Revista OH!M #06 by Revista Oh Magnolia

STAFF

EDITORIAL TODO SE TRANSFORMA

DIRECCIÓN EDITORIAL: Belén Ruiz PRODUCCIÓN GENERAL: Sebastián Barbui ARTE Y DISEÑO GRÁFICO: Pilar Ruiz FOTOGRAFÍA: Gastón Bardy Sebastián Di Servi PRODUCCIÓN PERIODÍSTICA/ REDACCIÓN: Javier M. Berro Julieta Erdozain Leticia Abramec Teatro:

Gustavo Detta y Eugenio Schcolnicov CORRECCIÓN: Martín Robbio ILUSTRACIÓN: Gastón Quiroga

F Revista Oh Magnolia T @revistaohm M contacto@revistaohmagnolia.com

Los caminos se bifurcan, se agotan y también se renuevan. Debemos aprender a soltar y entender que las emociones son los capitanes de nuestras vidas. A lo largo de las seis ediciones de colección, Oh Magnolia se convirtió en un espacio cómplice de la cultura, sintiéndola en sus vísceras. La revista dejará de publicarse pero su espíritu y convicción seguirá presente y siempre en movimiento. La edición número seis busca transmitir un mensaje que perdure en el tiempo. Siempre hay algo nuevo para decir y hacer, que logre provocarnos el despabilo. Todo aquello que uno desea desde el alma se puede materializar si se anhela con fuerza, convicción y búsqueda. Somos lo que fuimos y de donde venimos, pero elegimos ser lo que construimos día a día. Construí con intensidad pero sin destruir lo que dejas atrás. Perdete para encontrarte pero no pierdas lo que realmente es valioso para tu ser. Recordemos que hay que despertarse, para entregar y dar todo. La libertad se encuentra en soltar y dejar ser. Seamos orgánicos y genuinos. A desear, agradecer y disfrutar. Que no nos resulte más fácil quejarnos, reprochar o cuestionar y seamos protagonistas de los cambios. Aprendamos a agradecer más y siempre. Todo aquello que soltamos y agradecemos volverá multiplicado. Aquí dejamos volar la última Magnolia. Infinitas gracias a todos los que la hicieron posible. “Es preciso ir hacia delante en silencio y dejar la suerte para el desenlace, si una perspectiva se cierra quizás otra se abra, ya que es necesario que haya una salida, un provenir, una perspectiva, aunque no se conozca su geografía. La conciencia es para el hombre una brújula y aunque la aguja se desvía a veces, aunque sobre todo solo dirigiéndose se da cuenta uno de los errores de dirección, es preciso no obstante hacer todo lo posible para mantener la ruta”. Vicent Van Gogh Belén Ruiz // Directora Editorial

Edición N° 6 - 2015 / Buenos Aires, Argentina Publicación de distribución gratuita. Prohibida su venta y reproducción total o parcial del material publicado en esta revista. Oh! Magnolia es una Marca Registrada ante el Instituto Nacional de la Propiedad Industrial. Registro Nacional de la Propiedad Intelectual (en trámite). Propietario y Directores responsables: OHMAGNOLIA S.R.L - Sebastián Barbui y Belén M. Ruiz Jelenic Domicilio legal: Ecuador 1575 2° “C”(C1425EUI) C.A.B.A

#06

SUMARIO

AÑO 2015

10 15

18 30

LANZAMIENTOS

NOTA DE TAPA Zorrito Von Quintiero

MÚSICA Emme

PROYECTO SONORO Ríos - Guevara

EN FRECUENCIA Bobby Flores

MÚSICA Santiago Vázquez

HOMENAJE Raúl Carnota

INSTANTÁNEAS Gustavo Cerati

TENDENCIA MAGNOLIA

TRAZOS Ilustración/Gastón Quiroga

CULTURA MAGNOLIA Andy Cherniavsky

< LANZAMIENTOS >

MIMI MAURA

- En vivo en Niceto Club 15 años Mimi Maura celebra su trayectoria con el lanzamiento de un nuevo material, grabado en vivo en Niceto Club, que logra una excelente combinación del reggae, el ska, el rock steady, el jazz, los boleros y el dub, con mucho swing y ritmo. La impecable banda comandada por la cantante y su pareja, Sergio Rotman (saxo alto, guitarra y coros), repasa los clásicos de su repertorio y contiene dos temas nuevos: “Esta noche tu vida cambió” y “Mi ciudad”. Su cálida y potente voz, su alegre ritmo y su cadencia inigualable, son las características que convierten a la artista puertorriqueña en una deidad musical.

MARTÍN ROBBIO -

El mismo río El pianista y compositor Martín Robbio presenta su nuevo álbum junto a Juan Fracchi en contrabajo, Ariel Sanchez en batería y percusión y la participación de los percusionistas Facundo Guevara y Hernán Ríos, y el saxofonista Hernán Samá. El material contiene siete temas compuestos por Robbio, uno por Fracchi y una versión libre de “El alazán” de Atahualpa Yupanqui. A partir de la idea de improvisar sobre bases rítmicas afroamericanas, los temas transitan ritmos de toda Sudamérica como zamba, chacarera, candombe, murga, landó, etc. El Mismo Río propone descubrir las innumerables experiencias que surgen a través de la repetición de un ritmo.

RAÍZ SPINETTA Raíz Spinetta es un álbum triple que reúne a más de 60 músicos para homenajear la obra de Luis Alberto Spinetta en versiones folklóricas. El nuevo material incluye 53 canciones del músico interpretadas por León Gieco, Liliana Herrero, Juan Carlos Baglietto, Teresa Parodi, Bruno Arias, Lito Vitale, Juan Quintero, Machi Rufino, Leo Sujatovich, Grace Cosceri, Marcelo Torres y Rodolfo García (quien además es padrino del proyecto), entre muchos otros. Además, la edición incluye tres dibujos originales del autor de Artaud, el diseño gráfico de Alejandro Ros y las fotografías de Eduardo “Dylan” Martí. Producido por Alfiz Discos y bajo la dirección de Néstor Díaz y Mauro Torres, la recaudación del proyecto será destinada a la Fundación Huésped. 04

ARIEL HERNÁNDEZ -

Summer Tango (Random) El bandoneonista y compositor Ariel Hernández presenta un nuevo material instrumental, que contiene nueve canciones propias y una versión de “Barrio Maravillas”, tema de su disco anterior (Tango Groove). Con una orquestación y bases provenientes del tango, el álbum amplía el horizonte del género con elementos del rock, jazz y pop. Intensas y viscerales, las composiciones del bandoneonista fluyen con naturalidad en un sonido orgánico y acústico. El disco revela una música nueva, con identidad propia, a partir de formulas rítmicas y armónicas novedosas.

FERNÁNDEZ 4 - No Fear (Epsa Music) El pianista y compositor Cirilo Fernández presenta el disco debut del cuarteto que integra junto a Nicolás Sorin en voces y teclados, Mariano Sívori en contrabajo y Daniel “Pipi” Piazzolla en batería. El nuevo material contiene catorce temas (compuestos por Cirilo y Sorin) que oscilan entre el rock, el pop, el soul y la electrónica, con la instrumentación y la improvisación propia del jazz. El destacado grupo plantea un sonido con ritmos y melodías cargadas de dinamismo y creatividad.

RUBÉN HOVSEPYAN - Invisible El violinista armenio Rubén Hovsepyan presenta un trabajo que contiene diez composiciones propias que fusionan jazz, funk y música del Medio Oriente. Con delicados e intensos arreglos, el violinista alcanza un sonido original, cargado de frescura y mucho swing. El álbum fue producido por Álvaro Torres -quien además está a cargo de los teclados- y el propio Hovsepyan.

FERNANDO CABRERA -

Viva la patria (S-Music)

Fernando Cabrera, que lleva más de tres décadas de carrera, se reinventa una vez más en un nuevo álbum que contiene 15 canciones que narran diversas historias extraídas del universo creativo y poético del cantautor uruguayo. Con un sonido que pisa firme en la música rioplatense, Cabrera ejecuta cada pieza junto a Juan Pablo Chapital en guitarra, Ricardo Gómez en batería y percusión, Federico Righi en bajo y Herman Klang en teclados.

PATRICIA MALANCA - Aunque nadie te vea nunca conmigo La cantante Patricia Malanca lanza un nuevo disco que reúne canciones de Silvio Rodríguez adaptadas al tango. Con excelentes arreglos vocales e instrumentales, Malanca interpreta una selección de la vasta obra del cantautor cubano como “El Problema”, “Debo” y “Te doy una Canción”, entre otras. El álbum estuvo dirigido, arreglado y producido por Martín Elizalde (Falsos Profetas) y mezclado por Ariel Lavigna. Además, cuenta con la colaboración de destacados músicos como Acho Estol (La Chicana) y Rafael Varela.

34 PUÑALADAS - Astiya (Acqua Records) La agrupación edita el sexto disco de su carrera y el segundo de composiciones propias. El nuevo material ofrece una metafísica tanguera y ciudadana que propone renovar el tango desarrollando un repertorio nuevo con un marcado enfoque contemporáneo. El nuevo material está integrado por catorce composiciones originales más la interpretación de “Rojos”, de Ricardo Capellano. También participa como invitada la cantante Victoria Di Raimondo, vocalista de Altertango.

CAFUNDO + 10 ORQUESTA

(Independiente)

El grupo de percusión, que sumó una orquesta de vientos, danza y acrobacia, presenta su primer álbum que incluye siete canciones propias y versiones de temas como “Coming in from the cold” de Bob Marley y “Mañana en el Abasto” de Sumo, entre otras. El nuevo material ofrece una sonoridad innovadora que sabe combinar ritmo y melodía, generando un estilo propio con identidad musical. La producción cuenta con la participación de Juan Carlos Baglietto, “El Cóndor” de Bersuit Vergarabat y el hip hopero, Kódigo, entre otros.

SAMBARA -

Asomándose (S-Music) El sexteto de rock lanza su primer disco de la mano de Javier Malosetti como productor artístico. El nuevo material combina elementos del rock clásico con sonidos y estructuras modernas y cuenta con la participación de Ramiro Flores, Richard Nant, Juan Canosa, Alejandro Franov y Javier Malosetti. Sambara está conformado por Federico Schujman en voz, Marcos Lorenzo Inchausti en sintetizadores y voz, Andrés Elijovich en teclados, Gabriel Kerman en guitarras, Ariel Schujman en bajo y Julián Malosetti en batería.

LAURA GONZÁLEZ - Lo que tengo que hacer (MSP) La cantante Laura González -hija de Julia Zenko y y Marcelo San Juan- presenta su primer disco solista que contiene composiciones de su padre, de Silvia Aramayo y de Agustina Paz; e incluye versiones de los clásicos “Mejor me voy” de Eduardo Mateo y “Un te quiero y nada más” de Chico Navarro y Raúl Parentella. Dotada de una voz fresca y atractiva, la joven artista y su banda ejecutan un sonido pop con influencias del funk, soul y r&b.

CD/DVD LA MISSISSIPPI

DVD LA BOMBA DE TIEMPO

Veinticinco años (DBN)

Vivo en Buenos Aires (DBN)

La legendaria banda de blues, liderada por Ricardo Tapia, cumplió un cuarto de siglo de trayectoria y para celebrarlo decidió editar un material doble grabado en vivo (CD y DVD) que ofrece una acertada selección de su prolífico repertorio. Con un estilo único, que trasciende al género, la banda logra renovar su música en una edición que contiene 27 clásicos registrados en el Teatro Vorterix en agosto de 2013 con la participación de Deborah Dixon, Claudio “El Tano” Marciello y JAF, entre otros invitados.

La Bomba de Tiempo cumple ocho años de carrera y lo celebra con el lanzamiento de su primer DVD, grabado en vivo en marzo de 2014 en Ciudad Cultural Konex. El nuevo material, registrado por el director Ariel Hassan, cuenta con la participación de IKV, Los Cafres, Los Auténticos Decadentes, El Chango Spasiuk, Mariana Carrizo y el cuarteto de saxos Buenos Aires Brass. La agrupación percusiva, creada en el 2006 por Santiago Vázquez, está integrada por 16 músicos que improvisan a través de un sistema de más de 100 señas que realiza el director con las manos, los dedos y el cuerpo.

LIBRO (reediciones) ROCK ARGENTINO

SPINETTA, CRÓNICA E ILUMINACIONES

Fotografías de Charlie Piccoli

de Eduardo Berti (Planeta)

Esta edición de autor recorre la historia del rock argentino a través de más de 300 imágenes tomadas por el fotógrafo Charlie Piccoli, entre 1979 y 2010, a emblemáticos artistas como Luis Alberto Spinetta, Charly García, Soda Stereo, Los abuelos de la nada, Sumo, Fito Páez, Divididos, Pappo, León Gieco, Hilda Lizarazu y Gustavo Cerati, entre otros. Piccoli comenzó a trabajar como fotógrafo desde 1984 en diferentes revistas y como editor y restaurador fotográfico participó del libro Historia Del Rock, de Marcelo Fernández Bitar y Una temporada en el ingenio, del fotógrafo cubano Chinolope; actualmente es director de la Escuela De Fotografía y director de arte de la Fundación Miguel Abuelo.

El libro que contiene una profunda y reveladora conversación entre el escritor Eduardo Berti y Luis Alberto Spinetta fue relanzado en versión aumentada, corregida y revisitada con fotos e ilustraciones nuevas e inéditas, a 26 años de la primera edición. Entre septiembre y noviembre de 1988, Berti, un joven periodista que daba sus primeros pasos, inició las charlas con el reconocido músico que dieron origen a esta publicación. “Me gustaría mostrar en un libro todas las facetas: el pasado, el presente y también el vuelo hacia el futuro”, decía Spinetta en el prólogo de la edición original.

< PROYECTO SONORO >

HERNÁN RÍOS Y FACUNDO GUEVARA:

U N D I Á L O G O S U P E R L AT I VO TXT: JULIETA ERDOZAIN / @JULIERDOZAIN

PH: GASTÓN BARDY

El pianista Hernán Ríos y el percusionista Facundo Guevara presentan su tercer disco juntos: Pregunta y pregunta, en el que dialogan en un ida y vuelta constante, enteramente entrelazado y coherente. El talentoso dúo profundiza en una improvisación jazzera sobre ritmos de raíz argentina y sudamericana.

El puntapié inicial del encuentro musical ocurrió hace siete años, cuando Hernán llamó a Facundo para invitarlo a un festival en Sudáfrica. “Siempre quise tocar con él. Después del grupo El Terceto, que existió hasta el 2006, quería tocar en dúo desde otro lugar”, cuenta el pianista. A partir de ese momento los músicos comenzaron a trabajar juntos. Con la improvisación como material principal alcanzaron un lenguaje basado en la constante interacción y el diálogo, en el que por momentos hay solista y acompañante y también discurso grupal. La paciencia, el tiempo y el proceso de trabajo son parte de su dinámica. Como no hay “arreglos” en sentido formal, explican que cada uno va armando lo que va a tocar desde su instrumento. “Los temas son hojas de ruta, podríamos decir. Trabajamos tocando mucho, con paciencia y confianza en lo que vamos construyendo con el correr de los ensayos”, cuenta Ríos. Y agrega: “Nuestro sonido es el fruto de una búsqueda intencionada de muchos años y que busca forjar un mensaje musical que no sólo atiende a cuestiones estéticas, sino también a una toma de posición frente al arte y la vida.” El pianista Hernán Ríos, nacido en la ciudad de Buenos Aires, tiene una reconocida trayectoria musical en la que lleva editados doce discos, entre ellos tiene cinco con El

“NUESTRO SONIDO ES EL FRUTO DE UNA BÚSQUEDA INTENCIONADA DE MUCHOS AÑOS Y QUE BUSCA FORJAR UN MENSAJE MUSICAL QUE NO SÓLO ATIENDE A CUESTIONES ESTÉTICAS, SINO TAMBIÉN A UNA TOMA DE POSICIÓN FRENTE AL ARTE Y LA VIDA”. terceto, grupo que fundó en 1993. Como docente transmite su propuesta pedagógica en clases de piano, improvisación, armonía y composición, y escribió el libro Más acá de la improvisación (Melos -ex Ricordi- 2014). Por otra parte, el mendocino Facundo Guevara comenzó a estudiar percusión a los 17 años en su ciudad y también tiene una extensa carrera, ha sido convocado en shows y grabaciones de artistas como Mercedes Sosa, Divididos, Raúl Barboza, Luis Salinas, entre tantísimos otros, y de artistas extranjeros como Oscar de León, Paquito D Rivera o Hugo Fattorusso. OH!M: ¿Es una decisión estética el no limitarse a un género musical fijo? Facundo: Tiene que ver directamente con las influencias que hemos tenido y tenemos. Aunque abordemos un estándar de jazz,

creo que va a sonar, indefectiblemente, sudamericano y argentino. OH!M: ¿Qué se conserva y qué ha cambiado en estos siete años? Facundo: Se mantiene el proyecto en el tiempo por el disfrute de tocar, de abordar diversas músicas que nos interesan y emocionan. Hemos recorrido un largo trecho, viajando y compartiendo. Hernán: Creo que con el tiempo y como consecuencia de mucho trabajo vamos logrando profundizar la búsqueda. No diría que es un cambio, más bien es un camino en el que intentamos llegar cada vez más lejos, con paciencia y atentos al proceso. OH!M: ¿Cómo se logra una buena improvisación? Hernán: Creo que todos los músicos deben saber improvisar, me refiero a poder resolver situaciones en diferentes contextos musicales aunque no sean improvisadores experimentados. Poder desarrollar un criterio propio para elegir los recursos y materiales con los que tocaremos cada vez, trabajar sobre valores fundamentales para tocar mejor (humildad, entrega, paciencia, generosidad, concentración, capacidad de juego, etc.), todo eso se practica y se profundiza con la intención de “decir algo” al momento de hacer música (en nuestro caso improvisada, no escrita).

TRABAJAR SOBRE VALORES FUNDAMENTALES PARA TOCAR MEJOR, TODO ESO SE PRACTICA Y SE PROFUNDIZA CON LA INTENCIÓN DE “DECIR ALGO” AL MOMENTO DE HACER MÚSICA.

HERNÁN RÍOS Y FACUNDO GUEVARA - Pregunta y pregunta (independiente 2014) 1_ Pregunta y pregunta (H. Ríos) 2_ Allioell (H. Ríos) 3_ De estar estando (Cuchi Leguizamón) 4_ O bêbado e a equilibrista (J. Bosco y A. Blanc) 5_ Canto a la Telesita (R. Valladares y J.A. Moreno) 6_ Yo me meto en este amor (H. Ríos) 7_ Tomando Mate (H. Ríos) 8_ Goodbye pork pie hat (C. Mingus) 9_ La arenosa (Leguizamón y Castilla) 10_ No queda (H. Ríos) 11_ Un mordisco negro (H. Ríos) 12_ Todas las mañanas (H. Ríos) 13_ La pobrecita (A. Yupanqui)

< HOMENAJE >

RAÚL CARNOTA:

CORAZÓN DE BOMBISTO

TXT: BELÉN RUIZ / @BELERUIZ PH: QUIQUE IBARRA El músico, autor y cantante, figura esencial de la música popular argentina, murió, a los 66 años, el 27 de septiembre de 2014, dejando un valioso e influyente legado. La música de Raúl Carnota constituye un punto de referencia y de inflexión en el folklore argentino. Desde sus diversas facetas, como bombisto, cantante, guitarrista, autor, intérprete y arreglador, el artista logró modificar e incorporar nuevas formas y ritmos al cancionero popular. Renovador nato y creativo, Carnota marcó una bisagra en la música nacional y una importante influencia para las nuevas generaciones. OH!M: Raúl, tu obra dio comienzo a una nueva etapa en el folklore argentino, ¿cómo te acercaste y qué te separa de la tradición del género? R.C: Yo lo único que hice fue ser honesto con lo que soy. No soy gaucho ni viví en el campo, simplemente aprendí a tocar la música rural. Toda mi vida he vivido en ciudades y aprendí a tocar la guitarra sacando temas de Los Beatles y los Chalchaleros, esa es mi realidad. Lo único que trato es de ser honesto conmigo. Después de tantos años me hicieron un lugar, pero al principio, cuando yo arranqué era un problema porque no nos vestíamos de gauchos y, además, teníamos una forma de tocar muy distinta. Conformaba un trío de piano, percusión y guitarra, con el que tocábamos sacándole partido a la parte rítmica y armónica. Y lo que empezamos a hacer nosotros fue tocar para divertirnos, mezclar cosas y poner otras rítmicas. Pero al principio fue bastante difícil.

“ARTISTAS SON AQUELLOS, POR LO MENOS PARA MI HUMILDE ENTENDER, QUE TRABAJAN A RIESGO. A RIESGO DE QUE AL PÚBLICO NO LE GUSTE, PERO QUE VOS HAGAS ALGO DE LO QUE ESTÁS CONVENCIDO”. OH!M: Sos un artista que domina diversos estilos, ¿cómo definís tu música? R.C: Lo que hay que definir -en vez de si una música es tango, folklore o cualquier cosa- es quién es ar tista y quién no. Artistas son aquellos, por lo menos para mi humilde entender, que trabajan a riesgo. A riesgo de que al público no le guste, pero que vos hagas algo de lo que estás convencido. Yo fui productor musical de “Clemente y sus hinchadas” y el Negro Dolina había inventado un personaje que se llamaba el Cipayo Flores y era como un Clemente vestido de gaucho. Entonces el Cipayo salía a los festivales y le decía al público: “los amo a todos”. Y después agregaba: “¿qué quieren escuchar?”. El tipo en realidad hacia marketing de su música. Y, bueno, es muy difícil para un artista hacer marketing. 15

< TRAZOS> CANCIÓN:

“Canción de Alicia en el país”

AUTOR:

Charly García

ILUSTRACIÓN POR GASTÓN QUIROGA

< NOTA DE TAPA >

TXT: JAVIER M. BERRO PH: GASTÓN BARDY / @GASTONBARDY

ZORRITO VON

QUINTIERO EL ARTE DE LA INTUICIÓN

El músico y empresario gastronómico nos devela el universo intuitivo de sus dos pasiones: el rock y la cocina. Fabián Von Quintiero tocó con los legendarios Soda Stereo, Charly García y Ratones Paranoicos; también fue dueño del recordado bar Soul Café y hoy es socio del restaurante italiano Bruni.

El músico de sangre italiana y nacido en Villa Urquiza, apodado “el Zorrito”, navega entre el la música y la gastronomía con la inefable complicidad de su instinto. Fabián Von Quintiero es un zorro sabio -como el de Antoine de Saint-Exupéryque siempre supo direccionar su olfato animal a lo largo de su vida. Hace treinta años, Quintiero decidió abandonar Suéter, el grupo de Miguel Zavaleta, para mudar sus teclados al mítico Soda Stereo. “Yo empezaba a olfatear que el modernaje y el futuro estaban ahí”, dice el músico. Luego, percibió que su futuro tenía que ser junto a Charly García y al poco formó parte de su banda Los Enfermeros. Más tarde, junto a Pappo y Juanse, se curtió como bajista en zapadas interminables en la

“YO EMPEZABA A OLFATEAR QUE EL MODERNAJE Y EL FUTUR O E STA BA N A HÍ ”. Federación de Box y, desde entonces, nunca más dejó las cuatro cuerdas. Después de tocar diez años junto a Ratones Paranoicos, hoy forma parte de The Drink Team, junto al baterista Fernando Samalea y el guitarrista Nicolás Bereciartúa, el hijo de Vitico. Además de su prestigiosa trayectoria musical, el Zorrito se desarrolla hábilmente en el mundo de la gastronomía hace años. En este momento, su pasión por la cocina lo encuentra en Bruni, un restaurante de impronta italiana que abrió en la zona del Bajo Belgrano; en el

canal El Gourmet de la mano del chef Pablo Massey y preparando su primer libro, I’m Zorri, con recetas y anécdotas sobre sus giras. OH!M: Siendo muy joven tuviste carácter y personalidad para decidir aba ndona r Suéter y entra r a S o da Stereo, ¿cómo se dio esa historia? F.Q: Yo conocí a los Soda tocando con Suéter en la Esquina del Sol. Aparecieron Charly (Alberti) y Zeta (Bosio), que estaban vestidos raros; yo no los conocía, me empezaron a hablar y me invitaron a que vaya a la sala al día siguiente. Pienso que se coparon con mi teclado, un Korg Poly 800 que era bastante moderno, y no por mí. Yo era muy distinto a ellos. Al día siguiente voy a la sala, en la casa de Alberti, y cuando entro había un pibe vestido como de gaucho, con los pelos

parados, tocando una guitarra con cámara eco y me dice: “Hola, mucho gusto, armá ahí”. Era Gustavo Cerati. Zapamos un rato y después me invitaron a tocar un par de temas por show. La banda era muy chica, muy under. Parecían unos bichos raros a lo que era el rock argentino. Estaba Virus, pero estos eran más raros, más disfrazados y lookeados para otro lado. OH!M: De Soda Stereo a Charly García sin escalas, otra vez tu determinación abriéndote paso… F.Q: Yo no soy muy místico, pero tengo cierto olfato, cierta intuición para ir. Charly estaba armando la banda que iba a grabar Parte de la Religión y yo quería tocar con él, porque sabía que me iba a aportar mucho aprendizaje y significaba ir a jugar a un cuadro más grande. Fito Páez ya había salido de la banda

“CHARLY ESTABA ARMANDO LA BANDA QUE IBA A GRABAR PARTE DE LA RELIGIÓN Y YO QUERÍA TOCAR CON ÉL, PORQUE SABÍA QUE ME IBA A APORTAR MUCHO APRENDIZAJE Y SIGNIFICABA IR A JUGAR A UN CUADRO MÁS GRANDE”. para hacerse solista. Yo lo encaraba y no me daba ni bola Charly, aunque una vez me dijo: “ok, ok, yo sé quién sos vos”. Un verano me encuentro con su baterista, Fernando Samalea, y me muestra los demos del disco. Me volví loco, quería estar ahí. Entonces hice Viña del Mar con Soda Stereo y quedamos en un parate. Un día me llama Samalea para tocar con Charly. Fui a la casa asustadísimo, muy nervioso. Cuando llego, veo que tenía un teclado Júpiter 6 en el piso. Me pasó “Demoliendo Hoteles”, el primer tema y otros más, y tocamos en su casa. Pegamos muy buena onda y ahí ya me incorporó al grupo. OH!M: ¿De qué se trata el nuevo grupo que armaste con Fernando Samalea y Nicolás Bereciar túa, The Drink Team? F.Q: El nombre suena a seleccionado de buenos músicos. Es otra banda que hicimos un poco en joda y otro para sumar fechas a la agenda. Samalea, que trabaja como bartender, hace los mejores gin tonics de la Argentina, y nos hace tragos mientras ensayamos. Nosotros somos

músicos no reventados y podemos tomar traguitos ricos mientras ensayamos. No estamos con la filosofía del agua mineral. Ese problema lo tienen los que no se cuidaron. También están Larry Cuffia en teclados, Silvita Pereyra, que es una cosa divina lo que canta, y Solana Gassiebayle, que es pura actitud, ambas son socias mías en Rolling Chickens, otro proyecto que tengo con Massey. OH!M: ¿Cómo conviven el mundo del rock y la gastronomía en tu vida? F.Q: Yo soy un bicho raro: un pibe rockero y empresario gastronómico. Aunque si vos revisas un poco hay muchos músicos que tienen mambo con la cocina. El de Franz Ferdinand, por ejemplo; o Moby, que tenía su casa de té. Es decir que yo no estaba tan equivocado. Pero yo lo veo muy distinto: una cosa es hacer música y otra es hacer cocina y restaurantes, que es un verdadero quilombo. Siempre tuve muy claro que si la música deja de ser divertida, prefiero estar en el restaurant luchando con los

“YO SOY UN BICHO RARO: UN PIBE ROCKERO Y E M P R E S A R I O G A S T R O N Ó M I C O. A U N Q U E S I V O S R E V I S A S U N P O C O H AY M U C H O S M Ú S I C O S Q U E T I E N E N M A M B O C O N L A C O C I N A” . mozos. Ahora estoy por sacar un libro que se va a llamar I’m Zorri, y es una rareza porque hablo de historias de la música y al mismo tiempo voy tirando direcciones de restaurantes. Hay historias con Soda Stereo, Charly García y Ron Wood. OH!M: Alguna vez contaste que la conexión personal con Spinetta se dio gracias a la gastronomía, ¿cómo fue esa experiencia? F.Q: El Flaco cocinaba por afecto: les hacía de comer a sus músicos en la Diosa Salvaje, su estudio. Le gustaba mucho comer bien y eso es un signo de felicidad. Obviamente un tipo con esa poesía, si aplica toda esa poesía a la cocina puede ser espectacular. Yo no tenía mucho trato con él, más que mucha admiración que te anula para soltarte, para ser amigote. Un día me suena el teléfono y era él: “Zorri, discúlpame, ¿al pulpo le pueden poner tomillo?”. Y yo me emocioné porque mirá vos por dónde me viene su cariño y simpatía. Fue como si me hubiese llamado para tocar un tema. Y así fue que lo tuve un día acá comiendo en Bruni.

OH!M: ¿Cómo ves el panorama de la música argentina, especialmente en el rock? F.Q: Siento que hay un ciclo que se cerró de alguna manera. No es para llorar. Es para entender que hay algo que ya se cerró. Ahora hay una camada intermedia. Hay cosas que funcionan musicalmente que no son del patrón del rock. Hay bandas uruguayas que vienen y meten más gente que las de acá. Y la esperanza musical serán las nuevas capas, las nuevas bandas. Yo siento que duró más de lo que yo creía. Treinta años duró, pero ahora empezó otra etapa, otra era, porque la vida nos lleva a todos. Yo estoy por cumplir 49 años, y eso no estaba en los planes (risas).

< EN FRECUENCIA >

BOBBY FLORES:

SABIO

PORTADOR

MUSICAL 28

TXT: BELÉN RUIZ / @BELERUIZ PH: GASTÓN BARDY / @GASTONBARDY Conductor de radio y televisión, musicalizador y productor, Bobby Flores ocupa un importante rol de difusor y promotor musical. Referente ineludible de la radio y una de las voces fundadoras de la Rock & Pop, el legendario DJ reflexiona sobre la actual escena radial. La cálida y profunda voz de Bobby Flores logra elevar la frecuencia a niveles inesperados. Melómano y nato educador musical, el conductor supo construir un tótem artístico y profesional que lo sostiene hace años y que ha dejado una huella importante en la historia de la radiofonía argentina.

“EL ORIGINAL ES LA PERSONA QUE ES INIMITABLE Y ÚNICA, NO ES EL QUE HACE PRIMERO ALGO, PORQUE ESO PUEDE SER AZAROSO”.

Desde sus facetas, como musicalizador, DJ, conductor o escritor, Flores se destaca siendo un especializado portador musical y sobre todo un acertado y selecto divulgador de la música a la hora de marcar la diferencia. Hoy es una de las voces de Radio Malena (FM 89.1), una emisora dedicada a la renovación y nueva mirada del tango, también conduce y musicaliza en Bit Box (FM 93.3) y en la AM 750.

nunca supe quién era porque no lo volví a ver nunca más. Un día mi viejo me había dado guita para comprarme unos discos y fui a la disquería del barrio, con 13 años, a comprarme uno de Santana, y como no estaba, el pibe de la disquería me dio tres discos que recién habían salido (El lado oscuro de la luna, de Pink Floyd; Trilogía, de Emerson y Artaud, de Spinetta), ¡y no me avisó nada! (risas). Cuando los escuché se me dio vuelta la peluca. Más tarde, a los 20 años, Sergio Renal se encargó de mi educación musical, él fue quien me inculcó mucho el buen gusto, el refinamiento y a cuidar mucho el oído. Después, Grinbank (Daniel) me acercó más a la música, con él íbamos a ver shows rarísimos. Esas son mis influencias más directas, los que me iban empujando el carro.

OH!M: ¿Qué personas te marcaron para ser un amante de la música? B.F: Mi viejo fue la primera influencia que tuve. La segunda fue un pibe de una disquería que

OH!M: ¿Qué reflexión te genera el recorrido de estos 40 años de trayectoria? B.F: Debuté como DJ en febrero del ‘77, con 17 años, en los bailes de carnavales del club de mi

Luego de 40 años de trayectoria, que lo convierten en una notable figura asociada directamente a la radio, la conducción y la música, Bobby siempre se refugió y permaneció en la vanguardia de los medios, siendo honesto y aportando su propia mirada.

barrio. Y a partir de ahí siempre me vinculé a la música. Hay puntos muy importantes: la Rock & Pop fue un lugar donde muchos nos desarrollamos bastante. Básicamente porque la FM recién empezaba y no había otras referencias. Era prueba y error todo el tiempo. Fijate que Grinbank compró la radio con 28 años, éramos muy pendejos. Pero era una época en la que los pendejos habíamos crecido muy rápido y eso ya venía de los años ‘70. Imagínate que Luis (Spinetta) armó Almendra con 19 años e hizo Artaud con 22. Había una velocidad por hacer cosas. Esa época fue aprender todo a los pedos. Queríamos hacer todo porque aparte veníamos de unos años muy duros. Ese fue un gran aprendizaje porque curtías todo: cine, literatura, ibas a ver a Cortázar al Teatro San Martín, la conferencia de Borges en la Biblioteca Nacional, y después nos íbamos a ver la Sobrecarga y Sumo a un bodegón. OH!M: ¿Qué apreciación nos podés dar de la radio hoy en día? B.F: A diferencia de lo que pasaba cuando yo era chico, mi generación se ha convertido en modelos a seguir en vez de íconos a derrocar. Cuando yo era pendejo estaba mal visto parecerse a otro. Es más ardua la carrera de ser diferente, pero da más satisfacciones. El original es la persona que es inimitable y única, no es el que hace primero algo, porque eso puede ser azaroso. Y veo que se ha perdido un poco ese concepto de originalidad. Están todos atrás para ser el primero, pero ese vértigo por la noticia y la novedad es un triunfo mínimo.

“LO PRIMERO QUE ME LLEGÓ FUE EL ROCK; EL TANGO Y EL JAZZ LOS TENGO INCORPORADOS DE BASTANTE CHICO PORQUE ERA LA MÚSICA QUE ESCUCHABA MI VIEJO”. OH!M: ¿Cuál es el camino que aconsejás para formarse en la radio? B.F: Cuando yo empecé a hablar en la radio hubo dos cosas que me dijeron. La primera me la dijo Juan Carlos Mareco, no me olvido más. Él me vio entusiasmado porque iba a hacer una columnita de música, se lo conté como si me hubiera ganado un Nobel. Me escuchó y cuando salgo del estudio me dice: “Flaco, hablale a alguien siempre, no podés hablarle a toda la humanidad, metete a alguien en la cabeza y hablale”. El único secreto que hay es ese. Hay que buscar un interlocutor que genere cosas. También, Tony Carrizo cuando nos encontraba en algún bar y nos veía sin libros a nosotros, la nueva camada de la radio, se sorprendía de que no estuviéramos leyendo y nos decía que teníamos que leer todo el tiempo. “Leé no tenes nada que hacer, leé. Estás esperando la comida en un bar, léete algo”, nos decía Tony que andaba siempre con libros encima. Son los únicos secretos que hay. Eso para empezar. Y después, referénciate en alguien que tenga un discurso apropiado y que se asemeje a tu mensaje. Es un laburo todo eso, y algunos quieren enseguida ganar plata e ir a la tele. OH!M: Cómo encarás los proyectos en los que estás actualmemte? B.F: Hoy nosotros estamos haciendo una radio

nueva que se llama Bit Box, con el productor Daniel Morano, y la gente nos pregunta de dónde sacamos los discos. Y es el mismo disco que tienen todos pero en vez de pasar el hit pasamos todos los otros temas. Con eso solo, hacés una diferencia. Y me imagino que si profundizas y vamos a la especialización musical y discursiva de la radio, ahí si podés hacer algo mirando para adelante. Por eso nosotros, en Radio Malena y en Bit Box, sabemos que hay un montón de otras cosas muy interesantes para desarrollar musicalmente y hasta socialmente. No es que hay que tomarse un trabajo épico, pero hay que mirar las cosas desde otro lado. OH!M: Hoy formás parte de Radio Malena, una emisora de tango ¿Cómo te conquistó el género? B.F: Lo primero que me llegó fue el rock; el tango y el jazz los tengo incorporados de bastante chico porque era la música que escuchaba mi viejo, así que crecí escuchando eso. Además soy porteño, llevo el tango en el ADN por más que no quiera. Y uno de los artistas que más nos representa en el mundo es Astor Piazzolla, que ha trascendido a lugares que uno no sospecharía. Astor demostró que hacía algo muy nuestro pero despojado de todos los clichés, enfocándose en las armonías y las melodías. Por otro lado, el proyecto de Radio Malena me sorprendió porque no 31

pensé que me iban a llamar a mí. Es una radio muy ágil, de las FM en las que yo trabajé es una de las más rápidas. OH!M: Teniendo en cuenta su reciente partida, ¿qué recuerdos más preciados tenés de Gustavo Cerati? B.F: Yo conocí a Gustavo en la casa de Alfredo Lois en Vicente Lopez, en los ’80, y lo vi por última vez en el show de Depeche Mode. Siempre nos tuvimos cariño y respeto. Él se fijaba bastante en mi oído. Y yo admiraba muchísimo su información a la hora de componer. Buscaba cosas todo el tiempo, para él era sagrado componer. Un día yo estaba trabajando creo que en La Esquina del 32

Sol, era una noche aburrida y estaba pasando música del montón. Y aparece Gustavo en la cabina y me dice: “¿qué era Los Commodores? ¿te gusta el grupo?”. “Sí” le digo yo y él agrega: “¡Qué guitarrista!”. Me habló un rato de Thomas McClary, el guitarrista de Los Commodores, y después se fue. Al otro día, cuando resucité, me acuerdo de lo que había pasado y pongo el disco de Los Commodores y con un vaso de café con leche en mano dije: “¡qué guitarrista!” Y pensé que hace diez años que tengo el disco y no me había dado cuenta de por qué me gustaba y, claro, era por el guitarrista, era todo lo que me había dicho Gustavo.

<INSTANTÁNEAS>

Por Andy Cherniavsky

Esta foto de Gustavo es muy importante para mí, siempre la llamé, desde que la saqué, como “Santo”, por la luz que utilicé para iluminarlo ya que él mismo la sostenía. No sé si Gustavo fue un santo pero desde ahora para mí por su legado musical lo es.

< CULTURA MAGNOLIA >

ANDY CHERNIAVSKY:

EL OJO DE LA VANGUARDIA

T XT: BELÉN RUIZ / @BELERUIZ PH: GASTÓN BARDY / @GASTONBARDY La renombrada fotógrafa Andy Cherniavsky nos muestra su universo creativo en un repaso por su extensa carrera, en la que ha trabajado para íconos de la música y la cultura, las principales agencias y medios gráficos; y notables producciones visuales, entre más. Andy Cherniavsky transita por la vida guiada por una energía emprendedora y bendecida por un talento sublime. Con una destacada trayectoria, cargada de diversos y célebres trabajos, la fotógrafa siempre logra reinventarse en cada toma. El rock, la moda, la publicidad y la editorial han pasado por el ojo creativo de Cherniavsky. El mundo visual estuvo latente en Andy, desde muy chica, esperando el momento de expresarse. “Yo vivía en el teatro y en el cine de mi viejo, de alguna manera me estaba formando pero no me daba cuenta. Y mi vieja, que era psicóloga, estaba totalmente metida en el arte y la plástica. Tenía una linda influencia”, recuerda la fotógrafa. En los años ‘80, la artista formó parte fundamental de un movimiento musical y cultural, que hoy la convierten en historia viva. A través de su histórico registro podemos recorrer las imágenes más íntimas y bisagras del rock argentino. La insuperable fotógrafa nos abre las puertas de su estudio, desbordado de intensos y profundos retratos, para conocer a la artista que hay detrás del lente.

OH!M: ¿Cuándo nació tu pasión por la fotografía? A.C: Mi primer contacto con la fotografía fue cuando una amiga me propone hacer un curso de tres meses. Yo algo de experiencia tenía porque había trabajado como laboratorista con un amigo y mi viejo era director de cine. Entonces estaba muy metida con lo visual. Mi viejo era el director del Centro Artes y Ciencias, trabajaba con Mercedes Sosa, Les Luthiers y Arco Iris, entre otros, pero no fue ahí que me pegó la fotografía sino cuando mi amiga me cuenta del taller. Hicimos el curso y yo al mes y medio ya estaba trabajando como fotógrafa de plazas. A partir de ahí, estuve diez años metida en el laboratorio aprendiendo la cocina del oficio. Cuando laburaba en los ‘80 copiaba 200 o 300 fotos por día. Era el auge del rock and roll y yo era la fotógrafa del momento.

“LO QUE YO PENSABA QUE ERAN FOTOS Y NADA MÁS, SE CONVIRTIÓ EN UNA ESPECIE DE LIBRO DE HISTORIA”. 35

OH!M:¿Cómo llegó el rock a tu oficio? A.C: El rock llegó un poco a través de mi viejo que en el Centro Artes y Ciencias tenía una parte de rock donde estaban bandas como Arco Iris, Manal, León Gieco, Moris, Miguel Abuelo, Vox Dei, La Pesada del Rock and Roll, también trajo a Santana, entre otros. Mi viejo era como el Daniel Grinbank de los ‘60/’70. Yo creo que todo eso me influyó a nivel visual. Después, lo conocí a Charly (García), porque yo estaba de novia con su hermano. Yo estaba en cuarto año y Charly no tenía donde vivir y se vino a mi casa y nos hicimos muy amigos. Ahí lo empecé a seguir y cuando tenía la cámara en mano me di cuenta de que dentro de un show podía tener un espacio. Con Charly fueron mis primeros pasos, empecé por la puerta grande. Después, trabajé con Daniel Grinbank para la radio Rock and Pop. OH!M: ¿Qué reflexión te genera haber formado parte de ese movimiento sin saber 36

lo que iba a significar años después? A.C: Yo no tenía ningún tipo de conciencia de lo que estaba pasando. Yo lo que siento es que un día cambié mi visión y lo que yo pensaba que eran fotos y nada más, se convirtió en una especie de libro de historia. Las estampillas del Correo Argentino son con fotos mías que les saqué a Luca (Prodan) y Miguel (Abuelo), entre otros. OH!M: ¿Qué momento en particular recordás con mucha añoranza y cariño? A.C: Uno de los momentos que más recuerdo es cuando Charly fue por primera vez a Estados Unidos y me trajo de regalo el libro de Annie Leibovitz, ahí sentí que de alguna manera me reconocía como fotógrafa. Con Charly tengo mil millones de anécdotas. Cuando le hicimos una tapa, en la que él está todo pintado de plateado, estaba todo el lugar lleno con periodistas que venían desde temprano y Charly no llegaba. Hasta que se fue todo el mundo, me llama y me

dice: “Estoy en casa todo pintado de plateado, ¿qué hago?”. Y, vení le digo (risas). OH!M: Luego de tus inicios en el rock, entraste al mundo de la moda, ¿cómo fue el traspaso? A.C: Yo hacía moda por otro lado y ahí fue cuando me encontré a Gaby Roca, con quien fuimos socios como 17 años. Hicimos RocaCherniavsky en un momento en que cambió bastante la mirada fotográfica. De alguna manera nos insertamos en lo que era el mundo de la moda. Con Gaby sin quererlo dábamos una propuesta diferente, queríamos experimentar y hacer cosas nuevas. OH!M: ¿En qué proyectos te encontrás hoy? A.C: Hoy me encuentro trabajando, como siempre. Mis días pasan por el trabajo, estoy en la pre producción de tres tapas de discos y soy parte de la productora Fight Films. También me encuentro planeando una muestra de una retrospectiva de retratos. Y estoy haciendo cosas todo el tiempo, soy una persona muy activa. Trabajo en la post producción cuando no estoy en la pre o en la producción. La verdad, mi día es muy agitado. Todo el tiempo estoy trabajando. Hace poco terminé de hacer la tapa del último disco de Fito Páez, con una foto mía de Charly (García) que esta buenísima, estuve en toda la gráfica y el diseño del álbum. Estoy muy contenta con ese trabajo. OH!M: ¿Cómo es el proceso de trabajo para las tapas de los discos? A.C: Me junte con Fito y me contó un poco de que iba el disco y lo escuchamos juntos.

Trabajamos sobre lo que él quería transmitir y buscamos una gráfica y un concepto de arte. Me encanta hacer tapas de discos, porque creo que es un formato muy popular. OH!M: Luego de tantos años de trayectoria, ¿qué sensaciones aparecen cuándo te colocás detrás de la cámara? A.C: Todo se enciende. Todos los días es algo distinto. Mañana voy a hacer fotos en estudio, pasado en el río, y siempre con gente diferente. Me meto mucho en la estética, el vestuario, el make up y el pelo. También disfruto de sacar fotos a todo, por ahí mis fotos artísticas son re bizarras y no tienen nada que ver con lo que yo hago, y no las vendo ni las muestro. A mí se me dispara con la fotografía una adrenalina muy linda que tiene que ver con el contacto de estar atrás de la cámara.

< MÚSICA >

EMME

VOLVER

A MÍ

TXT: MARÍA LUJÁN TORRALBA / @LUJITORRALBA

PH: SEBASTIÁN DI SERVI

La cantante y actriz Emme es parte de un linaje artístico muy valioso para la música argentina. bastián Di Servi Hija del compositor y pianista Lito Vitale y la cantante y compositora Verónica Condomí, y sobrina de Liliana Vitale, la joven artista fluye entre la música y el cine. Mariela Vitale Condomí, también conocida como Emme, es pura energía femenina. Seductora y abierta, la cantante y actriz de 31 años se encuentra en una etapa libre de su carrera donde permite que las cosas sucedan naturalmente. Con una mirada reflexiva reconoce que la única arma que existe para ser feliz es “hacer y aportar algo”. Hija de Lito Vitale y Verónica Condomí, lleva la música en el alma desde que su mamá le cantaba canciones de su autoría cuando era niña. Actualmente, forma parte de Living Soul Project, canta junto a Pepi Taveira en Ella & Louis y se presenta a dúo junto al tecladista Hernán Jacinto con un repertorio de canciones latinoamericanas. Introspectiva, Mariela Vitale retoma sus raíces para sacar a la luz lo mejor de ella misma. OH!M: ¿Qué nos podés contar de Living Soul Project? M.V: Empezó como banda de laburo, después nos hicimos amigos y continuamos tocando por todos lados. Yo fui convocada por el cantante de aquel momento que era Luciano Bassi. Luego vino Felipe Herrera, a quien conozco hace mucho tiempo. Es una banda que funciona súper bien. Por ahora

no tenemos disco pero probablemente grabemos uno porque queremos que haya registro de este trabajo. OH!M: A lo largo de tu carrera has cantado hip hop, soul, jazz; ritmos con raíces negras en general, ¿qué te ha influenciado para volcarte a ellos? M.V: Mis viejos siempre escucharon música en inglés, como los Beatles, Stevie Wonder o Pink Floyd. Y no puedo evitar nombrar a Javier Malosetti, quien fue una persona muy influyente en mi vida, sobre todo en mi carrera musical. Fue marido de mi mamá desde que yo tenía 13 hasta los 17, una etapa en la que definí mis gustos. El jazz y la música negra vinieron por parte de él también. OH!M: ¿Cómo son los shows que h a ce n a d úo con el te cl a di sta Her ná n Ja c i n to, tu p a r eja ? M.V: Es algo increíble. Con Hernán toco desde que tengo 16 años, con é l t u ve m i p r i m e ra b a n d a . É ra m o s muy amigos y lo conozco desde otro lugar. En las presentaciones hacemos temas en castellano con raíces de acá y latinoamericanas. Es una mezcla de toda la música que hubo en mi vida. 39

OH!M: ¿Seguís componiendo tus temas? M.V: Hace mucho que no lo hago. Siento que no es mi fuer te, aunque creo que todos nos podemos conectar con escribir o tener algo para decir. Había empezado a hacer un segundo disco que finalmente nunca fue, entonces me fui al cine y dejé ese costado mío de lado. Ahora que estoy más grande quiero reencontrarme, además, tengo todo alrededor para concretarlo. Es algo que me debo a mí misma.

“AHORA QUE ESTOY MÁS GRANDE QUIERO REENCONTRARME” OH!M: ¿Estás trabajando en algún proyecto de cine? M.V: Acabo de terminar de hacer un

corto sobre violencia doméstica. Es un video que van a ver los jueces antes de dictar sentencia ante un caso así. Son tres historias con tres actrices distintas dirigidas por Nuria Becú. Son casos reales en primera persona. Por otro lado, en noviembre comienzo a grabar El encuentro de Guayaquil, una película sobre San Martín. OH!M: Hace unos años formaste parte del proyecto de Lucas Martí “Varias artistas” que reunió a diversas cantantes mujeres y grabaron dos discos, ¿tienen planeado volver a juntarse? M.V: “ Varias ar tistas” sacará su último disco próximamente. Si bien me pone triste que sea el último, también me pone contenta que se haga uno nuevo. Hace mucho que no tocamos. Para mí

“CREO QUE TODOS NOS PODEMOS CONECTAR CON ESCRIBIR O TENER ALGO PARA DECIR ”. era un proyecto que estaba buenísimo para explotar y tocar en todos lados, pero es mucha movida. Lucas también está con otros trabajos y fechas. Espero que hagamos presentaciones para lanzar el disco y que se dé muy pronto. Los shows están buenísimos, los recomiendo abiertamente.

regalado Hernán, y ella me dijo: “No podés ponerte mal por el pimpollo que se acaba de caer. Miles de pimpollos no van a llegar a ser flores pero hay que valorar las flores que ya tenés. No impor ta lo que no fue, es lo que es”. Y eso lo tomo para la vida.

“NO IMPORTA LO QUE NO FUE, ES LO QUE ES”. Y ESO LO TOMO PARA LA VIDA”.

OH!M: ¿Tenés algún lema que guíe tu vida? M.V: Mi mamá me dijo una vez una frase que recuerdo siempre. Yo me había puesto mal porque se había caído un pimpollo de una orquídea que me había

< MÚSICA >

SANTIAGO VÁZQUEZ:

UN TRANSMISOR

CU LTU R AL

TXT: LETICIA ABRAMEC / @LETIABRAMEC PH: GASTÓN BARDY / @GASTONBARDY Músico, compositor, productor, director y fundador de La Bomba de Tiempo, y creador de un lenguaje de percusión con señas, Santiago Vázquez es un incansable generador de proyectos culturales. Luego de varias experiencias en equipo, el cantautor lanza su primer disco solista. Santiago Vázquez demuestra su permanente capacidad de asombro y ganas de aprender y enseñar. Generoso en sus palabras y sus deseos, Vásquez logró hacer de un sistema, un fenómeno: La Bomba de Tiempo. Detrás de ese gran equipo de percusionistas, que religiosamente se da cita los lunes en Ciudad Cultural Konex, está él.

“NECESITABA EXTERIORIZAR ALGO MÁS ÍNTIMO Y SENSIBLE. AHORA ME ANIMO A UN ESPACIO EN EL QUE NO ESTÁ LA PROTECCIÓN DE LO COLECTIVO Y LA EXPOSICIÓN ES MÁXIMA”.

Emprendedor nato y obsesivo de sus propias ideas, además de La Bomba, Santiago logró armar diversos proyectos musicales como Puente Celeste, La Grande, Colectivo Eterofónico, Será una Noche y el Grupo de Mbiras de Buenos Aires que, en cada formato, narran un concepto diferente. En esta ocasión, el músico nos presenta su primer álbum solista y dice que “es un material muy Vázquez”. Y, como no deseamos que el bosque nos tape el árbol, queremos conocer al hombre detrás de las multitudes.

armé partiendo de una idea. Sentía que algo debía ser hecho y tenía que ponerme al servicio de esa idea. Por otro lado, mi disco nace de un sentimiento. Necesitaba exteriorizar algo más íntimo y sensible. Ahora me animo a un espacio en el que no está la protección de lo colectivo y la exposición es máxima. Ese soy yo. No soy guitarrista pero toco la guitarra, no soy pianista pero toco el piano, no soy cantante pero canto. Y lo hago porque no me queda más remedio, es lo que siento y necesito ahora, y me encanta.

OH!M: Siempre estuviste vinculado a grupos y ahora te animás a un plan más íntimo y personal. ¿Qué sensaciones te provoca pasar de coordinar un colectivo de músicos a ser el protagonista de la escena? S.V: Desde lo artístico y lo emocional me pasan cosas diferentes. El concepto de La Bomba lo

OH!M: Cada proyecto tiene algo de búsqueda. ¿Sentís que encontraste algo nuevo en esta etapa? S.V: Totalmente. Este es un camino que recién comienza y, aunque no puedo saber lo que me espera, veo que estoy prestando atención a otras cosas. No estoy atendiendo tanto al 45

“ESTOY SEGURO DE QUE NO SERÍA FELIZ SI NO TUVIERA UNA PARTE DE MI TIEMPO DEDICADA A SER TRANSMISOR DE LO QUE VEO, APRENDO O INVENTO”. ritmo o al sonido, eso ya forma parte de un bagaje profesional que fui adquiriendo en la experiencia. Hoy hay otras novedades. Tengo que aprender a verme a mí sobre el escenario, cantando tanto temas nuevos como de hace veinte años. El foco ya no está en la idea, somos las canciones y yo. OH!M: Todas tus creaciones tienen un gran componente social y didáctico. ¿Cómo nació esa vocación docente? S.V: Me encantaría poder tener los tiempos para estudiar un instrumento durante varias horas y que el resto sea ocio. Pero como eso es imposible, tengo que organizarme bastante para llevar a cabo mis deseos. En esa planificación divido mi vida en rubros orgánicos vitales. A uno de ellos lo llamo “transmisión de ideas”. Cuando hay alguna que lo necesita, que demanda ser transmitida, quiero cumplir ese rol. Ahora, por ejemplo, estoy traduciendo el 46

lenguaje de señas a sonidos para que se pueda entender sin necesidad de la visión, y así incluir a personas no videntes. Estoy seguro de que no sería feliz si no tuviera una parte de mi tiempo dedicada a ser transmisor de lo que veo, aprendo o invento. OH!M: Una vez dijiste que equivocarse durante la improvisación no es un error, que hay que seguir adelante. Ante esa situación, ¿cómo lográs destrabarte? S.V: Eso sucede permanentemente. Los obstáculos son cosas que creés que no deberían estar ahí. Vas en una dirección y aparece algo inesperado. Si ya hubieras sabido que estaba ahí, hubieses elegido otro camino. Esa traba es la dificultad de concretar lo que soñaste y eso genera un poco de frustración, pero es parte del ser humano. Creo que hay que experimentarlo tratando de que esa frustración sea lo más fugaz posible para darle paso a lo siguiente. El valor de

los errores sólo lo reconoces después, cuando tomás otro camino y encontrás algo que no hubieras visto de otra manera. De a poco uno entrena la capacidad de no bloquearse y seguir su camino. OH!M: Varias veces mencionaste la importancia de hacer las cosas desde un lugar genuino. ¿Qué significa ese concepto para vos? S.V: Creo que es algo que sólo se puede encontrar desprendiéndose de lo prefabricado. No quiere decir que eso no sea útil luego pero, si uno parte de “lo que se debe hacer”, en mi escala de valores no me parece suficiente. No puedo buscar algo genuino en el otro, sería como estar pendiente de la felicitación del mundo. Una cosa es aprender de los demás, y otra es actuar según la especulación sobre el éxito que puede tener mi producto en el mercado. Todos queremos que nos vaya bien, pero también es importante a qué nivel de realidad nos conectamos con nosotros mismos. Cuanto más profundo vas, más difícil es la comprensión, pero así también surgieron cosas geniales. Mi objetivo es lograr una comunicación que simultáneamente sea superficial y profunda.

“EL VALOR DE LOS ERRORES SÓLO LO RECONOCES DESPUÉS, CUANDO TOMÁS OTRO CAMINO Y ENCONTRÁS ALGO QUE NO HUBIERAS VISTO DE OTRA MANERA”. 41

< TENDENCIA MAGNOLIA >

TEATRO LA MAQUINA IDIOTA

DE MARIANO TENCONI BLANCO

TXT: Eugenio Schcolnicov

TXT: Gustavo Detta

El teatro argentino de las últimas décadas no sería comprensible sin evocar el nombre de Ricardo Bartís y el Sportivo Teatral. Ubicado en el barrio de Palermo, el “Sportivo” ha desarrollado una renovación absoluta en materia de lenguaje escénico, al afirmar el lugar primordial del actor dentro del acontecimiento teatral y el reconocimiento de su infinita potencia poética. Su última creación nos sitúa en un anexo contiguo al Panteón de Actores, en el cementerio de la Chacarita. Desde allí, un grupo de figuras menores, ya fallecidas, intentará infructuosamente ensayar una versión de Hamlet para ser representada en los “festejos de Octubre”. En sus múltiples líneas narrativas, La máquina idiota construye una aguda metáfora del mecanismo burocrático que define la experiencia humana contemporánea. Referencias a los núcleos míticos del imaginario social rioplatense y una profunda reflexión sobre el teatro se manifiestan en el cuerpo de los diecisiete actores que dan vida a esta obra, en una propuesta imperdible.

La obra, escrita y dirigida por Mariano Tenconi Blanco, propone un viaje al interior del rodaje de una telenovela, que tiene el mayor rating de la televisión de los años ‘70. La pieza, que combina comedia y melodrama, reflexiona sobre el pasado, el presente y la búsqueda de la identidad de nuestro país. El elenco está conformado por Fabio Aste, Iride Mockert, Ingrid Pelicori, Martín Urbaneja y Violeta Urtizberea. Los actores interpretan a personajes hilarantes, que bailan, cantan, se desean y se odian. La puesta, que mediante la reutilización de los objetos se reconfigura y nutre de dinamismo al texto, está acompañada por la música en vivo de Ian Shifres, un pianista que ya había trabajado con el director en La Fiera.

Sportivo Teatral (Thames 1426) Funciones: Viernes y Sábados 22 hs. 48

LAS LÁGRIMAS

DE RICARDO BARTÍS

TEATRO

EXPOSICIÓN

LA OMISIÓN DE LA FAMILIA COLEMAN

“ARGENTINA LISÉRGICA. VISIONES PSICODÉLICAS”

DE CLAUDIO TOLCACHIR

MAMBA

TXT: Belén Ruiz

La arrasadora y desopilante pieza teatral, dirigida y escrita por Claudio Tolcachir, cumple diez años ininterrumpidos en cartel. De la mano de una notable dirección, excelentes interpretaciones actorales y una intensa dramaturgia, la obra construye, a partir de la miserable cotidianeidad de una familia disfuncional, una puesta atractiva, reflexiva y trascendente. La comedia dramática, cargada de humor e ironía, cuenta con la destacada actuación de Miriam Odorico, Diego Faturos, Araceli Dvoskin, Inda Lavalle, Jorge Castaño, Tamara Kiper, Gonzalo Ruiz y Fernando Sala. El fenómeno, que se presenta cada función a sala llena y ya giró por 22 países, demuestra que todavía tiene mucho más para dar y entregar a su público. Paseo La Plaza - Sala Pablo Picasso (Corrientes 1660, CABA) Funciones: Viernes 22 hs. y Domingos 21 hs.

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA) presenta una colección que reúne obras de varios artistas de la época más psicodélica de la Argentina. La muestra propone un viaje por la iconografía y los escenarios artísticos de otro tiempo. El recorrido va desde el pop extremado de los desbordados ‘60 a los tempranos e intensificados ‘70, haciendo especial énfasis en el surrealismo criollo, la geometría blanda, el arte cinético y lumínico local y las omnipresentes vanguardias internacionales. La exhibición está representada en diversos formatos, como el diseño gráfico, la pintura, el collage, el cine experimental, la escultura, la fotografía, el grabado y el diseño industrial. El Museo expone obras de Bandi Binder, Juan Cavallero, Jorge de la Vega, Hugo Demarco, Casimiro Domingo, Obdulio Giudici, Marta Minujín, Oski, Aldo Paparella y Martha Peluffo, entre otros. Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (AV. San Juan 350, CABA)