Mvn 134

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ESPECIAL DE

MODA#3 NUEVAS CREACIONES

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MVN

OMAR QUIROZ / CHABE / SUPERHERO MAG MARVIN Y QUETZAL / ALEJANDRA QUESADA

New Order

El regreso de los modernos eternos

Natalia Lafourcade Fortalecerse desde la raíz 05-OCT-15

Andrade, Houellebecq y González Rodríguez: literatura para desmenuzar al mundo

#ROCKPARALEER

LA COLECCIÓN QUE MEZCLA LA LITERATURA Y LA MÚSICA PARA RENDIR TRIBUTO A LAS LEYENDAS QUE NOS DIERON LAS MEJORES CANCIONES DE NUESTRAS VIDAS.

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DIRECTORIO PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@revistamarvin.com EDITOR UILI DAMAGE uili@revistamarvin.com COORDINADOR EDITORIAL PABLO PULIDO pablo@revistamarvin.com DIRECTOR DE ARTE HÉCTOR MONTES DE OCA hector@serif.com.mx DISEÑADOR GRÁFICO DAVID HERNÁNDEZ davidh@revistamarvin.com EDITOR WEB ROBERTO GONZÁLEZ CLAPÉS roberto@revistamarvin.com REDACTORA WEB ORQUÍDEA VÁZQUEZ orquidea@revistamarvin.com REDACTOR WEB JOSÉ IGNACIO GÓMEZ ignacio@revistamarvin.com DIRECCIÓN COMERCIAL Y RP DELHY SEGURA delhy@revistamarvin.com VENTAS Y RP ALFONSO PRETELIN poncho@revistamarvin.com FOTÓGRAFO FELI GUTIÉRRES feli@revistamarvin.com

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Juan Nicolás Becerra, Lenin Calderón, Juan Carlos Hidalgo, Vicente Jáuregui, José Lagos, Alejandro Mancilla, Chuck Pereda, Toño Quintanar y Regina Zamorano Licea.

CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo J. Flores, Alejandro González Castillo, Jorge Grajales, Juan Carlos Hidalgo, Alejandro Mancilla.

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MVN 134 :: ESPECIAL DE MODA #3

EDITOR CÓMIC ÓSCAR G. HERNÁNDEZ oscarghx@revistamarvin.com ADMINISTRACIÓN Y DISTRIBUCIÓN EMMANUEL CORTÉS emmanuel@revistamarvin.com

ASISTENTE MONTSERRAT ASCANIO VARGAS montserrat@revistamarvin.com WEBMASTER ERNESTO MAGAÑA ernesto@revistamarvin.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com FOTO DE PORTADA Fotografía: Leo C. Sam Dirección de arte y coordinación de moda: Omar Quiroz Máquillaje: César Nava Pelo: Vivian Luna Modelo: Nora Morales para New Icon Models Asistente: Armando Juárez

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MVN

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Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 134 correspondiente a: SEPTIEMBRE 2015. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372.

Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2011-100610180100-102. MARVIN es una Marca Registrada.

CONTENIDO

MVN :: 134 :: ESPECIAL DE MODA #3 EN PORTADA 30 NEW ORDER 34 MODA – NUEVAS CREACIONES: ALEJANDRA QUESADA, CHABE, MARVIN Y QUETZAL, OMAR QUIROZ, SUPERHERO MAG 6 EN MEGÁFONO. Perfiles y noticias de música, cine y arte

MÚSICA 16 INDUSTRIA: Rock 101 18 ATLAS SONORO: Berlín 20 BEIRUT. Bipolaridad exhaustiva 22 NATALIA LAFOURCADE. Fortalecerse desde la raíz 24 MARIEL MARIEL. La subjetividad del pop 26 SARAH RECORDS. La historia que prefirió acabar antes de convertirse en una 58 DE CULTO: New Romantic. Una élite elegante y pirata FESTIVALES 28 LOLLAPALOOZA 2015. Bajo la misma guitarra

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CINE 64 LIFE. Soy yo lo que no coincide nunca con mi imagen 60 DE CULTO: Milena Canonero. Moda y cine en un mismo caleidoscopio ARTE 66 GALERÍA: Melissa Chaib 62 DE CULTO: Mi sastre es un punk. Cuando tu ropa es la que te usa a ti CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA 72 FASHION BEAST. Punk y bestialidad en la moda 74 JUANJO SÁEZ MARVINISMO 56 BARBA. UNA GUÍA PRÁCTICA DE USO Y MANEJO LITERATURA 70 3 LIBROS PARA DESMENUZAR AL MUNDO

MÚSICA

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DE CULTO

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COLUMNAS 76 BAJO PRESUPUESTO: ¿El rock pasó de moda? Por Hugo García Michel 77 AGUARRACES PORTEÑAS: Fragmentos de la vida peregrina. Por Rafael Toriz STAND-UP 14 ALEXIS DE ANDA. La escandalizadora niña bien RECOMENDACIONES 78 ESTILO 79 TECNOLOGÍA 80 EL PILÓN: Tony Delfino. Cuando la ocurrencia se toma en serio

CINE

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ARTE

66

EDITORIAL

E

n 1995, el diseñador Tom Ford tomó la dirección creativa de la casa de modas Gucci (de Maurizio Gucci), con la colección otoño/invierno de ese año y devolviéndole a la firma un territorio “imperial” en el mercado del vestir que se le escurría escandalosamente de las manos sin parecer detenerse.

La suerte de la marca volvió a diluirse hasta hace dos años, que repuntó de manera dramática, al ser reclutado el novato Alessandro Michele y lograr nuevos récords en ventas, los cuales salvaron la compañía justo a tiempo.

Es imposible hacer caso omiso del efecto que ha tenido Internet en todas las áreas que conforman el quehacer humano, y la moda ha mutado del mismo modo.

Oliver Rousteing, de la casa Balmain, le está dando uno de sus mejores momentos a la empresa a punta de selfies; Jeremy Scott, de Moschino, convirtió su pasarela en un mostrador de productos disponibles para llevar al momento, disparando los campanazos de la caja registradora. Hedi Slimane, de Saint Laurent, ha tenido la visión de abrazar a los admiradores y amigos, presentar proyectos paralelos y hasta exhibiciones paralelas, donde supervisa hasta la música que acompañará las pasarelas en un multitasking que convierte a la firma en una vigente y competitiva.

Y muchas de esas ideas se están adoptando desde un creciente universo de diseñadores y sellos independientes, mismos que están apropiándose de la atención y las carteras de los nuevos consumidores de moda con tanto orgullo como el que sentían al portar cualquier nombre consolidado.

Si eso sucede en las grandes capitales del catwalk, la pasarela online y los independientes

son los que le están ganando el partido a las incomprables marcas que se venden en nuestro convulso país.

En este tercer especial de moda de Revista Marvin, señalamos el valiente trabajo de los nombres más emocionantes que nos salieron al paso en este cambio de temporada: Omar Quiroz, Chabe, Superhero Mag, el inesperado regreso de Marvin y Quetzal y la penúltima colección de Alejandra Quesada, quien presenta temporada, al tiempo que esto se escribe -motivo por el cual no alcanzamos a estrenarla de la mano de la creadora-.

Para entrar en reflexiones “ancestrales”, revisamos Fashion Beast, un trabajo oculto del novelista gráfico Alan Moore, quien tuvo la oportunidad de reportar con ilustraciones el trabajo de los inventores de la estética punk, el mánager de los Sex Pistols: Malcolm McLaren y la controversial emperatriz de la moda británica: Vivienne Westwood.

En música, atestiguamos el cambio de look y prácticamente de piel de Natalia Lafourcade, quien hoy canta acerca de replantear sus prioridades desde la raíz. Espalda con espalda, la espectacular cantante y joven fashionista chilena, Mariel Mariel, se asienta en nuestro país para presentar un nuevo modo de cantar el sonido de la urbe.

Nuestro artículo principal de música es dedicado a una banda británica legendaria con una historia llena de peculiaridades que se asocia muy fácilmente con la moda y, claro, la vanguardia cultural y, por ende, musical; además, está de estreno: New Order.

Es septiembre de moda. Éste es nuestro fashion issue y con él, apostamos por el arte en todas sus vertientes para sentir un momento histórico menos cruento y más digno de los colores de la bandera.

Uili Damage @uili

Fe de erratas: En la carta editorial del número anterior aparece una falta de ortografía en el nombre del bajista de los Sex Pistols, Sid Vicious, misma que se lee “Sis” y que amablemente nos señaló nuestro lector Eduardo Muñoz. Les agradecemos a todos nuestros lectores estos y todo tipo de comentarios por ayudarnos a hacer una mejor Revista Marvin.

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EN MEGÁFONO

Tequila 1800

rinde homenaje a Keith Haring La 7a edición limitada de 1800 Essential Artist Series

RECIÉN EL 18 DE JUNIO de este año se encontraron varios de los nombres más calientes de la cultura neoyorquina y mundial: Verboten –una pandilla artística que ha presentado las fiestas y reuniones más importantes en los últimos años y, ahora, en el número 54N de la calle 11, en la zona de Williamsburg de Brooklyn, Nueva York, tiene ya su propio centro de reunión–, de la mano de la candente e influyente revista de estilo de vida urbana, Complex –que sacó una selección hecha a mano de las celebridades de su libreta negra–, se pusieron de manteles largos para presentar la siguiente gran colaboración de Tequila 1800.

En este evento especial, los encargados de poner el sabor brooklynita a la noche fueron los súper DJs TJ Mizell (hijo del fallecido Jam Master Jay de Run DMC) y el implacable DJ Camillo de la estación neoyorquina Hot 97.

Codo a codo, tendieron los beats necesarios para prender a la concurrencia –no sin ayuda de uno que otro coctel Margarita con Tequila 1800–, lo suficiente como para inspirar a varios b-boys asistentes a improvisar sorprendentes pasos de breakdance en el centro de la pista.

En este marco de gran sabor urbano, Tequila 1800 presentó las nuevas botellas con seis diseños originales del icónico artista Keith Haring (1958-1990), mismas que componen la séptima edición limitada de 1800 Essential.

Cada uno de los artistas seleccionados para las ediciones pasadas fueron reconocidos por ser una influencia dentro de sus respectivos géneros. Haring, quien inició

creando arte público en las calles y estaciones del metro en Nueva York, se volvió mundialmente famoso por su estilo icónico instantáneamente reconocible y mensajes de activismo. Por medio de su corta carrera, el trabajo de Haring no sólo adornó las calles, sino también fue exhibido en museos y galerías alrededor del mundo.

“Estamos emocionados de llevar el trabajo de Keith a los hogares de la gente a través de esta oportunidad única”, dijo Julia Gruen, Directora de la Fundación Keith Haring. “Keith siempre quiso que su arte fuera accesible y muchos de los temas en él permanecen totalmente innovadores”.

Establecida por el artista en 1989, la Fundación Keith Haring tiene la misión de sustentar, expandir y proteger el legado del creativo, su arte e ideas, mientras apoya a organizaciones sin fines de lucro que apoyan a los niños, así como organizaciones relacionadas con la educación, investigación y cuidados relacionados con el SIDA. La Edición 1800 Essential es una colaboración anual de Tequila 1800, la cual celebra una gama dinámica de arte original y una oportunidad para los artistas de llevar sus diseños y técnica más allá de los medios tradicionales.

A través de los años, la Edición 1800 Essential ha presentado trabajos de una variedad de talentosos artistas, que incluyen a Jean-Michel Basquiat, Gary Baseman, Studio One y Shepard Fairey, entre otros.

Las botellas de edición limitada 1800 Essential están disponibles en México desde el pasado mes de agosto.

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EN MEGÁFONO

TXT:: ORQUÍDEA VÁZQUEZ

Gallery Weekend México 2015

Un fin de semana, 25 galerías, más de 60 artistas

EL ARTE PRODUCIDO en México y su relevancia a nivel internacional han sido posibles gracias a la energía creadora que ha caracterizado al país a lo largo de los años. Parte de esa gran energía ha sido alojada en las distintas galerías que la Ciudad de México ha visto crecer y que del 18 al 20 de septiembre tomarán el papel protagónico para dar pie a la tercera edición de Gallery Weekend México, en lo que será un interesante fin de semana dedicado el arte contemporáneo.

El objetivo, según Ricardo Porrero, director del proyecto, es “dar visibilidad a la red de galerías que hay en la ciudad”, y para ello “cada una prepara una exposición especial e inédita” a cargo de emergentes talentos del arte contemporáneo. El circuito de galerías lo integran colonias como La Roma, Condesa, San Ángel o Polanco. Para trasladarse de un sitio a otro Gallery Wekeend cuenta con transporte especial.

Bikini Wax, Casa Maauad, Lodos y Lulu son algunos de los espacios independientes que se incluyen en esta nueva edición con 25% más de galerías participantes. Para Porrero, asistir al festival significará explorar y descubrir nuevos espacios y trabajos, todo ello en consecuencia del funcionamiento del sistema de producción de arte hoy en

día, que “ha llevado a que las exposiciones se produzcan en la galería misma, especificas para el sitio y utilizando elementos del contexto. Eso hace que las exposiciones sean especiales y sorpresivas”.

Entre las actividades imperdibles del programa se encuentra Young Collectors , una oportunidad para los jóvenes coleccionistas de llevarse a casa una obra de arte en menos de 3,000 dólares; o Paper Works, una feria de libro de arte que funge como espacio de encuentro entre editoriales nacionales e internacionales y artistas, escritores, editores y diseñadores. Todo ello para crear un diálogo sobre las publicaciones como resultado de procesos artísticos y de investigación. Esta parte del programa se llevará a cabo en el Museo Tamayo los días sábado 19 y domingo 20 de septiembre, de 10 am a 6 pm.

El acceso al evento es completamente gratuito, una razón más para no dejar de ir. Como Porrero asegura, “las galerías han encontrado una ventana de oportunidad importante en este formato, por ello se preocupan en hacer una buena exposición”. La promesa es presenciar las mejores exposiciones del año dentro de Gallery Weekend y además ser los primeros en verlas.

TXT:: LUIS FERNANDO ALCÁNTAR ROMERO

Atsuko Kudo

El poder del látex

Atsuko Kudo es una diseñadora japonesa, nacida en la ciudad de Chiba y residente de Londres, Inglaterra, en donde produce artículos y prendas látex desde 2001.

CURSÓ ESTUDIOS en el Vantern Design Institute Tokyo y en el London College of Fashion. Creció cerca de Tokio: “Me gustaba dibujar y jugar con muñecas”, cuenta sobre su infancia.

Es reconocida por ser una de las diseñadoras favoritas de celebridades como Kim Kardashian. Otras personalidades que han portado prendas de Atsuko son Kate Moss y Linda Evangelista, así como Dita Von Teese, Eva Mendes, Rita Ora, Miley Cyrus y Lady Gaga.

Recientemente, en una fiesta en Londres, Kim y Rita usaron vestidos idénticos de color piel, ambos de la diseñadora de origen japonés: “El diseño es hacer cosas bellas y la moda es para una vida mejor. Para mí, el látex ofrece ambas cosas y quiero compartirlo contigo”.

Atsuko descubrió dicho material cuando estudiaba moda en Tokio: “Mientras tenía que hacer una investigación de mercado como parte de un proyecto, decidí ir a darme una vuelta por unas sex shops. Amé la apariencia brillosa y la cualidad de segunda piel. Visto la ropa para salir de fiesta. Me enamoré del látex porque sentí que me daba poder.

La historia de su firma –dice– tiene detrás varios apoyos y retroalimentación: “Mucha gente sorprendente que, desde el inicio, supo que hay algo especial ahí. Somos una compañía independiente,

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FOT:: ANDREW LAMB/7 BAR FOUNDATION

aunque hemos tenido mucha suerte de tener un gran equipo. El primer gran momento en la moda fue la sesión fotográfica de Eva Mendes en AK Latex a cargo de Steven Mesiel para la edición italiana de Vogue; fue muy sexy y nos sorprendió. Desde entonces, hemos sido muy suertudos por vestir a muchas mujeres maravillosas”.

Le pregunto sobre cómo se siente con el hecho de ser la diseñadora favorita de algunas celebridades como Kim Kardashian y Miley Cyrus: “Soy muy feliz de trabajar para muchos clientes maravillosos, esto es cierto, sin importar si son famosos o no”.

Su momento favorito respecto del reconocimiento de su trabajo: “Cuando Lady Gaga conoció a la Reina Isabel en el Royal Variety Perfomance, la cantante usó un vestido rojo Atsuko Kudo. Supimos que lo luciría para la ocasión, ¡aunque no podemos creer todavía que nuestro vestido de látex y la alta realeza se hayan conocido! ¿Qué sueles hacer en un día de descanso?

Atsuko Kudo: Tenemos mucha suerte de que hay mucho por hacer en Londres. Nos gusta divertirnos yendo a museos, cines, al parque, al río, etcétera. ¿Cómo te gustaría ser recordada?

Busco hacer del látex una industria de moda.

COSAS QUE LE GUSTAN A ATSUKO Comida: Todo los productos que sean libres de gluten.

Bebida: Amante del vino.

Colores: Negro y todos los colores para toda ocasión.

Diseñador: Christian Dior.

Lugares y países: Quiero viajar alrededor del mundo. Pero me encantan París y Francia; también me fascina Nueva York.

Películas: Muchas cintas grandiosas.

Mi colección más reciente está inspirada en In the Mood For Love, de Wong Kar-Wai, que es una de mis favoritas.

Música: Simon, mi esposo, es músico, crea muchas playlist encantadoras en la tienda y en casa. Soy muy afortunada y lo amo.

Libros: Tengo un fetiche con los libros viejos.

Programas de televisión: Master Chef, Grand Designs y Dragon’s Den. Medios para informarte: Tenemos (y usamos) Instagram, Facebook y Twitter, así que, por favor, sígannos.

Personajes ficticios e históricos: Betty Page.

http://www.atsukokudo.com/ /AtsukoKudoLatex @atsukokudolatex

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EN MEGÁFONO

FOT:: JOSÉ LAGOS @NADOSINCUERPO

Jalisco Campus Party

delirio y pirotecnia

Y DESDE AQUÍ, tan cerca como un vuelo de avión de apenas un disco de duración, pero tan lejos como el Tinder gratuito y sus kilómetros inalcanzables de ligues furtivos, el Jalisco Campus Party 2015 se desvaneció como el susurro electrónico de una generación espasmódica, como los dedos inverosímiles texteando al infinito. Las cifras se desbordan, más de 600 horas de contenidos, 200 ponentes nacionales e internacionales, 50 mil m2 de exposición, 10 mil para el vuelo de 100 drones, 15 mil campuseros. La mitología se codifica en una bandera universalista: este Campus Party fue el evento de “tecnología, creatividad, ocio y cultura digital en redes” más grande del mundo, y estimula los agitados y devotos vapores regionales vueltos marketing; Guadalajara es nuestro Silicon Valley.

En este paraíso, caminamos con el ocio de quien pierde su mirada a cada tanto en medio de la precisión cronometrada de los organizadores. Las escenas se repiten, uno, dos, tres, 100, mil campuseros deambulando entre una conferencia, un workshop, unos pasos acelerados para alcanzar la selfie con “no sé quién es, pero es importante”, una fila enorme porque “es el de los videos de YouTube; no, éste es otro, es el de los Vines”; una pizza de 79 pesos. Y, claro, también hay quienes renunciaron pronto al ajetreo de ir y venir, y prefirieron la comodidad bien conocida de la pantalla, siguen la conferencia en turno vía streaming, pasan horas en Facebook como en cualquier lugar del mundo, ven un partido de futbol,

juegan Warcraft en comunidad. Luego, la madrugada que se hace una reunión improvisada, los talleres fuera de agenda, los Mad Max de la tecnología y sus intercambios apocalípticos (ingenieros que se hicieron Godínez o contadores que se volvieron informáticos programan a cambio de comida), desarrolladores ojerosos y bronceados de pantalla, el conocimiento libre asoma tímido o la noche se vuelve fiesta; las enormes latas de Four Loko, los besos que no se dieron y los que sí, la cruda insomne del día siguiente, los saludos jóvenes. En este paraíso, caminamos con el ocio de quien pierde su mirada a cada tanto…

Tras la pirotecnia y los humos disipados, recordamos que la tecnología es política; es decir, relación de poder. Según indicadores recientes del Banco Mundial, la inversión pública y privada de México en investigación y desarrollo científico y tecnológico (investigación básica, investigación aplicada y desarrollo experimental) alcanza el 0.43% del PIB, mientras que en Estados Unidos (el del Silicon Valley) ronda el 2.79%. No son las economías, sino los horizontes del futuro; diferencia que hace desigualdad, no viceversa. Yo estoy fumando afuera de un aeropuerto porque adentro “no se puede fumar si no consume”, aunque lo único que quiera sea fumar, no consumir. Nuestro delirio, por su parte, está sentado en el mismo aeropuerto con vuelo hacia el norte y nuestra inversión mirando hacia Pakistán o Mali.

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EN MEGÁFONO

FOT / TXT:: ORQUIDEA VÁZQUEZ

GIFF

Festival Internacional de Cine de Guanajuato Sin lugar a dudas, entre los eventos de cine más destacados de México, se encuentra el Festival Internacional de Cine de Guanajuato (GIFF por sus siglas en inglés), que a lo largo de sus distintas ediciones, se ha ganado el corazón de sus asistentes y, al mismo tiempo, ha dotado a una ciudad histórica como Guanajuato con más dosis de fascinación y misticismo.

LLEGAR A SU DECIMOCTAVA EDICIÓN con los rumores de recorte en su presupuesto, generó inquietud e incertidumbre.

La constante amenaza del gobierno para apoyar cada vez menos la cultura es latente, y ponemos todas las esperanzas en que no alcance a este festival.

Con todo y las especulaciones, no disfrutar un evento como el GIFF es imposible. Del 17 al 26 de julio en San Miguel de Allende y Guanajuato Capital, se vivió una gran fiesta para festejar al cine y su creación, tanto en remotas comunidades del país, como alrededor del mundo.

Quizá uno de los segmentos que más distingue al festival es el concurso Identidad y Pertenencia, el cual tiene como objetivo fortalecer la identidad nacional en la juventud. A través de él, este año volvimos a ser testigos de la pasión que los participantes impregnan en la creación de materiales capaces de generar un fuerte nivel de conexión con el público; ejemplo de ello fue el documental ganador La música desde un rincón o Bajo las brasas.

Entre lo más destacado de la edición 2015 estuvo la premiere latinoamericana de Life, el nuevo film de Anton Corbijn, que narra la peculiar relación entre James Dean y el fotógrafo Dennis Stock, dos personajes tratando de encontrar sentido y rumbo en su vida. El país invitado durante el festival fue Turquía, nación que por medio del

séptimo arte nos trasladó hasta la zona de los Balcanes para dejarnos la esencia de una fascinante cultura milenaria. Parte del programa incluía Miradas del imperio otomano, una sección mesmerizante que musicalizó en vivo grabaciones realizadas hace más de un siglo. Las imágenes fueron un increíble vistazo hacia el Oriente a principios del siglo XX y la vida en Estambul durante el imperio otomano; todo ello mientras la muestra de cine silente era musicalizada por Baba Zula, un debrayante y psicodélico grupo turco.

Uno de los acompañantes imprescindibles del GIFF fue la lluvia, misma que no fue pretexto para prescindir de disfrutar las aventuras favoritas del evento, tales como el Rally Universitario, los conciertos en la explanada de la Alhóndiga de Granaditas, el Tunnel Fest y, sobre todo, Cine entre muertos, la conocida serie de proyecciones en panteones municipales, una experiencia tan terrorífica como catártica, la cual orilla a los asistentes a deleitar trabajos cinematográficos a medianoche, a unos cuantos metros de tumbas y criptas con restos humanos.

Vivir un festival como el GIFF es de esas experiencias imprescindibles en la vida, ante todo para los que gozan ver películas dentro del contexto de lo que parece ser otra.

Te deseamos larga vida, GIFF, nosotros siempre pediremos ¡#MásCinePorFavor!

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STAND-UP

TXT:: UILI DAMAGE

Alexis de Anda

FOT:: JESÚS CORNEJO

La escandalizadora niña bien ES CÉLEBRE. ES GUAPA. ES ÁCIDA. ES FRESA. ES ENFOCADA Y VELOZ. ES UN PERSONAJE HORRIPILANTE QUE DOMINA EL ESCENARIO CON IRONÍA LACERANTE Y SARCASMO IMPLACABLE. ES ADORABLE CUANDO ACEPTAS BAJAR LA GUARDIA Y DISFRUTAR SU COMENTARIO AFILADO. ES ALEXIS: EX EDECÁN, ACTRIZ, ESCRITORA Y DIRECTORA DE MICROTEATRO Y TEATRO MUSICAL, STANDUPERA Y UNA LOCAZA TOTAL.

15 ... Oye, ¿el stand-up llegó para quedarse? ¿En general? ... ¿En tu vida? ¡Claro!

O sea, tu eres standupera...

Sí. Desde la primera vez que me subí, a la semana me tatué “Ha, ha, ha, ha, ha” (o sea, cinco “ha”s) en las costillas y dije: “Ya, pues esto es”. Igual en el momento, como que no sabía bien por dónde. Pensaba: “Hago esto un rato y, tal vez, eso me lleve a tener un programa o bla, bla, bla... Pero es lo que más me gusta hacer”; de todas las cosas que hago, esto es lo más especial que tengo. Es un privilegio. ¿Cómo fue tu primer contacto con el stand-up?

No recuerdo haber visto mucho stand-up. Veía mucho Saturday Night Live. Los monólogos siempre se me hacían increíbles, pero no era una clavada. No veía standup hasta hace como cinco años –empecé hace unos cuatro–; alguien me enseñó a Louis CK y ahí dije: “¿Qué está haciendo este güey? Eso yo lo quiero hacer. No sé cómo, pero justo eso es lo que quiero”. Y ya, empecé a clavarme, me puse a buscar, y como que de ahí salió. Esto es muy reciente. Fue como hacer clic, de cagarme de la risa, de entender lo que estoy diciendo; llegué al momento en que por fin me interesó; antes, no.

Nunca pensé ser tan chistosa.

Recuerdo reírme mucho con todo el mundo, pero no que realmente incitara a que eso pasara... Y pasó.

Y entonces, ¿cómo te acercaste a esto?

Saqué mi cuenta de Twitter y comencé a escribir cosas sin pensar mucho lo que ponía.

Un chingo; lo que sea que me estuviera ocurriendo, y empezó a causar una reacción. Notaba que había risas... Como que algo estaba pasando. Le di sin piedad durante unos dos años... Justo al mismo tiempo, me iba mal como actriz... Bueno, no exactamente:

Llevaba dos años que había salido de la carrera, batallando, haciendo edecanías, castings para comerciales... Iba a los de películas y pensaba: “¿Para qué?” Al final, se iba a quedar Carla Souza, Martha Higareda... ¿Cuál es el punto de todo esto? Ni siquiera sé si me gustan los proyectos... ¿Estudiaste actuación?

Sí, en el CEA, creyendo que sería actriz de Televisa. Cuando entré, dije: “En seis meses, ya voy a estar haciendo telenovelas; con mis contactos voy a estar ahí, protagonizando.

Y, obvio, no pasó. Estuve un año y medio allí, hasta que dije: “Por aquí no va. Me encanta la actuación, pero no me gustan las telenovelas y no tengo nada que hacer aquí”. Me fui a Casa Azul y allí pensé: “Voy a ser actriz... De teatro...

Seria... Comprometida” (risas). Y, claro, tampoco fui eso. Entonces, investigué un poquito si había stand-up allí y vi que Diego Zanassi –a quien conocía de la escuela– anunció que tenía una cosa de stand-up y le pedí que me invitara. Me respondió: “Cáele a El Vicio”. Era cuando todavía existía Risas Inc., que era el primer colectivo. No sé cómo se juntaron, pero eran Roberto Flores, Eduardo Talavera, Gloria Rodríguez, Gon Curiel, Zanassi y creo que Martín León. Ellos también iban empezando; unos muy chistosos, otros más o menos y Roberto se me hizo genial. Me acerqué a preguntarle y me contestó: “Sí, yo te apoyo, claro, lo que tú quieras, tú dime... Escribe, mándamelo y yo te ayudo a armar una rutina”.

“Sí, claro, ja, ja, ja”. No hice nada. Pasó como un mes, y un día me habla y me dice: “Mañana te subes al festival que hay en el Café 22, vas a hacer cinco minutos”. Le respondí aterrada: “No tengo nada... ”, y me dice: “Si no quieres ir, yo ya no te voy a ayudar en nada”. Me tuvo que medio obligar porque si no, nunca lo hubiera hecho… ¿Y cuándo empezaste a dar cursos?

Yo nunca he dado cursos. Sofía Niño de Rivera, sí. Nunca me he sentido capaz de enseñarle a nadie porque, muchas veces, ni siquiera yo sé lo que hago… Creo que hasta el año pasado, empecé a disfrutarlo; tres años sufrí muchísimo, desde antes del show; cuando me iba mal, me quería morir. En lo que encuentras tu voz, cómo pararte allí y tu timing, estás juzgándote todo el tiempo. Cuando me dieron la temporada en el Tonalá, al principio me subía bien peda... No sabía cómo lidiar con ello. Hasta que dices: “Ya te lo tienes que tomar en serio porque esta gente está pagando para venir a verte”; entonces, lo mínimo es darles una hora de entretenimiento; pueden cagarse de la risa o no, pero tú tienes que estar al cien. Así, decidí no tomar antes de los shows, subirme súper sharp. Estás manejando mucha energía, necesitas mucha concentración, y si andas medio pedo... Como que también era un poco mi personaje, “ay, soy una borracha, me vale madres”. Ahora, ya no tengo esos “valores” (risas).

Ahorita ya enfrenté mis demonios. Actualmente, estoy volviendo a ver mucho a Bill Hicks y ya

sé que todo mundo quiere ser él, pero me interesa aprovechar la oportunidad de revelar ciertas realidades, como para hacer tu vida mejor y sentir menos culpa de las drogas, del sexo o de todos estos temas que la religión nos ha hecho creer que si lo haces, si lo piensas, eres malo; la hipocresía... Justo ahora, estoy escribiendo material sobre estas chicas de escuelas religiosas que cogen por el culo desde los 13 años porque “van a llegar vírgenes al matrimonio”...

O sea, ya les están metiendo el banco por ahí y la otra viendo feliz su anillo... Todo bien, nada más que, mientras más se asume uno, más libre es. Mientras más libre, más feliz. Y eso me mantiene en una constante búsqueda de alguna verdad más grande que le dé tranquilidad a la existencia. Y si lo puedo compartir, mejor.

Eres escandalizadora...

Me gusta crear conflicto en la cabeza de la gente. Me agrada subirme súper guapa y decir cosas horribles. Ese contraste hace que las personas entren un poco en shock...

Y eres fresa.

Soy fresa, pero no tanto: escandalizo. Y los fresas se mueren de risa. Cada quién debe ir encontrando su target y aferrarse a él (…) Mi stand-up es de redes sociales, de clase media-alta, fresa, me junto con famosos. Es todo lo que me hace a mí quien soy y me permite decir que soy una vieja pretenciosa, mamona, que se junta con gente pretenciosa y mamona también (risas). Hablo de la gente pobre de la calle súper feo, pero es el pensamiento culposo de la clase media que dice: “No, gracias”, cuando le piden dinero. Y soy como un chivo expiatorio. Asumo toda esa culerés para que la gente se ría y reconozca la culerés propia. ¿Qué tan clasistas son ustedes también? Porque si se están riendo, es porque entienden de qué estoy hablando. Lo han pensado alguna vez.

Del 6 de agosto al 6 de septiembre se presenta Supéralo, una obra para micro-teatro escrita y dirigida por Alexis de Anda (www.microteatro.mx).

Sigue a Alexis en twitter: @alexisdeonda.

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INDUSTRIA INDUSTRIA

rock

101

LA RADIO ES LO QUE OCURRE ENTRE CANCIÓN Y CANCIÓN “Siempre me jacté de que Rock 101 era una estación inteligente. Generalmente, las estaciones hablan como si el público fuera tonto”. Las palabras son de Luis Gerardo Salas, un personaje clave para entender la evolución de la radio en México. Si ahora apenas hay dos estaciones de FM que transmiten rock en la Ciudad de México, hace 30 años, cuando nace Rock 101, el panorama era nulo y poco promisorio.

TXT:: VICENTE JÁUREGUI “COMENCÉ DESDE ABAJO en Radio Mil a los 16 años. En 1980, me dejaron Sonomil, una estación de FM que tenía menos rating que las estaciones de música clásica”, cuenta Salas, que en un viaje a Minnesota descubrió que existía otra manera de hacer radio. En ese tiempo, la FM era un espacio virgen opacado por el reinado de la AM, pero ello representaba una gran ventaja: nadie la vigilaba. Ya bajo la dirección de Rock 101, una primera transgresión de Salas fue el desechar los modelos comerciales, que en ese entonces, operaban en total concordancia con la industria discográfica: “Lo más importante es el contenido y el ritmo.

Fuimos la primera estación en México en tener el formato de 18 minutos de contenido por dos de comerciales. Yo trabajo para la industria de la radio, no de la música. Mi idea era clara: si hacemos radio, el dinero vendrá; si hacemos dinero, la radio no viene”.

Pero ¿cómo era posible lograr una programación tan fresca en los 80, cuando ni las disqueras ofrecían un catálogo atractivo?

“Decidimos salir de México; en el 83, casi no había entrada de discos; fuimos a Nueva York, Londres y Madrid. En Nueva York, pasaba un fenómeno similar al que vivíamos en México; nadie pelaba la FM y se la daban a los estudiantes; así nace el collage radio. En Inglaterra, nació el new wave, la sustitución del ‘I wanna hold your hand’ por el ‘I wanna be sedated’”, recuerda Salas.

Era un momento coyuntural que reunía las características para ser iconoclastas y crear un discurso, hasta ese momento, inédito en la radio mexicana. Con sentido del humor y una visión cosmopolita, Rock 101 se distinguió por usar un lenguaje diferente que le otorgó una identidad inmediata: “En ese momento, el movimiento revolucionario del new wave venía cargado de glamour, irreverencia e ironía, estaba rompiendo con los viejos héroes, los tabús; era provocador en serio.

Nuestro lenguaje era congruente con eso, los contenidos eran derivados de la importancia de esa música y su influencia en otras áreas del conocimiento: con la literatura, el cine, con un estilo de vida alternativo. Eso le dio una identidad muy fuerte a la estación”, concluye el autor de la legendaria frase: “La radio es lo que ocurre entre canción y canción”.

El equipo de Rock 101 fue creciendo y en 1985 se empezaron a incorporar los primeros locutores: “Todos llegaron como público.

Juan Ibáñez propuso un programa de rock y literatura. Lynn Fainchtein llegó con la idea de un programa dedicado a las mujeres.

Jaime Pontones, que era mi profe, hizo un sonorock de Bob Dylan y, luego, Utopía 101.

Dominique Peralta, un programa de reggae”.

Con un proyecto tan avanzado, fértil en ideas novedosas, el público no tardó en seguirlos con feligresía: “Un día vi un grafiti que decía ‘Rock 101, las paredes te apoyan’; después, en la primera huelga de la UNAM, los estudiantes

ponían Rock 101 en los altavoces: éramos una identidad para mucha gente. Ahí supimos que algo grande estaba pasando”, comenta Salas sobre una época en la que simplemente no había conciertos de rock, industria en la que Rock 101 también fue precursora.

En el 85, Salas vio a Miguel Ríos en Madrid. Sin embargo, fue hasta tres años más tarde que el sueño de llevarlo a México se hizo realidad: “El primer concierto grande que se hizo en México fue en el 88 en la Plaza México; fue Miguel Ríos y lo hicimos nosotros.

El gobierno era un obstáculo. Pero yo empujé a Rock 101 para que tuviera participación política; en ese año, Carlos Salinas estaba en campaña y nosotros fuimos la primera estación del país en entrevistar a todos los candidatos de oposición, sólo que nos dijeron que a Salinas durante media hora; a los otros, no más de 15 minutos. Me fui de campaña todo un día con él; de regreso, veníamos solos en el camión y se interesó por la estación. Cuando le platiqué que logramos meter 40 mil personas al concierto de Miguel Ríos, volteó hacia afuera y con la mirada perdida, repitió para sí mismo: ‘40 mil personas’ (risas).

Carlos Salinas podrá ser el peor presidente de México, pero abrió México al mundo”.

Más tarde, el nacimiento de Rock Stock, un foro administrado por Rock 101, coincide con el entonces emergente movimiento del rock nacional: “Nosotros estrenamos el primer disco de los Chili Peppers, tocamos a Nick Cave cuando nadie lo conocía, pero también fuimos un eje para el rock en México. Con Sony BMG, hicimos un concurso y ganaron Los Amantes de Lola; simultáneamente, se estaban produciendo los primeros discos de La Maldita Vecindad, de Caifanes. Estábamos convencidos de crear un movimiento, aunque nunca fuimos proteccionistas; queríamos que las bandas mexicanas tuvieran la calidad suficiente para sonar, si no, no las tocábamos.

Abrimos Rock Stock en noviembre del 87 y tuvimos a todos estos grupos. Me encantaba contratar a Café Tacvba, que con su tololoche y su guitarra acústica,

17 prendían a la gente cuando nadie los conocía. Un miércoles en la noche tocaron Caifanes y había 15 personas. Más tarde, eran 1,500 personas y otras mil afuera que no pudieron entrar”.

Con una identidad muy clara, Rock 101 ayudó a desmitificar el rock en México como un movimiento cultural irreversible. Su modelo se volvió paradigmático para todas las estaciones que siguieron sus pasos, y si bien cada nuevo cuadrante ha aportado y enriquecido a la evolución de la radio, todas son deudoras de la primera estación que desafió el linaje de la AM para demostrar que otra radio era posible. Este verano, a 30 años de distancia, Rock 101 sigue transmitiendo en línea, mutando de formato una vez más sin perder el oficio ni la determinación de mantener su legado. Para celebrar sus primeras tres décadas de vida, cada día del pasado mes de junio, Rock 101 trazó una radiografía sonora que rememora lo más relevante ocurrido durante cada año de su historia, un maratón de la nostalgia que, además de demostrar su amplio dominio de la historiografía del rock, nos recuerda que, en una época no muy lejana, presentar una banda nueva implicaba dejar el escritorio para encontrarla del otro lado del mundo.

ANECDOTARIO

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LOU REED “Después del concierto de Lou Reed, hicimos un after party en el Nico. Más que una entrevista, fue una plática. Ya relajado, Lou era un tipo muy interesante, era muy callado, pero decía dos palabras y eran las mejores puntadas. Era muy inquieto y curioso; su esposa, de ese entonces, era una mexicana, Silvia Reed. Lou estaba intrigado por los colores, el Día de Muertos, la Virgen de Guadalupe. Su personalidad me impresionó mucho”.

DAVID BYRNE

“Es todo un personaje; en privado, es idéntico a Sheldon Cooper de The Big Bang Theory; muy nervioso, no le gusta que lo toquen, habla quedito. Pero sube al escenario y se vuelve un salvaje, se baja y le cambia el patín. Es rarísimo”.

CARLOS SANTANA “Decepcionante; llegó con su choro de ‘Cristo te ama’. Lo entrevistas y con preguntas sobre el rock and roll, Woodstock, y te sale con que está muy agradecido con la Virgen de Guadalupe. No, no, ¡adiós!”.

IAN ANDERSON

Ian es un cerdo, literalmente; un hombre avaro, vulgar. Cuando lo trajimos, estuvo a punto de no salir por una diferencia de mil dólares por tres sillas del Auditorio que no estaban contabilizadas. Me di un agarrón con su contador y, de repente, llegó Ian diciendo que no salía y que México no sé qué. Después del segundo concierto, me invitó unos whiskys para disculparse porque siempre sí quería regresar a México, pero nunca le volví a hablar.

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ATLAS SONORO

TXT:: ALEJANDRO MANCILLA @NOSOYMODERNO

Berlín, Alemania Die Höchste Eisenbahn: podrían ser héroes

En medio de la grabación en Berlín de su segundo disco, los integrantes de Die Höchste Eisenbahn, una interesante banda de indie rock con influencias de los años 80 y del pop más fino del horizonte, se dieron un tiempo para platicar con nosotros.

“Oh, ¿es para una revista de México?

Me encantan los murales de Diego Rivera y las pinturas de Frida Kahlo…

Y la película Y tu mamá también”, nos confiesa Francesco Wilking, el cantante del grupo. ¿Sabías que el papá de Frida era de tu país? Era un fotógrafo apellidado Kahlo, que emigró a México…

Francesco Wilking: No, no tenía idea de eso.

Cuéntenme, ¿cómo surgió esta original banda? Suenan a muchas cosas, pero tienen un sello muy particular…

Moritz Krämer: Francesco y yo teníamos un proyecto por separado, ambos cantamos.

Un día, decidimos hacer cosas juntos e invitamos a Gisbert Zu Knyphausen y a Judith Holofernes.

Y, bueno, así comenzó el grupo; luego, entró Max a la batería y Felix al bajo. Después de un EP de cinco canciones y un disco, ahora estamos grabando algo nuevo.

Una de sus canciones habla sobre extraterrestres…

Francesco: Sí, es una canción acerca de un tipo que sale a un 7 Eleven en la noche, pero está cerrado y no hay nadie en la calle; está solo en el mundo. Entonces, se va por un parque donde una nave espacial lo secuestra. Los extraterrestres le preguntan si es la única persona sobre la Tierra y él les contesta que no siempre fue así, saca su teléfono y les enseña

cómo era la vida antes con toda la gente aglomerada en el Metro. ¿Por qué los extraterrestres siempre abducen a personas solitarias, como granjeros, y no los presidentes?

Francesco: Mmm, quizá porque un presidente nunca va solo al 7 Eleven en la madrugada. ¿Crees que la moda está actualmente por encima de la música?

Francesco: Creo que los lanzamientos son parte de un diseño estudiado por la industria.

Eso provoca que haya una cantidad de basura musical, pero de vez en cuando surgen verdaderas piezas de arte de las fauces de los tiburones. La verdad, me gusta la voz de autotune de Kanye West y cómo baila Kendrick Lamar. Lo que no soporto son esas bandas neo-folk con barbas que no tienen nada qué decir más que cosas tipo: “Mi novia me dejó, así que iré a encerrarme en una choza en el bosque…”.

Tienen mucha influencia de los años 80, los años más fashionables…

Moritz: Pues en realidad tratamos de no clavarnos en pensar en

estilos, aunque tienes razón en decir que hay influencias.

Nosotros, simplemente, tomamos nuestras guitarras y un Yamaha DX7, y hacemos música. ¿Cómo está la onda en Berlín?

Moritz: Es un gran lugar para hacer ruido actualmente, hay muchas bandas interesantes y la gente es muy receptiva.

De verdad, ¿su cielo siempre es azul, como su canción “Himmel ist blau”?

Felix: No, en realidad casi siempre está nublado y lluvioso (risas).

Los títulos de nuestras canciones siempre son clichés kitschy. ¿Cantar en alemán es por nacionalismo?

Moritz: No, nos desenvolvemos en países donde ese idioma es el nativo, pero no está mal cantar en, digamos, inglés, aunque no sea nuestro idioma. El inglés es el lenguaje universal del pop, así como el italiano lo es para la ópera. Pero, bueno, nos sentimos bien cantando en nuestro idioma. ¿Se sienten orgullosos de la tradición musical de su país?

Moritz: Claro, de bandas como Kraftwerk o Neu!, que suenan muy

frescas aún hoy en día. Pero igual de unas menos conocidas como Ton Steine Scherben, que son como “nuestros Rolling Stones”, aunque traían un rollo muy político.

Francesco: Me gusta un artista pop que es muy grande, se llama Udo Lindenberg; tiene una voz muy divertida.

Por último, ¿de dónde viene el nombre del grupo? Literalmente, significa “el tren más alto”…

Francesco: (Risas) Sí, pero no hay nada oculto ni secreto detrás.

Si lo traduces al inglés, significa eso: “the highest railway”, pero en alemán es un modismo, que quiere decir: “ya es hora” (o “a ver si ya”). Le pusimos así al grupo porque somos de esas personas que nunca están a tiempo con los deadlines.

Escucha su gran single (o checa el video) de su canción “Was machst du dann” (en tu YouTube más cercano).

Todo sobre el grupo: Diehoechsteeisenbahn.de El sello discográfico actual del grupo: Twitter.com/tapete Gracias a Nina Thomsen por su ayuda y contacto con el grupo.

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Nos vamos a Berlín, no quiero reproches Con los fantasmas fascistas exiliados en algún planeta lejano, Berlín es, desde hace décadas (a pesar de algunos grupos de punk neo-nazis radicales que pululan en el under, como los nacionalistas Spreegeschwader), la afable capital de la vanguardia musical y la moda europea. Ahora el elitismo no va por el lado sectario, sino que es inclusivo, siempre y cuando los artistas cumplan con los estándares artísticos necesarios que les den créditos para acceder a ese circuito. Ya Bowie, Reed y tantos más se habían erigido como profetas de la nueva ciudad posmodernista, grabando discos en la enigmática metrópoli y, a un cuarto de década de la caída del muro, entre rumores consparanoicos de risa, como de que Angela Merkel (la actual presidenta de Alemania) es

hija clonada de Hitler, bien vale la pena repasar lo que ha sucedido musicalmente en esta imponente ciudad. Comencemos por el bloque kraut, movimiento bautizado por la prensa inglesa tras la realización de un festival de bandas alemanas en 1968.

Desde los años 70, gran cantidad de grupos originarios de Alemania comenzaron a invadir los charts de rock, partiendo del tan en boga rock progresivo. Y aunque la afinidad tetona con el rock and roll databa de las décadas anteriores (The Beatles hicieron carrera en la sórdida Hamburgo e, incluso, grabaron sus primeros singles en alemán), fue en la –en apariencia¬– fría música electrónica de avanzada, donde las bandas berlinesas de la RDA florecieron, con determinantes bandas como Kraftwerk, los padres del pop sintético cuya influencia fue clave en el post-punk, el new wave y toda la música moderna.

Años antes, la supremacía de los alemanes en cuanto a experimentación musical, era más que notable con la edición de más de 500 LPs de música experimental que formaban parte de la llamarada Deutsch rock, movimiento que conglomeraba en su mayoría a agrupaciones berlinesas, entre las que

destacaron (a la fecha sus discos son considerados importantes) Can, Faust, Popol Vuh, Tangerine Dream y Agitation Free. Estamos hablando de un periodo comprendido entre 1972 y 1977, antes de la explosión punk mundial. En esa época pre-nueva ola, también destacaron bandas como los hard-rockeros Berluc, los contestatarios Pankow o los famosos (del lado democrático del muro) Puhdys. En los años 80, de Berlín surgieron propuestas como Mone Lise (cuatro chicas que hacían rock), Rockhaus y, punto y aparte, los míticos Einstürzende Neubauten. Ya instalados en la década de los 80, Alemania exportó cosas que permanecen en el soundtrack de la época: Nena y sus “99 Luftballons” (versionada hasta por Timbiriche). La cantante no era originaria de Berlín, pero hizo carrera en esa ciudad, epicentro de lo que tenía posibilidades de explotar musicalmente hablando. La llamada Neue Deutsche Welle fue también punto de partida para este tipo de proyectos y artistas como Peter Schilling, que retomaban el espíritu del Major Tom (el astronauta creado por David Bowie) y lo colmaban de sonidos sintéticos de la época; o Nina Hagen y Yello. Sintéticos y fríos

como insignia alemana. Entre los grupos berlineses que han destacado, podemos mencionar a los hardrockeros Scorpions (no son de Berlín, aunque tuvieron que pasar esa aduana), Atari Teenage Riot, The Whitest Boy Alive (el cantante del grupo nos conoce bien, pues le robaron sus lentes en pleno concierto en el D.F.), los góticos Love is Colder Than Death, Mouse on Mars, Le Hammond Inferno, The Notwist y, por supuesto, Stereo Total o los archiconocidos Tokio Hotel (boyband supuestamente emo que le debe más a Backstreet Boys que a Fugazi). Claro, no podemos dejar fuera a Rammstein, banda pirotécnica de metal electroindustrial sado que en su país, llegó a estar censurada por la temática de sus letras. Entre los actos recientes recomendables están: Bark Bark Disco, Knorkator (una ridícula, pero divertida banda que combina heavy-metal con comedia), Me and my Drummer, Wir sind Helden (muy Bowie su onda; lástima, porque se separaron en 2012), Laing (un interesante combo de soul electrónico) o los hip-hoperos Zugezogen Maskulin. Así el panorama sobrevolando la superficie de Berlín.

Banda a seguir:

snoffeltoffs.tumblr.com

facebook.com/snffltffs

Snøffeltøffs

Dos adolescentes originarios de los suburbios de Berlín (Florian y Julian) conforman este proyecto lleno de noise y guiños al rock garage, y a quienes la crítica considera los “Black Lips alemanes”. Quítale lo kitsch a Stereo Total y el resultado es esta nueva banda a la que seguro le falta poco para ser conocida en todo el mundo. Su sentido de la melodía les da una ventaja amplia sobre sus contemporáneos discípulos de los sonidos minimalistas del rock setentero.

Además, silban tan bien como Peter, Bjorn & John y parecen estar obsesionados con la cultura trashy ¿Qué más se les puede pedir?

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MÚSICA

TXT:: LENIN CALDERÓN

BEIRUT Bipolaridad exhaustiva

Zach Condon, el cerebro detrás de Beirut, apareció prácticamente de la nada en 2006, y con su disco Gulag Orkestar le demostró al mundo entero que en los Balcanes –además de las minas que aún permanecen como vestigios de sus cruentas guerras noventeras–, existe una extensa y deliciosa tradición de música popular. La instrumentación del álbum, repleta de metales chillones, hace sentir al escucha como dentro de una película de Emir Kusturica, pero también le contagia una montaña rusa emocional que va, sin broncas, de la euforia al llanto. Muy balcánico, muy mexicano y, después de todo, muy humano. Tal vez por eso, sus seguidores comenzaron a multiplicarse por todas partes casi de inmediato.

DETRÁS DE AQUEL SONIDO exótico, lleno de dramatismo y júbilo nostálgico, se encontraba un joven de 19 años, que había compuesto todas esas canciones, llenas de “experiencias” y “sabiduría”, en su dormitorio en Santa Fe, en medio del polvoso sur estadounidense. Todo aquel lustre europeo y toque exótico de sus composiciones no eran otra cosa que el registro musical de la estancia de Zach por cuatro meses en Europa, adonde había ido –tras dejar la preparatoria en el segundo año– a gastarse lo que había ahorrado trabajando en una tienda de marcos. En un momento en que el indie se encontraba en boga, el sonido simple, casi artesanal, y la lírica azotadamente emocional de Beirut dieron en el blanco.

CUERPO Y MEMORIA Existen otros dos factores fundacionales en la música compuesta por Condon: su cuerpo y su padre. Por un lado, diferentes dolencias y lesiones tanto en el cuerpo, como en la mente han

afectado su carrera y desempeño musical, incluso en la actualidad.

Como la lesión que sufrió a los 14 años, al caerse de un puente de casi cinco metros y de la cual lo operaron a los 17, dejándole una muñeca más corta que la otra e impidiéndole tocar la guitarra de manera óptima. O el hecho de que desde la adolescencia, mantenga una fatal batalla contra el insomnio, para lo cual la composición y abstracción musical ayudan... A veces.

Por otro lado, la relación con su padre y otros miembros de su familia, ha sido clave para su desarrollo musical. Su abuelo tocaba el saxofón, su abuela el acordeón (que luego le heredaron a Zach, quien no dudó en integrarlo al sonido de Beirut) y el padre era un obseso de la guitarra. El artista ha comentado más de una ocasión que uno de los primeros recuerdos que tiene de su progenitor es verlo presionar a su hermano para que tocara la guitarra, insistiéndole: “Tienes que practicar tres horas al día”. También ha admitido que

recuerdos como ése son una razón probable de por qué se decidió a tocar la trompeta en lugar de la guitarra.

ALMA DE TROMPETA Ese acto de rebeldía –consciente o inconsciente– hacia el padre ha marcado no sólo el estilo musical de la música de Zach, sino la misma forma de expresarse y exteriorizar sus sentimientos. Tal como él admite en una entrevista para Gigs In Paris de 2011: “La trompeta influyó melódicamente la forma en la que canto y en la que compongo. Es decir, todo gira en torno a una melodía, y el rango, qué tan agudo o grave puedes ir, es muy amplio; va de un extremo al otro. Además, hay cierto tono en el modo de cantar de quienes tocan la trompeta que es inconfundible; es algo muy notorio”.

Otro elemento clave en el sonido de Beirut que quedó constituido desde los primeros años y que continúa hasta la fecha, es el uso de instrumentos que, como la trompeta, tienen

esos rangos amplios de los que habla Zach. Instrumentos como el acordeón, el violín y el clarinete, entre otros, tienen un espíritu muy de mariachi: lo mismo se usan para llorar a los muertos, que para celebrar a los vivos.

Gran parte del éxito de la música compuesta por él se concentra en este binomio placer-sufrimiento que exacerba la pesadumbre y acelera el optimismo. Su música es ideal para cortarse las venas con cuchillos de chocolate o, bien, fabricar confeti con los recibos del teléfono y las solicitudes de trabajo rechazadas.

Por último, uno de los rasgos sonoros más distintivos de la música de Beirut, incluso los ha llevado hasta comerciales de teléfonos celulares y demás productos de consumo masivo. El sonido del ukulele, esa guitarrita bonachona, de tono delicado y soñoliento, se ha vuelto también un sello que los distingue y, al mismo tiempo, los emparenta con Bob Esponja y sus exageraciones bipolares.

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FOT:: SHAWN BRACKBILL

“La música de Zach Condon es ideal para cortarse las venas con cuchillos de chocolate o, bien, fabricar confeti con los recibos del teléfono y las solicitudes de trabajo rechazadas”. + ESCUCHA TAMBIÉN

Brian Eno Another Green World Island Records, 1975 Un favorito personal de Condon y no es coincidencia. “Golden Hours” es una canción obligada y atemporal detrás de la cual es casi posible imaginar el proceso creativo de Beirut.

RECUERDOS INVENTADOS Habrá que mencionar también que las letras escritas por Zach son una de las razones por las cuales la gente se ha identificado. Canciones como “Santa Fe” o “Postcards From Italy” son espacios físicos que se convierten en historias, juegos en los que la memoria los recrea y los reinterpreta, generando un sitio nuevo a la medida y de acuerdo con el capricho de nuestra nostalgia. Entonces, un desencuentro amoroso en el pasado es transformado por el recuerdo manipulado en una boda que ocurre romántica, sigilosa e hipotéticamente al pie de unos enormes sauces; una verdadera chaqueta mental, en la que las cicatrices en el cuerpo y el corazón dicen una cosa, pero los recuerdos manipulados maquiavélicamente por una memoria mañosa dicen otra. Aquel que no haya sucumbido ante la tentación de modificar así su pasado, que tire el primer recuerdo idílico que tenga a mano.

DEL POZO AL GOZO Durante casi 10 años, esa fórmula compuesta por instrumentos altamente bipolares y letras subjetivas –en las que la especulación es necesaria para descifrar mensajes– ha funcionado en presentaciones en vivo, como en los dos discos posteriores a su debut. Las fechas de los tours de Beirut se han multiplicado al igual que el número de sus fans y los han llevado lo mismo a Escandinavia, que a Sudamérica.

No por nada el cuerpo de Condon ha resentido el intenso ritmo de las giras y, una vez más, le ha cobrado factura. A fines de 2013, durante una gira por Australia, el compositor tuvo que ser internado bajo un cuadro de fatiga extrema, algo que hizo que cancelara el resto de las presentaciones y regresar a Estados Unidos.

Si a todo esto le agregamos que Zach acababa de divorciarse, tenemos, entonces, la tormenta perfecta, suficiente para que cualquiera se tire por la ventana o, de plano, se ponga a componer

canciones. “Por primera vez en mi vida, encaré el rostro de la duda existencial extrema”, declaró Condon en el comunicado de prensa que anuncia su más reciente disco; “tenía que tocar fondo”. Pero, como dicen, un clavo saca otro clavo. Recompuesto tras un verano en Turquía y estrenando novia de dicho lugar, el músico está de regreso. No No No se estrena este 11 de septiembre, y por más que el título del disco y la fecha de su lanzamiento parezcan un tanto negativos, el comunicado del nuevo álbum afirma que “Zach ha abandonado los instrumentos más oscuros, por los que fue conocido inicialmente”. “Tener una presencia positiva como ella, me da fuerza y me guía saludablemente. Además, ilumina las cosas negativas de mi vida.

Definitivamente, no estaría donde estoy ahora si no fuera por ella”, afirma Zach, tan despierto como quien acaba de echarse un café turco o, más vale pensar mal, una buena turca.

Boban Marković Orkestar Bistra Reka X-Produkció, 2002 Una especie de banda sinaloense funk ataviada con extravagantes metales gitanos. Lo que oían los franceses cuando Zach los visitó y que terminó influyendo en su primer disco.

Serge Gainsbourg La Javanaise 1967 Provocativo y escandaloso como ninguno, quizá es el músico popular francés más diverso y difícil de clasificar. El humor más subversivo y las sátiras más provocativas del easy listening.

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MÚSICA

TXT:: ORQUIDEA VÁZQUEZ Hasta hace poco, el nombre de Natalia Lafourcade tan sólo remitía a “En el 2000”, aquella época de tirantes transparentes, pantalones acampanados y peinado de cebollita que, con singular alegría, portaba una chica que nos invitaba a buscar problemas y a mofarse de las que recortaban el rostro de Ricky Martin de las revistas.

SU APARICIÓN en los televisores representó gran parte del espíritu pubescente de principios del siglo XXI, y en el transcurso de más de una década, aquella percepción no consiguió gran variación. Es, hasta ahora, en 2015, que tras trabajar en un disco por tres años, una nueva etapa vislumbra en la compositora.

La llegada de Hasta la raíz atestigua su redescubrimiento, y con él impregna en la música reflexiones sobre lo cíclico del amor y el sentimiento esperanzador de nuestro país.

NATALIA LAFOURCADE Fortalecerse desde la raíz

Has mencionado que 2014 fue un año de sanación para ti. ¿Cómo fue ese proceso de reencuentro contigo misma? Hasta la raíz evoca, en cierto sentido, al Vulnicura, de Björk, un disco que también la ayudó a sanar lo que llevaba dentro.

Natalia Lafourcade: Mariana Ruiz, una de mis mejores amigas que también tocó conmigo en el Metropólitan, me decía lo increíble que era transformar lo que en algún momento podía parecer malo o triste en algo trascendental y, al mismo tiempo, curar el corazón. Así me siento, es un momento muy lindo porque después de hacer un disco que no pensé que fuera a ser tan personal, me di cuenta de que estaba envuelta en una cosa muy mía, pero que no me importaba y que la quería compartir de todas maneras.

Fue un modo de sanar y de volver a encontrarle sentido a las cosas, a la música, a hacer un disco otra vez, el cual implicaba un gran reto.

Indagar en lo más hondo de nuestro ser puede resultar tan alegre como sombrío, después de la travesía que tuviste y que culminó con un corte de cabello. ¿Quién dirías que es Natalia hoy?

Soy el resultado de todo lo que me ha ocurrido, de todo lo que voy viviendo. Eventualmente, en

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FOT:: CORTESÍA DE SONY MUSIC procesos como éstos, una de las cosas más bonitas que sucede es la reconciliación con uno mismo y cómo a través de ello, encuentras tus puntos fuertes, tus puntos débiles, y tienes la oportunidad de trabajarlos. Siento que ahora, el resultado es muy positivo; yo no me arrepiento de nada, agradezco todo lo que he pasado. Es parte de mi construcción como persona.

Mucho de lo que somos tiene que ver con el lugar de dónde vinimos.

Como sabemos, Hasta la raíz está inspirado en México y en esa dualidad que hoy vive, entre tanta belleza y tanto horror. Cada quien hace lo suyo desde donde puede y tú lo has hecho a través de la música. ¿Crees que una canción puede cambiar al mundo?

Eso es mucha responsabilidad, sin embargo, la música tiene un poder muy especial, tiene la particularidad de conmover corazones y sensibilizarnos. Yo siento que eso es lo que hace falta en México, que mucha gente se sensibilice y vuelva a sentir amor por el país. Para mí, son tristes estas realidades paralelas. Una es bellísima y fructífera; la otra muestra una parte muy decadente, enferma.

Por mi parte, trato de aportar buena música, canciones que por muy tristes que sean, no permiten que nadie se deprima al punto de no querer levantarse. Trato de inyectar esperanza, inyectar fe, de provocar una revolución interna; es la mejor manera de cambiar el entorno.

Hasta la raíz también habla de ciclos, y de ésos tú has tenido muchos. Ahora que has salido de uno y quizás entres a otro, ¿qué es lo que más añoras de tus años pasados?

La manera en cómo vivo mi carrera musical ya no es como antes, las cosas han cambiando, han ido creciendo. Recuerdo que hace algunos años, todavía vivía mi carrera de forma más dispersa; con mis amigos, viajábamos, era más hippie. De un tiempo acá, eso ha cambiado, ha tenido que ser así para poder dar los pasos que he dado hasta ahora. Enfocarme mucho más, estar más atenta a lo que quiero lograr. Eso me ha traído uno de los regalos más bonitos que ahora vivo, el contacto con el público, la complicidad que siento con él. Pero ello también me ha

traído, obviamente, otras cosas que añoro, como vivir una vida normal, poder ir al cine, ir al teatro, pasear a mis mascotas, estar en casa, con mi familia. De repente, te das cuenta de que no hay tiempo para eso porque lo otro te reclama muchísimo.

Cuando se escriben canciones demasiado personales y el público conecta con ellas, el artista puede convertirse en una especie de terapeuta improvisado. ¿Alguna vez habías pensado en ello?, ¿que la gente se refugia en el disco?

Ahora me doy cuenta de que sí, que se identifican. Cuando terminé, no pensé que a la gente le gustaría, por lo mismo que es tan íntimo. Habla de una visión muy personal, de como viví el amor, el desamor. Es mi percepción y nunca nadie te garantiza qué puede suceder cuando terminas un álbum. Aunque, al final, todos lo vivimos de maneras similares. ¿Dirías que Agustín Lara, su trabajo y el homenaje que le hiciste, fue algo que tuvo que suceder como preludio para este reencuentro contigo misma?

Totalmente. Siento que Agustín Lara me ayudó a reencontrarme conmigo en una parte que era importante activar para volver a componer canciones. Fue un parteaguas en mi modo de ver la música; desde la composición, hasta cómo visualizar el acto del concierto. Me afectó en diferentes niveles para bien.

Tú misma has mencionado que algo que admiras en la música de Agustín Lara es que tiene un carácter cinematográfico, uno que te hace evocar imágenes. En ese sentido, si pudieras trasladar todo el trabajo de Hasta la raíz en una postal, ¿cómo sería?

Sería como el mar. Ésta fue una parte importante del disco, estuvo muy presente para mí en el proceso creativo. Sobre todo el ritual de meterte al mar, de sanar y conectar con la fuerza de la naturaleza; la fuerza de las corrientes, cómo te sacuden y te limpian. Ésa es una imagen que constantemente me visita, sobre todo cuando canto canciones como “Palomas blancas” o “No más llorar”, que me recuerdan mucho los momentos que estuve sola en lugares de la naturaleza muy imponentes.

“La manera en cómo vivo mi carrera musical ya no es como antes, las cosas han cambiando, han ido creciendo. Recuerdo que hace algunos años, todavía vivía mi carrera de forma más dispersa; con mis amigos, viajábamos, era más hippie”.

—Natalia Lafourcade

Hasta la raíz tiene evidentes influencias, sobre todo de ritmos latinos, los cuales fueron la base para todo el disco. Manzanero, incluso, señaló que varios temas eran como huapangos escurridos en pop…

Eso se dio porque tenía muchas ganas de hacer pop y, al mismo tiempo, sentirme muy mexicana.

En mis canciones, encontraba una gran influencia del folclor.

Quería resaltar eso sin alejarme del concepto del pop. No quería caer en el otro extremo; me quería quedar en medio, justo en el límite. Hacer un pop muy simple, cotidiano y fácil de entender, pero con una riqueza y profundidad musical para remitir hacia cosas mucho más contemporáneas, latinas, clásicas, e incluso orgánicas. El juego era ése; yo sabía que quería quedarme en medio. Era una constante intentar no rebasar ese límite.

“Hasta la raíz” es ya uno de tus clásicos. ¿Te lo esperabas o fue una sorpresa?

Fue una sorpresa. El momento de terminar la canción junto con Leonel García fue de lo más mágico porque, hasta entonces, nos dimos cuenta del gran tema que era. Pienso que hay ciertas canciones que simplemente deben existir. Yo siento así a “Hasta la raíz”, que sólo fuimos el puente para que esta composición pudiera llegar a nosotros. Fue muy fuerte la sensación, pues aún no puedo creer que una canción tan pequeñita pueda ser tantas cosas. Para mí, era como un himno a todo lo que me había tocado vivir con el disco. Todas mis emociones, todo lo que pase, está resumido en esa canción.

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Björk Vulnicura One Little Indian, 2015 Si hablamos de discos que han sido primordiales para aliviar los demonios de sus autores, sin duda, nos toparemos con Vulnicura, el más reciente álbum de una de las artistas más visionarias de nuestro tiempo.

Natalia Lafourcade Mujer divina, homenaje a Agustín Lara Sony, 2012 El trabajo artístico de Agustín Lara ha sido un importante catalizador en el crecimiento musical de Lafourcade. Este disco es el preludio para la maduración en la obra de la cantante.

Camila Moreno Mala madre Independiente, 2015 Siendo un gran referente de la nueva canción chilena, Camila, como Natalia, ha bañado el folclor de su país con pop y ha acrecentado su belleza con un gran apoyo instrumental.

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MÚSICA

CAUTIVADA por la diversidad de escenas que confluyen en la Ciudad de México, Mariel Villagra arribó desde Chile hace alrededor de seis años con nada más que una guitarra acústica y una pequeña maleta. En este lapso, la evolución hizo lo suyo y comenzó a experimentar con bases de hip-hop, música electrónica, ritmos africanos y melodías que destilan un flow latino. Con tres discos editados hasta la fecha, el giro sonoro detonó shows que asemejan un performance urbano, condensado en líneas de rap que apelan a la liberación. Platicamos con Mariel acerca de lo que representa abrirse paso en la competida escena musical en México. ¿Qué tan importante fue Pedro Villagra para que decidieras abocarte a la música?

Mariel Villagra: Claramente fue un pilar. Para mucha gente, ser músico es como salir del clóset, decir a la familia: “¡Acéptenme!”. Para mí, la música siempre estuvo dispuesta.

Es difícil ser hija de un artista; mi papá no estuvo mucho tiempo, pero después, regresó a Chile y ahora soy yo la que no está. Recién tocamos en el Ruido Fest en Chicago y allá nos quedamos en casa de amigos de mi padre quienes viven en Pilsen.

Me di cuenta de que tengo una herencia muy fuerte; probablemente, ahora que toque en otras partes del mundo, voy a reconectarme con la gente que él conoce. ¿Cuáles fueron tus primeros momentos de asombro con la música?

Crecí con rock clásico de los años sesenta y setenta. Los Doors y Muddy Waters me gustaban muchísimo. Con el jazz, descubrí el virtuosismo; cuando era menor de edad, iba a clubs de jazz y era como asistir a clase. Soy muy ecléctica, escuchaba a Hendrix y, después, me dirigía hacia atrás, hasta la percusión africana. Otro personaje clave es Charly García, que es mi ídolo; quiero saltar del noveno piso con él (risas).

Conecté muy fuerte con sus letras, comencé a sacar sus rolas y me hizo tomar en serio la música. ¿Lo viste en vivo?

Sí, lo fui a ver en su etapa más decadente en los noventa, cuando

TXT:: VICENTE JÁUREGUI traía el Say no more. Me llevaba por todos los estados de ánimo, desde el baile más elevado, hasta cosas muy oscuras. Es un tipo brillante que tenía mucho sufrimiento.

Cuando yo era adolescente, mi hermana y yo nos metíamos a sus fiestas, onda medio groupie.

Tus primeras presentaciones en México eran tú y tu guitarra acústica; ahora, hay mucho beat y un show que bordea el hip-hop. ¿Cómo se dio esta evolución?

Al principio, mi meta era venir a México sólo para grabar un disco.

Yo tenía una banda en Chile, era más rockera y quizá el beat estaba medio oculto entre guitarras, aunque siempre tuve una conexión afrolatina. “Aconséjame” estaba hecha sólo con beats. Cuando vine a este país, no traje a mi grupo, tocaba sola con mi guitarra y sonaba acústico. Han pasado seis años desde entonces y hubo una evolución; hice un segundo disco más electrónico, yo estaba muy ocupada solucionando mi vida en México y dejé la responsabilidad de la música al productor, que quiso llevar las canciones a algo más pop. Ahí me di cuenta de que decir “pop” es lo más subjetivo del mundo; para cada quien significa una cosa muy diferente.

En México es muy polémico decir que haces pop, te pueden vetar de repente (risas)…

Mi música siempre ha sido pop; sin embargo, ha estado en el borde y he sido discriminada por ser poco popera y muy poco alternativa (risas). Fui rechazada por ambos motivos, pero, weón, ¡es lo mismo! ¿Qué rescatas de Foto pa’ ti, el segundo disco?

De ese álbum rescato las colaboraciones de la gente que me recibió muy bien, como Juan Manuel (Torreblanca), Natalia (Lafourcade) y Carla (Morrison), quien es más protagonista del disco que estoy haciendo ahora.

En medio, hubo una etapa de tocar con ella, establecerme en México.

Tocaste con Carla Morrison; a pesar de que representaba un aliviane económico, dejaste la chamba para hacer lo tuyo. ¿Cómo tomaste esa difícil decisión?

Visualicé que eso duraría un año, y así pasó; de repente, sentí que estaba lista para hacer lo mío. Pasaron muchas cosas buenas, Carla se encargó de no abandonarme, fue quien más me apoyó en un momento como amiga, como productora ejecutiva.

Gracias a ella, tuve la tranquilidad de sacar el EP. Mencionabas que el rechazo de los medios fue muy marcado, ¿cómo se dio la aceptación?

La aceptación se dio este año y la fórmula que apliqué en este álbum fue bastante acertada; cada quien inventa su propia fórmula porque no hay una receta. Al principio, recibí muchos “no” porque decían que mi música no correspondía al perfil… Pero son las mismas revistas que ahora me están reseñando (risas). ¿Sólo fue un rechazo de los medios?

No, traté de abrir un show de la Mala Rodríguez y la empresa que la representa en México me dijo que yo no tenía nada que ver; lo curioso es que en Lima, me invitaron a ir a tocar para abrirle.

Después de hacer trabajo de hormiguita, todo ha funcionado este año, lo más bacán es que no fue un mánager ni una empresa, sino todo gracias al trabajo de mis colegas que me han venido apoyando. ¿Quiénes son estos aliados?

Andrés Landon, Natalia Lafourcade, Carla Morrison, Torreblanca y Neto García, que mezcló el disco. ¿Algo que te hayan alentado a hacer?

Cuando grabé el demo de “Foto pa’ ti”, estaba afónica. Con mucha pena, mostré la maqueta y todos me dijeron: “Está perfecta, es el accidente más feliz de la vida, ya no le cambies nada”. ¿Así quedó?

La voz quedó tal cual, ni siquiera fue grabada con micrófono, fue directo a la computadora.

Fue atreverse al lo-fi...

Fue precisamente eso, atreverse al lo-fi, a hacer una mezcla con ruidos del ambiente del sótano,

con improvisaciones. Todo eso era un lenguaje raro, yo sabía que al mostrarlo, no sería el año del despegue. Por eso, me fui a Colombia, donde el público está esperando bailar; acá es diferente, la disposición de la gente es escuchar una melodía bonita y una letra que les conecte. ¿Qué se necesita aparte de mucho trabajo?

Tuve mucha paciencia para ir colándome por los surcos por donde debía entrar y así pasó. Lo primero fue la gente del NRMAL, un festival de vanguardia que apuesta por cosas atrevidas y fue la antesala perfecta para el Vive Latino. Ahí despegó todo porque hubo una reacción muy importante de la prensa, que son quienes te dejan bien o mal parado ante el mundo.

En tu show, hay una bailarina; el flow latino se respira gracias a la energía del baile y la contundencia rítmica. ¿Cómo pasaste de tocar la guitarra acústica, a un performance tan directo?

Yo quería dejar de tocar la guitarra un rato porque los beats me pedían moverme, pero no deseaba usar el baile como una herramienta de las “viejas buenas bailando atrás meneando la cola”.

Quería algo más conceptual, y María vino a México justo cuando terminó la carrera de danza contemporánea en Chile. Ahora, hacemos mucho performance y se pone de fiesta la cosa.

Vivimos en la generación shuffle, pero tú sigues haciendo discos completos, ¿por qué?

Yo lo valoro porque soy de la vieja escuela, soy de la generación cassette, aunque en ella desfilaron muchos formatos.

Como compositora, un disco necesita reflejar una etapa de mi vida, así que este disco refleja mis últimos cinco años en México; es una foto de ese tiempo. Sacando un sencillo, no transmito tanto el espíritu; necesito hacer 10 rolas, mínimo, para trazar un concepto.

Tengo una vida nueva en un país nuevo y había que reflejarlo en algo bien sólido.

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FOT:: CORTESÍA DEL ARTISTA

“Para mucha gente, ser músico es como salir del clóset, decir a la familia: ‘¡Acéptenme!’”.

—Mariel Mariel

+ ESCUCHA TAMBIÉN

Charly García Say no more Sony, 1996 El álbum más oscuro y experimental de Charly es fundamental para entender las raíces mutantes de Mariel Mariel.

MARIEL MARIEL La subjetividad del pop

Pedroband Pagano Trompe, 1998 Después de editar varios disco junto a Inti-Illimani, Pedro Villagra decide optar por una carrera solista, un cancionero que representa parte del ADN musical de Mariel.

Carla Morrison Déjenme llorar Intolerancia, 2012 Sin lugar a dudas y más allá de ser una influencia musical únicamente, la figura de Carla Morrison resulta esencial para entender la carrera de Mariel en México.

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MÚSICA

SARAH RECORDS

La historia que prefirió acabar antes de convertirse en una más

TXT:: JOSÉ IGNACIO GÓMEZ “UN DÍA para destruir cosas…

Porque cuando tenías 19, ¿tú nunca quisiste crear algo hermoso y puro sólo para que un día pudieras penderlo en el fuego y después observar la ciudad resplandecer mientras ardía? ¿Qué no querías hacer eso cada día de tu vida? Nada debe ser para siempre. Las bandas deberían hacer un sencillo y, luego, separarse, los fanzines terminarse tras un número fallido, los amantes irse en la lluvia a las 5 a.m. y nunca volverse a ver. El hábito y el miedo al cambio son las peores razones para hacer lo que sea.

Detener un sello discográfico después de 100 lanzamientos perfectos es la más hermosa declaración de pop art y dice más acerca de la música pop que lo que cualquier edición limitada de un sombríamente auténtico EP de baja fidelidad en vinilo 7” de color y digipack doble (o cualquier otro gimmick de marketing) jamás dirá.

Sarah Records pertenece a nadie más que a nosotros, así que es nuestra para crearla y destruirla como queramos y nosotros no hacemos encores. Queremos arder en colores brillantes y hacerlo pop, ser desorientados, impulsivos y tontos, besar a gente en nuevos lugares –exquisitamente– y retar a tirar las cosas en pedazos.

El primer acto de revolución es destrucción y la primera cosa que hay que destruir es el pasado.

Aterrados. Como enamorarse. Nos recuerda que estamos vivos”. — Sarah Records (1987-1995) Así se despidió el sello británico Sarah Records, uno de los más simbólicos en la historia del indie pop o, mejor dicho, el que marcó la historia y delimitó la manera más pura de la esencia de su nicho. Tras 100 lanzamientos discográficos, Clare Wadd y Matt Haynes no titubearon al concluir con las actividades del sello, y con una magnífica fiesta y una compilación

que celebró el centenario de su catálogo, Sarah se retiró para siempre. Alguna vez leí a Wadd afirmar que la única razón por la que el sello existió fue debido a “la arrogancia y la ambición de la juventud”. Wadd insiste en que “ahora pasarías mucho tiempo considerándolo; antes pensabas que podías hacer cualquier cosa, así que lo hacías”. ¿Lo habías pensado? Inevitablemente, de vuelta en 1987, un formato tan económico y personal como un vinilo de 7” (principalmente, sencillos) presentado en un paquete hecho a mano, podía cambiar completamente el modo de percibir a una banda. Era un verdadero desafío al status quo. El punk, la sensualidad y la rebeldía solían ser cosas completamente antitéticas a Sarah, de hecho, se impuso la regla de no colocar mujeres en las portadas de los discos. No obstante, el sello oriundo de Bristol, Inglaterra, resultó mucho más desafiante y provocador que la feroz y masculina voz que acarreó un género tan polémico como el hardcore punk.

Irónicamente, la música de grupos como The Field Mice, Heavenly o, incluso, del cuasiinexistente, legendario y único lanzamiento de Christine’s Cat, tenía una relación con su vecino nihilista y anárquico de una manera más estrecha de lo que a la primera escucha se pensaría.

El punk delimitó toda la esencia del Do It Yourselt; no obstante, muchos de estos paradigmas fueron adoptados por el indie pop. No de modo anárquico y sensual, imponente y estridente, sino alimentado por una frígida impotencia, desvergonzada de su personalidad apretada y anti “cool”. Una declaración genuina de indiferencia a las modas de aquella época.

El concepto del indie pop solía tener tanta pasión y esencia, que

FOT:: ARCHIVO no es sorpresa que aún continúe invitando a nuevas generaciones a unirse al frágil y dulce recuerdo de sellos como Sarah. No sólo por el dulce, inmaduro y modesto modo en que los oriundos de Bristol grababan, editaban y vendían cada disco como si fuera un suéter tejido a mano, sino también por la manera de llevar a la praxis el concepto de un sello de forma tan despreocupada, de mantenerlo, mostrarlo y, de igual modo, autodestruirlo cuando uno quiera.

Antes de que la verdadera esencia se sacrifique y la pureza se pierda.

Con escasas e incoherentes (para muchos) razones, pero las suficientes para reafirmar un statement, Wadd y Haynesse se detuvieron. De esa forma fatalista y extremista lograron hacer algo que muchos, a la fecha, han perdido: conservar la simpleza, detonar la explosiva fragilidad del único pilar que mantuvo el sello a flote. En Sarah, todos eran las estrellas, protagonistas de su propio mundo.

En su universo, los objetivos, a diferencia de la música en general, difería mucho de sus variantes más políticas o musicalmente profesionales. Irónicamente, hoy en día, podrías conseguir una copia de los primeros lanzamientos en cientos de libras –hecho que Clare prefiere ignorar–, pues el propósito de los discos no era más que el de tocarlos y amarlos; hacer de ellos tus favoritos y añorarlos con el paso de los años. Es tal vez por eso que su valor no sólo descansa en el valor monetario de su catálogo, sino, además, en el deseo de poseer uno y poder tocarlo una y otra vez, hasta que el fonocaptor de tu tocadiscos se desgaste, sólo para comprar otro y continuar girando esa preciosa pieza, histórica y sonoramente anecdótica.

Sarah Records es y será un referente del indie y de una Inglaterra en su apogeo musical, de un momento, una escena y el

contexto histórico de la brecha entre dos décadas. Es el resultado de la incertidumbre adolescente de un Bristol efervescente y despreocupado. Sarah es lo que tú quieras hacer de ella. Es tu nueva banda favorita, es el álbum al que más cuidas, es tu vida.

Nuevas generaciones desempolvan el encanto de Sarah.

Con el paso de los años, bandas como Secret Shine y Another Sunny Day se han vuelto a reunir.

El indie pop continúa resguardando la antorcha de sus antecesores, nuevos grupos delatan su admiración con tan sólo observar la portada de uno de sus álbumes.

Y pensar que dos adolescentes pudieron poner en pie, mantener y destruir cuanto quisieron, tal vez por miedo a que debido a la edad y la llegada de la edad adulta no permitiera mantener el sueño bajo el propósito con el que fue creado.

Más de dos décadas después, nos damos cuenta de que, tal vez, los obstinados británicos, junto con muchos otros en su época, lograron abrir los canales por los cuales ahora Internet permite que transite el sueño; la modesta creencia de que cualquiera puede formar una banda o un sello discográfico independiente. De que los discos no son forzosamente una herramienta de negocio y publicidad, sino también un objeto entrañable que de caer en manos correctas, puede contagiar al escucha de ver la música de otra manera.

Al final, si el arte parece estar perdiendo su valor comercial exponencialmente, ¿por qué no aspirar a que la música exista? ¿Por qué sí? ¿Por qué no permitir que los discos existan con el único motivo de ocupar un lugar tangible en el tiempo y sobrevivan al paso de los años? Mientras que la fugaz era del Internet olvida despiadadamente, los discos ocupan un sitio importante en la vida de todo coleccionista y amante de la música.

“Y pensar que dos adolescentes pudieron poner en pie, mantener y destruir cuanto quisieron, tal vez por miedo a que debido a la edad y la llegada de la edad adulta no permitiera mantener el sueño bajo el propósito con el que fue creado”.

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FESTIVALES

TXT:: PABLO PULIDO

LOLLAPA Iniciar un viaje siempre implica diversas cuestiones: dejar atrás la nostalgia, estar abiertos a conocer otros puntos de vista y, sobre todo, saber controlarse ante lo impredecible. Chicago es una ciudad de orden excepcional, cuyos habitantes interactúan con gran amabilidad a pesar del movimiento constante que una urbe naturalmente exige.

Es en medio de esta ciudad en la que, año con año, se realiza Lollapalooza, el festival de música más importante de Chicago, tres días de exploración sonora, la cual, gracias a Doritos, disfrutamos Marvin y el ganador del concurso #Doripalooza y tres de sus amigos.

EL CALOR ES INTENSO (llegando a los 38 grados), pero es esencial para darse cuenta de que no estás simplemente en otro país, sino que también presencias quizá el evento más influyente de los últimos años. Lollapalooza es mucho más de lo que alguien podría explicar, sobre todo porque la música es nada más un pretexto, pues el verdadero clímax está en la gente: bailar con alguien con solamente decir un “hola”, compartir un brindis con el de enfrente y cantar al unísono son tan sólo unas de las cosas que el festival estimula.

Allí estuvieron Paul McCartney y Metallica, ondeando la bandera del rock junto a los jóvenes Tame Impala, The War on Drugs, Bully, Death From Above 1979, Gary Clark Jr. y Alabama Shakes. Pero Lollapalooza no cierra sus filas a otros caminos: The Weeknd,

Tyler, The Creator, Kid Kudi, A$AP Rocky y Young Thug demostraron que el hip-hop y R&B realmente son los géneros de hoy, mientras que el EDM hizo de las suyas y nunca bajando el ritmo con sus característicos beats que evocan rituales masivos de danza y delirio a quienes decidan entregarse a sus brazos comerciales.

Caminar entre los siete escenarios (más uno dirigido a los niños) no es un martirio si el espíritu se encuentra en el mejor de los estados.

Basta con abrir una lata de cerveza y dejarse maravillar por la variedad de personalidades que caminan al lado tuyo, apreciar los rascacielos que rodean Grant Park y asimilar todos los sonidos que se disparan por doquier.

Es inevitable recordar entonces aquel capítulo de Los Simpsons en el que Homero es

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FOT::ORQUIDEA VÁZQUEZ

The Weekend

Bully

Sylvan Esso

ALOOZA A$AP Rocky

The War on Drugs

una de las estrellas de un ficticio Lollapalooza; en dicho episodio, se retrataba a la juventud noventera como indiferente a todo, excepto a la música, pacifista y extravagante. Hoy, el festival ha dado un giro medianamente drástico; como se mencionó anteriormente, la gente asiste por la experiencia, dando paso a otro tipo de público, aquel que gusta de tomarse selfies y acostarse bajo el sol, al tiempo que The Tallest Man on Earth, Sylvan Esso o quien sea se encuentra ejecutando frente al escenario.

El evento está consciente de este nuevo cambio generacional; no por nada triplicó el tamaño de su escenario Perry’s e incluye cada año a los actos pop más candentes. En esta ocasión, Charli XCX se llenó de gloria frente a miles de personas que mascaban chicle rosa y aplaudían de manera ferviente al ritmo de

“Boom Clap”; Marina and the Diamonds, por otra parte, se vio emocionada al ver que, por fin, ha dado al clavo con un disco (Froot) que alaba el egoísmo emocional en tono synthpop, y, por último, Sam Smith y Florence and the Machine cerraron dos de las noches de Lolla, maximizando la sensibilidad de un público en búsqueda del amor verdadero.

A diferencia de México, varios festivales en Estados Unidos concluyen a temprana hora, y Lollapalooza no es la excepción. Siendo las 10 de la noche, la gente se dispone a continuar la celebración fuera de Grant Park. Una vez más, salir a lo desconocido, a cenar, a tomar algo en un bar, perderse entre las luces de un lugar lejos de casa, conocer a alguien y entregarse por una noche. Disfrutar el estar allí, en lo impredecible.

FKA Twigs

Bajo la misma guitarra

COME BIEN

NEW ORDER 30

EN PORTADA

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ME GUSTA MÁS NEW ORDER QUE JOY DIVISON. CON ESTA SENTENCIA QUE PODRÍA IRRITAR A ALGÚN ACÓLITO DEL CULTO A IAN CURTIS, ME MUEVO ENTRE LOS SENDEROS DEL HYPE, ESQUIVANDO LAS LADERAS E IGNORANDO A UNA NACIÓN ALTERNATIVA VUELTA LOCA CON LAS PLAYERAS DE UNKNOWN PLEASURES. Y ES QUE SI BIEN EL SEMINAL GRUPO DE CUYAS CENIZAS SURGIERA NEW ORDER SE CONVIRTIÓ EN UNO DE LOS MÁS INFLUYENTES DEL ROCK MODERNO, LA CONSECUENCIA Y VERDADEROS ALCANCES DE LA GENIALIDAD DE LOS DEMÁS INTEGRANTES DEL CONJUNTO SE DIERON JUSTO CUANDO IXTAB LES ARREBATÓ A SU POETA ATORMENTADO.

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EN PORTADA

TXT:: ALEJANDRO MANCILLA @NOSOYMODERNO

D

e sus inicios donde la melancolía y el post-punk todavía impregnaban su sonido y se notaba que extrañaban a Curtis, a su conversión a la música electrónica en sus posteriores discos y sus posteriores escarceos con el indie rock, ya han pasado décadas. Pero es justo decir que la banda, ahora sin Peter Hook, aunque sumando de nueva cuenta a Gillian Gilbert, está de regreso y parece como si nunca se hubiera ido.

Para su nuevo disco, el número 10, le han puesto refresh a su chip creativo, y sin reinventarse en el sentido estricto de la palabra, presentan una colección de buenas nuevas canciones que apelan tanto a la pista de baile, como a su inherente melancolía (para “bailar con lagrimas en los ojos”, como diría Ultravox), vía Bernard Sumner, Stephen Morris, la mencionada Gillian y los recién ingresados Phil Cunningham y Tom Chapman.

Para este nuevo material, Music Complete (Mute, 2015, editado en México por el sello Casete), título muy kraftwerkiano, por cierto, el grupo contó con las colaboraciones de Iggy Pop, Brandon Flowers y La Roux. El resultado es emocionante para quienes seguimos la huella de New Order a través de los años.

Y justo de eso hablé con Gillian Gilbert y Stephen Morris. La plática comienza con Gillian.

Mientras conversamos, la imagino como en el video de “The Perfect Kiss”, concentrada en su sintetizador, pensativa y con un look que le hubiera servido para un casting de Pretty in Pink.

Gillian Gilbert: Para este disco, hemos traído un montón de ideas individuales y, luego, nos pusimos a trabajar juntos para encontrarles ángulos diferentes, muy al estilo del viejo New Order, donde nos poníamos a tocar juntos e iban saliendo las cosas. ¿El uso de las nuevas tecnologías fue algo determinante en este nuevo disco? Se nota una producción más de herramientas actuales…

Gillian: Sí, claro. La tecnología actual hace que sea más fácil transferir las ideas musicales a una computadora, todo se hace más rápido.

Además de que la nueva manera en que escribimos las canciones hizo que el resultado fuera un álbum así. En algunos temas, no tuve mucho que ver, vienen de viejas ideas.

¿Estaban conscientes de que el público los extrañaba y que desde Get Ready, sus discos no habían sido lo que se esperaba?

Gillian: Claro, estábamos bie n conscientes; pienso que este disco es un nuevo punto de partida. No creo que la vibra de Get Ready haya sido ésa, pero este nuevo material por mucho tiempo fue como nuestro secreto mejor guardado (risas) y ahora, estamos ansiosos por saber qué opinan los demás.

Estás casada con Stephen Morris, ¿cómo separan esa parte y la compaginan? Ya lo hicieron con The Other Two (su proyecto en solitario)… ¿Cómo hacerlo en New Order, con más egos alrededor?

Gillian: Es como todo; a veces trabajas y vives con tu pareja.

Aunque, viéndolo bien, sí puede ser un poco excesivo (risas). De hecho, teníamos cosas guardadas de The Other Two que trajimos para este disco de New Order. ¿Qué escuchan juntos? ¿Algo que nos recomiendes?

Gillian: Me gusta mucho Young Fathers; tienen un álbum llamado White Men Are Black Men Too, que es muy bueno. Steve escucha de todo. Juntos, por lo general, oímos discos de John Cale.

Muchos fans radicales piensan que sin Peter Hook, New Order no es New Order…

Gillian: Pues, mira, cuando yo me salí de New Order un tiempo, el grupo siguió y yo jamás consideré que ya no eran New Order sin mí. La gente puede pensar que sin Hook las cosas no son las mismas, pero nadie dijo eso cuando me tomé un break. Somos tres integrantes originales del grupo actualmente; Peter se salió porque fue su decisión. Tom (Chapman) toca muy parecido, aunque tiene un toque diferente.

Claro que en vivo, debe reproducir lo que está en los discos.

La plática ahora es con Stephen, el baterista/programador/tecladista que dotó a Joy Division y a New Order de esa identidad que hasta hoy perdura.

Stephen Morris: Efectivamente, estamos conscientes de que la gente espera mucho de un grupo

FOT:: CORTESÍA DE CASSETE

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como nosotros, pero lo peor es clavarse en eso. Ahí tienes a David Bowie; para no generar expectativas, sacó su álbum así, sin aviso. Nosotros no somos tan expertos en esas tácticas (risas).

“JOY DIVISION TERMINÓ EN UNA TRAGEDIA Y CON NEW ORDER TRATAMOS DE CONVERTIR ESA SITUACIÓN EN ALGO POSITIVO, HACIENDO ALGO NUEVO, SUPERANDO ESE TERRIBLE SUCESO. NUNCA HEMOS RENEGADO DE JOY DIVISION, SÓLO INTENTAMOS CREAR ALGO APARTE. CREO QUE LO CONSEGUIMOS”.

A estas alturas, ¿realmente les importan las críticas?

Stephen: En última instancia, lo principal es hacer un disco que nos guste a nosotros. Así ha sido siempre, no puedes hacer uno pensando en que les agrade a los demás; simplemente, hay que realizar el mejor álbum posible.

Supongo que trabajar en un sello como Mute es refrescante y con más libertad creativa que con una disquera transnacional…

Stephen: Así es, estamos en Mute y es grandioso. Daniel (Miller), el dueño del sello, fungió como una especie de productor ejecutivo que escuchaba todo lo que hacíamos, nos aconsejaba y, de repente, solamente nos dejó hacer lo que quisiéramos. La idea de este disco surgió en un tour de 2011; pensamos que sería genial escribir nuevas canciones. La verdad es que es difícil, muy difícil hacer un nuevo álbum.

Se nota que se movieron hacia terrenos más bailables que en su pasado reciente, un poco hacia los 80…

Stephen: Sí, y es por culpa de Gillian (risas). Ella está tocando un registro más electrónico, con más teclados. Incluso, las guitarras las procesamos. Es que realmente sí queríamos hacer un disco dance. A veces, entre lo que quieres hacer y lo que terminas llevando a cabo, hay una diferencia muy grande; acaba siendo algo muy distinto.

Por ejemplo, “Nothing But a Fool”, que en realidad era como una canción de los años 60 y, al final, resultó ser una que parecía hecha para la pista de baile.

Si pudieras regresar el tiempo, ¿en qué fecha te gustaría estar con tu DeLorean o cualquiera que fuera el dispositivo para viajar en el tiempo?

Stephen: Creo que regresaría a 1977, vivo la misma vida y hago exactamente lo mismo. Aunque…

Espera un momento… Estoy ahí y no puedo pensar en nada; hay

tantas cosas que podría hacer para cambiar el futuro… Pero, no, mejor que se mantenga todo como fue y que haya una escena de música dance en Manchester y todo eso.

Hay una canción en el nuevo disco, “Tutti Frutti”, que me sonó muy sui géneris; sé que te gustan cosas tipo Señor Coconut…

Stephen: Me encantan sus discos. Esta canción que mencionas es realmente happy, tiene la misma onda, te hace sonreír. La voz en italiano fue idea de Tom Rowlands de The Chemical Brothers; él produjo un par de canciones, pero no es él. Estábamos trabajando en el estudio y se le ocurrió la idea: “Sonaría genial una voz ahí”.

Hubo mucho de eso durante las grabaciones y mucha gente dando ideas para el disco.

Hablemos un poco sobre Joy Division. ¿Qué extrañas de esos años?

Stephen: Joy Division fue algo brillante e irrepetible. Ian se tomaba muy en serio la música; para él, eso era lo más importante.

Hoy todo ha cambiado, la actitud de la gente también; ya nada es lo mismo. Antes, adquirías un disco, lo llevabas a casa y lo escuchabas una y otra vez; ahora, cuando mucho, oyes un par de temas o, vaya, ni siquiera compras un disco, y sólo escuchas cosas en la computadora. La música no tiene el mismo impacto, a nadie le importa. ¿Cuál fue el mérito de New Order en la historia de la música?

Stephen: Joy Division terminó en una tragedia y con New Order tratamos de convertir esa situación en algo positivo, haciendo algo nuevo, superando ese terrible suceso. Nunca hemos renegado de Joy Division, sólo intentamos crear algo aparte. Creo que lo conseguimos.

Por último, sé que te gusta la sci-fi. Dime, ¿cuáles son tus obras favoritas?

Stephen: La mejor es Blade Runner; es una historia brillante. Tú puedes ver ese filme ahora y no pierde vigencia. En realidad, me gustan mucho los libros de Philip K. Dick porque todas sus historias están ambientadas en futuros bien imaginados, como Total Recall, pero con muy buena narrativa y situaciones universales. Igual me agradan cosas como Dr. Who. Me gustan los héroes que no están conscientes de ello.

—STEPHEN MORRIS

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MODA

Ella:Uniforme de porrista: propiedad del coordinador, Calcetas: American Apparel, Zapatos: Isabel Toledo Él: Shorts: Adidas Originals, Tenis: Reebok, Gabardina: Calvin Klein, Calcetas: Propiedad del coordinador.

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ESPECIAL DE

MODA#3 NUEVAS CREACIONES

POR TERCERA OCASIÓN Revista Marvin aborda el mundo de la moda con nuestro September Issue. Pero ahora no echamos mano de la historia y los nombres internacionales más pronunciados, sino que buscamos en casa las propuestas locales con todos los elementos para ser globales. Propuestas que están naciendo igual en el taller de costura que en el navegador web. Nacidas donde se están dibujando patrones, cortando tela, cosiendo sobre el maniquí, igual que soñando en línea con mundos alternos, compartiéndolos con mentes similares al otro lado de la tierra y estrenando colecciones inventadas con mouse en pasarelas hechas puramente de bytes. Estos son los diseñadores independientes que hace tiempo vienen trabajando como apenas los nuevos y muy jóvenes directores creativos de casas como Balmain, Gucci y Saint Laurent lo están instituyendo en sus firmas para rescatarlas de sus devotos envejecidos y arrogantes.

CHABE, por ejemplo es el trabajo conjunto de Laura Carrillo y Cristina Lourenco, quienes se toman muy en serio la alta costura y más en serio el vestir cotidiano, combinándolos con efectividad sorpresiva. Omar Quiroz, es un joven director

de arte, diseñador de ropa, ilustrador, fotógrafo, intérprete de imágenes y contextos que a través de su mirada propone formas nuevas de llevar prendas originales o conocidas. Zai Nájera, de Superhero Mag propone y coordina con herramientas similares una red de colaboradoras en tres continentes que publica en su website dando las bases del nuevo gusto femenino, sin esperar a ninguna semana de la moda... Marvin Durán de Marvin y Quetzal regresa de un largo sabático con lienzos avanzados a nuestro momento, cortando de tajo las concepciones convencionales y tradicionalistas de la moda mexicana; y finalmente, Alejandra Quesada, que brilla con luz propia y lleva el nombre de la vanguardia por todo el orbe.

A través de las colecciones que aquí se presentan en exclusiva para Marvin (salvo la SS15 de Quesada), descubrimos conjuntos híbridos que hablan en equipo; describen un entorno y lo comentan y marcan una línea estética pocas veces tan firme y robusta.

LET THE SHOW BEGIN!

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MODA

OMAR QUIROZ AFTER LOVE

Falda: Ralph Lauren Saco: Vintage, Mascada: Centinelle Zapatos: Jerey Campbell Lentes: propiedad del coordinador.

“‘Y vivieron felices para siempre’. No, yo no quiero eso. Yo quiero darle ‘me gusta’ a todas tus fotos en Instagram y que me sigas ignorando el resto de tu vida. Quiero que me dejes para regresar con tu ex. Yo quiero que te guste mi mejor amigo y salgan a escondidas.

Quiero escribirte borracho los fines de semana por la madrugada y que debas bloquearme para entender que ya no quieres saber nada de mí.

Quiero enviar todas nuestras fotos a la papelera de reciclaje y recuperarlas dos horas después. Y también quiero que me digas ‘estoy cogiendo con él, pero a ti te amo’. Quiero seguir creyendo en algo, ya sea un jabón ‘quiéreme siempre’, poner a San Antonio de cabeza o descargar Tinder para conocer al segundo o tercer amor de mi vida”.

omarquiroz.tumblr.com

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Chamarra: Ayanegui, Camiseta: Vintage, Pantalรณn: J. Crew. Tenis: Adidas, Calcetas: Propiedad del coordinador

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MODA Blusa: Vintage, Lentes y Visera: Propiedad del coordinador, Jeans: Calvin Klein.

39 Gabardina: Ayanegui, Camiseta y short: Propiedad del coordinador, Lentes: Propiedad del modelo

Fotografía: Leo C. Sam

Dirección de arte y coordinación de moda: Omar Quiroz Máquillaje: César Nava

Pelo: Vivian Luna

Modelos: Nora Morales para New Icon Models y Stefano para Contempo Models

Asistente: Armando Juárez

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MARVIN Y QUETZAL MODA

NECESARIAMENTE PARTICULAR “Esta colección la hago después de varios años de ausencia, tiempo que fue necesario para mí; requería trabajar muchas cosas personales para que llegara al proceso en el que me encuentro, con una gran necesidad de seguir creando. Yo mismo estoy sorprendido con el regreso de la marca, me emociona mucho. A finales de 2014, viajé a China e India. Marvin y Quetzal siempre tuvo una gran inspiración por lo asiático: estar allá me inspiró mucho y es parte del concepto central de la colección. Siempre me he encontrado a personas que me han dicho que quisieran obtener alguna playera con las caras de Marvin y Quetzal u otra prenda en específico; tengo pensado lanzar ediciones especiales de esas piezas icono-

gráficas de la firma. Tengo pensado sacar microcolecciones y presentarlas a través de fotos, videos y algo más; mis colecciones como siempre serán unisex en la mayoría de las prendas, y seguirán siendo ropa y accesorios hechos en muy poca producción; no faltarán las piezas únicas. Otra cosa que es importante es su temporalidad: ya no deseo seguir las temporadas establecidas, no entrar en el ciclo anual de otoño/invierno, primavera/ verano. Pienso que con las temporadas, las prendas pierden valor al ser consideradas last season.

Como estoy manejando la marca ahora, me recuerda a mis inicios con Quetzal; esa parte rebelde e irreverente de realizar cosas que empujarán un poco las normas de la moda en México”.

marvinyquetzal.com

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Marvin y Quetzal 2015-2016, No season Fotografía: Alfonso Zapata Modelo: Damian Licheri de Queta Rojas Maquillaje Peinado: Abigail Jacobo Estudio: Esfera Photo Agradecimientos: Johnny Tovar (JTManagement), Lú Acosta y Valeria López (Esfera)

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ALEJANDRA QUESADA 44

DESINTEGRACIÓN EN COLOR

“Mi visión de la moda en la actualidad, probablemente, es sólo una perspectiva de mis ojos. Mientras el humano exista, existirá la moda; es parte de la historia.

Claro que nada en esta vida es permanente y todo está en cambio continuo, y la moda no es una excepción.

Por el momento, la moda es masiva y de volumen, pero creo que esto muy pronto va cambiar; la gente está buscando menos, aunque con mejor calidad, mejor propuesta, mejores materiales, mejor historia detrás, mejor concepto, mayor autenticidad, así lo tengamos que hacer nosotros mismos, reciclando o modificando.

En México, cada día somos más los diseñadores de moda, pero diseñadores en una industria nueva para este país, una moda enfocada al slow fashion.

Con mis colecciones quiero contar historias. Contar historias que suceden en México; seguir colaborando con artistas que me inspiran cada día y contribuir a hacer una industria mejor y más justa para todos”.

alejandraquesada.com

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MODA

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CHABE

REBELIÓN A FLOR DE PIEL “CHABE es una marca mexicana para mujeres conformada por Cristina Lourenco y Laura Carrillo, la cual crea piezas a partir del juego de la moldería de prendas clásicas con ropa ready to wear.

Empezó hace ocho años, pero fue hasta 2014 cuando se convirtió en un proyecto autosustentable. La firma combina texturas, textiles y cortes que dan como resultado prendas híbridas para obtener un estilo contemporáneo Haute Culture. El discurso de la marca, al momento de diseñar, está en realizar piezas que sean multifuncionales, intercambiables, atemporales y originales, como la mujer de hoy.

La colección que presentamos se llama Valentina, inspirada en la revolucionaría Valentina Ramírez, quien comenzó a luchar contra la dictadura de Porfirio Díaz a la edad de 17 años al morir su padre y vestida de hombre con el nombre de Juan Ramírez”.

www.chabe.mx

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MUA: Daniel Avilán Fotografía: Olga Laris Hair: Édgar Yépez Modelos: Paragon Model Management, Wanted Model Management

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SUPERHERO MAG

MODA

SUPERHERO <3 ALL YOUR PINK <3

<3 ALL YOUR PINK <3 “Superhero es una revista/blog online que creé hace dos años al graduarme de Diseño Textil y Moda, ya que las oportunidades para mostrar mi trabajo eran muy escasas y tuve la necesidad de realizar un network con personas que admiraba. Esto fue evolucionando hasta lo que hoy es una comunidad y plataforma en línea. Superhero es mexicana, pero no he querido que se establezca en un solo lugar porque Internet no tiene límites geográficos. Nuestro objetivo principal es dar a conocer diferentes propuestas de

53 Zai Nájera Fotografía: Dafne López Toigo Modelos: Daniela, Mirolslava (Wanted Models), Ivana Corina (New Icon), Natalia (Contempo Models) Dirección y estilismo: Zai Nájera Ropa: American Apparel y accesorios Polly Pocket Lugar: México, D.F.

superheromag.com

varias disciplinas (fotos, video, moda y música). Superhero está conformada por mujeres (y cada vez más hombres) de Europa, Asia y América, con relevancia internacional.

Por eso, lo que publicamos no es exclusivo para México, no tiene un papel específico en la moda aquí. La meta inicial es consolidarla como una plataforma creativa y de empleo para personas que, por su estética poco convencional, no son conocidas en otros sitios. Nos importa mucho mantenernos en constante evolución”.

—Zaira Nájera

Hannah Gruden Fotografía: Ana Barreira Modelo: Holly Horne Styling y edición: Hannah Gruden Bolsa: Sara Sboul Lugar: Londres

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MODA SECCION

55 Zai Nájera Fotografía: Dafne López Toigo Modelos: Daniela, Mirolslava (Wanted Models), Ivana Corina (New Icon), Natalia (Contempo Models) Dirección y estilismo: Zai Nájera Ropa: American Apparel y accesorios Polly Pocket Lugar: México, D.F.

Aoife Dunne Instalación: Aoife Dunne Ropa: Vintage Lugar: Dublín

Daniela Valero Fotografía: Dafne López Toigo Modelo: Yana (New Icon) Lugar: México, D.F.

Marina Finni Ropa, modelo y fotografía: Marina Finni Lugar: Los Ángeles

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MARVINISMO

TXT:: CHUCK PEREDA

LA RAZÓN POR LA QUE UN SERVIDOR, CHUCK PEREDA, SE DEJÓ LA BARBA ES DOBLE; PRIMERO, PORQUE UNA AMIGA FOTÓGRAFA ME PIDIÓ QUE ME LA DEJARA PARA UNA SERIE DE FOTOGRAFÍAS QUE ESTABA HACIENDO; LUEGO, PORQUE A LA QUE AHORA ES MI EX LE ENCANTABA. PODRÍA AÑADIR COMO TERCERO QUE, CUANDO VEO MIS FOTO SIN BARBA, PUES, COMO QUE YA NO ME GUSTO TANTO.

L

o que sí les puedo decir a ciencia cierta es que tener barba así de larga es un pedo.

Te da un calor mamón en cuanto sube la temperatura tantito, aunque no es como que de verdad te proteja cuando hace un chingo de frío. Es prácticamente como tener otra cabeza, volteada, fija en tu barbilla, a la que tienes que lavar y revisar que no tenga comida pegada; es, por ratos, como una cabeza

s la principal razón por la que mi amiga me pidió que me la dejara, literal, porque creo que tuve bigote saliendo del vientre materno. Si no es tu caso, no hay gran cosa que puedas hacer; te podrás rasurar diario, poner menjurjes, darte masajes y no saldrá más barba.

Cambia mucho dependiendo de cada persona; mi barba, a las tres semanas, parece un territorio bombardeado y corro el peligro de ser confundido con un yihadista. Yo tuve la buena suerte de que en mi segunda visita a una barbería, me atendiera Stephanie Escamilla, y como me explicó todo y me parece la mejor barbera, la sigo adonde quiera que vaya.

Es mi gurú.

Incluye: un shampoo normal y corriente para lavarla diario (por normal y corriente entiéndase que no tenga acondicionador o que no sea para cabello teñido; usa el más equis que puedas encontrar). Un aceite para la barba sí hace un paro para el día a día, te mantiene menos fluffy y, además, cuenta con un antibacterial. Yo uso Don Porfirio porque es mexicano y huele muy bien.

Puedes utilizar una pomada para esos días en los que está, de plano, incontrolable y puedes ponerla sobre el aceite

bebé que no ayuda en gran cosa más allá de que, si corres con suerte, te hace ver más guaperas y a algunas morras les parece más atractivo.

Les voy a hacer una guía práctica con todo lo que he aprendido sobre tener barba; ha sido un viaje de poco más de un año ya y tuve que entrarle bien porque con la barba, no hay términos medios y requiere toda tu atención.

Los meses iniciales, vas a parecer ropavejero porque tiene que crecer lo suficiente como para, después, darle la forma deseada. Te dirán que compres un aceite para barba para que te crezca más rápido; esto no es cierto, pero el aceite sí sirve para que esté humectada y menos ingobernable. Sé paciente.

Me pasó la cosa más rara con la barba: me salieron más pelitos enterrados porque me rasuraba por debajo de la barba y encima de los cachetes mucho más seguido, cosa que nunca había hecho antes. La solución fue desechar la Gillette y comprarme una safety razor que es la versión user friendly de las navajas que utilizan los barberos de verdad. Te dan la rasurada perfecta sin irritar tanto como una navaja del súper; desde que las empecé a usar, ya no han regresado los barritos por los vellos enterrados. Yo me hice mi kit con un jabón con glicerina, un cepillo para abrir los poros y levantar los vellos y mi after shave de Suavecitow porque huele delicioso, desinfecta perfecto y cierra casi inmediatamente cualquier cortecito.

57 HAY UN NUEVO AUGE EN CUANTO A PELUQUERÍAS Y BARBERÍAS QUE SE ESPECIALIZAN EN ESTILOS ANTIGUOS. A CONTINUACIÓN, MENCIONAMOS SÓLO ALGUNAS QUE YA TIENEN LEYENDA Y EXPERIENCIA EN CORTES ANTIGUOS ESTILO “GRAN GATSBY/MAD MEN”, ASÍ COMO LOS NUEVOS SPOTS CON CORTES DESCARADAMENTE METROSEXUALES Y HIPSTERS PARA BARBA Y CABELLO, TODOS EN LA ZONA ROMA-CONDESA, EN EL D.F.

Michoacán #22, Condesa Corte de pelo: $100 A navaja: $100 Barba: $120

Guadalajara #53-A, esq. Durango, Roma Paquete corte de pelo y barba: $380

Puebla #71, Roma Corte de pelo: $250 Barba: de $250 a $280

Fernando Montes de Oca #85, esq. Yautepec, Condesa Corte de pelo: $120 A navaja: $130 Barba: $120

Atlixco #127-C, esq.

Campeche, Condesa Corte de pelo: $120 A navaja: $130 Barba: $120

Nuevo León #8, Condesa Corte de pelo: $290 Barba: $250-$290

Campeche #285, Condesa Sólo con cita. Tel.: 4754 3945 Corte de pelo: $350 Barba: $300

La verdad es que este ritual me agrada mucho y, curiosamente, siempre me ha gustado. No sé cómo no se me ocurrió antes, tomando en cuenta que continuamente iba a la barbería que está en Vicente Suárez a rasurarme. Son dos de las cosas que más me hacen sentir consentido: bolearme los zapatos con un bolero pro y que me hagan un servicio completo en El Catrín Barber Shop (Dr. Vertiz 784C2, col. Narvarte. T. 5519 5577).

DISFRUTA TU BARBA Y, SOBRE TODO, MANTENLA LIMPIA Y BIEN CUIDADA.

Tamaulipas #109, Condesa Corte de pelo: $300 Barba: $300

Monterrey #118, Roma Corte de pelo: $290 Barba: $250-$290

Colima #244, P.A., Roma Corte de pelo: $300 Barba: $300

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ATLAS DE CULTO SONORO MÚSICA

TXT:: JUAN ALEJANDRO CARLOS MANCILLA HIDALGO@NOSOYMODERNO

new romantic Una élite elegante y pirata

E

l Blitz –cercano a Covent Garden– sería la sede definitiva de las noches Bowie que iniciaron en el Billy’s del Soho londinense. Para Strange, la indumentaria era tan fundamental como la música.

Los años setenta llegaban a su fin y una pequeña camarilla reivindicaba la forma de vestir como una reacción estética, ideológica y algo sentimental a la revuelta punk, tan ruda en maneras y desmadrada en la ropa. En algún momento, alguien los comparó con el romanticismo proclamado allá entre los siglos XVIII y XIX. En las noches del Blitz, se pinchaba por igual a la Yellow Magic Orchestra, Grace Jones y Marlene Dietrich. Tipos como Rusty Egan (baterista de Visage) se hacían cargo de las tornamesas para poner a bailar a artistas plásticos tan relevantes como Gilbert & George y el cineasta de culto Derek Jarman. Una vez más, David Bowie en persona era el centro de la vorágine. También asistían músicos que pronto formarían grupos como Spandau Ballet, Sigue Sigue Sputnik y Matt Bianco, entre otros. Valga señalar que en el arranque, un jovencísimo Boy George comenzó ejerciendo de encargado del guardarropa.

Una anécdota significativa nos dice que en una ocasión, Strange le negó la entrada nada menos que al mismísimo Mick Jagger, debido a que se presentó con jeans y tenis. El pretexto fue que el local estaba lleno, pero el rumor se regó y, muy pronto, las filas para pretender entrar eran larguísimas. Tenías que transformarte los martes por la noche para ingresar a una

TAL VEZ, EL DATO MÁS RELEVANTE QUE HOY EN DÍA PREVALECE DE UNA ANDANADA QUE LLENÓ DE LUSTRE Y GLAM AL POP UNDERGROUND BRITÁNICO ES QUE EN SU SENO SURGIERON DURAN DURAN Y THE HUMAN LEAGUE; SERÁ QUE SON LOS MÁS CONOCIDOS, PERO NO LOS MÁS INTERESANTES. EL NEW ROMANTIC TOMÓ SU NOMBRE DE UNA REVISITACIÓN A LORD BYRON Y FUE GESTADO POR STEVE STRANGE, DESDE LA OSCURIDAD DE UN CLUB LONDINENSE, EL CUAL SE ILUMINÓ CON GRANDES DOSIS DE MAQUILLAJE, HOLANES, PERFUME, CREPÉ Y MUCHÍSIMA EXTRAVANGANCIA.

bocanada de exotismo en la que sonaban Roxy Music, Kraftwerk y Lou Reed. Una vez más, el voraz y ocurrente Malcom McLaren (creador de los Sex Pistols) metió su cuchara para acuñar un lema para aquella escena emergente: “Sé un pirata, luce oro y aparenta que no necesitas trabajo”.

El periodista José Manuel Caturla acumuló una estupenda serie de palabras para describir a los tiempos del new romantic: “Ambigüedad, promiscuidad, extravagancia, toxicidad, hedonismo, escapismo…

Creatividad, mutabilidad, libertad y petardeo”. Marc Almond, para ese entonces, un célebre personaje al frente de Soft Cell, hoy día sintetiza el asunto: “El movimiento tenía el filo del punk y el glamour

de la música disco. En perspectiva, no fue quizás el mejor coctel de ideas, pero sí la primera corriente de moda de los ochentas”.

A la postre, la lista de alternantes no es escasa; se puede destacar a Classix Nouveaux, Japan, A Flock of Seagulls (y sus estridentes peinados), Gary Numan, Dead or Alive y, por supuesto, Adam and the Ants y Ultravox, entre otros.

Todos con vestuario y maquillaje cuidados hasta el último detalle.

No en vano Steven Strange fue reclutado por Bowie para el clip de “Ashes to Ashes” y terminó siendo ataviado por el diseñador new romantic por antonomasia, Antony Price, quien vistiera al propio “Duque blanco” y al dandy Brian Ferry.

Mientras la vida pública del Reino Unido comenzaba a ser vapuleada por las toscas maneras de Margaret Thatcher –“La dama de hierro”– y la clase trabajadora era cruelmente asfixiada, una élite buscaba provocar noches de fantasía, fiestando con imágenes de cintas como Hiroshima Mon Amour (Alain Resnais, 1959) y Cabaret (Bob Fosse, 1972), a modo de telón de fondo.

Revistas como i-D y The Face le dieron el empujón que los otros medios especializados les negaron y encaminaron las andanzas de proyectos como Blue Rondo á la Turk, Howard Jones, Thompson Twins, Kajagoogoo y Visage, el proyecto de estudio de Strange (quien, por cierto, muriera este mismo año en Egipto debido a un infarto).

Fue un estallido intenso y de corta duración; desde Basildon y el club Crocs se encaramaban unos mancebos llamados Depeche Mode, mientras Soft Cell eran los reyes de Leeds y el Warehouse. Mucho billét, spray, collares y pedrería.

No eran pocas las figuras del neo-romanticismo que pretendían alcanzar la celebridad masiva. Y algunos lo lograron.

Musicalmente, probaron distintos sonidos –especialmente el synth pop– y se hicieron famosos.

El new romantic dejó una impronta estética innegable, plantaron sus coloreados rostros lo mismo frente a punks que a conservadores. Sabían que su look era provocador y ellos se sentían hermosos y modernos.

Ya lo decía Adam and the Ants en “Prince Charming” –uno de sus himnos precursores–: “No hay que asustarse del ridículo”.

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“EL AMOR ES LO ÚNICO QUE HAY QUE GANARSE EN LA VIDA, TODO LO DEMÁS SE PUEDE CONSEGUIR ROBANDO”.

- LORD BYRON

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ATLAS DE CULTO SONORO ARTE

TXT:: ALEJANDRO TXT:: REGINA MANCILLA ZAMORANO @NOSOYMODERNO LICEA

mi sastre es un punk Cuando tu ropa es la que te usa a ti HASTA EL ÁMBITO MÁS COMERCIAL TIENE SUS CHICOS MALOS, AÚN MÁS CÍNICOS Y DESPARPAJADOS PORQUE NI SIQUIERA FINGIRÁN QUE NO HACEN LO QUE HACEN POR DINERO. ESTOS DISEÑADORES NO SE CONFORMAN. PARA ELLOS, NO BASTA CON COSER TRAPITOS BONITOS Y ESTILIZADOS. LA MODA SIRVE TAMBIÉN PARA HACER DECLARACIONES ACERCA DE LO QUE NO SOPORTAN DE LA SOCIEDAD, TRANSGREDIR LAS NORMAS Y LOS CANONES ESTÉTICOS, HACER PERFORMANCE, ASOMARSE AL FUTURO E, INCLUSO, PARA CRITICAR EL PROPIO MUNDILLO FASHION, CON UN TOQUE ARTÍSTICO

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P

uedes pasar horas mirando fotos de Leigh Bowery y no aburrirte.

Sus atuendos incongruentes, kitsch, estrafalarios, terroríficos, futuristas y folclóricos te pondrán los pelos de punta si eres un fashionista dogmático o, bien, te harán sonreír por su hábiles maniobras entre el ridículo y la ironía si logras ver más allá de las apariencias.

Este diseñador no tiene colecciones ni etiquetas ni lo absorbió ninguna gran marca. Tal vez sea un verdadero bastión del underground, imposible de atraer a la estética comercial, aunque varios lo han intentado, incluida Lady Gaga, por supuesto.

Bowery, originario de un pueblito de Australia y emigrado a Inglaterra en su juventud, se vestía exclusivamente “para salir”. Pero no debes tomarte eso a la ligera. Él no lo hizo, créeme. En primer lugar, porque sus atuendos requerían mucho trabajo de corte y confección, y, a veces, algunos sacrificios físicos, como derramarse cera caliente en el cráneo o perforarse las mejillas con enormes seguros; en segundo lugar, porque se dedicó cinco o seis años a hacer solamente eso: salir. Así que no es de extrañarse que, al final, tuviera su propia pasarela nocturna: el bar londinense llamado Taboo, que a pesar de que sólo estuvo un año abierto, de 1985 a 1986, aún es recordado como la majestuosa madriguera de los más atrevidos freaks y socialités de la época.

TABÚ Leigh no era ningún frívolo, aunque su necesidad de atención era agobiante; su idea era que “la ropa debe ser amenazante o imponerle un reto a la gente y debe hacerla pensar”. Se distinguía porque no temía explorar y reventar los límites. Todo lo que se proponía experimentar terminaba transfigurado: la identidad de género, la ropa, la música, el arte, la vida…

El pintor Lucian Freud solía acudir a los performance que hacía en la galería Anthony D’Offay,

durante los cuales aparecía vestido con alguno de sus impactantes atuendos y empezaba a caminar como un animal enjaulado o, bien, pasaba horas mirándose a sí mismo en el espejo. Tan fascinado quedó Freud, que le pidió que posara para él. “Me parece completamente hermoso”, decía de Bowery, quien estaba lejos de encajar en nuestros rígidos y manipulados estándares de belleza.

Como era de esperarse, su carrera en el mundo de la moda no despegó del todo, por lo que Leigh volcó su talento a diseñar vestuarios, como para el bailarín pro-punk y anti-ballet Michael Clark. Además, Bowery fundó su propia banda de punk cabaretero, la cual incluía un performance tan impresionante, que lo prohibieron después de su primera aparición en público. ¿De qué se trataba? Bowery “daba a luz” a su amiga y esposa entre un amasijo de salchichas y sangre, le vomitaba en la boca y le daba de beber orina (en realidad, sopa de verduras y jugo de manzana). Quizá a nosotros, generación millenial, esto ya ni nos hace levantar la ceja, pero en esos ochenteros años, todavía había tabús.

ROPA PARA CABALLER@ Walter van Beirendonck, nacido en Bélgica en 1957, forma parte del grupo de rebeldes de la moda llamado “Los seis de Amberes”, que en 1988 causaron furor en el Fashion Show de Londres por su estilo fuera de la norma.

Beirendonck siempre se ha caracterizado por su espesa barba de motociclista que lo distingue del estereotipo del diseñador de moda. Su trabajo, a caballo entre la moda y el arte, siempre tiene algún postulado político, social o, por lo menos, polémico, en sus colecciones. Admirador de artistas como Mike Kelley y Paul McCarthy, el belga no teme hacer mezclas políticamente incorrectas; por ejemplo, ponerles máscaras de piel blanca a modelos de origen afroamericano.

Su cruzada personal más

importante tiene que ver con expandir los límites de la moda masculina, la cual, según él, carece de ideas originales y realmente propositivas, puesto que, en general, se le brinda mucha más atención y creatividad a la moda para las mujeres.

UN NACO EN PARÍS Conocido como “El único diseñador al que no le gusta la moda”, Naco Paris es un creador de ropa unisex, contestataria, punk y anti-fashion. Cuando se habla de él, la palabra “arte” es invariablemente utilizada, pues él mismo ha dicho que es su principal influencia a la hora de crear sus atuendos, que pocas veces corresponden al canon estético de las pasarelas.

Su ítem más popular es una simple bolsa de lona con la leyenda “Karl Who?” (¿Cuál Karl?) pintarrajeada, haciendo alusión al diseñador Karl Lagerfeld, que cuestiona el consumo indiscriminado de objetos de lujo y rechazaba la voracidad de las grandes marcas. Pero, como siempre, lo aparentemente subversivo termina absorbido por el sistema y, poco después, el propio Lagerfeld fue fotografiado con este accesorio, pues le parecía “ocurrente”. Así, Naco Paris se convirtió en el chico in del momento y dudo mucho que le haya molestado. De hecho, su bolsa empezó a venderse en las tiendas más lujosas, como Céline.

Su última colección, Mi sastre es un punk, otoño/invierno 201516, compuesta por prendas que buscan ser andróginas, está inspirada en la película Pink Flamingos, de John Waters, así que no es de asombrarse que tenga un toque pop-grotesco. Y, como todas las demás, es una “declaración contra la moda mainstream”.

MUERTO DE HAMBRE En 2007, el diseñador Gareth Pugh decía que no tenía ni un peso y que la fama alcanzada con sus estrambóticos modelos y su estética gótica glamurosa de poco le servía. Pero hoy, este chico malo de la moda británica, de apenas

34 años, ya tiene su propia tienda en Japón y continúa vistiendo a celebridades como Lady Gaga, Beyoncé y Victoria Beckham.

Bailarín frustrado, sus piezas normalmente ponen énfasis en el movimiento del cuerpo, siempre con un toque alternativo, tecnológico y oscuro; no importa si su inspiración es una tribu ucraniana, el pasado de su propio país o la escena nocturna londinense.

Atrajo la atención de la editora de moda de la revista Dazed & Confused con sus diseños inflables de la colección que hizo para graduarse de la escuela de arte inglesa Saint Martins, en 2003. Así, le dieron la portada de la revista que engalanó con un vestido hecho de globos blancos y rojos. Desde entonces, el joven diseñador ha pasado de vivir como ocupa en bodegas sin calefacción, a mostrar sus colecciones dos veces al año en París. Y, por cierto, Anna Wintour es su fan.

VOLARTE LA CABEZA Los accesorios de Rein Vollenga son todo menos convencionales.

El escultor-artista-diseñador, originario de Alemania, utiliza objetos cotidianos que recubre con resina, transformando sus formas hasta que no queda prácticamente nada de su aspecto original, más que el cascarón. Posteriormente, los lija, pule, pinta y cubre de laca, todo a mano, consiguiendo resultados impresionantes a medio camino entre la artesanía y el objeto industrial.

Precisamente ésa sería la palabra que define todo su estilo: híbrido. Entre animal y humano, organismo y máquina, pasado y futuro, terror y deleite, oscuridad y luz, arte y moda, sofisticación y pop, plástico y visceral. Si salieras a la calle con una de sus creaciones, te aseguro que no pasarías inadvertido.

En suma, podría decirse que lo que todos estos chicos malos de la moda tienen un común, es que sus prendas son tan poderosamente personales, que tú no usas sus diseños; ellos te usan a ti con total descaro.

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ATLAS DE CULTO SONORO CINE

TXT:: ALEJANDROTXT:: MANCILLA TOÑO @NOSOYMODERNO QUINTANAR

milena canonero Moda y cine en un mismo caleidoscopio

A LO LARGO DE LA HISTORIA DEL SÉPTIMO ARTE, HEMOS ATESTIGUADO EL SURGIMIENTO DE DESTACADAS FIGURAS EN MATERIA DE DISEÑO DE INDUMENTARIA QUE LOGRAN HACER DE LA ALTA COSTURA UN FACTOR PREPONDERANTE DENTRO DE UNA DETERMINADA PRODUCCIÓN, FENÓMENO DONDE, RECURRENTEMENTE, NOS ENCONTRAMOS CON MILENA CANONERO, AUTORIDAD INDISCUTIBLE EN CUANTO A VANGUARDIA Y CELULOIDE SE REFIERE.

O

riginaria de Turín, Italia, Milena avistó las primeras luces de este mundo en el año de 1946. Sus inquietudes creativas, así como sus inclinaciones por el ámbito de la moda, la llevaron a cursar estudios en Arte, Historia del Diseño y Diseño de Vestuario.

Al poco tiempo, la novel modista comenzó a desempeñarse en múltiples disciplinas histriónicas y publicitarias; una etapa de voraz aprendizaje que se vería coronada con su participación en el diseño de vestuario de la controversial y magnífica A Clockwork Orange (Stanley Kubrick, 1971), obra de notables sofisticaciones textiles entre las que destaca, por supuesto, el uniforme presumido por Malcolm McDowell y sus drugos.

En un atrevido despliegue de independencia creadora, Canonero se desentiende de

la naturaleza cromática de esa vestimenta pandilleril descrita por el propio Anthony Burges en su obra literaria (ropajes en los que predomina el color negro) para presentarnos una reinterpretación semiótica que responde principalmente a las necesidades codificadoras de aquella transgresión visual que Kubrick deseaba erigir para su versión cinematográfica.

Esta primera gran colaboración haría que el mundo entero girara los ojos para posarlos sobre Milena Canonero y esa innovadora visión suya que hacía de la moda en el cine un asunto de posibilidades cautivadoramente inusitadas.

De esta manera, quedó inaugurada una mancuerna que daría como resultado la intervención de la diseñadora italiana en dos cintas más de Kubrick: Barry Lyndon (1975), trabajo que le acreditaría el primero de

sus cuatro premios Oscar, y The Shining (1980).

Independientemente del refuerzo dramático que los diseños de esta revolucionaria mujer imprimen en cada una de sus incursiones, también persiste en ellos una intencionalidad efectista que hace del vestuario y de la boga un objeto de reflexión per se; postura que se haría absoluta durante el rodaje de la cinta Marie Antoinette (2006), de Sofia Coppola.

Lejos de procurar esa seriedad histórica que había sido su tarjeta de presentación en producciones como Chariots of Fire (Hugh Hudson, 1981), para este nuevo trabajo, Canonero opta por idear una serie de atuendos que, a pesar de ostentar las formas y volúmenes propios del siglo XVIII, lucían un ánimo de electrizante modernidad, el cual empataba aguzadamente con la determinación anacrónica de la producción.

Estas particularidades, aunadas a su férrea ausencia de convencionalismos, hicieron de Marie Antoinette un banquete para los sentidos, misma amalgama en la que la moda se proclama como uno de los puntos más álgidos.

Hoy en día, el avasallador esfuerzo de esta inigualable artista continúa dando mucho de qué hablar, siendo el vestuario The Grand Budapest Hotel (Wes Anderson, 2014) su logro más elogiado a últimas fechas, trabajo que parece resumir ese esfuerzo detallado y polifónico que Milena ha propiciado durante largas décadas de incansable quehacer expresivo.

La moda y el cine encuentran en las sugerentes propuestas de esta creadora su matrimonio por antonomasia; una unión donde ambos componentes se impulsan de manera mutua, duplicando esa contundencia retórica que debe ser pieza vital en cualquier discurso de relevancia.

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CINE

FICHA TÉCNICA Dirección: Anton Corbijn Año: 2015 País: Estados Unidos Reparto: Joel Edgerton, Robert Pattinson, Ben Kingsley, Dane DeHaan, John Morris.

TXT:: ORQUIDEA VÁZQUEZ

FOT :: ARCHIVO

LIFE

SI EN ALGO ANTON CORBIJN ES ESPECIALISTA, ES EN CAPTURAR A TRAVÉS DE SU LENTE LOS ROSTROS MÁS DISTINGUIDOS DE LA CULTURA POPULAR. FRENTE A ÉL HAN POSADO PERSONAJES COMO BJÖRK , KURT COBAIN, DAVID BOWIE, LOU REED, JOHNNY CASH, BOB DYLAN, DAVID LYNCH Y FRANK SINATRA. SU OBJETIVO PRIMORDIAL, COMO EL DE MUCHOS OTROS FOTÓGRAFOS AL REALIZAR UN RETRATO, ES ATRAPAR LA ESENCIA DEL SUJETO QUE SE PARA FRENTE A ÉL; UNA MISIÓN QUE MUCHAS VECES SE VE FRUSTRADA POR UN HECHO QUE ROLAND BARTHES LLEGÓ A SEÑALAR EN SU LIBRO LA CÁMARA LÚCIDA, DONDE ESPECÍFICA QUE AL SENTIRNOS OBSERVADOS POR LA LENTE DE UNA CÁMARA, TODO CAMBIA, EN NOSOTROS SURGE EL ACTO DE POSAR Y, AUTOMÁTICAMENTE, NOS TRANSFORMAMOS EN ALGUIEN MÁS.

PERO ES CASI IMPOSIBLE que la lente capture nuestra esencia. Según el filósofo y semiótico francés en el acto del fotorretrato, “cuatro imaginarios se cruzan, se afrontan, se deforman. Ante el objetivo soy, a la vez, aquel que creo ser, aquel que quisiera que crean, aquel que el fotógrafo cree que soy y aquel de quien se sirve para exhibir su arte”.

Los pensamientos de Barthes se canalizan perfectamente con lo que el director holandés Anton Corbijn intentó proyectar en su más reciente film Life, cuya trama se centra en la peculiar relación que existió entre el primer ídolo adolescente de Hollywood, James Dean, y el fotógrafo de la revista Life, Dennis Stock.

La cinta tuvo su premiere latinoamericana durante la decimoctava edición del Festival Internacional de Cine de Guanajuato, y al inicio de la gala, Corbijn quiso dejar un punto muy claro: la película gira en torno a la vida de un fotógrafo, y aquellos que esperan una cinta biográfica de James Dean pueden llevarse una gran decepción.

En dicho sentido, es como la historia se desenvuelve, con Robert Pattinson interpretando a Dennis Stock, un fotógrafo serio e introvertido que conoce por casualidad a James Dean –interpretado por el actor debutante Dane DeHaan–. A partir de este encuentro, surge lentamente una amistad entre ambos, la cual, simultáneamente, nos mostrará ligeras peripecias de la profesión fotográfica.

Es bien sabido que la carrera del director holandés comenzó tras presionar el obturador de una cámara; por ello,

Soy yo lo que no coincide nunca con mi imagen

la manera en que desarrollaría la trama generó curiosidad previo al estreno de la cinta que, finalmente, dejó a muchos defraudados. Quizá debido a la ausencia de una sinergia más intensa entre los protagonistas, aunque lo cierto es que al film le es propia una narrativa apaciguada, la cual pocos esperan cuando tienen en mente observar el lado alocado de la vida de James Dean.

Para Anton, evidentemente, fue más importante desarrollar otra temática, retomando la visión prematura que Stock tenía de Dean para convertirse en un icono a nivel mundial.

La premonición le provocó una especie de obsesión y en gran parte de la cinta lo vemos luchar por llevar a cabo un ensayo fotográfico de James y publicarlo en Life, un trabajo que generó entre batallas con la editorial de la revista y la dispersa personalidad del actor.

Parte importante del quehacer fotográfico corresponde a lidiar con artistas y editoriales, con personalidades extravagantes, altivas o enfadosas; por ello, vemos a Stock estresarse y, por momentos, rendirse. Entre los tributos del fotógrafo se encuentra ver lo que los demás no, y Dennis parece haberlo hecho; por esta razón, se empeña en obtener las imágenes de Dean, aunque tenga que perseguirlo por las calles, emborracharse con él o acompañarlo hasta su pueblo en Indiana. El empecinamiento de Dennis deviene en la estrecha relación de ambos.

Entre los misterios hollywoodenses más sonados se encuentra la sexualidad de Dean, factor que en la cinta no

se aborda, pero del que Anton hace diminutas referencias.

En uno de sus primeros encuentros, Dean invita a Stock a su casa y este último debe montar en la parte trasera de su motocicleta.

Al ver esta película, seguramente el público espera apreciar momentos excitantes de la locura de los años cincuenta, pero Life es todo lo contrario; existen pocos, casi nulos momentos catárticos. Por ello, es considerable que lo que Anton buscaba era proyectar la sencilla y honesta relación que se dio entre ambos en una etapa prematura al éxito. Por medio del guión, los dos protagonistas parecen perdidos; por un lado, Dennis ha dejado a su familia, no sabe cómo interactuar con su hijo y persigue a un rebelde sin causa que aún no consolida su carrera.

Por otro lado, se intenta proyectar a Dean con el carisma que caracterizaba al icónico histrión, pero se genera el efecto contrario y acierta más en mostrar su personalidad atormentada. A través de la cinta, el personaje parece turbado por lo que representa la promesa de la futura fama, lo cual hace conexión con la realidad en cuanto al sufrimiento emocional del actor; la gente veía en él una persona de etérea aura.

Sí, ello es innegable, pero Dean también fue un hombre con demonios internos que, en ocasiones, llegó a expresar su intención de alejar a la gente y sus ganas de morir.

Cualquiera que haya sido la realidad, parece que Corbijn intentó proyectarla lo más fielmente posible, pero así como es casi imposible capturar la esencia de un ser humano mientras

éste posa frente a la cámara, lo es también retratar la vida privada de dos personajes. Corbijn, nuevamente, se enfrentó a una batalla perdida de antemano, está vez al nivel de la pantalla grande. Ya en otras ocasiones, el director nos había sorprendido, tal como lo hizo con Control, que nos acercaba a la vida de Ian Curtis con esplendido tratamiento visual y narrativa acertada, o con el thriller A Most Wanted Man. Con Life parece haber decepcionado a muchos; la premisa era prometedora y el resultado desalentador, sobre todo porque la historia no logra cautivar al público en general.

Como lo mencionó Anton, la película surge por Dennis Stock, pero la intención, ante todo, es presentar la dualidad entre el fotógrafo y el fotografiado, tratando de, realmente, descifrar quién influencia a quién.

Al final, parece que la conexión humana que ambos construyen influye en cierto nivel para la búsqueda de sentido en sus vidas. Stock logra publicar sus fotografías y acercarse mejor a su hijo, mientras que Dean termina de catapultar la idea de que su vida tras el éxito jamás será la misma (un peso tan grande con el que aparentemente no pudo cargar).

Tras digerir la historia de Dean con Stock y lo proyectado en pantalla por Anton, encuentro otro pensamiento de Barthes como lo más acertado para hablar de la cinta, la temática y su creador: “Soy yo lo que no coincide nunca con mi imagen, pues es la imagen la que es pesada, inmóvil, obstinada (es la causa por la que la sociedad se apoya en ella), y soy yo quien soy ligero, dividido, disperso (…)”.

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ARTE

ARTE

MELISSA CHAIB Es tu color lo que a mí me tiene loc@ Me llamo Melissa Chaib. Actualmente vivo en México. Graduada de diseño gráfico, trabajo como ilustradora y diseñadora freelancer… Llevo en marcha una tienda online donde vendo productos con mis ilustraciones que voy alternando mientras cumplo los trabajos externos. Me gusta trabajar en proyectos personales al mismo tiempo que los trabajos comerciales para dejar que la creatividad fluya. Mis obsesiones son los colores brillantes, dormir, la música ochentera, anécdotas de las musas del rock ‘n’ roll y chicos con lentes.

www.shop.melissachaib.com @shop.melissachaib

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ARTE

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LITERATURA

TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO Y JUAN NICOLÁS BECERRA

libros para desmenuzar al mundo

Ruin Andrade Adreim Ed. Escombros/Mezcalito En un hipotético futuro –que se parece en demasía al presente–, un joven sicario habita en una Ciudad de México aún más destrozada y caótica.

Su existencia transcurre entre todos los excesos posibles hasta que conoce a una ninfeta de la podredumbre de la cual se enamora y que lo lleva al colapso de su oficio y experiencia sentimental.

Una novela corta atascada de drogas, sexo sucio y toda una galería de seres repugnantes. Tal vez los elementos de ciencia ficción no sean sino una estrategia de protección para hacer escarnio de la clase política de nuestros días. Aquí un sicario barrial demasiado débil ante una “belleza de cantina” ninfomaníaca que reparte su tiempo liquidando pederastas y soportando los explícitos deslices de su damisela (hermosa y jorobada).

Michel Houellebecq Sumisión Ed. Anagrama El autor es uno de los más grandes polemistas de nuestro tiempo y posee una inteligencia aguda y ácida. Una vez más, toca una fibra ultrasensible para la sociedad francesa y, por extensión, para el proyecto europeo. Plantea que en las elecciones de 2022 resulte electo un candidato de un partido musulmán moderado. Su llegada al poder sacude al proyecto de nación y la vida del protagonista, un profesor universitario experto en Huysmans.

La matanza en la redacción de la revista Charlie Hebdo convirtió a la novela en un texto más que incómodo. Pero si la cuestión religiosa ya era de por sí motivo de encendidos debates, también habrá que tomar en cuenta la profundidad de especular con la desaparición de la familia nuclear y la llegada de la poligamia. En el nuevo orden, las mujeres deben cubrir sus rostros y llevar ropajes pudorosos.

Mientras tanto, los judíos abandonan el país.

Ha sido perfectamente descrita como “una turbadora fábula política y moral”. Los franceses jamás podían imaginar que no morirían de melancolía, sino a causa de una transformación político-religiosa. Houellebecq es siempre implacable.

Sergio González Rodríguez El robo del siglo Ed. Grijalbo Una novela sin ficción que cumple los designios del género periodístico, como el reportaje y la crónica, dado que investiga, documenta, entrevista y descifra los hechos de una noticia que conmovió la esferas internacionales de noticias y que puso en aquel momento a México en los reflectores sobre sucesos verídicos en torno a la corrupción, impunidad, crimen organizado, violación a la constitución, garantías individuales y una serie de irregularidades que han quedado lapidadas en la memoria de la sociedad nacional. Lo que se recuerda es aquel “copelas o cuello”, que, a modo de humor mexicano, conlleva a hechos de corruptelas infalibles sobre la procedencia de 205 millones de oro verde, los cuales siguen ahí en el tintero.

Diez capítulos que desmarañan las tranzas del estado y su encubrimiento, donde es notable destacar las referencias a las que se hace mención sobre personajes y sucesos en torno a la vida política mexicana; es decir, la desfachatez a la máxima potencia del abuso de autoridad. Zhenli Ye Gon o Mr. Yee es el mero pretexto para poner de manifiesto el desconcierto que vive la política interna y como comúnmente se dice: “no hay peor política que la negra”. Este libro descifra severamente la impunidad del poder y la clase política, los delitos del estado mexicano y las simulaciones en torno al quehacer oficial y la justicia; un texto infalible.

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CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA

TXT:: ÓSCAR G. HERNÁNDEZ

FASHION BEAST Punk y bestialidad en la moda

HUBO UN TIEMPO en la historia de la música en el que existió una figura conocida como el productor. Dicho ente resultó ser, en algunas ocasiones, un verdadero agente creativo e influyente, incluso en áreas más allá del medio musical. Uno de los productores considerados de culto fue el legendario artista, músico y diseñador de moda Malcolm McLaren, quien abrió una tienda de ropa en Londres para productos sadomasoquistas llamada SEX; sería ahí donde reuniría a la banda que le dio fama internacional: Sex Pistols.

McLaren llegó a ser comparado con Andy Warhol, ese tipo de visionario que sabe aprovechar el momento para colocar y explotar una idea no necesariamente propia. Eso fue lo que hizo con el punk; irónicamente, un movimiento subversivo sería transformado en mediático y se le crearía un estilo particular de cómo debería ser vestido para convertirse en otra moda, pero, sobre todo, para ser parte del negocio del prêt à porter.

La pareja de este productor fue Vivienne Westwood, señalada como la más importante y controversial diseñadora de moda nacida en la Gran Bretaña; juntos, se encargarían de diseñar y construir la imagen que el

mundo conocería acerca de la música punk. La vestimenta era clave en la manera pensar del icónico manager que tenía una visión clara del significado de mezclar ropa con transgresión.

En la búsqueda por expandir estas ideas, recurriría a medios como el performance, la acción situacionista y el cine. Es por este arte que intentara contar una historia; para ello, buscaría al mejor guionista británico de ese momento: Alan Moore, creador de historietas.

Moore escribió un libreto cinematográfico en aquellos años 80 basado en el concepto y argumento de McLaren. El libreto nunca vio la luz en el cine; será mucho tiempo después ya con su creador muerto, que, finalmente, se materializara en el arte secuencial. La historia en contexto con la época en la que fue escrita se situaría bajo la influencia de la tan temida guerra atómica y estaría inspirada en la vida de Christian Dior entrelazada con la fábula de La Bella y la Bestia.

El pavoroso invierno nuclear se haría presente bajo la premisa “si este invierno es el final, nuestra ropa será lo único que sobrevivirá”.

La enferma sociedad ochentera sería regida por el primitivo instinto de la imagen en la vestimenta. Las prendas son utilizadas como banderas que representan ideologías. La cantidad de reflexiones sobre el mundo de la moda que fueron insertadas en esta narración van de lo biológico cuando nos dice: “Toda la ropa tiene que ver con tener sexo; todo es cuestión de ver de qué manera puedes tener sexo honesto”, hasta explicar la compleja fascinación por el glamour, palabra variante de la lengua escocesa en la voz gramarye; de ésta se derivan las palabras gramática y grimorio –que tiene que ver directamente con prácticas de hechicería–.

“El origen de glamour es muy antiguo; glamour significa magia, glamour es magia”.

Los personajes corresponden con el quebranto sobre lo establecido. No pertenecen a un género, aparecen como andróginos y transgéneros que construirán su identidad o les será construida en los diseños que lucen.

El gran diseñador es monstruoso por las imágenes físicas y mentales que crea para los otros y sobre sí. La línea argumental aparece

como reflejo de lo vivido por MacLaren, romper y provocar tal como lo hizo para poner a los Sex Pistols en la memoria colectiva.

La novela gráfica Fashion Beast es un trabajo bien logrado que cumple con todas las exigencias del lector que encuentra los nombres de Alan Moore y Malcolm McLaren en la portada. Sin embargo, no es magnífico; quizás el hecho de haber sido concebida para el medio cinematográfico o que el guionista no se involucrara en su puesta en página, dejan un poco ese halo de repetición o autoplagio en el estricto sentido y terreno de la narrativa gráfica.

Aunque fue publicado en este siglo, los editores cayeron en la idea de buscar la estética del comic ochentero pop; esto hace que no se sienta en ningún momento la fuerza del idóneo punk de su creador.

A pesar de ello, podemos decir que, una vez más, es en el campo de la literatura dibujada donde se logra abordar de manera tan amplia, cruda y bestial lo que significa la moda socialmente, humanos completamente controlados por las imágenes, el triunfo de la distopía. La idea de creer que “nuestras ropas son más importantes que nosotros”. Y que estarán más allá de los seres que las portan.

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CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA

JUANJO SÁEZ

SÁEZ ES UNO DE LOS PRINCIPALES HISTORIETISTAS CATALANES; SU OBRA HA SIDO PUBLICADO EN LOS DIARIOS EL PAÍS, EL MUNDO Y EL PERIÓDICO DE CATALUNYA, ASÍ COMO EN LA REVISTA ROCKDELUX. SU CARRERA INICIÓ AUTOPUBLICANDO SUS CÓMICS EN UN FANZINE. SU GRÁFICA HA SIDO PUESTA EN PORTADAS DE VARIOS DISCOS Y HA RECIBIDO PREMIOS EN LOS FESTIVALES DE CANNES Y SAN SEBASTIÁN. AQUÍ SU HIT EMOCIONAL.

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COLUMNAS

TXT:: HUGO GARCÍA MICHEL @hualgami

BAJO PRESUPUESTO

¿EL ROCK PASÓ DE MODA?

CUANDO MENOS EN MÉXICO, así parece ser. Aunque siga habiendo antros y lugares donde muchos grupos se presentan (venues, les dicen ahora a tales sitios; es la moda); aunque siga habiendo festivales en el Distrito Federal y en algunas ciudades de la mal llamada provincia; aunque continúe la producción de discos (que peligrosamente empiezan a estar fuera de moda), de programas de radio y televisión, de revistas especializadas, aun así, el rock parece haber desaparecido del panorama musical en este país. ¿Qué es lo que escuchan las grandes masas de jóvenes actualmente? Desde el pop más bobalicón y almibarado, hasta la cumbia más primitiva y chafa, pasando por el reguetón, la onda grupera, la música “de banda”, las baladas cursis y el ska desafinado, millones de adolescentes y no tan adolescentes cultivan un gusto (o un mal gusto para ser más precisos) cada vez más estragado.

Hablo de las grandes mayorías, no de las pequeñas comunidades a las que llamamos tribus urbanas y que no sólo escuchan un muy determinado y delimitado tipo de música, sino que también tienen sus propias maneras de ataviarse y comportarse. Hipsters, punks, emos, metaleros, rastas, surferos, electrónicos, progresivos, rockabilieros, darketos, etcétera, se mantienen en una relativa marginalidad y dentro de sus estrechos círculos se piensan poseedores de La Neta (así, con mayúsculas) acerca de lo que es “la verdadera música”.

Sin embargo, la influencia de estos grupitos urbanoides es muy escasa y, fuera de sus guetos, pasa inadvertida. Desde un punto de vista mercadológico, hasta no hace mucho tiempo se les consideraba como nichos, pero quienes siguen manejando la industria musical en México (desde las dos o tres grandes casas disqueras que quedan, hasta los monopolizadores de los medios y los espectáculos masivos) están mucho más enfocados en la gran muchedumbre consumidora, que en las insignificantes etnias citadinas.

¿Y el rock dónde demonios queda? The answer, my friends, is blowing in the wind (traducción para quienes no hablen inglés: la respuesta, mis compas, está en sepa la chingada dónde). O sea, en serio, ¿hace cuánto que no surge en nuestro país un grupo que toque rock-rock y que provoque algún impacto? Hablo de rock sin fusiones promiscuas y perversas. Hablo de rock con todas las de la ley. Hablo de rock sin contaminantes poperos, gruperos, cumbiancheros o bolerísticos. Hablo de rock con esa esencia negra que Keith Richards define en su espléndida y muy recomendable autobiografía (Mi vida, Ediciones Península, 2010) como algo que se percibe y que no puede definirse con palabras. Esa esencia es la sustancia que dio origen al género y que en México se empezó a disipar desde finales de los años ochenta de la centuria pasada, con la llegada del malhadado e híper comercializado “rock en tu idioma” que jamás fue rock y que no era más que pop disfrazado, una musak (diría John Lennon) que muchos no sólo se tragaron, sino que siguen venerando borreguilmente.

Cuando Víctor Roura dijo, hace ya algunos ayeres, que el rock había muerto, se le crucificó de la manera más despiadada.

Se refería a que había muerto como modo espontáneo de expresión de la juventud al ser absorbido por la industria, y creo que tenía razón. Pero se le condenó por su osadía.

Hoy en día, en México, yo lo veo, si no muerto, sí desaparecido. ¿Cuáles son los grupos y solistas que navegan en aguas supuestamente roqueras (porque, eso sí, se disfrazan como si fueran roqueros) y se muestran como las grandes estrellas del panorama mexicano? Pues desde Zoé y DLD, hasta Carla Morrison y Juan Cirerol o desde Enjambre y Los Románticos de Zacatecas, hasta Natalia Lafourcade y Kinky, por mencionar sólo algunos, ninguno hace rock. Por eso, los programan en las estaciones de música pop, al lado de Camila, Thalía, Belinda o Motel.

El rock ha dejado de estar en boga en este país. Ya no es trendy, ya no es hype. ¿Pobrecito rock o pobrecito México?

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TXT:: RAFAEL TORIZ @ninyagaiden

AGUARRACES PORTEÑAS

FRAGMENTOS DE UNA VIDA PEREGRINA

UNO DE LOS DILEMAS ESENCIALES a los que somete la vida nómada, si se cuenta con la posibilidad de no recorrer el globo a la manera de los gitanos y se abominan las prohibitivas y onerosas facultades que acostumbran los diplomáticos, es la incapacidad de cargar en la valija el guardarropa adecuado para todo tipo de clima: recorrer de norte a sur el continente a una velocidad mayor que la de cualquier otra especie voladora, somete el endeble cuerpo humano a las contingencias del tiempo, que cambian abruptamente dependiendo de la distancia con respecto al Ecuador.

Señalo lo anterior porque, pensando en qué llevar en mi maleta hace unas semanas, reparé en un detalle aún no resuelto por la industria del diseño de ropa: la invención de la unisex nanotecnológica capaz de aclimatarse a todo tipo de clima y ser lo suficientemente maleable y llevadera para portarse con estilo; de preferencia, a precios moderados.

Sometido a calores de más de 40 grados a la sombra en la hermosa ciudad de Mérida hace apenas unas semanas –luego de visitar las entrañas de los cenotes mayas, concretamente aquellos que no han logrado ser envilecidos por las hordas de turistas que han vuelto dichos lugares sagrados balnearios intolerables–, tuve que desplazarme hacia el sur del continente desde la península yucateca, hasta uno de los puntos neurálgicos de la Patagonia, en la ciudad de San Carlos Bariloche, un sitio célebre por su belleza y sus reservas naturales, los cuales incluyen lagos, montañas, bosques y extraordinarios centros de esquí, por lo que la temperatura promedio rodeó, durante la semana que estuve frente al lago Nahuel Huapi, los 5 grados bajo cero.

Algo debe decirse de la inmisericorde beldad de Bariloche, y es que se trata de un un lugar labrado para la fantasía. La despótica belleza del lago anega y derrama la mirada con azules metálicos que cambian durante el día, dando la sensación de que uno flota sobre un inmenso lago tornasolado.

A pocos kilómetros de la ciudad, se encuentra el Cerro Catedral, considerado el segundo mejor lugar del mundo para practicar deportes de invierno, y muy cerca también se encuentra el cerro Otto, donde la vista del lago, los cielos y las nieves perpetuas electrizan al caminante.

Las bellezas de este destino son incontables, y van desde un pesadillesco bosque de arrayanes, hasta la profundidad boscosa de la isla Victoria; sitios a los que se accede desde el mítico Puerto Pañuelo.

Todo esto viene a cuento porque, como parte de mi viaje, asistí al desfile de modas Emprendedores de Nuestra Tierra, convocado por el Hotel Panorama como parte de la presentación de Moda 2015, donde pudo verse, además del talento de incontables modistos locales y nacionales, a unas mujeres de fantasía que, justamente por su condición entre lo etéreo-urbano-decadente, movían más a la reflexión introspectiva de la moda considerada como arte, que a la lujuria propia de un sibarita sin opiniones.

El desfile fue decoroso, con portentos femeninos que demostraban con cada paso y mirada arrolladora por qué la mujer argentina parte plaza en el mundo entero (Giorgio Agamben, Matt Groening, Al Pacino, J.M. Coetzee, Matt Damon y hasta el rey de Holanda no pueden estar equivocados).

Sin embargo, lo que más me llamaba la atención era cómo en ese lugar que, en sí mismo, era ya un encarnado canto a lo sublime, el ser humano se las arregla parar domesticar la agreste poesía del entorno a través de banalidades altamente sofisticadas con la intención de saciar su impulso primigenio de apoderarse, a su manera, de la combustible naturaleza.

Confieso que mi pecho se iluminó con la belleza de las modelos, pero, al mismo tiempo, pensaba que el deseo de poner a la altura del ojo la majestuosidad infinita de la nieve con la frágil belleza de las damas era un intento similar por darle a escoger al espíritu de lo vivo entre la luz de las estrellas iracundas y el fulgor de las monedas que, indolentes, gastamos en la noche.

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TIMBERLAND PRESENTA MODELOS PARA OTOÑO 2015

LOS VAQUEROS QUE TE FALTABAN LOS TRAE

BUFFALO La exclusiva marca de Montreal del diseñador David Bitton, recopila su legado y experiencia de 20 años, para traer a México su línea más reciente de pantalones y camisetas en algodón para hombre.

Sabemos que se trata de básicos, pero una vez que hayas usado unos Buffalo, difícilmente podrás volver atrás

En 1978 la Abington Shoe Company se convirtió en The Timberland Company. Desde entonces trabajan duramente por crear calzado increíblemente cómodo e imposiblemente duradero. Una vez logrado el objetivo, es que se han preocupado por mantener ese estándar, sumándole también una estética atemporal que identifique cada modelo de su catálogo, tanto que hoy, las populares botas amarillas (que existen en muchos colores) se están convirtiendo en el complemento más versátil y consentido de los guardarropas.

G-STAR RAW

RAURY SE SUMA A LA CAMPAÑA G-STAR RAW FOR THE OCEANS, INSPIRADO POR PHARRELL WILLIAMS. El chico maravilla y joven rapero Raury realizará su primera gira Europea de festivales, misma que arranca en Portugal, apoyando la campaña “vistiendo la causa”.

RAW for the Oceans es la línea especial de G-Star RAW de ropa creada con un tejido especial fabricado con plástico reswcatado del mar, que es parte de una iniciativa co-diseñada por Pharrell Williams.

Este nuevo embajador del proyecto, le dará la oportunidad a sus seguidores y apoyadores de dicha misión de ganar boletos exclusivos para sus presentaciones así como accesos especiales para convivencias con el artista mediante la compra de estos prouctos.

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ULTIMATE EARS PRESENTA

UE ROLL A PRUEBA DE AGUA

UE ROLL es una pequeña y poderosa bocina inalámbrica con tecnología Bluetooth® que genera un asombroso sonido de 360 grados fuerte y nítido, con bajos profundos.

Esta bocina es a prueba de agua y resistente al uso diario, ya que está fabricada con los materiales más fuertes sin sacrificar su sonido épico. A través de su aplicación móvil para iOS y Android, podrás prenderla remotamente, e incluso duplicar el sonido al emparejarla con cualquier otra bocina Ultimate Ears.

APPLE MUSIC LLEGA A LA FIESTA DEL STREAMING Después del anuncio hace algunos meses, al fin se lanzó Apple Music. El catálogo de Apple que consta de más de 30 millones de canciones estará disponible para todos los dispositivos con iOS y iTunes, aparte de incluir Beats 1 Radio, la primera emisora de radio mundial, transmitiendo programas desde Los Ángeles, Nueva York y Londres; además, tiene un calendario mensual con programas conducidos por celebridades, como Disclosure, A-Trak, Drake y Jaden Smith (sí, el hijo de Will Smith). Puedes encontrar el calendario completo de invitados en applemusic.tumblr.com

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MARSHALL LANZA SU PRIMER SMARTPHONE La empresa inglesa Marshall ha sorprendido a todos con la presentación de su smartphone London, el teléfono que correrá con sistema operativo Android y tendrá una pantalla de 720p, además de memoria RAM de 16GB y una cámara de 8mpx. El móvil está diseñado con elementos que sólo los muy clavados amarán, como una doble bocina para que se escuche mucho más fuerte que cualquier teléfono, un botón para tener acceso a la música de manera instantánea y doble jack para audífonos. Para más información, visita marshallheadphones.com

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PEBBLE TIME, UN GRAN SMARTWATCH Pebble es una empresa presente desde 2013 en el mundo de los wearables, cuando lanzó en Kickstarter una campaña para fondear su primer smartwatch. Este año, después de romper récord de recaudación en esta plataforma con más de 20 millones de dólares, la compañía ha puesto a la venta para todo el público su nuevo modelo: Pebble Time nos ofrece una pantalla de e-paper a color, compatibilidad con iOS y Android, resistencia al agua y siete días de batería. Puedes adquirir este y los modelos anteriores de Pebble en getpebble.com

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PILÓN

TONY DELFINO CUANDO LA OCURRENCIA SE TOMA EN SERIO UNA DE LAS MARCAS MÁS POPULARES DEL MOMENTO CELEBRA SU QUINTO ANIVERSARIO. LO QUE COMENZÓ COMO UNA SIMPLE IDEA, SE HA CONVERTIDO EN UNA FIRMA DE COLECCIÓN. TONY DELFINO PLATICÓ BREVEMENTE CON MARVIN SOBRE SU HISTORIA. ¿Cuándo y dónde nació Tony Delfino?

Nació en la Ciudad de México en 2008, con la idea de hacer playeras sólo para nuestro uso y el de nuestros amigos, por el simple gusto de tener nuestros gráficos sobre ropa. Nunca creímos hacer de esto una empresa o, simplemente, vivir de hacer prendas: todo fue creciendo a su ritmo, pasito a pasito.

Desde su fundación, hasta el día de hoy, ¿qué ha cambiado de su visión y proceso?

Creo que la idea de madurar y tomarlo como un trabajo es lo que hemos querido cambiar en estos últimos dos años. Al inicio, todo era muy experimental y sin ninguna exigencia. Desde que establecimos un lugar de operaciones (oficina y punto de precopeo) en el centro de la ciudad, cambiamos totalmente y reestructuramos la manera de hacer las cosas; más planeadas y constantes. Al final del día, lo que queremos es seguir creciendo a un

paso lento, pero seguros de “dar un madrazo” en cada cosa que realizamos. ¿Quiénes conforman hoy la firma?

Seguimos siendo el mismo equipo de siempre, han cambiado un par de personas durante este ciclo; unos están más cerca y otros llevan sus proyectos personales a la par, aunque no dejamos de perder la comunicación entre todos. Actualmente, el equipo de Tony Delfino lo conformamos siete personas internas y más de 20 externas, entre proveedores, maquiladores, mensajeros, etcétera. ¿En qué consiste la selección de fotos que están compartiendo con la revista Marvin?

Es una recapitulación de lo que hemos llevado a cabo durante cinco años. Cosas que nos han encantado y otras que han sido limitadas y poca gente tiene ahora en su guardarropa. De hecho, hay un par de prendas que nosotros ya no tenemos ni para registro. ¡Afortunados ellos!.

Av. 5 de Mayo # 10 Int. 1 Primer Piso Col. Centro , D.F. México

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