Orbe México Arte y Cultura. Edición Agosto 2021 by revistaorbemx

ORBE

N Ú M E R O 6 // A Ñ 0 1 // A G O S T O 2 0 2 1

MÉXICO

A R T E Y C U L T U R A

Arte milenial

Lorena Santbrown Bram L

Cuba y México a través del bolero Sandra Margarita Busto Maríno

El cine te sacude: Nelson Carro

Arquitectura, geometría, luz y color Andrés Reyes

Director editorial fundador Adolfo Zárate Coordinadora editorial María Dolores Reyes Herrera Coordinadora de artes plásticas Blanca Vargas Diseño de revista y portada Abigail Zárate Colaborador en la Ciudad de México Francisco Ramírez Núñez Colaborador en la Ciudad de México Ficcionero Colaborador en Brasil Philippe Monneveux Colaboradora en Cuba Yuray Tolentino Hevia Colaboradora en Estados Unidos Maritza Maldonado

Agosto 2021

www.orbemx.com revistaorbemx@gmail.com

ORBE

MÉXICO

A R T E Y C U L T U R A

Revista Electrónica de Divulgación para promover el talento de los artistas y la cultura de un país más allá de las fronteras. Año 1, Agosto 2021, es una publicación electrónica bimestral, editada por el Consejo editorial de la revista Orbe México. Diego Rivera Número 138, Fraccionamiento Laguna del Valle, Código Postal 91779, Veracruz, Ver. México. Celular +52 2291110104. www.orbemx. com. Editor responsable Adolfo Zárate Martínez, revistaorbemx@gmail.com Reserva de Derechos al Uso Exclusivo: En trámite. Responsable de la última actualización de este número Adolfo Zárate Martínez Las opiniones expresadas por los autores no reflejan la postura del editor de la publicación. Todos los artículos son de creación original del autor, por lo que esta revista se deslinda de cualquier situación legal derivada por plagios, copias parciales o totales de otros artículos ya publicados y la responsabilidad legal recaerá directamente en el autor del artículo. Queda estrictamente prohibida la reproducción total o parcial de los contenidos e imágenes de la presente publicación. La reproducción de contenidos requiere previa autorización del Instituto Nacional del Derecho de Autor.

Editorial «Orbe México» continua promoviendo el arte y cultura más allá de las fronteras y acercándonos cada vez más entre países hermanos. En esta sexta entrega, incluimos una vez más la música. Sandra Bustos nos lleva al pasado para darnos a conocer un interesante artículo: «Cuba y México a través del bolero». Desde su creación por el trovador José (Pepe) Sánchez en su natal Santiago de Cuba, hasta que llega a tierras mexicanas en el siglo XX. «Arquitectura, geometría y color» del mexicano Andrés Reyes, a través de una entrevista, nos da a conocer su mirada como creador de su colección de obras pictóricas, el cual busca involucrar al espectador en un universo mágico de formas y colores vivos, y perciba las tres formas de apreciación de éstas. Resaltando la geometría de sus volúmenes tridimensionales con ayuda de luz ultravioleta y azul. Apegado principalmente a la geometría sagrada y a las modulaciones como la sección áurea, además de las formas orgánicas usadas en la arquitectura. Como resultado del taller internacional de Creación Poética «Caudal de Letras», la escritora de México, Miguelina Reyes Hernández nos da a conocer «Frases entre arenas», poemario presentado virtualmente en Lima, Perú, en Junio de este año. José Miguel Díaz Pérez con su artículo aborda la categoría de “Identidad” desde tres enfoques: Uno, lo que el grupo Teatro Los Cuenteros representa en sí mismo para la identidad cultural de San Antonio de los Baños, Cuba; otro, dirigido hacia lo interno: la identidad colectiva de “Los Cuenteros” como “sentimiento y consciencia de pertenencia” al grupo y por último, la estrategia educativa de “Los Cuenteros” respecto a la construcción y fortalecimiento de identidades (tanto individuales como de pertenencia a diferentes espacios sociales) en el público receptor.

Marita Palomino nos de habla una de las voces más importantes de la poesía peruana: Blanca Varela, que se convierte en la primer mujer en ganar el Premio Internacional de Poesía de Granada Federico García Lorca. En la literatura, se incluyen 4 poemas del poeta mexicano Refugio Valencia Rodríguez, y tres poemas de su compatriota Sandra Gallardo y de Ruth Pérez Aguirre una narrativa. Por parte de Colombia un cuento “El becerro negro” de Gloria Beatriz Urueta. Y de Manuel Mosquera una prosa: “Carta a un amor que nunca olvidaré”. Un Segundo fragmento del drama “ Sombras en el paraíso” del conocido actor mexicano de televisión, teatro y cine Alberto Estrella. Lucía Méndez Cárdenas y Marco Silva Martínez entrevistan a Lorena Santbrown y Bram L.; dos artistas milenial que muestran algunas de sus obras, además de expresar ideas, pensamientos, emociones y perspectivas que dan impulso a su creatividad. Wilmer A. Colón Echevarría, artista plástico de Puerto Rico, nos platica a través de una entrevista la idea de reciclar láminas de poliéster de las radiografía para crear nuevas obras. Por su parte, el escultor Jorge Luis Álvarez Blanquet, nos habla acerca de su obra que en forma recurrente aparecen cráneos humanos. Cecilia Byrne, artista plástica chilena nos comparte su gusto por crear obras de arte a partir del “arte Naif”. Para Nelson Carro director y programador de la Cineteca Nacional de México -“El cine te cambia, te afecta, te sacude de una manera total”. En esta entrega se incluyen 25 obras de artes visuales; donde participan: España, Colombia, United Arab Emirates, Chile, Panamá, México, Malaysia, Argentina, Perú, Ecuador, Cuba y Taiwan. Querido lector, lo exhortamos a disfrutar de la edición Agosto 2021, y a sumarse en este maravilloso mundo del arte con nosotros. ¡Bienvenido!

La ilustre fregona Valle Pérez Arroyo

ESPAÑA FB: Valle Pérez Arroyo vaperar@gmail.com Técnica: Óleo sobre lienzo Medidas: 100 cm. x 80 cm. Año: 2020

CONTENIDO 4

Frases entre arenas

Arquitectura, geometría, luz y color

Cuba y México a través del bolero

Contar historias, innovar y reinventarse en el arte milenial

Wilmer A. Colón Echevarría

Identidad cultural en el contexto de Teatro LOS CUENTEROS

El cine te cambia, te afecta, te sacude de una manera total: Nelson Carro

Jorge Álvarez Blanquet

Prosa: Carta a un amor que nunca olvidaré

102

El color de las fiestas

116

La poesía como legítima defensa

128

Poesía: Refugio Valencia Rodríguez

136

Poesía: Sandra Gallardo

144

Narrativa: Ruth Pérez Aguirre

150

Cuento: El becerro negro

160

Dramaturgia: Sombras en el paraíso (Fragmento)

WWW .ORBEMX.C OM

Aprendiendo a volar

Andrea Ocampo COLOMBIA Fb: Andrea Ocampo Art IG: andreaocampo_art andreagarcia5287@gmail.com Técnica: Óleo sobre lienzo Medidas: 80 cm. x 110 cm. Año: 2019

POEMARIO

Frases entre arenas

Miguelina Reyes Hernández

MÉXICO

mireyes@uv.mx

Fb: Miguelina Reyes Hernandez

Voz de Orquídea Ediciones

Frases entre arenas Este poemario, escrito por Miguelina Reyes Hernández, surge como resultado del taller Internacional de Creación Poética: “Caudal de Letras.” El dia 18 de Junio, del presente año, se presentó en Lima, Perú, ( Virtual) en el centro cultural “José Carlos Mariátegui”con la participación de dos connotadas escritoras; una de México (Lilia Ramírez) y otra del Perú, (Marita Palomino), mismas que con sus comentarios, sobre la obra, dieron realce al evento. Retomo de forma textual, algunas palabras de la escritora peruana Marita Palomino, que mencionó durante su intervención: “ Es un honor para mi, estar como invitada al alumbramiento literario del primer poemario de la escritora Miguelina Reyes Hernández” “El ejercicio de la poesía, permite el diálogo con nuestra propia conciencia, tal como lo plasma la autora en su obra” “Miguelina, quien escribe novela; trabajo que se cataloga de largo aliento; ahora incursiona en uno diferente, que es la poesía” “Tomando como génesis su formación inicial que es la Enfermería, ésta atisba en algunos textos de su obra poética “ “La sensibilidad de ésta poeta, le permite entrar en todo lo que la rodea; principalmente la naturaleza que es medular en sus textos” “Una constante que predomina en su obra literaria, es la esperanza “ “Miguelina, que consecutivamente escribe narrativa; ahora nos regala poesia”

Entrevista

Arquitectura, geometría, luz y color

Orbe México

Andrés Reyes

MÉXICO

Andrés Reyes Rodríguez Egresado de la Escuela Superior de Ingeniería y Arquitectura del Instituto Politécnico Nacional, Campus Tecamachalco. Con su más reciente colección de obras pictóricas, busca involucrar al espectador en un universo mágico de formas y colores, implementando en su creación un sinfín de tonalidades, texturas, técnicas y materiales. Colores vivos, neón y fotoluminiscentes hacen que el espectador perciba las tres formas de apreciación de estas obras, resaltando la geometría y volúmenes tridimensionales con ayuda de luz ultravioleta o azul. Resultado de la influencia, principalmente, de la geometría sagrada y las modulaciones como la sección áurea, además de las formas orgánicas usadas en la arquitectura. Desde el inicio en su formación profesional, surge en él la inquietud en el arte de la pintura, lo que lo lleva a integrarse a clases de técnicas de expresión, donde adquiere conocimientos en aerografía, pintura acrílica, acuarela, prismacolor y óleo; todo esto enfocado a la presentación de trabajos relacionados con la arquitectura. Actualmente, ejerce la profesión en el taller de arquitectura “Reyes & Loera Arquitectos”, en sociedad con la Arquitecta Celene Loera Loera, enfocados al proyecto residencial e interiorismo.

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IG: Andres Reyes

Fb: Andre´s Arquiart AA

arquitectosmx@yahoo.com.mx

Entrevista a Andrés Reyes

artes, las cuales están relacionadas por su geometría, luz, color, texturas Por Blanca Vargas y muchas otras cualidades.

Visitamos al Arquitecto Andrés Reyes Rodríguez, egresado de la Escuela Superior de Ingeniería y Arquitectura del Instituto Politécnico Nacional. -Arquitecto, es un placer charlar el día de hoy con usted, podría platicarme ¿Cuál es su ciudad natal? -Nací en la Ciudad de México, pero desde niño mis padres se mudaron al Municipio de Nezahualcóyotl en el Estado de México, donde actualmente radico y tengo mi taller de arquitectura y pintura.

Inicié en la pintura al mismo tiempo que tomaba mis clases en la escuela de arquitectura, cuando en la lista de materias estaba la clase de técnicas de expresión, donde te enseñaban a usar diferentes técnicas como son la acuarela, óleo, pintura acrílica, perspectivas, plumones, lápices de colores, aerógrafo, etcétera. Es ahí donde nace mi interés en usar estas técnicas, así como en experimentar con otras nuevas y distintos materiales.

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-¿Cuándo y cómo se encuentra con su yo artístico? -¿Cómo fue su inicio en el arte? -Mi profesión principal es Arquitec- -Un Arquitecto es un Artista, desde to, como ya sabemos, la arquitectura que estás estudiando te ayudan a y la pintura pertenecen a las bellas desarrollar tu ingenio, tu creatividad

Flor de la vida metatron, 1.00 m. x 1.00 m., mixta óleo, acrílico, pan imitacion oro y plata, esmalte fotoluminiscente, sobre bastidor de tela. Cuenta con marco base color negro, con sistema de iluminacion led uv, $ 12,000.00

Construcciones recicladas en las nubes, 1.10 m. x 0.85 m., mixta óleo, acrílico calado, materiales reciclados de construcción, esmalte fotoluminiscente, sobre bastidor de tela. Cuenta con marco base color negro, con sistema de iluminacion led uv, $ 10,500.00

-De las diferentes técnicas pictóricas en las que ha incurrido, ¿Cuál es su favorita y por qué? -Todas las técnicas que manejo, que son varias, son mis favoritas. Sin embargo, el uso de nuevos materiales y su aplicación me ha llevado a buscar y descubrir nuevas técnicas. Aunque, definitivamente, creo que el uso de colores neón, laca fotoluminiscente y el uso de las hojas de acrílico cala-¿Cómo nace su gusto por crear do han llamado más mi atención, al obras de arte a partir de las formas igual que al espectador. geométricas? -En la arquitectura el principio bási- -¿Cómo surge la idea de elaborar co es la geometría y la proporción una serie de obras para exhibirlas del cuerpo humano, además, el uso en diferentes espacios culturales? de líneas rectas, curvas y combina- -Siempre me ha gustado observar las das que nos da como resultado una obras de muchos artistas mexicanos forma o espacio, por tal motivo, es y extranjeros, en diferentes espacios natural utilizar la geometría en mis culturales. Yo creo que el sueño de obras, no hay un límite en su forma todo artista es el de mostrar su tray aplicación. bajo y ser apreciado por todos y para todos, esto te ayuda a darte a conocer en el ámbito artístico e ir creany a ser libre en el diseño. Una vez concluidos mis estudios universitarios, tuve la oportunidad de crear mi taller de arquitectura y en los tiempos libres comencé a trabajar en pequeñas obras utilizando acuarelas y pintura acrílica, desde ese momento decidí continuar con la pintura y a experimentar con la misma, sin dejar de lado mi profesión.

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Proporción aurea luminus, 1.10 m. x 0.80 m., mixta óleo, acrílico calado, materiales reciclados de construcción, esmalte fotoluminiscente, sobre bastidor de tela. Cuenta con marco base color negro, con sistema de iluminacion led uv, $ 15,500.00

do un historial que le va dando un valor económico a las obras, que es muy necesario para su adquisición y tener ingresos para seguir creando nuevas obras.

-La pandemia ha venido a transformar la manera de hacer las cosas y el arte no ha sido la excepción, ¿Le afectó a usted de alguna manera en su quehacer artístico? -Es muy lamentable la situación que se vive actualmente con la pandemia, esto ha cambiado radicalmente

mi forma de ver la vida. Ha generado muchas pérdidas humanas y creado un conflicto económico a muchas familias. En el ámbito laboral de arquitectura hubo una disminución de trabajo considerable, lo cual me dio la oportunidad de adentrarme un poco más a los trabajos pictóricos que tenía en mente y que estaban pendientes, creo que la pandemia avivó el interés por concluir estas obras y exponerlas en diferentes recintos.

-¿Tiene algún proyecto próximo a desarrollar? -Estas obras que se presentan son el inicio de nuevos proyectos, espero crear una nueva serie de obras en las que utilizaré nuevos materiales que son desechados en la construcción de viviendas para darles un nuevo uso en el arte.

Mi proyecto actual es la presentación de estas obras en diferentes recintos culturales, espero recibir el apoyo -¿Qué representa para usted elabo- necesario de las diferentes depenrar una obra de arte? dencias e instituciones para poderlo -Representa el placer de crear y ha- lograr. cer físico algo que estaba en tu imaginación, es el gusto de que un es- -¿Nos puede compartir alguna anécpectador te exprese que se ve muy dota que haya dejado una huella bien, emita su punto de vista y que importante en su carrera artística? veas tu trabajo decorando y gene- -Cada vez que termino una obra mi rando emociones en un espacio, ya esposa y socia me dice: “ya véndela sea una recepción, estancia, recáma- porque no veo claro jajaja y le digo si ra, comedor, galería, etcétera. la vendo luego que expongo “.

Geosa cubista , 1.10 m. x 0.85 m., mixta óleo, acrílico, pan imitacion oro y plata, esmalte fotoluminiscente, sobre bastidor de tela. Cuenta con marco base color negro, con sistema de iluminacion led uv, $12,500.00

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-¿Qué lugar ocupa el arte en su vida profesional? -En mi vida profesional ocupa el lugar más importante, porque vivo del arte, de la Arquitectura, es el sustento de cada día, esta nueva incursión en la pintura me permite sentirme bien conmigo mismo, la emoción de crear me satisface, realizando estas obras me siento feliz, optimista, espero que a la gente le agrade y se integre como parte de mi ingreso económico personal.

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Es verdad aún no he puesto a la venta estas obras, sino hasta después de exponerlas y cuando ya haya comenzado a trabajar en la siguiente exposición; creo que es un poco difícil desprenderse de cada una de ellas, pero es necesario.

-Ha sido un gusto conocer un poco más de usted como artista. ¿Tiene un mensaje especial para nuestros lectores? -Nunca es tarde para empezar a realizar las cosas que te gustaría hacer, si eres o no profesionista no sigas esa línea recta de tu trabajo, busca esas pequeñas cosas que le hacen falta a tu vida para sentirte bien, todo se puede, si quieres, seguro lo lograrás.

Las técnicas aplicadas en la realización de estas obras son muy variadas, haciendo uso de materiales muy usuales en la pintura, como son el óleo, pintura acrílica, esmalte acrílico Fluorescente, etc. Utilizando para su creación materiales de uso cotidiano en la construcción y arquitectura, materiales reciclados que son implementados en decoración y en las edificaciones tales como: láminas de acrílico calado que dan vida y profundidad a algunas de las obras y la

pintura fotoluminiscente que es empleada para el diseño de letreros de señalamientos de seguridad. Tanto en el arte de la pintura como en el de la arquitectura no hay límites a la imaginación; como tampoco lo hay para el ingenio y el uso de materiales y técnicas. hay que ser atrevidos y no temer a experimentar nuevas cosas. -Arquitecto Andrés Reyes Rodríguez

Coyote entre gigantes arquitectonicos, 1.10 m. x 0.90 m., mixta óleo, acrílico calado, esmalte fotoluminiscente, sobre bastidor de tela. Cuenta con marco base color negro, con sistema de iluminacion led uv, $ 17,500.00

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Torusflorplatonics luminus, 1.00 m. x 1.00 m., mixta óleo, acrílico, pan imitacion oro y plata, esmalte fotoluminiscente, sobre bastidor de tela. Cuenta con marco base color negro, con sistema de iluminacion led uv, $20,000.00

Revelaciones del bien y el mal, 1.00 m. x 1.00 m., mixta óleo, acrílico calado, pan imitacion oro y plata, esmalte fotoluminiscente, sobre bastidor de tela. Cuenta con marco base color negro, con sistema de iluminacion led uv, $17,500.00

Extinción bee geométrica, 1.12 m. x 0.86 m., mixta óleo, acrílico calado, pan imitacion oro y plata, esmalte fotoluminiscente, sobre bastidor de tela. Cuenta con marco base color negro, con sistema de iluminacion led uv, $25,500.00

Orbe México

Levitación cubista modulista, 1.20 m. x 0.90m., mixta óleo, acrílico calado, pan imitacion oro y plata, esmalte fotoluminiscente, sobre bastidor de tela. Cuenta con marco base color negro, con sistema de iluminacion led uv, $22,500.00

The Monsoon Evening Jisha Sameer

Orbe México

UNITED ARAB EMIRATES 20

IG: @jishasameer_artistry FB: Jisha Sameer sameer.ba@gmail.com

Técnica: Acrylic on Canvas Medidas: 60 cm. x 40 cm. Año: 2021

Cuba y México a través del bolero

Trío Entre Cuerdas junto al Trío Los Panchos, cuando estos visitaron Cienfuegos

Sandra Busto

Sandra Margarita Busto Marín (Santa Clara, Cuba, 1977). Máster en Arte, Diplomada en Pedagogía y Psicología del arte, Diplomada en Pedagogía Musical, Diplomada en Educación por el Arte. Licenciada en Música Perfil Flauta. Impartió docencia en las asignaturas de Apreciación Musical y Flauta. Integró varias agrupaciones a lo largo de su trayectoria. Se ha presentado como ponente en los eventos Boleros de Oro, Danzón Habana, Por los Caminos de la Música y Festival-Concurso Edgardo Martín. Es colaboradora habitual del Diario Digital 5 de Septiembre y del Semanario de igual nombre, dónde lleva la columna: Nuestra música y sus protagonistas. Ha publicado en las revistas culturales Conceptos, Patrimonio de Las Villas y Calle B.

Fb: Sandra Busto

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sandra.m@nauta.cu

Cuba y México a través del Tristezas bolero Tristezas me dan tus penas mujer,

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Profundo dolor que dudes de mi

Por Sandra Margarita Busto Marín No hay prueba de amor que deje entrever El bolero es uno de los géneros na- Cuanto sufro y padezco por ti. cidos en Cuba, que más impacto ha tenido, sobre todo en Las Américas. Podemos afirmar que lleva más de La suerte es adversa conmigo un siglo en la vida y preferencia del No deja ensanchar mi pasión público. Hijo de un género de igual nombre nacido en España, va asu- Un beso me diste un día miendo nuevas características en Y lo guardo en el corazón tierra caribeña, hasta que solo de su herencia quedara el nombre. El primer bolero que recoge la historia, El bolero arriba a tierra Azteca a con las características que lo defi- principios del siglo XX. Dónde va a alnieron como tal, se llamó «Tristezas» canzar un fuerte arraigo en el gusto (1883) y pertenece a la autoría del popular y un elevado desarrollo estrovador José (Pepe) Sánchez, quien tético. Alberto Villalón y su cuarteto lo dio a conocer en las serenatas de interpretan el bolero ”Tristezas” en su natal Santiago de Cuba. Gracias a México, que se daría a conocer en la acogida que tuvo, su célula rítmica este país con el nombre de “Un beso”, comenzó a llegar a cada región del siendo el primer bolero cubano que país, dónde formó parte del queha- se popularizó allí. Fue además el pricer de compositores e intérpretes. mer bolero que se grabara en tierras mexicanas un 5 de julio de 1907, por el dúo costumbrista de Ábrego y Picazo, quienes lo hicieron en una manera diferente al que se popularizaba por aquellos años en la Isla caribeña, caracterizado por el uso del cinquillo. Sin embargo, no sería hasta finales de 1920, que se hiciera famoso un bolero cubano en tierra azteca, José Vivanco Sánchez Hecheverría, más conocido “Si llego a besarte”, de Luis Casas Rocomo Pepe Sánchez. mero, en la versión que hicieran Floro Zorrilla e Higinio Rodríguez con la orquesta de Jaime Prats.

El bolero comienza a escribir su propia historia en tierra mexicana y entre los años 20 y 30 del pasado siglo, con el auge de la trova yucateca, encontramos autores como Domingo Casanova y su bolero “Ella”, con letra de Osvaldo Bazil; Pepe Domínguez, Guty Cárdenas, entre otros, que comenzaron a triunfar con sus obras. A partir de ese momento Yucatán se convierte en plaza importante para cultores del mismo. Paralelamente, en la década de los 30, triunfa en México el tercer bolero cubano, “Aquellos ojos verdes”, compuesto por Nilo Méndez y Adolfo Utrera. En 1942, el compositor sureño (representante por excelencia de la trova tradicional cubana en la región de Cienfuegos) Eusebio Delfín Figueroa (Palmira, Las Villas, 1893- La Habana, 1965) visitó la Ciudad México, dónde realiza una extensa gira y da a conocer sus obras. Entre ellas, un bolero que aún forma parte del repertorio de solistas y agrupaciones en suelo azteca y cubano. Él lo nombró: “¿Y tú, qué has hecho?”, pero ha trascendido en la historia como “En el tronco de un árbol”. Curiosamente, las únicas grabaciones que se conservan de este trovador, fueron hechas en México. De no haber sido por ellas, no conoceríamos hoy su voz.

Bola de nieve durante una actuación en México.

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Desde la década de los 30, el intercambio cultural entre ambos países era fructífero. Se presentan allí grandes y reconocidos artistas, que logran insertarse en la vida cultural

de esa nación. En 1933, viaja a Yucatán el pianista y compositor “Bola de Nieve” (Ignacio Villa, La Habana 1911Ciudad de México 1971). Le acompaña Rita Montaner, quien lo bautiza precisamente en suelo mexicano con el nombre artístico por el que sería conocido a partir de entonces: “Bola de Nieve”. Realizaron presentaciones además en Ciudad México, y allí comenzaría la carrera como solista de este importante artista. Llegó incluso a mantener un programa de una hora diaria en la radioemisora XEW. Posteriormente se presentó en centros nocturnos, en producciones cinematográficas, realizaría varias grabaciones y en la década de los 60, en diferentes programas de la televisión de este país. Dentro de los grandes temas con que el pueblo azteca lo recuerda se encuentran el bolero “No me platiques más”, de Vicente Garrido; “Vete de mí” de los hermanos Expósito y “Alma mía” de María Grever. Hace unos años volverían sus éxitos a la escena mexicana, esta vez en la voz del cubano Francisco Céspedes.

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Sin embargo, es un camino de ida y vuelta, porque no solo se darían a conocer y triunfarían artistas cubanos en México, también tendrían una fuerte influencia dentro de la música cubana, artistas de ese país. La industria cinematográfica azteca va a jugar otro de los roles decisivos en la aprensión del bolero mexicano en el pueblo cubano. Lo hace llegar a un esplendor sin precedentes y permite la fama de sus intérpretes y compositores en un plano internacional. La Habana, Cuba, se convierte entonces en una de las plazas obligadas, dónde llegarían importantes figuras mexicanas, entre los que destaca Agustín Lara, que pronto caló en la preferencia del pueblo cubano y quien le imprime al bolero un sello muy particular. Desde la década de los 30, realizó varias visitas a la Isla caribeña, de cuya influencia nacen varios de sus temas.

Benny Moré y Pedro Vargas.

La obra de Agustín Lara ha sido interpretada por grandes músicos cubanos como Orlando Contreras, Abelardo Barroso, Antonio Machín, Dámaso Pérez Prado, Benny Moré, Blanca Rosa Gil, Barbarito Diez, Orquesta América, Elena Bourke, Pablo Milanés, Omara Portuondo, Orquesta Aragón, Francisco Céspedes, David Torrens, entre otros creadores; quienes a su vez, han tenido fuertes vínculos dentro de sus carreras con México, que van desde conciertos, estancias prolongadas, hasta la residencia en este país, dentro de este puente cultural que abarca más de un siglo. Volviendo a la década de los 40 tenemos que resaltar también la influencia que alcanzaron figuras como Pedro Vargas, quien visitara por primera vez La Habana en 1933, dónde departió, entre otros con Ernesto Lecuona. Los boleros en la voz de Vargas, hicieron suspirar a muchas criollas, que seguían sus grabaciones en las vitrolas, la radio y en las películas, que se iban adueñando del gusto popular. Nos regaló varias grabaciones junto a Benny Moré. Así boleros como “Solamente una vez” de Agustín Lara; “La vida es un sueño” del cubano Arsenio Rodríguez; “Perdón y Obsesión”, de Pedro Flores; forman parte de este inigualable dúo ocasional de titanes. Interpretó y llevó a la fama, un sin número de boleros de autores cubanos como Sergio Karlo, Luis Marquetti, Osvaldo Farres, René Touzet, entre los más conocidos.

Visitarían también La Habana, Jorge Negrete, José Mojica y Pedro Infante, por quienes el pueblo cubano sintió mucha admiración. Comienza el triunfo en la Isla de autores como Vicente Garrido, María Grever, Álvaro Carrillo, Abel Domínguez. Es inevitable la introducción de una de las variantes más populares del bolero, el bolero ranchera.

Trio Los Panchos, 1944-1951.

Otro momento sería el que marca el esplendor del filin, dónde cantautores cubanos como José Antonio Méndez y César Portillo de la Luz, alcanzan su fama. José Antonio graba en México y entre éxitos de su autoría como “La Gloria Eres Tú”, “Si me comprendieras”, deja registrado boleros de sus coterráneos “como Tú”, Por otro lado, dentro del repertorio, “mi delirio” (Delirio), de la autoría de el tradicional cubano abarcaba hasCésar Portillo de la Luz y “Te me ol-

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Otro acontecimiento que cambiaría el curso de la historia, sería el que se diera luego del éxito que alcanzara en Cuba el Trío Los Panchos, formado en la década de los 40. Se convirtieron en uno de los máximos exponentes del bolero y la balada en Latinoamérica. A partir de ellos es que comienza el estilo de los tríos cantando a tres voces y tres guitarras. Un poco después, incorporan el requinto. Hasta ese momento el formato tradicional del trío cubano, siendo el Trío Matamoros el referente más significativo, sería el de dos guitarras y percusión menor que comprende las claves, las maracas y el bongó. Posterior al auge, no solo de Los Panchos, cabe destacar también a Los Tres Ases, Los Tres Reyes, entre los más conocidos en la Isla, este formato varió, adoptando el de dos guitarras y requinto. La introducción de este último, es uno de los aportes más visibles de la música mexicana en Cuba, que cuenta hoy con destacados intérpretes del requinto.

ta ese momento guarachas, sones, guajiras, habaneras; fusionándose muchas veces con alguno de estos géneros y naciendo el bolero son, bolero moruno, bolero chá. A partir de la influencia de la música mexicana, se introduce el bolero ranchera, que tuvo primacía en gran parte de la población, principalmente rural. Los tríos mexicanos cambiaron también el concepto vocal, al incorporar una armonía diferente a la utilizada en la música tradicional cubana. El Trío Los Panchos visitó Cuba y dejó una huella indeleble en muchos cultores.

vidas”, del compositor azteca Vicente Garrido, considerado como el padre del bolero moderno. De Portillo de la Luz, triunfan en México: “Realidad y fantasía”, “Es nuestra Canción”, “Contigo en la distancia”, entre tantos otros éxitos. Muchos de estos boleros de autores cubanos todavía reviven en voces aztecas como la de Luis Miguel, en sus discos Romances y Rodrigo de la Cadena, quien domina los diferentes estilos del bolero cubano con una maestría irrefutable.

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Manzanero junto al septeto Cofradía de Cuba.

Y para seguir cronológicamente con la gran pléyade de estrellas del bolero que han quedado en nuestro pueblo, es imprescindible mencionar a Armando Manzanero, otro grande que influyó a muchos cubanos y que a su vez, era un gran conocedor de la música y de la cultura de la Isla caribeña. En Cuba fue realmente idolatrado. Sus boleros son casi obligados en el repertorio de tríos, solistas y agrupaciones cultoras de la música romántica. Cuando tristemente le

perdimos físicamente, Manzanero se encontraba produciendo un fonograma a una agrupación compuesta casi en su totalidad por cubanos residentes en la Ciudad México, nombrada Cofradía de Cuba. Anteriormente ya había colaborado con la cantante cubana Haila María Mompié y visitado la Isla de Cuba, dónde regaló momentos inolvidables a su pueblo. Ambas naciones tienen muchos puntos de contactos a través del quehacer cultural. Si bien en la orilla caribeña se puede escuchar con orgullo un bolero de Manzanero, Agustín Lara, Vicente Carrillo, María Grever, como parte del repertorio habitual y casi obligatorio, junto a las obras de los grandes boleristas cubanos. También en México se puede apreciar, entre la obra de sus grandes compositores, a Matamoros, Pedro Junco, Portillo de la Luz y Eusebio Delfín, inmortalizados en la vecina tierra que tantos aplausos les brindó.

Bibliografía consultada: Busto Marín, Sandra Margarita. “Recuento Histórico del devenir del bolero en Cienfuegos”, ponencia presentada en el XXVI Coloquio Internacional del Bolero, La Habana, junio de 2016 Giro, Radamés. Diccionario Enciclopédico de la Música Cubana, Tomos I, ll, lll, lV. La Habana, Cuba. Instituto Cubano del Libro, Editorial Letras Cubanas, 2007 Valdés Cantero, Alicia. Nosotros y el bolero, Editorial Letras Cubanas, La Habana, 2000 Bianchi Ross Ciro. Pedro Vargas en La Habana, www.juventudrevelde.cu, publicado 22 noviembre, 2014; rectificado 21 septiembre 2017 _____________________. Presencia de Agustín Lara en Cuba, www.juventudrevelde.cu, publicado 21 diciembre, 2019 Busto Marín, Sandra Margarita. Armando Manzanero y el trabajo con el grupo Cofradía de Cuba, www.5septiembre.cu, publicado 19 enero, 2021 ____________________________. Jesús López, Pupi; El virtuosismo del requinto en un músico cubano, www.5septiembre.cu, publicado 7 marzo, 2021 ____________________________. Los tríos en Cienfuegos (l): ¿Pasaron de moda las serenatas?, www.5septiembre.cu, publicado, 4 noviembre, 2020 ____________________________. Mérida, Yucatán y Cuba, entre las cuerdas y voces del Trío Ensueño, www.5septiembre.cu, publicado 28 junio 2021 ____________________________. Niurka Taupier, la privilegiada voz líder de la agrupación Cofradía de Cuba, www.5septiembre.cu, publicado 16 marzo 2021

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El tiempo en Aband Jorge Mella Sarria

dono

CHILE Fb: Jor Mella jormellapintor@gmail.com Orbe México

Técnica: Óleo sobre tela Medidas: 50 cm. x 100 cm. Año: 2021

Entrevista Lorena Santbrown (Ciudad de México, 1991) egresó de la Escuela de Artesanías del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBA) en la carrera de técnico artesanal en textiles, cuenta con estudios en valuación de arte, es docente e investigadora de mercado enfocado al textil, está dedicada a la producción artística desde 2013, tiene nueve exposiciones nacionales y cinco en el extranjero, tres de ellas en Argentina, una en Brasil y otra en Costa Rica.

lorena.santbrown@hotmail.com

IG: lorena_santbrown

Bram L. (Ciudad de México, 1987) es pintor, ilustrador y dibujante egresado de diseño gráfico por la Universidad del Valle de México. Desde 2014 ha participado en los talleres de la Academia de San Carlos y colaborado en exposiciones colectivas en esa institución, así como en el Estado de México, Hidalgo y Puebla. Su primera exposición individual fue en el Casino Español en la Ciudad de México.

brampintor@gmail.com

Fb: Bram L.

Contar historias, innovar y reinventarse en el arte milenial Por Lucía Méndez Cárdenas y Marco Silva Martínez Lorena y Bram son dos artistas milenial que muestran en estas páginas algunas de sus obras, además de expresar ideas, pensamientos, emociones y perspectivas que dan impulso a su creatividad. Varios investigadores coinciden en señalar que en la generación milenial están quienes nacieron entre 1980 y 1995, se les define como personas que tienden a romper con los estereotipos de sus padres; no nacieron con grandes avances tecnológicos, pero sí crecieron conociéndolos y adaptándose a ellos; les correspondió ser “inmigrantes digitales”, usaron las consolas de juegos, los juegos en computadora, vivieron la rapidez de las transformaciones informáticas y se beneficiaron con nuevas herramientas que les permiten estar en constante cambio y búsqueda de experiencias innovadoras, como se menciona, por ejemplo, en el libro Las nuevas generaciones como un reto para la educación actual (2018), compilado por Juan Sebastián Alejandro Perilla.

Lorena Santbrown Boceto tejido, 2020, Needle felting y bordado.

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Bram L. El pez dorado, 2019, 80 cm. x 60 cm., acrílico sobre lienzo.

Lorena Santbrown -¿Qué significa ser milenial y cómo lo expresas en tu trabajo artístico? -Considero que una de las palabras que define a esta generación es la nostalgia, si bien la mayoría de personas buscan revivir momentos de su pasado, mi obra está enfocada en representar momentos históricos y vivencias de diferentes épocas.

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-En tus obras te alejas de los convencionalismos, ¿cómo logras combinar las técnicas milenarias con las contemporáneas? -El arte es una constante reinterpretación en la cual se va experimentando con diferentes materiales para adaptarse a una idea. Internet nos abre una amplia gama de conocimientos, en los que nos permite combinar técnicas tanto antiguas como actuales.

-¿Cómo surge el movimiento artístico textil? -El textil se caracteriza por su constante experimentación. A lo largo de la historia podemos observar que inició cubriendo las necesidades de la adaptación climática de cada región, posteriormente fue creando una identidad en la que los tejidos plasmaban no solo vivencias, sino la cosmovisión de una sociedad. La revolución industrial fue determinante para la manera en que hoy concebimos el textil, de ahí surgieron movimientos

que ayudaron a percibir los tejidos como práctica artística, como el movimiento feminista, Art and Crafts y la escuela de la Bauhaus, pero sin olvidar que tiempo atrás ya existían los tapices de paracas en Perú y los cartones para tapices de Goya, solo por mencionar algunos. Actualmente, está el boom textil que, por su naturaleza rebelde, sigue cubriendo las necesidades de la sociedad, pero ahora dando voz y empoderamiento a las minorías, siendo un intermediario en luchas sociales y artísticas, en el que no solo es una tendencia, sino un arte que siempre ha estado vigente en cualquier época.

Lorena Santbrown Azul, 2020, Needle felting sobre tela.

-¿A quiénes se dirigen las historias que cuentas y entretejes en tus cuadros? -Principalmente me he enfocado en dar a conocer mi obra con artistas textiles y de fibra, pero he tenido la grata sorpresa que el público en general ha recibido bien el textil como concepto artístico. -¿Como desarrollas y logras hacerlas atemporales? -Mis obras parten de los temas que me gusta leer, y de ahí empiezan los bocetos, después la idea la voy adaptando a la técnica de tejido que genere el tipo de textura que quiero resaltar, ya que considero que los textiles son como un sistema de escritura táctil. -Siendo además de creadora, también docente, ¿qué materiales y tecnologías utilizas en esta actividad? -Doy clases de needle felting en el que busco que mis alumnos consideren los textiles como un material más para la creación artística, ya que las fibras se pueden adaptar a todo tipo de proyectos, como escultura o representaciones pictóricas.

Lorena Santbrown No era para tanto, 2020, Inspirado en la trágica muerte del Chef François Vatel (1631-1671).

-¿Cómo ves el mercado del arte milenial en la actualidad? -Esta generación, al conseguir cosas de una forma muy inmediata, está en busca de nuevas experiencias, eso hace que nos interese el coleccionismo de arte, en el que no solo

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-¿Mantienes una rutina de trabajo y logras balancearla con tu vida personal? -Todos los días estoy trabajando en un proyecto o desarrollando una idea, pero siempre trato de balancear la convivencia y el momento creativo.

Lorena Santbrown Pigmento, 2020, Needle felting y bordado sobre libro.

se incluye el adquirir una pieza única, sino el asistir a las exposiciones y ferias de arte.

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-¿Las plataformas digitales han contribuido a impulsar nichos comerciales para que más personas puedan conocer y consumir el arte de tu generación? -El arte está en constante cambio y siempre se abre a nuevas posibilidades en las que se consume, y si bien algunas plataformas ya están muy monopolizadas, podemos ver otras que promueven otro tipo de conceptos. Actualmente el criptoarte (vinculada a la tecnología blockchain) y el hi-lite, (neo pop que resalta disciplinas como el grafiti, animación, entre otros) están cambiando las formas de apreciar y exhibir arte, ya que toman parámetros diferentes a los que ya estaban establecidos y se adecuan a las generaciones actuales.

-¿De qué forma la pandemia ha modificado tus creaciones y la posibilidad de exhibir, distribuir y vender tus obras? -Por la pandemia surgieron exhibiciones online que ayudaron a globalizar los gremios artísticos de diferentes disciplinas, así como visibilizar nuestros proyectos dando a conocer nuestras historias y conceptos artísticos.

Lorena Santbrown Siluetas, impresión de imágen sobre hoja natural.

Lorena Santbrown Eclipse solar y lunar, 2020, Needle felting y bordado sobre libro.

versidad me haya reforzado como artista en sí. Estudié para ser diseñador y de todas las cosas que soy, -¿Qué significa ser milenial y cómo creo firmemente que diseñador es la lo expresas en tu trabajo artístico? última de la fila. -Realmente soy milenial por coincidencia, pero reconozco que esta es una generación que busca y trabaja para el cambio de muchas cosas. No puedo decir que mi trabajo expresa específicamente que yo soy milenial; no soy una persona especialmente política. Quiero pensar que mi obra tiene algo para todos, que las personas de cada generación pueden reconocer en alguna de ellas algo de sí mismas y de las cosas que les sig- Bram L. nifican algo, ya sea del pasado o del La Luz, el Sol y su hija, 2017, 30 cm. x 40 cm. tinta y gouache sobre papel. presente. Bram L.

-¿En tus creaciones transformas el mundo que te rodea motivado por emociones pasadas y presentes o por intuiciones del futuro? -Casi todo el tiempo estoy soñando despierto, de ahí vienen los lugares, criaturas y gente que pinto. Son visiones que me susurran su historia. Bram L. Los rostros verdaderos, 2017, 50 cm. x 80 cm., óleo sobre lienzo.

-¿Cuándo descubriste tu vocación y de qué manera la universidad reforzó tu decisión de ser artista?

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-Creo que no puedo recordar un momento en el que no dibujara; en realidad eso solo lo sabrían mis padres, quienes me conocen desde el día uno. No estoy seguro de que la uni-

-Una parte de tu obra es figurativa y explora la imagen femenina, ¿qué narrativa quieres expresar con estos cuadros? -La figura femenina es algo que cambia constantemente en mi cabeza. Por mi manera de ser, no puedo atribuirle un solo papel a una forma. Para mí, todas las figuras en tamaño, forma y género son cambiantes, intercambiables y en constante reinterpretación.

-Como dibujante, pintor y diseñador gráfico pareces estar en constante búsqueda, ¿en qué etapa consideras que te encuentras? -Creo que estoy en la misma etapa que estaré toda mi vida: la de eterno aprendiz. Siempre seré un estudiante. Es muy poco probable que me deje de encontrar con algo que no sabía y sienta que empiezo de cero otra vez. Siempre habrá una nueva tendencia, un nuevo material y nueva inspiración que perseguir.

generaciones y estilos muy diversos. Como amigos nunca hemos dejado de apoyarnos y como artistas nunca hemos dejado de aprender unos de otros. “Rostros” tuvo una recepción cálida, y para nosotros fue continuar una de las experiencias más bellas y divertidas, que es la inauguración de una exposición; en esta muestra de manera especial participó la actriz Ana Hally, quien mediante un monólogo interpretó a la pintora Frida Kahlo. Gran parte de la exposición se caracterizó por mostrar obras y retratos basados en esta artista y en su -En tu experiencia como artista, estilo pictórico. ¿combinas conceptos innovadores que reflejen el arte de tu generación? -Soy sin lugar a dudas un pintor de técnicas clásicas. Hablar del arte de mi generación es difícil para mí porque los artistas que conozco son tan variados que no puedo señalar una sola tendencia en ellos.

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-¿Tu trabajo te permite dedicar tiempo a otras actividades con familiares y amigos? Totalmente. Es uno de los grandes privilegios que al menos hasta ahora puedo tener.

-Cuéntanos cómo se formó el colectivo Foro 5 con el que participaste en la exposición “Rostros”. -Nos conocimos en la Academia de San Carlos y se fundó el grupo en el 2013. Somos miembros de varios talleres dentro de la Academia y de

Bram L. La Reina de oro, 2015, 60 cm. x 40 cm., óleo sobre hoja de oro.

-¿Cuál es el público al que pretendes llegar y cómo cotizas tus obras? -El público al que quisiera llegar es al que viendo una de mis obras sintiera como si le estuvieran contando una historia; o como si un sentimiento o pensamiento que no pudieran interpretar claramente de repente tuvieran un rostro y un nombre.

Brandenburgo?”, o sea yo. Y mi padre les contestaba que no sabía porque aún no me conocía. Decidí acortar el nombre de la ciudad alemana y cambié la “n” por “m”; además agregué la letra “L”. Todo se me ocurrió el día que estaba pensando con qué nombre firmar mis obras.

-¿De qué forma la pandemia ha modificado tus creaciones y la posibilidad de exhibir, distribuir y vender tus obras? -Las exhibiciones se redujeron a cero durante casi todo el 2020. Aun cuando tuve un par de comisiones grandes, la gente en general empezó a tener muchas cosas de que preocuparse y todo lo que tuvo que tener que ver con mi trabajo se volvió muy lento. muchas cosas tuvieron que esperar.

Bram L. Flora, 2019, 40 cm. x 70 cm., acrílico sobre lienzo.

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-¿Por qué decidiste firmar tus obras como Bram L? -Tengo el claro recuerdo de que mi padre me contó esta historia, y aunque luego me dijo que él no lo había hecho, estoy seguro de que así fue. Durante los días previos a mi nacimiento él estaba grabando los Conciertos de Brandenburgo de Johann Sebastian Bach. Las sesiones de grabación acababan demasiado tarde y para entonces el hospital ya no admitía visitas; cada vez que mi padre se presentaba a la grabación los colegas le preguntaban: “¿cómo está el

Lo que vieron los búhos

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Natascha Rijfkogel-Thorpe

PANAMÁ FB: Natascha Rijfkogel-Thorpe tachieart13@gmail.com

Técnica: Acrílico sobre lienzo Medidas: 24 pulg. x 36 pulg. Año: 2013

Entrevista Wilmer A. Colón Echevarría

Fotografía de L. Semidei

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Wilmer A. Colón Echevarría (1963). Natural de Peñuelas, Puerto Rico; proviene de una familia con tradición artística multidisciplinaria. Posee formación diversa, entre las que se destacan cursos fundamentales de la Escuela de Artes Plásticas de Puerto Rico y una Maestría con especialidad en Dibujo y Pintura de la Pontificia Universidad Católica de Puerto Rico. Tiene a su haber exposiciones en Puerto Rico, pero también, en: Argentina, Austria, Ecuador, Chile, Cuba, España, Estados Unidos y Honduras. En este último brindó el taller “Pintura experimental” en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Tegucigalpa y sirvió como jurado de la Bienal Nacional de Pintura IHCI. Actualmente trabaja sobre soportes reciclados, siendo los más significativos hasta el momento, las láminas de poliéster provenientes de placas radiográficas. Con estas ha creado un cuerpo de obras en formato mediano y planea crear una serie en miniatura.

IG: @artewilmercolon

Fb: Wilmer Colón: Arte

wilmercolon_arte@yahoo.com https://www.artavita.com/artists/25758-wilmer-a-colon-echevarria

Entrevista a Wilmer A. Colón

estoy vinculado al quehacer creativo. De hecho, los regalos eran Por Blanca Vargas relacionados a la creatividad; para dar un ejemplo, todavía conservo y Ahora nos tocó visitar al maestro utilizo las plumillas de caligrafía que Wilmer A. Colón Echevarría destacado mi madre me obsequió cuando me gradué de primaria, hace más de 40 artista de la plástica. años. -Maestro es un verdadero placer charlar con usted, ¿Cuál es su lugar de origen y disciplina artística? -Bienvenida a mi espacio creativo; es un privilegio recibirle. Soy del sur de Puerto Rico. Por diversas circunstancias nací en Ponce, crecí en Peñuelas y ahora, por causa del terremoto del año pasado, estoy residiendo en una finca del pintoresco barrio Collores de Juana Díaz.

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Por tradición familiar trabajo la pintura, particularmente medios mixtos; pero también he experimentado con algunas técnicas del grabado: como el monotipo, el linóleo y la punta seca, entre otros. He incorporado algunos a la expresión pictórica.

-¿Cómo es su inicio en el arte? -Como comenté, provengo de una familia con tradición en las artes. Mi abuelo, Modesto Echevarría, fue estudiante del maestro Miguel Pou. Así mismo, muchos de mis familiares, incluyendo mis hijos, realizan alguna disciplina artística. Curiosamente tengo influencia por vía materna y paterna, así que desde la infancia

Danza almendrada de los dajaos, año 2021, 35.56 cm. x 43.18 cm. Medio mixto sobre placa radiográfica. Las almendras de Nazca

Como en la comunidad conocían la práctica familiar, un artista establecido de mi pueblo, Ramón Rivera Cáliz, me invitó a participar en una de sus exposiciones individuales. En aquella ocasión, que se convirtió en mi primera presentación expositiva, presenté una pequeña pieza que había preparado para regalarla a mi

madre. La experiencia, aun estando relacionado a la lente, a través de la en edad escolar, trazó un destino cual veía la disciplina artística. Cambié que hoy es historia. de perspectiva; ésta se convirtió, verdaderamente, en mi cómplice -¿Cuándo y cómo se encuentra con expresivo, eso fue fundamental para su yo artístico? quien soy hoy como creador y aportó -Los inicios fueron en el significativamente al gozo de crear. costumbrismo y el paisajismo, eso fue lo que vi de mis mayores y de -¿Cuál es la técnica pictórica que mis primeros maestros de pintura, prefiere para trabajar? Don Iván Rosario y Wichie Torres. -Acostumbro trabajar medios Poco a poco fui experimentando mixtos. Puedo variar de pigmentos, temas filosóficos que se convirtieron de acuerdo al resultado deseado. en una especie de diario pictórico; Puedo ir desde los tradicionales, óleo también exploré la figura humana y acrílico, hasta esmaltes industriales. como parte de la búsqueda del ser Con los soportes ocurre lo mismo, interior; finalmente, gracias a un me siento cómodo plasmando sobre encuentro con mi realidad a la luz de el lienzo o la madera, pero también las Sagradas Escrituras, mi expresión utilizo superficies no tradicionales, se fue dirigiendo hacia inquietudes tales como láminas de poliéster, existenciales. Varias series de los metal, cerámica, etc. 90 marcaron el cambio al que hago referencia, muestras como: “Homenaje a la vida”, presentada en Chile; “Himno a la locura”, expuesta en Cuba e “Himnos y cábalas” y “de. venir.es”, exhibidas en Puerto Rico, fueron definitorias en dicho proceso; me afectaron técnicamente, la obra tomó un matiz abstracto aunque podía percibirse reminiscencias del paisajismo, y todavía es así.

Full Moon-Nazca, 2021, 35.56 cm. x 43.18 cm. Medio mixto sobre placa radiográfica reciclada. Las almendras de Nazca

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Más adelante culminé una maestría con especialidad en dibujo y pintura de la Pontificia Universidad Católica de Puerto Rico. Allí descubrí artistas y movimientos que ampliaron lo que venía desarrollándose en mi mente; hubo un cambio de paradigma

-¿Cuán difícil o fácil ha sido para usted desarrollarse en el camino de las artes? -No hay camino fácil, todo lo que emprendamos tiene dificultades y fracasos. Esos altibajos son necesarios porque nos ayudan a mejorar y a trascender. Si se torna fácil, corremos el riesgo de descuidar la excelencia y el espíritu de lucha.

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Goldajao, 2021, 35.56 cm. x 43.18 cm. Medio mixto sobre placa radiográfica reciclada. Las almendras de Nazca

-¿Tiene algún referente entre clásicos o contemporáneos? -Los artistas que anteceden siempre hacen influencia. Estoy consciente que tengo algo de mis maestros, particularmente el trazo del pincel y los colores típicos del Caribe. Admiro las sombras de los impresionistas; las difuminaciones de Zurbarán y de Monet; y las luces de Rembrandt; entre los latinoamericanos me impresionan: Rufino Tamayo (México), Santos Arzú Quioto (Honduras) y Francisco de Szyszlo (Perú); de los puertorriqueños puedo mencionar, aunque son muchos más, a: Rafael Trelles, Marcos Alegría, William Bass y Carlos Cancio.

El arte es un campo dominado por minorías con intereses particulares; es un mundo a veces injusto por el hermetismo social; si no eres de tal o cual “jet set”, no expones o no eres considerado para participar. Aunque muy difícil, estoy convencido que es posible llegar a tener un nombre respetado en el ambiente artístico. He tenido que luchar bastante, a lo largo del tiempo he fungido, para mí mismo, como: promotor, relacionista público, curador, asistente de montaje, etc. Como expresé, ha sido necesario, y de paso, divertido, es parte del diario vivir de quién decide triunfar en lo que le gusta y cree. -¿Cuándo decide hacer del arte su profesión? -Por la particularidad familiar, siempre lo consideré como medio de vida. Los grados primarios fueron importantes porque mis maestros estimularon que siguiera la ruta del arte, de igual manera mi familia ejerció una influencia significativa. Doy gracias a Dios por la gente que puso a mi alrededor.

Además de mi producción pictórica, básicamente todos mis empleos han estado relacionados, de una u otra manera, al arte. Laboré como ilustrador del Departamento de Educación de Puerto Rico, asimismo para una empresa privada. He fungido como instructor de pintura y dibujo para varios proyectos, además de los ofrecidos desde mi taller particular. Fui profesor de apreciación del arte en la desaparecida San Juan School of Interior Design y, por alrededor de dos décadas, me desempeñé como director de la Oficina de Arte, Cultura y Turismo de Peñuelas.

-¿En qué consistió el taller de “Pintura Experimental” que impartió en Tegucigalpa? -La visita a Honduras fue interesante y enriquecedora; fui como Enviado Cultural del Departamento de Estado de Estados Unidos. En aquella ocasión ofrecí el taller que refiere en la Escuela Nacional de Bellas Artes, éste consistió de ejercicios derivados del “Action Painting”, “Dripping” o chorreado que popularizó Jackson Pollock desde mitad de los años 40 hasta su muerte en 1956, dentro del radical movimiento del Expresionismo Abstracto. Los estudiantes adaptaron sus propios estilos y preferencias a la desafiante forma de pintar de ese artista norteamericano. Aunque no lo mencioné en una pregunta anterior, Pollock debe incluirse entre uno de mis referentes. Mis composiciones muestran rasgos identificables del “Action painting”.

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Sombras errantes en la lluvia banskiana, 2021, medidas variadas. Medio mixto sobre placa radiográfica de poliéster

-¿Cómo surge la idea de reciclar las láminas de poliéster de las radiografías para trabajar sobre ellas? ¿Qué materiales utiliza? -Como una gran cantidad de artistas y artesanos, la pandemia actual ha servido de cantera de ideas. Bien dice el refrán, “la necesidad es madre de la invención”. Durante este tiempo, he tenido oportunidad de analizar y considerar nuevos medios de expresión, además tenía que trabajar sobre algún soporte que

ocupara poco espacio, pues a raíz del terremoto que vivimos hace algo más de un año, tuve que abandonar mi residencia y estoy en casa ajena, ahí descubrí la versatilidad de las placas radiográficas; con ellas puedo realizar una cantidad considerable de piezas que ocuparán un espacio limitado, además se convirtió en una iniciativa de reúso y reciclaje al servicio de la creatividad.

De esa experimentación surgió “Las almendras de Nazca”, una muestra de alrededor de treinta obras en formato mediano que presenté en el Museo de la Historia de Ponce. También realicé una pieza en formato pequeño que pasó a la colección permanente de la Asociación de Artistas Plásticos de Puerto Rico. Al momento de esta entrevista estoy creando una serie titulada, “Lluvias banskianas”, todas sobre las referidas El mayor reto era cuáles pigmentos láminas de poliéster. debía utilizar, gracias al asesoramiento de varios distribuidores y colegas, El descubrimiento de este soporte me identifiqué pigmentos industriales, brindó una interacción interesante óleo y tintas a base de alcohol que con los donantes de las placas tuvieron una adherencia efectiva e radiográficas. Estas personas nunca interactuaron con el soporte creando imaginaron que un procedimiento efectos extraordinarios. médico, a la larga, culminaría en obras de arte.

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-¿Tiene algún proyecto en puerta? -Hoy día estoy esperando respuesta para exponer en una bienal europea. Además de las “Lluvias banskianas” que mencioné, tengo dos series en miniatura casi listas para exponer; sólo falta enmarcarlas. Una se titula “S.O.S. Seeds Or Stings”, realizada sobre madera reciclada y conectores de computadoras; y la otra, “La ficha del tranque”, en fichas de casino con expresiones de color e impresas con un sello de goma que representa un corte transversal del corazón.

Danza almendrada de los perros, 2021, 35.56 cm. x 43.18 cm. Medio mixto sobre placa radiográfica. Las almendras de Nazca

A mediano plazo, trabajaré otra muestra en miniatura, pero sobre las láminas de poliéster. Además,

Arqueología de La Ligua de ese país, escribió espontáneamente un poema dedicado a una de las obras en exposición. Fue impresionante la rapidez y la sonoridad que logró; eso, además de honrarme, me hizo reflexionar sobre cuan importante es nuestra labor. A veces nos cansamos y creemos que no estamos logrando algo significativo, pero reacciones como esas te animan a seguir.

Pájaros y cascada del paisaje almendrado, 2021, 35.56 cm. x 43.18 cm. Medio mixto sobre placa radiográfica. Las almendras de Nazca

ya tengo listos los esténciles para plasmar con aerosol sobre papel de acuarela un tema folklórico de Puerto Rico.

Algo similar ocurrió luego de un desierto creativo. Estuve produciendo a bajo nivel durante unos años, y cuando decidí regresar a la escena expositiva, mucha gente se acercó para agradecerme el retorno; incluso mis hijos se expresaron insatisfechos durante el tiempo que únicamente laboré para proyectos corporativos sin mostrarme al público general. Como ellos, varios amigos queridos se mostraron molestos porque consideraban injusto que no les permitiera disfrutar de mi creatividad. Eso ofrece satisfacciones que ni el dinero ni el reconocimiento pueden ofrecer.

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Espero presentarme activamente a nivel nacional e internacional en la medida que vaya disminuyendo la emergencia de salud mundial. Por Aunque me pidió una anécdota, ahora estoy, en su mayoría, desde la ya llevo dos, ¡y voy para la tercera! plataforma virtual. (risa) Ésta me brindó una lección que frecuentemente comparto en las -¿Nos puede compartir alguna conferencias. A raíz de una exposición, anécdota que haya dejado una un crítico respetado publicó un huella importante en su carrera comentario adverso en uno de los artística? principales periódicos nacionales. -Recuerdo con mucho cariño a No puedo describir cómo me sentí, una jovencita chilena que, en pero a los pocos días comenzaron a mi presentación en el Museo de

llamarme para adquirir las obras. El reportaje había causado curiosidad y motivó que los coleccionistas adquirieran todas aquellas piezas “de poco calibre”. Años después el crítico, muy respetado, me explicó su sentir, del que obtuve enseñanzas prácticas y útiles para mi desarrollo. Aprendí que debo estar alerta para extraer lo bueno de los sucesos que, a primera vista, parecen negativos.

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-Ha sido un gusto charlar con usted, conocer un poco de su gran trayectoria artística. ¿Tiene un mensaje especial para nuestros lectores? -Primero, deseo agradecer a Orbe México por el privilegio de estar en sus páginas. Ciertamente, tales iniciativas son altamente necesarias para la divulgación del arte latinoamericano.

América Latina continental y las islas del Caribe, son excelentes generadores de arte y cultura. El apoyo mutuo es menester a fin de dar a conocer a nivel mundial lo que hacemos. Si bien es cierto que ya muchos creadores lo han logrado, también lo es que queda mucho por hacer. Los inversionistas y los coleccionistas juegan un papel importante en esto, deben ampliar su búsqueda fuera de las ferias y de los museos. Existe una cartera de talento en los talleres particulares que no cuentan con los medios para llegar a los grandes eventos. Es tan

fácil como llegar a las comunidades y preguntar por los artistas de la comunidad; les aseguro que tendrán sorpresas gratas. Por último, a los artistas noveles: el camino es largo, pero posible. Se debe soñar en grande, pero recordando que las escalinatas se suben peldaño a peldaño. No existe el éxito instantáneo; hay que trabajarlo duro. En mi caso, sin pretender ser impositivo, fue clave confiar mi vida al Creador de los creadores, Cristo Jesús. Él ha sido mi motor y mi guía. Es imprescindible caminar con un norte espiritual, somos seres espirituales, no podemos existir en la nada. En definitiva: una meta definida, un propósito de vida y disciplina inquebrantable. Lo demás, vendrá a su tiempo de manera natural.

Observador rojo tras la cerca, 2021, 35.56 cm. x 43.18 cm. Medio mixto sobre placa radiográfica reciclada

Sol de almendra, 2021, 35.56 cm. x 43.18 cm. Medio mixto sobre placa radiográfica reciclada. Las almendras de Nazca

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El amable observador rojo de las sombrillas doradas, 2021, 35.56 x 43.18 cm. Medio mixto sobre placa radiográfica

Identidad cultural en el contexto de Teatro LOS CUENTEROS

Espectáculo Cirado y la madre agua, autor Ulises Rodríguez Febles, dirección Malawy Capote, sala la orden Tercera Ciudad de La Habana. Festival Internacional de Teatro de La Habana. Fotografía Xavier Carvajal

José Miguel Díaz Pérez

JOSÉ MIGUEL DÍAZ PÉREZ (JOCHI), (La Habana –Cuba- 1969). En 1993 egresa de la Enseñanza Artística de la Escuela Nacional de Artes (ENA) y ha estado vinculado como actor y director escénico en grupos como Teatro El Público, Teatro D´ Dos y en la Ópera Nacional de Cuba, entre otros. Ha estudiado en el Instituto Superior de Arte (ISA), es Licenciado en Estudios Socioculturales de la Universidad Agraria de La Habana, posee doble Máster En Procesos Formativos de la Enseñanza de las Artes, y en Dirección Escénica, ambas realizadas en la Universidad de las Artes (ISA).

Orbe México

Es Profesor Universitario y se desempeña como Vicedecano Docente de la Facultad de Arte Teatral del ISA. También, labora como artista escénico en Teatro Estro de Montecallado, agrupación que pertenece al catálogo del Consejo Nacional de las Artes Escénicas (CNAE) del MINCULT, con sede en Bejucal en la provincia Mayabeque, donde se desempeña como Actor y Director Artístico de Primer Nivel. Asimismo, pertenece a la Agencia de Representaciones de Artistas Escénicos ACTUAR. Es miembro de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC). Es considerado como una de las personalidades de teatro en Mayabeque por sus logros en el arte y la cultura. Ostenta, entre sus múltiples reconocimientos, la Distinción por la Cultura Cubana, otorgada por el Ministerio de Cultura de Cuba en enero de 2020.

Identidad cultural en el con- Estos enfoques están concebidos texto de Teatro LOS CUENTE- desde la visión personal de la identidad y su experiencia artístico-pedaROS gógica.

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Por José Miguel Díaz Pérez Cuando se profundiza en el tema de la identidad, la cultura constituye un componente ineludible a esta mateEn el artículo se aborda la catego- ria. Si bien es imprescindible abordar ría IDENTIDAD desde tres enfoques. el término sin omitir esa categoría Uno, lo que el grupo Teatro Los que la enriquece y caracteriza, por Cuenteros representa en sí mismo otra parte, no debe confundirse una para la identidad cultural de San An- con otra. tonio de los Baños; otro, dirigido hacia lo interno: la identidad colectiva La identidad cultural, como señalan de “Los Cuenteros” como “sentimien- sus estudiosos, aparece como una to y consciencia de pertenencia” al modalidad de categorización de la grupo y por último, la estrategia edu- distinción “nosotros/ellos”, fundada cativa de “Los Cuenteros” respecto a sobre la diferencia cultural. Es una la construcción y fortalecimiento de distinción que se enmarca entre dos identidades (tanto individuales como concepciones fundamentales; el ende pertenencia a diferentes espacios foque objetivista y el subjetivista. sociales) en el público receptor.

Actividad promocional Del 45 aniversario de la compañía.

La postura objetiva, me ha permitido definir la identidad de Los Cuenteros a partir de ciertos criterios determinantes, sobre el objeto de estudio en cuestión, considerados objetivo por el origen común (legado, genealogía), el espacio de representación social compartido, la psicología colectiva o personalidad de base, el territorio, entre otros.

fundada sobre las tradiciones bucólicas cubanas, su representación social y la consecuente conservación en forma de patrimonio de la cultura del pueblo de San Antonio de los Baños, contribuye a la confirmación de la identidad de ellos y por ende la singularización de su cultura titiritera dirigida fundamentalmente al público infanto-juvenil.

En una posición opuesta se encuentran la visión subjetivista, donde la identidad cultural de este grupo no puede ser reducida a la dimensión atributiva, ni considerarse un fenómeno estático.

Espectaculo Blanca Nieves, autor Esther Suárez, dirección Malawy Capote, foto Jesús Rabelo.

En este sentido, Los Cuenteros perciben que el patrimonio cultural de una nación pertenece por entero al pueblo, lo simboliza y representa, al mismo tiempo que contribuye a educarlo en su historia.

Después de su fundación en 1969, el grupo comienza a interiorizar la relación recíproca que existe entre el patrimonio cultural y la identidad (de La existencia de Los Cuenteros es manera empírica e intuitivo) hasta síntoma de una identidad cultural convertirla en imagen insustituible

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Por lo que se analiza y define la identidad es un estudio que ayuda a conocer la identidad cultural de esta agrupación titiritera que se desenvuelve en un ámbito sociocultural concreto. Además, son visibles sus estrategias y líneas de trabajo con marcado énfasis en sus sentimiento de pertenencia individual que tributan a una identificación de colectividad, o sea, las representaciones que estos individuos (artistas) se hacen de la realidad social y de sus divisiones en todos los campos donde interactúan, especialmente en el de transmitir conocimientos (campo artístico-pedagógico), les ha permitido una larga vida en el campo de las artes escénicas.

be en Los Cuenteros la construcción estructurada de lo que representa la identidad en un municipio que irradia hacia todo el país como han declarado estos artistas y la crítica esDe ahí que sea de vital importancia pecializada. concientizar que la identidad no es algo aislado o estático, por el contra- Como componente esencial identitario, es la suma de elementos de di- rio de su cultura están las tradiciones, versos campos, que de manera sis- las que pueden ser traducidas como temática conforman y materializan la transición de antiguos conocimienlo que necesitan estos tiempos, para tos que contribuyen a conformar las entender que sin identidad no es po- bases especializadas de sus procesible preservar el teatro para niños y sos formativos (no académicos) en de títeres que de una manera artesa- la comunidad de San Antonio de los nal y vernácula han construido como Baños. Ellos preservan las caracterísun sistema de valores desde la mani- ticas de los procesos grupales acenfestación interconectada distintiva- drados en varias generaciones de armente entre sí. Asimismo, se perci- tistas que han encontrado un fuerte

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e indisoluble de este fenómeno social que es la identidad grupal que defienden, a cumplir 52 años en el próximo noviembre de 2021.

Actividad en celebración al Día Mundial del Títere que se celebra el 21 de marzo. Función Parque Central de San Antonio de los Baños.

sentido de pertenencia y de formas de vida en sus relaciones sociales que aún no desaparecen con la jubilación o la muerte de algunos de sus artistas fundadores, pero influyentes en la memoria de los descendientes o continuadores de una forma de ver el arte y la cultura infantil que forjaron y forjan. La importancia social e identitario de Los Cuenteros es su actuar consecuente con las tradiciones que los identifican en una región determinada, dada por ser una actividad colectiva en la que toma parte, con un grado mayor o menor de participación; una porción estimable de la población, que reside en la localidad o que al residir en otra, siente la necesidad de participar y apreciar el inagotable mundo de las figuras y los objetos animados, donde sus puestas en escena se empoderan de las tradiciones del campo cubano. Por ende los que crecimos bajo estos influjos nos traen gratos recuerdos por la capacidad de formar vocaciones hacia el teatro y un reconocimiento hacia su constancia y permanencia. Esta participación puede ser activa o pasiva, pero les atribuye una carga de identidad dentro del panorama escénico-cultural cubano.

Esta relación está en la base del estudio de la investigación, por el tiempo dedicado a gran parte de sus escritos a definir y profundizar sobre estos supuestos como “sentimiento y conciencia de pertenencia” al grupo por sus integrantes, elemento significativo en estos tiempos cambiante y turbulentos en las agrupaciones teatrales radicadas en las provincias de Cuba. Además de ser vehículo fundamental para el desarrollo cultural de la Villa del humor, San Antonio de los Baños. La Dra. Carolina de la Torre, propone una ruta interdisciplinaria e integradora para el análisis de la identidad, desde la mirada psicológica, al citar en su texto Identidad e identidades al investigador Néstor García Canclini, quien dice:

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Por medio de las tradiciones, costumbres, creencias, valores, normas artísticas, pedagógicas, etc., que Los Cuenteros han instrumentado ha llegado al público receptor una obra

que valida a estos artistas, que según los agentes que conforman el campo artístico-pedagógico, expuesto por la Dra. Hortensia Peramo, son considerados artistas-profesores y estudiantes-artistas en su contexto (donde destacan Julio Capote, Félix Dardo, Graciela González, Rosenio Perdomo, Malawy Capote, Blanca Felipe, entre otros). Todos ellos son el arsenal cultural que forma la identidad que proyectan a través del retablo tradicional y el títere de guante (entre otras técnicas), y que es primordial en la construcción de las representaciones sociales que emiten como entidad artística.

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Los contenidos de los debates contemporáneos acerca de las identidades individuales y colectivas tienen que ver con el propio concepto y las aproximaciones a su estudio (por ejemplo, el debate entre realismo y constructivismo), con los procesos de formación de identidades, con la influencia de la familia y otras instituciones sociales en la instauración y mantenimiento de «prácticas sociales del recuerdo», que contribuyen a Espectáculo Cirano y la madre agua, autor Ulises Rodríguez Febles, dirección Malawy Capote, foto la creación y mantenimiento de sen- Xavier Carvajal. Presentación sala la Orden Tercetimientos de pertenencia, y con los ra Ciudad de La Habana, Festival internacional de «nuevos tipos de identidades» y «las teatro de La Habana. nuevas maneras de construcción de identidad» característicos de las con- Acorde con las reflexiones anteriores se puede plantear que la identidad es diciones del mundo de hoy. vista desde un prisma dialéctico, camAl hacer una paráfrasis con los tex- biante, cíclico, transformador, por lo tos de la Dra. de la Torre, se puede que no puede analizarse como un exponer que cuando se habla de la proceso acabado, concluido y asimiidentidad de un sujeto individual o lado estáticamente dentro del grupo colectivo en este caso sobre Teatro titiritero en cuestión Los Cuenteros Los Cuenteros hacemos referencia a en su producción sociocultural (consprocesos que nos permiten asumir ciente e inconscientemente) tributa que ese sujeto, en determinado mo- a muchos procesos que se gestan en mento y contexto, es y tiene cons- la comunidad de San Antonio de los ciencia de ser el mismo, y que esa Baños, donde tienen su laboratorio, consciencia de sí se expresa (con ma- pues proceden de ese contexto que yor o menor elaboración) en su ca- les ha permitido establecer una poépacidad para diferenciarse de otros, tica apegada a la ruralidad de Cuba identificarse con determinadas cate- y nos informan sobre características gorías, desarrollar sentimientos de propias de su identidad interna, pues pertenencia, mirarse reflexivamente sus integrantes asumen estos recury establecer narrativamente su con- sos de lo campestre como autóctotinuidad a través de transformacio- nos. Estudian contenidos concretos de determinadas representaciones nes y cambios. identitarios, permite describir carac-

terísticas de una sociedad en un momento preciso de la historia de ese territorio. Sin embargo, no se puede olvidar que ante todo, que sus representaciones escénicas, sociales, formativas son procesos. Son a la vez pensamiento constituido y pensamiento constituyente; pensamiento constituido en tanto se transforman en productos que intervienen en la vida social como estructuras preformadas que posibilita interpretar la realidad. Son pensamiento constituyente pues no solo reflejan la realidad sino que intervienen también en su elaboración. Por ello, se puede aseverar, que la identidad de Los Cuenteros es un proceso de construcción de la realidad que ellos proyectan a través de su obra de arte a un público receptor que lo reconoce dentro de la comunidad no solo donde se desempeñan, sino de toda la provincia y el país.

Las representaciones sociales que ellos emiten contribuyen a definir la identidad y permiten salvaguardar la especificidad de este grupo. Se sitúan además, como individuos que asumen su terruño y han colocado al grupo en un contexto social que los reconocen como artistas de excelente factura en el hacer titeril, permitiendo la elaboración de una identidad social y personal gratificante, o sea, compatible con el sistema de normas y valores social e históricamente determinados por ellos y la comunidad.

Espectáculo Las noches del Cafetal. Autor Freddy Nuñez Estenoz, dirección Malawy Capote.

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En resumen, puede afirmarse que estas representaciones expuestas con anterioridad emiten su identidad a diversos niveles creativos, formativos, artístico-pedagógico desde una visión personal, por lo que constituyen una formación de múltiples enfoques tanto objetivos como subjetivos, que se encuentra vinculada de manera sistémica por fenómenos socioculturales e ideológicos en esta agrupación con múltiples reconocimientos nacionales. A su vez, ele-

mentos cognitivos y afectivos, participan en su conformación y desarrollo individual muy presente en la manera de llevar los procesos formativos para solventar su mercado laboral y el estudio del campo artístico-pedagógico aplicado a su filosofía formativa se convierte en un instrumento referencial y aportativo en su continuidad histórica que es parte de la identidad de este grupo y un pueblo.

Aviario

Sara G. Umemoto MÉXICO Fb: @SGUmemoto sgmail41-dj@yahoo.com

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Técnica: Óleo sobre tela Medidas: 60 cm. x 80 cm. Año: 2020

Joy

Yew Soo Cheng

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MALAYSIA 62

IG: @yewsoocheng soocheng321@gmail.com

Técnica: Acrylic on canvas Medidas: 60 cm. x 90 cm. Año: 2021

Entrevista

El cine te cambia, te afecta, te sacude de una manera total

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Nelson Carro

URUGUAY

Entrevista “El cine te cambia, te afecta, te sacude de una manera total”: Nelson Carro Por Ficcionero y Francisco Ramírez Núñez

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Nelson Carro (Montevideo, Uruguay, 1952) es director de Difusión y Programación de la Cineteca Nacional de México. Ha publicado los libros El cine de luchadores (Filmoteca UNAM, 1984) y Alfredo Ripstein. Churubusco-Babilonia (El Milagro, 2007), ha colaborado en varias publicaciones colectivas e impartido cursos de historia del cine y apreciación cinematográfica; en algunos festivales de México y el extranjero ha fungido como jurado.

-¿De qué forma te impactaron ¿películas como Cesta do praveku (1955) de Karel Zeman que –según tu perfil en internet– viste de niño, y El desierto rojo (1964) de Michelangelo Antonioni, que viste en 1969? -La película de Zeman que vi de niño me impactó mucho y me sigue impactando por la gran imaginación del director, es curioso porque de las cosas que vi de niño y de adolescente hay muchas que durante años no volví a ver porque no había forma de verlas. Ahora con lo digital está la posibilidad ver prácticamente todo, es

muy interesante descubrir que algo que uno vio de niño, lo ve ahora y le sigue impactando, pero puede suceder que algo que a uno le fascinó en la adolescencia, pensando que era una película verdaderamente emocionante, la vuelve a ver y dice: ¡caray, qué aburrida! ¿Por qué en ese momento me pareció interesante? En el caso de Antonioni es muy curioso, cuando vi El desierto Rojo era relativamente aficionado al cine, más o menos cinéfilo, iba a salas comerciales y veía cierto tipo de cine, en ese año de 1969 me hice socio de un cineclub en Montevideo que se llamaba Cine Universitario del Uruguay, era mi último año de la preparatoria, y la primera película que vi fue El desierto rojo, que fue como una especie de pesadilla, primero por ser una película que para un joven que no estaba acostumbrado a Antonioni era bastante difícil, porque la sala estaba debajo de una alberca y era muy calurosa; entre el calor, la cantidad de gente y la película me quedó como una especie de pesadilla, no sabía si estaba durmiendo, soñando o en el cine, pero con el tiempo a pesar de que no he sido fan de Antonioni, ha sido un director revalorado, y lo mismo me pasa con Rosellini, su cine humanista en la adolescencia como Viaje a Italia no era mi cine favorito y con el tiempo se ha vuelto fundamental. En la secundaria veía mucho cine, en 1965 de 13 o 14 años vi la comedia italiana Una virgen para el príncipe y al salir descubrí que la pe-

lícula era para mayores de 18 años, luego dije ¡oh, puedo entrar a ver películas para mayores de edad!, yo ya tenía barba, y la segunda que vi fue El sirviente de Joseph Losey. Me impresionó tanto que me quedé a verla nuevamente, estaba entre aterrado, fascinado y creo que con esa película nació mi interés por el cine serio, en ese momento prácticamente se declaró mi cinefilia. -¿La química fue para ti una ruta vocacional en serio o te seducía más el cine como una profesión posible? -En realidad era muy bueno, especialmente para las matemáticas y mi idea original era ingresar a ingeniería, pero por diversas razones, el profesor nos mandó a examen para ponernos al día y me quedaron dos materias pendientes para el otro pe-

riodo e ingeniería no aceptaba con dos materias pendientes, y química sí aceptaba con dos, entonces me quedé en química, que para mí era como recetas de cocina, y sobre todo que había una parte que era de conocimiento, de aprendizaje, digamos casi de memoria, métodos para obtener el molibdeno, no podía yo con eso y llegó el momento de la dictadura, la intervención de la universidad, la cual permaneció cerrada. Yo quería terminar de todas maneras química, cursé de 1970 a 1973 y terminé lo que se llamaba el núcleo básico. Mi interés era el conocimiento científico, que sirve para todo. Mi vocación eran las matemáticas y la física en cuanto a la aplicación de las matemáticas. Pero cuando me metí a química y pensaba, por ejemplo, que mi trabajo sería estar en una fábrica de pastas o medicamentos, eso

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Instalación Cineteca Nacional (Exterior). Fotografía Francisco Ramírez Núñez

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no me atraía nada, no era algo en lo que tuviera la menor vocación, pero la idea era terminar la carrera de química. En 1973 la universidad estaba cerrada, en 1974 reabrió, yo iba a la universidad y una vez me dijeron que no podía entrar con barba, poncho y mezclilla, entonces un día dije, ¡al diablo con todo!

Nelson Carro. Director de Difusión y Programación de la Cineteca Nacional de México. Fotografía Francisco Ramírez Núñez

-¿El golpe de Estado que en 1973 aplicó Juan María Bordaberry, entonces presidente de Uruguay, ocurrió cuando estabas en la Cinemateca Uruguaya?, ¿por la dictadura decidiste salir de tu país y emigrar a México? -A la Cinemateca entré a trabajar en 1974, tras el golpe de Estado las instituciones culturales estaban en una situación muy complicada. La Cinemateca, que fundamentalmente era el archivo de películas, daba funciones los fines de semana, de media noche en algunas salas y después del golpe la situación era muy complicada, estaban pensando en cerrarla, pero se decidió abrir salas por todo Montevideo, a programar muchísimas películas, y empecé a hacer un poco de todo, me iba en un triciclo con un chofer a repartirlas por diferentes salas y ahí es donde empezó mi relación profesional en el sentido de recibir un sueldo por algo que tenía que ver con el cine. Durante el tiempo que duró la dictadura la Cinemateca Uruguaya se volvió el lugar de encuentro, era muy exitosa, había colas para entrar, y eso duró prácticamente todo el lapso de la dictadura, después empezó una crisis porque había ya otras cosas que se podían hacer. Yo elegí venir a México, la situación en Uruguay estaba muy complicada, por momentos era muy difícil y salió la posibilidad de venir y trabajar en la Filmoteca de la UNAM. Llegué a México en diciembre de 1976. Recuerdo de mi arribo dos

cosas fundamentales: por un lado, sentí la sensación de libertad, poder ir por la calle con una total tranquilidad, porque en esos años en Uruguay uno iba en un camión y lo paraba el ejército, bajaban a todos, pedían documentos, checaban: ¡suban y sigan!, uno estaba en tensión permanente porque en cualquier momento podía ser detenido; el otro aspecto fue el hecho de que aquí uno iba a una librería, sacaba unas monedas y con ellas adquiría gran número de libros, en cambio, recuerdo que en Montevideo un libro costaba muy caro y solo lo mirabas en las vitrinas de las librerías. En cuanto a la comida me adapté muy rápido, quizá lo que más extrañé de Uruguay fue la cultura de los cafés al estilo Montevideo, Buenos Aires, España, un lugar donde uno se pueda tomar un café o una cerveza o un whisky con los amigos. En México eso no existía más que en el centro. Eso fue de las pocas cosas que extrañé, creo que me adapté inmediatamente a México.

-¿Cuándo empezaste a escribir sobre cine en periódicos y revistas? -Cuando salió el periódico Unomásuno (1977), García Riera me preguntó si quería escribir y ahí empecé a colaborar, mi primera nota fue sobre el cinema novo brasileño, un mes después de que apareció el diario. Mis primeras notas solo fueron informativas. En un principio cubríamos todas las películas que se estrenaban, y escribías no sobre la pelícu-

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-¿Qué afinidades y diferencias descubriste entre las actividades que realizabas en la Cinemateca Uruguaya y las que te asignaron en la Filmoteca de la UNAM a fines de 1976? -Al igual que en la Cinemateca Uruguaya, en la Filmoteca de la UNAM inicié revisando películas, un poco lo mismo que hacía allá, con la diferencia que la presión era mucho menor, allá éramos muy poquitos para

hacer mucho trabajo y acá éramos muchos para hacer poco trabajo. Las oficinas estaban arriba del Auditorio Justo Sierra o Che Guevara, y abajo del mismo se guardaban las películas que eran todavía muy pocas; después la Filmoteca se mudó a Insurgentes y Yucatán, arriba de la gasolinera que sigue existiendo, había dos locales o salas, de un lado estaba el archivo, donde trabajaba el director, Francisco Gaytán, Moisés Viñas, yo y una secretaria y nos dedicábamos a fichar y organizar todo. En la otra sala, se arropaba a un grupo de investigadores encabezados por Emilio García Riera y alumnos de la institución como Gustavo García, Andrés de Luna, Juan Jiménez Patiño, Eduardo de la Vega y otros con los que de repente platicábamos. Ahí fue donde la Filmoteca empezó a crecer, después se cambió a Copilco y luego al centro de la ciudad, donde creció de manera muy importante. En 1987 renuncié a la Filmoteca de la UNAM.

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la que te había gustado, sino sobre la que te tocaba, que muchas veces era una película infecta. Ahí la labor era saber qué decir, cómo llenar las dos cuartillas sobre algo que no tenía interés. Tiempo después me volqué en escribir de películas sobre las que yo elegía escribir.

-¿Qué elementos cinematográficos tomas en cuenta para analizar y juzgar la calidad de las películas? -Siempre he pensado que para llegar a hacer crítica hay una evolución, no todos tienen que pasar por todos los pasos, uno empieza yendo al cine. Cuando a uno le gusta, lo disfruta y empieza a sistematizarlo, recortando fotos y guardándolas. Si se avanza más, uno descubre a los directores y los géneros de cine. La charla de café es como un primer paso de la crítica. ¿En qué habría que fijarse?, en ubicar las películas en la cinematografía, en la historia del cine, en la obra del director, en el género, aunque no todo esto en todos los casos. Si vas hablar de una película de Bergman, hay que ubicar la película en su obra, decir quién es Bergman. Si vas a hablar de una película histórica húngara es importante referir el momento en que transcurre, aunque toda esa información actualmente es más accesible al espectador; antes, para poder contextualizar una película había que ir a buscar información en libros, enciclopedias, bibliotecas y hemerotecas. Es importante la apreciación crítica de una película, qué tiene de

novedoso, por qué es importante, o ya lo han dicho otros. -Al asumir tu cargo como programador de la Cineteca Nacional de México en 2007, ¿consideraste adecuados los criterios para programar la cartelera o propusiste cambios? -Yo nunca había pensado convertirme en programador, había programado algunas cositas como de cineclub y muy pocas. Mi profesión tenía que ver con la crítica, lo que hacía era escribir y dar cursos de cine. Cuando Leonardo García Tsao me convocó a la Cineteca, en principio le dije que no, que prefería trabajar en el área de publicaciones, pero él necesitaba un programador y acepté. La idea fue programar un cierto cine sobre el que yo escribía y me interesaba. La apuesta era saber si programando esas películas se mantenía la asistencia en la Cineteca o se caía. En la crítica que yo publicaba por escrito casi no había retroalimentación. La diferencia con la programación es que al día siguiente uno ya sabía el resultado. Tengo claro que la programación de Cineteca no puede basarse solo en las películas que a mí me gustan, porque hay un público enorme, muy variado y con diferentes intereses. Lo fundamental es que haya espacio para todos, que cada público encuentre lo que le interesa. La Cineteca tiene la posibilidad por la cantidad de salas, por los diferentes aforos para que la película que ganó el Óscar esté en una sala gran-

de. Si quieres ver otro tipo de cine mucho más radical, lo puedes ver en las otras salas, hay una cantidad de documentales, cortometrajes y otro tipo de películas. Otra propuesta que se hizo conjuntamente con la dirección de la Cineteca fue hacer algo que nunca se había hecho, es decir, estrenar algunas películas de expresión personal o cine de autor, al mismo tiempo que en el circuito comercial. Por otra parte, la Cineteca programaba una película durante 15 días, que luego se sustituía por otra. Decidimos que si la cinta tenía éxito no deberíamos quitarla, sino pasarla a otra sala, tener un criterio de movilidad más flexible.

-¿Cómo coordinas a tu equipo para organizar la programación mensual con los estrenos, las retrospectivas de cineastas clásicos, los ciclos estelares como la Muestra Internacional de Cine, el Foro de la Cineteca, Talento Emergente, además de los eventos que la Cineteca no organiza, pero se convierte en sede alterna? -La labor principal de programación es cómo organizar todo y distribuirlo en el año de acuerdo a un concepto, que no implica crear todo desde cero. Los estrenos muchas veces son simultáneos con las salas comerciales. Un distribuidor dice, por ejemplo, queremos salir en agosto con

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Instalación Cineteca Nacional (Interior). Fotografía Francisco Ramírez Núñez

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esta película, si es así, acordamos y lo programamos. Eso lo mezclamos con cosas que nosotros traemos especialmente, lo mismo con los ciclos, como es el caso del ciclo de cine japonés que con la pandemia se retrasó, nos coordinamos con la Fundación Japón que propuso la retrospectiva de Seijun Suzuki en 35 milímetros. A veces nosotros proponemos, igual con los festivales, muchos festivales tienen sede aquí, pero ya no caben más, cuando hay nuevos les decimos ya no hay lugar para esa fecha, pero te proponemos esta otra. Es ir armando una especie de rompecabezas, lo cotidiano de la programación está más o menos afinado, el resto es un rompecabezas. Cuando decidimos el ciclo Clásicos en Pantalla Grande, le dije al director Alejandro Pelayo, vamos a hacerlo como si fuera temporada de ópera: sábado y domingo tienes la misma película, solo esos dos días y hacemos un programa de toda la temporada, Pelayo me dijo, vamos a hacerlo y si no viene gente lo vemos nosotros. Fue un éxito, películas que todos los cinéfilos habían visto ahora podían verlas en pantalla grande en copias restauradas, paramos el ciclo a la mitad de Martin Scorsese a la espera de que la situación se normalice y retomar a Scorsese. Eso funciona con 400 espectadores, ahora estamos esperando recuperarnos para traer esas películas que vienen de una distribuidora con sede en Londres y que hay que subtitular. En estos años la Cineteca se ha he-

cho una institución muy prestigiosa. Hay mucha gente que quiere exhibir sus películas o sus ciclos aquí, por ejemplo, la retrospectiva de Wong Kar-wai no la buscamos nosotros, las películas están en Mubi, y la propuesta fue, tenemos los derechos de todas las películas, por qué no salen además en la Cineteca, y fue un éxito. La situación actual es privilegiada porque logramos acuerdos muy convenientes y los resultados son muy buenos. -En 2019 ¿qué promedio de asistencia se tenía en las diez salas existentes, considerando el aforo y el número de funciones diarias de cada una de ellas? -La asistencia promedio ha sido de 100 mil espectadores mensuales, hay meses un poco más altos y otros más bajos. Este mes de junio de 2021 tuvimos 55% de la asistencia que tuvimos en junio de 2019, lo que es muy bueno, porque ahora el aforo es de 50% y además porque mucha gente no se atreve a venir al cine. El año pasado estuvimos nueve meses cerrados, primero de marzo a agosto y luego de diciembre de 2020 a marzo de 2021. Los meses que tuvimos abierto, los promedios de asistencia fueron muy bajos, andábamos entre 20 y 30% de la asistencia habitual. A partir de marzo de este año fue la reapertura y fue creciendo el promedio hasta rebasar 50%. El tiempo que estuvimos cerrados nos afectó mucho económicamente, sobre todo porque

Instalación Cineteca Nacional (Exterior). Fotografía Francisco Ramírez Núñez

la Cineteca vive en buena medida de sus ingresos propios: la taquilla, el estacionamiento, las dulcerías y restaurantes. El presupuesto que nos asigna la Secretaría de Cultura permite el pago de la luz, agua, nómina, predial todo eso. Buena parte de la nómina, por el crecimiento de los últimos años, se paga con los ingresos propios, y todos los proyectos especiales se hacen con ingresos propios, entonces eso si afectó, estamos logrando ahora un equilibrio y espero que en los próximos meses la situación se irá normalizando.

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-¿De qué modo se modificó la programación por causa de la pandemia y qué planes hay para los próximos meses? -Por el momento no estamos haciendo conferencias presenciales ni diálogos con el público, no hay cocteles y seguramente seguiremos así en lo

que resta del año. Las conferencias funcionan en línea incluso con más asistentes. Para 2022 quizás ya se haya normalizado la situación. En los cines no ha habido noticia de algún contagio, pero más vale no arriesgarse. La indicación de la Secretaría de Cultura sigue siendo sana distancia, seguir las medidas sanitarias para evitar el contagio. En 2020 no hubo Foro de la Cineteca ni Talento Emergente, pero se reanudarán el presente año, el primero en julio y el otro en septiembre. Lo que se había interrumpido se ha ido retomando, ya se realizó la semana de cine portugués, el cine brasileño, el cine japonés, semanas y retrospectivas de directores. Se tiene prevista para noviembre la edición de otoño de la Muestra Internacional de Cine. Ahora estoy esperando tener al cien por ciento el aforo y una situación lo más normal posible para reanudar el ci-

clo Los Clásicos en Pantalla Grande, tenemos alguna que otra película, como 8 1/2 de Fellini, pero no los ciclos completos, yo creo que esto podrá reanudarse el próximo año. Después vamos a tener también más retrospectivas, una por cada mes.

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El Espacio al Aire Libre Gabriel Figueroa funcionó cuando se reabrió y el público no se atrevía a entrar a las salas, hicimos funciones de estreno con un público de aproximadamente 200 personas. Antes de la pandemia asistían entre 600 y 700 personas. Por ahora estamos viendo si seguimos ahí con las funciones pagadas o las suspendemos hasta que se acaben las lluvias.

Nelson Carro. Director de Difusión y Programación de la Cineteca Nacional de México. Fotografía Francisco Ramírez Núñez

La Sala Virtual, que arrancó en junio de 2021, es un proyecto que responde a esta larga pandemia: si el público no viene a ti, tú ve por el público… Teníamos muy claro desde hace algún tiempo que el streaming ya era una realidad: ver películas desde tu casa, pero la pandemia aceleró muchísimo eso. Nosotros desde hace más de un año estábamos pensando cómo organizar eso y nos llevó casi un año desarrollar el proyecto con la idea de que fuera una Sala Virtual como réplica de la Cineteca, un concepto dirigido al público que no tiene posibilidad de acceder a la Cineteca. Seguimos pensando que quien vive en la Narvarte, Coyoacán o Mixcoac debe venir a la Cineteca, donde tienen todas las comodidades, pero hay mucha gente que no puede hacerlo si vive en Tijuana, Pachuca o Mazatlán. Entonces, pensando que en este momento lo digital no está ya en oposición con lo presencial -como el libro físico no lo está con el libro digital, pues las dos opciones funcionan y se puede utilizar una u otra– si se quiere ver una película que solo está en digital, pues hay que verla, eso no implica que no se vaya a ir nunca más a un cine o no se vaya a comprar nunca más un libro. El criterio para la Sala Virtual es que se pueden ver películas que, si se revisa la programación, están pasando o han pasado por la Cineteca, con la idea de que no todos los cinéfilos están ubicados en el sur de la Ciudad

de México, el asunto es ver la forma de que lleguen mediante la Sala Virtual, esto no es tan sencillo porque la Cineteca siempre ha trabajado en la capital del país. Hay todo un circuito para la Muestra, que va a treinta ciudades, pero no son nada considerando la totalidad. La idea es tratar de llegar a todos los espectadores interesados en ver películas que muchas veces no llegan a sus regiones. Sabemos que no va a ser sencillo porque no tenemos demasiada experiencia, pero creemos que va a funcionar. Cualquiera que tenga internet en algún lugar del país puede tener acceso.

Instalación Cineteca Nacional (Exterior). Fotografía Francisco Ramírez Núñez

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-En junio de 2021 también se inauguró la sala Oled, que es gratuita y tiene aforo para 24 personas, ¿qué estrategia seguirá la Cineteca para la selección de contenidos y para atender la demanda del público en un espacio tan reducido? -Esta sala tiene dos funciones, por un lado, mostrar el equipo luego de un convenio que tuvimos con LG, con muy buenas condiciones de reproducción y por otro lado, difundir el cine de cortometraje. Estamos trabajando en esto con el Festival Shorts México que facilitó las películas con calidad HD. Pensamos que no tenía sentido que la Cineteca mostrara ese equipo con películas promocionales, entonces lo utilizamos para programar algo que a la gente le puede interesar. Nosotros no programamos cortometrajes, yo soy muy fan del

cortometraje, pero es muy difícil porque si se programa un corto antes de un largo no falta el espectador que se confunde: “yo compré boleto para otra película”, o que le parece muy largo el cortometraje, y programar solo cortos no tienen mucho público, ya lo hemos experimentado. Entonces pasamos cortos cuando hay festivales o en ocasiones especiales con los ciclos de escuelas de cine y, sobre todo, porque hay una enorme cantidad de producción de cortos y necesitaríamos todo un equipo para verlos y hacer la selección. Ahora cualquiera produce un corto con su celular. Por otra parte, hay algo que he dicho a muchos y es que la experiencia Cineteca es mucho más que las películas que, claro, son importantes, pero la gente que viene acá viene a un espacio con características muy especiales donde hay heladería, venta de libros, restoranes, la posibilidad de tomarse un café, una cerveza, quedarse platicando después de ver la película, si uno va a una sala comercial también es una experiencia, pero de otro tipo.

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-¿Qué proyectos personales tienes? -No tengo mucho tiempo, tengo algunas ideas sobre el cine, pero no estrictamente con la crítica, sino con algunos fenómenos que tienen que ver con el éxito, la gran época del Cine de Oro, todas las industrias que estaban alrededor, como la industria editorial y algunas otras cosas, pero soy bastante perezoso y por ahora no tengo tiempo. Eso sí, veo muchas películas. En este momento es interesante ir a festivales, porque uno tiene contacto con mucha gente y eso es fundamental, pero ya el ver películas no implica ir a un festival, últimamente el Festival de Mar de Plata en noviembre pasado fue todo virtual, lo vi todo desde mi casa, al festival de Corea tuvimos acceso virtualmente, Berlín también tuvo una parte virtual. Por otra parte, las distribuidoras también te mandan links, entonces eso también ya ha cambiado mucho.

-¿Para ti, qué es el cine? -El cine para mí es una actividad totalmente placentera, y creo que esa sería mi definición, el cine es una obra de expresión personal que a uno lo cambia, lo afecta, lo sacude de una manera total, por lo menos el cine que a mí me importa, sé que el cine son muchas cosas. Es como los libros, cuando se imprime queda muy claro que no todo tiene el mismo valor, no todos los libros se juzgan igual, hay libros muy diferentes, una cosa es la literatura y otra cosa son

los libros. En el cine esto no está tan claro. Pienso que la mayor parte del cine comercial es un entretenimiento válido, pero no tiene sentido para ser considerado por la crítica, no, es otra cosa, es como Corín Tellado o esas cosas, nadie la juzgaría como obra literaria, puedes juzgarla desde el punto de vista social o sociológico, sí, pero en el cine eso no queda tan claro, en el cine todavía la crítica aborda una película comercial –que no tiene ningún tipo de interés y que es una producción de mercado– como si se tratara de una película de Bergman y no tiene ese sentido. Efectivamente soy cinéfilo y lo que me brinda el cine es fundamentalmente placer, lo disfruto. Decía Jean Douchet, un analista francés que murió hace poco (2019), que el análisis del cine primero había que experimentarlo mediante la película, es decir, si era una película de horror, asustarse, si era una comedia, reírse y experimentar el placer de ver la película, y después tratar de analizar lo que produce. Lo otro, decía, es hacerle la autopsia a la película, que no sirve para nada, ¿no? Uno tiene primero que disfrutarla, es como cuando uno lee un libro, lo primero es disfrutar el libro, después puede analizar todo lo que quiera, pero si no lo disfruta… Entonces para mí el cine es una actividad fundamentalmente placentera, y la idea de entretenimiento, digo, a uno le parece entretenido ver o jugar golf, a otro el futbol, la montaña rusa puede ser muy entretenida y Godard

puede serlo, depende cómo se entretenga uno, cada uno se entretiene como le gusta. No es que el cine serio no sea entretenido, depende con qué se entretenga uno. Si tú me dices el golf es muy entretenido, yo te diría no te creo. Hay mucha gente a la que le encanta. Yo me aburro mucho con la mayor parte de las películas de superhéroes, ¿no?, porque no me producen nada de nada. Ahora, si hay gente que se divierte, está perfecto, porque ahí entramos a un terreno subjetivo, muy individual. El cine es un oficio y un trabajo como cualquier otro. Es claro que hay tra-

bajos peores y menos gratificantes. A mí me han dicho: “¡qué padre eso de estar todo el tiempo viendo cine!, bueno sí, pero hay veces que uno lo tiene que ver por obligación y sobre todo cuando uno hace trabajo periodístico, cuando yo escribía tres veces por semana en algunas épocas, no todos los días tenía ganas de escribir dos cuartillas, entonces es lo mismo que decirle a una azafata: “¡qué padre, tú te la pasas viajando!”. Cuando uno hace de una actividad placentera un trabajo tiene que cumplir ciertas reglas y ciertas cosas, ¿no?, pero en fin.

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Sala de cine, Cineteca Nacional. Fotografía Francisco Ramírez Núñez

Desértico Mery Avaca de O. CHILE

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Fb: Mery Avaca de O. Oleos IG: @meryavaca.deo.oleos madeorellana@yahoo.com

Técnica: Óleo sobre tela Medidas: 50 cm. x 80 cm. Año: 2019

Entrevista Jorge Álvarez Blanquet

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Jorge Luis Álvarez Blanquet, egresado de la Escuela de Artesanías, INBA y Lic. en Filosofía por la Facultad de Filosofía y Letras, UNAM. Ha impartido cursos de expresión plástica, escultura y modelado en diversas instituciones culturales. Docente de materias teóricas y metodológicas en la Escuela de Artesanías del INBA. Identifica su trabajo artístico como un devenir entre la reflexión del arte (escritura en ensayos) y el arte escultórico con materiales modelables: plastilina, yeso, concreto armado y cerámica. Su obra escultórica aborda experiencias de la reflexión filosófica a través de una figuración estilizada y elementos simbólicos. Ha expuesto en la IV Bienal internacional de Poesía Visual en el Museo Universitario del Chopo, UNAM. La “Shankar´s International “. Nueva Delhi, India, Nagoya y los Ángeles, California; el Centro Universitario de Cultura y la 41º edición del Premio Nacional de Cerámica; Tlaquepaque, Jalisco. Parte de su obra pertenece a la colección de la Fundación Cultural Pascual.

IG: @jorgealvarezblanquet

Fb: Jorge Álvarez Blanquet, artes plásticas

artedivergente@gmail.com

artedivergente.wordpress.com

Entrevista a Jorge Luis Álvarez ¿Cómo es su inicio en el arte? -Mi inicio en el arte data desde que Blanquet Por Blanca Vargas

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-Jorge, es un verdadero placer charlar con usted, ¿Cuál es su lugar de origen? -Nací en la ciudad de México. Todo mi trabajo se ha desarrollado aquí en la ciudad, en especial dos lugares: el centro de Coyoacán donde fui alumno y luego maestro del taller de escultura. Y el Centro Histórico, donde siempre he recorrido sus museos y edificios históricos, ahí precisamente es donde tengo mi taller. Son los lugares de la ciudad en los que me siento con más arraigo e inspiración.

era niño, pues tuve la fortuna de nacer en familia de artistas; mi padre es artista plástico y mi madre estudió diseño; que en ese entonces se llamaba “publicidad”. Así que el contacto con el arte, los materiales, las exposiciones y demás fue muy normal para mí. Ya un poco más grande como a los 12 años ayudaba a mi padre en trabajos de escultura religiosa, era una ayuda básica pero siempre me gustó y sabía que me quería dedicar a esto. En ese tiempo agarré el hábito de dibujar todas las noches, y concentrar mis sentimientos y vivencias en el dibujo. El dibujo fue mi primera pasión y mi “morada” donde

Autoretrato con la muerte, 2017, modelado directo y raku.

me refugié durante la adolescencia. Luego como a los 25 años aproximadamente decidí entrar a la escuela de Artesanías del INBA, pues tenía la idea de que para ser artista había que ser buen artesano. Y quería aprender un oficio artesanal como base de mi formación artística; en esos años me fui encontrando con el volumen, es decir la escultura y el modelado de materiales, dejé un poco el dibujo y me dediqué más a la escultura. Ya que sentí desde el principio la escultura un arte más “real” en el sentido de su materialidad y la participación de todo el cuerpo (tacto y manos).

aunque el “yo artista” ha recibido algunas críticas dentro de la tradición, tachándolo de un concepto ególatra, relacionado al subjetivismo del mito del genio en el arte del siglo XX, e incluso hubo una época que se trató de erradicar promedio del trabajo en colectivos artísticos. Yo sigo creyendo que el “yo artista” es un principio vigente tanto en lo psicológico como lo ontológico, relacionado con la identidad propia y la de tu trabajo, que ambos (trabajo y personalidad) son indispensables para identificar el tipo de obra que quieres crear y su función en una sociedad. …A diferencia de otras profesiones donde el nivel de conocimiento o especialización indican la posición de uno como profesionista, o que el trabajo se termina en la actividad profesional. El profesional de las artes no solo se trata de “lo que sabes hacer” sino de “lo que eres”, se tiene que estar constantemente produciendo obras y reflexionando sobre sí mismo y su trabajo para mantener “actualizada” esa autoconciencia del “yo artista” y

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-¿Cuándo y cómo se encuentra con su yo artístico? -…pues como te comentaba desde niño, que fue lo más natural. Pero estrictamente como a los veinte años, que es la edad en que nos formamos una “autoimagen” y decidimos lo que deseamos hacer de grandes. En mi caso, lo único que sabía con certeza es que poseía ciertas habilidades, algo de imaginación y creatividad. A la par del dibujo comencé a llevar un diario en el que integraba collage y reflexiones, al estilo de un diario dadaísta, gracias a esas notas fui teniendo más conciencia de mi vocación. Sin embargo en esa edad (veintitantos) todavía era muy confuso lidiar con mi carácter disperso y algo rebelde. Todavía me faltaba mucho por aprender y experimentar para integrarlo en un “yo artista” (la autoconciencia de asumirse artista),

El fin del clasicismo, 2017, terracota y oxidos.

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aún así siempre hay cosas por apren- tacto y sentido del espacio), así como der, mejorar y vivenciar. un ideal innato de ordenar la materia en una forma bella o armónica, -¿Cómo nace su gusto por la a la vez que expresiva. Todo esto no escultura? lo comprendes de niño, y a veces ni -…Recuerdo que fue una transición de joven, pero es la dinámica interna muy natural de mi pasión por el di- del espíritu artístico. Y a medida que bujo hacia el volumen. Tal vez cuan- trabajas en ello (hagas obras agrado hice un águila en cartonería con dables o no, te hayan gustado o no) estructura de alambre (como a los vas puliendo y comprendiendo esta 14 años) y me obsesioné por que dinámica de tus facultades creativas. fuera “realista”, así que la cubrí con plumas de pollo teñidas de tinta café; y una base que era un pequeño tronco. Supe que ese afán de “realismo” infantil era el precedente de una atención al detalle y buscar un sentido de “realidad” más allá que el plano bidimensional del dibujo, obviamente eso no lo sabía cuando era niño, pero después tuve conciencia de lo que significaba esta formación artística infantil. Además, que cada persona, aun siendo niño y haciendo una ejercicio de arte por simple gusto (nunca por obligación), reconoces que te gusta y lo quieres seguir haciendo, obviamente el desarrollo humano en cada edad va enfatizando esta vocación y puliendo tus habilidades. Uno percibe de “si mismo” cierta sensibilidad, atención y paciencia por el detalle, gusto por trabajar los materiales y un sentido de la armonía o sentido de la belleza de forma innata y todavía no cultivada. Pero esto se percibe; es lo que menciona Kant como: “el juego de las facultades del espíritu”, la interacción El Hombre pantalla mundo, 2016, cerámica raku. de los sentidos (especialmente vista,

-¿Tiene algún referente entre clásicos o contemporáneos? -Si, me apasiona la escultura grecolatina, en especial por mis estudios de Filosofía griega y el canon de belleza racional que inspiró al arte clásico. Toda esa escultura clásica la considero una fuente continua de aprendizaje y admiración, aunque esta influencia no esté directamente en mi escultura, pues me gusta trabajar más una figuración esquematizada.

Vencer a la muerte #2, 2018, terracota y modelado directo.

…sin embargo por mi formación en Filosofía podría hacer un tipo de obra más conceptualista o más tendiente a ciertas convenciones del arte contemporáneo; incluso en un momento trabajé con ensamblajes y arte objeto que expuse en la Bienal de Poesía Visual Internacional. Pero no creo que uno deba hacer lo que se está haciendo por moda, o influencia de la época; sino buscar una definición y expresión de arte propio, tal y como se entienda. Al margen de que guste, o sea actual a las tendencias de la época. En ese sentido la tensión

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También yo considero clásicos a la escultura mesoamericana y la escultura antigua de medio oriente (Egipto, Asiria, Babilonia), sé que llamarle “clásico” a este arte contradice la historiografía (que de hecho es una disciplina que ha tenido un sesgo eurocéntrico y de discriminación del arte antiguo de otros continentes) por esto, yo interpreto que “clásico” no solo es en sentido estricto el arte grecolatino, sino otras expresiones de arte antiguo, como el arte mesoamericano y el arte antiguo de medio oriente. …así lo que he tomado en mi escultura de este clasicismo mesoamericano es el sentido de un volumen compacto, las composiciones simétricas y una representación esquemática y hasta simbólica (no narrativa). Por este motivo elegí el material más antiguo de la escultura: la arcilla quemada. En estos momentos de mi desarrollo artístico estoy muy metido en este sentido de las formas del arte antiguo, que como he dicho para mi es clásico.

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entre “modernos y clásicos” siempre estará presente, y cada uno como artista debe resolver en su obra dicha dialéctica, dicho “dialogo” entre distintos momentos históricos. Yo disfruto tanto el arte clásico como lo contemporáneo, pero en este momento de mi desarrollo artístico, me identifico más con las formas clásicas, el formato tradicional de escultura en terracota y el trabajo artesanal del oficio escultórico. Seguramente cuando agote esta necesidad, evolucionaré a trabajar otros materiales y formatos más, siguiendo las convenciones del arte contemporáneo.

Duelo, 2020, terracota y modelado directo.

-¿Cuán difícil o fácil ha sido para usted desarrollarse en el camino de las artes? -…pues como mencionaba antes, lo fácil ha sido tener un contexto familiar que siempre me ha apoyado para dedicarme al arte y las humanidades. Lo difícil ha sido concretar esta vocación en un orden de disciplina personal, ya que soy un poco desordenado. Además, que hubo un tiempo de casi diez años que me dediqué exclusivamente a estudiar Filosofía y un poco de Teología. Aunque ambas disciplinas están relacionadas con las artes, exigen mucho tiempo y es difícil dedicarles el mismo cuidado; así que un tiempo de mi carrera luchaba contra esta integración de una doble vocación, entre filosofar o hacer arte. Era algo así como una batalla espiritual de concretar la paz entre ambas disciplinas que se complementan, pero en ciertos puntos también se discrepan, además que ambas exigen un tiempo de dedicación considerable. Creo que este periodo ha sido lo más difícil de mi desarrollo profesional, a pesar de que a la par que me enamoré del dibujo me aficioné por escribir un diario (que aún sigo escribiendo, junto con otros textos) así que mi acceso a la Filosofía fue también muy natural, pero no exento de sacrificios y mucho trabajo. En ese sentido siempre he dicho que: “entre a la Filosofía por medio del arte”, ya que la experiencia creativa en su intimidad y concentración es una actividad medita-

tiva o filosófica, donde el espíritu se encuentra consigo mismo para examinar sus verdades y creencias. Por eso el arte tiene mucho de filosófico, y a su vez la filosofía tiene mucho de estético (el hallar una ”verdad” es un hecho estético). Esto se ha señalado muchas veces: la relación entre arte y filosofía.

-¿Qué lugar ocupa la docencia en su vida profesional? -Es muy importante pues uno aprende mucho al enseñar. También es una gran oportunidad de vincularse con otra persona, platicar, conocer gente con los mismos intereses. También conlleva mucho de autoformación pues es un reto de estar “al servicio de los demás”; un reto de evitar el dogmatismo, y creer que se sabe todo. Exponerse a que las y los alumnos te enseñen, te confronten y te hagan ver puntos nunca antes imaginados. Yo creo que la docencia

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-Vemos que en su obra los cráneos humanos aparecen de forma recurrente ¿Qué significado tienen en sus composiciones? -Si, esto se debe a que siempre me ha impresionado la muerte. Primero como evento dramático y existencial, el hecho de la finitud de nuestra vida y nuestras acciones sean tan poco duraderas ante la realidad cambiante y el tiempo que pasa rápido; es algo que me ha impresionado, y me hace creer que al final muy pocas cosas se conservan y todo concluye en un fin representado por la imagen universal del cráneo. …No es una imagen de la muerte en sentido “pesimista”, o que considere inútil todo esfuerzo de vivir y luchar, pues estamos “condenados” a la muerte. Más bien la imagen del cráneo en mi obra me gusta como un icono que destaca nuestra finitud, nuestra debilidad y fragilidad (que es la fragilidad del tiempo humano y sus obras); al presentar el icono del cráneo trato de recordar esa fragilidad y temporalidad humana, para recordar que esta conciencia de la muerte nos hace valorar la brevedad de la vida. Parece

una paradoja que para valorar la vida hay que recodar el tiempo perdido, las obras que han terminado y las personas que se han ido; en suma: el sentido de la muerte o de la finitud, que es como un resorte que nos impulsa a valorar el hecho de estar vivos. …En ese sentido la iconografía de los cráneos la tomo de la filosofía existencial e incluso de la estética barroca (que es muy bella y anuncia ideas existencialistas). Pero en cuanto al cráneo como “forma plástica” o forma bella en sí misma, me impresiona el uso de los cráneos en nuestra tradición mexicana, sea desde la cultura mexica que también son piezas de cerámica la mayoría; hasta la iconografía del cráneo que nos llega en las artes populares. Creo que la representación del ser humano en su forma más básica es la del cráneo, la forma más significativa de su condición existencial.

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ha sido fundamental en mi desarrollo, desde muy joven comencé a dar talleres para niños, hasta jóvenes, adultos de mi edad y adultos mayores. Cada grupo de edad tiene sus intereses y su modo especial de relacionarse con el arte; y aunque siempre me ha gustado dar clases, siempre es un reto comenzar un taller y curso pues son muchas variables las que enfrenta el docente dentro del espacio educativo, muchas veces no todo es “tan dulce y feliz”, a veces hay conflictos y sorpresas, (incluso hasta de franca decepción) pero siempre hay que tener un corazón noble y generoso para disfrutar de la docencia y el trato humano, no hacer de esto un simple trabajo burocrático.-

-Usted es egresado de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM ¿Cuándo decide hacer del arte su profesión? -Pues como he dicho fue al revés. Dibujando descubrí que hacía “monólogos mentales”, es decir que “hablaba conmigo mismo”, reflexionaba y meditaba al momento de dibujar o modelar, y esto lo anotaba en mi diario. Con el tiempo me di cuenta que en ese diario había reflexiones cercanas a los temas de la Filosofía, claro que no tenía ni idea de lo que era la filosofía solo pensé que era algo “literario” un poco como los diarios de Van Gogh, Gauguin o las notas de otro artista, no quiere decir que me comparara con esos genios, simplemente tomé de ejemplo su

enseñanza: que la discursividad y la autorreflexión es un complemento del arte; siempre y cuando disfrutes de la escritura y tengas algo propio que decir, el camino de la escritura se va formando en conjunción con el de la plástica. Esto no es nada nuevo, pues hay muchos textos escritos por artistas, desde diarios, cartas, notas de taller, cuadernos de recetas sobre su oficio, manifiestos, programas estéticos, etc. Otro factor que influyó en mi para estudiar filosofía es que en esa época (año 2000), comenzaban a popularizarse algunos temas del arte posmoderno: como la llamada “muerte del arte”, “el fin de la belleza artística”, “la crisis de la técnica”, “la banalidad y el escándalo como estrategia del arte ”, todos esos temas retaban mi comprensión del arte, y me pareció interesante de comprenderlos desde la Filosofía, y hacerla parte de mi formación como artista. -¿Tiene algún proyecto en puerta? -Si, actualmente estoy trabajando en una serie de escultura cerámica con influencia de formas de las culturas antiguas, esta serie la que he titulado: “arcaísmos”. A la par de esto estoy pasando en limpio algunos borradores de ideas estéticas, que he titulado: “fragmentos de una estética inconclusa”, y de eso tratan, de fragmentos de reflexiones dispersas que anoté en mis diarios y notas de estudio de distintos temas del arte, mi

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comprensión del oficio y la vocación, -Ha sido un gusto charlar con la temporalidad en el trabajo artísti- usted y conocer un poco más de co, y los juegos de la sensibilidad. su trayectoria artística. ¿Tiene un mensaje especial para nuestros -¿Nos puede compartir alguna lectores? anécdota que haya dejado una -El gusto ha sido mío, Gracias. …pues -huella importante en su carrera solo recordarles que las expresioartística? nes artísticas son tan diversas como -Una vez gané un premio de pintura cada persona en su propia situación donde participaron jóvenes de Nago- de vida y cultura, asume mostrar su ya, Estado Unidos y México. Fue un creatividad. El Arte no tiene una ubiconcurso muy pequeño pero signifi- cación geográfica o cultural especícativo para mí, pues el reconocimien- fica, ni pertenece a un sector social to iba acompañado de una medalla o económico únicamente. El arte muy bonita, y el diploma de haber hecho con sinceridad, sensibilidad, sido seleccionado como parte de las amor y conocimiento está presente 10 mejores pinturas de tres países. en cada persona que tenga le necesiCuando llegó el día de la entrega que dad humana de hacerlo. Es una neiba ser en el Museo José Luis Cuevas, cesidad profunda, que nace del “ser” yo tenía mucha curiosidad de cono- de lo humano; ningún animal hace cer al Mtro. Cuevas pues siempre he arte (ni siquiera los que tejen nidos admirado su obra gráfica y había leí- o construyen refugios), la necesidad do uno de sus libros donde mezcla de hacer, apreciar y disfrutar del arte con genialidad la autobiografía y la es la cualidad más humana y más lificción. Sin embargo, para mi sorpre- bre (ya que es o debería ser indetersa, el día de la premiación no asistió minada), solo determinada por la neel maestro. A pesar de que se nos cesidad interna de expresarlo, una había dicho que era él mismo el que “pulsión” interna que es tan original iba darnos la presea. Posiblemente en su movimiento, que solo la forestaba ocupado, o no le interesaba mación profesional y las influencias un concurso juvenil de novatos. Ese culturales que se asumen deben serdía comprendí que es más impor- vir para motivar ese impulso inicial. tante el trabajo propio que dejarse Así que exhorto a los y las artistas a cautivar por los ídolos. Y que a su vez seguir fieles a su compromiso con el el aprender de los maestros supone arte y a mantenerse receptivos a esverlos como lo que son: humanos y pacios como esta revista cultural que demasiado humanos. difunde el amplio camino del arte, en su diversidad de formas y vidas.

Los Fisgones

Marcelo Gonella

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ARGENTINA 90

IG: @gonellama FB: Marcelo Gonella marcelogonella@hotmail.com

Técnica: Bolígrafo sobre papel Medidas: A3 Año: 2020

La pequeña migrante Freddy Songor

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ECUADOR 92

FB: Songor Gonzalo Freddy fsongor@graiman.com

Técnica: Lapiz sobre cartulina Medidas: 50 cm. x 30 cm. Año: 2021

PROSA

Carta a un amor que nunca olvidaré

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Manuel Mosquera

PERÚ

Anoche hacía tanto calor en mi habitación que abrí las ventanas y me sorprendí, porque frente a mí estaba el Amazonas, con sus correntadas de Apu de los ríos. Me quedé sorprendido, no lo podía creer. Salí de mi cubículo y fui a la sala, para llegar hasta la mesa, donde estaba mi computadora; tuve que pasar por un manchal de rosas de castilla. ¡INCREIBLE! Llegaron a mí los olores resinosos del pasaje Paquito. Olí el fragancioso caldo de gallina que preparan en los velorios. Me embriagué con el sabor amargo de la chuchuhuasa1 . Apareció ante mis ojos la Madre de los montes, que bogaba y bogaba el río pardo de mi alma. ¡Oh! Amazonía. Estabas allí al alcance de mi mano. Me mostraste el espejo con el que se peinan las sirenas. Y en sus reflejos dorados aparecieron cada uno de mis amigos más recordados y las mujeres que amé y aquellas que soñé muchas veces tenerlas entre mis brazos. Toda mi vida estaba ahí. Paseándose, en olor de bosque, por mí casa. Mis años de profesor. Mis horarios de clase en el pedagógico y tus grandes ojos negros, como la noche acuática. La universidad, los tiempos de bohemia y herranza. Nuestras bromas, la boda de Martín, las conversaciones con Jaime Vásquez Izquierdo. Mis días de exploración literaria por los barrios más pobres de Iquitos, con sus historias que traspasan todas las barreras de la imaginación. Cada uno de los rescoldos del gran río me cubrió con su abrazo. Hablé en Cocama2 , con mis amigos y compadres de Manacamiri3 . Me pinté el rostro con achiote4 , para recibir en señal de amistad duradera, a la hermosa mujer bora5 , para que me protegiese con la ternura más intensa de todos los aires malsanos, que intentaban borrar mis pasos por este mundo.

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Después de muchos años, volví a tomar ayahuasca6 , la soga del muerto. Me volvieron a Icarar7 , la tonada del Puto, putito, volé por todas las dimensiones de los ríos de acuario, en busca de la coca kintucha8 y el cumulillo9, que me transportaron a los anillos de Saturno y en la ventana de la maloca10, vi al Dios de la sabiduría y la guerra. Lleno de Amazonía te escribo, en esta ciudad hostil y mustia. Escríbeme. Para no perder esa magia de tu amor nunca muerto. De tu amor resucitado. Hoy que crecen árboles en mis ojos.

La chuchuhuasa (Maytenus macrocarpa) es una planta propia del trópico sudamericano. Su raíz, sus hojas y su corteza son muy empleadas en la etnomedicina, para el tratamiento de dolencias reumáticas, bronquiales, lumbalgias y desgano sexual. 2 Grupo étnico que se encuentra extendido en toda la Amazonía peruana. Forman parte del complejo histórico, social y lingüístico Tupí-Guaraní. 3 Comunidad Cocama que se encuentra a media hora de la ciudad de Loreto, a orillas del río Nanay. 4 El achiote (Bixa orellana) es un arbusto propio de la Amazonía. De sus semillas se extraen pigmentos, los cuales sirven para que muchas sociedades originarias se pinten el rostro. También es muy empleado en la culinaria americana. 5 Pueblo amazónico, que originalmente se encontraba asentado en el río Putumayo; una parte importante de ellos fueron trasladados al río Amazonas, por parte de los caucheros, en condiciones de esclavitud. Forman parte de la familia lingüística bora-huitoto, la cual comprende, las lenguas Muinane, Bora y Miraña. 6 La ayahuasca (Banisteriopsis caapi) es una planta psicotrópica, muy empleada en la etnomedicina amazónica, principalmente para tratar adicciones, desintoxicación del cuerpo y depresiones agudas. 7 Referente a los cantos sagrados y míticos presentes en los sistemas de curación de la Amazonía. 8 Palabra del idioma runa simi (mal llamado quechua) que significa hojita de oro. 9 El cumalillo (Trichilia hispida) es un arbusto, cuya corteza cocinan los Ocaínas, durante horas, para poder extraer una pasta, que es empleado después del chacchado de coca, con la finalidad de poder tener visiones. 10 Construcción tradicional para uso, ya sea de la familia extensa o del ritual de la memoria.

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Una mañana famili

iar Jhony Alvines Alarcón

PERÚ

Fb: Chiclayo Art chiclayoart@gmail.com

Técnica: Óleo Medidas: 100 cm. x 77 cm. Año: 2020 Orbe México

Música del viento Edguin Barrera

ECUADOR

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IG: edguinbarrerarodriguez Fb: Edguin Barrera Rodríguez YT: Edguin Barrera edguinbarrera@yahoo.com

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Técnica: Acuarela Medidas: 38 cm. x 58 cm. Año: 2020

Entrevista

El color de las fiestas

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Cecilia Byrne

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CHILE

Cecilia Byrne

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Nace el 17 de febrero de 1951 en Santiago de Chile. Se titula de Enfermera el año 1973 y trabaja en Pediatría, comienza a pintar para aliviar la angustia que le provocaba el sufrimiento de los niños hospitalizados. Pintaba los fines de semana y desde 1980 en las exposiciones: “Pintores de domingo”, “Pintando Providencia” y “Salón Nacional de la Sociedad Nacional de Bellas Artes”. En 1987 ingresa a estudiar Licenciatura en Arte en la Pontificia Universidad Católica de Chile, realizando las exposiciones: “Ausencias y presencias” y “Tres experiencias”. El 2008 se traslada a Viña de Mar, lleva a cabo la exposición “Chile y sus tradiciones” en octubre 2018 y en mayo de 2019 “Un recorrido por Chile” En 2013 se titula de Psicóloga y el 2015 obtiene el grado académico de Magister en Arte Terapia. Actualmente se desempeña como presidenta de la Asociación Chilena de Arteterapia.

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IG: @cbyrnea

Fb: cecilia.byrne.5

cbyrnea@uc.cl

Entrevista a Cecilia Byrne

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-¿Cuándo y cómo se encuentra con su yo artístico? -La pintura al óleo comenzó a requePor Blanca Vargas rir de técnica, lo cual me motivó a ingresar a diferentes talleres donde Ahora nos tocó visitar a la maestra estudié con maestros los bodegoCecilia Byrne Asenjo, destacada artis- nes, retratos y paisajes. ta plástica con una gran trayectoria. -¿Cómo nace su gusto por crear -Maestra es un verdadero placer obras de arte a partir del “Arte charlar con usted, ¿Cuál es su lugar Naif”? -El año 1985 practicaba paisajes en de origen y disciplina artística? -Soy chilena, viví la mayor parte de terreno, salía con mi atril y pasaba mi vida en Santiago, hace trece años el día pintando en algún lugar atrame trasladé a Viña del Mar. Mi disci- yente: cordillera, mar, ríos, etc. El 3 de marzo un terremoto sacudió la plina artística es la pintura al óleo. zona central de mi país y las réplicas levantaban mucho polvo, por esa ra-¿Cómo es su inicio en el arte? -Al comenzar a trabajar como enfer- zón un día decidí pintar en casa un mera pediátrica y enfrentarme al do- cuadro que me alegrara el alma y lor, abandono y muerte de los niños para eso utilicé los colores puros del hospitalizados encontré en la pintu- tubo en un paisaje . La sensación de ra una válvula de escape a mis emo- libertad y el resultado cromático me ciones reprimidas. Pintaba los fines llenó el alma y desde ese día comencé a pintar con este estilo pictórico. de semana, era autodidacta.

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Pucón con sus atractivos turísticos y deportivos, 2021, 50 cm. x 100 cm. Óleo sobre tela

-¿Cuándo decide hacer del arte su profesión? -Participaba en concursos en la categoría aficionados, gané muchos premios, y gracias a esto y a las buenas críticas pude realizar varias exposiciones, tanto en Santiago como en Valparaíso. En 1989 ingresé a estudiar en la Pontificia Universidad Católica de Chile la Licenciatura en Arte con mención en Pintura. Intentaba dejar el estilo naif pero mi profesor guía Gonzalo Cienfuegos, me convenció de que yo era una auténtica naif y que debía dejar de luchar contra mi esencia. -¿Tiene algún referente entre clásicos o contemporáneos? -Entre los clásicos mis referentes son: en primer lugar Pieter Breugel, de quien admiro sus pinturas costumbristas, tanto de exteriores como de interiores; permiten formarse una idea de cómo era la vida de la época. Mi pintura pretende dejar un legado para que futuras generaciones conozcan tradiciones chilenas que se han ido perdiendo con el tiempo.

Entre los contemporáneos me encanta la pintura de Fernando Botero, quien representa escenas cotidianas en un contexto colombiano, algo que admiro mucho en los pintores y que he tratado de aplicar en mis temáticas, donde no faltan los referentes ambientales cordillera, volcanes, lagos y el mar chileno.

La Misteriosa Isla De Rapa Nui, 2021, 50 cm. x 100 cm. Óleo sobre tela

-¿Cuán difícil o fácil ha sido para usted desarrollarse en el camino de las artes? -En Chile no es fácil desarrollarse en el camino de las artes: Por una parte, es difícil poder asegurar el sustento familiar con el trabajo artístico, por esa razón tuve que trabajar como enfermera docente la mayor parte de mi vida y tomar la pintura como una actividad placentera, sólo una vez que jubilé pude dedicarme de lleno a la actividad artística. Orbe México

En segundo lugar, Henry Rousseau, a pesar de que su temática es diferente a la mía, admiraba la diversidad de las plantas y flores en sus pinturas de la selva con animales exóticos. Esto me permitió trabajar la naturaleza Por otra parte, siento que como arcon más detalles, tanto en lo formal tista naif del sexo femenino no he como en lo cromático. tenido tantas oportunidades como los pintores de estilos vanguardistas.

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Sin embargo, mi trabajo minucioso y de calidad, se ha reconocido, tanto a nivel nacional como internacional, lo que se manifiesta por los premios obtenidos, los reconocimientos y las invitaciones a participar en muestras tanto colectivas como individuales.

Orbe México

-¿Qué la motiva a titularse como Magister en Arte Terapia y cómo lo emplea? -Desde mi trabajo como enfermera pediátrica realizaba intuitivamente actividades de arteterapia. En los años 80 conocí esta profesión y decidí que iba a estudiar para obtener el título de arteterapeuta, pero en Chile no existía la posibilidad de hacerlo. Apenas se dictó el Magister en la Universidad del Desarrollo ingresé a estudiar.

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Me he dedicado a trabajar con personas mayores, tanto individual como grupalmente, en sus hogares o en instituciones, con el objetivo de mejorar su calidad de vida y su autoestima, ayudar a que den sentido a sus vidas, aumentar su creatividad, facilitar la expresión de emociones y sentimientos, favorecer la comunicación y estimular la cognición, entre otros beneficios. -Entre el sinnúmero de exposiciones que ha realizado ¿Hay alguna o algunas que tengan un significado especial para usted? -Las últimas realizadas en Valparaíso tituladas “Chile y sus tradiciones” y “Un recorrido por Chile” han sido la expresión de lo que quiero dejar como legado para las futuras generaciones ya que su temática gira en torno a fiestas costumbristas, pai-

Valparaíso un estallido de colores, 2020, 50 cm. x 100 cm. Óleo sobre tela

sajes típicos de mi país y los oficios que han ido desapareciendo como el afilador de cuchillos y el fotógrafo de cajón. -¿Tiene algún proyecto en puerta? -Estoy preparando una exposición presencial a realizarse en la antesala de la Corporación Municipal de Viña del Mar desde el 24 de agosto al 25 de septiembre en las cuales presentaré obras nuevas que reflejan las costumbres de esta ciudad.

una pintura naif, aceptó y por primera vez en cinco años me volví a sentir libre para pintar. Cuando llegué con mi obra para presentarla, Gonzalo la miró y exclamó: ¡Esta es la obra menos naif que te he visto! Cuando pintas tus retratos de familia, aunque te esfuerzas por ser realista, tu mirada y tu esencia te delatan pues eres una naif auténtica, no luches contra tu esencia.

Una exposición itinerante de norte a sur de mi país, comenzando en enero del 2022 por el norte grande, en febrero por el norte chico, marzo en la zona central y finalizando en septiembre en el sur del país. Editar un libro con mis obras y sus textos curatoriales. Desde noviembre 2020 me encuentro publicando la sección” Trazos y Trozos de Chile” en la revista cultural española “Encima de la niebla”. https://encimadelaniebla.com

Escaleras que conducen al Cielo, 2018, 50 cm. x 100 cm. Óleo sobre tela

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-¿Nos puede compartir alguna anécdota que haya dejado una huella importante en su carrera artística? Cuando estudiaba la Licenciatura en Arte con mi profesor guía Gonzalo Cienfuegos, realizaba retratos familiares en los que debía incluir un punto de quiebre que los hacía bastante intelectualizados. Un día le pedí poder hacer una entrega con

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-Ha sido un gusto charlar con usted, conocer un poco de su gran trayectoria artística. ¿Tiene un mensaje especial para nuestros lectores? -La pintura u otra expresión artística son elementales para tener una buena salud mental, les recomiendo la creación artística, libre y espontánea, que les otorgue placer al realizarla y satisfacción por los resultados obtenidos.

Aquellos que sueñan con dedicarse a una actividad artística les aconsejo que persigan su sueño, ese deseo les permitirá alcanzarlo y sentirse realizados. “El arte alimenta el alma”. Gracias por esta oportunidad para hablar sobre mi trayectoria y proyectos artísticos.

Verano en Pucón con sus atrativos turísticos y deportivos, 2021, 50 cm. x 100 cm. Óleo sobre tela

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-PREMIOS INTERNACIONALES:

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2021 Honorable Mention, Women in the Arts 2021, Heights Art Studios &amp; Gallery, Houston, USA. 2021 Medalla de Plata, Art Excellence Awards. Rusia. 2021 Honorable Mention, Exhibition 30th Anniversary”, Museum of the Americas, Houston, USA.

Procesión del Cristo de Mayo, 2020, 50 cm. x 100 cm. Óleo sobre tela

Minga de la tiradura de casa, 2020, 50 cm. x 100 cm. Óleo sobre tela

Fiesta de la vendimia, 2020, 50 cm. x 100 cm. Óleo sobre tela

Fiesta de Cuasimodo, 2018, 50 cm. x 100 cm. Óleo sobre tela

-PREMIOS NACIONALES OBTENIDOS:

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1986 2° Lugar VII Concurso Nacional de Pintura “Javiera Carrera” 1987 Mención Honrosa Concurso Pintado Providencia, Instituto Cultural de Providencia 1987 3° Lugar Palestina Vista por Chile, Comisión de cultura, Club Palestino, Santiago de Chile 1988 Mención Honorífica 69° Salón Nacional Sociedad Nacional de Bellas Artes. Santiago de Chile. 1991 Mención Honrosa Salón de Primavera Corporación Cultural de Ñuñoa, Santiago de Chile 1999 Mención Honrosa 1° Bienal de Pintura del Profesorado Región Metropolitana 2020 Medalla de Bronce, 100° Salón Nacional Sociedad Nacional de Bellas Artes. Santiago de Chile. 2020 Mención Honrosa, Salón de Navidad, Sociedad Nacional de Bellas Artes. Santiago de Chile. 2021 Mención Honrosa, Salón de Verano, Sociedad Nacional de Bellas Artes. Santiago de Chile. 2021 Tercer Premio, Salón de Otoño, Sociedad Nacional de Bellas Artes. Santiago de Chile.

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El olvido

Sinahí Burgos

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IG: @sinahi_burgos Fb: @SinahiBurgosArt sinaijai32@gmail.com

Técnica: Mixta Medidas: 60 cm. x 50 cm. Año: 2016

Ángel de la guardia

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Iván Carbonell Macchuty

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CUBA

YT: Ivan Carbonell Machuty machuty.pintor@nauta.cu

Técnica: Mixta sobre saco de yute Medidas: 100 cm. x 80 cm. Año: 2020

Reseña

La poesía como legítima defensa

Foto: Archivo Blanca Varela vía Casa de la Literatura Peruana.

Marita Palomino

Nació en Lima, Perú, es artista plástica, escultora, ceramista y pintora con siete exposiciones individuales y múltiples colectivas. Ha editado tres poemarios: Vida Ávida, Convicta Y Confesa, Micaela De Pólvora y Esperanza. Ha compilado el libro de narrativa Los Trece Del Cuento. Premiada en el concurso Scriptura de poesía y tercer lugar en el concurso de poesía Infantil del Instituto Peruano Norteamericano. Pertenece a la comisión de escritoras del Pen Club de Perú y a la Asociación de Monólogos Femeninos Lapsus de Toledo.

Fb: Marita Palomino

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marita_pc@yahoo.com

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La poesía como legítima defensa Por Marita Palomino Traducida a varios idiomas, Blanca Varela fue una de las voces más importantes de la poesía peruana, su obra la hizo acreedora de importantes lauros internacionales, su trascendente poesía atemporal siempre ha estado vigente y ha influenciado en la lírica de la nueva hornada de poetas peruanas.

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Blanca Varela, nacida en Lima en 1926, se inició en la poesía mientras estudiaba Letras y Educación en la Universidad de San Marcos en la primera mitad de los años 40. Dijo una vez que la poesía es un vicio que se adquiere en la infancia, que unos se curaban con los años pero que otros, como ella, quedaban enredados en sus buenas o malas artes. En el caso de Varela comenzó desde niña como un juego secreto y obsesivo, le gustaban las palabras sin sentido, su música, dijo que podía repetir una misma palabra mucho rato, palabras que tenían para ella una rara fascinación.

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Al mismo tiempo, le venían frecuentes preguntas propias de su edad, y no tenía respuestas. Se hizo evidente en ella la sordera de los mayores, que nadie pudiera aplacar sus temores ni satisfacer sus dudas, entonces

optó por responderse a sí misma, haciendo una variación de su propio juego, escondiéndose en lo que podría llamarse su propio discurso. En los claustros de la Universidad San Marcos de los años 50’s, gozó de una gran efervescencia literaria, tuvo cercanía con Sebastián Salazar Bondy y con escritores mayores a quienes siempre había admirado como José María Arguedas y Emilio Westphalen.

Formó parte de la bohemia intelectual limeña y, antes de viajar a París, se casó con el sobresaliente artista plástico Fernando de Szyszlo. Ya en Europa, conoció a Sartre y Simone de Beauvoir, es entonces que se influenció por el existencialismo. Luego de su prolongada estancia en la capital francesa, vivó en Florencia y después en Washington, donde incursionó en la traducción y el periodismo.

trascendencia o sentido, el yo lírico se ha convencido de la orfandad humana: “Nadie te va a abrir la puerta. Sigue golpeando”.

Su cercanía a la plástica parisina la ligó también al surrealismo; su obra tiene en lo formal conexiones estéticas con la vanguardia del lenguaje surrealista donde asimiló creativamente las imágenes de metáforas oníricas. La poesía de Varela no nos deja inmunes a algo que se rompe dentro del lector, es una inacabable búsqueda ética que no cae en la lírica de la instrumentación poética.

Nadie nos dice cómo

Señaló alguna vez que no estaba satisfecha con su poesía y andaba buscando lo inalcanzable, lo inaccesible. En su poesía desdeña la grandilocuencia, no busca la proliferación, el exceso, sino la condensación y el despojamiento, su poesía canta y se decanta con una voz que vibra y exalta, interroga y conmueve.

como quien va

Se irán acentuando en ella una honda reflexión existencial y un sentimiento de desencanto. Ya no existe. Ahora hay certezas sobre la soledad esencial. Varela consideró la vida como algo defectuoso, despojada de

hay ejemplares de tal

Evidencia de esta seguridad de su sentimiento hacia la vida la tenemos en su poema:

Nadie nos dice cómo... voltear la cara contra la pared y morirnos sencillamente así como lo hicieron el gato o el perro de la casa o el elefante que caminó en pos de su agonía a una impostergable ceremonia batiendo orejas al compás del cadencioso resuello de su trompa sólo en el reino animal comportamiento acercarse y oler lo ya vivido

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cambiar el paso

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y dar la vuelta

y todo debe ser una mentira

sencillamente

porque no estoy en el sitio de mi alma

dar la vuelta. Exalta la humanidad, nuestra precaria condición, con una mirada lúcida y sabia, su poesía es sincera, no escribe para complacer a nadie. Fiel a su rigor estético reconoce que a veces la palabra es solo un artificio, una máscara insuficiente para expresar lo que siente.

no me quejo de la buena manera la poesía me harta cierro la puerta orino tristemente sobre el mezquino fuego de la gracia. Es una poeta íntima, buscadora de pureza, no es de gritos ni panfletos, ella no grita, ella susurra. Para ella, como lo dijo, la poesía es un acto de legítima defensa. Blanca Varela publicó su primer poemario «Este Puerto Existe», avalada por Octavio Paz ante la renuencia de ella misma por publicarlo, debido a su autoexigencia. Este libro vio la luz en la lejanía de la patria, por ello, Paz dijo es “el canto solitario de una muchacha peruana”.

Orbe México

Publica después «La Luz de Las Cosas». Allí podemos encontrar poemas en prosa muy extensos como «El Orden de Las Cosas» dedicado a Octavio Paz, muestra de una gran racionalidad.

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Posteriormente, viene «Valses y Otras Falsas Confesiones» donde desarrolla elementos de su propia lírica

como la presencia de lo cotidiano, el sentido del humor y la ironía. «Canto Villano», 1978, es la expresión de una poética cada vez más afiatada y madura. La poesía de Varela transita desde el moderado desespero hasta el completo descreimiento y la falta de esperanza, se queja, pero no con dramas, lo hace con madurez y estoicismo. Sin embargo, hace lo que tiene que hacer, aun así, construye su poema y su existencia, desafía a la nada, lo que importa es el acto de construir, aun cuando se tiene la lucidez de saber que lo que se aspira es imposible, lo que importa es ser. El nadador nada contra corriente el que asciende del mar a rio del cielo a la luz de la luz a la nada.

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La obra de Varela no es extensa, consta de ocho poemarios, porque la poeta optó por la auto exigencia; sin embargo, la calidad y profundidad de su poesía en innegable, así como su influencia en las poetas de los años 80’s que irrumpieron el panorama de la poesía femenina en el Perú.

En su última década, la más bien parca producción de Varela se ha visto ampliada con tres nuevos conjuntos, «El libro de barro», «Concierto animal» y «El falso teclado», que nos muestran a una escritora en pleno dominio de sus recursos, ahondando, con el rigor verbal y la densidad conceptual que la caracterizan, en los que podrían considerarse los motivos centrales de su poética a partir de «Ejercicios materiales»: el cuerpo, como espacio para la gestación (cuerpo materno) y el deterioro; la conciencia con respecto a la contin-

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gencia del ser y la consecuente imprecación a la divinidad (o a su ausencia); la muerte, incesantemente descrita con una actitud despiadadamente lúcida y serenamente resignada a un tiempo. La obra de Varela recibió, en el año 2001, el Premio de Octavio Paz de Poesía y Ensayo, en virtud de toda su trayectoria. De esta etapa data su amistad con Sartre, Simone de Beauvoir, Michaux, Giacometti, Léger, Tamayo y Martínez Rivas, entre otros.

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En octubre de 2006, se convirtió en la primera mujer en ganar el Premio Internacional de Poesía de Granada Federico García Lorca, a cuya tercera edición, concurrieron treinta y cuatro candidatos, informó el presidente del jurado, José Torres Hurtado. El alcalde de Granada, presidente del jurado, explicó que “después de una amplia deliberación y sucesivas votaciones, el premio ha recaído en Blanca Varela”, un fallo adoptado “por amplia mayoría”. El jurado, presidido por el alcalde José Torres Hurtado, lo componía el poeta asturiano Ángel González —ganador de la pasada edición—, un representante de la Casa de América y otro de la Residencia de Estudiantes, Laura García Lorca, sobrina del poeta y directora de la Huerta de San Vicente, el presidente de la Fundación Generación del 27, el de la Academia de Bellas Letras de Granada y el catedrático de Literatura de la Universidad de Granada Álvaro Salvador.

En 2007 recibió el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana, convocado conjuntamente por el patrimonio Nacional de España y la Universidad de Salamanca. También ha sido condecorada con la Medalla de Honor por el Instituto Nacional de Cultura del Perú. Murió en marzo de 2009 en la ciudad de Lima.

Portales de colores Johan Michelle Austria Beristain

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IG: @Johanausber13 FB: Johan Michelle Austria Beristain johanmichelle13@gmail.com

Modelo: Ana Pérez Hernández Técnica: Lápices de colores, gises pastel, acuarelas, acrílicos. Medidas: 100 cm. x 70 cm. Año: 2020

Bailarina Andrés Luis Reyes Pino CUBA

IG: @pinoandresluisreyes andreluireyes@gmail.com

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Técnica: Acrílico sobre lienzo Medidas: 120 cm. x 80 cm. Año: 2021

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POESÍA

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Refugio Valencia Rodríguez

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”Malaria” Putrefacto de cuellos blancos, Insertado en la cúspide de sus caninos, Ven, huelen, sienten, escuchan el quejido de los muertos, Se relamen las garras de seda, Con las manos quietas la yugular oprime, Siempre ajenos a ejercer justicia, Las noches lloran por miles de pupilas rotas, Mentes maquiavélicas hieren sonrisas, En mis puños la ira blasfemando, sus bélicas miradas la reprimen, ¿Cuál derecho en mis alas mancilladas Si con furia me someten a sus leyes. El karma existe, Pronto también serán tumbas.

“Tristeza” En mis ojos aún llovizna, La cortina de mis retinas entreabiertas, Mis párpados moribundos, La tormenta precipita en mi nostalgia, El aroma de tus huellas sigue intacto, el viento meciéndose en el columpio roto, Y yo, indeleble inhalando tu recuerdo. Orbe México

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“Flor marchita”

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Aún tu aroma es primavera y verso, No importa que la prosa del otoño trillo tu sueño, Cual hojarasca besando el suelo, tu frágil cuerpo, Quien fue? Acaso el deseo infame que con engaños te convirtió en fuego, Acaso la maldita lujuria de la inconciencia de sus ojos ciegos, Necio, nefasto, perverso, Que harás con tu placer satisfecho, Si asesinaste su risa y sus juegos, Quien fue? Fuiste tú, crianza de víboras venenosas, Cabrona sociedad que acorralaste sus derechos, Creaste en su interior un castillo de silencio, Una cárcel sus lágrimas con cadena perpetua, Triste y marchita metamorfosis de género, Porquería de hombre, solo quería seguir siendo niña.

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Acróstico Caudal De Letras Caudal de letras es mi torrente sanguíneo A tiempo ilustro mi pluma inerte, Único e irrepetible cundió mis venas, De latidos rítmicos desde mis arterias Abrió la flor de Orquídea y me impregnó su aroma Los versos de su polen ahora en mi tintero De mi puño de miedo, emergió un valiente En tierra firme, apunto a la gloria La epígrafe fue una constante y mi vereda En tanto reían hipérbaton y prosopopeya Tiembla la cacofonia, prácticamente muerta. Recomiendo ampliamente a quien vive y sueña Anidar en su caminar taller Caudal de letras Siempre a merced del que piensa y crea.

-Fb: Oigufer Aicnelav (Corazón de Poeta)

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Ninfa en Crisálida Karen Pinto De La Calle CHILE

Orbe México

IG: @monroe.artist Fb: @monroeArtist.cl monroeartgallery@gmail.com

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Técnica: Óleos sobre lienzo Medidas: 100 cm. x 150 cm. Año: 2020

Sunset

Emily Shih

TAIWAN

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IG: @cat2791 Fb: Emily Shih cat2791@gmail.com

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Técnica: Acrylic on canvas Medidas: 65 cm. x 53 cm. Año: 2018

POESÍA

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Sandra Gallardo

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Mujer ojos de risa ¡Qué nocturno es tu rostro ahora! En manos del des(a)tino estás en la trama de las protagonistas sin libreto, en coestelar vives un desamor mancomunado, una pasión que no sabe dónde poner su esqueleto. La noche es un telón de fondo que encubre la repetida escena: la luna abierta en oscuro silencio, crespones de luz sobre las sombras frías, escenas mudas y largos monólogos. Horas en blanco y negro: ¡teatro, teatro del absurdo! el perdón no llega con la ilusión mal trazada. Nada sirve forzar la estructura del beso ni el ensamble clásico de las caricias, el amor deshabitado se pierde en los tejados de la ausencia.

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Poema

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La poesía se esconde en los barrios de la memoria, en las Iglesias vacías y silencios oscuros que siempre tienen llanto en sus paredes. Se esconde en las tabernas, entre botellas vacías y desengaños, tarros de cerveza y lágrimas. La poesía Huye del tintero seco del falso Poeta, él, no se ensucia con la saliva de la verdad, con los orines de los desesperados. La poesía odia la solemnidad de los claustros , ama la perfección de lo imperfecto. Se esconde en la piel de los desamparados, sale a la calle a bañarse en la injusticia. Porque fácil es hablar de la belleza de lo bello, la nívea hermosura, la pureza plana, perderse el los laberintos de las palabras, antes de reencarnar en el dolor de los huérfanos de todo.

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Más que invierno Hoy salí a la calle sin zapatos, sin sostén: y el corazón vacío. Mas no importa, la gente no me ve; apenas soy una hoja seca en el pajar de los burros, me tragan sin siquiera masticarme, nadie notará que estoy desnuda o triste porque soy una gota de vida, muriendo en el bebedero de los pájaros. He salido a la calle y desde mi centro me contemplo vacía, vacía como esos jarros secos donde el agua alguna vez resguardó su frescura, mas hoy nada tengo que ofrecer al sediento. La banca de un parque es un excelente lugar para sentarme y abrir la mañana y preguntarle al invierno ¡Cómo puede vivir con tanto frío?

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Incertidumbre

Eli Leonardi

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ARGENTINA 140

IG: @Leonardieli elizabeth_leonardi@hotmail.com

Técnica: Acrílico sobre escenográfico Medidas: 70 cm. x 50 cm. Año: 2021

Anunciación

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Alicia Guzmán cifuentes

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CHILE

IG: alicia_guzman_pintora FB: Pintora Alicia Guzman alyguzma@hotmail.com

Técnica: Óleo sobre tela Medidas: 100 cm. x 80 cm. Año: 2021

NARRATIVA

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Ruth Pérez Aguirre

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--¡Un día más y todo sigue igual!, así transcurren los años y yo sigo sujeta a lo mismo, desperdiciando la vida sin vivirla. “¡Las lamentaciones de siempre!” --Sí, así es; quiero salir de este aburrimiento que se me cae a pedazos haciéndome agonizar. Deseo vivir con intensidad, como debe ser, ¡esto es una burla! Anhelo ser la heroína de mi propia historia, que se hable de mí y se diga algo interesante cuando alguien me recuerde… “Te estás acercando a los cincuentas y piensas que los intereses de tu vida acabarán ahí, que se te fue el tiempo y ni los viste pasar”. --Ansío ser una mujer interesante, sofisticada y admirada por los hombres… ¡quiero ser Naná! “¿Estás loca?” --Tú no te metas, eres sólo mi conciencia, soy yo quien dirige mi vida, lo que digas no me interesa, ni te desgastes en darme consejos, total, haré lo que se me venga en gana. “Lo sé, pero te recuerdo: antes de que llegues a hacer algo yo ya lo sabré de antemano y…” --¡A callar! Al siguiente día, muy temprano, Nepzula salió de su casa rumbo a una academia de teatro, indignada de posponer por tantos años su verdadera vocación artística. Se inscribió y la pusieron a ensayar de extra en una obra experimental basada en una historia de los bajos mundos situada en un hospital. Nada similar a sus pretensiones de hacer una obra musical y resaltar por su belleza madura, la cual no se resignaba a verla esfumarse. Cansada, pero satisfecha con sus logros, regresó presurosa a casa a servir la comida y atender a su familia. En la tarde repasó sus notas favoritas de la famosa novela de Emilio Zolá; se dio cuenta de la falta de un importante elemento para sus planes: una amiga incondicional que la acompañara en sus aventuras callejeras en busca de hombres ricos que se convirtieran en sus benefactores. Sin demora volvió a salir y esta vez fue a un bar dispuesta a entablar amistad con alguna empleada del tocador o de cualquier área que reuniera las condiciones. Así conoció a Ernestina, a quien ella le decía Seda en honor de Satín, la amiga íntima de la verdadera Naná. Le platicó de sus proyectos, y dispuesta como ella, acordaron salir la noche siguiente pues sería su descanso. Nepzula le regaló unos vestidos, un broche de pedrería y algo de dinero como hizo su heroína de la novela. Ernestina, más bien Seda, era una cuarentona desvencijada y pobre, para colmo, aficionada a la bebida, sin marido y con un hijo a cuestas, pero dispuesta a correr cualquier tipo de aventura, con tal de conseguir una copa gratis. A la noche siguiente Nepzula salió de casa con cara de preocupación, necesitaba visitar a una amiga en un hospital donde acababan de ingresarla. Su esposo le creyó. Las dos nuevas amigas recorrieron las calles más populares de la gran ciudad en busca de algún hombre dispuesto a dar la vida por ellas. Terminaron agotadas de tanto caminar, en especial Nepzula, acostumbraba a salir solo en auto. Terminaron la noche en un bar donde le invitó a Seda una copa y otra mientras le relataba su infructuosa vida y hacían planes para su

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siguiente correría el próximo miércoles. En los ensayos, se daba aires de gran diva adelantándose a la envidia que les provocaría a sus compañeras en cuanto le ofrecieran un gran papel al descubrir sus enormes aptitudes histriónicas. Estuvieron a punto de sacarla del único cuadro donde participaba por el ambiente hostil que creaba, pero se retractó pidiendo disculpas con tal de proseguir en ese ruin papel. Se resignaba al pensar en Naná quien también soportó enemistades y humillaciones antes de llegar a ser la diva quien fue. A su conciencia la había mantenido acallada, harta de escucharla decir tonterías. No así al esposo quien ya empezaba a sospechar de su actitud con sus salidas y la nueva manera de comportarse en casa: a su atuendo usual le había agregado detalles extravagantes y exóticos, tomaba vino en las comidas, ellos no lo acostumbraban, empezó a fumar, a hablar como si estuviera actuando, gastar dinero en ayudar a una amiga que él no conocía… estaba cambiada por completo. Le costó aceptar la excusa de su ginecóloga de que debía estudiar teatro para aflojar la tensión provocada por la entrada a esa etapa difícil en la mujer; pero él no asimilaba el por qué ahora hablaba sola, como si platicara permanentemente con alguien. “Estás jugando con fuego, Nepzula, tu querida amiga Seda ya posee la mitad de tu vestuario, también gran parte de tu joyería; está consumiendo tus ahorros, y ese par de acompañantes de los miércoles son otros vividores como ella, no grandes mecenas interesados en apoyar el arte ni mucho menos en mantener a mujeres hermosas; date cuenta, mujer, sólo estás haciendo el ridículo y puedes terminar muerta en una de esas callejas por donde gastas las suelas de tus zapatos, un día de estos te van a confundir con una…” --¡Cállate!, tú siempre de mojigata y aguafiestas. Esos caballeros van a ayudarme a sobresalir y me lanzarán como estrella de los escenarios, ya lo verás. “¡Santo cielo! La menopausia trastorna a algunas mujeres de manera inaceptable, ¿no te das cuenta hasta dónde estás llegando? Esos tipejos te han estafado, ya no tienes ni un peso en tu cuenta, ¿qué vas a hacer ahora cuando te pidan más? ¿Te venderás en las esquinas como hace Ernestina, digo, Seda? Yo no quiero pasar por esas situaciones, considérame, soy decente, honesta y ...” --Ssch… Ahí viene mi marido y siempre me sorprende peleando contigo. --¿Con quién discutes, Nepzula? No me digas que estás ensayando algún diálogo porque he escuchado bien lo que decías, hablabas de mí. Pero ya no te preocupes, querida, el siquiatra ha venido por ti, vivirás un tiempo en su clínica mientras te repones; no te inquietes por nosotros, estaremos bien. Te iremos a ver los miércoles, día de visitas.

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-Fb: Ruth Pérez Aguirre

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Más allá del Silencio

Jenny Hernánd

https://jennyarte.crevado.com cardezjenny@gmail.com Técnica: Óleo sobre lienzo y Aro de bordar Medidas: 180 cm. x 90 cm. Año: 2019

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dez Carbó

CUBA

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CUENTO

El becerro negro

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Gloria Beatriz Urueta

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COLOMBIA

Entra en el comedor de la exclusiva pensión Berritz, en Madrid, Íñigo Gutiérrez, conocido en toda España como El Pantera; es temprano y el salón está desocupado. Camina calmado, pero a la vez garboso, con el andar de quien se come el mundo; su fama en España no le basta, quiere superar al Pity, el mejor torero del orbe.

res, vamos a pescar al río Guadalquivir con el viejo y mi hermano mayor, calor del sol en los brazos, brisa, el sombrerito de pesca que me compró mi hermano grande. Mi hermano muerto, noo, tremendo golpe la noticia, ¡duro! Ni cuento hoy esas cosas, para qué, la infancia lejos, el sentimentalismo es cosa de mujeres.

-Don Íñigo buenas tardes -saluda la Se ubica en la mesa más cercana al mesera acercándose-, lo sentimos, balcón, abre el último número de la pero aún no está la cena. revista Pasado y Presente de la Fiesta Brava y fija la atención en uno de sus -No te preocupes moza ¡que tu saleartículos, aunque pronto se distrae. ro me alimenta! -le dice sonriendoSus ojos miel se pierden en el vacío y yo sé que aún no es hora de comer, la brisa del caer de la tarde entra por pero quise sentarme aquí un rato. el balcón hasta su ovalado rostro tra- Tráeme un café que me apetece, y yendo aroma de flores de naranjo. un vaso de jugo de naranja, guapa. Abstraído, la cabeza en una mano y el codo en la mesa, palpa el gel en su -Sí señor, claro que sí - dice sonriencabeza, le agrada que no se desorde- do coqueta y sale caminando con la ne ni uno solo de sus cabellos negros espalda más erguida y su mejor bay cortos, de raya al lado. lanceo de caderas. A Íñigo le gusta quedarse en el sobrio comedor, es tan agradable, la textura suave de las mesas de un roble muy pulido, las paredes enchapadas hasta la mitad, pinturas de artistas españoles reconocidos -como le explicó el administrador-, porcelana antigua dentro del aparador. Vuelve de sus pensamientos cuando le hablan y advierte el aroma a paella de mariscos que desde la cocina se expande, uno de sus platos favoritos, pero no comerá una porción grande pues Yo niño en el árbol comiendo jugo- cuida su figura, alta y flexible, gracias sas naranjas, la finca huele a esas flo- al ejercicio diario. Me mantengo ágil

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Huele a finca de papá, la infancia, cómo pasa el tiempo, cuánto hará que no veo a los viejos, estarán bien, supongo, una época feliz, cuando niño qué le preocupa a uno, crecer, qué más, mamá tan cariñosa, no hablo de eso, normal querer a la madre, me cuidaba tanto, era la más sensible, las mujeres son así; hoy otro cuento con las mujeres, pienso es en otra cosa. Y a papá lo admiraba tanto.

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en el ruedo y la figura esbelta, por el toreo y para las mujeres, claro, ¡que me llegan solitas!, si no tuviera esta fea nariz, pero así me admiran, mucho y muchas, toca cuidarse, con doble razón. Menos mal que tengo disciplina, así estoy arriba, y quiero más, ¡por las barbas de san Anselmo!, que tengo planes altos, ser el mejor torero, me lo merezco, ¿por qué no? tengo toda la capacidad, creo en mí, voy a comenzar a conseguirlo ya, en tres días, ciudad de México allá voy, la corrida importante en esa plaza que yo deseaba, ¡torear ante dos presidentes!, el Mexicano asistirá y ojala el gringo -está de visita-, habrá excelentes toros, eso ya lo sé.

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Será mi mejor momento, lo que necesito, ¡claro que sí! Vas a lucirte, El Pantera. Con los dos presidentes en la tribuna de honor, la prensa escribirá en todo el mundo sobre la corrida y tú vas a torear como nunca, y nada de preocuparte por nadita, nada, lo de Toulouse no importa, ni lo de Lisboa, estúpidos, que protestando ahí con pancartas, haciendo escándalo, que pobrecito el toro, los tales animalistas, ¡abrase visto!, parecen niños, pero tú Íñigo ni te preocupes, nadie les hace caso, la prensa publicó la cosa, sí, pero al otro día nadie se acordaba, ¡seguro, yo sé que sí!, en cambio de la corrida no se olvidan.

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A la noche siguiente está en un hotel de Ciudad de México probando un mole. Qué comida esta, pobre de mí, yo sí sabía que los mexicanos comían picante pero nunca pensé que fuera tanto. Íñigo, vas a echar fuego por la boca, como dragón, qué tremendo ardor en la garganta, pero disimula hijo, que eres un macho y aquí sí que valoran eso, un torero no puede lloriquear porque se picó la lengua. Al día siguiente al despertar recuerda imágenes borrosas del sueño que tuvo con un niño pequeño y un becerro, sospecha que el niño es él, lo piensa mientras trota, mientras se baña y pasea por la ciudad, de muy hondo le llega: «Mamá, mira, dejaron una mantilla negra en ese prado, mira allá, junto a esa vaca, ¿es tuya, porqué la dejaste tirada?», -y ella le respon-de-: «no, hijito, no es una mantilla, es un ternerito que acaba de nacer, todavía no se ha parado, esa vaca es la mamá». Así comienza su amistad con ese animalito, ella lo lleva a verlo, acaricia tan emocionado su lomo, su cabecita, se amarán como nunca después otra mascota, crece reconociéndolo, se deja acariciar y montar.

Pero casi hecho un torete su padre lo vende, solo su madre pone atención a lo que él sufre. ¿Qué habrá sido de ese animal? Menos mal que no era El matador come y se va a dormir, toro de lidia porque… pero, ¡por las viajará al día siguiente, después de barbas de san Anselmo!, ¿qué fue lo trotar una hora, muy temprano. que pensé?, ¡lamentar la muerte en

el ruedo de un toro de lidia, no!, ¡qué locura! Ni que yo fuera uno de esos animalistas, nooo, ¡yo soy el matador, no de los que lloran por el toro! No quiero pensar en eso. El Pantera, tú el valiente torero, sentimentalismos de niños y mujeres no. Al siguiente día vienen en una limosina a llevarlo a la corrida. La plaza llena, el día brillante de mi principal debut, a lucirme, ¡es el día!, y el sol está espléndido, ninguna nube, hasta eso a mi favor. ¡Qué gentío en la entrada!, se agolpan para aclamarme, no, ¿qué es eso?, carteles negros, pancartas negras, ¡no, no, negro no!, ¿pero quién les habrá dicho?, ¡si nadie sabe mi temor al negro antes de las corridas! Son los malditos animalistas otra vez, no me aclaman, me reprochan, que soy un cruel, ¡y dale con eso! Negro no, mala suerte en la corrida, Íñigo, no te dejes sugestionar, no pasa nada, tienes traje de luces azul, y mi relicario, todo va a estar bien, la virgen te protege, prendí su vela, torea como nunca, la prensa del mundo hablará de ti.

El público vocea desde las tribunas, muchos se ponen de pie, unos abuchean, otros lanzan gritos, él yace sobre su sangre que se está derramando. Como una exhalación, un hombre de jeans y camiseta salta al ruedo, es el Pity quien estaba entre el público, él ha observado al toro zarandear el

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Comienza la corrida, magnífica, la afición se entusiasma, él oye gritar ole desde las multicolores gradas abarrotadas de público, todo marcha como lo había pensado, siente la brisa en la cara, como cuando pescaban en el Guadalquivir pero ahora, a su gran nariz ganchuda llega el olor característico de la arena del ruedo, exacerbado por el sol quemante que evapora efluvios de esa mixtura ex-

traña, mezcla de aromas de arena con humedad, estiércol, sangre, sudor del público, lociones y perfumes, su propio olor a cuerpo varonil, claveles; y todo eso le excita sus instintos más oscuros, despierta en él sed de sangre. Sí, ahora es el momento de la estocada, oye la señal, no debería ser aún, el toro sangrante, picado ya y con las banderillas colgando del morro aún es fiero, lógico es esperar que esté más cansado, más débil, pero no, quiero matarlo, ¡mátalo ya Pantera!, así seré visto más arriesgado, me lo reconocerán, lo necesito, le voy a dar la estocada en la cruz, como yo sé, de una sola, sin falla ¡ahí viene! estoy bien colocado, mi elegancia mi garbo felino, disimulo mi espada detrás del trapo y la muleta, ahí viene y ahí voy es negro negro como mi amigo becerro ay pobre animal pero qué pienso es él noo eso atrás otra época ya no soy niño no lo puedo matar qué compasión por qué espero duda nunca antes ay… mi costado mi hombro el brazo me caigo ay qué pasa ensartado no maldito cuerno ay respira ay difícil respirar aire, aire dolor olor a sangre mi sangre maldita entraña de toro duele mucho aire me falta dolor negro, negro todo ne...

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cuerpo herido hasta zafarlo del cuerno, retroceder y piafar, patear la arena y bajar la cabeza, es tan fiero que no se deja distraer por los pases de otros capotes, su objetivo es el torero caído. El Pity se había dado cuenta del titubeo del Pantera, que le dio tiempo al toro de atacar primero. Ya en la arena, recoge la espada y la muleta con la tela ensangrentada y se cuadra entre aquel y el animal, lo espera y le hunde en la cruz la estocada hasta el fondo, límpiamente. La fiera cae herida de muerte, mientras dos camilleros alzan al Pantera ya inconsciente y lo llevan hasta una ambulancia.

perimentas como la tragedia que es, deberías, pero lo que oyes te llena de serenidad, empiezas a comprender qué te pasa, ves que ya no deseas matar más toros, que tampoco les debes nada, con esa cornada tú y ellos quedaron en paz, ¡ya no más! Pero será tu secreto, otro secreto como cuando conseguiste el dinero que parecía imposible para pagar las clases de la Academia de Tauromaquia. No, nadie puede saberlo, uno de hombre tiene sus secretos, sí, viviré en paz con los toros y todos pensarán que lo lamento, es lo mejor, no ponerme a confesar con nadie, enseguida irían a la prensa.

Quince días después, Íñigo vuelve en sí de un coma inducido, en la sala de recuperación, blanca y aséptica, en la clínica Moctezuma. Tuvo los mejores especialistas de México y Estados Unidos, pues los dos presidentes que presenciaron el desgraciado incidente, se los proporcionaron para ayudar.

Tienes sueño, sientes el olor a desinfectantes de la sala, tu padre habla del seguro. Se te van cerrando los ojos y en el duermevela en que caes oyes claramente el balido del becerro negro.

Más avanzado su tratamiento, un cirujano le explica, entre medicamentos, la gravedad del daño recibido, las cirugías para sanarle los pulmones y el hombro, lo que aún le espera de nuevas operaciones y fisioterapia, con todo lo cual se cree posible la restitución del movimiento del brazo, pero le advierte que nunca podrá ser con la agilidad que requiere para seguir toreando. Mira el rostro de tus padres, te observan con caras expectantes, no sabes por qué tú no lo ex-

Habana Roberto Conde

CUBA Fb: Art Conde Gallery condepintah2111@gmail.com Orbe México

Herrera

Técnica: plumilla y aguada sobre lienzo Medidas: 150 cm. x 70 cm. Año: 2020

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Vánitas

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Edith Bañuelos

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MÉXICO IG: @edithbanuelos.art FB: Edith Bañuelos Edisba3@gmail.com

Técnica: Óleo sobre lienzo Medidas: 100 cm. x 122 cm. Año: 2021

DRAMATURGIA

Sombras en el paraíso (Fragmento)

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Alberto Estrella

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Esta obra se estrenó en el 2020 con la actriz Ángeles Marín, bajo la dirección del actor y maestro Víctor Carpinteiro. PERSONAJES Alma… Edad indefinida. Doña Jose… en presencia o imaginada por Alma. …Entonces sucedió que al mes estaba aburridísima, así que decidió organizar para el domingo siguiente una comida “muy sana.” Ah, porque también se había vuelto vegetariana. Como pudo, reunió a varios de nuestros parientes. La mayoría de sus hijos no asistieron, ah que mis primitos, nunca se llevaron bien con ella, sobre todo las mujeres. ALMA Llegó el día. Ella lloraba la ausencia de sus hijas, no entendía por que nunca la habían querido cuando ella había hecho todo lo po sible porque “fueran felices.” Pero a pesar de todo, ella presumió lo que era la vida en el campo, aire, sol, tiempo para pensar y la comida.

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Ella misma fue a cortar los champiñones para hacer la sopa, se comería además ensalada y calabazas rellenas de queso. Dio la orden de sentarse a comer y lo que nunca hacía, bendijo la comida agradeciendo a los cuatro elementos sus prodigios, soplando con todas sus fuerzas en una caracola marina que nunca emitió un buen sonido. Todos se miraban incómodos pero aguantaron sin reírse. Como la sopa estaba realmente sabrosa, hubo quien repitió hasta dos o tres veces y de pronto, como ocurre con las cosas extrañas, algo sucedió sin aviso. Unos estaban encima de las sillas carcajeándose, otros tirados en el piso cantando, y la tía Flor encima de la mesa dando cucharazos y arrancándose con fuerza los calzones porque decía que dentro tenía a unos animales horribles que querían entrar por su vagina. Acabó tirada en el jardín revolcándose desnuda y finalmente desfallecida en la tierra junto a las gallinas que incrédulas y asustadas la miraban. Nadie supo decir cuánto duró todo aquello, pero lo que sí se supo, es que los famosos champiñones resultaron ser hongos alucinógenos. Ese fue el pretexto para que no la volvieran a ver ni a hablar…

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ALMA .

Igualmente te pasó a ti, la realidad es que nadie te quiso nunca. ¿Qué hiciste para alejar a tus hijos para siempre? ¿Qué corazón puede eludir el llamado de la sangre? Aquel que ya no late por alguien aunque siga vivo. ¿No entendiste que nunca nada de lo que hagan los padres será correcto ante la mirada acusatoria de los hijos? Y esto no es solo anécdota, es la confirmación de lo que los hijos van significando para los padres. Dicen que “realización,” solo un pretexto de pertenencia, porque si no ¿cómo justificar el paso por esta vida cuando no se ha “realizado” uno? En los momentos de soledad y de sentirse inútil, por lo menos se piensa “tengo un hijo.” Quedaste preciosa. El toque final.

ALMA

Que linda, como para ir a conseguirte novio.

ALMA

¿Qué soy para ti mamá? Tu sombra. ¿En qué me he convertido? En una nada, en este vacío, en un rincón de esta habitación. Mírame soy una piltrafa, no me arreglo, ¿para quién? ¿Para los moribundos de la noche? ¿Qué destino se me presenta a la vista que me ciega y nada puedo ver? ¡Cataratas!

No veo más que sombras. ALMA

Mamá, que barbaridad. Ya es la hora de tu papilla.

ALMA

Mi sueldo ya no alcanza para nada, todo sube en el mercado ya no me quisieron fiar.

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“Si doña Jose no viene no le doy, ¿cómo me garantiza que aún vive?”

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¿Cómo se la traigo en silla de ruedas? Bajar cinco pisos para venir aquí, subir cinco pisos para regresar. Antes el muchacho del 17 me ayudaba a bajarla aunque fuera una vez a la semana, pero ¿ahora cómo le hago? le dije.

“Pues si no me manda aunque sea un recado firmado, no hay fiado.” ¿Pero cómo si ya ni se mueve señora? Le dio una cuadriplejia, ¿sabe lo que es eso? “Será el sereno. Si no está, no fió.” ¡Maldita vieja coja! Quise gritarle: ¡Muérase, usted, las puesteras y todo el mercado! ¡Muérase el mundo entero donde solo el dinero vale, todo cuesta, todo tiene un precio, todo es dinero, dinero, dinero y a nadie le importa nadie! ¿Tú sabes que podríamos desaparecer aquí mismo y a nadie le importaría? ¿Te has puesto a pensar en la cantidad de millones que somos? Nunca nos miramos. Que horrible es saber que mentimos y nos mentimos, que no sabemos realmente cuantas veces estamos diciendo la verdad, “la verdad.” ¿Tú me dijiste alguna vez la verdad mamá? ¿Esperabas que acabáramos así juntas? A veces he llegado a pensar que lo planeaste todo, que por eso me aceptaste en esa casa donde todos me odiaban, siempre insultos, humillaciones, desprecio, “Al” trae, “Al” recoge, “Al” ¿Por qué no planchaste esto? “Al” ayuda, “Al” limpia esto, “Al” nunca estás cuando te necesito, “Al, Al, Al.” ¿Qué destino es este?

CONTINÚA

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Hotli#1 Héctor Bautista Peñuelas MÉXICO IG: @studio_baujjaus studiobaujjaus@gmail.com

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Técnica: óleo sobre lienzo Medidas: 100 cm. x 147 cm. Año: 2020

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Flor de la Pluma

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Marisol Pérez Carniglia

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CHILE

FB: Marisol Perez Carniglia mperezcarniglia@gmail.com

Técnica: Óleo sobre tela Medidas: 150 cm. x 70 cm. Año: 2021

Próxima edición Octubre 2021

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