148
05-MZO-17
MVN
» CORAZONES ROTOS
MÚSICA / CINE / ARTE
Dennis Cooper
Chavela Vargas 69 Love Songs
Dancer in the Dark
Slumberland Records
Sufjan Stevens
Juana Molina
C. Tangana
Rumours
15
Moonlight
Kim Hyun Jung
Ceremonia
influencias x 15 años Jens Lekman
del mes SE DICE QUE EL CONTEXTO TE DEFINE, todo lo que pensamos, hacemos y sentimos es producto de lo que nos rodea (la originalidad, por ende, siempre será un tópico cuestionable). El universo Marvin, que involucra revista, web y festival, tiene un solo eje: difundir lo que nos gusta y contagiarte de ese gusto, ya sea en la música, el cine, la pintura, la literatura, etc. Cumplimos 15 años difundiendo la creatividad, no ha sido fácil, pero son esos nombres, creaciones, movimientos u objetos que nos recuerdan por qué hacemos todo esto. A ellos, les rendimos tributo.
Women’s March
Jean Genet
DIRECTORIO PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@marvin.com.mx EDITOR UILI DAMAGE uili@marvin.com.mx COORDINADOR EDITORIAL PABLO PULIDO pablo@marvin.com.mx DIRECTOR DE ARTE HÉCTOR MONTES DE OCA hector@marvin.com.mx DISEÑO GRÁFICO ADRIANA GALLARDO adriana@marvin.com.mx RESPONSABLE DIGITAL ORQUÍDEA VÁZQUEZ orquidea@marvin.com.mx
COLABORAN EN ESTE NÚMERO Lenin Calderón, Aarón Enríquez, Arturo J. Flores, Hugo García Michel, Rubén Gil, Oscar G. Hernández, Juan Carlos Hidalgo, Borja Ilián, Vicente Jáuregui, Alejandro Mancilla, Toño Quintanar, Martín Rangel, Walter Schmidt y Rafael Toriz.. CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo J. Flores, Alejandro González Castillo, Jorge Grajales, Juan Carlos Hidalgo, Alejandro Mancilla. REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA TOLUCA EDUARDO URIBE MORALES aliasdg@gmail.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@marvin.com.mx PACHUCA ALFREDO GARCÍA r.u.d.o@hotmail.com
REDACTOR WEB DANIEL ARCIA daniel@marvin.com.mx
TORREÓN FERNANDO FERNÁNDEZ hanzeldice@gmail.com
REDACTOR WEB TOÑO QUINTANAR
IMPRENTA FOLI DE MÉXICO, S.A. DE C.V. Negra Modelo 4, Colonia Cervecería Modelo, Estado de México, D.F. C.P. 53330. Teléfono 9159 2200.
DIRECCIÓN COMERCIAL Y RP DELHY SEGURA delhy@marvin.com.mx ALIANZAS Y OPERACIÓN MONTSERRAT ASCANIO montserrat@marvin.com.mx
MVN 148 :: CORAZONES ROTOS
COMERCIAL ALEJANDRA LEAL alejandra@marvin.com.mx EDITOR CÓMIC ÓSCAR G. HERNÁNDEZ oscarghx@marvin.com.mx DISTRIBUCIÓN EDUARDO CORTÁZAR ROSAS MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com
Ilustración de portada: César Moreno
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Cozumel #61- PB. Col. Roma Norte CP 06700. México DF. Tel. (55)1998 0808 (55)1998 1818 Contacto: contacto@revistamarvin.com Suscripciones: suscripcion@revistamarvin.com
MARVIN
VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD.
Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 147correspondiente a: DICIEMBRE 2016-ENERO 2017. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2016-011911392500-102. MARVIN es una Marca Registrada.
Contenido
En portada 42 THE XX
Música
MVN :: 148
CORAZONES ROTOS FEBRERO 2017
De Fondo
Cine
Arte
8 LOS MEJORES DISCOS DEL 2016 12 LIT. ESTILO Y TENDENCIAS DEL MES 16 EN MEGÁFONO. Perfiles y noticias de música, cine y arte 26 INDUSTRIA: Tropic-All. 6 años de propagar el global bass en México 28 ATLAS SONORO: Roma. Italians do it better 30 FOXYGEN. Una banda mutante 32 ÁLVARO DÍAZ en comunicados de prensa 34 HUMBERTO POLAR. El sonido de la exploración vital 36 THE DRAGULAS 58 DE CULTO: Momus. Esto no es una broma. 50 ENREDADOS. En busca del amor virtual 52 ROMÁNTICOS NEKROMÁNTICOS. El amor es el nuevo sexo 54 BREVE GUÍA PARA ARRANCARTE DE MI CORAZÓN. Un aprendizaje cortesía de Cat Power, Sharon Van Etten, Angel Olsen y Norah Jones 64 MOONLIGHT. 60 DE CULTO: Jacques Remy. El eterno desencuentro
66 DE CULTO: Bob Flanagan. Ahí, donde el placer ha venido del dolor Marvinismo
Cómic
Literatura
Columnas
Stand-Up
56 COMO UNA CANCIÓN DE FOLK TRISTE. Un soundtrack a tu depresión estacional 72 LOS INSECTOS HUMANOS Y HEARTBREAK SOUP 74 CÓMIC DEL MES: Pachiclón 70 DIARIO DE UN SOLO. Una generación sofocada por la individualidad pero amante de Internet 76 BAJO PRESUPUESTO. El club de los corazones rotos del sargento García Michel. Por Hugo García Michel. 78 AGUARRACES PORTEÑAS. Entre Xalapunk y Buenos Bagres. Por Rafael Toríz 24 CARLOS BALLARTA.
Recomendaciones 80 EL PILÓN: Astrología emocional. El amor este año, según el horóscopo.
Editorial
F
Uili Damage @uili
ebrero, el mes del amor. ¿Realmente el amor puede ser el motor de la humanidad? ¿Puede hoy ser causa de guerras, como en la historia del caballo de Troya? ¿Puede conectar dimensiones, gente, esperanzas, solucionar males terribles, como en The Fountain, la incógnita película de Darren Aronofsky? Este mes se celebra por doquier a ese sentimiento sin definición clara. Ese sentimiento que puede hacer a una pareja o a una persona lograr lo increíble. Que igualmente puede hundir a alguien en el peor de los agujeros voluntariamente. Ese gemelo del dolor sentimental, que cuando es descubierto tiene el cinismo de perpetrarse con una cruel arma llamada esperanza. Este mes se celebra a los que encontraron el amor feliz y exitoso; a los que no sabían que lo podían vivir siquiera y se acercan ilusionados a probar suerte. A los que quieren. A los queridos. ¿Y los que fallaron? ¿Los que son o fueron víctimas del dolor encapuchado? ¿Los corazones rotos? A ellos es a los que decidimos celebrar en este número. No celebrar a manera de burla sino de consuelo, de compañía. De Solidaridad. Celebrarlos con arte, que históricamente se ha manifestado a través de los tiempos en los límites del amor y el desamor, desenmascarando, describiendo, explicándolos, validándolos. The XX, banda que luce nuestra portada, hablan de liberación del fracaso sentimental para replantear las posibilidades del aprendizaje obtenido del dolor, en su producción más reciente. Catalina Bu, en nuestra sección de literatura, acerca el foco a las generaciones aterradas por dicho dolor que buscan refugio en la modernidad y la tecnología para salir airosos de un caso de corazón roto. En nuestro acercamiento al noveno arte, Osamu Tezuka y Gilbert Hernández son quienes nos cuentan desde la novela gráfica japonesa y el cómic underground su visión acerca del fracaso de las relaciones de manera rotunda. Así, de página en página, sirva Marvin #148 para acompañar a los caídos en la despiadada batalla de las emociones; para consolarlos. Para reivindicarlos. La puerta sigue abierta, la luz sigue encendida.
OCURRENCIAS MUNDANAS x PABLO ZETA
Pablo Zeta es un ilustrador español que se dedica a construir coloridos mundos, habitados por extrovertidos personajes que hacen lo que los humanos nos gustaría hacer. Sus ocurrencias están a la orden del día en pablozeta.com
En portada
Los mejores discos del año 2016, el año en el que sucedió todo lo que pensábamos que no iba a pasar; entiéndase todos esos acontecimientos que estaría de más decirlo. En el aspecto musical, no hubo día en el que se bajara el ritmo. En cada segundo podía suceder una muerte, un nuevo lanzamiento o una noticia. Este año aprendimos que debemos estar más atentos que nunca, porque no sabemos cuándo el destino puede cambiar de manera abrupta. Marvin presenta, a continuación, la lista de los mejores discos del 2016: 30 piezas esenciales desde nuestra perspectiva editorial, siempre en búsqueda de lo nuevo, lo vanguardista, y sobre todo, lo emocionante.
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Titán Dama
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David Bowie Blackstar
¿Por qué es relevante? Bowie lo hizo todo, al grado de que en su último disco pareciera dejar un mensaje que reza “Escucha esto, te va a gustar, te va a hacer bien; no me cuestiones”. ¿A qué suena? A todas las ceremonias y persecuciones de la saga Los Juegos del Hambre seguiditas.
Si tomamos en cuenta la “vida útil” de un sencillo de música bailable en relación a la de un tema pop, el álbum Dama, de TITAN, de canciones de pop obscuro bailable consigue multiplicar muchas veces este rango. ¿A qué suena? A un club disco clandestino donde carga baterías Robocop.
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27 26 28 Hinds
Leave Me Alone
María Usbeck Amparo
¿Por qué es relevante? El exótico sonido tropical de Maria Usbeck es una muestra del sabor que se le impregna a las canciones cuando se tiene la intención de hacer algo del corazón. Sus dulces letras cautivan a cualquiera. ¿A qué suena? El fresco ambiente que se vive en una playa virgen y te deja percibir los sonidos de la naturaleza.
Japanese Breakfast
¿Por qué es relevante? Los rasgueos y la naturalidad con la que salen las canciones de Hinds es algo que no se escuchaba desde aquellas bandas de garage que sin efectos podían hacer piezas musicales majestuosas. Con este primer LP, las españolas se colocan como las favoritas de muchos y de las mejores propuestas que nos dejó este año. ¿A qué suena? Puedes hacer una recopilación de los grandes momentos que viviste junto a tus amigos en tu época de juventud, en donde la preocupación no era parte de tu vida.
Psychopomp
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Nicolas Jaar Sirens
¿Por qué es relevante? El reto de superar el segundo álbum es algo que muy pocos logran realizar sin miedo a ser atacados sin piedad; esta vez el neoyorkino lo hace posible y siguiendo un camino de la mano del downtempo, hace que esto se convierta en una fiesta tropical electrónica que nos lleva a un sinfín de dimensiones. ¿A qué suena? El sonido dance que siempre quisiste escuchar pero que te daba miedo experimentar.
¿Por qué es relevante? No toda la música necesita de un complejo concepto para validarse. Estamos frente a las alegrías y frustraciones de una compositora que no teme en mostrar sus influencias. Todos estamos construidos de contextos; nadie es más interesante u original. Es esta desfachatez la que convierte a Japanese Breakfast en un bocado agridulce que nunca queremos dejar de saborear. ¿A qué suena? A una borrachera en pleno miércoles, sin importar que al día siguiente tienes una junta importante con tu jefe. Al final, siempre hay una excusa de ir al baño para vomitar y dormir cinco minutos.
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Reflections in Real Time
Dos de los géneros más vanguardistas y propositivos que hay, géneros que desafían las fórmulas y forma son, desde hace siglos, el pop y desde hace varias décadas, los derivados de la cultura hip hop. Este disco lo ejemplifica. ¿A qué suena? A un día improbable en el que todo lo que viste por horas en la tele brincando de canales estuvo buenísimo.
21
Mitski
Puberty 2
Kanye West
The Life of Pablo ¿Por qué es importante? Se trata del álbum que forma parte de una etapa importante en la trayectoria de Kanye West, una que en términos de proyección pública parece ir en declive. Sin embargo, a pesar de las polémicas y las opiniones divididas, no cabe duda de que en The Life of Pablo, West sigue siendo un genio musical. ¿A qué suena? A la energía desencadenada de una confusión mental.
Kilo Kish
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Sheer Mag III
¿Por qué es relevante? En un momento en el que el rock y el punk sufren una crisis tremenda, Sheer Mag apareció para refrescar este panorama al incluir acertadamente algo de pop y letras sobre por qué la sociedad y el amor están igual de podridos. ¿A qué suena? A unos Gossip en sus primeros años, antes de que el glamour hiciera de las suyas y Beth Ditto pasara de ser una cantante cool a una víctima de la fama.
¿Por qué es relevante? Mitski Miyawaki presenta su cuarto disco; el primero para muchos. Si bien su voz repite tonos anclados en la tradición folkamericana que ya hemos oído, la forma de utilizarla con el tipo de rock pop alternativo que la acompaña, musicaliza de manera brillante esta vida en los dosmildieces… ¿A qué suena? A una hada madrina susurrando sosiego, acompañada por el ruido y atmósferas alternados como el deGuided by Voices, el Radiohead de Pablo Honey y el de Pavement juntos.
20 19
J. Balvin Energía
¿Por qué es relevante? Cuando un género provoca el descontento de una gran parte de la sociedad, significa que ha logrado su cometido: darle un nuevo giro al panorama musical. J Balvin es el líder de una nueva ola de compositores que ha posicionado al reggeatón como un sonido que debe ser tomado en serio, a pesar de todo lo que digan sus detractores. Con ayuda de un puñado de productores cuya visión abarca una gran cantidad de influencias, Energía es el resultado natural de una generación cansada de los mismos rostros y, principalmente, sonidos. ¿A qué suena? Al hoy. Así de simple.
Chance The Rapper
Coloring Book
¿Por qué es importante? Un disco monumental con una producción refinada que dirige el gospel, soul y rap hacia la libre exploración sonora. Un disco de diversas temáticas que desemboca en la celebración de la vida y lo divino. ¿A qué suena? A una fiesta desatada organizada por el coro de la iglesia
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Radiohead
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School of Seven Bells SVIIB
¿Por qué es relevante? A pesar de lo luminoso que pueda parecer este disco en primera instancia, se trata de una carta a Benjamin Curtis, la otra mitad del dúo quien falleció en 2013. Nueve canciones sobre la nostalgia sufrida tras grandes cambios y las dificultades de seguir adelante. ¿A qué suena? A un largo paseo nocturno en una ciudad desconocida, con millones de flashbacks que no dejan en paz a la mente.
A Moon Shaped Pool
¿Por qué es relevante? La forma y las nuevas corrientes que abarca Radiohead en este álbum de estudio es inigualable, desde la creación de melodías con softwares hasta tener una orquesta dentro de sus canciones, hace que la propuesta musical del quinteto de Abingdon sea de las mejores elecciones de música que permitas entrar a tus oídos. ¿A qué suena? Un paseo por los pasillos de un museo contemplando la exposición en turno.
Freetown Sound
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Kaytranada 99.9%
¿Por qué es importante? Se trata del debut de uno de los productores más emocionantes de la época. En 99.9% evidencia su capacidad para fusionar distintos estilos y empalmar tantos detalles para convertirlos en bombas para la pista de baile. ¿A qué suena? A fiesta en una terraza con chela en mano.
12 13 Bon Iver
How to Dress Well care
¿Por qué es importante? La etérea musicalidad en este álbum aunado al sentimentalismo que nunca recae en cursilería perfilan a Krell como la gran figura del pop/R&B actual. ¿A qué suena? A la transición entre la juventud y la madurez.
Malibu
¿Por qué es importante? La fuerza de este álbum deviene de su capacidad para impregnar lo mejor de los géneros que nos encantan: soul, R&B y hip-hop de los noventa. ¿A qué suena? Al Kendrick Lamar que nos conquistó en 2012.
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Exploded View Exploded View
Bood Orange
¿Por qué es relevante? Dev Hynes abandonó las cartas de amor para hablar de algo más urgente: la problemática social, racial y política internacional. Acá aparece una mutación muy arriesgada entre pop y R&B, en la que participaron Empress of y Carly Rae Jepsen. ¿Se necesita más? ¿A qué suena? A una tarde de domingo, con resaca y un insoportable arrepentimiento de haber sido sincero una noche antes.
Anderson Paak
22, A Million
¿Por qué es relevante? Un disco que le canta al alma. Pleno de efectos de sonido y estructuras complicadísimas, ya en la práctica cobran sentido y tocan fibras profundas. ¿A qué suena? A la voz interior del Mago de Oz explicando lo impredecible del universo, mientras manipula las palancas y perillas que le entregarán la respuesta a sus esperanzas al león, el espantapájaros y el hombre de hojalata.
¿Por qué es relevante? Sin contar el orgullo que lleva el éxito fuera del país de una banda 3/4 partes mexicana, más la voz e imagen frontal de una cantante con un buen nivel de abolengo underground (colaboradora de un Portishead)-, y tampoco las enormes alabanzas a su álbum debut recibidas por la prensa internacional más respetada, el producto de su talento resultó ser un trabajo musical tan completo y sobresaliente como el de las comparaciones históricas que puedan colgársele (“Cómo sonaría Suicide si cantara con ellos Nico”, se apuntó). ¿A qué suena? Como estar al timón de un submarino que está siendo arrastrado hacia la obscuridad de las profundidades y cuyo casco cruje por la presión.
10 9 8
Triángulo de Amor Bizarro Salve Discordia
Desde hace algunos años no solían salir sonido tan explosivos y envolventes de la península ibérica como los de Triángulo de Amor Bizarro, un disco que marca la consolidación de la identidad auditiva que los ha mantenido dentro de las mejores bandas de rock/post punk de España. ¿A qué suena? Un golpe de adrenalina que hierve por la sangre al subir a un juego mecánico o al estar en una situación en donde sabes que en algún momento todo va a estallar.
The Radio Dept. Running Out of Love
¿Por qué es relevante? La música política ha perdido popularidad en los últimos años; víctima de los fantasmas de su pasado, este discurso sonoro necesitaba algo de novedad. Entonces llegó The Radio Dept. para hablar sobre la crisis mundial (con hincapié en los conflictos internos de Suecia). Bailar y reflexionar sobre la sociedad también es posible. ¿A qué suena? A ese amigo divertido que en la borrachera habla de política.
Shura
Nothing’s Real ¿Por qué es relevante? El groove ochentero se hace presente en cada melodía de álbum debut de Shura, en donde la calidez y los ritmos te llevan a una dimensión llena de sintetizadores que te cobijan con suaves armonías. ¿A qué suena? Aquellos momentos en los que quieres dejar por un momento tu vida para ponerte los auriculares y sumergirte en un pop de niña bien.
6 7 Drake
Yumi Zouma Yoncalla
¿Por qué es relevante? El tesoro más preciado de Cascine hasta el momento, un sello neoyorkino que desde 2010 se dedica a promocionar el pop más colorido. Este cuarteto se encuentra repartido en distintas partes del mundo, sin embargo, la creatividad es más amplia que la distancia y Yoncalla es el concentrado de años de sensibilidad e inocencia. ¿A qué suena? A un viaje por la playa con todos tus amigos, tras una ruptura amorosa.
Views
¿Por qué es importante? Si bien Drake siempre ha sido criticado por no ser un rapero y encasillarse micho más en la música pop. Views nos ofrece el mejor panorama de su potencial como artista. Un disco que parece ver sencilla la formula para hacer hits. ¿A qué suena? A la mejor etapa de tus veintes.
1
Anohni
3
Hopelessness
Angel Olsen My Woman
5 4
Kedr Livanskiy January Sun
¿Por qué es relevante? Dejándote en una hipnosis musical, Kedr Livanskiy ofrece solitarias bases rítmicas que se entrelazan con cada uno de los bits que suelta la caja de ritmo, creando una pegajosa atmósfera de synthpop que sonará por un largo rato en tu cabeza. ¿A qué suena? Un solitario viaje por los lugares más lúgubres de la ciudad, con un toque rítmico que te impulsa a seguir adelante.
Whitney
Light Upon the Lake ¿Por qué es relevante? La salida de este primer material de la banda se m antuvo con un perfil bajo sin la intención de alardear las buenas ejecuciones que tienen estos chicos de Chicago al momento de tocar sus instrumentos. Una gran revelación de este 2016. ¿A qué suena? Una tarde en la playa, caminando por las orillas del mar y el viento soplando ligeramente tu cuerpo.
¿Por qué es relevante? El súper poder de Angel Olsen es tener al escucha expectante. Tenernos completamente embelezados con una melodía de americana/folk y sin darnos cuenta, a media canción, tenernos aplastados bajo un dolmen de distorsión y feedback puros. Y justo cuando nos levanta el castigo, el siguiente cañonazo de indie pop será aún más fuerte. ¿A qué suena? Suena a una revolcada en el pasto verde y crecido, a campo abierto soleado, mientras cae un relámpago partiendo una roca gigantesca a pocos metros de distancia.
2
Jessy Lanza Oh No
¿Por qué es relevante? El regreso de Jessy Lanza es aún más pop, sofisticado y sexual. Una distribución equilibrada entre sintetizadores y soltura vocal. Fue co-producido por Jeremy Greenspain (de Junior Boys), quien le dio ese toque de minimalismo que a Jessy le faltaba para ser casi perfecta. Oh No es nuestro Art Angelsdel 2016. ¿A qué suena? A cuando te das cuenta que tu ligue se está convirtiendo en algo más serio, porque esos besos y caricias se sienten más que antes.
¿Por qué es relevante? HOPELESSNESS es el primer material de ANOHNI convertido en una hermosa muestra de cómo transformar el enojo, el coraje y sobre todo la desesperación en algo hermoso y poderoso. HOPELESSNESS va más allá de los temas comunes y banales para sumergirse en un contexto político que reclama el daño causado a la tierra a través de himnos que inspiran conciencia y reformación. Un trabajo que catapulta a la hermosa ANOHNI como una de las grandes figuras de la música contemporánea. ¿A qué suena? A una protesta sin pancartas, hecha desde el corazón.
Estilo
Es invierno en la Ciudad de México y como ya es costumbre, “disfrutamos” de uno de los climas más impredecibles en décadas. ¿Lluvias?, ¿vientos?, ¿sol?, ¿heladas?. Todos y ninguno. Necesitas ser una “navaja suiza” en estilo y estar preparado para todo clima/todo terreno. Aquí tres sugerencias que cumplen con los estándares mínimos de supervivencia al invierno capitalino
Adidas Levi’s
PRIMAVERA-VERANO LEVIS 2017, PARA LOS QUE AMAMOS LOS CLÁSICOS Levi’s celebra la música con una combinación de prendas de la vieja escuela fresca y dinámica: la colección Orange Tab inspirada en los años 60 y 70; los 501 actualizados; los clásicos jeans 517 bootcut recortados, la falda línea A, overoles ligeramente acampanados, los 505C cortos para mujeres; Los jeans 517 bootcut, los 510 Skinny, los 505C y la Trucker jacket para hombres. La colección de esenciales masculinos con las características pocket tees, sudaderas y camisas western originales; y para mujeres camisetas que combinan perfecto con los 711 Skinny o los nuevos 501® Skinny y tops blancos con detalles como delicados bordados y encajes. ¡Más días soleados, imposible!
ADIDAS ORIGINALS PROPONE XBYO, STREETWEAR ATEMPORAL, BÁSICO Y PREMIUM XBYO cuenta con un acercamiento de “código abierto” al diseño, con una colección simple y atemporal que une pasado, presente y futuro; retoma las primeras piezas de adidas Originals, que llevaban el gráfico de “X” sobre el talón de los sneakers 1959 adidas Italia, pero los cortes de las prendas fueron concebidos por el reconocido modelista Satomi Nakamura, logrando un estilo limpio y sofisticado; la colección es de algodón japonés tipo terry, enfatizando las bases del estilo contemporáneo, mezclando el diseño minimalista con lo mejor de la confección y creatividad
TUK
¿PUNK... A-BILLY EN LOS PIES? Desde su inicio en 1991, T.U.K. es una empresa de calzado original para hombre y mujer. El estilo y estética con que comenzó T.U.K hace 25 años sigue siendo el mismo: zapatos inspirados en la música, el arte y la moda, para e inspirado por artistas, bandas, fanáticos de la música, la moda, y las personas con gustos eclécticos: Creepers, Heels, Platforms, Mary Janes, Anarchic Combat Boots, Creeper Wedges, Creeper Sneakers, T.U.K. VIVA Creepers... ya puedes adquirir en México los zapatos que te van a acompañar a correr todos los callejones obscuros y sombríos durante la noche de rock and roll.
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Tecnología
Samsung SAMSUNG ELECTRONICS CO. LTD. ANUNCIÓ LA EXPANSIÓN DE COMPATIBILIDAD ENTRE LOS MÁS RECIENTES INTEGRANTES DE LA FAMILIA GEAR (GEAR S3, GEAR S2 Y GEAR FIT2) Y EL SISTEMA OPERATIVO IOS. A partir de este mes, los usuarios podrán descargar las aplicaciones oficiales de Samsung: “Gear S”, para los dispositivos Gear S2 y Gear S3, y “Gear Fit”, para el Gear Fit2, a través de la tienda virtual Apple App Store. Una vez instaladas estas aplicaciones, los usuarios serán guiados, paso por paso, para concluir la vinculación del sistema operativo iOS con su dispositivo wearable de Samsung de manera exitosa. Los dispositivos compatibles incluyen: iPhone 5, iPhone 5S, iPhone 5C, iPhone 6, iPhone 6+, iPhone 6S, iPhone 6S+, iPhone 7, iPhone 7+ e iPhone SE (iOS 9.0 y superior).
Logitech PRESENTA UN SOPORTE INTELIGENTE En colaboración con Telcel, Logitech presentó algunos accesorios para convertir cualquier auto en uno inteligente. Con Logitech ZeroTouch el usuario puede hablar, textear y dar instrucciones al smartphone sin necesidad de tocar el dispositivo. El accesorio es compatible únicamente con android y está disponible en tres colores (rojo, blanco y negro) siendo este un gran gadget si es que tu auto no tiene pantalla o un sistema inteligente incluido.
Sony Yahoo!
CES 2017
CAMBIA DE NOMBRE Y DE PRESIDENTE Verizon está absorbiendo el negocio operativo de Yahoo! y esto ha causado algunos movimientos; la empresa de telefonía está por concretar la compra del que alguna vez fue un gigante en el internet. Además de Marissa Mayer quien fungía como presidenta de la compañía, el cofundador Davis Filo y algunos directivos más podrían renunciar luego de que la venta sea concretada. Otro punto a remarcar en este movimiento es el cambio de nombre de Yahoo! que ahora se llamará Altaba, todavía no están claras las consecuencias que tendrán algunos productos de la empresa como Tumblr, que fue adquirida hace algunos años por Yahoo!.
Para quien no tenga contexto de qué es el CES, es la feria de tecnología más importante en el mundo. Esta feria no ha dejado de presentarse desde 1967 y es en donde muchas de las empresas que fabrican electrónicos relacionados a la industria de consumo muestran productos que verán la luz en un futuro cercano, o tecnologías que están en fase de experimentación y pruebas. Este año la resolución de video en 8k estuvo presente en las pantallas que presentó LG, Sony y Samsung. Igualmente, el llamado “Internet de las cosas” tuvo más empuje con dispositivos como Alexa de Amazon que se convierte en un asistente en la casa y tiene la capacidad de ser el centro de control de otros aparatos inteligentes.
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UN PS4 SLIM CON ELEGANCIA Sony lanzó el año pasado el PS4 slim y el PS4 Pro, a esta oferta se le suma el color Glacier White de PS4 Slim que estará disponible para la versiones de 500 GB y 1 TB. Por ahora Sony sólo ha confirmado la llegada de este nuevo color a los mercados de Europa, Asia y Japón y nada más nos queda esperar a que se anuncie la llegada de esta consola a nuestro país. Se prevé que el costo de la consola rondará entre los $5,500 y $6,600 pesos dependiendo de la capacidad de disco duro.
“Amor, no juego para ganar Sólo por la emoción hasta desgastarme”. —St. Vincent
Foto: Feli Gutiérres, Corona Capital 2014
“Puedo verme cantando ese himno Que escribimos juntos”. —Sigur Rós
Foto: Feli Gutiérres, Corona Capital 2013
En megáfono
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LIGARTE A LA CHICA MÁS GUAPA PARECÍA UNA TAREA FÁCIL El protagonista es el típico niño enamoradizo que nadie pela y que apuesta por las grandes ligas para poder conquistar a la chica más guapa de la ciudad. ¿Qué debes de hacer? Fácil, presumir que tienes una banda de rock y listo, consigues un “felices para siempre”. Pero claro, implica esfuerzo y dedicación, algo que Cosmo nos enseña, ya que hasta el momento en el que conoce a Ruphina, esa banda de rock sólo existía en su imaginación, pero eso no lo detuvo, al contrario, es el hecho que desata la historia de cómo conquistar a tu crush.
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NADIE TE CRITICABA POR PARECER UN FREAK La historia se desarrolla en Dublín, el lugar donde en los 80 a la gente no le importaba lo que dijeran en cuanto al aspecto físico que tenían o la manera en la que se comportaban. En Sing Street, Cosmo nos muestra el proceso para definir su identidad, todo a través del uso de maquillaje y ropa rara, tal como una estrella de rock, al estilo original y loco del mismísimo David Bowie o Robert Smith.
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EL SOUNDTRACK EXPONE LO MEJOR DE LA MÚSICA DE AQUELLA DÉCADA El soundtrack de Sing Street es una explosión instantánea de emociones, flashbacks y recuerdos de agrupaciones icónicas que han marcado la historia de la música. Si te adentras al mundo musical de esta película podrás disfrutar de canciones de The Cure, Motörhead, Duran Duran, éxitos como “Maneater” entre otros que sólo van haciendo aún más perfecta esta historia. Por supuesto que también hay canciones originales que son el plus perfecto para denominarla como una gran obra que ataca directamente a nuestra nostalgia.
5 razones por las que
Sing Street
te hará desear haber vivido en los 80 No se necesita un pretexto para poder hablar de una película como lo es Sing Street, un trabajo de contenido visual y auditivo que habla por sí sólo. De hecho, sobran motivos para verla y muchas razones más por las que hará que quieras regresar el tiempo y vivir justo en la década de los ochenta.
TXT:: Patricia Girón Velarde FOT:: xxxxx
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HACER MÚSICA EN LA SALA DE TU CASA NO ERA TAN MALA IDEA Conocemos historias de bandas que empezaron en la música tocando con sus amigos en la cochera abandonada de sus casas y que hoy, son famosos; pero la historia de Cosmo, Darren, Eamon, Ngig, Larry y Garry comienza en casa de uno de ellos, con todo y su mamá cruzando por la sala. En esos tiempos no se necesitaba mucho para poder ser famoso, lo que sobraban eran ganas de reinventar la música y hacer historia como los grandes que hoy recordamos.
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LOS CONFLICTOS EXISTENCIALES ERAN LO MEJOR QUE TE PODÍA PASAR La música por sí sola nos provoca un sinfín de emociones, pero si le agregamos el factor lírico, nos provoca un millón más. Cosmo escribía las letras de sus canciones basado en cada experiencia que vivía y su gran inspiración era Ruphina; no por nada dicen que los mejores músicos siempre necesitan una musa y algo de tristeza para crear sus mejores obras.
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En megáfono
Editorial Malpaso El lado cool de la lectura TODO COMENZÓ con una llamada teléfonica a la redacción de Marvin. Una mujer al otro lado de la línea, nos pide un poco de nuestro tiempo. Con el riesgo de estar hablando con alguna oficina de RP que se esmera en ofrecer contenido de jabones o, peor aún, de algun artista homolog@ de Paulina Rubio, decidimos tomar la llamada. Grata la sorpresa que nos llevamos a los pocos segundos. Resulta que esta persona se comunicó para hablar sobre Editorial Malpaso, una iniciativa de Barcelona que, entre todas las premisas de su decálogo, tiene el objetivo de: 1) Animar conversaciones. 2) Contribuir al discurso literario, político y de pensamiento y 3) No ser uno más. El catálogo de esta editorial comprende diversos géneros, siendo el ensayo su acento. Esto puede causar distancia a gran parte del público, pero todo lo contrario, Editorial Malpaso se enfoca en tema de interés y actuales sobre los cuales no se ha profundizado y he ahí su valor: un entendimiento total con el lectores sobre la forma y contenido de sus libros. Al navegar entre sus diferentes títulos, los siguientes fueron los que más nos llamaron la atención:
Morrissey Autobiografía Por fin disponible en español el libro que reveló los secretos de un cantante que por décadas nos ha tenido en misterio (y morbo). El exlíder de The Smiths se destapa ante nosotros en cada una de sus páginas, que abarcan memorias desde su infancia, pasando por la llegada a la fama y concluyendo en una actualidad impredecible.
Bob Dylan Letras completas Compendio que presume de ser la antología más completa de la obra lírica de este recién ganador del Nobel de literatura. Esta edición reúne todas las canciones del autor de “Like a Rolling Stone”, tanto en inglés como en español.
Philip Glass Palabras sin música Considerado el padre de la música minimalista, Philip Glass es una referencia sonora del siglo XX. Concentrado en la música de cámara, así como de música cinematográfica, este libro es otra autobiografía que nos ayuda a comprender su mente y obra.
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MVN-148
En megáfono
Perdidos en un oasis llamado
ESTÁ SALIENDO EL SOL, a lo lejos se puede escuchar el aterciopelado oleaje matutino de un mar que pronto se volverá inquieto, el cuarto da la sensación de estar preparado para recibir la mañana, los colores se vuelven más vivos y parecen tener aroma. Una breve vista a la ventana nos confirma que estamos en un lugar que podríamos describir como lo más cercano a un paraíso. Nos encontramos en el Mahekal Beach Restort, un nuevo concepto de hospedaje ubicado justo en el corazón de Playa del Carmen (ese edén que año con año atrae a miles de turistas), inspirado en la naturaleza y la cultura ancestral mexicana. La sensación de estar un espacio de ilimitada belleza, se debe a que este resort interactúa con la naturaleza del lugar con cada rincón de sus instalaciones, provocando el mayor de los bienestares. Aquí el ambiente se percibe distinto, desde un inicio se nos invita a experimentar un momento único, entonces, la clave aquí es dejarse llevar. Decidimos adentrarnos a sus tres restaurantes, sólo para asombrarnos de la exquisitez de sus platillos, que combinan los sabores de toda América. Tras un breve trago preparado al momento, caminamos por la playa y disfrutamos de un concierto de jazz, que musicalizaba el oleaje y daba la bienvenida a la Luna y su vestido nocturno, brindamos con nuestros cómplices de hospedaje y, durante el resto de la velada, nos dedicamos a intercambiar historias. Con tres piscinas, jacuzzi, sala de spa, gimnasio, salas de juego, bar y una vista espectacular, lo último en lo que piensas es en revisar tus redes sociales, pues el objetivo aquí es envolverte de cada una de las atracciones del lugar sin ninguna distracción. De hecho, las habitaciones no cuentan con televisión, pero en medio de este oasis, ¿quién necesita de una? Nadie había entendido tan bien la belleza de Playa del Carmen, y aún más, maximizarla, como lo hace Mahekal Beach Resort, la excusa que necesitábamos para escaparnos de la cotidianidad y disfrutar, por un momento, de los pequeños placeres de un paraíso en la Tierra.
Mahekal Beach Resort
FOT:: Cortesía del complejo
Fue en el Mahekal Beach Resort, donde se hospedaron los disc jockeys y productores que formaron parte del emocionante DJ Fest (realizado los pasados días 29 y 30 de diciembre en Mamita’s Beach), los cuales pudieron disfrutar de este gran complejo de 196 habitacionesbungalow de estilo GypSet, llamado así por su diseño que combina lo bohemio con lo conceptual.
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Stand-Up El mayor de 3 hermanos, oriundo de Xochimilco, “exiliado” del Estado de México, Vallarta en su acta de nacimiento y Ballarta en la marquesina (por aquella frase que se apropió y que reza “balebergalabida”), es un greñudo de un metro noventa de alto, gafas a la Kurt Cobain y presencia serenísima quien se ha convertido en el favorito, no sólo del público sino hasta de los comediantes.
SUS REFLEXIONES PONEN en evidencia la vida en la ciudad, con sus contradicciones y especialmente, sus surrealismos. Muchas señalan las constantes frustraciones menores a las que estamos expuestos en nuestra cotidianidad y así nos convierte, frase a frase en cómplices y testigos de esta gran tragicomedia, todo a punta de carcajadas... ¿Como arrancaste? En el Beerhall. Yo estaba estudiando doblaje con Paco Maya. Fuimos a ver un show de standup y a Paco le gustó y empezó a buscar dónde hacerlo. Terminó encontrando a Héctor Suárez Gomiz y él le dijo que en el Beerhall probaban chistes... Paco empezó a ir y me invitaba. Me gustó, me inscribí y ya me subí. ¿Ahí lo conociste o ya conocías el stand-up de antes? Sabía que era la comedia que hacían los gringos, pero no sabía bien de qué se trataba. No había visto comedia gringa hasta que empecé a hacer esto. ¿Por qué te metiste a hacer doblaje? No me aceptaron en la Universidad. En tres distintas. Quería estudiar cine. Fui al CCC, al CUEC y a comunicación en la UNAM y ninguna. Ya había pasado cuatro o cinco años encerrado en mi casa estudiando la prepa, y en ese momento me acordé que desde chico me gustaba el doblaje. Le pregunté a mi jefa si me ayudaba con esa carrera y me metí. Ya después me metí a trabajar de eso y me pude independizar. ¿Qué fue tu primera chamba? Doblaje. No era nada famoso. Tenía participaciones pequeñas y algunas grandes en películas muy desconocidas. Salí en 3 series de Discovery Channel, en Gotham, que es una serie de Batman de niño... después me salí y le cambiaron la voz. ¿Del doblaje te trajiste algo al stand-up? No. Me acuerdo que cuando empecé a hacer stand-up, no hablaba bien; no sabía cómo modular, cómo pronunciar bien. Las primeras veces estaba muy nervioso; no estaba en un estado de raciocinio... pensaba “esto va a pasar” antes de subirme al escenario y arriba no recuerdo hacer nada más que estar en estado de inercia y no procesaba las cosas... todo lo contrario de lo que te enseñan en doblaje.
¿Estudiaste algún curso? Gus Proal hacía un curso de mes y medio y fui a dos o tres clases. La primera cosa que escribí fue algo que había pensado hacía mucho tiempo, de chico. Pendejadas que se me quedaban en la cabeza. ¿Hace cuánto empezaste? En diciembre de 2012. ¿Cómo ves la escena con la que empezaste, comparada con la de hoy? No estoy muy al tanto de los comediantes “recientes”, pero yo me acuerdo que cuando empecé, la mayoría de los que estaban empezando a hacer algo bueno, todos eran muy buenos. Siempre hay elementos que no trascienden, pero siento que ahora hay menos personas que tengan material chido de ver. A lo mejor estoy generalizando porque ya hay mucha gente y supongo que si veo 3 malos de 5 me voy pensando que todos están malos... pero me da la impresión de que no ha salido aun uno muy, muy bueno. ¿Quiénes son tus favoritos? Richie O’Farrill, Fran Hevia, Juan Carlos Escalante, Daniel Sosa, Coco Celis, Alex Fernández... ¿Alcanzas a distinguir al comediante en el que te has convertido? Cuando te vi al inicio, hablabas con la boca muy entrecerrada... de repente ya te echaste una trayectoria envidiable en muy poco tiempo, Suelo minimizar mucho las cosas que hago. Casi siempre tengo problemas en saber -errónamente tal vez- que entre a más gente le guste lo que hagas, significa que eres bueno en lo que haces. No me quiero confiar en que estoy haciendo algo chingón, porque siento que me voy a dar por bien servido y ya no voy a funcionar. Necesito la emergencia, o la alerta de pánico que me diga quer todo puede valer verga, y que no está todo tan cimentado. Tengo que estar contándome historias de terror para no quedarme en un sólo lugar; a mi mamá le preguntaron en el hospital donde trabaja que si era mi familiar por el apellido -es el nombre que uso-, y hay varias personas que me dicen “tal persona te conoce, este otro también te vio”... ¿Cuáles recuerdas que sean de tus peores momentos en el escenario? Últimamente tuve tres shows privados que me dieron en la madre. Los shows privados son para
una empresa que te contrata porque le gustas a un wey que tiene poder en esa empresa y te propone. Y te ponen a hablar con gente que a lo mejor no les gusta mi humor, pero a él sí y como es el jefe no le importa. Entonces los tres shows fueron para gente que no sabía quién era, no eran de mi estilo, eran señores ya grandes, de traje, muy elegantes “de sus fiestas de año nuevo” y yo diciendo “ano” y “verga” en el escenario... pues obviamente se molestaban y ya me bajaron. El segundo show, lo mismo, en una hacienda en el Estado de México. Me fue muy mal, me bajé. Hoy fui a un salón de eventos bien culero... siento que, por lo menos mi comedia no funciona en esos eventos si no está ya preestablecido este mood de que “van a ver comedia”, sino que están en su cena de navidad y “sorpresa”. O estás en el programa de fiesta, pero nadie lee el programa. Me molesta mucho porque estoy atrapado, no estoy haciendo reír, la gente te está abucheando y no te puedes bajar, o te puedes bajar pero asumes las consecuencias. En un show me bajé antes de tiempo y después ya me querían demandar. Yo digo, “si quieres ten la mitad del dinero”, pero no me voy a quedar una hora a intentar entretener a un público que no quiere entretenerse con comedia; no lo voy a lograr, nada más les arruino su fiesta. ¿Cómo te fue en el Teatro Metropolitan? Yo estaba cómodo porque no era mi show, sino de Richie. Pero también estuvo verga que me haya invitado a abrir ese show de tres mil personas. Cuando acabé me salí a la parte del público para ver cómo se oían tres mil pendejos riéndose. Fue más emoción de esperar a salir; pero me sentí más chido y orgulloso de Richie, por llenar ese lugar con comedia. Ya lo llenó Franco Escamilla antes, pero soy más cercano de Richie. ¿Qué comedia haces? He oído muchos buenos comentarios, unos que dicen que mi comedia es muy culera y otros que es muy inteligente. En un video en YouTube me comentó un señor que “qué chido que haya comediantes en este país que le tiren mierda al gobierno”. Nunca he hecho eso, pero la gente interpreta ciertos mensajes a su modo. Mi forma de pensar es bastante pendeja. El único criterio que tengo cuando escribo es hacerlo lo más pendejo posible y me sorprende mucho que la gente diga que es muy ofensiva, muy inteligente o inteligentemente ofensiva. Yo creo que hago comedia muy pendeja.
Carlos Ballarta TXT:: Uili Damage FOT:: Yara Cavazos
Industria
TXT:: Vicente Jáuregui FOT:: Héctor Mendoza (Tlatolcuapalli)
6 años de propagar el global bass en México Con una larga trayectoria detrás de las tornamesas, Guillermo Lemus, mejor conocido en los bajos mundos como Disque DJ, decidió fundar una netlabel hace exactamente 6 años, en la Ciudad de México.
DESPUÉS DE COMPROBAR la efectividad de sus sets de freestyle tropical en incontables fiestas, Lemus decidió usar su maestría en diversos géneros para fundar Tropic-All, un sello enfocado en las tendencias del global bass (indistintamente llamado como tropical bass), esa ave colorida que hermana ritmos de raíz africana –pero surgidos en Latinoamérica–, como son la cumbia, el reggeatón o la bachata, con corrientes electrónicas que van del tribal al house, el trap, el moombahton o el zouk. Después de asistir a un festival en Tijuana, Guillermo notó la existencia de varios proyectos que compartían una reinterpretación de la música tropical electrónica (léase Los Macuanos, María y José, Santos, Capullo, Waya Waya). A partir de ahí, la idea de fundar el sello parecía coherente y oportuna. Hoy, son más de 25 los lanzamientos de Tropic–All, con artistas como Sotomayor, Borchi, Fake Moustache o los referidos Santos y Capullo. Para celebrar los primeros 6 años de Tropic-All charlamos con Lemus sobre varios tópicos de su carrera.
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¿Cómo decide alguien como tú ser DJ? ¿De dónde te surge la idea de hacer esos DJ sets tan versátiles como los que te identifican desde hace 15 años? Guillermo Lemus: Desde pequeño tenía esa espina. En las fiestas familiares, siempre terminaba yo poniendo los CDs para evitar que me pusieran a bailar. Pero, sobre todo, porque me gustaba más ver a la gente bailar. Después, ser DJ se convirtió en una ilusión, un sueño. A partir de los 13 o 14 años fue cuando conocí formalmente lo que era ser uno. Me gusta mucho la música y de repente es aburrido estar haciendo y tocando el mismo género, por eso me gusta saltar de uno a otro género de manera natural e indistinta. ¿Qué tanto afecta el “código postal” de Iztapalapa para lo que haces como productor, sobre todo para tu trabajo haciendo mashups? GL: Mi trabajo en mashups es algo que hice al inicio. Actualmente, el espíritu de eso lo plasmo en remixes. Al inicio, ser de Iztapalapa me afectó de una manera natural al estar expuesto a los “sonideros” y toda su música. Para quienes no tienen clara la diferencia ¿cómo explicarías qué distingue un mashup y qué define un remix? GL: Un mashup es el resultado de editar y mezclar 2 canciones o más que ya existen, no existe nada original salvo lo virtuoso de la edición. Un remix es crear una pieza nueva y diferente tomando elementos del track original (quizá la voz, guitarra, piano, coro, etc.). Fundar una netlabel es una empresa tan aventurada como divertida. ¿Desde cuándo visualizas que podrías estar al frente de un sello? GL: No, fue algo que tuviera en mente desde el inicio. Las circunstancias fueron llevándome a ese camino. Conocer más proyectos y saber que había una conexión más directa con el público, fue en general lo que me animó a hacerlo. ¿Siempre tuviste claro que el sello estaría enfocado en proyectos cercanos al tropical bass y a la fiesta? GL: No, lo que tenía claro es que sería de proyectos mexicanos que estuvieran trabajando con música electrónica y fusiones de música tropical y regional. El tropical bass es un término que llegó poco después a darle sentido. ¿Cómo arranca Tropic-all? Cuéntanos un poco la historia de los primeros días, los preparativos y cómo enfrentas la parte de aprovechar las plataformas digitales para subir la música de los artistas. GL: Básicamente fue una convocatoria. Mandar un e-mail a todos los contactos que conocía en la música, para invitarlos a ser parte de una compilación que sería gratuita. Eso fue el principio, regalar la música. Conforme los artistas iban creciendo requerían de adquirir equipo y otras necesidades, conforme las plataformas digitales salían a algunos les interesaba ganar dinero para “recuperar” algo de lo invertido y entonces se sumaban a esa distribución.
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Sotomayor, Beat Buffet, Capullo, Los Macuanos, María y José, Pedro Infame, Santos y Javier Estrada son algunos nombres que representan a Tropic-all, ¿cómo se da la curaduría? ¿Vas eligiendo los proyectos, o son ellos quienes te han buscado para formar parte del sello? GL: Es buscar sonidos que a mi parecer tengan “algo particular”, “propositivo”, que tengan cierta calidad de producción. Ahora es muy fácil que cualquiera con una computadora e Internet haga música, pero muchas veces caen en la repetición e imitación, algunas veces me recomiendan proyectos, otras veces me envían cosas por Facebook, otras yo les escribo, pero todo es basado en esa búsqueda. ¿Qué ofrece Tropic-all a sus artistas? Sobre todo ahora que la tendencia de los proyectos musicales es la autosuficiencia. GL: Ahora, con más años y experiencia, el abanico de opciones se ha ampliado (booking, producción, prensa, management), pero al ser independiente, no existen los recursos para soportar a proyectos que desde el día uno, quieren ganar dinero sin siquiera tener un disco editado. Este 2017 cumplen ya seis años, ¿cuáles han sido los mayores aciertos y los mayores retos para mantenerte a flote? GL: El mayor acierto que descubrí, y no sólo para el sello, es la “constancia”. En algún momento quise tirar la toalla, pero viajar me permitió darme cuenta de otras realidades. Hay muchos sellos, hay otros más populares, otros más grandes, pero ni el dinero ni la fama burda es un objetivo, por eso, cada vez más, el filtro para sacar algo es más exigente, el reto es trascender géneros de una manera inteligente. ¿Es rentable tener una netlabel en la actualidad? GL: Depende del proyecto y de los recursos invertidos. Tienen un programa de radio en Reactor 105.7 llamado Tribu y han realizado fiestas con el mismo nombre; además, ampliaron sus horizontes y han tenido representantes en escenarios del extranjero, ¿qué viene en el futuro este 2017 para Tropic-all? GL: Profesionalizar el sello, instalar una oficina, un pequeño estudio y sacar más música. Finalmente, ¿qué aconsejarías a alguien que está buscando este camino actualmente? GL: Fíjense objetivos, háganlo con honestidad. Si es por amor al arte hazlo así, si es para ganar dinero, que ganen todos y, sobre todo, el músico.
Atlas sonoro
Roma Italians Do It Better
TXT:: Alejandro Mancilla @nosoymoderno
Lo primero que se nos viene a la mente a muchos al escuchar la palabra “Roma” –musicalmente hablando– es el legendario rock progresivo italiano y, en el otro extremo, el lúdico e influyente italo-disco.
EN LA VIDA y el inconsciente colectivo, lo cierto es que Italia, específicamente Roma, tiene una tradición de rock y pop casi tan importante como la pizza lo es para el mundo. Influenciado por la música melódica, los primeros esbozos del rocanrol romano son paralelos al estallido del movimiento en occidente. Tenemos que mencionar a artistas como Vasco Rossi, Ligabue o Zucchero para entender la importancia del género; a Fabrizio de André (una suerte de Dylan romano) o a Vasco Ross. Pero hablemos de rock progresivo italiano. Cuando la escena surgida en Inglaterra se expandió por el mundo, en Roma este estilo fue más que aceptado. Bandas como Premiara Forneria Marconi, Banco del Mutuo Soccorso y Le Orme, fueron la punta de lanza de una tendencia que conquistó
miles de oídos, y que también incluye a bandas como Camaleonti o I Pooh. Otras agrupaciones que venían de la psicodelia setentera como Jumbo y Formula 3, recogieron esas influencias que combinan música clásica, canción tradicional italiana y rock. En esas épocas, cuentan los historiadores del rock italiano, surgió otro curioso movimiento social, que consistía en que el público no pagara por asistir a los conciertos bajo el lema “Il biglietto non sí paga” . El llamado spaghetti rock fue otro de los hitos de la época. La música local se comenzó a volver masiva a finales de los 70, en parte por el auge de esos monstruos del rock progresivo que aún no sufrían los estragos de la caída del meteorito punk mundial. El italo-disco por su parte, fue un fenómeno surgido en las entrañas del movimiento gay
setentero, cuya influencia se extendió por el mundo a principios y mediados de los 80. Exponentes importante de este sonido fueron Ryan Paris, Kano, Den Harrow, My Mine, Scotch, Fun Fun, Styloo, Savage, Baltimora y Ken Laszlo. Por su parte, el punk tuvo como representantes a bandas como CCCP Fedeli alla Linea, quienes se describían como “punk pro-Soviético”, algo muy peligroso para los 80; además, en esos años de peinados a la A Flock of Seagulls, destacaron bandas como Denovo, Litfiba o los skateros de Radici Nel Cemento. Entrados los años 90, surgen bandas que hoy son consideradas pioneras de eso que se conocía hace épocas como rock alternativo: Afterhours, C.S.I. y Marlene Kuntz. Unos años después, arriban proyectos como Calibro35, Ex-Otago,
The Zen Circus, Negramaro (que incluso fueron producidos por Brian Ritchie de Violent Femmes) o los góticos de Diaframma, quienes dieron pauta a un movimiento de música independiente bastante vigoroso, entre los que vale la pena mencionar: Il Genio, un dueto de pop luminoso con influencias de la canción ye-ye y el tecnopop y, del lado del metal (aunque no son de Roma sino de Milán), los nihilistas conocidos como Lacuna Coil. Actualmente, hay un movimiento muy en deuda con el indie rock, del que hay que seguir a Yombe, un oscuro grupo que mezcla italo-disco con música tribal; Years without days, The Love Thieves, Gazebo Penguins (un combo de posthardcore cuasi humorístico) y Bud Spencer Blus Explosion. Así algunas de cosas a destacar sobre el rock en la que fue la ciudad favorita de Marcello Mastroianni.
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La Casa al Mare “El shoegaze es aburrido”
LA CASA AL MARE RECOMIENDA:
Snow in México snowinmexico.bandcamp.com Interesante banda de dream-pop hecho en Roma que no titubea en agregar sintetizadores lúdicos a su ruido ambiental. ¡Molto buono!
CON UN SONIDO heredado – evidentemente– de bandas como My Bloody Valentine y el shoegaze más ensoñador, la banda radicada en Roma e integrada por Paolo Miceli (baterista), Marco Poloni (bajo) y Alessio Pindenelli (guitarra y voz), se puso un tanto “punk” durante la entrevista. El grupo oriundo de Roma, cuenta con un gran EP (This Astro) que derrama noise-pop de primer nivel (se puede escuchar en Spotify). Los integrantes del grupo, contestaron a las preguntas… pacientemente, por así decirlo.
pero igual mucho de Ravi Shankar y Françoise Hardy, por ejemplo… Alessio: Es una influencia en todos los sentidos. Lo que me gusta de ellos es su espíritu de experimentación. Marco: Sólo digamos que estamos parados en los hombros del gigante…
¿A quién va dirigida su música o qué quiere provocar? Marco: Una sensación de pérdida. Paolo: La esperanza de que la gente piensen que escribimos estas canciones para ellos, así como nosotros suponemos con los grupos que nos gustan. Alessio: Personalmente me gusta la música cuando me hace sentir inestable.
¿Hacia donde va el shoegaze? ¿No hay riesgo de que el género comience a ser reiterativo? Alessio: Tiene que recurrir a otros sonidos, no a los mismo esquemas. Tiene que ser el punto de partida para algo nuevo, pero mezclado con cosas diferentes. Paolo: El shoegaze es aburrido, claro, cuando lo haces al pie de la letra o bajo las instrucciones de un manual.
Cuando los propuse en la revista, me dijeron “adelante, suenan a que traen tatuado a My Blood Valentine en la frente”… Paolo: Claro, esa banda y todos los nombres épicos que se te ocurran,
En cierto modo sí, ¿y ustedes porque no componen mucho en italiano? Alessio: Tratamos de usar la palabras como un sonido, y el inglés es más elástico en ese sentido. Paolo: La respuesta está en la
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¿Cuál es la reseña más interesante que les han hecho? Paolo: El blog Sounds Better With Reverb, dijo que sonábamos como un grupo de niñas.
pregunta: italiano es para los italianos, queremos llegar a mas gente no italiana. Esa respuesta me sonó como la de la doctrina Monroe. Paolo: ¡No! No lo dije en tono de orgullo nacionalista. A veces nos sentimos unos outsiders en nuestro propio país. De hecho, no tenemos héroes, recientemente leí un articulo sobre la obsesión de los italianos por fabricarse héroes. ¿Qué se siente vivir en un país donde tuvieron como diputada a una actriz porno, la Cicciolina? Alessio: ¿Qué se siente vivir en el mismo país de asesinos y narcotraficantes? Paolo: Ella estuvo en el parlamento en una edad de oro, que ahora nos da pena. Pero da igual, ahora la política está llena de payasos. La quiero de regreso. Alessio, ¿qué sientes de vivir en el país que patentó la mafia? Alessio: Mejor no pongas lo que pregunté, se pueden molestar en México. Mi propósito era señalar que asociarlos con los narcos era tan cliché como relacionar a la Cicciolina con Italia.
Rev Rev Rev revrevrev.bandcamp.com Surgidos de la primera ola del shoegaze romano, que lo mismo incorpora neo-psicodelia que pop atmosférico un tanto extraño.
The C.I.P facebook.com/TheCIP.official Sí, el formato dueto electrónico es lo menos novedoso del mundo, pero este par hace música realmente envolvente y para eso, sólo necesita de unos samplers y de mucha actitud.
“He perdido todo deseo por sentir”. —Meredith Graves, Perfect Pussy
Foto: Roberto González Clapés, Pitchfork Festival 2014
“No me tengas miedo, amor Déjame entrar”. —Javiera Mena
Foto: Carlos Álvarez Montero para Marvin, 2015
Música
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Foxygen Foxygen es una prueba contundente del sonido de su generación. Igual que otras bandas cuyas carreras iniciaron este milenio, muestran sus influencias de forma obvia y sin complejos. Sus reinterpretaciones o experimentos retro millennial, crean sonidos nuevos con recursos vintage. En entrevista exclusiva, ese fue sólo uno de varios temas que tocamos.
The Shins Port of Morrow 2012 Una vez más, el futuro en busca del pasado. En particular, la Alemania de los setenta. Ecos por todas partes de Can, Faust y Brian Eno, en canciones que hablan de la naturaleza dialéctica de la vida donde lo bello y lo grotesco se tocan e interactúan.
TXT:: Lenin Calderón FOT:: Cortesía de DMusicMarketing
Beck Güero 2005 Otro californiano que se debate entre el humor y el drama propio de un país con privilegios y problemas gigantescos. Producido por los Dust Brothers es un disco con mucho punch producto de una mezcla entre hip-hop latino y country texano.
Scissor Sisters Scissor Sisters 2004 Un disco lleno de covers que demuestra que el genio muchas veces no consiste tanto en componer música, sino en saber cómo arreglarla. Con un toque pop muy de los setenta, anunciaba sutilmente a toda una generación de neo hippies asiduos a los festivales.
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TRAS HACERNOS llegar Hang, su nuevo álbum, Sam France y Jonathan Rado charlaron con Marvin acerca de él, sus influencias y cómo hacen para mantenerse unidos después de casi quince años. El nuevo disco fue tema obligado. ¿Qué podemos esperar de él? Sam: Para Hang, queríamos hacer un disco con una orquesta sinfónica. Queríamos tocar música realmente americana, como big band jazz o música vieja estadounidense. Eso es lo que intentamos esta ocasión. Con respecto a quienes colaboran, ¿qué tan importante es para su carrera o el disco colaborar con tal o cual músico? Sam: No sé si es importante para nuestra carrera pero para el disco, definitivamente es algo muy positivo. Queríamos músicos muy buenos colaborando. Como si estuviéramos grabando un álbum de estudio con colaboraciones destacadas e interpretaciones musicales de altísimo nivel. Jonathan: Gente como los The Lemon Twigs o Steve Drozd de The Flaming Lips, son amigos nuestros y también son músicos muy talentosos. Por otro lado, colaboramos con gente como Trey Pollard, a quien no conocíamos muy bien pero queríamos trabajar con él porque es muy bueno. La variedad de colaboradores en Hang, es un rasgo a destacar. El nuevo disco incluye una orquesta de 40 músicos, ¿cómo afecta esto su forma de componer? Y, ¿cómo ha sido la transición de un dúo a un grupo de nueve personas hasta llegar a Hang, donde los acompañan más de 40 músicos? Jonathan: Creo que no somos una banda normal. Nunca pensamos en ser una banda tradicional. Es divertido estar siempre reconstruyéndonos. Somos como una banda mutante. Lo único que necesitamos son músicos para poder hacerla realidad. Siempre estamos pensando en qué podemos hacer la próxima vez y qué locura se nos ocurrirá (risas). El sencillo “America” engloba esa ambición sinfónica y parece tener tintes épicos, pero ¿está relacionado con lo que sucede en EU actualmente?
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Sam: Es una coincidencia. Escribimos las canciones de Hang mucho tiempo antes de grabarlas y concebimos “America” muchísimo antes de que Donald Trump incluso fuera candidato. Esa canción es muy vasta y grandilocuente. Surgió de un momento de inspiración de Rado. Mientras él tocaba algunas notas, a mí me venía a la cabeza esa palabra una y otra vez. Después mutó en una canción que hablaba del “sueño americano” y cómo conseguirlo. Lo que quería decir, tal vez subconscientemente, es que Estados Unidos no es lo que parece y el sueño americano tampoco. La letra es muy vaga, pudo haberla escrito cualquier persona en cualquier otro momento de la historia. Esa vaguedad no deja de tener humor, un recurso que han usado una y otra vez en su música. Sam: Creo que muchos de nuestros poetas del rock favoritos han trabajado con ambos elementos. No es que Elvis o Bob Dylan trataran de hacerse los graciosos con sus letras y juegos de palabras. Tal vez trataban de serlo pero también querían expresar su percepción de ciertos temas, jugando un poco al mismo tiempo. En ese sentido, el disco anterior (We Are the 21st Century Ambassadors of Peace & Magic) también arrojó muchas pistas acerca de sus influencias… Sam: Tratamos de hacer un disco como en los 60. Nuestras influencias entonces fueron esa década. Para el siguiente tratamos de emular a las bandas de los 70. Entonces se destinaban presupuestos enormes para producir un disco y los músicos tenían poder creativo absoluto. Con este disco, hemos tratado de emular la música de los 30 o 40.
Hablando del disco …And Star Power, la canción “Cosmic Vibrations” trae toda esa onda setentera que bandas como Tame Impala o Temples han tratado de evocar, ¿qué hay de ustedes, tenían eso en mente? Sam: Somos muy diferentes a esas bandas. Ellos trataban de recrear un sonido específico, la psicodelia, y hacer algo moderno con él. En cuanto a nosotros, siempre hemos hecho música un poco fuera de su tiempo, no necesariamente retro y que, definitivamente, no es moderna. Mientras esas bandas intentan crear una vibra actualizada de otras épocas, nosotros estamos influenciados por diferentes técnicas y formas de escribir canciones provenientes de otras décadas que usamos al producir nuestros discos. En ese mismo disco hay una canción titulada “Cannibal Hollocaust”, ¿tiene algo qué ver con dicha película de culto? Sam: El tema principal de la película es realmente bello, muy poderoso. Nos obsesionamos y escribimos una canción basada en él, su melodía y los coros. Tratamos de cortar parte de la melodía para convertirla en una canción totalmente nueva pero dejamos el título debido a que la original es realmente extraordinaria. Finalmente, se ha hablado muchas ocasiones acerca de su separación, ¿cuál es el balance entre estar juntos y sus carreras como solistas?... (Nota: Tras interrumpirse un par de veces para contestar, Jonathan Rado tomó la iniciativa para responder): Jonathan: Para ambos, Foxygen es el proyecto principal. Ya de por sí, ser parte de una banda es muy desgastante. Hay bandas en las que todos dicen “estamos juntos en esto” y cinco o seis años después rompen. Nosotros no tenemos la estamina requerida para eso. Nuestro secreto radica en tomar pequeños descansos sin dejar de trabajar en música nueva. Siempre estamos pensando en el disco que viene y nos gusta ponernos en situaciones nuevas. Nos aburrimos mucho si nos estancamos. Como ahora, con el nuevo disco, nos gusta salir de gira. Después, regresamos, nos tomamos una pausa y nos reinventamos hacia algo distinto. Creo que eso nos mantiene juntos, eso y el hecho de que no nos gusta salir dos veces con la misma cosa. Eso es algo que evitamos a toda costa.
Música
+ Audri Nix El nuevo orden Vol.1 Si bien apareció en Internet en 2015, es el año pasado el que este EP arrasó con cinco cañonazos de hip-hop electrónico de esencia latina. Con sólo 20 años la puertorriqueña se hizo producir por Overlord, genio que presta sus servicios a Fuete Billete y Álvaro Díaz, por ejemplo, y con quienes logró una grabación fundamental.
Álvaro Díaz
en comunicados de prensa Rapero y publicista de 26 años de edad, Álvaro Díaz nació San Juan, Puerto Rico; influido por el hip hop de los noventa y dosmiles, al igual que la salsa y la herencia afro-cubana, su estupendo trabajo vocal lo ha llevado a los escenarios de España, México, Chile y todo Estados Unidos, con menos de 3 años activo; a continuación sus pasos a través de los entusiastas comunicados de prensa que ha lanzado, empezando por los más recientes y llegando hasta los primeros.
TXT:: Uili Damage FOT:: Tape
The Guadaloops Almanueva Cuatro años de trayectoria y The Guadaloops camina firme y sin tropiezos. Su marca de fábrica ostenta soul, jazz pop, bassmusic y un nivel de rap que sube el standard no solamente dentro de su categoría, sino en toda la música contemporánea tocada por jóvenes, hoy en día.
Tomasa del Real Bien y mal El dembow, mezcla sesuda de reggaetón y trapmusic, se refina y crece en una de las grabaciones más audaces del año pasado, el debut de esta chilena que se engalana con colaboraciones de Lao, Paul Marmota y Mafia del Amor. Pero refinarse no significa restarle peligro a esta bomba del twerk.
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“ÁLVARO DÍAZ, se encuentra a ley de días para lanzar su más reciente producción musical San Juan Grand Prix, logro que celebró en grande con un online listening party. Él mismo contaba con la presencia de fanáticos seleccionados, compañeros musicales y personas de la industria en Puerto Rico que junto a Díaz disfrutaron de una noche llena de música de calidad acompañados por miles de fanáticos que observaban desde sus casas a través del FaceBook Live. “Álvaro Díaz lanza el 3er sencillo de su esperada producción musical San Juan Grand Prix titulado ‘Todo Bien’. Como ya es costumbre, Díaz nos trae música muy diferente a lo que acostumbramos a escuchar dentro del género hip hop hispano. Esta canción producida por Lara Project relata los sacrificios que Díaz atraviesa a diario para poder lograr su sueño y poder darle a la madre una mejor vida. Inspirado en los raperos que sólo viven de su life style de mentira, Díaz utiliza su reconocida creatividad musical para inspirar a otros jóvenes a ser reales y cultivar esa realidad. San Juan Grand Prix estará disponible en todas las plataformas digitales a partir del 13 de Diciembre del 2016. “Llega el nuevo sencillo de Álvaro Díaz titulado “Carro Rápido”. Este tema está producido por Overlord, productor promesa de la escena de trap y hip hop en Puerto Rico. Es el segundo corte de lo que será su nueva producción. Además el sencillo viene acompañado de un video producido por Paradoxa Films junto a Álvaro, en el cual podemos verlo junto a su pandilla robando la casa de una chica que le gusta. Con la tarjeta robada del padre de ella, la invita a salir y la llena de regalos. Al final la chica se da cuenta de la estafa y le rompe la cara. “Después de que se presentara en la edición 2016 de Ceremonia, el joven boricua nos presenta la primera lap de su nueva grabación San Juan Grand Prix. Su primer corte ‘Tortura China’ es un track producido por Luny Tunes (Puerto Rico) Lara Project (Venezuela) y Monvco (México) es una experiencia sonora que junta a un elenco internacional de talentos que de buenas a primeras nos ponen a cantar y bailar con una melodía pegajosa y un beat sensual tropical. En la canción Álvaro hace alusión a la “negra” que siempre anda buscando en sus líricas, pero esta vez la negra es la amiga de
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su novia que ya no lo quiere... qué peligro. “Álvaro Díaz arrancó este 2016 soltando éxito tras éxito. Después de los aclamados lanzamientos de Medusa y La pistola de tu papá, llega esta vez con un tema que trasciende las influencias que lo han llevado a establecerse como la figura principal del rap puertorriqueño actualmente y lleva por nombre “B.Y.A (Bendecidas y Afortunadas)”. El track está producido por Lara Project y Young Martino, mientras que el arte quedó a cargo de Wigberto Rodríguez y ya está disponible a través de la plataforma de streaming SoundCloud. Recientemente la revista Complex reseñó a Álvaro como uno de los artistas que ha llegado ‘para liderar la revolución del rap latinoamericano’. La pieza, escrita por Drew Millard, enfoca los aspectos importantes en la carrera de Álvaro, tales como la creación de Lv Ciudvd y los términos en los cuales planea hacerse un lugar en la industria musical americana. Aunado a ello, uno de los locutores más representativos del hip hop, EBRO (Hot97-NCY) también expresó vía Twitter su reconocimiento para Álvaro a principios de esta semana!. “Este mes, Álvaro Díaz estará presentándose en el reconocido festival SXSW, que se realiza en Austin, Texas, el cual mezcla la industria del cine, la música y arte. Para la edición de este año, Álvaro estará presentándose los días 17 de marzo en The Townsend y 18 de marzo en The Next Door respectivamente. “El día de hoy se estrena ‘Medusa’, primer sencillo del esperado primer álbum de estudio Díaz Buenos, Díaz Malos de Álvaro Díaz. Con un estilo clásico y un flow maduro, Álvaro Díaz nos lleva a través de una historia que será familiar para todos los que hayan tenido una pareja conflictiva, de esas que creen que amar en realidad es pelear. El artista está a punto de embarcarse en una gira que lo llevará a República Dominicana, Estados Unidos y de vuelta a México para pisar algunos de los escenarios más importantes de cada país. “Como siempre Díaz se ha
mantenido consistente en el lanzamiento de sus proyectos visuales y musicales. A principio de mes nos presentó “Principal” un banger producido por Young Martino que le daba seguimiento a su más reciente proyecto iLumilatin. Este mes nos presentó “La pistola de tu papá”, tema producido por Lara Project, duo venezolano donde tenemos un Díaz más fluido con el palabreo y con una temática más personal. Finalmente “Elvira Hancock” el más reciente video de Álvaro, dirigido por Shoury Santana y Armando Rivera tiene un look más oscuro y distorsionado que va con la temática más profunda de la canción. “Con el lanzamiento de su álbum debut Hato Rey, Álvaro Díaz se colocó dentro del mercado latino, sonando fuertemente en países como México, Chile, E.U. y España por mencionar algunos. Actualmente se encuentra trabajando en los detalles finales de su primer LP, el cual llevará por nombre Díaz Buenos, Díaz Malos. Álvaro forma parte de un selecto grupo de artistas promesa que dan vida a la edición 2016 del #SpotifySpotlight. A tan solo un par de días de terminar su exitoso iLumilatin Tour en México, llega un nuevo logro que refuerza el crecimiento del rapero como uno de los exponentes más grandes del género en toda la región. De cara al lanzamiento de su álbum debut Díaz Buenos, Díaz Malos, Álvaro aparece con “Groupie Love” en un playlist dedicado a las apuestas más grandes de Spotify para transformar lo que escuchamos en 2016. Acompañando a otros grandes artistas como Kali Uchis y MLKMN, Álvaro Díaz demuestra que el hip-hop latino es la siguiente gran ola que conquistará los oídos del mundo entero. “Después de su debut #1 en itunes con su aclamado EP #ilumilatin, Álvaro Díaz estrena hoy desde México el primer video del EP, “#LaChampaña”. El mismo fue una colaboración directiva entre Shoury Santana y Paradox Armando, ambos directores del colectivo #LvCiudvd. Este video tiene un “look” más oscuro en mente, invocando los tiempos de canciones como “Superxclusivo” que presentaban una visón mas cruda de la realidad visual que se quería llevar al público. Además, se presenta el crew de #LvCiudvd apoyando a Díaz dentro del video, y se puede apreciar artistas como Joyce Santana, Brray, Luciano y el productor co estrella del video con Díaz, Young Martino... 0
MĂşsica
Humberto Polar Entrar en el mundo de Anatema es encontrar el trazo vital y creativo de Humberto Polar, un renacentista amante de la ola digital; un humanista que explora distintos caminos de la expresiĂłn artĂstica.
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TXT:: Borja Ilián FOT:: Cortesía del artista
EXISTE EL POLAR publicista, el poeta, el video creador, el agitador musical , el editor gráfico, el editor musical, el DJ, y el músico orgánico y el electrónico, el artista visual… y sobre todo un defensor a ultranza de la experiencia como fuente de inspiración. Humberto, el músico electrónico, ha publicado Anatema, su primer álbum completo como Humberto Polar: un disco donde continúa con la exploración de espacios físicos y emocionales a través de la música electrónica. Para este fin utiliza géneros colindantes mayoritariamente con el IDM: ambient, dark ambient, drone music… exploraciones arrítmicas, llenas de micro beats, elementos orgánicos y texturas, más preocupadas por paisajes que discursos. No se trata de un disco unitario como sus coetáneos Thomas Koner o Ben Frost tan aficionados a visitar un solo lugar; no se trata de un viaje sin cambiar de vía. La inquietud provocada a través de la producción mantiene la unidad de Anatema, pero es un disco de tracks. Rolas con identidad y significados distintos entre sí. No es de extrañar cuando estamos escuchando la obra de un poeta viajero, un creador que acumula visiones y experiencias unitarias. Salvo en tramos de la canción “Muta Mutandis”, donde unos breaks atropellados aceleran los beats por minuto cerebrales, (una canción con aires a Boards of Canada), el disco se mueve al ritmo de una exploración melancólica. Los adornos barrocos de “Apenas”, deliciosa pieza para nutrir el espíritu; la entonación épica para mañanas con dudas de “Guitar Hero”; la narración de un día de devoción de “Fieles”; el final con insinuaciones de que la historia continuará de “Ciao”; la apertura expansiva de “Fuera”; el angustiante recogimiento de “Anatema”, donde el artista parece estar escribiendo un poema arrebatado por unas musas malignas; la sencillez reflexiva de “Bruma”; la aspereza industrial de “Matatono”... Anatema es en definitiva un disco para los amantes de las emociones y el arrebato, para los que son capaces de sumergirse en universos ajenos y así llegar a los propios. 0
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+ Moderat III 43 minutos de capas y capas de texturas creadas por el trío alemán que conforman los proyectos Apparat y Modeselektor, en pos de replantear el minimal techno pop con melodías vocales que se untan indeleblemente en la mente, para equipararse con los momentos más íntimos de Massive Atack, Radiohead, Jon Hopkins o Efterklang.
Pantha Du Prince The Triad El más reciente álbum del productor Hendrik Weber en colaboración con Scott Mou y Bendik Kjeldsberg, nació en los días en que los tres improvisaban con sintetizadores análogos, campanas tubulares, cajas de ritmos e incluso guitarras, mientras compartían departamento en Swabia, Alemania del Este. El resultado es un disco detallado, lujoso y subrayadamente bailable.
John Carpenter Lost Themes Vol. II Con cuarenta años de carrera dirigiendo cine, el neoyorquino se decidió apenas en 2015 a lanzar álbumes con sonidos compuestos por él mismo para su obras fílmicas, colocando bajo el reflector el profuso talento que se cuela por el sonido ambient, sin dejar de lado un ápice del suspenso que lo caracteriza.
Música
The Dragulas Citando al artista plástico Richard Hamilton en su definición de Pop Art, The Dragulas es; “algo popular, efímero, fácil de olvidar, barato, producido en serie, joven, divertido, sexy, tramposo, lleno de glamour, un buen negocio”… TXT:: Walter Schmidt FOT:: Rodrigo Pérez-Grovas
Discografía: A Bailar con The Dragulas. Noise Kontrol. Bocanada en París. Intolerancia. Iconos Pop. Intolerancia.
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+ Y podríamos decir que es mucho más; ir desde el simulacro de Baudrillard hasta la deconstrucción de Derridá, vaya cualquier yuxtaposición posmodernista que sustituya el espíritu subversivo del rock o del pop. Pero no, The Dragulas es simplemente “pretensión o la escuela de la pretensión...” dice Klaus Free Hollow (antes “Harry Harun Hollow”). “Es un relámpago juguetón y fluorescente que se enreda entre las piernas y te obliga a bailar; latido primitivo y desarticulado que parece querer escaparse del pecho; grito desnudo, adolescente y sudoroso que lejos de ser incoherente, guarda escondida una galaxia de significados; una educación sentimental que atrapa, entre el fusil y el intertexto, una idea de libertad. Para mí Dragulas es el remedio y la enfermedad, un puñado de pastillas de colores que revelan una sexualidad desaforada”, señala Ruy Veneno. “The Dragulas es una celebración de la diversidad, un carnaval de sexo, depravación y lujuria, que a partir de la máscara y el disfraz permite a su audiencia y a sus integrantes liberarse. Al igual que el vampiro de Polidori, el espectáculo de The Dragulas deja al público vivir, por una noche, sus fantasías más oscuras y encontrar
su verdadero ser, incluso si éste se encuentra lleno de confusión y arrepentimiento la mañana siguiente” agrega Conrad Cullen... Así se describen The Dragulas a sí mismos; Klaus, guitarra, voz, Ruy, voz principal y Conrad, voz. La banda se completa con la encantadora Charo “Charito” Pop, voz (que también colabora con el grupo “Delicado Sónico”), Rocósmico al bajo y Conde Donos (Donovanelly) en la batería. “Somos una banda que siempre ha estado inmersa en el cambio. Al menos de personal… [risas] y justo ahora estamos en medio de un proyecto, ‘Pop Dangeroux’, que nos llena de júbilo; es hacer un homenaje más directo a los grupos que han sido parte fundamental en la constitución sentimental de los Dragulas”, apunta Ruy Veneno. “Es una revisión contemporánea de lo que vivimos nosotros de niños o del mensaje que nos legó gente más grande y tratar de reescribir todas estas cosas que nos han influido. Es muy padre estar colaborando con algunos de los músicos originales de bandas como Syntoma (Alex Ice´n´Drinks) y Size (This Grace, Dennys Sanborns) e integrarlos al proceso creativo de estas nuevas versiones; ha sido bastante enriquecedor”, concluye Klaus Free Hollow. 0
Hueco Medusa o de los Amores Terribles. Intolerancia. Los “niños terribles” de la escena Gótica nacional en su cuarto álbum donde exploran un sonido más “guitarroso y sucio -en sus propias palabras”. Las influencias de estos darkies mexicas van de Bauhaus a Killing Joke, The Cure, Joy Division y sus canciones son reflexiones acerca del lado oscuro del ser humano. Aquí Klaus Hollow de The Dragulas es la voz principal.
El monstruo son los otros. Yo no soy el monstruo Intolerancia. Banda de jazz-rock-funk fusión liderada por Roco, bajista de The Dragulas. En su disco debut nos muestran un sonido original y un ácido sentido del humor. Sorprenden sus referencias intimistas (“Aquellos ojos verdes”, A. Lara) y su sonido potente es capaz de levantar muertos.
Un viernes pop Molécula Records. Cuarteto de” indie” rock mexicano integrado por Charo Pop, voz; Morita Pop, guitarras y coros; Pepe Pop, bajo, voz, coros y Bola Pop, batería. Diez temas románticos y divertidos incluyendo “¿Qué has hecho tu?, “Reprochitos” y “Tu último Amor”. Este disco se editó en México y España.
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“Mírame a los ojos y prométeme el mundo ¿Esto es romance verdadero?”. —Die Antwoord
Foto: Feli Gutiérres, Vive Latino 2015
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The XX El desamor nos hará libres TXT:: Aarón Enríquez
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De acuerdo a la teorĂa existencialista, la mirada del otro sobre uno mismo tiene el poder de robarnos el mundo y desintegrar el universo propio, por lo tanto, el solo hecho de notar la presencia de alguien y observarlo, implica un riesgo, pues existe la posibilidad de que ese alguien nos observe tambiĂŠn.
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e ello habla Jean-Paul Sartre en El ser y la nada, en donde atribuye a la teoría fundamentos filosóficos que poco o nada tienen que ver con el amor y en cambio sí tienen mucho que ver con la angustia y el infierno internos, por más románticas que nos parezcan sus palabras en este momento. Pero es justo a través de ellas que me doy cuenta de lo poderoso que es el titulo de uno de los álbumes más esperados del último año. La espera para escuchar finalmente I See You, resultó igual de larga y frustrante tanto para los fans como para la propia banda y, sin embargo, todos estos meses de desesperanza han pagado su retribución al entregarnos el trabajo más emocionante que hemos podido escuchar al inicio de este 2017. Para la realización de este artículo tuve oportunidad de hablar con Oliver Sim, una de las voces del trío originario del sur de Londres y, a decir de él mismo, quien más padeció el largo proceso por el que fue sometida la creación del álbum. “Para nosotros, para mí principalmente, ha sido una larga espera. Tenemos sentimientos encontrados porque queremos que la gente escuche el disco, pero al mismo tiempo estamos nerviosos. Aunque ahora somos más seguros de nosotros mismos y de lo que hacemos, seguimos teniendo cierto miedo a la reacción del público… somos sensibles”. Reviso nuevamente la grabación de la entrevista y me convenzo cada vez más de que los londinenses son unos tipos ultra sensibles, para muestra están sus canciones, sus letras, pero me doy cuenta de que la suya es –o se ha convertido– en una sensibilidad desafiante, como la de cualquiera que piensa comerse al mundo tirándose al vacío.
Vuelvo a pensar en el título del álbum y es eso, ¿qué puede haber más desafiante, en términos Sartreanos, que la franca declaración de estar observando al otro? “El infierno está en los otros”, dice también Sartre y lo dice porque cuando el otro nos observa, nos obliga a reinterpretar nuestro propio mundo, sabemos que el otro con su mirada nos convierte en objetos y sentimos vergüenza, nos convertimos en el objeto que la mirada del otro nos revela. Entonces vienen el miedo y el pudor. Cuando hablo con Oliver, él enfatiza mucho en el hecho de que han crecido biológica y espiritualmente, lo cual les ha dado mayor confianza en lo que hacen musicalmente. El proceso de espera no ha sido sencillo, pues han pasado por diferentes etapas: la asimilación de varios procesos internos incluido un marcado distanciamiento de los tres en alguna época, provocado entre otras cosas, por los compromisos que llegaron para Jamie Smith tras el éxito de In Colour; una dura batalla con el alcoholismo que hoy en día tiene a Oliver con un año de completa sobriedad y también estuvo la relación amorosa que sostiene Romy Madley Croft con Hannah Marshall, con quien ha formalizado compromiso recientemente. Oliver habla conmigo sobre lo frágiles y tímidos que siempre han sido, a pesar de que tratan de demostrar lo contrario. El universo de The xx como una banda de amigos que han crecido y se han expuesto simultáneamente al mundo, al amor, al desamor y a la fama, los ha llevado a vertirse de vuelta a él durante el tortuoso y largo proceso que ha sido la realización de un álbum nuevo, en el resultado hay arrojo, pero permanece la vulnerabilidad que siempre se ha percibido en sus canciones. Le pregunto si este disco habla de amor y si hay en ellos cierta adicción a sentirse vulnerables, a mantener al filo la sensación de peligro. “Estar enamorado es peligroso en sí. Lo usual al escribir de amor es hacerlo a partir del otro, pero hacerlo pensando en uno mismo también lleva un riesgo y sin duda es algo que nosotros decidimos abrazar, como se abraza el desamor. En este álbum sí hay amor, aunque yo diría que es más el reflejo del mismo, pues también hay mucho gozo, felicidad y esperanza. Los otros álbumes estaban más concentrados en periodos en los que tuvimos roto el corazón y eso nos hacía escribir más sobre el tú, aquí hay más momentos en los que hablamos del yo”. Al introducirme a las letras de I See You, noto que hay mucha franqueza en ellas; es imposible que al escribir, lo que sea que se escriba, uno devele cosas personales, pero en este disco, esa exhibición de lo personal parece más marcado, como si hubiera menos pudor al hacerlo. Quisiera que Oliver me platicara más al respecto y le pregunto si no siente que en este álbum hay más secretos develados que en los anteriores y le cuento que cuando lo escuché con atención, esa fue la sensación que me dio, la de tener un pequeño resquicio de entrada al interior de su vida personal. “Me gusta que lo veas así, no sé por qué. Al escribir este álbum y aunque Romy es una de mis mejores amigas… Nos conocemos desde hace
25 años… Creo que he aprendido mucho más acerca de ella. Ambos somos tímidos, pero yo mismo he escrito muchas cosas que han quedado dentro de los discos antes de exteriorizarlas con amigos o personas cercanas. No sé porque me permito hacerlo, puesto que en algún punto vamos a salir al mundo y las canciones se van a escuchar en todos lados. Pero eso no me preocupa, por alguna razón creo que disfrutamos sentirnos vulnerables a través de la música”. Cuando Oliver habla de Romy me da la sensación de que lo hace casi desde el lugar del hermano mayor. Él se sabe tímido y vulnerable, pero tiene muy claro que si alguien padece de ese talón de Aquiles es ella, así es que cuando destaco el hecho de haber escuchado sus voces en “On Hold” mucho más claras y más altas que en los otros discos, no duda en hablar de cómo Romy parece estar queriendo salir cada vez más al mundo. “En todo este tiempo he visto crecer mucho su voz, la siento más cómoda internamente y eso se nota, en éste álbum hay momentos en que los dos cantamos hacia fuera, algo que antes no pasaba, pensábamos que todo lo teníamos que hacer hacia dentro. Hemos dejado salir nuestras voces y nos ha gustado, es lo que nos ha permitido la confianza que hemos adquirido. Para este disco nos permitimos hacer cosas distintas, escribimos las canciones a partir de la melodía, cuando antes eran escritas casi como poemas o palabras sueltas”. En términos sartreanos, la vergüenza es el sentimiento de ser lo que uno es para el que nos observa, pues este proceso lleva consigo la posibilidad de dejar de ser libres; es un paso hacia el reconocimiento de nuestra esclavitud, a menos
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“Should it all fall down? You are my favorite mistake. They say you are dangerous, but I don’t care... They must be blind”. “Dangerous”
“Though you’re not here, I can feel you there, I take you along. And when I’m scared I imagine you’re there, telling me to be brave”. “Brave for you”
“Escribir pensando en uno mismo también lleva un riesgo y sin duda es uno que nosotros decidimos abrazar, así como se abraza el desamor”. “I want you to notice, but you just don’t see. The show is wasted on you, so I perform for me”. “Performance”.
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“I think you’re too soon to call us old. When and where did we go cold? I thought I had you on hold”.
Más amigos, más vulnerables
“On Hold”.
La declaración que hace The xx en I See You no se trata de una advertencia, sino de un reto, la invitación a que el otro les robe su mundo a través del amor.
“Test me, see if I break, tell me this time you’ve changed. Test me, see if I stay, how could I walk the other way?”. “Test Me”.
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que uno se arroje a entregar al mundo lo que en realidad es y recupere su libertad. Quizá sea esa sensación la que llevaba a Romy a cantar hacia adentro, pero es la dualidad de sentimientos, la vergüenza y la búsqueda de la libertad propia, lo que hoy la llevan a sacar su voz, y de qué manera, pues está perfectamente consciente de que está actuando y comienza a dejar de hacerlo para quienes la observamos y comienza a hacerlo para ella misma. En I See You hay una búsqueda de la libertad de la que Oliver es conciente y otra de la que quizá no lo es tanto, que es la que los hace derramarse temerariamente hacia nuestros oídos, la que los hace develarse ante nuestra mirada de una forma que a él le gusta pensar que es cautelosa. La otra está en el sonido y de ella sí tiene más control. “Cuando hicimos el álbum no sabíamos qué tipo de música queríamos que fuera, pero mientras lo grabábamos supimos cómo cambiar desde dentro. Coexist implicó para nosotros la primera vez que hicimos un disco con reflectores encima y una audiencia expectante. Mucho de lo que hicimos entonces era consecuencia de eso, veníamos de una forma muy simple de concebir la música, muy instintiva y espontánea, casi accidental, pero la base era la simplicidad y el espacio. Coexist fue más cerebral, tuvimos que repensar el porqué sonábamos de la forma en que sonábamos y aferrarnos a ello y empezamos a ponernos limitaciones, pensamos que todo debería ser ejecutado en vivo exactamente de la forma en que lo hacíamos en el estudio, no dejábamos fluir las voces, ni las guitarras, y al hacer este disco, supongo, que quisimos dejar atrás todo eso, dejar de pensar si esto era algo que The xx haría, entonces la pregunta fue si lo que estábamos haciendo era algo que nos gustaba”. Si hay un cambio de dirección notable en lo que hacía antes The xx y lo que hoy nos muestra, sin duda tiene que ver con el sonido;
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virar de los riffs minimalistas al sonido electrónico sutilmente festivo que hoy los ha colocado en lugares que incluso ellos no imaginaban sonar nunca, tiene que ver con un solo responsable y su nombre es Jamie. En la charla lo suelto sin más, para ver la reacción de Oliver, quien abiertamente me comenta la incomodidad que le causó la apretada agenda de su compañero durante el último año, en el que su material en solitario, In Colour, se convirtió en un fenómeno mundial. En sus comentarios noto cierta ambigüedad cuando habla al respecto, como si el ansia de necesitarlo trabajando para The xx hubiera estado a punto de convertirse en celos durante algunos periodos de la gira que llevó a Smith a lo largo del mundo, pero al final, en sus palabras recobra el hilo y reconoce que el proyecto solista de su compañero lo hizo crecer como músico y tanto Romy como él, han superado varios de sus miedos al permitirse abrazar lo que ha hecho musicalmente en los últimos tiempos. “Con Jamie me pasa algo extraño y es que lo hemos visto crecer a través de los años a la par de nosotros, podemos ir a sus shows y verlo actuar. Pero para Romy y para mí es una experiencia un tanto surreal. A veces, cuando está tocando y escuchamos su música, podemos escuchar nuestras voces ahí detrás, es raro porque estamos muy orgullosos de verlo crecer, pues al final del día, nosotros queremos lo mismo que él. “El proyecto de recuperarme como sujeto, me coloca necesariamente en conflicto con el otro”, aquí Sartre habla sobre recuperar la libertad. El conflicto puede estar ahí y entonces podría ignorarse o encontrar algo que detone el proceso de liberación. Para Oliver, el detonante para lograr cambiar la manera de trabajar musicalmente como trío, fue el hecho de haber estado incluidos en el proyecto solista de Jamie. “Que Romy y yo estuviéramos en In Colour, definitivamente abrió una nueva forma de trabajo dentro de The xx, porque ahí no teníamos la autoridad de trabajar las canciones como banda, fue mucho más abierto, más divertido. Ahora Jamie está en un lugar mucho más cómodo y eso ha contribuido a que la dinámica de libertad que hemos adoptado, lejos de representar un reto, se convierta en un sitio creativo. Ese momento fue trascendental en el proceso del nuevo disco, significa un crecimiento importante pues es revelador, incluso para nosotros, ver lo que podíamos lograr haciendo las cosas con mayor libertad”. Tras la charla, Oliver y yo concluimos que I See You ha sido un disco que los coloca en un estado distinto del que venían. Tuvieron para escoger entre 20 canciones para finalmente decantarse por las diez que más representan el momento que viven actualmente, para él se notan claros los momentos del álbum que más remiten a la época de Coexist y éstos están en el tema “Performance”: “La guitarra tiene un punto medular, es la que más reconocerías como nuestra en esa época, además, creo que es la mejor canción de Romy hasta ahora, la que más la representa”. Si se trata de escoger la canción que detona el nuevo sonido de la banda, la elegida es “On Hold”: “Es la que más suena a lo que está
haciendo Jamie ahora, aunque creo que definir el sonido del disco por esa sola canción sería caer en un error. Es un disco más ecléctico, en el que nos sentimos más cómodos y por eso creo que nos gustó tanto el resultado”. La declaración que hace The xx en I See You no se trata de una advertencia, sino de un reto, la invitación a que el otro les robe su mundo a través del amor. Si pensamos en términos existencialistas, The xx está en constante riesgo, escribir y hacer canciones es para ellos la manera de jugarse la libertad y posteriormente recuperarla, pues para Sartre de eso se trata todo, una tensión constante entre la perdida y el encuentro de la misma. Tanto para para Romy, Oliver y Jamie, como para nosotros, los pasionales, los que sucumbimos ante la sensación de vulnerabilidad que se siente cuando estás completamente expuesto ante el otro, tal vez no exista otra manera de liberarse que no sea a través del arte, de la poesía, de la música, es por eso que el momento en el que dejamos de ser esclavos, ellos cuando cantan sus canciones y nosotros cuando las escuchamos, es solo la antesala al infierno que nos provoca el dejarnos vaciar por el otro, pero al que somos desesperadamente adictos. De eso va el reto de mirar al otro.
“I’ve been a romantic for so long. All I’ve ever had are love songs I got chills, heartbreak multiplies. I’m on a different kind of high. A rush of blood is not enough, I need my feelings set on fire”. “I Dare You”.
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¿Por qué
“Say Something Loving” me recuerda a mi ex? TXT:: Pablo Pulido
En enero pasado salió el nuevo disco de The xx, ese trío que se ha dedicado a recordarnos que es bueno sentir y que no debemos avergonzarnos de ello; digamos que se tratan de unos The Cure para millennials. Pero tengo miedo, tengo temor de que todo lo que escuche a través de las 10 canciones de I See You me recuerden a mi ex.
Y SI “ON HOLD” me tuvo tirado en cama cerca de un mes, tratando de averiguar por qué decidió irse con otra persona en vez de regresar a mí; esta nueva canción, “Say something loving”, me arrastra de nueva cuenta al infierno de la melancolía y, ahora, al hecho de enfrentarme a una nueva inseguridad centrada en la incógnita sobre si encontraré a otra persona que pueda sentir algo por mí. Sin embargo, y a pesar del sombrío y emocional discurso de The xx en esta nueva entrega, sentía algo de alivio por el hecho de que yo no era el único que se sentía así, que Oliver, Romy y Jamie entendían por lo que estaba pasando, sentía que teníamos una conversación… Hasta que me enteré que la chica xx recién se había comprometido con su pareja. Jódete, Romy. Y entonces, ¿por qué me pone tan mal escuchar a The xx? Para encontrar la razón, me decidí a interpretar su nueva canción, cual ejercicio en Genius. Y he aquí el resultado: Y empieza…
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“Before it slips away”.
“Say something loving I just don’t remember the thrill of affection I just don’t remember Say something loving “I went looking for it Could have been anyone’s kiss Throwing my arms at no one When I gave up, I found love”. “The thought flows through my mind And it’s growing all the time I do myself a disservice To feel this weak, to be this nervous”. “You say something loving It’s so overwhelming, the thrill of affection Feels so unfamiliar You say something loving Without hesitation it hits me, hits me It feels so unfamiliar”.
¿Y ahora qué? Dicen que si esperas algo, no sucederá. Pero es inevitable no hacerlo, ¿quién no anhela en este mundo? Incluso tú, qué encontraste lo que querías. Si bien, a veces no pienso en ti, recuerdo lo vulnerable que puedo llegar a ser en este momento. Todo daño entra y sale como si estuviera en casa.
Y ahora que encuentro a esta nueva persona, mil dudas comienzan a surgir, primordialmente la confusión que genera este nuevo acto de cuidado y cariño. ¿Es real? Me dice cosas lindas pero me incomodan porque no eres tú quien me las dice. Y entonces vamos a la cama pero por más que quiera, el desafortunado auto repudio se siente en cada una de mis células y quiero estar en todos lados menos aquí, con este nuevo alguien.
“Were you really looking for me? Try your best to reassure me I wasn’t patient to meet you Am I too needy, am I too eager?”.
¿De verdad esta persona no sabe en lo que se está metiendo? No estoy ni emocionado ni cautivo sobre lo que está sucediendo aquí y ahora. Por lo que no me da otra cosa que pensar que esta persona está más tirada a la mierda que yo, pero puede que suceda algo inesperado.
“Did you hear me say it? Say it Did you hear me say?”. “I say something loving I can’t hold it inside, the thrill of affection Is only getting stronger I say something loving All my hesitations are fading, fading I feel it taking over”. “Before it slips away Don’t let it slip away Before it slips away Don’t let it slip away”.
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Entonces, me he encontrado con esta nueva persona que me gusta mucho, pero estoy jodido porque he comenzado a dudar en la benevolencia de los demás. ¿Le gusto también o sólo quiere verme la cara?
“Your touch stays on my skin I feel it start sinking in Here come my insecurities I almost expect you to leave”.
“I don’t know, I don’t know, I don’t know I don’t know what this is, but it doesn’t feel wrong I don’t know, I don’t know, I don’t know I don’t know what this is, but it doesn’t feel wrong”.
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Es curioso, justo cuando inició la canción me pregunté: “¿Estoy escuchando a The xx o a Jamie xx?”… Ya no entendí… pero bueno.
No, no está tan mal, pero tampoco te haré bien
No te hará bien…
Perfecto, me dejaré llevar porque estoy necesitado y tú también lo estás. Es evidente que esta interacción no nos llevará a ningún lado.
Porque sé que, al final, me gusta sentirme mal.
CORAZ CORAZ
ROT
ZON ZONES
TO TOS
Fallaste corazón no vuelvas a apostar SÓLO UN RECHAZO bastó para abrir la caja de Pandora. El amor es el motor de todas las cosas, pero es el desamor el combustible que genera esa belleza que cobija la realidad. Estado y objeto, un corazón roto es capaz de todo, tiene la mayor de las esperanzas y su terquedad lo hace víctima de su propio destino. ¿Será a caso que el ser humano tropieza con la misma piedra, porque sin error no hay sentido? Marvin cobija la vulnerabilidad de un órgano, capaz de inspirar la canción más bella, la película más trascendental o la obra maestra.
Creatividad hay, lo importante es encontrar la inspiración, no importe cuánto duela.
De Fondo
Enredados En busca del amor virtual
Con estadísticas tan apabullantes como la que afirma que de los 54 millones de solteros en EU, 49 han intentado alguna vez ligar en línea y casi 36 son miembros de algún sitio de citas en línea, parece que el amor está sólo a un like de cualquier mortal.
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TXT:: Lenin Calderón
AUNQUE REGULARMENTE evito escribir estos textos en primera persona, el tema esta ocasión lo amerita. Además, igual que sucedió en el número de pornografía, éste es un trabajo de investigación que requiere ensuciarse las manos. Aunque esta vez puede ser más arriesgado y resultar en algo más que una simple perrilla en el ojo o un desvelón chaqueto. QUIÉN LOS VIERA Buscar pareja en la red o a través de aplicaciones móviles, parece ser uno de tantos hábitos que poco a poco iremos adquiriendo. A pesar de que en México hay cientos de casos de gente (sobre todo chicas jóvenes) secuestrada o desaparecida tras conocer en persona amistades que iniciaron en línea, el cyber ligue es una forma de relacionarse muy usual actualmente. Si Uber representa la nueva era de los taxis y si el streaming acabó con la tv y la radio, ligar en línea no suena demasiado descabellado. Lo primero que hice fue preguntarle a la mayor cantidad de amigos o conocidos, incluidas mujeres y gente de diferentes edades, si habían intentado conocer personas para relacionarse sentimentalmente a través de estos sitios y aplicaciones. Me llevé una gran sorpresa pues más de la mitad admitió haberlo hecho. Al final, ninguno inició una relación o siquiera intentaron una nueva cita y – pensándolo bien– qué bueno, porque si no este texto parecería más bien un infomercial. En primera instancia, ese sondeo me permitió abrirme a las posibilidades. Aunque todo ese encanto del cyber cupido me deslumbró y olvidé tomar detalles de qué servicios en específico habían usado mis encuestados. Tuve que empezar desde cero, desde una computadora. Hago esta aclaración porque no es lo mismo ligar en un teléfono móvil, en espacios públicos, que hacerlo desde una PC. Uno nunca sabe si del otro lado hay un tipo fingiendo ser angie89, que se pitorrea de gente como yo mientras come Takis y se roba fotos de los perfiles de usuarias atrevidas, a las 2 am, en algún rincón oscuro de su casa. AMOR DEL PREMIUM Para cuando empecé a sospechar que muchos de los sitios en línea para conocer mujeres se parecían mucho a las páginas que ofrecen música o pornografía o películas gratis, en las que el mensaje es claro (en algún momento, tienes que pagar), ya había abierto varias cuentas. Claro que, dada mi situación financiera y tomando en cuenta lo que gana un periodista cultural, esa opción estaba más que descartada desde el inicio. Además y según yo,
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la falta de liquidez es uno de mis impedimentos para emparejarme. Nomás faltaba que alguien en línea me chupara el poco líquido que me queda. El primer paso en cualquier sitio para ligar en línea, es hacer un perfil. Ya sea de la persona que se busca o de uno mismo. Estas dos opciones marcan una diferencia radical pues en los primeros encontré, tras ordenar la piel más fina, que muchas usuarias parecían dedicarse al cuerpo. Sus fotos como edecanes eran la mejor prueba. En sitios como Ashley Madison, chicas tan exóticas como MoniBlack, no responden a mis mensajes ni me permiten ver su perfil completo a menos que traiga una cuenta premium. Si lo pienso bien, lo mismo pasa cuando me las topo en expos o eventos. Por otro lado, hay sitios como C-Date (que pronunciado en español, es lo mejor que puedes hacer después de visitarlo), en los que la gente emplea mucho tiempo en definirse a sí misma pues llena largos formatos con datos. Incluso existe la “pregunta del día”, una oportunidad para exhibir ante los demás lo buen partido que eres. Si tengo broncas para escribir en primera persona, ya parece que voy a llenar formatos photoshoperos, que se refieren a los tatuajes como arte corporal y a los borrachos como bebedores sociales. SEGUIMOS SIENDO AMIGOS Me topé también con mucha gente que busca relacionarse en línea o vía Facebook. Son grupos gratuitos, muchas veces abiertos al público con una variedad casi ilimitada. Con nombres como “gorditas chichonas y cachondas” u “hombres casados en busca de transexuales”, también los hay de gente que simplemente quiere hacer amigos. No sé por qué, esta última categoría me pareció
la más rara de todas. Sin embargo y ante mis propias narices, pude ver cómo en uno de esos grupos, alguien escribió dos párrafos largos pero elocuentes acerca de lo cruel que es la soledad y las ventajas de tener amigos. Pasaron ocho minutos antes de que apareciera el primer usuario suscribiendo lo que decía el largo mensaje y no más de un cuarto de hora, para que alguien propusiera verse en un café, en grupo, para conocerse y hablar de series y películas y viajes y amaneceres y los trabajos que tenían y sus mascotas y de la poca gente que conocían y todas esas cosas que habían mencionado antes y que –según ellos– querían compartir con alguien. Se vieron un domingo por la tarde mientras yo decidía, viendo la NFL, que eso no era lo que buscaba. ALGORITMO DE CARAS Mi última escala fue Tinder pues me habían hablado mucho de ella. No faltó quien me dijera que es para putos. Sin embargo, al abrir una cuenta se toma información de Facebook, incluidas fotos y otros datos. A pesar de que me encontré mucha gente que conozco, creo que es una aplicación para gente más joven. Uno de sus atractivos es que puedes hallar opciones de ligue en tu misma área y si estás en un bar o café, podrías coincidir ahí mismo con alguien interesante. Esto último es posible, igual que las elecciones de 2006, gracias a un complejo algoritmo. La aplicación revisa tu perfil y te ofrece opciones de pareja similares a ti. Puedes pasar horas viendo rostros de gente (es obvio su parecido con i2hub, precursora de Facebook) que desechas, pones en pausa o tratas de contactar. A pesar de algunos posibles prospectos, me sigue desanimando la idea de tener que pagar para que mi perfil pueda llegar a más gente, pues aquí también hay esa opción. Es como contratar un publicista que hable bien de mí. En teoría y, como siempre, en otros países, las aplicaciones para ligar están cambiando la forma en la que la gente se relaciona. Algunos dicen que para 2040 más de la mitad de las parejas se habrá conocido gracias a ellas. Por lo pronto, gente de minorías vulnerables como la LGBTTTI, aprueba este tipo de aplicaciones pues se siente más segura que si saliera a ligar. En fin, que hay que darle preferencia a los colores pues hay apps para todos los gustos. Trinder, por ejemplo, es para swingers, Bristler es para gente que le gustan las barbas y Meet An Inmate que, además de ser la forma más segura de hacer que tu familia te odie, es para quienes desean iniciar una relación con un presidiario. Yo, mientras tanto, me debato entre meterle unos dos mil pesos al Tinder, comenzar a buscar en la deep web o llevarle un regalito a la vecina. Total, nomás son dos pisos.
De Fondo
Romรกnticos Nekromรกnticos
El amor es el nuevo sexo TXT:: Arturo J. Flores FOT:: Valeria Becerra
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CREO QUE FUE en un Vive Latino donde la escuché. “Quiero que te vengas a vivir todos los días conmigo”, repetía hasta el hartazgo aquella canción de Enjambre. La sirenita millennial que tenía al lado saltaba igual que si le hubieran prendido fuego en la planta de los pies. Esa misma veinteañera, contraviniendo los consejos que varios amigos le dimos, se había tatuado en el brazo el nombre de su novio. Con quien, efectivamente, compartía el lecho “todos los días”. Según nos platicó, porque tampoco escatimaba en ofrecernos detalles, con el muso inspirador del rayón que se hizo en el cuerpo, cogía a diario. De todas las formas y maneras posibles. Sólo que él lo hacía también con otras, a escondidas. Seis años después de aquel episodio, la sirenita millennial ya no puede ver ni en pintura al ex. Se arrepiente, pero tampoco ha hecho nada por cubrirse el tatuaje. Hoy nos presume a un nuevo galán mucho más educado y más confiable. Durante su efímero paso por la soltería le pregunté si alguna vez se hizo presente en Tinder. Me dijo que no. Le gustan las relaciones largas, formales, intensas y apasionadas. Le fascina el sexo pero sólo en cocteles que incluyan amor. Tal como aquella canción de Enjambre incluida en su tercer disco establecía: “Que aunque no me veas yo voy a estar siempre contigo”. YOU LET ME VIOLATE YOU… Me tocó crecer en una época en la juventud estaba muy enojada con el mundo. Quizá por eso dimos a luz al grunge. Entonces existía una canción que, sin llegar a permear como la de Nirvana el gusto colectivo, sin lugar a dudas se convirtió en nuestra curiosa interpretación de lo romántico. Trent Reznor tomó el megáfono para licenciar a una generación aún reprimida sexualmente que se moría de ganas de gritar: “Te quiero coger como un animal”. Es posible que algunos de esos millennials que anhelan que su novio o novia cohabite con él o ella a lo largo de los siete días de la semana, hayan sido concebidos mientras sus padres escuchaban a todo volumen “Closer” de Nine Inch Nails, en el estéreo del coche. Porque chicos, sí, antes cogíamos en el auto a falta de coquetos moteles boutique de colores pastel sembrados a lo largo de avenida Revolución. You know what I mean ;) Se dice que Facebook es al presente o que al pasado fueron Los Chismógrafos. Así, el Juego de la botella sentó las bases para que eventualmente se inventara el Tinder, la sistematización tecnológica que regula nuestras relaciones más íntimas. Grinder y Tinder se inventaron –que se usen con otros fines ya no es tarea de sus creadores– para volver de carne, hueso y flujos
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una fantasía trazada como boceto en las páginas de Un mundo feliz, de Aldous Huxley. En la novela se describe una sociedad distópica en la que nadie es propiedad de nadie y todos tienen sexo con todos sin que medie moral alguna entre las sábanas. Quien se enamora, como el protagonista de la historia, comete una falta mucho más reprobable que estacionar tu auto sin alimentar el parquímetro. Pese que existen quienes rompen la regla buscando en Tinder a su alma gemela, cuando fue creado para hallar a la nalga gemela, se podría decir que la mayoría lo utiliza con el objetivo de –como dice Ojos de Topo en su canción “Los fantasmas de tus agujeros”– “para follar sin hacer papeleos”. LA MODA RETRO (VIRAL) Aquello hubiera sido una maravilla para quienes enfrentamos el desarrollo de nuestros caracteres sexuales secundarios. Porque en los 90 aún persistían por un lado, los prejuicios morales y por el otro, el miedo a las enfermedades de transmisión sexual. Recuerdo que una entrevista realizada en aquellos años por una revista a Paco Huidobro, líder de Fobia y Los Odio, en la que el guitarrista sentenciaba a propósito de su canción “Plástico”: “Hay que empezar a ver al condón como un juguete sexual y no como un castigo”. Postura similar, aunque con tintes sexistas, es la que Cuca enarbolaba con “La pucha asesina” en la que José Fors dejaba ver el temor que le provocaba una vagina que pudiera esconder al virus de nuestras peores pesadillas. Si bien el Sida no ha dejado de representar el riesgo de segar una existencia, hoy puede ser tratado con retrovirales. Pero no ha sido tanto eso como el derrumbe de ciertos prejuicios morales sin sentido, lo que ha hecho de los millennials individuos sexualmente mucho más libres de lo que fuimos nosotros. Lo aplaudo de pie. Serán mucho menos los que se divorcien en el futuro porque de entrada son mucho menos los que se casan en el presente.
El reggaetón representa en sí mismo una danza ritual de sexo simulado como fue el slam de los 90 a la violencia pactada por común acuerdo. Las expresiones corporales de una generación, la millennial, para quien el sexo es cotidiano; de otra, la alternativa, grunge o X, para quien hacía falta reconocer su amor a punta de bestiales caballazos. Porque insisto, estábamos encabronados con la vida. Los millennials están, en todo caso, enamorados del amor. SNAPCHATS PA’ LA BANDA No necesito decir que en la actualidad el sexo dejó de ser prohibitivo. Aunque no por ello menos disfrutable. Todo lo contrario. Se puede gozar de él con la facilidad de quien se sirve un poco de agua cuando tiene sed. De ahí que a los millennials – hablo desde la distancia que me confiere la edad– no tengan la necesidad de gritar en una canción: “I wanna fuck you like an animal”. Porque para sexo inmediato y sin compromiso no hace falta más que abrir Tinder. ¿Es gratuito que Instagram o Snapchat, donde la sugerencia pesa más que el desnudo explícito, sean las redes sociales más populares? No. Ni mucho menos lo es que Playboy, la revista para la que laboro y había cimentado 60 años de historia en descubrir anatomías, decidiera en Estados Unidos retirar el desvestimento de sus páginas en aras de parecerse, precisamente, a una imagen de Instagram. De ahí que el romanticismo actual necesite, forzosamente, aclarar que necesita estar lejos de la sexualidad para reconocerse como amor. Canta Justin Bieber en “Sorry”: “¿Es tarde para decir que lo siento?... Porque extraño algo más que sólo tu cuerpo”. En tiempos anteriores, había que decir que el romanticismo forzosamente iba de la mano del contacto sexual. ¿Por qué? Porque todo parecía estar en contra de que dos seres humanos pudieran frotarse a placer. De ahí que Garbage lo tuvo que dejar claro en una canción del disco Bleed like me de 2005: “No me avergonzaré porque estoy convencida que el amor es libre, representa el combustible del corazón y el sexo no es el enemigo”. Este tema actúa como una reconciliación entre ambas posiciones. La que anhelaba poder coger como si no hubiera un mañana y aquellos que viven una sexualidad desprovista de atavíos morales y por eso, sus canciones visualizan al amor como la más perversa, maravillosa, desviación erótica. Romántico parecía susurrarle a una persona, cuando te ordenaban que primero había que casarse: “I wanna fuck you like an animal”. Subversivo es, en tiempos de Tinder, decirle al ser amado: “Quiero que te vengas a vivir todos los días conmigo”.
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Breve guía para arrancarte de mi corazón Un aprendizaje cortesía de Cat Power, Sharon Van Etten y Norah Jones TXT:: Pablo Pulido
Me gusta estar triste, o al menos me gusta creer que lo estoy. Es mi estado emocional favorito, porque te conviertes en un mejor receptor (una cualidad necesaria en estos tiempos de hipermovilidad). Uno está más atento a las palabras y a las imágenes; lejos de vagas interpretaciones, estando triste, también puedes encontrar la vulnerabilidad oculta de las personas, porque entre homólogos nos entendemos, de eso estoy seguro. Entonces, estar triste es ver las cosas como realmente lo son. 54
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ME GUSTA ESTAR triste, o al menos me gusta creer que lo estoy. Es mi estado emocional favorito, porque te conviertes en un mejor receptor (una cualidad necesaria en estos tiempos de hipermovilidad). Uno está más atento a las palabras y a las imágenes; lejos de vagas interpretaciones, estando triste, también puedes encontrar la vulnerabilidad oculta de las personas, porque entre homólogos nos entendemos, de eso estoy seguro. Entonces, estar triste es ver las cosas como realmente lo son. No es gratuito que las mayores obras de arte hayan sido creadas en un momento frágil del autor. Ahí tenemos a Shakespeare, Van Gogh, Bukowski, Fleetwood Mac, entre otros, que nos enseñan que de la desesperanza se puede sacar provecho, incluso puede ser rentable, tal y como lo hace Adele con su discurso sobre la imposibilidad de ser estables emocionalmente. Claro, estar triste conlleva escuchar canciones tristes. Hay gente que acude a José José, otros a Yuridia, algunos a la Banda MS y muchos más a Guns N’ Roses. Yo prefiero otras cosas, como voces y letras que me sean fáciles de adoptar en la vida diaria, músicos que lidien con las emociones de la manera más cercana a como yo lo hago. Identificación, al fin y al cabo. Buscando canciones tristes, hace un par de años me encontraba en una tienda de discos con mi pareja de aquel entonces, un muchacho de temperamento voluble que no soportaba la música, o más bien la música que a mí me gustaba. Ahí me encontré con Little Broken Hearts de Norah Jones; en esa época comenzaba a comprar vinilos como loco, el dólar aún no devaluaba tanto al peso y tenía un novio con tarjeta de crédito. A pesar de sus refunfuños durante todo el regreso a casa, al final tenía en mis manos ese disco que sabía me iba a encantar sólo por su título. Cinco años después, me encuentro escuchando de nueva cuenta este álbum, y es gracioso como describe al pie de la letra mi ruptura con quien me había ayudado a poseer esas canciones. Descubrimiento que justo coincidió
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con el relato de un amigo, sobre una compañera suya de la universidad que quería con él y lo retó a no relacionarse seriamente con alguien durante los dos años escolares restantes (¿a manera de asegurar su soltería a beneficio propio, tal vez?). En caso de que alguno de los dos perdiera, el otro tenía que regalarle algo que deseara. Para su suerte, mi amigo se declaró victorioso y pidió una copia de Little Broken Hearts, sin saber que fue ella la que había ganado: había resultado ilesa de un amor que si bien no fue correspondido, al menos no le fue arrebatado por alguien más. ¿Tenemos miedo a enamorarnos o el amor nos es irrelevante tanto como para apostarlo? Resultado de una tormentosa ruptura, Little Broken Hearts fue un emocionante cambió sonoro de la señorita Jones, quien hacía unos años, se encontraba disfrutando de las dulces mieles de la escena jazz, que la aburrió en algún momento y decidió juntarse con Danger Mouse para editar este disco lleno de polvoso folk con tintes de blues y anécdotas de un amor mal masticado. El experimento duró poco, la compositora pronto regresó al piano y la improvisación, pero la enseñanza de Little Broken Hearts durará para siempre: podrás engañar a todos, menos a ti, así que mejor ahórrate el disfraz y desmenuza todo sufrimiento de la forma que te sea más cómoda. Siempre digo que la preparatoria es la mejor época de todas. Las restricciones por la edad disminuyen y experimentas los beneficios de la edad adulta, sin tomártelo tan en serio, porque aún faltan años para entrar de verdadera cuenta al juego de las responsabilidades. En esos años, el alcohol y las drogas son prioridad en toda decisión; curiosamente, en medio de esos grisáceos escenarios de vicios, durante una sesión de aguas locas, un amigo de un amigo (de esos llamados “anarquistas”, de pelo rapado y tatuajes intimidantes) me prestó su iPod para poner una canción en el estéreo, sorpresa la mía encontrarme entre Black Flag y Circle Jerks, a una delicada Cat Power. La única canción que tenía era “I Don’t Blame You”, pero al final decidí no ponerla, por miedo a ser víctima de miradas de reprobación de toda la fiesta punk en la que me encontraba. “Me gusta porque me pone mal”, me decía este tipo que no podía ocultarme su sensibilidad a pesar del contexto en el que se desenvolvía. Y mientras al fondo un par de chicos comenzaba a golpearse, no dejaba de sonar en mi cabeza la voz de Chan Marshall, quien siempre se ha caracterizado por su fragilidad personal y artística. Esa misma franqueza, lograba que hasta el más serio se destapara. Pero, ¿por qué tenemos que ocultar lo que sentimos? “Porque no sentimos nada”, me dijo este anarquista para luego tomar, de un solo trago, ese menjurje de mezcal barato y horchata en polvo, servido en un bote de pintura. Si de personas recientes que vivieron tragedias amorosas hablamos, Sharon Van
Etten es una vocera de las partes débiles (adjetivo no necesariamente negativo). Su disco Epic, es el documento que rescata los restos del final de su relación con un hombre controlador que ni siquiera le permitía tener una guitarra. Escenario que no difiere con el que sufrí a los 14 años con un ex (mayor que yo) y que amenazaba con golpearme si me atrevía a dejarlo. Entonces, surgió en mi la duda si realmente valía la pena ser sinceros o mentir para estar a salvo. “Bueno, soy mala, soy mala al amar”, canta Van Etten en “Leonard”, ¿acaso no lo somos todos? ¿O es que amamos mal a quien no queremos realmente? En el primer intento, fui yo quien rompió el corazón de alguien y el karma iba a cobrármelas durante un gran rato. Según un estudio sobre la relación entre la depresión y la creatividad, realizado por la John Hopkins Carey Business School de Baltimore, una persona que está acostumbrada a la segregación, el rechazo puede ser una forma de aceptación y el motivo principal para la que estas personas muestran mejores aptitudes en el campo creativo. Probablemente, tú que lees este texto, recordarás haber sido excepcional en algún momento en esas actividades escolares que exigían cierto tipo de esfuerzo subjetivo o incluso, pudiste haber tenido talento todo el tiempo, si es el caso, felicidades, eras una persona triste. “Me dijiste que el día que me mostraras tu rostro, estaríamos en problemas durante un largo tiempo”, canta Van Etten al inicio de su disco Are We There?, como recordándonos la posición del rechazado, lugar que hemos ocupado al menos una vez. Esperado fue el aplauso mediático y de público acerca de esta obra; creatividad y empatía resultado de las heridas de un salvaje amor. Si escuchar canciones tristes me ha dado el beneficio de la honestidad, entonces se debe estar preparado para sufrir. El circo es esencial para la poca benevolencia de los actos en el ser humano y yo no puedo jugar, no me gusta jugar, porque no se siente igual como saber la verdad sobre lo que no puede sentir tu corazón.
Marvinismo
Como una canción de folk triste Un soundtrack a tu depresión estacional Estoy sentado en la sala de espera del psiquiatra. Llevo en los oídos mis audífonos y escucho música mientras espero que la doctora aparezca bajo el marco de la puerta y me entregue un papel con mi diagnostico escrito: depresión estacional. TXT:: Martín Rangel
Y SÍ, LA DEPRESIÓN es una enfermedad real, aunque su variante “estacional” sólo se manifieste en fechas específicas. Invierno, sobre todo. Mis audífonos, la espera, la música y yo. Es invierno y pienso que, así como asociamos estados de ánimo a algunas estaciones del año, lo mismo lo hacemos con los estilos de música que los acompañan. ¿Alguna vez han llorado en una fiesta de techno? Quizá sólo se trataba de malas pastillas. ¿Alguien sale a correr o va a la discoteca a bailar canciones de folk? Yo escucho folk triste en mis audífonos, la doctora aparece y me marcho. No es difícil estar triste en invierno. No es difícil escuchar folk triste y llorar. El folk está en el mapa hoy más que en mucho tiempo. El nobel a Dylan de algún modo levantó la vara con la que medimos el género y nos hizo pensar en el trasfondo poético del mismo, en el valor de sus palabras más allá de la música. Así que, diagnóstico en mano, y armado con mis pastillas favoritas para paliar estos achaques neuroquímicos, me dispuse a averiguar cuáles eran las canciones que más son capaces de reducir a sus escuchas a un montón de polvo olvidado en una esquina, una almohada inundada de lágrimas, un mantel lleno de mocos. La vía que elegí fue Facebook, y mis amigos no tardaron en llenar la sección de comentarios
con sus, en teoría, desoladoras sugerencias. Un par no entendieron el juego y recomendaron canciones que nada tenían que ver con esta búsqueda. Gracias por existir. De entre el resto seleccioné sólo las que me obligaron a comprar un trago después de escucharlas. Sólo aquellas, ay, que lograron empañarme los anteojos. Y no es que yo sea un tipo precisamente duro, pero tengo cierto callo, cierto filtro de verdadera tristeza, nada de aproximaciones. O eso creí. Todas las canciones la canción. ¿Existe una rola primordial, aquella que reúna en sí misma toda la esencia de la tristeza folk, de la letra a la música? Y pensando en la letra: ¿cuáles serían las palabras que contendría esa melodía-núcleo? Me planteé esas preguntas luego de tomar mis pastillas y se me ocurrió que, en lugar de rastrear La canción, podía simplemente llegar a ella recortando y pegando. Leí y canté y escuché cada palabra de las piezas que integraban mi corpus. Lo que hice después con esas canciones fue traducir segmentos de las letras y escribir variaciones a éstas. Luego me dispuse a reunirlos a manera de collage, estos fragmentos y variaciones, en un sólo texto-popurrí invernal y súper triste. A continuación expongo el resultado. Es con estas palabras, según yo y mis amigos de Facebook, que se escribe nuestra depresión estacional. Salud.
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Amar a otro más de lo que nos amamos a nosotros mismos. Como morir el día de Navidad. Como si se rompieran todas las promesas de Dios. La mente es una navaja. Estuvimos enamorados, pero te dejaste tocar por la mano del diablo. Ahora nuestros corazones laten disonantes, en sitios distintos y lejanos. Ahora mastico los huesos de la noche mientras tú duermes en paz. Te fuiste y vaciaste los días, ahora bebo para llenarlos. ¿Eres esta muerte? Eres esta muerte. ¿Eres este sueño que no significa nada pero duele? Sé que no soy especial, pero a veces ayuda sentir que alguien lo cree. Dios nunca me deja solo, pero es demasiado raro y no quiero hablar con él. En ningún lugar me siento en casa. Una canción triste y mala tras otra. Buenas intenciones de sobra. Sé que te destruí, que te apuñalé la espalda, pero nunca quise hacerlo. Por ti lo hice todo. Por ti lo sufrí todo. En mi corazón siempre brilló tu nombre más grande. Sé que me desvié, que me ahogué en la noche y en sus frutos ilógicos. Morir joven, beberse un disparo en la oscuridad, eso es poesía. Algunos dirán que fuiste valiente y otros, lo contrario. Otoño decae y nos muestra el camino hacía el frío. Vamos en direcciones opuestas. Las flores que eran nuestras cabezas han caído y se pierden entre la maleza. Te digo: quédate. Todo decae y nos muestra el camino hacía el final. Sobre el aire se compone un himno que no te escucho cantar. ¿Qué pastilla es la que cura qué dolor? ¿Qué palabras? No me he quedado sin ellas, es sólo que no quiero ser yo quien las diga: tú único error fue no tener errores. No estabas acostumbrada a equivocarte, y yo volví del error mi estilo de vida. Me volví el príncipe del caos y, por más que lo intentaste, nunca te dejé compartir ese trono. Perdón por no dejarte acompañarme en la caída. Tú siempre mereciste mejores cosas. Todo el mundo es para ti. Sólo espero que sigas por aquí y me perdones cuando me mires perderme. (Lee Hazlewood – “Dirtnap Stories”, José González – “Heartbeats”, Robin Pecknold – “I’m Losing Myself (feat. Ed Droste)”, Bright Eyes – “Something Vague”, Scott Matthew – “Abandoned”, Conor Oberst – „Common Knowledge”, Dan Mangan & Shane Koyczan – “Tragic Turn of Events/Move Pen Move”, flatsound – “don’t call me at all”).
De culto MĂşsica
Esto no es una broma, palabra de
MOMUS TXT:: Jaime Acosta
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l fruto del amor de un empleado de la embajada británica en Grecia y una madre que ponía a Francia como el modelo social a seguir, vio la luz. Nicholas John Currie. 11 de febrero de 1960. ¿Fruto de amor? Todas las señales así lo indicaban. El paso del tiempo se encargaría de derribarlas, una por una sin consideración alguna.
Al parecer todo se trataba de una muy elaborada broma del destino. ¿De buen o mal gusto? Eso no se aclararía hasta veinte años después. “Casualmente” al inicio de la década donde la paz y el amor serían los estandartes mundiales. A tres días de celebrarse un día de San Valentín más en esta tierra. En el más grande pueblo del histórico condado de Renfrewshire, en el occidente de Escocia. Paisley.
Love is a bitch And love makes me itch And if I were rich I’d no longer be rich When that beautiful bitch Showe d up on my patch Stealing my semen And taking my cash And that’s just the good side of love
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El amor es una perra Y el amor hace que me de rabia Y si fuera millonario Ya no lo sería más Cuando esa preciosa perra Se mostró en mi parche Robando mi semen Y tomando mi dinero Y esto solo es el lado bueno del amor
Escocia. Grecia. Canadá. Adolescencia. Música. Experimentación. Improvisación. Exposición temprana a factores importantes en el desarrollo de una personalidad. No importaba más la educación universitaria. Así que Nick la dejó de lado. Se unió a sus compinches estudiantiles al inicio de la década de los ochenta. Post Punk que despertaba ardillas cerebrales. Firmados con el sello inglés, apenas fundado, 4AD. The Happy Family. ¿Otra broma más? Solamente dos producciones. Puritans EP y Man on Your Street. Currie retornó a terminar su carrera en literatura inglesa. Elección que, sin duda alguna, afectó radicalmente su forma de comprender la música y estructurar las letras dentro de una canción. Momento de emigrar a La Ciudad Gris. Londres. La transformación era ya inevitable. Dios de los escritores y poetas. Espíritu del sarcasmo. Ironía hiriente. Crítica malintencionada. Exiliado del Monte Olimpo. Locura. Sapiencia. Rey de la falsedad. Así fue como el escocés dejó de ser Nicholas John Currie para que emergiera el dios griego de la burla: Momus. El desfachatado filósofo musical había nacido. “¿Quién es ese tercero que camina siempre a tu lado? Cuando cuento, sólo somos tú y yo juntos Pero cuando miro hacia adelante por la carretera blanca Siempre hay otro caminando a tu lado Deslizándose envuelto en un manto marrón, encapuchado No sé si se trata de un hombre o una mujer Pero, ¿quién es ese al otro lado de ti?”. El primer EP destapaba sus intenciones malditas. No dejaba nada a la imaginación. Su música era como una bestia de tres espaldas. La lírica, el sonido y el personaje. Esa bestia, que con la salida del Circus Maximus, incomodaba y contaminaba los oídos de forma obscena. Momus había decidido crear su propio Antiguo Testamento. Obviamente la guitarra con la que lo hizo estaba llena de lascivia y ambición. Las lenguas especializadas trataron de tragárselo de un solo bocado. Sin embargo, tan solo dos años después materializó la obra que lo definiría a través del tiempo. Tender Pervert. 2008. Allí estaba impresa la parte sexual del gran Serge Gainsbourg. La homosexualidad se contoneaba en cada frase. El disco desplegaba diversos cabarets franceses a cada giro. Los críticos no supieron cómo reaccionar. “Tengo mis aptitudes críticas pero El infierno no me paga para que me importe Tengo los derechos de mis servicios Y puedo llevarlos a otra parte (Pero, ¿dónde?) Acabo de regresar del inframundo Encontré una misión que es correcta El infierno me recompensa genialmente Así que me pagan por ambos lados”.
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Currie comenzó a alimentarse con todas las estructuras sonoras y expresiones artísticas posibles. De allí en adelante se convirtió en una bola de nieve imparable. No podía estar en un solo lugar. Recorrió América, Asia, Europa, Australia y en todos editó discos únicos. La electrónicamente filosa crítica del Don’t Stop the Night. El sexualmente incorrecto Hippopotamomus. La nostalgia futurista de Voyager. El exorcismo provocado por Timelord. Las versiones voyeristas del Slender Sherbet. La fusión del pensamiento tecnológico con el sexo y la libertad incluida en The Philosophy of Momus. La rareza generacional del 20 Vodka Jellies. El nuevo concepto en sistemas de canciones electrónicas desarrollado en Ping Pong. El análogo pop del The Little Red Songbook. Las cuentas saldadas por el Stars Forever. La perversidad plástica derrochada por Folktronic. El atasque de ruido dentro de la casa de la muerte en el Oskar Tennis Champion. La desorientación morfológica de Otto Spooky. La elegancia cool del Ocky Milk. El viaje de la histeria a la euforia en que nos trepa en Joemus. El caleidoscopio “YouTubesco” en que nos sumerge Hypnoprism. La crujidera sentimental del Thunderclown. El respiradero infernal del terrorífico Bibliotek. La exploración instrumental vertida en Momus In Samoa. El funkglitch infeccioso para rascarse de Sunbutler. Los reencuentros ochenteros del MOMUSMCCLYMONT I y II. El bíblico sexo de los guitarritas con venados en Bambi. Un homenaje a la excentricidad de Bowie y Devoto con payasos obscenos y féminas imitadoras en Turpsycore. La etnomusicología desnudándose para Glyptotek. Y, finalmente, la ansiedad, traición y sentimiento de culpa que vomita Scobberlotchers. “Y Bowie está muerto, mi padre está muerto Y Gran Bretaña ha zarpado lejos Y el sistema populista nos trata como tontos Disfrazan su poder con nuestro dolor Y todo el mundo está bien, pero todo el mundo está muriendo Las personas que importan, se han ido”. En 2009 escribió las delirantes y absurdas historias de unos escoceses imaginarios en Solution 11-167: The Book of Scotlands. Tres años después dio vida a The Book of Jokes con una prosa brutal de humor negro retorcidísimo. El alma vendida al demonio a cambio de fama eterna es mostrada en 2015 a través de Herr F: (Everything living forever is screaming forever). Y en el mismo año, la experimentalmente anormal UnAmerica. “Su sexo, una serie de complicados pliegues florales, es claramente visible en la bioluminiscencia amarillo pálido que emite desde mi abdomen, donde la enzima luciferasa está encendiendo magnesio y oxígeno”. Treinta y cinco años de caminar con las extremidades chuecas. La visión periférica de un solo ojo biónico. Una lengua que se disecciona en dos, cinco o hasta sesenta y seis partes en solo un segundo. El eco del latir de su corazón que incomoda a cualquiera debido a su arritmia. Una respiración hirviente que cada vez que exhala, muestra el infierno que habita en aquel cuerpo. El amor burlón personificado por un personaje subterráneo. Alguien que hay que escuchar infinitamente y leer religiosamente para poder descifrar el lenguaje demoniaco en el que se comunica. Se nos pudo haber ido David Bowie. Podemos seguir flagelando nuestros oídos en homenaje a tan grande ícono. Pero también debemos descender a lo más profundo del infierno. Atrevernos a escuchar cara a cara a la criatura oculta que personifica ese espíritu. Al irreverente. Al violento. Al sexual. Al bromista. Al incómodo. Al gran dios de las burlas musicales: MOMUS.
De culto Cine
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l amor es, según los cánones estéticos clásicos, una de las sensaciones más sublimes dentro de la escala antropológica. A lo largo de su historia, la humanidad ha presenciado el surgimiento de una enorme cantidad de discursos artísticos que hacen de esta inquietud emocional su principal motor argumental. Misma situación que ha dado como resultado el afianzamiento de toda una tradición cultural que sirve de institutriz para las nuevas generaciones quienes recién se inician en los ardides del romance. Entre este enorme caudal de trabajos, nos encontramos con el cine de Jacques Demy, autor francés quien adoptó la misión de exponer el rostro más honesto de ese asunto inasible al que llamamos “enamoramiento”. Nacido en el año de 1931, este visionario realizador inauguraría su carrera con Lola (1960), cinta que anunció de manera temprana esa magnificencia que habría de ser su principal carta de presentación. El género predilecto de Demy fue el musical; arquetipo estilístico el cual, desplegado mediante un esteticismo plagado de colorido y belleza, haría de sus filmes un auténtico deleite sensorial. Sin embargo, detrás de esa fachada “dulzona”, yacen una serie de osados procesos narrativos que despojan al amor de sus trivialidades más arraigadas con el fin de mostrarnos su verdadera naturaleza. LAS INCONSISTENCIAS DEL ROMANCE A pesar de que Demy hilvanó a lo largo de su carrera una amplia filmografía (la cual se extendió hasta finales de la década de las ochenta), no cabe duda de que su obra cumbre fue la temprana Les Parapluies de Cherbourg (1964). Poseedora de un libreto pensado para ser cantado en su totalidad, esta cinta se volvió todo un hito acerca de la trágica y voluble naturaleza del amor verdadero. Nino Castelnuovo interpreta a Guy, joven mecánico que sostiene un idilio de ensueño con Geneviéve Emery; una muchacha de dieciséis años encarnada por la musa más recurrente de Demy: Catherine Denueve. El romance gestado entre este par de prometedores tórtolos se ve cortado de tajo cuando Guy es reclutado por las fuerzas militares para combatir en la Guerra de Argelia. Geneviéve promete esperarlo con abnegación; sin embargo, conforme pasan los meses, la ausencia de Guy pesa de forma cada vez más amarga en el corazón de la muchacha quien, para colmo de males, se encuentra embarazada. El agobio de tan precaria situación hace que la chica termine casándose con Roland Cassard (Marc Michel), un apuesto y próspero pretendiente quien se alza como su opción más lógica. Es así como se da por iniciada una dramática sucesión de eventos los cuales no harán más que alejar a Geneviéve de Guy. Valiéndose de un discurso sumamente cruel, el cual contrasta con la estética preciosista y casi infantilizada de su puesta en escena, Demy nos presenta la paulatina disolución de un romance que, durante el arranque del filme, se antojaba como el arquetipo por excelencia de la inmortalidad. El desenlace de esta producción es un portento anticlimático que deja en claro que nada en este mundo dura para siempre, pues todo forma parte de un ciclo en el que los afectos son reciclados contantemente. El amor, esa emoción a la que durante siglos se le ha adjudicado un valor exacerbado, queda expuesta en la más superflua e ilusoria de sus formas. Misma tragedia que se ve rematada por las desgarradoras melodías compuestas por un Michel Legrand, quien conduce al espectador por una serie de altibajos anímicos tremendamente intensos.
EXTRAVIADOS EN EL SINSENTIDO Tras el éxito de Les Parapluies de Cherbourg, las inquietudes estéticas de Demy (siempre girando en torno al amor) lo llevarían a enarbolar nuevas reflexiones estéticas acerca de esa facilidad con que la condición humana se ve alterada a causa de las arbitrariedades del romance. Fue así como surgió Les Demoiselles de Rochefort (1967), cinta protagonizada de manera paralela por las gemelas Garnier: Delphine (Catherine Denueve) y Solange (Francoise Dorléac). Ambas muchachas, poseedoras de talentos musicales y dancísticos natos, comparten un objetivo en común: encontrar al amor de sus vidas en una ciudad que, al igual que la gran mayoría de los escenarios hilvanados por Demy, ostenta una atmósfera de ensueño cuasi surrealista. Rochefort es un poblado donde el amor se respira a cada instante; sin embrago, lejos de concretarse de forma oportuna, esta emoción se esparce esquivamente por las calles, llenando cada rincón con su presencia, pero también evadiendo cualquier clase de materialización absoluta, por lo que el deseo de nuestras protagonistas es sólo una ilusión de un instante. Mediante una narración azarosa, que se tambalea entre las corrientes de la inconstancia, Jacques Demy trata de dejarnos algo muy en claro: el amor, al igual que el resto de las emociones gratas, es algo caprichoso y voluble; una deidad que, de forma arbitraria, puede darnos la espalda en un santiamén. A pesar de que Les Demoiselles de Rochefort cierra con un desenlace de tintes “felices” (mismo que es alcanzado más por los altibajos de la suerte que por las determinaciones de los protagonistas); no cabe duda de que, en el subtexto de la cinta, se esconden una serie de señalamientos los cuales evidencian la indefensión del ser humano ante sus propias flaquezas emotivas. Sobre nuestras gemelas protagonistas recaen pasiones y deseos cuya naturaleza confusa nos lleva a la conclusión de que la vida terrenal nunca será suficiente para explorar la serie de posibilidades que yacen trémulamente ocultas en cada instante. Haría falta tener más de un cuerpo para poder agotar cada una de las opciones y caminos que la azarosa constitución de este mundo alcanza a ofrecernos. Ahí es donde radica la verdadera tragedia humana. Eventualmente, ambas hermanas lograrán encontrar el amor a su manera, bajo sus propias limitantes y virtudes; sin embargo, durante dicho proceso dejarán a su paso todo un panteón de pretendientes igualmente virtuosos quienes simplemente no lograron concretar sus aspiraciones románticas debido a mínimas discordancias espacio-temporales. LAS HADAS DE LA SUGESTIÓN Las cintas posteriores de Jacques Demy transitarían entre el dramatismo acerado y el folclorismo romántico, siendo Lady Oscar (1979) y Model Shop (1980) algunos de los ejemplos más impresionantes. La primera es una intensa obra audiovisual basada en el popular manga The Rose of Verailles, mientras que la segunda, ostentando el honor de ser la primera cinta dirigida por Demy en habla inglesa, es una dura lección acerca de los sinsabores que nuestros propios deseos son capaces de imponernos. Existe una misma noción la cual unifica al enorme caudal de historias creadas por Demmy: la certeza de que el afecto romántico es una entidad de la que no podemos fiarnos; ya que ésta es capaz de llevarnos del paraíso al infierno en un santiamén. Por lo tanto, no nos queda otra opción más que la de abandonarnos al desconcierto sobre el que se entretejen las aristas más vulnerables de nuestra especie.
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Jacques Demy El eterno desencuentro TXT:: ToĂąo Quintanar
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De culto Arte
Bob Flanagan El amor en
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El cuerpo lacerado, mutilado, cercenado, incomodo, demolido, derrumbado... El cuerpo martirizado, estigmatizado, deseado, sexualizado, cosificado y estereotipado.
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a tradición en el arte nos ha mostrado en infinidad de ocasiones las posibilidades para representar el dolor, el deterioro físico y la muerte, teniendo al ser humano un participe de ello, no sólo en la hechura plástica o conceptual, sino siendo el punto central que ha llevado al productor a explayarse a través de la representación de alguna usanza, leyenda o suceso para aportar a la época de su factura, imágenes nutrientes de categorías estéticas como lo grotesco o lo trágico. Abundan, por ejemplo, en el arte sacro, los martirios, suplicios y derramamientos de rojo bermellón sobre lienzos, cabezas en bandejas solicitadas por Salomes deseosas y deseadas; de igual manera, pero en otras direcciones, podemos encontrar batallas sangrientas, fusilamientos, grabados muy descriptivos sobre las posibilidades de la tortura para los detractores de algún tipo de metafísica. Pero no sólo ahí, en las imágenes físicas, sino en las logradas de las palabras y que no son menos inquietantes; de momento, no puedo quitar las imágenes que me he inventado cuando literariamente Michel Houellebecq asesina de manera brutal a Michel Houellebecq en su novela El mapa y el territorio. Él es un sádico, se destroza, hace de sí un ritual tétrico por medio de la ficción escrita, una descripción que no se atormenta ni se detiene para lamentarse de usar así, para su narrativa, al personaje con su propio nombre; no importa, es ficción, representación, como la del teatro, la pintura o la escultura. Ahora, más allá de la representación, quiero hablarles del “Supermasoquista”, para quien en su obra no había invención en el dolor y la sangre expuesta al intemperie y al espectador expulsada de su cuerpo, podía ser evidencia de un acto de amor por la vida, la muerte y el arte, sin simulacros, sin actuaciones, ya lo dije, sin ficción. Bob Flanagan (1954-1996) nació con fibrosis quística, una enfermedad que le auguraba poco tiempo de vida inundado de mucho dolor, por ello este artista estadounidense cobró a temprana edad una concepción acerca de la muerte, del cuerpo y su fragilidad, he hizo de su propia vida un autentico performance. Vida hecha arte, aquello que muchos han buscado y experimentado. Desde las vanguardias artísticas que pretendieron amalgamar lo que se vive y lo que se reflexiona, pasando por el teatro pobre de Jerzy Grotowsky y su relación con el cuerpo exaltado, buscando ese poder contenido en lo mínimo, en lo indispensable para el acto, el cuerpo en vida.
Flanagan no hace una representación sino hace del dolor la propia obra, lo cósico del cuerpo como soporte artístico frente a lo poético de su espíritu, alma, pensamiento e intelecto resistiendo; sublimando el sufrimiento, referenciando el martirio del arte sacro occidental, pero más allá, no en representación, sino en acción, en vivencia, en cuerpo presente y hasta el estertor de su ultimo aliento. Dotándonos entonces a nosotros, del conocimiento de ello a través de la reproducción de sus registros, mostrándonos la autenticidad de la tensión entre el poder de la resistencia física y la persistencia de la idea como eje para la ejecución de una acción, que no es actuación, que no es ficción, es la evidencia de una vida impregnada de dolor insuperable, la fricción que permite la marca de la herramienta sobre el soporte que es su cuerpo: su vida. Flanagan, al ser en sí mismo su soporte artístico, lo dota de su existir, de su cotidiano, de sus frustraciones y, por supuesto, de su amor. Sheree Rose, la dominatrix en la vida/amor/arte de Bob Flanagan, es su asistente, no sólo por ser quien corta y hiere su cuerpo, sino porque participa de la creencia, en la fe de una obra artística que puede dotar de control el cuerpo enfermo, determinando la intensidad y final para un dolor escogido, autoinfringido, pensando en la idea de que permitir o pedir que te causen dolor y te lastimen es una manera de autoflagelación, autosatisfacción, autocontrol y, para Flanagan, una autonomía física por lo menos temporal. Para este dúo, desde sus singularidades, la vida juntos no podría haber sido de otra manera, pues mientras ella sólo lo pudo amar por ser el receptáculo del dolor excitante que de sus manos emanaba, Flanagan a través de cada punzada o laceración recibida palpitaba en deseo, en vida y en control. Insisto, no puedo separar vida/amor/arte al hablar de Flanagan y su dominatrix; hay muchos que llevando su vida al extremo, nos han mostrado reflexiones interesantes, pero Flanagan lo llevó a la ultima hebra del hilo que sostiene la vida. Por ello para concluir quiero describir un poco de lo que fue la ultima obra de este peculiar performer y su amada. En pantalla se muestra un Flanagan sonorizando los estertores que anuncian la inevitable llegada de la muerte, e irremediablemente muere en pantalla, concluye el ultimo de sus performances; por su parte, Sheree Rosse, al ser de la dupla la que vive y sufre, realiza un ejercicio post mortem que consiste en recolectar los fluidos obtenidos de los pulmones del artista. Amor.
Ahí donde el placer ha venido del dolor TXT:: Rubén Gil
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Cine
Moonlight
Ese instante en el que todo brilla con más fuerza
Existen fuerzas rectoras dentro de nuestra civilización las cuales, simple y sencillamente, delimitan de manera específica la vida de los seres humanos sin que éstos puedan hacer mucho por defenderse. TXT:: Toño Quintanar FOT:: ARCHIVO
EL ESTADO ES un claro ejemplo de dichos esbirros. A menos de que se quiera vivir como un marginal, todo individuo debe de alienarse a los rigores jurídicos y morales del contexto geográfico que el azar le asignó como entidad de nacimiento. Al mismo tiempo, existen otro tipo de potencias controladoras que no son un producto virtual de la civilización, sino que éstas nacen a partir de impulsos biológicos y pscioemocionales capaces de ejercer una influencia descomunal sobre el mundo en el que nos desenvolvemos. Entre este cúmulo de gravedades, el amor (cariño, enamoramiento, apego; como usted le quiera llamar) se destaca como uno de los elementos más trascendentales. El amor entonces es una prueba palpable del poder que el mundo de las sensaciones subjetivas es capaz de diseminar sobre el plano de lo físico; panorama que funge como
un excelente campo de cultivo para una serie de pasiones arrebatadoras que pueden traer consigo tanto momentos de sublime esplendor, como situaciones verdaderamente estremecedoras donde el deseo se transforma en el mejor combustible para los impulsos de carácter cuasi criminal. Por supuesto, la sociedad alienada en la que nos desenvolvemos ve en la capacidad del ser humano para querer un elemento normalizador que evita de antemano cualquier tipo de insurrección nihilista. No por nada, muchos expertos señalan al matrimonio como la piedra angular del capitalismo; ya que dicha institución asegura la llegada de nuevas generaciones quienes habrán de alimentar a las maquinarias del “progreso”. Pero, ¿qué ocurre cuando el amor, lejos de ser una emoción celebrada por el mundo entero, es sinónimo de marginalidad, aislamiento y violencia? Desde William Shakespeare, hasta Federico García Lorca (destacando entre ellos, por supuesto, Goethe) existe una amplísima tradición de escultores de la ficción quienes han tomado al amor renegado, maldito y contestatario como un estandarte de la tragedia que se cierne sobre aquellos seres cuya naturaleza consustancial
difiere de la que es común en la mayoría. Mismo asunto que heredó para el Séptimo Arte una rica escuela de matices y refulgencias donde el romance se torna una quimera inasible. La muestra más reciente de dicha inquietud es Moonlight (2016), cinta que nos recuerda que el amor puede transformarse en una emoción verdaderamente terrible la cual, no por ello, deja de ser hermosa. Dirigida por Barry Jenkins (realizador quien después de su debut con Medicine for Melancholy regresa para afianzarse definitivamente entre el grupo de los artistas más propositivos de la nueva era), esta producción narra la historia de Chiron, un joven afroamericano cuyas inquietudes existenciales y amorosas germinan en medio de una Miami asolada por el narcotráfico. A lo largo de tres ejes temporales interpretados de manera escalonada
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FICHA TÉCNICA Título: Moonlight Director: Barry Jenkins Año: 2016 País: Estados Unidos Reparto: Trevante Rhones, André Holland, Janelle Monáe
por Alex Hibbert, Ashton Sanders y Trevante Rhodes, somos testigos de la evolución de este evocador personaje; misma que va, desde el temprano descubrimiento de su homosexualidad, hasta su afianzamiento como un mafioso de cuidado. Este proceso se ve intervenido de manera recurrente por Kevin (Jaden Piner, Jharrel Jerome y André Holland), fiel amigo de Chiron quien, con el paso de los años, habrá de transformarse (textualmente) en el amor de su vida. Sobra decir que la homosexualidad de nuestro protagonista lo transforma en un marginado quien se desenvuelve en un contexto el cual de por sí está conformado por individuos quienes no son más que “escoria” para la América blanca conservadora. Es así como se inaugura un círculo de amarguras y esperanzas en el que Chiron se ve constantemente forzado a transitar por un mundo de desencuentros, donde sus propias condiciones emocionales
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permanecen arraigadas en lo más profundo de su fuero sensible. Existe una sola palabra la cual es capaz de definir al mosaico de elementos e intensidades que persisten a lo largo de Moonlight: belleza, tanto en su detenida y enervante propuesta visual (la nominación al Oscar del fotógrafo James Laxton no es gratuita), como en su intrincada esencia argumental, misma que se abre camino a lo largo de un contexto que parece decidido a erradicar toda la pureza de este mundo. Mientras “estandartes” del cine romántico actual como 500 Days of Summer se esfuerzan por brindarnos una concepción absolutamente burguesa y gentrificada del amor y de sus hilos conductivos, la aparición de cintas que nos recuerden la fuerza transgresora de dicho sentimiento se torna más que necesaria. Es aquí donde interviene el despliegue retórico y estético ensamblado por Jenkins, el cual da pie a un descomunal discurso en el que se deja en claro que los apegos propios de nuestra especie no necesariamente deben de regirse bajo un mismo yugo sistémico, sino que pueden aflorar de formas insólitas, fungiendo
como un dejo de intimidad que es capaz de contraponerse al ambiente más hostil. Al mismo tiempo, la serie de saltos temporales que observamos a lo largo de la cinta nos brindan la sensación de estar observando una obra estrictamente cronológica en la que las aproximaciones antropológicas realizadas con respecto al protagonista, se tornan un bosquejo hiperrealista acerca de ese desfase vivencial que cada ser humano experimenta durante su maduración como individuo. Moonlight es una cinta que habla acerca de la búsqueda de la identidad a través del amor. Ejercicio que, a diferencia de lo que los entes más puristas de nuestra sociedad pudieran objetar, es capaz de hilvanarse a través de distintos códigos y lenguajes que cada sujeto es libre de formular bajo sus propios términos. 0
Arte
AdeY
Instantáneas del dolor emocional
NACIDO EN INGLATERRA y asentado en Malmö, Suecia, el fotógrafo AdeY se ha dedicado a capturar breves momentos que hablan de presión social, humor, soledad y aislamiento, ansiedad y depresión. Es una óptica que admite que no solamente cambiamos con relación a nuestro medio ambiente, sino que, igualmente, éste se modifica y adapta a aquello en lo que nos convertimos. Su trabajo muestra desequilibrios evidentes dentro de la sociedad contemporánea, señalando directamente hacia los prejuicios de género, comportamiento tradicional y la tendencia social de forzarnos a seguir patrones de conducta; los sujetos capturados en sus imágenes representan nuestra vulnerabilidad, soledad, fortalezas y esperanzas al tiempo que realzan la correlación entre cuerpo y espacio. Junto con distintos medios digitales e impresos relevantes, el trabajo de AdeY puede revisarse en Right and Left, su primer libro gráfico publicado en 2015 en japón. Durante 2016 AdeY colaboró con el también fotógrafo sueco Kersti K en el fanzine conjunto Avalanche y en este momento preparan su siguiente fanzine HEATH, mismo que puede fondearse con recompensas distintas mediante una campaña Kickstarter. Descubre más de su trabajo en: adey.se y en instagram.com/__adey__/
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Arte
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La soledad es un principio rector de nuestro tiempo; hasta hace poco se la colgábamos –básicamente– a los jóvenes asiáticos, pero luego vimos que no, que se ha colado hasta los más recónditos sitios del planeta.
Literatura
Diario de un solo Una generación sofocada por la individualidad pero amante de Internet
TXT:: Juan Carlos Hidalgo
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MUCHOS SERES HUMANOS teniendo que lidiar con la ausencia de vínculos sentimentales y existenciales importantes. El asunto del forever alone cunde por doquier. Por eso es importante capotear tal condición con inteligencia, pero sobre todo con sentido del humor. Si en el pasado un melancólico enamorado que no fue correspondido se tiraba a la orilla de un lago a llorar su derrota, hoy día se encierran en casa a tratar de armar un vida virtual que les traiga un poco de confort. Las postales del azote romántico y apesadumbrado han cambiado mucho. Además, abundan las personas –cada vez de menor edad– que se conforman sabiendo que probablemente el destino les tenga destinado a estar solos y van trazando estrategias para sobrellevar tal condición. Se van llenando de mañas y manías. Se trata de un cotidiano delirante aun en su aparente vgrisura y monotonía. Catalina Bustos Mendoza (Catalina Bu) se dio cuenta que las anécdotas y situaciones que brotan de andar en solitario por la vida pueden resultar muy divertidas cuando se muestran convertidas en viñetas. Resulta lógico que optara por comenzar publicándolas por internet –pasarela ideal de los solos–. El impacto e identificación de gente en similares circunstancias hizo que fueran corriendo como reguero de pólvora, cobrando popularidad y llamando la atención de una editorial para que aparecieran compiladas en un libro, que en realidad parece más un cuadernillo impreso únicamente con tinta azul –lo que le da un toque característico y adorable–. Es así como una ilustradora aferrada a la trinchera del freelance y librando batallas para sobrevivir día a día, de repente se encontró en el centro de un éxito rotundo de ventas que se reflejó en una sucesión de tirajes e invitaciones para asistir a diferentes Ferias internacionales del libro en Colombia, México, Argentina e Italia. La Editorial Tusquets se dio cuenta de que esa obra breve y desenfadada era un reflejo hilarante de toda una generación de hombres y mujeres que habitan en las ciudades y enfrentan la vida laboral y social como si fueran una isla. El librillo ha ido conquistando progresivamente cada lugar del continente donde ve la luz. Se trata pues de una historia de éxito real de nuestros días. Recopilemos argumentos: los trabajos fueron apareciendo en internet. La autora tiene 27 años y ha sabido observar con atención la vida. En un guiño interesante su personaje no es ella misma sin un hombre. La basta con el color azul para expresarse en una tinta. Y por si fuera poco, escoge una elegante y atinada epígrafe de Chet Baker para abrir el volumen: “I guess I`ll go through life, just catching colds and missing trains, everything happens to me”. Pese a su juventud no le falta el buen gusto y un refinado sentido del humor que nos hace pensar en una especie de Woody Allen millennial dedicado al dibujo y al cómic. Al ritmo de los tiempos que corren, Catalina ha ido combinando los encargos comerciales con el desarrollo de su propia obra y así es como ha participado en Gatos Gordos de Jani Dueñas (2012, Editorial Planeta) e Ilustración a la Chilena, editado por Plop Galería y Ocho Libros en 2013,
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que fue lanzado en el 2do Festival Internacional de Ilustración, con una exposición en el Centro Cultural La Moneda de la capital chilena, entre otros proyectos. Ella nació en Concepción y apenas con 19 años se mudó a Santiago para insertarse en una gran ciudad y pasar por varias de las experiencias con las que habría de poblar su primer libro, que desde su aparición en 2014 no para de crecer. Así, esa peculiar, sensible y fina manera de mirar a la realidad de los solitarios se filtra no sólo en cada una de las tiras sino que está presente desde el prólogo mismo, escrito por Alberto Montt: “Estoy feliz de que se haya editado este libro de Catalina Bu, quien es, a mi juicio, una de las estrellas de la nueva generación de dibujantes chilenos... Aunque creo que en la aseveración anterior caigo en dos errores que pretendo corregir inmediatamente: 1. No es la nueva generación chilena, sino la nueva generación a secas. Diario de un solo podría ser hecho por un japonés, una francesa o un camerunés. No le cabe el apellido “chileno”, menos con una mirada paternalista y condescendiente. Es lo que es, aquí y en la quebrada del ají: un tremendo libro. 2. Tampoco sirve el título de “dibujante”, porque no es lo que Catalina hace. Es cierto, ella dibuja, pero no es más que la herramienta que usa para hacernos ver sus observaciones. Llamarla, “observadora” sería más justo. Algún lector desprevenido podrá tomar en sus manos este libro y, luego de hojear un par de páginas, pensará que se trata de las aventuras y desventuras de algún desconocido, quizás un ex compañero o el vecino extraño, aquel que uno a veces se encuentra en el ascensor. Pero ojo, es un ‘caballo de troya’, una vez que seguimos nos permite vernos y leernos a nosotros mismos en cada hoja. Trata con un finísimo humor y una gráfica envidiable los temas que tocan a ese pequeño ‘solo’ que todos llevamos dentro”. Con todo y ser egresada del Instituto de Arte y Comunicacion ARCOS, Catalina no se siente ni artista ni diseñadora; en repetidas ocasiones deja en claro que ella pretende consolidarse como ilustradora en toda regla. Admiradora del trabajo de Daniel Clowes, colaboradora de marcas como Levi’s y diversas revistas chilenas, confiesa que se mueve a partir de lo que dice un letrero colocado en su taller: “Trabajo, responsabilidad, autodisciplina” y resume la experiencia de Diario de un solo de la siguiente manera: “Fui dibujando –sin querer– el estilo de vida actual de mi generación. El libro habla de irse a vivir solo, entender la soledad, vivir con ella, y otras veces saber utilizarla para ocultarse. Lo veo y entiendo ahora, después de imprimir el libro. Por otro lado, aunque alcancé a tener una infancia un poco más desapegada a la tecnología, en mi adolescencia todo avanzó muy rápido, en un abrir y cerrar de ojos internet era todo, ocupando la mayor parte de mi tiempo. Ahora todos vivimos un poco alejados del contacto real y estamos juntos virtualmente. El ‘solo’ va surfeando por ahí, entre la soledad y el apego a la tecnología”.
Cómic y narrativa dibujada
Los Insectos Humanos y Heartbreak Soup
TXT:: Oscar G. Hernández
OSAMU TEZUKA, el más grande creador de historietas de oriente, conocido también como el Dios del Manga escribió: “Mi maestro me dijo una vez que todo hombre se enfrenta a siete enemigos en su vida. La enfermedad, el hambre, la traición, la envidia, la codicia, la vejez, y luego la muerte”. Tezuka abordó prácticamente todos los temas sobre la condición humana, pero quizás en esta frase olvido incluir a un enemigo implacable y monstruoso: el desamor. El desamor ha sido alimento de grandes historias, ya que va ligado al amor y los humanos no pueden vivir sin él. En el noveno arte, quizás los campeones en lograr las historias de amor y desamor fuimos los mexicanos. La base de la gran industria televisiva creada en los cómics que después pasarían ha convertirse en radionovelas y telenovelas; tuvieron sus raíces en esos enormes melodramas plasmados en las viñetas del famoso Lágrimas y Risas. De ahí surgieron los culebrones que se convertirían en una formula narrativa viva hasta nuestros días. Resulta interesante observar que a pesar de toda su influencia en la televisión, esas historietas pasarían al olvido, a pesar de haber sido reeditadas. No lograron mantenerse en el terreno del noveno arte. El japonés Tezuka por el contrario sigue siendo uno de los referentes más influyentes, importantes y obligados para la narrativa gráfica. En su obra El libro de los insectos humanos nos cuenta una historia magna donde muchos corazones son rotos incluyendo el del lector. El mangaka creó un personaje adorable, hermoso, con un talento
sin igual, del que cualquiera puede enamorarse perdidamente y por tanto una vez que se ha caído en la red se es presa fácil para terminar con el corazón destrozado. En su época El libro de los insectos humanos ayudó al autor a salir del encasillamiento en que lo habían colocado como creador de historias para niños. Los editores y productores de Tezuka debieron advertir a sus fans que al leerlo corrían el riesgo de terminar con sus sensibilidades heridas. Y así fue, muchos terminarían con el corazón herido. Pero el corazón del lector no sólo había sido pisoteado por el giro de su autor, fue destrozado porque el relato del grafista describe una sociedad machista, cruel, egocéntrica con un sin número de desvirtudes que a un alma noble quebrarían sin remordimiento. El tratamiento que muestra el libro sobre el amor, plasma el lado más cruel de este. No se queda en el nivel del romance de pareja; va más allá: describe una sociedad que se construye a partir del engaño, donde la única función del amor es aprovecharse del otro. El amor es solamente otra mercancía que nos lleva a no tener finales felices. El nombre de Tesuka se convirtió en el premio más importante de narrativa gráfica en Japón. Su obra es muy vigente: El libro de los insectos humanos escrito y dibujado en los años setenta, fue traducido al inglés en 2011 y hace apenas unos años fue traducido al español. Es una de esas obras que actúan como pilares del noveno arte en oriente y que aún son poco conocidas por occidente. Este libro que es contemporáneo de las creaciones melodramáticas mexicanas, sobrevive al tiempo como ninguno otro. Es una gran trama
que resulta fascinante, más aún si se le ubica en el contexto japonés y mundial de aquellos años. Otro libro fundamental para burlar a San Valentin es Heartbreak Soup de Gilbert Hernández: un verdadero caldo de sabor para el desencanto amoroso. “Esta sopa es sólo para personas como nosotros... está hecho a partir de una vieja receta; ayuda a que nuestros corazones se hagan de piedra”. Hernández recopila una serie de historias para endurecer los espíritus. Igual de magnífico que el japonés, recrea todo un universo en ese pequeño pueblo llamado Palomar. Es quizás por esta obra que lo compararon con García Márquez. La magia, o más bien, el realismo mágico puesto en sus viñetas, conmueven e inspiran. Lo que ocurre en Palomar es universal; los personajes de Heartbreak Soup son entrañables, divertidos, crueles, alucinantes, sus vivencias sobre soledad, sexo y amor, paternidad, amistad, muerte, violencia doméstica, sexismo, madurez, sólo por mencionar algunas, son temas que atrapan de inmediato al lector. Este es uno de esos cómics que se sorben lentamente y de los cuales siempre queremos más. Es el primer libro de la serie Love and Rockets editada por Fantagraphics que muestra los cimientos de esa serie mítica, la cual puso al cómic latino en los niveles más altos. La “sopa de pena” es un platillo que se sirve caliente y que descubre al lector lo maravilloso y cruel que es el amor, pero que al terminarlo sentiremos que nuestros sentimientos se endurecieron sólo para ser liberados, gracias a una hermosa narración y dibujo.
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Cรณmic y narrativa dibujada
Pachiclรณn
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Te traemos a Rafael Rodriguez Pachiclón uno de los más importantes representantes del cómic mexicano hoy. El trabajo de Pachi ha sido mostrado en el Museo de Arte Moderno, MUCA-Roma, Vértigo Galería, En el circuito de festivales de Comix y arte experimental en Europa Novo Doba. En el Festival de comic experimental de Orgon USA. Sus publicaciones van de Mi Chiapas, Peluquería, La caspa del diablo, Pictoplasma, las colectivas de The Character Encyclopaedia, AlcomX, Carboncillo en 2016 lanza Vacilar y Grosería., más su larga trayectoria en El cómic de la Semana en Noisey. No dejes de seguirlo en: http://pachiclon.net/ https://www.instagram.com/pachiclon/
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TXT:: HUGO GARCÍA MICHEL @hualgami
BAJO PRESUPUESTO
Columnas
PERDONARÁN USTEDES en esta ocasión el título tan personal de mi columna, pero a lo largo de mi ya no tan corta vida he pertenecido a ese club que menciono y que es como una sucursal del Club de Corazones Solitarios del Sargento Pimienta. Experto en corazones rotos soy yo. O más bien de tener roto el corazón. No vendrá a continuación una andanada de frases de auto conmiseración, no se asusten. No será una columna de quejas doloridas por lo mal que me haya podido ir en cuestiones sentimentales. Ya en otros tiempos tuve oportunidad de dolerme y arrastrarme en el fango del sufrimiento amoroso, ese que suele provocar, ¡ay!, la proliferación de entrañas rotas. Algo que por cierto se ha reflejado en la música, especialmente en la canción popular, desde los tiempos de los juglares y los trovadores medievales, si no es que desde que el Homo Sapiens sintió por primera vez las agujas punzantes del enamoramiento mal correspondido (para mayor información, remitirse al espléndido ensayo La llama doble de Octavio Paz). Quienes escribimos canciones solemos ser especialmente vulnerables a las cuestiones que tienen que ver con el amor y, sobre todo, con el desamor. De las varias musas que he tenido a lo largo de los 47 años que llevo como compositor, a todas les he hecho muchas más canciones de dolor que de alegría amorosa. Feo balance. Pero como decía José Agustín: así es esto del Bardotodol. Por supuesto que no soy el único. Tan sólo en el rock, desde Chuck Berry hasta Damien Rice y desde Lennon y McCartney hasta Noah Gunderson, pasando por un larguísimo etcétera, han escrito canciones para corazones rotos. No hablemos de otros géneros, como el blues, el bolero o hasta la llamada música culta (Mozart, Beethoven, Schumann, Chopin, Satie, entre otros, compusieron obras tristísimas y conmovedoras que tienen que ver con los broken hearts). ¿Y los millenials? ¿Cómo sobrellevan el dolor del alma? Mi experiencia con amigas veinteañeras me lleva a decir que no lo sobrellevan del todo bien. De hecho, algunas de las cantautoras actuales en español suenan en sus letras como si interpretaran azotadísimos boleros de los años cuarenta del siglo pasado. Escúchense si no las canciones de Natalia Lafourcade, Mon Laferte o la inefable (dije inefable, no inflable) Carla Morrison. Todas sufren el amor como plañideras. De esta época milleniarista es también el término tan en boga de la friendzone, es decir, ese lugar semejante al limbo al que las personas envían a quienes sólo quieren “como amigos”. Sobre ello escribí el siguiente, llamémoslo, poema, intitulado “Letanía de la friendzone”: “La torpeza me domina, no es mi fuerte ser galán / La impericia me tropieza, no es lo mío ser patán. / No soy buen conquistador, no consigo seducirte, / invariable situación: me mandas a la friendzone. / Veo a cada esperpento que te cautiva a la primera. / Me pregunto asombrado: ¿qué es lo que hace que cualquiera, el más mediocre, el más actuario, el más zafio y ordinario, / te encandile con fervor, mientras yo estoy en la friendzone? / “Yo te admiro, eres mejor, mejor que todos y te quiero, / pero te quiero como amigo”, me lo dices y yo muero. / “¿Un beso, una caricia, nuestros cuerpos que se unen? / Eso nunca entre tú y yo, porque te tengo en la friendzone. / Eres un privilegiado, eres mi amigo y ellos no, / tenemos sexo pero efímero: lo que el viento se llevó. / En cambio tú siempre estarás cerca de mi alma y mi amistad, / pero sin erotismo, corazón: te quedas en la friendzone”. / Y así pasa cada día, sin que cambie la letanía. / Los galancetes se llevan todo y yo sigo en la agonía. / La deseo y se lo digo: “¡me enamoras, por ti deliro!”. / Pero ella es firme en su decisión y me mete en la friendzone / y me hunde en la friendzone / y me condena a la friendzone. / ¡Vaya mierda, vaya son!”.
El club de los corazones rotos del sargento García Michel
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Columnas
Topología triste de Paris En el fondo –dijo Gregorovius– París es una enorme metáfora
TXT:: RAFAEL TORIZ @ninyagaiden
AGUARRACES PORTEÑAS
Cortázar
HERIDO POR UN MAL de amores huí en aquel invierno en busca de una mujer más vieja y más amada para que ahogara mis lamentos. París, en su grisura augusta, con su río de tamarindo y su nieve color mortaja recogió los quejidos y murmullos de un diablete despechado. Caro me vendió su amor pues valiosa era mi pena. Más que preguntarme como el argentino si alguna vez “encontraría a la Maga”, tenía la lapidaria certeza de seguir el fantasma de una bruja. Estaba solo habitando una ciudad de espectros, como en una hermosa y desolada imagen de Atget. Y es que hay que andar las Tullerías en invierno para sentir la soledad del territorio, sus dolores viejos y sus charcos helados acostumbrados a reflejar quebrados corazones de tundra. No hay nada en París que ayude a llevar el desconsuelo: ni sus vinos, mujeres o Rayuela son suficientes para curar la melancolía. Incluso su oferta cultural es deprimente por inmensa. Turistear por el Louvre y el Orsay, además de confrontarnos con siglos de cultura, sirve a su vez para hacer jogging bajo techo. Uno puede merodear por Saint-Sulpice y sentirse (H)Oliveira con el temperamento Óblomov arañándole la espalda. Se puede pasear por el Marais y añorar, mero cliché literario, a los inmigrantes, las putas y demás marginales ahora relegados en suburbios ardientes para contemplar un trendy barrio judío con bares coquetos donde tomar Amstel de cuatro euros y medio y fumar un hórrido Gauloise. Descarto el Cartier Lacan por presuntuoso. Recuerdo haber visitado tumbas sosegadas. Merleau-Ponty, Baudelaire, Sontag y Brancusi fueron los únicos vecinos con quienes compartí los negativos. Regresé a París, de mano del cronopio, para enterrar un pasado pleno, ahora desgarrado. También robé de su lecho un libro de Dickens. Recuerdo luego, afuera de la Shakespeare & Co, a un joven irlandés que entonaba melodías desde una remota lejanía, de una tristeza infinita. Entonces se me reveló la esencia de Rayuela, esa pésima, triste guía de París. Supe entonces, como ahora, que los que tienen ojos se leerán en los libros de otros y que moriremos extrañando. A Mariana Elizondo
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El pilón
Aries Tauro Géminis Cáncer Leo Virgo Libra Escorpio Sagitario Capricornio Acuario Piscis
TXT:: Marvin Vidente
Horóscopo del amor 2017
Te enamoraste sin preverlo y sufrirás las consecuencias de tu indecisión emocional. Procura comer sanamente porque tendrás descompensaciones físicas por cuestionarte sobre el rumbo de las cosas.
La vida da muchas vueltas y lo de ahora no te lo esperabas. Recuerda que el amor se construye y los acontecimientos suelen ser consecuencia de nuestros actos.
Tu vida amorosa es un sube y baja. Ahora que te encuentras en la cima procura cuidar todo lo bueno que te rodea. Cuida cada paso que das, porque no sabes cuándo las cosas pueden irse en picada.
Eres un ser de libre movimiento, sin embargo, ya te atraparon. No te resistas a los cambios porque tu signo es de agua, lo que significa que de una vez por todas debes dejarte fluir.
Te creías invicto en cuestiones del corazón, pero siempre hay una primera vez para que te lastimen. Abraza ese sentimiento que, lejos de todo, te hará más fuerte.
Tu gran personalidad hace que todos quieran estar contigo, sé cuidadoso con eso porque puedes perder de vista a las personas que valen la pena.
Siempre tratas de mantener el control, sin pensar que tener todo planeado no siempre significa regocijo, puedes perder grandes cosas al tratar de manipular lo que la vida tiene para ti.
Tu destino es salir librado de toda crisis emocional, esto deberías usarlo para bien. Recuerda que debes canalizar tus sentimientos y no prestar atención a tu saboteador interno.
Tienes el don de adaptarte a todo ambiente; has sufrido y gozado de las mieles del amor. Sólo recuerda que hay rachas y este año te toca perder.
A veces es importante estar consciente de que un ciclo terminó. Permítete aventarte al ruedo de una vez por todas y dejarte sorprender por todo lo que te has estado perdiendo.
No todo es como lo pintan y te has dejado llevar por imágenes que no concuerdan con la realidad que hoy vives. Abre tu mente y mira más allá del paisaje lúgubre.
Sueles ser muy intenso acerca de tu situación sentimental, por lo lastimado que has estado en el pasado. Relájate, deja de tomarte todo tan a pecho y verás cómo todo se acomoda a tu conveniencia.
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El pilรณn
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