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Iliana Fox DEJA SALIR SU LADO FAN CON LUISMI

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Sofía Engberg UNA MUJER ESPIRITUAL

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HelenaHaro UNA ACTRIZ DE RETOS

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ThanyaLópez SE ABRE CAMINO EN LA ACTUACIÓN

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NÚMERO 08 N OVIE M BRE | D IC IE M BRE | 2021 REVISTA BIMESTRAL DIGITAL Editor: Carlos Mora Co editora: Maribel De Luna Colaboradores: Elizabeth Osorio Alejandra Lomelí Angélica Ramírez Lupita Mejía Cinthya Salas Francisco Javier Quintanar Polanco

cameo.revista@gmail.com

yumpu.com/cameorevista

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Ante los acontecimientos recientes que nos llevan a buscar nuevas formas para difundir los proyectos de cine, televisión y plataformas digitales nace la revista Cameo para dar a conocer los trabajos de películas y series.

Directores, productores, fotógrafos, guionistas, creadores de contenidos, distribuidores y demás personas que compartimos el amor por el séptimo arte queremos mostrar la calidad que hay en la industria en México. revista Cameo

MI BISHKOMPA (AMIGO) DAVID ILLESCAS Conversamos con el ganador del premio Ariel por Mejor Coactuación Masculina por el filme Sin señas particulares • CARLOS MORA

¿Cómo nace el gusto por la actuación?

Nació desde que estaba en mi comunidad natal, San Juan Tabaá. A los 5 o 6 años mi papá me llevaba a presenciar una pastorela que se presenta en mi comunidad en Navidad, fue a partir de ello que me llamó la atención la actuación.

Años después un antropólogo social, me dijo que si quería estudiar teatro y me habló del Centro Universitario de Teatro (CUT). Después llegué a un acuerdo con el maestro de teatro para que no me pagara las funciones que había hecho y mejor me llevara a hacer el examen al CUT, en la Ciudad de México.

Hice tres semanas de audición y cuando vi mi nombre en los resultados fue una sensación inolvidable, me tuve que aplicar para estar a la altura de mis compañeros porque aunque no tenía conocimientos de teatro, estaba dispuesto a aprender. No fue fácil, pero logré terminar la carrera. ¿Cómo llegas a Sin señas particulares?

Sin señas particulares es la continuidad de un cortometraje llamado 400 maletas, que filmó Fernanda Valadez como su tesis en el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), en el 2018 me marcó para darme la noticia de que iban a hacer la película. Nos reunimos en Coyoacán, nos tomamos un café, me platicó sobre el proyecto y me propuso el personaje de Miguel

porque en el cortometraje hice el personaje de Jesús, el hijo de Magdalena. Me hizo unas pruebas de cámara y nos reunimos para leer el guión con la actriz Mercedes Hernández y el equipo de producción; así inició el proceso.

Tuve que investigar sobre la migración en Estados Unidos, saber sobre todas las circunstancias que viven: violaciones, secuestros, asesinatos… ¡Híjole!, todo para darle vida al personaje.

Las cintas Noche de fuego y Sin señas particulares, hablan de la violencia que vive México, ¿qué opinas del tema?

Exactamente. En caso de Noche de fuego trata sobre la violencia que viven algunas niñas en algunas comunidades, es una realidad muy dolorosa, tienes que tener los ojos bien abiertos porque si parpadeas o cierras los ojos te llevan y te desaparecen. La película te estremece conforme pasan los segundos, es algo muy doloroso.

Y con Sin señas particulares, también pues la situación que vive la protagonista que busca a su hijo desaparecido es muy dolorosa, también ver el llamado suelo americano, ¿dónde queda? al final lo denomino como una ilusión, como magia, algo que te pintan muy bonito, pero que es casi lo mismo o hasta peor vivirlo.

Sin señas particulares

“Actores, en mi caso de piel morena, tenemos estas puertas abiertas para el cine mexicano o en las series televisivas” Ambas cintas son dirigidas por grandes directoras, ¿cómo fue trabajar con ellas?

En lo personal me da muchísimo gusto. Me llena de alegría que las mujeres están tomando un papel importante en el cine mexicano y están demostrando no con palabras sino con acciones, el trabajo.

De todos los comentarios y observaciones que he recibido por parte de las dos películas es que el trabajo de estas dos directoras sí está traspasando el límite, ayuda al espectador a que seamos mejores seres humanos, a repensar la situación que estamos viviendo, mejorar día a día también con nuestros hijos e hijas para reflexionar y erradicar el problema de la violencia.

Sin señas particulares te trajo un gran regalo, el premio Ariel a mejor Actor de reparto, ¿qué sientes?

Fue algo que no esperaba. Me había vacunado contra el Covid cuando me escribió la actriz de la película, Mercedes Hernández, y me dijo “¡David, felicidades!” y yo “¿por qué felicidades?”, en ese momento me estaba doliendo todo el cuerpo, no podía levantarme por los estragos de la vacuna y me respondió “¿Cómo por qué? Te acaban de nominar al Ariel”. Por un momento, se me olvidaron todos los malestares, lo primero que me llegó a la mente fue ¿esto es real?, ¿me está pasando? No lo podía creer, estar nominado al máximo premio del cine mexicano.

Después me llamó la directora, Fernanda Valadez, amigos y familiares para felicitarme.

El día de la entrega tampoco me lo esperaba, y dije “Si me lo ganó pues chingón, si no pues también” estaba muy bien con la nominación. Pasaron unos minutos y me llama un amigo y me dice “Carnal, acabas de ganar el Ariel” y lo primero que dije fue “¡No manches!”. En cuanto confirmé que ya era oficial, que la Academia ya había publicado que había obtenido el galardón, en un segundo le marqué a mi mamá, entre lloriqueo, felicidad, le dije que acababa de ganar el Ariel. Estaba muy contento, agradezco muchísimo a la Academia, que es muy grande, la gente que votó, que decidió quiénes van a obtener el galardón.

Agradezco a mi pueblo, a mi gente que está conmigo, que me acompañó en el proceso desde que salí de mi comunidad, la que me tendió la mano, me ayudó, me indujo por el camino para que no me rindiera. Ahorita, obtener este galardón, si lo pudiera repartir en cachitos a cada quién le tocaría algo. Estoy muy feliz, recibiendo felicitaciones. ¿Qué sientes al ver más versatilidad en el cine, que hay más personajes de tez morena?

Alabo eso, que ahorita hay una descentralización del cine y de otras muchas cosas que ahorita ya están llegando hasta las comunidades. El tema del color de la piel, de los morenos, de los prietos, creo que es un momento en el que la tecnología esta ayudando muchísimo a que se rompan estas barreras, pues ya es muy fácil evidenciar cualquier acto de discriminación o cualquier acto de racismo que pueda haber.

Lo que queda es la inclusión, nos estamos dando cuenta que

“Tengo borregos, me gusta pastorear y en el pastoreo escribo, mientras mis borregos comen.

Me encanta el trabajo del campo” todos somos iguales. Así cada quien está en diferentes proyectos, ya no hay mucho, seguramente hay, pero ya en menor medida. Siento que vamos por el buen camino, los actores por ejemplo en mi caso de piel morena, tenemos estas puertas abiertas para el cine mexicano o en las series televisivas.

Sigues teniendo tu esencia del campo…

Me encanta la tierra, ararla, crecí con eso. De hecho, cuando terminé la secundaria tuve un promedio bajo, entonces mi papá me dio un ultimátum, me dijo “Oye, tus calificaciones son muy bajas, si quieres ya mejor vamos al campo”, mis padres son campesinos y hablan zapoteco, le pedí a mi papá una oportunidad de estudiar la prepa, pero con la intención de estudiar algo agropecuario, porque estudiar teatro no estaba dentro de mis alcances; sin embargo, surgió la oportunidad y ya estudié teatro, pero no olvido toda esa parte que viví, porque hasta los 18 años me mudé a la Ciudad de México a estudiar en el CUT, pero antes trabajaba el campo, limpiaba milpa, sembrábamos frijol, hacía labores del campo, producíamos panela, y ahora vivir estos premios, estas películas, estas invitaciones, castings, siento que volver a la tierra, ararla, volver a la lluvia como antes, me da esa fuerza para seguir, para avanzar y hacer lo que me gusta. w trabajar con los niños, con los jóvenes de mi comunidad, de hecho con el cortometraje que voy a dirigir en lengua indígena, mi lengua materna, van a actuar niños de mi comunidad, todo relacionado con mi pueblo porque siento que sin el latido de mi comunidad no creo que hubiera llegado hasta aquí. El conocimiento que mis padres me transmitieron, los mitos, leyendas, todas esas historias me dieron fuerza para seguir adelante, terminar la carrera y titularme. ¿Vas a dirigir un cortometraje?

Exacto. Hace un mes nos dieron los resultados, mi cortometraje Xgooba fue seleccionado por el IMCINE a través del Estímulo a la Creación Audiovisual en México y Centroamérica para Comunidades Indígenas y Afrodescendientes (ECAMC), está becado. En eso estoy trabajando ahorita, con mi equipo de producción, que ya fue a mi pueblo. Todo va a ser allá y con amigos que conocí en la Ciudad de México. ¿Sabes zapoteco?

Desde luego, es mi lengua natal. ¿Cómo se dice ‘amigo’?

Es bishkompa y para decir ‘hermano’ es bibishka.

Amalgama, una comedia de Carlos Cuarón

El cineasta regresa a la pantalla grande con Amalgama, cinta protagonizada por Stephanie Cayo, Manolo Cardona, Miguel Rodarte y Tony Dalton • CARLOS MORA

“Amalgama

se me ocurrió en las islas paradisiacas del Rosario, Cartagena había ido al festival y liado amistad con Manolo (Cardona) y me invitó a pasar el día allá, me la estaba pasando tan bien con él y sus amigos y le dije: “tengo que filmar acá”, cuando regresé a Cartagena ya venía con el concepto de lo que quería hacer, cuatro personajes encerrados en una isla paradisiaca, friccionando sus egos y resolviendo un conflicto personal. Me vine a México con esta idea, se me cruzó la cinta Rudo y Cursi (2011) después de Besos de azúcar, después le platiqué a Jesús Arriaga el coescritor el concepto, le gustó y nos sentamos a escribir hasta tener un guion que me satisfaciera y así poder levantarlo, conseguir el dinero y los actores”, confiesa el realizador mexicano. ¿Cómo fue trabajar con actores de primer nivel?

Un placer, ha sido una experiencia muy grata primero encontrarlos con un trabajo exhaustivo de casting en México y varios lugares del mundo, luego el hecho de que trabajamos juntos de una manera muy orgánica, un ejemplo es que no sabía que Manolo Cardona, Miguel Rodarte y Tony Dalton son amigos íntimos, eso ayuda mucho porque hay una química actoral natural por la relación personal que tienen entre ellos, ayuda mucho enfrente de la cámara y generan esta dinámica que la hace más creíble y afuera, detrás de la cámara genera un ambiente increíble de camaradería, amigos que se quieren se carrillan, se bromean y un caso particular es que Manolo y

Stephanie Cayo se conocían desde hace mucho, trabajaban juntos en Colombia y en algún momento Manolo fue cuñado de Stef, había esa cuestión de cercanía de todos los actores y me dejaron entrar a sus vidas para poder dirigirlos y fue un proceso muy grato.

Lograste llevar al límite sus personajes.

Se empieza con los ensayos individualmente y después armé las parejas de Tony-Miguel, Raúl-Saúl, Stefany-Manolo y Chema-Elena, trabajé las parejas por separado y luego los cuatro actores, generamos la dinámica, unificamos el tono, ellos resolvieron sus dudas yo las mías.

Trabajando de esa manera cuando tienes que llegar a esos lugares todo está entendido y ellos ya son grandes actores que pueden llegar a esos momentos de catarsis de hacer una cosa u otra y hay una escena al principio de la película donde el personaje de Elena (Stephanie Cayo) y el de Chema (Manolo Cardona) platican cómo le hicieron una travesura a un doctor en otro congreso y Stefani se priva de la risa, se metió tanto en el momento y la emoción y lo notas en la escena, se le va el aire que apenas puede hablar y lo mismo en el clímax de su personaje cuando se rompe, y eso se logra trabajando con el actor individualmente; en este caso ellos siendo tan amigos nos arropamos unos a otros, trabajar con cualquiera de ellos individualmente implicaba tener a los otros tres alrededor para arroparnos para llegar a donde tenemos que llegar. |9

“Me gustan los dos (escribir y dirigir), estar conmigo mismo, creando, inventando historias y otro momento estar afuera con el equipo de producción creando y ejecutando lo que puse en papel” ¿Fue difícil grabar en la playa?

Tiene su peculiaridad, son lugares hermosos y es un privilegio filmar ahí por lo espectacular pero son de difícil acceso, te tardas en llegar, son lugares muy calurosos, entonces trabajas a otro ritmo atolondrado. Suceden cosas por ejemplo en la Isla del Cielo que filmamos en la Terrenas en República Dominicana, cuando encontré la locación me enamoré de ella y dije: “aquí tiene que ser”, y en lo que nos hospedábamos el día que llegamos a filmar había el fenómeno del mar adentro y se había comido la locación, había planeado empezar donde ellos llegan están las palapas destruidas y tuve que cambiar el orden y empezar en el mirador de aves, filmando arriba porque abajo teníamos las olas, ni modo, así tiene que ser y así es esto del cine, en general no solo al filmar en las playas siempre suceden cosas que uno no espera y estar preparado con el plan b c d, y es saber improvisar y mover las cosas. ¿Qué te gusta más escribir, dirigir o ambas?

Me gustan mucho las dos, son procesos totalmente complementarios y cuando escribo, aunque en este caso con un colaborador, no siempre lo hago, son más íntimos más hacia adentro, estás creando a partir de estar contigo mismo, literalmente es un proceso de contracción.

La dirección es un proceso contrario, es un proceso de expansión donde tienes que estar trabajando con un montón de gente que en una película como esta son como 120 personas y a todas les tienes que dar una dirección y a todos los tienes que meter en tu visión, lo que tú ves y crees de la película, entonces los convences de lo que tu buscas y crees, y si lo haces de la manera correcta apuestan por ti, te apoyan y se mueren contigo.

Es un proceso muy gregario, muy social, que la escritura no tiene.

Me gustan los dos, estar conmigo mismo, creando, inventando historias y otro momento estar afuera con el equipo de producción creando y ejecutando lo que puse en papel.

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AMALGAMA Dirección: Carlos Cuarón Guion: Carlos Cuarón y Luis Usabiaga

Amalgama

MOMENTOS BRILLANTES DE HUMOR NEGRO • Alejandra Lomelí

POCO A POCO van llegando a las salas de cine muchas películas que quedaron rezagadas a causa de la pandemia, una de ellas es Amalgama, película estrenada hace un año como parte de la competencia oficial del Festival de Cine de Morelia. La película que reúne a Manolo Cardona, Miguel Rodarte, Stephanie Cayo y Tony Dalton, es apenas el tercer largometraje de Carlos Cuarón, quien muestra un avance en el dominio de la dirección.

Cuatro dentistas, tres hombres y una mujer, se encuentran en un congreso en la Riviera Maya. Dos de ellos tienen una vieja relación de amistad y rivalidad; los otros dos son amigos de congresos pasados. Todos están huyendo de su propia historia de dolor y pasan juntos un enloquecido fin de semana en una isla desierta del Caribe mexicano que marcará sus vidas para siempre. Ese es el argumento de la película, en la que los cuatro personajes forman la “amalgama” del título y que cada uno de ellos necesitan para aliviar el dolo y avanzar en la vida.

En su paso por el Festival de Málaga de este año, Cuarón declaró

que se propuso “explorar la condición humana a través del humor y del absurdo, ahondando en la complejidad de sus personajes”.

Lo cierto es que Amalgama es una observación, sí de la amistad, pero también del deseo, la rivalidad, el rencor y el dolor resumido en un ajuste de cuentas, aunque no siempre bien ejecutado.

Quizás la sobreexposición de la competencia entre Saúl (Dalton) y Hugo (Rodarte) por ver quién logra tener una aventura con Elena (Cayo) le resta puntos a esa ambición tan sincera, pero inalcanzable para el también guionista.

Con momentos brillantes de humor negro, la película crece en las secuencias en que los ánimos se alteran y ocurre la lucha de egos, sin embargo, esos fragmentos son pocos en comparación con aquellos irregulares, y aunque los personajes posen cierta complejidad, hay muy poca exposición de sus claroscuros.

Un avance en términos de puesta en escena, mas no de identidad, porque Amalgama parece, inevitablemente, la sombra alargada de algunos de los trabajos más conocidos del escritor.

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RODRIGO RUiZ PATTERSON

EXPLORA EL COMPLEJO DE EDIPO “Lo que más me interesa del cine son las relaciones humanas y lo complejas que son y el cómo somos torpes al relacionarnos”, confiesa Rodrigo Ruiz Patterson director de la cinta Blanco de verano

“BLANCO DE VERANO

es mi primera película, así que trate de contar algo que me fuera muy personal, algo que pueda contar mejor que nadie. Ahora creo todo lo contrario y estoy tratando de hacer exactamente lo opuesto, pero en ese momento ese era un poco el mantra.

“Me clavé en mi adolescencia que es algo que conocía, que ya había vivido y me acordaba que había tenido muchas emociones intensas para bien y para mal, entonces empecé a hacer textos, a entrevistarme con personas que me conocían, como una especie de psicoanálisis del cual fui tomando notas y escribiendo cosas.

“Llegué a un punto de escribir un guion que no funcionaba, era muy desbordado, me di cuenta que mi vida no era tan interesante como creía y con el otro guionista decidimos crear una ficción, hacer personajes que si bien venían del mismo campo de cultivo que mi infancia-adolescencia eran de ficción y queríamos que fueran complejos, tridimensionales y puestos en una situación de conflicto que los llevará a lugares interesantes y ver qué sucedía”. ¿Cómo fue explorar esta relación con los celos del hijo (Adrián Rossi) hacia la madre (Sophie Alexander)?

Interesante. Lo que más me interesa del cine son las relaciones humanas y lo complejas que son y el cómo somos torpes al relacionarnos. Creo que ahí en esa relación había un campo de cultivo para explorar esto, pero también que cada quien tiene sus formas de expresar el amor y no necesariamente son similares, no las perciben igual. Fue un proceso largo, interesante, a nivel de psicología fue una interesante exploración y generalmente me interesan las relaciones y lo complejas que son, es mi mero mole, lo que me gusta. ¿Cuál fue el acercamiento con la actriz Sophie Alexander?

Le hicimos casting. Para los personajes de los adultos tenía cinco o seis actores y cinco o seis actrices en mente que quería ver, no era un casting abierto. Con todas y con todos hablé, primero que nada les pasé el guion de la película y si les gustaba que vinieran a hacer casting, si no que no vinieran; sólo un actor me dijo que no iría al casting. Con Sophie Alexander fue así, le pasé el guion, nos vimos una vez antes del casting para platicar. A Sophie le gustó la película, hizo casting y a nosotros nos gustó ella y listo, le entró. ¿Y con Adrián Rossi?

También era su ópera prima, él no tenía experiencia.

Para ese personaje vimos más de 500 chavos, durante seis meses Miriam Blanco, la directora de casting, nos estuvo trayendo a muchísimos chicos de todas partes, con o sin experiencia actoral, vimos de todo tipo de chicos, de todo tipo de orígenes y al final nos decidimos por Adrián, a quien después se le dió un coaching actoral. Él fue el que decidimos arbitrariamente para que hiciera al personaje de Rodrigo.

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Rodrigo Ruiz Patterson

¿Cómo fue el recorrido de festivales?

Empezó en el festival de Sundance, fue el estreno que cualquier director se imagina, creo, para su película pues es un festival grande con historia, con atención mediática, donde automáticamente la película adquiere una vida propia, toma un agente de ventas, te la piden para otros festivales, se vende en algunos territorios, como que lo facilita todo.

Después de ser tan afortunado de estrenarse en Sundance, desafortunadamente la pandemia en cuestión de festivales llevó la película mucho hacia la virtualidad, no puede viajar. Fui al festival del Cairo, pero estuvo en muchos lugares, fue a Varsovia, Portugal, Málaga, en bastantes lados pero desafortunadamente no pude viajar, las funciones fueron en general virtuales, fue el primer momento en el que a todos nos cayó el veinte y nadie tenía ningún tipo de certeza con esto de la pandemia, si es que ya hay alguna.

Fue como improvisar porque incluso para el equipo de ventas de la película, que es una compañía muy experimentada, la situación era completamente nueva, también para los festivales. Por una parte la película llegó a mucha gente porque llegó esta onda de stremear las películas en los festivales, pero por el otro lado siento que se demeritó la experiencia estética de ver la película. Por un lado fue negativo, por otro positivo… Esa es ahora la pregunta del millón. ¿Qué tan difícil es levantar un proyecto de cine?

Es súper complicado, una tarea titánica realmente.

En mi caso soy muy privilegiado porque tuvimos este programa de la ópera prima del CCC, un programa que es una coproducción para exalumnos del CCC que no hayan filmado un largometraje de ficción, en coproducción con el extinto fideicomiso FOPROCINE, en que el apoyo era 50 y 50, aplicabas con un proyecto, un jurado hacía una selección y si ganabas se producía la película.

Por otro lado, tienes a los alumnos haciendo servicio social entonces no pagas sueldos, es un esquema muy extraño porque es muy profesional, pero también es muy estudiantil.

Fue una labor titánica, por eso si desaparecen los fideicomisos no hubiera sido posible filmarla de otra manera. Realmente fue una combinación entre disciplina, buena suerte y que las cosas se alinearon. ¿Cómo ves la nueva modalidad que abrió la pandemia, donde las películas ya no necesariamente pasan por los c ines?

Blanco de verano

La veo joven, todavía hay mucho que explorar, tiene cuestiones positivas y negativas. Soy más romántico y creo muchísimo en el cine, ni siquiera por el hecho del sonido y la imagen grande, creo que hoy en día en nuestra sociedad con déficit de atención -donde me incluyoel único lugar donde hay un pacto donde puedo permitirme a mí mismo no sentir ansiedad por no checar mi celular y no estar pendiente de más es en la sala oscura, en el cine, ahí hay un pacto que es distinto a si uno está viendo la película en la sala de su casa con las mil distracciones que eso implica. En ese aspecto pierde, pero por el otro lado una película independiente con el streaming nunca había tenido tantas posibilidades de llegar a tanta gente como hoy. Hay una ambivalencia interesante en la que todavía queda mucho por explorar, es muy joven esto todavía como para hacer una sentencia.

• Carlos Mora

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La realizadora habla sobre su ópera prima Coyote Lake, cinta protagonizada por la primera actriz Adriana Barraza y Camila Mendes ¿Cuál fue tu experiencia de hacer tu ópera prima?

Fue muy difícil por el hecho de que es ópera prima, es difícil conseguir que alguien te de esa primera oportunidad. Cuando terminé el guion lo metí a algunos concursos porque de otra manera no puedes lograr que la gente lo lea y conseguimos un poco de interés, pero el interés era para comprar el guión con la condición de que yo no lo podía dirigir porque soy primeriza. Es súper difícil porque no te quieren dar chance, pero cómo haces experiencia si nadie te da chance.

Terminamos de escribir el guion a finales del 2012, la grabamos a principios del 2018, entonces fueron todos estos años de espera, de conseguir a alguien que no solo quisiera la película sino que me dejara dirigir. Me impresionó mucho lo complicado que fue. ¿Cómo fue estar detrás de la cámara?

Fue la experiencia más maravillosa de mi vida, aprendí muchísimo. Trabajar con Adriana Barraza fue un sueño hecho realidad porque es mucho más de lo que uno se imagina, además de ser una excelente actriz es una maravillosa persona, tiene un aura, una energía súper contagiosa, llena de amor y paz. Sé que suena muy cursi pero logras crear un ambiente muy seguro en el set que es buenísimo porque ser creativo es una cuestión

muy vulnerable y tener esta seguridad emocional en el set permite que todo el mundo pueda hacer bien su trabajo y Adriana Barraza hace eso, no sé qué tanto lo puede controlar o si simplemente nació con eso, pero es impresionante porque eso es esencial para crear ese ambiente en el set. ¿Cómo llegó Adriana Barraza al proyecto?

Este proyecto empezó desde hace mucho tiempo, fue mi tesis para graduarme de la escuela de cine, hice un cortometraje de la relación madre e hija. Me preguntaron que si pudiera tener a cualquier actor del mundo a quién sería y yo sabía que para mí era Adriana Barraza, pero jamás me imaginé que iba a suceder.

Cuando empecé a escribir la versión del largometraje, pensé “no tengo nada más que ofrecerle que un personaje” así que lo escribí con ella en mente, pensando en qué le gustaría a ella, qué es diferente a lo que ha hecho y qué es actoralmente atractivo para que ella diga “Muy bien no me importa que la directora es primeriza, que la película es de bajo presupuesto, ¡va!”. Lo escribí para ella y cuando terminé el guion, ganó el premio beca TAA del Tribeca Film Institute y se lo mando a su equipo con una carta explicandole que necesito que ella sea la madre, me contesta, y ¡me dijo que sí! Todavía no me la creo, veo el detrás de cámaras con ella y no me la creo.

SARA SELIGMAN

SE ABRE CAMINO COMO CINEASTA

“Me encanta que sí se está viendo el cambio y que hay tantas mujeres talentosas que se están abriendo las puertas (como directoras)”

¿Cómo surge el guion?

Empieza porque cuando estaba haciendo el cortometraje supe que quería escribir acerca de la relación madre e hija porque me parece interesante, hasta importante porque es el núcleo o centro más básico, el corazón de la historia, la emoción humana; en este caso es la necesidad que tenemos de relacionarnos y de la primera relación que formamos con la persona que nos va a criar.

Es esta relación madre e hija, que yo la lleve a un extremo, hacerlas cómplices de crímen, es una relación que puede tener mucha riqueza actoral en cuestión de matices, amas a alguien pero lo puedes amar mal, lo lastimas y es tóxico, quieres lo mejor para esa persona pero a la vez te gana el ego, eso me pareció muy divertido.

A mí como público me encanta el cine thriller entonces le quería agregar esta cuestión. Había visto en el periódico sobre una madre e hija que durante la Primera Guerra Mundial eran asesinas y no las cacharon porque era la guerra; me encantó esta idea de ser cómplices de algo tan obscuro y tan permanente.

Cuando me gradué, si quería dirigir tenía que crear mis propias oportunidades y eso incluía escribir un guion, escribí la versión largometraje de Coyote Lake y me encontré con que no quería hacer una película de época porque es muy caro, además no tengo ninguna conexión emocional con Francia. Estaba buscando un lugar en el presente con ese nivel de impunidad que permitiera que existan estos personajes y fue entonces cuando encontré otro artículo, pero ahora sobre la frontera sobre un lugar que se llama Falcon Lake donde una pareja de americanos fueron a pescar y al final del día regresa la esposa sin el marido y dice que lo que había pasado fue que un cártel mató a su marido, pero había muchas dudas ¿cómo logró ella escaparse sin que la lastimaran? o ¿dónde quedó el barco?

Había muchas cuestiones no resueltas y la policía no pudo hacer una investigación por el mismo hecho de que esa zona sí está controlada por los cárteles.

Se queda en eso la información que se puede obtener del caso, no hay desenlace ni forma de saber exactamente qué sucedió en esa historia. Pero cuando la leí me di cuenta que me funcionaba muy bien para que fuera el lugar donde viven esta madre e hija porque es una zona donde 18 |

hay un alto nivel de impunidad, además pensé que estaría padre contar una historia de algo que se ha contado pero ahora desde un punto de vista diferente, desde el punto de vista de una madre e hija que no comparten el pensar del crímen organizado aunque ellas mismas son criminales. Es terrible, pero ellas viven en este entorno y esas son las consecuencias de vivir ahí.

“Trabajar con Adriana Barraza fue un sueño hecho realidad porque es mucho más de lo que uno se imagina”

¿Qué otro género te gustaría explorar además del thriller?

No hay ningún género de película que no me guste, no creo tener el talento de dirigir musicales porque soy sorda al tono, no puedo afinar una nota aunque lo intente pero creo que esta idea de que como director te tienes que quedar en un sólo género no es necesaria. Para mí está película es un drama, un coming-of-age, pero a la hora de hacerlo me salí de la raya, no seguí las reglas y coloreé por donde yo quería, fue una mezcla de géneros. Creo que funciona y nos puede dar películas divertidas, no es necesario quedarnos en este cuadrito que alguien te pidió. ¿Piensas que el espectador disfruta de esta mezcla de géneros?

Está muy padre que el público tenga la oportunidad de demostrarle a las compañías productoras qué tipo de cine quiere ver pero tiene que ver ese cine. Si queremos más mujeres directoras, más cine de directores mexicanos en Estados Unidos, ver cine hecho en Estados Unidos con un elenco casi completamente latino, todas esas cosas se van sumando. Espero que el público se tome el tiempo de apoyar. ¿Qué opinas de que cada vez hay más directoras en el cine mexicano?

Es una combinación, estoy encantada, me hace muy feliz y es necesario, pero no hay que quitar el dedo del renglón porque falta más, sobretodo las compañías productoras que quieren diversidad tienen que apoyar a las mujeres porque somos la mitad de la población, entonces no hay un motivo por el que deberíamos ser un porcentaje tan pequeño de directoras, pero me encanta que sí se está viendo el cambio y que hay tantas mujeres talentosas que se están abriendo las puertas.

• Carlos Mora

COYOTE LAKE Directora: Sara Seligman Guion: Thomas James Bond y Sara Seligman Fotografía: Matthias Schubert

Coyote Lake

RELATO DE UN DUO DE ASESINAS SERIALES • Cinthya Salas

EN MEDIO de un bosque perdido entre la frontera México-Estados Unidos se encuentra una cabaña en la que se rentan habitaciones a viajeros esporádicos, lugar que está a cargo de una devota religiosa llamada Teresa, su hija Ester y Dirk, un empleado con problemas mentales. Su aparente vida tranquila cambia con la invasión de un par de intrusos, mismos que al poco tiempo de su estancia descubren la terrorífica verdad que oculta ese pequeño hotel a lado del lago.

Producida en el 2019, esta cinta de crimen y misterio encuentra en las cuestionables travesías provocadas por la inmigración un pretexto para crear una lúgubre historia, misma que propone dar una ficcional explicación de lo que hay detrás de algunas de las enigmáticas desapariciones humanas en los límites de estos dos países vecinos.

Con constantes diálogos en español e inglés, la ópera primera de la realizadora mexicana Sara Seligman, retrata la solitaria vida fronteriza y sus complicaciones: el peligro latente de vivir por donde trabajan los ‘coyotes’, las complicaciones de habitar una entidad de poca población, el descuido policiaco en las zonas, el tormentoso trayecto de los migrantes, la inseguridad causada por el crimen organizado y lo alarmante de vivir alejado de la sociedad.

Un largometraje que por un lado, cuestiona las relaciones parentales al mostrar una retorcida relación madre e hija guiada por la manipulación en diferentes

niveles de violencia psicológica. Maltratos de los que Ester en un principio es víctima inconsciente, pero que al pasar el tiempo la convierten en victimaria, continuando con el círculo vicioso comenzado por su madre.

Por otro lado, ilustra la persistente presencia de la violencia física en esa región con la ayuda de Paco e Ignacio, los inesperados invasores, que al contrario de las protagonistas admiten ser asesinos a sangre fría y traficantes sólo por su avaricia, ansia de poder y la búsqueda de una vida fácil. De esta manera, todos los personajes son dos caras de una misma moneda: violencia normalizada.

Este thriller estadounidense cuenta con la participación protagónica de la joven estrella de series C ​​ amila Mendes (Riverdale, 2017) como Ester y la reconocida actriz mexicana Adriana Barraza (Amores Perros, 2000) como Teresa; además de la actuación de Neil Sandilands (Proteus, 2003), Manny Perez (La Soga, 2009) y Andrés Vélez (Gasolina, 2008).

Así, Coyote Lake es el relato de un duo de asesinas seriales que matan bajo una bandera de salvación, al justificar sus actos con una moral distorsionada y una religiosidad extrema. A lo largo de los 93 minutos que dura la película, los personajes luchan por tener el control de la situación y dar ese primer paso que les permita ser quien apriete el gatillo en aquella tierra sin ley.

MIGUEL NARRO

HACE SU DEBUT EN EL CINE El joven actor participa en la cinta Días de invierno del director Jaiziel Hernández, en el elenco también está la primera actriz Leticia Huijara

¿Cuál fue tu impresión al saber que ibas a trabajar con la primera actriz Leticia Huijara?

Al principio estaba muy nervioso porque este es mi primer largometraje, es mi debut en cine, vengo de una escuela de teatro y es totalmente distinto el lenguaje cinematográfico a la actuación teatral.

Cuando veía a Leticia me encantaba porque fue como una escuela verla, ella era como un pez en el agua y yo decía “¡Wow! Ya entendí cómo está maquinando todo internamente para que salga esa potencia en pantalla”. Fue un honor, fue padrísimo, le aprendí mucho a Leticia, estoy muy agradecido.

Es tu debut cinematográfico, ¿cuál fue tu experiencia?

Para empezar vi lo difícil que es levantar un proyecto; si es difícil levantar un proyecto de teatro, uno de cine es cien veces más difícil. Me sentía con un poco de presión, sobre todo porque era el bebé de Jaiziel (Ópera prima) y yo quería que él estuviera contento con el personaje, con lo que yo estaba haciendo, así que seguí sus indicaciones. Jahiziel quería algo muy íntimo y al final me dijo “Muy buen trabajo” y pensé que si él estaba contento adelante. ¿Cómo trabajaste tu personaje?

Primero, el personaje sí tiene que ver conmigo porque pasé por lo mismo, aunque a diferencia de Néstor sí tenía muy claro que en el momento en que me pudiera ir de Saltillo me iba a ir, pero sí lo entendía porque a la fecha es difícil estar lejos de la familia e igual crecí sin una figura paterna, por lo que soy muy apegado a mi mamá; entonces sí era el mismo problema que yo tenía, dejar a mi mamá sí me costó, pero sigue siendo algo latente porque muchas amistades mías dejaron Saltillo, de hecho una amiga se acaba de mudar, aunque la ciudad está creciendo mucho, ya es un millón de habitantes, lo que me parece muchísima gente.

A pesar de que entiendo el motor principal de Néstor que es ‘quiero dejar la ciudad, pero me cuesta dejar a mi mamá’, trabajé esta creación de personaje porque quería verme diferente a mí y Jahiziel también lo dijo al principio de la filmación “quiero que hagas algo que sea muy

distinto a ti” y lo hice. Yo tenía 25 años cuando audicioné, el personaje tiene 22 y me decía “No, no te ves de 22” y yo le decía “Yo creo que sí, ¿no?” Bajé 11 kilos para verme más chavito y al final yo creo que parezco de 18 años, pero así pasa. ¿Qué sientes de ver la película en la pantalla grande?

Es muy gratificante, me siento muy agradecido, sobre todo porque soy primerizo en el mundo del cine. Por ejemplo, Leticia Huijara le comentaba a Jaiziel que le daba mucho gusto que haya logrado que su película se estrene en cine porque luego muchas películas se quedan en festivales y agarro eso y lo tomo como “¡Qué chido saber entonces que esto está pasando!” Se siente muy bonito y sobre todo por mostrar cine que pasa fuera de la capital, mostrarle a la gente la cara que tiene Saltillo porque conozco gente que ni siquiera sabía dónde estaba Saltillo y pensaba “No manches, en México vivimos muchas realidades”. También mostrar cotidianidades que pasan en Saltillo y no sólo mostrar que en el norte hay narcotráfico y demás. ¿Te has arrepentido de vivir y trabajar en Ciudad de México?

No, la verdad amo muchísimo la Ciudad de México, a veces me dan ganas de mudarme a otra ciudad, igual y si se puede más grande porque me considero una persona más de ciudad. No estoy arrepentido, pero obviamente yo quiero a Saltillo y cada vez que voy lo agradezco mucho porque estoy cerca de mi familia, cerca de mis amigos, la comida allá sabe riquísima y sobre todo volver a sentir esta tranquilidad, estar en la noche acostado y no escuchar ningún ruido también se agradece mucho. No estoy arrepentido de dejar Saltillo para nada. ¿Qué opinas de hacer teatro vía streaming?

Es muy difícil, luego se te puede ir el internet, se te trabó y ya no escuchaste el diálogo. Sí es una experiencia complicada, pero admiro muchísimo a todos los actores que lo hicieron porque eso habla de una pasión muy fuerte, que siguen queriendo que el teatro siga vivo.

• Carlos Mora

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Días de invierno UN DRAMA FAMILIAR QUE NUNCA PIERDE LA LIGEREZA • Alejandra Lomelí

EN APARIENCIA, Días de invierno tiene todos los elementos de un coming-of-age, pero el primer largometraje de Jaiziel Hernández es un filme rico en niveles de lectura que clasificarlo como tal lo limitaría más que definirlo. Es en definitiva una observación de vidas estancadas, de personajes que no están seguros sobre cuál es el camino que deben tomar en sus vidas.

Un drama familiar que nunca pierde la ligereza de lo cotidiano y que alude a la empatía del espectador a través de cuestionamientos que todos nos hemos hecho en algún momento.

El argumento tiene dos frentes, por un lado, Néstor (Miguel Narro), un joven que vive en Saltillo y trabaja como recepcionista de un hotel en el turno de la noche, cuyas aspiraciones de emigrar a Estados Unidos y obtener un trabajo estable se han visto truncadas debido a que, de entre sus hermanos, es el único que se ha quedado al lado de su madre Lilia (Leticia Huijara), sintiéndose con la responsabilidad de cuidar de ella. Por su parte, Lilia, es una mujer de mediana edad

DÍAS DE INVIERNO Director: Jaiziel Hernández Guion: Jaiziel Hernández, Máynez y Oriana Jiménez Castro Fotografía: Juan Pablo Ramírez

que recién perdió su trabajo, dicho suceso le hará reflexionar sobre las decisiones que la han llevado hasta el lugar emocional en el que se encuentra, las oportunidades que ha dejado pasar, pero también su renovada seguridad, aunque no sepa exactamente hacía donde seguir.

Detrás del guion inspirado en vivencias personales y de varios amigos coahuilenses, Hernández, quien se ha desempeñado como cinefotógrafo de reconocidos documentales y cortometrajes, muestra un solvente dominio de la narrativa y la construcción del ritmo a través del montaje, la iluminación y el lenguaje cinematográfico, en un filme en el que abundan las metáforas, ya sea el problema matemático que supone el “tropiezo” que llevó a Néstor a desistir de su carrera en las ciencias exactas; en el destino de un coach de vida que es, paradójicamente el retrato de un hombre fracasado, o bien, por esos días de invierno que suponen la frialdad y la crisis existencial por la que transitan los personajes.

ISABEL VACA PRESENTA SU

TEMPORADA DE CAMPO La directora conversa sobre su documental en el que toca los temas de migración y tauromaquia, vistos desde la visión de Bryan, un niño vaquero

Fue de paciencia, saber que había días buenos, días malos, días en los que decíamos que de plano no sacaríamos la cámara porque ese día no se filmaría, porque también hay que darles su espacio. En general todo bien, muy sorprendida porque pudo no haber funcionado, al contrario Bryan se prestó súper bien en todo el proceso y para contar la historia.

“Mi familia tiene un rancho de toros de lidia,

que es donde sucede toda la película y ese rancho existe desde hace 25 años y la familia de Bryan (personaje principal del documental) ha trabajado con nosotros desde que empezó el rancho. Crecí con ese rancho desde que empezó y estuve muy cercana al mundo del campo, los vaqueros y demás, siempre tuve esta inquietud de contar o compartir esta profesión del vaquero porque me parecía no se había explorado mucho, sobre todo vaquero de toros de lidia, que creo es distinto. Empecé a grabar, hicimos un teaser y ganó un fondo del Tribeca Film Institute y con ese fondo de desarrollo comenzó formalmente el proyecto.

“Lo que me pasaba era que no encontraba una historia, tenía imágenes muy lindas de los vaqueros, pero no había una línea narrativa. Me aventé como dos años yendo con ellos, una vez o dos veces para conocerlos, convivir, saber de qué platicaban, cuáles eran sus dinámicas, sus rutinas, las relaciones entre ellos y fue así que poco a poco me fui dando cuenta que quería compartir este mundo a través de la mirada de Bryan”. ¿Qué tan difícil fue trabajar con los niños?

Es doble complejidad porque son niños y no son actores, el documental es estar trabajando con tus personajes y crear relaciones para poder generar esa intimidad, porque al final incluso Bryan no había tenido ningún contacto con cámaras ni nada. Fue un trabajo largo, sí me costó, pero la verdad lo disfruté muchísimo, fue increíble. Nos volvimos grandes amigos toda la familia de Bryan con el crew, se formó una dinámica muy bonita en el rodaje, creo que ellos se iban acostumbrando a tenerme a mí todo el tiempo ahí; había veces que me iba sola sin la cámara y así poco a poco se fueron acostumbrando, después se involucraron mucho.

Hablas sobra la migración, un tema fuerte para menores de edad.

A Bryan le tocó crecer muy rápido porque le tocó tomar el lugar de su papá en la casa, entonces sí, de pronto es como un señorcito. Me interesaba tocar esos temas porque es algo muy cercano para él, tiene este tema de su papá que no lo conoce, se fue hace muchos años y me interesaba saber qué onda con eso porque me empecé a dar cuenta que había muchas familias cuyos papás lo hacían.

Un día fuí al pueblo y me di cuenta que en lugar de jugar policías y ladrones, juegan a la migra y al pollero, lo que me pareció muy fuerte porque es algo con lo que están acostumbrados a vivir. Pensé ¿de qué forma puedo plasmar esto? hicimos la escena del juego, les preguntaba de Estados Unidos y me parece muy lindo que digan “yo no quiero irme a la ciudad, yo quiero vivir aquí en el campo”. Me parecía importante plasmar esta parte de sus vidas.

Otro tema que toca el documental es la tauromaquia.

Bryan siempre me enseña videos de YouTube en los que lo que ponen ahí no es cierto, lo entiendo porque ellos son quienes crían a los animales y entienden este otro lado porque muchas veces la gente ve toros y tienen la imagen de plaza y de la sangre. Pero también existe otro universo detrás de eso, la película no se trata de los toros, es el contexto en el cual se desarrolla toda la historia, es una pieza muy importante de la historia porque al final tiene que ver con los sueños de Bryan, con lo que quiere ser y con su trabajo.

Pero no pretendía que a partir de la película ahora gusten los toros, eso es distinto. Simplemente es mostrar el punto de vista de los niños, que son muy transparentes pues te dicen las cosas como son. Puedes estar de acuerdo o no, pero deberías de saber, investigar un poco más, eso era algo que me interesaba mucho mostrar, ese otro lado de las familias que viven de eso.

• Carlos Mora

CARLOS MELÉNDEZ

“EL CORTO TIENE ALGO QUE A MÍ ME ENCANTA” El cineasta platica sobre su nuevo cortometraje titulado Hambre, “desde hace un tiempo quería hacer un cuento de hadas de terror”

¿De dónde surge la idea de hacer el cortometraje Hambre?

Llegó porque me empecé a clavar muchísimo en los cuentos de hadas, comencé a estudiar mucho ese tema y desde hace un tiempo quería hacer un cuento de hadas de terror. El cuento de hadas siempre ha tenido esta capacidad de funcionar como una alegoría, una metáfora de algo más, ya sea para una cuestión aleccionadora o para hablar de temas a profundidad pues tiene una estructura muy clara, y me empecé a clavar en su estructura.

Entonces comenzó a surgir esta idea, esta imagen primero que fue la del pozo y luego fue esta idea del hambre, cuando te dicen “comes como pozo sin fondo”, tal cual de ahí surgió la chispa primigenia del proyecto y que llevó a querer crear esta historia que era en origen un cuento de hadas de terror y que curiosamente fue dando pie a algo que fue sugiriendo lo que en latinoamérica es el cuento de hadas, que es el realismo mágico. ¿Cómo le haces para contar una buena historia en tan poco tiempo?

El corto tiene algo que a mí me encanta. Es más difícil para mí terminar de armar un corto que una película, porque en la película justamente todavía tienes espacio de desarrollo, escenas un poco más lentas que otras y en el cortometraje hay algo que es la capacidad de síntesis, es lo que se me hace maravilloso en la narrativa y que permite el cortometraje, el poder crear esa estructura.

Además es herencia del cuento, para mí los que tienen una estructura narrativa sólida, incluso en la literatura, es el cuento y el cortometraje porque tienen esa capacidad de contar cosas muy contundentes de manera sintética, es lo que les da su fuerza.

Algunos elementos interesantes del corto son las actuaciones de los niños y el hecho de que no hay diálogos…

Fue increíble encontrar a Damián Rodríguez, que además de ser un niño súper inteligente tiene una cuestión muy expresiva que es algo que queríamos mucho con el corto, volver a lo que para mí es la esencia del cine, la capacidad de contar una historia a partir de la yuxtaposición de la imagen y explotarla, era la gran apuesta que hicimos con ese corto. Tengo que ver mi capacidad, poniéndome a prueba como cineasta de decir ‘tengo que ser capaz de poder contar esta historia sin diálogos’ y regresar casi a lo que es cine mudo, el cine puro. A partir de esta sutileza de miradas, de juegos, que al final la ventaja es que los niños de manera natural podría decirse que son actores, por lo que la guía que les tienes que dar es muy poca.

Ha estado en varios festivales ¿cómo te ha ido? ¡Buenísimo! La verdad estamos muy contentos ahorita, se estrenó en septiembre en el festival Festival Dances With Films en el Teatro Chino de Los Ángeles, desgraciadamente no pude porque me quedé sin visa este año porque se me olvidó renovarla el año pasado, por lo que la productora Mar Mercado fue en representación del equipo. Fue una proyección fabulosa. Ahorita, afortunadamente, ha tenido mucha ruta de festivales, el Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Navarra, Festival de Cine de Terror de Molins de Rei de Cataluña, también es de los festivales más grandes de cine fantástico en España, en Nueva Orleans al Screamfest Horror Film Festival que es uno de los festivales más importantes del género en Estados Unidos. Estamos contentos y sorprendidos de poder compartir la historia, muy agradecidos.

¿Cómo ves el panorama del cortometraje en México?

Le ha ido súper bien, el corto es el lugar por el que tienen que pasar todos los cineastas, todos pasamos por ahí. Cada vez veo mayor calidad, de hecho me tocó ser jurado este año de cortometraje en el festival Macabro y me tocó ver cosas fascinantes, me gustaron muchísimo, veo un crecimiento a nivel de imagen e historias que es muy sorprendente. La verdad cada vez se abren más puertas en festivales nacionales para dar estos espacios de exhibición, que es un reflejo de empujar el cortometraje a que logre posicionarse en plataformas.

El cortometraje no tendría que verse como un preámbulo de un largometraje, son dos narrativas distintas; yo que ya he tenido la oportunidad de hacer películas sigo haciendo cortos porque hay historias que simplemente te piden ser contadas en ese formato.

Ya has hecho películas, ¿por qué regresar a hacer cortometrajes?

Me gusta mucho el corto. Además, ahorita el proyecto, el proceso de levantar mi siguiente película y con la pandemia hubo muchas trabas que han estado complicando el recorrido, por eso dije ‘volvamos al corto’ y también es una forma de estar trabajando constantemente tu oficio, por eso me encanta. Últimamente me han llegado muchas ideas de cuentitos y cortos, entonces ya estoy maquinando el siguiente, ya tengo muchas ganas de hacer igual otro cortometraje aparte de las películas que estoy levantando; entonces, es algo que la verdad espero en lo personal no dejar a un lado, me gusta mucho el cortometraje.

En cuanto a la audiencia ¿cómo sientes al público mexicano?

Creo que todavía le falta darle una oportunidad a muchas cosas, ahorita un poco el gran tema es que estamos compitiendo con catálogos de todo el mundo, eso nos permitió también abrir los gustos, pero siguen de la mano de las plataformas que son las que deciden lo que entra o no al catálogo. Todavía hay que abrirnos a explorar una diversidad de géneros, en mi caso, que me he estado enfocando toda mi carrera en el cine fantástico, veo que a pesar de que ha crecido muchísimo el cine fantástico en México todavía está renuente la audiencia para abrirle su corazón, todavía le cuesta trabajo decir ‘vamos a ver la peli de horror mexicana’.

Vamos ganando cancha y vamos demostrando que se puede hacer cine de horror de muy buena calidad en México, pero todavía la audiencia en general tiene que darle esa oportunidad a estos subgéneros.

En las plataformas los géneros que más éxito tienen son el horror y el cine fantástico de todo el mundo…

Totalmente, siento que ahí estamos viendo un renacer del género fantástico porque de cierta manera la realidad superó lo que habíamos imaginado en algún momento, la verdad que el mundo en el que estamos ahorita parece tal cual de cine fantástico. Creo que hay esa necesidad de crear ese símil entre lo que estamos viviendo y lo fantástico. La gente se está abriendo mucho más a esos géneros, creo que el que falta por abrirse en México es la ciencia ficción pero quiero creer que estamos a muy poco de que empiece a detonarse. ¿En qué otros proyectos andas?

He estado trabajando curiosamente para cine documental, terminé un proyecto del que ahorita no puedo dar a conocer el título públicamente, pero que es una serie documental en la que estoy con otro grupo de directoras y directores que espero estar estrenando el siguiente año. Estoy levantando también un largometraje documental del que muy pronto estarán escuchando.

Aparte estoy levantando una serie de televisión, de esa sí puedo hablar, es un programa que se llama Hashtag Viral, se está intentando levantar para Estados Unidos desde hace un par de años, es un thriller en el que ocurre todo en las plataformas de internet. Ese proyecto lo hemos estado empujando, lo coescribí con Mateo García que escribió Desierto (2015) de Jonás Cuarón, con él estuve trabajando desde hace un par de años con miras de poder lograr el financiamiento de mi siguiente largometraje de ficción que también estará en el mundo de lo fantástico.

• Carlos Mora

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ILIA NA FOX “Creo que en el fondo todos somos fans de Luis Miguel, por eso estamos viendo la serie” • CARLOS MORA

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La actriz participa en la tercera temporada de la serie de Luis Miguel, da vida a la productora Carla González. ¿Cómo te sumas al proyecto?

Hice un casting, ahora en tiempos pandémicos los castings se hacen en casa y lo mandas, te fotografías y así fue. Hice el casting, que en realidad fue pura improvisación, me dijeron “la escena se trata de esto, improvisa”, así fue y me quedé. Me quedé muy contenta porque como mucha gente soy muy fan de la serie y además a mi personaje le tocaba justo trabajar con Diego, me emocioné mucho. Dije ¡qué diversión, qué maravilla! ¿Qué opinas de la serie?

Me encanta. En un principio, sí me tardé en verla, pero la verdad la empecé a ver y me enganchó rapidísimo, está muy bien hecha, el trabajo actoral es muy bueno, la dirección y el guion. La verdad es que a todos nos da mucha curiosidad, Luis Miguel es un personaje histórico en México e internacionalmente, histórico en el medio artístico, nos ha dado muchísimo. Hay mucho misterio alrededor de su vida y de quién era, de pronto dejamos de saber de él, por ejemplo había cosas que yo no sabía, como lo que le pasó en el oído; medio intuíamos cosas de su familia, pero en realidad no sabíamos.

Creo que por eso nos picamos todos, él ha tenido una vida interesante pero triste, con muchos matices a veces no muy agradables para él.

Me parece muy bonito que al fin se haya atrevido a abrir su vida de esa manera y a desnudar su alma y realmente habernos contado todas las cosas por las que pasó.

Te pareces mucho a Carla González, ¿platicaste con ella? ¡Sí! Ahora que me vi, sí me parezco mucho. Carla estuvo todo el tiempo, es muy trabajadora, estaba todo el tiempo en el set, estuvo mientras estábamos grabando viendo el monitor, viendo si le gustaba o no, estaba en todo. Para mí fue muy bonito porque no la conocía, poder hablar directamente con la persona que estás interpretando es un privilegio, además de que también es rarísimo, porque para ella era verme y nos botábamos de risa, nos tomábamos fotos. Ella me contaba cómo habían sido esas juntas, la manera en la que empezó a tener esta idea de esta serie y cómo fueron convenciéndolo porque él no quería, no estaba para nada de acuerdo, siempre había sido una persona muy privada, dentro de la fama gigantesca que tenía. Entonces ella sí me empapó de todo esto que había pasado. Fue un acierto haberlo convencido.

Foto: Juan Bautizta @juanbautizta Maquillaje: Liz Martinez @lizmartinezmakeup Pelo: Brenda Lemus @lemusbrendapeinado Vestido: Reina Díaz / The Pure Trend @thepuretrend Joyeria: Dangelo Joyeria @dangelojoyeria Agencia: Make it Prensa @makeitprensa / Diana Reyes @dianabrs

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¿Eres fan de Luis Miguel?

Creo que todos en algún momento.

Cuando estaba chavita era súper fan, me eché sus películas, me acuerdo que por su película Ya nunca más cantaba por todos lados sus canciones. Después, tuve un momento donde ya no, como que dije ¡Ahora soy rockera! Pero, después tarde o temprano regresas porque te sabes todas sus canciones y es un intérprete maravilloso, canta espectacular, es un guapo descomunal y la verdad es que tiene muchas canciones icónicas.

Creo que en el fondo todos somos fans de Luis Miguel, por eso estamos viendo la serie. ¿Quién no se sabe una canción de él?

Hablando sobre Luis Miguel como persona, ¿qué opinas del hermetismo que siempre lo ha rodeado?

Su vida privada, es su vida privada. Por supuesto, es una persona pública y con una fama a nivel como la que él tiene ha de ser muy difícil realmente mantener tu privacidad, pero cualquier ser humano necesita esa privacidad, esa soledad, ese espacio. Lo apoyo en eso, es fundamental, si no te enloquece.

Con las redes sociales, ¿crees que el artista debe de pensar en qué subir y qué no subir?

Cien por ciento, las redes sociales sí tienen su lado bueno porque puedes tener interacción directa con el público, lo cual es muy bonito, a mí me ha llenado de muchas cosas lindas y también me han dicho cuando no les cae bien mi personaje.

Por otra parte, estar ventilando cada momento me genera mucha ansiedad, no participo mucho en eso, en mis redes sociales se ve. Es algo que no entiendo, el por qué la gente está todo el tiempo subiendo stories y miles de cosas a cada segundo, entiendo que eso te genera followers y los followers te generan dinero, campañas y todo eso, pero todo tiene un precio. Trato de mantener mi privacidad y eso también incluye a las redes sociales. ¿Cómo fue para ti trabajar con Diego Boneta?

Fue maravilloso. Él lo hace increíble, él es Luis Miguel… Sus gestos, sus movimientos, la manera de decir las cosas, la manera de mirar. Además, me tocó traba-

Carla González Vargas e Iliana Fox.

jar con él caracterizado con una botarga, con protéticos en la cara, una cosa muy impresionante. Me acuerdo que una escena tiene un monólogo bastante largo y tenía mucha curiosidad de cómo lo iba hacer ¡No, qué bruto! Él se la sabe perfecto.

Aunado a esto, es una muy buena persona, es muy agradable trabajar con él, a todos los que estábamos en escena nos dio la bienvenida, nos trató muy bien, nos dio nuestro lugar. Me encantó trabajar con él.

Ahora las series se estrenan a nivel mundial ¿qué sientes de que tu trabajo se va a ver en tantos países al mismo tiempo? ¡No me había caído ese veinte! ¡Capaz que por ahí me sale un trabajo en, no sé, España o Argentina! Estaría padre, me encanta salir a trabajar fuera porque puedes conocer otros países, otras culturas, incluso dentro del país, ahorita acabo de hacer una película y estaba feliz porque nunca había ido a Chihuahua, conocerlo fue padrísimo.

Estás en otro proyecto.

Es una película muy bonita, de momento se llama 37 kilómetros, no sé si va a mantener ese nombre porque todo cambia. Es una historia que habla de los valores humanos, de quiénes somos, también de una cultura que a veces la tenemos realmente en el olvido, que es la cultura Tarahumara, lo rarámuri. La película exalta la diversidad de nuestro país, es una cinta que como dicen en inglés feel-good movie.

No sé qué tanto puedo contar porque todavía la están filmando en la sierra Tarahumara, pero habla de un maratonista, por eso habla de los rarámuris porque son los maratonistas más importantes del mundo. La película me ha tocado mucho el corazón, el director es Rafael Montero con quien yo ya había trabajado en una película que se llama Rumbos Paralelos (2016), él hizo también una película muy famosa que se llama Cilantro y Perejil (1998), es un director que me parece una persona muy inteligente, muy sensible y sobretodo muy seguro, sabe perfectamente lo que quiere y cómo lo quiere. Se ha preocupado por hacer cine que hable justamente de estos temas, sacarnos un poco de la violencia y los narcos, temas que verdaderamente ya son exagerados al estar hablando todo el tiempo de lo negativo de este país.

Exacerbar los buenos valores, los sentimientos y emociones positivas para dejarle al espectador algo lindo. Me encantó hacer esta película justo por eso.

SOFÍA ENGBERG UNA MUJER ESPIRITUAL La actriz de la serie La venganza de las Juanas, resalta: “soy creyente de las cosas energéticas” • CARLOS MORA

¿Qué fue lo que más te gustó de hacer a Juana Bautista?

Fue la oportunidad de reconectar con el estado de confianza en mí misma y en que todo sucede por una razón, está muy trillado, pero poder habitarlo en carne viva me encanta. También me gustó la oportunidad que tuve de acercarme a la lengua maya, por ejemplo; en el guion estaban escritas unas cosas donde hablo en maya, no se utilizaron, pero esto me ayudó a contactar con una lingüista, ponerme a estudiar, a la fecha sigo hablando con ella para ver de qué manera se puede rescatar las enseñanzas ancestrales que tenemos de esta cultura increíble.

El personaje tiene toques de misticismo. ¿te gusta ese tema?

Me encanta que el día de hoy todos somos seres espirituales, la única diferencia es que algunos estamos conscientes de ello y trabajamos con nuestra percepción de la energía y del lugar que tenemos en la sociedad. Soy creyente de muchas cosas energéticas, también mi intuición es algo que siempre escucho; obviamente, al grado de intuición, el grado de dudas porque muchas cosas tu entorno te puede decir cosas que no tienen nada que ver con lo que tienes que hacer en ese momento o al juego que estás jugando. No soy tarotista, pero respeto mucho todas las artes de adivinación, trato de no consultarlas a menos que sea un caso de grado mayor. Bautista tiene mucho en común conmigo, acerca de los horóscopos por ejemplo, tengo una enseñanza gracias a mi madre y a mi hermana, ellas son unas astrologas maya, por esa parte sí estoy muy conectada. ¿Cómo fue compartir con este grupo de mujeres talentosas?

Cuando Pepe Castro me dice “vas a estar con Renata Notni, Zuria Vega, Juanita Arias y Oka Giner, ¿Cómo te sientes?”, me quedé como “¡Madre mía, no las conozco!

Pero ya tendré la oportunidad de conocerlas”. Eso me pareció muy bonito, las conocí como personas primero, antes que como esa figura pública y son maravillosos seres humanos, estoy muy agradecida de haber estado en contacto con ellas desde este lugar, como personas reales, un lugar muy bonito.

Después, cuando veo la carrera que tiene cada una, el camino que las ha traído hasta La venganza de las Juanas y a lo que están haciendo cada una el día de hoy, pienso que fue muy sorprendente y muy admirable, todas son muy talentosas, trabajan mucho, todas tuvieron la oportunidad de estudiar desde muy pequeñas y eso se ve, para mí fue muy gratificante. Muy contenta de haber compartido con ellas.

La venganza de las Juanas

“La piel oscura es nuestra tercera raíz en México y ha estado muy opacada por lo que se muestra en medios” Las protagonistas son muy diversas entre sí.

Totalmente. Desafortunadamente por generaciones anteriores habíamos visto en América solamente proyectos más comerciales de gente blanca, que no está mal, solamente que sí creo muchas veces incluyéndome de niña siempre me sentí muy ajena, era muy raro encontrar a una persona de piel morena o nariz aguileña en pantalla. Me siento muy contenta de que Netflix esté haciendo este tipo de proyectos, la piel oscura es nuestra tercera raíz en México y también ha estado muy opacada por todo lo que se ha mostrado en medios.

Para mí ver y trabajar con gente de piel morena es muy esperanzador y gratificante. Estoy muy contenta de que una de las Juanas haya podido tener este color de piel y haberlo interpretado, por supuesto.

La venganza de las Juanas llega en un buen momento para recalcar la sororidad entre mujeres Estamos en tiempos mundiales, es preciso reeducarnos todos todo el tiempo, dentro de cada conversación, con cada grupo de amigos, es momento de estar muy atentos acerca de dónde vienen nuestros comentarios y nuestra forma de pensar para reconocer que venimos de una herencia que ha sido muy dolorosa para mucha gente. Creo que recordando el respeto, el amor y el servicio que tenemos en nuestra sociedad el mismo resultado va hacer que nos demos cuenta que todos somos parte de lo mismo. Precisamente entre mujeres es vital que estemos unidas, que seamos compasivas, que nos demos ese amor en lugar

de estar compitiendo como si estuviéramos trabajando en la banca internacional, somos personas. Creo que es un proyecto muy bonito que promueve esta hermandad y respeto aunque no seamos las mismas, aunque no pensemos igual, que tengamos esta capacidad de abrir la cabeza y escuchar, como nos gusta ser escuchados y también aportar lo que podemos aportar cada una, porque tenemos historias distintas no sólo en pantalla sino en la vida real, venimos de realidad muy opuestas. Es muy padre aprender este acto de respeto de aprender de dónde viene la otra y poder aportar lo que creamos que puede ser funcional. ¿Cómo ves que el crew también sea de mujeres, es decir, productoras, directoras, escritoras, etcétera?

Estoy muy contenta también. Tenemos a Erika Sánchez Su y a Fides Velasco, ellas fueron nuestra productoras ejecutiva y en línea, la verdad sí siento que yo tenía mucha más confianza en cosas que sentía desde mi lugar de mujer y que habían estos oídos, por eso me siento muy orgullosa también de la escritora Jimena Romero por haberse atrevido a hacer una reimaginación de un proyecto que fue de su padre y fue visto desde otro lugar, otra generación.

Obviamente, las mujeres estaban en otra posición, estoy contenta de que sí llegan haciendo cosas, me encantaría poder trabajar con directoras mexicanas como Alejandra Márquez Abella, Teodora Mihai, Natalia Beristain o Tatiana Hueso, que están haciendo cosas increíbles. Me da mucha confianza saber que estamos yendo para ese lugar.

NAZARENO CASERO

FRENTE A FRENTE Los actores Nazareno Casero y Juan Palomino interpretan a la leyenda de futbol en la serie Maradona: Sueño bendito

JUAN PALOMINO

CON MARADONA • CARLOS MORA

¿Qué tanto investigaron sobre la vida de Maradona?

NAZARENO. Fueron dos años, año y medio de preparación y muchas etapas, primero fue ver mucho material material que tuvimos segmentado en cada etapa de Diego Maradona; luego, fue comenzar a ver qué de todos esos gestos nos salían bien, cuáles teníamos que practicar para comenzar a desarrollar diferentes cosas desde técnicas vocales, hasta maneras en las de poner la cara para que cambiara algo de nuestra expresión y que en un perfil se pudiera ver lo que estábamos buscando.

Juan (Palomino) tuvo que subir bastante de peso, mientras Nicolás (Goldschmidt) y yo tuvimos que generar mucha masa múscular para mantener el peso de esas piernas en el campo de juego, fue un trabajo realmente arduo y hermoso.

Depués tener la responsabilidad de honrar al mito, porque por más que uno quiera Maradona tiene millones de maneras de ser leído; como hay personas, hay interpretaciones de Maradona.

Es un mito que hay que llevarlo adelante, honrarlo y contar algo porque si tenía algo o lo sigue teniendo es lo impredecible que es, es un personaje que no sabíamos para dónde; entonces tuvimos que crear todo ese universo que verán en la serie y si les gusta quiere decir que hemos cumplido aunque sea esa meta.

JUAN. Al margen de lo físico de cada uno, está también la precisión, la garra, la inteligencia, la sutileza de un director y showrunner como Alejandro Aimetta.

Estamos hablando, como bien dice Nazareno, de honrar a un mito, eso es dificilísimo, abordar un personaje que no existió y que fue creado por un dramaturgo o un guionista es complejo, pero atreverse a abordar la identidad de Maradona es toda una epopeya.

Quiero destacar esto, como decía Nazareno, tampoco nunca estuve antes en una producción tan grande con todos los elementos puestos para que suceda el hecho artístico y eso hay que celebrarlo. Creo que en estos tiempos tan complejos, por momentos así desde el campo del laburo, del trabajo en conjunto es muy gratificante.

En lo personal ¿qué significó interpretar a El pelusa?

NAZARENO. Es hacer la historia del superman pagano, hay algo del personaje que es de otro planeta, que tenemos la suerte o tan sólo la coincidencia de ser del mismo país (Argentina), que signifique tanto, un personaje que hizo siempre lo que quiso.

Me emociona porque es una historia de triunfo del niño pobre que se hace rey del mundo, es una historia que sólo la parábola que tiene es hermosa, es poética con todo lo bueno y lo malo.

Viendo de dónde viene, viendo cómo nace es algo magnífico.

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JUAN. Habla también de nuestra identidad, de Argentina. Hay personas que piensan que Maradona era mexicano porque muchos no habían nacido en esa época y entienden a Maradona por la tradición oral; pero, el concepto de identidad es muy arraigado, la serie representa mucho esa argentinidad nuestra de ser “los argentinos” y también de ser “los latinoamericanos”, la irreverencia, la rebeldía, la sutileza, el brillo y la oscuridad, todo eso conforma este personaje que es tan emblemático.

¿Qué opinan de la proyección mundial que dan las plataformas como Amazon Prime Video?

NAZARENO. La revolución ha hecho tanto que ya uno lo pasa, pero la posibilidad de que tengamos la opción de poder buscar en YouTube videos de Maradona hablando en conferencias ya es una pauta de que estamos ante una situación muy diferente a la que estábamos acostumbrados. El hecho de haya cambiado la televisión como cambió, que puedas ver lo que sea en el momento que quieras verlo, cuantos capítulos haya y los puedas ver todos juntos creo que cambia el paradigma del consumo audiovisual; entonces, para mí es: mientras más opciones tenga el espectador y en el mercado haya opciones, que inclusive como actor haya opciones para trabajar y posibilidades para mí y mis colegas, creo que esto es beneficioso.

JUAN. Es todo un cambio de paradigma de la televisión abierta y del cine, ahora para las plataformas, las series para las plataformas, es toda una forma de adaptarse. Creo que este caso, en la serie, la particularidad también es que respeta la identidad del país en el que está hecho, si bien la producción viene de afuera, pero se respetó ese latido.

Es fundamental también eso, que cada plataforma entienda que hay una identidad particular en la forma del relato, si bien los relatos tienen que tener una u otra forma o temperancia, es importante adaptarse a estos tiempos teniendo en cuanto las identidades de cada zona. El gran desafío es ese para poder seguir relatando con verdad, con identidad nuestras historias.

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El nuevo reto de

Claudio Roca

El actor da los detalles de la serie Malverde: el santo patrón, que se transmite por Telemundo, al lado del cantante y actor Pedro Fernández: “tiene ese toque que le da a sus personajes y hasta ahorita me ha gustado lo que he visto” ¿Qué te gusta de Secundino, tu papel en Malverde: el santo patrón?

Telemundo me ofrece el papel y ha sido de esas pocas veces que no tuve que hacer audición y no sé que habrán visto en mí para este personaje. Me invitan en la pandemia, este proyecto se iba a filmar en el año pandémico y se pospuso a enero de este año y ello les dio más tiempo para levantar el black out, levantar 11 o 12 edificios, construcciones que levantaron en un rancho en el Ajusco para hacer el pueblo de San Blas de Vaca y más tiempo para inmiscuir en el personaje de Secundino y en el tema de la bipolaridad que desconocía muchísimo, me dio mucho más tiempo para prepararlo de otra manera y ya no con prontitud. ¿Qué te deja este personaje?

Son personajes que son agarrados de a libra, que no escriben sobre ellos y que tuve mucha suerte de interpretarlo, es lo que me gustó mucho, creo que para que vuelva a haber otro personaje así en televisión puede pasar un tiempo, está muy bien escrita por Luis, si bien los actores metíamos algún diálogo nuevo, quitábamos uno, agregábamos algo en la escena mientras el director lo permitía, los bloques de cómo viene la escena, la tensión dramática, eso es la genialidad de Luis y su equipo. ¿Te imaginaste vivir en alguna época?

No, nunca me imaginé que se pudiera hacer eso en México porque ese tipo de set lo ves en EU, en Universal Studios y con un nivel muy alto, era una motivación de levantarte y decir lo que quiero es tener un llamado de 14 horas para poder estar allá, ni siquiera en nuestro celular teníamos señal, tal cual era involucrarte no había para otro lado.

Todos los actores, el crew estábamos al 100 y felices de grabar en un set así, con carrozas, caballos, el vestuario de Julio es brutal, un argentino que ha hecho cosas increíbles, es un tipo muy pensante y estudioso que se nota en el vestuario desde las telas, los colores, hay colores que no existían en ese tiempo, tiene muy estudiado eso y en cámara se nota mucho.

Malverde: el santo patrón

“Pedro (Fernández) es una persona pueblo que tiene la capacidad de juntar mucha gente, eso también tiene Malverde y será increíble” ¿Cómo fue trabajar al lado de Pedro Fernández?

Ya lo conocía, mi primer proyecto fue con él hace 9 años, me llevo muy bien con su familia, cuando empezamos a grabar y no teníamos a Malverde dije este proyecto tiene algo especial, que ya empezamos y no tenemos protagonista, después empiezan los rumores de Pedro, inmediatamente le marco a sus hijas para confirmar y no me decía nada hasta que ya lo confirmaron. Me puse muy feliz porque dije este cuate lo va hacer muy bien, él tiene muchas similitudes con su personaje de Malverde en cuanto a que es una persona muy pueblo, la gente lo quiere mucho, es el único actor que me ha tocado que se tiene que parar un llamado porque toda la colonia se enteró que estaba Pedro y no se podía grabar; es una persona pueblo que tiene la capacidad de juntar mucha gente, eso también tiene Malverde y será increíble. Y él tiene ese toque que le da a sus personajes y hasta ahorita me ha gustado lo que he visto. ¿Estudiaste sobre la historia de Malverde?

Por ahí de los 60 o 70 lo adoptaron como santo, pero de su vida leí un librito que no tenía más de 50 páginas, tenía cosas de ficción, de realismo mágico como la historia, que por eso la gente lo empieza a ver como santo, tal cual le disparan y no le pasa nada o desaparece como Batman, un tipo muy entre44 |

gado al pueblo, tenía raíces Yoremes, son cosas que no sabía que existían. Me emociona mucho contar estas historias mexicanas, historias nuestras y no una copia de otro país, cuando dicen es el Robin Hood mexicano es como sí, pero es más padre del norte en Sinaloa. Va a entrar Pancho Villa, Zapata, John Reed que es periodista, Porfirio Díaz es un gancho muy fuerte para lo que nos gusta la historia. ¿Qué te gustó de estar en esta producción?

Reconfirmé mi amistad con Pedro, conocí un nuevo gran amigo que es Alejandro Nones y es de esos pocos proyectos que me llevo muchos amigos, de producción, crew, de actores y actrices, Caro, Mark, es lo que me deja, más allá de que si le va bien o mal depende de la gente, un ejemplo muy claro es La casa de papel, era un programa que se estrenó en España le fue fatal y nadie lo vio, pero cuando estrena Netflix es un golpe que todos conocemos; ya el éxito de la serie el tiempo lo dirá. Me llevo amigos, una gran experiencia de reconfirmar la montada y unos seis meses muy bonitos con mucho frío y sin señal pero la pasé muy bien.

• Carlos Mora

HELENA HARO DE ESPAÑA PARA EL MUNDO

La serie El juego de las llaves y la película Black warrant, los nuevos proyectos de la actriz

¿Cómo te sientes del éxito que ha tenido esta segunda temporada de El juego de la llaves?

Muy contenta y muy orgullosa. El otro día estaba hablando con el productor, me decía que los números están increíblemente bien, que han sobrepasado las expectativas muchísimo más que en la primera temporada. Estamos muy contentos con el recibimiento. ¿Qué te ha dejado hacer el personaje de Carmen?

Muchísimas cosas, me ha cambiado todo tanto a nivel profesional, como a nivel personal, porque gracias a este proyecto he acabado mudándome aquí a México.

Tu personaje hace muy buen clic con Fabiola Campomanes y Hugo Catalán ¿cómo fue trabajar con ellos?

Fue padrísimo, Fabiola tiene una energía como de madre porque siempre está cuidando a la gente que tiene a su alrededor y enseguida, desde la primera temporada en la que sólo estuve dos semanas en México, ella me escribía, me invitaba a fiestas, me presentaba gente, fue ella la que me presentó a Marimar Vega, yo no tenía escenas con ella, entonces nunca la hubiera podido conocer y gracias a ella la conocí. En la segunda temporada nos hicimos todavía más amigos, además estábamos todos conviviendo en un hotel cuando salíamos de trabajar, entonces nos veíamos en la playa, en restaurantes, en el gimnasio, tuvimos mucha oportunidad de conocernos de verdad, cosa que creo se ve en la pantalla.

¿Tenías conocimiento de los demás integrantes del elenco, como Alejandra Guzmán o “La Tesorito”?

Increíble. Me sorprendió muchísimo Alejandra Guzmán, sólo tengo una escena con ella que es cuando estamos entrenando al personaje de Hugo Catalán, la veía también fuera del rodaje, pero tiene una energía increíble porque llega a un cuarto, a dónde sea, ella irradia esa energía, se apodera del espacio y creo que eso tiene mucho que ver, el cómo ha crecido y la experiencia que ella tiene en el escenario, pues los músicos saben muy bien cómo manejar los espacios.

Después con Laura León, con quien tuve muchas más escenas, fue muy interesante trabajar con alguien que tiene un trabajo muy diferente al mío, ella viene de telenovelas entonces ella improvisaba bastante, cosa que para mí fue refrescante.

La serie habla sobre la liberación femenina.

Es una de las razones por las que estoy tan orgullosa de trabajar en un proyecto así, la historia se cuenta desde un punto de vista femenino, son los personajes femeninos los que también lideran las historias o las minorías, como el personaje de Horacio (Pancheri) que es un gay reprimido que al final decide salir del armario, creo que eso es muy importante y que por eso la gente ha conectado tanto con la serie porque al final la sociedad no esta hecha para nosotros, por así decirlo. Es un tema muy bueno para las nuevas o las viejas generaciones, el ver la representación de hacia dónde puedo yo llegar, así si lo ves en algún sitio es más posible que uno llegue, por eso es importante.

“Las plataformas permiten que un proyecto se pueda ver en todas partes del mundo y hace que la gente reconozca esa mezcla de culturas, porque al final también lo vemos día a día”

El juego de las llaves

Las plataformas digitales actuales han permitido que, por ejemplo, haya actores mexicanos trabajando en España o actores españoles trabajen en México ¿crees que eso enriquece la cultura?

Muchísimo. Está pasando en todas partes, acabo de filmar una película americana y había un actor israelí y otro palestino, otro egipcio, otro dominicano, yo española. El hecho de que las plataformas permiten que un proyecto se pueda ver en todas partes del mundo hace que la gente reconozca esa mezcla de culturas, porque al final también lo vemos día a día.

Hay otro proyecto en el que estás trabajando, la cinta Black warrant ¿puedes compartir más detalles?

Claro, lo terminamos de filmar en Tijuana. Es mi primera película, y mi primera película americana en un papel un poco más importante; es un thriller de acción sobre un agente de la DEA que está buscando a alguien, mi personaje trabaja con la persona a la que buscan y al final acaba llegando a la DEA y se enamoran. Estoy muy contenta con la experiencia, muy agradecida, creo que va a traer muchas cosas buenas para mi carrera, comparto créditos con Tom Berenger y Cam Gigandet. ¿Cómo ves esto de que muchas películas van directo a cine y plataformas?

Lo veo como algo normal. Esas plataformas están produciendo muchísimo, sacando proyectos que se van haciendo, necesitan tanto contenido constantemente, más ahora con toda la

competencia que está saliendo. No me gustaría que se perdiera la tradición de ir al cine, sobre todo porque hay ciertas películas que tienes que ver en el cine por el sonido, por la imagen, por todo. A la gente le gusta demasiado ir al cine como para que se pierda del todo, o eso espero, porque es totalmente diferente verlo en tu casa, porque en casa estás con el celular. Ojalá no perdamos eso.

Y sobre el crecimiento de las plataformas.

Muy bien. Me comentaban el otro día que qué me parecía porque sí hay más trabajo, pero hay menos dinero, que no lo puedo comparar con épocas pasadas en las que los actores cobraban muchísimo dinero, así que a mí me viene muy bien. Es más fácil para mí trabajar en proyectos buenos, de calidad, que van a hacer emitidos en algunas de estas plataformas, así que ninguna queja porque mi trabajo se puede ver en todas partes del mundo, mi amigo en Australia, mi familia en España están viendo El juego de las llaves o gente que me escribe desde la India, desde Pakistán… Como actor es la mejor plataforma para enseñar tu trabajo.

Al final eso, el acceso a la cultura, es lo que enriquece porque antes también muchísima gente pirateaba, se descargaba las películas y no iba al cine y ahora pagas una mensualidad en una plataforma y pueden ver cientos de películas, por eso ha funcionado tan bien porque es muy rentable.

• Carlos Mora

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THANYA LÓPEZ

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THANYA LÓPEZ

APOYA A LAS NUEVAS GENERACIONES Participa en la éxitosa serie Control Z, donde da vida a Susana una maestra que es punto clave para la tercera temporada ¿Cómo te llaman para estar en Control Z? Por medio de casting, como normalmente se hace. Me convocaron, me avisaron casi al otro día que me había quedado con el personaje de Susana. De hecho yo casteé para otro personaje, fue para el personaje de Gabriel, la maestra que es gay, pero me hicieron el callback del personaje de Susana y quería quedarme con el otro personaje. La verdad fue una gran sorpresa porque Susana está bien padre y evolucionó muchísimo en la segunda temporada, estoy muy contenta con estar y poder compartir crédito con chavos tan talentosos, que aunque son talentos nuevos los admiro porque son muy trabajadores, muy clavado con su chamba y con su personaje, se agradece, siempre trabajar con gente comprometida tenga la edad que tenga o tenga la trayectoria que tenga es increíble, el siempre no perder la emoción de los proyectos es muy padre. ¿Serás un personaje central para la tercera temporada?

De la tercera temporada de verdad no puedo hablar nada, sólo se desenlaza todo lo que quedó sin resolver con Susana. Se sabrá qué es lo que pasó con cada uno y veremos más de estos rebeldes y de toda esta gente que hace y deshace, de todos los chicos.

Estoy muy contenta de seguir participando, espero tenga mucho éxito, creo que será muy esperada como la temporada dos, los fans de otros países y de México están muy a la expectativa. ¿Cuál crees que ha sido el punto clave

para que la serie sea tan exitosa?

Creo que los temas que se tocan son muy importantes, son temas de actualidad que no se pueden dejar olvidados, como el bullying, la violencia, en general creo que hablar de estos temas nos hace hacer consciencia. El hablar sobre las redes sociales, que es lo que sucede y lo que viven los chavos de esa edad, creo que es una de las claves. Obviamente también las actuaciones y que está bien escrita y bien dirigida. Lo hicimos con mucho amor. Todos los temas que se tocan en Control Z son temas tremendos, eso hace que tenga éxito.

Sobre las redes sociales ¿cómo las manejas?

No me gusta publicar todo, no va con mi personalidad, no es mi estilo, no soy así. Eso no me ayuda al engagement, soy otra generación.

Al final del día, lo hago porque lo necesito por el trabajo porque desgraciadamente hoy en día muchas producciones o marcas se fijan en los seguidores; aun así creo que no soy una chava que está todo el tiempo en redes, me gusta compartir fotos bonitas, tengo otro Instagram que se llama @thanyalpoezmisojos donde pongo fotos que tomo, mismas que deje de poner en las redes porque me decían que ponía puros paisajes, viajes y cosas que eran de mí, me decían que compartía cosas que no me ayudaban a subir seguidores, al engagement y desgraciadamente me di cuenta que era verdad, por eso me hice ese otro Instagram para ahí seguir compartiendo las cosas que no son sobre mí. | 51

Es una realidad y tenemos que vivir con eso sobre todo siendo actor y estando en el medio. No soy buena con el manejo de redes, sin embargo disfruto compartir cosas que me gustan, de mi trabajo, fotos de amigos más allá de que sea la modelo, son fotos de fotógrafos padrísimos, cosas de producciones.

Tratando de aprender de esta era, pero también siendo muy cuidadosa y cautelosa con el tema de que tenemos que ser conscientes de no clavarse tanto en las redes porque nos perdemos en tener que compartir todo, perder pláticas, una comida, de la familia, los amigos y eos no se debería de perder. Es una locura.

Las nuevas generaciones, los padres, deben de poner límites porque no los hay, los chavos están metidos todo el tiempo metidos en redes sociales y también es peligroso. No debemos compartir información que no debemos porque te pueden hackear una cuenta de banco, lo he escuchado y vivido a través de gente cercana. ¿Y tu individualidad, tu privacidad, el quedarte con tus cosas?

¿Cómo vives la llegada de las plataformas streaming?

Muy feliz de que haya oportunidades en plataformas, de que haya más trabajo para actores en las producciones. Muchas familias se quedaron todo este tiempo sin chamba porque no había manera de trabajar porque en este rubro nosotros necesitamos estar expuestos, físicamente y sin tapabocas. Espero se haga mucha consciencia de lo que está pasando en la pandemia Me gustaría agregar que ya está en Amazon Prime una película que hice hace como un año llamada En brazos de un asesino (2019) con Adrián Lastra, Alicia Sanz, Roberto Sosa y William Levy. También tengo mi marca de anillos llamada Resurrexion, colaboremos comprando moda mexicana, me siento feliz de poder ayudar con mi granito de arena • Carlos Mora

FICUNAM 12

La Universidad Nacional Autónoma de México, a través de la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales, la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas, la Coordinación de Difusión Cultural, la Dirección General de Actividades Cinematográficas y la Dirección de Literatura y Fomento a la Lectura, convoca al: 12º CONCURSO DE CRÍTICA CINEMATOGRÁFICA ALFONSO REYES “FÓSFORO” en el marco del Festival Internacional de Cine UNAM 2022 BAS ES 1 - DE LAS PE RSONA S PART IC IPA NT E S

Podrán participar estudiantes de bachillerato, licenciatura y posgrado de la UNAM, así como público en general y exalumnos, en la categoría correspondiente.

2 - DE LA INSCRIPC IÓ N

Para inscribirse, las personas interesadas deberán enviar a la dirección de correo electrónico concursofosforo@gmail.com los siguientes datos, a más tardar el lunes 10 de enero de 2022 o hasta llegar a 300 participantes: 1. Nombre completo 2. Nombre de la escuela a la que pertenecen (en su caso) 3. Categoría en la que concursan 4. Correo electrónico (al que se enviará toda la información e indicaciones) 3 - DE LOS TRABAJOS

Los trabajos deberán ser originales e inéditos, y firmados con seudónimo.

Se enviarán por correo electrónico (un solo correo) con dos archivos distintos en PDF: a) Archivo en PDF:

Nombrado de la siguiente manera: Seudónimo_títulodeltexto Incluirá la crítica, escrita en letra Arial 12 a doble espacio, con la siguiente información: 1. Título del trabajo 2. Categoría en que concursa 3. Seudónimo del autor o autora b) Archivo en PDF:

Nombrado de la siguiente manera: InformaciónSeudónimo_títulodeltexto 1. Título del trabajo 2. Categoría en que concursa 3. Nombre completo del autor o autora y seudónimo 4. Nombre de la escuela a la que pertenece 5. Número de cuenta o matrícula del nivel que cursa 6. Domicilio (calle, número, colonia, código postal, alcaldía o municipio, ciudad y estado), teléfonos (fijo y/o celular) y dirección de correo electrónico Los trabajos que contengan faltas de ortografía serán descalificados.

El tema de los ensayos es libre, pero deberá referirse a UNA de las tres películas seleccionadas por el Festival Internacional de Cine UNAM (FICUNAM), que serán exhibidas de forma virtual según el enlace que FICUNAM designe, exclusivamente para las personas inscritas en este concurso, quienes también deberán asistir de manera obligatoria al menos a uno de los Talleres sobre crítica cinematográfica que impartirán los maestros Jorge Ayala Blanco y Arturo Aguilar, únicamente para quienes participen en el concurso. Estos talleres también serán virtuales.

Las fechas de las PROYECCIONES son:

Miércoles 19 de enero de 2022, primera película, horario por confirmar Jueves 20 de enero de 2022, segunda película, horario por confirmar Viernes 21 de enero de 2022, tercera película, horario por confirmar Las fechas de los TALLERES son:

Lunes 24 de enero de 2022, de 12:00 a 14:00 horas Martes 25 de enero de 2022, de 12:00 a 14:00 horas El ensayo de crítica cinematográfica deberá tener una extensión de cuatro a seis cuartillas (incluida bibliografía y ficha técnica: nombre de la película, realizador/a, año, país, guionista, fotógrafo/a, editor/a, productor/a, protagonistas, música y sinopsis de no más de tres renglones).

El trabajo versará sobre la película que el o la concursante elija. El trabajo presentará los argumentos que sustenten los juicios de valor, estéticos y dramáticos sobre la película seleccionada. Los trabajos deberán ceñirse a las especificaciones mencionadas o de lo contrario serán descalificados.

La autoría de los trabajos participantes debe ser individual. No se admitirán trabajos en coautoría. En caso de que el jurado encontrara alguna evidencia de utilización de otras fuentes (Internet, publicaciones, etc.) sin ser citadas adecuadamente, el trabajo concursante será automáticamente descalificado.

No podrán concursar quienes hayan ganado en certámenes anteriores.

4 - DE LA R E CE PCI Ó N D E LO S T R A BA J O S Los trabajos deberán enviarse al correo concursofosforo@gmail.com La fecha límite de entrega es: Domingo 13 de febrero de 2022 a las 18:00 horas 5 - DE LA S CAT E GO R Í A S Y LO S PR E M I O S

Se establecen cuatro categorías: 1. Bachillerato (sistema UNAM e incorporadas) 2. Licenciatura UNAM 3. Posgrado UNAM 4. Exalumnos y público en general

Se otorgará un premio único en cada categoría, consistente en: • Lector Kindle de Amazon • Paquete de libros y películas • Publicación del ensayo en la revista Punto de partida • Participación como integrante del Jurado Fósforo de FICUNAM • 5 cortesías a funciones presenciales en sedes alternas del Festival

Las y los autores de los trabajos ganadores estarán en el entendido de que ceden los derechos de la primera publicación de su obra a la revista Punto de partida de la UNAM. El Jurado otorgará menciones honoríficas a los trabajos que considere relevantes en cada categoría, los cuales también recibirán un reconocimiento en la ceremonia de premiación.

Con el ánimo de proponer una nueva mirada al cine contemporáneo formada a partir del ejercicio de la crítica, FICUNAM creó el Jurado Fósforo, que estará conformado por las y los ganadores de las cuatro categorías del presente concurso.

El Jurado Fósforo otorgará un premio especial a una película de la competencia Ahora México de FICUNAM, concedido por uno de los patrocinadores del Festival.

6 - DE L J UR A D O Y LO S R E S ULTA DO S DE L CON C U R S O

El Jurado estará conformado por integrantes de la academia, cineastas y personalidades del medio cinematográfico de reconocida trayectoria. Su fallo será inapelable y se dará a conocer el día de la ceremonia de premiación. Los resultados del concurso se publicarán en el marco de las actividades de FICUNAM, así como en las páginas electrónicas de la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales, la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas, la Dirección General de Actividades Cinematográficas y la Dirección de Literatura y Fomento a la Lectura.

Los casos no previstos en esta convocatoria serán resueltos por las instancias organizadoras.

7 - DE LA C E R E M O N I A DE PR E M I AC I Ó N

La ceremonia de premiación se llevará a cabo en línea el viernes 11 de marzo de 2022 a las 12:00 horas, en el marco del FICUNAM. La asistencia virtual de las

personas concursantes es obligatoria y el enlace se les enviará vía correo electrónico.

Posterior a dicha ceremonia, las dependencias organizadoras contactarán a las y los ganadores para la entrega de los premios.

Todas las bases contenidas en esta convocatoria estarán sujetas a las disposiciones oficiales que se establezcan al respecto de la contingencia actual de la COVID-19.

MAYORES INFORMES: concursofosforo@gmail.com

“Agradezco muchísimo cada vez que la directora, productora, la voz cantante de la historia son mujeres, en verdad no me peleo para nada con esto, todo lo contrario, es muy refrescante”

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Pablo Astiazarán

“YA ES EL TIEMPO DE LAS MUJERES” EL ACTOR DA VIDA A CAMILO en la serie La Venganza de las Juanas, “fue la oportunidad de trabajar con Zuria Vega y con Christian Tappan, que son con los que más tiene contacto mi personaje, son tremendos actores a los que hay que aprenderles absolutamente todo. Fue una oportunidad gigantesca, estoy muy feliz con el resultado de la recepción. Es uno de los proyectos que dices ¡Mira qué bonito!”.

Fue un equipo liderado por actrices muy talentosas, ¿cómo fue participar al lado de ellas? ¡Fue increíble! Ya salgamos de aquello de ‘los hombres somos los que tenemos que llevar estrella poderosa y las mujeres son solamente acompañantes del hombre’ ¡No, qué horrible! Agradezco muchísimo cada vez que la directora es una mujer, la productora es una mujer, la voz cantante de la historia es una mujer, en verdad no me peleo para nada con esto, todo lo contrario, es muy refrescante, una visión innovadora, guerrera, buscona, propositiva, sensibles, es muy bonito. Nos urge salirnos de este estereotipo de que “el hombre sistemáticamente es más desde hace muchos años”; esta es una oportunidad más de corroborar cómo podemos trabajar juntos, y está perfecto.

Ahora cada día vemos más mujeres en una producción, desde tu experiencia de actor, ¿cómo lo percibes?

Una de las capitanas de este barco es la productora, el hecho de que ella todo el tiempo nos estuviera cuidando, regañando, procurando, velando por nosotros, se nota, es una energía diferente, no sé cómo decirlo, es muy bonito.El hecho de que las protagonistas de esta historia son mujeres, una vez más, se nota, no son estas lindas flores que nadie puede tocar, al contrario son unas guerreras, son luchonas y trabajan más duro que nadie y se merecen el lugar donde están.

Es un placer poderlas acompañar y compartir con ellas en esta historia que les tocó contar y eso está muy bien. No es nada más que “en esta ocasión a las mujeres les tocó ser protagonistas...”, ¡No! Lo hemos hecho tan mal que es una novedad que las mujeres sean las protagonistas o principales de una historia, eso está fatal, tenemos que romper con eso, que ya se vuelva costumbre una equidad y una igualdad.

¿Cómo ves esta nueva forma de consumir series en las plataformas digitales?

Me gusta mucho más, soy más adepto de eso, no es más que el próximo paso a una evolución que se tenía que dar porque por la situación del mundo actual, no nada más me refiero a la pandemia sino a la economía y a todo eso. Antes, había la crisis donde te perdiste el tráiler o el capítulo que porque estoy trabajando, por los hijos, por la familia, por lo que sea y ya no había manera, antes no había nada qué hacer al respecto, y ahora es muy rico poder ver a tu ritmo, a tu tiempo, lo que quieras, no te exiges tanto en aquello de ‘no te puedes despegar de la serie ‘, tú decides cuándo y cómo, eso me gusta mucho, cada quien es capitán de su propio barco, mucho más cómodo. ¿Consumes series de otros países?

Por supuesto, pero no solamente de otros países, veo sobre todo de mi país, porque primero que nada te enseña lo que estamos haciendo a nivel nacional y eso no solamente sirve para ver qué está haciendo el otro, sino para ver una idiosincrasia, cómo nos representamos y cómo nos vemos a nosotros mismos; lo mismo sucede al ver los productos de otros países, ¿por qué las series turcas son tan distintas a las mexicanas?, ¿por qué las series gringas son tan distintas a las coreanas?

Por ejemplo, ahorita aprovechando que la serie coreana El juego del calamar está de moda, eso no quiere decir que eso sean, no necesariamente, pero también quiere decir que de esa manera cuentan las historias, entonces nos abre un panorama no para contar las historias como ellos sino para también buscar nuevas maneras de decir ¡órale, esto no se había ocurrido!, ¡Mira eso jamás lo había visto así! o ¡Wow, eso está muy feo o muy bonito! Tienes el menú abierto a lo que quieras, di país y ahí hay algo de lo que quieras de ellos y eso está maravilloso.

• Carlos Mora

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• Francisco Javier Quintanar Polanco

SALMA HAYEK Y CHLOÉ ZHAO SE UNEN AL MCU

CREADOS POR UNA RAZA ANTIQUÍSIMA conocidos como Celestiales, los Eternals son seres dotados con diversos superpoderes, enviados a diversos mundos con el fin de erradicar de los mismos a una nociva raza de depredadores conocida como Desviantes.

Un grupo de estos Eternals llegó a la Tierra milenios atrás, y tras exterminar a todos los Desviantes que amenazaban al planeta, deciden quedarse en él esperando nuevas órdenes, y alertas a nuevas señales de la presencia de estos depredadores mortales. Como no envejecen, viven entre los humanos por siglos -siendo vistos por estos últimos como deidades-, atestiguando su evolución y progreso pero tratando de no intervenir directamente en dichos procesos, porque ello puede desatar impredecibles consecuencias.

Ya en época actual, y tiempo después de los eventos vistos en Avengers: Endgame, Sersi (Gemma Chan) y Sprite (Lia McHugh), dos de estos inmortales, descubren que los Desviantes han vuelto a la Tierra, pero ahora parecen más poderosos e inteligentes que antes. Y deciden contactar, advertir y reunir al resto de los Eternals, quienes tiempo atrás se separaron, se esparcieron por diversos puntos del orbe e hicieron sus vidas de forma individual. Pero estos reencuentros no serán sencillos, y la misteriosa muerte de uno de ellos hará evidente que hay algo más detrás del regreso de las monstruosas criaturas… y que hay una verdad que los Celestiales les han ocultado.

Con Eternals, la cineasta de origen chino Chloé Zhao (Nomadland) pasa del cine más independiente y autoral, a otro mucho más comercial y masivo, con un largometraje el cual forma parte de la Fase 4 del Universo Cinematográfico de Marvel. E intenta emplear mucho de su muy personal estilo visual y narrativo para darle una identidad propia a este relato inspirado en los personajes de la historieta creada por el maestro Jack Kirby.

Del mismo modo (y en un afán de tratar de ser incluyentes) los protagonistas son interpretados por un elenco internacional y multicultural, entre los cuales destaca la presencia de la mexicana Salma Hayek interpretando a Ajak, un personaje cuya presencia y conocimientos (así como su inesperado destino) serán decisivos para el curso de la trama.

El resultado de estos elementos, es un filme que busca ser mucho más introspectivo y filosófico a diferencia de otras producciones Marvel, pero que no lo consigue del todo, y termina funcionando en realidad como un mero puente que sirve para introducir nuevos personajes a ese universo, y preparar el terreno para el siguiente gran evento de esa franquicia… y para un nuevo equipo de Avengers.

2001: EL AÑO DEL CORRALITO Dónde ver: Estreno exclusivo en VOD / History Play.

A partir del 1 de diciembre

History presenta

2001: el año del Corralito

HISTORY estrena 2001: el año del Corralito, en el marco del vigésimo aniversario de los hechos que llevaron a la Argentina a experimentar la peor crisis de su historia. En esta nueva producción original, se busca explicar con lujo de detalles todos los antecedentes y acontecimientos que ocurrieron y las consecuencias que hasta el dia de hoy siguen viviendo los argentinos.

Este documental reúne testimonios de sus principales protagonistas para revivir, conocer y entender qué fue lo que sucedió durante los acontecimientos que configuraron el fenómeno social- económico y político conocido como “El Corralito”, es narrado por el actor argentino Ricardo Darín.

2001, el año del Corralito plasma con un alto rigor periodístico y de investigación la crisis política, económica y social más grande que la Argentina sufrió en las últimas décadas. Esta nueva síntesis es contada por sus protagonistas para revivir, conocer y entender qué fue lo que sucedió durante los acontecimientos que configuraron el fenómeno conocido como el “Corralito”.

Durante una hora, el documental de History intenta responder algunas de estas preguntas: ¿cuáles eran las medidas concretas que se implementaron con el corralito? ¿Cuál era el motivo? ¿Funcionó el plan? El puntapié es en abril de 1991 con el inefable Plan de Convertibilidad en donde un peso era equivalente a un dólar, para paliar de alguna forma la brutal hiperinflación que dinamitó el gobierno de Raúl Alfonsín.

A la potencia narrativa del documental se suma a una vibrante y vertiginosa edición de desgarradoras imágenes de archivo que marcó a fuego el comienzo del nuevo milenio en el país. Con voz en off de Ricardo Darín acerca al espectador, dándole un carácter intimista, visceral. “En Argentina todo hecho político es, en realidad, un hecho económico”, narra Darín como reflejo de esta tensa situación vivida por toda la sociedad que comenzó con palabras como “salariazo” y “revolución productiva”, espejismos en donde la clase media pudo viajar con facilidad al exterior, acceder a créditos hipotecarios y adquirir productos importados. Pero ese aparente estado de bienestar se pagó muy caro, 10 años después.

“Que se vayan todos empezó a ser un grito de guerra de la gente, tenían razón”, se sincera Eduardo Duhalde ante las cámaras mientras la olla a presión en la que se transformó Argentina derivó en saqueos a supermercados, escenas crudas in crescendo, para darle un marco a una bomba social que estalló entre la noche del 19 y la jornada del 20 de diciembre de 2001: la gente salió a la calle “indignada, cansada y, sobre todo, empobrecida”, destaca Darín. Las imágenes de la represión policial refleja el terror desde sus entrañas con entrevistas de ciudadanos que estuvieron en Plaza de Mayo. ¿El saldo? 38 personas muertas durante la represión en las calles.

RODRIGO GUIRAO

REGRESA A MÉXICO

El argentino vuelve a la pantalla mexicana para protagonizar el nuevo proyecto del productor Salvador Mejía EL ACTOR protagonizará la nueva producción de Televisa, Corazón Guerrero, que llegará a la televisión abierta por Las Estrellas, en 2022. En la historia compartirá créditos con los actores Alejandra Espinoza y Gonzalo García Vivanco.

Este proyecto marca el regreso de Guirao a la televisión tras haber participado en el exitoso melodrama Rubí, donde dio vida al personaje de Héctor Ferrer, co protagonista de la historia creada originalmente por Yolanda Vargas Duché.

Tras haber saltado a la fama en Nuestra Belleza Latina hace 14 años, Alejandra Espinoza debutará como protagonista de telenovelas tras aparecer en melodramas como Rubí, dónde conquistó a la audiencia en su papel de Sonia. Justamente en dicha producción, que formó parte de Fábrica de Sueños, trabajó junto a Rodrigo Guirao, y ahora volverán a estar juntos en esta nueva historia.

Por su parte, Gonzalo García Vivanco regresará a los foros tras haber participado en el exitoso melodrama La Desalmada, donde dio vida al querido Rigoberto.

Esta producción marca el regreso de Mejía a las telenovelas tras producir exitosos títulos como La Usurpadora, La Madrastra, En tierras salvajes y Las amazonas. Se espera que las grabaciones de Corazón Guerrero (título tentativo) arranquen en enero.

Rodrigo Guirao, nació en Vicente López, Argentina.

A los once años perdió a su padre y a partir de ese momento su crianza estuvo a cargo de su madre. Tiene dos hermanos, Gonzalo y Ramiro. Antes de volcarse por completo a la actuación, desempeñó diversos trabajos como electricista de un negocio de videojuegos, cadete, mesero y finalmente en publicidad como modelo. Ha estelarizado otras importantes producciones de Telemundo como Señora Acero y argentinas como Atracción x4, Rebelde Way y Patito feo.

CHARLOTTE Dirección: Tahir RanaÉric Warin Guion: Erik Rutherford y David Bezmozgis

Charlotte

RETRATO DE UNA ARTISTA ATORMENTADA • Francisco Javier Quintanar Polanco

CHARLOTTE SALOMON es una joven alemana de ascendencia judía quien vive en Berlín, durante los años previos a la Segunda Guerra Mundial. Como cualquier joven de su edad, Charlotte está descubriendo los sabores dulces y amargos de la vida y el amor. Su corazón y espíritu están rebosantes de vida, y alberga muchos sueños y anhelos; siendo el principal de ellos el deseo de convertirse en una gran pintora, arte para el cual demuestra tener cualidades.

Sin embargo, se topará con diversas barreras en el camino. La más dramática e insalvable de ellas tiene que ver con el ascenso del facismo en su país, el cual provoca que el antisemitismo se torne cada vez más virulento y agresivo, haciendo que la situación se vuelva tensa y muy peligrosa para ella y su familia, obligandola a autoexiliarse en Francia, donde se reencuentra con el amor y retoma su labor artística.

Pero un nuevo revés trastoca su vida nuevamente, y a raíz de un evento trágico descubre un terrible secreto familiar que se cierne amenazadoramente sobre ella. Impulsada por tan inquietante hallazgo, Charlotte decide enfocar todos sus esfuerzos en llevar a cabo una titánica tarea: pintar su historia y la de buena parte de su familia. Así da orígen a la obra intitulada ¿Vida? o ¿Teatro? (Leben? oder Theater?), compuesta por más de

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1300 ilustraciones que en conjunto, forman una especie de novela gráfica sobre su vida.

Con experiencia previa en el terreno de la animación, los directores Éric Warin (Bailarina, Alex y los Fantasmas) y Tahir Rana (Inspector Gadget, Bob el Constructor) abordan la historia real de la artista Charlotte Salomon, cuya existencia se vio oscurecida por dos grandes sombras: la del fascismo que la acosó a lo largo de su vida por su origen judío, y la del suicidio que siempre pendió sobre su cabeza como la espada de Damocles.

Y relata cómo, en respuesta a estas amenazas que se cernían sobre ella constantemente, atormentándola y destrozando en reiteradas ocasiones sus planes y proyectos de vida; Charlotte se refugia en el arte como una manera de alejar de sí tales adversidades.

El resultado es una correcta y sobria biopic que, en tono de drama, ofrece el retrato de una talentosa y sensible artista, perseguida por la fatalidad y quien a pesar de eso (o incluso, gracias a ello) desarrolló una obra notable.

Charlotte cuenta con el talento de la actriz Keira Knightley, quien le da voz al personaje central, y es acompañada de otros actores de corte internacional, como Brenda Blethyn, Jim Broadbent, Eddie Marsan y Mark Strong, entre otros.

LAS CONSECUENCIAS Dirección: Claudia Pinto Guion: Claudia Pinto Emperador y Eduardo Sánchez Rugeles

Las consecuencias

CUANDO EL PASADO EMERGE DEVASTADORAMENTE • Francisco Javier Quintanar Polanco

FABIOLA (JUANA ACOSTA) pierde a su marido en un accidente que ocurre mientras se encuentran buceando en profundidades marinas. A consecuencia de este infortunio, cae en depresión por varios años, y es presa de ataques de ansiedad, en los cuales siente ahogarse. Todo ello está afectando significativamente su vida personal y la relación con su padre (Alfredo Castro) y con su joven hija (María Romanillos). Al no funcionar la terapia psicológica y tratando de encontrar alguna salida a esa situación, Fabiola decide emprender un viaje hasta una apartada isla volcánica, y pasar un tiempo en una casa propiedad de su familia, a la cual no han vuelto en muchos años. Su hija y su padre le acompañan.

Pero una vez iniciada la travesía hacia allá, la tensión entre ellos comienza a aumentar, y el ambiente gradualmente se enrarece. Al llegar a su destino, las cosas empeoran: el reencuentro con la familia que reside cerca del lugar es todo menos grato. Por su parte, Fabiola percibe que tanto su hija como su padre le están ocultando ciertas cosas, anidando en ella sospechas las cuales no tardan en volverse abiertos conflictos y enfrentamientos, y estos a su vez provocarán que, gradualmente; salgan a la luz diversos (y muy sórdidos) secretos familiares.

Como su título lo indica, el segundo largometraje de la realizadora hispano-venezolana Claudia Pinto (La distancia más larga, 2013) se enfoca en las terribles consecuencias que un turbio pasado tiene en el presente de sus personajes y en sus relaciones afectivas. Pero también enfatiza el proceso de cada uno de ellos cuando, o bien

intentan evitar que sus secretos salgan a flote, o sencillamente son incapaces de comunicar verbalmente lo que les ocurre, creando suspicacias, confusiones y desencuentros que complican aún más su ya de por sí difícil situación.

La directora se apoya en un muy eficaz cuadro de actores para desarrollar su historia, los cuales le ayudan a crear personajes ricos en matices, complejos emocional y psicológicamente hablando; y que se encuentran en constante debate interno, por el choque de emociones y cuestionamientos que tiene lugar dentro de sus mentes. Desde luego, en este rubro el trabajo de Alfredo Castro merece mención aparte.

Para potencializar el relato, Pinto se vale también de los escenarios donde la trama se desarrolla a modo de extensión escénica de lo que ocurre con sus protagonistas. Así, una isla enorme y apartada, donde se encuentran un tanto aislados del mundo exterior, funciona como metáfora de su núcleo y entorno familiar hermetizado por años, al cual los sombríos eventos del pasado han terminado por alejarlos del resto del mundo. Una isla donde además mora un volcán, reflejo de las tensiones yacentes en las entrañas ocultas de dicho entorno familiar las cuales, en cierto punto, no tendrán más remedio que brotar a la superficie en forma de violento estallido.

Lo mismo ocurre con el océano el cual rodea la isla, símbolo de esos recuerdos (y verdades) perdidos en la vastedad del tiempo pero que, súbitamente, pueden emerger de las profundidades, e impactar en la vida de los personajes con la fuerza de una gran ola.

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COMALA Dirección: Gian Cassini

Comala LAS VERDADES DETRÁS DE UN ENIGMA • Francisco Javier Quintanar Polanco

EN SU ÓPERA PRIMA, el cineasta Gian Cassini decide abordar un tema muy íntimo y personal: descubrir la verdadera identidad de su padre, ausente de su vida desde años atrás, y quien (como muchas otras víctimas) falleciera en la frontera norte, a consecuencia de la guerra contra el narcotráfico desatada por el expresidente Felipe Calderón.

Para conocer más acerca de su progenitor, Cassini sostiene largas conversaciones con varios familiares suyos, quienes convivieron con su papá en diversas etapas de su vida. Y a través de esas charlas, ante el cineasta (y el espectador) se revela una enmarañada red de historias. Algunas se complementan, otras se contradicen, pero todas ellas en conjunto aportan detalles que se transforman en piezas de un complejo rompecabezas, sobre un hombre el cual decidió dedicar sus últimos años de vida al crímen, e incluso trató de ganarse su sustento como sicario.

En la novela Pedro Páramo de Juan Rulfo, Comala es el lugar al cual el personaje de Juan Preciado viaja para buscar a su padre. Y allí, a partir de las narraciones de distintos personajes, comienza a descubrir aspectos de la identidad e historia de su procreador… y de la suya propia. Esa es la razón por la cual el documentalista decide intitular Comala a su documental debut, donde él mismo empren-

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de un viaje a su propio pasado, para tratar de descifrar el enigma oculto en la persona de su progenitor.

De forma análoga a lo que pasa con Preciado, Cassini busca reconstruir por medio de los relatos de sus parientes esa compleja personalidad, e intenta ubicar en ese contexto, el lugar que ocupa su propia historia y la de sus familiares cercanos. Pero conforme la trama avanza, se da cuenta que ello no es fácil, porque los relatos a veces resultan opuestos entre sí. Sin embargo, esta diversidad de historias le hacen comprender que, en lo tocante a su papá, no hay una sola verdad, sino diferentes verdades las cuales en su conjunto, son indicios a través de los cuales puede comprender no tanto la verdadera identidad de esa misteriosa figura paterna, sino más bien los motivos y circunstancias que fueron determinantes para llevarlo a elegir su singular forma de vivir… y de morir.

Comala ha tenido un destacado paso por festivales especializados, el cual inició en septiembre con su estreno mundial dentro de la selección del Toronto International Film Festival, y continuó con su presencia en dos de los eventos cinematográficos más importantes que se celebran en territorio nacional: el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG) y el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM).

LLEGA A MÉXICO

THE NOWHERE INN,

CINTA DE LA CANTANTE ST. VINCENT THE NOWHERE INN del director Bill Benz estrena en México, la cinta cuenta con las actuaciones de Annie Clark (también conocida como St. Vincent, la artista ganadora del Grammy), Carrie Brownstein (Portlandia) y Dakota Johnson (Suspiria).

El relato que mezcla los géneros de falso documental, drama y comedia sobre la música de St. Vincent, la vida de gira y el personaje arriba del escenario.

Rápidamente descubren fuerzas impredecibles que acechan a la protagonista y a la cineasta que amenazan con arruinar la amistad, el proyecto y la vida creativa del dúo. Del cineasta Bill Benz (Portlandia, At Home With Amy Sedaris) llega un divertido retrato sobre la realidad, la identidad y la autenticidad.

Una historia de dos amigas cercanas que intentan mostrar la verdad sobre un tema complejo dentro del cuarto de espejos que es la vida artística y que amenaza con devorarlas por completo.

“Hemos tenido muchas conversaciones sobre la autenticidad y las diferentes expectativas impuestas a las estrellas de rock femeninas frente a las masculinas”, dice Clark. “Se le da tanta importancia al hecho de ser una persona normal que también resulta ser una estrella internacional”.

El filme tuvo su estreno mundial en Sundance Film Festival en el 2020 en la Selección Oficial Midnight, recibiendo muy buenas reseñas por parte de la crítica.

CLAUDIA SAINTE-LUCE REGRESA CON EL CAMINO DE SOL

EL CAMINO DE SOL, tercer largometraje, escrito y dirigido por Claudia Sainte-Luce y protagonizado por Anajosé Aldrete y Armando Hernández.

La película que tuvo su premier mundial dentro del marco del Festival Internacional de Cine de Morelia 2021, nos muestra a Sol, una mujer divorciada, que una noche cuando va a reclamar a su ex marido el pago de la pensión alimenticia, Christian, su hijo de siete años, es secuestrado. Este evento traumático la llena de rabia y frustración.

En su viaje para encontrar pistas del paradero de Christian, ella se irá desligando gradualmente de sus actividades diarias y su salud mental se verá afectada hasta el punto de alcanzar un estado por momentos delirante, pero la esperanza de encontrar Christian la mantiene a flote hasta el final.

Claudia Sainte-Luce quien con Los insólitos peces gato, ganó el premio a la mejor película en dicho festival en el 2013, comenta acerca de su nueva película: “ Traté de crear la trama en base a Sol, evitando caer en un cine de denuncia social que ilustrara la realidad. El drama está en el personaje, en voltear un segundo la mirada y perder lo único que te mantiene a flote. A medida que la historia se desarrolla, el entorno, su conducta irracional y en momentos delirante; la empujan a ser victima y verdugo en una sociedad donde la humanidad está en vías de extinción”.

Armando Henández quien además de protagonizar la película participa como productor, comenta: “A mi me encanto Los insólitos peces gato y de repente me llega está invitación de participar en esta película tan interesante y tan intensa, por lo que me siento muy contento de ser parte de este proyecto que toca un tema tan fuerte y tan sensible a la vez”.

El camino de Sol, es una cinta producida por Jaqueca Films, que será distribuida por Benuca Films.

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LA CAJA, DE LORENZO VIGAS, GANA GRAN PREMIO DEL JURADO EN LISBOA

La película mexicana, La caja del director Lorenzo Vigas ha sido galardonada con el Gran Premio del Jurado y el Premio Especial del Jurado a Mejor Guion en el Festival de Cine de Lisboa y Sintra.

Este premio es especialmente relevante considerando que el jurado que ha otorgado esta distinción incluye al Premio Nobel de Literatura J. M. Coetzee; la directora, guionista y productora, Maria Speth; el cineasta Emir Kusturica; la escritora, poetisa y ganadora del Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana, Ana Luisa Amaral, y la actriz británica Dolores Chaplin, nieta del famoso director y actor Charles Chaplin.

Basado en una historia original de Lorenzo Vigas, el guion fue escrito por el mismo Vigas, Paula Markovitch y Laura Santullo. La caja ha llevado a diferentes latitudes su mensaje sobre la paternidad y la búsqueda de pertenencia, demostrando que, aunque es una historia que ocurre en el México de la frontera, es una realidad con la que se puede identificar el público de cualquier lugar. La caja tuvo su estreno oficial en el Festival Internacional de Cine de Venecia como parte de la Competencia Oficial, recibiendo el premio Segnalazione Cinema for UNICEF, galardón que otorga

un grupo de jóvenes jurados y UNICEF Italia, marcando así el regreso de Vigas a Venecia después de haber ganado el León de Oro en 2015.

Además de su éxito en Lisboa y Venecia, La caja ha sido galardonada en diferentes festivales de Europa incluyendo el Festival Internacional de Cine de Thessaloniki (Grecia), donde la semana pasada Lorenzo Vigas obtuvo el Premio Especial del Jurado al Mejor Director. En México, La caja se presentó en el 19º Festival Internacional de Cine de Morelia con una gala especial para homenajear a uno de los mejores directores de América Latina.

40 NO ES NADA, NO HAY EDAD PARA ENCONTRAR EL AMOR

HBO Max presenta su nueva serie original 40 no es nada, un programa en la que podremos disfrutar las aventuras de tres increíbles y talentosas mujeres mexicanas: Fabiola Campomanes, empresaria y actriz; Thanya López, actriz, conductora y diseñadora; y Rocío Verdejo, actriz con 20 años de trayectoria, quienes en la cuarta década de su vida buscan tener una experiencia para divertirse, gozar y ¿por qué no? encontrar el amor.

Este “dating show” podrá verse en HBO Max a partir del 2 de diciembre, donde recorreremos con estas fuertes e indómitas mujeres, sus andanzas en las relaciones durante unas vacaciones en la playa en donde se divertirán y buscarán ejercer su libertad lejos de los clichés del compromiso y las ataduras.

Las protagonistas que participarán en esta travesía llena de consejos y de nuevos encuentros amorosos viajarán a una locación paradisíaca, para buscar suerte en su búsqueda sentimental, acompañadas por Flavia Dos Santos sexóloga especialista en terapias de pareja, quien les aconsejará y guiará cuando ellas lo necesiten.

Fabiola, Thanya y Rocío han dejado atrás los prejuicios, se preguntan qué es lo que buscan realmente en una relación y están dispuestas a conseguir las respuestas que las ayuden a sentirse plenas en términos sentimentales en 40 no es nada.

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JUANPA+CHEF

PRESENTA SUS HAZAÑAS CULINARIAS La gastronomía tendrá un nuevo referente gracias a Juanpa + Chef, una serie exclusiva de HBO Max donde podremos ver al ocurrente y espontáneo influencer experimentar, durante seis capítulos, una nueva aventura en la cocina.

En cada episodio Juanpa Zurita nos mostrará que las causas sociales, las risas y la elaboración de los platillos son una excelente combinación así como los ingredientes de cualquiera de las recetas que aprenderá a preparar de la mano e instrucción de icónicos chefs como Poncho Cadena, Daniela Soto-Innes, Toño de Livier, Paulina Abascal, Adrián Herrera y Alejandra Rivas.

Mientras pasa grandes momentos con sus seres queridos en la cocina, JuanPa descubrirá y confundirá ingredientes, compartirá anécdotas, conocerá nuevos

amigos, y hasta se hará de alguna que otra quemadura no grave... siempre con la mejor actitud, lleno de curiosidad y ganas de aprender, en esta producción no guionada basada en el exitoso show de Selena+Chef ganadora de un premio MTV por ser la mejor serie original. En esta versión muy mexicana, el carisma de Juanpa le imprimirá al programa un toque especial que llevará a la audiencia a vivir una experiencia muy divertida.

Desde la preparación de cócteles clásicos como la margarita, pasando por platillos exóticos como las colas de pescado, hasta realizar sofisticados postres como la pavlova, Juanpa Zurita le pondrá un sello muy personal a cada una de las delicias en esta producción que ha corrido a cargo de WarnerMedia Latin America en exclusiva para HBO Max.

erto Estrella, stanza Andrade, Alb z, Vadhir Derbez, Co de án rn Fe dro Consuelo Duval, Pe ra Hippo), cto du pro O (CE i Antonio Maur y Carla Alemán.

Antonio Mauri A.

MARIACHIS, SERIE QUE ENALTECE LA MÚSICA TRADICIONAL MEXICANA

HBO Max anuncia Mariachis, una nueva serie original mexicana donde la música y las tradiciones juegan papeles muy importantes. La narrativa de la serie, que recién inició filmaciones en México, promueve la resignificación de las relaciones familiares con un toque muy local, llena de fusiones entre drama y comedia, tradición y contemporaneidad.

Dirigida por Hammudi Al-Rahmoun Font (El Chapo) y Mario Antonio Mandujano Sánchez, la serie cuenta con un elenco de renombre que incluye a Vadhir Derbez (El Mesero), Pedro Fernández (Malverde: el santo patrón), Consuelo Duval (La Familia P.Luche), Regina Orozco (Los pecados de Bárbara), Antonio Mauri A. (Herederos por accidente, Luis Miguel: La serie) y Alberto Estrella (La Desalmada).

Inspirada en el cine de oro mexicano que vio nacer auténticos ídolos de Latinoamérica como Pedro Infante, Jorge Negrete, María Félix, Pedro Armendáriz, Dolores del Rio y Javier Solís, Mariachis es una comedia dramática con una mirada contemporánea y fresca donde se reflexiona sobre la manera en que se mantienen vivas las tradiciones mexicanas a partir de la promoción de la música como un método terapéutico.

Mariachis, producida por WarnerMedia Latin America en conjunto con Hippo, aborda temas universales como la familia y la importancia de la cultura en un país donde los valores y las costumbres son aún indispensables para la idiosincrasia de las personas.