Revista Marvin 102 :: Futbol Mix by Revista Marvin

PRESIDENTE J. CEZ VELASCOOL ceci@revistamarvin.com EDITOR EN JEFE VICENTE OL' SCHOOL JÁUREGUI vicente@revistamarvin.com

PUBLISHER TONY "H" 2 THE "A" 2 THE "A" "T" "E" tony@revistamarvin.com

ECTORI R I

CARTA DISEÑO GRÁFICO DONAJÍ LIL' D. dona ji@revistamarvin.com ITORIA D L COORDINACIÓN EDITORIAL Y WEB JIMMY BLUE M.F. E DIRECCIÓN DE ARTE BRAN BAD S.O.B. bran@revistamarvin.com

jimena@revistamarvin.com

RESPONSABLE WEB DANNY MR. P. BLADE patlan@revistamarvin.com

REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA

A principios de los 70 en las calles del Bronx, cuando la sociedad norteamericana no daba un carajo por los afroamericanos, y la pobreza, violencia, drogas y prostitución definían la percepción de un nación sobre toda una raza; un grupo de músicos, sin instrumentos o conocimientos para tocarlos, empezó a hablar. Hablaron más rápido, más fuerte, crearon ritmo y discurso, emularon sonidos y crearon beats; aquí cuando los beatboxers comenzaron a hacer el trabajo de máquinas, el hip-hop nació. Desde los rincones de la sociedad americana, pasando por la infame disputa de términos cartográficos, hasta convertirse en uno de los géneros más populares del planeta, el hip-hop ha escrito una de las más grandes historias de la música, una que desde hace mucho tiempo queríamos plasmar en estas páginas. Sin embargo el camino al trono ha sido todo menos sencillo, la lista de muertos en esta historia es larga y en la última página –en la que la tinta está tan fresca como la herida– se suma el nombre de Adam MCA Yauch, fundador de Beastie Boys, y una de las figuras más importantes en la evolución de este género, y es que antes de la llegada de este trió neoyorquino, el género permanecía, en gran medida, relegado a un pequeña sección de la sociedad. Del mismo modo, y teniendo como referencia el origen callejero de hip-hop, recordamos algo igual de popular y globalizado; el fútbol. Esta pasión que inunda el mundo y llega a las calles cada vez que los millones de fanáticos hacen vibrar a un balón. En la colaboración de Jorge “Negro” Hipólito, “El verdadero Rey de los deportes” exploramos el triste destino de ser panbolero en México, las alegrías y lágrimas que la “verde” nos ha arrebatado (y que nos arrebatará), y a través de la mirada del fotógrafo Ricardo Jardón, estrenamos la sección de Fotoreportaje, retratando el corazón futbolero de las calles mexicanas. Esta peculiar combinación de música y pelotas, tiene el nombre de Futbol Mix, y florece bajo el ala de Pepsi, quien se ha dado a la tarea de apoyar un movimiento que tiene tanto flow en la cabeza como en el balón.

AGUASCALIENTES LIC.BLANCA A. JIMÉNEZ blancaa jr@hotmail.com

-Marvin

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Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Luis Vicente Jáuregui Chagollán. Edición 102 correspondiente a: JUNIO 2012. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2011-100610180100-102. MARVIN es una Marca Registrada.

TENID N O O C

FUT OL B MIX 50

EN P O R TA D A U N R É q U I E M PA R A A D A M M C A YA U C H

10 BREVARIO. Perfiles y noticias de música, cine y arte.

18 COORDENADAS. Nuevos talentos musicales. 20 #NewKidInTown. Porque la moneda del hype tiene dos caras.

FESTIVALES

EN P O R TA D A FUTBOL MIx,

¿CÓMO SACARLE RITMO

21 Festival #Marvin12: La música como una odisea múltiple. 28 Coachella: California knows how to party…we keep it rockin.

MODA

MúSICA

64 Noé Two. Arte con swag. 72 CÓMIC . 76 DE CULTO Grafiti 2.0. Estambre, beatbox y otros artilugios.

32 PING-PONG. Joe Volume entrevista a Steve Diggle guitarra y voz de Buzzcock. 34 IMS. Político. 35 Akil Ammar. De regreso en el barrio. 36 OFWGKTA. El monstruo de 7 cabezas que promete cambiar el hip-hop. 37 Death Grips. La violencia no es un lujo. 38 Neil Young. El potro desquiciado y su jinete cabalgan de nuevo. 40 Fiona Apple. Valientes aquellos que miran esos ojos. 42 De el Valtari de Sigur Rós, Patti Smith, poetas islandeses y otras afortunadas coincidencias. 44 Antony Hegarty. La luz detrás del individuo. 46 Menos Bling Bling, Más Boom Boom. 74 DE CULTO. EL sonido de la calle: Hombres que hacen el trabajo de máquinas.

CINE

62 Ridley Scott: Prometheus. Revisitando los orígenes. 78 DE CULTO Wave Twisters. La más grande historia (hip-hop) jamás contada.

LITERATURA

48 Irvine Welsh: “El fracaso es más común que el éxito y, por lo general, más interesante”.

MVN

102

N A U

L BA

ÓN

68 B. B. B. Ball, Beatbox & Bling.

ARTE

FOTOREPORTAJE

58 Las calles son la chancha. Fotografías de Rodrigo Jardón.

COLUMNAS

80 FúTBOL. El verdadero Rey de los deportes. Por Jorge “Negro” Hipólito. 82 OFF THE RECORD. Del Rey criollo a las Blackberry. Por A. A. Gore. 82 EL CUADERNO AMARGO. Y cuando desperté, la editorial independiente ya no estaba ahí. Por Paola Tinoco. 83 BAJO PRESUPUESTO. De política, debates y rock. Por Hugo García Michel. 83 AGUARRACES PORTEÑAS. Para llegar a un choripán. Por Rafael Toriz

RECOMENDACIONES 84 Música 92 TV 92 Cine 93 Libros 94 Gadgets 95 Estilo

96 EL PILÓN. Ricardo Bravo. Una contradicción llamada rap mexicano.

PECTI V A

FUTBOL MIX Ese mismo año Doug E. Frace, uno de los pioneros del beatbox, editó su álbum debut Oh, My God!

En 1986 se celebró en México la Copa Mundial de Fútbol. Diego Armando Maradona anotó con “la mano de Dios” el primer gol en la final contra Inglaterra.

ESPN filmó E:60, un documental sobre la lucha de los amputados para adaptarse a una nueva realidad, sin que la discapacidad limite sus aptitudes deportivas. El proyecto fue narrado por el rapero Nas.

Estalla la Guerra Civil Liberiana. 14 años después, algunas víctimas del conflicto forman la Selección Liberiana de Fútbol para Amputados.

Jay-Z no quiso quedarse atrás, poco después el artista reveló que no descartaría la posibilidad de invertir en el Arsenal F.C., del que es seguidor tras conocer el talento del jugador Thierry Henry.

Otros que probaron con el canto fueron Kevin-Prince Boateng y Robinho, jugadores del A.C. Milan, quienes celebraron el cumpleaños de la cadena Al Jazeera con un “Happy Birthday” al indiscutible estilo del beatboxing.

Como la beneficencia, el dinero también se lleva bien con el deporte y la música. En 2010 Diddy mostró interés en adquirir y salvar de la quiebra al equipo inglés Crystal Palace.

Otro ícono de dicha técnica vocal fue Darren “Buffy” Robinson, quien entró al estudio por última vez junto a The Fat Boys para grabar On and On en 1989.

Año en el que Portugal gana su primer FIFA U-20 World Cup, antes llamada FIFA World Youth Championship.

En 2009, Amnistía Internacional y Jimmie Briggs, activista por los derechos humanos, crearon la campaña Man Up, que busca erradicar la violencia hacia las mujeres a través de actividades relacionadas con el fútbol y el hip hop.

Clint Dempsey “Deuce”, jugador de la Selección Oficial de Estados Unidos, compuso “Don’t Tread” junto a XO y Big Hawke para demostrar su habilidad por la rima y la improvisación.

BREVARI O

—MÚSICA

NeoN Music Fest Neo Los beats tienen más brillo de lo que parece

Ballantine’s fue el encargado de proteger a todos los asistentes de la deshidratación, y mantuvo el ambiente con unos buenos tragos de whisky.

Futbol Mix

Cuando sabes que habrá piscina, luces neón y música electrónica en un recinto con detalles de ensueño, concluyes que la fiesta será imprescindible. El pasado 20 de abril se llevó a cabo el Neon Music Fest en la cosmopolita ciudad de Guadalajara, un evento en el que se presentaron artistas de la escena nacional y extranjera. Cuando el sol se encontraba en su mejor punto, la piscina de la Mansión Morquecho recibió a un gran número de melómanos que aprovecharon la cálida agua para darse un chapuzón al ritmo de Zimmer y Salón Acapulco. Poco a poco la audiencia se entregó al imperio de la noche que fue acompañada con un gran número de luces que se adecuaron perfectamente al ruido hipnótico de Anoraak, quien ofreció una hora de beats que reclamaban por respeto en la pista del Neon Stage, todo enloqueció aún más al aparecer en escena Drop Out Orchestra. Es de conocimiento popular que lo mejor sucede a altas horas de la noche, ese momento en el que las personas dejan escapar su lado más íntimo y salvaje, que en esta ocasión se dejó domar por la seductiva propuesta de Flight Facilities: el equilibrio perfecto entre el house y el beat contemporáneo. Classixx no tuvo misericordia, pues el dúo compuesto por Michael David y Tyler Blake explotó la sensibilidad de hasta el más introvertido. El Neon Music Fest es más que el tradicional concepto de entretenimiento en vivo, su objetivo es convertirse en un homenaje a la vida nocturna y sus interminables sorpresas.

BREVARI O

—MÚSICA

FerMatta

La enseñanza, la música, la leyenda del techno y el prodigio de nombre Alejandro.

En el oficio de músico muchas cosas suelen pasar sin decirse, conocimientos que se van adquiriendo a tientas y rasgueos. Pocas veces cuando se trata de aprender a hacer música popular, se tiene una guía experimentada que ayude a sortear los sinsabores de la industria y que provea las herramientas necesarias para el alcanzar el elusivo éxito. Ahí entra Fermatta, una escuela que ve el oficio como un todo; desde el solfeo hasta la producción, no hay tema que se deje sin tocar. Pero esta escuela, como cualquier otra, sería sólo un cascarón sin su maestros. Tuvimos la oportunidad de hablar con Mark Kamis, Subdirector de Revisión Académica de Estudios Tecnológicos, Música Electrónica y Music Business del Consejo Nacional de la Academia de Música Fermatta y con Rodney Alejandro, Subdirector de Revisión Académica de Estudios Tecnológicos, Prácticos y Negocios del Entretenimiento y Música.

Para más información sobre Fermatta y lo que se puede aprender de estas dos grandes figuras, y demás buenos maestros visita: www.fermatta.edu.mx

Futbol Mix

LA LeyeNDA DeL Techno Mark Kamis es uno de los productores y Djs más reconocidos y exitosos de todos los tiempos, para ponerlo en contexto; él estaba haciendo música electrónica cuando Pro Tools no era siquiera una idea en la cabeza del –el entonces puberto– programador que lo creó. Es el hombre detrás del éxito de Madonna, y el que ocupa títulos en más de 400 discos; ha trabajado con U2, Beastie Boys, y muchos más. Así, la idea de entrevistar a alguien cuyo currículo es más alto que yo (1.60m para los curiosos que se lo preguntaban), parecía un reto. La pregunta obligada sin embargo vino a mi mente de inmediato: ¿Cómo ve, detrás de esa enorme experiencia, esta época de la música electrónica, los miles de SoundClouds de Dj fulanito que inundan internet? Su respuesta me sorprendió: “Creo es la época más emocionante del género, la tecnología permite que cualquiera haga música, y al final sólo pueden pasar una de dos cosas; o se hace un buen disco o uno malo. La tecnología no te hace talentoso o no, las cosas de verdadero valor saldrán y separarán del resto. Me enorgullece ser un pionero, haber abierto puertas y de ahí todo lo que ha pasado resulta fascinante”. Y ahora como maestro, él que comenzó en los 70, ¿cómo ve el progreso de la profesión djsistica? “Cuando yo empecé la tornamesa era mi único instrumento, no había esta tecnología que hoy existe. Era otra época, yo fui el último Dj del estudio 54, en ese momento ser Dj era igual a ser el barman (risas). Pero también era un momento muy emocionante. Trabaje en el club Dancentaria, donde el rap tuvo su origen, y ahora que veo la historia de la música dance, en realidad nada ha cambiado, sólo cambian los nombres, solía llamarse disco, antes era disco ahora es IDM. La gran diferencia es que ahora el Dj es reconocido como un artista, antes no teníamos respeto de la industria, ahora Djs como David Guetta o Tiesto, son personajes enormes”. Después de estas respuestas quede más intrigada, y lista para mi siguiente entrevista. Ahora con Rodney Alejandro, un productor, bajista, tecladista y programador grande entre los grandes; ha trabajado con eric Clapton, Ray Charles, Diana Ross, y otros. Con él quería hablar de educación, de la industria y de lo difícil que es “hacerla”... mi primera pregunta fue justo sobre este punto; ¿qué se necesita para triunfar? “Me parece que es la combinación de muchas cosas, talento, trabajo, mucho trabajo y suerte. Desafortunadamente es difícil saber qué exactamente es lo que distingue a un músico de otro, la industria es cruel y hay ciertas cosas como las apariencia, que siguen teniendo mucha importancia, más si de música pop se trata. Estamos acostumbrados a la imagen de modelos, sin embargo hay excepciones, Adele, cuya figura varía de la norma, es la cantante femenina más exitosa, o gente como Ke$ha, que no es precisamente atractiva (no puedo creer que te esté diciendo esto) les puede ir muy bien (risas)”. Además de esto Rodney, subraya la importancia de aprender, de tener una institución como Fermatta –donde es conocido simplemente como “el profesor Alejandro”– en la cual se puedan obtener herramientas, tanto musicales como de negocios, y así aumentar las oportunidades de tener una buena carrera.

BREVARI O

—CINE

avec aMour! 9° Festival Francés en México.

El realizador Antarès Bassis presentó en el marco del Festival Francés, su más reciente cortometraje Porteur d’hommes, una historia que muestra la pérdida de sensibilidad del ser humano.

Futbol Mix

Con el objetivo de celebrar la buena relación entre Francia y México, así como reforzar y promover las tradiciones de ambos países, el Festival Francés celebró su novena edición en Acapulco y, por primera vez se realizó también en el Distrito Federal (19 de abril al 1° de mayo). Este año se llevarón a cabo más de 20 actividades relacionadas con la música, la fotografía, el cine y la gastronomía. La fiesta comenzó en el Palacio de Bellas Artes con un concierto de ópera en homenaje a Jules Massenet, mientras que en la Casa de Francia se organizó el Mercado Franco Guerrerense, espacio dedicado a la degustación de productos mexicanos y franceses. El Festival se trasladó al cálido puerto de Acapulco, que a pesar de sufrir de marea roja durante todo el evento, no restó alegría a todos los que asistimos. Para los cinéfilos, se llevó a cabo el 3er y 4° Tour de europa eurochannel en Cortometrajes, el cual proyectó el trabajo de 54 directores originarios del viejo continente. Air France y el diseñaror Marvin Duran mostraron una pasarela de moda, ambientada por el DJ Stéphane Pompougnac. En el campo de las artes visuales, la exposición “Una mexicana en París” de la fotógrafa yolanda Andrade y la vanguardista técnica light painting de Mark 93, mostraron un lado no tan conocido del festival. Además, y en vista de que la gastronomía nacional no podía faltar se relalizó el 6° Concurso El joven Chef Mexicano y la Noche de Sabores en el Hotel The Grand Mayan, fiestas donde nadie se quedó con hambre. A pesar de contar con años de experiencia, el Festival sufrió de algunos problemas de logística que dificultaron la localización de los recintos. Tal vez fue el calor o la falta de arena y mar, pero sin duda el festival tendrá que aprender de estos errores, para que que el próximo año de mucho más de qué hablar

BREVARI O

—ARTE—POESÍA

rocÍo cerÓN

Poeta mexicana a la Olimpiada de la poesía en Londres 2012.

Las olimpiadas de poesía en Londres son organizadas por Simon Armitage, reconocido poeta inglés, cuyos títulos incluyen Seeing Stars (2010) y Book of Matches (1993), éste último es estudiado como parte de la preparación para el examen de Literatura Inglesa de la GSCE (Certificado general de educación secundaria) en el Reino Unido.

Futbol Mix

Una afortunada tradición de los Juegos Olímpicos consiste en ampliar su experiencia a distintas disciplinas del arte y la cultura. Y Londres no será la excepción, ya que del 26 de junio al 1 de julio se realizará el festival de poesía Poetry Parnassus, Londres 2012, en el South Bank Centre. Se contempla que en el evento participarán 204 artistas procedentes de cada unos de los países participantes en la justa deportiva. Es importante señalar el perfil ecléctico de la programación, pues no sólo estarán algunos de los poetas más importantes del mundo sino también raperos, ejecutantes de spoken word y narradores orales. Considerando la asistencia de voces tan reputadas, como la de Seamus Heany de Irlanda, no puede considerarse menos que un afortunado acontecimiento la participación por México de Rocío Cerón, una creadora multidisciplinaria que ha buscado acercarse a la vanguardia intentando que la poesía se vincule con otras expresiones, como la música electrónica y el performance. Autora de obras como Basalto (2002), Premio Nacional de Literatura Gilberto Owen 2000, e Imperio /Empire (2009), Cerón ha conseguido ser traducida al inglés, finlandés, francés, sueco y alemán, y es una incansable animadora de nuestra escena literaria. Durante el Poetry Parnassus habrá más de 100 actividades gratuitas, obteniendo así una dimensión histórica al convertirse en el mayor festival de poesía organizado en el Reino Unido. Algo que logró su director, el poeta Simone Armitage. Siendo un evento de tan alto nivel, en México podemos estar orgullosos de contar con una representante visionaria y de extraordinario talento.

Coordenadas es un sección dedicada a las bandas y proyectos a seguir, ya sea porque están editando nuevo material o porque sean propuestas emergentes interesantes.

Bajo la premisa de que el hip-hop es un movimiento que agrupa varias disciplinas, surge este proyecto que busca ser la voz de los que “no se atreven a decir la cosas, los que quieren gritar y no se atreven”. Como debe ser el rap. Para hablar de amor y “cosas así”, mejor “armar una buena banda de pop”. Origen: Neza, Estado de México Influencias: La calle, el hardcore, el punk y bandas como Peace and Love. De hip-hop: Lords of the Underground y Kid Frost. El proyecto comenzó cuando: “Viajé a la frontera con mi familia y conocí un compa de allá llamado Dj Scratch que tenía un proyecto llamado Mexican Border. Ahí hice mi primer casete. Después estuve en Sociedad café. Esto a principios del 2000” Los discos que más lo marcaron: Enter The Wu Tang de Wu Tang Clan y el primero de Psycho Realm. Discografía recomendada: Sociedad Café. Emergiendo (Histeria Colectiva, 1999) y The Take Over (Border Brothers Productions, 2010). XVYRUS666 VYRUSINSANO enfermosmentales@hotmail.com

Futbol Mix

Influenciado también por el funk, el trip-hop y el soul, este hip-hopero-beatmaker cuyo nombre real es Humberto López, comenzó desde muy joven a armar sus beats motivado por lo intenso que puede ser expresarse a través de este género. “Tenía como 5 años cuando un tío puso un casete de Beastie Boys”. De ahí en adelante supo que su onda era el hip-hop. Origen: Guadalajara, Jal. Sus productores favoritos: Dr. Dre, Dj Premier, Marco Polo, Dj Quick, Alchemist, Stoupe y Mad Lib. Sus películas favoritas del género: Friday, How High, Kids y 8 miles. Compilados básicos: Lluvia Acida Vol.1 y 2 donde trabaja con mc's del interior de la republica, del Distrito Federal, Sonora, San Luis, Durango, Monterrey, Coahuila, Baja California y Sinaloa. Todo bajo el sello Handiclap Records, del cuál es fundador. Sobre la escena actual del hip-hop: “Estoy muy contento en pertenecer a ese movimiento de gente que se está preocupando en definir una escena sin tantas influencias gringas y europeas”. ¿Qué le hace falta al movimiento de hip-hop mexicano? “Mayor inversión de capital en los proyectos para trabajar con mejores músicos y equipo” /hclap.hcr bial-handiclap @BialHandiclap

TXT:: ALEJANDRO MANCILLA.

Letras sobre la vida cotidiana, experiencias personales y películas de Jodorowsky. Sus canciones son las de un observador urbano y su hábitat citadino: la ciudad de Córdoba, Veracruz, la ciudad de los 30 caballeros. Se trata se un recomendable y neto proyecto que emana de la vida urbana y de los ritmos de la calle, vagones de trenes, tributo a la infancia y beats contagiosos que sirven de colchón a letras honestas. Origen: Córdoba, Ver. Sus influencias: Sugarhill Gang, Dr. Dre y Naughty By Nature. Sobre la escena mexicana: La escena del hip-hop nacional: “está llena de envidia y hay mucho ego, pero la unión hace la fuerza y juntos, podemos darles batalla a argentinos, españoles, colombianos y demás extranjeros que vienen a México” Los primeros discos de hip-hop que escuchó: El vinilo de “Mi Bella Genio” y uno de MC Hammer. Después, un CD mexicano de Sociedad Café y el primero de Control Machete. El mensaje básico de su propuesta es: “Que la vida es sólo una y hay que aprovecharla; hacer lo que nos gusta, ver las cosas como son y decirlas en su momento. C-30 no está en la casa (in da house), está en las calles”. Acoplados: Hip-hop Veracruz Súbterraneo Vol. 1 y 2, Mexunder vol. 5 (a la venta en Tepito) y Hip- Hop Hurra vol. 4 (Fonarte Latino). Discografía básica: C-30 Hip Hop Subterráneo vol. 1 (2008) . (Incluye intro de Claudio Yarto de Caló) y C-30 años (2011) Enfermos Mentales Records. /ctreinta.rap /CUNDER3

Libra pertenece al crew nacional Street Soldiers y al colectivo Rap Society; hace música desde los 90. Es maestra de inglés y un disco que la marcó fue Bone thugs -n- Harmony (The crossroads). A diferencia de muchos de sus contemporáneos colegas más radicales, sus líricas buscan llevar un mensaje positivo hacia la juventud (en éxtasis) y hablar de su problemática, sin dejar fuera el tema de la calle y la crítica social. Un buen proyecto con trayectoria y esencia que vale la pena rastrear hasta el norte. Actualmente trabaja en un nuevo disco, tras colaborar en múltiples proyectos como Rango Bajo, Sub, Funky Bless o Sombras Urbanas. Origen: Delicias, Chihuahua. Influencias e inicios: “Me gustan Public Enemy, Kris Kross, MC Hammer. Comencé a bailar break dance gracias a un primo (Humbert) y a rapear. Comencé a meterme en el Free Style y armar mis primeras canciones.” Del medio, admira a varias chicas: Lauryn Hill, Anita Tijoux y a JH de la Mexamafia. Sobre la escena: “El movimiento sigue creciendo, pero no como todos quisiéramos, sobre todo por la falta de recursos. Sobrevivimos y me da gusto que sea de manera independiente”. Temas recomendados: “No podrías juzgarlo”, y su maqueta del 2008 “Controlando el género”. Alguna vez fue parte del grupo: DESTRUKTOREZ. @BGIRLIBRA Libra Venegas bgirlibra libra444

www.marvin.com.mx

PRO

nacido en la localidad de Harlem, Rakim mayers, a quien actualmente conocemos mejor como A$AP Rocky lanzó en octubre del año pasado su mixtape LiveLiveA$AP; material con el que pudo salir de esa sombra, bajo la que se encontraban varios talentos del rap, provocada por el impacto que Tyler, The Creator y su Odd Future habían causado en la escena del hip-hop gracias a su esperado material LP Goblin. mayers orquesta el colectivo A$AP mob, fenómeno global que logró rápidamente llamar la atención de los jóvenes que no se conforman con cualquier rima o sampleo. Los seguidores de A$AP Rocky están acostumbrados a escuchar una lírica inteligente, una serie de finos sampleos y en general un sonido naturalmente hipnotizante. Sencillo tras sencillo, este joven ha demostrado que tiene todo el swag a su favor. A sus 23 años, A$AP Rocky se ha transformado en uno de los íconos más prometedores de la industria musical alcanzando millones de visitas en sus videos “Peso”, “Purple Swag” y el recién lanzado “Goldie”. Ciudades como Londres, Paris o Berlín, así como festivales como Coachella y SXSW, han recibido con los brazos abiertos a este fiel representante de la esencia de nueva York. Ya sea colaborando con raperos como Schoolboy Q y Swizz Beatz, productores como AraabmuZIK, o la controversial artista pop Lana del Rey, Rocky siempre sabe como inclinar la balanza a su favor. A mediados de este año, se espera el lanzamiento de su álbum debut titulado LongLiveA$AP, un disco sin pretensiones; basta con escuchar su primer sencillo “Goldie” para darse cuenta de ello. Los medios le tienen los ojos puestos encima, las disqueras quisieran firmarlo, los raperos colaborar con él y los promotores traerlos a su ciudad. el futuro pinta bien para este joven que hace tan solo un año parecía inofensivo. Hoy A$AP Rocky es una bestia que busca conquistar el mundo. Habrá que esperar, pero no cabe la menor duda que este neoyorquino tiene la formula para seducir a una exigente escena. Larga vida a A$AP Rocky. T X T: : L A LO R OjA S .

Futbol mix

CONTRA

A seis meses del fin del mundo, ¿qué tan necesario es otro rapero afroamericano con dientes de oro tratando de vivir el sueño americano? ¿A qué responde un proyecto como A$AP Rocky en tiempo de caos, en tiempos de Occupy Wall Street y #YoSoy132? A$AP Rocky es hip-hop bien hecho, con mucho flow y swag pero que probablemente no llegue más allá de un par de álbumes; si bien es mucho más propositivo que Lana del Rey, tampoco se acerca a la fineza de beats y rimas que OFWGKTA ha puesto en el mapa. Si hicieramos una comparación injusta diríamos que A$AP Rocky es el nuevo 50 Cent y OFWGKTA son los nuevos Dre, Dogg y amigos. Sus presentations son aburridas y sin mucho chiste (como pude ver en SXSW y Coachella): nada más que un nigga sobre el escenario rapeando encima de pistas. Claro, así es el hip-hop, pero Rocky carece de gracia sobre la tarima; mucho músculo y pocas ideas. "I'll be that pretty mutherfucker", ¿Acaso hay ago más ególatra que el hip-hop promedio? Sï, A$AP Rocky TXT:: emmAnueL CORTeS.

La música como una odisea múLtipLe

Revive #Marvin12 en www.marvin.com.mx/festival12

T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

urante los días previos a la realización del festival #Marvin12 (el sábado 19 de mayo) leía La Generación Beat, el libro de Bruce Cook sobre el movimiento norteamericano que agitó a la cultura y el arte contemporáneo. En sus páginas se recopilan algunas de las grandes fiestas en que se convertían sus lecturas y se reivindica además la palabra “hipster”, que hoy se retoma fuera de contexto. Tras los beatniks vendrían los hippies y tantas otras formas de cultura urbana; con sus respectivas ideologías y formas de entender la fiesta y el delirio. Jack Kerouac moría en 1969. ¿Cuántas

Austin TV / CinEspacio 24

maneras de conceptualizar y vivir las celebraciones habrán pasado? Marvin optó por un eslogan para la conmemoración de sus 100 números y 11 años de vida que parecían darle la vuelta a aquella línea de los Rolling que decía: “Es sólo rock and roll… pero nos gusta”. Una revista mexicana dedicada a las múltiples formas de la cultura actual elige decir: “No es pose… sólo es música”. Y es que en los tiempos que corren no se puede hablar de una música dominante. Existen muchas variantes y subgéneros asentados sobre el presente y que por ello merecían estar representados en una iniciativa independiente que busca animar

Carla Morrison / Caradura la experiencia sensible de la música en una de las ciudades más grandes del mundo. Marvin se atreve a reflejar sus ritmos, a marcar la cadencia para celebrar que, pese a todo, seguimos tirando para adelante. Ciertamente el grupo de amigos elegido para sumergirme en la experiencia era ecléctico, por decir lo menos. Diseñadores, una abogada, un baterista convertido en empresario, un especialista en folklore mexicano y hasta alguna apasionada seguidora del pop. Pero lo importante es que por muy diferentes que fueran los gustos de mi grupo surrealista, cada uno tenía entrevisto hallar una propuesta que le calara hasta los

huesos. Iniciamos nuestro recorrido con una cerveza de por medio y la final de la Champions League, la cual se podría difrutar en distintos restaurantes del circuito #Marvin12. (La Pacífico, Barrio Del Mar, Santino y La Burreria, cada uno con promociones Ballantine's). Era un día para los verdaderos héroes; mientras Didier Drogba se prodigaba en Munich, salimos para quedar perplejos ante la inmensa fila para entrar a ver a Carla Morrison. Fenómeno que se duplicó en el CinEspacio 24 antes TV de la presentación de Austin TV, banda incapaz de decepcionar a sus fans o de dejar de sorprender a los que aún no lo son. Si

Antoine Reverb/ Pata Negra Mompox/ Pata Negra

Mostro/ Pata Negra hablamos de hacer nuevos fans hay que citar la presentación de Troker en Péndulo Roma, Foro del Tejedor. Al caminar unos pasos del Caradura, donde Carla tocó para los cuantos afortunados que alcanzaron entrar, nos encontrábamos con la presentación de Mompox, llegados de Argentina al escenario #Marvin12 del Pata Negra. Imaginábamos una oferta más folk –con metales incluidos- pero el grupo ha virado hacia un sonido más electrónico, muy en la línea de los chilenos Astro. Así las figuras rítmicas se quebraban, los sintes trazaban siluetas sinuosas y una peculiar variante de tecno pop. Aguardamos por Los Mundos para que nos devolvieran la fe en el rock nacional. Guitarrero, ponchado, machacante. Se trata de un proyecto paralelo de Luis (Piyama Party) y el Chivo (En Ventura y The Volture, donde comparte créditos con Maurizio Terracina, quién se encarga de la batería en Los Mundos) que horas después estaría en esa aplanadora que es The Volture, su banda principal. Monterrey y el resto del Norte están de vuelta. Un set con harto punch. Llegaba el momento de tomar decisiones. ¿Moverse o aferrarse al Pata negra? Hay que reconocer que Uriel Waitzel tiene un toque magistral para elegir grupos. Apenas un día antes del evento en un espacio de Ibero 90.9 recomendaba a Mostro como el verdadero plato fuerte del elenco. Y vaya que tenía razón, pertrechados tras batería y teclados lograron armar una atmosfera explosiva. La pareja de músicos se mantiene en las bajas frecuencias, ritmos complejos –tan cerca de Battles– y mucha energía.

The Volture / CinEspacio 24

Troker / Péndulo- Foro del Tejedor

Los Mundos / Pata Negra

Salón Covadonga

Agrupación Cariño / Pata Negra

Nunca tienen que coquetear con la electrónica comercial, se quedan con lo suyo (que hasta nos puede remitir a Animal Collective). Y ya instalados en la experimentación, los tapatíos de Antoine Reverb entrecruzaron indie con piscacha de vanguardia. Lo suyo continúa en una etapa de desarrollo y requiere de oídos muy atentos a las expresiones menos comunes. Como también había que complacer al personal femenino que siguió Soy tu fan, nos unimos a la marabunta de seguidores de Agrupación Cariño. La cumbia y otros ritmos tropicosos reclaman un sitio entre las nuevas generaciones. El sitio se puso a reventar, vibrando con ese mar de voces que se desgañitaban: “Espero que te acuerdes de mi”. Los hicieron regresar al escenario y no fue suficiente… todavía sus incondicionales querían más. Todo marchaba a punto y había que moverse para llegar a Atlas Sound en la Cantina Covadonga. ¿Quién diría que la gran sorpresa del día nos esperaba en la camioneta del #AventonBreak, que ayudó a trasladar a los asistentes? Y en su interior se llevaba a cabo un curiosísimo convivio intergeneracional, haciendo del recorrido un karaoke alucinado. Gente feliz fiestando a tope. El micrófono abierto servía para que los vecinos se sorprendieran con ese combo improvisado que no dejaba de soltar frases llenas de humor, mientras las coloridas camionetas recorrían las calles. De pronto me sentí en el autobús con el que los Merry Pranksters recorrían la California de los sesentas. La música me sumergía en un viaje a través del tiempo. Afortunadamente para todos aquellos que no lograron asistir al festival, la transmisión en vivo a través de Ibero 90.9 permitió que la música de las calles y escenarios #Marvin12 llegará a oídos a kilómetros de distancia.

Transmisión especial por ibero 90.9

#AventonBreak

Galería al Aire Libre / Alfredo Lázaro "El topo" Y como si esta fiesta rodante y caminada no fuese suficiente, las promociones que Ballantine’s tuvo a bien poner en los distintos foros no hizo más que mejorar y engrandecer la experiencia del festival, y la cereza de pastel fue, sin duda, el vaso conmemorativo que cerveza León regaló en promoción, y que podía encontrarse en centenas de manos al recorrer los distintos foros. Sin embargo la fiesta no lo fue todo en #Marvin12, el arte y el cine tomaron las calles. La galería de arte urbano al aire libre, a cargo de Proyecto Estación, coloreó el paisaje con esculturas de Alejandra Zermeño y Abraham Illescas, y con pinturas en gran formato de Alfredo Lázaro “El topo”, Argeo Mondragón y Enrique Garnica, mostrando obras tradicionales en un contexto urbano. Por otro lado, en el Parque España, el festival Internacional de animación CutOut Fest se encargó de proyectar cuatro series de cortos animados, todo cerrando la experiencia de música, cine y arte de #Marvin12. Esto ya no era una celebración pequeña. La explanada de El Plaza se colmó de gente, incluso horas antes de la presentación de Bengala y The Boxer Rebellion, ésta última encargada de cerrar el foro más grande de #Marvin12 con una presentación memorable.

Galería al Aire Libre / Alejandra Zermeño

Ballantine's

The Boxer Rebellion / El Plaza Condesa

Bengala / El Plaza Condesa

El Festival Marvin rebasaba las expectativas. Había demasiadas cosas que ver, y los valientes que aceptaron el reto all originals de adidas, lograron –a expensas del sudor y cansancio– ver casi todas las presentaciones, en busca de elusivos sellos que al juntarse podrían ser canjeados por playeras y gorras autografiadas. El festival se mostraba enorme y vibrante. Así me lo decían mis compañeros, pero todavía no imaginaban que Atlas Sound los trasladaría a otra dimensión, viaje que inició en la presentación de I Can Chase Dragons! Cuando el momento llegó de ver a Bradford, un tipo muy alto, desgarbado; como si fuera un flaquísimo Elvis mutante creando atmósferas etéreas llenas de encanto y misterio, quedo muy claro que no se trataba de un tipo sólo con una guitarra y harmónica. Un lugar que siempre es una cantina para jugar al dominó se llenaba de una maraña sonora que casi colgaba del humo que salía del stage. El tipo genera en directo sus propias secuencias, las graba y luego las suelta para acompañarse. Mostró brío y una elegancia superlativa. ¿Alguien podría dudar de la gran calidad de este proyecto alterno del líder de Deerhunter?

Atlas Sound / Cantina Covadonga

I Can Chase Dragons! / Cantina Covadonga

Alfonso André/ Salón Covadonga

Matilda Manzana/ CinEspacio 24 Aun sabiendo de la gran convocatoria que Alfonso André y Dapuntobeat tendrían en el Salón Covadonga; tuvimos que honrar a la amistad y dirigirnos al Cinespacio 24 para la presentación de Matilda Manzana, una oferta de electropop hecha por un casi adolescente y que tan bien han acogido en la revista poster Combo. En el previo, hubo oportunidad de sorprenderse con la gran calidad de audio de Fernand. Su intervención sonó impecable y hasta hacía bromear: ¿Quién invitó a Interpol? Sin duda una de las mejores presentaciones fue la de Crocodiles, a quienes Robota les dejo un escenario más que caliente, perfecto para su rock aceitoso de guiños a Jesus and Mary Chain, que hizo del Salón Covadonga un lugar donde el noise y el post punk, lo inundaban todo. Valga subrayar el lujo que resulta ver bandas de este tipo, en foros íntimos que invitan a sentir la banda. Para tristeza de todos los que deseábamos que ese chill wave de Matilda Manzana sonara igual de bien, resultó que la tecnología no tiene palabra de honor. El chico se quedó sin teclado y secuencias. En vez de claudicar trató de seguir con versiones acústicas. Nuestro fin de fiesta llegaría con el esperado After Party. El salón Covadonga se llenó de buenos amigos; de gente que quiere bien a Marvin y que bailó y soltó su resto con los dos

Dj Aztek / After Salón Covadonga

Robota / Salón Covadonga Dj´s destinados a poner punto final a una celebración en toda regla. A Dj Aztek –quien antes se presentó en la Mezcalería Mil Amores con La Vieja Guardia y demás talento de hip-hop, como Dj Alí– le correspondió el cerrojazo y él no conoce límites: Nirvana puede ligarse con Michael Jackson. Su gran capacidad técnica le permite hacer lo que le dé la gana. El hombre nos condujo hasta el paroxismo. Marvin hizo posible que su concepto de festival se oxigenara y creciera, logro que no puedo haberse alcanzado sin la ayuda de nuestros patrocinadores; Pepsi, que además de refrescar a los asistentes sumó beat box al cartel y dominadas a las calles del festival, Ballantine’s que nos dejó ver la final de la Champions con whisky en mano, y cerveza León

Crocodiles / Salón Covadonga

Futbol Mix

que nos consintió con inspiradas promociones. Ecobici, y Break que sin duda facilitaron el traslado y Sony que trajo tecnología a #Marvin12. Y La Ostra que desde hace mucho apoya a Marvin en todos sus proyectos, sin importar lo descabellados que éstos parezcan. Del mismo modo Central Once, que estuvo presente con contenido y difusión, fue fundamental para el éxito del festival, afirmación que se extiende con fuerza a la participación de nuestros medios aliados: Ibero 90.9, Reactor 105.7, RMX, TimeOut, LifeBoxset, Me Hace Ruido, El Fanzine, Rockets, Cine Garage y Los Amateurs. Existió una convivencia total entre gente distinta pero que ama la música. Es una fiesta para transeúntes en una Ciudad de México que se reinventa. Este proyecto tiene al futuro completamente de su lado. Después de todo, ¿qué son 11 años y 100 números para la más joven de las revistas? Seamos realistas… sigamos haciendo posible lo imposible y poniéndole además música. M

GRACIAS A Tamaulipas No. 30 Col. Condesa

Nuevo León No. 73 Col. Condesa

Álvaro Obregón No. 96 Col. Roma

Álvaro Obregón No. 185 Col. Roma

Juan Escutia No. 4 Col. Condesa

Yucatán No. 34 Col. Roma

SALÓN COVADONGA

CANTINA COVADONGA

Puebla No. 121 Col. Roma

L L A E H 2 C A O C knOws HOw tO pArty… wE 0kEE1p 2

rniA O f i CAL

T X T: : J uA n C A R Lo S H I DA Lg o. F O T : : D A n I E L PAT L á n .

it rO Ckin ’

¿Para qué via jar 2,752 kilómetros desde la ciudad de México hasta Indio? ¿Se obtiene algo que supere la diversión pasa jera acaso? Para quien ame la música siempre habrá oportunidad para descubrir cosas nuevas, para tener una experiencia que hermane los sentidos con la mente.

a libertad de espíritu y la energía desparramada durante un concierto no es un asunto exclusivo de generaciones o edades. Aunque no puedo hablar por los miles de viajeros que se reunieron en Coachella 2012 durante su segundo fin de semana (se dice que juntando las dos semanas se rebasó el medio millón de asistentes), sí puedo intentar recrear la sensasión del grupo con el que viajé, gracias a que Marvin y Swatch hicieron posible el encuentro de gente muy distinta, pero apasionada de la música. Los cuatro jóvenes ganadores de nuestro concurso web apenas rebasan los 18 años, de manera que buscaban comunicarse con bandas que han marcado a su generación, es decir, bandas como Arctic Monkeys, Kasabian o los Kaiser Chiefs. Por otra parte, el cubil de los periodistas persiguía distintas tesituras, por ejemplo,

Beat&Ball

Daniel Patlán se desplazaba tras las propuestas más afectas al ruido. Aunque pude acompañarlo para ver el performance político y estridente (poco concurrido) de Atari Teenage Riot; él se fue solo a Godspeed! You Black Emperor, un reencuentro para conocedores de la vanguardia. Mientras tanto, Tony Romay se afilió a las huestes del guitarreo, y después de ver juntos cómo las chicas de Wild Flag le dan durísimo y con sensualidad, se fue a punketear con los Buzzcocks, de quienes luego de ver en México, aún no tenía suficiente. El grupo de viajeros de este año se completó con Anna Stephens, locutora de Ibero 90.9. Con ella compartimos esa cita con la historia que representó la cumbre de raperos convocada por Snoop Dogg y Doctor Dre. Seguramente, Norman Mailer baila de gusto en su tumba al confirmar que la tesis que de

su libro El Negro Blanco, hoy se confirma a través de un fenómeno interesante: miles de blancos que quieren ser negros y viceversa. Al menos ahí, una mayoría de anglosajones cantaba de memoria y con feligresía los combativos alegatos salidos del ghetto. Aunque me mantenía escéptico, debo decir que el show me pareció tremendo, con un sonido monstruoso de verdad; una producción –que remite a una planta eléctrica– impresionante, además de que la tecnología hizo posible un holograma de Tupac Shakur que dejó impávido al público. Evité ver cualquier otra presentación del fin previo, de manera que la aparición de Eminen me sorprendió sinceramente. Espero que el hip-hop se deslinde de lo gangsta; que sus heridas hayan sanado y los muertos descansen en paz (también tributaron a Nate Dogg). Encontré este concierto

como una forma de buscar la reconciliación y la convivencia. A ello contribuyeron 50 Cent, Wiz Khalifa, Kurupt, Kendrick Lamar y algunos otros; no en vano citaron “Jump Around” de House of Pain, una canción hecha por un grupo de blancos al que hace años le restaban cualquier mérito. Al momento de tocar “California Love”, mencionaron ciudades de la Costa Este –como Filadelfia y Washington– e igual agradecieron a la gente del Medio oeste y el centro, reivindicando al hip-hop como algo norteamericano por igual, para todo el país y toda la gente: blancos y negros. Tomando en cuenta lo anterior, Radiohead –de altísima calidad– se queda un pequeño escalón abajo. Lo suyo ha evolucionado de tal manera que quizá no lo entienda toda la gente; no es rock puro, ni completamente electrónico; es un amasijo crepitante y algo abstracto que abre la puerta hacia otra dimensión. Del viejo repertorio apenas hicieron dos concesiones: “Karma Police” y “Paranoid Android”. Quizá es estricta apreciación personal, pero un momento cumbre a plenitud fue el de Bon Iver, Justin Vernon casi conforma una orquesta, suma varios metales, percusiones,

teclados y más guitarristas. De hecho, “El gigante de ébano”, además de tocar teclados y percusiones también le da al trombón. Todas sus canciones se maximizan en vivo, poseen mayor punch, lo que sublima ese toque sentimental; incluso los más jóvenes del equipo –los ganadores del concurso– se vieron impactados por el descubrimiento de un artista mayor. otro punto cercano al clímax total llegó con tUnE-yArDs, la chica nativa de nueva Inglaterra –radicada en oakland durante un tiempo– que hace sus bases rítmicas en vivo, las graba y crea sus loops. Su bajista juguetea con maestría, mientras un par de saxofonistas hacen malabares casi disonantes al más puro estilo be bop, acompañando las múltiples voces que suelta Merrill Garbus, que sin desplantes de diva mantiene la inquietud de una creadora arriesgada y llena de frescura. En Coachella no paran las maravillas. El mismo viernes tuvimos a un James que domina las posibilidades del pop británico, que luego fue catapultado al futuro por unos jovencísimos WU LYF. Los de Manchester contaron con público cómplice y soltaron sus gritos llenos de rabia amorosa.

Ellos –como tunE-yArDs– recalcan que existe un gen primitivo en su música que nos devuelve al origen africano. Apenas unos minutos después, Pulp nos llevó a la gloria. Con letras que reivindican a los perdedores, a la gente común; himnos para quienes crecieron entre la crisis eterna y la nulidad de futuro, Jarvis Coker es una suerte de Oscar Wilde del pop. Ironía y sarcasmo aplicados al colapso del capitalismo. Aunque todo se venga abajo, todavía podemos bailar en la “Disco 2000”. Cocker reunió a sus viejos colegas –los que apenas gozaron del éxito– y con ellos hizo versiones alucinantes de “I Spy” –con cámara de video incluida– y “Do You Remember The First Time”, la canción que abrió el set. A la escenografía futurista de Amon Tobin, llena de sofisticados visuales, le sobró minimalismo musical. Más interesante fue ver cómo The Horrors sacó la casta ante un público escazo –cerrando la carpa gobi el viernes– mezclando el krautrock con la sicodelia. Justo ese día Mazzy Star marcaba un retorno apegado a la lentitud y el misterio: “Fade Into You” sigue siendo su mejor carta. Los Kaiser Chiefs no hubieran logrado nada si su cantante no se hubiera colgado de la torre de la cámara de TV: hay que ponderar su arrojo. En la misma jornada confirmamos que St. Vincent se encuentra en estado de gracia; Annie Clark toca muy rudo la guitarra y se dio tiempo para cantar en una canción del turno de Andrew Bird. De Azealia Banks, cuya fama crece vertiginosamente, me quedo con su cover a capella de “Valerie”, misma que Amy Winehouse tomó de The Zutons por recomendación de Mark Ronson. Confirmamos también que Destroyer, el proyecto de Dan Bejar de The New Pornographers, hace un pop barroco no apto para todos, pues gira en sentido contrario a lo que hacen The Shins, ídolos indie de un potencial masivo. Sobre lo peor que vi o algún descubrimiento inesperado podría decir lo siguiente: The Sheepdogs me parecieron muy malos –como banda de bar de mala muerte–, mientras GIVERS, que no conocía para nada, me

dejaron prendado de su intensidad indie y personalidad desparpajada. Ahora sé que son de Lousiana. Pero nada me decepcionó tanto como The Weeknd: su visión del soul es hiper cursi, llena de melcocha y lugares comunes. Lo suyo produjo aburrimiento y ratifica que es un tipo inflado por los medios. Neon Indian estuvieron brillantes, mientras les caía el sol a plomo se pusieron más bailables y bizarros; lo mismo que Girls, que en su revival oldie hicieron bien en sumar a un trío de coristas negras que le dan charmé de sobra. Y podríamos seguir con los contrastes: a Santigold le sobra inteligencia y sus nuevos temas son igual de candentes que mutantes, su concepto va más allá del hip-hop convencional. Pero confieso que no entiendo el escándalo por el regreso de At the Drive-In. grupos pesados como ellos hay muchos y la guitarra de Omar Rodríguez nada más no se siente –al menos los que no están en The Mars Volta se preocupan por tomar el protagonismo–. A Real State los encontré planos y sin matices, llenos de clichés indie y carentes de la imaginación que le sobra a Wild Beasts –con ese cantante tan agudo–.

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En Marvin ya lo habíamos anticipado: Beats Antique son geniales. Con una bailarina de belly dance, bases y secuencias programadas, clarinete, banjo y percusiones, logran que la música árabe se encuentra con la electrónica. Sin embargo, araabMUZIK jamás comprendió que esto no era el Mutek, su show fue clavado, denso y desdibujado. Quienes asisten a la carpa Sahara arman otro festival. A ellos les agrada el techno comercial de David Guetta y viven en el éxtasis. Es la carpa que más producción tiene –incluye un techo lleno de pantallas– y sólo asistí para ver a LA Riots, Dada Life y Martin Solveig. Siempre que llegué al escenario más distante, el sitio estaba atascado y con clubbers llenos de frenesí.

Beat&Ball

Algo que se trasladó al escenario principal –el Coachella– cuando los más rockers del electro que son Justice, se dejaron ir con un show brutal, sucio, llenos de riffs y bailable hasta la muerte. Algo similar a lo que casi a la misma hora lograba Girl Talk en el llamado outdoor Theatre con su enjambre enloquecido y rapidísimo de mezclas. Acompañado por una muchedumbre sobre la tarima.

Me reservo para el cierre de este recuento la maravillosa intervención de The Big Pink en el Mojave. Agregan a un bajista casi adolescente, una baterista que le da durísimo y está muy guapa, aunada a un morenazo en la laptop. La pareja original se encarga de guitarra, teclados y otra computadora. En directo son muchos más ruidistas y llenan de texturas las canciones. Abrieron con “Stay gold” y se fueron con “Dominos”, dejándonos con deseos de mucho más. Con honestidad les cuento que a The Vaccines, The Black Lips y Wolf Gang todavía les falta para alejarse de esa especie de amateurismo que los lastra. Los elementos que usan son demasiado simples y faltos de carácter propio. En su lugar me quedo con Yuck y The Dear Hunter. Ambos en crecimiento como esperanzas norteamericanas del rock. En las líneas finales aprovecho para apuntar que Hello Seahorse me encantó; la búsqueda de nuevas fórmulas rítmicas es muy valiosa –aunque muchos no la entiendan ni acepten–. Su set lució elegante y sobrio en el Coachella Stage. Lo mismo que una incandescente intervención de los Arctic Monkeys, quienes con look de chicos teddybears –copete, chamarra y camiseta blanca– arremetieron con un prendidez total y una capacidad instrumental prodigiosa. Regresé convencido de que nuestro tándem funcionó de maravilla. Aun quienes padecemos del mal del periodismo nos llevamos muy bien con los fans incondicionales de los grupos. Juntos testificamos que vimos historia musical en estado puro y que nuestras respectivas pasiones fueron sumamente recompensadas. ¡Larga vida al Coachella! Y gracias totales a Marvin y Swatch. M

La perspectiva de un periodista nunca será como la de un músico. Por eso, el nacimiento de esta sección, en la que un músico mexicano entrevista a otro extranjero, resulta sumamente oportuno.

A EVISTA ENTR OZ DE BUZZCO RA Y V CK R A T F O T : : D A N I E L PAT S GUI L ÁN

No sabemos si el ping pong es un deporte para punks, pero, ¿a quién le importa?, aquí tenemos una entrevista de Joe Volume a Steve Diggle, un par de punks despotricando contra los realities y el indie. Joe Volume: Creciste en Manchester en el 77, ¿cuál sientes que era la diferencia de Buzzcocks con las bandas de Londres? Steve Diggle: Obviamente teníamos la actitud de Manchester circulando con nosotros, la cual es muy diferente (a la de Londres). De cierta forma, creo que es un poco más interno, es decir, se refleja desde el alma, no desde el exterior. Teníamos todo este equipaje guardado dentro y creo que la gente se puede identificar con eso, cuando cantas acerca de ello. JV: ¿Cómo fue trabajar con Martin Hannett antes de que fuera el "Phil Spector de Manchester", cuando era un tipo que sabía un poco de producción? SD: Creo que sabía incluso menos de lo que pensábamos. Pero era parte de ese espíritu de que cualquiera podía hacer cosas. La actitud era: “Vamos a ver qué sucede, sólo hay que sumergirnos, vamos a lanzar el dado”. Martin era así, era un desmadre y aunque no sabía lo que estaba haciendo, consiguió un sonido impresionante. Entonces funcionó desde la obscuridad: sin saber que hacía creó un poco de magia. JV: Spiral Scratch fue el primer disco punk lanzado de manera independiente Do It Yourself. ¿Cómo puedes comparar la estética DIY con los tiempos modernos, cuando indie o independencia son sólo palabras que se arrojan al aire? SD: Hicimos Spiral Scratch así porque nadie iba a firmar ese tipo de música. Era tan fuerte y diferente.

Futbol Mix

JV: Entonces crearon su propia disquera New Hormones... SD: Sí, originalmente costaba 500 libras hacer el disco, entonces pensamos: "¿Por qué no hacerlo nosotros y dárselo a quienes lo busquen?". Desde el principio comenzó a gustarle a muchos y por ello seguimos haciendo más y más. Pero fue algo totalmente independiente. Se vendieron 16,000 copias. JV: De hecho, la foto de la portada fue tomada por su manager Richard Boon. SD: (Risas) Fue tan indie que sólo teníamos dos shots para la portada. JV: ¿Qué piensas de las alianzas entre el mundo corporativo y las marcas que usan la música "independiente" de peldaño para llegar a más gente? Parece ser un atajo para vender la misma mierda. SD: Claro, la realidad es que ahora es muy difícil con iTunes y lo mal que está la economía. La mitad del tiempo, las casas disqueras no pueden apoyar a las nuevas bandas, lo cual es un efecto de la "máquina de embutidos" porque no existe la garantía de que vayan a vender millones. Y eso esta mal. Lo que hicimos

hace años con la independencia era algo necesario, la gente tiene que retomarlo porque, sinceramente, nada se gana a través de estas prácticas corporativas, el interés es hacia otros discos y artistas, los ejecutivos de MTV tienen los ojos vendados. Ahora tenemos todos estos reality shows y los jóvenes creen que eso es rock n’ roll. (Sic. En este momento noté una cara de verdadera preocupación en el rostro de Steve Diggle) JV: Como The X-Factor. SD: ¡Exacto! ¡Shit! como X-Factor, ha de ser horrible crecer y creer que eso es rock n’ roll. JV: ¿Te imaginas si alguien quisiera cantar "Ever Fallen in Love" en The X-Factor, lo permitirías? SD: ¡Fuck no! No quiero mi pinche canción ahí. JV: Yo tampoco, la verdad. SD: Por suerte hemos sido hábiles para mantenernos fuera de ese tipo de cosas. Es una muy mala influencia para los niños, ¿sabes? Buzzcocks era acerca de las raíces, fuera con Spiral Scratch o cualquier disco. Los jóvenes de hoy sólo quieren ser famosos

y poner una mierda afuera. No tiene sentido. Están diluyendo la vida, la vitalidad, la emoción, lo poderoso de la música. JV: ¿Qué le diría un verdadero punk-rocker del 77 a alguien que esté empezando una banda? SD: Tienen que asegurarse de tener un alma fuerte. Debes aferrarte a tus creencias y a veces, eso es como caminar por un pantano. Debes cuidarte porque puedes volverte loco tratando de llegar ahí, ese viaje puede mandarte fuera de límite. Necesitas resistencia para aguantarlo. Una cosa es aprender a tocar, pero necesitas saber cómo lidiar con todo, incluso a sobrevivir para que te puedas subir al escenario y tocar con todo lo que tengas. Es una gran montaña que escalar y creo que la llave es saberse cuidar y mantenerse concentrado. JV: Entonces, ¿esos son los dos juegos en el "Rock'n Roller coaster"? SD: ¡Absolutamente! Estamos en buena compañía, ¡Ian Curtis! Tienes que hacerlo por la música, no por una ganancia personal. M

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íTico L o P ión De orig minac: : D A N I E L P A T L Á N . en: imS o n T FO De

el clima político está en todo, Twitter se volvió herramienta de rebelión, la edecán del iFe –de un momento a otro– se ganó un lugar en la cultura popular mexicana, y si hiciésemos un recuento de videos en YouTube de Peña nieto, Josefina y amLo, podríamos llenar toda la revista. Sin embargo a muchos puede sorprenderles encontrar ese tono en el nuevo disco del imS, y es que a pesar de que este proyecto siempre ha retratado la realidad mexicana, suele hacerlo lúdicamente y con tono cumbianchero. ahora en este material, se nota una vuelta en el discurso, o mejor dicho una definición del mismo. marvin platicó con camilo Lara. Es un manifiEsto, no un disco dE silvio RodRíguEz

Político es un disco diferente. Venía de hacer cumbia y baile, pero incluso en el disco pasado ya había un par de tracks que daban pie al disco nuevo, como “Locatel” y “Hiedra Venenosa” que ya traían otros samplers, un poco de garage, sicodelia, punk y surf. Quería cambiar de sonido, llegó un punto donde todos tenían un proyecto de cumbia, y me pareció que era momento de avanzar, de hacer algo con otras raíces". Empecé a escribir y salieron temas fuertes: rebelión, destrucción, dinamita… y al final, ya haciendo la depuración del disco, me di cuenta de que se trataba de un conjunto de canciones politicas. No quise que fuera un panfleto, no es un disco de Silvio Rodríguez, pero sí es un manifiesto, mi visión de las cosas, de México, de lo que está pasando en el mundo. Tenía canciones que eran más punk, (“Estoy especulando”, “México”, etc.) y cuya grabación era más lo fi, y esa es un poco la idea del disco;

Futbol Mix

está armado en ese orden –siete canciones sin espacio entre ellas, que corren en 10 -15 minutos– para ser un mazazo en la cabeza. Después se relaja un poco, casi como un lado A y B, despues de las primeras siete, se pone más dreamy y termina con “Un tipo raro” y “El jefe”, que mantienen la fuerza, pero de un modo distinto. A mí me gustan los discos que te llevan de principio a fin y te cuentan una historia, no necesariamente tienen que ser una ópera rock (risas).

El clima no dEja dE dEcEpcionaR

El sencillo (“México"), curiosamente, salió después del debate, no fue intencional, sin embargo tuvo un impacto en cómo la gente recibió la canción. Todo el mundo está muy polarizado, por ejemplo en el vive latino use la playera del smE con el logo del IMS, y hubo gente que lo tomó mal, pensó que me estaba burlando y en realidad era un homenaje a las luchas sociales. Pero bueno, eso quiere decir que la gente está muy enojada, hay un ánimo muy espantoso. En particular después del debate, a mí en particular me parece que, como lo dijo el tuit más popular de la noche, México fue el que perdió. Pero en realidad perdió desde tener a esos tres candidatos; regularmente o idealmente, en una elección tienes un candidato con el que te sientes más cercano. En éstas, el mexicano en general está desilusionado y todo le parece triste y desalentador, pues vemos en el debate el reflejo de cómo va a ser el México del mañana: o atrapado en una ultra derecha o en una izquierda que no es la ideal.

la música como cuEstión política y vicEvERsa

Me llena de furia que se tenga esta percepción de que la música ya no es social, me parece que pensar eso es tener poca consciencia histórica. Esta idea de que antes se tenía más contenido social es una mentira. Ahora hay muchos grupos activistas y con discursos, como los de abajo o liber terán; en los ochentas había bien pocos grupos que estaban haciendo eso. Si oyes a juan cirerol, hay mucho más contenido en sus letras que en las de los amantes de lola o Kenny y los Eléctricos. También hay libros interesantísimos donde se habla de toda la frivolidad que hay en la música, que también está bien. Si esta es una generación apartidista y apolítica a la que le interesan más otras cosas, está bien, para eso hay diversidad de opinión. Y si realmente quieres un discurso políticamente muy activo, mejor escribe un libro o manifiéstate en las calles. La música debe tener ese contenido, como una película o cualquier arte, pero no todo puede ser tarkovsky. También es cierto que cuando el contendido es más grande que la música, ésta se vuelve horrible.

golpEaR a la caja

El beatbox tiene un problema de origen, y es que en la cadena alimenticia del hip-hop está el rey rima, el graffiti, el breakdance –un poco más abajo– y el beatbox al final, esto pasa ya que es súper efímero, y se vuelve un acompañamiento. Para mí el mejor, y único beatboxer que logró traducir eso a un disco es Razel, que es de los tipos más increíbles de esta técnica, además se volvió un músico, dejó de hacer sólo efectos. M

Ba r r i o en eL o eS o” / @Frasko

r “Frask rez eg r o Pé c nes. s o i i c ucc De an rod Fr e P

T:: trec TX T:: FO

Desde hace más de 15 años, akil ammar construye su carrera dentro de una de las escenas menos valoradas en méxico: la del rap/hip-hop. no obstante, la cantidad de seguidores se ha multiplicado a últimas fechas; basta notar que su fanpage de Facebook cuenta con más de 93,000 likes. Tres años después de Réquiem –nominado a “mejor disco de rap/hip-hop” en los imaS 2010– llega Postdata, cuarto álbum de estudio editado por indiegente y distribuido por Dragora records a lo largo y ancho de toda la república mexicana.

esde la gente involucrada, pasando por los artistas que colaboraron, hasta las fotos y el arte final del disco, Akil considera que Postdata representa su mayor orgullo discográfico hasta la fecha. Para él todos los álbumes son como un adiós, lo cual explica el nombre homónimo del track 17: “me gusta pensar que cada disco es el último, no sé por qué”. Dentro del espectro de subgéneros existentes en el rap/hip-hop, no es tarea fácil describir lo hecho por Akil, ya que la variedad rítmica y temática de su obra es muy amplia. “No me gusta encasillar mi rap en cierto concepto. No es consciente, ni reflexivo, simplemente puedo decir que lo que hago es muy sincero. Escribo de cosas que me pasan, cosas que veo. Son asuntos que me afectan

[…] temáticas un tanto sociales, de amor, de amistad, estados de ánimo, tristeza. Siempre hay un poco de todo”. Según Akil, algunos temas del disco ya tenían rato cocinándose, “llevaban un par de años en la libreta. Los fui puliendo, trabajando musicalmente. Cada tema tiene su por qué, su etapa, su circunstancia, su ambiente”Dentro del amplio rango de matices del disco, llama la atención la colaboración con una cantante chilena que en el último año ha tenido gran presencia en diversos medios especializados mexicanos. ¿Por qué colaborar con javiera mena? Universos paralelos se encontraron en la canción “Un día contigo”, de la que Akil comenta: “Soy fan de su música desde

hace un tiempo. La conocí aquí en México, platicamos, ambos conocíamos nuestro trabajo y decidimos combinarlos”. En su opinión, “llegar a públicos diversos es uno de los principales objetivos de esta mancuerna (…) a veces los raperos mexicanos creen que es un error hacer este tipo de mezclas, pero debería ser todo lo contrario”. Sobre la escena a la que pertenece, Ammar piensa que: “las cosas son muy diferentes en comparación a lo que se vivía en el país hace 10 o 15 años”. Antes, sin la existencia de las redes sociales era prácticamente imposible lograr que su música llegara a lugares como Sudamérica, región de la cual ahora recibe correos electrónicos preguntando por su música. “Hay gente para todo tipo de gustos

en todas las zonas del país. Hay eventos cada fin de semana: viernes, sábados, a veces hasta los domingos. Ya existen muchos festivales y nos visitan artistas de otros países. Creo que la escena ha ido creciendo poco a poco, obviamente no todos los artistas tienen la misma línea. No todos tienen el mismo público, pero de eso se trata también, de que exista la diversidad (…) un bufete musical de dónde escoger”. Al final de la charla, Akil comentó lo siguiente: “hace 10 años no pensaba que podría vivir del hip-hop o generar dinero para vivir de él. No pensaba poder lograr lo que hoy afortunadamente he podido hacer. Todo es gracias a no depender de las grandes disqueras, de los grandes monstruos y de los grandes medios”. M

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Rimas perversas en www.marvin.com.mx/mas-musica

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A T k g w oF

ll uE p ro thEM all mEt E CA m Bi A r E l h i p - h o p

piniones que fluyen como el flow más ligero cargado de rimas asesinas y retorcidas, nazis y violación, inhalar cocaína mientras señoras gordas se sacuden frente a tí. El mundo de Odd Future Wolf Gang Kill Them All (OFWGKA), colectivo de hip-hop, viene con las armas de fuera, con los órganos de fuera y con un montón de crazy shit. Todos aquellos que han oído a este colectivo californiano, saben que con ellos no se trata del track promedio hip-hop, cargado de bling y swag, adquirido a granel en la boutique más cercana de Louis Vuitton. Odd Future golpea en lo huevos al swag, escupe y hace un extraño bailecito sobre él. Con Tyler, The Creator en la cabeza, esta pandilla de perturbados chicos ha azotado las bases que han sostenido al género desde la caída del gangsta rap, son la antítesis de Kanye y de Jay Z, y son la improbable fuerza que podría empujar y forzar las ya tan maltratadas formulas del hip-hop.

ingir que el camino que recorren es nuevo, sería un error; muchos críticos han considerado pertinente comparar la recepción que OF ha obtenido, con la primera ola de haters persignados que atacaron a Eminem, reclamándole lo violento e inapropiado de sus rimas, sin embargo aquí un matiz es aún más pertinente; en comparación estricta bajo los cargos de violencia e incorreción política, Eminem queda con un chachorrito con gorra. Y si quisiéramos extender la comparación a terrenos más interesantes, podríamos decir que la música que OF genera es mucho más compleja y suave, como un trozo de terciopelo perfecto para derramar sangre, o para decirlo en sus palabras: “Not only are we talented, we are rad as fuck”.

e got bitches, dice Tyler, tienen siete para ser exactos: Hodgy Beats, Earl Sweatshirt, Domo Genesis, Mike G, Frank Ocean y Left Brain. Y como en perras también hay alfas, podemos afirmar que Tyler es el líder, seguido en un cercano segundo lugar por Frank Ocean quién se ha hecho de fans en lugares elevados. El segundo álbum solista de Tyler, Goblin (2011), fue un golpe en la cabeza de la industria y las canciones/covers/samplers de Ocean le han valido un lugar en las listas de artistas a seguir de Pitchfork y demás sitios que insisten en usar el término “rap alternativo” o “rap indie” whatever the fuck that means.

G K T A

estionar un nuevo paradigma de hip-hop parece ser la agenda –consciente o no– de estos siete, pero, ¿qué tan lejos puede llevarlos el shock value de su letras, la cantidad de sus miembros o su uso tan casual de la palabra faggot? ¿Estamos listos para que el hiphop deje de tomar champagne, para meterse las drogas más locas adquiribles, y retratar las más explicitas fantasías de violación, asesinos en serie y vegetarianos pasados de peso?

ilómetros recorridos y, ¿es esto el punto de reinicio? Una cosa es cierta, nada puede avanzar sin cuestionar sus bases. OF no viene a postular el discurso, sólo a hacerlo temblar. Su primer mixtape, The Odd Future Tape (2008) era una amenaza que Radical (2011) logró cumplir. Sin embargo The OF Tape Vol. 2 (2012, su primer álbum de estudio) ya muestra las señales de autocomplacencia que suelen aparecer en grupos jóvenes con éxito rápido. al vez la cosa aún no cuaja del todo, pero sin duda todos los ingredientes están ahí y el 90% del tiempo la concocción es más seductora de lo que en principio pareciera. Las anormales rimas y más anormales visuales, junto con dos figuras que, indiscutiblemente, cuentan con más talento en un meñique que todo el que 50 Cent tiene en su grande y fornido cuerpo. hora sólo queda esperar, el flujo de hip-hop es tan cruel como es certero, (¿alguien recuerda a Coolio?), figuras que en algún momento parecieron ser el principio de una nueva etapa, ahora sólo existen como una memoria archivada en el horario insomne de MTV. M

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g H R T A i e P s D iol lA v

E n C i A no E s u n lu jo

Hay sangre en el piso, vidrios rotos y cerveza derramada. no sabemos de quién es la herida, si es tuya o mía, o del redneck que estaba aquí hace cinco minutos. Antes de la sangre y el caos, hubo un momento cuando la noche parecía perfecta. Ahora el cuarto está destrozado, las sillas rotas y hay gente cogiendo en la mesa. pobre aquel que invitó a esta banda a tocar en su living room, seguramente nunca pensó en la batalla campal entre punks y raperos que tomaría lugar ahí, entre el librero y florero de su sala. mientras el anfitrión limpia la sangre y lava los tags de las paredes del baño, un moreno corrioso con barba y con el torso lleno de tatua jes, le pide lumbre a tu novia, al mismo tiempo un güero greñudo pregunta si queda alguna cerveza por ahí. T X T : : D A N I E L PAT L á N .

espués de platicar un rato descubrimos que el moreno es Stefan Burnett y el greñudo Zach Hill, dos de los tres responsables de los destrozos en la casa (el tercero se llama Andy Morin y está guardando su gear), ellos –con modestia y cero bling-bling– prendieron la adrenalina de los chicos con la música que crean bajo el nombre de Death Grips. Hill ha regresado a las andadas, después de Hella y de pasar un tiempo con Marnie Stern, Wavves, Omar Rodriguez-Lopez y Boredoms. Originario de Sacramento, zach tiene su mejor carta bajo el brazo: una mezcla de punk, hip hop, rap, noise, sampleos y violencia al ritmo de beats electrónicos que recuerdan un poco a Atari Teenage Riot. Death Grips llega en un momento en el que el hip-hop ha perdido toda la credibilidad que algún día tuvo, es la respuesta para una generación que no vivió las glorias de Snoop Dogg, Dr. Dre, Biggie, Tupac e incluso Eminem,

una que muestra que más allá de las joyas y los excesos (llámese drogas, mujeres, o alcohol), el género nació como protesta cultural y política. Usando sampleos de YouTube, baterías electrónicas, pads, sintetizadores y un frontman que bien podría ser Iggy Pop versión afroamericana, este trío ha sido la sensación después de su presentación en el pasado Coachella (en donde por cierto, un amigo, Yego, se esguinzó el codo a causa del mosh-pit) En una entrevista con Pitchfork, Hill declaró que con Death Grips está haciendo la música que se acerca más a lo que a él le gusta escuchar, lo que resulta un reto ya que como baterista de math rock, al tocar batería eléctrica y pads con una sola mano es algo nuevo. Con un EP y un LP estrenado hace pocas semanas, Death Grips se prepara para inciar un tour en el que llevarán su violenta pero modesta música a lo largo y ancho del globo terráqueo. M

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JIN ET

AL GA N UE V O N DE

UI C I A D O Y S U

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O TR O

SQ DE

ou N g y L i

ej T:: Al Andro Go nz

á l e z C A st i l lo

Verano de 1966. Un tipo recorre las banquetas de Laurel Canyon, LA, buscando el garage donde los músicos más célebres de los alrededores se juntan a tocar sin más anhelos que electrificar sus entrañas con rock & roll, LSD y marijuana. El sujeto se llama Neil Young y quienes lo acompañan conforman algo que, en el futuro, se transformará en su otra mitad: The Crazy Horse.

oung recuerda aquella época de palomazos sesenteros con orgullo: “solíamos ponernos bien pachecos tocando hasta el amanecer”. el grupo de músicos con quienes compartía aficiones de consumo y cables se hacía llamar The Rockets, un combo responsable de grabar un álbum homónimo en 1968 que neil escuchaba gustoso, lo suficiente como para subirse con ellos al escenario del Whisky A Go Go acompañado de su old Black (así bautizó a su guitarra) y un amplificador de bulbos: las armas con las que llevaba un rato entendiéndose. después de aquella presentación, tres miembros de The Rockets –danny Whitten (guitarra), ralph Molina (batería) y Billy talbot (bajo)– fueron invitados por el canadiense para seguir palomeando en su casa temas como “Cinnamon Girl” y “down by the river”, composiciones que sepultaron definitivamente a the rockets para que éstos renacieran como Crazy Horse, el grupo con el que neil Young arrancó una generosa relación. Pero, ¿qué hacía Young antes de formalizar un vínculo sonoro con ese trío de músicos? tras vivir una niñez plagada de enfermedades en ontario, formó parte de The Squires y Mynah Birds. Fue en esa época que conoció a Joni Mitchell y Stephen Stills. Con el segundo –además de Bruce Palmer, richie Furay y dewey Martin– conformó Buffalo Springfield, un grupo fugaz que apenas alcanzó a grabar tres discos, en los cuales fueron trazados los primeros rasgos de una personalidad que se definiría con firmeza después. Apoyado por reprise records, Young lanzó su debut como solista en 1968 y, apenas cuatro meses después, su segunda

parte (Everybody Knows this is Nowhere), en la que por primera ocasión, compartió crédito en la tapa con Crazy Horse. respecto de ese trabajo, quienes esperaban un anexo del sonido folk de Buffalo springfield descubrieron que el canadiense untó una consistente capa de barniz distorsionado a sus temas. ásperas, al borde del garage, pero atentas de las melodías cautivadoras y los gentiles matices vocales, las canciones que integran dicho álbum advierten que Crazy Horse añadió al temario la fiebre que hacía falta. sí, en ese álbum se manifestaron varios trucos que el grunge tomaría como definitorios décadas después: sus pasajes instrumentales panorámicos siguen siendo un ejemplo de cómo llevar de la mano al escucha para dirigirse a parajes luminosos, pero también a esquinas mucho más oscuras con una rabiosadelicadeza como guía (actividad común desde entonces en los discos de Young). Pese al indiscutible éxito que le generó su nueva personalidad musical, el de las patillas gordas tenía planeado, con urgencia, unirse a Crosby, Stills y Nash para grabar una colección de canciones folk bajo el título de Deja Vú, un álbum que serviría para pisar las tablas del festival de Woodstock. Mientras tanto, Crazy Horse engrosó su dotación instrumental con Jack Nitzsche y Nils Lofgren para grabar un par de discos y hacerse de una reputación envidiable: la de ser considerada como una de las mejores bandas de garage de la historia (dicen que sólo los Rolling Stones más grasosos podrían superarla). Así, el caballo desquiciado y neil volverían a toparse durante las sesiones de grabación de After

the Gold Rush, justo cuando los problemas de Whitten con la heroína comenzaban a carcomerle las entrañas. el autor de “Heart of Gold” intentó rescatarlo invitándolo a participar en su álbum más aplaudido, Harvest… pero ya era tarde: danny encontró en el cementerio su última morada. Con Frank Sampedro como sustituto, Crazy Horse siguió adelante, grabando más discos y colaborando constantemente con el de las camisas de leñador, aunque, al menos a primera instancia, parecía que la química había quedado atrás. estrictamente hablando, hace 16 años que el autor de “rockin’ in the Free World” y el jamelgo loco no ponen música a la venta (12 años atrás grabaron un álbum que permanece guardado bajo el colchón), pero hoy deciden volver a las andadas, nada menos que con un disco de covers. Y vaya tonadas las elegidas. Americana, advierte que los mejores días no se han ido. Con temas escritos por Led Zeppelin, Woody Guthrie, Sex Pistols y Jefferson Airplane, entre otros, sampedro, talbot, Molina y Young tienen en mente refrescar sus primeros encuentros; aquellos días en que descubrieron que juntos podían moldear un perfil sonoro nunca antes conocido. “Un coro de niños vinieron a grabar con the Crazy Horse (…) son canciones que conocemos desde el kindergarden, pero las hemos readaptado y ahora nos pertencen” ha declarado Young sobre éste álbum idílico y retrospectivo. Ya se escuchan los cascos del potro y la guitarra del abuelo andar y, a juzgar por su trote, vienen tan salvajes como antaño. Así que guardemos las sogas, que nadie intente domar al par de bestias mientras sus amplificadores permanezcan encendidos. M

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n o a Ap i f

P le

VA l i E n t E S A q u Ell oS q uE A L F I . F OT : : DA N I E L M : : T X T PAT L m i r A n E S o S oj o S . ÁN.

En el escenario de Stubb’s. El 14 de marzo en el South By Southwest. Siete años después de su último disco, Fiona Apple desgarra su última palabra, misma que parece destrozarle la garganta mientras lucha por salir, su piel es un superficie áspera, sus venas se exaltan con frustración, y una nota leve –casi imperceptible– azota los oídos atentos de todos los presentes. Sus puños aprietan los enca jes de su larga falda negra, sus ojos... cristalinos. Es el final, todos lo sabemos, pero para ella es sólo el punto del principio, la coma entre ese día y todo lo que ha de seguir.

u nombre siempre ha sido sinónimo de misterio; es una mujer que lleva dentro un demonio seductor que le carcome el placer y romanticismo para convertirlo en rimas llenas de melancolía. Su cuerpo es lo suficientemente frágil como para hacer sobreprotector a cualquier hombre, sus ojos inspiran noches enteras de insomnio. Su camino es uno de los más interesantes de la música de los últimos años; al hablar de éste trayecto se podría caer en el lugar común de culpar a un trauma de la infancia por el inicio de su carrera, pero ese sería un camino fácil y nosotros, como Fiona, nos rehusamos a tomarlo. Sería sencillo hablar de ella desde un punto de vista amarillista: de su frágil complexión, de sus rumorados problemas de drogas, de su misteriosa orientación sexual, o peor aún, encasillarnos en la idea de que esta canta-autora no es más que un alma en pena, una

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chica triste cantando canciones tristes, buscando llamar la atención. Y ella es todo lo contrario, no se alimenta de atención, le huye y lucha en contracorriente del status quo de las cantantes femeninas, que en su mayoría comprueban un desafortunado lugar común. Su cabeza, llena de voces del pasado, podría derrumbar a cualquier mujer. Fiona logró canalizar su enojo de tal manera que se convirtió en una de las mejores compositoras de su época, sobreviviendo día a día a través de canciones que respiran por ella, cuando ella no puede o prefiere no hacerlo por sí misma. Esa es la Fiona que todo aquel que ha tenido el buen juicio de no dejar de escuchar, conoce. Sin embargo el silencio es penumbra, y cuando se habla de Fiona… la penumbra es pesada; horas antes de su presentación en Stubb’s –la primera en seis años–, nadie sabía cómo se vería,

cuál sería la primera canción que tocaría, qué diría al público, si tocaría canciones nuevas y cómo sonarían éstas. Las preguntas inundaban el escenario vacío. De pronto, apareció una pequeña figura, las luces se intensificaron a la par de los gritos de todos los curiosos asistentes. Ahí, frente a un nuevo público, la frágil figura con larga cola de caballo, se muestra lista para enamorar a todos, como una vez ya lo hizo. Suenan los primeros acordes de “Fast as You Can”, los fotógrafos se vuelven locos, no queda nada más que observar. Ella baila frenéticamente como una niña que tiene un ataque por exceso de azúcar, sus ojos se ven más hundidos que nunca y su mirada parece de vidrio. Mientras avanzan las canciones, Fiona batalla consigo misma. Se deja ir, moviendo sin sentido sus piernas y brazos para luego regresar a un estado de tensión, en el que sus puños

“Yo sólo quiero que Fiona apple sea Feliz”

-Annie Clark, St. Vincent.

se cierran con tal fuerza que sus manos se comienzan a poner moradas. Cierra los ojos y al abrir la boca parece gruñir con odio al escenario que se enfrenta de nuevo. Nadie sabe si está a gusto, o si quiere que los minutos se vayan como segundos. Entre canciones se pone ansiosa por lo que va a decir. Como si estuviera preocupada de las posibles críticas. Llega un punto en el que dice “You’re imaginary” como para calmarse a sí misma, es ahí cuando entona “A Mistake”, ese seductor track del álbum When The Pawn... –cuyo título entero de 443 caracteres representa un grave problema para todos aquellos que han conseguido encerrar la vida en tan sólo 140–. En la cuarta canción, Fiona golpea un tubo con un alambre, al principio parece que no sabe qué está haciendo, pero después, se puede percibir un ritmo. Una canción nueva: “Anything We Want”, que forma

parte de su nuevo álbum: The Idler Wheel Is Wiser Than The Driver of The Screw And Whipping Cords Will Serve You More Than Ropes Will Ever Do (que seguramente será renombrado por todos como: The Idler Wheel...) Otro de los tracks que esa noche se estrenó en SXSW fue: “Every Single Night”. Ésta como “Anything We Want”, está envuelta en una textura infantil. Desde los tubos y alambres de “Anything We Want”, que parecen haber adquirido su función musical después de que una aburrida Fiona se pusiera a jugar con ellos, hasta el inicio de “Every Single Night” que es justo una canción de cuna, el espíritu de la niña que baila para asustar a los fantasmas brilla más que nunca. El setlist del concierto fue preciso: “Paper Bag”, “Sleep to Dream”, “Extraordinary Machine” y “Carrion”. Pero entre “Carrion” y “Criminal” todo el público se pudo dar cuenta de que esta hada en realidad es humana. A lo largo

del concierto, tuvo momentos en los que tenía la mirada perdida, en una canción olvidó la letra y se tambaleaba entre algunos acordes, pero, ¿era todo parte del show, o los asistentes se iban a convertir en testigos de otro desplome a la Amy Winehouse? Mientras más avanzaban las canciones, más ronca se volvía la voz de Fiona. Su manager le acercaba una taza de té hirviendo cada 10 minutos y ella lo tragaba como si estuviera refrescándose con agua fría. En un momento ya sin poder aguantar, exclamó roncamente: “¡esta es la última canción, ya no tengo voz!”. Y en efecto, cuando canto la primera frase de “Criminal” –”I’ve been a bad bad girl”– su voz había casi desaparecido. A pesar de su malestar, logró terminar y despedirse, igual de ansiosa que cuando entró a saludar. Así fue como Fiona regresó a nuestros ojos. Ahora, se encuentra en una gira alrededor de Estados Unidos, y en la que se

ha desenvuelto un poco más desde su aparición en Austin. En ningún momento se ha desplomado ni mostrado debilidad. La niña de las pesadillas, de las botas rotas, la que vive en su propio mundo –el cual encierra en títulos imposiblemente largos–, la que cada noche pelea consigo misma (“...every single night’s a fight with my brain”). La que sabe que ha crecido, que es adulta y que el espíritu que la ha atormentado que desde hace años, sigue ahí. Sin embargo en su mundo donde el corazón de niña renace, no hay reglas, no hay renglones y no hay colores que se quedan dentro de las líneas. M

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, U r S R G Ó i s

DE TA R I L A V EL

MIT TI S T PA

H , P O E TA S I S L A NDE S E S

A FO RT UN A

Y OT R A S

DA S CO I N C I DE N C I A S

T X T: : J uA N C A R Lo S H I dA Lg o

Me quedaban apenas una cuantas páginas para concluir la lectura de Éramos unos niños, la biografía de Patti Smith. Allí se narran los últimos días de la vida de Robert Mapplethorpe, ese enorme fotógrafo que se convirtió en un icono del movimiento gay y del arte de los años ochenta. Es una narración hermosa, terriblemente triste, y precisamente por ello hice una pausa para dejar correr Valtari, el nuevo disco de Sigur Rós.

como en el concierto que diera esta poeta punk en la Ciudad de México, no quedó otro remedio que llorar para adentro, y todo esto me viene a la mente porque esa clase de tristeza seca y cortante, es también de Jónsi y su gente, que conocen de sobra los misterios insondables del alma, sus abismos y cumbres empinadas. Los islandeses hacen una música que no requiere de explicación ni de un lenguaje conocido. Silencios, notas y ecos guturales que se explayan en una experiencia sensible. Los temas de Sigur Rós tienden a expandirse, como si formas multicolores salieran del aparato de sonido. Se filtran por la piel y hacen claudicar a la mente. Son himnos del mundo sinestesia. No hacen falta ni diccionarios ni traductores, apenas algo de aislamiento, porque se trata de una misión de solitarios. Al momento no he leído dato complementario alguno. Apenas conozco los títulos de las canciones. Y para cuando llega “Varúð” ("Precaución") –el tercer corte– siento que la tristeza huele a sauce y hierba mojada. Entonces, Patti Smith verá morir a su amor de juventud, a su marido y a muchos otros amigos. Con la lectura, trato de pensar en mis muertos con tranquilidad. Cada uno lleva a cuestas sus fantasmas y se llega al momento de dejarlos

corretear por las planicies, ¿serán páramos de Islandia? Sigur Rós siempre nos remonta a la naturaleza, a esa reconciliación con la vida y la muerte. La música lo invade todo. El amasijo de sentimientos me hace hurgar en los viejos poemas de Patti y encuentro unos versos que parecen escritos por Jónsi: “Oh no llores. Vamos levántate. Bailemos en la hierba… Ven esto es un concurso de baile. Bajo las estrellas, hagamos Alicia en la hierba. Balanceémonos… Juguemos a pájaros/ demos paseos / hagamos rock / hagamos roll/ hagamos barbas de ballena/ vayámonos/ desodoricemos la noche”. Ese fragmento incluido en Babel (1978) podría tener de fondo cualquier tema de los ocho que conforman Valtari (XL Recordings, 2012). El grupo ha regresado a esa variante de ambient orgánico con tintes naive que tanto les apasiona y que les ha dado un lugar en el mundo. Los sonidos vibran y hacen que esa sensación física nos sacuda el cuerpo. Paso por “Ekki Múkk” –el adelanto formal– y Jónsi apenas susurra, se deja ir en un hilo de voz que brilla como el sol pegando sobre un riachuelo. ¿Qué dirá? ¿En verdad expresa palabras en su lengua natal o inventa la propia? En vez de conseguir una respuesta inapelable quiero creer que está repitiendo

las palabras de otro islandés. Sigur Rós me permite evocar a Steinunn Sigurdardóttir, que en un poema de 1987, llamado "Canción matutina para todo el año", anota: “La mañana promete/ sin descubrirnos nada de lo que traerá el día./ Es humano alegrarse ante la esfera roja que asoma por las cumbres./ Embotado de sueño y al mismo tiempo ardiendo de interés./ Es algo muy nuestro el preguntarnos por la marcha de unas masas de nubes en su viaje caótico a lo ancho y a lo largo de los puntos cardinales./ ¿Qué a dónde van? Pregunta inútil/ Nosotros las seguimos”. ¿Lo ven? Jónsi parece hacer suyos aquellos versos, pero si no fuera verdad no pasa nada. Hay preguntas que salen sobrando. Ellos han regresado a lo que mejor saben hacer: convertir en música a la melancolía. Cierto, alguien dirá que eso es lo habitual en el grupo. ¿Podremos llamarlo un disco continuista? Es un hecho que no es tan alegre como lo es Með suð í eyrum við spilum endalaust (2008). Ha pasado el tiempo, leo una nota de prensa y no me sorprende leer lo que allí está anotado: “Los islandeses nos deleitan con un paso atrás a su música más ambiental, no oscura pero sí poco clara, como si nos adentráramos en un documental de televisión de naturaleza, pasando a vista de pájaro, quizás con algún

helicóptero o avioneta, por bancos de nubes de la Islandia más salvaje y bella, por parajes agrestes y al mismo tiempo pacificadores, hermosos y tranquilos”. Aseguro que he tratado de transcribir lo que sentía mientras el tiempo de Valtari corría –o más bien, trotaba– pero veo que mi experiencia no ha sido única, que existen afortunadas coincidencias. ¿No es acaso lo que los músicos pretenden? Por mucho que se acerquen al arte abstracto, hay un deseo de que los escuchas sientan algo parecido a los creadores. Será entonces una señal inequívoca de que el objetivo se cumplió. A estas alturas –y siendo su sexto álbum– podemos llamar a la música de Sigur Rós de muchas maneras: ¿post-rock? ¿música mística? ¿free folk? Es lo de menos. Aquí abundan los coros angelicales, cuerdas que conducen al ensueño, vibraciones que surgen de tonos bajísimos. Se trata de una madeja compuesta de épica y mítica. Ignoro cuánta paz interior exista en sus compositores e intérpretes, pero si sé que sus piezas auxilian para la reconciliación con los elementos y asimilar la fatalidad. Valtari significa “apisonadora”, pero al grupo no le importa aplanar nuestro cuerpo cuando puede pasar por encima del alma; hacerla todavía más delgada y elevarla. M

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G E h Y n O t n

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m uN do

Pocas figuras son capaces de transmitir tal dolor, tal fragilidad y poder a través de su voz como antony; ella es en muchos sentidos el artista por definición. el cora je que sale de su voz al quebrarse, es sólo un pequeño eco de todo lo que habita en su ser, en su mundo artístico, visual, narrativo y personal. Talento y sensibilidad en un empaque tan hermoso como su contenido. Tuvimos el lujo de platicar con antony con motivo de su presentación en el Festival de méxico. la charla corrió por variadas e iluminadas vertientes, cada una de ellas más fascinante que la anterior y todas bellísimas y precisas. desde el momento en que antony entró en la habitación donde esta charla tomaría lugar, una cosa quedó muy clara: él tenía algo que decir, quería articular de la manera más exacta posible un mensa je, tan es así que entre cada pregunta antony tomaba largas pausas, recorriendo los rincones de su mente en busca de el término perfecto, del adjetivo indicado y la preposición personal correcta. al terminar la entrevista, de casi una hora, antony no se fue sin antes decirnos, "ahora es su turno, vayan y trasmitan el mensa je".

“La segunda LLegada de Jesús debería ser como muJer” -antony Hegarty

es interesante pues acabamos de anunciar un nuevo disco en vivo, en el cual incluí un pequeño discurso como uno de los tracks, lo que es algo muy excéntrico. Y es que, especialmente en este año, he querido brindar una perspectiva a través de la cual se puedan ver mis canciones; tomar y usar mi plataforma como artista –con la ignorancia que ésta conlleva– para decir las cosas, para participar en un dialogo más grande acerca del mundo. compartir la manera en la que veo las cosas, como una persona transgénero. Muchos artistas tienden a tomar un paso para atrás, yo quiero darlo para adelante y opinar. Quiero anexar más ideas a mi música, sin embargo ese no es el lugar desde donde –históricamente– he escrito canciones; generalmente escribo con motivaciones más vivenciales, pero justo ahora, en especial este último año, me parece muy contemporáneo hablar del mundo y participar de un modo útil en la conversación. He estado muy enfocado como músico, en la relación que tenemos los seres humanos con el medio ambiente y me fascina venir aquí, a México, pues existe esta historia de civilizaciones y civilizaciones que han luchado y han sido superadas y sometidas por su ambiente. creo que eso es algo que está en el conocimiento atómico de la gente que vive aquí, el saber que las civilizaciones van y vienen, es un perspectiva muy diferente. alguna vez leí algo acerca de la "resignación Maya”, concepto que definían como esta predisposición al colapso, la inevitabilidad del fin. Sin embargo, últimamente me encuentro a mí mismo con muchas ganas de retar estas nociones apocalípticas, me parece que este tipo de preocupaciones son patriarcales, es algo que corre en lo profundo de

la sangre de los líderes religiosos masculinos; figuras islámicas, cristianas, etc., cuyas teologías encuentran su clímax en el apocalipsis, y éste es en sí mismo la redención y la trascendencia religiosa. Me opongo radicalmente a este tipo de creencias, y no puedo dejar de intentar articular esto de la manera más clara posible: me parecen increíblemente peligrosas. la mayoría de las veces asumimos que el gobierno o el poder –en general– carecen de género, pero para mí es sistémico. Vivimos en sistemas patriarcales, y la mayoría de la estructuras que usamos para enfrentarnos a nuestros problemas son masculinas. Me parece que si hubiera un cambio radical que deberíamos hacer, es que cada hombre en una posiciónde poder, tuviera que ceder su lugar a su esposa o mejor amiga (risas). Hay que cambiar todo el paradigma, a una idea circular de gobierno, en lugar de una estructura jerárquica –en la que los hombres generalmente caen–. es un asunto de biología, las mujeres tienen predisposición a crear el círculo de la familia, es una configuración distinta. los hombres caen en una configuración de defensa, de ejercito. la segunda llegada de Jesús debería ser mujer. Hay que hacer cambios radicales y como la bruja que soy, puedo tomarme la libertad de decir eso. creo que tenemos ser valientes. Deberíamos ayudar a los niños a entender porqué son como son, señalarles las conductas a las que están predispuestos biológicamente. esto es algo que yo como persona transgénero vivo muy de cerca; cuando veo que una mujer comienza a tomar hormonas, y cómo la afectan, y cambian sus valores. Hay que mitigar estas nociones falsas que existen en la sociedad. la primera y más grave es

la idea de que el hombre y la mujer son iguales. Yo tengo una gran historia; mi papá era un hombre muy estoico y de pronto cuando cumplió 60 años comenzó a volverse muy emocional, y todos nos preguntarnos por qué estaba siendo tan amable. Después nos enteramos de que tenía un tumor en el cerebro que lo hacía producir más estrógeno. esto le permitió abrir su corazón de una forma que antes no le era posible. las mujeres son más perceptivas emocionalmente, es así biológicamente, sé que decir esto es algo muy controversial, pero a partir de mi experiencia y desde mi perspectiva, así es. Y todos saben que es verdad, sólo fíjense en el número de mujeres que están en prisión en comparación con los hombres, es tan obvio. es un tema difícil ya que damos a luz a al enemigo, cada hombre nace de una mujer y muchas mujeres están perpetuando estas estructuras patriarcales, yo nací en una casa así. Me siento muy afortunado de haber nacido como una persona transgénero, eso automáticamente me ubica afuera de la esfera esencial de la sociedad, me opone a ella, especialmente por que no soy elegible para participar en cosas como el catolicismo; no hay una asiento para mí en esa mesa, por lo que se me obligó a retar ese tipo de sistemas. es una bendición. pues te hace más un hijo de la naturaleza, tu identidad es natural y hay un salvajismo en ella, en el color de ella. es muy preciosa, y te da una perspectiva distinta. estoy tan agradecido de haber nacido así, gracias a Dios, especialmente como una persona blanca, es decir lo último que quieres ser es una persona blanca heterosexual, es el nicho más bajo posible". .M

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DE L A S R I MA S

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Si le preguntamos a alguien qué es el hip-hop, o que mencione a algunos artistas del género, la respuesta que inevitablemente tendremos apuntará hacia artistas cuyo quehacer es endiosar la fiesta y la búsqueda de la riqueza y los placeres (lo cual, irónicamente, algunos ven como una nueva forma de esclavitud afroamericana, sólo que en lugar de grilletes y bolas de hierro, ahora se usan cadenas doradas y piedras de diamante).

l surgimiento de esta forma blanda e inocua del hip-hop, quizás sea una consecuencia directa de los estilos más violentos que surgieron en los albores del género. Para muchos, la glorificación de las armas y el modo de vida gangsteril –además de los temas de denuncia–, era algo que no necesitaban incorporar en la música, puesto que ya lo vivían en carne propia todos los días. sin embargo, ahora que el panorama musical se ha convertido en un campo más aséptico que una sala de cirugías de un hospital, sería preciso recuperar un poco del estilo cáustico de los primeros exponentes, para darle un poco de emoción a estos tiempos estériles – musicalmente hablando– en los que hay tanto que decir y denunciar. así podemos hablar de géneros como el gangsta rap, el cual polarizó hacia posturas radicales, tanto de izquierda como de derecha, por sus letras explícitas en las que hablan explícitamente sobre sexo, crímenes, drogas, robos, abuso de sustancias, pandillas, actitudes machistas y violencia. Precursores del género como Schoolly D, quien prácticamente inauguró esta modalidad del hip-hop cuando compuso el tema “P.s.K.”, da cuenta de los asesinatos ocurridos en los departamentos de Park side en Filadelfia. Después llegó Ice-T con su himno titulado “6 'n The Mornin' ” que igualmente denunciaba tiroteos y golpizas ocurridos a las seis de la mañana. ambas canciones convirtieron a este par en “voceros” de la situación social que ocurría a su alrededor, de igual manera que en su momento ocurrió con Bob Dylan. sólo que a diferencia de Dylan, Ice-T y schoolly aceptaron gustosamente su papel (Ice incluso fue más lejos años después con el tema “Cop Killer” de su banda Body Count). si a esto le sumamos la aparición en el colectivo N.W.A. (Niggaz With Attitude), el álbum Straight Outta Compton (que era un statement de la banda para poner a los ángeles como capital importante del hip-hop) y su controversial tema “Fuck Tha Police” el cuadro gangsta se completa (además de cimentar la escena de la Costa Oeste) a partir de ese entonces, muchos artistas se encargaron de seguir sus pasos: Ice Cube lo hizo cuando salió de n.W.a, además, surgió la camada de raperos de la Costa este con artistas como LL Cool J, Big Daddy Kane, el Wu-Tang Clan, GZA, RZA y Ghostface Killah, entre otros. la competencia contra la West Coast –que en un principio era meramente musical–, se convirtió en una verdadera batalla entre pandillas y culminó con la muerte de dos de sus más prominentes figuras: Tupac Shakur y Biggie Smalls. Incluso los Beastie Boys, uno de los primeros conjuntos blancos

de hip-hop, también entraron de lleno al gangsta rap con álbumes como License to Ill y Paul’s Boutique, discos que no reparan en lanzar alabanzas a las armas, el sexo sin amor, las drogas y el robo de autos. este movimiento se extendió hasta nuestros días con nuevos nombres como Cypress Hill o el respetado Dr. Dre, miembro original de los n.W.a. y padrino del controversial Eminem. aunque crecieron influenciados por el género, incluso raperos más recientes como Jay-Z, DMX o 50 Cent, han optado por una vena más comercial que los críticos bautizaron como pop-gangsta, cosa que ya raya en lo absurdo. sin embargo, a causa de la constante polémica de sus letras (las cuales justificaban diciendo que sólo narran lo que pasaba y que los raperos asumían el papel de un “personaje”, como si fueran actores), la censura de los medios y la misma comunidad, el gangsta rap derivó y se disfrazó del G-Funk, que prácticamente tenía el mismo contenido, pero narrado con cierto humor y una buena dosis de funk, influencia proveniente de George Clinton y su Funkadelic Parliament, cuyos máximos exponentes son obviamente Snoop Dogg (otro protegido de Dr. Dre), Warren G y el finado Nate Dogg. Una vertiente más comprometida políticamente (conocida como hardcore rap) vino de parte de Public Enemy. Tomando literalmente “el mensaje” de Grandmaster Flash and the Furious Five, Chuck D, Terminator X y el extravagante Flavor Flav, agarraron las riendas de una visión nacionalista de la raza negra, con rimas comprometidas con la concientización política, el imperialismo cultural, la confrontación de las estructuras de poder y los derechos civiles. no es de extrañar que la banda ha tenido gran influencia en el terreno del rock e influenciando a bandas principalmente pesadas como Anthrax o Rage Against the Machine. los Dead Prez también son partidarios de movimientos socialistas, grupos radicales como el Black Panther Party y demás exaltadores del empoderamiento de la raza negra. además de que en sus letras llaman a extinguir el imperialismo capitalista, están a favor de la paz, la igualdad y los derechos humanos. Recientemente, M.I.A. se ha encargado de poner el dedo en la llaga para denunciar los horrores de la guerra y los conflictos en el medio oriente. es cierto que en México, el hip-hop no es uno de los géneros más fuertes, pero sí es el que tiene más partidarios y simpatizantes por los cientos de barrios y colonias marginales del Distrito Federal, principalmente. También es verdad que los horrores que hemos vivido en años recientes (los últimos seis, para ser exactos) aún son demasiado apabullantes como para formar parte del quehacer artístico. sin embargo, tampoco se puede estar impasible ante ello y simplemente voltear la mirada o hacer actos de escapismo musical. aunque hay muchos raperos mexicanos que denuncian (ya que al parecer los otros géneros tampoco están interesados), hace falta levantar más la voz, pues tanto malestar y tanta tragedia dan para escribir decenas de álbumes completos al respecto. M

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e n I ir V SH WEL

LITERATURA

“El fracaso es más común que el éxito y, por lo general, más interesante”.

TXT:

A R LO S H I DAL : JUAN C . GO Y M A R C O A N T O N I O PAT I ñ O

El escritor escocés más canalla está de vuelta y sin un ápice de misericordia o conmiseración para sus persona jes; no falta el que se encuentra más preocupado por un partido de fútbol que porque su mujer pierda las piernas atropellada por el tren. Otros pueden dejar el cadáver de un amigo en una banca a mitad de la noche para seguir la fiesta con un par de putas. El recién publicado Col recalentada (Anagrama, 2012), es un un recuento de relatos que aparecieron dispersos en revistas y antologías de los noventa, además de un inédito, llamado “Miami soy yo”.

or el autor de Trainspotting (96), Acid House (97) y Porno (2005) no pasan los años. Sigue siendo un conocedor de las miserias y los demonios de las tierras altas del Reino Unido. Marvin conversó con un tipo lleno de acendradas pasiones. ¿En que aspectos crees que se parezcan el fútbol y el proceso de escritura de ficción? Creo que el trabajo duro y algo de talento son esenciales para conseguir el éxito en ambas actividades. ¡Ah! y algo más: la verdadera clase y la inspiración siempre dicen algo –en el terreno de juego y en los libros–. ¿Existe una fuerte conexión entre el equipo de fútbol al que uno sigue y la personalidad? Lo preguntamos en su calidad de fan del Hibernian. Si sigues a un equipo que aparece constantemente en la televisión, a menos de que se trate del equipo de tu ciudad, estás implícitamente diciendo que careces de cultura y alma. Que has comprado las imágenes mediáticas y la mercancía que se te vende. Que buscas con desesperación algún

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tipo de afirmación social al intentar comprar algo de lo que –en el fondo– sabes nunca formarás parte. El equipo al que le va una persona, te dice todo sobre ella. En Skagboys, precuela de Trainspotting, los personajes están más vinculados en principio al rock, depúes la llegada de los raves – y el éxtasis– les cambia la vida... Comienzan por su pasión por la escena del Nothern Soul. Pero la historia no llega tan lejos como para alcanzar la llegada del éxtasis. Al retomar, en Col recalentada historias escritas hace tiempo, ¿te parece que se corre el riesgo de que hoy el hombre que las escribió sea más condescendiente y menos rudo, que él que las creó tiempo antes? ¿Hubo muchas correcciones para esta versión? No. básicamente están como fueron escritas originalmente. No puedes meterte con ellas. Sería terrible que un pasado impulsivo resultara incómodo para tu actual “Yo”, y ése es probablemente el meollo de la vida. Me gusta mucho ser un niño, un adolescente. Creo que todos los

escritores intentan mantenerse en contacto con sus previos “Yos”. En el modelo social que impera en Europa, tus personajes parecen condenados a no poder escapar de su entorno, de su clase social, su barrio... ¿Te parece que el fracaso es un destino manifiesto? Lo es para todos, es la condición humana. Todos vamos a morir, todos vamos a ver como declinan nuestros poderes. El fracaso es más común que el éxito y, por lo general, más interesante. Viene en formas distintas y podemos aprendemos de él, mientras que del éxito no aprendemos nada. Una vida sin fracasar sería una gran aburrición. Eso es lo que somos, no debemos temerle. No es el fracaso lo que nos impide hacer cosas; es el miedo a él lo que evita que hagamos las cosas que queremos. ¿Tener policías como protagonistas es una manera de mostrar las entrañas corruptas del capitalismo? Bueno, el sistema, cualquier sistema es corrupto, y si se fundan en el valor del dinero y un egoísta beneficio personal, es imposible evitar que así sea. Los policías tienen una labor complicada; deben limpiar todo el desorden producido por el sistema. Es un trabajo difícil emocionalmente. Los policías que he conocido y que investigan crímenes serios, o son personas muy fuertes y con los pies en la tierra o excepcionalmente débiles y cínicos. ¿Fue una especie de divertimento publicar un relato como “El Incidente Rosewell”, que es ciencia ficción?, ¿eres amante del género? Cuando era niño me encantaba la ciencia ficción; ser llevado a universos alternativos.Todavía lo leo, pero no estoy tan al día como debería. Supongo que “El Incidente Rosewell” fue mi tributo a esa tradición. ¿En algún momento dudaste de incluir la jerga escocesa en tus textos? No. Los personajes llegaban a mí ya con ciertas expresiones. Tomó un tiempo encontrar esa voz, pero una vez que lo logré, ya no había vuelta atrás. M

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O Mp r E ndE r C E รก nt

Q u E E S ta b a lO O ha b E d lan d

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TXT:: Daniel Fragoso Torres.

tupac Shakur asistió al combate de Mike tyson en las Vegas el 7 de septiembre de 1996, a su salida recibió múltiples disparos. Suge Knight (co-fundador y ex CEO de death row records) que via jaba con él, lo llevó hasta un hospital donde fue internado y permaneció siete días en cuidados intensivos, hasta que el 13 de septiembre a las 4:03 hrs. falleció. Esto sucedió dos años después del atentado en el hall de los estudios Quad recording de nueva York, cuando tupac fue baleado cinco veces por dos hombres vestidos con ropa militar; dos balas impactaron en su cabeza, dos en la ingle y otra le atravesó el brazo y el muslo. El rapero herido siempre sospechó que detrás de este intento de asesinato estaban Sean “diddy” Combs, andre harrel –de la desaparecida uptown records– y biggie Smalls, también conocido como notorious b.I.G. aquel incidente convirtió en guerra la tradicional enemistad entre la Costa Oeste y la Costa Este de EE.uu. ahora, cuando tupac revive como zombie holográfico en el soleado escenario de Coachella, y parecería haber cesado esta infame disputa geográfica –que, en nombre de lo que sea qué signifique ser gangsta, cobró un gran número de vidas–, nos llega un triste recordatorio de mortalidad: la noticia de la muerte de adam MCa Yauch. recordar a los muertos del hip-hop, pensar en pasado y notar que no de balas y pandillas –de poses y mediciones arcaicas de rudeza– se construye el street cred; es la reacción obligada a esta noticia. adam desde una trinchera terriblemente improbable, creó junto a Mike diamond (Mike d) y adam horowitz (ad rock) un grupo que cambió todo lo que entendemos como hip-hop; redefinió su sonido, su flow, sus imágenes y su público.

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AdAm Acumuló en 47 Años de Activismo, visión ArtísticA y musicAl, suficiente street cred pArA llenAr dos costAs. El mundo le rinde respeto a Adam www.marvin.com.mx/mas-musica

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Cuando nos despertamos con la noticia de que la muerte había visitado con su guadaña a adam Yauch, después de un férreo tratamiento por un cáncer linfático que padecía desde el 2009, el recuerdo de los sonidos de Polly Wog Stew, Cooky Puss, Licensed to ill, Paul's Boutique, Check Your Head, Ill Communication, “sabotage” e “intergalactic”, inundaron las cabezas, las ondas de las estaciones de radio de todo el mundo, el timeline de cada ser viviente con cuenta de Twitter, y el corazón old school de unos cuantos.

acto seguido, llegaron las imágenes del acervo videográfico tan peculiar y extraordinario que los beasties han acumulado, y del cual adam merece gran parte del crédito. Él fue el artífice de la estética de la simulación de este trío, que va de la parodia al homenaje, de lo vintage al futurismo y la ciencia ficción; creando un legado que utilizó la fuerza expansiva de los medios para transgredir la escena musical de los años ochenta y noventa. entre sus muchas aportaciones podríamos citar la calidad narrativa interior y exterior que nos da la música de este grupo; su raíz poética (a momentos existencial y en otros vivencial), la búsqueda de total libertad en la creación de sus discos, la autosuficiencia en su discurso, y la terrible congruencia musical que han logrado mantener al pasar de los años, las tramas fragmentarias

y abiertas que son mezcladas con maestría y samplers, la realidad exagerada y mutante que transpira cada nota…o citar simplemente la frase que se mantiene grabada en la cultura popular: "(You Gotta) Fight for Your Right (To Party!). esto estuvo palpable desde siempre, y el peso de Yauch como artista autodidacta y polifacético, no se queda confinado a los Beastie Boys, sino que también, y gracias a su preocupación de representar la realidad, creó una compañía de producción y distribución cinematográfica, y dirigió su propio documental, Gunnin' For That #1 Spot el cual está centrado en el mundo del baloncesto. además desde su compañía osCillosCoPe laBoraTories, logró distribuir películas como Rare Exports: A Christmas Tale, del finlandés Jalmari Helander y Exit Through the Gift Shop de Banksy, así como la iniciativa de James Murphy del

documental de LCD Soundsystem: Shut Up And Play The Hits dirigido por Dylan Southern y Will lovelace. Yauch también fue uno de los principales activistas del mundo, y junto con otras personalidades fundó la Milarepa Foundation, responsable de organizar el Tibetan Freedom Concert. lo anterior no ha de extrañar a nadie, si tomamos en cuenta lo mucho que adam atesoraba los valores budistas. zFue justo esta preocupación por transformar el mundo, lo que lo orientó a la música y al cine. Russell Simmons, uno de los fundadores de la Def Jam Records, la compañía con la que los Beastie Boys firmaron su primer contrato, afirmó: “(Yauch) era increíblemente dulce y el artista más sensible, a quien quise profundamente. siempre me sentí inspirado por su trabajo”, esa misma inspiración es la que

logró consolidar una propuesta musical, que iba más allá del color de la piel o el lugar geográfico de residencia ó nacimiento. Tupac shakur, dijo alguna vez, “con mi muerte, la gente comprenderá de lo que estaba hablando” y es precisamente ahora, que el hip-hop se ha vestido de luto (una vez más) con la partida de Yauch, que algunos entendemos parte del mensaje que nos transmitió. M

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POR TADA

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e nd o m ú s i c a

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hace unos meses una disquera a punto de irse a la ruina, desesperada por las ventas ba jas e incapaz de competir con los formatos digitales de música; tuvo una idea, una que los salvaría: combinar la música con algo que le gusta a todo el mundo, el fútbol. pero, ¿cómo hacer esto?, la solución más clara en ese momento era crear un nuevo formato, algo que no fuese ni mp3, vinil o disco; algo como un balón. pero está claro que esto no sería fácil, pues no existe ningún aparato capaz de reproducir sonidos a partir de una pelota, así que, decidieron dejar la incógnita en manos de los expertos. a partir de entonces, un grupo de científicos se dio a la tarea de investigar si era posible sacarle ritmo a un balón. Todos argumentaban que los balones tienen la capacidad de guardar energía en su interior, pero que se trataba de una fuerza que no podemos ver, pero que quizá se podría escuchar. así que, decidieron hacerle una serie de pruebas al balón e iniciaron aplicándole una disección con rayo láser, esto, para ir quitando capa por capa, hilo por hilo y evitar que sufriera una ponchadura repentina. lamentablemente no obtuvieron el resultado esperado: el balón únicamente soltó un pequeño murmullo, algo parecido a un estornudo. pero en su afán por conseguir el objetivo hicieron miles de pruebas más, entre ellas, la de pegarle con diferentes objetos. primero probaron con una pieza de metal reforzado; de peso similar al de un martillo, el cual, sólo logró ponchar el balón y generar una fuerte explosión que distaba mucho de tener ritmo o una armonía musical. después, recurrieron a una pieza de acero aplanada que fungía como un bate de baseball, que por supuesto voló el balón, y el único sonido que obtuvieron fue el de un cristal roto. para probar con algo más sutil decidieron pincharlo con un alfiler de acero inoxidable, lo cual, fue bastante complicado y desafortunadamente, el balón se desinfló sin emitir sonido alguno. después creyeron necesario arriesgarse y someterlo a pruebas más rudas. experimentaron con cambios de temperatura, es decir, expusieron el balón a temperaturas ba jo 0 para después someterlo a calor extremo. el resultado parecía favorable: el balón soltaba cierto sonido que los científicos no lograban reconocer por la distancia a la que se encontraban. Realizaron de nuevo la prueba, pero esta vez colocaron un micrófono para escuchar su ritmo; pero el sonido que percibían a lo lejos era simplemente el hielo que hervía por la temperatura. la disquera, cuyo nombre deberá permanecer en el anonimato, se rindió ante el total fracaso de los científicos y después del largo tiempo de investigación y de cientos de pruebas; salieron a la calle para descubrir que todo había sido en balde, pues la gente ya conocía la respuesta, incluso le habían puesto el nombre de ”Futbol mix”: un nuevo movimiento que mezcla beatbox con freestyle fútbol.

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BeatBox

El Futbol Mix es un movimiento creado de la mezcla de dos actividades muy populares en el mundo underground: el beatbox y el freestyle. Por una parte, el beatbox es considerado el quinto elemento de la cultura del hip-hop, y representa la habilidad de crear distintos sonidos con la garganta o la boca, para después unirlos y generar diferentes ritmos, mismos que emulan los beats que generaría un balón –si este proyecto fallido hubiera tenido un resultado positivo–. la ola del beatbox comenzó a llegar a México gracias al hip-hop, ya que los medios especializados en este género reseñaban los campeonatos de beatbox en toda Europa. En el 2003, el zócalo capitalino escuchó por primera vez a un dJ haciendo beatbox, sin embargo, para toda la gente era algo completamente desconocido, y a pesar de eso el movimiento continuó buscando espacios para sonar. dentro del género del beatbox existen distintas variantes. En primer lugar tendríamos el freestyle, cuya fuerza está en hacer improvisación; otra modalidad es el cover, que consiste en hacer el ritmo y cantar al mismo tiempo un tema conocido; también está el scratch, que como su nombre lo indica, consiste en producir el sonido de un vinil al detenerlo cuando está en movimiento; y por último tenemos el layer o multipistas, generalmente hecho con sonidos de instrumentos tocados simultáneamente para generar una pista. En la actualidad, el beatbox sigue creciendo en nuestro país, no obstante continúa siendo un movimiento underground que trabaja día con día para llegar a la gente y buscar el apoyo de alguien más.

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Freestyle

Freestyle fútbol significa “fútbol estilo libre”, y quiere decir que el jugador tiene la libertad para mover el balón de la manera que le plazca. Su característica principal es la espectacularidad, lograda con movimientos que parecen romper las leyes de la física. El primer acercamiento del freestyle mexicano no tiene una fecha exacta, pero hay quienes aseguran que tiene más de 50 años. Con muy poca difusión, sus practicantes se enfrentaron con una dura batalla para conseguir espacios. Por sus distintas maneras de practicarse, el freestyle se divide en varias modalidades: Lowerbody o Air Moves, que consiste en lograr que el balón no toque el piso, manteniéndolo elevado con las piernas o los pies. Upperbody, es el estilo que se juega con la parte superior del cuerpo, la mayoría de los movimientos se hacen con la cabeza, el pecho y los hombros; aunque también incluyen giros, movimientos np’s (no pause), y movimientos con los brazos. Sitting o Sit Down, que es jugar con el balón sin dejarlo caer mientras se está sentado, haciendo mucho más difícil cada movimiento y exigiendo mayor precisión. Groundmoves, son los movimientos típicos de fútbol con el balón en el suelo, con la diferencia de que acá no hay oponente; es casi una coreografía de baile.

BeatBox más freestyle

al igual que quienes practican beatbox, el freestyle, lleva muchos años luchando por hacerse notar. Hoy Pepsi, se dio a la tarea de buscarles espacio y difusión, pues descubrió que este pequeño grupo podría unir sus fuerzas para crear un movimiento nuevo, una nueva corriente que une la música y el freestyle, la pasión y la emoción que genera cada una de ellas. Es por esto que Pepsi decidió apoyar al “Futbol Mix” con la certeza de que los científicos, disqueras, incrédulos y los faltos de fe, se den cuenta que hay marcas dispuestas a crear nuevos espacios y apoyar al talento mexicano. M

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FOTO

REPORT AJE

ON LA CA S S E L N L A CH C A AS

FOT:: RODRIGO JARDÓN. ENA GÓMEZ ALARCÓN. TXT:: JIM

l orgullo nacional suele tomar variadas y volubles formas. Viene a la mente el regodeo general que se vivió por ahí de 1990, cuando Octavio Paz ganó el premio nobel de literatura y todos nos dimos a la tarea de ponernos la camiseta y pararnos el cuello; de sacar su nombre en cada conversación, todo sin conocerlo a él o su obra, y peor aún sin percatarnos de lo mucho que él nos conocía. En 1950, a 30 años de que la selección nacional jugara su primer mundial (nótese el injustificado uso del plural) se publicó El Laberinto de la soledad, radiografía del mexicano y su cultura que hasta el día de hoy permanece horripilantemente precisa; entre las páginas de esta biblia mexicana, se dibuja la figura bipolar del individuo nacional. Ahora, a 62 años de la publicación de este libro, a 26 de que México jugó un quinto partido en el mundial, y a 14 de la muerte de Paz, podemos afirmar sin temor a equivocarnos o molestar a los muertos, que en el fútbol se encuentran los ejemplos perfectos de todo lo que significa ser mexicano: lo bueno y lo malo. Quizá la luz más brillante que podemos encontrar en este abanico de patrones y desviaciones, está en la cascarita. Fenómeno donde la pasión ciega se encuentra con el ingenio y cada rincón del país se vuelve una cancha. Es en este fenómeno donde nos topamos con el mexicano ingenuo y inocente; al que le gusta lo que le gusta, y poco le importa lo que existió antes, lo que existirá después o lo que lo rodea. En el momento cascarita, la tierra gira redonda como un balón.

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R i D L e y s c o T T:

prOMEthEuS S i ta nd o lo S o R í g e R e viT X T : : J o R g E A R I A S / @ U r b a n i c o l a ne S

Prometheus es la vuelta al origen para Ridley Scott, quien hace más de dos décadas dejó como legado para el cine de ciencia ficción dos películas esenciales: Alien y Blade Runner. Su nuevo proyecto, no obstante, pasó de rescatar la franquicia Alien a crear una película única, aunque no del todo original.

l principio, la idea era hacer una quinta película sobre la saga Alien, que fue ultrajada gracias al nefasto crossover hecho con Predator –sobra decir que su resultado fue lamentable–. A pesar de esta torpeza, la idea de rescatar la franquicia cautivó a Ridley Scott, quien fue persuadido por 20th Century Fox para dirigir el filme. El nuevo proyecto, que al parecer llevaba cocinándose desde el 2000, tenía el nombre tentativo de Paradise. Scott comenzó a trabajar el guión junto con el escritor Jon Spaihts. Al principio todo giraba en torno a una precuela del filme original (estrenado en 1979); sin embargo, un nuevo guionista de nombre Damon Lindelof (conocido como el co-creador de Lost), ayudó a modificar el guión para hacer una película nueva, basada en el universo de Alien, pero con una narrativa completamente original. Prometheus como proyecto final, comenzaba a escribir su propia historia. Prometheus tiene algunos guiños tanto a Alien como con Blade Runner, ambas de Scott, hecho que ha levantado una expectativa grande entre los fanáticos a la ciencia ficción. Dentro de los elementos que forman parte de esta película, es necesario comenzar con Weyland Industries, empresa liderada por Peter Weyland (interpretado por Guy Pierce) y la cual –entre otras cosas– es la creadora de la nave “Prometheus”, maquina inspirada en el Titán que le trae fuego a los hombres, así como también de la emblemática nave “Nostromo”, donde ocurre prácticamente todo el filme de Alien.

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A través del video disponible en el sitio ficticio www.weylandindustries.com, podemos ver la evolución de la tecnología en el año 2023 a través de una presentación que el mismísimo Peter Weyland realiza. “Prometheus” se desarrolla en el año 2085, 62 años después de dicha presentación, y treinta años antes del viaje del “Nostromo”.

otra historia de éxito de Weyland Industries se llama David (interpretado por Michael Fassbender), un humano sintético similar a los Replicants que aparecen en Blade Runner (que ocurre en el año 2019). En un comercial (ficticio) vemos que David puede ejecutar labores que resultan estresantes o poco éticas para los humanos. De acuerdo con este “comercial” este ser puede entender las emociones humanas, sin sentirlas… aunque en el video derrama una lágrima tras decir esto. David es la octava versión de humanos sintéticos y como miembro de la tripulación en “Prometheus”, comenzará a lidiar con aspectos emocionales

diversos, que es la premisa de Blade Runner, donde los Replicants aprenden a sentir las emociones humanas y desean, ante todo, vivir.

En 1979, Sigourney Weaver encarnó a la leyenda Ellen Ripley, quien es el hilo conductor de la saga Alien. La crítica ha comparado al personaje protagónico de Prometheus, Elizabeth Shaw (interpretada por la sueca Noomi Rapace, actriz estelar de la saga Millenium) al mítico personaje de Ripley. Elizabeth Shaw es una arqueóloga quien, tal como ocurrió con Ripley, cambiará su actitud a una más combativa conforme la trama avanza, hecho que le podría dar el hilo conductor necesario para las continuaciones fílmicas de la historia. Y es que, mientras se aleja de Alien, Prometheus se acerca a una secuela. Tanto Ridley Scott como el escritor, Damon Lindelof, han dejado entrever esta posibilidad. Durante la WonderCon 2012, Scott dijo que Prometheus tiene en efecto “ADN de Alien, (pero) ha evolucionado en otro universo y si tenemos suerte, habrá una

segunda parte, por lo que les dejaremos algunas preguntas abiertas (en el filme)”.

Tras 25 años de explorar otros géneros fílmicos, el director británico regresa a la ciencia ficción, a sus orígenes, movido por la inquietud de resolver algunas preguntas que permanecieron

en el aire después de Alien y de las cuales, al pensar en su explicación, derivaron en una película totalmente distinta, deslindada de esta franquicia, aunque inspirada en ella. El retorno del director al género que le dio fama y fortuna, viene de la mano de avances tecnológicos cinematográficos como el 3D, que le permitirían una profundidad y narrativa (casi) sin límites. El regreso de Scott es un indicativo de que a veces, y sólo a veces, voltear al pasado tiene sus recompensas. M

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Wild Girl

E TWo O N ARTE CON SWAG Durante mucho tiempo las calles eran mi único medio de expresión. Conocí en los 70 el graffiti, desde ese momento se volvió mi principal influencia artística, a partir de ahí conocí el hip-hop y todo lo que conlleva el movimiento. Al poco tiempo de empezar a pintar muros, decidí experimentar este estilo en canvas. Ahora intentó hacer ambos, ya que de los dos aprendo y obtengo cosas distintas. Cada obra refleja mis opiniones, intento retratar un momento y una sociedad, al menos desde mi perspectiva. Suelo crear figuras vibrantes que, sin importar si se encuentran en la calle o una galería, vibren y tengan vida propia.

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Biggie

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Getho Youth

La Veuve Noire

Child of RCA

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Erykah Badu

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B. B. B. B a l l , B E a t b O x & B l I n G. FotรณgraFo: Ivรกn AguIrre. Modelos: AlexA y ClAudIA pArA WAnted Model MAnAgeMent. BeatBoxer: rodrIgo velรกzquez. FutBol Freestyle: KsKrItA.

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Beatboxer: Traje azul Aldo Conti. Tenis propios. Corbata Aldo Conti. Modelos: Vestido rosa bebe Vestido café Top shop. Artes brazaletes y añillos Daniel Espinoza. Zapatos azules Jessica Simpson. Zapatos cafés Steve Madden. Kskrita: gorras Rocksmith , sudadera gris Rocksmith, playera blanca Rocksmith, , beannie Rocksmith. Pantalón camuflaje 10Deep, Tenis adidas, sudaderas negra adidas, sudadera negra con amarillo adidas. Balón Champions League adidas, balón pentágonos Pepsi.

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Modelos: Brazalete, gargantilla, collar largo, anillos y aretes Daniel espinosa Vestido cafĂŠ Bebe. Zapatos picos Steve Madden. Agradecimientos: Aldo Conti. Palacio de Hierro. Lucky Bastard.

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CÃ&#x201C;MIC

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HOMBRES QUE HACEN EL TRABAJO DE MÁQUINAS T X T : : E v ar i s t o C o r o na .

Puto. Son cuatro letras que en ese orden resultan ofensivas y sin embargo, en este caso, serán ilustrativas. ¿Cómo? Es muy fácil. ¿Se han preguntado lo que es el beatbox? Si lo saben entonces ya hilaron. Si no, es muy sencillo. Cualquiera que haya escuchado esa canción de Molotov sabe lo que es. Son los ruidos con los que empieza. Esos que van antes del “Qué muy machin no?”. Ya. La conocen y saben de lo que hablamos. l beatbox es una forma de recrear percusiones con la habilidad vocal. Son ruidos y chasquidos hechos con la boca y ayudando con las manos para hacer que resuene de una u otra forma. Es un recurso para crear ritmos que el humano ha utilizado seguramente desde tiempos inmemorables, pero lo que nos tiene aquí es su uso dentro del hip-hop. Durante la década de los 80, comenzaron a proliferar y comercializarse las máquinas de ritmos y los samplers, que eran instrumentos usados para crear bases rítmicas. Para muchos resultaba inalcanzable por sus altos costos, pues un Roland-808 (quizá el drum machine más popular por ser en ese entonces el más accesible) costaba $1,195 dólares. Para un chico tornamesista del Bronx, eso no era una opción. En 1984 apareció en la escena Doug E. Fresh –quien inició su carrera con Slick Rick como parte del Get Fresh Crew–, pero la sociedad duró poco y cada uno tomó caminos separados en los que individualmente fueron exitosos gracias a sus distintos talentos. Slick, por una parte, tiene habilidades magistrales para crear rimas, sin embargo, E. Fresh es reconocido como el original Human Beatbox. Fue la primera persona en alcanzar notoriedad por lograr imitar a aquellas cajas de sonido tan importantes para el rap, y en “Just Having Fun (Do the Beatbox)”, su primer sencillo, demostró esas habilidades e impuso una nueva ruta que los jóvenes podrían tomar.

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Siendo el rap la música del barrio, conseguir instrumentos musicales era prácticamente imposible. Si revisamos sus inicios, notaremos que desde su origen fue un género de escasos recursos, aunque ahora la historia sea distinta. El hip-hop nació de la necesidad y haciendo uso de lo que se tiene a la mano. Al encontrar una forma más de burlar al sistema, el beatbox se volvió un recurso útil para seguir sustituyendo elementos, tal como el uso de las tornamesas ayudó a suplantar a los músicos en su momento.

Entre los casos que más vale la pena destacar de hombres que saben hacer ese trabajo de máquinas, habría al menos un par imprescindibles. En primer lugar estaría el impresionante Rahzel, un músico asociado a The Roots en los 90, que además de tener la habilidad para crear bases rítmicas, puede cantar al mismo tiempo. Tiene dos discos editados en 1999 y 2004 respectivamente y hasta voces de robot sabe hacer. Björk le requirió en Medúlla, aquel álbum cuya instrumentación fue hecha únicamente a partir de sonidos guturales. Por otra parte, sus colaboraciones se extienden a trabajos con Erykah Badu, Common, Rakim, Rhymefest y Everclear. Es verdaderamente impresionante. El otro es la labor de Matisyahu, rapero hebreo conocido por hacer rap mezclado con reggae. La importancia del beatboxing tiene que ver con su uso como recurso. Por sí solo puede resultar aburrido pero es al rap lo que la harmónica al blues. Es parte de su voz y es la necedad así como la necesidad hechas parte de una cultura. M

Más adelante, el beatbox trascendió barreras cuando apareció de forma notable en el pop. Se sabe que Michael Jackson se grababa a sí mismo practicándolo y de esa forma registraba las ideas para sus canciones. De hecho, en varias de las versiones finales incluyó esos ruidos que no solamente hacía con la boca, sino con sus extremidades. “Who Is It?”, “In The Closet” y “They Don’t Care About Us” son apenas algunos ejemplos de la forma en que lo usaba. En sus conciertos, Michael también enseñaba esa habilidad, y fue justo así que llegó a Justin Timberlake, que entre sus dotes no sólo está cantar y bailar bien, sino reproducir percusiones con la boca. Quizá todo eso le valió para que The Neptunes le haya llevado el disco que terminó siendo su primer solista, nos referimos a Justified, un álbum que desde el principio estuvo pensado para que fuera grabado por Jackson, aunque la idea no se logró llevar a cabo.

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T X T : : J o r G E G r a Ja L E s .

Desde su surgimiento en la década de los 70 en el barrio neoyorkino del Bronx, la cultura del hip-hop se ha caracterizado por cuatro elementos básicos. Por sus denominaciones en inglés estos son: el MCing, el DJing, el B-boying y el graffiti. El primero se refiere al rapeo –ese estilo rítmico de fraseo no cantado– y al beatboxing, que es la técnica para imitar con la voz elementos percusivos (como la caja de ritmos) y otros instrumentos. El DJing por su parte tiene dos componentes: el sampleo, es decir, el tomar porciones de canciones para crear un patrón rítmico completamente diferente, realizado originalmente en tornamesas con discos de vinilo; el scratch por su parte hace lo propio, pero con el sonido producido al rascar o rayar el disco en las tornamesas hacia delante y hacia atrás. El tercer elemento, también conocido como break e incorrectamente como breakdancing, es el baile característico, mientras que el graffiti dicta el estilo visual encontrado en muros y bardas. Tales son los cuatro pilares del hip-hop, las cuatro columnas que el maligno Lord Ook intenta suprimir de una civilización del interespacio dental con la ayuda del Gusano Rojo y su virus de sonido puro; eso claro, si es que el comando interestelar encabezado por el Comandante Dental, la atractiva Honey Drip, el robot Rubbish y el Abuelo b-boy se lo permiten, ya que el dentista y comandante han encontrado el arma secreta para combatirles dentro de la boca de un paciente alienígena: el wave twister, una mini-tornamesa que se sujeta a la muñeca como un reloj de pulso… al es la estrambótica premisa de la deslumbrante animación Wave Twisters, que coopta creativamente los mencionados elementos del hip-hop para su propia realización, entregando como producto final un potente amalgama sónico y visual, que no tiene parangón con nada que se haya hecho antes o después. Esta animación es la concepción visual del singular álbum del mismo nombre realizado por DJ QBert. De nombre original Richard Quitevis, Qbert apareció en la escena a mediados de los ochenta con el grupo Invisibl Skratch Piklz para después lanzarse en solitario como uno de los DJs más innovadores cuando desarrolló el arte de utilizar la tornamesa como un instrumento musical más, inventando estilos y creando sistemas muy particulares de scratching. La maestría y talento de DjQbert –el Jimi Hendrix de las tornamesas– quedaron plenamente confirmados al ganar durante cuatro años consecutivos el primer lugar dentro del campeonato de DMC (Disco Mixing Club / club de mezclas de discos). Para ceder la oportunidad a otros DJs, los organizadores le solicitaron a Quitevis que mejor fungiese como jurado del evento en 1995. Tres años después lanzó un disco conceptual llamado Wave Twisters, que imaginaba como una suerte de historia espacial contada a través de scratch y sampleos de viejas películas de ciencia ficción. Tres años de esfuerzo después, con la colaboración de Doug Cunningham en la dirección de

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arte y diseño de personajes, además de Syd Garon y Eric Henry como directores, DJ Qbert’s Wave Twisters (el nombre oficial) se convirtió en la primera animación hip-hop de la historia. Wave Twisters, la animación, toma como punto de partida los tracks del disco para narrar una historia en donde las piezas musicales son las que van dictando la historia. Así, sin agregar diálogos ni música ajenos al álbum, los realizadores logran armar un acompañamiento visual al disco con una coherencia narrativa, por más disparatada que ésta pueda parecer, lo cual que no deja de ser sorprendente. Al igual que en el hiphop, algunas de las imágenes que aparecen son “sampleadas” de otras fuentes y muchas de ellas repetidas para dar la sensación del scratch. Realizada en su totalidad en After Effects, la película dura lo mismo que el disco en el que se basa: 45 minutos, tiempo en el cual se las arreglan para sobrecargar al espectador de un collage de imaginería de cultura popular que va de referencias a videojuegos de la vieja escuela (arcades de Atari 2600 como Asteroides o Donkey Kong), pasando por Star Wars y Star Trek, juguetes como Transformers y Playmobil, ánimes y caricaturas de Hanna-Barbera, sistemas operativos de MS-DOS y plataformas visuales de Apple por nombrar algunas. Por su parte, el estilo gráfico no sólo acusa la influencia del graffiti y el videojuego, sino que la animación también va de imágenes tridimensionales a lo lineal, miniaturas, imágenes apropiadas y escenas live-action. Es en una de esas escenas con personajes reales en donde aparece el mismísimo DJ QBert realizando su acto detrás de una tornamesa. Y es en ese preciso momento cuando nos damos cuenta que DJ QBert no sólo “raya” los discos tocando nuevos patrones musicales, sino que su talento y el filme mismo, rayan en la genialidad de tocar nuevas fronteras de lo creativo. M

Conseguir Wave Twisters en formato físico es asunto de coleccionistas. Sin embargo, la animación puede verse completa en YouTube: DJ QBERT'S - WAVE TWISTERS (FULL LEGNTH VERSION) Más de este tema www.marvin.com.mx/mas-cine

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Se puede taggear con los ojos, con leds, con láser, pero ¿con hilo? Cuando el graffiti y la tecnología (nueva o antigua) se unen, el resultado es sorprendente. T X T : : r E G i na Z a m o r a n o .

esde que Taki 183, el pequeño tagger de origen griego dejara su firma por todo Nueva York, inspirando a una generación entera de jóvenes a dejar su huella, el graffiti se ha transformado en todos los aspectos: en pocos años ha pasado de lo ilegal a lo comercial, de lo marginal a lo in, de lo burdo a lo más refinado y estético. Lo emocionante es

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que este género aún tiene mucho qué ofrecer, como el trabajo que hace Eliot, un beatboxer que borda sus graffitis, o los proyectos del Graffiti Research Lab, un colectivo fundado por dos geeks que han puesto la tecnología al servicio de los taggers con alcances asombrosos (y no, no estoy exagerando, sigan leyendo).

BEATBoxER, GRAFITERo y BoRDADoR Eliot no es un graffitero común, en vez de salir de noche a taggear o rayar la propiedad privada, prefiere pasar algunas tardes de manera pacífica, bordando. ¿Bordando? Sí, con todo el kit de la abuelita: hilo, aguja y tela. Pero claro, no borda pajaritos ni flores en manteles, sus motivos preferidos son los robots, las máscaras de lucha libre y la comida rápida. Nacido en Munich, Alemania, fue a los 15 años cuando Markus Henning (su verdadero nombre) supo lo que quería hacer el resto de su vida: graffitear. Un año después, en 1988, ya esparcía tinta y aerosol en las calles con BK (Bad Knaves) y AFM (Art for Money), dos de los crews pioneros en su país. Pronto se involucró más en la cultura del hip-hop y empezó a incursionar en otros de sus elementos básicos: el beatboxing y el rap. Tan en serio se lo tomó, que a la fecha SuperEliot ha hecho vibrar el micro con sus potentes sonidos vocales junto a artistas como los Black Eyed Peas, Michael Mittermeier, los Guano Apes y Lou Bega. Además de todo es “comiquero” y animador 3D. Sin embargo, la pregunta más interesante sería: ¿cómo es que se convirtió en bordador? Un día que fue a comprar materiales para su obra, Eliot encontró un montón de madejas con hilo de colores que llamó su atención, e inmediatamente le surgió la idea de utilizar una nueva técnica: en vez de dibujar, bordaría figuras en punto de cruz. El resultado fue un hilvanado de aspecto muy parecido al de los pixeles, y eso fue precisamente lo que enganchó a Eliot, pues le recordaba los videojuegos ochenteros de su adolescencia. Con el paso del tiempo, esa inesperada mezcla de hilo y pintura en aerosol se ha convertido en su sello. Su primer diseño fue un robot bastante complejo y colorido, por otra parte, su serie inicial llamada “Opus 1”, se compone de cuadros en los que bordó las armas que utiliza cualquier buen graffitero, sobre un fondo pintado con aerosol y marcadores: lápiz, rodillo, cutter y spray, pero también helado, cerveza y un buen bocado de carne. Como podemos ver, el sentido del humor y el amor por la comida chatarra no falta en sus cuadros ni en sus instalaciones. Para una de sus últimas ideas, titulada “The Schnitzel-semmel”, Eliot realiza en yeso unos moldes de una especie de hamburguesa vienesa, los pinta en colores neón y luego los coloca en los monumentos más populares de Berlín. Aunque aún no ha realizado exposiciones internacionales, su trabajo es muy conocido en Alemania y constantemente expone en galerías. GRL: GRAFFITI RESEARCH LAB En 2006, el azar juntó a dos portentosos geeks que compartían una pasión por el arte, el graffiti y la ciencia. Evan Roth, arquitecto y especialista en diseño y tecnología multimedia y James Powderly, ingeniero, compositor musical y experto en telecomunicaciones (el hombre trabajó nada menos que para algunas misiones a Marte de la NASA,) se conocieron cuando realizaban una residencia en Eyebeam, un laboratorio dedicado a la investigación del arte y la tecnología en Nueva York. Los dos tenían la misma meta: diseñar herramientas en beneficio de la comunidad global grafitera, con un espíritu open source, activista y anticomercial. Así decidieron fundar el GRL, para dotar a los artistas del grafiti con armas tecnológicas para burlar los mecanismos de control y opresión, pero sin incurrir en la ilegalidad. Suena utópico, pero lo lograron. En su sitio web, graffitiresearchlab.com, compartían todos sus inventos, así como links para bajar los códigos de programación (en caso de ser necesarios), la lista de materiales, videos DIY (Do it yourself, “Hazlo tú mismo”), explicando paso a paso la construcción de las herramientas y ejemplos de aplicaciones. Entre los proyectos que destacan se encuentran el L.A.S.E.R. Tag, que explica como con una cámara, un proyector y un láser común se pueden hacer un tags colosales sobre edificios y monumentos; el Night

Writer, que consiste en fabricar y colgar leyendas y firmas luminosas en lugares altos; el High Writer, una herramienta muy sencilla de construir para taggear con letras gigantes y las Led Throwies, racimos de leds de colores con imanes, que se lanzan y adhieren a superficies metálicas, como autobuses, fachadas, letreros, etc. Roth también desarrolló un programa llamado Graffiti Analysis, que permite grabar el movimiento de la mano de los graffiteros, para ver el tag en espectaculares gráficos 3D, e incluso, para hacer esculturas de las firmas. Todo el material y las instrucciones están al alcance de cualquier persona interesada en utilizarlos y, por supuesto, a los “encorbatados” del marketing les brillaron los ojitos con el L.A.S.E.R. Tag, que permite proyectar sus marcas, cosa que no les hizo nada de gracia a estos artistas ferozmente anticomerciales. Por otro lado, el equipo de GRL desarrolló un invento altruista y esperanzador que permite expresarse a través de movimientos tan sutiles como los de los ojos. EyEWRITER: “RAyAR” CoN LoS oJoS El grafiftero Tony Quan, mejor conocido como Tempt1 en sus épocas de gloria en Los Ángeles, hoy está completamente paralizado. En 2003, a sus 34 años, lo atacó una enfermedad degenerativa llamada esclerosis lateral amiotrófica, que lo dejó en cama sin posibilidad de hablar ni mover ninguna parte de su cuerpo, excepto los ojos. En 2008, la fundación Not Impossible y el GRL, entre otros organismos, colaboraron para crear un dispositivo que le permitió volver a taggear tan sólo con la mirada, permitiéndole agregar colores y efectos 3D. El equipo que diseñaron puede construirse con un presupuesto de 50 dólares (las instrucciones están en línea instructables. com/id/The-EyeWriter), mientras que otros aparatos parecidos a éste pueden llegar a costar 20 mil dólares. Tempt no sólo pudo volver a pintar, también pudo comunicarse con su familia, inició su propia fundación para luchar contra su enfermedad y, poco a poco, se ha reintegrado a las filas del mundo del graffiti. GENIoS GENERoSoS Después del GRL, Roth y Powderly fundaron el FAT Lab (Free Art and Technology Lab), donde continúan difundiendo sus ideas, herramientas, arte, información y videos; y aunque actualmente están más enfocados en sus proyectos personales, conservan un espíritu “hacktivista”. Así como los donadores de órganos, Evan Roth ha firmado una credencial que estipula que a su muerte todas sus obras y proyectos pasarán a ser del dominio público, una postura francamente revolucionaria en estos tiempos de voracidad creativa e intelectual. Ojalá Steve Jobs, John Lennon o Van Gogh hubieran hecho lo mismo, o ¿no? M

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"El Rock es mi trabajo, el fútbol es mi Pasión"

Alan McGee, primer manager de Oasis y el fundador del sello Creation Records, primera casa de grupos como Primal Scream y My Bloody Valentine.

EL VERDADERO REY DE LOS DEPORTES TXT:: JOrgE "nEgrO" HIPóLITO.

uando uno es fanático de algo, por lo regular está propenso a recibir insultos, groserías e improperios, de quienes –a diferencia de uno– no son fanáticos del asunto en cuestión. México es un país donde el deporte más popular, con más arraigo y el cual genera y mueve más dinero es el fútbol; así fútbol a secas, eso de llamarlo soccer es algo que inventaron los gringos para que éste no se fuera a confundir con su preciosísimo football "Americano". Pero regresando al tema del fútbol (con acento) y de sus fanáticos, cabe subrayar la molestia que llevamos años aguantando; eso de que nos llamen panboleros o que a nuestro bello deporte le llamen despectivamente "panbol". Término que refiere a la idea de que se trata de un deporte de panaderos, y el cual unos cuantos utilizan con la intención de denigrar la muy valiente labor de los hacedores de pan, que a diario brindan alimento a sus irrespetuosas bocas…cosas de vivir en un país tan surrealista como el nuestro. La historia del fútbol en México comienza con la llegada de las grandes empresas mineras inglesas, fueron esos mineros los que construyeron la primera cancha de fútbol de la cual se tiene conocimiento –allá por tierras Hidalguenses–, sembrando la semilla para lo que después fuera el primer equipo de fútbol profesional mexicano, el Pachuca. Un equipo que a pesar de su historia y de su tradición sufrió mucho durante del siglo pasado y que fue hasta la década de los 90 cuando logró volver (para quedarse) a la primera división, y convertirse en un referente de profesionalismo y seriedad. Incluso sus dueños construyeron la primera universidad del fútbol, ahí en la "bella airosa", en donde además de los estudios académicos se puede estudiar para jugador, entrenador, arbitro, etc. Una gran aportación del club Pachuca al sistema educativo de nuestro país.

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Quien es aficionado al balompié sabe lo que es sufrir, llorar, reír, gozar y festejar junto al equipo, es algo que no se puede describir con palabras. La alegría y la energía que corre por un estadio de fútbol al momento de realizarse un partido, es algo que sólo se pueden entender viviéndolo. Sin embargo lo anterior no pretende dividir, solamente quiero dejar claro que se necesita ser fanático para sentir esa extraña adrenalina que recorre tú cuerpo al ver jugar a tu equipo favorito. En mi caso cuento con la fortuna o con la mala fortuna, de ser fanático del América. Sus propietarios son los dueños de la televisora más grande de Latinoamérica. Es odiado por muchos y amado por otros tantos. Yo en particular, siempre he creído que ser aficionado a un equipo es algo que nunca debe de cambiar, no puedes decir, “hoy soy puma, y mañana chiva” y por esta necedad teórica (y mi playera amarilla) he llegado a pagar un precio muy caro. En los últimos años, los oriundos de Coapa, han sido un equipo bastante regular, pero al final de cuentas el fútbol es como la vida: se gana y se pierde. La verdad es que sé de antemano, que muchos de los que están leyendo este articulo no entienden o detestan el fútbol, pero nadie puede negar que en épocas de mundial u otros torneos internacionales, todos se sientan frente a un televisor para ver los juegos de nuestra selección; una selección que nos ha dado muchas alegrías pero también sinsabores, tristezas y decepciones, no por nada le llaman la "decepción nacional”. Parecería que en nuestra naturaleza de mexicanos ya viene incluida la fuerza para aguantar tanto sufrimiento; cada vez que "la verde" tiene partido, la nación se recompone, lame su heridas y se muestra sonriente y preparada para poder volver a vivir y sufrir, todas esas alegrías que nos da el deporte más bonito de este planeta. ¿O, qué? ¿Tú te crees muy gringo y sólo te gusta "el americano"? M

Escritora Twitter: @paolatinoco

Y CUANDO DESPE RT

A B A T S E

DI T É , LA E

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P DE

OFF THE RECORD Í H

De una década para acá, como hongos en días de lluvia, comenzaron a salir editoriales independientes por todas partes de América Latina y España: libros del Asteroide, Gadir, Impedimenta, Sexto piso, Almadía, Eterna cadencia, Textofilia, Tumbona, Bonobos y un largo etcétera. En un momento en que un carrito de choripanes o de hamburguesas produciría más dinero que hacer libros, montones de jóvenes (y algunos no tanto) decidieron lanzarse a la aventura, aunque algunas de ellas con cálculos muy precisos de qué instituciones les proporcionarían dinero para engrosar una buena parte de su catálogo, otras sin tantas aspiraciones económicas. Lo cierto es que a una buena parte de ellas les debemos grandes libros que los sellos editoriales ya entrados en años y en fortuna no estaban tomando el riesgo de publicar a pesar de tener más dinero para solventar esos gastos y editoriales con pocos recursos y buen gusto literario como las mencionadas sí lo hacían. Ese es el lado bueno de las editoriales independientes, que luego se rebautizaron como emergentes, luego regresaron a la independencia pero finalmente, ¿se les puede llamar independientes si finalmente dependen de apoyos económicos gubernamentales o de que algunas universidades coediten con su sello para seguir publicando libros? Me refiero en este caso, sólo a las mexicanas, ya que el gobierno de nuestro país puede tener muchos defectos pero también el maravilloso beneficio de apoyar a la industria editorial, a sus artistas, a sus escritores. COnACULTA es una institución generosa con la cultura y las artes en la medida de sus posibilidades. De ninguna manera criticaría el hecho de que los representantes de estas pequeñas casas editoriales estiren la mano para pedir dinero y hacer libros pero sí repruebo que de eso dependa la continuidad de sus proyectos, es decir, que no haya de su parte más inversión que el trabajo, una vez que las becas, coinversiones o coediciones con universidades y demás apoyos que se pueden conseguir para estos fines. Lo que quiere decir que toda esa pasión con la que iniciaron sus proyectos se desvaneció cuando el dinero dejó de salir de los bolsillos de alguien más y empezó a salir de los propios. Se defenderán diciendo que si yo gastaría el dinero que no tengo en una empresa que aún no da frutos. Yo diría que eso se sabe cuando construyes los cimientos de una editorial, por más planes de negocios que se hagan. A nadie le gusta invertir sin que haya un retorno de inversión, pero es sabido que el ramo editorial es costoso y pasa tiempo antes de que la contabilidad arroje números negros y no rojos. Aún recuerdo a los entonces jovencísimos e inexpertos editores de Sexto piso (hace unos 7 u 8 años) pidiendo consejos a Jorge Herralde y éste respondió que una editorial tardaba aproximadamente 9 años en dar ganancias. Aquellos no se arredraron y siguieron con el proyecto que dejó de serlo para convertirse en una realidad, en una editorial con 10 años en el mercado, que tiene aciertos y errores pero sigue ahí. Lamentablemente no es el caso de todas las editoriales y es ahora que comienzan a caer porque es fin de sexenio y se terminan los apoyos económicos. La producción de libros de este tipo de editorial se paraliza, se posterga, o se hacen planes para la extinción. ¿Y donde quedó el amor por los libros? ¿Por la literatura? ¿Dónde las ganas de hacer editoriales diferentes? ¿Independientes? Esperemos en todo caso que con la lluvia del próximo sexenio, como los hongos, vuelvan a crecer esas editoriales o bien, los que quedan en la carrera tengan agallas para brincar la maldición de los seis años y no se olviden porqué comenzaron a hacer libros, que seguramente, no era con la mera intención de atrapar becas y coinversiones sino promover la buena literatura.

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T X T : : PA O L A T I n O C O .

LA R A O E DEL REY CRIOLL K B C BLA

TXT:: A. A. gOrE.

Periodista de rock y escritor de ficción.

EL CUADERNO AMARGO

E DI

“Algunos cuates las defendieron, se armaron los madrazos y ellas pudieron huir, medio desvestidas, luego pareció que todo se había calmado, pero empezaron a arrancar los asientos de las butacas y a aventarlos, todo mundo corriendo como loco por todas partes, como si se estuviera incendiando el cine. (…) La función se interrumpió y encendieron las luces. Y siguió el desmadre hasta que llegaron los granaderos y nos sacaron a todos del cine. Las chamacas espantadas de verles la cara como nalgasdegorila a los granaderos. nada pasó, los granaderos no le hicieron nada a nadie”. Lo anterior es un fragmento de El rey criollo, texto fundamental del fallecido periodista de rock Parménides García Saldaña. El relato, que presta su título al libro, no recoge lo que sucedió en alguna tocada under de rock acontecida en las lúgubres entrañas de algún hoyo fonqui (así, en español), sino en una función de cine. En efecto, El rey criollo cuenta lo que sucedió cuando se estrenó en México la película King Creole, de 1958, dirigida por Michael Curtiz, y que sirvió como pretexto para que en el interior del cine Las Américas (ubicado donde hoy es el metro Chilpancingo) se desatara la euforia que garcía Saldaña recogió en su libro. Pandilleros, madrazos, gritos, baile, sexo, chupe y rock and roll. ¿Increíble no? A ver, King Creole se pudo ver en México en 1964, o sea, seis años después que en Estados Unidos. Y eso de que “se pudo ver” es un decir, porque de acuerdo con garcía Saldaña acabó en un cinus-interruptus. Cuarentayocho (por rendirle un homenaje a Parménides) años después, ese mismo cine Las Américas fue remodelado y bautizado como Foro Blackberry en 2012. Pensado, diseñado y construido para funcionar como foro de conciertos, en su corta existencia ya ha tenido presentaciones como la de Misfits, Buzzcocks o Babasónicos. El lugar cuenta con salidas de emergencia, dos amplias barras de bebidas, zona lounge, terraza para fumadores, baños higiénicos, butacas, área para observar de pie, audio de primera, escenario panorámico, etcétera, etcétera, etcétera. resulta casi imposible que un día los granaderos interrumpan alguna presentación para separar a dos pandillas rivales. El día que guillermo Parra – director de negociación y talento de Ocesa– presentó a los medios el mentado Auditorio Blackberry dijo: “México ya es el tercer mercado en materia de conciertos a nivel mundial”. Quizá los lectores más jóvenes no lo hayan notado porque prácticamente nacieron con ello, pero en México se celebran tres ó cuatro conciertos de bandas nacionales e internacionales a la semana. Las grandes giras mundiales paran en nuestro país casi sin excepción. Los hoyos fonqui desparecieron, porque ahora es válido, permitido y bien visto tocar en casi cualquier lugar. Los lectores de mediano kilometraje, como yo, recordarán que esperamos mucho tiempo para ver a Nine Inch Nails, Radiohead o Pearl Jam en México. Los más viejos de plano se quedaron con ganas de ver a Los Beatles y una película de Elvis les bastó para desbaratar el mundo. Cuando menos en materia de conciertos, hace mucho que somos parte del “primer mundo”. Prueba de ello son las preventas monopolizadas por una tarjeta de crédito y los insultantes precios de las localidades. Sin embargo, cuando compro un boleto, siento que me cobran como francés que trabaja como mexicano. Del rock como paria social, hemos pasado a “el rock es un pequeño lujo, pero creo que lo valgo”. Pero ni modo, sólo queda decir: ¡Parménides, ampáranos!

PA R

AGUARRACES PORTEÑAS T X T : : r A FA E L T O r I Z .

TXT:: HUgO gArCÍA MICHEL.

Escritor y vagabundo.

Columnista de Milenio Diario y director de La Mosca en la Red. www.facebook.com/hgmichel

UN CH OR

OLÍTICA, DE BAT ES Y R DE P

Hace cerca de dos meses, la alguna vez respetable revista Proceso publicó un artículo que provocó cierta polémica dentro del gremio roqueril nacional. Con el título de “La generación Zoé” y firmado por Juan Pablo Proal, el texto era una colección de lugares comunes supuestamente críticos acerca de los jóvenes músicos mexicanos de rock, en el que no se les cuestionaba por hacer música deficiente, sino por su falta de “compromiso” (compromiso con los dogmas de eso que hoy se hace llamar “la izquierda”). Con un tufo prejuicioso, intolerante y clasista, Proal se queja de que las letras de las canciones de los grupos y solistas actuales no hablan “de la guerra contra el narcotráfico, del desempleo, de la exclusión, del estado militarizado ni de las muertas de Juárez” y en cambio prevalezcan “canciones sobre amores y desamores”. Añade que los grupos de rock “deberían aportar su capacidad de mover masas” (sic). ¿Para qué? La respuesta no tiene desperdicio: “Para eliminar este silencio generacional tan cómodo para quienes lucran con el país” (cualquier semejanza con el discurso de los pejistas no es precisamente una mera coincidencia). Esa idea de que el rock por necesidad tiene que hablar de política y de temas sociales, y siempre desde una perspectiva izquierdista (cualquier cosa que eso signifique a estas alturas de la historia, cuando tipos tan impresentables como Manuel Bartlett o José guadarrama navegan con bandera de gente de gauche) es tan absurda como falsa. Aunque el blues tuvo sus orígenes en los cantos de los esclavos negros del sur estadounidense, y es uno de los géneros que dio vida al rock and roll, eso no significa que todo el blues haya sido contestatario. De hecho, los blueseros le cantaban referentemente al amor y al desamor y no a la lucha de clases. De igual modo, los primeros rocanroles eran mucho más sexosos que impugnadores de la injusticia social (véanse las letras de Chuck Berry o de Lieber & Stoller) y si por alguna libertad clamaban era por la libertad para divertirse, irse a reventar con sus chavas y comprarse un carro. Si el articulista de Proceso exige a los roqueros nacionales que escriban canciones militantes, lo mismo tendría que pedir entonces a los jazzistas, los troveros y en una de esas hasta a los músicos sinfónicos (¿qué tal una Sinfonía Macuspana?). rock y política se han tocado en algunos momentos, no siempre de manera afortunada (nada peor que las canciones panfletarias), pero no es obligatorio (y yo diría que ni siquiera deseable) que ambas actividades caminen de la mano. Esto no quiere decir que los músicos permanezcan ajenos a su realidad, pero las simpatías y diferencias corresponden a cada quien. A final de cuentas, una simple y sencilla canción de amor puede ser más genuinamente revolucionaria que una que utilice al tema de las muertas de Juárez, sin más intención que aparecer ante la gente como alguien políticamente correcto. Ya que andamos en los temas políticos y ya que para cuando ustedes lean esta columna estará muy cerca el segundo debate presidencial, un leve comentario sobre el primero, el del domingo 6 de mayo pasado. A decir verdad, ese primer debate superó todas las expectativas. no por sus propuestas, su interés político o su contribución cívica, sino por la cantidad de errores e incidentes que ocurrieron a lo largo del mismo y que lo convirtieron en uno de los shows cómicos más divertidos de la presente temporada electoral. Tan errático resultó el asunto que la verdadera estrella del debate fue la hoy famosa edecán de frondosas proporciones y amplio escote, cuya presencia dio pie a toda clase de bromas aunque también a una que otra posición “indignada”. Bajo un esquema como de infomercial de Pronósticos Deportivos, los candidatos no tuvieron tiempo de exponer sus propuestas y las prisas y el nerviosismo imperantes hicieron incluso que AMLO sacara una foto “incriminatoria” y la mostrara ¡de cabeza!, en el momento más chusco de la noche. Fue un show sin pies ni cabeza, pero eso sí: muy divertido. A ver de a cómo nos toca en el segundo y último antes de las votaciones. Ojalá que vaya la edecán.

ÁN IP

BAJO PRESUPUESTO

A LLEGAR A

La mejor manera de aprehender la esencia de los pueblos, si es que existe, es a través de sus hábitos alimenticios. Es en la cocina donde a piscología profunda de las naciones suele revelarse con absoluta transparencia. Por tal razón, las sociedades que han conocido la hibridación y el mestizaje ostentan una notable riqueza gastronómica y cultural: la promiscuidad y la combinación son el caldo propicio para fortalecer el pluralismo. En ese sentido, para el mexicano habituado a condimentar sus alimentos con semillas, flores y una variedad de picantes tan extensa como los adjetivos del castellano, la cocina argentina resalta de inmediato por su contundente homogeneidad. Quisiera no ser malinterpretado. Mis palabras en modo alguno sugieren una crítica negativa ante una carne vacuna que, evidentemente, es una experiencia para nombrar la dicha. Pero ese es el tema. Es sólo una.1 Luego, entre las posibilidades que componen las dietas de las poblaciones, una manera de acercarse desde una orilla más o menos objetiva es desde los límites, es decir, desde la banqueta. La comida callejera es un estupendo termómetro para conocer los secretos de las ciudades y sus habitantes. El taco, el faláfel, la arepa, el pretzel y el hot-dog son la expresión de que somos una especie en tránsito permanente. El acto de comer, en su sustancialidad, puede ser también un rito pasajero, contrario a los hábitos de la mesa. En este contexto aparece en la Argentina una figura de sencilla efectividad que responde al nombre de choripán. Su constitución es básica. Un pan partido por la mitad (parecido al bolillo) con un chorizo en el medio. Y nada más. En honor a la verdad, hay que decir que algunos comensales intrépidos, siempre minoría, suele acompañar la vianda con chimichurri o con salsa criolla, cuya base es aceite de maíz o de oliva con cebolla, tomate, ajo, sal, limón y una cucharada de pimiento morrón. Un espíritu curtido en la tradición de la tostada no puede menos que estremecerse ante la desnudez del chori, que con apenas un poco de lechuga, mayonesa, cebolla y mostaza quedaría transformado en una flamante y mexicana torta de chorizo, es decir, en una experiencia barroca de sabor, combinación y textura. Pero entonces no sería lo que es. Por alguna razón que escapa a mi entendimiento, comer un choripán es una experiencia franca y contundente, como el castellano porteño (acá a “los pechos”, por ejemplo, se les llama abiertamente tetas y a la cola culo, datos que llaman súbitamente la atención para una hablante criado en la república del eufemismo). El choripán, en su autosuficiencia monástica, posee como uno de sus atributos su naturaleza crocante, de allí que la mejor manera de ablandar su torvo cuerpo sea a través de una generosa garrafa de vino. no por nada la consumición del chori acontece como rito: el lugar por excelencia del bocado es la cancha o el asado. Asistir a un partido de fútbol en la Argentina es comunicar con la esencia inconfundible del embutido frito. O bien, es usual encontrarlo como prólogo en las parrilladas en que habrá de darse cuenta con ahínco de la mayor parte de una vaca. Desde luego existen variedades notables entre los choripanes. He tenido la fortuna de probar algunos con panes de tersa suavidad en los Bosques de Palermo en plena madrugada y he degustado otros en lugares inciertos de la costanera con chorizos regordetes que sonrojarían al verde de Toluca. He comido algunos más al final de algún partido con la alegría del infante que recibe un regalo pero puedo asegurar, sin ánimos de potencializar el narcisismo de pequeñas diferencias, que no he probado un choripán tan sabroso como el que se consigue en la feria de Mataderos, entre locales de artesanía, platos regionales y deslucida fayuca. Ese choripán bendito tenía un gusto tan intenso, incluso beligerante, que, exageraciones proscritas, juro que recordaré hasta que me muera. Es sabido que en el caso de los alimentos callejeros la calidad del producto se encuentra directamente relacionada con las manos del demiurgo, siempre y cuando el contacto sea a cappella, es decir, de manera natural. La comida callejera, siempre disponible como el amor de alquiler, enaltece sus orígenes manuales. Habrá que decirlo de una vez, sin aspavientos. Como el taquero laburante y comprometido, el parrillero argentino está dedicado a una noble y efímera proeza: la confección del alimento ahíto de grasas trans que dotará de sabor y sentido a los días de la memoria. Y con pocas variantes. Pastas, carne y ensaladas. Eventualmente pescado.

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D I S C O d

BEACH

E S U O H

ArMoNÍA PUrA

e l m e s

BLOOM /

A r T S & C r A f T S M é Xi C o

Pienso en ellos como una metáfora de la luz que yace tras las relaciones personales. En ese sentido, Devotion es como una luz filtrada a través de cortinas de organdí en una habitación cerrada, Teen Dream es la iluminación blanca, casi deslumbrante de dicha habitación, mientras Bloom es la luz que permea cada estrato de la casa. No es que sea mejor que sus antecesores, dicha comparación me parecería insuficiente y forzada. Es simplemente que Bloom comparte un lado más diáfano de Victoria Legrand y Alex Scally. Elegante en su tratamiento, la producción del disco beneficia la comunión de cada elemento de las canciones –más que buscar resaltar la voz de Legrand o la guitarra efectista de Scally– creando una belleza cristalina, casi mágica. Pero lo que realmente sobresale aquí, es cómo este álbum construye otro maravilloso relato de amor y devoción. Afortunadamente, para algunas personas la música continúa siendo algo vivencial. En el caso de Scally y Legrand, podemos afirmar que Beach House no es un proyecto, ni siquiera una banda: es su vida entera. T X T : : L ui S A r c E .

Futbol Mix

GoSSiP / A jOyfuL nOise

/ The

o r C hA r d

cuando un disco hace más ruido por los productores que lo rodean que por sus canciones, algo anda mal. Parecía que Mark ronson se encargaría de meterle mano a éste, el quinto disco del trío liderado por Beth Ditto, sin embargo quien firma los once temas que lo integran es Brian Higgins. Y se nota. Ditto argumenta que últimamente escucha a ABBA, aunque todo apunta que fue la discografía de Madonna la que amagó a su tocadiscos (“Move the right direction” es ya un hurto descarado). Muy poca distorsión le queda al grupo; a cambio, filtros vocales, sintetizadores dignos de Frankie Goes to Hollywood, rapeos intencionalmente carentes de flow y, lo más importante, una producción digna de Kylie Minogue, hacen de éste un álbum desconcertante que, sí obtiene lo que busca –colarse a los número uno en ventas mundiales- adelgazará a la vieja horda de fans del combo. De lo contrario, habrá que esperar el siguiente paso, quizá estemos ante un traba jo de trazos débiles que en el siguiente álbum ganarán firmeza. /

T X T: : A L E jA NDr o G oN z á L E z c A S t i L Lo. MAdoNNA HArd cAndy Beth y Madonna comparten cuerdas vocales cada vez que la primera se lo propone.

SLeATer-KiNNey THe HOT rOck Chicas que hacen grrrr y que ni en tus sueños calzan tacones.

PeACheS fATHerfucker Música para bailar sin rasurarse las axilas.

The rAVeoNeTTeS / inTO THe nigHT / C o L U M B i A

El otro día conocí a una chica, Peggy. Fuimos a un club con facha de los años cincuenta donde tocaría un grupo tributo a The Jesus and Mary Chain. todo anduvo en calma hasta que la nena se pasó de jarabes y terminó buscando puños con los meseros del tugurio. Huimos. Entre risotadas camino a su auto empañó mis gafas al darme un beso bien caliente y, desde entonces, aquélla fue una noche corrida en cuarta velocidad, juntos. Al otro día desperté en su cama. En lugar de cabecera tenía una foto de Elvis con los ojos arrancados. Alucinante. Y sí, Peggy se fue sin despedirse, pero me dejó este EP de los raveonettes como regalo. “tan coqueto y perverso como tú”, me escribió en la tapa del plato. Ahora lo escucho y pienso que dura demasiado poco. Y no sé, me parece que algo parecido al amor agoniza dentro de él. En apenas cuatro canciones. / T X T: : A L E j A ND r o G o N z á L E z c A S t i L L o . PhiL SPeCTor WALL Of sOund: THe very BesT Of PHiL sPecTOr 1961- 1966 El artífice de ese sonido que se debate entre fantasmal y celeste que tanto copian Sharin Foo y Sune Rose.

LiArS / WiXiW / M U T e

The MAGNeTiC fieLdS disTOrTiOn Una catedral barroca de distorsiones y feedbacks repleta de tonadas chiclosas para tomar el sol.

The eVerLy BroTherS cAdence Rimas para crinolinas y flirteo ardiente en canciones consistentes como una malteada.

C O S 3 x

Liars ha creado un conjunto de álbumes que fueron interpretados y malinterpretados en cualquier forma y opinión que sea posible. Lo curioso es que para Aussie Andrew y Aaron hemphill, ese siempre ha sido el objetivo. Su música es angular, incide desde diversas direcciones y nunca se detiene a premeditar el significado que podría adquirir ante la crítica y, en casos extremos como They Were Wrong, So We Drowned o Drum’s not Dead, ni siquiera ante el público. tras la salida de un álbum ciertamente más convencional, y otro no tanto, Liars regresa con WIXIW, recordándonos que son igual de arriesgados, provocadores y ambiciosos que siempre. Sólo que ahora concentraron sus energías en resolver desentendimientos propios y no en confundir a sus espectadores. Aquí hay más desconcierto y más ambigüedad que en producciones anteriores, por lo mismo, es también un disco más arrebatador. El título, para aquellos preocupados, puede leerse como “wish you”, pero está escrito de tal forma, para generar una duda similar a la que los integrantes de la banda enfrentaron al componer estas canciones. Ello demuestra que los intereses de esta banda son genuinos, y que han evolucionado con naturalidad de álbum a álbum. Siendo así, WIXIW es una excelente adición a la colección. / T X T: : L ui S A r c E . GANG of foUr WAnT One y WAnT TWO Liars es un reminiscente de los que sucedió a finales de los setenta con agrupaciones como Gang of Four o A Certain Ratio.

BATTLeS gLOss drOP Nada más saludable que comparar las exploraciones técnicas y sonoras ejecutadas por diversas agrupaciones. El lenguaje común: ¡have fun!

KiLLiNG JoKe MMXii Aunque no es el álbum más cercano a la estética de Liars; en él se reproducen los ecos de Killing Joke y la influencia que bandas contemporáneas tienen en ella.

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The TeMPer TrAP / THe TeMPer TrAP / A r T S

D I S C O S

& C r A f T S M é Xi Co

En gran medida, un productor puede ser el responsable o no del éxito de un disco. En el caso del disco debut de estos australianos, conditions, la producción a cargo de jim Abbiss tenía ya el éxito casi asegurado, luego de haber probado oscuros riffs y teclados rítmicos con Belle And Sebastian y Arctic Monkeys, entre otros. Este 2012, ttt prueba la batuta de Tony hoffer, quien respeta la línea esencial de lo ya antes escuchado. Este álbum homónimo mantiene la fórmula: son 12 tracks con letras lastimosas consiguiendo ampliar el proyecto como banda, con un sonido claramente más limpio e incluso mejorado, pero aún sin una evidente vuelta de tuerca para aquellos escuchas que exigen “innovación” musical. Quizá algunos crean que el centro de atención seguirá perteneciendo a la voz delicada de Mandagi y su sentimiento de tortuosidad, sin embargo, es una detalle casi imperceptible después de experimentar desde diferentes esquinas esas emociones que surgen del desarrollo de relaciones personales que pocas veces culminan exitosamente. / T X T: : A ND r E A PA z . M83 Hurry uP, We're dreAMing Es igual a adentrarte en un viaje de dream pop, sonidos falsos y emociones extrasensoriales.

The TeMPer TrAP cOndiTiOns Distintos estados de ánimo que con el paso de los minutos la melancolía toma distintas formas de vida.

ArCTiC MoNKeyS fAvOuriTe WOrsT nigHTMAre Empatan acordes veloces que aceleran el tiempo con secciones rítmicas bien amarradas y potentes.

PATriCK WATSoN AdvenTures in yOur OWn BAckyArd d o M i No

3 x 1

Me tocó ver a este canadiense por adopción, en el razzmatazz de Barcelona. Al terminar su show eléctrico, Patrick pidió una mesa colocada entre la gente para hacer versiones sólo con su voz y un pedal que la distorsionaba. Watson es un crooner gesticulador que ha asimilado muy bien la tradición de Tom Waits: en su música, la palabra balada no tiene una connotación cursi, más bien ama la lentitud y los pequeños detalles. Para este cuarto álbum concentró a su banda en un estudio armado en un anexo de su morada en Quebec, para componer y grabar a fuego lento. El resultado son melodías añejas, ritmos de antaño, belleza dosificada en canciones cortas que subliman el folk-pop, ese que tan bien le sale a Andrew Bird. Son 13 canciones decoradas con vientos, acordeón, instrumentos viejos y su hábil trío de siempre. Ya quisiera Coldplay componer alguna canción de tan noble estirpe. Para muchos será el descubrimiento del año. / TXT:: juAN cArLoS HiDALGo PATriCK WATSoN cLOse TO PArAdise Andrew nació en 1973; Sufjan dos años después. ¿Vínculos generacionales? Ambos son músicos atípicos y gustan de probar con muchos ritmos e instrumentos.

Futbol Mix

dAMieN JUrAdo MArAqOPA Hasta antes de hoy, su trabajo más notable, sinuoso y atrayente.

Jeff BUCKLey grAce El malogrado cantautor californiano es una gran fuente de inspiración y respeto para sus colegas.

VeSSPA / ciudAd iMPeriAL / i Ndi e

ALLiANCe reCordS

cuando vi que en el tracklist venía un título como “She Loves You” no me quedaba claro si el grupo estaba versionando o homena jeando a los famosos creadores del himno sesentero…pero no. ¿Power rock pop? Sí, con claroscuros, sin mucha sorpresa pero sí con momentos luminosos y letras en español que hablan sobre pérdidas, su barrio (la colonia roma) y música que por momentos recuerda el rock de los setentas. La banda sabe crear atmósferas, de eso no queda la menor duda, como lo demuestran en tracks como “cuerpos”. Sin embargo, es en temas como “Los Humanos” donde se muestran las capacidades musicales de la banda (que son muchas). “64”es otro buen tema para que llenes tu cabeza de rock. Ah, cuando arme una nueva banda le pondré a una canción “Strawberry Fields Forever” o “A Day in the Life”… / T X T: : A L E j A ND r o MA N c i L L A . NArANJA MeCáNiCA suPer TriP Banda noventera que por momentos me recordó al sonido de esta banda.

SeXy SAdie drAining yOur BrAin Banda española de rock (de ese que llaman indie) que tomó su nombre de…adivinen.

The MUSiC THe Music Banda inglesa ya extinta que en su momento hacía música tan densa como “pegajosa”. Cómo un chicle de dinamita, vaya.

dr. JohN / LOcked dOWn / No Ne S U C h

Hay combinaciones musicales que dan resultados espléndidos y la que se dio entre ese enorme y veteranísimo compositor, cantante y tecladista que es el legendario Mac rebennack, alias dr. John, y el joven autor, guitarrista, cantante y ahora productor Dan Auerbach, líder de The Black Keys, no pudo ser más afortunado. Auerbach se echó a cuestas la tarea de producirle un disco al mítico doctor y no sólo salió airoso, sino que consiguió dar a luz uno de los mejores traba jos en la larguísima discografía de quien naciera en Nueva orleans hace más de setenta años. Locked Down resume los estilos que ha tocado Dr. john desde los años sesenta (el swamp blues, el zydeco, el jazz, el rock primigenio, etcétera), pero con el sonido propio de la segunda década del siglo veintiuno. El resultado es impecable pero en absoluto pasteurizado. Por el contrario, ahí está ese canto espeso, rasposo, sensual que caracteriza a la música de Dr. john y eso resalta en cada uno de los cortes que conforman a este fantástico disco. / T X T: : H u G o G A r c Í A M i c H E L . The BLACK KeyS eL cAMinO El explosivo dueto siguió el cambio de rumbo que tomó en Brothers, para lograr un disco aún más pulido pero igualmente estupendo.

LeoN rUSSeLL cArney Una absoluta maravilla. Un álbum olvidado a pesar de su calidad y su sonido. Un clásico desconocido de principios de los setenta.

SWAMPAdeLiCA s’Ac PAsse? Con un sonido pantanoso y muy a la Nueva Orleans, el tercer disco de esta banda de Nueva Jersey es una delicia.

BeST CoAST / THe OnLy PLAce Me Xi C A N S UM Me r

Su debut contenía vitalidad, el ligero peso de sonrisas desencantadas y sentimientos tan fútiles como sinceros. Era una moneda cuya caras significa exactamente lo mismo. Los detalles del álbum revelaban cierta inquietud por expresarse como le fuese posible, y eso en varios sentidos es lindo. Es una tristeza que esos esfuerzos sean apabullados por la presión de ser innovadores. Best coast había lanzando antes un álbum tan sincero y elocuente, que su discurso fue adoptado como un cálido día ba jo el sol. Ahora, es un acartonado remedo de diversión. Sin embargo la agrupación sigue adelante, avanza con la misma apariencia, o mejor aún, avanza maquillando esa apariencia. De alguna manera lograron su cometido: conservar el sonido de su álbum debut y perfeccionarlo. Lamentable es notar que ciertas cosas no necesitan la perfección, su inocencia las hace completas. La transición, entonces, ofrece resultados deslumbrantes como “up All Night”, pero predominan las canciones más bien desoladas de frágil composición musical. / T X T: : L u i S A r c E . dUM dUM GirLS OnLy in dreAMs Habría que rescatar algunas canciones de este movimiento influenciado por C-86. Piezas como “Up All Night” y “Coming Down” no deberían perderse en el olvido.

heAVeNLy Le jArdin de HeAvenLy Bandas como Vivian Girls, Best Coast e incluso La Sera deberían volver a este verdadero clásico cada que se les presente la oportunidad.

LeSLey Gore THe gOLden HiTs Of LesLey gOre Es realmente aquí donde todo comenzó. Lo sabemos, es su fiesta y lloran y patalean si quieren. ¿Podemos irnos ya?

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GeorGe hArriSoN / eArLy TAkes vOL. 1 / U Me

A poco más de una década de su desaparición física, George Harrison ha vuelto a dar de qué hablar, gracias a la excelente cinta documental Living in the Material World, dirigida en 2011 por Martin Scorsese. De dicha película salen estas primeras tomas de varias de las canciones que escribió ya en su etapa como solista, fuera de los Beatles. Se trata de una decena de demos de composiciones que estuvieron en álbumes como All Things Must Pass, Living in the Material World y algunos otros. Así, podemos escuchar las primeras tomas de piezas como “My Sweet Lord”, “run of the Mill”, “i’d Have You Anytime”, “Let it me Be”, “Behind that Locked Door”, “Awaiting on You All” o la bellísima “the Light that Has Lightened the World”. Hay también una preciosa versión al tema de Bob dylan “Mama You’ve Been on My Mind”. un disco para seguidores del ex Beatle, pero también para quienes no lo son. T X T: : H u G o G A r c Í A M i c H E L .

D I S C O S 3

The BeATLeS AnTOLOgy Las canciones del cuarteto de Liverpool al desnudo. Una colección fundamental para los seguidores de la banda.

JACK WhiTe / BLunderBuss / T hi r d

MA N r e C o r d S

T X T: : H u G o G A r c Í A M i c H E L . The WhiTe STriPeS geT BeHind Me sATAn Posiblemente el álbum más ecléctico y experimental del dueto de las rayas blancas.

The rACoNTeUrS cOnsOLers Of THe LOneLy El segundo, ¿y último? disco de este proyecto consolidó la combinación de estilos entre Jack White y Brendan Benson.

The deAd WeATher HOreHOund Un primer disco contundente, grasoso, pantanoso, altamente rocanrolero.

GArBAGe / nOT yOur kind Of PeOPLe S T U N V o L U Me

Ser honesto es un reto para todo fan. Vayamos directo a lo importante: sólo la mitad de Not Your Kind Of People es bueno. Garbage retomó los sintetizadores y el enigma de sus mejores años, sin embargo, los fantasmas de Bleed Like Me arruinaron lo que pudo haber sido el regreso triunfante de Shirley Manson y compañia. Los primeros temas suponen una mutación entre la añoranza y la innovación, “Automatic Systematic Habit” es apenas la introducción del mejor tema del disco: “Big Bright World” –la naturaleza melódica de la banda–. “Felt” representa a todos los infravalorados lados b de su discografía, mientras que “Blood For Poppies” justifica siete años sin algún sencillo exitoso. Y de repente, todo se desmorona. un repertorio de sonidos grises se apodera del álbum, “Man on a Wire” y “Sugar” son las fallas más dolorosas, sumando a eso las insoportablemente melodiosas “Not Your Kind of People” y “Beloved Freak”. ¿Los temas extra? Sólo escúchen “the one”. / TXT:: PABLo PuLiDo. MeTriC fAnTAsies La gran traición de los canadienses. El parecido entre los dos es mera coincidencia.

Futbol Mix

BoB dyLAN AnOTHer side El cuarto disco de Dylan y posiblemente el más íntimo y cálido de todos. Una guitarra, una voz y letras llenas de poesía personal.

Primer álbum como solista de este genio musical nacido en Detroit, Michigan, y presencia fundamental en bandas tan importantes y trascendentes como The White Stripes, The raconteurs y The dead Weather. Blunderbuss es como un torbellino de extraordinaria música y tremendas letras que giran alrededor del dolor del divorcio (White se separó de su esposa hace apenas unos meses y lo plasma con sorprendente sinceridad y desatada rabia en varias de las canciones). He aquí trece temas que no tienen desperdicio y que van del rock más esencial, seco y duro, hasta las baladas más dulces y melancólicas. No deja de llamar la atención que su flamante ex mujer, Karen Elson, participe como segunda voz en canciones cuyas palabras son en ocasiones demasiado rudas con ella. Así de peculiar es jack White y así de peculiar y ecléctico es este disco realmente espléndido.

x 1

CAroLe KiNG THe LegendAry deMOs La grandiosa y mítica cantautora en una recopilación de sus mejores composiciones en su versión primigenia.

GArBAGe gArBAge No hay nada de malo en recordar, ¿o sí?

hoLe ceLeBriTy skin Ejemplo de cuando las guitarras –ruidosas y coordinadas- suenan bien.

D rUfUS WAiNWriGhT / OuT Of

THe gAMe / U N i V e r S A L

Por años, rufus Wainwright fue una persona atormentada por sus problemas familiares y su condición homosexual, sin embargo, con el tiempo ganó un público fiel haciendo la música que quiere y hasta tuvo un hijo con Lorca –hija de Leonard Cohen– que prestó su vientre para la gestación. Hoy tiene una relación de pareja estable y seguramente compone en un entorno de ensueño, pero ¿será el ambiente propicio para que el arte surja? Por si las dudas, decidió recurrir al rey Midas de la producción y del soul actual: Mark ronson, a quien además considera “el hombre más guapo de la tierra”. La combinación parecía segura, pero algo falló al momento de hacer match. ¿canciones demasiado rebuscadas? ¿Falta de feeling? todo indica que rufus no encontró en la estabilidad personal la fuente de inspiración adecuada. A Mark le faltó algo de “barrio”, de “mundo real”, para hacer canciones que no fueran perfectas, sino inolvidables. No es su mejor disco, pero aun así “rashida” y “jericho” se defienden y lucen. El resto de las canciones corre el riesgo de ser música para “adulto contemporáneo” a la menor provocación. con tanta veneración a los 70 y a elton John, el romanticismo y ternura aquí están de más. En fin, queremos tanto a rufus, que lo seguiremos esperando. /

S C O S 3 x 1

T X T : : j uA N c A r L o S Hi DA L G o . rUfUS WAiNWriGhT WAnT One y WAnT TWO Hasta el momento, la pareja de discos que representan su obra cumbre. Monumentales, según los entendidos.

MArK roNSoN versiOn El disco de covers que consagró al productor y DJ con el gran público. Manual del soul contemporáneo.

rUfUS WAiNWriGhT reLeAse THe sTArs No es una decisión compartida con sus seguidores, pero en lo personal es el álbum que más me llega y convence de este orfebre del pop exquisito.

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Soledad / fe / VA L e

V e r G A S di S C o S

cuando una banda hace música real se nota, suena fluido y ligero. En pleno 2012 todo lo que escuchemos nos va a remitir a algo que ya se hizo antes o que suena a tal o cual cosa, sin embargo cuando el producto que oyes retiene tu atención por más de dos segundos, es muy probable que sea algo bueno. cuando escuchamos a Soledad por primera vez fue con su 7”, ahora editan un EP llamado Fe. El sonido de este dúo remite al post-punk, es primitivo y crudo, sin arreglos de estudio ni post-producción. Simple pero concreto. La fe va más allá de una creencia religiosa; mueve montañas y crea guerras. La fe de Soledad es un grito que viene desde lo obscuro y que propone hacer las cosas de manera menos ordinaria. Dos personas con antecedentes musicales decidieron que este sería el grito de guerra para un proyecto que refresca la tan viciada y asqueada escena. Sin poses y armados con batería, guitarra y voz, Soledad nos muestra en seis canciones que no se necesita una ostentosa producción ni tocar cada 15 días en algún bar de moda en la roma/condesa, lo importante es tener algo que decir. / TXT:: ANtoNio cuEVAS.

D I S

BrUNo dArÍo A rOMAnTic vOyAge Compañeros de disquera y de fiestas. Ambos proyectos se inclinan al lado crooner de la voz, crudo y discreto.

fUGAzi 13 sOngs La vibra y energía que transmiten en vivo nos recuerda al extinto grupo de MacKaye y Picciotto.

BAUhAUS BeLA LugOsi’s deAd La voz tiene pasajes que nos remiten a Murphy y la música brilla por su obscuridad y simplicidad

Los Punsetes / unA MOnTAñA es unA MOnTAñA e V e r L A S T i NG r e C o r d S

C O S 3 x 1

Algo pasa en España. Los Planetas, TAB, el Columpio Asesino, Nudozurdo, Klaus & Kinski, odio Paris, Mercromina…por mencionar algunos. Una montaña es una montaña llega en el momento perfecto, en el que sus contemporáneos se encuentran de gira o escribiendo nuevos himnos. El tercer LP de Los Punsetes no compite con nadie más que consigo mismo y su pasado; es directo, violento y cáustico. La voz de Ariadna es un lobo con piel de cordero, su lírica es obscura y retorcida aunque su timbre simule a una niña; mientras que las guitarras confunden y la sección rítmica guía nuestro camino. "tráfico de órganos de iglesia", "155", "Mis amigos", "Malas tierras" y "john cage" son algunas de las canciones que sobresalen. El tinte perturbador de cada frase es uno de los ganchos que nos amarran para no perder detalle. "No hay mejor propósito que no tener ningún propósito. un hombre es un hombre y una montaña es una montaña, yo no quiero saber qué pasará después". Así, sencillo y sin muchas explicaciones son Los Punsetes. / T X T: : A N to N i o c u E VA S . LoS PUNSeTeS LP2 Basta con escuchar "Cien metros para el cementerio" y "Creo que creo que Satanas". El humor de "Tus amigos" sigue presente en su nuevo disco.

LoS PLANeTAS unA seMAnA en eL MOTOr de un AuTOBus Uno de los álbumes más emblemáticos de una banda española infravalorada. "Segundo premio" y "La playa" para empezar.

VArioS ArTiSTAS cOLOreAndO A dAnieL jOHnsTOn Grupos españoles covereando a Don Daniel Johnston. La mejor manera de entrarlea la escena ibérica. Disponible en descarga gratuita.

ALeTyAS / ALdeA iMAginAriA / i Nde P e Ndi e N T e

Letras y música intimista, sensual y emotiva...todo en un formato pop. El EP comienza con “Dance the Dream”, tema arropado por violines, un contrabajo muy jazzy y una guitarra rítmica un poco a la Stereolab. Lo único reprochable es que el coro sea en inglés. La aventura continúa con “champan y chocolate”, una canción sexosa y frágil, muy gráfica, sentimental y con cierto humor negro, cuya letra evoca escenas divertidas. Sin duda, el mejor track del disco. El material continúa navegando entre la frontera del minimalismo, el folk y la canción de autor, con el pop como estandarte, pero arriba de los parámetros tradicionales de lo que se entiende como tal. / TXT:: ALEjANDro MANciLLA. JAVierA MeNA esqueMAs juveniLes Comparten el sentido de la melodía y líricas muy personales.

Futbol Mix

NoSöTrASh POPeMAs Se nota la influencia del pop ibérico en este EP.

ABeJA ABejA Efímera banda regia que hacía pop country muy pegajoso y que desafortunadamente perdieron el rumbo de regreso al panal.

SiGUr róS / vALTAri X L r e Co r di NG S

trazar el mapa de un sólo camino llevará siempre a rutas insospechadas. con tramas, cuadros ambientales, reminiscencias de la esporádica resurrección de un sonido a través del bosque, Valtari, la séptima producción de los islandeses Sigur rós, alcanza un lugar prodigioso dentro de la discografía de una banda que siempre se ha caracterizado por entregar álbumes consistentes. Este es un pulido ejercicio de estetismo, un transparente jardín de artificios que roza el ambient, pero que permanece ligado a los suaves senderos de cada exploración sonora realizada por la banda. En resumen: una breve impresión de colorido y degradado se asoma, mientras otra desaparece. cualidad que hace de Valtari el más fino constructo emocional que Sigur rós haya podido crear. Los otros álbumes son excelentes piezas de post-rock; pero este es un delicado espectro musical al que poco le interesa esa categoría. / T X T : : L ui S A r c E . eLUViUM siMiLes Espacios de serenidad y quietud emocional, son algunas de las características de Valtari. Esa técnica compositiva encuentra cierta perfección climática dentro de este álbum. SUGAr PLANT HAPPy/TrAnce MeLLOW La suavidad con la cual Valtari progresa tiene en Sugar Plant un parangón estético profundamente similar. “Meadow” y “Fjögur Píanó”, por ejemplo. The eCSTASy of SAiNT ThereSA free d (OriginAL sOundTrAck) Son checos. Son extraños. En 1994 diseñaron un álbum que suena rockero en estructura, pero enigmáticamente ambiental como experiencia.

D I S C O S 3 x 1

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EL LIENZo PErDIDo

T E L E V

I S I

Ó N

TrUE BLooD

LA VidA ANTeS de SeiyA

LoS GUErrEroS DEL ZoDIaco

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QUiNTA TeMPorAdA

de MáS SANGre y SeXo

A través de la fusión de diversas mitologías como la griega y la nórdica, Masami Kuromada creó la historia más emblemática sobre la lucha entre el bien y el mal: Saint Seiya (conocida en México como Los Caballeros del Zodiaco, ahora en su traducción oficial como “Guerreros”). Y porque todo tiene un antes, en 2009 se editó la saga animada El Lienzo Perdido, la cual se centra en la amistad entre Sasha (reencarnación de la diosa Atena), Alone (quien después habría de convertirse en Hades) y tenma (el elegido de Pegaso), quien combatirá en la batalla más difícil de su vida para salvar a la humanidad durante la Guerra Santa. Esta precuela, contenida en un box set de 6 discos Blu ray, es una interesante revisión al pasado de los caballeros Dorados.

El fenómeno vampiresco aumentó a partir de esa película (que no ha de nombrarse en estas páginas) protagonizada por robert Pattinson; de repente todo era historias de amor y colmillos filosos, sin embargo, no todo estaba perdido. Escrita por Alan Ball, True Blood apareció en 2008 y tuvo tanto éxito que está a punto de estrenar su quinta temporada en junio, antes muchísimos expectantes fans. contará con la aparición de Christopher Meloni, el policía rudo de The Law & Order SVU, quien interpretará a un vampiro de 500 años con asuntos pendientes que arreglar. La serie es una metáfora sobre el amor y odio a la alteridad. En un mundo en el que los humanos conviven con los vampiros, y en el cual (quizá) será imposible dominar el instinto asesino… de ambas especies.

Dark ShaDowS

No roMPeráS eL CorA zóN de UNA MUJer

N E

D E

T I M

B U r T o N

tim Burton regresa con su tradicional fórmula de “oscuridad más comedia” en Dark Shadows, cinta protagonizada por Johnny depp (casting ya también tradicional de Burton). con ayuda del director de fotografía Bruno delbonnel, conocido por su traba jo en Harry Potter and the Half-Blood Prince, Burton complace a sus seguidores con una estética gótica que enca ja perfectamente con el lado enigmático de depp. La película gira en torno a Barnabas collins, un mujeriego del siglo XViii que rompe el corazón de una bruja, interpretada por eva Green. como venganza, la desdichada mujer lo convierte en vampiro y lo entierra vivo. Doscientos años después, collins despierta en un mundo completamente a jeno a él. Esta cinta llegará a las salas de cine de nuestro país este 22 de junio.

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MArTÍN CAPArróS LoS LiViNG / e d .

PATTi SMiTh

érAMoS UNoS NiñoS / e d .

A N A G r A MA

un periodista severo en sus juicios y sagaz en sus pesquisas, se da a la tarea de construir una novela que deja ver las distintas capas de la argentinidad, asunto que lo lleva a un complejo laberinto de conflictos sociales, ideologías y dogmas. Nito –el protagonista– nace el día en que muere Juan domingo Perón, crece con dudas acerca de la muerte de su padre, y termina siendo una especie de oráculo religioso capaz de predecir la muerte. En la delirante realidad argenta se insertan la guerra de las Malvinas, los años de la dictadura, Buenos Aires como reflejo del caos urbanístico, la lucha de la clase media por sobrevivir, Susana Giménez y cierto terrorismo artístico que pretende sembrar cadáveres a modo de arte conceptual. El desencanto y la desilusión conducen una espléndida urdimbre narrativa acerca de una sociedad que, en su afán por creer en algo, se deja llevar por predicadores alucinados como el Pastor trafalgar. Los living reúne discursos paralelos que se encuentran para proponer una tragicomedia del país. T X T : : j uA N c A r L o S H i DA L G o . MArTÍN CAPArróS unA LunA Una clase magistral de periodismo.

rodriGo freSáN HisTOriA ArgenTinA Otra obra que busca rearmar la historia nacional.

L L U Me N

Después del concierto que dio en el Museo Anahuacalli, no podemos sino brindarle todo nuestro cariño a la llamada “Madrina del punk”. Se trata de una artista excepcional y su vida, registrada en este libro de memorias, no podía ser menos: un salto la llevó del seno de una familia de escasos recursos en la New jersey rural a Nueva York, cuna de todos los sueños y utopías. instalada en la urbe fue protagonista de la revuelta artística que estalló a finales de los 70, y que al final de la década siguiente eclosionó en el cBGB. La historia de Éramos unos niños está centrada en su profundo amor con robert Mapplethorpe y la lucha de ambos por hallar un lugar en el arte y sobrevivir. Amante de la poesía –rimbaud sobre todo–, la música y la libertad, aquí habla de la vorágine de Allen Ginsberg, Gregory Corso, Janis Joplin, Sam Shepard, Jimi hendrix, Andy Warhol, etc. Se trata de una mujer que luchó por su sexualidad, por soltar sus versos y canciones. con algo de retraso, nos llega en español un libro conmovedor e inolvidable.

I B R O S

T X T: : j uA N c A r L o S Hi DA L G o . MArTÍN CAPArróS A quien cOrresPOndA El actual merecedor del Premio Herralde de Novela.

PATTi SMiTh BABeL Uno de los primeros poemarios publicados en español de esta mujer.

PATriCiA MorriSroe rOBerT MAPPLe HOrPe: unA BiOgrAfíA La vida del gran fotógrafo.

PATTi SMiTh HOrses El disco, también mítico.

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Ni NiXoN TiMe TeLLer WATCh SeGúN LoS BeASTie BoyS S

La rima, el ritmo y el tiempo sólo pueden explicarse en conjunto, así como los Beastie Boys sólo pueden entenderse a través de Mike D, Adam McA y Ad rock. La nueva colección de Nixon diseñada por los Beastie, es un linda metáfora de todo lo anterior. Ahora, con la noticia de la muerte de Adam McA Yauch el tiempo parece aún más breve, sin embargo también más relevante, y es que la huella que un ser humano puede dejar en tan sólo 47 años, es simplemente impresionante. La colección consta de cuatro modelos en distintos colores, y fue creada para beneficiar a la estación de radio estudiantil de la universidad de colombia.

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Escuchar y ver a alguien haciendo beatbox es algo realmente impresionante, y es que el hecho de que una sola persona pueda generar esta variedad de sonidos y capas es impresionante, pero en todo hay espacio para la tecnología, y cuando de beatbox se trata no hay mayor ayuda que la de un buen micrófono. El FireBall V es, sin duda, la mejor oferta para aquellos que no le gusta que sus classic kicks, o PFF snares se distorsionen.

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es uno de los equipos más avanzados y fáciles de utilizar que Nokia ha lanzado. Su interfaz es extremadamente rápida, y te permite añadir sitios web y webapps a la pantalla de inicio. Y como se trata de Nokia, no podemos dejar de lado la increíble resistencia de este modelo, tanto así que su pantalla puede usarse como martillo (en Youtube hay videos que lo atestiguan), aunque no lo recomendamos.

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Se NT A:

Estos audífonos son el resultado de la unión de dos grandes marcas alemanas, que juntas crearon un modelo que no sacrifica calidad de audio por movilidad. Los HD 220 originals cancelan el ruido ambiental y proporcionan fidelidad de audio realmente impresionante. Este modelo ya está a la venta.

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Dedicados a mejorar la experiencia de hacer ejercicio, adidas presenta Adipure trainer, el primer calzado diseñado para aprovechar al 100 la movilidad natural de todo el cuerpo. Basado en la anatomía del pie, el Adipue trainer aumenta la fuerza de las piernas y tobillos sin dañarlos, esto gracias a sus materiales que protegen la piel y activan músculos que ni siquiera conocías. consigue tu par en las distintas tiendas adidas del país.

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ry dANieL eSPiNozA JeWeLry Los diseños de Daniel Espinoza exploran más alla de la estética típica de joyería. cada pieza es una estructura compleja de elegancia y vanguardismo que roba el aliento por su belleza introspectiva. Entre sus influencias se encuentran la naturaleza, la geometría y los cuerpos celestes. La plata y en especial el oro, se funden sin dificultad en la creatividad de este diseñador, misma que es plasmada en los distintos accesorios, todos imposibles de ignorar. conoce más productos en www.danielespinosa.com

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rIcarDo Bravo eNTreViSTA CoN

A UN

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rapza fue el nombre del primer sello mexicano dedicado enteramente al rap. Su artífice, ricardo Bravo, se encargó de proyectar las rimas de la primera chica Mc del país (Vicky Mc), además de lanzar el debut discográfico de uno de los combos que más aplausos han recibido si de hip-hop nacional se habla (Sociedad café) y, yendo más atrás, puso en las tiendas de discos la música de Campo Santo, un grupo que, antes de que Molotov hiciera de las suyas, se dedicaba a mezclar rap con rock sin prejuicios de por medio. Frente a ricardo ha pasado una apabullante cantidad de raperos provenientes de todas partes del país, todos listos para salir de las coladeras: Petate funky, Gente Loca, Mexican fusca, MC Luka, Bola 8, La etnia, Crimen Urbano, Caballeros del Plan G, Pakal, Controversia funk, Mr. Virus, don Café, Alfiler XL, dJ hunta, dos hermanos… con todo eso sobre la espalda, Bravo cuenta con una visión muy clara respecto al hip-hop nacional; “sin querer hablar mal del rap mexicano, señalo puntos que las siguientes generaciones deberían superar. En México no hay un sentido de colectividad; acá, cada quién con su santo. Yo editaba discos de ciertos artistas, pero así me convertía en enemigo de otros. Llegué a enterarme de gente que yo apoye y que hablaba mal de mí, a mis espaldas. Por otro lado, ¿colgarse cadenas de latón cuando deberían ser de oro y diamantes? Es contradictorio. Hay que entender la esencia de la cultura del rap y llevarla a nuestros terrenos, hasta entonces nos dirigiremos a otras alturas”. Sin embargo, el panorama es limpio cuando se ve hacia el futuro: “Si durante 1998 sólo salían dos discos de rap (no hablo de demos), en estos días habrá unos treinta discos al año. comparando estos números con los generados por sub géneros del rock como el punk y el ska, uno descubre que se editan la misma cantidad de discos de rap, o más. Esto dice que el movimiento es grande, pero no significa que se trate de un buen negocio. El rap mexicano no vende discos. Hay artistas, muy pocos, que llegan a vender 3 000 copias, y esa cifra es una locura. No es común”. Hablando de locuras, Memo ríos y Caló alguna vez hicieron rap…“caló era un grupo más cercano a Timbiriche que a otra cosa. No podría catalogarse netamente como un grupo de rap, sino como un producto pop con cierto gusto por rapear. Memo ríos es curioso, no más. Pero mucha gente en México lo veía y pensaba que así era el rap”. “Hace falta una búsqueda de identidad en el rap mexicano. Es frustrante encontrar a grupos nuevos que suenan como si estuvieran en los noventa, preservando estereotipos tan sobados que ruegan ser evolucionados, como el del gánster que dice salir a la calle a matar personas cuando, pese a vivir en algún barrio marginal, jamás ha matado una mosca. Debe haber un compromiso por encontrarse con nuestras raíces. La cultura hip-hop nació en Nueva York pero en México hay elementos que conseguirían generar un sonido propio. Hay rasgos folclóricos que pueden integrarse, como los soneros veracruzanos que las componen en el aire, eso sería una especie de free style. En el rap mexicano no ha surgido, aún, algo similar a lo que Botellita de Jerez o Jaime López aportaron al rock; rasgos de identidad”. CA

o AN C i X e AP M

rAdiCCióN CoNT LLA MAd Ar

6 JoyAS deL rAP MeXiCANo Elote - “Final feliz”. ce- cen- cem/ Boca H - “caballeros del plan G”. Sociedad café - “Mesa No. 1”. Erick “Piochas” Santos - “Yo y mi otro yo”. Vicky Mc y Bastön - “Nuestro andar”. North Siders - “México lindo y querido”.

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