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05-SEP-15 05-SEP-15

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» JAMIE REID LA CARA » DISCLOSURE DE LA INGLATERRA EL SONIDO DE LA ANARQUISTA MODERNIDAD LÍQUIDA » JAMIE XX GENIOS MENORES DE 30 AÑOS » PRIDE LA PELÍCULA QUE TE INSPIRARÁ A LUCHAR POR TUS IDEALES

DIS CLO JAMIE SURE REID

EL SONIDO LA CARADE MODERNIDAD DE LALAINGLATERRA LÍQUIDA ANARQUISTA

REINO UNIDO

»REINO UNIDO

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05-SEP-15

MVN

» DISCLOSURE EL SONIDO DE LA MODERNIDAD LÍQUIDA » JAMIE XX GENIOS MENORES DE 30 AÑOS » PRIDE LA PELÍCULA QUE TE INSPIRARÁ A LUCHAR POR TUS IDEALES

JAMIE REID

LA CARA DE LA INGLATERRA ANARQUISTA

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DIRECTORIO PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@revistamarvin.com EDITOR UILI DAMAGE uili@revistamarvin.com COORDINADOR EDITORIAL PABLO PULIDO pablo@revistamarvin.com DIRECTOR DE ARTE HÉCTOR MONTES DE OCA hector@serif.com.mx DISEÑADOR GRÁFICO DAVID HERNÁNDEZ davidh@revistamarvin.com EDITOR WEB ROBERTO GONZÁLEZ CLAPÉS roberto@revistamarvin.com REDACTORA WEB ORQUÍDEA VÁZQUEZ orquidea@revistamarvin.com REDACTOR WEB JOSÉ IGNACIO GÓMEZ ignacio@revistamarvin.com DIRECCIÓN COMERCIAL Y RP DELHY SEGURA delhy@revistamarvin.com VENTAS Y RP DENISE SÁENZ GONZÁLEZ denise@revistamarvin.com FOTÓGRAFO FELI GUTIÉRRES feli@revistamarvin.com

RESPONSABLE DE DISTRIBUCIÓN Comercializadora GBN S.A. de C.V. Calzada de Tlalpan 572, desp. C-302 Col. Moderna.

C.P. 03510. Benito Juárez, México D.F. Tel: (0155) 5618 8551 jnuno15@yahoo.com.mx REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA TOLUCA EDUARDO URIBE MORALES aliasdg@gmail.com PUEBLA RICARDO CARTAS FIGUEROA ricardocartas@revistamarvin.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@revistamarvin.com PACHUCA ALFREDO GARCÍA r.u.d.o@hotmail.com GUADALAJARA JUAN CARLOS BASURTO jcgbasurto@revistamarvin.com TORREÓN FERNANDO FERNÁNDEZ hanzeldice@gmail.com IMPRENTA COMPAÑÍA IMPRESORA EL UNIVERSAL Allende 176. Col Guerrero. México DF. Tel. 5117 0190

EDITOR CÓMIC ÓSCAR G. HERNÁNDEZ oscarghx@revistamarvin.com ADMINISTRADOR EMMANUEL CORTÉS emmanuel@revistamarvin.com DISTRIBUCIÓN LUIS MAQUEDA luis@revistamarvin.com ASISTENTE MONTSERRAT ASCANIO VARGAS montserrat@revistamarvin.com

MVN 133 :: REINO UNIDO

:: DISCLOSURE :: JAMIE REID

WEBMASTER ERNESTO MAGAÑA ernesto@revistamarvin.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com MARVIN TV PABLO SEGOVIA pablo@lphantfilms.com FOTO DE PORTADA DISCLOSURE: CORTESÍA DE UNIVERSAL MUSIC JAMIE REID: CORTESÍA DEL ARTISTA COLABORAN EN ESTE NÚMERO Enrique Blanc, Lenin Calderón, Rigo Campuzano, Aarón Enríquez, Igor Figueroa, Arturo J. Flores, Alejandro González Castillo, Juan Carlos Hidalgo, Luis Jasso, Vicente Jáuregui, Nell Leyshon, Alejandro Mancilla, Toño Quintanar, Paola Tinoco y Regina Zamorano Licea.

CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo J. Flores, Alejandro González Castillo, Jorge Grajales, Juan Carlos Hidalgo, Alejandro Mancilla.

CONTACTO Cozumel #61- PB. Col. Roma Norte CP 06700.

México DF. Tel. (55)1998 0808 (55)1998 1818 Contacto: contacto@revistamarvin.com Suscripciones: suscripcion@revistamarvin.com MARVIN

VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD.

Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 133 correspondiente a: JULIO-AGOSTO 2015. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372.

Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2011-100610180100-102. MARVIN es una Marca Registrada.

CONTENIDO MVN :: 133 :: REINO UNID0 EN PORTADA 38 DISCLOSURE 44 JAMIE REID 6 EN MEGÁFONO. Perfiles y noticias de música, cine y arte

MÚSICA 20 INDUSTRIA: Pata Negra 22 ATLAS SONORO: Edimburgo 24 SOAK. Ser nadie es lo mejor que te puede pasar 26 JAME XX. Los nuevos héroes comienzan desde pequeños 28 ALL WE ARE. Es lo que hay, y es mucho 30 YOUNG FATHERS. El lado político del freak pop 32 KING KRULE. South London mató mi adolescencia 34 EAST INDIA YOUTH. Sacrificar el amor por un buen disco 36 F!NK. El sonido de la nevada 50 DE CULTO: The Zombies. La odisea oracular de los zombies psicodélicos CINE 56 PRIDE. El aliado que nunca creíste tener 52 DE CULTO: Carl Cox. El punk del cine surrealista

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TV 58 SERIES BRITÁNICAS. Punks del control remoto.

ARTE 60 GALERÍA: Rob Pybus 54 DE CULTO: Arte british. Full frontal art CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA 70 ALAN MOORE. From Hell o la mítica narrativa gráfica británica 72 ANA BELL CHINO MARVINISMO 48 LOS OTROS RINCONES DEL REINO UNIDO DE FONDO 68 QUÉ SIGNIFICA SER UNA ESCRITORA INGLESA

MÚSICA

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DE CULTO

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LITERATURA 66 EN LA BÚSQUEDA DE ALGO DESESPERADAMENTE INTERESANTE. Una entrevista con Ben Brooks, autor de Lolito COLUMNAS 74 OFF THE RECORD: Una pinta para invocar al diablo. Por Arturo J. Flores 75 EL CUADERNO AMARGO: El británico arte del buen beber. Por Paola Tinoco 76 SANGRE DE METAL: El mundo del rock sin el Reino Unido. Por Chico Migraña RECOMENDACIONES 78 ESTILO 79 TECNOLOGÍA 80 EL PILÓN: Jamie Reid. ¿De qué lado estás?

CINE

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ARTE

60

EDITORIAL

E

n su cuarto año participando en la Feria de las Culturas Amigas, el Reino Unido es el País Invitado de Honor del evento que tuvo lugar del 14 al 24 de mayo en el Zócalo capitalino. Es la primera ocasión que la feria otorga esta distinción a una de las delegaciones participantes, y, en el marco del Año Dual del Reino Unido en México, fue la tierra de Shakespeare la que hizo los honores.

El Año Dual del Reino Unido en México es una iniciativa que busca fortalecer la relación entre ambos países en tres principales áreas: Artes y Economía Creativa; Educación, Ciencia e Innovación y Negocios e Inversión. Por ello, durante los 10 días consecutivos de este evento, se dio a conocer lo mejor del Reino Unido en una muestra gastronómica e información sobre becas para estudiar en esta nación, así como algunos productos británicos, presentando su riqueza cultural.

Sin embargo, es la gran historia de música, literatura, imagen visual, moda y literatura lo que en México tenemos más presente de dicho país (insertar aquí a todos nuestros creadores ingleses favoritos, que la lista no termina).

Así, uniéndonos al Año Dual del Reino Unido y México, celebramos con este número 133 de Marvin, destacando algunos de los talentos que nos parecen sobresalientes en este momento y sin descartar, por ningún motivo, a la pléyade cultural británica que ha hecho nuestras delicias por tantos años y en tantos rubros: En portada, tenemos la primicia de Caracal, el nuevo material de Disclosure, grupo conformado por los hermanos, músicos y

productores de deep house y garage house, Howard y Guy Lawrence.

En música, revisamos talento emergente que trae excelentes propuestas, como Soak, King Krule, Young Fathers, All We Are e East India Youth, entre otras, de la mano de consolidados como Jamie XX y el relanzamiento del “gran álbum en galés” de los Super Furry Animals, Mwng, ll; Rob Pybus nos endulza la egando, hasta The Zombies.

El autor de Watchmen, V for Vendetta, From Hell y The League of Extraordinary Gentlemen, Alan Moore, engalana las páginas de este número dedicadas al cómic, con un breve vistazo a su trayectoria.

En arte, Rob Pybus nos alegra la vista con un universo de ilustraciones abigarradas de color desbordante en tonos pastel que no toma más de un vistazo para encantarnos por completo.

En literatura, de su puño y letra, y por comisión de Marvin, la dramaturga y novelista Nell Leyshon nos comparte una reflexión conmovedora de su visión de ser inglesa en estos tiempos.

En cine, nos asomamos a la obra del director de culto Alexander “Alex” Cox, autor de piezas icónicas del cine alternativo, como Repo Man y Sid & Nancy (dramatización del paso de Sis Vicious por los Sex Pistols, que inspiró al documental Kurt & Courtney).

Así, pues, es que nos calzamos el blanco, rojo y azul para hacernos a la mar del entretenimiento, como los buenos marinos de la corona británica. ¡Yo-ho-ho, y una botella de ron!

Uili Damage @uili

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EN MEGÁFONO

TXT:: ENRIQUE BLANC

FOT:: ARCHIVO

IN MEMORIAM

OCTAVIO HERNÁNDEZ DÍAZ

“Es la luna quien desaparece / Son las estrellas que se ocultan y no yo / Es la ciudad que se desvanece / Yo permanezco”. Con este verso del poema “Gurú”, de Allen Ginsberg, abre Tijuana Mesopotamia, la antología de textos de la autoría de Octavio Hernández Díaz, periodista musical, infatigable gestor cultural, melómano obsesivo e insaciable, ícono de la vida musical tijuanense y amigo de muchos, quien falleciera repentinamente el pasado 25 de mayo.

EMIGRÓ DE SU NATAL Ciudad de México a Hermosillo en los años ochenta cuando ya su carrera dejaba atrás distintos logros. Más tarde, se estableció en Tijuana, urbe que hizo suya y a la que amó entrañablemente. Entre sus primeras aportaciones está el haber organizado un concurso de bandas de ambos lados de la frontera del que resultó triunfador Tijuana No, hoy un grupo emblemático del punk y el rock de fusión nacional.

Sus constantes incursiones en Los Ángeles cristalizaron en la aparición del fanzine El Acordeón, publicación que, posteriormente, lo llevaría a contribuir con otras revistas pioneras en la divulgación del rock latino en Estados Unidos, como La Banda Elástica y Retila.

Octavio fue un inquieto enamorado de la vida a quien seducían la noche, el rock, la amistad y la conversación. Fue pieza clave en el desarrollo de distintas escenas musicales en Tijuana, a través de la difusión y la promoción de las mismas, y testigo del momento histórico en que dicha urbe se convirtiese en escala obligada, a principios de los años noventa, de figuras de la talla de Nirvana, Sonic Youth y Green Day, así como de las primeras incursiones de grupos latinos como Soda Stereo, Caifanes y El Tri en foros estadounidenses.

Un personaje irrepetible cuya apariencia, pasión desbordada, fraternal trato y elocuencia fueron incluso inspiración de artistas y diseñadores como Fritz Torres o Acamonchi, quien lo llevó a las calles de la ciudad fronteriza

en un cromo de grandes dimensiones, donde se reconocía su inconfundible rostro marcado por su predominante afro, sus anteojos y la barba que lo caracterizó por años.

Colaboró con un sinfín de publicaciones, entre las que destacan Círculo Mixup, La Opinión, Pulse! Latino, LA Weekly y Guitar Player, entre otras, siempre con un estilo exuberante y experimental que, incluso, llegaba a trascender los formatos periodísticos a favor una prosa intensa y mucho más personal, fruto de un estilo propio e inconfundible.

“El Wiltern escupe fuego y hace resbalar el sudor por el cuerpo, las voces resuenan incansables y los cinco caballeros águila vuelven a manipular sus instrumentos para culminar una velada inolvidable e histórica. El rock en español también llena teatros. Nos evaporaremos en magueyes y subiremos hasta el cielo para bajar hechos lluvia. Antes de que nos olviden”, escribió en el número uno de El Acordeón, sobre el debut de Caifanes en suelo angelino en el Teatro Wiltern.

En radio, fue productor y conductor del programa El Arca de Neón, que, a la postre, fuera llevado a la televisión. Fundó la revista TijuaNeo, a cuya edición se dedicaba de tiempo completo en los años más recientes.

Descanse en paz a quien también se le conoció como “Octarock” y “Bibliorock”. Como expresan en su muro de Facebook incontables voces a las que tocó su sabiduría, generosidad y amistad incondicional, su pérdida es irreparable.

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EN MEGÁFONO

TXT:: DELHY SEGURA GARDUÑO

BOILER ROOM &

BALLANTINE’S ¡LA ÚNICA FIESTA CON 4 FIESTAS EN EL MUNDO!

Ballantine’s realizó la última parada de su Stay True Journeys, y para cerrar como dicen con “broche de oro” nos fuimos a la tierra de origen de este delicioso whisky: Edimburgo, Escocia. Se trató del cierre de una gira por todo el mundo en el que se presentaron los productores y DJs más importantes de la escena electrónica.

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FOT:: CORTESÍA DE BOILER ROOM Y BALLANTINE’S

Y, ¿POR QUÉ CERRAR con una fiesta si pueden ser cuatro?

Así lo hizo Ballantine’s y Boiler Room presentando Stay True Scotland el pasado 4 junio por primera vez con cuatro fiestas simultáneas; cuatro formas de vivir la música hecha para la pista de baile.

Curiosamente, Edimburgo en verano goza de amplias horas de luz, y cuando todavía sientes que son las 4 de la tarde, es justo la hora en la cual empieza esta carrera para ir a cuatro de los mejores clubes del centro de la ciudad para escuchar la mejor escena de música dance y techno underground de Escocia, y quién sabe, tal vez de todo el mundo.

A partir de las 7 de la noche los DJs encendieron sus tornamesas y mezcladoras, desde los artistas mundialmente conocidos y que han sido inspiración de los nuevos productores de la música techno del Reino Unido, uno de ellos Gary Beck –de Glasgow–, quien abrió en el foro Sneaky Pete’s. Otros de los más aplaudidos y esperados en Bongo Club, fueron Slam y Heidi, grandes influyentes de los 90. Moviéndote entre tanta gente, bailando y sudando, tratabas de alcanzar la puerta para poder llegar a The Caves, en donde Underground Resistance presentó su proyecto en vivo Timeline.

Después de varios whiskeys para quitarnos el calor, alcanzamos a escuchar los últimos diez minutos de Len

Faki, productor berlinés encargado de subir la energía con el techno a tope para pasar las tornas a quien iba a cerrar este Stay True Journeys. Sin que se bajara un segundo el beat empezó a tocar Nina Kraviz; no había persona que no estuviera bailando en el Cabaret Voltaire, con una toalla al cuello debido al impresionante calor y rodeada por los fans de Edimburgo, Nina presento por más de una hora lo mejor de su música, dejando claro que es sin duda digna embajadora del dance music world de Rusia.

Tras sobrevivir cuatro horas de los beats más adictivos, a cargo de productores de gran renombre, en cuatro venues que te dejaban boquiabierto debido a su concepto arquitectónico y estético dedicado especialmente para disfrutar de la fiesta, nos sorprendimos al salir a las calles y darnos cuenta que aún había luz, siendo que el reloj marcaba las 11:30 PM. Agradecemos a Ballantine’s y a todos los que hicieron posible esta invitación a la tierra del whisky y las gaitas, sin duda fue un gran cierre y esperamos que se realicen muchos más. ¡Long live Boiler Room & Ballantine’s!

Estas presentaciones se pudieron ver por streaming directamente desde la página de http://boilerroom.tv/ StayTrue/Scotland

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EN MEGÁFONO

ENTREVISTA CON UNOS VAMPIROS “Hay un montón de desinformación circulando acerca de los vampiros. Es momento de dejar las cosas claras” es la frase que acompañó la reciente campaña de What we do in the shadows, la película de vampiros que pretende desmitificar la mala concepción que se tiene de estos seres chupasangre, claro, y de paso mostrar ese lado que ninguna novela, serie de televisión o cinta han logrado.

ESTE FALSO DOCUMENTAL (que en México llegará bajo el título Entrevista con unos vampiros) es considerada la comedia del año por The Guardian, y eso se debe a la irreverencia de su propuesta. La cinta es dirigida por dos mentes con experiencia en la risa: Jemaine Clement (autor de la serie Flight of the Conchords y también conocido por su trabajo como actor de voz en Despicable Me y Rio) y Taika Waititi (director del galardonado drama Boy), por lo que el contenido es punzante pero al mismo tiempo inteligente.

Este mockumentary (que inició como un cortometraje en 2006) relata la historia de cuatro vampiros que comparten piso: Viago (Waititi), un vampiro dandy cuyo encanto reside en su amabilidad; Vladislav (Clement) es el compañero donjuán que posee cierto gusto por la perversión; Deacon (Jonathan Brugh), el típico ególatra que aprovecha su condición para satisfacer sus gustos y Petyr (Ben Fransham),

el vampiro más viejo –de 8 mil años–, una suerte de Count Oriok introvertido pero igual de agresivo.

Los personajes se ven envueltos en una sociedad que cambia constantemente y no tiene tiempo para detenerse a contemplar viejos modelos de sociedad, por lo que los cuatro vampiros se ven obligados a conseguir buenos bocados de sangre en medio de celulares, computadoras, clubs y la policía. Como es de esperarse, los problemas comienzan cuando los humanos –intrigados por la vida Nosferatu– se adentran al mundo del grupo.

Entrevista con unos vampiros nos demuestra que no hay finales felices, de hecho, no hay finales, sólo una eternidad que se debe afrontar con la mejor actitud, incluso si para ello se tienen que llevar las cosas en paz con los hombres lobo.

No se pierdan el estreno de esta cinta, que llegará a las salas de México durante el mes de julio.

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Calendario de actividades culturales en conmemoración a El Año Dual Reino Unido-México 2015 ESTE AÑO se celebrará la estrecha relación entre México y el Reino Unido, una oportunidad para fortalecer la colaboración y el entendimiento de ambas naciones. Con el objetivo de presentar lo mejor que tiene que ofrecer el Reino Unido al mundo, se han preparado una variedad de actividades en

México que buscan generar experiencias que cambien vidas, que contribuyan al desarrollo de la sociedad y fomenten la prosperidad compartida. A continuación, te presentamos algunas de las actividades que buscan desafiar percepciones tradicionales y compartir un contexto contemporáneo británico

JULIO Artes Jul - Oct Concurso y Conferencia

IN:MX 2015. Conferencia organizada por The Culture Group y The Prince Trust para fomentar el desarrollo de emprendimiento e innovación con impacto social en cinco entidades de México (Morelos, Querétaro, Nuevo León, Jalisco y Distrito Federal.)

Artes Jul Teatro

Scaramouche Jones. Un hombre, 13 días de tour como parte del Festival Nacional de Monólogos 2015

Artes 23 Jul Instalación

Sound Installation. Cuatro artistas británicos se presentarán en la prestigiosa Fonoteca Nacional: Robin Rimbaud (Scanner), Richard Crow, Milo Taylor y Nicola Woodham. El proyecto es curado por la artista mexicana, que reside en Londres, Laura Plana.

AGOSTO Artes 22 Ago -

Exposición Jeremy Deller: El ideal infinitamente variable de lo popular.

7 Feb 2016 Exposición en el MUAC, Ciudad de México.

Artes 24 Ago - 11 Sep Taller

Danza para la convivencia. Taller de danza que se presenta el marco del Encuentro Nacional de Danza como parte del proyecto de inclusión social en apoyo a comunidades vulnerables.

Monterrey, Nuevo León.

SEPTIEMBRE Artes Sep Festival Digital Features UKMX2015. Festival de Diseño Colaborativo con

Digital Features (Victoria & Albert Museum) y Digital Design Weekend.

Artes 27 Jul Festival

Festival Kosmica. Presentando artistas del Reino Unido en Laboratorio Arte Alameda, Ciudad de México.

Artes Sep Danza Billy Cowie 3D Dance. Presentación del coreógrafo, artista y

escritor escocés. Ciudad de México y Monterrey.

Artes 12 Sep - Exposición

1 Feb 2016

Lee Miller. Fotógrafa Surrealista. Exposición retrospectiva de fotografía en el Museo de Arte Moderno, Ciudad de México.

Artes 25 - 27 Sep Exposición

Transitio_MX. Festival de artes electrónicas y video con artistas del Reino Unido en el CENART y otras sedes, Ciudad de México

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OCTUBRE Artes Oct Festival Sound Art Festival. Se presentan artistas y músicos británicos en colaboración con CMMAS en Morelia, Michoacán.

Artes Oct Pláticas Abierto Mexicano de Diseño. Participación de

diseñadores del Reino Unido en varias sedes,

Ciudad de México.

Artes 7 - 25 Oct Teatro Programa Británico en el Festival Internacional Cervantino.

Presentaciones de compañías británicas como

Candoco Dance Company, Birmingham Contemporary

Music Group, Feral, Matthew Herbert, London Sinfonietta y

una colaboración con el Proyecto Ruelas.

Artes 12 Oct Festival Programa de Arte y Discapacidad. Foro de

compañías británicas especializadas en artes

escénicas y discapacidad. Ciudad de México.

Artes 15 - 18 Oct Evento al aire libre

All City Canvas. Festival de arte urbano con un mural exterior creado por un artista del Reino Unido.

Artes 21 - 25 Oct Festival

Festival MUTEK. Presentaciones de artistas británicos de música electrónica. Ciudad de México

Artes 23 Oct - 1 Nov Festival

Festival Internacional de Cine de Morelia.

Presentando un amplio programa de producciones británicas, Morelia, Michoacán.

NOVIEMBRE Artes Nov Instalación Sacrilege de Jeremy Deller. Instalación masica en el

Zócalo, Ciudad de México.

Artes 30 Nov - 8 Dic Feria

www.britishcouncil.org.mx

British Council México

Feria Internacional del Libro (FIL). El Reino Unido será el país Invitado de Honor y contará con un amplio programa cultural presentando lo mejor de la literatura, academia, artes visuales y escénicas y gastronomía británicas. Su Pabellón será diseñado por un estudio británico contempráneo.

Guadalajara, Jalisco.

@mxbritish

Lope de Vega 316, Col. Chapultepec Morales Ciudad de México, 11570, +52 (55) 5263 1900

contacto@britishcouncil.org.mx

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TXT:: IGOR FIGUEROA

FOT:: ARCHIVO

FRANÇOIS RIENDEAU Y ORGASMO SONORO Para esta edición de las Charlas del Mono, platicamos con François Riendeau, músico y “arqueólogo” musical canadiense, que pone en su justo pedestal a la música creada para el cine europeo, de las décadas de los sesenta a los ochenta.

Esto lo hace con su proyecto Orgasmo Sonore, la reinterpretación de temas de maestros como Ennio Morriconne y Brunno Nicolai, de música de librería usada para cine y televisión de esa parte muchas veces menospreciada del séptimo arte: la banda sonora. Riendeau toca todos los instrumentos en sus grabaciones, lo que muestra su nivel de obsesión con el sonido y su gran capacidad para mostrarnos las bellezas que uno se encuentra cuando realmente pone atención a la música… ¿Qué hizo que te enfocaras en los soundtracks y música de librería?

François Riendeau: Siempre he apreciado la música experimental: me encanta cuando un tema se eleva hasta su clímax y crea la atmósfera que te hace sentir escalofríos.

Me gusta cuando combina texturas, sonidos, armonías y melodías de una manera inesperada. Estas cualidades las encuentro en mucha música compuesta para cine; no digo “en toda”, puesto que estoy enfocado en una época en particular, la cual es considerada como la época de oro de la música de soundtracks (1965-1985). ¿Por qué te enfocaste en la música creada en Europa?

Allí existe muchísima música creada para el cine en esta época de oro y considero que, por ejemplo, no existe un equivalente a Serge Gainsbourg o Goblin, en América – músicos populares especializados en componer bandas sonoras para películas– con esa personalidad que trajo un “sonido especial” a sus composiciones. Por eso, es tan interesante porque era música con “personalidad”, a diferencia de tantos scores genéricos hollywoodenses.

Italia, en particular, tuvo una gran camada de compositores extraordinarios que se dieron a conocer en todo el mundo. ¿Cómo fue el proceso de conseguir los derechos para reinterpretar esta música?

El proceso no es tan caro, puesto que sólo tienes que pagar

al editor por los derechos “mecánicos”; lo interesante es encontrar a quienes tengan los derechos, ya que, muchas veces, no sabes ni por dónde empezar, especialmente con la música de librería. En una ocasión, un director de cine me pidió reinterpretar un tema que le había gustado para una de sus producciones. Una canción de una cinta muy rara de cine erótico español. Así que me envió un clip de la película con la música que buscaba, pero era tan mala la calidad, que fue casi imposible escuchar el tema de fondo. Después de mucho buscar e investigar, dimos con la canción (aun sin saber quién era el compositor) y logré hacer una nueva grabación bastante decente; el director quedó muy satisfecho con el producto. Usó el tema en su film y yo lo subí a mi perfil de SounCloud. Un día, recibí un correo de Fabio Frizzi (Zombi, City of the Living Dead, The Beyond) diciendo: “Thank you for playing my music, I really enjoyed your interpretation” (“Gracias por tocar mi música, disfruté mucho tu interpretación”). Ahí descubrí que era un tema suyo para la película Manaos, que fue reutilizada para la película erótica española que el director mencionaba. ¿Qué opinas del “renacimiento” del vinil? ¿Crees que llegó para quedarse?

Personalmente, nunca dejé de escuchar viniles; pasé por la década de los noventa y nunca me deshice de mis discos.

Ahora me da mucho gusto ver que el formato se ha vuelto el preferido de los amantes de la música. Lo único que no me gusta tanto es que la gente se vuelve loca por los pressings originales; esto ocasiona que los precios se vuelvan ridículamente caros. Incluso, se puede ver en el lado de los nuevos lanzamientos, pues al tener tanta demanda, es cada vez más difícil para los artistas independientes hacer un vinilo por su cuenta y recibirlo en un tiempo decente.

Obviamente, siempre hay detalles negativos en cualquier moda. En la actualidad, colecciono muchos soundtracks y música de librería, obviamente. Mis favoritos son Ennio Morricone, Stelvio Cipriani, Piero Umiliani y François de Roubaix.

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SONY ALPHA ILCE-7S

ES MOMENTO DE SER VERDADERAMENTE PRO

Uno de los mayores placeres que existen en la vida es hacerte de una cámara fotográfica, esto porque entras a un mundo en el que es posible guardar momentos para siempre. ¿Cómo una pequeña cajita puede crear magia? Una cámara es para capturar ese instante que cambiará el rumbo de las cosas; entonces, ¿por qué no hacer que esa fotografía parezca como si estuviera sucediendo cada que la veas?

SONY PRESENTA SU NUEVA cámara Alpha ILCE-7S, el equipo más sorprendente que conocerás en mucho tiempo. Única en su tipo (así como genial y simplemente hermosa), esta cámara posee una gran variedad de características que te dejarán con la boca abierta. Empezando por el dato que se trata de la primera full-frame, que combina la más alta sensibilidad con un iSO de hasta 409,600 en un cuerpo ultracompacto. ¿Harto de perder esos pequeños detalles? La Sony Alpha ILCE-7s posee un procesador BIONZ™ X, que reproduce fielmente todo detalle y textura gracias a sus capacidades de procesamiento de alta velocidad; logra una lectura completa de pixeles sin comprimir; su sensor CMOS Exmor de 35 mm y 12,2 MP permite una sensibilidad de lujo con un rango dinámico, el cual se traduce en fotografías y videos espectaculares, sin olvidar que su sistema permite lentes intercambiables con montura tipo E.

Ahora que si eres fanatic@ de la imagen en movimiento, esta cámara tiene capacidad de grabación XAVC S Full HD a 50 Mbps y código de tiempo S-Log; su obturador automático elimina el ruido, por lo que es perfecta para grabar la vida salvaje o el recital de tu herman@ menor, sin complicación alguna.

Entre sus otras maravillas, la ILCE-7S también es de gran ayuda en esos momentos tensos, pues con su enfoque automático –rápido e inteligente– puedes lograr tomas precisas, aun cuando la luz del entorno es de poca iluminación y puede conectarse vía Wi-Fi a otros equipos (por lo que es “el” equipo para quienes se quieren dedicar a la foto de conciertos).

Bueno, y todo esto no tendría sentido sin una tecnología de reproducir fotos y videos en pantalla. La cámara puede conectarse a una pantalla a través de un cable HDMI y tiene conexiones USB y micro USB compatible con SD/HC/XC y Memory Stick, o a través de Wi-Fi para televisores 4k.

La Sony Alpha ILCE-7S ya está disponible en Sony Store, tiendas departamentales, especializadas y en la web www.store.sony.com.mx.

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TXT:: UILI DAMAGE

GLORIA

RODRÍGUEZ LA INFECTADA “CERO” DEL STAND-UP COMEDY

En la revisión de la crónica del stand-up comedy que sucede actualmente en el Distrito Federal, constantemente escuchamos “Gloria Rodríguez”, el nombre de la presunta primera standupera de esta época. La paciente “cero”. La primera infectada y contagiadora. La ubicamos. La aislamos y la interrogamos. Aquí, un muy pequeño fragmento de una charla intensa, apasionada, ilustrativa y emocionante. ¿De dónde “saliste”, Gloria?

Gloria Rodríguez: Soy capitalina 100%. Fui poeta hasta lo 30 años y un día decidí que ya no quería hacer poesía, que quería hacer comedia; estoy a punto de cumplir siete años ya de hacer stand-up. Prácticamente, en la escena underground del stand-up, soy la primera mujer que hizo esto en México; por lo menos en el D.F. ya a nivel conocido.

Cuando conocí a Adriana Chávez y Juan Carlos Escalante, quienes son los dos comediantes con los que empecé, yo ya tenía un año haciendo stand-up... Entonces, quizá no me has encontrado tanto porque decidí tomar el “lado izquierdo” del stand-up. O sea, hubo un momento donde, como en todos los géneros, se hicieron grupos; diferentes escuelas…

Así que decidí separarme un poco. Acabo de empezar el quinceavo taller; tengo casi 200 alumnos graduados…

¿La 15a generación?

Sí, en México, porque este taller lo he dado en Chicago, Colombia y en algunos estados de la República, pero en el D.F., tengo casi 200 alumnos graduados y de ellos, como el 60% siguen activos en escenarios y formando otras células de stand-up: no por otra cosa sino por la sana competencia.

Creo que tiene que haber distintos espacios, distintas formas de ver la comedia; entonces, he generado este otro espacio, porque creo que la comedia en México es tan poco registrada y hay tan poca claridad en la línea, que siguió, y, además, me he dedicado mucho tiempo a estudiarla.

Me tomo esto de hacer comedia muy en serio: me he dedicado cinco años a estudiar la comedia, soy licenciada en Literatura Universal y Ciencias del Lenguaje, entonces, tengo una especialidad neurolingüística aplicada al lenguaje

FOT:: ALBERTO RODRÍGUEZ escrito; he estudiado bases del stand-up en español; cómo se escribe, por qué, cuál es la estructura, cuáles son las técnicas, las herramientas teóricas y analíticas... Me he autoimpuesto ese karma de ser yo la que se lo tome muy en serio, y eso creo que le ha ayudado a muchísimos y le va a ayudar más a la gente, porque yo, Adriana, Juan Carlos, Eduardo Talavera…, todos llegamos por intuición a esto. El cómo se dice, cómo se hace, para que lo puedas repetir al infinito y no estar dependiendo de una buena noche, de una buena racha, de estar de buenas o de malas, si no de tener una técnica profesional que se pueda multiplicar. ¿Cómo descubriste el stand-up? ¿Cuáles fueron los primeros standuperos que viste? ¿Qué fue lo que detonó decir “aquí es donde me voy a meter”?

En mi caso, tardé unos seis meses para ya subirme al escenario y descubrir qué era lo que estaba haciendo y qué nombre tenía, porque empecé a escribir mis textos después de mi separación como terapia, al igual que casi todos los que hacemos comedia; escribía, pero hacía gestión cultural y, de pronto, producía shows: hacía uno que se llamaba “Juguetería en canciones”, de José Manuel Luis Regil, que era en vivo.

Un día, estaba produciéndolo y faltó una chica del elenco. Había que cubrir 20 minutos en el escenario porque eso se grababa en vivo. Antes de mí, se había subido una chica que hizo burlesque y cantó “Fever” montándose a las mesas.

El ambiente estaba muy caliente y me dijeron que no llegaba la chava: “Súbete tú”, “pero yo tengo pánico escénico, ¿qué voy a hacer?”, “léeles un poema”, y yo: “Pues todo sea por el bien del show”.

Entonces, me subí paniqueada horriblemente, con mis lentes… Me los quité y empecé a contarles las historias que yo escribía sobre mi divorcio. Lo increíble de esto es que yo juraba que la gente iba a llorar conmigo, y a la primera frase, se rieron: me acuerdo perfecto que la sensación fue: “¡Ojetes! ¿Por qué se están riendo de mi tragedia?”; entonces, me extrañó el proceso.

Vuelvo a decir otra cosa, se vuelven a reír y, en ese momento, yo creo que el destino decidió que esa era mi vida.

Curativo…

Totalmente. Y conocía a tanta gente de foros y todo, por mi trabajo, que fue muy fácil para mí contactar gente y pedirles que me dejaran hacerlo en sus lugares, gratis. Yo era muy cercana a Florencia Piña, quien es la directora de la Asociación de Cuenteros y Cuentistas de México, que era lo más parecido a lo que yo entendía que estaba haciendo –contar historias–; me sumé a la Asociación

TRANS:: VALENTINA WINOCUR y pienso que los primeros tres o cuatro meses de mi carrera, yo estaba intercalada con los cuenteros, los cuenta-cuentos, los narradores orales, con hip-hoperos, con spoken-worderos, que era la gente que yo conocía de mi medio poético. Como a los seis meses, un día, pasando por el Beer Hall, vi que había audiciones de comediante y dije: “Ay, pues igual y aplica”. Y a la primera que me encontré fue a Adriana Chávez y a Juan Carlos Escalante. Hicimos el casting, nos quedamos los tres y empezaron las grandes noches de stand-up comedy en el Beer Hall.

Lo increíble de esto fue que la primera vez que yo empecé a dar función, no llegó nadie, teníamos una temporada de ocho semanas y no dimos ni una sola de las funciones porque nunca llegó nadie. Aquello se volvió karaoke, se volvió taller de chistes, etc.

Sin embargo, los tres formamos un mini colectivo y empezamos a trabajar en la pizzería Iguana Mar. Estaba en la Roma y no tenía permisos para abrir al público: era chiquitita, le cabían como 25 personas y ahí hacíamos lo que se llamó “las noches clandestinas”, las cuales fueron los primeros shows de stand-up que hubo en 2010. Era todos los viernes y ahí fue donde conocí a Gus Proal, Héctor García, Inés Saavedra, hasta que un día llegó Juan Carlos con la convocatoria del Café 22 para el primer “festival de stand-up” que apoyó Héctor Suárez Gomís con Jaime Morales. Ahí conocí a “Ese wey”, por ejemplo, ahí debutó Gonzalo Curiel, etc.

Entonces, participé y al final del festival, fui la única mujer entre los seis ganadores.

Formamos otro colectivo, ahora bajo el amparo de Gomís, que fue Risas Inc. y el primer colectivo oficial de stand-up que hubo en México: ya con el apoyo de Gomís, llegó el periódico, la tele, las cámaras, ruedas de prensa, funciones en el foro ¿A poco no? y Café 22, y se volvió un boom incontrolable.

En ese colectivo, estuvimos Héctor García, Gonzalo Curiel, Roberto Flores, Tomás Strasberg, Diego Zanassi y yo, y Sofía Niño de Rivera, recuerdo que salimos en el periódico con este gran titular de “Los nuevos rostros de la comedia en México” y se nos nombró en ese momento los pioneros.

Parte del premio del festival fue un taller con Gomís que duró año y medio. Al año siguiente, viene el segundo festival de stand-up comedy, organizado por Café 22 donde yo fui la anfitriona y la encargada de programación y la producción: en ese festival debutó el Cojo Feliz, Ricardo O’Farril, Alexis de Anda, Isaac Salame, Manu Nna, ya como esta segunda generación de standuperos; digamos que yo los programé, les di chance de que probaran y, pues, acabaron siendo las estrellas que son ahora, y de ahí, el resto es historia .

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PATA 20

INDUSTRIA INDUSTRIA

NEGRA 12 ANIVERSARIO

El circuito cultural Roma-Condesa ofrece un espejismo a los habitantes más jóvenes de esta ciudad: pareciera que siempre estuvo ahí. Acostumbrados a la sobreoferta de conciertos y festivales, es difícil imaginar que hace apenas 12 años, la escena musical de dichas colonias resultaba árida y dispersa, carente de un lugar preocupado por tener buen audio, escenario y de ofrecer un trato digno para los músicos. Quizá en ello radica la permanencia del Pata Negra, un espacio sustentado en un concepto que no podría entenderse disociado de la música en vivo. Durante los pasados meses de mayo y junio, Pata Negra festejó sus primeros 12 años de vida, de programar bandas y dar cabida a todos los géneros de manera ininterrumpida.

TXT:: VICENTE JÁUREGUI “LA IDEA DE PATA NEGRA surgió hace 13 años en la glorieta de Iztaccíhuatl. Éramos tres locos que sólo queríamos abrir un bar de amigos, con tapas, cervezas y un estéreo para poner música. Todo inició en un garage muy pequeño, ni siquiera anunciábamos su nombre en la calle, pero nos fue tan bien que a los ocho meses tuvimos que crecer. Buscamos un lugar más grande que es éste, donde estamos desde finales del mes de mayo de 2003”, comenta Pikis, socio fundador y DJ habitual del lugar.

Lo que inició con la simple intención de pasar el rato, poco a poco se transformó en un referente para la vida nocturna de la Ciudad de México. Un elemento clave fue que desde un principio, hubo músicos involucrados, entre ellos, el contrabajista Luri Molina, quien impulsó la idea de meter bandas de jazz en vivo: “Queríamos desarrollar un concepto cultural, con música, presentaciones de libros y exposiciones. Desde entonces, todos los lunes ponemos jazz de manera ininterrumpida; creo que ni en Nueva Orleáns pasa eso (risas)”, nos cuenta Pikis; “los martes son de funk, pero somos muy variados; el sábado, por ejemplo, hay son jarocho en vivo, y los domingos tenemos conciertos para niños por las tardes”.

Una de las peculiaridades de Pata Negra es que nunca hay cover, se trate de una banda emergente o una muy grande, como La Sonora Matancera; la idea es “tratar de regresarle algo a la gente. Lo anterior nos dio un posicionamiento muy grande porque ofrecemos algo de calidad a cambio de la lealtad de nuestros clientes”.

Si algo tienen los feligreses de Pata Negra es una fidelidad casi religiosa. No importa que las generaciones cambien; la visión del lugar es de carácter evolutivo respecto al público y a la música. Esa capacidad de adaptación es responsable de que hoy se hable de Pata Negra como un “grupo”, una empresa que da trabajo a decenas de personas: “Dos años después de abrir el Pata, inauguramos el Salón Pata Negra en el segundo piso, un lugar pensado para tener música en vivo con un escenario más grande y una variedad de géneros. Los martes son de indie, miércoles y sábado de salsa, jueves de música alternativa y viernes de DJs. Hace cinco años, abrimos La Xampa, una champañería con tapas, vino espumoso, champaña y cavas.

Es un concepto diferente, pero sin olvidar la parte musical; los martes tenemos jazz en vivo, también hay música electrónica, pero con propuesta; está Uriel Waizel de Ibero 90.9, por ejemplo. También abrimos otro Pata Negra en la colonia Cuauhtémoc, el cual también tiene propuesta musical, pero enfocado al funk-soul y en las noches a DJs. En junio del año pasado, abrimos La Riviera, que ya cumplió un año; es una cantina con música en vivo de boleros, son cubano y son jarocho”.

La trascendencia de un foro puede medirse de muchas maneras, pero quizá la más relevante anide en su misma historia, en las

bandas que nacieron o se han presentado en su escenario. En el caso de Pata Negra, el problema es sintetizar entre tantos músicos que han pisado su tarima: “Muchas bandas comenzaron o se presentaron aquí antes de ser famosos”, nos dice Pikis después de una pausa para recordar entre tantos músicos. “Por ejemplo: Paté de Fuá surgió aquí cuando Yayo González, que tenía una banda que se llamaba Cuatro de Copas, conoció a Luri Molina –contrabajista– y Guille Peralta –trompeta– que tocaban con la Tricota del Ritmo. Aquí se conocieron, y ahora en su 9o aniversario, estaremos con ellos en el Teatro de la Ciudad; hay una relación muy especial.

También aquí se generó el concepto de Amandititita con Lino Nava, Artemio (el artista plástico) y un servidor. Más tarde, presentamos sus primeros conciertos y ahora ya es un hit”.

Entre las presentaciones de discos más memorables, está la del primer álbum del IMS, proyecto que hoy hace giras por todo el mundo. “Una vez, tuvimos a Mikel Erentxun de Duncan Dhu, que ahora estará aquí al lado en el Plaza Condesa, el Negro García, que era guitarrista de Charly García, y a los de Nortec”, pero de las bandas que más recuerda con nostalgia, están Los Shajatos, que “iniciaron con nosotros y les fue muy bien.

Son un ensamble que hace ver-

siones de canciones de rock con tabla, vibráfono, banjo, etc. El grupo está conformado por músicos de diferentes bandas, como Poncho Figueroa de Santa Sabina, Alexis de Paté de Fuá, Andrés Sánchez, que ahora está con Zoé; Leonardo Heiblum y Jacobo Lieberman, que hacen música para cine y han ganado premios con María llena eres de gracia y ahora en Cannes con el documental Allende, mi abuelo Allende”. ¿Cómo logra un lugar que sin cover ofrece un pago fijo a los músicos? “Desde el principio, definimos que siempre le daríamos algo a los músicos. A lo mejor no es tanto, pero en otros lugares, sólo te dan un porcentaje de las personas que paguen o si no llegas a una cantidad, no te dan nada. Acá te garantizamos un fijo porque para nosotros tú, como músico, estás aportando algo. Nosotros estamos bien posicionados y tocar aquí es un escalón para luego hacerlo en otros lugares.

Nos apoyamos mucho en los patrocinios de las marcas para pagar; eso también nos ayuda a traer a bandas más grandes, sobre todo en los aniversarios”.

La inquietud de grupo Pata Negra es de carácter extramuros, además de administrar y dirigir cinco lugares diferentes, hacen el catering del hospitality del Vive Latino, DOCS DF, Premios Fénix, FICU-

NAM, presentaciones de libros y los palomazos del Vive Latino con Chema Arreola como conductor: “En esas sesiones, se han presentado una cantidad enorme de bandas; desde Los Amigos Invisibles, a grupos emergentes”.

Desde un principio, Pata Negra fue un gran aliado para la realización del Festival Marvin.

Detrás de ello hay una convicción por abrirse a nuevos proyectos y diversificarse: “Nosotros le apostamos al Festival Marvin porque es una buena propuesta. Ahora no sólo ponemos el Salón Pata Negra como uno de los foros del circuito, sino también atendimos otras de sus sedes con catering, y nos da mucho gusto ver cómo ha crecido año con año”.

A 12 años de distancia, es innegable que hoy ya no podemos hablar de una escena musical, sino de diversas que confluyen y se sostienen gracias al trabajo y la mancuerna entre músicos, medios, foros, etc. Pata Negra es un eslabón que hunde sus raíces en un concepto visionario y precursor.

Con un espíritu decididamente ecléctico, su labor es indispensable para entender lo que hace una década sólo parecía un mero espejismo: la consolidación de un circuito interdisciplinario que permite la existencia del Festival Marvin como hasta hoy lo conocemos. ¡Larga vida al Pata Negra!.

INDUSTRIA

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FOT:: CORTESÍA PATA NEGRA

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ATLAS SONORO

TXT:: ALEJANDRO MANCILLA @NOSOYMODERNO

EDIMBURGO Quiet as a Mouse muy de su generación HAN LLAMADO LA ATENCIÓN DE MEDIO MUNDO GRACIAS A LO QUE MEJOR SABEN HACER: BUENAS CANCIONES, QUE, CON TODA LA VENA ESCOCESA (AUNQUE ME RECORDARON UN POCO A THE WEDDING PRESENT, QUE SON DE LEEDS), APELAN AL SENTIMIENTO UNIVERSAL: LA MELANCOLÍA (¿ACASO PENSABAS QUE AL AMOR?). SUS PRESENTACIONES EN VIVO LES HAN DADO LA REPUTACIÓN DE SER UNA DE LAS BANDAS INDIE QUE VALE LA PENA SEGUIR, DESDE EDIMBURGO PARA EL MUNDO. PLATICAMOS CON RICHARD COBB (BAJISTA) Y CON ALEX MORAN (VOCALISTA), EN LA QUE QUIZÁ SEA SU PRIMERA ENTREVISTA PARA MÉXICO:

¿Por qué hay un gato en sus playeras oficiales y no un ratón?

Richard: Buena pregunta.

Alex: Pues porque me gustan los gatos (risas). ¿Cómo se formó la banda?

Alex: Richard y yo somos amigos desde hace muchos años.

Yo comencé a cantar desde que estudié un tiempo en Australia, pero armé mi primera banda en esta ciudad en 2012, se llamaba The Seven Deadly Sins, y fue el antecedente de Quiet as a Mouse.

En las reseñas, los comparan con The Smiths en ciertos aspectos… ¿El rock británico le sigue debiendo mucho a esa banda?

Richard: No necesariamente todo el rock británico está en deuda con ellos, pero es verdad que una gran cantidad de grupos actuales nunca hubieran tomado una guitarra para hacer música de no ser por ellos. En lo personal, me siento más influenciado por grupos de mi generación, como Arctic Monkeys.

Alex: Cuando comencé a escribir canciones, me sentía más identificado con The Beatles y Bob Dylan. Ahora no tengo las mismas influencias. A The Smiths los escuchaba mucho hace cinco o seis años, junto a The Clash; creo que son mis bandas favoritas, de las “clásicas”. Alex y yo somos muy fans de Nick Cave y también es una gran inspiración a la hora de los arreglos de las canciones. ¿Qué aman y qué odian de la cultura británica?

Richard: Amo los festivales musicales. Detesto las moditas como los selfie sticks e ir a Nando’s (el restaurante de moda).

Alex: Amo el cricket. Odio que mucha de nuestra generación ha olvidado lo que realmente significa ser inglés, han perdido ese sentimiento de identidad o, al menos, no lo vi-

ven desde mi romántico punto de vista. El usar esas gorras de beisbol al revés, creo que sólo si eres estadounidense, se te verán bien; no para un británico. ¿Cómo describen la escena musical de Edimburgo?

Alex: Es complicado encontrar bandas prometedoras sin dejar a un lado la sombra de Glasgow, donde hay una gran escena. Pero hay que ponerle atención a bandas como Idlewild y Young Fathers, que están haciendo las cosas muy bien en los espacios locales.

Richard: Siempre mantengo mis ojos abiertos hacia la música nueva. Antes, mi guía era la NME; ahora, realmente, todo lo busco online y del “boca en boca”.

Alex: Yo igual antes solía comprar la NME, pero hoy difícilmente publican a bandas que nos interesen. ¿Qué viene para la banda próximamente?

Alex: Queremos expandir nuestra base de fans en Edimburgo y los alrededores. Y luego, seguir tocando en más lugares nuevos cada vez. ¿Quién es tu ratón favorito en la cultura pop?

Richard: Definitivamente, no es Mickey Mouse; es un arrogante.

La banda es integrada –además de Alex y Richard– por Graham Longbottom (batería) y por Ali Walker (guitarra).

Los puedes seguir en: Facebook.com/quietasamouseofficial Youtube.com/user/quietasamouseuk Soundcloud.com/quiet-as-a-mouse Twitter.com/quietasamouseuk Te recomendamos una de sus primeras canciones: “Home is the Hardest Place to Find”.

Edimburgo

LUCES Y SOMBRAS DE UNA CIUDAD DE CASTILLOS DEBIÓ SER GRANDIOSO CRECER en Edimburgo en los años noventa. La sede de la capital escocesa, llamada coloquialmente Auld Reekie (vieja chimenea), vio surgir a Shirley Manson con el grupo Angelfish (proyecto paralelo a Goodbye Mr. Mackenzie), antes de que la mujer más pálida del mundo llamara la atención de Butch Vig para integrarla a Garbage. ¿Te imaginas ir a comprar cerveza y toparte con Shirley en la fila para pagar? Como todo territorio que forma parte del Reino Unido, Edimburgo se distingue por una vasta tradición de rock y arte.

Irvine Welsh, el emblemático autor de Trainspotting, es originario de esta ciudad y, claro, su novela más famosa está situada en ella… ¿Acaso si no te topabas a Shirley por ahí, no te quedaba otra opción que ir a ver pasar trenes?

Lo cierto es que la ciudad cuenta con una longeva escena de rock, jazz y música independiente, que si bien ha vivido un poco a la sombra del gigante Glasgow, ha legado al mundo cosas como el grupo pop setentero Bay City Rollers, una de las mayores influencias para los Ramones, o, en las antípodas, The Exploited, surgidos en 1978 y pioneros del hardcore. Además,

se pueden rastrear a bandas de rock-pop como Pilot (su hit “Magic”, producido por Alan Parsons, no puede faltar en una emisora FM de clásicos que se respete); The Proclaimers (grupo de los “otros” hermanos Reid), que exaltaban el acento local –escucha su éxito “I’m Gonna Be (5000 Miles)”– ya en la década ochentera.

El metal estuvo representado por bandas como Holocaust. Más interesante la escena indie, y en la punta del iceberg están Boards of Canada, quienes desde finales de los ochenta vienen haciendo exquisito ruido “para manipular a las masas” (según sus propias palabras) y en los siguientes años, una banda conquistó a los corazones modernos de Inglaterra y el mundo: The Beta Band. Curiosamente, y pensando un poco en lo que dice Alex Moran, vocalista de Quiet as a Mouse en la entrevista de al lado, hay un movimiento llamado spanish army, que promueve conciertos de grupos españoles, ahí, justo en tierras escocesas; algo que debe dolerle a los nacionalistas de Edimburgo, que, sin embargo, tienen un gran movimiento independiente con bandas anglosajonas, de las que recomendamos:

The Birthday Suit Jóvenes veteranos muy influenciados por Sonic Youth, pero en una onda un poco menos noise y con reminiscencias al brit-pop noventero.

Isa & the Filthy Tongues Éstos son muy buenos y muy en sintonía con el “nuevo new wave”. Suenan a Blondie y a Pixies, aunque, a la vez, tienen un sonido muy propio.

Enfant Bastard Lo-fi acorde al “bedroom recordist manifesto”. Muy en el estilo de Casiotone for the Painfully Alone. Su disco de 2012 se puede descargar gratis en:

facebook.com/thebirthdaysuitband

isaandthefilthytongues.com

Enfantbastard.bandcamp.com/

MÁS SECRETOS DE EDIMBURGO The Shop Assistants: Este grupo ya legendario formó parte de la escena C86 a principios de los años ochenta. Nada más editaron un solo disco, hoy de culto.

Si andas por esos lares, The Banshee Labyrinth es una divertida opción que no se parece a los bares hipster cortados por la misma tijera.

Destaca el evento anual Edinburgh Festival, el cual refleja, además de la música, los otros intereses de la gente de la ciudad: el teatro, la comedia y la danza.

Para más información sobre la historia del rock en la ciudad, existe un CD-ROM llamado Embro, Embro The Hidden History of Edinburgh in its Music.

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MÚSICA

TXT:: PABLO PULIDO / @PABLOPONCIANO

No te puedes convertir en una superestrella aún. No. Porque aún no tienes ni 20 años. ¿Qué sabes tú de la vida? ¿De la creatividad? ¿De cómo se hacen las cosas? Y menos en el rock… Bueno, aquí esta SOAK para terminar todas esas arcaicas normas de un género que sólo las nuevas voces podrían rescatar. El proyecto de Bridie MondsWatson es honesto, nada de metáforas baratas o una biografía amarillista para lograr una buena estrategia de marketing; sólo un puñado de canciones desde la mente y el alma de una adolescente que, a veces, no comprende del todo a este mundo, aun sin seguir preparado para responder las dudas de las nuevas generaciones.

LA HISTORIA de Bridie no difiere mucho de la mitología rock. A muy temprana edad, desarrolló una curiosidad por la música, esto gracias a sus padres melómanos, quienes le recetaban una dosis diaria de Pink Floyd, Led Zeppelin y Joni Mitchel; esta última quizá su influencia más grande. Como era de esperarse, siendo apenas una niña, compuso sus primeras canciones con la guitarra de su hermano mayor. Pronto vendría la búsqueda de apoyos para exponer el precoz talento de Bridie; fue en el camino que surgieron temas como “Sea Creatures” y “Numb”.

El primer gran momento llegó cuando CHVRCHES (sí, esa banda de tan sólo un par de canciones buenas) fichó a la irlandesa para grabar y editar bajo su sello –Goodbye Records– un primer EP titulado Blud. Entonces, aparecieron conciertos, entrevistas y sesiones, hasta que Rough Trade apareció y fichó a Bridie para grabar un LP, no sin antes medir el terreno con un 7 pulgadas con el tema “B a noBody”, un hipnótico track que la adolescente escribió a una amiga, víctima de acoso escolar por su sexualidad y una deficiencia física.

El objetivo de Rough Trade era obvio: explotar la inocencia de Bridie con una estrategia que asegurara buenas ventas y shows abarrotados. El plan, hasta el momento, ha salido a la perfección; la palabra SOAK está por todo el Reino Unido y la gente no deja de sorprenderse por la juventud de aquella chica que no ve nada extraño en hablar de temas tabúes sin ninguna preocupación.

En el mejor momento de su carrera, platicamos con Bridie: La gente está obsesionada con la vida personal de los artistas.

He leído varias entrevistas en las que te preguntan sobre temas como tu sexualidad, la relación con tus padres, etcétera… ¿Hasta qué punto crees que es válido este tipo de cuestionamientos y cuándo es momento de parar?

Me interesa muy poco hablar acerca de esas cosas; para mí, lo más importante es la música, de eso es sobre lo que realmente me gusta platicar.

Como alguna vez mencionaste, tu música cambia constantemente.

En “Hailstones Don’t Hurt”, te decides en gran parte de la canción por percusiones electrónicas y, al final, entra una batería feroz. Se trata de un lindo experimento sonoro entre pasado y futuro. ¿Te ves trabajando en tu próximo álbum con más sintetizadores y cajas de ritmos?

Me gusta experimentar de muchas maneras al momento de hacer música. Recién me hice de una caja de ritmos; sin embargo, no estoy segura de cuánto la voy a usar en mi próximo disco. Los siguientes seis meses de mi vida están planeados para estar en carretera, por lo que es probable que no pueda trabajar en un nuevo álbum hasta el próximo año. Así que ya veremos cuándo podré regresar al estudio.

La juventud padece de esta maldición llamada “experiencia”, por la que siempre es discriminada en muchas cuestiones de la vida. ¿Cómo te ha ido en la lucha por hacer valer tu voz y música en la industria musical?

Supongo que he sido muy afortunada. Tenía 13 años cuando escribí “Sea Creatures”, y desde la primera vez que la subí a Internet, la gente me apoyó mucho. La verdad es que no he tenido que luchar para ser escuchada en

la industria, sólo he tenido que enfocarme en lo que hago.

Shamir es otro chico que está sacudiendo la música, pero en un aspecto más dance. ¿Lo has escuchado? Cuando dejas la guitarra, ¿te entregas por las noches a la fiebre del EDM? Sí, realmente me gusta el disco de Shamir (risas). Cuando no estoy en el estudio, escucho todo tipo de cosas. Es probable que cuando mis amigos vengan por mí para salir de fiesta, la música del lugar pueda tener algo de EDM, pero la verdad es que no salgo a clubs o escucho toda la noche esa clase de música. ¿Qué tan a favor estás de la glorificación del coleccionismo de discos? Hacer dinero con ediciones raras de discos… Leí que cuando eras más joven, decidiste regalar en Navidad a tus amigos un EP con tus demos, ¿aprobarías que lo vendieran por una enorme suma cuando seas famosa?

Creo que, como muchos de mi generación, no crecí en un momento en el que las colecciones de discos físicos fueran gran cosa.

Yo uso Spotify todo el tiempo desde hace ya varios años y ahora colecciono vinilos, pero sólo aquellos que me encantan (risas).

Si me vuelvo lo suficiente famosa para que mis amigos hagan dinero con las cosas que les regale, pues no tendré ningún problema con ello. ¡Tampoco debería ser algo que les preocupe!

Me intriga el título de tu álbum.

Personalmente, ¿cuándo crees que la gente deja de soñar? ¿Piensas que puedes seguir soñando a pesar de estar inmersa en un mundo que, al final, es un negocio?

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FOT:: THE WINDISH AGENCY

“Me gustaría creer que todavía hay un lugar en el que la gente mantiene vivos sus sueños, pero supongo que, con el tiempo, todo se vuelve más difícil”.

—Bridie Monds-Watson

El título proviene de la última frase de “Oh Brother”, la canción con la que cierra el disco. Habla sobre ese momento en el que creces, terminas la escuela y comienzas a enfrentarte a la realidad: encontrar un trabajo y asumir más responsabilidades. Me gustaría creer que todavía hay un lugar en el que la gente mantiene vivos sus sueños, pero supongo que, con el tiempo, todo se vuelve más difícil. Ya te contaré en unos años cómo me fue.

SOAK Ser nadie es lo mejor que te puede pasar

El Reino Unido es un territorio con una masiva oferta de músicos; todos los días hay conciertos, se editan discos y aparecen nuevos artistas. ¿Cómo crees que uno puede sobresalir con tanta competencia?

Es difícil destacar, pero es genial tener tal abundancia de propuestas musicales. Y no sólo en el Reino Unido; hoy en día, puedes escuchar música de cualquier lugar y en todo momento, por lo que te enfrentas contra un mundo de ruido por conocer. La verdad es que sólo puedo hablar desde una perspectiva personal, por lo que para mí, todo se trata de ser tú mismo. Pienso que puede ser peligroso si sólo te enfocas en sobresalir en vez de componer buena música en la cual creer.

Creo que “B a noBody” es ese tipo de canciones que los productores de cine buscan para usar en alguna de sus películas.

Si esto fuera así, ¿en qué tipo de escena te gustaría que fuera usada?

Realmente, nunca lo había pensado; supongo que sería increíble aparecer en alguna cinta hollywoodense de gran producción, pero creo que tengo que esperar y ver qué sucede… ¡Estoy abierta a sugerencias!

+ ESCUCHA TAMBIÉN

Cat Power The Greatest Matador, 2006 El mejor disco de Chan Marshall hasta el momento, en el que se presentan los sentimientos más oscuros en torno al amor y la búsqueda de un sentido en la vida.

Neko Case The Worst Things Get, the Harder I Fight, the More I Love You Anti-, 2013 El country no es un género atractivo para el mundo indie. Sin embargo, el talento de Neko Case sobrepasa toda segregación y sólo basta escuchar “Man” para entregarse a esta obra.

Sharon Van Etten … Are We There?

Jagjaguwar, 2014 Sharon siempre ha sido una azotada.

Pero es hasta este álbum en el que decide hacer de la melancolía algo más interesante que sólo palabras oscuras, al incluir sintetizadores, coros pop y metáforas sexuales.

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MÚSICA

TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO

Jamie se ha convertido en una especie de héroe musical de nuestros días, pese a su personalidad discreta, a no dar declaraciones escandalosas, más bien limitar sus palabras y no colocarse en el centro de polémicas mediáticas.

EL ASUNTO PARECERÍA muy sencillo. El debut en solitario del ángulo más fuerte del triángulo conocido como The xx está destinado a convertirse en uno de los trabajos discográficos más notables del año. Así de simple.

El nacido en octubre de 1988 logra plasmar con efectividad esa sensación de lo contemporáneo por medio de la electrónica de baile. (XL Recordings, 2015) es totalmente consecuente con el pulso del momento; tal vez no sea visionario ni explícitamente retro.

Es música que trasuda presente en muchas de sus formas.

Jamie se ha convertido en una especie de héroe musical de nuestros días, pese a su personalidad discreta, a no dar declaraciones escandalosas, más bien limitar sus palabras y no colocarse en el centro de polémicas mediáticas. Apenas se muestra lo indispensable ante los periodistas y no se distingue por un torrente verbal.

Suele mostrarse muy contenido y mucho más cómodo cuando se expresa a través de un escenario –ya sea con grupo o como DJ–.

Lo interesante con este nativo de Londres es la manera en la que integra su paleta de sonidos.

Se trata de un incontenible buscador de sonidos y un atento observador participante dentro de las nuevas tendencias para los rituales dancísticos. ¿Será que esto contribuye a que se pueda conectar con gente de edades muy diversas?

A Jamie xx no lo sigue únicamente gente de su edad; en sus presentaciones confluyen personas de la edad de sus padres junto a chicos

JAMIE

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Los nuevos héroes comienzan desde pequeños

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FOT:: FLAVIEN PRIOREAU

que pudieran ser sus hermanos menores. Es muy interesante que logra saltar la brecha generacional –muy similar a lo que ocurre con Nicolas Jaar–. ¿Con base en qué es que lo logra? A partir de dos cosas: una propuesta sonora que apela a la diversidad estilística y un profundo respeto a la música –a la del pasado y la de hoy–.

Debemos aquilatar la manera en que ausculta al pasado y lo hace suyo –vamos, que el muchacho estudia–. Lo analiza minuciosamente y, luego, se pone a crear desde el más estricto presente –no se pone a mirar atrás–.

Cuando nos dejó perplejos con el disco de remezclas (2011), encontramos nuevos derroteros para el y el del poeta-activista norteamericano Gil-Scott Heron. La parte de arte-acción procedente de los sesenta y setenta fue insertada en un nuevo contexto. Uno hubiera esperado que los seguidores de The xx, al menos, lo recibieran con cierto escepticismo, pero, más bien, se dejaron seducir con esa faceta de resignificación.

The xx contaban –y cuentan todavía– con una gran cantidad de seguidores que comparten edad con el trío –e, incluso, más jóvenes–. ¿Cómo fue que establecieron tal complicidad e identificación? Pues supieron hacer del silencio, el espacio musical y la contención de elementos fundamentales para un pop electrónico, que no por bajar la velocidad, dejaba de ser interesante y propositivo; todo lo contrario, el grupo sedujo por no desbocarse, por crear magia y misterio a ritmo semilento. No faltaron aquellos que se identificaban con el hecho de que se vistieran de negro completamente. Más que una manifestación explícita, se trataba de una manera de no exaltar demasiado la imagen.

Ellos no venden ropa de moda, sino una música introspectiva e intrigante. Jamie tiene bien claro lo que el grupo busca y requiere. En un Corona Capital, pudimos constatar la forma en

la que inyectan energía extra a sus directos y se muestran como una banda en pleno dominio de los grandes escenarios. En vivo, agregan sobrada tensión y poder a sus composiciones.

Pero el chico cuyo nombre de pila es Jamie Smith sabe que existe un vasto universo musical que puede hacer suyo cuando se pone detrás de las tornamesas y los controladores. En un mismo festival, da testimonio que obtiene el máximo rédito en ambas vertientes. Ante una apuesta totalmente ganadora no es extraño que se lo peleen las grandes citas masivas de cada temporada. Y aun cuando lleva un ritmo de trabajo muy acelerado, no deja de componer e ir colando en sus sesiones, poco a poco, los hallazgos recientes.

Así es como nos fue anticipando algunos de los temas que, a la postre, conformarían el debut formal en solitario; tal es el caso de “Fat Nearer”.

También deberemos apuntar que es cierto que las aportaciones de Romy y Oliver –sus compañeros en The xx- en “Loud Places” y “Stranger in a Room”, por ejemplo, nos llevan a remontarnos al grupo base, pero ello no obstaculiza que el álbum fluya. Son buenos amigos de verdad e, incluso, los llevó a la televisión francesa para mostrar el material en directo. Acá no hay pleitos y sí inquietud por probar cosas nuevas y dar continuidad también al sello de la casa.

Jamie ya nos ha mostrado que de futurista sabe bastante y que no le son ajenos ni el o el . En la red se pueden ver actuaciones en distintas partes del mundo, como una maratónica en Miami; de ahí que también ofrezca ciertos toques de incluso. En , los agregados más recientes provienen de ciertas líneas de teclado muy en la línea cósmica de Jean Michel Jarre y Mike Oldfield, además de una veta popera que no hace sino engrandecer la herencia del dueto Everything but the Girl (pop refinado a su máxima expresión).

Muy rápido ha conseguido potenciar su capacidad de

“No prestamos suficiente atención a lo que nos hace sentir bien porque estamos obsesionados midiendo si tenemos más o menos placer que el resto”.

—Slavoj Zizek

emocionarnos; en modo alguno, se trata de música electrónica fría o carente de filón emotivo.

En , es inmejorable su comienzo con “Gosh”, que muy pronto nos coloca en el viaje. ¿Pero si alguien exige novedad con urgencia?

Ahí está “I Know There’s Gonna Be (Good Times)”, en la que aparece rapeando Young Thug y Popcaan; este último desde Jamaica, quien le pone ese sabor a coctel veraniego. Me pregunto, ¿qué le ven de malo al potencial comercial del tema? ¿Acaso los artistas no buscan conectar con nuevos públicos?

Jamie ya ha remezclado a Adele anteriormente sin que nadie se rasgara las vestiduras, aunque también ha incursionado en otros parajes de la cultura: puso música a la obra de la videoartista Sofia Mattioli (en colaboración con Koreless y John Talabot) y compuso para un ballet destinado al Manchester International Festival.

Es de sobra conocido que no ha dejado de grabar junto a Romy –declaró que se siente como en los viejos tiempos del estudio, con ellos a solas–. A fin de cuentas, llegará un nuevo trabajo de The xx, pero mientras eso sucede, el subidón de “The Rest is Noise” nos complace lo suficiente.

2015 es el año en que Jamie publicó estas 11 canciones y nos dejó en claro que la música demanda de sus nuevos héroes que libren muy jóvenes sus grandes batallas. Apenas anda a la mitad de la veintena y ya es un veterano. ¡Vaya la exigencia de ser un talento precoz y mantenerte en constante estado de gracia!

+ ESCUCHA TAMBIÉN

Nicolas Jaar Space is Only Noise Circus Company, 2011 El debut de este chileno-norteamericano que también es un talento que emergió pronto; nació en 1990.

John Talabot Fin Permanent Vacation, 2014 Buen amigo de Jamie –con el que comparte sesiones larguísimas–; no revela su identidad, pero podemos suponer que por ahí andan de edad.

Maya Jane Coles Comfort I/AM/ME, 2013 Nació en Inglaterra con ascendencia japonesa; desde los 15 años, ya mezclaba.

Hoy día, es un talento precoz de la electrónica más hedonista. ¡Los jóvenes en el poder!

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MÚSICA Escuchar la propuesta de una banda nueva o en vías de hacerse de un nombre, es un verdadero acto de fe, un ritual que exige atención y disciplina, el cual inicia con el hecho de aceptar que existe mucha paja y poco producto que realmente vale la pena. Además, se debe poseer una actitud abierta a la discusión, incluyente y actualizada para poder así desarrollar un verdadero análisis sobre el acontecer musical en el mundo o, en otras palabras, evitar a toda costa ser un forever.

ALL

WE

ARE Es lo que hay, y es mucho

CLARO QUE LA MISIÓN puede sonar absurda para la mayoría de la gente (pero así son las pasiones, no se pueden juzgar sin ser, alguna vez, partícipe en ellas para comprender su cosmos); sin embargo, tiene todo el sentido porque estamos hablando de una expresión artística que nace de la conciencia y espíritu de la sociedad, es reflejo de su identidad y proceso histórico, así que, antes de entrar en materia, no olvidemos que todo esto no es más que mero ejercicio antropológico.

Entonces, para que una propuesta pueda sobresalir de entre tanta oferta, es necesario que tenga ese halo distintivo, principalmente en su sonido, cuya estética (compréndase en el amplio espectro de este concepto) deba sucumbir hasta al más incrédulo. Claro que estamos viviendo en tiempos difíciles en el ámbito de la creación artística, la globalización lo ha homogenizado todo; por eso, de una vez por todas, debemos aceptar que el mito del “hilo negro” ha desaparecido para dar puerta a la era del reciclaje.

Este fenómeno puede explicar el sinfín de lanzamientos grises que se aprecian hoy en día, una constante de músicos y artistas tratando de hacer aburridos collages con las mismas piezas; tal vez, ya no haya más colores y formas que descubrir, pero la clave está en cómo acomodar las cosas. Aquí vemos entonces

TXT:: PABLO PULIDO / @PABLOPONCIANO

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FOT:: DAVID EDWARDS

“La belleza de la música es tal, que no existen aciertos o errores; lo que puede sonar bien para ti, para otra persona suena horrible. La música es subjetiva y personal, y así es como debe ser”.

a bandas como All We Are, que no está interesada en construir paradigmáticos esquemas musicales ni crear un movimiento; lo que ellos sólo quieren es hacer música que te haga sentir. Claro que las metas implícitas son alcanzar la fama y poder hacer de este amor al arte algo rentable, lo suficiente para continuar el viaje.

El grupo está compuesto por Guro Gikling, Luis Santos y Richard O’Flyinn, originarios de Dinamarca, Brasil e Irlanda respectivamente, quienes se conocieron en el Liverpool Institute for Performing Arts (LIPA) y, rápidamente, establecieron una amistad gracias a su gusto compartido por la música. Cada uno trabajaba en proyectos distintos, hasta darse cuenta de que estaban perdiendo el tiempo y la clave era unirse para crear algo mejor.

Este año, lanzaron su álbum debut, una mezcla de pop oscuro con ritmos bailables, que por momentos parecería ser la perfecta banda sonora para una fiesta decadente. Sin duda, no es música fácil de captar, pues su composición es tan diversa, que las referencias tardan en llegar a la mente. La banda ha declarado su poco interés en analizar su sonido o metas creativas (la verdad es que no hay nada sorprendente ahí… por el momento), quizás con la intención de no engañar a nadie; sin embargo, he ahí su particularidad: All We Are no quita el dedo del

renglón, mantienen la esperanza de que sí hay un hilo negro y que no descansarán hasta encontrarlo.

Es todo lo que somos, tres mejores amigos haciendo canciones. Tres amigos haciendo lo que aman.

¿Cómo lograron que Leif Podhajsky hiciera la portada de su disco?

Todos somos grandes seguidores del trabajo de Leif, amamos su estilo, así que cuando nos comentó que le gustaban nuestras canciones, nos sentíamos en la luna. Él entendió completamente nuestra propuesta y lo que queríamos lograr, por lo que el resultado es bastante sorprendente.

La primera vez que los escuché, su sonido me recordó a Warpaint y Wild Beasts… ¿Creen que pudieran compartir los mismos fans?

Sí, de cierta manera. Si tú eres admirador de esas bandas, puede ser que también te guste lo que nosotros hacemos.

¿La nacionalidad de cada integrante tiene algo que ver con el momento de crear música?

No, realmente. La verdad es que nunca pensamos en ese tema.

Puede que hayamos nacido en diferentes países, pero All We Are nació en Liverpool.

Hay una estética muy definida en la banda, ¿de dónde surge?

Cuando iniciamos el proyecto, queríamos componer canciones que nos hicieran sentir, que nos provocara movernos. Deseábamos crear música que nos hiciera felices. No tratamos de ser alguien más, excepto nosotros mismos, y pienso que eso es lo que define nuestra filosofía.

All We Are es una frase bastante filosófica, ¿qué sentido tiene para ustedes?

Cuando eres músico, ¿qué tan difícil o fácil es aceptar que el disco de alguien más es mejor que el tuyo?

La belleza de la música es tal, que no existen aciertos o errores; lo que puede sonar bien para ti, para otra persona suena horrible. La música es subjetiva y personal, y así es como debe ser.

Este mes salió a la luz el video de “Honey”, el cual presenta una gran producción. ¿Creen que, en un futuro, los videos musicales continúen siendo una buena herramienta de promoción?

Así es, mucho se puede decir con ayuda de un buen video musical.

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Wild Beasts Present Tense Domino, 2014 Un álbum de carácter voluble; la banda continúa su camino en compañía de teclados y ritmos electrónicos, sólo que en esta ocasión le permitieron uno que otro protagonismo a la guitarra y su distorsión.

Lower Dens Escape From Evil Ribbon Music, 2015 Tercer disco de estudio de esta banda cuyo sonido puede sonar muchas veces suave y tranquilo, sin embargo, en ocasiones cierto demonio hace su aparición en forma de letras agresivas y acordes punzantes.

¿Qué le recomendarías hacer a un turista en su primer viaje a Liverpool?

En definitiva, recomendaríamos ir a la parte más alta de la catedral anglicana, ¡desde ahí se puede ver todo! Además, hay un montón de pubs increíbles. Ven y encuéntranos en alguno de ellos.

WET “Deadwater”, 2015 Columbia Records Primer sencillo extraído de Don’t You, el LP debut de esta banda dedicada a musicalizar escenarios de colores blanco y rojo. El adjetivo más utilizado para describir su música es “hermoso”.

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MÚSICA

TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO

África y el Medio Oriente están siendo sacudidos por las acciones violentas del autonombrado Estado islámico. Las calles de Baltimore arden como hace 50 años. Grupos terroristas asesinan a universitarios en Kenia. Se multiplican por doquier las violaciones a los derechos humanos. Tal vez, jamás sepamos de modo concluyente el destino de los 43 de Ayotzinapa. Hay días en los que las carreteras de Tamulipas parecen campos de guerra. El PEN Club otorga un prem io al semanario Charlie Hebdo y provoca polémica entre el gremio de escritores. El ejército y la policía parecen albergar cierto rencor hacía la población civil. Migrantes mexicanos son baleados en Estados Unidos con impunidad oficial.

POR SU PARTE, Sumisión, la más reciente novela de Michel Houellebecq, ha traído consigo que sectores radicales lo acusen una vez más de islamofobia. Se reiteran los ataques armados al interior de escuelas y colegios.

No bastó en los Estados Unidos la llegada del primer presidente afroamericano. Tal pareciera que la convivencia multirracial está sostenida apenas con alfileres y que el aprecio de la diversidad cultural es uno más de los fantasmas de la modernidad.

Mirémonos en el espejo para reconocer que México es un país clasista, racista y altamente discriminatorio. Las cosas no marchan bien en este atribulado planeta y la música –como expresión del arte– no puede permanecer al margen.

No importa donde uno resida, todos estamos implicados. Y, por fortuna, hay veces que un disco consigue plasmar con brutal urgencia los tiempos que corren.

Hay álbumes calientes y llenos de nervio e inteligencia. White Men Are Black Men Too (Big Dada, 2015), el segundo LP del grupo escocés, es todo un manual para especular acerca del presente y sus evidentes contradicciones e injusticias.

El trío de Edimburgo sabe de lo que habla, pues dos de sus componentes tienen orígenes africanos. Alloysious Massaquoi creció entre Liberia y Ghana; Kayus Bankole tiene

padres nigerianos, pero nació ya en Escocia. Desde muy jóvenes, trabaron amistad con “G” Hastings, nativo del barrio de Drylaw. Juntos se fueron adaptando a la vida en un país asimilado al Reino Unido no de la mejor manera. Escocia no es un territorio exento de tensiones, y la ferocidad de la vida callejera es, de sobra, conocida. Allí hay que foguearse a sangre y fuego.

La terna que ronda los 27 años de edad sorprende porque su propuesta parte de lo que se entiende por hip hop y deriva hacia otro estado mutante de la música; maravilla porque se trata de hip hop que no es hip hop. White Men Are Black Men Too tiene una pátina de estática en el fondo y está construido en estricto apego al low-fi, pero a uno que se interesa por retorcer al pop contemporáneo.

Descoloca también por ser un pronto sucesor de Dead (Anticon, 2014), el disco que les trajo el salto definitivo de calidad, ya que se hizo del reputado Mercury Prize del año pasado (pasando por encima de Damon Albarn y FKA Twigs). Young Fathers han tenido una rápida e intensa carrera impulsada, sobre todo, por las opiniones de la prensa especializada. No siendo grandes vendedores de discos, se infiere que les ganan los deseos de seguir diciendo cosas importantes antes que alguna maniobra comercial.

Lo que comenzó al ritmo de un EP al año (2012-2013), ahora se prolonga en álbumes, y si algo puede decirse del sonido de estas 12 canciones nuevas es la clara influencia de TV on the Radio, es decir, una auscultación del R&B y otras músicas de la negritud pasadas por un tamiz experimental y de renovación.

Hay momentos en los que también podrían pasar por unos Vampire Weekend en versión ruda y con sobredosis de esteroides y LSD. ¿Acaso una versión esquizofrénica de la música negra? ¿Una manera de retorcer y modificar el pop de hoy? Ambas son opciones posibles y viables.

Las canciones parecieran tener una estructura algo destartalada que apenas se sostiene, los efectos electrónicos van y vienen, mientras las voces nos remiten a la enorme tradición procedente de la negritud. Esta música jamás sería posible sin el peso determinante de la migración.

Los dos primeros cortes, “Still running” y “Shame”, son evidencias del rumbo de esta inquietante incursión sonora.

Pero el resto no se queda atrás.

Se trata de una escucha que increpa, que incomoda, aun cuando, por momentos, hay cierto jugueteo musical. Es un disco que no te permite estar en paz –como si te picara las costillas–.

Aunque si debo recomendar un solo track en especial, optaría

por “John Doe”, que incluye un buen silbido y nos recuerda a la gente que permanece como desconocida tras un accidente y se le aplica tal apelativo. Se deberá sentir orgullo de que el estilo de producción y sonido de Dave Sytek (de TVOR) se haya extendido como reguero de pólvora (alcanzando el otro lado del Atlántico).

Ese punto de quiebre o de despegue que es el segundo disco aquí es aprovechado de la mejor manera. ¿Será que este pop freak no puede ser combativo por igual? Escocia es la sede de un trío que nos hace pensar en la identidad de la Europa de hoy. El Reino Unido mismo, redefiniéndose por la gente que llega de tantos lados distintos y se queda a vivir y aportar.

White Men Are Black Men Too también rinde a los músicos que nos abandonaron antes de llegar a los treinta en “27” e incluye reiteradas referencias a la religión, la política y el sexo; es ruidoso e incómodo. Encontraron la manera de insertar, incluso, fragmentos de música árabe. Sin duda, un trabajo tan del presente, que fue grabado entre Edimburgo, Melbourne y Londres.

El freak pop está en pie de guerra; ¿serán los mutantes del hip hop los que acuñen un punk futurista? Restan muchas batallas por librar y la música lo sabe.

“Cuando la hipocresía comienza a ser de muy mala calidad, es hora de comenzar a decir la verdad”.

—Bertolt Brecht

FOT:: AUTORRETRATO / POWERLINE AGENCY

YOUNG FATHERS

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El lado político del freak pop TV on the Radio Return to Cookie Mountain 4AD, 2006 El sonido experimental del grupo de Dave Sitek es una influencia rotunda a la hora de catapultar la tradición de la música negra hacia el futuro.

Vampire Weekend Modern Vampires of the City XL Recordings, 2013 Ciertos ritmos y ese gusto por el africanismo, desde el presente más absoluto, los unen.

Tricky Pre-Millennium Tension Island, 1996 Lo mejor de los comienzos del Bristol se asoma en algunos de los grandes momentos de los escoceses.

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MÚSICA

KING KRULE South London mató mi adolescencia

TXT:: AARÓN ENRÍQUEZ

Algo debe ocurrir en nuestros cuerpos y en nuestra más profunda psique al momento en que dejamos atrás la adolescencia y damos el paso que el mundo espera que demos para entregar nuestra alma de lleno a sus fauces. El doloroso proceso que implica el convertirse en ese pequeño e inmundo ser que tanto despreciamos desde el más consciente y puro de nuestros actos de rebelda, la inevitable transformación, la imposibilidad de detener el tiempo, pero, sobre todo, la conciencia de que, tarde o temprano, seremos unos adultos.

YA HAN PASADO dos años desde que Archy Marshall decidió celebrar su cumpleaños número 19, lanzando la primera firma de larga duración de su alter ego favorito que se tituló 6 Feet Beneath the Moon; viéndolo en retrospectiva, más que un álbum, el debut de King Krule es una declaración de principios, la recopilación de todos sus demonios que son expulsados uno a uno en cada línea de sus canciones, un exorcismo de sí mismo, el resultado de rascarse las entrañas todos los días para vomitar lo recolectado justo el día de su cumpleaños, que además fue el último de su adolescencia, la maldita etapa de su vida que habrá quedado atrás en cuanto su nombre sea reconocido por todo el mundo. Lo que yo no sé es si ahora mismo él se da cuenta de que valió la pena haber documentado la profunda depresión que fue cultivando día con día durante tanto tiempo y que ahora resuena tan grave

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FOT:: JAMIE JAMES MEDINA

como el timbre de su voz en mis audífonos, mientras escucho “Cementality”.

“No, no, no I was never scared Pain, had made my vision impaired But now I’m free of care See, life isn’t fair, then at least death’s there”.

Pero empecemos desde el principio y aclaremos algo de una vez: Archy Marshall definitivamente no es un tipo cualquiera. Lo que se escucha en esa voz, que de pronto parece provenir de alguna oscura caverna del sur de Londres, es justamente el resultado de toda una vida ligada a la música, a las artes y a la creación como manera de catarsis. Este pequeño pelirrojo de aparente languidez, experimentó desde dentro y sin opción para decidir lo que muchos neohipsters morirían por haber vivido, sólo que su vida no es tan miserablemente cool como quisieran.

Hijo de familia disfuncional, de padres músicos, involucrado desde que tiene uso de razón –según él mismo cuenta– con instrumentos musicales, micrófonos y cuadernos para escribir sus poemas y canciones, Archy, además, pertenece a una generación de jóvenes que creció en South London, invadidos por la gentrificación y la multiculturalidad que viene con ella, un caldo de cultivo para hipsters, intelectuales y artistas. Entre la influencia de sus padres, East Dulwich, Peckham, dub, reggae, ska, Pixies y el jazz, fueron algo así como su refugio desde la infancia. Un working class kid con acceso al arte y a la música, de ahí que su acento al cantar remita al mejor Joe Strummer. Diagnosticado con “al menos una enfermedad mental” desde los 13 años y con la convicción de no querer levantarse de la cama para ir a la escuela, Archy se sumergió en el abismo de la creación musical desde muy pequeño. En 2008, no tuvo más opción que asistir a The Brit School, famosa por ser la alma mater de gente como Amy Winehouse, Katy B y The Kooks.

No es nada nuevo, sabemos que si algo se está gestando en

la música, que puede transformar la manera en la que vemos el mundo, es muy probable que el epicentro sea en Inglaterra; este universo de cosas que suceden en un lugar y tiempo específicos y a partir de las cuales surgen personalidades tan increíbles como necesarias como la de King Krule. Y no es que un chico desordenado mentalmente llame la atención nada más porque sí; en la historia de la música, ya hemos tenido suficientes personalidades con esas características como para poder discernir entre la simple pose y el verdadero genio. King Krule está formado en la segunda fila y quizá no tarde demasiado en recibir su título correspondiente.

En sus proyectos se nota la búsqueda que hace de él mismo, o el intento de ir siempre un paso por delante de sus demonios.

Desde los primeros cortes que soltó como Zoo Kid, Archy Marshall ya dejaba claro que no tenía barreras musicales y que iba a ser imposible encasillarlo en un género específico, pues esta generación de artistas parece absorber como esponjas todas las referencias a las que son expuestos y con las que conviven todos los días, para después regresarlas al mundo masticadas y, en muchos casos, reinventadas, de un modo que parece muy natural para ellos, aunque para nosotros resulte en primera instancia shockeante y, posteriormente, brillante y adictiva.

De algún modo, sus proyectos alternos complementan bastante bien a King Krule, con Edgar the Beatmaker, Archy es una suerte de rapero-poeta, oscuro y también sumergido en esa constante depresión de la que no parece que saldrá jamás, los beats son ingeniosos, pero no sueltan ese aire que parece estar musicalizando una tarde nublada de sábado en Londres. Él rapea o balbucea en el micrófono el tipo de cosas que son tan importantes para quien las dice, que sólo se dirían bajo el influjo de algún estupefaciente.

Con DJ JD Sports, Marshall experimenta hasta el tope con sus beats; si bien lo hace de

Archy Marshall pertenece a una generación de jóvenes que creció en South London, invadidos por la gentrificación y la multiculturalidad que viene con ella, un caldo de cultivo para hipsters, intelectuales y artistas. forma modesta, pues quizá lo de ser DJ no sea justamente lo que lo defina como artista, los tracks que suelta de cuando en cuando sí denotan cierta intención: la de la experimentación sonora y la exploración de nuevas atmósferas, pero, sobre todo, la de consolidar una personalidad propia como artista.

Pero mas allá de todas las cosas que puede hacer, cantar con esa voz y escribir canciones es lo que mejor le sale. Efectivamente, en 6 Feet Beneath the Moon habla la voz adolescente que está en constante búsqueda de otra vida, quizás ensimismado al no ser correspondido por la chica que le interesa (y a la que le dio por llamar Blue) o inmerso en la intensa decadencia que recae sobre los hombros de un pequeño hombrecillo que ve la inmundicia del mundo y no piensa en otra cosa más que en acabar con todo de una buena vez. Poético o no, el pensamiento de terminar con su vida ha sido algo que ha rondado la cabeza de Archy. Muestra de la intensidad con la que vive es reflejada en sus canciones; no es casualidad que cuando canta, parezca que está a tres cigarros de convertirse en Tom Waits.

Cosas que se sacan directamente de las cloacas de tu maraña de pensamientos adolescente, sólo pueden escupirse con esa voz y esa actitud desenfadada de chamaco engendrado en South London. Pero digamos que nada de eso es culpa suya, nadie escoge dónde nacer. De lo que sí podríamos culparlo, en todo caso, es de no sacar nuevo material pronto.

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Earl Sweatshirt I Don’t Like Shit, I Don’t Go Outside: An Album

by Earl Sweatshirt Columbia, 2015 El también miembro de Odd Future sacó este material a principios de este año.

Earl es de la misma generación que King Krule y ambos tuvieron problemas de comportamiento en su adolescencia y han realizado algunas cosas.

The Clash London Calling CBS, 1979 El disco emblemático de una de nuestras bandas de punk favoritas y un Joe Strummer al que King Krule le hace guiños en varios pasajes de sus canciones.

Chet Baker Chet Baker Sings Pacific Jazz, 1956 Representante del cool jazz y una de las historias de autodestrucción más sombrías que ha dado el género. Chet Baker es reconocido por King Krule como una de sus influencias musicales.

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MÚSICA

FUERA DE LO PREVISIBLE, la llegada de Internet no potenció ni multiplicó la creatividad musical.

La arquitectura sonora del nuevo milenio habría de ser trazada bajo los lineamientos del pastiche, cuyas herramientas principales son el reciclaje y el mimetismo.

Nacido en 1991 en Bournemouth, Inglaterra, William Doyle (aka East Indian Youth), es un representante impoluto de este proceso derivativo, lo cual, dicho sea de una vez, demuestra que en la fusión improbable de elementos, habitan virajes inclasificables. Su disco debut editado el año pasado, Total Strife Forever (cualquier parecido con Total Life Forever de Foals, es mera coincidencia), desconcertó a los críticos que tienen complejo de taxónomos, pues en su ADN hay un afán por deambular entre armonías vocales que remiten a un folk pastoral de laptop, música para un dancefloor brutal y guiños a OMD, Brian Eno y el Bowie de la era berlinesca.

Para su segunda entrega, titulada Culture of Volume, las expectativas eran muy altas en principio porque en enero, XL Recordings anunció que editaría el disco de un músico que con su álbum debut fue nominado al Mercury Music Prize por mejor disco del año. Platicamos con William sobre este material que, una vez más, atraviesa varios géneros de manera compulsiva, pero de manera coherente y redonda.

Generalmente, un disco termina siendo muy diferente de su idea primigenia. ¿Cómo se transformó Culture Volume de su idea germinal a lo que finalmente hiciste?

William Doyle: Al principio creí que haría un álbum totalmente instrumental. Pero cuando comencé a salir de tour, poco a poco sentí confianza en mi propia voz. También me dio valor para

TXT:: VICENTE JÁUREGUI hacer un disco de estructuras más orientadas al pop. Con eso en mente, comencé a pensar en un disco enfocado en canciones, algo diferente a mi primer trabajo… Y creo que salió muy bien (risas).

Llama la atención la facilidad con la que vas de un género a otro, pasas del synth pop, al industrial techno sin meter el clutch. ¿Buscaste ser ecléctico de manera deliberada?

Refleja todo lo que escucho, siempre estoy influenciado por muchas cosas muy diferentes entre sí. Nunca me ha interesado estacionarme en un estilo en particular, es algo que viene muy natural para mí, ni siquiera tengo que detenerme a pensar: “Ah, quiero que esto suene a industrial techno”; uno, de repente, tiene una idea musical que evoluciona hacia determinado estilo sin analizarlo mucho. Es difícil pelear contra la naturaleza de uno mismo, y estoy feliz de que así sea la mía: ecléctica. Disfruto mucho un álbum ecléctico de otra gente, así que decidí hacer el mío. ¿Cuál crees que fue la mayor aportación de un productor como Graham Sutton para Culture Volume?

Me ayudó a desarrollar las melodías de la voz, así como a potenciar cada aspecto melódico del disco.

También aportó mucho al mezclar el álbum, fue algo que derivó en un sonido más amplio y profundo de lo que antes hacía; ahora siento que es más fuerte y duro. Conocía su trabajo de antes, sobre todo por otras bandas como British Sea Power o These New Puritans.

Conmigo hizo un gran trabajo; estoy muy contento con el resultado.

Hiciste tu primer disco, Total Strife Forever, en tu dormitorio; supongo que ahora, con más presupuesto, saliste a un estudio para lograr un sonido diferente…

“Encuentro muy difícil componer o escribir una letra cuando estoy desbordado por alguna emoción muy fuerte; creo que escribo mejor cuando he asumido algo que ya pasó”.

—William Doyle

De hecho, no, pues casi todo el álbum lo hice igual: en mi dormitorio. Lo único diferente es que ahora grabé las voces en un estudio, cosa que no hice en el primer disco; accedí sólo para lograr que el sonido fuera lo mejor posible. De ahí en fuera, todo el proceso fue igual; es un disco orgullosamente hecho en mi propia recámara.

“Carousel” es un track muy emocional, con voces muy intensas, ¿qué tenías en mente cuando compusiste esta canción?

Desde un principio, traté de hacer algo tipo Scott Walker, retomar el estilo de un crooner, pero con una actitud contemporánea, con sonidos electrónicos y ciertos elementos de ruidismo que lo pudieran ubicar en un contexto actual.

“End Result” es como un dark pop; leí que las letras hablan de los sacrificios que la gente hace para lograr sus sueños. ¿Cuáles representan para ti estar en la música?

Definitivamente, toma mucho tiempo poder hacer canciones y mucho más terminar un álbum. Puede convertiste en un proceso muy solitario, lo que significa que, en ocasiones, debes renunciar a tus relaciones románticas para poder avanzar, lo cual no es algo bueno, pero sí necesario para dar el tiempo suficiente para que algo suene tan bien como necesita sonar. Es un gran sacrificio el que uno debe asumir para estar en esto.

Tus shows en vivo son como de un hombre orquesta que toca el bajo, las percusiones, el sintetizador y, aparte, canta. ¿Por qué decidiste asumir este proyecto como algo solipsista?

Solía tocar en bandas cuando era adolescente, pero noté que trabajaba mejor por mi cuenta.

Quizás, algún día, podré tener una banda para tocar en vivo con otros músicos en este proyecto. Pero ahora, estoy contento de asumir este reto de ver cuánto puedo lograr por mí mismo. ¿Qué tipo de bandas eran?

Unas más directas, con un sonido indie; también hice algo de pop punk. En general, eran bandas de guitarras; yo era sólo un adolescente y, en ese tiempo, eso funcionaba.

¿Qué representa para ti vivir en Londres? ¿Cómo te ha influenciado su escena electrónica?

Los últimos tres años han sido muy importantes para mí, he ido mucho a estos techno raves, han dejando una gran impresión y una influencia en mí. Creo que dejaré Londres en unos meses de cualquier forma, pienso que ya hice lo que tenía que hacer acá.

Pero ha sido un gran estimulo vivir todo esto.

Algunos músicos afirman que compusieron sus mejores canciones cuando estaban tristes o enojados, ¿cuál es tu estado anímico ideal para componer?

Encuentro muy difícil componer o escribir una letra cuando estoy desbordado por alguna emoción muy fuerte; creo que lo hago mejor cuando he asumido algo que ya pasó. Es muy difícil enfocarse cuando uno está muy triste o enojado. Pienso que trabajo mejor al tratar de recuperar una emoción fuerte que es cosa del pasado.

Algunos críticos ya han dicho que tu segundo disco es una obra maestra, ¿qué opinión te merecen esas afirmaciones y qué disco reciente elegirías tú como una pieza maestra?

Nunca hago mi trabajo pensando en que habrá alguien diciendo eso, aunque es una sensación muy buena saber que alguien realmente lo cree y lo escribe, especialmente cuando esa persona muestra respeto por mi música. Sobre discos que considero obras maestras de la música electrónica… The Age of Adz, de Sufjan Stevens; en 2010, fue un disco que marcó una gran influencia en lo que hago, es uno de los mejores discos de música basada en la electrónica. Creo que este género a estado en un muy buen lugar en los últimos 10 años.

La entrevista que estamos haciendo es un especial sobre la escena de UK. En la portada, saldrá Disclosure. ¿Qué piensas de este dúo, es algo que disfrutes musicalmente?

Para nada son de mi agrado. No, nunca he comprado sus discos, pero estoy seguro de que son buena gente.

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FOT:: ANDY FORD

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Scott Walker Scott Fontana, 1967 El nacimiento del pop barroco hunde sus raíces en este disco lanzado en 1967.

Cuando un crooner nace, asegura una horda de seguidores para la posteridad.

EAST INDIA

YOUTH Sacrificar el amor por un buen disco

Sufjan Stevens The Age of Adz Asthmatic Kitty Records, 2010 Una obra paradigmática para las nuevas generaciones de músicos que no reparan en combinar las posibilidades corales del folk entre arreglos de electrónica inteligente.

David Bowie Heroes RCA, 1977 Eno y Bowie, una de las mancuernas más influyentes en la música contemporánea, habilidosos para dar coherencia al art rock, la música experimental, el ambient, el progresivo, el krautrock y vender millones de discos.

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MÚSICA

El cantautor, productor y DJ, Fink (de nombre Fin Greenall), reparte su tiempo entre Londres y Berlín, aun cuando nació en el poblado de Cornwall, Reino Unido. De 1997 a 2003, grabó música electrónica y se presentó internacionalmente como DJ. En el año 2000, apareció su álbum debut Fresh Produce con el afamado sello Ninja Tune. Sin embargo, es con su lanzamiento de 2006, el álbum Biscuits for Breakfast, que la “firma Fink” crece al formato de trío con la inclusión de Guy Whittaker al bajo y Tim Thornton en la batería, alineación que alcanzó notoriedad con el sencillo “This is the Thing” de 2007 y su disco Perfect Darkness, lanzado en 2011.

TXT:: UILI DAMAGE

FINK El sonido de la nevada

TRS:: VALENTINA WINOCUR

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FOT:: ARCHIVO EL GRAN TALENTO de Greenall ha llamado la atención de celebridades como John Legend, Banks, Professor Green y hasta Ximena Sariñana, con quienes ha tenido colaboraciones interesantes. Con la fallecida Amy Winehouse coescribió “Half Time”, que se escucha en su disco póstumo Lioness: Hidden Treasures.

Actualmente, está al frente de R’COUP’D Records, su sello propio –aunque afiliado a Ninja Tune.

En 2014, lanzó su álbum más exitoso hasta el momento, Hard Believer, mismo que le ha dado una buena cantidad de reconocimientos en las listas europeas. Con esto a mano, nos acercamos a conversar con él vía telefónica: Después de los grandes talentos con los que has colaborado, a nosotros nos llama la atención que trabajaste con Ximena Sariñana...

Fin Greenall: Es una chica muy, muy buena onda; anduvimos dando la vuelta en L.A., y luego me quedé en su casa un poco. Ella es muy dulce. Después, escribió algunas canciones y grabamos cosas; conocí a sus papás, que son adorables; me encantaría volver a grabar con ella. De hecho, Ximena es mi motivo de ir a México a dar la vuelta. Voy a armar una tocada con el pretexto de verla, saludarla... ¿Qué nos dices de haber colaborado con John Legend?

También es un tipazo, ¿sabes?

También nos conocimos en L.A., y nos pusimos a trabajar de inmediato, nos la pasamos estupendamente, y después de eso, seguimos siendo amigos...

Regularmente, no me hago amigo de la gente con la que trabajo, pero ha sido distinto con Ximena, Banks, John, Amy. Son la excepción, ¿sabes?

Que haya nacido una amistad independientemente de las colaboraciones es algo magnífico.

Quiero volver a trabajar con Ximena, pero no hablo español

y puede ponerse difícil... Ya veremos. ¿Qué recuerdas de haber trabajado con Amy? Cada toma era fantástica, ella estaba en un momento extraordinariamente lozano, pleno de juventud y felicidad. Después, se vino abajo, por lo que haya sido, pero juntos compartimos una sesión verdaderamente memorable de la época del álbum Back to Black; y cuando empezó a ganar todos esos Grammys, yo estaba emocionadísimo porque era algo de lo que solíamos conversar: “Ganar Grammys”; ella no me creía nada, pero yo le insistía en que ella, definitivamente, tenía el talento para lograrlo. Eran momentos maravillosos en Londres: antes del negocio, antes de los problemas.

En verdad, era increíble.

El sonido de tu música es, ciertamente, “épico”, por decir algo; es muy apropiado para un paisaje. ¿Qué tipo de imágenes pasan por tu cabeza al escribir?

Reflejo los momentos en los que me pongo a trabajar, más bien. Incluso, tengo que recrearlos en mi mente al momento de armar la actuación en vivo. De lo que trate la canción o en donde sea que la esté escribiendo, repaso esos instantes que tienen que ver más con estados de ánimo y sensaciones físicas; me pongo por completo en ese estado emocional y mental. De hecho, es algo muy agotador que hago en cada show, cada noche. Ya he estado en muchísimos lugares; muchos de ellos muy profundos, épicos, como dices, y me transporto con mi mente como si fuera realidad virtual, y al final, es mi única manera de lograrlo.

Sin embargo, te las arreglas para mantener todo muy íntimo. ¿Tendrá qué ver con el sonido propio de la guitarra acústica?

Bueno, es probable. Con el sonido de la guitarra o a lo mejor con la tesitura de mi voz, que a pesar

de que nos pongamos a rockear duro, seguimos sonando íntimos [risas]... Pero, decididamente, la voz es responsable.

De todos modos, alcanzas a ser ruidoso, cosa que es excelente...

Sí, lo intentamos. En el disco más reciente, lo buscamos por completo. Quisimos ser más estridentes, aun cuando acaba por ser algo tan íntimo. En vivo, también hemos buscado la estridencia, pero de una manera creativa, buscando una convivencia muy cercana y memorable con la audiencia, que se resume a un show de luces y música, aunque pensamos muy bien el modo de presentar la música, desde el orden de las canciones, hasta el tipo de iluminación y la disposición del escenario, para que la atmósfera sea propicia para interactuar con el público y lograr que tengan un momento memorable; es algo muy importante para nosotros. ¿Qué te gusta escuchar en estos días?

Un montón de música electrónica porque como ando de gira, cada noche estoy escuchando mucho bajo, batería, guitarras; entonces, prefiero escuchar algo bien distinto: el álbum nuevo de Björk, el Tomorrows Modern Boxes, de Thom Yorke, a Banks, cosas de reggae, funky, muchas cosas nuevas de otra gente que ni ha salido y, tal vez, ni debería estar diciendo que ya los escuché [risas]... Eso y música escandinava o que suene a escandinava: fría y nevada. ¿Te parece que algo de eso pudiera colarse en un lanzamiento próximo?

Sin duda; justo ahora, estamos armando ya la nueva grabación y sí “viene muy en el sonido electrónico ambient, con reinterpretaciones de Hard Believer, muy invernal, sonidos muy “Berlín”, un poco minimalista, así que, sin duda, es influencia todo lo que te comento.

“De lo que trate la canción o en donde sea que la esté escribiendo, repaso esos instantes que tienen que ver más con estados de ánimo y sensaciones físicas; me pongo por completo en ese estado emocional y mental”.

—Fin Greenall

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Father John Misty I Love You, Honeybear Sub Pop, 2015 También conocido como Josh Tillman, FJM lanzó en febrero de este año su segundo álbum. Aquí, el acercamiento que hace al sonido americana le da una reinterpretación tan vanguardista como tradicional desde cortes estupendos como “Bored In The USA,” “Chateau Lobby #4 (in C for Two Virgins),” “True Affection,” y el conmovedor tema que intitula el álbum.

Destroyer Poison Season Merge/Dead Oceans, 2015 El 28 de agosto de 2015 sale en todo el mundo la nueva grabación de Dan Bejar, mejor conocido como Destroyer. Se trata de un álbum doble que en esta ocasión abunda en orquestaciones y pone en evidencia más que nunca a la voz de Bejar, como narrador de fábulas infantiles, alejándolo del tono cantautor de la “generación Bright Eyes”.

Unknown Mortal Orchestra Multi-Love Jagjaguwar, 2015 Es una reinvención de psicodelia y pop, lo que este trío entrega en su largo más reciente. El nuevo repertorio corre tal como sus momentos más barrocos, pero con un nuevo colorido melódico que aligera esa parte de su estilo y de sus canciones todas, concediéndole al escucha no comprometido una auténtica liberación.

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EL SONIDO DE LA MODERNIDAD LÍQUIDA

DIS CLO TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO

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FOT:: CORTESÍA UNIVERSAL MUSIC

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l éxito y la extrema juventud son elementos perfectos para que estalle la bomba de lo maniqueo; eso que nos hace dividir al entorno en “buenos y malos”, en mirar en blanco y negro, en polarizar nuestros sentimientos en amor total u odio acendrado. En 2013, los hermanos Howard y Guy Lawrence tenían apenas 19 y 22 años, procedían de Surrey, un pequeño condado no metropolitano en el sureste de Inglaterra, que apenas rebasa el millón de habitantes en total y destaca solamente por ser la sede de la universidad que lleva su nombre.

Settle (Island Records) fue uno de los discos más aclamados del año, pero uno que también contó –y aún cuenta– con una importante cantidad de detractores. El pop electrónico como terreno para librar aguerridas batallas entre quienes apelan a su delicioso hedonismo y los que apuntan la repetición de patrones de otros artistas o señalan cierta trivialidad de contenido.

El caso de Disclosure es interesante porque va mucho más allá de lo estrictamente musical; su polémica nos permite remontarnos a la crítica cultural y a ciertos aspectos de las ciencias sociales, incluso. He allí lo que le da un valor agregado a la música –que aglutina al arte y al entretenimiento-; entendamos que se trata de un vehículo estético e identitario y, al mismo tiempo, un producto comercial.

Referirnos a Disclosure como una propuesta de electrónica ligera, la cual surge de un par de jóvenes provincianos británicos que en muy poco tiempo se convirtieron en figuras mundiales y producen grandes ganancias mediante la venta de discos y conciertos; resulta paradigmática de lo que entendemos como Zeitgeist, un concepto alemán que nos refiere al “espíritu (Geist) del tiempo (Zeit)”. Su intención es intentar perfilar el clima intelectual y cultural de un periodo específico. ¿Cuál es el Zeitgeist que abandera Disclosure? De entrada, el enorme aprecio del talento precoz. En el ámbito de la música electrónica –en sus muchas variantes–, no son pocos los

casos. En un lugar privilegiado se encuentra James Blake, que apenas en su veintena ya ha madurado su potente soul digital; y, por otra parte, tenemos a Nathan Fake (1983), cuya crepitante e intelectual expresión de la electrónica ya refulgía cuando, a los 19 años, editó Outhouse. También andan por allí proyectos como Totally Enormous Extinct Dinosaurs (1984), Daniel Avery (1986) y Perfume Genius (1981), encabezados por auténticos mozalbetes de enorme calidad y breve edad. En esa misma línea cronológica, se mueven unos talentosísimos The xx (Jamie nació en 1988).

En todos los casos, se evidencia que existe una solvencia técnica notable y que pese a su juventud, poseen un bagaje técnico propio de quien ya es un músico veterano. La tecnología no presenta dificultad alguna para el talento emergente, que la domina como una herramienta con la cual han ido creciendo prácticamente desde la cuna. Howard ya actuaba en el circuito de clubs cuando tenía apenas 16 años de edad. ¿En qué momento habrán ido asimilando tanta música y tan pronto?

Así es el sino de los tiempos. Se vive a un ritmo vertiginoso, se experimenta casi todo de golpe y hay quienes apenas rebasan los 15 años y ya dan visos de ser expertos en distintas disciplinas. No deja de ser algo impactante, aunque, quizás, los verdaderos protagonistas de estos acontecimientos ni siquiera se den cuenta de ello; están experimentando a tope muchas cosas a la vez.

Exprimiendo su momento.

Y es que al pensar en Disclosure, también podemos remontarnos al libro Modernidad Líquida, del polaco Zygmunt Bauman, donde expone la idea que le da título como una figura del cambio y de la transitoriedad: “Los sólidos conservan su forma y persisten en el tiempo: duran, mientras que los líquidos son informes y se transforman constantemente: fluyen”.

Sin duda, vivimos en un tiempo líquido; las cosas cambian a tremenda velocidad y fluyen intensamente sin parar. Sorprende como si toda una camada de jóvenes ingleses fueran seducidos por diversas expresiones de la tradición de la música negra. Hoy día, nos planteamos la existencia del soul digital, del R&B futurista, aunque se trata de un proceso

DISCLOSURE SE MUEVE A PARTIR DE LA CAMARADERÍA Y LA AMBICIÓN DE LA GENTE DE SU EDAD DE CONQUISTARLO TODO

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41 que se remonta a años atrás.

El periodista Ignacio Sobrado nos recuerda que “en Inglaterra, cogieron de forma hábil los sonidos importados de aquel garage house, de aquel ácido y de las industrias de Detroit para mezclarlo con su poso europeo, al que añadir los queridos inmigrantes jamaicanos y su dub. De importar el sonido a exportarlo en los 90. A partir de ahí, comienza la autarquía con las incorporaciones a cuenta gotas. La manera en que la industria musical británica ha logrado situar a un nivel masivo su escena de bajos es tremenda. Envidiable. En especial, a través del llamado dubstep”.

Desde sus inicios, Disclosure probó con un poco de deep house vocal; también han recurrido gozosamente al two-step y al U.K. garage. Las etiquetas no son sino bandas elásticas que se estiran y retuercen a voluntad –líquidas al fin–. Sus particularidades no son enormes o fundamentales, pero sirven para ir alimentando la dialéctica musical y la inclusión y vivencia de ciertas escenas emergentes y de vanguardia, las cuales se van renovando sin parar cada vez con mayor celeridad.

En la actualidad de la industria musical, nadie puede dudar de la fugacidad de muchos movimientos y tendencias. Cierto es que hay que esperar para constatar qué de todo lo fugitivo es lo que permanece. Mientras ello sucede, la carrera de las figuras protagónicas se va compactando en pocos años. Apenas en 2010, Disclosure debutó con Offline Dexterity para Moshi Moshi; como no ocurrió nada, autoprodujo y editó otro EP, Carnival, en formato digital (el sello Transparent lanzó una versión limitada en vinilo con dos canciones). Para 2012, comienzan a hacer que todo refulja a su alrededor. Ve la luz otro extended, The Face, ahora con Greco-Roman, proyecto en el que está involucrado Joe Goddard, de Hot Chip, y Alexander Waldron (Full Nelson). La pequeña bola de nieve se convierte en una avalancha multimediática.

Y es que los hermanos Lawrence, inteligentemente, trazaron una estrategia con su equipo de trabajo para concebir y confeccionar el disco de debut en LP. Nadie podría ser capaz de

negar esa gran complicidad generacional. Se rodearon con otras voces del más novel talento.

A estas alturas, tenían claro que no querían cantar, sino sumar a un importante cúmulo de tesituras. El primer bombazo vino con “Latch”, en la que aparece Sam Smith (1992), antes de arrasar con la veta comercial no sólo del Reino Unido y abarcar el panorama internacional.

Ellos se concentraron en la selección de las voces acompañantes. En pleno siglo XXI, no necesitas cantar tus propios temas para alcanzar la notoriedad, con lo que una vez más volvemos a la sabiduría de Bauman: “Los modelos y estructuras sociales ya no perduran lo suficiente como para enraizarse y gobernar las costumbres de los ciudadanos y en el que, sin darnos cuenta, hemos ido sufriendo transformaciones y pérdidas como el de ‘la duración del mundo’; vivimos bajo el imperio de la caducidad y la seducción… donde se renuncia a la memoria como condición de un tiempo posthistórico. La modernidad líquida está dominada por una inestabilidad asociada a la desaparición de los referentes a los que anclar nuestras certezas”.

Settle transcurre con esa catarata de vocalistas; en “January” aparece Jamie Woon (1983) y Jesse Ware (1984) hace crecer “Confess To Me”. Tal parece que los nuevos himnos de club se prodigan uno tras otro. Incluso sus más acérrimos críticos no ponen en tela de juicio la calidad de las piezas, tampoco el resultado del álbum en su conjunto ni lo impresionante de sus actos en vivo (con gran despliegue tecnológico); el principal argumento es la gran cantidad de afluentes que emanan de su propuesta. Los especialistas que conocen a detalle la historia consideran que replican en demasía sonidos y estéticas ya conocidas con anterioridad. ¿Aún es momento de debatir acerca de la originalidad o es una cuestión no demasiado trascendente?

La mayoría de fuentes citan con insistencia la herencia de Moloko y esa diva inconmensurable llamada Róisín Murphy, pero otros periodistas señalan a Todd Edwards, pionero del house, que ha sido reverenciado por Daft Punk, y, especialmente, Julio Bashmore (1990) y Jacques Greene (también en la veintena); siendo que con éstos comparten tiempo y espacio, es muy probable que les

¿PUEDE DISCLOSURE MANTENER EL HYPE CON SU SEGUNDO DISCO? ESTE TIPO DE ENTREGAS REVISTEN PARA MUCHOS UNA ESPECIE DE MALDICIÓN DE LA QUE CUESTA REPONERSE. DENOTEMOS QUE EN MUCHÍSIMOS SEGUNDOS TRABAJOS, CUESTA MANTENER EN ALTO LA PROPUESTA Y CONSERVAR EL TIPO.

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43 ajuste la paradoja de qué fue primero, ¿el huevo o la gallina?

Disclosure se mueve a partir de la camaradería y la ambición de la gente de su edad de conquistarlo todo; al lado de los AlunaGeorge han hecho de “White Noise” una especie de cumbre para raves menos instrumentales y más poperos. Lo mismo pasa con “Help Me Lose My Mind”, en el que la vocalista de London Grammar aporta grandes dosis de sensualidad. Tal parece que hoy seduce la idea del placer que aportan las fiestas, pero también gustan las letras y las líneas melódicas de voz. ¿Qué es lo que distingue a la pareja dentro de la competida y agitada industria musical británica? A Ignacio Sobrado ni duda le cabe: “Suyo es el mérito de meter algo de electrónica en unas listas de ventas pobladas de Barbies pop luchando contra las Bratz del ‘ghetto’ de plástico cada vez más similares; eso sí, con producciones electrónicas adaptadas a ellas, poco a poco más duras en el acabado”.

En ese sentido, el ensayista chileno Adolfo Vásquez Rocca retoma que para Bauman “la identidad en esta sociedad de consumo se recicla. Es ondulante, espumosa, resbaladiza, acuosa, tanto como su metáfora preferida: la liquidez”. Y también trae a colación al pensador alemán Peter Sloterdijk, que en su trilogía de Filosofía de la esferas recurre a la imagen simbólica de la espuma; describe a una sociedad de muchas esferas que han hecho implosión y en la que “se intenta dar cuenta del carácter multifocal de la vida moderna, de los movimientos de expansión de los sujetos que se trasladan y aglomeran hasta formar espumas, donde se establecen complejas y frágiles interrelaciones, carentes de centro y en constante movilidad expansiva”.

Así, tenemos a un presente acuoso, resbaladizo, y a una sociedad sin centro y afectada, sobre todo, por esa idea de movilidad expansiva. Nada permanece inmutable; apenas un instante después las cosas se han modificado. ¿Puede Disclosure mantener el hype con su segundo disco? Este tipo de entregas revisten para muchos una especie de maldición de la que cuesta

reponerse. Denotemos que en muchísimos segundos trabajos, cuesta mantener en alto la propuesta y conservar el tipo.

Como también es usual en los tiempos que corren, no son pocos los adelantos ya conocidos de Caracal –que oficialmente aparecerá a finales de septiembre a través de Island Records–. Lo primero que sobresale es que Howard ha decidido cantar en “Jaded”, un primer y brusco giro de timón.

Han tomado su fascinación por un pequeño gato salvaje, extremadamente ágil y escurridizo, lo que le permite moverse en el anonimato, para dar nombre al inminente álbum. ¡Una vez más, la noción de lo huidizo!… ¡La movilidad fugitiva como modo de vida!

Y en este Caracal, no tarda el despliegue de voces invitadas –pero el elenco cambia–; en “Super Ego” aparece una chica de veintitantos años, procedente del este de Londres. Nao coadyuva a que la elegancia y sofisticación se sublime. Una estela que se prolonga también con “Willing and Able”, a cargo de Kwabena Sarkodee Adjepong, a quien la música punta de lanza conoce como Kwabs; este cantante de origen británico-ghanés también está a punto de debutar con Love + War y que ya tiene en “Walk” y “Perfect Ruin”, un par de cortes muy exitosos.

Caracalprosigue con Gregory Porter al frente de “Holding On” para dar paso a la cantante del dúo neoyorquino Lion Babe, quien alimenta este aquelarre futurista cantando “Hourglass”. El mundo como una fiesta interminable.

Es imposible calcular el impacto de esta nueva obra –y eso que hay quien exige inmediatez–. Se necesita que las canciones corran entre la gente, que se expandan y traigan sus efectos; deberán ser mostradas durante una larga gira. Después, estaremos en posibilidad de ser más precisos y concluyentes.

Mientras eso ocurre, una vez más retomemos el pensamiento de Sloterdijk: “La imagen de la espuma es funcional para describir el actual estado de las cosas, marcado por el pluralismo de las invenciones del mundo, por la multiplicidad de microrrelatos que interactúan de modo agitado… en el espacio interrelacional del mundo contemporáneo”.

LOS ESPECIALISTAS QUE CONOCEN A DETALLE LA HISTORIA CONSIDERAN QUE DISCLOSURE REPLICA EN DEMASÍA SONIDOS Y ESTÉTICAS YA CONOCIDAS CON ANTERIORIDAD. ¿AÚN ES MOMENTO DE DEBATIR ACERCA DE LA ORIGINALIDAD O ES UNA CUESTIÓN NO DEMASIADO TRASCENDENTE?

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JAM

LA CARA DE LA INGLATERRA ANARQUISTA

TXT:: RIGO CAMPUZANO

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FOT:: CORTESÍA JAMIE REID

PARA BIEN O PARA MAL, TODO SÍMBOLO TIENE EL POTENCIAL DE INVADIR NUESTRA CONCIENCIA PARA INFLUENCIAR NUESTRO PROPÓSITO COMO UNA SOCIEDAD. LA LUCHA CONTRA LA AUTORIDAD Y EL ABUSO DE PODER HA INSPIRADO MOVIMIENTOS TRASCENDENTALES QUE HAN ENCONTRADO EN EL INTELECTO Y LA SUBVERSIÓN LAS ARMAS MÁS EFECTIVAS PARA EXPRESAR SU INCONFORMIDAD.

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as protestas que ocurrieron en 1968 desencadenaron un hambre por la expresión de la individualidad; el hecho de que la mayoría de los activistas fueran estudiantes le permitió a la causa ser acompañada por un gran deber ideológico. El evento catalizador de esta revolución social llegó en mayo de 1968 cuando estudiantes de La Sorbona en París se enfrentaron con elementos de la policía para protestar en contra del capitalismo y el supuesto orden al cual la sociedad debía de atenerse.

Este evento inspiró a un grupo de estudiantes de la facultad de artes de la Universidad de Croydon, Inglaterra, a organizar una toma del edificio principal para hacer una serie de “demandas imposibles” cuyo propósito era darle reset al sistema totalitario para empezar desde cero como una sociedad unida por el poder de la conciencia.

Dos de los estudiantes que participaron en esa manifestación terminarían por convertirse en los precursores de un movimiento transgresor que cambiaría todos los prejuicios que la gente tenía sobre la individualidad y su expresión.

Jamie Reid y Malcolm McLaren, fundador de los Sex Pistols, se encontraron en un momento de sus vidas donde todo era posible; las leyes del juego aún estaban por ser escritas.

A pesar de que ambos eran estudiantes de la facultad de artes, era Reid quien había tenido un acercamiento previo a otro tipo de ideologías utópicas, ya que parte de su familia había adoptado los principios y costumbres de los druidas. El propósito era claro, crear un cambio dentro de la política a través de una transformación espiritual. La mejor manera de combatir al sistema era usando sus propias armas en su contra, la propaganda política y las trampas del capitalismo serían apropiadas de una manera subversiva para así crear una nueva ideología que más tarde se asociaría con la anarquía. Como socio fundador de una de las primeras imprentas radicales en Inglaterra, Jamie Reid colaboró en muchas ocasiones con el

Movimiento Internacional de los Situacionistas y creó campañas de difusión en las que se criticaba al sistema mediante anuncios publicitarios.

Sin duda alguna, la campaña más exitosa de Reid fue la del lanzamiento del segundo sencillo de los Sex Pistols, “God Save The Queen”, en 1977; para esto utilizó la imagen de la reina que, coincidentemente, celebraba 25 años en el trono y la vandalizó al rasgarla y aplicarle un seguro en los labios. El diseño de la portada fue tan polémico, que hasta los mismos trabajadores de la fábrica de discos se manifestaron en contra de esta imagen y se rehusaron a reproducirla en serie para su distribución, misma que estaba planeada una semana antes del cumpleaños de la reina y así alcanzar su cúspide durante la celebración del jubileo. Éste bien pudo haber sido el apogeo del punk, la sinergia perfecta entre la insolencia de desacralizar la imagen de la reina y acompañarla con un himno de protesta cuyo único futuro estaba más allá de la política. Además de crear la inolvidable imagen para los Sex Pistols, Reid ha colaborado con músicos como Bow Wow Wow, Transvision Vamp, Rhys Mwyn and Anhrefn, Cactus Rain, Half Man Half Biscuit y Boy George.

JAMIE REID Y MALCOLM MCLAREN, FUNDADOR DE LOS SEX PISTOLS, SE ENCONTRARON EN UN MOMENTO DE SUS VIDAS DONDE TODO ERA POSIBLE; LAS LEYES DEL JUEGO AÚN ESTABAN POR SER ESCRITAS.

La obra de Jamie Reid ha sido exhibida por todo el mundo y pertenece a colecciones de renombre, como la del Tate Modern de Londres, y por vez primera, será presentada en México durante la primera semana de octubre en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca y en el Museo de los Pintores Oaxaqueños.

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MARVINISMO

LOS OTROS RINCONES DEL REINO UNIDO EL REINO UNIDO NO SÓLO ES MÚSICA INNOVADORA, ESCRITORES POLÉMICOS, ARTE REFLEXIVO Y CINE DE CULTO; PARA QUE TODO ESTO SUCEDIERA, ANTES SE TUVIERON QUE LIBRAR MUCHOS DEMONIOS. DURANTE SIGLOS, ESTE TERRITORIO FUE ESCENARIO DE INVASIONES, ASESINATOS, REBELIONES, CONSPIRACIONES Y DEMÁS SUCESOS BÉLICOS; ESTE TEXTO, SÍRVASE PARA ENTENDER MÁS SOBRE LA HISTORIA DE UNA SOCIEDAD CUYOS LÍMITES GEOGRÁFICOS SON MÁS AMPLIOS DE LO QUE COMÚNMENTE SE CREE.

IRLANDA DEL NORTE

PASADO PROFUNDO, PRESENTE EN CARNE VIVA TXT:: LENIN CALDERÓN Irlanda del Norte es una nación constitutiva del Reino Unido que se debate entre el pasado remoto y el origen reciente. Sus habitantes se han empeñado, desde tiempos inmemorables, en celebrar su pasado, sus orígenes y su identidad. En el paisaje verde y frío de este territorio poco más grande que el estado de Hidalgo, se pueden encontrar lo mismo sitios arqueológicos que datan de hace siete u ocho mil años, que murales que conmemoran The Troubles, el conflicto armado que azotó intermitentemente sus calles desde los años sesenta y hasta los noventa.

Aunque la historia de Irlanda del Norte siempre ha estado ligada con la de sus vecinos al Sur, ciertos rasgos hacen que su paisaje y la idiosincrasia de sus habitantes sean únicos.

Construcciones megalíticas como el dólmen de Ballykeel o el de Legananny anteceden por milenios a sitios como Stonehenge o Gaza.

Los habitantes de estas alejadas tierras norteñas conmemoraban a sus muertos con estos rústicos monumentos en pleno periodo neolítico, del 8,500 al 4,000 a.C. Más tarde, estas construcciones también se usarían para medir y señalar el tiempo de sembrar o cosechar, algo vital en una sociedad agricultora que también veneraba a los guerreros, los ancianos y los poetas.

El siguiente hecho histórico que también marca tanto el paisaje, como la ideología de esta región, fue la llegada de San Patricio en 482 de nuestra era. Este santo llevó el catolicismo a la isla y muchos de los monjes que siguieron sus pasos sabían técnicas de agricultura desconocidas, que, a su vez, crearon los verdes pastizales que tanto representan al lugar. San Patricio atrajo muchos seguidores y pronto Irlanda entera se llenó de monasterios. Durante esta era dorada, se produjeron piezas de bronce y oro tan finas como cualquier otra del mismo periodo hecha en Europa. Sin embargo, la tranquilidad de la vida monástica pronto se terminaría. En 1169, los vikingos tomaron por asalto estas tierras, saquearon sus monasterios, se llevaron a sus mujeres y niños como esclavos y, de paso, proveyeron a los irlandeses con un carácter combativo y de defensa que los caracteriza hasta la fecha.

Si de por sí los enormes monasterios fueron severamente dañados por los vikingos, un par

GALES

DE PRÍNCIPES Y DRAGONES TXT:: ALEJANDRO MANCILLA de siglos después, Enrique VIII se los confiscó a la iglesia católica en el siglo XVI y fueron abandonados.

Con el tiempo, los monasterios se convirtieron en ruinas de una fe que todavía inspira a su pueblo.

De hecho, los primeros intentos irlandeses de separase de Gran Bretaña aparecieron un siglo más tarde de que Enrique VIII se proclamara cabeza de la iglesia anglicana y se deslindara de la católica. Ése es otro componente clave de la historia e ideología de Irlanda del Norte: la pugna entre católicos y protestantes. Por siglos, los habitantes de estas tierras han mantenido una guerra de fe que, irónicamente, les da identidad, aunque sea de manera trágica y sangrienta.

Aunque hay referencias de violencia constantes en la historia de este pueblo, el siglo XX es un pasaje tristemente célebre.

Aunque Irlanda del Norte ganó su independencia en 1920, el hecho parece haber acrecentado las diferencias. Para los años sesenta, las cosas se salieron de control: bombas, paramilitares y murallas la mantenían dividida. Seamus Heaney, Premio Nobel de Literatura nacido allí, perdió a su primo en uno de estos ataques, y aunque trató de conmemorarlo con una elegía, en el poema “Station Island”, se culpa a sí mismo de “confundir evasión con tacto artístico”; pues nada, ni siquiera el arte es capaz de tapar el sol con un dedo y minimizar un conflicto como éste.

Si bien en 1998 se firmaron los acuerdos de Belfast –que dieron fin a las hostilidades entre católicos y protestantes en Irlanda del Norte–, en la actualidad, en las calles de dicha ciudad, las paradas de autobús se dividen por creencia religiosa, hay muros que separan a sus habitantes y enormes murales que conmemoran a sus muertos, como hace miles de años, en un afán de “no se olvida”, que provee a sus habitantes con una identidad propia, aunque sea a través del conflicto.

Rodeado de la gran Inglaterra, se erige Gales, pequeño país de castillos de pura sangre, enmarcado por extensas montañas. La gente que habita este territorio está orgullosa de sus raíces, y como prueba, mantiene viva la lengua nativa: el galés. Este amor por su lenguaje ha sido cultivado desde el siglo XVIII y hasta nuestros días, destacando la labor de poetas como T. Rowland Hughes, quien en los años 60, le dio identidad y relevancia al idioma. Aunque claro, la lengua oficial y la que todos hablan es la misma de los Manic Street Preachers.

La región donde surgió la leyenda del Rey Arturo, está constituida como un principado, forma parte del Reino Unido desde que se firmó el tratado de Rhuddlan en 1284 y tiene como capital a la ciudad de Cardiff y su inmenso castillo. El estilo de los parajes típicos ingleses es notable en su paisaje, así como sus extensas praderas y sus costas azules; el clima, similar al del resto del Reino Unido, pero según sus habitantes, un poco menos predecible. Gales se divide en tres zonas culturales: Gales del Norte, Gales del Sur y Gales central, división insuficiente para delimitar todas las diferencias entre sus habitantes, quienes fueron conquistados por los celtas, los vikingos y los romanos y que conforman hoy este pequeño gran principado. Además, cuenta con tres grandes parques nacionales y más de 600 castillos, lo cuál es mucho decir para un país pequeño (de tan solo tres millones de habitantes) cuyo símbolo es un dragón rojo.

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ESCOCIA

GUERREROS QUE LA CORONA MANTIENE A RAYA TXT:: ARTURO J. FLORES Nemo me impune lacessit es el lema de Escocia. “Nadie me ofende con impunidad” parece traer escrito en el pecho cualquier nacido en la nación a la que identifica el estandarte de un león.

Cualquiera que se ha topado con un escocés advierte de inmediato el orgullo evidente que reflejan sus ojos, la espalda erguida imposible de quebrar y la voz que pronuncia como relámpagos las palabras de un inglés con vocación de orden castrense.

Escocia es una de las cuatro naciones que conforman el Reino Unido y junto con Inglaterra y Gales, se ubica en la Isla de Gran Bretaña, lo que en la antigüedad se conoció como la provincia de Britannia. Se piensa que comenzó a habitarse cuando los hielos de la primera glaciación comenzaron a derretirse, aunque existen teorías que apuntan a que pudieron existir asentamientos humanos en la región durante los periodos Paleolítico y Mesolítico.

Los romanos llegaron a la actual Inglaterra y posteriormente se extendieron a Gales y a Escocia, a quien llamaron Caledonia, debido a los bosques de pinos que florecían en su superficie.

En aquel entonces coexistían dos reinos perfectamente diferenciados: Scotland, en el Oeste, y Alba, en el Este, este último habitado por los pictos, llamados así por su costumbre de pintarse el cuerpo. Algo como el antecedente de los tatuajes o el color de la batalla.

A los romanos, la conquista de Escocia les sacó canas verdes, porque las tribus que la ocupaban mantenían un espíritu combativo fuera de serie. Sin embargo, el general Cneo Julio Agrícola se anotó un gran triunfo cuando venció en la batalla del Monte Graupio.

Esto propició la construcción de una serie de fortificaciones cuyos restos forman parte de los atractivos turísticos del país hasta nuestros días. Roma construyó además los muros de Adriano y Antonino, aunque se considera que el dominio del Imperio en la zona no alcanzó ni siquiera los 40 años. La influencia latina en lo cultural, por el contrario, dejó una huella mucho más profunda.

William, nuestro héroe Durante la Edad Media, la nación fue trazando esta personalidad orgullosa y combativa que la distingue. Durante el reinado de David I de Escocia, se fundaron los burghs, pueblos con la capacidad de legislarse independientes a la corona, aunque se rigieran por un sistema feudal. Dado que Alejandro III, el último rey genuinamente escocés no tuvo herederos directos, el rey Eduardo I de Inglaterra impuso en el trono a Juan de Balliol, pero la amistad entre ambos se fracturó al grado de que el monarca intentó invadir Escocia. Ese fue el contexto en que surgió William Wallace, el guerrero al que Mel Gibson interpretó en Corazón valiente.

Personaje fundamental en la Guerra de Independencia (12961306), arrasó con el ejército inglés en la legendaria batalla del Puente de Stirling, pero más adelante fue derrotado en la de Falkirk. Fue capturado en 1305 y asesinado de manera brutal que se queda

corta en la versión fílmica. El llamado Guardián de Escocia fue ahorcado a una altura prudente como para que no muriera, después lo castraron y finalmente le sacaron los intestinos cuando aún se encontraba con vida y los incendiaron en su presencia. A su cadáver le cortaron la cabeza y la colocaron en un sitio donde todo el mundo pudiera verla (muchos años antes de que en México el crimen organizado colgara a sus víctimas de los puentes) y se la pensara dos veces antes de atentar contra el “Reino”.

Glasgow y Edimburgo makes us happy Escocia siguió peleando por su libertad muchos años más. Épocas fueron y vinieron.

Aunque se trataba de un estado independiente, la sombra de Inglaterra flotaba sobre su población mediante protectorados, ofensivas militares y maniobras como la que en 1707, obligó a que se firmara el Acta de Unión, que certificaba la creación del Reino de Gran Bretaña, debido a que los ingleses amenazaron con asfixiar económicamente a Escocia. Esto echó por tierra sus intenciones, también, de erigir un monarca que profesara el protestantismo y contraviniera la fe católica de la corona. Sin embargo, el país creció mucho intelectualmente, convirtiéndose en un importante foco cultural y económico de Europa hacia el siglo XVIII. Sobretodo Glasgow y Edimburgo son, hasta nuestros días, paraísos del apetito hipster por conocer nuevas tendencias.

Sus intentos por separarse de Inglaterra, llevaron a los escoceses a celebrar, el 1 de marzo de 1979, el referéndum que abogaba por reinstaurar el Parlamento. Luego, en 1997, un nuevo referéndum lo consiguió, por lo que Inglaterra le otorgó mucho más oxígeno a la nación. Desde entonces, es un estado con gobierno propio pero continúa formando parte del Reino Unido. El año pasado se llevó a cabo un último referéndum, en busca de que la nación se volviera totalmente independiente, pero una ligera ventaja en las votaciones decidió que no.

Lo anterior podrá sacarnos de onda, tomando en cuenta los ríos

de sangre en que se ha bañado la historia de esa nación de hombres en faldas de cuadros. Sin embargo, la lucha por la independencia no ceja.

Como sea, Escocia es la tierra que arrojó al mundo a notables artistas como Sean Connery e inventores como Alexander Graham Bell, científicos como Alexander Fleming (descubridor de la penicilina), músicos como Malcolm y Angus Young (artífices de AC/ DC), y es también la cuna de las novelas/películas más importantes de la cultura pop: “Es una mierda ser escocés, somos lo más bajo de entre lo más bajo, la escoria de la puta tierra, la basura más servil, miserable y más patética jamás salida del culo de la civilización, algunos odian a los ingleses, yo no, sólo son soplapollas, estamos colonizados por unos soplapollas, ni siquiera encontramos una cultura decente que nos colonice...”.

—Irving Welsh. Trainspotting.

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DE CULTO | MÚSICA

PARA THE ZOMBIES, NO FUE FÁCIL RESPIRAR EL MISMO AIRE QUE THE BEATLES Y EL RESTO DE LA CAMADA DE GREÑUDOS QUE EXPORTARON AL RESTO DEL PLANETA ALGO QUE SE DENOMINÓ INVASIÓN BRITÁNICA; SIN EMBARGO, EL GRUPO INGLÉS SE CODEÓ EFÍMERAMENTE EN LA PUNTA DE LAS LISTAS DE ÉXITOS CON LOS GRANDES DEL POP, ANTES DE FIRMAR LA QUE SERÍA SU ÚLTIMA OBRA, UNA PIEZA PSICODÉLICA DE MÚLTIPLES TONALIDADES CUYO BRILLO NO FUE AQUILATADO EN SU MOMENTO, UNA GEMA TITULADA ODESSEY AND ORACLE.

C

inco estudiantes de St. Albans, en Hertfordshire, solían toparse en los pasillos de la escuela cuando el calendario presumía el año 1961, hasta que decidieron que lo suyo podía ir más allá de las aulas. Así, conectaron sus amplificadores a sus respectivos enchufes y empezaron a hacer ruido con tal de mantener las risas activas y flirtear con chicas los fines de semana. Cuatro años más tarde, una vez que la prepa los escupió al mundo exterior, cada cual tomó caminos distintos: el cantante Colin Blunstone eligió el área de comercio, mientras el guitarrista Paul Atkinson y el tecladista Rod Argent buscaron las aulas universitarias; por su parte, el bajista Chris White decidió volverse maestro y el baterista Hugh Grundy se focalizó en los menesteres bancarios. Para entonces, la pandilla eléctrica ya se anunciaba como The Zombies, luego de desechar otro apelativo: The Mustangs.

Ansiosos por hacerse de billetes sin esforzarse demasiado, en esos días, los sellos disqueros buscaban grupos musicales que se integraran de inmediato al frenesí del Swinging London; chicos listos para colgarse anuncios comerciales en las solapas, al tiempo que agitaban el flequillo frente a las cámaras de TV, tal como hacían The Kinks, The Rolling Stones, The Animals y un prolijo etcétera. De este

TXT:: ALEJANDRO GONZÁLEZ CASTILLO modo, DECCA Records ofreció un contrato al ganador de un concurso auspiciado por el London Evening News, y el primer premio se lo llevaron The Zombies, quienes de inmediato manufacturarían su primer hit: “She’s not There”, al cual seguiría “Tell Her No” y una visita a Estados Unidos, nada menos que al entonces popular show televisivo Hullabaloo.

Y ya sabemos lo que siguió, ¿cierto? Las niñas se desquiciaron en sus asientos, al tiempo que los músicos rascaban las pastillas de sus guitarras. Es decir, todo estaba en orden; sin embargo, el quinteto no iría más lejos de ese punto en cuanto a proyección masiva se trataba, ya que sus siguientes sencillos no alcanzarían el éxito del primer par.

Pronto el quinteto editaría su álbum debut (Begin Here, 1965), una obra en la que se mezclaron composiciones propias con covers, de modo que el resultado se asoma desconcertante, pues no es posible divisar del todo los alcances artísticos de los músicos. Afortunadamente, las circunstancias cambiarían radicalmente con el siguiente paso que el combo trazaría, ya de la mano del sello CBS. De esta manera, precisamente a lo largo del legendario Verano del amor (1967), Argent y sus compinches confeccionaron Odessey and Oracle, su segundo plato, nada menos que instalados en los estudios Abbey Road (aunque tres temas fueron registrados en los Olympic Studios), el hogar de grabación de The Beatles, quienes, meses antes, habían hecho allí mismo la obra más emblemática de la era psicodélica: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band.

Desbordada de ideas –y, seguramente, con varias cucharadas de jarabes ácidos circulando en sus vísceras–, la banda pasó cinco meses encerrada entre cintas y bocinas con un presupuesto francamente apretado que la orilló a explotar al máximo su tiempo en el estudio de grabación. Registradas en una máquina de cuatro tracks –un aparato de alcances humildes que empujaba a sus usuarios a idear trucos de edición que hoy día se antojan arcanos–, las 12 composiciones que integran Odessey and Oracle se encuentran plagadas de reverberaciones que van de lo sublime, a lo siniestro, con un sinfín de voces soleadas, como lenguas flameantes que entibian estructuras óseas y, muy especialmente, se advierte un destacado trabajo en las teclas por parte de Rod, quien recurrió a pianos, órganos y clavicordios para desarrollar un discurso excepcional que opaca los fraseos de una guitarra bien discreta; un asunto inusitado en una época en la que el instrumento con seis cuerdas de acero poseía la corona de popularidad. Por si fuera poco, los autores mostraron ansias de ir más allá de los cánones literarios impuestos por la era psicodélica, tomando aliento de autores como Shakespeare y Faulkner.

Sin suficiente efectivo para hacerse de una orquesta, o al menos de un cuarteto de cuerdas, el combo llenó los huecos sonoros de épico potencial con un mellotrón y armonizaciones vocales que pasan saliva de izquierda a derecha en los oídos del escucha. Se trata, pues, de diversos ramajes sonoros, los cuales se van deshebrando conforme la aguja repasa surcos una y otra vez para definir líneas que serpentean en la mente cual anélidos de colores chillantes.

Desde la tapa de la obra, se advierte el calibre del viaje con una imagen trazada por Terry Quirk (quien, por cierto, apuntó mal la palabra “odyssey” sin intención), en la que pétalos y espirales marcan la ruta hacia un paraje desconocido –hermanado, cierto, con el Pet Sounds, de The Beach Boys; el ya citado Sgt. Pepper’s, de The Beatles; el Days of Future Passed, de The Moody Blues, y hasta el 1st., de los Bee Gees–; un espacio con leyes sónicas que pertenecen a un universo alterno, uno cuyo big bang se titula “Care of Cell 44” para, finalmente, encontrar su apocalipsis con los chasquidos de “Time of the Season”.

Fracaso absoluto a nivel de ventas en buena medida por decisiones fallidas en CBS (incluso, el propio grupo tuvo que pagar la mezcla en estéreo que el sello disquero solicitó con tal de editar la obra), Odessey and Oracle vio la luz en 1968 para recibir bostezos y una que otra palmada como consuelo. Al final, tal grado de incomprensión llevó a The Zombies al desmembramiento.

Poco más de 40 años después, todavía escapan chorros de luz de los tocadiscos de aquellos que se atreven a hacer girar ésta, una de las piezas mejor acabadas de los muchos trances psicodélicos que la historia de la música pop aloja.

THE 51

ZOMBIES LA ODISEA ORACULAR DE LOS ZOMBIES PSICODÉLICOS

DE CULTO | CINE

ALEX COX TXT:: TOÑO QUINTANAR

EL PUNK DEL CINE SURREALISTA

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53 LA CREATIVIDAD ES UNA DECLARACIÓN DE INDEPENDENCIA; NECESIDAD PSÍQUICA DE REAFIRMAR ESA SERIE DE RASGOS HUMANISTAS QUE NOS LIBERAN DE LA HOMOGENEIDAD SOCIAL IMPUESTA POR UN ESTADO.

A

lex Cox, cineasta británico nacido en el año de 1954, aseguró alguna vez que el Séptimo Arte debe fungir como una muestra fehaciente de este individualismo, mismo que reencuentra al ser humano con su propio sentir y que lo obliga a tomar conciencia de la serie de ideales sumisos que las altas esferas tratan de inculcar en el fuero intelectual de nuestra civilización.

Una postura que el autor se ha dado a la tarea de reafirmar por medio de una vasta obra que, ofreciendo un manojo de facultades disidentes, no se limita a aspectos sociales y políticos, sino que prolifera avasalladoramente a lo largo de delirantes pasajes, donde la realidad palpable se ve puesta en duda.

ANARCHY IN THE USA Alex Cox inició sus estudios en la UCLA durante la década de los setenta, siendo esta llegada a Norteamérica una consecuencia directa del franco desprecio que el aspirante a cineasta albergaba con respecto al conservadurismo reinante en los medios artísticos de su nación.

Erigiendo a Salvador Dalí y Luis Buñuel como influencias incuestionables, el novel Cox comenzó a dotar a sus primeros proyectos de una imaginaria surrealista donde cotidianidad y ensoñación se hermanaban súbitamente para escapar de las regulaciones de la objetividad absoluta. Inquietud que se vería plasmada en Sleep is for Sissies (1980), su primera obra audiovisual de mediana duración.

Esta misma postura creativa, aunada a la formación de colectivos y cooperativas a lo largo de la escena filmográfica independiente de Los Ángeles, daría como resultado, en 1984, la aparición del primer largometraje dirigido por Alex Cox. Inmersa en medio de un estilismo punk con matices psicotrónicos, Repo Men es una alucinante cinta que narra las vivencias de Otto, un joven irreverente, quien, por azares del destino, termina desempeñándose agriamente en la industria del recobro de automóviles.

Un argumento que se concretó después de que Cox pasara tres meses de estrecha convivencia al lado de Mark Lewis, entrañable camarada del mundo del cine independiente, que, además, se desempeñaba en este polifacético trabajo.

Proporcionando una efectista y, por momentos, satírica visión de la escena punk norteamericana, Cox nos introduce en una historia repleta de insinuaciones fantásticas, las cuales anuncian tempranamente esa naturaleza surrealista que habría de marcar gran parte de su carrera.

La estética punk, nuevamente, aparecía de forma latente, dotando a este trabajo de una actitud provocadora que empataba ágilmente con ese mundo salvaje e impredecible entretejido por Cox. A la vez, la influencia de los maestros surrealistas se vuelve total durante esta narración, sublimándose por una serie de rasgos ilusorios que sugieren una perpetua vacilación de la lógica convencional.

ADIÓS AL ROMANCE Poco tiempo después, el director reclutaría a Gary Oldman y Chloe Webb con el fin de reproducir audiovisualmente el idilio más explosivo de la historia del rock británico, mismo que llegó a su fin la mañana del 12 de octubre de 1978, luego de que Sid Vicious fuera arrestado en Nueva York por el supuesto asesinato de su novia Nancy Spungen.

Sid & Nancy (1986) es la trágica despedida de Alex Cox a los momentos más representativos del punk londinense, movimiento que, cumpliendo con ese destino fatal que sus detractores moralistas le habían vaticinado, ya contemplaba con azoro la caída de sus mitos primigenios.

Al mismo tiempo, el autor le rinde un culto nostálgico a ese caldero de vanguardias que había sido su nación a lo largo de la segunda mitad del siglo XX. La furia que era tan característica del género quedó plasmada indeleblemente en esta cinta, pero también lo hicieron esos maravillosos fulgores que cobijaron con su calidez a quienes fueron parte de este fenómeno. Un prodigio que Cox resume en ese desenlace ambiguo y ensoñador, en el que, después de ser liberado de prisión, Vicious es recogido por un taxi que lleva como pasajero al espíritu de su amada muerta.

De esta manera, quedó cerrado un capítulo en la historia mundial de la contracultura, la cual se destacaba por su propia insatisfacción frente a los límites de la realidad inmutable.

HACIA UN NUEVO MAÑANA Una notoria lista de filmes de indiscutible valor (El Patrullero, Death and the Compass y Revengers Tragedy) se ha vuelto, con el paso de los años, en el sólido respaldo que da fe de esa fuerza inventiva que es Alex Cox; mosaico entre el que sobresale Walker (1987), obra rodada en Nicaragua que, más allá del contenido de su temática anacrónica y delirante, sirvió como una representación retórica de los apremiantes momentos por los que pasaba esta nación durante el apogeo de la Guerrilla de los Contras.

Esta pieza significaría el comienzo de una maduración política en el trabajo de Cox, la cual se vería acompañada por su exilio de los estudios norteamericanos.

Fue así como la justicia del tiempo guardó un lugar de honor para este director disidente, que nunca se anduvo con medias tintas al momento de romper esquemas estéticos y socioculturales; situación que le ha ganado un halo de autoridad que lo define como un gurú de la creatividad anárquica y del arte contestatario; mismo status que sirve de desfogue para un Alex Cox que se contenta con exponer su sentido crítico por medio de un cúmulo de aventuradas observaciones, mismas que tienen como objeto de estudio a la sociedad actual. Reflexiones entre las que, el surgimiento de la tecnología digital, sobresale como un acontecimiento que merece especial atención debido a la libertad informativa que éste implica.

A diferencia de otros contextos pretéritos, en los que la divulgación era algo restringido, en la actualidad, un individuo es capaz de crear ciertos objetos estéticos susceptibles de ser compartidos con innumerables entes dispersos a lo largo del planeta, fenómeno que, para el director oriundo de Bebington, sugiere el inicio de una nueva configuración apreciativa que habrá de llevar a la sensibilidad humana hacia nuevas y transgresoras plataformas.

DIRECTO AL INFIERNO Las películas primerizas de Cox fueron un necesario rescate de la esencia punk y del estilo de vida que esta tendencia exaltaba; situación que no sólo propició una exploración filmográfica del movimiento, sino que también fijó de manera iconográfica la serie de animosidades que eran consustanciales de él.

Apuesta que evolucionaría de modo cada vez más agudo gracias a un notorio refinamiento en los desbocados procesos creativos del autor, mismos que hacían de la mezcla estilística indiscriminada un manifiesto anarquista.

Es en medio de estas turbulentas circunstancias donde surge Straight to Hell (1987), cinta que reunió los aspectos más emblemáticos del spaghetti western para retorcerlos lisérgicamente a través de un cautivador despliegue visual, que mezcla comedia desfachatada con acción sanguinolenta, una propuesta que se vería enriquecida por las actuaciones de celebres figuras de la cultura popular, como son Joe Strummer, Elvis Costello, Courtney Love, Jim Jarmusch y la banda The Pogues.

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DE CULTO | ARTE IMÁGENES QUE EXCITAN Poco antes de morir, Francis Bacon le comentaba a su tocayo, el fotógrafo corso Francis Giacobetti: “La belleza es enemiga del sexo”, mientras éste lo retrataba en un hotel de Londres.

“Con la imaginación, puedes transgredir todos los tabús, todo es posible. Y la pornografía ayuda. He visto libros de . Es interesante, pero demasiado formal, demasiado plástico. Se pierde la excitación que sólo se encuentra en una imagen cruda”, discurría Bacon. Y así es, ante sus obras, el sistema nervioso se excita, se electrifica y se rinde ante los estímulos crudos, violentos y voluptuosos de sus formas y colores.

Nacido en Dublín, Irlanda, en 1909, quien hoy comparte el título de “pintor más importante de Gran Bretaña” con nada menos que J.M.W. Turner, nunca fue a la escuela de artes, y comenzó a tomarse en serio la pintura cuando casi rozaba los 40 años.

Sin embargo, 10 años atrás, había hecho sus pininos con bastante éxito, pero al ser rechazado por algunos críticos, destruyó todas sus obras y abandonó la pintura casi por completo, dedicándose a beber, administrar casinos clandestinos y a tener relaciones tormentosas con hombres mayores.

Quizá todo esto, aunado al clima turbulento del fin de la Segunda Guerra Mundial, se combinó para que en 1944, produjera Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion (Tres Estudios para figuras en la base de una crucifixión), tríptico en el que aparecen entidades semihumanas, semianimales, semifantásticas, deformes y lastimeras, sobre un fondo naranja. Blandas, a la vez crueles e indefensas, como lanzando gritos de desesperación, conmueven e intrigan.

ESCUPIR EN LA TELA La exhibición de esta pieza en 1946 cambió su suerte. El crítico John Russell escribió que Bacon marcaba un antes y un después en la pintura inglesa. No obstante, hasta la fecha, su obra sigue generando controversias y unas cuantas arcadas en los estómagos más sensibles.

Bacon solía pintar encerrado en su estudio, a solas con sus imágenes, sus recuerdos, sus fotografías y sus emociones. Decía que los modelos lo inhibían porque sus cuadros eran, de cierta manera, una “herida” que les infligía a las personas que retrataba y que “sin importar cuánto me aprecien, ellos perciben las distorsiones como un daño”.

Fascinado por la imagen de la en-

TXT:: REGINA ZAMORANO LICEA fermera aterrorizada que aparece en El Acorazado Potemkin, los gestos de horror, las bocas y los dientes, fueron un tema constante en su obra, así como las crucifixiones, el retrato del Papa Inocencio X, de Velázquez, que dio pie a una de sus series más famosas; el sexo y, en general, la decadencia material y espiritual de un siglo que exhalaba sus últimos respiros de idealismo y humanidad, y que ya empezaba a tener mal aliento.

Bacon murió en 1992 de pulmonía, en España, donde estaba de vacaciones. Nunca negó que se nutría de las imágenes de otros; en particular, le fascinaba la fotografía: “Soy como un albatros, me trago miles de imágenes, como si fueran peces, y, después, las escupo en la tela”.

ARTE EXPLOSIVO La obra de Cornelia Parker contiene otro tipo de violencia, caricaturizada, higiénica, sin fluidos. Le atraen las explosiones, las muertes absurdas de las caricaturas y las aplanadoras.

Nacida en 1956, en una comunidad rural de Inglaterra, Parker fue la segunda de tres niñas, a quien su padre le asignó el papel de “niño” y le encargaba los trabajos más pesados. Cuando, al llegar a la adolescencia, se dio cuenta de que existía el arte, de inmediato, quiso dedicarse a eso que “le daba permiso de jugar todo el tiempo”.

Perdida entre la generación de los Bacon y los Lucian Freud, y la de los Young British Artists (YBA), Parker no batalla contra sus demonios internos ni lucha para no ser devorada por la moda; es una baby-boomer práctica, comprometida y sociable.

Su carrera ha transcurrido sin accidentes, desde que saltó a la fama, también cerca de los 40 años, con su obra Dark Cold Matter, en 1991, que instantáneamente llamó la atención, pues había colaborado con el ejército británico para hacer saltar en pedazos una cabaña de madera.

Ella misma apretó el detonador, pero eso sólo era el principio de la obra. Después, se dedicó a reensamblarla, recreando el momento cumbre de la explosión. Luego, la colocó suspendida en el aire, en una galería. De este modo, podemos contemplar cómo salta en pedazos un objeto, a la vez que nos incita a reflexionar sobre el Big Bang y los procesos creativos, donde “para construir, hay que destruir”.

FUERA DE CONTROL El apetito por la destrucción ha permeado en toda la carrera de Cornelia. En 1988, subida en una aplanadora, aplastó un montón de objetos de plata que, después, reunió en 30 grupos que semejaban 30 monedas.

Al igual que la cabaña, también suspendió los conjuntos de objetos a unos centímetros del piso, pero aquí su intención era muy diferente. No quería poner de manifiesto hechos sobre los cuales no tenemos ningún control, como una explosión, sino, aludiendo al acto de traición de Judas (por las 30 monedas), hacer patentes las relaciones de poder que se tejen en torno a los metales preciosos y, de paso, insinuar cómo los artistas se venden sin pudor. ¿Combativa? Sí; de hecho, no tuvo galerista hasta que fue nominada al famoso premio Turner, en 1997. “No

quiero ser una artista que haga trabajitos ni nada que parezca publicidad”, ha dicho, y nunca ha aceptado una comisión.

En 1996, realizó Exhaled Cocaine, obra que exhibía los restos de un cargamento de cocaína incinerado por las aduanas, y en 2001, se volvió a montar en su máquina y aplastó 54 instrumentos de viento, utilizados por las bandas tradicionales inglesas, triturando así el orgullo de su tierra.

“Representan una robustez que solíamos tener”, pero que, según ella, se ha desinflado.

NIÑOS MALOS, MUY MALOS Es poco probable. Basta ver las obras de los hermanos Jake y Dinos Chapman, quienes, por un lado, dedican años a realizar monumentales instalaciones que denuncian los horrores cometidos por la humanidad, como Hell (2000) y Fucking Hell (2008), compuestas por decenas de miles de figuritas y soldados de plomo; y, por otro lado, despliegan una irreverencia que raya en la pura y llana grosería.

“Me hubiera gustado pisarle los pies a , gritarle en el oído y golpearlo en la cara”, declaró Dinos sobre el artista español que ha inspirado una buena parte de sus obras. En 2003, causaron escándalo cuando alteraron la famosa serie de grabados de Goya, Los desastres de la guerra, colocando caritas felices y otros detalles pop sobre los rostros de los personajes torturados.

Los hermanos terribles, miembros de la generación de los YBA, han perturbado a más de un crítico, hecho llorar a reporteras, enloquecido a periodistas y galeristas y, seguramente, avergonzado a sus papás. ¿Cómo olvidar sus primeros balbuceos políticamente incorrectos? En 1996, presentaron una serie de maniquíes de niños que en vez de narices, llevaban penes y vaginas en lugares incongruentes. Las esculturas, grotescas y desnudas, excepto por grandes pares de tenis Nike, provocaron que un visitante los denunciara a la policía.

Desde entonces, han aterrorizado al mundo del arte, y aunque sus provocaciones parecen fundadas en preocupaciones artísticas y humanas genuinas, son capaces de derrumbar todo lo que han construido con alguna patanería. Sin duda, el humor inglés no es apto para niños.

En fin, de Bacon a los YBA, parece que el arte del Reino Unido seguirá nutriendo nuestro imaginario y abrumando nuestros sistemas nerviosos por mucho tiempo.

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FULL FRONTAL ART

ARTE BRITISH

EL REINO UNIDO HA DADO ARTISTAS PROVOCADORES Y PROFUNDOS; EL ARTE DE FRANCIS BACON, CORNELIA PARKER Y LOS HERMANOS CHAPMAN PUEDE DARLE UNOS CUANTOS ELECTROSHOCKS AL PARAÍSO ABSTRACTO-CONCEPTUAL EN EL QUE NOS HEMOS REFUGIADO DESDE LOS AÑOS CINCUENTA. ES MÁS, EN MANOS DE LOS CHAPMAN, YA NI EL POP PODRÁ SALVARNOS. BIENVENIDOS A LA REALIDAD.

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CINE

FICHA TÉCNICA Dirección: Matthew Warchus Año: 2014 País: Reino Unido, Francia Reparto: Ben Schnetzer, George MacKay, Monica Dolan, Andrew Scott, Dominic West, Bill Nighy, Jessica Gunning.

I R D P TXT:: ORQUIDEA VÁZQUEZ

REÍSTE C A C N U N E U Q O D EL ALIA

TENER

SI HAY PELÍCULAS QUE AL SALIR DE LA SALA DE CINE, NOS DEJAN DEPRIMIDOS O NOS MANTIENEN ABATIDOS MALDICIENDO A LA RAZA HUMANA HASTA POR VARIOS DÍAS, PRIDE ES TODO LO CONTRARIO; ES UN FILME FILÁNTROPO QUE ANIMA EL ESPÍRITU Y NOS DEMUESTRA EL PODER DE LA AMISTAD Y LA SOLIDARIDAD.

LA CINTA QUE LE VALIÓ a Matthew Warchus la Palma Queer en Cannes está inspirada por dos importantes acontecimientos y una de las alianzas políticas más improbables en la historia del Reino Unido: la huelga de mineros y la lucha por los derechos de la comunidad LGBT. Pride no es un documental ni una película seria que indaga en todos los detalles del paro, sino un dramedy conmovedor que nos acerca a la historia esencial: el regocijo de encontrar al aliado que nunca creíste tener. Bajo la dirección de Warchus, nos contagiamos del ímpetu que un grupo de gays y lesbianas tuvo para apoyar la causa de los mineros durante la huelga de 1984 a 1985.

En aquellos años, la homosexualidad aún era difícilmente aceptada y los estigmas en contra de dicha comunidad todavía se mantenían en su apogeo; por ello, Pride proyecta las adversidades que LGSM (siglas del grupo que significan Lesbianas y Gays Apoyan a los Mineros) tuvo que enfrentar para que su ayuda fuera aceptada y las adversidades que posteriormente ambos grupos tuvieron para su lucha en conjunto.

El guión, las actuaciones y el estilo visual de Pride son tan amigables que la lucha, en vez de sufrirla, se disfruta.

Luego de que en la cinta, el Sindicato Nacional de Mineros se negara a aceptar el dinero que el grupo había conseguido recaudar –principalmente para no ser juzgados y asociados con un grupo abiertamente gay–, la cuadrilla de activistas no se da por vencida y tras gran insistencia, logra conectar con un pequeño pueblo minero en Gales, el cual ha aceptado su ayuda. El encuentro, como podremos imaginar, es de los momentos más interesantes de la cinta, con el eminente nerviosismo del LGSM al no saber cómo serán recibidos y la ansiedad de las familias mineras al no saber qué esperar.

El primer contacto surge con un atropellado discurso, segui-

do de dos o tres aplausos y la desaprobación de algunos mineros; sin embargo, las mujeres toman la iniciativa, charlan con “los gays”, y tras asegurar que nunca han bailado al centro de la pista, Jonathan, el personaje interpretado por Dominic West, olvida mantener discreta su personalidad y ofrece un fascinante número de baile para interpretar “Shame, Shame, Shame” de Shirley & Co. Después de éste, la empatía con el grupo comienza a germinar y con ello, la develación de que ambos grupos tienen más en común de lo que esperaban: las ganas de vivir, la lucha por sus derechos y la difamación por parte del gobierno y la prensa.

El recurso de los estereotipos es evidente en el trabajo de Warchus: el gay que sabe bailar o las lesbianas veganas; sin embargo, aunque recurrente, la intención es comprensible y nos sumerge en una narrativa cómica que acompaña la creciente aceptación de las familias hacia lo que rechazaban por ser desconocido.

Si algo es cierto es que, ante la adversidad, el carácter de las personas florece, y en Pride somos testigos de ello, sobre todo del empoderamiento femenino. Las mujeres del pueblo sorprenden a sus parejas y a la gente que los rodea con coraje y convicción más fuerte que la de los mineros; estos últimos, tras ver a sus esposas, pasan por un proceso similar al del mito de la caverna de Platón. Mientras que hay hombres que salen de su ignorancia a conocer el mundo exterior para entenderlo, hay otros que prefieren permanecer en la oscuridad. En este punto se vuelve evidente que, así como lo señalaba el filósofo griego, con respecto a la educación o falta de ella, se encuentra nuestra naturaleza.

El eminente rechazo de algunos provocará que en la cinta se denuncie el apoyo entre ambos y la prensa busque el

FOT :: ARCHIVO

DE desprestigio con un artículo titulado “Perverts support the pits” (“Los Pervertidos apoyan los agujeros”), pero con un ingenioso giro, la pandilla organizará una fiesta temática que tendrá el efecto contrario al malintencionado objetivo. ¿El resultado?

Un concierto fascinante en el que encontramos uno de los discursos más conmovedores a lo largo del filme. El líder de los mineros, interpretado por Paddy Considine, habla a los asistentes sobre el estandarte en Dulais Valley –el pueblo en Gales–, un símbolo de dos manos que se estrechan y, según el personaje, lo que el movimiento de los trabajadores debería significar: tú me apoyas y yo te apoyo, quienquiera que seas, de donde quiera que vengas, hombro a hombro, mano con mano. Para finalizar, adhiere: “Ahora les digo, ustedes han portado nuestra insignia, y cuando el tiempo llegue, ustedes tienen mi palabra de que nosotros llevaremos la suya”. En un mundo en que la solidaridad tiene menos presencia que nunca, Pride podría pensarse como una película sentimentalista, pero lo grandioso de ella es que nunca alcanza el extremo meloso.

Otro de los aspectos que destacan en la cinta es el hecho de que, además de pelear por una causa colectiva, varios de los personajes llevan consigo una lucha interna. Dominic West interpreta a Jonathan, uno de los primeros hombres diagnosticados con SIDA en el Reino Unido; George Mackay interpreta a Joe, un chico que atraviesa un proceso de aceptación y, durante la película, debe salir del clóset para vivir en la verdad; Mark (Ben Schnetzer), líder del LGSM, contrae SIDA y Jessica Gunning, que interpreta a Sian, es una mujer que debe salir de su zona de confort y explotar el gran potencial que la destaca entre la gente del pueblo. Finalmente, se encuentra Bill Nighy, quien interpreta a Cliff, un minero que, hasta la edad adulta, acepta públicamente su homosexualidad.

En momentos, Pride puede sentirse como una obra demasiado optimista –tomando en cuenta la homofobia existente en los tiempos del gobierno de Margaret Thatcher–; sin embargo, no hay temor en decir que precisamente por ello, es un trabajo audiovisual que inspira y provoca ese sentimiento que pocos logran: el de convertirse en un mejor ser humano para bien de uno mismo y del otro.

“Sé lo que pasa cuando la gente no se comunica; por eso, nunca entendí cuál es el punto de luchar por los derechos de los gays, pero no los derechos de alguien más o por los de los trabajadores, aunque no por los derechos de las mujeres, es ilógico”; menciona Mark en uno de los primeros encuentros con los mineros. Ideas como ésta se yuxtaponen a lo largo del film con escenas tan divertidas como dramáticas.

Ya hacia el final de la cinta, de la mano de los protagonistas y las mujeres de Gales, recorremos la vida nocturna gay en Londres para divagar sobre lo que hubiese sido formar parte de aquel mundo subversivo rodeado de brillo, baile y música a cargo de Dead or Alive, Heaven 17, Queen, Pet Shop Boys, Joy Division y Tears for Fears. Al finalizar dicha salida, observamos a las mujeres recatas del pueblo besar a otras mujeres, jugar con dildos, ver revistas porno y disfrutar una noche como quizá nunca lo habían hecho.

Pride es también una película de revelaciones, sobre las capacidades de uno mismo y lo que se puede lograr cuando, de por medio, se encuentra un sentimiento de solidaridad incondicional. Es también un grato acercamiento a dos de los conflictos más destacados en la década de los ochenta en el Reino Unido; pero, ante todo, un ensayo visual, colorido y bien estructurado sobre la posibilidad de luchar contra lo improbable.

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TELEVISIร N

S K N U P DEL CONTROL as

Las series britรกnic

REMOTO

TXT:: ALEJANDRO MANCILLA @NOSOYMODERNO VER TELEVISIÓN EN LA ACTUALIDAD ES UN ACTO DE CONFORMISMO, DE DEJAR QUE ALGUIEN PIENSE POR TI, DE ESTAR A LA ESPERA DE QUE EL PROGRAMADOR DECIDA QUÉ PONER Y QUE TUS SUGERENCIAS SIMPLEMENTE LAS “HAGAN LLEGAR A GERENCIA” (TIO GAMBOÍN DIXIT). SI ANTES ERA UN ACTO DE SUMISIÓN TELE-INVIDENTE Y ERA AGRADECER QUE PASARAN UN PROGRAMA DECENTE EN ALGUNO DE LOS TRES CANALES DE TV QUE LLEGABAN A TU CASA, DESPUÉS MUTÓ Y SE CONVIRTIÓ EN UNA CUESTIÓN DE FE CACHAR ALGO QUE VALIERA LA PENA EN LA TRANSMISIÓN DE UNO DE LOS OCHENTAITANTOS CANALES DE PAGA QUE TENÍAS CONTRATADOS (CON RIESGO A TOPARSE CON SABADAZO A LA HORA DE CAMBIAR DE CANAL). ME PREGUNTO: SI HAY TANTO ANARQUISTA DE FACEBOOK, ¿POR QUÉ NO CONVERTIRNOS EN PUNKS DEL CONTROL REMOTO? CREO QUE YA NO ES NECESARIO, LOS TIEMPOS HAN CAMBIADO Y YA SE PUEDEN VER SERIES MÁS ALLÁ DE CANAL 5 O FOX Y LA TV YA ES RUIDO BLANCO DE FONDO.

H

ace algunos años, comencé a seguirles la huella a las series de televisión inglesas atraído por la idea de que si los británicos eran buenos para hacer música rock, deberían serlo para producir buenas historias y hacer TV ídem. Esto fue cuando el imperio del terror de los programadores televisivos tradicionales estaba llegando a su fin como lo conocemos, y con la opción de Internet y los boxsets de DVDs comprados en tiendas especializadas, ya había manera de ver series tanto nuevas, como clásicas… Ésas que nunca se trasmitieron en México (ni siquiera en Estados Unidos, vaya) y que son realmente valiosas. Fue así como descubrí cosas increíbles, como Life on Mars (sobre un policía de la actualidad que regresa en el tiempo a un Manchester de los años setenta tras la pista de un asesino serial), Ashes to Ashes (la segunda parte, pero ahora ubicada en los ochenta…

Nótese el homenaje a Bowie en los títulos), Black Books (un tipo que tiene una librería, que odia a sus clientes, que odia al mundo...

Y que se parece a Jarvis Cocker) o Utopía (serie de consparanóicos con un look Instagram, que hace que el NWO parezca orquestado por Wes Anderson… Y de la que ya hemos hablado anteriormente en esta revista).

Por su parte, de la comedia británica popular, descartemos por obvio el arsenal de comicidad de Monty Python (que luego se vio reflejado en películas como Los Enredos de Wanda en la década de los 90) y el humor facilón de Mr. Bean (no soy nada fan, pero nos hizo ver que en Inglaterra igual eran simples) o Little Britain (me hablaron maravillas

de esta serie, pero se me hace terrible… Cuestión de gustos).

Lo que sí valoro es ese humor negro británico con identidad, ése que se aleja de la tradicional escatología estadounidense y de los clichés (sin olvidar que en el país vecino también hacen obras de arte en lo que respecta a televisión: de Seinfeld a It’s Always Sunny in Philadelphia, pasando por Breaking Bad, The Shield, Arrested Development o The Americans); aunque también son capaces de hacer cosas malísimas (Modern Family, se me hace uno de los productos gringos más sobrevalorados, y que me perdonen sus fans… O qué decir de series genéricas como Dr. House o The Mentalist), que se vuelven íconos de la cultura televisiva y que, en realidad, tienen más forma que fondo. Y es también un poco por esa sobresaturación americana que vale la pena voltear hacia Inglaterra en busca de programas que no estén ambientados en EU o en el espacio exterior, donde los estadounidenses son los héroes o donde el antihéroe (o, incluso, el villano) está contra del sistema de ese país; en fin, el mirar series de otra nación resulta en un ejercicio refrescante, ya que no son las mismas caras, sino otro contexto y, además, en este caso, la mayor parte de las series inglesas, o duran poco o los realizadores tienen la suficiente educación para (después de tomar un té) concluirlas dignamente; en muchos otros, cuando no funcionan, hacen minipelículas para cerrar con las historias y no dejar al espectador con las dudas.

Recientemente, quedé maravillado con cosas como Misfits (superhéroes juveniles que no quieren serlo, entre ellos, una

especie de clon de Ian Curtis con el don de la invisibilidad) o Black Mirror (que es como la Dimensión desconocida de la era digital).

Hablando de series exitosas como The Office (la inglesa, de donde se basó la norteamericana), me quedo con los demás trabajos de Ricky Gervais, por ejemplo, Extras, incomprendido programa donde el mismo Gervais interpreta a un tipo que lucha toda la vida por ser actor e incurre en situaciones realmente penosas cuando consigue el éxito con un programa absurdo de comedia (hay un cameo de David Bowie imperdible en uno de los capítulos finales) o Life’s Too Short, otra especie de mockumentary, en el cual Warwick Davis, el actor de baja estatura, se burla de sí mismo (con apariciones del dueto Right Said Fred y otros artistas perdidos) y de prácticamente todo lo que lo rodea. Su show más reciente, Derek, me ha decepcionado un poco, pero a pesar de ese tropiezo, bien vale la pena seguir la trayectoria de Gervais (aunque, personalmente, no comulgue con su ideología), quien, para demostrar mi punto sobre la relación música-TV en Inglaterra, en su juventud fue integrante del dúo synth-pop Seona Dancing (en YouTube hay cosas) y, por un tiempo, manager de Suede.

Por la misma senda de la comedia, vale la pena The Wrong Mans, serie sobre espías y conspiraciones con dos protagonistas bastante estúpidos, pero lo suficientemente carismáticos para estar en la lista de sugerencias. Y si quieres algo menos comercial que la excelentemente bien producida y muy gringa Boardwalk Empire (aunque con un superávit de cadáveres, según mi punto de vista), basta echarle una mirada a Peaky Blinders, que va sobre una

familia de mafiosos que instauran su reino en Birmingham.

Y, bueno, no olvidemos a Dr. Who, que es todo un hito en las series inglesas y de la que tengo pendiente ponerme al día; y para los seguidores de los dramas ingleses de época cuya producción de un solo capítulo se lleva el presupuesto de, digamos, unas 100 telenovelas mexicanas completas, hay que mencionar (que no recomendar, pero sí poner en el visor porque se trata de una gran producción de nuestros tiempos), Downton Abbey; también hay que ver Sherlock, una bien lograda puesta al día del famoso detective británico, y Luther, serie sobre un policía no convencional que, en tres temporadas de cuatro capítulos c/cada uno, le da intensidad al drama criminal.

Además, hay series raras como Peep Show, una oscura comedia que trata sobre las disfuncionales vidas sexuales de dos tipos que pretenden tener relaciones con su vecina (esta serie es de 2013, pero recién la subieron a Netflix); It Crowd (serie geek años luz más inteligente que The Big Bang Theory) y no podía faltar This is England (basada en la película homónima).

Si esta retrospectiva brinca como zapping mental es porque, justamente así, es la onda ahorita; si quieres ver algo, no debes esperar a que lo pasen en tu canal favorito en la madrugada y doblado. El panorama es amplio, sólo hay que mirar más allá y tener un poco de curiosidad para descubrir otra televisión, la nueva pantalla en la que tú programas lo que quieres ver, y que puede revelarte un mundo más ingenioso y diferente a lo que estás acostumbrado… Sin dejar de ser occidental como tus arraigados gustos.

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ROB PYBUS Anarquía cromática “Cursé la licenciatura en Ilustración en la Universidad de Brighton, un lugar genial para estudiar, lo suficiente grande para desarrollar su propia cultura y lo suficiente pequeño para conocerlo todo rápidamente. Durante mis estudios, me surgió también cierto entusiasmo por la animación. Ahora resido en el Este de Londres, en donde realizo la mayoría de mi obra. Me encanta esta ciudad debido a su constante mezcla de energía, la cual es única; parecería que no hay espacio para soportarla y se desborda tanto en cosas buenas, como malas. Hay mucho de dónde agarrar de esta composición para satisfacer el deseo por la inspiración. Me gusta que mi trabajo tome en cuenta aspectos como el caos a punto de explotar;

sin embargo, la clave es no dejar que esto pase. Si mis piezas son caóticas, necesitan tener un balance para que funcionen. Con suerte, puedo manejar cierto control sobre mi obra, aunque algunas veces, es bueno nunca saber cuándo detenerse en una imagen. Me gustan los colores fuertes y los movimientos arriesgados; creer que la paleta de colores intensos que uso, tiene una gran oportunidad de conectar con la gente en este nuevo mundo que sufre de una epidemia de lapsos cortos de atención. Es probable que notes un nuevo detalle en mi obra cada que la vuelvas a observar…

Mis influencias incluyen a Moebius, Heath Robinson, Winsor Mccay, Aubrey Beardsley y Bernard Krigstein, por mencionar algunos”.

Pybism.com

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BROEON K Una entrevista con

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En la búsqueda de algo desesperadamente interesante Siempre serán deseables los niños malcriados del arte cuando, además, son inteligentes; los enfants terribles desafían y ponen de cabeza a las tradiciones y a sus flemáticas y rígidas convenciones. Así ha ocurrido con Ben Brooks (Gloucestershire, 1992), que tras el éxito de su novela Crezco, se vio con 18 años, una enorme cuenta bancaria y las ganas de gastarla en prostitutas, drogas y alcohol.

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TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO

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ierto es que a él llegamos a través de la edición en español de Lolito, novela publicada por Blackie Books, cuyo desparpajo trajo aires de fiesta a lo que suele leerse en el idioma de Cervantes.

El rotundo éxito de Cosas que los nietos deberían saber, escrito por Eels (Marl Oliver Everett), nos puso en la ruta de un proyecto enfocado en que otros aires soplen en una industria editorial que tiende a privilegiar la solemnidad. De esta manera fue como dimos con un irreverente mozalbete inglés.

Brooks creció junto a las redes sociales y los chats son su escenario natural, ya sea haciéndose pasar por un adulto o, bien, siendo sincero con algún amigo. Esa parte confesional de lo que escribe se convierte incluso en escandalosa –cuando lo que priva es la hipocresía–. Para escribir Lolito, incluso, recurrió a tomar distancia con su país y se marchó a España, buscando reducir en cierta medida los excesos y lograr una obra más convencional que las anteriores y que le permitiera acceder a más lectores y ganar dinero.

Escribe como si estuviera todo el tiempo en Twitter, ha sido elogiado por Nick Cave y posee un mordaz sentido del humor que dinamita todo lo social y políticamente correcto. Quién mejor que este precoz talento literario para echar un vistazo a las cosas que atañen a la vieja Albión, mientras da cuenta de una cotidianidad algo repetitiva y poco emocionante.

En ciertas entrevistas, Ben ha citado al escritor norteamericano Tao Lin como un referente; este joven de origen asiático forma parte de un camarilla que parece aburrida del todo, conquistada por Internet, pero que al momento de escribir, apela a lo que han llamado “una nueva sinceridad”.

Aunque a Brooks también le da por negar cualquier tipo de idea generacional y señalar que cada uno marcha por su lado y ve y escucha lo que le da la gana.

Pese a ello, recordarle a sus contemporáneos es inevitable.

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FOT :: CESC PASCUAL – CANADA Lolito ha sido editado en varios idiomas; a los 21 años, ya habías publicado seis novelas. ¿Alguna vez imaginaste lograr tan rápido algo que muchos nunca llegan a alcanzar en toda su vida?

Ben Brooks: Nunca, la mayoría del tiempo me imaginaba con sobrepeso y viviendo con perros desnutridos.

Trabajando en McDonald’s. Solía hacerlo cuando estaba en la escuela. Mi parte favorita era estar solo en un cuarto, armando cajas de cartón. Y la que más odiaba era acomodar placas congeladas de pescado en bandejas.

Hay muchos escritores que repetidamente comentan estar trabajando en el mismo libro ad infinitum, logrando versiones mejoradas de éste cada vez. ¿Cuáles son las principales diferencias entre Lolito y Crezco?

Tal vez, no muchas. Espero que las frases se sientan cómodas juntas y los personajes tengan un poco más de sentido.

En comparación con lo que pasa en la música, donde la juventud es un privilegio, en Inglaterra parece difícil triunfar siendo un escritor joven. Los críticos son demasiado exigentes. ¿Cómo has sido capaz de posicionarte en el panorama literario actual? ¿A qué se lo atribuyes?

No tienes que ser bonito para escribir libros; eso ayuda. No necesitas carisma o un buen peinado, ni siquiera confianza.

Sólo tienes que sentarte, solo, por largos periodos de tiempo y hacer cosas. Es lo más simple y fácil para una papa triste y deforme.

Todo el ruido que ha generado la llamada Alt Lit parece algo muy norteamericano, ¿te gusta ser parte de este movimiento?

No tengo que ver con nada realmente. No hace que mi comida india llegue más rápido. No he hablado con nadie que esté envuelto en ese movimiento. No creo que haya gritado tan fuerte las palabras por dos años. ¿Dirías que el sentido del humor ha sido crucial para desarrollar tu

trabajo o, al final, el sufrimiento de tus personajes, no importando la edad, sea más trascendental?

Está esa frase de Chesterton que dice que el opuesto de lo gracioso no es lo serio, no es algo divertido. ¿Pasarías tiempo con alguien sin sentido del humor? Probablemente, te sentirías incómodo y aburrido.

Aun así, me siento a leer libros que no son divertidos. No hay excusa para eso.

Cuando estuviste en España, te subiste al escenario con dos máquinas rudimentarias y te tatuaste a ti mismo en público. ¿Qué esperabas lograr con eso? ¿Fue algo cercano a un performance?

Escogían personas del público para hacerlo. Dolía muchísimo. Fue hace tiempo. Antes de que esta panza sobresaliera y empezara a llover adentro. No estoy seguro de por qué lo hice.

Has vivido en muchas partes de Europa, ¿el estilo de vida nómada te ayuda a escribir? ¿Dónde vives ahora? ¿Prefieres mantenerte encerrado en tu cuarto todavía?

Por ahora, estoy en Berlín. Me gusta la cama, pero igual me ha empezado a gustar salir de ella.

Recientemente, he aprendido cómo beber café. Antes me daba nauseas y me mareaba.

Hoy parece que una taza es bastante fiable para 500 palabras.

Lo siento, sé que esto no es desesperadamente interesante. ¿Te mantienes al tanto con las noticias musicales? Cuando quitaste los pósters de Harry Potter de tu cuarto, los reemplazaste con bandas tan extrañas como Levellers… ¿O prefieres lo retro?

Sí y no. Creo que la mayoría de las personas mantienen muy cerca a las bandas de su juventud. Pero igual sigo a la música nueva.

Me gusta Modern Baseball más que ninguna otra. The Books, Spraynard, Chumped, Say Hi to your Mom, Totorro, Nai, Harvest.

Y algunos raperos. Tal vez dos. El disco más reciente de Heems, Eat Pray Thug, por ejemplo.

El ruido que pensamos que nunca se detendría, murió cuando los punks crecieron”.

“One Way” de Levellers

¿Puedes trabajar en más de un proyecto a la vez? ¿En qué andas metido ahora mismo? ¿Publicarás otro libro en español pronto?

Siempre hay más de un proyecto a la vez. No hay opción de elegir, es más como un trabajo. Creo que tendré listo un nuevo libro en español para el siguiente año. Ése no se editará en inglés. Everyone Gets Eaten será publicado a finales de este año por la Civil Coping Mechanisms.

En general, ¿cómo percibes el momento actual de la juventud inglesa, más allá de la literatura? ¿Existen otros rubros destacándose?

Para ser honesto, no lo sé. Hay algunos escritores. Chris Killen, Socrates Adams, Gwendoline Riley. De México, me gustan poetas como David Meza y Ana Carrete.

En todo aquello que vale la pena de tener, incluso en el placer, hay un punto de dolor o de tedio que ha de ser sobrevivido para que el placer pueda revivir resistir”.

G. K. Chesterton

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de fondo

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L E O Y E S H L N QuĂŠ significa ser una escritora inglesa

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TXT:: neill leyshon

Nací en un cuerpo que nació en un tiempo y un lugar.

Nací en Glastonbury, lugar supuestamente visitado por Jesús, donde se escondía el santo grial, donde su tío José de Arimatea plantó su bastón y floreció.

Nací en un lugar que alguna vez estuvo bajo el mar y ahora es un mar verde.

Nací en un lugar de milagros.

Nací dentro de una larga historia, donde escribir era unirse a una cadena ininterrumpida de gente grabando sus pensamientos en páginas.

Escribo en inglés.

Soy inglesa.

La creatividad nace en el cuerpo.

Se alimenta de lo que los ojos observan, de lo que la mente piensa. No es abstracto. Es imposible que trascienda tiempo y espacio.

Y si nace contigo, vive en ti. Ve lo que ves.

Inglaterra tiene dos clases de fronteras. Están los mares plateados. Y están las líneas que la dividen de Gales y Escocia.

Estas líneas cruzan cerros tallados de piedra caliza y los campos más verdes; siguen ríos, trazan curvas alrededor de ciudades.

Mi padre era galés; mi madre, una mezcla entre escocesa e inglesa.

De niña me gustaba ir a su cuarto por las noches. Me trepaba a su cama y levantaba las cobijas y los separaba para dormir entre el calor de sus dos cuerpos, así me despertaba a lomos de Gales y Escocia e Inglaterra.

Aquí todos somos bastardos.

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El inglés no es una sola cosa: es una lengua curvada y modificada por otras culturas. Es una lengua que vino con los invasores, con nuestras invasiones. Se extiende alrededor del globo, dejando las marcas rosadas del Imperio en sus mapas.

Cuando escribo en inglés, no puedo evitar escribir la historia de mi país: ¿Latín o anglosajón? ¿Ornamentado, un registro más alto? ¿Gruñidos para levantarte o arrojarte? O el slang contemporáneo, todos provienen de la gente que alguna vez pintó el Imperio de rosa.

Mi lengua es amplia.

Mi historia es amplia.

Robamos de otras culturas, asaltamos sus palabras y las insertamos en nuestros diccionarios.

Aquí todos somos bastardos.

Pero nacimos en algún lugar.

En algún lugar en el tiempo y el espacio y nuestra creatividad se alimenta de lo que vemos y de lo que sentimos.

Hablar sobre qué es ser inglés no es fácil. No nos gusta a los ingleses.

Pero nací en algún lugar. Nací en un tiempo y en un lugar.

Nell Leyshon es escritora y dramaturga nacida en Glastonbury, Inglaterra.

Asistió a la University of Southampton con especialidad en Literatura inglesa.

También es conocida por su trabajo como guionista de radio para la BBC, por el que ha ganado diversos reconocimientos como el Richard Imision Memorial Award.

Su libro, Del color de la leche, el cual relata la historia de una joven de 15 años que trabaja como criada en la Inglaterra del siglo XIX, es considerada su mayor obra hasta el momento y en México es publicada por la editorial Sexto Piso.

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CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA

TXT:: ÓSCAR G. HERNÁNDEZ

ALAN

MOORE

From Hell o la mítica narrativa gráfica británica.

LA INFLUENCIA BRITÁNICA EN LA LITERATURA ES ENORME, HA SERVIDO PARA CONSTRUIR UNA CULTURA UNIVERSAL QUE SE ENCUENTRA PRESENTE EN TODO EL PLANETA; DESDE LAS LEYENDAS CÉLTICAS, LA LITERATURA MEDIEVAL, SHAKESPEARE, CONAN DOYLE O TOLKIEN E, INCLUSO, HARRY POTTER, ESTO SÓLO PARA MENCIONAR ALGUNOS NOMBRES QUE LA MAYORÍA DE LA POBLACIÓN CONSERVA EN LA MEMORIA.

EN LA LITERATURA DIBUJADA, Alan Moore es el escritor británico más influyente del que se haya tenido memoria; sus creaciones lo colocan, incluso, como el mejor guionista de todos los tiempos. No es difícil entender estas consideraciones; Moore se ha dado a una incesante tarea de no nada más crear nuevos mitos, sino también de reconstruir anteriores, otorgándoles una mirada única.

La creación a la que más reconocimientos y premios se le han otorgado es su Watchmen, obra de la cual se ha hablado mucho; algunos la han clasificado entre los 100 mejores libros de la historia, pero además de esto, se ha generado una enorme cantidad de estudios y análisis sobre ella, que nos enseñan la maestría de este escritor cuando realiza un discurso distinto sobre la cultura norteamericana de superhéroes y acerca los años de la Guerra Fría. Watchmen, junto con el Maus de Spiegelman, son dos de los principales pilares de la narrativa gráfica, que en el continente americano apuntalaron a esta expresión como arte mayor.

Será con uno de los mitos británicos de mayor influencia en las artes y cultura que este escritor construirá una obra monumental en diversos sentidos. Nos referimos a Jack the Ripper. Este criminal ha inspirado muchas obras de la literatura, la poesía, la música, la ópera, el teatro y el cine; de hecho, no dudamos que algunos asesinos lo tomarían como inspiración.

Es también con Jack el Destripador que por vez primera en los medios de comunicación se construye la imagen del asesino serial. Los crímenes que se suscitaron en el barrio de White Chapel se mantienen vigentes hasta nuestros días a pesar del tiempo; casi siglo y medio para ser exactos.

Moore, al tomar este mito, no se enfoca en narrar la historia de un asesino, sino en retratar a la sociedad inglesa de la era victoriana a través de lo ocurrido en esos años.

La investigación realizada por este autor es extenuante y muestra su versión de uno de los grandes misterios de aquel tiempo.

El autor entra en el universo de esa época muy a su estilo y costumbre, abordando varios niveles que van de la francmasonería, a la pobreza y sentimientos de la nobleza que llegan hasta la misma reina, y justo es en esa realeza donde tejerá toda la trama principal.

Moore reconstruye Londres de una manera que permite al lector transitar por la novela como si estuviera recorriendo la ciudad, con todos los referentes de arquitectura y personalidades

de esa época, como el hombre elefante o el mismo Karl Marx, entre otros, además de recurrir a todos los involucrados en los feminicidios. Incluso, hoy en día, existen tours londinenses creados a partir del mapa desarrollado por Moore.

From Hell, como llamaría a esta novela gráfica, toma su nombre de una carta que escribió el asesino, a manera de metáfora como la representación de la sociedad de ese momento. La crítica desplegada por Moore muestra una Inglaterra cubierta por una cultura casi medieval, donde el abuso de los poderosos sobre los pobres era prácticamente total.

El encargado de dibujar From Hell fue el escocés Eddie Campbell, quien salió del anonimato después de este título. Campbell entonces recurrirá al estilo de dibujo expresionista, el cual no busca sorprender por efectos gráficos complejos o por la seducción del color. La novela la desarrollará a base de tinta china y plumilla con un trazo libre que logra una expresión violenta, pero que, simultáneamente, construye una atmosfera que permite al lector situarse en un ambiente infernal y místico. Las páginas estructuradas por Campbell son de un clasicismo inaudito, quizá pensadas para corresponder a la época.

From Hell es considerada la obra máxima de este escritor; la complejidad y belleza puestas significan un reto para cualquier lector. No es una lectura simple, sus 500 páginas exigen una atención total por todas las tramas, subtramas, subtextos y metáforas. Todo cubierto de terror, de mitos, de problemas psicológicos, de historia social.

El dibujo para quienes no están familiarizados con al arte gráfico libre, exige por igual.

Esta novela gráfica fue escrita para recordar los 100 años de los asesinatos ocurridos en Londres, mismos que nunca fueron aclarados.

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CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA

ANA BELL CHINO

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UNA DE LAS HISTORIETISTAS MEXICANAS CUYA PROPUESTA ROMPE CON LOS ESTEREOTIPOS DE LA NARRATIVA GRÁFICA HECHA POR MUJERES. DE CARGA SATÍRICA TANTO GRÁFICA, COMO DE CONTENIDO, RELATA UNA VISIÓN ALTERNA DE LO FEMENINO MÁS ALLÁ DE LA PROVOCACIÓN FÁCIL. HA DESARROLLADO UNA SERIE DE FANZINES TITULADOS ZAPPINGMENTAL, EN LOS QUE ARRIESGA VARIOS ESTILOS GRÁFICOS. COMO INVESTIGADORA, DESARROLLA UN LIBRO TEÓRICO PRÁCTICO SOBRE NARRATIVA GRÁFICA, ADEMÁS DE TENER UNA NOVELA GRÁFICA EN PROCESO.

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COLUMNAS

OFF THE RECORD Una pinta para invocar al diablo

OFF THE RECORD

I) Dos veces me he emborrachado en Londres. Ambas se las debo a la cerveza creada en 1759 por mi tocayo, Arthur Guinness. Beberse una pinta en un pub irlandés debe ser maravilloso, pero tampoco desmerece hacerlo en uno inglés. Durante la primera guarapeta, acontecida en 2009, en algún punto le pregunté a César, mi compañero de juerga, por la embajada mexicana.

Mi amigo, que entonces trabajaba como enviado para Televisa en Inglaterra, me condujo a través de las estrechas callejuelas alguna vez recorridas por Oscar Wilde, hasta donde despachan los diplomáticos de la raza de bronce. Era una construcción sencilla, sin ninguna seguridad deslumbrante. Envalentonado por el alcohol, le pedí a César que me tomara una fotografía fingiendo tocar el timbre de la casa, bajo la bandera tricolor. Eran cerca de las 2 de la madrugada. Ningún policía salió a regañarnos.

TXT:: ARTURO J. FLORES @arthuralangore

II) La segunda melopea me la puse dos años después.

Había acudido a la conferencia anual que celebran en mi trabajo con el resto de sus asociados y la cena de clausura tuvo lugar en un club propiedad de la marca. Los tragos corrieron a manos llenas, servidas por suculentas edecanes del país de los Stones. Dejé de fumar hace casi siete años, pero me cuentan mis colegas (y existe una foto que lo comprueba) que aquella noche encendí un cigarro y me lo puse entre los labios. Yo no lo recuerdo.

III) Ese mismo día, por la mañana, algunos amigos y yo caminamos por el célebre Hyde Park, donde han tenido lugar memorables conciertos, como la reunión de los integrantes de Pink Floyd para el Live Aid o el regreso de Blur. En su parte noroeste, Hyde Park alberga un sitio conocido como “The speakers’ corner”, una tribuna pública donde se permite hablar sin censura. Se cuenta que personalidades como Karl Marx y George Orwell, alguna vez, pronunciaron un discurso ahí.

–A veces –me dijo otro amigo, que durante dos años vivió en la capital británica–, puedes ver a escoceses subidos en esa banca, mentando madres contra la Reina. Porque la ley impide que hables mal de la Corona mientras estés pisando territorio del Reino.

IV) A mi cabeza vino aquel capítulo en el que los Sex Pistols interpretan “God save the queen” a bordo de un barco en el Río Támesis, y al final de cuyo paseo son arrestados, debido a un altercado sucedido durante el viaje. En la película Sid and Nancy, dirigida por Alex Cox y protagonizada por Gary Oldman, se recrea la escena.

V) No me enorgullece mencionarlo, pero obligado por la naturaleza, durante la segunda juerga, me vi obligado a hacer lo mismo que Ozzy Osbourne en El Álamo, sólo que junto de un callejón de Wimbley. God bless the bladder.

VII) En aquella primera borrachera, regresé al hotel donde me hospedaba, el Sanctum Soho, en compañía de César, mi amigo, y otra amiga más que también estaba de paso por Inglaterra. Por razones que no alcanzo a contar aquí, en el mismo lugar se hospedaba Iron Maiden. Ellos se fueron a dormir temprano. Nosotros decidimos estrellar contra el piso de mi habitación una cerveza que habíamos comprado en una licorería, sólo por sentirnos rockstars.

VIII) No quiero concluir con el lugar común: “Lo que pasa en Londres se queda en Londres”. Pero sí puedo decir que en aquellas noches de copas, noches locas, se me metió un diablo británico que en México no aparece.

Please allow me to introduce myself…

IX) 199.50 segundos debe tomar el servido perfecto de una Guinness de draught, en un ángulo de 45 segundos y a una temperatura de 6 grados, en el Reino Unido.

Después del primer trago, no respondo.

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EL BRITÁNICO ARTE DEL BUEN BEBER ¿Acaso hay dos conceptos más inseparables que cerveza y Britania?

TXT:: PAOLA TINOCO @paolatinoco

EL CUADERNO AMARGO

Sydney Smith

ES BIEN CONOCIDA la aportación de la cultura inglesa al mundo: la literatura, por principio; la escuela inglesa de pintura (a pesar de haber sido iniciada y dominada por influencia extranjera); la arquitectura, esa mezcla de edificios sobrevivientes a diferentes épocas; la música, desde lo barroco, hasta los Beatles, sin olvidar a David Bowie, Bryan Ferry y el resto de la panda de brit-poperos que llegaron después. Lo que me ocupará, sin embargo, será otra cosa: la cultura del alcohol entre los ingleses. No menciono dicho tema a manera de crítica; ¿una mexicana amante del mezcal y el vino a punto de echar tierra a los grandes bebedores del Reino Unido? Ni hablar. Soy admiradora de los zafarranchos que organizan los hinchas futboleros cuando el alcohol y la fiebre por su deporte se les sube a la cabeza. También de los programas sin censura de las vacaciones de la juventud británica que haría palidecer a los spring brakers gringos.

Desde hace más de 100 años, se narran crónicas de su apego a las bebidas alcohólicas; Eca de Queiróz ya señalaba esto en sus cartas enviadas a la Gazeta de Notícias (Cartas de Inglaterra, editorial Acantilado). En irónicas y divertidas crónicas, el escritor portugués habla de su experiencia como cónsul en tierras inglesas y cuenta sin tapujos la realidad británica desde la política, los desastres del mundo editorial e, incluso, la dominación inglesa de Egipto. En medio de todo esto, como quien no quiere la cosa, desliza algunas anécdotas en las que los británicos dan rienda suelta a la bebida con toda (o ninguna) elegancia y conocimiento de cada trago que ingieren porque ellos, aunque beban mucho, no toman cualquier cosa, no señor, y hay una bebida para cada horario; las pintas no son para todo el día y el brandy con soda depende del humor, la noche y el lugar donde se encuentren. El ABC de los hábitos bebeticios en el Reino Unido lo escribe Sir Kingsley Amis, uno de los autores más laureados y temidos de Inglaterra durante el siglo XX, quien sentenció a los alimentos de la siguiente manera: “La comida es la maldición de las clases bebedoras”. Él, sin duda, se incluía en esas clases. Basta con leer uno de los libros que escribió en torno al respecto, Sobrebeber, editado por Malpaso, el cual puede abrirse en cualquier capítulo al azar, pero la muestra clara de su conocimiento en torno a la mixología de alcohol y acompañamientos se encuentra en el tratado sobre las Bebidas reales, donde enumera una selección de tragos conocidos, como el mítico absenta, sin olvidar los cocteles más femeninos e, incluso, aportaciones de él y su esposa, contado con profesionalismo y ácido humor desde la memoria de alguien que lo probó todo.

Kingsley dice que para reconocer a un genuino bebedor (inglés, diría yo), basta notar que lee todo lo que se escribe

sobre el alcohol, desde libros, hasta los folletos informativos que cuelgan de los cuellos de algunas botellas. Se instruyen, pues, de consejos para preparar mejor un trago, cantidades, calidades y trucos para que cada bebida tenga el sabor y temperatura que se espera, como una manera de ir al grano: ¿Para qué perder tiempo en esperar a que un barman aprenda a elaborar bien la bebida que se pide si se le puede dirigir y tener exactamente lo que se desea beber?

El humor agudo, claro y contundente con el que el padre del también reconocido escritor Martin Amis describe el arte de preparar, ingerir y dosificar (o no) los tragos, da para leer las 324 páginas de Sobrebeber con la rapidez con que se toma una cerveza en la playa. Esta biblia del bebedor incluye una serie de apartados necesarios para sobrevivir al alcohol (las crudas) y las herramientas necesarias para el oficio de preparar cocteles sin comprar accesorios innecesarios o perder el estilo, porque una cosa es ser alcohólico y otra no tener clase para beber. Así, pues, los pubs están fuera de su agrado y hace historia del deterioro de los mismos, de la forma y motivos que llevaron a la cerveza que ahí se degusta a perder calidad y de la clase de gente que los abarrota al final de la jornada de trabajo.

Nada queda fuera de su dominio, ni siquiera las bebidas que engordan, las que causan acidez, las que ayudan a digerir o las que destruyen la digestión.

En Inglaterra, entonces, según algunos relatos de Amis, se vale desayunar una pinta y prepararse para beber algo más fuertecito durante la comida. Hacer una siesta, si el tiempo lo permite, y pensar para la noche en un Tónico Meridiano de Evelyn Waugh (ginebra, cerveza Guiness y cerveza de jengibre), un whisky Collins (todo el burbon que parezca conveniente y media botella de bitter lemon, una cereza y hielo), tequila con sangrita (porque Sir Amis no dejó a México fuera de su recorrido alcohólico) o un Bisonte Polaco (vodka, Bovril, agua y jugo de limón). Si no hay ánimo, un brandy con soda estaría bien. Christopher Hitchens escribe en el prólogo de este libro que el alcohol fue la musa de Sir Amis y el hombre a quien se debía acudir para saber todo lo relacionado a las bebidas, aunque además de beber como buen británico, realizó una buena cantidad de estupendas novelas y, por si fuera poco, estuvo involucrado en la creación del personaje de James Bond en los años sesenta (y sí, el detalle del martini de Bond fue idea suya). Cierto que en sus novelas, el alcohol siempre estaba presente, manejaba la comedia etílica como pocos, aunque también es cierto que, al final de sus días, como se reporta en su biografía, el alcohol acabó con el ingenio de Sir Amis, pero no por eso dejaríamos de decir “¡salud!” en su nombre.

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COLUMNAS

TXT:: CHICO MIGRAÑA lasangredemeteal.blogspot.com

SANGRE DE METAL

EL MUNDO DEL ROCK SIN EL REINO UNIDO

DESPERTÓ EL MELÓMANO sólo para descubrir que extrañaba algo. No sabía que era melómano ni que le faltaba algo; sólo tenía una extraña sensación de vacío.

Abrió el diario como todos los días y se dedicó a leer la sección internacional. Había un artículo sobre todos los países europeos y su trascendencia cultural, y en su recién adquirida ignorancia, el melómano no se dio cuenta de que faltaba el Reino Unido. Había despertado en un mundo en el cual, ese conjunto de países no existía.

Al poco tiempo, descubrió lo que le faltaba porque, al empezar a leer, vio que el mundo de la música, concretamente el rockero, era totalmente diferente. No encontraba por ningún lado esas historias obligadas al hablar de rock que pasan necesariamente por el Reino Unido. No había nada sobre The Beatles ni The Rolling Stones y, por lo tanto, el final del verano del amor, por ejemplo, no existía porque sin sus “Satánicas Majestades” no habría existido la tragedia de Altamont.

No estaban The Who ni The Kinks; las series de CSI ahora se musicalizaban con temas de una banda pop intrascendente de Canadá y nadie había escrito una canción sobre un travesti que se mantendría popular durante décadas; era un mundo sin chiste. Pero no era todo: al no existir el Reino Unido, no habían existido los Yardbirds ni Cream. De ahí se derivaba que jamás hubo Led Zeppelin y, por lo tanto, la canción más rotada en la FM de Estados

Unidos no era “Stairway to Heaven”, sino un tema de Willie Nelson. Eric Clapton, el “descubridor” de Jimi Hendrix, no existía y, por esa razón, el uso del efecto wawa en la guitarra (cuenta la historia que Clapton lo usó primero y Jimi lo inmortalizó) no se había desarrollado, aunque lo que era peor: Hendrix sí había existido, pero nunca trascendió; es que en los Estados Unidos de aquellos días, el racismo no dejaba que los artistas negros se desarrollaran con la misma facilidad que los blancos, aunque Clapton se lo llevó al Reino Unido en calidad de superhéroe de la guitarra y lo regresó al continente americano en calidad de dios.

No estaba Black Sabbath. Se tomó un momento para entender bien lo que estaba diciendo y repitió: no estaba Black Sabbath. Ya era bastante trágico prescindir de Deep Purple, The Moody Blues y otras bandas de años más adelante, como The Clash, The Damned, Eurythmics, Sex Pistols, UB40, Buzzcocks y muchas otras. Al no estar Sabbath, el metal tendría, de existir, otra cara. Sin ellos, no habrían leyendas británicas como Carcass (creador de, por lo menos, dos subgéneros del metal), Iron Maiden (pioneros del NWOBHM), Judas Priest… A nivel rock, el mundo era otro, uno triste y patético, dominado por subgéneros aburridos… Luego de un suspiro, abrió los ojos y la pesadilla había terminado.

Corrió al estéreo y puso a todo volumen la historia de otro mal sueño, uno que cambió y endureció el mundo del rock y cantó: “What is this that stands before me…”.

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cuando la ROPA DEPORTIVA se vuelve ropa casual:

FRED PERRY

Fred Perry fue un supercampeón del tenis y un playboy en la Inglaterra de los años treinta. A fines de la década de los cuarenta, se le acercó Tibby Wagner, un ex futbolista, con la idea de vender bandas para el sudor con su nombre.

Rápidamente, desarrollaron toda una línea de ropa deportiva que en los sesenta, la comunidad mod abrazó como símbolo de status y de cultura joven bien vestida.

BOY te pone todo el GLAM británico que necesitas en

EL CLUB

BOY London es una marca fundada en 1976 por Stephane Raynor que ha vestido el underground del Reino Unido por generaciones: de Andy Warhol y Sid Vicious a Elton John, Madonna y Rihanna; del punk al new romantic, a los Club Kids ingleses y norteamericanos, al acid house, al hip hop, a la electrónica future-bassera. La firma “implotó” en la cúspide de su notoriedad, en 1985, pero volvió por sus fueros con el rescate de los cazadores de modas de los años del Manchester rave y la invasión del acid house, en los años noventa, para convertirse en un coleccionable codiciadísimo; poco a poco, desapareció, pero en 2007 volvió con toda su fuerza para quedarse y consolidarse como una marca fundamental.

MINIFALDAS:

de mary quant en 1966 a kate middleton en 2015 Aunque no la inventó, la diseñadora Mary Quant impuso la moda de la minifalda en 1966, creando una revolución no sólo en el vestir, sino en la idiosincrasia liberal mundial.

Su legado ha sido abrazado por todas y cada una de las firmas de ropa de mujer del mundo y ha trascendido por todos estos años, manteniéndose como la gran prenda escandalizadora hasta nuestros días, como lo puede demostrar la Duquesa de Cambridge.

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MIXRADIO te pone la música que tu cuerpo necesita

MixRadio es el servicio de música basado en la nube más sencillo que ofrece el mercado de aplicaciones para dispositivos móviles, en este momento. Recientemente, adquirido por LINE –el servicio de mensajería móvil con crecimiento más importante– a Microsoft y Nokia, ya está disponible también para iOS y Android, y ya está disponible en 31 países alrededor del mundo. Su característica función de un solo toque “MyMix” aprende los gustos de los usuarios para así llevarles la música que más les gusta de un catálogo de más de 35 millones de canciones y, de esta manera, poder olvidarse de quién canta cuál canción para entregarse a un playlist inequívoco de favoritas.

MixRadio también ofrece miles de mezclas creadas por un equipo global de expertos musicales y por estrellas internacionales, y es capaz de reproducir la música sin necesidad de una conexión a la red.

¡GÁNATE un dispositivo ZTE KIS II MAX, color rosa!

ZTE lanza el nuevo KIS II Max, un equipo de última generación con diseño original, ligero y con detalles únicos, con el mejor precio del mercado. Ideales para hacer multitasking, utilizado con una sola mano y un solo dedo, y cuenta con botones interactivos que responden fácilmente con el Sistema Operativo Android, haciendo más sencillo el uso de tu tecnología, música y redes sociales con un gran diseño. Además, tiene con Google Maps, Google+ y Hangouts, pantalla de 4”, cámara de 5 mpx con detector de sonrisas, temporizador y ráfaga de fotos; 4GB de memoria expandibles hasta 32GB. Marvin tiene para ti un ejemplar de este increíble dispositivo, y para ganártelo, únicamente debes ser la primera persona en enviar un correo con tu nombre, dirección y número para localizarte a: contacto@ revistamarvin.com ¡No lo dejes pasar!

SPOTIFY llega a PLAYSTATION

¡personaliza la banda sonora de tus videojuegos! ¿Se te ha ocurrido alguna vez escuchar una canción en particular cada que ganas una partida de tu videojuego favorito? ¿Qué tal escuchar algún disco para aumentar la emoción de ese título que acabas de comprar? Bueno, ¡esta noticia te va a dejar estupefacto! Spotify llega a PlayStation Music para darle un nuevo sonido a tu consola, esto significa que ya puedes escuchar tus canciones favoritas (y conocer millones de temas más) en tu PlayStation 3 y PlayStation 4. Lo más increíble es que tú mismo puedes ser el encargado del soundtrack de tus videojuegos en tu consola PS4. La música también invade tu Xperia, así podrás disfrutar de tu playlist ganador en cualquier lugar con tan solo un clic. La nueva experiencia Spotify en PlayStation te permite conectar todos dispositivos y controlar la música de tu consola desde tu teléfono o tableta, por lo que nunca tendrás que pausar tu juego.

Sony y Marvin te regalan una tarjeta PlayStation Network para que puedas disfrutar de este increíble servicio. Lo único que debes hacer es contestar la trivia en www.marvin.com.mx.

La imagen publicada aquí es una obra inédita del artista, quien desafortunadamente no pudo realizar una entrevista para la sección. Sin embargo, a manera de compensación, mandó a la editorial de Marvin una poderosa pieza que nos invita a reflexionar sobre qué posición de la sociedad preferimos adoptar. Una vez más, una imagen dice más que mil palabras.

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