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BUZZCOCKS EL MITO INAGOTABLE

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GANG OF FOUR LOS MÁS CÍNICOS DEL POST-PUNK

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DANIEL MELERO LA MALDICIÓN DE SER UN EXCÉNTRICO

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THE DRUMS UNA HISTORIA DE AMOR (PROPIO)

MANIFIESTO

#FESTIVALMARVINCDMX » SOMOS UN FESTIVAL DE MÚSICA. » TAMBIÉN SOMOS UN FESTIVAL QUE APOYA AL ARTE Y AL CINE. » DESCUBRIMOS E IMPULSAMOS AL NUEVO TALENTO, PRINCIPALMENTE AL NACIONAL. » RECORDAMOS A LOS ACTOS LEGENDARIOS QUE INSPIRAN HASTA EL DÍA DE HOY. » SOMOS EL PRIMER FESTIVAL MUSICAL QUE INCLUYÓ AL STAND-UP COMEDY EN SU PROGRAMA. » NOS CONCENTRAMOS EN GENERAR CONVERSACIÓN ENTRE PROMOTORES Y CREADORES. » CREEMOS QUE LA MÚSICA SE VIVE MEJOR ENTRE FANS. » DESCUBRIMOS Y PRESENTAMOS A UN TALENTO LISTO PARA SER DEVORADO POR MELÓMANOS. » APOYAMOS EN LA REACTIVACIÓN DEL CIRCUITO CONDESA-ROMA. » ESTAMOS OBSESIONADOS CON LA CDMX. » NOS GUSTA PENSAR QUE LA MÚSICA ES LA RAZÓN DE TODAS LAS COSAS. » ESTAMOS EMPEÑADOS EN CREAR NUEVOS ESPACIOS DE DISCUSIÓN Y APRENDIZAJE. » ORGANIZAMOS CONFERENCIAS Y ACERCAMOS A LA GENTE A LA CREACIÓN Y GESTIÓN DE LA CULTURA. » RECIBIMOS Y AGRADECEMOS TODAS LAS IDEAS. » EXPLORAR Y ENCONTRAR SON NUESTROS CIMIENTOS. » ESTAMOS DEDICADOS A OFRECERTE EL SHOW DE TU VIDA. » #FESTIVALMARVINCDMX SOMOS MARVIN, BANDAS, MANAGERS, FOROS, VECINOS, MEDIOS, PATROCINADORES, LA CIUDAD Y NUESTRO HERMOSO PÚBLICO.

DIRECTORIO PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@marvin.com.mx EDITOR UILI DAMAGE uili@marvin.com.mx DIRECTOR DE CONTENIDOS PABLO PULIDO pablo@marvin.com.mx DIRECTOR DE ARTE HÉCTOR MONTES DE OCA hector@marvin.com.mx DISEÑO GRÁFICO ADRIANA GALLARDO adriana@marvin.com.mx RESPONSABLE DIGITAL HOMERO NÚÑEZ homero@marvin.com.mx REDACTOR WEB SANDRA RODRÍGUEZ sandra@marvin.com.mx ITZEL ROJAS itzel@marvin.com.mx PROJECT TRACKING RAÚL MÁRQUEZ raul@marvin.com.mx

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Lenin Calderón, Rubén Gil, Juan Carlos Hidalgo, Vicente Jáuregui, Alejandro Mancilla, Arturo J. Flores, Mauricio Guerrero, Aarón Enríquez, y Toño Quintanar CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo J. Flores, Alejandro González Castillo, Jorge Grajales, Juan Carlos Hidalgo, Alejandro Mancilla.

REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA TOLUCA EDUARDO URIBE MORALES aliasdg@gmail.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@marvin.com.mx PACHUCA ALFREDO GARCÍA r.u.d.o@hotmail.com IMPRENTA IMPRENTA AJUSCO, S.A. DE C.V. José Ma. Agreda y Sánchez 223, Col. Tránsito, Ciudad de México, 06820, México Teléfono +52 (55) 5132-1100

MVN 161 :: AGUERRIDOS

DIRECCIÓN COMERCIAL Y RP DELHY SEGURA delhy@marvin.com.mx VENTAS ÓSCAR PADILLA oscar@marvin.com.mx VENTAS DANTE GARCÍA dante@marvin.com.mx ALIANZAS Y OPERACIÓN MONTSERRAT ASCANIO montserrat@marvin.com.mx EDITOR CÓMIC ÓSCAR G. HERNÁNDEZ oscarghx@marvin.com.mx ESTRATEGIA DIGITAL AURELIO VARGAS aurelio@marvin.com.mx PRODUCCIÓN FERESHDE MOLUK feresh@marvin.com.mx ADMINISTRACIÓN CARLOS ARRIAGA carlos@marvin.com.mx DISTRIBUCIÓN EDUARDO CORTÁZAR ROSAS MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com

CONTACTO

Cozumel #61- PB. Col. Roma Norte CP 06700.

México DF. Tel. (55)1998 0808 (55)1998 1818 Contacto: contacto@marvin.com.mx Suscripciones: suscripcion@marvin.com.mx

MARVIN

VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD.

Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 161correspondiente a: MAYO 2018. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores.

Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2016-011911392500-102. MARVIN es una Marca Registrada.

Contenido

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AGUERRIDOS MAYO 2018

En portada 38 #FESTIVALMARVINCDMX 40 BUZZCOCKS 42 GANG OF FOUR 44 THE DRUMS 46 DANIEL MELERO

Música

Fetivales Cine

Cómic

Literatura

10 TECNOLOGÍA 12 EN MEGÁFONO. Noticias frescas 20 STAND-UP 22 INDUSTRIA: La Bestia. Un nuevo concepto de ensayo 24 ATLAS SONORO. Ciudad Juárez. Oro sónico 28 PLANETA NO. Crecer es aprender a bailar 30 RAMONA. Sin miedo al amor 32 EVHA. El susurro de Los Andes ecuatorianos se cruza con la electrónica 50 DE CULTO: EELS. 34 CEREMONIA 2018 58 ENGLAND IS MINE. La rebelión de los Godínez o Morrissey y su biopic no autorizada 52 DE CULTO: GERMAINE DULAC. Hechicera del celuloide 60 VALEROSAS. Mujeres que hacen lo que se les da la gana 62 CÓMIC DEL MES: John Marceline 56 ERIC JIMÉNEZ. La insólita y emocionante historia del baterista de Lagartija Nick y Los Planetas

Arte 54 DE CULTO: ULISES FIGUEROA. Mamíferos en obra negra El Pilón 64 FRANCISCO ZAMUDIO R.I.P. (Rock in Peace)

Editorial

E

s 2018 y este año contaremos con 56 bandas y 20 standuperos dentro del talento talento que se une a la Agra celebración #FerstivalMarvinCDMX. Una vez más, logramos presentar, como año con año, lo que nos parece la mejor selección para descubrir y repasar artistas emergentes y de culto en el primer festival de verano de la capital del país.

Por todo lo que seguimos logrando, enviamos un enorme abrazo y agradecimiento a cada uno de los protagonistas que han permitido hacernos sus cómplices en este trayecto de diecisiete magníficos años de Revista Marvin y ocho estremecedoras ediciones del festival, justo para ver echarse a andar la reacción en cadena.

Damos la bienvenida a todos los que están en la fila para disfrutar nuevamente de este jubileo y que pavimentarán nuevos caminos que habremos de recorrer con viejos y nuevos protagonistas.

Con gusto presumimos que seguimos provocando cultura. Y seguimos provocándola para que se haga disfrutar por todo tipo de fan.

Somos los provocadores de música, cine y arte en la CDMX. Somos Marvin.

Uili Damage @uili

Uili Damage @uili

Tecnología

NUEVAS FAMILIAS

MOTO:

TU SMARTPHONE CONSENTIDO

Cuando salió el primer Moto G, se convirtió en el smartphone más vendido en la historia de Motorola. A continuación, las familias de productos Moto G y Moto E ofrecieron una serie de combinaciones de características y funciones con gran calidad para usuarios que no estaban dispuestos a resignar calidad, estilo o experiencia.

Para continuar con este legado, Motorola presenta el lanzamiento de las nuevas generaciones de estas líneas, con las innovaciones que más te importan, más inteligentes que nunca y evolucionando aún más en la pantalla, en el diseño y en la potencia, con procesadores Qualcomm Snapdragon y a un valor excepcional.

Moto G6 plus, Moto G6, Moto G6 Play, Moto E5 plus y Moto E5

GENESIS SEGA MEGA DRIVE

Este año se cumplirán treinta del lanzamiento del Sega Mega Drive también conocido como “Genesis” y para celebrarlo muy a la Nintendo, Sega anunció que lanzará una versión miniatura de la consola que primero se venderá en Japón para después traerla a América a finales de año. La reedición de la consola incluirá juegos clásicos y representativos instalados aunque la lista completa todavía no la tenemos.

STATE OF DECAY 2

DETROIT:

BECOME HUMAN

La ambiciosa secuela para el aclamado título de zombies y supervivencia del 2013. Con más opciones para construir tu base y personajes, un nuevo modo cooperativo para cuatro personas y nuevas amenazas que vienen con una experiencia más inmersiva; pero ten cuidado: si mueres en la campaña de tu amigo, también perderás a tu personaje en la tuya.

State of Decay 2 llegará exclusivamente a Xbox One y PC el 22 de Mayo.

Del mismo equipo que nos trajo Heavy Rain y Beyond Two Souls, llega este nuevo juego de acción y aventura en donde cada decisión que tomes afectará la historia de los 3 androides: Kara, Connor y Markus, en un paisaje futurista en donde los androides son tratados como mano de obra y esclavos para los humanos, o al menos hasta ahora. Detroit: Become Human llegará el próximo 25 de Mayo exclusivamente para PlayStation 4.

SONY TABLET DIGITAL PAPER

La Sony’s DPT-RP1 o “Digital Paper” tablet es el nuevo gadget que Sony lanzará al mercado, con la característica de ser una pantalla “E Ink” como la del Kindle, y del tamaño de una hoja tamaño carta.

La tablet tiene la capacidad de almacenar documentos en PDF, disco duro de 16 GB y el precio rondará los $13,000 MXN. Esta tablet estará disponible en el mercado a partir de junio en Estados Unidos.

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En megáfono

LA CONVOCATORIA PARA LA FIESTA DE LA MÚSICA 2018 ESTÁ ABIERTA

En 1982, en Francia, el secretario de Cultura, Jack Lang, pidió un estudio sobre las prácticas musicales. Resultó que más de 5 millones de franceses tocaban un instrumento pero los conciertos eran muy pocos.

Así surgió la idea de llevar esta multitud de gente a la calle ofreciéndoles conciertos gratuitos y promoviendo al mismo tiempo la creación musical.

Desde hace más de 35 años, la Fiesta de la Música (FDM) celebra la música en vivo cada año y es un éxito internacional. De hecho, este evento gratuito es uno de los mayores eventos culturales mundiales porque se festeja en más de 120 países con siempre el mismo objetivo: inundar las calles para tocar música, bailar, cantar, disfrutar y compartir. En México, la Alianza francesa de México (AFMX) lleva 10 años organizando esta manifestación cultural en la capital.

Desde la primera edición, la FDM se llevó a cabo en todo el país, y hoy en día, las Alianzas Francesas llevan a cabo esta celebración anual en más de 15 ciudades, en colaboración conjunta con la Secretaría de Cultura. En conjunto lograron hacer de esta Fiesta una verdadera cita anual para los habitantes de la Ciudad. ¡La Fiesta de la Música vuelve el sábado 16 de junio 2018 a los museos, plazas, parques y bares de la CDMX para celebrar y promover la música en todas sus formas, ofreciendo conciertos gratuitos en toda la ciudad!

Prepárate: la convocatoria 2018 estará abierta hasta el domingo 13 de mayo. Por primera vez, este año, se otorga un premio especial a un talento mexicano, que ganará una cobertura mediática de parte de medios musicales colaboradores de la FDM así como una grabación profesional en un estudio de la CDMX. Las propuestas serán evaluadas a partir de criterios de calidad musical y de originalidad de la propuesta. ¡La convocatoria está abierta a todo el talento, amateur o profesional, y de cualquier género musical!

Para ser elegido y formar parte del talento de Fiesta de la Música, visita la página www.alianzafrancesamx.edu.mx y completa el formulario y para más información, sigue a la Fiesta de la Música en Facebook @FDM. CDMX La convocatoria se cerrará el día 13 de mayo a las 12:00 de la noche. www. alianzafrancesamx.edu.mx Convocatoria 2018: https://bit.ly/2vtWvuS.

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En megáfono

En un mundo donde la rutina diaria deja poco tiempo para hacer una actividad adicional, estar informado puede parecer un esfuerzo extra que tenemos que dar en el día. Periodic es un medio que entiende perfectamente esto, por esto le da la vuelta al tan ya usado newsletter con el objetivo de hacer más fácil la labor de estar informado sobre los temas de la agenta política y social.

Pero Periodic no es sólo un newsletter para mantenerte al día, este nuevo medio tiene presente el valor tan fuerte que contiene la información. Así que lo usa como una herramienta de empoderación a favor de las mujeres.

Platicamos con Beatriz Venón, la editora de Periodic, quien nos contó cómo surgió la idea de usar el poder de la información para dirigirla a un público femenino: Periodic es un nuevo medio que nació a principios de marzo con la idea de empoderar a la mujer. Muchas veces nosotras para llegar a los mismos puestos que los hombres o tener las mismas oportunidades, tenemos que estar el doble de preparadas, el doble de informadas; el doble de todo. Y encima tenemos que echarle muchas ganas al trabajo, tener vida social, hacer ejercicio. Periodic es una herramienta para que puedas estar informado en cinco minutos de las noticas más importantes del día.

Las creadoras del medio encontraron una forma para combatir toda la sobre información que hay en Internet. Las noticias que llegan todos los días, de lunes a viernes, están cien por ciento verificadas y cuidadosamente elegidas para que las lectoras puedan dominar cualquier tema que esté en boga, ya sea en la política, en lo social o el entretenimiento.

Lo que nos interesa es dejar de lado la idea de que la información para la mujer tiene que ser exclusivamente sobre maquillaje, moda o cocina. Para nosotros los temas más importantes a tocar son los que conciernen a los derechos de la mujeres, pero nuestra agenda va más a la política nacional e internacional, derechos humanos, medio ambiente. Y, claro, siempre al final incluimos un tema de entretenimiento para aligerar el día.

Por lo menos el 90% del equipo de Periodic está conformado por mujeres con una importante formación periodística. Lo que hace que la información siempre esté corroborada. Además de que entienden a la perfección las necesidades de sus lectoras.

La información llega siempre con el objetivo de entenderse y leerse rápidamente. Aunque no es dirigida exclusivamente para mujeres, los temas son elegidos para que ninguna se quede callada a la hora de discutir sobre los temas de la agenda política. Periodic es un medio que ha sabido entender bien las necesidades actuales de la mujer contemporánea. Y lo están haciendo muy bien.

PERIODIC La información como herramienta para empoderar a las mujeres

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En megáfono

AKAMBA

Nuestro nuevo festival favorito FOT:: Cortesía de Akamba

Cada minuto, en México surge un nuevo festival. Esto en definitiva siempre es algo bueno, porque es de agradecerse tener opciones de dónde escoger, en dónde pasaremos nuestro fin de semana y en dónde viviremos nuevas locuras, de preferencia si nuestras bandas favoritas van a tocar ese show que se nos quedará en la mente por siempre, por siempre, por siempre…

Y así de repente, de la nada, como si nos hubiéramos distraído por un instante, los creadores de Bahidorá (ese oasis que se ha posicionado como una experiencia alucinante en Las Estacas y cuya preventa para la edición 2019 ya arrancó) han anunciado la organización de Akamba, un nuevo carnaval que pretende ofrecernos otro fin inolvidable con diferentes experiencias, sonidos e imágenes, y que seguro se convertirá en “el” festival del norte de Jalisco.

“Akamba es una celebración al fuego, al ritmo y a la tierra”, dicen sus creadores Distrito Global, Ache y Mousiké sobre esta nueva celebración en las faldas del volcán de Tequila, en donde podremos disfrutar del “folclor tapatío y las raíces de la región donde crecen los agaves más azules”.

Para esta primera edición de Akamba, el line-up incluye nombres que nos hacen querer que ya se acerque la fecha, entre ellos Timber Timbre, Nicola Cruz, Mayer Hawthorne, Satori and the band from space, Hollie Cook y Niño Árbol.

Akamba es un ritual que pretende conectar con los ancestros, a manera de festejar nuestra identidad y tradiciones. De hecho, el nombre Akamba es una palabra proveniente del idioma local purépecha que significa “agave”, un símbolo para toda una cultura como lo es la nuestra.

Akamba se realizará el próximo 12 de mayo. Los boletos se encuentran a la venta a través del sistema Boletia.

Sigue el hashtag #PrendeAkamba para más información.

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En megáfono

DRIFTING IN AND OUT YOU SEE THE ROAD YOU’RE ON IT CAME ROLLING DOWN THE CHEEK YOU SAY JUST WHAT YOU NEED AND IN BETWEEN IT’S NEVER AS IT SEEMS HELP ME TO NAME IT HELP ME TO NAME IT

Hay lugares que suenan a lo que más nos hizo sentir un momento, las calles que recorremos día a día quedan impregnadas de canciones que nos guiaron para llegar al lugar correcto.

Una vez, cuando sabía que me iban a cortar, lo único que quería era ponerme mis audífonos y que la voz de Victoria Legrand comenzará a cantar “Myth”. Después de pasar escuchando toda la noche a Tricky en su habitación que estaba entre Frontera y Chihuahua, sólo quería que mi celular comenzara a reproducir a Beach House. Se convirtió en una necesidad tan grande que ni siquiera puse atención a sus palabras de despedida.

Cuando di la vuelta, el momento que había estado esperando desde el día anterior por fin llegó. Me coloqué los audífonos, puse play y comencé a caminar por la calle de Guanajuato, quizá fue Córdoba, no recuerdo. ¿Por qué esa canción? Ni siquiera sabría decir por qué ansiaba tanto escuchar algo tan triste en un momento igual. Beach House es una de esas bandas que provocan una melancolía rica, una que combina con las jacarandas o el sol de las 5 de la tarde.

No sé cuántas veces la repetí, más de cinco estoy segura, quizá diez. Llegué a Álvaro Obregón, después a avenida Cuauhtémoc, no sé cómo, mi objetivo era llegar al metro, pero di muchas vueltas estúpidas con tal de que nunca terminara mi canción. “Myth” era mi cura, mi desahogo y mi escape. “Help me to name it”. Estas ganas de escuchar Beach House en mis momentos más tristes.

Podría nombrar cualquier bar, fiesta o concierto que he vivido en la Roma y aunque han sido bastantes; para mí las calles que recorrí ese día siempre sonarán a Victoria Legrand y Alex Scally.

Suenan a una huida buscando refugio, suenan a escape y a encuentro. Suenan cálidas después de escuchar palabras frías.

Esas calles suenan exactamente a lo que un día Beach House escribió para mí.

En realidad nunca me cortó, porque nunca fuimos novios, pero sabía que era la última vez que lo iba a ver y él entre líneas se estaba despidiendo.

Beach House se presentará el próximo 11 de mayo en el Auditorio Blackberry, el cual será muy especial ya que es el show de lanzamiento de 7, su nuevo disco. Una cita imperdible para toda aquella persona que se jacte de ser emocional.

IF YOU BUILT YOURSELF A MYTH YOU’D KNOW JUST WHAT TO GIVE WHAT COMES AFTER THIS MOMENTARY BLISS THE CONSEQUENCE OF WHAT YOU DO TO ME HELP ME TO NAME IT HELP ME TO NAME IT FOUND YOURSELF IN A NEW DIRECTION ARROWS FALLING FROM THE SUN CANYON CALLING WOULD THEY COME TO GREET YOU? LET YOU KNOW YOU’RE NOT THE ONLY ONE

– MYTH BEACH HOUSE

¿A QUÉ SUENA LA ROMA?

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Stand Up Comedy

¡POR 4º AÑO CONSECUTIVO, STAND UP EN #FESTIVALMARVINCDMX

TXT:: Uili Damage FOT:: @Khaled Aboumrad

Orgullosos presentamos por cuarta ocasión el 1er escenario de stand up comedy dentro de un festival de música en nuestro país.

Claro quedó ya que no es una moda y tras haber iniciado con un cartel que incluye a los hoy punteros de la escena, estamos listos para descubrir a la cuarta camada de talento que está lista para tomar los escenarios de esta disciplina singular y sumarse a los que en este certísimo tiempo son ya consagrados.

La jornada costeada por Myr Ramirez (participante de la primera edición) y Marcela Lecuona, el cartel 2018 corre como sigue (alfabéticamente, sin orden de aparición): ÁNGEL BRIONES “EL PATÁN” Standupero que le jala donde dice “empuje” y hace cine con el dinero de la renta.

ERIC VARGAS 1.65m, no incluye baterías. Estudiante por las mañanas, pero pendejo de tiempo completo.

AXEL TEJADA Culero con causa y sarcástico optimista: está seguro que los demás son imbéciles, pero en una de esas se les quita.

GIAN ARENAS “El muchacho de los ojos tristes”

CACHO CANTÚ Mejor conocido como Cacho Cantú comenzó su carrera de standup en tacones; ahora va descalzo, ebrio y devastado. Su comedia es frágil como gaviota pero felina como leona.

CHARLIE ” EL HUEVO” BARRIENTOS Creativo, comediante, escritor y padre de gemelos. Alguien sin tiempo real más que para la risa.

CORAL ECHEVERRÍA Actriz, directora, clown, cantante de regadera, escapista de la realidad, insegura como juego de feria, dummy tester en el amor.

EL FERCHO Comediante, fanático de la producción teatral y del show cómico mágico musical, todo un entusiasta de la fiesta.

HUGO “EL COJO FELIZ” “Mi mayor logro en la vida es que sobreviví al cáncer y que una vez me salieron tres tazos en la misma bolsa de doritos”.

ISABEL FERNÁNDEZ “Mi signo zodiacal es leo y no me gustan los champiñones… ” JEY ADERITH Actriz y comediante. Chaparrita, sarcástica y algunas veces insurrecta.

JULIA TELLO Nació, creció (no mucho) no se ha reproducido y con suerte no morirá… pronto. Su mensaje es de paz… de pásele a ver sus bromas.

LA BEA “Soy Bea nos vemos en el #FestivalMarvinCDMX llevaré tutsis” LALO ELIZARRARÁS Hijo pródigo de Iztapalapa. “Le hago a la broma y al vacilón, terminé mi telesecundaria, estudio inglés en el conversa y presto a réditos. Un ejemplo a seguir para los míos”.

PETER ESPINOZA Sobreviviente al bullying por dislalia al no poder pronunciar la “R” en un país donde el 60% de las palabras en español la utilizan de manera Re-curren-te. ¡Te vas a divegtig!

RUBÍ GARCÍA Ñoña, informática, amante de la cerveza y las risas, llena de odio pero con unas adorables manos regordetas SANDRO RUIZ Comediante queretano con su propia marca de hotcakes.

SARA SILVA Mujer disfuncional fracasando en la adultez con mucha elegancia. Ansiosa social, dramática existencial, duquesa del after y amante del caos. “No corro, no empujo y sí grito”.

SLOBOTZKY Le pedimos desde la producción del #FestivalMarvinCDMX 2018 a Slobotzky que se defina en 10 palabras y este genio del siglo XXI nos respondió: Slobotzky es el más más más más más más chingón TIO ROBER Standupero, actor y guionista premiado de cine, televisión y teatro.

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Industria

LA BESTIA UN NUEVO CONCEPTO DE ENSAYO TXT:: Vicente Jรกuregui FOT:: Marc Ramos / Instagram: @ramosmarc

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hacer algo pariendo de nuestras necesidades como músicos y de cómo nos gustaría que nos trataran al llegar a un lugar. Queríamos que hubiera en equipo que posibilitara que sonaras mejor. A todos lo que trabajamos ahí nos gusta el equipo vintage, así que comenzamos a buscar equipo de ese estilo.

DURANTE LOS ÚLTIMOS AÑOS, varias ciudades de México han experimentado el crecimiento de una escena musical hambrienta por tocar en vivo sus composiciones.

La competencia es alta y las oportunidades para que un proyecto destaque dependen de varios factores. Uno de ellos es la calidad con la que interpreta sus canciones sobre el escenario.

Gracias a la tecnología, grabar un disco se ha vuelto un proceso relativamente accesible y sencillo.

La prueba de fuego viene al subirse al escenario, ese lugar donde los trucos de edición solo podrán ser compensados mediante incontables horas de ensayo.

En ese contexto, han surgido bastantes salas de ensayo que ofrecen un espacio con equipo para practicar. Aunque la mayoría de estos sitios cumplen con las condiciones para llevar a ese propósito, existen algunos que complementan la experiencia. Uno de ellos es La Bestia, que a punto de cumplir sus primeros dos años de vida, se ha vuelto un referente para muchos músicos de la Ciudad de México, que acuden al lugar para ensayar, grabar, tomar talleres o pasar un rato agradable. Platicamos con Óscar Julián, uno de los socios fundadores, sobre el pasado presente y futuro del lugar.

Cuéntanos cómo nace la idea de hacer una sala de ensayo. Óscar Julián: La Bestia nace aproximadamente dos años atrás.

Todo comenzó un año atrás cuando conocí a Mario Rincón, un música venezolano con el que teníamos ganas de hacer un negocio. Nosotros solíamos ir a salas de ensayo que no estaban mal pero sentíamos que les hacían falta cosas. Nosotros quisimos

¿Qué los diferencia del resto de las salas de la ciudad?

No queríamos que fuera como en otras salas, que tienen la más sencilla y otras muy equipadas. Para nosotros era importante que todas estuvieran al mismo nivel y tamaño. Otra diferencia es que a la par incorporamos una visión artística. Yo estudié Comunicación visual y Mario tenía una escuela de art toys en Venezuela; esa formación de ambos se fusionó y de repente comenzamos a decorar con stencils, art toys, trabajamos con varios artistas para hacer variaciones del logo. Eso llama la atención de la gente, llegan y ven algo nuevo en las salas. Nos gusta que el lugar se vea limpio para que la gente se sienta a gusto. También vendemos bebidas: café, agua, cerveza. Todo favorece para crear un ambiente cómodo. Hemos notado que varios cliente ya son amigos y a veces llegan sólo a cotorrear.

Las mismas bandas luego se quedan a platicar.

En otros lugares llegan, ensayan y se van. Acá te quedas a hacer RP y los músicos se conocen.

Más tarde se une un tercer socio de La Bestia, ¿cierto?

Al año se incorporó Francisco Carrera como tercer socio. Teníamos la posibilidad de hacer una quinta sala, pero mejor le apostamos a hacer el estudio de grabación. Como fue una inversión fuerte de dinero, buscamos asociamos con Leonel Carmona, un ingeniero que ha trabajado con Los Amigos Invisibles. Hoy se cerró también un deal con Mauricio Terracina como productor e ingeniero. ¿Qué me puedes decir de los talleres que ofrecen?

Siempre estamos viendo la posibilidad de crecer.

De repente la gente pregunta por algún taller de reparación de equipo y ahorita abrimos hace un mes uno. Tenemos laudería, reparación de amplificadores, pedales, sintetizadores y baterías. ¿Ahora también hacen presentaciones con bandas no?

Exacto, las Noches de la Bestia son tocadas que tratamos de hacer una vez al mes en el Imperial.

La idea es tener una banda extranjera y una de casa. Queremos fomentar una escena (aunque no me gusta mucho esa palabra). Prefiero hablar de un movimiento que sea incluyente. ¿Por qué no te gusta la palabra “escena”?

De repente es lo mismo en los mismos foros, lo padre es que haya diversidad. Quizá falta que los géneros se mezclen más, que puedan tocar dos bandas diferentes sin importar el estilo sino la calidad de la propuesta.

Ustedes seguro se dan cuenta de la gran diversidad de bandas que hay.

OJ: Sí, a nosotros nos caen bandas de shoegaze, folk, jazz, rap, experimental. Incluso nos han caído bandas de fuera, nos gusta que de repente venga una banda pop de Los Ángeles o una banda electrónica de Austria. Justo hoy viene a ensayar Green Jelly… a esa diversidad me refiero. ¿Cómo va el estudio, qué discos han grabado hasta ahora?

De lo primero que grabamos fue el de Timoneki, una banda de Puebla; también un tributo a King Changó; ha grabado Rawayana; Willy, de Cultura Profética; McKlopedia y La Vida Bohème. Grabamos varias cosas para marcas, TV y Live Sessions de las bandas de casa. También estamos armando los showcases de algunas bandas para el #FestivalMarvinCDMX. También tenemos una tienda de pedales, guitarras, generalmente marcas boutique. La ventaja es que acá puedes probar cualquiera de estas cosas con tu banda. Es la mejor forma de convencerte del sonido de algún efecto. También estamos escribiendo reseñas de pedales. Otra cosa que pueden aprovechar es suscribirse a nuestro mailing list porque seguido damos descuentos que no publicamos en las redes, buscamos que la gente se involucre con nosotros. ¿Qué viene este año?

Ahorita estamos habilitando la terraza para los talleres y estamos planeando la fiesta del segundo aniversario.

Atlas Sonoro

CIUDAD JUÁREZ ORO SÓNICO Ciudad Juárez podría ser el último bastión al norte de la esperanza.

Estigmatizada por la sombra lacerante de los feminicidios, la música y el arte igual florecen como un alivio para el alma, como un canto de protesta o (si nos ponemos pesimistas) como un placebo, un daiquirí de utilería en medio del desierto. Sin duda, es una tierra árida, pero la contracultura se les da muy bien.

TXT:: Alejandro Mancilla @nosoymoderno FOT:: Tourism Media

Y ES QUE POCOS lo aceptan, pero una guerra se está llevando a cabo aún en las entrañas de aquel estado a orillas del Río Bravo. Pero muy aparte, mostrando la otra faceta, hay otra historia.

Sí, porque musicalmente hablando, recientemente grupos como The Chamanas (con todo y su cambio de vocalista) sorprendieron con su pop nostálgico (ellos se mueven entre El Paso Texas y Chihuahua) o Apolo, siguen generando ruido.

Pero…¿Ciudad Juarez is the number one, como diría una canción de María Barracuda (que a la vez se inspiró en la country “Juárez no. 1” de Juan Gabriel)?

Desde los 90, un movimiento se comenzó a germinar de manera natural y consecuente con la cercanía con el país vecino. Bandas seminales de lo que vendría, tocaban en donde y cuando se podía. Es así como los flyers de la época mostraban nombres como Zona Muerta, Los Paganos, La Flota del Puente Negro, La Perdición de Juliancito o Las Lolapeluzas (es en serio).

Con el advenimiento del indie-rock y de Internet, esa vieja guardia que tocaba lo mismo goth, que

industrial, hardcore o el llamado rock alternativo, desapareció y dio lugar a cosas como el popfolk de dormitorio de Dromedarios Mágicos, el shoegaze tropicalizado de Maw (participantes en el #FestivalMarvinCDMX) o también tenemos que mencionar al macizo grupo anarco-punk llamado Nalgadas, terrible nombre que casi nos hace omitirlo de no ser porque su cantante se hace llamar Rat Benatar (y ya por eso, se ganaron estar en estas páginas).

Pero el panorama es muy amplio, la oferta de bandas y proyectos locales colocan a Ciudad Juárez como una de las escenas más fértiles del país. La electrónica en todo el estado es otra de las minas más prolíficas de dónde extraer oro sónico, lo mismo aquellas bandas indies pre-internet (pioneras de todo lo que vemos hoy) que, con la ventaja de haber crecido con la radio gringa en un oído y la música mexicana en el otro, iban un paso por delante con respecto, digamos, a Tabasco o la misma CDMX, donde los vanguardistas de la época tenían que esperar a que alguien en El Chopo llevara las novedades.

Hoy, el horizonte luce prometedor; los grupos están saliendo, hacen giras, graban discos físicos y virtuales. Bandas como las mencionadas arriba, más proyectos como The Mueres, Sets, Pájaro sin Alas, Paperas, Acústico Maple, El Gil (que es foráneo pero está haciendo carrera en la zona), Et, el prolífico y fino proyecto Sr. Amable (que con su sello Futuro de la Economía igual genera escena al grabar y producir a bandas locales y organizar festivales, desde su sede en la capital del estado) nos indican que vale la pena mirar hacia esas coordenadas hacia el norte.

“El estado es enorme y todo resulta lejos (tanto para salir como para conectarse). Por eso creo que en la música de la región conviven ideas que no se encuentran en otro lado. El hecho de no querer parecerse a nada y desarrollar un estilo particular sin importar la crítica es una de las cualidades que me parecen remarcables de las bandas locales” comenta el mismo Sr. Amable.

Gracias a Luis Ángel Martínez (Piyama Party y Los Mundos, por sus recomendaciones)

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TETAS LAZZER Atlas Sonoro

MÚSICA NUEVA EN LA CIUDAD

RECOMENDACIONES LOCALES

CÓNDOR

¿Los Plastilina Mosh de su cuadra? Este par de elegantes y juveniles raperos, practica un rockpop aderezado de hip-hop light que habla de pequeñas historias como de ‘mirreyes’ indie que —no es por nada—pero está muy divertido.

BLUESHIT

myspace.com/theblueshit ¿Qué se puede esperar de un combo que tiene una canción que dice “puedes tuitear, puedes hipstear, puedes postear, pero eres excremento…”? Pues al menos, no a la típica banda que haría canciones de amor convencionales con disfraz indie.

REGINA VILLALVAZO en el bajo, John Titor en la voz y guitarras, Paco Morales en la guitarra principal, Alfonso Rojas en la batería y Óscar Uriel Balcazar en los sintes , conforman este proyecto juarense con nombre de arcade noventero. El grupo practica un post-punk muy en la onda de Wild Nothing, con letras en español. Tetas Lazzer se forma a mediados de 2014; y hasta hoy, cuenta con dos materiales discográficos, el primero homónimo y el segundo llamado (con el muy a la The Jesus and Mary Chain) Candy Apple.

A mediados de año, el grupo andará de mini-gira por el centro del país. ¿De qué donde viene el grupo, musical y estilísticamente?

John: El grupo viene de 2 vecinos que intentaron muchas veces hacer una banda sin éxito alguno, pero un día las canciones llegaron y fue el punto de apoyo para hacer música nueva en la ciudad. Estilísticamente tenemos la influencia de los videojuegos, el anime y las series televisivas con una pizca de ciencia ficción. La imagen grafica esta a cargo de Érika Liberato, una diseñadora estadounidense.

El nombre me recuerda a Afrodita, la robot de Mazinger z, por lo de las armas en los pechos… ¿de donde se inspiraron?

John: El nombre esta inspirado en una caricatura Francesa de 1993 que se llama Baby Folies, donde

los bebes tienen vidas como adultos pero antes de nacer. John Titor lo reimaginó en el futuro en una guerra espacial de bebés, en la cual las armas principales eran tetas con forma de pistolas que disparan líquido laser, en la portada de nuestro primer EP viene un ejemplo de como serian esas armas.

Uds. son de una ciudad bastante complicada en cuanto feminicidios, ¿en algún momento sintieron una responsabilidad social al respecto? Óscar: Cuando nos reunimos a hacer música nos olvidamos incluso de nuestros propios problemas por un rato. ¿Cómo es la escena musical de su estado y ciudad?

Es muy variada. Afortunadamente las puertas están abiertas en muchos venues de la ciudad para bandas que desean exponer su música y las tocadas son muy frecuentes, aunque casi siempre es por puro amor al arte ya que es muy difícil obtener una gratificación monetaria por tu trabajo como músico. Chihuahua cuenta con bandas que en lo personal me parecen muy buenas pero que por una u otra razón no han logrado alcanzar el reconocimiento que merecen, sin embargo, ahí siguen y seguirán haciendo lo que mas les apasiona, al igual que nosotros. soundcloud.com/tetas-lazzer

SALVAJE

salvaje614.bandcamp.com Sinceramente, es un folk ranchero más interesante que el innombrable (su apellido empieza con C y termina con L, y se llama Juan). Salvaje es de la capital homónima al estado, pero las letras de sus canciones, entre arrabaleras y oscuras, sería el soundtrack ideal para cruzar Cd. Juárez en una motoneta entre barrios cholos.

PARÁBOLAS DEL BOSQUE

parabolasdelbosque.bandcamp.com Pop chihuahuense oscuro y depresivo que por momentos se torna en math-rock. La combinación de voces hombre-mujer le quita la monotonía y por momentos, pudieran ser unos The xx mexicanos si es que los ingleses fueran todavía más pesimistas. Ellos, se definen como sadgaze.

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MVN-159

WE LOVE BURGERS PRESENTA LA HAMBURGUESA DEL

#FESTIVALMARVINCDMX

WE LOVE MARVIN JALAPEÑO Y ARÚGULA

ADEREZO WLB

MIX DE QUESOS

ENVUELTA EN TOCINO

DESCÚBRELA

EN CUALQUIER SUCURSAL Y LLEVATE

UNA CERVEZA INDIO DE CORTESÍA #WELOVEBURGERS WLB CONDESA

WLB CIBELES

WLB CUAUHTÉMOC WLB NÁPOLES

Michoacán #172 Col. Condesa

Villa de Madrid #3 Col. Roma Norte

Río Lerma #159 Col. Cuauhtémoc

Nueva York #272 Col. Nápoles

Promoción válida en todas las sucursales We Love Burgers durante el mes de mayo 2018. *Una cerveza por hamburguesa

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Dënver Música Gramática Gimnasia 2010, Terrícolas Imbéciles Hace ya 8 años de esta deliciosura de pop bailaible y brillantina que influyó y sigue influyendo a musicos latinoamericanos por doquier.

Juan Ingaramo Pop Nacional 2014, S-Music Este disco del argentino es otra muestra de que tiene tiempo que el pop latinoamericano ha plantado cara a la industria discografica con grandes resultados.

Música

Cuando este trío de millennials chileno empezó a trabajar las canciones que posteriormente formarían Odio, su primer álbum de estudio, los tres estaban viviendo al cien por ciento la vida universitaria.

Involucrados en relaciones amorosas posadolescentes, inmersos en el tema social de su país, que tenía que ver con el movimiento estudiantil, y en una nueva forma de entender la música pop; protagonistas de una movida musical que desde Chile nos hacía mover las caderas acá en México y que en Dënver, Gepe, Pedropiedra o Ases Falsos, encontraba a sus líderes morales.

Han pasado algunos años de todo ello y Planeta No hoy se prepara para reclamar su lugar especial en la pista de baile. Para lograrlo se están armando de ritmos latinos, trap y mucho reggaeton.

Además, preparan su presentación en #FestivalMarvin2018. Hablamos con Juan Pablo Garín al otro lado del teléfono: ¿Qué tal Juan Pablo, cómo les ha caído la noticia de que vienen al Festival Marvin?

Juan Pablo Garín: Estamos muy contentos, es un festival que nos emociona mucho porque habíamos querido asistir ya varias veces pero no lo habíamos logrado, a pesar de que hemos ido mucho a México, pero por alguna razón no se había logrado. Nos gusta la esencia, vimos el cartel y está súper interesante. ¿En qué momento los agarra esta visita, como banda?

Es uno muy importante porque estamos justo trabajando nuestro siguiente disco. Estamos trabajando todavía las canciones y eso nos emociona porque algunas nuevas las podremos presentar en el festival. ¿Cómo ha cambiado la estética de la banda en este tiempo, después del lanzamiento de su primer álbum?

Pues yo diría que en aquel momento, cuando estábamos haciendo las

Tunacola Todos los Veranos del Mundo 2014, KLI Records Era 2014 cuando estos chilenos nos pusieron a bailar a todos con “Danky” y su pop pegajoso.

canciones de Odio, nuestro interés era un poco más adolescente, nos interesaban cosas que estábamos viviendo en ese momento, acá en Chile socialmente sucedieron cosas con el movimiento estudiantil que a nosotros nos afectaban directamente y eso se reflejaba en nuestras canciones. Era un tiempo muy movido por todos los cambios y movidas sociales que había, nuestros intereses eran muy así, muy directos y hoy creo que se nos nota un poco el cambio de edad y de intereses. ¿Cómo ven, por ejemplo, el cambio social, qué ha pasado en Chile desde aquellos años del movimiento estudiantil?

Creo que conforme vamos creciendo nos hemos dado cuenta de que es muy difícil cambiar las cosas a nivel social. Acá en Chile en ese entonces hicimos un gran esfuerzo en muchos niveles y conforme ha pasado el tiempo nos damos cuenta de que todo lo que hicimos, no es que haya sido en vano, pero no ha implicado un cambio real. Toda la generación ha crecido, empieza a laborar, cambian los intereses y de alguna manera eso te come. ¿Ha sido un golpe de realidad importante para ustedes el ver que los intereses de su generación hoy son distintos?

Sí, a nivel social es un impacto importante, pero supongo que es natural. No dejamos de tener ideales, pero no podemos evitar crecer. Incluso musicalmente los intereses y los gustos se tienen que transformar y eso es natural, es parte de crecer

¿Por qué crees que esta generación se esté interesando por los ritmos latinos o el reggaetón?

Creo que tiene que ver con la forma en la que hoy consumimos la música, que es mucho más inmediata y directa, distinto a cuando se consumía más rock.

Antes para escuchar un disco más conceptual, más complejo, te sentabas y debías tener tiempo.

Hoy consumimos música en el celular y la transportamos a todos lados. La música tiende a ser aparentemente más ligera, más festiva, más bailable, pero eso no quiere decir que sea básica. Los ritmos latinos son muy ricos y es algo que nosotros tenemos muy arraigado, que viene con nosotros.

Siempre que me preguntaban qué era Planeta No, yo decía que era como un pop kawaii latino. ¿Mantienen esa suavidad en lo que están haciendo ahora?

Sí, claro, esa digamos que es la esencia de la banda. Lo que pasa es que sí en aquel tiempo nuestro interés era más adolescente, te digo, desde nuestros gustos, a todos nos gustaba el manga, esa estética kawaii era lo que consumíamos también. Creo que la esencia del pop no va a cambiar, sólo que ahora hay un poco de trap y reggaetón combinado con las experiencias que hemos tenido ahora. Quizá parezca más maduro, pero a la vez bailable y festivo. ¿Es verdad que a todos les gusta el manga y lo japonés?

Sí, bueno, creo que es generacional.

Por la edad y todo.

¿Qué intereses piensas que están marcando la dirección de la nueva música que están haciendo?

Creo que hoy lo que nos está marcando mucho es el reggaetón, el trap, hay muchos ritmos latinos, música bailable, mucho beat.

Hemos encontrado que en ese lado hay muchas cosas divertidas e interesantes que hemos querido explorar. Antes la propuesta era más pop, pero de pronto hemos estado en otros países y esa movida de trap, de rap, de hip hop y reggaetón nos ha parecido muy divertida así es que lo hemos llevado a nuestro lenguaje chileno y latinoamericano y nos está gustando mucho.

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Oye, ¿y vieron Dragon Ball Súper ahora que recién salió?

(Risas) No, yo no lo pude ver. ¿Lo viste tú?

La verdad no lo vi completo, pero vi los capítulos finales. Lo tienen que ver.

Sí, bueno. En cuanto pueda lo veré, no se los demás si lo hayan visto.

Por ahí sí.

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planeta no CRECER ES APRENDER A BAILAR

TXT:: Aarón Enríquez FOT:: Mila Belén

“HOY CONSUMIMOS MÚSICA EN EL CELULAR Y LA TRANSPORTAMOS A TODOS LADOS. LA MÚSICA TIENDE A SER APARENTEMENTE MÁS LIGERA, MÁS FESTIVA, MÁS BAILABLE, PERO ESO NO QUIERE DECIR QUE SEA BÁSICA”.

—JUAN PABLO GARÍN, BATERISTA DE PLANETA NO

Música

TXT:: Alejandro Mancilla FOT:: Cortesía de la banda

El nombre del grupo evoca mexicanidad, nos recuerda a aquel romance tristón cuya materia prima era la sicodelia azteca de café-cantante, los pantalones acampanados, los programas de TV en blanco y negro y la radio que llenaba las tardes de sintonías sentimentales.

Se llaman Ramona, como una revolucionaria, como una de esas mujeres recias que forjaron la patria. Pero tampoco es un nombre de moda, de esos que están en boga en el registro civil… ¿ustedes conocen a alguna Ramona? Nosotros no.

Podría ser el nombre de un fantasma, pero no, el grupo lo conforman: Mauricio Villicaña en la guitarra y los sintes; Edgar Moreno en el bajo, Omar Córdoba en la batería y Jesús Guerrero en la voz, la guitarra y trompeta; con este último integrante platicamos sobre las andanzas del combo originario de Tijuana, que poco a poco ha comenzado a dejar huella en los corazones naif. “Queríamos un nombre que sonara mexicano, justamente” me confirma el cantante de la agrupación cuando iniciamos la plática. Cerés, su nuevo disco, podría sonar a un Syd Barret camp tocando canciones de Los Solitarios, con algo de soul-pop. El viaje por el cosmos de la banda, inicia con “Ojitos Soñados”, una baladita, pero en la segunda canción se ponen más guitarreros (que no menos amorosos) y así por el estilo el paseo por canciones como la muy ‘Monkees’ “Perdóname” o la experimental “Ávès”.

Desde la canción “Eres” de Café Tacvba no se habían grabado canciones tan duvlzonas en el rock (?) mexicano. “Yo te llevo volando”, advierten en el título de una de sus canciones… ¿te atreves, o te dan miedo las alturas? ¿De dónde viene emocionalmente Cérès?

Fue concebido cuando andábamos de gira, es un disco muy sentimental. Es un disco que nos ha dado mucho, que nos ha llevado a muchos estados de la república. ¿El título del disco se refiere al asteroide o es “seres” mal escrito a propósito o qué significa…?

En realidad ni una cosa ni la otra. Es una palabra de raíces romanas, que significa “creer y crecer”. Nos aburren las mismas palabras de toda la vida, y para este disco pensamos que está bien porque el disco habla de muchos personajes.

La mayor parte de los músicos tienen su lado fan. ¿A quién quieren ver en

“CUANDO DICEN QUE SOMOS CURSIS, NO ME IMPORTA. AL MUNDO LE HACE FALTA AMOR, NO ME AVERGÜENZO DE NADA DE LO QUE CANTAMOS”.

—JESÚS GUERRERO, VOCALISTA DE RAMONA Festival Marvin?

Es un gran cartel. Creo que a quien más espero personalmente es a Gang of Four y a Cocó Cecé que es una muy buena amiga. Tengo muy mala memoria, pero me da gusto que el festival haya crecido tanto ya.

En las bandas donde hay varios integrantes, ¿se vale una dictadura?

Porque… ¿cómo tomar decisiones entre tantos?

No, tenemos muchas ideas, en el grupo hay mucho amor. La manera en cómo trabajamos es muy especial, nos conocemos mucho como personas, nos hemos aguantado muchas cosas.

A veces sí pasa por mi mente ser un dictador, pero lo que más me preocupa es hacer las cosas a favor de la banda, no en imponer nada. Yo no pudo decirle a nadie, cuando todos somos artistas en el grupo.

Hablando de amor, a muchos grupos que cantan en español, les da miedo decir “te quiero” o palabras de amor, por miedo a sonar cursis… ¿cómo le hacen ustedes para poder hablar de amor con convicción?

Toda la música y el arte es amor.

Cuando dicen que somos cursis, no me importa, los grupos más importantes de la historia del rock hablaban de amor. Al mundo le hace falta amor, no me avergüenzo de nada de lo que cantamos, es con mucho orgullo. ¿Entonces el grupo no tiene de qué quejarse?

Está mal hacer las cosas por alguien más, creo que lo que menos necesitamos ahora en México es hablar de odio. Cuando no nos gusta algo, intentamos cambiarlo, siempre estamos haciendo cosas diferentes como personas, y sobretodo, de manera sincera.

Sus canciones atraviesan por diferentes estados de ánimo…¿cuál es tu favorito?

Sí canciones como la instrumental “Ávès”, que es instrumental con puros sintetizadores y que no tiene nada que ver como “Mateo” que es más feliz, o con “Cuando tú me ves” que es una balada.

Esa última es puro 70s… ¿se echaron un clavado en los discos de sus tíos?

Nos encanta esa época, siempre andamos buscando sonidos así, de esa sicodelia setentera romántica. No tuve que buscar, yo crecí escuchando esas cosas alrededor.

Mi mamá ponía a Roberto Carlos, a Juan Gabriel, Sandro…y ese tipo de música me conectó mucho con lo que quería hacer.

Luego me puse a buscar cosas de bossa nova de João Gilberto, por ejemplo. Igual hay bandas peruanas súper interesantes.

Alguien los describió como una banda para corazones heridos… ¿estás de acuerdo con esa definición?

No sé, a la hora de hacer canciones no pensamos en eso, como la gente sienta las canciones es lo principal. ¿Qué es lo más emotivo que les ha pasado con el grupo?

Estamos súper agradecidos con los fans.

Una vez me escribió una chava y me dijo que una canción triste que escribí llamada “Recuerdos”, le recordaba a su madre. La compuso mi hermano, quien falleció hace doce años. Más que una banda rompecorazones, somos una banda nostálgica. ¿Eres una persona nostálgica fuera del grupo?

Me gusta recordar, cosas buenas o cosas malas. Algún día vamos a dejar este planeta, yo definitivamente creo que sí hay algo más de la vida. No lo puedo ver pero si lo siento, siento presencias.

Eso no te lo digo jugando ni nada. Eso lo descubriremos pronto, no sé si fui muy intenso, lo siento. ¿El nombre del grupo viene del cómic directamente o de la película?

Me gusta decir que nos llamamos así por Ramón Ayala, pero la verdad es que Omar, el baterista, le puso así por el cómic. En realidad nos gustó ese nombre más allá de la referencia, porque cuando comenzamos a tocar, todas las bandas de Tijuana tenían nombres en inglés, y a nosotros no nos gustaba. ¡Somos mexicanos! No nos parecía la idea de ponernos un nombre anglo.

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Babasónicos Infame PopArte, 2003 El definitivo abrazo de los argentinos a la música romántica. Sandro y Leonardo Favio estarían orgullosos de haber escrito “Putita”. Pop, balada y actitu en un álbum inolvidable.

ramona SIN MIEDO AL AMOR

The Chamanas Once Once Casete, 2015 Cursis y meláncolicos, con un toque oscuro a la Jeanette y ecos de rondalla dark y electro indie pop.

Su primer disco es brillante, la voz de Amalia Mondragón iluminaba cualquier canción, cambiaron de cantante y ya no fue lo mismo.

Los Pasteles Verdes “Recuerdos de una noche” Velvet En 1974 se lanza este gran éxito de la música romántica latinoamericana, que claro, tenía mucho de la onda psicodélica light de esos años. Teclados a la Pulp y letras de despecho, como de novela pasional de bolsillo.

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evha

Música

EL SUSURRO DE LOS ANDES ECUATORIANOS SE CRUZA CON LA ELECTRÓNICA TXT:: Juan Carlos Hidalgo FOT:: Cortesía del Artista

Nicola Cruz Prender el alma Colaborador de Nicolas Jar, ha tenido un enorme éxito mostrando su fusión de electrónica con folklore ecuatoriano.

Mateo Kingman Respira El proyecto solista de uno de los miembros de ECHA; cuenta con un sonido que le agrega elementos de hip hop a su electrónica amazónica.

Banco de Gaia The 9th of Nine Hearts Desde el sello Six Degrees de San Francisco han abanderado esas combinaciones extremas que insertan folk de diversas partes del mundo a una electrónica que va al downtempo y el dub a remiexes para club

“EVHA PRESENTA UNA ESTÉTICA ANDINA QUE ES MÁS BIEN OSCURA, SOBRIA Y MAJESTUOSA, ES FIESTA, PERO OTRO TIPO DE FIESTA LATINA A LA QUE EL MUNDO NO ESTÁ ACOSTUMBRADO”.

Los llamados Andes tropicales son una sección de la cadena montañosa que se extiende desde Ecuador a Venezuela; en el primer país, la cordillera se divide en dos brazos que corren paralelos hacia el sur. Se trata de una zona volcánica (que incluye al Chimborazo, la cumbre más alta) que además tiene una gran biodiversidad.

Tal entorno natural ha marcado de manera definitiva la mitología de los pueblos originarios que ahí habitan.

Se les atribuye a los cerros y volcanes atributos paternales y cuya esencia es velar por el bienestar de sus hijos. En suma, se trata de una región fascinante que ejerce también gran influencia entre una nueva generación de artistas que busca filtrar esta herencia a través de un tamiz contemporáneo.

EVHA se trata de una agrupación que hace eclosionar a elementos ancestrales con los recursos de la electrónica contemporánea. Su nombre mismo son las iniciales del concepto del que han partido: El Viejo Hombre de los Andes. Así se llama su álbum debut, que has sido editado por AYA Records, la filial ecuatoriana del sello ZZK Records, que desde Argentina es punta de lanza de la fusión entre folclór y electrónica (del downtempo al upbeat).

Ante la llegada del cuarteto, conformado por Sebastián Schmiedl (batería y secuencias), Mateo Kingman (voz, sintes y percusión), Alejandro Mendoza (sintetizadores y programación) y Renata Nieto (voz, sintes y percusión), al #FestivalMarvinCDMX conversamos con la vocalista para adentrarnos en una experiencia sonora tan influenciada por aquella exuberante geografía y la cosmovisión de su gente.

Vienen de presentarse por vez primera en Argentina en un evento al que se llamó La Nueva Ola Ecuatoriana. ¿Qué tanto está pasando cultural y musicalmente en su país para que los reflectores mediáticos le estén dando un especial seguimiento? ¿Qué es lo que distingue a estas jóvenes propuestas?

Venimos de tocar en Buenos Aires y Montevideo. La música tradicional del Ecuador había sido poco difundida en el exterior, entonces para el mundo nuestras sonoridades resultan novedosas. Sumado a esto los elementos electrónicos han actuado como un puente para unir la tradición ecuatoriana al resto del mundo.

Hablando específicamente de EVHA creemos que se distingue porque rompe con las connotaciones de lo que se entiende como estética latina (colores brillantes, flores, pájaros, salsa, cumbia)

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y presenta una estética andina que es más bien oscura, sobria y majestuosa, es fiesta, pero otro tipo de fiesta latina a la que el mundo no está acostumbrado. Esto ha llamado la atención del público.

Hay discos en los que resulta imposible soslayar al título de un álbum; El Viejo Hombre de los Andes reviste alusiones narrativas, como si se tratara de un libro. ¿Están contando una sola y gran historia con el disco? ¿Hacia dónde nos lleva?

El nombre “El Viejo Hombre de los Andes” es el de un cactus enorme que crece sólo en la región andina, y se ve como un anciano cubierto de pelo blanco. A partir de este ser creamos un personaje místico entre humano, reptil y vegetal, con piel de cangahua, tan antiguo como el tiempo. Cuando compusimos el disco nos vestimos de este personaje y relatamos nuestras vivencias a través de su voz, mirando desde sus ojos. El disco narra varias historias que tienen lugar en las diferentes regiones de Ecuador, que se unen como vertientes para formar un solo río que no se detiene desde su principio hasta su fin, como el disco mismo que no tiene pausas entre canciones. ¿Qué nos cuentan acerca de los ritmos autóctonos que ustedes han transformado radicalmente en sus piezas?

El Ecuador tiene una gran riqueza de ritmos raíz en cada una de sus regiones: albazos, sanjuanes, yambo, bambuco, y muchos otros. Todavía se puede encontrar a estos géneros y sus representantes en su estado puro y crudo.

Nosotros nos basamos principalmente en los ritmos andinos y costeños. En nuestras composiciones mezclamos varios de estos géneros en una sola canción. Tratamos de capturar la esencia de las sonoridades tradicionales más que de hacer algo purista, y luego experimentamos libremente. ¿Con qué otros artistas comparten su posicionamiento estético? Y por otro lado, ¿con qué otros proyectos alimentaron la idea de concebir el propio?

Entramos en un movimiento que busca unir el pasado con el presente a través de la electrónica: Nicola Cruz, Mitú, etc.

Pero como en esta corriente la mayoría son DJs no nos sentimos del todo parte, porque EVHA es una banda y eso cambia desde la forma componer la música hasta la puesta en escena. Nuestras referencias son los artistas tradicionales ecuatorianos: Benitez y Valencia, Don Naza, Papá Roncón, etc.; y por otro lado

bandas como Depeche Mode, Nine Inch Nails, The Presets, Hot Chip…

Recientemente Nicola Cruz remezcló “Uiuí”; ¿Cuál fue la razón de darle ese tema en específico? Y por otro lado, ¿consideran que él está aprovechando su tremendo éxito para proyectar a proyectos emergentes, como lo son ustedes?

En realidad, fue Nicola quien escogió el tema. La canción estaba en etapa de producción cuando él la oyó, se enganchó y quiso hacer el remix. En ese momento no teníamos pensado sacar remixes, pero se dio. Luego nos pidió que hiciéramos un remix de su tema “Puente Roto”. Sin duda, Nicola Cruz ha apoyado a que la escena nacional crezca y ha ido abriendo puertas en el exterior.

“Culebra de monte” es uno de sus temas más poderosos; ¿Cuál es la anécdota detrás de esta canción?

Nos basamos en la música andina y afro. Específicamente este tema está inspirado en la sonoridad de la marimba afro esmeraldeña. Habla de la magia de una mujer del campo. Es una copla a la serpiente, a la belleza y a la luna.

Teniendo en cuenta la naturaleza de sus composiciones, ¿ustedes hacen las veces de chamanes o curanderos posmodernos? ¿Considerarían a la música como todo un ritual?

Suele pensarse que la música electrónica ecuatoriana necesariamente se remite al chamanismo y lo ritual.

No necesariamente. No diríamos que somos como chamanes, somos más bien cantores, contadores de leyendas.

Dentro de estas fábulas hay historias de rituales sí, pero son sólo una de las temáticas que abordamos dentro de los relatos de nuestras vivencias. Más allá de eso no podríamos definir nuestra música como ritualista. ¿En Ecuador se respeta a la población indígena y se le incluye en el desarrollo económico o son discriminados como en otras partes del mundo –México especialmente–?

En la región andina es donde más se han llevado a cabo bastantes procesos de inclusión, porque aquí la relación entre indígenas y los mestizos es de más larga data y lleva más tiempo moldeándose. Las comunidades de la amazonía, por otra parte, se han visto seriamente afectadas en las últimas décadas por la minería y las petroleras.

Como es la región más alejada de las urbes, mucho de lo que sucede allá no llega a saberse.

MÁS COLOR, MÁS CANCIONES, MÁS BAILE Y MÁS EUFORIA

CEREMONIA 2018

Festivales

FOT:: Feli Gutiérrres

A. Chal

Bomba Estéreo

ASÍ COMO lo dice el título, se sintió una nueva edición de Ceremonia, en la que nos dejamos llevar desde el primer minuto de esa gran batalla de sonidos sucedida en el Centro Dinámico Pegaso, hogar de un festival que desde su primer año nos ha sacudido cuerpo y mente con pedazos de irrealidad y alucinación que nos dura por días.

Podríamos decir que en esta edición, el festival creó un collage de sonidos dirigido a esa audiencia adicta a los sintetizadores y a los beats programados; una mezcla que retumbó durísimo con Arca, Four Tet, Cashmere Cat, Mura Masa y Kelela. Este año, el trap y el hip hop estuvieron presentes con la sazón de Rae Sremmurd, Fntxy, Audri Nix, los divertidos Pimp Flaco & Kinder Malo y A.Chal.

Los highlights fueron muchos, empezando por el hermoso show de Caribou que ofreció y nos debía desde la salida de ese enorme disco llamado Our Love, el cual abarcó la mayoría del setlist (mención importante la ejecución de una versión extendida de “Can’t Do Without You” que sonó magistral); por otro lado, el hechizo que King Krule conjuró y que no paraba de emitir reverberación; un Beck que dominó el escenario y eliminó toda duda de que su nombre salía sobrando y obvio, Soulwax, una brutalidad audiovisual que seguro se llegó a escuchar en la Ciudad de México.

Pero fue el Escenario Traición el detalle más vanguardista de este año, un movimiento impredecible que combinó baile, performance y mucha expresión que explotaba en éxtasis.

Ceremonia por siempre, plis.

CUCO

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Four Tet

Beck

Caribou

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Rae Sremmurd

Festivales

St. Vincent

Soulwax

Arca

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King Krule

Mura Masa

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TXT:: Pablo Pulido ILUSTRACIONES:: DEHACHETE

N

os encontramos una vez más aquí, en este lugar, en el que empezó todo esto; tal vez no somos los de antes pero somos muchos más. Es como una locura que no ha parado (y quizá hasta no quiera detenerse). Este no es simple “año más” o “una nueva edición”, esto es #FestivalMarvinCDMX, imparable y sonando fuerte, como desde su primera vez.

Las personas que comprenden cada una de las actividades de este año, está entregada completamente a una misma misión: dar el mejor show de la historia. Más de 50 bandas conectarán sus instrumentos, afinarán la voz y subirán todo el volumen para provocar la euforia total en los venues que se reparten por el circuito Condesa-Roma, una zona que, tras los meses difíciles que le acontecieron, se viene levantando sin descanso y con la convicción de regresar y maximizar la vitalidad a la que es considerada ya, como el corazón de la CDMX.

La apuesta anual del festival considera con la misma importancia a todos sus participantes, así el ritmo nunca baja durante los tres días de este evento (arrancando los días 17 y 18 con arte, conferencias y showcases, para concluir el 19 con la mayor de las emociones con un programa de conciertos). La fiesta está montada y dispuesta a ser devorada por más de 10 mil personas, unos ya amigos del festival y otros, dispuestos a descubrir por qué todos están hablando de él.

La visita de Buzzcocks, uno de los lados más salvajes del punk, tiene un significado enorme para nuestro país porque demuestra que el género –y la actitud– no baja la guardia a pesar de los años; por otro lado, Gang of Four, cuyo legado post-punk irradia en cada paso, explotará el entusiasmo con su irreverencia y furia. Y en el otro extremo, uno en el que la belleza se contempla en clave pop, The Drums y Daniel Melero entregarán canciones que nos programarán en otra dimensión, una que sólo #FestivalMarvinCDMX es capaz. A continuación, una oportunidad de conocer su legado:

En portada

TXT:: Aarón Enríquez FOT:: www.ianrook.com

BUZZCOCKS EL MITO INAGOTABLE

L

a leyenda cuenta que el mundo no fue el mismo desde aquel 4 de junio de 1976. La furia de toda una generación estaba aguardando por explotar y fueron un par de chicos de Manchester quienes prendieron fuego a la mecha. Peter Shelley y Howard Devoto fueron los responsables de llevar por primera vez fuera de Londres a los Sex Pistols para dar un concierto de magnitudes aún inmensurables en el Lesser Free Trade Hall de Manchester.

El origen del punk, le llaman muchos. Otros piensan que fue algo natural por todo lo que se gestaba culturalmente en la Gran Bretaña en ese entonces, “tarde o temprano iba a suceder”. Todavía hay quien se pregunta cómo es posible, según las leyes de la física, que cupieran todos quienes supuestamente estuvieron en ese lugar justo en el momento en que la bomba explotó.

Quien seguro estuvo fue Steve Diggle, un entonces mocoso imberbe que aún ensayaba para lograr debutar con los Buzzcocks (banda de Shelley y Devoto), y lograr alternar con los Pistols, la banda más alucinante que había visto jamás. Aquello no sucedió esa noche, pero sucedería semanas después y con ello, la historia lo colocaría como una leyenda viviente para los fanáticos de aquél ente amorfo llamado punk.

Miembro incuestionable del club de quienes lo iniciaron todo, Diggle logra rumiar algunas palabras conmigo mientras se prepara para volar a Valencia. Al parecer le interesa mucho decirme lo contento que está por venir a México a llenar con carretadas de historia El Plaza Condesa durante el #FestivalMarvinCDMX. Todo un deleite que advierte, no me debo perder.

Después de tantos años, eres una persona muy activa. Ahora mismo estás de gira individual y pronto retomarás la gira con Buzzcocks, ¿de dónde recarga la maquinaria alguien como tú?

Steve Diggle: Antes que otra cosa fui amante de la música. Tocar en vivo es lo que más me ha gustado y es ahí donde está la

energía. La energía la recargo en la retroalimentación del público.

Es refrescante ver que hoy nos van a ver muchos chicos que ponen la misma cara de extrañeza que aquellos que iban a vernos hace 30 años. Me da mucha risa porque los ves ahí parados pensando “¿qué demonios hacen estos ancianos retorciéndose ahí?”, pero al final del día recibimos mucho amor de todos. ¿A qué le sigues llamando punk todavía en estos tiempos?

Bueno, muchas veces he dudado de lo que es el punk cuando me lo preguntan. Supongo que cada generación lo ve distinto.

Para mí son las ganas de provocar cuando estoy en el escenario.

Los Buzzcocks siempre fuimos más provocadores; jugábamos al tonto, hablábamos de sexo, hacíamos bromas, hablábamos sin tapujos, pero sobre todo, cuando estamos en el escenario esperábamos que recibieras una cachetada en la cara. Quizá no es furia ni odio, son las ganas de provocar algo dentro de ti. Eso es algo que mantenemos a la fecha porque nos gusta mucho que los chicos reciban de lleno lo que es un concierto de punk como nosotros lo conocimos desde el origen.

Han contado ya muchas historias sobre aquel primer show en Manchester con los Sex Pistols. Con el tiempo la leyenda es la que prevalece, sin embargo, alguien decía que algunos recuerdos suelen embellecerse con el tiempo y la nostalgia. ¿Sientes que eso ha pasado en este caso?

Definitivamente. Solemos pensar en ese hecho como un momento dorado y lo fue en muchos sentidos, abrió una gran puerta para muchos y quizá fue el inicio de muchas cosas, pero el lugar olía orines. La gente odiaba a los Pistols, el sonido era terrible y probablemente alguien en su sano juicio habría salido corriendo de ahí, pero es por eso que todo tomó otro sentido, quizá poético después, porque no nos importaba un carajo y sin quererlo todo mundo estaba ahí. Quizá todo habría sucedido

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igual si ese día los Pistols no hubieran ido a Manchester, pero eso no lo vamos a saber, por eso son las leyendas.

México también es un lugar con mucha tradición punk. ¿Han podido sentir esa vibra las veces que han venido?

Sí, nos ha ido increíble cuando hemos ido. Hemos visitado toda clase de lugares con historia, no solamente historia clásica del país, sino de historia musical y sabemos que les gusta lo que hacemos. Eso nos emociona mucho. Nos emociona estar en #FestivalMarvinCDMX porque sabemos que tiene una esencia muy similar a la nuestra. Esto de recorrer las calles, poder entrar en un bar a beber y escuchar música de todo tipo, nos emociona mucho. Antes no creíamos mucho en los festivales pero cuando tienen ese sentimiento es diferente.

Mencionabas la poesía hace rato y me quedé pensando que es algo que ha acompañado tu vida siempre. ¿Qué es la poesía para un punk?

Bueno, la poesía es todo. Está en todos lados ¿sabes? Es parte de la esencia humana y es muy bella. Nosotros siempre fuimos unos punks románticos, nos gustaba jugar con la idea de meter temas de amor aunque fueran provocadores en cierto sentido y ahí hay poesía. Hay poesía en hacer lo que más te gusta todos los días de tu vida y en lograr compartir parte de tu historia con varias generaciones de gente que sigue pensando como tú.

Después, sobre lo que escribo, no sé. No soy buen crítico de nada, menos de mí.

Es curioso que estemos hablando de estos temas justo cuando es el aniversario luctuoso de Kurt Cobain, con quien, además, se que tienes una historia especial.

Ya sé, es una locura. Estaba camino al aeropuerto y justo pensaba en eso. Kurt era un gran chico, muy talentoso y muy sensible, pero además era un gran fan de Buzzcocks, sabía cosas

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de nosotros que ni nosotros recordábamos. Eso, por supuesto, que es un gran honor para nosotros. Tuvimos oportunidad de compartir gira hasta unos días antes de lo que le sucedió.

Siempre nos pedía consejos, intercambiamos varios trucos y una noche fumó varios cigarrillos para alcanzar el tono que quería en su voz por algo que yo le dije. Creo que aprendí mucho de él en poco tiempo, es una pena cómo terminaron las cosas. ¿Crees que hoy en día hagan falta espíritus como el suyo en la música?

Lo que él tenía era un sentimiento muy profundo. Lograba transmitir todo eso con su música porque realmente lo sentía.

Hoy en día hay muchos músicos que podrían aprender de eso.

Su espíritu era muy punk, muy auténtico. Era un gran chico. En verdad fuimos afortunados en convivir con él y enterarnos de que era un gran fan nuestro.

Creo que algo que él entendió muy bien de ustedes fue la importancia del humor en la música. ¿Qué tan importante ha sido el humor en el discurso de los Buzzcocks?

Claro, él se mofaba de todos y a veces ni se daban cuenta, su humor era muy ácido, tal vez incluso más que el nuestro, pero es verdad que siempre fue un elemento fundamental para nosotros. Muchas veces no sabíamos como iba a reaccionar el público. Había cosas con humor como los Monkeys que nos gustaban, pero no lo llevaban a un extremo como nosotros. Es por eso que cuando vimos a los Sex Pistols por primera vez fue alucinante, ellos entendían lo que nosotros queríamos hacer.

El humor sirve para muchas cosas más que simplemente reír.

Cuando hay humor pasan muchas cosas artísticamente y eso nos gusta. Nos sale natural. ¿Qué esperas que suceda el día que toquen en El Plaza?

Que explote.

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TXT:: Lenin Calderón FOT:: Cortesía del artista

GANG OF FOUR LOS MÁS CÍNICOS DEL POST-PUNK

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in duda una de las agrupaciones más importantes de la escena post-punk, Gang of Four, nos visita para presentarse en #FestivalMarvinCDMX y demostrarnos por qué el humor y la sátira los consagraron desde hace mucho. Tuvimos el placer de platicar con Andy Gill, único sobreviviente de la alineación original, acerca de Ivanka Trump, las máquinas de fax, los Red Hot Chili Peppers y por qué la banda bien podría llamarse Gang of One. Hace algunos años el periodista musical Simon Reynolds se preguntaba en su ensayo Independent’s Day: “¿Quién está preparado, en la actualidad, para enfrentarse al ardor intelectual y a la pasión política de grupos como Gang of Four o Cabaret Voltaire? Nuestros cuerpos, limitados por la ironía, seguramente se destruirían ante la solemne seriedad de sus propuestas”. Creo que la pregunta sigue siendo pertinente.

Andy Gill: Nuestra banda nunca tuvo el propósito de ondear ninguna bandera ni apoyar a ningún partido político. Nunca le dijimos a la gente que tenía que votar por los socialistas o por los laboristas. Se trataba más de describir el mundo a nuestro alrededor. Siempre tratamos de ser muy observadores y describir las vidas de la gente en nuestros tiempos, las de nuestros amigos y las nuestras. Pero también de gente imaginaria o de gente que conocimos por cinco minutos.

Más que política, nuestra lírica siempre intentó ser o fue una descripción de nuestro mundo. Suena demasiado obvio decir que Gang of Four siempre ha tenido una agenda progresista con toques muy sutiles y llenos de humor.

Por ejemplo, la canción “I Love a Man in Uniform” es esencialmente una broma, pero es suficientemente sutil como para confundir a la gente. Cuando la estrenamos nos enteramos que el Ejército de los Estados Unidos estaba pensando seriamente en usarla durante una campaña publicitaria para convencer a los jóvenes de reclutarse y engrosar las filas de

uno de los ejércitos más numerosos del mundo. Sin embargo, a la mera hora, alguien le dijo al General a cargo que nuestra canción era más bien sarcástica, irónica. Por eso creo que se pueden obtener más cosas cuando uno es sutil y un poco más ingenioso que el resto. Ésa es una tradición de nuestra banda que continúa hasta el día de hoy.

Las letras de tus canciones están llenas de cinismo. ¿Qué tan importante es el humor y la crítica para tu trabajo?

Creo que, en parte, es algo muy británico. Ya sabes, hacer comentarios secos, tajantes, negros, acerca de cosas serias. Creo que esa visión satírica potencializa las palabras, les da más fuerza. Detrás de este humor hay una larga, larga tradición que se remonta siglos atrás: gente criticando a través del sarcasmo a los políticos o a las figuras públicas de nuestra sociedad. En su tiempo lo hicieron lo mismo John Dryden que Oscar Wilde. Es una tradición muy longeva pero también muy británica.

Regresando a su sencillo “I Love a Man in Uniform” que fue censurado en la radio debido a su contenido y a que fue estrenado casi al mismo tiempo que estallaba la Guerra de las Malvinas, y relacionándolo con casos actuales como el de las Pussy Riot pero también con la posibilidad casi global de decir casi cualquier cosa a través de Internet, ¿qué tanto ha cambiado la censura?

Parece que hay un cambio muy sutil, pero lo que es más sorprendente es qué tanto sigue siendo lo mismo. Creo que hay una enorme tentación a pensar que la tecnología cambia todo y no es así para nada. Un ejemplo que ahora suena cómico: cuando aparecieron por primera vez las máquinas de fax, toda la gente pensó que el mundo iba a cambiar por completo pues no fue así. Son estos pequeños cambios tecnológicos los que nos hacen pensar que las cosas cambian en niveles fundamentales y muy profundos, pero la realidad es diferente. Estos “grandes” cambios sólo son aparentes.

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Como en su canción “Obey the Ghosts”, una de las más recientes y en la que hablan de las nuevas tecnologías y la ilusión que tiene el usuario de tener todo bajo “su” control…

Claro. Internet y otros fenómenos tecnológicos masivos actuales como Facebook, por ejemplo, han demostrado ser un arma de dos filos: por un lado, parece que están democratizando la sociedad y poniendo su servicio al alcance de prácticamente todo el mundo; por otro lado, están controlando todo lo que vemos. Si a ti te gustan las fotos de gatitos, los algoritmos se encargarán de enviarte miles y miles de fotos de gatitos o direccionarán tus búsquedas hacia páginas o sitios que tengan ese contenido. De forma que es una libertad sólo aparente, porque detrás de ella existe un gran control de la tecnología sobre sus usuarios.

Tu trabajo como productor también es una parte importante de tu carrera, en particular el trabajo que hiciste con el disco debut de los Red Hot Chili Peppers, una banda muy popular en nuestro país, por eso mismo al público le gustaría saber más.

Nunca había estado en el estudio con una banda como esa. Lo cual puede hacer las cosas más difíciles porque, a veces, las bandas no saben qué esperar a la hora de grabar un disco y el trabajo del productor puede malinterpretarse. Muchas bandas piensan que sólo deben tocar en el estudio como si estuvieran en un concierto y que el productor se va a dedicar a echarles porras y tomar cerveza con ellos. ¡Pero no! Tú tenías ideas para ellos Aunque no fue tan sencillo. Yo tenía un montón de ideas descabelladas que quería intentar con ellos, pero faltaba que aceptaran. Hay muchas anécdotas acerca de la producción de ese disco, algunas muy graciosas, otras no tanto. Sin embargo, creo que una de las cosas más importantes que sucedieron entonces, fue que ellos estaban casados con la idea de sonar

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muy punk, tenían canciones casi hardcore de dos minutos y a mí me parecía que todo eso ya estaba fuera de onda. Pero también tenían algunas canciones con el tempo un poco menos acelerado, a las cuales habían agregado letras casi rapeadas.

Yo les dije “eso es lo que queremos, olvidémonos del punk porque ya no sirve de nada y no es interesante, mejor sigan con lo del rap”. Y bueno, creo que dimos en el blanco, porque ese es su verdadero estilo.

La historia de Gang of Four es también la historia de una banda que se ha separado y reunido muchas veces. ¿Qué tanto se ha enriquecido su sonido gracias a estos cambios en su alineación?

Hemos tenido muchos bateristas, muchos bajistas, todos ellos muy destacados y músicos muy talentosos (Sara Lee tocó el bajo para Robert Fripp, Busta “Cherry” Jones tocó para Talking Heads) Sin embargo, creo que es justo decir que las principales ideas musicales siempre han provenido de mí, lo mismo sucede con las letras de nuestras canciones. Lo mismo con Jon King que con Dave Allen, muchas veces me senté junto con ellos para escribir letras. Sin embargo, siempre que cambiamos de bajista o baterista, la esencia y la actitud de Gang of Four permanece siendo la misma.

La edición anterior del #FestivalMarvinCDMX contó con la presencia de Television que nos regaló un increíble show en el que tocaron casi completo su clásico Marquee Moon. ¿Qué podemos esperar de Gang of Four para nuestro festival? ¿Van a tocar su disco Entertainment?

Definitivamente tocaremos cinco o seis canciones de ese disco pero también queremos compartir con el público nuestras canciones más nuevas, además de muchas otras canciones que no fueron tan conocidas pero que también tienen un papel importante en nuestra historia.

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TXT:: Mauricio Guerrero FOT:: Cortesía del artista

THE DRUMS UNA HISTORIA DE AMOR (PROPIO)

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i googleas el nombre de Jonathan Pierce aparecen dos opciones: un cantante de música cristiana de Texas, un lugar conocido por ser bastante conservador (aunque de a poco se ha ido abriendo a nuevas ideas, queremos pensar). La segunda opción es mejor conocida como Jonny Pierce, líder de la banda The Drums, aunque en realidad ahora cuenta más como un proyecto solista tras la salida de Jacob Graham.

Ese hecho en sí mismo es una mera coincidencia que no tiene nada de malo, pero con un poco de perspectiva resulta un tanto poético, pues el ahora solista creció en una familia extremadamente religiosa que lo rechazaba por su homosexualidad, lo que lo convirtió en una persona insegura y deprimida como lo constatan sus canciones.

Su más reciente disco de estudio, Abysmal Thoughts (2017), es una charla consigo mismo luego de atravesar una de las etapas más duras de su vida: la separación de su otrora compañero de banda y una ruptura amorosa que lo sumió en el alcohol y lo hizo dejar Nueva York para irse a Los Ángeles. Luego de ello Pierce volvió revitalizado, renacido cual ave fénix, dispuesto a aceptarse como es y, por primera vez en su vida, decir lo que quiere como lo quiere decir.

“Luego de la salida de Jacob y mi ruptura amorosa me sentí muy solo pero también lo vi como algo bueno, por primera vez era completamente libre de hacer lo que quisiera musicalmente, así que tomé todo ese dolor e hice lo que amo, que es la música”, comenta.

The Drums es conocido por su música pop liviana y divertida, pero sus letras sentimentales, un tanto tristes y

despreocupadas, pero en su cuarto álbum de estudio, Pierce desnudó su alma al público y habló sobre sus inseguridades, sus miedos, su infancia y su dolor.

Aunque la gente me vea en el escenario bailando, la verdad es que soy una persona muy tímida e insegura. Siempre trataba de complacer a las personas, a mis parejas o a mis compañeros de banda, pero ahora trato de preocuparme más de mí mismo y este disco es un viaje personal a través de mis sentimientos.

Al parecer a sus treinta y seis años, Jonny encuentra una libertad creativa que jamás había explorado al cien por ciento, musical y líricamente hablando, pero también una confianza y seguridad en sí mismo que le fue negada desde temprana edad.

Ahora inspirado por esos ánimos de gritarle al mundo su mensaje, realiza una introspección utilizando a la música como terapia sanadora en donde habla abiertamente de temas como la religión, la sexualidad, las drogas o la política. Temas que previamente sólo había rasguñado.

Por ejemplo, en la portada del segundo disco, Portamento (2012), hay una mujer mayor, una cruz y un niño rubio con ojos rojos, un guiño a su infancia y a la educación cristiana de su familia.

No obstante, canciones como ·Head of the Horses·, hablan abiertamente de lo que en sus palabras fue una época muy oscura para él: “Esa es la canción con la que más trabajo tuve a la hora escribirla por todos los sentimientos con los que tuve que lidiar”, dice. “Se llama ‘Head of the horse’ porque mi pueblo natal se llama Horseheads y fue una manera de sanar todo el dolor que me causó ese lugar, ya no tengo contacto con mis padres y a

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penas si hablo con alguno de mis hermanos. Cuando huí de ahí para irme a Nueva York y cuando entré en esta crisis me mudé a Los Ángeles, en donde empecé a trabajar en el disco y lo terminé al regresar a Nueva York, cuando ya me sentía un poco mejor”.

Asegura que en su momento tocó en su pueblo natal con algunos proyectos que ha tenido a lo largo de su carrera, pero nunca se ha presentado bajo el nombre de The Drums y no tiene intenciones de hacerlo. Pese a haber vivido una vida difícil, ahora su proyecto es conocido en todo el mundo y en México, sus fans lo tienen loco: “Los fans mexicanos son muy especiales para mí, compuse la canción ‘Meet me in México’ para ayudarlos en un momento de necesidad porque en algún momento ellos me ayudaron a seguir adelante con mi música, siempre me emociona volver a tocar, la gente nos quiere mucho allá”.

Hoy por hoy es una de las bandas insignias de la década y ya pronto se cumplen diez años de su debut, lo que ha ocasionado que marquen la adolescencia de varias generaciones. Pierce asegura que ello pone en él y en su música una tremenda responsabilidad respecto a lo que dice en sus canciones, pese a que cuenta con un sonido bastante pop.

Sin embargo, nos confesó que el soudntrack de su adolescencia es quizá un poco diferente a como lo imaginamos.

Desde luego aparecen referencias como The Smiths, pero también es un apasionado de Britney Spears, la música electrónica inglesa, como el techno de principios de los dos miles, o el synth alemán de Kraftwerk, pero sin duda, un lugar especial en su corazón lo tiene Björk con su disco Homogenic (1997), pues le demostró la versatilidad de la creación musical:

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“No soy una persona de álbumes, soy más de canciones, por lo regular me gustan canciones muy específicas y rara vez me engancho con los discos completos, por eso me gusta tener un sonido pop; es fácil relacionarse con eso, pero sí pongo atención a lo que voy a decir en mi mensaje para que le pueda servir a la gente o se pueda identificar”. ¿Qué le depara el futuro? Al momento de la redacción de esta entrevista, The Drums se encontraba en California previo a su presentación en el festival Coachella. Por estos lares los tendremos al frente del #FestivalMarvinCDMX el próximo 19 de mayo, lo que lo tiene muy emocionado, porque aunque nunca ha tocado en este festival, tocar de nuevo en El Plaza Condesa lo entusiasma mucho pues prefiere los lugares cerrados y oscuros.

Finalmente el Jonny adulto que está aprendiendo a aceptarse tal y como es, nos cuenta que si pudiera darle algún consejo a su yo de trece o quince años, le diría que “se amara más a sí mismo. Me tardé mucho en darme cuenta de ello pero ahora creo que haría mi vida más fácil. Ya sé que todavía me queda un largo camino pero pronto me pondré a hacer música nueva, lo que me tiene muy emocionado porque como ya dije, quiero explotar todas las ideas que tenga ahora que ya puedo hacerlo con más libertad”.

Tanto Jonny como The Drums, son una prueba de crecimiento musical y personal; un proyecto con el cual es muy fácil identificarse por su sonido juguetón además de su increíble humanidad y honestidad. Celebremos el viaje personal de Jonny y acompañémoslo en su próxima presentación en nuestro país, mientras nos llega otro increíble disco.

En portada

TXT:: Juan Carlos Hidalgo FOT:: Cortesía del artista

DANIEL MELERO LA MALDICIÓN DE SER UN EXCÉNTRICO

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na figura crucial para la historia de la música latinoamericana y no sólo para el rock; un pensador del arte que comenzó siendo un incomprendido. Los argentinos no entendieron a Los Encargados y tuvo que venir Soda Stereo a reivindicar “Trátame suavemente”.

Hoy tiene 60 años y 22 álbumes como solista tras de sí; además produjo a Los brujos y Babasónicos, entre otros tantos. Se ha acercado al ambient y a lo clásico, pero la electrónica más upbeat y el rock le han traído ese halo de culto del que actualmente goza.

Recién editó Cristales de Tiempo (Círculo Mixup, 2018), una decena de temas flotantes y etéreos que constatan que está en plena forma creativa y que no se cansa de buscar información científica o histórica para nutrir sus composiciones. Ahora se ha movido desde el Polo Sur hasta extenderse al espacio exterior.

Suele abarcar mucho, por lo que conversamos con Melero de su excitante presente, poco antes de venir a México a presentarse en el #FestivalMarvinCDMX. Me entero recién que el disco tiene que ver con historias de exploradores árticos y científicos; ambas, profesiones poco convencionales; ¿será que cierta clase de músicos pertenecen también a la estirpe de los excéntricos? ¿De alguna manera te sientes cercano a ellos?

Personalmente, no me ubico en un lugar de una manera determinada; creo que son cosas que ha dicho la prensa cuando ha querido explicar lo que hago. También se ha dicho que soy un músico de culto y, en otras épocas, se decía que no era buen músico. En fin... Uno cuando expone públicamente lo que hace, de alguna forma se mueve en lugares donde existe la crítica, hoy en día existen las redes y todo el internet. A mí no me molesta que me consideren excéntrico porque realmente creo que en general muchas cosas que hago que son tangenciales.

Si existiera un centro para la música, yo diría que hago un

recorrido tangencial, pero no es algo que me pregunte o me proponga cada vez que hago un disco. Es un modo también de poder traducir o explicar conceptos que a veces son abstractos, pero no me molesta.

Es verdaderamente poco usual que una canción tan contundente como “Cristal” –fundamental para el disco entero– sea colocada en el cierre. ¿Por qué tomaste tal decisión?

De hecho, decidí dejar la versión larga de este tema sólo para Spotify, porque incluirla en vinilo nos obligaba a hacer una edición doble y eso hoy en día es una utopía, pero está al final porque es un engarce entre la primera canción, “Viaje peligroso” y el último tema. Me gustaba la idea de esta canción que al final se va disolviendo. Me daba la impresión de que al ser larga, era interesante que cuando el disco termina, podrías estar esperando que siga. Si estuviese antes ese efecto no se lograría.

Pero fue la canción que más tiempo me llevó terminar, estuve varios meses trabajándola, algo que nunca me había pasado y es porque, aunque tiene elementos muy sencillos, es muy compleja la composición y el universo de sonidos y el hecho de que empieza como con un paso de comedia, ¿viste? No se al final me parece un arreglo muy poético.

Has logrado convertir una historia escuchada en un chat de astronautas en una canción; ¿a qué otras fuentes, digamos peculiares, has recurrido para nutrir Cristales de tiempo?

El “Guante de astronauta” está basado en un hecho real, que ocurrió en el año 63, durante la primera caminata espacial de un astronauta norteamericano y hasta hay videos donde se ve al guante flotando, se escapa de la cápsula. Se puede ver en Youtube.

Por eso salí a buscarlo. Dentro de los sitios que están entre mis favoritos de mi navegador de internet hay un foro de astronautas retirados, que cuentan anécdotas, y que a mí me parece que tiene una imaginaría que se acerca a mi manera de pensar el cosmos.

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Estoy convencido de que las bacterias han demostrado que pueden resistir un viaje interestelar. El guante finalmente ha caído, se quemó. Pero en la canción, el guante forma parte de la amenaza de la creación de un futuro distinto desde el punto de vista de las mutaciones. Y eso está pasando porque en la estación espacial hay algas pegadas en la nave. Algas flotando en el espacio. ¿Como ves esto? Nacieron plantas ahí. ¡La vida se abre paso! Entonces, me gustó ese juego para retratar parte de mi cotidianeidad. Me refiero al nudo conceptual de la letra. La expedición al Polo Sur también es parte de esto, es muy increíble esa historia, pero en realidad escribo sobre lo que veo o como lo veo o como lo puedo manipular. Yo agradezco las palabras que decís, porque además del elogio, me gustan los detalles en los que te has detenido o desde donde me estás preguntando. Yo le puse mucho énfasis a esta zona a que las letras te llevaran y que la música representara otra cosa.

La portada del disco es una belleza y nos remonta la incursión de Shackleton (1874-1922) que finalmente no llegó al polo; de esto da cuenta “Viaje peligroso”. Cierto, por una parte podemos aludir a la aventura, pero también a la posibilidad del fracaso. ¿En algún momento temiste fracasar con tus proyectos?

Claro, así como Orson Wells logró que la gente creyera en una invasión extraterrestre, provocó suicidios y episodios de naturaleza extrema a partir de una mentira. Shackleton, el rescate y toda la historia es real, pero, por ejemplo, ves las fotos que existen, fueron tomadas en el lugar, pero hubo que falsearlas; no son 100% reales, porque imagínate que estaban a 20 grados bajo cero usando una tecnología que no sé exactamente a cuantos grados tenían que hacer las fotos para que no se congelara. Por eso las escenas son montajes. Entonces, lo que me parecía interesante del montaje es que son ideas muy modernas para el momento, el juego de contar lo que verdaderamente pasó a partir de un falseamiento. Eso me atrajo muchísimo porque hoy vivimos todos enredados en esto que tratan como una novedad que es la post verdad; cuando lo que

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podríamos decir es que nunca estamos preparados para saber leer como nos narran las cosas y como las recibimos y en el medio de eso pasamos a tener creencias, pero las creencias, aunque no son los hechos en sí, son mucho más poéticas, tienen muchas posibilidades y son muy inspiradoras. ¿Qué es lo que siente cuando una nueva generación de músicos rinde un homenaje al repertorio de Los encargados? ¿Qué aprecia cuando unos mozalbetes tocan temas suyos de hace tantos años?

Es un halago enorme, sobre todo teniendo en cuenta que el primer festival que tuvimos Los Encargados nos tiraron 20 kilos de fruta con sólo vernos; casi no nos dejaron tocar, tan sólo la imagen era un problema, una provocación. ¿Fue difícil superarlo?

No, yo tenía un plan. Íbamos a lograr esto, yo sabía que no iba a gustar. No puedo olvidar a un hippie con la remera de la paz que me tiró una lata de paté que dio contra el equipo. Imagínate, para que un hipipe te tire su almuerzo, tendrías que resultarle espantoso.

Ese día yo fui con una balanza y me hice fotos de prensa sabiendo que iba a suceder lo de la fruta. Hasta monedas nos tiraron... ahora es difícil que la gente te pague incluso una entrada. Pese a todo, había posibilidades de ser escuchados. En los 80 y los 90 la gente salía a escuchar bandas que no conocía, siempre tratando de no pagar la entrada, por supuesto como debe ser un buen rockero (risas), pero más allá de eso, llegabas a los lugares y había una sensación de portazo. Había un interés profundo que generó una cultura. Hoy, para empezar, la gente cree que todo el internet es Twitter o Facebook o Instagram. Son como peces que están en el océano, pero caen en las redes, paradójicamente, cuando hay un océano inmenso allá afuera. Eso hace que te mantengas lejos de las personas que están físicamente al lado tuyo y cerca de los que están lejos y eso no siempre es interesante.

En portada

TXT:: Pablo Pulido FOT:: #FestivalMarcinCDMX

TESTIMONIO DESDE LAS ENTRAÑAS DE #FESTIVALMARVINCDMX

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ecuerdo muy bien la primera vez que asistí a un #FestivalMarvinCDMX; llevaba cerca de cuatro meses laborando en la revista. Con apenas 21 años, me encontraba cumpliendo el sueño de mi vida en trabajar para un medio de comunicación enfocado en la música; odiaba la universidad y me agobiaba la mala pinta laboral en México, así que Marvin era ese refugio en el que todos los días, es un gran día.

Estar del otro lado de un evento musical era una experiencia emocionante, ya que siempre a uno le toca estar del lado del fan (el cual creo es el mejor). La presión es sofocante y emocionante a la vez, porque uno debe procurar que bandas y público disfruten la experiencia Marvin. A mí me tocaba supervisar el escenario del Foro del Tejedor, un pequeño pero sustancial espacio dentro de la librería El Péndulo. Recuerdo muy bien la emoción de la gente al ver a Troker, quienes semanas después viajarían a Inglaterra para presentarse en Glastonbury, por lo que se trataba de una especie de fiesta de buen viaje que dejó lindos recuerdos (que estoy seguro se proyectaron en la mente de la banda durante su viaje hacia Somerset).

Recuerdo también llegar corriendo a la Cantina Covadonga para alcanzar a ver uno de los shows que tanto me intrigaba: Atlas Sound, el proyecto alterno de Bradford Cox que recién se había colgado la medalla de publicar uno de los mejores discos del año: Parallax. Ahí estaba el particular músico, creando loops y sacudiendo su guitarra, mientras movía los brazos como evocando a dioses que nos mostraran el camino correcto hacia la plenitud. Y fue ahí que entendí todo: el #FestivalMarvinCDMX está ahí para hacer felices a los fans, complaciendo a la locura musical: una plataforma que comparte la misma melomanía de una audiencia que disfruta los shows en un formato que sólo este festejo puede otorgar.

Los años transcurrieron. Como en ese 2013, cuando Foxygen había lanzado ese candente disco que incluía “No Destruction” y “Shuggie”, y que como con Atlas Sound, la banda hizo destellar una estela divina dentro de la Cantina Covadonga. Era la primera visita de la agrupación a México, la cual provocó que una oleada de fans que

apenas rebasaban los 20 años, se abalanzara hacia el escenario como tratando de tocar y contagiarse de la alienación de Sam France.

Pero el gran salto se dio un año después, cuando Daniel Johnston viajó a México a pesar de las dificultades personales y ofreció uno de los shows más emocionales que este país haya presenciado en toda su historia. Recuerdo haber visto a algunos miembros de varias grandes bandas sucumbir ante la sensibilidad del autor de “Walking the Cow”, incluso algunas lágrimas se derramaron. Eran músicos célebres, pero esa noche, ellos eran los fans. Pisos abajo, en el Covadonga, el hip hop de Danny Brown destrozaba (en sentido figurado) la tranquilidad con los beats de lo que sería una de las primeras veces que el género figuraba como headliner de un festival.

Para el año siguiente, una de mis bandas favoritas por poco reventaría nuestros tímpanos. The Raveonettes por fin ejecutaría un show en forma en #FestivalMarvinCDMX, el cual terminaría con la maldición del dúo con México de tener visitas frustradas que terminaban en conciertos a medias. Sale otro recuerdo: “Hallucination” sonaba y la luz no paraba de palpitar. ¿Era un sueño? ¿Hasta dónde llega el límite de este festival?

Y así podría irme, retomando flashbacks que #FestivalMarvinCDMX me ha dado: Lower Dens, NOIA, Boom Boom Kid, Marineros, Crocodiles, No Age, Javiera Mena, Kristin Kontrol, Os Mutantes. Diferentes sonidos, matices marcados, sonrisas que se quedan.

Y es que al cerrar los ojos, recuerdo estar frente a todos ellos, cantando y sintiendo, bailando junto a mis amigos, pensando en todo esto que ha logrado y he logrado junto a #FestivalMarvinCDMX. Y es que, a pesar de que los años han pasado y las tareas se han ampliado, me sigo sintiendo como esa primera vez que Troker estaba a punto de tocar en el escenario del Foro del Tejedor, con emoción de asistente y nerviosismo de organizador cada año que un cartel de #FestivalMarvinCDMX se revela, esperando a que como yo, todos se contagien de la emoción que provoca crear todo esto, con el mero objetivo de hacer felices a los fans al escuchar su canción favorita.

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De Culto Música

MUCHAS COSAS EN LA VIDA SON UNA PARADOJA; INCLUSO VIVIMOS RODEADOS POR UNA SERIE DE ELLAS QUE PARECEN ABSURDAS O LLENAS DE HUMOR NEGRO. PIENSO EN ELLO A PROPÓSITO DE MARK OLIVER EVERETT; UN TIPO ENSIMISMADO, TACITURNO, QUE SE HA MOSTRADO DURANTE AÑOS CASI SIEMPRE TRISTE. CIERTO, HA PASADO POR MÚLTIPLES PERCANCES TRÁGICOS, POR LO QUE NO ES RARO DE QUE HAYA LLEGADO A LA SIGUIENTE CONCLUSIÓN: “LA ÚNICA FORMA DE APRENDER ES A TRAVÉS DEL DOLOR”.

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o paradójico es que alguien como él viva en un lugar que lleva por nombre Los Feliz. Es fácil imaginarlo bajando las colinas, contemplando las luces de Los Ángeles y componiendo en su mente canciones cada vez más tristes. Seguro que Mark sabe el significado de la palabra que nombra a su barrio en español. De hecho, en los últimos años mucha gente ha dejado de pronunciar según el inglés y ha dejado de ser “Los Fee-Liss” para asumir el acento mexicano.

Un infeliz que reside en Los Feliz (aunque el nombre no se le debe al estado de ánimo sino al antiguo rancho de José Vicente Feliz). En el lugar hay varios cines viejos; tal vez Everett tome de añejas películas esa obsesión por los arreglos de cuerdas que tanto le gustan. Quizá salga de una función muy sentimental, tome su auto y descienda para buscar un bar en Silverlake donde tomarse un trago y escribir. Puede ser que suceda, tal vez no.

Lo que es un hecho es que el músico de 55 años tiene su duodécimo álbum editado y en él ha retomado cierto tufo de aquella canción que esparciera su nombre por doquier hace 22 años. “Novocaine for the soul” era –sin duda– una instantánea generacional: “Life is good/ And I feel great/ Cause mother says I was/ A great mistake… Novocaine for the soul/ You’d better give me something to fill the hole”.

Beautiful Freak –su debut– apareció en 1996 y desde entonces ha desarrollado una carrera llena de canciones memorables y una vida llena de sufrimiento que terminó por contar en Cosas que los nietos deberían de saber (2009); un libro que ha tenido un enorme éxito y en el narra pasajes sobrecogedores, como el hecho de que su primer recuerdo de tener contacto físico con su padre –con el que vivió siempre– es del día en que tuvo que ponerle un traje para que se lo llevara la funeraria.

No hay impostura alguna, la vida de Mark ha sido dura y ello le lleva a componer piezas que dejan expuesto el nervio de la existencia. A la distancia apreciamos como ha ido alternando los discos con cuidadosos y hasta barrocos arreglos –llenos de cuerdas– con trabajos más austeros en cuanto a sonido y con una expresión más garagera de rock.

Ahora parece que ha querido bailar sobre el filo de ambas alternativas y tratar de equilibrar las cosas. Por lo que decidió explicitar todo ese proceso con el alusivo concepto de The Deconstruction, que también es el nombre de la canción que abre esta entrega: “The deconstruction has begun/ time for me to fall apart/ and if you think that it was rough I tell you nothing changes till you start to break it down/ and break apart”.

Comenzó la deconstrucción y todo indica que la ha concretado. Y para ello contó con su inseparable bajista Kool G Murder para apoyarlo en las tareas de composición y arreglos.

El proyecto fue controlado íntegramente por EWorks Records –su propio sello– y producido por el autor en colaboración con Mickey Petralia. Una vez más deja en claro que se trata de un tipo obsesivo-compulsivo que ya no desea ceder casi nada de

las tareas para crear, editar y promover su música. No en vano lleva tocando desde los 6 años de edad, cuando compró una batería de juguete a su vecino.

Todos estos años sus composiciones conforman una bitácora muy explícita de sus hallazgos y extravíos; casi que las podemos utilizar como unas radiografías sonoras que muestran sus entrañas sentimentales. A propósito de ello, la periodista Alexandra Von Schelling apunta: “A lo largo de este tiempo se ha convertido en una estrella de rock, ha adquirido una reputación excéntrica y ha sobrevivido a varias tragedias personales que han dibujado los contornos de su trayectoria musical. Sus álbumes expresan desde el suicidio y la muerte hasta la búsqueda de belleza y felicidad; canciones que discurren en paralelo al crecimiento interno del músico”. ¿Dónde está parado Mark O. Everett en este momento?

Soplan vientos de cambios que han sido agitados por las cabronadas sin fin de un gobernante enloquecido como Donald Trump. Así, el creador de álbumes tan apasionantes como Electro-Shock Blues (1998) y Daisies Of The Galaxy (2000) y con un directo registrado en el mítico Royal Albert Hall ha pensado las cosas con calma y ante lo frustrante que resulta su relación con los medios preparó un comunicado que deja bien en claro las cosas: “Aquí tienes 15 nuevas canciones de EELS que pueden inspirarte o no, sacudirte o no. El mundo se ha vuelto loco. Pero si buscas, aún puedes encontrar cosas bellas. A veces no tienes ni que buscarlas. Otras veces tienes que esforzarte por crearlas tú mismo. Y luego están las ocasiones en que tienes que destrozar algo para encontrar algo bello en su interior”.

Algún tema suyo se ha colado en Shrek, así que están muy equivocados todos aquellos que lo consideran un “Onehit wonder”, más bien se apega a esa figura de músico de culto que cuenta con un núcleo ferviente de seguidores que se identifican con sus historias, que hacen las veces de manuales para plantarles el rostro a las adversidades –de las cotidianas a las más extremas– (por ejemplo, su hermana se suicidó con el pretexto de ir a alcanzar a su padre a un universo paralelo).

El sucesor de The Cautionary Tales of Mark Oliver Everett (2014), que era una versión musicalizada de su libro, contiene también mayor presencia del amor en “Sweet Scorched Earth” y “There I Said It” y hasta cierto optimismo inédito en él (“Today is the day” e “In Our Cathedral”). Tal parece que una vez más ha superado ciertos obstáculos personales como parte del proceso que envuelve al álbum entero: “La idea de la deconstrucción tiene que ver con que nos pasamos la vida construyendo muros a nuestro alrededor, y llega un momento en el que tienes que derribarlos ¿De qué nos estamos protegiendo? ¿De quién queremos escapar? Lo que estoy diciendo al final del disco es que tenemos la habilidad de tomar una decisión. La decisión de aceptar nuestra realidad, cualquiera que sea, y tenemos que ser felices con ella”. ¿La vida le habrá puesto algunos caramelos amorosos delante? ¿Será que ni un músico atormentado puede resistirse a vivir en un sitio llamado Los Feliz?

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EELS

“EL MUNDO SE HA VUELTO LOCO. PERO SI BUSCAS, AÚN PUEDES ENCONTRAR COSAS BELLAS”

TXT:: Juan Carlos Hidalgo FOT:: Piper Ferguson (grantland.com)

De Culto Cine

GERMAINE DULAC HECHICERA DEL CELULOIDE

TXT:: Toño Quintanar FOT:: La Filmósfera

LA PINTORA BARROCA ARTEMISIA GENTILESCHI CONTABA ÚNICAMENTE CON VEINTIÚN AÑOS CUANDO DIO LAS PRIMERAS PINCELADAS DE JUDIT DECAPITANDO A HOLOFERNES (1614), PIEZA QUE PARECÍA ANUNCIAR SIN REPARO LA EXISTENCIA DE UNA SEGUNDA SENSIBILIDAD QUE ESCAPABA DE LOS REGÍMENES DE PODER DE SU ÉPOCA –TODOS ELLOS APOYADOS EN LA SUMISIÓN SISTEMÁTICA DE LA MUJER– PARA AVISTAR NUEVAS FORMAS DE REPRESENTACIÓN QUE ENCONTRABAN EN LA EMANCIPACIÓN CULTURAL A SU PRINCIPAL FUERZA RECTORA. MISMA INQUIETUD QUE, HASTA NUESTROS DÍAS, CONTINÚA MUTANDO DE FORMA IRREFRENABLE, HACIENDO DEL QUEHACER CREATIVO UNA AFRENTA ANTE EL ENCLAUSTRAMIENTO SUGERIDO POR AQUELLOS AGENTES DE OPRESIÓN QUE SE HAN ADHERIDO A LO MÁS PROFUNDO DE NUESTRO SISTEMA GLOBAL.

V

aliéndose de una monstruosa hambre de reapropiación, esta artista romana le mostró al mundo una falange de la determinación femenina para plantear aristas impensables para su época. Postura que, desde luego, habría de servir como bandera subconsciente para una serie de revoluciones cotidianas mediante las cuales las mujeres exigirían su inclusión dentro de los mecanismos rectores de la humanidad.

El cine, en su papel de plataforma discursiva joven, ha experimentado más que ningún otro formato artístico las consecuencias de esta lucha ideológica. Es innegable el hecho de que su función como catalizador social responde a una serie de inquietudes subjetivas que son consustanciales al propio fenómeno fílmico. La cámara, en su papel de cerebro artificial, captura una porción de realidad cuyo enmarcamiento, sesgado por una serie de intervenciones tanto estilísticas como semánticas, pretende comunicar una perspectiva determinante que nos sumerge en un ilusionismo donde lo que aparece en pantalla adquiere un potente halo de autoritarismo.

Por su puesto, las grandes huestes del modelo capitalista encontraron en dicha fuerza enunciadora una invaluable herramienta pedagógica que, hasta la fecha, continúa estructurando múltiples modelos de comportamiento que se han transformado en una importante facción de aquello a lo que llzamamos “normatividad”.

Sin embargo, a pesar de la permanencia de intereses abiertamente aleccionadores dentro del Séptimo Arte, también vale la pena señalar la presencia de una serie de agentes visionarios que, desde los orígenes más precoces del cinematógrafo, ya exigían ese respeto elemental que debía de conferírsele como máquina de resistencia. Muestra de ello fue el trabajo de Germaine Dulac, directora francesa que se valió de las capacidades mutantes de la imagen en movimiento para sugerir nuevos universos que metamorfoseaban las facultades palpables de la realidad.

Nacida en el año de 1882 en la localidad de Amiens, Charlotte Elisabeth Germaine Saisset-Schneider uniría de forma precoz su destino al de una serie de inquietudes estéticas y sociales que encontraban en la militancia feminista la respuesta lógica frente a las imposiciones del sistema patriarcal.

Los inicios de su carrera estuvieron ligados a la crítica y a la teorización fílmica, mismas funciones que eran alternadas junto con su participación en publicaciones feministas como La Francaise y La Fronde; sin embargo, su pronta adhesión a los grupos vanguardistas que habían tomado por asalto a París por aquel entonces la pusieron en contacto con una serie de ambientes que impulsarían su papel como creadora experimental.

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1917 sería un año sobresaliente gracias a la llegada de Les Soeurs Ennemies, cortometraje cuya trama –una temprana muestra de aquella agudeza psicoanalítica que habría de definir para siempre al trabajo de Germaine– ya ofrecía una reflexión acerca de la condición de la mujer en un mundo que la aísla continuamente del resto de sus coetáneas.

Trabajos posteriores como Venus Victrix (1917), Le Bonheur des Autres (1918) y La Cigarette (1919) servirían como los escaparates ideales para exhibir esa aguda sensibilidad a través de la cual Dulac se propondría a capturar las aristas inéditas de un mundo que se le antojaba como una monstruosa entidad en la que los humanos no eran más que ácaros microscópicos.

Su primera incursión en larga duración sería también la obra que la transformaría en uno de los nombres más aclamados dentro de la escena del arte moderno: La Fête Espagnole (1920), producción que, escrita en colaboración con su esposo Louis Delluc, se destaca como uno de los proyectos impresionistas más conmovedores que el cine le ha ofrecido a la historia de la humanidad. Tristemente, buena parte de esta cinta se perdió con los descuidos del tiempo y, hoy en día, sólo contamos con escasos fotogramas que dan fe del prodigio que fue para su época.

Caso aparte es La Souriante Madame Beudet (1923); trabajo de inigualable tensión mental donde la fatalidad más trágica –desencadenada a partir de una serie de pasiones que se contraponen con el rol femenino convencional– hace mancuerna con una manipulación de la imagen que explora nuevas capacidades cognitivas que sobrepasan las normas convencionales del cine narrativo para legar sensaciones que las mentes estrechas de la época definirían como “prohibidas”.

Esta necesidad de utilizar a la imagen como un explorador psíquico haría que Dulac se interesara de forma cada vez más decidida por el surrealismo; escuela que, a pesar de encontrarse dominada por las vacas sagradas masculinas de la época, se vería reinventada gracias a una serie de pulsiones hemisféricas que dejaban en claro esa raíz heterodoxa que, ante la mirada del psicoanálisis –uno de los pilares seminales del surrealismo–, transformaba a la inteligencia de la mujer en un auténtico peligro para las instituciones hegemónicas – religión, estado, familia– sobre las que descansa el imperio de la opresión.

Es así como surgiría La Coquille et le Clergyman (1928), pieza de siniestra atmósfera onírica donde lo fantástico se transforma en la plataforma mediante la cual los ídolos patriarcales más incuestionables de la era moderna –la cinta trata, ni más ni menos, que de las perversiones subconscientes de un párroco– se ven diseccionadas en su naturaleza más maligna.

Conjurando una plasticidad inédita dentro de la historia del cine, Germaine propone un experimento paradigmático que no sólo reformula las normas ortodoxas de la realidad, sino que también reconfigura las capacidades sensitivas de la imagen en movimiento a partir de una creatividad alquímica que depura a la cámara de sus características fálicas para proponer modos de ver decididamente anticoloniales.

A pesar de los estragos e imprecisiones que el paso del tiempo infligió en la obra de Germaine Dulac –un fenómeno consustancial a los precoces albores fílmicos que sirvieron de contexto para la irrupción de esta directora–, su legado iconográfico persiste como una muestra irrebatible de esas capacidades contestatarias que la imagen fílmica es capaz de conjurar cuando es hilvanada por un par de ojos que no han sido contaminados por las estereotipos dominantes de su era. Mismo manifiesto que nos invita a escapar de nuestras construcciones más arraigadas para vislumbrar nuevas épocas en las que el género y la sexualidad no supongan ningún tipo de preconcepción esclavizadora.

De Culto Arte

U

n día estaba platicando con el artista Ulises Figueroa y me decía que, por cuestión práctica, él se decía escultor. Hace poco leyendo el libro Abuso mutuo (2017) de Cuauhtémoc Medina, encontré –en un capítulo que hablaba sobre la idea del “arte joven” y cómo es que ésta se construyó en México durante la década de los 90 en el siglo pasado– algo que me llamó la atención y que a continuación transcribo.

“Todo consenso engendra un sistema de regulación político y social. El problema que a mí me parece crucial es qué sucede con las personas y sus actos cuando son nombrados bajo la categoría de artísticos. Qué poderes y qué situación de prestigio se desprenden de ese cargo”.

Inmediatamente pensé en Ulises, me pregunté si el consenso general de la gente ajena al arte consideraría al ver su obra como el trabajo de un artista, y luego dentro del nicho protector del arte contemporáneo o en el de los guardianes del aura en la tradición si le quedaba lo de escultor. Supongo la discusión se pondría bastante chocante, opinando dentro del desvencijado discurso entre lo que es y no es, que para mi gusto ni importa, pues es, porque está ahí.

La verdad eso precisamente es lo que siempre me ha interesado en el trabajo de muchos artistas, entre ellos Figueroa, que no sabes concretamente qué es. Sus construcciones son a veces restos de animales, a veces cosas que ya nadie quiere, a veces para muchos no parece ni es arte.

Creo que la obra de Figueroa está viva, muy viva a pesar de la basura que la forma y que en su construcción tiende a representar cadáveres, muchos de ellos parecen estar incompletos por el paso del tiempo y el oxígeno sobre sus carnes sin vida hechas de cartón, piedras o lamina. La realidad es que la mayoría de ellos nacieron inanimados, nunca pretendieron ser seres vivos, son en el mejor de los casos consecuencias de vivencias, acumulación de acciones, reflejos o evidencias de una mano de obra, del trabajo humilde de un obrero, un albañil o una costurera. Me gusta pensar que como artistas la evidencia de que seguimos vivos como seres humanos es lo que construimos con las manos día a día antes de estar terminado.

Ulises creció en Ecatepec, en la periferia, jugando en la calle, encontrando cosas, hurgando entre la tierra, echando canicas, bote pateado, corriendo y rompiéndose las rodillas en calles mal pavimentadas; esto lo digo no porque lo sepa de cierto, sino porque comparto con él la edad y algo de provincia que tiene la periferia, entonces, me siento confiado, me asigno la autoridad de hacerlo, además lo veo en su obra, su construcción tiene aura infantil muy nostálgica que me recuerda mi niñez.

La primera pieza que vi de Ulises fueron unos tiburones aplastados como de plastilina epóxica, honestamente no me gustaron, en ese entonces yo no sabía nada de él ni de su trabajo, con el paso del tiempo lo escuché decir que de niño él imaginaba que las mantarrayas eran tiburones aplastados y de ahí la relación con su pieza. No le di importancia, pero a partir de ese momento comencé a conocer su trabajo y tras cada pieza todo cobró sentido, tiene un talento natural para ver cosas donde no hay nada, como algún santero que echa caracoles y ve el futuro, lo imagino acumulando materiales y en su mente cuajando sus piezas, que para mi gusto son encantadoras porque son hijas de la fealdad; pero además, son obras muy naturales, parece que sí nacieron, que tuvieron una vida y que ya muertas fueron capturadas en el preciso momento por algún tipo de taxidermista macabro para mostrar putrefacción en pausa indefinida.

He visto cucharas de albañil hacerse trofeos de caza con cuernos, cientos de ladrillos acumulados para formar una langosta y una hormiga como representaciones de 8bits llevados a la tridimensión, pienso en las hormigotas de la película “Marabunta” que de niño me causaba pesadillas.

Cuando hace algunos años (2013) montó su exposición Tercer acto en el que el mundo muere por desintegración, en el Museo Universitario del Chopo, la pieza central era un cuasi esqueleto hecho de chatarra que buscaba emparentarse con la osamenta de mamut que hace algunas décadas se encontraba en el museo, también había algunos esqueletos ensamblados a partir de huesos de animales desenterrados de algún camellón urbano, estas piezas parecían muy cómodas dentro de unas vitrinas antiguas proporcionadas por el museo, lo que las instalaba como unas buenas farsantes dentro un museo de historia natural.

Una de mis piezas favoritas, es aquella que aparenta un rinoceronte, hecho con madera de cimbra para la construcción y medio sumergido en un cumulo de arena como los que aparecen fuera de las casas que están sufriendo una remodelación, tremendamente gris y opaco, un mamífero en obra negra.

Durante los últimos años este artista ha estado trabajando con un proyecto para el Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA, entre las piezas que ha fabricado hay un magnífico bisonte de espléndido pelaje formado por cáscaras de plátano, bestia de 3.2 metros de longitud, posado sobre el suelo y aparentemente reseco por el sol.

Curiosamente hace unos días pasé por el tianguis que se pone cerca de Metro Hidalgo en la Ciudad de México y me sorprendió que vendieran juguetes de mi infancia: Star Wars, G.I. Joe, He-Man, Playmobil, montones y montones de juguetes desperdigados, la nostalgia y la felicidad me invadió, también pensé en Historia del universo (2012), en ella podemos ver un montón de objetos que Figueroa ha posado sobre una forma medio circular u ovalada, como aquella que uso Marcel Duchamp para hacer una película en principios de siglo pasado.

Parece una procesión, big bang, planetas, cuentitas, dinosaurios, tigres, ballenas, humanitos en diferentes representaciones, la Venus de milo masificada y disminuida, el cuerpo humano para aprender anatomía, una bandera roja, naves espaciales, androides pequeñitos de plástico, un vocho, un libro del Che, pelotas, la parca con su herramienta, estrellas que brillan en la oscuridad, plumines de colores e inicia el ciclo. Ahora me he enterado que esa pieza forma parte de la colección del Museo de Arte Moderno, veo una mirada estrábica que me pregunta ¿cuál es la diferencia que distingue un artista visual de un vendedor de peines? Seguramente la corbata, concluye.

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MAMÍFEROS EN OBRA NEGRA

TXT:: Rubén Gil FOT:: Cortesía del Artista

ULISES FIGUEROA

Libros Literatura

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CUATRO MILLONES DE GOLPES QUE HA DADO

ERIC JIMÉNEZ

LA INSÓLITA Y EMOCIONANTE HISTORIA DEL BATERISTA DE LAGARTIJA NICK Y LOS PLANETAS

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TXT:: Juan Carlos Hidalgo FOT:: David Alonso Rincón

AL TRANSCURRIR 50 años de una vida, ¿cuántas caras puede llegar a tener una misma persona? El músico nacido en Granada es el mismo tipo que aparece protagonizando “Un buen día”, una de las canciones emblemáticas de Los planetas: “He estado con Eric hasta las seis / y nos hemos metido cuatro millones de rayas”.

A los treinta iba a todo tren; gozando de una vida dedicada al rock, los tambores y los platillos; y de una carrera legendaria que incluye múltiples momentos de gloria y excesos varios.

Dos décadas después ha experimentado un brusco viraje y ha conseguido parafrasearse en una conmovedora dedicatoria: “Ni cuatro millones de golpes en una batería sonarían tan fuerte como para tapar el sonido de mi corazón cada vez que te miro”.

Así es como dedica Eric su libro de memorias a su pequeña hija; él le expresa un amor inmenso que guarda una diferencia abismal con la manera en lo que lo trató su progenitor cuando era muy chico: “Con seis años mi padre me encañonó con una pistola. Ni siquiera recuerdo su nombre”.

Así es como transcurre el frenético ritmo de un libro que no pretende ensalzar lo literario sino aferrarse al modo de expresarse de un músico al que le sobra escuela callejera: “Con diez ingresé en la Falange porque quería tocar el tambor… Mis mayores influencias musicales han sido la Semana Santa y mi primera hostia, la que me dieron al nacer, quizá la más artística y la menos dolorosa”.

Aun cuando el libro tiene casi 300 páginas, en su interior todo ocurre a exceso de velocidad. El hombre se casó a los 16 años y por esa razón incursionó en las drogas –como una estrategia de evasión–, tocó en un grupo de punk: KGB, y de refilón pasó por el mítico antro Rock Ola, que tenía mucho menos lustre del que se le ha querido imputar a la movida madrileña.

Se le considera el mejor baterista del rock español de cuando menos los últimos 25 años y fue un miembro clave del grupo Lagartija Nick (que ha vuelto como el Ave fénix) y le sobraban anécdotas interesantísimas por contar, así que se dio a la tarea de llevar adelante este ejercicio memorioso, en el que buscó no quedar bien sólo consigo mismo; es por eso que fluye su manera personal de expresarse con sus respectivas muletillas –no aceptó retoque que lo hiciera más fino; aunque contó con la ayuda de Holden Centeno– ¡a buena hora viene a contar que en realidad se llama Ernesto y que lo conocemos por el apodo!

Es por todo ello que sobre Cuatro millones de golpes, el periodista Manolo D. Abad, ha escrito en el diario El Comercio: “Narrada con una voz a tumba abierta, de una sinceridad brutal que no elude ni esconde, es un relato ágil y apasionante, que se lee con devoción si se es capaz de buscar entre sus líneas las sombras que se ocultan más allá de los focos”.

Así tenemos oportunidad para adentrarnos en todo el proceso de creación de un disco crucial en la historia del rock español; aquí se aportan nuevas luces acerca de Una semana en el motor de un autobús (1998) de Los Planetas, pero un poco antes conocer también los intersticios de un disco que cambió las nociones acerca del flamenco rock. Los Lagartija Nick se encontraron en el camino, nada menos, que al inmenso cantaor Enrique Morente y juntos concibieron Omega, con sus magníficas referencias a Federico García Lorca y Leonard Cohen.

Se trata de un apartado muy importante de este trabajo dada la dimensión artística del maestro y cuya relación Jiménez rememora, durante una charla con Isabel Guerrero: “Éramos muy parecidos: nuestras conversaciones podían ser muy similares

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a las que tendrían Buñuel y Dalí. Nos reíamos y rozábamos el surrealismo”.

Eric no se guarda nada en el libro y asevera que muchos de los participantes en el documental centrado en Omega (1996), mienten; pero también se da tiempo para contar cómo fue que este proyectó influyó radicalmente en su forma de tocar, ya que era “muy dado a contratiempos y redobles fuera de tiempo, una influencia castiza, adquirida del flamenco, que venía a sumarse a la fascinación desde niño por la mística de la Semana Santa”.

Es el actual dueño de un bar en su natal Granada, se aventuró a impartirle clases de música a niños, excolaborador de los grupos Napoleón Solo y Tarik y la Fábrica de Colores, ha seguido difundiendo el legado Morente en Los Evangelistas, aprovecha este volumen para hacer un ajuste de cuentas con su gran pasión –misma que le ha dado oficio–: “La música no me ha salvado de nada, pero ha sido el hilo conductor para mantenerme porque me ofreció el calor del público, que me ha permitido luchar contra las inseguridades de mis carencias emocionales, de la falta de cariño, de no tener un padre”, tal como contó una a la Agencia EFE. Ante todo se trata de un libro confesional, el autor no omite sus errores pero tampoco se priva de criticar al gremio: “Los cementerios están repletos de rockeros vestidos de payaso que no miraron dentro de su alma, sino que se fijaron en otros. He tenido influencias musicales, pero no me he inventado ningún personaje nunca… ojalá me hubiera hecho falta”.

Era entonces previsible que apuntara que la industria discográfica española es un auténtico nido de víboras y ladrones; incluso arremete contra el equipo de los Rolling Stones, que sabotearon la mezcla en la ocasión en que fungieron de abridores. Muchos obstáculos le tocó superar, aunque su historia sea al revés de la gran mayoría: “Los jóvenes de las bandas de ahora tienen familias acomodadas y buscan en el rock la libertad pero yo, que venía de un entorno desestructurado, buscaba lo contrario, un cariño y una familia”.

Se trata pues de la bitácora de un sobreviviente; el autor ha conseguido burlar a lo que consideraba un destino manifiesto: “Debería haber muerto antes de los treinta… Durante estos cuarenta años he golpeado la batería como la vida me ha golpeado a mí, con todas sus fuerzas”. .

ENGLAND IS MINE Cine

LA REBELIÓN DE LOS GODÍNEZ O MORRISSEY Y SU BIOPIC NO AUTORIZADA TXT:: Lenin Calderón

Si lo que deseas es ver copetes voluminosos, bien peinados, o recreaciones fidedignas de momentos memorables en la carrera de Morrissey, será mejor que vayas a un concierto de rockabilly o acudas a Youtube en busca del tiempo perdido. Aquí sólo hallarás sutilezas. Ninguna rola de The Smiths, referencias directas más bien sugeridas, nada de obviedades. Aunque estas ausencias pueden decepcionar a muchos, la película contiene montones de detalles y alusiones entre líneas, suculentas para el fan y didácticas para el neófito.

ENGLAND IS MINE, aún sin título en español pero a la que probablemente llamen Detrás de la fama, El ayer siempre cuenta o algún título nada que ver, es una biopic sobre el vocalista de The Smiths que se estrenó el año pasado en el Reino Unido sin su aprobación. Morrissey -–célebre por ser igual de voluble que un niño con una bolsa llena de dulces– parece no haberse enterado de su existencia. O tal vez la ha ignorado, porque difícilmente ha hecho declaraciones a favor o en contra de ella. Es precisamente la ausencia del aval del divo de Manchester, lo que obligó al director Mark Gill a ingeniárselas para armar una versión propia de una historia que es del dominio público.

Igual que todos conocemos detalles de figuras públicas aunque no seamos fans, ya sea el color de los calzones de Paris Hilton o el nombre real de Juan Gabriel, los detalles generales sobre la vida de Morrissey son parte del bagaje cultural pop del ciudadano británico promedio. Gill, que

también escribió el guión, armó una historia alternativa, ficticia, acerca de cómo fue la vida de Morrissey antes de que se decidiera a dedicarse de tiempo completo a la música. La película acaba donde comienza la carrera del ídolo. Es una especie de precuela a la trayectoria de uno de los artistas más influyentes y nos muestra, para cerrar el círculo, sus influencias tempranas y cómo forjó ese carácter que lo ha hecho tan célebre.

LOS ÍDOLOS DE UN ÍDOLO Si bien cualquier admirador de la música de The Smiths o Morrissey echaría de menos su presencia en una película que intenta contar su historia, el soundtrack de England is Mine es excelente

en muchos sentidos. Una de sus virtudes es recrear sutilmente una época al tiempo que muestra los gustos personales contrastantes del protagonista. Debido a que la historia retrata la vida de Morrissey del año 1976 hasta por ahí de 1982 (cuando comienza a colaborar de tiempo completo con el guitarrista Johnny Marr), la atmósfera está llena de sonidos setenteros. Por un lado, bandas de peso completo como Roxy Music, Mott the Hoople o Magazine matizan las escenas en las que se muestra la vida pública de Manchester; por el otro, el pop sesentero femenil de Diana Dors, The Marvellettes o Martha & The Vandellas da color a las escenas íntimas del mundo ensimismado, atribulado, de un joven que se debate entre la insolencia de sus comentarios y la ansiedad de su inacción.

ESTAS COSAS TOMAN TIEMPO Musicalmente, podría decirse que la película es un prototipo, un ensayo previo del estilo musical

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que aún tendrá que desarrollarse pero que arroja mucha luz al incluir artistas como Johnny Tillotson o, sobre todo, Billy Fury, quienes son una influencia notoria, obvia, en la voz y forma de interpretar de Morrissey. Lo más cercano a los Smiths es “Give Him a Great Kiss”, un cover de The Shangri-Las que la banda “ficticia” de Morrissey toca en su primera presentación. Años antes del beat desarrollado en canciones como “Handsome Devil”, del disco Hateful of Hollow de The Smiths, esta escena nos da una idea de dónde proviene ese pop tan poderoso y tan melódico al mismo tiempo.

PRESENCIA RESPLANDECIENTE El trabajo fotográfico en la película también tiene gran relevancia ya que más que retratar una época, emula cierta etapa de uno de los directores más importantes, muy de vanguardia en los setenta. Desde la escena que muestra el título de la película, en los créditos iniciales, cuando el protagonista camina a través de un paso a desnivel con paredes de mosaico blanco, la presencia de Stanley Kubrick es evidente pues la similitud con la escena que presenta a Alex DeLarge y sus excéntricos amigos en Naranja Mecánica parece incluso premeditada. Lo mismo sucede con la escena en la que Morrissey, en un arranque de fatalidad, teclea descuidadamente letras y palabras sin sentido en su máquina

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de escribir: es imposible no acordarse de Jack Torrance en El Resplandor, quien apila cientos de hojas escritas con la misma frase, antes de volverse completamente loco e intenta asesinar a su esposa e hijo.

Pero quizá la marca más aterradora de la influencia de Kubrick en esta película, es la forma en la que se muestran los pasillos, cuartos de archivo y elevadores del lugar en el que Morrissey trabajaba como auxiliar contable. Igual que en El Resplandor, la estrechez de los pasillos, la sensación artificial, plástica, de las alfombras y el papel tapiz que recubre los mismos y los espacios reducidos en los elevadores, dignos de la peor de las claustrofobias, colaboran para crear un ambiente sofocante, del cual hay que salir a como dé lugar: la oficina. Cualquiera que haya escuchado “Heaven Knows I’m Miserable Now” lo sabe: “Andaba buscando un trabajo y me conseguí un trabajo y Dios sabe que ahora soy miserable”.

LA BELLEZA DE LO HORRENDO La película da en el blanco al mostrar este universo tieso, acartonado y gris, que sirve de inspiración para muchas de sus futuras letras pero que también lo pone entre la espada y la pared.

Un trabajo de 9 a 5, además de aburrimiento, le garantiza un sueldo todos los meses y le permite contribuir con dinero a la economía familiar, pues para entonces aún vivía con su madre y hermana.

Ante un dilema así, el protagonista tiene que decidirse entre música y balances financieros. Este conflicto es, en gran medida, la esencia de la lírica de The Smiths, una disyuntiva entre llorar a moco tendido o reírse burlonamente por las pequeñas tragedias que suceden todos los días: “La vida, en su sentido más monótono, vale la pena… evitarla.

Es la fábrica para el padre y la cocina para la madre. Es discusiones y peleas sobre la mesa, noticias de niños extraviados y una sensación

innegable de que todas las cosas están descomponiéndose poco a poco”.

England Is Mine es el pasillo asfixiante, incómodo y estéril a través del cual se abre paso un artista, un ojo crítico de sus tiempos.

La película, a pesar de todas sus ausencias, logra reunir no sólo algunas de las influencias más notorias en la futura carrera de Morrissey, también logra recrear un estado mental, un universo creado por el mismo artista como alternativa a una realidad áspera, en la que la justicia o la lógica parecen no existir. Llena de frases que con los años se convertirán en canciones, referencias a versos de Oscar Wilde o Shakespeare, la película difunde entre líneas el mensaje principal de una banda que encontró la belleza en lo monótono, lo común y lo corriente. No por nada eligieron como nombre uno de los apellidos más recurrentes en su país. Es como si en nuestro país surgiera una banda que se llamara los Pérez o los García: difícilmente podrían hablar de privilegios o de qué tan exclusivos son. La visión de Morrissey va en otro sentido, trata de encontrar la belleza en lo ordinario y la película lo logra: “Nada que valga la pena hacer en la vida involucra la repetición.

Lo que importa es la mente. La mente nos permite pensar, sentir y percibir la belleza donde otros sólo encuentran tornillos rotos y bujías desgastadas”.

FICHA TÉCNICA Título: England is Mine Director: Mark Gill Año: 2017 País: Reino Unido Reparto: Jack Lowden, Jessica Brown Findlay, Laurie Kynaston

Cómic y narrativa dibujada

MUJERES QUE HACEN LO QUE LES DA LA GANA

VALEROSAS

TXT:: Oscar G. Hernández

LA HISTORIA de los humanos está plagada de elementos recurrentes, entre los que suelen seducir a todas las culturas encontramos aquellos relatos de heroísmo, donde el humano se levanta en contra de la adversidad. Prácticamente todos los mitos fundacionales tienen que ver con la sobrevivencia o el triunfo del bien sobre el mal, lo que atrae a generación tras generación es una fórmula que inicia con las primeras religiones y se sigue utilizando hasta nuestros días.

Es como si la fascinación por escuchar, ver y leer la historia de los que renacen y de los que nunca se rinden estuviera grabada en nuestros genes, es de ahí que se vuelve muy común –quizá demasiado– repetir todo el tiempo la misma historia a pesar de los diferentes envases.

Resulta muy difícil encontrarse con relatos donde los humanos no enfrentan la adversidad o se preparan para luchar contra el mal o alguna catástrofe. Después, las dimensiones de lo que se considera el elemento adverso varía desde aquel que al que la tragedia no le permitió comprarse un helado de vainilla, hasta el que escapa de una guerra y se convierte en un deportista campeón del mundo o un gran millonario, artista, etc.

Hace muy poco dio la vuelta al mundo la noticia de la muerte del científico más célebre de nuestra era, Stephen Hawking, la ironía con este personaje es que fue brillante sin duda pero no lo suficientemente como para obtener un premio Nobel de ciencia, que a diferencia de los premios Nobel de literatura o de la paz, los cuales están cargados de subjetividad y de poca imparcialidad, se exige el rigor y una verdadera revolución o aportación en el área. Hawking aportó muchas cosas pero nada con la suficiente relevancia.

Mucha de su fama la alcanzó por ir en contra de la adversidad, su enfermedad fatal prácticamente lo elimino de la vida social y al mismo tiempo lo lanzó a la fama. Hawking fue la viva muestra de lo que fascina a las masas: el individuo que contra todo demuestra que se puede salir adelante.

La ironía giró para ir contra de muchos grandes científicos de los cuales nadie sabe su nombre, ni de cómo revolucionaron al mundo de la ciencia.

En nuestro país existe un caso muy similar y es el de la pintora Frida Kahlo, que no fue por nada brillante en cuanto a su arte, sin embargo, hoy es la pintora mexicana más famosa; lo es sobre todo por su historia de vida y por cumplir con el drama que adoran las masas. La vida de Frida es tomada como ejemplo de mujeres que luchan y siguen, incluso es hoy día uno de los símbolos del feminismo para algunos. En México su imagen es icónica y se le encuentra por todos lados, a pesar de que muchos no compartamos el gusto por su obra.

En la narrativa gráfica, hace unos años la autora de nombre Pénélope Bagieu se dio a la tarea de recopilar la vida de muchas mujeres que han luchado contra el infortunio y lo adverso.

El asunto con el género femenino al igual que

cualquier otro grupo que enfrente a las mayorías, a los cánones del deber ser, y enfrentar algo tan poderoso y milenario como el patriarcado, un contexto así les coloca en una situación de tener que avanzar perpetuamente en contra del poder que ostenta el género masculino. Por tanto, siempre será admirable lo logrado por alguna mujer, ya que invariablemente se encontrará con los obstáculos que representa el simple hecho de ser mujer. Lo ocurrido en los últimos años con lo que podríamos llamar el nuevo movimiento feminista y que tiene su culminación con el #metoo, es una muestra irrefutable de un género que ha debido soportar el sometimiento al poder masculino. El #metoo se volvió un verdadero acto de valor, no visto antes.

La autora Pénélope Bagieu en su trabajo ya había observado ese valor en la historia de vida de muchas mujeres, por eso que su obra lleva por título Valerosas. Esta serie de relatos gráficos se convirtió en un éxito inmediato, llegó a nuestro país el año pasado y el éxito de ventas a nivel internacional ha sido tan grande que apareció ya el segundo volumen. Las historias que nos cuenta son precisamente los puntos biográficos en la vida de mujeres que se distinguieron por tener el valor de ir en contra de un mundo dominado por los hombres.

El libro de Bagieu es uno muy bien logrado fuera de que el tema esté en boga o no, la artista consigue encantar a los lectores con construcciones muy sintéticas y funcionales. La gráfica es preciosista y atractiva; pero más allá de eso nos hace descubrir un universo de personajes femeninos, sin caer en el panfleto fácil. Lo atractivo de los cómics de Pénélope es que gustan por sí mismos, generan empatía, sin brusquedades y sin vulgaridad.

La lectura de Valerosas se inserta en esa lucha contra lo adverso, en ese levantarse para continuar, en un heroísmo no pedido, más bien obligado que inspira y que permite observar como más allá del gusto que tienen las masas por las grandes personalidades; podemos encontrar que en el mundo femenino existen muchas mujeres que no han sido aún descubiertas, pero que gracias a nuestro momento pueden aparecer libros como éste, que de alguna manera se alzan para decir “Yo también” en un sentido más amplio, en el sentido de “plantar cara al patriarcado”, en una época en que la misma academia que otorga los premios Nobel se encuentra envuelta en escándalos sexuales y de corrupción.

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JOHN MARCELINE

Cómic y narrativa dibujada

NACIÓ EN COATZACOALCOS, Veracruz, con el nombre de Rosaura. De niña fue poseída por un diablo con salpullido, la trasladaron a León, Guanajuato, donde creció con nula cultura en medio de la hipócrita educación católica. Los dibujos fueron su mejor compañía; en ese entonces quiso hacer cómics, cosa que abandonó dejándose llevar por la sociedad leonesa para tener un

trabajo normal y alcoholizarse sin esperanza. Fundó un colectivo de teatro y dibujo que se derrumbó, lo que la impulsó a migrar a la CDMX. Ya ahora sí “ahí la lleva más o menos”: ganó un tercer lugar en el catálogo de ilustración FILIJ, fue becaria del FONCA y forma parte del proyecto de narrativa gráfica El Molúsculo. Siempre quiso ser Peter Pan, nunca Wendy.

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SĂ­guela en: Instagram.com/johnmarceline/ Instagram.com/elmolusculo/

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El pilón

FRANCISCO

ZAMUDIO

R.I.P (ROCK IN PEACE)

TXT:: Arturo J. Flores

FRANCISCO CUAUHTÉMOC ZAMUDIO Loyo me recordaba a Pepe Monerri. El sabio editor que dejó caer sobre un Arturo Pérez-Reverte de 16 años, cuando era aprendiz de reportero, la contundente enseñanza: “Cuando lleves un bloc y un bolígrafo en la mano, quien debe tenerte miedo es el alcalde a ti”.

Así lo escribió el autor de La reina del sur en un artículo en El País y así lo puso en práctica Zamudio. Periodista musical nacido en Veracruz en 1968, pasó por las redacciones de las revistas musicales más influyentes, como Rolling Stone o las desparecidas Switch y Rock Stage, además de dedicar sus letras a defender el rock hecho en México en medios tan importantes como Excelsior y Playboy México. Orgullosamente, Zamudio también fue colaborador de Marvin durante una larga época.

Todas las disqueras, no pocos promotores, algunos managers,

muchos músicos e inclusive uno que otro colega, le tenían pavor. A veces ni siquiera hacía falta que el buen Paco empuñara su grabadora para ponerlos a temblar.

Le temían no por su descomunal estatura.

Porque quien lo conocía sabía que su enormidad era directamente proporcional a su bondad como persona. Pero como reportero era inquisidor y despiadado. No se le escapaba un detalle. Poseía un olfato de sabueso y la mordida literaria de un tiburón. Observaba, escuchaba y disparaba sin misericordia.

Podía destruir un disco sin ponerle un dedo encima. Pero sobre todo, hacía la pregunta que obligaba a titubear al artista. Al Jefe de Prensa, tragarse el veneno de su propia saliva. Zamudio era un pitbull que se lanzaba a la yugular del entrevistado. Por eso en más de una ocasión, hubo RPs –Re Pusilánimes– que lo vetaron de sus conferencias y le prohibieron la entrada a sus oficinas.

Ojalá Zamudio, que en estas páginas dejó testimonio de su pasión religiosa por The Beatles, el infinito anecdotario que traía en la cabeza y su ética a prueba de balas, pudiera platicar con esa nueva generación de escritores, fotógrafos, videoastas y blogueros

que tienen tanto miedo a preguntar.

A incomodar al artista con sus cuestionamientos, a perder una inexistente amistad con los famosos, a privarse de los vacuos privilegios de colgarse una pulserita de VIP como quien se engancha por voluntad un grillete. De quienes dicen, con la cola entre las patas: “¿Y si critico a la banda y no me vuelven a invitar al concierto?”.

A Zamudio eso nunca le quitó el sueño. Hay que ser justos, ni siquiera el cáncer consiguió derrumbarlo como lo hizo la pérdida prematura de su esposa Esmeralda.

Nuestro amigo murió el 14 de abril de 2018 para acompañar a la amada en su camino hacia las estrellas.

Dejó tras de sí un amplio legado de textos, participaciones en radio, su desbordante colección de discos compactos y una frase que utilizó siempre como espada: “El rock no es lo más importante, es lo único”.

Seguramente, ahora mismo está entrevistando a John Lennon.

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BUZZcOcKS (UK) GANG OF FOUR (UK) THE DRUMS (USA) ???????

(UK) ALEMÁN / DANIEL MELERO (ARG) El pilón

FERMÍN IV / JOYCE MANOR (USA) SIMPSON AHUEVO / TINO EL PINGÜINO TITO FUENTES

CHDKF / COCÓ CECÉ / GORDO FU HADRIAN / INSTITUTE (USA) JOE CREPÚSCULO (ESP) / LOS EXPLOSIVOS MARCELA VIEJO / NIÑA DIOZ PLANETA NO (CHI) / THE MARÍAS (USA) VAYA FUTURO

ANNELIE (SUE) / BARCO (ARG) CARRION KIDS / COSTA FELINA / DARDD EL LÁZARO / EVHA (ECU) / FARUZ FEET FERRAZ (VEN) / GNUčČI (SUE) LA BANDE-SON IMAGINAIRE / LAS CRUXES (USA) LES MACHINES / LINN KOCH-EMMERY (SUE) LOS HONEY ROCKETS / LOS MARICAS (COL) LOS RIOT / MAW / MI SOBRINO MEMO MONSTRUOS DEL MAÑANA NANOOK EL ÚLTIMO ESQUIMAL (COL) RA LA CULEBRA (COL) / RAMONA / RED JESUS (CHI) RUBYTATES / SALVADOR Y EL UNICORNIO SEÑOR KINO / TEXXCOCO (ESP) THE FROYS / TRIPULACIÓN DE OSOS (ECU) UN PLANETA (ARG) / ZULU ZULU (ESP) Y MÁS TALENTO POR ANUNCIAR...

STAND-UP COMEDY: ÁNGEL BRIONES “EL PATÁN” AXEL TEJADA / CACHO CANTÚ / CHARLIE “ EL HUEVO” BARRIENTOS CORAL ECHEVERRÍA / ERICK VARGAS / EL FERCHO / GIAN ARENAS HUGO “EL COJO FELIZ” / ISABEL FERNÁNDEZ / JEY ADERITH JULIA TELLO / LA BEA / LALO ELIZARRARÁS / PETER ESPINOZA RUBÍ GARCÍA / SANDRO RUÍZ / SARA SILVA / SLOBOTZKY / TÍO ROBER CINE AL AIRE LIBRE PRESENTADO POR AMBULANTE

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