Ojos rojos 17

www.revistaojosrojos.com Telefono. +34 630 461 831 / +34 650 654 443 e.mail. revistaojosrojos@gmail.com www.facebook.com/RevistaOjosRojos.com @OjosRojos_Mag Mili Sánchez / Mike Steel Directores Fotografía de portada y contraportada de Luis Poirot Diseño y maquetación: Mili Sánchez La tipografía DNNR ha sido diseñada por Ipsum Planet para la revista Neo2 <www.neo2.es>

©Angélica Escoto

06

ENTREVISTAS Luis Poirot

28

NOMBRE PROPIO

40

LATINOAMÉRICA

Nuria López Torresro

Angélica Escoto

52 56

COMODÍN Bilbao Photo Experience

SANGRE FRESCA Salvador Bañó

66 72

EL MUNDO ALREDEDOR Real Sociedad Fotográfica

LA PIEZA Sebastiao Salgado

©Nuria López Torres

漏 Fernanda Larrain (esposa, c贸mplice y musa , es por tanto el cazador cazado, el retratista retratado)

luis

POIROT Es un placer contar con el fotógrafo chileno Luis Poirot en nuestra revista, mostrándonos los exquisitos retratos que lleva realizando durante años a su musa, a su mujer, Fernanda. Como de costumbre le hacemos un pequeño cuestionario para pasar despues a una entrevista. No dejes de leer el bello texto “Me va la vida en ello” que encontrarás junto a la galería de imágenes. ¿Cómo empezaste en este oficio?

En 1963 partía a Francia con una beca a estudiar cine y televisión. En ese momento mi oficio era el teatro que había estudiado en la Universidad de Chile. No podia llevarme a la mujer que amaba y pensé que quizás unas fotografías podrían ser un sustituto a su presencia. Nuestra relación era secreta porque ella aún estaba casada, entonces pedí a un amigo que me enseñara los rudimentos de manejar una cámara y luego de revelar y ampliar en secreto en su laboratorio. Fue mi primer acercamiento y durante mi estadía en Francia el tema fotográfico siguió rondando en mi cabeza. ¿Te acuerdas de cuál fue tu primera cámara?

Luego de un año de mi estadía en París, mi padre que vivía desde hace años en esa ciudad me ayudó a juntar el dinero para comprar una Rolleiflex 3,5 F con lente Zeiss Planar que desde hacía meses yo miraba con ojos lánguidos en una tienda. Con ella hice mis primeras fotos de escenas de teatro y retratos de actores al regresar a Chile. Así lentamente y sin casi darme cuenta me fui convirtiendo en fotógrafo. ¿Cuál fue la primera foto o fotógrafo que te impresionó?

Quizás el retrato de Matisse con una paloma en su mano, de Cartier Bresson o una de Sergio Larraín de Valparaíso. ¿La última foto o el último fotógrafo que te ha hecho sentir lo mismo?

Siempre vuelvo a Cartier-Bresson, Larraín, Kertesz y Weston, después de un largo recorrido por cientos de fotógrafos que voy olvidando.

| ENTREVISTA | 9

¿Con qué cámara suele disparar? ¿Le da igual una que otra?

Una cámara debe ser hermosa y mis amores van desde la Leica a la Rolleiflex, con la Hasselblad por razones prácticas y la 4 x 5 Ebony porque me disciplina. ¿Tiene una óptica favorita?

Zeiss 110mm f.2 para Hasselblad y 35mm aposummicron para Leica M Cuando trabajaba en El País con Canon F1 el 85mm f. 1.2 ¿Horizontal o vertical?

Cuadrado ¿Qué prefiere disparar a tiempo y hacer lo que esperaba o no llegar a tiempo y sorprenderse?

Tomo la foto y espero meses y a veces años para ampliar la imagen. Trabajo con la lentitud. ¿Reencuadra las fotos?

No, años atrás lo hice y el resultado era siempre peor que el original. He llegado a disputas serias con los llamados directores de arte de algunas publicaciones y he terminado renunciando a ellas. ¿Cómo se ha adaptado al mundo digital?

Me regalaron Sony, Fuji, Panasonic y largos préstamos de Hasselblad. No me interesan ningunas de sus aparentes bondades.

¿Digital o químico? ¿Porqué?

Químico, aunque eso me provocó un cáncer al lagrimal hace unos años. La copia en papel digital es pobre, como lo dice la palabra es la impresión de un afiche y no el original que tiene mi presencia, mi transpiración y mis vacilaciones en el secreto cómplice del cuarto oscuro. Una ampliación siempre es diferente, aunque quiera hacerlas iguales, todo cambia de un día a otro. ¿Qué películas utiliza?

Ilford FP4 desde 1973, antes de eso Tri x de Kodak, cuando la fabricaban bien. Desde los 80 Kodak solo fue en decadencia. ¿Retoca las imágenes? ¿Con que software?

No aplico ¿Cómo ve el panorama a día de hoy?

En lo personal, con ideas y proyectos para unos años que seguramente no me quedan y en la fotografía siempre la sorpresa de descubrir una visión distinta en alguien que estaba silenciado

12 | ENTREVISTA |

| ENTREVISTA | 13 Comenzó haciendo fotos de la compañia de teatro Ictus por casualidad (quería ser director de teatro), ¿Cómo fueron sus comienzos y porqué dejo el teatro?

Al regreso de una beca en Francia como director de Televisión, me encontré con un país dominado por los viejos y que no tenía posibilidades de mostrar lo que había aprendido. No quería volver a ser actor y tampoco me daban oportunidades como director de teatro. Comencé a ver los ensayos de mi antiguo grupo ICTUS que ensayaban Otelo. Desde la primera fila en platea comencé a tomar fotos con mi Rolleiflex, que llevaba a revelar y ampliar.

Solo tenía mi cámara y ni luces o trípode. El laboratorio me parecía algo distante y misterioso que no entendía. Las fotos que mostraba a mis amigos actores comenzaron a interesar y con gran sorpresa el grupo me pidió que hiciera las fotos de escena y programa de mano de la próxima obra. Para ellos mi conocimientos de teatro suplían mi torpeza técnica fotográfica. Pedí dinero prestado y me equipé de un trípode tambaleante y de una ampliadora que aprendí a manipular solo en el cuarto oscuro. No tuve profesores, en ese tiempo en Chile no existía enseñanza de la fotografía. Miraba avidamente revistas americanas de fotografía, copiaba desde donde podía y a veces pedí consejos a un reportero gráfico de buena voluntad. Durante años conviví en esta amable esquizofrenia del teatro como director y fotógrafo de revistas y libros.

Cierto día me enfrenté a la realidad que el teatro me aburría y que había vivido mis doce años de exilio sin pensar en él y sin que me hiciera falta.

En cambio la fotografía era mas que un oficio, era pasión y obsesión casi devoradora. Quizás también percibí que ya no lo hacía bien como director y que solo aplicaba un oficio en forma rutinaria un poco obligado por mi matrimonio con una actriz, matrimonio que también llegaba a su término. Así es que terminé con el teatro y con el matrimonio de treinta y cinco años. Luego vino un infarto y un cáncer al lagrimal que casi me cuesta un ojo o la vida. Salí de ese precipicio con el propósito de dedicarme solo a las imágenes que me importaban y no aceptar encargos impuestos. No ha sido fácil, pero me reconozco feliz y privilegiado en esta etapa de mi vida.

Durante su carrera como fotógrafo ha trabajado para la prensa, ha sido retratista, ha trabajado en el cine, en el teatro, ha hecho

bodegones,incluso ha hecho fotografía de moda. ¿ En cuál de estas facetas se encuentra más cómodo y porqué?

Todo me ha enseñado algo, pero son etapas ya vividas. Hoy solo fotografío lo que tiene que ver con mi vida, lo que decía Strand “en mi jardín está todo el mundo”.

Se le conoce sobre todo por su trabajo en B/N aunque ha trabajado mucho el color en sus trabajos comerciales. ¿Tiene una preferencia y porqué?

El color no me interesa e incluso no tengo archivo de color. Perdí o abandoné miles de diapos de países exóticos en Kodachrome cuando creí que mi destino era ser fotógrafo del National Geographic.

El color quiere ser la realidad y tardé mucho en comprender que el lenguaje fotográfico es otra cosa y que no somos notarios de nada.

Es de formación autodidacta, aun así ejerció de profesor de fotografía en la Universidad Católica de Chile y años más tarde en el Centro Internacional de Fotografía de Barcelona ¿como fué exactamente su formación y cómo se pasa de ser autodidacta a practicar la docencia?

Como expliqué antes. A mediados de los 60 en Chile no había dónde estudiar fotografía, salvo algunos cursillos eventuales. La reforma en los planes de estudio de la Universidad Católica , planteó la necesidad de crear cátedra de fotografía

“ La fotografía era más que un oficio, era pasión y obsesión casi devoradora.”

14 | ENTREVISTA | en periodismo de esa manera dando la posibilidad de escoger periodismo escrito o visual, algo absolutamente inédito en las universidades chilenas. Si bien tenía poca experiencia en fotografía y ninguna en pedagogía, mi formación universitaria en la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile y mi trabajo como director de teatro, me daban un conocimiento de metodologías de trabajo cercanos a la enseñanza. Desde mis comienzos me había interesado por los autores, los fotógrafos mas allá de una anécdota eventual a la que se le atribuía valor periodístico. Sometí estas ideas y fui nombrado por el Consejo Superior de la Universidad a comienzos de 1969. No había otros referentes y tuve que crear los planes de estudios desde cero para los dos primeros años. A finales de 1973 luego del golpe de estado, fui exonerado sin razón ninguna, junto a otros profesores. Dos de ellos serían luego Premios Nacionales de Literatura. En 1990 el nuevo rector me envió una carta oficial de excusa y la anulación de un decreto , que desconocía , que prohibía que enseñara en cualquier institución.

En el Centro Internacional de Barcelona, desarrollé talleres de reportajes de larga duración y trabajo en equipo. Uno de los que recuerdo con especial cariño fue el dedicado al “Distrito quinto” o “Barrio Chino” verdadero tabú de la Barcelona de esos años, donde incluso la policía vacilaba en recorrer y que quisimos mostrar despojado de su leyenda negra. Otro de los aspectos que se abordaron fue el conocimientos de autores, siguiendo la línea que ya había comenzado en Chile y ahora enriquecida por la gran biblioteca que poseía el Centro.

Estos esquemas son los que continúo enseñando en mis talleres, poniendo enfásis en autores y no en recetas técnicas. No son competitivos, no hay notas o premios y cada cual trabaja a su ritmo intentando encontrar su voz particular en la fotografía. A veces hablamos de cine o literatura y no escabullimos la discusión sobre temas políticos que nos afectan.

Su apellido es de ascendencia francesa, ¿Qué relación le une a Francia, país en el que ha pasado varios años de su vida, primero como estudiante de teatro y despues refugiandose de la dictadura de Pinochet?

Me crió mi abuela francesa pues mi padre había partido a unirse al General de Gaulle y los Francesas Libres cuando tenía dos meses de vida.

Mi madre debía trabajar para darnos que vivir y mi hermano mayor estaba ya en el colegio. Mis primeros recuerdos son la dulzura y el cariño de esa abuela que me hablaba en francés, me cantaba y luego mas grande ya me enseñaba juegos de cartas. Fui al colegio Alianza Francesa y aprendí francés antes que castellano, que solo aprendí a leer y escribir bien a los doce años. La cultura francesa es pues básica en mi infancia y adolescencia. El shock fue con mi llegada exilado. Quizás por mi estado de ánimo, nunca me integré de verdad a su cultura y pasé dos años muy negros en París.

Algunas de las imágenes más conocidas de la época de la Unidad Popular de Allende son suyas. ¿Cómo hizo para conservar las imágenes cuando partió para Francia en el año ’73?

Mis negativos. Quizás miles ya en esa época, quedaron escondidos en manos de varios amigos y pasado mas de un año, mi hermano que estaba en Chile, fue recuperándolos de a poco. Los entregaba en reuniones misteriosas a una amiga que trabajaba en la Embajada de Francia y ella con permiso del embajador, los enviaba por valija diplomática a

París. Me llamaban del Ministerio de Relaciones de Francia a mi casa en parís y así fui recuperando mi archivo. Algo se perdió pues por temor; algunos de quienes los guardaban los destruyeron. Los militares desde el primer momento quisieron borrar la memoria visual y eliminaron archivos públicos y privados. Mis fotos fueron tomadas por un proyecto personal, no eran encargos. Sabía que estabamos viviendo un momento histórico del que había que dejar memoria. Quizás me marcaron profundamente los relatos de la guerra civil española escuchados desde niño por el padre de mi mejor amigo, refugiado anarquista español.

Teníamos la impresión de enfrentarnos a un proceso similar y que yo debíamos documentarlo. ¿Cómo fué su vida en el exílio en Francia, pudo seguir trabajando de fotógrafo?

Llegué con un proyecto de rodar una película que preparabamos en Chile del cual yo era coguionista y dirigida por Raúl Ruiz. Como el noventa por ciento de ellos, al cabo de un tiempo se desvaneció y volví a mi profesión de fotógrafo y a buscar trabajo para sobrevivir. Trabajé esos dos años en

mi oficio, pero haciendo lo que los franceses no querían hacer. Trabajo alimenticio olvidable. Cuando había decidido partir, una casualidad llevó a que Martine Frank me ofreciera reemplazarla en su trabajo del Theatre du Soleil. Pero ya la decisión estaba tomada de dejar París. ¿Qué le supuso conocer a Cartier Bresson durante su estancia en Francia?

Son tres años de universidad y varios doctorados. Algo que no olvido y siempre agradezco.

De Francia pasa a Barcelona, ¿Porqué ese cambio, porqué salir de una dictadura en Chile y entrar en la dictadura franquista?

Mi esposa (en ese momento) era actriz y no tenía la menor oportunidad de ejercer su oficio en Francia. Ella es catalana y supuso que sería posible para ella actuar en Barcelona.

Dejé el pequeño departamento que habitabamos y una noche cargamos nuestras pocas pertenencias en un auto alquilado rumbo a España un par de semanas antes de la muerte de Franco.

¿Le costó conseguir empleo como fotógrafo al llegar a España?

Al llegar a Barcelona tenía un departamento prestado por unas semanas y dinero para comer por quince días. Era comenzar de cero una segunda vez, sin conocer a nadie. El domingo y cosa insólita, apareció un aviso en el diario que llamaba a postulación de fotógrafos para una empresa de audiovisuales. El lunes me uní a la larga fila que esperaban una entrevista y test sicológicos . Quedé seleccionado quizás porque era el mayor y con más experiencia que los otros en diferentes campos de la fotografía. ¿Vivió los últimos coletazos de la dictadura y los primeros años de la Transcición. ¿Qué recuerdos guarda de la transformación del país?

En España hice el gesto ritual que cuesta a los exilados, deshacer la maleta y decirse que esto era para largo, que había que comenzar a vivir la realidad del país en que ahora vivía.

Del miedo de los primeros días tras la muerte de Franco, se decía que ahora venía “la marimorena” pasamos a la alegría y la esperanza, una atmósfera de libertad que me recordaba el

18 | ENTREVISTA | Chile de Allende. La gente en la calle y tomándose los derechos negados durante tantos años. Yo tenía experiencia en fotos callejeras de manifestaciones y fui contratado por un semanario que recién aparecía ( aparecían todos los meses alguno nuevo ) una foto que tomé con la primera aparición pública de la bandera catalana fue convertido en afiche emblemático que durante años decoró las casas en Cataluña. Colaboré en “Por Favor” junto al Perich, Vázquez Montalbán y todo ese equipo, en el naciente “Play Boy “ español, revistas de arquitectura y finalmente en “El País” donde me dieron total libertad de hacer lo que yo quería.

Hice amigos como Maruja Torres y Txema Alegre , con los que de cuando en vez nos comunicamos.

Amé y fui amado. Me diron la doble nacionalidad y participé con alegría en las votaciones que cambiaron el rostro de España.

Entendí quien era como fotógrafo y ya no una mala copia de Cartier-Bresson o un aspirante a ocupar las páginas colorinches del National Geographic.

Dejé de mirar con nostalgia a Chile y aprendí a ser ciudadano de otra realidad.

Durante su estancia en España le premiaron varios trabajos (Foto- Press España, Premio Retrato de Prensa y Fotografía Política, los años 1984 y 1985),¿Por qué trabajos fueron los galardones?

Antes de partir hice una foto de Jordi Puyol, sentado en una mesa y con los pies colgando, un pequeño rey en su trono . Fue una pequeña venganza ante ese nacionalismo barato que inundó Barcelona y cambió el rostro de la ciudad cosmopolita que había conocido. La edición en Barcelona de “El País” la objetó, pero salió en la edición nacional. La otra creo que fue el retrato de Catalá Roca, primer fotógrafo “Premio Nacional de Artes Plásticas”. ¿Porqué decidió volver a Chile una vez que tenía una posición envidiable en España (trabajando como fotógrafo para El País)?

No tenía proyectado mi regreso. Me habían ofrecido ir a Madrid a la edición nacional, tenía otra oferta de Milán y un proyecto de sociedad con un amigo dueño de una agencia de diseño en París. Mi hijo, ya adolescente quiso regresar a Chile, dijo que allí tenía familia y su madre trabajaba con éxito en teatro y televisión. Quedarme significaba romper la familia. Son las decisiones que marcan la vida y

| ENTREVISTA | 21

no me arrepiento. Le debo muchísimo a España, mi formación básica en cultura es francesa, pero soy un mestizo que pertenece a este país, con el cual mantengo una relación de amor y rabia, como supongo será en todas las familias. Volví a Chile en 1985 a los 44 años a empezar de cero por tercera vez, a un país que desconocía y en el que por supuesto nadie me conocía. Me recibió el mismo día de mi llegada un terremoto de gran intesidad y salí con una cámara Sinar de gran formato a fotografiar los barrios del viejo Santiago de mi infancia. La ciudad fantasma habitada por el recuerdo de todos aquellos amigos que ya no estaban, destruida por el horror de la dictadura.

Así continué mi trabajo de memoria en un país amnésico.

Es muy conocido su trabajo alrededor de Neruda. ¿Cómo era su relación con el poeta y cómo nació esa amistad?

No puedo pretender una amistad con Neruda. Lo conocí en 1969 y luego volví varias veces a fotografiarlo a su casa, con el privileio de estar a solas con él, poder hablar de fotografía y que con generosidad me permitiera seguirlo a todas partes. No tengo respuesta al porqué confió en mí . Una de las razones de mi regreso fue también trabajar en su memoria, cuando su nombre estaba prohibido. De ahí nació el libro “Neruda, retratar la ausencia”, que se reedita en Chile y USA hasta hoy. ¿Qué le hizo marcharse otra vez de Chile a trabajar a

USA y qué impresión le dejó su estancia en ese país?

Mi ex esposa ( la catalana ) fue nombrada Agregada Cultural en USA en momentos en que una empresa teatral nos llevaba a la quiebra. Partí pues simplemente como acompañante. Sin embargo pude gestionar varios proyectos y viajé muy seguido a Chile , lo que me permitió hacer cuatro libros y una gran exposición en el Museo de Bellas Artes de Santiago. En Washington monté un laboratorio con los mejores elementos que siempre había soñado tener y la calidad de mis ampliaciones mejoró notablemente. No me interesó Washington para fotografiar, ciudad muy aburrida y solo para políticos.

Ahora está definitívamente devuelta en Chile, ¿en qué anda metido ahora?

Nos falta el período del 2001 al 2005 , donde viví en Bruselas esta vez yo como Agregado Cultural. Me divorcié , tuve un infarto y varios by-pass, un cáncer en el lagrimal que casi me cuesta la vida o por lo menos el ojo izquierdo, operación exitosa en Miami y dos meses de radiación. Mucho miedo, pero el comienzo de nuestra vida en común con Fernanda, que me obliga a fotografiar para no caer en una depresión. Luego el regreso a Chile (nunca sé si definitivo) y nacimiento de nuestras dos hijas Aurora (8 años) e Isabel (4 años).

Doy talleres de fotografía para grupos de máximo seis personas en mi pequeño taller de calle Huelén y genero proyetos de libros con una exposición en lo posible itinerante. Esta reciente muestra que agrupó el trabajo de un retrato de Fernanda en más de quince años me dejó seco, vacío y no sé muy bien para dónde voy ahora. Quizás y digo solamente quizás … mi diálogo con la naturaleza de Chile… un chico de la ciudad que apenas reconoce un par de plantas y que mira su entorno…lo mejor de él que es lo que nos dio la naturaleza y que nosotros destruímos para reemplazarla por los horrores de las ciudades en que vivimos.

Y sigo con la memoria, lugares y gentes.

Me va la vida en ello

Temo al olvido, las personas queridas parten desde mi infancia y no son reemplazadas, los lugares desparecen y no encuentro faros que guíen mi camino.

Nací en diciembre de 1940 y dos meses después mi padre fue de voluntario a la segunda guerra.

Lo conocí entonces a los cinco años, tratando de unir esa figura que bajaba del avión a la de los pequeños rectángulos de papel que llegaban por correo de tiempo en tiempo. ¿Para qué servía ese señor si yo tenía toda la ternura de mi abuela y mi madre? Siendo yo adolescente partió otra vez y ahora para vivir definitivamente con otra familia. Años después, en mi exilio, me reencontré con él y tratamos de entablar un diálogo. Sólo cuando murió y me pasaron una pala para que, según el rito francés, fuera el primero en lanzar piedras y tierra sobre el cajón que sonaron secamente, pude entender la importancia que había tenido en mi vida y cómo ya lo extrañaba dolorosamente.

Busqué fotos que me devolvieran su presencia y encontré solo unas pocas; las pequeñitas de la guerra desaparecieron y hasta hoy sólo habitan mi memoria.

Así mis fotografías han sido siempre un rescatar del olvido y la destrucción, paradoja en un país que pareciera no tener memoria y no quererse a sí mismo, en un afán permanente de destruirlo todo, más allá de lo que la naturaleza se encarga de hacer.

Me va la vida en ello.

Son las primeras palabras que atraviesan mi mente cuando veo estas imágenes, larga obsesión de más de quince años fotografiando sin tregua ni reposo a Fernanda. Desde la muchacha de pelo largo hasta la cintura que me mira desconfiada a la mujer adulta madre de nuestras dos hijas. Yo por mi parte adulto desconcertado, perdiendo el rumbo de mi vida y de mi oficio, vestido descuidadamente con ropa muy grande, zapatos sin lustrar desde hace semanas y cordones sin atar. Pocas ilusiones y quizá sintiendo que el camino ha llegado a su fin.

Nunca se sabe cómo nace el amor, si comenzó con las fotos o el sentimiento me llevó al retrato obsesivo. Tratar de entender, como en todo retrato, a ese ser humano, e intentar no perder su presencia multiplicando las imágenes como acto de magia, para que los pedazos de papel sustituyan en algún momento no querido su presencia.

Así esta serie no empezó como proyecto para mostrar a otros, era simplemente nuestro compartir diario de mirarnos y tratar de conocernos, a veces jugando a personajes posibles en una situación imposible. Abordamos todo, dejando de lado la autocensura y permitiéndonos la libertad de dos niños sin reglas preestablecidas.

La luz fue apareciendo en mis imágenes como presencia poderosa, luz que había estado a punto de desaparecer con mis dos graves enfermedades. La esperanza de salir de ese barranco tenebroso me lo dio Fernanda, obligándome a fotografiar cuando casi no veía. Fotografiar siempre porque así superaba el miedo.

Decidí que si me quedaba un tiempo, solamente fotografiaría lo que surgía de mi, no aceptar encargos, que había acometido tantas veces sumisa e inútilmente. Sólo conocía mi dolor y mi alegría, de aquello podía hablar, pasear la mirada por dentro al decir de Queco. Ese era el fotógrafo que yo era, ya no Cartier-Bresson o uno del National Geographic a quienes había tratado de imitar.

Las palabras de Alekan que sitúan la vida entre la emoción del blanco al nacer y el temor al oscuro definitivo de la muerte encarnaron mi estética.

Muchas fotos quedaron en el camino, más de siete mil diría yo para la selección que hice para publicar un libro. Se entremezclan géneros estéticos supuestamente irreconciliables: retrato, desnudo y paisaje, simplemente como respuesta a un ¿y porqué no?

El retrato aquí no es un segundo arrebatado al olvido, es una prolongación de momentos que llegan a ser años, búsqueda frenética para comprender el misterio del ser amado. ¿Será el misterio o los misterios?

El desnudo, cuerpo modelado por la luz y amenazado por las sombras, el cuerpo parece iluminar aquello que nos cuesta entrever y el paisaje, lugar donde todo acontece, miedo, misterio y amor.

Fernanda es más que una musa a la que se le atribuye un rol pasivo, es una interlocutora que propone y sugiere, coautora de estas imágenes, en la larga tradición de la historia de la fotografía, y que decir de la plástica.

A veces las fotos surgían de sueños, casi alucinaciones que intentaba reproducir al despertar, otras simples vagabundeos siguiendo los consejos de Sergio Larraín dejando que las imágenes llegaran a mí. Ciertos lugares, el árbol antiguo y solitario que me interpreta, son visitados regularmente, en distintas estaciones y en diferentes etapas de Fernanda.

Gradualmente la serie se transformó en tarea única, desinteresándome de otras fotografías y como toda pasión, excluyente de lo que no la concierne, devoradora y creadora.

La serie no termina aquí, es sólo un alto, un oasis para que la mirada de otros la enriquezca con su lectura como sucede con todas las fotografías en las que la proposición del fotógrafo es modificada por el lector. Seguiré en ello, quizás en forma no tan obsesiva, pero sin final.

Es un trabajo personal, sin encargo, ni fecha, en el que he volcado todo lo que he aprendido de

los fotógrafos y de los escritores que me han acompañado, y está dedicado a las mujeres en mi vida, Fernanda musa, Lucía mi abuela que me crío, mi madre Aurora, figura humilde que sacrificó todo por sus hijos y a mis hijas Aurora e Isabel.

nuria

LĂ&#x201C;PEZ torres SEX & revolution in CUBA

Nuria López Torres es una fotógrafa documentalista que centra su trabajo en temas relacionados con el mundo de la mujer, el género, las violencias y las sexualidades.

Le interesa que sus proyectos se conviertan en ensayos fotográficos donde conjuga fotografía y antropología. Combina el desarrollo de sus proyectos personales, con su colaboración como fotógrafa freelance en diferentes publicaciones nacionales e internacionales, y la docencia en centros especializados de fotografía. Es miembro de la organización GEA PHOTOWORDS.

| NOMBRE PROPIO | 31

| NOMBRE PROPIO | 33

| NOMBRE PROPIO | 37 SEX AND REVOLUTION IN CUBA Tras la llegada al poder de Raúl Castro, en la isla se inicia una serie de cambios económicos y sociales significativos. Uno de los cambios más importantes que el régimen anuncia está relacionado con las nuevas políticas de sensibilización en materia de diversidad sexual, e identidad de género, que lidera Mariela Castro Espi, (hija del actual presidente) y directora del Centro Nacional de Educación sexual de Cuba. Cambios que algunos ven como una simple estrategia de marketing político en materia de Derechos Humanos.

Me encontraba realizando un proyecto titulado TransRetratos sobre personas transgénero, cuando conocí a Cristina, una transexual cubana afincada en Barcelona, que me comentó que en su país se estaban produciendo cambios respecto al tema de la identidad de género. La idea de poder hacer un trabajo sobre transexualidad en Cuba me atrapó desde el primer momento, teniendo en cuenta, que nadie hasta el momento había abordado esta temática en el país. De Cuba se ha hablado y fotografiado mucho, pero nunca nadie había hecho un trabajo de este tipo, y la verdad es que me seducía ese reto, sin contar, que llevaba 13 años sin visitar esta hermosa isla, y ya tenía muchas ganas de volver.

Un años después por fin pude viajar a la isla, donde realicé el trabajo Trans Habana. De regreso a Barcelona, y analizando todo lo que pude ver y vivir, decidí que el proyecto debía de abarcar a toda la comunidad LGTBI (Lesbianas, Gays, Transexuales, Bisexuales e Intersexuales), y documentar esa pequeña revolución que se estaba dando, en un colectivo que durante décadas había sufridos políticas homófobas.

Realizar un retrato íntimo de la realidad, la vida y la cotidianidad de las personas homosexuales en Cuba, sobre el impacto real que las nuevas políticas estaban teniendo en la comunidad LGTBI; con personas de diferentes clases socioeconómicas, y diferentes intereses, a través de una investigación en profundidad. De esta forma nació el proyecto Sex and Revolution in Cuba, tras tres años de trabajo.

Un ensayo fotográfico en el que he tratado de abordar cuestiones diversas y delicadas como la prostitución, la discriminación, la marginalidad, la violencia de género, el VIH, los roles de género, pero también, la cotidianidad, el activismo, el compromiso y la esperanza.

En la actualidad el proyecto se encuentra en la fase final de una campaña de micro mecenazgo, que inicié para recaudar fondos y poder publicarlo en formato libro.

Un libro que recogerá la voz y testimonios de muchas personas, que de forma tan generosa, me permitieron entrar en sus vidas y ser testigo de ellas.

ANGร LICA

ESCOTO huracรกn de sal

Los seres humanos, somos aves sin plumas que cuentan cuentos.

Sam Keem

Huracán de sal Habitar la Península –que es casi una isla- implica cruzar el mar o atravesar el desierto; cuando me adentro en él, sé que cualquier ruta me llevará sin perderme hasta el Océano Pacífico y sus extensiones. Sin duda, el valor de hacerlo se vincula estrechamente con el “acto fotográfico” que realizo en cada viaje para poseer y reinventar otros paisajes.

Los huracanes construyen impensables laberintos sobre el mar con salidas a la tierra. Un huracán es más que un punto blanco de sal en el mapa; su forma es una espiral logarítmica que se usa como símbolo de fuerza, adversidad y constancia.

Odile, nombre de mujer; nació en septiembre del 2014 en el Océano Pacífico al Sur de México. Sal, sustantivo femenino.

1”K’an, repetición del peligro, agua sobre agua, abismal. Ella rellena los sitios por los que pasa, sin rebasar, sin retroceder, sin miedo a las caídas, sin perder la original forma de ser, siendo leal a sí misma”.

De sodio son los dientes, la osamenta y el caparazón que cargo en el centro de este laberinto neuronal, edificado con millones y milimétricos cristales de sal que se multiplican y crecen con simetría especular.

| LATINOAMÉRICA | 43

Carson, menciona en su libro El mar que nos rodea: “Llevamos en las venas la corriente salina de nuestra sangre, en las que el sodio, el potasio y el calcio se hallan en combinaciones semejantes a las que existen en el mar… Esta es la herencia desde el día, hace un número incalculable de millones de años, en que un remoto antecesor pasó de la etapa unicelular a la multicelular y adquirió por primera vez un sistema respiratorio en el interior de cual corría un rumor casi idéntico al de los océanos.”

“Huracán de sal” fue edificado en cinco viajes que empecé en marzo del 2014 en Cataviña, La Laguna de San Ignacio, y Bahía de los Angeles. Pero durante la invención de las imágenes el ojo oscuro de Odile, entró a tierra por Los Cabos de la Península y arrastró mi casa y el desierto al Golfo de California.

Angélica Escoto 2015

Angélica Escoto utiliza performace, fotografía y texto para explorar, pensar y sentir el paisaje. Usa como soporte la fotografía análoga, los personajes son hijas y autoretrato. Sus intervenciones en la ciudad y el desierto logran magnificar una narrativa visual que hablan sobre deslumbrantes vacíos y ausencias, sus piezas señalan un realismo poético.

Estudió periodismo en el DF en la “Carlos Septién García. Trabajó como editora en varios diarios regionales en la República Mexicana. Su trabajo fotográfico ha sido publicado en España, Francia, Alemania, Estados Unidos, Argentina, Venezuela y México.

Ha tomando talleres con reconocidos fotógrafos como Francisco Mata Rosas, Pablo Ortiz Monasterio, Elsa Medina, Pedro Cañas, Maya Goded, Allan Frame, Javier Ramírez Limón, Gerardo Montiel, Ireri de la Peña, Yolanda Andrade, Pavka Segura, José María Catalá, y Federico Gama entre otros.

Dentro de unos días, concretamente los días 5, 6 y 7 de junio, tendrá lugar la I Edición de Bilbao Photo Experience. Vicky Duro Picaza organizadora del evento nos cuenta en qué consiste.

aceptación que está teniendo esta primera edición. Nos gustaría que fuese el trampolín desde el que lanzarnos a un segundo evento más potente, rico también en variedad en cuanto a contenidos y productos, pero asentando un evento referente en nuestro entorno. ¿Qué podremos encontrar durante los tres días que dura Bilbao Photo Experience?

Hemos querido diferenciar, en el mismo espacio, varios ambientes creando un espacio acogedor para propiciar las relaciones entre los asistentes, y poder seguir Hola Vicky, cuéntanos cómo y cuando nace Bilbao nutriendo este amplio e interesante campo que es la Photo Experience. fotografía: Bilbao Photo Experience surge de la necesidad de Encontraremos desde el propio salón de conferencias aglutinar múltiples y diversas miradas desde la fotodonde aprender de ponentes de referencia, con temátigrafía. cas y líneas dispares entre ellas.

Para elaborar esta propuesta dirigida a todas las Una exposición fotográfica “Estropadak, liturgia de un sensibilidades fotográficas, nos pusimos a trabajar deporte” del fotógrafo Humberto Bilbao Ogando. conjuntamente, tejiendo hilos y tendiendo puentes entre entidades, fotógrafos, marcas, agentes culturaUna amplia zona comercial dónde ver y pobrar las últiles… perfilando poco a poco la propuesta. mas novedades en cuanto a material fotográfico.

Desde luego, no podemos quejarnos de la gran

| COMODÍN | 53

BILBAO PHOTO EXPERIENCE

Foto arriba © Chema Madoz - Foto página anterior. Islandia © Chavi Nandez 2013

“Bilbao Photo Experience surge de la necesidad de aglutinar múltiples y diversas miradas desde la fotografía.”

| COMODÍN | 55 Un espacio que hemos denominado Innova Bilbao, donde disfrutar a tope de varios cursos de lujo impartidos por profesores de lujo.

Curso de fotografía de viajes, curso de fotografía nocturna en bici-taxi … qué no encontraremos en Bilbao photo Experience?

Me gustaría destacar las Jornadas de Puertas Abiertas durante los 3 días, para todas aquellas personas que quieran visitar la exposición de Humberto Bilbao Ogando y la zona comercial del festival, sin necesidad de estar inscrito en el mismo. Permanecerá abierta al público el viernes y sábado de 11:00 a 13:00 y de 16:30 a 20:00 horas, y el domingo de 11:00 a 13:00 horas.

Parece que las charlas a las que podemos asistir en Bilbao Photo Experience son muy variadas y pueden atraer a un público muy variado. ¿Cuánta gente puede asistir a los eventos?

Siendo optimistas y de Bilbao je je je,… El límite que nos hemos fijado, son 280 personas.

Siempre teniendo en cuenta lo atractivo de los fotógrafos participantes y sus ponencias. Contamos, entre otros, con dos grandes Premios Nacionales de Fotografía. ¿Cuál es la fecha tope para la inscripción y qué precio tienen las entradas?

Hemos fijado como último día el próximo 3 de junio, coincidiendo con la presentación de Bilbao Photo Experience a las 12:30 en las instalaciones de Bilbao Arte. A partir de ahí, se pueden adquirir en el mismo lugar del evento, en el Gran Casino Bilbao.

Los precios son bastante asequibles: para las 3 jornadas completas 60€, si perteneces a alguna asociación, federación, escuela y/o grupos que estén organizados, el precio es de 54€ y si se quiere asistir por jornadas 22€/día.

Todas las entradas comprenden: - Asistencia al festival - Visita a la exposición fotográfica “Estropadak, liturgia de un deporte” del fotógrafo Humberto Bilbao Ogando.

- Suscripción gratuita por seis meses en las Apps de Foto DNG para tablets y smartphones (iOS y Android y otros sistemas en quiosco de Magzter). Cortesía de Foto DNG - Sorteo de una cámara Samsung NX2000.

Cortesía de Casanovafoto - Sesiones de fotografía de la mano de Innovafoto - Y alguna que otra sorpresa que estamos cerrando en este momento

Luis Bayl贸n

Calais, Port of hope and despair por

Salvador Ba帽贸

Colita

| SANGRE FRESCA | 59

A lo largo de los últimos 20 años la ciudad portuaria de

Calais, en Francia, que conecta el continente Europeo con el Reino Unido se ha convertido en el ultimo obstáculo a superar para los inmigrantes que huyen de las guerras, regímenes opresores y crisis económicas en todo el mundo.

L

os inmigrantes, en algunos casos tras haber pasado años viajando, desde países como Mali, Sudan, Eritrea, Afganistán, Irán y más recientemente Siria, se cuelan dentro de camiones destinados al Reino Unido mientras estos esperan en el puerto de Calais.

Su situación se vuelve aun más penosa debido a los constan-

tes controles en el puerto llevados a cabo por los agentes de seguridad del puerto y la policía francesa. Sin ningún tipo de instalación para lavarse y siendo alimentados solamente una vez al día por organizaciones de voluntarios muchos, tras meses de espera y desesperación optan por el suicido o por tomar menos precauciones a la hora de intentar cruzar el Canal de la Mancha dentro de los ferris lo cual se traduce en graves lesiones o incluso desapariciones.

E

stas fotografías son un intento por documentar su lucha en busca de una vida mejor e invita al público a reflexionar sobre las regulaciones sobre inmigración vigentes hoy en día en Europa.

Aunque no hay cifras oficiales se calcula que entre 900 y

1200 inmigrantes se encuentran constantemente atrapados en Calais, olvidados y viviendo precariamente.

60 | SANGRE FRESCA |

“Los inmigrantes, en algunos casos tras haber pasado años viajando, desde países como Mali, Sudan, Eritrea, Afganistán, Irán y más recientemente Siria, se cuelan dentro de camiones destinados al Reino Unido mientras estos esperan en el puerto de Calais.”

Colita

| SANGRE FRESCA | 63

Salvador Bañó

(Barcelona, 1987) es un fotógrafo catalán.

Tras empezar sus estudios en periodismo en España y terminarlos en Londres se interesa por la fotografía documental y la actualidad social, política y económica en el mundo.

Actualmente reside en Paris y trabaja para la agencia italiana NUR Photo que distribuye sus fotografías.

Más interesado en causar un impacto positivo y hacer reflexionar al público con su trabajo, destina parte de su tiempo a realizar proyectos fotográficos que se centren en cómo el entorno cambiante del mundo en el que vivimos hoy en día, afecta a los individuos y sus comunidades.

64 | SANGRE FRESCA |

“Estas fotografías son un intento por documentar su lucha en busca de una vida mejor e invita al público a reflexionar sobre las regulaciones sobre inmigración vigentes hoy en día en Europa.”

66 | COMODÍN |

| EL MUNDO ALREDEDOR | 67

Real ociedad S Fotográfica La Real Sociedad Fotográfica es una de las instituciones dedicadas a la fotografía más antiguas de Europa ​y del mundo​. Fundada en 1899 sobrevive, y goza de buena salud, ubicada ahora en su emplazamiento actual de la calle Tres Peces​2​del madrileño barrio de Lavapies. Charlamos con su actual​Presidente​ Enrique Sanz Ramírez sobre el pasado y presente de la RSF.

68 | EL MUNDO ALREDEDOR |

La Real Sociedad Fotográfica nace de la mano de unos aficionados a la fotografía, aristócratas y gente con medios para dedicarse a está forma de arte mezcla de química y pintura. ¿Quedan en vuestros archivos imágenes de esa primera época?

Por supuesto forman parte de nuestra fototeca como legado histórico, artístico y documental, y más concretamente han sido mostradas al público en varias ocasiones, concretamente en PhotoEspaña en las muestras de “ Las Arcadias “ en el año 2006 y en “ Ninfas y Sátiros “ en el 2008 entre otras.

También estuvieron presentes en la magna exposición celebrada en la Fundación Mapfre con fondos de la RSF,en el año 1996.

En la portada del libro de” La Historia de la RSF. Voluntad de fotógrafos “ se testimonia esa primera etapa con una imagen de la reunión de socios de la época.

Leyendo la historia de la RSF en vuestra página web, nos ha llamado la atención que no se menciona, ni de pasada, el grupo La Colmena, formado por el recientemente fallecido Rafael Sanz Lobato, Carlos Miguel,Donato de Blas, Sigfrido de Guzmán, Evaristo Martínez Botella, Carlos Corcho, Serapio Carreño y Vicente Nieto, muchos de ellos magníficos fotógrafos.¿Porqué esta omisión?

Podemos decir que no están todos los que son en la somera y escueta semblanza de nuestra web, faltarían muchos y no solo los que citas, pero hemos tratado a través de dos exposiciones y entrevistas en la web a Vicente Nieto Canedo o como la exposición que hicimos de Sigfrido de Guzmán en PHE para poner en valor su trabajo.

La RSF ha vivido muchos vaivenes en los que ha pasado de estar condicionada por los gustos pictorialistas , a pasar a ser la chispa que encendió las vanguardias fotográficas (sobre todo en los ’50 y ’70)¿hay alguna explicación para esta fluctuación?

Fueron momentos de grandes cambios sociales y la fotografía tenía que testimoniar esos cambios y el germen de esa transición a la fotografía más realista y social y aunque la RSF no compartiera enteramente en su momento los postulados de

Nueva Lente, sus componentes se formaron en sus tertulias y concursos.

Parece que lo más recordado de la historia de la RSF será la creación de la llamada Escuela de Madrid. ¿ Hay alguna corriente o grupo que destaque en la RSF hoy en día?

En el libro de La Historia de la Real Sociedad Fotográfica (lectura que recomiendo fehacientemente) se recogen todas las corrientes y movimientos que hemos tenido en la RSF y algunos de ellos poco conocidos como grupo pero sí por sus miembros individuales .

Actualmente en mi opinión los grupos no tienen tanta presencia como antes, porque quizás premie más el trabajo individual al colectivo, o tal vez porqué no, por falta de ideas.

Enrique, ¿qué propuestas has aportado como actual​Presidente ​de la RSF? Considero que ha sido una labor de equipo y que en el tiempo que yo presido la RSF nuestra intención ha sido la mejora sistemática de la web , de la agenda de actividades y de las instalaciones, la presencia de la RSF en el Festival Internacional PhotoEspaña y en otros eventos nacionales y extranjeros.

Sabemos que la información está en vuestra web pero, ¿nos podrías contar qué hay que hacer para ser socio de la Real?

Ante todo tener una pasión por la fotografía y el deseo de compartirla con los demás, para ello seguimos teniendo los concursos sociales que sigue siendo uno de las actividades más importante de la agenda de actividades. ¿Qué beneficios comporta ser socio de la RSF? La principal ser miembro de una de las sociedades fotográficas decanas en el mundo y participar en sus actividades, pero fundamentalmente el sentirse arropado por personas que tienen tus mismas inquietudes. Dicho esto, los socios podrán: Disponer de una galería virtual para cada socio en la web.

Presentar su trabajo en proyecciones dentro de las actividades y abiertas al público en general.

70 | EL MUNDO ALREDEDOR |

Tener la oportunidad de exponer en las galería de la sociedad.

Disponer de un plató fotográfico en condiciones más ventajosas.

Para los amantes de lo analogico una planchadora de papel baritado y una cortadora de paspartús.

Uso de la magnífica biblioteca.

Visita guiadas exclusivas a exposiciones con los artistas o comisarios.

Precios especiales para socios en los talleres que se imparten en la sociedad.

Somos conscientes que el asociacionismo pasa desde hace ya tiempo por sus peores momentos, en épocas de mucha comunicación, poca conversación y reflexión, y con un afán colectivo de no buscar compromisos ¿Que tipo de exposiciones se pueden ver en la RSF?, ¿Se exponen alguna vez los importantes fondos históricos con los que cuenta?

En la selección de las exposiciones que mostramos en nuestra sala, tratamos de combinar y alternar el

trabajo de nuestros socios con los trabajos de otros fotógrafos , han pasado todo tipo de estilos y tendencias , desde conocidos como Isabel Muñoz hasta los jóvenes en ciernes como los que presentamos este mes que son los estudiantes de la Escuela Artediez, escuela pública cantera de futuros valores.

Vuestra biblioteca tiene merecida fama, ¿está abierta a consultas externas o es solo para socios?

La biblioteca es de uso privado para los socios, hemos tratado de darle más visibilidad y acometimos una importante reforma para hacerla más accesible para el socio, se han realizado charlas y tertulias sobre fotolibros y se han celebrado estos dos últimos años una exposición llamada ​Influencias… ​en la que los socios, homenajeaban a los grandes maestros tomando como modelo la obra del fotografo que le habia influenciado de imagenes de los libros de la biblioteca Nada más, muchas gracias a Enrique por contestar nuestras preguntas. No olvidéis echarle un vistazo a su página web, y si estáis en Madrid, daros una vuelta por su sede, vale la pena.

Sebastiao Salgado Mina de oro de Serra Pelada 1986

| LA PIEZA | 73

A

ntes de entrar a comentar la obra de Sebastiao Salgado he de confesar que no soy especialista en el campo fotográfico, voy a focalizar mi comentario sobre una fotografía a partir de las sensaciones, impresiones que la obra produce en mi interior. Más que sobre temas teóricos o técnicos ligados a la fotografía me voy a dejar llevar por las sensaciones, evidentemente subjetivas, (pero hasta un cierto punto objetivas), que emanan esos centímetros cuadrados de grises, blancos y negros sabiamente dispuestos en la superficie del papel, o mejor todavía, me voy a dejar llevar por la mirada de otro ser humano, el fotógrafo, en el momento de “ver” (y de que forma) el espectáculo de vida que tenía delante de sus ojos.

Sé que se ha acusado a Salgado de estetizar la pobreza, de ser un “voyeur” de la miseria ajena. Algunas veces también sus obras pueden pecar de excesivamente esteticistas; lo acepto, y en algunas ocasiones puede que esté de acuerdo, pero ese es el Salgado más flojo.

El mejor Salgado es capaz de mostrarnos la grandeza de unos seres anónimos, la grandeza llena de humanidad de un grupo humano. La foto que nos ocupa, hecha en la mina de oro de Brasil, muestra el trabajo inhumano de unos buscadores de oro. Podemos imaginarnos la extrema miseria que deben de sufrir esos seres obligados por las circunstancias a dejar sus entornos sociales, familiares o humanos, obligados a vivir en un entorno con poca o nula intimidad, obligados a autoprotegerse frente a la agresividad sea física, o emocional que una vida en esas condiciones supone. Pero como no ver también a través de la mirada de Sebastiao la inmensidad emocional de esos seres anónimos que muestran sus caras agachadas por el esfuerzo, de esos cuerpos que como Sísifo suben la carga, la descargan y vuelven a iniciar su trayecto ascendente que puede les lleve a ganar un poco de dinero, que seguramente guardarán, enviarán a sus familias o malgastarán en alcohol y prostitución en un desenfreno por narcotizar sus almas.

En toda esa miseria Salgado también quiere mostrarnos la grandeza de la acción que están desarrollando.

La composición arremolinada a partir del semi-círculo central asciende hacia los bordes de la fotografía como metáfora que sugiere una expansión de la acción hacia el universo infinito que empieza a partir de los límites de la imagen. Somos conscientes del esfuerzo sobrehumano que realizan, pero como

no fijarnos también en la inmensa grandeza que su acción representa, como no captar la enorme belleza que emana de esa grandiosa composición con tintes épicos, la belleza de esta imagen partida en dos por la línea que divide la fotografía en una parte grupal y en un primer plano en el que los personajes se muestran más individualizados. A mi entender Salgado no quiere hacernos olvidar lo obvio, el sufrimiento, pero quiere mostrarnos que dentro de ese cotidiano sufrimiento también surgen emociones, miradas, grandezas. Un incendio forestal representa una destrucción de infinidad de ecosistemas pero al mismo tiempo, y no debemos de avergonzarnos de sentirlo, esas llamas inmensas en la noche también construyen unas imágenes muy potentes que son capaces de emocionarnos frente a su inmensa belleza, o como dirían los románticos frente a lo sublime de la acción.

Encuentro pues que en las obras de este fotógrafo brasileño hay una autenticidad que se reafirma cuando sabemos que una parte de los beneficios por las ventas de sus obras van a parar a su Fundación ligada a la defensa del medio ambiente. Creo sinceramente que empieza a ser hora de pedirle al artista visual un mayor grado de implicación en los temas sociales, quiero decir que empieza a ser hora en la cual, más que pedirle, debemos exigirle una correlación entre lo que dice en su trabajo el artista y como actúa como ser humano. En el caso de Sebastiao Salgado veo una coherencia entre su trabajo creativo y su forma de actuar como ser humano que repercute positivamente en la autenticidad de la obra. Si no fuese así, esta fotografía no sería más que decoración como tantos artefactos de la contemporaneidad artística. Salgado no solo actúa denunciando los hechos como fotógrafo sino que también lo hace a través de las actividades que desarrolla la fundación.

Dejo este escrito sobre una realidad que Salgado me ha mostrado, lo dejo pero se que los seres que nos ha presentado continuarán inagotablemente, machaconamente, injustamente, arrancando de la tierra pequeños fragmentos de luz que malbaratarán para transformarlos en cápsulas de vida Ginestar Artista Plástico