Mvn 137 by Revista Marvin

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MVN

TRAS 38 AÑOS, LA BATALLA COMIENZA DE NUEVO Kylo Ren: El nuevo villano de Star Wars según Adam Driver. Un tributo a la siempre bella Princesa Leia. Qué es ser fan de Star Wars según Marcel Rius. DJ Smurphy: Produciendo electrónica desde las estrellas Música imaginaria del sistema solar: En el espacio sí hay sonido.

» VIAJE AL ESPACIO:

DIRECTORIO PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@revistamarvin.com EDITOR UILI DAMAGE uili@revistamarvin.com COORDINADOR EDITORIAL PABLO PULIDO pablo@revistamarvin.com DIRECTOR DE ARTE HÉCTOR MONTES DE OCA hector@serif.com.mx DISEÑADOR GRÁFICO DAVID HERNÁNDEZ davidh@revistamarvin.com REDACTORA WEB ORQUÍDEA VÁZQUEZ orquidea@revistamarvin.com REDACTOR WEB JOSÉ IGNACIO GÓMEZ ignacio@revistamarvin.com REDACTOR WEB ALONSO SALAMANCA alonso@revistamarvin.com REDACTORA WEB ANDREA SOLÍS andrea@revistamarvin.com DIRECCIÓN COMERCIAL Y RP DELHY SEGURA delhy@revistamarvin.com

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Jaime Acosta, Luis Fernando Alcántar Romero, Amaro Bautista, Lenin Calderón, Octavio Cárdenas, Jesús Chavarría, Aarón Enríquez, Arturo J. Flores, Daniel Fragoso, Alejandro González Castillo, Juan Carlos Hidalgo, Vicente Jáuregui, Alejandro Mancilla, Julio Martínez Ríos, Israel Pompa-Alcalá, Toño Quinanar y Regina Zamorano Licea. CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo J. Flores, Alejandro González Castillo, Jorge Grajales, Juan Carlos Hidalgo, Alejandro Mancilla. REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA TOLUCA EDUARDO URIBE MORALES aliasdg@gmail.com PUEBLA RICARDO CARTAS FIGUEROA ricardocartas@revistamarvin.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@revistamarvin.com PACHUCA ALFREDO GARCÍA r.u.d.o@hotmail.com TORREÓN FERNANDO FERNÁNDEZ hanzeldice@gmail.com IMPRENTA FOLI DE MÉXICO, S.A. DE C.V. Negra Modelo 4, Colonia Cervecería Modelo, Estado de México, D.F. C.P. 53330. Teléfono 9159 2200. MVN 137: ESPACIO

VENTAS Y RP ALFONSO PRETELIN poncho@revistamarvin.com FOTÓGRAFO FELI GUTIÉRRES feli@revistamarvin.com EDITOR CÓMIC ÓSCAR G. HERNÁNDEZ oscarghx@revistamarvin.com ADMINISTRACIÓN Y DISTRIBUCIÓN EMMANUEL CORTÉS emmanuel@revistamarvin.com DISTRIBUCIÓN EDUARDO CORTÁZAR ROSAS ASISTENTE MONTSERRAT ASCANIO VARGAS montserrat@revistamarvin.com WEBMASTER ERNESTO MAGAÑA ernesto@revistamarvin.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com FOTOS DE PORTADA

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Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 137 correspondiente a: DICIEMBRE - ENERO 2016. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2011-100610180100-102. MARVIN es una Marca Registrada.

CONTENIDO MVN :: 137 :: ESPACIO EN PORTADA 36 STAR WARS CONTENIDO 6 EN MEGÁFONO. Perfiles y noticias de música, cine y arte MÚSICA 22 INDUSTRIA: Reactor 105.7 24 ATLAS SONORO: Houston 26 JOHN GRANT. Del espacio exterior al drama existencial 28 DJ SMURPHY. Los paseos por las estrellas cansan igual 30 FLOATING POINTS. Cuando los nerds se volvieron influyentes 58 DE CULTO: Space Age Pop. Música ligera para solteros intergalácticos CINE 64 TE PROMETO ANARQUÍA. Fragmentos de juventud mexicana 66 ARCADE FIRE. THE REFLEKTOR TAPES. A lo que suena la deconstrucción 60 DE CULTO: Solaris. La última frontera de la conciencia

ARTE 62 DE CULTO. Arte extraterrestre. Un cosmos creativo bastante peculiar CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA 72 STAR WARS. Más allá del cómic 74 CÓMIC DEL MES. Apache Pirata MARVINISMO 54 La música imaginaria del Sistema Solar. LITERATURA 68 ATTO. Al interior de la Miscelánea El Deseo. O de cuando un músico se convierte en ensayista COLUMNAS 76 OFF THE RECORD: La chica del Saturno tatuado. Por Arturo J. Flores 77 EL CUADERNO AMARGO: El destino para el que nos alcanzó. Por Paola Tinoco

MÚSICA

COMIC

STAND-UP 20 FRAN HEVIA. El Pato Lucas del stand-up comedy RECOMENDACIONES 78 ESTILO 79 TECNOLOGÍA 80 EL PILÓN. Anthony Bremmer. El Jedi de carne y hueso

CINE

EDITORIAL

l especial de fiestas del fin de año de 1978 de la Guerra de las Galaxias (el Star Wars Holiday Special) es, me parece, la primera pista de que la película que me había reformateado el sistema operativo de ceros, no había concluido con la ceremonia de premiación a los rebeldes que destruyeron la estrella de la muerte. En esta historia la princesa Leia dirige y administra una nueva base de la Alianza Rebelde y con C-3PO contacta a Mallatobuck (¡la esposa de Chewbacca!, quien vive con su vástago Lumpawarrump y su padre Attichitcuk, el jefe de la tribu Kaapauku), para que la ayude a encontrar a Chewbacca y Han Solo, quienes surcan el espacio en el Halcón Milenario, con naves imperiales oliéndoles el escape, mientras tratan de impedir que Darth Vader arruine las celebraciones del Día de la Vida y claro, llegar a casa de Chewie para la hora de la cena. Esta película de 1 hr., salió al aire una sola vez, pasando por encima de la transmisión de el programa de Hulk programado ese día por CBS. No sé ni me importa cuáles eran los acuerdos con la televisión mexicana para su transmisión, pero yo puedo decir que lo vi cuando salió. Lo vi por casualidad sin aviso de nadie. Lo vi contra la voluntad de mis padres y hermanos que insistían en distraerme con algún tipo de convivencia familiar. Lo vi. Hoy es posible encontrarlo en YouTube en cualquier momento, pero ese día entendí con solo ver el inicio que no me podía despegar de la tele, así se cayera la casa. Cuando llegué a mi día de clases siguiente me enteré que sólo algunos lo vimos y con esa medalla respondí por décadas a todos los que me querían tachar de imbécil por no haber visto la película Vaselina (cinta que finalmente vi completa por primera vez el año pasado). No he repasado el clip de YouTube del Holiday Special, por lo que mantengo aún mi

recuerdo borroso pero intacto de la escena en que el hijo de Chewie veía un concierto en su “tele” holográfica, mientras la madre cocinaba y el abuelo refunfuñaba en su sillón, tal como mi familia en la cena de fin de año. Años imaginaba y soñaba ver un concierto en una tele holográfica. El avance tecnológico puso en su lugar las televisiones 3D en las casas de hoy, y el avance del espectáculo ha traído a los artistas que me emocionan a dar conciertos en vivo “a la puerta de mi casa”. Unas cosas por otras. En 38 años, la historia de los Jedis y los Siths se ha alargado en 6 entregas y a partir de este mes, en una nueva continuación que bien a bien, no imagino a dónde va a llegar. Se planean, como ese Holiday Special otras historias en paralelo (Rogue One, con Diego Luna, es la primera) y sea con fines puramente mercantiles o no (más bien, sí), la leyenda que ha tocado a los humanos de todo el planeta, crece. Estoy lejos de ser el fan más fan del tema. Lo más que puedo presumir es haber visto cada película de la saga en sala de cine durante la semana de estreno, más o menos y haber poseído uno que otro juguete relacionado, convertido en caro coleccionable y devorado por el tiempo, las mudanzas, el paso de la vida, pues. Y hoy me emociona, gracias al apasionado equipo Marvin, recopilar una serie de historias, puntos de vista, novedades, ¡una entrevista con el actor que personificará al nuevo malvado “al bat”, Kylo Ren y otra con Carrie Fisher, la Princesa Leia! y algún dato por aquí y por allí que sea de valor, tanto para los seguidores de esta publicación, como para los devotos del sueño de Lucas. A nombre de toda la gente que mes con mes hace realidad la Revista Marvin, te deseo lector, un feliz fin de 2015, el mejor año nuevo que puedas tener y por supuesto: May the force be with you.

Uili Damage @uili

FE DE ERRATAS En la edición #136, el artículo “The Libertines: Smells like doom spirits” tiene como crédito de texto a Juan Carlos Hidalgo, siendo el verdadero autor: Arturo J. Flores.

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TXT:: AMARO BAUTISTA

FOT:: FICM

Historias cortas de Morelia LO MEJOR DEL CINE EN EL FICM

La magia de un festival de cine sucede casi siempre en las salas. Historias de diversas partes del mundo llevan al público a vivir por un breve momento otra realidad que los conmueve, indigna, alegra, estremece, y en el más fortuito de los casos, los transforma. EL FESTIVAL INTERNACIONAL de Cine de Morelia (FICM) hace posible estas emociones que suceden entre las butacas y la pantalla, por ello en Marvin hicimos un recuento de los momentos más destacados de la décimo tercera edición de este evento. Como cada año lo más esperado es la Sección de Largometraje Mexicano, la oportunidad para descubrir lo que los realizadores nacionales están haciendo, historias que cautivan y otras que lo intentan. Tres fueron las películas que brillaron. Te prometo anarquía de Julio Hernández Cordón, una historia de amor entre dos skaters, que más allá de un amor gay; lo que plasma es uno libre, fugaz pero profundo que los lleva a descubrir lo efímero de la existencia y las consecuencias de involucrarse en el negocio del tráfico de sangre. Almacenados, de Jack Zagha Kababie, fue la película que más gustó al público. Un encuentro que dura cinco días, entre el encargado de un almacén donde aparentemente nunca ocurre nada y el joven que está destinado a sustituirlo. Un relato que refleja la falta de autoestima en la juventud, de descubrirse y saberse valiosos. Y finalmente está Yo de Matías Meyer, la cinta que se llevó el premio de la sección. La historia es sobre un adulto que dice tener 15 años, él es una persona con discapacidad mental, un tema tabú que es mostrado de manera honesta por el realizador.

Por otro lado los invitados especiales son los que más cautivan al público, los que se llevan los reflectores de la prensa y los fanáticos. Este año llegaron a Morelia dos importantes celebridades: Tim Roth e Isabelle Huppert. Tim Roth presentó 600 millas (2015) de Gabriel Ripstein, Chronic (2015) de Michel Franco y The War Zone (1999). Durante una de sus entrevistas, así describió al FICM: “Me recuerda de una forma más modesta, pero positiva, a Lyon, que es el festival de Thierry Frémaux cuando termina con Cannes. Es un escenario muy hermoso”. Por su parte, Isabelle Huppert presentó tres de sus más de 120 películas, Asphalte (Macadam Stories) (2015) de Samuel Benchetrit, Louder than Bombs (2015) de Joachim Trier, y Valley of Love (2015) de Guillaume Nicloux. Con la trayectoria que tiene uno pensaría que pasa horas practicando sus personajes antes de grabar, sin embargo, esto fue lo que develó al respecto: “Odio ensayar mis papeles, simplemente prefiero hacerlos, realizarlos de manera espontánea. Desde mi punto de vista, si se ensayan, se pierde algo. Actuar no es vivir y uno no quiere estar actuando demasiado, sino viviendo el personaje, como uno hace en la vida”. El FICM no podía terminar sin mostrar su solidaridad con las historias que marcan la realidad mexicana: “No agachemos la cabeza ante los agravios, ni la voz por los nuestros que podrían estar en 43 butacas al lado y en miles más y, sin embargo, no están”, dijo Cuauhtémoc Cárdenas Batel, vicepresidente del festival.

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TXT :: ANDREA SOLÍS

LEGO Star Wars El primer gran evento de construcción en Latinoamérica

La relación entre la marca LEGO y Star Wars es legendaria; el mismo George Lucas supervisó el diseño de la primera serie inspirada en la segunda trilogía de su franquicia en 1999 y, actualmente, el equipo de Lucas Films ha tomado el relevo en tan importante tarea. La vida no sería la misma si no tuviéramos la oportunidad de construir el Halcón Milenario con nuestras propias manos o sin poder recrear la clásica escena de “Luke, soy tu padre” desde las escaleras de nuestra casa con un Luke Skywalker y un Darth Vader cuadrado de pequeñas proporciones. ESTA RELACIÓN se hizo evidente el pasado 3 de octubre (en el marco del próximo estreno de El Despertar de la Fuerza), cuando en la planta baja del centro comercial Paseo Interlomas, chicos y grandes se reunieron para apreciar y participar en la construcción de figuras gigantes de dos de los personajes más emblemáticos de la saga. Desde el 30 de septiembre y durante los cuatro días posteriores, los Master Builders, Dan y su hijo Chris Steininger, certificados por LEGO, construyeron, con ayuda de los asistentes, figuras gigantes de Yoda y Darth Vader; para esto los asistentes tuvieron que elegir el lado oscuro o el lado luminoso. Durante la colocación de las últimas piezas, se llevó a cabo un convivio en el que los asistentes podían platicar, tomarse fotos y recibir autógrafos de los Master Builders, además de comer bocadillos temáticos, como brownies intergalácticos mientras construían una micronave para llevarse a casa. Adjunto se presentaron figuras gigantes previamente construidas de Chewbacca, R2-D2 y C3PO. Dan y Chris Steininger, originarios del estado de California, Estados Unidos, se mostraron alegres y accesibles durante la convivencia; Chris nos compartió la alegría que le da su profesión, al haber crecido dentro de una familia llena de creatividad y LEGOS, a

diferencia de su padre, quien adquirió el gusto en su adultez. Por su parte, Dan Steininger declaró durante el evento: “Nuestra inspiración son los niños; la parte increíble de LEGO es que está hecho para los pequeños, como todos ustedes. Asistir a estos eventos y ver las cosas que construyen con algo tan simple como un brick, me inspira a hacer mejor mi trabajo para que, con suerte, ustedes se inspiren y sean los constructores del mañana”. Para crear los modelos, se necesitaron 60 personas de diseño y casi 50 para construir los prototipos; si uno solo se diera a la tarea de construirlos, le tomaría más de ocho días en hacerlo. Una vez terminados, una figura gigante de este tipo puede llegar a pesar más de 770 kg y si decidiéramos deshacerlos para realizar una línea recta con todos los bloques utilizados, alcanzarían una distancia mayor a los 1.5 kilómetros. Los modelos construidos se mantuvieron en exhibición hasta el 18 de octubre de 2015 para todos los fans que quisieran ir a apreciarlos y construir su micronave. Cabe destacar que es la primera vez que ocurre un evento de este tipo en toda Latinoamérica; estos modelos han estado en exhibiciones en todo el mundo, como Toronto, San Diego, California y Sydney.

FOT :: CORTESÍA DEL ARTISTA

Distrital 2016 Un encuentro creativo que no para de crecer

Por sexto año, regresa Distrital Festival para presentar una selección de actividades que tienen como objetivo el incentivar la creatividad. Siendo un evento único en su tipo, Distrital conquistará la Ciudad de México principalmente con cine, ese arte de inagotables recursos y responsable de nuestros sueños más increíbles.

DEL 21 DE ENERO AL 11 de febrero de 2016, se promoverá el intercambio de ideas entre creadores, público y promotores sobre el desarrollo de nuevos lenguajes, esto es, historias desarrolladas en formatos propositivos que cautiven. Distrital es también la oportunidad para conocer –y vivir– producciones que difícilmente podríamos disfrutar en nuestro país. El encuentro se realizará en diversos foros, entre ellos la Cineteca Nacional, Cine Tonalá, Centro de Cultura Digital, Cinépolis Diana, Museo de Arte Carrillo Gil, Centro Cultural España, IFAL, azotea del Laboratorio para la Ciudad, INJUVE y los diferentes Faros CDMX. Ya fuera de las salas de cine, se realizarán eventos especiales en el Habita, el Hotel Condesa DF y el Hotel DownTown, en donde personajes y audiencia serán parte de la experiencias cinematográficas que impulsen el diálogo entorno al séptimo arte.

Los invitados especiales de Distrital Festival 2016 son Claire Doyon (Francia), Antoine Barraud (Francia), Julián Hernández (México), Gus Van der Berghe (Bélgica), Joanna Coates (Reino Unido) y Daniel Metz (Reino Unido); todos ellos presentarán sus más recientes obras y compartirán sus experiencias. La selección de la sexta edición del festival contará con 215 películas provenientes de diversas partes del mundo, resaltando la posibilidad de ver 175 títulos vía Internet totalmente gratis. Así, Distrital Festival busca llegar a más de 120 mil personas, ya sea en sus actividades presenciales, como online. Además de las proyecciones, el programa incluye más de 45 actividades gratuitas, talleres y seminarios, una gala presentando Viaggio a Italia de Roberto Rossellini y un concierto de clausura. La fiesta del cine a cargo de Distrital Festival será un evento imprescindible para arrancar el año como se debe.

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TXT:: TOÑO QUINTANAR

LA OTRA CARA DE SPARK

UNA PODEROSA EXTENSIÓN DE TI MISMO

El pasado 3 de noviembre, el cielo nocturno de Playa del Carmen se tiñó de neón para darle una calurosa bienvenida al Spark 2016; el nuevo lanzamiento de Chevrolet que promete llevar la experiencia de la conducción automotriz hacia nuevos y sofisticados niveles.

FUE EN MEDIO DEL SUGERENTE ambiente destilado por el Hard Rock Hotel de la Riviera Maya que directivos y prensa especializada se dieron cita para presenciar el surgimiento de este automóvil sin precedentes. Tecnología de punta y un diseño audazmente hilvanado (parrilla de doble puerto, spoiler deportivo, cristales tintados, rines de aluminio de 15 pulgadas) son los principales atributos de la joya más reciente en la corona de Chevrolet; misma que se encuentra pensada para aquellos individuos que ven en su auto una extensión de su propio cuerpo. El software incluido en el Chevrolet Spark 2016 cuenta con Smartphone Projection; elemento único en su clase que permite al usuario transferir todo el contenido de su teléfono a la interfaz del automóvil. Abarcando desde música online hasta mapas, este sistema invita al piloto a personalizar su viaje mediante múltiples aditamentos de avanzada; situación que hace de Smartphone Projection una herramienta adelantada a su época. A través de la pantalla táctil de siete pulgadas Chevrolet Mylink (ubicada en el tablero del auto) el conductor puede tener acceso mensajes, música, llamadas, comandos de voz y demás aplicaciones. Atributo que, por supuesto, permite una conectividad plenamente útil que no sólo mantiene al usuario en contacto con sus compromisos del día con día; sino que también reduce las posibilidades de cualquier tipo de percance que pudiera verse relacionado con el empleo manual del celular. Al mismo tiempo, el sistema de audio compuesto por seis bocinas promete satisfacer hasta al experto en sonido más exigente. Una auténtica delicia si eres de esos conductores que conoce de sobra la importancia de la música durante un viaje largo. Chevrolet Spark 2016 no sólo es elegancia y confort. Su diseño convoca una conjunción de audacias que mezcla la

tecnología más aventajada con una ingeniería automotriz que lo convierte en la opción ideal tanto para la ciudad como para la autopista. Una prueba de manejo a lo largo de la Carretera CancúnChetumal nos permitió constatar el poder del motor de 98 caballos de fuerza el cual, finamente carburado, propicia una conducción potente y veloz que contrasta agradablemente con la suavidad de los interiores. Sin embargo, el desafío de fuego llegó al momento de hacerle frente a las pronunciadas curvas que el Exotic Rides de la Riviera Maya ofrece a los conductores más atrevidos. Escenario idóneo donde el agarre de los frenos dejó en claro que el nuevo Spark es dueño de una estabilidad única en su especie. Siempre preocupada por la seguridad del piloto y de sus pasajeros, Chevrolet ha incluido una serie de particularidades en la estructura de este modelo que prometen salvaguardar la integridad física de los usuarios en todo instante. Un juego de bolsas de aire frontales, frenos delanteros de disco y sistemas ABS en las ruedas son sólo algunos de los aditamentos que hacen del nuevo Spark un sinónimo de precaución. Conscientes de que la diversidad es absolutamente necesaria, los creativos de Chevrolet ofrecen una paleta de diez estridentes colores exteriores que permitirán que cada conductor elija el diseño que más empate con su personalidad. Una riqueza a la que se suma cuatro tipos diferentes de interiores. El Chevrolet Spark 2016 es un automóvil que ofrenda todo un mosaico de características que tienen como principal finalidad hacer del manejo una práctica sumamente satisfactoria y moderna. No importa qué tipo de conductor seas, seguramente, este prodigio de la ingeniería automotriz será capaz de complacer tus caprichos más exacerbados.

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TXT:: ANDREA SOLÍS

FOT:: MORBIDO

Mórbido Fest El terror como modo de vida Lo mejor del terror y la fantasía llegó a la ciudad de Puebla del 28 de octubre al 1 de noviembre con motivo de Mórbido: Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror 2015. Durante cinco días, se rindió tributo a la muerte con una selección de 57 largometrajes de 27 países diferentes, de los cuales 27 fueron estrenos latinoamericanos, 13 estrenos nacionales y 2 premieres mundiales. También se presentaron más de 85 cortometrajes nacionales e internacionales divididos en 12 bloques temáticos. La inauguración tuvo lugar la noche del 28 de octubre con un show espectacular en el Teatro Principal de Puebla con una sala llena de invitados especiales de la talla de Joe Dante, Mick Garris, Simon Boswell y Richard Stanley, además de cineastas, prensas nacionales e internacionales y público en general. El director del festival, Pablo Guisa, inauguró vestido de faraón egipcio, con dos cambios de vestuario más durante la ceremonia y acompañado de música por parte de Tonalli Magana Guzmán y Regina Orozco, además de un grupo de bailarines quienes nos dieron un recorrido milenario por la historia del culto a los muertos desde los egipcios hasta “Thriller” de Michael Jackson, haciendo una parada obligatoria en el Mictlán. Los siguientes días estuvieron llenos de proyecciones y actividades en sus tres cedes principales: el Teatro de la Ciudad, Cinemex Centro Puebla y Plaza de la Compañía, además de un concierto magistral de uno de los mayores compositores de música original para cine de terror: Simon Boswell, en el Teatro Principal, donde presentó, durante alrededor de dos horas, piezas creadas para cintas como Santa sangre de Alejandro Jodorowsky y Hackers de Richard Stanley, quien incluso subió al escenario por unos momentos para acompañar a Boswell y sus músicos en la voz. En el marco del festival también tuvieron lugar proyecciones especiales de clásicos del cine, como Macario

de Roberto Gavaldón a 55 años de su estreno, cinta que en su momento fue criticada por su “supuesto indigenismo ideático y formalismo distante”; también se presentaron Sleepwalkers de Mick Garris y Matinee de Joe Dante con la presencia de sus respectivos creadores, así como un homenaje a este último en la Plaza de la Compañía por el 33º aniversario de Gremlins con una proyección al aire libre con su doblaje original. Pero todo lo que comienza debe terminar y el 1 de noviembre con las últimas proyecciones y una breve ceremonia de clausura, el Festival Mórbido terminó para el público una vez más, no sin antes premiar las cintas más destacadas y anunciar el tema del próximo año: “El Espacio”, acompañado de unas palabras del astronauta mexicano Neri Vela, a quien podremos esperar el próximo año por las calles de Puebla. Así, el Festival Mórbido logró uno de sus mayores cometidos una vez más: compartir la alegría, el amor y el sentido de camaradería que genera el miedo, ya que al compartir el miedo, compartimos la vida misma. Felicitamos a los cineastas que conformaron esta edición del festival por la presentación de sus cortometrajes y largometrajes, así como a los ganadores y, sobre todo, a los organizadores de Mórbido por una semana inolvidable llena de emociones y sensaciones a flor de piel, y esperamos verlos el próximo año.

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TXT:: AMARO BAUTISTA

CutOut Fest

la magia de la animación y el diseño. Colores, texturas y múltiples sensaciones se sumergen en un mundo de creatividad, magia e ingenio, en donde artistas, ilustradores, animadores y diseñadores comparten las pociones y los conjuros que los llevan a crear hipnóticas, utópicas y cósmicas producciones visuales. Ese mundo existe, está lleno de talento emergente y se llama CutOut Fest.

Muchos fueron los artistas que mostraron parte de la magia que los inspira: instalaciones de azúcar, ilustraciones de mujeres audaces, la deconstrucción de objetos, la transformación de Bambi y una variedad de texturas y partículas que llevaron al público a descubrir los elementos más diminutos de la materia y los más inmensos del universo. Siete años de magia visual ha dejado el festival de animación y arte digital por excelencia en México, y en su más reciente edición no podía dejar de cautivar por su ecléctica selección de cortometrajes, que hicieron viajar a otras dimensiones a un público ávido de nuevas metáforas visuales y sonoras; charlas que desdibujaron la genialidad, sencillez y enigmas sobre el origen de las ideas de cada artista invitado; así como el encuentro cotidiano con los artistas por las calles de la ciudad de Querétaro. Muchos trabajos cautivaron este año, sin embargo, sería interminable mencionar a todos los que conformaron el line up. Empecemos con Faiyaz Jafri, un artista holandés que combinó de manera emblemática la maldad de la bruja de Blancanieves y Darth Vader para un cortometraje llamado Hello Bambi, que muestra el último sueño que Blancanieves tiene antes de entrar a una sala de emergencias, donde reinterpreta a personajes como Miffy, Thomas the Train, Bambi y los Siete enanos. Laura Callaghan, ilustradora irlandesa, retrata a mujeres audaces en escenarios coloridos y ambientes que invitan

al empoderamiento de la mujer, una imagen alejada de estereotipos. Cada ilustración está cargada de una gran cantidad de elementos y detalles que invitan a imaginar asombrosas historias tan solo con mirar la imagen. Gran parte de su obra la realiza a mano, utiliza acuarela, tinta india y pluma Isograph. Finalmente tenemos a Tanya Schultz, conocida bajo el seudónimo de Pip & Pop; para CutOut Fest elaboró en la Galería Libertad una instalación a base azúcar de diversos colores, brillantinas, dulces, calaveritas de azúcar, moños, caramelos, juguetes de plástico… una nueva versión de Lilliput, más rosa y alegre. Un trabajo sumamente meticuloso que evoca sueños utópicos y placeres fugaces. El arte audiovisual se expresa al exterior de uno mismo, pues inevitablemente tuvo su origen en los sentimientos; cuando la música y las ilustraciones traducen los sentimientos en arte, existe un entendimiento individual y a la vez colectivo. Al final es el artista, a fuerza de parar el oído y escuchar el resonar de la vida, el que elige los sentimientos que le provoca la existencia y los transporta al papel y en materiales audiovisuales. El arte hace posible que su voz se escuche, en ocasiones sin mencionar palabra alguna. No te pierdas CutOut Fest el siguiente año, sigue tus ideas, todos somos artistas de la vida, la magia está ahí, haz uso de ella.

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TXT :: OCTAVIO SALGADO MATÍAS

Stop Making Sense La estocada mortal de los Talking Heads al punk setentero

David Byrne entra en un escenario repleto de basura y metales apilados al fondo. El público, atónito, le observa. Una grabadora y un traje estúpidamente grande visten al frontman, la guitarra acústica ya es parte de su cuerpo. “Me gustaría ponerles un cassette”. La música empieza a salir de ningún lugar, o mejor: de todos. Excepto de la grabadora. Con esta introducción, Byrne y los Talking Heads escribían en letras de oro su nombre, mientras suena de fondo un “Psycho Killer” más relajado que nunca, pero igual violento e imprevisible. Los asistentes permanecen sentados, como no sabiendo dónde están. Mientras tanto, Byrne destroza la acústica y los asesina con la mirada, uno a uno los recorre con sus ojos desorbitados, sin parpados, autista, perdido en sí mismo, dando tumbos por todo el escenario. Poco a poco, desconocidos irrumpen en la escena, cargan cables y empujan tarimas negras. Para este momento, la primera canción ha terminado y el cantante ya no está solo. La bajista Tina Weymouth se une a este show de pesadilla para convertirlo en un sueño. Como acariciando los rostros impávidos de los presentes, tocan la única balada de la noche. Una versión de Heaven que aminora el impacto de la pieza anterior. La voz dulce y delgada de Lynn Mabry, que canta desde el backstage, es el contrapeso perfecto para la furia de Byrne. El espacio continúa llenándose, más tarimas, una batería. El baterista Chris Fratz se suma y este momento solemne se convierte en una fiesta, una de las que requieren bailar. La casa está casi llena y los Heads comienzan a calentar motores. “Thank You for Sending Me an Angel” inunda el lugar de un aire festivo como un himno, una marcha; es la canción que escucharía alguien después de ganar una batalla cruenta. Finalmente el público entiende la lógica en la que está inmerso: la expansión, el tránsito, el movimiento. Jerry Harrison concluye con la formación original de la banda, llega para tocar “Found a Job”, incendia al fin los ánimos del público que se levanta y baila de a poco, rendidos ante el funk de las guitarras Fender, viejas y despintadas que cargan él y, a su izquierda, Byrne. Todos saben que una fiesta no es nada sin invitados y eso está claro para la banda, que no cesa de aumentar su tamaño. Para tocar “Slippery People”, el percusionista Steve Scales y las coristas Lynn Mabry y Ednah Holt completan el cuadro, convertido ahora en un frenético coro de góspel, imparable. David Byrne pasa de los graves a los agudos con facilidad, gritando, coreando en idiomas desconocidos o lenguas muertas, ni él lo sabe. Las percusiones y los teclados en perfecta sincronía suben y suben sin parar, el ritmo llegó a su climax y Fratz lo anuncia masacrando la batería. Cae el telón, oscuridad como la del cine, sepulcral, que no cierra posibilidades sino todo lo contrario, muestra las últimas siluetas a contraluz, luz que ya no es necesaria, que abre otras puertas y anuncia el comienzo de algo interesante. El

tecladista Bernie Worrel y el guitarrista Alex Weir cierran la puerta al ser los últimos en entrar y así comienza, después de esta gran apertura, la mejor noche de la banda neoyorquina. “Burning Down the House” es su tarjeta de presentación. Stop Making Sense cambió el panorama de los conciertos videograbados, convirtiéndose en una cinta de culto para muchos que en la época de los ochenta comenzaban a ver el declive de una era. Los Talking Heads representaban eso, el cambio de paradigma, la deconstrucción de lo pasado en partes pequeñas para armar algo nuevo. En el 84, las bandas de punk veían pasar frente a ellas sus últimos años de gloria, antes de convertirse en un trasto viejo y obsoleto, adorado en ritual por círculos cerrados en clubes abandonados, como fue en un principio. Byrne y compañía fusionan todos los ritmos presentes en Nueva York para su época y disparan líneas de bajo desalmadas al público, le gritan, se convulsionan, sudan y se arrancan la ropa; sólo para después pedirles perdón con vocales suaves y harmónicos, al igual que sus sintetizadores y percusiones. Influenciados por Ramones, Joy Division y otras bandas tan dispares como éstas, los Talking Heads están envueltos en un halo de misticismo. Probablemente en ello reside la facilidad con la que uno llega a amarles, en su sencillez, en su rechazo por la complicación innecesaria, en sus letras tontas pero aplastantes. A pesar de la herencia innegable de las dos décadas pasadas, la banda apuesta por una corriente que no valía nada, por fusionar ritmos y demostrar algo que muchos aún se atreven a negar: El punk había muerto. Murió para dejarle su legado a nuevos artistas que retomaron sus instrumentaciones salvajes, pero que le despojaron de su carga política e ideológica para cobrar con creces algo que los artistas de la época habían decidido eliminar de sus obras: la diversión. A excepción de The Clash, las grandes bandas del punk se dedicaron a vender la idea de rebeldía y forrarse con ello en billetes, mientras que las primeras leyendas del new wave como Ian Curtis se extinguían incluso antes de alcanzar algún logro. Los Heads no eran eso, ellos querían bailar, saltar, burlarse un poco de ti e irse sin decir una palabra. Y eran coherentes. En su expresión, su música y su show, eran austeros pero explícitos y apasionados. El álbum (y la película) en conjunto es una obra redonda. Una montaña rusa emocional, sí, pero donde predominan las cumbres. Byrne está bañado en sudor. Exhausto. Sin embargo, su voz permanece intacta, pulcra, dividiendo en dos la oscuridad que reina sobre un público igualmente deshidratado. Además de las sombras en el fondo y algunas palabras y fotografías proyectadas sobre tela, el único show de luces que los Talking Heads incorporan al concierto es una lámpara común y corriente, de las de casa, que el vocalista seduce durante “This Must be the Place” en un momento casi íntimo: le sonríe, la besa, corre, la empuja y no la deja caer.

*Artículo ganador de la convocatoria “Escribe para Marvin”, como parte de las actividades de la Gira Universitaria Marvin #DoriGiraMarvin. ¡Muchas felicidades!

COME BIEN

Altos #AsíEsNuestroTequila

La gastronomía mexicana –considerada como patrimonio de la humanidad– incluye entre su extenso menú de sabores, olores, colores y texturas a un favorito no sólo por nacionales, sino por todo el mundo: el tequila, amo y señor del trago para después de comer, para el convivio, para el brindis… En conclusión, el tequila es lo más cercano a la perfección. ESTO LO PUDIMOS EXPERIMENTAR el pasado mes de noviembre gracias a Altos Tequila, que de la mano de uno de sus autores: Jesús Hernández, conocimos el proceso que lleva hacer un tequila excepcional. Altos nace para demostrar a México y el mundo cómo debe saber un tequila de verdad. La firma liderada por el maestro tequilero Jesús Hernández y dos de los mejores bartenders: Henry Bessant y Dre Masso, se unieron para crear un tequila 100% agave y de calidad Premium. La historia de Altos Tequila se remonta a 2009, cuando sus creadores se dieron a la tarea de mantener la tradición forjada por los antiguos pueblos prehispánicos en la elaboración de una bebida cuyo misticismo se apropia de quien la consume. Es importante mencionar que es hecho en Los Altos de Jalisco, zona ubicada al centro del país conocida por sus tierras rojas de origen volcánico, que gracias a sus minerales, otorgan al tequila un sabor intenso y dulce. Durante nuestro viaje, pudimos pasear a través de este sendero colorido y único. Altos, además, es uno de los pocos tequilas en todo el planeta en gozar su propio equipo de jimadores, dedicados al cuidado y cosecha de agaves de primera calidad, mediante

técnicas que han pasado por generaciones (Jesús Hernández nos contó que cada persona tiene el don de jimar hasta 150 agaves por día). Dando así como resultado, un tequila con toda la tradición de la producción artesanal con la energía del mundo de hoy. La firma ha sido una gran revelación para el circuito de mixólogos y bartenders, quienes encuentran en Altos Tequila la base indicada para la elaboración de cocteles o, si se prefiere, solo (para quienes disfrutan la sensación directa del líquido, regalo de los dioses). En esta ocasión, José Luis León fue el bartender encargado de prepararnos un menú con los cocteles más sorprendentes que hayamos probado con tequila. Prueba Altos Tequila y conviértelo en tu favorito para la degustación en familia o con amigos (no por nada, 25 premios a nivel internacional respaldan su sabor y presentación). Muchas gracias a Pernord Ricard, Hotel Demetria y Hueso Restaurant por esta increíble experiencia. #AsíEsNuestroTequila #AltosTequila Instagram: @AltosTequila www.facebook.com/AltosTequila

EN MEGÁFONO

TXT:: ALONSO SALAMANCA ARROYO

FOT:: ANDREA SOLÍS

MUTEK MX

Música electrónica más allá de lo lúdico Entre luces azul índigo y rojo sangre se desenvolvía la música urbana y estremecedora del dúo mexicano conformado por dos mentes detrás de proyectos con años de experiencia: No Light y Me & Myself. Las influencias de la música electrónica británica conocida como dubstep y drum & bass se entremezclaron con un show audiovisual sin precedentes. Se escucharon comentarios como “estos mexicanos ya merecían un stage grande, como éste”. Y en efecto, parece que jamás se había presentado un acto nacional con tal atención y prioridad en un evento como Mutek. DESDE SUS INICIOS EN MÉXICO, datado en el año 2007, el festival se ha dedicado en mayor medida en traer al territorio mexicano actos de vanguardia internacional, con el fin de virar una porción de la atención mediática y cultural hacia las propuestas electrónicas que más allá del baile y la fiesta. Nosaj Thing fue recibido y despedido con ovaciones por el público mexicano después de dos años de ausencia. Retumbaron en el techo y paredes del recinto su marca única de hip-hop rebajado y acordes de ensueño con frecuencias bajas al por mayor. La noche de la primera jornada fue despedida por el acto mexicano Paperworks, que no decepcionó pero tampoco destacó de entre los ya múltiples creadores de música techno. El increíble acto audiovisual de experimentación sonora titulado The Well (o El Pozo) del británico Koreless con el francés Emmanuel Biard inició la segunda jornada del festival Mutek MX, que desde hace tres ediciones cuenta con una sesión de espectáculos especiales en el majestuoso Teatro de la Ciudad. Después del primer intermedio, en el cual la gente hablaba sorprendida acerca de lo que se acababa de vivir en el inmueble, se presentó en escena el canadiense Martin Messier con un híbrido entre instalación de luces y set en vivo con sintetizadores modulares (sin computadoras). Un lío de cables, una luz estroboscópica y los mismos movimientos del cuerpo humano de Messier fueron suficientes para ensombrecer (en el buen sentido) el ánimo de los espectadores. Ya se había hablado de la esperada visita del músico e investigador alemán Robert Henke, creador de Ableton Live y parte del grupo seminal de dub techno Monolake. Una vez vuelto a llenar el recinto, Henke emite un aviso: el show

funciona únicamente en la total oscuridad. No fotos, no ver el celular, no pantallas. El público regañado dejó de emitir comentarios al apagarse las luces y salir de las gradas del entresuelo un láser fulminante hacia el centro de la pantalla blanca, reutilizada del acto anterior o utilizada en su contexto inicialmente planeado. El festival Mutek continuaría con dos noches más, ahora sí de baile desenfrenado y tributos a la cultura del club nocturno. El inicio de los dos shows nocturnos en la problemática locación del Fotomuseo Cuatro Caminos estuvo a cargo de actos mexicanos en ambas ocasiones. El set fulminante de A-RP y el DJ set de Ejival dieron aún más forma a lo que el frente nacional construyó durante esta edición del festival al participar de forma muy activa y demostrando verdadera maestría. El show en conjunto del mexicano con AAAA y el canadiense Tin Man es un gran ejemplo de lo difusas que son las fronteras al convivir en un contexto musical de experimentación y recreación. Durante las dos últimas noches de MUTEK MX, el público mexicano fue testigo de actos internacionales de máxima vanguardia en tres escenarios diferentes. El ambiente era libre y alentador. A pesar de que el número de asistentes entorpeció el movimiento más de una vez a los que transitaban de stage en stage. Bajar corriendo del escenario en la azotea después de una hipnótica presentación del italiano Alessandro Cortini para alcanzar a ver lo más que se pudiera de DJ Koze y esperar el extensísimo set de Ben U.F.O. es sólo una de las formas en las que el Mutek articulaba una ecléctica experiencia para el asistente. No cabe duda que, después de esta edición, el MUTEK MX se posiciona como una plataforma consistente y verdaderamente crucial para la música electrónica en el país.

STAND-UP

TXT:: UILI DAMAGE

Fran Hevia El “Pato Lucas” del stand-up comedy SIN FIJARNOS EN TODA LA CARGA CALAMITOSA QUE AGOBIÓ AL PERSONAJE DE LAS CARICATURAS DE LA WARNER UNA AVENTURA TRAS OTRA, EL PATO LUCAS TIENE, POR PRINCIPIO, UNO DE LOS NOMBRES MÁS DESCRIPTIVOS DE LOS QUE SE LES ASIGNARON EN NUESTRA LENGUA A ESA FAMILIA DE MONITOS DE LA TELE. EL PATO LOCO. Y SIN DUDA, ERA EN SU MOMENTO LA MANERA MÁS DIRECTA DE IDENTIFICAR UN TEMPERAMENTO ESPÁSTICO, MUCHO MÁS LLEVABLE QUE EL INSOPORTABLE DONALD DE DISNEY, OBVIAMENTE GUASÓN, INSOLENTE, INCOHERENTE BAJO LA LUPA DE LO NORMAL Y ACEPTABLE, PERO SIN VUELTAS: HILARANTE EN TODO MOMENTO, POR SURREAL QUE SE MIRE.

DIBUJEMOS EN UN PAPEL calca la cara de Lucas y veamos cómo se traspasa a la hoja del stand-up mexicano la mueca del nativo de Ciudad Satélite, Francisco “Fran” Hevia. También es espástico. Es muy llevable. Es inconteniblemente guasón. Es insolente y descarado pero con un candor irresistible. ¿Incoherente? Tanto como pueda funcionar a su comedia, porque tiene medida cada reacción de su público (al cual adora confundir y acalambrar) y no permite que se le escape de la mano. La mente de este “lucas” es prácticamente un fuego fatuo: brillante, espontánea y exacta (o mejor dicho, calculadamente errática)... En el buen sentido, varios standuperos alucinan con tu estilo de comedia porque se les hace distinto del stand-up gringo... ¿tú lo sientes así de distinto? Supongo que la tirada sí es hacer algo un poquito diferente... yo soy muy fan de los ingleses. Por Monty Python empecé a hacer comedia. Yo no hacía stand-up, yo empecé a hacer sketch. Todavía estoy en un grupo “universitario” con el que montábamos cosas de Python. ¿Cuantos años tienes? ¿Hace cuánto lo haces? Yo 29, en el stand-up tres, pero en la comedia ocho. ¿Cómo llegaron la comedia y el stand-up a tu vida? Siempre he sido muy fan de Los Simpsons, de chico me grababa cassettes y tengo sus chistes muy frescos. Pero ¿te acuerdas de Ponchivisión? El canal que hizo Andrés Bustamante. Allí salía el Circo Volador de Monty Python y desde la primera vez que lo vi encontré algo que nunca

había visto. Ni le entendía muy bien, la verdad, porque la mitad de las referencias o son inglesas o de escritores que no conozco; pero me juntaba con amigos de la prepa a verlo y nos nació hacer sketches así. los escribíamos, los montábamos y los presentábamos en la escuela. Luego los empezamos a grabar en video. Los quemábamos en dvd y los regalábamos en los shows. Ya más grandes los empezamos a hacer más cuidados, luego le entramos a la impro -ahí conocí al Chaparro Salazar; ahí conocí a Juan Carlos Escalante, que iba de público y fue quien me invitó a hacer stand-up, cuando apenas empezaban él, Sofía, Gomíz (que hicieron el primer especial en VH1, lo ví y dije “no, esto está muy culero”). No le entré y un par de años después que estaba escribiendo comedia con Derbez, el director creativo del equipo me empezó a llevar a ver shows de stand-up: a Richie O’Farrill, Roberto Flores y Diego Zanassi en Café 22 (un show bueno pero solo iban sus mamás y sus tías). Ahí dije “como que ahí va” pero tampoco le entré. Y a finales de 2012 un cuate en una fiesta me decía “ahora sí va a jalar chido”, pero no me convencía. Mucho tiempo toqué en una banda entonces se me hacía como esos toquines en donde te ve sólo tu familia y amigos medio a huevo... Pero este cuate me recomendó ver a Gus Proal, que ya llevaba un par de talleres y hacía shows en el Lucky Luciano de Polanco. Me lancé a ver qué onda. Me presenté con Gus, le conté lo que hacía y me invitó a subirme. La primera vez que subí, me subí con Macario Brujo y la Kikis, en un show con dos mesas de las cuales una no hacía caso y la otra era de puros gringos. Me bajo y la Kikis me dice “¿es tu primera vez?” “¡Noooo, vamos al Beer Hall a que te ‘desquintes’ bien!”. Fuimos a ese open mic y ahí sí fue la locura. La primera vez

21 que me subí estaba toda “la familia”. Creo que le entré justo a tiempo. Si la hubiera pensado más me hubiera desencantado. ¿Quiénes son tus favoritos? Roberto Andrade “El tío Rober” -muy incomprendido, yo creo; Carlos Ballarta; Adriana Chávez; Coco Celis de Cuernavaca... allá se empezó a hacer stand-up sin tener contacto con la escena de DF al mismo tiempo, y tienen un humor muy particular. ¿En qué categoría cabe el tipo de stand-up que haces? Así como en las tiendas de discos está el anaquel de la música alternativa donde avientan todo lo que no es pop, electrónica y rock clásico, a mi me tocaría ese anaquel pero en el standup. No porque yo me quiera poner allí. Supongo que con Juan Carlos Escalante... tratamos de hacer algo que no esté muy definido por alguna forma. Creo que es un buen momento para hacer comedia observacional, pero es un tren al que prefiero no subirme. Me ayuda mucho a hacer lo mío el que exista un montón de colegas haciendo observacional. ¿Qué es lo que te gusta presentar? Muchos se están preocupando por tener un discurso. A mí me gusta mucho el chiste por el chiste. La experiencia de reírte por algo que te confunde. Me gusta un comediante

canadiense llamado Tony Law que dice que ahorita es muy fácil insultar una ideología y él se sube a insultar la sensibilidad de la gente, en vez de su ideología. En vez de hacer un chiste del aborto, es como subirte a hacer un minuto como pato, se ría la gente o no. Eso se me hace más valiente. No se si has notado que mucha gente se sube a decirte de lo gracioso que es su trabajo. Yo desde que empecé a trabajar fue en la comedia y no tengo la referencia de las reglas de oficina para hacer mi comedia. Hay pocos actores haciendo stand-up comparando con todos los comediantes que son ex-oficinistas. Es como desobediencia social. Los actores son muy malos standuperos. ¿Tú ya vives del stand-up? Sí pero en general de la comedia, no sólo el stand-up. Hago varias cosas que se tratan de comedia y una es el stand-up. No estoy casado con el movimiento sino con el humor. Disfruto mucho el stand-up, pero más el sketch. De repente mi rutina ni siquiera es stand-up, sino sketches de una sola persona. ¿Como nace tu rutina de stand-up? Se me ocurre un chiste. Si pega, lo voy estirando. Y si veo que reacciona bien, llega hasta hacerse una rutina.

INDUSTRIA

TXT:: VICENTE JÁUREGUI

EL PASADO MES DE NOVIEMBRE, RECTOR 105.7 CUMPLIÓ SUS PRIMEROS 11 AÑOS DE VIDA. DE CARÁCTER MUTABLE Y PERSONALIDAD MÚLTIPLE, PARA COMPRENDER SU HISTORIA NO BASTA CON REGRESAR A 2004, SINO HASTA 1970, CUANDO EL DEPARTAMENTO DEL DISTRITO FEDERAL COMENZÓ A OPERAR EN EL CUADRANTE 105.7 DE FM, CON UNA PRIMERA TRANSMISIÓN DE POTENCIA TAN DÉBIL, QUE NO REBASABA EL PRIMER CUADRO DE LA CIUDAD. EN ESE ENTONCES, NI DE CHISTE SE ASOMABA EL ROCK EN LA PROGRAMACIÓN Y MUCHO MENOS HABÍA UNA ESTACIÓN MÓVIL QUE TRANSMITIERA DESDE UN HOYO FONKY DESPERDIGADO EN LA PERIFERIA.

TUVIERON QUE PASAR 13 años para que naciera el IMER y con ello, la fugaz Radio Cosmos, que después de cuatro meses al aire, fue abruptamente convertida en Estéreo Joven, un proyecto que inauguró el apoyo al rock nacional mediante cápsulas con viva voz de David Lerma “El Guadaña” de Banda Bóstik. Pero fue hasta la consolidación del rock nacional a finales de los 80 y luego con la apertura al mercado internacional de Salinas, que la programación se volcó al rock de manera decidida. Entre 1992 al 94, se dio un periodo turbio con cambios de nombre como Láser FM y Conexión Acústica, hasta que en el 95 nace Órbita, ya con un perfil totalmente enfocado en el rock, sobre todo el hecho en México. “Reactor surgió como una fusión entre Órbita y Radioactivo. Cuando llegó Marcello Lara, su visión era crear una estación completamente diferente. Pero Reactor se hizo con staff y locutores de ambas estaciones”, comenta Warpig sobre el origen de Reactor. Luego de que Órbita concluyera su ciclo en el otoño de 2004, Marcello y Raúl Vázquez “Rulo” fueron nombrados gerente y programador, respectivamente,

bajo el incluyente slogan de “Todas las alternativas”. Con casi una década de transmisión ininterrumpida, esta dupla mantuvo a la estación con gran aceptación del público hasta finales de 2013, cuando de nueva cuenta se dio una profunda ruptura. “Yo duré tres años metiendo mi CV a Reactor. Quería ser locutora pero me dieron la gerencia. Varios mostramos proyecto y el mío ganó. Antes, cubrí todos los puestos de radio y, por eso, me creyeron capacitada para dirigir”, comenta Romina Pons, quien desde hace dos años está al frente de la estación. Era un momento álgido en que las cosas parecían tambalearse; “cuando entré, había mucha inseguridad; la mayoría pensábamos que iba a desaparecer”, nos dice Romina sobre ese momento de coyuntura. Con tantos cambios, ¿cómo ha cambiado la personalidad Reactor, que tanto se conserva la esencia de la estación? Según Romina, “quieras o no, terminas inyectando tu personalidad en la programación. Obviamente, hay reglas, fundamentos y bases. Hay cosas

de la programación que yo jamás escucharía porque Reactor no es mi iPod, es radio pública y una muy pequeña parte de nuestros impuesto la sostiene. Ahora, tratamos de encontrar un balance entre lo vanguardista y lo que el público quiere escuchar”, concluye. Para Carlos Andrade, el actual programador que viene de trabajar en W FM, Radioactivo, R&R y Dixo, “el departamento de programación es un integrante más de la estación y su labor es informar. Intento que sea una programación para gente que disfruta la música más allá de las banderas, que no descalifiquen con ‘esto es pop, hipster o fresa’. Reactor es para quien puede escuchar Mecano, Mew, Metallica y Arcada Fire sin prejuicios. Antes, la programación era por bloques; uno de hip hop, luego uno de metal. No me gusta ese criterio; lo importante es sorprender, que digas: ‘¡Qué raro que metan El Haragán después de Foo Figthers!’”. Lo anterior contrasta con la opinión de Warpig, para quien el error de una estación es hacerte fan de todo; “no puede gustarte todo, te tienes que definir. Mi generación no tendría duda entre ver a Bowie o a Los Fabulosos.

Actualmente, los chavos tendrían esa duda”. En el contraste y la diferencia, Reactor representa un espacio plural que reúne varios criterios sin que haya conflicto por ello. Con el cambio de administración, el equipo de locutores también y ahora son pocos los que permanecen. Sobre los nuevos criterios para ser un locutor en Reactor, Romina lo tiene muy claro: “En Reactor somos una comunidad, y si quieres ser famoso, mejor vete a Televisa; acá la idea es generar cultura. Para escoger a un locutor, escucho su demo, aunque refiero platicar en persona, ver que sea inteligente, que sepa mucho de música, que sea alguien simpático y sin ego. Si quieres tener un programa especializado, lo importante es que seas un crack en tu género”. Pero ¿por qué seguir escuchando radio ahora que toda la música está al alcance de un click? ¿Cómo mantenerse vigente frente a la competencia que representa Internet? Al respecto, Warpig cita a Luis Gerardo Salas de Rock 101: “La radio es lo que pasa entre rola y rola. Es muy diferente que Sussie Oh, Luis Pérez o yo te

23 presentemos a Cypress Hill. A los tres nos late igual, pero cada uno es diferente. La identidad es la suma de los locutores y la programación”, concluye. Para Carlos Andrade, “la radio sigue siendo relevante por el contenido. Nuestros programas no los puedes escuchar después en un podcast, son irrepetibles. Tengo un programa nuevo que se llama Cuéntame un disco; invito a bandas con más de 10 años para presentar su primer o segundo disco, canción por canción, a manera de documental. La gente pide que lo repitamos o hagamos podcast, pero no lo haré. Pierdo radioescuchas, aunque el programa es para radio, ése es su fin, no terminar en algo digital”. Sin duda, además de los locutores, en los últimos dos años la programación ha cambiado bastante y en las redes sociales ha habido comentarios muy polarizados al respecto. Sobre los criterios de programación, Andrade comenta: “Un filtro sería que suene bien, que sea agradable al oído, con melodía. Busco que se escuchen los instrumentos, lo cual genera que casi no tengamos música electrónica generada por caja de ritmos; ahora hay más guitarras (acústicas o eléctricas). Intentamos que no haya nadie haciéndose el chistoso. Nuestras referencias son globales y nuestra programación no depende de los estrenos de las disqueras. Si sale un disco que nos gusta, lo probamos el día que sale, no cuando la compañía decide o la canción que ellos quieran promover”. Sin embargo, ¿qué pasa con las bandas nuevas que están tratando de tener un espacio para exponer su música? “Llegan demos, pero el 70% de lo que programamos es resultado de nuestra búsqueda. En Ahora es cuando tocamos demos, pero no necesariamente de bandas nuevas; puedes escuchar el demo de Reyno y bandas que dan consejos a los jóvenes sobre cómo grabar”. ¿Qué debe tener una banda para lograr un espacio en Reactor? “Muchos grupos nuevos abusan del lo-fi y del noise como una manera de maquillar. No graban bien la voz y lo disfrazan con eso.

Otras bandas llegan con un disco quemado, traen un MP3 y nosotros no subimos formatos comprimidos. El disco no trae información de contacto. El demo es tu carta de presentación y debe estar bien cuidado”. Como un organismo del estado, los cambios obedecen a la lentitud burócrata: “Me tomó año y medio cambiar mi barra de programación; apenas en agosto logré el cambio. Sentía que todos los programas eran iguales y quería darle personalidad a cada uno”, comenta Romina. Sobre esa lentitud, Warpig remata: “La última administración ha evolucionado mucho las cosas; para que te des una idea, en 11 años nunca tuvimos red inalámbrica hasta ahora. Trabajar en el IMER es como estar en el IMSS” (ríe). Mucho se ha acusado a Reactor de recibir payola para tocar a ciertos músicos; los ataques son constantes en las redes y entre las bandas se comenta la situación. Sobre ese tema, Warpig nos dice que la payola “es injusta e ilegal. Nos acusan, pero nadie lo prueba. Jamás he puesto a Lost Acapulco para no dar pie a esas acusaciones. Hay miles de historias y podríamos hacer un programa; seguro pasa en muchos lugares, pero yo no tengo las pruebas, las fotos ni los estados de cuenta”. A 11 años de su creación, Reactor es una estación que forma parte del soundtrack personal de incontables radioescuchas. En ese sentido, los objetivos de la estación permaneces intactos: “Nos interesa estar cerca del público, regalar muchos boletos, hacer sesiones; por eso, tenemos ahora los acústicos en la Cineteca una vez al mes y los pic nic de vinil en el Tamayo, un programa al aire libre para que la gente pueda tocar su disco al aire”, nos dice Romina. El pasado mes de noviembre, las celebraciones de la estación fueron multitudinarias y reafirman lo que Carlos Andrade comentó para Marvin: “La audiencia de Reactor va en aumento, los números lo demuestran. Cada que veo las gráficas, todo va en aumento. Mientras tanto, seguimos tratando de estar lo más cerca del público”.

ATLAS SONORO

TXT:: ALEJANDRO MANCILLA @NOSOYMODERNO

Houston BUXTON

“VIAJAR AL ESPACIO INTERIOR”

Buxton es una banda estadounidense con todas y cada una de las letras del género bien puestas. En la agrupación de folk energético milita un latino: Sergio Treviño, quien, ocasionalmente, deja mensajes en español en el FB del grupo. Su reciente disco, Half of a Native, está considerado como uno de los mejores del año en el circuito texano. Pero…¿por qué hacer folk en la ciudad espacial por excelencia? Platicamos con Chris Wise, el bajista del grupo: “Definitivamente, estamos influenciados más por la música del pasado. En cuanto a la historia de la ciudad, realmente no podía decir mucho; es una ciudad espacial, pero lo vemos normal, hemos crecido en ella. Aquí hay mucha gente diferente, distintos estilos de vida, pero hay algo subyacente en Houston, que nos influye de maneras insospechadas”.

Si Houston fuera una persona, ¿cómo la describirías? No creo poder responder a eso. Supongo, sería un persona confundida, pero con el tiempo, un amigo entrañable. ¿De dónde vienen sus canciones, de sus vivencias o del interior? Provienen de una gran variedad de lugares y emociones. El proceso de composición es un esfuerzo en conjunto y cada quien aporta su propia perspectiva. Emocionalmente, las canciones siempre llegan a buen puerto gracias a que somos amigos y hemos hecho música por más de 10 años. ¿Cómo es vivir en Houston? Es relativamente fácil, las rentas no son caras, y como la escena no es muy grande como en otras ciudades, hay mucha unidad. Tres de nosotros crecimos en un pequeño pueblo llamado La Porte,

que está situado a las afueras de Houston. ¿Qué bandas locales te atreverías a recomendar? Dollie Barnes, Buoyant Spirit, Deep Cuts, The Suffers y Adam Bricks. ¿Tus películas favoritas sobre el espacio? Alien, Solaris (la de 1972) y 2001: A Space Odyssey. Checa su single “Miss Catalina 1992” en tu YouTube más cercano para que te des una idea de qué va la onda de estos texanos. Integrantes del grupo: Sergio Treviño, Chris Wise, Jason Willis Justin Terrell y Austin Sepulvado. Síguelos en: www.buxtonband.com/ @buxtonband newwestrecords.com/

Houston, tenemos una escena… Olvídate de Austin. En la también llamada Space City, Houston, también hay movimiento. La ciudad texana cuenta con una escena muy incluyente, en la que, por la relativa cercanía con nuestras fronteras, hay una buena cantidad de actos en español (se llevó a cabo durante un buen tiempo, un festival llamado Spanglish), además de una tradición que va más allá de la música sureña imperante en esas tierras que fueron testigos del ascenso y caída de tantos magnates petroleros y de la gran carrera espacial norteamericana. Comercialmente hablando, Houston es sede del surgimiento de artistas pop como Destiny’s Child (o sea que, indirectamente, esta ciudad es culpable de que exista Beyoncé) y de legendarias bandas de rock redneck como ZZ Top (si vas a la ciudad, seguro te llevan de party unas chicas como las del video de “Legs”), así como

de Lyle Lovett (ex esposo de Julia Roberts y cantante de música campirana) y Hilary Duff (ex chica Disney devenida en cantante juvenil a la sombra de Miley, pero para nada exhibicionista como ésta). Claro que todos terminan emigrando a Hollywood o Nueva York para codearse en las fiestas con Justin Bieber o con The Flamig Lips, pero su génesis es en esta urbe texana. Pero, afortunadamente, no todo es pop sobre hojuelas; la ciudad también merece recordarse por ser la cuna de un movimiento ochentero de hardcore y thrash metal que incluso compite tibiamente con el de Washington D.C. Agrupaciones como Dirty Rotten Imbeciles (más conocidos en el medio como D.R.I.) o los más underground Verbal Abuse. Pero la historia se remonta mucho más atrás de que el hombre pisara por primera vez la luna. En los años 60, destacó el blues

man Sam “Lightnin’” Hopkins y a mediados de esa misma década, pero más bien lejos de los tipos que vendían su alma en encrucijadas y cerca de quienes empeñaban su existencia a los lisérgicos, los experimentales y poco ponderados héroes del circuito psicodélico: The Red Crayola, curiosamente una de las agrupaciones experimentales seminales del post-punk por venir. Por otro lado, estaba otro de los no-músicos cómplices de los movimientos científicos sónicos de Brian Eno o John Cale; estamos hablando de Pauline Oliveros, un tipo que sentó bases de la música de arte electrónica con conceptos tales como la deep listening o la sonic awareness. Otro de los movimientos inteligentes de la escena citadina de Houston, estuvo basado en el noise rock, escena que se desarrolló a partir de los 60 y que tuvo continuidad en la década posterior con bandas

como Jandek, combo que sigue en activo y que ha grabado más de 70 discos siempre en con vena experimental y ruidosa. En los 80, destacaron los anarquistas sónicos Culturcide (qué buen nombre) y los menos punks The Pain Teen. Inscritos en el mismo movimiento noise, igual hicieron ruido (literalmente) en los años venideros, bandas como MOZ, Charalambides y más recientemente Indian Jewelry. Actualmente, te puedes topar en cualquier club o en la red a proyectos tan diferentes entre sí como A Bitter Season (que tocan hard rock), los góticos de A Blue Dream, A Candle Lit City (hardcore) o Aftermath (death metal), los indies Young Mammals o los muy recomendables e influenciados por Blondie: Wild Moccasins. Ah, y también los New York City Queens, son muy buenos y sí, viven y son de Houston.

25 Dos proyectos a seguir:

Jana Hunter

The Suffers

Esta intimista cantautora de pelo corto que pertenece al mismo sello de Devendra Banhart y, además, es parte del grupo Lower Dens, Jracula y Food Pyramid (entre otras bandas), es una de las más interesantes artistas de esos lares (aunque se ha movido de ciudad recientemente). Como dato, la chica es la inspiración de un novelista llamado J.M. Appel, quien la incluye en varios de sus cuentos.

No es tan complicado encontrar una verdadera banda de soul hoy en día, no si estás en Houston. Esta agrupación también tiene todo el espíritu del rock and roll y un gran acto en vivo. La banda ya tiene una trayectoria bastante amplia y sería cuestión de tiempo que exploten popularmente... Bueno, eso si es que hay justicia en el mundo.

gnomonsong.com/janahunter

www.thesuffers.com

John Grant

MÚSICA

TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO

DEL ESPACIO EXTERIOR AL DRAMA EXISTENCIAL

En menos de una semana, han caído dos piezas de naves espaciales en la región de Murcia en España. La tranquilidad de las localidades de Mula y Calasparra fue interrumpida por un par de esferas de metal que aparecieron en solares de aquella tranquila y provinciana región. Tan es así, que el propietario de uno de los terrenos alcanzó notoriedad mediática expresando un sincero: “Hay un objeto espacial en mi corral”.

DIERON PARTE a las autoridades y éstas enviaron personal experto que, de entrada, se pronunció por explicar que podría tratarse del depósito auxiliar de combustible de un cohete. Se ha informado que más de 500,000 trozos de chatarra se encuentran dando vueltas al planeta; así que no es difícil que unos cuantos caigan a la superficie terrestre. La lógica y la ciencia hacen mancuerna para ofrecer explicaciones que suenan enteramente razonables. El caso es que me gustaría que no fuera así. Me encantaría que esos objetos cayeran en mi patio y mirarlos con extrañeza. No saber qué son en realidad y que los días transcurrieran con la interrogante en crecimiento. Estoy seguro de que les perdería el miedo, que los cargaría hasta el interior de la casa y al cabo de una auscultación respetable, terminaría por tratar de abrirlos para saber si en su interior algo contienen. Todo lo anterior no es más que un pretexto para un deseo imposible. Me hubiera fascinado que al abrir aquella burbuja de

metal, lo que me encontrara al interior fuera un disco compacto o un vinilo. Y no cualquier álbum; si es que pudiera escoger mi elección, se concentraría en Grey Tickles, Black Pressure, el tercer opus en solitario de quien fuera líder del grupo The Czars –donde desparramaba melancolía por doquier–. La sensación de la primera escucha fue similar a la experiencia con el David Bowie del periodo berlinés; se trata de una extraña mezcla entre una vibra espacial, pero desde una perspectiva doméstica. Como si un cosmonauta se quedará parado en solitario a la mitad de una enorme plaza pública en la que tan sólo estuviera rodeado de grandes edificios de concreto. Un hombre venido del espacio en una superficie que le es totalmente ajena y que lo coloca en un aparente absurdo paisaje lleno de grisura. Lo que tampoco resulta algo del “otro mundo”, pues John Grant (Michigan, 1968) lleva dos años como residente en Islandia, donde esa marejada de grises forma parte del paisaje habitual

–alternando con una amplia gama de blancos–. Esto que vengo exponiendo también me remite a una anécdota –ésta si real– protagonizada por el astronauta ruso Yuri Gagarin. Resulta que al regresar de su mítica incursión espacial, su nave cayó en despoblado y tuvo que emprender la caminata hasta el asentamiento humano más cercano. Una campesina fue la primera persona en ver a Gagarin después de su aterrizaje. “¿Vienes del espacio exterior?”, le preguntó. “Ciertamente, sí”, dijo Gagarin. Pero para tranquilizar a la sorprendida mujer, completó: “Pero no se alarme, soy soviético”. Seguro que John Grant podría contestar a quien se lo encuentre deambulando: “Hola, soy norteamericano, vivo en Islandia y tengo una canción que se llama ‘Martz’; ¿será que vengo del espacio?”. Y es que una de las propiedades fundamentales de la música que compone este cuarentón es su capacidad para hacernos sentir que estamos volando en una nave o, bien, inventarnos historias sobre gente extraviada.

Ya si en antaño había dedicado un tema, nada menos, que a Sigourney Weaver –una de las protagonista de Alien, el octavo pasajero– en Queen of Denmark (2010) –su debut como solista–, ahora parece que sus afanes narrativos se enfocan a los acontecimientos que tienen lugar después del aterrizaje –forzoso o voluntario, espacial o existencial– porque desde el título mismo del álbum se empeña en crear combinaciones casi impensables. Grey Tickles, Black Pressure (Bella Union, 2015) se conforma con una primera parte que procede del islandés y que quiere decir “mediana edad”, para luego pasar al turco y retomar la expresión “pesadilla”. John Grant tiene mucho que contar y lo hace a través de canciones en las que siempre hay una buena tanda de pesadumbre que es filtrada a través de un cáustico sentido del humor. Pero no sólo posee grandes dotes artísticas; también ha tenido que lidiar con una pesada biografía que incluye complejos pasajes de depresión, alcoholismo,

FOT:: ARCHIVO

“Te crees súper especial, pero no eres más que un chupavergas”. —John Grant

+ ESCUCHA TAMBIÉN

John Grant Queen of Denmark Bella Union, 2010 La primera incursión tras The Czars; aquí comienza la exploración interior en plan autobiográfico y confesional

drogadicción y homosexualidad reprimida durante la juventud. Vaya que no se las ha visto fáciles. Ha tenido diversas relaciones sentimentales a medio camino entre el abuso y la destrucción – propia y ajena–. Si todo ese cúmulo no bastará, a la mitad del trabajo de su anterior producción (Pale Green Ghosts, 2013), se enteró de que era portador del VIH. Pero con todo y tumbos, lo ha superado, y este tercer LP nos deja ver que se halla mejor que nunca e incluso, tiene una estupenda relación de pareja que ya ha durado un par de años. El artista atormentado ha alcanzado su punto de equilibrio y eso que no ha dejado el drama del todo –es como un sello de autor–. Grey Tickles, Black Pressure está lleno de canciones memorables; una docena para ser preciso, contando que abre y cierra con unos mensajes bíblicos (Epístolas a los Corintios) que hacen algo más freak el asunto. Ahí está un dueto con Amanda Palmer en “You and Him”, que se centra en un intercambio de improperios en una pareja. Frases del tipo “Te crees

súper especial, pero no eres más que un chupavergas” o “te deberías juntar con Hitler y aprender a tejer para que lleven los mismo suéteres”. Todo esto con la referencia al sonido de Iggy Pop en The Idiot. Pero también cambia de juego radicalmente y pisa terrenos de electro-funk en “Disappointing” –una de las mejores canciones del año–, en la que se acompaña con Tracey Thorn (Everything but the Girl) para hacer un recuento de cosas favoritas y, a la vez, un homenaje al legado musical de Bowie. Se trata de un disco que, por un lado, tiene esa faceta melodramática, alternando con un gusto por la electrónica analógica que le da ese acento espacial. El tecladista Bobby Sparks tiene un protagonismo maravilloso, que fue muy bien aprovechado por John Congleton, productor que ha colaborado con Swans, St. Vincent y Franz Ferdinand. La aventura rítmica y el frenesí de sintetizadores está presente en “Voodoo Doll” y “Snug Slacks”, mientras que esos himnos domésticos tendientes a la épica

se alinean en “Global Warming” –hermosa–, “Down Here” y “Geraldine”, que es un tributo de fan a la actriz Geraldine Page. En algún momento, toca Budgie, baterista de Siouxie and the Banshees, y ayuda a que lo experimental esté balanceado con la contundencia. ¿Qué es, pues, lo que entrega John Grant? Pop excéntrico atascado de buenas letras; a veces, casi orquestal; en otras, un tanto techno. Sabe cómo estimular el alma al tiempo que habla de hemorroides, productos capilares, televisión, muerte y cambio climático. Ya recorriendo los 40, halló su lugar en el mundo, ha hecho el mejor álbum de su carrera, no sin antes haber tenido que trabajar incluso como traductor de ruso en un hospital de Nueva York. ¿Cuántos compositores se atreven a soltar: “Hay niños con cáncer y se cancelan todas las apuestas: yo no puedo competir con eso”? Ni duda cabe: su música debería meterse en una esfera para ser enviada al espacio y que su arte viaje hacia el infinito… Y más allá.

Iggy Pop The idiot RCA, 1977 La Iguana musculosa y el hombre de los ojos bicolor componiendo a todo vapor en 1977 entre ideas y venidas de su amor por los tóxicos.

David Bowie Low RCA, 1977 1977 le dio al Duque blanco para comenzar su trilogía berlinesa; krautrock y retrofuturismo flotando en el ambiente. Discazo.

MÚSICA

TXT:: AARÓN ENRÍQUEZ

Floating Ponts CUANDO LOS NERDS SE VOLVIERON INFLUYENTES Afortunadamente vivimos en un mundo que nos regala más de una vuelta de tuerca de vez en cuando. El orden de las cosas como las conocemos siempre tiene oportunidad de transformarse, lo malo es que lo hace y lo peor del caso, es que no nos pide permiso para hacerlo.

FOT:: LOUISE HAYWOOD SHIEFER

SI TE HUBIERAN PREGUNTADO hace 15 años, jamás te habrías imaginado que aquel compañero que pasaba sus tardes escuchando discos viejos de jazz o tocando el piano en lugar de salir a la calle en busca de problemas, como el resto de los mortales, podría algún día ser el encargado de cerrar las fiestas más espectaculares en uno de los lugares más influyentes de todo el planeta. No es ninguna exageración, y si no les suena el nombre de Sam Shepherd o Floating Points, no se sorprendan con lo que están a punto de leer, es mejor que entiendan que el futuro nos ha alcanzado irremediablemente y con él ha llegado el día en que los nerds están dominando al mundo. Sam Shepherd es un tipo nacido en Manchester que creció rodeado de música, incluso perteneció al coro de niños de la principal catedral de dicha ciudad. Originalmente tocaba el piano y llenaba sus oídos con discos viejos de jazz. Practicaba lo suficiente para no ser malo en lo que hacía, pero sobre todo ponía atención en cada nuevo sonido que llegaba a su tornamesa. Nada sorprendente hasta el momento, sólo un nerd obsesionado con música vieja y vinilos que sólo a tu tío abuelo borracho le podrían gustar. Lo interesante de Shepherd llega en el momento en que decide mudarse a Londres a estudiar neurociencia en la University College London. Una decisión que según él mismo tenía más que ver con sus ganas de no caer en el cliché del músico que siempre estudia arte o carreras afines, que con sus deseos reales de dedicarse algún día a estudiar los cerebros humanos, puesto que, contrario a lo que marcan los tiempos de escasez en la industria, y a pesar de que ya cuenta con un doctorado como científico de la mente, Shepherd ha apostado todo por su talento musical y toma la neurociencia más bien como un hobby del que sólo se acuerda de vez en cuando. Pensaríamos que fue una decisión apresurada, si no fuera porque sabemos que en sus tiempos libres como estudiante, este geniecillo ya se dedicaba a romper las noches de fiesta en Plastic People, el club que por muchos

años marcó la tendencia de la música electrónica en Londres, y por ende en todo el mundo, y que este año cerró sus puertas definitivamente. El tipo se mantuvo durante años compartiendo tornamesas con gente como Four Tet, SBTRKT o Theo Parrish, residentes habituales de Plastic People. ¿Su habilidad? Tenía la suficiente confianza en que los discos que había estado rastreando durante sus interminables viajes al centro de la tierra del vinilo, cosa que hace incansablemente, tenían el suficiente groove como para poner a bailar a la gente toda la noche; además de una capacidad físico-química para hacer mezclas que fluctuaban entre ritmos brasileños, jazz, disco y una cantidad interminable de rarezas que aparecían entre los libros de neurociencia y un cerro de discos desordenados. Pero sabemos que tocar en un club no lo es todo para ser considerado un buen DJ. Lo que hay en Shepherd es un músico completo y complejo que ha explotado su habilidad de descubrir beats interesantes en los lugares menos imaginables. El tipo es un obseso de encontrar joyas. Puede viajar a Brasil, intercambiar canciones con sus amigos, meterse a cualquier tienda del mundo, explorar Internet, todo para hallar el ritmo que lo vuelva loco para después reinventarlo y volverlo fuera de este planeta. Según él mismo cuenta, su forma de mezclar y reproducir indiscriminadamente los sonidos que se encuentra en su colección, está inspirado en gran parte en Ade Fakile, figura emblemática, dueño del Plastic y un DJ sin más reglas ni ética musical, que el compartir música increíble a las masas. Esa facilidad de rescatar sonidos que quizá no están tan a la vista de las tendencias mundiales, pero que en sus manos se vuelven en una cosa proveniente de otro planeta, se nota cuando produce para Eglo Records, firma de la que Floating Points es co-fundador junto a Alexander Nut y que ha tenido el acierto de trabajar, por ejemplo, con Fatima, a quien tuvimos oportunidad de ver en el Festival NRMAL de 2015 con todo y la Eglo Band. Un proyecto en el que destaca la mano de Shepherd para hacer parecer que ritmos como el

Lo que hay en Shepherd es un músico completo y complejo que ha explotado su habilidad de descubrir beats interesantes en los lugares menos imaginables R&B, el soul o el funk, adquieran un sentido futurista y espacial que ha enamorado a más de uno. Eglo ha adquirido una notoriedad un tanto atípica para un sello discográfico de sus características, es decir, gente que simplemente hace lo que le gusta con pasión. Aunque estamos hablando de un músico completo, que inició desde lo análogo para poco a poco construir su universo como DJ, es en el ámbito electrónico en donde ha encontrado la libertad que necesita. Según sus propias palabras, trabajar con las tornamesas le ha permitido no depender de nadie para construir su propio sonido, el cual encuentra una identidad propia a partir de sus referencias. El resultado en su primer larga duración, titulado Elaenia, es un disco que escupe todos esos años de bagaje cultural a un espacio y tiempo que parecen no ser los nuestros. Mucho más introspectivo y atmosférico, pero con un sentido de la perfección al mezclar los ritmos que pareciera que tantos años de estar estudiando neurociencia le han servido para meterse con sus beats en las partes de tu cerebro a los que no estás habituado explorar. Floating Points logra por momentos un sonido científico-espacial que te dan ganas de asomarte a ver si no estas escuchándolo desde una nave espacial. La ciencia se le nota hasta en la forma de hacer sus videos (recomendable que vean “Silhouettes”) y en el arte de su portada. Hecha con una especie de péndulo que reaccionaba con los beats del disco y que dibujó la figura final sobre un lienzo blanco. Sin duda, Elaenia se trata de uno de los discos que hay que poner atención antes de que hagan su lista oficial de los títulos del año. Aunque quizás estaría mejor verlo en una lista paralela, en la que se observen propuestas distintas a lo habitual, pero de igual calidad, como ésta.

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Bjork Vulnicura One Little Indian, 2015 La artista islandesa también sacó disco este año, quizás uno de los más experimentales de su carrera.

Four Tet Morning/Evening Text Records, 2015 Kieran Hebden sacó este disco en julio pasado. Aquel que busque lazos comunicantes entre Four Tet y Floating Points, puede escuchar el set que hicieron juntos para el cierre de Plastic People.

Matthew Herbert 100 Lbs Phono, 1996 Según el propio Sam Shepherd, su aspiración en la vida es llegar algún día a ser un arquitecto del sonido de la talla de Herbert, un tipo que saca beats hasta de las piedras.

MÚSICA

TXT:: UILI DAMAGE Estudiaste Diseño Gráfico. ¿Cómo empezaste en la música y cómo se ha desenvuelto esta historia hasta hoy?  DJ Smurphy: Estudié Diseño en la FES Acatlán, pero siempre me gustó tocar música. Aprendí a tocar instrumentos cuando era niña, aunque cuando estaba en la universidad, mi mejor amiga y yo –entre bromas– decidimos formar una banda, Post-Pastel; ahí fue que comencé a hacer mi propia música. Ambos, música y diseño han estado conmigo durante los últimos 10 años; como diseñadora y trabajando en publicidad, he aprendido lo básico para lanzar un producto y hacerlo presentable para el público; esto ha sido un apoyo para mi música, para la parte visual y la manera como he tratado de difundirla. Tienes raíces fuertes en la música con guitarra y batería. ¿Echas mano de eso para lo que es Dj Smurphy?  En teoría, sé tocar un poco la batería, las percusiones son mi fuerte en la música; probablemente, ésa es la razón por la que me he inclinado hacia lo dance. Las guitarras nunca me han encantado y nunca he podido tocar una guitarra en forma; uno tiene sus instrumentos preferidos, y yo me voy por el lado de las percusiones, es lo que más me prende.

DJ Smurphy LOS PASEOS POR LAS ESTRELLAS CANSAN IGUAL Cansada de la escena de la música electrónica local –más puntualmente, de su fiesta interminable–, Jessica Smurphy (D.F., 21 de mayo, 1985), se mudó a Estados Unidos. En su estancia allá, está resintiendo el agotamiento de la continuación de su “paseo por las estrellas”. Y es que esta artista estupenda no precisamente va llegando a la fiesta. Ella empezó hace un buen rato a crear en forma, aun cuando es muy joven y ha empezado a destacar en círculos ajenos a los que le dan más comodidad. Artista completa que tiene la música como eje creativo, responde unas cuantas preguntas acerca de su persona y óptica.

FOT:: CORTESÍA DEL ARTISTA Armada con una compu, parece que no te intimida estar a solas en un escenario. ¿Es una decisión o es circunstancial?  Estuve en pequeñas agrupaciones anteriormente: fue circunstancial encontrarme a mí misma en algún momento y decir: “Quiero seguir haciendo música”, sin importar con quien o cómo, con o sin gear, con o sin dinero, el chiste era sólo hacerlo. Hay músicos que no consideran respetable a otro músico que trabaja con software; al final eso o hardware son herramientas y la música se lleva dentro. Y al final, trabajar sola me acomoda mucho mejor. Soy de personalidad solitaria y hacer música así es más natural para mí; puedo hacer lo que yo quiera, tengo toda la libertad, y eso me late. Al principio, era difícil caminar sola al escenario y hacer lo mío, pero ya me acostumbré.

Haciendo un poco a un lado los ritmos que usas, es inevitable pensar en el espacio y el futurismo con tu música. ¿Cómo son o cómo imaginas los ambientes que te parecen más adecuados para los sonidos que creas?  Cuando estoy trabajando en un track en general, no pienso en algo visual o espacial; mi concentración se encuentra en el sonido. Creo que eso es lo mágico de la música; no importa donde te encuentres, un disco te puede transportar a otro sitio que va más allá del espacio físico; la música es vibración, se siente, y creo que todos sentimos cosas distintas respecto a ella. En realidad, nunca pienso en un ambiente adecuado para mi música; en lo particular, mis lugares favoritos para disfrutar son la carretera o sola en mi casa con audífonos, la regadera, al trabajar, etcétera.

¿Cómo defines los visuales que usas en vivo, qué referencias tienes en mente cuando los planeas?  Los visuales son totalmente prescindibles, especialmente ahora. Antes me clavaba mucho más en ello y en presentar un show “churrigueresco”, pero como reza el dicho: “O chiflar o comer pinole...”. Más bien, me he clavado en la música, y si hay que presentar visuales, me apoyo en algún amigo que se dedique a eso en especifico; es una manera de colaborar con otros y presentar un show más profesional.

¿Qué es lo mejor y lo peor de trabajar con un productor? Trabajé con Lao en la producción de mi primer EP de Smurphy; en adelante, he trabajado sola en mis producciones. Una de mis principales metas como Smurphy ha sido lograr producir mi propia música y es lo que he venido haciendo, aprendiendo sobre la marcha. En mis proyectos anteriores, la producción corrió a cargo de Dr. Bona/Dude (Postpastel y Supermad) y con él aprendí a ver la música desde el punto de vista de un productor, que es quien tiene una visión objetiva sobre la pieza que se esta trabajando, llámese track, remix, EP, álbum, etcétera. Mi experiencia laborando con otros es de aprendizaje y diversión, tienes que seleccionar a quien te produce con respeto a su conocimiento, trabajo y visión objetiva. Uno tiene las ideas y las composiciones; el productor las enriquece y pule. Trabajando solo, tienes los dos roles y hay que saber diferenciarlos: en qué momento termina tu visión creativa y en cuál empieza el escrutinio, y es muy fácil perderse en el medio. Al final, lo más importante es el resultado: crear una pieza que deje huella en las personas que la escuchan; música que te divierta o que te

¿Está siendo más fácil abrirte paso en la música en Estados Unidos? He tenido buenas oportunidades en “el gringo”, pero yo no estoy tratando de hacer mucho, por cuestiones legales y migratorias. Puedo decir que la gente que he conocido acá es muy abierta a la experiencia. En general hay muchas oportunidades aquí, la industria de la música está mejor estructurada que en México. En nuestro país, también hay muchas oportunidades, y la fiesta y la gente es mucho más divertida... (risas) Sí extraño...

acompañe en un momento de melancolía; música para la peda o, simplemente, para limpiar tu cuarto o lavar el coche... Y, al final, hacer música es la onda, solo o acompañado. ¿Qué es lo que sigue para DJ Smurphy? Uno de mis principales planes es terminar con Smurphy, de hecho. Estoy seriamente planeando cambiarme de nombre y hacer algo distinto, ¿qué es? ¡Ni yo lo sé! No puedo decir que dejaré de hacer música porque siempre que digo eso termino haciéndolo de nuevo, pero definitivamente necesito un refresh. Padezco de agotamiento crónico, y me está haciendo cambiar mi estilo de vida y mi mentalidad en general. Tengo que ser muy seria al pensar salir de tour o trabajar extra en la música, porque físicamente es muy difícil o no me es posible. Por esta razón, estoy cambiando mis prioridades, dejar de lado la fiesta y sólo concentrarme en producir o componer, ya que es la mejor parte de hacer música: cuando sucede. Por el lado de las colaboraciones y crews, sigo siendo parte de NAAFI y ahora colaboro con DUPPY GUN también. La idea es seguir explorando el sonido y aprendiendo con el tiempo, sacar releases independientes, súper accesibles para el público, y seguir amando la música. Antes de ser músico, soy un humano, la vida sigue y la vida es inspiración, no pretendo para nada volverme uno más de los artistas que sacrifican su vida y su inspiración para crear fama, que son brillantes, pero están ocupadísimos manteniendo su hype mientras su música se vuelve monótona; creo en la perseverancia y la experiencia que te da el tiempo, busco aprendizaje en la música. #GEMINISS, el álbum de “troll house”, que puedes escuchar en el soundcloud de DJ Smurphy, es una proeza en más de un sentido, pero antes que todo, una colección de música electrónica bailable con buena carga de la experimentación más avanzada creada por mujeres mexicanas. Imperdible.

“Soy de personalidad solitaria y hacer música así es más natural para mí; puedo hacer lo que yo quiera, tengo toda la libertad”. —DJ Smurphy + ESCUCHA TAMBIÉN

Decon/Recon  Noise Manifesto Vol.1 Noise Manifesto, 2015  Aquarian Jugs (uno de los alias más recientes de Jam Rostron, aka Planningtorock), rRoxymore, Oni Ayhun (Olof Dreijer-Andersson de The Knife) y Jaguar Woman (Paula Temple) son quienes conforman este experimento en la electrónica bailable; el primero de la bandera Noise Manifesto, idea discográfica perpetrada por Paula Temple. En una afrenta arte-activista o “artivista”, el grupo crea bases musicales y sonidos melódicos con los que harán cada uno la materia prima que sirva para armar un tema. Éste servirá, a su vez, de pista maestra para despedazar y resobar camino a la pieza final, siempre con el baile en mente.

Georgia Anne Muldrow  A Thoughtiverse Unmarred  Mello Music Group, 2015  Una dinámica activista por la causa femenina negra, tanto como una inquieta investigadora sonora que replantea las raíces del groove, las licua e inyecta en la parte más profunda del cerebro. Su cuarto trabajo es fluido y ligero, pero no menos audaz en estructura.

FESTIVALES

TXT:: PABLO PULIDO

CORONA CAPITAL 2015 La convergencia de todos los sentidos

FOT:: FELI GUTIÉRRES

REGRESEMOS UN POCO EL TIEMPO. Mismo 2015. El mes es mayo y el día, 27. Corona Capital hace el anuncio de su sexta edición, encabezada por The Libertines, Pixies, Calvin Harris y un acto sorpresa. Entonces, la cosa explotó. A través de una estrategia digital digna de aplaudirse, el Corona se convirtió en el tema preponderante del año y como tal, un mar de comentarios surgió cumpliendo con éxito la intención de sus organizadores: reiterarse como el festival más mediático de México. De entre la inmensa cantidad de opiniones, el tema más discutido fue sobre la selección de bandas para este año. Desconocidos para muchos, nombres como Alvvays, Shamir, Skylar Spence, DIIV, SOHN, entre otros, generó incertidumbre al público mexicano; pero hubo un nombre que causó un gran revuelo y una cólera incomprensible: Calvin Harris. Detengámonos un poco. México es un país que, por su historia y consecuente psique, es un fiel amante del rock. Se reza a las leyendas y se aplauden a las nuevas bandas que “apuestan” por un sonido clásico, sin embargo, es curioso cómo se rechaza a los sonidos no derivados del trío estrella integrado por guitarra, bajo y batería. Vale recalcar que estos argumentos no buscan generalizar al público mexicano, porque para todos hay y el Corona se ha convertido en el evento para descubrir otros caminos, nuevos ritmos que resultan del mismo andar de la cultura. Las cosas deben seguir su curso, y esto incluye a la música. Digámoslo así: éste es un festival para las personas que no tienen miedo de ver más allá de su vieja colección de discos. Superar ediciones anteriores siempre es un reto, y el de este año la gran apuesta fue The Libertines, un conjunto estridente que desde hace ya tiempo miles querían ver en estos lares. Naturalmente, su presentación en el primer día del festival fue una locura que se extendió durante cerca de hora y media. Por otro lado, Pixies regresaron más sabios pero menos emocionantes que en ese –ahora ya– mítico show de 2010.

FESTIVALES

Pixies

Calvin Harris Spoon

Chromeo

Primal Scream

Kiesza

The Psychedelic Furs

The Libertines

Por otro lado, Death From Above 1979, un proyecto integrado por sólo dos personas, fue capaz de crear el ruido más hermoso; Kiesza, un fenómeno pop que presumió no ser sólo un one-hit wonder; Shamir y su ejército synth demostraron que los millennials no son tan malos después de todo, y Alvvays, dreampop con aura de colores pastel que brilló en un sábado bajo el sol de otoño. Un verdadero gusto el regreso de SleaterKinney, ahora con nuevo disco bajo el brazo y energía recargada. Irónicamente, la banda fue recibida de manera tibia por los asistentes… Y eso que el trío de Carrie Brownstein rockea mucho más que otras agrupaciones que se veneran en nuestro país. Otro retorno fue Spoon, quienes el año pasado editaron un enorme álbum titulado They Want My Soul, y que en el Corona sonó como una sorprendente oda a la evolución musical. La carpa de música electrónica dio un giro más apegado hacia el techno, pero que tuvo momentos memorables en otros géneros, entre ellos con Run The Jewels, el dueto de hip-hop nombrado como lo mejor de 2014 por diferentes medios, y Chromeo, un producto anacrónico de música disco con la simple intención de provocar un baile descontrolado. Reuniendo los diversos comentarios que se escucharon durante todo el fin de semana, llegamos a la conclusión que Father John Misty se llevó el nombramiento de la mejor presentación. El ex Fleet Foxes no sólo derramó energía sobre el escenario, sino que musicalmente ejecutó una serie de notas que dejaron estupefactos a los miles frente al Corona Stage. Este año será recordado como el día en el que el Corona no sólo trajo consigo a algunos héroes de la música, sino que también demostró que en México sí podemos estar abiertos a otras propuestas.

MARVINISMO

LA MÚSICA IMAGINARIA DEL SISTEMA SOLAR FICCIÓN SIDERAL. CIENCIA FINGIDA. ESPECULACIÓN ESCRITURAL. MUSICOLOGÍA INVENTADA DEL COSMOS. ¿QUÉ SONARÍA EN CADA PLANETA DE NUESTRO SISTEMA SOLAR DE ESTAR HABITADOS O COLONIZADOS –NO NECESARIAMENTE POR HUMANOS–? EL ESPACIO EXTERIOR ES UN GRAN ESPACIO INTERIOR PARA LA IMAGINACIÓN. A CONTINUACIÓN, NUEVE MARVINIANOS EMPRENDEN EL VIAJE PARA CREAR Y HACER SONAR MÚSICA INÉDITA E INESPERADA.

Mercurio TXT:: ARTURO J. FLORES

Mercurio es el más pequeño de los planetas, el que más cerca está del Sol y el que carece de satélites. Prefiere a los solistas o agrupaciones en las que uno de sus integrantes ejerce el liderazgo. Morrissey, por ejemplo, Sam Smith o Kurt Vile. En la que las decisiones se toman rápido y sin titubear. Todo el tiempo hace calor. En consecuencia, proliferan los ritmos acelerados, industriales, que musicalizan grandes concentraciones de aire irrespirable saliendo de la tierra. Nine Inch Nails, Ministry, And One y Rammstein salen de las entrañas. La brevedad es también característica de un planeta con un radio de 2.440 Km. De ahí que en su atmósfera floten canciones de punk, hardcore y grind. Todas aquellas que duren menos de tres minutos y sean repetitivas hasta la náusea, como “Song 2” de Blur o “Hitler Was a Sensitive Man” de Anal Cunt. Mercurio era, en la mitología griega, el dios del comercio. De haber músicos en su superficie, tendrían que ser aquellos que entienden a la creación artística como una fuente inagotable de riqueza. Empezando por el incomprendido MC Dinero, pasando por el colmilludo negociante Gene Simmons y terminando con aquellos que año con año adornan la lista de Forbes como los que más billetes generan: Jay Z, Paul McCartney, Madonna y Lady Gaga. Así sonaría.

Venus

TXT:: ALEJANDRO GONZÁLEZ CASTILLO Hace poco escalé el monte más alto de Venus. Me tomó un día entero lograrlo (es decir, casi 250 días terrestres), pero valió la pena el esfuerzo porque, una vez en la punta, tomé mi batuta para dirigir la Sinfonía de las Venusinas que llevaba meses planeando. La obra incluyó todos los instrumentos del planeta, desde el leve silbido de un puñado de meteoritos desintegrándose en la atmósfera, hasta el vaho que producía el ardiente viento solar; desde el manto armónico de la densa capa de nubes que cubría el cielo, hasta la melodía prodigiosa de las capas tectónicas chocando entre sí y, claro, las ensordecedoras erupciones volcánicas. Aquél fue un día glorioso, hice realidad mi humilde homenaje a Arseni Avraámov y su Sinfonía de las Sirenas, y, además, me conecté mentalmente con una pareja de amantes que en la playa de Mazunte fornicaba de modo bestial. Es decir, esa vez, dos terrícolas escucharon la obra que comandé en algún lugar del cielo. Fue un momento conmovedor, pues noté que a esa dupla le gustó mi sinfonía cuando dejaron de acariciarse para mirar hacia el cielo por unos cuantos minutos. “¿Te imaginas, quién vivirá allá?”, se preguntaban mientras mis manos –flamas doradas de metros de longitud– conducían el cuarto y último movimiento.

Tierra

TXT:: JAIME ACOSTA Nos habían expulsado de la Comunidad Planetaria, no éramos más un planeta. Tuve que embarcarme en una misión; mi libertad para regresar a Plutón, dependía de que fuera exitosa o no: desentrañar el secreto de la dominancia orbital de la Tierra. I A bordo de Nix, recorrí 5,769,000,000 km para aterrizar sobre una especie de criatura gigante que apuntaba a un grupo de seres extraños con ojos rasgados que producían, alocadamente, sonidos coloridos mientras los demás bailaban y repetían: “Skapara, Skapara”. Absorbí la esencia de aquella música con mi láser y desaparecí. II Montada Nix sobre una antena de piedra, mi cuerpo se empezó a estremecer; una fusión de sonidos violentos, tiernos y terroríficos, me indicaron en un lenguaje extraño que “la respuesta” estaba cerca. Descifré las marcas en sus cuerpos y me fugué. III Aquel reloj, al lado del río, parecía indicar que mi hora estaba cerca; una masa completa llevaba una marca en el brazo derecho que indicaba que me encontraba en el lugar correcto. El cantante me guiñó el ojo, señal que era tiempo de moverme, no sin antes capturar aquellas notas melancólicas. IV Una base gigante repleta de terrícolas; el cielo con un tono gris apocalíptico y una bandera exactamente en medio, fueron las señales inequívocas de que la parte final de mi misión había llegado. Cinco locos creaban sonidos rupestres y gritaban improperios, mientras la gente los ignoraba. V Abordé a Nix y emprendí el retorno a casa, comprendiendo que en los sonidos atrapados con mi láser se encontraba el secreto que buscaba. Las voces se alejaban cada vez más, sin dejar de repetir: “Puedes irte de aquí; vete, sin despedir… Ya no hay nada que decir, pues ya todo te lo di. Ahora te lo llevarás como un ciclón…”.

MARVINISMO

Marte

TXT:: ALEJANDRO MANCILLA Dicen que los campos de Marte son incluso más tristes que el lado oscuro de la Luna, dicen…Un tono rojo impregna la atmosfera de este enigmatico planeta, el mismo con el que Bowie soñaba cuando cantaba su sonata glam “Life in Mars”, el mismo para el que se inspiró el grupo de culto The Church para componer una gema marciana como “Fields of Mars”. Si actualizaramos las crónicas de Ray Bradbury, seguramente los personajes que poblan los relatos tendrían como soundtrack mucho ambient, mucho rock progresivo tipo Yes, el disco Time de Electric Light Orchestra y, de vez en cuando, escucharían a The xx y Wild Nothing para acompañar alguna fiesta. Los lugareños, ya sea colonizadores o criaturas nativas, odiarían a grupos como Mouse on Mars, no tanto por su música, sino por el nombre, que le sonaría a presagio de la futura invasión de una civilización terrícola futurista con orejas de ratón Mickey en su escudo de armas.

Júpiter

TXT:: LUIS FERNANDO ALCÁNTAR ROMERO La música más popular de Júpiter está compuesta de distintas capas. Hay en ella una tensión, que al escucharla, genera la sensación de situarse al interior de una serie colorida de melodías, movimientos y ritmos que bajan y suben. Con secuencias atonales que se mezclan de manera espontánea con el llamado sistema tonal, y que algunos versados en esto denominan Antioon. Si visualizamos esta música con el uso de colores, sería con ocres, tonos de naranja y rojo, que en ocasiones se funden en un solo estilo, al ser muy utilizados por músicos jupiterianos. Algo muy usual son unas cámaras de paredes blancas –gigantescas–, en donde la audiencia gira en unos túneles; convive con la música, puede verla, tocarla, moverse a la par de lo que perciben, a distintas velocidades. Ejemplo de ello es un estilo muy conocido llamado Gramahoja (cuyas coordenadas sonoras tienden a lo frío y sintético), los exponentes más notables de esto son 60 tapices, Lunas variadas y Antipresiones. Otro género popular es Vorticvo: Gas 67, Océano líquido, Calímedes y Metignico son estandartes de un estilo que se contrae y se expande con intensidad.

Saturno

TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO En cada regreso al planeta de los anillos, no puede faltar una sesión en Cassiel para probar sus elixires –reconfortantes para el cuerpo, el alma y las biopartes–. No puede decirse que dejarse llevar por las secuencias lentas y vaporosas de la criovolcanic wave sea lo que se dice un remanso. Cada incursión saturniana se convierte en la visita de los siete satélites –eso de las siete casas quedó en el olvido–. Acá todo ocurre con mayor velocidad, imitando los giros de las partículas de los anillos –15 veces más rápidos que una vieja bala–. El frenesí no para, así que hay que darse tiempo para escuchar a Huygens Pleasure Workman. Él entendió que si todo se volvía volátil, la experiencia sensible debía imbuir al cuerpo entero, sumergirlo en una nube hedonista que haga apología de la lentitud. Ahí el tiempo se disloca, se estira… Todo lo contrario a cuando ves los movimientos del speed skin, el ritual de la aceleración molecular. Al Clerk suelo ir como espectador; me coloco afuera de la enorme esfera de cristal selenita y contemplo extasiado a esos cientos de cuerpos que flotan desnudos y se sacuden envueltos en gases. Cada organismo cambia de color muchísimas veces en un breve lapso y los que estamos en el exterior, tan sólo los ojos y las manos –nadie ha explicado el porqué–. Los speedies llevan un dispositivo de hidratación dérmica que previene el desgaste y la fatiga; aun así, no todos podemos concebir tal estremecimiento. Una vez me preguntaron por el sitio de los músicos: están presentes sólo como una imagen mental –cada danzante los ve diferentes–. Hay muchos sitios parecidos al Clerk en Titán, Hiperión, Jápeto y Febe. La juventud pulula en los satélites. Pero en Helmholtz la cosa cambia. El asunto es más contemplativo. La materia es la que se reconfigura y va cobrando formas caprichosas. El visitante elige entre salas individuales o de hasta un máximo de cuatro personas. La música modifica al espacio y la sensación es la del estar al interior de un organismo vivo. A mitad de la habitación, surge un holograma de los músicos o el solista según sea el caso. Tal vez sea herencia de los japoneses; algunos de sus genes todavía deben de existir entre los residentes. Y eso no es todo. Todavía falta contarles del Callejón de las tormentas. Eso será en otro momento.

Urano

Neptuno

Plutón

Ya sabemos que hay humanos a quienes nos fascina lo impopular. Urano es el planeta del sistema solar que menos se ha explorado debido a que es uno de los más alejados del Sol, es el de clima más gélido y, por lo tanto, de los que menos atención recibe por parte de los terrícolas. Es más, si los planetas fueran a la escuela, Urano sería el rarito del grupo; enronces, el más introspectivo, el más misterioso, el más huraño. De existir vida en ese planeta, seguramente el soundtrack de los uranianos incluiría mucha experimentación, ondas sonoras que te congelarían la cabeza al primer beat y mezclas lo suficientemente extrañas como para quedarse a esperar el fin del universo antes de comprenderlas. Muerte al reggaeton y a los ritmos caribeños. Puro pop frío y beats hipnotizantes como los de jj. Pero si acaso la población no se pudiera escapar de las tendencias musicales que dominan en la Tierra y tuviera que entrarle al hip-hop, seguramente The Cold Vein, de Cannibal Ox, sería el disco más vendido de la historia y no se habría quedado en una joya extraviada del underground como lo es en este lado del Sistema Solar. La frase de canción que más se tatuarían los uranianos sería con la que abre “Iron Galaxy”, primer track del disco: “It´s a cold world out there. Sometimes I think I’m getting a little frosty myself”. Toda una tentación pasearse una mañana en el territorio más alto del astro más impopular de la Vía Láctea, a escuchar las mezclas que todavía no inventa Aphex Twin, en ácido, y observando océanos enteros de diamante líquido.

La noticia fue precisa y esclarecedora: en la Tierra, existen siete portales que permiten establecer comunicación con el resto de los planetas. En pleno corazón de la Hipódromo Peralvillo, hacia 2013, Irina descubrió por qué no son gratuitos los nombres de compositores que enmarcan las calles de la colonia: entre las avenidas de Chopin y Schubert –uno Piscis y el otro Acuario, pero ambos de ascendente náutico–, se aloja un alcornoque en el patio trasero de una bodega que abastece los balearios de Ticumán, Morelos. Desde su tronco, la joven médium establece comunicación con cada uno de los 14 satélites de Neptuno, que como bien intuyeron los romanos, es un planeta regido por los fenómenos vagos, sutiles e ilusorios de la mar. Habituados al naufragio, las almas creadoras que abandonan la tierra bajo el signo de piscis, son alojadas perpetuamente en la gran mancha oscura y azulada del plantea. Enemigos de la taxonomía terrestre, los urbanistas conurbados fomentan la promiscuidad musical. Premeditadamente, hicieron vecinos a Maurice Ravel y Kurt Cobain, dos Piscis ejemplares que trabajan en una composición de post-grunge-impresionista desde una corteza de nitrógeno ubicada en Tritón, el mayor de los planetas satelitales. En un espacio contiguo, habita George Harrison –célebre en aquellos lares por la autoría de “Pisces Fish”–, Jonnhy Cash, Nina Simone y José Vasconcelos, un cuarteto de próceres que tienen la misión de componer la eufonía de la nueva “raza cósmica”. Los únicos que mantuvieron su espíritu nacionalista fueron los italianos Vivaldi y Rossini, que vivieron solos durante casi 200 años, hasta que decidieron aceptar a James Gandolfini dentro de su palacio renacentista en Galatea. Juntos trabajan en la obertura de un capítulo póstumo de Los Soprano, pero no han superado el “Woke Up This Morning” de Alabama 3. A varios kilómetros de distancia, deambula Paul Atkinson de los Zombies, que en el solipsismo de Le Verrier, decidió entonar variaciones infinitas de “She’s Not There”, que un grupo de Piscis menos inspirados samplean para hacer jingles en una agencia de publicidad de Galle, el anillo vecino. Cada año –lo equivalente a 165 años terrestres–, todos los habitantes de Neptuno se reúnen a celebrar el ciclo en la residencia de Handel, patriarca del gremio, quien durante toda la noche dirige un ensamble coral que entona Agrippina, Tamerlano y Rodelinda. Durante ese otoño de 2013, Irina capturó con su micrófono de karaoke, las frecuencias permeadas por el árbol en una cinta interplanetaria que guarda celosamente dentro de un buró azulado. Durante 15 horas, 57 minutos y 59 segundos, su plenitud fue mayor que la de cualquier otro ser humano haya alcanzado antes, sobre todo porque ese 27 de octubre, la fiesta fue irrumpida para recibir a Lou Reed, que sin perder su filiación hereje, llegó entonando una versión gloriosa de “Venus in Furs”.

Antes del texto, contexto: el otrora noveno planeta del sistema solar ha sido centro de intensos debates en años recientes. Sus características únicas fascinan o provocan aversión dentro del mundo de la ciencia, pues lo mismo se defiende con pasión su cualidad como planeta (sobre todo a la luz de descubrimientos recientes) o se le trata de colocar rabiosamente en la subcategoría de planeta enano. Se trata, entonces, de un planeta paradigma: aquel del cual surgirán nuevos caminos a seguir o, bien, se le recordará por ser sólo un embustero. Dado lo anterior, ¿a qué sonaría Plutón? A todo arte que ha sido sometido al mismo proceso: ser punta de lanza para una ruptura estética. El noveno planeta compone como Stravinsky, tiene la sofisticación y el desenfado literario de The Velvet Underground, sus guitarras tienen la rabia de los Sex Pistols, su sección rítmica, la sobriedad y precisión de Joy Division, su voz sería hechizante como la de Cocteau Twins, sus shows en vivo estarían llenos de la locura de Nirvana y su ambición conceptual sería la misma de Sufjan Stevens. Plutón, como todos los citados, tienen algo en común: fueron capaces de dividir al mundo, pero a partir de la misma, generaron un punto de unión para aquellos que siempre han estado al margen. Plutón es un outsider. Plutón es el más rebelde de los planetas.

TXT:: AARÓN ENRÍQUEZ

TXT:: VICENTE JÁUREGUI

TXT:: ISRAEL POMPA-ALCALÁ

DE CULTO MÚSICA CINE

IGUAL QUE PRÁCTICAMENTE TODOS LOS GÉNEROS MUSICALES, EL SPACE AGE POP ES PRODUCTO DEL ESPÍRITU DE SUS TIEMPOS. NACIÓ EN LA DÉCADA DE LOS 50 EN ESTADOS UNIDOS, UN PAÍS QUE REPUNTABA IMPULSADO POR LA POSGUERRA Y MOTIVADO POR LA GUERRA FRÍA. SU INDUSTRIA, QUE POR AÑOS ESTUVO LIMITADA A PRODUCIR ARMAMENTO Y SUMINISTROS MILITARES, SE VIO LIBRE DE COMPROMISOS PATRIOTEROS Y REVOLUCIONÓ LA TECNOLOGÍA DOMÉSTICA. ESTO SUPUSO QUE LA TECNOLOGÍA QUE ALGUNA VEZ SÓLO ESTUVO DISPONIBLE PARA LUCHAR CONTRA EL FÜHRER, AHORA PODÍA ENCONTRARSE EN LA TIENDA WESTINGHOUSE MÁS CERCANA.

TXT:: LENIN CALDERON

A PUNTO DE INICIAR una competencia con los soviéticos por la conquista del espacio exterior, el espíritu gabacho de los 50 era optimista y triunfalista. Si fueron hasta el otro lado del mundo para patear el trasero de los japoneses dejándoles caer dos pepinos de 40 kilotones, ¡sería el colmo que no pudieran tener aire acondicionado en casa! Por ello, para los 50 la sociedad estadounidense idealiza una vida doméstica práctica y resuelta gracias a la funcionalidad de aspiradoras, hornos eléctricos, lavadoras y secadoras automáticas o puertas de garage a control remoto. Este sueño americano tiene su soundtrack y está grabado, obviamente, en estéreo. MÚSICA PARA COCTELEAR Parte fundamental de esa nueva tecnología doméstica fueron los sistemas de sonido de alta fidelidad. Así, el concepto de sonido estéreo, llegó a miles de hogares. Pronto surgió un estilo musical que hizo la vida cotidiana tan fácil como las sopas Campbell’s o las infames TV Dinners. No por nada, el pop de la era espacial tiene mucho de easy-listening, música fácil de digerir que es más fácil definir por lo que no es. Uno: es demasiado simple en estructura para ser considerada rock; dos: no es suficientemente seria para ser jazz; y, tres: con frecuencia es demasiado excéntrica para se llamada pop. Así pues, mientras los primeros rockeros se buscaban una moneda en el bolsillo para escuchar a Buddy Holly en la rocola de la fuente de sodas local, una especie de protoyuppies escuchaba a Martin Denny o Mantovani en sus sistemas hi-fi, en medio de las comodidades domésticas que el semi aislamiento suburbano ofrecía y el relajamiento que sólo puede encontrarse en un martini. Aunque muchos críticos musicales le han asignado al Space Age Pop una existencia breve que va de 1954 (los albores

del hi-fi) a 1963 (el arribo de los Beatles), el género permaneció con vida, entre películas y series de TV, hasta bien entrados los 70. Eso sin mencionar que en los 90 tuvo un revival que, en cierta forma, continúa. Incluso, se acuñaron diversos términos para nombrar esta música desenfadada y light. Etiquetas como Exotica, Jet-Set Pop o música de Cocktail o de departamento de soltero, fueron usadas para definir el sonido de talentosos músicos que dirigían numerosas orquestas. Surgieron entonces extravagantes y sobrios conjuntos que pasaban desapercibidos, aunque eran el alma de la fiesta, y despedían una fragancia lo mismo intrascendente que memorable. GENIO Y FIGURA... La naturaleza extravagante del género también produjo personajes inauditos, carismáticos como pocos. Músicos llenos de recursos como Billy May, por ejemplo, también serían célebres por sus comportamientos maniáticos o intensas personalidades. De este trompetista, autor de la irresistible “Chramaine”, se decía que no era un bebedor, sino un borracho. Sin embargo, uno de los miembros de su orquesta alguna vez recordó, dándole la razón al maestro, que “él fue el único hombre a quien vi dirigir una orquesta, con coros y todo, mientras se encontraba completamente ebrio”. Otro nombre recordado lo mismo por su vida personal que por aderezar con especies raras canciones populares como “Delicado” o escenificar en sonido hi-fi himnos evangélicos como “Hill Where the Lord Hides”, fue el de Percy Faith. La carrera de este canadiense estuvo marcada desde el comienzo. Faith fue descrito como un prodigio en el piano a los seis años. Sin embargo, cuando estaba por cumplir 18 su naciente carrera como pianista se vio truncada por un incendio que dañó sus

manos. Esto lo obligó a hacer arreglos musicales y enfocarse en lo que mejor saben hacer los representantes de este género: dirigir orquestas y hacer covers irreverentes de canciones clásicas. Un rasgo en común de muchos músicos del género, fue su dominio del piano. Les Baxter, por ejemplo, llegó a estudiar piano clásico en el conservatorio de Detroit aunque abandonó los estudios a la edad de 23, cuando decidió integrarse a la orquesta de Artie Shaw... ¡como cantante! Tras recapacitar sobre el súbito cambio de instrumento, un evidente error de juventud, Baxter regresó al piano aunque se enfocó cada vez más en dirigir orquestas de swing y jazz. Conocido por hits como “Taboo” o “Tropicando”, ha sido elogiado por críticos tan influyentes como David Toop, quien afirma que “Baxter ofrecía paquetes de viajes sonoros y les vendía los boletos a turistas sedentarios en busca de emociones tabú antes del almuerzo, que incluirían acudir a un ritual pagano, alocarse bajo el sol tropical o conjurar un demonio, todo sin abandonar el confort hi-fi de casa, en los suburbios blancos”. Existen muchos otros músicos asociados con este embriagante género musical que vale la pena revisitar. Como Henri Mancini quien, si bien se enfocó más al cine y la TV, compuso enormes referencias musicales de la cultura popular del siglo XX, desde el tema de la Pantera Rosa o Peter Gunn hasta la intro de Ripley’s Believe or Not. Sin embargo, de entre todos estos genios del confort y la música liviana, ninguno es más entrañable (por cuestiones geográficas) y admirable (por cuestiones artísticas) que Juan García Esquivel. ESQUIVEL, COLLAGES ESTÉREO Nacido en Tampico en 1918, a los 6 años ya tocaba el piano. Llegó a la Cd de México en 1928, cuatro años después ya sería un solista en la XEW y a los 18 ya dirigía la orquesta de esa estación.

Para principios de los 50 estaría dirigiendo una orquesta de 54 músicos, siete días a la semana, para acompañar a gente como Pedro Vargas o Toña “La Negra” y musicalizar shows como el del Panzón Panseco. Los gringos no tardaron en echarle el ojo y para 1958 un ejecutivo de la RCA lo firmó para que grabara varios discos debido a que su sonido era perfecto para hacer un “showcase” de la nueva tecnología estéreo. Esquivel era la “enchilada completa”: un compositor extravagante, un arreglista excéntrico, un pianista encantador y un showman deslumbrante, con un carisma irresistible para las mujeres. Discos suyos como Infinity In Sound o Latin-Esque son collages hi-fi de música del mundo y su sonido estéreo varias veces se consiguió dividiendo a la orquesta en dos y grabando a cada mitad, simultáneamente, en un estudio diferente. Tras varios discos con RCA y de componer la música de múltiples programas de TV, Esquivel montó a fines de los 60 en el casino Stardust de Las Vegas, un show con más de 30 músicos y bailarinas. Su espectáculo duró más de 11 años, tiempo durante el cual asistieron lo mismo Frank Sinatra que Johnny Carson para darle unos tragos al coctel sonorámico del que sólo el maestro tampiqueño tenía la fórmula. Regresó a México a fines de los 70 y se fue a vivir a Tepoztlán, donde compuso la música de una serie televisiva que sólo el más dañado de los fanáticos del pop espacial podría concebir: Odisea Burbujas. El maestro de los lentes de pasta fue revivido antes de morir, a través de la fiebre lounge que nos invadió en los 90 y se redescubrieron canciones suyas como “Mini Skirt” o “Mucha Muchacha”. El próximo 3 de enero se cumplen 14 años de su muerte y habrá que conmemorar, con coctel en mano, la obra del primer mexicano puesto en órbita.

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TXT:: TOÑO QUINTANAR

LA EXCURSIÓN ESPACIAL ES UNO DE LOS ARQUETIPOS MÁS ARRAIGADOS DENTRO DEL CINE DE CIENCIA FICCIÓN. DELIRANTE POSIBILIDAD QUE SE VERÍA INAUGURADA GRACIAS A ESE ESTANDARTE IMAGINATIVO POR MEDIO DEL CUAL GEORGE MÉLIÉS ALARGÓ AL MUNDO UN MANOJO DE GRANDILOCUENCIAS QUE, SIN MIRAMIENTO ALGUNO, INFLAMABAN LA PERCEPCIÓN DEL ESPECTADOR HASTA LÍMITES INENARRABLES.

VIAJE A LA LUNA (1902) fue un temprano experimento que definiría al espacio estelar como un campo idóneo para el cultivo de las emociones más profundas y complejas; asunto que se debe, principalmente, a esa inquietud de carácter especulativo que sugiere la existencia de todo un mosaico de sugestiones arraigadas. Es de esta manera que el cosmos queda fijado como el contexto estético por excelencia, lugar donde estridencia y equilibrio se hermanan para resaltar una serie de fenómenos que, a pesar de su justificación científica, no dejan de señalar un atisbo de irreductible fantasía. Esta noción habría de desencadenar toda una vanguardia estilística que, hasta nuestros días, continúa valiéndose del plano estelar para acercar al espectador a intensas y sublimadas concepciones. 2001: A Space Odyssey (1968) es, muy probablemente, la muestra más aclamada y palpable de esta postura, reconocimiento que se debe a ese formidable despliegue visual y simbólico, el cual, gracias a una sesuda introspección psíquica, saca a flote temas de enorme complejidad cuya viveza deja en claro que la ciencia ficción tiene por objetivo primordial potencializar los conflictos más arraigados del individuo. Esta magistral obra de arte, dirigida por Stanley Kubrick, encontraría su contraparte soviética en Solaris (1972), inolvidable pieza que también se apoya en un cúmulo de recursos férreamente evocadores para hacer del viaje espacial todo un pabellón de texturas plenamente enervantes. Valiéndose de este trabajo, el director Andréi Tarkovski supo hilvanar una esplendorosa carta de amor hacia los mecanismos retóricos más avasalladores de la fantasía instrumental; mismos fulgores que encuentran en la odisea astral un telón de fondo,

donde eventos intrigantes se suceden de manera seductora. Basado en la sensacional novela homónima del escritor Stanislaw Lem, este relato se encuentra protagonizado por Kris Kelvin (Donatas Banionis), reconocido psicólogo a quien se le encomienda la misión de investigar los extraños procesos psíquicos que han tenido lugar a bordo de una estación espacial ubicada en el planeta acuático Solaris. Tras su arribo, nuestro personaje principal se topa con un cuartel parcialmente abandonado, donde los únicos inquilinos restantes son dos científicos de errática naturaleza: Snaut (Sos Sargsyan) y Sartorius (Anatoly Solonitsyn). Pronto se revela que el deterioro mental sufrido por los habitantes de la estación se debe a un particular fenómeno producido por el océano de Solaris; masa acuática que, a lo largo de la trama, queda definida, literalmente, como un organismo pensante. Aparentemente, el planeta destila cierta energía capaz de transmutar la memoria de los seres humanos en encarnaciones vivas; una situación que propicia que Kelvin se reencuentre con su difunta esposa Hari (Natalya Bondarchuk), la cual retorna a él gracias a una compleja estructuración de neutrinos invocada por los propios recuerdos del protagonista. Esta vibrante historia, que parece sugerir algunos de los aspectos más radicales de la narrativa de tintes sublimes, se torna en el motor anímico principal de un discurso que, de por sí, se erige como un constante sortilegio de belleza. Tarkovski ensambla un repertorio de exquisitos detalles para ofrecernos el rostro más cautivador del doppelgänger, ente que, en esta ocasión, no es fruto de la intervención tecnológica, sino de un superior influjo de la naturaleza que consigue

colarse hasta lo más hondo de la sensibilidad antropológica. Por supuesto, este portento abre la puerta hacia un sinfín de entramados filosóficos que hacen de dicha obra un auténtico tratado existencial y relativista. La mente resulta ser el tirano que controla a la materia tangible; fenómeno que, a pesar de ser inviable en las inmediaciones restrictivas de la Tierra, encuentra cabida en ese escenario delirante que es el espacio desconocido. La insólita existencia de Hari convoca toda una gama de simbolismos que despiertan tanto un nostálgico sentimiento de plenitud inmortalizada, como una extrañeza que fácilmente podría verse traducida en asfixiante sobrecogimiento. Dicha dualidad la vuelve pariente directo de aquel outsider fantasmagórico que los escritores románticos definían como la más cabal de las manifestaciones de la conciencia; anormalidad que escapa de los pasillos encantados del pasado supersticioso para gestarse en el seno de la tecnología. Años más adelante, esta intencionalidad habría de servir de inspiración para un Ridley Scott que trasladaría el relato de índole futurista hacia terrenos desasosegadoramente góticos. La figura de la máquina pensante queda reemplazada por una criatura sin precedentes que proclama de manera doblemente inquietante la fragilidad de la humanidad; trémulo apunte en el que la ciencia resulta ser sólo una ilusoria opción para asimilar aquellas potencias que escapan del control de los hombres. A lo largo de la cinta, lo sublime se alimenta desbocadamente de la sobriedad del raciocinio; usurpación que se ve representada gráficamente mediante la majestuosa bastedad de un océano extraterrestre que no sólo es capaz de leer el espíritu de los humanos, sino que también propicia una dislocación que

transgrede sus comportamientos objetivos, recordándoles su indefensión ante la magnitud de lo desconocido. Por otra parte, este efectismo señala la concreción de esos preceptos freudianos que sugieren la existencia de un puñado de aprehensiones latentes que, en un abrir y cerrar de ojos, son capaces de moldear nuestra realidad hasta límites verdaderamente abrumadores. El universo resulta ser el lugar idóneo para estos sucesos debido a que su propia existencia es prueba fehaciente de aquellas grandilocuencias que nos remiten a la caducidad de lo terrenal, a la intrascendencia que se cierne, sobre todo, en aquello que tiene que ver con lo humano. Sin embargo, es esta misma monstruosidad informe la que concede a los individuos microscópicos una especie de favor divino que los reúne con sus sensaciones pretéritas. La ciencia ficción encuentra en el contexto espacial propuesto por Tarkovski un teatro cosmogónico donde todo transcurre bajo una reiterativa detención que nos obliga a pensar en un instante que ha quedado congelado en medio de la posteridad; un asunto que evidencia firmemente esa inquietante similitud que persiste entre el universo y la memoria humana. El firmamento y todo aquello que se esconde en sus abismos es, antes que nada, una conciencia de la naturaleza donde los preceptos que nos rigen como individuos se expanden y transmutan para alcanzar posibilidades difícilmente cuantificables, capaces de registrar nuestro fugaz paso por el plano físico. Esta potencialidad conjunta millares de historias en un mismo conglomerado de experiencias que, a pesar de su insignificancia, tiene el privilegio de formar parte de aquel sistema constelado que es preámbulo de inmortalidad.

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TXT::REGINA ZAMORANO LICEA

¿QUÉ TIENE NUESTRA ESPECIE PARA OFRECER AL UNIVERSO EN MATERIA ARTÍSTICA? ¿CÓMO SE ESTÁN PREPARANDO LOS ARTISTAS PARA CONQUISTAR EL MERCADO DEL ARTE ESPACIAL? ¿ESTAMOS LISTOS PARA TRASPASAR LAS FRONTERAS TERRENALES Y GRAVITACIONALES? EN REALIDAD, PODRÍA SER UNA EXCELENTE PREGUNTA: SI HUBIERA UNA BIENAL INTERPLANETARIA, ¿QUÉ OBRAS DEBERÍAMOS PRESENTAR AL UNIVERSO? ¿OBRAS CREADAS SOBRE LA FAZ DE LA TIERRA O ELABORADAS FUERA DE NUESTRO MUNDO? TAL VEZ AQUÍ HAYA ALGUNAS RESPUESTAS.

PIONEROS DEL ESPACIO Tal como el impresionismo se ocupaba de la luz, el minimalismo, de las formas puras o el surrealismo, del mundo onírico, existe un movimiento artístico del que poco se conoce, cuyo tema principal es todo lo que no existe sobre la Tierra: el Space Art o Arte Espacial. Sus precursores son artistas visuales: Chesley Bonestell, estadounidense nacido en 1888, quien pintaba lo que veía a través de su telescopio, y Lucien Rudaux, artista y astrónomo francés, que en los años 20 y 30, dibujaba paisajes lunares increíblemente precisos, como constataron posteriormente los astronautas del Apollo, así como imágenes de la superficie de Marte que ayudaron a que pudiéramos visualizar el Planeta Rojo. Actualmente, David Hardy, dibujante que ha colaborado con Pink Floyd, ilustrado novelas y quien trabajó por décadas con Patrick Moore (un astrónomo amateur que llegó a ser presidente de la Asociación Británica de Astronomía), es uno de los principales exponentes del Space Art clásico. Según él, el Arte Espacial no debe confundirse con el arte que se ocupa de temas de ciencia ficción ni con el Fantasy Art, pues, a diferencia de estos géneros, se necesitan conocimientos de química, física, astronomía y vulcanología, entre otros, pues los artistas “espaciales” deben ser lo más fieles posible a la realidad y sostener sus obras en datos duros. De hecho, gracias a la fusión de sus habilidades técnicas, imaginativas y sus conocimientos científicos, estos artistas contribuyeron en gran medida al desarrollo de la conquista del espacio, pues dotaban a los expertos con imágenes para que el público pudiera entender e identificarse con los proyectos. De esta manera, se logró que la sociedad de esos tiempos apoyara la exploración del universo. Sin sus obras, hubiera sido mucho más difícil imaginarnos cómo son las superficies de los planetas, los fenómenos astronómicos o las

galaxias. Así que, pese a que no se les toma en cuenta, ellos crearon en buena parte nuestra imaginería espacial y legitimaron los deseos y esfuerzos humanos para salir de la Tierra cuando aún no teníamos tecnología tan avanzada. ARTISTAS CON CERO GRAVEDAD Sin embargo, hoy el Arte Espacial ha trascendido las fronteras de la hoja o el lienzo, y como era de esperarse, también ha sido colonizado por el pop, lo conceptual y lo performático. Así que después de esta nostálgica introducción, es hora de elevarnos a dimensiones donde la solemnidad se mezcla con el absurdo y los egos se entrechocan como astronautas principiantes. Desde el año 2000, el grupo Arts Catalyst, originario de Londres, ha organizado en varias ocasiones, vuelos parabólicos (en los que se pierde la gravedad por unos segundos) para grupos de artistas, en conjunto con el Centro de Entrenamiento de Cosmonautas Yuri Gagarin, en Star City, Rusia. En ellos, han participado bailarines, directores de teatro, videoastas, músicos, cineastas e instaladores. Fruto de esos viajes a Star City, presentaron el proyecto Artistas y cosmonautas en Londres, en 2002, donde se proyectaron los videos y obras creadas en gravedad cero o inspiradas en la experiencia, entre ellos, el cortometraje Zero Genie, de Ansuman Biswas y Jem Finer. Vestidos como genios de Aladino, estos artistas realizaron un performance en el que fumaban de una pipa de agua, volaban sobre una alfombra “mágica”, tocaban un flautín, etcétera, en un intento por cuestionar el monopolio de los programas espaciales sobre los viajes astrales, puesto que, según ellos, desde el inicio de la humanidad, hay personas que han viajado a los lugares más recónditos del cosmos en viajes chamánicos/espirituales; ¿acaso debemos descalificar estas experiencias debido a que un puñado de personas han realizado verdaderos trayectos espaciales? Puedes ver el video en YouTube y a hacerte tu propia idea. EGOS EN ÓRBITA Dentro de la categoría del Space Art existe un apartado que merece una mención especial: los proyectos de esculturas espaciales. En teoría, estas mega estructuras artísticas se encontrarían orbitando nuestro planeta y serían visibles por las noches.

El primero en proponer una obra de arte de este tipo fue Albert Notarbartolo. Fascinado por los primeros pasos del ser humano sobre la Luna, en 1975 elaboró su proyecto Algunas propuestas de objetos de arte en el espacio extraterrestre. Su obra Beacon (faro) orbitaría la Tierra, iluminando el cielo como una estrella. Notarbartolo pensaba obtener subsidios de grandes organizaciones, como las Naciones Unidas, pues su obra suponía un símbolo de la “solidaridad humana”. Otro ejemplo es el O.U.R.S., Orbiting Unification Ring Satellite (Anillo Satelital de Unificación en Órbita). Ideado en 1986 por Arthur Woods para celebrar el cambio de milenio, consistía en una escultura inflable circular, de un kilómetro de diámetro, que se vería desde la Tierra de un cuarto del tamaño de la Luna. Existen varios proyectos del mismo tipo, pero ninguno se ha realizado porque, además de la controversia que generan entre los astrónomos, quienes cuestionan la validez de estas obras, lo cierto es que son sumamente costosas. Sin embargo, no dudo que muy pronto Jeff Koons se atreva a lanzar uno de sus perritos inflables al espacio. MÉXICO EN EL ESPACIO Nuestro artista espacial se llama Nahum Mantra. Estudió Ingeniería en Sistemas en el Tecnológico de Monterrey, Filosofía en la UNAM y Gestión del Arte y Música en la Universidad de Goldsmiths, en Londres, donde radica desde hace varios años. Nahum es el prototipo del artista del futuro, mezcla de creativo, científico, mago y funcionario. El año pasado, la Federación Astronáutica Internacional lo nombró Líder Espacial del Año por su trabajo de divulgación y su colaboración en el ámbito espacial. Él también llevó una misión de artistas mexicanos al Centro Gagarin a experimentar y crear obras en gravedad cero. La muestra se presentó en el Laboratorio Arte Alameda, sede del Festival KOSMICA, del cual también es organizador en Londres y México. El evento se enfoca en acercar la realidad espacial al gran público y se compone de exposiciones, conferencias con expertos e instalaciones. Asimismo, Nahum está seguro de que en unos años irá al espacio. ¿Será que el sueño de ser astronauta se hace cada vez más factible para todos? Sigue leyendo.

ARTISTONAUTA El fotógrafo Michael Najjar es un tipo con suerte. Si así se le puede llamar a estar en entrenamiento en el Centro Gagarin desde 2012 para convertirse en el primer artista contemporáneo que viajará al espacio. Bueno, eso en cuanto esté lista la nave de Richard Branson, el multimillonario dueño del Grupo Virgin, quien busca ser el pionero en el mercado de los vuelos espaciales comerciales, es decir, accesibles para “todo el mundo”. Claro, todo el mundo que tenga 250 mil dólares para pagar el costo del boleto a bordo de su nave SpaceShipTwo. Por su parte, Najjar pudo adquirir dicho pase gracias a tres de sus coleccionistas que lo financiaron. En los últimos tres años, el artista alemán se ha tirado del paracaídas, ha sufrido múltiples vuelos parabólicos, en los que hasta los astronautas más experimentados devuelven el desayuno; ha experimentado más de una vez la gravedad cero, padecido la potencia de la centrifugadora (máquina que gira rápidamente para simular la fuerza G que soportan los cosmonautas), entrenado para caminar en el espacio al fondo de enormes albercas, perdido la visión de los colores por unos momentos cuando viajaba al doble de la velocidad del sonido e, incluso, ha estado a punto de desmayarse en un par de ocasiones… Pero a él no le importan los riesgos, la incomodidad ni las náuseas con tal de crear su obra final. Sin embargo, ha dicho que ésta no consistirá en fotografías, contrario a lo que podría pensarse, sino en el hecho mismo de ir al espacio y en documentar todo el proceso por el que ha pasado. De hecho, declaró que no tiene idea de qué tipo de fotos tomará una vez en órbita. Mientras tanto, su serie Outer Space, constituida por videos, imágenes y escritos de su experiencia entrenando, ya está de gira por algunos museos. ¿Será válido utilizar tu rol de artista para realizar tus sueños de grandeza.?

CINE

TXT:: AMARO BAUTISTA

TE PROMEto FICHA TÉCNICA Título: Te prometo anarquía Director: Julio Hernández Cordón Año: 2015 País: México

ANARQUÍA

FRAGMENTOS DE JUVENTUD MEXICANA

“SOMOS NUESTRA GENERACIÓN, SOMOS NUESTRO AHORA, SOMOS NUESTRO PROPIO MONSTRUO. Y AUN ASÍ, NOS ESTAMOS QUERIENDO”, SON LA PALABRAS QUE DESCRIBEN LA HISTORIA DE MIGUEL Y JOHNNY, GRANDES AMIGOS Y AMANTES DEL SKATE. AMBOS PATINAN POR LAS CALLES DE LA CIUDAD DE MÉXICO PARA DEJAR VER LAS ENTRAÑAS DE LOS BARRIOS BAJOS, LAS REALIDADES QUE VIVEN AQUELLOS QUE HACEN DE LA CALLE SU HOGAR, DE UNA GENERACIÓN DE JÓVENES PERDIDOS, CON EL ÚNICO RUMBO QUE LES REGALÓ LA EXISTENCIA: VIVIR.

FOT:: ARCHIVO

TE PROMETO ANARQUÍA Es el quinto largometraje del cineasta Julio Hernández Cordón, una fotografía sobre la historia de amor entre dos skaters, que más allá de un amor gay y bisexual, lo que plasma es un amor libre, fugaz, pero profundo que los lleva a descubrir lo efímero de la existencia. La dicha del sexo se hace presente en una etapa de juventud, belleza y desenfado por lo que ocurre afuera de las habitaciones en donde los cuerpos se unen. Es irrelevante la sexualidad de los dos o tres amantes; lo importante es amarse en el presente. Alguna vez leí que la existencia no cree en lo superior y lo inferior; para la existencia, todo es igual: árboles, aves, animales, seres humanos; todo se acepta tal cual es, sin censura. Entonces, ¿por qué el mundo se niega a aceptar lo diferente? ¿Por qué reacciona con miedo y odio ante lo desconocido? ¿Es quizá porque existe el temor de ser uno mismo? En la película de Hernández Cordón, el miedo y el odio desaparecen; esos sentimientos que constantemente se muestran en las relaciones de amor entre hombres, simplemente no están. La fotografía de una juventud madura y abierta a todo tipo de amor es la que él muestra. Miguel y Johnny comienzan a involucrarse en el negocio ilegal de sangre; un contacto los enlaza con unos narcotraficantes que necesitan una gran cantidad del líquido, un trato que parece ser la manera perfecta de hacer mucho dinero. Sin embargo, las cosas se salen de control, arriesgando vidas y modificando la existencia de ambos personajes que, más allá del amor, representan a una generación que se ve despreocupada por las consecuencias; las cosas para ellos aparentan trascender únicamente si suceden en el presente. Al igual que las películas anteriores de Hernández Cordón, Te prometo anarquía utiliza en su estructura visual elementos del cine documental, la estética que muestra es realista y, por momentos, cruda, sobre todo el retrato que hace de las calles de la ciudad y de los escenarios que los skaters usan para patinar. El suspenso y los guiños que el realizador hace al cine negro se hacen notar, al mismo tiempo que denuncia de manera honesta y sorprendente la situación que México vive en la actualidad, un retrato por momentos escalofriante. Sin embargo, la esencia de Te prometo anarquía se nota, sobre todo, en la amistad y el amor que se tienen Miguel y Johnny; la sensualidad y el humor se hacen presentes en una historia que refleja la homosexualidad y bisexualidad de cada joven, un retrato sincero por parte de Cordón. IMPROVISACIÓN Y OTRAS CURIOSIDADES Una de las peculiaridades de esta cinta es que los protagonistas, Diego Calva y Eduardo Martínez Peña, no son actores profesionales.

Cordón los contactó por Facebook; primero hizo el stalkeo pertinente y después los convocó. La prueba del casting era muy sencilla y, al mismo tiempo, compleja; el cineasta guatemalteco-mexicano puso a los actores a darse besos, y si ambos conectaban ante la mirada del él, se quedaban. Calva y Martínez fueron los que mejor ensamblaron corporalmente para la historia que estaba a punto de ocurrir. Cordón no es un cineasta que se apegue a un storyboard o a los diálogos de un guión; durante la filmación de Te prometo anarquía éstos eran transformados constantemente, los actores tenían el reto y la oportunidad de improvisar las diferentes tonalidades de sus personajes y contaban con la libertad de modificar sus parlamentos. La improvisación fue la compañera constante del set. La película se ha presentado en el Festival de Locarno, el Toronto International Film Festival y, recientemente, en el Festival Internacional de Cine de Morelia, en el que Hernández Cordón reveló que el título de su filme lo obtuvo de un blog de poesía. También dijo que para él, hacer cine es poder decir: “Esto soy, esto es lo que me duele y es motivo para que provoque algo en otras personas. Poder hablar de la impunidad, de la realidad que vive México y de las ganas de narrar historias”. Por otro lado, para los actores fue una gran experiencia ser parte de esta película; Eduardo Martínez, alias “Pelucas”, aceptó estar en esta historia por las “ganas de conocer otro ámbito, por la libertad que me da la patineta de escoger sin darme miedo y de poder besarme con cabrones”. No es locura, tampoco rareza, aquí todos están locos y son extraños porque son auténticos; el miedo quedó atrás y las historias trascienden porque son honestas. Es lo que define a Te prometo anarquía, la originalidad de mostrar realidades ocultas, realidades que nos llevan a ver que la existencia es ahora, y el mejor ejemplo es la juventud, es este caso la mexicana, que sobre todo y a pesar de todo, sobrevive.

CINE

ARCADE FIRE THE REFLEKTOR TAPES A LO QUE SUENA LA DECONSTRUCCIÓN

FICHA TÉCNICA Título: Arcade Fire. The Reflektor Tapes Director: Kahlil Joseph Año: 2015 País: Canadá

TXT:: JESÚS CHAVARRIA @JCHAVARRIA_CINE

ES LA CUARTA EDICIÓN DE LOS CABOS FILM FESTIVAL. COMO CADA AÑO, SE REQUIERE UNA PROGRAMACIÓN REALMENTE ESPECTACULAR, UNA CAPAZ DE RIVALIZAR CON LOS IRRESISTIBLES PARAJES BAJACALIFORNIANOS QUE LE SIRVEN COMO TELÓN DE FONDO. UNA RAZÓN PARA CAMBIAR LA PLAYA POR LAS SALAS DE CINE. LOS DOCUMENTALES SON PARTE DE LA RESPUESTA, ENTRE ELLOS, UNO QUE SORPRENDE Y DESCONCIERTA, QUE SUENA A LA REDIMENSIONADA PROPUESTA MUSICAL DE LA BANDA CANADIENSE MENCIONADA EN EL TÍTULO Y QUE, PESE A TODO, REPRESENTA UNA DELICIA PARA CUALQUIER MELÓMANO. AUNQUE SIGUE siendo muy complicada su distribución en nuestro país, los documentales enfocados a la música han logrado colarse en el gusto de sectores muy específicos del público, que además los han convertido en verdaderos objetos de culto. Es precisamente a través de eventos fílmicos como Los Cabos Film Festival, que este tipo de producciones logran llegar a la pantallas mexicanas, incluso aquéllas con propuestas poco convencionales, como en este caso. Y es que si a la hora de ver Arcade Fire. The Reflektor Tapes, esperaban encontrarse con un usual armado de entrevistas, momentos de grabaciones y detrás de conciertos, no podían estar más equivocados. Dirigida por Kahlil Joseph –ganador del Gran Premio del Jurado de cortometraje en Sundance–, la cinta recurre al disco que le da nombre (considerado uno de los mejores del 2013), y el resultado de que el realizador –y también actor– acompañara cámara en mano la gira correspondiente. Claro que sólo lo toma como el punto de partida para una poderosa y valiente deconstrucción de los procesos creativos, que luego hace suyos, y no conforme con eso, los replantea para empujar a los integrantes de la banda, a ser protagonistas de una pieza conceptual que por momentos raya en lo absurdo y lo delirante. Todo redondeado con 20 minutos de material exclusivo de archivo y el tema inédito “Get Right”.

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DEL CAOS Y LA ANARQUÍA ES EL SONIDO De esta manera, el viaje parte de un absoluto silencio, para luego irrumpir con intermitentes explicaciones del porqué de los sonidos plagados de percusiones que impregnan los temas que vamos escuchando, acompañados de sugerentes juegos visuales al más puro estilo videoclipero, además de la superposición de imágenes que sorprenden con texturas y que transitan entre los colores saturados y el blanco y negro. Difuminando las fronteras de los distintos lenguajes que utiliza, la cinta nos hace cómplices de acciones inesperadas y situaciones inolvidables, como aquella en la que se unen a un desfile y dan un concierto sorpresa en un hotel de Haití –que es transmitido en directo para eufóricos fans en Los Ángeles y Londres–, o cuando nos cuentan la curiosa historia de un castillo enclavado en el lugar menos pensado, mismo que luego es redecorado para servirles como parte de los escenarios. La narrativa es caótica y anárquica, lleva al extremo la propuesta musical realizada en Montreal e inspirada en Jamaica –lugar con el que la vocalista tiene un importante vínculo, también develado y explorado–, y le sirve no sólo para evidenciar el cúmulo de influencias musicales que la banda decidió vaciar ahí, si no para confrontarla con ellas, enriqueciendo asi la experiencia. Pero lo mejor es que el tono casual con el que se plantea, evita que caiga en pretensiones artísticas e intelectuales innecesarias y artificiosas, aunque eso también redunda en una clara falta de profundidad del discurso, dejándole sólo en el plano de la experimentación sensorial. Sin embargo, Arcade Fire. The Reflektor Tapes, va más allá incluso de los convencionalismos del propio documental, se nutre de otros géneros, además de que no disimula su gusto excesivo por lo extravagante, y que nunca se toma demasiado en serio. Win Butler –quien es el más perseguido por la cámara y tuvo la idea de realizar el documental al ver los videoclips de The Clash– y compañía se enrolan por completo y participan sin reparos en cada una de las situaciones que el director les plantea; él, por su parte, sigue su instinto, busca provocarlos y ellos aceptan, lo cual permite que con cierta espontaneidad, se originen secuencias refrescantes, que develan sus personalidades, sus motivaciones, su modo de entender y asimilar la música, y todo sin recurrir de manera constante a la herramienta de la entrevista. Aun así, para darle gusto al público más conservador, luego de los créditos finales, se incluye una muy conveniente y no tan breve charla con tres de los integrantes de la banda, quienes comentan el proceso y las razones del formato.

67 LA CONGRUENCIA DE LA DESFACHATEZ Otro detalle importante es que, auspiciado por los reconocidos estudios Pulse Films (The Chemical Brothers: Sometimes I Feel So Deserted, 2015) y What Matter Most, el documental se mantiene congruente a su propuesta, incluso en el formato de distribución. Sus exhibiciones iniciales han sido en contextos que le han servido para atraer no sólo las miradas de la prensa enfocada en el mercado musical, sino también a la crítica cinematográfica especializada. Entre ellas, la realizada como parte de la selección oficial del Toronto International Film Festival y la ya mencionada dentro de la sección B-Side, en Los Cabos Film Festival, evento cuyo prestigio ha sido ganado con base en su excelente programación, enfocada en el cine independiente de México, Estados Unidos y Canadá y que, sin duda, ofrecieron el contexto ideal para la proyección. Así pues, podemos decir que aunque en comparación con la fuente de origen –un álbum que no pierde potencia en ningún momento–, Arcade Fire. The Reflektor Tapes sí adolece en su sustento, pero todo lo compensa con el paisaje musical que plantea: vanguardista, transgresor y, sobre todo, envolvente; un claro ejemplo de lo que sucede a la hora que se empatan para la pantalla grande, las aspiraciones artísticas del director y la banda en cuestión, impulsados por un claro afán de trascender y alejarse de la simple ilustración. Desde un principio, se sabía que concretar un documental sobre Arcade Fire, representaba una verdadera mina de oro; afortunadamente, el director Kahlil Joseph tenía claro que eso no era la único y sabe aprovechar la oportunidad en el campo creativo, que era lo más importante.

LITERATURA

TXT:: JUAN CARLOS HIDALGO

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Atto al interior de la Miscelánea El deseo O DE CUANDO UN MÚSICO SE CONVIERTE EN ENSAYISTA

EXISTEN MUCHOS CASOS EN LOS QUE UN COMPOSITOR DE CANCIONES PRUEBA CON OTRAS POSIBILIDADES ESCRITURALES. VAMOS, QUE SE PIDE EL NOBEL DE LITERATURA PARA BOB DYLAN, QUE LEONARD COHEN HA SIDO GALARDONADO POR EL VALOR DE SUS TEXTOS... EN EL PASADO RECIENTE, PODEMOS SEÑALAR QUE EELS –RETORCIENDO SU BIOGRAFÍA– Y NICK CAVE –EN NOVELA Y CRÓNICAS– HAN ALCANZADO ALTAS COTAS DE CALIDAD CON SU ESCRITURA. P.J. HARVEY ACABA DE DEBUTAR COMO POETA. Y PODRÍAMOS EXTENDERNOS.

EN EL ENTORNO hispanoamericano, Fito Páez, Nacho Vegas y Antonio Luque –Señor Chinarro– han demostrado que son narradores de calado. En el medio nacional, tenemos que Joselo ha alcanzado relevancia como cuentista y en la colección de Rock para leer de Marvin han publicado músicos como Belafonte Ramírez, Juan Manuel Torreblanca y Camilo Lara, entre otros. Y esta senda cada vez se encuentra más transitada. Pero los intentos de un músico para convertirse en ensayista son escasos. En el país, la figura más reconocida y leída ha sido David Byrne, que en su par de espléndidos libros (Diarios de bicicleta y Cómo funciona la música) jamás pierde lo afable y el tono coloquial aun con su erudición. En México, son escasos los intentos; por ello, el primer libro de Atto Attie es un intento loable; desde ya se apunta como un rara avis de la escena del rock nacional. En su primer libro se revela como un atento lector de autores tan dispares como Octavio Paz, Albert Camus, Mircea Eliade, Umberto Eco y Oscar Wilde, entre tantos otros, así como estudioso puntual del cine y el pensamiento de Luis Buñuel. Con cada uno busca hallar las coincidencias para consolidar su flujo especulativo. Egresado de la Berklee –famosa academia–, está interesado en urdir un discurso en el que juegan un papel fundamental el análisis de la historia de las religiones al igual que las teorías psicológicas. No obstante, conocer a detalle la cultura judía, también se extiende a Oriente y el pensamiento budista, que imbrica también con el universo pop –al que pertenece el rock–. Sin duda, no asumió una tarea sencilla; el ensayo requiere mucha exigencia reflexiva y atrevimiento. Es así que nos sorprende cuando relaciona a El centauro del norte con el líder de Nirvana: “Y ¿qué ocurre con ese Pancho Villa de la industria musical? ¿Qué pasa con Cobain? Sucede que se da respuesta al deseo: la de que éste no tiene solución. El desencanto de Cobain crece una vez que su trabajo ha logrado modificar el sistema, ya que se ha convertido en uno nuevo; tal situación de fama no lo absuelve; ahora que los resultados han sido concretizados, su deseo se desvanece y busca convertirse en otra cosa: la nada. El deseo parece no resolverse, éste simplemente muta o se prolonga, o se convierte, como en el caso de Cobain, en el opuesto del anhelo original: desear no haber deseado”.

Nacido en 1972, Attie profundiza a propósito del anhelo y el deseo –que le da título– y no rehúye al pensamiento metafísico: “El deseo de volver al Todo, de regresar al Ser, al cual Eva renunció, es del que nos habla Juan José Arreola en Memoria y olvido: el deseo supremo, más allá del impulso de la vida, es el deseo de desaparecer, de dejar de ser individuo, de volverse a incluir en el todo original”. Habiendo compuesto música para películas y editado discos como Bifocal, (2013), ahora emprende una ruta que aunque se promueva como miscelánea, al final, guarda unidad y coherencia: un hombre joven se interroga acerca del sentido de la existencia y las pulsiones que sacuden al ser humano. Es así que se vale de poemas de Bukowski, filosofía clásica y visitaciones a escritores tan exquisitos como Claudio Magris y Alejandro Rossi, aunque a la menor provocación caiga ante el influjo de Lennon y McCartney. Encuentra, pues, momento para verter en tono confesional las percepciones de un músico: “Me parece sensato apuntar que una vez que la creación del artista ha sido consumada, ésta se convierte en patrimonio de quienes vibran con su fuerza, de quienes alcanzan a intuir en su espíritu la esencia de la proclamación de la imagen que el artista ha logrado traer consigo”. Miscelánea El deseo ofrece una urdimbre compleja llena de autores, referencias e ideas que resulta interesantes, pero que, desafortunadamente, posee dos lastres: por un lado, una portada horrenda y simplista (¿en Textofilia se habrán quedado sin diseñador?), y lo más importante: hubiera sido deseable incluir las traducciones de algunas de las citas directamente sobre el cuerpo del texto y no como un apartado al final –de alguna manera, ello entorpece la fluidez de la lectura, dado el ir y venir–. En suma, Atto Attie levanta la mano para incursionar en esa manera heterodoxa de ensayo que a nivel internacional ya nos mostrara Alex Ross y que por estos lares han practicado Fausto Alzati Fernández, Juan Pablo Anaya, Maggie Sayak y Rafael Toriz con buena fortuna. Así las cosas, jamás estarán de más los textos que se pregunten acerca de los vínculos entre arte y vida; ya lo apuntó Mircea Eliade: “… Descifrar las significaciones simbólicas y, por ende, religiosas de los acontecimientos, sean cuales fueren, puede convertirse en un instrumento de iluminación o, más concretamente, de salvación de las multitudes”.

DE FONDO

TXT:: LENIN CALDERÓN

CONTACTO SOÑADO

LOS HUMANOS PODRÍAMOS CUMPLIR UN SUEÑO MILENARIO EN BREVE APENAS HACE UNAS SEMANAS, SE REVELÓ UNA NOTICIA QUE PUEDE CAMBIARLO TODO. DESDE HACE MUCHO, LA HUMANIDAD HA FANTASEADO CON ENTRAR EN CONTACTO CON SERES DE OTROS MUNDOS. EN LOS PRÓXIMOS MESES DEL AÑO QUE VIENE, POR FIN, ESTE SUEÑO TAL VEZ SE LE HAGA REALIDAD. ¡AUNQUE USTED NO LO QUIERA CREER!

Desde siempre, nos ha hechizado más el infinito espacio exterior que otros espacios, como el mental, el onírico, el microscópico e incluso el acuático o el subterráneo. Durante toda nuestra historia, ha sido necesario conocer el cielo para poder sembrar, cosechar o emigrar a zonas más cálidas cuando es requerido. Por ello, hemos desarrollado una relación mezcla de miedo, respeto y esperanza, con lo que sea que está encima de nuestras cabezas. Ahí arriba hemos ubicado, sin importar religión o situación geográfica, a nuestros dioses y demonios. Por otro lado, nuestro desconocimiento de todo lo que pasa allá arriba, ha alentado por milenios nuestra imaginación y le hemos atribuido a los cielos toda clase de bondades y crueldades. En realidad, basta una noche estrellada para convencernos de que hay algo más grande que nosotros y eso -más allá de complejo o aliviosiempre es bueno saberlo. Nuestros ancestros erigieron templos y monumentos con un sentido cósmico y una precisión con respecto a los astros que todavía es difícil explicar. Desde Stonehenge hasta Nazca, pasando por Palenque o Giza, hay vestigios innumerables de que estas civilizaciones no sólo ubicaron a sus dioses en el cielo, sino que también trataron de contactarlos llamando su atención desde aquí abajo. Probablemente, seguirá siendo un misterio cómo construyeron esos sitios y si sus creadores respondieron sus plegarias o si habrán estado llamando a una línea fuera de servicio.

ESPACIO PARA RENACER Más allá de egipcios o mayas, los conocimientos realmente científicos con respecto al cielo no surgieron sino hasta principios del siglo XVII. Bajo las últimas luces del Renacimiento, Galileo utilizó un telescopio para descubrir que Júpiter también tenía lunas y, de paso, recalcar lo que decía Copérnico acerca de que los planetas giraban en torno al Sol y no a la Tierra -uno de los hallazgos más significativos para ubicar un poco al desmesurado ego humano-. En realidad, no fue sino bien entrado el siglo XX que comenzamos a saber más detalles acerca del espacio. Fue hasta 1929, por ejemplo, que nos enteramos que había muchísimas otras galaxias más como la nuestra, alejándose lentamente de nosotros; y no fue sino a finales de los 50 que empezaron a gestarse las primeras misiones espaciales. En términos espaciales estamos, pues, aún en pañales. No obstante, los últimos 30 años han sido fundamentales para nuestro conocimiento del universo. Desde mediados de los 70, el desarrollo tecnológico ha permitido concretar ambiciosos proyectos, como el envío de sondas exploradoras a los planetas exteriores y sus lunas, además de poner en órbita observatorios espaciales como el Kepler. Lanzada por la NASA en 2009, esta sonda espacial tiene la misión de hallar planetas similares a la Tierra orbitando estrellas más allá de nuestro Sistema Solar. Bautizado en honor a otra brillante mente renacentista -quien comenzó a descifrar la geometría del universo al descubrir las órbitas elípticas de los planetas-, este telescopio espacial ha sido el encargado de darnos una noticia que puede ser tan trascendente como las contribuciones del mismo Kepler. NOTICIAS DE OTRO MUNDO El pasado 16 de octubre, The Independent publicó una nota cuyo encabezado era: “Astrónomos habrían encontrado gigantescas ‘megaestructuras’ alienígenas orbitando una estrella de la Vía

Láctea”. A pesar de que la noticia parece propia del Semanario de lo insólito y su contenido tan verosímil como los titulares del Deforma, el texto contiene testimonios de científicos de la NASA y la Universidad de Yale. Jason Wright, astrónomo de la Universidad de Penn State, prepara un reporte en torno al “bizarro” objeto que se ha encontrado y sugiere que podría tratarse de un enjambre de megaestructuras: “No puedo decir qué es este objeto y, por eso, es tan interesante y excitante. Simplemente, no encuentro qué sentido tiene”. Sin embargo, Wright acotó: “Los alienígenas siempre deben ser la última hipótesis a considerar. Pero este objeto parece algo que esperarías que construyera una civilización alienígena”. La estrella, llamada KIC 8462852 y ubicada entre las constelaciones del Cisne y la Lira, atrajo por primera vez la atención en 2009 cuando el Kepler la clasificó como candidata a tener planetas parecidos a la Tierra en su órbita. Pero ésta emitía un patrón de luz extraño comparado con las otras estrellas en la mira del Kepler, que analiza la luz que emiten y registra los cambios que tienen lugar cuando los planetas pasan entre sus estrellas y nosotros. Sin embargo, la variación en la luz proveniente de KIC 8462852 no parece haber sido originada por un planeta en su orbita. Tahetha Boyajian, doctor de la Universidad de Yale, admitió: “Nunca hemos visto nada como esto. Es muy raro. Pensamos que era un error informático o algún movimiento en el Kepler, pero todo estaba en orden”. Lo verdaderamente inexplicable es que los humanos han fantaseado tantas veces con esto, que ya hasta tienen nombre para el extraño objeto. Se supone, según nuestra ciencia ficción, que cuando una civilización avanza tecnológicamente, crea nuevas y mejores formas de recolectar energía. Al final, termina captando energía directamente de su estrella y construye una megaestructura alrededor de ella,

lo que se conoce -incluso antes de saber de ella- como esfera de Dyson. Los astrónomos apuntarán un radiotelescopio a la estrella en busca de longitudes de onda que pudieran relacionarse con civilizaciones avanzadas tecnológicamente. Resultados de las primeras observaciones podrían revelarse en enero de 2016. “Si las cosas salen bien -admitió Wright-, las observaciones de seguimiento podían generarse más rápido. Si vemos algo interesante, estaremos buscando en esa dirección”. TATARAYERNOS ALIENÍGENAS. ¿ESTAMOS PREPARADOS? Aunque no pretendemos aguarle la fiesta a los Maussan believers, los mismos científicos tienen otras hipótesis antes de pensar en inteligencia extraterrestre y van desde polvo proto-planetario, hasta un sistema solar violento en el que los planetas chocan y liberan enormes cantidades de escombros. Otras posibilidades para explicar lo que el Kepler ha visto, incluyen enjambres de cometas y planetas jupiterianos con anillos enormes, que bloquean la luz proveniente de la estrella. A final de cuentas, KIC 8462852 se encuentra a 1,500 años luz de la Tierra. Por ello, en caso de que los humanos establezcan contacto con una especie alienígena, serán nuestros tataranietos y no nosotros quienes tengan que preocuparse por tener como compañero de mesa en la cena de fin de año, a un yerno o pariente incómodo que provenga de otro planeta.

CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA

APACHE PIRATA

Rodrigo Betancourt, mejor conocido como Apache Pirata, es uno de los narradores gráficos más versátiles de nuestro país; sus cómics se encuentran llenos de sarcasmo e ironía. Su obra ha sido publicada en diversos medios de México, como La Jornada, Milenio, Vice, Replicante y el histórico Gallito Cómics. Apache Pirata es de los pocos autores que se pueden dar el lujo de escribir artículos y hacer cómics. ondafuzoo.blogspot.mx

CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA

TXT:: ÓSCAR G. HERNÁNDEZ

STAR WARS, LA MÍTICA SERIE DE AVENTURAS Y GUERRAS ESTELARES, BATIÓ TODOS LOS RÉCORDS DE VENTAS PARA UN CÓMIC, ALCANZANDO EL MILLÓN DE COPIAS VENDIDAS POR EL PRIMER NÚMERO DE LA SAGA. PODRÍA RESULTAR SORPRENDENTE QUE DESPUÉS DE 40 AÑOS, LOS LECTORES SIGUIERAN MÁS QUE INTERESADOS EN LAS AVENTURAS JEDIS O DE LA ETERNA LUCHA ENTRE LA FUERZA CLARA Y OSCURA. EL CONSIDERADO filosofo del nuevo siglo Slavoj Zizek entre las tantas reflexiones que ha hecho sobre las sociedades de nuestra era, alguna vez desarrolló un texto al que tituló “Star Wars o la Venganza del Capital”; en dicho texto, hace una lectura sobre como la obra de George Lucas, la cual resulta perfecta para el capitalismo de nuestros días y la cultura budista occidental también conocida como New Age. Las comparaciones de Zizek desenmarañan una serie de concomitancias entre las adaptaciones religiosas insertas en Star Wars y el comportamiento social de aquellos que saben que el lado oscuro ha triunfado, pero que deciden refugiarse en la meditación para escapar de una modernidad apabullante. El filósofo observa la transformación de Anakin Skywalker; el bueno y puro convertirse en la encarnación del mal y cómo repentinamente aquellos que se consideraban los buenos, ahora son pura maldad imperial. Zizek compara la caída de las República con el desencanto de las democracias y la caída de los Estados Nación ante el capitalismo global o, más bien, imperial.

El pensamiento Jedi que combate la ambición de poder, los apegos y el tipo de amor que hicieron que el buen Anakin terminara en Darth Vader, actúan como una ironía perfecta ante la poderosa franquicia. Star Wars es, quizás, la franquicia más influyente de todos los tiempos, capaz de colocarse en cualquier remota galaxia o, más bien, mercado de nuestro planeta. Hace unos meses, una noticia daba la vuelta al mundo cuando en una pequeña provincia ucraniana, de lo que alguna vez fue el imperio soviético, una estatua de Lenin era transformada en una escultura de Darth Vader; el Lenin que representaba la cultura y maldad de un imperio, era sustituida por la figura de la franquicia; otra ironía perfecta que era redondeada cuando en esa misma provincia era arrestado Chewbacca por hacer propaganda electoral a favor del partido de Darth Vader durante la jornada de votaciones. Los fanatismos sobre esta serie crecen y se reproducen; incluso en varios países se ha fundado una religión a su favor el jedismo, donde en Inglaterra es la cuarta creencia en importancia.

No es difícil de comprender cómo entonces un cómic puede romper un récord de ventas, fenómeno que no había ocurrido en la industria del cómic estadounidense en mucho tiempo. Star Wars ha sido el amuleto de la suerte de Marvel Comics desde los años 70, época en que dicha casa editorial enfrentaba una de las peores crisis de su historia con muy pocas ventas; sin embargo, gracias a la adquisición de la licencia de Lucasfilm, se salvaron de la posible quiebra al lograr ventas millonarias. Stan Lee, editor en aquellos años, no creía en la adquisición de esos derechos, ya que le parecía una historia bastante trillada y más que vista. Hoy día, después de que Disney adquiriera Star Wars y Marvel, la vieja fórmula vuelve a ser exitosa; como si el tiempo pareciera no haber pasado, este cómic pasa a la historia por ser el más vendido en los últimos 20 años en la Unión Americana. La historia que narran los cómics sigue conservando la misma trama donde una y otra vez hay que destruir algún tipo de estrella de la muerte, salvar a alguien y debatirse entre el bien y el mal.

Este fenómeno muestra algo que entiende muy bien la industria del entretenimiento, y es que una vez formada una generación de consumidores sobre un producto, sólo hay que esperar a la siguiente generación para que literalmente sigan a la anterior y reproduzcan ese fanatismo. Los cómics que se han hecho para la serie superan los mil números en todas sus diferentes eras, facetas y estilos. De los autores que destacan por haber sido participes de estas series, encontramos al genio Gilbert Hernández, mejor conocido como Beto Hernández, uno de los creadores del legendario cómic Love and Rockets; otro gran autor que trabajó a la sombra de la franquicia fue Alan Moore; eso fue mucho antes de que se erigiera como uno de los más grandes creadores de novela gráfica. Eran aquellos años en que un presidente norteamericano decidió colocar satélites con misiles en el espacio para proteger su territorio de algún posible ataque nuclear; a dicho escudo de defensa interestelar le llamaría Star Wars.

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COLUMNAS

TXT:: ARTURO J. FLORES @arthuralangore

OFF THE RECORD

LA CHICA DEL SATURNO TATUADO

NO HABÍA NOTADO que la muchacha llevaba la marca de Saturno en la nuca, hasta que la tuve sudando debajo de mí. La conocí en un encuentro de arte erótico un par de semanas antes. Ahí, sirvió como lienzo para un artista de body paint. También se recostó desnuda en una plancha para que un cocinero la tapizara de sushi del que comimos los invitados a la fiesta. Anoté su número en un cuadrito de papel sanitario que conseguí antes de acercarme a saludarla. —Me gustaría invitarte a hacer un performance en la presentación de alguno de mis libros —mentí mientras le obsequiaba un ejemplar. —Claro, hoy mismo lo voy a leer —mintió ella también. Nos vimos 15 días después en mi rincón favorito para cometer fechorías. Un hotel de la colonia Roma en cuya habitación número 18 un tal Fabiruchis mordió el polvo fulminado por los puños de un sexoservidor. A la muchacha la conocí semidesnuda. Con las tetas chicas, de pezones negros, decoradas con tulipanes y el vientre transformado en una charola de la que tomamos bocadillos de arroz con los dientes. Esa vez en el hotel, le ayudé a quitarse unos leggins que, como los tulipanes, parecían pintados encima de sus piernas largas. No usaba ropa interior. Se había trazado dos líneas de color sangre bajo los ojos, parecidos a un par de navajazos. —Me pediste que me pusiera algo rojo, ¿no? —me dijo, sonriendo. Así lo había hecho. Antes de ir al hotel, la invité a comer. Devoró con hambre infantil una baguette de jamón con queso y pidió café en lugar de cerveza. Por más esfuerzos que hice, la conversación entre los dos no fluía. La muchacha parecía ausente, lejana, desinteresada en mí y en el mundo. Nunca antes vi a alguien que le quedara mejor la frase “está en la Luna”. En un acto desesperado por sacar a flote el encuentro, le dije que quería acostarme con ella. Su antena captó el mensaje. Se le iluminó el rostro igual que una estrella. —Coger es divertido. Apoyada en las manos, las rodillas y la barbilla sobre la cama, con el telescopio de su culo apuntando al espacio

exterior y la galaxia de su melena desparramada encima de las sábanas, la muchacha me dejó ver su Saturno. Ya relajados, le pregunté por qué se había dibujado para siempre al sexto planeta. —Me gustan sus anillos. Y abrió el agujero negro de su boca para obsequiarme más de aquel húmedo Big Bang que me obligó a derramarle una lluvia de asteroides dentro. Sólo el sexo parecía atarla a la Tierra. El resto del tiempo permanecía extraviada en su propio universo, ignorante incluso a la gravedad. Me gusta asignarle canciones a las mujeres. La de ella es definitivamente “Suturno”, de los Babasónicos. Sólo por una vocal no se llama “Saturno”, igual que su tatuaje. Musicalmente está salpicada de sonidos robóticos y espaciales. El cantante Adrián Dárgelos posee un talento excepcional para llenar de alusiones pornográficas sus letras, pero en este track del disco Infame, antepuso las frases explícitas por sobre cualquier sutil metáfora. “Culo duro Piernas largas Tetas rojas Labios natural Nalgas rosa Virus rubia Puta roja Sexo o poder Quiero revolcarme con vos…”. Tiempo después de aquella tarde junto a ella, leí algo sobre Saturno. A propósito del gusto de la muchacha por el body paint, me enteré que Saturno es el nombre de uno de los cuadros más emblemáticos de Peter Paul Rubens. En él, representó al Titán mordiendo a un niño pequeño. Saturno creía que uno de sus hijos lo destronaría y, por eso, los devoraba después de que nacieran. A aquella musa también le apremiaba engullir los futuros pobladores que yo pudiera expulsar al mundo. Todavía me estremezco cuando pongo su canción. No he querido volver a encontrarme con la chica del Saturno tatuado. Es posible que no me resista a vestirme de astronauta y susurrarle al oído otra vez: “Quiero revolcarme con vos”.

TXT:: PAOLA TINOCO @paolatinoco

EL CUADERNO AMARGO

EL DESTINO PARA EL QUE NOS ALCANZÓ

LA CANTIDAD DE MANIFESTACIONES chuscas en torno al día en que Marty McFly llegaba al futuro en este 2015 eran para partirse de risa por dos cosas: 1) había personas realmente interesadas en ver cuánto en la historia de Volver al futuro se cumplía, como si los escritores de la película palomera fueran Nostradamus, y 2) en el caso de tomarse en serio la espera, ver que el futuro imaginado por Robert Zemeckis y Bob Gale no llegó a tanto o a nada. No nos alcanzó el tiempo para avanzar tecnológicamente y diría que tampoco civilizadamente. Basta leer Los 43 de Iguala (Editorial Anagrama) de Sergio González Rodríguez para saber que el 2015 no ha sido el año en el que se den respuestas a la desaparición de los normalistas; el gobierno es descarado y los mexicanos somos laxos para pedir cuentas. En lo único que logramos sorprender este año, hay que decir, es en la decisión de no dejar pasar a Amazon a servirse como en su casa en lo que a la venta de libros se refiere. Me explico: llegaron de España los rumores de que gran parte de la crisis en el sector editorial se debía a las compras masivas de Amazon para después tirar el precio al suelo y hacerse de clientela. Esa estrategia de trabajar a fondo perdido, con la intención de acaparar el mercado, lleva años utilizándola con éxito para ellos, pero llevando entre las patas el fracaso de otros negocios. Los rumores con acento catalán y madrileño recomendaban a los mexicanos no trabajar con Amazon con riesgo de quebrar librerías y algo más. Y vaya que si a España, que tiene tres veces más librerías que México, le hizo daño, no necesitamos ir al futuro para ver cuál sería el destino de las librerías mexicanas. Mi sorpresa, pues, ha sido mayúscula al ver que Amazon no logró que le abrieran las puertas como se hizo en ese país y eso no era de esperarse, con lo poco decididos que somos para los negocios acá (no hablo por Carlos Slim, claramente). La queja de los lectores avezados que gustan de comprar libros en otros idiomas o en el propio, pero a precios bajos y en la comodidad de su computadora-casa, protestarían si no fuera porque la falta de una plataforma de lectura digital no será un problema gracias a la alianza de Porrúa y Gandhi a través de Orbile. Estas dos cadenas de librerías decidieron optimizar sus canales de venta y distribución de libros electrónicos en sociedad con Kobo, pioneros en plataformas de lectura digital, que cuentan con más de cuatro millones de

libros en ocho idiomas en línea, de los cuáles 70,000 son en español y 500,000 de ellos en inglés. Es cierto que aún no se generaliza la lectura digital, aunque es cierto también que las nuevas generaciones ya no tienen la idea romántica de la lectura en papel; leen en pantalla, por lo menos, tres horas al día. De lo que se trata el futuro de la lectura, entonces, es de promoverla en esta otra modalidad para que no se pierda el interés por los libros; no importa que no huelan a viejo, cosa que a muchos fascina, o que los libros en papel no necesiten enchufe. Orbile no demanda que se compre un dispositivo de lectura, ya que sus libros pueden leerse en teléfonos, computadoras o tabletas de cualquier marca. Pero si se interesan por conocer los Ferraris de los readers, Kobo tiene opciones: Kobo Touch 2.0, un aparato sencillo para comenzar a experimentar con este nuevo formato de libros, pantalla táctil de seis pulgadas antirreflejante y con capacidad para 30 mil libros. La batería dura aproximadamente dos meses, así que no hay de que preocuparse mucho por el enchufe. Kobo Glo HD, además de contar con todo lo que tiene el anterior, está equipado con Confort light; esto sirve para regular la luz automáticamente de acuerdo a la necesidad del lector. Kobo Aura H2O es mi favorito porque tiene todas las características anteriores, pero es resistente al agua a una profundidad de un metro y durante 30 minutos. La pantalla táctil es HD y mide 6.8 pulgadas, aunque, en este caso, la capacidad para almacenar libros puede expandirse. Todos tienen Wi-Fi integrado, 11 fuentes para elegir y 48 tamaños, por si necesitan lupa para leer como bien lo sé yo. Honradamente, me atrajo porque se parece a una nalguera, esas anforitas que caben en la bolsa trasera del pantalón, y eso no lo logro con ninguno de mis libros de papel. Conclusión: si le tienen horror a los libros electrónicos, acérquense de todas maneras a Orbile porque sus hijos, sobrinos o lo que sea, menores de edad, van a necesitar una nueva propuesta de lectura digital y alguien tiene que explicarles. Si no le tienen horror al futuro del libro, entren a Orbile y compren unos ejemplares, además a muy buen precio según pude constatar. Si se animan, adquieran un Kobo H2O y lean media hora bajo el agua o sentados en su lugar favorito. Pero lean.

Y en una galaxia muy, muy lejana

RITA ORA

ADIDAS ORIGINALS

presenta el Cosmic Confession pack y el Planetary Confession pack para Con toque espacial retro las colecciones presentan formas inspiradas en los trajes de misiones espaciales: blusas, Track Pants sedosos, All-in-ones, guantes y gorras, un vestido maxi de manga larga, calzados que renuevan el icónico Stan Smith, el Attitude y el ZX Flux, el Superstar Up y más

BEBIDAS GALÁCTICAS Maridando las fiestas de fin de año y año nuevo con la euforia galáctica, consultamos con nuestros amigos de laespirituosa.com la mejor opción para brindar por el despertar de la fuerza y el cambio de calendario con las bebidas más galácticas a la mano, recordando la famosa cantina de Tatooine y el Santa que seguro andaba por allí refrescándose con sus elfos. La recomendación: “Es realmente sencillo: puedes hacer que tu bebida favorita brille bajo luz negra agregando alguno de los siguientes ingredientes, y lo mejor es que muchas bebidas ya los contienen. •

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Que la gorra

new era

te acompañe Las famosas gorras participan de la euforia galáctica con 60 modelos diferentes incluyendo 17 gorras para niños, cubriendo los gustos de cada fanático de esta saga con diseños de los personajes del hit cinematográfico. Vienen en diferentes modelos como 9FIFTY (gorra abierta con visera plana ajustable), 9FIFTY Original Fit (gorra abierta visera plana ajustable snapback), 39THIRTY (gorra pre doblada, cerrada con elástico), 59FIFTY (gorra cerrada de visera plana) y KNIT (gorro invernal).

Agua tónica: contiene quinina. En vez de agua, utiliza agua tónica para hacer cubos de hielo, así, cualquier bebida adquiere resplandor interno. El “pero” es que estos cubos se derriten rápidamente. Vitamina B y clorofila: muchas bebidas energéticas y complementos alimenticios las contienen, sólo es cuestión de prender la luz. Alimentos claros: puedes aprovechar leche, malvaviscos y ¡plátanos maduros!

Una receta completa y lucidora:, el AURORA GLOW Ingredientes: • 500 ml de vodka • 2.25 litros de agua tónica • 450 ml de algún concentrado de bebida tropical • Hielo Instrucciones: • Mezcla todos los ingredientes en una ponchera y ¡listo! Añade mucho hielo, justo antes de servir. • Métete a laespirituosa.com y descubre muchas más cosas apasionantes al rededor de las buenas bebidas.

El lado obscuro de la laptop

HP presenta su notebook Edición Especial Star WarsTM para ofrecer una experiencia increíble a los fans de todo el mundo. Echando mano de los archivos multimedia de Lucasfilm crea protectores y fondos de pantalla, así como perfiles de sonidos personalizados que el propio usuario puede configurar. La carcasa tiene un diseño con la apariencia de desgaste y caligrafía en Aurebesh, la singular tipografía de Star Wars, en la bisagra y los icónicos Stormtroopers, o soldados imperiales, en la base del teclado. El diseño del touchpad imita el sistema de orientación de la nave X-Wing Star Fighter y el teclado, con iluminación de fondo en rojo, completa el diseño del Lado Oscuro. Duración de la batería hasta de siete horas; pantalla Full HD de 15,6; procesador Intel Core i5 de sexta generación; 1 TB de HDD y 8 GB de RAM; unidad óptica, audio B&O Play y dos altavoces; acceso a colecciones de contenido único con más de 1,100 imágenes que abarcan 40 años de historia de Star Wars; imágenes extraordinarias de bastidores, guiones, arte, fotos clásicas, diseños de vestuario, escenarios y selecciones de audio.

Star Wars Battlefront

BB-8 Droid

Cuando vimos el primer avance de The Force Awakens a muchos nos atrapó el nuevo droide esférico que aparece “corriendo” en la segunda escena del trailer. Pues Disney ya puso a la venta un juguete de este BB-8 manejado por una aplicación para móvil disponible para iOS y Android: el juguete se enlaza al teléfono o tablet para ser controlado via remota o presentar imágenes de realidad virtual que muestran mensajes, este artículo se puede conseguir en tiendas digitales por un poco más de 3000 pesos.

Audífonos Star por SMS Audio

Wars

SMS Audio acaba de lanzar la segunda edición de sus audífonos con temática de Star Wars. Esta vez, los cuatro modelos on-ear que podemos encontrar vienen caracterizados con elementos emblemáticos de un TIE Fighter, Darth Vader, Chewbacca y R2-D2. Los audífonos cuentan con tecnología para cancelar sonidos externos aunque la característica más destacable son los accesorios que incluyen pues podrás encontrar un estuche, un póster y una calcomanía exclusivos.

Hace casi dos años que EA presentó un teaser donde podíamos ver lo primero de Battlefront pero ambientado en el universo de Star Wars. Este juego es un shooter en el que puedes revivir varios escenarios, personajes y vehículos de la saga original. Algo de lo más sorprendente es la calidad de gráficos pues existen doce escenarios que tienen una calidad sorprendente; el juego acaba de salir y por el momento está disponible en PlayStation 4, Xbox One y Origin para PC.

PILÓN

TXT :: ARTURO J. FLORES

EL JEDI DE CARNE Y HUESO EL LÍDER DE LA JEDI SOCIETY DE NUEVA ZELANDA TERMINA NUESTRA LLAMADA CON UN LUGAR COMÚN QUE EN SU BOCA ADQUIERE UN HALO DE MISTICISMO: “GRACIAS. QUE LA FUERZA TE ACOMPAÑE”.

La última media hora le formulé varias preguntas acerca de la organización que encabeza como Jedi in Chief, aunque entonces estuvo asociado a otros colectivos de seguidores de Star Wars. En 2001, el gobierno de su país realizó un censo en el que 53,175 personas, es decir, el 1.3% de su población, escribió en la casilla de su religión “Jedi”, por lo que Nueva Zelanda se convirtió en uno de los primeros territorios que contabilizó su población Caballeros Jedi. El 16 de abril de 2014, la Jedi Society se incorporó a la Incorporated Societies Act 1908, una especie de sociedad de sociedades reconocidas. Aunque Bremner me confirmó durante nuestra charla que su movimiento no es una “religión dogmática”, pidió para los simpatizantes la misma exención de impuestos que opera para el resto de cultos religiosos en su país. El gobierno de Nueva Zelanda se la negó; sin embargo, su pelea continúa por sumar más adeptos. Una de sus misiones, de acuerdo con la página en Internet nxjedi.org es: “Habla con cuatro personas que pienses que son Jedi acerca de la existencia de esta sociedad”. Me dijo, de hecho, que ésa fue una de las razones por las que aceptó que habláramos. “Ser un Jedi es promover la justicia, el conocimiento y la superación”, me explicó. “No

somos un club de fans, sino una organización con estructura. Un Jedi cree en la Fuerza, entendida como la posibilidad de hacer algo por los demás”. ¿Es una religión? Cualquiera puede ser Jedi porque no se trata de convertirte en héroe de ficción, sino en aplicar los principios del Jedi (31 de acuerdo con el código publicado en su página web) a tu vida diaria. Por ejemplo, nosotros aplicamos los principios a la educación de los niños. Tratamos de inculcarles valores a través de las charlas que ofrecemos en escuelas, donde se les habla de cómo un Jedi no le hace daño a los demás, sino que los ayuda. No somos una religión, pero cualquier practicante de cualquier religión se puede convertir en un Jedi. ¿Qué dice tu familia acerca de tu estilo de vida? No todos lo comparten, pero sí lo respetan. Además, no se trata de ningún secreto. Esto no es acerca de querer disfrazarse de Obi-Wan Kenobi, sino de ser un Caballero Jedi de carne y hueso. Otros cultos al Jedi ofician bodas y funerales Jedi, ¿qué opinas? Está bien, fabuloso. Si a la gente que los practica les hace felices, por mí está bien. Para mí, ser Jedi

no se trata de otra cosa que seguir los 33 puntos del Código Jedi. ¿A qué te dedicas? La mayoría de nosotros somos trabajadores de tiempo completo y nuestro tiempo libre es muy limitado. Mucho de él lo dedicamos a realizar eventos de caridad en nombre de los Jedi. Yo trabajo en Finanzas. Tengo 43 años.

DE FONDO

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