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THE LIBER TINES El duro viaje del averno al Festival Corona Capital

»PLAN B

En música: Girl Band. Post-core monolítico como alternativa al punk. / David Lovering. El Pixie mágico-científico-musical The Dears. Un no a la música de laptop. En cómic y narrativa dibujada: Rutas alternas con Laerte Coutinho.

En cine: Sicario. El plan B del cine de monstruos

DIRECTORIO PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@revistamarvin.com EDITOR UILI DAMAGE uili@revistamarvin.com COORDINADOR EDITORIAL PABLO PULIDO pablo@revistamarvin.com DIRECTOR DE ARTE HÉCTOR MONTES DE OCA hector@serif.com.mx DISEÑADOR GRÁFICO DAVID HERNÁNDEZ davidh@revistamarvin.com REDACTORA WEB ORQUÍDEA VÁZQUEZ orquidea@revistamarvin.com REDACTOR WEB JOSÉ IGNACIO GÓMEZ ignacio@revistamarvin.com REDACTOR WEB ALONSO SALAMANCA alonso@revistamarvin.com REDACTORA WEB ANDREA GONZÁLEZ andrea@revistamarvin.com DIRECCIÓN COMERCIAL Y RP DELHY SEGURA delhy@revistamarvin.com VENTAS Y RP ALFONSO PRETELIN poncho@revistamarvin.com

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Luis Fernando Alcántar, Amaro Bautista, Lenin Calderón, Iván Castillo, Aarón Enríquez, Fernando Fernández, Hugo J. Flores, Hugo García Michel, Juan Carlos Hidalgo, Vicente Jáuregui, Alejandro Mancilla, Seoirse O’Mahony, Toño Quintanar, Rafael Toriz y Regina Zamorano.

CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo J. Flores, Alejandro González Castillo, Jorge Grajales, Juan Carlos Hidalgo, Alejandro Mancilla.

REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA TOLUCA EDUARDO URIBE MORALES aliasdg@gmail.com PUEBLA RICARDO CARTAS FIGUEROA ricardocartas@revistamarvin.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@revistamarvin.com PACHUCA ALFREDO GARCÍA r.u.d.o@hotmail.com TORREÓN FERNANDO FERNÁNDEZ hanzeldice@gmail.com IMPRENTA FOLI DE MÉXICO, S.A. DE C.V. Negra Modelo 4, Colonia Cervecería Modelo, Estado de México, D.F. C.P. 53330.

Teléfono 9159 2200.

MVN 136 :: PLAN B

FOTÓGRAFO FELI GUTIÉRRES feli@revistamarvin.com EDITOR CÓMIC ÓSCAR G. HERNÁNDEZ oscarghx@revistamarvin.com ADMINISTRACIÓN Y DISTRIBUCIÓN EMMANUEL CORTÉS emmanuel@revistamarvin.com DISTRIBUCIÓN EDUARDO CORTÁZAR ROSAS ASISTENTE MONTSERRAT ASCANIO VARGAS montserrat@revistamarvin.com WEBMASTER ERNESTO MAGAÑA ernesto@revistamarvin.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com ILUSTRACIÓN DE PORTADA Héctor Montes de Oca

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VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD.

Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 136 correspondiente a: NOVIEMBRE 2015. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372.

Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2011-100610180100-102. MARVIN es una Marca Registrada.

CONTENIDO MVN :: 136 :: PLAN B EN PORTADA 38 THE LIBERTINES CONTENIDO 6 EN MEGÁFONO. Perfiles y noticias de música, cine y arte

MÚSICA 20 INDUSTRIA: Discoteca 22 ATLAS SONORO: Ecuador 24 THE DEARS. Dice “no” a la música pop 26 MEW. Soñadores en un mundo material 28 GIRL BAND. El imaginario colectivo del post-punk 30 DJ SPOOKY. Sampleando y remezclando la historia cinematográfica de los Estados Unidos (junto al Kronos Quartet) 32 DARKSTAR. Las voces del no futuro.

50 DE CULTO. Captain Beefheart.

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CINE 56 SICARIO. Nuestro lado oscuro 58 VICTORIA. La incertidumbre y la certeza de existir 52 DE CULTO. Rob Zombie. El infierno tiene autoría ARTE 60 GALERÍA. Gianluca Traina 66 LIENZOS URBANOS. Mademoiselle Maurice & Bambi 54 DE CULTO. Vivian Maler CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA 72 LAERTE COUTINHO. Otra ruta en viñetas y en la vida 74 CÓMIC DEL MES. Pedro Mancini MARVINISMO 46 ZAPPING DE PLAN B LITERATURA 70 NITRO/PRESS. Los lados b de la literatura

MÚSICA

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COMIC

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COLUMNAS 76 BAJO PRESUPUESTO: Roqueros de medio tiempo. Por Hugo García Michel 77 AGUARRACES PORTEÑAS: A la deriva del río. Por Rafael Toriz STAND-UP 18 GON CURIEL. Escribiendo la sobremesa RECOMENDACIONES 78 ESTILO 79 TECNOLOGÍA 80 EL PILÓN. David Lovering. El Pixie mágico-científico-musical

CINE

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ARTE

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EDITORIAL

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odo mundo tiene derecho a una segunda oportunidad. Uno de los actos principales del Festival Corona Capital es el vivo ejemplo de una banda que se lo ha tomado a pecho y echado por la borda todo lo construido persiguiendo un plan B, e incluso hacer de su plan A el plan B de su plan B. Ellos son The Libertines, la polémica banda londinense que no tuvo las condiciones necesarias para mantenerse unida y sólida; sus cantantes hicieron proyectos solistas (Babyshambles, de Pete Doherty y Dirty Pretty Things de Carl Barât), pero al paso de los años y una serie de bemoles, encontrones y desintoxicaciones, buscaron a John Hassall (bajo) y Gary Powell (batería), para una presentación de reencuentro en el Hyde Park de Londres el 5 de julio de 2014, y ahora en el Corona.

El cambio de planes no es precisamente una rareza en el espectáculo. Otras celebridades han llegado a la música como plan B de su ocupación principal: El muy jovencito Shamir, entrevistado en nuestro número anterior es ex dependiente de una tienda de ropa -como Kanye West- y ex integrante de una banda de punk.

Sabemos de los varios casos de las modelos y actrices-convertidas en cantantes, como Sky Ferreira, Lana del Rey, Zoe Deschanel, Shirley Manson y alternando entre conciertos, Marilyn Manson, actúa, pinta y expone fotografía, o los de riesgo mortal como los ex traficantes Jay-Z, Danny Brown y tantos y tantos raperos que han tenido que dormir con un arma bajo la almohada. Pero hay empleos menos glamorosos y sin duda, menos peligrosos como la docencia, que ha arrojado músicos muy polémicos como Sting (que ha hecho todo por quitarse lo polémico con un cambio de rumbo sonoro) y la siempre shockeante Peaches.

En sentido contrario, la bajista de Sonic Youth, Kim Gordon, la actriz Lucy Liu y el actor Viggo Mortensen también toman caminos alternos a sus oficios por los que salieron al reflector mundial con una interesante y abundante obra plástica, repitiendo los pasos del cantante de Captain Beefheart, Don Van Vliet, quien, pasados sus días

de gloria con la banda, se dedicó a pintar hasta su muerte en 2010.

Hay también los que han salido casi por completo de la música a buscar nuevos caminos como Gwen Stefani con su propia marca en el mundo de la moda y los perfumes; Jon Bon Jovi en la actuación; Vanilla Ice que es corredor de bienes raíces y le va mucho mejor que rappeando; David Lee Roth, cantante original de Van Halen y solista, encontró vocación como paramédico; Justin Timberlake, cantante de boy-band y solista, incursionó en la actuación y luego puso su fortuna en la adquisición de la empresa digital MySpace; Bono y The Edge de U2 se volvieron hoteleros.

Kurt Larson, voz de los one-hit-wonders de synthpop, Information Society, paga sus cuentas puntualmente con el cheque regordo que le deja hacer música de video juegos.

Incluso sin salirse del oficio hay grandes sorpresas como la del cantante de la banda metalera Krokus, que le abría a inicios de los 80 a Ozzy y hoy es el vergonzoso multiplatino Michael Bolton. Katy Hudson, quien debutó con un disco de pop cristiano se tomó ocho años para convertirse en Katy Perry. El temible colectivo de cyberpunk o rock industrial Ministry debutó con un horrendo disco de electro body music. David Johansen, el legendario cantante de los padrinos del punk, The New York Dolls probó las mieles del éxito con un tema de salsa y el alias de Buster Poindexter. La cantante de pop sueco MØ, que recién visitó el país también tiene raíces en el punk. Taylor Swift se fue del country al pop. Kate Nash, del pop al punk.

Snoop, del rap al reggae y de vuelta al rap. Dylan, del folk al rock. Miley Cyrus, del country al pop.

Lady Gaga, de los musicales de Broadway al pop y al jazz. Beastie Boys, del punk al rap. Kid Rock, del rock al country. Skrillex, del screamo al EDM, y tantos y tantos por mencionar...

Hay muchas formas de abordar un plan B y en este número presentamos algunos casos interesantes más para aportar a la estadística, en uno u otro sentido y refrendar el postulado de que, sí, todo mundo tiene derecho a una segunda oportunidad.

Uili Damage @uili

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EN MEGÁFONO

El sonido de la música Entrevista con Flavio Gómez de Logitech POR AÑOS SE HA RELACIONADO A LOGITECH CON SUS DOS PRODUCTOS ESTRELLA QUE SON LOS TECLADOS Y “RATONES” PARA COMPUTADORA, CATEGORÍA EN LA QUE HAN LLEGADO MUY LEJOS. SIENDO UNA COMPAÑÍA QUE INICIÓ en 1981, han tenido el margen de acción más amplio para innovar sobre esos dos productos y la relación “uno a uno” entre un usuario y su equipo de cómputo. Esta relación los encausó para desarrollar esos pequeños eslabones que mejoran la experiencia del usuario, mismo que se ha versatilizado del ambiente de trabajo hacia la navegación y las comunicaciones web, los juegos de video para computadora, las plataformas de creación musical y el entretenimiento en casa.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Flavio Gómez, Director de la firma para Latinoamérica quien nos cuenta acerca del paso más reciente que ha dado Logitech, que es el de las bocinas inalámbricas portátiles para todo clima, mismas que han ejercitado enormemente su músculo de ventas: “Estamos lanzando toda una línea de productos que se llama Ultimate Ears. En Estados Unidos la UE Boom es la más vendida. En México estamos estrenando la UE Roll, la UE Boom II y la Mega Boom con un bajo muy profundo, sonido potente suficiente para escucharse bien hasta a 30 metros a la redonda y veinte horas de batería. Estas dos últimas puedes sumergirlas hasta metro y medio en el agua y no les pasa nada. La UE Roll es resistente a salpicaduras pero no es sumergible. Esta es una bocina más social que puedes llevar en salidas al aire libre y puedes llevarla colgando de una mochila, por ejemplo”. ¿Cuenta Logitech con un soporte técnico en México para estos equipos?

El soporte técnico de Locitech para todo latinoamérica está en México. Estos productos tienen garantía de un año y si necesitas soporte te comunicas por teléfono al 01-800-logitech y cambiamos el equipo. ¿Por completo?

Claro, porque estamos tan seguros de la calidad de los productos que estamos dispuestos a reemplazarlos en caso de alguna falla. ¿Ya están disponible todos los modelos?

Estamos entrando con la UE Boom y durante octubre llega a todos los puntos de venta la Roll, la Boom II y la Mega Boom. ¿Cómo desarrollaron estos equipos?

UE es una empresa que Logitech adquirió hace mucho tiempo, especializada en audífonos internos para músicos profesionales, de altísima calidad: 9 de cada 10 músicos usan UE. Lo que hicimos fue trasladar esa tecnología a parlantes inalámbricos, porque ya pasó la época en que escuchabas la música a solas en audífonos. Ahora que la música se ha vuelto un pretexto para socializar, necesitábamos una solución para poder llevarla a los dispositivos móviles. En una sola bocina puedes meter hasta ocho dispositivos para alternar la música que escuchas. Es para compartir la experiencia de la música.

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EN MEGÁFONO

TXT:: FERNANDO FERNÁNDEZ @HANZELDICE

FOT:: ESTUDIO 603

Moreleando de vuelta al centro Rescatando las calles “Moreleando es una provocación de un grupo de ciudadanos dispuestos a recuperar las calles de Torreón a través del arte y la cultura”…

Para que podamos entender con claridad el contexto en el que surge Moreleando de vuelta al centro, tienes que saber esto:

TORREÓN, COAHUILA, ciudad perteneciente a la metrópoli de la llamada Comarca Lagunera, misma a la que pertenecen Gómez Palacio y Lerdo, entre otras. En 2009, Torreón fue la quinta ciudad más violenta del mundo, incluso por encima de Irak y Pakistán; era la urbe donde a diario se vivían balaceras, una que se ubicó en el mapa por su violencia y no por su comida. No se nos olvide que en Torreón pasó un evento sin precedentes: una balacera en plena transmisión de un partido de futbol a nivel nacional, nos decía claramente que algo grave estaba sucediendo en esta ciudad, en La Comarca Lagunera.

“Miedo” era la palabra para describirla; cerraron prácticamente todos los bares, restaurantes; fueron pocos los que sobrevivieron al caos. Las reuniones eran en casas de amigos y te quedabas a dormir porque corrías el riesgo de que te tomaran por balazos. Triste.

Fue tanto el nivel de impotencia, que un trío de amigos se reúnen con la finalidad de hacer algo por la ciudad que se venía perdiendo; es ahí donde surge el cambio en ese contexto de violencia.

Jorge, José y Elías fundaron Moreleando de vuelta al centro, un corredor cultural organizado por ciudadanos apartidistas y pacíficos, que consta de poco más de 1 km de Plaza de Armas, a la Alameda Zaragoza por la Av. Morelos, llena de cultura, música, paz y arte. Para la primera edición de Moreleando en noviembre de 2012, justo dos días antes, ocurrió una balacera en la propia Av. Morelos, dejando a una persona sin vida en la calle Blanco; aun así, esa edición inicial logró reunir a poco más de 500 personas caminando, viendo músicos tocar jazz, chavos haciendo break dance, teatro de calle; la gente salió de sus casas.

A partir de ese momento, algo sucedió con el centro de Torreón; fue como un “volver a nacer”. Moreleando sumó esfuerzos, y en el camino pasaron muchas personas que hicieron poco o mucho por un cambio en la ciudad. Sin embargo, más allá de salir a la calle a disfrutar la cultura, es destacable notar la incidencia en las políticas públicas que tiene este corredor.

Por ejemplo, la Av. Morelos, en 2013, permanecía sin alumbrado decente; era una cueva, foco de alerta de violencia; ahí, ciudadanos organizados compraron una luminaria para cambiarla por ellos mismos para, a partir

de ahí y con la ayuda de los asistentes por su cooperación, colocar cerca de 16 luminarias; fue cuando la administración entrante cambió todo el alumbrado de la avenida, dejando claro que los ciudadanos organizados son más eficaces.

Podría mencionar más ejemplos de sucesos que en Moreleando se han vivido durante este tiempo, como el Paseo Morelos, una obra del ayuntamiento de Torreón que pretende peatonalizar la Av. Morelos sin preguntar las necesidades reales de los comerciantes y los habitantes; en este caso, Moreleando actúa como mediador y vigila el proceso de esta obra pública; nunca se había visto algo así. Pero para no extenderme más en adulaciones a este proyecto cultural, me enfocaré en mencionar algunos resultados en tan sólo tres años.

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Actualmente, cada edición de Moreleando reúne a cerca de 20 mil personas en la calle.

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Más de 800 artistas han participado de manera formal en Moreleando de vuelta al centro.

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Más de 55 nuevos negocios han abierto sus puertas en el centro histórico.

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Se ha creado el Consejo Morelos A.C., que busca mejorar la convivencia en la zona.

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Iluminación de la Av. Morelos.

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Aumento de más del 50% en el consumo de propuestas locales.

Este año, Moreleando de vuelta al centro cumple tres años de trabajo, de lucha pacífica, de cultura y mucho amor por Torreón. Te invito no sólo a que nos acompañes el primer sábado de cada mes, sino que también salgas a caminar en donde sea que estés; morelear es disfrutar la ciudad, la calle, la arquitectura y el clima. Yo #andoMoreleando. Tú, ¿adónde vas a morelear?

Facebook: Moreleando de vuelta al centro Twitter: @MoreleandoTRC

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Santiago Suárez

EN MEGÁFONO

Ricardo Moreno

NEXOBanregio Apoyando a los nuevos emprendedores MÉXICO ES UN PAÍS QUE GOZA DE HABITANTES CUYA CREATIVIDAD PARECE ILIMITADA. QUIZÁ NO LO NOTAMOS, PERO DÍA CON DÍA CADA UNO DE NOSOTROS PENSAMOS EN NUEVAS IDEAS PARA MEJORAR NUESTRA VIDA Y ENTORNO; ESTAS IDEAS QUE EN PRIMERA INSTANCIA PARECEN SUEÑOS, NO SON IMPOSIBLES DE ALCANZAR, TODO ES CUESTIÓN DE PLANEACIÓN, CONFIANZA Y MUCHA DEDICACIÓN. Desde su nacimiento, el compromiso social de Banregio siempre ha sido el apoyar y promover la cultura empresarial en México. Con el conocimiento de la naturaleza emprendedora de nuestro país, Banregio se ha dedicado a otorgar productos y servicios a micro, pequeñas y medianas empresas a lograr sus objetivos de mercado hasta conseguir el éxito: lograr que esos sueños se conviertan en una realidad.

NEXOBanregio es una de las iniciativas más importantes de cultura empresarial en la actualidad. Se trata de un programa de educación que guía a emprendedores en su crecimiento, mediante cuatro servicios: • Mentoría: Plataforma integrada por emprendedores y empresarios para discutir sobre nuevas prácticas en pro de un mejor negocio.

• Capacitación: Asesoría educativa sobre temas como estrategias comerciales, planeación, expansión, etc.

• Networking: Fomento de interacción entre emprendedores.

• Productos: Servicios financieros para el emprendedor con ideas originales.

Este año, NEXOBanregio apoyó a 7 nueve empresas mexicanas, entre las que se encuentran Máquina 501 (creadores de El pulso de la República, un fenómeno de YouTube) y Mezcal Amores, las cuales nos contaron su experiencia sobre lo que significa entregarse por completo a un ideal: RICARDO MORENO – MAQUINA 501 Todo está en querer hacer las cosas, siempre habrá algo

a qué enfrentarse. Ser emprendedor es durísimo y debes hacerlo porque estás convencido de tu idea y no sólo por el dinero. Hay que aventarse y esperar que la gente te diga su opinión, hay que hacer caso al público. Si algo no sale bien, pues borrón y cuenta nueva, nadie tiene la verdad absoluta.

Es importante saber cuáles son tus límites, no querer abarcar todo, encontrar tu camino y mantenerlo, no rajarle y meter el acelerador a fondo. ¿Cuál sería tu plan B? Seguiría de godínez. Amo Internet, trabajé en un portal de bodas, en uno de empleo… A veces se necesita explorar el lado godín, el de las empresas, para entender que hay procesos, tiempos, compromisos, hacienda, administración, bancos, etc.

SANTIAGO SUÁREZ ­– MEZCAL AMORES Inicié en esto cuando estaba haciendo mi servicio social en Oaxaca, por lo que estuve en contacto con varias comunidades y fue entonces que me encontré con el mundo del mezcal, descubrí los sabores y regiones. Al entender el universo de esta bebida y lo poco que se conocía de ella, fue surgiendo la idea de arrancar nuestro proyecto, que ayudará a las comunidades, una marca que hace las cosas con consciencia. ¿Cuál sería tu plan B? Estaría viviendo como hippie (risas). Me gusta ir de mochilazo a muchos lugares y con el tiempo aprendí que no necesitas mucho dinero para viajar sin parar.

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¡Editorial MaNgOs de HaChA

cumple 5 años y lo celebra en el Tonalá!

MANGOS DE HACHA ES UN PROYECTO editorial que surgió en el año 2006, haciendo publicaciones con tirajes pequeños y formatos especiales, como un esfuerzo por difundir la poesía de renovación formal y presentar traducciones audaces y cuidadas al español, siempre en ediciones bilingües.

A partir de 2010, la editorial amplió su rango y comenzó a producir libros sobre la reflexión artística en distintas disciplinas: ediciones sobre cine, ensayo y textos biográficos; actualmente tiene cinco colecciones: Poesía, Poesía (nuevos), Biográficos, Cine y Ensayo.

MaNgoS de HaChA está integrada por José Luis Bobadilla, Juan Carlos Cano, Ricardo Cázares, Jessica Díaz y Tatiana Lipkes. Los cinco editores, todos autores publicados, se dedican a labores relacionadas con la edición y colaboran en publicaciones como Mula Blanca, La Tempestad, Letras libres, entre otras.

Este 2015 MaNgOs de HaChA cumple cinco años, y a manera de celebración presenta sus cinco libros más recientes en un coctel en el Cine Tonalá para festejar un lustro de trabajo y crecimiento.

Los libros serán presentados por los siguientes autores: • • • • •

La crisis de los medios, de Peter Watkins, presentado por Eduardo Milán.

Descripción, de Arkadii Dragomoshchenko, presentado por Rodrigo Flores.

Trece entrevistas a cineastas contemporáneos + 8, de Tatiana Lipkes, presentado por Ricardo Pohlenz.

Poemas de Maximus IV, V, VI, de Charles Olson, presentado por Jorge Solís.

Renacimiento de la poesía inglesa. Antología poética. Autores varios, presentado por Julio Trujillo.

Asiste a la celebración el miércoles 11 de noviembre, a las 19:00 hrs. en Cine Tonalá: Tonalá 261, Cuauhtémoc, Roma Sur, 06760 y sigue a la editorial en su sitio www.

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Gira Universitaria Marvin #dorigiramarvin

COME BIEN

EL PASADO MES de octubre, Marvin se fue de roadtrip para visitar algunas de las universidades más importantes de Puebla y el Estado de México, con el objetivo de instruir a las nuevas generaciones acerca del mundo editorial y las exigencias del campo publicitario.

Desde hace un par de años, la Gira Universitaria Marvin ha viajado a diversos estados de la República Mexicana para impartir una serie de conferencias referentes a la industria musical y su relación con los medios de comunicación, acompañados, además, de las presentaciones en vivo de artistas emergentes.

De la mano de Doritos, durante una semana se tuvieron encuentros frente a frente con estudiantes de carreras relacionadas a las Ciencias Sociales, quienes expresaron sus inquietudes sobre cómo empezar una revista digital o impresa, la búsqueda de patrocinios, la producción de eventos, propuestas comerciales, creatividad visual y relaciones públicas.

La Gira Universitaria Marvin contó con las ponencias de Cecilia Velasco, presidente de Marvin; Robbie Lear, especialista musical con una larga trayectoria en la industria cultural y Pablo Pulido, coordinador editorial de Marvin. El equipo visitó los ITESM Puebla y Toluca, así como la Universidad Autónoma del Estado de México, en donde cientos de estudiantes tuvieron una experiencia más real con el ámbito profesional.

Una convención de música no lo sería sin sonidos frescos y a la orden para transportar a otros universos. Jazmín Solar y Charlie Rodd, dos de las promesas más interesantes de la escena nacional, ofrecieron un set acústico con nuevos temas que ya están dando de qué hablar.

Mucha atención para el anuncio de la próxima Gira Universitaria Marvin, en la que presentaremos sorpresas, ideas y principalmente mucha música.

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EN MEGÁFONO

El Museo Universitario del Chopo celebra este año su cuarenta aniversario como espacio para la difusión del arte, la cultura y la movilización del pensamiento. Como parte de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), ha sido bastión de las prácticas artísticas que se distancian de los cánones admitidos popularmente, albergando de forma crítica propuestas emergentes y transdisciplinarias, creando atmósferas de experimentación y reflexión, en colaboración con múltiples colectivos culturales y redes independientes de producción artística y de pensamiento, así como con instituciones de difusión cultural, locales, nacionales e internacionales, públicas y privadas.

40 Aniversario del Chopo EL MUSEO UNIVERSITARIO DEL CHOPO se ha erigido como centro de cultura contemporánea con una amplia oferta en artes visuales, artes vivas (teatro, música, danza, performance) y literatura expandida. Ha expandido los parámetros de las artes visuales, el performance, la música, el arte sonoro, el arte electrónico, el video-arte y otras manifestaciones que conjugan elementos de varias disciplinas. Moviliza el pensamiento crítico mediante conferencias y mesas redondas. Documenta las escenas contraculturales y subterráneas en México, así como el pulso de la expresión independiente por medio de una Fanzinoteca. Como sede del Cinematógrafo del Chopo -cuya programación está a cargo de la Filmoteca de la UNAM-, brinda ciclos de lo mejor del cine mexicano e internacional e igualmente ofrece talleres tanto de especialización como de iniciación artística, además de actividades de mediación.

En la música, el Chopo fue el escenario para la presentación de importantes bandas de rock mexicano como Iconoclasta, Botellita de Jerez, Real de Catorce, Haragán, Santa Sabina, Víctimas del doctor Cerebro, Maldita vecindad y los hijos del quinto patio, Kenny y los eléctricos, entre muchos otros y ha sido un foro recurrente para destacadas cantantes como Betsy Pecanins, Cecilia Toussaint, Regina Orozco, Eugenia León, Iraida Noriega, Lila Downs y muchas más.

La trayectoria artística de los performanceros Felipe Ehrenberg, Maris Bustamante, Lorena Wolffer y Verena Grimm también ha estado asociada, desde su inicio, con las actividades organizadas por el museo para la difusión de esta actividad.

Por otra parte, ha albergado la expresión de la diferencia y de lo que se ha considerado marginal o subterráneo en los ámbitos cultural y creativo, presentando el programa de artes visuales, artes escénicas y generación de pensamiento que se ha convertido en el actual Festival Internacional por la Diversidad Sexual (FIDS).

En su aniversario cuarenta, no te pierdas de las siguientes actividades, durante noviembre y diciembre: EXPOSICIONES • Murmullos de la Tierra: SANGREE • RIO, de Gustavo Artigas • Las apariencias engañan. Exploraciones a partir de la fotografía en México, en el marco del FOTOCIMEXICO 2015 • Lxs Brutxs, de Ramiro Chaves • El pequeño centro, de Rodrigo Hernández • Uncurated, de Gibrann Morgado MÚSICA (Todas las presentaciones, 20:00 hrs. ENTRADA LIBRE) • Estruendo multilingüe: segundo ciclo de música contemporánea indígena • 30 octubre: Chan Santa Roots (Reggae maya) • 6 noviembre: Mare Advertencia Lírika (Rap zapoteco) + Pat Boy (Hip-hop maya) • 20 noviembre: Lumaltok (Rock tsotsil de Zinacantán) • 27 noviembre: Xipe Vitan Jä’i (Metal hñähñu) • 4 diciembre: Vayijel (Rock tsotsil chamula) El museo está en Dr. Enrique González Martínez #10, col.

Santa María la Ribera y los horarios de visita son, de martes a domingo, de 11:00 hrs. a 19:00 hrs.

El acceso a las exposiciones es de $30.00 general y $15.00 estudiantes con credencial vigente e INAPAM Martes y miércoles entrada libre El acceso al Cinematógrafo, es de $40.00 general y $20.00 estudiantes con credencial vigente e INAPAM El acceso al Foro: Consultar evento Para conocer la programación actualizada del MUC, entra a www.chopo.unam.mx.

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STAND-UP

TXT:: UILI DAMAGE

Estabas allí cuando empezó esta ola de standup comedy ¿Cómo es la evolución que has visto?

Lo que veo más claro es que el boom se está convirtiendo en algo definitivo. Históricamente, cuando empieza en cualquier país, arranca por un boom y se queda. Cuando más gente quiere hacerlo y más gente (felizmente) quiere verlo, es cuando llega para quedarse. Y aquí cada vez más personas desean hacerlo, se rifan y se quedan.

Y la competencia nueva se llena de gente que es buena, y aquellos que yo subestimé, ahora son buenísimos y yo tengo que mejorar; todos crecemos y nos vamos para arriba, y ahorita se vuelve un momento importante.

Realmente, todos tenemos poca convocatoria aún porque es cuando nos damos a conocer; cada vez tenemos “más foco” (más atención del público), pero seguimos siendo un fenómeno muy chico y, al mismo tiempo, está mejorando mucho la calidad. Entonces, en el momento en que el foco voltee a vernos, vamos a haber varios que digamos: “Yo lo hago y lo hago bien”, y demostraremos lo que somos capaces de realizar.

ESCRIBIENDO LA SOBREMESA NOCHE DE MICRÓFONO ABIERTO. GONZALO CURIEL ESTÁ ATENTO A LOS VALIENTES QUE SE SUBEN DE A CINCO EN CINCO MINUTOS PORQUE ENTRE ELLOS HAY VARIOS ALUMNOS DEL CURSO QUE IMPARTE DE (POR ESTAR REVISÁNDOLOS, SE INTERRUMPIÓ ESTA ENTREVISTA A CADA PREGUNTA...). UNOS VERDADERAMENTE INCIPIENTES, OTROS CON ALGO DE CAMINO RECORRIDO QUE IGUALMENTE SIGUEN TRABAJANDO SUS RUTINAS PIDIÉNDOLE CONSEJO. NINGUNO LE LLAMA “PROFE” AL PROFE, PERO YA PUEDE IDENTIFICARSE QUIÉN ESTÁ APRENDIENDO CON ÉL. ESTUVO EN EL INICIO DE LOS TIEMPOS , SIEMPRE ENCORBATADO, IMPECABLE Y ARRANCANDO RISAS A DIESTRA Y SINIESTRA. AQUÍ SU INTERROGATORIO:

¿Esta comedia le está hablando más al público local?

Sí, y yo creo que la clave es entender que no porque estamos haciendo stand-up, no tenemos que hacerlo exactamente como lo hacen los que admiramos. Es un error muy común admirar tanto a los gringos y querer imitarlos, no sólo en forma, sino también en fondo; es muy diferente no sólo su idiosincrasia, sino el entretenimiento al que están acostumbrados, al humor, y, por supuesto, la cultura en general. Entonces, aquí ya se está adaptando al humor que tenemos. Lo natural es comentar lo que te sucede como mexicano, como cuando cuentas chistosadas en una sobremesa, diciendo las cosas como mexicano que eres, de la manera como las piensas y se acabó. La estructura es otra cosa y está bien aprenderla. Pero es importantísimo ser coherente con nuestra cultura y nuestro ser. ¿Cómo empezaste?

Yo tenía el sueño frustrado de ser escritor; había creado cuentos, guiones de cine, una novela... Pero me dediqué a sistemas y después a las finanzas porque creí que me iba a morir de hambre, cosa que ahora sé que es un error. Y cuando ya estaba “muy cómodo” en una oficina, ya en un puesto de director con los pies arriba del escritorio, dije: “No estoy cómodo porque no estoy cumpliendo mi sueño”. Fue cuando surgieron las redes sociales y me metí. Al escribir, al ejercitarlo, me di cuenta de que yo tendía a la comedia... Nunca lo había

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tenido claro. Cuando empecé a escribir cosas cómicas, noté que la gente reaccionaba mejor y se me daba fácil. Me puse a escribir más y más, y me convertí en una tweetstar –de los primeros que surgimos en México–; empecé a tener miles de seguidores. Un día, vi a Héctor Suárez Gomís haciendo su show –él me apoyó para ganar seguidores en Twitter–; dije: “Esto que está haciendo él es stand-up comedy; creo que puedo escribir algo así y que me puede ir bien. Tiene el teatro lleno y yo lo puedo lograr”.

Me compré libros en amazon.com, escribí mi rutina, me dieron espacio en el Café 22, convoqué a la gente que me seguía en Twitter, se llenó el foro, rieron, y fue cuando el dueño, Jaime Morales, me propuso: “Ven, te doy otra fecha porque tienes que regresar”, y de ahí nunca me volví a bajar. ¿Cómo empezaste a dar cursos?

Comencé a hacerlo porque tenía una producción que se llamaba Standopados, con Jurgan Schifteller, Mau Jalife y mucha gente se acercaba a decirnos que querían hacer stand-up. Yo no daba cursos y decidí contratar a Tomás Strasberg, que él sí. Pero a mí se me acercó una escuela de publicidad, que se llama Miami Ad School, y me comentaron que en su plan de estudios hay uno de stand-up comedy; “aquí queremos que lo dé el mejor y creemos que eres tú”. Yo les dije que no daba cursos, pero me pidieron que preparara un plan de estudios y lo hiciera. Y me convencieron. Lo di, lo preparé, provocó muchas risas en el show final y, entonces, supe que podía darlo. Ahí ya me puse de profesor de Standopados.

Hoy me da mucha satisfacción ver que la gente toma mi curso, viene a los shows y empieza a dar risa; comienzan a dedicarse a esto también. Ahora bien, es un poco pretencioso dar cursos en el sentido de decir: “Yo te voy a enseñar a ser un buen comediante”. Realmente, lo que les enseño es a escribir comedia. Les enseño todas las herramientas

para hacerlo y los traigo al micrófono abierto para que ellos se curtan y encuentren su camino. Les enseño a escribir chistes y estructurar un texto. Salen de mi curso con un ejercicio que, como texto, funciona. Que se paren allí y lo hagan bien, ya depende de ellos; en cada curso tengo por lo menos uno que está allá afuera haciéndolo bien. Por supuesto que hay herramientas escénicas que hay que aprender para que lo hagas bien arriba: no bailar, hablar con potencia, gesticular, pero todo tiene que nacer del corazón.

De los que se están subiendo, ¿quiénes son tus favoritos?

Mi favorito es Mau Nieto. Me encanta Álex Fernández, Richie O’Farrill, Manu Nna... Pero en realidad, admiro a mucha gente. Me gusta que Juan José Covarrubias sabe perfectamente bien que su material puede ahuyentar al público y, de todas maneras, lo defiende. Me agrada que Eduardo Talavera sabe que es agresivo y su material puede asustar a la gente, le vale y dice: “Ése es mi modo de ser”. Ese wey ha sido necio en que hay material que no le funciona, y se lo hemos dicho, y contesta: “Pues lo voy a hacer hasta que funcione”, y, de repente, ya lo ves dando buenos resultados. Admiro a las chavas que se suben a hacerlo una y otra vez, hasta que den risa; ahí tenemos por ejemplo a Alexis de Anda...

Respeto mucho la autenticidad de esta gente. ¿Cuál es el peor show que recuerdas haber dado?

Me contrató el Gobierno del Estado de México. Estaban varios de los gobernadores más importantes del país en un evento de Eruviel Ávila para “presentarle” a los demás gobernadores priístas al que él quería que fuera su sucesor. Una semana antes, pasó lo de Ayotzinapa y había un camarógrafo allí grabando la fiesta. Al principio, se empezaron a reír y, de repente, se frikearon: “No me puedo reír, no puedo salir en cámara riéndome de nada”; entonces, se pusieron serios, serios.

Había gente que no era del gobierno y se reían, pero vieron que los demás no lo hacían, también empezaron a ponerse serios y acabó en “cementerio”, al punto que dije: “Sé que estamos viviendo por un momento difícil, pero estoy intentando de que pasemos un buen rato, así que tratemos de disfrutar”. No se me ocurrió decir: “Apaguen la cámara”... ¿Dónde estás en línea? @GonCuriel en todos lados. Estoy estrenando mi videoblog que se llama “El blog del licenciado” en YouTube y tengo una temporada en el Foro Silvia Pasquel, todos los viernes a las 9 p.m.

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INDUSTRIA

TXT:: VICENTE JÁUREGUI

ÁVIDO COLECCIONISTA DE VINILOS, HACE ALREDEDOR DE 10 AÑOS, ÁLVARO INZUA REGRESÓ A VIVIR AL D.F., LUEGO DE PASAR VARIOS AÑOS EN MONTERREY. YA INSTALADO, SU PRIORIDAD FUE RECORRER LAS ESCAZAS TIENDAS DE ACETATOS QUE HABÍA PARA AUMENTAR SU COLECCIÓN DE DISCOS, AL GRADO DE ACUMULAR LA SORPRENDENTE CANTIDAD 700… SIN ABRIR. “DISCOTECA SURGIÓ POR ACCIDENTE; YO NACÍ EN EL D.F., PERO ESTUVE VARIOS AÑOS FUERA. CUANDO REGRESÉ, ENCONTRÉ UNA TIENDA DE VINILOS Y ME HICE AMIGO DE LOS DUEÑOS. UN DÍA, FUI A COMPRAR MATERIAL Y ME DIJERON QUE CERRARÍAN LA TIENDA. ME SONÓ UNA CAMPANITA Y DECIDÍ COMPRARLA PARA REABRIRLA CON UN CONCEPTO ENTONCES NOVEDOSO, QUE ERA UNA TIENDA ESPECIALIZADA EN GÉNEROS INDEPENDIENTES”, COMENTA ÁLVARO. UBICADA EN LA GLORIETA DE CITLALTÉPETL, EN LA COLONIA CONDESA, AL POCO TIEMPO DISCOTECA SE CONVIRTIÓ EN UN CENTRO DE REUNIÓN, UN ESPACIO “DE MELÓMANOS PARA MELÓMANOS”, QUE EN SUS ESTANTES OFRECÍA LIBROS ESPECIALIZADOS, REVISTAS, ROPA, GADGETS Y TORNAMESAS, UN CONCEPTO QUE AHORA ES MUY COMÚN, PERO EN ESE ENTONCES ERA SUMAMENTE INNOVADOR.

“AL AÑO, CONOCÍ A gente como Damián Romero, que tenía la disquera de IMECA; estuvimos a punto de formar una alianza, pero no se concretó. Desde el principio, tuvimos muchos aliados; en la primera oleada estuvo Chuck Pereda, Diego Ceballos ‘Métrica’, Luis Ceballos Bishop, Regina Puma y Ejival, de Discos Static...

De ahí surgió María Letona, ahora María la del Radio, quien estuvo desde el principio y ya es parte del inventario”, dice Inzua, recordando el año 2005. Era una época efervescente para la emergente industria independiente en la que surgieron revistas como Marvin e Indie Rocks!, sellos como Noiselab o Discos Tormento, estaciones como Radio Ibero y productoras como Sicario; de ahí que Discoteca fuera un punto nodal: “La base

era tener sellos independientes nacionales e internacionales, en Discoteca no ibas a encontrar nada comercial; lo interesante es que los mismos artistas llevaban sus discos a vender. Poco a poco, se volvió un referente, la cortina nunca amanecía igual, siempre había un nuevo sticker del Watchavato o de una banda, un grafiti”. Quizá hoy resulte un término desgastado e, incluso, manoseado, pero hace 10 años, la independencia era un concepto transgresor, o como dice Álvaro: “Hace 10 años, ser independiente era lo más cool y outsider; la industria cambia muy rápido y ahora para muchas bandas ya no les suena tan padre el término”.

Quizá uno de los mayores aciertos fue que en Discoteca comenzó a haber showcases de

grupos que apenas se daban a conocer, y ahora algunos han ganado un lugar muy independiente en la escena: “Un día, una banda nos pidió permiso para tocar, teníamos un calendario con DJs cada semana, pero el espacio era reducido para un grupo. Al final, tocaron y salió bien; después, estuvieron Natalia Lafourcade, Le Baron, Hello Seahorse!, Niña, d3NdRON… También hubo una firma de autógrafos de Zoé, justo cuando apenas comenzaban a pegar. Un punto álgido fue presentar el disco de Sizu Yantra, proyecto de Rubén de Café Tacvba”. ¿Cómo termina el líder de una de las agrupaciones más importantes de México presentando su disco en una tienda de discos de dimensiones

tan pequeñas? “Todo surgía de manera muy natural. Un día, Rubén Albarrán estaba comprando un disco; otro día teníamos a Matthew Dear.

Creamos una marca con la que pronto la gente asociaba fiestas, recomendaciones. Comenzamos a producir el Mutek, teníamos preventas de conciertos, desde un rave, hasta arte sonoro; era muy ecléctico”. Era una época que cerraba la bonanza económica de la industria discográfica como solíamos conocerla. Curiosamente, Álvaro recuerda que uno de los discos más vendidos fue el de Afrodita, editado por Discos Tormento: “Vendieron todos los discos que maquilaron en Discoteca, calculo que alrededor de 1,200. No había otra tienda que vendiera este tipo de álbumes”.

21 Con el boom de las descargas digitales, la industria comenzó a cambiar de manera inusitada y muy velozmente. La crisis pegó no sólo a los artistas, sino también a las disqueras y, desde luego, a las tiendas de discos: “A los cinco años de abrir, comenzamos a vender la mitad. Tuve la fortuna de conocer a Eugenio Echeverría, director y dueño de Border; él ya tenía nueve años en la Roma, en ese tiempo que la colonia no era lo que ahora. Ya iba a cerrar Discoteca cuando me invitó a compartir el enorme espacio de la casa ubicada en la calle de Zacatecas. Reconstruí el proyecto con el área de Formación, que ofrece talleres, workshop y conferencias. Entonces, la tienda se volvió sólo un accesorio del proyecto; importar discos es muy caro”. Con el área de Formación, Discoteca supo articular las inquietudes de las

nuevas generaciones, invitando a personas con una trayectoria en áreas como periodismo musical, preproducción de eventos, editorial web y networking musical, que, a la fecha, son los temas que más convocatoria tienen.

Pero ¿qué pasa con los discos?

“Se siguen vendiendo bien. Lo que más vendemos son discos nacionales, nos gusta todo el proceso, que los grupos vayan a dejar su disco y le den vuelo en sus redes. Hacemos firmas de autógrafos y disfrutamos ver cómo van creciendo las bandas.

Tenemos mucho catálogo sudamericano también”. Sin duda, todo se parece a su dueño, como apunta Álvaro al preguntarle sobre la curaduría del catálogo de Discoteca: “Todo nace de un capricho personal. Te cuento una anécdota: somos embajadores del Record Store Day en México, conozco a los dueños de todas las

tiendas. Ahora puedo decir que la música que cada quien vende se parece a cada uno de nosotros.

Discoteca tiene mucho catálogo nacional, tenemos cosas difíciles de conseguir como los primeros discos de Static o de Noiselab.

Nuestro catálogo es más indie, electrónico experimental”.

Desde luego, la historias que han ocurrido en estos nueve años son muchas, aunque Álvaro recuerda, sobre todo, cuando Dan Snaith de Caribou vendía su propia mercancía afuera del Lunario sin que nadie lo conociera. “Gracias a la labor en conjunto con Mutek, vimos ese tipo de cosas. Pasó con varios grandes artistas. Por todos esos contactos, tuvimos joyas como la edición especial del aniversario de Ninja Tune, que cuando salió, era imposible tenerlo; lo logramos por los contactos que tenemos con los sellos. Tuvimos

un disco de Pink Floyd, que en México cuesta 9,000 pesos… y lo vendimos”, comenta Álvaro.

Ahora que el auge del vinil está en su punto más alto, preguntamos a Álvaro qué es lo más importante antes de comprar un equipo: “Lo más importante es leer y entender la diferencia entre lo análogo y lo digital. El vinilo está hecho para que suene con ciertas características. La primera base es tener una buena tornamesa, es fundamental una buena aguja, el plato depende sólo si pretendes tocar en vivo.

También es esencial invertir en unas bocinas de calidad y amplificador para distinguir las características del vinil. Para ello, recomiendo leer Loops, una historia de la música electrónica, de Simon Reynolds; es de Mondadori”.

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ATLAS SONORO SONORO ATLAS

TXT:: ALEJANDRO ALEJANDRO MANCILLA MANCILLA @NOSOYMODERNO @NOSOYMODERNO TXT::

Ecuador Houston DA PAWN: BUXTON La importancia

“VIAJAR AL ESPACIO INTERIOR” de completar el plan A

Da Pawn es un proyecto ecuatoriano que nació en Buenos Aires a inicios Buxton es una banda del 2010 cuando suestadounidense líder, Mauro Sa-con todas y cada una de las letras se delfue género bien puestas.

En la agrupación de maniego, a estudiar Grabación folkyenergético militade unaudio latino:a Sergio Treviño, quien, ocaPostproducción Argentisionalmente, deja mensajes endel español na. Da Pawn viene del folk, bossa-en el FB del grupo.

Su nova reciente disco, Half of a Native, está considerado como y también del rock sesentero. unoEn de2011, los mejores en el un circuito el grupodel de año entonces solo texano. Pero…¿por quéhombre hacer folk en la ciudad por excelencia? Platicase establece en espacial su país de mosorigen con Chris el bajista del grupo: “Definitivamente, y ahíWise, comienza la historia. estamos influenciados más por la música del pasado. En cuanto a la historia de la ciudad, realmente no hay podía decir En su música, sonoridades pop, no tan tradicionales… mucho; es una ciudad espacial, pero lopero vemos normal, hemos Maurodiferente, Samaniego:distintos Es un proyecto crecido en ella. Aquí hay mucha gente para nadaen dirigido al pop actual, estilos de vida, pero hay algo subyacente Houston, que pero por sus dinámicas bajas y nos influye de maneras insospechadas”. lentas, quizá se pueda llegar a

conectar. Hay influencia de bandas sesenteras, como The Beach Boys y The Beatles, al menos en este momento.

Si Houston fuera una persona, ¿cómo la describirías?

No creo poder responder a eso.

Supongo, sería un persona confundida, pero con el tiempo, un amigo entrañable. ¿De dónde vienen sus canciones, de sus vivencias o del interior?

Provienen de una gran variedad de lugares y emociones. El proceso de composición es un esfuerzo en conjunto y cada quien aporta su propia perspectiva.

Emocionalmente, las canciones siempre llegan a buen puerto gracias a que somos amigos y hemos hecho música por más de 10 años. ¿Cómo es vivir en Houston?

Es relativamente fácil, las rentas intereses alternos. Pedro (batería) no son caras, y como la escena es comunicador, Alejandro no es muy grande como en otras (guitarra) es abogado, Felipe ciudades, hay mucha unidad. (teclados) es productor e Tres de nosotros crecimos en un ingeniero de sonido; Fernando pequeño pueblo llamado La Porte, (bajo) y yo somos músicos de tiempo completo, aunque a veces hago música para películas, documentales, publicidad y producciones para otros artistas.

Houston, tenemos una escena…

Olvídate de Austin. En la también llamada Space City, Houston, también hay movimiento. La ciudad texana cuenta con una escena muy incluyente, en la que, por la relativa cercanía con nuestras fronteras, hay una buena cantidad de actos en español (se llevó a cabo durante un buen tiempo, un festival llamado Spanglish), además de una tradición que va más allá de la música sureña imperante en esas tierras que fueron testigos del ascenso y caída de tantos magnates petroleros y de la gran carrera espacial norteamericana.

Comercialmente hablando, Houston es sede del surgimiento de artistas pop como Destiny’s Child (o sea que, indirectamente, esta ciudad es culpable de que exista Beyoncé) y de legendarias bandas de rock redneck como ZZ Top (si vas a la ciudad, seguro te llevan de party unas chicas como las del video de “Legs”), así como

de Lyle Lovett (ex esposo de Julia ¿Sonydeliberadamente lo-fi por Roberts cantante de música necesidad o por Duff gusto? campirana) y Hilary (ex chica Fue devenida un gusto por la música de esa Disney en cantante época Buscamos juvenil a lanuevamente. sombra de Miley, pero sonoridad por experimentar paraesta nada exhibicionista como y ver quéque pasaba. hubo ésta).

Claro todosNunca terminan miedo nia recelo de degradar emigrando Hollywood o Nueva sonido porqueen lo las habíamos Yorkelpara codearse fiestas muy prolijamente para con grabado Justin Bieber o con The Flamig tener posibilidades.

Lips, pero su génesis es en esta urbe texana. ¿El serafortunadamente, independientes en Pero, no es complicado? todoEcuador es pop sobre hojuelas; la Lo es, es todo auto gestionado ciudad también merece recordarse por los músicos no hay difusión por ser la cuna de uny movimiento suficiente.

No existen sellos, ochentero de hardcore y thrash editoriales, productoras metal que incluso compite ni disqueras. existe industria, tibiamente conNo el de Washington sólo muy buena música.

D.C. Agrupaciones como Dirty Rotten Imbeciles (más conocidos siempre en el¿Ustedes medio como D.R.I.)desearon o los una banda? ¿A Abuse. qué otra mástener underground Verbal cosa se dedican?

Pero la historia se remonta mucho hacer música, másSiempre atrás dequisimos que el hombre peropor cada uno también tiene pisara primera vez la luna.

En los años 60, destacó el blues

man Sam “Lightnin’” Hopkins una abanico muy amplio y a Noto mediados de esa misma de inflpero uencias… ¿Lalejos música década, más bien de folk ecuatoriana no está en ellas? los tipos que vendían su alma en Nos gustaymucho todo tipo de encrucijadas cerca de quienes música y su nunca hemosatraído empeñaban existencia los algo a lalos mesa intencionalmente. lisérgicos, experimentales Nosponderados encanta la música y poco héroestradicional del ecuatoriana y existen tantos circuito psicodélico: The Red géneros, que segurouna en algún Crayola, curiosamente de punto aparece. las agrupaciones experimentales

que está situado a las afueras de Houston. ¿Qué bandas locales te atreverías a recomendar?

Dollie Barnes, Buoyant Spirit, Deep Cuts, The Suffers y Adam Bricks. ¿Tus películas favoritas sobre el espacio?

Alien, Solaris (la de 1972) y 2001: A Space Odyssey.

Checa su single “Miss Catalina 1992” en tu YouTube más cercano para que te des una idea de qué va la onda de estos texanos.

Integrantes del grupo: Sergio Treviño, Chris Wise, Jason Willis Justin Terrell y Austin Sepulvado. bandas y, sobre todo, un público Síguelos en: interesado en ver y escuchar cosas nuevas. www.buxtonband.com/ @buxtonband ¿Quiénes son tus héroes? newwestrecords.com/ Angus Young, Kurt Cobain, Jeff Buckley, John Lennon y Daniel Rossen.

Me decías que quieres tener presencia México… ¿Qué como Jandek, en combo que sigue representa nuestro país? ¿Como en activo y que ha grabado más lo visualizas a la distancia? de 70 discos siempre en con vena Me gusta mucho el movimiento experimental y ruidosa.

En los que los se ve desde acá.

80, musical destacaron anarquistas La música que producen, sónicos Culturcide (qué buenlos festivales y las increíbles nombre) y los menos punks de difusión.

Theposibilidades Pain Teen. Inscritos en elMéxico simboliza un objetivo llegar para mismo movimiento noise,aigual cualquier musical, hicieron ruidoproyecto (literalmente) en sobre todo para los de habla hispana. los años venideros, bandas como Aparte, soy muy fanyde su comida MOZ, Charalambides más y cultura. recientemente Indian Jewelry.

seminales del post-punk por venir. ¿Cómo fue el acercamiento Por otro lado, estaba otro dey el con Beau Raymond? los trabajo no-músicos cómplices de los Actualmente, te puedes topar Lo contactamos porque somos ¿Tienes algún en caso movimientos científicos sónicos en cualquier club oplan en laBred a muy fans de su trabajo, en de que te canses de la música, de Brian Eno o John Cale; estamos proyectos tan diferentes entre sí especial que hizo con Little Joy como escribir, producir, no hablando deloPauline Oliveros, A Bitter Seasonalgo (que que tocan y Devendra Banhart.

Escuchó tenga que ver? un tipo que sentó bases de la hard rock), los góticos de A Blue nuestra música y accedió a No existe plan Lit B, sólo lograrlo. música de arte electrónica con Dream, A Candle City (hardcore) trabajar con nosotros. conceptos tales como la deep o Aftermath (death metal), los Sigue a DaMammals Pawn: listening o la sonic awareness. Otro indies Young o los muy ¿Cómo está la onda actual en de los movimientos inteligentes recomendables e influenciados Quito? de la escena citadina de Houston, porFacebook.com/dapawn Blondie: Wild Moccasins.

Se está empezando a generar er.com/dapawn estuvo basado en el noise rock, Ah,twitt y también los New York City mucho de acultura da-pawn.bandcamp.com escena quemovimiento se desarrolló partir en Queens, son muy buenos y sí, general.

Muchos nuevas viven y son de Houston. de los 60 y que tuvo festivales, continuidad en la década posterior con bandas

FOT:: VANESSA TERÁN

La onda en Quito, Ecuador: entre los nervios del volcán

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La contraparte punk para jazz y sonidos experimentales, Los Apóstoles, Corporación este combo de metal (cabeza más allá de la simple fusión, y de Venus, Los Corvets, Los de un movimiento en que tomando como elemento –según Dragones, Los Cool Cats, Las también estaban Spectrum y sus creadores– la nostalgia, Hormigas y La Tribu, esta última Orion) venía de las periferias y factor revulsivo de la música muy importante en el crecimiento de fuera de Quito, a través de folclórica ecuatoriana. Y por del rock de aquellos parajes los puertos, como Guayaquil, el lado menos heroico, estos meridianos. Además, se dice que embudo por donde se filtraba años grungeros motivaron una el mismísimo “ruiseñor de las la contracultura importada de explosión sin precedentes, el Américas”, aka Julio Jaramillo, Europa. El mar trajo los ecos surgimiento de Unión Punk, llegó a incursionar en bandas de de La Polla Records, Eskorbuto colectivo de grupos influenciados twist y rock and roll antes de las y Parálisis Permanente, y dio por el happy-punk y el emo baladas. como resultado ese movimiento norteamericanos, y la irrupción Cuenta la leyenda que si anárquico que a falta de un reino, de bandas “alternativas”, como bien en Ecuador no tuvieron se enfocaba en luchar contra el Tercer Mundo, La Dimensión un Avándaro, la censura y Se dice que Quito está a la sistema y la diferencia de clases, del Cuy, L.E.G.O, Tranzas, la dictadura eran factores mitad del mundo, en la latitud esa vieja historia latinoamericana, Materia Prima, Sobrepeso, que impedían a los grupos 000°0’00”. En ese punto bajo y los gritos eran cortesía de Can Can, Mamá Vudú, Pulpo desarrollarse, aunque a el volcán en que puedes tomar combos punketos como Realidad Tres banda y Tanque, mediados de los años 70, la la ruta hacia cualquier polo o, Esta intimista cantautora de pelo corto que pertenece al No es tan complicado encontrar una verdadera de giraban por Los Quito y conquistaban hordas cosa cambió simplemente, regresar aBanhart un punto mismo sello de Devendra y, además, es partey las del bandas de soulSocial, hoy enPuteada día, no siGeneral estás enyHouston.

Esta agrupación Descontrolados. fuerock la and de fans, siendo un ese(entre entonces de partida optarJracula por unyplan grupo Lower yDens, FoodBPyramid otrascomenzaron a también tiene todo el NoToken espíritu del rollecuánimes y un gran acto primera bandayahardcore nacional preámbulo para el indie, metal auspicios de retorno.

Como todo paradigma bandas), es una de las más interesantesbuscar artistas de esos de marcas como en vivo.

La banda tiene una trayectoria bastante amplia y, además, y rock que se vendría gestando Coca-Cola (siendo pioneros en latinoamericano, capitalde deciudad recientemente). lares (aunque se halamovido Como y sería cuestiónparalelamente, de tiempo que exploten popularmente... surgieron grupos que abrazaron a partir de los dosmiles: ese aspecto) y un movimiento Ecuador tiene su propio rock, su dato, la chica es la inspiración de un novelista llamado J.M. Bueno, eso si es que hay justicia en el mundo. la fusión y la oscuridad de la Los Cassetes, Descomunal, comenzó a gestar. De esa propiaquien historia contracultural Appel, la incluye en varios de susse cuentos. época; nombres como Clip, Au-D, Niñosaurios, Raíces Napalm, camada, destacaron grupos con ramificaciones hacia las Umbral y Promesas Temporales Porno Ducks, Módulo, etc. como Las Chicas (que en provincias y con un espectro de gnomonsong.com/janahunter www.thesuffers.com representaban la vanguardia Actualmente, destacan proyectos contagio casi pandémico, aunque realidad, eran chicos), Antares, ochentera. Y como toda historia más cosmopolitas (gracias a Los Cuervos, Bodega, Damage los ecos no se hayan expandido tiene su lado romántico e Internet), como Prime Minister, Skull, Karabana e Israel. La más allá de sus fronteras tan idealista, a mediados de los Alkaloides y su space garage, década de los 80, epítome notablemente como en el caso 90, en medio de una guerra Fabrikante y su rock con de los excesos estilísticos, de sus vecinos de mapa. Según contra Perú, surge en Ecuador reminiscencias de electro, rap, folk trajeron a bien bandas de metal la historia oficial, la primera un movimiento muy interesante ecuatoriano y sonidos africanos; como Mozzarella, quienes a banda de rock ecuatoriana llamado Rock Libre Ecuatoriano, Marley Muerto, Sexores y su pesar de tan terrible nombre, fueron Los Hippies (obviamente, una iniciativa artística promovida shoegaze atormentado, Mamá practicaban un rock sinfónico a mediados de los años 60); por el grupo de rock progresivo soy Demente (estos psicodélicos con tintes de metal que no tenía su tema más emblemático fue Sal y Mileto, que consistía en experimentales son de Guayaquil, nada que envidiarle a otras “Protesta contra el mundo”, muy todo un manifiesto de fusión de pero se desenvuelven en Quito) y agrupaciones de primer mundo representativo de los tiempos. sonidos autóctonos con rock, La Máquina Camaleón. contemporáneas.

Algunos contemporáneos fueron Dos proyectos a seguir:

Jana Hunter

The Suffers

Dos proyectos a seguir:

Lolabúm

Se definen como “hopeful-indie-reggaeton” y canciones como “Qué asco de sábado”, hija putativa de “Everyday is Like Sunday” de Morrissey, son tan divertidas como molestar a colegialas con rayos laser en la disco.

Es una atmosférica agrupación que a través de capas de sonidos difusos, crea ambientes melancólicos/bailables que revitalizan el trip-hop. Tiene un álbum editado este año (Aquí/Ahora) y son de los grupos más reconocidos del indie ecuatoriano con sede en Quito.

Soundcloud.com/lolab-m

munn.bandcamp.com

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MÚSICA

TXT:: VICENTE JÁUREGUI @VICENTEJAUREGUI

FOT:: CORTESÍA ARTS & CRAFTS MÉXICO

The Dears DICE “NO” A LA MÚSICA DE LAPTOP

MÉXICO ES EL NUEVO JAPÓN. Al menos para algunas bandas.

Si durante los años 80, los grupos de glam metal giraban por Japón para grabar sus discos en vivo, ahora, cada vez hay más grupos que ubican a México como un sustituto natural. En 2012, The Dears lanzó Live at Pasagüero, un documental grabado en el corazón de la Ciudad de México. ¿La razón? Además de su conexión con el público mexicano, la banda quería mostrar que a pesar de llevar casi dos décadas tocando, las dificultades técnicas no eran menores y en México fueron significativas. Reformulemos.

Nuestro país es la antípoda de Japón y en ello radica su exotismo.

Para calmar las ansias de cuatro años de silencio discográfico entre Degeneration Street (2011) y el muy anticipado Times Infinity Volume One (Arts & Crafts Mexico, 2015), The Dears dejó en claro que lo suyo está en el directo, y ese espíritu permea en las 10 canciones de este primer volumen titulado Times Infinity Volume One. Platicamos con Natalia Yanchak sobre esta entrega de una de

las bandas canadienses más queridas y respetadas en México.

El nuevo disco abre con “We Lost Everything”, una canción vertiginosa basada en un solo acorde. Es una manera muy atípica de romper el silencio de cuatro años para una banda como The Dears.

Natalia Yanchak: Cuando estábamos decidiendo el orden de las canciones, desde el principio, Murray quería que ése fuera el primer tema del disco. Yo, por el contrario, sentía que la canción era muy agresiva y que alejaría a la gente de continuar escuchando el resto del álbum. Pero él insistió y ahora veo que tenía razón porque es un track que va creciendo en agresividad conforme avanza.

Lanzaron Times Infinity Volume One, pero ya tienen material para un segundo disco, ¿se trata de una saga conceptual?

Ambos discos están terminados desde hace un tiempo. Los dos son temáticos si tomamos en cuenta que el primer volumen tiene las canciones más

abstractas, con una narrativa más conceptual, mientras el volumen 2 es mucho más oscuro y desesperanzador, pero cada disco se sostiene a sí mismo, con su propia fuerza; en realidad, los veo como discos separados. No es que el volumen 2 sea una colección de lados B; nos gusta decir que es como la saga de Kill Bill de Tarantino, que puedes verlas por separado y hacen sentido, aunque si primero vez la parte 1, tienes un panorama mucho más amplio.

“Face of Horrors” es uno de los temas más oscuros de su discografía. ¿Qué tipo de horrores enfrenta The Dears? Si es que hay algunos…

Una de las cosas que más inspiran nuestra música es la vida misma, y aunque uno trata de ser una persona positiva, de cualquier forma, pasan cosas malas, oscuras, negativas. “Face of Horrors” puede ser sobre cualquier tema, no tiene una lectura unilateral, cada escucha puede darle un contenido diferente, pero creo que habla sobre enfrentar tus miedos para poder arreglártelas en la vida: las cosas que puedes

controlar y las que no puedes.

Eso añade un sentido misterioso a la vida y, en ese sentido, es una aventura real.

Es la primera vez que graban fuera de Montreal. ¿Salieron hacia Toronto para tratar de renovar algo en cuestión energética? ¿En qué varían ambas ciudades?

Es raro, es algo muy difícil de responder. Toronto es más competitiva, más rápida, la gente está más obsesionada con el dinero y el éxito. Montreal es más relajado y europeo, en el sentido de disfrutar la vida como algo más importante que el éxito, lo cual puede ser algo bueno y malo (risas). Cuando llegamos a grabar a Toronto, ya teníamos todo el material compuesto; entonces, creo que no nos influenció mucho la vibra de la ciudad. Es curioso porque, ahora que lo mencionas, el estudio no tenía ventanas, así que no existía conexión con el mundo exterior; entonces, realmente no importaba dónde estuviéramos; pudimos estar bajo tierra y sonaría exactamente igual.

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“El arte debe ser accesible para cualquier persona, estoy de acuerdo, pero eso no significa que deba ser un trabajo para todos”.

—Natalia Yanchak + ESCUCHA TAMBIÉN

The Dears Live in Pasagüero Arts & Crafts Mexico, 2012 Un documental que muestra todas las facetas de una banda, desde lo más luminoso, hasta lo más oscuro.

Leí que este disco tuvo como uno de los objetivos evitar el abuso de la tecnología, ¿crees que tantos recursos de software estén afectando la música hoy en día?

Sí, lo creo. Pero regresando a tu pregunta, hicimos algunos overdubs, sólo que no los editamos digitalmente. Grabamos bajo y baterías al mismo tiempo y, después, el resto de los instrumentos. Me parece triste todo el abuso del autotune, de la edición y la cuantización, que, al final, son recursos para que todo suene perfecto. Te dan la ilusión de que grabar es algo que cualquiera puede hacer. ¿El arte debe ser elitista o debe estar ahí para todos?

El arte debe ser accesible para cualquier persona, estoy de acuerdo, pero eso no significa que deba ser un trabajo para todos.

Es una pregunta dura, todo el mundo está tratando de recibir algo de atención, es algo que va de la mano con las redes sociales y la obsesión de la gente consigo misma. La gente quiere ser famosa de alguna forma; entonces,

dicen: “¿Qué tal si hacemos un disco? Quizá grabando uno, lo logremos”. Tengas talento o no, hay tecnología que puede simularlo. No quiero sonar muy cínica, pero creo que es la realidad, es algo que no desaparecerá, sino por el contrario, crecerá y crecerá.

La alineación de la banda ha cambiado indefinidas ocasiones, pero ahora parece establecida. ¿Qué características debe tener un músico para quedarse?

Supongo que después de muchos años, ya lo tienen claro.

No es que tengamos una lista de requisitos, es un buen tema para reflexionar. Esperamos que cada quien muestre su individualidad, ver si su energía y la nuestra empatan.

Es muy demandante estar en este grupo, la gente que está ahora coincide en que todos somos perfeccionistas, todos sacamos lo mejor que tenemos y eso no viene de la banda, sino de lo que cada quien es de manera individual.

Tiene que ver poco con el ego y mucho con hacer que la música tenga vida propia. Eso nos inspira y mantiene juntos como banda.

¿Hay buena relación con los que se van?

Si alguien, de repente, ya no siente su corazón en la música, lo entendemos; la gente cambia y eso es parte de ser humano, la gente va y viene. Como banda, no forzamos ningún compromiso, quizá por ello cambiamos tanto (risas).

Ya son 20 años de carrera. ¿Cómo sintetizarías la búsqueda de identidad de The Dears?

Al principio, lo más difícil era tener una identidad real como banda.

No era fácil sentir que teníamos un sonido propio. Eso ha cambiado con el tiempo; ahora, creo que nos sentimos más seguros, tenemos una identidad más sólida y ello hace las cosas más fáciles para escribir nueva música. ¿Qué ha cambiado para sentirse más seguros?

Ya no volteamos tanto hacia fuera para ver qué están haciendo los otros. Si estuviéramos al pendiente de los demás, no seríamos capaces de ver hacia dentro para sacar la inspiración a partir de lo que tenemos dentro.

The Smiths The Smiths Rough Trade, 1984 Este disco debut influenció muy bien a Murray y compañía para definir su sonido.

No es gratuito que su voz haya recibido el mote de “El Morrissey negro”.

Serge Gainsbourg Et Brigitte Bardot Bonnie and Clyde Fontana, 1968 Como esa pareja explosiva y sensual, Natalia y Murray representan una fuerza creativa inseparable que experimenta su mejor momento.

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MÚSICA

TXT:: ALEJANDRO MANCILLA @NOSOYMODERNO +- ES EL TÍTULO DEL DISCO con el cual Mew se reencuentran con ellos mismos, pero sin olvidar de dejar las coordenadas del mapa adonde se internan. Se trata del sexto material de los daneses y en él, la banda simplemente pretende dejar fluir sus emociones. El resultado es un material que si bien navega por esas conocidas aguas del dream pop con énfasis en lo segundo, leva anclas hacia esa isla remota, una donde el grupo nos invita a irnos de viaje a la velocidad del sonido para instalarnos en su majestuosidad y extrañeza de ruido pop. Jonas Bjerre nos platica sus expectativas sobre el fin del mundo, las etiquetas, la matrix y, claro, el nuevo álbum.

Mew SOÑADORES EN UN MUNDO MATERIAL

¿Qué representa emocionalmente un nuevo disco de Mew? Jonas Bjerre : Creo que no nos importó adónde nos fueran llevando las canciones, el álbum tiene este sonido especial, simplemente, porque viene de nosotros. Dejamos que cada canción sonara como tenía que sonar, y el resultado fue un disco multifacético.

Entonces, ¿no tenían una meta ni buscaban un sonido especial para este material?

Anteriormente, nos planteábamos mil objetivos, teníamos incluso un montón de reglas para hacer nuestros discos en el pasado. A veces, eso funciona, pero en ese caso, dejamos que las canciones volaran en la dirección que quisieran tomar.

“Creo que los humanos ocupamos y percibimos una parte muy pequeña de la realidad, y somos libres en ese aspecto, no somos importantes para el universo”.

—Jonas Bjerre

La canción “Interview With the Girls” muestra a Mew en su lado más pop…

Esta canción habla de que no podemos controlar lo que sentimos; por más que tú seas una persona muy fría, no puedes.

En muchos sentidos, pienso que los seres humanos siempre estamos inmersos en esta constante lucha entre el control y nuestra verdadera naturaleza.

Alguna vez, dijiste que tu aspiración era hacer que la gente sintiera lo mismo que tú cuando escuchas tus grupos favoritos…

Y lo sigue siendo, absolutamente.

El impacto más profundo viene de la música, no necesariamente de las letras, sino de ese sonido que provoca algo en tu interior.

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FOT:: ARCHIVO La música te hace experimentar cosas que de otro modo no puedes explicarte qué son, es una sensación extraña y familiar a la vez. Las películas rara vez lo consiguen, porque son historias muy específicas, pero las canciones pueden despertar cosas escondidas dentro de ti.

Es una sensación ambivalente, ¿sabes? Como cuando escuché por vez primera a Pixies, My Bloody Valentine o Kate Bush. ¿Qué te ha sorprendido de ese modo últimamente?

Una cantante sueca llamada Stina Nordenstam; su música tiene un profundo sentimiento de tristeza y melancolía casi insoportable, pero la sensación enriquecida por la experiencia y el contexto donde la escuches, deja de lastimar para ser maravillosa.

La banda en sus inicios tocaba mucho el tema del fin del mundo… ¿Te parece que cada vez está más cercano ese día?

Por supuesto; por pura definición del tiempo, tenemos que estar más cerca del final ahora más que nunca. No estoy seguro de que el tiempo realmente exista, pero me suscribo a las teorías del astrofísico Max Tegmark sobre la realidad y la interpretación de muchos mundos, y de acuerdo con sus teorías, la realidad es en última instancia un objeto matemático, y el tiempo y el espacio están contenidos dentro de él, en lugar de lo que está contenido dentro del tiempo y espacio. Como seres humanos, tenemos funciones físicas y formas de medir el mundo material que nos rodea, tenemos un cerebro que nos ayuda a procesar ese estímulo. ¿La música ayuda a percibir las cosas de otra manera?

Es que todo se trata, obviamente, de un modelo de la realidad limitado por nuestra propia estructura física, por nuestros cuerpos. No vemos los átomos, las partículas, los quarks, la pelusa cuántica. Así que nuestra percepción lineal del tiempo podría no ser como el tiempo funciona de verdad. Creo que los humanos ocupamos y percibimos una parte muy pequeña de la realidad, y somos libres en ese aspecto, no somos importantes para el universo, pero podemos optar por percibir

nuestra propia existencia como importante para nosotros mismos y nuestros seres queridos, y si actuamos lo mejor que podemos de manera positiva para la humanidad, para la naturaleza, para nuestro pequeño planeta azul... Para mí, todo eso es el significado de la vida. ¿Crees que el género de dream pop se ha convertido en una etiqueta engañosa?

Creo que, de alguna manera, todas las etiquetas son así. Pienso que la mayoría de los artistas y bandas que se precien de ser originales, son difíciles de encasillar en algún estilo en particular.

Este disco tiene un balance muy acertado de pop y ruido… Hay coros súper ochenteros y hasta riffs de hard rock…

Creo que es el resultado de una evolución muy orgánica. Nunca hemos pensado en sonar a algo específico, de verdad, todo ha sido natural. Te confieso que cuando comenzamos, no sabíamos ni siquiera tocar, y mucho menos sonar como otras bandas. Poco a poco, fuimos desarrollando nuestro estilo y comprendiendo el significado de hacer música.

Y ahora, han colaborado incluso con sus héroes, como Duran Duran. ¿Qué se siente estar en el mismo disco que Lindsay Lohan, quien igual participa con ellos en una canción?

Hay momentos en la vida en que he pensado: “¿Es esto real? Es tan surrealista y extraño, que tiene que ser una película”. Es absolutamente cierto lo que dijo Mark Twain: “La verdad es más extraña que la ficción”. Me siento muy honrado de haber sido invitado a participar en el nuevo álbum de Duran Duran (Paper Gods). Cuando yo era un niño, tenía un VHS con algunos videos musicales que grababa de MTV. Ese video tenía algunos de los éxitos más populares de la época y “Wild Boys” de Duran Duran era uno de ellos. Me obsesioné mucho con el video, el feeling post-apocalíptico que tenía y la extraña mitología alrededor.

Lo de Lindsay Lohan, sí es muy extraño e inesperado. Pero ya Paddy McAloon lo dijo en una de sus canciones: “Es una vida de sorpresas, darling”.

¿Por qué crees que “The Eggs Are Funny”?

(Risas) Es el título de una de las primeras canciones que escribí.

Creo que el huevo es un símbolo de la creación en mi mente, de las cosas que entran en el mundo de la nada. Un símbolo de la promesa para el futuro. Pero no estoy seguro de qué quise decir, porque escribí esa canción hace tanto tiempo… De hecho, queríamos poner nuestro viejo demo de esa canción en este nuevo álbum, pero por desgracia no pudimos recuperarlo.

“My Complications” es otra de mis canciones favoritas del disco. ¿Cómo se dio la colaboración de Russell Lissack de Bloc Party?

Hicimos un tour con Bloc Party en Estados Unidos hace unos años; no estoy seguro, pero creo que Russell fue quien nos invitó. Fue algo nuevo para nosotros llamar a personas fuera de la banda en el proceso de composición; por lo general, tenemos invitados que llegan a aportar cuando la canción está ya escrita. Russell pasó tres días en Copenhague haciendo jamming y escribiendo canciones con nosotros; fue muy grato trabajar con él.

Pienso que las letras son más directas que en sus álbumes anteriores, ¿estoy mal?

No, creo que tienes razón. En general, me siento más cómodo con la escritura de las canciones que reflejan un sentimiento o dan al oyente la visión de una situación que no entiende por completo. Así, tengo la sensación de que la pieza está abierta a la interpretación, y llega a crecer en la mente de la gente que la escucha. Mi idea es que el oyente pueda imaginar su propia concepción acerca de lo que la composición es.

Pero en los últimos años, he comenzado a notar más franqueza en mis letras. No es necesariamente una elección consciente; tal vez me siento más a gusto con esta sinceridad lírica ahora. Sin embargo, tampoco son letras “fáciles de digerir”, no me sentiría bien con eso.

Claro, a veces mis letras son directas y se sienten casi como si estuvieran tomadas de mi diario, pero eso puede ser terrorífico.

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Cocteau Twins Heaven or Las Vegas 4AD, 1990 El álbum donde Elizabeth Fraser y Robin Guthrie dejaron a un lado las sombras y se volvieron discípulos de un estilo que ellos mismos habían inventado. La melancolía seguía ahí, pero acompañada de veladoras que alumbraban el descenso.

The Radio Dept Passive Agressive Singles 2002-2010 Labrador, 2011 Disco recopilatorio que ilustra perfectamente la evolución de la banda sueca. Del noise-pop-garage de sus primeros singles, al electro-dream-pop posterior.

Apparatjik We Are Here Metamerge Un Ltd, 2010 Disco debut del proyecto que involucra a miembros de Coldplay, A-Ha y a Jonas Bjerre de Mew. En este material, hay tanto dream-pop electro, que podrías vomitar nubes.

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MÚSICA

GIRL BAND es una de esas bandas que de pronto llegan a tu vida como una bala que atraviesa tu cabeza y la destruye por completo.

Por un momento pareciera que de una pequeña ciudad como Dublín, este cuarteto Irlandés sería irreal.

Sin embargo, aquí están, existiendo en lo que pareciera ser su propio imaginario musical a través del cual han llegado hasta la emblemática discográfica Rough Trade por medio de la cual sostienen orgullosamente su primer larga duración.

Aquí el punk se entrecruza con elementos de no wave, noise, postpunk, pero de forma muy extraña este conjunto deja como resultado una especie de techno orgánico producido con instrumentos convencionales de rock. Aquí la “banda de niñas” es tan sólo una irónica etiqueta que remarca de forma muy sugestiva el inmenso tamaño de sus agallas.

Girl Band es uno de los conjuntos emergentes Irlandeses más explosivos y constatarios de la música alternativa actual, el cual se defiende con un álbum debut sin precedentes. Una carta de presentación que basta con reproducir unos minutos para dejar claro que las habladurías vienen

TXT:: JOSÉ IGNACIO GÓMEZ

sobrando. Esto es el pequeño universo que Dara Kiely ha concebido junto a Daniel Fox, Alan Duggan y Adam Faulkner. ¡Hola, Dara! Antes que nada quisiera saber más a cerca de Holding Hands With Jamie, ¿cómo ha sido dar el paso de varios EPs a su primer larga duración y cuales fueron los retos?

Dara Kiely: Pues, fue como quisimos sonar, algo más en vivo. Creo que documentamos cómo es la banda en el escenario y estoy contento porque creo que fue nuestro mejor intento, y pues ahora nos concentraremos en el siguiente, y saldremos de gira. Estamos muy felices pero queremos seguir escribiendo. ¿Crees que los primeros EPs no reflejaban de manera correcta cómo es la banda a la hora de escucharla en directo? ¿Cómo te sientes con respecto a los discos anteriores?

Estaba muy satisfecho en el momento en que salieron.

Documentó ese época para nosotros también, pero estoy muy enfocado en lo que estamos haciendo en este momento. Creo que hicieron lo que suponía que

tenían que hacer, pero nos gusta hacer cosas nuevas.

Anteriormente habían editado varios lanzamientos en tirajes muy limitados, ¿Por qué consideraron hacerlo de esta forma?

También colgamos nuestro material en algunas plataformas.

Nos gusta subir cosas a Internet, creo que es importante para que la gente pueda ver cómo la banda progresa, pero quisimos hacer los vinilos para mantenerlo especial y para tener algo que la gente quisiera tener, pensamos en qué nos gustaría tener si fuéramos fans de la banda.

Asumo que parte de el hacer algo especial para los seguidores tiene que ver con que ustedes coleccionan discos y les gustaría que de la misma forma la gente coleccionara los suyos… ¡Sí, lo somos! Daniel y Adam trabajaron en una tienda local de discos llamada The R.A.G.E. Siempre hemos estado involucrados en el coleccionismo en ese sentido. Adam lo es más que yo, pero tener editado un disco en físico es importante. De hecho, en dicha tienda lanzamos nuestro

Girl Band EL IMAGINARIO COLECTIVO DEL POST-PUNK

primer disco, que también fue el lugar donde dimos nuestra primera presentación juntos. Así que fue muy especial. Por supuesto, nos encantan los discos, ¿a quién no? () ¿Cómo fue tu primer acercamiento al formato físico? Digo, estamos en esa época en que los vinilos han regresado, pero hace algunos años, creo en especial los jóvenes, muchos no tuvimos este formato tan presente… ¡Sí! Tienes razón. Siempre quise uno, pero lo que tenía eran CDs y estaba muy clavado en mi iPod y me introduje a muchas bandas de esa forma. De hecho quien después nos ayudó de ingeniero en nuestro disco fue quien me compró mi primera tornamesa. Yo tenía como 21 años. El primer vinilo que compré fue el homónimo de Suicide, ¿lo conoces? ¡Claro! En realidad creo que Girl Band me recuerda mucho a Suicide. ¿Crees que es una gran influencia para la banda?

Pues sí. Ese álbum me voló la cabeza. Cuando le entré al no wave estaba trabajando en el O2, que es un foro muy grande en Dublín, y en ese entonces, veía como vendían playeras de 15 euros y botellas

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FOT:: ARCHIVO

de agua de tres euros (que es muy caro). A la gente se le timaba y la calidad de música era muy limitada. Había bandas que abrían siempre con el mismo sencillo, y fue entonces cuando me adentré mucho en el y el , porque hacía mucho más sentido para mí en ese entonces, pues había mucha más calidad en la música y la gente lo hacía porque le encantaba, no por el dinero. Nos encanta James Chance, DNA y todas estas bandas geniales que nos abrieron los ojos. La manera en que hacían música es fenomenal.

Hablando de hacer la música por amor y no por el dinero, ¿cómo fue entrar a Rough Trade y qué los hizo sentir cómodos?

Tuvimos muchas ofertas, fue muy extraño. Hubo interés después de que sacamos un par de sencillos el año pasado. Rough Trade fue de las primeras empresas en hacer una oferta, Geoff Travis fue muy directo. Fue el tipo que nos vio primero y se acercó directamente.

No hubo habladuría. Fueron muy honestos y admiramos mucho su catálogo. Cuando tenía 15 me encantaban The Smiths, cuando tenía 18 The Strokes, a los 19 me encantaba The Fall. Puras bandas clave de Rough Trade. Y

si lo analizas bien hay muchas cosas de calidad que aman y están en su sello por las razones correctas. Son realmente fanáticos de la música. Y hasta ahora ha sido asombroso, todos han sido muy amables y nos han dado el completo control de todo, como producir por nuestra cuenta el álbum como quisimos.

otra. Quisimos crear algo de lo cual estuviéramos orgullosos, algo que fuera único para nosotros en nuestra propia forma y divertirnos con ello. Cuando vino la recesión fue un buen momento para la banda y el lado creativo que resultó, porque creo que el punk siempre es una reacción al exceso en muchas formas.

¿Cómo fue empezar la banda en una ciudad como Dublín y comenzar a conocer otras bandas? ¿Qué ofrece la ciudad?

Es raro porque es un lugar pequeño para la comunidad musical pero es grande a su propia manera.

Existen bandas geniales como Jet Setter y Paddy Hanna. Cuando comenzamos a tocar, antes de Girl Band, yo tenía una banda de bastante mala junto con Dan. Intentábamos aprender y pasarlo bien, y hubo buenos momentos.

Comenzamos en una época muy rara para Irlanda porque por primera vez en la historia hubo mucho dinero en el país. La gente empezó a gastar y comenzaron a firmar a un montón de bandas en sellos discográficos muy grandes.

Cuando comenzamos Girl Band, nuestra banda, mi banda, no queríamos sonar como ninguna

¿Crees que las demás bandas que los han acompañado desde su comienzos compartían esa energía punk fuera de lo musical? ¡Sí! Como en su propia manera, ¿sabes? El punk realmente se encuentra creando y destruyendo.

Por eso el es fantástico, es el siguiente paso, es el desarrollo, es la longevidad. El punk tradicional de tres acordes del 77 es fantástico y brillante, pero no debe ser elemental. La música de los 70 fue muy influyente para la actual porque tenia que reaccionar a ella. Cuando la música vea sus momentos más pálidos y todo vaya de mal en peor, siempre habrá una reacción a ello y a veces se convertirá en música de masas o a veces tendrá su propio universo paralelo. No se trata sólo de tres acordes, es una filosofía muy extraña y fascinante.

“El punk siempre es una reacción al exceso en muchas formas”.

—Dara Kiely

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The Fall Bend Sinister Beggars Banquet, 1986 Esfuerzo discográfico de una de las bandas de post-punk más representativas de Inglaterra.

Suicide Suicide Red Star Records, 1977 Álbum debut de una de las bandas que indudablemente abrieron paso a nuevas bandas en materia de noise

DNA DNA On DNA No More Records, 2004 Compilación de una de las bandas neoyorquinas precursoras del noise rock y el no wave

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MÚSICA

TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO

DJ Spooky

REMEZCLANDO LA HISTORIA CINEMATOGRÁFICA DE LOS ESTADOS UNIDOS (JUNTO AL KRONOS QUARTET)

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DJ Spooky Modern Mantra Shadow Records, 2002 26 invitados y los finos haceres de un DJ visionario; no sólo aportan su música sino todo un entendimiento de la sociedad contemporánea. Así las cosas en el 2002.

Paul D. Miller/DJ Spooky La ciencia del ritmo Alpha Decay, 2007 Un libro sorprendente por la cantidad de ideas que contiene y que a la vez funciona como un barroco remix entre autobiografía y teoría.

Kronos Quartet Tundra songs Centrediscs, 2015 Otra reciente producción llena de ambición; incluye composiciones del premiado Derek Clarke y el canto esquimal de Tanya Tagaq –de su garganta brota un universo–.

“Hay artistas que de verdad se empeñan en reinterpretar al mundo. DJ Spooky no se cansa de samplear a la cultura entera.

A fin de cuentas, para él la vida misma no es otra cosa que un enorme remix”.

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FOT:: ARCHIVO

DJ SPOOKY no es un disc jockeyproductor cualquiera interesado en manipular a las masas, mucho menos una rutilante figura del hiphop atascada de bling-bling y que promueva la banalidad y el lujo; nada de eso, Paul D. Miller estudió en el Bowdoin College, y se graduó en Filosofía y literatura francesa. El nacido en Filadelfia en 1970 inició formando parte de la escena punk de la localidad y exploraba la ciencia ficción, antes de arrancar con un proyecto muy serio y riguroso que ha evolucionado los conceptos y cánones del hip hop para vincularlo con diversos aspectos del arte contemporáneo, el pensamiento filosófico de vanguardia y la tecnología de punta.

En resumidas cuentas, DJ Spooky –That Subliminal Kid– es un intelectual; a la fecha ha editado dos libros de ensayo muy interesantes. A propósito de la publicación del primero de ellos, La ciencia el ruido (editada en español por Alpah Decay en 2007), le preguntaron acerca de la posible hegemonía de lo visual por encima de lo sonoro, a lo que respondió: “Está todo conectado: me gusta pensar que el proceso del sampleado tiene que ver con la colisión entre los resultados esperados e inesperados del collage: es un proceso que ha creado a toda una generación de músicos, ingenieros de software, escritores de códigos y sí, artistas normales, liberados de las restricciones con que los géneros más antiguos limitaban la manera

en que la gente podía percibir su trabajo. Como compositor, mi material es desinhibidamente complejo y, como artista, gran parte de mi trabajo es un ensayo sobre la forma lírica de poesía y música combinada con las bellas artes.

Multimedia, las artes digitales y una sensación de interconexión impulsan mi investigación sobre cómo puede evolucionar la creatividad en un mundo, como el nuestro, basado en la información. Quiero que la gente piense en la música y el arte con la mirada puesta en el dominio invisible de la literatura sobre cómo relatamos historias”.

Este planteamiento encaja perfecto al aparecer en esto días la edición en CD-DVD de un proyecto de deconstrucción-reconstrucción que realizó en directo hace unos años en compañía de uno de los ensambles más visionarios dentro de lo que se conoce como música clásica o de concierto, los también norteamericanos del Kronos Quartet.

Se trata de una ambiciosa iniciativa que arrancó varios años atrás –en 2004, específicamente– pero que ahora se completa debido a dos importantes efemérides. Rebirth of a Nation es una intervención total sobre la película The birth of a nation, presentada por D. W. Griffith en 1915, y que forma parte importante de la historia de los Estados Unidos, por ser una obra de un cineasta pionero y un documento que reflejaba la ideología racista.

El filme original es silente, por lo que el punto de partida fue crearle una banda sonora que aportara una nueva interpretación. Spooky decidió componer un score de poco más de una hora, pero también intervenir sobre la propia obra, aplicando diversas técnicas propias de la cultura del remix y el sampleo.

El génesis del proyecto corrió a cargo del Festival Spoleto, que supo anticipar que este año se cumple el centenario de la realización de la cinta, pero también se llega a los 150 años del final de la Guerra Civil estadounidense, hilo conductor de la película. El artista buscó evidenciar cómo a través del tiempo la corrupción política y la explotación racial se expresan mediante formas radicalmente diferentes, pero a fin de cuentas subsisten. Esta nueva versión

trabaja a distintos niveles semánticos y resignifica una obra de la temprana cinematografía norteamericana.

La siguiente etapa del proyecto consistió en una serie de conciertos en compañía del Kronos Quartet, que se prolongó hasta 50 presentaciones en importantes sedes, como lo es el MoMA de Nueva York. Posteriormente, y ya instalados en el 2007, se reunieron para grabar la música, un material lleno de una variación de intensidades al que no le falta nervio y brío y que no fue editado sino hasta ahora en plenas conmemoraciones.

Rebirth of a Nation es toda una experiencia multimedia que se convierte en un acto estéticopolítico muy cercano a lo que podemos entender como arte conceptual. El sello Cantaloupe Music lanzó la versión definitiva conteniendo la edición intervenida que acompañaba al concierto y que finalmente se registró en un estudio de San Francisco.

Miller explica que la base del proyecto es entender al director de cine como si fuera un DJ, en el sentido de que se trata de: “La convergencia de formas: hay que pensar que el multimedia está absorbiendo todos los modos de producción anteriores, incluida la identidad. Pienso en la película como una metáfora de este tipo de confusión. Ha llegado la hora de reiniciar la cultura digital”.

Y vaya que emprendió una reescritura de fondo, el disco se conforma de 19 piezas de duración variable, pero que no resultan contemplativas sino que poseen la fuerza suficiente para resignificar las imágenes pero también para conducir una historia por sí solas. Al juntarse, la experiencia se potencia, pero si únicamente corre la música la sensación no desmerece.

Así, el creador de discos tan influyentes como Songs of a Dead Dreamer (1996) y Riddim Warfare (2002) se apuntala como un teórico de la música de crucial importancia, pues lo suyo hace mucho que traspuso el ámbito del hip-hop –incluso se le considera uno de los pioneros del illbient–.

Ha sacado el mejor provecho a esta experiencia junto a una agrupación con gran sentido de

futuro y excelencia interpretativa, como lo es el cuarteto que conduce David Harrington.

Spooky no sabe parar y sus iniciativas se multiplican por doquier. Emprendió un viaje a la Antártida para hacer una película sobre el sonido del hielo. Acerca de Terra Nova –como nombró a la filmación y que en disco se llama Of Water and Ice (2013)– opina: “Mi material vincula ese tipo de cosas con el hecho de que también estemos procreando formas nuevas y escenarios artificiales que nunca podrán sustituir a esa naturaleza perdida”. Antes también coordinó y escribió para Sound Unbound (2008), publicado nada menos que por el MIT y que se conforma con 36 textos acerca de: “arte sonoro, medios digitales y la nueva estrategia compositiva. Contiene textos de Brian Eno, Steve Reich, Chuck D, Moby, Pierre Boulez, Saul Williams, Bruce Sterling, Jonathan Lethem, etc. El acompañamiento de audio presenta material poco conocido de Allen Ginsberg, James Joyce, Ryuichi Sakamoto, Jean Cocteau, Gertrude Stein, Liam Gillick, Trilok Gurtu, Sun Ra, George E. Lewis, Aphex Twin, Sonic Youth, Philip Glass, Iggy Pop, etc.”. Con todo ese material también se ha presentado en directo.

Lo dicho, hay artistas que de verdad se empeñan en reinterpretar al mundo. DJ Spooky no se cansa de samplear a la cultura entera. A fin de cuentas, para él la vida misma no es otra cosa que un enorme remix.

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MÚSICA

TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO

Darkstar

SAMPLEANDO LAS VOCES DEL NO FUTURO

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FOT:: ARCHIVO

“Darkstar ha logrado un disco que conserva mucha elegancia y sofisticación al tiempo que agrega opiniones diversas acerca de los actuales pesares por los que pasan los jóvenes ciudadanos”.

LA VIDA en las grandes ciudades es una vorágine que lo arrasa todo del individuo, que envuelve su existencia completa y lo sumerge en un dinámica en la que difícil puede escapar. Lo que ofrece la provincia es una perspectiva distinta de las cosas, pero con el paso del tiempo el modo de entender las circunstancias laborales y económicas se va estandarizando; al igual que ocurría con las diferencias entre los habitantes de las grandes potencias y las personas de los llamados países emergentes o del tercer mundo. Es innegable que nos vamos pareciendo más desde una condición negativa.

Vivo en una ciudad de provincia en la que la vida es barata; se puede sobrevivir sin un sueldo alto y conseguir un sitio decoroso.

Podría pensarse de que mucha de la gente estaría contenta, pero desde hace algunos años el empleo cayó en picada y la economía doméstica no se mueve.

Señalo esto para establecer un paralelismo entre el tercer disco de los ingleses Darkstar y la realidad en la gris y deslavada provincia mexicana. Me explico.

En Pachuca es casi imposible conseguir empleo –son contados los que existen– y es por ello que me ha tocado ver como varias generaciones se desesperan y acumulan frustraciones y desanimo. Ellos mismos podrían ser los protagonistas de los insertos vocales que desfilan a lo largo de un álbum que se realizó desde muy adentro de la provincia británica. Para ser más preciso, desde Huddersfield, una ciudad que pertenece a Yorkshire del Oeste, muy cerca de la confluencia de los ríos Colne y Holme.

A los músicos involucrados no les quedó de otra que abandonar la comodidad y belleza de la campiña y tuvieron que instalarse en una pequeña y discreta ciudad a la que no le faltan dificultades. Y al final llegaron a conclusiones muy similares y dedicaron un trabajo

entero a la falta de oportunidades, a los problemas laborales y a aquello que Juanito El podrido tan bien plasmara con Sex Pistols: el sempiterno NO future.

Lo que sorprende y atrae del tratamiento de Darkstar es que ellos no hacen punk primigenio ni tampoco alguna forma de rock tozudo, sino que se dedican a la electrónica suave y vaporosa que ahora combinan con partículas de R&B contemporáneo. Aiden Whalley se ha dejado llevar por la influencia de los crooners de antaño que tanto han transformado los núbiles artistas recientemente y, junto a James Young, han logrado un disco que conserva mucha elegancia y sofisticación al tiempo que agrega opiniones diversas acerca de los actuales pesares por los que pasan los jóvenes ciudadanos. Es interesante que se trate de un disco de música electrónica y de política –una combinación poco frecuente–.

Foam Island, cobijado por el importantísimo sello Warp, aparece tras la partida de James Buttery, quien los acompañara en North (Hyperdub, 2010) y News From Nowhere (Warp, 2013). El nuevo material funciona como un experimento para redireccionar el rumbo del proyecto y conservar el acento downtempo y ciertos pasajes cercanos al ambient que ahora entrecruzan con ese espíritu soulero.

La recomendación es escucharlo como una obra integral –de sus temas musicales a los interludios–; si bien no es un disco conceptual a la vieja escuela, sí tiene un hilo temático bien claro que no se sustenta a partir de sencillos comerciales. La estructura de los temas acoge todo un alegato sobre la desilusión y la falta de expectativas sobre el futuro. Huddersfield parece que no va hacia ninguna parte, de hecho nos da a entender que el paso del tiempo no traerá mejores cosas, pero qué se le va a hacer, así está buena parte del resto del mundo.

Foam Island conserva ese acento fragmentario del mundo contemporáneo, así como también esa acumulación de voces. Nos sentimos rodeados de una multitud que va por doquier opinando y, a la vez, tenemos la certeza de que estamos solos. Al menos tenemos la oportunidad de escoger a la banda sonora que puede ser falsamente acariciante mientras va soltando un discurso político muy simple y cotidiano: las posibilidades de éxito son mínimas.

Las secuencias van y vienen, incluido algún chispazo postdubstep, e incluso algún arreglo que se siente sacado de la música clásica. Ya se dijo qué conviene entender y apreciar al disco completo, pero quien prefiera apreciar de entrada una muestra, ahí está “Inherent in the Fibre” como un excelente comprimido de las pretensiones, tan bien resuelta como “Stoke the Fire”, que la sucede.

Con mucho tino, los Darkstar se acercaron a la gente durante el periodo anterior a las elecciones generales, por lo que el cabreo y la mala leche estuvieron a pleno.

Foam Island es interesante en el sentido que la música marcha por esa vereda de lo acariciante, la voz conserva el charmé de la negritud, pero el cumulo de voces que por desfilan hablan de incomodidad e insatisfacción, además que conforman un coro que no considera como opción a la esperanza y traza un marco en el que el ciudadano se siente perseguido, no sólo por sus posturas políticas sino además por sus sentimientos.

Mientras más se regresa al álbum más puede uno acordarse de las ideas de ese gran terrorista poético y cibernético que es Hakim Bey: “Si hubiera de besarte aquí lo llamarían un acto de terrorismo; así que llevémonos las pistolas a la cama y despertemos a la ciudad a medianoche, como bandidos borrachos celebrando con andanadas el mensaje del sabor del caos”.

+ ESCUCHA TAMBIÉN

Sleaford Mods Key Markets Harbinger Sound, 2015 Comparten la parte del alegato político pero estos desde un trap rústico y tosco –cero elegancia–.

The Weeknd Beauty Behind the Madness Republic, 2015 Sin la carga política de Darkstar, pero también hace avanzar a la mezcla de R&B y electrónica downtempo.

A Tribe Called Quest The Low End Theory Jive, 1991 Un álbum esencial para comprender la versatilidad del hip-hop, cuya armonía puede utilizarse como arma emocional o política.

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FESTIVALES

TXT:: AARÓN ENRÍQUEZ

COORDEN Hay ciudades a las que uno siempre quiere regresar, ya sea por la gente, la comida, las experiencias vividas o, simplemente, por el nivel de fiesta que pueden alcanzarse en ellas. En mi caso, Guadalajara no solamente era la promesa de comer rico, beber hasta morir y ver mujeres guapas, sino, además, que el cartel de la segunda edición del Festival Coordenada generó una expectativa importante. No todos los días se puede ver a Blur de nuevo en un evento así y ésta era una prueba importante para apreciarlos en territorio nacional, y, por vez primera, fuera de la Ciudad de México.

LLEGAR NO FUE SENCILLO, pues tomé la decisión de asistir al concierto de El Columpio Asesino en El Plaza Condesa una noche antes y salir a Guadalajara en la noche, para llegar en la mañana a desayunar y alistarme para una jornada que prometía. Me entusiasmaba que el festival estuviera programado para un solo día, justo como el primer Corona, y que el cartel se mantuviera igual de sólido a pesar de las irreparables pérdidas en algunos headliners.

Honestamente, no me dolió Foals, pero con The Raveonettes sí hice un pequeño berrinche, aunque pensé que The Dandy Warhols no era una mala opción para resarcir el daño.

Llegando al parque Trasloma, volví a sentir el ambiente a festival que hace tiempo no vivía, un sol que caía a plomo, olor a bloqueador solar y

cerveza; las señales que uno necesita para saber que la jornada musical se va a poner interesante.

Entré cuando tocaban los Rebel Cats; un poco de rockabilly no cae mal a esa hora del día. A pesar de haberlos visto una noche antes –o quizá justamente por eso–, tenía una alta expectativa por disfrutar el Columpio Asesino en Guadalajara.

Para mí, uno de los mejores actos en vivo que he visto últimamente, una despedida digna para los de Pamplona antes de que tomen un receso de tiempo indefinido.

Otro highlight fue la presentación de Los Tres, con invitados como Mon Laferte y los Tacvbos en el escenario, excepto Quique Rangel, quien también vivió una presentación importante en el denominado Otro Escenario, con su proyecto Presidente, al lado de Priscila González.

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FOT:: IVÁN CASTILLO

NADA2015 Así se fiestea en Guanatos

Tal vez es difícil descifrar al público de Guadalajara, pero una sorpresa importante para mí fue también la buena acogida que le dieron a una banda como Little Jesus. Los suertudos alcanzaron un momento en que empezaba a caer la tarde y el ambiente en el Otro Escenario se sentía a tope, mucha gente coreando sus canciones.

Ya había tenido oportunidad de ver a Nacho Vegas en otras giras y en recintos más íntimos, pero esta presentación con la banda completa y desgarrando sus guitarras, me pareció simplemente brutal. Un Nacho místico y bañado de tequila haciendo suyo el Otro Escenario es algo que quienes estuvimos recordaremos por un largo tiempo.

Para la parte central del festival, el recinto empezaba a ser insuficiente. Muchísima gente

que disfrutó de El Gran Silencio e, incluso, de Natalia Lafourcade. Encontrar un buen lugar para presenciar los tres últimos shows y el tránsito rumbo a los baños y otros servicios era cada vez más complicado.

Mención honorífica deben llevarse The Dandy Warhols, que sin deberla ni temerla, estuvieron ahí, llenando un hueco que ellos no provocaron y teniendo que mantenerse estoicos frente a un público que ya empezaba a exigir a Café Tacvba. Un trabajo difícil del que finalmente salieron bien librados. Si alguien lo dudaba, para la hora en que salió Café Tacvba con esos trajes norteños con motivos indígenas, todo se aclaró. El Coordenada 2015 fue de ellos. Abrieron con el “Fin de la infancia”, un corte que sonó más a declaración de principios, que de una

canción para abrir su presentación. Para ese punto, el público entró en un trance del que no logró salir hasta que los Tacvbos cerraron con “Mediodía». Pudo haber sido el cansancio, el derroche de energía entregado a los de Satélite o, simplemente, que en Guadalajara el público no es tan fan, pero fue una lástima que ese trance no se extendiera hasta la presentación de Blur, que, sin embargo, a pesar de la falta de respuesta del público tapatío, nos sorprendió con otro increíble show; similar, aunque un poco recortado, al que dieron en el Palacio de los Deportes dos noches antes. “The Universal” fue el cierre perfecto para un día completo de música y fiesta en Guadalajara. Un ejercicio que ojalá se mantenga para su siguiente edición, con un cartel de la misma fuerza.

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FESTIVALES

TRAS LAS BAMBALINAS DEL

FESTIVAL CORONA CAPITAL

TXT:: UILI DAMAGE Memo, ¿cómo ha sido la evolución del festival?

Memo Parra: Muy grande, aunque el tiempo ha sido poco. Ésta será la sexta edición y en seis años logramos que se posicione en el mundo del entretenimiento, tanto con patrocinadores, como con audiencia y artistas. Antes teníamos que explicarles a los artistas de qué se trata y ahora nos buscan para participar. Falta mejorar muchísimas cosas, pero cada año nos esforzamos haciéndolo, y éste nos enfocamos en mejorarlo como en el lugar. Estamos creciendo dándole más espacio a la misma cantidad de gente; más áreas verdes, mejor calidad y variedad en la parte de foodtrucks, mejores espacios para la zona de alimentos; incluiremos una sección nueva que se llama Capital Gourmet, y reubicamos y mejoramos la sección VIP; ahora tendremos pequeños locales repartidos en el área del evento que ofrecerán artículos de primera necesidad, accesorios para la estancia en el lugar (bronceadores, lentes...), medicamentos de botiquín... Artículos básicos del festival, todo para mejorar la experiencia. ¿Cómo se hace la selección musical?

MP: Empieza entre 12 y 14 meses antes del día del evento. La idea es tratar de tener actos importantes cuya primera presentación en México sea en el Festival o tengan mucho tiempo sin venir; tener también actos relevantes de las décadas de los ochenta y noventa, y tener actos emergentes para descubrir.

FUE FÁCIL MOSTRAR DESCONTENTO CUANDO CAYÓ UN CHAPARRÓN EN “EL CORONA” PASADO, COMO SI UNOS ENANOS MALÉVOLOS “QUE SEGURAMENTE FUERON LOS QUE ORGANIZARON EL CONCIERTO BAJO EL AGUA” ESTUVIERAN ESCONDIÉNDOLE PARAGUAS E IMPERMEABLES A LA ASISTENCIA... NO EXISTEN ESOS ENANOS MALÉVOLOS QUE ESCONDEN PARAGUAS E IMPERMEABLES, ES UN HECHO. Y PARA TENER UNA IDEA MÁS CLARA DE LO QUE HAY DETRÁS DE LA ORGANIZACIÓN DE UN EVENTO MASIVO TAN COMPLEJO COMO LO ES ESTE FESTIVAL, NOS ACERCAMOS AL NÚCLEO DE LA ORGANIZACIÓN PARA CONVERSAR CON ELLOS Y TENER UN PANORAMA MÁS CLARO DE LO QUE IMPLICA JUNTAR A TANTA GENTE EN ESTA CELEBRACIÓN MONUMENTAL. CONVERSAMOS CON MEMO PARRA, DIRECTOR DE NEGOCIACIÓN Y TALENTO EN OCESA ENTRETENIMIENTO, Y GABY GÓMEZ, DIRECTORA DE PROGRAMACIÓN DEL CORONA CAPITAL.

¿No se les escapan los actos que estén disponibles hasta muy cerca de la fecha?

MP: Sí sucede, pero no podemos esperarnos a conseguirlos porque el tiempo nos gana. Hay negociaciones que empiezan el año anterior y la confirmación se cierra seis, cuatro o tres meses antes del evento. A veces, te salen ofertas de grupos increíbles que no puedes cerrar porque ya estás trabajando en otros, y también artistas que se cancelan a la mera hora, por los que intentas regresar a la oferta que apareció de último momento y ya no están disponibles. Hay que ver que el artista pueda asistir en la fecha que necesitas para México, resolver la parte financiera y, finalmente, la parte de producción/ organización que está afectada por los egos, porque cierto artista exige aparecer de manera especial en el cartel, tener un escenario con cosas especiales, etcétera, sin mencionar el tema del precio del dólar, que es la moneda en la que cobran. A pesar del incremento en el precio del boleto de este año, seguimos siendo un festival de acceso más económico que muchos del resto del mundo.

De los Corona anteriores, ¿cuáles han sido los aprendizajes que se están implementando para la organización del que está en puerta?

MP: Cada año, cambiamos cosas para tratar de mejorar el festival. Para éste, como te digo, desde alimentos y bebidas, hasta servicios,

37 cantidad de baños, producción, ubicación de escenarios, cartel, manera de anunciarlo, protección civil... Tenemos un sistema de monitoreo de tormentas y actividad eléctrica que sigue protocolos de seguridad mundiales, los cuales ayudan a tomar decisiones muy importantes. Gracias a esto, por ejemplo, pudimos detener el festival, protegiendo al público. Estamos investigando constantemente y actualizándonos para estar dentro del estándar mundial de festivales; desde seguridad, hasta logística. ¿Cuánta gente trabaja en hacer el Corona?

MP: Depende; un año antes, somos cinco personas. El día del festival, más de cinco mil. ¿Qué puede encontrarse el talento que viene al Corona que sea distinto de otros festivales?

MP: La parte de producción es muy estándar porque es la mejor manera de trabajar con personas que vienen de todo el mundo.

Igualmente, la de seguridad. Una persona que apoya al festival en esto es Spike Falana, nuestro perito responsable de escenarios; él se asegura de que éstos tengan las características y condiciones específicas óptimas; trabaja con protección civil para medir vientos, para saber cuándo bajar pantallas, quitar lonas, parar un escenario. Él es responsable de Lollapalooza en todo el planeta, trabaja en Austin City Limits.

Y como con él trabajamos con profesionales de todo el mundo para dar un festival de nivel internacional... Son aspectos que mucha gente no sabe ni que existen para tomarse en cuenta. En otros países, ha habido tragedias en festivales, y seguir los estándares ayuda a hacerlo mejor para todos. Es otro factor que nos ha ayudado a crecer.

La publicación especializada más importante en cuanto a conciertos, que se llama Pollstar, pone a Corona Capital como uno de los 10 más importantes de América y es uno de los 25 más grandes del globo. ¿Cómo estuvo la cosa de la lluvia el año pasado?

MP: Estábamos preparados para q una lluvia normal el día del festival… No para cinco días continuos de lluvia extrema. Nosotros terminamos el montaje, bajo la lluvia, tres días antes. Cayó más lluvia y “tiró” el festival.

Lo volvimos a levantar, volvió a llover, lo volvió a tirar y el día del evento, otra vez. Nuestros esfuerzos se concentraron en áreas que ya estaban destrozadas, a las que no podías llegar con equipos de un escenario a otro para levantarlo de nuevo mientras estaba ya corriendo el evento. Perdimos generadores, líneas de Internet, el sistema de pulseras para consumir en el festival se cayó más de dos horas... Hasta que llegó el momento en que tuvimos que parar por nuestros protocolos de seguridad. En ese momento, hubo que renegociar con los artistas para que siguieran en el festival, ajustar horarios y más...

¿Cómo se preparan para esta edición en el mismo sentido?

Estamos contemplando todas las probabilidades, pero si llueve de esa manera es muy difícil. En noviembre, debe llover mucho menos, pero son factores que no podemos controlar a ese nivel. No estamos acostumbrados en México. En otros festivales del mundo, la gente va a eso, a meterse al lodo. Por nuestra parte, los esperamos este año, asegurándoles una experiencia mucho mejor dentro del festival. Va a ser mucho más amigable, con modificaciones y mejoras que permitirán a todos disfrutarlo más.

no conoces o no te gustan, dirás: “Ah, no va a estar tan bueno”...

GG: Y por algo está la banda que querías ver y las demás que están en el cartel. Creo que en todos los aspectos ha mejorado el festival, y todo en beneficio del público. Hay muchísima atención de medios internacionales y la gente está volando desde Estados Unidos, Perú, Japón, por ejemplo, tan sólo para ver el festival, y por el line-up que tenemos. Trajimos a Jack White, quien estaba girando por todo el mundo, pero no veías a Massive Attack en otros festivales. Calvin Harris estuvo en el Coachella el año anterior. Éste nos tocó a nosotros.

Gaby, ¿cómo es la parte de contratar a los artistas que vienen al Corona?

Gaby Gómez: Aparte de sus respectivos managers, las bandas internacionales trabajan con agencias de booking, que venden sus presentaciones. Los bookers son a los que se deben contactar. Lo primero es que tengan disponible la fecha que quieres. Luego, envías una oferta que vaya relacionada con la cantidad de gente que estimas que los van a ir a ver, calculando por cómo les ha ido, si ya han venido antes o de acuerdo al feeling que tengas de cuánta gente podría asistir, viendo su comportamiento en redes sociales, en radio, etc. Este año, ha sido más fácil que otros, pero sí hubo un ir y venir con varias bandas que, al final, no coincidieron con la agenda y con las que deseamos trabajar. Para nosotros, también es importante pensar en bandas en desarrollo; es nuestra apuesta estando atentos a lo que viene, y qué mejor que presentarlos en un festival al que asisten 80 mil personas.

Muchos agentes lo agradecen y en eso nos concentramos: en que lo que traigamos nos convenza de que es una buena propuesta. Así se nos va un año de bookear y no meses.

Cuando anunciaron a DIIV, fue trending topic. ¿Eso los sorprendió?

GG: A mí me tocó cerrar esa negociación y yo estaba segura de que había un público importante que los quiere, igual que a Title Fight, Shamir o Spoon, que ya es más grande, pero sigue siendo de culto, y son propuestas que tienen un motivo para estar.

¿Están pendientes de lo que pasa en las redes?

GG: Todo el tiempo y a todos quisiera contestarles cuando piden a tal o cual artista; cuando eso pasa, deseo decirles: “Ya lo intenté, no es que yo no quiera; la banda no puede o no quiere”... Me llama mucho la atención encontrar comentarios de gente diciendo, por ejemplo: “¿Quién me compra mi abono?, porque lo último que anunciaron ya no me gustó”, y en el festival allí los ves. Sí es muy exigente el público, pero es imposible darle gusto a todos. Creo que es importante que sepan que quienes estamos detrás de la selección del festival somos gente muy normal, que nos gusta la música tanto como a ellos, somos fans; no somos unos robots o qué sé yo qué se imaginan. No estamos lejos de ellos, al contrario, y también estamos pendientes “del nuevo disco de Beach House”, por ejemplo.

Es muy común ver a la banda de tus sueños en el cartel, pero como sale con otros 30 que

¿Como vivieron acá adentro el anuncio de Muse?

GG: El peso que tiene Muse habla de un logro para el artista y para el fan; el hecho de haber llenado tres veces el Palacio de los Deportes hace obvio que tengas que dar un súper show para consagrarte en el festival. La banda creció con el público y es un grupo con sustancia y mucho que dar en vivo. ¿Es difícil mantener el cartel en secreto?

GG: Para empezar, sólo somos cuatro los que tenemos acceso a esa información y todo lo tapamos. Literalmente, “lo tapamos” (hace el gesto de voltear hojas sobre el escritorio).

Nadie lo ve. Es muy frustrante que se escape la sorpresa... Cuando se supo de Pearl Jam, por ejemplo, nos dio mucho coraje. Y aun así, a toda la gente de aquí le apasiona este trabajo y también le gusta aguantar la sorpresa. ¿Cómo defines la línea del festival?

GG: Creo que son dos líneas principales: talento alternativo que el “público grande” está esperando y el talento del “público más joven”, que está escuchando cosas muy nuevas. Como cuando trajimos a Sam Smith por primera vez y, después, regresó a llenar dos veces el Auditorio Nacional. Creemos que estamos logrando que los dos públicos convivan armónicamente.

A la hora de buscar a un artista, ¿pueden pedirle que toque un disco determinado, como cuando vino Primal Scream específicamente a tocar el Screamadelica?

GG: Nos pasó con The Breeders, que vinieron a tocar específicamente el Last Splash. Pero fue decisión de la banda. El Festival Primavera lo hace mucho, aunque su público es más adulto y clavado en ese sentido. Aquí es más mezclado y hay que considerarlo.

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THE LIBER TINES

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TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO

SMELLS LIKE DOOM SPIRITS

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FOT:: ROGER SARGENT

“WHAT HAPPENED OF THE JOY IN THE HEARTS OF THE BOYS AT THE START OF THE PART OF THE SCENE? THEY WERE PART OF THE SEAMS A DREAM SHARED AND PULLED APART ONE DREAM BROKEN BY TWO LIBERTINES”.

THE LIBERTINES, “GLASGOW COMA SCALE BLUES”

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Los Sex Pistols se hicieron famosos gritando a los cuatro vientos: “No hay futuro en el sueño inglés”. Sin embargo, sus hijos putativos más célebres, The Libertines, demostraron que la esperanza existe. No en vano así se llama el centro de rehabilitación en Tailandia donde Carl Barat fue a visitar a Pete Doherty, el Hope Rehab Center, en el que el ex novio de Kate Moss se atendía de sus adicciones. De una sentada, la pareja compuso cinco canciones, demostrando así que muy por encima del abuso de las drogas del primero y las diferencias entre los dos, se mantenía intacta la ecuación creativa desde la separación del grupo, acaecida en 2004.

En 2010, Barat y Doherty se unieron con el bajista John Hassal y el baterista Gary Powell para encabezar los festivales Reading y Leeds, y dos años después, el grupo ofreció un concierto memorable en el no menos legendario Hyde Park de Londres, donde han tenido lugar las reuniones de grupos británicos como Pink Floyd o Blur. Pero hasta entonces, no habían compuesto material nuevo.

“Estoy de acuerdo en que cuando Pete y Carl comparten el micrófono, es una de las estampas más bellas de The Libertines”, reconoce Gary Powell vía telefónica; “pero el hecho de que John esté ahí, no es menos importante. Ésa es la razón por la que nos reunimos, se diga lo que se diga, porque no importa qué tanto Pete haya abusado de las drogas o que tantos celos y desencuentros haya tenido con Carl; al final, los cuatro somos amigos y eso es lo más importante”.

Prueba de ello es el video de “Gunga Din”, en el que, dirigidos

por el fotógrafo Roger Sargent, los Libertinos le hacen honor a su nombre. Poniendo en tentación a un supuestamente rehabilitado Doherty, los músicos se pasean por el Distrito Rojo de Tailandia, en donde lo que sobra es alcohol, drogas y mujeres.

Le pregunto a Powell si en algún momento, tras la salida del nuevo disco Anthems for Doomed Youth, se plantearon la posibilidad de dejar de tocar las primeras canciones. Sobre todo, aquellas que ilustran mejor las épocas más oscuras de Pete.

“Lo hablamos, pero de inmediato resolvimos que no”, comenta; “Nadie puede ser drogadicto un tercio de su vida y luego olvidarse de ello. Es igual que los alcohólicos, quienes pueden dejar de beber, pero nunca dejan de ser alcohólicos. La rehabilitación no es necesariamente una cura. Pete escribió esas canciones a partir de experiencias muy duras, abrió su corazón para compartir su dolor y la furia que sentía. Hoy en día, cuando las comparte con la gente, es como si dijera: ‘Esta persona es la que fui’. No lo niega. Son parte de él. Pero si quieres escuchar temas nuevos, desde un punto de vista más luminoso, también tenemos ese material”.

LA CULPA ES DE ONE DIRECTION En septiembre del año pasado, Pete le comentó a la televisión francesa que le gustaría que Jack White produjera el tercer álbum de estudio de su grupo, situación que el originario de Detroit se encargó de negar a través de sus publicistas. El elegido para producir el gran regreso discográfico de la banda de post-punk fue Jake Gosling, un inglés –sugerido por el director de Virgin– que cuenta con un ecléctico currículum integrado lo mismo por Ed Sheeran que por One Direction.

“No existe un tipo de música que le guste a cualquier persona en el mundo. Si te agradan los deportes, no significa que te gusten todos. Tal vez prefieras el nado y no lo demás. Igualmente, hay quienes escuchan jazz, pero no rock indie.

O rock heavy, pero odian el pop. Creo que toda la música debería ser escuchada con la misma apertura”, explica Gary. “Una de las razones por las que quisimos trabajar con Jake, fue que colaboró con gente tan distinta a nosotros, como One Direction. Lo más sencillo hubiera sido llamar al productor de Babyshambles, de los Artic Monkeys o de Noel Gallagher, aunque quizá hubiéramos terminado pareciéndonos a ellos. Necesitábamos un verdadero reto sonoro.

Jake sabía de música, no sólo de rock. Eso fue lo que nos dijo; estoy interesado en todo tipo de música. Venía de producir hip hop, bandas muy pequeñas y a One Direction. Resultó ser un tipo muy talentoso y con una dinámica muy relajada, justo lo que pedíamos”.

Aunque Gosling posee un estudio propio, Sticky Studios, se trasladó a Tailandia para dirigir las sesiones en Karma Studios, construido encima de un nido de serpientes. Así, la banda cambió el gélido ambiente londinense por el calor asiático, pese a que –como sostiene el baterista– más allá del video de “Gunga Din”, poco pudieron conocer del país debido a las extenuantes sesiones de trabajo. Sólo de vez en cuando salían a cenar.

El productor consiguió uniformar el sonido de las canciones a medio terminar de The Libertines con las que Barat, Doherty, Hassal y Powell escribieron expresamente para el álbum. El resultado ha sido bien recibido tanto por fans, como por la prensa. Las 12 canciones que lo integran (más cuatro extras en la edición de lujo) mantienen una congruencia con sus discos anteriores, pese a los más de 10 años que los separan. El álbum transcurre entre piezas de una energía guitarrera a más no poder (“Fury of Chonbury”), a unas baladas al más puro Elton John en antidepresivos (“You’re my Waterloo”, que es, además, el tema más antiguo), pasando por abiertos ritmos a lo The Clash (“Gunga Din”) y sutiles guiños a la música norteamericana (“Belly of the Beast”). No faltan los buenos ganchos de guitarra o los coros pegajosos, que pese a la mala leche que escurren, no pueden desmarcarse de su raíz pop.

Gary cuenta que se divirtió tanto tocando canciones tan explosivas como “Barbarians”, el track que abre el disco, como la balada “You’re my Waterloo”, en la que Carl toca el piano y Pete ofrece una interpretación estremecedora como primera voz.

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“Todo sea por la canción, es lo que único que me importa. Si hago poco o mucho como baterista, lo hago para que se escuche mejor.

‘My Waterloo’, que es un tempo muy bajo, nos gusta mucho a John y a mí. Es como ‘Iceman’, que Carl y Pete grabaron en la playa; allá se los llevó el productor”.

Sorprende la buena forma en que la banda se mantiene.

Como si los años separados les hubieran provisto de la sabiduría y madurez para trazar este nuevo comienzo.

“¿Quién no quisiera ser joven por siempre? Ésa es la ilusión que la música provee”, indica el golpeador de tambores.

LA COSECHA DE HEADLINERS Érase una vez The Libertines en México. Las pocas bandas de arrastre colectivo que no han pisado la tierra donde las águilas se quitan el hambre arrancándole a las serpientes pedacitos de cuerpo, se lo deben a su propia historia. O se separan o se les muere un integrante. Por eso, faltó un concierto de Nirvana en el D.F. o una oportunidad de embriagarnos hasta el hartazgo de Amy Winehouse.

Los Libertines, porque en México The Rolling Stones son Los Stones y el punk se pronuncia como se escribe, estuvieron a punto de no venir. Primero cuando sus integrantes más representativos se mandaron al diablo y, luego, cuando Pete caminó de puntitas en esa delgada línea que divide la vida y la muerte. Sin embargo, tempranito, este año se anunció que encabezarían uno de los días del Corona Capital, a celebrarse el 21 y 22 de noviembre en la curva 4 del Autódromo Hermanos Rodríguez.

Después de un primer intento infructuoso por ponernos al teléfono y las dificultades técnicas que una entrevista por ese medio supone, me encuentro un mediodía de viernes platicando con Gary Powell. Me sorprende lo entusiasmado que suena. Me he acostumbrado a que las superestrellas se aburren de tanto brillar. Suelen atender las entrevistas con la indiferencia de quien se ve obligado a obsequiar valiosos minutos de su tiempo para vender más discos. Él, en cambio, responde generosamente a cada cuestionamiento. Me permite exprimir hasta la última gota cada minuto.

Aunque tomado de un poema de Wilfred Owen, Anthems for Doomed Youth me parece muy conveniente para bautizar un disco con el que una generación distinta a la que conoció a The Libertines a finales de los años 90, podría tener su primer acercamiento con el grupo. Incluso, para muchos de ellos puede ser un acto mucho más nuevo en el contexto del Corona Capital que otras bandas emergentes que forman parte del cartel.

“Cualquier artista agradecería ser descubierto todo el tiempo por nuevos públicos. Es fabuloso saber que quienes te escuchan crecieron contigo, pero también que hay chicos que pueden identificarse con su música, aunque enfrente crisis emocionales y económicas distintas a las que te tocaron a ti”.

Y añade: “Tal vez haya existido una intención inconsciente de ser fieles a nuestro sonido, como mencionas, pero más importante que eso es que Pete y Carl son excelentes guitarristas, John es un gran bajista y yo puedo medio tocar la batería. Eso basta para querer hacer música que sea como una infección que se contagia a las más personas posibles”.

Le comento, a propósito del festival, que año con año resurge una nueva polémica por el cartel. Particularmente por los headliners, que no parecen dar gusto a nadie. A Gary le extraña porque todos los comentarios que ha recibido de bandas europeas que se han presentado ahí son excelentes.

“Pero sí faltan headliners”, establece, “no sé quién será uno de ellos dentro de 20 o 30 años; tal vez mi hijo (risas). Es difícil encontrar headliners porque no existe un plan de desarrollo para las bandas”.

Como propietario de su mismo sello discográfico, abunda: “A veces, se lanza una banda y, de pronto, tiene a 500 o 5,000 personas saltando en un concierto, y es hasta ese momento cuando se les voltea a ver. Pero no hay trabajo detrás, esos artistas necesitan promoción. Concientizarlos acerca de ser los headliners del futuro. A mí me gustaría encontrar a ese gran nombre en este momento. Pero pocos grupos piensan en eso. Antes está el deseo de

dinero, drogas y el éxito antes de cumplir 22 años. Perdón, pero eso no es una carrera”.

En ese mismo sentido, él, que trabajó con la London Fashion Week, acepta que la imagen desgarbada, apocalíptica y con reminiscencias punk de la banda, ha sido parte de su arraigo entre quienes los escuchamos.

“He trabajado con diseñadores y ha sido divertido, pero no soy un sujeto tan enterado de la moda. Me gusta ponerme la ropa con la que me siento cómodo, pero sí, la ropa es parte de lo que quieres proyectar. Quien diga que eso no le interesa, bueno, en esa frase ya existe un pronunciamiento de moda. Al final, la imagen es importante. Porque nos acordamos de los punks y los new romantics”.

Ya para terminar, porque la comunicación trasatlántica debía concluir, le pregunto por aquella selfie que quería tomarse con Ringo Starr en una alfombra roja y de la que habla en un video de YouTube.

Seguramente muchos quisieran tomarse una selfie contigo, con lo cual se cumple aquello de que quieres infectar a mucha gente con tu música. ¿Te sientes orgulloso de ello?

Mentiría si te dijera que no.

Cualquier persona que hace algo creativo, tiene un ego muy grande.

El ego es lo que te convence de tocar, de decir: “Mírenme”. Mi ego me motiva a ser el mejor músico que pueda. Me gusta ser reconocido como el baterista de The Libertines, pero más me enorgullece el legado de The Libertines como grupo.

Y los Sex Pistols se hicieron famosos gritando: “Your future dream is a shopping scheme”.

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MARVINISMO

TXT:: ALEJANDRO MANCILLA

UNA EXPLOSIÓN IMPREVISTA EN EL PANORAMA, UNA FISURA EN EL MAPA, UNA DIFERENCIA CREATIVA QUE DEVIENE EN UN ROMPIMIENTO ARTÍSTICO CON LOS OTROS INTEGRANTES DE UN PROYECTO, O SIMPLEMENTE LA BÚSQUEDA DE NUEVOS HORIZONTES EN POS DE LA DISRUPCIÓN DE LA FÓRMULA, ES LA QUE HACE QUE MUCHOS ARTISTAS SAQUEN EL PLAN B DEL CAJÓN. ESTA ALTERNATIVA, CURIOSAMENTE, A VECES SUELE SER MÁS EXITOSA QUE EL PLAN ORIGINAL, PERO EN REALIDAD LA HISTORIA NOS HA MOSTRADO QUE EL RESULTADO CASI SIEMPRE ES IMPREDECIBLE. ANALICEMOS ALGUNOS MOMENTOS EN QUE RECURRIR AL PLAN B DEVINO EN ALGO INTERESANTE, PARA BIEN O PARA MAL.

PIL: PASTILLAS DE AMNESIA PUNK

Uno de los casos más ilustrativos al respecto fue la irrupción de Public Image LTD en 1979. PIL era el proyecto alterno de Johnny Lydon con el cual pretendía borrar todo vestigio de su pasado con los Sex Pistols (incluyendo el alias “rotten”) y de paso, hacer que el punk caducara al agregarle el “post” y darle vida mediática (junto a otros cómplices involuntarios) al new wave y las explosión colorida subsecuente (dicen que los post-punk vomitaban arcoíris).

Esta nueva faceta, era el plan de B del artista para dejar de ser víctima de la moda y de su propio personaje y para escaparse del dominio de McLaren, el manager y creador del concepto quien a la vez, recurrió a su propia alternativa de emergencia: crear a Adam Ant y Bow Wow Wow, cuya trascendencia fue más fugaz. No le sucedió lo mismo que a PIL –al menos mediáticamente hablando– a Big Audio Dynamite, secuela de The Clash que no logró un impacto similar, aunque tienen canciones grandiosas.

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El equivalente de aquellas pequeñas historia de disyuntivas punk, pero 10 años después y con samplers y loops, fue el del colectivo que incitaba “Fuck the Police” a toda una nación hambrienta de anarquía callejera y rimas antisolemnes: N.W.A, recientemente retratado en la biopic Straight Outta Compton (F. Gary Gray, 2015). Para estos pioneros del hip-hop glamuroso pero callejero y mafioso (léase con flow y un beat de fondo) que conocemos hoy, la música fue incluso el plan b de su vida. Eazy-E, uno de estos niggers con actitud, decide dejar su lucrativo pero peligroso negocio de dealer, para construir un imperio musical y en el proceso, convertir a sus aliados en superestrellas. Los malos manejos financieros hicieron que Ice Cube y Dr. Dre iniciaran a la vez sus propios proyectos musicales y discográficos fuera de N.W.A., logrando incluso más éxito comercial que con su alma máter.

Hablando de otro tipo de darks, tenemos que mencionar la repentina disolución del seminal grupo Bauhaus y la creación de Love and Rockets con los tres miembros del proyecto que se reagruparon (tras un breve periodo como Tones on Tail de dos de ellos). Daniel Ash y compañía, cansados de las telarañas góticas y del protagonismo de Peter Murphy, decidieron explorar el pop psicodélico heredado del Sgt. Pepper, del rock alternativo de esos años y del glam de T-Rex, consiguiendo ser más populares que su anterior grupo (“So Alive” es parte de la cultura pop del mundo entero), aunque Bauhaus siempre tendría a su favor haber puesto las primeras piedras de lo que se conoce como rock gótico. ¿Porqué una banda se desintegra en pleno auge o cuando más se espera de ellos? En estos casos, se trata de decisiones artísticas, y el empezar de nuevo con otro nombre y otros conceptos en la cabeza, más que abrazarse a un plan b, se trata de un cambio de ruta consciente. Otros casos de cambios de giro necesarios (y siguiendo en los laberintos dark), se dan cuando los miembros de un grupo se pelean a muerte, como el caso de The Sisters of Mercy y el grupo que surgió tras su separación, The Mission. En otras situaciones, los fallecimientos imprevistos hacen que los grupos tengan que recurrir a su plan alterno, como el conocido caso de Joy Division mutados en unos New Order de manera emergente, y con una trayectoria que quizás al lado de Ian Curtis no hubieran alcanzado (las ramificaciones alternas surgidas a la vez: Monaco, The Other Two, Electronic, Bad Lieutenant, etc., son punto y aparte).

DE FONDO MARVINISMO

ALINEADOS CON EL AYER

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Otras muestras de plan b en la música, pero éstas alineadas con el pasado, es la recurrencia de reclutar a integrantes con características similares a sus antecesores, como el caso de The Smashing Pumpkins y Pixies que cuando ya no cuentan con algunos de sus integrantes (a la vez por recurrir a sus propios planes alternos o por diferencias creativas) los sustituyen con genéricos y similares con el fin de preservar el concepto original; una bajista por otra bajista, ¿un oriental por un oriental? El plan B a veces tiene que ser consecuente con lo anterior, al menos en algunas mentes supuestamente brillantes pero que se quedan cortas a la hora de experimentar.

UNA CUESTIÓN GENERACIONAL

PLAN C

Muchos de los músicos más coyunturales, como en un loop infinito que nos remonta a sus antecesores, también quieren primero ser escritores, cineastas o actores, pero algunos terminan haciendo discos por accidente. O al revés: Ricky Gervais, el creador de The Office y más glorias de la comedia inglesa, antes de terminar haciendo sketches al lado de Bowie (ése que es parte de la serie Extras es grandioso) tuvo un grupo de synth-pop llamado Seona Dancing y, además, fue manager de Suede. Beach House comenzó como un proyecto experimental sólo de grabación y quizá su plan no era tocar en vivo jamás. Jack White trae en su ADN de influencias, el conocimiento que sus ídolos tuvieron muchos proyectos alternos y para él es válido. Thunderbitch, el lado b de Brittany Howard de Alabama Shakes, es sin duda, el plan B de la cantante en caso de que el hype por su banda termine en una caída.

El extremo de esta situación está perfectamente bien representada en Dave Grohl, cuyo ascenso calculado tras la disolución de Nirvana se debe más que al talento del susodicho, a un elaborado plan b: “Yo tocaba la batería, ahora tocaré la guitarra y seduciré a toda una generación de fans huérfanos del grunge”, debió pensar. Su obsesión por colaborar con medio mundo a conveniencia y a formar grupos alternos a Foo Fighters, su combo permanente obedece más a un miedo a la no permanencia, que a una causa creativa; y esa manía de tener más allá de un plan b y presumirnos el c, d, e, f y ad infinutum, a muchos nos parece irritante.

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EL PLAN B

CÓMO CATARSIS

En muchos casos, los planes alternos son simples desahogos: Jamie xx seguramente nutrió su nuevo disco solista, de temas que sabe que no van a cuadrar dentro de un disco de The xx. David Lynch hace música como un plan b otoñal, pero seguro sabe que no es competencia para Lana del Rey o Mew. Johnny Marr, cuya participación en proyectos alternos a The Smiths (dicen) alentó el fin del grupo; él mismo ha declarado que nunca tuvo planes específicos predeterminados más que tocar con quienes ha querido: The Cribs, The The, los mencionados Electronic, Modest Mouse, etc.) y no por mantener cierto estatus o una forma de vida. Robert Smith y Steve Severin armando The Glove como un juego; She & Him, proyecto que muchos piensan comenzó de parte de M. Ward como pretexto para conocer a Zooey; The Postal Service, el gran grupo de synth-pop existencial de Ben Gibbard que sólo sacó un disco (y que a muchos nos gusta más que Death Cab fo Cutie)… Y, ¿qué tal Mike Patton y sus mil caras? Fantômas, Mr. Bungle y Tomahawk definitivamente son proyectos conformados por impulsos creativos más que comerciales (con Faith No More ya tenía suficientes reflectores).

Gustavo Cerati, harto de no significar mucho para las nuevas generaciones en su temprana etapa post-Soda (según la biografía de Juan Morris recientemente editada en México), se embarca a mediados de los 90, en proyectos electrónicos, uno de ellos bautizado de plano como Plan V, un nombre más que ad-hoc.

Y en las antípodas, el caso de Varg Quisling Larssøn Vikernes, fundador del tétrico combo de black-metal, , encarcelado en 1993 por asesinato y que por necesidad, desde la prisión, tuvo que recurrir a su plan b para seguir haciendo música: una computadora y un sintetizador para hacer canciones atmosféricas, prescindiendo de las guitarras y las voces guturales.

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DE CULTO MÚSICA CINE

TXT:: UILI DAMAGE

DON VAN VLIET

CUANDO SE LOGRA PINTAR LO QUE SE TOCA

ES SABIDO Y AMPLIAMENTE COMENTADO QUE AL FINAL DE LA DÉCADA DE LOS SESENTA E INICIO DE LOS SETENTA, EL ORDEN MUNDIAL DIO UN GIRO A LA IZQUIERDA, POR NO DECIR QUE OPTÓ POR UN PLAN B.

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TODAS LAS EXPRESIONES culturales tenían medianamente asimilado el ir y venir de la razón artística y se encontraban francamente hartos. Los caminos iniciados con el cambio de siglo ya habían clamado a todo pulmón y sólo quedaba esperar el derrumbe del establishment. Como no sucedía por sí solo, había que darle una ayudadita y la juventud tomó las riendas. De entre miles de “ayudadores” de la cultura, una mente brillante empezó a destacar contraculturalmente desde las trincheras de lo sonoro.

Don Van Vliet, mejor conocido como Captain Beefheart (15 de enero de 1941 – 17 de diciembre de 2010), estadounidense originario de Glendale, California, se abrió paso con The Magic Band, formación activa desde mediados de los 60 hasta principios de los 80. Van Vliet, principalmente dirigía la banda y tocaba la armónica, el saxofón y el teclado, de manera aficionada, emulando en lo posible los gestos del freejazz. Se manifestaba a punta de cambios de tiempo arbitrarios y violentos, ritmos ensordecedores, disonancias penetrantes y letras surrealistas, en una época en que la bien asentada música popular exigía orden y pulcritud; Van Vliet trató a sus músicos con disciplina militar en contraste con una enigmática relación con su público.

En 1969 aparece su disco más conocido y a la vez más aclamado por la crítica, Trout Mask Replica, producido por Frank Zappa y que es actualmente reconocido

como una obra maestra decisiva, rupturista e influyente. Ya que tuvo poco reconocimiento comercial, debido a la intrincada fórmula musical que persiguió, Van Vliet se estableció con un nuevo grupo de jóvenes músicos, publicando sus tres últimos discos entre 1978 y 1982, mismos que recibieron finalmente el favor unánime de la crítica musical.

El legado de Van Vliet no registró un número importante de campanazos de la caja registradora, pero a la fecha sigue cobrando en cantidad de devotos curiosos y exploradores de una gema cultural tan inescrutable como luminosa. Su influencia en la posterior música punk, new wave, no wave y otros géneros, ha sido descrita como “incalculable”.

Desde el fin de su carrera musical (alrededor de 1982), Van Vliet hizo sólo algunas apariciones en público. Aquí es donde entra en acción su plan B. Su interés por el arte se remonta a su infancia, en la que mostró talento para la escultura, y en estos años la música le dejaba cierto sabor de boca a ingratitud.

El lienzo le coqueteaba de nuevo y se lanzó de lleno a los pinceles. El tiempo le dio la razón y su trabajo, que se ha descrito como “neoprimitivo-abstracto-expresionista”, ha recibido reconocimiento internacional. En el 2003, algunos antiguos miembros de The Magic Band reformaron el grupo, con el que grabaron discos y realizaron una gira desde 2003 hasta 2006.

Esto no distrajo su atención del arte plástico: Van Vliet se dedicó

enteramente a la pintura hasta el punto de afirmar que podía ganarse la vida mejor que como músico. En un principio, recibió algunas críticas por parecer un “músico de rock metido a artista para aumentar su ego”, pero su oficio fue ganando terreno, recibiendo críticas positivas y una creciente atención.

Su pintura, como su música, se caracterizó por ser innovadora y extrema; se cotizó más que dignamente en poco tiempo en el mercado del arte, y fue comparado con Pablo Picasso o Franz Kline.

Gordon Veneklasen, director de la Michael Werner Gallery, de Nueva York, describe a Van Vliet como “un increíble pintor”, así, sin trámites; mientras que el crítico de arte John Rogers lo define como “uno de los artistas abstracto-expresionistas más renovadores en todo el mundo”. Esto, hay que decir que lo concretó sin entrenamiento formal.

Fue la calistenia durante los años de la Magic Band la que le confirmó que seguía existiendo un mundo después de Beefheart para él.

Su primera exhibición tuvo lugar en la Bluecoat Gallery de Liverpool, en 1972, a media gira por el Reino Unido. En esa ocasión mostró quince lienzos en blanco y negro ejecutados expresamente para la exposición, in situ. Michael Werner, comerciante de arte, le metió en la cabeza que nunca sería tomado en serio en el mundo del arte hasta no abandonar la música. Por esta razón o la que fuera, el público de galería y la crítica le abrieron brazos y puertas

con emoción. Don se casó en 1970, y hasta el fin de sus días, Jan, su mujer, estuvo codo a codo, cuidándole, incluso la esclerosis múltiple que lo debilitó hasta llevárselo. Entre sus cuadros, sin embargo, la vitalidad de su trazo se anclaba inequívocamente a su ejercicio en el sonido. Los títulos de cada pieza confirman y evidencian una fraternidad y deuda con la forma y el fondo de las canciones de Captain Beefheart & His Magic Band, incluso mencionando fragmentos de las letras en las fichas técnicas de la exhibición. Es ni más ni menos un concierto de Beefheart para los ojos, o en sus propias palabras “pinto lo que tocaba”.

Parte de su trabajo está actualmente a la vista en las galerías de Michael Werner y Anton Kern en Nueva York. Los cuadros coloridos se pueden adquirir en el rango de los 25 mil a los 120 mil dólares, y los dibujos, entre los 3 mil y los 4 mil dólares.

Los coleccionistas de la brocheada de Don abarcan un rango de edades tan amplio que pocos talentos lo logran, pero siempre son las generaciones más jóvenes las que se acercan so pretexto de su pasado musical. La cantante británica y amiga cercana P.J. Harvey, solía escribir los prefacios de sus exposiciones. Don (Glen) Van Vliet, falleció de 67, en el pueblo desértico y paradisíaco de Humboldt County, al norte de California, satisfecho, sonriente, con un pincel en una mano y un audífono en la otra.

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DE CULTO CINE

TXT:: TOÑO QUINTANAR

ROB ZOMBIE EL INFIERNO TIENE AUTORÍA

POCOS ARTISTAS DE LA ÉPOCA ACTUAL PUEDEN PRESUMIR DE HABER TOMADO BAJO SU REGAZO A UN GÉNERO ESTILÍSTICO EN PARTICULAR PARA, A TRAVÉS DE DISTINTAS Y VARIADAS FORMAS PLÁSTICAS, PROPICIAR SU CRECIMIENTO DISCURSIVO, ESTÉTICO E HISTÓRICO.

53 ROB ZOMBIE, figura más que reconocida en el mundo de la música industrial, se distingue como un realizador que logró incentivar toda una expansión creativa y catártica a través de las múltiples experimentaciones que realizó en torno a su emoción favorita: el miedo.

Mismo sentimiento que, según los defensores decimonónicos de la teoría de lo sublime, es la experiencia más intensa a la que el ser humano puede tener acceso.

ALGO SE ESCUCHA POR LAS NOCHES Nueva York, 1983. Un grupo de erráticos jóvenes, todos entusiastas del género de terror y de sus derivados estéticos, se unen para crear una banda que, en sus inicios, tenía la intención de establecerse dentro de los entramados del noise.

Una pretensión que se recrudecería después de que el arsenal de riffs metaleros ideados por el guitarrista Tom Five diera como resultado el hilvanado de un sonido más denso y obscuro, mismo que era capaz de conjurar esa atmósfera sobrecogedora que sería la columna seminal de este proyecto.

Sin embargo, fueron los surrealistas y transgresores preceptos emprendidos por el vocalista Robert Bartleh Cummings (quien poco más tarde se haría llamar Rob Zombie) los que definirían de manera absoluta el aura enervante de la agrupación.

Tomando prestado el nombre de la cinta de serie B dirigida por Victor Halperin, White Zombie le mostró al mundo las posibilidades de un arte conceptual que se valía de múltiples atributos para arrastrar al público hacia un auténtico teatro de los horrores donde tenían cabida tanto lo siniestro como lo psicodélico.

Cinco álbumes en estudio son el descarnado legado que esta agrupación dejó como vestigio de su transitar por este mundo; mismo que llegó a su fin en el año de 1998 con la disolución formal del proyecto. Desde luego, este desafortunado asunto difícilmente hubiera podido representar el retiro de Rob Zombie de esos

quehaceres creativos que son propios de las mentes que encuentran en el arte dislocado su voz expresiva por excelencia.

Después de reclutar a una nueva tropa de músicos, el vocalista volvió a cimbrar los terrenos de la escena con Hellbilly Deluxe (1998), material debut con el que invocaba una segunda grandilocuencia que, en esta ocasión, le daba la oportunidad de sumergirse en su papel de autor sin limitación alguna.

Sólo basta con escuchar los temas inaugurales de esta producción para comprender que estamos frente a un rugido vanguardista que tiene por principal finalidad transformar al terror en un medio auditivo; postura que se vería refirmada a lo largo de cuatro discos posteriores que sorprendían tórridamente tanto por su avasallador sonido como por el atrevimiento de su diseño.

Fue así cómo el tiempo y la tenacidad le brindaron a Rob Zombie un título de nobleza dentro de ese mainstream reservado para las autoridades creativas que gustan de escarbar en los rincones más obscuros de la mente humana.

Mismo apetito discursivo que pronto vencería las fronteras de la producción musical para engendrar sorprendentes e ilimitadas posibilidades.

DIAPOSITIVAS DEL INFRAMUNDO Las huestes del diablo se mueven por caminos impredecibles; nunca claros, pero no por ello menos efectivos.

2003, California. El primer ciclo formal de Rob Zombie en la dirección fílmica de larga duración da como resultado House of 1000 Corpses, cinta que, a todas luces, se evidenciaba como un esfuerzo del cantante por resumir de manera audiovisual esa serie de inclinaciones aterradoras que durante años habían sido la materia prima de su maquinaria musical.

El arte que anteriormente había formado parte de los diseños empleados para su época a lado de White Zombie adquirió una irremediable intensidad que se notaba encarnada mediante las

envolventes latencias del celuloide.

House of 1000 Corpses es un mosaico de escenas chocantes que se desplaza resbalosamente a lo largo de los entramados más contestatarios del cine de naturaleza horrorosa; explorando desde situaciones propias del slasher clásico, hasta secuencias verdaderamente surrealistas donde una desmesurada acumulación de imágenes siniestras se aglomera en la retina del espectador.

Este texto fílmico se encontraría rodeado por una sana controversia que se traduciría en el nacimiento de The Devils Rejects (2005), cinta de estética mucho más realista y tortuosa que fungiría como un filoso desenlace para el compendio de estrambóticos esperpentos que habían visto su primera luz en la ópera prima del 2003.

Dicho tríptico haría que el mundo entero posara sus ojos en el trabajo cinematográfico de Rob Zombie, mismo que, siempre asediado tanto por críticas negativas como por el clamor de toda una marejada de amantes del horror, se alzaba como la justa contraparte semiótica de ese arsenal de composiciones musicales que el autor había cultivado en el pasado.

Una empresa que traería consigo ciertos tintes de honor cuando, en el año del 2007, el ahora director de cine tuvo la oportunidad de comandar el remake del clásico de John Carpenter: Halloween. Proyecto que, junto con su secuela, reencuentra al legendario Michael Myers con esa naturaleza insólitamente violenta que, desde su surgimiento en 1978, lo había definido como un ente plenamente turbador.

Es un asunto notable la atmósfera que impregna a Halloween II (2009), misma que hace gala de un conjunto de potencialidades oníricas y freudianas con el fin de codificar un discurso insidiosamente inquietante que, además, incluía un esteticismo gótico de rasgos casi expresionistas.

Ese mismo año, Zombie presentaría un ambicioso proyecto

animado titulado The Haunted World of El Superbeasto (2009), delirante obra donde se volcaron las aptitudes psicodélicas y fantásticamente obscuras que habían madurado en su fuero intelectual durante décadas.

Un portento que se había visto prologado mediante el cautivador desempeño del director como guionista de cómics.

Tiempo después, a casi una década de haber realizado su primer largometraje, Rob Zombie presentó The Lords of Salem (2013), su más reciente filme. Misma producción que funge como un cálido acercamiento hacia las raíces más íntimas de un horror artesanal que sorprende tanto por su escandalosa iconografía pagana como por esa visión ominosamente obscura con la que aborda temas de notable interés antropológico.

Mosaico en el que la parafernalia más sugerente del rock and roll se reencuentra con un inquietante halo de hechicería que alcanza su momento cumbre gracias a un oportuno homenaje que rememora los ácidos sortilegios que The Velvet Underground era capaz de engendrar en sus mejores años.

Todos aquellos amuletos psíquicos y semánticos que alguna vez formaron parte de la faceta musical de Rob se notan inteligentemente desplegados, dispuestos mediante un meticuloso orden que, a pesar de su naturaleza horrorosa, guarda algunos elementos de lisérgica y colorida contracultura.

Mientras aguardamos para descubrir qué es lo que este monstruo creativo nos tiene preparado con su esperada 31, no nos queda más que reconocer esa habilidad alquímica con la que ha logrado transmutar al miedo en un caudal de eventualidades plenamente sublimadas.

Asunto que se debe principalmente a esa eterna fidelidad que el creador le ha guardado a un género que, viéndose estimulado a través de distintas y seductoras formas, se anima a destilar un influjo sobrenatural que transporta al receptor hacia mundos maravillosamente perturbadores.

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DE CULTO ARTE CINE

TXT::REGINA ZAMORANO LICEA

VIVIAN MAIER LUZ ANÓNIMA

HOY QUE LOS ARTISTAS SE ASEMEJAN MÁS A LAS SUPERESTRELLAS Y LOS ROCKSTARS, LA FOTÓGRAFA VIVIAN MAIER ES UNA MARGINAL DENTRO DE LAS MARGINALES. NIÑERA POR CUATRO DÉCADAS, MURIÓ EN 2009 EN EL MÁS ABSOLUTO ANONIMATO Y, SIN DUDA, EN LA MÁS PROFUNDA SOLEDAD.

LADO A Chicago. Invierno de 2008. Una anciana de 83 años se resbala en el hielo de las calles y se golpea fuertemente la cabeza.

La ambulancia se la lleva a pesar de su resistencia y nadie sabe nunca nada más de ella.

Desafortunadamente, eventos de este tipo suceden todos los días, pero no todos los días, la anciana que refunfuña en la camilla deja más de cien mil negativos con fotos espectaculares detrás de ella. Nadie lo sabe aún, pero, irónicamente, esta mujer huraña y senil pronto se convertirá en una de las fotógrafas más brillantes de Estados Unidos.

Vivian Maier, futuro prodigio de la fotografía, nació en 1926 en Nueva York. Su padre las abandonó a ella y a su madre, de origen francés, cuando ella tenía apenas cuatro años. Poco después, se les unió la reconocida fotógrafa Jeanne Bertrand, quien en el censo de población de 1930 quedó registrada como la “jefa de la familia” compuesta por estas tres mujeres.

Sin duda, el ver a la amiga de su mamá dedicarse a sacar fotos la marcó e inspiró para siempre, pues desde que probó por sí misma la delicia de apretar el disparador de su cámara Kodak Brownie en 1949, no la soltó hasta entrada la década de los 90, cuando la pobreza y, probablemente, la vejez, acabaron con su ímpetu creativo.

LA NIÑERA FOTÓGRAFA Vivian Maier pasó su infancia y adolescencia entre Francia y Nueva York, lo cual, según los críticos, podría explicar su mirada desenfadada y crítica sobre la sociedad estadounidense. Su madre era nativa de un pueblito encarnado en los Alpes, donde se recuerda a Vivian como una muchacha extraña, que gustaba de observar y fotografiar a los campesinos mientras trabajaban.

En 1951, Vivian regresa a Nueva York, y aunque trabajó un tiempo en una maquila, la joven añoraba libertad para ejercer su pasión por la fotografía. Así fue como se le ocurrió emplearse como niñera, ocupación a la que se dedicó por casi cuatro décadas.

Era el trabajo perfecto para ella, le daban alimento y techo, y podía seguir tomando fotos incluso mientras cuidaba a los niños, en su mayoría, hijos de familias bien acomodadas de Nueva York y Chicago, adonde se mudó en 1956 y vivió el resto de su vida.

ENTRE LA PARANOIA Y LA EXCENTRICIDAD Nadie ha indagado demasiado en la relación que sostuvieron la madre de Maier y Bertrand, pero resulta obvio que Vivian absorbió el espíritu liberal y feminista de ambas mujeres, creándose una identidad poco convencional, asertiva, rayando en la agresividad, y excéntrica.

Muchos de sus empleadores recuerdan su forma de caminar, masculina y tosca, así como su manera de vestir estrafalaria, con sombreros de ala caída, abrigos y zapatos de hombre y faldas anchas.

Asimismo, al parecer, Vivian era una hoarder, una acumuladora que lo mismo coleccionaba los boletos de autobús que los dientes de los niños que cuidaba. Cuando se mudaba a casa de una nueva familia, solía llegar con decenas de cajas con sus pertenencias, que en realidad podían resumirse a cientos de rollos sin revelar, cajas de negativos, correspondencia (mucha sin abrir) y sobre todo, montones de periódicos. En una ocasión, llegó con 200 cajas a instalarse en su nuevo hogar, una cantidad estratosférica si consideramos que Vivian nunca se casó, no tuvo hijos, ni casa propia.

Además, exigía que le pusieran llave a su puerta y le prohibía el paso a todo el mundo, incluidos los dueños de la casa, además de que pensaba que la gente la vigilaba con binoculares por la ventana.

Algunos de sus patrones se aventuraron en sus aposentos y quedaron sorprendidos de ver que su obsesión con los periódicos era tal que apenas quedaba un diminuto pasillo entre las pilas de diarios que inundaban los cuartos.

En una ocasión, la señora de la casa le regaló algunos periódicos de la colección de Maier a un vecino, pero cuando llegó la niñera armó tal escándalo que decidieron despedirla.

EL LADO OSCURO DE MARY POPPINS Maier podía ser encantadora, juguetona, llevar a los niños de excursión a buscar fresas, como recuerdan los tres chicos que cuidó y que después la rescataron de la extrema pobreza y se ocuparon de sus gastos hasta su muerte.

Sin embargo, también podía ser extremadamente cruel y autoritaria.

“Vivian Maier no estaba bien de la cabeza”, eso es lo que varias de las personas que cuidó cuando eran niños aseguran en el documental Finding Vivian Maier. En particular, una mujer afirma que, cuando tenía cinco años, la niñera francesa

la obligaba a comer, metiéndole la comida a la fuerza en la boca o que la zarandeaba por toda la habitación, golpeándola contra los muebles.

Otros recuerdan que Maier los llevaba “de paseo” por los barrios bajos de la ciudad, donde a ella en particular le encantaba rondar para encontrar sujetos para sus fotos: “Teníamos que esperarla por horas mientras ella sacaba sus retratos”. En una ocasión, exasperada, abandonó a dos de sus niños, quienes tuvieron que ser devueltos a su casa por la policía.

Asimismo, la nana les advertía a todos que “se cuidaran de los hombres, porque sólo quieren sexo”. A uno de ellos le declaró: “¡Hombres!

Nunca sabes lo que pasará con ellos, te sientas tan tranquila en su regazo y de pronto sientes que algo te está picando a través de la ropa”. Esa frase escalofriante podría indicar que la propia Maier pudo haber sufrido abusos o maltratos de niña, de ahí su desconfianza y recelo extremos, que la llevaban incluso a usar nombres falsos en los intercambios sociales más banales.

Como puede verse en el documental, este misterioso personaje no sólo dejó huella sobre la plata y gelatina, sino también en los personas que la “conocieron”, así entre comillas, porque todos coincidieron en que, si bien convivían mucho con Vivian, ella era tan reservada que siempre fue una desconocida.

LADO B Aunque nadie nunca pudo penetrar en la coraza de Vivian Maier, ella sí que sabía captar en un clic la esencia más íntima, disparatada, vulnerable o violenta de las personas a las que fotografiaba.

Al saber más de su vida y su personalidad, tan solitaria, suspicaz y angustiada, ya no resulta extraño que haya desarrollado un ojo híper-vigilante, en busca de los detalles más insignificantes. En sus fotografías, éstos cobran una importancia tal que permiten mirar a la humanidad desde sus recovecos más oscuros y brillantes.

LUZ INVISIBLE Si bien nunca se separaba de su cámara, a nadie le interesaba saber lo que hacía con ella y, tal vez por esa falta de contacto con personas con sus mismos intereses, otros fotógrafos o artistas que la animaran, ella nunca tomó en serio su talento. Por un tiempo, imprimía sus fotos ella misma, en su baño, pero luego dejó incluso de revelar

sus rollos y se conformó con acumularlos.

De hecho, su obra fue descubierta por azar por algunos empresarios/coleccionistas. El más conocido, dueño de más de cien mil negativos, es John Maloof, quien preparaba un libro sobre un barrio de Chicago, cuando en una subasta se encontró con una de las decenas de cajas de negativos de Vivian.

Para entonces, muchas de sus cosas habían sido embargadas por falta de pago de las bodegas donde las tenía apiladas y así fue como dieron a parar en manos de Maloof en el año 2007.

En un inicio, él no les dio mucha importancia. Inquirió el nombre de la dueña, pero le dijeron que estaba mal de salud, así que él desistió de acercarse. Si lo pensamos, el empresario de 29 años hubiera sido quizá la primera persona con la que Vivian hubiera hablado de su trabajo, pero por “no molestarla”, su testimonio se ha perdido.

Afortunadamente, sus fotografías hablan por sí mismas, sin necesidad de los famosos discursos y declaraciones de las que tanto dependen los artistas de hoy en día.

Su obra ya ha dado la vuelta al mundo, y se ha comparado a la de los grandes maestros de la fotografía callejera, como Robert Frank, Diane Arbus, Helen Levitt o Henri Cartier-Bresson, y seguramente pasará a la historia.

UNA ESPÍA DE LA HUMANIDAD En particular, llama la atención su sensibilidad para captar a los marginales y los más vulnerables, aquellos en los que nadie repara: vagabundos, niños, ancianos, teporochos, afroamericanos… Tal vez la fotógrafa se identificaba con ellos, tratando de aprehender en sus gestos sus propios sentimientos de aislamiento, dolor, rabia, ternura y desconcierto.

Paradójicamente, su cámara le permitía ace rcarse a otros sin las barreras que levantaba en su vida cotidiana y, en conjunto con su posición distanciada del mundo, le daba una potencia incisiva y tierna a sus disparos.

Humana e inhumana, oscura y luminosa, anónima y brillante, dentro y fuera, Vivian Maier, contenía todos esos contrastes. La mujer de pinta estrafalaria parecía venir de otro mundo, quizá por eso decía de sí misma que era una “espía”. Espiaba a la humanidad sin poder integrarse a ella, fascinada por aquello que anhelaba y repelía con tanta pasión en su vida y en su lente.

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CINE

FICHA TÉCNICA Título: Sicario Director: Denis Villeneuve Año: 2015 País: EU Reparto: Emily Blunt, Benicio Del Toro, Josh Brolin, Maximiliano Hernández, Victor Garber.

TXT:: LENIN CALDERÓN

SICARIO NUESTRO LADO OSCURO

AUNQUE UTILIZA personajes y situaciones cliché propios de un thriller policiaco tales como el policía idealista, el policía corrupto y el delincuente reunidos en un sitio especialmente peligroso, Sicario es en varios sentidos una película de horror. La música en muchas de sus escenas, por ejemplo, va más allá de generar suspenso y crea entonces la tensa y lúgubre calma de la clásica escena de terror en la que sabes que te van a espantar, pero no sabes cuándo. Visualmente, basta una imagen a la que desafortunadamente ya nos hemos acostumbrado (como la de unos cuerpos desmembrados, decapitados y colgados en alguno de esos siniestros pasos a desnivel que tan penosamente pululan por todo México) para convertir el cliché policiaco en algo más macabro y, valga el anglicismo, gore.

UN MONSTRUO NUEVO Si bien muchas de las escenas más violentas de la película

lastimosamente forman ya parte del inconsciente colectivo de los mexicanos, para nuestros vecinos del norte es una nueva forma de horror, más real que Jason y Michael Myers juntos. Este nuevo monstruo que desde hace algunos años comienza a quitarle el sueño a los gringos, también está captando el dinero de sus jóvenes estudiantes, comprándoles sus propias casas en su propio país y –una paranoia que los gabachos ya han desarrollado antes con negros, comunistas y cubanos– casándose con sus hijas. Los carteles mexicanos han penetrado paulatinamente el territorio estadounidense comprando propiedades, abriendo negocios, generando violencia y, en el peor de los casos, desplazándose cada vez más hacia el norte.

Todo esto genera una preocupación inminente en su gobierno. Tratar de acabar con este riesgo latente es, a su vez, la mayor motivación del personaje principal de la película para adentrarse en un mundo más cruel de lo que imaginaba, en donde no hay valores ni moral, y todo aquel que no forme parte de su equipo de operaciones es un enemigo potencial.

MISIÓN KAMIKAZE Emily Blunt interpreta a Kate Macer, una agente del FBI idealista, inocente y hasta frágil, que sobrevive a una bomba sembrada por

narcos durante un operativo en El Paso, en donde mueren varios de sus compañeros. A partir del incidente, se presta como voluntaria en una misión a Ciudad Juárez para capturar al jefe de uno de estos carteles. Esta chica menuda, que trata de encajar en un ambiente hostilmente masculino, quien se encuentra en un país extraño que chorrea sangre y forma parte de una misión a todas luces imposible (como acabar con estos imperios narco-político-macroeconómicos), es un personaje profundo, con una psicología bien definida, que conecta fácilmente con el público.

Digamos que simpatizamos más con ella mientras más nos enteramos del problemón en el que decidió meterse.

Kate es un personaje cuya fragilidad es, al mismo tiempo, temperamento y determinación.

Sus debilidades son, a su vez, sus fortalezas. Es imposible no percibir una similitud entre ella y Clarice Starling, aquella cadete del FBI cuya osadía la llevó hasta las

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FOT:: RICHARD FOREMAN JR./LIONSGATE

AL VISITAR CIUDAD JUÁREZ POR PRIMERA VEZ, ES CASI IMPOSIBLE NO ENTRAR EN SHOCK AL LEER, EN LAS FALDAS DE LA SIERRA DE JUÁREZ, UNAS LETRAS ENORMES QUE LITERALMENTE REZAN ASÍ: “LA BIBLIA ES LA VERDAD. LÉELA”. SI CONSIDERAMOS LA OBSCENA CANTIDAD DE FEMINICIDIOS ACONTECIDOS ALLÍ, LA EXISTENCIA PERMANENTE DE FOSAS CLANDESTINAS EN SUS ALREDEDORES Y EL HECHO DE QUE MUCHOS DE ESOS CRÍMENES SE COMETEN IMPUNEMENTE, LA FRASE EN LA SIERRA NO ES MÁS QUE UN MACABRO SARCASMO. BIEN, PUES ESTE SITIO APOCALÍPTICO – PARTE DEL MÉXICO MÁGICO QUE TANTO SE CACAREA– SIRVE DE ESCENARIO PARA UNA PELÍCULA QUE PONE EL DEDO EN LA LLAGA, JUSTO CUANDO NUESTRO ATRIBULADO PAÍS TIENE LOS REFLECTORES ENCIMA.

entrañas del mal y la locura en El silencio de los inocentes. Ambas heroínas comparten rasgos como una sutil androginia y un perfil sexual muy bajo, casi inexistente.

Kate, por ejemplo, sólo lleva una muda de sostén para toda su estancia en Ciudad Juárez. Cuando su compañero de cuarto (un negro fornido, quien en medio de narcos despiadados, funcionarios corruptos y policías encapuchados, parece más un oso de peluche que un agente del FBI) lo nota, ella responde: “Ya no recuerdo la última vez que un hombre me vio en bra”.

Irónicamente, cuando se decide a arreglarse, salir a tomar una cerveza y animarse a ligar, casi termina estrangulada. Benicio Del Toro le salva la vida.

Seguramente, a muchas mujeres les parecerá romántico que, en algún momento de sus vidas, Benicio Del Toro las rescate de un patán salvaje. En el caso de Kate, tal vez esto no sea así, ya que tarde o temprano acabará en la mira de la 9mm de Alejandro.

Este oscuro personaje interpretado

por Del Toro ya ha trabajado antes para el gobierno mexicano y ahora dirige un equipo del FBI a través de las inciertas calles de Ciudad Juárez, a la que también les gusta referirse como “la bestia”. Su plan consiste en utilizar al miembro de un cartel para llegar hasta quien lo dirige. Una estrategia volátil, especialmente en un lugar en el que, igual que en el viejo oeste, no se debe confiar en nadie.

VIVIENDO LA VIDA DOBLE El director, Denis Villeneuve, introduce sigilosamente al sicario menor en la trama y muestra breves escenas de su vida íntima.

Silvio es mostrado cuando está con su familia, en su casa, cuando su hijo de ocho años lo despierta para jugar futbol. Estas breves escenas intercaladas en la trama principal, constituyen flashes del lado humano de individuos como él, cuyo oficio consiste en cometer las atrocidades más inhumanas. Ya lo había dicho el “Cochiloco” en El Infierno (Luis Estrada, 2010) cuando lleva a su “pareja” a su casa para que conozca a su familia: “Una cosa es una cosa y otra cosa es otra cosa, mi Benny. ¿O qué creía? ¿Que vivía yo en una cueva y comía carne humana?”. No es que vengan de Marte; gran parte de los políticos, mercenarios y criminales que tienen a México en esta situación han nacido en este país.

“Ellos”, evidentemente, están entre “nosotros” y, en una de ésas, nosotros mismos contribuimos para que ellos existan. En ese sentido, Sicario aborda de manera breve, pero efectiva, esa doble identidad, propia de un oficio que involucra violencia y muerte de forma cotidiana, intrigando a unos y seduciendo, letalmente, a otros.

Sicario plantea un final abierto en el que el conflicto continúa y la trama concluye, como en muchos casos propios del ostentoso sistema judicial mexicano, mediante una declaración firmada a la fuerza. Para muchos, la cinta probablemente retrate una visión demasiado gabacha de las cosas de este lado de la frontera. Lo cierto es que cualquier expresión artística que atraiga las miradas del mundo hacia lo que nos está pasando, es tan valiosa como un faro en medio de la tormenta. Expresiones y denuncias cinematográficas como ésta muy bien pueden contribuir para que, como ya comienza a decirse en México, el miedo cambie de lado.

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CINE

FICHA TÉCNICA Título: Victoria Director: Sebastian Schipper Año: 2015 País: Alemania Reparto: Laia Costa, Frederick Lau, Franz Rogowski, Burak Yigit, Max Mauff.

TXT:: AMARO BAUTISTA

VICTORIA LA INCERTIDUMBRE Y LA CERTEZA DE EXISTIR

LA VIDA ESTÁ LLENA DE DECISIONES, CADA PASO TE ENCAMINA HACIA UN DESTINO, UN CAMINO QUE TE ALEJA O ACERCA A LOS SUEÑOS QUE EN EL TRAYECTO CONSTRUYES Y TRANSFORMAS, DESTINOS Y SUEÑOS QUE PIERDEN SENTIDO SI OLVIDAS QUE TU EXISTENCIA ES ESTE MOMENTO. VICTORIA ES UNA PELÍCULA QUE INVITA A REFLEXIONAR ACERCA DE LAS DECISIONES, DE LO SENCILLO QUE ES MODIFICAR EL PRESENTE TRAS UN “SÍ” O UN “NO”.

EN LA BERLÍN actual, Victoria, una chica española que lleva unos meses en la ciudad, conoce al final de la madrugada a cuatro alemanes en la salida de un antro: Sonne, Boxer, Blinker y Fuss. Después de caminar por la ciudad, tomar y fumar marihuana en la azotea de un edificio, Victoria y Sonne van a la cafetería en la que ella trabaja para descubrir sus metas perdidas: una pianista frustrada y un futuro borroso.

Lo que parece el inicio de un historia de amor, se vislumbra incierto después de la pieza musical que Victoria toca en el piano, “Mephisto Waltz”, de Franz Liszt, que evoca cierta serenidad seguida de una angustia impredecible. A continuación, una noticia confusa y alarmante lo cambia todo: Boxer es un ex

convicto y debe hacerle un favor al hombre que le dio protección mientras estaba en la cárcel.

Robar un banco es la misión, y para realizarla, cuatro hombres son requeridos; el problema es que uno de los nuevos amigos de Victoria no puede hacerlo. Un hombre hace falta, sin embargo, una opción para los jóvenes alemanes está ante sus ojos: Victoria. ¿Ayudarías a unos desconocidos a robar un banco?

Ella podría parecer una joven ingenua, aunque como a todos, fuertes remolinos del pasado la atan a temores o deseos no cumplidos; cuando el rumbo de tu vida no resulta como lo esperabas, emociones confusas y fuertes se quedan dentro. Entonces, ¿qué te motiva a decidir robar o no un banco fuera de tu país? ¿En qué momento una decisión es el resultado de una serie de decisiones a lo largo de tu vida?

Las respuestas pueden ser muchas, sin embargo, la existencia es una, es ahora, y para Victoria, ése era el momento para tomar un

rumbo distinto o quizá el mismo de siempre: la incertidumbre y la certeza de existir.

EL VÉRTIGO DE UN PLANO SECUENCIA Dirigida por el cineasta Sebastian Schipper, Victoria es una película que te mantiene al filo de la butaca, que agobia y emociona por lo impredecible que es la historia y lo bien estructurado que resulta el guión; lo más impactante es darse cuenta de que las dos horas y media que vemos en pantalla están filmadas en un plano secuencia.

Schipper y el cinefotógrafo Sturla Brandth Grøvlen completaron el rodaje luego de tres intentos, logrando un trabajo extraordinario en pantalla. El dinamismo de las imágenes es tal, que otorga más

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FOT:: ARCHIVO

A dramatismo y un vértigo alucinante a la historia. Ambos rodaron la película desde las 4:30 de la madruga, hasta la 7 de la mañana en los barrios de Kreuzberg y Mitte, con un guión que consistía en tan sólo 12 páginas, permitiendo a los actores improvisar.

Y es que las brillantes interpretaciones de los actores otorgan fuerza al bien logrado plano secuencia. Sobresale el trabajo de la actriz protagonista, Laia Costa, que al igual que el rodaje en un sola toma, gran parte del éxito del filme cae en su actuación; prueba de ello es el reconocimiento que obtuvo por parte del cine alemán, al ser el primer artista español en ganar un Lola, el premio más importante que se otorga al cine en aquel país. Pero, sin duda, el

protagonista de la cinta es el plano secuencia, que convierte a Victoria en una película necesaria dentro de la cinematografía alemana e internacional. Seleccionada en la pasada edición de la Berlinale 2015, en la que ganó el Oso de Plata a la mejor contribución artística, el premio de la crítica y el del público. Además de ser acreedora del Grand Prix a la mejor película en el Beaune Film Festival de Francia y recientemente proyectada en el marco del Festival Internacional de Cine de Morelia.

Una historia que pudo ser un espléndido relato de amor, pero ¿quién dice que no lo es?, transformándose en un thriller policiaco memorable, sumado al vértigo de la existencia y, al mismo tiempo, la certeza de vivir al límite.

Aunque ¿quién quiere una vida tranquila y aburrida? El momento es este instante. Victoria simplemente lo vive.

UNA POSTAL DIFERENTE DE ALEMANIA Uno de los aportes que más destacan en Victoria es el retrato que hace de Alemania;

lejos ha quedado la imagen de un país moderno, de gente fría, o lejana a la delincuencia. El retrato que ofrece Schipper es diferente: es de la clase media, de aquellos que viven al día, que roban para sobrevivir; de los que disfrutan, sonríen y viven el momento; de los que toman decisiones para no dejar de existir.

Y ese retrato se completa con la historia de Victoria y sus cuatro amigos alemanes, quienes tienen que decidir entre lo que es correcto y lo que deben hacer para salvar sus vidas. Sus acciones y la historia misma podrían resumirse en las palabras que algún día dijo Isócrates: “Reflexiona con lentitud, pero ejecuta rápidamente tus decisiones”. Al final, la existencia se define por cada una de ellas.

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GIANLUCA TRAINA DIÁLOGOS DE PIEL Nacido en 1984 en Palermo, Gianluca Traina es un artista con experiencia en la industria de la moda. Tras cursar diversos grados de arte textil en Italia y al notar la falta de oportunidades para su desarrollo profesional, decidió embarcarse en el mundo de la pintura para después explorar otros terrenos, como la escultura con la que plasma su visión de la cosmología mediterránea. Su proyecto Portrait 360º es un sistema de formas tridimensionales mediante un proceso de confección similar al de la creación de alfombras. En la actualidad, desarrolla nuevos proyectos en los que busca relacionar al espectador con el objeto, a través de elementos que reflexionan sobre la modernidad, la tecnología y lo análogo.

www.gianlucatraina.com

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TXT:: LUIS FERNANDO ALCÁNTAR ROMERO

LIENZOS URBANOS MADEMOISELLE MAURICE & BAMBI

Los trabajos artísticos de Mademoiselle Maurice & Bambi son mensajes de libertad creativos desde una óptica poética y urbana. El street art es, en cierta forma, una escena que parece dominada por hombres; en este caso, vale la pena observar el trabajo de estas artistas.

Ambas utilizan seudónimos para su trabajo y pertenecen a una generación en la que, a consideración de Bambi, “son parte de una revolución artística, y las telarañas del estéril mundo intelectual del arte han sido eliminadas”; también reconocen en Banksy a una influencia decisiva.

Mademoiselle Maurice es una artista plástica y escenógrafa originaria de Francia. Dice que su nombre real no “tiene importancia”. Hace uso de espacios urbanos, muros, paredes, vuelve a pensarlos y los inunda de color a través de sus instalaciones.

Unos papeles doblados, mucha paciencia, algo de geometría, imaginación e inspiración son algunos de sus materiales.

Habla sobre su acercamiento al arte, que primero inició como una forma de pasatiempo.

Hasta que se volvió su trabajo y la ha llevado a exponer su obra en Canadá, Estados Unidos, Holanda, Japón, Singapur y Suecia: “Creo cosas desde que era niña, pero el arte como trabajo 100%, desde hace dos años. El arte significa dar emoción, sentimientos, compartir ideas y dar algunos mensajes.

Es acerca de dar algo o la diferencia, muy lejos de todo aquello que la sociedad y el gran consumo te ofrecen.

Mi principal inspiración viene de la humanidad y la

naturaleza. Y mucho de eso viene de la estructura matemática que me inspira, como los panales de abeja, las formaciones de cristal y el vuelo de las aves, y, por supuesto, los colores que veo en lo natural, como los arcoíris, las flores, los insectos y el cielo”.

Bambi es una revelación inglesa, que ha tomado las calles de Londres por asalto. Algunos la comparan con Banksy; además del parecido de sus nombres, también se mantiene en calidad de anónima: “Permanecer como anónima me permite conservar mi libertad de discurso. Podrías pensar que es un derecho humano, pero vivimos en una sociedad de circuito cerrado de televisión, post 11 de septiembre en donde nuestras conversaciones telefónicas son monitoreadas y espían sin consentimiento de la gente. Así que siento más libertad creativa si no tienes mi nombre real ni mi domicilio”.

En su obra figuran retratos de celebridades.

Algo que la inspira es pintar a personas y lo que tiene que ver con ellas; demostrar lo frágil que es la vida: “Hacer arte es mi segunda naturaleza. Es algo que disfruto hacer más que cualquier otra actividad.

Me siento segura y ¡completamente feliz! El significado personal del arte es un modo de expresión propia y el sentimiento de ser uno con el universo. Siento que puedo cambiar de ideas creativas desde lo etéreo.

Muros blancos aburridos son decorados alrededor del mundo por artistas socialmente conscientes, que buscan hacer del mundo un lugar mejor. Y hacer que la gente se cuestione cosas más importantes en donde los anuncios de las grandes compañías sólo quieren vender marcas”.

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REPORTAJE

TXT Y FOT:: SEOIRSE O’MAHONY

ÉSTE NO ERA MI PLAN ORIGINAL la vida a la deriva

LA VIDA ES UNA PERRA, LO DIJO ALGUNA VEZ NAS, PUES UNO NUNCA SABE EN DÓNDE VA A ACABAR. UNA DECISIÓN, POR MÍNIMA QUE SEA, PUEDE DESENCADENAR UN DESEQUILIBRIO EN EL COSMOS QUE, DEPENDIENDO LA PERSPECTIVA, PUEDE SER ALGO BUENO O MALO. EL DESTINO, ENTONCES, NO ES ALGO YA ESCRITO, SINO UNA PEQUEÑA HOJA EN BLANCO QUE PODEMOS RAYAR A NUESTRA VOLUNTAD. A CONTINUACIÓN DOS HISTORIAS QUE NOS RETRATAN CÓMO UN GIRO EN LA VIDA PUEDE RESULTAR EN ALGO ASOMBROSO.

TRICKY GEE

DE TRAFICANTE A ARTISTA Tricky es un artista con sede en la Ciudad de México cuya práctica amalgama técnicas de impresión, pintura, fotografía, collage, la escultura y la instalación. Estas obras de múltiples capas están saturadas de comentario social y el autoexamen, así como otros temas como el contrabando, encarcelamiento y paisajes urbanos, hasta un cementerio narco y santuarios. Acciones y sus consecuencias se reproducen en una variedad de narraciones, que llaman la atención sobre aspectos de la sociedad que son tabú. Ha expuesto en Londres, Bristol, Hong Kong, Bangkok, Buenos Aires y México, y actualmente está trabajando en una exposición individual en la Ciudad de México.

Estudió en la Escuela de Arte de Wimbledon y en la Universidad de las Artes de Londres. Sus principales influencias son Francis Bacon, Anthony Micalef, Andy Warhol, Richard Prince, Mike Nelson, Christian Boltanski, Marcus Jansen y Ed y Nancy Kienholz.

“Anteriormente, era un traficante de drogas, un vaquero de la cocaína. La clave para el contrabando es ser creativo, los métodos utilizados tienen que vencer la frontera, así que me las ingenié para concebir tantas maneras como era posible. Consciente, movía producto en Europa, América del Sur y Asia. Finalmente, después de 10 años, la mierda golpeó el ventilador y fui arrestado en Trinidad, pasé dos años y medio en la cárcel y fui extraditado al Reino Unido, en donde me encerraron otros años más. A pesar de que fue una sola sentencia, experimenté dos sistemas diferentes de encarcelamiento; mientras que en Trinidad se busca encerrar a las personas, en el Reino Unido se opta por rehabilitar a los convictos. Fue en este último lugar en donde me acerqué al arte para trasladar mis viejos principios en un nuevo terreno”.

UMAIR KHAN

TÚ VETE, YO ME QUEDO EN EL D.F. “He estado viviendo en la Ciudad de México desde hace 18 años, pero fue por casualidad que llegué aquí. Mi novia de ese tiempo estaba harta de residir en Londres y quería practicar su español (que había estudiado en la universidad) y así surgió la idea de vivir en México.

Yo estaba trabajando en el departamento de devoluciones de un sello discográfico independiente llamado SRD... Puede sonar cool, sin embargo, mi principal tarea era pegar los precios a los CDs y realizar facturas. Así que la idea de salir de Londres –al menos por un rato– parecía atractiva. Por desgracia, nuestra relación no duró mucho una vez que llegamos aquí.

Ella regresó a Londres y yo, por el contrario, decidí quedarme.

Nunca había investigado mucho sobre México, pero estaba completamente enamorado del lugar y pensé que debería, al menos, aprender su lenguaje antes de volver a Londres.

Y de esta manera, luego de una serie de trabajos, me hice amigo de un grupo de personas que compartían la misma pasión por la música, principalmente funk, hip hop, groove, soul… Y fue gracias a esa pasión que compartíamos que el Black Horse nació”.

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SECCION LITERATURA

TXT:: JUAN CARLOS TXT:: HIDALGO XXXXXXXXX

Nitro/Press

LOS LADOS B DE LA LITERATURA

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FOT :: ARCHIVO

CONOCÍ AL ESCRITOR MAURICIO BARES EN UN MOMENTO EN QUE ESO A LO QUE SE CONSIDERABA CONTRACULTURA SE AGITABA INTENSAMENTE; ERAN LOS TIEMPOS DE LUGARES COMO LA ÚLTIMA CARCAJADA DE LA CUMBANCHA (AL SUR DE LA CIUDAD DE MÉXICO) Y PUBLICACIONES COMO LA PUSMODERNA, MOHO Y A SANGRE FRÍA. INCLUSO ME ATREVÍ A CONVERTIR EN GUIÓN CINEMATOGRÁFICO EL CUENTO EL OTRO NOMBRE DE LA ROSA, QUE A LA POSTRE FILMÓ JOSELO RUEDA. LOS PRIMEROS NOVENTA SE AGITABAN.

PERO LA VIDA no es un freeway en línea recta; de repente se convierte en un camino sinuoso y enigmático. Nos dejamos de ver durante algo así como 15 años, pero siempre seguí atento los proyectos bajo su nombre o como Anónimo Hernández. Bares es un animador incansable de la cultura más libertaria e insumisa, no en vano Nitro/Press ha tenido dos épocas y ha trabajado con más de una centena de artistas de distintos niveles y que incluye a la famosa francesa Orlan –reina de las cirugías plásticas en pos del canon de la belleza occidental–.

La edición de Entropía remix de Iván Farías y La ciclista de las soluciones imaginarias del venezolano Edgar Borges nos volvieron a poner en contacto.

Aproveché el reencuentro para conversar sobre una iniciativa que a partir de 2009 arrancó un segundo periodo y que a la fecha mantiene en compañía de su pareja Lilia Barajas y que ellos mismos explican: “La editorial pone énfasis en la narrativa y el ensayo de vanguardia, así como en géneros editoriales obviados por las grandes cadenas, divididos en cinco colecciones: Lados B – Narrativa de alto riesgo (antología anual), Cuadernos, InterView (entrevistas y ensayo), Punto de Quiebre (libros conmemorativos), y Letras Rojas (literatura y crimen).Como siempre, nos importan las letras, no los números”.

Lados B es un concepto muy musical que directamente nos remite a esos tracks que acompañan a los sencillos y que con el tiempo se convierten en material de culto. ¿Cómo fue

trasladar este concepto a una colección de literatura mexicana?

Mauricio Bares: La idea surge a partir de la antología Greatest Hits, de narrativa, donde la originalidad de su título no ocultaba un tono pretencioso y un afán protagónico.

Con Lados B buscamos dar a conocer el trabajo de autores que buscan que su obra les consiga un lugar en el panorama literario, y no las relaciones públicas.

Podría pensarse que la serie se dedicara principalmente al talento emergente, y lo hay en su mayoría, pero también aparecen escritores con mayor recorrido. ¿Cómo es que realizas la combinación?

Hay autores con más trayectoria pero que cumplen con el requisito que mencioné en la respuesta anterior, como Eusebio Ruvalcaba, Alejandro Almazán, Alberto Chimal, Norma Lazo y Magali Tercero. Yo mismo tuve que suplir en el último momento a Luis Humberto Crosthwaite, quien no pudo entregarnos a tiempo. ¿Cuando editaste el primer libro ya tenías en mente que daría para una serie completa y que sería tan bien recibido por el público lector? Vamos, para un proyecto independiente es todo un suceso, que ya quisieran hasta los grandes grupos editoriales.

Conocía el trabajo de varios escritores jóvenes muy buenos y eso nos daba una base sólida, pero no una certeza, mucho menos con las escritoras, pues conocía muy pocas. Pero ya llevamos cinco ediciones, 50 autores y 48 autoras. Y respecto a

los consorcios editoriales, tienes toda la razón, el motivo es que no quieren correr riesgos.

Las ferias del libro y los festivales se han multiplicado, especialmente las que promueven a las iniciativas independientes, ¿podría pensarse que se va creando un mercado y que este tipo de proyectos editoriales son viables en términos financieros?

Así es. Tú sabes que Nitro/ Press tuvo una primera etapa de 1997 a 2004 y que terminamos precisamente porque no existía todo esto que mencionas. Pero a partir de que fuimos invitados a la primera Feria del Libro Independiente en 2010, vimos que el panorama era mucho más favorable; yo mismo tuve que resurtir dos veces durante esa feria que duró sólo diez días y donde metimos libros de nuestra primera época, así que decidimos retomar el proyecto. Curiosamente, a partir de este 2015 nos corresponde como editorial organizar la Feria del Libro Independiente, pasamos de invitados a organizadores. ¿Encargarte de una editorial hace difícil avanzar en tu carrera como escritor? ¿Cuál ha sido tu estrategia?

Sí, es difícil. No soy muy prolífico como escritor, así que no me ha preocupado mucho. Pero aún no encuentro una estrategia, sobre todo porque cuando escribo, no leo, no salgo, no veo amigos, sólo escribo.

Lados B te permite tener una visión panorámica de la literatura nacional; ¿qué opinión te merecen los nuevos escritores en el

momento presente? ¿Poseen características distintas a las de anteriores generaciones?

Qué bueno que me lo preguntas en una revista enfocada en la música, en concreto el rock, porque es muy complicado explicar esto en una publicación literaria. Creo que los escritores nunca hemos tenido una formación exclusivamente libresca; y en las últimas décadas hemos añadido más artes o formas de expresión, como el cine, el video experimental, el video musical, el performance, y recientemente los medios digitales. Y en la música, el punk y sus influencias más recientes han provocado que un montón de escritores combinen la inmediatez y la furia punk, con el razonamiento y la destilación propia de la literatura. ¿Leer tanto material nacional te permite estar atento de otros autores extranjeros? ¿Te siguen interesando los mismos autores?

Desde 2010 casi no he leído nada fuera de lo que hemos publicado en la editorial; se siente raro, los quiero editar, me vale si es Borges (risas). ¿Han sido muchos los autores incluidos en Lados B que han dado el salto y consolidado una carrera literaria?

Considero que aún es muy poco tiempo para que un autor consolide una carrera en un oficio que se asemeja más a un maratón de años y años. Pero allí están Sylvia Aguilar Zéleny, Daniel Espartaco Sánchez, y vienen Franco Félix, Iván Farías, Tania Plata, Cristina Rascón y varios más. Después de muchos años, que te constan, Juan Carlos, esto apenas comienza.

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CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA

TXT:: ÓSCAR G. HERNÁNDEZ

UNA ESTRATEGIA QUE PRODUCE UN CAMBIO DE RUTA YA SEA POR RAZONES DE SUPERVIVENCIA O POR MERO PLACER, OBLIGA A PENSAR SOBRE EL PASADO Y EL PRESENTE. HUGO, PERSONAJE CREADO POR EL HISTORIETISTA BRASILEIRO LAERTE COUTINHO, SE ENCONTRÓ EN CIRCUNSTANCIAS POR LAS CUALES FUE PERSEGUIDO POR LA MAFIA. HUGO BUSCARÍA UN PLAN QUE LE PERMITIERA ESCAPAR DE ELLOS, INCLUSO SI PARA ELLO TUVIERA QUE CONVERTIRSE EN UNA CHICA DE NOMBRE MURIEL.

LO QUE INICIO como un cómic strip de humor construido a partir de un personaje adicto al sexo virtual, con problemas informáticos y de paparazzis, con el tiempo se convertiría en uno de los símbolos transgénero en Brasil. Hugo descubrió que le gustaba vestir de mujer y que se sentía bien siendo una, no necesitaba más sentirse amenazado por alguna circunstancia para cambiar su ropa de hombre por una vestimenta femenina.

Los grupos transgénero se volcaron sobre estas tiras que a través del humor describían varias situaciones con las que se identificaban. El éxito de Hugo/ Muriel no fue fortuito, Learte Coutinho es considerado uno de los grandes historietistas del país amazónico; inició su carrera en los años 70 implicándose en diversas publicaciones, que iban desde apoyo a la lucha democrática contra la dictadura hasta su participación en la mítica revista Chiclete con Banana, de la cual surgirían los principales representantes del

comic underground brasileiro.

Learte es creador de la exitosa tira Piratas del Tiete y Los Tres Amigos, esta última que parodia un tipo de mexicanidad. Entre otras actividades dirige un programa en la televisora Globo, la segunda más grande del mundo.

La resonancia de esta tira fue aún mayor cuando su autor a la edad de sesenta años se decidió por dejar de ser hombre para convertirse en mujer. La ahora autora tuvo una vida complicada en cuanto a sus preferencias sexuales, inicio su adolescencia en el gusto hacia el mismo género para después integrarse, casarse y tener hijos. Una vez más volvió a cambiar sólo que para reencontrarse.

Su personaje Hugo lo creó entre la ficción y la realidad, de alguna forma lo que sucedía en las tiras le pasaba en la vida. Las tiras poco a poco iban mostrando esa conversión desde afeitarse las piernas, la batalla entre dos identidades, el aprendizaje sobre travestirse, las relaciones con lo que alguna vez fue su pareja

femenina, la asistencia al médico, etc. Todas las temáticas de vida trans son mostradas en esas viñetas con el humor característico de la historietista.

El año pasado Brasil celebró con una gran exposición, los 40 años de Laerte como quadrinista.

La autora, que decidió quedarse con su nombre de varón, ha sido expulsada tanto de los baños de hombres como de mujeres: vive en carne propia la discriminación.

Sin embargo, ese cambio de vida la llevó de vuelta al activismo político del que alguna vez fue parte en aquellos años 70 y 80, sólo que ahora luchando por la equidad de género en el sentido más amplio. Ese mismo cambio le llevó también a encontrar otro tipo de felicidad.

Laerte pasa hoy a la historia del cómic mundial no sólo por la gran obra creada desde hace varias décadas, sino por ser probablemente el primer autor de narrativa gráfica en el planeta capaz de mostrar una transformación radical en su obra y persona: “En 2004 empecé

un cambio, a hacer tiras más poéticas. Me acuerdo que leí una entrevista en la que Chico Buarque decía que veía a la canción históricamente limitada al siglo XX, que tal vez el rap y otros géneros expresaban mejor el presente. Y me pregunté lo mismo sobre la historieta, sentí que mi trabajo había cumplido un ciclo”. El cambio y fin de ciclo que Coutinho ponía en sus páginas lo pondría en su vida a través de su cuerpo y de su identidad: “Recuerdo que el primer momento fue el de la depilación con cera. Fue un hito de redención, de autodescubrimiento, como sentirme sin coraza. Lo segundo fue ponerme la ropa… incluido el corpiño. Me tomaron una foto.

Sentí la libertad”.

Las creaciones de la autora se transformaban a la par de su persona, lo que fue una camino de vida le llevaría a un cambio total, mostrando al mundo que las ideas y los trazos siempre pueden terminar de alguna otra forma y en algún otro sitio.

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CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA

PEDRO MANCINI

Personaje fundamental del movimiento de la nueva historieta en Argentina y miembro fundador de la revista Ultramar. La editorial Llanto de Mudo lanzó su antología de cómics Paranoia Normal. En 2014 apareció su primera novela gráfica, Hermano, publicada en Italia; y la editorial Hotel de las Ideas compiló su comic strip titulado Alien Triste. Su trabajo ha aparecido en revistas de Brasil, Chile, Colombia, Italia, Francia y ahora en México.

Pedromancini.blogspot. com.ar /Pedro Mancini /Alien Triste

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COLUMNAS

TXT:: RAFAEL TORIZ @ninyagaiden

AGUARRACES PORTEÑAS

A LA DERIVA DEL RÍO

UN SALVOCONDUCTO EFECTIVÍSIMO para tornarse cuanto antes un insufrible vejestorio es darle cabida al desencanto y el fastidio provistos por la rutina, el apetito melindroso y la incapacidad de aventurarse a lo desconocido, lo que termina por anquilosar el cuerpo, la vida y finalmente –como ilustran tantos individuos diariamente en su amargura– el corazón de la mirada.

Por tal razón, y pese a mi mejor arbitrio, no son pocas las ocasiones en que fuerzo el sentido común y las circunstancias en pos de obtener los frutos encantados de la realidad alucinada. Antropólogo curtido, no ignoro que en el prosaísmo del mundo lo que abunda es la desilusión y el fayuca, razón por la que se vuelve perentorio resistir: para que la vida nos sorprenda, es necesario siempre invitarle la primera copa. Y la segunda. A veces también una tercera arrinconada.

Recién vuelto de México, fui invitado por un joven, casi desconocido muchacho a pescar a la provincia de Entre Ríos, uno de los 23 estados que componen la República Argentina conformado por los caudalosos ríos Uruguay y Paraná, colindante con el Uruguay y las provincias de Santa Fe, Corrientes y Buenos Aires, razón por la que geográficamente a ese espacio dichoso se le conoce como la Mesopotamia Argentina (para llegar uno atraviesa cementerios de barcos olvidados en la tierra y maquinaria de construcción corroída por el tiempo que de lejos parecen dinosaurios).

Luego de un madrugón considerable en medio de un día nublado que invitaba a quedarse boca arriba, no fue grande mi sorpresa al darme cuenta que mi convidante manejaba mal –estuvimos a punto de sufrir dos siniestros mortales– y que había olvidado la cartera y también los refrigerios, por lo que no dejé que tales minucias me arredraran y puse mi mejor temperamento: contábamos con cañas y equipo profesionales y pude comprar un par de bolsas de carnada para ensayar nuestra proeza.

Nunca he sido proclive al maltrato animal, por ello al enterrar en el anzuelo a peces vivos y ver cómo se desangraban

entre mis manos no pude sino compadecerme: matar a lo vivo es un karma maligno; pero matar a los peces es olvidar nuestro lugar en el agua de la que alguna vez huimos.

Luego de toda una jornada en la que no pescamos nada pero atestiguamos unos paisajes de belleza extraordinaria –donde aún ahora se dejan ver de vez en cuando nutrias, ciervos de los pantanos y hasta algún aguará guazú– entablé relación con unos pescadores del rumbo en quienes me maravilló no tanto su singularidad inaudita como la lengua usufructuada: un español distinto y cantado de gente de litoral que no conocía y que me resultó de una riqueza insólita y fascinante. Ahí pensé que me habría gustado ser un dramaturgo para contar la vida de esas personas en sus términos, con una sabiduría propia de su paisaje que se ofrenda en cada diálogo.

—Disculpe que se lo mencione, caballeros, pero viéndolos gozar así de pronto y tan a gusto uno diría que los pescadores llevan una vida distendida, holgazana. Sobre todo cuando hay poca pesca, como ahora.

—Mira vo’ al mexicano, tan quitado, de la pena. Claro se que vos no sos un bicho de río, porque vale más un día de mala pesca que uno bueno de trabajo.

Entonces, luego de esa perla tan brillante como las escamas del dorado, el surubí o el mandube, de lo que me dieron ganas fue de ser poeta y capturar en un instante la perfección irrepetible de ese río difuminado entre el paisaje, con la luz del sol perdiéndose entre los barcos peregrinos a la sombra de un puente colgante, comprendiendo que la vida justifica su esplendor cuando somos capaces de escuchar al entorno que nos rodea, bajo un cielo distinto al que nacimos y entre ríos que ignoran nuestro nombre pero hemos aprendido a sentir como nuestros; esos que revivo esta noche en otro puerto, lejos de lo que alguna vez llamé mi casa.

Pescador de tierra adentro, extranjero sin papeles…

Navegante solitario a la deriva del río.

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TXT:: HUGO GARCÍA MICHEL @hualgami

BAJO PRESUPUESTO

ROQUEROS DE MEDIO TIEMPO

Y a veces ni siquiera eso.

Me refiero a los músicos mexicanos que hacen o dicen hacer rock y quienes en su enorme mayoría, dada la crisis sempiterna en que ha vivido dicha actividad en nuestro país a lo largo de más de medio siglo, no pueden dedicarse a su sola profesión y se ven obligados a buscar el sustento en otros ambientes muchas veces ajenos y hasta contrapuestos.

Claro, hablo de la tropa de roquerines que como sea se entregan a lo suyo y luchan contracorriente por salir adelante, enfrentándose a un medio hostil que los explota, los desprecia, los ningunea y los maltrata. Vivir del rock en México es misión casi imposible. Sólo una pequeñísima élite logra sobresalir y ganar lo suficiente como para no tener que dedicarse a otros empleos alternos y, hay que decirlo, dentro de esa pequeñísima élite, hay quienes ganan millones y tienen (al menos en apariencia y si no dilapidan sus ingresos) asegurado su futuro. Pero la gran masa de músicos nacionales tiene que hacer milagros y malabarismos para conseguir su sustento cotidiano y poder pagar la renta, el teléfono y la luz (como diría Chava Flores).

El medio del rock nacional es ingrato. En especial para los músicos que provienen de la clase media y la clase baja.

Por eso vemos que la mayoría de los grupos y solistas que pueden vivir del medio pertenecen a la clase media alta o de plano a la clase alta. Son ellos –y así ha sido históricamente– los que cuentan con los recursos, por ejemplo, para comprar buenos instrumentos, pagar caros estudios de grabación y hasta presumir de que las mezclas de sus discos se hacen en los Estados Unidos o Europa; eso para no hablar de las relaciones públicas que los llevan con rapidez a las alturas y que se les facilitan por haber estado en determinado colegio particular, en determinada universidad privada o por ser hijos de personalidades de la política, el empresariado o eso que se conoce como “el medio artístico”. Jamás han sabido

de penurias económicas ni lo sabrán. Claro, hay entre ellos quienes se dedican también a labores paralelas, pero éstas se encuentran relacionadas con la ingeniería de grabación, el diseño gráfico, las artes plásticas, la literatura, el cine, el teatro, la televisión, la fotografía, la publicidad, la moda e incluso la academia. Puras actividades nice, pues.

En cambio, el sector prole de nuestro rockcito sí que se las ve negras para sobrevivir. Sé de músicos que viven casi en la indigencia y que para irla llevando chambean como editores, reporteros o redactores (los más afortunados), pero también como oficinistas, almacenistas, burócratas, cajeros, maestros en primarias oficiales, vendedores de seguros, taxistas, plomeros y un largo número de trabajos agotadores y poco presumibles. Los hay también que trabajan dentro de la música y tocan no sólo en sus grupos, sino en dos o tres más, normalmente de eso que llaman música versátil.

El hueso, pues.

Pero están también los roqueros desempleados que tocan una vez al mes para ganar 200 o 300 pesos por “tocada”.

Si existiese un filtro de calidad y los mejores músicos fueran los que hoy están en la cumbre y viven de lo que hacen, estaría muy bien. El problema es que no es el talento lo que manda. Conozco, por ejemplo, a un guitarrista cuyas capacidades técnicas y artísticas dejan muy por debajo a varios de los que hoy se ostentan como los mejores de México y, sin embargo, lleva años en el ostracismo, viviendo al día y trabajando en mil cosas para subsistir. Pero claro, es de cuna humilde y eso parece ser una marca de por vida. Lo mismo puedo decir de un fantástico bajista, un extraordinario saxofonista, una maravillosa flautista y un par de voces femeninas excelsas.

Así son las cosas y así han sido por años en este país, en donde resulta tan difícil vivir de la música… y de otras diez mil profesiones.

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Dos leyendas unidas:

tequila cuervo tradicional y rolling stones

DR. MARTENS trae a México la

Hogarth Collection

Recientemente Dr. Martens colaboró con el Museo Sir John Soane de Londres para representar A Rake’s Progress, la famosa pieza de William Hogarth. La obra de Hogarth ilustra la vida de Tom Rakewell; un joven que hereda el dinero de su padre y lo malgasta en atuendos, prostitutas y la vida del juego. Dicha colección exclusiva consta de tres piezas: botas, zapatos mocasín y mochila en las que se muestran diferentes instantes de la obra del artista. Estos modelos ya están en México a partir de noviembre en las tiendas Dr. Martens Altavista y Guadalajara.

Visita en Facebook / Instagram / Youtube como DrMartensMéxicoOficial

El tequila Cuervo Tradicional, presenta la edición limitada Cuervo Tradicional Plata Rolling Stones, un homenaje a la gira más legendaria de una de las bandas de rock más grandes e influyentes de la historia. Todo empezó cuando un bartender de The Trident, bar en San Francisco, le dio a probar por primera vez a Mick Jagger, el Tequila Jose Cuervo, el cual de inmediato se convirtió en el favorito de Brian Jones, Keith Richards, Ian Stewart, Mick Taylor y el propio Jagger, siendo la bebida que acompañaría a los Stones en el tour que daría origen a la expresión “Reventarse como un rockstar”. De color cristalino y brillante, Cuervo Tradicional Plata tiene esencia de agave con notas cítricas, un equilibrado sabor dulce con especias y ligeros tonos de frutas como limón y naranja. Además se presenta en una botella con diseño excepcional, con el emblema conmemorativo de la famosa lengua de los Rolling Stones y la etiqueta inspirada en el rock clásico.

ABSOLUT lanza su nueva botella ELECTRIK Continuando con el culto que existe alrededor de sus botellas, ABSOLUT presentó en octubre pasado su nueva edición limitada ABSOLUT ELECTRIK, la cual está disponible en dos colores: azul metálico y plata, dos piezas dignas de colección y que harán de la fiesta algo increíble. El lanzamiento oficial tuvo lugar en Los Angeles, en donde Empire of the Sun ofreció un show para conmemorar la originalidad de la nueva botella. Marvin te regala una botella de ABSOLUT ELECTRIK, lo único que debes hacer es contestar las siguientes preguntas y mandar tus respuestas con todos tus datos a contacto@revistamarvin.com 1. ¿Cómo se llama el más reciente disco de The Libertines?

2. Menciona tres artistas musicales que se presentaron en MUTEK.MX 2015

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INJUSTICE hasta en la cola de las tortillas (si traes el smartphone)

Warner Bros. Interactive Entertainment lanzó una actualización de contenido para Injustice: Gods Among Us, el juego de peleas para dispositivos móviles que presenta Súper Héroes y Súper Villanos icónicos de DC Comics. Esta actualización es la más grande que se le ha hecho al juego en más de un año y presenta siete nuevos personajes –incluyendo los del videojuego aclamado por la crítica Batman: Arkham Knight y la serie de TV de The Flash–, un nuevo modo de supervivencia y sets de herramientas que permite a los personajes desbloquear efectos adicionales y retos nuevos. El juego de dispositivos móviles de Injustice: Gods Among Us está disponible para descarga en App Store y Google Play. Para más información y las últimas noticias visita: www.injustice.com.

nike mag 2015

Hace casi 30 años, a Nike se le pidió colaborar en una película ambientada en lo que sería el mundo futurista de 2015: Back to the Future. El reto fue imaginar calzado deportivo que se adaptara a los habitantes de esa era.

El equipo de innovación, que utiliza sus conocimientos y tecnologías para ayudar al atleta y proyectar el futuro del deporte, tomó esta tarea y la llevó aún más lejos.

El resultado; Nike Mag, reinventó el sistema de ajuste convencional, integrando un diseño inimitable que se convirtió en un faro perdurable para la cultura popular. Como lo dijo Mark Parker, Presidente y CEO de Nike, Inc: «Empezamos creando algo para la ficción que posteriormente hicimos realidad, inventando una nueva tecnología que beneficiaría a todos los atletas».

Recientemente, Nike envió un regalo a Michael J. Fox (Marty McFly), introduciendo ésta innovación al primer, y más célebre, portador.

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PILÓN

DAVID LOVERING EL PIXIE MÁGICO-CIENTÍFICO-MUSICAL

POR LO MENOS DESDE LA APARICIÓN DE LA PELÍCULA FIGHT CLUB EN 1999, CUYA ESCENA FINAL SE MUSICALIZA CON UN TEMA DE PIXIES, LA MÚSICA DE ESTA BANDA QUE HABÍA DEJADO DE ESCUCHARSE POR EL ’93, PASÓ AL CONOCIMIENTO POPULAR. LA BANDA TUVO SU REGRESO OFICIAL EN EL FESTIVAL DE COACHELLA EN 2004, PERO DURANTE LA AUSENCIA DEL GRUPO, DAVID LOVERING, SU BATERISTA PUSO EN MARCHA UN PLAN “B”, REALMENTE INESPERADO, QUE INICIÓ ASÍ: SU AMIGO GRANT-LEE PHILLIPS (VOZ DE GRANT-LEE BUFFALO) SE LO LLEVÓ A UNA CONVENCIÓN DE MAGOS. LOVERING QUEDÓ IMPRESIONADO CON ALGUNOS DE LOS TRUCOS DE ILUSIONISMO, Y LUEGO DIJO “TENGO QUE APRENDER A HACER ESO”.

TXT:: UILI DAMAGE POSTERIORMENTE, en un espectáculo en The Magic Castle -un club de magia en Los Ángeles-, conoció a Rob Zabrecky, de la banda Possum Dixon, y se hicieron amigos de inmediato.

Zabrecky convenció a Lovering de conseguir un pase para actuar allí, con el que David debutó como The Scientific Phenomenalist.

Su actuación combinaba sus conocimientos de electrónica (estudió ingeniería electrónica en el Wentworth Institute of Technology de Boston, trabajó en una tienda Radio Shack y al graduarse consiguió un trabajo fabricando láseres) con sus tablas sobre el escenario. The Scientific Phenomentalist, hace experimentos de ciencia y física con una bata de laboratorio y actualmente forma parte de The Unholy Three, un trío de magos residentes de Magic Castle, haciendo un espectáculo mágico “... de nueva ola, alternativo, vanguardista”.

David, vamos por partes. Primero Pixies: ¿Cómo ha sido la gira desde la salida de Indie Cindy?

Ha sido la gira más larga que hemos hecho. Casi dos años ya. Ya aprendimos a tocar las canciones mejor [risas]. Las canciones nuevas suenan mejor y el público está respondiendo muy bien. ¿Tienen planes de grabar algo pronto?

Estamos estrenando unas dos canciones cada pocos shows de sorpresa. Puede ser que en año nuevo nos pongamos a grabarlas. ¿Cómo les ha ido con los cambios de bajista?

La nueva integrante es Paz Lenchantin, que toca increíble.

Es casi una profesional, que ha tocado en un montón de bandas y es una persona excelente con quien convivir, además de que al público le encanta.

A ustedes dos les toca la gran responsabilidad de la base rítmica. ¿Se están acoplando bien ustedes dos?

Primero me costó trabajo por todos los años que toqué con Kim Deal. Las canciones de Pixies son sencillas de tocar, pero Paz es muy competente y me ha obligado a ser muchísimo más preciso y tocar mejor haciendo que toda la banda suene más “amarrada”. Cambié mi estilo de tocar hace dos años con sólo agarrar las baquetas como lo hacían los bateristas de los años 20 y por primera vez, mucha gente me ha estado comentando desde entonces que les gusta mucho mi ejecución, y estoy seguro que es por cómo me veo, gracias a esta postura. ¡Me veo como baterista profesional!

Ahora la magia: ¿Dedicar todo este tiempo a la gira ha afectado tu carrera de mago?

No he tenido oportunidad de montar mi show completo de The Scientific Phenomenalist, pero no he dejado de hacer rutinas para públicos minúsculos, casi de uno a uno, abriendo shows del grupo, ensayando tras bastidores, haciendo números en bares pequeños, restaurantes, cosa que está haciendo el acto mucho más robusto. Es mucho más poderoso hacer los trucos cara a cara; hago experimentos extraños de física que nunca verás de otra forma. ¿Le abres a Pixies con tu acto de magia?

Ya abrí dos shows... ¡deberían pagarme doble por ser el acto abridor y el baterista del telonero!

También me he presentado con la banda de Kim, The Breeders; el proyecto solista de Chuck, Frank Black; con Grant-Lee Phillips, y también Camper Van Beethoven, como telonero...

Deberíás abrir a Pixies con magia en el Corona...

No te lo garantizo, pero sería muy divertido hacerlo. ¿Algún mensaje para tu público del Festival?

Pues les mando saludos a todos a mi nombre y a nombre del grupo y me dará mucho gusto verlos en el show.