Mvn117 by Revista Marvin

117

exhibir hasta: 05-feb-14

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MVN

DIRECTORIO PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ

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EDITORA Y COORDINADORA GENERAL JIMENA GÓMEZ

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COORDINADOR EDITORIAL Pablo PULIDO

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DIRECTOR DE ARTE ULRICH SANTA MARÍA

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EDITOR WEB ROBERTO GONZÁLEZ CLAPÉS

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jacqueline@revistamarvin.com WEBMASTER ERNESTO MAGAÑA

ernesto@revistamarvin.com MARVIN TV PEDRO VELASCO

MVN 117 :: ALMANAQUE :: REFLEKTOR DE ARCADE FIRE

MARVIN TV PABLO SEGOVIA

CONTACTO

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COLABORAN EN ESTE NÚMERO Luis Arce, Mariel Argüello, Jin Beast, Juan Nicolás Becerra, Enrique Blanc, Wenceslao Bruciaga, Lenin Calderon, Raquel Castro, Hugo García Michel, Alejandro Gonzáles Castillo, A.A. Gore, Jorge Grajales, Feli Gutiérres, Juan Carlos Hidalgo, Alex Malverde, Alejandro Mancilla, Azul Ramírez, Víctor Sánchez, Luis Arturo Solís, Paola Tinoco y Regina Zamorano. CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo Flores, Artemisa Hernández, Juan Carlos Hidalgo, Alejandro Mancilla, Leonora Milán, Mónica Ornelas, Humberto Polar, Nacho Rettally, Antonio Romay, Rafael Toriz, Nahum Torres, Carlos Verástegui.

RESPONSABLE DE DISTRIBUCIÓN Comercializadora GBN S.A. de C.V. Calzada de Tlalpan 572, desp. C-302 Col. Moderna. C.P. 03510. Benito Juárez, México D.F. Tel: (0155) 5618 8551

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MARVIN es una publicación mensual de Milvoces, S.A. de C.V. con domicilio en Calle Cozumel, 61 int. 4, Col. Roma Norte, C.P. 06700, Delegación Cuauhtémoc, México D.F. Tel/Fax:: (55) 1998 0808/1818.

VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD.

Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 117 correspondiente a: DICIEMBRE/ENERO 2014. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2011-100610180100-102. MARVIN es una Marca Registrada.

R O T K E L F re i E f 40 R E arcade D POR

TAD

MVN

G PÁ

INA

117 CONTENIDO

6 — BREVIARIO Perfiles y noticias de música, cine y arte

MÚSICA

14 — NEW KID IN TOWN Porque la moneda del hype tiene dos caras: Álvaro Díaz 16 — ESTRATOSFERA Propuestas emergentes interesantes: Provincia de Jaén, España 18 — Mogwai. Más allá de cualquier respuesta 20 — Eminem. MMLP2 x 22— Darkside. Entrevista a Nicolas Jaar 24 — Warpaint. De las guitarras al R&B: el tiempo lo cambia todo 26 — Against Me! Punk transgénero o la furia de no ser lo que quieres ser 28 — Ases Falsos. Fiesta en América 29 — HAIM. No hay bandas de chicos o chicas, sólo hay bandas 58 — DE CULTO Lou Reed. Memoria viva

RECUENTO DEL AÑO

30 — Los mejores discos 32 —Los mejores conciertos 34 — Lo menospreciado 35 — Las mejores bandas nuevas 36 — Los discos más vendidos 38 — Las mejores películas del año 39 — Las películas más vistas del año

CINE

56 — Blue is the Warmest Color. El desasosiego del final 60 — DE CULTO: El recuento de historias. Los almanaques cinematográficos

arte

52 — GALERÍA: Almanaques. Situaciones del tiempo 62 — DE CULTO On Kawara. ¿Qué día es hoy?

moda

65 — Marvin by MANDATORY The Perfect Shave

marvinismo 46 — Hype-ismo 2013

de fondo

48 — El razonable impulso de la mercadotecnia. Por Luis Arce

literatura

50 — Los 10 escritores nacionales de 2013

Columnas

73 — OFF THE RECORD: Cuando pase el temblor (de manos). Columna de A.A. Gore 74 — EL CUADERNO AMARGO: Recolecciones a propósito del Museo del Chopo. Columna de Paola Tinoco

76 — Discos

RECOMENDACIONES

81 — Libros 82 — Cine 83 — Estilo 87 — Tecnología 88 — EL PILÓN: Clickaporte. Este año, 10 años

CARTA EDITORIAL

Documentar el paso del tiempo es uno de esos actos profundamente inútiles en los que el hombre busca darle significado a su existencia. Hemos creado, a través de incontables civilizaciones, sistemas complejos que narran un ciclo perverso, y que no hacen nada más que trazar una imperceptible marca en jornadas idénticas, que empiezan y terminan, que se espejean la una con la otra y que, al final, no significan mucho. Los existencialistas sabían bien esto y hacerlo los abrumó –a ellos y a cualquiera que tenga un pulso y el buen sentido común de leerlos–.La idea a mitigar, enunciada desde entonces y sospechada por cada uno de los hombres que ha rondado la tierra, es la de nuestra fatalidad, nuestra insignificancia, la de todos nuestros actos, y por ende, la total irrelevancia de su documentación. ¿De qué servirán los archivos cuando todo el universo esté en llamas? ¿No es, acaso, la historia (irónicamente) susceptible a su propia temporalidad? ¿Al carcomer del papel o en el peor de los casos, a la desgracia de carecer de lector? ¿De quedarse, prístina y nostálgica, sin nadie alrededor para leer el cuento de la alguna vez llamada civilización humana? Documentar pues no sólo es inútil, sino triste. Pero es también irremediable, el hombre debe aferrarse a boyas en el océano del sinsentido, incluso cuando éstas sean mentiras. Además de darnos sentido, estos actos ilusorios, nos permiten evocar, aprender y nos alejan, en la medida de lo posible, del fatal error de olvidar. Dentro de todos los formatos bajo los cuales hemos decidido plasmar nuestro paso, es quizá el Almanaque, el más objetivo. Una recolección anual de datos duros que se desprenden de un determinado tema. Es un fotografía instantánea de un momento. Un vistazo real a una cultura y un espejo de los que la viven en ese momento. Con motivo del cierre de ciclo anual, y tomando en cuenta lo bueno que fue el 2013 con la música, decidimos bautizar a esta edición como almanaque, darle una vena más subjetiva y recolectar lo mejor y más importante que la industria de la música dejó en la pasada docena de meses. Tras llevar a acabo esta valoración, la idea de tener a Reflektor de Arcade Fire en portada se tornó irrefutable, y es que uno de los mejores discos de este año, también trae consigo reflexiones, dignas de Camus y compañía, sobre la falsedad, la muerte, las ilusiones de vivir en conceptos tan ilusorios como el de normalidad e, incluso, el de sociedad. Este disco es un oda, crítica e himno a una generación, es una pieza de música de la cual hablaremos dentro de cinco años, un lapso muy meritorio si entendemos la subjetiva rapidez en la que se vive el tiempo en estos tiempos. Esta revista a su vez, representa un momento único en Marvin, estamos en un proceso de transición y ajustes, sin embargo, pase lo que pase con el universo, el tiempo, la peste, la palabra o la música, este momento es único e irrepetible. El último de los pequeños milagros…

Jimena Gómez Alarcón @jimena_blue

PERSPECTIVA

2013: El costo de la música en vivo Este año México gozó de un gran número de conciertos y festivales. Del mismo modo, gracias a la pendiente reforma hacendaria, existen muchos rumores sobre un posible aumento en el precio de los eventos en nuestro país, pero incluso, dejando de lado lo anterior, no es ningún secreto que México es uno de los países en donde el entretenimiento en vivo resulta más caro. En honor a nuestro tema, Almanaque, recabamos información concisa en busca de retratar el estado en el que se encuentra la industria del entretenimiento actualmente. ¿Fue más caro asistir a festivales y conciertos en 2013 en comparación al año pasado? ¿Cuánto dinero recaudó la empresa más importante de espectáculos?

Vive Latino

Cumbre Tajín

James Blake

Babasónicos

2012 Por día: $380 VIP por día: $800 Abono por tres días: $1000 Abono VIP por tres días: $1800

2012 Un día: $300 Abono cinco días: $1250

2012 (Auditorio Blackberry) Pista $350 Plateas $300 Palcos $300 Gradas $280

2012 (Auditorio Blackberry) Pista $400 Plateas $500 Gradas 300

2013 Por día: $550 VIP por día: $900 Abono por tres días: $1300 Abono VIP por tres días: $2000 Corona Capital 2012 Por día: $900 Abono dos días: $1400 VIP por día: $2000 2013 Fase 1 (número de boletos limitado): Por día: $650 Abono dos días: no hubo. VIP por día: $1500 Fase 2 (número de boletos limitado): Por día: $750 Abono dos días $1300 VIP por día: $1750 Fase 3 (hasta agotar existencias): Por día: $900 Abono por dos días: $1550 Zona VIP por día: $2000

2013 Un día: $300 Abono cinco días: $1200 Bahidorá 2013 Preventa: $530 General: $600 2014 Early Bird: $600 Preventa: $700 Venta: $800 Semana del evento: $900

2013 (El Plaza Condesa) Pista $450 VIP y palcos $650 Mogwai 2012 (El Plaza Condesa) General: $490 Palcos: $580 VIP: $700

Ganancia 2012 (del CIE) 4,582 millones de pesos Ganancia 2013 (del CIE, hasta tercer trimestre) 3,438 millones de pesos Total del año: 4,583.5 millones de pesos * *Aproximación realizada a partir de las ganancias documentadas hasta el 22 de noviembre de 2013.

2013 (Auditorio Nacional) Preferente $1050 Luneta $750 Balcón $600 Primer piso $430 Segundo piso $280 Dirty Projectors 2012 (Auditorio Blackberry) Preventa $380 Día del evento $450 Mono 2013 (El Plaza Condesa) General: $320 Palcos: $400 VIP: $450 Metallica 2012 (Palacio de los Deportes) Pista: $950 Sección D: $680 Sección E: $330 Muse 2013 (Palacio de los Deportes) Pista: $980 Sección D: $600 Sección E: 320

R SÁN

FOT ::

V Í CTO

BREVIARIO

s d n e i r F 3 y 1 M 0 l 2 Al Festival c i s u M •

A M A N E C E E N O R T D M É X I C

El festival es una iniciativa de All My Friends y Nrmal, con el apoyo de Unión Indio y especialmente de la Casa de la Cultura Tijuana, foro en el que desfilaron los nuevos sonidos del norte mexicano.

ALMANAQUE

E N L E E O

ada que comenzamos un año nuevo, pensamos en la cantidad de música que se producirá en los siguientes meses, con la esperanza de encontrar algo revelador y que supere nuestras expectativas. Ésta es quizá una de las

tantas maldiciones del melómano, acostumbrado a recibir con alegría lo extranjero y con desconfianza lo hecho en México, sin embargo, este fenómeno ha comenzado a modificarse gracias a la cantidad de propuestas que emergen del norte del país. Tijuana, Monterrey, Torreón, Ciudad Juárez, Mexicali y Tampico son las ciudades que han sorprendido en los recientes años por el nacimiento de un movimiento musical con aspiraciones a no firmar contratos con disqueras ni llenar foros capitalinos, sino a darle un respiro a la música y a sus seguidores, regresarles la

emoción que trae consigo el descubrir y apostar por un sonido, abandonar el ego de los nombres y valorar la ejecución. Como documento de todo lo que actualmente se está haciendo en la región norte, se llevó a cabo el All My Friends Music Festival, el pasado 16 de noviembre, que por cuarta ocasión reunió al talento local para construir una atmósfera de complicidad en la que nuevos sonidos se manifestaron con tono y perseverancia, una oportunidad para formar parte de la planeación de un próximo ataque a la cultura musical de nuestro país, la cual necesita con urgencia de una reinvención y

compañerismo para destacar a nivel mundial. El cartel de este año contó con la participación de Celofán, Sixties Guns, Letters From Readers, Ramona, Electric Healing Sound y Siete Catorce, además de un puñado de bandas punk muy rabiosas como Bonebreaker, Biocrisis, Calafia Puta, Teenage Kicks y Walle. El festival recibió también la visita de grupos de otros puntos del país, como Los Blenders, LAO y DJ Smurphy, originarios de la Ciudad de México. Además el All My Friends se dio a la tarea de traer a nuestro suelo proyectos emergentes o no tan conocidos de otros países, en esta edición figuraron la estoniana Maria Minerva, integrante del reconocido sello Not Not; Deep Magic, Matthew Sullivan y M. Geddes Gendras, proyectos directamente traídos de la actual escena experimental de la ciudad de Los Ángeles; y Ases Falsos, una emocionante banda chilena que crea rock fresco y aventurado. Un puñado de propuestas, un montón de géneros y cientos de buenas impresiones fueron los resultados del cuarto año del All My Friends, un evento que responde a las exigencias vanguardistas y regresa la confianza a nuestros compatriotas y a nosotros mismos.

BREVIARIO

l a n o i ternac

n I l a v i t s a e i l F e º r 1 o 1 M

e d e n de Ci L A S H I S T O R I A S Q U E CAUTIVARON E N 2 0 1 3

Gracias a la relación entre el FICM y la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de los Estados Unidos de Norteamérica, los cortometrajes ganadores en las secciones Ficción, Documental y Animación, tienen la oportunidad de ser elegidos para competir en los premios Oscar.

ALMANAQUE

na idea puede marcar la vida de varias personas, una historia –por simple que parezca– tiene el poder de influir si es bien ejecutada; todo tiene relación con el esfuerzo y la creatividad que se le transmita a un objetivo y eso lo pueden reafirmar quienes fueron testigos de la onceava edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), en donde desfilaron las producciones nacionales e internacionales más importantes de la segunda mitad del año.

Del 18 al 27 de octubre la capital michoacana se vio rodeada de una celebración propositiva e incluyente. El FICM es un festival que le da voz a todos sus integrantes y, principalmente, a su público; este año en cada esquina del Centro Histórico de Morelia se vivió el festival, grupos de jóvenes cinéfilos se dieron cita en los complejos Cinépolis para conseguir entradas a las distintas funciones, las cuales sin diferencia alguna tuvieron gran demanda, demostrando así el apoyo que se le da también al cine hecho en México. Los estrenos y alfombras rojas fueron protagonizadas por un gran número de nombres reconocidos, entre ellos Quentin Tarantino, quien hizo una sorpresiva visita al festival (por tercera ocasión). Desde la prensa

hasta admiradores siguieron cada paso del realizador que agradeció la atención con saludos y autógrafos a quienes se lo solicitaban. El autor de Kill Bill, que goza de una sala de Cinépolis Morelia Centro bautizada con su nombre, acudió a la proyección especial de Vera Cruz, una de las mejores películas del género Western y que se filmó en nuestro país a mitad del siglo XX. La efectiva organización, tanto de proyecciones como conferencias, permitió que los asistentes al FICM pudieran apreciar y conocer la histórica ciudad de Morelia, que en 1991 fue declarada por la UNESCO como Patrimonio Cultural de la Humanidad, por su arquitectura colonial muy bien preservada. Por otro lado, Cinépolis hizo gala de sus equipadas salas de proyección permitiendo una completa experiencia del séptimo arte.

Éstos fueron los ganadores del 11º FICM: Mejor Largometraje Mexicano: Workers de José Luis Valle Concurso Michoacano de Guión de Cortometraje: Brujas de Cristina Bustamante Mejor Trabajo de la Sección Michoacana: Tiempos supermodernos de Lubianca Durán Mejor Cortometraje de Animación: La casa triste de Sofía Carrillo Mejor Cortometraje Documental: Las montañas invisibles de Ángel Linares Mejor Cortometraje de Ficción: La banqueta de Anaïs Pareto Onghena Premio al Mejor Largometraje Documental: El cuarto desnudo de Nuria Ibáñez Premio del Público y Premio al Mejor Primer o Segundo Largometraje Mexicano: La jaula de oro de Diego Quemada-Diez

BREVIARIO

GÓ

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JIME

l e t o H k c o R d r Ha ta Cana Pun R I H A N N A $ A R O C K Y S N O O D O G

•

El día después del show de Rihanna, el hotel nos proporcionó un merecido masaje en el spa, el cual además de ser hermoso ofrece un sinfín de tratamientos.

ALMANAQUE

A P Y P G

l hip-hop, más allá de cualquier subjetividad, actualmente constituye lo mainstream, es decir, es aquello que permea la cultura masiva de varias geografías. Su extensión es tal que éste puede presentarse en improbables escenarios. El pasado mes de octubre lo anterior fue comprobado en el Hotel Hard Rock Punta Cana en República Dominicana, un contexto privilegiado por la naturaleza y que la mano del hombre (presente en cada lujoso detalle del hotel) ha hecho aún más placentero, y el

cual presenció y provocó un hecho sin precedentes en el país: la presentación de tres de los más grandes nombres de un género, cada uno de ellos representantes máximos de una particular faceta o momento. Rihanna, Snoop Dogg y A$AP Rocky. Pero me estoy adelantado, antes de llegar a las dos míticas noches que albergaron estos conciertos, resulta indispensable hablar del viaje, la experiencia y los efectos secundarios de beber champagne en cantidades industriales. Primero, hay que entender que el Hard Rock Hotel, ya sea en Punta Cana o en otras ciudades, no sólo alberga músicos y conciertos, sino que tiene la música literalmente adherida a sus paredes; cientos de objetos pertenecientes a músicos están en muestra permanente en cada

rincón del lugar; desde la guitarra autografiada de Radiohead, hasta un traje de Britney y la limosina bola-disco que Madonna uso en el video de “Music”, entre muchas, muchas otras cosas. También, si es que uno lo desea, se puede pedir que una guitarra Fender sea llevada a tu habitación, privilegio que mi infinita ignorancia y dedos torpes me impidieron disfrutar, pero de nuevo divago. Sobra decir que un lugar así, que tanto incorpora el rock en cada detalle como promueve el estilo de vida rockstar (con jacuzzis en el centro de las habitaciones y más de una docena de albercas, restaurantes, bares y una mesa de póker donde el dinero sólo se puede perder y ganar con estilo) es ideal para ver shows legendarios. El primero corrió a cargo de Snoop Dogg, leyenda que aprovechó con gusto el hecho de que no estuviese prohibido fumar (guiño, guiño) en el interior de Oro –nombre del antro

donde el concierto se realizaba–, y quien nos recordó cómo se presenta en vivo un gran directo de hip-hop, a la old school, nada de luces alucinantes en macro escenarios con bailarinas, sólo un genial MC y un público que sabe a lo que va. Al día siguiente, mientras intentábamos recuperarnos de una cruda que seguramente sólo los raperos ejecutan con glamour, era ya hora de Rihanna. Un escenario enorme se construyó en el campo de golf del hotel y más de 10,000 personas se dieron cita para ver a la oriunda de Barbados, sin embargo, estaban a punto de llevarse una sorpresa. Casual y sin decirle a nadie nada, A$AP Rocky decidió ir a Punta Cana a ver a su amigos, y de pasó, pues tocó antes de Rihanna. El show, como era de esperarse, fue espectacular y entre el denso y disfrutable calor de Punta Cana, las botellas de Crystal y el buen pop de Rihanna, el viaje llegó a un perfecto cierre.

H A C I E N D D L C O N D E S E M E J O L U G A D E S D H A C U A Ñ

O E A A L R R E E N O

ocas veces se puede encontrar una propuesta única en la ya gastada oferta de bares y restaurantes de las colonias Roma y Condesa, sin embargo, hace un año por iniciativa de Sabo Ramo y Eliseo Reyna, se inauguró el Bombay Club, la excepción a todas las reglas.

b u l C y ba

m o B Se trata de un espacio decorado para ser el contexto perfecto de todas tus conversaciones. Se puede disfrutar de una copa tranquila en un martes por la noche entre amigos y colegas, hasta llevar a una linda señorita, o señorito, a cenar unos deliciosos platillos. Todo con la garantía de que, a diferencia de muchos lugares cuyos gustos son altamente cuestionables, en el Bombay siempre suena buena música. De nuevo, esto se lo podemos agradecer a Sabo Romo, bajista de Caifanes que ha curado personalmente cada playlist del lugar, evocando los sonidos más emblemáticos de los discos de los setenta, el jazz, rock y blues más

finos que la historia ha traído a bien heredarnos. También cabe destacar la maravillosa coctelería que el lugar ofrece, que tanto domina los clásicos más básicos como el Martini o Manhattan (sí, ese que bebe Don Draper), como las combinaciones más innovadoras, capaces de satisfacer a los paladares modernos y exigentes. Sin embargo, si lo que buscas son bares conceptuales donde la decoración estorba a la experiencia, te recomendamos intentar un ambiente más auténtico y distinguido. El Bombay Club toma la pauta de las elegantes tabernas europeas (de esas que podemos ver

en las películas); lujosos sillones de piel, madera robusta y una iluminación perfecta para sentar una atmósfera cargada de una sana dosis de seducción, pero claro, todo sin las molestas pretensiones hipsters. Es quizá esta última cualidad lo que atrae a varias importantes figuras del rock nacional, quienes pueden disfrutar de un ambiente relajado y entre amigos en cualquier noche de la semana. Como evidencia del éxito que ha gozado el Bombay Club desde su apertura, el pasado 18 de octubre celebró su primer aniversario en medio de buena música, tragos y la certeza de que mejores cosas han de venir.

Por nuestra parte, agradecemos al Bombay Club por ofrecernos maratónicas jornadas donde todo está permitido, excepto no crear buenos recuerdos.

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BREVIARIO

a r r e s u o t G r e i onc Ely c e d e seri el origen de las cosas

Los shows de El Origen se realizarán los días 6 y 7 de diciembre en la Sala Telefónica Centro Cultural Roberto Cantoral, ubicada en Puente de Xoco, puerta A, Col. Xoco, Del. Benito Juárez, Ciudad de México. Los boletos están a la venta a través del sistema Ticketmaster con un costo de $450 y $650 pesos.

ALMANAQUE

a música de Ely Guerra se pasea entre diversos adjetivos, es romántica, intensa, melancólica y seductora, siempre cuidando cubrir cada pulsación o sentimiento. Escuchar cada uno de sus discos invita a sumergirnos en un estado en el que no hay posibilidades, sólo la decisión de hacer lo que a nuestro placer le llene, un viaje sin pausas a un sueño irrealizable acompañado de una voz femenina que nos guía a través de suspiros y

confesiones de amor, ¿por qué tendría que existir un desenlace para esta melódica marcha? Han transcurrido 19 años, todos en los que Ely Guerra se ha mantenido de pie en este turbulento mundo de la música. Años en los que ha escrito miles de palabras sobre cachos de papel, letras que después se transforman en acordes para viajar en el aire en forma de susurros, recitando en su andar lo que parecen ser las desventuras que cada uno de nosotros ha sufrido y, con suerte, muchos han superado. Estas canciones, unas, inspiradas en historias ajenas, y otras, extraídas directamente de vivencias propias, han ayudado a Ely a construirse un importante lugar en el rock nacional, demostrando que con

esfuerzo y creatividad, las puertas tienen que abrirse tarde o temprano. Para celebrar su trayectoria, la compositora (nacida en 1972 en Monterrey, Nuevo León) realizará un par de presentaciones que llevarán el nombre de El Origen. Los shows se llevarán a cabo a principios del mes de diciembre, en los que interpretará los temas que han marcado su carrera (entre ellos “Peligro”, “Tengo frío”, “Júrame” y “Quiéreme Mucho”) y aquellas que usualmente no presenta en vivo, como una demostración de su evolución musical a través de los años; además, como un tributo a la cultura popular, incluirá en su set una especial selección de canciones de tradición mexicana. Los dos conciertos que formarán parte de El Origen serán

interpretados a voz y piano, un formato en el que se resaltarán las cualidades artísticas de Ely Guerra, quien cada año organiza un evento especial para los fans que han seguido cada uno de sus movimientos, desde el homónimo del 95, el revelador Pa’ Morirse de Amor (1997), el introvertido Lotofire (1999) y los reconocidos Sweet & Sour, Hot y Spicy (2004) y Hombre Invisible (2009). Para Ely Guerra cada momento es digno de celebrarse, para detenerse y mirar atrás y contemplar todo lo construido, gracias a su esfuerzo y principalmente con el apoyo de sus seguidores, quienes han adoptado cada una de sus canciones como propias y musicalizan los diferentes episodios de la vida: música para cantarle al corazón. Son apenas 19 años en este camino, uno en el que faltan sonidos que explorar.

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ÉS

•

n la conferencia de MEMOMA, estudio mexicano de proyectos audiovisuales con enfoque en animación, entendimos que toda la propuesta visual que acompañó al CutOut Fest en su quinta edición (del 13 al 16 de noviembre), estaba construida por un intrincado número de referencias y símbolos que iban desde los créditos iniciales de caricaturas como Las Tortugas Ninja y los Thundercats, hasta la base esencial de la que está construida la Tierra:

U N A EXPERIENCIA MULTISENSORIAL

ROBE

t s e F t u tO

fuego, tierra, agua, aire y espíritu, siendo este último (representado por un círculo) el que unifica a los anteriores. Pero éste, más allá de ser incluido en el diseño de los carteles, programas de mano, promocionales y teasers, se hizo de verdad presente durante los cuatro días en los que la animación tomó las calles de Querétaro, impregnó las sedes, los asistentes y artistas. El CutOut Fest es un festival propositivo y visionario sin ser pretencioso, ya que

al final lo que se busca es generar un ambiente creativo y de interconectividad, fomentando la discusión y la fluidez de las interacciones. Ejemplo de eso son las actividades de Hello My Name Is, una pequeña sala en donde se te daba la oportunidad de platicar unos minutos con el artista de tu preferencia, e incluso tomarte una foto con él. También estaban las Creative Sessions, una especie de mesa de discusión horizontal sobre temas actuales de la industria de la animación con directores y productores. Las conferencias fueron el plato fuerte,

las salas se llenaron de curiosos, inquietos, gente ávida por aprender, imaginar y descubrir nuevas formas de ver; resaltaron las de Onedotzero, Tiny Inventions y Yoni Goodman. Por último, se realizaron tres fiestas en locaciones insólitas, una en el Museo del Calendario, en donde degustamos deliciosos quesos mientras sonaba jazz en vivo; otra en la Fábrica de Pan, en la cual se llevó a cabo un performance, y finalmente, la clausura en la Casona de los 5 Patios, en donde debutó el proyecto mexicano de rock multicanal NAFF Chusma y Tim Sweeney, quien cerró el festival poniendo a bailar a todos los presentes.

Marvin envía una gran felicitación a todos los que se vieron involucrados en la organización de este festival, así como a los invitados especiales del Reino Unido, entre los cuales se encontró la baronesa Jane Bonham Carter.

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Sabemos que a diario te dicen qué está de moda y a quién debes escuchar. En esta sección, nos damos a la tarea de poner las cosas en perspectiva y valorar por qué o por qué no debes escuchar al nuevo chico de la cuadra.

PRO

— El flow de este puertorriqueño ha invadido YouTube y Soundclouds desde hace más de un año. Aunque su look lleno de swag se confunde con el de muchos otros raperos jóvenes, el estilo de sus rimas y la producción de sus beats y samples lo convierten en una opción interesante y original. En estos días en los que el hip-hop en Estados Unidos atraviesa por una crisis de identidad, misma que provoca innovación y un emocionante ecosistema, escuchar raperos provenientes de otros lugares intentando mantener el ritmo es interesante por dos grandes razones. La primera, porque nos deja ver cómo se ha diversificado y tropicalizado el género y también cómo ha adquirido rasgos propios de los lugares a los que ha llegado. La segunda, porque sin duda alguna serán estas nuevas generaciones las que revolucionarán y darán ese impulso al género que a medida que se reinventa en su tierra natal, en geografías latinas comienza a invadir el mainstream. Si bien los antecedentes hip-hoperos de la isla nos remiten a grandes talentos como Big Pun o Tony Touch, la contribución puertorriqueña al género es más bien discreta por lo que Alvarito tendrá que seguir trabajando duro para promover "Muhammad Ali" o "Chicas de la Isla", canciones que lo alejan del infame Romantic Style y lo confirman como un rapero que mantiene un diálogo con los más fuertes exponentes actuales del género. También resulta muy importante señalar que Álvaro parece capaz de sortear el gran error del hip-hop en español, la falta de valor de producción. Sus tracks son por mucho los de mejor sonido y trabajo, una señal de que entiende que se necesitan bases y profesionalismo para poder jugar bien el juego. — TXT:: Lenin calderon

CONTRA

— 2013 fue un año importante para el hip-hop. El género y sus exponentes ampliaron los horizontes del género, tanto en sonido como imagen; la vieja y nueva escuela han logrado congeniar para crear un producto que evoluciona rápidamente y gana montones de adeptos por segundo. Y es comprensible que la emoción se extienda por todos los rincones del mundo, sin embargo, ese espontáneo optimismo puede engañar a los nuevos proyectos que, por su afán de sumarse al movimiento, terminan por emular (aunque digan que no) colores y expresiones de los tótems del rap. El joven artista tiene buenas rimas y su base sonora tiene potencia pero, como muchos de sus contrarios señalan, sus canciones son muy similares a los raperos que evidentemente admira. El moderado éxito “SuperXclusivo” contiene un beat y uso de auto-tune (98 por ciento) similar a “Mercy” de Kanye West y un ritmo vocal a lo A$AP Rocky en “Purple Swag” y Mykki Blanco en “Haze.Boogie Life”; al ver y escuchar “Insomnio” automáticamente nos remontamos a la canción y video de “Bitch Don’t Kill My Vibe” de Kendrick Lamar y, si me lo permiten, hasta “Back to Black” de nuestra querida Amy, y si las similitudes no son suficientes, escuchen “No es mi Culpa” de Alvarito y “Hold Me Back” de Rick Ross y reflexionen. Díaz es joven aún y no dudo en su manejo del lenguaje (entiéndase en su especialidad), pero debe hacer una pausa y reflexionar sobre el rumbo actual de su carrera: el de la imitación. — TXT:: pablo pulido @PabloPonciano

ALMANAQUE

ESTRATOSFERA

Reportes de bandas, disqueras y medios de distintas ciudades de México y el mundo.

REPORTE

Hace algunos años, cuando Joy Division aún no era “tan” del dominio público, se editó un tributo español a la banda, donde aparecía una versión de “Atmosphere” que odiabas o amabas (soy de los primeros). ¿Los responsables? Unos tipos noise pop oriundos de Linares influenciados por The Jesus and Mary Chain. Sí, se llaman así por ese gran disco titulado Automatic. Platicamos brevemente con José Lozano, cantante del grupo, quien nos habló sobre el hoy de los Automatics, grupo que ha logrado importantes colaboraciones con J. de Los Planetas, David de Beef y Elena de Los Flechazo, demostrando así su amor por la escena de su país. ¿Quiénes son los Automatics? José Lozano: Los fundadores y miembros actuales somos Manolo, Alfonso y yo; y para los conciertos que estamos dando en este momento tenemos como apoyo a David y Álvaro de Universal Circus. Daremos unos cuantos shows durante este año y el que viene para promocionar un recopilatorio. ¿Cuándo se formó el grupo? JL: La banda es sobreviviente de los años 90. Se formó en el almanaque

primer año de esa década, y a través de la historia hemos tenido varias formaciones. Cesarea es el nombre de lo que fue nuestro primer disco, editado en 1993. ¿Su regreso se debe a un auge del pop ruidoso a nivel global y la escena española actual? JL: Más bien regresamos porque nos invitaron a un ciclo de bandas de los 90 en la conocida Sala Sol de Madrid y, ante la buena respuesta, nos reagrupamos.

¿Cuáles dirías que son las mejores bandas de España en este momento? JL: Me gustan mucho Klaus & Kinski, pero creo que Triángulo de Amor Bizarro es la banda más grande que ha salido de España en los últimos 10 años. ¿Cuáles son tus discos consentidos? JL: Por hoy, porque seguramente mañana me gustarán otros: Psychocandy de The Jesus and Mary Chain, Isn’t Anything de My Bloody

Valentine, Daydream Nation de Sonic Youth, Boys Don’t Cry de The Cure y Murmur de REM.

TXT:: ALEJANDRO MANCILLA / @nosoymoderno

En la provincia de Jaén hay una escena musical nutrida que, afortunadamente, trasciende al pop. En los últimos años, con la ampliación de la universidad local, la población joven ha crecido voluptuosamente y, con ello, la oferta y demanda de bandas y artistas se ha incrementado. Históricamente, la provincia de Jaén ha sido cuna de grandes músicos como la banda Apache, o el ubetense Joaquín Sabina (aunque en una de sus canciones presume de ser de Madrid). También podemos destacar el trabajo de Alis (Pachi García), en sus comienzos como colaborador de muchas bandas nacionales

y ahora cantando en solitario. Con estudio de grabación propio, ha apadrinado a varias bandas locales, como Autómatas, Supersubmarina (editados en México por Sony Music) y Beth Loring. Para escuchar música en vivo y jugar al antropólogo indie, existen varios lugares, sin embargo –exceptuando la Sala Kharma– se tratan de bares y pubs con un limitado aforo, lo cual tiene su lado bueno, ya que esa intimidad hace de los conciertos verdaderas experiencias inolvidables en el que el "tú a tú" con los músicos es algo habitual al calor de la barra. Por otro lado, la sala Iroquai es quizás la más

apreciada, donde importantes bandas nacionales suelen actuar. También se cuenta con la Taberna del Pósito, con conciertos al aire libre amenizados con cerveza y buenas tapas; la Chubee Check, especializada en jazz, aunque también da pie a otros estilos; el Pub Outside; Pachanka en Andújar... A destacar los ciclos de conciertos de rock: el legendario Lagarto Rock y la Fiesta de la Primavera, organizados por el Ayuntamiento de Jaén, que presenta un cartel de grupos locales con artistas invitados de ámbito nacional. Vetusta Morla, Sidonie, Héroes del Silencio, Lapido 091 y

Danza Invisible han pasado por estos conciertos estivales. Actualmente, los grupos locales destacados son los mencionados Supersubmarina, Radio Focaccia, The Glassphone, Beth Loring, Los Esclavos, Guadalupe Plata (formado por granadinos y jiennenses; su disco lo edita en México Terrícolas Imbéciles), los Tsunamis, los metaleros de Ira y el hiphopero MC Sinthomas (de Linares, Jaén). De la escena y demás, da cuenta la web jaensquare.com. Agradecemos la información a Pepe Castellanos, gran conocedor de música independiente española, originario de Jaén.

AL G UNA S R E C O MEN D A C I O NE S

Bajo la influencia de Death Cab for Cutie, Smashing Pumpkins y cuanta indietronica folkie pueda caber en sus bolsillos, esta chica hace un pop de ensueño que si bien te puede sonar demasiado suave (si eres de esos punks-vomita-pop), es una buena muestra de música ligera pero intensa.

Universal Circus Procedentes de la escena de 2001, esta banda alguna vez honrada como la mejor del año (2002) según el importante programa Viaje a los sueños polares (y con integrantes de Automatics) es otra referencia de soft-pop a tomar en cuenta a la hora de escarbar en los proyectos destacados de la cuadra.

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The Glassphone Las alas de la época más darkie de The Cure siguen extendiendo su sombra, y esta banda es uno de los hijos pródigos herederos de ese sonido. La banda practica un rock siniestro a veces un poco pop, a veces un poco denso. Lo cierto es que una banda que nombra a The Psychedelic Furs como una de sus influencias, no puede ser mala. Lo que les reprochamos es no cantar en español. Theglassphone.bandcamp. com

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Cas tillo

Más allá de las canciones, ¿dónde encuentran respuestas quienes aman la música? Es decir, ¿a quiénes se dirigen para satisfacer su hambre de información? ¿Por qué ellos, los amantes anónimos, a diferencia de los músicos que les generan preguntas, nunca tienen suficiente con los discos y los conciertos; por qué siempre necesitan saber más?

ALMANAQUE

FOT:: MARCELO SETTON

ace décadas, en una época romántica y arcana, inmensas rodajas de vinil eran vendidas en tiendas departamentales (sí, los discos se encontraban al lado de los tomates) y, una vez pagando su precio a la cajera en turno, el escucha adquiría respuestas al reventar el celofán, leyendo los créditos de álbumes que giraban en tornamesas que raspaban surcos hasta gastarse los compases. Otros, preferían la radio; encendían ese aparato de brujas, sintonizaban su frecuencia favorita y confiaban en todo lo que el dueño del micrófono tuviera por decir al aire. Los últimos, acudían a las revistas especializadas; se hacían de ejemplares donde apareciera esa entrevista exclusiva, aquel análisis sesudo firmado por un tipo que sabía más que nadie. Al presente también le encanta el romance y por eso les ofrece a los hambrientos de respuestas muchas más alternativas que el pasado; pero acá vamos a centrarnos en el caso de las revistas, de las aferradas revistas. ¿Por qué? Porque tú eres de los que prefieren ese canal para hacerse de respuestas, por eso tus ojos han llegado hasta este renglón. Si tú eres de los que confían en que otro sea quien haga las preguntas por una razón muy sencilla: ese alguien estudió para aprender a hacer buenos interrogatorios, así que no puede fallar. De hecho, para eso le pagan. Y seguramente ahora piensas por qué tanto rodeo para hablar de Mogwai, ese combo escocés que suele rajarles los oídos a los inocentes que consideran que los decibeles en números altos son inofensivos. Pues bien, ahora debes cerciorarte de que, efectivamente, has elegido el canal correcto. Quien esto firma tiene años haciendo entrevistas y, afortunadamente, escribe para ésta, una revista comprometida con ofrecer respuestas interesantes. Por eso, Barry Burns accedió a contestar un breve cuestionario. Un listado de preguntas dedicado a quienes necesitan saber más de los creadores de Rave Tapes, una obra producida por Paul Savage que me lleva a lanzarle la primera pregunta a Burns: ¿Cómo se sintieron trabajando con Paul? Barry Burns: A gusto. Él encaja bien, nos hace sentir serenos en el estudio. ¿Y ya? ¿Punto final? OK. Barry no planea hablar más al respecto. Sigamos indagando: Cuéntame de la portada del disco, ¿quién la hizo, qué significan todos esos trazos? BB: Dave Thomas la diseñó para

nosotros. Le pasamos algunas películas que de verdad nos gustan, como Phase 4 de Saul Bass, y él se inspiró en los diseños geométricos de esas imágenes. Barry es conciso. Lo mejor es poner sobre la mesa un tema que genere discusión. Veamos: Mogwai ha grabado en sellos como Matador y Jet Set Records, incluso ha creado su propia firma, Rock Action Records. ¿Qué tal plantearle cuál es su posición respecto a los sellos independientes justo ahora que el grupo pone a la venta su nuevo disco bajo el auspicio de un logo legendario como Sub Pop?

“El post- rock murió hace unos diez años, quizá más. Y no me importa hablar más al respecto”. —Barry Burns

¿Qué opinas de los sellos independientes y de su posición dentro de la industria musical actual? BB: Me parecen aún más especiales hoy día. Algunas personas están trabajando duro para tener su música disponible y la presentan bastante bien con tal de que ésta sea atesorada. Últimamente hemos comprado unos cuantos vinilos con empaques muy atractivos. No hay demasiado ánimo de ir al fondo en el tema. Quizá picándole un poco las costillas sea posible prenderle la mecha al entrevistado. Torciendo el título de uno de los discos de Mogwai, por ejemplo. ¿Qué piensas de este título: Hardcore will never die, but post- rock will? BB: Has elegido un terrible título. Joder. Se trata de un sujeto duro de tratar. Llegó la hora de hablar de colegas. ¿Te gustan grupos como Fuck Buttons, compuestos por músicos que generan ruido por medio de computadoras y samplers? BB: Seguro. Nosotros usamos computadoras y samplers desde nuestro segundo o tercer álbum. Así se incrementa la variedad de sonidos de los que se puede echar

mano sin saber tocar los instrumentos que se emulan. Las computadoras pueden ofrecerle variedad a tus composiciones. Vaya, parece que ha funcionado, ésta ha sido la respuesta más larga que ha dado. Hay que tirar por esa línea mencionando un grupo que Barry seguramente adora: Y, ¿qué tal mbv, el nuevo disco de My Bloody Valentine, te gustó? BB: Sí, me gustó. Quisiera escucharlo más. Mala ruta. Pero no hay que desistir. Vayamos al pasado, a la era en que Burns ni siquiera figuraba en el grupo. Tal vez eso funcione. ¿Recuerdas cuándo escuchaste por última vez el sencillo “Tuner” / “Lower”, cómo te sentiste? BB: Creo que eso ocurrió en 1999. No estuve en la banda cuando fue grabado y no suelo escuchar ninguno de nuestros discos. Bien, el tipo no mira hacia atrás. Se corrió el riesgo, pero no hubo frutos. Aunque al mencionarle su terruño seguro habrá buena reacción. Veamos. ¿Qué es lo peor de vivir en un lugar como Escocia? BB: ¿Lo peor? Supongo que el clima. Es miserable. Horrendo. Pero Escocia tiene grandes cosas, de hecho hay muchas más buenas que malas. De pronto, recuerdo las veces que he visto a Mogwai en directo. Así que pienso en el grado de decibeles que el grupo genera y hago un intento por encontrar empatía con mi entrevistado, como el par de seres humanos que somos. ¿Qué tal la salud de tus oídos? Porque ustedes sí que tocan duro. BB: Pues depende de a quién de nosotros se lo preguntes. Algunos siempre hemos usado protección, pero otros lo han hecho recientemente. Personalmente quiero mantener mis oídos en buen estado hasta mi muerte, por eso soy cuidadoso. En ese sentido, ¿qué tan importante es el silencio en la música de Mogwai? BB: No más importante que nada más. Uf. Me rindo. Vuelvo a Rave Tapes, quizá después del tiempo transcurrido la situación sea diferente al respecto: Barry, ¿cuál es el mejor lugar del planeta para escuchar Rave Tapes? BB: En un hospital. ¿Un hospital? ¿De plano? Éste es el punto final. Sin duda. Para Barry, las respuestas se han terminado; para esta revista, el espacio ha llegado a su límite. M

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@ Jin _Be ast

13 años pasaron para que la secuela de The Marshall Mathers LP viera la luz. Para los amantes del rap, MMLP2 es uno de los sucesos más interesantes y esperados de 2013. Los discos de Eminem siempre giran entorno a las palabras y su orden, teniendo como base beats sencillos y repetitivos. Gracias a su lírica, Eminem viene a reclamar, una vez más, su enorme relevancia.

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l principio, para la promoción de MMLP2, salieron diferentes sencillos como “Berzerk”, “Survival”, “Rap God” y “The Monster”, mismos que hicieron dudar, ya que al escucharlos no era fácil saber si el álbum sería capaz de satisfacer a sus exigentes seguidores. Sin embargo, la parte más esencial del rapero seguía ahí. Gran parte del contenido lírico de las canciones tienen que ver con su infancia, la mala relación con sus padres, las drogas, la relación con su esposa e hijas; todo está conectado con su vida, y Eminem busca sanarse a través de sus tracks y MMLP2 no es la excepción. “Bad Guy” es el primer track del disco y es una continuación de la canción “Stan” del MMLP, ya que nos damos cuenta de que no es Eminem el que está rapeando, sino Matthew Mitchell, el hermano menor de Stan, sí el de la canción con Dido. Stan era un fan de Eminem, cuya obsesión lo lleva a la locura y muerte. En “Bad Guy”, Matthew Mitchell le dice que ha crecido con muchos problemas debido a la muerte de su hermano, que viene de una familia disfuncional y que todo es por su culpa. En este track Matthew Mitchell quiere venganza y mata al rapero, cuando eso pasa la canción cambia de beat y arranca realmente el inicio de MMLP2 donde entra Eminem a rapear y comienza a hablar sobre cierto karma que está pagando por lo que dice en sus discos pasados, por sus malas acciones, por su doble moral, por la gente a la que ha insultado. Él mismo se hace pedazos… El segundo tema es un skit titulado “Parking Lot”, y para entenderlo es necesario recordar una canción de MMLP llamada “Criminal”, en la cual hay una pequeña escena donde Eminem se para en una tienda junto con Dr. Dre, quien le dice: “Roba, pero no mates a nadie esta vez”, Eminem no hace caso y mata a la cajera de la tienda, “Parking Lot” es la consecuencia de lo sucedido en aquel track. Ahora –en MMLP2– son seguidos por la policía, Eminem sale del carro comienza a correr y cuando la policía lo rodea, él se da un tiro en la cabeza. Hay muchas maneras de percibir este interludio, y podríamos interpretarlo de esta manera: cuando salió el MMLP, Eminem tenía esta actitud retadora, valemadrista, donde mataba a todos, no había nada positivo en su persona. Pero ahora, ya más maduro, repasa viejos episodios de su carrera en busca de salvación.

En la tercera canción, “Rhyme Or Reason”, vuelve a aparecer su papá, muchos lo verán como la fórmula usual de Eminem, esa de siempre sacar a relucir los problemas con sus padres, pero habrá quien entienda que eso no es una estrategia, sino que es la esencia misma de su estilo: convertir toda esa energía negativa en rimas llenas de poder. Pero, claro, también podemos encontrar una cualidad muy emotiva y redentora en su música, en este caso perfectamente ejemplificada

“Mi musica es como un capsula de tiempo. Cada disco refleja por lo que estoy pasando en un momento en particular de mi vida”. —eminem

en “Legacy”, donde vuelve a retomar el tema de su difícil infancia y habla de cómo todos los problemas que tuvo en su vida los canalizó hacia la música y cómo ésta, a su vez, lo salvó. Por otro lado encontramos temas menos memorables como “Asshole”, con Skylar Grey (una chica que Eminem acaba de firmar y ha apoyado mucho), y “Berzerk”, que es un tributo al rap ochentero, producida por Rick Rubin, muy enérgica y nada más. “Rap God” es una canción con un despliegue de habilidades increíbles, donde Eminem dice que él no solamente es el Rey del rap, sino el Dios: una excelente canción y argumento. “Brainless”, por su parte, es muy agresiva, el concepto de la misma viene de cuando su mamá le decía que si él tenía un cerebro, éste era malo, sin embargo, fue ese cerebro el que le permitió salir adelante. Aquí también toma la oportunidad para burlarse de los que critican el estilo de varios de sus hits (decir groserías y burlarse de celebridades de moda). Bien o mal siempre le ha funcionado y esta vez hace notorio que tal vez

ya conocemos sus trucos, pero igual siempre caemos en él porque seguimos comprando su música. Con ese sentido del humor tan característico se crea “So Far”, una canción muy divertida y dinámica que comienza como country y aprovecha para revivir dos clásicos de MMLP: “I’m Back” y “The Real Slim Shady”. Tal vez musicalmente no posee un beat explosivo, pero podemos disfrutar nuevamente del ingenio y habilidades de Eminem para explicar cómo es que ha lidiado con la fama. Vale la pena mencionar también “Love Game”, colaboración con el más hypeado de 2012, Kendrick Lamar, que no rindió del todo frutos, es más, parece la canción más floja del disco y es definitivamente prescindible. Con un poco más de valor encontramos “Headlights”, donde habla de uno de los conflictos más grandes de su carrera: su madre. Él siempre tuvo problemas con ella y en este track, Eminem, por primera vez, en lugar de atacar le pide perdón, precisamente por todo lo malo que dijo sobre ella en canciones pasadas, afirma que ha madurado y ahora puede entender que no todo fue su culpa. La última parada del viaje que plantea al escucha este disco se encuentra en “Evil Twin”, en ella deja en claro que ya no existe una división entre él, Marshall Mathers y su personaje Slim Shady, ya que ambos obedecen a una sola consciencia. También en este tema encontramos alusiones a una probable despedida, de modo que ésta bien podría ser la última canción de su carrera. En su mayoría, MMLP2 hace alusión a cosas que Eminem ya ha hecho antes, pero ahora desde otro ángulo, uno más maduro, donde sólo quedan círculos por cerrar. Y quizá es por este acto de despedirse del pasado que resulta inevitable preguntarse: ¿qué seguirá? Si éste es el álbum con el cual Eminem planea retirarse, dejará su carrera en una buena nota, dejando en claro que él es el Rap God. M

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El sonido al otro lado de la bocina era indescifrable. Se me había dicho que Nicolas Jaar estaba allí, pero yo no tenía certeza alguna de que eso fuera cierto, sobre todo porque cada vez que intentaba emitir una respuesta a la pregunta que le hacía, su voz se entrecortaba y la grabadora no conseguía capturar nada. Así que, como no pudimos conversar, propuse mandarle un cuestionario apenas colgáramos, con la idea de que lo respondiera a la brevedad posible. Y así lo hice. Los días pasaron y nada. Finalmente, cuando suponía que él lo había olvidado, sus respuestas, concisas y tajantes, remojadas en un filoso sarcasmo, llegaron vía correo electrónico.

demás de la familia, ¿tienes alguna otra conexión con Chile en la actualidad? Nicolas Jaar: La verdad es que siempre me sentí como si estuviera bajo el agua cuando viví allí. Ahora, cuando voy de regreso para Navidad o Año Nuevo, me siento como si estuviera viendo una pecera o un acuario. ¿Mantienes relación con la escena musical electrónica que conforman los productores radicados en Alemania como Matías Aguayo, Pier Bucci o Christian Vogel? NJ: No, más allá del hecho de que ellos también son chilenos que se fueron del país. Tienen 20 años más que yo y se marcharon de Santiago cuando todavía no era una parodia de Los Ángeles.

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Leí por ahí que pasaste una temporada en México, en Sonora, hace años. ¿Qué recuerdas al respecto? NJ: Nada, es un mito.

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¿Cómo afecta a tu inspiración el vivir en Nueva York? NJ: Nueva York lo es todo. Y todo lo afecta a todo. La inspiración está en todos lados. Todos lados quiere decir todo. Así que Nueva York está en todos lados. ¿Cómo trabajaron en Psychic tú y David Harrington? NJ: Como dos carpinteros trabajando con herramientas por primera vez. Ello explica por qué puede sonar sobre-trabajado. ¿Alguna receta para poder crear ruidos únicos como los que distinguen a Space Is Only Noise? NJ: La receta de tu madre es sólo de tu madre. Yo odio las recetas. Adoro a mi madre. Los dos primeros tracks de Psychic resultan radicales entre sí: la duración de “Golden Arrow” es de once minutos, en tanto que la de “Sitra” es tan sólo uno y segundos. NJ: Puede ser. Pero no hay nada

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NJ: No es arte, y eso es lo que me gusta.

¿Cuál dirías que puede ser el escenario ideal para escuchar Psychic? NJ: Lo hice para no tener que escucharlo. Creo que cualquier lugar fuera de mi cabeza.

radical en lo que concierne a escuchar. Hoy mismo podrías estar oyendo las llantas de tu auto por una hora, y después escuchar las llaves caer en tu chamarra por un segundo. La vida es drástica. La estructura de tus composiciones, al menos en Psychic, es usualmente lineal y no cíclica como sucede en las canciones pop; a mí me sugieren más una relación con las estructuras de la literatura y el cine... NJ: Gracias por escuchar. Lo cíclico se usa tanto para hablar con Dios como para vender cosas. Hoy día en Estados Unidos, un ciclo no es más un ritual, sino una agresión de capital.

¿Qué lees en este momento? NJ: Una biografía de Einstein. ¿Te significa algo una buena reseña, por ejemplo el que Pitchfork califique a Psychic con 9.0? NJ: Si crees en una buena reseña, debes creer en una mala. No creas.

En cuanto a la foto de la portada, ¿qué puedes decirme, quién la diseño? NJ: Mi amigo Jed Demoss. Es una foto que tomó en una tienda psíquica en Nueva York.

¿Qué puedes decir del proyecto Other People? NJ: Te damos música cada domingo, como para contar una historia a lo largo del año.

Recientemente hiciste un performance en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. ¿De qué manera la música electrónica puede ser considerada arte?

Gracias, Nicolas, que pena que no pudimos conversar por teléfono. NJ: Sí, la conexión telefónica estaba mal. Una disculpa por estar tarde, estaba haciendo música y no quería parar y pensar en algo. M

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¿Qué se puede esperar de una fusión de estilos entre Flood y Nigel Godrich? Sinceramente la expectativa que generan al coincidir en un disco es muy alta, ya que los trabajos realizados a nivel de producción con actos como Nine Inch Nails y Sigur Rós, Radiohead y Atoms for Peace, respectivamente, los coloca como referentes de artistas que buscan experimentar con su sonido y entregar propuestas que se alejen de lo cotidiano. Éste parece ser el caso de Warpaint. ALMANAQUE

l material en cuestión es el homónimo de la banda californiana conformada por Theresa Wayman, Emily Kokal, Jenny Lee Lindberg y Stella Mozgawa, y que tan sólo con dos materiales en su haber (el EP Exquisite Corpse lanzado en 2008 y su primer LP, The Fool, editado en 2010) dieron muestras de calidad considerable, cautivaron las miradas de público en diferentes partes del mundo, dejaron satisfechos a los críticos y remataron su trayectoria con unos puntos suspensivos que al parecer derivarán en una apuesta atrevida, punzante e igual de seductora. “Love is to Die”, primer tema que se dio a conocer de este álbum, permite adentrarnos en el imaginario psicodélico y melancólico al que nos tienen acostumbrados. El uso de las guitarras permanece en esa línea generadora de matices reflexivos; dulces y encantadores, pero capaces de transmitir un dejo de nostalgia conmovedor. Por su parte, el bajo –fiel a sus trabajos previos– se encarga de marcar la

línea entre poderío y oscuridad de manera tan nítida y abrumadora que por momentos cuesta trabajo prestar atención a algo más. También sigue siendo un gran punto a su favor el manejo vocal con que se presentan. Si bien no son poseedoras de las voces más llamativas y reconocibles de la actualidad, sí se saben acoplar de maravilla para otorgar una fina mezcla de añoranza con tintes dramáticos, muy a lo Ladytron en combinación con Siouxsie and The Banshees. Sobre este nuevo paso en su camino, mismo que tiene fecha para el 20 de enero de 2014, la vocalista y guitarrista Emily Kokal ha declarado que el sonido de la banda se torna diferente, ya que para este disco dejaron atrás el uso clásico de las guitarras y se dieron la oportunidad de experimentar con rap y R&B para crear nuevos ambientes. La idea de que estos géneros aparezcan en el sonido de Warpaint podría inquietar a más de uno, incluido el que escribe esta página, y es que aunque la experimentación en busca de

renovación es siempre bienvenida, parece que su propuesta inicial da para seguir siendo explotada durante un álbum más y posteriormente arriesgarse con más cambios. No obstante, habrá que concederles el beneficio de la duda y confiar en la dirección que todo parece indicar tomará su sonido a partir de ahora. Ya lo hicieron en una ocasión, cuando The Fool tardó un poco en encarrilarse y adquirir la fuerza y confianza necesarias para construir alrededor de él un nombre reconocible y con futuro. El reto para Warpaint al inicio de 2014 es el de superarse a sí misma, seguir en el camino ascendente que dejaron tras concluir los trabajos de promoción de su primer LP, y tratar de complementar con su singular rock psicodélico y experimental una triada sonora de antología, en la cual ahora ya se encuentra lo que ofrecen las novatas de HAIM (con su dulce rock pop) y Savages (cuyo post-punk resulta hipnótico y apasionante). M

PUNK TRANSGÉNERO O LA FURIA DE NO SER LO QUE QUIERES SER

om sufría, supuraba tormento cuando cantaba; la voz irascible propia del punk era rebasada por la frustración y la rabia, con las tripas acuchilladas por una tristeza que parecía querer escapar por la garganta. Tom cantaba y gritaba al borde del llanto. Incluso, parecía que el final de la agrupación Against Me! estaba cerca. Es más, justo cuando a Tom se le iban las cuerdas vocales tratando de ahogar el llanto a mitad de un concierto, el nombre de la banda tenía un cruel sentido, una dolorosa coherencia: en mi contra. “Había llegado a un momento en el que sobre el escenario, en lugar de sentir esa sensación de libertad total que pude disfrutar al principio, tan sólo podía ver una pared de ladrillo, un callejón sin salida. Era como si no estuviera ahí, me sentía atrapado en mis propias canciones, no sabía qué decir. Era como si una desconexión se desatara en mi cabeza, como si estuviera llegando al final de la línea, no sabía qué hacer que no fuera acabar conmigo mismo”, declaró una mujer llamada Laura Jane Grace a Dan Hyman, en septiembre de 2013. A veces resulta cierto eso de que después de la tormenta viene la calma. Ahora todo es diferente, Against Me! sigue vivo y Tom pudo aliviar sus angustias. Sigue cantando, sigue estando al frente de una de las bandas más importantes del reciente punk norteamericano, que llamó la atención de la siempre descarnada crítica y seguidores por su bien ejecutada combinación de guitarras eléctricas con acordes campiranos, muchas veces

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Hubo ciertos instantes de las últimas giras de Against Me!, cuando Tom Gabel era aún un él, en los que se le podía ver haciendo deformadas muecas, apretando los ojos, torciendo la quijada, cantando más bien de lado, como si prefiriese ver a su colega James Browman dando guitarrazos o a los andamios que sostienen los reflectores que enfrentarse a su público, al que tan sólo podía ofrecerles una de sus mejillas. Eso sí, aun en las crisis de inconformidad más devastadoras, sus acordes nunca bajaron la guardia, nunca defraudaron a ese hálito de punk campirano bajo el cual se formó esta banda, allá a principio de los dosmiles en Naples, Florida. cercanas al folk. Tom sigue, sólo que ahora bajo su nueva identidad, la de Laura. Tom padecía de lo que en términos técnicos se denomina disforia de género o trastorno de identidad sexual, es decir, vivía en un cuerpo que sexo-genéricamente sentía que no le pertenecía. En mayo de 2012, se sometió a una operación de reasignación de género para poner fin a sus angustias que acumuladas sólo formaban un infierno tras otro. Desde entonces Laura Jane Grace es una mujer feliz, pero sobre todo tranquila. Hoy puede dar conciertos en minifaldas,

contestar entrevistas y grabar discos desde la plenitud de su esencia en libertad. Sus tatuajes siguen intactos. Ya como Laura, en compañía de su fiel camarada en la historia de Against Me!, el guitarrista James Browman, más nuevos integrantes, muchos de ellos invitados especiales como el bajista de la mítica banda de punk-under NOFX, Fat Mike, regresaron a los estudios para darle forma a lo que sería su sexto álbum de estudio, que saldrá el mercado en enero de 2014 bajo el catártico título de Transgender Dysphoria Blues. Aun superada la

primera década del nuevo milenio, siguen existiendo prejuicios absurdos como que el punk es cosa de hombres rudos o chicas gritonas. La historia de Tom/Laura es una potente y reveladora lección sobre los clichés, la tolerancia, sobrevivencia y perseverancia, pero sobre todo por la lucha de ser leal a uno mismo y de cómo en esa batalla nunca se ha de abandonar la vocación. Como decía La Agrado, aquel entrañable y gigante personaje de Almódovar en Todo sobre mi madre: “Una es más auténtica cuanto más se parece a lo que ha soñado de sí misma”. M

Como Ases Falsos, lo mismo hablan de nostalgia, que de noticias trágicas (como “Séptimo cielo”) y de futbol… ¿es un intento por alejarse de los estereotipos del pop? CB: Es que no siento el impulso de acercarme a los estereotipos de la lírica pop. Entonces no tengo que intentar alejarme, hago lo que me sale natural. Además, hay muchos letristas poperos en español extraordinarios como el mismo Jorge González o Charly García.

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@ Jin _Be ast

Juventud Americana es el disco debut de Ases Falsos, provocativa banda chilena y uno de los secretos mejor guardados del pop alternativo (si es que aún significa algo esa palabra) de ese país sudamericano que se ha distinguido por exportar buen rock y pop ruidoso últimamente. Si te topas su disco por ahí, no creas que nuestro Juan Gabriel se volvió cósmico de repente, ellos optaron por usar su imagen en la portada. No les preguntamos si el divo ya los demandó. Lástima, Cristóbal Briseño, vocalista de la agrupación chilena, seguro nos hubiera sacado de dudas:

libertad expresiva nueva. Ése es el desequilibrio criticable, según mi punto de vista.

¿Es cierto, como decía Jorge González de Los Prisioneros, que en Chile hay mucha admiración por lo extranjero, o sea, influencia externa hacia la cultura y el arte? CB: Es verdad, pero creo que en todo el mundo es así, ¿no? El problema es que acá además sentimos un desprecio automático por nuestras raíces, por así decirlo, por nuestras etnias y su cultura. Si uniéramos el mundo enterrado con el que aterriza quizás conseguiríamos una

Muchos artistas chilenos contemporáneos como Javiera Mena o Denver tienen cierta nostalgia por la FM de su niñez, donde sonaban muchos artistas de la época de oro del pop comercial mexicano, lo cual parece una constante, pues ustedes retomaron a Juan Gabriel para su portada… CB: Bueno, me cuesta pensar en un músico que no esté ligado emocionalmente con la música de su niñez. Para mí es natural, hay canciones mexicanas como “Electricidad”, “El Noa Noa”, “Todo mi corazón” o “El día que puedas” que me hacían sentir cosas rarísimas cuando niño, unas emociones

Cuáles son tus referencias del rock y el pop chileno? Cristóbal Briseño: Hay mucho de donde beber, muchísimo. Pero para no hacerte una lista interminable te voy a recomendar un grupo de Coquimbo: los Vikings 5. Son extraordinarios.

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sumamente misteriosas. Todavía lo logran. También leí que son fans del Buki... ¿Han pensado en cortarse el pelo como él? O sea, si el Buki fuera gringo, la gente diría que se peina como si fuera de The Cars… CB: Tú quieres decir “no cortarse el pelo, como el Buki”, Me gusta su look cristiano, sabe llevarlo. Noto cosas de Pixies en su música, como esa suciedad con pop de transfondo... CB: Son una gran influencia para nosotros, tanto en música y como en letra. También te recomiendo el disco Devil’s Workshop de Frank Black & the Catholics. No es muy apreciado, por lo mismo estimulo su descubrimiento.

¿Cómo es la juventud americana en este momento? Según su punto de vista, los medios y la tecnología han sumido en un letargo a los jóvenes. Ya ves que dicen que la revolución será por Twitter… CB: Ni me hables de Twitter. No me gustan los efectos secundarios de las redes sociales. Acentúan la angustia, la ansiedad y la inseguridad. Es cierto que me he aprovechado de ellas, son mi principal vehículo de promoción, pero son profundamente deprimentes. México alguna vez “importó” un personaje chileno llamado Condorito, que al principio era el arquetipo del vago chileno sin trabajo, ¿tienes alguna referencia? CB: ¡Claro! Condorito es un héroe nacional, realmente es increíble la nula resistencia que tiene, no genera anticuerpos. Todos lo amamos. Significó mucho para mí en mi infancia, pero creo que el personaje ha perdido consistencia con su “internacionalización”. Yo lo prefiero más localista, “el arquetipo del vago chileno sin trabajo”, como tan bellamente describiste. Hay una vena social en lo que hacen y a veces parece que el mensaje de la letras es la prioridad de todo, es decir, parece que la música se esfuerza por acoplarse a las letras, como si quisieran que tal frase entrara en la melodía a fuerzas, cueste lo que cueste… ¿Dirías que esto es correcto, que el mensaje es lo más importante? CB: La canción popular es una relación de pareja, una alquimia donde importan tanto la letra como la música. Es obvio, ¿no? Odiaría tener que separarlos, después de que, a veces, cuesta tanto unirlos. Pero si es que acaso pudiera estar de acuerdo con eso de que la letra es lo más importante, entonces diría: la letra es lo más importante, pero sin una buena música, la ignoro. M

Frecuentemente el hype nos hace la promesa de que ha surgido una nueva gran banda, pero en contadas ocasiones ésta se cumple. HAIM, un grupo que equivocada y frustrantemente los medios insisten en enunciar como una girlband, entra en este segundo caso. Su disco debut es uno de los mejores del año y sus canciones nos hablan de pop bien pensado y ejecutado. Hablamos con Danielle Haim sobre el yugo de las expectativas, la búsqueda de un sonido propio y claro, las molestas implicaciones mediáticas de ser niña y tocar bien la guitarra.

OREVER Y LA IMPORTANCIA DE HACER LO QUE SE VENGA EN GANA Estamos muy emocionadas de ya tener un disco afuera. Hubo mucha presión para sacarlo antes, justo por esto del hype, pero estamos muy felices de haber decidido esperar y hacerlo justo como queríamos, no como otros pensaban que debía hacerse. De este modo, bueno o malo, podemos estar tranquilas en que es honesto, es sólo nuestro. La belleza de lo falso Mi cualidad favorita del disco es que no se sabe qué es real y qué es falso, queríamos que la gente no pudiese indentificar qué está sonando, si se trata de un instrumento real u otra cosa. Usamos drum machines y muchos trucos para sumarle valor de producción.

T X T : : La v e r d a d e r a A p ó s t o l d e l a G r ac i a

Democracia femenina Nuestra manera de componer es muy colaborativa, generalmente alguna de nosotras llega con una parte de la canción y a partir de ésta empezamos a explorar. Es un proceso muy creativo y democrático, todas ponemos nuestro sabor particular a cada track. Un solo discurso En letras el proceso es un poco diferente, pero sigue siendo algo en conjunto. Nos cuestionamos y analizamos las líneas entre todas. Constantemente nos preguntamos si estamos trasmitiendo bien el mensaje, así como si suena bien… EL Porqué es bueno tener amigos famosos Tocar con Julian Casablancas me abrió los ojos. Por primera vez vi, por mí misma, lo que la música puede provocar. Viajé por el mundo

con él, yo soy gran fan de su trabajo y lo que hace con The Srokes, pero aun así ver la cantidad de gente que logra mover, emocionar, el impacto que tiene en la gente.… para mí fue muy emocionante. Ése fue un momento decisivo. Con HAIM llevamos cinco años, y hasta hace muy poco tocábamos en lugares vacíos o para nuestros conocidos. Con Julian aprendí lo mucho que se tiene que trabajar. Eso me empujó a grabar nuestras cosas, me di cuenta que teníamos que enfocarnos más, trabajar mucho y llevar nuestra música a otro nivel. Música de un solo género, el bueno Creo que siendo mujer tienes que trabajar más para que la gente te tome en serio. No creía eso, en realidad nunca me suscribí a esa idea, pero ahora siento que es

verdad, pero al mismo tiempo me parece que actualmente se está viviendo un buen momento, pues hay muchas mujeres en la música haciendo cosas interesantes. Pero todas se esfuerzan mucho, creo que todavía al ser mujer en esta industria tienes que trabajar más para poder transmitir tu mensaje. Es un poco frustrante, sí. Supongo que es lo que es… Es molesto cuando la gente parece sorprendida de que toquemos nuestros instrumentos; oír eso de “son un grupo de chicas”, cuando sólo tendría que ser “son un grupo”. Punto. Que aún comenten en el hecho de que somos mujeres y tocamos, es un tanto absurdo para mí. Es decir, ¿por qué siquiera hablar de eso? Es raro, crecimos tocando y nos hemos matado trabajando para hacerlo cada vez mejor, como cualquier otro músico lo hace. M www.marvin.com.mx

10• Oneohtrix Point Never – R Plus Seven La experimentación cobra más sentido que nunca en un mundo actual tan coherente.

14• Classixx – Hanging Gardens 12 canciones que emulan una realidad en la que todas las cosas son como se quiere que sean.

11• Danny Brown – OLD La vida es tan sólo ruido y furia en la mente de un rapero salvaje.

12• Eleanor Friedberger – Personal Record

13• Juana Molina – Wed 21

La música es para expresar los sentimientos sin divagar en el intento. Un LP tan sincero y melódico siempre será necesario.

Un particular caso en el que los sonidos se contemplan a sí mismos, un disco que vive para sí.

15• These New Puritans – Fields of Reeds Un álbum que requirió largas jornadas de trabajo, dos ensambles de instrumentistas y enloqueció a varios por su complejidad, seguro debe tener algo muy especial.

ALMANAQUE

7• Foxygen – We Are The 21st Century Ambassadors of Peace & Magic Un tributo a The Rolling Stones y a la edad de la punzada.

Corrían las primeras horas de este año y ya se podía percibir una emoción por lo que el futuro tenía guardado para nuestros oídos, pasaron los días y experimentamos nuevos sonidos, innovadoras estrategias de lanzamientos, así como escandalosas aseveraciones sobre el futuro de la música. Con ayuda de todos los que hacen posible Marvin, discernimos todo lo construido durante los pasados 365 días y seleccionamos aquellas producciones que se han ganado un lugar en la historia y en la cultura del sonido. Éste fue el resultado final.

3• Deafheaven – Sunbather Aquí están todos los miedos del ser humano que sobrevive a la era hipermoderna.

1• Kanye West – Yeezus El salto sonoro más grande que ha dado el género.

5• David Bowie – The Next Day

2• Arcade Fire – Reflektor

Un aviso de que a las leyendas no hay que olvidarlas.

El álbum que toda una generación necesitaba pero no merecía.

4• My Bloody Valentine – m b v La deuda mejor saldada en los últimos 17 años de la historia musical.

9• Disclosure – Settle El disco que le dio un segundo aire a la música electrónica. 8• Julia Holter – Loud City Song El sonido que se esconde en las entrañas de todas las grandes ciudades. 6• Deerhunter – Monomania Enojo y melancolía expresados a través de una vieja guitarra y un micrófono oxidado.

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Nick Cave and The Bad Seeds El Plaza Condesa

FOT:: FELI GUTIÉRRES

Animal Collective Ceremonia FOT:: AZUL RAMÍREZ

Atoms For Peace Pepsi Center WTC

FOT:: FELI GUTIÉRRES

Blur El Plaza Condesa

FOT:: OCESA

ALMANAQUE

Foxygen Festival #Marvin13 F OT: : M A R I E L A R G Ü E L LO

Grouper Foro Shakespeare

ZQUEZ F OT: : O R Q U Í D E A VÁ

Spiritualized Teatro de la Ciudad

Black Sabbath Foro Sol

FOT:: FELI GUTIÉRRE S

FOT:: MARIEL ARGÜELLO

Reptile Youth Festival #Marvin13 F OT: : A Z U L R A M Í R E Z

MIA Corona Capital 2013

FOT:: FELI GUTIÉRRES

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El públic o y los m ed justos. P or eso de ios nunca son cidimos espacio p dedicar u ara aque n llo lograron el alcanc s títulos que no e que me discos qu re e en un fu ce turo no m n, 15 tendrem os que re uy lejano valorar.

eluxe upid D C – e os ang e Mag od Or aile d A) Blo B – o l púscu bitual e Cre he Ha T g B) Jo in ak e – Sh ings e Knif C) Th ngrav ds – E r o rk 2 w ter Da rest S r – Af D) Fo e t t e B Do It w lians py Fe E) Ita e Hap h T o –T dicine osm F) Me Boat Parac n His Out – O d d e ie h s oD G) Wa an Wh The M – r r Day e oup of You s n H) Gr o as r – Se ear Last Y zy Sta z a M ) Time I is h T e rine – ry On rama of Eve y r J) Ult o t His t–A l Orcu Way K) Bil isible he Inv T – w Faces L) Lo ptible u r r o in –C – Gra olete M) ZS e Obs tica h T s t ia Mís Mee Victor e l l – e o r r ar N) Lo or Biz de Am o l u g n O) Triá ALMANAQUE

Marbeya Sound

Naff Chusma

Celofán

Niño Árbol

Den5hion

Un viaje intergaláctico que mucha falta hacía en la escena mexicana, debutó este año con su excelente LP Colonies, una fascinante exploración de sonidos que podrían amenizar una película retrofuturista de ciencia ficción postapocalíptica.

Una banda de rock progresivo y experimental con influencias de música clásica que pretende romper con la forma tradicional de creación musical al tener en la esencia de su composición el concepto de multicanal. Una gozada multisensorial, una experiencia sonora envolvente y tridimensional para disfrutar idílicamente en vivo.

Nunca antes la convergencia entre el ruido y las melodías pop habían sido tan bellas. Celofán se acerca mucho al shoegaze de My Bloody Valentine. La música de esta banda tijuanense es sucia pero pulida, caótica pero accesible y, sobre todo, es un puente a los rincones más ensoñadores de la imaginación.

Proyecto de electrónica experimental de un joven de 18 años llamado Kevin Martínez, quien no busca encajar en alguna escena, sino que es un nato explorador e innovador. Su música es arriesgada y de calidad trascendental.

Su música tiene matices orgánicos que se inclinan a lo ambiental; electrónica que, en el fondo, parece extraer de la memoria del escucha los sentimientos más densos y relevantes de forma borrosa y trastornada, resultando en una agobiante alteración de los recuerdos.

Clipping

The Acid

FKA Twigs

Perera Elsewhere

Kelela

Clipping rompe las fórmulas del hip-hop al optar por recargar su sonido de ruido estridente, oscuro y perturbador, como si todos los aparatos electrónicos del mundo entraran en modo glitch y crearan beats abstractos e inquietantes. El asombroso flow superpuesto en el mar de sonidos infernales resalta de forma única y peculiar.

The Acid de alguna manera condensa todo lo que está pasado en la música contemporánea, tomando elementos de aquí y allá para crear un producto sólido, artístico y de alta calidad. Una banda de la cual no encontramos razones para que no le agrade a alguien.

Proyecto de una chica silenciosa y tímida de 25 años que se crio en un ambiente rural, y con la ambición de ser cantante se mudó a Londres. En su música se percibe su implosiva tranquilidad ofreciendo un trip hop muy delicado y una voz que penetra en lo más profundo del alma.

En la música de Perera Elsewhere hay armonía entre naturaleza, sonidos étnicos y el mundo digital; también hay oscuridad, nostalgia y esperanza. Las canciones de su debut Everlast son el eco de la modernidad y la difícil búsqueda de identidad.

Kelela lanzó su grandioso álbum debut CUT4ME, que contiene influencias de R&B con una inclinación innovadora de electrónica experimental. El tratamiento que tiene en la producción de su música es visionario y, en realidad, suena al futuro de la música pop sucediendo ahora mismo. Una artista de vanguardia que terminará influenciando a muchos.

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Existen dos realidades en el mundo de la música: la del dinero y la de la calidad, al final estas dos entidades comparten la misma preocupación en lograr conseguir el mayor de los números, sin embargo, es la economía la que rige los parámetros en el cómo y qué se debe consumir. Las escenas son muchas: pop, rock, folk, el llamado indie, el country, la salsa, la balada, etc., y es en un solo lugar en el que todas conviven: en el de las listas de venta. Como es evidente, el chart de 2013 está dominado por aquellos artistas con un gigantesco apoyo de la industria musical y principales proveedores de la cultura pop, a excepción de algunos nombres. Conoce los 100 discos que reunieron la mayor cantidad de ganancias este año:

1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10. 11. 12. 13. 14. 15. 16. 17. 18. 19. 20. 21. 22. 23. 24. 25. 26. 27. 28. 29. 30. 31. 32. 33. 34. 35. 36. 37. 38. 39. 40. 41. 42. 43. 44. 45. 46. 47. 48. 49. 50.

Arcade Fire – Reﬂektor Katy Perry – Prism Kelly Clarkson – Wrapped In Red The Robertsons – Duck The Halls: A Robertson Family Christmas Drake – Nothing Was The Same Thomas Rhett – It Goes Like This Toby Keith – Drinks After Work Lorde – Pure Heroine Miley Cyrus – Bangerz Linkin Park – Recharged Pearl Jam – Lightning Bolt Luke Bryan – Crash My Party Justin Timberlake – The 20/20 Experience (2 Of 2) Florida Georgia Line – Here’s To The Good Times Imagine Dragons – Night Visions Robert Glasper Experiment – Black Radio 2 Paul McCartney – New Scotty McCreery – See You Tonight Susan Boyle – Home For Christmas Protest The Hero – Volition Bruno Mars – Unorthodox Jukebox Seether – Seether: 2002-2013 Lindsey Stirling – Lindsey Stirling Cher – Closer To The Truth Willie Nelson – To All The Girls... Various Artists – WOW Hits 2014: 30 Of Today’s Top Christian Artists & Hits The Dirty Heads – Home / Phantoms Of Summer / The Acoustic Sessions Passenger – All The Little Lights DJ Khaled – Suffering From Success OneRepublic – Native Various Artists – NOW 47 TLC – 20 Straight No Chaser – Under The Inﬂuence: Holiday Edition (EP) The Head And The Heart – Let’s Be Still John Legend – Love In The Future Robin Thicke – Blurred Lines The Avett Brothers – Magpie And The Dandelion Avicii – True Blake Shelton – Based On A True Story ... Cassadee Pope – Frame By Frame Lana Del Rey – Born To Die Avenged Sevenfold – Hail To The King Chris Tomlin – How Great Is Our God: The Essential Collection Pusha T – My Name Is My Name Sky Ferreira – Night Time, My Time Kings Of Leon – Mechanical Bull Bastille – Bad Blood Alan Jackson – The Bluegrass Album Tamela Mann – Best Days Jay Z – Magna Carta... Holy Grail

51. 52. 53. 54. 55. 56. 57. 58. 59. 60. 61. 62. 63. 64. 65. 66. 67. 68. 69. 70. 71. 72. 73. 74. 75. 76. 77. 78. 79. 80. 81. 82. 83.

Justin Moore – Off The Beaten Path Korn – The Paradigm Shift Macklemore & Ryan Lewis – The Heist Jack Johnson – From Here To Now To You Tamar Braxton – Love And War Keith Urban – Fuse Panic! At The Disco – Too Weird To Live, Too Rare To Die! Vertical Church Band – The Rock Won’t Move Chris Tomlin – Burning Lights Ariana Grande – Yours Truly Jason Aldean – Night Train Skeletonwitch – Serpents Unleashed Tyler Farr – Redneck Crazy Hunter Hayes – Hunter Hayes AFI – Burials P!nk – The Truth About Love Kendrick Lamar – good kid, m.A.A.d city Luke Bryan – Tailgates & Tanlines Arctic Monkeys – AM Selena Gomez – Stars Dance Ray Charles – Ray Charles Forever Kelly Clarkson – Greatest Hits: Chapter One Marco Antonio Solis – Gracias Por Estar Aqui Michael Buble – To Be Loved Elton John – The Diving Board Janelle Monae – The Electric Lady Chris Young – A.M. Justin Timberlake – The 20/20 Experience Mumford & Sons – Babel Fifth Harmony – Better Together (EP) The Piano Guys – A Family Christmas Adele – 21 Five Finger Death Punch – The Wrong Side Of Heaven And The Righteous Side Of Hell: Volume 1 84. Kelly Clarkson – Stronger 85. Zac Brown Band – Uncaged 86. Fall Out Boy – Save Rock And Roll 87. 2 Chainz – B.O.A.T.S. II #METIME 88. Hillsong United – Zion: Acoustic Sessions 89. MellowHigh – MellowHigh 90. The Lumineers – The Lumineers 91. Mary J. Blige – A Mary Christmas 92. Taylor Swift – Red 93. The Neighbourhood – I Love You 94. Motorhead – Aftershock 95. John Mayer – Paradise Valley 96. John Fogerty – Wrote A Song For Everyone 97. Katy Perry – Teenage Dream 98. Lou Reed – Transformer 99. Eminem – Recovery 100. Eminem – The Eminem Show

Fuente: Medición realizada en Estados Unidos, Canadá, Reino Unido y Japón, por la empresa Soundscan hasta el 16 de noviembre de 2013.

ALMANAQUE

CINE El avance de la tecnología y una mayor organización de festivales en el mundo fueron dos de las constantes que marcaron al cine en 2013. Pero, ¿cuáles fueron las afortunadas que se convertirán en imprescindibles de la historia? Aquí un conteo* de los 10 títulos que resaltaron por su narrativa e imagen, una decena que debes incluir en tu filmoteca:

1• Gravity Alfonso Cuarón 90 minutos del suspenso más traum atizante, un obra que reinventó la ciencia ficción.

2• Blue Jasm ine Woody Allen La cinta m ejor lograd a de Clasismo y crueldad co este director en años n un toque negro. . del humor más

5• Ba s Cl tards a Una b ire Denis o violen fetada en la car c está c ia y sexo a del y c uand o va a todo lo qu ine sensib e le a ver Iron M la socieda ro, d fing an. en

8• H e A li m Un r at Esc e a sufr trato de lante e narc n las co los civil e n otrá fico secuen s que en M cias del éxic o. *Posiciones obtenidas promediando lo publicado en diversos portales web especializados en cine.

ALMANAQUE

3• Blue is the Abdella Warmest Color ti Una genuin f Kechiche a de aquel se representación cine m ntimiento que nos de atográfica ja sin alient o.

6• Sp rin Ha g Breaker s r La ge mony Korin ne Una c ración del e inta q ue le selfie, plan hace honor a y apática . .

9• L ik H e Father , i La h rokazu Like Son K is ( trad toria qu oreeda Soshite ic chich e de la ionalista reta las i ni n aru) famil s sob conc epcio re el ia y l n os “l s azos ignifica es de s do angr e”.

4• 12 Year Steve Slave M Un herm cQueen oso reco rda siempre ha sido y torio de lo frágil qu será nues tra liberta e d.

7• St ok Pa er r Con e k-Chan W o s gusto ta película ok por la ap muer rendimos te vie ne de que el famil ia.

10 • L C os Insólito la s El rela udia Sain Peces Ga t t inmin to de una e-Luce o f ente desg amilia fre racia n . ¿Cóm te a la o act uar, q ué

decir ?

El cine es un arte que se nos ha invitado a apreciar en todos sus aspectos, pero a diferencia de otros, su realización involucra a cientos (incluso miles) de personas. Por ello, la mayor preocupación de la industria cinematográfica es generar la mayor cantidad de ganancias, tanto para cubrir gastos técnicos y de personal, como para gozar de los placeres de la plusvalía; esto, claro, sin importar muchas veces la calidad narrativa y estética del producto final. Así que dejemos a un lado las calificaciones en escala de estrellitas por un momento y conozcamos las películas que más dinero recaudaron este año:

Posición

Título

Estudio

Recaudación*

1 Iron Man 3 BV $409,013,994 2 Despicable Me 2 Uni. $366,418,425 3 Man of Steel WB $291,045,518 4 Monsters University BV $268,384,642 5 Gravity WB $245,743,924 6 Fast & Furious 6 Uni $238,679,850 7 Oz The Great and Powerfull BV $234,911,825 8 Star Trek Into Darkness Par. $228,778,661 9 World War Z Par. $202,359,711 10 The Croods Fox. $187,168,425 11 The Hunger Games: Catching Fire LGF $170,396,008 12 Thor: The Dark World BV $169,277,785 13 The Heat Fox $159,557,070 14 We’re the Millers WB $150,221,639 15 The Great Gatsby (2013) WB $144,840,419 16 The Conjuring WB $137,400,141 17 Idenity Thief Uni. $134,506,920 18 Grown Ups 2 Sony $133,668,525 19 The Wolverine Fox $132,517,781 20 G.I. Joe: Rataliation Par. $122,523,060 21 Now You See Me LG/S $117,723,989 22 Lee Daniel’s The Butler Wein. $115,570,234 23 Cloudy with a Chance of Meatballs 2 Sony $114,361,132 24 The Hangover Part III WB $112,200,072 25 Epic Fox $107,518,682

Posición

26 27 28 29 30 31 32 33 34 35 36 37 38 39 40 41 42 43 44 45 46 47 48 49 50

Título

Estudio

Recaudación*

Pacific Rim WB $101,802,906 This is the End Sony $101,470,202 Capitain Phillips Sony $100,888,487 Olympus Has Fallen FD $98,925,640 Jackass Presents: Bad Grandpa Par. $95,803,556 42 WB $95,020,213 Elysium TriS $93,050,117 Planes BV $90,056,799 The Lone Ranger BV $89,302,115 Oblivion Uni. $89,107,235 Insidious Chapter 2 FD $83,325,780 Turbo Fox $82,967,512 2 Guns Uni. $75,612,460 White House Down Sony $73,103,784 Mama Uni. $71,628,180 Safe Haven Rela. $71,349,120 The Smurfs 2 Sony $71,017,784 Percy Jackson: Sea of Monsters Fox $68,077,542 A Good Day to Die Hard Fox $67,349,198 Warm Bodies LG/S $66,380,662 Jack the Giant Slayer WB (NL) $65,187,603 The Purge Uni. $64,473,115 Prisioners WB $60,819,457 After Earth Sony $60,522,097 Ender’s Game LG/S $57,431,401

Fuente: http://www.boxofficemojo.com *Cifras expresadas en dólares americanos.

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EN POR TADA

La era Reflectiva Una audiografía a Reflektor de Arcade Fire

TXT:: JIMENA GÓMEZ @JIMENA_BLUE JUAN CARLOS HIDALGO RAQUEL CASTRO

ALMANAQUE

De vez en cuando resulta inevitable preguntarse qué discos recordaremos dentro de cinco o diez años, qué discos habrán de retener nuestra atención y curiosidad en un mundo musical que crea tan rápido como olvida. Las opciones no son muchas y, sin duda, Reflektor está al principio de la lista, ¿cómo es que una banda canadiense viene, desde hace tres discos, y ahora más que nunca, a brindarnos esperanza en un sonido que insistimos llamar rock (con todos los prefijos que ustedes gusten agregar)? La respuesta es que lo que se proponen va más allá de los géneros, de los momentos y tendencias y, por ende, puede sobrepasarlos, adelantarse y pintarnos un futuro más bello, incluso si lo hace hablándonos de la franca angustia del hombre moderno. Es el discurso de una generación que necesitaba desesperadamente alguien capaz de articularlo, la belleza con la que lo hacen, bueno, eso es simplemente un milagro. Pocas veces es la combinación de letras y sonidos igual de profunda y bella o en la misma medida creativa y refrescante. Se trata de un álbum cohesivo que consigue algo que muchos han intentado sin éxito desde la llamada muerte de los discos: obligarnos a oírlo en conjunto. Cada canción se encadena con la siguiente, se refleja y complementa en una narrativa real y sonora. Sin duda, hablaremos de este disco por años, pero lo mejor será escucharlo regularmente, como un buen libro cuya lectura al pasar la vida toma nuevas dimensiones. Por ahora, decidimos hacer una disección a tres oídos de este álbum, quizás en diez años regresemos a este texto y descubramos a qué sonaba lo legendario al momento de su creación, a qué suena Reflektor en 2013. 41

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Vol. I

Una audiografía a Reflektor de Arcade Fire

“Reflektor” En cada disco Arcade Fire nos da un track capaz de contener toda la simbología del álbum en cuestión, una canción que al escucha, atento y dispuesto, le dará todas las herramientas necesarias para descifrar su discurso. “Reflektor” es una canción consciente de sí misma, que se refleja a sí misma, en palabras y ruido, que traduce a sonido e ilustra un mensaje, mismo que depende de su profunda relevancia y abstracción. Arcade Fire nos habla de la era reflectiva (guiños a la guerra suburbana y quizá una geografía de la misma); de postmodernismo e insatisfacción. Es un himno generacional improbable y quizá mucho más bello y profundo de lo que esta generación merece. Esta canción es la primera parada de un viaje existencialista que se ha de emprender y que de algún modo Arcade Fire hace sonar no tan sombrío, es más, a veces, hasta resulta alegre. Cabe mencionar la anécdota que explica cómo es que la voz de Bowie se coló en un par de frases; resulta que el duque blanco se encontró en el mismo estudio que los canadienses, les pidió oír algo, y tras escuchar el futuro single, amenazó con robar la canción, a lo que Arcade Fire respondió con una propuesta: ¿qué tal si él mejor se unía a la canción? El resultado de esta colaboración es, para muchos, casi imperceptible, pero al final, ¿cuántos pueden presumir de tener la voz de Bowie en algunas de sus canciones? No muchos… ALMANAQUE

“Flashbulb Eyes”

“We Exist” El nombre de esta canción, más que una afirmación, es casi un grito desesperado, es una plegaria de incomprendidos y marginados. Retrato de la clase de miedo y confusión que sólo se puede obtener tras años (¿una vida?) de sentirse fuera de lugar. Aquí la música, de nuevo, se complementa y yuxtapone con el contenido. Los primeros segundos de la canción evocan la bonita sabrosura post funky que Michael Jackson habría de invocar en “Billy Jean”, y es que esta época (70 y 80) es fuerte en todo el álbum, y explora desde lo funk a lo punk, todo decantado en un elegante pop que por tener un “na na na na” en su coro no pierde profundidad y densidad.

Desde muy pronto en Reflektor se empieza a escuchar algo que parece una corriente misteriosa, un hilo de sonido que une todas las canciones. Tiene que ver con la influencia del productor James Murphy, líder y centro del extinto proyecto dance punk LCD Soundsystem, pero también con el suceso que desencadenó el proceso entero del álbum: un viaje de Win Butler y Régine Chassagne a Haití, la tierra natal de ésta, una de las naciones más pobres de la Tierra. La música negra es potente en esta canción y en todo Reflektor: las percusiones electrónicas hacen eco de la música tropical de toda América (varios samples suenan a cumbia del siglo XX y de ahora, por ejemplo) al igual que los coros y las guitarras. La letra juega con la superstición de la cámara que “roba el alma”.

“Normal Person”

“Here Comes The Night Time” Durante los meses previos al periodo de composición de los temas, como sabemos, Win realizó varios viajes a Haití y tuvo oportunidad de asistir al carnaval y otras celebraciones populares; allí se topó de frente con una música carnal que le cambió los paradigmas. De allí que ésta sea la pieza clave para comprender el brusco viraje que ha emprendido con este álbum. Hay una exploración de la rítmica afroantillana que incorpora además un sobresaliente trabajo de bajo. La canción ha traído consigo la polémica, pues no falta quien la considera cercana al reggaeton. Se incorpora también un teclado muy caribeño dejando que la guitarra eléctrica aporte la chispa rockera. Además, habría que señalar que en el video documental del mismo título, aparecen vistiendo bordados mexicanos (tenangos hidalguenses). Se trata de un tema exuberante y atractivo: “If there’s no music up in heaven / Then what’s it for?”.

Esta canción comienza casi con una broma, con un fraseo de old school rock: “Oh man/ Do you like Rock and Roll music?”, un cliché, pues, lo que sigue, sin embargo, es el anti cliché: “Cause I don’t know if I do”. Este inicio además de jugar con la música, que también a momentos cae en estructuras comunes y abusadas, es una fuerte afirmación para la banda más grande actualmente de eso que insistimos llamar rock. También, este giro a la fórmula normal, da pie a lo que el resto de la canción propone, es decir, todo menos algo normal, y es que, ¿es algo normal? ¿Tal cosa puede existir? Y, de hacerlo, ¿quién querría ser normal? Preguntas pubertas de maduras implicaciones nos plantea aquí la banda. Casi al terminar la canción, nos topamos con una estrofa que ya habíamos escuchado en “We Exist”: “Maybe if you hang together/ You can make the changes in our hearts/ And if you hang together/ You can change us, just where should you start?”, la pregunta está dirigida a una figura paterna, que al parecer aún no sabe por dónde empezar.

“You Already Know” En esta canción la banda continúa mezclando influencias de sus dos raíces: la música indie blanca y la música negra y afrocaribeña. Aquí la base rítmica suena a pop, pero las texturas sobre ella son totalmente distintas de la tradición del pop. Al comienzo y al final, una voz grabada de un programa de TV inglesa anuncia a Arcade Fire, pero es como si oyéramos los anuncios de una banda de murga o de salsa; entre los coros, las armonías suenan sincopadas y hay destellos de instrumentos y samples brillantes que se contraponen a lo sombrío de la letra. Ésta no es siempre lo más expresivo de una canción de Arcade Fire, pero la de “You Already Know” alude al tema de la angustia por la vida, que llena todo Reflektor (y en ella cuenta mucho cómo canta Butler las palabras: enérgico y ligero a la vez).

“Joan of Arc” El cierre del primer disco de esta doble entrega comienza como un homenaje al primer momento del punk, pero luego da paso a una base rítmica que procede del kraut rock y suma su ritmo motorik. Con ello se resalta esa intención por los abruptos cambios de ritmo que se hace más potente cuando se suman unos coros juguetones y poperos de parte de Regine, quien canta unas partes en francés y cobra un importante protagonismo con sus aportaciones. Lo que se mantiene es su acercamiento a figuras de la tradición religiosa cristiana y ahora hacen una exaltación de la fuerza y perseverancia femeninas: “My Joan of Arc –Jeanne d´Arc, ah ooh/ Tell the boys their time is through”. www.marvin.com.mx

Vol. 2

Una audiografía a Reflektor de Arcade Fire

“It’s Never Over (Hey Orpheus)” “Here Comes The Night Time II” Si la primera canción de este nombre toma la ligera brisa de Haití como inspiración, en su secuela podemos encontrar una interpretación mucho más oscura de esa geografía. De acuerdo a Win Butler, las letras tratan de la tristeza y agonía de aquellos que intentan huir del país, en botes por la noche, y buscar refugio en Estados Unidos, así como con la negativa de las autoridades americanas ante ellos. En sonido, esta canción cumple de manera perfecta el cometido de dividir el disco en dos; es mucho más lenta y atmosférica que todo lo que hemos escuchado hasta el momento, y sirve para bajar el ritmo y ponernos en un ánimo mucho más contemplativo, el necesario para asimilar la mitología griega que viene en camino. ALMANAQUE

“Awful Sound (Oh Eurydice)” Hay una historia antigua que es la fuente de este track, pero para comprenderla plenamente hay que seguir avanzando en el álbum; varias canciones se refieren a ella y el secreto se revela sólo hasta casi el final en la secuencia de Reflektor (y de un modo más bien extraño). Aquí basta decir que la letra, al igual que la intensidad del arreglo y de las voces, sirve para afianzar la historia de un amor perdido entre el silencio y la muerte. Es más fácil de entender la potencia y la energía de esta canción si se piensa en esto: los redobles suenan al fondo de una canción aparentemente suave, de coros lánguidos, pero no desaparecen jamás, y en cambio el tema entero termina abruptamente, como ilustrando una muerte repentina.

Win ha declarado que buscaron que los temas de Reflektor les brindaran la posibilidad para que Regine bailara, y de las sesiones de creación en el Trident Castle surge una prueba de ello (con ciertos vestigios a la new wave y admiración por Talking Heads y New Order –lo que no es nuevo para ellos y menos para James Murphy–). Ello no es obstáculo para tomar como referencia la película Orfeo negro (Dir. Marcel Camus, 1959) –que muestra el Carnaval de Brasil–. Nuevamente se percibe la estructura fragmentaria de la pieza –como si estuviera compuesta por partes–. En cuanto al discurso han apuntado que tiene influencia del pensamiento de Soren Kierkegaard –la forma es festiva, el fondo trágico–: “But you will get over when you get over and when you get older, then you will discover that it’s never over”.

“Porno” Aquí las comparaciones con LCD Soundsystem son fáciles, pero la canción es demasiado compleja como para quedarnos en con ellas. La música es oscura, a momentos básica (sintes que recuerdan a Depeche Mode y sus primeras aventuras con la electrónica de hardware) y también engañosamente cachonda. Mientras tanto la letra es perturbadora y se abre en variadas interpretaciones, de las cuales la que más gusta es la de género, la que trata de lo que se le enseña a los hombres desde pequeños y cómo esto contribuye a hacer las relaciones (innecesariamente) complejas. La sociedad es pesada en el individuo, nos rompe antes de que podamos siquiera comenzar a construirnos y esto va parejo para hombres y mujeres, a una de estas últimas la canción le pide se desprenda de su maquillaje, que se desnude y se muestre como es. Algo real, la búsqueda interminable de este álbum.

“Afterlife” Cosas de la vida transmedia: la pieza central en el rompecabezas de Reflektor es el lyric video (no el de Spike Jonze) de “Afterlife”. ¿Por qué? Porque está hecho enteramente de fragmentos de la ya mencionada película Orfeo negro. Ésta relata el mito griego de Orfeo, el músico prodigioso que baja al infierno por su amada Eurídice (y la pierde de todas maneras), pero trasladado al mundo del carnaval de Río de Janeiro. No es Haití, pero todas las referencias del resto del disco y de su origen están allí, entre los rituales de origen africano, la pobreza, el amor perdido y el misterio de la música. La canción es la mejor del álbum, una de las que mejor asimila la música del Caribe y de un modo extraño una de las más optimistas: “¿Podemos arreglarlo? / ¿Gritar y gritar hasta que lo arreglemos?”, canta Win Butler

“Supersymmetry” Una obra arriesgada, llena de inflexiones interesantes e incursiones bizarras no podía tener un final manso ni complaciente. Ha sido ahora cuando han decidido explayarse en todo cuanto fuera posible, así que su conclusión llega a través de un tema de poco más de 11 minutos, que parece surgir de una saga de ciencia ficción: “It´s been a while since I´ve been to see you/ I don´t know where, but you´re not with me/ Heard a voice like an echo/ but came from you”. Inicia con repetición de frases hasta ceder a largos pasajes instrumentales, ideales para un vagabundeo espacial. Aciertan quienes lo consideran un final anticlimático. Arcade Fire han buscado descolocar y lo han logrado. Dejemos que nuestras almas vaguen por el cosmos hasta fundirse con la nada. M

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D E F ON D O

n el año 2011, Jay-Z, el multimillonario productor y rapero, trabajó con Droga5 –una de las agencias de publicidad más celebradas en el mundo– para crear una campaña única y atrevida. La intención era dar a conocer el motor de búsqueda de Bing a través de Decode, la autobiografía de Sean Carter. La idea era simplemente brillante: distribuir páginas completas del libro en los lugares y contextos señalados dentro de éste. Pero no sólo colocarlas en espectaculares o parabuses; sino en mesas de billar, papeles para hamburguesa, platos, canastas de basquetbol, chamarras Gucci, e incluso una piscina. Todo esto permitió a las personas relacionarse intrínsecamente con Jay-Z a través de los espacios narrados en el libro y los mapas de Bing. Por supuesto, el éxito de la autobiografía resultó inmediato, y Bing consiguió por vez primera entrar al conteo de los sitios más visitados en Internet.

AL M ANA Q UE

Actualmente no puede decirse que exista un límite claro entre lo que significa mercadotecnia y lo que significa la publicación de un álbum con material artístico. Especialmente cuando los dos conducen a un objetivo similar: la venta del mayor número de unidades en la menor cantidad de tiempo posible. Si bien el ejemplo de Decode, más allá de la espectacularidad y el ruido mediático, trata de un pensamiento atinado y esencial al problema de la publicación y las limitaciones físicas del libro, sus consecuencias se desenvuelven en torno a otra problemática: ¿realmente necesitan artistas con carreras tan asentadas y personalidades influyentes una promoción de tal grado? Dos años después de la realización de aquella campaña, podemos afirmarlo. Incluso, en la cima de la resonancia mediática y la constante reafirmación de un conceptual súper-estrellato, todo artista, grande o pequeño, debe crear una fuerza mercadológica innovadora y desmesuradamente creativa sobre la cual testificar, en última instancia, el lanzamiento de una nueva producción discográfica. Hoy día recordamos con sumo cariño algunos comerciales que bandas como Pink Floyd utilizaron para la promoción de sus álbumes –en

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2013 y su vorágine publicitaria particular el comercial de Animals donde un globo gigante en forma de cerdo recorría la central hidroeléctrica de Battersea–. Sin embargo, afirmar que aquellos comerciales (por una razón deductiva o simplemente dialéctica) construyeron el reconocimiento de dicha agrupación, implica necesariamente desconocer que en todos los álbumes de Pink Floyd existía una calidad y un trabajo constante sobre la materia musical en el estudio. Antes el comercial era un soporte, pero nunca el medio para dar a conocer dicho álbum. Ese papel le correspondía a la música. 2013 ha traído consigo algunas campañas espectaculares y sumamente entretenidas para la promoción de un álbum. Asimismo, mostró algunas tortuosas construcciones de retórica personal desentrañadas por su imposibilidad para construir la figura del artista. Algunas de estas campañas, curiosamente, son incapaces de establecer una relación con la música que supuestamente

respaldan y, en cambio, manifiestan una manipulación indiscriminada de los aspectos ideológicos que circundan a la obra. Jay Z –para no alejarme demasiado del planteamiento–, creó junto a Samsung una espectacular campaña para la promoción de Magna Carta… Holy Grail, el álbum más tedioso y grandilocuente de su carrera. En ella los usuarios de Samsung podían acceder a una aplicación para descargar, en exclusiva, el nuevo álbum del rapero. La idea parecía desconocer por completo la temporalidad a la cual arribaba, pues minutos después de su lanzamiento (el cual era supuestamente respaldado por un seguro que le costó a Samsung aproximadamente 20 millones de dólares) el disco se encontraba libre para descarga gratuita en todo Internet. Por si eso no fuera suficiente, millones de usuarios fueron incapaces de descargar la aplicación y con ella el álbum, debido a un error en los sistemas de la compañía. El fracaso de la campaña resumió de

alguna manera las frustraciones contenidas en el álbum. Un Jay-Z dotado de alegatos simplistas y comprometido más con su impacto que con la posición que su música tiene en el mercado. En cierto sentido, irresponsable. Naturalmente, la lógica de mercado que circunda a una obra artística tiende a colocarnos en plena duda cuando nos encontramos frente a ella. La contemplamos y nos convertimos en sus espectadores, pero esperamos un resultado más o menos garantizado. Finalmente, se trata de una relación de transacción donde producto, compra y venta son conceptos dados. Estamos adquiriendo un producto, por lo cual esperamos que éste satisfaga nuestra inversión. En una transacción de este estilo no podemos asegurar que poseamos cierto horizonte de expectativas, sólo podemos desear que el producto sea mejor o más trabajado que la adquisición anterior. Un comportamiento como éste amenaza mucho más a

la inteligencia que a la sensibilidad. Sin embargo, asegurar que un producto mercadológico no es respaldado por esta amenaza constituye un error de entendimiento. Si bien la mercadotecnia puede definirse por la relación que establece con el público incluso antes de que el producto haga lo propio, anticipar los resultados, gestar esperanzas de diversa índole y crear una emoción previa de la pieza dispuesta ante el espectador, son cuestiones propias de la incertidumbre del comprador. Yeezus, el sexto álbum de estudio de Kanye West, recibió un tratamiento promocional mucho más discreto y enfocado que el de su amigo y colaborador Jay-Z. Previo a su lanzamiento, Kanye colocó espectaculares con su imagen, anunció una fiesta privada, liberó un video inspirado –sólo en parte– por American Psycho y deformó su personalidad hasta caracterizarla como la figura de un Dios, que curiosamente, era a la par, un esclavo de sí mismo. Teóricamente, Yeezus estaba caracterizado por una personalidad coherente con su realidad, apartado de un acto meramente psicológico o de emancipación personal. La campaña consiguió de alguna forma suscribirse a la realización

total de las ideas y recuerdos de Kanye. No se interponía entre los elementos irreductibles de nuestra comprensión del álbum y lo que el artista pretendía dejar en él, estaba ahí, únicamente para hacer ruido. Curiosamente, esta diferencia radical entre ruido y sigilo pareció diluirse en la cabeza de los integrantes de Arcade Fire cuando realizaron la extraña campaña que dio promoción a Reflektor. Desinteresada y creada a partir de manifestaciones artísticas demasiado hechas, el conjunto de Montreal aparentemente invirtió más tiempo en la gestación de dicha campaña que en la creación del álbum. Agregando además un video promocional creado mediante WebSockets, una herramienta de código que permite el intercambio de información entre varios dispositivos en tiempo real. Un experimento grato y complejo como lo fue en su momento, el video interactivo para “Sprawl II”. Como sucede con la campaña de Jay-Z resulta inevitable preguntarse sobre la verdadera relevancia de dicho proceso. Al igual que el rapero, Arcade Fire cuenta con una posición más o menos privilegiada en el panorama musical de nuestros tiempos, permitiendo que cada uno de sus esfuerzos represente, para la gran mayoría de sus fanáticos, un acierto. Acierto, sin embargo, reducido a una magnifica elaboración. El video es impecable, ciertamente; pero la música que lo adorna evoca demasiada negligencia. A diferencia de sus primeras producciones, Reflektor es conducido por otros vehículos mediáticos, no necesariamente controversiales o perjudiciales, pero sí ajenos al espíritu musical que intentan plasmar. La atmósfera de esta relación entre creatividad y mercado, parece ser la falta de coherencia. En una cultura donde el pensamiento no garantiza ninguna clase de privilegio, fuera de su rotunda aceleración y su aplicación práctica inmediata, la lógica de

mercado somete la inteligencia a una innovación constante donde la propiedad del producto y las virtudes de cierta marca –léase agrupación o banda– son ofrecidas más por su espectacularidad y ornamentos que por el producto mismo. Esto es razonable y está bien para un detergente o una bebida baja en calorías; pero no podemos asegurar que el discurso resulte pertinente en el caso de una agrupación musical, pues el arte nunca se desarrolla buscando una relación de beneficio, y más aún, haciendo alusión a Proust, se trata de una intervención que, aun viniendo de otros, se produce en el fondo de nosotros mismos. Aunque obviemos la mención evidente de productos como Lady Gaga, está claro que las estrategias comerciales que hemos enfrentado recientemente no cuestionan la calidad del producto ofrecido, y convierten a la actividad artística y musical en un petulante trabajo de mercadotecnia. Incluso el mercado necesita o amerita cierta atención. La lectura de estas manifestaciones ha de permitirnos establecer una relación real entre lo que se vende y lo que realmente existe. Someter un producto a la atenta lectura es la única forma de comprenderlo cabalmente. Atención que si bien debe ser libre y hasta inocente, debe considerar el espectro crítico del cual ha venido a ser parte y sobre todo, tratar en toda instancia de sacudir y reconstruir la idea que atañe al producto cuestionado. Por supuesto, este ejercicio se practica cada vez con menor regularidad. M

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Conteos temáticos para lectores voraces.

Álvaro Enrigue Se ha distinguido por ser muy ambicioso en sus proyectos escriturales –tanto en temática como en forma–, para ello se apega a un gran rigor y búsqueda. Nacido en la Ciudad de México en 1969, procede de una familia de diplomáticos que desde muy temprano le proveyó de una vasta cultura que le sirve de basamento para sus historias. El autor de Hipotermia (2005) y Vidas Perpendiculares (2011), aprovecha sus estudios en Salamanca, España, para arriesgarse con una novela ocurrida el 4 de octubre de 1500 y que se cierne sobre un partido de tenis entre nada menos que Caravaggio y Quevedo (a quien ya había utilizado en otro momento). Esta jugada de alto riesgo le ha valido para ganar el 31 Premio Herralde de Novela, uno de los más importantes de Hispanoamérica. Libro recomendado: Muerte súbita

Se trata de una de las mentes más lúcidas de la cultura nacional; avezado periodista y arriesgado narrador, en cada una de sus novelas se propone experimentar con las estructuras y dar con realidades que trastocan a la lógica y dan con dimensiones alternas. Ahora incursiona con una historia acerca de “la venganza y el poder de la imaginación”. En el alucinado mosaico que nos ofrece lo mismo cabe un joven escritor de cuentos y aspirante a creador de novelas gráficas, que Paris Hilton y un trío de criminales de Hong Kong. Un buen reto para el lector de parte de un gran heterodoxo. Libro recomendado: El artista adolescente que confundía el mundo con un cómic

Yuri Herrera

Bernardo Fernández Es uno de los animadores no sólo de las letras, sino también de la ilustración y el cómic, entre otras disciplinas. Ha venido a oxigenar la novela negra a la mexicana contando historias que funcionan como maquinarias de precisión. Ahora retoma a dos de los personajes de Hielo Negro para adentrarse en el lavado de dinero. Este chilango (nacido en 1972) es un narrador muy eficiente que cada vez comunica con un público más amplio. En este libro regresa la ex policía judicial y ahora detective privada, Andrea Mijangos y la ex traficante de drogas, Lizzy Zubiaga. He aquí una narrativa vertiginosa.

Una misteriosa epidemia paraliza a una ciudad sin nombre; en el ambiente se respira tensión. Allí se mueven torvos personajes involucrados en intercambiar cuerpos entre familias mafiosas (algo hay de Romeo y Julieta en el asunto). El hidalguense –y uno de nuestros escritores más internacionales– continúa con una seguidilla de libros muy bien logrados. Su tercera incursión lo confirma como un autor lleno de recursos e interesado en trabajar minuciosamente con el lenguaje; su prosa es muy identificable tanto por el hallazgo o creación de palabras como por la personalidad que imbuye a sus personajes. Un fino estilista que está siendo reconocido en el mundo entero. Libro recomendado: La transmigración de los cuerpos

Libro recomendado: Cuello blanco

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Sergio González Rodríguez

TXT :: Juan Carlos Hidalgo y Juan Nicolás Becerra

Bernardo Susana Esquinca Iglesias Juan Villoro Hoy día, Villoro (Ciudad de México, 1956) ocupa un lugar imprescindible en la literatura mexicana; su afabilidad y diálogo público siempre son agradecidos por sus seguidores y en su último libro (hecho por encargo) lo pone en evidencia; está dedicado a los usuarios que leen formatos electrónicos y que han apostado a que las bibliotecas tradicionales van a desaparecer. En Conferencia sobre la lluvia se demuestra que mientras existan lectores que gozan del formato impreso, los libros no desaparecerán. Se centra en la ponencia de un bibliotecario que ha perdido sus notas y debe improvisar una conferencia sobre la relación de la literatura con la lluvia. Además, se montó en forma de monólogo por la Compañía Nacional de Teatro.

El Centro Histórico del D.F., que guarda vestigios y secretos de la gran Tenochtitlan, es el escenario para la aparición de un personaje ideal para un escritor tan disciplinado y perseverante como Esquinca (Guadalajara, 1972): el periodista Casasola hace gala de su capacidad e inteligencia en busca de la nota de primera plana sobre un asesino serial que está sacando corazones y los está regando en las calles del Centro. Una novela negra que cumple su cometido: pasión, traición, un amor que no se logra, instancias policiales, una investigación periodística, tragedia y buenos tragos. Libro recomendado: Toda la sangre

Libro recomendado: Señorita Vodka

Libro recomendado: Conferencia sobre la lluvia

Carlos Velázquez Ari Volovich Lo irremediable se presenta cuando nuestro reloj interno se altera y esto lo sabe bien Volovich ( Jerusalén, 1974); con este texto no tenemos salida y no te suelta una vez que lo agarras. Contiene relatos de ficción, cuentos, crónicas, guías de viaje, aforismos disolutos o unas memorias de un escritor que se da a la tarea de narrar de manera minuciosa el conflicto que vive su país de origen con los palestinos y de igual manera hace una radiografía segmentada del país donde reside (México), haciendo alusión a que se pueden vivir dos infiernos en una misma vida. Un libro terco pero globalmente provocador. Libro recomendado: Jet Lag

Porque queremos a las Tepichulas, ahí va la primera novela de Iglesias (Ciudad de México, 1978), ambientada entre el Centro Histórico y Los Ángeles; en ella, la protagonista es asediada por varios amantes de todo tipo: Judas, que en el nombre lleva la penitencia, le guarda culto y es el amor de su vida; un dañado que quiere prostituirla, W; y García, un comandante que deambula procurando a la Señorita Vodka y que afirma que “las mujeres son pederas”. Transcurriendo en dos ciudades que no tienen nada de lejanas, se logra esta atrevida y valiente historia, entre vodkas servidos de muchas formas, sexo, rock and roll, tacones altos, faldas cortas y un asesinato. Esta novela pone en manifiesto lo dañados que estamos para nuestras relaciones afectivas y a la vez es un buen manual para los muchos misóginos de clóset con apariencia de hispters.

¿Con qué más nos va a sorprender ahora Velázquez (Torreón, 1978), la fiera salvaje de nuestras letras? Pues con estas 25 explosivas crónicas que van de una valoración del contexto en donde vive divorciado y convive con su hija en un autoexilio impuesto por el termómetro callejero, a un repaso del presente de La Laguna, apañada por los Santos –el equipo de futbol–, los Zetas y el Chapo. Un libro punzante que se ocupa de lo complicado que se volvió el norte, rebosante de polvo, coca, venta de chicharrones con salsa arriba de los taxis, denuncias de robos de medidores de luz, levantones, cumbias, caguamas, muertos y "Putorreón". Velázquez confirma su estilo y sagacidad y seguirá siendo querido por muchos y odiado por tantos otros. Un escritor imprescindible. Libro recomendado: El karma de vivir al Norte

Sylvia Zéleny Aguilar Hay inocencia en el título o quizás hasta cursilería, sin embargo, es un libro testimonial y severo. La autora (Sonora, 1973) ataca un género que poco se lee, pero que no demerita su valor narrativo; hablar de uno mismo o mejor dicho escribir de uno mismo no es sencillo: de las ausencias, los logros, los fracasos, las virtudes, las equivocaciones, los padres divorciados, las primeras fotos, viajes, la vida escolar (que no todos quieren recordar), los primeros Converse, lo entrañable de las cosas más sencillas y todo lo que pretendemos olvidar al dormirnos todas las noches; Zéleny lo conjunta en este libro donde enfatiza que el norte no sólo son burritos y narcos. Aquí el Piporro sigue taconeando y nos enseña a bailar. Libro recomendado: Nenitas www.marvin.com.mx

SITUACIONES DEL TIEMPO Desde hace siglos, una de las mayores preocupaciones del ser humano ha sido dejar registro de su existencia. Pinturas rupestres, pirámides y centros ceremoniales de antiguas culturas son prueba de ello, sin embargo, el paso del tiempo significa también el deterioro del documento, de modo que ni lo que está hecho para preservar puede preservarse. La noción de la temporalidad es quizá el principal motor de tangibilizar nuestros actos y al creer desesperadamente en que se puede luchar contra la imposición del destino, se construyen las cosas más bellas.

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El desasosiego del final

Alguna vez, en alguna serie española, escuché que sería mejor que las relaciones amorosas tuvieran fecha de caducidad, de esa manera nadie se atormentaría con peleas, celos y discusiones; simplemente nos dedicaríamos a disfrutar de todo momento hasta que llegara el fin. La idea, sabemos, es imposible y si no lo fuera, el amor no sería amor; y poco aprenderíamos de nosotros mismos. Además, como también se mencionaba en aquella serie, lo bueno de que no exista duración exacta para una relación, es la esperanza de que alguna vez pueda durar para siempre.

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uando la cinta dirigida por Abdellatif Kechiche, Blue Is The Warmest Color (La Vie d’Adèle –Chapitres 1 & 2), se estrenó en el Festival de Cannes, una gran historia de amor se proyectó en el celuloide, pero ese hecho pasó a segundo término cuando lo primero que pudimos escuchar acerca de la película fue la controversia provocada por las extensas escenas de sexo lésbico que contenía: un evidente indicador de que aun

AL M ANA Q U E

ahora, en el siglo XXI y en países primer mundistas, la sexualidad y, sobre todo, la homosexualidad siguen torturando las mentes conservadoras y los corazones escépticos. Lamentable es, sin duda alguna, que la magnífica cinta francesa se haya dado a conocer por las razones anteriores (aún dejando de lado el supuesto maltrato del director hacia sus actrices), pues el amor, la pasión y el encuentro con uno mismo se proyectan sublimemente en la pantalla. Durante tres horas no tenemos conciencia del mundo externo, Kechiche nos sumerge en la historia de un intenso romance entre dos mujeres cuyos cuerpos no terminan de saciarse. Blue Is The Warmest Color, basada en la novela gráfica de Julie Maroh, nos presenta la

historia de Adèle (personificada por Adèle Exarchopoulos), una joven que cursa la preparatoria y se rodea de amigas que la animan a salir con un apuesto chico. Adéle comienza una relación con el muchacho y tras la presión de sus amigas, ella pierde la virginidad. Desde ese punto en adelante, Adèle se percata de que existe un gran vacío en su vida; ¿el motivo?, no lo sabe o quizá se lo esconde a sí misma, pero todo cambia cuando en la calle, al cruzar un semáforo, Adèle choca mirada con una chica de pelo azul que más tarde reconoceríamos como Emma (Léa Seydoux). En aquella escena, Abdellatif plantea la idea de una peculiar mirada que se postra en ti por un instante y, sin embargo, está destinada a cambiarte toda la vida (¿quizá

amor a primera vista?). Adèle no lo sabe, pero en sueños esa chica habita su cuerpo, se toca a sí misma y la sola idea de aquella mirada la lleva a desear placeres no experimentados. Estamos frente a un despertar sexual del personaje, uno que no nace cuando pierde la virginidad, sino cuando comienza a desear con pasión animal el contacto con una persona de su mismo sexo. Emma, una chica universitaria y amante del arte, se introduce a la historia poco después de que Adèle termina con su impuesto novio. Ambas se encuentran (una vez más) en un bar gay; lugar al que Adèle llega buscando llenar su vacío. Desde ese momento en adelante, ellas se compenetran en un idilio que con clara determinación deja fuera lo que puedan pensar la familia y los amigos.

Aunque las dos conocen a los padres de cada una y Adèle sufre una demostración de homofobia por parte de sus amigas (momentos que denotan una amplia gama de aspectos sociales y culturales), nunca existe la prioridad o necesidad de que su relación sea aceptada. Adèle, sobre todo, da rienda suelta a su instinto y se entrega completamente a la relación con una mujer más grande y más experimentada en todos los aspectos. La historia se narra de manera cronológica, pero con ciertos saltos en el tiempo; pronto veremos a Adèle y Emma compartir una cosa juntas y después comenzar el declive de su relación. Hablar de amor no es fácil, en realidad es un concepto abstracto que muchas veces hemos visto fracasar en su intento por ser representado en el cine. Blue Is The Warmest Color es una de las cintas que ha logrado ejemplificarlo de manera casi perfecta. En una relación homosexual o no, la urgencia es la misma, la exaltación del ser asciende a niveles incontrolables y justo lo evidenciamos en los pómulos sonrojados de Adèle, en el vaivén de su cuerpo, en el cambio de actitud y la llegada a un espacio en el que por primera vez se encuentra a gusto. Saber de los continuos desplantes del director a lo largo de las grabaciones, su exorbitante exigencia y demanda hacia las actuaciones de Exarchopoulos y Seydoux, no hacen decaer la opinión sobre el audiovisual. Incluso cuando en una entrevista

las actrices hayan declarado que la película es tan sólo 10% del total de las grabaciones realizadas y que para filmar una escena frecuentemente se necesitaba una semana completa; todo ello parece valer la pena cuando tenemos un resultado tan estético y sublime. El guión, al parecer, lo leyeron al principio y después tuvieron que tirarlo. Mucho de lo que vemos frente a la pantalla son improvisaciones que Abdellatif consiguió gracias a sus actrices. El valor artístico de la cinta y el excelente papel de sus protagonistas es una razón más para agradecer que el filme se llevara la Palma de Oro en Cannes, y que, por primera vez, ésta fuera otorgada no sólo al director, sino a las actrices. Uno puede desgarrarse siguiendo los altibajos de la relación, Abdellatif nos lleva a las alturas más emocionantes, pero en la tercer parte del filme todo se vuelve lúgubre, y uno sufre su propia historia en la pantalla. Observamos un ensayo sobre la piel y la pasión; mediante tomas cerradas de la cámara (en su gran mayoría) podemos sentir los temblores, las palpitaciones, la emoción por lo que viene. El romance de Adèle y Emma termina de manera desgarradora, con una de las escenas más memorables en la historia del drama. Las manos sudan y nuestro pecho se oprime. En las tres horas que pasamos en la butaca, no nos enfrentamos a un manifiesto del amor entre mujeres, algunos incrédulos podrán quedarse con esa percepción, pero el trabajo de Kechiche va más allá, él mismo rectificó su nulo deseo de hacer de este filme un postulado para la comunidad homosexual. En cambio, su intención reside en un fiel retrato del amor juvenil, erótico y ardiente. El que aunque muchos quieran negarlo, remueve, maltrata, sincera y

modifica la existencia para la posteridad. La evolución en el personaje de Adèle va de una niña maleable y un tanto desaliñada a una mujer que por celos comete una infidelidad. A lo largo de un proceso por definir su sexualidad, se avizora en su personaje el aprendizaje que la llevará hacia una vida adulta. Blue Is The Warmest Color es una pieza de séptimo arte franca, enternecedora y cruda a la vez. Es uno de los mejores reflejos de la relación y sexualidad entre dos mujeres. El sexo es uno de los factores más importantes en cualquier relación, y si exigimos una representación

cinematográfica honesta y realista, entonces las largas escenas de sexo no son gratuitas. Los capítulos 1 y 2 de la vida de Adèle son simples, quizá es mucho de lo que se repite una y otra vez acerca del amor, pero en su simplicidad radica la universalidad de un sentimiento, la proyección de un primer amor que dependía más del tacto que de las palabras,

más de la pasión que de la aceptación social y más del deseo que de la conciencia. Ya hacia el final de los créditos, sólo queda ese sabor a primera vez (que por siempre permanecerá en nuestras bocas) y esa fatalidad de torturarnos, sintiéndonos culpables de provocar el fin de lo finito. M

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MÚSICA

DE CULTO

D E

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LOU R E

El pasado 26 de octubre, complicaciones posteriores a un trasplante de hígado acallaron una de las voces más trascendentes del rock. El estridente guitarrista fundador del grupo más influyente en la historia –The Velvet Underground, la clásica banda de culto que recibe un disco de oro veinte años después de haberse disuelto–, se confirmó con los años como uno de los letristas más brillantes. Sus canciones están habitadas por individuos marginales que miran al mundo desde la contracultura. La psique junkie, el humor del ghetto, la osadía travesti y el orgullo gay, lésbico o transexual son temas que atrajeron, primero, a cientos de personas cuyos estilos de vida tampoco eran precisamente convencionales; después, hipnotizaron a todos los demás. Lou Reed colaboró durante más de 40 años de carrera con quien se nos ocurra, por lo que su trabajo fue conocido por varias generaciones. Aunque eso no basta, un figurón así merece ser recordado y revisitado, no sólo en busca del pasado, sino en pos del porvenir vía la comprensión del presente: saber quiénes somos ahora para darnos una idea de quiénes seremos mañana.

TXT:: LENIN CAL DERO N

n cada paso de 2013 la muerte nos sorprendió, desde Prince Jazzbo hasta Ray Manzarek pasando por James Gandolfini y Dennis Farina o Pedro Ferriz hasta Guillermina Bravo y Amparo Rivelles, aunados a las bajas familiares… La ausencia de individuos que comparten la vida en rebanadas dulces y amargas es especialmente dolorosa porque se trata de gente con la que tendemos un vínculo a través de las vivencias y los espacios físicos y mentales. En ese sentido,

ALMANAQUE

este año perdimos un vínculo con nuestra realidad tras el fallecimiento de uno de los cronistas de nuestra ciudad, Guillermo Tovar y de Teresa y también perdimos un vínculo con nuestra imaginación con la muerte de Gustavo García: académico y crítico de cine, de

cuya mano develamos pasajes coloridos del cine nacional y conocimos clásicos y novedades internacionales. Por eso nos duele tanto la muerte de gente proveniente de cualquiera de las artes: porque compartimos la vida con ellos aunque no los conozcamos. Por eso la muerte

de alguien tan lejano en el espacio como Lou Reed nos duele de forma tan profunda. Lou está en el alma de todo aquel que se ha alejado del mainstream y el Billboard, ya sea por convicción o conveniencia. El Velvet Underground fue una postura crítica y activa ante las convicciones del sistema mercantil impuesto a la música a finales de los 60. Ellos son la primera banda que representa una “alternativa” a lo comercial y establecido. Protegidos de Andy Warhol asumieron la

tendencia del arte pop al recontextualizar objetos, personajes y situaciones cotidianas para verlas desde otra perspectiva, revalorizando el entorno. Entonces, la Nueva York decadente de finales de los 60 se convirtió por más de una década en punta de lanza de la cultura urbana que más tarde arrojaría expresiones artísticas como el punk, el grafitti o el rap. El Velvet comenzó todo y al frente de ellos estaba Lou con sus letras agudas y su filosa guitarra, cuyo sonido tan característico consistía en que todas la cuerdas estaban afinadas en la misma nota. Al sonido se le llamó Ostrich Guitar y un ejemplo de su naturaleza psicótica y estridente es sin duda el clásico “Heroin”. Con el paso de los años y tras dejar la mítica banda en 1970, Reed fue delegando el instrumento a guitarristas que lo acompañaron desde el inicio como Mick Ronson (David Bowie), Steve Hunter (Alice Cooper) o Robert Quine (The Voidoids). Pero aun cuando Reed pareciera más enfocado que nunca en las letras,

sus discos después de Velvet siempre tienen espacio para riffs de guitarra tan memorables como “Sweet Jane”. Con el espíritu del rock de los 50, la música de Reed se rebela lo mismo a través saxofones y coros femeninos, que de guitarras pesadas y atmósferas eléctricas. Su último disco, en colaboración con Metallica, confirma esa vena rockera. Lulu (2011) nos recuerda los años más estridentes de Lou y discos como Metal Machine Music (1975), todo un muro sonoro ruidoso y sofocante, capaz de ahuyentar del lecho más confortable al ligue más dispuesto. “Música para hombres”, dirían por allí. Si los Creedence fueron los paisajistas de la geografía cultural del sur estadounidense, Lou Reed es el retratista de los

personajes que viven los bajos fondos del noreste de los EU: la mujer golpeada (“Caroline Says”), el travesti que se abre paso por la vida pidiendo aventón (“Walk on the Wild Side”), la mujer fatal, el rebelde arrepentido (“Coney Island Baby”), el atascado sin remedio (“Vicious”), la mujer de la calle (“Street Hassle”) y hasta el mujeriego que todos llevamos dentro (“A Gift”). Quizá sólo los Beatles o Bowie crearon personajes tan vívidos. Durante cuatro décadas, Reed coleccionó en carne viva escenas y situaciones que se acercan a lo que vemos en la calle porque se alejan de lo que nos muestra la TV y la publicidad. El realismo de sus canciones se convierte entonces en un vínculo natural entre ellas y cualquiera que haya caminado por el lado oscuro de la banqueta.

Sin embargo, será la impasible voz de este magnífico retratista lo que más extrañaremos. Su voz lánguida tenía la capacidad dramática e interpretativa que sus propias creaciones requerían. Es la voz de un narrador que se sentía igual de cómodo en el escritorio que en el escenario, donde asumía la personalidad de sus personajes desde la intimidad. Reed se desdoblaba plácidamente en composiciones que no eran otra cosa que canciones dentro de canciones, como “Lisa Says II”: una voz digna del mejor storyteller y una capacidad para crear personajes que sería la envidia de cualquier makeup artist. La voz de Lou Reed permanece en nuestra memoria a través de su obra, pero habrá que celebrar su recuerdo. No vaya a ser que se nos olvide, como los trenes. O como José Alfredo, que este mes cumplirá, como Tin Tan el pasado junio, 40 años de muerto y para quienes no se ha preparado ningún homenaje a la altura. M

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CINE

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OGRÁFICO AT S EM

e los almanaques de cine publicados anualmente el británico Film Review es el más longevo de todos. Concebido en 1944 por el cinéfilo Frederick Maurice Speed como un apunte de las películas que había visto en el año, el proyecto se transformó paulatinamente en una compilación de todos los filmes estrenados en el Reino Unido, publicándose artículos de figurones de la talla de Cecil B. De Mille o Alfred Hitchcock. También se podían encontrar los primeros escritos de verdaderos entusiastas del cine, como los del historiador de cine popular

El anuario de cine es una tradición que, por lo menos en lengua inglesa, se niega a morir. Su formato aún no ha sido adoptado de manera práctica y exitosa en internet, por más que se puedan consultar películas en bases de datos como IMDb o Wikipedia. En un almanaque cinematográfico no sólo se da registro de todas las películas estrenadas en el año, con sus respectivas fichas técnicas, sinopsis e imágenes, ya sean éstas fotos fijas o el cartel, sino que también hay lugar para dar cuenta de premios, obituarios, tendencias y hasta ensayos. Todo en un solo volumen práctico. XT :: J

ALMANAQUE

Blum en 1950 y continuado a su muerte en 1965 por su asistente John A. Willis, el nombre más asociado a estos volúmenes. En ellos se detallan todos los estrenos ocurridos anualmente en Estados Unidos, incluyendo los de películas de bajo presupuesto y filmes extranjeros; dedicando secciones a la taquilla norteamericana, actores a seguir, películas premiadas por la Academia y un obituario. Todo ello profusamente ilustrado, como compensación por la falta de artículos, ya que sólo se concentra en presentar los datos duros conformados por sinopsis y detallada ficha técnica. El volumen 64 de Screen World apareció en este pasado noviembre de 2013. En el extremo opuesto a Screen World se encuentra el Magill Cinema Annual que, al igual que el primero, ofrece una exhaustiva retrospectiva de todo lo estrenado en tierras estadounidenses un año antes; pero en donde realmente se distingue es en la inclusión de ensayos y críticas, amén de incluir índices para localizar

William J. Everson, quien ya por entonces le profesaba y le rendía culto al cine de serie B norteamericano, del cual daba cuenta en sus páginas. Por su parte, Speed continuaría editando el Film Review hasta mediados de la década de los 80, aunque antes de morir en el 92 todavía seguía activo participando con reseñas. Hoy día el Film Review se sigue publicando: el pasado octubre salió a la venta el volumen 68 que detalla todo lo sucedido en 2012. Otro anuario importante es el Screen World, editado originalmente por Daniel

comentario chispeante. Todo eso en menos de 150 caracteres, cosa con que los usuarios hoy día de Twitter se sentirán totalmente identificados. De hecho, Leonard Maltin posee el récord Guinness para la reseña de cine más corta del mundo, honor que recae en la película de 1948 de Norman McLeod Isn´t It Romantic? ¿La reseña de Maltin?: No. Si bien Maltin viene realizando esta cine-guía desde 1969 (cuando el filmes en diferentes categorías y un índice general que abarca todos los volúmenes publicados. Por lo demás, todos sus contenidos son los de rigor en un anual cinematográfico, pero con el prestigio que ofrece el nombre de Magill. Este anuario comenzó a publicarse en 1981 como una continuación de los diez tomos que integraban el Magill’s Survey of Cinema, una enciclopedia moldeada en el mismo estilo de los Masterplots, una serie de volúmenes de referencia literaria que ofrecen sumarios, crítica y perfiles creados originalmente por Frank Northen Magill, cuyo apellido se ha vuelto sinónimo de calidad para ese tipo de colecciones. Aparte de los tres títulos mencionados, existen otro par de anuarios muy populares más accesibles al bolsillo (el anual de Magill ronda los 200 dólares, mientras que el de Screen World está al precio más razonable de 35 y el Film Review en 22). El primero es la famosa guía de películas que a partir de 1996 edita anualmente el crítico norteamericano de cine Leonard Maltin y desde entonces llega a nuestro país gracias a las tiendas de los tecolotitos. Con un precio

que oscila los 10 dólares, Maltin y su equipo nos recetan un aproximado de 17000 películas ordenadas alfabéticamente y calificadas con el clásico sistema de las cinco estrellitas. Cada una de ellas contiene su micro sinopsis, créditos de actores y director, disponibilidad en formatos caseros, clasificación, datos de trivia y hasta algún

anuarios, como dedicar un tema en específico (en la guía de 2014 el tema es los spaghetti-westerns), una introducción que detalla el estado actual de la industria del cine gringo, un glosario para identificar los diferentes tipos de lentes usados en el formato ancho de pantalla y la actualización de la lista de actores que intervienen en los filmes cuando éstos alcanzan notoriedad. Similar en sus intenciones, pero mucho mejor lograda, es la guía anual Videohound Golden Movie Retriever, que contiene mucho más páginas que la de Maltin y cuenta con diferentes índices para encontrar las películas en diferentes categorías, como por fotógrafo o compositor, o por temas como películas en 3D o post-apocalípticas. Así pues, los almanaques cinematográficos son una maravillosa manera de descubrir películas que pasan desapercibidas, perdidas entre el marasmo de información no organizada que desborda la red. Y no es por menospreciar a la IMDb, pero lo que no fue en su año, seguro está en un anuario… M

autor contaba con 17 años), fue hasta 1996 que se decidió hacerla un evento anual para dar cuenta de las películas que se podían conseguir en formato de video. Como tal, ha incluido algunas características de los

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ARTE

DE CULTO

¿Qué hacías el 10 de junio de 2004? ¿El 5 de febrero de 2006? ¿Y el 20 de marzo de 1984? ¿Siquiera habías nacido? Bueno, lo que es un hecho es que, en Nueva York, On Kawara hizo un cuadro con la fecha del día. Tres cuadros que se suman a los más de dos mil que constituyen su obra maestra, la cual sólo terminará cuando se acabe el mundo, o cuando él se muera, lo que suceda primero. 29 MIL DÍAS

¿Qué d ía

ON K

17 MIL CUADROS La obra más grande, brillante, ambiciosa y un tanto absurda de Kawara es la serie Today, que actualmente consta de más de dos mil pinturas de la fecha del día sobre un fondo monocromático. Cuando inició, el color de este último variaba, entre azul, rojo, gris o café; ahora casi siempre es negro. Tras elaborar la mezcla de color (por ende, el tono del fondo nunca es exactamente el

R T:: TX

INA

NO ORA ZAM ALMANAQUE

Lo único que se ha dado a conocer es que fue a la escuela preparatoria en Kariya, en la prefectura de Aichi, Japón, y que, sin formación artística, empezó su carrera dibujando grotescas escenas de amputados y heridos de guerra: las víctimas de las bombas atómicas que cayeron durante su adolescencia. Estos dibujos le brindaron cierta fama, pero los destruyó casi todos.

A W

contemporáneo —Pall Thayer— que retomó la obra de Kawara para hacer su “propia” aportación… (@On_Kawara). Prácticamente todo lo que sabemos de su vida personal y del verdadero significado de su obra proviene de rumores, de gente que ha conversado con él (al parecer le gusta hablar de geometría, numerología y cosmología) y de densas interpretaciones académicas, deseosas de descifrar el enigma de On Kawara.

oy, On Kawara, nacido en algún momento de 1933 (o de 1932) en Japón, está rondando los 29 mil días de vida. No sabemos a ciencia cierta cuántos, pues nunca ha revelado su fecha de nacimiento exacta. Tampoco ha permitido que le tomen fotos, que le hagan entrevistas, ni que reproduzcan alguna cita directa que pudiera delatar sus opiniones, ideas e intenciones. Ni lo busquen en Twitter, aunque hay una cuenta a su nombre, es de un artista

mismo), Kawara aplica cuatro capas de pintura sobre la tela, incluido el bastidor, y espera a que se sequen. Después, pinta a mano —en tipografía Futura— las letras y números en blanco, respetando el idioma del país en el que esté. Si se encuentra en un lugar donde no se utiliza el alfabeto romano, escribe en esperanto. En total, el proceso le toma entre ocho y nueve horas. Si no logra terminar la obra antes de la medianoche, se ha impuesto la regla de destruirla. Hasta 2012, Kawara había realizado cuadros en 137 ciudades, incluyendo Nueva York, donde radica desde los 60. Siguiendo su lógica, se supone que debería de pintar uno al día, pero normalmente realiza entre 61 y 241 obras en un año. Si el artista hubiera pintado sin falta todos los días desde que empezó la serie, el 4 de enero de 1966, hoy sumarían más de 17 mil obras. En un principio, los cuadros solían ir acompañados de un recorte del periódico del día, así como de un subtítulo, que indicaba ya fuera un acontecimiento importante a nivel mundial o en la vida del artista, por ejemplo: “Pensé en el sentido y en la memoria”, pero desde hace años, Kawara sólo indica el día de la semana. Obsesivo, lleva un registro cuidadoso de todas las obras que ha hecho, anotándolas en un diario y en un calendario de 100 años que ha diseñado especialmente para este fin. Desde el punto de vista de los filósofos existencialistas, que Kawara leía asiduamente, por medio de estas tareas cotidianas y repetitivas, el artista le otorga un sentido a su existencia, de otra forma sumida en el absurdo. TODAVÍA ESTOY VIVO Kawara es un gran viajero y empezó dos de sus grandes obras, en 1968, I Got Up y I Met, aquí en México. Para la primera, Kawara enviaba a diario una o dos postales a distintos destinatarios (artistas, directores de museos, curadores), indicando con un sello “I got

up” (“Me levanté”) y la hora. En cambio, para I Met (Conocí), anotaba a máquina la lista de personas que había conocido o visto ese día. Ese mismo año, inició I Went, similar a I Met, era una especie de libro de artista en el que registraba minuciosamente todos sus movimientos del día en mapas de la ciudad donde se encontraba. La única razón por la que dejó de engrosar estas tres obras fue porque en 1979, más de diez años después de haberlas comenzado, le robaron su juego de sellos en Estocolmo. Otra de sus famosas series se titula I Am Still Alive (Todavía estoy vivo). En 1970, empezó a mandar telegramas con esa sola frase a amigos y conocidos, como si quisiera atestiguar, ante los demás y ante él mismo, su existencia. Pero los telegramas cayeron en desuso y el artista dejó de mandarlos. DOS MILLONES DE AÑOS En 1969 y en 1981, respectivamente, el artista realizó las dos partes de su obra One Million Years. Se trata de dos series de libros, de 10 volúmenes cada una, con un millón de años escritos en sus páginas, nada más. La primera se extiende un millón de años hacia el pasado y está dedicada “a todos los que han vivido y han muerto”, y la

segunda se enfila hacia el futuro, con dedicatoria “para el último” que vivirá. La vida de un ser humano abarca apenas unas líneas en ese monumental recuento. El tiempo que toma leer un solo año (poco más de un segundo), equivale a lo que podría durar ese año en la existencia del universo. Se han realizado lecturas maratónicas de los libros, a manera de performance, en las que han participado voluntarios del público, artistas y críticos de arte, leyendo los números durante días, en Trafalgar Square, en Londres, y en Documenta 11, entre otros sitios. Desde 1999, empezaron a grabar CDs de algunas lecturas, y se cree que se necesitarán 2,700 discos en total, repartidos en 27 años. Cuando superan los nervios, los lectores descubren que entran en un estado meditativo que les permite concentrarse únicamente en el momento presente, aunque al mismo tiempo se percatan de lo efímero de la existencia, de la pequeñez de los hechos que consideramos relevantes y eternos, comparados con el océano inconmensurable de los milenios. EL MONJE NIHILISTA El silencio (de más de 45 años) de On Kawara no ha impedido que otros hablen y escriban sobre él. Hay un libro bastante

curioso titulado On Kawara. Unanswered questions (On Kawara. Preguntas sin respuesta). En 2007, la curadora Karlyn De Jongh decidió compilar las preguntas que grandes personajes del arte deseaban plantearle al artista. Ingenuamente, pensó que un día podría hacérselas en vivo, pero fracasó. Joseph Kosuth, artista conceptual archirreconocido, con quien Kawara solía jugar Risk, le pregunta simplemente: “¿Cuándo me llamarás?”, pero otros lo toman por gurú o vidente. Un curador lo interroga: “¿Existe el tiempo?”, mientras que un crítico de arte le consulta sobre las dimensiones del infinito, y un historiador alemán le inquiere: “¿Aún habrá arte en un millón de años?”. ¿Por qué creen que On Kawara tiene esas respuestas? Tal vez porque más allá de una obra plástica, todos estos actos y su registro, incluidas sus pinturas de Today, parecen formar parte de una meditación diaria, un intento de transformar el transcurso del tiempo, y cada detalle insignificante de la existencia, en algo palpable, algo permanente, que, sin embargo, al fundirse en una masa de miles de actos similares, pierde su individualidad. Como si honrara el poema del monje zen Ikkyu: “Comemos, evacuamos, nos acostamos y nos levantamos; éste es nuestro mundo. Todo lo que tenemos que hacer después es morir”; con la abnegación de un santo, Kawara parece dedicar su vida a tomar conciencia de que existe y a dejar constancia de ello. Y al hacerlo para él, Kawara lo hace para todos. ¿Cómo te sentirías encerrado en una habitación llena de cuadros de On Kawara, recordándote cada día que has vivido, sin excepción, desde tu fecha de nacimiento hasta la de tu muerte? ¿Acaso no sentirías al mismo tiempo el peso y la fugacidad de los años? ¿Qué día es hoy? ¿Todavía estás vivo? ¿Puedes comprobarlo? M

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Este invierno luce como todo un gentleman.

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Nosotros no lo decimos, son ellos.

COLUMNAS

Cuando pase el temblor (de manos) Off the record TXT: AA Gore. Periodista de rock y escritor de ficción @arthuralangore

n los diferentes departamentos en los que he habitado, siempre ha habido fiestas. En ocasiones, en medio de la borrachera, algunos amigos han vomitado, derramado alguna cerveza, cuya peste se queda impregnada en el sofá, esparcido colillas de cigarros en el tapete o roto algún adorno. Me han robado discos, me han pedido prestados libros (que al día siguiente ya no recuerdo a quién se los di) y se han comido hasta el último resto de comida del refrigerador, dejando la mitad embarrada hasta en el techo. Al otro día miento madres y mientras friego los pisos con la jaqueca infame punzándome en las sienes, me prometo a mí mismo que nunca más organizaré una “reunión, algo leve” en mi departamento. Obviamente, la promesa dura lo que un juramento alcohólico ante la Virgen: hasta el próximo fin de semana. A principios de este año, por razones de trabajo (porque soy editor de la revista), fui de visita a la Mansión Playboy en Beverly Hills. Crucé por primera vez los umbrales de esa reja que, según me contó un guía de turistas un año antes cuando sólo me conformé con conocer la fachada, son conocidos como La Puerta del Cielo. El auto que me condujo hasta ahí se estacionó afuera de la puerta principal y un mayordomo de maneras inglesas nos condujo al comedor, situado a un lado de las famosísimas escaleras por las que solía descender Hugh Hefner en el reality show. Ahí pude ver una estatua de tamaño natural del Frankenstein de Boris

Karloff en 1931. Un día antes se había celebrado una fiesta en la Mansión, así que un grupo de trabajadores laboraba afanosamente para poner en orden el jardín y guardar las carpas que sirvieron para proteger a los invitados. Antes de que nos sirvieran de comer, Adam, mi anfitrión, me dijo: —¿Alcanzas a ver esa mancha bajo el brazo de la modelo? Olvidé decir que estaba yo anonadado observando la colección de arte, entre cuadros y esculturas, que vive en la Mansión del conejito y me había detenido en un dibujo a lápiz, enmarcado, al que según yo no le encontraba ningún chiste. —Sí —respondí. —Es una quemada de cigarro —dijo Adam y rubricó la frase con su sonrisa de modelo de Armani —la hizo John Lennon. No hizo falta que lo dijera, pero lo hizo: —Por eso la conservamos. Falta mucho para que cambie mi depa por una Mansión y para que mis amigos músicos alcancen la estatura de John Lennon, pero de regreso en México le propuse a mi mujer que guardáramos cuanto vestigio de destrozos y vandalismo hicieran mis compinches en casa después de nuestra próxima fiesta campal. Por si las moscas pudiéramos venderlo en eBay. No es que ella desconfíe en que pueda yo ser tan grande como Hefner, pero no le pareció buena idea.

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COLUMNAS

Recolecciones a propósito del Museo del Chopo EL CUADERNO AMARGO T X T : : Pa o l a T i n o c o Escritora, editora @paolatinoco

onocí el mercado del Chopo en la década de los noventa, tarde para el tiempo que llevaba ese espacio, pero lo suficiente para encantarme con la oferta cultural y hacerme de un look darketo que en esos años quedaba muy bien. Curiosamente conocí primero el huevo y después a la gallina: el Museo del Chopo, recinto que albergara los inicios de este afamado mercado, y que fuera semillero de la escena underground de México; estaba ahí cerca viendo la vida cultural pasar, aunque del lado sur de la ciudad no se escuchaban noticias de lo que ahí sucedía. Más de diez años después, volví a escuchar de este espacio, ya no del mercado, porque el segundo repuntó, y el primero desapareció. El Museo del Chopo, ahora de la mano de Pacho Paredes, dejó de ser un recinto cultural sólo para la gente del norte, con una programación que lo convierte en visita obligada de los que habitamos el centro, el sur o cualquier otra parte de la ciudad. Curiosa por enterarme de cómo había sucedido esa transformación, platiqué con el ex baterista de la Maldita Vecindad, hoy director de este magnífico museo. Al preguntarle acerca de la transición de músico a promotor cultural, él me cuenta que no hay tanta diferencia entre ambos oficios. “El underground fue una escuela de promotores culturales y de formación de grupos. Todos nosotros, los integrantes de Maldita, siempre estuvimos organizando tocadas y festivales. Hacíamos un trabajo colectivo, nosotros hacíamos nuestros flyers, cargábamos nuestros instrumentos, promovíamos los conciertos, etcétera. Eso era ser productor y promotor cultural, finalmente”. La época sin managers, de una actitud combativa, misma que encontraba su casa en el Tianguis del Chopo. “En 1980 en el Museo Universitario del Chopo, Jorge Pantoja y otras personas organizaron actividades de rock, cosa no muy frecuente en los espacios universitarios institucionales y una de esas se convirtió en un punto de encuentro, así como de intercambio de productos musicales, ropa, discos, grabaciones de música no comercial, etc. En un país de fronteras cerradas, de política cultural monolítica unidimensional de aranceles altos, aquello era un universo de melómanos invisibles. Cuando se abrió este espacio empezó a llegar mucha gente de todas las tendencias musicales. Desde luego la rockera que era la más prohibida porque la música clásica tenía sus espacios, salas de conciertos, grabaciones, etc. Empezaron a aparecer rupestres, metaleros, los bluseros, el punk naciente, distintas tendencias pop del rock, baladístico underground, entonces el tianguis de intercambio musical creció tanto que tuvo que salir del museo. Estuvo tres años dentro del ALMANAQUE

museo y dos años más fuera de él. Después de mi paso por Maldita Vecindad, fui asesor de contenidos para la UNAM y posteriormente director de la Casa del Lago. Ahí aprendí todo lo que se necesita para programar y administrar un espacio cultural, y entonces llegué al Chopo”. Con su arribo muchos cambios habrían de suscitarse, según él mismo me cuenta: “En el Museo del Chopo me planteé otros proyectos a partir de la investigación de su historia, donde tuvieron lugar las bienales de la poesía visual y experimental; de hecho, esa tradición de la poesía abstracta en México sucedió precisamente aquí. Desarrollé entonces una línea de trabajo titulada Poesía expandida, que es una línea de trabajo que convive con otras como el performance, artes visuales y el teatro, exposiciones, conferencias, literatura y otra parte muy interesante de este museo, el centro de documentación. Es una obligación de todo museo documentar su propia historia, entonces empezamos a desarrollar una forma de registrarla mediante distintas estrategias como conseguir acervos privados y organizar conversatorios de sus protagonistas para rescatar la historia oral, documentar las escenas que el Museo del Chopo cobijó. Este museo se fundó en el 75, en un momento donde el norte de la Ciudad de México no tenía una infraestructura cultural. Teniendo esa oferta cultural universitaria, el cinematógrafo permitió a los habitantes del norte de la ciudad, de la Tabacalera, la Santa María la Ribera, la Nueva Santa María, conocer, por ejemplo, cine de autor, sin tener que ir a la Cineteca. Se volvió un lugar de encuentro para un sector que no tenía acceso a la cultura. Por otro lado y gracias a que además cobijaba exposiciones emergentes y heterodoxas, muchos sureños iban a ver eso nuevo, esos performances, el cinematógrafo, las propuestas del feminismo, el círculo cultural gay (que hacían una semana de cultura gay), el rock, música experimental, rock progresivo, rupestre o electroacústico, punk, todos los géneros que se desarrollaron en los 80, etc. Hacer la historia del museo es hacer la historia de todos esos movimientos, por ello, estamos en conversaciones con Henri Donadieu, del bar 9, que decidió donar su acervo; con Mongo, el que hacía los flyers del mismo bar; la revista Polyester nos está permitiendo digitalizar su colección; la revista Moho también… en cierta forma estos archivos no son el Museo del Chopo, propiamente, pero son parte de la escena que se reunía aquí. Hemos conseguido un acervo privado de fanzines, no hay una fanzinoteca en el país, hay revistas de rock independiente como Banda Rockera, Conecte, autoediciones efímeras que se perderían en términos históricos, la gente muere y eso se vuelve basura. El Museo del Chopo se volverá entonces, si lo logramos, el acervo de esa época y de una parte de la ciudad”.

La historia de los pueblos no sólo se basa en los grandes eventos (macro-historia) sino en los acontecimientos de la cotidianidad que pueden parecer nimios (micro-historia). Occidente se dedica a sembrar incertidumbre acerca de los pueblos que no le son serviles; así ocurre con Siria, una sociedad árabe con predominio del credo musulmán. Pero en aquellos países de Medio Oriente la vida sigue y la gente busca pasarla lo mejor posible y, por qué no, también rodearse de tecnología. Ellos tienen sus propias fiestas y celebraciones; las bodas no son la excepción, todo lo contrario, son eventos importantes en los que no puede faltar la música. Omar Souleyman pasó más de 20 años cantando en los desposorios y para ello se acompañaba de Rizan Sa’id, un tecladista que accedió a un sintetizador Korg con secuenciador para desarrollar una versión actual del Chabi y otras formas musicales árabes de larguísima y ancestral tradición (como el dabkeh –un baile–). A la postre, el hombre de grueso bigote, turbante y gafas oscuras terminó con más de 500 grabaciones –la mayoría en directo– pues la costumbre es registrar las sesiones nupciales y regalar el casete o disco a los novios, que luego los rolan a familiares y conocidos. Dichos materiales terminan en los expendios populares. Así fue que se convirtió en un icono de la cultura viva de Siria. Después tuvo la oportunidad de salir y mostrar su electrónica un tanto rústica y su canto folclórico en los mejores festivales del mundo. Se convirtió en una figura de culto que amplió su popularidad cuando Bjork lo sumó a los colaboradores de sus remixes en torno a Biophilia. Aquellos interesados en escuchar música apasionante más allá de las propuestas procedentes del mainstream lo convirtieron en un artista a seguir en actuaciones candentes, como las de Glastonbury y el Weekender de la Red Bull Music Academy de Madrid. En directo no había la menor duda de su propuesta, pero no contaba con una producción de estudio al nivel de su reputación –de hecho, es la primera–. Y llegó el momento de llevarla a cabo en Norteamérica, para lo que se eligió a un animador de la música electrónica menos predecible: el inglés Kieran Hebden, a quien el mundo conoce como Four Tet. El hombre se apegó a un gran principio del sentido común: “Si algo no está descompuesto… no lo arregles”. Así que respetó la estética sonora que caracteriza a la pareja de músicos, agregó pequeños detalles complementarios y proveyó de una calidad de sonido impecable. Recordemos que la música árabe se ciñe a patrones melódicos y rítmicos cortos y repetitivos. El resultado es hipnótico –algo que gusta mucho en el terreno electrónico y clubber–. En el espléndido video que acompaña al sencillo “Warni Warni” encontramos a nuestros personajes en escenarios variopintos del mundo mostrando su hacer. Queda claro que existe una pretensión de mostrar globalmente de qué va esta expresión de la música árabe contemporánea. Por supuesto que en estos siete cortes hay repetición –es parte de la naturaleza cultural de este tipo de música– pero a mayor velocidad. Omar es consciente también del momento cruento y bélico por el que atraviesa su país y es por ello que busca remar en sentido contrario. Ha explicado que sus canciones hablan de amor y desamor, de deseo y paz. Lo suyo se centra en la parte intimista y en un amplio sentido muy positiva. Provoca al baile como una forma de confortar al espíritu y al cuerpo. ¡Danzad, malditos, danzad! TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO

ue aq an alm

Mat t Elliot t Only Myocardial Infarction Can Break Your Heart Ici D´ailleurs

TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO Ben Frost By the throat

Leonard Cohen Old Ideas

Matt bien podría ser un discípulo andando sobre un sendero más acústico.

Frost comparte la atracción por el minimalismo, pero buscando también el alto impacto emocional.

The Third Eye Foundation Little Lost Soul

Un disco del 2000, cuando Matt le daba al drum & bass más brutal.

m ar vi n. co m .m x

4.5

Cada tipo de música busca cumplir una función; la del de Bristol es calar en lo más profundo de la sensibilidad a través de una voz recia y canciones acústicas –claro, cuando no está haciendo drum & bass–. Se cumplen ya 10 años de su andar en solitario y luce su mejor forma como compositor y ejecutante. Sus letras sombrías y apesadumbradas no están exentas de un humor negro muy sagaz, mientras que la música muestra una elegancia clasicista al tocar la guitarra acústica (en medio de arreglos lacónicos). Hace canciones de marcados claroscuros: no dejan de ser sombrías, pero cuentan con brotes de intensidad. En ellas “la melancolía se transforma en energía extremadamente cálida”. No deja tampoco de lado largos pasajes instrumentales, por ejemplo, “The Right to Cry” dura 17 minutos. Apenas siete temas le bastan para construir un micro-universo altamente emocional (más dos rarezas en la edición de lujo). A partir de un tono confesional, Matt deja entrever que cree que puede ver una luz al final del túnel. “Prepare for Disappointment” es un temazo.

Sonido Gallo Negro —— S e nd e r o

m í sti c o

——

T-Vox Records

Un álbum para echar el dancing, eso sí es seguro, pero la fusión de sonidos podría haber alcanzado un mejor matiz. El grupo acompaña el ritmo con una que otra guitarra distorsionada, logrando convertir el disco en un divertido soundtrack de una cinta western con toques de psicodelia decadente, sonido que sin duda será un éxito durante una presentación en el Vive Latino y tendrá lugar en alguna gaceta de Perú en la sección de cumbias raras. Los autores de Sendero Místico dicen que su música te hace entrar en “trance” y sí, seguro son una curiosidad exótica para los extranjeros, pero cuidado, que el ser mecsican curious no es garantía. Este disco podría servir también para ambientar una surreal escena, digamos en Pachuca (lo digo por experiencia), en donde bailas un danzón con la más fea de la fiesta mientras su novio sicario te mira feo. 3

TXT:: Alejandro Mancilla Nuevos Ricos Nuevos Ricos

Bomba EStereo Elegancia Tropical

En vivo son muy buenos; en disco, no están nada mal.

Carme n Costa —— L a

Este compilado incluye cosas como Lasser Moderna, que no es por nada, pero tenían más onda..

Afrodita La Reina del Palenke

Otros representantes con onda del sonido narcótico de la cumbia que nos invadió hace un par de años.

Chi c a f r a nc e s a —— I ntolerancia

Cuando un disco te transporta a otro lugar, se puede decir que ya cumplió con parte de su cometido (cuando un autobús lo hace, ya cumplió el 100%). Y de eso va este material, de un “hola” y muchos “adioses” que remiten a paisajes o historias contadas con un humor que se nos antoja entre copas (cada quien elija su estado mental). Destacan “Estereo“, con unas tubas intermedias que no desentonan con el carácter country de la canción, o “Todo está peor” y su letra de desencanto que nos recuerda remotamente a Los Tres; “Fuera de tiempo” y sus reminiscencias a Cerati es otro de los momentos destacables; pero sin duda “Adrenalínico” es la canción con más “gancho” (si eso es bueno o malo, depende de dónde estés parado existencialmente) de este disco de la banda del argentino de la cruz del sur (¿el que cierra y apaga la luz?) que, aunque no lo confiese abiertamente, seguro espera que a cierta chica francesa le lleguen todas y cada una de las canciones de este álbum. TXT:: Alejandro Mancilla Babasónicos Miami

Carmen Costa Carmen Costa

O sea, consíguelo para que se vea curioso en tu colección de discos.

Uno de los discos más encantadores del rock argentino. Experimental sin dejar de ser rock (y un tanto incomprendido justo por eso).

Nguzunguzu —— S k yc e l l ——

3.5

Abeja Abeja

Extinto grupo regio que pudo ser grande si no se hubiera desintegrado. Éste es su único EP lleno de country, folk y pop.

Fade to mind

El dúo se conoció mientras estudiaban en el Art Institute of Chicago y, durante ese periodo, se dedicaban a la experimentación sonora. En aquellas sesiones, utilizaban sintetizadores y grababan en cintas magnéticas. Tiempo después se mudaron a Los Ángeles para concebir una electrónica llena de misterio, exuberancia y ritmos crepitantes. Daniel Pineda y Asma Maroof siguen clavados en la deconstrucción, la electrónica chirriante y atascada de bajo densísimos. Nos entregan siete cortes rugosos, oscuros y nada complacientes. Han pasado por el Chicago footwork, el UK bass y hasta algo de kuduro y dubstep para tratar de consolidar una personalidad propia. Su preocupación es amalgamar la música de baile menos predecible con el avant garde y ahora obtienen resultados interesantes. No niegan una fuente de inspiración cinematográfica; ellos hacen el score perfecto para raves imaginarios llenos de mutantes, androides y humanos. “Vision of Completion” es la clave del lote. TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO Nguzunguzu Warm Pulse

Kelela Cut 4 Me

Apenas el año pasado realizaron su segunda incursión a través del sello Hippos in Tanks.

Nguzunguzu recientemente formó parte del tándem de producción de una mixtape que está partiendo plaza.

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Laurel Halo Hour logic

Comparten el gusto por la electrónica turbia y la exploración de texturas sonoras.

TIGER! SHIT! TIGER! TIGER! —— F O RE V ER

YO UN G

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TO LO SE L A TRACK RECO R DS

Cuando uno escucha hablar de música italiana puede imaginar cualquier cosa, menos lo que produce Tiger! Shit! Tiger! Tiger!, el trío de noise-rock, post punk y lo-fi conformado por Diego Masciotti (guitarra y voz), Nicola Vedovati (batería) y Giovanna Vedovati (bajo). Nada hay aquí de Gigliola Cinquetti o de Domenico Modugno, como tampoco de Premiata Forneria Marconi, Zucchero o Jovanotti. El grupo parecería más surgido de Londres o de Dublín que del centro de la península itálica, en donde nació. Forever Young es un disco tan ruidoso como melódico, muy en la vena de My Bloody Valentine, con fuertes paredes de sonido y una voz angustiosa y vulnerable que hace de temas como “Golden Age”, “Whirlwing Weekend”, “Fearless Youth” o “Rage” verdaderos himnos de angst existencial. Masciotti, como se ve, canta en inglés y eso acentúa su alejamiento de la tradición musical de su país, incluido el rock italiano. El estilo es sólido y congruente a lo largo del álbum. No tan punk como en su anterior Be Yr Own Shit (2009), pero igualmente intenso. TXT:: HUGO GARCÍA MICHEL MY BLOODY VALENTINE mbv

SLOWDIVE SOUVLAKI

El retorno discográfico de los de Dublín fue tan terso y espléndido que parecería que jamás se alejaron de la escena.

Dream pop con toques de ambient en este espléndido álbum que contó con la pequeña ayuda de un amigo: Brian Eno.

STEREOPHONICS —— G RAFFITI

O N T HE TRAIN

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AUTOLUX TRANSIT TRANSIT

Una de esas joyas perdidas en el limbo, un trabajo de gran finura en el que el shoegaze se entremezcla con los sonidos noventeros más una pizca de Sonic Youth.

STYLUS RECO RD S

Mala cosa cuando la solemnidad y la grandilocuencia te alcanzan, cuando empiezas a tomarte demasiado en serio y te vuelves engolado y engominado. Tal cosa le sucede a Stereophonics en la mayor parte de los cortes que conforman a este Graffiti on the Train, un disco demasiado ambicioso que parece haberse quedado a medio camino en las intenciones de este grupo galés. Kelly Jones y sus compañeros hacen uso de diversos trucos de estudio y en algunas piezas utilizan acompañamientos orquestales que lejos de ayudar a las canciones las inflan y las hacen tener un tono elefantiásico. Para colmo, la intención pretensiosa se nota también en las composiciones más “discretas”, caso de “Overland” o “We Share the Same Song (Up Close)”, en las que Jones canta con un timbre adolorido que, lejos de conmover, termina por irritar y/o aburrir. Un álbum excesivo que debe evitarse (aunque hay un track estupendo que se salva y parece de otro disco: el bluesero “Been Caught Cheating”). TXT:: HUGO GARCÍA MICHEL MUSE BLACK HOLES AND REVELATIONS

U2 Pop

El disco fallido por antonomasia de los de Dublín. Pretencioso y fallido intento por querer abarcar lo que no se puede abarcar.

El estupendo álbum con el que Muse quiso acallar a quienes lo comparaban con Radiohead. No es muy seguro que lo hayan logrado.

Capo —— F lo r ec er ——

Se dice que con esta obra, Coldplay dio el salto definitivo a las grandes ligas. Pero hay quienes piensan también que a partir de aquí los perdimos.

I ntolerancia

La tarea básica de todo grupo interesado en proyectar su carrera con bases sólidas consiste en apuntalar una personalidad propia. Este grupo conformado por integrantes de distintas partes de la República se encuentra en ello. He aquí una segunda incursión en lo que manejan de mejor manera sus afluentes. Hay menos esencia psicodélica y más folk eléctrico –de lo que no hay mucho en nuestra escena–. “Dispara” es un ejemplo de cómo utilizar adecuadamente las referencias western, en un EP que tiene al fantasma de Wilco flotando en torno a los temas. En las cinco piezas que lo conforman se nota la preocupación por concebir una estética particular. Para ello han recurrido al solvente productor Sacha Triujeque y a darse mayores libertades estructurales y de recursos de estudio. Se trata de un loable esfuerzo por diversificar las sonoridades de la nación indie mexicana. Hay evidentes avances. “Florece”, una pieza a medio tiempo, lo confirma. TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO Zoé Reptilectric

Capo Un corazón se quema

Un primer intento en el estudio para hacer crecer sus canciones.

Afortunadamente Florecer se aleja del sonido de los de León Larregui.

Los bunkers La velocidad de la luz En los temas lentos, Capo y los chilenos comparten ciertas sonoridades y formas melódicas.

m ar vi n. co m .m x

COLDPLAY X&Y

Capital Cities —— I n

a ti da l Wav e o f M yste ry

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Universal

En un mundo feliz este disco sería el soundtrack de fondo: mientras robots asépticos hacen sonar la alarma, los ex humanos tomamos nuestro soma y saludamos al Gran Líder. O sea, ¿a quién con más de dos neuronas de emotividad en las vísceras le gustaría un mundo así? Si bien los 12 tracks que integran el disco están impecablemente bien producidos y no hay nada que reprocharle a su electropop bailable con mucha onda de los 70, digamos que el disco funciona mientras manejas y requieres ponerle toda la atención a las curvas o a tu acompañante (o a las curvas de tu acompañante) o cuando simplemente quieres bailar. Un momento… ¿qué no se puede bailar y pensar a la vez? Lo mejor del disco: su portada y los tracks “Kangaroo Court” –con su sintetizador obsesivo y brillantes acordes– y “Farrah Fawcett Hair” (tan sólo por el título). Las trompetas están bien, pero no las usen en todas las canciones, ¿estamos? 2

TXT:: ALEJANDRO MANCILLA Babylon Zoo The boy with X-ray eyes

Empire of the sun Walking on a dream

Disco debut de una de las bandas australianas con el look más ridículo de la historia. Pero eso sí, el disco incluye buenos momentos de rímel y beats pop.

Si a esas de sonar electrosos vamos, mejor escuchar a este one hit wonder (“Spaceman”) cuyo disco completo está perdido en el limbo de los 90.

f(x) —— Pi n k

Ta p e

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Midnight Juggernauts Dystopia

Si vas a tomar influencias de los años 70, en lugar de música disco, mejor voltea a ver como estos tipos a Jeff Lynne y ELO.

S.M. Entertai Nment

Pink Tape es la segunda producción de f(x) y uno de los álbumes más sólidos del año en cuanto a estructura y disposición. Como todo lo que podría esperarse del estilo, durante Pìnk Tape atendemos a la confección de un imaginario que navega entre ambient cerebral enfocado en la experimentación del sonido capturado por un par de audífonos y la revelación, casi instantánea de un pegajoso techno diseñado en esencia para la pista de baile. La convivencia de estilos resulta comprensible bajo la idea que subyace a esta obra, y en general a todo el catálogo de S.M. Entertainment: el pop es un espacio de fórmulas, de consideraciones y de impulsos encontrados bajo la urgencia del negocio. Pero en último término representa también la posibilidad de explorar sus límites más plásticos hasta el punto en cual revientan. Dejando como único rastro música arrolladora, pero dulce, encantadora, pero versátil, un síntoma más de la explosividad y creatividad que esta región del mundo ha creado para el pop. TXT:: LUIS ARCE Girls Generation The Boys

SHINee Everybody

Otra espectacular obra de plasticidad dance pop.

Sin la calidad de f(x) pero con los elementos necesarios para conquistar la realidad de un género deshecho.

Lady Gaga —— ART P O P ——

Shiina Ringo Shõso Strip

A comienzos de la década pasada, Shiina Ringo elevó la vara del pop oriental, accidentalmente la dejó demasiado arriba.

I nterscope

Por principio, todo argumento fundamentado en la extravagancia parece despojado de crítica. En él, la lectura supone una asociación de referentes inconexos, a veces amoldados únicamente por una actitud exuberante. Hace algunos años, Lady Gaga pertenecía a la clase de artistas capaces de asociar lo inconexo, de aparentar la creación mediante una teatralidad, mitad fantástica mitad basura. Ahora mismo, Gaga no es siquiera capaz de eso. Afortunada o desafortunadamente, las grandes ambiciones aún circundan su figura, más aún podemos asegurar que sus creencias en el pop son tan firmes como siempre. Ello, lamentablemente, es sólo una intención. El foco está en lo extravagante, en la pulsión de lo diferente y no en la música. Si el asunto es construir un disco, entonces es fácil darse cuenta de que ARTPOP es un completo error desde el comienzo. Sin ningún compromiso fijo, sin ninguna atención a la música dispuesta y con una grandilocuencia que hubiese enloquecido a Richard Wagner, Gaga y compañía realizan un ejercicio pretencioso sobre la estilística y la recursividad del pop más comercial. TXT:: LUIS ARCE Natalia Kills Trouble

ue aq an alm

La escuela controversial establecida por Gaga tuvo descendientes. Tan laxos en calidad como llamativos y ostentosos.

Justin Timberlake the 20/20 Experience

Justin Timberlake tiene carisma y es extraordinario para entretener. Lamentablemente, en estudio es tan descuidado como Gaga.

Miley Cyrus Bangerz

Miley Cyrus se ha transformado en la estrella pop de occidente más necesaria de años recientes. Con ello quiero decir que, efectivamente, estamos jodidos.

Jean-François Duval—— K e r o uac

y l a g e ne r ac i ó n b e at —— Ed. Anagrama

No faltan los críticos iracundos, pero es un hecho que los beats siguen despertando gran fervor e interés de parte de lectores cada vez más jóvenes. Pese a los quejumbrosos, su legado sigue vivo en la cultura combativa –a nivel global, no sólo norteamericana–. En tal escenario, Kerouac es la figura que causa mayor atracción; On the road está presente no sólo por la película, es un libro que se lee muchísimo. Y por supuesto que se trata de un hombre no exento de claroscuros y hasta contradicciones, pero con un atrayente lado luminoso –e incluso zen–. Hacía falta poner su figura en la balanza, tal es el motivo central de la investigación de Duval (Ginebra, 1947), desarrollada durante más de veinte años. Ha conformado una obra coral, sustentada en las entrevistas con los principales protagonistas de un estallido que puso a la literatura de cabeza a partir de mediados de los años cincuenta. Figuras legendarias como Timothy Leary, Ken Kesey, Allen Ginsberg, Carolyn Cassady (mujer de Neal Cassady y amante de Jack) y Joyce Johnson (escritora y novia de Kerouac), se funden en un largo desfile de voces que nos permiten reconstruir la figura de un tremendo escritor sacudido por su compleja personalidad y por las tribulaciones de una época agitada y agitadora. TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO

John Clellon Holmes Go

Considerada la primera novela beatnik; los personajes están inspirados en Jack, Allen Ginsberg y Burroughs, entre otros.

La novia de Kerouac da cuenta de lo mal que le sentó el éxito al momento de aparecer On the road.

Allen Ginsberg Aullido El legendario poema de largo aliento que prendió la mecha de lo beat.

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Joyce Johnson Personajes secundarios

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J imena

Una sociedad a la que se le ha enseñado a no cuestionar su presente o pasado, a la que se le ha inculcado una sed caníbal de sangre y la cual está dividida hasta lo que parece ser un punto de no retorno. El contexto. Katniss Everdeen, un personaje que extrae una especie de torpe heroísmo a partir de la universal convicción de sobrevivir. El personaje. Un gobierno cruel y genial que ha implementado sistemas complejos para hacer del status quo algo impenetrable. El villano. Hasta aquí Catching Fire, segunda entrega de la saga de The Hunger Games (adaptación de la serie de libros del mismo nombre) es idéntica a su predecesora. Sin embargo, las cosas empiezan a sacudirse, el sistema tiembla y en nerviosos más que calculados movimientos busca acoplar los nuevos factores a su vieja ecuación. El resultado, lógicamente, no es el esperado. atching Fire es, discutiblemente, el más optimista de los tres libros de esta serie, es el momento donde la moneda está en el aire; todo es posible y, por primera vez, realmente, las probabilidades parecen estar a nuestro favor, o mejor dicho, a favor de esta oprimida y no tan irreal sociedad. La historia empieza con el retrato de los ganadores de la pasada edición de los juegos del hambre, Peeta y Katniss, los primeros en compartir el honor. La telenovela continúa, un par de rubios jóvenes enamorados que vencen todo, incluida su propia muerte. Buenos tiempos, pero claro, esto es The Hunger Games, no una cursi historia de Corín Tellado. Así que todo se debe poner muy mal y muy rápido. Es aquí cuando, cual productores de reality show (que justamente eso son), se les ocurre a los organizadores de los juegos y al gobierno en sí, crear una edición All Stars. Es decir, unos juegos donde los participantes son ganadores pasados y por ende no está nadie a salvo. Este acto, este intento de “solución” desencadenará una serie de eventos que me contengo para plasmar aquí, por aquello de los spoilers. Baste decir que se trata de una cinta capaz de reivindicar todo lo malo de las películas para adolescentes, y es que además de contar de manera efectiva una historia que lo mismo contiene romance que acción o gore, Catching Fire y las implicaciones que genera al pensarse en ella a partir del alcance que tiene, toman gran relevancia. Es crítica social en su forma más pura, es un espejo que muestra cosas que rara vez Hollywood nos deja ver, y se las muestra al sector más crucial de la sociedad, aquel que podría tener las probabilidades a su favor, aquél cuyo destino aún es un volado en el aire.

the Hunger Games Gary Ross La primera parte de esta historia y la cinta que logró sorprender y cautivar a una generación que quizá y sin saberlo tiene algo de revolucionaria en sí misma.

Battle Royale Kinji Fukasaku

Otra película que incita a sus jóvenes protagonistas a matarse entre sí. Muy recomendable en verdad.

V de Vendetta James McTeigue

Aquí el mensaje revolucionario es todo menos sutil, ¿quizás por eso menos efectivo?

cellmates ya en DVD

En ningún momento de la vida se deja de aprender, así lo descubren los dos personajes de esta divertida comedia. Cellmates narra la historia de Leroy Lew (Tom Sizemore), líder del Ku Klux Klan, quien es perseguido por la policía y finalmente encarcelado. Su mundo se viene abajo cuando el director de la prisión, Warden Marville (Stacy Keach), lo obliga a compartir celda con Emilio (Héctor Jiménez), un inmigrante mexicano. Descubre cómo nace una peculiar amistad entre estos dos convictos en Cellmate, una cinta dirigida por Jesse Baget, disponible ya en DVD. Visita cellmatesmovie.com.

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La colección que siempre esperaste

Cada que Levi’s lanza una nueva temporada nos volvemos locos, y prepárate para lo que viene en 2014, porque ya no serás la misma persona después de ver la increíble colección que la firma tiene preparada. Para hombres, los pantalones vienen en los clásicos cortes (bota y estrecho) con colores sobrios y algunos con diseño camouflage, además de los nuevos favoritos Wasteless, hechos en un 20% con botellas de PET (por lo que te durarán años y años), además de camisas y T-shirts ligeras que responden a las exigencias del caluroso clima. La línea femenina no se queda atrás, pues las seguidoras de la marca tendrán a su disposición jeans que resaltan la silueta, estampados con figuras abstractas (que te harán ver como la más interesante de la fiesta) y blusas en colores clásicos. Visita levi.com.mx.

Cuando los accesorios son necesarios

Al prepararnos para salir de casa, procuramos que nada se nos olvide: outfit reluciente, cabello manejable y un poco de perfume. Pero, ¿no sientes que te falta algo, eso que le podría darle el toque final y perfecto a tu look? Esta horrible sensación es sanada por los accesorios correctos, como los diseñados por King Baby. Desde hace más de una década, el estudio creado por Mitchell Binder se ha dedicado a diseñar piezas únicas que transmitan el espíritu rebelde del rock, originalidad y libertad. King Baby Studio trabaja cuidadosamente en cada uno de sus accesorios de plata y piedras preciosas, es decir, joyería de lujo que te hará ver como un@ verdader@ badass. Conoce el catálogo en kingbabystudios.com.

¿Aburrido de los viejos muebles de tu departamento heredados por tus padres? Olvídate de la cotidianidad y conoce FOAM, un estudio de diseño y experimentación visual que te ayuda a crear un nuevo ambiente en tu casa. Inspirados en las necesidades contemporáneas de diseño, FOAM se dedica a generar productos, mobiliario e interiores que le darán un nuevo aspecto a tu hogar, sin que eso signifique un enorme gasto. Cada aspecto diseñado por FOAM está basado en los colores y sabores de México, además, sus productos no son sólo bonitos objetos de colección, son 100% funcionales y se adaptan a tu estilo de vida. Conoce más en FOAMdf.com.

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Porque siempre es bueno cambiar de aires

Las leyendas nunca se olvidan

Una firma reconocida como Ray-Ban no necesita de un discurso introductorio; su presencia e importancia es tan relevante desde siempre. Su nombre ya no es sólo referencia o influencia, es una firma que se ha convertido en sinónimo de clásico y, por ende, se entiende su necesidad de portar alguna de sus creaciones. Ray-Ban ha acompañado de cerca a los protagonistas de los movimientos culturales más importantes, ha sido la dirección de modas y ha concretado la filosofía de que el estilo no está en lo que uno tiene puesto, sino en cómo lo pone en práctica. Desde su fundación, en 1937, la marca de gafas para sol ha creado modelos históricos como: The Aviator, The Wayfarer, Clubmaster, Caravan, Cats, Olympian y el Predator 2. Más de uno hemos deseado esos pares que han portado nuestras estrellas de rock favoritas, incluso otros han desfilado por algunas películas históricas; y cuando por fin los tuvimos en nuestro poder no comprendíamos cómo un accesorio podía contener tanto poder. La clave está en el cuidadoso proceso para crear cada gafa, comenzando desde una selección de materiales de calidad, un diseño único y practicidad. Cuando las cosas están bien hechas, todo transcurre con naturalidad y, claro, con éxito. Ray-Ban ha decidido que ha llegado el mejor momento para rendir tributo a sus modelos clásicos, aquellos que han vencido la temporalidad y han recorrido un gran camino lleno de retos y victorias. La colección Icons está comprendida por los modelos descritos anteriormente, sin embargo, contiene un plus: se trata de un lanzamiento completamente revisado y mejorado. Ejemplo de ello es el nuevo Clubmaster, que viene en una concepción en aluminio para una increíble sensación al tacto, lentes de cristal y varillas con diseño totalmente renovado; los Legend, que presumen una envidiable estructura gruesa, bisagra original y exclusivos remaches que combinan a la perfección con las curvas hechas a mano; y no olvidemos los The Aviator, disponibles en su clásica forma, igual de perfecta y emblemática. Se dice que por más decisiones que uno tome en la vida, el destino ya está marcado desde el inicio; y el de Ray-Ban es el de crear tendencias. Visita www.ray-ban.com para conocer toda la gama Icons.

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Toda una historia detrás de una gorra

Todos amamos las gorras; al usarlas nuestro look da un giro total, e incluso muchos las han adoptado como la prenda más importante de su vestimenta. Pero, ¿sabes la historia detrás de la marca más importante del mundo? En 1934, New Era y la Major League Baseball establecieron lo que sería su relación comercial más importante. Durante sus primeros años, New Era diseñó las gorras de los equipos de baseball, hasta que en 1978 comienzan a venderse a los aficionados y en 1986 se hace oficial la silueta que hoy todos conocemos: la 59Fifty. El éxito de la marca y MLB es imparable, actualmente existen 400 modelos diferentes y, lo más importante, todas están disponibles en 300 puntos de venta alrededor de nuestro país. ¡Ve por la tuya! Consulta neweracap.com para más información.

Renovado y más inteligente

Imagina esta escena: conoces a una nueva personita especial, salen un par de veces y llega el momento de presentarte a sus amigos, y recordemos que éstos son quienes deciden si eres digno de su amor. Qué te parece impresionarlos llegando a la fiesta en tu nuevo March 2014, que estrena look renovado y más imponente que nunca; su cofre, parrilla, fascias, rines y luces lo hacen el auto con más onda del año. Regresemos a la historia: al fin siguiente deciden escaparse a la playa y tú pones el auto, impresiona a todos con NissanConnect, tecnología manos libres con la que puedes sincronizar tu Smartphone con la pantalla táctil de tu vehículo, así puedes ver tus redes sociales, mapas y manipular el playlist para aumentar la diversión. Nissan March, un auto global para los tiempos modernos. ue aq an alm

Una tablet para recibir el año nuevo

Samsung sabe que lo bueno no puede esperar y por eso nos trae –antes de que se acabe el año– su nueva GALAXY Note. Totalmente renovada, la tablet es más rápida y poderosa que nunca, para que puedas llevar a cabo todas tus importantes actividades del día (o sea, tener abierto Facebook, Twitter, Vine, Spotify, Instagram, YouTube y el explorador, todo sin que se trabe). La GALAXY Note 10.1 2014 Edition tiene una enorme pantalla de alta resolución de 10 pulgadas Crystal Clear, lo que significa que podrás ver todos los colores que te habías perdido con la tecnología de antes; la tablet también es más delgada y ligera, para que la puedas llevar a todos esos lados: a la oficina, reuniones y esas aburridas salas de espera; y para aquellos que necesitan precisión, la GALAXY viene con una S Pen que te hará la vida más fácil para escribir.

¡Ya no más fotos pixeleadas!

Hasta que a alguien se le ocurre inventarlo: una cámara que aumenta la calidad de tus fotos tomadas en tu celular. Sony lanza la Cyber Shot DSC-QX10, el accesorio rey del Smartphone con el que la ausencia de luz, el zoom y los colores ya no son ningún problema. El pequeño lente se conecta a tu celular a través de Wi-Fi, tiene una resolución de 18.2 megapíxeles, sensibilidad ISO, procesador de imagen BIONZ que refina las imágenes, enfoque AF por detección de contraste y muchas más características en tan sólo un dispositivo de 90 gramos en color negro. El futuro cada vez se aprecia más genial, ¿no crees?

Gánate uno en www.marvin.com. mx/promociones

Muchos audífonos prometen las mil maravillas, pero Monster es de los pocos que cumple su palabra. La marca recién lanzó los DNA, lo más ambicioso en tecnología de audífonos hasta el momento. En pocas palabras, este modelo te permite escuchar tu música favorita a una fidelidad que nunca imaginaste podría ser posible. ¿Cómo logra esto? Los audífonos fueron desarrollados para recrear la calidad como si estuvieras escuchando la música en vivo, sin embargo, el objetivo fue aún más allá. Con los DNA no tienes que elegir entre agudos y graves, ya que emiten una ecualización perfecta; sus almohadillas aíslan todo el ruido exterior, con lo que no habrá distracción alguna al escuchar tu playlist; y lo más genial, cuentan con MusicShare, un plug-in extra que te ofrece la opción de compartir tu música con otra persona. ¡Simplemente geniales!

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Sonido Monstruosamente Puro

Este año, 10 años La radio fue el segundo medio oficial de comunicación, su popularización en las primeras décadas del siglo XX permitió la creación de programas con una amplia gama de contenidos, respondiendo así a las necesidades de información y entretenimiento de la sociedad. Con el paso del tiempo la tecnología permitió la construcción de nuevos formatos más atractivos, pero pocos han sido los que han logrado un alcance y creatividad históricas. Entre esa prestigiosa lista está Clickaporte, el programa más longevo de Ibero 90.9, en el que cada martes desde hace 10 años se dedica a transmitir lo mejor de la música, desde los clásicos hasta las nuevas propuestas nacionales. Para festejar su décimo aniversario, el programa conducido por Uriel Waizel organizó el pasado mes de noviembre una serie de conciertos protagonizados por Triángulo de Amor Bizarro, Los Viejos, Twin Tones, Caloncho y muchos más. Una enorme fiesta acompañada de eso que Clickaporte considera su materia prima: la música. Platicamos con Waizel para conocer qué significa cumplir diez años con el programa más importante de Ibero 90.9: El aprendizaje Personalmente, me he convertido en un mejor entrevistador y he podido desarrollar mucho colmillo para hacer empatía con los músicos; saberlos leer y lograr romper las barreras de los estereotipos. He descubierto también que los mejores músicos son los que requieren de menos artilugios técnicos. Aquellos que cargan con demasiados pedales y amplificadores, suelen estar ocultando sus carencias tras ellos. Y como equipo, hemos sabido compactar un programa que hace 10 años nos llevaba siete horas y nos dejaba derruidos, a una eficiente sesión de tres horas y media, que nos deja íntegros y de buen humor.

Una década proponiendo Clickaporte e Ibero 90.9 han crecido en estos 10 años junto con la escena indie de México, Hispanoamérica y la generación actual de músicos anglosajones. ¿Cómo no reportar tal explosión de músicos y propuestas, si los tienes a la mano, en la misma ciudad y continente? Al inicio, tenía ansiedad de no poder "llenar" una cartelera de programas de Clickaporte para un año. Ahora estamos bookeados de grabaciones hasta marzo de 2014. Hay abundancia y lista de espera.

Los dos lados de la historia Lo más increíble que nos ha pasado son los dos reconocimientos de los IMAS a Mejor Programa de Radio en 2011 y 2013. Esto nos hace saber que la inversión de tiempo y energía en el programa no ha caído en un saco roto. Continuando con lo mejor: entrevistar a las bandas. Los músicos –que podían estar hastiados, hambrientos y de mal humor– de pronto se contagian de la buena onda de la plática. Rara vez hay malas entrevistas, ejemplo: con las jetonas de Camera Obscura, que venían cansadas por el largo viaje a México y con un shock cultural. Quizá el único lado malo de estar aquí es saber que aún no hemos podido potenciar el programa para que se vuelva una referencia total de la escena. Aun podría venir lo mejor si nos ponemos más las pilas en armar una producción exitosa, que saque al programa del confinamiento en la radio. Nos falta explotar el aspecto visual. Hacer webpisodes donde puedas ver y escuchar a los músicos, y conocer sobre ellos en formatos pequeños de entrevista para el consumo promedio de un espectador de YouTube. Buscar patrocinios para llevar el proyecto web más allá y sindicar el programa, exportarlo. El futuro de la radio La llegada de lo digital y la posible extinción de la FM cambiará el juego. Pero nada terminará con el poder simple de la radio (voz y música), la inmediatez y el espíritu del aquí y el ahora de una radio local que le habla de tú a tú a la gente de su comunidad. Hay radio para rato.

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