta se me olvida a veces que estoy desnudo. Luego, como mi personaje se mete mucho la mano en las bolsas y la chamarra es como su casa. De repente, lo intento hacer cuando es como "no, todavía no la tengo", pero en la carrera también me entrenaba mucho para eso. Agradezco mucho eso, no me costó. Esa era la idea, que fuera como un desnudo natural, el que mi personaje que llega a su casa y quiere tener relaciones con su pareja, lo normal es desnudarse, así es la vida..

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¿Cómo es trabajar con tu papá, Daniel Giménez Cacho, ahora como director?

Es muy bonito, es muy exigente. Mi padre me conoce más que nadie. Bueno, mi mamá y mi hermana también, pero sí ha sabido cómo darme notas muy específicas para activar. Y luego, si está un poco difícil porque nos vamos juntos a casa, seguimos trabajando, y luego en casa seguimos trabajando. No podemos dormir, nos despertamos, y han sido unos meses un poco obsesivos, pero muy a gusto y con mucho cariño. ¿Para ti, qué es el teatro?

Lo es todo. Toda mi infancia fue ir a ensayos de mi papá con sleeping bags y una bolsa de pistachos, estar ahí viendo y oyendo. Luego, crecí en el teatro y me encanta, es lo que quiero hacer. Diría que es mi vida, aunque suene como un cliché tonto, pero sí. No podría ser otra cosa que no fuera estar en un teatro. ¿A qué actores o actrices admiras en el teatro?

Por mi infancia, Laura Almela es una actriz con la que crecí viéndola actuar. Siempre me sorprende, es mi gran referente desde pequeño. Y ahora, de más grande, hay tanta gente, varía tanto de proyectos y momentos, pero creo que hay una muy buena escena de actrices y actores mexicanos en el teatro con un nivel excepcional. Lamentablemente, la gente no va tanto, pero a mí me encanta ir al teatro. ¿Cómo ves los teatros en México, especialmente después de la pandemia?

Me gusta, pero me da ansiedad a veces no enterarme de todo. Es difícil porque hay un montón de cosas, muchos centros culturales, y eso me encanta. Por donde busques, hay opciones. Es cierto que para encontrar una joya hay que buscar, pero me gusta explorar, me gusta ir viendo teatro y que me recomienden cosas. Sí, me encanta. | 59

EL HIJO DE PUT* DEL SOMBRERO:

T E AT R O

RELACIONES COMPLICADAS, ADICCIONES Y UN PUÑADO DE COMEDIA ÁCIDA EL HIJO DE PUT* DEL SOMBRERO cuenta la historia de Jackie (Lucio Giménez Cacho Goded) , un ex-alcohólico y ex-yonki que tras salir de la cárcel y pelearse con Verónica (Lakshmi Picazo) su pareja desde el instituto se va a vivir con Ralph, su padrino en el proceso de desintoxicación, (Francisco Rubio/Rodrigo Virago). Lo que él no sabe es que hasta las que creemos personas buenas y puras pueden no serlo tanto. Una historia que toca temas como la

drogadicción, el alcoholismo, el engaño o la traición de una forma fresca y divertida, pero muy real. El texto fue escrito originalmente por el estadounidense Stephen Adly Guirguis seis veces nominado a los Tony Awards en el 2011. Una puesta en escena producida por Creativo Capital, se presenta en el Foro Shakespeare hasta el 7 de enero. Dirigida por Daniel Giménez Cacho, esta historia es una irónica reflexión sobre los tipos de dependencia, las recuperaciones y las recaídas.

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EL HIJO DE PUT* DEL SOMBRERO Dónde: Foro Shakespeare, viernes, sábado y domingo

T E AT R O

HACE

CARRERA EN EL CINE,

PERO NO DEJA EL TEATRO LUIS VEGAS habla se sus proyectos más recientes.

La huella de unos labios, cinta dirigida por Julián Hernández, tuvo su estreno en la pasada edición del Festival Internacional de Morelia (FICM).

Además, el actor se presenta en la obra de teatro El hijo de put* del sombrero, bajo la dirección de Daniel Giménez Cacho.

POR CARLOS MORA

¿Cómo fue tu experiencia en el FICM con esta película?

Fue muy hermosa; estoy muy contento.

El Festival de Morelia es lo mejor cuando estás empezando, cuando estás formándote, parece inalcanzable. Y de repente, estar aquí con La huella de unos labios, en la sección de estrenos nacionales, es algo que me llena de satisfacción. Creo que es una película que dialoga mucho con México, y también con Latinoamérica. Me siento muy satisfecho, muy afortunado y feliz.

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¿Cómo llegas esta película?

Yo lo conocí a Julián en el año 2021. De hecho, este es mi segundo proyecto con él en orden cronológico. La huella de unos labios es mi segundo proyecto con él. Ya había un conocimiento de hacia dónde va narrativamente y cuál es el camino, así que encontré un universo que me interesaba y era muy poderoso. Él sabe hacerlo muy bien. Es casi como un artista plástico cinematográfico, porque lo que sucede es muy bello. A veces, uno como actor está inmerso y no lo percibe, pero cuando ve el cuadro y cómo se desarrolla, es hermoso. Ha sido un creador que me ha hecho crecer mucho como actor. ¿Cómo es como director?

Tiene muy claro lo que quiere, como actor se agradece muchísimo. La relación con el actor siempre es de mucha tranquilidad, sosiego y paciencia, incluso con un toque de amor. Todo el tiempo te está protegiendo y cuidando. Le interesan las inquietudes que puedas tener como creador también, porque al fin y al cabo, es una colaboración de todas las partes que intervienen para que eso suceda.

En La huella de unos labios, trabajas al lado de Hugo Catalán.

Sí, fue muy divertido, hemos coincidido en otras cosas, así que ya hay una relación de confianza y amistad. Incluso nos vamos a comer juntos. Afortunadamente, es un lujo y a la vez un poco complicado coincidir amistosamente con otros actores y actrices.

En la cinta interpretamos a unos detectives que están luchando contra malhechores. Hay combate escénico, acrobacias, y resultó ser una experiencia lúdica con mucha confianza, entrega y compañerismo. ¿A qué tabú te enfrentas cuando haces un desnudo, ya sea en cine o teatro?

Algo que me ayudó fue que tuve una temporada en la que fui modelo de pintores, así que ya estaba acostumbrado al cuerpo humano. La primera vez, por supuesto, me costó mucho, pero después te acostumbras. Estaba en una posición, pensando en cualquier otra cosa.

Mi experiencia más fuerte fue en el teatro. Desde que estaba estudiando la licenciatura de teatro, hice la obra de Calígula en el que interpreté a Cesonia, y se planteó todo el primer acto como si fuera un sauna. Fue una experiencia interesante.

Con el tiempo, estas propuestas se fueron incrementando, y en proyectos como los de Julián o Roberto Fiesco, en esas escenas hay un equipo reducido, solo están quienes deben estar. Eso también contribuye a que te sientas más cómodo.

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¿Qué significa el teatro para ti?

Tengo como una relación de infidelidad con el cine, pero el teatro es mi hogar. Es el lugar donde nací, donde me formé, donde di mis primeros pasos, incluso hacia los desnudos, que es algo difícil, es muy difícil lidiar con la aceptación y con que la gente le guste lo que haces.

FOTO CARLOS MORA

Regresas al teatro con la obra El hijo de put* del sombrero, bajo la dirección de Daniel Giménez Cacho, ¿cómo es trabajar con él?

Es un maestro de la escena y de la actuación, una persona súper simpática y generosa. Uno pensaría que es fuerte y serio como en sus personajes, porque a menudo relacionamos a los actores con los personajes que interpretan, pero es completamente lo contrario. Hay una distancia abismal entre lo que ha hecho como actor y cómo es como persona; es muy humilde y receptivo.

Hay algo hermoso que me ha pasado en el teatro, que es cuando el director va contigo, como si se metiera en la hoguera contigo y te lleva hacia lo desconocido y te lleva de la mano. Eso es muy gratificante, y con Daniel ha sido una especie de escuela, desde los ensayos hasta las funciones que llevamos. Ha sido uno de los regalos más bellos de mi carrera estar colaborando con él. ¿Qué puedes contarme sobre tu personaje?

Interpreto a Julio, un personaje puertorriqueño y migrante. Es primo de Jackie (Lucio Giménez Cacho Goded), un chico que acaba de salir de prisión y rehabilitación, y descubre que su esposa (Verónica) le está siendo infiel.

Entonces, recurre a su primo quien es violento y transgresor, aficionado al ejercicio y obsesionado con el actor Jean-Claude Van Damme. La obra es divertida, pero también confrontará temas como traición, soledad, adicción y amor.

El hijo de put* del sombrero convoca a explorar temas muy humanos en una presentación lúdica y violenta, llegando a ser un tanto agresiva. Es bastante desafiante abordar este tipo de textos que demandan tanto y que definitivamente invitan a acceder a lugares no tan agradables que también llevamos como seres individuales. Nos adentramos en mucha oscuridad que cada uno de nosotros lleva consigo, y la propia obra incita y provoca este viaje.

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"Después de la pandemia tuvimos que volver a enamorar a nuestro público" El director y guionista de teatro Daniel Salinas presenta sus obras en el foro del Centro Cultural de la Diversidad (CCD). por C A R L O S M O R A

¿Cuáles son los títulos que estás ofreciendo?

De los que estrenamos este año son: Prometí no enamorarme, seguidas de ¿Cómo te atreves a volver?, Una cita conmigo misma y, posteriormente,Yo quiero ser mi marido. Todas estas obras se caracterizan por fusionar comedia y drama, buscando siempre generar una reflexión a través de la risa. Con cada proyecto desarrollado durante este año y el anterior, hemos procurado que la experiencia sea precisamente esa. Desde nuestro regreso después de la pandemia, he tenido claro que en la actualidad la gente busca, sobre todo, diversión. Aunque hay quienes buscan experiencias más profundas, creo que muchos de nosotros estábamos sumidos en el estrés diario y necesitábamos algo que nos permitiera liberarnos, reírnos y olvidarnos por un momento de los problemas que enfrentamos. Con cada una de las obras estrenadas este año, creemos haber logrado ese propósito de ofrecer un respiro en medio de los desafíos y tensiones presentes en nuestras vidas.

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¿Crees que los temas abordados en tus obras han cambiado?

Como artistas y creadores, hemos procurado elevar un poco la complejidad de nuestros proyectos desde la concepción del texto hasta la producción. Sin embargo, esta evolución fue más una necesidad interna que una respuesta directa a las circunstancias del último año. No fue una decisión de decir: 'Queremos abordar nuevos temas', sino más bien una aspiración propia de enriquecer nuestras creaciones.A pesar de ello, no hemos perdido de vista la esencia de lo que la gente busca al venir a nuestros espectáculos: la experiencia de la risa. Valoramos los comentarios que recibimos, esa transición de la risa al llanto y luego de nuevo a la risa, seguida de una reflexión final. Creemos que lograr este efecto en nuestro público cumple con nuestro objetivo como creadores. Esta satisfacción nos impulsa y motiva a seguir trabajando en nuevos proyectos." ¿Cómo evalúas la actual oferta cultural desde tu perspectiva?

Antes de la pandemia, se vivía una especie de 'época de oro' en la que la gente tenía un gran interés y necesidad de consumir teatro. Fue un periodo muy especial. Aunque al regresar tras la pandemia, todos fuimos cuidadosos, creo que la ciudad sigue ofreciendo una amplia y diversa cartelera cultural y teatral que atiende a diferentes gustos. Me parece fantástico que exista una oferta tan variada para que la gente pueda disfrutar de diversas perspectivas y experiencias culturales. ¿Cuántos títulos tienes?

Con la productora Primera llamada tenemos un total de 33 títulos. ¿De dónde obtienes tanta inspiración?

Me gusta mantenerme receptivo a lo que el público demanda y también a lo que personalmente quiero expresar. En ocasiones, surge un tema que captura mi atención, lo guardo y, al analizarlo, encuentro la posibilidad de construir una historia a partir de él.

Este proceso se vuelve más complejo a medida que se acumulan más títulos. La estructura se vuelve un desafío, ya que intento evitar el reciclaje y buscar innovación, aunque sea en pequeña escala, en cada proyecto. A pesar de eso, no quiero perder de vista la esencia: la necesidad de generar risas y proporcionar una experiencia similar. Al final, nuestro público busca vivir algo familiar pero de manera única. Lo más difícil es lograr hacerlos reír; a veces, se subestima la complejidad de la comedia.

¿Has considerado explorar otros géneros?

Aunque tengo el deseo, hasta ahora no me he arriesgado tanto.

Necesito que todas las producciones se sostengan, especialmente para mantener el interés del público. Sin embargo, sí tengo muchas ganas de experimentar con otros géneros y espero poder hacerlo el próximo año.

Escribes, diriges y produces. ¿Cómo te separas de cada faceta?

Son procesos creativos que he aprendido a delimitar muy bien.

Al principio, me costaba trabajo separar cada una de las funciones, ya que desempeño varios roles dentro de cada proyecto, roles que en otros proyectos podrían ser realizados por personas diferentes.

Ahora, separar estas facetas es algo que hago automáticamente, pero al principio fue un desafío.

Para el 2024, ¿cuáles son tus planes?

Tengo la intención de experimentar con otros géneros, quizás mezclándolos, no limitándome exclusivamente a uno. La creatividad dictará el camino, proponiendo nuevas ideas y viendo cómo podemos llevarlas a cabo. Así que, espero seguir con este ritmo de crear nuevos proyectos en 2024, haciendo que resulten atractivos para el público y renovando nuestra cartelera con nuevos títulos."

El foro del CCD (Ubicado en la calle Colima 267, Col. Roma. A una calle de metrobús Durango y cuatro calles de metro Insurgentes)

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LOS 10 MOMENTOS

Y PERSONALIDADES EN EL 21 FICM La edición 21 del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) ha pasado.

Y dejó tras de sí varios momentos memorables, muchos de ellos protagonizados por personalidades internacionales del séptimo arte que se dieron cita en el evento celebrado en la capital michoacana. Este es un recuento de diez de los más destacados.

P O R F R A N C I S C O J AV I E R Q U I N TA N A R P O L A N C O

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1. CEREMONIA Y FUNCIÓN INAUGURAL CON THE DEAD DON’T HURT, DE VIGGO MORTENSEN El FICM arrancó su primer día de actividades con una elegante alfombra roja seguida de una ceremonia inaugural en la cual se proyectó el filme The Dead Don’t Hurt, segundo largometraje del actor, guionista y realizador Viggo Mortensen, sobre una pareja que busca abrirse camino en el indómito Estados Unidos del siglo XIX. Mortensen estuvo presente en dicha ceremonia, al lado de otro de los protagonistas del filme, Danny Huston, y ambos fueron homenajeados con una butaca, cada una con su respectivo nombre, las cuales ellos mismos develaron allí. "Es un regalo incomparable poder presentar nuestra película financiada, producida y rodada en México en el Festival Internacional de Cine de Morelia" expresó Viggo.

2. EL CICLO/HOMENAJE A FERNANDO DE FUENTES Este año, el FICM rindió homenaje al realizador Fernando de Fuentes (1894-1958), una de las figuras clave del cine nacional. Dicho homenaje se dividió en dos facetas: por un lado -y en colaboración con la Filmoteca de la UNAM-, se llevó a cabo un ciclo con una selección de películas en donde se incluyeron tanto algunos de los títulos más representativos de dicho autor, como otros no tan conocidos. Además, las diversas funciones presentadas en distintas sedes del festival fueron presentadas por distintas personalidades del medio cinematográfico, como la realizadora y Fundadora del Archivo Permanencia Voluntaria, Viviana García-Besné; el crítico e investigador Rafael Aviña; y el cineasta y actual director de la Cineteca Nacional, Alejandro Pelayo, entre otros.

Por otro lado, con el apoyo de Fundación Televisa, en la cerrada de San Agustín ubicada en la capital michoacana, se montó una exposición fotográfica sobre el trabajo del realizador sobre el cual Rafael Aviña comentó lo siguiente: "Sin Fernando de Fuentes no se puede pensar en la Época de Oro del Cine Mexicano".

3. CONFERENCIA DE PRENSA DE MEMORY Tras su exitoso paso por el 80º Festival Internacional de Cine de Venecia, y en donde Peter Sarsgaard, -uno de sus protagonistas- obtuvo la Copa Volpi a Mejor Actor; el nuevo filme del director Michel Franco intitulado Memory, fue estrenado como parte de las funciones de gala del FICM. Previo a dicha función (y su respectiva alfombra roja), se llevó a cabo una conferencia de prensa en el Auditorio del Centro Cultural Universitario de Morelia. Además de Franco, estuvo presente el actor antes mencionado; así como su coprotagonista, la actriz Jessica Chastain; y la productora Eréndira Nuñez.

“Amo estar en México, amo filmar aquí, fue muy especial estar en la Ciudad de México y pasar un tiempo allí. La colaboración con Michel Franco ha sido muy inspiradora" declaró Chastain, quién también reveló que hizo ya una segunda película con Franco intitulada Dreams, al lado del actor y bailarín mexicano Isaac Hernández, pero no quiso revelar mayores detalles al respecto.

4. JAMES IVORY ES DISTINGUIDO CON EL OJO DE PLATA Creador detrás de filmes emblemáticos como Lo que queda del día (1993), El final del juego (1992) o Un romance indiscreto (1985), el nonagenario cineasta norteamericano James Ivory estuvo presente en el FICM para presentar su último trabajo, un documental titulado A Cooler Climate (2022), donde recopila imágenes que grabó en Afganistán en la década de los sesenta, las cuales son mostradas como una suerte de viaje introspectivo y de autodescubrimiento. “La película muestra un Afganistán que es como un cuento de hadas, que no es como las imágenes que a veces tenemos”, afirmó. “Sentí una especie de culpa por haber grabado todo este material y guardarlo. Estaba haciendo muchas películas y eso se llevaba toda mi vida, y ahí estaba esa culpa de haber decepcionado a la sociedad asiática que me había dado el dinero para hacer la película”. Además de A Cooler Climate (2022), durante el festival se realizaron proyecciones especiales de obras previas del cineasta, como Amarás a un extraño (1984); y las ya mencionadas Lo que queda del día y Un romance indiscreto, cinta que ganó el BAFTA (British Academy of Film and Television Arts) a mejor película. En dichas funciones Ivory llevó a cabo la presentación y sostuvo sesiones de preguntas y respuestas con los asistentes.

Adicionalmente, el realizador recibió el Ojo de Plata, reconocimiento emblemático del festival.

5. NICOLAS PHILIBERT CONMOVIDO CON SU BUTACA Veterano documentalista y visitante asiduo del festival, Nicolas Philibert asistió a la edición 21 del FICM, para presentar su más reciente trabajo Sur l’Adamant (2023), el cual obtuvo el Oso de Oro en la reciente Berlinale. En él, nos muestra un singular centro ubicado en un edificio flotante en el Sena, en donde se da acogida a adultos mayores con diversos trastornos mentales y/o emocionales, brindándoles un trato humano e integral un tanto alejado de la psiquiatría tradicional, buscando así que se reconecten con el mundo y la sociedad en diversas formas.

“Creo que compartimos esta idea de que el cine puede abolir de alguna manera las fronteras. El cine nos hace crecer, nos permite permanecer de pie y resistir ante la violencia del mundo. En la película verán personas que practican alguna forma de arte y eso es una manera de resistir”, declaró Philibert quien además fue reconocido con una butaca que lleva su nombre, la cual permanecerá en la Sala 4 de Cinépolis Morelia Centro, develada previo a la función de su documental en una ceremonia donde quedó de manifiesto el buen humor del cineasta.

6. WILLEM DAFOE Y SU PREMIO A LA EXCELENCIA ARTÍSTICA Emblemático actor dentro de la cinematografía estadounidense y mundial; quien ha trabajado al lado de importantes cineastas como Martin Scorsese, David Lynch, Oliver Stone, Alan Parker, Lars von Trier, Wes Anderson y Robert Eggers, entre otros; Willem Dafoe fue condecorado con el Premio a la Excelencia Artística por parte del Festival Internacional de Cine de Morelia, el cual consiste en una escultura realizada por el artista michoacano Javier Marín. Es la quinta ocasión en que el festival entrega dicho premio; el cual ha sido otorgado con anterioridad a Alfonso Cuarón, Robert Redford, Claire Denis y Alejandro G. Iñárritu.

Daniela Michel, Directora General del FICM, leyó un texto en donde expuso que dicha presea se le otorga al actor por “su habilidad camaleónica para interpretar diversos roles y darle vida tanto al hombre común como a personajes épicos, en películas comerciales y otras dirigidas por los rebeldes más grandes del cine”, y añadió que otro de los motivos para darle este reconocimiento, es “su humildad como persona y su amabilidad, a pesar de tener uno de los rostros más reconocibles en el mundo”. Por su parte, Dafoe se mostró visiblemente conmovido ante dicho premio. “Me alegra muchísimo ser parte de esto y agradezco mucho este reconocimiento”, expresó.

7. PROYECCIÓN DE VIVA VARDA! CON LA PRESENCIA DE SU HIJA Dentro de los estrenos internacionales del FICM 2023 en la categoría de documental, figuraba Viva Varda! (Francia, 2023) de Pierre-Henri Gibert, el cual en poco más de una hora, ofrece una mirada a la historia y la obra de la cineasta Agnès Varda, quien no solo fue una autora fundacional de lo que posteriormente se conocería como Nouvelle vague o Nueva Ola del Cine Francés; sino que además se convertiría en fuente de inspiración para una generación de cineastas femeninas que le siguieron.

En la función de presentación de dicho documental, se contó con la presencia nada menos que de Rosalie Varda, hija de la legendaria realizadora, quien también se ha desempeñado como productora, escritora y actriz, entre otras actividades, y la cual no solo presentó la película, sino que al final de la misma sostuvo un diálogo con los espectadores, donde entre otras cosas, reveló el amor que su madre sentía por nuestro país. “Mi mamá amaba México y lo visitó por primera vez cuando vino a presentar Los paraguas de Cherburgo en el año de 1965. Esto crea lazos fuertes entre este país y Francia, pero el verdadero lazo es que aquí se tiene una gran tradición cinéfila”, afirma, y explicó la razón por la cual ella y su hermano Mathieu Demy estaban muy interesados en que Pierre-Henri Gibert hiciese este documental. “Pierre es un hombre que no conoció a mi madre y gracias a esto fue capaz de proyectar la vida y obra de mi madre a través de una mirada nueva”.

8. ALMA POYSTI ESTRENA Y COMENTA FALLEN LEAVES, DE AKI KAURISMÄKI Sin duda, uno de los grandes manjares cinéfilos ofrecidos por el FICM este año fue Fallen Leaves, la más reciente película del director finlandés Aki Kaurismäki, que relata la historia de dos almas solitarias quienes se descubren enmedio de una ciudad fría y un tanto hostil, y deben de lidiar con diversos obstáculos para concretar su encuentro amoroso.

La película obtuvo el Premio del Jurado en la pasada edición del Festival de Cannes, donde también estuvo nominada a la Palma de Oro. Durante la primera proyección de la película en el festival, se contó con la presencia de Alma Poysti, protagonista del filme, quien presentó y posteriormente comentó la película con el público asistente. “Bienvenidos a 86 minutos de comedia romántica de Aki Kaurismäki”, dijo la actriz en español. “Van a encontrar algo de humor en esta película; no me ofenderé si se ríen en medio del silencio”, añadió.

9. JODIE FOSTER, LA MÁS GALARDONADA Protagonista de títulos que con el tiempo se han vuelto obras de gran relevancia dentro del séptimo arte como Taxi Driver (Scorsese, 1976), El silencio de los inocentes (Demme, 1991) o Acusados (Kaplan, 1988), la icónica estrella hollywoodense Jodie Foster engalanó con su presencia el FICM, y allí participó en distintas actividades y recibió diversos reconocimientos.

En su primer día de estancia en Morelia, atendió a las preguntas de los asistentes a una proyección especial de Taxi Driver. Ese mismo día, y tras desfilar por la alfombra roja previa a una función especial de El silencio de los inocentes; la actriz que está próxima a cumplir los 61 años fue condecorada con el Premio a la Excelencia Artística, y se le proyectó un video de remembranza. Al día siguiente, y antes de otra función especial en la que se proyectó la película Mentes que brillan (1991) -dirigida y protagonizada por ella-, recibió la Medalla Filmoteca UNAM, con el cual dicha institución reconoce a personalidades o instituciones que con su trayectoria, actividades, análisis e intervenciones en el mundo de la cinematografía, contribuyen a enriquecer el patrimonio fílmico del mundo en todos sus aspectos. Al día siguiente, develaría una placa que reconoce a las cintas ganadoras de ediciones pasadas en el festival. Y finalmente, impartió una clase magistral en el Teatro Melchor Ocampo, en compañía del ex editor de Sight & Sound, Nick James, en donde compartió sus experiencias durante su ya larga trayectoria cinematográfica.

10. LA CLASE MAGISTRAL DE KATHLEEN KENNEDY Y FRANK MARSHALL La pareja de productores Kathleen Kennedy y Frank Marshall, quienes están casados desde hace años y dirigen The Kennedy/ Marshall Company; ofrecieron una Clase Magistral en donde, además de compartir sus anécdotas y experiencias profesionales, abordaron temas como la forma en que el Covid-19 modificó la forma en que los estudios hacen cine, el actual debate por el uso de la Inteligencia Artificial en la industria cinematográfica, así como las recientes huelgas que paralizaron a Hollywood los meses pasados.

Respecto a la preocupación de que el cine cambie o incluso desaparezca a consecuencia del uso de la IA o por la proliferación de las las compañías de streaming, Kennedy fue categórica: “No importan lo que lean, el cine no va a desaparecer; hay demasiada gente a la que le encanta el cine, le encanta la narrativa cinematográfica, y lo que me impulsa, mi pasión, es eso, la gente con la que hemos podido trabajar a lo largo de los años”. Al final de su charla, Kathleen recibió el tradicional reconocimiento que el festival otorga a sus invitados: una butaca personalizada con su nombre.

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Jessica Chastain durante la conferencia de prensa de Memory.

FOTOS CARLOS MORA

LOS ROSTROS DEL FICM 2023

En Revista Cameo, realizamos una recopilación en fotografías de los mejores momentos de la edición 21 del Festival Internacional de Cine de Morelia. Capturamos todo el talento que se desbordó en la ciudad de Morelia, Michoacán, para celebrar lo mejor del cine mexicano e internacional. Desde alfombras rojas, conferencias y entrevistas, hasta conocer quiénes fueron las personalidades destacadas en el FICM. POR CARLOS MORA

Viggo Mortensen en la conferencia de prensa de The Dead Don't Hurt.

Renata Notni mostró su elegancia en la alfombra roja de Memory.

Jessica Chastain se mostró feliz durante la conferencia con los medios.

Mariana Treviño feliz de presentar su película, El sabor de la Navidad.

E S P EC I A L F I C M 2 1 Jessica Chastain y Peter Sarsgaard develaron sus butacas durante la premiere de Memory.

Juan Manuel Bernal y Claudia Ramírez en la alfombra roja de Confesiones, dirigida por Carlos Carrera.

El destacado actor Willem Dafoe, uno de los homenajeados en el Festival Internacional de Cine de Morelia.

Cecilia Suárez feliz de develar su butaca durante el estreno de Lluvia.

La directora Tatiana Huezo presentó su nuevo documental, El eco.

El elenco de la película Perdidos en la noche, dirigida por Amat Escalante

El actor Said Sandoval desfiló por la alfombra roja de la película El Halcón.

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Ximena Ayala presentó su nueva película Desaparecer por completo.

Miguel Bosé recordó su trabajo en Tacones lejanos, dirigida por Pedro Almodóvar.

Guillermo Arriaga, junto a sus hijos Mariana y Santiago, son los directores de la película A cielo abierto.

El director Eduardo Valenzuela estrenó su ópera prima, El Halcón.

Eva Longoria habló sobre Flamin' Hot, su primer trabajo como directora.

Renata Notni y Diego Boneta lucieron radiantes en la alfombra roja de la inauguración del FICM.

La actriz Martha Claudia Moreno durante la alfombra de Todo el silencio.

Eugenio Derbez estuvo presente en la alfombra roja de su nueva película Radical.

El actor colombiano Manolo Cardona participa en la cinta A cielo abierto.

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Sergio Mayer Mori posa durante la presentación de la película A cielo abierto.

La actriz española Ester Expósito participa en la película Perdidos en la noche', dirigida por Amat Escalante.

Jessica Chastain desfiló por la alfombra roja de la película Memory.

Ángeles Cruz, directora de Valentina o la serenidad.

Alejandro Speitzer presentó la película Straight en el FICM.

Máximo Hollander, protagonista de A cielo abierto, la ópera prima de los hermanos Arriaga.

E S P EC I A L F I C M 2 1 El director Fernando Frías, presentó su nueva cinta No voy a pedirle a nadie que me crea.

Mónica Huarte posa feliz durante la alfombra roja de Señora influencer.

Ianis Guerrero, protagonista de El Halcón.

Ángeles Cruz, Danae Ahuja Aparicio, Isis Ahumada y Myriam Bravo presentaron Valentina o la serenidad.

Marina de Tavira durante la conferencia de prensa de Latido, dirigida por Katina Medina Mora.

Francisco Denis, actor venezolano y protagonista de La sombra del catire.

Bárbara López, protagonista de la película Straight.

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Harold Torres, actor de la cinta Desaparecer por completo.

Gabriela Cartol en la alfombra roja de Tótem.

Dana Karvelas, actriz en el documental La vida es un carnaval.

Marina de Tavira y la directora de Latido, Katina Medina Mora.

Montserrat Marañón en la alfombra roja de Tótem.

Guillermo Arriaga, director de cine, guionista y escritor.

Bárbara Mori durante las alfombras rojas del FICM.

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TETÉ ESPINOZA

HONRADA DE LLEGAR AL FICM POR PRIMERA VEZ 82 |

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a actriz Teté Espinoza compartió con la Revista Cameo su experiencia de participar en el largometraje Desaparecer por completo, dirigido por Luis Javier Henaine, que compitió en la categoría de Largometraje Mexicano en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM). ¿Cómo te sentiste al estar en el FICM? Fue un sueño. Fue mi primer festival de cine, y me sentí muy feliz de que fuera en el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), uno de los festivales más importantes de nuestro país. ¿Cuéntame sobre la película Desaparecer por completo?

Es una película en la que un fotoperiodista llamado Santiago (Harold Torres) experimenta momentos difíciles al perder sus sentidos gradualmente.

Yo interpreto a su esposa, y junto al personaje de Harold, están tratando de concebir un bebé y llegan a acuerdos mientras les suceden cosas sobrenaturales que lo llevan a perder los sentidos del tacto, gusto, olfato, vista y audición.

Esto los lleva a enfrentar momentos complicados en su relación. Además, es mi primera incursión en el género de terror, combinado con el thriller, y me siento muy contenta.

Recientemente estrenaste dos películas: El último vagón, de Ernesto Contreras, y La gran seducción, de Celso García. ¿Cómo te sientes acerca de las oportunidades que se están presentando en tu carrera y cómo combinas el teatro con el cine?

Estoy muy agradecida y honrada. Todas las historias en las que he participado son aquellas con las que conecto y que transmiten importantes mensajes sobre la unión familiar y el compañerismo, explorando la profundidad del ser humano más allá de la superficialidad. Recientemente estrené una serie llamada Ojitos de huevo, una comedia con un gran mensaje de inclusión. También viene una película de comedia en cine, otro género en el que estoy incursionando en la pantalla grande. En teatro, acabo de concluir la temporada de Rosy, un texto de la dramaturga brasileña Cecilia Ripoll. Estoy realmente feliz y abierta al universo para lo que quiera mandarme.

• Carlos Mora

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ADRIANA LLABRÉS, ORGULLOSA DE TODO EL SILENCIO LA ACTRIZ ESTRENÓ, en el marco del 21 Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), la cinta Todo el silencio, ópera prima del director Diego del Río, reconocido por su trabajo en teatro. Todo el silencio llega en el mejor momento de mi vida. Es una película que produzco junto a grandes productores como Inna Payán, María Ayub y Luis Salinas. La idea surgió junto a Luis, a quien admiro mucho, y ya queríamos trabajar juntos en algún proyecto. Desde que empecé a actuar, me gustó trabajar con Diego del Río, a quien decidimos involucrar en el proyecto como director.

Luego trabajamos en el guion con Lucía Carreras, y así se fueron sumando diferentes actores y actrices con los que hicimos una excelente colaboración", comentó la también productora. Por su parte, Diego del Río estuvo acompañado de Ludwika Paleta, Eduardo Domínguez, quien fungió como asesor de LSM durante el proyecto y es director de Seña y Verbo, y el actor Moisés Melchor, perteneciente al grupo de teatro.

“Estoy muy honrado de que este grupo, que ya tiene presencia internacional también con la película, pueda quedarse en el imaginario colectivo de las espectadoras y espectadores del mundo”, agregó el director. Cabe destacar que Adriana Llabrés se hizo acreedora al Ojito a Mejor Actriz de Largometraje Mexicano de ficción.

• Carlos Mora

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NATALIE AÑORVE TOLEDANO

JOVEN PROMESA

FOTO CARLOS MORA

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a joven actriz comparte con la Revista Cameo sus experiencias de trabajar en Dead Don't Hurt, la nueva cinta del consagrado actor y director Viggo Mortensen, también de su participación en Radical, cinta de Eugenio Derbez; ambos filmes estuvieron presentes en la edición 21 del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM). ¿Cómo te sientes de estar en el FICM? La verdad, muy emocionada. Es mi primer festival grande y es muy importante, más aún abriendo con la película Dead Don't Hurt, en la que participé con un papel demostrando valentía. También, porque soy la única actriz mexicana que participa en la cinta. Me da mucho gusto y con mucho orgullo de poder llegar hasta este gran festival.

Justo, ¿cómo llegas a esta película?

Fue muy curioso, solo hice casting y ahí decidieron que yo sería Isabel García. Después me llamaron para empezar con las pruebas de vestuario y de maquillaje.

Me enseñaron fotografías de cómo era la gente en esa época; fue algo increíble. Cuando me dijeron que iba a ser una película dirigida por Viggo, hasta me salieron lágrimas de felicidad. Estoy muy orgullosa de que a mis 14 años me hayan elegido para estar en una película de este nivel.

Agradezco a mi familia que siempre me apoya, mis padres que me llevan a los castings y a mi hermano. Estar al lado de actores del nivel de Viggo Mortensen y Danny Huston es algo que me llena de orgullo y mucha felicidad. ¿Cómo nace tu gusto por actuar?

Desde pequeña siempre quise salir en la televisión, y desde el día uno que se lo dije a mis padres, me ofrecieron su apoyo. He estudiado para lograr mi sueño. Sé que muchos actores no han tenido apoyo de su familia, y es algo triste.

También hice comerciales y aunque al principio no me quedaba, luché mucho por lograrlo. El cine me llamó mucho la atención, y me enamoré de lleno. Me dije "algún día voy a estar en cine y series", y lo estoy logrando. Aun me faltan muchos sueños por cumplir, pero lo estoy logrando.

También actúas en Radical, ¿cómo llegas?

Fue al revés, fui a muchos callbacks y al final me quedé con el personaje de María. Fue una participación pequeña, pero me gustó mucho. Estar con Eugenio Derbez fue un aprendizaje. Además, sé que él desde pequeño luchó por sus sueños, y eso es algo inspirador para mí. Verlo me emocionó mucho.

• Carlos Mora

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E SPECIA L

HASBRO CITY Dónde: Centro Comercial Paseo Interlomas

HASBRO CITY CELEBRA LA NAVIDAD EL ESPÍRITU de la Navidad ha llegado a Hasbro City, el parque de diversiones único que es un centro de entretenimiento familiar. Aquí podrás encontrar juegos mecánicos, atracciones y experiencias interactivas de clase mundial, todas inspiradas en varias de las marcas icónicas y multigeneracionales de HASBRO, como Transformers, My Little Pony, Monopoly, Power Rangers, Play-Doh, Potato Head y NERF. El pasado 30 de noviembre se llevó a cabo el encendido del árbol navideño, por lo que todos los visitantes podrán disfrutar de las decoraciones navideñas.

LOS DIVERSOS PAQUETES QUE OFRECEN SON: Boleto básico a 149 pesos: incluye acceso al parque y a los espectáculos. Además, se otorgan 50 bonos en la tarjeta para utilizarlos en juegos mecánicos, atracciones, máquinas de video y destreza.

Boleto regular a 349 pesos: incluye acceso al parque y a los espectáculos. Además, se otorgan 300 bonos en la tarjeta para utilizarlos en juegos mecánicos, atracciones, máquinas de video y destreza.

Boleto Plus a 499 pesos: incluye acceso al parque y a los espectáculos. Además, se otorgan 600 bonos en la tarjeta para utilizarlos en juegos mecánicos, atracciones, máquinas de video y destreza. ¡Disfruta de la magia navideña en Hasbro City!

• Carlos Mora

FOTOS CARLOS MORA