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Oriol Maspons
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Javier Campano
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NOMBRE PROPIO
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LATINOAMÉRICA
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COMODÍN
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ENTREVISTAS
Luis Asín
Christian Rodríguez
Cada día un fotógrafo
SANGRE FRESCA Estela De Castro
EL MUNDO ALREDEDOR Lomografía
LA PIEZA Hans Gutmann/Juan Guzmán
Javier
CAMPANO De formación autodidacta, comienza a dedicarse profesionalmente a la fotografía en 1975. Sus inicios están ligados a la escuela Photocentro y a la revista Nueva Lente, Campano pertenece a la generación de fotógrafos que surge en un vital Madrid. Él mismo nos cuenta en primera persona como vivió aquellos agitados años y su largo recorrido a través de la fotografía. ¿Cómo empezaste en este oficio? Paseando con la cámara en mis ratos libres y en viajes, hasta que la afición me superó y dejé mi trabajo para dedicarme exclusivamente a la fotografía
Ambas
¿Te acuerdas de cuál fue tu primera cámara? Una cámara rusa de ocasión, una Zenit réflex que me regaló mi padre por Reyes
¿Reencuadras las fotos? Nunca
¿Cuál fue la primera foto o fotógrafo que te impresionó? Robert Frank y André Kertesz, entre otros ¿La última foto o el último fotógrafo que te ha hecho sentir lo mismo? Baylón y Jason Langer ¿Con qué cámara sueles disparar? En analógico con Leica M6 y en digital con Canon Mark II ¿Te da igual una que otra? No ¿Tienes una óptica favorita? 50 mm ¿Horizontal o vertical?
¿Qué prefieres disparar a tiempo y hacer lo que esperabas o no llegar a tiempo y sorprenderte? Vale todo si la imagen es buena
¿Cómo te has adaptado al mundo digital? Perfectamente ¿Digital o químico? ¿Por qué? Ambos, pero ahora mismo, profesionalmente, es más práctico trabajar con digital ¿Qué películas utilizas? Kodak tri-x ¿Retocas las imágenes? ¿Con que software? Prácticamente nada, sólo ajusto los niveles en Photoshop CS5.1 ¿Cómo ves el panorama a día de hoy? Creo que en general la cultura fotográfica se ha desarrollado mucho, lo cual me parece muy positivo, hay más, y muy buenas exposiciones, libros, ediciones, escuelas y mucha gente joven haciendo fotos con interés que nos darán sorpresas.
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“No me gusta robar fotos de gente. Y aun así he tenido momentos complicados con algunas personas que por error imaginaban que les estaba fotografiando a ellos cuando en realidad estaba a otra cosa.” Hola Javier, ¿Qué mejor que empezar por el principio? Tu hermano es un reconocido pintor y tú un maestro de la fotografía. ¿Es coincidencia o es debido a que crecierais en un ambiente familiar que propiciara la creatividad? Mi padre en su juventud tuvo una etapa de pintor aficionado pero su afición principal era la música, tocaba el violín. Pero lo que realmente nos influyó a mi hermano y a mi siendo niños fue una colección de libros de arte de la editorial Skira que había en casa y que crecía de año en año. Mi hermano estudió Bellas Artes y se hizo pintor. Un día a principios de los 70 fuimos juntos a visitar el estudio de Fernando Zobel en Cuenca y nos causó una gran impresión, tanto Zobel como la visita al museo de arte abstracto de Cuenca. Hay varios hechos que marcaron mi dedicación a la fotografía: una, encontrarme con Luis Pérez Mínguez en Amberes en un concierto de los Rolling Stones. Allí comenzó una relación que continuó en Madrid. Luis ya era fotógrafo y me introdujo en los rudimentos de la técnica fotográfica. Por otro lado, conocí al fotógrafo David Seaton, que trabajaba en la galería Vandrés de Madrid, que me pasó mucha información sobre fotografía en general y sobre libros y autores americanos que yo todavía no conocía. En aquellos años me suscribí a dos revistas de fotografía que eran de mucha calidad y mostraban tanto a los clásicos como a los fotógrafos más actuales: Creative Camera, inglesa, y Camera, suiza. Por entonces me compré un equipo de segunda mano: una cámara nikkormat con tres objetivos y aquello fue definitivo para saber que quería dedicarme profesionalmente a la fotografía. Viviste el especial momento en el que la fotografía se abría paso en este país. Perteneces al selecto grupo de artistas vinculados a la escuela Photocentro y a la revista Nueva Lente. Es casi una obligación que recordemos aquellos momentos. ¿Qué suponía ser fotógrafo en el Madrid de las décadas 70 y 80?
Suponía vivir una época difícil y emocionante. Franco murió en 1975 y comenzó una etapa efervescente tanto en lo político como en lo social y artístico cultural, la gente quería expresarse, romper con los convencionalismos y estrenar la recién conseguida libertad. Mi primera exposición individual fue en Photocentro y mis primeras fotos personales fueron publicadas en Nueva Lente, tanto esta revista como Photocentro fueron vitales en el desarrollo de la fotografía española. Comparte alguna de las mejores anécdotas del contexto de la escuela Photocentro y de aquella España en la que iniciabas tus pasos de fotógrafo Yo no fui alumno de Photocentro pero estaba en contacto con ellos, me publicaron algunas fotos en la revista Zoom en español que la gestionaban ellos y asistí a numerosas actividades como proyecciones, presentaciones, etc., recuerdo la proyección de los primeros cortos de Almodovar o la exposición de Bernard Plossu al que ya admiraba. ¿Qué papel jugaban entonces las publicaciones especializadas en fotografía?, ¿cómo recuerdas a la crítica y los concursos de arte fotográfico de aquellos años? Como te he dicho antes, las revistas especializadas jugaban un papel importante porque era información de lo que se estaba haciendo fuera. El caso de Nueva Lente fue excepcional porque trajo innovación y frescura al panorama fotográfico español. Yo no era muy aficionado a los concursos pero tuve la fortuna de ganar un premio en Alicante y con lo que me dieron me compré una Hasselblad de segunda mano que todavía conservo. ¿Eran viables económicamente los proyectos expositivos dedicados a la creación de vanguardia,
lograban fácil repercusión mediática? Yo creo que era bastante complicado conseguir exponer en Madrid. Aparte de Photocentro y la galería Redor no había sitios abiertos a la fotografía. En cuanto a los medios recuerdo el interés que pusieron Juan Manuel Bonet y Quico Rivas en difundir las exposiciones, siempre que tuvieron oportunidad. ¿Un joven fotógrafo podía conciliar su trabajo creativo y el de encargo para subsistir en el Madrid de la Movida? En mi caso lo podía compaginar. Trabajé para instituciones, museos y galerías, principalmente haciendo reproducciones de arte: pintura, escultura, etc. En tus imágenes se observan ambientes de dimensión urbana y arquitectónica impregnados de presencia humana, sin embargo nunca vemos estas presencias de forma explícita, ¿huyes del contacto humano cuando te dispones a realizar una toma? ¿Tiene este hecho relación directa con la expresión intimista que todo tu trabajo trasmite? No me gusta robar fotos de gente. Y aun así he tenido momentos complicados con algunas personas que por error imaginaban que les estaba fotografiando a ellos cuando en realidad estaba a otra cosa, así que en general procuro evitarlo. No obstante me gusta la gente como paseantes anónimos o como parte del paisaje urbano. ¿Qué supone para un fotógrafo exhibir su trabajo (la retrospectiva Hotel Mediodía) en un museo como el Reina Sofía?
12 | ENTREVISTA | Para mí fue un gran privilegio y por otro lado, una oportunidad maravillosa de revisar mi trabajo de muchos años con detenimiento y con otra mirada, una experiencia muy gratificante. Durante tus más de 35 años de trayectoria has conseguido conciliar poesía con humor, el blanco y negro con el color. Tu obra parece ahora más pictórica que nunca, muestras abstracciones geométricas, imágenes compactas donde el tiempo se ha congelado. ¿Es un intento de conciliar las artes plásticas del pasado siglo; fotografía y pintura? Para mí, sigue siendo todo lo mismo, tiene tanto valor el color como el blanco y negro, son variaciones de lo mismo y en todos los casos la poesía y la emoción siempre están presentes, eso es lo que intento. En tu último trabajo: Pinturas de paso, algunas imágenes evocan las primeras pinturas de tu hermano Miguel Ángel Campano. ¿Es una huida del canon fotográfico y un acercamiento al pictórico? ¿A qué artistas admira Javier Campano? Siempre me ha gustado la pintura y me he sentido atraído por ella. En mis paseos callejeros veo y encuentro en las paredes muchas referencias a la pintura y a algunos de mis preferidos: Rothko, Barnett Newman, Malevich, etc., también me gusta mucho el arte pop y la ciudad gráfica: rótulos, grafismos, números… ¿Podemos encontrar en tus últimos trabajos al Campano de la exposición de arquitectura racionalista que se expuso en el IVAM en 1998? ¿Cuáles son las claves para reconocer en la edad madura al fotógrafo paseante, al Campano que deambula por ciudades como Lisboa, Valencia, París, Nueva York, Tánger, Sevilla, Buenos Aires o Madrid? Independientemente del tema o del motivo que fotografíe siempre me ha interesado mucho la geometría, la composición y le doy una gran importancia al encuadre, que nunca altero a posteriori. No recorto nunca las fotos. Javier, según tu ojo maestro, ¿qué es lo más importante para un joven que se atreve a aventurarse en el actual mundo de la fotografía? Hacer fotos con libertad, pasándolo bien. Leer mucho, ver cine, ir a los museos, mirar fotos de todas las épocas, dejarse llevar por las corazonadas y no perder la cabeza, ni la cámara, ni la cartera Entrevista, por Eugenio Vizuete
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LUIS ASÍN Madrid, 1962 En 1989 se desplaza a California (EE.UU) para estudiar fotografía en diferentes universidades, graduándose en el San Francisco Art Institute en 1992. Entre 1998 y 2003 es profesor asociado en la facultad de Bella Artes de Cuenca. En el año 2003 recibe el Premio Villa de Madrid de fotografía Kaulak. Ha realizado varias exposiciones individuales y colectivas en EE.UU, España, Francia y Portugal. En la actualidad vive y trabaja en Madrid
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A TIENTAS Asín abandona en esta muestra el rigor de la fotografía arquitectónica que caracteriza buena parte de su obra para representar el espacio con una mirada volcada en la intimidad. En palabras de Marcos Giralt Torrente: “A tientas es un homenaje a la luz que todavía alumbra cuando alguien admirado repentinamente nos abandona. A Tientas es una búsqueda de los pasos que se han hecho eco detenido; de las conversaciones y las músicas y las risas que quedaron prendidas en el pasamanos de una escalera; de las vidas que tal vez nunca fueron y sin embargo se intuyen tras los visillos de una ventana; de las huellas que permanecen más allá de sí mismas. A tientas intenta imitar el vagar escindido del sonámbulo que camina sin ver por escenarios que sus otros sentidos reconocen”
Christian RODRÍGUEZ
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N
ació en Montevideo, Uruguay (1980). Comenzó su formación visual en el Taller “Dellioti” de artes plasticas, estudiando diversas tecnicas de dibujo y pintura (19931999). Sus primeros cursos de fotografía los realizó en “Dimensión Visual” y “Foto Club”. Entre los años 2004 y 2005 trabajó como camarógrafo en VTV (Uruguay). Desde el 2006 al 2008 integró el staff del diario El Observador (Uruguay). Durante ese mismo periodo produjo campañas de moda y publicidad. Ha colaborado con las agencias de noticias France Presse, AP, EFE y Reuters. En 2006 realizó la cobertura del conflicto Israel-Hezbollah en el sur del Líbano, comenzando su evolución personal sobre lo cotidiano. En 2007 estudió diseño de moda en la escuela “Pablo Giménez” y finales del mismo año ingresa al stock Win-initiative (EEUU). En 2008 ganó la beca “Roberto Villagraz” y se trasladó a Madrid para realizar el master documental de EFTI, ganando el “Premio Futuro” de su generación (2009). En 2011 fue nominado para el Joop Swart Mastarclass del World Press Photo. Su trabajo a cambiado al ámbito de la fotografía de autor, centrando su mirada en la vida de mujeres, buscando historias muy cercanas y cotidianas. Su interés radica en mostrar una visión moderna y cotidiana de la mujer y su entorno. Su trabajo se ha publicado en diferentes medios a nivel internacional y ha sido expuesto en Uruguay, Brasil, México, Guatemala, El Salvador, Honduras, Nicaragua, Estados Unidos, España, Francia, Italia, Reino Unido y Camboya Actualmente reside en el barrio madrileño de Lavapiés y trabaja en un proyecto en proceso sobre el embarazo adolescente en Latinoamérica. Recientemente ha recibido el premio Nuevo Talento Fnac de fotografía 2013 por su trabajo “Xiec”
Blahnik Durante la movida madrileña, a principios de los 80, surge uno de los movimientos más
importantes en la cultura y sociedad española. Chueca, el barrio gay de Madrid, es para muchos el hogar de dicho movimiento, allí nace la figura del “Drag Queen”. Casi 30 años después, el movimiento de Drags se ha visto disminuido, y ese “glamour” del que gozó tiempo atrás se va desvaneciendo poco a poco. BLAHNIK es uno de los tantos drags que trabaja en la noche madrileña. Durante el día se llama Sergio Barron, y trabaja como dependiente en una tienda de lencería en el centro de la capital. Comparte su vida sentimental con Francisco Peinado, con quien convive y hace dos años son pareja. Junto a “Fran” han ido moldeando y perfeccionando su personaje. Fran es un artista plástico, que se dedica a la pintura y es quien ayuda a Sergio en todo lo relacionado con BLAHNIK. Cada fin de semana cuando comienzan a preparar la gala, es él quien le prepara su peluca, arregla su vestuario y lo maquilla. Sergio comenzó a vestirse de mujer y a crear su personaje como un ejercicio del curso de actuación que realizo hace dos años. Poco a poco fue ganando más protagonismo y moldeando el carácter de su personaje. Comenzó a visitar los bares de chueca como BLAHNIK hasta que tuvo su oportunidad. Desde ese entonces trabaja no solo en bares sino en despedida de solteras, cenas y galas privadas en toda la geografía española. Ser BLAHNIK es lo que más le gusta aunque las jornadas sean largas y agotadoras, por el momento sigue con su trabajo de dependiente mientras alterna su vida entre tacones y maquillaje.
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©Edward Weston
© Charles L Dodgson
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Blog Cada día un fotógrafo En esta ocasión tenemos la suerte de hablar con Luis Martínez Aniesa, el creador del blog conocido como ” Cada día un fotógrafo / Fotógrafos en la red“. El blog presenta cada día un pequeño artículo de un fotógrafo del mundo en el que se muestra un pequeño resumen de su biografía, una foto representativa de su trabajo, una lista de las posibles referencias que tenga en Internet , alguna frase importante que haya dicho o escrito y la lista de sus libros si los ha publicado. Está en el quinto año de funcionamiento y contiene más de 1.600 fotógrafos. Hola Luis, en primer lugar, cuéntanos como se te ocurre crear este blog que poco a poco se está convirtiendo (y seguro acabará siendo) en una completa enciclopedia de la fotografía mundial. ¿Tu idea de este blog era ésta en un principio? Bueno, intentando ahora volver atrás, a los comienzos, no sé por qué comencé a hacer este blog. Me imagino que por una suma de cosas: deseos, necesidades, limitaciones personales. El desencadenante fue encontrarme con el blog Enkil, Uno de los nuestros, que mostraba el trabajo de fotógrafos, pintores y artistas gráficos contemporáneos. Me impactó y quise hacer algo parecido, pero sólo con fotógrafos. Al principio era una copia descarada, pero poco a poco fue cogiendo personalidad propia y hoy es difícil encontrarle parecido. Al principio era “Fotó-
grafos en la red” y trataba sobre fotógrafos que estaban presentes en Internet. Tras unos meses de funcionamiento, reorganicé el trabajo que había realizado, publicando cada día el artículo sobre un fotógrafo a partir del 1 de enero de 2009 y continuando así hasta ahora. El blog se convirtió en “Cada día un fotógrafo”, escribiendo sobre todo tipo de fotógrafos, incluidos los precursores de la fotografía del siglo XVIII, los grandes clásicos, etc., ya tengan un presencia muy fuerte o prácticamente nula en Internet, aunque la base de mi investigación sea mayoritariamente la red. No era lo previsto, pero como casi todos los proyectos, éste tiene su vida propia y, al final, sin querer, el blog se está convirtiendo, como dices, en una enciclopedia de la fotografía muy completa
¿Cómo encuentras a los fotógrafos?, nos imaginamos que será cada vez más difícil una vez que hayas mostrado a los más conocidos. Cuando empecé era bastante analfabeto en la historia de la fotografía. Mi nivel fotográfico era también el que era, así que no me consideraba un comisario que pudiera elegir qué fotógrafos eran suficientemente buenos para aparecer en el blog. Me fiaba de Enkil y si él lo ponía en su blog, el fotógrafo podía aparecer en el mío. Poco a poco fui mirando otras páginas, blogs, revistas, etc., y los enlaces que tenían algunos fotógrafos en sus páginas. Después llegué a las páginas de Magnum (creo que tengo a todos los fotógrafos de Magnum), a las del premio World Press Photo, a National Geographic, a Portafolio Natural. En resumen, sigo una serie de blogs de fotografía que considero serios y estoy atento a cualquier nombre de fotógrafo que lo cite alguien de confianza. Lo apunto y luego lo planifico en mi calendario intentando organizarlos de una manera variada y amena. Ya hace un año, me hice la pregunta de si podría seguir encontrando fotógrafos interesantes, pero no hay problema, me quedan muchos, incluidos algunos de gran prestigio y calidad. A veces me sorprendo de cómo se me ha podido escapar
“Sigo una serie de blogs de fotografía que considero serios y estoy atento a cualquier nombre de fotógrafo que lo cite alguien de confianza. Lo apunto y luego lo planifico en mi calendario intentando organizarlos de una manera variada y amena.”
hasta ese momento ese fotógrafo tan importante que acabo de apuntar en mi lista de fotógrafos a publicar. El blog es mundial, ¿resulta más difícil encontrar fotógrafos en algún continente en concreto? ¿Oceanía por su lejanía, África por la falta de información que proviene de ese continente…? Como mi búsqueda de información es por Internet, la mayor parte de la información sobre fotógrafos a la que accedo es la del mundo anglosajón, principalmente los Estados Unidos. Después, condicionado por el idioma y la cercanía, viene el mundo de la fotografía en España. África es una gran desconocida en la fotografía, salvando Sudáfrica (al que podríamos incluir en el mundo anglosajón, como a Australia). Un poco menos Asia, donde Japón es un referente muy importante y con una visión fotográfica distinta. América latina tiene su importancia y un idioma común con nosotros, que nos podría acercar, pero… no forma parte del imperio. Esto es la historia de la fotografía, condicionada por los medios de comunicación y la mirada del mundo occidental a su ombligo. La realidad es que hoy en día hay una fotografía emergente en Rusia, China, Vietnam, India y hasta Brasil, con miradas propias que nos llega con cuentagotas. Los fotógrafos que publicas, ¿tienen que cumplir algún requisito o solo depende de tu gusto personal? En un principio tienen que tener una presencia en Internet para que considere que tienen el peso suficiente para estar en el blog. Una página web propia y digna es imprescindible (salvo para el caso de viejas glorias), una trayectoria de varios años, publicaciones en periódicos o revistas importantes, haber escrito algún libro de fotografía, pertenecer a una agencia de renombre, haber realizado exposiciones en galerías de prestigio, haber ganado premios o becas internacionales, tener un trabajo original. Supongo que en los casos en que coincidan pocas de estas premisas, interviene un poco el gusto personal. Está claro que aparecen en el blog fotógrafos de todo tipo, hay algunos estilos fotográficos que me gustan más bien poco, por mucho renombre que tenga el fotógrafo, pero, sin embargo, ahí están. Aprovecho este momento para hacer hincapié en la importancia que para un fotógrafo tiene actualmente tener una página web digna en la que mostrar lo mejor de su obra.
© Eikoh Hosoe
© MartinChambi
Arriba © Peter Beard Abajo Derecha© Jorge Rueda. Abajo Izquierda © Dorothea Lange
Viendo la calidad del blog nos imaginamos que le dedicas un montón de tiempo, ¿Te dedicas en exclusiva a ser blogero? ¿Has encontrado la manera de que te sea rentable economicamente? Pues sí, dedico mucho tiempo, de 1 a 3 horas por fotógrafo. Incluso para el artículo de un fotógrafo que quiere aparecer en el blog y me da todo hecho me tomo más de 1 hora para comprobar todo lo que me da y adaptarlo a mi estilo personal. Esto no es problema, salvo cuando me voy de viaje 10 días, por ejemplo, y tengo que adelantar el trabajo para que siga apareciendo cada día un fotógrafo. Estar 10 días seguidos unas 5 horas haciendo esto es muy duro. He compaginado durante 2 años el blog con mi trabajo oficial (este es el 5º año con el blog), y luego con la fotografía (soy fotógrafo aficionado), otros blogs, un poco de informática y mis obligaciones familiares. En su cuarto año, el blog me ha proporcionado una pequeña cantidad de dinero por publicidad, que no ha bastado para cubrir mis gastos en papel y material de laboratorio y cuotas de los concursos fotográficos en los que he participado. Creo que este mismo blog en inglés multiplicaría hoy mis ingresos por 10 y podría incluso,en un par de años, obtener una cantidad de dinero importante. Sin embargo, en el mundo hispano y de la cultura, pienso que puedo llegar pronto a un techo con el que la cantidad de ingresos ya no suba y no sea realmente importante. Podría escribir un libro sobre esto. Seguro que ganaría más que hablando sobre fotógrafos. Sin embargo, todo el esfuerzo realizado tiene una compensación inmaterial ¿suficiente?; me ha permitido aprender mucho de fotógrafos y de la historia de la fotografía, me ha permitido ver fotografías maravillosas y de todo tipo, he aprendido mucho sobre blogs, he tenido en algunos casos correspondencia con fotógrafos muy importantes y en algunos casos he tenido un cordial contacto personal con fotógrafos que había incluido en el blog. He recibido también comentarios muy agradables de usuarios del blog y tengo unas cuantas anécdotas que contar. También he sido nominado en algún concurso de blogs, aunque, por el momento, no haya obtenido ningún premio. Y he sido invitado como jurado al festival Reflexiva 2013, donde he vivido una experiencia inolvidable. Aparte del blog Cada día un fotógrafo, tienes facebook, twitter, flickr, otro blog llamado “Buscando la belleza” , linkedin, web…. ¿eres una persona o tres?, en serio, ¿cómo haces para gestionar tantos contenidos?
No voy a citar todo lo que tengo en la red, que es mucho más de lo que citas, porque sería preocupante. En realidad es bien sencillo, sólo el blog “Cada día un fotógrafo” tiene una publicación diaria y me requiere un esfuerzo importante. El resto de cosas son puntuales y son el apunte de lo que voy haciendo en mi vida diaria. Veo el mundo a través de la ventana de Internet y publico algunas cosas. Ah, se me olvidaba: no trabajo desde hace 2 años. Hemos visto que la gente te puede mandar sus trabajos (consultad las condiciones en la pestaña solicitudes del blog) para que los valores para publicarlos. ¿De qué parte del mundo te mandan más trabajos? ¿Notas un estilo particular en los trabajos que te mandan, vamos, que si notas a primera vista la diferencia entre un fotógrafo europeo y uno asiático o de Latinoamérica? El blog, escrito en castellano, es leído por españoles e hispanoamericanos al 50%. Así, la gente que me pide aparecer en el blog normalmente habla español. Quizás unos pocos más que lo piden son sudamericanos. El que me pidan aparecer es un problema, pues normalmente no tienen una presencia importante en Internet. La impresión que me dan es que son fotógrafos muy noveles y con una fotografía no muy buena ni demasiado original. Supongo que el coste para un sudamericano de aparecer en mi blog es mayor que el de un español del mismo nivel. No es justo, pero… Y eso que la fotografía sudamericana me parece más fresca que la europea. No tengo interés en que la gente se invite ella misma a aparecer en el blog, pero como pasaba a veces, puse unas condiciones, que la mayoría no cumple. Un consejo a navegantes: si quieres aparecer en el blog, moléstate en leerlas y trabaja un poquito. Por último, ¿has publicado tu trabajo en tu blog? Bueno, leyendo los requisitos para aparecer en el blog, poco a poco voy cumpliendo algunos, pero creo que me faltan unos añitos de dedicar más tiempo a la fotografía que al blog para poder conseguirlo
Luis Bayl贸n
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ES TE LA DE CAS TRO
t o
Compartiendo un instante
Colita
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Madrid, 1978
A la temprana edad de 12 años Estela de
Castro decide que va a ser fotógrafa, desde entonces la fotografía ha marcado su vida. Con 16 años comienza a formarse en la escuela de fotografía “Look” realizando cursos de retrato, fotografía de autor, moda, publicidad y técnico de laboratorio en b/n entre otros. Ha realizado distintos talleres de formación fotográfica con Oscar Molina, Javier Vallhonrat, Valentín Vallhonrat y Eduardo Momeñe. Trabajó como ayudante de fotógrafo en “Ciclorama Estudios”. Actualmente esta publicando retrato editorial en las revistas Esquire y Forbes. El centro de interés principal de Estela de Castro es el ser humano. Estela tiene la capacidad de entrar por un instante en el interior de la persona y mostrárnoslo con naturalidad y aparente sencillez. Rubricando ese aspecto humano que la identifica, ha realizado un trabajo en torno a la figura de su hermano, en su proceso hospitalario sufrido debido a una enfermedad neurodegenerativa. Documental con implicación sentimental de enorme calado emocional. En otro orden de cosas, Estela de Castro recibió el año pasado la beca del Seminario de Fotografía y Periodismo de Albarracín, donde ya fue finalista en 6 ocasiones. También fue finalista dos veces para el Master de La escuela “EFTI” y en una para el Master de “LENS”. Ha proyectado su trabajo en distintos Festivales como Sevilla Foto, Traffic, Emulsión Sur, GetxoFoto o Engranaje. Ha expuesto su obra en numerosas ocasiones, en exposiciones tanto individuales como colectivas. Algunos de los lugares son el Museo Abierto de Mérida, Escuela de Arte de Talavera de la Reina o el Museo de la Ciudad de Carmona entre otros. En la actualidad trabaja en un proyecto en torno a los mas importantes fotógrafos españoles. Los retrata en la intimidad de su casa y realiza una pequeña entrevista en video
46 | SANGRE FRESCA |
Alberto G. Alix
Gonzalo Juanes
48 | SANGRE FRESCA |
Sandra Balsells
Crist贸bal Hara
50 | SANGRE FRESCA |
Joan Colom
Eugeni Forcano
52 | SANGRE FRESCA |
Javier Vallhonrat
Alberto Schommer
Juan Manuel Castro Prieto
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Compartiendo un instante Muéstrame una parte de ti. Esperaré cualquier descuido para retratar parte de tu alma, la parte que tú quieras mostrarme, sin artificios, sin adornos, sin mentiras. Invadiré tu espacio vital y personal durante un breve periodo de tiempo, el suficiente para ver dentro de ti. Con tu permiso, entraré a navegar en tus ojos, veré más allá de tu mirada, y se quedará registrado en el negativo, para siempre. Te atraparé en el tiempo, te guardaré en mis recuerdos. Aprenderé del espacio compartido. Mi admiración hacia ti, me hará estar en tu vida un instante. Me enseñarás algo más, algo más de tus imágenes. Y te lo agradeceré siempre, fotógrafo, agradeceré la confianza depositada en mi para abrirme las puertas de tu casa y de tu vida.
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LOMOG Hablamos con Pasquale Caprile , fotógrafo y Embajador Lomográfico para España.
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GRAFÍA
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Para empezar Pasquale, nos puedes contar ¿Qué es una Lomo y que es Lomografía? Lomography es un movimiento fotográfico que tiene sus raices en la ciudad de Viena hace ya más de 20 años. Todo comenzo con la cámara rusa la Lomo-LCA. Con ella se inicio una forma divertida, desenfada, atrevida y muy colorista de hacer fotografía. Una forma de acercarse a la gente sin intimidarla con una cámara reflex tradicional. La Lomo-LCA es discreta, silenciosa, mide la luz de maravilla, la lente satura los colores y al ser un 32mm viñetea las esquinas al no cubrir el 100% del fotograma. Es la cámara perfecta para hacer StreetPhotography. La filosofía de la Lomografía se resume en su lema “no pienses, dispara” y va acompañada de diez reglas de oro. ¿Se podría comparar la lomografía con el movimiento Dogma en el cine?, ¿Nos puedes contar cuales son las reglas? La mejor regla es la última… No hagas caso de las reglas, es lo que yo aplico desde mis inicios como fotógrafo. La creatividad es la clave del éxito, sin ella no te formas como artista. El movimiento Dogma podría tener algo que ver con la historia Lomografica, solo que en mi opinión la Lomografía se implanta como una tendencia única y alternativa a la fotografía tradicional vista en los inicios de los 80.
Las imágenes que producen los modelos de Lomo no basan su atractivo en la calidad de las imagenes que producen (imágenes saturadas, distrorsionadas, viñeteadas). Entonces, ¿ Porqué crees que la gente se siente atraida hacia la Lomo? Bueno en primer lugar te digo que las cámaras Lomográficas si ofrecen una calidad excepcional, sus lentes de cristal y de plastico ofrecen unas calidades a las que otras cámaras ni se acercan. Habría que entrar en definir, que se entiende por calidad. Lo importante es saber que es lo que se quiere, el fotógrafo debe saber que herramienta utilizar para cada trabajo o proyecto. Nuestras cámara ofrecen efectos de viñeteado, las lentes está diseñadas para fortalecer el contraste y el color, su principal características es que todas ellas son muy fáciles de usar por cualquier aficionado inexperto. Aparte de cámaras, la lomografía se ha embarcado a crear nuevos tipos de pelicula (hace poco una con efectos de película infraroja). ¿No es un poco suicida en los tiempos que corren? ¿Los usuarios de las cámaras Lomo serán los “salvadores” de fotografía analógica? Está claro que sin película analógica, por muchas cámaras que tengas no puedes hacer fotos con ellas. Esta premisa Lomography la tiene bien
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reconocida, por esta razón, Lomography dedica muchos recursos en inventar y en editar nuevas opciones para ofrecer y tener bien contentos a todos los Lomógrafos del mundo. Nos parece curioso que la Lomografía , uno de los últimos bastiones de la fotografía química, deba la mayor parte de su éxito a sus comunidades y acciones en la red. ¿Crees que existiría la lomografía sin internet? Bien esta pregunta es importante. ¿Crees tú, que otras marcas hubieran podido llegar donde están, si no hubiera sido por las redes sociales e Internet? Todos las empresas del mundo mundial, se han beneficiado de Internet, Lomography es una de ellas, hemos aprovechado a tope este maravilloso recurso, para hacer llegar nuestro movimiento a cualquier rincon donde un fotógrafo pudiera estar interesado en nuestras cámaras. ¡!!Viva Internet!!! La Lomography Gallery Store es algo más que una tienda donde uno puede comprar los modelos de Lomo, también es un punto de encuentro entre aficionados a este tipo de cámaras. Cuentanos qué podemos esperar al visitar una tienda Lomo. Las Gallery Store de Lomography ofrecen muchas opciones interesantes, la más importante es el trato humano, es la calidad que ofrecemos a todos nuestros clientes y amigos lomógrafos En nuestras tiendas damos consejos, trucos, ofrecemos asesoramiento, creamos amigos. Es un lugar para compartir experiencias. Las tiendas Lomography son un punto de encuentro y en ellas se desarrollan un sin fin de actividades. Los Lómografos clientes cuando vienen a la tienda, es como si entraran en su propia casa. La Lomografía tambíen cuenta con una revista online y una extensa comunidad de usuarios. ¿cuando una persona compra un modelo de Lomo se convierte por extensión en Lomógrafo y en parte de esa comunidad? El Magazine de la pagina On-line de Lomography es como una Wikipedia, puedes encontrar miles de datos interesantes que tengan que ver con la fotografía analógica. Tu mismo puedes hacer la prueba. B u s c a e n G o o gl e p o r u n a
d e t e r minada cámara analógica o técnica y ya verás que las primeras respuestas son de Lomography. La pagina se nutre de colaboradores lomógrafos que escriben y comparten sus experiencias con la comunidad, se nutre de todos los amigos de Lomography en el mundo y es por ellos que cada vez es más potente. Además puedes abrir tu propia LomoHome y compartir tus obras con el resto de la comunidad. Si buscas información sobre fotografía analogica, entra en nuestra web. Una de las cosas que nos encanta de la comunidad es que también tiene su lado solidário a traves del proyecto Lomo Kikuyu. Cuentanos en qué consiste Lomography hace todo lo posible por colaborar con proyectos humanitarios, proyectos como el de Kikuyu hace que nuestro movimiento tenga más sentido. Resumiendo es un proyecto basado en ayudar en Kenia, a gente con problemas de vista. Todos los que estén interesados pueden obtener más información si entran en este link: http://microsites.lomography.com/kikuyu/ Por último, nuestros suscriptores van a tener la oportunidad de ganar una Lomo solo por el hecho de haberse suscrito a Ojos Rojos (todavía estaís a tiempo). Cuentanos cúal es el modelo y cual es su atractivo. Si la verdad es que os felicitamos por vuestra iniciativa. Nos gusta mucho colaborar con gente emprendedora y si además son proyectos relacionados con el arte y la cultura, pues mucho mejor. La cámara que ofrecemos es una Konstruktor DIY, tu mismo montas tu cámara sin necesidad de pegamentos y en tan solo 45 minutos. Es muy, muy fácil de hacer y al mismo tiempo es una forma de entender como es una reflex por dentro. Seguro que al ganador le gustará tener esta experiencia. Mucha suerte a todos aquellos lectores que particpen. Muchas gracias a vosotros también y felicidades por vuestra iniciativa. Viva la fotografía analógica… Viva Lomography
Hans Gutmann/ Juan Guzmán Marina Ginestà. Barcelona 1936 Por Isabel Bilbao
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a fotografía me fascina desde aquellas tardes en que repasaba fotos familiares con mi abuela. El sentimiento de convivir esos instantes retratados con sus protagonistas y preguntarme qué habría sucedido antes y después de aquel click no se ha esfumado. La fotografía-documento, la instantánea, la foto buscada pero no preparada proporciona información no sólo visual sino también emocional. La fotografía que prefiero ya sea de un paisaje, árbol, animal o personaje cuenta siempre una historia y ayuda a comprender el estado de las cosas. En la buena fotografía confluyen fotógrafo, espectador y motivo capturado. Los tres insuflan vida a la imagen dotándola de profundidad expresiva. En 2007 conocí Berlín y prácticamente me instalé en ella. Abrimos, mi marido yo, una galería de Arte y resistimos hasta el 2010, año en que decidimos devolver el cuartel general a Jávea… aunque dejamos allí un pié, lo que nos permite retornar con cierta frecuencia. Durante las largas temporadas que pasé en esa ciudad tan especial respiré aires nuevos que me fueron enriqueciendo y ensanchando. Los conocimientos universitarios y literarios de Historia que poseía sobre las guerras y sobre la II Guerra Mundial en concreto; las revoluciones, los idearios, los regímenes soviéticos y las sociedades a las que afectaban todos esos sucesos del Siglo XX se fueron transformando poco a poco en experiencias tangibles, en vivencias casi personales a través de los lugares, los edificios, las personas, los relatos directos, las piedras, los cementerios y los escombros de Berlín. A finales del mes de Febrero del 2009, año en que se cumplía el 20º aniversario de la caída del Muro, recibí, como tantas otras veces, una invitación del Instituto Cervantes para una exposición sobre el archivo fotográfico histórico de la Agencia EFE en la Willy-Brand-Haus La fotografía de reclamo de la exposición penetró como una flecha directa y veloz en mi mirada y tras retener el aliento unos segundos inspiré, me erguí y elevé mi barbilla imitando a la jovencísima mujer que me vigilaba desde ese cartón con sus ojos como espadas. Armada con un fusil colgado a la espalda a modo de bandolera, el pelo largamente corto, vestida con camisa y mono, lucía su juventud, su arrojo, su convicción y su desafío en esa foto. La energía que desprendía su figura me devolvió el valor que iba perdiendo para afrontar el día a día de mis arduas batallas con el mundo del arte. Coloqué su foto en lugar visible de mi apartamento de manera que la veía al salir y al volver, y me gustaba pensar que esa actitud tan poderosa podía generarla yo también. El fotógrafo alemán, de Colonia, Hans Gutmann, se convirtió en Juan Guzmán en 1933, cuando llegó a España. El 21 de Julio de 1936, año en que se incorporó a las Brigadas Internacionales, realizó varias fotografías en la azotea del Hotel Colón de Barcelona. Marina Ginestà, de diecisiete años, aparece en varias, pero es ésta la que mejor describe su figura y el momento. En ella se refleja confianza para vencer sobre el conflicto, ilusión por defender un ideal y la ingenua esperanza, aún intacta, de salvar una Barcelona irremediablemente dividida por sus luchas internas y amenazada por las tropas recién insurrectas del general Franco. En el 2008, Julio García Bilbao, de EFE, localizó a Marina en París a los 89 años. Los mass-media inundaron de información sus páginas impresas y virtuales. Marina había logrado pasar a Francia y durante la II Guerra Mundial se refugió en los Estados Unidos para regresar a París más tarde. Guzmán por su parte acabó la Guerra Civil en un campo de concentración, también en Francia, de donde escapó para llegar a México comenzando una nueva etapa como fotógrafo de prensa y reportero. Miles de personas conocen hoy en día esta imagen y su historia, pero yo aprovecho esta ocasión para recordar mis días en Berlín inspirados por esta magnífica fotografía y relataros el por qué de mi elección