Revista Marvin 72:: Promesas

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Promesas

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Benjamín Acosta, Alan De Aquino, Fernando Benavides, Raúl Burguete, Luis Clériga, Ingrid Constant, Andrés Díaz, Arthur Alan Gore, Carlos Gutiérrez, Óscar G. Hernández, Juan Carlos Hidalgo, David House, “El Jergas”, Chico Migraña, Mildred Pérez, Juan Patricio Riveroll, Pablo Segovia, Rafael Toriz, Francisco Zamudio.

Fotografía::

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Somos una especie llena de buenas intenciones y malas prácticas, y por ello nos es tan natural prometer.

No sé si hay estudios que prueben que los leones, los armadillos o los canguros les hacen a sus congéneres la cantidad de promesas que nosotros hacemos a los nuestros.

Probablemente no.

En un mundo hiperinformado como el que nos toca habitar, toda manifestación pública se convierte inmediatamente en una promesa.

Marvin sale este mes, ustedes la compran esperando a ver si... cumplimos.

Aunque no hayamos explícitamente prometido nada, si ustedes no la encuentran “buenísima” estarán decepcionados.

Esa es esencialmente la dinámica de nuestras relaciones con novias, políticos, grupos musicales, directores de cine, hijos, jefes, compañeros de trabajo ...

Confucio o tu abuela te aconsejaban: no prometas nada que no puedas cumplir.

Pero, ¿cómo existir sin prometer? ¿Cómo saber si vamos a cumplir?

No hay de otra. La promesa es la tarjeta de crédito emocional por excelencia, y ya sabemos que sin crédito no se puede vivir en este orden occidental.

Les prometemos que este número les va a gustar. Si no, pueden quejarse mandando e–mails que leeremos con atención. Prometido.

Humberto Polar.

Edgar Vixama

Pocas cosas me llenan tanto el ojo como el diseño y la foto. Soy adicto al street art, al collage digital y la ilustración. Como músico creo ser un buen diseñador, aunque me resisto a enterrar los instrumentos. Estar en las filas de Marvin es como uno de esos muñecos de acción que nunca esperé tener... lo disfruto diario.

“La imaginación no tiene alas, raices sí”

Tonatiuh Olvera “El Jergas”

Ciencias de la Comunicación. Daft Punk. Pizza. Americanista. Blur.

Whiskey en las rocas. Lost In Translation. Baterista frustrado.

Jurassic 5. Pseudo DJ. Charlie Brown.

El Santo. Promoción en las calles.

Reactor 105.7. “Nunca rebajes tus expectativas por alguien que no está dispuesto a cumplirlas”.

Imprenta

:: Compañía Impresora El Universal

Allende 176. Col Guerrero. México DF. Tel. 5117 0190

Fe de erratas: En nuestra edición pasada encontramos tres errores en la entrevista de Ventilader. Dice “Ventialder”, “Chapín” y “Café Tacaba”. En su lugar debería decir: “Ventilader”, “Chamín” y “Café Tacvba”. Una disculpa a los chicos de Ventilader (prometemos desactivar el corrector automático de Word).

En un recuadro de la página 41 dice “fuctífero” en lugar de “fructífero”.

MARVIN es una publicación mensual de Música y Estilo México S.A. de C.V. con domicilio en Newton No.53-3er. piso interior 9, Col. Polanco, C.P. 11560, Delegación Miguel Hidalgo, México D.F. Tel/Fax:: (55) 5281 5203. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores.

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música_ 16 Silversun Pickups. Sufriendo un ataque de nervios.

18 Asobi Seksu. Esto no es y nunca ha sido shoegaze.

20 Placebo. La drag sale a la luz del sol.

22 Sonic Youth. Cuando el tiempo se coloca en pausa.

26 Marilyn Manson. El Anticristo se levantó y anduvo.

28 Promesas rotas.

30 6 grados. David “El Vampiro” Bowie.

38 En Portada Phoenix. Rápidos, intensos y clasiqueros.

marvin.com.mx

A partir de este mes, escucha una exquisita selección musical de diversos géneros y épocas hecha por amigos y staff en: Radio Marvin

Promesas Fatídicas del indie: Aquellos compromisos que este género no logró cumplir. Participa y opina en nuestra sección Más más más.

56 De Culto

Nick Drake. El tiempo nos lo dijo.

66 Alter Ego. Andy Dábula. Persiguiendo sueños por toda América.

cine_ 36 De Fondo

Cine Mexicano ¿Promesa rentable o voluntad subsidiada?

48 El Sótano. It’s Alright , Ma (I’m only bleeding).

50 Nada es casualidad 3:19. Entrevista con el director y escritor Dany Saadia.

58 De Culto

Escena incómoda sobre las promesas del nuevo cine. (Un diálogo).

arte_ 52 We are ugly but we have music de Edgar Orlaineta.

60 De Culto J.G. Ballard. Visiones del futuro.

de fondo_ 34 El país de los milagros.

otros_ 8 Buenas Nuevas Noticias de música, cine y arte 12 Estilo 32 La Lógica del Perro. Apocalipsis.

44 Moda H1N1 66 Taller Nuevo Seat Ibiza Sport Coupé Reseñas 3 x 1 68 Música 73 Cine 74 Libros 75 Cómics 76 Gamer 78 Links 79 Dixo Dixit 80 El Pilón

Vive Latino 09:

Sigue de cerca la contienda de los finalistas para participar en el evento musical más grande del rock iberoamericano.

Discos:

Participa en la trivia en la que regalamos el último álbum de Morrissey: Years of Refusal, cortesía de Universal y Marvin.

DVD:

Universal y Marvin te regalan el DVD de la película Quémese después de leerse, de Joel y Ethan Cohen.

+ Regalos

Le Butcherettes y Marvin te regalan discos y playeras de su más reciente producción, Kiss & Kill

Moda:

H1N1_MX. Los recientes días de contingencia convirtieron al cubrebocas en un artículo de prevención y un accesorio del vestir. ¿Tú cómo lo utilizaste? Manda tu foto para ser publicada a: contacto@revistamarvin.com

Todo esto, más las secciones que ya conoces, música y video de las bandas que aparecen en esta edición en: Marvin TV y Cómo suena Marvin.

Una vez que hayas leido y disfrutado el contenido de esta edición, no me tires, mejor aprovecha mi papel reciclable, rólame o comienza a coleccionarme. M

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s a n e bu vas nue J&B Start a Party? en Transilvania Cuatro ganadores podrán asistir a la fiesta global de J&B en Transilvania el próximo sábado 20 de junio. Lo que tienes que hacer para ganar este viajezote, es ingresar los códigos de botellas J&B de 750 ml. y de 1 litro en www.startapartyhere. com.mx, para después ser introducido en un juego donde tu destreza ligando con una bella mujer virtual será lo que indique si ganas o te eliminan. Los primeros cuatro lugares que acumulen el mayor número de puntos serán quienes disfrutarán de la experiencia en Transilvania junto con un amigo. Conocerán el Castillo Bran, hogar del Conde Drácula, y vivirán la experiencia de las fiestas J&B junto con 400 invitados de todo el mundo en el Castillo Cantacuzino. Si las botellas las compras en el Oxxo, cada código que ingreses tendrá doble oportunidad de juego para acumular puntos. Esta promoción inició el 8 de mayo y finalizará el 8 de junio, así que apúrate a participar.

Recibe el verano con un disco doble de los Flaming Lips

FOT:: Cortesía Warner Music.

Aprovechando que la presente edición de Marvin tiene el tema de “promesas”, les compartimos una que recién hizo Wayne Coyne, frontman de los Flaming Lips. Según sus declaraciones, varios de sus discos favoritos en la historia son álbumes dobles, por ejemplo el Physical Graffitti de Zeppelin. Para no quedarse atrás y pese a que por el momento sólo tienen preparadas alrededor de 13 canciones, Coyne prometió un álbum doble para el verano, lo cual ocurriría justo al inicio de su gira por Europa, EU y Australia. No hay muchos detalles sobre la dirección musical que los oriundos de Oklahoma tomarán, lo único que han adelantado es que se trata de algo muy distinto a todo lo que han hecho antes, incluso Wayne comentó que habrá cosas influenciadas por Miles Davis. Además, dijo que los Flaming abandonarán el camino conceptual que venían transitando en sus últimos discos para ceder paso a composiciones mucho más espontáneas. En cuanto a la distribución dijo que muy probablemente aplicarán “la Radiohead”, es decir, que cada quien pague lo que considere justo. ¿Será?

Nuevas fechas para el Vive Latino

Como consecuencia del brote de influenza que incidió en todas las actividades a realizarse en la Ciudad de México, el festival Vive Latino se aplazó unos días: cambió del 16 y 17 de mayo al 27 y 28 de junio. Tal información y cualquier otro cambio podrá ser consultado en la página oficial: www. vivelatino.com.mx, donde además podrás ver los podcast de varias bandas, escuchar canciones, ver entrevistas, palomazos, leer reseñas, blogs, etc. Cabe destacar que también se llevó a cabo el concurso “Tu Pase al Vive”, una contienda realizada mediante la página www.amplifica.tv. La eliminatoria incluyó alrededor de 500 bandas, de las cuales sólo una obtuvo el pase al Vive Latino.

Los ganadores son Un Mexicano Enojado, quienes compitieron contra Astromáticos y Trasfondo en una semifinal muy reñida.

BUENAS NUEVAS www.marvin.com.mx

Vive Coachella con TXT: Tony Romay FOT:: cortesía de Coachella.

La gente de Cuervo Especial se armó un buen equipo para llevar a la décima edición del Coachella Valley Music and Arts Festival en el desierto de Indio, California. Entre los invitados estaban miembros de bandas que han participado en el Vive Cuervo and Roll como Manuel de 3 Dudes and a Mullet, Mach de Carrusel y Daniel de Pony Rex, aparte de Laura Woldenberg de Ache Producciones, Paulina García de Ibero909, Marco Cataño de Gibson, Alejandro Freyria de Grupo Medios y su servidor de Marvin.

Nuestros anfitriones fueron Galia Sandler y Rodrigo Hernández de Cuervo, quienes rentaron una bonita casa en Palm Springs para nuestra comodidad y estadía. En los 3 días que duró el festival pude presenciar los shows de Silversun Pickups (de lo mejor del indie actual), Sir Paul McCartney (gran concierto, tocó de Los Beatles, Lennon, Harrison), Superchunk (recordando el sonido indie noventero), Zane Lowe (presentador de TV y DJ británico), TV on the Radio (lástima por el terrible sonido), Fleet Foxes (el indie folk más fino), Thievery Corporation (con todo el sabor), Crookers + The Chemical Brothers + MSTRKRFT (lo mejor de la carpa electrónica), Lupe Fiasco (siguiendo los pasos de Kanye), Peter Bjorn and John (Lykke Li los acompañó en “Young Folks”), Yeah Yeah Yeahs (más fresas), My Bloody Valentine (poderosos, de lo mejor del festival), The Kills (de moda), The Orb (pasados de moda), Public Enemy (dominantes del escenario) y The Cure, a quienes les apagaron las luces y el sonido antes de terminar su set, por razones de logística según los organizadores, pero a Robert Smith y compañía no les importó y tocaron dos canciones más tan solo con el sonido de sus amplis y la batería sin micrófonos, cosa que prendió al público haciendo que se abarrotara hacia el escenario para escuchar lo que se podía, para mí lo mejor del festival.

MÚSICA

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CINE

Alicia en el País de las Maravillas según Tim Burton FOT:: image.net Quizá una de las historias más arraigadas en el inconciente colectivo contemporáneo, sea aquella publicada en 1865 por Lewis Caroll bajo el nombre de Alicia en el País de las Maravillas. Hasta la fecha es difícil imaginar a un sacerdote anglicano que apegado profesionalmente a la lógica y las matemáticas, desafiara esos lineamientos al escribir una historia que parece producto de un “alucín”. Su trascendencia ha sido tan grande que ha inspirado obras literarias, óperas, obras de teatro e incluso varios videos musicales. No por otra razón ha sido llevada al cine diez veces, de las cuales la más popular seguramente es la que Walt Disney realizó en 1951, pero no por ello la mejor.

Al menos no para Tim Burton, quien ha declarado el poco aprecio que le tiene, y que el año pasado decidió darse a la tarea de rodar su propia versión del cuento en formato de tercera dimensión (Disney Digital 3-D/ IMAX 3-D). La película será lanzada en el 2010 y comenzó a filmarse en septiembre del 2008 con actuaciones de Mia Wasikowska, Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Anne Hathaway, Stephen Fry y Christopher Lee entre otros. Como era de esperarse de alguien como Burton, la trama no será como la original, de hecho se trata de una nueva historia en la cual Alicia ha cumplido 17 años y decide regresar al país de las maravillas, que ahora sufre de un aire encantado.

Sin duda una de las grandes promesas cinematográficas del siguiente año, asumida por uno de los directores más populares de nuestros días.

Wikipeli con 2,500 co-directores

TXT:: Juan Patricio Riveroll.

El tándem José Corbacho y Juan Cruz comenzaron el rodaje de su Wikipeli de Mahou, un proyecto nacido con la idea de que los internautas participen de la génesis de un proyecto cinematográfico, y

tengan una importante participación en el desarrollo de la trama y el resto de aspectos que atañen a una producción. El resultado será una historia de 15 minutos en la cual se analizará la posibilidad de la existencia de universos paralelos.

Unos 2.500 codirectores tiene la Wikipeli de Mahou, que el miércoles comienza su rodaje con el objetivo de demostrar que “todo el mundo puede hacer una película”, tal como se pregona desde el sitio oficial del proyecto. Este corto, aún sin título definitivo, tiene como capitanes a Corbacho y Cruz, directores de Tapas y Cobardes, quienes se encargarán de implementar las mejores propuestas recibidas de

todos los participantes de esta experiencia particular.

El proyecto tuvo como punto de partida una historia: un tipo se somete a un experimento de hipnosis que pretende demostrar que vivimos en universos paralelos; en cada una de estas sesiones, el protagonista vive una realidad diferente en un universo absolutamente nuevo para él.

A partir de allí entró en juego la consigna de hacer una película entre todos, poniendo a disposición de los visitantes de la página www. wikipeli.com la toma de decisiones sobre diferentes aspectos, como decidir el nombre del protagonista o quién será el ayudante de dirección.

Cruz explicó que con esta experiencia pretende “fomentar la intercomunicación entre el cine y su público”, esperando que pueda ser el puntapié inicial de proyectos de similares características. Los codirectores participantes no sólo emitirán su opinión desde la web, sino que varios de ellos podrán acceder a la filmación.

Los ascendentes Martín Rivas y Blanca Suárez serán los protagonistas del corto, que también contará con Alex Angulo.

Se espera que esté finalizado para mediados de junio, aunque aún se desconoce su modo de exhibición.

La decisión, una vez más, se tomará entre todos.

BUENAS NUEVAS www.marvin.com.mx

TXT:: Carlos Jaimes.

FOT:: Fundación Colección / Jumex.

A partir del 23 de abril se comenzó a exhibir en las inmediaciones de la Fundación / Colección Jumex la exposición La nada y el ser. Esta exhibición, cuyo título se desprende de la obra del autor francés Jean Paul Sartre, reúne alrededor de 100 piezas artísticas que exploran la condición de lo humano a través de conceptos como la ausencia, la negación, el vacío, el escepticismo y la fractura. Bajo la curaduría de Shamim M. Momin, La nada y el ser presenta obras de artistas como Eduardo Abaroa, Francis Alys, Carlos Amorales, Sandra Bermudez, Nayland Blake, Monica Bonvicini, Mike Bouchet, entre muchos otros, quienes mediante diversos recursos, abordan cuestiones relacionadas con la descomposición de los sistemas culturales, la calidad noble y creadora de prácticas sencillas y modestas. Algunos de ellos se valen del lenguaje y a veces del humor para poner en evidencia las contradicciones de lo establecido.

La Fundación / Colección Jumex se encuentra en Vía Morelos 272, col. Santa María Tulpetlac, Ecatepec de Morelos, Estado de México.

ARTE

La nada y el ser / Colección Jumex

Ann Hamilton: Untitled

Colectivo Carlsberg. Mobiliario Contemporáneo

Emiliano Godoy: Canasta

TXT:: Carlos Jaimes. FOT:: cortesía del Colectivo Carlsberg.

Con el objetivo de resaltar las propuestas en diseño industrial de nuestro país, fue creado el Colectivo Carlsberg, un conjunto que reúne a ocho diseñadores mexicanos, quienes han desarrollado piezas de diseño mobiliario contemporáneo que serán exhibidas en diferentes restaurantes de las ciudades de México y Guadalajara.

A través de la combinación de formas, materiales y conceptos, los artistas de este colectivo crearon piezas propias que generen en espacios públicos un ambiente de relajación y buena vibra.

Entre las actividades que ha llevado a cabo el Colectivo Carlsberg, estuvo la muestra de sus colecciones como artistas independientes en la Feria de Milán de 2008, que atrae a más de 22 mil visitantes relacionados con el diseño, arte, moda y arquitectura.

Algunos de los restaurantes que muestran actualmente los diseños del Colectivo Carlsberg son: Restaurante Primos, Lampuga (DF), La Pasta y Calayaya (Guadalajara).

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Relájate con

Hugo Element Escapa del estrés de la vida diaria, siéntete enriquecido e inspirado por la ciudad con la nueva fragancia Hugo Element Esta esencia dinámica y masculina está diseñada para quien se convierte en un viajero urbano que vive su ciudad, que la ve como su oasis, como su patio de juegos. La vida es para llevársela con calma, tómate el tiempo para apreciar y experimentar tu ciudad, contempla sus elementos positivos y creativos. Hugo Element es una fragancia diseñada para revivir la energía creativa. Es la interpretación de la piedra granito, que es formada por los efectos directos de los cuatro elementos, creada por el fuego, siendo parte de la tierra y degradada por el agua y el aire.

Swatch

Chrono Plastic Collection Swatch nos presenta su Chrono Plastic Collection, cinco nuevos modelos diseñados a la última moda urbana que combinan colores y materiales tan resistentes como ligeros.

Estamos seguros de que sin importar tu personalidad, en esta colección encontrarás un reloj adecuado para ti.

En este mes del padre, Marvin y Swatch te regalan un reloj Swatch. Visita www.marvin.com.mx para que sepas la mecánica de la trivia.

Life Ball

MINI 2009 inspirado en Katy Perry Hace unos días MINI nos presentó el nuevo Life Ball MINI, un modelo creado al estilo de Katy Perry por la dupla de diseñadores conocidos como The Blonds. Por noveno año consecutivo, MINI auspició el evento de Life Ball el pasado 16 de mayo en Viena, Austria, con lo que realizaron el suceso más grande de Europa para recaudar fondos para la lucha contra el SIDA.

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EXPERIENCE

Samsonite

Gibson México lanzará a través de la web un concepto revolucionario para dar una oportunidad a todos los guitarristas y melómanos de Latinoamérica.

Gracias a las herramientas actuales de la web; Gibson abre la oportunidad de medirte con los guitarristas más reconocidos del continente.

La reconocida marca de guitarras recibirá videos tomados por los mismos guitarristas y los subirá a la plataforma de DIXO.COM (sitio web con 50–75 mil entradas por diarias vía Google analytics). La idea es invitar a los usuarios a subir una “video respuesta”; esperando encontrar entre los participantes algún gran guitarrista. Todo ello se publicará gracias a una mancuerna entre Dixo.com y Gibson. La primera temporada contempla de 10 a 14 capítulos, con una vida de 2 semanas a partir de la publicación del primer video y 15 días de recepción para video respuestas. El inicio oficial del concurso será en Nashville, Tennesse, el 10 de junio del 2009, donde 4 personas serán recibidas por Gibson y tendrán una visita por la fábrica de guitarras. Desde aquí podrás seguir la mecánica del streaming en vivo vía dixo.com. Además, habrá un video profesional publicado en formato de video podcast.

Pepe Jeans London

Colección Black Label

llega a Sicario @ Roma

Samsonite acaba de lanzar su nueva colección Black Label 2009. Diseñada por los prestigiados holandeses conocidos como Víktor & Rolf, la línea está inspirada “en la idea de un viaje feliz”. Esta colección incluye diseños de hombre y mujer, ambos impregnados de un aire naif. La calidad de Black Label es excelente y tiene un plus al tratarse de una línea de productos limitada y exclusiva.

Lo mejor de la moda inglesa de Pepe Jeans London se une al concepto de moda de la boutique Sicario. La colección primavera–verano 2009 para hombre y mujer ya está en el número 124 de Colima en la Col Roma. Para hombre hay los característicos jeans 73 desgastados con sofisticados monocromos, impresiones y detalles a mano, mientras que las mujeres podrán estar a tono con la moda punk de cintura alta y ajuste regular. www.pepejeans.com

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silversun pickups Sufriendo un ataque de nervios

TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: Dangerbird Records.

De influencias musicales Digámoslo en términos simples: toda banda recién salida del anonimato siempre será carne de cañón para los tinteros editoriales. Quizá una de las acusaciones más dolorosas para un músico, ocurren cuando sus influencias son muy obvias y se les reprocha poca originalidad.

Cómo olvidar el reclamo contra Oasis por su descarada influencia Beatle, los comentarios de que Guns N’ Roses no eran más que unos hijos chafas de Aerosmith, los intolerantes fans de Thom Yorke aguzando su dedo ante los falsettos de Matt Bellamy, o cuando “Plush” de los Stone Temple Pilots parecía la mejor rola que Pearl Jam nunca escribió y que Creed a su vez era la versión pasteurizada de la banda de Seattle. (Finalmente, esas hipérboles fueron desapareciendo conforme estos grupos maduraron su sonido, bueno, a excepción de Creed quizá).

En esa vorágine mediática han crecido los Silversun Pickups, un cuarteto californiano que en sus amoríos con los sonidos fuzz hervidos en un Big Muff (pedal de guitarra clave en el sonido de muchas bandas alternativas de los 90), han sido señalados como la banda que reformula los riffs tempranos de los Smashing Pumpkins, además de incorporar ciertos ademanes de Sonic Youth y las posibilidades texturales de My Bloody Valentine. Lo cierto es que a pesar de tener referencias muy obvias, los SSPU han sabido plasmar una amalgama que suena y vale como la plata, al menos para quienes aún sentimos nostalgia por el sonido grungy acuñado en los 90.

17 Brillo de sol plateado para llevar Casualidad o destino, un día del 2004 Brian Aubert (voz y guitarra) se subió a un avión con destino a Cambridge para asistir a un intercambio estudiantil al que también estaba inscrita Nikki Monninger (bajista). Ambos abordaron la misma aeronave. De humor travieso e irreverente Nikki decidió matar el aburrimiento robándose unos chupes mientras distraía a una azafata. Desde luego que la maliciosa puntada no iba a pasar desapercibida por Brian, y el incidente propiciaría una amistad intensificada por la pasión que ambos comparten por la música. Así nacieron los SSPU una vez que regresaron a Silverlake, un vecindario bohemio ubicado al este de Hollywood, muy cerca del Sunset Strip que vio nacer el glam rock ochentero (por aquí deambularon miembros de Weezer y Stone Temple Pilots vestidos en spandex antes de izar la bandera alternativa). En ese fértil terreno musical donde han germinado leyendas como Jane’s Addiction, Pavement, Beck, Red Hot Chili Peppers, hay una licorería que se llama Silversun. Brian y Nikki viven a dos cuadras y a manera de homenaje decidieron bautizar como Siversun Pickups a la dupla que después se convirtió en cuarteto cuando Christopher Guanlao se unió como baterista, mientras Joe Lester hizo lo mismo con los teclados.

Un rápido ascenso Dicen que las mujeres son más impulsivas que los hombres, dejando a un lado cualquier toma de postura remontémonos a las primeras entrevistas de la banda, donde Brian llegó a declarar que antes de la primer tocada y sin tener una sola rola armada, “Nikki puso un micro en medio de la sala de ensayos, presionó play, y ahí estaba la magia (…) Grabamos tres ideas de 30 minutos cada una, eran del tipo poco ‘escuchable’. Después hicimos una biografía que hablaba sobre nuestro gato”. El resto fue tocar, tocar, tocar y tocar sin tener siquiera un disco, sin embargo, esas presentaciones los llevaron accidentalmente al estudio cuando una grabación de un fan llegó a manos de Brian, quien luego descubrió que el sonido era horrendo. La pena hizo sus estragos y así surgió la urgencia de rentar un estudio para lograr un sonido decente. ¡Y vaya que lo lograron!

De esa manera nació el EP titulado Pikul (Dangerbird Records, 2005), un álbum que sorprende por el equilibrado tratamiento acústico–eléctrico de “Kissing Families”, track de exquisitas guitarras y melodías vocales que a veces acarician y otras escupen alaridos que erizan la piel. Si quisiéramos hacer una cronología de las influencias detrás de esa cualidad bipolar que tiene la voz de Brian, habríamos de citar en primer lugar a los Pixies, luego estarían todos los discos de Nirvana (Cobain llegó a comentar que los versos suaves seguidos del caótico y amenazador coro de “Smells Like Teen Spirit” eran un tributo a los Pixies). De igual manera estaría Billy Corgan, maestro en desgarrarse la garganta apenas logra desandar el susurro. Sin embargo, el coqueteo de SSPU no es tan visceral: un halo pop los hace más radio friendly, lo cual significa una nueva manera de utilizar el recurso “Pixie” por antonomasia. Si lo anterior no queda claro habrá que darse a la tarea de escuchar “Sci Fi Lullaby” para entender el arte de la contención en clave post rock.

Por otra parte y pese a su cercanía con los cánones instituidos por la nación alternativa, la inventiva de sus guitarras exhalan un aire menos polucionado, de manera que la irreverencia es sofisticada mediante chispas de dream pop.

Para corroborar la apología será necesario ir directo a la red y escuchar una versión en vivo de “Lazy Eye” a través de YouTube. Incluida en su segundo disco y primer LP Carnavas (Dangerbird 2006), ésta canción representa la bofetada que necesita el aletargado mundo de eso que como autómatas seguimos llamando indie rock. “Lazy Eye” también puede ser disfrutada vía air guitar desde el Guitar Hero: World Tour y en el Rock Band 2 (se aconseja tener los ojos descansados).

El Top 10 del Billboard rockero los apadrinaba y así comenzaron a ser teloneros de bandas como Wolfmother, OK Go, Snow Patrol, Foo Fighters y los Kaiser Chiefs, un currículum complementado por su participación en el Coachella del 2007, del cual salieron tan bien librados que fueron invitados para la edición del 2009 aprovechando la salida de Swoon, su segundo LP. Swoon Conformado por 11 canciones, Swoon es un álbum que según Brian suena como “un ataque de nervios”, quizá refiriéndose a la gran anticipación de su lanzamiento. El disco abre con el potente riff de “There’s No Secret This Year”, pura intensidad que en el minuto 4:38 se desvanece con un pasaje de guitarras glaciales tipo Brian Eno. Imaginé “Growing Old is Getting Old” sin el tratamiento onda The Edge de sus liras y al fondo quedaba una voz tan “popy” que asusta, afortunadamente el outro equilibra tanta lindura. “Its Nice to Know You Work Alone”, curioso título para una canción que divide créditos entre la distorsión y la elegancia del chelo ¿Alguien sigue creyendo que el estudio no es un instrumento más? cada nota de “Panic Switch” se encargará de convencerle. La canción habla del “ataque nervioso” referido arriba y fue el primer sencillo del álbum. Para gustos delicados se aconseja “Draining”. En “Sort Of” hay muy buenas baterías, el resto only sorf of..., “Substitution” es la canción más straight, 4/4, fuzz–rock del disco. El track 10 se llama “Catch & Release”, inicia con una idea que una guitarra traza de manera circular, desvanecida al final por un arreglo orquestal de 16 piezas.

Swoon ha sido recibido muy bien por la crítica pero las comparaciones no cesan aún. Sólo nos queda escucharlo y adentrarnos en su aún breve discografía para sacar conclusiones propias. De cualquier forma y como los mismos SSPU dicen, se trata de un disco nacido entre las contradicciones propias de vivir en la ciudad, pero que al menos logra desenfadarnos del cacofónico ambiente urbano con la calidez del ruidismo: “tenemos una relación muy sicótica con nuestras canciones, no podemos limpiarlas lo suficiente. Tenemos que joderlas de alguna manera”. M

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TXT:: Mildred Pérez. FOT:: Philippe Rohdewald.

Estaciono el auto pasando la caseta de Miahuatlán, Oaxaca, antes de continuar con mi viaje a una playa virgen. Simultáneamente, los miembros de Asobi Seksu van camino a Los Ángeles, ciudad donde creció Yuki Chikudate, vocalista y tecladista de la banda.

“Vamos de San Francisco a Los Ángeles”, explica Yuki, “al rato daremos un concierto junto al famoso músico francés Yiann Tiersen (quien hizo el soundtrack de la película Amelie)”. Y es que la banda de Brooklyn lleva unos meses de gira promocionando su tercer disco: Hush (2009).

El debut Asobi Seksu se caracterizó por estridentes guitarras y líricas en inglés y japonés, cantadas tanto por Yuki como por el guitarrista James Hanna; esto hizo que la prensa “especializada” los estereotipara como una banda shoegaze pop. Citrus, un álbum dulce y agradable, con melodías pop y unos acordes mucho más apaciguados en la guitarra, atrajo la atención de fans en América, Europa y, por supuesto, Asia. Este año, Asobi Seksu (que significa sexo casual en japonés) lanzó Hush, una hermosa producción que revela un cúmulo de tristeza bien aprovechada.

“Hush es un disco mucho más introvertido y pensativo. James y yo lo escribimos cuando él estaba destruido (risas), él dijo eso alguna vez y creo que se refería a que habíamos reconsiderado muchas cosas con respecto al tipo de música que queríamos hacer, y de cómo íbamos a continuar con la banda. Nos sentíamos muy inseguros de lo que sería el futuro del grupo, hubo mucha confusión interna con otros integrantes. Demasiada gente pasó por esta banda y eso dejó mucho… no diría daño, porque ahora estamos bien, pero sí hubo definitivamente muchos efectos negativos tanto en nosotros como en la gente con la que no funcionó el proyecto, fue una mala situación para todos, así que tuvimos que reflexionar mucho y esto que fue lo que nos salió.”

Yuki y James permanecieron juntos a pesar de todo y parece que Asobi Seksu es ahora un dueto que en sus conciertos cuenta con el apoyo de Larry Gorman en la batería y Billy Pavone en el bajo.

“Aún somos una banda en el sentido de que nos formamos como tal, pero es un hecho que ahora algunas cosas son diferentes. En Citrus, todas esas canciones las escribimos James y yo, y casi nada de eso ha cambiado. Creo que hemos clarificado tanto a nosotros mismos como a la gente con la que tocamos el rol que juega cada quien en la banda.”

El éxito y restablecimiento del grupo trajo consigo mayor libertad a la hora de componer y grabar su tercer material, que fue producido por Chris Zane, quien también tuvo esa labor en Citrus.

“Lo más divertido y gratificante de hacer Hush fue el proceso de grabación. Entramos al estudio con una idea de lo que queríamos, pero también con la mente muy abierta. Esta vez tuvimos más tiempo, de

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tener dos semanas para hacer Citrus, tuvimos tres meses para hacer Hush, eso fue muy emocionante y tuvimos mucha libertad para experimentar y cometer errores. Chris (productor), James y yo la pasamos muy bien trabajando juntos, nos hemos vuelto muy amigos y hay muy buena química cuando entramos al estudio. Nos encanta trabajar con Chris, pero eso no quiere decir que estamos obligados, para nada, puede que no trabajemos con él nunca más, pero eso no tiene nada que ver con el cariño que le tenemos ni con su trabajo; supongo que a veces es necesario cambiar.”

Algo que esperemos no cambie, es que James y Yuki continúen compartiendo sus anécdotas a través de canciones. Por ejemplo, el origen de “Strawberries”, canción que abre Citrus, fue cuando la banda realizaba su primera gira. James se había “intoxicado” y cuando pasaron por un campo de fresas (sí, strawberry fields), James decía una y otra vez “Strawberries need to stop talking”. Después de esto, Yuki escribió una canción de un campo de fresas que no paraba de hablar. Para Hush, época donde James y Yuki escuchaban mucho a Brian Eno y Music for Airports, también había una divertida historia que contar.

“Esto no es tan lleno de color como lo de ‘Strawberries’ (risas), pero la última canción de Hush, ‘Blind Little Rain’, surgió, según dice James, una vez que fuimos a una isla en la costa de Massachussets. Era un lindo día de verano y comimos unos hongos, estuvo bien hasta que todo se volvió siniestro y había un pájaro moribundo que tratábamos de salvar… todo eso nos mal viajó mucho (risas).”

Tras un largo silencio y luego un ataque de risa, Yuki describió a Hush como un disco “cristalino, helado, pero aún así tentador”. Y acerca de las etiquetas, ¿se consideran una banda shoegaze o no?

“No estoy opuesta a esa etiqueta, ha sido muy interesante la relación con ser llamados así, porque antes decían ‘ay, ellos son shoegaze’, y ahora, con Hush, dicen ‘ay, ¡ya no son shoegaze!’ (risas). Nosotros siempre le hemos dicho a todo el mundo que no somos ni no nos interesa ser una banda shoegaze.

Absolutamente abrazamos y amamos ese sonido, es parte de quienes somos, pero creo que es un error llamarnos una banda shoegaze porque, créeme, si eso es lo que estás buscando, ¡te vamos a decepcionar!”.

Si aún no has hecho un viaje auditivo por la discografía de la banda, Yuki, quien admite que amaría trabajar con Elizabeth Fraser (ex cantante de Cocteau Twins) y disfruta tocar la batería en sus conciertos, tiene dos alternativas para ti. “Un nuevo escucha podría empezar con nuestro primer disco, para que pueda oír cómo hemos madurado y evolucionado; la otra opción, es empezar con Citrus, creo que ese disco es un muy buen comienzo. Y Hush… la última canción es un reflejo de todo lo anterior. No soy fan de mirar hacia atrás todo el tiempo y vivir en nostalgia, pero creo que es importante, de vez en cuando, ir a un lugar donde puedas sentarte en paz y apreciar tu pasado y ver cómo éste te llevó al presente; ahí es donde vas con Hush.”

Unas horas después, yo llegué a ver la puesta del sol, a la orilla del mar, y Asobi Seksu cantó en El Rey Theatre de Los Ángeles canciones como “Thursday”, “Sing Tomorrow’s Praise”, “Transparence”, “Meh No Mae” y “Me & Mary”, primer sencillo de Hush.

La banda empezará a trabajar en su cuarto disco este verano. Es una lástima que en la agenda de Asobi Seksu, aún no esté nuestro país. “Me encantaría ir a México, nunca he ido, y eso que crecí en California (risas). No entiendo cómo pasó eso, además estaba tan cerca, pero es un lugar al que siempre he querido ir. Crecí rodeada de la cultura mexicana en Los Ángeles, así que espero ir ahí algún día.” M

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Placebo La drag sale

a la luz del sol “Choose life. Choose a job. Choose a career.

Choose a family. Choose a fucking big television (.. ) Choose your future. Choose life..

But why would I want to do a thing like that?”

R e n t o n T r a i n s p o t t i n g TXT:: Arthur Alan Gore. FOT:: EMI Music.

21 Hubo quienes pensaron que Placebo era una banda que gozaría, como tantas otras, de un éxito momentáneo, efímero y fugaz. Sostuvieron que el éxito del grupo se basaba más en la imagen de sus integrantes que en la música que podían hacer. Que se fusilaban y no abrevaban, como Molko y compañía argumentaban, de la androginia de David Bowie. ¿Podrían madurar con dignidad o serían unos junkies escandalosos por el resto de su vida?

En el mes de diciembre de 1998, los integrantes de Placebo le concedieron una entrevista a la revista NME en su sección Missive Attack, en la que los músicos respondieron a preguntas enviadas por los lectores de la publicación. Lo interesante fue que las interrogantes no giraban alrededor de la música, sino del sexo. “¿Qué es lo que harían si fueran mujeres por un día?”, fue una de las preguntas más arriesgadas de la ráfaga que Brian Molko, Stephan Olsdal y el entonces baterista Steve Hewitt recibieron. Sus respuestas reflejaron perfectamente su personalidad. “Probablemente tendría mi periodo”, dijo Molko asumido bisexual. “Buscaría experiencias lésbicas”, atajó Steve, el único heterosexual en la banda. “Me acariciaría los pechos todo el día”, expresó Stephan, confeso homosexual.

Aunque para los puristas las preferencias sexuales de los ejecutantes no resultan determinantes para la música que componen y pasan a ser únicamente chismes de lavadero, en el caso de Placebo no se puede desligar una cosa de la otra. Más allá de la imagen andrógina de su cantante y guitarrista, el sexo representa una de las principales vetas de inspiración del grupo.

Lo son igualmente los amores trágicos, las relaciones de dependencia y la reducción del individuo a un ser oscuro, gris y sin autoestima. Pero el sexo está presente como una especie de manifiesto de libertad.

En “Nancy Boy”, Molko cantó: “Un estado un poco alcohólico, he perdido mi ropa y mi lubricante, buscando un poco de diversión, buscando un número uno, un compañero distinto cada noche, que se note el efecto narcótico, qué buen combustible, qué hermoso trasero”. Después, en “Spite and Malice”, dijo: “Revolución, drogas, pistolas, fornicar en las calles”.

Con la salida al mercado de Battle for the sun, el sexto disco del grupo, se escribe una nueva historia para ellos. En primer lugar, se trata del primer trabajo desde la salida de Hewitt de sus filas, quien prefirió separarse (no obstante la amistad que lo unía con sus compañeros), por profundas diferencias creativas y personales de las que no se han dado detalles. No hace falta repetir que el sonido de Placebo se ha ido suavizando con el paso del tiempo, dejando de lado la furia guitarrera de sus primeros años en pos de la búsqueda de atmósferas musicales mucho más elaboradas. En ese mismo sentido, Molko ha dicho que Battle for the sun es un disco muy positivo, quizá el más optimista que Placebo haya grabado y que el título se refiere precisamente a la imagen de una persona encontrando la luz después de haber vivido al amparo de la oscuridad. Son otros tiempos, el cantante cumplirá 37 años en este 2009 y tal parece que los días de bacanales guitarreras han quedado atrás. Además, es padre de un niño, Cody, producto de la relación que sostiene con la fotógrafa Helena Berg.

NME, la misma publicación a quien Molko le dijo que si fuera mujer por un día aprovecharía para tener la regla, le sacó la siguiente declaración a propósito del disco que llevará a Placebo de gira nuevamente: “Hicimos un disco acerca de elegir una vida y elegir vivir, de salir de la oscuridad. No se trata de dar la espalda a la oscuridad porque es parte de ti, es esencial, pero sí de elegir pararte en la luz del sol. Me siento muy optimista respecto al futuro, es excitante. Me siento muy claro en mis pensamientos. El viejo perro se siente lleno de vida”, manifestó.

Tal parece que los días de excesos con drogas (una vez Molko dijo que sólo le faltaba experimentar con heroína, aunque creía que una vez lo hizo) y groupies (cuenta la leyenda que el grupo recluta chicas y chicos en sus conciertos a quienes les llaman “Morgans”) han quedado en el pasado y su música lo atestigua.

“Barreré toda la suciedad, haré como que nunca me lastimaron, eres una carga oscura y pesada y ya no participaré”, canta Molko ahora, en el tema que da nombre a su sexto disco. En definitiva, se trata de una nueva postura ante la vida. Y Placebo, le duela a quien le duela, es una banda sexual y trascendente, más allá de la androginia de su cantante. Eligió vivir y permanecer. M

My name is Forrest.. Steve

Y mientras algunos se han sentido alentados por Placebo para escapar de los armarios y sentirse orgullosos de sus sexualidades, para otros que una banda de rock hable de temas tabú con total desparpajo parece que los asusta. “Hey motherfucker, I’m after you. I know where you live. I will fuck you up the ass and I will sneak into your room and cut your cock off and stuff it in my mouth and chew it up with my little teeth”. Lo anterior es un mensaje que un desconocido dejó en la máquina contestadora del cantante y que él utilizó para el tema “Evil Dildo”, incluido como bonus track del disco Without I’m nothing. Sin embargo, el nuevo disco del grupo tiene un poco menos de rabia y más de reflexión. Tal parece que igual que al protagonista de Trainspotting, les llegó su momento de redención.

Eligió una vida Son ya 15 años desde que la banda se formó. Es conocida la anécdota de Brian encontrándose con Stephan en el metro londinense e invitándolo a verlo tocar con la banda que el primero tenía. Aunque desde un principio invitaron a Hewitt a pertenecer al proyecto, esto no pudo suceder de inmediato, por lo que Stephan y Brian reclutaron a Robert Schultzberg, quien tocó en el disco debut, Placebo.

El chico nuevo en las filas del grupo es Steven Forrest, quien conoció a Placebo como baterista de la banda de punk Evaline. Giró junto a Brian Molko y compañía en 2007 y fue así que lo ficharon para reemplazar a su tocayo, Steve Hewitt. Es mucho más joven que sus nuevos compañeros, tiene 22 años, y es el primer baterista diestro que tiene el grupo.

Battle for the sun David Bottrill (Tool, Muse, Silverchair) es el productor.

James Brown fue el ingeniero.

En el nuevo disco, Placebo experimenta con saxofones y trompetas.

Se estrenará de manera virtual, en DVD y CD, en CD, en LP y en una edición Deluxe Box Set que incluirá temas adicionales, canciones en vivo y un DVD. También traerá las letras escritas a mano.

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TXT:: Benjamín Acosta FOT:: cortesía de Universal Music, Matador Records, Geffen Records, SST Records.

Indudablemente, el eje motor en la permanente búsqueda de la banda neoyorquina es el control absoluto del ruido.

No es casual que a su nuevo disco le hayan llamado The Eternal, como tampoco lo es pulir cada vez más su propio nombre cuando sus integrantes abandonaron la adolescencia en los años setenta.

Cuando Sonic Youth apareció ante el mundo con su primer disco en 1982, su entonces reducida comunidad de escuchas apreciaba la estridencia de su música como una forma ingeniosa y más “artística” del eco que el punk había dejado. La efímera existencia de aquél sub-género, motivó para continuar generando propuestas que desencajarían los rostros de aquellos que sólo desean encontrar la utópica perfección en el juego melódico tradicional, con la precisión rítmica y halagadora que en suma representa la música pop y su consiguiente éxito comercial.

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Michael Lavine

Monica Dee

En la discografía de Sonic Youth aparecen dos piezas clave que sirven para valorar su existencia: Daydream Nation (1988) y su crítica despiadada a la ignorancia que permea en una sociedad dominada por la homogeneización; así como Goo (1990) y la forma como consiguieron canalizar su energía hacia una forma más “amable” y pegajosa, con un sentido de la melodía que sólo usaba algunos engranes tomados de la maquinaria de la música pop. Dos piezas de arte sonoro en las que la rabia es incontenible al encontrar su punto de catarsis sin algo que la obstaculice.

Lanzarse al vacío en el contexto mainstream, representó entonces el hallazgo de nuevas ecuaciones para crear canciones atípicas que podían ser apreciadas en su justa dimensión, sobre todo en los conciertos.

Empuñaron el no wave como leit motiv, un sub género contrario a cualquier tendencia aglutinadora de varios artistas con rasgos en común.

Pero quienes realmente consiguieron contemplar entonces la obra de Sonic Youth como una propuesta artística, lograron visualizar los trazos de una pintura con cierto grado de abstracción y furia; una estructura arquitectónica sólida pero con una rara virtud de agresividad que se levanta en medio de construcciones ortodoxas; un monumento estridente que se erige como algo difícil de comprender después de que otros legendarios visionarios –los también neoyorquinos Suicide– habían iniciado una labor que prácticamente llevó la penitencia en su nombre. Como también, en todo caso, el apelativo Sonic Youth corrió el riesgo en su momento de llevar marcada una fecha de caducidad. En esa justa medida The Eternal, más que un título arrogante, desemboca en su declaración de principios.

Naomi Petersen Michael Levine

Al escuchar “Sacred Trickster” –la primera canción que se conoció dentro de la docena de temas que completan el disco– se manifiesta esa explosión a la que nos ha acostumbrado este grupo, y con la consistencia necesaria que ha evitado que el paso del tiempo les arrebate la puntería de expertos arqueros, con la que prácticamente han dado al blanco en cada grabación.

A The Eternal (Matador, 2009) –su disco número 16– le distingue el equilibrio entre su oscuro espíritu hardcore y la sensualidad armónica que de igual forma, se despliega a través de la intrincada pero deleitable red que tejen con el juego de tres guitarras: las de Thurston Moore, Kim Gordon y Lee Ranaldo.

El ahora quinteto lo complementan su viejo amigo Steve Shelley en la batería y el de reciente ingreso Mark Ibold (Pavement) en el bajo. Otra novedad que presenta este trabajo, además de estrenar disquera y volver al ambiente indie, es que resulta ser el primer disco que es grabado en su propio estudio ubicado en Hoboken, Nueva Jersey, lugar de residencia de Shelley y desde donde hace algunos años inició el sello Smells Like Records.

Cristian Lantry

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“Nos reuníamos en casa de Kim y Thurston en Massachusetts, trabajábamos un par de días en las canciones y los fines de semana los dedicamos a grabar dos o tres canciones en el estudio. Así fue una buena parte del invierno”, resume Shelley el proceso del álbum que además sus fans siguieron con atención a través de Twitter. Por su parte, Thurston Moore declaró contundente a Uncut que este disco significa una colección “repleta de canciones jugosamente supersónicas”.

Producido de nueva cuenta por el veterano John Agnello (quien trabajó en el anterior Rather Ripped, 2006), su nuevo álbum tiene como base el toque noise que los ha hecho distintivos desde sus inicios (de manera particular en una canción como ”Anti-Orgasm”) para situarse en el extremo opuesto y conseguir sin problema un rock básico y potente (“Antenna”), sin dejar a un lado la ternura aparente que se asoma durante los casi diez minutos de duración de “Massage the History”. Además de conjuntar sus guitarras, la tríada Moore–Gordon–Ranaldo también se encarga de combinar sus voces con la misma habilidad, y para ello saltan ejemplos como “What We Know” y “Leaky Lifeboat”, ésta última dedicada al beatnik Gregory Corso. Destaca un tema como “Malibu Gas Station” que aparece como el más brillante, literalmente hablando.

A través de este recorrido el grupo muestra una especie de recapitulación de las diferentes etapas y lo que han descubierto en ellas a lo largo de casi tres décadas de existencia, donde los niveles de intensidad han variado.

Por un lado, en efecto, el reloj parece haber detenido su marcha cuando notamos la actitud del grupo; mientras que, por otra parte, ha avanzado al dejar enseñanza.

Escuchar The Eternal nos lleva a la conclusión de que Sonic Youth dejó de ser sólo la llamativa promesa que significó en sus inicios, para convertirse en una banda situada en una envidiable paradoja: no es necesario ‘madurar’ para crecer. Al menos esa podría ser una de las hipótesis para acercarse a su aguerrido estilo, a esa oleada interminable de guitarras sobre la que bajo y batería se deslizan; a esas voces que hablan del desencanto, de utopías e historias que terminan por sacudirnos.

Sonic Youth regresa en tiempo y forma. La pareja que integran Thurston Moore y Kim Gordon (de 50 y 56 años respectivamente), no deja de producir ese ‘ruido’ que en ocasiones necesitamos se proyecte directo hacia nuestros oídos para sentirnos vivos. M

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ma n ri ly nso

El Anticristo se levantó y anduvo TXT:: Arthur Alan Gore. Para Gina Halliwell FOT:: Universal Music.

El Capital de Marilyn Marx–on Concedamos la razón a Karl Marx, independientemente de que comulguemos con el comunismo o no, y digamos que, en efecto, “Die Religion ... Sie ist das Opium des Volkes” (La religión es el opio del pueblo). En ese contexto, preguntémonos: ¿Sería posible darnos un pasón religioso?

La relación entre las drogas y el rock and roll es la historia de un matrimonio que se consumó desde el momento mismo en que nació el segundo y que, ha quedado demostrado, no se romperá jamás. Ni la muerte podrá separarlos. A estas alturas nadie se sorprende de que Nikki Sixx de Mötley Crüe haya escrito un libro sobre su adicción a la heroína, o que Pete Doherty sea un confeso alcohólico y viva enganchado a toda variedad de sustancias.

Pero, ¿y Dios? ¿Sería posible que alguna vez alguien haya sido sometido a dosis infernales (qué ironía) de rezos y oraciones? ¿Que se le expusiera de manera excesiva a la contemplación de imágenes religiosas, que se le repitieran hasta el cansancio los dogmas incuestionables en que se basa la religión católica y se intentara imponer en su conducta los principios morales en que se sustenta la creencia en un Dios como quien aspira solventes hasta que se le cuece el cerebro?

Como le sucedió a Alex, el protagonista de A Clockwork Orange, la novela de Antony Burgess adaptada al cine por Stanley Kubrick, es muy posible que al sujeto expuesto a altas dosis obligatorias de Dios, el tratamiento terminara por alterar su personalidad y su conducta. Tal vez el tipo se convertiría en la encarnación misma de todo lo que la religión detesta. ¿Se transformaría en Marilyn Manson?

En el documental Bowling For Columbine, de Michael Moore, el artista responde así a quienes lo responsabilizan de la matanza en la escuela secundaria de Colorado, porque a sus jóvenes autores les gustaba su música: “Sé por qué me eligieron (como culpable). Es más sencillo exhibir mi rostro en la televisión, porque al final, soy perfecto para temer. Represento lo que todo el mundo teme, porque digo y hago que se me da la gana”.

AA / DA (Antes del Anticristo, Después del Anticristo) Pensemos en dos imágenes: la primera es la de un sujeto de sucio cabello largo, bañado en sangre y lágrimas, con el rostro hinchado a golpes y una inenarrable expresión de dolor y sufrimiento. La segunda es un hombre de sucio cabello largo, pálido y agrietado como si estuviera muerto. Sus gestos (la mitad de su cara) parecen detenidos en el tiempo y su ojo derecho, hueco y opaco, inspira terror. La primera es una imagen religiosa, cualquier representación de Cristo Crucificado que alguna abuelita pudiera llevar con devoción en su monedero. La segunda, la portada del disco Antichrist Superstar, lanzado en 1996 y producido por Trent Reznor. Sin duda, se trata del trabajo que catapultó a la fama mundial a Manson. Está inspirado nada menos que en la filosofía de Nietzsche (el hombre que, por cierto, acuñó la célebre frase “Dios ha muerto”) y narra la historia de una criatura que ha sido víctima del abuso del mundo (The Worm), que paulatinamente se convierte en una celebridad y finalmente en el destructor, The Disintegrator. La historia se divide en tres capítulos o ciclos principales, The Heirophant, Inauguration Of The Worm y Disintegrator Rising.

Una de las obsesiones creativas del Reverendo, llamado así luego de ser ungido por Anton LaVey, el creador de la Iglesia de Satán, es precisamente el poder que tienen las celebridades para manipular el inconsciente colectivo. Al mismo tiempo, Manson disfruta y padece su posición de estrella de rock. De hecho confesó su intención de convertirse en una en “Lunchbox” del Portrait Of An American Family (“I wanna grow up, I wanna be a big rock and roll star”) y posteriormente se armó de cinismo para ponderar las virtudes de ser una celebridad en “I Don’t Like The Drugs (But The Drugs Like Me)”, y hasta se burló de sí mismo en “The Dope Show”: “Existe mucha gente hermosa que quiere ponerte ‘pacheco’, pero esa misma gente hermosa te hundirá en lo más profundo y te volará los sesos... ellos te aman cuando estás en las portadas (de las revistas), pero cuando desaparezcas, amarán a otros”. Eso va para todos. Sus fans y sus detractores. A diferencia de Jesucristo Superestrella, que amó a sus discípulos y acólitos incluso cuando lo traicionaron, el Anticristo Superstrella está consciente que será popular entretanto ofrezca el circo al que nos tiene acostumbrados.

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Adolescente Desechable Marilyn Manson, Brian Hugh Warner, Paul Pfeiffer, The Worm, el Reverendo y Omega son sólo nombres. Con todo ellos se identifica al mismo sujeto, al personaje. Es el pintor, el fotógrafo, el director de cine, el actor, el músico y el periodista. También es la leyenda urbana desmentida hasta el hartazgo pero aún así inmortal de que el autor de “Beautiful People” fuera la misma persona que Josh Saviano, el actor de Los Años Maravillosos.

Lo que sí es Brian es el niño que nació el 5 de enero de 1969 en Canton, Ohio, hijo de una madre que sufría trastornos de paranoia y delirios de persecución. Sus progenitores le inculcaron la religión católica desde muy temprano y lo recluyeron en la escuela católica Heritage. Fue en los primeros años de su adolescencia cuando más temió a la religión. La idea de la represión sexual, el Juicio Final y un Dios vengativo que flagelaba sin misericordia al mundo lo sumieron en un estado de depresión que tardaría muchos años en superar. Manson ha dicho que las imágenes religiosas le quitaban el sueño, por su violencia, y que tenía pesadillas recurrentes en las que podía ver el fin del mundo. Fue tanto el odio que acumuló contra la iglesia, que cuando encontró en la música una forma de canalizar esa furia, no se ha cansado

de criticar lo que él llama el Fascismo Cristiano.

En su canción “Disposable Teens”, del disco Holy Wood (In the Shadow Of The Valley Of Death), cantó: “Quiero agradecerte mamá, quiero agradecerte papá, por conducir este puto mundo a un amargo final. Nunca odié en verdad a un Dios genuino, excepto al Dios de la gente”.

En la portada del álbum, que lanzó como una respuesta a las voces que lo responsabilizaban de Columbine, Manson apareció crucificado y con la mandíbula arrancada. Esa fue, sin duda, Antipalabra de Anticristo.

El día del Arma–goddamn–motherfuckin–geddon Escribo estas reflexiones sobre Marilyn Manson en medio de la contingencia que México y gran parte del mundo experimenta sobre la pandemia de influenza. Por doquier hay gente con cubrebocas, nadie quiere besar a su novia, todos se lavan las manos compulsivamente al estilo del millonario y deschavetado Howard Hughes.

Quien estornude públicamente corre el riesgo de ser clavado en una cruz.

Hace poco se hizo público el tema “Armagoddamn-motherfuckin-geddon”, perteneciente al séptimo disco de estudio de Manson, The High End Of Low. Después de un tibio Eat Me Drink Me, en el que el artista dejó descansar a la iglesia y se concentró en compartir con nosotros

la enorme depresión que le trajo su divorcio de Dita Von Teese, todo parece indicar que su nuevo disco es un dechado de rabia y agresividad.

“Tengo mi fuego de regreso”, le declaró Manson a la revista Revolver. Ya antes se había filtrado que entre los posibles colaboradores para este nuevo disco figurarían Kerry King (de Slayer), James Iha (ex Smashing Pumpkins) y Nick Zinner (Yeah Yeah Yeahs). En resumen, el Reverendo ha salido de su etapa introspectiva, ha asumido sus recién cumplidos 40, ha roto su relación con la bella Evan Rachel–Wood y tiene ganas de estremecer al mundo con su debut como director de cine a través de Phantasmagoria: The Visions Of Lewis Carroll.

Eso no es todo, porque su viejo amigo y colaborador Twiggy Ramíez ha vuelto a su lado después de la ruptura que tuvo con su antiguo tecladista, Pogo.

El nuevo disco de Manson es una guitarra distorsionada y una voz industrial que nuevamente cuestionará los valores morales en que se sustenta nuestra sociedad. Es el pavor de la gente a un virus desconocido y el hombre que dice representar todos los miedos de la humanidad en una misma persona. Es el día del Juicio Final. Es la resurrección de Alex, de A Clockwork Orange.

Es el nuevo pasón de un junkie que fue drogado, desde su niñez, con el opio de todos los pueblos y ahora es su enemigo número uno.

Antiamén. M

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TXT:: Chico MigraĂąa.

29 En la historia del metal han existido varios ejemplos de personajes que “prometían” revolucionar el mundo de la música, pero que por alguna razón se quedaron en eso, en promesas. Un ejemplo clásico es Randy Rhoads, el que fuera guitarrista de Quiet Riot y Ozzy Osbourne. Rhoads era un personaje introvertido, bajito y dedicado por completo a su instrumento. Fundó Quiet Riot, aunque su paso por la banda no fue de gran éxito ya que apenas lograron editar un par de discos en Japón. Sin embargo, su talento se conocía bien en el círculo de los músicos californianos, y cuando Ozzy Osbourne fue despedido de Black Sabbath en 1979 y comenzó a armar su propia banda, Dana Strum, bajista de Slaughter le recomendó a Randy. En la audición, el guitarrista conectó su guitarra a un amplificador y para hacer tiempo empezó a hacer ejercicios de calentamiento y algunas rutinas sobre las 6 cuerdas. Al escucharlo, Ozzy lo detuvo y le dijo: “el trabajo es tuyo”. Tiempo después Randy contaba con gracia que se sintió intimidado en aquella audición: “le reclamaba a Ozzy que no me había escuchado tocando propiamente, me dio el trabajo por escucharme haciendo calentamiento” solía decir. Al respecto, Ozzy decía: “al escucharlo sentí que Dios había entrado en mi vida”.

Rhoads era un guitarrista entrenado en música clásica. Luego de unirse a Ozzy grabaron el disco Blizzard of Ozz, del cual se desprenden entre otros los clásicos de todos los tiempos “Mr. Crowley” y “Crazy Train”. Randy había comentado con algunos músicos, Ozzy incluído, que luego de grabar un segundo disco querría dejar el rock un par de años y obtener un título profesional como guitarrista clásico. Sus sueños y la posibilidad de su talento para el resto del mundo fueron truncados en marzo de 1982 cuando un accidente aéreo le costó la vida. Randy Rhoads es sin duda una de las grandes promesas incumplidas de la historia del metal. Tenía 25 años de edad.

Otro gran guitarrista con historia trágica fue Tommy Bolin. Comenzó su carrera con bandas de jazz y rock, hasta que en 1975 la fortuna tocó a su puerta. En aquellos tiempos, Deep Purple ya se había establecido como una de las mejores agrupaciones del rock duro. Habían perdido a Ian Gillan (cantante) por tensiones internas en la banda y habían corrido a Roger Glover. Los sustituyeron con David Coverdale y Glen Hughes y volvieron a tener enorme éxito con los discos Burn y Stormbringer. Sin embargo, el siempre conflictivo guitarrista Ritchie Blackmore dejó la banda y formó Rainbow. Ian Paice y Jon Lord, los originales restantes de Purple querían terminar ahí al conjunto, pero Coverdale y Hughes los convencieron en sentido contrario. Audicionaron varios guitarristas, notablemente a Dave “Clem” Clemson, de Colosseum, pero Paice y Lord estaban frustrados por no encontrar apto a nadie. Eso, hasta que apareció Tommy Bolin. Ni él conocía gran cosa de Purple ni sus futuros compañeros sabían mucho de él, pero las chispas volaron, la química surgió y la tarde misma de la audición, cuando parecía que Deep Purple dejaría de existir, Bolin los ayudó a tomar de nuevo la rienda creativa y seguir en la brega. Su talento era tal y el compromiso con él era tan real, que lo dejaron concluir un proyecto solista del cual no podía escapar, antes de grabar cualquier cosa. Una vez terminado el compromiso se reunieron y grabaron Taste the Band, el que sería a la larga primero y único disco en estudio que harían con la promesa de la guitarra, Tommy Bolin. El chico gustaba de aspirar heroína, y cuando viajaron a hacer una gira a Indonesia, descubrió los placeres de inyectársela.

Nada raro en el mundo del rock, sus compañeros lo pasaron por alto hasta que su adicción empezó a afectar el desempeño colectivo en vivo. Tristemente, cuando fueron a Japón su sello discográfico los obligó a hacer un disco en vivo: Last Concert in Japan. Lo triste es que Bolin había sufrido una parálisis temporal en su brazo, consecuencia de su problema de adicción, y lo que quedó grabado para la posteridad fue una presentación fría y desangelada. Al final de esa gira, en julio de 1976, Deep Purple dejó de existir. La gran promesa siguió su camino solista, pero sólo vivió cinco meses más. En diciembre de ese año Tommy Bolin dejó de existir a causa de una sobredosis. Tenía 20 años de edad.

Finalmente la historia trágica más conocida es la de Bon Scott. Hoy es referido como cantante legendario, líder de una banda que en la actualidad llena estadios

en todo el mundo y es prototipo del rockstar que trabaja su camino para convertirse en uno. El problema fue que murió cuando AC/DC estaba a punto de explotar a nivel masivo.

Ronald Belford “Bon” Scott fue un músico australiano que descubrió a la mala que la promesa de ser alguien el mundo del rock era tan frágil como el olor de las rosas. Luego de cantar y tocar la batería con media docena de bandas locales, algunas con cierto éxito, Scott tuvo un accidente de motocicleta que lo alejó de los escenarios. Parecía resignado a vivir como cualquier persona de la época y consiguió trabajo como chofer. Uno de sus clientes resultó ser un grupo llamado AC/DC, mismo que al poco tiempo corrió a su cantante original, Dave Evans. Scott fue reclutado en 1974 y un año más tarde debutaron con el larga duración High Voltage. Siguieron T.N.T y Dirty Deeds Done Dirt Cheap, todos en versiones sólo para Australia. Se mudaron al Reino Unido, grabaron los discos Let There Be Rock y Powerage y comenzaron a tener éxito internacional. Para 1979 lanzaron Highway to Hell, disco que los puso dentro del Top 20 de Billboard en Estados Unidos. Scott estaba casi en la cima junto con AC/DC. En febrero de 1980, luego de una noche de fiesta, Scott bebió demás y se desmayó. Lo colocaron en el asiento trasero de un auto para que durmiera pero vomitó, y al estar inconsciente, se ahogó con su vómito. La banda pensó desintegrarse pero la madre de Scott les dijo que deberían seguir. Cinco meses más tarde grabaron Back in Black. El resto es historia, y la promesa del estrellato, para Bon Scott, se quedó en veremos. M

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Promesas cumplidas TXT:: Francisco Zamudio.

“El camaleón”, “El delgado duque blanco” y en épocas recientes “El Dorian Gray del rock”, son algunos de los sobrenombres con los que se ha identificado a David Robert Jones (enero 8 de 1947. Brixton, Londres, Inglaterra) a lo largo de su carrera.

Sin embargo, hasta ahora nadie lo ha percibido como lo que realmente es: un vampiro. Ese enigmático ser el cual, acorde al mito, extrae el plasma de sus víctimas para prolongar su existencia con la promesa implícita de entregarles las llaves de la inmortalidad, de una vida eterna donde sus nombres sobrevivirán al cruel e implacable paso del tiempo.

Uno de los primeros beneficiados de sus filosos colmillos fue Lou Reed, quien tendría su propio nicho en la historia como miembro de The Velvet Underground, pero que a principios de los 70 no poseía siquiera un lugar en la música, sino tras una máquina de escribir en el negocio de contabilidad de su padre. Pero tras un primer álbum recibido con más pena que gloria, apareció “Transformer” en 1972 y con él, la amalgama correcta entre las tonalidades glam que Bowie-productor le dictó, mezcladas con sus narraciones de drogadictos, transexuales, putas, perdedores y demás fauna callejera. De ahí saldrían canciones iconográficas tipo “Vicious”, “Perfect day”, y sobre todo “Walk in the wild side”, la cual pintó la efigie de

Reed en el cuadro de honor de los mejores letrístas de rock en todos los tiempos. La influencia de Reed a partir de aquel legendario álbum, corre en una línea directa que tocó asimismo a bandas tipo Sonic Youth o The Killers, quienes en el 2007 grabaron junto a él. Brandon Flowers declararía: “En ‘Tranquilize’ hay desesperanza. Es una de nuestras canciones más deprimentes, requería un dueto, y su voz es simplemente perfecta. El sentimiento de la canción es muy él, y estamos muy emocionados de poder trabajar con Lou Reed”, manifestó.

Lo mismo ocurrió con Mott The Hoople, una banda de la cual David se volvió fanático, ofreciéndoles su trabajo tras la consola. El resultado vio la luz aquel mismo ’72 bajo el nombre de All The Young Dudes, también título de un tema escrito específicamente para el grupo por Bowie, canción que aparecerá en el futuro en todas las recopilaciones con “lo mejor de los 70” que puedan encontrarse en el mercado.

Su siguiente beneficiado directo, fue un ex asiduo a los hospitales mentales, un salvaje llamado Iggy Pop, con quien “El duque” hizo equipo en Berlín, Alemania, para no sólo desintoxicarse de su compartida adicción a la cocaína, sino plasmar las dos primeras placas de Iggy post-The Stooges: The Idiot y Lust For Life, aparecidas ambas en 1977. Iggy Pop recibió de aquellas colaboraciones una entrada directa el mainstream y un boleto sin retorno hacia el Olimpo de los inmortales. Richard Hell, Steve Bator, The Sex Pistols, The Ramones, Patty Smith, Television, REM y un largo etcétera, han sentido transitar por las venas el vandalismo que Iggy Pop le heredó al género.

A Bowie por su parte, la aventura con Pop le proporcionó el training necesario para comenzar a trabajar en su famosa “Trilogía de Berlín” junto con Tony Visconti y Brian Eno,

quien lo dotó del olfato necesario de krautrock y música electrónica necesarios para transformar aquellos álbumes en referentes obligados del synth-pop, el new-wave, el movimiento new-romantic e incluso el rock gótico, al cual le obsequiaría años más tarde otro de sus detonantes a través de Bauhaus.

Sucedió en 1983 con The Hunger, una película de horror co-estelerizada por David junto con Katherine Denueve y Susan Sarandon. Como coicidencia, en la cinta interpreta a John, un vampiro que comienza a envejecer al momento en que Mirian Blaylock (Denueve) lo “destierra” como uno de sus amantes. Dicho filme inicia con la participación en pantalla del grupo liderado por Peter Murphy, quien interpreta uno de sus clásicos, “Bela Lugosi’s Dead”. Para ese momento, Bauhaus ya era una banda conocida en las listas británicas gracias en parte a “Ziggy Stardust”, cover que del propio Bowie habían editado en 1981.

No obstante, fue a partir de The Hunger que gran parte de todo aquello que flotaba sobre la escena underground en la Inglaterra de principios de los 80, recibiría la etiqueta de “rock gótico”, y elevaría a Bauhaus como el primer grupo netamente dark de la historia.

Christian Dead, Type O Negative, Nitzer Ebb y un extenso catálogo de nombres tipo Interpol o incluso El Clan en México; recibirían el bautizo oscuro de Murphy…

Gracias a un personaje espigado, ligeramente cadavérico pero adelantado a su tiempo llamado David Bowie, quien sí cumplió la promesa vampírica de la inmortalidad, a quienes tuvieron la fortuna de encontrarse con él a lo largo del camino. M

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APOCALIPSIS

TXT:: Humberto Polar.

3

1

Y he aquí que una mañana se escuchó en el Valle la voz del Ángel Córdova con mensaje de miedo.

2 Y los que habían estornudado sintiéronse culpables y hubo llanto.

3 Porque los que creían tener un dolor de cabeza por sus tarjetas de crédito o el calor descubrieron que había otra causa inescrutable.

4 Dolor de huesos y moco, mal humor y fuego en la sangre se revelaron como señales de la abominación desoladora.

5 Y el que había tenido fiebre por dormir en cueros fue llamado anatema.

6 Y la tierra se calentó y hubo llanto y crujir de cornflakes.

2

Y sonó la trompeta digital y las malas nuevas fueron reveladas.

2 ¡Ay de los maestros que inculcan las fatídicas tablas de multiplicar y las contaminan con sus emisiones salivales!

3 Y nadie volvió a las escuelas ni loco.

4 Y los infantes y los prepúberes y los “tineiyers” dormitaron su desconcierto y se levantaron a las 2 de la tarde por dos semanas ante la desesperación de sus padres que nunca los habían visto tantas horas en un día.

5 Porque también les fue impedido a los padres ir a trabajar y aunque todo el mundo ponderó las consecuencias macroeconómicas ciertamente hubo regocijo en los corazones.

6 Porque se nos ha dado a los humanos la condición de vagos sobre la tierra por el pecado de Adán así el evangelio capitalista nos condene por ello.

7 Y los hijos se levantaron contra sus padres, o más bien todos se levantaron tarde.

8 Y todo el mundo vio las telenovelas y los programas de la tele causando hondo daño en sus ya aturdidos cerebros.

9 Y Facebook se hizo grande y ruidoso y todos se encerraron en casas y edificios a esperar que pase el Ángel Córdova Villalobos con el boletín diario.

10 Y hubo llanto en cantinas y cines y antros del pecado, y grande regocijo en supermercados y farmacias.

11 Y la tierra tembló por un día, y el pueblo del Valle salió a la calle por seis minutos y luego volvió a sus casas y dijo: ¿qué pedo?

Pero he aquí que las calles del Valle estaban desiertas de toda ignominia por causa de la abominación desoladora.

2 Y el tiempo de recorrido entre Perisur y Perinorte era de quince minutos y la dicha se apoderó de no pocos corazones.

3 Y el Valle reveló su lado hermoso y florido, y la nube de gases disminuyó y los niños respiraron felices desde sus ventanas.

4 Pero el mensajero aguafiestas dijo: “No creáis en esta vana ilusión, porque es eso, efímera ilusión que no durará”.

5 Y los habitantes del Valle se hacían grandes preguntas como “¿por qué todos tienen tapabocas y yo no los consigo?

6 Y los laboratorios veían subir con regocijo sus acciones en la bolsa.

7 Y en ninguna parte habían pastillas de vitamina C pero en la “Comer” las naranjas abundaban y nadie las veía.

8 Los valet parking no “parqueban”, los capuchinos se enfriaban en sus máquinas.

9 Y los dragones del oriente confinaban a los oriundos del pueblo elegido, y los torturaban sicológicamente en oscuros calabozos donde comían eggrolls fríos.

10 Y hubo llanto en los aviones que transportaban al pueblo elegido, y la marca del moco abominable se dibujó en sus frentes y el mundo miró al pueblo elegido como anatema.

11 Y la Conmebol vetó a las Chivas y trajo honda tristeza y rabia al pueblo.

12 Y los autos avanzaban rápido en el Valle, pero no iban a ninguna parte.

4

Y cuando la abominación desoladora llegó a su fin, por fin se pudo comprar tapabocas y vitamina C en pastillas.

2 Y hubo gran llanto en infantes, prepúberes y “tinaiyers” y maestros porque las aulas se abrieron nuevamente a la luz del conocimiento.

3 Y la tierra no volvió a temblar.

4 Y a las Chivas a huevo las eliminaron sin jugar, y a San Luis lo eliminó el dedo del señor Nicolás Leoz.

5 Y el pueblo elegido volvió a ver Hanna Montana en los cines, y hubo crujir de dientes en Blockbuster.

6 Y las tarjetas de crédito mandaron el mensaje mensual del fin de los tiempos y los trabajadores informales miraron al cielo pero nada de nada.

7 Y empezó una nueva era y al pueblo elegido le fue revelada la noción de inmunología para siempre.

5 Y yo estaba sentado en una mesa, tomando un capuchino y contándoles todo esto.

6 Pero estornudé, y un mesero chino me dijo que me vaya del lugar y lloré.

34 Dentro de las múltiples calamidades que se abaten sobre el ser nacional destaca con singular fulgor, en el muy vasto firmamento de nuestras infamias, el de las promesas no cumplidas. Todo mexicano que conozca su condición sabe que en este país a las promesas se las lleva, además del viento, la tragedia, la rumba o el fin de los comicios electorales. Al ser una nación con grandísimas necesidades impostergables –hambre, salud y empleo por mentar algunas menudencias– resulta lógico que estemos acostumbrados a vivir en un presente postergado con la esperanza hipotecada.

Las promesas, bien lo sabemos después de setenta años de priísmo, valen más por la intención que por su consecución. El sólo hecho de prometer es ya un respaldo agorero que si bien no resuelve absolutos sí provee de algunos alivios relativos, en contadas circunstancias.

Existe un refrán brasileño de gran ingenio que calza perfectamente con nuestra realidad: “Brasil es el país del futuro…y siempre lo será”.

El País de los milagros TXT:: Rafael Toriz.

Al gran Púber, monarca del juguete.

“Prometer no empobrece: dar es lo que aniquila” Refrán mexicano

35 El invierno recorre las islas El sólo intento de trazar una cartografía de las promesas mexicanas truncadas por un destino infausto daría para una Historia Universal de la Tragedia. En mi fuero interno atribuyo semejante vocación por la derrota a un rasgo muy preciso: de alguna manera somos los desheredados de Huizilopochtli, el producto de un imperio vejado y corrompido. Queda claro que su furia milenaria más que ser saciada con sacrificios humanos exige la cuota cíclica e inexorable de descalabros fulminantes.

El caso de Alberto Onofre –el gran crack mexicano en opinión de especialistas– es elocuente hasta la desgarradura.

Chiva jurado desde el inicio de su carrera, Onofre vive en el discreto recuerdo popular y las nostalgias de Juan Villoro no sólo como un cabeceador efectivísimo sino también como el gran sol del mediocampo mexicano.

Onofre, quien era la esperanza tricolor en el mundial del 70, se fracturó la tibia y el peroné a tan sólo cuatro días del inicio de la justa mundialista, dejando a un pueblo sin corazón y sin aliento. El destino, ingrato como es sabido, no sólo dejó sin jugar a un jovenzuelo de 22 años que era, según la opinión del propio Villoro “el mariscal de campo que la selección no había tenido ni volvería a tener” sino también al defensa “cruzazulino” Juan Manuel Alejándrez, quien lesionó la autoestima de un país. La soledad de los atormentados, como bien nos ejemplifica Judas el Iscariote, es un precio muy alto por haber estado en lugar preciso en el momento equivocado.

Otro caso de profundo abatimiento nacional fue el de la trágica muerte del imparable Sisal -Salvador Sánchez para más señas­-. Sánchez era un boxeador de fantasía que a sus 23 años contaba con 46 combates disputados, de los cuales 44 eran victorias, uno se abonaba como empate y, para volverlo legendario, sumaba una derrota que lo encumbra para siempre en el pedestal de los mortales.

Su muerte ocurrió cuando impactó su porsche blanco 928 contra un camión cargado con dos tractomulas mientras intentaba rebasar a una camioneta a las afueras de Querétaro.

Monarca indiscutible del peso supergallo –defendió su titulo airosamente en diez ocasiones– Sisal es justamente recordado por los amantes del boxeo, entre otras causas, por haber tundido en ocho rounds a al puertorriqueño Wilfredo Gómez en una contienda electrizante con la pericia de un artista, contrincante dignísimo que tuvo el acto arrebatador –los periódicos de la época registraron su semblante invadido por el llanto– de llevarle flores a su tumba en Santiago Tianguistenco.

Finalmente (me resisto a continuar con esta arqueología de la desgracia) nunca podré olvidar la muerte de Oro, mítico luchador tapatío conocido por sus espectaculares lances como “el luchador suicida”, coloso del pancracio que dio a mi generación la consciencia de la finitud al morir sobre el ring en una pelea contra Kahoz, Jaque Mate y el Dr. Wagner. En mi mocedad pensaba que los luchadores eran eternos y millonarios, y creía que si en alguna ocasión algún gladiador pudiera salir lastimado “de a de veras” tendría por fuerza que ser un rudo, nunca un técnico impoluto que, sencillamente, volaba como nadie. Oro contaba con 21 años al momento de su muerte, y era por mucho la promesa más aquilatada de la lucha libre nacional, potencialmente equiparable por su impecable técnica con el invencible Canek y por su naciente popularidad con el entonces muy querido Octagón.

Otro territorio fértil para las jóvenes promesas ha sido siempre el vasto campo de las artes, particularmente en las filas de la literatura, en donde el crédito a la obra por venir es siempre desmesurado para aquellos que recién inician su camino en la república letrada. Más tarde o más temprano es posible darse cuenta de que las deudas contraídas son impagables y que

Es por merced de nuestros gobernantes que el acto de prometer, más que un soplo de esperanza, se ha transfigurado en una torva mentada de madre.

en numerosas ocasiones las buenas intenciones y los albos augurios de los mayores son una carga de la que no sólo es muy difícil desprenderse sino que, a la postre, acaba por hundir incluso a los más avezados.

Al respecto Cyril Conolly (1903-1974), ensayista inglés mayormente conocido por su ensayo alucinado The Unquiet Grave (La tumba sin sosiego), publicó a finales de los treinta un libro a medio camino entre la crítica cultural y la autobiografía titulado Enemies of the Promise (Los enemigos de la promesa), en el que además de analizar el contexto literario de su época y justificar porqué a sus años no ha conseguido cumplir la manda de escribir una obra maestra –criterio que ahora resulta tan ocioso como inocente– señala las principales adversidades que frustran las posibilidades de una “prometedora” carrera literaria. Entre otras Conolly destaca el periodismo, actividad a la que se ven inducidos infinidad de escritores por necesidad económica; otra más es la orientación ideológica, que consigue obnubilar a los ingenuos en arrebatos políticos de los que más tarde abjurarán, cuando ya a nadie le interese; otro de los enemigos distinguidos es el escapismo de lo que “se espera de uno”, para lo cual el alcohol, las drogas, los viajes o los infinitos infiernos de la vida cotidiana son más que suficientes. Un enemigo más reconocido por Conolly –y en este punto conviene recordar el carácter autobiográfico del texto– será el hecho de llevar una vida sexual atormentada, concretamente a la circunstancia de ser homosexual (los ingleses, lo sabemos, no podrán nunca abandonar del todo su temperamento victoriano), que bien podríamos intercambiar, en aras de una traducción menos local, por el término de “relaciones afectivas tormentosas con los otros o con uno mismo”. Finalmente el ensayista dirá que el peor enemigo de la promesa es el éxito literario, que termina liquidando las buenas intenciones y las grandes expectativas depositadas en un joven artista. Este caso, tristemente, es harto común en la contrahecha república mexicana.

No obstante, después de estos ejemplos de profundo patetismo, es innegable que si alguna entidad maligna ha logrado que la promesa pierda todo su valor simbólico y su nobleza intrínseca, esa ha sido la representada por los partidos políticos y todos sus esbirros, dueños plenipotenciarios del despotismo, la mentira, el cretinismo y la desfachatez. Es por merced de nuestros gobernantes que el acto de prometer, más que un soplo de esperanza, se ha transfigurado en una torva mentada de madre. Para desventura de nuestra especie este hábito insolente está muy bien repartido a lo largo del planeta.

Sin embargo y pese a todo, una cosa es segura: el acto de prometer, aun en el presente apocalíptico, de alguna manera permite vivir en este mundo con la no tan desaforada intuición de que en algún lugar aún aguardan maravillas. M

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CINE MEXI CANO

¿PROMESa RENTABLE O VOLUNTAD SUBSIDIADA? TXT:: David House.

Las políticas de apertura implementadas durante el salinismo dieron un gran golpe a una industria fílmica mexicana tambaleante desde tiempo atrás. El Tratado de Libre Comercio propició la quiebra de miles de salas de cine las cuales, vale aclarar, se encontraban ya en un estado de decadencia. La década de los noventas fue el período de menor producción de películas registrado en los últimos sesenta años. De un promedio de ochenta películas al año producidas en México en décadas anteriores, en 1997 se llegó al sótano cinematográfico al producirse sólo nueve películas y ocupar menos del tres por ciento del mercado. Esta década fue también, paradójicamente, el momento en el que México resurge a los ojos del mundo con lo que se consideró un nuevo y mejorado cine mexicano. A quince años de la entrada en vigor del TLCAN (Tratado de Libre Comercio de América del Norte) causante de la debacle de la producción de cine en el país, en el pasado 2008 se produjeron setenta películas. De éstas, según las cifras oficiales del IMCINE, treinta y ocho fueron apoyadas por el Estado a través de FIDECINE y FOPROCINE. Otras diecinueve recibieron apoyo por medio del artículo 226 del ISR. Y las trece restantes fueron producciones cien por ciento privadas. Además, también en 2008 se estrenaron dos de las cinco películas más taquilleras de la historia del cine mexicano: Rudo y Cursi y Arráncame la vida. Sin embargo, no podemos cantar victoria aún por una simple y sencilla razón. El cine mexicano en términos generales no es rentable, económicamente hablando. Y esto es un punto que debería considerarse seriamente.

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La mayoría de las películas mexicanas pierden, unas cuantas se quedan tablas y sólo un puñado ganan dinero.

Hay quienes defienden la postura de que el cine mexicano no está destinado a ser un negocio. Que su importancia reside en el ámbito de lo cultural, de la proyección internacional que el país obtiene a través de su producción artística. Y sí, es cierto. Las culturas desarrolladas han marcado su paso en la historia en gran medida a través del arte, pues es el registro más fiel y depurado del proceso de las civilizaciones. En ese sentido, una cultura con una producción artística pobre es, probablemente, una cultura pobre en varios otros sectores. En este sentido, por supuesto, hay que estimular la producción cinematográfica en nuestro país. No hay duda. Y han habido buenos resultados.

En los últimos años hemos visto al cine mexicano reposicionarse en el ámbito internacional, a directores mexicanos llegar a la cima de la jerarquía al ganar Globos de Oro y Premios Goya. A películas nacionales ser reconocidas en festivales y galardonadas con premios alrededor del mundo incluyendo a varios con Palma de Oro en Cannes, a mexicanos nominados y ganadores del Oscar. También a jóvenes realizadores con propuestas nuevas y muy interesantes, así como el surgimiento de una nueva generación de actores que cada día se interesan más por involucrarse en proyectos cinematográficos.

Al respecto, no podemos dejar a un lado el papel fundamental que las instituciones y nuevas políticas gubernamentales han cumplido en el proceso. El 1 de diciembre de 2004 se publicó en el Diario Oficial de la Federación un decreto en el que por medio del artículo 226 de la Ley del Impuesto sobre la Renta se establece que las empresas pueden destinar el tres por ciento de dicho impuesto a la inversión en proyectos cinematográficos nacionales. Un año más tarde éste artículo sería modificado para permitir que el estímulo fiscal fuera de hasta un diez por ciento del ISR con un tope de quinientos millones de pesos al año entre todos los contribuyentes. Esta cifra no es menor, y junto con el presupuesto para la producción del FIDECINE y del FOPROCINE, el panorama de la industria cambia repentinamente, de tal forma que en cinco años la inversión en cine en México se triplicó. De veintinueve películas mexicanas producidas

en 2003, en 2008 se hicieron setenta. El problema, es que no se recauda ni la mitad de lo que se invierte. La mayoría de las películas mexicanas pierden, unas cuantas se quedan tablas y sólo un puñado ganan dinero.

Independientemente de que hacer cine nacional sea rentable culturalmente hablando, es un mal negocio. Y aunque algunos no vean esto como un problema, lo cierto es que no es un buen indicador. La gente no va a ver cine mexicano, o al menos no lo suficiente.

Lo primero que se puede pensar es que el público no va a ver películas mexicanas, simplemente, porque son malas. Y es que sí hay unas muy malas. Si algo han permitido las nuevas políticas de apoyo al cine, es que varios hijos de vecino con amigos en empresas obtengan los recursos para hacer sus pelis, lo cual ha resultado en algunos verdaderos bodrios de películas. Esto por supuesto desacredita a la industria y desalienta al público a seguir consumiendo cine nacional. Valdría la pena analizar cuáles son los criterios bajo los que el IMCINE y/o los fondos aceptan los proyectos. Claro que, de igual forma, “se valen varias de arena mientras haya también de cal”. Pero el problema va más a fondo. Si bien se ha visto la voluntad de los legisladores para estimular la producción cinematográfica en el país, lo que se necesita es un plan de cultura integral con objetivos más claros. O mejor aún. Una reforma educativa en la que en el plan de estudios se estimulara un consumo cultural más sistemático.

Que a los niños desde chiquitos se les enseñara a apreciar el teatro, el cine, las artes plásticas. Que a nivel secundaria y prepa hubiera asignaturas obligatorias de estos temas. Porque si desde chicos no desarrollan ese interés, está difícil que de grandes lo hagan. Por otro lado, seamos honestos, ¿qué porcentaje de la población puede pagar cincuenta pesos para ir al cine? Un día de salario mínimo. En este sentido debería haber más salas de bajo costo, como en otros países del mundo, en donde hay opciones más baratas para la gente con menos recursos.

Pero ahí va. No hay que descalificar un esfuerzo que gracias a muchos ha dado buenos resultados. Nada más esperemos que los subsidios no corrompan a la industria. Y ojalá que algún día el cine mexicano también se vuelva autosustentable. M

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Phoenix s o s n e t n i rApidos, iqueros. y clas rsal Music.

cortesĂ­a Unive s Hidalgo. FOT::

TXT:: Juan Carlo

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Existen ciudades que ejercen gran magnetismo y fascinación; en un sitio de privilegio se encuentra París, paradigma de la cultura occidental. Se trata de un centro neurálgico del arte que no cesa de generar anécdotas y recuerdos entrañables. Difícilmente se nos quitará de la memoria aquella imagen de Humprey Bogart recordándole a Ingrid Bergman en Casablanca: “Siempre nos quedará París”. Apenas hace unos años, el escritor catalán Enrique Vila-Matas, comportándose como su propio personaje, vagaba por las calles de la ciudad luz tan sólo para comprobar que: “París no se acaba nunca”.

Ahí está la bohemia —añeja y reciclada— de Montmartre, las fiestas juveniles de la periferia, el toque árabe de Barbes, la larga línea recta de bares de Montparnasse y el glamour avant-garde del Marais. De la penumbra de los cabarets más sórdidos al espectáculo multicolor de las discotecas, pero también seduce y maravilla el río Sena como fuente de inspiración existencial y para la creación.

No son pocos los artistas que han buscado su complicidad tanto para montar juergas interminables mientras se navega o bien establecer allí su residencia temporal. Un estilo de vida que favorece la inspiración a partir de habitar en un bote; idea que comparten de lleno los miembros de la banda francesa Phoenix, pues ha sido precisamente en una embarcación arrendada donde compusieron la mayoría de las canciones que conforman su cuarta producción: Wolfgang Amadeus Phoenix (09).

Estos mozalbetes oriundos de los alrededores de Versalles han mostrado un insospechado gusto por la escena clásica o culta del arte, pues además del título del álbum, en que juegan con el apelativo del genio vienés (y que ya genera cierta molestia entre gente conservadora), su primer sencillo también es un juego de palabras que celebra la personalidad de otro de los grandes talentos en la historia de la música y que ahora despierta una “Listzomania”, al igual que en su tiempo, cuando el húngaro fue considerado todo un rockstar al ofrecer encendidas presentaciones y estar rodeado de mujeres hermosas.

Tal inmersión en el pasado quizá fue potenciada por la propia aura del barco en que nacieron los temas, pues este fue propiedad de un famoso pintor galo, Théodore Géricault (1791-1824), un hombre atormentado por las enfermedades propias y ajenas, y cuya obra recibe una calificación tal que también encaja a la perfección con lo realizado por los jóvenes roqueros, que han sido movidos por un “romanticismo temperamental”.

Las leyes del azar nos señalan que aquel pintor, muerto a los 33 años de edad, fue un artista que ligó sus obras a los asuntos de su tiempo. Thomas Mars (voz); Laurent Brancowitz (guitarra); Deck D’Arcy (bajo) y Christian Mazzalai (guitarra) han buscado hacer lo mismo con esta colección de canciones nacidas unas en la rivera del Sena y otras en el Bowery Hotel de Nueva York, para luego ser grabadas en un estudio de Montmartre, junto a la mitad del dueto tecnopop Cassius, Philipe Zdar, quien fungió como co-productor.

Este sesgo por reinterpretar el pasado se halla presente incluso en el tema que ofrecieron como adelanto del álbum completo y que se define desde el título mismo: “1901”, que remite al año siguiente a la Exposición Universal

de París, y que la banda considera uno de los momentos más futuristas de la ciudad, dado que marcó también el surgimiento del Art nouveau. En esta pieza encontramos a un vocalista entregado, un minucioso y elaborado tratamiento de las guitarras, que aunado a una presencia más notoria de teclados, conforman la médula espinal del sucesor del exitoso It’s Never Been Like That (06).

Los integrantes de Phoenix han precisado que buena parte de los recursos financieros con los que contaban los invirtieron en la renta del bote en busca de congraciarse con la inspiración, aunque posteriormente trabajaron arduamente: de mayo de 2007 a diciembre de 2008 en jornadas de 11 de la mañana a 9 de la noche.

Brancowitz, el guitarrista, ha precisado que si en el disco pasado buscaron un sonido más crudo, esta vez prefirieron algo más sofisticado. Pero es Thomas Mars, el vocalista, quien lo define con mayor precisión: “El último registro fue sobre nuestro presente, éste es sobre nuestro futuro… es rápido e intenso”.

Resulta cuando menos curioso que esta proyección hacia el porvenir esté llena de referencias al pasado y no sólo por esa tendencia clasiquera, sino porque se percibe una acercamiento a lo hecho durante sus orígenes, allá por el 99, cuando remezclaron “Kelly Watch the Stars” de Air y colaboraron con los Daft Punk, hasta debutar con United, que hacía un lugar a los insertos electrónicos.

Tras obtener celebridad a través de canciones como “Too Young”, y álbumes como Alphabetical (04), Live! Thirty Days Ago (04) y It’s Never Been Like That (06), otro empujón mediático lo obtuvieron al ser incluidos en la banda sonora de las películas Shallow Hal de los hermanos Farrelly y Lost In Translation (Perdidos en Tokio) de Sofia Coppola, directora que además se convirtió en pareja sentimental de Thomas Mars.

La apuesta de Wolfgang Amadeus Phoenix es por refinar y cohesionar un sonido que resulte accesible por su balance entre rock y pop, que ofrezca además sonidos y texturas depuradas.

De entrada habrá que anticipar que la triada compuesta por “1901”, “Lisztomania” y “Rome” será bien atendida por la industria, ya que suenan actuales y con brío, pese a no ser arriesgadas o innovadoras. De hecho, ya se encuentran en marcha las tareas de promoción, que incluyó una buena actuación en el programa Saturday Night Live, la popular emisión norteamericana y su presencia en breve en el circuito veraniego de los grandes festivales europeos.

Este cuarto disco de estudio marcará el paso de la banda del cobijo de una multinacional para recibir apoyo de una plataforma híbrida, como en realidad es V2-Cooperative Music; con ello buscarán nuevos horizontes para su música y tender puentes para quienes se mueven a tres bandas entre el pop, el rock y la electrónica; están ansiosos por congraciarse con esos dandis postmodernos junto a los que desean reescribir el romanticismo, y que mejor si lo hacen a bordo de una embarcación que surca el Sena, un nuevo río para el rock and roll.

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n o c a t is v e r t En La historia de Phoenix no es muy distinta a la de muchas otras bandas que surgen cada minuto en diferentes latitudes del globo: cuatro amigos asediados por el tedio de los suburbios buscan confrontar la monotonía mediante la fuerza de los acordes saturados. Las paredes de un garage enmarcan la complicidad mientras los clubes nocturnos hacen otro poco, e intensas ganas por ligar alimentan los paseos dionisiacos. De esa manera el hedonismo adquiere el status de musa para crear las rolas que algún “caza talentos” buscará masificar. En el caso de Phoenix las cosas ocurrieron con su disco debut United, que si bien no fue una revolución inmediata logró captar la atención de un buen número de seguidores. El resto de la historia está en Wikipedia, pero no la entrevista que Christian Mazzalai nos concedió desde New York vía telefónica. Hablamos con él sobre algunas cosas de su nuevo disco, así como de la vez que dieron el mejor concierto de su historia en la Ciudad de México.

n a i t s Chri alai Mazz sta i r r a guit hoenix i. de P ente Jáuregu ic

TXT:: V

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“Yo dirIa que nuestra presentaciOn en MExico es la mejor que hemos tenido, siempre lo digo y no lo hago ahora porque tU seas de alla�

Christian mazzalai

42 Su nuevo disco se llama Wolfgang Amadeus Phoenix, en él hay un track titulado “Liztomania” ¿de verdad se trata de un tributo a Mozart y a Lizt?

Chris: La idea surgió en medio del proceso del álbum, antes los títulos siempre se nos ocurrían al final, ahora fue distinto porque se nos ocurrieron a la mitad. Nosotros crecimos en Versalles (un suburbio parisino N. De R.), un lugar que tiene un gran pasado del cual queríamos hablar. Se nos ocurrió hacerlo en términos un tanto infantiles y salió la idea de tomar figuras europeas icónicas para destruirlas en un acto un tanto vandálico (ríe). ¿Cómo lograron guitarras tan crujientes?

Mientras estábamos de gira con el disco pasado cargábamos con varias guitarras.

Un día descubrimos una muy barata como de principios de los ochentas, nos gustaba mucho por su look, muchas veces elegimos guitarras por cómo se ven, después nos olvidamos de ella porque se quedó abandonada en un estudio. Ahora la redescubrimos y está en casi todo el disco porque su sonido funciona perfecto para nosotros. Nos gustan tanto las guitarras muy caras hechas a mano como las guitarras baratas, pero no nos gusta lo que está en medio de esos extremos. Lo mismo aplica para los sintetizadores, tenemos algunos bastante caros y otros muy baratos. Los pedales que tenemos los hizo un amigo especialmente para nosotros, de ahí proviene ese sonido bastante crunchy que se escucha en el disco. ¿Cuáles son tus mayores influencias como guitarrista?

Tenemos muchos favoritos. Lo que no nos gusta son los guitarristas técnicos que sólo buscan lucirse. Nos late Sterling Morrison de The Velvet Underground.

También James Williamson, el segundo guitarrista de los Stooges.

Es la primera vez que recurren a un productor. ¿Por qué eligieron a Phillipe Zolar? ¿Cuál fue su aportación a la banda?

Nos ayudó a lograr una dimensión más futurista de nuestra música, él tiene un background mucho más electrónico que nosotros, es muy romántico y old fashion en el buen sentido de la palabra. Es muy buen amigo de nosotros, razón por la cual sabe llevarnos siempre hacia la dirección correcta. En el disco pasado hicimos algo muy minimalista y ahora queríamos explorar cosas mucho más bailables y orgánicas, así que nos pareció que Phillipe era la persona ideal. ¿Qué discos estuvieron escuchando durante todo el proceso?

Muy poco discos, la verdad uno llega a su casa después de grabar y lo que quiere es relajarse. Pero estuvimos escuchando cosas muy minimalistas, como una canción de Lou Reed que se llama “Street Hassle”, dura como diez minutos y es una pieza muy importante para nosotros, tiene una cualidad abstracta con un patrón rítmico repetitivo. ¿Qué me puedes decir del track titulado “Armistice”?

Para hacer este disco buscamos locaciones distintas para encontrar inspiración. Duramos como un año trabajando en la composición, así que

para el momento en que llegamos al estudio teníamos muchísimo material para escoger, en el caso de “Armistice” juntamos como cuatro ideas de distintas partes y así fue como surgió la canción. Queríamos hacer algo muy barroco, una sinfonía barroca adolescente, o algo así. ¿Qué prefieren, tocar en clubs pequeños o en grandes festivales?

Preferimos los clubs pequeños porque hay menos tensión y puedes ver la cara de la gente, cosa que se pierde en los festivales grandes, donde al final todo queda muy borroso, aunque debo decir que también nos gusta la tensión de estar frente a mucha gente. ¿Cuéntame sobre el arte del disco?

Lo hizo mi hermano (Laurent “Branco” Brancowitz N. De R.) que también toca la guitarra e hizo el arte del último disco. No queríamos algo muy elegante en cuestión de colores porque ya lo hemos hecho antes, entonces surgió la idea de hacer una onda medio pop art. ¿Cómo sienten la escena francesa? ¿Con qué bandas han logrado llevar una buena relación?

En mayor grado con Air y Daft Punk, todos nosotros venimos de la misma región de Versalles, de hecho nosotros le abrimos sus conciertos a Air durante seis meses con nuestro primer disco, así que somos muy cercanos.

Con Daft Punk también hay buena relación, mi hermano tocó la guitarra con ellos en una banda de funk rock durante un tiempo. ¿Qué recuerdan de su presentación en México?

Yo diría que nuestra presentación en México es la mejor que hemos tenido, siempre lo digo y no lo hago ahora porque tú seas de allá. Siempre le decimos a otras bandas que deberían ir para allá. Cuando fuimos no sabíamos que la gente conocía nuestra música hasta que subimos al escenario, en ese momento hubo mucha devoción por parte de la gente, fue como un sueño, queremos regresar porque nunca olvidamos esa presentación. ¿Ya tienen fecha para regresar?

Aún no pero es un hecho que lo haremos.

Como banda francesa ¿se sienten más cerca de Serge Gainsbourg o de Laurent Garnier?

(Ríe) Yo creo que de Serge Gainsbourg porque ha incursionado en muchos estilos musicales, es como un David Bowie para mí, representa el área a la que queremos llegar. Laurent Garnier es muy importante para nosotros en el aspecto electrónico, nos hizo creer que tú puedes hacer un disco por tu propia cuenta.

Marvin es una revista de culto, ¿a quién le rindes culto?

A la música de John Carpenter. M

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Las nuevas “influenzas” de la moda FOT:: Paco Díaz para Voyeur Studio.

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ÂżY tu como usaste el cubrebocas durante la contingencia?

Manda tu foto a: contacto@revistamarvin.com

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TXT:: Juan Patricio Riveroll.

Se remueven las aguas del gremio: de la presencia de Manu Chao en el Festival Internacional de Guadalajara y su posterior expulsión del país a manos de la Secretaría de Gobernación por su toma de consciencia ante el crimen de estado sucedido en Atenco en el ocaso del foxismo, a la entrega de los premios Ariel que funcionaron como el gran circo que este país sigue siendo y representando, reforzando cada vez con mayor ahínco la opinión de André Bretón de ser el país surrealista por excelencia. El grito en el cielo porque la película enviada por México a los premios Oscar, Arráncame la vida, fue ignorada como mejor película o mejor interpretación masculina a cargo de Daniel Giménez Cacho, figura tan reputada que, hasta sin ser nominado, se llevó una estatuilla y otras dedicatorias. Semanas después la Academia se defiende... parece todo una gran telenovela, una mega producción como antaño lo eran aquellos melodramas de la Época de Oro del cine mexicano, ahora venido a menos, a mucho menos. Ahora el melodrama se juega en la vida, lejos de la pantalla, en los diarios y no en los libretos. La Academia parece más bien la de Televisión Azteca, porque el cine nacional se empeña en emparentarse con ella, la pantalla grande se achica para asemejarse y acercarse al aparato televisor, con intrigas, treguas, llamados dramáticos que se quedan en el escenario de la vida diaria sin llegar a acciones o pies de película.

Traté antes el tema de los premios y el despropósito que es levantarlos en semejante pedestal para llorarlos, sin embargo hay algo más allá que escapa al entendimiento pero sigue su cauce desmoronando desde dentro la vida pública y privada. Quizá lo más importante del mencionado circo es el frente conjunto al que el mencionado músico se ha sumado, razón por la cual fue investigado por el gobierno cuasi–fascista presidido por el gerente del changarro que dejó el foxismo, Felipillo que no sabe ni donde esconderse pero sí sabe acechar a la sociedad civil que busca justicia.

Manu Chao se encontraba en Guadalajara invitado como abanderado de la sección Cinelandia, y, políticamente activo como siempre lo ha sido, opinó y se sumó a la lucha por los presos políticos y los crímenes de estado acaecidos en 2006 (www.manuchao.net). En sus palabras, “este operativo dejó dos muertos, más de 200 detenidos y varias denuncias de ultraje sexual de mujeres por parte de policías. Hoy en día siguen en la cárcel 12 personas con condenas absurdas de 31 a 112 años. Sin duda alguna yo me reivindico como uno más de toda esa gente que milita para su liberación intentando así acabar con parte de toda esa clamorosa injusticia.” Entre otros activistas están Samuel Ruiz, Adolfo Gilly, Roco de La Maldita Vecindad y Ofelia Medina, quien poco más tarde, al terminar la entrega del Ariel, desde el estrado hizo un llamado a los presentes en este sentido, pero el gremio se encontraba más preocupado por quién ganó qué, que por quién mató a quién o por quiénes siguen en la cárcel.

Y mientras Manu Chao es expulsado del país por defender la justicia social y política, al norte de la República se reciben conlos brazos abiertos a 16 nuevos centros de la DEA, es decir,bienvenido el ejército estadounidense a tierras mexicanas...

... y por si tal intromisión no fuera poco, “al tiempo que la Cámara de Diputados de México realiza el ‘Foro de Debate sobre la Regulación de la Planta Cannabis en México’, los principales mandos de la DEA calificaron la idea como un grave error,” la vetaron, según palabras del periódico Reforma.

Es claro que si EUA no da su aprobación, la legalización de la marihuana, aunque sea parcial, es prácticamente imposible tomando en consideración el incremento de la presencia en el país de la agencia antidrogas. Cuando por fin los legisladores se mostraban atentos al cambio de los tiempos en un esfuerzo progresista por analizar y, en el mejor de los casos, despenalizar la marihuana, el vecino del norte les ata las manos al tiempo que una cosa es clara: la única vía para detener la violencia y el crimen organizado en este y otros países de Latinoamérica es la legalización no sólo de la marihuana, sino de todas las drogas prohibidas. Antes de eso la guerra encarnizada por los dividendos de éstas continuará ad infinitum.

“De la piel para dentro empieza mi exclusiva jurisdicción. Elijo yo aquello que puede o no cruzar esa frontera. Soy un estado soberano, y las lindes de mi piel me resultan mucho más sagradas que los confines políticos de cualquier país.” Un anónimo contemporáneo con el que Antonio Escohotado da comienzo a su reflexión en su libro Aprendiendo de las drogas. Empero, la prohibición es otra cosa, en palabras de Michel Foucault: “Únicamente una ficción puede hacer creer que las leyes están hechas para ser respetadas, que la policía y los tribunales están destinados a hacer que se las respete. Únicamente una ficción teórica puede hacernos creer que nos hemos suscrito de una vez por todas a las leyes de la sociedad a la que pertenecemos. Todo el mundo sabe también que las leyes están hechas por unos, y que se imponen a los demás. (...) En el límite, me atrevería a decir que la ley no está hecha para impedir tal o cual tipo de comportamiento, sino para diferenciar las maneras de vulnerar a la misma ley.” La realidad es que la prohibición de las drogas es un gran negocio para todos; para los cárteles, para los gobiernos que dicen combatirla y para quienes controlan el juego completo desde la cúpula: el gran capital estadounidense, los verdaderos capos. No es buena idea cerrar un negocio tan rentable, menos aún en tiempo de crisis cuando lo atinado es comprar más tanques, más pólvora, más armas de alto impacto para que la guerra en el norte del país escale y deje dividendos (la sangre que corre es lo de menos). M

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Nada es casualidad 3:19 Entrevista con el director y escritor Dany Saadia

TXT:: Fernando Benavides. FOT:: cortesía Dany Saadia.

Piénsalo bien: el cómo te levantaste el día de hoy, lo que tuvo que haber pasado para que, después de tu oficina, te sentaras en el lugar donde estas sentado, abriendo esta revista Marvin y leyendo esta página... todo lo que pasó para que llegara este momento no es una nota al azar de la vida, sino un conjunto de casualidades que forman cada detalle de nuestra vida y le da sentido a lo que uno simplemente llama destino.

Todo puede empezar con una simple y conocida frase de Milan Kundera de su libro La insoportable levedad del ser: “No es la necesidad, sino la casualidad, la que está llena de encantos. Si el amor debe ser inolvidable, las casualidades deben volar hacia él desde el primer momento, como los pájaros hacia los hombros de San Francisco de Asís”.

Este es el principio en el cual se basa Nada es casualidad 3:19, una película que explora una de las preguntas que más se ha formulado el ser humano: “¿es sólo suerte o hay un destino que rige nuestras vidas?” y de esta manera se desarrolla una bella historia de amor, humor, amistad y algo más.

El director y escritor Dany Saadia nos entrega finalmente su ópera prima, una cinta que nos hará reflexionar sobre los detalles que pasamos desapercibidos en nuestra rutina diaria y que nos llevan a los momentos más importantes de nuestra existencia.

Filmada en una España desenfadada, la historia nos lleva por la vida de Ilan (Miguel Ángel Silvestre), Eric (Félix Gómez), Lisa (Bárbara Goenaga) y Andy (Juan Díaz) quienes sin querer y sin saberlo entran en una serie de acontecimientos que tienen como finalidad el cumplimiento del último deseo de un amigo caído o... ¿para algo más? nadie sabe el papel que esta jugando y nadie sabe cuál será el resultado, mucho menos se sabe dónde va

a terminar una historia que lleva en su desarrollo una profunda reflexión sobre la vida misma. ¿Qué tal si toda la vida sucede por mera casualidad? ¿Qué tal si no podemos escaparnos ni conquistar las leyes que rigen nuestra existencia?.

Una producción México–Española que llega más allá de una simple trama; en Nada es casualidad 3:19 Dany Saadia logra mezclar con gran maestría una historia paralela a través del tiempo y la vida de Évariste Galois, un erudito matemático francés de la época Napoleónica que a los 15 años resolvió un problema matemático (la resolución de los polinomios resueltos por radicales), que no había podido hacer ningún científico durante más de un siglo y que después de su turbulenta vida expiró su último aliento diciendo: “¡No llores! Necesito todo mi coraje para morir a los veinte años”. Estos entrañables episodios históricos le dan un ritmo singular a la película y la llena de una melancolía que llega a ser sublime en ciertos puntos.

Esta otra historia, llevada a cabo a través de la animación nos da un respiro de la por momentos dramática y por momentos cómica situación de los personajes, en una gran actuación de sus protagonistas (incluida la participación de una convincente Diana Bracho) en las reacciones que se tienen cuando hay que enfrentar a la muerte, la propia y la del amigo. Al final no sabes cuál de las dos historias te atrae más, lo único cierto viene siendo que el resultado de ésta singular historia nos deja un lado de reflexión propio de una película entrañable.

La muerte, el destino, la casualidad, la vida, el amor y las reacciones son un puñado de recursos que se usan en el momento preciso de cada minuto en Nada es casualidad 3:19.

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¿Por qué te decidiste por esta historia?

Dany Saadia: Las coincidencias son algo que me apasiona, siempre he tenido una inquietud de cómo suceden las cosas. Se puede llamar de muchas maneras: casualidades, simetrías, repeticiones.

Por poner un ejemplo: cuando pensamos en alguien y un segundo después nos lo encontramos en la calle, cuando llegan mensajes a tu celular cuando tú estás enviando a la misma persona de igual forma un mensaje, cuando suceden dos accidentes aéreos el mismo día, nos da la impresión que hay una especie de fuerza invisible que afecta a nuestras vidas.

Una parte de la película trata sobre un matemático y su disciplina. ¿Cuál es la relación? ¿No hablamos de cosas muy diferentes?

Pienso que es lo mismo. Es un camino que se cruza en algún punto, la matemática puede ser el fondo, la pantalla es la forma. El cine es un lenguaje a través del cual reproducimos la realidad. La matemática es un lenguaje, a través del cual describimos la realidad. ¿No piensas que los temas que propones son muy complejos para la mayoría de los espectadores?

No lo creo. Quiero desterrar completamente esa idea. Lo primero es que 3:19 tiene distintas capas, me gusta poner la analogía de que esta película es igual que una cebolla. Puedes quedarte con la capa superior y disfrutar de una historia sencilla y emotiva, o ir pelando la cebolla y encontrar mayor profundidad en las ideas y los sentimientos. Lo segundo y más importante es que hay que confiar en la inteligencia de los espectadores y no insultarlos, como a menudo

se hace. El espectador es una persona que debe darse a respetar con las películas que escoge ver, por las que paga un boleto de entrada, y de la misma manera un director, una distribuidora o un actor debe pensar en respetar a su público con una buena película. Confiar en los espectadores nos permite pedirles que confíen en nosotros. No vamos a defraudarlos. ¿Qué opinas sobre el buen momento que vive el cine mexicano?

Me agrada, pero el cine mexicano ha pasado por varios buenos momentos y tiene que capitalizarlos. No tenemos que confiarnos. Las producciones mexicanas están demasiado segmentadas y muchos jóvenes directores con talento encuentran grandes dificultades para sacar adelante sus proyectos. Nuestro cine tiende a oscilar entre producciones muy comerciales (inspiradas en el cine americano) pero de bajo interés artístico y producciones de alto contenido artístico (triunfadoras en festivales) y bajo interés comercial. Hemos de encontrar, como en otros momentos se ha conseguido, un equilibrio haciendo propuestas interesantes y comerciales al mismo tiempo, como espero haberlo encontrado con 3:19.

El estreno de Nada es casualidad 3:19 se había retrasado por diferentes motivos que nos hacen pensar en la suerte de esta película... o serán las casualidades que la han retrasado para que algo significativo pudiera pasar, como el que estés leyendo justo ahora esta revista. ¿Qué tal si el sudor de nuestra frente nos puede salvar del polvo al que inevitablemente volveremos?. M

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eroll.

Patricio Riv aineta.

TXT:: Juan gar Orl Ed ía es rt FOT:: co

Del 16 de abril al 22 de mayo Orlaineta presentó esta exposición individual en la Galería de Arte Mexicano, fundada en 1935, recinto en el que artistas como Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros, Miguel Covarrubias, Rufino Tamayo, Frida Kahlo y Agustín Lazo expusieron su obra a lo largo de estos años. Al mismo tiempo de manera paralela Edgar presentó en el Museo de la Ciudad de México, también como exposición individual, Of All The Things We’ve Done (video disponible en YouTube). Marvin celebra con esta entrevista la trayectoria de un artista que funde en una misma creación el cine, la música, el diseño y el arte conceptual en su conjunto.

Empecemos con el título.

Había dos, ambos parten de la letra de una canción. El original iba a ser “All Yesterdays Parties” en vez de “All Tomorrows Parties”, pero encontré un libro que llevaba el mismo título y lo descarté. Esta es parte de la letra de “Chelsea Hotel 2” de Leonard Cohen, que se puede leer literal: la música te emancipa de cualquier cosa, te embelece de alguna manera. A decir verdad, me hubiera gustado tocar algún instrumento. Lo intenté varias veces y me quedé solo, porque el producir música siempre va acompañado. ¿De dónde viene la idea no sólo de la obra de pared sino la idea del montaje?

Como yo lo veo es como un ejercicio de montaje, es decir, una serie de imágenes o de palabras que no son tuyas pero que puestas juntas fuera de su contexto original crean una síntesis o un significado nuevo.

Mi obra siempre ha tenido que ver mucho con la historia del diseño y de la escritura modernista. Siempre he revisado ese periodo. Esta pieza –porque creo que se le puede llamar así, estos carteles son como una sola pieza–, tiene que ver con la historia de la Nouvelle Vague del cine francés y una analogía histórica con la música new wave. De hecho un crítico emparentó la música new wave con la nouvelle vague, es como el análogo de lo que ellos hacían en cine. ¿En qué año se da la música new wave?

Las primeras derivaciones vienen desde la música disco. A finales de los setenta ya había cosas new wave, luego también van de la mano cosas punk, post punk, gótico y demás. Sí hay particularidades de cada una. Son sólo nombres para catalogar que más tarde se vuelven históricos. Y luego se define mucho por autores, en este caso por quienes escribían en Cahiers du Cinéma. Autores muy particulares con un estilo muy definido que ahora es fácil de distinguir.

Regresemos a algo que dijiste antes, el hecho de que al no tener los conocimientos necesarios, al menos en el arte conceptual, muchos no entienden o se quedan fuera de la pieza. Creo que esta obra y otras que te he visto son piezas que de no tener un conocimiento de la historia del arte, de Duchamp para acá, te pierdes de mucho.

Pero a la par de eso siempre he sido muy formal en mi trabajo, y creo que aunque no tengas elementos para reconocer todo lo que hay de referencias sí te puedes aproximar a la obra sin este complejo de “estoy viendo arte”.

Aquí espero que se vea que hay cierto oficio en cuanto a diseño; formalmente cada cuadro está compuesto, digamos que de esa manera te puedes aproximar, y creo que así como se diría popularmente: son estéticamente placenteros, mucha gente podría poner esto en la pared de su casa y se vería bien, ya yendo a lo más vulgar de lo formal. Es a partir de esa formalidad que creo que en el mejor de los casos puedo cautivar a alguien y ese alguien interesarse e investigar qué hay detrás. Hay gente que sin saber nada se clava y saca notas y luego averigua sobre los autores que están aquí referenciados. Y luego está el otro público culto que bueno, algunos sabrán de rock y les interesará por eso, a algunos les gustará por las composiciones, por esta relación que tiene con el diseño, y otros lo verán completamente, con todos los elementos al mismo tiempo y ya decidirán si es bueno o malo o si les gusta o no les gusta. En realidad la pieza es muy abstracta, no quería ser tan didáctico o one liner como a veces soy con mis esculturas, que los que saben la ven y la entienden perfecto y ya. Son muy crípticas debido a la necesidad que tenía de libertad, con mis referencias muy particulares, pero a veces también doy pistas. Por ejemplo este es un diseño de Peter Saville, aquí doy unas notas. A veces sí hay elementos didácticos que pueden dar pie a que la gente se sumerja en la obra, y hay otros como este: una imagen de una película, Jean Paul Belmondo y Ana Karina y una portada de Bauhaus, emparentándolas basándome en el diseño de Bauhaus, el color rojo. Es una provisión formal que reúne dos cosas. Quien conozca la banda y la película se podrá hacer una idea de lo que se trata.

Ese es el ejercicio de montaje del que te hablaba. Entre más sepas que ese es Belmondo en Pierrot le fou y conozcas a Bauhaus le da más profundidad.

Son collages de alguna manera, montajes, sí, tomo de diferentes lados.

Cortar y pegar tal cual de la computadora. Muchos de los movimientos en los que me inspiro como el punk o el cine y estas manifestaciones eran en su momento movimientos propositivos, muy críticos, ligados a una ideología revolucionaria que con el tiempo se fue institucionalizando, entonces se vuelven productos: también hablo de esa paradoja y al mismo tiempo me someto a un proceso similar en el que lo presento como producto junto con una propuesta crítica, y en esa paradoja se vuelve crítico. La gente se acerca porque le puede parecer bonito pero el trasfondo puede ser propositivo, entonces esas piezas viven ambivalentes, que para mí es el mecanismo con el que funciona mi trabajo.

En cuanto el hacer de nuestra vida una creación, ¿qué tanto un burócrata por ejemplo está haciendo de su vida su propia creación alguien que está inmerso totalmente en un sistema?

Bueno, imagínate una línea de producción, en donde está un hombre creando algo sin saber qué es, por ejemplo un televisor, alienado de lo que es hacerlo y que funcione, porque él sólo hace una parte y luego le pagan y sale a la calle y compra lo mismo que produjo para definirse. Así como uno se define a partir de lo que consume.

53 Antes se criticaba a los rusos porque todos vestían de la misma manera y eso era represión, y hoy vamos todos vestidos de jeans y camiseta y nunca hablamos de represión. Ahí también hay una paradoja implícita porque realmente no nos definimos tanto, más bien el mundo cree que nos definimos, que estamos buscando la libertad y que la encontramos en un sistema democrático–capitalista y al final es una ilusión, pero lo que importa es darse cuenta, jugar con el sistema, acomodarse.

De alguna forma cada pieza es un acertijo sobre ti.

Desde mi punto de vista sí, pero hablan también de la historia en sí, de apropiarse de la historia. Finalmente la historia siempre es apropiada, uno se hace una historia de la historia, de como han sufrido las cosas. Te la apropias y la acomodas en tu cabeza como crees que fue porque obviamente no tienes todos los detalles y a partir de eso unos escriben, yo hago esto, otros viven su vida a partir de estas ideas, entonces sí, esto es un reflejo de lo que yo pienso y de las cosas que consumí, de las cosas que he visto y de las ideologías con las que me identifico y las que me chocan.

Personas de cincuenta o sesenta años de edad identifican muy bien muchas referencias porque las sienten de su época, en cambio para los jóvenes puede ser más lejano. No incluyes nada actual digamos, plasmas una cierta época y no hay nada de autores nuevos o contemporáneos.

En realidad hay mucho más imágenes de los ochenta que de los sesenta. Hay mucho que conscientemente casi nadie vio, sin embargo la obra es muy pop.

Sí manejo imágenes que fueron muy populares –el logo de The Police, la obra de Patrick Meyer– ilustraron muchas revistas en los setentas y ochentas.

Creo que hoy en día hay un revival sobre todo del new wave. Igual no se reconoce gente más joven con este tipo de trabajo aunque sí pueden acceder a él de otra forma. Siempre hay una cuestión generacional en el arte, pero vamos, yo reviso cosas de hace cien años, entonces no se le exige a un joven que tenga conocimientos de hace treinta, que tampoco es tan lejano. Malo si me pusiera a hacer lo que hacen los chavos porque yo ni entiendo, ni siquiera escucho las bandas de ahora. Esto es lo que realmente he consumido y conozco bien. No podría hablar de lo nuevo, aparte cuando lo nuevo pasa no lo puedes encapsular: está pasando. En esa medida el arte es retrospectivo, está revisando lo que ya pasó para tratar de llevarlo a otro entendimiento. Es como recapitular, los artistas contemporáneos están viendo el pasado inmediato para recapitular la historia del siglo XX, ver en donde erramos.

Godard hablaba más o menos en el mismo sentido en cuanto a la imposibilidad de salirse del sistema puesto que tenía que filmar con material Kodak y usar la cámara tal, y hoy con la era digital también se tiene que grabar con la cámara de tal o cual empresa o corporación. Salirse completamente es imposible.

Sí, otro ejemplo es este: un recorte de Bande à part de Godard, sólo que lo pongo como de clavado, como si hubiera realmente un grito, y atrás el fondo es una fotografía en la Plaza de las Tres Culturas en Tlatelolco en el 68.

Que alguien reconozca la imagen de fondo sería muy raro. No es muy clara.

Hay gente que sí la reconoce, pero no se puede ser tan didáctico, sino sería otra cosa. Y luego Fiction Records era un sello independiente de música, y ahí juego con el significado de la palabra fiction: de la matanza del 68 nunca ha habido una historia oficial. Se sabe qué pasó pero no salió en el periódico, todo fue tapado. Fiction Records como un archivo de mentiras. Son cositas, quizá esnobismo intelectual si se quiere ver así pero yo más bien estaba clavado en lo gráfico y lo divertido de hacer cada pieza, en el oficio, y también en el significado, en el placer propio, como la masturbación.

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Creo que en el arte como en la vida o cualquier cosa cultural, entre más sabes más aprecias.

Esta pieza es una parte de El extranjero de Albert Camus, y también está basada en una portada de un disco de The Cure en el que viene la canción de “Killing An Arab”, porque Robert Smith se basó en la obra de Camus para hacer esa rola, que luego fue atacado porque creían que estaba en contra de los árabes y que era racista. Entonces es críptico pero tampoco lo es tanto; si alguien leyó a Camus y ha escuchado a The Cure no es tan difícil, y si no tampoco importa. Leer a Camus no está de más, y citarlo tampoco. ¿Qué hace Godard? Lo mismo. Hay escenas en el que va mostrando libros, y quizá no hayas leído esos libros, pero luego puedes leerlos y hacer la referencia.

Hay esa parte que provoca que el espectador averigüe.

Sólo incluiste un video.

Son varios que están en loop. Había pensado poner otro que mezclaba escenas de películas con música, pero decidí sólo retomar el gesto del cinema vérité y no usar los motivos, y usar motivos de la música new wave. Quería que fuera tamaño tele porque así vi estas imágenes originalmente. El video está muy deteriorado, lo hice con una camarita haciendo zoom en varias pantallas abiertas en la computadora, y así hacía paneos. Se ven sucias porque las consumí así. A México llegaban en calidad deficiente a una mala señal de televisión, luego vi los videos originales en perfectas condiciones mientras que yo siempre creí que la cuestión era justamente que la imagen estuviera deteriorada. También hay una cosa como de traducción, de cómo llegan las cosas, las traducimos y nos las apropiamos, las malinterpretamos o las reinterpretamos.

Después de hacer obra plástica ¿no fue un ejercicio demasiado pasivo hacer placas sobre pared?

Sí es un poco más tedioso. No hay esta cosa física que para mí es importante.

Con muchas de mis esculturas voy a un taller para hacerlas, interactúo con la gente y luego pasan accidentes que te replantean la pieza, y aquí te encierras en la computadora.

Durante el proceso de creación ¿tenías una idea preconcebida de lo que iba a ser cada una o las ibas creando al vuelo?

Tenía un planteamiento de la idea en general y luego empecé a recolectar imágenes, un diseño que me gustaba mucho por ejemplo, lo terminaba y lo empezaba a emparentar con cosas y se creaba algo. A veces no salía nada y lo dejaba guardado y después de un mes salía la idea. Muchas imágenes no se usaron, otras que pensé que no iba a usar las acabé usando. Mucho era de libros, fotos, de Internet. Muchas tienen grano porque las agrandé de la red.

Debes de tener entonces más placas, una especie de lados B. Sí, me gustó la idea de tener una serie de placas más privadas, como para coleccionistas, también con esa idea de la obra del underground, que sólo la vean unos cuantos. ¿Qué sigue?

Mi próxima expo es en agosto en la Casa Estudio Luis Barrgán. M

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o j i d o l s o n El tiempoa prueba (no viviente) es l o t n e l a t Nick Drakeun l e s e a de que a rcaos o y ot el destin .

TXT:: Humberto Polar

“time has “time has told told me me You’re You’re a rare, a rare, rare rare find” find” Como la gran mayoría de las personas que conozco, pasé todos los setentas y buena parte de los ochentas sin tener la menor idea de quién era Nick Drake. Considerando que Drake murió en 1974 quisiera poder decir que yo era tan avanzado e informado como para haberlo tenido siempre en la mochila cultural, pero sería mentira. Sólo fue hasta 1996 que lo conocí. Pero, bueno, se supone que Nick Drake, el “Mesías Unplugged” como lo llama Rodrigo Fresán, es un tipo que llega a tu vida como las canas o las convicciones. No te tienes que apurar en buscarlo. Él te buscará y te encontrará, aunque aparentemente durante su vida no hizo nada por encontrar lo que hoy las sanguijuelas de la mercadotecnia llamarían “una audiencia cautiva”. ¿Cómo conocí a Nick Drake? Lo recuerdo perfectamente. Fue durante una larguísima noche de excesos, en compañía de dos viejos amigos de la universidad, en una de mis esporádicas visitas a Lima. Hacia las 5 de la mañana empezó a sonar en aquel departamento el bordón de la sexta cuerda de una guitarra acústica, el primer acorde de la primera canción del primer disco de este nuevo personaje en mi vida. Quedé hipnotizado. “Time Has Told Me” irrumpió en mi (escasa a esas alturas) conciencia y me quitó de un golpe todo signo de enajenación. Hay pocas canciones que a lo largo de 44 años me han causado una reacción así de manera tan contundente.

Podría mencionar “All You Need Is Love” (que escuché por primera vez cuando tenía ocho años y también me petrificó), “Black Dog” de Zeppelin (a los 13), una pieza para piano y bajo eléctrico llamada “Ladies In Mercedes” a cargo de Carla Bley y Steve Swallow, el adagio de la “Sinfonía 10” de Mahler, que nunca fue terminada, y un remix de una horrenda canción de Katcha llamada “Touched by God” a cargo de Peace Division. Creo que si por alguna razón entrara en coma, cualquiera de estos cinco pedazos de música podrían ser empleados en mi terapia de recuperación con buenos resultados. Aquella noche Nick Drake se instaló permanentemente en mis habitaciones cerebrales y no se ha ido de allí para mi buena fortuna.

57 Por supuesto, el siguiente paso fue abocarme en conseguir Five Leaves Left a como diera lugar.

1996 era un año bastante incómodo para la piratería personal: no tenías cómo pasar un cd a cassette porque el cassette ya estaba muerto, y por otro lado no había iPod ni iTunes ni nada parecido a lo que cualquier cristiano tuviese acceso inmediato. La única opción era robarle el disco a uno de mis mejores amigos o recorrer el mundo hasta encontrarlo. Pedirlo prestado era un paso hipócrita e improductivo porque hubiera derivado en un robo por abandono que (no exagero) hubiese deteriorado una amistad de 20 años.

Los discos de Nick Drake aún no eran infaltables en las góndolas de las tiendas, como lo fueron a partir del nuevo siglo gracias a la decisión de Volkswagen de utilizar la canción “Pink Moon” en un anuncio, hecho que logró que Island Records vendiera en un año más discos de los que jamás vendió Drake en toda su corta vida.

No me fue fácil encontrar la joya buscada y tuve que esperar un buen tiempo. Creo que fue en la entrañable tienda Other Music, de la calle 4th entre Lafayette y Broadway, Nueva York, donde acabó mi búsqueda. De una vez compré Bryter Layter y Pink Moon y completé la discografía.

Nick Drake grabó oficialmente 31 canciones en su vida (fuera de algunos bootlegs) así que estudiar concienzudamente el canon completo de este artista no es tarea ardua. Es como leer a Rimbaud o ver el cine de Terrence Mallick: una buena tarde de concentración basta, y los aprendizajes te acompañan la vida entera.

No voy a hacer aquí un análisis de su música ni sus letras, menos de su peculiar biografía o su legado. Hay una infinidad de artículos mejores que éste para ello, y se pueden encontrar en una paciente hagiografía que el Internet hace fructífera si tienes las ganas y el tiempo. De pronto puedes empezar por www.brytermusic.com, sitio a partir del cual puedes iniciar tu propia red de conexiones para leer muchos, muchísimos buenos y malos artículos sobre este hombre alto, enigmático y narcisista que no pudo realizar en vida su máximo sueño: ser importante para alguien.

Lo que sí voy a puntualizar tiene que ver con la paradoja de Nick Drake. ¿Es real el hecho de que algunas personas creativas viven desfasadas del tiempo en el que les toca vivir? La música que Drake compuso es de una naturaleza atemporal, eterna, que no tiene comparación en sentido estricto. Estilísticamente, es claro que Drake no vino de la nada y tiene una deuda palpable con

Leonard Cohen, Bob Dylan, Bert Jansch y que en términos de mercadeo podría haber tenido un espacio en el gusto masivo de la manera en que lo tenía, por ejemplo, Cat Stevens. Aparentemente, la gente que confiaba ciegamente en su talento como el productor John Boyd o el músico John Martyn (o el mismísimo John Cale) no podían explicar intrínsecamente por qué Drake no “despegaba” en el sentido de tener una carrera musical según los estándares de la industria.

Lo atribuían a su hipertimidez, a su renuencia a tocar en vivo: aparentemente Drake no era feliz en los escenarios, y sus pocas presentaciones han sido descritas como algo doloroso de ver por la incapacidad del guitarrista/cantante en trazar un vínculo con su audiencia, aunque también hay testimonios fidedignos que hablan de grupos hipnotizados mirando en reverente silencio a este desgarbado personaje pulsar una guitarra de manera personalísima y cantar con perfecta afinación letras altamente poéticas, crípticas. Se ha asumido con cierta ligereza que Nick Drake tenía al mismo tiempo el enigma y la solución: simplemente el mundo no estaba listo para escucharlo. Pero, si nos ponemos en esa posición, alguien podría decir que el mundo nunca está listo para nada ni nadie. Somos una especie que propicia su destino, y en la selección natural los fuertes sobreviven.

Bajo ese criterio, Nick Drake es una fuerza vencedora. Como en una pandemia benigna, alguien empezó a reclamar la importancia de Drake hacia fines de los años 70 y el virus no dejó de propagarse. Estamos hablando de extremos del tipo Elton John/Robert Smith, Blur/The Mars Volta. Estos son años en que Devendra Banhart, José González, Sufjan Stevens y un largo etcétera son inmediatamente asociados con su influencia.

Influencia que resumiría en un minimalismo conceptual y sonoro, una austeridad altamente compleja y una especie de integridad no del todo bien definida. No está nada mal. Yo diría que a la música no le cae mal un poco de minimalismo, austeridad e integridad.

En lo personal, Drake es uno de mis héroes.

Pero no por su imagen moldeada a la luz del existencialismo francés, el romanticismo tuberculoso, las letras influidas por el simbolismo (ya he dicho en estas páginas que una de mis taras insuperables es que realmente no escucho las letras de las canciones hasta que soy obligado a ello) o el suicidio temprano. El pobre Drake ni siquiera califica para el Club de los Cadáveres

Hermosos de 27 años: siempre desfasado, se tomó aquellas pastillas a los 26 y quedó fuera de aquel parnaso idiota. De hecho, quedan las dudas sobre si su muerte fue accidental o premeditada.

Digamos que de una manera u otra, el tiempo del Drake material en este planeta se había acabado y había llegado el momento de su epifanía.

Las razones por las que Nick Drake es uno de mis héroes son: a. porque afinó y tocó la guitarra realmente como le dio la gana. b. porque contrató a su amigo Robert Kirby para que hiciera los arreglos de cuerda en “Five Leaves Left”. Dos decisiones tan fundamentales como para regresarme de un coma. Son su guitarra y los arreglos de su primer disco los que nunca me dejan. Que el tiempo haya dicho que Nick Drake es uno de los grandes artistas de la historia es agradable. Pero no nos confundamos: las razones son demasiadas como para simplificarlas en un sólo enigma. M

DiscografIa: Five Leaves Left Island Records 1969

Bryter Layter Island Records 1970

Pink Moon Island Records 1972

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Escena incรณmoda sobre las promesas del nuevo cine (Un diรกlogo) TXT:: Pablo Segovia.

59 Rompiendo el silencio.

– ¿Has visto Reprise de Joachim Trier? Es una película sin artificios ni poses acartonadas, sincera, ágil, con una realización tan sencilla e inmediata que su estética rezuma esa frescura que tanto se echa de menos en el cine de hoy en día, es un gran ejemplo de que el cine puede ser entretenido y didáctico al mismo tiempo, una recuperación del espíritu de la Nouvelle Vague para los tiempos actuales. ¿El resto del cine? glamour, Lo que el viento se llevó, efectos digitales y preciosismo por el preciosismo, filas interminables de espectadores frente a las taquillas. Son sólo las maneras de un espectáculo embrutecedor y vácuo que en nada se diferencia de un circo romano…

El otro rompe su silencio.

– ¡Qué me estás diciendo! Tiene una sola película, no ha demostrado nada… pero claro, ya estamos con el avant garde: cámara en mano y bajo presupuesto contando lo que piensan los que piensan como él, y a todos los intelectuales se les cae la baba añorando París en mayo del 68, donde nunca estuvieron... seamos serios. ¿Que viene de Noruega? ¿qué me puede importar a mí lo que pase allí? Escucha bien: Zack Synder, él es el futuro.

– ¿300 y Xmen?

– ¿Te parece poco?… el cine ya no sabe qué contar, y más grave aún, tampoco sabe cómo contarlo, y este director ha entendido el camino a tomar. El cómic... No ha sido el primero ni lo ha descubierto él, pero nadie se lo ha tomado tan en serio, ni ha profundizado más… él no adapta viñetas a la pantalla, hace una simbiosis entre las esencias narrativas y visuales de cada uno, y el resultado es puro cine y puro cómic en un solo formato de expresión… Además, llevamos un siglo calificando simple teatro filmado como obras maestras cinematográficas…

– Pareces no acordarte que el cómic alcanzó su máxima expresión cuando adaptó las viñetas, los encuadres, los diálogos y los primeros planos del cine... Las películas de Synder no son un paso adelante, son un paso atrás… ¡Mira!… si vamos a discutir sobre la forma y no tanto del contenido, ahí está Carlos Reygadas...

– Japón, Luz silenciosa… ¡Ufff!

– ¡No!, no te cierres, su cine parece nacer de la tierra, palpitar como los cien millones de mexicanos, nos muestra el sol saliendo

y ocultándose cada día, que la noche posee su luz, que el silencio existe y las personas sienten, piensan, sin necesidad de expresarlo en verborreas interminables y diálogos de sordos, que los feos también hacen el amor, parece todo tan obvio, qué necesidad hay de filmarlo ¿no?, pero, ¿quién lo había hecho antes como él lo hace? Dotar de una visualidad tan estilizada algo tan cotidiano y explicito, obtener de composiciones tan perturbadoras, incluso vulgares, una armonía, una poética de la forma.

No puedes evitar pensar en lo que ves como algo tan cotidiano como hermoso…

– Tú lo has dicho, es tan obvio que para qué… para qué he de soportar una imagen de la vida, por muy real y hermosa que se me muestre, si tengo la mía propia, quizás más prosaica, pero más cercana y sentida… a Carlos Reygadas le diría: “anda, cuéntame algo que no sepa”.

Y estableciendo una comparación inevitable, prefiero ver y escuchar a Jaume Rosales…

– Un campo de patatas como estética…

– Pero muy fiel a sí mismo, tanto que nunca te engaña… cuando en Las horas del día narra la vida cotidiana de un asesino en serie, eso hace… la cual no se diferencia mucho de la tuya cuando no tienes la nariz pegada al suelo… ¿O siempre estás así?. En La soledad los personajes no dicen que están solos, simplemente son retratados en su soledad... con Un tiro en la nuca no juzga al personaje por utilizar ese método tan expeditivo para tener la razón, sólo muestra alguien que ha elegido esa forma de raciocinio, si incomoda la visión de sus películas, no es por el argumento en sí mismo, es por la forma de exponerlo, tan sobria, distante y seca, en su máxima esencialidad… te guste o no, llega a convencerte de ser esa la única manera que él tiene de contarlo…

– Cuando mires hacia otro lado que no sea a esa pared que tienes delante, fíjate en un cura, en su discurso recio y automático, cómo hablan con esa condescendiente mirada de quien se cree en posesión de la verdad… ¿sí?, a ellos me recuerda el cine de Rosales, tan frugal, tan disciplinado, tan falto de… no sé… deseos concupiscentes, diciéndote: “eres libre de hacer lo que quieras, pero ya sabes que yo siempre estaré aquí, esperándote, porque yo soy la única verdad”.

Prefiero, llegado el caso, a Todd Solonz y su cine de eterno inadaptado, que sufre maltrato en el

trabajo, a quien las chicas escupen, y aún así se masturba todas las noches pensando en ellas.

– Te doy la razón. Happinness o Palindromes tienen su mérito… ser ignorado, siquiera insultado, sino ignorado por abofetear al mundo en cada película que haces, definirlo como un lugar hipócrita y cruel, mantenerte en tu forma de entender el cine, la vida, y no escarmentar de que parezca que nadie te escuche es algo para lo que se requiere bastante valor y fe en uno mismo… no como Park Chan-Woo …

– ¿Qué quieres decir?

– Old boy es una de las mejores películas de los últimos cinco o diez años, ser capaz de relatar una violencia tan extrema en una atmósfera oscura y decadente, con el tono y la sensibilidad de una tragedia universal, tensaba las emociones hasta donde pocos directores se lo han permitido, era una opera de ángeles y demonios cantando sus bienaventuranzas y sus maldiciones en perfecta armonía, no era una promesa, era una realidad, un nuevo genio tras la cámara, y eso se podía pensar hasta su siguiente película, I’m a Cyborg (but that’s ok), una historia de amor en un manicomio, cursi, pretenciosa, con una estética de Barbie y Ken perversos, lo tenía en su mano y lo tiró por la borda, !no lo entiendo!

– ¡No!, no lo entiendes, son las constantes de una trayectoria que evoluciona sobre los mismos temas y obsesiones una, otra vez, la venganza por la violencia, la redención por la culpa, el destino inexorable, tal vez nuestra retina quede seducida por sus coreografías de la brutalidad, pero tras ellas hay una profunda concepción del ser humano como un animal rabioso, lleno de resentimiento hacia el mundo y hacia sí mismo, buscando un poco de ternura para poder convencerse del todo que estaba equivocado…

I’m a Cyborg es la confirmación de Park ChanWoo como una de las más firme y sinceras, prometedoras realidades que tiene el cine hoy en día…

– ¿Y Tarantino? También, pero como eterna promesa…

Silencio.

Uno permanece arrodillado con la nariz pegada al suelo. El otro, con la mirada fija en la pared, sin parpadear.

Fin de la escena. M

60

TXT:: Raúl Burguete.

Sobrevivió a un campo de concentración japonés durante la Segunda Guerra Mundial, estudió medicina sin graduarse, fue piloto aviador, periodista y portero del teatro inglés Covent Garden; facetas que vivió para llegar a ser considerado un gran visionario del presente y del futuro, James Graham Ballard (Shangai, 1930), escritor y cuentista, murió el pasado mes de abril por un cáncer de próstata a los 78 años de edad y dejó como testamento un sin fin de obras literarias, testigos impresos que narran y reflejan nuestra vida actual con gran precisión, críticas devastadoras que pocas veces se pueden leer en un libro.

Al igual que un médico forense capaz de hacer una autopsia y explicar el porqué de una muerte, Ballard era reconocido por su gran capacidad de diseccionar el presente, el pasado y el futuro del comportamiento humano; era capaz de trazar un mapa cuyas líneas marcaban una advertencia de lo que se avecinaba: el cambio social. Éstas señales corresponden a las patologías más perversas y a los sueños más bizarros; todo reducido a un adjetivo, “ballardiano”, palabra que acuñó el Collin English Dictionary como: Ballardiano: 1. Referente a James Graham Ballard (2) que se parece o sugiere las condiciones descritas en los relatos o novelas de Ballard, esp. La modernidad distópica, los desoladores paisajes creados por el hombre y los efectos psicológicos creados por el desarrollo tecnológico, social o ambiental.

El pasado Su historia en la literatura comenzó con la publicación de su semi-autobiográfica novela, El imperio del sol, que años después fue llevada al cine en manos de Steven Spielberg (EUA. 1946), donde narra su estadía en el campo de concentración japonés durante su infancia. Una novela bastante convencional y suave para lo que años después iba a publicar en 18 colecciones de relatos, 19 novelas, y dos compendios de ensayos.

Todo esto lo llevó a ser considerado como uno de los máximos exponentes de la ciencia ficción y un gran precursor del cyberpunk, Ballard no dejó de abarcar otros géneros literarios; la fantasía, la novela de postguerra, la novela especulativa y posmodernista, la necro-tecno-pornografía, la novela de misterio, negra y policíaca.

Pasando de género en género con gran violencia, creó un sello característico que lo diferenció de cualquier otro gran autor, como Philp K. Dick o Kurt Vonnegut, ya que logró hacer lo que él llamaba, una “mitología del futuro”; consistía en analizar de qué forma la tecnología articula y transforma los impulsos de la gente, una colección de imágenes, iconos, patologías y obsesiones, resultados de la segunda guerra mundial, nuevas perversiones en un mundo disfrazado.

Sus aproximaciones y profecías lo introdujeron a un mundo que estaba disfrazado por la cultura del entretenimiento, el adiestramiento del lenguaje, las buenas costumbres, la moral disfrazada, la publicidad, esto era su presente, una radiografía que carecía de espíritu y que provoca en el lector reacciones que lo acercarían a su humanidad.

¿Y el futuro?

En cuanto al futuro, Ballard comentó: “hasta donde puedo ver, la ciencia ficción ha perdido ese sentido de lo nuevo, porque sus visiones se han materializado entre nosotros. Las damos por hechas. El futuro imaginado por la ciencia ficción ahora es nuestro pasado y el resultado es que probablemente llegue a su fin natural”.

El presente y el futuro más cercano.

Si ojeamos un periódico y tomamos diferentes noticias al azar, podríamos encontrarnos con encabezados y noticias idénticas a las novelas de Ballard; en sus primeras cuatro novelas narra la destrucción del mundo por elementos naturales, el aire en El viento de la nada, el agua en El mundo sumergido (1962), el fuego en La sequía (1964) y la tierra en El mundo de cristal (1966). Esta tetralogía son sus máximas obras dentro del género de la ciencia ficción, lo demás pertenece a otros géneros.

Escrita en 1972 a la sombra de grandes cambios políticos y sociales, nació la distopía más famosa de Ballard, la obra Crash, una obra fría y obsesiva que cuenta el deseo de un personaje por emular accidentes automovilísticos, experimentándolos en carne propia. Los accidentes descarnados son mezcladas con una tonalidad sexual de muy alta coloración. Una gran metáfora del resultado del impacto visual que se tenía ya con la televisión, por la violencia y el sexo explícito que comenzó a despertar nuevas perversiones sexuales; como el deseo por los cuerpos imperfectos, las cicatrices, el dolor y el placer de portar prótesis ortopédicas que funcionarán como prolongaciones de nuestros cuerpos y a la vez fueran participes de un acto erótico. El inicio del prólogo comienza así: “El matrimonio de la razón y la pesadilla que dominó el siglo XX ha engendrado un mundo cada vez más ambiguo”.

61 El ser humano no tiene que estar cómodo. Necesita tensión estrés e incertidumbre.

Llevada al cine en 1996 por David Cronemberg (Canadá, 1943) la cinta, fiel a la novela causó un fuerte impacto en la industria cinematográfica, víctima del escándalo duró muy pocos días en cartelera, los distribuidores sentían que era una ofensa a la moral del público y el intento por llevarla a la censura terminó logrando que se distribuyera únicamente en video, así la histeria de quienes controlan la información era la gran triunfadora, sin darse cuenta de que lo que estaban haciendo era manifestar en actos las palabras de Ballard: “un intento por confrontar a un universo sin sentido al desafiarlo en su propio juego”.

Esta novela formó parte de la llamada trilogía urbana, Crash (1972), La isla de cemento (1974) y Rascacielos (1975), obras que muestran los rituales obsesivos que tienen las ciudades; el culto al dinero, al poder, la fama, el dominio, la tecnología y el sexo. Adjetivos que subrayan el mundo occidental sin concesión alguna.

En 1996 inicia otra trilogía formada por Noches de cocaína (1996), SuperCannes (2000) y Milenio Negro (2003), los escenarios de estas novelas difieren una de otra. En la primera las urbanizaciones para jubilados ricos y aburridos que disfrutan del sol y la playa en un universo creado para el descanso, hasta que alguien comienza a provocarlos y a darles una razón para salir de su eterno descanso. En la segunda, los polígonos industriales y en la última, los suburbios de la clase media. Una crítica desgarradora, donde utiliza temas como la violencia, el terrorismo y la adicción al trabajo. Pero más allá de esto, intenta explicar que no existe un sentido en el mundo, que las respuestas no están presentes y que hay un vacío intocable, infinito y desesperante, ya que el futuro se distingue por el aburrimiento y la estabilidad.

En Milenio Negro, la clase media es el nuevo proletariado, aburrido y controlado, pero “se supone que el ser humano no tiene que estar cómodo.

Necesita tensión, estrés e incertidumbre” escribió Ballard en esta novela.

Ballard era amante de la arquitectura, de los cementerios de autos, de la sexualidad desenfrenada, de los desiertos, de los hoteles abandonados, de la aviación, del sinsentido, del surrealismo… En febrero de 1984 publicó un credo para una revista francesa, en la que señalaba sus obsesiones y creencias; creía en las razones, en la furia y en las alucinaciones, era una carta tan larga que uno puede comprender su mundo lleno de universos paralelos en los que cada personaje que el construía eran extensiones de sus peores perversiones. Lo único que él quería era crear inseguridad para tener una cita con la revolución.

Bajo cada una de sus novelas existe un compromiso implícito; a pesar de estar en medio de una cultura catastrófica, a pesar de la pérdida de lo humano y a pesar del descontrol de los medios, de la tecnología y del poder, siempre existirán promesas para el futuro y las palabras de Ballard explotarán, de una u otra forma, en el inconsciente de quien lo lea. M

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Nuevo SEAT Ibiza Sport Coupé Dos PuERTAS A LA SEDUCCIÓN

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TXT:: Humberto Polar. FOT:: cortesía Andy Dábula.

Los seguidores serios de la escena electrónica iberoamericana conocen sin duda a Dancelatinoamérica, uno de los portales más constantes y que más ha trabajado por crear una comunidad real de fanáticos y conocedores del techno y el house hecho en esta parte del mundo.

Lo que pocos saben es quién es el cerebro y el corazón detrás de ello. Se trata de Andy Dábula, un excelente DJ que ha decidido asentarse por un tiempo en la Ciudad de México y contribuir con su talento y energía al crecimiento de nuestra escena. Andy es ahora residente del club AM Local y nos cuenta en sus palabras algo de su vida y proyectos. Que nos sirva de inspiración.

67 SOBRE LA MÚSICA EN MI VIDA Mi historia con la música data de muy pequeño, absorbiendo todo lo que mis hermanos mayores escuchaban, comenzando a mis tempranos 14 años a grabar en cassettes los temas que me gustaban de los charts radiales, los que posteriormente utilizaba para musicalizar las fiestas de 15 años de mis compañeros de escuela.

Si bien no estaba directamente relacionado con la música electrónica, esos fueron mi primeros pasos como “deejay”. Luego vendría mi participación como cantante en varias bandas durante mi adolescencia, desde hardcore - trash, hasta rock y pop.

Una vez finalizado mi bachillerato, ingresé en el Conservatorio Nacional Manuel de Falla para estudiar piano, intercalándolo con estudios de etnomusicología, canto y percusión.

Creo que la correspondencia entre la ceremonia del rito primario en las tribus originales con sus ritmos repetitivos, mantras y sustancias modificadoras de estado es hoy en día lo que se experimenta en las fiestas de música electrónica, donde el “deejay” oficia de guía musical, transitando diferentes estados y climas. Esa fue la trancision natural que viví también desde mi faceta de músico, al que actualmente desempeño como “deejay”.

Luego vendría mi auto–exilio a Barcelona, España en el 2002 donde residí por 4 años y posteriormente mi desembarco en Latinoamérica, donde hace 4 años trabajo ininterrumpidamente viajando con mis tours, presentando en cada ciudad los eventos de Dancelatinoamerica.com y en el 2008 llevando adelante el programa de becas de Ableton Live y Sónica Escuela de Música en modalidad e–learning.

SOBRE EL MOMENTO DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA La música electrónica me permitió viajar en formato reducido, sin la necesidad de mover a EtnoTronic, la banda con la cual edité dos discos en Europa, combinando músicas de diferentes culturas con ritmos y recursos electrónicos tocados en tiempo real con 5 músicos en escena.

Los costos y requisitos técnicos de rider, sonido y escenario restringían mi movilidad a la hora de poder aceptar tours y tocadas en diferentes países, por lo que decidí dedicarme a producir en formato solista y tocar como “deejay”, utilizando también recursos de live vocals y efectos para acompañar mis presentaciones.

El interés por la música electrónica en los diferentes países es cíclico; como todo proceso natural, la música sufre también los cambios que el mercado y las costumbres ejercen sobre cada cultura debido a factores diversos que van desde la crisis económica global, los cambios de formatos de distribución y comercialización, los monopolios en los medios de comunicación que ejercen su influencia y marcan su propia tendencia para favorecer sus intereses, los propios promotores que descuidan o incentivan al público en sus eventos y los vaivenes de las modas para nombrar algunos.

Actualmente Latinoamérica está en uno de sus mejores momentos históricos en relación a la música electrónica. Las escenas están más consolidadas en cada país, hay muy buenos productores musicales locales marcando su huella a nivel internacional, ofreciendo un producto único en identidad y calidad, lo que se ve reflejado en el gran interés de sellos extranjeros por fichar artistas del continente. A su vez el repentino interés de promotoras y agencias de booking extranjeras por posicionarse en Latinoamérica deja en claro una realidad más que evidente.

+ info: www.myspace.com/andydabula

De todas formas creo que aún hay mucho trabajo por delante en cuanto a organización, logística y desarrollo en cada país.

SOBRE MI CAMBIO A MÉXICO México tiene históricamente una riqueza inabarcable a nivel cultural, más allá de la música electrónica. Hay mucho que disfrutar en este país, y creo que es un destino donde puedo aplicar mucho de lo aprendido a través de mis experiencias en el resto de Latinoamérica y Europa, absorbiendo aquí a la vez lo máximo posible para volcarlo en mis producciones. Me interesa la posibilidad de sumar y poder ayudar a consolidar la escena local ya sea desde mi relación con Dancelatinoamerica.com como así a nivel local en cuanto a organización y proyección de lo que aquí se genera tanto en el AM de Condesa como así en otros proyectos paralelos.

SOBRE VIVIR COMO MÚSICO ELECTRÓNICO No tengo duda alguna de que es posible hacer una carrera con el dance music siendo latinoamericano. Mi propia experiencia me lo ha demostrado en carne propia. Con mi nuevo proyecto AUDIOFILLIA en sociedad con Daniel Jaramillo de Ecuador, acabamos de editar en prestigiosos sellos internacionales como Soma Records UK y Circle Music de Alemania, tanto en formato vinilo, como cd y digital.

Creo que los latinoamericanos contamos con una identidad cultural única, ofreciendo una cosmovisión inigualable y particular que se ve reflejada a la hora de la creación. Como alguien dijo en algún momento, “ el cielo es el límite”.

Ejemplos de artistas latinoamericanos que triunfan en el exterior hablan por si solos: Ricardo Villalobos, Gui Boratto, Hernan Cattaneo, sólo por nombrar a los más conocidos. Creo que cada uno de los artistas que vive por y para la música y hace su propia carrera sin tener el éxito y reconocimiento de los antes mencionados, pero siendo feliz con sus propios logros, ese también es un gran ejemplo a tomar en cuenta.

SOBRE MI GUSTO EN LA MÚSICA Sinceramente es muy variado, no hay un orden aparente en cuanto a mis gustos musicales........de Tchaikovsky a Sigur Rós, pasando por Bebel Gilberto, Dead Can Dance, La Mala Rodríguez o Piazzolla. Por lo general intento no subir mucho el bpm… estoy en un momento en el cual si escucho música fuera de lo laboral, lo hago como una forma de relajación y disfrute.

SOBRE GESTAR UNA COMUNIDAD Dancelatinoamerica nació como una comunidad de personas interesadas en la música electrónica en Buenos Aires, ampliándose rápidamente al resto de Latinoamérica. Los últimos 4 años los dediqué a promocionar el portal en las principales ciudades del continente, haciendo un trabajo de campo sin precedentes, relevando las escenas locale s de cada país, productores, clubs, sellos, promotores, festivales, etc. Todo este trabajo se vio volcado en las diferentes secciones del portal, abriéndome muchas puertas y dejándome un sinfín de experiencias en mis viajes que nunca olvidaré. Como dice el refrán, “la unión hace la fuerza”. Todo se hace más fácil si se proyecta a nivel comunidad, uniendo esfuerzos, experiencias, visiones y sueños. Tiene sentido para quien realmente lo siente y lo vive.

Hace falta creer en ese sueño e intentarlo, allí es donde esta el verdadero aprendizaje y eso creo que tiene sentido en esta vida. M

www.dancelatinoamerica.com

www.escuelasonica.com.ar

www.amlocal.com

música 3x1

68

Dan Deacon

Fever Ray

Datarock

Fever Ray

Red

Nettwerk

★★★★

★★★★

★★★

Éste es el proyecto de Karin Dreijer Andersson, la parte vocal de The Knife, dueto que en el 2006 hizo a todo el mundo voltear de nueva cuenta a Suecia por haber creado un sonido auténtico, extraño, pero a la vez hipnotizante, como el soundtrack de una dulce pesadilla. Con este disco Karin puede entrar fácilmente a la lista de “mujeres de culto” como PJ Harvey o Björk por tener un sonido único que es ampliamente explotado. Gran parte del encanto de este álbum es su voz, que bien podría haber sido sacada de un rito pagano, eso cuando no usa los filtros que usó con The Knife, donde baja el pitch para darle ese toque enigmático y asexual. Un primer y excelente acercamiento a esta producción son los videos de “If I Had A Heart” y “When I Grow Up” que encapsulan a la perfección la vibra de Fever Ray. Su gira ha comenzado y Karin ha dicho en varias entrevistas que el nuevo personaje de Fever Ray es algo totalmente distinto a lo que hizo en The Knife, pero que se siente más cómoda por no tener que usar una máscara. Por lo pronto, mientras termina la promoción, ella se encuentra produciendo junto con la otra mitad de The Knife una ópera basada en la vida y teorías de Charles Darwin… habrá que echarle un buen ojo. TXT:: Andrés Díaz.

Hace más de 3 años que los noruegos de Datarock nos sorprendieron con su disco debut, el cual se identificaba por su sentido del humor (si así podríamos decirle), su sexy–funky forma de tocar la guitarra y por usar unos trajes deportivos rojos, mismos que fueron la inspiración para el nombre de su segunda producción. El disco está inspirado (según el vocalista Fredrik Saroea) en un post de su MySpace, en la era musical de finales de los 70 y principios de los 80, ya que en esa época fue cuando los músicos realmente estaban empezando a acuñar el término pop. Sólo piénsenlo: por un lado los punks sacaban mantas que decían “disco sucks” haciendo que éste género se reinventara por medio de los sintetizadores. Se nota que al salir de gira durante estos 3 años de espera perfeccionaron su forma de tocar y, al igual que Franz Ferdinand, decidieron dejar a un lado ese toque “cómico” (como el que reflejan en el video del sencillo “Give It Up”, el cual es una parodia de “Beat It” de Michael Jackson) al madurar su sonido. El contraste lo lleva la baladita “New Days Dawn” o “Amarillion”, ambas dan variedad respecto de lo que nos tienen acostumbrados. Al terminar de oír el disco uno se queda con la duda: ¿prefiero a una banda más madura o más divertida? Prefiero la segunda. TXT:: A.D.

Pocos proyectos como el de Dan Deacon pueden combinar lo artístico, lo humorístico y hasta lo intelectual; una mezcla difícil de lograr pero que al escucharla le das todo el crédito. Deacon estudió en el conservatorio del colegio de Purchase en Neva York especializándose en la música electrónica y electroacústica, y actualmente forma parte del colectivo artístico de Maryland titulado Wham City, con el que realizó un show audiovisual llamado Ultimate Reality en el que musicalizaba loops de varias películas de Schwarzenegger. Cachó mi atención al verlo en Coachella cuando se bajaba con todo y sus controles con el público creando una traducción coreográfica de su música, mientras daba instrucciones al público para moverse de un lado a otro emulando la época de su primer disco Spiderman of the Rings, el cual era, en palabras del propio Deacon, como un dulce que disfrutas mientras lo pruebas. Este segundo disco es el mismo dulce pero con efecto secundario, ya que incorporó varios instrumentos en medio de enredosos ambientes electrónicos que agilizarán tu inteligencia auditiva. Recomendable la experimental “Wet Wings” que samplea al infinito la canción folk de “The Day is Past and Gone” de Jean Ritchie. Para los shows de esta gira estará haciendo audiciones en cada ciudad donde se presente para que toquen con él. TXT:: A.D.

The Knife: Silent Shout. Posiblemente uno de los discos más interesantes de la década.

Aphex Twin: Select Ambient Works Vol. 2. Una obra maestra de lo ambiental.

Björk: Medúlla. Su disco más sencillo y experimental.

Datarock: Datarock Datarock. “Computer Camp Love” pudo haber salido en Vaselina sin problemas.

Dukes Of Windsor: Minus. Una nueva y excelente banda de rock australiana.

Micachu & The Shapes: Jewellery. El resultado de mezclar a Animal Collective con Foals, Hot Chip y objetos caseros como instrumentos.

Mute

Bromst Carpark

Four Tet: Rounds. Crea un balance tan particular de sonidos orgánicos y programados.

Cornelius: Sensuous. Esperemos que recuperen la presentación cancelada en el DF. Battles: Mirrored. Progresivo en el siglo 21.

69 Passion Pit

Ojos de Brujo

Manners

Aocaná

Frenchkiss

★★★

Warner

Passion Pit es un ejemplo más de cómo una banda, en relativamente poco tiempo, surge, crece y se vuelve un candidato a la revelación del año. Esto conlleva varios riesgos, ya que se vuelven como unas “palomitas” que sólo duran mientras la mecha se apaga. Son de Boston y crearon una buena combinación de electro y rock, lo cual se ve reflejado en su brillantísimo EP Chunk of Change, lanzado a casi un año de su creación, el cual le hizo ruido en el medio bloggero por la canción “Sleepyhead”, en la que el falsetto del vocalista Michael Angelakos le da un toque muy especial, llevándolos al mundo publicitario para adornar uno que otro comercial.

Ahora lanzan su primer material en forma en la que aparece esta canción, tal vez como para decir “¡lo logramos!” o para darle un plus a los fans que apenas los están masticando. El primer sencillo es “The Reeling”, igual de buena que “Sleepyhead”, en donde un coro de niños ahora le da ese toque distinto.

Otro buen candidato para sencillo es “Folds In Your Hands”. Qué lástima que cancelaron su presentación en el MXBeat, pero afortunadamente cuado ahora sí vengan, tendrán un buen material para mostrarnos en vivo como lo hicieron en el SXSW o lo harán en algunos festivales de verano. TXT:: A.D.

★★★★

Silversun Pickups: Swoon. No suenan normales para una banda del 2000, pero sí para una de los 90.

Friendly Fires: Friendly Fires. Un buen conjunto de rock y electro bailables.

Phoenix: Wolfgang Amadues Phoenix. Suenan muy parecidos pero, ¿a quién le importa? Suenan muy bien.

Give me fire Universal

★★★★ Definitivamente el trastorno bipolar es una mal de esta época, pero aquí nos encontramos ante una banda que padece de personalidad múltiple. Un caso grave si consideramos que ya no son unos novatos –van en su quinto disco–. La principal loza que llevan a cuestas es la influencia demasiado pesada de Franz Ferdinand –con quienes pasaron largo tiempo de gira–.

A ratos se vuelven U2, luego The Bravery y así sucesivamente, lo que lastra el trabajo de estos suecos, que si de algo no padecen es de falta de intensidad. Se vuelcan en un rock de tintes electrosos que rinde pleitesía a la música de baile de distintas épocas.

Pretendieron hacer de su álbum un manual de cómo hacer un disco de rock políticamente correcto, pero le falta vida. De que suenan actuales no hay duda, la cuestión es que su personalidad se difumina y por querer ser tantos otros terminan por ser nadie. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Franz Ferdinand: Tonight. Tanta cercanía los llevó a convertirse prácticamente en clones de los británicos U2: No Line On The Horizon. La leyenda de los irlandeses ejerce demasiado magnetismo sobre los nórdicos.

Mando Diao: Ode to Ochrasy. Otro de los intentos por hallar su personalidad musical de parte de los nativos de Borlange, Suecia.

Si Barcelona es la perla del Mediterráneo, esta banda es el collar en que está engarzada. Desde hace años que su mixtura de flamenco, electrónica y otras hierbas engrandece el ambiente de su ciudad multicultural.

Marina “La canillas” había optado por detener el trote del combo pero ha regresado con energías renovadas con este Ahora (Aocaná en caló gitano). El disco representa una vuelta a la rumba, género que les es natural, pero con perceptibles influencias de los ritmos latinos traídos por Carlitos (trompetista y esposo de Marina); siempre elegante es el trabajo guitarrístico de Ramón Giménez y DJ Panko se muestra más sabio y contenido, pero ello no resta al disco nada de la potencia y la prodigiosa ejecución que los define. Ahí sigue su vena política (“Una verdad incómoda”) y “Baraka”, un tango–bolero sobre el drama de la inmigración clandestina. Con su arte romaní se hacen acompañar del rapero Tote King, el gran Chano Domínguez al piano, el flamenco Duquende y la legendaria orquesta cubana Los Van Van. Son cubano, bulerías, chispazos electrónicos, reggae, funk y hasta sonidos hindúes (de parte de Katana College of percussion) confluyen en un disco que tiene en “La rumba del adiós” su punto más alto. TXT:: J.C.H.

Ojos de Brujo: Techarí live. Todo el esplendor y la exuberancia de la banda sobre un escenario; buena parte de su fama la deben a su directo.

Muchachito Bombo Infierno: Visto lo visto. Otra exponente de este tipo de mestizaje: callejero y festivo a más no poder.

Enrique Morente y Lagartija Nick: Omega. Obra maestra del entrecruzamiento entre rock y flamenco. Letras de Leonard Cohen y poemas de García Lorca.

música 3x1

Mando Diao

70

música 3x1

Pet Shop Boys

Super Furry Animals

Peaches

Dark Days/Light Years Rough Trade Records

★★★★

Yes

Astralwerks

I Feel Cream

★★★★

XL Records

Probablemente una de las bandas menos valoradas en los tiempos que corren, pero sin los cuales no podriamos disfrutar de los éxitos de bandas como Empire Of The Sun, Friendly Fires o Cut Copy, quienes directa o indirectamente toman elementos propios a un estilo musical que estos ingleses han perfeccionado a lo largo de los casi 30 años que tienen de trayectoria.

Brian Higgins, gurú del new wave, se encuentra en la producción de este que es el décimo álbum de estudio de los Pet Shop Boys. Lleno de vocales empalagosas y secuencias ochenteras, Yes es un disco que los amantes nostálgicos del género atesoraran y que los iniciados podrán tomar como excelente bienvenida al sonido de Neil Tennant y Chris Lowe, los Pet Shop Boys, son sin duda una de las pocas agrupaciones que se pueden parar junto a Depeche Mode o New Order.

Lo bueno: los cortes “Love Etc.”, “Did You See Me Coming?” y “More Than A Dream”.

Lo malo: tal vez no te sorprenda pero sí te deje viendo el “cuadro completo”. TXT:: “El Jergas”.

★★★

Depeche Mode: Violator. New wave inglés, no hay más que decir.

Pet Shop Boys: Very. La primera parte de Yes. Friendly Fires: Friendly Fires Los que siguen en la fila.

Lady Sovereign: Public Warning. Beats y rimas que hacen mover las caderas femeninas y abrir bien los ojos masculinos.

Fischerspooner: Odyssey. Para seguirse en el mismo canal. Electroclash. 2005.

Tiga: Ciao! Compatriota de Peaches. Beats densos y pegajosos.

Para su quinto disco, esta canadiense decidió que su único objetivo sería el incitarnos a la pista de baile, cosa fácil de descifrar sin siquiera escucharlo, basta saber que Simian Mobile Disco, Soulwax y Digitalism, tres nombres que pueden usarse como sinónimo al término “pista de baile”, son los encargados de la producción, siendo los primeros descritos quienes tienen más peso sobre el producto final.

La sensualidad y lujuria siguen latentes en las líricas de Peaches, mientras que el rap al que nos tenía acostumbrados ha quedo relegado a segundo plano por la presencia de beats, lo cual a simple vista podría parecer un acierto, sin embargo, son estos mismos los que pueden causar que este buen disco se pierda entre tanto electro blog que impera en la red estos días. Un poco de tiempo decidirá si I Feel Cream se vuelve una referencia o se torna borroso al querer recordarlo.

Pongan atención a los cortes “Talk To Me”, “Mommy Complex” y “I Feel Cream”. TXT:: “El Jergas”.

Comandados por Gruff Rhys, los Super Furry Animals regresan a la escena musical con su novena producción de estudio, Dark Days/Light Years, disco que inició su proceso de gestación mientras los galeses grababan Hey Venus en el 2007. El tema de apertura “Crazy Naked Girls”, así como el de cierre “Pric”, son un ejemplo majestuoso del sonido piscódelico proyectando sonidos y distorsiones en sus casi 17 minutos que suman en conjunto.

El resto del DD/LY comprende grandes canciones que juguetean más con el aspecto pop pero que a la vez están formadas por complicadas capas de sonidos múltiples, en la increiblemente titulada “The Very Best of Neil Diamond” se incorporan ambientes hindúes; en “Inaugural Trams” se hace uso de los sintetizadores melosos, y de la voz prestada por Nick McCarthy de Franz Ferdinand para pronunciar frases en alemán que nos refieren a Kraftwerk.

El baterista de la agrupación, Dafydd Leuan, declaró a un medio inglés que los SFA han vuelto con este disco porque querían seguir con lo que les hace felices, que es crear música. Si es así oremos por la eterna felicidad de este quinteto para así garantizar que nuestro oído siempre será bien tratado. Gran disco para continuar con la colección o explorarles si es que no se les conoce. TXT:: “El Jergas”.

The Bees: Octopus. Gran disco. Psicodelia de esta década.

The Flaming Lips: Yoshimi Battles The Pink Robots. Capas y capas de sonido. Vocales sumergidas en ecos.

Neon Neon: Stainless Style. Proyecto de Gruff Rhys al lado de Boom Bip. Sonido ochentero.

71 Asobi Seksu

Brain Cycles

Hush

Polyvinyl Records

★★★

★★★★

★★★

El 2007 vio llegar el enorme debut homónimo de esta banda. Quizá la saturación mediática de dicho año no permitió que los reflectores apuntaran hacia Iowa, atípico lugar de donde proviene este grandioso conjunto de psychedelic blues. Grave error tomando en cuenta el potentísimo sonido de Radio Moscow. Humo, luces tenues, riffs gordos e inmensos solos dan tonalidad a este rock & roll.

Para su segunda placa titulada Brain Cycles, el líder Parker Griggs asume la producción. Se trata de un músico cuyo nombre debemos recordar, ya que además de ser voz y guitarra de la banda, se encarga de la batería en los trabajos de estudio.

Enterarse de los roles de Griggs mientras se escucha Radio Moscow por primera vez lo convierten en insólito. Sugiero la desenfrenada “No Good Woman” a todo volumen (y audífonos para apreciar los paneos, texturas y reverbs).

Radio Moscow es un buen hallazgo listo para reventar endorfinas desde el garage hasta cualquier arena del mundo. TXT:: Luis Clériga.

Una dulce sensación produce la nueva entrega de estos neoyorquinos: dream pop con la herencia que tiene la mezcla exacta del lado menos oscuro de Cocteau Twins. Aunque “Sunshower” se acerque a la inspiración más brillante de los mejores tiempos de Lush y “Layers” se asemeje a una escultura de cristal de aparente fragilidad.

El término neo–shoegaze es una de sus etiquetas que no resulta tan imprecisa. James Hanna, el guitarrista artífice de este dueto, ahora decidió ir más allá de su instrumento de seis cuerdas para alternar con la espléndida voz de Yuki Chikudate.

Además decidió quitarle algunos ladrillos a su pared sónica para “grafitearla” con el colorido de los sintetizadores y una elocuencia acústica que se agradece. No en vano llamaron a este álbum Hush.

Ahora las nubes que envolvieron el sonido de sus dos primeros discos se han disipado para mostrar un cielo despejado. Menos noise, dejando que su optimismo florezca como los girasoles en esta temporada. TXT:: Benjamín Acosta.

Experimentación vocal poco electrificada que hace pensar en la remota posibilidad para reinventar un rock progresivo, que se ha negado en dejar a un lado el bochorno del virtuosismo. Esa idea es provocada por “Southern Point”, la impredecible canción de inicio para esta nueva entrega del cuarteto de Brooklyn. Enseguida, “Two Weeks” nos lleva hacia los terrenos habitados también por Brian Wilson de los Beach Boys, en su permanente búsqueda por el sonido de un pop perfectamente balanceado con el aporte vocal. La naturaleza de las texturas varían en la medida que avanzamos, es así como “All We Ask” muestra uno de los puntos más sólidos en la naturaleza de Grizzly Bear: su capacidad para conmover al escucha evitando las técnicas simplonas de una balada común y corriente, prefiriendo explorar en los recovecos de su arsenal en ambos niveles, el compositivo y el interpretativo. Y así como “Fine For Now” y “Dory” se dirigen por el lado más sicodélico del álbum, “Cheerleader” es un ejemplo de su capacidad tanto melódica como minimalista. TXT:: B.A.

Black Keys: Attack & Release. Pavimentando el regreso del garage blues. Dan Auerbach fue productor del primer disco de Radio Moscow.

The Allman Brothers Band: At Fillmore East. Histórico disco doble en vivo de los arquitectos del rock sureño.

The Jimi Hendrix Experience: Are You Experienced? Obra clásica del estandarte de la psicodelia. Si escuchara a Griggs, Hendrix estaría orgulloso...

Christianes: Ultrasol. Un clásico de la música contemporánea hecha en Chile que fue reconocida en el under con “Mírame sólo una vez”, una gran canción.

Lush: Split. El contraste de suaves voces y guitarras fieras que tuvieron su pick en los años noventa.

My Bloody Valentine: Loveless. Cuando la belleza es etérea, la furia sónica puede convertirse en algo adictivo.

Alive Naturalsound Records

Veckatimest Warp Records

Beach Boys: Pet Sounds. Nunca falta pretexto para revisitar este clásico y hurgar entre en su entramado musical.

Nick Drake: Pink Moon. Canciones que se mantienen por su lírica fina y puntual creada por un genial songwriter.

Band of Horses: Cease to Begin. Melancolía encapsulada en una serie de melodías que musicalizan las noches eternas.

música 3x1

Grizzly Bear

Radio Moscow

música 3x1

72 Easy Star All–Stars

Camera Obscura

Easy Star’s Lonely Hearts Dub Band

My Maudlin Career

★★★★

★★★

Rhino Records

Podría resultar un lugar común y una zona de confort el hecho de coverear a los Beatles.Todo depende del ángulo desde donde se observe.

En la otra esquina es posible que aparezca un enorme monstruo que termine por devorar a quien se atreva a retocar aquello que ha marcado los lineamientos de la música pop como se ha conocido en los últimos cuarenta años. El caso de Easy Star All–Stars consigue salir a flote con dignidad por refrescar con el mood del reggae y el dub a una de las obras maestras de todos los tiempos. En cada una de las escalas en la marcha del sargento encontramos nuevas pistas que lo reconfiguran. Lejos del Caribe, enclavado en el Medio Oriente, en la entrañable “Within You Without You” en lugar de Lennon escuchamos a Matisyahu, y a Kirsty Rock en una “She’s Leaving Home” con un toque de franca festividad. Para su tercera entrega los músicos y productores Michael G. y Ticklah, decidieron colorear con verde, amarillo y rojo los años de la psicodelia acompañados de vocalistas reconocidos en el ámbito del reggae y del dancehall. TXT:: B. A.

Emotividad, es lo primero que sube a la cabeza cuando le damos play a la nueva entrega de estos escoceses que continúa en la línea old school que les caracteriza. Los arreglos de cuerda están a la orden del disco (“French Navy”, “The Sweetest Thing”) y con las letras ideales que contribuyen a levantar el ánimo en tiempos donde la incertidumbre aparece por todas partes. El sonido de Camera Obscura abarca sin problema una línea transgeneracional por el easy listening que a la vez evita rayar en una derrama de miel sin sentido. En caso de que al momento de escribir estas canciones el objetivo haya sido convocar al rey sol para calentar Glasgow durante unas horas, es casi un hecho que lo consiguieron. Entre el abandono y las expectativas sobre una esperanza tambaleante (“You Told A Lie”), a la metáfora de un corazón apuñalado (“Away With Murder”) y la belleza que resiste a ser trastocada por la cotidianidad (“Swans”), es que estos vaqueros cabalgan sobre las vastas planicies escocesas.

Canciones que gozan por sí mismas sus propios apegos y decisiones amorosas. TXT:: B. A.

★★

Easy Star All–Stars: Dub Side of the Moon. El disco más famoso de Pink Floyd replanteado en un esquema poco afortunado que resultó aún más oscuro e ininteligible.

Easy Star All–Stars: Radiodread. Tropicalización del OK Computer con resultados curiosos como su versión de “Paranoid Android”, The Rolling Stones: Sticky Fingers. ¿Cómo sonarían “Brown Sugar” o “Wild Horses” al ser encapsuladas con el mismo tratamiento? Quizás en algunos años lo comprobaremos.

10,000 Maniacs: In My Tribe. Para muchos el mejor disco del grupo con su vocalista original Natalie Merchant.

She & Him: Volume One. La actriz Zooey Deschanel y M. Ward integran este dueto creador de canciones de esplendor nostálgico.

Neko Case: Middle Cyclone. En medio de la turbulencia, un resumen de la visión optimista de esta cantautora.

Easy Star

4AD

Jane’s Addiction

A Cabinet of Curiosities Mezcla de punk con glamour, de hard rock con funk, de letras corrosivas con frases invadidas de un irrefrenable onirismo donde circulan ambigüedades a toda velocidad. Un sonido tan incendiario como referencial. La experimentación de Perry Farrell –junto con el guitarista Dave Navarro, Eric Avery en el bajo y Stephen Perkins concentrado en su batería– visitó también paisajes sonoros donde la psicodelia aparece llevada por ritmos más lentos.

Si bien el mismo Farrell lo intentó a través de Porno for Pyros o Satellite Party, entre otros proyectos, es Jane’s su máxima obra. Como resulta obvio en estos casos, una colección de material inédito y lados B –que también incluye un DVD– resulta un objeto de culto exclusivo para aferrados seguidores que deseen adueñarse de una caja que en sí es una pieza artística de madera y metal que además incluye cartas de tarot y muñequitos de vudú.

Sin duda, lo que vale más la pena. Al terminar de revisarla te aconsejamos desempolvar el Nothing’s Shocking y el siempre deleitable Ritual de lo Habitual. TXT:: B. A.

Pixies: Doolittle. Contemporáneo a los días de algidez propositiva de Jane’s Addiction. Otra joyita que trascendió.

Red Hot Chili Peppers: Mother’s Milk. Una de las mejores formas que los años ochenta encontraron para decir adiós.

Jane’s Addiction: Ritual de lo Habitual. A 19 años de su aparición canciones como “Stop” y “Been Caught Stealing” conservan su vigencia en medio de un disco que se mantiene en la mejor forma.

73

Luz silenciosa

Dirección: Emir Kusturica Reparto: Bajram Severdzan, Srdjan Todorovic, Branka Katic, Flarijan Ajdini Guión: Emir Kusturica, Gordan Mihic País: Francia, Alemania, Yugoslavia, Austria, Grecia, EUA Año: 1998 Pensar en adaptar el realismo mágico al cine parecería una locura. Intentos hay varios, desde obras consagradas del Gabo pasando por sus imitadoresbest sellers (Isabel Allende o Laura Esquivel, por ejemplo), lejos todos de las obras originales. Kusturica por derecho propio hace del cuadro cinematográfico épicas del género, y Black Cat, White Cat es una soberbia muestra de su maestría en este sentido. Gitanos, mafiosos, padres e hijos, madres e hijas y una serie de eventos verosímiles sólo dentro del mundo ficticio de Kusturica se convierten en un barroco y colorido festín que remite en ocasiones a Cien años de soledad o a El amor en los tiempos del cólera sin necesidad de recurrir a bases literarias. Mentiras detrás de un matrimonio arreglado enfrentan a los descendientes de dos viejos amigos que viven la locura de sus últimos días, con balazos, cocaína, fiestas por doquier y encuentros fortuitos que no dejan de sorprender al espectador. Y por si no fuera poco, un homenaje a Casablanca (Michael Curtiz, 1942) anuda el tejido dramático para declarar the beginning of a beautiful friendship en plena hecatombe balcánica.

Dirección: Carlos Reygadas Reparto: Cornelio Wall, Maria Pankratz, Miriam Toews Guión: Carlos Reygadas País: México, Francia, Holanda, Alemania Año: 2007 La multigalardonada obra de Carlos Reygadas. alejada en temática de Japón (2002) y Batalla en el cielo (2005) aunque el estilo resuena de manera similar. Una historia sencilla de infidelidad que poco a poco se eleva a lo etéreo, al plano de lo imposible con un ritmo y una cadencia que pide en silencio la colaboración del espectador para concretar el diálogo.

Es una apuesta hacia los adentros del ser que obliga a olvidarse de la pasividad del cine convencional para darle cabida al espectador activo de la misma forma que un tratado de filosofía se aleja de la novela de aventuras. Ejercicio de interpretación, de misteriosa observación que provoca al pensamiento y que muere ante la expectativa de respuestas o deletreo de significados. Robert Bresson escribió: “Llamarás bella a la película que te dé una idea elevada del cinematógrafo.” Luz silenciosa atestigua en cada plano, cada tiempo y cada momento ese amor-al-cine necesario para mantener vivo un arte cuya lucha frontal contra la industria del entretenimiento es cada vez más férrea e intrincada.

Kurt Cobain: Sobre un hijo

Director: AJ Schnack Reparto: Kurt Cobain, Courney Love.

País: EU Año: 2007 Editado en EU a finales del 2007, por fin llegó a nuestro país el DVD del documental titulado Kurt Cobain: Sobre un hijo, una película emotiva narrada enteramente y de manera intima por el propio Kurt, constituyendo un retrato sin demasiada parafernalia más allá de su voz misma. La cinta está basada en más de 25 horas de entrevistas nunca antes escuchadas que fueron realizadas por el periodista Michael Azerrad para la edición del libro Come As You Are: The Story of Nirvana. Por esa razón, éste DVD es el documento que permite hacer una re introducción a uno de los artistas más importantes del siglo pasado. AJ Schnack, director del documental, realizó el filme con una selección de las entrevistas de Azerrad, para darles un giro a través de la imaginería que evocan las tres ciudades de Washington que jugaron un rol importante en la vida de Cobain: Aberdeen, Olympia y Seattle.

Además, las escenas fueron filmadas en locaciones clave en la formación de Cobain (casa, escuela, sello disquero, departamento). Desde ahí, la voz de Cobain relata las apreciaciones de su niñez, pasando por la adolescencia hasta los días en que la fama era parte de su cotidianidad.

Doomsday/ El día del juicio

Director: Neil Marshall Guión: Neil Marshall Reparto: Rhona Mitra, Bob Hoskins, Adrian Lester y Malcom McDowell Género: Acción, Thriller País: Reino Unido Año: 2008 Universal Pictures presenta el DVD (Widescreen 1.78:1) de Doomsday, mejor conocida como El día del juicio final en México. Dirigida por Neil Marshall, esta cinta narra cuando las autoridades someten a un país a una brutal cuarentena cuando ven que sucumbe al miedo y al caos ante el ataque de un virus (cualquier parecido con la realidad es mera coincidencia). Durante tres décadas, el terrible virus parece haber desaparecido detrás de las paredes que se levantaron para contenerlo, hasta que reaparece con virulencia en una gran ciudad. Un grupo de especialistas de élite que liderea Eden Sinclair (personificado por Rhona Mitra), es enviado al país aún en cuarentena para obtener una vacuna a cualquier precio. Apartados del resto del mundo, el equipo deberá luchar a través de un paisaje convertido en la peor pesadilla. Si disfrutas los filmes que se desenvuelven el thriller intercalado con varias secuelas de acción, Doomsday/ El día del juicio es un DVD que debe de formar parte de tu colección personal.

Marvin y Universal Pictures te regalan DVD’s de Doomsday/ El día del juicio.

Visita www.marvin.com.mx para conocer la trivia.

dvd cine

Gato Negro, Gato Blanco

74 Cartografías

Leo Acosta, pintor y litógrafo

libros 3x1

31 Canciones

Tatiana Parcero/ José Luis Trueba Lara

Ed. Artes de México El cuerpo humano como un lienzo para trazar mapas infinitos que nos conduzcan a tiempos remotos o imaginarios. La piel como superficie para construir signos. El trabajo de la fotógrafa Tatiana Parcero (México DF, 1967) es impresionante. Su técnica consiste en el uso de tomas impresas en película transparente (acetatos) que le permite yuxtaponer capas para combinar color y blanco y negro; los cuerpos humanos en el fondo (b/n) y los diagramas de anatomía y códices precolombinos que los iluminan y los resignifican (color) esparcidos encima. Las piezas de Parcero han aparecido en publicaciones como el New York Times, El País, Time, Artnexus y Harper’s Bazaar, además de ser exhibidas en importantes centros de arte del mundo entero. Ahora forman parte de la colección Luz portátil, que Artes de México lleva a cabo con el Gobierno de la Ciudad de México.

El planteamiento de la serie contempla establecer un puente entre artistas visuales con orfebres de la palabra; establecer un diálogo interdisciplinario, que esta ocasión suma al periodista e investigador José Luis Trueba Lara, quien en sus obras pasadas ha trabajado a detalle el tema del cuerpo. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Gerardo Montiel Klimt/ Salvador Alanís: De cuerpo presente. Otro de los títulos de esta serie que provoca estos gratificantes “mano a mano”.

Robert Mapplethorpe: Robert Mapplethorpe. Uno de los mejores fotógrafos contemporáneos que trabajó a fondo el desnudo y el cuerpo por añadidura.

Maritza López/ Naief Yehya: Laberintos caligráficos. Ella, gran fotógrafa de desnudo; él, un afilado periodista de amplias miras. Luz portátil ofrece lúcidos intercambios que nos permiten entender la obra a cabalidad.

Eduardo Blackaller (texto), David Maawad (edición)

CECULTAH Leo Acosta (1932) es un caso excepcional en el arte mexicano; no se conforma con ser uno de los mejores litógrafos del país, no se ufana tampoco por haber impreso para muchas de las figuras de la generación del medio siglo (Roberto Montenegro, Juan O´Gorman, Federico Silva, Francisco Corzas, José Chávez Morado, Guillermo Ceniceros, entre muchísimos otros), ya que conserva una humildad a toda prueba.

Leo es el ejemplo vivo de un hombre y un artista que ha superado todo tipo de adversidades; nacido en el Valle del Mezquital, en el seno de una familia humilde, asimiló las experiencias al laborar en el taller de orfebrería, luego recibió las primeras lecciones formales y posteriormente se inscribió en los talleres nocturnos para obreros y empleados que ofertaba la Escuela Nacional de Pintura y Escultura La Esmeralda.

En 1969 se va en barco a Europa; llega a Barcelona y se traslada a París para establecerse en el Atelier de Henry Deprest, maestro que a la postre le ofrece la titularidad en el negocio, pero Acosta opta por regresar a México y continuar allí su labor (allá expuso en el Salon de la Bucherie y la Cité Internationale de la Université de Paris). TXT:: J.C.H.

José Guadalupe Posada. Posada: el grabador mexicano.

Documento que acompañó una exposición acerca de la vida y obra de este genio de las artes gráficas.

Constantin Brancusi: Brancusi. Un portento de escultor, nacido en Rumania, que es una influencia definitiva en la obra de Leo Acosta.

Juan Carlos Pereda. Tamayo: Catálogo razonado de gráfica 1925-1991. Prolífico y refinado artista, Tamayo representa un referente para sus contemporáneos.

Nick Hornby

Anagrama Después de que Nick Hornby escribiera High Fidelity, uno de los libros más reconocidos, amado y leído por todos los fans de la música (que posteriormente sería llevado al pantalla grande con Jack Black y John Cusak bajo el mismo nombre), era de esperarse que su escritura continuara hablando de música. Tal es el caso de 31 Canciones.

Sin ningún motivo alguno, Hornby comienza una especie de diario en el que comenta sobre algunas de las canciones que lo han acompañado a lo largo de su vida. No revelaré las canciones de las que habla para que sea sorpresa para el lector, de lo que sí hablaré es de los artistas, entre los que están Bruce Springsteen, Bob Dylan, Van Morrison, The Avalanches y Patti Smith, sólo por mencionar algunos. Si bien es un análisis temporal del goce musical, se pueden encontrar similitudes con los motivos por los que ha llegado a disfrutar de estas canciones. Vale la pena recalcar que no es un libro de crítica musical, sino más bien un libro que habla de canciones. TXT:: Alan de Aquino.

Nick Hornby: Alta Fidelidad. Libro con el que a este autor se le otorgaría grado de de culto.

Hanif Kureishi: El Regalo de Gabriel. El despertar de un niño al sexo, drogas y rock and roll.

Kiko Amat: Rompepistas. La historia de un punk miope que transmigra de la adolescencia a la adultez, a ritmo de punk rock.

Orígenes

75 TXT:: Óscar G. Hernández.

Wolverine Origin Paul Jenkins Alex Ross y Kurt Busiek

Marvel Comics Wolverine es el superhéroe más popular de los X-Men y para muchos es el mejor personaje del universo Marvel. Debido a la gran demanda del público debió salir de este grupo de mutantes para tener su propia historia, su propia publicación y su enorme grupo de fans. La biografía de este personaje es emocionante y trágica, su personalidad misteriosa y ruda es narrada de forma sublime en este cómic contextualizado en el Canadá de finales del siglo XIX. La serie fue un éxito rotundo y hoy día es uno de los cómics más cotizados. Paul Jenkins, ganador al premio Eisner construyó la infancia y juventud de este superhéroe en una trama de alcances operísticos. Lo interesante de esta saga es que se aleja de la formula superhéroe contra supervillanos y se limita a narrar una historia de vida. Gavin Hood, el director africano ganador del Oscar a la mejor película extranjera fue el encargado de llevar a la pantalla grande a este personaje. Leer este cómic muestra cómo la capacidad de propuesta e inventiva de la editorial Marvel siempre tiene algo que ofrecer.

Marvels Alex Ross y Kurt Busiek

Marvel Comics Esta obra ha sido considerada algo más que un cómic. Alex Ross y Kurt Busiek construirán desde la visión de un reportero gráfico la aparición de los pródigos. El ambiente alrededor de este fenómeno es elaborado de tal forma que logran transportar al lector al interior del lente del reportero, la narración nos hace sentir partícipes de estas apariciones y de la transformación de un mundo que ahora deberá convivir con estos personajes. Las imágenes de Ross, trazadas con un realismo sin igual, lo llevarían a ser considerado uno de los más grandes dibujantes de todos los tiempos; ha ganado infinidad de premios incluido el Will Eisner. La saga Marvels retoma toda la magia de las primeras creaciones de Stan Lee y Jack Kirby y les rinde un homenaje sin precedentes. Cómic de culto que sin duda será llevado a la pantalla grande en algún momento.

La Juventud Hugo Pratt

Editorial Norma Hugo Pratt, gran genio de la novela grafica que también se dio la oportunidad de contar la biografia de su personaje. En una historia pequeña narra un episodio de la juventud de Corto Maltés. En esta obra Corto apareceré muy poco, es más un episodio de su inseparable amigo Rasputin y Jack London, uno de los escritores preferidos de Pratt. La historia se desarrolla al final de la guerra y nos muestra cómo se constituye la personalidad de Rasputin y su visión de lealtad y agradecimiento. La Juventud es un cómic que los asiduos a las aventuras de Corto Maltés no pueden dejar pasar.

cómics

El noveno arte ha contribuido en mucho a la construcción de la cultura de masas. Entre las virtudes en el cómic encontramos que ha sido el creador y contenedor de toda la mitología moderna. Los superhéroes y sus historias han sido capaces de generar lineamientos dentro de la cultura de masas; dilemas morales y éticos se ciernen dentro de las viñetas de sagas cómo Batman, Superman, Spiderman y todo un universo de seres con poderes y actitudes fantásticas.

Publicar series sobre los origines de estos personajes cobra sentido cuando se hace necesario contar historias del pasado, es decir, la biografía de estos seres.

Entre los estrenos cinematográficos de este verano aparece dentro de la saga de X-Men, Wolverine Origin, basado en uno de los cómics más exitosos sobre estos mutantes; esta saga ha comenzado a ser considerada de culto por las nuevas generaciones, aprovechamos este lanzamiento para reseñarla. Tomamos también la saga Marvels considerada más que de culto dentro del universo Marvel, además de ser pionera en mostrar la manera en que nació su enorme cosmos de superhéroes. Finalizamos con La Juventud, una historia del marino aventurero más popular del cómic europeo, considerado pilar y ultra de culto en el otro lado del atlántico.

76

Patapon 2 Patapon 2 es un juego único en su clase al combinar elementos de un juego de rol, con elementos de estrategia y lo más importante: mucho ritmo musical. Comienza con tres de estos personajes llamados, evidentemente, Patapons y el jugador tiene que hacer crecer su números por medio de la recolección de nuevos materiales y objetos mágicos. Para poder avanzar necesitamos mantener un ritmo musical basado en cuatro beats, éstos son los que marcarán las acciones de nuestros queridos Patapons.

La gran novedad de esta secuela, es la implementación de un personaje llamado atinadamente Hero. Este Patapon posee habilidades especiales que se activan si se mantiene el ritmo por diez combinaciones seguidas, es entonces que el Hero Mode comienza y que se active uno de los tantos ataques especiales que posee dependiendo de la máscara que use.

Patapon 2 continúa la historia en donde estos curiosos seres buscan llegar a su hogar y es el acompañante ideal para jugar por horas o tan sólo por 5 minutos. Las gráficas del título son únicas y demuestran que el límite no es el hardware sino el ingenio de las personas. La música es sencilla y repetitiva pero muy buena, y seguro la tararearás por horas después de haber apagado el juego. TXT:: Carlos Gutiérrez.

Calificación: ★★★★ Distribuidor: SCEA Género: acción Fecha de salida: mayo 2009 Consolas: PlayStation 3 Clasificación: T

Calificación: ★★★★★ Distribuidor: SCEA Género: acción y música Fecha de salida: mayo 2009 Consolas: PlayStation Portable Clasificación: E

InFAMOUS Todo empieza cuando el protagonista, Cole, despierta un par de semanas después de un incidente que dejó la ciudad desolada y con algunos sobrevivientes. La cuestión es que no despierta como un ser humano normal, sino con habilidades sobrehumanas sobre la electricidad y con un escenario listo para la llegada de un súper héroe. inFAMOUS es un juego en tercera persona, que otorga una libertad de exploración, pero no se limita a ras de suelo, sino también a los grandes edificios y rascacielos. Afortunadamente los controles son muy precisos y permiten con facilidad saltar de edificio en edificio, hacer acrobacias y malabares, y deshacernos de los chicos malos del barrio. Cole tiene muchas habilidades, es capaz de disparar ráfagas de electricidad o de lanzarla a manera de balas. También va adquiriendo poderes adicionales como un pequeño sistema para flotar por el aire por algunos segundos, también por medio de electricidad.

El protagonista puede inclinarse por el bien o por mal, hay un medidor de karma que nos califica dependiendo de nuestros actos y es aquí que seremos famosos o no. Al final, inFAMOUS es divertido, que es lo importante, y bien merece que lo anexes a tu colección. TXT:: C.G.

78 TXT:: Fernando Benavides.

DIXIT

Marvin da la bienvenida a una nueva columna escrita por nuestros amigos de Dixo.

Como muchos sabrán, Dixo se ha establecido como una de las más talentosas fábricas de podcast en la red y ahora podremos disfrutar mensualmente en Marvin de la particular y creativa manera que ellos ven el mundo en el que vivimos. Música, mass media, tecnología, cultura digital y sucesos de la vida cotidiana serán abordados aquí en esta nueva sección que nos enriquece y, estamos seguros, a ustedes también.

La computadora de piedra Escena 1: un niño de piedra con un libro inspira una película y después un remake.

Escena 2: el mismo niño, cuarenta años después en la misma postura deja su libro y carga una laptop.

La cultura mexicana ha recibido en dos ocasiones dentro de sus anales cinematográficos la película “El libro de piedra” y nadie puede decir lo contrario (si es que vio esta cinta en sus años de infancia) que hay dos cosas que siempre recordaremos: la envidia que nos generaron los grandes jardines de la película (río incluido) para jugar a las escondidillas y el pánico que provocó una estatua de piedra que mostraba a un niño cabezón con un libro; nadie sabe a ciencia cierta de qué trata el libro que porta el infante, aunque podemos imaginar que la lectura puede ser o bien una revista de tiras cómicas o bien un libro de matemáticas que hizo evidente que antes de estudiar convenía hacerse el encantado* que seguir con el estudio del momento.

Ahora bien, desde ese tiempo (1968) hasta nuestros días, la vida ha cambiado significativamente, los patios en nuestras casas no tienen esas dimensiones, el daño a la capa de ozono destruye las plantas con mayor facilidad, las marchas y tránsito vehicular son el ruido de fondo en lugar de los pajaritos y ovejas de la cinta y las matemáticas no son ya una pesadilla para los niños, ahora la pesadilla se ha duplicado con el estudio de álgebra y geometría en lugar de la antigua asignatura genérica, pero sobre todo los cambios que nos han tocado presenciar son los musicales y los tecnológicos. Hoy en día El libro de piedra debe ser algo mucho más profundo y útil de lo que era en 1968.

En ese tiempo el niño de piedra lo único que podía hacer con su pesada carga era aventarla a la primer paloma que osara postrarse sobre él y dejarle singular recuerdo, sin embargo en estas fechas, el mismo niño no tendría un libro de piedra sino una laptop, en la misma pose claro está pero con el aditamento actualizado. Siendo de esta manera, la vida del niño de piedra con la computadora de piedra, no debe ser tan aburrida como en aquel entonces, donde leía y releía el contenido de su publicación.

Vaya cambio el que se vive ahora, el mismo niño con su mismo parado seguramente tendría cuenta en Messenger y, dependiendo del modelo de la computadora, quizá contaría con cámara integrada, lo preocupante del caso no es que ahora el niño de piedra esta informado de los últimos detalles sobre la influenza (de la cual es inmune por supuesto), sino que al mismo niño lo pueden seguir varios personajes con su cuenta: twitter.com/lacompudepiedra a los que mantiene muy al tanto de cada cosa que se entera por los jardines, las horas de aburrimiento y que antes ocupaba en matar a los residentes de la casa ahora estarían muy ocupadas viendo su propia película de 1968 en YouTube y dándose cuenta de los errores de continuidad.

Los efectos que ha sufrido la sociedad pueden resumirse en estos dos artículos de la vida cotidiana: el libro y la laptop, todo debe ser bastante aburrido comparando la existencia de un libro al universo de la web, por momentos se antoja pensar en las posibilidades infinitas en la que nos encontramos pero tampoco podemos ocultar nuestra curiosidad para saber por cuál nuevo gadget cambiará su computadora de piedra el mismo niño cuando hayan pasado otros 41 años.

De cualquier manera 41 años se dicen fáciles para el niño de piedra, pero para el resto de nosotros, a este paso, difícilmente los viviremos, por lo que ahora y en lo anterior es una de las tantas cosas que no nos deben importar...

*encantado: juego popular de los niños antes del Playstation que consiste en quedarse quieto sin moverse hasta que alguien te quita el encantamiento. M

79 TXT:: “El Jergas”.

A continuación, te presentamos una nueva sección donde “El Jergas” (DJ y colaborador de Reactor 105) te recomienda algunos links. Esperamos que te diviertas tanto como nosotros con estos enlaces virtuales.

Village Of Joy

LOOKBOOK.nu Blog que tiene como núcleo principal una gran colección de fotografías bizarras.

Desde retratos hechos con cubos de Rubik hasta una galería de lo que es Chernobyl a 20 años del accidente nuclear. Altamente recomendable. villageofjoy.com

Compendio de estilos, modas y vestimentas alrededor del mundo.

Si eres usuario registrado puedes subir tus looks y que estos sean calificados por la comunidad. lookbook.nu

cris milk

¿Te has preguntado el posible escenario que se presente ante tus ojos justo en el momento de tu muerte? Al parecer esa fue la premisa básica para este microfilme desarrollado por Chris Milk. Descubre uno de los posibles casos. www.chrismilk.com/42

Se te muestran 5 mugshots, lo que tienes que hacer es relacionar el rostro del delincuente con el délito que cometió.

Requisito: escrúpulos al mínimo. picktheperp.com

thesixtyone.com

Para los que buscan nuevos artistas en la movida esa que llaman indie, The Sixty One es un gran sitio para descubrirlos. Sin duda ofrece una gran atmósfera si dejas correr el reproductor. Cuenta con la opción de descarga gratuita y legal para algunas canciones. www.thesixtyone.com

Esta es una recomendación para los que usan Photoshop con regularidad. Bitt Box es una página que te comparte compilaciones de texturas, estilos de pinceles y consejos que harán más completa tu experiencia al usar este programa. www.bittbox.com

80

Tero Ojanperä V.P. NOKIA

NOKIA COMES WITH MUSIC

Al mismo tiempo estamos tratando de transformar la manera en que la industria musical trabaja, cambiando el modelo de negocio a uno en donde adquieres la música sin costo a través de la web. Si compras el dispositivo Nokia Comes With Music, podrás tener acceso gratis a una cantidad ilimitada de descargas, creemos que esto es muy atractivo para el consumidor.

Esta descarga ilimitada de música gratis, ¿es una promoción o será algo permanente si adquieres el teléfono?

No es una promoción, es un modelo de negocio que queremos sostener, así que podrá ser de 1 año, de 18 o 21 meses, depende de cómo lleguemos a trabajar con los operadores que nos ayudarán a proveer el servicio. Lo importante es que durante ese periodo podrás bajar tanta música como quieras y podrás quedártela. ¿Cómo hicieron para lograr esto?

Tuvimos que convencer a las disqueras y publishers de que esta es la nueva forma de proveer la música, y de que teníamos que cambiar el modelo de negocio para licenciarla. Tuvimos éxito con las firmas internacionales más importantes, pero lo más importante fue convencer a las disqueras locales e independientes de varios países. ¿Fue difícil convencerlas?

Vimos una muy buena oportunidad, porque en estos momentos la industria musical está buscando the next big thing y la música en el celular se ha vuelto muy común, nos sentamos con las disqueras grandes y les dijimos que podíamos proveerles el medio a escala global, y al mismo tiempo podemos proveérselo a las disqueras locales, que fueron muy abiertas con nosotros, porque notaron lo valioso que puede llegar a ser esto.

TXT y FOT:: Tony Romay.

Gracias a la invitación que nos hizo la gente de Nokia México, tuvimos la oportunidad de asistir a la Expo Web 2.0 realizada en San Francisco, California a principios de abril. Ahí estuvieron presentes grandes marcas de la talla de Nokia, Microsoft, Ebay, Facebook, IBM, al igual que desarrolladores de software, aplicaciones y bloggers de varias partes del mundo. En exclusiva para Marvin, pudimos platicar con Tero Ojanperä, Vicepresidente Ejecutivo y Jefe de Tecnología de Nokia, quien es responsable de los servicios de entretenimiento y comunidades que la compañía ofrece. En estos días están lanzando Nokia 5800 Comes With Music, un combo celular + software, con el cual podrás acceder a una oferta musical ilimitada para descargar sin costo alguno, revolucionando así la forma de adquirir música legalmente. ¿Por qué Nokia le está apostando a la música?

Previamente hemos tenido teléfonos con reproductor mp3, lo que queremos ofrecer ahora no es sólo tener la capacidad de tener música en tu celular, sino de tenerla en un gran celular. Hasta ahora, ha sido difícil para la gente ingresar música en sus teléfonos, el consumidor está demandando esto, por lo que estamos respondiendo a esta demanda.

Muchas bandas importantes están dejando las grandes disqueras y están firmando con independientes o lo hacen ahora por su cuenta.

Así es, la diversidad está creciendo, por eso es muy importante trabajar con ellas también. El celular es un canal interesante, pero no sólo sirve para escuchar la música que descargas, si piensas a futuro, algo muy importante es crear una interacción con los fans en nuevas formas. Descargar una canción es muy común y no es tan entretenido, la parte divertida es escucharla, después ir al concierto, ver a la banda en vivo, tomarle fotos y enviárselas a tus amigos que no estuvieron ahí mientras les comentas como estuvo el show. Para darte un ejemplo, tenemos Nokia Maps en cada teléfono, estos mapas son una plataforma para diversos contenidos, uno de ellos es el de lugares de conciertos, donde puedes ver quién se está presentando y donde, cuánto cuesta el boleto, cómo llegar al lugar, cuántos discos tiene la banda, puedes escuchar algunas de sus canciones, puedes comprar el disco, etc. Así que ahora el concierto no sólo está pasando cuando estas ahí, sino antes de ir y después de ir cuando lo revivas por lo que grabaste y por las fotos que tomaste con tu celular. Ahora los artistas también tienen que pensar en ofrecer contenido interesante a sus fans, no sólo una canción de 3 minutos, sé que hay muchos a los que no les interesa interactuar con ellos, pero cada vez más y más lo están haciendo. ¿Por qué escogieron México para su lanzamiento en América?

México siempre ha sido un gran mercado para nosotros, es muy innovador y los consumidores son muy fieles a la marca. Es un gran país para iniciar esto. M