Revista Marvin 64:: Diversidad

6 Distribución nacional (Foráneo, locales cerrados) :: Juan Nuño Publicaciones CITEM S.A. de C.V. Av. Del Cristo #101.

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Lo divertido de la diversidad es que es diversa.

Esta frase digna del mejor Cantinflas describe muy bien a la edición que están por leer.

Quisimos trascender a las primeras y obvias referencias sobre la diversidad, que en la cultura contemporánea pasan por la sexual o la étnica.

Hay tanta diversidad como individuos en el planeta. Por ejemplo, en Lollapalooza conviven tribus que en otros entornos serían irreconciliables y que en Grant Park se la pasaron muy bien, todos atacados por el mismo viento. De eso nos cuenta Adrián Orozco en su crónica del emblemático festival.

Beck es en sí mismo la diversidad, al punto de la esquizofrenia dirían algunos. Como lo es José González. O Mike Patton. O Dan Curtin.

También hay fervientes defensores y gestores de espacios de diversidad, como Jools Holland o Diamanda Galás, a quienes conoceremos mejor en estas páginas.

Y por supuesto, nuestra banda de portada representa lo que la amplitud de pensamiento puede lograr artísticamente. Los Flaming Lips no le han tenido miedo a probar, a cambiar y a ser ellos mismos, cada vez distintos e iguales, como nos cuenta Jorge “Negro” Hipólito en su artículo, sazonado con lo que algunos músicos mexicanos han aprendido de estos fearless freaks.

Aquí, en Marvin, somos tan diversos como en cualquier familia. Por eso nos gustó tanto hacer este número. Esperamos que se diviertan de la misma forma.

Humberto Polar

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música 32 Música Nueva

Sonidos emergentes de Lationoamérica. Vinyl, Lapdance y Silvestre.

34 División Minúscula habla sobre Sirenas.

36 Juan Son. La independencia.

38 José González. Una guitarra y ya.

40 Beck. La importancia de llamarse Beck Hansen.

42 The Cure. Una estrategia contra la superstición.

44 Primal Scream. Rockeando hacia el futuro.

46 The Verve. Expiación para combatir la soledad.

48 Jools Holland. El vocero de la diversidad cultural.

50 Mike Patton. La locura hecha voz.

52 Lollapalooza. Todo es posible.

56 Asesinos de la diversidad.

68 En Portada The Flaming Lips. Unos Freaks sin miedo.

84 De Culto Diamanda Galás. La voz de todas las voces.

90 Alter Ego Dan Curtin. Íntegramente.

cine

74 El Sótano. Desde el sótano.

76 Crueles miradas trasatlánticas.

78 Familia Tortuga. Del cine como elemento terapéutico.

86 Cine de Culto. 10 Películas decisivas en la lucha por la diversidad.

arte

80 Gabriel Acevedo Velarde. Anatomía de un desprendido.

82 Jorge Alderete. Los rostros del rock subterráneo.

88 Arte de Culto Raster Noton. Viene el Mútek 2008.

de fondo

60 Donde las raíces van a parar.

62 Cansado de buscar milagros.

64 Cuando la diversidad salió del clóset…

otros

10 Buenas Nuevas Noticias de música, cine y arte.

26 Estilo J&B+Un disco+imaginación=empieza tu fiesta.

30 Gadgets Innovación y estilo.

58 La lógica del perro Raag Yaman.

Reseñas 3x1 94 ¡Viene bien-eh! 95 Música 100 El Otro Lado 101 Dvd Música 102 Cine 104 Libros 105 Comics 106 Educación 108 Gamer Los mejores videojuegos.

110 Agenda Los eventos del mes.

112 El pilón Francisco Moctezuma.

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Willy Heisinger

Yo, el rizoma transplantado, no soy una lengua de uranio. Mi piel es córtex y las montañas en corro mis circunvoluciones. Alguna vez, en medio de una tormenta eléctrica, inhalé de principio a fin un retumbante trueno: ahora avanzo y avanzo como un Godzilla santificado. Esa misma noche soñé que un otorrino-místico encontraba mi epiglotis áurea. Él mismo le dio un golpecillo con el dedo medio y el tañido fue ubicuo y convocante. Era también de noche. Entonces salté de la silla y corrí a la ventana para jugar a reconfigurar las estrellas con mis yemas porque supe que podía hacerlo. Ahora me les secularizo, ya es tiempo: felfema mreosi: la semilla del canto de fuego. Dichoso el que me lea.

Mauricio “Micro” Esparza Oteo de Icaza

DJ, recopilador y especialista en música bizarra mexicana, productor del proyecto Easy Melodías. Poseedor de una de las colecciones de discos más extrañas y exóticas de LPs de México. Publicista de profesión y diseñador de corazón.

Actualmente se desempeña como Director General del despacho de diseño Un Mirador y colabora para diferentes proyectos musicales con compañías de discos. www.myspace.com/misterseando www.unmirador.com

Sergio Heisinger

Psicólogo de profesión, por algún extraño motivo cayó en el ramo editorial. No quisiera estar en los zapatos de un ejecutivo, y es enemigo del esclavismo y la presión laboral, prefiere en todo caso el ritmo andino. Y como es dueño de su tiempo aprovecha para hacer experimentos musicales, leer y caminar por su colonia (se hace llamar “El Amo de la Tabacalera”). La pasa bien, no se puede quejar.

B U E N A S N U E VA S

JOSÉ GONZÁLEZ

PABELLÓN DE ALTA TECNOLOGÍA 21 DE JUNIO TXT:: Adrián Orózco Guzmán.

FOT:: Pedro Velasco.

José González estuvo por tercera vez en México y esta vez Noiselab decidió instalarlo muy al sur en un mini auditorio llamado PAT, que con la iluminación y el espacio hacían del evento algo íntimo. “How Low” fue la primera canción del repertorio de José con el que abriría una brecha de sentimientos a flor de piel. “Hints” le seguiría para erizar la piel y decirnos: “necesito una pista para saber que voy sobre el camino correcto” y vaya que lo iba, su guitarra lo guiaba. “In Our Nature”, canción que le da título al segundo álbum del sueco de padres argentinos, recuerda el sonido primitivo, y no por eso sin sentido, que José ha venido maleando desde el 2003, simple y sin complicacio-

nes. No fue sino hasta los primeros acordes de “Lovestain” que se escucharon los primeros gritos, eso sí, bastante tímidos y temerosos. Para ese momento, la gente se comportaba a la altura de un evento que exige compostura para no estropear el ambiente que en “Down the Line” ya estaba asignado, varios acordes envolventes, cambiantes de ritmo, una ejecución exacta que no pedía rellenos, como pasa en la mayoría de las bandas para tapar la ineficiencia de los miembros ejecutando sus instrumentos. Y qué elegancia la de Suecia cuando Jesper, el ingeniero de audio, tocó la trompeta un par de ocasiones como en “Broken Arrows”. De pronto un ritmo hipnotizante y una vez a la merced del sonido, José cambia de acordes, es “Heartbeats” tomando por sorpresa a todos y al mismo tiempo emocionándolos, un

MOGWAI EN GUADALAJARA

TEATRO ESTUDIO CABARET/ 24 DE JUNIO TXT:: Álvaro Sepúlveda.

FOT:: Mariana Coppel.

El pasado 24 de junio fue sin duda un día esperado por los tapatíos debido a la presentación que realizó esa noche el quinteto escocés Mogwai. El concierto fue organizado por Noiselab como parte de la gira en México, que consistió en dos presentaciones, una en Guadalajara y otra en la capital. En aquella ciudad el evento tuvo como sede el Teatro Estudio Cabaret, que dio cabida a más de mil personas que se reunieron para escuchar pistas como 10 | MARVIN

“Summer” y “Katrien”, parte del disco Young Team (reeditado y nuevamente a la venta a nivel mundial).

Este disco tiene como concepto central la amistad que existe entre los “compas” o “gangs”. El nombre del LP fue decidido buscando relacionar lo que ellos vivían en esos momentos: giras, reuniones y amistad. Ahora, después de 11 años de haber lanzado ese disco, Mogwai se presento en Guadalajara y por más de hora y media, los asistentes no dejaron de aclamar a esta excelente banda de post rock instrumental

cover grandioso por el contraste con la original de la banda The Knife, pieza única llena de sensibilidad.

Momentos después sonaría otro hermoso cover, esta vez “Teardrop” de Massive Attack, haciendo a todos gritar, chiflar y demás. Pero no todo estaba terminado, ya que José regresaría con un encore de cuatro canciones: “Hand on your Heart”,

“Abram”, “Deadweight on Velveteen” y un cover final para deleite de la audiencia que cada vez pedía más, “Love Will Tear Us Apart” de Joy Division, como postre para el glotón folk que llevamos dentro, formulando la pregunta, ¿cómo sería ver a un José González “plugged”? Interesante, aunque está en su naturaleza ser un folketo de corazón.

José González

quienes agradecieron en español a su público una y otra vez. Un excelente concierto lleno de poder, sonidos envolventes acompañados de una atmósfera de júbilo.

En la página lifeboxset.com, que publicó una reseña escrita por Barry Burns (guitarra) sobre la gira por México, leemos: “Ha sido un viaje divertido a México y esperamos que podamos tocar en más lugares la próxima vez. Creo que Martin y Dominic tuvieron problemas de estómago así que no lo disfrutaron tanto como el resto, una pena, pero la próxima estoy seguro que estaremos todos bien.” * *www.lifeboxset.com/?p=821 Extraído el 30 de junio de 2008. Ultimo párrafo.

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FIESTA U LIFE: DIPLO EN CIUDAD DE MÉXICO PASAJE AMÉRICAS/ 27 DE JUNIO

MÚSICA TXT:: Iñigo Villamil.

FOT:: cortesía U Life.

La Ciudad de México vive un auge de visitas de artistas internacionales que hasta hace unos años eran poco habituales. Como parte de esta ola de eventos que han tomado la capital, U Life, creadores del U Fest, hizo posible que el pasado 27 de Junio Diplo volviera a México (nos había visitado por primera vez durante el MxBeat 2007). Este Dj norteamericano posee un amplio conocimiento de la

música electrónica contemporánea, y maneja la disquera Hollertronix.

Diplo ha girado con músicos como Justice y MIA. El warm up estuvo a cargo de Pirate Stereo, dueto bostoniano que se presentó por primera vez en México. El motivo de la celebración fue la inauguración de la primer tienda U Store, ubicada en el circuito Ámsterdam de la colonia Condesa, que promete transformarse en uno de los principales “trend spots” de la ciudad.

Diplo disidente

DISIDENTE PRESENTA “AYER” MÉXICO YA TIENE SU GALLO PLAZA CENTRAL ZAPOPAN/ 5 JULIO GUADALAJARA/ 1 JULIO TXT:: Álvaro Sepúlveda.

FOT:: Mariana Copel.

El primer día de julio fue el escogido por Disidente para presentar en Guadalajara su tercer video, “Ayer”, el cual se desprende del disco Judas.

Esta propuesta audiovisual fue grabada en Savannah, Georgia por el director Carlos Cruz, quien capturó mediante una sola toma el proceso de grabación de un video. El grupo

Disidente comentaba el reto que fue filmarlo, puesto que repitieron 28 veces la toma. La banda comentó que siempre gustan de tener un control del resultado final para lograr la calidad, y este video no es la excepción.

En el futuro, a Disidente le esperan tocadas en México y EUA, así como la reedición de su disco Judas, el cual tendrá extras como algunas rolas inéditas y sus videos en DVD.

Disidente

TXT:: Álvaro Sepúlveda.

FOT:: Cortesía de Red Bull.

Empezando en los primeros días de junio, se lanzó nacionalmente una convocatoria para Mc’s y freestylers, llamada Batalla de los Gallos. La cita en Guadalajara fue el día 5 de julio en la plaza central de Zapopan, reuniendo a más de 70 asistentes que pelearon para ganar su lugar en la

final nacional de Tijuana. Únicamente 16 participantes de todo México pudieron medir su habilidad en un minuto de improvisación por persona al beat del DJ Jonta. Mc Hadrian fue el ganador nacional y el que nos representará internacionalmente en la ciudad de México el día 25 de octubre. Si quieres mas información checa: www.redbullbatalladelosgallos.com

josé gonzáles

MARVIN | 11

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MÚSICA

ROCKAMPEONATO 2008/ CENTRO CULTURAL ESTACIÓN INDIANILLA/ 23 JULIO TXT:: Alan De Aquino.

FOT:: Arturo Lara.

Café Tacvba, Molotov y Six Million Dollar Weirdo serán los jueces del concurso que busca impulsar nuevas bandas en la escena del rock nacional, premiando a la mejor banda de rock independiente, con base exclusivamente en el talento, cualidades e interpretación musical.

El concurso dio inicio el 23 de julio con un concierto en el que Café Tacvba y Molotov tocaron para cerca de 1,200 personas en el Centro Cultural Estación Indianilla. Molotov tocó durante media hora, tiempo en el que interpretaron algunos de sus éxitos. Los Tacvbos tocaron ocho temas de su más reciente material Sino.

La fecha limite para enviar material como grupo, dueto o solista fue el pasado 21 de agosto. Se recibieron cientos de peticiones, lo cual hace del Rockampeonato una competencia muy reñida donde al final será premiada sólo una de las propuestas. El veredicto final se dará a conocer el 15 de noviembre en la Ciudad de México. En esta tercera edición del “Rockcampeonato 2008” también participarán Liquits y Bengala, grupos que se unirán en la gira por nueve ciudades: Guadalajara, Monterrey, Tijuana, Tuxtla Gutiérrez, Chihuahua, Querétaro, Puebla, Hermosillo y Ciudad de México. www.rockampeonatotelcel.com

Café Tacvba

FANCY FREE: PRESENTACIÓN DEL EP NEVERGREENS VOL.2/ IMPERIAL/ 23 DE JULIO TXT:: Manú Charritton.

Luego del éxito obtenido con “Ja, ja, ja,” sencillo del primer volumen, Martin Thulin y compañía presentaron el segundo capítulo de esta historia, llamado Nevergreens Vol. 2. La fecha: 23 de julio. El venue: Imperial Club. Por lo que pude ver, esta segunda parte sigue siendo muy propositiva y me dejo claro por qué Los Fancy Free es una de las mejores bandas activas en México.

Antes del show, tuvimos la oportunidad de conversar con ellos y esto nos dijeron acerca del lanzamiento: 12 | MARVIN

Marvin: ¿Qué diferencias plantean en este segundo EP del año?

Martin Thulin: La gran diferencia es que este trae más canciones en español pero contrastadas con canciones más “pachecas”. Siento que tiene más sencillos que el Volumen 1, en contraposición con el único sencillo que tuvimos para la primera parte.

Dr. Jools: El Volumen 1 era más temático.

Se escuchaba de principio a fin. Y en el segundo escuchas las canciones.

Martin: Pero al final el disco vale madres, porque hacemos una ver-

sión de “Sultans of Swing” de Dire Straits que dura 10 minutos.

Veo que el vestuario para este disco es nuevo, pero parece un remix del anterior. ¿Siguen Los Fancy en la misma dinámica para presentarse?

Martin: Sí, un poco, porque Nevergreens es como un disco doble divorciado. Sacar el volumen 1 fue retomar un espacio de 3 años sin sacar un disco, pero ahora ya llegamos más frescos con el trabajo que hicimos con el primer EP. Abordar el primer EP no era tarea fácil.

Necesitabas varias escuchadas y pres-

tarle atención para entenderlo. ¿Qué recomiendan para escuchar este?

Rarón Autista: El disco 1 es más personal, para comprarlo, ponerte unos audífonos y encapsularte en él.

El segundo puedes sentarte a escucharlo con tus amigos. Tiene más flexibilidad que el primero. Tiene menos intermedios, más canciones, y trae un beat un poco más feliz.

Martin: Creo que trae un beat de up & down. Es más accesible que el primero y a su vez más raro. Lo definiría como un disco esquizofrénico.

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MÚSICA

HUMMERSQUEALº SOBREVIVIENDO A LA INDUSTRIA

TXT:: Tony Romay FOT:: cortesía Hummersquealº México, 1892 es el nombre del segundo LP de esta banda independiente formada hace diez años en el sur de la capital. Bajo la producción de Gerry Rosado (Intolerancia) y mezclado por Matt Bayles en Seattle, Hummersquealº lanza este material de diez temas al más puro estilo noventero: guitarras y bajo con mucha distorsión a la grunge/metal, batería con ritmos headbangeros y gritos al por mayor. Para platicarnos sobre esta producción los visitamos al lugar donde ensayan. ¿Qué está haciendo Hummersquealº en estos momentos?

Norman: Andamos trabajando, dándole promoción al disco que acaba de salir hace algunas semanas.

Chris: Estamos ideando nuevos métodos para promocionar nuestra música, como contrarrestando un poco lo que sucede con la radio y la payola, todas estas cosas. Como no somos una banda que tiene dinero tenemos que ingeniarnos nuevos métodos para publicitar la música, sobretodo en el interior de la república.

¿Cómo funciona la radio en el interior?

Salva: Con payola, amistades truculentas, todo ese tipo de cosas, si quieres sonar allá necesitas mucho dinero. Es una lástima este país.

C: Es raro, la gente luego se queja de Reactor e Ibero, y son las únicas que sí ayudan sin pedir nada a cambio.

En Ibero fuimos de los primeros en estar en Clickaporte, acabamos de hacer otro hace poco. En Reactor nos han dado un buen de sencillos, fuimos de las primeras bandas que apoyaron y conocemos a muchas de las bandas que apoyan. ¿Cómo fue el proceso creativo y de producción para su nuevo disco?

S: Nos juntamos a ensayar y como a jammear, no tanto a improvisar por14 | MARVIN

que cada quien ya tenía idea de algunas canciones, Chris llegaba con un riff, Norman con una figura de bajo, o viceversa, de ahí fueron haciéndose las canciones. Pero de repente no teníamos quién nos grabara, ya estaban casi todas las canciones pero llegas a un momento en que te bloqueas y ya no se te ocurre nada. Llegamos con Gerry (Rosado), que nos lo consiguió Piro, y desde el primer momento en que llegamos se conectó con nosotros, tenía muy buenas ideas y de ahí fuimos para adelante.

¿De qué temas hablan en este disco?

S: Ya no hablamos sólo de amor, nunca nos sentamos a pensar sobre de qué tienen que hablar las rolas, la mayoría de la gente cree que son rolas de amor pero la mayoría de las veces no es así.

C: Hay una rola política y la gente la interpreta como que es una pareja discutiendo. “Sangre de Lobo” la hicimos pensando en la industria musical porque estuvimos un rato coqueteando con una disquera transnacional y no funcionó, querían imponernos la forma de hacer las cosas, las rolas, cómo vestirnos, etc., entonces está dedicada a eso, pero si lees la letra habla de otra cosa.

S: Relata la perdida de inocencia que tuvimos del año pasado a acá. Que es un negocio de rolas y no de discos, si no vendes ya no hiciste nada, tienes que estar guapo y vestirte bonito, traer flequito, etc.

C: Por eso la portada es así, sin tanto colorido, mucho más sobria, solo trae el nombre del disco y del grupo. ¿Qué onda con este arte de los animales atacando hombres?

S: Teníamos esta idea de hace mucho tiempo, un amigo que es diseñador nos enseñó este estilo que está haciendo, que es bastante original. Los dibujos son fotos de nosotros y de animales pintadas por él.

C: También lo de los animales tiene que ver con el nombre del disco, Salvatore encontró que hay 1892 ataques de animales en México. (risas) S: (risas) Eso sí es en serio, suena absurdo pero es verdad. Cifra cerrada y todo. ¿Cuánto les ha costado llegar al lugar donde están ahora? ¿Qué tan difícil es sobrevivir como banda independiente en México?

C: A mí me ha costado parte de mi carrera profesional.

N: A todos nos quita parte de nuestra vida, tienes que dejar de hacer cosas por tocar, no tienes el tiempo necesario. Trabajamos de medio tiempo, freelance. etc.

S: Pero yo pienso que esos malos ratos y frustraciones se compensan con que la gente cante tus canciones cuando estás tocando en vivo, ya sean diez o mil, vale la pena.

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MÚSICA

2DA EDICIÓN VIVE CUERVO & ROLL:

GRABACIÓN DE PRIMER DISCO DE ESTEREOX PRODUCIDO POR MOLOTOV TXT:: Manú Charritton.

Como parte de la premiación de la segunda edición del Vive Cuervo & Roll, la banda ganadora, Estereox, se encuentra finalizando la grabación de su primer disco, producido por Molotov. Pudimos conversar con ellos y esto nos dijeron: ¿Cómo estuvo la experiencia de grabar con Molotov?

Beto (Estereox): Muy buena, ahora sí que hemos aprendido muchísimas cosas. Desde la pre producción, ya que le estuvieron cayendo a los ensayos. Toda la experiencia que tienen, a nosotros nos ha servido muchísimo. ¿Y qué tal? ¿Sí trabajaron los Molotov? ¿Aprobaron el examen?

Jorge (Estereox): Unos más que otros, como en la prepa. Algunos sobresaliente y otros se fueron a extraordinario. (risas) ¿Y tú, Paco, cómo viviste trabajar con los chicos?

Paco (Molotov): De nuestro lado, también aprendemos un buen de cosas. Lo importante de seguir haciendo música y no sólo componiendo y tocando, sino

VUELO ZERO CIELO MEXICANO 16 DE OCTUBRE

TXT:: Vicente Jáuregui.

FOT:: Ana Rodríguez. ¿Te imaginas un concierto de Zoé y Molotov a bordo de un avión a 30,000 pies de altura?

Pues lo que suena como una idea descabellada será una realidad el próximo 16 de octubre, gracias a una iniciativa de Volaris y Coca Cola Zero. Para participar, sólo hace falta des-

ya del lado de la producción.

También ayuda a comprender la propuesta de una banda nueva, que trae mucha más energía.

Es como un diamante en bruto. Muchas cosas suenan muy bien, pero es demasiado. No es volver a la prepa, pero es como regresar al comienzo de nuestra carrera, y acordarnos de que hacíamos peores cosas, tocábamos súper mal. De alguna manera nos vemos reflejados en ellos, e intentamos chambearle y ver si se dejan corregir un poco. ¿Y sí aprobaron los Estereox?

P: Sí, está chido. Tienen buenas rolas y tocan bien. Obviamente en los ensayos siempre hay elementos musicales que no escuchas y a la hora de grabar salen los detalles, pero justamente lo interesante de grabar es depurar y dejar todo bien. Las rolas son buenas, entonces eso ayuda a que se puedan modificar, perfeccionar y que queden chidas.

Según tu opinión, ¿cuál será el primer corte del disco?

P: “Transparente” se me hace muy buena canción. ”Se va” también es tapar una Coca Cola Zero de 600 o 400ml, buscar el código cero e ingresar los códigos en www.coca–colazero.com.mx.

Al registrarte podrás acumular códigos para participar en el concurso. Como primeros lugares hay 20 pases triples con los que podrás iniciar la aventura al despegar del aeropuerto de Toluca, disfrutar en avión del concierto de Zoé y Molotov, para aterrizar después en la Ciudad de Guadalajara, donde más tarde podrás asistir a los premios MTV. Además del concierto, hay va-

buena rola. Hay rolas más para en vivo, que es importante tener, canciones para echar pachangón. ¿Y para los Estereox, cuál rola va a saltar primero?

Emmanuel: A mi me parece que entre “Se va”, “Transparente” y ”La máquina”.

B: Para mí la de “No te metas con mi Cucu”… (risas). No, yo creo que igual entre “Transparente” y “Se va”.

Rodolfo: Yo votaría por “El año del mono” y “Se va”.

Jorge: “Extremo”, “El año del mono” o “Día Gris”. ¿Qué sigue?

J: Viene una gira con Chikita Violenta y Los Dinamite que empieza en León y se va hasta Mexicali. Creo que son unas 10 fechas. Está chido porque nos invitan por todo el asunto de Cuervo y nos cae súper bien antes de sacar el disco. Ya hay gente de otras partes escribiendo al MySpace. También estamos viendo una propuesta de Iguana para editar el disco, y seguir tocando hasta que salga a la venta.

rios premio más como iPod’s, boletos para Oasis, Los Fabulosos Cadillacs, el Zero Fest, un viaje a Houston para ver a Madonna, entre otras cosas.

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40 DÍAS

UNA PELÍCULA DE JUAN CARLOS MARTÍN

TXT:: Vicente Jáuregui.

FOT:: cortesía Artecinema.

La metodología para obtener inspiración artística no debería estar sujeta a esquemas recurrentes, al menos no cuando se busca adjetivar lo genuino como parte de la búsqueda creativa. El origen de la película 40 días proviene de ese cuadrante: un día se le ocurrió a Juan Carlos Martín (Director), responderse a la pregunta sobre los personajes que más admiraba al pensar en EU. Impresionado con la lista que escribió, recordó luego su deseo de hacer un viaje en auto desde el DF hasta Nueva York y de vuelta a Tijuana. Así se delineó la idea de hacer un filme a manera de road movie, donde la narrativa describiera cómo tres personajes, después de sentirse vacíos en el DF, deciden dejarlo todo para aventurarse a huir de sí mismos durante 40 días, en un viaje hacia nuestro país vecino. Guiados por la intuición, lo accidental e impredecible, la improvisación fue el recurso que resolvió el rodaje de una cinta que devela cuarenta días donde fluye la 16 | MARVIN

muerte, el desamor, la fe, el nihilismo, la transfiguración, el nacimiento…

Entre lluvia y frío, nos reunimos en una terraza con Juan Carlos Martín, los actores Luisa Sáenz y Andrés Almeida y el escritor–guionista Pablo Soler Frost.

Aquí lo que comentaron para Marvin. ¿Cómo nació la idea de reflexionar sobre Estados Unidos?

Juan Carlos: Escribí una lista con la gente que más admiro de allá, y me sorprendí de cuanta gente conocía porque había escuchado sus discos, visto sus piezas de arte, o tanta gente que hay en Estados Unidos con la que he estado relacionado.

A partir de eso nació la necesidad de reflexionar qué era EU, y de mi propia sensación de las cosas que me rodean. Yo por mi parte salí sin muchas expectativas, la idea era cumplir una tarea, de asumir la responsabilidad de cumplir una historia, de poner tu corazón, tu panza, entonces el viaje fue sucediendo a su manera, hay muchas cosas que no puedes planear: de repente llueve y

CINE tienes que encontrar la manera de incorporar la lluvia.

Cuando se trabaja bajo un ímpetu azaroso, guiado por la improvisación, al final seguro habrá sorpresas ¿Cuáles fueron las de ustedes?

JC: Para mí, que al final la película sintetiza muchas de las cosas que quería contar, el resultado me gustó mucho y creo que la gente que entre en contacto con ella se va a divertir y va a lograr hacer un viaje que de otra manera es muy difícil hacer. Había sorpresas porque cuando pones una cámara no estás viendo realmente lo que estás filmando, además de que las cosas que habías planeado se van transformado siempre. ¿Cuáles son sus road films favoritos?

Andrés Almeida: A mí por locación, más que por el tipo de experiencia, Diarios de Motocicleta, por los lugares que recorre.

Luisa Sáenz: Thelma and Louise, por la locación, además de por esa situación de los personajes queriendo salirse de donde están.

JC: Yo, Fresas Salvajes por el hecho de ser un viejo, profesor y sueco (risas).

Todos ustedes han hecho otras cosas a parte del cine, ¿Dónde se han sentido más cómodos?

AA: No es tanto cuestión de comodidad, sino de reto personal. Para mí el que confluyan varias disciplinas se basa en el hecho de que soy neurótico (risas). ¿Qué dificultades encontraron en el proceso de filmación?

Pablo Soler: Había que leer el mapa de Estados Unidos que aparece cada día en los periódicos para saber dónde había nubes, dónde sol o nieve.

Era finales de otoño, entonces el país es tan inmenso que el clima cambia de una localidad a otra muchísimo, y además hacíamos muchas millas por día. El director de alguna forma configuraba en su cabeza, qué era posible y qué no.

AA: Creo que para todos el cansancio físico fue un reto. Viajar es cansado, te agota, muchas veces dormíamos poco, sin comer bien. Pero al final todos salimos bien librados de la película.

JC: También el reto diario de lograr una secuencia, cumplir con un plan de trabajo. Y como director el reto es hacer la amalgama, encontrar fuerzas en ti para levantarte al día siguiente. Cuando desfallecían mis fuerzas, siempre había alguien más que impulsara las cosas hacia delante. Era una dificultad pero al final era muy conmovedor ver como todo un grupo de gente avanzábamos todos los días.

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XI FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE

EXPRESIÓN EN CORTO del 18–27 DE JULIO otro lado, Mexicannes fue un intento un tanto fallido de enlazar La Résidence de la Cinéfondation del famoso Festival de Cannes con este evento. Hasta aquí, bien.

Pero algo que no se puede dejar pasar, y que fue el rumor constante en los pasillos del festival, es la desorganización en algunos equipos (para no generalizar) y el rampante clasismo, principalmente hacia prensa, realizadores mexicanos y voluntarios. Es cierto que no todo mundo puede entrar a todos los eventos, eso sería absurdo.

También es cierto que todos los festivales tienen algo de eso, pero nunca tan marcado. Creo que estamos hablando

TXT:: Fernado del Razo.

FOT:: Cortesía Expresión en corto.

Con una ceremonia accidentada pero simpática, concluyó Expresión en Corto, un evento fuertemente apoyado por el estado de Guanajuato, cuyas sedes, San Miguel de Allende y Guanajuato (capital), son excelentes escenarios coloniales, considerados incluso Patrimonio Cultural de la Humanidad. Hasta ahí vamos bien.

Este año contó con invitados muy importantes, como el cineasta afroamericano Spike Lee, quien dio una memorable Master Class y mereció una interesante retrospectiva. Fue invitado también su compatriota Spike Jonze, quien en realidad sólo vino a promocionar su revista Vice y un documental sorprendentemente corto de alcances (producido por su canal VBS) que se llama Heavy Metal In Baghdad. Deepa Mehta y Shyam 18 | MARVIN

Benegal, cineastas reconocidos de la India (aunque la primera es considerada más canadiense) hicieron lo mismo (Master Class), con relativo éxito. Hasta ahí vamos bien.

Tuvo su acostumbrada programación de varias secciones de cortos (pues de eso se trata este festival), cuyos ganadores, en general, fueron bien recibidos. En la Selección Oficial Ficción Cine, la más importante, el premio fue para Como todo el mundo, corto franco-colombiano que ya había ganado en Clermont Ferrand y otros festivales. Entre los nacionales ganaron: Beyond The Mexique Bay de Jean-Marc Rousseau como Mejor Cortometraje Mexicano, Intimidades de Shakespeare y Victor Hugo de Yulene Olaizola (después de ganar FICCO, BAFICI y Transilvania) como Mejor Documental Mexicano y Victorio de Alex Noppel en la Selección Oficial Opera Prima. Por

CINE de otra cosa, de algo sistémico (y tal vez hasta inconsciente, lo cual no estoy seguro que sea disculpa) que hace sospechar que en esa región (o en ciertos organizadores, a escoger) el sistema de castas continúa arraigado.

En lugar de crecer sin la adecuada planeación, habría que tratar de mejorar lo existente, que no es poco, y también transparentarlo. ¿O acaso alguien sabe de dónde salió ese Premio de la Prensa para Conozca la cabeza de Juan Pérez? Qué bueno que exista, nada más que nos avisen. ¿O alguien sabe cómo va a ser repartido el dinero de los premios? Ni FICCO, ni Guadalajara, ni Morelia, dejan de explicitarlo desde la convocatoria misma.

Aunque la serie de irregularidades bien darían para un reportaje, creo que esto es suficiente para abrir la discusión, si se quiere.

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UN MINUTO PARA LOS DERECHOS HUMANOS CONCURSO CINEMINUTOS/ 23 DE JULIO 2008 TXT:: Vicente Jáuregui.

FOT:: cortesía de Canana Films.

En el marco del 60° aniversario de la Declaración Universal de los Derechos Humanos se lanzó una iniciativa que impulsa la promoción y difusión de los derechos humanos a través del cine. En ella podrán participar todas las personas interesadas, de todas las edades y de cualquier nacionalidad. Lo que tienes que hacer

es realizar un video con duración de un minuto, tomando como base uno de los 30 artículos de la Declaración Universal de Derechos Humanos y/o los principios o valores que la inspiran: Paz, Dignidad, Igualdad y No discriminación, Justicia y Libertades. La fecha límite para entregar tu trabajo es el 25 de septimbre. Para más información, consulta: www.unminutoparalosderechoshumanos.com

CINE

Tarantino y Spielberg TXT:: Juan Patricio Riveroll.

A pocos días de conocerse que Brad Pitt es uno de los nombres que se barajan para protagonizar Inglorious Bastards, el postergado film sobre la Segunda Guerra Mundial de Quentin Tarantino, el proyecto se torna aún más atractivo con el posible fichaje de Leonardo DiCaprio en otro de los roles centrales. Tarantino y los hermanos Weinstein están decididos a que esta vez sí se ponga en marcha este film, que promete devolver al director a su mejor forma. Tanto el cineasta como los productores se reunirán en esta semana con cinco estudios, para buscar el financiamiento necesario para cerrar un proyecto que planean comenzar a rodar en otoño en localizaciones de Alemania y Francia.

Tarantino se encontró recientemente con Pitt, quien ya habría dado su visto bueno para interpretar a Aldo Raine, personaje vital en esta historia sobre un grupo de soldados que son enviados a una misión suicida. Para añadir más interés de cara a su encuentro con los estudios, el director ha planeado una reunión con DiCaprio para ofrecerle el rol de Hans Landa. Con dos estrellas de ese calibre, el financiamiento parece mucho más sencillo;

Spielberg

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y ello se refuerza con un guión que le acerca a Tarantino a sus raíces, que ha provocado un mayor entusiasmo dentro de la industria tras el revés que significó Grindhouse.

Con el ”oscarizado” guión de Juno, Diablo Cody se ha ganado a la industria de Hollywood. Uno de los admiradores de su trabajo es Steven Spielberg, quien en primera instancia la convocó para escribir una serie de televisión, y ahora vuelve a contar con la joven guionista para convertir en película, una de sus ideas originales. Spielberg ha encargado a Cody escribir una comedia para DreamWorks Pictures, aún sin título, director ni elenco, que tiene como base una idea del cineasta.

La historia se mantiene en absoluta reserva, pero permite prolongar la relación que se inició entre Cody y Spielberg con The United States of Tara, una serie producida por el Rey Midas de Hollywood, también creador, que narra la historia de una mujer con personalidad múltiple que cría una familia disfuncional. El guión del piloto perteneció a Cody, quien tras Juno escribió Jennifer’s Body, la historia de una cheerleader con instinto asesino, una cinta que se lanzará comercialmente el próximo año.

Tarantino

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ARTE

CLÁSICOS DE HOLLYWOOD EN FOTOGRAFÍA AUDITORIO NACIONAL TXT:: Vicente Jáuregui.

FOT:: Cortesía TCM A partir del 25 de agosto, la cadena de televisión TCM Classic Hollywood montará una ambiciosa exposición en los pasillos del Auditorio Nacional. Ahí podrás contemplar alrededor de 50 fotografías de gran formato de clásicos del cine de Hollywood, e incluso algunas fotos inéditas del “detrás de las cámaras” de cintas como Bonnie and Clyde, King Kong o Casablanca.

La muestra estará abierta durante tres meses de manera gratuita, y es una buena manera de recordar o conocer a los iconos del cine clásico hollywoodense. Para comentar los detalles sobre la expo, platicamos con Marcelo Tamburri, director de TCM, y con Jorge S. Gutiérrez, director de promoción y difusión del Auditorio. ¿Qué podemos esperar de su exposición?

Marcelo Tamburri: El Auditorio nos dio una oportunidad increíble de acercar pictogramas clásicos, de artistas, “detrás de las cámaras”. En ese sentido es una muestra muy icónica y significativa, pues acerca una expre-

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sión de arte como es el cine con otra como la fotografía, las fotografías que se exponen son arte en sí mismas, uno tiene que tener en cuenta que no existía el Photoshop (risas), el artista realmente obtenía un resultado increíble a través de una preparación, de un conocimiento del manejo de la luz. La muestra va a permitir al público en general entrar en el Hollywood clásico mediante fotografías increíbles, con un enfoque contemporáneo, con una concepción gráfica que pretende vencer el prejuicio de que si es mejor blanco y negro que a color, la cuestión es poder introducirte a un mundo maravilloso.

Con la amplitud temática de lo clásico en el cine ¿cómo decidieron qué fotos publicar?

MT: El canal tiene acuerdos con los más grandes estudios, con lo cual las posibilidades son muy amplias, además de que tenemos la librería original de MGM con más de 3,000 películas. Muchas de las fotografías que se van a exhibir son inéditas, y la verdad que la selección es bastante compleja, cuando uno tiene mucho

para elegir es tan difícil como tener poco (risas). En realidad lo que se buscó es que sea representativa de la época clásica, que muestre artistas, actores que tienen su legado fotográfico por su belleza, su personalidad. O los grandes musicales, las coreografías fastuosas que había. La temática va a ser amplia, se han buscado backstages, stages. ¿Cómo se siente el Auditorio con esta exposición?

Jorge Gutiérrez: Nosotros podríamos quedarnos sólo con los conciertos, es su principal vocación. Pero desde que llegamos dijimos que el Auditorio debía pasar de una sala de espectáculos a un centro cultural. Estamos muy cerca de eso a través de becas, concursos, premios, exposiciones.

Una de las cosas que ayudan mucho es la creación en el 2001 de la galería de fotografía del espectáculo. La relación entre foto y espectáculo de de maridaje imprescindible. En esa línea nos encontramos con TCM que sigue nuestra línea de fotografías de calidad, con instantes memorables para la gente, y con este acervo se puede sorprender al público mostrando ángulos que no han visto de esa parte que sí conocen. El público se educo con estas películas: desde abuelos, padres, hijos, nietos. Aquí tenemos una pluralidad de eventos, un día estamos llenos de adolescentes y otro con público de más de 70, y esta exposición puede reunir a todo tipo de público. A quién conozca lo que vea, le va a encantar, al que no lo introducirá a un mundo distinto.

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ARTE

MOVIMIENTO CREATIVO MICHELIN PRESENTACIÓN DEL LIBRO ANIMALIA BELLAS ARTES/ 23 DE JULIO COVADONGA/ 26 DE JUNIO TXT:: Manú Charritton.

Para la tercera edición del concurso artístico de la marca de neumáticos y enfocado en la relación del ser humano y el medio ambiente, se celebró el pasado 26 de junio la ceremonia de premiación de Movimiento Creativo Michelin, luego de seleccionar a los 20 finalistas, entre más de 1500 concursantes. El evento tuvo cita en Covadonga, en la colonia Roma de la

Ciudad de México y para coronar los festejos hicieron su presentación The Crystal Method y Another Twoo. Areli García González, de la Ciudad de México se hizo acreedora al premio mayor con la creación de Chaleco Bibendum.

Michelin decide así continuar con su apoyo a generar espacios dedicados a la creatividad. Más información en http://www.movimientocreativomichelin. com.mx

PREMIACION DEL CONCURSO ARTE INN MAGICA–MENTE SCOTCH MUMEDI/ 24 DE JULIO TXT:: Alan De Aquino.

FOT:: cortesía Mágica–mente Scotch.

El 24 de julio llegó a su fin el concurso Arte Inn de 3M México, el cual por segundo año premia la innovación en la expresión artística de los jóvenes.

Cerca de 200 obras participaron en esta edición, en la que estudiantes, artistas y diseñadores, se hicieron presentes con sus obras. El concurso consistió en hacer esculturas utilizando Cinta Mágica Scotch como material principal, para fotografiarlas en diferentes puntos de la ciudad, con el objetivo de hacer que parecieran parte de la cotidianeidad urbana.

Cada concursante podía enviar hasta tres fotografías.

Interesado en acercarse a sus consumidores para promover el

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arte entre la juventud, M3 creó este concurso en el que los ganadores del primer lugar fueron: Maria del Consuelo Salgado y Dulce Maria Sánchez por la obra Lo tangible de la imaginación, con la que ganaron una computadora MacBook Air. También hubo otros cinco lugares premiados.

Además, hubo un premio otorgado por los visitantes de la exposición, el cual se otorgó por los empleados de 3M a las propuestas más creativas. Algunas de las obras se comercializarán para recaudar fondos a beneficio de Casa de la Amistad con el fin de apoyar niños con cáncer y a sus familias.

Una selección de 47 obras será exhibida hasta el 15 de septiembre en el MUMEDI, ubicado en Francisco I. Madero #74 col. Centro Histórico.

TXT:: Alan De Aquino.

FOT:: cortesía Rafael Toriz.

Rafael Toriz, quien es un constante colaborador de Marvin, es además uno de los ensayistas más premiados actualmente. El pasado mes de julio presentó en la sala Adamo Boari del Palacio de Bellas Artes Animalia, un libro que recupera la antigua tradición de escribir bestiarios. La ceremonia contó con la participación de Daniela Bojórquez, Brenda Ríos, Bernardo Ruiz y el autor. En ella se habló sobre la característica y categoría de cada uno de los seres que dan nombre, voz e historia a las cosas mudas del mundo. En Animalia se explica su origen y procedencia, así como el simbolismo que llevan por dentro las nombradas bestias de este reino imaginario.

Animalia es un bestiario que se mueve por terrenos que devienen en logrando atravesar edades, con un lenguaje contemporáneo, el cual no oculta los más temibles seres que habitan en las paginas del libro, que con sortilegios semióticos, destreza y agudeza, desentrañan las

más antiguas tradiciones literarias que se desenvuelven en estos 33 textos, que en la penumbra del papel escrito proyectan las apariencias de un mundo real. Aquí se confabula un universo de texturas imaginarias que se mueve sobre las aguas arquetípicas en monólogos introspectivos cargados de una poesía, que devela la ironía y el misticismo cultural.

Animalia está escrito con una agudo sentido del humor, y cada ser que habita en este catálogo de poderosa imaginación, adquiere una descripción sui generis en la que conviven conceptos literarios, seres mitológicos, suposiciones filosóficas y demás seres fantásticos entre los que se encuentran el alebrije, la iguana, la metáfora, el cronotopo, el cratilo, entre otros. El libro cuenta con impresionantes ilustraciones de Edgar Cano, mismas que entran en juego con la zoología de los textos.

Animalia Rafael Toriz.

Universidad de Guanajuato.

SNICKER’S UNRBANIA®/ ZÓCALO CAPITALINO/ 23 DE AGOSTO

TXT:: Vicente Jáuregui.

FOT:: Cortesía Snickers Urbania®.

El pasado 23 de agosto se celebró en el Zócalo la edición 3.0 de Snickers Urbania®, un evento de arte, entretenimiento urbano y deportivo de carácter diverso e innovador. En la explanada pudimos contemplar competencias de skate, BMX, soccer, BBuy y arte urbano.

La parte musical corrió a cargo de grupos como La Maldita Vecindad, Los Bunkers, No Somos Machos Pero Somos Muchos, además de varios DJ´s que mantuvieron la fiesta a lo largo del día. Pocas veces se reúnen una cantidad tan grande de talentos y expresiones artísticas en un solo sitio, esperamos que haya una cuarta edición del festival para el próximo año.

NSM PSM

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J&Bsco

+ Un dgi inación + ima ieCE LA fiesta. p QUe em

El espíritu del Whisky J&B siempre ha tenido una estrecha relación con las fiestas más inesperadas.

Así que con tu propia mezcla, comenzará la fiesta que se comparte con los amigos. Es fácil, sólo se trata de pasarla bien disfrutando con Whisky J&B. Aquí unas sugerencias.

J&B NEO SOUR

J&B ICE AGE

J&B FRESH MANHATTAN

JUGO DE LIMÓn + GRANADINA + J&B

MARASCHINO + JUGO DE LIMÓN + J&B

3 cl J&B Sprite Jugo de Mango

6 cl J&B 3 cl jugo de limón 3 cl de jarabe de azúcar 3 gotas de granadina

6 cl J&B 2 cl Maraschino 2 cl jugo de limón 25 gr azúcar

Poner suficiente hielo en tu vaso J&B, agrega 3 cl de J&B y añade Sprite hasta cubrir los hielos.

Finalmente coloca tu caballito J&B con jugo de mango sobre los hielos.

Poner suficiente hielo frappé en un shaker y añadir los ingredientes.

Agitar, servir todo el contenido en un vaso, decorar con hierbas y piel de naranja.

Mezclar los ingredientes en un shaker.

Servir en un vaso con hielo frappé y decorar con rodajas de limón.

Poner suficiente hielo frappé en un shaker, añadir los ingredientes y mezclar.

Servir todo el contenido en un vaso, decorar con frutas cítricas y una tira de coco.

The Beatles Yellow Submarine

Kanye West Graduation

Daft Punk Alive

MGMT Oracular Spectacular

Un trago tan divertido, merece disfrutarse con un gran disco de los genios de Liverpool.

El viernes sabe mejor con este sofisticado J&B Neo Sour al sonido de Kanye West.

Ya en el antro, un Ice Age J&B es indispensable. Su sabor combina con el incendiario clásico electrónico de Daft Punk.

Qué mejor manera de disfrutar un Manhattan que con el álbum MGMT, lo más fresco que ha salido de New York últimamente (aunque vengan del vecino Brooklyn).

JUGO DE MANGO + SPRITE + J&B

VERMOUTH FRANCÉS + FRAMBUESA + J&B 10 cl J&B 5 cl Vermouth Francés 25 cl de jarabe de frambuesa

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poder oriental para el mundo Imagina una fragancia cuyo aroma y frasco estén inspirados en la cultura oriental: tendrías como resultado la creación de Olivier Polge llamada KENZO POWER, un perfume para hombre, que alude al sentido interno de la palabra poder, y que asociado a la imagen de una flor nos remite a su poder aromático.

La idea es de origen oriental, como también lo es el sofisticado diseño de su frasco, inspirado en una botella de sake. Partícipe de una amplia familia de esencias, tiene toques de madera y ámbar. La identidad del perfume es la expresión de una flor masculina que no representa una sola de ellas, sino a varias: no es una rosa, ni un jazmín, ni una freesia, sino una sensación, de ahí que se trate de una floralidad abstracta que hará sentir confortable al hombre con sus notas amaderadas, ambarinas, envolventes y masculinas.

A continuación, una entrevista con el japonés Kenya Hara, el diseñador del frasco KENZO POWER. ¿Qué significa la marca Kenzo para ti?

Kenzo es una marca muy especial, con una sensibilidad oriental que funciona a nivel mundial. ¿En tu opinión, qué añade este proyecto a la marca Kenzo?

Creo que la marca gana en profundidad y grosor al añadir elementos un poco distintos a los europeos. KENZO POWER ofrece un alegre contraste al FLOWERBYKENZO. El frasco está inspirado en una botella de sake de tu creación ¿Cómo lo adaptaste para la fragancia?

Me encantó tanto la idea que decidí usar el mismo diseño de la botella de sake para un perfume. Desde luego cada una luce diferente por las etiquetas y los logos, pero ambas tienen el mismo impacto y presencia. ¿Qué te inspiró para el diseño de la flor?

Pensé en el significado universal de las flores. El ser humano no puede hacer nada sin ellas, ese es su poder. La flor que dibujé para Kenzo no es realmente una flor, es la imagen universal de las flores en la mente colectiva del hombre.

29 Nike presenta su nueva colección: Sportswear El pasado viernes 8 de agosto, en sincronización con la inauguración de las Olimpíadas de Beijing, Nike presentó oficialmente su nueva línea de ropa y calzado de calle, inspirada en algunos de los diseños más emblemáticos de la marca.

Sportswear toma ocho de los productos más icónicos de Nike (Air Max, Air Force y Dunk entre ellos) y los moderniza incorporando las últimas innovaciones tecnológicas en ropa y calzado deportivo. El evento inaugural, realizado en el gimnasio olímpico Juan de la Barrera, de la Ciudad de México, nos entregó una exposición de trabajos artísticos sobre la marca, así como la presentación estelar de Mix Master Mike, DJ de los Beastie Boys. Para más información, visita www.nikebiz.com.

Ahora los aviones tienen tu nombre “Ponle nombre a tu avión” es una divertida promoción que la aerolínea Volaris creó para premiar a sus clientes. Sólo tienes que comprar un boleto de viaje, entrar a la página web y seguir las instrucciones para participar en este original concurso.

Si ganas, no sólo gozarás de tener un avión con tu nombre, tendrás todo un año de vuelos con Volaris. Y tú, ¿ya te subiste al avión Marvin?

Energía líquida Vitamin Water es una sofisticada bebida energizante que contiene electrolitos y vitaminas como la C, B3, B5, B12 y E. Estas vitaminas dependen del sabor que elijas. Entre sus deliciosos sabores destacan el de limonada, naranja, ponche de frutas, lima limón, té verde y té de limón, por mencionar algunos.

Todos los sabores de Vitamin Water son hechos a partir de productos naturales, y cada uno está hecho para satisfacer distintos tipos de necesidades energéticas. Como dato curioso podemos señalar que algunas de las mezclas fueron creadas por artistas o deportistas famosos como el Shaq (Power–C), Kelly Clarkson (Focus), 50 Cent’s (Formula 50) y Carrie Underwood (Energy).

30 Portafolio solar para laptop

Este portafolio resulta bastante útil sobre todo cuando no es posible llevar el cargador consigo, ya que cuenta con una celda solar que es capaz de recargar la batería de su laptop, en tan solo unos minutos, además esta hecho de material reciclado por lo que no daña el ambiente. Y puedes conseguirlo a partir de 599 dólares.

Motorola W230

Lo primero que llama la atención del Motorola W230 es el equilibrio que hay entre los elementos de su esbelto diseño. Cuenta con un teclado muy sencillo de usar, lo que facilita hacer uso de todas sus funciones, en especial sus varias funciones musicales como son el reproductor de MP3 compatible con Windows Media Player™ y su radio FM. También destaca la innovadora tecnología Crystal Talk™ que mejora la calidad de sonido de voz y el audio, reduciendo cualquier ruido molesto procedente del exterior.

Gibson Les Paul Studio Ltd.

Esta lira ha creado furor debido a su revolucionaria tecnología: unos cuantos segundo bastan para que el mecanismo robótico afine la guitarra en el tono deseado. Un led que se torna color verde te indica que la afinación está lista.

El cambio de cuerdas también resulta muy sencillo con esta guitarra. Sólo tienes que sacar la clavija, colocar la cuerda, volver a meter la clavija y el mecanismo la afinará en la nota que tú le indiques. Por si fuera poco, también podrás intonar todo el diapasón siguiendo pasos muy sencillos. Ahora ya no hay excusas para tocar desafinado.

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Sonidos emergentes de Latinoamérica

Vinyl Lap Dance y Silvestre

TXT:: Redacción Marvin.

FOT:: cortesía Productora Los Olvidados.

La historia del rock ha estado fuertemente ligada al consumo de bebidas alcohólicas. Pero, de entre todas ellas, es el Whiskey Jack Daniel’s la que más influencia y relación ha tenido sobre el género. Quién no recuerda a Jim Morrison declarando que este Whiskey elaborado en Tennessee le resultaba ideal para despertar las algodonadas musas del blues. O esa imagen de Slash empuñando una botella del bourbon en cientos de afiches que decoraron y seguramente seguirán en las paredes de incontables recamaras adolescentes.

Depositarios de un fuerte vinculo, Jack Daniel’s fue anfitrión de 200 afortunados invitados de Venezuela, Colombia, Chile, México, Puerto Rico y otros países de Latinoamérica en Lynchburg, Tennessee, reunidos para vivir una experiencia única y exclusiva, muy ad hoc al peculiar estilo del inigualable sabor de Jack Daniel’s. La conjugación no pudo ser mejor: música, historia, tradiciones y por supuesto el legendario Whiskey Jack Daniel’s dieron identidad al Studio No. 7.

De entrada, el viaje representó un encuentro con el único lugar del mundo donde se fabrica el Jack Daniel’s, el pequeño poblado de Lynchburg, un sitio que te remonta a la sensación de vivir dentro de una película del viejo oeste, y que a pesar de no tener ni 500 habitantes, ha sido testigo en la elaboración de esta bebida legendaria. El presente año, el Studio No. 7 vive su tercera edición, y tres bandas que están comenzando sus carreras tuvieron la oportunidad de servir de teloneros a Beto Cuevas durante los dos días que hubo conciertos.

Por una parte estuvo Vinyl, banda representante de México, Lapdance de Puerto Rico y Silvestre de Chile, todos interpretando sus rolas ante una audiencia tan diversa como emocionada. En años anteriores, el Studio No. 7 ha presentado bandas de la talla de Molotov, Los Babasónicos y Los Amigos Invisibles. Para este año, la imagen de Studio No. 7 fue Beto Cuevas, quien estará lanzando su primer disco como solista en septiembre. Lo interesante es que Studio No. 7 se está perfilando como un espacio importante para promocionar en EU el rock hecho en Latinoamérica, y todo ello con muy buenos resultados. A continuación, te presentamos a los tres grupos que se presentaron en el Studio No. 7 como abridores de Beto Cuevas.

Vinyl

ROCK POP MELÓDICO MEXICANO El primer grupo en tomar el escenario fue la banda mexicana Vinyl, una propuesta que se formó en el 2004, año desde el que han venido tocando en los foros más importantes de México, para finalmente competir contra muchas bandas para poder estar esa noche en el escenario de Sutio No. 7.

Su sonido indie se perfiló como uno de los favoritos de la noche al interpretar un repertorio de su disco homónimo (2007), así como algunos temas de Los Beatles, quienes han sido una gran influencia en el sonido retro de estos chavos mexicanos. Los cuatro integrantes de Vinyl lucían visiblemente emocionados de estar interpretando su música: “La oportunidad que Jack Daniel´s nos ofrece al estar presentes en Studio No. 7 es increíble. Pudimos llegar a los Estados Unidos para tocar nuestra música y compartir escenario con uno de los grandes maestros de la música Rock como Beto Cuevas…. La neta es una mega experiencia” afirmó Eugenio Riveroll, integrante de Vinyl.

Visita: www.myspace.com/vinylweb

Lapdance

DESDE EL UNDERGROUND PORTORRIQUEÑO Otra de las bandas que calificaron para estar presentes en el Studio No. 7, fueron los boricuas de Lapdance. Formados en el 2006, su música ya es todo una promesa dentro de lo que ha emergido de la escena undeground de San Juan Puerto Rico. Caracterizados por ofrecer shows sumamente energéticos, este quinteto puertorriqueño cuenta con una larga trayectoria de presentaciones en Universidades y foros alternativos.

Con un demo de tan sólo tres canciones, Lapdance ha logrado atención internacional con sus ritmos funkys altamente bailables, letras divertidas cargadas de un peculiar sentido del humor y programaciones electrónicas que incitan a la fiesta. Las influencias que corren por sus venas son tan diversas como los géneros que mezclan: van igual de los Beatles a Kraftwerk que de Televison a Zoé, pasando por el movimiento britpop y La Lupe.

Entre las rolas que incendiaron la tarima del Studio No. 7 en Tennessee pudimos escuchar la prendida rola “Mala Postura en N.Y.”, el rock electro a la New Order con “Ella le gusta besar plástico” y “Mujeres y Bufandas”, un corte dirigido por el cachondeo crunchy de la lira eléctrica. Visita: www.myspace.com/lapdancemusic

Silvestre

FUSIÓN DE RITMOS SUDAMERICANOS Corría el 2005 cuando Silvestre editó su disco debut homónimo, una colección de canciones que sus propios integrantes definen como: “un intenso cóctel sónico difícil de encasillar”. Y es que en su propuesta musical no es difícil que se puedan mezclar bases country con rock seco, rockabily, cumbias o boleros, de manera que los pudores y los prejuicios reciben la espalda. De ahí que el nombre del proyecto pueda leerse como una referencia a lo que crece libre y rebelde en medio del campo.

Con un sonido influenciado por clásicos como The Beatles, Rolling Stones, The Shadow’s o Elvis Presley, por la cumbia de Celso Piña, el rock duro de Faith No More, la cueca de Mario Catalán, o el surfrock de Dick Dale, Silvestre graba su segundo disco titulado Me Están Buscando Todo. Un compendio que en lo lírico tiene letras existenciales, de amor desgarrado y felicidad fraternal.

Quizá la diversidad de estilos que aborda Silvetre es un reflejo del hecho de que cada uno tiene su estilo e ideas propias, factor que contribuye decisivamente al desarrollo de una banda versátil y ecléctica. Hay que prestar atención a la divertida polka instrumental en “La Polka de la Sasha”, el rock melódico de “Me Están Buscando”, la polka instrumental en “La Polka de la Sasha” o la cumbia que huele a cueca en la canción “Chirimoya Triste”.

También hay tintes de música popular chilena en “Todo va a Cambiar”, y el ambiente country de “No te Quiero ver Más”, primer single de este disco.

Visita: www.myspace.com/sonidosilvestre M

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TXT:: Humberto Polar. FOT:: cortesía Universal Music.

Unos días antes del lanzamiento de Sirenas, División Minúscula visitó las oficinas de Marvin para charlar sobre varios tópicos de su más reciente producción. A continuación lo que la banda comentó en exclusiva para Marvin. ¿Cuál es creativamente la motivación sobre la que trabajaron en este álbum frente a lo anterior?

Javier Blake (voz): Creo que la motivación principal fue la misma que hemos tenido desde el primer día en que agarramos una guitarra, que es simplemente ser nosotros mismos y expresar lo que queremos hacer de la manera en la que lo queremos hacer, no ser pretenciosos ni nada, simplemente sentirnos a gusto con lo que hacemos y realmente hacer un disco muy completo que nos llenara, para que posteriormente la gente que gusta de la música de División lo disfrute de igual manera. La motivación es partir de la honestidad a la hora de grabar, componer y estar presentando el álbum.

Respecto a sus trabajos anteriores, ¿sienten que están parados en otro lugar?

J: Sí, yo creo que si en algo hemos evolucionado es en que somos mejores compositores de lo que éramos ayer, a lo mejor no tenemos una mayor habilidad técnica sobre nuestro instrumento, pero hemos aprendido que tu habilidad simplemente debe satisfacer lo que la canción requiere. No es el grupo del bajista, ni del vocalista, ni del baterista, ni del guitarrista, es un grupo que hace canciones y todo gira alrededor de lo que esta necesita. Creo que ahorita estamos parados en un punto en el que empiezan a aflorar muchas influencias, de cuando estábamos chicos y escuchábamos los primeros grupos que nos enseñaban nuestro papás, o los primeros videos que veíamos y nos impactaban de cierta manera. ¿Como quién?

J: Compositores que admiramos como Tom Petty, Bruce Springsteen, bandas que siempre han estado ahí pero no habíamos tratado como una influencia como The Clash, toda esta avanzada de bandas que en un momento fueron como punk. Los Beatles siempre han sido una influencia muy grande en nosotros. Siendo de Matamoros tenemos muy cerca la frontera, así que siempre hubo una influencia muy grande de country rock. En el disco hay mucho de ese feeling, como de rock clásico basado un poco más en las raíces.

Quico (baterista): Yo creo que si hubo una evolución, un cambio, fue el regresar a cosas más simples en cuanto a la composición, yo creo que ahora sabemos mucho más rápido lo que queremos. Como dice Javier, regresamos a cosas que oíamos de chicos, pero ahora podemos expresarlas con un instrumento, cosas como Steve Miller, que ahora entendemos que son las mismas tres notas que se tocan en punk pero de otra manera. Hay que dejar pasar mucho tiempo para llegar a lo simple. ¿Cómo fue trabajar con Robert Carranza, el productor del álbum?

J: Nosotros queríamos alejarnos de todo lo cotidiano. A la hora de decidir hacerlo en Los Angeles fuimos a ver algunas opciones, con quién se podía trabajar. Ya nos habían recomendado a Robert, quien es una persona muy abierta que encajó a los 10 minutos de hablar con él. Además, fue la única persona que habló de hacer arte. Él fue quien dijo: “yo soy un ingeniero, voy a tomar una foto musical de lo que esta pasando, les voy a decir cuando oiga que algo está mal y voy a dar mi opinión”. Él es como un enciclopedia musical, ha trabajado en discos de gente que admiramos bastante como The Mars Volta, Los Lobos, Supergrass, Beck, Molotov... Entonces tiene una gama de sonidos bien grande.

Estuvimos un mes y diez días trabajando con él, y realmente cada día era bien chido porque, aparte de estar grabando y viviendo en Los Angeles, nos platicaba de experiencias en el estudio con gente que admiramos mucho.

Luke (Bajista): Lo más importante es el sonido que queríamos para este disco, que no sonara igual a todo. Todas las producciones suenan tan perfectas que ya no sabes la diferencia entre algo pop y rock. Yo creo que con él pudimos conseguir un sonido más crudo y orgánico. ¿Grabaron los cuatro en vivo?

J: Grabamos las bases en vivo.

L: Algunos bajos y guitarras todos juntos. Yo creo que eso nos ayudó a encontrar ese sonido como más viejón, más crudo.

Q: Cuando se graba un disco generalmente se hacen muchas cosas en post-

35 letras es muy raro, porque yo no me puedo sentar a escribir una canción. Yo tengo libretitas, una en el carro o en el cuarto, en la maleta, anoto todas las frases que se me van ocurriendo, asteriscos, sólo frases. Cuando empiezo con las canciones me doy cuenta que la cabeza es como un rompecabezas.

Hay gente que lo puede ordenar todo, yo simplemente es como si lo escribiera todo al mismo tiempo. Entonces, cuando oyes el resultado, hay una relación muy directa entre los distintos sentimientos de cada canción. En el primer disco las canciones están muy ligadas entre sí, aunque no es un disco conceptual. Simplemente es un año o dos que estuviste viviendo, teniendo experiencias, escribiendo cosas y de repente te llega todo, lo acomodas en el mismo periodo de tiempo.

El 18 de agosto no te pierdas el nuevo disco Sirenas producción y se arregla mucho en el estudio, entonces la idea fue de no hacer eso para tratar de plasmarlo lo más puro posible. En algún momento pensamos grabarlo en cinta, análogo, pero a la mera hora no lo hicimos porque iba a ser más trabajoso y caro. Como decía Luke, sentimos que con toda la producción, un disco de Avril o de Hillary Duff suena igual que un disco de rock moderno. ¿Cuánto tiempo pasaron en Los Angeles, cómo fue vivir allí una temporada?

J: Donde nos hospedamos es donde todo mundo se hospeda siempre, un lugar llamado Oak Wood Apartments. Ahí estuvieron desde Nirvana hasta el que sea.

Desde ahí empiezas a sentir que realmente estás en un viaje Realmente, si salimos a fiestas fueron 2 o 3, el hecho era grabar el disco y la diversión era levantarte temprano e ir al estudio, tener ideas y hacerlas, todo lo que tuvimos la oportunidad de experimentar con Robert. Él nos permitió ver ese lado de romantizar las cosas, de no hacerlo todo tan mecánico, dejar que fluya, así es la banda, así va a sonar. Aparte nosotros vivimos en Monterrey, que tiene un clima de calor extremo. En Los Angeles te levantas y es un clima bien chido, teníamos días libres, visitamos diferentes partes, fuimos a conciertos que pasaban ahí... fue una experiencia muy chida apartarnos un mes a hacer este disco. ¿ Qué tratan de reflejar en el disco?

J: Bueno, el primer single se titula Control. El video ya está en la tele. Escogimos este sencillo porque habla mucho de nuestro sentimiento de lo que pasa en la industria musical, desde nuestro punto de vista. A grandes rasgos, la canción habla del control que sentimos que hay de los medios sobre el hecho de que estás haciendo música, se está vendiendo arte y de repente eso se pierde y se convierte en un producto más. Hay algunos que sienten que la banda está perdiendo sus raíces punketas, pero para mí esa canción se me hace mucho más punk que cosas que hicimos al principio, cuando hacíamos cosas poperas con distorsión. ¿Tuvieron un hilo conductor a la hora de componer Sirenas, o se trata de una colección de canciones?

J: Es una colección de canciones, pero al mismo tiempo es como suspender el tiempo desde que empiezas a componer hasta que terminas. En cuanto a las

¿Aún conocen bien a sus seguidores? ¿O su popularidad ha crecido tanto que ya eso se salío de sus manos?

Q: Nunca hemos asimilado aquello de cuánta gente nos escucha. Realmente nunca hacemos las canciones pensando en ello, siempre hacemos las cosas hacia dentro y confiamos en lo que creemos y la gente se empieza a identificar con ello.

L: Aparte la gente que nos sigue, siempre lo hemos dicho, son fans muy clavados con la banda y aunque con este nuevo single (“Control”) la gente empezó a decir: “no, ya no es lo mismo”, luego empiezan a digerir la canción y te dicen: “ah, ya entendí, ya no pueden hacer las mismas canciones de cuando tenían 22 ahora que tienen 30”.

J: Yo lo que sí creo es que entre más introspectivos nos volvemos, más universales se vuelven las canciones. Puede ser una paradoja, te das cuenta que entre más escarbas en ti la gente lo asimila más. Hay canciones que tenemos nosotros en este álbum que son baladas y son mucho más crudas e intensas que canciones que teníamos en el primer disco, y la gente creería que aquellas son más “intensas”. ¿Ustedes sienten que el disco como formato es algo con lo que todavía se comunican o de pronto viven más lo que está pasando con el downloading?

J: Yo creo que el download es una situación critica. Bajar el disco de oro a 50,000 copias y en poco tiempo bajarlo a 40,000 dice mucho al respecto.

En Sudamérica creo que son 7,500 copias, creo que eso refleja los tiempos que estamos viviendo. Mucha gente no tiene el dinero para comprar el disco, sin embargo creo que depende mucho de la banda el tener fans fieles, fans que sepan lo que están haciendo al comprar un disco o no.

Q: Si nos ponemos a pensarlo mejor, el CD va a desaparecer y la música va a ser información nada más. Va a estar en el aire o en servidores. Personalmente creo que es mejor tener la música físicamente.

L: El hecho de sentarte, poner un vinil y darle la vuelta, escucharlo, limpiarlo, guardarlo, eso ya no existe o se está muriendo. Esa cultura es lo que como músicos realmente nos tiene aquí, haciendo música. El hecho de comprar cassettes, ponerte a hacer mixtapes o ese tipo de cosas me gusta. Se está perdiendo la cultura de escuchar discos completos, de seguir a un artista, de tener tu colección de discos. Mi papá y la mayoría de las personas tienen sus colecciones de viniles que no han querido tirar y están todos llenos de polvo, y eso se está sustituyendo por un disco duro lleno de Mp3. Nosotros estamos bien orgullosos de que la gente agarre el mismo feeling que nosotros tenemos a la hora de hacer la música, y eso es realmente tener en tu manos el disco de una banda que sabes que estás apoyando. M

myspace.com/divisionminuscula

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Juan Son

La Independencia No cabe duda que el 2007 fue el año de Porter. Atemahawke fue un disco que destacó por su originalidad y propuesta en el que los convencionalismos y errores de las nuevas bandas independientes no estaban presentes. Pero así como apareció el éxito, se esfumó a finales del mismo año, en el que la banda anunciaba su separación, y aún así se presentaron meses después en el festival Coachella.

Hoy en día mucha gente alrededor del mundo está viendo y escuchando el Unplugged de Julieta Venegas y se estará preguntando ¿quién es el que canta con ella la canción “De mis pasos”?

Siendo esta la mejor oportunidad para darle continuidad a lo aprendido con Porter, Juan Son (nombre con el que tentativamente se dará a conocer) inicia un proyecto en el que se siente más cómodo y libre artísticamente.

Esta entrevista se realizó justamente después de que bajó del escenario en su primera presentación en el Festival Colmena. Así que la emoción de presentar estos nuevos sonidos, conducían a que las preguntas como, “¿Lo habremos hecho bien?” siguieran en el aire.

Aún no sabemos si lo “sagrado” de la Barranca de Huentitlán haya sido el origen de este proyecto, en el que muchos de los asistentes empezáramos a considerar que ya tenemos una versión masculina de Björk en nuestro país, sobre todo por esas composiciones electrónicas que hacen guiños a instrumentos acústicos, o por la voz de Juan Son, que de convertirse en una nota prolongada se puede volver un dramático gemido o una instrumentación más.

Este proyecto despejará las dudas de cómo habría sonado Porter después de su desintegración, ya que en esta etapa participan muchos elementos claves que debían estar presentes para seguir creciendo sónicamente.

Normalmente callado en entrevistas, Juan Son se destapó y nos contó sobre la ruptura de Porter, el presente y lo que le espera con este proyecto.

TXT:: Andrés Díaz.

FOT:: cortesía Juan Son.

37 “Antes era bien güevón y me quedaba en el carro mientras todos cargaban sus instrumentos, porque yo sólo me ocupaba de mi micrófono. Ahora yo me encargo de todo y es bueno que hayan cambiado las cosas”.

Discografía:

Con Porter: Donde los ponys pastan EP Independiente 2004

¿Cómo te sientes con este nuevo proyecto en donde supongo que ya tienes mayor control?

Muy contento. Es raro porque la gente me dice: “Ay sí, tenías que independizarte, es lo mismo que hacen todos los vocalistas de una banda”. No es tanto una independencia, más bien es una democracia, pero entre menos gente, porque antes se sometía todo a votación. Ahora hay mucha libertad y se ha hecho una buena mancuerna.

A diferencia de Porter, en donde las responsabilidades se repartían, ¿cómo te sientes ahora?

Antes era bien güevón y me quedaba en el carro mientras todos cargaban sus instrumentos, porque yo sólo me ocupaba de mi micrófono. Ahora yo me encargo de todo y es bueno que hayan cambiado las cosas. Creo que ahora en lo artístico es muy libre, cuando escuchen el disco se darán cuenta de que hay canciones de banda, de piratas, electrónicas, incluso de samba. ¿Cuánto tiempo llevas pensando en este proyecto?

Muchas canciones son de antes y otras durante Porter, en donde exploté mi fama y la usé como un escalón (risas)… Al final ya teníamos muchos problemas. Me caen muy bien, pero a la hora de trabajar ya teníamos muchas diferencias.

En diciembre fue el último show y mucha gente que nos había apoyado nos pedían que no nos separáramos.

Con Porter: Atemahawke Tercer Piso Records 2007

¿Cómo fue el concierto de Coachella después de cuatro meses de no estar juntos?

Estuvo lleno de sensaciones. En el escenario no puedo pretender que algo me está gustando si no me está gustando, y sí me estaba gustando porque sabía que por un buen rato no habíamos tocado. Fue una sensación cruzada. ¿Cómo fue la invitación para participar en el Unplugged de Julieta Venegas?

Yo la conocía por sus discos y me encanta. Para hacer

ejercicios con la elíptica es buenísima, sobretodo sus canciones pop (risas). Mi amiga Sofía Garza (directora del video de Porter “Host Of A Ghost”) nos conectó, y le pidió mi teléfono y cuando hablé con ella me dijo que tenía una propuesta e inmediatamente le dije que sí sin saber que me proponía. Fue muy sobrio todo el proceso… Creo que estoy entrando en una etapa muy sobria de mi vida. ¿Tú te preparas tus vestuarios?

Lo diseñamos nosotros. No quería que se viera como una copia de Austin TV, que creo que por muchas cabezas pasó. Me gusta mucho mantener el lado barato, pero invertir en el show para que haya buenos visuales. No me gustaría ver sólo gente tocando. ¿Quiénes te están acompañando en esta nueva alineación?

“El Orco”, que es el productor de Porter; Víctor, guitarrista de Porter, y Saúl. ¿Ya tienes fecha de lanzamiento para este nuevo disco?

Pensé que iba a ser fácil ser independiente, pero ya me dio güeva maquilar el disco por mi lado, así que me venderé al capitalismo con las disqueras porque todo lo que gané con Porter lo invertí en el disco y quedé bien quebrado.

En este proyecto te concentraste en la parte electrónica…

Sí, hay menos batería y cosas medio pop. En el disco se van a dar cuenta de eso, hay dos canciones con batería y en el resto hay cosas sampleadas. Hay ritmos que hicimos sólo con agua o con un “cu-cú roto”, medio fusil de Matmos, pero nos gustó mucho crear ritmos fuera de las formas tradicionales. ¿Hasta dónde te gustaría llegar con este proyecto?

Quiero viajar, conocer el mundo, y pisar todo los escenarios posibles. M

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TXT:: redacción Marvin. FOT:: Pedro Velasco.

Entrevistamos a José González en la Ciudad de México.

El artista sueco-argentino nos habló de su historia, sus motivaciones y... Silvio Rodríguez.

Tú tienes, literalmente, una voz propia. Tienes un sonido que te identifica y eres uno de esos artistas cuyo nombre evoca rápidamente una manera de cantar, una manera de tocar, unas letras. ¿Tenías esto en mente cuando decidiste dedicarte a la música, este es el sonido que querías tener cuando empezaste?

Más o menos. Cuando empecé a los 14 años estaba haciendo canciones que eran más del estilo de Silvio Rodríguez, o Simon & Garfunkel. Tenía esta idea de tocar y cantar como João Gilberto, me gustaba Gilberto cuando tocaba solo con guitarra, mucho más que cuando la música estaba llena de producción. Así que mi voz sale como sale pero también he tenido inspiraciones vocales de João Gilberto, Chet Baker, Geoff Farina. Que muchas veces es tratar de cantar de un modo natural, que no suene disfrazado, que no sea algo distinto de lo que soy. No fue sino hasta el año 2000 que empecé a hacer canciones del estilo que tengo hoy, con la inspiración de música del post-rock como Tortoise, mezclándolo con todo eso del folk y el folklore argentino. Tengo de eso y de bossa nova, del folk estadounidense y de Inglaterra. ¿Y tienes o sentiste influencia de Nick Drake? A veces se te asocia con él.

Nick Drake fue una influencia muy grande, pero posterior. Fue después de un concierto que me dijeron que sonaba muy parecido a él y desde ese momento empecé a escucharlo. Me gusta mucho su modo de tocar la cuerda de bajo en su guitarra, que es muy monótono. ¿Eres autodidacta en la guitarra o tomaste estudios formales?

Estudié con un maestro privado de guitarra clásica, durante unos años. Eso también ha sido una gran influencia en mi música. Yo pensaba que muchos de los cantautores que yo conocía sonaban muy mediocres en su modo de tocar la guitarra. Entonces, tenía esta idea de tratar de hacer algo un poco más elaborado al estilo de Silvio Rodríguez.

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¿Tú escuchabas con frecuencia a Silvio o folklore argentino viviendo en Suecia? ¿Cómo tenías acceso a ello?

Mis papás tenían algunos cassettes. No eran demasiado variados pero los escuché desde muy pequeño, a los 4 o 5 años. Es un sonido que hoy en día me resulta muy nostálgico, el de la guitarra acústica con bombo y canto, sobre todo si está grabado en los sesentas. Hoy es algo que tomo como referencia cuando grabo.

Pero en tus letras no hablas de lo mismo que habla Silvio Rodríguez.

No, sobre todo en el segundo disco escribí canciones con letras parecidas a las letras que escribía en mi primer grupo de hardcore. Son temas un poco “acusadores”, con una sensación de frustración. ¿Políticos dirías tú?

No, no específicamente. He tratado de que las letras tengan una sensación política sin que sean demasiado específicas. Son más temas de filosofía o algunas veces también de religión. ¿Tú sientes que hay esa carga ideológica que había en lo que se llamaba “música de protesta latinoamericana”?

Sí, lo que me pasaba es que tenía la guitarra lista, tenía la melodía y entonces cuando quería empezar a escribir las letras tenía la misión de ir por ese estilo pero al mismo tiempo no tengo muchas ganas de ser uno de ellos, de esos artistas que cantan “fuck Bush” o algo así. Me gusta la idea de ser bastante ambivalente, que cualquiera que escuche los temas pueda tomarlos y hacerlos suyos.

Sonoramente ¿te han dado ganas de hacer algo un poco distinto más adelante, una banda o algo así?

Sí, ahora después del verano vamos a seguir haciendo música con Junip que es mi grupo, el baterista es el que hace todas mis carátulas. Hemos tenido esta banda por mucho tiempo pero como yo he estado de gira no hemos hecho nada últimamente. Ya vamos a empezar de nuevo con Junip y creo que estando menos de gira voy a tener más tiempo de experimentar, siguiendo con mi música del mismo modo pero haciendo otras cosas. ¿Y has pensado en cantar en castellano en algún momento o no?

Lo he pensado y creo que algún día lo haré. Hasta ahora digamos que las letras siguen siendo la parte que no me sale tan natural y aún menos en castellano. No es que no me guste.

¿No tienes un prejuicio contra el castellano?

No, para nada.

Y en sueco, ¿ has cantado?

Ahí sí tenía un prejuicio. Para mí el sueco suena muy corny, pero hay grupos que lo han hecho muy bien y funciona si se hace con sentido del gusto. ¿Sientes que estás inserto en alguna tradición, que provienes de alguna tradición musical que estás continuando? ¿O de pronto estás abriendo un camino completamente distinto?

En verdad sé que lo mío no es completamente nuevo. He tomado mucha inspiración de las fotos que veía de Simon & Garfunkel en Central Park o de Joni Mitchell en Woodstock. No sé si tengo mucho de ellos, pero cuando hay un mar de gente y la cosa funciona con una guitarra y canto, nada más, eso me da inspiración, sé que me gusta este estilo y también parece que ha funcionado antes así que de ese modo lo estoy siguiendo. Pero después, pensando en mi modo de tocar la guitarra siempre trato de encontrar nuevos ángulos y en este disco traté de encontrar ritmos que tienen más de África. Trato de mezclar y así encuentro mi propio nicho.

Respecto hacer algunos covers, como el de Massive Attack o Heartbeats ...

Muchas de esas canciones han sido mis canciones favoritas aunque no necesariamente mis grupos favoritos. El modo en que escucho música creo que es bastante parecido al de los jóvenes de hoy, que en vez de escuchar el disco entero escuchan canciones. Por eso lo de Massive Attack, Joy Division.

Me gusta todo lo que hace The Knife. ¿Cómo ves en retrospectiva haber crecido con el background de tus padres argentinos emigrados a Gothenburg, una ciudad tan lejos de donde venían ellos?

En verdad hasta los 7 años viví en un suburbio en donde había un montón de gente de Latinoamérica, así que ahí ya estaba súper mezclado todo lo sueco con inmigrantes de otros países. Después cuando fui al centro encontré una sociedad bastante mezclada. Por ejemplo, mi mejor amigo es de Eritrea.

Hablando también de estilos musicales todo era muy mezclado. Mi amigo y yo hacíamos skateboarding, escuchábamos a NWA y Public Enemy y al mismo tiempo yo tocaba el bajo en una banda hardcore inspirada en Misfits, Black Flag. Más tarde toqué la guitarra eléctrica en un grupo de indie rock y todo esto paralelo al tiempo que estudiaba guitarra clásica y empezaba a escribir mis propias canciones. Así creo que Suecia en general es un tipo de sociedad donde se puede vivir y entender la diversidad. M

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LEJOS QUEDARÁ EL ESQUEMA DE LA VENTANA ACTUAL DE DISTRIBUCIÓN. Y TRATÁNDOSE DEL ÚLTIMO DISCO EN SU CONTRATO CON INTERSCOPE RECORDS, NO SORPRENDERÍA QUE BECK APLICARA “LA RADIOHEAD” Y SE DESHICIERA DE LAS DISQUERAS DE UNA VEZ POR TODAS. ESTE SERÁ POSIBLEMENTE EL DISCO QUE SE LO VA A PERMITIR.

LA IMPORTANCIA DE LLAMARSE

BECK HANSEN

TXT:: Rodrigo Rothschild.

FOT:: cortesía Universal Music.

En cierto modo, Beck es el David Bowie de nuestros tiempos. Hagan un ejercicio y coloquen la portada del Aladdin Sane de Bowie contra el Sea Change de Beck. Los ecos del primero en el segundo son palpables. Ambos artistas son perfectos fabricantes de panoramas sonoros que no se escuchan como los de nadie más. Y ambos están obsesionados por diversificarse como artistas. Haciendo un breve recorrido por sus respectivas discografías, se puede notar cierta urgencia porque ningún álbum sea comparado al anterior. En este proceso Bowie se dio a la tarea de inventar nuevos géneros musicales. Beck se encarga meramente de explorarlos. Si Bowie, “el camaleón”, dio en su carrera distintos personajes que van de Ziggy Stardust al Duque Blanco, Beck solo tiene algunos rostros: el roquero alternativo noventero por excelencia, el artista mainstream que se da el lujo de explorar su lado hiphopero, o el folky ligeramente depresivo que adora a Dylan. La pregunta con cada nuevo álbum es cuál faceta nos va a tocar ahora.

A fin de cuentas es esto lo que se espera en un nuevo disco de Beck. Uno siempre busca cierta constancia en lo que sus artistas favoritos ofrecen, y en su caso se trata de esa sorpresa, de ese nuevo rumbo. En ese esquema, al melancólico y acústico Sea Change lo siguió el divertido sampleo de Güero, seguido por el esquizofrénico The Information, que se dedicaba a mezclar lo mejor y lo peor de los dos trabajos anteriores. ¿Cómo sonaría entonces la respuesta de Beck a The Information? Si hubiéramos prejuzgado por “Timebomb”, el sencillo que apareció el año pasado por iTunes, hubiéramos pensado que iba a sonar muy parecido a LCD Soundsystem. Pero no. El nuevo Beck ahora suena… a Beck. 100% a Beck. ¿Cuál es la novedad entonces? Pues existen muchos adjetivos para calificar a Modern Guilt, su nuevo material, y ninguno había sido usado antes. Modern Guilt es modesto, cohesivo, sencillo, orgánico y breve. Es el completo opuesto de The Information. Su más claro parecido lo podríamos encontrar en Mutations, un disco que curiosamente acaba de cumplir 10 años. Desde lo elegante y austero de la portada, hasta la breve duración de cada una de las canciones (33 minutos dura el álbum en total), se trata de Beck abrazando una nueva

41 característica: la sutileza. En cierto modo los discos de Beck siempre son un retrato del panorama musical que se vive.

parece haber salido del Ga Ga Ga Ga Ga de Spoon.

Hace dos años The Information venía con una portada que se podía “customizar” con estampas y un DVD con un video para cada canción. Trucos para sumarle valor al CD y alejar a los fans de los MP3. Ahora Modern Guilt se suma a la tendencia iniciada por los Raconteurs a Gnarls Barkley y se lanza con una brevísima ventana de distribución. Su anuncio fue sólo dos meses antes de su estreno. En un ambiente en que los fans tienen el disco en sus computadoras meses antes del lanzamiento, esta es posiblemente la solución para los artistas de que su disco no se “filtre”. Lejos quedará el esquema de la ventana actual de distribución. Y tratándose del último disco en su contrato con Interscope Records, no sorprendería que Beck aplicara “la Radiohead” y se deshiciera de las disqueras de una vez por todas. Este será posiblemente el disco que se lo va a permitir.

El disco llega a la mitad con “Youthless”, y los primeros sonidos recuerdan inmediatamente a “Cellphone’s Dead” de The Information, un terreno completamente seguro y pisado, pero que encuentra su lugar en álbum. Le sigue la mencionada “Walls” que si bien no saca provecho de Cat Power, si es una pieza interesante y sumamente política.

La administración Bush ha mandado a la escena musical de nuevo a la protesta, y con esta canción Beck deja de ser la excepción. Escuchen como reclama “Your heart only beats in a murmur. But your words ring out like murder”.

Modern Guilt es un trabajo que reitera lo vital que es Beck en la escena musical americana actual. Ninguno de sus contemporáneos ha sabido crecer y evolucionar como él. Beck siempre se ha adaptado a los tiempos, tomado de la mano del productor que lo tiempos dictan. Los Dust Brothers lo ayudaron a construir su obra maestra Odeley, además del Midnite Vultures.

Nigel Godrich lo guió al estrellato en Mutations, Sea Change y The Information, con la misma mano dura que construyó las carreras de Radiohead y Paul McCartney como solista. O el más discreto Calvin Johnston, que lo llevó a un terreno de blues lo-fi en One Foot On The Grave.

Ahora toca el turno de Brian “Danger Mouse” Burton. Si lo piensan bien, no hay pareja más orgánica. Las sensibilidades de ambos son gemelas.

Paisajes sonoros que resultan vastos y ricos, en donde no se prescinde de ningún objeto que pueda causar un sonido bonito. El productor, que llegó a la fama (¿infamia?) con su mix del White Album de los Beatles y con el Black Album de Jay Z, se caracteriza por su estética psicodélica, con dotes de una arbitrariedad perfectamente calculada. Los últimos años, su trabajo a lado de Damon Albarn en Gorillaz y The Good, The Bad And The Queen, así como ser una mitad del dúo más cool, Gnarls Barkley; lo han convertido en uno de los productores más solicitados del momento. Su colaboración con Beck era de suponerse. Es demasiado natural.

El álbum empieza con “Orphans”, la primera de dos colaboraciones de Cat Power. Si bien la dulce voz de Chan Marshal, acompañando a Beck durante los coros, es siempre bienvenida, se encuentra lejos de imprescindible. Es una textura más de la canción. No tanto como lo es en “Walls”, donde su participación bien podría ser un efecto de audio de una librería que Danger Mouse modifica a su antojo. Creo que su tangencial aparición en el disco no debe sorprendernos, lo mismo pasó con Beth Orton en Midnite Vultures.

En “Gamma Ray” Beck se encuentra en un terreno más seguro, con su guitarra surfy y sus tonos juguetones. Es hasta la tercera canción, “Chemtrails”, que evidencia las verdaderas ambiciones del álbum. Es una acertada decisión que se trate del primer sencillo, ya que es una perfecta pieza de pop psicodélico sumamente etéreo, bañada en reverberaciones que rescata todas las virtudes del artista. La comparación más obvia es Caribou, y pareciera que Beck estuvo escuchando mucho Andorra el año pasado. Por su lado “Modern Guilt” es sumamente relajada, barnizada en una estética lo-fi y construida sobre un par de beats y un piano, con una estructura que

“Replica” resulta completamente arrítmica, como si fuera un frenético ejercicio de mashup, mientras que “Soul of a Man” es puro rock.

“Profanity Prayers” es un ejercicio en estética Velvet Undergroud, con un poquito de Sonic Youth. Y la conclusión, “Volcano”, es una pieza

sombría que nos confirma que sí, hemos terminado de escuchar el disco más oscuro de su carrera.

El verdadero premio es cuando se escucha de principio a fin. Todos los referentes e influencias que mencioné anteriormente quedan enmarcados en perfecta coherencia.

Se trata del trabajo más serio de Beck, tanto en temática como forma.

Fans del Sea Change (para una generación entera su introducción a Beck), habían estado esperando este disco los últimos seis años.

Desde su anuncio hace sólo un par de meses, a Modern Guilt se le ha llamado un “regreso” de Beck.

Un comeback. Como si no hubiera hecho nada bueno desde… no sé… ¿Sea Change? ¿Odelay? La verdad es que nunca se fue. La calidad de Güero y The Information puede ser discutible, pero al final fueron los bloques que construyeron Modern Guilt, el disco que nos recordó que Beck es el rostro de la escena alternativa americana, y que lo va a catapultar a la siguiente década. M

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TXT:: Vicente Jáuregui.

ILUST:: Didier Cortés.

El primer recuerdo que tengo registrado sobre los músicos ingleses conocidos como The Cure, tiene que ver mucho más con el impacto visual que causaron las imágenes de Robert Smith y compañía con labios y cachete cubiertos de lipstick, el cabello alborotado por intensas sesiones de crepé y gel fijador, que con la música en sí misma. Y no porque la música no fuera buena, todo lo contrario, pero en ese tiempo la información estaba más contenida y “el espectáculo aún no desrealizaba el mundo”, como dice Camille de Toledo. El peso de las cosas era otro, de manera que el escándalo obedecía la lógica de la inercia (indignados, mis padres me hicieron cambiar el canal porque no sabían cómo reaccionar ante la despreocupada androginia de estos chavos de Crawley). Ya después supe que había visto el video de “Friday I’m in love” (Wish 1992) una de las canciones de tinte menos oscuro en su discografía, misma que les ayudó a mantener el éxito masivo de su alucinante antecesor Desintegration (1989).

Hasta hace poco creía que si hubo algo así como una thecuremanía, esa devoción cuasi religiosa que impulsó a miles de fans de todo el mundo a pararse los pelos y untarse rimel, esta había sido un fenómeno de fines de los ochentas y principios de los noventas casi tan muerta como el glamour de Poison o Ratt. Sin embargo, el culto a The Cure está más vigente que el ITU (Impuesto de Tasa Única, obsequiado por Calderón) no sólo entre sus primeros seguidores, sino también con las nuevas generaciones. Si hace más de veinte años Gustavo Cerati lucía como émulo bonaerense de Smith en videos como “Cuando pase el temblor” y después Saúl Hernández hacía lo mismo cuando cantaba “La negra Tomasa” o “Viento”, hoy miles de adolescentes demuestran el mismo fervor que contagió a los séquitos pasados. Pude comrpobar lo anterior hace algún tiempo en un stand de promoción de Marvin. Diez chavos cuyos uniformes delataban cursar la secundaria se acercaron para adquirir la revista. Todos mostraron el mismo interés por las ediciones donde aparece Zoé y Café Tacvba en la portada (lo cual obviamente no es ninguna sorpresa), que por la carátula de “la cura”. Después comencé a entenderlo: la música e imagen de The Cure es glorificada sobre todo entre la “tribu urbana” que conocemos como emo. Una empatía que se entiende perfectamente y que pone de mal humor a quienes en su fanatismo incluyen el instinto de posesión (léase “yo tengo quince años escuchando”, “yo lo vi primero”, “es mío”). Lo cierto es que ahora, con la estrategia previa al lanzamiento del disco numero trece de The Cure, lo que menos ha faltado es interés de millones de fans desperdigados por todo el mundo. Si no me creen visiten www.myspace.com/thecure para comprobar las más de seis millones de visitas que se suman hasta hoy.

Y no es para menos, la música está al alcance de todos y las viejas envidias musicales habrán de perecer (siempre me ha parecido imposible no esbozar una sonrisa burlona cuando alguien me pide no pasar a nadie el disco que me prestó).

Casi treinta años han pasado desde que Three Imaginary Boys (1979) irrumpiera la escena en la forma de álbum debut de los más fieles usuarios del goth spray, una pócima presumiblemente hecha con lágimas de Robert Smith, cerebro detrás de la implacable maquinaria si de crear hits atemporales se trata. Bandas consagradas como The Smashing Pumpkins, Jane’s Addiction, Dinosaur Jr., Interpol, Caifanes, por citar algunos, jamás hubieran sido lo mismo sin haber merodeado entre el extraño, desconsolado y lúgubre imaginario de The Cure. Mientras todos los guitarristas sufrían de la misma vocación que animará al corredor de los 100 metros planos en Beijín, Robert Smith desdeñaba el espíritu deportivo con que sus compatriotas Iron Maiden tocaban la lira. En su lugar encontró las posibilidades “texturales” de seis cuerdas procesadas con efectos de modulación. Las cualidades expresivas del instrumento transitaban así de la pista de carreras, hacia una especie de caballete que clamaba ser impregnado por una emoción melancólica y sencilla, gloomy dirían ellos. Lo anterior era una consecuencia natural de la actitud punk que Smith había asimilado durante su adolescencia. Lo que nunca sospechó, era que sin querer edificaba con ella una manera novedosa de vestir una canción con la guitarra eléctrica. Si algo habría que definirse con el pesado adjetivo de alternativo sin caer en el lugar común, o en el abuso del término, ello tendría que ser el legado musical del creador de “A forest”.

Pero seamos justos: muchas veces la atención recae sólo en la figura de Smith. Sin embargo, habrá qué preguntarse: ¿qué sería del sonido de “la cura” sin los ritmos galopantes que tejen la batería y el bajo? Siendo objetivos, la voz de Smith logra su contraparte gracias al trabajo que se desarrolla con la sección que amarran Simon Gallup y Jason Cooper. De hecho, cuando Robert Smith explica cómo le desagrada que clasifiquen como gótica la música de The Cure (se ha referido varias veces a esa categoría como aburrida, monótona e insustancial), es porque reclama con todo derecho aguzar el oído para saber que su música ha rebasado los lineamientos de ese género. De hecho, Smith ha declarado que generalmente pasa la mayor parte del tiempo con una sonrisa en el rostro. ¿Cuándo fue la ultima vez que vieron a un gótico reír de oreja a oreja?.

El caso es que, lejos de querer clasificarlos ramplonamente, más bien habría que hablar del Cure sound, una yuxtaposición donde predominan melódicas líneas de bajo, el sintetizador polífónico conocido como Solina, las texturas etéreas e influyentes de la guitarra de Smith, ciertos elementos acústicos y, obviamente, una extática y exaltada cualidad vocal. Hasta el oído menos educado podría reconocer la disposición de los referidos ingredientes.

Desde luego que lo anterior solamente es una definición y la música de The Cure ha cambiado álbum con álbum. Posiblemente el hilo conductor ha sido el ánimo adolescente de sus miembros, la renuencia de asumir que ya no son los veinteañeros que un día escribieron “Killing an Arab” bajo la influencia de Camus. Smith lo tiene claro: para él, asumir que se es un adulto es aceptar las limitaciones. Por ello prefiere ser el eterno joven encerrado en el cuerpo de un adulto. Basta observar al grupo entero pintarrajeado como en los 80’, ignorando los kilos o las arrugas. Lo que ha cambiado en su manera de pensar, y que ahora se refleja en su música, es que Smith ya no ve la muerte como un acto de romanticismo. Lo romántico en todo caso es la perseverancia, el seguir escribiendo canciones después de tanto tiempo. Corre el 2008, y después de casi cuatro años de no grabar un disco de estudio, estamos en vísperas de escuchar su décimo tercer producción. Vivimos en una época donde las innovaciones tecnológicas permiten explorar fenómenos imposibles. Desde luego, la industria musical ha perdido y ganado con las nuevas posibilidades que la era cibernética permite. Afortunadamente, el beneficio ha sido para todos los melómanos empedernidos. Antes había que esperar y pagar mucho para disfrutar un disco. Ahora grupos como Radiohead o NIN han permitido bajar gratis su música, y en la semilla de esas iniciativas se ha germinado una suerte de competencia por hacer del lanzamiento de un disco algo lúdico y original.

En esa vena fluye el todavía intitulado disco número 13 de The Cure (tentativamente podría llamarse Dream 13).

Fieles a la metodología que vienen siguiendo desde Wish de sacar un disco cada cuatro años, el primero de mayo del 2008 los ingleses anunciaron con un boletín en MySpace que su nuevo disco estaría en las tiendas el 13 de septiembre del 2008. La noticia se extendió rápido gracias a lo curioso de la dinámica a seguir: a partir de ese mes, cada día 13 de los subsiguientes meses (mayo, junio, julio y agosto) lanzarían un nuevo sencillo del disco. La primera rola fue “The only one”, track que denota un aire mucho más feliz a lo que usualmente había caracterizado la música de The Cure, de entrada goza la ventaja de sonar mucho mejor a lo que grabaron para su anterior álbum homónimo del 2004. Para junio se desprendió “Freakshow”, una rola up tempo que dirige un cencerro de ánimo festivo. El siguiente mes llegó un tema con un título recurrente: “Sleep when I’m dead”. El último sencillo previo al lanzamiento del disco fue “The Perfect Boy”, rola que enlaza líricamente la idea platónica de la “media naranja” con la del destino como algo inapelable. Sólo nos resta entonces esperar hasta el 13 de septiembre para saber si la arcaica superstición occidental donde la cábala enumera 13 espíritus malignos prevalece, o en su lugar recibimos una obra maestra que nos recuerde la gloria de los viejos días.

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Muy pocos han sabido homenajear —sin piratear— a los Rolling Stones.

Lo suyo tiene mucho de negritud y soul, pero en vibra mutante. No escasa de épica guitarrera.

Primal Scream:

rockeando hacia el futuro.

Quizá sea una cuestión generacional pero no siento que exista una gran emoción entre el público y los medios ante la llegada de un nuevo disco del escuadrón de Bobby Gillespie. Es probable que nuestra capacidad de retención sea escasa o que el ritmo del consumo musical se haya acelerado y no deje lugar para el recuerdo a los viejos héroes, pero me niego a creer que una banda con un pasado tan ilustre se merezca un recibimiento tan tibio, más aún cuando su noveno disco de estudio es una obra contundente y sobrecargada de la energía chispeante que ha acompañado a los británicos durante sus más de 20 años de carrera.

Bien vale la pena repasar algunas razones para que se mantengan como uno de nuestros bien amados.

Es preciso subrayar que el Screamaledica, editado en 1991, fue y sigue siendo una obra maestra que por lo menos le maquilló el rostro a la historia de la música. Pieza central al momento de aparear rock con electrónica, hizo bailar al Reino Unido entero y es una obra visionaria a la hora de alternar riffs con secuencias. Tracks como “Movin’ on up”, “Come Together” o “Don’t Fight It, Feel It” son auténticos himnos de la movida Madchester y la llamada generación C86, donde caben, por supuesto, Stone Roses, Happy Mondays, The Soup Dragons y The Wedding Present.

TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

FOT:: cortesía B-Unique Records

El despliegue escénico que realizaban junto a The Orb por aquellas épocas sirvió para validar públicamente a los raves, enfatizando el toque psicodélico.

Tal montaje vino a darle un escenario profesional al acid house, el trance y los viajes noventeros.

En 1989 tuvieron la visión de confiar en el DJ Andy Weatherall, entonces único fan conocido del grupo. La propuesta fue remezclar el tema “I’m Losing More Than I’ll Ever Have”.

Para ello se agregó una línea de bajo en onda reggae, se quitó casi toda la instrumentación original y se insertaron samplers de la voz de Peter Fonda en la película The Wild Angels.

Tan radical giro incluye hasta cambio de título. El resultado fue “Loaded”.

Lograron un himno bailable con pasajes de gospel, que encontró su verdadero sitio en pubs y discotecas.

Pocos vocalistas asumen retos tan alocados como el de Bobby. Este tipo no quiere salvar al mundo como Bono, pero si optó, una vez que se volvió famoso, por reivindicar al espíritu del rock. Consideraba que muchos de sus héroes estaban en el olvido y había que salvarlos. Así, reivindicó los nombres de Howlin’ Wolf, The Stooges, Captain Beefheart, Love, Creedence, James Brown y New York Dolls, entre otros.

Vale la pena acotar, aunque sea sólo tangencialmente, que Bobby grabó, en calidad de baterista, el visionario Psychocandy (85) de The Jesus and Mary Chain. Al hacerse patentes sus limitaciones como ejecutante, el hombre dejó la banda de los hermanos Reid, colegas de Glasgow con los que mantiene una buena relación, tan es así que han colaborado en varias canciones posteriores.

Siempre ha desplegado fiereza y desparpajo durante sus conciertos, lo que aunado a sus rollos de crítica social y política le valieron halagos de ex miembros de The Clash y New Order, a quienes en su momento él admiraba con vehemencia.

Ha sido en Primal Scream donde el enorme bajista de los Stone Roses, Gary “Mani” Mounfield, ha continuado su carrera. De no hallar lugar aquí

quizá se habría perdido. No menos importantes —y polémicas— han sido las aportaciones de Kevin Shields, cerebro de My Bloody Valentine. Cargado con su muro de shoegaze le dio al sonido del grupo un toque rudo y pesado, tanto en gira como en el estudio. Bobby ha sabido defender incluso sus experimentos más densos.

Tomaron su nombre de la teoría del grito primario o primigenio, difundida por Arthur Janov, que pretende que el hombre regrese al periodo prenatal desfogando toda su rabia a través de gritos y pataleos.

Muy pocos han sabido homenajear —sin piratear— a los Rolling Stones.

Lo suyo tiene mucho de negritud y soul, pero en vibra mutante. No escasa de épica guitarrera.

En Evil Heat (2002) fueron los primeros en sumar a Kate Moss como cantante invitada, en la maravillosa “Some Velvet Morning”.

Como el ave fénix, han regresado de sus cenizas. Superaron una historia de exceso de dinero y drogas, que les impedía trabajar y los mantenía en el atasque. Cuando todo se venía abajo lograron un respiro componiendo música para la cinta Trainspotting (96), que los hermanó con el gran escritor, también escocés, Irvine Welsh, quien a la postre les ha compuesto unas cuantas letras. Tales altos y bajos han hecho que se diga que “Bobby Gillespie ha conocido el éxito y el decline, el rock regresivo y el pop progresivo”.

No todo ha sido fiesta en su trayectoria; a su manera, Gillespie ha criticado rabiosamente el estado del mundo y de la cultura. Habrá que valorar en su justa medida “Swastika Eyes”, en la que señalaba alarmado el peligro de la ultraderecha americana y las estrategias bélicas.

La experiencia acumulada con los años y su gran solvencia musical ha movido a la prensa especializada para que los considere “intensos e incisivos, sumando el caos de The Velvet Underground y el sudor de James Brown, la rabia de Sex Pistols y la sabiduría de Can”.

Su noveno disco de estudio abre con lo que será una de las mejores canciones del año. Dando título al álbum, “Beautiful Future” es una tonada feliz, rebosante de buena vibra y plagada de campanas por aquí y por allá. Sabiduría callejera y pop elegante que ha hecho pensar a más de uno que Bobby se inspiró nada menos que en Blur, ¡pero si este hombre tiene una carrera probada y talento de sobra!

En lo que sí es una maniobra coyuntural, se convocó a Björn Yttling, miembro de Peter, Bjorn and John, para que se encargase de la producción, bañada a consecuencia de ello de luminosidad, calidez y frescura, elementos que caracterizan al pop nórdico.

Aunque el trabajo también contó con la participación de Paul Epworth, colaborador de Bloc Party.

Uno de lo primeros tracks que se conocieron como anticipo, “I Love to Hurt, (You Love to Be Hurt)”, incluye la participación de Lovefoxxx, vocalista de los brasileños Cansei de Ser Sexy (también con nuevo disco por estos días).

No dejaron espacio para contemplaciones. El primer sencillo, “Can´t go back” es un obús a plena potencia.

Un cañonazo de rockpop británico con coros pegadizos, teclados nuevaoleros, guitarras punzantes y la total convicción en aquella frase: “para atrás, ni para tomar distancia”.

Como parte de su reverencia al pasado, en “Over and Over” participa la leyenda del folk Linda Thompson, quien formara parte de Fairport Convention.

Una banda enorme e influyente, poseedora de un pasado envidiable y cuya historia discográfica comienza en 1987, cuando editaron Sonic Flower Groove, da señales de gozar de una enorme vitalidad. Beautiful Future (Atlantic, 08) es prueba irrefutable de que tienen un amplio panorama por delante. Quizá sus adorados Stones les hayan compartido un sorbo del elixir de la eterna juventud o tengan pacto con el diablo. Cualquiera que sea la verdadera razón, el caso es que Primal Scream sigue dando ejemplo de cómo se rockea duro a las nuevas generaciones. M

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TXT :: Benjamín Acosta.

FOT :: Cortesía EMI Music.

Tanto los integrantes de Coldplay como de Muse coinciden en colocarlo en el estante de lo más selecto en toda la historia del rock. Después de poco más de una década, The Verve reaparece en medio de una aparente reconciliación, dejando en el pasado la serie de sinsabores que los llevaron a la inminente ruptura.

Dicen que origen es destino y al descartar toda excepción quizás no sea casualidad que The Verve se haya formado en Wigan, ciudad inglesa ubicada en el noroeste de la isla, justo en medio de Liverpool y Manchester, ciudades musicales por antonomasia.

“Había cortinas negras en las cuatro paredes, un cielo raso bajo de poliestireno estilo años 70’, una alfombra húmeda y raída”, recuerda el bajista Simon Jones acerca de los primeros días donde la improvisación llevó la batuta en aquellas sesiones en la diminuta y desvencijada sala de ensayo en su ciudad natal.

Quizás tampoco resulta una coincidencia que su obra sea dosificada mediante una discografía escasa e interrumpida de manera abrupta tras la salida de su mayor éxito: “Bitter Sweet Symphony”, tema convertido en el estandarte del grupo y que aparece en Urban Hymns (1997), mismo que hasta ahora resulta ser el más célebre de la banda.

Discografia:

Por lo que atravesaba el grupo en aquel entonces se equipara a uno de esos flechazos cuya puntería significa prácticamente un acto suicida. Un título premonitorio que apareció en el cielo nebuloso de The Verve trayendo consigo justo esa sensación agridulce. Por un lado, consiguieron no sólo posicionarse de forma inmejorable en los competidos charts británicos, sino que también habían permeado en las listas estadounidenses. Mientras que del otro lado de la balanza aparecía el reclamo de quienes habían compuesto una parte crucial para la existencia de esta canción y que sin ella carecería del toque de distinción que le otorga esa personalidad tan avasalladora como el arrogante caminar de su vocalista Richard Ashcroft, sobre una acera en la que nada ni nadie interrumpe su marcha.

La demanda por derechos de autor contra The Verve, encabezada por los aún más petulantes abogados de Mick Jagger y Keith Richards por haber usado “más de la cuenta” la base melódica de la stoniana “The Last Time”, trae consigo perdidas totales para el grupo. Ya antes el sello discográfico Verve (un sello norteamericano especializado en jazz), les había obligado a incluir el “The” para evitar la supuesta usurpación de una marca registrada.

Entonces aquel poético título de A Storm in Heaven, como se llamó su álbum debut editado en 1993, significó una especie de profecía donde el infortunio es la puerta de acceso. Que Urban Hymns se haya convertido en uno de los discos británicos de mayores y más rápidas ventas en toda la historia y ser la banda más importante en aquella entrega de los Brit Awards (como mejor grupo sobre Radiohead y Oasis), tuvo como amarga recompensa un escurridizo y polémico éxito simultáneo hacia discusiones internas que flagelaron el orgullo de la banda hasta despedazarla.

Albums de Estudio

A Storm In Heaven 1993 Virgin

A Northern Soul 1995 Virgin

Urban Myths 1997 Virgin

Forth 2008 Emi

Tal como Martin Clarke en el libro The Verve: Crazed Highs and Horrible Lows, recapitula la tortuosa montaña rusa que el cuarteto recorría buscando el fin de esas pendientes nauseabundas y vertiginosas curvas, en contraste con los días felices en ese terruño llamado Wigan. “Recuerdo haber sacado todo lo que pude de esa ciudad durante veinte años”. afirma Ashcroft. “En vez de andar peleando por ahí, como el resto, nos quedábamos bebiendo juntos toda la noche, soñando. Me sentía como un camello que llena su joroba antes de atravesar el desierto (…) Quería conocerlo todo, de Miles Davis a Burt Bacharach, de Boulez a Parliament... Eso nos permitió sacarnos de encima muchas barreras innecesarias y encontrarnos con un gigantesco espacio a nuestra disposición. Conozco las ventajas de poder citar al mismo tiempo a Abba, Coltrane y los Stooges”.

Larga noche en el limbo El periodo de gracia sería considerable y como una estela difuminada aparece en la distancia ese parteaguas entre la llamada neopsicodelia justo a la mitad de los años noventa. Antes que Ashcroft y el guitarrista Nick McCabe terminaran por dinamitar al grupo, en medio de diferencias motivadas por el clásico capricho egocéntrico, que a su vez transitaban por la delgada línea trazada por las drogas. Al final, el acto acrobático falló y una canción se sumaba a este hábito casi espontáneo en su historia: titular con frases que reflejan una realidad, la propia. Ashcroft cantaba “The Drugs Don´t Work”, balada que se transforma en un clásico casi instantáneo. El final de esa década marcaba también el término de la existencia de The Verve en ese momento. Todo simplemente dejó de funcionar y la intensidad cambia de dirección hasta hacerlos perder el control. Esa primera reconciliación entre McCabe y el delgado cantante tuvo la fugacidad de todo resplandor proyectando un mito que logra vender más de seis millones de copias.

Tierra a la vista Para llegar a Forth (EMI, 2008), su primer disco en once años, Ashcroft grabó antes tres trabajos como solista, siendo su debut Alone With Everybody

(2000) en el que continuaría con esos títulos que plantean la perspectiva en tiempo presente. Human Conditions y Keys to the World son los siguientes escalones hacia lo que sería el inesperado regreso de una banda que no sería la misma sin el diálogo creativo que establece con Nick McCabe. Precisamente al guitarrista se le notó entusiasta durante el día en que The Verve estelarizó uno de los escenarios durante la pasada edición del festival Coahella. En entrevista para NME, McCabe hablaba de las nuevas canciones, siendo su primer sencillo “Love is Noise” uno de los estrenos que ofrecian a la expectante audiencia. Indicó que además de tener un sonido más “diverso”, Forth tiene la peculiaridad de poseer un toque que recuerda los inicios del grupo, “más básico y sin tener que considerarse britpop”. Y justo, de acuerdo con el músico, es el resultado de volver a jammear, esa improvisación que estuvo de vuelta durante las primeras sesiones de ensayo. Como cuando el deseo regresa después de la separación prolongada de febriles amantes. No en vano la primera prueba de su reunión fue un track de 14 minutos: “The Thaw Session”, que viajó a través de Internet para dar una idea de lo que el grupo tramaba en un estudio de Londres.

Además, la salida de Forth es estratégica en los términos que indican los festivales de verano, con la banda presentándose en una decena.

Encabezando en Glastonbury –experiencia calificada por McCabe como “reveladora” en la justa medida de haberlo disfrutado al tope– aunque cancelando en el Italia Wave Festival a causa de una faringitis que aquejó a Ashcroft.

El cuarteto original, con Simon Jones en el bajo y el baterista Peter Salisbury, presenta además un sitio renovado, como es obvio en estes casos. En theverve.com es posible recorrer la historia de un grupo con un karma especial de altibajos que parece continuar aunque insistan en su resistencia.

Mientras tanto, canciones como la inicial “Sit and Wonder”, “Judas”, “Noise Epic” y “Valium Skies”, indican las nuevas coordenadas que The Verve consiguió ubicar después de un prolongado naufragio. M

The Verve. Psicodelia para volarte la cabeza TXT:: Larissa Carpinteyro Fue en 1995 cuando “History” y “This is music” me volaron la cabeza, no podía creer lo que estaba escuchando, ese sonido de guitarra era como si se tratara de un desaparecido Syd Barrett, como si hubiera recuperado todo el tiempo perdido y lo estuviera usando todo de golpe de una vez. Tenía que saber más, tenía que tener todo lo que hubiera de esta banda, ¿quiénes eran?, ¿de dónde venían? y ¿qué demonios era eso que estaba escuchando?... bueno pues se trataba de la banda originaria de Wigan: The Verve. En esos momentos sentí como si la psicodelia estuviera de regreso, como si no fuera necesario tener que ingerir grandes dosis de ácidos para sentirte súper puesto.

Luego, dos años más tarde, un día escuchando la radio sonó “Bittersweet Symphony” y entonces supe que estaban de regreso. Desgraciadamente en ese momento, no por mucho tiempo. Tenía que verlos en vivo antes de que cualquier cosa sucediera, así que fui a verlos a Los Ángeles a un lugar en Annaheim, y definitivamente me volvieron a volar la cabeza, por segunda ocasión, sin Nick McCabe en la guitarra, sólo eran Ashcroft, Tong, Salsbury y Jones, ¡pero cómo demonios sonaban!

Eps

Compilaciones:

No Come Down 1994 Vernon Yard

Meses después The Verve se separó para siempre... (supuestamente), por suerte para mí con este boom de las reuniones entre bandas, este año se volvieron a juntar, y en verdad que es de las noticias que más feliz me ha hecho en mucho tiempo, iba a tener nuevamente la oportunidad de verlos en vivo, ahora en Coachella. Y pese a lo que muchos puedan opinar, para mí fue uno de los mejores actos en vivo de este Coachella, ver a Richard Ashcroft entregado a un público, pero con ese desenfado que lo caracteriza, y ahora sí con su alineación original junto al desquiciado Nick McCabe haciendo lo que mejor sabe hacer: tocar la guitarra reviviendo, las añoranzas de una psicodelia perdida, y con Salsbury y Jones completando al The Verve original y con la química que siempre desbordaron, ¿luego?... pues me volvieron a volar la cabeza, esta vez en pedacitos. No se trataba de la banda que tuvo un hit en los noventas, sino de una de las bandas que marcaron la década entera, y si les queda alguna duda nada más hace falta tomarse la molestia de escuchar completos: A storm in Heaven, No come down (EP), A northern Soul y Urban Hymns, de preferencia en ese orden.

A mí, sólo me resta dar las gracias de que están de regreso nuevamente, y esperar con ansias para escuchar completito su nuevo material de estudio: Forth.

This Is Music: The Singles 92-98 2004 Emi

Verve 1992 Vernon Yard

Five By Five 1997 Hut

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Jools Holland vocero de la diversidad musical TXT:: Francisco Zamudio.

Desde que Jimmy Savile dirigiera la primera emisión de Top Of The Pops en diciembre de 1964, el mundo de los programas de variedades en Inglaterra ha visto pasar frente a sus pantallas a verdaderas figuras de la conducción. Y de entre todas ellas, existe una que ya puso los cimientos necesarios para convertirse en leyenda. Él lleva las riendas de un espacio televisivo donde se fomenta la diversidad sonora desde hace 15 años, bajo un apelativo de sobra conocido en las ondas hertzianas inglesas: Later… With Jools Holland.

Antes del éxito en TV

Los primeros 15 años

A diferencia de otros conductores televisivos o radiofónicos como Tim Kash, John Peel o el propio Savile; Julian Miles “Jools” Holland posee un background profesional en la música. Nacido el 24 de enero de 1958 en Londres, Inglaterra, ya tocaba el piano desde los 8 años, y para los 16 fue el tecladista fundador de Squeeze, una agrupación de new-wave. Con el grupo grabó tres álbumes en su primera época, y saboreó las mieles de las listas de popularidad gracias a “Take me I’m yours”, “Bang bang”, “Pulling mussels (from the shell)”, donde aportó un memorable solo de piano, y “Cool for cats”, entre otros temas.

En 1978 ya había grabado un EP en solitario, Boggie Woogie ’78, en el cual dejaba escapar su pasión por el R&B, el jazz, y el boogie-woogie. Hacia 1981 fundó un sexteto de corta vida llamado Jools Holland & His Millionaires, para finalmente, y salvo un regreso a Squeeze entre 1985 y el 90, editar otros trabajos firmados solamente con su pluma. Fue en aquella época, en 1984, cuando recibió su primera oportunidad como co-conductor de The Tube, al lado de la malograda Paula Yates (la esposa de Bob Geldof y Michael Hutchence, muerta de una sobredosis de heroína el 17 de septiembre del 2000).

Ahí conoció las entretelas del mundo del espectáculo y el show business relacionado con los intereses del estado. Un buen día de 1987, en uno de los promocionales del show transmitido en horario familiar, se le ocurrió decir: Come on and watch The Tube, you groovy fuckers, con lo cual originó un escándalo nacional y, por supuesto, la posterior desaparición del programa. Su recién adquirida “mala fama” lo hizo refugiarse en Estados Unidos, donde se unió a David Sanborn entre 1988 y el 90, en la co-conducción de Sunday Night, espacio que se caracterizó por desplegar una amplia multiplicidad de sonidos.

Mientras viejos clips audiovisuales de líderes del jazz tipo Thelonious Monk, Dave Brubeck o Billie Holliday eran presentados, una amplia paleta sónica dibujaba el lienzo necesario para que Pere Ubu compartiera tiempo-aire con Slim Gaillar, Joe Sample, Sister Carol, Sonic Youth, Milton Nascimento, Carlos Santana, Al Jarreau e infinidad de propuestas más. Sin contar por supuesto la música de la banda de casa compuesta por Omar Hakim en la batería, Marcus Miller al bajo, Philippe Saisse en los teclados, David Sanborn en el saxofón, Hiram Bullock en la guitarra y el propio Holland frente al piano.

15 años de superposiciones rítmicas

La desaparición de Sunday Night demostró que las audiencias en USA no estaban preparadas para ir de la bossa nova al noise, del rock al jazz y de regreso, en una sola exhibición. Pero la fórmula estaba ahí, lista para ser usada con mejores dividendos. Así se lo hizo saber Holland a la BBC, quien en 1992 le autorizó la aparición de Later… Live With Jools Holland, auténtica punta de lanza para explicar en vivo y a todo color que sobre un pentagrama “todos estamos conectados”, tal cual propuso en 1929 el escritor, poeta y periodista húngaro Frigyes Karinthy con su Teoría de los 6 Grados.

Si “cualquier persona en el planeta tierra, puede estar conectada a cualquier otro ser humano dentro del globo terráqueo, a través de una cadena de conocidos que no tiene más de cuatro intermediarios”, según planteó Karinthy, es muy cierto que con los sonidos pasa igual. Por eso, uno de los rituales más celebrados por Holland en su show es el jam session donde invita a participar a todos sus huéspedes, con resultados muchas veces insospechados. Tan insólitos como su propia permanencia al aire, misma que cumplió tres lustros de mezclar personalidades sónicas en un mismo crisol. ¿Nombres? La lista es muy grande: De Los De Abajo a los Kaiser Chiefs; de Manu Chao a Radiohead; de Metallica a Jimmy Cliff; de Ojos de Brujo a Emmylou Harris; de James Taylor a Liza Minelli, del Buena Vista Social Club a La Maldita Vecindad (de quien los Kinks por cierto, dijeron que eran “Los nuevos The Clash).

Más de 400 grupos, ideas, visiones, formas y estilos han circulado bajo su batuta. Por eso, a década y media de enseñarle al mundo que las superposiciones rítmicas se ajustan perfectamente al modelo de “la Aldea Global”, era necesario extender el festejo hasta un formato de almacenamiento.

A la par de un DVD intitulado Later With Jools Holland: The First 15 Years, apareció también un álbum doble con 39 segmentos de un rompecabezas conocido simplemente bajo el mote de Later… Live with Jools Holland. Los Arctic Monkeys con “Brianstorm” son los primeros en extender el libro melódico donde la nueva reina del soul, esa delgada y drogadicta mujer blanca que canta y embelesa cual si fuera afroamericana, Amy Winehouse, se presenta a través de “Tears dry on their own”, junto con el pretendido heredero de las glorias tonales de Freddie Mercury, Mika, quien ofrece su hit “Grace Kelly”.

El clima acústico que Adele traza con “Daydreamer” es continuado por Richard Hawley en “Valentine” y Scott Mattews con su “Dream song”. La sensación brasileña del dance-rock Cansei de Ser Sexy, llega con “Let’s make love and listen to”, y prepara el final del capítulo I, al lado de los cantautores Damián Rice, irlandés, y King Creosote, escocés, justo para que una de las mejores agrupaciones británicas de la última década, Muse, proporcione un épico y cabalgante cierre con “Knights of Cydonia”.

Fiel a su costumbre de tocar de vez en vez con sus invitados, el segundo volumen de este álbum conmemorativo abre con The White Stripes y el propio Holland con una reversión a “Mr. Doorbell”, para enseguida presentar a Duffy, una adolescente comparada en ocasiones con Petula Clark y Dusty Springfield, hace equipo con su productor Bernard Butler, uno de los mejores guitarristas de su generación, miembro de Suede, con una canción que obedece al nombre de “Rockferry”.

Otros sonidos son ejemplificados aquí lo mismo por José González (“Heartbeats”), que por Mutya Buena, la ex Sugababes que dejó el teen pop por una rítmica combinación de R&B y soul, tal cual se escucha en “Just a little bit”. Por supuesto, el rock no podía faltar: Keane (“Crystal ball”), The Kings Of Leon (“The bucket”), The Strokes (“Last nite”), Green Day (“American idiot”) y los encargados de cerrar el álbum, Kasabian (“Empire”), por mencionar algunos, fueron acreditados para esparcir la pócima de distorsión y energía que un material discográfico de naturaleza tan variada y ecléctica se merece. ¿Habrá fiesta para los siguientes 15? En realidad ni el propio Holland, flamante Oficial Del Imperio Británico desde el 2003, puede saberlo. No obstante, si Top Of The Pops, poseedor de un formato mucho más cerrado, mantuvo la preferencia del público durante 42 años, es probable que Jools continúe engalanando la pantalla chica (como lo hizo alguna vez en México a través del Canal 11), por un periodo de tiempo, hasta ahora indefinido. Que así sea. M

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Mike Patton La locura hecha voz

Si hay alguien en la escena musical que merece el trono a la diversidad, ese es Mike Patton. El intérprete californiano no sólo es (junto con la desaparecida agrupación Faith No More), un parteaguas en el rock de la década de los 80s y 90s, sino el creador de un estilo vocal que influyó en el mal llamado género del nu metal (atributo que por cierto, el intérprete detesta). De ahí que figuras de esa vertiente musical como Chino Moreno (Deftones), Jonathan Davis (Korn) y Fred Durst (Limp Bizkit), y otras como el mismísimo líder de Tool, Maynard James Keenan (con un enfoque más hacia el rock progresivo), reconozcan a Mike Patton como una de sus influencias vocales más grandes.

Las historias son múltiples, pero destaca aquella en la que Patton declaró en un concierto en Hamburgo: “Ayer vi por la mañana a Axl Rose y traía un chorro de esperma seco en sus labios, y adivinen de quién era.

El esperma era mío y él se lo comió todo (risas)”. En realidad, Mike detesta aquella etapa de Faith No More como telonero de Guns N’ Roses.

TXT:: Natalia Cano. FOT:: www.ipecac.com

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Gracias a esa desquiciada presencia escénica y dote ecléctico, que le permite fusionar el heavy metal con el funk, el jazz, el trip hop y la música experimental, Patton ha revolucionado de tal forma la escena, que incluso en algunas tiendas de discos en Estados Unidos existe una clasificación en su honor: “Mike Patton Music”. Basta enumerar los múltiples proyectos en los que el virtuoso vocalista ha participado: Mr. Bungle, Faith No More, Fantômas (banda con la que actuó en el Distrito Federal hace unos cuatro años), Tomahawk, Maldoror, Lovage, Peeping Tom, General Patton vs. The X-Ecutioners, Kaada/Patton, y más recientemente Mondo Cane y Crudo, mismos que le han merecido la admiración de los melómanos más exigentes, y la crítica especializada.

Además están sus participaciones con figuras de la talla de John Zorn, Björk, Dan The Automator, Rahzel, Massive Attack, Norah Jones, John Erik Kaada, Bebel Gilberto, Dillinger Escape Plan, Team Sleep, Sepultura y The Melvins, por mencionar algunas. Recientemente, el artista realizó la banda sonora de la cinta A Perfect Place, que fue editada bajo su sello Ipecac, además de haber aportado su valiosa voz a los personajes “infectados” de la cinta Soy leyenda. Lo más curioso es que Mike Patton no sabe escribir música, pero sí tiene todo en la cabeza, y siempre en el tono perfecto, tal como lo señala el percusionista Winant (quien ha trabajado con John Cage, John Zorn, Danny Elfman y Sonic Youth) en un artículo escrito por Katy St. Clair: “Puede oír las cosas e inmediatamente cantarlas. Y lo más asombroso es que es totalmente autodidacta”.

El virtuosismo vocal y de composición con que fue dotado Patton se conjunta con esa actitud de maniaco-esquizoide que lo ha caracterizado desde su incursión en la música, a los 17 años, con su primer grupo, Mr. Bungle. Dicha agrupación fungió como la escuela perfecta para que Mike desarrollara su habilidad como intérprete, además de realizar experimentos con cadenas de palabras inventadas y ruidos, para luego darles vida propia.

A los 21 años, Patton enfrentó un reto que en ese momento le pareció interesante: integrarse como vocalista a Faith No More. Mike ha declarado en diversas ocasiones que quizá lo que más le atrajo de unirse a la banda fue hacer música que nunca había hecho. Contrario a lo que se pensó tras la incursión de Patton a Faith No More, el sello experimental de Mr. Bungle se trasladó a esta segunda banda. Prueba fehaciente de ello es el sonido “bungleolesco” que adquirió el disco The Real Thing, que a 19 años de su nacimiento (los cumplió el 20 de junio), aún mantiene esa frescura y actualidad que contados álbumes logran.

Adicto a la cafeína, y al trabajo, el vocalista devora música todo el tiempo. El guitarrista Buzz Osbourne (The Melvins) recuerda que Mike tiene una extraña forma de procesar las canciones: “Escucha la música, pero mueve los labios recitando letras distintas a las que puedes oír por sus audífonos”.

Ello, sin mencionar que el cantante mantiene los ojos abiertos y habla mientras duerme. Durante la reciente visita del grupo japonés Melt Banana a la

ciudad de México –banda de la que Patton se declara fan, y que ha compartido el escenario con Mr. Bungle, Tomahawk y Fantômas– también la cantante Yasuko O se refirió a Patton como “un hombre muy divertido e hiperactivo, ¡se mantiene despierto las 24 horas!”.

“La fama es como ir a Las Vegas”

Para Mike Patton, el buen humor es imprescindible para controlar la fama, sobre todo cuando llega a ser autodestructiva para muchas estrellas de rock: “La fama es como ir a Las Vegas. Eso es. Y si no puedes reírte antes que nada de ti mismo, entonces estás jodido. Y cuando atraviesas esa parte, es hilarante”, declaró el artista hace unos años, en una entrevista.

Además de la ironía, la polémica es otro mundo que Patton conoce bien. Cabe recordar algunas anécdotas que han puesto al intérprete en el ojo del huracán.

Las historias son múltiples, pero destaca aquella en la que Patton declaró en un concierto en Hamburgo: “Ayer vi por la mañana a Axl Rose y traía un chorro de esperma seco en sus labios, y adivinen de quién era.

El esperma era mío y él se lo comió todo (risas)”. En realidad, Mike detesta aquella etapa de Faith No More como telonero de Guns N’ Roses.

Ante tal provocación, el líder de Guns N’ Roses (con quien Faith No More hizo gira, además de Metallica) disculpó públicamente al intérprete, y dijo que entendía su actitud, pues según él, a veces los vocalistas se estresan de más.También es memorable cuando durante su época con Mr. Bungle (en un concierto con Primus), Patton orinó dentro de una bota que alguien del público le lanzó, y luego bebió el contenido mientras daba una pequeña felicitación de año nuevo a sus fans: “Salud a todos y feliz año nuevo, hijos de put…”. Luego, el intérprete se golpeó la cabeza con el micrófono, y tuvieron que llevarlo al hospital.

Su compañero de aventuras extremas, Buzz Osbourne cuenta en el mismo artículo de Katy St. Clair una peculiar anécdota, ocurrida durante un viaje a Tijuana: “Estábamos allá, ya sabes, fiesteando en Tijuana, y le sacamos la mierda a un travesti.

Mike llevaba un viaje de ácido, afortunadamente yo no, y pude sacarlo por la frontera.”

Al libro de anécdotas se une la que ocurrió en México, cuando Patton y Osbourne visitaron el Distrito Federal, en donde ofrecieron un concierto con Fantômas: ambos personajes fueron al barrio bravo de Tepito para adquirir pornografía. Un muchacho que presenció esa extraña visita al lugar narra que los músicos se llevaron una torre de discos. “Aquí nos dejaron las cajitas porque dijeron que, de lo contrario, no podrían pasar los DVDs por la aduana”. M

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TODO ES POSIBLE Apuntes sobre Lollapalooza 2008.

Más que un festival musical, una cultura emergente.

TXT:: Adrían Orozco. FOT:: cortesía Lollapalooza.

Chicago en verano es un caos: temperaturas altas, embotellamientos, contaminación, accidentes, crímenes y no hay vigilantes como Batman (tal referencia se veía venir).

La cordura se pierde en una ciudad donde el tiempo parece no avanzar y al final de la semana no tomar un par de cervezas podría empeorar la situación. Y como en cualquier otra ciudad, ir al centro es una necesidad, entretenimiento al por mayor...

Grant Park es un lugar turístico y a pesar de eso suele ser un lugar medianamente tranquilo, de Millenium Park al Field Museum, por donde los paseantes, ciclistas y corredores

convergen, y donde de igual forma convergen las corrientes artísticas del mundo: funciones cinematográficas al aire libre, exposiciones, festivales y por supuesto el tema de nuestra atención, Lollapalooza.

Por lo tanto para Grant Park, pasar de un estado sosegado a uno caótico, a uno catártico debe, ser realmente difícil. Principalmente para la gente que circula a diario por ahí y tiene que encontrar medios alternativos de transporte. Para el gobierno representa hacer un plan casi imposible para los 3 días, dejando ver un despliegue impresionante de autoridades, incluyen-

do policía montada y motorizada así como de mano de obra para construir Lollapalooza. Después de todo, Lolla sí se construyó en un día.

zar a miles de voluntarios, seguridad y sobre todo paramédicos que puedan brindar atención médica al instante por todo Grant Park.

Una de las principales razones de por qué la mayoría de los festivales se hacen a las afueras de la ciudad, es por los bajos costos y menores probabilidades de fracaso. Pero para Perry Farrell no hay imposibles y el instalar un festival de tal magnitud en el corazón de una ciudad como Chicago no es tarea fácil: requiere cerrar ciertas arterias como Columbus Drive y embotellar otras como Michigan Avenue, contratar y despla-

El sol comienza a salir y el parque luce hermoso, la arquitectura a la France tiene un aire engreído y las estaciones de tren que conforman el loop a lo largo de los edificios en el centro, comienzan

Todo vale con tal de ver a

Radiohead

The Raconteurs

Nine Inch Nails

Wilco

Stephen Malkmus & The Jicks

a escupir gente de diferentes puntos de la ciudad. Sólo los afortunados con dinero para derrochar pueden obtener una vista formidable en el Congress Hotel, cual Jack L. Whitman, pero en el Hotel Concorde La Fayette. Miles de personas se encaminan en una sola dirección, la Fuente de Clarence Buckingham que majestuosamente impone con sus chorros de agua que se elevan hasta los 45 metros, misma que es el corazón de Lollapaloza y sus 8 escenarios: Bud Light y AT&T como principales, Playstation 3, BMI, Citi, MySpace, Kidz, y la incursión del escenario electrónico Perry’s.

Más de 100 bandas por escuchar en 3 días. ¿Cuántas realmente se termina viendo? Los precios son exorbitantes, aunque no tanto como los de otros festivales. Pero seamos sinceros, toda esta excentricidad, emoción, sensación y pretensión del momento no viene al caso porque nos guste sudar o sufrir en las interminables filas... todos los festivales son iguales, no importa si Jesucristo va a hacer una aparición especial. Aunque si

lo hiciera, convertiría el agua de los bebederos en cerveza. Pero eso no sucederá. Entonces, por más que alguien presuma que fue a 20 festivales en un año, prácticamente estuvo en un loop, viviendo un constante deja vú. ¿Vale la pena ir a ver a tantas bandas por un setlist tan corto y un sonido medianamente bueno?

Mucha ingestión, pésima digestión y nula asimilación de los hechos. ¿Cuál es la razón para seguirlo haciendo?

Todos los festivales se ven reducidos a una sola premisa: experiencias. Las tendencias, por ciertos movimientos desvanecen las diferencias culturales y las barreras lingüísticas, como lo es en este caso, la música per se. Las experiencias emergen de ese lugar tan común y a la vez tan especial, que comienza a crear memorias en cada uno de los que pisan un evento aún antes de que tome forma. Disfrutar de Lolla con los amigos es necesario. Hacerlo solo no es una opción, porque compartir es pieza clave, de lo contrario no se pueden crear las experiencias, esas memorias al final del viaje se vuelven borrosas.

Kanye West

Recuerdas Bonnaroo? Olvida a Kanye Si Jesucristo aparece, convertira el agua de los bebederos en cerveza.

Para el día 1 los ánimos ya se encontraban más arriba de lo esperado, las expectativas realmente altas y Stephen Malkmus (quien había terminado uno de los mejores sets en Lolla con su banda The Jicks) me decía: “Estás a punto de ver un gran espectáculo...” Y sin duda lo dieron por 2 horas, pasando por todas sus etapas, y afortunadamente dejando afuera “Creep” y desgraciadamente “Knives Out”. Dominique es oriunda de Chicago, tiene 25 años y es fotógrafa, vive a 15 minutos de Grant Park y para ella ir ahí es cosa de todos los días. “Ver a Radiohead hace un par de años y verlos de regreso y mejor que nunca me dejó con la piel erizada y una sensación tan hermosa por dentro que no se me va a olvidar...” Claro que Dominique no ha tenido que viajar miles de kilómetros para ver a Radiohead, sino caminar a su coche y manejar unas cuantas canciones del OK Computer.

Para Bernardo Cabello es totalmente diferente ya que tuvo que viajar de la Ciudad de México a Tucson, donde

vive una parte de su familia y de ahí a Chicago, haciendo una escala inesperada en St. Louis, Missouri, retrasándose un par de horas. Ya estando en el aeropuerto O’Hare, comenzó la pesadilla: una hora y media en tren hasta el loop y de ahí la odisea de buscar alojamiento en algún hotel de las zonas aledañas... sin éxito. Bernardo tuvo que ir al festival con su gran mochila acompañándolo y sin amigos alrededor. “Me sentía triste porque no tenía a ningún amigo cerca para compartir la emoción de estar viendo a Radiohead.” Probablemente las explosiones en el cielo provocadas por los fuegos artificiales lo pusieron sentimental.

Todo era conmoción el primer día, Radiohead el culpable. Stephen Malkmus le decía al público: “no somos Radiohead, pero esperamos les guste el show”. Para el día 2 todos hablaban de lo geniales que habían estado, tanto artistas como audiencia.

Aunque ya para ese día, otro gran evento se anticipaba, Rage Against the Machine, irónicamente situados en el escenario AT&T. Anthony es de la costa oeste de los Estados Unidos,

Disfrutar de Lolla con los amigos es necesario. Hacerlo solo no es una opción, porque compartir es pieza clave, de lo contrario no se pueden crear las experiencias, esas memorias al final del viaje se vuelven borrosas.

Rage Against the Machine

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al otro extremo de donde se encuentra Chicago, tiene 24 años y sólo sabe que la música lo guía en tiempos obscuros. La música no salva más que del silencio, ya lo decían los Piano Magic, pero es cierto también que la música funciona como válvula de escape de la rutina y del caos. A Anthony no le importó gastar sus ahorros y tener que regresar a California sin un centavo, pidiendo aventón, porque ver en vivo a Rage Against the Machine le hace sentir afortunado y poder compartirlo con su pequeño primo lo hace aún más feliz.

Rage Against the Machine Radiohead

Wilco tocaba en un extremo de Grant Park, un mensaje aparecía en el celular de un conocido, “Rage Against the Machine paró de tocar...”. Lo único que podía pensar en ese momento era en Anthony y su confusión ante la incertidumbre de los hechos... Momentos después, cuando finalizó el concierto, mis amigos regresaban para contarnos los hechos cual teoría del asesinato a John F. Kennedy: “RATM paró su show en ‘People of the Sun’ ya que la situación hasta adelante estaba subida de tono. Como un estallido de violencia, mucha gente salía herida, inconsciente, chicas semidesnudas, los empujones estaban a punto de ser mortales, el clima era cruel y provocaba que muchos cayeran, creando oleadas de gente aplastada, aplastando a otra.” Y en ese momento pensaba en el contraste más que evidente entre la audiencia de Wilco y de RATM; el ambiente campirano de un lado, con familias disfrutando de la canción “Jesus, etc.” en un picnic veraniego a las 9 de la noche y por otro lado Anthony y Bernardo sacando su furia como si fueran adolescentes en el juego interminable del slam en “Know your Enemy”.

La música une al mundo: diferentes culturas, géneros musicales y moda convergiendo en un sólo lugar y con toda esta diversidad que definitivamente es imposible tolerar. Un grupo de gente de color repartía panfletos que mostraban la cara de Kanye West con un signo de prohibido y en el que se leía: “¿Recuerdas Bonnaroo? Olvida a Kanye”. Esto ocasionado por el incidente suscitado en el festival Bonnaroo donde salió con dos horas de retraso. De acuerdo con este grupo, a Mr. West le importa un bledo su séquito de fans y sólo se preocupa por su dinero. Otra chica aseguraba que no valía la pena ver a Kanye porque los hippies no son de su agrado, pero ¿de quién lo son realmente? Lo que verdaderamente importa aquí es que Kanye nos hizo creer que todo es posible, nos dio esperanza, porque la música tiene que hacerte sentir bien. Y a pesar de que se rumoraba una presentación estelar de Obama, al final no sucedió y a nadie pareció importarle porque Kanye West estuvo ahí predicando sus viejos y nuevos textos con su banda de apoyo y los DJs que no eran Daft Punk.

Al final del día 3, las inclemencias del tiempo hicieron que la gente se retirara del lugar después de un loco fin de semana en la ciudad de los vientos. Poco a poco el parque dejaba ver el daño que le habían ocasionado. Sería difícil regresar a la normalidad en un sólo día, pero hay que creer que se puede lograr. De nueva cuenta el desplazamiento de cientos de personas para hacer arder ahora a Lolla es más notorio en la madrugada. Al día siguiente los estragos no son tan evidentes en el parque y la gente deja sus hoteles para regresar a sus lugares de origen, no sin antes llevarse un gran regalo de la madre naturaleza: retrasos en todos los vuelos por amenazas de tornados.

Bernardo tenía su vuelo contemplado a las 5 de la tarde hacia Tucson, con conexión en Denver, pero se vio demorado por 5 horas, perdiendo su vuelo de conexión a su destino final y obligado a esperar 15 horas en el aeropuerto en un lugar completamente desconocido. Pero al menos su frase reconforta: “valió totalmente la pena el sacrificio...” M

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Asesinos

de la diversidad hhh h h h h h h S h h S h S h h h S S Shhh h Shhh h h h h Sh h h h S h TXT:: Chico Migraña

TXT:: Chico Migraña.

Cuando la diversidad es palabra de moda, cuesta trabajo entender algunas situaciones que atentan precisamente en contra de ella. Se puede entender y se debe respetar que un país, por decisión propia, instaure tanto un régimen religioso como oficial. Sucede en todo el mundo y la parte occidental de este globo terráqueo no es la excepción. Sin embargo, una cosa es el respeto a las ideologías ajenas y otra muy distinta es la censura. En la diversidad está la riqueza de la humanidad, pero cuando es vulnerada, el camino hacia el odio y la violencia es mucho más directo.

Polonia es un país enraizado en la religión católica. Hasta ahí todo bien. El problema surge cuando en el nombre de esa misma fe se cometen atropellos en contra de la libertad de expresión, particularmente cuando se censura a bandas de rock y metal por el capricho y falta de lucidez de una sola persona. En ese país, azotado durante la Segunda Guerra Mundial por los Nazis, hoy existen grupos y asociaciones que atentan flagrantemente contra el derecho a disentir. Se entiende que su código penal tiene una referencia explícita sobre el tema que dice textualmente: “Cualquiera que ofenda los sentimientos religiosos de otras personas al ultrajar en público algún objeto de adoración religiosa o algún lugar dedicado a la celebración pública de rituales religiosos, será objeto de una multa, la pena de restricción de la libertad o la pena de privación de la libertad por hasta dos años”.

Perfecto, en Polonia está prohibido atacar una iglesia por ejemplo; desgarrar una Biblia podría ser una ofensa criminal. Pero, ¿qué sucede cuando dentro de un ambiente controlado, digamos un club o anfiteatro o cualquier inmueble de uso no religioso se lleva a cabo un concierto de metal? Las probabilidades de que se hable en contra de la religión son muchas, pero el contexto de un concierto así es muy particular. Si al irrumpir en una iglesia y blasfemar se comete un delito, asistir a un concierto de rock duro sin ser partidario del género, nada más por ver si sucede algo contrario a la fe que sea (en este caso concreto la católica), se genera una provocación.

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57 En el país centro europeo existe un All Polish Committee for Defense Against Sects (Comité Polaco por la Defensa en contra de Sectas), liderado por la controversial figura de Ryszard Nowak. Nowak es miembro del partido Ley y Justicia polaco y desde hace algún tiempo creó una lista de bandas de rock y metal que promueven el satanismo y valores negativos en general. Su listado se difundió entre varios jerarcas del gobierno polaco, pero nunca se hizo público. El fin último de dicha lista es prohibir presentaciones en vivo de las bandas indiciadas. ¿Diversidad? Nunca, eso está prohibido. Hacer metal es sinónimo de delincuencia y por tanto, se debe prohibir. Resulta triste porque el pueblo polaco tiene tanto derecho a tener variedad en las propuestas de entretenimiento como cualquier otro. Hace un par de meses el ataque se dirigió en contra del grupo portugués Moonspell, acusado de abogar en sus letras por el sacrificio de animales y seres humanos. Fernando Ribeiro, cantante y letrista de la banda, persona culta y bien preparada que además trabaja como traductor de libros de Ciencia Ficción contestó los ataques. En un punto de su breve carta expresó que “Obviamente no me convertiré hacia la hipocresía cristiana por un festival (la presentación que pretendieron censurarles era dentro del marco del HunterFest, en Szcyytno, Polonia); mis creencias son mucho más profundas que eso. Creo firmemente que los fans no se quedarán en casa a causa de estas advertencias. A título personal quiero expresar mi preocupación y sorpresa de que este tipo de cosas sucedan en Polonia, un país tan violentamente castigado por el fascismo y el comunismo en años pasados”.

Todo esto viene a colación por una serie de leyes y propuestas de ley destinadas a frenar la expansión de sectas y cultos en Polonia. La cualidad más importante para las autoridades en dicho país referente a las sectas es su “destructividad”.

De ahí se derivan muchas divisiones, sin embargo, la referente a las nuevas religiones tiene algunos puntos a destacar: se puede considerar secta a grupos cristianos que creen que están terminando la misión de Jesús o que se consideran “verdaderos cristianos” en contraste por ejemplo con los católicos tradicionales; grupos religiosos foráneos como Budistas, Hinduistas e Islamistas; grupos establecidos en torno a la visión de un particular (los Davidianos texanos por ejemplo); satanistas, mismos que se inmiscuyen entre los jóvenes a través de tendencias de moda y música tal como el heavy metal... entre otros.

Así es. Para ellos el rock pesado es motor de cambios radicales en la sociedad.

Su ceguera religiosa y moralista es tan marcada que, como siempre, buscan la paja en el ojo ajeno cuando el suyo propio es atravesado por una viga. El ser humano debería haber alcanzado su mayoría de edad, pero la religión, enlatada con el empaque que se guste, lo mantiene como eterno adolescente. ¿Será de verdad que un movimiento de música, aislado (los conciertos no suceden diario), con una segmentación de público muy concreta y que además ha demostrado una paradójica inocuidad, puede ser visto como algo tan peligroso?

Pareciera que el gobierno polaco prohíbe la diversidad. Y en este espacio hablamos de música, pero sus leyes en contra de los homosexuales por ejemplo, son cuando menos, barbáricas. Los Nazis asesinaron a más de cinco millones de polacos; y además entre ellos mataron a judíos, gitanos, homosexuales y otros grupos. Los Nazis quisieron asesinar la diversidad. Sólo queda esperar que los polacos no repitan el mismo error, aunque sea sin muertes reales. El gran delito del metal es en todo caso promover el ejercicio de la mente y, si eso es pecar, nos veremos en el infierno. M

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RAAG YAMAN TXT:: Humberto Polar.

En retrospectiva, no creo que haya sido un error cargar con una cítara por cinco días por el desierto, sobre un camello, y además con el dolor de una naciente inflamación en las vías biliares que, días después, terminaría por mandarme al hospital, por un mes.

Sí, en su momento me pareció una estupidez mayúscula. Me dejé llevar por una imagen idílica hollywoodense de mí mismo sentado en una duna, al atardecer, tocando delicadas melodías en la cítara que había adquirido unas semanas atrás en la hermosa y apestosa ciudad de Varanasi, India, y que había aprendido a tocar con bastante decencia. No había calculado que al contratar ese paseo por el desierto del Tar, en Rajhastán, no estaba precisamente pagando por una caravana. Sobre mi camello iban colgando unas 12 mantas gruesas, un botellón de agua de 10 litros, comida para 5 días, mi mochila y mi cítara. Y yo, por supuesto, que a esas alturas ya tenía 40 grados de temperatura producto de la infección biliar, soportaba los golpes constantes del botellón sobre mi rodilla izquierda y de la cítara sobre mi riñón derecho. Nunca había tenido intimidad con un camello y no sabía que dichos animales pueden pasarse una semana andando al mismo paso sin quejarse ni poner mala cara. Para un sudamericano lego en la materia, un viaje en camello de varios días puede volverse el equivalente a la famosa gota de agua de aquella tortura china. 10 horas monocordes de balanceo pélvico ponen al simpático camello al mismo nivel de un oficial de la Gestapo o la Stasi. No hay escroto que aguante.

Por eso, ahora reconozco que estuvo bien tener cerca a mi cítara. Pocos días después, ella moriría aplastada por una vaca que insistía en que la deje pasar por una estrecha calle de Jaisalmer, supongo que airada por mi irrespeto ante su condición de diosa. De la misma forma que en México uno se supone que tiene que dejar entrar primero a una mujer en un elevador, en India uno tiene que dejar pasar a las vacas. No lo sabía, no lo puse en práctica y mi cítara, en el fondo de una frágil calabaza ornamentada (no lo sabía tampoco) quedó aplastada por el cuadril de alguna hija bastarda de Ganesha.

Mientras la tuve en el desierto, calmé mis crecientes dolores hepático-estomacales tocando por largas horas el Raag Yaman. Shyam Rastogi, un profesor de cítara que terminó por ser un buen amigo, se había pasado un mes enseñándome este raga. Me dediqué todo ese tiempo a practicar con franco

entusiasmo en el entorno del International Music Ashram, la mejor escuela de música de Varanasi para mi gusto. Cuando Shyam me anunció que en la tradición hindú hay 484 ragas más, me aferré a la vieja frase de Santo Tomás, “temed al hombre de un sólo libro”, y me convertí en hombre de un solo raga. El Raag Yaman es una escala mayor que se toca sobre un acorde mayor, tonalidad que en occidente se supone expresa sentimientos positivos y felices. Para tocar el Raag Yaman es imprescindible (está escrito en las partituras hindúes) pensar en una persona amada. Se debe tocar en el atardecer/ noche pensando en el objeto de tus afectos. Concretamente, es el raga de las personas que van a volver a ver pronto a la/el ausente. Yo había dejado en la Ciudad de México a una mujer que realmente amaba, amo. Las 4 noches que pasé en las dunas pulsando una cuerda con esa especie de trampa para ratón que usan los citaristas en el índice derecho para tocar (otra verdadera tortura hindú) quedan en mi recuerdo como las más hermosas en lo que van de año.

Es posible que Sandeep, mi guía en esa travesía por el desierto, no haya pensado lo mismo. Se pasaba las noches a unos treinta metros de distancia de mí y cantaba cosas distintas, probablemente algún hit de Hollywood. Nuestros camellos yacían aún más lejos.

Nunca había estado tan lejos de casa. No traía un iPod ni una radio. La única música que me acompañó en esos días (tardes, más bien) provenía de mi capacidad, incapacidad, de tocar un incómodo instrumento. Un día decidí bajarme del camello, hacia el mediodía. El dolor de mis pancreáticos desarreglos era insoportable. Sandeep y los dos camellos siguieron su marcha. Yo sólo tenía que seguir sus huellas para llegar donde ellos me esperarían. En poco minutos me quedé completamente solo en el desierto. Así caminé un par de horas. No había nada. Solo piedras y agujeros que, después sabría, eran nidos de cobra.

Solo yo y el Raag Yaman sonando en mi cabeza. Sólo 6 notas. Al cabo de una hora, apareció un perro blanco. Se pegó a mis piernas y me acompañó, nos acompañó, por los siguientes tres días.

Una semana después, yo estaba en una cama de Jaipur. hospitalizado. Vi a un hombre morir a mi lado y, dos días después, sobre la misma cama, ví un ratón que me observaba moviendo la cabeza como un personaje de Pixar.

Pero esa es otra historia.M

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“El multiculturalismo tiene como propósito que nadie quede estigmatizado ni relegado en lo que respecta a su cotidiano desenvolvimiento, por su simple apariencia o credo“.

Todo problema, tarde o temprano, se ventila, se vuelve de dominio público; lo cual resulta en ocasiones contraproducente. Al ser denunciado se absorbe parte de su atrocidad, esta es traducida a la esfera de lo teórico: así se juega con su latencia y con el paso del tiempo se asimila sin más. Creemos comprender y con eso nos basta. Al final el problema deviene sólo un vago recuerdo que nunca vio solución. En lo que las distracciones intelectuales afloran, se dan los grandes reacomodos. Ni siquiera estoy tan seguro de que el Manifiesto Comunista, Mi lucha, o ciertos panfletos puedan considerarse como casos aislados por haber poseído ese

pretendido valor sustancial que los sitúa como base para la transformación, como fundamento ideológico o exhortación revolucionaria. Y en caso de que así haya sido, el poder de estos movimientos descansaba, por el contrario, en su secreto trasfondo intencional, en su obtusa y sesgada propagación manipuladora. Lo ahí vertido es invertido. ¿Habrá de pasar lo mismo con todos los discursos multiculturalistas que proponen el diálogo como la única vía para solucionar los conflictos al interior del Estado y, aún más, los internacionales? ¿Es posible un consenso de fines e intereses, que sea incluyente e intersubjetivo?

61 Sí. En definitiva les queda todavía mucho por hacer para que el proyecto multiculturalista logre realizarse plenamente. Y a decir verdad, no creo que esto se consiga por la sencilla razón de que va en contra de la lógica bajo la cual opera el sistema capitalista neoliberal, sistema que, como todos sabemos, rige hoy en día y que ciertamente precisa de estas negaciones y estratificaciones para mantenerse firme y solazarse a gusto. Estados Unidos, país que surge de un coctel genético y cultural, y al cual han emigrado y siguen haciéndolo miles de personas, es la referencia obligada al hablar sobre el tema. Pero el mero hecho de que en él encontremos focos de comunidades extranjeras no lo convierte en un país plural, sino sólo ecléctico, que ha dado pie a las más bizarras e interesantes fusiones.

Mucho les ha costado llegar hasta donde están como para que de un momento a otro den el brazo a torcer; y aunque parezca una broma, también han sido bastante permisivos y pacientes, si bien no siempre por una iniciativa benevolente sino mucho debido a presiones y demandas externas que los hacen ceder (lo cual les resta mérito). Preferiría mantenerme al margen, no podría inculpar a nadie, así como tampoco justificar nada. Seguramente cuando a otro país le toque ser la potencia mundial, muchos –si es que aún viven para contarlo– extrañarán el régimen actual y sus juguetillos. Retomo: si todos tuvieran las mismas oportunidades, quién querría fletarse el trabajo pesado, que sin duda es parte del proceso para generar capital. En el marco de este sistema alguien debe hacer forzosamente las veces de chivo expiatorio. No hace mucho lo fue la comunidad afroamericana, ahora lo es en mayor medida la latina, que si sufre abusos es sobre todo por estar indocumentada y así llevar las de perder ante la ley. Además, cómo permitir que cualquiera llegue y nos desplace: el territorialismo no es sólo un instinto animal.

La comunidad latina exige que se le otorgue la ciudadanía –para así gozar de los mismos derechos– por haber prestado sus servicios año tras año al Estado, por considerarse actores sociales que contribuyen igualmente a la economía del país. Estados Unidos anda a la caza de inmigrantes para deportarlos, pero también se hace de la vista gorda porque le conviene pagar mano de obra barata. La única explicación que encuentro a esto es que ya pasó bastante tiempo desde que los latinos empezaron a cruzar la frontera. Allá hicieron su vida y tuvieron familias: ahora Estados Unidos no los necesita tanto porque cuenta con suficientes ciudadanos latinos en los cuales seguir reproduciendo las mismas condiciones, mas ya sin el inconveniente de ser ilegales y sin tener que hacer todo su show policíaco ante los demás países para ganarse su respeto y para dar a entender que todos se mueren por estar ahí. México, por otro lado, no quiere que sus ciudadanos salgan del país porque así hay menos fuerza para levantarlo, pero también se ve beneficiado con las remesas, que sostienen parte de la economía nacional, y que, según opiniones, seguiría representando de todos modos más dinero que si trajeran de vuelta a todos los mexicanos juntos.

Con lo anterior no quiero decir que los que resientan los efectos inmediatos de esta política liberal sean únicamente los migrantes –a muchos más se lleva entre las patas–, pero es bien cierto que los que lo son, de entrada tienen el abanico resquebrajado (las políticas de muchas franquicias establecen que por cada diez empleados puede entrar uno extranjero). Empero, el hecho de que la mayoría de ellos no estén en igualdad de términos competitivos se debe prin-

cipalmente a las deplorables condiciones en las que llegan a Estados Unidos, a todas esas carencias que son ya acarreadas desde sus propios países y que los orillan a migrar para crecer, con esfuerzos sobrehumanos, materialmente.

Y si se van es porque, pese a todo, les va mejor que si se quedaran en casa (o al menos eso es lo que la mayoría de ellos piensa). ¿Acaso el deber de Estados Unidos es arreglar los asuntos de otros países? Pero entonces, por qué sí han intervenido en cuestiones de política internacional con ese ridículo disfraz paternalista–liberacionista (racionalismo beligerante) que lo único que hace es delatar xenofobia, imperialismo y etnofagia. Cómo legitimar el intervencionismo en nombre de la Razón. Muchos interpretan esto ligado a un pretexto económico… el petróleo, en el caso de Medio Oriente (las jugosas minas para la corona española, recordando el caso del México Colonial). Estados Unidos juega al mismo tiempo el papel del invadido y el del invasor.

En este sentido, el modelo multiculturalista aboga por un Estado en donde quepa la justicia y el respeto hacia las diferencias en él concentradas, incluyendo el libre ejercicio de las prácticas que son afines a estos grupos (así, por ejemplo, algunos musulmanes radicales que viven en Estados Unidos quieren seguir conviniendo los matrimonios de sus hijas, porque eso forma parte de sus tradiciones). Es obvio que muchos ideólogos estadounidenses se oponen a esta libre coexistencia porque lo ven como un peligro relativista, y porque piensan que si a otros no les parece atenerse a las normas de su patria, sería mejor que se largaran. Lo mismo haría cualquier otro país. El problema es que no todos los grupos llegaron por su propia cuenta: las nuevas generaciones saben de dónde provienen, su espíritu les habla. El multiculturalismo tiene como propósito que nadie quede estigmatizado ni relegado, en lo que respecta a su cotidiano desenvolvimiento, por su simple apariencia o credo. Es bien sabido que en algunas empresas se descartan posibles contrataciones con sólo echarle un vistazo a la zona donde uno vive o a la escuela donde se estudió, sin fijarse realmente en qué tan calificada esté la persona para ejercer el puesto: prejuicios y elitismo. Y en ciertos casos estas diferencias vienen marcadas ya desde el origen étnico. Esto, en cuanto a lo interno. Pero el multiculturalismo también hace una crítica, como hemos visto, a esa política globalizadora que quiere arrasar con las diferencias y así homogenizar, en la medida de lo posible, a las otras culturas bajo el pretexto de que ellas se hallan aún en una fase tardía o anacrónica del desarrollo de la razón, tal y como se piensa, ahora, de los pueblos indígenas. Los que defienden la diversidad lo hacen porque sostienen que en su cultura y autodeterminación le va la dignidad a un pueblo. El famoso ejemplo de las consecuencias que trae el no reconocer la alteridad, es la resistencia organizada del movimiento zapatista al sur de México, o el de los vascos –Euskadi–, quienes se imaginan como país independiente.

Salgo por la puerta trasera: me quito el tono, me desinfecto (política). Sin raíces uno deambula como fantasmagórica integrada. Como un híbrido perdido en su genealogía espuria. La comprensión depende del rompecabezas. He sido un sauce que, a falta de pistas genealógicas, ha terminado por echar sus raíces al cielo matizado: ahora la greña loca. Te has inventado, trabajado y redefinido con tus elementos cosmopolitas favoritos. Difícilmente moldeable, transitorio y prefabricado. M TXT:: Willy Heisinger.

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C

TXT:: Raúl Burguete.

uando llegue la necesidad de creer en algo o depender de alguna fuerza que esté más allá de tu comprensión y busques darle un sentido a tu vida, obtener las respuestas a todos tus porqués, dejar de dudar, buscar la luz, la armonía o el amor eterno al prójimo y ya hayas intentado todo aquello que esté a sólo doce pasos de respondértelo. Cuando puedas recitar por completo el protocolo de los sabios de Sión y te sepas toda la letra del sermón de la montaña. Cuando hayas gastado cientos de pesos en psicólogos y libros de filosofía, tomado diplomados y cursos de autoayuda, probado todo tipo de drogas y no encuentres la respuesta que necesites, pues no te preocupes: siempre tendrás a la mano las sectas.

Te preguntarás qué es una religión. Simple. Es lo que funda las relaciones del hombre con la divinidad en la misma naturaleza de las cosas, contiene un conjunto de creencias o dogmas, de sentimientos de veneración y temor, de normas morales para la conducta individual, social y de prácticas rituales, principalmente la oración y el sacrificio.

Y una secta es una doctrina compuesta por un conjunto de seguidores de una parcialidad religiosa o ideológica que se diferencia e independiza de otras. Regularmente los dogmas son instituidos por un personaje “iluminado” que logra convencer por medio de la pasión en sus discursos y actos a cualquier fervoroso, inocente e indefenso corderito. Regularmente empiezan clandestinas e ilegales.

Más allá de las enseñanzas impuestas por tus padres, de los domingos de misa con tus abuelos y de las palizas que te propinaban tus profesores de escuelas creadas por órdenes religiosas como los maristas, el Opus Dei, carmelitas, jesuitas, dominicos y sallistas (todas estas autorizadas por el Vaticano) el cristianismo y el catolicismo han fallado. Las dudas se hacen cada vez más grandes; ¿fue el hombre el que creó a Dios o fue Dios el que creó al hombre? ¿Acaso este gran ser era tan desconfiado del ser humano que creo la variedad de lenguas en la torre de Babel? Si somos el legado de Adán y Eva y ellos fallaron, ¿entonces nosotros también? ¿Por qué creemos que somos especiales?

Las escrituras lo dicen, pero ¿será así? Si ya te has cansado de todo esto, de la palabra sagrada, de los diez mandamientos, de la Biblia, de esperar la santa iluminación, de dar la limosna sin obtener nada a cambio, busca algo nuevo, decídete. Sólo debes dar un poco de ti.

Requisitos para formar parte de una religión o secta: Jamás dudar.

Ser devoto.

Ser sumiso.

Ser fiel a cualquier juramento.

Aceptar cualquier sacrificio.

Adorar a quien se te pida.

Hacer ofrendas.

Aceptar todo lo que se te enseñe.

No cuestionar.

Tener y estar dispuesto a “donar” grandes sumas de dinero.

Recordar que la palabra del iluminado, del padre o del redentor es siempre sagrada.

Si se te pide la muestra de tu fe a través de un ritual tipo bañarte en sangre de borrego, mantener relaciones sexuales con los feligreses, tomar ciertos alimentos o pastillas, trabajar por el bien de la comunidad y entregar tus bienes, deberás hacerlo.

Síntomas del por qué necesitas unirte a una religión o secta: Necesidad de amor.

Necesidad de identidad.

Necesidad de sentirte útil.

Necesidad de amistad y consuelo.

Necesidad de respuesta ante las interrogantes trascendentales.

Lugar de compensación y superación de las frustraciones.

Rebeldía y venganza contra el entorno.

Catálogo de sectas: Masonería: Organización orientada hacía la filosofía con todas las características de una religión: da culto al “gran arquitecto del universo”, formula doctrinas sobre la salvación y la retribución de nuestros actos. Tiene un gran código moral, ritos de iniciación, vestimentas, saludos clave y oraciones propias. Creen en la filantropía, sus grupos se denominan logias. Se cree que la gran mayoría de nuestros presidentes han pertenecido a alguna logia. Los que quieran integrarse a esta secta, necesitan de un familiar, ya que el pase de entrada depende de una recomendación o del legado personal.

Mormonismo: Su nombre correcto es, La Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días. Los feligreses siguen las enseñanzas de Joseph Smith, que fundó el movimiento en 1830 y construye su gran templo en la ciudad de Salt Lake City. Intenta restaurar los preceptos del Nuevo Testamento. Son populares por la manera en que administran los bienes monetarios de algunas de las personas más ricas del planeta. El templo mormón más grande de México está ubicado en el estado de México, en la colonia Aragón a un lado del zoológico.

Nueva Era (new age): Comenzó a mediados de los años sesenta, es un movimiento hippie por naturaleza que sustituye a Dios por la energía del ser y plantea una enorme cantidad de posibilidades a elegir para encontrar esta fuerza como son la angelología, la autoayuda, la adivinación, los conocimientos ancestrales, la espiritualidad, la metafísica, la lectura de los libros sagrados, la literatura védica, la meditación y el yoga.

Rastafari: Pues sí, los seguidores de Bob Marley y de la música reggae tienen su religión. Nace en África y no es sólo un compendio de escrituras sino una forma de llevar la vida.

Los rastafaris protestan contra la pobreza, la opresión y la desigualdad y utilizan la Biblia para guiarse ante esto. Su líder es Haile Selassie, el Dios viviente de la raza negra. Emperador de Etiopia y fiel devoto al cristianismo. Su muerte no provocó la desintegración de este movimiento sino que lo hizo más fuerte. El león de Judah representa a este líder, porque él era el rey de reyes, como el león lo es de la selva.

Pare de sufrir: La Iglesia Universal del Reino de Dios sostiene los mismos principios doctrinarios de la Iglesia Evangelica, sólo que esta sí vende milagros a elevados diezmos. Los pastores expulsados de Brasil y exiliados en

México son presuntamente traídos de Tierra Santa para responder, entregar sus dotes milagrosos y vender agua bendita traída del río Jordan, pañuelos benditos, rosa de Sharon, rosas rojas para la salud, rosas amarillas para el dinero, aceite milagroso para unir a la familia, piedras de la tumba de Jesús y pan bendecido que cura enfermedades.

Luz del mundo: Su nombre completo es: Iglesia del Dios Vivo Columna y Apoyo de la Verdad La Luz del Mundo A.R. (asociación religiosa). Su sede oficial está en la ciudad de Guadalajara. Su apóstol es el líder religioso Aarón Joaquín González, que intenta restaurar la primitiva Iglesia Cristiana fundada por Jesucristo. A lo largo de la historia este culto ha sido bastante polémico por el gran fanatismo de sus feligreses, así como diferentes demandas judiciales por cargos de violación, a los que jamás se les ha hecho caso alguno.

La Iglesia de Elvis: A un sacerdote norteamericano se le ocurrió dar misa con un tupe y gafas idénticas a las de El Rey. De ahí en adelante, cada homilía transcurría con música de fondo de Elvis. Después algunos fanáticos imitaban a Elvis durante la misa y por esta ocasión, sólo por esta, el rock y la iglesia se llevan bien.

La Iglesia de Maradona: El icono del fútbol argentino es seguido en imagen y semejanza de Jesucristo. Los seguidores celebran la navidad el día en que nació este as del balompié y tienen sus diez mandamientos.

Uno de ellos es llevar Diego como segundo nombre y ponérselo a sus hijos.

Como dijo el filósofo Pascal, “arrodíllate y terminarás creyendo”, sigue tus instintos y si estas sectas no te convencieron, aquí hay otras a las que puedes inscribirte: Ágora Alfa-Omega Ananda Marga o Camino de la Beatitud Arco Iris o Senda del Arco Iris Asociación para la Conciencia del Krishna (Hare Krishna) Bhagwan Rajneesh o El Amanecer El Camino Centro Esotérico de Investigaciones (CEIS) La Comunidad Partido Humanista o Verdes Ecologistas .

Familia del Amor o Niños de Dios Fraternidad Universal Rosacruz. (AMORC)

Anexo: En el cómic americano Transmetropolitan, del escritor Warren Ellis, el personaje Spider Jerusalem se compra unos zapatos especiales para caminar sobre el agua para emular o imitar el poder de Dios y se presenta vestido como un ángel a una convención de religiones, para desmentirlas a todas. Algunas de ellas son: La iglesia de los que aman sexualmente a los niños La iglesia de los ovnis La iglesia de los vibradores La iglesia de las monjas sadomasoquistas M

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Cuando la diversidad

salió del clóset…

“Ese mirón también es maricón, esa muchacha también es marimacha”. La consigna hace reír a quienes vemos pasar la marcha gay que este año cumple tres décadas. La frase se repite una y otra vez a lo largo de la avenida Reforma, que año con año se viste de chaquira y lentejuela. O se desnuda, mejor dicho, porque además de los vestidos largos, las pelucas, las zapatillas y los disfraces, también están los cuerpos atléticos que no dejan nada a la imaginación; torsos desnudos, senos al aire, nalgas que se contonean al ritmo de la música. Todo se vale en este carnaval, donde la diversidad sexual se festeja, se destapa y al mismo tiempo se camuflajea en el desfile que se adueña de la vía más cute de la ciudad de México. TXT:: Mayte G. Bonilla. FOT:: Arturo Lara.

Sí , las cosas han cambiado, “antes no era así”, dice Alejandro Reza, quien fue convocado por una antigua compañera de la AMDA, para representar a los pioneros del movimiento homosexual: “porque en ese entonces ni siquiera habíamos acuñado la palabra gay”, refiriéndose a la década de los setenta. Alejandro tenía 18 años cuando se unió a la AMDA, uno de los grupos de reflexión sobre sexualidad que surgieron en la unam.

El nombre de la agrupación aludía a una letra griega neutral que representaba la posición de sus integrantes. Esta firmaba con el seudónimo que la identificaba como: “Violeta L de la Parra, por un socialismo sin sexismo” ¿O sea que todo eso tenía tintes políticos? “¡Claro!, el movimiento gay surgió desde la izquierda, con los planteamientos de la izquierda e insertos en el movimiento obrero campesino popular y de grupos vulnerables”, explica Reza, quien fuera uno de sus activistas.

A 30 años de distancia, resulta curioso mirar el convertible rosa desde el que dos reinas de belleza saludan a la concurrencia. Algunos de los asistentes se acercan para pedirles permiso de fotografiarse junto con ellas. Y las reinas ceden con toda la cachondería que se merece su día.

Sin embargo, hay también las que no se detienen, un grupo de lesbianas que sin maquillaje ni llamativo disfraz atraen mi atención. Cabello casi a rape, pantalones vaqueros, playera blanca y actitud valentona las uniforma y las resalta entre la multitud: los medios de comunicación calculan 200, 000 asistentes.

Algo inimaginable cuando la marcha homosexual, integrada por tan sólo unos cuantos, era una forma de manifestarse a favor de la integración social, y un acto de provocación ante las ideas de derecha.

“Y yo me uní a aquella utopía, a ese movimiento revolucionario que tenía un montón de sueños. Luego vendría la desilusión”

De la utopía al gueto

Un chico, totalmente desnudo, baila a lo alto de un carro alegórico; el primero de la tanda de autos que se enfilan hacia el Zócalo. Varios llevan mantas que aluden al nombre del antro o salón de belleza que patrocina su presencia en este carnaval. Sin duda, las cosas se han ido transformando al paso del tiempo; las ideas cambiaron y los sueños parecen haberse extinguido en un mundo global regido por una cultura de consumo.

“La razón por la que los gays fueron integrados a la sociedad y al mercado del mundo no fue por el sentimiento altruista de la gente; fue por el puro negocio,

por el dinero. Las empresas encontraron que la comunidad tenía un buen nivel adquisitivo; que a falta de hijos gastan mucho dinero en sí mismos, compran artículos de lujo, se van de vacaciones, etc. Se dieron cuenta de que ahí había lana”, dice Juan Manuel XXX, quien con 35 años de edad es el creador y conductor de la estación eradio.com.mx por internet, dirigida a la comunidad LGBT (Lesbianas, Gays, Bisexuales y Transexuales). ¿Qué piensa el exlíder de la AMDA cuando escucha la versión del conductor de eRadio? Alejandro esboza una sonrisa maliciosa. “Ese proceso lo vimos venir desde los ochentas. Supimos que iba a suceder lo que ya estaba pasando en Estados Unidos; cuando en México el dinero que representaba la comunidad, nuestra conducta iba a ser permisiva, siempre y cuando se nos controlara en guetos.” Para Alejandro fue entonces cuando la palabra tolerancia se convirtió en algo políticamente correcto, “cuando en realidad, lo que estaba naciendo era una tolerancia controlada.”

Y sí, la Zona Rosa se desclosetó a partir de entonces y el Distrito Federal poco a poco se fue llenando de antros gay para todo tipo de bolsillos y gustos. Sin embargo, aún queda mucho por hacer dentro del propio sistema económico que, en este país, aún conserva una fuerte doble moral.

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eRadio ha vivido varias experiencias que lo demuestran, pues el ser un medio de comunicación gay es ya un problema con muchos de los posibles anunciantes. “El último caso al que nos enfrentamos fue con una marca de celulares que, se podría pensar, están a la vanguardia. Pero no, no podía anunciarse con nosotros, su respuesta simplemente fue: no porque es gay.”

Es por ello que para Juan Manuel es importante el crear conciencia en la comunidad LGTB, pues “mientras no demuestren y exijan, con su poder de compra, la importancia e incidencia que tienen en el mercado, las empresas nos van a seguir cerrando las puertas.”

Y este no es un problema de sexualidad, es un problema cultural no sólo de México sino de toda América Latina. “No tenemos noción de nuestro poder como consumidores”. Justo esa es la apuesta de su pequeña empresa: comenzar a crear conciencia en sus escuchas.

A pesar de la diferencia generacional, Reza y Alejandro coinciden en varios puntos. Uno de ellos es la poca utilidad social que tiene esta marcha en donde lo mismo hay transexuales que lesbianas, homosexuales que heterosexuales. Música, alcohol, exhibicionismo y desmadre hacen de esto un gran reventón donde la diversidad se hace visible, pero donde no hay ni fondo ni sustancia.

“Y da algo de tristeza”, comenta el representante de la vieja guardia gay, quien a pesar de su desencanto reconoce un gran logro, “planchamos el terreno para que se pudiera hablar del tema a nivel público, se reconoció la existencia del homosexual y poco a poco dejamos de ser vistos como pervertidos, enfermos o delincuentes. Ahora, ¡ya hasta estamos de moda! (risas)”

La lucha… ¿exótica?

“No, no es ninguna moda”, dice el luchador exótico Polvo de Estrellas, “más bien creo que ahora hay mucho más oportunidades y facilidades para los homosexuales, debido a la labor que en su tiempo hicieron los activistas.”

La estrella gay de la AAA no para de agradecer el trabajo que hicieron personas como Alejandro Reza: “ayudaron a que nos enfrentáramos al rechazo social, ese rechazo que comenzaba por nosotros mismos”.

De hecho, Polvo de Estrellas se inició en la lucha libre con la personalidad de cualquier otro enmascarado.

Lo conocían bajo el nombre del Doctor Siniestro, en el estado de Acapulco de donde es originario; “es que la figura gay estaba muy satanizada en ese tiempo”, más aún en un deporte tan masculino como las luchas.

Todo cambió cuando se trasladó al Distrito Federal, aquí conoció a Pimpinela, a My Flower y a Casandro, luchadores exóticos a los que no tardaría en unirse. Entonces, se destapó sobre el ring como Polvo de Estrellas.

Actualmente los luchadores exóticos dan funciones por toda la República Mexicana. En el cuadrilátero se les puede ver vestidos con brillantes capas, medias, ligueros y botas de colores pastel.

Y aunque estos personajes también tienen a sus antecesores, My Flower asegura que fue en medio de las cuerdas donde sí impusieron moda. “Fuimos los primeros en vestirnos y maquillarnos, pero no por demostrar que éramos gays, sino porque al fin pudimos hacer lo que nos gustaba, luchar, siendo como realmente somos.”

Por fortuna, la lucha social tiene hoy otro rostro para las nuevas generaciones de gays, lesbianas y transexuales. El rechazo de antaño se ha visto aminorado gracias al trabajo de sus antecesores que, mal que bien, lograron el reconocimiento de su existencia, incluso a nivel civil. Hoy en día, las sociedades de convivencia son quizá su legado más significativo. Aún así, los jóvenes pasan de largo ante una historia que es difícil escuchar en medio de esta gran fiesta. M

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TXT:: Jorge “Negro” Hipólito. FOT:: Warner Music.

Lo he dicho siempre: escribir sobre una banda de la cual eres muy fan es y será una tarea difícil. Durante el proceso mental que antecede a sentarme frente al teclado y redactar la nota, artículo o entrevista del grupo en cuestión, siempre surgen muchas dudas y cuestionamientos dentro de mi cabeza.

Debo de ser objetivo y no adular demasiado... Si escribo puras cosas buenas no será un articulo profesional u objetivo... etc., etc.

Finalmente me siento frente a la computadora. Mi primer pensamiento es buscar en la tan de moda y afamada enciclopedia en línea Wikipedia.

Mecánicamente tecleé The Flaming Lips en el buscador. El resultado: “The Flaming Lips (formado en Oklahoma City, Oklahoma en 1983) es una banda norteamericana de rock alternativo aclamada e idiosincrática. Son conocidos por sus arreglos exuberantes y psicodélicos, sus letras surrealistas y los títulos extraños de sus canciones. También son aclamados por sus conciertos excéntricos; incluyendo trajes de animales, títeres, proyecciones de video y globos muy grandes. En 2002, Q Magazine nombró a The Flaming Lips una de las ‘50 Bandas para ver antes de morir’·. El grupo grabó varios álbumes y EPs con el pequeño sello discográfico Restless Records durante los años 80’ y principio de los 90’. Después de firmar con Warner Brothers, consiguieron éxito en 1995 con “She Don’t Use Jelly” (conocido en Australia como “Vaseline”).

Aunque sería su único éxito, la banda ha mantenido el respeto de los críticos y, en menor parte, viabilidad comercial con álbumes tal como The Soft Bulletin y Yoshimi Battles the Pink Robots.

Una muy corta y muy buena forma de resumir el trabajo de 25 años de un grupo de rock. Aunque sería absurdo limitarnos a esta historia.

Los Primeros Años.

The Flaming Lips es una banda formada en Oklahoma a principios de los años ochentas, para ser precisos en el 83. Pero no es sino hasta el 86 que editan su primer álbum Hear It Is, un disco con un sonido muy crudo, muy punk pero que desde un principio deja ver que en el grupo se sabe escribir canciones, y muy bien. “She’s Dead” es una canción brillante, “Godzilla Flick” es una especie de balada acerca de no estar listo para regresar cuando acabas de morir, escrita por Wayne cuando su hermano estuvo a punto de morir por una sobredosis de drogas. Un muy buen inicio discográficamente hablando.

Ah My Gawd... es el nombre con el que deciden bautizar su segundo trabajo de estudio: un disco muy en la línea de su predecesor, conservando el sonido duro, la actitud dura, la imagen dura pero que al final, en temas como “One Million Billionth Of A Millisecond On A Sunday Morning” empieza a revelar a los verdaderos Flaming Lips, la esencia de la banda. La portada: un dibujo a la Dalí hecho por ellos mismos, ya nos deja imaginar de alguna forma lo que está por venir.

Telepathic Surgery (1989) es el tercer álbum de la banda, originalmente concebido por Michael Ivins y Wayne Coyne para ser una pieza musical sin cortes y con duración de media hora. Un disco oscuro, con buenos temas pero que nunca llegó al nivel de sus dos predecesores. En esa época Richard English estaba por dejar la banda alegando las típicas “diferencias creativas”.

Para la grabación y lanzamiento del cuarto álbum In the Priest of Ambulance, el grupo ya cuenta con dos nuevos integrantes: Jonathan Donahue en la segunda guitarra y haciendo “ruidos”, además de Nathan Roberts en la batería. La llegada de un segundo guitarrista le da a este disco un sonido diferente, un sonido nuevo para la banda y, con su amigo Dave Fridmann por primera vez en la mesa de controles, el resultado es un disco lleno de canciones que a la larga se convertirían en clásicos: “Shine On Sweet Jesus - Jesus Song No.5” y “Five Stop Mother Superior Rain”, solo por nombrar

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70 algunas. En 1992 Warner Bros Records les ofrece un jugoso contrato, el cual aceptan. Por primera vez tienen dinero para grabar en un buen estudio y comprar equipo a su gusto. El resultado es “Hit To Death In The Future Head”, un disco al que se conoce como el primero de la “nueva era” de los Lips. A partir de allí no abandonarán el sonido que hasta hoy les conocemos.

El camino a la genialidad.

Transmissions From The Satellite Heart de 1993 es el primer álbum de los Flaming Lips en el que se puede reconocer el trabajo de la banda como cuarteto.

“Turn It On” es el primer track del disco, donde ya se oye a un grupo maduro, con tintes de pop pero con esos sonidos “raros” que al final terminan por distanciarlos muy sanamente del lado predecible y aburrido que el pop conlleva.

En Clouds Taste Metallics (1995) no se abandonan, no se dejan, siguen, saben que lo mejor está por venir. Wayne progresa notoriamente como escritor, en su cabeza siguen fluyendo ideas nuevas, ideas precisas que pone sobre la música y que dan como resultado temas como la bella “When You Smile”.

Zaireeka de 1997 es a la fecha el proyecto más ambicioso de la banda, un disco de 4 partes que necesita ser escuchado con los 4 discos a la vez para obtener su resultado final, un disco que como en muchas otras ocasiones su compañía disquera no entendió, un disco que ya es calificado como un clásico.

Si no han tenido la oportunidad de escucharlo en su formato simultáneo, este es el momento de hacerlo: prometo que no se arrepentirán.

La llegada a la Cumbre.

“El cambio es una experiencia desafiante sobre todo si viene acompañada de incertidumbre y falta de confianza. Cuando no estás muy seguro de lo que viene, tienes que actuar con todo tu conocimiento e intentar confiar todo a tu cordura. Si te aferras al pasado, muy probablemente te sofocará.

Pero si decides abrazar al cambio, todo el aprendizaje y lo que construyas se convertirá en un viaje muy emocionante”. Esta es la forma en la que los Flaming Lips presentaron su sexto álbum de estudio: The Soft Bulletin de 1999. Bello, inspirador, lleno de textos perdurables escritos por Wayne, un disco que ya tiene un lugar ahí donde sólo los grandes pueden llevar un disco, el lugar de los verdaderos clásicos.

Tres largos años, muy largos, tuvieron que pasar desde la salida de The Soft Bulletin. 2002 fue el año que escogieron estos labios para contraatacar el mundo musical con otra obra de arte. “Teníamos mucho tiempo hablando de temas pesados y filosóficos.” ¿Por qué todo tenía que ser tan orientado hacia lo existencial y hacia la muerte? El titulo del álbum habla por sí solo: Yoshimi Battles The Pink Robots, un disco que plantea un mood más ligero, dejando atrás esos discos con mucha oscuridad de mediados de los 90’. El resultado, un excelente disco conceptual lleno de referencias a oriente en el que Dave Fridmann vuelve a hacer una excelente labor en la producción.

El 2006 trae consigo el lanzamiento del último trabajo de The Flaming Lips en lo que a discos de estudio se refiere. Es un álbum lleno de buenas canciones, de un trabajo musical y lírico impecable, es la llegada a la cumbre. Al igual que de Yoshimi, se ha hablado mucho de At War With the Mystics, ha sido alabado

Hear It Is Restless Records 1986

hasta al cansancio y con justa razón. De hecho es posible que la banda ya esté en su punto más alto musicalmente. Hablando así que creo que sólo nos quedará el morbo de ver hasta dónde pueden llegar.

Unos Freaks sin Miedo.

En el 2005 y bajo la dirección de Bradley Beesley, un amigo de la infancia de Wayne , editan The Fearless Freaks, un documental acerca de la historia de la banda. En la primera escena se puede leer a cuadro: “Estos no eran unos chicos normales provenientes de familias normales, en realidad estamos hablando de freaks, de chicos muy raros”, sentencia firmada por Michelle Vlasimsky, manager del grupo entre 1986 y 1990. Inmediatamente después se puede leer: “Sólo somos chicos normales intentando hacer música interesante” esta vez firmado por Wayne Coyne. Un muy buen inicio para un documental en el que precisamente se muestra lo normal de sus vidas, lo cotidiano de su día a día, pero que también nos deja ver esa parte de chicos raros que siempre los ha perseguido. Hasta después de verlo uno logra entender mucho de la esencia de la banda y lo simple que es todo lo que les rodea. Muy recomendable.

OVNIS de visita en el Zoológico.

En el verano del 2007, la banda en conjunto con Warner Bros lanzan el DVD UFO’S at the Zoo. Qué mejor lugar para grabar un show que el zoológico de Oklahoma, su ciudad natal. Un show memorable, montado y producido por ellos mismos, lleno de luces, naves espaciales, botargas, súper héroes y muy buena música. Una excelente manera de ver a los Flaming Lips donde mejor se sienten: en el escenario. Espacio donde los veremos este 17 de Octubre (Foro Sol México D.F) y 19 de Octubre (Arena VFG Guadalajara). M

Oh My Gawd!!!

Restless Records 1987

Telepathic Surgery Restless Records 1989

In a Priest Driven Ambulance Restless Records 1990

71 Una de las 50 Bandas â?? para ver antes de morirâ?ž Q Magazine, 2002

Hit to Death in the Future Head Warner Records 1992

Transmissions from the Satellite Heart Warner Records 1993

Clouds Taste Metallic Warner Records 1995

Zaireeka Warner Records 1997

The Soft Bulletin Warner Records 1999

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Quiero ver a la gente extasiada ❝pero llorando al mismo tiempo❞ Wayne Coyne

Yoshimi Battles the Pink Robots Warner Records 2002

At War with the Mystics Warner Records 2006

, eP s

The Flaming Lips Restless Records 1984

Yeah, I Know It’s a Drag... But Wastin Pigs Is Still Radical Warner Records 1991

73 ALONSO ARREOLA

Músico y periodista (ex bajista de La Barranca y hoy cabeza de su proyecto LabA).

Escribe en infinidad de publicaciones. ¿Que si me gustan los Flaming Lips? Sí, aunque debo decir que no soy lo que se dice un gran seguidor de su música. ¿Eso me descalifica para dar una opinión valiosa? Mmm… no sé… La mayoría de las veces el fanatismo suprime la objetividad. En fin. El asunto es este: a los Flaming no termino de agarrarles la onda, y por eso me laten; por inasibles, por inefables. Igual me late que su cantante sea tan malo en vivo y que a la vez tenga tanto carisma. Además, me gusta que hagan videos ñoños y que el universo que generan sea un paréntesis de suave psicodelia, sin caer en la onda neohippie chafa o new age que tanto me fastidia las pelotas. También respeto su poca pretensión arreglística, en contraste con su arduo trabajo en estudio y sus toques de esnobismo indie. (No por nada son de los pocos proyectos que se pueden adjudicar el nacimiento de tan patético adjetivo.) En fin. Ya sé que digo mucho sin decir nada. Ni pex. Quédense con esto: si los Flaming Lips no existieran, el mundo sería un poco peor. Y eso basta para aplaudirlos por sus 25 años. Rock…

EL “CHA”

Rockero (bajista de Fobia y Moderatto) y diseñador gráfico Los Flaming Lips me empezaron a gustar hasta el Soft Bulletin, pero cuando vi el documental de los Fearless Freaks me volví fan.

Estos días se usa el término muy a la ligera, pero yo sí me volví FAN de Wayne Coyne y de toda su onda, más allá de la música. El detalle que me ganó fue lo de la cinta de Christmas on Mars, una película estelarizada por sus compañeros de grupo, varios amigos y filmada en su casa y en locaciones de su natal Oklahoma, con dinero que salió de su bolsa. Me gusta que está dispuesto a arriesgar. Un buen ejemplo es el Boombox Experiment y el Zaireeka, o los diseños que hace para los flyers y portadas de los discos, hasta lo que pasa en sus presentaciones en vivo...

Alguna vez dijo: “No somos lo que soñamos, somos lo que hacemos” y estoy totalmente de acuerdo. Podemos tener muchas ideas en la cabeza, pero son pocas las que llevamos a cabo, por falta de tiempo, por miedo a ser juzgados o simplemente las dejamos pasar. Wayne Coyne las lleva a cabo, sin miedo a la crítica y dispuesto a fallar; y además las lleva a cabo con sus cómplices de toda la vida, los Flaming Lips de Oklahoma City... los Fearless Freaks.

GÜILLI DAMAGE

Rockero (ex los Ezquisitos y ahora parte fundamental de Flanger Garden), crítico musical y una persona fundamental en el desarrollo de la escena indie de México.

Primero se me asomaron por las ondas radiales de Rock 101 con su “Godzilla Flick”. Eran tiempos del new romantic, el postpunk, lejos aún de las verdaderas vergüenzas ochenteras que hoy todo mundo rechaza. 1985, pues. No pude conseguir el álbum por causas varias y se me olvidaron.

Después regresaron a mis oídos con el Telepathic Surgery, su cuarta grabación, su tercer álbum. Justo a tiempo para cazar toda la discografía sin empeñar a la familia. Y les decía a mis cuates: “estos chatos rifan reduro... “; mal momento: Appetite for Destruction de Guns abdujo las orejas de todo ser capaz de reaccionar al sonido, aislándome con mis disquitos de unos payasos de Oklahoma que tocaban a punta de feedback. Yo necesitaba redimirme de mis años de The Cure, rimmel, crepé, melancolía emo-pre-emo, et. al. y mi sensei me decía: “Déjalos, esta es la mejor banda de garage de todos los tiempos, no necesitas más”. Varios discos, muchos momentos personales y muchos años después, Yoshimi Battles the Pink Robots era el sabor del mes hasta en Otro Rollo.

Si yo fuera un ortodoxo del indie, los Flaming Lips serían un blanco fácil para hacerlos mierda por vendidos. Pero hemos pasado tantos discos a oscuras (por supuesto que yo con ellos), que la coartada más rotunda y mi mejor halago es decir que The Flaming Lips son unos infiltrados. Y la mejor banda de garage y psicodelia y experimentación y art rock de todos los tiempos. Para mí al menos.

Due to High Expectations... the Flaming Lips Are Providing Needles for Your Balloons Warner Records 1994

The Southern Oklahoma Cosmic Trigger Contest Independent 2001

Fight Test Warner Records 2003

Ego Tripping at the Gates of Hell Warner Records 2003

It Overtakes Me Warner Records 2006

74 TXT:: Juan Patricio Riveroll.

“El mundo se ha deteriorado y necesita, hoy más que nunca, honradez y rigor.”

Michelangelo Antonioni, Stanotte hanno sparato, 1949 Completamente decepcionado y afligido por el mundo en estos días, le doy vueltas a la idea de que muy probablemente es imposible ir contra corriente. Quizá no imposible, pero por lo menos es claro que la batalla se torna más difícil a cada paso mientras el monstruo institucional, burocrático y capitalista crece y crece. Por qué decidí dedicarme a hacer cine es una pregunta que no puedo responder; sucedió de una manera prácticamente imperceptible, y si hoy me viera forzado a hacer otra cosa me doy cuenta que, fuera de escribir, soy un inútil en el sentido utilitario del mundo contemporáneo. Por supuesto, existe la clásica opción de mudar de cineasta a publicista que la mayoría de los directores de oficio en México y el mundo optan por seguir, porque cualquier director que se dedique a hacer comerciales publicitarios es más un publicista que un cineasta. Filmar en celuloide no quiere decir nada. Ante esto, comparto la opinión de Bill Hicks, que debido a su contenido directamente ofensivo prefiero omitir aquí (se encuentra en YouTube bajo: —Bill Hicks REVELATIONS 4 (London Dominion Theatre, 1991). Dicho sea de paso, las ocho partes de su extraordinaria actuación en Londres hablan precisamente de lo que me interesa transmitir hoy en esta página. Hicks dice la verdad pura y honestamente desde su punto de vista; su verdad, una verdad, cierta verdad, pero a fin de cuentas lo que busca es la verdad, no la mentira (la publicidad va justo en sentido contrario: lucra con la mentira).

Sigo con YouTube —esa magnífica invención que nos permite elegir el contenido de nuestra propia pequeña televisión—: me sumo al llamado que hace el gran teórico del ateísmo Richard Dawkins en su conferencia de media hora titulada An atheist’s call to arms que se encuentra bajo ese nombre en la mencionada página web. En ella argumenta que numéricamente, los ateos conformamos el segundo grupo demográfico luego de los cristianos, sin embargo, al ser cada uno de nosotros pensadores independientes no nos encontramos unidos como lo está el resto de los grupos demográficos del mundo. En su libro The God Delusion hace la siguiente analogía: intentar unir a los ateos del mundo es equivalente a pastorear gatos (hearding cats), una tarea imposible... o quizá no imposible, who knows. Luego de escribir esto hace un llamado general a los ateos para unir fuerzas y evitar que el curso de la raza humana siga siendo forjado por conservadores fundamentalistas cuyos intereses van directamente en contra del bienestar de la mayoría, ya sean estos cristianos —en la Casa Blanca—, musulmanes —en los países árabes— o judíos —en la economía global—.

Los altos costos del cinematógrafo hacen que la verdad sea aún más difícil de llevar a la pantalla. Hoy parece algo completamente normal que la película de Rebelde y la siguiente cinta de persecuciones, chichis y pistolas, acaparen la cartelera en detrimento del intelecto y la cultura del espectador, mientras que películas cuyo contenido es propositivo y retador, que cuestionan en lugar de entretener, salen en cuatro o cinco salas si es que ven la luz del día (o la oscuridad de la sala), o se quedan en video o, aún más triste, permanecen en el papel dentro de un cajón olvidado o en el archivo de sueños de una computadora más. Si hace más de cincuenta años Antonioni vio al mundo deteriorado, ¿qué diría ahora que el deterioro es marcadamente más hondo y profundo? Un cineasta francés de su misma generación y que aún vive, al llegar al aeropuerto de Nueva York hace un par de años contestó así a la pregunta del oficial de migración en cuanto a su ocupación: “I make unsuccessful movies.” Así Godard dice: “Se acabó. Tal vez hubo un tiempo en el que el cine pudo haber mejorado a la sociedad, pero ese tiempo fue desperdiciado.” Hoy no puedo más que estar de acuerdo con él y con el resto de los intelectuales pesimistas que han sido forzados poco a poco a pensar de esa manera por un sistema que nos rebasa, que nos deja atrás sin darse cuenta puesto que esa es su naturaleza: no darse cuenta del daño que ocasiona a su paso, y aunque el sistema no tiene conciencia de sí mismo, miles de personas lo ayudan a caminar destrozándolo todo.

Dedico estas palabras a quienes me han acompañado en estos años tras y frente a la cámara, tras y frente a la sala de edición, tras y frente a la idea del cine. Lo han hecho en su mayoría sin ganar nada o muy poco dinero, y no tengo más que pagarles con mi agradecimiento. Lo que hemos hecho juntos vive hoy un periodo incierto, un futuro oscuro, por lo menos en el corto plazo. Me disculpo por mi tono gris y melancólico. No logré escribir de otra manera. M

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TXT:: Abel Muñoz Hénonin.

Una de las tareas ingratas de mi trabajo, implica leer revistas extranjeras especializadas en cine —sí, me autocompadezco–. A raíz de ello, recientemente me ha llamado la atención la dureza con que se trata al nuevo cine “contemplativo” latinoamericano. El adjetivo no me parece del todo convincente, sin embargo, creo que da luz sobre un panorama que abarca a Carlos Reygadas, Lisandro Alonso y una gran cantidad de cineastas que han optado por un ritmo pausado y reflexivo. Total, que este nuevo cine pausado ha sido tratado inclementemente por la crítica; por ejemplo, en el número corriente de la revista francesa Positif (el de julio-agosto de 2008) se habla de forma despiadada de tres películas mexicanas que se programaron en Cannes.

Los bastardos, de Amat Escalante, sale golpeada porque, según Hubert Niogret, al no discriminar entre los objetos filmados, la película se vuelve lisa y su desenlace sanguinario se vuelve “desafortunadamente anecdótico”. No le va mejor a Desierto adentro porque, según Grégory Valens, “uno no puede quedar más que desconcertado por la conversión repentina e incomprensible —excepto por tratarse de una moda— de Rodrigo Plá a las convenciones de la película–mexicana–de–festival–donde–cada–escena–dura–tres–años”, perdiendo la fuerza que demostró en su primera entrega. El mismo señor Valens le critica ahora a Fernando Eimbcke haber renunciado a su originalidad con Lake Tahoe —le gustó mucho Temporada de patos— para sumarse al “cine latinoamericano de festival”, ese engendro apenas soportable y puesto por las nubes por una parte de la crítica, que quiere que nos muramos de aburrimiento ante Luz silenciosa o las películas de Lisandro Alonso. A los argentinos y los brasileños les fue igual de mal. Baste decir que se le reclama, precisamente a Lisandro Alonso, su desdén ante el público. Estas, las críticas adversas, se han replicado en varios medios.

77 Para empezar, no termino de entender cuáles son los críticos que han entronizado este cine, si, en general, su recepción es adversa: las críticas a Luz silenciosa publicadas a lo largo del año en Francia, Inglaterra o España la trataban mal en términos generales y la crítica de Lake Tahoe que aparece en Cahiers du cinéma en el número corriente (julio-agosto de 2008), tampoco la juzga generosamente, aunque la elogia contenidamente. Parece haber un rechazo generalizado a lo que en México, en América Latina y en algunos festivales se considera una estética innovadora.

La primera pregunta que me hago ante esta postura europea es si no estará pasando con el cine algo parecido a lo que pasa con la literatura. Los planos largos, herederos del cine soviético, no corresponden en lo mínimo ni al mundo maravilloso de los trópicos ni al compromiso político de izquierda incontinente.

Entonces, ahora que los directores latinoamericanos se han escapado de las dos casillas que se espera llenen (el realismo mágico y la denuncia de una realidad sórdida y miserable) y comulgan con estéticas lacónicas, se vuelven incomprensibles.

Me pregunto qué tanto daño nos han traído los autoexotismos: fuimos los mexicanos los que nos posicionamos como charros y fueron los argentinos los que se promovieron como gauchos. También, qué tanto daño nos ha hecho el retrato social revestido con sueños revolucionarios y, tantas denuncias de la desigualdad y protestas ante las dictaduras y los partidos únicos.

Primero, el cine mexicano de festival era el del Indio Fernández, después el de Ripstein. Ahora que sus temas se expanden, que hay una serie de creadores con preocupaciones muy localizadas, distintas a generar una imagen como país o reproducir la realidad, el cine mexicano —y alguna sección del latinoamericano— se ha salido del locker de los cines del sur (América Latina, Asia y África) para incorporarse a la más amplia tradición occidental, es decir, para colocarse en las preocupaciones de la cultura que comparte con Europa y el resto de América. El momento más difícil de nuestro cine es el momento en que nuestra identidad implica presentarnos dentro del área cultural a la que pertenecemos. Y resulta que para quienes comparten nuestra cultura —o nuestra metacultura— era más fácil reconocer nuestra diversidad con respecto a ellos desde el folklor. Las diferencias ahora son demasiado sutiles.

Y a pesar de todo hay algo en lo que los críticos europeos tienen razón: hay un cine–latinoamericano–de–festival–donde–cada–escena–dura–tres–años.

Buscándole el lado amable, se puede tratar de un epíteto jocoso y revelador: hay una serie de elecciones estilísticas que podrían empezarse a generalizar muy pronto —si es que no lo han hecho— y eso puede provocar nuevos sistemas de autoexotismo, pero sobre todo opacar miradas dirigidas a otros sitios. Desde dentro también se necesita diversidad. M

Ahora que los directores latinoamericanos se han escapado de las dos casillas que se espera llenen (el realismo mágico y la denuncia de una realidad sórdida y miserable) y comulgan con estéticas lacónicas, se vuelven incomprensibles.

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DEL CINE COMO ELEMENTO TERAPÉUTICO

FAMILIA TORTUGA TXT:: Fernando del Razo.

FOT:: cortesía Canana Films.

Se trata de una película hecha con un presupuesto muy modesto, una tesis de Realización en el Centro de Capacitación Cinematográfica, pero que confirma una vez más que eso no es un elemento trascendente al momento de evaluar la calidad y alcance de un film. Al contrario, la mayoría de las veces, al menos en México, de este esquema de producción pequeño resultan las propuestas más interesantes.

La distribución en México corre a cargo de Canana Films, con apenas 10 copias, por lo que hay que ir a verla pronto, antes de que comienze el típico juego de estira y afloja con los exhibidores, que van a querer colocar cuanto antes algún bodrio de Hollywood. ¿Qué expectativa tenías cuándo empezaste Familia Tortuga? ¿Fue cambiando durante el rodaje, o hasta después? En relación a cómo iba a quedar y la repercusión que iba a tener.

Curioso. Nunca nos aceptaron a mí y a mis compañeros de generación en los festivales mexicanos, salvo alguna excepción, pero nuestra onda nunca embonó, y justo me dio una flojera tremenda hacer un cortometraje que tuviera que tratar de convencer a esa gente. Fue romper precisamente con esa expectativa, y pensar: bueno, si no he aprendido bien a hacer eso, contarlo bien, o con la fuerza poética necesaria, y la intención visual y todo, por lo menos iba a aprender con un largometraje y me iba a llevar una mejor experiencia. Con toda sinceridad, esa era mi principal preocupación, escribir mi primer largo, lo que nunca había hecho en la vida, y trabajar con actores, dejarme ir con ellos. ¿Pensaste que así tenía más posibilidades, siendo largo?

Creo que no alcanzaba a visualizar las posibilidades tan grandes que hay para dar a conocer un largometraje en el mundo. Fui al Talent Campus de Berlín en el 2004, ese mismo año empecé a escribir la Tortuga, que se filmó luego en 2005, y ahí conviví con un tipo de cineastas, que son con los que personalmente mejor me llevo, sin esta pose de director, y muchos estaban en el dilema cuasi virginal de hacer largometraje o no, el mismo que yo traía de la escuela. Y cuando regresé, dije, pues hay que hacerlo, es la única manera en que voy a aprender, pero no había alcanzado a vislumbrar las posibilidades de que, además de que sí lo hiciera, todas las ventanas que había. Y durante el rodaje, lo que fui sintiendo, confortablemente, es que iba aprendiendo, y todos fuimos aprendiendo, focalizando la sensación, y el tiempo, y el apunte cinematográfico, actoralmente, fotográficamente, todo fue cuajando. Entonces para mí, durante el proceso, fue una sensación de estamos agarrando algo”. Hubo una persona, Axel (Muñoz, también estudiante del CCC) que se fue prendiendo en el rodaje, y él es un freak de saber de becas y fondos, y lo ví

que estaba muy confiado. Cuando empezé a editar, dos meses después, en agosto, ya se estaba haciendo la segunda parte de El violín (que originalmente era un corto), que se mandó a San Sebastián en septiembre, a todos esos premios de Cine en Construcción, y Axel me estuvo diciendo. Pero yo no llegaba, pues me tardé un poco en organizar todo el material. Y fue el mismo Axel, que yo estando en Barcelona con Yulene (Olaizola, también estudiante y directora), donde yo ya tenía un corte de la película, estando en un chat me lo encuentro, y me dice que ya se viene de nuevo el deadline de Cine en Construcción. Estaba en Barcelona y sólo me costaba 10 euros mandarlo. Lo mandé y empezaron a pegar las cosas. Fui a Toulouse y ahí te das cuenta de las puertas gigantes que existen. Y entendí, por ejemplo, cómo hizo Reygadas, a quien lo respeto mucho. Y la expectativa cambió radicalmente en ese momento. De repente ya hasta estaba rozando Cannes. Todavía no me la creía y se abrió San Sebastián.

Cuando escogiste que tu tío fuera el personaje principal, supongo que tenías ahí tus problemas éticos ¿o no? ¿Por su situación psicomotriz? Nunca había recibido un comentario así, es la primera vez Manuel tiene tanto ángel, que es el mejor parado de la película, es como el ejemplo a seguir de muchas cosas. Y en ese sentido casi no toqué al personaje de Manuel. La única vez, cuando se metía a ver a la amante y al bebé (una secuencia eliminada), que estaba mal desde guión, estaba mal en el rodaje, estaba mal editada, estaba mal todo, porque era pretender entender otra cosa de él, aunque yo quería que fuera benévola, le daba esa cosa a Manuel más grande, más twisted, pero ahí ya era un apunte mío, era juzgarlo. Se sentía forzado, porque siempre con Manuel fue mucho dejarlo ser, y en realidad nunca me dio miedo. Sí tuve el pensamiento de que en mi familia iba a ser un shock, y lo fue, por estas limitaciones, que por mucho tiempo le fueron inculcadas incluso.

Sí, esta cosa como estructural cuando la gente ve a alguien diferente A lo que iba también es, si en algún momento no pensaste que a lo mejor lo vulnerabas a él, o al revés, tenías tanto repeto y cariño por Manuel que dijiste, yo quiero hablar sobre él, tal cual es...

Tal vez vuelve a ser la gratificación de haber entrádole al tema de Manuel con mucha inocencia también, como de yo voy a dejar que él sea, porque creo que hay algo que vale mucho la pena, y por otro lado, él mismo mostró todo el tiempo señales de estar dispuesto a jugar este juego, que luego no es un juego porque es de uno mismo. Entonces, no sé si con tanta claridad, pero estaba dispuesto, conforme fue sucediendo y se fue metiendo la película en su cabeza siempre mostró seguridad, y ahora le da mucha seguridad en su vida diaria, tener eso de background, haber vivido ese momento familiar y entender muchas cosas. Él es una persona hecha y derecha, tiene muchos más años que yo, y un colmillo largo. Me acuerdo, cuando

íbamos a hacer la secuencia de noche en el patio, Manuel estaba nada más, en el guión, recargado en su esquina diciendo que qué triste, que su familia y que su hermana Incluso me acuerdo muy bien porque Gerardo (Barroso, el fotógrafo) estaba muy “malviajado” diciéndome: “Rubén, no se va a mover de ahí, porque esto es lo más oscuro que estamos llegando, y si se mueve ya no alcanza la luz. No, no, ahí está parado”. Y corrió la escena y Manuel solito vino, se sentó y empezó a cantar, y cantó y lloró, y metió algo de su emoción en la película, la cedió. Tan la cedió, que acabó la escena y no se quedó ahí mal, sino que dije corte, todos estábamos así, helados, y fue él solo el que se detuvo sus lágrimas unos segundos después, respiró y me dijo: “¿Te gustó mijo?” Se estaba entregando. Y le ha servido mucho la experiencia. Cuando empezamos a trabajar en la casa, Manuel llevaba como dos años de vivir ahí muy solo, y ahora ya anda con novia, amigos. A final de cuentas, sí le ayudó en ese sentido, creo que fue muy terapéutico. Y creo que esa es otra posible característica de este cine del que estamos hablando, que se vuelve terapéutico.

”Algo que siempre dije fue que en México las agrupaciones sociales están todas corrompidas, los partidos, los sindicatos, las iglesias, las escuelas, todo. Y yo, como ciudadano mexicano, donde me reconforto es en la familia”.

Y liberador…

Terapéutico y liberador, para el espectador, para el realizador, para el actor Porque hace una revisión antropológica, sicológica, espiritual de nosotros, del ser humano. Es el tipo de cine que me gusta, el que busca alrededor de estas cosas.

Sí, tiene que ver hasta con qué buscas cuando haces cine...

Y qué buscas cuando vas a verlo también Como cineasta, eres un espectador de un tipo Y el cine institucional, en lugar de ser liberador y terapéutico, al contrario, crea estereotipos, y sufres, porque no encajas en ellos, y piensas que tú también eres heroico pero por otras cosas que nadie entiende y que no están ahí. Y lo que te crea son traumas.

Pues sí, es querer tener modelos para todo. Te dicen: El cine tiene que ser así...

Exacto, el cine no es ése. Y para mí, de lo que se trata es de reivindicar al cine, ya no digamos como arte, sino como lenguaje. Es darle esa virtud, que sí tiene. Como en la literatura, no nada más hay best sellers, también hay ensayos humanistas, históricos, sociales, filosóficos.

Diversidad…

Sí, nos tienen encasillados, estúpidamente. ¿Por qué dirías que hay que ver Familia Tortuga?

Dentro de esta revisión antropológica, ensayo terapéutico de la sociedad, ya con más distancia, mucha más claridad, algo que siempre dije fue que en México las agrupaciones sociales están todas corrompidas, los partidos, los sindicatos, las iglesias, las escuelas, todo. Y yo, como ciudadano mexicano, donde me reconforto es en la familia. Y si quitas una ficha tan importante, como en este caso la mamá, se desmorona, se corrompe de alguna manera.

Esa es la tesis central de la película. Y justo Manuel propone lo contrario, el reagrupamiento: Todos tenemos nuestros problemas, nada más hay que juntarnos, platicarlos, entendernos. M Si quieres leer completa esta entrevista, entra a www.revistamarvin.com y da click en la sección Cine.

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TXT:: Humberto Polar. Fot:: cortesía Galería OMR

Gabriel Acevedo Velarde volvió a México a presentar su trabajo reciente en la galería OMR. Aunque vive y trabaja en Berlín desde hace poco menos de dos años, Gabriel Acevedo Velarde (Lima, 1976) ha mantenido activo su vínculo con México. Aquí vivió cinco años mientras estudiaba arte en la Universidad de Las Américas en Cholula. Luego residió por temporadas en Sao Paulo y Nueva York para finalmente afincarse en la ciudad alemana que tanto estímulo está dando a tanta gente creativa del mundo entero. En estos últimos años, su trabajo ha despertado un gran interés en museos y galerías de todo el planeta: desde Londres hasta Sidney, de Seúl a Buenos Aires, sus videos y dibujos se presentan y sorprenden a públicos de diferentes culturas y a posiciones curatoriales muy distintas. Debe ser porque en el trabajo de Acevedo Velarde hay un desparpajo y espontaneidad que, sin embargo, descansan en una posición filosófica honesta y meditada. En México ha expuesto individualmente en la Sala de Arte Público Siqueiros, el Museo Carrillo Gil y dos veces en la galería OMR. En agosto pasado presentó en este espacio Incorporación, Desprendimiento: una serie de videos y dibujos acompañados de un performance en el que explicó a la audiencia allí reunida cómo había decidido cambiar el eje gravitacional del mundo a partir de su particular visión del amor, todo explicado con diagramas mecánicos. Ahora, quiere ser músico y nos explica por qué.

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Marvin: ¿Cuál es la diferencia entre tu trabajo actual y el que hacías antes de salir de México?

Gabriel Acevedo Velarde: No acabé mucho cuando vivía en México. Está difícil comparar. En México estuve mucho tiempo parado o intentando cosas que no funcionaban. Hice dos proyectos aislados de animación y algunas series de dibujo. ¿Sentías que tenías una carrera en ese entonces? ¿Imaginabas una?

Hasta ahora siento que aún no tengo una carrera. Hay dos maneras de verlo, creo: no tengo una carrera porque recién ahora estoy encontrando lo que quiero hacer, que está más ligado a la música de lo que pensaba. La otra es: nunca quisiera tener una carrera, en el sentido de que no me gusta la idea de ser profesional en arte. Me parece que por culpa de esa visión, hay un montón de gente siguiendo patrones, haciendo lo que se espera de un artista latinoamericano.

Según lo que dices, pareciera que se espera algo particular de un artista latinoamericano...

En Europa, en Estados Unidos se espera que uno tenga un “compromiso” con la situación latinoamericana, o la situación de donde uno venga. Si el trabajo no tiene referencias claras, históricas o contemporáneas, muchos curadores pierden interés. Esto no me parece mal en sí, cada curador busca lo que le da la gana, pero lo que sí me parece mal es amoldarse a esa demanda, a estas referencias a Latinoamérica.

Al parecer eso le está pasando al cine, también... En esta edición de Marvin, Abel Muñoz publica un artículo que plantea que a los europeos les irrita el cine latinoamericano lento y contemplativo ¿Crees que le pasa eso a la música latinomericana también?

No sé mucho de música latinoamericana, pero supongo que es un fenómeno más viejo que los 90’. En un sentido, este interés “político” es una versión más sofisticada del mismo exotismo de siempre, aplicado a cualquier ámbito. ¿Cómo crees que llegarás a la música desde donde está tu trabajo? Has transitado por la animación, el dibujo, ahora tiendes a registrar acciones...

Aún no lo sé con exactitud. Pero hay este “momento mágico”, ese momento en donde uno está bailando y de pronto ciertos sonidos te hacen pensar, y de pronto resuelves algo en lo que venías pensando toda la semana. Si puedo hacer que el público de la música tenga esta “inspiración de pista de baile”, pues voy a ser feliz.

Tu interés hacia la música, ¿se ha acentuado con tu vida en Berlín?

Totalmente. Antes no escuchaba techno en absoluto. Lo más lejos que había llegado en música electrónica era Mouse on Mars! Creo que si no viviera en

Berlín, y escuchara la misma música que escucho ahora, no le prestaría atención, me parecería aburrida o simplemente ajena.

Es haber asistido a estas fiestas al aire libre y a los clubes de Berlín, en especial los de verano, lo que me ha hecho ver la música electrónica como todo un evento social, un género distinto, casi una cosa que cuesta trabajo llamar música si uno quiere entenderla en toda su dimensión.

Siento que, como muchas cosas en la cultura alemana, la música electrónica te da una retícula, un continente donde poner cualquier cosa. Como si fueran matemáticas. ¿Has aplicado esta formalidad a lo visual? Tu video Panorama, incluido en tu última exposición en México es un trabajo distinto a lo que conozco de tu obra.

Sí. Aunque veo este video, Panorama, como si su presentación ideal fuera en vivo. Esto es un gesto muy cursi, pero el nombre viene del club Panorama Bar. Siento que le debo mucho a ese lugar.

Panorama Bar es un club de música electrónica de Berlín, donde hay unas persianas que tapan la luz diurna, horizontales obviamente. Y, en domingo por la mañana, en la “hora pico”, o sea como entre las 9am y 11am, el controlador de las luces abre las persianas, la luz del sol entra y todo el mundo se pone bien loco. ¿Qué proyecto traes entre manos?

Tengo una exposición en el Carrillo Gil en febrero. Voy a hacer dos performances con video, uno de las cuales es bastante musical. De hecho quiero que se convierta en una fiesta. Ese es el proyecto que más me ilusiona ahora. Tengo otras expos chicas, pero quiero concentrarme en lo del Carrillo Gil. ¿Hay algún artista o músico que te impresione en este momento, a la luz de tus nuevos intereses?

Pues todo lo que sacan Dave Portner, Noah Lennox (miembros de Animal Collective N. de R.) y Eric Copeland (músico experimental de Nueva York N. de R.) siempre me da una especie de guía, casi espiritual. La música que hacen me hace sentir en el futuro donde quisiera habitar. El resto es música electrónica de baile: Bruno Pronsato a la cabeza, y otras cosas más clásicas como Thomas Brinkmann o Magda.

Ah! Y Skream es de las cosas que más me ha impresionado recientemente.

Lo que me impresiona en específico es cómo alguien tan joven puede hacer música tan densa.

Parecía en tu performance de la OMR que estás en un punto de revisión de tu vida/trabajo. ¿Es cierto? ¿Estás tratando de hacer una obra más “emocional”?

Creo que cada persona tiene una metafísica personal. En esta presentación traté de poner la mía en palabras e imágenes explicativas. Digamos que traté de poner en un mismo plano las cosas que se me ocurren sobre el universo y sobre mi dedo meñique. M

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LOS ROSTROS DEL ROCK SUBTERRÁNEO

Entrevista exclusiva con Jorge Alderete Delgado

Warpig

Joe Volume

Animal

Jorge Alderete creció en Neuquén, una ciudad de la Patagonia argentina. Es un largo camino hasta la colonia Roma, concretamente el espacio Kong donde Alderete expondrá dibujos, ilustraciones y grabados desde el 10 de septiembre.

En la muestra, este interesante artista “conmemorará” 10 años de residencia en México a través de un curioso tema: los músicos y personajes que han pasado y pasan por el Alicia, el foro emblemático del rock underground chilango.

Una editorial francesa publicará además un libro documentando este trabajo y habrá un concierto de Lost Acapulco para celebrar el lanzamiento.

Jorge nos contó en exclusiva sobre sus influencias, sus pasiones y esta exposición.

Sobre lo que soy.

Es difícil definirlo. Estudié diseño y comunicación visual en Argentina, en la ciudad de La Plata, y empecé acercándome a esto por ese lado, desde el diseño, la gráfica, el cómic, que son cosas que me gustaban desde siempre. El cómic existe en mi vida desde siempre.

Ahora la verdad no sé si me puedo definir como diseñador gráfico. Me dediqué mucho a la ilustración, trabajando de una manera más convencional: revistas, periódicos, libros, ilustraciones... Ahora me dedico a hacer portadas de discos, “cartelería” para bandas y tocadas. Eventualmente me he metido a diseñar tipografía. Como me gusta mucho la música formé con un amigo un sello discográfico.

Además de que me encargo de toda la parte gráfica del sello estamos editando los discos. Después con Quique (Ollerbides), con el “Cha” y con Clarisa abrimos Kong. Empecé entonces a funcionar como galerista por momentos, como dueño de una tienda. Todo lo que es gráfico tiene mucho peso en las actividades en que me involucro, pero también veo mucho por el contenido. A veces siendo tan sólo un diseñador o ilustrador estás recibiendo trabajo por encargo, proyectos de alguien más. Lo que me ha ido pasando con el tiempo es que cada vez me involucro más en generar mis propios proyectos.

Sobre gestar espacios para la cultura.

Platicaba con Gary Panter (Artista gráfico que expuso en Kong en julio-agosto N. de R.) sobre esto. Él viene de la escuela punk de los 70’, empezó en la escena punk de Los Ángeles y creo que mucho de lo que yo hago tiene que ver con eso: hágalo usted mismo, el “do it yourself”. He vivido toda mi vida en Argentina

y estos últimos 10 años en México, siempre en Latinoamérica, siempre el tercer mundo, siempre lugares jodidos con crisis económicas, sociales, políticas, la que quieras. Hay muchas cosas que vemos y sabemos que faltan y en términos generales la tendencia es oír: “acá no se puede hacer nada”. Yo siempre he tratado de darle la vuelta a eso, si veo que hay cosas que faltan quiere decir que hay cosas que están por hacerse y si las puedo hacer yo, mejor. En la medida que sean cosas que me gustan y que tengan que ver con lo que me place hacer. Me gusta mucho la música pero no puedo tocar dos notas juntas que suenen bien, así que mi forma de estar cerca es a través de la disquera.

Está especializada en rock instrumental, surf, garage, un poco de rockabilly, pero siempre instrumental. ¿Por qué? Es un capricho, lo sabemos y así fue concebida. Existen disqueras especializadas en otras partes del mundo. Acá no existía ninguna, nadie le daba mayor importancia a esa clase de música, entonces era algo por hacerse. No es el camino fácil. Yo decía: ojalá algún día una de estas disqueras me contratara para hacer una portada porque es el tipo de música que a mí me gusta. Podría sentarme en mi casa a esperar que alguna de esas disqueras aparezca y me contrate o podría yo inventarme la disquera y contratarme a mí mismo para hacer las portadas. Así con muchas cosas.

En Kong nos pasó lo mismo. Es la tienda que hubiésemos querido encontrar nosotros como clientes y no existía. Encontrábamos un pedacito en una tienda en Barcelona, un pedacito en una tienda de Nueva York y dices: “bueno, hagámosla como nosotros queremos, con nuestras reglas”. Estamos acostumbrados a que las puertas están cerradas. Las golpeas una y otra vez y siguen cerradas y cuando medio se te abre una rendija te cuelas por ahí. Sería más

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TXT:: redacción Marvin. FOT:: cortesía Jorge Alderete.

Jenny-Bombo

Reverendo

Guilli Damage

Gaby de la O

frustrante para mí sentarme a esperar que aparezca un patrocinador que me permita hacer tal o cual cosa. No puedo sentarme a esperarlo.

Sobre mi exposición en Kong.

Estoy cumpliendo 10 años en México. La muestra tiene que ver con que he llegado a un trabajo más autoral y propositivo. Me surgió la idea de festejarlo de alguna manera. En México había hecho algunas exposiciones retrospectivas. En este caso, mostré el trabajo que generé para portadas de discos o para carteles, pero nunca había trabajado directamente en algo pensándolo desde su inicio. El trabajo que voy a presentar ahora es todo nuevo, hecho para festejar estos 10 años.

Me di cuenta de que desde que llegué a México, uno de los pocos lugares que sigo frecuentando que no ha cambiado es el Alicia. Hoy por hoy ya es una especie de icono dentro de la cultura subterránea de la ciudad y fue muy raro porque la primera vez fui ahí a los 10 o 15 días de llegar a la Ciudad de México y a partir de ese momento he ido siempre, con mayor o menor asiduidad. Entonces toda esta exposición tiene que ver con los retratos de gente que he conocido en el lugar, músicos, público, gente que trabaja en el lugar y que conozco desde hace diez años, algunos más recientemente. Al final son parte de mi familia, de mi cotidianeidad. Parte de mi trabajo se desarrolló por ese lado haciéndoles portadas de discos a varias de las bandas de ahí y muchos de los carteles para el lugar.

En el 90% de los casos hice carteles para shows en los que asistí como público.

Y es un registro de mis 10 años en México. Creo que en México en particular hay muchas cosas de las que no se tienen registro y cuando nos acercamos a la cultura subterránea, aún menos. En otros lugares es más común el registro

Dr. Alderete

de las subculturas. Con la “era digital” y el MySpace que nos hacen creer que no se necesita un registro, está todo al día. Pero dentro de 10 años, ¿qué va a pasar con esta gente que fue importante o no? Muchos de los que estoy retratando en este trabajo son personas del público que van durante un tiempo y después no vuelven más, se cortan el pelo, se ponen un saco y tienen un trabajo regular. A muchos los he dejado de ver. Me parecía importante tener este registro.

Sobre la cultura underground de México.

Yo creo que al igual que en muchos lados es en el underground donde se empiezan a cocinar las cosas. Luego algunas tienen más suerte que otras y se cuelan al mainstream, pero inicialmente empezaron ahí y esta ciudad tiene un underground muy grande y muy fuerte, con mucha personalidad me parece. ¿Qué de lo que esté pasando en el underground va a ser algo más grande en el futuro? No lo sé, ni me interesa.

De hecho cada vez disfruto más cuando las cosas se mantienen reales, auténticas, a un nivel humano. Cuando algo en México se pasa al otro lado, tiene una escala que no es humana. Es una ciudad muy grande, hay mucha gente en esta ciudad, en este país. Las cosas toman dimensiones inabarcables. La verdad disfruto más cuando las cosas se mantienen reales, auténticas y sobre todo humanas. M

Presentación de Yo soy un Don Nadie, Ed. Black Cat Bones 10 de septiembre a las 20:00hrs.

KONG: Colima 134 Esq. Córdoba. Col. Roma. Tel. (52 55) 1054.6094

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TXT:: Arthur Alan Gore. FOT:: cortesía Diamanda Galás/ www.diamandagalas.com La voz de Diamanda Galás es muchas voces al mismo tiempo. Es el grito ahogado de los enfermos terminales y el llanto inconsolable de los enamorados no correspondidos. Es el susurro que se cuela desde las tinieblas y también el siseo de la serpiente que con su mordida envenena a los poderosos. Es la invocación de las antiguas culturas, las que iniciaron la conquista de los elementos, mezclada con la parafernalia de nuestra estrambótica modernidad.

Diamanda se parece a todo y al mismo tiempo es única. Su originalidad proviene de la asimilación de lo otro y la exaltación de su propia personalidad. Es una compositora e intérprete que construye su arte a partir de la intersección que se puede encontrar en conceptos contradictorios. No es exclusivamente satánica, ni tampoco estrictamente anticristiana. Ella disfruta de invocar deidades con su canto y así conformar una pandilla de Dioses variopintos e incluyentes.

Le gusta la música antigua, pero también la contemporánea y fusiona ambas para crear híbridos hermosos y aterradores. Fue capaz de grabar un disco, The Sporting Life, junto al rockerísimo bajista y tripulante del legendario Led Zeppelin, John Paul Jones. Eso sí, su técnica de canto data de épocas antiquísimas. Se le conoce como Amanes Aamanthes y fue utilizado por sirios, egipcios y griegos, con sus respectivas variaciones, para invocar a sus deidades particulares. Diamanda sabe que la única forma de combatir la xenofobia, el racismo y todos los instintos que motivan a los seres humanos a destruirse los unos a los otros es, no la creación de una deidad universal, sino la aceptación de todas las deidades al mismo tiempo.

La pesadilla americana Nacida en San Diego California, en 1955, pero de familia griega, Diamanda es incapaz de ocultar la antipatía (o verdadera roña) que le provoca la cultura estadounidense dominante: las pasarelas de moda, las papas fritas con refresco grande, Mickey Mouse paseando de la mano de Minnie, Paris Hilton apretando a un chihuahueño contra sus diminutos senos y George Bush en la constante búsqueda de armas de destrucción masiva en todos los países menos en uno: el propio.

Diamanda es la única que se ha atrevido a referirse al sueño americano como una auténtica pesadilla. Es ella quien, residente del ombligo cultural que es Nueva York, ha sabido exprimir de la cultura norteamericana aquello que de verdad es arte —como el jazz y el blues— para diluirlo en sus influencias clásicas, convirtiendo el resultado en un nuevo género construido a partir de gritos, susurros, dolor y alegría.

Locura. Delirio. Galás es la bruja. La redentora y la asesina.

Todos somos el Sida Una de sus más obsesivas inspiraciones recae en el fenómeno de la marginación. Quizá por su estirpe extranjera se siente atrapada en un país formado de inmigrantes que ahora segregan a todo aquel que huela a extraño. Desde siempre, la cantante se ha identificado y pronunciado a favor de los derechos de los perseguidos, especialmente los enfermos de Sida y los portadores del VIH. En la que es considerada su obra más ambiciosa, The Masque of the Red Death, trilogía de álbumes inspirada en la obra La Máscara de la Muerte Roja de su admirado Edgar Allan Poe, Diamanda manifiesta la enorme ira que le provoca el hecho de que, como dijo Thomas Hobbes, el hombre sea el lobo del hombre. En su cabeza no caben imágenes como las de las mujeres del Medio Oriente, que desde la cárcel de hilo de sus burkas observan el mundo como un objeto decorativo al servicio de los caprichos masculinos. Diamanda le tiene aversión a cualquier

antónimo de pluralidad. Le enfurece que en este planeta haya quienes —bajo el espejismo de la normalidad— se sientan con la autoridad para señalar con el dedo a negros, homosexuales, inmigrantes, ateos y cualquier mal llamada minoría, que de unirse bajo un mismo objetivo podrían convertirse en “La Mayoría”.

Tanta es su combatividad a favor de la pluralidad que lleva tatuada en los nudillos la frase “WE ARE ALL HIV+”. Con ella lanza puñetazos simbólicos a la cerrazón mental y a los censores de pacotilla. Así sucedió durante la grabación del disco Plague Mass en 1991. En aquella ocasión, la cantante decidió permitir que su voz —sus voces— se liberaran en forma de la furia de un dragón, en el interior de un templo, en específico la Catedral de Saint John The Divine, en Nueva York. Allí Galás enfiló su furia hacia la Iglesia Católica, tanto por su indiferencia hacia los enfermos de sida y más aún, porque a lo largo de la historia los cultos religiosos han operado como los encargados de estigmatizar a las personas.

En carne propia Si en los tiempos bíblicos se confundió a los leprosos como seres poseídos por demonios, en nuestros días los portadores del virus incurable son vistos, por los jerarcas eclesiásticos, como la encarnación misma del diablo. El sida, en su obtusa concepción de la enfermedad, es el castigo que Dios les envió a los homosexuales, a los junkies y todo aquel que no se aliene con el sistema.

Tradicionalmente, la intolerancia ha cobrado más vidas que cualquier enfermedad, es por ello que Diamanda es la voz de los muertos.

Esas notas, acrobacias vocales que pueden conducir al escucha a paraísos sonoros nunca antes explorados, sólo pueden ser expelidos por quienes han sido corroídos por el dolor y no se conforman con ser meros observadores de la sinrazón humana. El hermano de Diamanda, Philip-Dimitri Galás, contrajo el VIH mientras comenzaba la grabación del primer volumen de la trilogía de The Masque of the Red Death y, dramática coincidencia, falleció mientras se producía el último capítulo.

En la actualidad, la cantante acaba de lanzar —en marzo del presente año— un disco titulado Guilty Guilty Guily, en el que interpreta una selección de lo que para ellos son las mejores canciones de amor suicida. Entre ellas figuran temas de Ralph Stanley, Tracy Nelson y Johnny Cash.

Cada una rebasa todas sus posibilidades y se convierten en algo más que canciones, en actos artísticos que provocan emociones y sacuden conciencias.

Así es Diamanda Galás, la que sin guitarras distorsionadas es capaz de construir los acordes más estridentes. La que confiere al silencio y la oscuridad papeles primordiales donde el resto de los mortales sólo entiende el significado del sonido y la luz. La voz que representa a los marginados, los segregados y los señalados. La voz de todas las voces. M

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PELÍCULAS DECISIVAS

EN LA LUCHA POR LA DIVERSIDAD

TXT:: Óscar Uriel.

D.W. Griffith tituló Intolerancia a una cinta de su autoría, que abordaba la dramática historia de una mujer a la que se le despoja de su hijo y su familia, debido al prejuicio de la sociedad. La cinta fue realizada en 1916, hecho que manifiesta un interés de parte del cinematógrafo por retratar el problema de la falta de tolerancia ante la diversidad. El cine siempre ha sido un instrumento que pretende combatir el totalitarismo de pensamiento. A continuación, nos permitimos enlistar diez filmes que invitan al espectador a abrir su espectro de posiblidades ante un mundo repleto de opciones.

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DO THE RIGHT THING (E.U. 1989)

Director: Spike Lee. Intérpretes: Danny Aiello, John Turturro. Director de Cinematografía: Ernest R. Dickenson.

Probablemente sea la mejor película de Lee. Es el día más caluroso del verano en un vecindario típico del Brooklyn, sus habitantes llegan a la Pizzería de Sal y a una tienda de abarrotes popular de la colonia. Lo que parece ser una día común y corriente se convierte en una grave manifestación del racismo aún predominante en la década de los ochentas. El realizador muestra ese prejuicio racial en todas sus manifestaciones: desde el odio generacional, hasta la violencia más obvia, no sólo entre los afroamericanos, sino en los italianos también, convirtiéndo esta película en uno de los documentos sociales de más trascendencia producidos en su momento. Es el mejor retrato del odio con el que se convive día a día en un vencindario donde predomina la diversidad étnica.

HEDWIG AND THE ANGRY INCH (E.U. 2001)

Director: John Cameron Mitchell. Intérpretes: John Cameron Mitchell, Michael Pitt. Director de Cinematografía: Frank G. DeMarco.

Es un musical, pero también es una comedia, aunque para algunos se convierta en una terrible tragedia. Este híbrido de género es una extraordinaria película que narra las aventuras y desventuras de un transexual del este de Berlín que emigra a los Estados Unidos para convertirse en una estrella del punk rock. En el camino, un despiadado novio le roba canciones de su autoría… en fin, la historia de Hedwig está plagada de decepciones que acercan a cualquier espectador que alguna vez se ha sentido “fuera de lugar”. Se puede resumir la anécdota como la historia de un ser humano que encuentra todos los obstáculos posibles en el camino para encontrar su lugar en el mundo.

LE TEMPS QUI RESTE (Francia, 2005)

Director: Francois Ozon. Intérpretes: Melvil Poupaud, Valeria Bruni Tedeschi. Director de Cinematografía: Jeanne Lapoirie.

Romaine es un exitoso fotógrafo gay que sufre de cáncer terminal. Apenas y tiene tiempo de poner las cosas en orden en su vida y limar asperezas con casi toda su familia. ¿Por qué tanto odio hacia los demás? Probablemente por el coraje y la impotencia que ha acumulado durante los años como producto de su condición. La película es un acertado estudio del hombre aparentemente “exitoso” que no es otra cosa que un disfraz muy bien puesto ante sus miedos. Ozon nos regala uno de sus mejores y más personales filmes y una estrujante escena entre el protagonista y la extraordinaria Jeanne Moreau, quien interpreta a la singular abuela.

NO MAN’S LAND (Bosnia, 2001)

Director: Danis Tavonic. Intérpretes: Branko Djuric y Rene Bitorajac. Director de Cinematografía: Walther van den Ende.

El set de la cinta es la tierra de nadie entre Bosnia y Herzegovina, en donde dos soldados rivales se encuentran. Hay insultos y ofensas debido a sus marcadas diferencias políticas. Aparece un tercero con una granada ajustada al cuerpo, lo cual ocasiona que los tres hombres pongan sus creencias a un lado, para dar paso al ser humano que todos escondemos. Es una película que llegó en un momento histórico importante, cuando las noticias diarias provocaban vergüenza mundial. Una historia que mostró cómo muchas veces hay más similitudes que diferencias entre enemigos.

HAPPY TOGHETER (Hong Kong, 1997)

Director: Wong Kar Wai. Intérpretes: Leslie Cheung, Tony Leung. Director de Cinematografía: Christopher Doyle.

Happy Togheter es la triste historia de amor de dos hombres orientales en Buenos Aires. El marco es por demás depresivo, pues se trata de una relación autodestructiva que vive su clímax en una extraña ciudad ajena a su idioma y cultura. Lo que propone el maestro Wong Kar Wai es retratar la soledad al máximo a través de lo que viven nuestros protagonistas al serntirse “fuera de lugar”, en toda la extensión de la palabra. Las hermosas imágenes en blanco y negro son acompañadas por la música de Danny Chung, escenas que se quedarán en tu cabeza por mucho tiempo.

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SHOOTING DOGS (Inglaterra, 2005)

Director: Michael Caton Jones. Intérpretes: Hugh Dancy, John Hurt. Director de Cinematografía: Ivan Strasburg.

No es Hotel Rwanda ni Sometimes in April los documentos definitivos que recolectan el genocidio en Rwanda en 1994, donde cerca de 800,000 personas perecieron cruelmente debido a la guerra civil entre Hutus y Tutsis. Esta película es un trabajo más degarrador y directo, en ella constatamos la presencia de un clérigo y su joven ayudante, quienes fungen como testigos de uno de los actos más horroríficos de los últimos años dentro del panorama político mundial. Además, muestra la lucha espiritual que vive un hombre dedicado a su religión, en contraste con la terrible realidad.

BLOODY SUNDAY (Inglaterra, 2002)

Director: Paul Greengrass. Intérpretes: James Nesbitt, Alan Gildea. Director de Cinematografía: Ivan Strasburg.

A manera de documental, Paul Greengrass recrea los trágicos sucesos del 30 de enero de 1972. Al norte de Irlanda, en Derry, un grupo de protestantes irlandeses se manifiestan en una pacífica demostración, que termina en un sangriento enfrentamiento donde 13 personas pierden la vida. La manufactura de la cinta permite al espectador vivir la cotidianeidad de los personajes y experimentar uno de los conflictos más graves y sonados en la historia contemporánea. En un futuro Greengrass realizará la también lograda United 93.

CEUX QUI M’AIMENT PRENDRONT LE TRAIN (Francia, 1998)

Director: Patrice Chereau. Intérpretes: Pascal Greggory, Charles Berling. Director de Cinematografía: Eric Gautier.

Del país galo llega esta conmovedora película ¿Qué haces cuando tu familia la integran miembros disfuncionales? Aquí hay de todo: alcohólicos, transexuales, neuróticos etc. Todos toman el tren de París a la provincia de Limonges para cremar el cuerpo del amado Jean Baptiste. La diversidad doméstica. Favor de prestar atención al singular trabajo de Vincent Perez interpretando a la sensual Viviane.

BEFORE NIGHT FALLS (E.U. 2000)

Director: Julian Schnabel. Intérpretes: Javier Bardem, Oliver Martínez. Director de Cinematografía: Xavier Pérez Grobet, Guillermo Rosas.

Homenaje a la figura, casi legendaria, de Reynaldo Arenas, escritor cubano y homosexual que vivió la represión Castrista debido a sus convicciones políticas y modo de vida. Bardem ofrece una soberbia caracterización en un cuadro como sólo Schnabel podría realizar.

Una hermosa plástica compuesta por poderosas imágenes en la historia de un hombre que luchó con su arma: su literatura.

XXY (Argentina, 2007)

Director: Lucía Puenzo. Intérpretes: Inés Efron, Ricardo Darín. Director de Cinematografía: Natasha Braier.

Del país del sur del continente, llega esta original historia acerca de un hermafrodita de quince años que tiene que vivir con la situación clínica de su condición. Es el momento de tomar decisiones, pero: ¿qué sucede si no queremos hacerlo? La hija del gran Luis Puenzo nos regala esta anécdota sin prejuicios ni moralina gratuita. Simplemente se trata de un ser que tiene que cambiar para poder encajar.

A pesar de la apariencia, la película es contada a través de los ojos del padre, interpretado soberbiamente por Ricardo Darín.

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raster-noton: el sonido es visual TXT:: redacción Marvin. FOT:: cortesía Raster-Noton

Uno de los platos fuertes del próximo y esperado MUTEK 2008 será la presentación del colectivo Raster-Noton. Fue fundado en 1999 como resultado de la fusión entre los sellos Rastermusic (dirigido por Olaf Bender) y Noton (dirigido por Carsten Nicolai). Desde Chemnitz, Alemania, estos dos artistas han creado una plataforma en la que se superponen propuestas que vienen del arte, la música y la ciencia.

Bajo el nombre Raster-Noton podemos encontrar instalaciones, libros, discos, proyectos de diseño. El común denominador es su tono siempre experimental. William Basinski, Ivan Pavlov aka COH, Ryoji Ikeda, Ryuichi Sakamoto y Carl Michael Von Hausswolff han presentado trabajos importantes en el ámbito creativo que este entorno alemán propone.

Sin embargo, el gran atractivo de la presencia de Raster-Noton en México será la presencia de sus fundadores. Byetone es el proyecto personal de Olaf Bender. Nacido en Karl-Marx-Stadt, Bender creció en el traumático y a la vez inspirador tránsito de la Alemania del Este al capitalismo. Ese simple hecho marca notoriamente su estética como artista. Obligado a trabajar con máquinas obsoletas en sus años formativos, Bender rayaba directamente en la película de 16mm de sus primeros proyectos para crear patrones geométricos.

Con el acceso a las primeras computadoras personales, pasó a desarrollar habilidades como compositor sin tener particularmente una

formación musical. El camino desde la caída del Muro de Berlín hasta sus proyectos minimalistas-futuristas de este siglo 21 está muy marcado por estas primeras búsquedas en las que la idea predomina sobre la capacidad tecnología, o más bien se amolda a ella. Su más reciente lanzamiento es el disco Death of a Typographer. Una amalgama de “ruidismo” y potencia sónica que algunos difícilmente reconocerían como “música” (algo que para RasterNoton es un halago) combinada con patrones rítmicos que deben algo a la cultura de clubes, tan presente en la vida musical alemana.

FOT:: sebastian mayer/AEIOU

Alva Noto, o Carsten Nicolai, no tiene ningún problema con que se diga que su música no parece “música”. De hecho, él insiste en no ser un músico, y no lo hace como pose, como alarde de falsa modestia. Nicolai nació también en KarlMarx-Stadt y pasó por una búsqueda similar a la de Bender mientras estudiaba arquitectura y diseño paisajístico en la Alemania comunista. Por aquellos años, pedía que le regalasen los equipos viejos y casi inservibles que su universidad descartaba para experimentar con frecuencias sonoras y ruidos. Su interés por el paisaje y el entorno ambiental lo llevó a estudiar el comportamiento del sonido desde una posición totalmente científica, experimentando incluso con su propio cuerpo la reacción de la materia ante distintos rangos sonoros que no son utilizados ni por la música ni por los fabricantes de equipos comerciales de reproducción sonora. Por eso Nicolai se describe a sí mismo como un artista de instalación, pese a que sus recientes trabajos bajo el seudónimo Alva Noto lo han hecho más conocido entre un público más amplio que el de los seguidores de la música electrónica experimental. Esto es probablemente debido a sus colaboraciones recientes con Ryuichi Sakamoto (Vrioom, Insen) que combinan su obsesión por la física del sonido con la sensibilidad mucho más académica, “musical” del japonés.

La presentación en vivo de Insen nos muestra la manera en que Noto descompone las sonoridades del piano acústico de Sakamoto en fragmentos visuales y sonoros en tiempo real, haciendo de las piezas una inclasificable fusión de performance, arte y música. Ahora Noto vuelve a su hiperracional exploración de las frecuencias en Unitxt, su nuevo trabajo en Raster-Noton.

Pues estos dos inmensos artistas estarán en México. Imperdible. M

VIENE EL MUTEK MEXICO 2008 No es exagerado decir que la persistencia de Damián Romero en traernos todos los años una edición local del festival MUTEK, pone a nuestra ciudad en la élite mundial de la cultura electrónica. Son pocos los festivales que reúnen propuestas tan arriesgadas en el campo de la música y la experimentación visual. Las barreras entre museo, sala de conciertos y club se difuminan en el MUTEK. Miles de personas son expuestas a proyectos que reflexionan seriamente sobre aspectos creativos del ruido, las frecuencias sonoras, la luz, la estética digital, la instalación contemporánea, el loop. El interés del MUTEK México es insistir en que los habitantes de nuestra poluida metrópoli miren y escuchen dos veces acerca de fenómenos a los que la mayor parte del tiempo somos indiferentes: hay millones de sonidos y estímulos visuales que nos rodean y que son susceptibles de convertirse en arte por obra de mentes inquietas y talentosas. Los artistas que vienen al MUTEK serán anunciados en nuestra próxima edición. Por ahora, reservemos tiempo y energía para disfrutar de este imprescindible festival, que cumple 5 años en México este octubre.

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DAN CURTIN, INTEGRAMENTE TXT:: Humberto Polar. FOT:: Steven Gerlich.

El techno y el house tienen en Dan Curtin un trabajador incansable. Figura original, compositor prolífico y talentoso, Curtin ya era un nombre respetado en la escena mundial cuando decidió mudarse a Berlín, hace cinco años. Hoy sus tracks son tocados por los Djs más selectivos del planeta y ha consolidado su estatura de productor. No olvidemos que el término productor significa en el mundo de la música electrónica compositor y arreglista, y no sólo tiene la acepción de “finalizador” como en otros géneros. El trabajo de un productor de techno es solitario y estrechamente ligado a largas horas de trabajo creativo frente a software, máquinas y monitores.

Entrevistamos a Dan Curtin en la Ciudad de México, un día después de una memorable presentación que hizo en el club AM en su faceta de dj. ¿Eres de Cleveland, verdad?

Sí. ¿Y cómo viviste el inicio de tu vida musical allá? Entiendo que empezaste por interesarte en el hip hop ...

Sí, pero eso sólo fue por diversión, realmente. Cuando iba en secundaria la primera música que me gustó fue el hiphop, fue lo primero que atrapó mi oído, así que empecé a escucharlo mucho, eventualmente. Traté de mezclar algo de hip-hop, aprender a scratchear, conseguí una máquina de ritmos, y empecé a hacer pequeños tracks, tocando en la escuela, cosas como esa. ¿Cuántos años tenías cuando empezaste?

Tenía como 16, 17 y era estrictamente una pasión, algo divertido. Nunca pensé a esa edad que la música fuera una posibilidad de hacer dinero, no estaba al tanto de que había gente haciendo de esto un medio para ganarse la vida. No lo tenía siquiera como una opción. Sólo era algo que realmente disfrutaba. Luego hice punk un tiempo, no punk realmente, más bien gothic punk. Tocaba los teclados al estilo de The Cure, cosas así por como dos años. Actué en bares y clubs.

Luego escuché música house por primera vez y todo lo demás ¡pum!, se esfumó. ¿Había una escena interesante en Cleveland? ¡No había para nada una escena! Yo no soy exactamente de Cleveland sino de un pueblo pequeño llamado Canton, en Ohio, una ciudad universitaria, como a 45 minutos de Cleveland. Ahí había una escena punk muy fuerte, pero no había música electrónica. Yo era el único interesado y me fue muy difícil encontrar música. Tenía que ir a las tiendas de discos, con los dueños, pedirles que ordenaran esto y lo otro, no había Dj’s tocando, no había nada.

Entonces, ¿el conocimiento que adquiriste acerca de música electrónica fue por la radio? ¿Internet?

No había internet. Esto fue años antes. Estamos hablando de 1989 o 1990.

Así te conectaste con el house...

Sí, eso era exactamente lo que quería escuchar. La única manera en la que realmente aprendí fue cuando algunos de mis amigos fueron a Londres.

Ellos trajeron grabaciones de radios piratas. A finales de los 80’ había un movimiento muy fuerte de powerstations, Kiss FM, transmisores móviles, muchas estaciones piratas en Londres. Allí era donde experimentabas lo “real”, así que mis amigos grabaron muchos cassettes y los trajeron de vuelta con lo más nuevo de la música. Mucho del sonido de Detroit lo vine a conocer, paradójicamente, a través de Londres. ¿Empezaste como DJ? No, desde el principio fui productor. Empecé a hacer algunos tracks cuando aún vivía en ese pequeño pueblo. Cuando pensé que tenía algunos temas que valían la pena, se los mandé a Carl Craig (Nota de Redacción: uno de los artistas emblemáticos del techno de Detroit). Carl fue la primera persona que me ofreció un contrato. En esa época, su sello se llamaba Retroactive. Así que Carl me ofreció un contrato, hice todo el trabajo, pero los temas nunca se lanzaron porque Retroactive se convirtió en Planet E. Así que los planes que tenía con Retroactive nunca se realizaron, desafortunadamente. Pero no importa, porque ese fue el impulso que necesitaba. Empecé mi propio sello después de eso. Carl me ayudó con la distribución cuando empecé. Eso fue fantástico. Carl distribuyó mi primer lanzamiento a través de Planet E. La gente le puso mucha atención por ello.

Cuando produjiste esos primeros tracks, ¿sentiste algún efecto como producto del aislamiento en el que trabajabas, del hecho de vivir en un pueblo pequeño?

No había nada local que me influyera, así que mis únicas influencias venían de Londres o Detroit o Chicago. Y en ese tiempo no me di cuenta, pero recordando, hoy sé que el aislamiento fue lo mejor que me pudo pasar.

Creo que en esa época estaba frustrado al ser el único productor de música electrónica de mi ciudad, el único que tenía un estudio. No había nadie que me ayudara o me diera ideas o me dijera qué tipo de equipo debía tener. Lo hice todo solo, y en esa época estaba muy enojado por ello. Pero ahora miro hacia atrás y fue lo mejor que me pudo pasar. Es por eso que tengo mi propio sonido, sin tantas influencias de nadie más. Al final resultó bastante bien. ¿Ya tenías un sonido original, según tu propio criterio?

SÍ, eso creo. Creo que Carl Craig no estaba buscando a alguien que sonara como Detroit porque él ya es de Detroit. Creo que le gustó mi música porque era lo opuesto a Detroit . El quería escuchar a alguien que tuviera su propio sonido. ¿Qué vino después? Lanzaste tus primeros tracks y...

Todo pasó muy rápido. Vinieron los primeros dos lanzamientos de mi disquera Metamorphic, y de pronto recibí una llamada de Peacefrog Records... Me ofrecieron un contrato para hacer unos tracks, luego un álbum, y después todo se volvió una locura. Me empezaron a llamar para bookings, para tocar en Europa, y ni siquiera era Dj. En ese entonces, sólo era productor. Nunca tuve tornamesas. ¿Empezaste a tocar en vivo?

No, no estaba tocando en vivo, sólo trabajaba en el estudio. Al recibir todas estas peticiones para tocar, conseguí unos tornamesas y aprendí a mezclar.

92 Entonces tienes una faceta de Dj ahora.¿O sólo mezclas tus propios discos?

No, mezclo discos que compro. Ahora también toco en vivo. En ese entonces no había laptops, así que practicamente tenía que trasladar todo mi estudio al escenario, y hacerlo todo en vivo. ¿Cuál ha sido el beneficio de vivir (ya cinco años) en Berlín para tu carrera?

Primero que nada, que haya tantos colegas viviendo ahí, tantos que están en el mismo negocio. Pero lo más grande ha sido que por primera vez he podido estar en el centro de la “escena”. Cuando estaba en Cleveland siempre fui un outsider, nunca pude ver cómo era el panorama total. Ahora estoy realmente en el centro. Esto es una gran experiencia de primera mano. Estoy rodeado de los mejores Djs, los mejores productores, la escena en los clubs es increíble, hay tantos sellos. Ahora soy realmente parte de una comunidad de artistas, cosa que ayuda mucho. Berlín es el lugar donde debes estar para este tipo de música, el centro de Europa y tal vez de todo el mundo. Estando tan cerca del movimiento te cargas de energía.

En términos de lo que has logrado, creativamente ¿dónde sientes que es justo catalogarte?

No puedo responderte. Para serte sincero nunca he trabajado en un campo o género particularmente, siempre estoy cambiando. A lo mejor al principio, en los primeros dos discos, puedes decir que sonaba cerca del Detroit Techno, pero luego quise probar algo nuevo. El punto es siempre mantenerte fresco e interesante. Así que siempre voy a cambiar, siempre voy a hacer otra cosa, tal vez ahora será una combinación entre house y techno. Igual no quiero decir eso porque es una discusión tonta. Siempre va a haber una amalgama, así como en mis dj sets siempre hay una amalgama. Nunca podría ir sólo por un sonido, simplemente no me interesa. Así como en una noche completa de música, no quiero un Dj que haga lo mismo toda la noche, me gusta que toquen de todo. ¿Qué tan seguido estás tocando? ¿Eres más activo como performer que como compositor? ¿Qué prefieres estar haciendo?

Paso siete horas en el estudio cada día, y el fin de semana como Dj. Ambos trabajos me apasionan pero producir es realmente mi carrera. Mezclar como Dj es un complemento. ¿Has estado haciendo algo que no sea música dance?

No lo he hecho por mucho tiempo. Al principio hice algunas “canciones” pero por un largo tiempo sólo he hecho música electrónica. No todas las canciones son para Djs, pero las mías están basadas en música house. El verdadero desafío es hacer dance music que todos los Djs quieran tocar. Pero tiene que ser muy interesante y tener mucha integridad. Eso siempre es un desafío, el no venderte o no ser trillado.

Mencionaste la palabra integridad. ¿Qué es integridad para tí?

Integridad es hacer lo que sabes en el corazón que es correcto, desde un punto de vista artístico. Porque puedes hacer algo simple y pegajoso que sabes que va a pegar en la pista, pero no es interesante. Por eso tienes que ser fiel a ti mismo. Eso es integridad.

93 Como americano viviendo en Europa, ¿cómo ves lo que está pasando en Nueva York o en el West Coast? Tengo la impresión de que la música dance en los Estados Unidos no es tan fuerte como solía ser...

Era mucho mas poderosa en los 90’ y murió completamente. Es la razón por la que muchos músicos norteamericanos están teniendo tiempos difíciles, porque la escena murió por completo. EU le dio al mundo el house y el techno, la escena se mantuvo en los 90’ hasta el final. Y murió casi completamente. Pero regresará. En los pasados dos años he vuelto en pequeñas giras a los EU y la escena se ve pequeña, muy underground, pero es muy apasionada, la gente realmente disfruta la música. Creo que tuvo que desaparecer un tiempo para volver. Todavía hay clubs pequeños en cada ciudad. Los movimientos grandes viven del house comercial, del trance y del dance progresivo, eso controla todos los grandes clubs. Las buenas propuestas están ahora en el underground.

En Europa, además de Berlín (que parece ser el paraíso en términos de calidad de música) ¿cuáles son otras grandes ciudades donde puedes sentir que la música electrónica es entendida?

Tengo que decir que en muchos lugares. En términos de grandes escenas, París y Londres son ciudades con grandes movimientos, como Barcelona o Madrid. Pero he tocado en Ámsterdam y ciudades más pequeñas con una gran pasión. En Alemania, cada pueblo tiene lo suyo. Eso implica que no es tan difícil como podría ser en América ganarse la vida como músico. Por el tamaño del movimiento, hay más oportunidades. ¿No es un peligro que Berlín se pueda convertir en mainstream, que se puede institucionalizar como capital de la música? ¿Piensas que puede ser peligroso para lo que pasa en la escena propositiva ahora?

Bueno, creo que ya pasó. No sé qué tan peligroso sea, porque eso ha hecho que el movimiento crezca más. Ahora todos vienen a Berlín como turistas, algo que podríamos llamar techno–turismo. Muchos clubs se llenan de turistas todos los días de la semana. Y ahora la gente en Berlín se queja de eso, pero al final del día eso mantiene llenos a los clubs con gente de muchos lugares.

A mí eso no me importa, porque yo aún toco lo que toco. Eso no me obliga a ponerme a tocar música de porquería. De alguna forma, la escena parece comercial desde afuera, pero la música es underground. ¿Cuántos años tienes?

38 ¿Te ves haciendo esto por el resto de tu vida?

He hecho música por mucho tiempo. No creo que siga mezclando en clubs para siempre pero, por qué no, no veo una razón por la que no seguir años y años tocando música en vivo. Hay quienes en su carrera de músicos aún tocan en vivo. Algunas veces el movimiento se ve como una moda, y una cultura de moda se supone que es más para jóvenes. Las personas que piensan así van perdiéndolo. Porque se quedan estancados en un sólo lugar, olvidan que tienen que estar reinventándose, estar innovando, mantenerse frescos. ¿Qué escuchas cuando no estás oyendo tu música? ¿Cuál es la manera en la que te sales de tu trabajo diario?

No es escuchando otra música, es no escuchando música para nada. Generalmente si no estoy trabajando en el estudio o mezclando, no escucho música. No tengo ipod ni nada parecido, y no quiero tenerlo. Me voy a andar en bicicleta, y ya. M

94 Hay sellos disqueros que se han venido distinguiendo por ofrecer una alternativa de calidad con su catálogo.

Te recomendamos revisar los siguientes lanzamientos, por ahí dicen que viene bien eh!

TXT:: Vicente Jáuregui.

Rough Trade Records www.roughtrade.com

Albert Hammond Jr. ¿Cómo te llama?

Domino Records www.dominorecordco.us

Correcto

Clinic

Tricky

Correcto

Funf

Knowle West Boy

Beck

N.E.R.D.

Modern Guilt

Seeing Sounds

Interscope Records www.interscope.com

4aD

Virgin Records

www.virginrecords.com

www.4aD.com

Camille

Deerhunter

Music Hole

Microcastle

Beat The World Records www.beattheworld.com

The Dandy Warhols …Earth to the Dandy Warhols…

Miniatur Shock Amateur Dramatics

Es Tiempo

Girl Talk

Parallel Lines (Deluxe Edition) Capitol

Crammed Discs

★★★★★

Feed the Animals

★★★★

Illegal Art

Música hecha desde allá para acá. Se trata de un trío formado por Jorge Ledezma, su hermano Ángel y Lupe Martínez, tres mexicanos que viven en Chicago. Todo el disco es cantado en español y de hecho ellos mismos han comentado que se trata de un tributo a sus raíces mexicanas, sin llegar a ser un disco de protesta ni mucho menos. Las letras tocan temas de chicanos, así como de un despertar cultural y espiritual. El disco es llevado por atmósferas electrónicas de downtempo y por encima de esto se pueden llegar a escuchar muchas influencias y referencias como bossa nova, jazz, folk, pop o krautrock, casi siempre acompañados de una guitarra acústica que le da un sonido característico y unidad al disco en general. Pero donde está el encanto es en el toque de psicodelia que le da cierto sabor retro muy al estilo de las producciones sesenteras de Philip Spector o de Brian Wilson. Por momentos, el disco tiene pasajes instrumentales con un sentido un tanto experimental que le dan otro sentido al resultado final. TXT:: Micro.

Aquí lo primero que hay que dejar claro es que independientemente de cualquier opinión, el Parallel Lines en un verdadero clásico del rock, hay pocas bandas de los 70s con un sonido y look tan novedoso. Este sonido new wave sentó las bases para muchísima de la música pop en los 80s. El gran hit de Blondie fue la ya clásica canción “Heart of Glass” que en su momento reivindicó la música disco con otros públicos que la despreciaban por ser considerada demasiado comercial. Paradójicamente, esta canción llegó al primer lugar en las listas de popularidad. En esta edición especial que celebra el 30º aniversario, podemos encontrar cuatro versiones de canciones extras: “Heart of Glass 7” Single Versión”, una versión francesa de Sunday Girl, un remix de “Fade Away And Radiate” y un remix de “Hanging On The Telephone”. También trae un DVD con 4 videos: “Picture This”, “Hanging On The Telephone”, “Heart Of Glasé Sunday Girl”. Pero lo verdaderamente substancioso del disco es el material original remasterizado, y que mejor momento para comentarlo que ahora que recién cumplió 30 años.TXT:: Micro.

Astrud Gilberto with Antonio Carlos Jobim: The Astrud Gilberto Album. Bossa nova con ese sonido retro y una voz de mujer con gran personalidad.

Savath & Savalas: Folk Songs for Trains, Trees and Money.

Con un sentido más experimental, otro ejemplo de la combinación de ritmos lentos electrónicos con acústica.

The New Raemon: A propósito de Garfunkel. A propósito del folk, otro buen disco nuevo cantado en español, en este caso desde España.

Blondie: Blondie. Primer disco de la banda, 1976, dos años anterior al Parallel Lines, también altamente recomendable.

The Pretenders: Learning to Crawl. Herederos de toda la cultura new wave, este es un ejemplo de música de los 80s con influencias de Blondie.

Ramones: Ramones. Otro disco que tiene que ser considerado un clásico del rock, nada más sentó las bases para el punk.

M.I.A.: Piracy Funds Terrorism, Vol. 1”. Disco mezclado por Diplo, no salió formalmente a la venta por la cantidad de derechos de las canciones que son sampleadas.

2 Many DJ’s: As Heard on Radio Soulwax, Pt. 1” Vol. 2. Estos DJ’s, sin duda son la referencia obligada en el mash up.

The Avalanches: Since I Left You. Una obra maestra, un cláscio del género. No han podido sacar un nuevo disco por el tema de los derechos de las canciones.

★★★★ Quienes intenten encontrar alguna novedad o aportación en este disco se llevarán una decepción grande, a mí me parece que es un muy buen álbum pero sin ninguna pretensión de revolucionar, ni mucho menos.

Es pura diversión. Girl Talk es como música para que un grupo de spring breakers se pase una noche de reventón al 100%, ya que básicamente es para bailar. Utiliza una técnica ya conocida llamada mash up que se basa en empatar los beats de canciones conocidas, para así mezclarlos y crear una “nueva” rola. Aquí las mezclas son verdaderamente eclécticas, puede comenzar a sonar algo thrash metal y de pronto cambiar a los Carpenters. Hay sampleos muy famosos de Radiohead, Procol Harum, MIA y todo es llevado y mezclado con sonidos y coros que son parte de la cultura efímera de Norte América, un abanico enorme del trash-pop generado en las últimas tres décadas de música gringa. El disco está disponible en Internet ya sea para descarga gratuita o con una aportación voluntaria. TXT:: Micro.

música 3x1

Allá

95

Blondie

música 3x1

96

Adele

Señor Coconut

Ponytail

19

Ice Cream Spiritual!

We Are Free

★★★★ No es fácil soportar a Ponytail por sus niveles de estridencia. Durante todo el disco se escuchan guitarras desquiciantes, todo el tiempo la batería está haciendo adornos y cosas fuera de lo común y para rematar hay una voz con acento japonés que no canta propiamente, más bien se la pasa gritando, haciendo susurros y toda clase de ruidos. Para lograr esto se necesita tener muy poca vergüenza y ser un virtuoso y en este caso ambas cosas están logradas a la perfección. En verdad es uno de los discos más asombrosos que he escuchado últimamente, sus niveles de experimentación son extraordinarios, tiene toda la creatividad que se necesita para lograr un sonido así de original dentro de un estilo tan explorado como el noise rock. Es muy fácil percibir todo el talento que hay en esta banda originaria de Baltimore, pero esto no quiere decir que sea un disco fácil, es de esos trabajos que hay que estar dispuestos a escuchar más de una vez para así irle agarrando el gusto, pero una vez que te atrapa, quedas encantado. TXT:: Micro.

Deerhoof: Milk Man. Altos niveles de experimentación, otro extraordinario disco tal vez menos bizarro pero casi igual de ruidoso.

Marnie Stern: In Advance of the Broken Arm. Disco que ha pasado sin pena ni gloria a pesar de ser un dignísimo representante del rock noise.

Animal Collective: Strawberry Jam. En un estilo mucho menos noise pero con igualmente elevados niveles de experimentación.

Sony

Around the World

★★★

New State

Existe una línea casi imperceptible que divide a la nostalgia de la melancolía y que se eleva sobre el abismo de la depresión. La voz de Adele abre un abanico de emociones sobre ese delgado puente al tiempo de proyectar una luz directo a la sombría maleza, ubicada detrás del puerto donde embarcan los recuerdos. Ahí aparece “Best For Last” con un discreto optimismo, protegido por toques de gospel y un contrabajo que se enreda suavemente con el canto de esta novel londinense. Indudablemente, ser una baladista en estos tiempos significa correr el riesgo del más obvio de los encasillamientos, pero con posibilidades de ventas en los días más difíciles en la historia de la industria discográfica.

Quizás esa sea la segunda impresión que Adele nos provoque al escuchar “Chasing Pavements” con arreglos R&B de ensueño, o bien el piano demoledor de “Hometown Glory” que la ubica en el top ten de los momentos más brillantes de Elton John.

Mientras que “Cold Shoulder” se encuentra a mitad de camino entre Lily Allen y Amy Winehouse. Un año en la vida de esta intérprete y compositora es lo que refleja 19, donde se mezcla la tristeza con el triunfo y la soledad. Nadie ha dicho que la vida sea un asunto simple. TXT:: Benjamín Acosta.

Uwe Schmidt es el hombre detrás de Señor Coconut, uno de sus decenas de proyectos y alter egos cuya particularidad es echar en la licuadora ritmos caribeños, música pop y dosis generosas de cha cha chá y mambo. Schmidt –de origen alemán y radicado en Santiago de Chile desde hace años– es el orquestador de este experimento que fue catapultado con la idea de combinar la electrónica de Kraftwerk con los reconocibles pujidos de Pérez Prado. El resultado fue una broma ingeniosa y afortunada, al grado de continuar por la misma vereda tropical con canciones tan disímbolas como “Smoke on the Water” de Deep Purple o “Smooth Operator” de Sade, incluidas en Fiesta Songs (2003). Ahora el pretexto es el clásico de Daft Punk para reinventarlo a través de esta maquinaria decorada con stickers fluorescentes de cocos, palmeras y maracas. El resultado mantiene la línea, sin anotar puntos extra en el caso de tener el precedente de este robot que puede embadurnarse con aceites bloqueadores para el sol. “Da Da Da”, “Kiss” (con la voz de Louie Austin cercana a la de Tom Jones) y “Sweet Dreams” se incluyen en este gozozo álbum que continúa con la saga coconut. TXT:: B. A.

Etta James: Love Songs. Altibajos del corazón. Canciones llenas de un gozo desesperado y placeres indómitos.

Jill Scott: Collaborations. Neo-soul combinado sutilmente con jazz sexy y un envolvente R&B. Dusty Springfield: The Very Best Of. Una de las voces más provocativas de todos los tiempos. La seducción de “I Only Want to Be With You” es irresistible.

★★★

Señor Coconut: El baile alemán. Un cruce al más puro estilo Frankestein: la perfección teutona de Kraftwerk con el disfrute caribeño.

Gotan Project: La revancha del tango. Mezcla sofisticada donde el sonido típicamente bonoaerense, fusiona su encanto con puntuales beats.

Nortec: Tijuana Sound Machine. Híbrido que le ha dado la vuelta al mundo, donde la tarola sinaloense cohabita con loops electrónicos.

Encanto

Ratatat CSS

LP3

Beggars Xl Recordings

Concord Records

★★★

★★★

A mitad de camino entre una canción de cuna y el prólogo a una situación dramática. Los cuatro minutos de “Shiller”, el track de apertura, resultan hasta cierto punto sintomáticos de lo que LP3 depara como la más reciente carta de presentación de Ratatat. El uso del vocoder en la siguiente “Falcon Jab” junto con un riff de guitarra pegajoso y un piano simple pero constante, continúan definiendo el camino instrumental de un disco que genera una atmósfera con rasgos de acidez mesurada propulsada por una turbina digital y la otra análoga.

En efecto, se trata del tercer álbum de este dueto neoyorquino que ahora plasma otros matices apoyados con instrumentos como un desempolvado órgano Wurlitzer y un no menos añejo melotrón (“Dura”) para desmarcarse de lo que podría considerarse evidentemente dance. Y mientras “Mirando” hace las veces del soundtrack de un imaginario Space Invaders jugado durante una escena omitida de eXistenZ, “Flynn” simula una burbuja que flota sobre un Caribe azotado por la radioactividad.

Son algunas imágenes que sugiere este disco con un poder instrumental donde temas como “Bird Priest”, remiten a una bizarra mezcla entre Boards of Canada y Matmos. TXT:: B. A.

Un alto en el camino, una pausa para desempolvar algunas piezas que forman parte de lo más representativo de la música brasileña, de la bossa nova en concreto. Al menos han transcurrido cuatro décadas desde que el músico Antonio Carlos Jobim y el poeta Vinicius de Moraes crearon canciones que resultarían eternas en el catálogo de la música del mundo.

“Waters Of March” y “Agua de beber” son evidentes ejemplos de ello, aquí revisitados por Sergio Mendes apoyándose en las colaboraciones de Ledisi, Zap Mama, Toninho Horta y Will.I.Am respectivamente, para continuar con lo propuesto en su anterior álbum Timeless (2006), con el que regresó tras un largo periodo de silencio discográfico. Ahora, además de invitar de nueva cuenta a los Black Eyed Peas, convoca a uno de sus viejos amigos, el trompetista Herb Alpert y a su esposa Lani Hall (“Dreamer”). Una estancia en Río y Bahía, ha dicho Mendes quien vive en Los Ángeles, fue clave para hacer este disco, que además ofrece una versión de “Somewhere In The Hills” con Natalie Cole y el clásico de Burt Bacharach “The Look Of Love” con Fergie. Un pretexto para que el lounge contraataque con golpes certeros y verde amarillas. TXT:: B. A.

Caetano Veloso: Best Of. Músico imprescindible no sólo para la música brasileña. Yendo más allá de la tropicalia que él mismo fundara en los años 60.

Sergio Mendes & Brasil 66’: Greatest Hits. Una visita al álbum de los recuerdos de un artista que se niega a desaparecer del mapa.

Os Mutantes: Everything. Adelantados en su momento y desconocidos en los años sesenta fuera de Brasil. Revalorados 30 años después por David Byrne.

Plone: For Beginner Piano. Único álbum del trío inglés repleto de texturas juguetonas.

Autechre: Incunabula. Viejos lobos que deambulan en las estepas del art rock Matmos: A Chance to Cut Is a Chance to Cure. Experimentos llevados a la policromía post-techno.

Donkey Sub Pop

★★★★ A dos años de su álbum debut, remixes encargados por otros artistas y una larga serie de conciertos, Cansei de Ser Sexy (CSS) vuelve para restregarnos en la cara su afortunada combinación de sexualidad –en apariencia sublimada por su deliberado desenfado femenino– con música dance disfrazada a su vez de… rock. Donkey se distancia un poco de su antecesor siendo más “refinado”, pero sin dejar a un lado su naturaleza guitarrera. Dentro de tal sofisticación, ese lado bailable que exploran inevitablemente enciende. Si bien podemos encontrar canciones demasiado simples (“Move”), hay otras más cercanas a Metric (“I Fly”, “How I Became Paranoid”) con un teclado insistente que trata de catalizar las figuras creadas en la guitarra. Cercano a un Ladytron más “amable” suena “Believe Achieve”, mientras que con toda la potencia CSS destaca “Rat Is Dead (Rage)”. Por su parte, de manera aún más desenfadada se escucha “Air Painter” con la voz de una Lovefoxxx que continúa seduciendo como una especie de Courtney Love menos desesperada.

Desde São Paulo a Londres, CSS sigue provocándonos. TXT:: B.A.

Hole: Pretty on the Inside. Segunda mitad de los años noventa y Courtney no podia controlar su rabioso cantar.

Client: Heartland. Herederas de la tradición Depeche.

Sexies con un dejo de plácida perversión.

Ladytron: Light & Magic. Robotinas wannabe que embelesan con su música sintetizada que no pierde punch.

97

música 3x1

Sergio Mendes

música 3x1

98

Varios

Body Of War (Songs that inspired an Iraq War Veteran)

Varios

Warner

Live Earth: The Concerts For A Climate In Crisis (CD + DVD)

★★★★

Warner

Cada vez que una copia de este disco es adquirida, parte de las ganancias van a la Iraq Veterans Against The War, organización no gubernamental. La experiencia del soldado Tomas Young, postrado en una silla de ruedas por el resto de sus días, motivó a Sean Penn y a Eddie Vedder para financiar el documental Body Of War, cuya banda sonora toma géneros de distinta manufactura. El doliente folkpop de Brendan James con “Hero’s song” toma su lugar en el crucigrama sónico al lado del hip hop de Immortal Technique con “The 4th branch”, o Public Enemy y su “Son of a Bush”, así como el reggae de los RX Bandits, quienes interpretan “Overcome (the recapitulation)”. El rock, ese género que acompañó a quienes se opusieron a Vietnam hace décadas, nos ofrece inolvidables tipo “Gimme some truth” de John Lennon o “Guerrilla Radio”, original de Rage Against The Machine; punk rock rabioso vomitado por Bad Religion (“Let them eat war”) o los Bouncing Souls (“Letter from Iraq”), y participaciones de Roger Waters, Bruce Springsteen o Neil Young entre otros veteranos críticos del sistema estadounidense, así como un track nuevo: “No more”, interpretado por Vedder junto a Ben Harper. TXT:: Francisco Zamudio.

★★★★★

Varios: Music Against War. Porque todos somos responsables. Una desaprobatoria carta abierta, a quienes pretenden sumir al mundo en la opresión y la tortura.

Varios: Rock Against Bush Vol. 1. ¡No más mentiras!

Varios: A Bush No Le Va A Gustar. Pero a nosotros sí…

Varios: Live Aid (DVD Boxed set). Porque pareciera que los intentos por amainar el dolor, el sufrimiento y el hambre del mundo, no son suficientes.

Varios: Hear N’ Aid Stars. Considerado un “sub-género para trogloditas”, el heavy metal también ha contribuido a tratar de crear conciencia.

Varios: Farm Aid 20th Anniversary. Para ayudar al mundo, primero debes iniciar por tu propio entorno. Illinois, 1985. Una iniciativa para apoyar a los granjeros y sus familias en Norteamérica.

Muy pocas veces, la figura de un político consigue alzarse con las simpatías necesarias para desencadenar una idea donde la música esté involucrada.

La excepción a la regla se llama Al Gore, ex Vicepresidente de USA, quien con su documental An Inconvenient Truth del 2006, dirigido por Davis Guggenheim, le aplicó sosa cáustica a una herida cuya grieta se vuelve abismal a diario. Del universo algunas estrellas bajaron hasta incrustar sus actuaciones en un par de DVD’s, encabezadas todas por los SOS All–Stars, un súper grupo de percusiones liderado por Roger Taylor (Queen); Chad Smith (Red Hot Chili Peppers) y Taylor Hawkins (Foo Fighters), quienes le ofrecen posteriormente la alternativa al Genesis de Phil Collins y su interpretación a “Invisible touch”. A partir de ahí podemos disfrutar las actuaciones de, entre muchos otros, Snow Patrol (“Shut your eyes”), Duran Duran y su muy atinada “Planet earth”, AFI, Keane o John Mayer, quien muestra una elegante evolución en su forma de tocar la guitarra. Un CD de audio complementa el festín musical de la mano de Roger Waters, Lenny Kravitz, Bon Jovi y The Police. TXT:: F.Z.

Pop Levi

Never Never Love Counter Records

★★★ De unos añitos para acá, el rock sicodélico se puso de moda de nuevo: desde los medio clavados Dungen, hasta los choteados Wolfmother y Los Fancy Free con su excelente regreso. Pero Pop Levi le da un giro sabrosísimo, de entrada porque viene de terrenos distantes como el electrónico, ya que alguna vez formó parte de Ladytron y de otro proyecto llamado Super Numeri, y al adentrarse a lo electro logra hacer unas excelentes melodías rockeras, pero con unos arreglos increíbles de secuencias. Levi no se conformó con lanzar su primera producción The Return to Form Black Magic Party hace apenas un año, el cual era más psych-rock. Esta nueva producción fue grabada mientras estuvo de gira por todo el mundo mientras recogió influencias de todas sus paradas, dándole más versatilidad (aparte de que conjuntó sus vivencias en un libro llamado Novella). Desde la entrada con “Wannamama”, sabes que este disco tiene algo por su pegajoso rock. Inmediatamente viene el sencillo que le da título al disco, un track construido con una base rítmica sencilla acompañada por un buen riff. Ya para la tercera canción, “Dita Demone”, el disco es para tenerlo. El resto de las canciones romancea con un sonido synth pop ochentero, o un sonido post Beatle interesante. TXT:: Andrés Díaz.

Pop Levi: The Return to Form Black Magick Party. No solamente su música es interesante, también su imagen lo es.

Los Fancy Free: Nevergreens Vol. 1. Uno de los mejores discos mexicanos en lo que va del año.

Dungen: Tio Bitar. Este disco cuenta con un sonido más jazzero ya que Gustav Ejstes, decidió orquestar todos los instrumentos.

The Black Ghosts

Santiago Auserón

Silver Jews

IMSOUND Records

Con la Original Jazz Orquestra

★★★★

Independiente

A los que creyeron que el vocalista de Simian, Simon Lord, se iba a quedar con los brazos cruzados viendo cómo Simian Mobile Disco la hace en grande en las pistas de baile y se iba a quedar sin hacer un proyecto musical, están muy equivocados. Él, junto a Theo Keating del proyecto The Wiseguys (que sonaba entre Groove Armada meets Fatboy Slim) crearon este proyecto llamado The Black Ghosts que empezó como DJs y crearon un mixtape que incluía algunas de sus canciones. Este disco recorre la música bailable electrónica (que fácil entra en terrenos hipsters) y en ciertos momentos tiene toques guitarrosos. Por un lado expone una influencia de Daft Punk y por otra algo muy de hip hop y la cultura de la tornamesa y del sampleo, lo cual en conjunto se aleja por mucho de sus referencias.

En su primera producción se incluyeron las canciones que ya habían grabado en EPs como “Anyway You Choose To Give It” y “I Want Nothing” y en las nuevas canciones está la colaboración con Damon Albarn en la pegajosa e irresistible “Repetition Kills You”. En general es un disco al que se le pronostica buena difusión en blogs (sobretodo por su incredible mix a la canción “Face”). TXT:: A.D.

Lookout Mountain, Lookout Sea

★★★★

Drag city

Radio Futura fue una agrupación visionaria al anticipar las posibilidades del rock al fusionarse con diversos ritmos y sonidos afroantillanos. Santiago Auserón llevó un paso adelante la parte letrística gracias a su formación académica en La Sorbona de París. Nutrió su música con un amplio vocabulario, metáforas inéditas y estructuras ambiciosas, que no se quedaban en aquello de estrofa-coro-estrofa.

Cuando la banda se deshizo inventó un alter ego.

Autobautizado como Juan Perro no ha dejado de explorar la cultura popular, tanto de América como de la España profunda y rural. Con más de 25 años de carrera, este nativo de Zaragoza recibió la invitación del Taller de Músicos de Barcelona, para cantar un arreglo coral de “La negra flor”, inmenso himno dedicado a las ramblas y las mujeres que venden su amor. Aparecen finalmente 11 canciones renacidas y transformadas, que se ofrecen únicamente en formato digital a un precio “castigado” de seis euros.

Un trabajo fino, brillantemente interpretado, que pasa por el music hall, swing, soul y rhythm and blues, sin perder un ápice de su espíritu callejero.

TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

★★★★

Radio Futura: La canción de Juan Perro. La obra cumbre del grupo afincado en Barcelona. Incluye varias de sus mejores canciones.

Arde la Calle: Un Tributo a Radio Futura. Canciones entrañables en voz de gente como Vicentico, Calamaro, Rosario y Bunbury; una delicia.

Brian Setzer Orchestra: Wolfgang’s Big Night Out. El líder de los Stray Cats llevando al swing y el rockabilly a los grandes de la música clásica. Sencillamente, delirante.

Steve Earle: Washington Square Serenade. Otro cantautor de country alternativo que escapó de la vida en el abismo.

Grand Archives: Grand Archives. Inspiración lírica, rock libre sin complejo alguno. ¡Ah!, aquí se quedó el talento de Band of horses.

Micah P. Hinson: And The Red Empire Orchestra. Un guitarrista excéntrico y errante que canta como si el mundo se estuviera viniendo abajo… al menos el suyo sí lo está.

Hot Chip: Made In The Dark. Seguramente será uno de los discos del año por la deliciosa “One Pure Thought¨.

Theatre Of Disco: Theatre Of Disco. Un exquisito híbrido australiano del synth pop, indie, funk, electrónico y house.

VHS Or Beta: Bring on the Comets. Después de pasar su época dance, entran en su etapa guitarrosa.

En los tiempos que corren la competencia artística es brutal; no es momento para guardarse algo para un futuro intangible. En cada grabación se ha de verter sangre, sudor y lágrimas. David Berman lo sabe de sobra, por lo que en su más reciente álbum da cátedra sobre todo lo que conoce acerca de la pasión. El ex miembro de Pavement compone en clave autobiográfica y a manera de terapia, por lo que se deja las entrañas en cada canción. Lo suyo es el rock de la vieja escuela, de la más pura cepa campirana. El disco habría valido la pena tan sólo por la maravillosa “Suffering Jukebox”, una balada para infinitas noches de taberna (aunque él ya no beba) y que cuenta de una máquina que sólo ofrece canciones tristes y que nadie toca para seguir fingiendo que se es feliz. El disco quema el alma, transpira entrega y desamor, y se sube al mismo descapotable en el que viajan Leonard Cohen y Johnny Cash. Hoy día que abundan los trabajos blandengues, bien vale la pena aquilatar una decena de canciones que calan hasta la médula y que se apegan a aquella frase infalible: te va a doler, pero te va gustar. TXT:: J.C.H.

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The Black Ghosts

100

Felipe Sabbá / Básico Ideas conservadoras e innovadoras (al mismo tiempo) TXT:: Nacho Rettally. Fot:: cortesía Felipe Sabbá

Una peculiar ola de músicos estudiados, con ideas conservadoras y al mismo tiempo innovadoras, ha surgido de unos años para acá con propuestas realmente sorprendentes. Al combinar standards de jazz y el virtuosismo que sólo los años de estudio pueden dar con nuevas formas de interpretación, lírica o incluso colores de voz diferentes, los resultados pueden ser un verdadero hit en la escena musical y, ¿por qué no?... en los ingresos de las disqueras al firmar a personajes jóvenes con un ilimitado talento.

Personajes como Jamie Cullum o John Mayer son músicos que han estudiado jazz viniendo de una generación que no ha arrojado (aún) tantos jazzistas importantes. Sin embargo, una generación anterior (la de Harry Connick Jr., Dave Matthews o Phil Roy), dejó el camino bastante bien establecido para con la gente que no acostumbraba escuchar música “culta” de manera habitual, o por la radio, de manera que se logre convertir en un éxito comercial, como pasó con el famoso “It Had To Be You” de Connick Jr., por ejemplo. Es claro que los citados músicos son fuertes influencias para Felipe, quien cita enérgicamente a John Mayer.

Felipe Sabbá es un guitarrista inspirado por la vida misma. De 22 años, supo rodearse por grandes desde pequeño, ya que toca piano desde los 4 años y guitarra desde los 12. Asímismo, se ha pulido en varias escuelas como Berklee y otras más en Brasil. Su desarrollo lo ha llevado a conocer a muchos músicos, hasta que finalmente armó un equipo de virtuosos para la realización de Básico, su primer álbum, el cual fué producido por Ruben De Souza, un productor brasileiro con una muy bien nutrida lista de trabajos en su haber.

Lo mágico en la música de Felipe Sabba es que los 12 temas que componen su primer álbum suenan completamente diferentes. Ya sea en tempo, rítmica, swing, groove... incluso en su tónica, cada uno de sus tracks es completamente distinto. Un álbum realizado en dos semanas de pre-producción que no cansa en lo absoluto. Por el contrario, cuando termina el último tema nos quedamos con ganas de más. La idea de Felipe es transmitir a traves de su música, sentimientos para mejorar nuestras vidas. Con una técnica musical y una lírica impecables, sin dejar de anotar la perfección en su contenido armónico y de técnica de grabación, pero sobre todo su performance, todo el conjunto de factores hacen de este material algo sumamente valioso.

Ciertos temas de corte bastante ligero, hacen de Básico un álbum muy digerible que en definitiva, y paradójicamente, requiere de gran conocimiento de los temas. Como productor, esa es precisamente la clave a encontrar en el momento de la producción de un disco. La selección del material, en

conjunto al arreglo de cada uno de los temas, es sencillamente perfecto.

Aunque a decir verdad, son temas tan digeribles que puede considerarse un álbum totalmente pop aunque con muy fuertes influencias armónicas de jazz. Con Lulú Santos como musa, Felipe compuso estos temas un poco en el desamor. Aunque son temas positivos, él piensa que la inspiración llega en los sucesos importantes de la vida y sin duda la técnica y la inspiración invertidas en este álbum han rendido muy buenos frutos.

La ejecución de todos los instrumentos en todos los temas es dignamente realizada por músicos brasileros que dejan ver desde muy lejos su virtuosismo a la perfección. Lo mejor de todo este asunto es que Felipe, a pesar de su edad, se encuentra al nivel de los demás músicos de sesión sin que nadie se quede atrás.

En lo personal creo que un poco menos de compresión en el mastering hubiera dejado “respirar” un poco más a la base rítmica, y tal vez un poco más de “imagen” en el stereo no le hubiera caido mal... en fin, cada ingeniero tiene su gusto y su propio estilo de manejar la compresión. De cualquier forma, el estilo y el nivel de producción de Básico están muy por encima del standard de lo “bueno”, En definitiva, Básico es un material que viene de alguien que desea aportar un valioso contenido a la historia musical de su país, y de la misma manera esperemos que por estas fechas ya esté Felipe buscando opciones en México para hacer toquines a los que valdrá la pena asistir. Entretanto puedes escuchar el álbum completo en línea en www.felipesabba.com.br y decidir por tí mismo. Muito Obrigado. Beijos. M

Prince The Doors

Live! Tonight! Sold Out! Universal

★★★★★ Entre 1991 y el 93’, la definición del diccionario para la palabra “furia” decía: 1. Ira exaltada. 2. Acceso de demencia. 3. Prisa, vehemencia… 4. Todo lo anterior materializado en Nirvana de gira alrededor del mundo.

Fue la época de la revolución grunge; de la actitud displicente con que la juventud le escupió en la cara a la industria del entretenimiento, el excesivo glamour que destilaba la escena hair-metalera. Este documental, que mezcla actuaciones en vivo con fragmentos de entrevistas o imágenes, inicia con una parodia hacia ese ambiente y un “Yo digo que los maten a todos” lanzado por Kris Novoselic. Y al centro de aquel tifón mediático causado por su disco Nevermind; un Kurt Cobain dentro de una camisa de fuerza, tirado en el piso de Ámsterdam mientras canta “Aneurysm”... Un Kurt Cobain quien, en un momento de su actuación en Dallas con “Love buzz” salta hacia el público guitarra en ristre, y a su regreso le pega de forma involuntaria en el rostro a un gorila de seguridad, quien se olvida de protegerlo, para asestarle un severo puñetazo en la cara. Un Cobain iracundo, feroz, montado sobre un demoníaco corcel cuya cabalgada se estrelló contra un muro en abril de 1994, llevándose con él al grunge y todo lo que significó aquel inolvidable momento en la historia del rock. Imprescindible. TXT:: Francisco Zamudio.

Soundgarden: Louder Than Live. Seattle, Washington y grunge, sinónimos inherentes al último gran movimiento rockero del siglo pasado. Capítulo I. Pearl Jam: Touring Band 2000. Seattle, Washington y grunge, sinónimos inherentes al último gran movimiento rockero del siglo pasado. Capítulo II. Alice In Chains: Nona Tapes. Seattle, Washington y grunge, sinónimos inherentes al último gran movimiento rockero del siglo pasado. Capítulo III.

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In Concert: Rave Un2 The Year 2000 Classic Albums: The Doors

Eagle/JM Distribuidores

★★★★★

Uno de los álbumes debut más impactantes de todos los tiempos, es desmenuzado por casi todos los directamente involucrados en su confección y lanzamiento en enero de 1967. Y sorprende adentrarse en el océano de reminiscencias contadas por Ray Manzarek sumido en sus recuerdos, mientras cuenta el momento en que incitó a Jim Morrison a cantarle sus canciones una tarde en la Playa de Venice, en California, dándole paso al nacimiento de The Doors. Impacta también saber cómo un disco de rock puede abrevar de tantas y muy variadas fuentes, ocultas tras la distorsión de una eléctrica.

Aquí aparece John Densmore mostrándonos en persona aquella secuencia de bossa nova revolucionada que se transformó en la introducción de “Break on through”, junto con Manzarek y su piano-bass construyendo secuencias armónicas provenientes de Ray Charles y ritmos latinos, para concluir con un malicioso “Le robábamos a cualquiera”, dicho con un aire de picardía. ¿Y qué tal la traslación de la opera con orquestina de cabaret de Kurt Weill y Bertolt Brecht en “Alabama song”?, ¿o el flamenco que engalana “Spanish caravan”? TXT:: F. Z.

En 1999, un viejo gángster de la industria discográfica, Clive Davis, trató de convencer a Prince de realizar un disco con muchas estrellas invitadas para revitalizar su carrera, tal cual se lo había sugerido a Carlos Santana, con los resultados de sobra conocidos. El Sr. Rogers Nelson escogió entonces ir en sentido contrario en su disco Rave Un2 The Joy Fantastic, especie de ejercicio “one man band”. Pero retomó el consejo de Clive y el 31 de diciembre de 1999, se dirigió a Minneapolis, Minnesota y armó un show. A él acudieron Lenny Kravitz para tocar junto con él “American woman” y “Fly away”. Cynthia Robinson, Gerry Martini y Larry Graham, quienes formaran parte de aquel histórico combo llamado Sly & The Family Stone, recrearon uno de los himnos del funk de todas las épocas, “Higher”, mientras que otro de los padres del género, George Clinton, paseó su influyente humanidad en “1999”. Dos horas de sincopado sabor que se derriten entre los sentidos a ritmo de funk, soul, blues y rock, al lado de clásicos tipo “Purple rain”, “Let’s go crazy”, “Kiss”, “Nothing compares 2U” y otros que forman parte de una trayectoria que posee al menos un puñado de canciones que le pertenecen a la humanidad. Ideal para bailar hasta caer desfallecido. TXT:: F. Z.

The Jimi Hendrix Experience: Are You Experienced?. Cómo construir la psicodelia a base de increíbles álbumes debut editados en un año específico… 1967. Vol. I Moby Grape: Ídem. Cómo construir la psicodelia a base de increíbles álbumes debut editados en un año específico…

1967. Vol. II The Bonzo Dog Band: Gorilla. Cómo construir la psicodelia a base de increíbles álbumes debut editados en un año específico… 1967. Vol. III

George Clinton: George Clinton & The P-Funk All Stara Live From Atlanta’s House Of Blues. Primer ingrediente para armar un gran reventón sin temor a que la música se termine.

Sly & The Family Stone: Greatest Hits. Segundo ingrediente para armar un gran reventón sin temor a que la música se termine.

James Brown: Soul Survivor. Tercer y último ingrediente para armar un gran reventón sin temor a que la música se termine. ¡Felicidades, tienes una fiesta!

Eagle/JM Distribuidores

★★★★

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Nirvana

102

Penelope The Bank Job

Rec

estrenos cine

Che 1 El Argentino

Dirección: Mark Palansky Reparto: Christina Ricci, James McAvoy, Catherine O’Hara y Reese Witherspoon Guión: Leslie Caveny País: EUA Año: 2006 Christina Ricci es la protagonista de un cuento de hadas moderno en el que la sátira al mundo de las celebridades, puede parecer demasiado obvia y superficial. Una joven heredera aristócrata nace bajo una maldición que sólo puede romperse al encontrar el amor verdadero, alguien que la ame fielmente. Lo cursi de la trama es acompañada por una dirección poco inspirada y un guión no del todo convincente. Lo más rescatable de la película son algunas memorables actuaciones y las buenas intenciones del mensaje final, que hacen que lo absurdo de algunas situaciones pase desapercibido o, por lo menos, se perdone.

De algún modo trata de manera exagerada de alcanzar momentos cómicos, lógico si se toma en cuenta que Leslie Caveny, la guionista, lleva trabajando en televisión desde hace años en shows como Everybody Loves Raymond, Mad About You y News Radio, todos ellos inmersos en la comedia. Penelope es la primera película tanto de Caveny como del director. Si la comedia es un género particularmente complejo, adentrarse en él sin vocación es una tarea peligrosa. TXT:: Juan Patricio Riveroll.

Dirección: Roger Donaldson Reparto: Jason Statham, Saffron Burrows y Stephen Campbell Guión: Dick Clement & Ian La Frenais País: Inglaterra Año: 2008 Una historia verdadera sobre un robo que se les va de las manos a un raro grupo de contrabandistas cuyo único lazo es este gran motín. La idea es asaltar un banco en el que se encuentra un cuarto lleno de cajas de depósito que valen millones en efectivo y joyas, el problema es que no tienen la menor idea que las cajas contienen algo más: un cúmulo de secretos sucios que los llevarán hacia una red ineludible de corrupción y escándalo. El director de cintas como The World’s Fastest Indian (2005), Thirteen Days (2000), Dante’s Peak (1997) y Cocktail (1988), por citar sólo algunas, regresa con una película de corte clásico en la que el suspenso va escalando mientras la situación rebasa poco a poco a sus protagonistas. A pesar de ser una película más sobre un robo a un banco, The Bank Job es también un estudio fascinante de la moral contemporánea en varios niveles de la sociedad inglesa mientras que el honor o la falta de este juega también un papel importante. Como traido de la mejor tradición del cine de los sesentas y setentas, esta cinta propone más de lo que su título implica. TXT:: J.P.R.

Dirección: Jaume Balagueró y Paco Plaza.

Reparto: Manuela Velasco, Javier Botet, Manuel Bronchud, Martha Carbonell.

Guión: Jaume Balagueró, Luis Berdejo y Paco Plaza.

Genero: Horror País: España Año: 2007 Jaume Balagueró, quien dirigió el video Hada de Carlos Ann (de quien se incluye la canción ¨Vudu¨ en el soundtrack de la película, desprendida del disco Descarado) ha presentado este film, que sin duda impactará a la audiencia mexicana con su corte de horror.

Rec es un thriller que transcurre en una estación de bomberos de un pequeño pueblo, en el que una ambiciosa reportera de televisión sigue a estos héroes con su cámara, sin pensar en lo que esta apunto de suceder: todo se torna en un ambiente mucho más oscuro y denso, el corazón palpita a mil por hora, mientras te agarras de la silla, la angustia se pone a flor de piel y no puedes despegar los ojos de la pantalla.

Rec ha tenido una gran repercusión en España, Inglaterra, Italia y Estados Unidos, ha ganado 16 premios alrededor del mundo, entre los que destacan: Mejor película en el festival de cine de Sitges y 2 Goyas. Se estrena el 29 de agosto en nuestro país. TXT:: Alan De Aquino.

Dirección: Steven Soderbergh.

Reparto: Benicio del Toro, Damián Bichir, Franka Potente, Lou Diamond Phillips.

Guión: Peter Buchman.

Genero: Drama.

País: EUA, España.

Año: 2008.

Basada en la vida del revolucionario Ernesto “Che” Guevara, esta película retrata el cambio que transcurrió en la vida del Che cuando pasó de doctor a guerrillero, a comandante y héroe revolucionario.

No es simple interpretar a uno de los “iconos“ con mayor trascendencia en la historia del mundo. Para empezar, es díficil lograr una buena representación actoral de Ernesto “Che” Guevara, ya ha habido varios intentos por caracterizarlo, y la mayoría sólo son de mediana calidad. Por esa razón, ver cuanta versión se haga sobre la vida de este ejemplar revolucionario es un ejercicio interesante que hacer.

Según la opinión de varios críticos, aquí veremos el mejor papel que ha interpretado Benicio del Toro, quien ganó en Cannes el premio como el Mejor Actor, en el mismo festival que Steven Soderbergh estuvo nominado para la Palma de Oro como mejor director. TXT:: A.D.A

CSI: Miami 5ta Temporada

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Inland Empire

Dirección: Mikhail Kalatozov Reparto: Sergio Corrieri, Salvador Wood, José Gallardo y Raúl García Guión: Yevgeny Yevtuschenko y Enrique Pineda Barnet País: Rusia / Cuba Año: 1964

Dirección: David Lynch Reparto: Laura Dern, Jeremy Irons, Harry Dean Stanton Guión: David Lynch País: EUA Año: 2006

En 1964, en plena guerra fría, no sólo el engranaje militar giraba en las potencias mundiales. El poder ideológico del cine siempre fue muy tomado en cuenta por la Rusia revolucionaria, logrando clásicos fílmicos cuyo mensaje estaba íntimamente ligado a los designios del sistema. Es así que nace Soy cuba de Mikhail Kalatozov basado en un guión de Yevgeny Yevtuschenko y Enrique Pineda Barnet en una coproducción ruso-cubana. La fotografía en blanco y negro de Sergei Urusevsky deja perplejo a cualquier cinéfilo consciente de las proezas de la cámara, en una época en la que los efectos especiales no existían. Los planos secuencia que se suceden a lo largo de la cinta, dejan en claro la dedicación de sus realizadores y el presupuesto que había tras la cinta, resucitada por Francis Ford Coppola y Martin Scorsese en un esfuerzo por acercar esta joya del cine ruso al gran público occidental. La trama cuenta la historia de un país en decadencia justo antes de la revolución cubana, para concluir siguiendo a los guerrilleros que eventualmente conquistarían el poder. Las dramáticas diferencias entre ricos y pobres dan una idea bastante clara de las razones detrás de la victoria de Fidel Castro. TXT:: Juan Patricio Riveroll.

El genial ensayo cinematográfico de David Lynch sale en una edición de dos discos. Las casi tres horas de película vienen acompañadas de suplementos que seguramente complementarán la experiencia en el imperio de la imagen. Para entender lo que Lynch se propone con esta cinta es necesario enfocarla desde un ángulo no-narrativo, es decir, desde la perspectiva del análisis de la imagen-movimiento, desde las películas de Hollywood y su manera de manipular al espectador hasta las series de televisión, las cámaras de cine o de video, el sonido y la música. En Inland Empire se deja de lado cualquier vestigio de una historia coherente para dejar en evidencia el funcionamiento de la imagen y su manera muy particular de acercarse a “la realidad”. No sólo fue producida, escrita y dirigida por Lynch, sino que también la fotografió, la editó, diseñó la banda sonora, mezcló el sonido, operó la cámara y finalmente la distribuyó también él. Esta exploración íntimamente cinematográfica que nació de un mero experimento y evolucionó hasta su forma final es una lección casi didáctica de las ideas que su realizador tiene en torno al medio en el que decidió hace muchos años llevar a cabo su obra. TXT:: J.P.R.

Creadores: Anthony E. Zuiker, Carol Mendelsohn y Ann Donahue.

Reparto: David Caruso, Emily Procter, Adam Rodriguez, Rex Lynn.

Género: Crimen/ Drama País: EUA/ Canadá Año: 2008 A partir de agosto llega a México CSI Miami con su Quinta Temporada, en una edición especial de 6 DVD’s llenos de emoción y desafíos profesionales para el equipo de Horatio Cane (David Caruso).

Como la serie de televisión más popular –ha roto todos los récords de audiencia de televisión en Estados Unidos en los últimos años– CSI (Investigación en la Escena del Crimen) ahora se presenta CSI : Miami.

La trama, protagonizada por Horatio Caine, gira en torno a un grupo de investigadores forenses que utilizan los métodos de investigación científica, junto con las tradicionales prácticas para resolver los crímenes más escalofriantes que se desarrollan en el sur de Florida.

Cabe destacar que en el entorno de las escenas resaltan los cálidos atardeceres, así como una sociedad multicultural de exóticas mezclas culturales.

CSI: MIAMI nos mantendrá como espectadores frente al grupo de investigación forense más popular del momento, con inusuales misterios a resolver, complicados casos de asesinato, robos y suicidios que adquieren una dimensión de entretenimiento nunca antes vista. TXT:: Vicente .Jáuregui.

Marvin y Paramount, te regalan cinco DVDs de la 5ta temporada de la serie CSI: MIAMI. Para más información visita:

www.revistamarvin.com

Director: Anton Corbijn.

Reparto: Sam Riley, Samantha Morton, Joe Anderson, Alexandra Maria Lara.

Género: Biográfico/ Drama País: Inglaterra.

Año: 2007 Control, un excelente filme independiente basado en el libro Touching from a Distance, narra la agitada y vida única de Ian Curtis, la voz principal de Joy Divison. No hay duda que vale la pena ver esta película y tener el DVD, el cual trae una serie de features a los que vale la pena echarles un ojo. Dentro del video podrás activar comentarios del productor y director Anton Corbijn, mientras la película avanza.

Corbjin es el genio creativo que ha dirigido los mejores videos y sesiones fotográficas para Depeche Mode (y decenas de videos más para grupos como Nirvana, Metallica, U2, Red Hot Chilli Peppers etc.), Control es una joya impregnada de esa rara emoción que Corbijn suele plasmar con su fotografía. Por otra parte, el making of de Control es magnífico, ya que te muestra a detalle cómo se realizó la película.

Respecto de Joy Division, encontramos una galería de fotos de la agrupación en diferentes etapas de su carrera y tres videos musicales de Joy Division and The Killers. También encontrarás la versión completa del performance en vivo de los conciertos en el filme.

Por último están los trailers de la película, así como un comentario del director, experiencias y trabas al realizar la película. Si aún no tienes Control, la podrás encontrar en cualquier Mr. CD de la ciudad de Guadalajara.

TXT:: Álvaro Sepúlveda.

dvd cine

Soy cuba

Control

Paracaídas que no abre

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libros

Textos de Alejandro Páez y Música de Laura de Ita

Almadía Más que una rareza se muestra como una feliz oportunidad consumada, la publicación de este libro-disco, sobre todo por la calidad del formato (pasta dura, fotos a color) y las implicaciones propias del proyecto. Paracaídas que no abre, está dedicado íntegramente al desamor, dado que el autor de los textos explica: “Un hombre y una mujer deben amarse y desamarse con una misma intensidad para que quede la cicatriz, para que valga la pena, para que nunca se pierdan los detalles. Y sólo así, ambos se habrán merecido, uno al otro”.

Páez escribió textos confesionales que no son pretenciosos, más bien dan cuenta de la vivencia doméstica del amor malogrado, de la soledad y la melancolía.

De las 20 historias originales, 12 cobraron forma de composición musical (cortesía de Polka Madre). Laura de Ita condujo el trabajo musical y agregó su voz, que en su versión final también incluye a Patricia Llaca, Vanessa Bauche, Álvaro Guerrero, Carmina Narro y Dolores Tapia, entre otros. Mención especial merecen las intervenciones de Jaime López, personaje de culto, que aparece en “Avenidas y caricias“, y el cantante y locutor Abel Membrillo, presente en “Tierra de nadie”.

Material ideal para todos aquellos que han vivido un quiebre amoroso. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Compilación: Urbe Probeta. Otro proyecto experimental, pero aquí entre poesía y música electrónica.

Suplemento de El Universal: Día siete. Donde el autor va dejando ser sus escritos.

Manos de topo: Ortopedias bonitas. Difícilmente se hallará un disco con tan buenas frases acerca de un tipo que se azota y se hace papilla por una mujer.

Punks de boutique

Camille de Toledo

Almadía En el escenario contemporáneo las utopías son imposibles, más bien se han tornado en distopías; Fukuyama bocetó el fin de la historia, que no hizo caso y siguió su marcha. Todo ello es comprensible para los jóvenes ilustrados, que como el autor (utilizando un seudónimo) han egresado con honores de las aulas universitarias. Han deglutido el punk, los raves, la revolución tecnológica, el neozapatismo y el movimiento okupa. Un ensayo que cabalga entre el desencanto, la desesperación y la risa sarcástica. Implacable con el mundo adulto: “Es muy difícil que quienes envejecen se dediquen a otra cosa que no sea a juzgar sus errores. Pasaron un tercio de sus vidas preparando la revolución y otro tercio traicionándola. Consagraron la última parte a explicar su traición. Deberíamos siempre morir sin tener tiempo de pedir perdón”.

Una lectura apasionante que lo mismo ha interesado a Vaclav Havel que al filósofo Peter Sloterdijk.

Se trata de una especie de tratamiento terapéutico para quien se sienta asmático del alma –como su autor–. Ante el reclamo de “querer al mundo y quererlo en el momento”, el sistema ya no se opone ni reprime, únicamente te pide pagarlo con una tarjeta de crédito. TXT:: J.C.H.

Greil Marcus: Rastros de carmín fluorescente. Uno de los grandes tratados históricos sobre la contracultura.

Guy Debord: La sociedad del espectáculo. El análisis de la sociedad vuelta mercancía mediática.

Ken Goffman: La Contracultura a través de los tiempos. De Abraham a los hippies pasando por los chinos y la ilustración.

México: Stencil: Propa

Varios / Compilación

Ed. RM Al hojear cada una de las páginas de este libro, podemos constatar el gran nivel que durante los últimos años –quizá un lustro- ha alcanzado esta expresión de la gráfica popular mexicana. Los nombres de artistas como Acamonchi y Watchavato no sólo son conocidos entre gente de la calle, sino que también han ingresado al circuito de galerías y museos para obtener un amplio reconocimiento y cotización.

No son los únicos, muchos son los creadores que ocupan creativamente el spray y las plantillas para reproducir sus imágenes por doquier. No se trata de un tipo de graffiti sin gracia y sentido; todo lo contrario. El trabajo de documentación gráfico y el impacto de las imágenes es poderoso: una Guadalupana con pasamontañas al estilo zapatista por aquí, un Colosio que amenaza revivir por allá. Se trata pues de un catálogo de excelente factura al que no puede perdonársele lo injustificable es la falta de una introducción que nos ubique en el tiempo y arroje algún referente de los artistas; vamos, que por lo menos nos diga cuántos participaron. Se dice que se trata de una edición de distribución internacional; si esto es así, lástima por los creadores que no podrán ser contactados por los interesados allende nuestras fronteras. TXT:: J.C.H.

Varios (Compilaciós): Sensacional de diseño. Un recuento –este sí muy cuidado- del derrotero del diseño mexicano.

María Fernanda Olvera: Sonidos Urbanos. Un minucioso recuento de bandas noveles realizado con excelente metodología.

José Manuel Valenzuela (compilador): Paso del Nortec.

Una obra impecable que analiza desde diferentes aristas el movimiento cultural provocado por el colectivo Nortec.

Cómic Negro

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Literatura policial desde la óptica del cómic La historia de la literatura policial o negra, va de la mano con la historia del cómic. Ambas se han nutrido mutuamente. Desde sus inicios, las dos sufrieron el desdeño por la intelectualidad de su tiempo, pero paulatinamente lograron colocarse dentro de las artes como “géneros superiores”. La historia del cómic detectivesco o policial es gigantesca, igual que la de la literatura negra, y resulta difícil mencionar su enorme producción. Hicimos una pequeña selección, esperando la posibilidad de que intente acercarse a ser una muestra representativa de lo que ha hecho boom en la actualidad y de lo que se ha convertido en lo que muchos llaman clásicos contemporáneos. En esta ocasión te traemos el premiadísimo Blacksad de Juan Díaz Canales y Juanjo Guarnido, dos adaptaciones de dos escritores considerados como monstruos del genero Chester Himes con Corre hombre corre; dibujado por Francis Clavé. También tenemos 4 Manos de Paco Ignacio Taibo II dibujado por Améziane, para finalmente poner la cereza en el pastel con Un tal Daneri de Carlos Trillo y Alberto Breccia.

Blacksad

Corre hombre corre

Cuando lanzaron Blacksad a la venta, bastaron siete meses para que se agotara su primera edición, actualmente ha sido traducido a más de 20 idiomas. Los elogios y reconocimientos a esta obra superaron las expectativas de forma inmediata y ya carga con varios premios en su haber. El éxito de Blacksad se apuntala con un argumento que recupera la narración policial en el más puro estilo de los años 50s. El ambiente es construido con trazos impecables, animales como seres antropomorfos que logran una enorme expresividad que todo el tiempo juega con la apariencia humana. Blacksad es un cómic distintivo, con clase, pleno de esa elegancia suprema que se consigue al dejar todo en una obra. Los seguidores de esta novela gráfica ascienden a miles, y sin duda ya se ha convertido en referencia obligada para los fans de la cultura detectivesca. Leerlo provoca esa sensación de “querer siempre más”.

Chester Himes, maestro de la novela negra, ha inspirado constantemente a los hermanos Cohen para la realización de sus películas y es uno de los pilares de la literatura policial. Se autoexilio en Francia debido a que no soportaba el racismo Norteamericano de los años 60s.

Ha realizado varias obras consideradas hoy de culto. En Corre hombre corre, nos narra la historia de un negro que queda atrapado de forma circunstancial en una trama ocasionada por un detective corrupto. La historia sirve para denunciar una vez más el racismo de la época y es dibujada puntualmente a un ritmo vertiginoso por Florenci Clavé. La obra se reedito como homenaje e intento de rescate a las grandes obras del cómic negro y sin duda es hoy día un clásico del género.

4 Manos Vol.1

Un tal Daneri

Paco Ignacio Taibo II es considerado por muchos como el más grande escritor mexicano de literatura negra. Varias de sus novelas gozan de reconocimiento internacional, tan sólo por 4 Manos se hizo acreedor al premio internacional Dashiel Hammet de novela negra, al premio Latino Americano de novela policial y al Premio Internacional de Novela Joaquín Mortiz. En Junio de este año fue presentada la adaptación al cómic en las celebraciones de la semana negra de Gijon y ya ha comenzado ha hacer eco entre los adeptos al género criminal. 4 Manos se sostiene por sí sola, al tener como base una historia compleja y genial que nos lleva por diversos pasajes que encajan muy bien con el dibujo de Améziane. Un l9anzamiento que dará mucho de que hablar.

Daneri es un personaje surgido de la imaginación de Carlos Trillo y Alberto Breccia.

El primero es reconocido como uno de los guionistas argentinos más importantes y prolíficos, el segundo es considerado como el más grande dibujante de historietas no sólo de Argentina, si no de toda Latinoamérica. Un tal Daneri es una inspiración que rinde homenaje a Jorge Luis Borges. Las historias son perfectas y su ritmo narrativo hacen que nos hundamos en el universo borgiano que sólo se da en el cono sur. Leerlo es quedarse con la sensación de haber consumido una obra que, como El Aleph de Borges, nos abre a un universo de matices y posibilidades.

Juan Díaz Canales y Juanjo Garrido Norma Editores

Paco Ignacio Taibo II y Améziane Editorial Caligrama

Chester Himes y Florenci Clavé Colección Vieñetas Negras

Carlos Trillo y Alberto Breccia Doedytores

cómics

TXT:: Óscar G. Hernández.

educación 3x1

106 Seminario De Jazz

Diplomado Taller de Narrativa

The Dick Grove School Without Walls

Este seminario consta de cuatro módulos que impartirán una enseñanza introductoria al mundo del Jazz, con el fin de auxiliar a los alumnos a ser autodidactas, para que puedan conocer y tocar su instrumento. El conocimiento adquirido durante el programa se entenderá de una manera más sistemática y directa, de manera que con él podrán llegar a tocar por sí solos a niveles muy altos, en un curso equivalente a un año.

Cada modulo va dirigido a un área en particular como son: Armonía aplicada, Taller de improvisación, Entrenamiento auditivo contemporáneo y Taller de rítmica.

The Dick Grove School Without Walls es una de las mejores escuelas, ahí han estudiado artistas mexicanos como Eugenio Toussaint y Memo Méndez Guiú.

El curso dará inicio el 3 de Septiembre, y será los miércoles de 5 a 7 y de 7:15 a 9:15. La duración es de 40 horas o 10 semanas y será impartido en la Universidad Del Claustro De Sor Juana. Izazaga #92 Centro Histórico, México D.F. TXT:: Alan De Aquino.

Este diplomado impartido en Casa Lamm, es uno de los talleres de narrativa más completos, ya que cuenta con un plan de estudio según los gustos y posibilidades del cursante, mismo que deberá cursar 3 asignaturas por semestre cumpliendo en total con 12 asignaturas en 4 seminarios de teoría, 4 talleres y 4 cursos de literatura, por lo que su duración será de 4 semestres.

Entre los talleres a elegir están: Teatro, Estructura del Cuento, Narrativa y Ensayo. Seminarios de Teoría Literaria: Morfosintaxis y Estilo, Estrategias Discursivas.

Curso de Literatura: Romanticismo Europeo, Literatura Europea de los siglos XVII y XVIII, Seminario de Teatro Contemporáneo, Narrativa Europea del siglo XX–I, Poesía Europea y Dramaturgia I. Mediante el taller desarrollarás una técnica de escritura con conocimiento en las diferentes ramas literarias.

Además Casa Lamm promente a manera de estímulo la publicación de las obras seleccionadas.

Para mayores informes consultar directo con Casa Lamm, que se encuentra en Álvaro Obregón #99, col. Roma . TXT:: A.D.A.

Curso sobre apreciación de la música de cine: El objetivo es impartir los conceptos sobre el significado que yace en las partituras de cine y los significados que proveen. Casa del Lago esta en el Antiguo Bosque de Chapultepec 1ª sección.

Taller de Apreciación Musical: Un bimestre en el que se impartirán nociones musicales sobre distintas épocas y géneros, así como distintas formas de hacer música. Universidad G Martell, Av. Copilco #374, col. Copilco Universidad.

Licenciatura en Piano: La Escuela Nacional de Música imparte la carrera en piano con duración de 8 semestres con la que te graduarás como profesional–artista de este instrumento. Xicotencatl #126, col. Del Carmen, Coyoacán.

Narrativa y critica literaria: Consta de dos partes fundamentales, teoría de la crítica literaria y su aplicación tanto en obras literarias como en las propias obras. Casa del Lago Antiguo Bosque de Chapultepec 1ª sección.

Creación Literaria: El objetivo es que el alumno desarrolle cualquier obra o tema literario de su interés, con una visión critica y con más disfrute en esta área. Universidad del Claustro de Sor Juana, Izazaga #92 Centro Histórico.

Diplomado en apreciación y creación literaria: Ofrece desarrollar las aptitudes del alumno como escritor en cualquier terreno que elija, sea narrativo, lírico o dramático. Casa Lamm, Álvaro Obregón #99 col. Roma

Guitarra Eléctrica

Si tu sueño es tocar la guitarra eléctrica, empieza a pensar en hacerlo profesionalmente estudiando en la Universidad de la Música G Martell, que ofrecen un plan de estudio excelente con el que lograrás dominar el instrumento y podrás tocar y leer por nota ejecutando piezas clásicas, populares y aplicadas al jazz.

En un plan de estudios de 18 meses de 12 a 14 horas de clase a la semana, consta de: Lectura y escritura, arpegios de triadas y a cuatro partes, ejecución de escalas mayores y menores, escalas mayores y relativas, acordes con extensiones, sustitución tonal, voicings y drops, plumilleo, sweep picking, tapping, trémolo, escalas pentatónicas, técnica, repertorio y guitarrista de sesión.

Aquí podrás recibir una formación integral impartida por profesionales que te instruirán con versatilidad y actualidad para iniciar una carrera como guitarrista profesional.

El próximo inicio de clases es en septiembre y puedes consultarlo en Av. Copilco #374 col. Copilco Universidad o www.gmartell.com. TXT:: A.D.A.

Guitarra Acústica: La Universidad G Martell también cuenta con carrera en guitarra acústica con duración de 18 meses.

Av. Copilco #374, col. Coplico Universidad.

Guitarra Clásica: Este curso impartirá las bases teóricas y prácticas para ejecutar el instrumento con conocimiento de partituras y técnica para ambas manos. Casa del Lago en el Antiguo Bosque de Chapultepec 1ª sección.

Curso de Guitarra Eléctrica: Un curso para dominar la guitarra y conocer los efectos reverb, delay, distorsión y chorus. Universidad G Martell Av. Copilco #374 col. Copilco Universidad.

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Soulcalibur IV Consolas: PlayStation 3 y Xbox 360.

Distribuidor: Namco.

Género: Peleas.

Fecha de salida: Julio 2008.

Brothers in Arms: Hell’s Highway

★★★★★ La aclamada serie de peleas con armas de Namco, llega a su cuarto capítulo con el PlayStation 3 y Xbox 360. Soulcalibur IV tiene nuevos modos de juego, nuevos personajes y funciones mejoradas con un sistema de animación y modelado en 3D sin precedentes.

Si algo ha caracterizado a este juego de peleas, es que las peleas se basan en el uso de armas como espadas, palos, chacos y cualquier otro artefacto característico de las artes marciales. Sin embargo, la nota que causó furor entre los video jugadores, fue el anuncio de la incorporación de dos grandes personajes del mundo de la ciencia ficción: Darth Vader en exclusiva para el PS3 y Yoda del lado del Xbox 360. Eso sólo quiere decir una cosa: ¡peleas con sables láser!

Como en capítulos anteriores, el objetivo de cada uno de los peleadores es obtener el poderoso sable Soul Edge y la legendaria espada Soul Calibur.

La jugabilidad se mantiene fiel a sus orígenes, es decir, peleas uno a uno en un ambiente tridimensional, aunque los personajes no se mueven completamente en 3D. El que gana todos los rounds es el ganador. Sencillo y divertido, pero no tan fácil como aparenta. Pero como en toda secuela, Namco ha agregado algunos nuevos elementos al combate, como el daño a las armaduras que permiten que puedas hacer los llamados Critical Finish, que provocan un gran daño y de pasada, un festín visual.

La variedad de estilos y armas en todos los personajes serán del gusto de todos, y no habrá gamer que no encuentre un personaje favorito. Incluso Darth Vader y Yoda están muy bien integrados en el estilo de juego, con estilos acordes a lo que estamos acostumbrados en Star Wars. Además, ambos personajes hacen uso de la fuerza, y un medidor en la parte inferior de la pantalla indica su estado. Aunque no es sencillo, usar la fuerza de manera adecuada puede ser desastroso para el adversario.

El nivel gráfico es, a la fecha, el mejor de toda la saga. Los detalles en la ropa, escenarios y armas no tiene precedente. Por si esto fuera poco, todo en la pantalla se mueve con una fluidez espectacular. Sin duda, Soulcalibur IV es un juego que amarán los seguidores del género por sus múltiples modos de juego (incluido “en línea”), sus buenas gráficas y ¿por qué no? por la presencia de Darth Vader y Yoda. TXT:: Carlos Guitiérrez.

Consolas: PlayStation 3, Xbox 360 y PC. Distribuidor: Ubisoft.

Género: Acción en primera persona.

Fecha de salida: Agosto 2008.

★★★★ La Segunda Guerra Mundial es el tema predilecto para desarrollar videojuegos de acción, y aunque para muchos ya es demasiado recurrente el tema, existen algunos que piensan lo contrario, ya que Brothers in Arms: He’s Highway se basa (sí, adivinaste), en la Segunda Guerra Mundial.

El juego fue anunciado en el lejano E3 del 2006 y ha causado expectativa desde entonces explotando el motor gráfico de Unreal Tournament 3. Y todo indica que el juego bien vale la pena, y que los fanáticos de la Segunda Guerra Mundial estarán satisfechos aniquilando algunos nazis.

En esta ocasión te pondrás las botas de un soldado para la operación Market–Garden, la misión aérea más grande de toda la Segunda Guerra Mundial. La división 101 dependerá de ti para terminar de una vez por todas la guerra, y tener un final feliz.

Algunas novedades que vale la pena mencionar, son el hecho de que muchas estructuras son destructibles, basándose en una física realista, por lo que en más de una vez, tu posición se verá comprometida. Pero esto no hace sino agregar estrategia y, por lo tanto, emoción. También podrás dirigir a grupos de soldados para crear escenarios de combate realistas con toda clase de armamento. De igual manera existe un elemento a resaltar: el hecho de buscar al enemigo antes que él te encuentre a ti, y así emboscarlo cuando menos se lo espere.

El nivel gráfico de este juego es muy bueno, con efectos climáticos realistas dignos de admiración. Los enemigos están muy bien modelados y animados, lo que no quita cualquier duda en cuanto a la utilización del ya mencionado motor gráfico.

Sin duda, Brothers in Arms: Hell’s Highway es un digno juego de acción en primera persona, que encontrará un lugar en la colección para los fanáticos de la acción, quienes sabrán apreciar los elementos de estrategia, historia, mucha acción y gráficos impresionantes. Eso sin quitar los obligados modos en línea. TXT:: C.G.

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Madden NFL 09 Consolas: PS3, Xbox 360, PS2, Wii, PSP, NDS. Distribuidor: Electronic Arts.

Género: Deportes.

Fecha de salida: Agosto.

★★★★

LEGO Batman Consolas: PS3, Xbox 360, PS2, Wii, PSP, NDS. Distribuidor: Warner Interactive.

Género: Acción / Aventura.

Fecha de salida: Agosto.

★★★★ Madden NFL 09 marca la vigésima entrega de esta popular franquicia, y llama la atención en que no pretende redefinir el género. En su lugar, toma los elementos más sobresalientes de los juegos anteriores para llevarlos a otro nivel. Con esta idea y con el gran Brett Favre en portada, pretenden mantener la supremacía de la saga.

Madden NFL 09 incluye un innovador sistema, que adapta la dificultad a tu nivel de habilidad, el cual permite que tanto expertos como novatos disfruten el juego de la misma manera. Esto se logra gracias al nuevo modo de entrenamiento virtual guiado por el mismísimo John Madden, quien te impone retos que sirven para analizar tu destreza en las diferentes áreas de este deporte. Además, te da a conocer tus fallas y errores inmediatamente, para que puedas corregirlos en los partidos importantes. También se han retocado muchos elementos: la protección de la línea ofensiva, los tacleos en grupo, el nuevo sistema de balones perdidos que se ve afectado por factores externos e incluso la cámara, que al momento de pasar el balón ahora te permite ver a todos tus receptores gracias a su movimiento dinámico, entre otras cosas.

Por otro lado, se han renovado varios aspectos del “modo franquicia”: ahora se cuenta con una mejor simulación de las estadísticas, además de que también influirá la posición en que se encuentra el equipo en la motivación de los jugadores.

Hablando de modalidades, también encontrarás los momentos Madden, que te permiten revivir los mejores 32 juegos de la temporada 2007, además de las partidas en línea que soportan hasta 32 jugadores en ligas (basadas en servidores con playoffs y Super Bowl), con la posibilidad de vender y comprar jugadores.

En general, Madden NFL 09 cuenta con muchos detalles como ángulos de cámara dramáticos, un entorno mucho más vivo y animado, celebraciones personalizadas, gráficas impresionantes con un nuevo sistema de clima en tiempo real, nuevas animaciones en los jugadores y comentarios jugada por jugada de Tom Hammond y Cris Collinsworth. Un título que no debe faltar en la colección de todo fanático de este rudo y apasionante deporte. TXT:: C.G.

El caballero de la noche ha llegado decidido a defender Ciudad Gótica de los criminales. Después del éxito que se tuvo con franquicias como Star Wars o Indiana Jones, ahora toca el turno del emblemático personaje de DC para ser representado por los clásicos bloques de LEGO. En esta entrega, podrás controlar de inicio a Batman o Robin, y enfrentarás a lo largo del juego a enemigos emblemáticos como el Guasón, Gatúbela o Dos Caras. Podrás ayudarte de las habilidades especiales de cada uno: podrás balancearte en el aire, nadar o escalar paredes.

La historia se basó en un cómic interno de los desarrolladores, el cual está avalado por DC y sitúa a Batman en un caos generado por una especie de sindicato del crimen controlado por el Guasón, Pingüino y el Acertijo. Esta unión cuenta con aliados como el Espantapájaros, el Sr. Frío o Dos Caras, quienes han obligado al Comisionado Gordon a enviar la “batiseñal” para que nuestro héroe salve Ciudad Gótica.

El modo de juego se mantiene similar a las entregas anteriores de LEGO, donde deberás pelear con tus enemigos y recoger medallas especiales, que se encuentran en cada uno de los 18 niveles. Podrás jugar solo o con un amigo, gracias al modo cooperativo local o en línea. Cada personaje cuenta con un traje especial que te permitirá arrojar bombas, burlar sistemas de cómputo o nadar en ciertas partes del nivel.

En el aspecto gráfico, vemos un ambiente que fusiona elementos vistos en las películas de Tim Burton de los 90’s, con otros que son característicos de la serie animada de TV. Las calles de Ciudad Gótica están plagadas por detalles oscuros, humo de coladeras o reflejos de los charcos que se forman junto a ellas. Los escenarios son completamente interactivos y cuentan con zonas secretas.

Con el furor causado por la próxima película, seguramente te darán ganas de ponerte en los zapatos de este famoso superhéroe. Y es justo donde LEGO Batman sale al rescate con su adictiva jugabilidad que te mantendrá entretenido por horas. TXT:: C.G.

110 música SONS AND DAUGHTERS Lugar: ex Convento de San Hipólito, D.F. Fecha: 4 de septiembre Costo: Por definir

cine CANSEI DE SER SEXY Lugar: Vive Cuervo Salón, D.F. Fecha: 12 de septiembre, 21:00 Costo: $380

NORTEC COLLECTIVE BOSTICH + FUSSIBLE Lugar: Vive Cuervo Salón, D.F. Fecha: 4 de septiembre, 21:00 Costo: $250

CICLO RETROSPECTIVA OZU Presentando: Días de junio, He reprobado… pero, Coro de Tokyo, Capricho pasajero, Memorias de un inquilino, La danza del león, Una gallina en el viento, El sabor del te verde con arroz, El comienzo de la primavera, Crepúsculo en Tokyo, El otoño de la familia Kohayawara, Lugar: Cineteca Nacional, D.F. Fecha: Hasta el 14 de septiembre

THE CRIBS Lugar: Vive Cuervo Salón, D.F. Fecha: 18 de septiembre, 21:00 Costo: $350 TECHNOTRONIC Lugar: Vive Cuervo Salón, D.F. Fecha: 19 de septiembre, 21:00 Costo: $200 - $300 MIDNIGHT JUGGERNAUTS Lugar: Teatro Estudio Cavaret, Gdl. Jal. Fecha: 19 de septiembre Costo: Por definir Lugar: Pabellón de Alta Tecnología, D.F. Fecha: 20 de septiembre Costo: Por definir CUT COPY Lugar: Roots Magic Club, D.F. Fecha: 11 de septiembre, 22:00 Costo: $350

MERCURY REV Lugar: Lunario del Auditorio Nacional, D.F. Fecha: 26 de septiembre Costo: $360 BABASÓNICOS Lugar: Auditorio Nacional, D.F. Fecha: 30 de septiembre, 20:30 Costo: $200 - $850

MARTES DE CINEBAR Presenta: El Tigre y la Nieve / La tierra de la gran promesa Lugar: Lunario del Auditorio Nacional, D.F. Fecha: 2 de septiembre, 19:30 / 21:30 Costo: $50

COCALERO Lugar: Cineteca Nacional, D.F. Fecha: Del 5 al 18 de septiembre MARTES DE CINEBAR Presenta: La otra cara de Septiembre/ Conspiración en Septiembre Lugar: Lunario del Auditorio, D.F. Nacional, D.F. Fecha: 9 de septiembre, 19:30 / 21:30 Costo: $50 CICLO ROCK Y CINE Presentando: Control, En la cama con Madonna, AC/DC, My Chemical Romance, Kurt Cobain, Joe Strummer, Factory Girl, Punk el fenómeno, Heavy Metal en Bagdad, End of the Century, La nueva orden, SLC Punk, EUA vs John Lennon, La hurbanistoria de Rockdrigo, Joy Division, Coachella, U2 Pop Mart, Glastonbury, David Gilmour, Sid y Nancy, Flaming Lips, Last Days, I’m not there, Too Tough to Die, Let Rock Again, Punk Attitude, Kill Your Idols Lugar: Cineteca Nacional, D.F. Fecha: Del 9 al 25 de septiembre

septiembre arte SEMANA DE CINE NÓRDICO Presentando: Sniffer, El hombre inoportuno, Tú que estás vivo, Los mejores mueren jóvenes, Beso de invierno, El jefe de todo esto, El cuarto de fumar, El arte de llorar en coro, La sombra del libro sagrado, Darling.

Lugar: Cineteca Nacional, D.F. Fecha: Del 18 al 27 de septiembre

OTRA VEZ TERMINO, OTRA VEZ COMIENZO – DIEGO TEO Lugar: Sala de Arte Público Siqueiros, D.F. Fecha: Hasta el 21 de septiembre NOVELAS DE LA SELVA HENRIK HAKANSSON Lugar: Museo Tamayo Arte Contemporáneo, D.F. Fecha: Hasta el 21 de septiembre

teatro LA IMPROLUCHA Lugar: Foro Shakespeare, D.F. Fecha: Todo septiembre (jueves 20:30) Costo: $150

PASIÓN Y RIESGO – ROSALIO VERA Lugar: Galería José María Velasco, D.F. Fecha: Hasta el 28 de septiembre

6 A LAS BRASAS Lugar: Foro Shakespeare, D.F. Fecha: Todo septiembre (viernes 19:00) Costo: Acceso libre

PENSANDO EN TI – JULIO GALÁN Lugar: Antiguo Colegio de San Ildefonso, D.F. Fecha: Hasta el 26 de octubre

HOTEL ENCARNACIÓN Lugar: Foro Shakespeare, D.F. Fecha: Todo septiembre (sábados 21:00, domingos 18:00) EMIGRADOS Costo: Acceso libre Lugar: Sala Xavier Villaurrutia – Centro Cultural del Bosque, D.F. TREN BALA Fecha: Hasta el 28 de septiembre Lugar: Foro Shakespeare, D.F. Fecha: Todo septiembre (viernes (jueves y viernes 20:00, sábados 19:00, domingos 18:00) 18:00 y 20:00, sábados 18:30) Costo: $150 Costo: Acceso libre SEÑOR QUIJOTE MÍO Lugar: Foro La Gruta – Centro Cultural Helénico, D.F. Fecha: Hasta el 28 de septiembre (domingos 13:00) Costo: $90

EL EVANGELIO SEGÚN CLARK Lugar: Teatro Helénico – Centro Cultural Helénico, D.F. Fecha: Hasta el 29 de octubre (miércoles 20:30) Costo: $150

CONSTRUCTIVISMO, ABSTRACCIÓN Y CONCRETISMO Lugar: Galería Pablo Goebel Fine Arts, D.F. Fecha: Hasta el 30 de octubre INOCULACIÓN – ANTONIO O’CONNELL Lugar: Ex Teresa Arte Actual, D.F. Fecha: Hasta el 2 de noviembre

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Francisco Moctezuma Viajando a la velocidad del sonido

TXT:: Manú Charritton.

FOT:: cortesía Francisco Moctezuma.

En el mundo de hoy, nadie puede negar que quien se atreve a romper paradigmas puede volar muy alto. Es el caso de Volaris, una aerolínea que entendió que nadie llega a un sitio diferente haciendo las cosas de la misma manera. En su dinámico equipo de trabajo está Francisco Moctezuma, quien como Director de Patrocinios, tiene a su cargo apoyar y crear iniciativas que están dando mucho de qué hablar. Además, sabe de música. ¿Quién es y qué hace Francisco Moctezuma?

Es una persona a la que le gusta vivir la vida al máximo. Trabaja en el área de Mercadotecnia desarrollando Patrocinios para posicionar en el mercado a la mejor aerolínea de México. ¿Cómo es la vida trabajando para una aerolínea?

Es muy intensa pero es lo que realmente disfruto. Fue mi primer trabajo desde los 21 años y le tomé cariño a la industria y me especialicé en ella. Vivo viajando. ¿Cuáles son tus bandas favoritas?

Muy buena pregunta porque siempre me dicen que soy muy fresa en el tema de la música. Definitivamente Daft Punk y Depeche Mode.

Nos enteramos de que van a hacer un concierto arriba de uno de sus aviones… Cuéntanos un poco.

Es la idea más original que se ha hecho en este país en un avión, en conjunto con el refresco más famoso a nivel mundial. Dos marcas líderes se unen por la música en torno a los MTV Awards para hacer un concierto en el aire con Molotov y Zoé el 16 de octubre rumbo a Guadalajara, saliendo desde Toluca. ¿Qué opinas del efecto que tuvo MySpace en la escena artística independiente? ¿Cómo lo trasladas a las aerolíneas de bajo costo?

El modelo de negocio en el mundo ha cambiado, quien no esta en Internet definitivamente está fuera del negocio ya que es un arma muy poderosa y efectiva de mercadotecnia. En el caso de MySpace, cambió los paradigmas que la industria musical había defendido por tanto tiempo y ya no era sostenible. Definitivamente un caso de éxito. M