Lienzo. El eco de la música

Año 1, Número 5, Octubre 2015

· EL ARTE LLAMA AL ARTE · AL RITMO DE LAS CAUSAS PERDIDAS · POETAS DEL BRONX · · UNA RELACIÓN GENUINA: INFLUENCIA MUSICAL · LA LEYENDA HOPI · UNA FELIZ MELODÍA ·

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EDITORIAL La música compone los ánimos descompuestos y alivia los trabajos que nacen del espíritu.

-Miguel de Cervantes Saavedra Como cualquier arte, la música es un canal que permite transmitir sentimientos, materializar emociones y pensamientos. El primer sentido que activa en los seres humanos, obviamente es el oído, sin embargo no es lo único capaz de estimular. La música tiene la posibilidad de provocar diversas sensaciones, abrir mundos, generar ideas y estimular la creatividad incluso; de otros artistas.

A lo largo de la historia la música ha estado presente en varias de las expresiones del hombre, podemos verla plasmada en las pinturas rupestres, ha servido como instrumento mágico-religioso, acciones bélicas y expresiones de nacionalismo; tienen una rúbrica musical y en nuestros días no se puede negar su influencia en otros rubros del arte.

De esta forma te invitamos a abrir tus sentidos y disfrutar de nuestra quinta edición, recordando que para nosotros cualquier soporte puede ser un Lienzo y en esta ocasión, la música es nuestro mejor pincel.

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DIRECCIÓN GENERAL: Karla Damián

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JEFA DE CONTENIDO: Sofía García Karla Damián JEFA DE REDACCIÓN: Yazmín Trujillo DIRECCIÓN DE ARTE: Ángel Hernández

REDACTORES Elisheba Arellano Alejandro Maya Luis Pantoja Hugo Díaz Ángel Hernández

En Lienzo, estamos abiertos a comentarios y nos encantaría mostrar tu trabajo. Si tienes interés puedes escribirnos a :

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RECOLECTARTE

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EL JUGLAR

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Gulnara Khamatova

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ZONA URBANA

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AL RITMO DE LAS CAUSAS PERDIDAS Por: Luis Pantoja

“El arte y la música como un canto de auxilio y pinceladas de buenas acciones, para lograr un objetivo que ayudará a quien lo pide con gritos silenciosos”.

Música y pintura; formas de expresión universales; tan cercanas y también tan hermanas que han subsistido prácticamente desde el inicio de los tiempos.

Estas artes son muy parecidas en aspectos como: armonía, ritmo, formas, composición, densidad, líneas, planos, al igual que los movimientos, contextos, etc.

Para poder lograr pinturas o música es necesaria la inspiración, para lograr llegar al tema que se busca expresar; ya sea un mensaje o una perspectiva entre otras tantas cosas. En ambos casos una puede ser inspirada por otra.

Desde tiempos inmemorables, el arte ha estado ligado a la música y un ejemplo de ello, son antiguas civilizaciones que pintaban en muros una forma de expresión como lo es la música.

Se han encontrado representaciones gráficas donde se ven cuernos muy similares a los que ocupan los nativos australianos llamados Didgeridoo; que no es más que un pedazo de tronco hueco al cual se le sopla por un extremo y produce sonidos conocidos como: guturales; este instrumento se utiliza para rendir tributo a un gran monolito ubicado en la montaña Uluru.

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Músicos y pintores siempre subsistiendo juntos y formando lazos; incluso hay artistas que juegan ambos roles como: Marilyn Manson, Paul McCartney, Roonnie Wood, DeeDeeRamon, Tony Bennett, Janis Joplin, Jerry García de Grateful Dead, John Lennon y Joni Mitchell.

Al día de hoy, aún podemos observar la unión de música y pintura en representaciones mucho más actuales, y un ejemplo de esto es la unión de el pintor Jacek Wozniak y el cantante Manu Chao.

Miembro fundador de la agrupación Mano Negra, el franco español José Manuel Arturo Tomás Chao, mejor conocido como Manu Chao, tiene entre sus ideales la defensa de los derechos humanos, causas sociales, gente marginada y otras cosas que siempre puedan beneficiar al que más lo necesita. Entonces es donde entra Jacek Wozniak un pintor polaco nacido en Cracovia.

Las letras de las canciones de Manu Chao con un sentido siempre social, fueron llevadas a un nivel diferente ya que con la ayuda de Wozniak, pudo trasladar todos sus mensajes a una forma visual con una colección que expresa, quizá, todo el sentir de la gente que no vive de la manera que desearía.

La colección se llama M.A.N.W.O.Z. y consta de veinte obras con colores vibrantes y bien definidos; colores sumamente cargados. Predomina el uso de azules, rojos y amarillos como paleta principal. Temas sociales como explotación infantil, libertad de expresión, trata de blancas, gente que no cuenta con un hogar, inmigrantes , desaparecidos, presos políticos y gente reprimida por situaciones injustas, son los que acaparan la atención de quien los aprecia y busca en cada una de estas piezas una perspectiva diferente y una realidad que no puede ver con sus propios ojos.

Son pinturas con referencias del arte africano, mexicano y español que profundizan poco en el tema del volumen, son más bien planas, con trazos simples , formas geométricas poco detalladas haciendo clara referencia al cubismo, segundos planos que juegan papeles importantes, ya que para descifrar los primeros planos, los segundos son esenciales; algunas representaciones descomunales como tomas de agua saliendo de la cabeza de algún niño con la piel cuarteada mientras a su alrededor, multitudes de animales muertos y una leyenda que dice: “No a la mina”, también gente de raza negra con miradas extraviadas, miradas como si estuvieran muertos, otra pieza nos da el mensaje de lo que viven los inmigrantes al ser detenidos y a veces maltratados por la policía fronteriza.

Considero que estas pinturas son el reflejo de una sociedad despiadada y sumamente explotada, donde únicamente importa el bien personal, donde la forma de llegar al objetivo es lo que menos importa, puedes afectar al de a lado y llevártelo entre las patas; en este caso se tocan temas de índole, por decirlo así, clandestino, pero ¿Qué hay de esos que explotan conforme a la ley? esos que explotan al trabajador con una paga mínima y sin prestaciones. Muchos gobiernos del mundo son conscientes de todo.

M.A.N.W.O.Z profundiza en lo que pasa frente a los ojos de pocos, pero que sin duda afecta a una gran cantidad de personas, un tema que está allá afuera, en

las calles. Una realidad de la que pocos quieren saber y todavía menos ayudan; se nota al mirar los cuadros, que esta colección, tiene bien claro de lo que se busca expresar. Lo anterior podría reflejarse en cómo transmiten la causa, ideas bien definidas en donde ningún elemento está fuera de lugar por muy raro que se vea o ajeno que pueda parecer al contexto plasmado. La mayoría de las obras contiene un mensaje textual con frases complementarias para las figuras que le dan un mayor entendimiento y un cierre al mensaje que se intenta dar.

Cuando se juntan cosas tan universales como éstas, sólo puede salir algo que mueva a más de uno y creo que la colección da mucho de qué hablar, es algo que no por que no lo veamos a diario cerca de nosotros significa que no pase; hay que tener los ojos bien abiertos y la mente otro poco, para ver que lo que vive cada quien es diferente y que mientras unos nos quejamos por que no queríamos esa marca de shampoo, otros padecen el ser abusados a un grado tal como son sus derechos humanos. Con estas iniciativas la sociedad se puede concientizar de muchas cosas que no están a primera vista y así poder lograr un cambio.

En mi opinión, es una idea muy humana. Gente que puede tener mayor difusión, amplia la posibilidad de que otros hagan este tipo de cosas, alzando la voz por el que no la tiene e incluso, por el que nunca verán.

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poetas del bronx

Por: Ángel Hernández

"Una de mis cosas favoritas en esta vida es escuchar a raperos salidos del barrio, el sentimiento que produce en ti al nombrar un lugar que sólo la gente de tu ciudad conoce, es indescriptible. Todo mundo ha sentido esa sensación cuando su artista favorito corea el nombre de su ciudad".

-Jay Shell-.

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ceso, es su hermano, fue él quien le implantó ese amor por el Hip-Hop y entre los dos, escuchan este género, hasta encontrar lo que buscan.

El concepto nació exclusivamente para los HipHop head´s, pero el éxito fue tanto, que hoy en día es difícil que una persona de Nueva York no sepa de "Rap Quotes". Argumenta que no le es imporCualquier espacio puede ser un lienzo, ideología tante si la gente lo ve colocando sus placas o no, que sigue Jason Shelowitz, mejor conocido como de alguna u otra manera, está mostrando la histoJay Shell, diseñador nacido en Nueva York. Toda ria del lugar, así que él no considera su movimiensu vida estuvo rodeado de cultura Hip-Hop, mis- to como un vandalismo real. ma que lo orilló a ser parte de ese estilo vida, pasando por el graffiti. Cada día fue creciendo su No quiere que su proyecto muera, quiere llevarlo amor por el street art. Amante de las bellas artes, más allá. Debido al robo de sus piezas, se ha condecidió dedicarse de lleno al diseño, para después vertido en misión imposible que su arte dure un convertirse en lo que hoy es: Jay Shell. tiempo digno para que la gente lo recuerde, desea encontrar patrocinadores para poder crear un El hambre de buscar nuevos medios para poder estilo "paseo de la fama", donde pretende colocar expresarse y el gran amor hacia su ciudad, lo lle- placas de bronce incrustadas al pavimento, para vó a crear el movimiento "Rap Quotes", campaña que de esta forma, su movimiento perdure. que intenta colocar letras de rap exactamente en el lugar que mencionan, así es como inundó todo La idea le dio la vuelta al mundo, desde PhiladelNueva York con su característico arte. Menciona phia hasta Sudáfrica la gente pedía que llevara el que la idea nació cuando trabajaba en casa, al concepto a sus ciudades. Cuenta que, trasladarsoltar unas líneas de Big L, sus compañeros inme- lo puede ser muy complicado, para lograrlo, tiene diatamente nombraron el lugar que menciona la que empaparse de la cultura del lugar, los artistas canción, he ahí cuando quiso mostrarle a Nueva más emblemáticos, usos y costumbres, algo que York que esquinas cotidianas forman parte de la no le molesta en lo absoluto, pero lleva tiempo y historia del Hip-Hop. dedicación, incluso el movimiento ha sido adaptado a las calles de Los Ángeles y Florida, y espera Acompañadas de un estilo muy similar a señali- llevarlo más allá de Estados Unidos. zaciones de la ciudad, con la finalidad de fundirse en el paisaje y pasar desapercibidas a primera vis- Ha logrado lo que pocos artistas, creó un movita, lo cual es una ventaja para aquellos que miran miento que ha trascendido y lo sigue haciendo. a detalle; ha logrado colocar más de 30 placas por Obras robadas, encarcelamientos, páginas de todo Nueva York, con letras de: Nas, Jay-Z, el MOP, internet para localizar los carteles, personas piMobbDeep, Big DaddyKane y muchos más. diendo a gritos que el movimiento vaya a su ciudad, reconocimientos por el mismo Spike Lee. Sin El proceso creativo tiende a ser muy complicado, duda, un gran exponente que vino a mostrarnos debido a la investigación y análisis con deteni- que el Hip-Hop va más allá de drogas y armas. miento de cada Mc nacido y formado en las calles de la ciudad. Cuenta que quien le ayuda en el pro-

“Cualquier espacio puede ser un lienzo, Jay Shell, creó un movimiento que ha trascendido, personas pidiendo a gritos que el movimiento vaya a su ciudad…Sin duda, un gran exponente, que vino a mostrarnos que el Hip-Hop va más allá de drogas y armas”.

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LA LEYENDA HOPI Por: Hugo Díaz

“Todo el mundo ha llegado a centrarse en sus propias vidas y sus propias indulgencias. Lo que nos lleva a cuestionar, ¿Sobre qué trata la vida humana?”.

Cuando vi por primera vez el tráiler de "Koyaanisqatsi", el comienzo abordaba el título "Francis Ford Coppola Presents" y la música pronunciaba el nombre del documental; con un cántico terrorífico y misterioso, que comienza a tener sentido desde el significado de la palabra: Vida fuera de equilibrio, dialecto hopi.

La película es un claro ejemplo de la narrativa que brinda el uso de la música, carece de diálogos. El sentido y el tono de este film, se logra al mezclar proyecciones de asombrosos paisajes, mientras una música misteriosa, compuesta por Philip Glass acompaña periodos de time lapse. Algunos la han descrito como un "Poema visual".

La música, llegó a un puto de fama y popularidad, que en tours mundiales tocaba la música en vivo mientras la película era proyectada. Por problemas de copyright, la película estuvo fuera de publicación durante la mayor parte de la década de los noventa.

El proceso transitorio es acompañado por música tranquila, mientras transcurren imágenes que diferencian la naturaleza de la ciudad y en ésta última, una población que se instala en algún lugar del planeta: "El mundo civilizado" donde es de día y es de noche. La vida continúa su curso sin importar el precio, consumiendo energía y utilizando recursos del mismo planeta.

común, el entorno de una eterna sociedad; retratando rostros con miradas que describen su forma de ver el mundo y sus ambiciones.

Un edificio derrumbándose, aunado a personas que continúan sus vidas en la ciudad de Nueva York (1985), desde la primera vez que capté esas imágenes, me hice una pregunta: ¿Cómo es que lo supo? Existe información a la que no todas las personas tenemos acceso o era tan predecible el atentado del 11 de septiembre.

Cohetes lanzados hacia el cielo, bombas y explosiones. El documental finaliza con una mezcla de imágenes en perspectiva desde el cielo (fotografías satelitales) mezcladas con imágenes de electro circuitos o microchips comparando su estructura. Sonidos que esconden algo y que nos da referencia a que algo ocurre en el mundo. La música, está compuesta por Philip Glass, llegando a un puto de fama y popularidad, que en tours mundiales tocaba la música en vivo mientras la película era proyectada. Por problemas de copyright, la película estuvo fuera de publicación durante la mayor parte de la década de los noventa.

El productor afirma que en la película, el lenguaje del ser humano, es un estado de humillación en donde con el paso del tiempo, el mundo en que vivimos se deteriora cada vez más, por la ambición del desarrollo tecnológico.

Al final, estamos solamente conduciendo una potencia económica que llamamos civilización, siendo una granja de cultivo para el desarrollo económico.

Imágenes de personas con estilos de vida en

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EL ARTE LLAM No cabe duda que el arte incita a ser expandido. Igual que cualquier disciplina artística, la música puede ser influenciada fácilmente por cualquier tema para crear una obra con mayor sustancia. En esta edición abordaremos cómo artes alternas han invadido el mundo de la música.

Cuando navegamos por diferentes disciplinas artísticas como consumidores o creadores, siempre hay que mantenernos atentos, ya que de pronto podemos estar consumiendo algo que fue inspirado por algún otro artista reconocido a nivel mundial o local.

En 1992, originaria de la ciudad de Brandoa en Portugal y liderada por "Fernando Ribeiro", nace la banda de metal; "Moonspell". Al inicio con tintes de black metal, pero en 2003 después de una larga búsqueda, llegan al género del metal gótico. La agrupación buscaba darle sentido a sus letras y aportarle más a sus fans. Ribeiro, al igual que su música fueron contagiados por la fiebre de la literatura portuguesa. Es el caso de un álbum llamado "The Antidote" que salió a la luz el 29 de septiembre.

Dicho material fue inspirado por los cuentos de "José Luis Peixoto" titulados "Antidotum". Éste escritor de la misma nacionalidad y pupilo de José Saramago, es el autor intelectual de tan profundo álbum.

Con respecto al libro; es un ejemplar lleno de fantasía en cada uno de sus cuentos. Éstos tienen un ambiente oscuro y algunos juegan con ser poemas en prosa. Su hilo conductor es el miedo, la pérdida y el aislamiento.

Sus personajes son mujeres sobrenaturales que no tienen piel que cubra su cuerpo, aldeanos desencantados

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de la vida, dioses nocturnos; y también está, omnipresente, la muerte, ese fenómeno que para Peixoto constituye el antídoto contra la desmemoria y la incomprensión del paso del tiempo.

Cada uno de los diez cuentos que compone "Antidotum", corresponde a una de las canciones del disco de Moonspell, aunque los dos son plenamente independientes. Ahí está la complejidad al imaginar el proceso creativo, de conceptualización, composición y traslado al inglés.

Ya que el tema es; el arte llama al arte, sólo puede ejemplificar mejor este fenómeno; "Capricorn at her Feet", track número seis del álbum que nos invita a imaginar romance y perdida en un mismo escenario, envuelto de matices lúgubres y arranques de ira. En la parte final de esta pieza es citado el inicio de "Requiescat", poema que fue escrito por Oscar Wilde en memoria de su hermana Isola, que murió aun siendo una niña. Esta es la muestra de que en una sola melodía puede converger más de una inspiración.

Es importante destacar que los lectores predilectos de dichos cuentos, tuvieron cierto rechazo ante las piezas musicales. Sabemos que la creación es diferente, pero también, lo celosos que podemos ser con aquellas disciplinas que nos apasionan. Eso también nos demuestra que no a todos nos puede gustar lo mismo.

Lleguemos hasta España y analicemos a dos personajes que son mi debilidad. "Héroes del silencio" y "Charles Baudelaire".

MA AL ARTE Por: Alejandro Maya

En junio de 1993 es lanzado el álbum "El espíritu del vino", si bien, todo el disco no está basado en "Baudelaire", es una influencia obvia en el poema "El alma del vino" del mismo poeta.

Es inevitable no relacionar uno con el otro, ya sea cuando lees "Las flores del mal" o escuchas detalladamente las piezas de "El espíritu del vino".

Como ejemplo claro, tenemos la canción "El camino del exceso", donde es mencionado "Blake" y le da título un “Proverbio del infierno" que dice: "El camino del exceso lleva al palacio de la sabiduría".

Hablando de autores oscuros, alguna vez "Robert Smith" de "The Cure" reconoció que la supuestamente racista "Killing an Arab", en realidad se basaba en "El Extranjero" de "Albert Camus", donde el personaje principal dispara a un árabe que está de pie en una playa, luego de mirar el mar y cegarse por la luz del sol.

Esta novela describe en forma muy detallada la carencia de valores del mundo como consecuencia de la frustración y la desesperanza en la que Europa quedó sumergida después de la guerra. De alguna manera la imagen que nos describe "Camus" del personaje principal, tiene relación con estilo post punk que nos brinda The Cure .

"Just like heaven" también canción de Robert Smith, está inspirada en el poema "Annabel Lee" de Allan Poe. Esta obra también trata de como el narrador tenía un amor tan fuerte con Annabel que los ángeles estaban celosos.

Insisto, estos géneros tanto en literatura como en música comparten muchos temas; llámese existencialismo, amor, tristeza o muerte y sugieren que el ser humano debido al aburrimiento y cotidianidad, se vuelve insensible, indiferente y hasta despiadado. Parecería que da lo mismo ser de una forma o de otra.

Continuando con el análisis, podemos descubrir que esto se convierte en un triángulo virtuoso, es momento de que el cine se una a este viaje. La parte visual también ofrece mucho para la creación artística y hay filmografías con bastante sustancia de dónde agarrar.

Resulta un tanto complejo hablar sobre vampiros, muchos hemos visto esta figura de una manera seria con respecto a las aportaciones artísticas que nos puede ofrecer, mientras otros la caricaturizan y denigran.

Para películas respetables en el tema de los vampiros tenemos a "The Hunger" (El ansia). Es una película magnífica. Creada en Reino Unido en 1983, dirigida por Tony Scott y protagonizada por Susan Sarandon, Catherine Deneuve y David Bowie. Deneuve, una actriz francesa de culto igual que el mismo film, interactúa junto a David Bowie, quien hacía sus primeras apariciones en pantalla grande. Sobra decir que Bowie en su materia (la música) es excepcional pero nos regala un trabajo inigualable en la película.

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Este film nos envuelve en temas de amor, sexo, pasión, olvido y desesperanza, con una atmósfera oscura y glamorosa. Así, llena de tan magníficas características llega a nuestros oídos "The hunger", pieza musical de la banda finlandesa "The 69 eyes" inspirada en la película.

La letra está dirigida a Miriam; personaje principal de la historia, aderezado con un buen rock gótico. En la canción cuestionan la forma de vida de la protagonista, hablan de la soledad e imposibilidad del amor. Este track lo podemos disfrutar en el disco titulado "Back and blood" del 2009. Un disco lleno de extravagancias, letras profundas y toques vampíricos.

No es coincidencia que el álbum se llamara de esa manera. "Bauhaus" es otro caso más de músicos influenciados por el cine.

La conexión que nos interesa en este volumen de Lienzo, es la relación entre sí de disciplinas artísticas. Cabe mencionar que la banda sonora de la película "The Hunger" es ni más ni menos que "Bauhaus". Banda de rock británica formada en Northampton en 1978. La agrupación tomó su nombre de la escuela de diseño alemana Bauhaus, creada durante la segunda década del siglo XX.

Por el momento es suficiente en este viaje que tal vez no notábamos que tenían relación una expresión artística con otra. Existen infinidad de bandas y canciones que están inspiradas en la literatura y el cine o viceversa, nos quedaron muchas obras y bandas sin mencionar pero ya volveremos a retomar el tema.

El sencillo debut de los británicos tomó como título "Béla Lugosi's Dead" y se publicó en agosto de 1979. Es una canción de 9 minutos, grabada en directo del estudio en una sola toma, con el cual se consagran como la primer banda gótica del planeta.

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"Béla Lugosi" fue el nombre artístico del actor de origen húngaro Béla Ferenc Dezső Blaskó, quien interpretó a Drácula en la película homónima de terror estadounidense en 1931, dirigida por Tod Browning. Es así como se unen dos leyendas. Por un lado, el clásico del cine que nos mostró y cambió la imagen del vampiro, por el otro, una banda legendaria, igualmente clásica, de culto e inolvidable, que modificó la música en 1979.

Al final de este recorrido hemos notado que William Blake tenía razón cuando decía percibir a las disciplinas artísticas como medios de un esfuerzo espiritual unificado y que son inseparables. Así que abran bien los ojos y oídos, para descifrar aquello que los artistas nos tienen preparados en el futuro. Recuerden que todo puede tener una conexión en cualquier punto para que hagamos de esto una gran familia que comulgue con el arte.

“William Blake tenía razón cuando decía percibir a las disciplinas artísticas como medios de un esfuerzo espiritual unificado y que son inseparables”.

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Una relació Influencia La música trasciende desde años, distancias, fronteras e incluso, sociedades. Existe una relación empática entre la música y la literatura, ya que ha sido una antigua y bien aprovechada colaboración que se produce entre distintas manifestaciones de arte.

importante, pues la música misma es un estilo de vida, un estado de ánimo e incluso, una forma de comunicarse. Ahora te pregunto, querido lector, ¿Consideras que la música puede tener influencia esencial en planos políticos, sociales y económicos?

La poesía nació unida a la música, canciones y rimas se emplearon en un principio, para que se recordaran comportamientos de la sociedad. Esta fusión ha abierto infinidad de posibilidades.

Para resolver esta incógnita, es necesario citar a Daniel Snowman y su libro: "Ópera. Una historia social". Un estudio vasto y notorio de un experto acerca del universo operístico de Europa y Estados Unidos.

Las relaciones que poseen ambas corrientes artísticas se centran en paralelismos, mutua influencia y similitudes, generando una simbiosis mágica que nos ayuda a ver de una forma más estética el mundo en el que vivimos.

Esta obra, impresa ahora en México por el FCE, con la traducción que al castellano realizó Ernesto Junquera para Ediciones Siruela, de Madrid, en 2012, aborda por primera vez la historia de cuatro siglos de la ópera a través de cinco temas fundamentales: político, financiero, social, tecnológico y artístico.

Un debate que en los últimos años se ha incentivado, gracias a las repetidas nominaciones al premio Nobel de literatura a Bob Dylan, es que, la música puede llegar a considerarse un género literario como tal. La lírica de Dylan es una poesía avasallante que ha ganado la admiración y respeto de muchos escritores y críticos de literatura.

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Si bien, la música ha sido esencial para el desarrollo de excelentes obras literarias, también existe un factor

Explica, además, que la ópera, es una obra dramática y musical en la que los actores se expresan mediante el canto, acompañados por una orquesta que, a diferencia del oratorio, se representa en un espacio teatral ante un público. Es una de las manifestaciones artísticas más completas que existen. Se desarrolla como una pieza teatral, donde la acción transcurre en los recitativos (momentos en los que los cantantes narran la historia)

ón genuina: a musical Por: Yazmín Trujillo

Elementos como la poesía, música, canto y decoración, se unen entre sí tan íntimamente, que no puede considerarse una sin que se consideren las otras. Su finalidad es deleitar no sólo al ánimo, sino también a la imaginación y al oído.

El texto principal con el que nos recibe Snowman en su obra, dice: "Muchos libros sobre la historia de la ópera se concentran en el tradicional trío integrado por compositores, obras e intérpretes… No va a ser en el escenario operístico en sí mismo o en lo que ocurre en sus dorados confines en lo que nos vamos a centrar. En este libro fijaremos nuestra mirada tanto en la oferta como la demanda; no sólo en la producción de la ópera sino, también, en su consumo; en los muchos nexos de unión que vinculan a los teatros de ópera con empresarios, monarcas y financieros, arte, artistas y audiencias…"

En esta obra, se sigue la historia de la ópera durante toda su propagación, partiendo de las ciudades al norte de Italia y de ahí, a toda Europa, América y el resto del mundo, hasta convertirse en un negocio global en la era digital. Para nosotros en la actualidad, es lo más sencillo ingresar a diversas plataformas en busca de un género musical, artista, álbum y canción. Tenemos miles de posibilidades que podemos obtener en segundos, y es algo

de lo que habla Snowman, mientras explica que, asistir a la ópera en la antigüedad, era todo un espectáculo de alcurnia, en el que sólo la clase social alta podía darse el lujo de presenciar.

La relación de Snowman con la ópera, no se limita, pues también hizo la biografía de uno de los fenómenos en este gremio: El mundo de Plácido Domingo. Es un complemento a los documentales y videos, con el mismo nombre, que grabó con el tenor mexicano en 1994.

Para las celebraciones en 2013 por los 200 años de Richard Wagner (1813-1983) y Guiseppe Verdi (1813-1901), la Royal Academy of Arts de Inglaterra, invitó a Snowman, a ofrecer conferencias en giras de cultura musical tanto por Beyruth, Alemania, como por Italia.

Básicamente, Daniel ha dedicado su vida a estar inmerso en este fascinante y particular mundo. Gracias a ello, le ha sido gratificante escribir, no sólo del contexto musical, sino de todo lo que conlleva y logra desencadenar.

La música en las artes, juega un papel importante, pues se trata del desfogue de cuyos artistas experimentan otra forma de comunicarse. Es fusionar un conjunto de maravillosas características, para crear genialidades.

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Considerada una de las relaciones más bellas, perfectas y productivas entre distintas especialidades artísticas. La interacción entre ambas artes, nos ofrece resultados prácticamente infinitos. De hecho, dicha asociación, nos permitiría hablar por ejemplo, de los Lieder (poemas cantados con acompañamiento de piano) tan típicos del Romanticismo, de la ópera y su evolución, con sus diferentes etapas, formas y compositores, de la Zarzuela (que surge en España como variante de la ópera), del Ballet, del Teatro y un largo etcétera.

Son tan vastos los ejemplos que existen en cuanto a la fusión de ambas artes se refiere. Incluso, ha sido un medio para terminar con los prejuicios ya que uno de los momentos excepcionales donde las mujeres han podido y querido expresarse libremente, es la producción artística musical.

Siguiendo en este tema, quiero recomendar el libro: Los sonidos del silencio. Aproximación a la historia de la creación musical de las mujeres. El descubrimiento de las mujeres compositoras que nos han precedido, tiene una enorme importancia para las compositoras actuales, en cuanto a la construcción genealógica y al conocimiento de las grandes personalidades anteriores.

Es un libro muy completo, ya que abarca temas como el lugar de las mujeres en la música, una visión androcéntrica, música occidental, antigüedad, edad media, renacimiento y barroco, entre muchos otros. No se trata de una simple narrativa feminista, donde se alabe a la mujer por sus dones y sacrificios para lograr ser reconocidas. Es una perspectiva amplia, con sustentos, ejemplos y bases históricas.

El texto inicia con una introducción donde se abordan las causas de la visión androcéntrica que ha impregnado el lenguaje musical de estereotipos sexistas y aborda la responsabilidad de teóricos y musicólogos en el mantenimiento de la construcción de cánones discriminatorios que han impedido el reconocimiento de la contribución femenina a la creación musical.

Un problema que, como indica la autora, Anna Bofill Levi, deriva en parte del escaso interés de la musicología, hasta las últimas décadas del pasado siglo, por el estudio de los contextos socioculturales en los que se inscribe la música.

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Se trata, por tanto, de un libro necesario no solo para melómanos, músicos o musicólogos de todo género y especie, sino también para el lector habitual, con sano juicio, que se pregunte hoy cómo es posible que ese silencio, que aún se traslada a los repertorios habituales, pueda haberse justificado con base a una supuesta incapacidad de la mujer para el pensamiento creativo.

La creación musical implica asimilación de cambios en la sociedad, sea cual fuere ésta y no es sostenible su auto-regeneración aislada de un ecosistema. En el caso de la mujer, la aplicación de esta vieja estrategia de discriminación se formula en ocasiones como elogio envenenado: si bien, como intérprete, puede dominar la técnica de un instrumento para traducir sensibilidades y pasiones que le son propias, la facultad creativa no le ha sido otorgada. Asumen que es algo natural, no es percibido como una “habilidad o don“, puesto que la sensibilidad es algo “nato“ en las féminas. Por el contrario, se alaba el esfuerzo de un hombre compositor, ya que su búsqueda interna, su reflexión y tenacidad, le permiten lograr piezas majestuosas, con mayor sacrificio.

A mi parecer, es una idea inválida, un pensamiento sin criterio ni lógica. No se trata de “sensibilidades“. Hay quienes creen que hablar de sensibilidad es sinónimo de mujeres. Pero este tema nos remonta al pasado, donde al hombre se le decía que no debía llorar, que debía ser fuerte y jamás mostrar debilidad. Simple machismo, ¿Es necesario llevar esa idea al ámbito musical en pleno 2015?

Así es como se devalúa el valor y el talento, aunque, a mi parecer, es un escudo, un pretexto absurdo para no reconocer que alguien tiene una capacidad mayor, que puede y sabe desarrollarla.

Es importante romper con estereotipos en cualquier ámbito, se trata de eludir la ignorancia, los aires de grandeza y superioridad que envuelven a individuos sin personalidad.

En conclusión, es abrir las puertas a la totalidad de un universo variado, con opciones distintas, que aportan y retroalimentan. Es nutrirse de un amplio conocimiento para lograr un criterio propio, defendible y sólido.

Mi conclusión anterior, aplica en todos aspectos.

“Las relaciones que poseen ambas corrientes artísticas se centran en paralelismos, mutua influencia y similitudes, generando una simbiosis mágica”.

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UNA FELIZ MELODÍA Por: Elisheba Arellano

Con la aparicioón de la radio en 1920, se estimuló una nueva técnica de venta que utilizaba la voz como reclamo. La primera emisora comercial nació el 2 de noviembre de ese mismo año, donde James Walter Thompson, publicaría un aviso explicando como debía ser la publicidad de las marcas registradas, eso fue el inicio de lo que hoy conocemos como branding.

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el ser humano, a través de ésta, se pueden transmitir infinidad de sentimientos y sensaciones. A todos nos ha pasado que escuchando una increíble canción, nos cambia el ánimo o toca nuestras fibras más sensibles hasta hacernos llorar.

Esto es bien sabido por los pioneros del jingle; México fue el primero con un anuncio en 1924. "Es encanto de las damas, y de los caballeros gloria, porRápidamente las compañías adoptaron slogans, que no hay nada más sabroso que pueda gustar mascotas y jingles, los cuales empezaron a apare- más después de fumar". Un producto yucateco, es cer en radio y televisión. el protagonista de este jingle al ritmo del danzón, pero ya saben… casi nunca se nos da crédito, así El "jingle" aparecería como una nueva forma de que se les atribuye a los estadounidenses por prehacer publicidad, ahora serían comerciales canta- sentarlo dos años después, aunque no serían realdos que se quedarían en la mente del consumidor mente impactantes y recordados hasta los años y sus recuerdos.

50, 70 y 90´s, cuando las marcas bombardeaban con temas musicales, siendo la rima lo más utiliSabemos lo que la música es capaz de hacer, sien- zado y así vivir su "época de oro". do de las expresiones más importantes que tiene

“Colegas, si fuimos los pioneros en el jingle volvamos a hacer mensajes que toquen de nuevo las fibras de los consumidores, hagamos de un simple spot un gran recuerdo…”.

Los jingles tienen un gran poder de motivar el recuerdo, unos breves segundos son suficientes para hacer recordar un anuncio, no solo son comerciales con una canción pegajosa, son tan poderosos que llegan a ser parte de nuestra vida.

creativos, fijarán un objetivo que debe ser muy claro, para saber qué es lo que quieren resaltar, como el atributo del producto, los beneficios, el eslogan, etcétera. Con todo esto, podemos ver que, quienes se dedican a esto, no tienen un trabajo sencillo.

Por ejemplo: si le preguntamos a nuestros abuelos, seguro recordarán ese jingle de Sal de Uvas Picot que decía; "burbujita, burbujita, burbujita de Sal de Uvas Picot cuando alguien tiene mala digestión, al instante burbujita entra en acción".

Actualmente, resulta imposible que un jingle vuelva a tener tanto protagonismo, debido al intenso bombardeo en los medios de comunicación para poder captar la atención del consumidor. En los últimos tiempos, se creó algo llamado "blinks" o "parpadeos", spots ultra breves que al segundo de O el de Coca-Cola "Quisiera al mundo darle ho- ser escuchado por el oyente, terminan. gar…"

Pero estos "parpadeos" no causan tal impacto Otro que marcó los recuerdos hasta el día de hoy como lo han tenido los "jingles", porque es más fáes el de Sabritas: "A que no puedes comer solo una" cil recordar un mensaje cuando no lo cuentan sino o los famosos "Sal SalSalSal Salvavidas…" lo cantan.

Más adelante escucharíamos jingles como; "A Duvalín no lo cambio por nada" o el de nuestra infancia (o al menos la mía) "Apache, apache, duran, duran, duran, duran…" o esos olorosos Bubble Gummers "los zapatitos más chavitos"

Es obvio que una canción pegajosa, genera un buen clima, dando sensaciones positivas para quien lo escucha. Recordemos que como publicistas, tenemos en nuestras manos el poder de crear love markers.

Cada uno de ellos, logró lo que un buen jingle debe hacer; facilitar el recuerdo siendo un mensaje corto, crear lazos afectivos porque todos en algún momento hemos cantado "Estaban los tomatitos muy contentitos…" y obvio, ser altamente persuasivo; a tal grado de no poner resistencia para escucharlos y lograr recordarlos hasta el día de hoy.

Colegas, si fuimos los pioneros en el "jingle" (creo que muchos no sabíamos) volvamos a hacer mensajes que toquen de nuevo las fibras de los consumidores, que se emocionen al escuchar y ver nuestro spot, estamos para eso, para hacer recordar a la gente, creando lazos con las marcas, hacer de un simple spot un gran recuerdo, para que en 40 años los que ahora son niños, lo recuerden con alegría y nostalgia, que se vuelva digno de contárselo a sus hijos

La creación de un jingle no debe ser un invento carente de trasfondo. Tanto las marcas como los

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EL JUG FESTIVAL JAZZ MEX

Evento mexicano que acerca este gran género musical de origen afroamericano, caracterizado por un fuerte protagonismo del ritmo y la improvisación, llega en la edición 2015 a deleitar tus oídos. Esteban Herrera Trío, te espera para dar un giro total musical.

Lugar: Centro Nacional de las Artes – Plaza de las Artes.

Dirección: Circuito Interior ó Av. Río Churubusco 79, Col. Country Club Churubusco.

Horarios: octubre 10, 2015. 13:30 horas. Entrada libre.

MUJERES DEL SALÓN DE LA PLÁSTICA MEXICANA Presentación del libro, donde enmarcan la importancia de la participación femenina a lo largo de las artes pláticas en México, evolución, procesos creativos, ejecución, colaboraciones, exhibición.

Lugar: Museo de la Ciudad de México.

Dirección: Pino Suárez 30, Col. Centro.

Horarios: octubre 06, 2015. 19:30 horas. Entrada libre.

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GLAR LEWIS CARROLL

Retrospectiva literaria de Charles Lutwidge Dodgson mejor conocido como Lewis Caroll, autor del libro “Alicia en el país de las maravillas” a 150 años de su publicación, por lo general se le considera una obra destinada a los chicos. Sin embargo, leyéndola detenidamente, podemos encontrar otros significados destinados a los adultos.

Lugar: Estación de Lectura. Local 2-A de "Un paseo por los libros".

Dirección: Pasaje Pino Suárez, Col. Centro.

Horarios: octubre 06, 2015. 14:00 horas. Entrada libre

LA AMARGURA DEL MERENGUE Tributo en el marco de su X aniversario luctuoso al Ombudsman de los chiflados: Jorge Kuri, autoproclamado "Embajador de la Luna" con la obra maestra de su autoría.

Producción y Dirección Francisco Turón ( L´enfat terrible del Teatro).

Lugar: Teatro SOGEM Wilberto Cantón Dirección: José María Velasco 59. Col, San José Insurgentes.

Horarios: octubre 05, 2015. 20:30 horas. $232 entrada general, 50% de descuento a estudiantes y maestros con credencial vigente.

MIRADAS FOTOGRÁFICAS La exposición dirigida por Arturo Fuentes Franco, "El Chato", es una muestra del proceso de aprendizaje honesto, emprendido por un heterogéneo grupo de aprendices que se acercan de manera genuina a la disciplina y al proceso creativo de una de las formas artísticas más universales: la fotografía.

Lugar: Centro Cultural España Dirección: Guatemala 18, Col. Centro.

Horarios: octubre 08, 2015. 11:00 – 21:00 horas. Entrada libre.

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La mĂşsica es un eco del mundo invisible.

-Giuseppe Mazzini-

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