Revista Marvin 73:: crisis

Presidente :: Cecilia Velasco Martínez ceci@revistamarvin.com Publisher :: Manú Charritton manu@revistamarvin.com Editores :: Cecilia Velasco Martínez :: Humberto Polar hpolar@revistamarvin.com Coordinación Editorial :: Vicente Jáuregui vicente@revistamarvin.com Coordinador de contenido web: :: Carlos Jaimes carlos@revistamarvin.com Dirección de Arte :: Sandra González D. Diseño Gráfico :: Edgar Vixama Coeditor de música :: Vicente Jáuregui :: Jorge "Negro" Hipólito Coeditor de cine :: Juan Patricio Riveroll Coordinador de moda :: Esteban Arzate Administración :: Emmanuel Cortés Martínez :: Agustín Reséndiz Publicidad :: Tony Romay tony@revistamarvin.com PR y publicidad :: Delhy Segura delhy@revistamarvin.com Consejo Editorial :: Marisol Argüelles :: Gabriela Fenton :: Roberto Garza :: Camilo Lara :: Eliana Pasáran :: Humberto Polar :: Nacho Rettally :: Jaime Romandía :: Joselo Rangel :: Carlos Verástegui Colaboradores en este número:: Javier Aceves “Baxter”, Benjamín Acosta, Esteban Arzate, Fernando Benavides, Raúl Burguete, Bárbara Coca, Ingrid Constant, Andrés Díaz, Arthur Alan Gore, Carlos Gutiérrez, Óscar G. Hernández, Juan Carlos Hidalgo, “El Jergas”, Chico Migraña, Mildred Pérez, Juan Patricio Riveroll, Rodrigo Rothschild, Rafael Toriz, Francisco Zamudio.

Fotografía::

Cynthia Franco, Pedro Velasco.

Contacto Marvin

Cozumel #61-4. Col. Roma Norte.

CP 06700. México DF. Tel. (55) 1998 0808 (55) 1998 1818 redaccion@revistamarvin.com www.marvin.com.mx

Distribución nacional (Foráneo, locales cerrados) :: Juan Nuño Publicaciones CITEM S.A. de C.V. Av. Del Cristo #101.

Col. Xocoyahualco.

CP 54080. Tlalnepantla.

Estado de México Tel. 5238 0200 Representantes en el interior de la República Distribución y ventas Aguascalientes :: Lic.Blanca A. Jiménez blancaajr@hotmail.com Guadalajara :: Álvaro Sepúlveda alvaro@revistamarvin.com :: Othoniel Castellanos otho@revistamarvin.com León :: Aldo Monterrubio aldo@revistamarvin.com Monterrey Colectivo MIAU :: David Oranday david@revistamarvin.com Playa del Carmen :: Lolocal info@lolocal.com.mx Puebla :: Ricardo Cartas Figueroa ricardocartas@revistamarvin.com :: José Antonio Flores Cabrera joseantonio@revistamarvin.com Tijuana Radioglobal :: Jesús Antonio Lopez Rojo jesus@revistamarvin.com :: Manuel Cabrera manuel@revistamarvin.com www.marvin.com.mx Suscripciones y promoción (55) 1998 0808 suscripcion@revistamarvin.com

Si entendiéramos que vivir en crisis es un estado natural, seríamos mucho más felices.

Ya nacer es una crisis traumática para quienes realmente extrañamos el calor del líquido amniótico. Ser educados, corregidos y “parametrados” es en sí un hecho crítico.

Trabajar, cobrar o no cobrar, introducirnos en la psique de otra persona para aparearnos conforme manda la estructura social: fuente de infinitas crisis.

Dice el cliché que las crisis nos hacen fuertes y son la mejor motivación de los espíritus creativos. En Marvin creemos que las crisis son la vida, punto.

Por eso hacer una edición sobre la crisis es en realidad dedicarle un poco de atención a la aventura de vivir. Todo lo que nos paralice o nos relegue a vivir mecidos por la inercia es un pretexto para no ejercer la única obligación que realmente tenemos: vivir la única vida que hasta ahora se conoce. Ésta.

No te quejes más y trata de leer lo que hemos preparado para este verano.

Viva la crisis. M Humberto Polar.

Rafael Toriz Poco es lo que puedo decir de mi persona. Tengo 25 años y soy géminis. Escribo ensayos y disfruto del agua de coco. Como las tortugas, vivo con mi vida en la maleta.

Me gustan los patos, las cañadas y visitar los planetarios.

Mi memoria atávica gusta de regodearse con “El pique”, la Coca Cola familiar y los zapatos ortopédicos.

Bebo para devorar mi circunstancia.

(Soy un nalgólatra confeso).

Delhy Segura No existe la casualidad y lo que parece un mero accidente, surge de la más profunda fuente de tu propio universo.

Jamás había pensado en eso hasta hace 2 meses cuando una tarde en la radio me enteraba de los 8 años que MARVIN ya cumplía, una gran emoción, orgullo y piel de gallina juntos!!! cinco minutos antes o cinco minutos después igual no me entero o igual sí... de ese mero accidente surgió una llamada inmediata a Ceci Velasco y a todo el equipo para felicitarlos, la cual me ha regresado después de 3 años de ausencia a mi esencia, a lo que me hace feliz y me motiva, la música y el cine. Casualmente ya no paro de sonreír.

Imprenta

:: Compañía Impresora El Universal

Allende 176. Col Guerrero. México DF. Tel. 5117 0190 Fe de erratas: En el artículo de Phoenix de nuestra edición pasada, nos pasamos de listos y escribimos mal el título de la canción “Lisztomania”.En la reseña de Asobi Seksu, la canción “Sunshower” en realidad se llama “Transparence”.

MARVIN es una publicación mensual de Música y Estilo México S.A. de C.V. con domicilio en Newton No.53-3er. piso interior 9, Col. Polanco, C.P. 11560, Delegación Miguel Hidalgo, México D.F. Tel/Fax:: (55) 5281 5203. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores.

Certificado de Licitud de Título No. 12669 Certificado de Licitud de Contenido No. 10241 Certificado de Reserva de Derechos al uso Exclusivo.

No. 04-2003-052613330500-102 MARVIN es una Marca Registrada

música_

marvin.com.mx

Este verano en Marvin:

14Dirty Karma. Rock de raíces fuertes.

16Grizzly Bear. Trazando la intimidad de lugares.

18Deerhunter. Una de las bandas más prolíficas de la década.

20NSM PSM. Presentan su disco Música Vs Música.

22Jarvis Cocker. No se complica la vida.

24Wilco. Una leyenda norteamericana sin pasteurizar.

26The Mars Volta. Ocho años, ocho canciones: Octahedron.

30Agujetas de color de rosa.

326 grados. El rock latinoamericano y el poder, una crisis aleatoria.

40 En Portada Blur: el sarcasmo hecho canción.

42 El eterno dilema de ser Blur.

54 De Culto

Brian Molko

66 Alter Ego

AlterEgo:

Líneas de Nazca.

cine_ Sueño de una noche de verano.

52 Las películas más prometedoras del verano 56 De Culto

A Hard Rain’s A-Gonna Fall: Desventuras en rompecabezas.

arte_ 58 De Culto

M. Ward: Entrevista exclusiva con el artista

californiano, quien nos habla sobre sus orígenes, curiosidades y su último álbum de estudio, Hold Time.

Juan Carlos Hidalgo recomienda

12 rolas quemantes para el verano

¿Quién morderá a los murciélagos?

50 El sótano

platica con nosotros sobre la nueva producción discográfica de Placebo, Battle For The Sun.

La comunidad electrónica está presente. Sigue de cerca el Podcast quincenal hecho por Dixo y Marvin. Esta temporada presentamos: Trickscki, Líneas de Nazca, Monopolar, Diego Ro-k.

Esencia Marvin:

Se acerca la tercera fiesta Esencia Marvin en El Imperial. Descubre quién será el anfitrión, gana entradas y síguenos en el Podcast.

El verdadero valor del arte. Recuento de cifras desproporcionadas.

de fondo_ 36México A.C. 38Ideas sin voltaje. Comodidad antes que agobio.

Marvin TV:

Entrevistas exclusivas con Omar Rodríguez de The Mars Volta y Dirty Karma.

otros_ 6 Buenas Nuevas Noticias de música, cine y arte.

12 Estilo 13 Gadgets 34 La Lógica del Perro 46 Moda Paola Hernández. Descubriendo la perla azul.

62 Taller

Nuevo Jetta GLI, a toda velocidad!

Reseñas 3 x 1 68 Música 73 Cine 74 Libros 75 Cómics 76 Gamer 78 Dixo Dixit 79 Links 80 El Pilón. Martin Thulin.

Una vez que hayas leido y disfrutado el contenido de esta edición, no me tires, mejor aprovecha mi papel reciclable, rólame o comienza a coleccionarme. M

Trivias:

Marvin y Warner te regalan un ejemplar de esta edición especial de aniversario del documental Woodstock: 3 days of peace and music.

Zafra Video y Marvin te regalan tres ejemplares de La Isla de la Juventud y de Los Vuelcos del Corazón.

Todo esto, más las secciones que ya conoces, noticias de interés, foros y regalos.

www.marvin.com.mx

6

s a n e bu vas nue World Magnetic Tour, el divertimento de Metallica TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: cortesía OCESA/ Fernando Aceves.

Qué alivio cuando el rock va perdiendo ese halo de solemnidad que alimenta la güeva y el fanatismo.

Hace diez años, mi necedad por ver a Metallica en primera fila me impulsó a saltar de un palco hacia la pista del Foro Sol. Claro, logré llegar hasta adelante, pero con el tobillo esguinzado, así que disfruté del concierto a medias y no pude caminar durante un mes. En esa ocasión James Hetfield apenas si dirigió un par de palabras, la seriedad del rock lo impedía y las sonrisas estaban prohibidas en el escenario. Ahora la banda luce mucho más relajada, Hetfield cotorrea y dice necesitar “toda la energía” del público, implora que su séquito “haga su mejor esfuerzo” para seguir tocando, vamos, su buen humor es tan amplio que incluso dedica una sonrisa a Kirk Hammet cuando éste la “cajetea” en la intro de “Nothing Else Matters”.

Hace mucho que no era testigo de un público tan entusiasta como el de Metallica: abundaban los entes poseídos, así como los rostros desdibujados por la emoción, pero lo más impresionante era contemplar casi 60,000 puños alzándose cual mitin político del más rabiososo Mussolini (para nada estoy diciendo que Lars, James, Kirk o Robert sean fascistas). A punta de riffs ponzoñosos, Metallica ha logrado ganar la incondicionalidad de sus fans, quienes reciben “One” con un festejo cercano a la oligofrenia. Un poco menos de culto a la personalidad no caería mal, de cualquier forma, hasta los mismos músicos de Metallica han dejado de tomarse tan en serio su papel de rockstars.

Por el resto, la noche estuvo llena de canciones memorables: “Sad but True” y su metal down tempo sonó poderosa. Casi todo el programa fue coreado y sólo las canciones de sus últimos discos disminuyeron la adrenalina. “¿Les gustó el nuevo disco?” pregunta Hetfield… muy pocos parecen contestar afirmativamente. La mayoría queremos escuchar sus clásicos, y vaya que los hubo: “Blackened”, “Holier Than Thou”, “The Unforgiven”, “Enter Sandman”, “Creeping Death”, “Master of Puppets” y un encore que incluyó joyas como “Trapped Under Ice”, “Seek and Destroy” y “Helpless”.

Al salir del concierto no podía dejar de preguntarme, ¿cómo se deconstruyó la magnífica escuela de Metallica para llegar a corrientes musicales tan detestables como la del nü metal?

Café Tacvba en el Foro Sol: así celebraron 20 años TXT:: Carlos Jaimes. FOT:: OCESA / Salvador Bonilla A las 20:30 horas comenzó una fiesta llena de baile, canto y ritmo. Un fino telón rojo que cubría el escenario se desplegó y finalmente Rubén, Meme, Joselo y Quique (acompañados como ya es costumbre por la batería de Luis Ledezma) dieron inicio a la celebración a ritmo de “La 9”, para seguir con canciones desprendidas de sus primeras producciones.

Esta vez los cafetos optaron por una presentación más íntima. Los únicos invitados fueron más bien parientes cercanos: Ofelia Medina meneaba un vestido blanco a ritmo de María, y Alejandro Flores llegó al escenario para endulzar con su violín las ya tradicionales “Flores” y “Ojalá que Llueva Café”. Tras un breve encore, sonaron las primeras secuencias de “Encantamiento Inútil”, cuya voz provenía de un Rubén Albarrán encerrado en una burbuja transparente, era la parte tranquila y reflexiva de la fiesta. Llegó la hora de las complacencias, aunque a estas alturas y con un repertorio tan amplio era muy difícil satisfacer totalmente al auditorio, que no puso mayor reparo cuando se desfasaron en piezas como “La Ingrata”. Sí, siguen siendo seres humanos.

“Pinche Juan” dijo adiós a los más de 50 mil invitados que se congregaron a una melódica fiesta de más de 3 horas de duración. Muy probablemente, cuando llegan tantas personas a tu cumpleaños número 20, significa que estás haciendo las cosas bien.

MÚSICA

BUENAS NUEVAS www.marvin.com.mx

7

Segunda Fiesta Esencia Marvin

Los Fancy Free, el Colectivo Nómada y DJ Marco DJ Marco y Razz (special guest).

Martin Thulin de Los Fancy Free.

Domy del Colectivo Nómada.

nde yo

eso do que fue

Los Fancy Free.

no fui?

en mirate.m x m o . c in . arv www m

TXT:: Jorge “negro” Hipólito. FOT:: Cynthia Franco y Erick Sandoval.

10 de junio, la segunda fiesta Esencia Marvin nos esperaba, aunque ya habíamos perdido minutos muy importantes de celebración debido a nuestro fervor nacional en cuanto a fútbol se refiere. De cualquier forma, y con la moral un poco baja, llevamos muchas ganas de reventar y de escuchar a una de las grandes bandas que hay en estos momentos en México. Nos referimos a Los Fancy Free, un grupo al que hemos seguido desde hace muchos años y que para nuestra suerte, nunca deja de sorprendernos. Habíamos platicado con Martin Thulin (creador y pieza muy importante de la banda) unos días antes, ocasión en que nos prometió una noche de covers, sorpresas y un nuevo vestuario.

Fue así como después de los primeros tragos y un poco de buena música cortesía del iPod de El Imperial, los Fancy Free subieron al escenario.

Lo que vimos fue una demostración de por qué son una de las mejores bandas mexicanas de la actualidad y que pese a algunos problemas técnicos (se rompió el parche de la tarola de la batería), nos dieron una gran demostración de rock e improvisación, con temas originales como su último sencillo “Hope” o la excelente “Ja Ja Ja” (de su último disco Never Greens Vol. 1), canciones que fueron de lo mejor de la noche, pero sin dejar fuera su éxito “Voltage is OK” (en una nueva versión) y el cover al clásico de Mc Cartney “Temporary Secretary”.

Por su parte, los sets electrónicos pusieron a bailar a todos. En el primer piso estuvo el mash up del DJ Marco. En el segundo nivel, Domy + Le.Go, integrantes del colectivo Nómada y expertos en el arte de la ambientación fiestera, armonizaron con notas que no eran clavadas ni monótonas, sino todo lo contrario: música que en esencia, es Marvin.

Estén pendientes de todo lo relacionado con la tercera edición de Esencia Marvin a través de:

www.marvin.com.mx

?

8

CINE

Al fin y al cabo muere “Bill” TXT:: Juan Patricio Riveroll. FOT:: lukeford.net La policía tailandesa informó que el fallecimiento del actor David Carradine el pasado 3 de junio (famoso por su papel en la serie televisiva Kung Fu y por haber participado en más de un centenar de películas incluidas Kill Bill Vol. 1 & 2 de Tarantino), pudo estar relacionado con un accidente durante prácticas masturbatorias y no con un suicidio consciente. Esta opinión se suma a la de muchos de sus conocidos y compañeros que habían resaltado el optimismo y las ganas de vivir del actor.

Su cuerpo desnudo había aparecido con un cordón, al parecer de unas cortinas, anudado a su cuello y también a sus genitales, lo que apunta a prácticas de masturbación que pudieron provocarle una asfixia o un ataque cardíaco en el momento de excitación y orgasmo, según fuentes policiales. El resultado de la autopsia que las autoridades tailandesas han practicado aún no se daba a conocer al cierre de esta edición.

Horas después de que fuese encontrado el cadáver del actor, de 72 años, en su suite del Swissotel Nai Lert Park Hotel de Bangkok, su agente Tiffany Smith, de Binder & Associates, fue la primera en poner en duda las sospechas iniciales de suicidio. Otros actores que habían trabajado junto a él también se mostraron sorprendidos por la teoría de una muerte voluntaria. Entre ellos, la peruana Melania Urbina, quien compartió set con él en la serie Tiempo Final, grabada en Colombia. La actriz declaró a Radioprogramas del Perú: “No sé nada de su vida personal. Yo conocí a un David lleno de vida, de energía y de buena onda. Era una persona inagotable y apasionada por su trabajo”.

Carradine se encontraba desde la pasada semana en Bangkok para filmar la película de acción Stretch, de Charles De Meaux, y sólo había intervenido en dos jornadas de trabajo. Su agente dijo a la agencia AP que el hijo del mítico actor secundario John Carradine (Stagecoach, 1939 o The Grapes Of Wrath, 1940, ambas de John Ford) tenía ulteriores proyectos y estaba feliz de realizarlos.

En el mismo sentido se manifestó el director del hotel tailandés donde residía, Aurelio Giraudo, quien declaró que el actor mostró su simpatía con todo el personal y era una persona “llena de vida”. Añadió que algunas noches se animó a tocar el piano y la flauta en el bar del establecimiento hotelero para solaz del resto de los clientes.

Convocatoria Ambulante 2010 TXT:: Carlos Jaimes.

Con el propósito de promover el cine documental en México, Ambulante anuncia el lanzamiento de su convocatoria para participar en la selección de documentales de su quinta edición. Los interesados en participar, pueden enviar su material hasta el 1 de septiembre de este 2009 con una duración mínima de 50 minutos para todas las secciones de este festival, excepto la de “Injerto”, para la cual se aceptarán cortos, medios y largometrajes.

Para la Sección Oficial, únicamente se aceptarán documentales terminados entre 2008 y 2009, de estreno nacional o que únicamente hayan participado en un festival en México previo a esta quinta edición de Ambulante. Aunque la temática de los documentales es libre, se dará prioridad a los trabajos que enriquezcan las secciones: “Dictators Cut”, dedicada a la censura; “Injerto”, formada por documentales experimentales; y “Sonidero” que explora la relación del cine con la música. De igual forma, se tomarán en cuenta aquellos documentales cuyo tema central esté relacionado con temas como: el medio ambiente, la sustentabilidad, la justicia social, la migración y la pobreza.

Más información en: www.ambulante.com.mx

Guillermo del Toro al museo TXT:: Juan Patricio Riveroll.

Tras pasar por el festival de Guadalajara el pasado marzo, la exposición “Diseccionando fantasías: Los secretos de Guillermo del Toro”, originalmente presentada en el centro cultural Camon de Alicante (España) a finales del año pasado, recala desde este miércoles en la Ciudad de México.

Permanecerá en el Museo del Estanquillo hasta el 16 de agosto para deleite de los miles de admiradores del cineasta jalisciense, que en junio lanzó en todo el mundo su primera novela de vampiros Nocturna.

Tratándose de un moderno mago de la imagen, el trabajo de Del Toro mostrado en la exposición es fundamentalmente gráfico, a través de videos de Alta Definición que en una decena de pantallas digitales muestran trailers, story boards y en general el proceso creativo del autor de Cronos (1993), Mimic (1997), El Espinazo del Diablo (2001) o El Laberinto del Fauno (2006).

La exposición aborda fundamentalmente la conceptualización de personajes, objetos, espacios y la gestación de los efectos especiales. En este montaje se podrán contemplar materiales inéditos o apenas difundidos como algunos storyboards de Mimic restaurados expresamente para esta ocasión por su autor, Robert J. Lewis, el testimonio fotográfico de la construcción de parte de los decorados de El Espinazo... realizado por el propio director artístico, Cesar Macarrón, con una primitiva cámara digital comprada a Juan Carlos Fresnadillo, las ilustraciones a color realizadas por Esther Gili para el Libro de las Encrucijadas de El Laberinto..., los diseños de uno de los mejores especialistas en matte paintings en la actualidad (Deak Ferrand) para Hellboy II: The Golden Army (2008), junto con los trabajos de numerosos artistas y empresas (sumando un total de 40), algunos reincidentes, como Wayne D.Barlowe, DDT, TyRuben Ellingson, Ismael Ferrer, HATCH FX, Sergio Sandoval, Raúl Villares o evidentemente el mismísimo Guillermo Del Toro, con más de 4800 imágenes recopiladas a lo largo de un par de años, de las que se han seleccionado cerca de 2300 que se visualizarán en formato video de alta definición a lo largo de unos 150 minutos.

“Diseccionando fantasías: Los secretos de Guillermo del Toro” estará abierta al público desde junio hasta el 16 de agosto en los horarios habituales del museo, de miércoles a lunes de 10:00 a 18:00 horas. El Museo del Estanquillo se ubica en Isabel la Católica 26 esquina con Madero, en el Centro Histórico de la Ciudad de México.

10

ARTE Marchante! es una galería urbana que tiene como objetivo acercar el arte a los espacios públicos en un espacio popular para la comunidad: el Mercado Michoacán.

Marchante! ha traído a la colonia Condesa a los principales artistas urbanos nacionales e internacionales para intervenir este icónico espacio que desde 1946 se ha consolidado como el verdadero corazón de la zona. El arte de la graffitera francesa Fafi y el de las mexicanas News y Mookiena fue plasmado ahí hace un par de años.

En el 2008 fue el turno de Sam Flores (San Francisco, EU) y de Saner de la Ciudad de México, artistas de la calle y estudiantes de Diseño Gráfico que se iniciaron en el graffiti hace 6 años, especializándose en el graffiti hiperrealista. Sus obras han sido plasmadas en paredes de México y Francia. Ahora, ahí se presenta el trabajo de Minos y Meis originarios de Ecatepec, Estado de México para conmemorar el 60 aniversario de adidas en el mundo. Marchante! Es un proyecto cuya curaduría corre a cargo de los happy People y Upper Playground Mexico. Más fotos e información sobre las pasadas intervenciones en: www.elaboratorio.org/marchante

Marchante! Galería

Máximo magnético y Connect

Por fin un premio que reconoce la creatividad publicitaria

FIFTY 24MX galería

FOT:: FIFTY 24MX galería El pasado 4 de junio se inauguraron en las exposiciones individuales Máximo Magnético de Gerardo Yépiz “Acamonchi” (Ensenada, Baja California, México, 1970) y Connect de Carolina Fontoura (México, 1981). La primera reúne un conjunto de obras que exploran la superposición del color y la textura mediante la serigrafía, el esténcil, el dibujo y el collage. A primera vista, éstas remiten a un plano abstracto, aunque mirando con atención, encierran un barroquismo iconográfico de referencias urbanas. La segunda es una instalación escultórica con varias piezas hechas de partes recicladas de una bicicleta. En su mayoría se trata de lámparas funcionales inspiradas en los candelabros Victorianos. Al final, se trata de una síntesis del DIY (do it youself), la cultura de las bicicletas y la conciencia ecológica.

Visita FIFTY 24MX galería en Amatlán 105, col. Condesa.

Yahoo! lanza el concurso Big Idea Chair Award en México

A pesar de que el Internet se ha establecido hace casi dos décadas como una plataforma imprescindible para las comunicaciones de hoy, el mundo de la publicidad está empezando a dimensionar su importancia. Yahoo!, una de las marcas más emblemáticas del mundo en el desarrollo del Internet, se hace en México pionera en reconocer esta creatividad a través del Big Idea Chair Award. El “trofeo” consiste en una silla de honor de color morado, que se diseña específicamente para cada país. El Big Idea Chair Award reconoce a las mejores campañas de publicidad que incluyan a Internet en su estrategia de medios, sin distinción del tipo de producto que anuncia. Está dirigido a los estrategas y creativos de agencias de publicidad, anunciantes, agencias de comunicación, marketing interactivo y productoras que acepten el reto de romper el molde y busquen sentar en el sillón morado de Yahoo! su campaña.

Para seguir de cerca este concurso, visita: www.bigideachair.com.mx

MODA

BUENAS NUEVAS www.marvin.com.mx

DFashion 2009

TXT:: Esteban Arzate.

Para iniciar el mes, el DFASHION nos sorprendió con su nueva locación, que ha convertido el auditorio Plaza Condesa en el nuevo lugar de expresión para los ya conocidos diseñadores como Mancandy, Ochô, Love is Back, Abel Ibañez entre otros. Las propuestas de los nuevos diseñadores, y de las ya conocidas marcas internacionales Pepe Jeans, Benetton y Rapsodia, mostraron lo que vendrá en esta temporada otoño–invierno.

La premisa de este proyecto es dar impulso y dar a conocer el talento mexicano en el ámbito de la moda, siendo este espacio uno de los principales escaparates en nuestro país. Algunos diseñadores lograron sorprender a la concurrencia tan ecléctica que incluyó editores, compradores y uno que otro fashion victim. Entre los más destacados estuvo Ricardo Seco, que al parecer se reinventó dándole a sus diseños (tanto para hombre como para mujere) un dinamismo y un toque de ferocidad futurista de formas, siluetas y texturas en chamarras de cuero, mini vestidos entallados y botas al estilo human nature de Madonna; Mancandy nos mostró su tendencia deportista con aires dinámicos mezclando el box, el tenis, el ballet, las transparencias y los satines; una vez más, no podía faltar el dúo conformado por las hermanas Julia y Renata que juegan con las figuras y formas creando nuevas estructuras.

A cuatro años de distancia de su primera edición, la organización fue mucho mejor lograda, aunque con algunos tropiezos… más que tropiezos empujones. Si la premisa de este proyecto fue impulsar y dar a conocer el talento mexicano en el ámbito de la moda, sólo queda preguntar si el camino de la industria alguna vez podrá consolidar a México en la meca del diseño, o si sólo será una plataforma nacional que pase sin pena ni gloria.

Pepe Jeans El primal scream (grito primario) de PEPE JEANS se deja ver en esta temporada, ya que regresa al puro estilo grunge londinense, remarcando la naturaleza propia de la marca. Con una actitud dinámica se mostraron en la pasarela chamarras de cuero y mezclilla, camisas a cuadros, vestidos con diferentes cortes, estampados en animal print, texturas en colores brillantes, así como la pieza principal: jeans con tratamientos y deslavados sugerentes que nos transportaron al glam rock que caracterizaba a Boy George en los ochenta……

Benetton Los colores de BENETTON llegaron una vez más a México, esta vez presentándose en el DFASHON. Tanto en las colecciones de dama y caballero el concepto clave fue la elegancia discreta, justo lo que se requiere para un día de trabajo en la ciudad o para la tranquilidad del campo. Gracias al uso de las texturas, materiales y tejidos, BENETTON demostró una vez más su versatilidad para satisfacer el gusto de todos, ya que su colección puede hacer sentir a una mujer como una muñeca o transportarla a la campiña inglesa, así como vestir tanto a un arquitecto como a un escritor.

11

12

Clean it up, Pump it up, Speed it up!

La nueva temporada de adidas by Stella McCartney Desde el 2005, la colaboración entre adidas y Stella McCartney ha crecido y permanece como la única línea de moda deportiva para mujer. Ahora, la apremiada línea adidas by Stella McCartney llega con la nueva colección Otoño- Invierno redefiniendo y retando las siluetas deportivas tradicionales, combinando el performance y el estilo con tecnologías propias de adidas, con los diseños únicos de Stella en piezas de algodón 100% orgánico, y calzado hecho de materiales sustentables. Las colecciones que presentan son: Running, Tennis, Golf, Cover Ups, Gym Studio, Gym Yoga, Gym Dance, además de incluir una colección Pre-Summer.

Nautica celebra la unión del hombre con el mar Nautica Oceans es una esencia amigable con el medio ambiente que integra notas que te dan una esencia natural, fresca e imponente como el inmenso mar. Esta fragancia se une a la causa ambiental, gracias a sus características biodegradables y empaque natural 100% reciclado que ha sido fabricado con la utilización de energía eólica. Lleva una mirilla auténtica en relieve, plateada, que permite que el frasco y el perfume se distingan a través de ella.

Además de la fragancia Nautica Oceans de 100 ml, también podrás encontrar las presentaciones de after shave y desodorante.

Ahora, oler bien será parte de tu estilo.

Para más información visita www.nautica.com

Tres estilos, una colección

Freestyle de Reebok presenta: Femme Fatale En los 80, Reebok lanzó una bota femenina para la práctica del fitness, convirtiéndose en un ícono de la cultura pop inmediatamente. Veinticinco años más tarde (2007), Reebok decidió rendir homenaje a este calzado y lanzó colecciones inspiradas en las diferentes facetas de la mujer actual. La más reciente colección de esta línea es la denominada Femme Fatale. Un calzado casual inspirado en las distintas personalidades femeninas. El modelo Glamour está dirigido para aquellas chavas chics que siempre buscan verse bonitas. El Biker para las que gustan de un estilo más rockero o punk. El CowGirl para las que lucen un estilo más campirano o casual.

MÁXIMO PODER Y ALTA FIDELIDAD Perfect Choice, marca especializada en accesorios de cómputo, sistemas de audio y dispositivos de conectividad; anuncia la disponibilidad en el mercado de las nuevas Bocinas 2.1 Power Sound, un poderoso sistema de altavoces equipado con un par de bocinas satélites, tweeter y subwoofer.

Este poderoso sistema de altavoces cuenta con radio AM/FM, entradas para micrófono con efecto para karaoke, ecualizador de 2 bandas (para bajos, medios/agudos), control remoto y entradas auxiliares. Todo esto lo podrás disfrutar conectándolo fácilmente a cualquier reproductor de sonido. No dejes de disfrutar la música al máximo poder y con la más alta fidelidad.

Para mayor información, favor de consultar www.perfectchoice.com.mx

MOTOROLA PRESENTA DOS EXCLUSIVOS EQUIPOS GPS Como parte de su constante innovación y oferta de productos que beneficien a los usuarios, Motorola presenta en México una nueva línea de productos con sistema de navegación GPS. MOTONAV TN20 y MOTONAV TN30 permiten una experiencia sencilla y eficiente para ubicarse geográficamente en las principales ciudades de México.

El conductor podrá visualizar datos tales como velocidad, distancia, horario de llegada, altura y kilómetros recorridos, así como el camino más corto o el más rápido. Los usuarios también pueden ampliar, reducir o explorar los mapas tocando la pantalla y desplazando el dedo sobre la misma. Además, con MOTONAV TN30 se podrá navegar por las calles y hablar por celular de una forma segura a través del altavoz manos libres que se conecta vía Bluetooth. Este modelo también cuanta con mapas de USA, Canadá y Puerto Rico.

LLEGÓ EL ZOOM ÓPTICO MÁS PODEROSO COMPACTO Y PORTÁTIL Qué te parecería tener un lente de enfoque con acercamiento total para capturar los detalles más sutiles a una distancia corta de hasta un centímetro, y que pueda alejar la toma para obtener imágenes panorámicas, asegurando tomas nítidas y brillantes. Ahora esto y más es posible con la SP-590 UZ de Olympus.

Cuenta con 12 megapíxeles para no perder calidad al imprimir en formatos grandes. Esta es la cámara perfecta para los fotógrafos aficionados que desean tomar imágenes como las de un profesional. Tus fotografías tendrán calidad superior, colores más exactos, tonos reales y mayor velocidad en el proceso.

14

Rock de raíces fuertes co.

TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: Cynthia Fran

Hay bandas que viven tan preocupadas por ser “originales” que terminan siendo autocomplacientes y somníferas. No mencionaremos ejemplos al respecto, mejor les presentamos un grupo mexicano que sin descubrir ningún hilo negro, hacen un rock muy en la escuela de Cream, Led Zeppelin, Santana y bandas de nuevo cuño como Kings of Leon, The Mars Volta o los Raconteurs.

Su nombre es Dirty Karma, una banda que luego de 4 años de búsqueda musical y algunos cambios de integrantes, ahora tiene una alineación sólida y solvente. De sonido crudo e intenso, sus rolas son el resultado de haber desempolvado muchos vinilos de psicodelia, folk, blues y rock gringo sureño, una combinación de raíces fuertes, sucias y ponedoras que en el 2008 originó un EP homónimo.

15 Cuando supimos que andaban grabando su primer LP (que llevará por nombre Four Elephants), los visitamos a un estudio de grabación ubicado en Coyoacán. Ese día Hugo tenía sesión para grabar algunas baterías del disco, así que fue el primero en llegar. Después lo hizo Mauricio (voz y guitarra), seguido de Gerardo y Rodrigo (bajista y guitarrista respectivamente). Al entrar a la sala de grabación era imposible ignorar todos los efectos y recursos que este estudio perteneciente a dos músicos de Molotov ofrece. Al respecto, Mauricio comentó: “Tratamos de tener los pies en la tierra respecto de la instrumentación que tiene la banda, somos dos guitarras, bajo, batería y dos voces, entonces con este estudio sentimos que podemos llevar nuestro sonido más lejos, si en alguna parte falta un phaser o chorus, el estudio nos ayuda muchísimo para poder innovar”.

Lo cierto es que para lograr exprimir al máximo las posibilidades de un estudio es necesario tener oídos experimentados. Quizá por ello decidieron grabar de nuevo con el mismo equipo del EP. “El productor se llama Milo Froidebal, es un argentino loco (risas), ya se le botó la canica pero hace música increíble. El ingeniero es John Gibbe. Lo estamos haciendo con el mismo sello, La Morena Records y ha sido un proceso increíble, ellos aportan mucho al grupo, cuando nosotros llegamos con algo siempre encuentran cómo darle un levantón y cómo limpiar el sonido. Al final terminamos muy contentos con el resultado”, comenta Mauricio.

La idea es complementada por Gerardo: “los conocemos lo suficiente tanto a nivel personal como musicalmente hablando, al final su trabajo no es un filtro muy duro, las cosas siempre cambian para bien con sus aportaciones y nunca hay cambios drásticos de 180 grados”.

Ese día no pudimos escuchar nada del nuevo material, entonces era oportuno preguntar sobre los discos emparentados con lo que estaban grabando. Mauricio afirmó no querer sonar como ningún disco en particular: “todos traemos bastantes influencias y escuchamos discos hasta el cansancio para que al llegar al estudio se mezclen con las del productor... aunque te puedo decir que yo he escuchado mucho Fleet Foxes últimamente”. Gerardo nos sorprendió señalando su gusto por los Allman Brothers; mientras Hugo y Rodrigo mencionaron a The Mars Volta y el nuevo disco de The Secret Machines.

Aunque en ese momento ninguna canción estaba grabada por completo, nos adelantaron algunos títulos de las nuevas canciones: “A Lesson”, “Death & Resurrection”, “Castles” y “Four Elephants”, mismas que estarán listas en agosto o septiembre.

Antes de la entrevista visité www.myspace.com/dirtykarma, y me llamó la atención que en la sección de “influencias” había nombres como Inaniel, Shoshu, Black Magic, Tight Jeans, Little Red Boots, Mescalito, Aliados, Wax Simulacra. “En realidad son influencias de nuestras influencias. Siempre que admiramos a un grupo nos preguntamos sobre el origen de los sonidos, por eso nos vamos más pa’ tras”, comentó Gerardo.

Sobre las diferencias que tendrá su nueva producción respecto del EP, Hugo comentó estar muy satisfecho con el trabajo de éste, pero lo distinto es que ahora tuvieron más tiempo para trabajar las canciones: “tenemos un poco más de ambición en cuanto a la producción, a pesar de que siempre hemos estado involucrados en ella, la estamos llevando un paso adelante.”

Desde luego ha pasado poco tiempo entre ambos discos, y en ese sentido comenta Mauricio: “somos una banda que todavía está buscando su sonido.

Al principio sacamos todas las influencias que traíamos. Ahora estamos tratando de hacer la combinación entre el lugar de donde venimos y hacia el que vamos, estamos experimentando el proceso evolutivo por el que pasa un grupo para llegar a su sonido.” ¿Pero qué tan fácil es para una banda que sólo tiene un EP sonar y tener presencia en los medios?

Hugo aventura una respuesta: “La difusión de la banda en los medios ha sido muy buena e interesante, pues la idea que hemos recibido del público sobre la banda es que se trata de gente honesta haciendo música honesta, echándole ganas sin pretensiones, sin cosas tontas encima.”

Cuando salimos de la sala de grabación Hugo encendió su lap top y me pasó sus audífonos, “es el palomazo que hicimos para entrar al Vive Latino”, me dice. Me coloco los auriculares y comienza a sonar el groove “santanoso” de “Friends”. Una vez más me doy cuenta de que su música les va a llevar lejos, y que su participación en el Vive Latino es todo menos gratuita. Las raíces ahora también apuntan al futuro. M

16

GRIZ ZLY BEAR Trazando la intimidad de lugares TXT: Rodrigo Rothschild. FOT:: Warp Records.

Escuchen caer las primeras notas del piano al inicio de “Two Weeks”, el primer sencillo de Veckatimest. Además de poner el acorde inicial a lo que posiblemente será una de las baladas pop más recordadas del año, nos sitúa en un lugar especifico. Las notas no se sienten grabadas dentro de lo estéril de un estudio, sino que habitan una atmósfera. Se percibe en el eco que generan disfrazándolas de fuertes y épicas. El espacio se vuelve un elemento más de esta ecuación musical. La geografía juega un papel importante en la música de Grizzly Bear.

Integrado por Ed Droste, Daniel Rossen, Chris Taylor y Christopher Bear, el grupo claramente se deja influenciar por las ubicaciones. Para su primer álbum como banda (Horn Of Plenty no cuenta porque se trata de un esfuerzo solista de Droste antes de conocer al resto de los músicos), la casa de la madre de Droste fue utilizada como estudio de grabación, y terminó titulándose Yellow House en referencia a ésta. Un título que resultó bastante apto. A lo largo de 10 canciones retrataron la intimidad de un hogar lleno de susurros y de canciones etéreas, en las que las voces se fundían con el resto de los instrumentos creando un folk fantasmagórico barnizado en una ligera distorsión que sugería a My Bloody Valentine como lejana influencia.

Ahora para Veckatimest el grupo amplía su espacio. Atrás quedan los confines de una casa y en esta ocasión titulan su álbum en honor a una pequeña isla inhabitada en la costa de Massachusetts. El contraste entre los dos títulos se siente al inicio de “Southern Point”, cuando el disco comienza con una instrumentación que sólo puede ser descrita como barroca, inmediatamente trasportando a los seguidores de la banda a un terreno completamente distinto a lo que nos tenían acostumbrados. Lejos queda la austeridad ambigua de los trabajos anteriores, ahora sustituida por una cascada de texturas que sólo puede ser descrita como generosa. La lista de instrumentos con los que invaden cada segundo de la canción parece interminable, y cada textura que producen es nueva. Con esta introducción sientan las bases de lo que será el resto del disco: una obra de pop barroco inmaculado, que suena como si se hubiera producido hace 40 años.

La segunda gran diferencia con los trabajos anteriores son las voces. Droste y Rossen intercambian los deberes vocales, que en esta ocasión están mucho más presentes y nítidos. Lo que antes funcionaba como textura ahora es un punto focal en el disco. Las letras han adquirido cierto protagonismo.

Saltando de una casa a una isla, el grupo de Brooklyn amplía su panorama.

Ya sea que se trate de la magistral y llena de personalidad voz de Dostre, o la sutil y dulce voz de Rossen, la calidez que le brindan al disco es comparable con el trabajo de Robin Pecknold para Fleet Foxes. Y no sólo son esas dos voces: escuchen la intervención de Victoria Legrand de Beach House en “Two Weeks”, que resulta tan natural junto a Droste que más bien parece la intervención de un prodigio en la ingeniería de sonido, o el uso que le dan a un coro de niños durante “Cheerleader”, el cual se siente poco natural y le brinda a la canción entera profundidades insospechadas.

La mano de Nico Muhly es otra de las presencias bienvenidas. El compositor neoclásico, que ha trabajado con músicos de la talla de Philip Glass, Björk y Antony And The Johnsons, es arquitecto de muchos de los momentos mágicos que escuchamos. Su toque resulta esencial particularmente en “Dory”, una de las canciones más delicadas del disco. Grabado en una serie de sesiones divididas entre un estudio ubicado en las montañas Catskill, lejos de la civilización, y una iglesia abandonada en Brooklyn; las locaciones no son tan sólo un par de gimmicks que se ven lindos en las anotaciones del disco: son la búsqueda para capturar la esencia del lugar, de manera que el disco se traduzca en una especie de retrato que, más que escucharse, pueda sentirse. M

18

Deerhunter de la década Una de las bandas más prolíficasTXT:: Mildred Pérez FOT:: Barry Klipp.

Ocho años después de que Bradford Cox (voz, guitarra) y Moses Archuleta (batería) formaran Deerhunter, la locura ha ido apaciguándose, pues de un iracundo y psicótico álbum debut homónimo en 2004 (también conocido como Turn It Up Faggot), hoy el cuarteto de Atlanta, Georgia tiene una notable madurez musical.

En Microcastle (2008) desapareció esa furia que emanaban las guitarras y los alaridos de Cox, y ahora un autodenominado ghost rock “que bien podría ser pop” cautiva con suaves acordes y apacibles vociferaciones que van de lo meloso a lo sensual.

El turbulento inicio de la banda incluyó la pérdida del primer bajista, que murió en un accidente de patineta, así como incontables cambios en la alineación, causando que la primera producción de la banda fuera un caos auditivo total.

“Definitivamente creo que las cosas que te pasan en la vida determinan la persona que eres, así que no cambiaría nada de lo que me ha pasado”, anuncia sin titubeos Bradford Cox, quien vivió en hospitales durante su adolescencia a causa del síndrome de Marfan, culpable de su esquelético cuerpo y manos gigantes. Hoy, Deerhunter es un cuarteto y los miembros restantes son el bajista Josh Fauver y el multi instrumentalista Lockett Pondt (Lotus Plaza).

Después del estrepitoso Deerhunter, el grupo intentó definir su identidad. Cryptograms (2007), grabado sólo en dos días, fue un álbum mucho más psicodélico, que reflejaba mayor experimentación con diferentes instrumentos y sonidos, al igual

que en la postproducción. “Cuando escucho una canción que grabé, lo más gratificante es oír que tiene el efecto que quería. Es muy fácil grabar una canción y algunas cosas se hacen de la manera más sencilla posible, pero si te tomas tiempo extra para experimentar en el estudio y obtienes ciertos sonidos, realmente puedes lograr mucho más”, explica la aguda voz de Cox. Esta paciencia y dedicación fomentó a que el disco recibiera bastante aceptación del público, la prensa y bandas colegas; por si fuera poco, durante el 2008 Deerhunter abrió los conciertos de la gira de Nine Inch Nails por Estados Unidos.

Tras dicha probadita de éxito y aceptación, el resultado fue Microcastle, el disco más tranquilo y sensible de la banda; el primer sencillo “Nothing Ever Happened To Me” es un viaje psicodélico que insta a “eliminar lo que no puedes reparar”, y sus casi 6 minutos redefinen por qué el sonido de Deerhunter es tan hipnotizador.

Karen O ha elogiado mucho los conciertos de Deerhunter, donde nunca falta intensidad e improvisaciones y, de vez en cuando, aparece en el escenario Bradford Cox usando algún vestido.

“Cada canción tiene su propia identidad, son como personajes en un libro, una obra de teatro o una película. Cada vez que tocas una rola es casi como si hubiera un elemento diferente en ella, un recuerdo diferente sale a la luz; cuando grabas, grabas una vez, pero después de tocar una canción

cientos de veces, siempre existe una posibilidad de que recordarás algo nuevo o un elemento extra de esa canción que no aparece en el disco, pero que sí en vivo. Lo más agradable para mí es la respuesta inmediata del público cuando desvistes lo elementos del disco y los haces funcionar, me refiero a guitarras, batería, bajo y voz”.

Si planeas asistir a Lollapalooza este año, no te pierdas Deerhunter, y dale una oída a los EPs Flourescent Gray (2007), Weird Era Cont.

(2008) y Rainwater Cassette Exchange (2009), que recién se lanzaron en mayo. En el blog de la banda (deerhuntertheband.blogspot.com) podrás encontrar música gratuita de Atlas Sound, proyecto solista de Cox, además de algunos mix tapes.

“Atlas Sound es un proyecto que tengo desde antes de Deerhunter. Siempre he grabado canciones, y ese sonido es mucho más atmosférico y ambiental.

Nadie más está involucrado, sólo soy yo en mi casa, grabando, produciendo y escribiendo material. Hay mucha libertad ahí, pero por supuesto disfruto el proceso de composición de Deerhunter, hay muchas personalidades distintas en la banda, y Atlas Sound sólo son mis ideas. Mi amigo Cole de Black Lips y yo hacemos Ghetto Cross, y los dos tendemos a escribir canciones muy peculiares; nos juntamos y escribimos canciones raras, y ya estamos trabajando para grabar nuestro primer disco”. M

20

TXT:: Humberto Polar. FOT:: cortesía NSM PSM Hace unos pocos años, Pato (Patricio Watson) y Kay (Karim González) trajeron a la escena mexicana un proyecto refrescante y decididamente diferente. NSM PSM intentaba desde el principio hacer algo alterno a lo que la mayoría de los DJ’s hacían, a través de uno de los estilos técnicamente más demandantes: el tornamesismo. “Mucha gente tocaba música que era o muy comercial o muy electrónica. Nosotros queríamos hacer un poco de las dos cosas pues siempre ha habido música muy interesante en diferentes géneros”, dice Kay en una relajada conversación con Marvin. NSM PSM se estableció rápidamente como el mejor dúo de DJ’s en su estilo, haciendo sets eclécticos, muy cercanos a los que se ha dado en llamar mash-ups, creaciones híbridas en tiempo real donde se cortan pequeños fragmentos de canciones conocidas, provenientes del pop o cualquier género, superpuestos sobre beats bailables. El proyecto generó una inmensa banda de seguidores en México, que muy pronto empezó a pedirles un disco donde quedara registrada la impresionante energía de sus sets en vivo. Para Kay, el reto estaba en lograrlo

con material propio: “Pato y yo somos disc jockeys y formalmente nunca habíamos hecho música como tal. Mi papá y sus hermanos son músicos, pero como mis papás se separaron cuando yo era pequeño y yo me quedé con mi mamá, nunca aprendí a tocar un instrumento”.

La presión del público aumentó, y Camilo Lara les ofrece sacar un EP. Las primeras sesiones de trabajo dieron como resultado el tema “Clap Your Brains Off”, que salió a mediados del 2007. Durante todo ese año, el dúo se dedicó a traducir su estética mash-up en un álbum completo, que quedó terminado a principios del 2008. En ese momento, empiezan a trabajar con un nuevo manager, Steve Pross: un veterano del mundo de la música que en su momento fue cabeza de Emperor Norton (la recordada disquera que llegó a tener en su catálogo a Pepe Deluxe, Ugly Ducking, Felix Da Housecat y Ladytron, entre otros). El plan de Pross fue hacerlos más conocidos internacionalmente, conseguir tocadas y remixes afuera, cosa que se logró aunque retrasó el lanzamiento un año más. El 23 de junio del 2009 el disco finalmente ha visto la luz, aunque está terminado desde marzo del 2008.

21 Music Vs Music es un disco intenso, una fiel representación de la creatividad del dúo en el uso del sampling y la mezcla rápida, pero la materia prima que utilizan combina sonidos encontrados con otros producidos por ellos mismos. “Hay mucho de ambas cosas, efectivamente. Para producir la música usamos muchos samples libres de derechos e invitamos a muchos músicos.

A ellos les indicábamos lo que queríamos que tocaran. Otras veces les poníamos beats y secuencias para que improvisaran encima y luego extrajimos pedazos y creamos nuestra música con ellos” dice Kay. El resultado tiene la energía y la “crudeza” que naturalmente existe en su manera directa de tocar. Un álbum más experimental que bailable, y eso es intencional.

“Contra lo que mucha gente pudiera pensar, que este es un disco de dance, nosotros lo vemos como un disco sin etiquetas, para ser escuchado” afirma Kay. “Creo que puede aterrizar muy bien con gente que sea melómana, que le guste mucho la música, que busque enriquecerse al tomar distintos estilo y disfrutarlos como tal. Gente que lo entienda como un trabajo de arquitectura, que plantea distintos planos. Es un disco para oír en la carretera, de principio a fin. Un disco que te acompaña como un objeto completo”.

La estructura del álbum está ligada por breves interludios que enlazan los temas más largos. Al

final, se trata de un disco breve, apenas superior la media hora. Sin embargo la intensidad es total, y la riqueza de ideas aparece a cada minuto. “Que fuera un disco más largo no hubiera ayudado, y sin interludios no hubiera sido lo mismo. Era muy importante para mí contar una historia y no sólo poner unos tracks bailables”.

El reto siguiente para NSM PSM es poder presentar en vivo un material de tanta complejidad sonora, tarea en la que aún están trabajando. Por ahora disfrutan de haberlo completado, y están en estos días dedicados a una importante cantidad de remixes para artistas del calibre de los Beastie Boys y Morrissey, en colaboración con el Instituto Mexicano del Sonido, con quienes los une ahora una fructífera relación creativa que los lleva a una gira conjunta. “Es muy interesante trabajar con el IMS. En lo personal Camilo y yo tenemos un vínculo muy fuerte y como proyecto es muy bueno intercambiar ideas, hablar de música, compartir tiempo de trabajo. En México no estamos acostumbrados a hacer equipos como lo hacen en Francia, por ejemplo, los Ed Bangers. Hay muchos proyectos que se apoyan y se hacen fuertes entre ellos. Esta relación NSMPSM-IMS nos ayuda a presentarnos más fuertes allá afuera, a vernos sólidos, a darnos apoyo. Unir fuerzas hace las cosas más fáciles y ayuda a tener más proyección”.

Ciertamente, tocar antes que el IMS en distintos escenarios del mundo los hace voceros de una parte de la música contemporánea mexicana. A la pregunta de si sienten representar a un sonido de nuestro país, Kay responde: “La manera que tenemos de tocar como DJ’s es bastante distinta a cómo ponen música en Europa o USA. La gente latina tenemos un feeling diferente para hacer engranajes que no se da fácilmente en DJ’s de otras latitudes. Tenemos mucho sabor.

No importa la música que estemos tocando, no necesariamente tiene que ser música latina, es la manera de mezclar y sentir la mezcla lo que nos diferencia en esta parte del mundo”.

Lo que empezó como un hobby se ha convertido en uno de los proyectos más logrados y con sonido propio de nuestra escena. NSM PSM tiene una propuesta llevada a profundidad con mucha seriedad pero a la vez con la capacidad de divertir a sus seguidores. El dúo está entusiasmado con empezar a trabajar en un segundo álbum y siente que ha empezado un camino que no tiene retorno.

Su calidad como DJ’s es muy apreciada por sus seguidores, que al final son quienes los llevaron a grabar y a dejar un registro. Ahora además se han probado como compositores y el resultado es más que satisfactorio. M

22

NO SE COMPLICA

LA VIDA

TXT:: Arthur Alan Gore. FOT:: Rough Trade Records.

23 Existen dos caminos que tomar cuando una mujer se niega a entregarnos su cuerpo, su amor y su alma. Uno es escribir un poema tan sentido, trágico y con un espíritu que se antoja como precedente emo como el 20 de Pablo Neruda: “...es tan corto el amor y es tan largo el olvido...”; o mejor aún, una canción tan ardida, vengativa y descarada como “Fuckingsong”, de Jarvis Cocker: “I will never get to touch you so I wrote this song instead, thinking about you lying in bed, it’s gonna get inside your head”.

Lo mejor del tema radica en el final, en el que el narrador en primera persona, loser asumido que de sobra sabe que su deseo jamás será satisfecho, reconoce: “It’s just a fucking song”. Y nunca queda claro –porque esa es la naturaleza caprichosa y ácida de Jarvis– si es una fucking canción o una canción que habla del fucking.

Wow. Casi tres años han transcurrido desde que el ex cantante de Pulp y Relaxed Muscle lanzó un primer disco solista, Jarvis, y ahora regresa de la mano del productor que grabó el legendario In Utero de Nirvana, Steve Albini. Ya en entrevistas previas Jarvis había prometido que se saldría del corral sonoro del pop y se adentraría en las oscuras malezas del rock. Desde la primera escucha, queda claro que el británico cumplió con su palabra. Basta dejarse enamorar por el beat altamento rockero de “Caucasian Blues”, en el que las guitarras se escuchan incluso por delante de la voz de Cocker.

Sin embargo, Further Complications resulta un disco con personalidades múltiples que, sin romper ese hilo conductor que es la voz de Jarvis, sí exhibe tantas encarnaciones musicales como una bestia de diferentes cabezas.

Digamos que, para ser más claros, se aprecia como un condominio sonoro en que lo mismo se puede visitar un apartamento rocker, un flat pop, la habitación del funk y hasta un chalet disco. “Angela”, por ejemplo, es un tema con profundas referencias garage, guitarras al más puro estilo Albini, pero en el otro lado del espectro, “Homewrecker!” entrega un estimulante saxofón, cortesía de Steve Mackey que proporciona un toque “jazzero” a la canción.

Y, como lo era desde los días de Pulp, la joya es la interpretación. ¿Quién sino ese espigado personaje, de garganta educada y dulce, aguda y temblorosa, podría contarnos una historia de amor tan singular como la de “Leftlovers”?

Un tipo conoce a una chica en medio de los pasillos de un museo de paleontología y le dice: “si lo que quieres es estudiar dinosaurios, conozco un espécimen que, sin duda, atrapará tu atención”. Obvio, estamos hablando de un tipo de edad con preferencias por las jovencitas. Y es que la crisis de los 40 resulta ser una de las grandes inspiraciones de este álbum.

Lo dijo Jarvis previamente: “hay que rockear mientras se pueda, después te empiezas a caer”. ¿Quién te dijo que soy sensible?

Pero los genios no se dan maceta y los seres humanos no pueden escapar del error. Quizá uno de los puntos débiles de este trabajo, grabado en Chicago, son los homenajes involuntarios. En medio del trance instrumental que conduce al final de la melosa “You’re In My Eyes”, Jarvis comienza a hablar, en medio de la música, con una voz y una intención que irremediablemente remiten a Barry White.

Pero en términos generales, aún puede respirarse ese mismo espíritu molestón y provocativo que caracteriza a Jarvis. Para nadie es un secreto que el hijo de un locutor de radio sesentero que aseguraba ser medio hermano de Joe Cocker es un adorable patán. Lo fue cuando interrumpió la actuación de Michael Jackson en 1996, durante los Brit Awards. Invadió el escenario sin invitación mientras el Rey del Pop interpretaba “Earth Song” y se desvivía en un performance en el que él mismo se veía como un Jesucristo descremado. Jarvis simuló bajarse los pantalones y bailar burlonamente para escarnio de Jackson.

“HAY QUE ROCKEAR

MIENTRAS SE PUEDA, DESPUÉS TE EMPIEZAS

A CAER”

JARVIS COCKER

También es famoso el video, muy popular en YouTube, del ex vocalista de Pulp regañando a una fan para que se calle y deje de gritarle, en medio de un concierto, porque no lo deja concentrarse.

Se trata del mismo personaje que en este nuevo disco le dice a una mujer, después de haber compartido la cama, en el tema “I Never Said I Was Deep”: “My morality is shabby, my behaviour, unacceptable. No, I’m not looking for a relationship, just a willy receptacle”.

Ahora, Jarvis Cocker es un representante destacado de la cultura popular actual por muchas más razones que su personalidad impredecible y sus canciones explosivas. Lo es porque rompe todos los esquemas. Como parte de su actividad promocional alrededor del lanzamiento de Further Complications, unos días antes de la salida del disco el cantautor decidió involucrarse en una original dinámica que, al mejor estilo Bertolt Brecht, pretendía romper la cuarta pared, la que separa al público del artista.

Del 4 al 10 de mayo pasados, Cocker se estableció en la galería Galerie Chappe, en París, donde tiene su residencia para interactuar con sus fans, junto con su banda integrada por Martin Craft, Steve Mackey, Tim McCall, Ross Orton y Simon Stafford. Lo mismo tocaron con aquellos que llevaron instrumentos, que dieron clases a niños pequeños y, lo más divertido, improvisaron canciones con las palabras que les sugiriera la audiencia en ese momento. El resultado fue un éxito.

Además, su pasión por las artes no se resume al ámbito de la música, ya que cuando tiene la oportunidad combina esta última con otras, como el cine. En 2005, realizó cuatro canciones para la película Harry Potter y el Cáliz de Fuego, donde además realizó un cameo como cantante de la banda de pop mágico Weird Sisters, conformada por otros ilustres personajes de la escena inglesa como Johnny Greenwood y Phil Selway, de Radiohead; Steve Mackey, de Pulp; Jason Buckle, de Relaxed Muscle, y Steve Claydon de Add N to (X).

Recientemente, se anunció que Jarvis realizará la música para la nueva película de Wes Anderson, una versión de la novela para niños Fantastic Mr. Fox, escrita por Roald Dahl. Se trata de uno de esos personajes que no se saben ni se quieren estar quietos, que en un disco puede exorcizar fantasmas, liberar demonios, enfrentar crisis cuarentonas o decirle con toda la rabia y descaro a una mujer: “como nunca podrá ponerte una mano encima, escribo esta canción para que sea ella quien te penetre hasta lo más profundo de tu conciencia”. Complicaciones, al fin. M

24

TXT:: Juan Carlos Hidalgo. FOT:: Nonesuch Records.

Novelas obscuras sobre seres marginales que viven en los linderos de la Norteamérica enigmática y rural, entre las que se encuentran Todos los Hermosos Caballos (92), En la Frontera y Ciudades en la Llanura (que conforman la Trilogía de la Frontera) convirtieron a Cormac McCarthy (Providence, Rhode Island, 1933) es un escritor de culto, por su elusiva personalidad, su negativa a aparecer en los medios y sobre todo por poseer una obra de calidad superlativa, que coloca al hombre ante situaciones límite, como el amor y la muerte.

Durante muchos años fue uno de los grandes tesoros escondidos de la literatura gringa, un símil que en lo musical se aplica a Wilco, cuyas primeras grabaciones también poseen ese sabor agridulce que acompaña a la revisión de la identidad por parte de un norteamericano pensante. Permanecieron a la sombra, recorriendo carreteras y salas pequeñas, antes que su país les aclamara, una vez que el reconocimiento amplio los alcanzó primero en Europa. Ambos –escritor y grupo de rock– están influidos por el concepto de un western contemporáneo, que ya no se remonta a la estética de las cintas protagonizadas por John Wayne o las realizadas por John Ford. Cada uno por su lado ha descendido a los parajes sombríos de la existencia humana y ha retratado a la gente que vive en los pequeños pueblos y que sólo mira a la modernidad desde la lejanía.

Tanto el autor de Meridiano de Sangre como el grupo que encabeza Jeff Tweedy desde Chicago no se quedan en meros retratistas sino que crean realidades alternas, dotando de densidad narrativa e intensidad formal a sus libros y canciones, respectivamente.

Ninguno se sintió amedentrado por no obtener la fama súbita sino que se dedicaron a crear un corpus sólido que les rindiera satisfacción personal en primera instancia y pudiera calar hondo entre quienes se toparan con él.

Cormack desde los sesenta, cuando apareció El Guardián del Vergel (65) y Jeff primero cabalgando los ochenta y primeros noventa con Uncle Tupelo, hasta aparecer ya con Wilco en 1995 con el álbum A.M. Aunque realmente la banda se ha comportado como un taller abierto por el que han desfilado cantidad de músicos, la parte seminal fue conformada por el bajista John Stirratt, Ken Coomer en la batería y el violinista Max Johnston, más Tweddy. La excentricidad es perceptible desde el nombre mismo, que es una abreviación de la frase: “We’ll accomplished”, que es parte del argot militar y que puede traducirse como: “Nosotros cumpliremos”.

25 Tras sumar al multi-instrumentista Jay Bennett y de lanzar el doble Being There (96), consumaron una colaboración que sería histórica. El legendario folksinger inglés Billy Bragg los contactó para trabajar la música de una selección de los cientos de letras que dejó a medias otro trovador de auténtica leyenda: Woody Guthrie, cuya guitarra de palo era “una máquina para eliminar fascistas”.

La mancuerna Bragg–Wilco dio una nueva dimensión a la lírica del bardo ferrocarrilero gabacho, dotándola de un sonido actual que contribuyó a que Mermaid Avenue (98), acaparara múltiples elogios. El trabajo fue nominado a los Grammy como mejor álbum de folk contemporáneo.Tras esa celebrada colaboración comenzó una progresiva inclinación hacia un rock más eléctrico y poderoso, como es evidente en Summerteeth (99), donde también comienzan a agregar distintos efectos para retorcer su sonido.

Debido a las presiones de Reprise –su disquera de entonces– optaron por una acción que brindara ingresos y respiro a músicos y empresa. En el histórico y agitado 2000 publican Mermaid Avenue Vol. II, con material no incluido en el anterior, más nuevas versiones entre las que destaca “Someday Some Morning Sometime”, un tema muy logrado y que anticipaba un drástico cambio de rumbo –un estruendo que sacudiría a la banda y escuchas–.

Yankee Hotel Foxtrot es una obra maestra, un punto de quiebre lleno de creatividad e inspiración.

Un disco que redefinió la relación entre el rock y el country. Su proceso de producción fue tormentoso desde un comienzo. Para empezar, Glenn Kotche reemplazó a Coomer en la batería y agregaron a otro virtuoso multi–instrumentista, Leroy Bach, para potenciar aún más los arreglos y los directos, Tras terminar la grabación, Bennett fue expulsado en malos términos, ya que se oponía a que Jim O’Rourke (colaborador de Sonic Youth) se hiciera cargo de la mezcla. A pesar de los toques noise del disco, a la postre se supo que O’Rourke no fue quien los agregó sino, en sentido contrario, quitó algunas estridencias que los propio Wilco habían grabado.

Las diferencias entre los miembros, los pleitos y la aparición del disco del nuevo grupo de Bennet (The Palace at 4 A.M.) el mismo día que Yankee Hotel Foxtrot se muestran en el documental I am Trying to Break your Heart, rodado en blanco y negro por Sam Jones, el mismo artista que hizo la portada del álbum, y que contiene una escena muy representativa en que Tweedy y Bennett discuten acaloradamente acerca del principio de la canción “Heavy Metal Drummer”, que acaba con Tweedy corriendo al baño a vomitar (debido a las migrañas crónicas que padece desde su juventud y el coraje).

La tormenta en torno al álbum fue inclemente, pues incluso la disquera se opuso a editarlo, así que abandonaron Reprise para caer –paradójicamente– en otra subsidiaria del grupo Time Warner, Nonesuch Records, donde actualmente militan. Esta producción vio la luz finalmente en la primavera del 2002, aunque durante un tiempo se podía descargar gratuitamente en la página del grupo (para lo cual pagó 50 mil dólares al corporativo por los masters); a la postre se convirtió en la herramienta clave para trepar a la cima y ser conocidos masivamente.

En el Corazón del País, de William H. Gass, Trópico de Cáncer, de Henry Miller, y el libro de Harold Bloom, La Ansiedad de Influir: una Teoría de Poesía, como definitivas para su manera de componer), tanto como por el uso de la técnica del “cadáver exquisito”.

Yankee Hotel Foxtrot trepó al número 12 del Billboard, al 1 de la Pazz & Jop Critics Poll de 2002 (superando al Sea Change de Beck), vendiendo más de 600 mil copias, cosa que actualmente sigue haciendo ya que contiene clásicos wilqueros como “Heavy Metal Drummer” y “Jesus, etc.”, que interesaron también a los medios comerciales, que se abrieron al country alternativo o Americana.

Considerados también “los principales impresionistas del rock americano”, han interesado al ex–baterista de Fugazi, Brendan Canty y Christopher Green para filmar un nuevo material audiovisual (editado en DVD y que analizamos por separado), Ashes of American Flags, que antecede a la inminente aparición de un nuevo disco de estudio, Wilco (The album) (09). Ambas incursiones nos permiten tener delante a una banda reflexiva y plena, explorando su propia naturaleza y la esencia misma de la cultura norteamericana, que ejerce atracción y repulsión a partes iguales. M

Una vez que consiguieron tener encima los reflectores mediáticos sufrieron nuevos cambios, apuntalándose como sexteto gracias a la adición de Nels Cline, un prestigiado guitarrista procedente del jazz. El periodo de creación de A Ghost Is Born (04) se vio afectado por el ingreso de Jeff a una clínica de rehabilitación para tratar su dependencia a los calmantes recetados para sus frecuentes migrañas.

Ni los males evitaron que surgiera otra joya, en la que la banda suena más cohesionada que nunca.

Ahora se colaron entre los diez primeros puestos de las listas de álbumes de Estados Unidos, ganaron un Grammy y diferentes menciones. Lograron congraciar a la crítica con sus seguidores.

Durante una etapa que podía considerarse de transición registraron en directo Kicking Television (05) desde el Vic Theater de Chicago, para luego dejar pasar dos años (en los que giraron intensamente) y presentar Sky Blue Sky (07), que no les entrega buenas cuentas. Sus seguidores pasan por alto que se trata del primer ejercicio de composición colectiva y lo etiquetan como música para adultos contemporáneos (AOR) carente de nervio. Tweedy aprovecha el bache para realizar una serie de presentaciones en un acústico solitario y dar seguimiento al proyecto paralelo Loose Fur. Para una grupo que llegó a ser considerado por la prensa europea como “los Radiohead americanos” y “una de las bandas americanas más consistentemente interesantes” de parte de la Rolling Stone, el mal trance sólo fue un impasse temporal, pues tienen total convencimiento de sus cualidades, que pasan por fuertes influencias literarias (anteriormente han citado obras como:

Existen distintos documentos que dan testimonio de que se trata de un colectivo formado por gente informada y culta, entre ellos se encuentran The Wilco Book por Wilco, Wilco: Learning How To Die de Greg Kot y Adult Head escrito por el propio Jeff Tweedy.

Fallece Jay Bennett Entre la euforia de presentar un nuevo disco y la gira europea, recibió Wilco la noticia del fallecimiento el 24 de mayo de Jay Bennett, quien estuviera en la banda alrededor de 7 años, antes de salir en el 2001. Murió a los 45 años de edad en su casa de Illinois. Aunque su salida de la banda fue en malos términos y posteriormente se dieron algunos problemas legales por cuestiones de dinero, al menos la banda emitió un comunicado en su memoria, exaltando la parte positiva del músico: “Echaremos de menos a Jay tal y como le recordamos, como un ser humano único y talentoso y como alguien que aportó gratas e importantes contribuciones a los temas y evolución del grupo”.

26

The Mars Volta 8 ANÑOS CANCIONES: OCTAHEDRON TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: Cynthia Franco/ Universal Music.

Hace ocho años, los canales de videos comenzaron a programar a una banda que parecía pertenecer a la era psicodélica de los 70. Con afros, atuendos entallados, contoneos zeppelianos, colores lisérgicos y ritmos latinoamericanos que copulaban con la épica del progre, conformaban una estética apta para escupir en el rostro del tedio televisivo. Su nombre era The Mars Volta y tenían un alucinante disco producido por el gurú Rick Rubin bajo el título De-Loused in the Comatorium. Desde entonces se podía sospechar que sus atrevimientos sonoros no habían nacido para conocer el anonimato o la indiferencia. Rápidamente, estos herederos de Fellini serían amados y odiados por igual.

Los riesgos y la autocomplacencia nunca han logrado convencer a las mayorías, y no porque éstas sean “incapaces” como afirmaba Ortega y Gasset (cada quién es libre de recetarse dosis de plástico desechable con pestilencia a billete), sencillamente hay personas dispuestas a chutarse dos horas de concierto con canciones de media hora y otras que no (en lo personal, agradecería más un concierto de The Mars Volta con 15 canciones, que uno de 5 rolas de solos interminables y excursiones sonoras que rozan lo amorfo). El caso es que luego de cinco discos donde han arriesgado tanto que parecen verdaderos junkies musicales, la banda comandada por Omar Rodríguez–López vuelve con Octahedron, un álbum que los reivindica como songwriters al explorar tonalidades más acústicas. Tuvimos oportunidad de platicar con Omar Rodríguez–López sobre The Mars Volta y su carrera solista.

27 ¿En qué sentido Octahedron es un disco acústico?

Lo que me interesó fue comenzar las canciones de forma acústica, lo cual no significa que terminaran de esa forma. Quería hacer un disco más leve y calmado. Salir del The Bedlam in Goliat fue una pesadilla porque se trató de un disco muy difícil de hacer, es muy fuerte, yo creo que es el disco más agresivo que he hecho hasta hoy… es muy violento, es así como de fuego y oscuridad. Ahora quise hacer un disco de agua, de espacio grande y tranquilidad, por ese camino empecé a trabajar en Octahedron. ¿Cuáles fueron tus parámetros como productor del disco?

En términos de producción lo primero que tuve claro fue limitarme (ríe), normalmente pongo como 90 tracks en una canción. Un punto importante fue ponerme un alto y usar sólo unos 30 tracks. También me dije que sólo iba a tener una sección instrumental en todo el disco, y decidí usar efectos en la voz únicamente en 3 canciones. Tampoco quise escribir secciones para los metales, ni quise tener intros y outros muy largos. Vamos, no quise tener un jazz freak out setion.

Escuché “With Twilight as My Guide” y me parece que tiene un outro súper extenso.

“With Twilight as My Guide” es un buen ejemplo porque ese outro que oyes era sólo parte de la canción. Ahora la canción cambia a otra parte y tiene tres secciones en total, lo cual tuvo que ver con las limitaciones de las que te hablaba. Fue hasta que empecé a mezclar ésta canción que comencé a decidir lo que iba a ser. En esa parte que dices decidí hacer un fade out larguísimo, con muchas guitarras que crean una atmósfera tranquila para entrar a la única canción agresiva del disco que es “Cotopaxi”.

Cada nuevo título de un disco de The Mars Volta encierra un significado. ¿Cuál es el de Octahedron?

Lo interesantes es que como dices siempre hay un significado, pero que siempre encontramos después, cuando el disco ya está terminado. Cuando buscamos el nombre del disco tratamos de encontrar una palabra que te suene, que diga: “yo soy el nombre del disco”. Uno sabe cuando es el nombre adecuado, igual que cuando entras a una tienda a comprar una chamarra y dices, “esa es mi chamarra porque se siente como yo”. Es así de sencillo. Cuando estamos haciendo un disco tenemos un papel donde vamos anotando muchos nombres hasta que en algún momento del proceso un nombre dice: “soy yo”. Ahora fue Octahedron, una palabra súper especial que visualmente se ve muy fuerte.

Después sabemos que nos van a preguntar qué significa y nos ponemos a investigar (ríe). Octahedron es un objeto de tres dimensiones y tiene ocho lados, así que dijimos, “mira, qué cabrón” porque sucede que hemos sido un grupo durante ocho años, en ese momento éramos ocho integrantes, hay ocho canciones… son cosas que surgen al azar y con las que uno comienza a hacer conexiones… Entonces el proceso del nombre no es algo intelectualizado, el significado siempre viene después porque todo nace con la emoción de que te guste cómo suena y lo que significa.

John Frusciante (guitarrista de los Red Hot Chili Peppers) ha sido un colaborador muy cercano en los últimos discos. ¿Cómo se dio esa relación?

Yo conocí a John porque un día vino a escuchar a una banda que teníamos llamada De Facto, se puso a platicar bien chévere conmigo pero yo no tenía idea de quién era (ríe). Después me lo volví a encontrar en otro concierto y nos pusimos a platicar sobre las películas de Luis Buñuel, entonces me invitó a su casa porque me dijo que tenía todos sus cintas. Yo le pregunté si tenía Ese Oscuro Objeto del Deseo y me dijo que sí. Así que fui a su casa y nos pusimos a verla.

28 ¿De verdad no sabías quién era?

Alguien me dijo: “oye, sabías que el chamaco ese con el que estabas platicando es el guitarrista para los Chili Peppers”, pero yo no sabía nada de ellos, sabía que eran un grupo súper enorme, ubicaba algunas canciones pero no conocía nada de su historia.

Luego supe que él era adicto y que había pasado por muchas cosas similares a lo que yo viví. Así que nos volvimos muy amigos, empezamos a contarnos cosas y nos dimos cuenta de que teníamos mucho en común. Empezamos a hangear para hacer música juntos. Me iba a su casa y aunque él no tenía una guitarra zurda nos poníamos a jammear. John era muy fan de The Mars Volta, decía que era un grupo genial y muy importante, así que me dijo que cuando lo necesitara no tenía problema en tocar con nosotros… también comentó que sabía que yo era el director de la banda y que no había problema en que yo le dijera qué cosas debía tocar. Así que lo traje al estudio para autorizarlo como otro instrumento… me gusta porque él aprende rápido (chasquea los dedos). ¿Eso es importante?

Es lo más importante, a mí me gusta hacer los discos rápido, me gustan los músicos que pueden aprender sus partes súper rápido. ¿Cómo va tu prolífica carrera como solista?

Muy bien. Yo grabo como unos diez o trece discos al año desde el 2001, de repente ya ni sé cuántos discos hago, pero desde el 2005 he logrado editar unos 4 o 5 discos anualmente.

Me parece muy curioso que en tu último disco participe Ximena Sariñana, pues ustedes no tienen nada que ver musicalmente hablando.

Lo que a mí me conmueve es usar gente que tenga una voz única, ya sea en el bajo, en la guitarra, en el piano o lo que sea, porque cuando hay una personalidad especial se siente en la música que hacen. Aunque Juan (Alderete) esté tocando lo que yo le escribí para The Mars Volta, cuando le doy las notas ejecuta todo exacto, pero sale diferente porque él tiene una vibra distinta.

Además, su personalidad es muy fuerte y se refleja en el tono de sus manos. Para mí eso es lo interesante. Ximena tiene una voz hermosa, es una persona súper talentosa. Se aprende las letras y las melodías muy rápido, todo lo canta en una toma, es muy afinada, entonces no tengo

que estar grabando y grabando. Lo mismo pasa con Mark Andrew, el pianista del D.F., o con Aarón Cruz, el bajista. Les enseñas la canción y a la primera la tocan.

Yo necesito eso porque tengo un paso muy rápido, todo el tiempo estoy haciendo y requiero ése tipo de músicos. Obviamente es importante que sean unos tipazos y que sean súper buenas gentes. ¿Cómo haces para lograr un sonido diferente?

Para lograr un sonido único siempre es interesante usar personas que vengan de un mundo distinto a lo que tú haces… agarras a un músico de jazz, yo no soy músico de jazz, ellos sí que son músicos, yo ni músico soy, pero el punto es tomar gente que sí ha estudiado música, no importa si vienen del pop o si hacen world music o música electrónica. Acuérdate que Frank Zappa hizo un buen de discos con Eddie & Flo que eran los cantantes de los Turtles (ríe a carcajadas), pero lograron algo diferente porque ellos tenían voces muy buenas, cantaban las letras y las melodías de Zappa... salían en otra onda, muy distinta a la voz grave y específica de Frank.

Para hacer el sonido Mars Volta deben influir mucho tus cientos de pedales de guitarra. ¿Nos puedes hablar un poco sobre ellos?

Siempre he usado muchos delays (un efecto de eco N. de R.), especialmente los modelos análogos de Electro Harmonix, también uso muchos vibratos y ring modulators. Tengo los dedos muy bruscos, no toco con tanta fineza y casi siempre estoy un poco desafinado, entonces me encanta que el vibrato exagera eso.

The Mars Volta siempre ha tenido un sonido psicodélico. ¿Cuál es tu concepto de la psicodelia en la actualidad? ¿Crees que tenga una relación directa con las drogas?

No sé, yo dejé de usar drogas hace diez años.

La psicodelia y lo surreal co existen en muchas cosas de la vida sin necesidad de usar drogas.

Las drogas son para no tener que hacer el esfuerzo, son como un short cut para abrir la creatividad. Pasé un tiempo con eso y se me hizo divertido, pero se me hace demasiado fácil querer inspirarme así. ¿Tienes una dieta especial? ¿Cuidas mucho tu salud?

Tenía, pero desde que estoy en México he empezado a comer muchas quesadillas y

huitlacoche (ríe). Todavía soy vegetariano pero he comenzado a comer quesos, huevos, cosas así.

Cuido mi salud pero no tanto mi apariencia. Mi esposa siempre me tiene que decir que me bañe, pero a mí sólo me interesa que me dejen grabar (ríe). Para que me entiendas, yo sólo soy un vago (risas totales). ¿Qué nos puedes decir de tu ropa? Tienes muchos fans que comenzaron a imitar tu vestimenta.

Me la hizo un amigo, pero es la misma ropa que vengo usando desde hace cinco años. Le pedí que me hiciera cinco trajes iguales. Tres son negros y dos son café. Así nunca tengo que pensar en qué ponerme ¿no? (ríe).

Ahora vives en Zapopan, Guadalajara. ¿Qué bandas te gustan de allá?

No he visto mucho. Siempre estoy en mi casa trabajando, grabando, componiendo, filmando.

Conocí a un grupo que se llama Troker, son muy buena gente, he tocado con ellos, son muy honestos. También conocí a Le Butcherettes, ellas me llamaron la atención, pero no he visto mucho realmente (ríe). M

asor ed roloc ed satejuga agujetas de color de rosa asor ed roloc ed satejuga agujetas de color de rosa asor ed roloc ed satejuga agujetas de color de rosa asor ed roloc ed satejuga agujetas de color de rosa asor ed roloc ed satejuga agujetas de color de rosa asor ed roloc ed satejuga agujetas de color de rosa asor ed roloc ed satejuga 30

a.

aĂą

igr

oM

hic

C T::

TX

d s ta a je s u ro

g

a e d

e

r

lo

co

31 “Aquí estamos, entretennos, me siento estúpido y contagioso. Somos un mulato, un albino y mi libido”. Y se nos vino la crisis encima. Con Nirvana llegó no sólo un movimiento musical más o menos original sino el acabose para otro que había pecado por muchos años de hedonista en extremo, falto de creatividad y confuso. Muchos dicen que la crisis del metal llegó con el grunge, con el vestir camisas de franela a cuadros, jeans raídos y figura desgarbada y hasta sucia. Otros creemos que la mal llamada era pop metal, también conocida como glam metal o hair metal estuvo a punto de ser el clavo que sellara para siempre el ataúd del rock pesado.

Cuando aparecieron Nirvana, Pearl Jam, Soungarden y Alice in Chains, lo que estaba en crisis era la industria de la música en general. Con la llegada de éstos, los que perdieron fueron los reyes de los excesos de finales de los 80. Todas las bandas tipo Bon Jovi, Poison, Faster Pussycat, Warrant, Great White, Enuff z Nuff, Nelson, White Lion, Extreme y un gigantesco etcétera estaban matando al metal. Y si no lo tenían cerca de la tumba, ciertamente lo tenían contra la lona, de espaldas y falto de aire. Por lo menos así pasaba en los medios. Parecía que todo el movimiento thrash y death de aquella década no existía; los canales de videos, la radio, los diarios y las revistas hicieron muy poco por mostrar la otra parte del metal. Hoy ya nadie se acuerda, pero en esos años bandas como Slayer, Metallica, Testament, Deicide, Possessed, Helloween y muchas más, sólo existían en el subterráneo.

La moda era parecer lo más femenino que se pudiera, usar guitarras verde y rosa pastel y cantar sobre sexo, motos, sexo, parrandas, sexo, amores fugaces, sexo, tonterías en general y más sexo. Las bandas no usaban ya mezclilla o piel, en cambio le dieron paso a mallones de spandex de colores brillantes, cabelleras que competían con las mejores de las modelos de la época, patrocinios de marcas de maquillaje y spray para el cabello. Hablar de temas relevantes era casi insultante y tener capacidad musical era una idea tan utópica como la de cabalgar un unicornio. Paralelamente respiraba el metal de verdad, crecieron varios sub géneros pero todos se opacaban ante la inundación de maniquíes metrosexuales (cuando el concepto aún no existía) que lo mejor que hacían era componer coros con muchas “os”, muchas “us”, nula creatividad y muchas referencias al sexo irresponsable.

Esa sí que fue crisis. Mientras Sacred Reich cantaba, “nuestra atmósfera se nubla con veneno, estamos matándonos para vivir, llenando

el mundo de odio y tensión y al final sólo nos quedarán nuestras vidas para entregar. Lo que hagamos ahora es clave para el futuro y sólo nos tendremos a nosotros mismos para culpar por armar al mundo con herramientas de destrucción.

Nuestra ignorancia nos costará la vida”; Poison se regodeaba en letras como esta: “nena, estaremos en el auto cinema, en el Ford de papá y luego detrás de los arbustos hasta que me hagas gritar por más. Vayamos al sótano, cierra con llave y recuerda nena, háblame sucio”.

Las bandas pop metal (…) creyeron que las miles de personas que los seguían cada noche lo hacían por su talento y musicalidad. Nunca se dieron cuenta que lo suyo era mucha imagen pero nada de sustancia musical; propaganda mediática pero cero talento.

Tampoco se trata de hacerle al inteligente en todo momento y hablar sólo de temas relevantes.

El metal siempre ha sido una gran fiesta con muchísimos anfitriones, pero como en toda reunión de amigos, hay tiempo para ponerse cachondo y momentos para ponerse serio. El problema era que todas esas bandas que vivían de su imagen, nunca lo entendieron. Curiosamente es en las filas de aquellos “chicos malos” en las que se encuentran más historias patéticas de “estrellismo” fallido. Prácticamente todas aquellas agrupaciones desaparecieron cuando llegó el grunge. Los Metallicas, los Megadeths los Testaments se mantuvieron. Algunos tuvieron que aceptar tocar en bares y clubes que a veces no llegaban siquiera a los tempranos millares. Es decir, bandas como OverKill dejaron de tocar arenas y teatros de 2 o 3 mil asientos para sobrevivir en lugares de 700 u ochocientas personas. Pero sobrevivieron, y lo hicieron porque jamás perdieron de vista que su pasión era la música y que los excesos y beneficios que vienen con el rock podrían tomarse o dejarse, pero jamás darse por sentados. Las bandas pop metal (¿alguna vez un concepto ha sido tan contradictorio y ridículo como ese?) por su parte creyeron que las miles de personas que los seguían cada noche lo hacían por su talento y musicalidad.

Nunca se dieron cuenta que lo suyo era mucha imagen pero nada de sustancia musical; propaganda mediática pero cero talento. Muchos de ellos se casaron con desnudistas, modelos y estrellas del porno. Casi todos se divorciaron y perdieron fortunas en el proceso. Muchos terminaron con la intención de reactivar sus carreras con base en la inagotable mediocridad de la cultura pop estadounidense y su implacable necesidad de acceder al mundo de las “estrellas”.

Ejemplos hay muchos, como Bret Michaels (Posion), Vince Neil (Mötley Crüe), Jani Lane (Warrant) o Steven Adler (Guns N’ Roses) que aceptaron hacer series ridículas de televisión con tal de recobrar algo de la fama que los destacó hacia la segunda mitad de los ochenta. Los resultados saltan a la vista: ridículos. Y todo ese derroche de imbecilidad terminó cuando nació el grunge.

Por eso la idea de la crisis aquella del grunge.

Afortunadamente fue superada porque los alumnos de Nirvana en realidad tenían poco que ofrecer, sus adicciones eran mucho más fuertes que la norma y su propósito en la vida, parece, era terminar con la ridícula visión de que Bon Jovi y Def Leppard eran las bandas más importantes del metal. Qué bueno que los “franeleros” del rock llegaron y desbancaron de una patada a los glamorosos maniquíes hijos de la licra y los colores pastel. Ojalá que nunca más tengamos otra crisis así. M

32

EL ROCK

LATINOAMERICANO Y EL poder, una crisis aleatoria

Además del idioma, algo que comparten quienes hacen rock desde el Río Bravo hasta la Antártida, han sido los embates que el estado ha dirigido en diferentes épocas hacia el género; en búsqueda de aplastar las voces contrarias a sus vetustos edictos de control. Una de las primeras crisis para el rock en español se dio precisamente aquí, en nuestro país. Ocurrió la noche del 11 de septiembre de 1971 durante el llamado Festival de Rock y Ruedas, mejor conocido como “Avándaro” bajo un ambiente monumental, iluminado por la luz de la luna sobre las auras de los más de 300 mil jóvenes reunidos en una gigantesca campiña ubicada en Valle de Bravo, en el Estado de México.

El sistema ya había dado muestras de un sanguinario totalitarismo el 10 de junio de ese mismo año con el llamado “halconazo”, matanza gubernamental de estudiantes perpetrada por un grupo de élite del ejército llamado precisamente así, los Halcones. A partir de ese momento los jóvenes fueron encuadrados en la mirilla telescópica de un rifle de muy alto calibre, y el estado iba a jalar del gatillo sin el menor remordimiento las veces que fueran necesarias para mantener su feroz hegemonía. Y lo hizo en aquella ocasión, mientras por los micrófonos abiertos de Radio Juventud se escuchaba un mantra especial: “Tenemos el poder, tenemos el poder, tenemos el poder” musitaba en chamánico estado de trance Ricardo Maldonado, tecladista y cantante de Peace And Love, al momento en que las vibraciones cósmicas que recibía de vuelta en el escenario, provenientes de aquella masa hipnotizada por ese llamado entre líneas a una revolución, abrieron su diafragma para soltar un –ahora mítico– “chingue a su madre el que no cante”. La frase surfeó sobre el aire una vez más y todavía una tercera ocasión, expulsada al cielo por Ricardo Ochoa, guitarrista y también cantante. En esos momentos la Secretaría de Gobernación bajó el switch radiofónico para todo lo que sonara a rock mexicano, expulsó de la radiodifusión a unos chivos expiatorios disfrazados de locutores, y asesinó los sueños de cientos o quizá miles de músicos, condenándolos a buscar vías de expresión y sustento al interior de los malolientes “hoyos funkies”, diseminados sobre olvidados fangos de agua y lodo de las periferias metropolitanas.

TXT:: Francisco Zamudio.

Paradójicamente, sería otra festividad multitudinaria, el Festival de la Solidaridad Latinoamericana, celebrada en Argentina hacia mayo del ’82 para apoyar a las tropas de inocentes muchachos que iban a una muerte segura bajo la metralla británica en las Islas Malvinas; la detonante de un extraño fenómeno de aleatoriedad donde el sistema potenció el efecto contrario a censurar. Una de las medidas castrenses para exaltar el nacionalismo gaucho, fue prohibir toda la música en inglés de las ondas hertzianas, con lo cual el rock nacional argentino recibió el anhelado apoyo para una escena de donde años más tarde saldrían Soda Stereo, los Enanitos Verdes y Los Fabulosos Cadillacs, por mencionar algunos ejemplos de agrupaciones cuyo impacto, se materializó en un influyente boomerang mercadológico que viajaría hasta nuestras latitudes, para degollar los férreos candados que mantenían cerradas las rejas del rock mexicano, permitiéndole a los buscadores de talento, firmar a grupos aztecas dentro de las discográficas multinacionales.

De ahí a generar otra vez el ajetreo suficiente para hablar de una nueva escena, sólo bastaron un primer álbum firmado por El TRI titulado el Simplemente, y la reversión de los Caifanes a una canción instalada en el inconsciente colectivo del país (“La Negra Tomasa” N. De R.). Por supuesto que el estado no puede poseer un veredicto balanceado en su relación con el rock, siempre se impondrá el lado oscuro del poder: ahí queda para el juicio de los tiempos la carrera del grupo chileno Los Prisioneros, el cual remó contracorriente toda su vida, en especial a fines de esa misma época, los ochenta, donde varias de sus canciones encabezaban las listas negras tanto de la Televisión Nacional, como de la milicia chilena, comandada por el tristemente célebre Augusto Pinochet. Pero si sus temas no podían ser ni siquiera tocados en la radio, en 1987, tras la salida de su álbum La Cultura De La Basura, sucedió lo inexpresable: fueron declarados por el ejército como “influencia nociva para la juventud”, mientras un comando de soldados impedían que la gira promocional del disco arrancara siquiera.

Porque todos estamos conectados… M

34

Fue así que curioseando entre estos cassettes que llevaban por lo menos quince o veinte años de grabados encontré dos con el siguiente título: ¡¡Superdepresivas!! Vol. 2 y ¡¡Superdepresivas!! Vol. 3. Difícilmente podré recordar los motivos que me llevaron a grabar semejantes compilaciones a menos que vaya a una sesión de hipnosis. Pero escuchando las rolas puedo plantear una somera aproximación a los motivos de mis depresiones ochenteras que comparto generosamente con ustedes. Quién sabe, de pronto puedo contribuir en algo a que tus propias depresiones sean más sabrosas y paralizantes. Aquí van: ¡¡Superdepresivas!! Vol. 2 Lado A:

Su Vol.

S V S!!

TXT:: Humberto Polar.

A raíz de este asunto de la crisis, me encontraba hurgando desesperadamente en cajas viejas en busca de algo que vender (pipas árabes, una máscara anti–gas, alguna joya olvidada de mi madre) cuando encontré, olvidados en el fondo de un baúl, 50 o 60 cassettes.

El cassette, pequeño objeto plástico de curioso diseño, fue hasta la generalización de la era digital el mejor compañero de los que necesitamos la música como el aire. Fue la mejor (en realidad, la única) manera de registrar infinitas piezas musicales que provenían de discos prestados, de la radio, de conciertos furtivos. Gracias al recordado walkman, el cassette caminaba con nosotros por el mundo, proveyendo el soundtrack de viajes en camión o en avión, pausas entre clases o reuniones, momentos de introspección. Su tamaño y capacidad era ideal hasta que la irrupción del iPod (y su versión diseñada para James Bond, el iPod Shuffle) lo hizo verse grotescamente limitado e inútil. Encontrar esos cassettes revivió pasajes de mi vida ochentera que había francamente olvidado, sobre todo cuando me percaté de que la mayoría de ellos calificaban como mixtapes, aquellas famosas compilaciones que uno hacía bajo algún criterio temático que casi siempre era comprensible sólo para el que los grababa. El dj que tenemos escondido entraba en acción, uno agarraba una pila de discos de vinilo u otros cassettes como fuente y compilaba 60 minutos de alegría, tristeza, rabia o lo que Baudelaire llamaba spleen.

1. Brand New Heavies: “Keep Together”. Deprimente por razones desconocidas, si la oyes ahora es una rola bastante funky. La letra es motivadora y positiva, los arreglos son upbeat... quién sabe por qué está aquí pero está y algo depresivo debe tener.

2. Led Zeppelin: “Since I’ve Been Loving You”. Sin comentarios. Alguna mujer de por medio habrá habido. Cherchez la femme.

3. Vinicius y Toquinho: “Carta Ao Tom”. Vinicius de Moraes le canta a su parcero de mil batallas Tom Jobim, las siguientes palabras: “es preciso acabar con esa tristeza/es preciso inventar de nuevo el amor:” Sin comentarios.

4. Desconocido: “Medley de música de Nino Rota al piano”. Está el tema de La Strada y otros que no reconozco ahora. El pianista suena a Larry Willis o John Hicks o algún jazzista de los 80. Fellini es depresivo, qué duda cabe.

5. Charly García: “Canción de 2x3”. Charly es infaltable en toda buena depresión aceitada por la química. No me sorprende encontrarlo aquí Lado B: 1. Philip Glass: desconocida. No puedo recordar el nombre de esta pieza para piano aunque recuerdo que era parte de una compilación llamada Rare On Air y fue tocada en vivo en un programa de radio en USA. 2. Invisible: “Durazno Sangrando”. Soy uno de los pocos no–argentinos que soporta a Spinetta y esta rola es muy, muy triste, aunque hable de un pobre durazno que sufre.

3. Legiao Urbana: “Indios”. Rola de synthpop brasileño. La letra habla de las injusticias cometidas contra los indios en la conquista católica, aunque creo que eso no me deprimió sino recordar que la escuché en algún amanecer en Sao Paulo al lado de alguien ya muy, muy lejana. Cherchez la femme.

4. Bill Frisell: “Throughout”. El atmosférico guitarrista te pinta un paisaje tristísimo en clave ECM. Ideal para tirar piedras contra objetos inertes.

5. Ryuichi Sakamoto: “Regret”. A nadie que yo conozca le gusta este disco del gran japonés, sólo a mí. Suficiente razón para sufrir por mi mal gusto. Letra arrepentida cantada por una guapa que dice algo así como “la próxima vez, le dedicaré más atención a mi mente que a mi cuerpo”. Sin comentarios.

6. Danza Invisible: “No habrá fiestas para mañana”. Qué titulo, por Dios. El cantante de esta banda española de media tabla canta desoladoramente “Abandónate como una hoja en el viento ... VIENTO!!!” sobre una guitarra lánguida.

No puedo hablar del “Superdepresivas Vol. 3” porque se me acabó el espacio, pero el que quiera el playlist me puede escribir. El Volúmen 1 sigue desaparecido. M

!!

36

Mexico A.C. TXT:: Rafael Toriz.

Pocas son las circunstancias de las que una ingente generalidad de mexicanos puede preciarse de conocer a cabalidad, con doctoral empirismo; la principal de ellas, con la certidumbre que otorgan décadas de adversidades nutridas por autoridades tan corruptas como ineptas, problemas básicos de salud y educación, contingencias internacionales, intereses extranjeros, una enclenque sociedad civil y hasta la desidia de los mismos gobernados, probablemente sea la de padecer la crisis, concepto luciferino donde los haya que no sólo denota un estado económico o político paupérrimo sino que, en nuestro caso, es sobre todo una impostura cultural asumida y una manera resignada de sobrevivir: pan de antier al que no obstante la añeja familiaridad es imposible aclimatarse para siempre. Mucho tiempo ha transcurrido desde que el país dejó de ser el cuerno de la abundancia y el Monte de Piedad se volvió millonario lucrando con la necesidad de la gente.

Afirma una leyenda cada vez más fantasmal –en este país todas las voces vienen de Comala– que en algún momento de nuestra historia existió un México mitológico anterior a las crisis (a. C.), pleno y rozagante.

Desde luego, para las generaciones nacidas de los años setenta a la fecha, tales aseveraciones no son otra cosa que fantasías prehistóricas: todo aquel que tenga los ojos abiertos sabe que decir México es un sinónimo perfecto para referirse a las dificultades y los aprietos de la vida cotidiana.

Cinturita de avispa Hace algún tiempo en estas mismas páginas aseguré con suficiencia que si para algúna actividad física es notable el temperamento nacional es para resistir los chingadazos, juicio que en su momento me pareció preciso y que ahora sin embargo me parece limitado, pues otra de nuestras capacidades sobresalientes es la de apretarnos, con la pericia de un contorsionista hindú, el cinturón en momentos de penuria, como tantas veces han recomendado banqueros, secretarios de economía, gobernadores y presidentes; después de todo las familias mexicanas saben que echándole más agua a los frijoles donde come uno sin mayor problema comen diez.

Al respecto de tales imágenes simbólicas resulta imposible no recordar al nunca suficientemente infame José López Portillo –autodenominado “el último presidente de la revolución”– quien, durante una entrevista con periodistas extranjeros en 1981, acuñó su famosa frase que ladraba “defenderé al peso como un perro”, para después devaluar la moneda y propiciar una de las peores crisis nacionales de las que se tenga memoria. Con “López por pillo” no sólo se volvieron credos sentencias como “el que no transa no avanza” o “la corrupción somos todos”; también fue la época en que el país pasó de una deuda externa de aproximadamente 19,600 millones de dólares a mediados de los años setenta a 59,000 millones a principios de los ochenta, con una inflación del 90%, un profundo desempleo y el precio del dólar rondando la estratósfera. Conviene recordar a su vez que durante su gestión se destacó por su capacidad para robar y despilfarrar el erario público el tristemente célebre Arturo “El negro” Durazo, jefe de la policía del Distrito Federal y amigo de infancia de “El Perro”, quien demostró una voracidad mayor a la de Alí Babá y los 40 ladrones al hacerse construir una variante del Partenón griego en la carretera libre a Cuernavaca que contaba con lagos, hipódromo, numerosas estatuas, helipuerto y hasta una réplica exacta del Studio 54. Es evidente que este país ha rebotado de crisis en crisis debido a la voracidad desaforada de incontables canallas y que tales padecimientos se han visto reforzados por una sociedad apática sin mayores preocupaciones que la exclusiva satisfacción de intereses personales.

37

Otro paladín de nuestros infortunios fue sin duda Miguel de la Madrid, a quien le agarró el temblor a la mitad de su sexenio (1985) y, como buen charro, prohibió en un principio la ayuda extranjera y tampoco permitió el apoyo del ejército en las labores de rescate durante las primeras horas de la tragedia, lo que hizo que la sociedad civil, esa extraña presentida, se organizara para hacer frente a la debacle.

Entre otras granujadas Miguel de la Madrid será recordado –por una enteca minoría en extinción– no sólo por su neoliberalismo radical a prueba de balas sino por haber sido el presidente al que “se le cayó el sistema” en las elecciones de 1988, comicios en los que el entonces y sólo entonces honorable Cuauhtémoc Cárdenas aventajaba notablemente al panista Manuel Clouthier (muerto en circunstancias sospechosas debido a su resistencia civil después del amañado resultado electoral) y a Carlos Salinas de Gortari, quien no obstante, al regresar las cosas a “la normalidad”, quedó ungido como flamante presidente sólo para propinar a nuestra moribunda economía el tiro de gracia –de nuevo y por increíble que parezca, una de las PEORES crisis de nuestra historia–, enriquecerse junto a su incómoda familia, desbaratar y repartir paraestatatales a discreción y dejar a su paso un animal fantástico que funcionó como un excelente distractor político mejor conocido como “el chupacabras”.

Este pequeño recuento podría seguir hasta nuestros días, pero la intención del ensayo no es catequizar con dolorosos ejemplos populares, puesto que lo verdaderamente insólito, en mi opinión, es la capacidad de resistencia de un pueblo vejado y oprimido que no obstante se mantiene vivo y también se mueve. He fatigado muchas noches dándole vuelta a esta realidad y sólo puedo llegar a una conclusión medianamente lógica: estamos vivos de milagro. El único argumento racional para que el país siga con vida debe ser por la devoción guadalupana que lo anima, de otra manera nuestra permanencia en el planeta no tiene explicación.

En un capítulo memorable de los Simpsons, un médico le explica al señor Burns las mil y una enfermedades que lo aquejan y le da un diagnóstico al respecto del porqué sigue con vida: padece usted tantos y variados males que al intentar cruzar la puerta todos a la vez se impiden el paso. La imagen es elocuente. Padecemos tantas adversidades que, por su prolijidad, se estorban entre sí para aniquilar al objetivo.

De crisis me como un plato Además de Chava Flores –cantor sin par de nuestra tragicomedia más completamente trágica que media– Rockdrigo González, La Maldita vecindad, el TRI y el Haragán, fue el tabasqueño Francisco José Hernández Mandujano mejor conocido como “Chico che”, en compañía de su banda “La crisis”, quien puso a bailar a un pueblo acostumbrado a beberse la quincena en una noche y reírse de su infortunio en compañía. “Chico che”, como contados vates nacionales, describió con ritmos tropicales la weltanschauung de un territorio atribulado y cantó uno de los principales logros de las economías solidarias “aquí les va este gandaya, muy bueno pal vacilón… hago rifas, hago tandas, pero nunca soy fiador”.

Otra herencia de las crisis fue el multichambismo y el autoempleo en que cayó buena parte de la población, para quienes los títulos universitarios no eximían de conducir taxis, trabajar hasta tres turnos por día y vender mole los domingos.

Ejemplo de aquellas épocas, en algunos aspectos iguales a las de ahora o incluso mejores, fue la película estelarizada por Héctor Suárez con guión de Ricardo Garibay y dirección de Roberto Rivera titulada El mil usos, que cuenta la historia del desdichado campesino Tránsito Pérez que decide probar suerte en la capital para mejorar su nivel de vida y sólo consigue, además de desempeñar toda clase de oficios, madrizas, vejaciones y penurias que lo orillarán, en un momento epifánico de la película, a mandar a chingar a su madre al Distrito Federal, que tan perras y miserables experiencias le ha prodigado.

Con todo una cosa es segura: no queda más remedio que criticar lo criticable y asumir nuestras desgracias. Ha quedado claro, recientemente con la influenza, que en momentos de crisis incluso naciones a las que México ha tendido la mano no sólo son capaces de darle la espalda sino también de condenarlo y discriminarlo.

Y es que nada nuevo está pasando, seguimos en movimiento, acostumbrados como entonces a vivir en la zozobra. M

38

comodidad antes que agobio TXT:: Raúl Burguete.

El instinto del hombre primitivo consistía en pensar, crear e imaginar, cualidades que continuaron y que nacieron con nosotros y desaparecerán antes que el hombre por la comodidad que hoy hemos adoptado en lugar de la supervivencia.

Sobrevivir nos hacía crear; la modernidad nos ha proporcionado el lado más puro de la ignorancia, no sabemos nada pero estamos enterados de todo. Creemos que algo es nuevo, original o innovador pero no es así, todo es parte de alguna vieja escuela, tradición o cultura. Como resultado, hay una crisis de ideas, el mundo ha tomado el rumbo de lo fabricado y de lo rápido.

Sí, el famoso foco brillante que aparece en los dibujos animados cuando un personaje tiene una gran idea, está perdiendo voltaje, esa luz que se está perdiendo y que simboliza conocimiento entrará con el tiempo a un nuevo oscurantismo similar al de la Edad Media. Comodidad antes que agobio.

Lo poco a entender Si buscamos comprender el presente sin necesidad de mirar hacia el pasado nos encontraremos inmersos en un laberinto que no tiene salida, porque sin el ayer todo lo que vemos, oímos o sentimos, no tendrá sentido. Basta decir que desde hace unos años la literatura ha perdido el rumbo, los libros cada vez contienen el menor número de páginas posibles, el lenguaje que se utiliza es de un español neutro, palabras básicas para una comprensión básica. Pero más allá, todo libro que exceda el porcentaje de ventas esperado será llevado a la gran pantalla. Y por el contrario, si se adapta una cinta de una novela “desconocida” a la mañana siguiente estará en el librero de los Best Sellers de todas las librerías.

Con la inserción del cine todo cambia, grandes novelas son transformadas para el gusto del público, un final trágico es cambiado por un desenlace romántico. La novela más famosa de Richard Matheson (EUA, 1926), Soy Leyenda (1954), fue llevada en el 2007 a la gran pantalla, grave error, el final de la cinta muestra una “granja” en la que aún existen seres humanos, los sobrevivientes ondean una bandera de los Estados Unidos por un lado y por el otro se alcanza a ver una iglesia. La novela narraba el final de la humanidad por la avaricia y el único sobreviviente era temido por una nueva raza. Este personaje, el último de los hombres, era la leyenda.

39 El cine comercial es nuestro primer paso a lo convencional.

Comodidad antes que agobio.

Vemos cintas sin saber y las tachamos de innovadoras, de transgresoras, pero no es así. La teen movie más famosa y más estúpida de los últimos años es American Pie (EUA, 1999) con unas 6 secuelas más pero, acaso se han olvidado de Porky’s (EUA, 1981) o Desmadre a la americana (National Lampoon’s Animal House, EUA, 1978). El resultado de esto: ya no existe una memoria histórica. No hay pasado, y si lo hay éste no se excede a más de cinco años.

Este fenómeno es muy común y se encuentra en la gran mayoría de las adaptaciones cinematográficas. Entonces, cambiamos una novela por una película y nunca sabremos si eran iguales o no. La formula para captar adeptos a las grandes salas, es dar una función que no incomode, que no suscite polémica, que no cree dudas. El cine comercial es nuestro primer paso a lo convencional. Comodidad antes que agobio.

La falta de ideas en los guiones cinematográficos ha orillado a producir adaptaciones de cómics y cada vez son más el número de estrenos basados en novelas gráficas con múltiples secuelas y todo un mercado de chucherías detrás de éstas.

Las grandes empresas (multinacionales), actualizan su mercado constantemente en forma de una lenta conspiración, se van borrando cosas del pasado para ser renovadas. La moldeadora de infancias, Walt Disney, tiene desde el 2006 el musical “más esperado de todos los años” o por lo menos eso dice High School Musical: desde ese año hasta éste, lleva tres secuelas y cada generación ha tenido sus musicales preferentes, desde Vaselina (1978), Fama (1980), Flash Dance (1983) o Footloose (1984), todos, tengamos la edad que tengamos estamos concientes de que el molde es el mismo.

Lo poco a buscar Lo que buscamos hoy en día es la conversión de lo intangible por lo tangible y que esto tenga como resultado un valor económico. Llamamos arte a todo lo que esté dentro de un museo o galería, podemos decir que un rayón, un cuadro con papeles pegados (collage), cualquier dibujo que se encuentre a una pared pertenece a un canon y por lo tanto debe tener un precio. Nos atrevemos a llamarlo único en su especie, pero, ¿será cierto? Llamamos surrealismo, futurismo, cubismo a corrientes que tuvieron obras y actos que pertenecieron a un periodo de tiempo específico, caracterizado por tener un momento de vida y por explicarse por sí solas. Hoy, éstas aún sobreviven, pero ¿qué hay de Maco, Arco, o todas esas ferias que terminan en art o en co

y presentan obras que no pertenecen a ningún ismo?, ¿se pueden explicar por sí mismas?. Toda obra de arte actual necesita ser explicada, tener una razón de existir y el autor está condenado a crear de lo creado.

El síndrome de Amelie En el 2001 se estrenó la cinta francesa Amelie (Le fabuleux destin d’Amélie Poulain, Jean-Pierre Jeunet), una historia tierna, romántica y excesivamente cursi. El revuelo por esta cinta en el sector femenino causó una transformación en su comportamiento en el decir y en el actuar, algunas modificaron su forma de vida, utilizan colores pastel y viven fantasías sumamente oníricas.

Este síndrome no es solamente femenino, en los hombres también existe con series de televisión como Sex and the City (EUA, 1998), Mujeres desesperadas (EUA, 2004) o Gossip girl (EUA, 2007), cualquiera de éstas y algunas más son protagonistas de nuestros actos, de nuestros pensamientos, de nuestras visiones de lo nuevo y de nuestras ideas. Son los estereotipos a los que más próximos estamos. Comodidad antes que el agobio.

Somos una sociedad que vive del momento, de canal en canal, de revista en revista, de medio a medio, de tecnología y de Internet. Nos nutrimos con los medios, necesitamos de ellos, no podemos vivir sin saber qué es lo que sigue, no hay imaginación, no hay creatividad. Preferimos que otros experimenten. Todo está aprobado y explicado.

Nuestra cultura de hoy es la del impacto, nosotros nos oprimimos a nosotros mismos. Las instituciones culturales se limitan a las preferencias del público, los medios minimizan su nivel para nosotros. Y todas las artes conocidas están limitadas porque nosotros así lo demandamos. Ahora, en lugar de preocuparnos por cómo le fallamos a la cultura, denunciamos cómo la cultura nos ha fallado.

Sea la cultura que sea dentro de lo que llamamos hoy underground (sea clasista o transgresor), sólo algunos tienen la conciencia de este comportamiento mientras otros lo llevan hasta el fin de la forma más inconsciente.

Las ideas ya no son nuestras, no podemos crear sin saber lo que hacemos, no podemos porque ya lo dijeron y hemos de criticar bajo la misma crítica.

No busquemos una salvación, porque no sabremos qué buscar. M

40

“¿Te sientes como una cadena de almacenes, prácticamente por los suelos, uno de los muchos don nadies que están por ahí tirados aburridos?

Tienes las orejas llenas de palabras pero te sientes vacío, ofreciéndole tu corazón a gente a la que en realidad no le importa cómo te encuentras.

Así que dame café y televisión, historia, he visto demasiado, me estoy quedando ciego, tengo el cerebro virtualmente muerto” “Coffee & TV”

41 TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Hay algo en el inconsciente colectivo de los británicos que los mantiene pegados a los conflictos de clase. Existen marcadas diferencias y límites establecidos que unos buscan perpetuar y otros tantos hacer escarnio de ellos. Las “buenas maneras” y los niveles sociales están perfectamente delineados en muchísimos de sus clásicos literarios, de Oliver Twist a Peter Pan. Un ejemplo evidente de tales tensiones es el juicio sumario a Oscar Wilde por homosexualidad promovido por el Lord que fuera padre de su novio, cuando la nobleza no hace sino provocar una cadena interminable de escándalos públicos. Ese “rancio” abolengo no deja de tener su atractivo para cierto tipo de músicos y deportistas –muchos de ellos inicialmente repudiados por la elite–; ahí queda la pasarela de los Beatles, Elton John, Rolling Stones o Eric Clapton, y el hecho de tener que llamar al entrenador del Manchester: “Sir” Alex Ferguson.

fenómeno de masas y obtuvieron reconocimiento al igual que grandes ganancias, tal como lo cuenta Alex James en su autobiografía publicada en 2007, Bit of a Blur: “Yo era el rey-loco del Soho y la escoria número 1 del Groucho Club, el segundo miembro más borracho del grupo más borracho del mundo. Sin embargo, esto no suponía ningún desastre. Era un sueño hecho realidad. Vivía en la mejor casa de Convent Garden”.

El té de las 5, los rituales de caza y otras muchas prácticas emanadas de un arcaico y flemático sistema de castas se convierten en figuras simbólicas que algunos creadores han buscado hacer estallar; se trata de una corte de dinamiteros que incluye a los Sex Pistols, The Clash, Pulp y, por supuesto, Blur, la banda fundada en Colchester (Essex) por Damon Albarn, y a la postre el vehículo ideal para convertir en letras de canciones toda su ironía y sarcasmo acerca del entorno en que le tocó nacer, crecer y hacerse adulto.

En ese sentido podemos decir que “Country House” es tan explicita como sobresaliente: “Una rata de ciudad, un tipo con suerte, pensó para sí: -Vaya, tengo un montón de dinero, estoy atrapado para siempre en esta cacería de ratas. Soy un cínico profesional, pero mi corazón no influye en esto-… Ahora vive en una casa muy grande en el campo… Lee a Balzac, le pega al Prozac”.

Cierto es que una actitud disidente le venía desde la cuna, pues sus padres fueron partícipes del hippismo a la inglesa. Por ello no sorprende que desde pequeño se viera rodeado de arte y que cuando era despreciado en la primaria prefería estar solo, leyendo algún texto de Marx (¿sería capaz de entenderlo realmente a los 6 o 7 años?). El caso es que este personaje nacido en 1968 estableció una fuerte amistad con otro chico de 15 años de edad en aquel entonces: Graham Coxon. Fue este guitarrista quien lo acercó al mundo de la música y el cine (antes Albarn era más cercano al teatro y la literatura). El destino los volvió a reunir en Londres, en un College del rumbo de New Cross y tras tentalear en intentos menores como Circus y Seymour, grabaron un demo y así surgió Blur.

El cuarteto (completado con Alex James al bajo y Dave Rowntree en la batería), debutó a comienzos de los noventa con Leisure (91), como un miembro más del estallido neopsicodélico detonado por los Stones Roses en Manchester. Sus primeros sencillos, “She’s so high” y There’s no other way” así lo documentan.

También tenían en ese momento un perfil que apuntaba al shoegaze y toda su distorsión. Fue una primera incursión exploratoria que colocó por lo menos una tercia de temas en el top 50 inglés.

Ese fue el comienzo de una carrera vertiginosa hacia la fama, cuya estela se extiende a lo largo de 7 álbumes y que incluye una furiosa como manipulada y mediática competencia con Oasis. Blur se convirtió en un

Y es aquí donde debemos considerar a qué se debe la valía del grupo, qué fue lo que aportaron a la historia del rock. Para ello es menester regresar a ese añejo conflicto de clases, pues es importante acotar que se trata de una banda perteneciente a la clase media ilustrada, con un activo cultural aplicado a su música y que supo comunicarse con otros miles de miembros de su misma generación a través de canciones rebosantes de crítica ácida y humor negro.

Musicalmente, se dedicaron a trabajar a fondo la melodía, por lo que rítmicamente podían recurrir lo mismo al estruendo del rock de garage que a una tonada propia para el Music Hall y el vodevil pasando por el techno pop que los encumbrara con “Boys and Girls”.

Si los Oasis procedían de la clase trabajadora, llenaban sus canciones de slang y, obviamente, seguían al Manchester, la agrupación del joven Albarn hacía escarnio del modo de ser de los ingleses, se burlaba mordazmente de pobres y ricos y se sumaba a los hinchas del Chelsea. Un abismo socio– cultural de distancia, evidente también en “Charmless man”: “Lo conocí en un sitio abarrotado donde la gente va a tragarse su tristeza. Hizo que me sentara y así empezó la historia del hombre soso. Fue educado en lo más caro, distingue su vino barato de un beaujolais… Se cree que es educado, va diciendo que las herencias lo protegerán, que tú lo respetarás. Se mueve en círculos de amigos, ellos hacen como si él les cayera bien, él hace lo mismo con ellos… Conoce a los yuppies y su calvario, dice que puede entrar gratis en cualquier parte… Habla tan rápido que le sangra la nariz”.

Un periodista inglés apuntó con gran sagacidad: "Oasis eran puras tripas, Blur un manual de cultura popular". Con los años vemos más a Oasis como una banda de pub, simple y directa, mientras que la obra de Blur es abundante en referencias a televisión, literatura, cine, cómics, política, videojuegos y la amplia gama de dramas existenciales que trae consigo la vida moderna… que a final de cuentas no es sino una porquería.

42

TXT:: Javier Aceves "Baxter".

Las notas de “Tender” se desenvuelven con una naturalidad única, histórica. Por un lado, la grandilocuencia de un genio a punto de salir del cascarón: música gospel, armonías vocales soberbias, el intelecto musical en su momentum. En la otra cara, un coro desesperado, casi grunge, que nos recuerda que somos animales miserables en la búsqueda eterna del cobijo maternal, el inspirador desconsuelo.

Al final, una parte no puede existir sin la otra, por más que lo intenten, nacieron para estar juntas, para coexistir, retroalimentarse y reinventarse. Es por eso que no pudieron estar mucho tiempo separados, y en este 2009, Graham Coxon y Damon Albarn decidieron darse de nuevo la mano.

Y es así como Blur se ha ido poco a poco desmarcando de aquella inútil guerra de egos a la que fue sometida contra los odiosos de Oasis hace más de quince años. ¿¡Qué importa quién es el más grande cuando existe un futuro de por medio!? Más allá de la facha (y el acento) de britboys, la banda motorizada por Alex James y Dave Rowntree logró trascender justo eso, la soporífera moda de ser una banda NME para convertirse en objeto de culto, generador de conversaciones, un verdadero ícono de la década pasada.

43

Blur en 10 canciones esenciales TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Y fue ese el motivo de su desaparición, hace diez años.

(Porque el Think Tank no cuenta como un disco de Blur... ¿o sí?) Pocos logran convivir tras haber tocado la grandeza en conjunto. En cada álbum, en todos y cada uno de sus sencillos (y sus divertidas ilustraciones), en cada videoclip y cada concierto juntos, Albarn y Coxon rozaron el Olimpo de los músicos pop. Más allá de lo que la crítica o la moda dictaban, en cada uno de sus acordes reflejaron el sentir de una generación un-poco-menosvacía que la nuestra, supieron encontrar el balance entre la autocomplacencia y la melcocha de la música pop, entre la diversión y la trascendencia musical.

La suerte no ha sido la misma para Damon y Graham.

Amigos desde los doce, a uno le ha tocado siempre protagonizar, y al otro esconderse detrás de sus gafas.

Damon Albarn ha sabido rodearse de las personas adecuadas para hacer realidad sus ambiciones y sueños. Hasta logró que Tony Allen, aquel que “lo pusiera a bailar”, tocara a su son. Todos y cada uno de los proyectos que ha realizado han tenido ecos

estruendosos en la industria, moviéndola de alguna forma. Por su parte, Graham Coxon mantiene una productiva carrera como solista, con siete álbumes bajo el brazo, de los cuales él ha hecho casi todo.

Pocos se pueden jactar de tener verdaderos discos ‘solistas’. Pero al final, uno se supo desmarcar del sonido britpop, el otro no.

Esa es justo la mancuerna que se necesita para ser una banda del calibre de Blur. Un eterno dilema. La crisis de una decisión. Que uno diga derecha y el otro izquierda, que uno diga gospel y el otro se aferre al sonido beatle, que uno haga hip-hop y el otro siga haciendo canciones de tres minutos y medio para complacer a la crítica. Sólo el tiempo y la historia podrán dar por hecho que la magia puede separarse más de diez años y quedar intacta. Y si no, siempre tendremos “Tender” (y todas las demás, que sería injusto no mencionar, pero por causas de espacio será imposible) y aquellos momentos en los que podían ponerse de acuerdo.

1 Theres no Other Way Un primer ejercicio, un tentaleo; escudados en la juventud y la inexperiencia transitan por la psicodelia noventera.

2 Park Life Gran recto de sarcasmo al rostro del mundo burgués británico. Albarn siendo juez y parte del objeto criticado.

Flagelarse también puede ser una fiesta.

3 Country House Los anhelos de la clase alta, sus desplantes y petulancia.

Damon se roza con gente con influencias.

4 Charmless Man Un hombre sin suerte y fortuna destazado por uno de los grandes letristas del poprock cockney.

5 Song 2 Para la eternidad ligada a un juego de video. Se puede ser joven, bello y arrogante.

6 Girls & Boys “El amor en los noventa es paranoico”. Estalló la bomba mediática, los llevó a la cumbre e hizo de esta canción un himno generacional y un estudio sociológico.

7 Beetlebum Su faceta de banda de garage en estado puro. Un cuarteto de amigos pasándolo bien.

8 Coffee & TV El asunto es oscuro, la música festiva. Hacer del pop simple y llano una elevada forma de arte.

9 Tender La faceta más excesiva musicalmente, haciendo copular al pop con el gospel. La estrella de rock devastada por la pérdida amorosa.

10 Music is my Radar Sencillo de la antología del 2000, anticipaba —quien lo dijera— el sonido que reverberaba en la mente de Damon; ya lo explotaría a fondo en sus proyectos venideros.

Blur en el tiempo La neo-psicodelia mancuniana generó un influjo demasiado atractivo. Ese estallido multicolor hacía ver a los Stone Roses como dioses, Damon y compañía se deslumbraron con esa maraña ácida y acusan su influencia. Pero también les atraía la vertiente shoegaze y el guitarreo más filoso. El primer Blur hacía equilibrio para no caer hacía un lado en particular, bailaban sobre el filo, pero a la postre tomaron otro rumbo.

“There’s no other way” era más danzarina y trendy, mientras que “She’s so High” reflejaba su lado clavado y tenía coincidencias con otros colegas, Chapterhouse, por poner un ejemplo. Además, “Sing” fue usada en la banda sonora de Trainspotting.

Cuatro productores (Steve Lovell, Steve Power, Stephen Street y Mike Thorne) confluyeron en esta búsqueda por afirmar un sonido. Aunque a la postre llegó al lugar 7 de las listas británicas y fue disco de oro, hoy día no satisface a un exigente Damon, aunque sí estimula a Coldplay, quienes partieron de “Sing” para componer “Lost” del Viva la Vida or Death and all his Friends. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Con este trabajo, Blur se posicionó como una importante banda de brit pop, y su impacto contribuyó a que la banda permaneciera vigente durante el resto de los 90.

A lo largo del disco se percibe el arrogante y burlón tono de voz de Damon Albarn; la guitarra de Graham Coxon es creativa y a veces disonante.

Las canciones que destacan son: “Girls & Boys” y su contagioso ritmo disco, apoyado por un excelente riff de bajo… se trata del mejor tema; también está “Parklife”, una canción muy influenciada por el rock de finales de los 60, que además contiene la voz narrada del actor Phil Daniels (quien participó en la película Quadrophenia); también cabe resaltar la balada “To the end”. Qué decir de “Trouble in the message center”, un corte poco escuchado pero muy evocador. “Badhead” tiene una introducción a base de instrumentos de metal muy memorable. En resumen, con Parklife la juventud de los noventas se identificó de inmediato con el grupo, sobre todo la de Inglaterra, ya que fue allí donde inicialmente tuvo más éxito (en Estados Unidos únicamente el single “Girls & Boys” logró entrar en las listas de popularidad), sin embargo, para nada se trata de un álbum menor sino todo lo contrario, ya que su sonido sigue siendo actual. TXT:: Félix Jáuregui.

Nadie esperaba la sorpresa que sería la segunda entrega de Blur. La banda, harta de la falta de credibilidad y dispuesta a demostrar que lo suyo era cosa seria, decidió dejar de lado las tendencias shoegazeras de su debut y comenzó a buscar un estilo propio. La metamorfosis comenzaría con el sencillo “Popscene”, una joya casi desconocida (no para los fans, quienes la consideran un verdadero hito) y acabaría de moldearse en Modern Life Is Rubbish.

La banda corrió un gran riesgo en su segunda placa: se estaban jugando la carrera en lo que su sello, Food, calificó de suicidio comercial. Desde el principio, la creación de Modern Life Is Rubbish fue un proceso turbulento y lleno de obstáculos, con cero apoyo de la crítica y el público. A pesar de tantos factores en contra, el grupo optó por hacer las cosas a su modo y volcarse en un disco 100% anglocéntrico, conceptual casi, que narraría la realidad de la Inglaterra noventera suburbana. ¿El resultado? Todo valió la pena. A base de 14 temas creados retomando lo mejor de la música inglesa de las tres últimas décadas (Beatles, Kinks, The Jam, The Smiths, entre otros), la banda se embolsó a la crítica y al público por igual.

Uno podría pensar que un álbum enfocado en la vida de los suburbios ingleses podría ser poco accesible para un escucha con una ubicación geográfica diferente. Sin embargo, parte de la genialidad de Modern Life Is Rubbish radica en la capacidad de la banda para retratar con puntualidad y gracia los ires y venires en la vida de un John Smith cualquiera, mismos que, en esencia, son idénticos a los de un Juan Pérez cualquiera: es decir, son observaciones que, referencias culturales aparte, encierran una universalidad y cotidianidad que mueven y conmueven lo mismo en Essex que en (insertar nombre de cualquier punto del globo). El futuro al que, a pesar de la incertidumbre que encierra, nos aferramos con ferocidad (“For Tomorrow”), las eternas reflexiones sobre el estado y rumbo de nuestras relaciones personales (“Resigned”), los domingos de comida familiar (“Sunday Sunday”), el papel sedativo de la publicidad (“Advert”), las penurias económicas y cómo olvidarse de ellas (“Chemical World”), el típico güey de la oficina pedante y superficial (“Colin Zeal”)... ¿les suena familiar? Pues claro. Cualquiera con unos cuantos años de vida en esta tierra sabe de estas cosas.

Así, con Modern Life Is Rubbish, Blur deja de ser una banda del montón, de esas que proliferaron por aquellas épocas (Lush, Menswear, Sleeper, Gene. Who?), para posicionarse como punteros del movimiento britpopero, poseedores de un sello propio y, sobre todo, del talento y potencial necesarios para dejar huella en la siempre cambiante y, a menudo, inmisericorde escena musical inglesa. ¿La vida moderna es basura? Posiblemente, pero con obras como Modern Life Is Rubbish esa misma vida de pesadumbre y aburrimiento se hace mucho más llevadera. En este álbum los de Blur aprendieron a reírse con elegancia e ingenio de sus infortunios, y en el proceso, nos enseñaron a reírnos de los nuestros. TXT:: Bárbara Coca.

La presión estaba a tope. Después del exitazo que resultó ser Parklife, Blur tenía que lanzar un disco superior o, como mínimo, similar.

Con la crítica y con los fans, el último álbum de la trilogía anglocéntrica recibió muy buena acogida, aunque la banda disintiera al respecto (debido quizá a la imposibilidad de no asociar The Great Escape con la guerra con Oasis).

Experiencias amargas aparte, y visto a largo plazo, el álbum cumple satisfactoriamente con las expectativas. Elementos clave como los estereotipos y críticas a la sociedad (“Charmless Man”, “Country House”, “Globe Alone”) siguen ahí, pero a través de sus baladas (la agridulce “Best Days” o la majestuosa y melancólica “The Universal”, uno de los mejores momentos en la carrera del grupo), Blur empieza a contarnos del hartazgo de ser el centro de atención. Con las últimas notas de The Great Escape Blur se despide del ciclo britpopero y cierra el primer ciclo de su carrera. TXT:: Bárbara Coca.

45 “The death of the party, came as no surprise, why did we bother?, Should’ve stayed away”. Así abre “Death Of A Party”, track 8 del quinto álbum de la banda. En este tema, Damon pareciera estar describiendo la situación de su grupo por ahí de 1996: esa gran fiesta que fue la escena del britpop de mediados de los noventa –y de la que Blur fue tanto anfitrión como invitado especial–, había llegado a su fin. Y lo que Damon parece lamentar más no es otra cosa que haber sido parte de ese ominoso circo de excesos, sobreexposición, tabloides, pleitos, dires y diretes (no hace falta decir por qué y con quiénes). Resulta curioso que “Death Of A Party” date de 1992, cuando Blur no tenía manera de saber todo lo que iba a suceder después. ¿Palabras proféticas? Parecería ser que sí: se acabó la fiesta, favor de desalojar el local.

En Blur, el grupo decidió que era hora de cambiar de página y volver a empezar de cero: era hora de sacar las garras y mostrar los dientes. Así, si en Modern Life Is Rubbish, Parklife y The Great Escape el punto de referencia era el Reino Unido, en Blur la siguiente parada en el recorrido musical de la banda sería Estados Unidos. Este nuevo rumbo, impulsado por la creciente inconformidad de Graham con el estilo de la banda, así como por su interés en la escena alternativa norteamericana (Pavement, Sonic Youth, Beck, Beastie Boys y Tortoise serían algunas de sus influencias en este disco), llevaría al grupo a crear un álbum completamente diferente a todo lo que nos habían ofrecido con anterioridad. Blur nos presenta un sonido crudo y poco pulido, lleno de vocales turbias y sensuales, órganos etéreos, Graham Coxon raw mode on extrayendo de su guitarra olas distorsionadas y belicosas, líneas de bajo sombrías e hipnóticas por parte de Alex James, percusiones arrolladoras, casi agresivas (algo difícil de creer de alguien con el carácter taciturno de Dave Rowntree) y hasta el uso de algunos sampleos y sintetizadores. Por su parte, Damon se olvida de los personajes estereotípicos y sus letras comienzan a centrarse en él mismo y en sus experiencias personales (cuentan por ahí, por ejemplo, que en “Beetlebum” Damon habla sobre sus coqueteos con la heroína en una noche de juerga en Reykjavík). Y todos estos giros tuvieron lugar sin que el grupo perdiera un solo ápice de su esencia. Por si fuera poco, Blur logró conquistar (cuando ya le importaba un comino si lo lograba o no) el mercado estadounidense con un disco con el que antes que otra cosa se propuso conquistar sus propios demonios y demostrarnos que sí, hay vida (y mucha y muy variada) después de “Country House”. En breve: Blur, titulado así como para reforzar la idea de que su contenido revelaba la verdadera identidad de las aspiraciones de la banda, es el mejor ejemplo de la evolución de una banda que muta, crece y experimenta, que aprende, adapta, corrige y aumenta sin dejar de sonar a ella misma o imprimir su sello personal en todo lo que crea. Y si eso no es genialidad, entonces no sé qué lo es. TXT:: Bárbara Coca.

Una personalidad compleja, el ansia por evolucionar y la derrota amorosa marcan el rumbo del sexto disco. El truene definitivo con Justine Frischmann (vocalista de Elastica) hizo de "Tender" un himno excesivo de gospel-pop (con todo y coro completo), mientras que "Coffee & TV" es una de sus canciones más engañosas, pues aunque la música sigue un refinado y trotón pop de medio tiempo la letra sigue destazando el mundo actual sin compasión alguna.

Los reclamos existenciales (colectivos e individuales) confluyen en composiciones que les permitan diversificar su sonido. Se percibe una actitud de no querer encasillarse con un sonido único. No obstante que en “No Distance Left To Run” se plasma el desamor y la desesperación de Damon, en "Bugman" y "Swamp song" hay otras exploraciones que tiempo después habrían de aflorar (en este caso facilitadas por la presencia de William Orbit en la producción). Además, las pinturas usadas para la portada y los sencillos son obras de Graham Coxon en su faceta de pintor. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

El sonido de Think Tank tuvo dos influencias directas. A: el creciente interés y entusiasmo de Damon Albarn por la música del continente negro (recordemos que en 2002 lanzó Mali Music, un álbum en el que colaboró con varios de los exponentes más importantes y representativos de la escena africana). B: la salida de Graham Coxon, quien, cada vez más harto de la dirección del grupo y con un problema de alcoholismo cada vez más fuera de control, decidió aventar la toalla apenas unas semanas después de iniciado el proceso de grabación del disco. ¿Qué hicieron Albarn, James y Rowntree ante semejante contratiempo? Hicieron lo que muchos esperarían de una banda como Blur, que en el pasado ya había sido capaz de sortear exitosamente todo tipo de obstáculos: aceptar el reto de grabar un disco sin una de sus fuerzas impulsoras esenciales. Y quizá lo más sorprendente del asunto no fue que decidieran seguir adelante con el proyecto, sino que el resultado final haya sido una experiencia positiva y liberadora, de la que surgió un álbum que no sólo pudo mantenerse a flote sino que quedaría muy bien parado en el currículum (prácticamente inmaculado) de Blur, quien volvía a reinventarse y a escribir un capítulo más en su historia.

Think Tank es un álbum que muchos desdeñaron, esgrimiendo el argumento único y exclusivo de la ausencia de Graham y que sin él, nada de lo que hiciera Blur valdría la pena. No obstante, quien no le haya dedicado el tiempo suficiente (pues no es en absoluto, un álbum de esos que enganchan de inmediato) se ha perdido del intrincado y fantástico universo de oportunidades que dicha ausencia le otorgó al grupo. Una de ellas es la variedad de géneros abordados: dub, free jazz, funk, trip hop, electrónica, pop, punk. Hay quien diría que esto no es otra cosa que inconsistencia; yo más bien diría que es sed de experimentación. De llamar a todas las puertas y ver qué hay detrás.

Una labor para la que Graham, ¿por desgracia, por fortuna? no tenía tiempo ni ganas.

Sin embargo, el disco sin Graham está sin querer, lleno de Graham. Está ahí en las referencias inequívocas a su partida la hermosísima “Sweet Song”, o en la enorme “Battery In Your Leg” (su única contribución al álbum y que de tan magnífica, rabiosa y ruidosa nos da una buena dosis de Coxon). Su partida impulsó a la banda a encontrar la manera de darle la vuelta a las carencias que dicha retirada implicaría., y como siempre, supieron hacerlo con ingenio y excelente ojo al detalle.

Por último, un argumento más a favor de Think Tank. Los payasos pretenciosos de Pitchfork le pusieron un 9.0 redondo de calificación, mientras que Metacritic le da una nota promedio de 8.3 (que lo convierte en un álbum “universalmente aclamado”). Vamos, ¡tanta gente no puede estar equivocada! Si eso no le pica la curiosidad a alguien para escuchar el disco con atención, entonces nada va a lograrlo. Pero sepan aquellos que decidan lo anterior que están pecando de necios y que no saben el lujo del que se están perdiendo. Tú, hazme caso y dale una segunda oportunidad. Corre y póntelo una vez más. TXT:: Bárbara Coca.

Aunque en el 2000 ya habían lanzado la compilación Blur: The Best Of, esta “guía para principiantes de Blur” incluye 25 canciones distribuidas en dos discos que no están enfocados en los sencillos de la banda, sino en las rolas más representativas en términos musicales.

De esa manera se muestra que Blur también supo hacer canciones poco amigables para la radio. Además, aquí se incluye “Popscene”, un tema que fue editado en 1992 como sencillo, pero que nunca formó parte de ningún álbum. A Beginner’s Guide to Blur está en las tiendas desde el 15 de junio, y su lanzamiento va ligado a la reunión de la banda para hacer algunos shows.

46

47

fotos: Enrique Mendez de Hoyos • modelos: Rhaissa para AB Models y Jaime Kohen maquillaje: Victor Hugo Valdez Herrera • peinado: Carlos Arzate para Redken

www.paolahernandez.com

•

contact@paolahernandez.com

48 también llevaba una vida diferente a la que llevo en el D.F., me daba tiempo de pensar por qué quería hacer una marca, cómo quería que se llamara, cuál era su filosofía, de qué se trataba. Fue ahí que me di cuenta que a través de la moda podría proponer estilos de vida que ayudaran a los demás a conectar este lado que todos tenemos, ya que sin espíritu no podemos ser materia y sin materia no podemos tener estas experiencias espirituales”.

Su primera colección fue en blanco y negro, como si estuviera viendo la vida a través de una película de los años 40. La colección se presentó en un lugar del Centro Histórico, de ahí se fue al Fashion Week México y luego al Fashion Week de Nueva York: “el proceso ha sido súper divertido, la marca ha crecido a muy buen nivel… sentir que hay gente en Nueva York que quiere representar la marca por allá es súper emocionante y acelerado”.

TXT:: Esteban Arzate. FOT:: Pedro Velasco.

Con los nervios de que esta es mi primera entrevista, llegué muy temprano al encuentro con Paola Hernández. La encontré con mil cosas qué hacer, apurada, organizando la ropa para enviarla al nuevo show room porque una amiga se iba a cambiar esa misma tarde a su atelier, así que decidimos salir a tomarnos un café para hacer la entrevista, caminamos hasta los bisquets París que se encuentran en la esquina de Álvaro Obregón y Córdoba. Es así como entre sillones bicolor y chilaquiles (platillo favorito de Paola), nos comenzó a platicar del descubrirse a sí misma y su propio camino…

La premisa de Paola es la evolución. Una simple pregunta crece, se vuelve una idea y se materializa en sus diseños. Esta filosofía la conduce por diversos caminos para entender un poco el sentido de la vida, la existencia de la humanidad y el propósito de su propia existencia.

Paola decidió estudiar filosofía, pero siguiendo las señales en su vida se encontró con el diseño de moda, “yo tenía una fiesta y me quería poner una falda que no encontraba, entonces fui con una amiga que sabía coser y juntas la hicimos, dos chavas me la vieron puesta y me pidieron que les hicieran una. Me causó curiosidad saber que se veía como una pieza comprada y no hecha por una aficionada. Obviamente les dije que no hacía ropa, pero insistieron tanto que ofrecieron comprármela. A partir de eso sucedieron otras cosas hasta que me dije: ‘esto me encanta’ ” .

Detrás de cada colección se percibe que hay un

proceso bastante importante, “para mí, diseñar es un proceso creativo que me ayuda a conectarme espiritualmente, es como meditar horas y horas, cuando diseño algo entro en un estado impresionante de paz, de expansión, de entender la vida mucho más que los símbolos, es algo alucinante, entonces siento que las cosas tienen que suceder y así van fluyendo. Cuando decidí hacer esto en serio me fui a estudiar a Londres, y al llegar a México empecé a hacer mi primera colección”.

En Londres hizo cursos específicos de moda como son sastrería, desarrollo y creación de una colección, transformación de prendas, dibujo de figurín etc., “cuando tomaba clases yo era la más feliz, la más entregada y motivada, además la experiencia de vivir en Londres me ayudó a explotar mi parte más creativa y la llevó más allá de mis límites, se revolucionaron todas mis ideas,

El constante cambio, el simple hecho de leer un libro o vivir una experiencia crea en ella una nueva forma de ver la vida, es así como encuentra en su día a día la conciencia de la perla azul de donde surge su más reciente colección, “la colección pasada Primavera–Verano 09 fue toda blanca e inspirada por el estado de unión de pureza. La colección Otoño–Invierno 09 inició con la pegunta de cómo vivimos el estado de dicha, de paz, de amor y de unión con el todo. Yo siento que lo vivimos através de nuestra luz y nuestra sombra, que en la sombra vivimos momentos tan densos que existe un silencio increíble que ya no hay más y que sólo queda entregarse. El azul representa esta conciencia de la perla azul, las costuras en rojo significan el camino para llegar a ella”.

Cada artista decide en qué escenario mostrar su obra, para esta diseñadora la pasarela es su propio escenario, un lugar donde comparte con el exterior su forma de sentir y de vivir, “el momento culminante donde pongo la colección en fotos o en un desfile es la música, el maquillaje, el peinado, el cómo quiero que caminen los modelos, el crear todo un ambiente; es en esos momentos donde mi expresión llega a su culminación máxima, al éxtasis absoluto, y después de esto, justo antes de este momento empiezas otras preguntas”.

Paola vive entre músicos (ha hecho ropa para el IMS y Payro), desfiles y películas, siempre fluyendo y creando su propio destino, descubriendo nuevos diseños "filosóficos" y estilos cuya búsqueda, entra poco a poco en la conciencia colectiva de la humanidad. M

50

Sueño de una noche de verano TXT:: JP Riveroll

Al costado de la rocola hay una mujer cuya mirada es cubierta por unos lentes oscuros, que si bien mienten, dejan entrever un estado de ánimo quebrado, tenue, delgado en contraposición con la forma ancha y redonda de la máquina musical en la que se recarga sin emoción aparente. Observa a Marco, quien a su vez observa a Susana bailando al son de una música llana de manera descuidada, bajo el claro ideal de llamar la atención a quien se deje. Antes del llanto, la mujer recoge el alma del piso, camina hacia la salida dejando tras de sí la mesa de billar, y sale, se mezcla entre la muchedumbre de sábado por la tarde, esconde su rencor detrás de la oscuridad de aquellos lentes que más bien vagan frente a ella. En su casa descubre el cuerpo inerte de su madre. Rol de créditos sobre fondo negro, en pleno silencio.

Se encienden las luces de la arcaica sala a la que sólo asistieron una pareja de ancianos, un adolescente y un grupo de cinco señoras cuyos comentarios a lo largo de la cinta podían ser escuchados con claridad. Una sombra de angustia cruza por la mente de Gilberto al levantarse, una vez que el resto de la escueta concurrencia lo ha dejado solo bajo la mirada del “cácaro”, cuyos pensamientos giran en torno a su regreso a casa, a su vida compartida con su mujer, sus hijos y, como en la película, su madre: no anda bien de salud. Afuera la oscuridad es total en los largos espacios a los que el alumbrado público no llega. Gilberto piensa cada vez menos en las imágenes que acaba de ver, que aunque dejaron una impresión firme en su recuerdo, van dando pie a la soledad de aquella sala de cine, a la soledad de aquella avenida sin nombre, a la soledad de su piso perdido entre la niebla urbana que lo rodea día y noche.

Irene grita al instante que la imagen de Gilberto entrando a su departamento desaparece del televisor, reemplazada por un balón de fútbol que cruza el cuadro de fondo verde para ser atajado por un jugador de cabello largo amarrado detrás.

Furia comprimida, intenta sin éxito obligar a su hermano a cambiar de canal para terminar lo que veía tranquila, sin molestar a nadie; el partido es en vivo, imposible cambiarle en ese momento. Expulsada, Irene se sienta frente a la computadora, la enciende, espera que el paisaje azulado se postra frente a sus ojos agrietados de coraje, sabiendo que, con suerte, habrá un mensaje importante aguardándola en la bandeja de entrada de su correo electrónico... sin embargo en su lugar encuentra una dirección que al tocarla abre otra pestaña dentro del navegador.

Bajo un cielo gris un panorama desolado. A un extremo del cuadro un pistolero, al otro son cinco, seis, siete: se suman al acecho del hombre solitario que va en busca de aquello que nunca va a encontrar en este mundo. Teme desenfundar el revólver frente al creciente número de hombres que se postran frente a él mientras una gota de sudor le resbala por la frente, la ceja, el pómulo.

Se desvanece la imagen dando paso a una más sombría, enclaustrada entre paredes que transpiran melancolía entre manchas oscuras de mugre, sangre vieja quizá, recibiendo a la mujer de todos en su vientre liso, infértil. Atraviesa el marco de la puerta el pistolero cuyos ojos callados la persiguen. Mientras ella se lanza corriendo hacia la escalera él desenfunda la máquina de matar, apunta con cierto desenfado dejando escapar el sonido ensordecedor que acompaña cada tiro, al tiempo que la palabra “PRÓXIMAMENTE” transita del centro hacia fuera del campo de visión.

De cubrir la superficie entera de la computadora el cuadro se achica hasta quedar en el extremo derecho, debajo del cual está la línea de tiempo del programa de montaje no lineal. Otro recuadro muestra la imagen congelada de Irene sentada frente a un escritorio. El editor le da una última calada al cigarrillo, lo apaga en el cenicero y se levanta cansado de la silla reclinable, bajo las garras de la incertidumbre cobijándolo mientras camina fuera de la isla, echando un breve vistazo a la ventana empapada por la mezcla de lluvia y viento que la azotan sin cesar. Un rayo de luz ilumina el cielo por un instante seguido por el estruendo de la tormenta, dando pie a que un chispazo de fuego anuncie la repentina huida de la luz artificial que, además de alumbrar el corredor por donde camina, alimentó minutos antes a los bits que le dieron vida a la figura de Irene, Gilberto, Marco o Susana. La llama de un cerillo logra que las paredes pierdan su anonimato intermitentemente, dejando entrever la figura de una persona que sostiene frente a sí una revista abierta de par en par. Al leer esta línea se da cuenta que es observada –voltea a su alrededor para reafirmar el lugar donde se encuentra, que felizmente no es el mismo corredor del sueño–.

Cuando despertó, la pantalla todavía estaba ahí. M

52

TXT:: Ingrid

Constant.

Como cada año, los estudios lanzan las películas que rompen récords de taquillas durante el verano. En 2009 muchos esperan las secuelas de Transformes, Harry Potter o Terminator.

Pero eso no es todo lo que hay que ver. Preparamos esta guía para los gustos más finos sobre las películas de todos los géneros que no debes perderte durante los próximos meses.

Whatever Works Woody Allen cierra su ciclo europeo y regresa a las calles de Nueva York con Whatever Works, hecha al estilo único del director para el género comedia romántica, con el recurrente y autobiográfico tema del amor entre el hombre maduro y la tardo-adolescente. La cinta cuenta la historia de Boris (Larry David), un profesor cerebrito venido a menos con una profunda amargura contra el mundo. David es mejor conocido por ser el creador del ícono noventero Seinfeld, aunque apareció antes en otras dos películas de Allen. Boris conoce a Melody, una joven inocente inmune al sarcasmo que se refugia en su casa. Empiezan los enredos románticos los triángulos amorosos. Rachel Evan Wood interpreta a Melody, su papel más importante hasta la fecha. Antes la vimos en las aclamadas cintas A los trece, Across the Universe y El Luchador, pero su fama se debió a su controvertida relación con Marilyn Manson (ella tenía 19 y él 38 cuando se conocieron).

Brüno El genio cómico de Sacha Baron Cohen por fin lleva a la pantalla grande a otro de sus mejores alter egos, Brüno. La película es otro “documental” cómico que repite la fórmula de Borat, filmando escenas reales de personas que no saben que están delante de un actor. Brüno es un reportero y fashionista que trabaja para un supuesto canal de televisión gay de Austria. En la película cuestiona a los norteamericanos su homofobia y lleva a los límites de la irreverencia los clichés de la vida en el estrellato, como cuando adopta a un niño africano para seguir las tendencias. Se rumoró que el título sería “Brüno: Deliciosas jornadas a través de América con el propósito de hacer sentir a los hombres heterosexuales incómodos ante la presencia de un extranjero gay vestido con una playera de malla”, pero fue sólo una burla al extenso título de la película de Borat. Para el no conocedor, se recomienda ampliamente ver la serie de HBO Da Ali G Show para introducirse al personaje.

Inglourious Basterds Después de una década de trabajar en el guión, Quentin Tarantino dirige su primera película de guerra. La violencia en los campos de batalla parecía el paso lógico en la carrera de este fanático de la sangre; pero no olvidemos que el género ha logrado muchas de las mejores cintas en la historia del cine, como Apocalypse Now de Francis Ford Coppola. Por lo pronto, compite por la Palma de Oro en Cannes 2009. Tarantino reunió a un elenco más extenso que en sus anteriores películas, incluyendo a Mike Myers, Diane Kruger, Samuel L. Jackson y Eli Roth. El mayor atractivo es que podremos ver casi tres horas de Brad Pitt matando nazis. La historia se sitúa en Francia ocupada por Alemania, cuando un batallón de soldados de origen judío decide aniquilar en las formas más brutales a su enemigo. Inglorious Basterds trae lo mejor del spaghetti western y un tributo al trabajo de Jean-Luc Godard. Quizá lo que se asevera en el avance sea cierto: “no has visto la guerra si no la has visto a través de los ojos de Tarantino”.

Funny People Judd Apatow escribió y dirigió las comedias domingueras Ligeramente Embarazada y Virgen a los 40. Sus habilidades aparecen más sólidas en esta película, que contiene un toque más sentimental pero sincero. Que no se dejen llevar los escépticos por la elección de Adam Sandler en el protagónico: quien no me crea, que vea la hermosa Embriagado de Amor, donde Sandler demuestra su talento.

Hace mancuerna con Seth Rogen, quien sin duda tiene el futuro de la comedia en sus manos. George, un cómico exitoso (Sandler) pero sin amigos conoce a otro más joven (Rogen) y se vuelven cercanos. Al poco tiempo George descubre que le quedan pocos días de vida... y no, no muere. Cuando el diagnóstico prueba ser incorrecto, entonces sí aprovecha un nuevo hálito de vida para recuperar al amor verdadero. La trama puede parecer gastada, pero promete muy buenas risas y una que otra lagrimita. Aparece Jonah Hill (Superbad) y Jason Schawartzman (Rushmore, Viaje a Darjeeling), quien también se encargó de la música.

53 Taking Woodstock El gran director chino Ang Lee, responsable de Sensatez y Sentimientos y Secreto en la Montaña estrena este año en Cannes una comedia/drama sobre el famoso festival de 1969. Estelariza Demetri Martin, un joven cómico que acaba de conseguir su propio programa después de colaborar en el show de John Stewart. Martin interpreta a Elliot, un joven que consigue conocer a los organizadores del festival. La trama se centra en los conflictos de Elliot para aceptar su homosexualidad y su abuso de la marihuana, así como para enfrentarse a su familia. A pesar de que es otra película sobre la mítica era del amor libre, el acento está en la importancia de la música y en la reflexión de aquel tiempo sobre la naturaleza humana, como sucedió tras los eventos violentos en Stonewall, también retratados aquí.

It Might Get Loud La película, dicen los productores fue pensada para todos aquellos que alguna vez soñamos con ser rockstars. Es un documental sobre música y guitarras filmado de forma íntima y muy amigable. En él los guitarristas Jimmy Page (Led Zeppelin), The Edge (U2) y Jack White (The White Stripes, The Raconteurs) hablan sobre sus experiencias en la música, comparan sus generaciones, intercambian tips, se enseñan canciones y otras monerías más. Al parecer cada uno tiene un momento estelar en pantalla: Page hace un solo de air guitar y White compone una canción de la nada en unos cuantos minutos. Desde luego hay palomazos, improvisaciones, escenas vintage de U2 y Zeppelin y todo lo que el fanático podría esperar.

La cinta abrió en los festivales de Sundance y Berlín con éxito.

Away We Go Sam Mendes nos entregó antes al menos dos películas que la crítica adoró: Belleza Americana y Revolutionary Road (Sólo un sueño). Ahora dirige a las estrellas de televisión John Krasinski (The Office) y Maya Rudolph (Saturday Night Live) en esta película sobre unos futuros padres que emprenden un viaje para encontrar el lugar perfecto para criar a su esperado bebé. A lo largo de su jornada se encuentran con amigos y familiares para desarrollar una reflexión prolongada sobre el concepto de hogar. Además aparecen Jeff Daniels y Maggie Gyllenhaal. Esta es una cinta oficialmente ecológica: durante su filmación se hicieron varios esfuerzos por reducir las emisiones de carbono y desperdicios. Como no es muy comercial, quizá no la verás por mucho tiempo en las salas, así que tendrás que cazarla. La película fue escrita por Vendela Vida y su esposo Dave Eggers, fundador de la revista McSweeney’s, lo que la hace todavía más prometedora.

Little Ashes Paul Morrison consiguió una nominación al Oscar por mejor película extranjera hace diez años con Solomon & Gaenor. Ahora dirige esta película con una historia apasionante: la historia de amor tan poco contada entre Salvador Dalí y Federico García Lorca, vista por los ojos de Luis Buñuel. Es una lástima que la producción sea inglesa y no española, y algunas otros detalles desalentarán a otros. Dalí es interpretado por Robert Pattinson, mejor conocido como Edward en la película Crepúsculo, delirio de adolescentes alrededor del mundo. Pattinson intenta aquí un papel serio que compruebe su habilidad histriónica. La narración llega hasta el principio de la relación de Dalí con Gala y nos muestra ese tiempo idílico y bohemio en un Madrid rebosante de arte. Las escenas eróticas llevan algún tiempo circulando en la red. Valen la pena.

Public Enemies Michael Mann tiene cierta fijación por las películas centradas en las armas, como en la clásica Heat. La estrella del filme es nada menos que Johnny Depp, que interpreta a un mafioso/ladrón de bancos en la era de la gran depresión norteamericana. Marion Cotillard consigue aquí su primer papel importante en Hollywood después de que ganara el Oscar en 2008 por La vida en rosa, ahora como pareja de Depp. El enemigo a vencer es Christian Bale (el nuevo Batman), un agente del FBI que intenta detener la oleada de crímenes. Esta película está hecha al modo de los antiguos dramas de acción, con una tensión permanente entre el policía y el ladrón.

54

a á r e d ? r s o o m g a n l é é i i u c Q ¿ s mur lo e.

n Gor

ur Ala

rth TXT:: A

El rock está en crisis.

Eso es lo que pasa: nuestros rockeros han perdido el camino y mientras tanto, el pop gana terreno.

Maná se preguntó en dónde jugarán los niños y Molotov cuestionó lo propio con las chicas. A mí, desde hace tiempo, existen preguntas para las cuales no encuentro respuesta. Ante la perspectiva que nos ofrecen nuestras estrellas actuales de rock, existen asuntos que no me dejan dormir: ¿quién destruirá los cuartos de hotel? ¿a quién revivirán los paramédicos con una inyección de adrenalina directo al corazón cuando una sobredosis le quiera arrancar la vida? ¿Quién, por todos los cielos, morderá la cabeza de los murciélagos?

El rock es música, pero también algo más. Desde sus orígenes, se ha erigido como un primo hermano del escándalo. El rock suda morbo, chorrea ríos de amarillismo por cada poro que funciona como la miel que atrae a las moscas. ¿No? Entonces, ¿porqué Syd Barret es el “Diamante Loco” que del reino de la genialidad no volvió jamás? ¿Se ha sacado las costillas Marilyn Manson para autocomplacerse oralmente? ¿Introducía Jimmy Page pescados en las vaginas de sus grupis? ¿Firmó con sangre Kiss el contrato para producir su historieta?

La respuesta a algunas de estas interrogantes es sí, para el resto es no.

Algunas son anécdotas reales y otras se reducen a disparates inventados por gente con más tiempo que cosas qué hacer. Pero todas han contribuido a fortalecer el mito de la estrella de rock como la de alguien con súper poderes sexuales (¿no se ha tirado Gene Simmons a tres mil y tantas mujeres?), que disfruta de la eterna juventud (y si no, pregúntenle a los Rolling Stones), que realiza pactos diabólicos (¿se saben la de Robert Johnson, el guitarrista de blues que supuestamente le vendió su alma al diablo en una encrucijada para que le enseñara a tocar?), cuyo cuerpo es medio de comunicación con otras dimensiones (¿éra Elvis un extraterrestre?) y con la inmunidad para destruir el mundo si le da la gana (o arrojarse a la alberca de un hotel desde un noveno piso, al estilo Charly García). Las rockstars también pueden beber a raudales y experimentar con todo tipo de drogas.

Las estrellas de rock son niños que juegan el más peligroso de los juegos.

Por lo menos solían serlo.

Hoy en día, cada vez son más las estrellas de rock que prefieren ser virtuosos que desmadrosos (Guns N’ Roses llegó a ser la banda más peligrosa de su época mientras que Radiohead parece ser la más influyente de todos los tiempos), y cada vez resulta mucho más rentable ser un niño bueno que un rebelde sin causa. Por ejemplo, a Ozzy Osbourne, “Príncipe de las Tinieblas”, se le tiene por un viejito decrépito y atolondrado gracias a su reality show mientras que Bono, el santurrón desabrido, hay quienes lo quisieran canonizar. El rock está en crisis.

55

Existen razones por las cuales las estrellas de rock debieran ser personas mucho más atormentadas, reventadas, extravagantes y nihilistas. Por ejemplo, para que se puedan rodar buenas películas sobre sus vidas, llenas de escenas de sexo, drogas y teorías de la conspiración. Casos concretos: Kurt & Courtney, el documental de Nick Broomfield en donde se acusa a la viuda de haber matado al líder de Nirvana. También Control, la biografía de Ian Curtis rodada por Anton Corbijn ofrece secuencias memorables sobre los ataques epilépticos del desafortunado cantante y su posterior ahorcamiento. Y qué decir de Val Kilmer cuando en la cinta The Doors de Oliver Stone, interpretó a un Jim Morrison taponado de cocaína persiguiendo a una periodista para cogérsela, desnudo y con la “Carmina Burana” como fondo.

Tu rock es botar ¿Pero qué es lo que hacen nuestras estrellas de rock hoy en día? Bah, la mayoría nos dicen que nuestro rock es votar (¿Dónde quedó el Anarchy For The UK, caray?) y Moderatto es imagen del Consejo de la Comunicación. Pues entonces si mi rock es votar, “bótense” todos a la canica. Yo quiero estrellas de rock groseras e impertinentes, que devuelvan sus títulos nobiliarios como protesta (gracias Lennon) y que canten “God Save The Queen” sobre un barco que traviesa el Támesis mientras la Reina celebraba sus primeros 25 años de ascensión al trono. Dijo John: “You may say that I’m a dreamer”, pero como completaron los Ramones “I believe In Miracles”.

Hasta Belinda, con quien la banda comandada por Bryan Amadeus grabó un polémico dueto, se vio más ruda protagonizando un escándalo erótico en Internet al mejor estilo de Tommy Lee y Pamela Anderson que los mismos Moderatto.

Eso es lo que pasa: nuestros rockeros han perdido el camino y mientras tanto, el pop gana terreno. “El Rey del Pop” es un alienígena deforme cuyo rostro se

cae a pedazos. Guau. Cuánto material para escribir. Y “La Princesa del Pop” es una junkie redimida, que incluso fue a dar una clínica psiquiátrica. ¿Cuál fue la última banda acusada de incluir mensajes subliminales de corte satánico en sus canciones? Para quien no lo recuerde fue RBD, hace un par de años. Sí, la situación está para llorar.

El Diablo mismo se ha de sentir ofendido mientras Dios se carcajea en las alturas.

Eché un ojo a las páginas en Wikipedia (para fines de este artículo no importa si lo que se dice es cierto o no, lo que importa es que se digan cosas) de algunas de las que podrían ser las estrellas de rock del futuro. Salvo Pete Doherty y Amy Winehouse poco hay de material como escribir una buena novela sobre estrellas de rock.

The Strokes hicieron un buen intento con su afición a la bebida, pero Kings Of Leon hasta cristianos resultaron. Gerard Way, de My Chemical Romance, se esfuerza por serlo con todo ese asunto del maquillaje, los muertos vivientes y las historietas. Pero en términos generales, faltan estrellas de rock en los tabloides. Cada vez son menos las que dan la nota. El terreno se lo están ganando los integrantes de la comunidad de hip hop con sus matanzas, sobredosis y escándalos sexuales y porqué no, hasta los gruperos.

Más de una década dedicado al periodismo de espectáculos me ha permitido seguir de cerca este fenómeno: la decadencia de la estrella de rock como el personaje fantástico, guarro, mágico y estrafalario, adorable y repulsivo. Ya no hay “Slashes” que coleccionen serpientes y tarántulas ni “Lemmys” que hagan lo propio con memorabilia nazi.

Cada vez parece más que la estrella de rock del futuro se parecerá más a un ángel que a un demonio. Las buenas conciencias se salieron con la suya.

El Diablo nos agarre confesados. M

56

A Hard Rain’s A-Gonna Fall:

Desventuras en rompecabezas TXT:: Juan Patricio Riveroll.

❝Vamos a confeccionar la telaraña de nuestra realidad❞ León Larregui, “Últimos días” Sociedades que se resquebrajan desde dentro.

Se cuartea el suelo: avisa que el subsuelo sufre, que abajo de lo perceptible se encuentra la pesadilla, la suciedad de la tierra que ya no soporta la forma de vida del ser humano de entre siglos, el XX y el XXI. Cual tarántulas, el formato multi-humano de redes de personajes ha confirmado ser un vehículo perfecto para retratar la crisis existencial que se vive en las ciudades, porque este tipo de cine es eminentemente urbano. Hablo de Short Cuts (Altman, 1993), Happiness (Solondz, 1998) y Magnolia (Anderson, 1999) como grandes ejemplos del género en Estados Unidos; también de Code inconnu: Récit incomplet de divers voyages (2000), cuya traducción literal al castellano (Código desconocido: relato incompleto de diversos viaje) encapsula o diseca la esencia de este cine-tarántula, escrito y dirigido por Michael Henke, reciente ganador de la Palma de Oro y el FIPRESCI en Cannes con Das weiße Band (The White Ribbon, 2009), quien en 1994 filmó 71 Fragmente einer Chronologie des Zufalls, otro genial título descriptivo del género (71 fragmentos de una cronología del azar), parte de una trilogía sobre la violencia y el horror en el hombre contemporáneo. En México, están las ya clásicas: El callejón de los milagros (Fons, 1995) y Amores perros (Iñárritu, 2000), y la malograda Ciudades oscuras (Sariñana, 2002) que sigue la misma fórmula pero muere en el intento.

Propongo una figura que haga mímica a la estructura en cuestión: nacen fisuras sobre la superficie de la tierra surcando hilos dispersos que se amplían y se abren, que escapan al epicentro para bifurcarse, multiplicarse, yendo cada vez más lejos incrementándose en profundidad y número hasta acapararlo todo.

Así las relaciones humanas retratadas en Short Cuts pueden seguir ad infinitum, como a su vez podrían hacerlo Magnolia o Código desconocido.

Con sus tres horas de duración, Short Cuts o Magnolia dejan insatisfecho al espectador, porque quien se introdujo intelectualmente en las decenas de problemáticas planteadas en la pantalla quiere saber más, quiere continuar ese viaje con aquellos que sufren, que lloran pero que también ríen, aman, se divierten y matan, todo en un mismo mosaico indeleble.

A pesar de que sus siete largometrajes son homogéneos y caminan más bien en una sola línea, en Esculpir el tiempo escribe Tarkovsky: “Si no se dice todo sobre un objeto de una sola vez, siempre existe la posibilidad de añadir algo con las propias reflexiones. En caso contrario se presenta al espectador la conclusión sin que tenga que pensar. Y como se le sirve en bandeja, la conclusión no le sirve de nada.”

Las películas citadas eluden la respuesta fácil, la conclusión, el desenlace, de ahí su naturaleza fragmentada, incompleta, como la vida que vivimos conectada y desconectada a un mismo tiempo confuso, tortuoso pero a la vez mágico, maravilloso, de entrada porque estamos vivos y conscientes de estarlo. Y Haneke también a la carga: “El punto es que no hay soluciones.

Si las hubiera, el mundo no sería lo que es.

Hablando sobre cine, el del main stream intenta alimentar la idea de que hay soluciones, pero eso no es cierto. Se puede hacer mucho dinero con esas mentiras, pero si tomas al espectador de manera seria como tu cómplice, lo único que puedes hacer es proponer preguntas. En ese caso, quizá él encontrará alguna respuesta.

Si le das la respuesta, mientes. Cualquier tipo de seguridad que quieras darle a alguien es una ilusión.” Entonces, claro, al final hay

desesperanza, frustración, consciencia de que hay trabajo por hacer si creemos que existe la posibilidad de forjar un futuro mejor, una sociedad que funcione, que escuche y sea escuchada, porque al fin y al cabo lo que desechamos es la comunicación entre países, individuos, parejas, familia. Vivimos una era sumergida en la sordera, con diez mil habladores de lenguas rotas, diez mil susurros que nadie oye, anunciando una tromba que lo inundará todo (en Magnolia llueven sapos, en Short Cuts la tierra tiembla, en Código desconocido los tambores retumban cada vez más fuerte, en Happiness un niño logra eyacular).

“Creo que toda obra de arte es política porque abre nuevos caminos y de cierta manera va en contra del status quo. La naturaleza del arte es política.” La artista Doris Salcedo abrió literalmente una grieta en el piso del Turbine Hall del Tate Modern en Londres con su obra Shibboleth en 2008 (www.tate.org.uk). Analogía perfecta. Este cine hace lo mismo en sentido figurado y personal, usando como lienzo una ciudad y unos actores para que lleven a cabo la representación de la sociedad que se desmorona. En estas películas la búsqueda es evidente, la interrogante y la incertidumbre reinan dejando de lado cualquier tipo de consuelo, de confort. La tarántula que se mueve sin cesar vive bajo nuestros pies, se abre, profundiza en su escarmiento, en su grito silente de furia enclaustrada. Cortes cortos que más bien se alargan; relatos incompletos que trazan un retrato decadente de incomunicación; flor que se abre y se divide en pétalos dejando entrever un corazón marchito; cronología azarosa que engulle a sus presas sin tener consciencia; felicidad ilusoria que bajo la apariencia muestra soledad e insatisfacción ante la vida del hombre moderno; en fin, mosaicos vivos que siguen su curso en la mente del espectador, fuera ya de la pantalla, dentro de nosotros, porque si algo quieren transmitir es que todos formamos parte de este gran aparato: todos somos aquello que vemos, que repelemos y criticamos. Somos un mismo organismo en radical putrefacción.

¿Qué nos llevó a esto? ¿Por qué? ¿Desde cuándo y hasta cuándo? Y finalmente, ¿es reversible o estamos condenados al dolor?

Por desgracia no hay respuesta directa y contundente sino más interrogantes. Ante cada pregunta se abre un horizonte repleto de signos de interrogación igual de punzantes que el núcleo del problema, y es labor de todos buscar caminos paralelos que ayuden a sanar las heridas, que escapen de la llaga, que revitalicen la esperanza en el futuro sin entorpecer nuestros pasos que hoy, aludiendo a Carpentier, están perdidos en un entramado complejo y devastador. Pero ¿será el sistema capitalista y utilitario el causante de semejante desvarío o dicha condición maltrecha ha sido la regla desde el inicio de la historia? Si lo primero es la causa, el inevitable derrumbe que viene desahogará la cerrazón, removerá las aguas empantanadas de los tiempos que corren. Si no lo es, nuestra ruina es simplemente el ser humanos y lo único que queda por hacer es seguir viviendo, o no: da igual. Llorar o reír cuando toca, gritar o bailar al son de la catástrofe hasta que el último suspiro toque la puerta y nos libere de una vez hasta siempre. Como el personaje principal de Beau travail (Buen trabajo, Claire Denis, 1999) al final de la cinta, quizá lo pertinente sea bailar mientras aún sea posible, en pleno desenfado, en franca desintegración social. M

“Happiness is a warm gun, ain’t it?”

58

el veRdAdeRo vAloR del ARte Recuento de cifras desproporcionadas

TXT:: Ingrid Constant.

Apenas hace un año los primeros síntomas de la catástrofe económica que nos azota empezaron a mostrarse. Por aquel entonces, ni siquiera los más pesimistas vislumbraron escenarios tan extraños como los que se ven diariamente en las crudas páginas de los periódicos de finanzas, o tan desgarradores como aquellos que suceden cada vez con mayor frecuencia en todas partes, cerca de todos nosotros. La caída en picada de la estabilidad económica funcionó como un salón de clases al que todos las clases sociales atendieron forzadamente. Algunas de las lecciones que aún se están asimilando tienen que ver con el valor que le asignamos a las cosas y sus funciones reales en nuestras vidas.

Del árbol caído No es novedad: la fuente de la mayoría de los problemas sociales a lo largo y ancho del mundo se relacionan directamente con la tremenda desigualdad respecto de la distribución de la riqueza. No pensemos ya en las listas de Forbes con la adición del Chapo Guzmán, ni en Carlos Slim o Bill Gates. Se estima que la población total del mundo es de un poco más de seis billones de personas. De ellas, alrededor del 0.15% tiene más de un millón de dólares de riqueza (millonario) y 0.001% tiene más de 30 millones de dólares. Es en ese mundo, en ese pequeño porcentaje donde la crisis económica cobró sus más orgullosas víctimas. Cambios sutiles aparecieron en todas las esferas de los ricos y poderosos: menos pasarelas en las Fashion Weeks de todo el mundo, mansiones y villas de verano a la venta, y en general recortes de presupuesto para todo aquello que no es tan importante.

Lo que verdaderamente captó mi atención fue una historia que el New York Times ventiló sin compasión para ese mundo de riquillos. Recordemos que una de los mayores problemas que enfrenta Estados Unidos es el pago de hipotecas, incluyendo a multimillonarios. Tras la quiebra de varios negocios y por ende la falta de ingresos, millones de personas se vieron forzadas a

pedir préstamos a los bancos a título de sus propiedades. A falta de mejor opción y con el mandato último de guardar las apariencias, las personas adineradas acudieron a Art’s Capital. Se trata nada menos y nada más que de una casa de empeño, pintada con la fachada de galería de arte. Como debiera ser de dominio público, la usura es el negocio más vil, más exitoso y en parte responsable de los negros tiempos que vivimos, prohibido desde el Antiguo Testamento: “Si tu hermano se queda en la miseria y no tiene con qué pagarte, tú lo sostendrás como si fuera un extranjero o un huésped, y él vivirá junto a ti. No le exijas ninguna clase de interés: teme a tu Dios y déjalo vivir junto a ti como un hermano. No le prestes dinero a interés, ni le des comidas para sacar provecho” (Levítico 25:35-37). Art’s Capital toma como prenda piezas de arte a cambio de dinero, todo bajo la mayor confidencialidad y para salvaguardar la honorabilidad de las familias con nombre, venidas a menos por culpa de un mercado de valores enloquecido.

Tan sólo en el 2009, la empresa proyecta una ganancia neta de 120 millones de dólares por préstamos. Sin embargo, el secreto de este negocio está en su prolongación hacia el futuro. Es decir, cuando el cliente se ve impedido a realizar el pago por el préstamo, la obra de arte entonces le pertenece a la empresa; sin mencionar el hecho de que los préstamos se hacen por una pequeña fracción del valor verdadero de la pieza.

Fue sonado el caso de una viuda millonaria, Veronica Hearts, quien empeñó sus Rubens para poder pagar la hipoteca de una mansión de 52 habitaciones en Florida, que finalmente perdió. Pero mucho más revuelo causó el caso de la fotógrafa Annie Leibovitz, quien a pesar de tener un contrato multimillonario con la revista Vanity Fair no sólo tuvo que hipotecar todas sus propiedades, sino que le vendió a Art’s Capital todos los derechos de todos sus contratos, negativos y fotografías, incluso aquellas que aún no toma, por cinco millones de dólares.

Valores relativos Cuando los niveles de pánico ante los efectos de la crisis estaban más elevados, los de ánimo apocalíptico nos recordaban aquellas cosas que necesitamos para vivir. Se reducen a agua limpia, alimentos, medicamentos, protección, techo y vestido. ¿Qué lugar tendría el arte en un mundo donde no se tienen recursos suficientes para comer? Las atrocidades propias de nuestro tiempo han logrado que la revista People pagara más de cuatro millones de dólares por las fotografías exclusivas de la primera hija de Angelina Jolie y Brad Pitt, Shiloh, en 2006. Las casas de subastas o una simple visita a eBay hace que reflexionemos en el valor que le colocamos a los objetos, como cuando personas de carne y hueso se pelean a gritos un vestido de Marilyn Monroe o un guante de Michael Jackson.

Vincent van Gogh pasó a la historia por su fracaso en vida y su (aceptémoslo) sobreestimado éxito de ultratumba. En una carta dirigida a otro joven artista, van Gogh sabiamente sentencia: “tienes que comer bien, estar bien alojado, tener una buena follada de vez en cuando, fumar tu pipa y beber tu café en paz”. Sin tener la menor idea de los precios exorbitantes que alcanzarían todas sus piezas, el holandés se movía por algo que está mucho más allá de cualquier cifra: el arte mismo. Pensándolo muy detenidamente, es del todo extraño que se le coloque precio a aquello que escapa una estimación económica. Claro, el artista como cualquier otra persona necesita dinero, y debe exigir retribución por su trabajo.

Sin embargo, los límites entre la creación artística y su valor no son precisos. ¿Cuántas veces al día las pobres pinturas de Pollock o de Rothko escucharán al escéptico burlarse de su aparente simplicidad? No olvidemos que el arte no sirve para nada más que para sí mismo. Es por ello que cuando se le coloca un valor agregado, por ejemplo, el de representar el estatus económico, de cierto modo se corrompe.

59 Quizá las familias acaudaladas con colecciones de arte tengan el más exquisito de los gustos, quizá merezcan mirar con desdén sus piezas de arte como recordatorio de su propio valor. Es posible que el arte haya sido pensado para ser apreciado desde el propio ambiente hogareño, lejos de turistas ignorantes en museos. Es por eso que estos tiempos nos enseñan que quizá convenga más una pieza original de un nombre desconocido que una reproducción enmarcada que ha perdido cualquier rastro de su valor original.

Christie’s. También gracias a Klimt, pero por cuatro piezas, la casa consiguió una venta en subasta por 192 millones de dólares.

También consiguieron más de tres millones de dólares por un Stradivarius, y toda la colección de arte de Yves Saint Laurent por 490 millones de dólares.

Seguiremos comprando agendas de Salvador Dalí o postales de Frida Kahlo.

Los peatones continuarán ignorando el arte callejero. Los ricos darán más fiestas para otros ricos, pavoneándose en un grito desesperado por aprobación. Mientras tanto, que el artista regrese a su inspiración y el usurero se encargue de preservar los rastros de la historia del arte.

Cuadros Las casas de subastas más famosas en el mundo son también grandes rivales.

Ambas tienen sus corazones en Nueva York y Londres. Recientemente le han apostado también al negocio de los préstamos.

Sotheby’s. Se estipula que su récord de venta fue en una oferta privada para la pintura Retrato de Adele Bloch-Bauer I de Gustav Klimt, por entre 135 y 144 millones de dólares.

No deja de llamar la atención la subasta por un manuscrito original de J.K. Rowling, con copias limitadas ilustradas por ella misma, por más de tres millones de dólares.

Fotografía Quizá debido a su rezago temporal, o a que aún no se le acepta enteramente como arte, las fotografías no se venden a precios tan descabellados. Para algunos, los precios de estos afortunados clics en la cámara pueden resultar ofensivos.

99 Cent II Diptychon de Andreas Gursky.

Es la fotografía más cara, vendida en una subasta por más de 3 mdd. Otras dos impresiones de vendieron cada una por 2 mdd. Se trata de la foto colorida de los artículos de un supermercado.

Escultura Artemisa y el ciervo es la escultura más cara jamás vendida, con un récord de 28 mdd.

También se convirtió en la pieza antigua más cara. La leonesa de Guennol, una escultura mesopotámica de cinco mil años de antigüedad fue subastada en Sotherby’s por 58 mdd.

60 Pintura Las pinturas famosas son el blanco más fácil del robo de arte, otro de los sucios negocios del ramo. Las siguientes pinturas fueron vendidas o subastadas y se convirtieron en las más caras de la historia.

1.No. 5, 1948. Jackson Pollock. 149 mdd.

2.Woman III. Willem de Kooning. 147 mdd.

3.Retrato de Adele Bloch-Bauer I. Gustav Klimt.

144 mdd.

4.Retrato del Dr. Gachet. Vincent van Gogh. 136 mdd.

5.Baile en el moulin de la Galette. Pierre Auguste Renoir. 128 mdd.

6.Garçon à la pipe. Pablo Picasso. 118 mdd.

7.Irises. Vicent van Gogh. 102 mdd.

8.Dora Maar du Chat. Pablo Picasso. 101 mdd.

9.Retrato de Joseph Roulin. Vincent van Gogh. 100 mdd.

10.Portrait de l’artiste sans barbe. Vincent van Gogh.

94 mdd.

Artistas más caros El valor de una pieza se eleva de forma considerable cuando el artista muere. Algunos pocos artistas consiguen ganarle la apuesta a la vida del más allá y en vida venden sus obras por precios desorbitantes.

Damien Hirst. El artista vivo más rico hasta el momento. For the love of God, el famoso cráneo hecho de más de ocho mil diamantes perfectos está esperando romper el récord de la escultura más cara. El artista británico pide 50 millones de libras (80 mdd) por ella.

Jeff Koons. Otro artista neoyorkino siguiendo los pasos de Warhol. Koons consiguió ser el artista vivo en vender una pieza más cara en una subasta, con una escultura de su famosa serie de corazones, Hanging Heart, vendida por 23 mdd.

Takashi Murakami: Muchos levantaron las cejas ante la pieza My Lonesome Cowboy, escultura del japonés Takashi Murakami. La pieza pasó a la historia como la eyaculación más cara, después de ser subastada por 15 mdd. M

62

63

64

66

Líneas dE

NAzcA

Entrevista a uno de los mejores músicos electrónicos mexicanos en el mundo.

TXT:: Humberto Polar. FOT:: Arturo Lara.

Luca Ortega está sentado frente al mar en Atenas, su nueva residencia desde diciembre. Antes, había vivido varios años en Berlín donde consolidó una reputación como uno de los mejores músicos electrónicos latinoamericanos. Su proyecto Líneas de Nazca ha crecido en reconocimiento con los años, tanto así que el nuevo sello suizo Numbolic lo escogió para su primer lanzamiento en vinil en Europa. Conversamos con este gran artista mexicano, sin duda el mejor que ha dado nuestras tierras en el género del minimal techno.

Háblanos de tus inicios. ¿De dónde viene tu proyecto?

Líneas de Nazca: Yo vengo de una generación que empezó a explorar la electrónica en México en los 90. En aquel entonces la situación en México era muy diferente respecto a la escena... las cosas eran más difíciles de realizar, la producción de eventos se enfrentaba con dificultades con respecto a las

autoridades, por ejemplo. En aquel entonces hubo un boom respecto al rave, y pese a todo se logró hacer eventos muy grandes. Fue allí cuando muchos artistas mexicanos empezaron a destacarse... No sólo se importaban artistas sino que México empezaba a generar una escena nacional y yo surjo de ahí.

Empezaba a realizar mis primeros proyectos, a entender el “know how” de las cosas... No teníamos aún herramientas como Ableton Live (software muy popular entre los músicos electrónicos en vivo N. de R. ) y el hacer un live set era cuestión de montar un montón de máquinas y esperar a que todo funcionara bien en el momento indicado...

Así mismo la tecnología disponible era más destinada al trabajo de estudio, para nada estaba orientada a la portabilidad que tenemos ahora. También la tecnología de cómputo estaba apenas empezando a desarrollar software para hacer música electrónica, y el poco software que había estaba orientado al midi exclusivamente. No podías trabajar archivos de audio, entonces tenías que ingeniártelas para poder presentar un set con las menores fallas posibles.

67 Y eso influyó, una década después, en el sonido particular de Líneas de Nazca...

Definitivamente. El sonido de Líneas de Nazca es claramente más análogo, es hardware. Por lo general la computadora sólo entra como un tape recorder, son grabaciones directas del mixer de 16 canales. Claro, aquí no tienes la ventaja de un render como podría lograrse en Cubase o Ableton Live, donde no tienes problemas de ruido y otras ventajas. Sin embargo mi sistema tiene aspectos que me resultan más satisfactorios, como poder jugar con los retornos, los delays análogos, el sonido de una TR-808, y otras cosas.

El sonido de Líneas de Nazca es un poco más introspectivo que, por ejemplo, el proyecto que tengo con Mikael Stavostrand, que es más funky y en el cual llevamos un modus operandi muy diferente.

Es un regalo

Estuviste en los 90 en esta generación que trabajó por impulsar la electrónica en México. Sin embargo me parece que podrías ser descrito en realidad como un artista “foráneo”. ¿Cómo decides ubicarte física y conceptualmente en Europa?

La decisión de moverme a Berlín tuvo dos causas principalmente.

La primera: era muy difícil desarrollarse en México en ese entonces. La escena en México ha tenido sus altibajos y pienso que ahora está en mejor estado que antes, por ahí hacia 1999-2000 no se daban las condiciones adecuadas para crecer profesionalmente con todo tu potencial. Entonces moverme a Berlín fue más por esa necesidad de poder tener el medio ambiente adecuado que me diese el feedback que necesito como artista.

La segunda: a partir de mi primera incursión en Europa las cosas se dieron de manera que Alemania fue el playground ideal para poder desarrollar mi necesidad de expresión. Berlín fue muy amigable en este aspecto, y así decidí establecer mi centro de actividades en Europa. Digamos que Berlín me absorbió totalmente.

laborioso pero creo que logramos el sonido que estábamos buscando. En este aspecto Telly apoyó tanto como ingeniero y como “copiloto a bordo”.

Técnicamente creo que en esta ocasión se empujó un poco más el concepto, también debido a los recursos técnicos, al usar una nueva generacion de MPCs y de interfaces midi-control voltage más precisas. Pudimos usar sintetizadores análogos que antes no hubiéramos podido controlar via midi.

Con respecto a Numbolic, el sello, estoy muy contento de que hayan escogido el trabajo de Líneas de Nazca para ser su primer lanzamiento. Es un sello nuevo de Suiza manejado por los chicos de Dualism, que tienen un sonido increíble en su trabajo. Saben manejar muy bien las cosas y en este disco tuve total libertad para escoger los remixes, por ejemplo.

¿Dejaste atrás México? Aunque sea temporalmente...

Para nada... al contrario, siempre he tratado de empujar la escena en México de una manera u otra, y el desarrollarme en Berlín me dio oportunidad de hacerlo. Por ejemplo, invitando a otros artistas mexicanos a presentarse allá, o llevando artistas de la escena europea a México.

Así otros artistas mexicanos empezaron a visitar Europa más seguido. Estar allá me ha permitido apoyar en lo posible a algunos de ellos.

Claro, entiendo que por otro lado eso significó dejar de jugar un papel más activo en la escena del país, al estar yo en Europa. Sin embargo, siento que el haberme movido allá me ayudó a contribuir con mi granito de arena al desarrollo de la escena en México.

Pasemos a tu nuevo EP. ¿Qué cambió en tu música en relación a lo de antes?

El nuevo EP La Gorgona se puede ver como una continuación de Calzada de los Misterios (anterior EP de LDN, N. De R.). Me refiero a que en este disco se volvió a tomar ese sonido “de máquina”. Por ejemplo, en El Jardín de las Delicias el sonido fue más abstracto y experimental. La Gorgona tiene un groove más sólido, similar a Calzada de los Misterios. En la grabación del disco estuvo involucrado mi amigo Telly Quin con quien había realizado otros EPs en Eintakt (sello de Berlín, N. de R.). Al ser una grabación 100% de hardware, Telly trabajó conmigo en todo. Al momento de grabar los tracks estos no estaban editados, hubo que hacer un jam en cada toma y para esto necesitas más de 2 manos. Hay que manejar las MPCs y los sintes, sí, pero también hay que manejar el mixer, los retornos en los efectos, etcétera... y toda esta interacción e improvisación genera un sonido más orgánico. Los tracks no fueron editados en software sino que fueron grabados “a mano”, por decirlo así. Claro, hubo que hacer muchas tomas, como cuando grabas a un grupo. De repente hay un error y hay que hacer todo de nuevo... Es

vivir de lo

que amas.

Tienes a dos excelentes músicos en los remixes...

Estoy muy complacido de haber trabajado con Franco Cinelli (argentino) y Alejandro Vivanco (chileno). Pienso que los dos son artistas que reflejan el estado de la electrónica actual en Latinoamérica. En general los chicos y yo estamos muy satisfechos del resultado. ¿Te sientes realizado en este momento como Líneas de Nazca? ¿Puedes vivir de tu trabajo? ¿Cuál es tu medida del “éxito”?

Bueno, el concepto de “éxito” es relativo a cada quien... Sí, estoy satisfecho de lo que sucede con este nuevo disco. Sí puedo vivir de mi trabajo. Sin embargo siento que aún no es momento de echarme para atrás y decir “ah, muy bien, ya está...”. Creo que a Líneas de Nazca aún le falta mucho por hacer, siento que todavía se puede llevar más lejos el trabajo.

Por otro lado, quiero empezar a editar otras cosas fuera de Líneas de Nazca, ya que el sonido de LDN está muy definido. Quiero hacer cosas en otras direcciones, vienen trabajos editados como Luca Ortega, y colaboraciones con otros artistas.

Para mí, el éxito representa el poder dedicarme a full a lo que hago, y ver cómo ese trabajo es reconocido. Es un regalo poder dedicarte a lo que amas...

La última: ¿por qué Atenas?

Desde diciembre Atenas me sirve para encerrarme a trabajar en el estudio y alejarme de los gigs para poder enfocarme más a producir y no tanto a tocar en vivo. Estoy junto al mar, muy relajado. Claro que amo Berlín, y sigo con un pie ahí. Pero por ahora vivir en Atenas me sirve para no distraerme.

Berlín es como Disneylandia para mí. Yo calculo que después del verano volveré a la actividad on stage. Y a Berlín. M Escucha a Líneas de Nazca en vivo en el podcast exclusivo de: www.marvin.com.mx, sección Alterego.

www.myspace.com/lineasdenazca

www.myspace.com/numbolicunlimited

música 3x1

68

Wavves

Kasabian

Manic Street Preachers

West Rider Pauper Lunatic Asylum

Journal For Plague Lovers Columbia

★★★★

★★★

★★★

A mediados de la primer década del 2000, Kasabian agarró la cresta del post rock con bandas como Kaiser Chiefs o Bloc Party, para juntos conformar una nueva generación de rock británico. Sus dos primeros discos tenían irresistibles canciones como “Club Foot” o “Shoot The Runner”, y ambas dieron un giro que los ponían en la categoría de “esta banda podría llegar a hacer algo interesante”. En su tercer disco –el cual toma su título de un manicomio inglés– al igual que sus compañeros de generación, Kasabian buscó su propio camino haciendo algo que los diferenciara del resto; es por eso que recurrieron a la producción del ex Gorillaz, Dan The Automator, el cual diversificó su sonido a tal grado que no suena uniforme. Por un lado tenemos grandes canciones como “Fast Fuse” o el sencillo “Fire”, en donde la combinación de voces de Tom Meighan y Sergio Pizzorno suena como en sus grandes sencillos. También está “Vlad The Impaler” que parecía ir en la dirección correcta, pero no contaban con las experimentaciones fallidas de su versión country en “Thick As Thieves”, o el gospel en “Happiness”. Tal vez se quisieron ver ambiciosos al demostrar que pueden incorporar cualquier ritmo a su sonido; lo mejor que hubieran hecho era dejar las cosas más sencillas y dejar a las guitarras hacer lo suyo. TXT:: Andrés Díaz.

Ellos son un grupo que siempre ha estado ahí, tímidamente, conservándose al margen de lo comercial, aun ahora que están cerca de cumplir 25 años. En sus primeros 10 años de existencia, estuvieron acompañados del guitarrista y compositor Richard James Edwards, quien comenzó siendo el roadie del grupo y diseñador de imagen de las primeras producciones. Él desapareció misteriosamente en 1995, dejando su coche como último rastro cerca de un sitio donde la gente solía suicidarse; su familia lo declaró muerto hasta finales del 2008. De aquí parte la inspiración de este disco, en el cual todas las letras son propiedad de Richards, quien las dejó al bajista unas semanas antes de morir.

Curiosamente, éstas no perdieron su vigencia, ya que son intensas al hablar sobre la vida, la frivolidad de la fama, la fe ciega de la religión y el consumismo.

Musicalmente se nota la solemnidad al hacer un homenaje a su compañero, en especial en “Williams Last Words” que es cantada por el bajista y no por el vocalista. Destaca también “Facing Page: Top Left” donde la guitarra acústica y el arpa se complementan bastante bien. Para los más jóvenes no sonará muy novedoso, pese a tener una innegable influencia para muchas bandas de hoy en día. TXT:: A.D.

La persona detrás de este proyecto es Nathan Williams, un joven productor de 22 años de San Diego, ciudad que alguna vez se distinguió por ser el nido de algunas bandas punk. Su primer material fue grabado en sólo 9 días en su garage, lugar donde condensaba los paisajes surfers californianos en un ambiente ruidoso, electrónico, desfigurado y rasposo con tintes punk, esto gracias a la producción artesanal casera en la que involucraba cassettes, sintetizadores setenteros y pedales.

La música podría parecer salida de una bocina tronada, pero justamente eso le da una textura especial, así que para quienes se quejaron de la masterización del Death Magnetic de Metallica, este disco no es para ellos. Esta segunda producción, lanzada unos meses después de su debut, tuvo una excelente crítica en el New York Times, haciendo que la disquera de los también californianos No Age lo tomaran. Ahora, Nathan se hace acompañar de un baterista que conoció en un bar gay, dando más cohesión a las canciones sin quitarle ese toque distintivo que muchas bandas van perdiendo a lo largo de su carrera. La canción más “pop” (por así decirle) es “So Bored”, la cual ha sido una de las más bloggeadas en este año. Para saber más, visiten ghostramp.blogspot.com. TXT:: A.D.

White Lies: To Lose My Life… Ellos son la respuesta inmediata a unos Killers en decadencia, así como a Editors y Joy Division.

Glasvegas: Glasvegas. Una banda escocesa a la que le faltó punch a su debut.

Doves: Kingdom Of Rust. Un disco que valió sus 4 años de espera.

Manic Street Preachers: The Holy Bible. Reeditaron el disco como disculpa por no haberlo hecho en su tiempo.

Suede: Singles. Pudieron haber sido los Oasis de los 90.

Morrissey: Years Of Refusal. Con una buena carrera, ¿para qué reintegrar a The Smiths?

Columbia

Wavvves Fat Possum

No Age: Nouns. Dueto Angelino que vino al Indie-O Fest.

Holy Fuck: Holy Fuck. Una versión alterna de Battles.

Sonic Youth: The Destroyed Room: B-Sides and Rarities. Más que influencia, ahora ellos deberían aprender de Wavves.

69 Jarvis Cocker

Insurgentes Kscope

★★★★★ Un poema estruendoso, impredecible. La marea sube y el mar embravece. Las sirenas acuden a la cita para complementar el espectáculo que brota de lo que era una hoja en blanco. Steven Wilson es el anfitrión y a la vez el intruso que irrumpe en la calma de los océanos. Insurgentes es un disco audaz y marítimo en el sentido de lanzarse a navegar para estar en medio del oleaje más furioso que a la vez contrasta con la quietud. Ambiguo, sombrío pero debajo de celestiales reflectores; cauto, aunque con la habilidad que un discreto rock star de pronto decide proyectar. Insurgentes es un álbum que representa ese mensaje dentro de la botella que se lanza al infinito entrecruzamiento que representa Internet. Así como la quietud pierde sus rasgos imperturbables en “Only Child”, un deliberado arranque sonoro aparece en instantes de “Significant Other”, para después acuatizar sobre las tranquilas aguas que provoca el réquiem (“Twilight Coda”, “Get All You Deserve”). Una belleza ambivalente, volátil pero a la vez en estado líquido.

Es uno de esos discos que no sólo ‘entran’ por nuestros oídos. TXT:: Benjamín Acosta.

Andrew Bird: Noble Beast Aunque de sonoridades más suaves, las historias de Bird estremecen en varios momentos.

M83: Saturdays=Youth. Cuando la distorsión envuelve las intenciones de un romántico que despierta de madrugada.

Porcupine Tree: Stupid Dream. Un ejemplo del pasado más brillante del prolífico Steven Wilson.

Further Complications

White Rabbits

It’s Frightening Tbd Records

Rough Trade US

★★★

★★★ Se sabe a sí mismo como un ícono y en su etapa post-brit pop no se desmarca del crooner que lleva dentro. Cocker insiste en cimentar una trayectoria solista que se dirige sobre todo a sus seguidores más aferrados. Adoradores del culto que Cocker genera también por su fuerte personalidad. Le ajusta a la perfección ese estilo de desesperación, de desgarre que tiene frente al micrófono, y eso no lo pierde en absoluto. Así como Jarvis (2006) fue su carta de presentación tras un considerable período de silencio, ahora Further Complications implica acercarse a sí mismo dentro del universo de la soledad, de las obsesiones y de la crudeza carnal.

Producido por el guitarrista y productor Steve Albini (Nirvana, Pixies, PJ Harvey) y grabado en Chicago, el disco muestra también un interés global como sucede en “Slush” donde aborda el calentamiento del planeta. “Profundamente superficial” es como irónicamente se ha descrito en “I Never Said I Was Deep”, y en esa medida es que ha perfilado baladas efectivas como “Leftovers” y “Hold Still”. TXT:: B.A.

En lugar de permitir que estallara en sus manos soltaron “Percussion Gun” como su primer sencillo.

Explosivo y pegajoso es como se presenta White Rabbits, como un grupo que no es el mismo en todo el disco. La banda presenta un estilo más melódico y en otros casos con progresiones acústicas (como sucede en “Lionesse”), sin el propósito de seguir en el mood de crear temas tan memorables como hicieron en su carta de presentación. De cualquier forma, esta banda originaria de Columbia, Missouri, emprende lo propio dejándose cubrir por la sombra de la mesura y la estética que provoca el piano cuando las intenciones son aún más introspectivas (“Company I Keep”). Desde 2005 están avecinados en la ciudad de Nueva York, y desde ese gran centro de operaciones el guitarrista y cantante Greg Roberts y el pianista y percusionista Stephen Patterson iniciaron lo que vendría a transformarse en un quinteto, que a la fecha ha grabado un par de álbumes. Sin falsas pretensiones las canciones avanzan. Destaca la beatlesca “Midnight And I” así como el juego armónico de “Right Where They Left”. TXT:: B.A.

Ian Brown: The Greatest. Tras la desafortunada historia de The Stone Roses, Brown no pierde el tiempo y desde entonces continúa solo.

Bret Anderson: Wilderness. Más melancólico y menos perverso que en los tiempos de Suede.

David Bowie: Honky Dory. Sin comparaciones, tan sólo como innegable influencia, el ‘duque blanco’ habita los pensamientos de Cocker.

Darker my Love: 2. Con un estable sentido melódico en las voces y guitarras, crean una canción como “Two Ways Out” que se convierte en clásico instantáneo.

Nada Surf: Lucky. Estos neoyorquinos electroacústicos tejen delicadas armonías que se instalan en la memoria de inmediato.

Sea Wolf: Leaves in the River. Canciones pop con estructura folk diseñadas por el californiano Alex Church.

música 3x1

Steven Wilson

70

música 3x1

Tori Amos

Akron/Family Fischerspooner

Set ‘Em Wild, Set ‘Em Free Dead Oceans

Abnormally Attracted to Sin Universal Republic

★★★★

Entertainment

★★★

ES Studios

Se trata de una vieja conocida nuestra quien desde su espléndido debut Little Earthquakes (1992), cuando ella apenas se iba a convertir en treintañera, ha desplegado la forma de cómo el mundo afecta su interior y viceversa. De cómo lo femenino –sin la gratuita intención de ser sexista– es trastocado por cualquier nivel de su entorno. De cómo el sexo y la religión modifican su concepto mientras recorren los pasillos de la memoria.

Con Abnormally Attracted to Sin llega a su décima grabación de estudio y lo hace motivada por esas mismas obsesiones y cuestionamientos. Ahora con una forma más gentil, musicalmente hablando, aparecen rasgos de trip hop (“Give”), un parpadeo introductorio ledzeppelinesco (“Strong Black Vine”), sutiles arreglos de cuerdas que enmarcan su piano (“Maybe California”) y sonidos envolventes y efectivamente pop (“Fire To Your Plain”). Cada una de las 17 canciones que lo integran están acompañadas por una historia visual que ella misma ha registrado en súper 8 y video de alta definición que ha sido amalgamada como un documental. TXT:: B.A.

★★★ Han pasado casi diez años desde que los protagonistas del llamado electroclash se apropiaron de las noches neoyorquinas. Miss Kittin, Peaches y Fischerspooner aparecían como personajes de moda trayendo consigo la música electrónica rodeada por el old school. El panorama cambia pero a la vez se mantiene desde la trinchera personal de la creación. Para acercarse al dueto formado por Warren Fischer y Casey Spooner, no hace falta más ánimo que el retrofuturismo de sus temas.

“We Are Electric” es un título contundente y casi un homenaje a Gary Numan y esa fórmula que busca la simplificación en su proceso artístico. Si bien “The Best Revenge” aglutina elementos tanto de Roxy Music como del new wave, otras como “Money Can’t Dance” le apuestan a composiciones de medio tiempo y la acidez lírica que caracteriza la dupla. Después de cuatro años de silencio discográfico, Entertainment no pierde la ironía sobre el desencanto como sucede en “In A Modern World”. Música para ese mundo enchufado de la misma forma que una serpiente se muerde la cola. TXT:: B.A.

Massive Attack: Blue Lines. Dentro del vasto territorio por el que se extiende la nueva entrega de Tori, existen pasajes oscuros que remiten a aquél sonido de Bristol.

Ani DiFranco: Knuckle Down. Con una postura más radical y ‘atrevida’, entre historias de familias disfuncionales y el dolor de un rompimiento amoroso.

Fiona Apple: Extraordinary Machine. Lúdica pero no menos incisiva, profunda y misteriosamente desconcertante.

Gary Numan & Tubeway Army: Replicas Redux. Previo a los replicantes que mostró Blade Runner, este londinense escribió canciones cercanas a la obra de Arthur C. Clarke.

Peaches: I Feel Cream. Con letras explícitas pero menos ruda, Merrill Nisker eleva en 2009 su música a la esfera dance sin abandonar del todo ese toque adorablemente maligno.

Miss Kitin: Two. Algo parecido ocurre con el sofisticado electro pop de la francesa Caroline Herve.

Antes eran cuatro pero ahora como trío los de Pennsylvania no han perdido un ápice de potencia y creatividad; lo suyo traspira de total libertad y van a tope en aquello que se entiende como freak-folk. Ellos hacen una versión orgánica al 100% parecida a lo que Animal Collective logra con su mescolanza electrochirriante, pero aún hay que precisar que hasta en los momentos en los que priva el caos no se pierde el rigor y la buena factura. Una agrupación como ésta da testimonio de que existen corrientes por las que circulan sonoridades realmente heterodoxas; vamos, que no son bandas que suenen del todo convencional y que sí dan señas de que exista algo parecido a una Weird America. Más asentados que nunca, no desprecian la calma y siguen amando la furia; saben torcer las melodías y hacer el uso necesario de los aires primitivistas. Se afirman como prolongadores y distorsionadores de la música ancestral de Norteamérica, gracias a temas como “River”, “They Will Apear” (con una guitarra afiladísima) y “Gravely Mountains of the Moon” (que rinde pleitesía a Neil Young y sus Crazy Horse). Akron/Family entrega la mejor de las cuentas, muchos les apartan un lugar en lo mejor del año, pelando palmo a palmo con Grizzly Bear. Mientras tanto dejémonos llevar por el delirio.

TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Iron & Wine: Around the well. La versión más elemental del folk: un hombre y su guitarra. Lo demás es el milagro del arte.

Bonnie “Prince” Billy: Beware. El folk encuentra al góspel y ciertos arreglos brillantísimos; todo inspiración de pura cepa.

The Felice Brothers: Yonder is the clock. Banda con la que comparten grandes cosas (hasta editan cercanamente), excepto que estos se apegan más a la raíz.

Summer of Hate Fat Possum

St. Vincent

Actor

Deerhunter

71

Rainwater Cassette Exchange Kranky

★★★★

4AD

★★★★

Es fácil escuchar el disco debut de este dúo de San Diego. Los 9 tracks, elaborados con programaciones, sintetizadores, la voz de Brandon Welchez y una guitarra, abordan emociones negativas de una forma divertida y fiestera, salvo en “Here Comes The Sky”, el tema más bajón del disco. Desde la primera vez que oigas “I Wanna Kill” querrás corear la letra, y la guitarra de Charles Rowland en “Soft Skull (In My Room)” o “Refuse Angels” te hará pensar en lo entretenido que sería ver a esta banda en vivo. Es clara la influencia de grupos como Echo and the Bunnymen, Jesus and Mary Chain y The Velvet Underground (cosa que hoy está muy de moda) en canciones como “Summer of Hate”, pero Crocodiles tiene su onda, y rolas como “Flash of Light”, que bien podría ser parte del soundtrack de alguna película de Tarantino, te encantarán. “Sleeping With The Lord” acostumbra ser parte de sus setlists y su intenso reverb evoca una sensación de distorsión, emoción y expectativa.

El disco es muy fluido a pesar de estar repleto de ecos y riffs a lo shoegaze; transcurre rápido, así que no te costará trabajo oírlo más de una vez. No hay como un buen cierre, y este material lo tiene, pues “Young Drugs” es una excelente canción de 7 minutos que promete, espero, una secuela por demás interesante. TXT:: Mildred Pérez.

★★★★ La multi-instrumentalista y prometedora cantante Annie Clark sugiere que escuches este disco con los ojos cerrados, y deberás recordar que, en lugar de actores, Annie trabajó con instrumentos (clarinetes, flautas, percusiones, bajo, etc.), creando una película auditiva inspirada en sus escenas favoritas de filmes como La Bella Durmiente y El Mago de Oz. La suave introducción de “The Strangers” te sumergirá en una atmósfera propia de Disney –efectivamente, una escena de Blanca Nieves inspiró a Annie para hacer esta canción–, pero como en casi todo los tracks, lo que aparenta ser una dulce melodía será interrumpida por una agresiva guitarra y tenebrosos sintetizadores que harán explotar la burbuja en la que crees estar, como en “The Neighbors”, “Marrow” (cuyos riffs invocan a Nine Inch Nails) y la caótica “Black Rainbow”, donde participan también unos desalmados violines.

“Actor Out Of Work” es el primer sencillo, bastante pop, y canciones como “The Party” y “Just The Same But Brand New” son el preámbulo de un tranquilo y nostálgico final, recordándote que ya es hora de volver a la realidad, y abrir los ojos. En Actor, segundo material de Annie, colaboró Hideaki Aomori (Sufjan Stevens), Alex Sopp (Björk, Phillip Glass), y McKenzie Smith y Paul Alexander (Midlake); de lo mejor que he oído este año. TXT:: M.P.

La banda de Atlanta ya lanzó un nuevo EP titulado Rainwater Cassette Exchange, que a pesar de sólo contener cinco temas demuestra que, “nuevas canciones se están escribiendo todo el tiempo” (Bradford Cox). En varios momentos, este EP te hará recordar a The Strokes, banda con la que a Cox le gustaría compartir escenario. “Rainwater Cassette Exchange” abre contando una historia de dos semanas de destrucción; “Disappearing Ink” es una pegajosa melodía de dos minutos y veintidós segundos, conducida por harmónicas guitarras, un amenísimo bajo y la voz de Cox, que continúa siguiendo la línea de su más reciente LP, Microcastle.

“Famous Last Words” es la canción que más recuerda a The Strokes, sobre todo por la guitarra y la batería, instrumento que Moses Archuleta golpea durante todo el disco de finísima manera. La guitarra acústica, el piano y el coro de “Game of Diamonds” hacen que esta apacible rola se salga de la categoría garage rock, y “Circulation”, logra corroborar la hipótesis de que Rainwater Cassette Exchange podría ser el epílogo de Microcastle; un cierre psicodélico, donde Cox habla de mala circulación, impaciencia y doctores, haciendo un fade out, dejándonos con ganas de oír más, pero como ya no hay más, seguramente repetirás la canción, y por supuesto, el disco. TXT:: M.P.

Echo and the Bunnymen: Crocodiles. Álbum debut de la banda británica, lanzado en 1980, que sin duda marcó a Crocodiles.

The Velvet Underground: The Velvet Underground and Nico.

Debut que a pesar de tratar temas como las drogas y el sexo, es uno de los discos más respetados de todos los tiempos.

The Jesus and Mary Chain: Psychocandy. Otro debut que resultó ser un excelente disco y el inicio de una banda que ha influenciado a decenas de bandas de la última década.

Varios artistas: The Wizard of Oz. Soundtrack de este musical llevado a la pantalla grande en 1939, donde podrás escuchar la voz de Judy Garland.

Varios artistas: Sleeping Beauty. Una de las bandas sonoras que inspiraron a Annie Clark.

Ella Fitzgerald: The Best Is Yet To Come. Disco de una de las influencias de Clark, lanzado en 1982, el año en que ella nació.

The Strokes: Is This It. Excelente debut de esta banda de garage rock, lanzado en 2001.

Lotus Plaza: The Floodlight Collective. Debut de Lockett Pundt, guitarrista y compositor de algunas canciones de Deerhunter.

Arthur Russell: World of Echo. Gran disco de este músico que falleció en 1992; otra persona con la que Bradford Cox querría trabajar.

música 3x1

Crocodiles

72 Dark Night Of The Soul

Filthy Dukes

música 3x1

Placebo

Dark Night Of The Soul

Nonsense In The Dark

★★★

★★★

Para la distribución de este disco, los autores, Danger Mouse y Sparklehorse, al verse inhabilitados por EMI para darle una salida comercial y a sabiendas de que hoy por hoy la actividad que antes hacían las disqueras son propias del Internet, deciden vender por su cuenta un libro con el arte de David Lynch acompañado de un disco virgen, esto con la finalidad de que aquel que lo compre descarge ilegalmente de la red el Dark Night Of The Soul para posteriormente quemarlo y así tenerlo en su formato físico. Las razones de EMI para querer archivar el disco son inciertas, tal vez sólo se trate de un experimento más para inyectarnos ánimos de comprar discos a quienes ya no lo hacemos.

Sea cual sea el caso, aplaudo el proyecto que nos presentan estos dos músicos.

El sonido del disco viaja a través del folk, grunge, punk y de hasta la electrónica ambiental. Cada una de las piezas es apuntalada con la voz de un músico invitado, se pueden encontrar colaboraciones como la de Julian Casablancas en “Little Girl”, la de los Flaming Lips en la increíblemente lograda “Revenge” o la de David Lynch en “Star Eyes” que me hace recordar a Squarepusher. TXT:: “El Jergas”

A pesar de que los Filthy Dukes tienen historia desde el año 2005, no es sino hasta cuatro años después que deciden sacar su álbum debut, Nonsense In The Dark. Anteriormente, estos ingleses se habían dedicado solamente a hacer DJ sets acompañando actos como Hot Chip, LCD Soundsystem o Mylo.

Para este primer disco, el trío inglés decide grabar sobre la consola que alguna vez usara uno de los productores de música electrónica más importantes, Conny Plank, a quien se le asocia con regularidad con la colaboración que tuvo con Kraftwerk. Tal parece que el sonido de aquella época se impregnó sobre cada uno de los cortes del NITD, que suena a new wave de primera generación, a electro alemán y a techno de beats gordos y reverberantes. Aún así, se puede detectar un aire de actualidad, por alguna razón no suena viejo ni fuera de lugar, no es casualidad que suene en uno de los clubes más famosos de la tierra, el Fabric, así como en uno de los programas radiofónicos más influyentes de la escena electrónica europea, el Mash Up de Annie Mac en Radio 1 Gran trabajo de los Filthy Dukes, muy buena carta de presentación. TXT:: “El Jergas”

Sparklehorse: Dreamt for Light Years in the Belly of a Mountain. Último disco de Mark Linous alias Sparklehorse, producido por Danger Mouse.

Little Joy: Little Joy. Proyecto de Fabrizio Moretti, baterista de The Strokes.

Super Furry Animals: Dark Days/Light Years. Apenas reseñé este disco el mes pasado. Muy similar en sonido al DNOTS.

New Order: Low Life. Del año 1985 vienen grandes influencias para los Filthy Dukes.

Hot Chip: Made In The Dark. No sé si sea el nombre del disco, pero uno relaciona a estas dos bandas con rapidez.

Kraftwerk: Kraftwerk. Primer trabajo de estos pioneros de la electrónica. Producción al mando de Conny Plank.

Independiente

Fiction/Polydor

Battle for the Sun PIAS/VAGRANT

★★★★★ Para una banda con la trayectoria de Placebo puede ser muy difícil reinventarse y al mismo tiempo seguir fiel a la fórmula que ha funcionado tan bien a lo largo de los años. Con Battle for the Sun la oportunidad parecía perfecta, gracias a la salida del baterista Steve Hewitt y la incorporación del bastante más joven Steve Forrest. Aún así, los fans pueden sentirse tranquilos: Placebo sigue sonando prácticamente a lo mismo.

Novedades como arreglos de cuerdas y metales son una salida fácil para intentar renovar su sonido, pero no siempre usar instrumentos que no se han utilizado garantiza sonar distinto. Además, un track como “Ashtray Heart” y su “Cenicerou, cenicerou, mi corazón de cenicerou” pueden parecer tan molestos como el “Uno, dos, tres, catorze” (Bono lo dice con zeta) de Vertigo de U2.

A pesar de esto, más de la mitad del disco resulta disfrutable; y el último track —“Kings of Medicine”— deja la esperanza de que la próxima vez que la banda intente reinventarse lo logrará.

TXT:: “el d1eg0”.

David Bowie: Earthling. Podrían aprender una o dos cosas sobre reinventarse sin perder identidad.

Muse: Black Holes and Revelations. Un referente sobre la grandilocuencia que puede alcanzar un power trio.

Placebo: Without You I’m Nothing. Sin duda, el mejor álbum de este trío. Más de diez años después, no han logrado superarse a sí mismos.

Para leer una entrevista exclusiva con Brian Molko, visita: www.marvin.com.mx

73 Let The Right One In Near Dark

(Låt den rätte komma in)

La Isla de la Juventud

Woodstock: 3 days of peace and music

Dirección: Kathryn Bigelow Reparto: Adrian Pasdar, Jenny Wright, Lance Henriksen, Bill Paxton Guión: Kathryn Bigelow, Eric Red País: EUA Año: 1987 Para acompañar a Let The Right One In en este espacio, una película olvidada por el tiempo que en su momento revitalizó de la misma manera el género de vampiros. El segundo largometraje de Kathryn Bigelow, quien después hiciera Point Break (1991) y Strange Days (1995), es igualmente refrescante en su originalidad, su vampirismo emotivo y en este caso seductor, sumado a la búsqueda estética simple y efectiva.

Quizá lo único que se entromete en la experiencia cinematográfica más pura es el excesivo uso de música a lo largo de la cinta, el standard de aquella década que dejó una huella profunda en el ámbito musical. Sin embargo, las actuaciones, los escenarios y la dirección conforman un cuadro semisangriento en la vasta extensión de tierra al sur de Estados Unidos, en Texas, donde un minúsculo grupo de vampiros se debaten entre matar a un nuevo integrante o hacerlo uno de ellos, mientras la doncella-vampiro que lo mordió se enamora de él y su familia lo busca desesperadamente.

Un viaje a los ochentas que no ha perdido su fuerza con el paso del tiempo, siendo sin duda la mejor pieza cinematográfica de su autora.

TXT:: Juan Patricio Riveroll.

Dirección: Tomas Alfredson Reparto: Kåre Hedebrant, Lina Leandersson Guión / Novela: John Ajvide Lindqvist País: Suecia Año: 2008 Hace poco en una conferencia argumenté que el cine nórdico, salvo excepciones, deja mucho qué desear en contraposición con el de países subdesarrollados como México cuyos problemas y contradicciones son terreno fértil para un cine de calidad lleno de vida y surrealismo.

Sin embargo, luego de ver esta finísima obra cinematográfica quedo maravillado, conmovido y entusiasmado: con cada cuadro cuidado en extremo, la elegancia y pulcritud de todos los aspectos de la cinta le dan un sutil toque etéreo que al mismo tiempo brinda profundidad, construyendo así el alma pura de una película inusual, sincera y fantástica.

Actuaciones infantiles ejecutadas a la perfección; decorados, iluminación, fotografía y efectos especiales cuya presencia es la justa, quedando como merecida atmósfera a una historia sorprendente, simplemente magnífica. A un tiempo en que la cinematografía mundial vive en crisis, una pequeña película sueca es capaz de regresarnos la esperanza a quienes nos cuesta trabajo creer en un arte que parece desaparecer. Es la versión refinada del bodrio adolescente Twilight, de un vampirismo discreto y encantador.

TXT:: Juan Patricio Riveroll.

Dirección, Guión y Producción: Ana Laura Calderón Reparto: Julián Herrera, Mirtha Estrada, Cristina López, Magali Cruz, Armando González, Ernesto Ortega, Araceli Silva y José Delgado País: México Año: 2007

Director: Michael Wadleigh Reparto: Jefferson Airplane, Janis Joplin, Santana, Ten Years After, Sly & The Family Stone y Jimi Hendrix, etc.

Género: Documental/ musical País: EUA Año: 2009

Luego de recorrer varios festivales nacionales e internacionales nos llega en formato DVD el documental de Ana Laura Calderón, La Isla de la Juventud, una isla caribeña, la segunda en extensión del archipiélago de Cuba que resulta “el sitio ideal para hacer realidad cualquier sueño…”

La idílica isla resulta la fuente de inspiración para el nombre de este documental, un viaje que por su carácter íntimo resulta conmovedor al transportarnos a un enigmático lugar mediante la memoria colectiva de sus viejitos.

Una de sus mayores virtudes y atractivos es que la dirección y el guión de Ana Laura, logra explorar profundamente los sueños y las derrotas de quienes habitan las comisuras de la isla. La esperanza es un tema central que se logra plasmar en el filme, mismo que rinde un homenaje a quienes viven comprometidos con la lucha para encontrar un mejor futuro en sus vidas.

Los extras del DVD incluyen algunos comentarios, la investigación, un making of de la canción y una galería de fotos. Para más detalles, visita: www.laisladelajuventud.com

A cuarenta años de distancia, Warner lanza Woodstock: 3 days of peace and music, cuatro horas del legendario festival en formato DVD y Blu–ray.

Esta edición de lujo contiene una versión doble remasterizada, e incluye la película original ganadora de un Oscar al Mejor Documental. Además, podrás ver una retrospectiva en una gira virtual por el Museo de Bethel Woods, donde reside la exposición The Story of the Sixties & Woodstock.

También incluye un tercer disco titulado Woodstock: Untold Stories, con cinco horas de actuaciones inéditas de Joan Baez, Canned Heat, Jefferson Airplane, Joe Cocker, Johnny Winter, Paul Butterfield y Sha Na Na, Santana, Mountain, Grateful Dead, Creedence Clearwater Revival, The Who, Country Joe McDonald.

Como material adicional podemos encontrar una galería con 15 documentales donde se incluyen partes del programa Playboy After Dark, así como una hora de entrevistas con Michael Wadleigh (director), Martin Scorsese (editor), Michael Lang (productor ejecutivo del festival) y con Eddie Kramer (ingeniero en jefe del concierto).

Marvin y Warner te regalan un ejemplar de esta edición especial de aniversario del documental Woodstock: 3 days of peace and music.

Zafra Video y Marvin te regalan tres ejemplares de La Isla de la Juventud y de Los Vuelcos del Corazón. Para saber la mecánica de estas trivias, visita: www.marvin.com.mx

dvd cine

The directors cut

74

El Último Lector La Línea del Cosmonauta

libros 3x1

1000 Pinturas de los Grandes Maestros

Ricardo Piglia

Susana del Moral (trad.)

Ed. Numen Es una realidad que este tipo de libros dividen opiniones; por una parte debido a los criterios con que fueron elegidas las obras y por otra, considerando la ligereza del análisis de dichos materiales. Pero también es innegable que no todo el mundo puede convertirse en un especialista, además de que hay tantas obras maestras por conocer que no viene mal una pequeña ayuda. No en vano el carácter de este tipo de libros como material de consulta y el objetivo de que contribuya a enriquecer la cultura general, que en los tiempos que corren se está viniendo abajo vertiginosamente. Nunca estará de más conocer el trabajo de maestros como Giotto, Durero, Ingres, Seurat, Klimt, Dubuffet y Tapiès para sumarlos a los nombres más llevados y traídos en la historia del arte y el dominio público.

En un conjunto tan abundante como este siempre habremos de encontrar piezas que atrapen nuestra sensibilidad y nos seduzcan; otras se quedarán en el mero dato histórico, pero la experiencia bien vale la pena. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Tilman Osterwold: Pop Art. La versión concentrada de parte de la impresionante editorial Taschen para conocer el movimiento que parió Warhol.

Fabián Chueca: El ABC del arte. Otro compilado; 500 grandes pintores y escultores desde la época medieval a nuestros días.

Klaus Honnef: Arte contemporáneo. Una repaso completo de autores, tendencias y corrientes de los últimos tiempos.

Ed. Anagrama Afortunadamente, la literatura no tiene problemas de caducidad; las buenas obras no envejecen y no hay problema alguno si llegamos a ellas con cierto tiempo de retraso a su publicación. Aparecido en 2005, este ensayo retoma algunas de las figuras eminentes en la historia de la literatura para analizar su comportamiento como lector y tratar de dilucidar la importancia y naturaleza de esta actividad.

Siguiendo la huella de personajes creados por Poe o Chandler, juzgando los hábitos de Madame Bovary o Anna Karenina, subrayando las prácticas de Kafka, Borges o el propio Che Guevara, este avezado y polémico escritor argentino fragua un texto que es un gozo para aquellos no sólo inmersos en el oficio de la escritura sino para quien vive el placer de leer.

Piglia señala: “la lectura construye un espacio entre lo imaginario y lo real, desarma la clásica oposición binaria entre ilusión y realidad. No hay, a la vez, nada más real ni nada más ilusorio que el acto de leer”. Así aparece Joyce “el escritor del parche” leyendo con una lupa Don Quijote delante de algún libro de caballería, o Hamlet enfrentando al destino con un libro bajo el brazo. La pregunta que subyace a lo largo del libro es: ¿porqué se siguen leyendo novelas? Y lo mejor es que se hallan múltiples respuestas, entre ellas: “La vida se completa con un sentido que se toma de lo que se ha leído como una ficción”. TXT:: J.C.H.

Ricardo Piglia: La Ciudad Ausente. Otra de las complejas y eficientes máquinas narrativas concebidas por el también catedrático de Princeton.

Eduardo Halfon: El Ángel Literario. Este guatemalteco cuenta la lucha de una serie de escritores por convertirse en escritores (Carver, Hesse, Hemingway, Vila-Matas, entre otros).

Enrique Vila-Matas: Bartleby y compañía. Ficción y realidad se entrecruzan para abordar el caso de los escritores que dejan de escribir de tajo y sin explicación alguna.

Josué Barrera (Director)

Si el objetivo principal de esta publicación es albergar una gran cantidad de voces literarias, no es menor el esfuerzo, pues en este décimo número, con el que alcanzan 4 años de existencia, incluyen cuando menos a 38 poetas (procedentes de Argentina, Chile, El Salvador, Uruguay y México), además de una buena entrega de minificción, escrita por los colaboradores de la tijuanense revista Magín y una traducción del italiano de un autor inédito a la fecha en español: Mássimo Palme. Una entrega importante de este material de aniversario (el cuarto) abarca la figura de un outsider: Sergio Valenzuela. Escritor trotamundos e irreverente que desarrolló su carrera fuera del país, que provocó censuras y escándalos. Aquí se ofrece el cuento Cría mitos y te sacarán los cuervos, extraído del libro Los verdaderos cuentos de una revolución frustrada; una entrevista (La borrasca a la edad de Adriano), más un análisis puntual de sus publicaciones. Bien ilustrada por el artista Enrique Garnica, esta nave escritural nos ofrece un viaje de amplias miras partiendo desde el “puritito” Norte.

Ya esperamos nuevas y diversas incursiones de estos cosmonautas mexicanos. TXT:: J.C.H.

Sergio Valenzuela: Crónicas de Eva. Una vida dedicada al viaje y la literatura, con todas sus exigencias e implicaciones.

Alonso Díaz y Néstor Robles: Revista Magín. Interesados por las formas más breves de la narrativa, el trabajo de un colectivo joven radicado en “la esquina del mundo”.

Luis Felipe Lomelí: Ella sigue de viaje. Otro escritor nómada que hace de su propia vida materia escritural. Un libro de relatos generoso y con minificción incluida.

Crisis

75 TXT:: Óscar G. Hernández.

Hablar de crisis en un país que ha vivido los últimos 40 años de su vida en una situación económica, política y social de crisis perpetua, resulta un tanto irónico. La lectura de este estado refiere a muchas situaciones, pero sobretodo a un periodo de inestabilidad, carestía y desesperanza. En teoría, esta situación solamente es un periodo de tiempo determinado del cual después se pasa a otro estado, ya sea mejor o conclusivo.

Para muchos las crisis son necesarias, momentos de cambio que se requieren para romper o pasar a algo distinto. La crisis mundial se instaura en todos los niveles y ahora es objeto de diversos y sesudos estudios. El tema es obligado también en todas las artes y por supuesto va en diversos ángulos y direcciones, desde una visión individual o personal hasta propuestas universales.

En este número te mostramos tres cómics construidos sobre el tema de la crisis. El primero es Crisis Infinitas, considerado ahora legendario, es una saga que transformó el mundo de la DC Comics. El siguiente es Crisis Carnívora, una inteligente propuesta española. Finalmente reseñamos a Los Miserables del genial Patricio, que relata una familia mexicana en perpetua crisis económica.

Crisis Infinitas Varios

DC Comics Crisis Infinitas ha sido considerado uno de los cómics históricos de la Detective Comics, una serie que fue concebida y planteada en los 80 pero que no vería su desarrollo y alcance hasta la primera década de este siglo. Su éxito fue replantear y reformular todo el universo de superhéroes de la DC, esto a partir de un argumento que cuestiona el significado de ser un héroe. La serie está cargada de una violencia pocas veces vista en este tipo de cómics. La acción va a un ritmo trepidante y en ocasiones un tanto confuso. En ella, verás a los principales personajes caer a los niveles más bajos para después resurgir o terminar en crisis existenciales o de identidad. El guión de esta saga resulta bastante inteligente porque puede mantenerse como una gran sinfonía en la que la gran variedad de instrumentos se integra en un fin común. Leer esta serie resulta interesante en muchos sentidos ya que la editorial se autocuestiona y se replantea. Cómic que ya es de culto para varias generaciones.

Crisis Carnívora Pedro Rivero, Kepa de Orbe

Norma Editores Crisis Carnívora es uno de los cómics que se convirtieron en una película de animación. Considerado el primer film español realizado completamente con la tecnología Flash; ha causado un revuelo enorme en la península ibérica. Su argumento plantea el mundo animal viviendo en paz y armonía, gracias a un pacto entre carnívoros y herbívoros que prohíbe el consumo de carne. La trama es brillante ya que traslada de manera irónica e inteligente la vida humana dentro del mundo animal; en esta serie vemos cómo los poderosos controlan a los más débiles, cómo la traición y el engaño están presentes todo el tiempo, así como la fácil construcción del mito y de la imagen.

El dibujo de este cómic es bastante simple y al parecer fue concebido para que sirviera directamente al proyecto de la animación, sin embargo es una muestra más de que en el mundo del cómic, un buen guión puede soportar cualquier tipo de dibujo. Leer Crisis Carnívora hará que te sientas identificado con diversos animales además de despertar la risa y la reflexión.

Los Miserables Patricio

El Chamuco Los Miserables de Patricio es un retrato del estereotipo de mexicano y sobretodo de la familia mexicana pobre.

Patricio construyó sus personajes inspirado en diversos modelos que nos remiten a la Familia Burron o los Simpson . La inteligencia de esta tira radica en la capacidad de su creador para mantenerse actualizado con un agudo sentido de la situación social, política y económica de nuestro país. Los Miserables tienen un sin número de aventuras, todas relacionadas con la realidad mexicana; el traslado de la cotidianidad al humor hacen el éxito y placer de leer estos cartones. La ironía y la burla con clase han logrado que Los Miserables sea una de las tiras de culto, de lo que podríamos llamar clásicos contemporáneos.

76

Guitar Hero Smash Hits ★★★ Género: Música Consolas: Xbox 360, PlayStation 2, PlayStation 3, Nintendo Wii Para Activision, Guitar Hero se ha convertido en su gallina de los huevos de oro. Cada año no sólo se conforman con sacar la secuela, sino varios títulos con el pretexto de que un artista adorne la portada. Como toda buena serie exitosa, es hora de sacar el juego de los Grandes Éxitos, y eso es lo que es Guitar Hero Smash Hits. El título incluye las canciones más populares de Guitar Hero, Guitar Hero II, Guitar Hero Encore: Rocks the 80s y Guitar Hero III: Legends of Rock.

Smash Hits incluye 48 grabaciones originales y soporta modos fuera y en línea en donde dos bandas completas pelearán por ser la mejor.

El Music Studio te permitirá crear un personaje, armar la banda y componer música que puedes compartir con la comunidad. TXT:: C.G.

Fight Night Round 4 ★★★★★ Género: Deportes Consolas: Xbox 360 y PlayStation 3 Cuando salió Fight Night Round 3 para la actual generación de consolas, los jugadores del mundo quedamos perplejos. Pocos títulos lograban explotar las especificaciones técnicas de la consola y mucho menos deslumbrarnos con un nivel de realismo.

Fight Night Round 4 mejora en muchos aspectos sobre su antecesor: visualmente se ha mejorado la física de los peleadores al grado que cada golpe y knock out, será siempre distinto de acuerdo a donde y con qué fuerza golpeemos. El sistema de controles utiliza los dos análogos logrando simular con éxito una pelea real de box. Existen todas las categorías de pesos, desde peso pluma hasta pesados y todos los peleadores son versiones fieles de su contraparte de carne y hueso, incluso hay cinco boxeadores mexicanos a elegir en distintas categorías. No importa si eres fan o no del box, este juego tiene que estar en la colección de todos los gamers del mundo por sus modos de juego ya sea solo, acompañado o en línea. TXT:: Carlos Gutiérrez.

78

DIXIT

La TXT:: Fernando Benavides.

cri sis de

las

Krisis es la ke esta viviendo l mundo con las nuevas formas de xpresarse, q si bien rsponden a una forma mas rapida tambien destruyen lo que a tantos buenos pensadores les a costado sus lagrimas, sudor y sangre.

¡ah no!, perdón, sí sabe de sustantivos, lo demuestra en alguna canción en la que hace las veces de embajador religioso: “Jesús, hermanos míos, es verbo no sustantivo” Claro ejemplo que de la idolatría a un idiota el resultado viene siendo la ignorancia.

Es “kurioso” cómo el acento se nos ha pasado por completo y cómo ahora el fondo importa mucho más que la forma, cuando en cualquier situación la forma siempre debe acompañar, adornar y dar un significado coherente al fondo.

Preocupante entonces resulta la crisis en la que se encuentra nuestro idioma, las letras y nuestro criterio.

No es lo mismo decir: “Klmate!!! :-) tengamos cybersexo”

Las crisis, como las que evidentemente vivimos tendrán un desenlace, un enfrentamiento entre dos fuerzas que nos darán un ganador, pero la pregunta es: ¿será Arjona con y su dueto con “Paquita la del barrio” el vencedor? o en la otra esquina se levantará como máximo ponente García Márquez y sus secuaces?, al final ¿quién llevará sobre sus espaldas la gran copa de oro del lenguaje?

a: “Fue una mirada, un frenesí de besos,

En lo particular me gustaría que ganara el mejor, lo preocupante es que el mejor por lo regular no tiene tantos fanáticos en su club y el rebelde lleva las de ganar, (ya saben, el rebelde conformado por Anahi, Dulce María, Alfonso, Christopher con “ph”, Maite, y Christian).

una lujuria de sentimientos.

Fue un instante sin fin,

¿Qué nos quedará? ¿hacer una cofradía de la correcta escritura o dejarnos llevar por la crisis de la forma tratando de conservar lo mejor posible el fondo?

sin tiempo para soñar.

Y entonces despertamos, ... y seguimos amándonos.”

Tampoco quiero decir que tengamos que escribir como Cervantes, Sabines o García Márquez, pero creo que poco a poco sin darnos cuenta y sin saber qué es lo que estamos haciendo tendremos como triste resultado el romper un esquema que ha tardado tiempo en constituirse.

Lejos estamos del mejor momento del habla y de la escritura, y esto no es culpa de los avances tecnológicos (léase que el medio donde prolifera el nuevo lenguaje es Internet). Creo que no es culpa del momento en que vivimos o el tener un teclado a la mano, mucho más grave es habernos dejado engañar hace mucho y empezar a deformar el idioma; probablemente es más culpable Arjona quien con apuros sabe escribir y mucho menos unir frases, verbos y no digamos sustantivos...

¿Ke sera lo ke pasara con nuestras formas cotidianas de expresion? :-) ¿A kien le apostaran? :-( ¿Quién, con su gran nariz, entrará en la línea primero? :-l ¿Los libros, ahora que las imprentas ahorran en tinta gracias a las nuevas palabras cortdas... serán más baratos? ¿La Real Academia de la Lengua estará entrando en crisis con el nuevo lenguaje?, ¿o estará preparando un nuevo diccionario que hará revolcarse en su tumba a Miguel de Cervantes Saavedra que incluye palabras como “awigo” “wtf” “LOL” y frases completas como “wenOoo m enknTa bailaR!!!”?

Por lo pronto y como el escribir con tantos atajos me ahorró tiempo me voy de aquí, sabiendo que esto como otras tantas cosas para muchos... no tiene importancia. M

79 Tony-B Machine ¿Tiempo libre? Gástalo tratando de armar una melodía que pueda hacer mover el pie a quien sea que la escuche.

En esta página encontrarás una interfaz que te ayudará a crear secuencias, agregar sampleos, dar remates y lo mejor es que existe la opción de guardar y descargar las melodías que armes. Lo único malo es que el diseño gráfico del sitio es pésimo.

Softpedia

TXT:: “El Jergas”

Seguramente algunos ya le conocerán, pero nunca está por demás presentarles a la Softpedia.

En su interior encontrarán desde programas para organizar su agenda, aplicaciones para mantener sana la computadora, descargar juegos, drivers, gadgets, etc. Échense un buen clavado, seguro encontrarán algo de su interés. Hay contenido para Windows, Mac OS y Linux.

www.tony-b.org softpedia.com

David Lynch

presenta:

Interview Project

“¿Cuáles son mis sueños?, ¿Qué es lo más importante para mí?, ¿Me arrepiento de algo?, ¿Cómo es esta ciudad?, ¿Cómo me gustaría ser recordado?”. A lo largo de 70 días, atravesando todo Estados Unidos y cubriendo más de 20,000 millas terrestres, el Interview Project buscó y entrevistó personas al azar en bares, esquinas, gasolinerías, etc.

Según palabras del propio David Lynch: “Espero que la gente se de la oportunidad de conocer a estas personas, se trata de algo humano y no puedes huír de ello.”

Nice Fucking Graphics!

Producto nacional. Gran blog de diseño gráfico, publicidad, animación, diseño industrial, cómics, ilustración, fotografía, bueno ya tienen la idea.

Al parecer estudiantes de la UAM Azcapotzalco se encuentran detrás de esta página, que por cierto cuenta con una muy linda apariencia. nfgraphics.com

interviewproject.davidlynch.com

Do The Daft Prende tus bocinas. Elije la configuración de tu teclado. Presiona las teclas al gusto. Escucha los sampleos de “Harder, Better, Faster, Stronger” salir a tu voluntad. Juega a ser un robot francés. dothedaft.com

Psd Tuts + En la primera entrega de Links recomendé a los que gustan de usar Photoshop que visitaran Bitt Box, para ellos o para quienes sean nuevos en el software les comparto otro link. Aquí encontrarán un gran número de tutoriales en el uso de técnicas para dibujar, diseñar páginas web o todo lo que debes tomar en cuenta al crear tu portafolio personal. psd.tutsplus.com

+clics +links

Descubre otros sitios de interés en nuestra sección Más más más.

Visita www.marvin.com.mx

80

Martin Thulin

El líder de los Fancy Free nos habla de su faceta como productor

Eres conocido en la escena como una persona tremendamente exigente y de una gran cultura musical... ¿cómo es trabajar contigo como productor?

Martin: (Risas) Ufff... yo creo que habría que preguntarle eso a las bandas con las que he trabajado. Te doy un ejemplo: hace poco tuve una experiencia con una banda que produzco, Carmen Costa. Tuvimos al principio una sesión que a la vez estuvo muy pesada y muy divertida. Llegó Manú (compositor del grupo) con archivos de 17 tracks hechos en Reason que eran arreglos de una rola y yo simplemente les puse delete a casi todos y dejé sólo dos tracks. Eso fue traumático para él, terminó llamando a una amiga para que lo consolara (risas). Pero al final, la onda de la canción cambió bastante, para bien. Como se dice por ahí, less is more, y en este caso había cosas que no tenían mucho sentido en lo musical para mí, y todos quedamos contentos. Depende mucho de la banda, hay algunas que de plano no se dejan. A veces está bien, a veces está mal y no siempre el productor tiene la razón. Pero a veces también hay como conflictos de poder. Es muy interesante cómo se dan las dinámicas de las bandas. Yo puedo incluso trabajar con bandas cuya música no me encanta, que no es “mi mero mole”, pero si entiendo la música está bien. Pero nunca trabajo con bandas que no me vibran. Si no hay química, de plano no pienso en encerrarme un mes en un estudio con unos gueyes que no se llevan o con los que no me llevo.

Cuando aceptas un trabajo como productor, ¿qué se debe esperar a cambio?

Pues que queden contentos, obviamente. Pero mi manera de acercarme como productor ha sido muy diferente. Con todo lo que he hecho, nunca he producido nada que no quisiera. En el caso de las bandas, es mejor que haya interés mutuo de por medio. Si no entiendo la música de una banda, les digo: no es que esté mal tu música pero no puedo aportarle nada. Yo tengo la experiencia de haber

hecho más de 15 o 20 discos que han pasado por el proceso de grabarse, mezclarse, masterizarse y salir a las tiendas. Con esa experiencia, yo pienso en todo el proceso. Una de las cosas más difíciles con los músicos es que mezclo ciertas cosas pensando en cómo va a ser el master. Pero ellos oyen la mezcla y no entienden por ejemplo por qué las guitarras no están hasta arriba, quieren que el disco esté mezclado como va a sonar finalmente y no pueden imaginar cómo será el master, cosa que yo sí puedo hacer. A veces eso crea cierto descontento. ¿Consideras que eres mejor en lo técnico o en lo conceptual?

Finalmente, la razón por la que tengo trabajo y la gente viene conmigo es por mi manera de pensar.

Hay muchas cosas técnicas que se aprenden, que necesitas saber y la experiencia te enseña a microfonear una batería, ese tipo de cosas. Pero cuando llegué a México en el 95, lo que más me costaba como músico era que los ingenieros entendieran que no quería una batería de Caifanes... les decía a los ingenieros: “quítenme esos 17 micros, ya, por favor!!” (risas). El rock en español sonaba todo como producido por gente de Televisa, todo sonaba como un disco de Luis Miguel. Lo que no

podía lograr es que el sonido tuviera onda. Luego estaba el caso de otras bandas tipo punk que tenían onda pero iban a estudios donde los ingenieros no sabían hacerlas sonar. Dangerous Rhythm, por ejemplo: en su primer disco las rolas estaban bien chidas pero si lo comparas con un disco de Buzzcocks no suena con fuerza. Hoy el rock ha cambiado en México y ya hay varios productores que logran un sonido que aporta esta “onda”. Está el caso de Yamil Rezc, que es un productor que sí aporta algo personal. Nuestro desarrollo ha sido muy parecido. Cuando yo empezaba con los Fancy él tenía su banda de jazz. Tanto Yamil como yo lo que hemos hecho es experimentar, probar. Hoy si quieres un sonido de un tipo, vas donde Yamil, si quieres otro tipo de sonido vas conmigo y eso es muy bueno. Cuando hablo con mi mamá, por más que le explico no entiende lo que es la producción de un disco, pero se resume en que lo que yo puedo aportar es mi sonido. ¿Te escogerías como productor del próximo disco de los Fancy Free? ¡No! (risas). Me hubiera gustado que lo produjera Joe Meek, pero ya está muerto y no se puede.

Pensaría en alguien que admiro muchísimo, que es Tony Visconti. Y obviamente Brian Wilson. M