Praxis08

08 ENE-FEB/17

ARTE

MODA

CIUDAD

En portafolio: Obsolescencia de Jordi Hernรกndez. [2]

BROkER X Celina Arrazola. [3]

Sharon Drijanski X Alejandro Peregrina X Yanis Romero [4]

08

“Hay algo en la moda que pone a la gente muy nerviosa” dijo alguna vez Anna Wintour. ¿Qué será de la moda cuando converge con el arte o toma sus referencias de alguna obra ajena? Alejandro Pérez Montes trata de hacer conjeturas al respecto en el artículo de moda.

Sharon Drijanski, en la entrevista, podría tener todas las respuestas.

El arte también tiene un efecto cómicamente devastador en el protagonista del cuento de Iliana Govea y para más dudas al respecto, la crónica de Erick Carreto es la obra más encriptada de todas. ¿A ustedes qué les provoca el arte?

Alejandro Peregrina

EDITOR GENER AL

AR T E CUENTO 08

Tutsi Pau

PORTAFOLIO 13

Obsolescencia

MODA MODA 22

Las Referencias

EDITORIAL 28

BROkER

CIUDAD CRÓNICA 39

Mundo e terra

ENTREVISTA 58

The epitome of cool

Praxis es una revista independiente bimestral. Certificado de reserva de derechos al uso exclusivo del título en trámite con número 04-2015-102213115400-20. Todos los derechos del contenido son propiedad de sus autores y no podrán ser reproducidos sin el permiso de éstos.

08 DIRECTOR GENERAL:

Alejandro Peregrina.

Diseño/Fotografía:

Yanis Romero.

COLABORA DORES Axel Lara “Artista” autodidacta de San Andres Cholula, Puebla. Es más elusivo que su gata Sama, la más guapa del mundo. @axel_lara_cruz

Iliana Govea Creadora multidisciplinaria egresada de la FAD. Piensa que hay helado en el infierno y que el mundo ya casi se va a acabar.

Alejandro Pérez Montes Alejandro estudió un diplomado de patronaje un un D.G.T.F.C. y se adentró en la moda por la necesidad de usarla como vehículo de discursos sociales con su marca A PM Collective.

Celina Arrazola Estudió en la FAD y actualmente cursa un diplomado en Fotograf ía Contemporánea en la Academia de San Carlos.

Ama hacer pasteles.

Erick Carreto

ILUSTRACIONES DE ENTRADA Y SALDIDA POR:

Nacido y criado en la Ciudad de Puebla, escaló a la Licenciatura en el Colegio de Estudios Latinoamericanos de la UNAM.

Ivi Violence

contacto@revistapraxis.com revistapraxis.com

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08 TUTSI PAU 13 OBSOLESCENCIA

8 CUENTO

TUTSI PAU TEXTO: ILIANA GOVEA ILUSTRACIONES: AXEL LARA

N

unca he podido llegar al centro de una tutsi pop. Siempre las muerdo y termino destruyéndolas con mis dientes.

Entonces, escuchar “¿cuántas chupadas se necesitan para llegar al centro de una tutsi pop?” es para mí una cuestión casi metaf ísica, indescifrable.

«¿Cuántas chupadas se nesesitan parra llegar al centro de una tutsi pop?»

Intentar conocer la respuesta significaría lidiar con una de las características fundacionales de mi personalidad: la desesperación, la eterna urgencia.

Y no es que intente huir del conflicto, lo que sucede es que estoy convencido de que por más que trate no puedo cambiar.

Por ejemplo, justo ahora estoy seguro de que no esperaré a encontrar la forma de despegar la envoltura del palito.

Ya, lo hice. Desgarré todo el papel metálico. Cereza, grosella… Las tutsi pop no saben a nada en particular, a nada real.

PRAXIS 08

9

«Paulina fue una de las mayores distracciones que tuve...»

«Yo realmente quería entender por que el arte habia muerto...» »

PRAXIS 08

CUENTO

Aunque haciendo un esfuerzo creo que sí puedo distinguir un sabor. Sabe a Paulina. Y no, ser cursi no es otra de las características fundacionales de mi personalidad, lo que estoy haciendo ahora es pura asociación.

Paulina fue una de las mayores distracciones que tuve cuando cursé Arte Contemporáneo en sexto semestre. Yo realmente quería entender por qué el arte ha muerto, de verdad que deseaba aprender a culpar a Duchamp y a Warhol de lo hoy se expone en Zona Maco, pero el cabello de Paulina, sus faldas cortas y su risa no me dejaron. Eso y la desesperación.

Un día nos pidieron escribir sobre una exposición en el Tamayo. Fui en domingo, justo el último de la exhibición. Encontré algo aburridas las fotograf ías de la muestra aunque me pareció interesante el discurso de la obra y pensé que de eso trataría mi ensayo.

10 CUENTO

«A eso es a lo que sabían sus besos, a cereza o grosella.»

Mientras andaba en eso me encontré con ella, también iba sola y dijo que más tarde iría a comer con algunos amigos. La invité a ir por cerveza después de la siguiente clase.

Así empezó todo y estuvimos saliendo durante unos meses, casi todo el invierno. Hubo un periodo en el que ella enfermó y se la pasaba bebiendo jarabe para la tos. Y creo que a eso es a lo que sabían sus besos, a cereza o grosella, nada particular. A tutsi pop.

Paulina era una mujer (mujer, porque para mí era mujer aunque siguiera viviendo con sus padres), bastante complicada pero a diferencia de mí era de lo más equilibrada.

«¿Cómo se pretende que un necio desesperado lo sepa?»

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Hablar con ella era como seguir con los dedos la dirección de las calles en un mapa satelital: todo tenía sentido y las líneas siempre llegaban a alguna parte, independientemente de cómo estuvieran trazadas.

Ella era entonces una lección o un entrenamiento para la paciencia a través de la curiosidad, o así es como mi cerebro de esa época se empeñaba en verla. El asunto es que tanto con las lecciones como con los entrenamientos necesitas ser constante y avanzar poco a poco, pero, ¿cómo se pretende que un necio desesperado lo sepa?

11 CUENTO

Para mí todo se trata de correr, de caminar más rápido o rebasar al coche de al lado. Paulina era otro enigma más que tenía que apurarme a resolver.

A veces saliendo de clases nos quedábamos horas platicando en el auto. Yo hacía casi todas las preguntas, ella respondía y reía. Necesitaba saberlo todo: sus autores preferidos, los nombres de sus primos y la razón por la que todos sus lugares favoritos en la ciudad parecían salidos de alguna película de Wes Anderson.

Pero no me detenía ahí, la verdad es que yo casi nunca me detengo.

«Yo hacía todas las preguntas, ella respondia y reía.

Necesitaba saberlo todo.»

Aprendí de memoria sus canciones favoritas aunque no me gustaran porque pensé que las letras tendrían alguna conexión mística con el origen de sus pensamientos. Creí que sí entendía de dónde salía todo podría prever la siguiente idea y descifrar al fin el orden que fundaba el equilibrio de Paulina. Si lo conseguía, podría intentar replicar su estructura en mí y tal vez aprendería a sentir paz.

El problema es que para esas alturas del proyecto aún no había descubierto las grietas que mi voracidad había comenzado a crear en ella. Estaba presionando demasiado, apresurándome demasiado.

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12 CUENTO

«Ya no era un mapa, ni los cimientos de un edificio...»

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Ella seguía igual aunque me miraba diferente. ¿O sólo yo la miraba distinto?

Honestamente aún no sé si sólo había logrado proyectar en ella mi desesperación en lugar de absorber su calma, la cosa es que en pocos días todo se había transformado.

Ya no era ella un mapa, ni los cimientos de un edificio o un juego de Sudoku. Era Paulina.

Sentía como si hubiera frenado con motor.

Seguramente estás pensando: “Oye, pero qué bien, al final lograste verla como un ser humano en lugar de un estúpido problema de matemáticas” y tienes toda la razón.

Sin embargo, como ya te diste cuenta mi cabeza funciona de una forma bastante torcida.

Cuando se acaba el misterio se acaba todo, se apaga algo en mí y tengo que pasar a lo siguiente. Así sin más se me rompen las burbujas de jabón que traigo en la cabeza con el nombre de la adivinanza en turno y tengo que correr para tomar el siguiente tren.

Se me está terminando el tiempo y el chicle no tiene sabor. Esa es otra; me caga que el chicle de estas paletas nunca sepa a nada, o sí, ahora que me esfuerzo sabe a lo mismo que descubrir que alguien es sólo un humano. Humus.

Tierra.

13 PORTAFOLIO

OBSOLESCENCIA TEXTO: CLAUDIA CARRILLO OBRA: JORDI HERNÁNDEZ

E

l tiempo volátil de una época líquida fluye incontrolable ante los ojos sin memoria; habitamos un disco de Newton cuyo eterno movimiento acelerado desvanece los matices hasta fundirlos con la vaciedad.

El afán desesperado de asirse al recuerdo se diluye paulatinamente hasta fenecer.

«El lienzo evade su propósito inicial para deformarse...»

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La mirada vuelve y encuentra un espacio saturado donde la mente extraviada observa solamente la ausencia de su propio entendimiento. la expresión inmortalizada sobre el lienzo ha capturado el tiempo esquivo con la paciencia de un pincel cargado de historia. Esta paciencia espesa, de flujo lento y turbio, se ha vuelto incapaz de reflejar la fugacidad de una vida desbordada, insostenible, reluctante en el espacio abierto.

Al ser imposible retener la sustancia de la imagen, el lienzo evade su propósito inicial para deformarse en la manifestación del olvido; en la agonía de la memoria primigenia.

14 PORTAFOLIO

52x184x16 cm Madera y tela rústica de Tuxtla

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15 PORTAFOLIO

52x184x16 cm Madera y tela rústica de Tuxtla

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16 PORTAFOLIO

75x141x25 cm Madera y tela rústica de Tuxtla

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17 PORTAFOLIO

75x141x25 cm Madera y tela rústica de Tuxtla

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18 PORTAFOLIO

53x136x18 cm Madera y loneta

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19 PORTAFOLIO

53x136x18 cm Madera y loneta

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20 PORTAFOLIO

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22 LAS REFERENCIAS 28 BROkER

22 MODA

LAS REFERENCIAS TEXTO: ALEJANDRO PÉREZ MONTES

A

veces las referencias e inspiraciones traen tendencias consigo que hacen que el mundo gire, ¿pero basarnos en corrientes del pasado en verdad nos lleva a un futuro realmente nuevo?

Los diseñadores usan una herramienta inmune a cualquier otra, el vehículo que transporta la idea a la audiencia. Referencias.

Grace Jones en un vestido de Keith Haring.

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El famoso Table-dress de Hussein Chalayan. O/I 2000.

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El poder de las referencias en los discursos visuales –y no sólo visuales, son esenciales en todas las disciplinas que requieran de un trabajo creativo y es crucial para impactar o comunicar con gracia. Es un requerimiento de un objeto del arte para poder ser.

No podemos sentir el presente o el futuro sin voltear de vez en cuando a ver al pasado, usando elementos del tiempo como “referencia’’ para hacer nuestro trabajo trascendente o converger con el arte, pero las referencias no son las vías del tren.

En el pasado estaban Warhol y Hearing para inspirar a Grace Jones y no hay mejor ejemplo que el mismo Warhol diciendo “Grace is Perfect” en el video para I´m not perfect (But im perfect for you) y Hearing pintando un vestido enorme para la misma producción.

Ahora Grace es usada como referencia y una musa, siendo un objeto de inspiración -o copia- que Beyoncé, Gwen Stefani e incluso Roísín Murphy -con toda una propuesta diseñada para su nuevo disco “Take Her Up To Monto”, han recurrido a la temática visual del décimo trabajo discográfico de Jones, “Hurricane”, en donde todo se plantea en una atmósfera obrera entre tubos y fábricas.

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Hussein Chalayan, Rei Kawakubo e Issey Miyake son grandes -en un contexto diferente a la grandeza de Alexander McQueen- por el hecho de llevar las referencias a nuevas técnicas textiles. Issey en especial tiene una visión muy orgánica y sensible de la moda, en el que la ropa no cubre el cuerpo sino que forma parte de este, trabajando con el textil como aliado al momento de patronar y así desterrar botones, costuras y demás aliados del diseño para formar una nueva silueta para un cuerpo que deja de ser perfecto y se convierte en un objeto amorfo y elegante. Una prenda con referencias que forman parte de una colección que al final no es colección sino un discurso.

McQueen estableció en su trabajo una zona de refugio mas no de escapismo en donde pudo romper barreras, Como en todo y como siempre, hay un punto débil: en este caso es esa delgada línea que divide la apropiación o copia y el uso de un tema como referencia. Las referencias no son ni serán apropiación, siempre y cuando se genere una nueva perspectiva de ellas. Podemos plantear la duda con otro ejemplo mas sobresaliente: ¿Es una copia el nuevo Moschino o sólo un diferente ángulo de la propuesta de Jean Charles De Castelbajac? No importa contestar la pregunta, lo que importa es ahondar en la duda para llegar a un análisis porque la moda externa al país es la que tiene las riendas del comportamiento social y del de las tendencias.

En uno de los puntos esenciales para convertir la moda en arte, la moda deja de ser sólo textil y patrones para empezar a hacer un statement y una evolución.

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«La moda deja de ser sólo textil y patrones y se convierte en un statement...»

MODA

Modelos usando kaftanes de Jean Charles de Castlebajac

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revolucionar lo que era una pasarela y hablar de la moda en un contexto cotidiano mientras era el rey del drama. Él usaba constantemente la cultura de distintas edades históricas como referencia e inspiración en muchos de sus trabajos que lograban ir mas allá de los alcances del lenguaje visual en donde la única frontera era realmente una decisión del espectador, pero un vestido en particular es

«Un vestido en particular es un buen ejemplo para evidenciar las consecuencias del

consumismo masivo..»

un buen ejemplo para poder evidenciar las consecuencias del consumismo masivo y el alcance de los medios de comunicación en la actualidad.

Con respecto a México, actualmente tenemos propuestas muy valientes y hermosas como pueden ser un ejemplo Yakampot y Carla Fernandez, con resultado grandioso y atemporal, así como humanista y sensible.

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Comme des Garçons por Rei Kawakubo, p/v 2017

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Por otro lado tenemos a diseñadores como Deerton, que con su última colección toca puntos sociales delicados e importantes donde las referencias son de corriente social de problemas muy puntuales en México, característica que la termina haciendo una colección importante para la evolución de la moda nacional.

Este grupo de marcas/diseñadores y muchísimos más enfrentan un problema gigante que supone que el mercado de la moda en México no nos pertenece, la gente prefiere comprar cuatro piezas de Inditex a una de diseñador y vestir un uniforme cuando tenemos un manojo de opciones, donde el factor que hace la diferencia es la cantidad de trabajo que una prenda de diseñador representa: desde hacer una investigación y poder usar referencias como inspiración en el proceso de construcción de una colección o como base de esta.

«El mercado de la moda en México no nos pertenece»

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La reacción ideal es peligrosa porque podría romper el equilibrio económico del país, donde el mercado informal también supone una cantidad enorme de trabajos. Al final del día si solo tenemos una prenda que nos cubre del clima o las llantas, habría que educarnos y ser una sociedad en que cada persona hace un discurso con su vestimenta. Sería divertido e interesante ver a alguien hacer algo político usando HBA –o su equivalenteen medio del perreo y si no se logra hacer un discurso, hay que aportar al panorama una diversión visual, así como un arquitecto contribuye a un horizonte.

“Pleats, please!” de Issey Miyake.

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En 1999, McQueen estaba afrontando el futuro papel de la sociedad respecto a las mujeres con un performence, en el que Shalom Harlow vistía un vestido de tul mientras dos robots la entintan y ella danza dramáticamente lanzando delicados golpes al aire. Chalayan ha hecho sus declaraciones convirtiendo a una modelo en mesa de centro, en su pasarela de A/W 2000. Vivienne Westwood es una exponente gigante que con el tiempo usó su influencia, referencias e instinto para impulsar campañas de moda donde la verdadera intención era concientizar al mundo respecto al ecosistema y presentar a la cultura y a la información como salvavidas y así seguir fiel a su pasado. Ella vistió a los anarquistas que entonaban su ‘God Save The Queen’ en sus inicios y no cualquier movimiento puede hacer un statement tan inmortal e

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importante históricamente en el que las referencias son las quejas contra el parlamento, la búsqueda de un cambio social que ameritaba un cambio que igual que en la actualidad encontró el impacto que se necesitaba en un campo cerca de las diversas sociedades como fue lo cultural, el punk.

Socialmente no se logró un cambio, pero artísticamente sí porque la moda no fue la misma. En el pasado había anarquismo, Rei Kawakubo es Rei Kawakubo por seguir su instinto y fundar Comme Des Garçons que empezó de su curiosidad en la moda después de trabajar como diseñadora freelance en 1967. Empezar toda una nueva historia para la moda y anclar una marca a los nuevos tiempos en una década es dif ícil y casi imposible, pero ella lo hizo, siguió su instinto y fielmente lo sigue haciendo. Puntualizar ahora en Rei viene con buen sabor

La modelo Shalom Harlow en el desfile de p/v 1999 de Alexander McQueen.

a la boca ya que el pasado octubre, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (famosos por sus anuales galas) dio a conocer que el tema de exposición de su Instituto de Vestuario será el legado de Rei, convertida en la segunda muestra monográfica que el Instituto haga a alguien vivo después de Yves Saint Laurent.

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BROkER X CELINA ARRAZOLA «Todo el valor de algo es un valor que se le infiere.»

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29 MODA

Kaftan plateado de Varakova.

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Vestido t-shirt extralargo de Varakova

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Parka reversible de Manov.

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Parka reversible de Manov.

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Toile de chaqueta «Graffiti» de Manov.

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Camisa de Cuero de Alin Jotar.

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Blusa y peto de cuero de Alin Jotar.

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Pantalones de lana de Isaac Rankuroi.

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39 MUNDO E TERRA 58 THE EPITOME OF COOL

39 CRÓNICA

MONDO E TERRA TEXTO: ERICK CARRETO

Kounellis según Heidegger ¿Quién es Kounellis?

En el vídeo se nota a un hombre viejo vestido de traje sentado frente a la cámara. Al fondo unas barras de metal de diferentes tamaños pero con el mismo ancho colgadas de forma paralela sobre una pared blanca. En la otra pared, blanca igualmente, un planchón de acero ysobre él, más barras, pero esta vez con sacos, similares a los sacos para granos de café. Todos los colores en la toma son neutros. Kounellis habla, se explica a él y a su obra.

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40 CRÓNICA

Pintor Griego, performancero y escultor, activo en Italia. Estudió en un colegio de arte en Atenas hasta 1956 para después volver a Italia. De 1958 a 1960 produjo Alfabetos,extensiones de color con letras, números, símbolos tipológicos y señalamientos de carreteras sobrepuestos. Tales trabajos demostraron claramente su objetivo de trascender la poética del Arte informal y la persecución de una

«Pintor Griego, performancero y escultor...»

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línea de estudio caracterizada por preocupaciones contradictorias que contaban ,en una mano, con símbolos de civilizaciones urbanas e industrializadas, y en la otra, con valores individuales fundamentales.

Estos valores frecuentemente fueron expresados a través de la participación f ísica del artista en 1960 en sus propios montajes llevados a cabo en La Tartaruga, transformándolos así en performances.

41 CRÓNICA

«Su trabajo se caracterizó por la yuxtaposición de objetos, materiales y acciones...»

El trabajo de Kounellis ha sido desarrollado como un impresionante mezcla de pintura, collages, <<ambientes>> escenográficos, performances y obras de teatro, diseñados para expresar las tensiones y alienaciones de la sociedad contemporánea, así como la multiplicidad, lo fragmentario y oscuro de su lenguaje . De 1967 se asoció con Arte povera, dónde su trabajo se caracterizó por la yuxtaposición de objetos, materiales y acciones que eran, a la par, f ísica y culturalmente anti-éticas con el otro. Se incluían materiales crudos como piedras, algodón, lana y carbón, y objetos encontrados (trouvés) como estructuras de camas, puertas, y desde 1969, conchas.

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42 CRÓNICA

También ha usado fuego, hollín y humo en sus instalaciones y en el mismo año llevó caballos vivos a la Galleria L’Attico en Roma, resaltando la fragmentación de la sociedad moderna a través de la introducción de elementos culturalmente tradicionales. Su experimentación con combinaciones no ortodoxas de materiales continua desde los años ochentas(1980). Ha participado en muchas exhibiciones internacionales, incluyendo: La Bienal de Paris, La Bienal de Venecia y la Bienal de Sydney. Su trabajo ha sido también exhibido en lugares tales como el Kunstmuseum en Berlín, el museo Boijmans Van Beuningen en Rotterdam, el Musée d’Art Moderne de la ville de Paris, el Whitechapel Art Gallery en Londres, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sof ía en Madrid y el Museum of Contemporary Art en Chicago.

«I think painting is a kind of logic...»

Reproducción estenográfica Título: Jannis Kounellis: Gray is the Color of Our Time Idioma: Italiano Subtítulos: Inglés Minuto 0:32 — I think painting is a kind of logic. It’s not…In the Middle Ages, there were people who painted, who did frescoes. But after Masaccio, painting is clearly a kind of logic. The issue of color is tied to craftsmanship. It’s not…

In fact, in Greek, painting is called ζωγραφική (zografikí) with means, “drawing of life”. It doesn’t have this artisanal idea of painting. There’s a logic in something you hang, for example a coat or even meat at the butcher’s which is hung the same way. Throughout the exhibit, all the elements are hung like meat and iron

Jannis Kounellis: Gray is the Color of Our Time. Louisiana Channel, Louisiana Museum of Modern Art, 2015 publicas del 10 de marzo de 2015 en la cuenta de YouTube Louisiana Channel.

En https://www.youtube.com/ watch?v=OfSqgpzXbdw

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43 CRÓNICA

Minuto 4:44 —First of all, I want to say that this is the only size I have. There ins’t another size. The smaller one is the size of a sheet of Fabriano paper. I have these sizes. no others. Pollock had this extraordinary idea of the prairies. I…in my life…these prairies don’t exist.

And there isn’t the American epic. This doesn’t mean that we don’t have an epic here. It’s different, Ecco.

I like the Americans, like Franz Kline and many others, because they have an idea of space without perspective or representation. It presents, withou representing

«In sense, Americans have made their contribution...» .

Minuto 6:09

Minuto 7:27

—In this sense, Americans have made their contribution…and we continue with this experience of touching the surface, of living by touching the surface. In a tactile way, touching it. An iron surface is different than a canvas surface. Completely different.

Over time, the iron surface ages and it shows. But it’s no big deal seen it rust over time.Ecco.

—However, the things that surround us…There’s the weight, in itself, it’s an adventure. The weight. It determines the space. It determines it and then polarizes it. A painting, instead, doesn’t polarize the space. A quintal of charcoal polarizes it, whether it’s in a hurch or an abandoned factory. It polarizes the space and this is something new.

Traducción propia para el texto. Versión original de Oxford University Press, New York. Jannis Kounellis born 1936. Recuperado en http://www.tate.org.uk/art/artists/jannis-kounellis-1438 3Louisiana Channel, Louisiana Museum of Modern Art, 2015. Jannis Kounellis: Gray is the Color of Our Time

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44 CRÓNICA

obra y verdad El origen de la obra de arte (a) es el arte (b) El origen de a es b, pero ¿qué es b?

B se realiza en a.

Aes lo cósico, pero b no es lo cósico de forma estricta.

«La obra se desvincula de sus interacciones para reposar en sí misma...»

PRAXIS 08

El estilo de Heidegger es una suerte de laberinto que dificulta su lectura.

Entre la poesía y el desarrollo argumentativo el transeúnte que deambula distraídamente por su camino puede perderse fácilmente. Pero perderse, en este caso, resulta de lo más conveniente. Propongo la yuxtaposición de dos vías para este caso. Recorrer a Kounellis según el mapa heideggeriano.

Según Heidegger, una obra tiene dos profundidades: sí misma y como objeto de explotación artística. Pero <<por más que toda cultura artística se haya elevado al extremo para cultivar la obra por ella misma, sólo alcanza siempre al ser-objeto de la obra, que no es su ser-obra.>> Resultaría dif ícil, de cualquier manera, buscar el ser-objeto o el ser-obra en el humo y fuego de las instalaciones de Kounellis. Es por esto que la cuestión debe avanzar un poco más y llegar al punto en donde la obra se desvincula de sus interacciones para reposar en sí misma, para volverse un ser-objeto que puede ser rehabilitado por otros dioses. En efecto, el humo y fuego parecen ser el claro ejemplo de aquello que se desvanece pero que permanece, de eso que Heidegger nombra <<el impulso infatigable que no tiende a nada>>, o bien, La Tierra.

45 CRÓNICA

«Ser obra significa establecer un mundo.»

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Recordemos los ejemplos que nos ofrece el autor. El del templo <<Mediante el templo está en él presente el dios. Esta presencia del dios es en sí la ampliación y delimitación del recinto sagrado…por primera vez construye y congrega simultáneamente en torno suyo la unidad de aquellas vías y relaciones en las cuales…toman forma y curso el destino humano.>> o ser de la estatua <<Eso mismo sucede con la estatua del dios que lo consagra como el vencedor en los juegos. No es un retrato por el que se pueda conocer más fácilmente qué aspecto tiene el dios, sino que es una obra que hace estar presente al dios mismo, y que así es el dios mismo.>> No es la roca del templo lo que hace al templo sagrado, ni es el mármol de la estatua lo que la vuelve digna de veneración, sino es el mundo que se abre a través de ellas. <<Serobra significa establecer un mundo.>> Un mundo fundado en la tierra, una relación inalienable, enlucha constante. Los dos rasgos esenciales de la obra. La hechura y el mundo, o bien, La Tierra y El Mundo.

46 CRÓNICA

Para tratar de definir a El Mundo tomo en cuenta dos valoraciones de Heidegger. En una mano <<El mundo no es el mero conjunto de cosas existentes contables e incontables, conocidas o desconocidas. Tampoco es el mundo un marco imaginado para encuadrar el conjunto de lo existente>>, en la otra <<Mundo es lo siempre inobjetivable y del que dependemos, mientras que los caminos del nacimiento y la muerte, la bendición y la maldición nos retienen absortos en el ser.>> El mundo es el establecimiento, la erección en el sentido de la consagración y la gloria. La gloria o glorificación como apreciación de la dignidad y el esplendor de un dios, el esplendor en el cual esta presente ese dios, mientras que la razón de ser de la erección es <<hacer patente los justo, en el sentido de aquella regla indicadora con la que da indicaciones lo esencial>>.

Encuentro en el concepto de mundanización empleado por Heidegger una acción intermedia, un paso previo a la lucha, o quizá, un vehículo de la lucha entre la hechura y el mundo. Algo que, ciertamente, es más mundo que hechura, pero que es ambas. <<En la mundanización se forma aquél ámbito por el que es conferida o negada la protectora gracia de los dioses. También la fatalidad de la ausencia del dios es un modo como el mundo se mundana>>.

«El mundo no es el mero conjunto de cosas existentes contables e incontables...»

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47 CRÓNICA

el mundo Para tratar de definir a El Mundo tomo en cuenta dos valoraciones de Heidegger. En una mano <<El mundo no es el mero conjunto de cosas existentes contables e incontables, conocidas o desconocidas. Tampoco es el mundo un marco imaginado para encuadrar el conjunto de lo existente>>, en la otra <<Mundo es lo siempre inobjetivable y del que dependemos, mientras que los caminos del nacimiento y la muerte, la bendición y la maldición nos retienen absortos en el ser.>> El mundo es el establecimiento, la erección en el sentido de la consagración y la gloria. La gloria o glorificación como apreciación de la dignidad y el esplendor de un dios, el esplendor en el cual esta presente ese dios, mientras que la razón de ser de la erección es <<hacer patente los justo, en el sentido de aquella regla indicadora con la que da indicaciones lo esencial>>.

«Mundo es siempre lo inobjetivable y del que dependemos...»

Heidegger, M. Arte y Poesía. Fondo de Cultura Económica.

México. 2006. p.54 Ibid. p.55 Ibid. p.57

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Encuentro en el concepto de mundanización empleado por Heidegger una acción intermedia, un paso previo a la lucha, o quizá, un vehículo de la lucha entre la hechura y el mundo.

Algo que, ciertamente, es más mundo que hechura, pero que es ambas. <<En la mundanización se forma aquél ámbito por el que es conferida o negada la protectora gracia de los dioses. También la fatalidad de la ausencia del dios es un modo como el mundo se mundana>>.

48 CRÓNICA

«Llamamos tierra a aquello a lo que la obra se retira y hace sobresalir ese retraerse...»

la tierra <<Llamamos tierra a aquello a lo que la obra se retira y a lo que hace sobresalir es este retraerse. Ella es lo que encubre haciendo sobresale. La tierra es el empuje infatigable que no tiende a nada. El hombre histórico funda sobre la tierra su morada en el mundo. Al establecer la obra un mundo, hace la tierra.>> De La Tierra, entonces, se pueden desprender dos versiones de la materia: el útil y el serobra. El útil no tiene mundo, el útil es un objeto no habitado, que no se erige, ni se glorifica. <<La piedra se usa y se gasta en la confección del útil, por ejemplo, en el hacha, Desaparece en la servicialidad. La materia es tanto mejor y más apropiada, cuanto más se agota sin resistencia en el ser útil del útil. >> En el ser-obra sí se vive, y en ese hábitat la materia se retrae y <<al establecer un mundo, no hace que la materia se consuma, sino ante todo que sobresalga en la potencia del mundo de la obra>>.

Ibid p.58, Ibid. p.59, Ibid. p.60, Ibid. p.60, Ibid. p.61

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49 CRÓNICA

Las barras y planchas de acero, los abrigos, el carbón y el fuego no son útiles, porque en ellas se vive. Tienen un mundo. Se erigen, son parte de esa regla indicadora de lo esencial. Si se tratara de establecer una genealogía de las cosas, me parece que quedaría así: La materia-Lo cósico El útil y el Ser-Obra Ser-Obra: Hechura y Mundo.

Tierra y Mundo Pero La Tierra << solo se abre y se ilumina como es ella misma allí donde se presenta y se conserva como esencialmente infranqueable , retrocediendo ante cada descubrimiento, es decir, que siempre se mantiene cerrada.>> Asistimos al gran conflicto del ser-obra: la relación entre El Mundo y La Tierra.

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50 CRÓNICA

la batalla Solo las cosas que se mueven, reposan. Dependiendo el tipo de movimiento corresponde la naturaleza del reposo y << si el reposo incluye el movimiento, entonces puede haber un reposo que es una íntima concentración del movimiento, esto es, la más alta movilidad, siempre que la clase de movimiento reclame un tal reposo>>. Se nota este tipo de reposo en la movilidad del acontecer en el ser de la obra, o sea, en la relación de sus rasgos esenciales. <<El mundo y la tierra son esencialmente diferente entre sí y sin embargo nunca están separados. El mundo se funda en la tierra y la tierra irrumpe en el mundo. Sólo que la relación del mundo y la tierra no se deshace en la unidad vacía de lo opuesto que en nada se afecta.>>

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«El mundo se funda en la tierra y la tierra irrumpe en el mundo.»

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«En suma, el ser-obra es heraldo de su propio mundo...»

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Es relevante hacer hincapié en este punto ya que, la Tierra y el Mundo no se oponen accesoriamente, no son un contraste desprovisto de sentido, muy por el contrario, su relación de opuestos es también una relación simbiótica en el ser-obra y solo en el ser-obra. Fuera de ella el dios no habita y la piedra no tiene mundo. <<Cuando más toscamente se extrema la lucha, tanto más tenazmente se abandonan los luchadores a la intimidad de la sencilla conformidad consigo mismos…La tierra no puede privarse de lo abierto del mundo, es que debe aparecer como tierra en el impulso libre de su ocultación. A su vez el mundo no puede huir de la tierra, si es que debe fundarse en algo decisivo, como horizonte y camino que rige todo destinoesencial.>> En suma, el ser-obra es heraldo de su propio mundo, construido sobre piedra o canto, sobre letra o humo, a martillazos o en el fuego mismo. La Batalla de los rasgos esenciales es el motor de vida del ser-obra, no un rasgo independientemente del otro, sino su encuentro y dialogo, su ser separado pero en armonía.

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Polarización. Kounellis según Heidegger Hasta ahora se ha avanzado sobre el camino que desembocó en la batalla entre los rasgos esenciales del ser-obra. En este apartado quisiera regresar un poco sobre el camino y profundizar en ese momento cuando la obra se erige, se expone y se convierte en un objeto de explotación artística.

Las líneas de visión de Kounellis y Heidegger confluyen en la aparición del concepto ζωγραφική. En efecto, la pintura, el dibujo de la vida, encuentra eco en las vibraciones de El Mundo hedeggeriano: es una vida que evoca a otra, pero que en su evocación vive por si misma, no como un reflejo sino como un ser independiente con características propias. Pero Kounellis habla de dos condiciones necesarias en su obra: la lógica y la épica.

Ibid. p.62, Ibid p.62, Ibid. p.62

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En cuanto a la cuestión de la lógica apunta I think painting is a kind of logic. It’s not…In the Middle Ages, there were people who painted, who did frescoes. But after Masaccio, painting is clearly a kind of logic… There’s a logic in something you hang, for example a coat or even meat at the butcher’s which is hung the same way.

Posteriormente, en alusión a los artistas americanos, introduce el sentido de la épcia Pollock had this extraordinary idea of the prairies. I…in my life…these prairies don’t exist. And there isn’t the American epic. This doesn’t mean that we don’t have an epic here. It’s different, Ecco. I like the Americans, like Franz Kline and many others, because they have an idea of space without perspective or representation. It presents, without representing.

Entenderé por lógica el orden del como los elementos (en cualquier dimensión, ya sea simbólica, técnica, pictórica, curatorial etc) de una obra/ exposición aparecen e interactuan entre ellos y por épica el conjunto de valores representados en ella. Bajo estás lineas es consecuente pensar que la lógica es un medio de la épica a la hora de su representación, por tanto, íntimamenteligadas.

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«Primero es el todo y luego las partes...»

En este punto es necesario hablar de los valores estéticos, que en palabras de Samuel Ramos. La estructura de una obra de arte es siempre compleja, pero es preciso, para que alcance su auténtico valor, que los elementos heterogéneos que la componen estén fundidos en una plena unidad.

No obstante que una reflexión crítica posterior al momento de contemplarla la descompone en varias partes y hace recaer en ésta o aquélla el valor estético fundamental, en verdad el acto de la contemplación consiste en un sentimiento que vive el arte como un todo, como una unidad.

Debe entonces, concebirse la obra de arte como una estructura ideal en que primero es el todo y luego las partes, de manera que éstas no puedan valer aisladamente, sino más bien en función o correlación con el conjunto. Únicamente por abstracción puede hablarse del valor de la forma, del valor del contenido, del valor de la expresión, etc.

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Lo cierto es que no puede haber valor estético fundamental si cada uno de los elementos que un análisis posterior separa, no se hallan armonizados en un todo compacto… La unidad del valor estético de una obra determinada no excluye la existencia de una pluralidad de valores, al contrario, la exige, pues no se puede hablar de unidad donde no existe la variedad…El valor estético predominante los constituye tal vez la modalidad con que el artista utiliza y funde todos aquellos elementos en una unidad singular. Es justamente la personalidad lo que determina esa función de las calidades particulares en ese valor total que llamamos belleza.

Dejaré para otra ocasión el debate que se suscita en torno a la belleza como un valor estético total y me enfocaré en dos puntos: La estructura compleja de la obra como unidad y la singularidad que el artista provee a la obra.

Versión estenográfica de la entrevista con Jannis Kounellis. Louisiana Channel, Louisiana Museum of Modern Art, 2015. Jannis Kounellis: Gray is the Color of Our Time.

Ramos, S. Filosof ía de la vida artística. Colección Austral. Espasa-Calpe, Mexicana, S.A. México.

1991. pp.101-102

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estructura compleja La erección de la obra desencadena dos sucesos simultáneos: la aparición de El Mundo y con este el <<hacer La Tierra>>. Entre el primer y segundo evento, como antes se ha apuntado, la mundanización toma lugar para abrir paso a los dioses residentes de la obra. Así como en el ciclo biogeoquímico del agua, en dónde la misma materia es evaporada, condensada y precipitada, la obra ,a la hora de la colocación, somete y transforma al espacio, lo tensa y polariza.

La mundanización es parte del ordenamiento lógico de la obra, que contrasta al espacio conforme a la épica que le ha sido otorgada. La polarización permanece presente en el Serobra, es parte constitutiva de la misma batalla que lo anima, tanto adentro como afuera de sí, en el diálogo entre El Mundo y La Tierra, entre el espacio y la obra. Ambos diálogos cargados con la <<regla indicadora con la que da indicaciones lo esencial>>. La lógica del Serobra se condensa en La Tierra, mientras que la épica tiende más a El Mundo, pero todas en tensión, relacionando y polarizando al Ser-obra. La Tierra en su relación con El Mundo<<no hace que la materia se consuma, sino ante todo que sobresalga en la potencia del mundo de la obra>>.Esta materia no solo está potencializada sino también ordenada, o sea, lógica. La épica, por su parte, ofrece matices determinados, notas que caracterizan al Ser-obra en su vida autosuficiente. Sin embargo, esta característica de uno de los dos rasgos esenciales es transmitida mientras se construye, en su episodio

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«La mundanización es parte del ordenamiento lógico de la obra...»

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la singularidad del artista

«La épica es el hilo que une al artista con su obra...»

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El ejemplo dado por Kounellis al hablar de la relación entre el espacio (formato) y la épica de los artistas americanos es una buena forma de entender cómo llegó la épica a El Mundo. Kounellis solo trabaja dos formatos: un pliego de Fabriano o una pared. Por otro lado Pollock tiene como referente a la praderas y Kline prescinde de la perspectiva en sus pinturas. Cada transmite características propias a la obra. Sus formas de hacer entendidas a partir de su contexto, de sus particularidades como creadores y artistas. La épica es el hilo que une al artista con su obra, aún cuando esta misma tenga una vida independiente de su creador.

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THE EPITOME OF COOL Sharon Drijanski es la fuerza detrás de The Feathered, la tienda de lujo más cool del país y todo es un reflejo de ella. Una campeona del estilo al nivel de Amanda Harlech y una promotora de talento joven llena de fuerza, sabe que la moda trata más que de la ropa que te pones encima: Sharon sabe que la moda trata de la vida.

TEXTO: ALEJANDRO PEREGIRNA FOTO: YANIS ROMERO

Sweater de Eckhaus Latta disponible en The Feathered

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A

ntes de ser The Feathered, el edificio 22 de Emilio Castelar en Polanco era la sede de la tienda del Museo de Arte Popular.

“Yo llevaba tres años pasando por acá porque tenía el primer showroom en Alejandro Dumas y era mi camino de todos los días. Te juro lo veía por la ventana y lo deseaba. Vi 30 locales hasta que este se desocupó y desde que se desocupó estamos aquí. Esta tienda era mi sueño”.

Sharon estableció The Feathered como una plataforma en línea en 2010 desde Miami. En 2012 abrió un showroom y en 2013 estaba de regreso en México para darse cuenta

que el modo de venta on line no era lo que funcionaba en este país. El día de la entrevista corría la Semana del Arte de Miami y le pregunto a Sharon qué tan influyente fue el boom artístico de esa ciudad para la concepción de la tienda: “Estudié Artes Plásticas y vengo de una casa donde mi mamá ha sido corredora de arte desde que tengo uso de razón y yo me sentaba abajo de Remedios Varo, de Chagall, de Frida Kahlo, Tamayo... Igual siempre me he vestido muy raro y el día que decidí dedicarme a esto me di cuenta que mi rareza y mi parte artística las pude sacar así, siendo más yo que nunca.

Art Bassel empezó dos años antes de venirme y la verdad es que de por sí yo estaba en medio de eso, en el Design District, y lo que más influyó realmente fue que desde niña tuve mucho amor por el arte y la comida.

También todos me preguntaban porqué me esfuerzo en vestirme diario –que además no es para nadie, eh.

Para mí es un placer vestirme”.

«El día que decidí dedicarme» a esto me di cuenta de mi rareza y mi parte artística las pude sacar así...»

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Esa rareza la ha trasladado a la tienda, donde todas las piezas tienen una peculiaridad significativa. Están en el corazón de Polanco y aunque pocas parecerían algo que una dama de Polanco usaría en su cotidianidad, Sharon lo ve muy interesante y casi didáctico: “Mira, desde que llegué hasta ahorita ha habido un cambio tremendo”. La tienda abrió en abril del 2016 y esta entrevista se hizo el 1° de diciembre. “Era un poco intimidante, para empezar, el showroom, porque estaba lleno de diseñadores que la gente no conocía, pero desde que está abierta la tienda el público se ha abierto también más a lo que ofrecemos. Yo amo que es una manera, un ejercicio, de educar un poco el paladar del vestir y poder tenerlo aquí en México”.

Otra vez una mención a la comida. ¿Será que para Sharon la ropa es igual de vital? La respuesta podría ser que sí: vestirnos es algo que hacemos todos los días y que nos permite funcionar en sociedad y comunicarnos. Para la tienda es importante, entonces, enriquecer las opciones.

«Desde que que está abierta la tienda el publico se ha abierto también a lo que ofecemos...»

«Hola, el prét-á-porter de lujo también es radical.

Ven y conócete.»

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“Tengo diseñadores que están en Colette, tengo diseñadores que están en Dover Street Market y están aquí”. Interrumpo a Sharon y le digo que días antes hablaba con una amiga –incidentalmente modelo de la campaña de primavera de The Feathered- y le contaba que el trabajo de Sharon me parece igual de importante que el de Colette Rousseaux. Ambas pioneras en la difusión y promoción de talentos jóvenes, ambas fundadoras de espacios que dicen «Hola, el prét-á-porter de lujo también es radical. Ven y conócete». Le digo esto a Sharon reiterándole una idea de que quienes realmente hacen la moda no son los diseñadores ni los clientes, sino los intermediarios como los editores de revistas, estilistas o compradores de tiendas como lo es Sharon. También le digo que su trabajo como intermediario es establecer una confianza con el cliente que bien puede pasar a The Feathered o a cualquier flagship de la cercana Avenida Masaryk y que sepa que aquí va a encontrar algo con la misma calidad y sofisticación, con el valor agregado de ser una pieza con un diseño aún más propositivo.

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“Mira, yo estoy feliz porque le he remado muchísimo, especialmente desde que llegué a México ha sido más fuerte, pero si yo supiera que tengo que bajarle al estilo o cambiar cualquier cosa, preferiría cerrar la tienda. Para mí esta es mi pasión. Cada pieza de ropa es como una pieza de arte para mí. Yo escojo todo lo que hay. Incluso las redes sociales, que no son mi fuerte, las llevo”.

Ahora le pregunto que, si desde que abrió la tienda de sus sueños, en el corazón del barrio más posh del país, ha lidiado con clientes que no entienden qué es lo que les están ofreciendo o incluso rechazarlo.

Después de reírse contesta con un claro que sí.

«Yo tengo mi mercado y lo que me agrada es, de alguna manera, educar.»

“Hay gente que no entiende y no va a entender nunca.

Hay gente que no entiende, pero empieza a ver la ropa y se enamora. Tenemos clientes que vienen a principio de temporada y se llevan muchas cosas. Hay una clienta mexicana que compra la mayor parte de su guardarropa en The Fetheared y hay gente que entra a la tienda y dice ¡¿Qué es esto?! y se sale. Yo tengo mi mercado y lo que me agrada es, de alguna manera, educar. Hay tantos diseñadores como Y-Project o Alto que están increíbles y me hacen querer educar a la gente y decirles que no sólo existen las marcas de lujo de Masaryk. ¡Hay tanto y tan diferente! A mí no me interesa que la gente sólo use lo que hay en The Fetheared.

No me interesa. Lo que me importa es que la gente sea auténtica y no sea la copia de nadie”.

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Sharon tiene un punto: no hay nada en esta tienda que no pueda infiltrarse en cualquier clóset. “O un stand out también, eh”, me corrige. Sharon practica lo que predica: estamos frente a la tienda, en una banca tomando té y la mujer trae un kimono bordado de Alena Akhmadullina, unos jeans reconstruídos como con los que Vetements se consagró y las botas más cool de Balenciaga -del genio y padre del cool contemporáneo Demna Gvasalia, pero bien podrían ser cualquier par de jeans o unas botas más comunes y el mensaje seguiría comunicándose fuerte y claro: aquí hay para todos los gustos y para ocasiones tan casuales como esta.

«Lo que me gusta hacer es curar las piezas, como si fuera una historia»

«Lo que me importa es que la gente sea auténtica»

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“Todo lo puedes mezclar. Yo lo que quiero es que la gente sea auténtica y que lo que te pongas te empodere”.

Le pregunto a Sharon sobre sus diseñadores favoritos en la tienda y me contesta que no quiere hablar de los que tendrá para la próxima temporada, pero que está obsesionada con ellos. Le insisto con un ya vas y luego de una risa contesta: “Y-Project es mi... no sabes lo que es para mí que lo vamos a tener.

No te lo puedo explicar. Vejas, que este año fue finalista en del Premio LVMH, me encanta. Vejas tiene 20 años y es un self made, es increíble.

Lo que me gusta hacer es curar las piezas, como si fuera una historia, porque todo debe embonar en la tienda. De 26 marcas ahora tendremos 44”.

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Puff jacket de Fengcheng Wang disponible en The Feathered.

La palabra clave aquí es curar y su uso no es exagerado o pretencioso: es justo el trabajo que hace Sharon. Es a la vez curadora y corredora, como la Simon de Pury de la moda. ¿Un finalista del Premio LVMH? Chéquense el nivel.

Quizá la parte más laboriosa y honrosa de Sharon es su búsqueda de talentos. Quizá también sea la labor que más la enorgullece tanto como plataforma como dependiente de una tienda porque sabe que hay un compromiso implícito en su trabajo: “Aquí cada prenda que llega, llega perfecta. Hay un control de calidad que no pasa tanto aquí en México.

Todo es competente porque sí, The Feathered tiene su base aquí, pero en línea puede irse a todo el mundo...

«Sharon es a la vez curadora

y corredora, como la Simon de Pury de la moda.»

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«Debes resistir y mantener el nivel por pura pasión y amor a este arte.»

Para vender yo pude haberme ido desde un principio a tal bazar navideño o a tal otro, pero sé que si quieres mantenerte y competir, tu trabajo y tú deben hacerse muy fuertes y no bajar la guardia para quedarte ahí. Debes resistir y mantener el nivel por pura pasión y amor a este arte. Hay que resistir duro”. ¿Y por qué cree Sharon Drijanski que la moda y la ropa mueven tanto a la gente?

“Para muchos es el poder de un logo y decir yo puedo, yo tengo. ¡A mí eso me vale gorro! Además no lo hago para nadie, yo me visto para mí. Hay chicas que vienen a ver cómo estoy vestida y si eso ayuda a empoderar a la mujer: qué cool, porque esto es lo que más amo. Lo que más amo de la vida es la moda. Hay gente que lo hace por peer preasure. Para mí es la fuerza de ser diferente y sacarlo de esa manera es mi forma de comunicarme exactamente como soy”.

Alber Elbaz dijo una vez que las mujeres fuertes son más genuinas que las “poderosas”, porque la fuerza viene desde adentro y el poder se impone. Sharon es de las más fuertes.

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66 RECOMENDACIONES

COSAS QUE NOS GUSTAN Casa Nueve se define como una galería gastronómica, pero hay que remarcar que tienen un ambiente bien chingón y qué mejor lugar de encuentro en el corazón de Puebla que uno con «esos waffles».

5 Ote, 612. Centro.

CASA NUEVE PUEBLA Otto Dix es uno de los artistas alemanes más prominentes y oscuros. Los nazis destruyeron parte de su extensa obra y la que sobrevivió está expuesta en el MUNAL. ¡Córranle que ya casi se va!

Tacuba 8, Centro Histórico #CDMX.

VIOLENCIA Y PASIÓN Rosa Gutiérrez reitera el trabajo que hizo para la ONU y la UNESCO en forma de ropa con la intención de fortalecer la imagen de la mujer. Desde Guadalajara para el mundo pueden encontrarla en Facebook como NahualaMX.

NAHUALA

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