Revista cultural online Nº1. Marzo 2014
MUN D O LA INMENSIDAD
ARTÍSTICA DE LE CORBUSIER
3 MINUTOS CON CARLOS BARDEM
LA BATIDORA 2014, EL AÑO DEL GRECO 8MM LAS
ESCENAS MÁS CURSIS DEL CINE
EL HOLLYWOOD DE TERRY O’NEILL Una mirada al cine americano de los 60 a través de la cámara de este genio de la fotografía
bienvenidos a bordo la ilusión y el empuje de una compañera de profesión y amiga ante todo, en un realidad. Ese día le dimos nombre y forma a lo que ahora véis y que no es sino el resultado de lo que podemos hacer unos cuantos locos que siempre hemos creído que podemos vivir del periodismo.
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l proyecto de crear una revista cultural online rondaba desde hacía tiempo en la cabeza de una joven periodista en paro, que no parada. En una mesa de un bar (dónde si no) todo lo que hasta entonces eran simples ideas se convirtieron, gracias a
DIRECCIÓN Gracia Granados
REDACTORAS JEFE Laura García Orenes
María Ramos Domínguez MAQUETACIÓN Gracia Granados WEBMASTER Álvaro Granados
EN ESTE NÚMERO HAN COLABORADO Juan Pérez López Alfonso Martínez Miriam Martín Antonio Granados Montse Urquiza
Por ahora no nos lo han puesto nada fácil, pero aunque, hoy por hoy, nuestros derroteros profesionales vayan por otros caminos, escribiendo para Willco sentimos que nos reconciliamos un poquito con esta profesión y con lo que nos gusta hacer.
Sólo esperamos que disfrutéis leyendo nuestros artículos tanto como nosotros escribiéndolos. ¡Salud!
el equipo WillCO contacto
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SOUNDTRACK. Amor, familia y rock&roll 4
SUMARIO
MUNDO. La inmensidad artística de Le Corbusier 6
FOTOGRAFÍA. Hollywood a ojos de Terry 0’Neill 10
RED HOT. Egon Schiele, el pintor más sexual 16 LA BATIDORA. 2014, el año del Greco 18
8MM. Cursilerías de cine 22
3 MINUTOS CON... Carlos Bardem 28
INSTANTÁNEA EN... Meteora y Santa Tecla 34
TENTEMPIÉ. Que no te den serrano por ibérico 35
EN PORTADA Briggite Bardot fumando un puro durante el rodaje de Frenchie King en Almería, 1971. Fotografía de Terry O’Neill (derecha). Las imágenes estuvieron expuestas en la Fundación Telefónica de Madrid.
AMOR, FAMILIA Y
ROCK n’ ROLL
SOUNDTRACK
¿Quién dijo que el Rock&Roll es incompatible con una serena vida familiar? Desde Springsteen a Bon Jovi, pasando por Robert Smith o David Bowie, estos son algunos de los rockeros que eligieron un amor para toda la vida. por María Ramos
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uántas veces rever and a day” no es a hemos fantala fan de la primera fila. seado con Es a Dorothea Hurley. llevar la vida de una Jon se casó en 1989 estrella de rock. Viacon la que fue su chica jes, grupies, vicios, del instituto en una capibebidas alcohólicas, lla de Las Vegas. ¿Se extravagancias... Y puede ser más típico una carrera de pareamericano? Sí. Desde jas, a cuál más moentonces han tenido delo, más actriz, más cuatro hijos juntos y nininteresante, más guna amenaza de sepaguapo, más atrevido. ración. Eso sí, desde Pues no. Al menos no Bruce Springsteen y su mujer, Patti. © Associated Press que se conocieran en el para todos. Algunos instituto hasta el matride los músicos más conocidos se cargan el monio, el rockero más familiar también tuvo mito casándose con su novia de toda la vida su época de chico malo… o no tan malo. Sólo y formando una familia consolidada. A lo se le ha conocido otra relación, a mediados mejor no son parejas modelo, pero llevar más de los ochenta, con la actriz Diane Lane. de veinte años con la misma persona es un Dicen que su ruptura le inspiró en You give logro. Y más, en ese eslove a bad name y seguracenario de tentaciones mente también le hizo pensar imaginado. ON OVI SE CASÓ que más valía volver a puerto seguro: una oportunidad malPiénsese, si no, en uno CON SU CHICA DEL gastada de hacer el mal. de los iconos de los 80 y los 90: Jon Bon Jovi. INSTITUTO EN Debe tener algo Nueva JerCuántas habitaciones sey, porque el otro rockero habrán llenado sus pósESDE ENTONCES mundialmente conocido de este estado, Bruce Springsters, cuántas carpetas se teen, es también otro modelo habrán forrado con fotos SIGUEN JUNTOS de vida familiar. En su caso suyas. Pues cuando no fue a la primera, pero casi. canta que estará ahí “fo-
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1989.
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Conoció a Patti Scialfa, su actual esposa y madre de sus tres hijos, en The Stone Pony, el bar donde ambos tocaban cuando aún eran dos desconocidos. Se hicieron amigos, y en 1984, cuando Bruce ya era una estrella, le pidió que se uniera a la E Street Band. Poco debía faltar para que se convirtiesen en pareja cuando a Springsteen le presentaron a la actriz y modelo Julianne Phillips. Y vuelta a empezar. En 1985, se casaba con Julianne; al poco, la pareja ya tenía problemas y el matrimonio duró, concretamente, hasta la gira de su siguiente disco. Era 1988, Bruce ya se había separado de Julianne, y en el escenario saltaban chispas entre él y Patti. Un año des-
Sting y Trudie Styler, casados ambos en segundas nupcias.
pués firmaba el divorcio; dos años más tarde se casaba con Patti Scialfa, la que ha sido su mujer y compañera en el escenario desde entonces.
Pero seamos sinceros. Puede que en su día los dos de Nueva Jersey tuviesen una imagen más golfa, pero ahora no sorprende saber que son señores con sus mujeres, su estabilidad (hijas problemáticas de Jon aparte), sus barbacoas cuando no están de gira y sus casas con porche delantero. Claro, será que no utilizan la misma cantidad de maquillaje que el líder de The Cure. Y es que Robert Smith es otro rara avis, sentimentalmente hablando. Porque con catorce años conoció en el colegio a Mary Poole y hasta hoy. Es verdad que ella debe ser tan peculiar como él, y eso tiene que ayudar a mantener la relación.
ROBERT SMITH LE
REGALÓ A SU MUJER POR SU BODA
UNA CANCIÓN:
LOVESONG
Los detalles de Robert hacia Mary los conocen bien los fans: por ejemplo, él le escribió como regalo de bodas una canción, Lovesong: como indica su nombre, una declaración de amor musicada. Además de todas las que le ha inspirado, como Just like Heaven, en cuyo vídeo sale además Mary bailando. Y encima pueden compartir cosméticos.
Y todavía quedan. Quién iba a imaginar que alguien que escribiese sobre la vida en la autopista al infierno fuese otro tipo de los de happily ever after. Angus Young, guitarrista y fundador de AC/DC, el tipo de los uniformes del cole, conoció a su chica en 1979 y al año siguiente se casaron. El mismo año en que se casó el bajista de la banda, Cliff Williams, con su todavía esposa. Maridos felices que dejan su faceta más alocada para las giras de la banda. El líder de Police, Sting, lleva con Trudie Styler desde principios de los años 80, tras un matrimonio fallido. Se casaron en 1992 y forman una de las alianzas más estables de la música. David Bowie tuvo en los setenta y ochenta sus años más locos, con boda, divorcio y varias declaraciones confusas sobre su sexualidad hasta que encontró la estabilidad al lado de la modelo Imán. El secreto, según la propia modelo, es que ella está casada con David Jones, el verdadero nombre del “Duque Blanco”. Algunos de ellos conocieron a sus parejas en el colegio y otros tras matrimonios fallidos, pero llevan el tiempo suficiente con ellas como para que la estabilidad haya mitigado el recuerdo de épocas más locas. Pero no hay que preocuparse: todavía quedan rockeros lo suficientemente cliché para hacernos fantasear con una vida de desenfreno. Que para normales ya tenemos el resto de los días.
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LA INMENSIDAD ARTร STICA DE CORBUSIER
LE MUNDO
Arquitecto, urbanista, fotรณgrafo, pintor, escultor, cineasta... Le Corbusier fue lo mรกs parecido a un hombre del Renacimiento en el siglo XX. Una exposiciรณn en el CaixaFรณrum Barcelona recoge un extenso repaso a su trabajo y a su vida. por Gracia Granados
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En la imagen superior, Villa Savoye, Poissy, 1928-1931. Vista del patio. The Museum of Modern Art, Nueva York. © 2014 Richard Pare. En la página de la izquierda, Le Corbusier en su estudio del 24 de la Rue Nungesser-et-Coli. 1960. © René Burri / Magnum Photos
e Corbusier fue, en el siglo XX, lo más comparable a un Miguel Ángel, Rafael, Donatello o cualquier artista del Renacimiento. Hombres que nacieron con un don sobrenatural, doctos en cualquier expresión artística y con una sensibilidad especial para todo lo que sugiera belleza. Charles Édouard Jeanneret-Gris, (La Chaux-de-Fonds, Suiza, 1887), más conocido por Le Corbusier, fue arquitecto, urbanista, diseñador de interiores, escritor, pintor, fotógrafo, cineasta… un artista en el más amplio sentido de la palabra, que supo, como pocos, deslumbrar por su creatividad y modernidad.
Aunque sus padres habían pensado para él un futuro como relojero, ya que nació en una ciudad centro mundial de producción de relojes, siendo muy joven Le Corbusier se centró en dibujar. Tanto es así que a los 20 años ya había construido una casa: Villa Fallet. Entonces comenzó su divagar por Europa para aprender diferentes técnicas de construcción y urbanismo. Sus viajes lo llevaron a París, Viena, Berlín, los Balcanes, Estambul y Grecia, donde quedó maravillado con la Acrópolis.
En 1917 se marchó definitivamente a París. Allí, y animado por el artista Amédée Ozenfant, cogió el gusto por los pinceles, dejando cuadros post-cubistas que rechazaban las complejas abstracciones de este estilo en favor del estudio de las formas geométricas de objetos cotidianos.
En estos años fue cuando fundó junto a Ozenfant y el poeta Dermée la revista cultural y de vanguardia L’Esprit Nouveau. A partir de ahí comenzó a ser conocido por el seudónimo de Le Corbusier. Sus provocadores artículos eran auténticos manifiestos arquitectónicos que recogería más tarde en el libro “Hacia una arquitectura”(1923), el primero entre muchos otros que publicó a lo largo de su vida. Abrió un estudio de arquitectura con su primo y lo convirtió en un laboratorio de ideas, experimentando con nuevos efectos arquitectónicos y con las relaciones entre interior y exterior que le permitía establecer el hormigón armado.
LE CORBUSIER ESTABA DOTADO DE UNA
SENSIBILIDAD ESPECIAL PARA CUALQUIER ARTE
De la arquitectura del edificio pasó a la arquitectura de la ciudad. Le Corbusier fue pionero en los estudios de mejora de las viviendas de las clases más bajas proponiendo nuevas formas de construcción eficiente para ciudades con mucha población. Para él una
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ciudad tenía que establecer un diálogo entre su crecimiento y el territorio disponible para ello. La armonía entre el edificio y la naturaleza fueron una obsesión. De ese pensamiento nacieron proyectos como el denominado “Una casa, un árbol”, que realizó para Barcelona en 1933. Multitud de ciudades en los cinco continentes cuentan con edificios diseñados por Le Corbusier, auténticas joyas que conservan la modernidad casi un siglo después de haber sido proyectadas. Todo gracias a los viajes a los que era invitado y a través de los cuales conseguía
incansable mente. Ejemplo de ello fueron la capilla de Notre-Dame-du-Haut, al este de Francia o el convento de Sainte-Marie de la Tourette, en Lyon.
En sus últimos años Le Corbusier pasó más tiempo pintando y esculpiendo que en el estudio de arquitectura. Sus obras reflejaban las mismas inquietudes que siempre dejaron huella en sus edificios. Siguió escribiendo y publicando libros.
CIUDADES DE LOS
CINCOS CONTINENTES CUENTAN CON OBRAS DE
LE CORBUSIER
nuevas propuestas. Ideó proyectos para Moscú, Río de Janeiro, Sao Paulo y Montevideo, Argel, Nueva York… la mayoría de ellos se quedaron en papel o en maqueta hasta que en 1950 le llegó la oportunidad de concebir una ciudad entera: Chandigarh, capital del estado del Panyab, en India. Ésta fue su obra más monumental.
Naturaleza muerta. 1920. Óleo sobre lienzo. The Museum of Modern Art, Nueva York. Fondo de Adquisiciones Van Gogh, 1937. © 2014 FLC-VEGAP
Se volvió más meláncólico y en su último verano dejó preparado el que sería su libro póstumo: “El viaje a Oriente“. Murió en 1965 en RoquebruneAl final de su vida casi todos sus, a priori, Cap-Martin, Francia, frente al Mediterráneo, el descomunales sueños se hicieron realidad. Así mar que le cautivó desde joven. Fue un final de construyó unidades habitacionales en Francia y libro: armónico, de respeto con la naturaleza y Berlín, un edificio en la Universidad de Harvard, con el paisaje. Los que fueron los valores que etc. Los paisajes nunca abandonaron su abanderaron todo su trabajo, fueron los que se hicieron presentes en su vida y en su muerte.
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Palacio de los Sóviets, Moscú, 1931-1932. Maqueta, 1932. Madera, pintura, metal, plástico y cristal. The Museum of Modern Art, Nueva York. © 2014 FLC-VEGAP
La muestra que ha organizado la Obra Social La Caixa de Barcelona hasta el 11 de mayo para mostrar todo el trabajo creativo del artista, “Le Corbusier. Un atlas de paisajes modernos“, es una estupenda ocasión para rememorarlo y contemplar, de un vistazo, la enorme creatividad del que siempre será uno de los mejores arquitectos del siglo XX. A través de 215 objetos se puede observar todo el proceso creativo que seguía para conseguir sus obras y toda la trayectoria que desarrolló a lo largo de seis décadas. Maquetas, pinturas, planos, fotografías… el universo Le Corbusier es inalcanzable, inabarcable. Tan grande como fue su espíritu y su imaginación.
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FOTOGRAFÍA
Hollywood a ojos de Terry O’Neill Desde los años 60 el firmamento hollywoodiense fue retratado por la cámara del fotógrafo británico Terry O’Neill. Los grandes artistas del momento fueron objeto de su mirada. Supo administrarle tanta naturalidad e improvisación a las escenas que captaba que sus protagonistas se volvían personas corrientes. Era el que siempre estaba ahí cuando los focos se apagaban. Éste es el resultado de esa cercanía. REVISTA WILLCO
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Abriendo el artículo, Robert Redford y Richard Helms en el rodaje de "Los tres días del Cóndor".
Imagen superior izquierda, en 1963, realizó la primera fotografía de los Beatles para el periódico Daily Sketch en el patio trasero de los estudios de Abbey Road, donde el grupo grababa su primer disco: Please, please. Además de ser la primera fotografía de los Beatles que se publicaba en prensa, también fue la primera vez que un grupo aparecía en la portada de un periódico británico. La tirada se agotó. Izquierda abajo, el cantante Frank Sinatra en Miami en 1968. A la derecha, Amy Winehouse, fotografiada unos meses antes de morir. Abajo, izquierda, Raquel Welch en el rodaje de Myra Breckinridge. A la izquierda, la última instantánea que se tomó del Secretario de Asuntos Exteriores británico, Winston Churchill.
Según O’Neill, para ser un buen fotógrafo hay que ser lo más invisible posible, tener una gran paciencia y saber combinar una gran discreción con unas grandes dotes de relaciones públicas.
A la izquierda, David Bowie posando para su disco “Diamond Dogs”. La imagen fue tomada en Londres, en 1974.
Abajo, Marlene Dietrich, saliendo a escena en su último concierto en el Winbledon Theatre de la capital británica en 1975. Página izquierda. En la imagen superior, unos jóvenes Rolling Stones delante del club Tin Pan Alley de Londres, 1963. Imagen inferior, bellísimo primer plano de la actriz Romy Schneider.
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Egon Schiele. Autorretrato
GON SCHIELE
EL PINTOR MÁS SEXUAL
Provocador, erótico, sexual, obsesionado con el cuerpo y con el desnudo. Egon Schiele se pasó su corta vida (murió a los 28 años) plasmando los pensamientos, debilidades y conflictos existenciales que le carcomían por dentro. Su obra es un intento de difundir un mensaje de crítica hacia la estricta sociedad austriaca de principios del siglo XX que lo tachaban, a él y a sus pinturas, de “pornográficas” y “pervertidas”. Se marchó de Viena para liberarse del encorsetamiento que la capital producía a su creatividad artística y para escaparse con su amante, Wally Neuzil, no sin antes pasar un año en prisión acusado de abuso y rapto de menores y de la quema pública de alguna de sus obras. Como discípulo de Gustav Klimt, tomó de base su técnica y sus temas para crear sus primeras pinturas. Después su estilo se fue haciendo más individualista, más original y bastante más provocador. Schiele utilizó el sexo para expresar su propio universo, totalmente desinhi-
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SUS ESCENAS MUESTRAN UNA SEXUALIDAD DESPROVISTA DE MORALIDAD
RED HOT
bido, que se hacía presente en su obra y en su vida personal. Mantuvo una extraña relación con su hermana, Gertrude, a la que en numerosas ocasiones retrató desnuda y en eróticas posiciones. También pintó de igual manera a su amigo, el escenógrafo Erwin Osen, y a sí mismo: el autorretrato siempre estuvo presente en su obra. Hay constancia de que Schiele se pintó en más de cien ocasiones y normalmente, desnudo, retorcido. Casi todas sus escenas muestran una sexualidad desprovista de moralidad, sin pudor y en actitudes impúdicas. Hombres y mujeres, jóvenes, niños, desde diferentes ángulos y en extrañas posiciones, cuerpos entrelazados de forma extravagante que reflejan su deseo de rebeldía y provocación repletos de tristeza y angustia existencial. Era hábil, de trazo rápido, duro. Sus pinturas están llenas de colores fuertes, que causan, junto con sus figuras, un violento impacto en el espectador. Él mismo fue consciente de que la obra que estaba legando a la historia no caería olvidada. “Una única obra de arte “viva” es suficiente para lograr la inmortalidad del artista”, decía. Y no se equi- Muchacha desnuda con el pelo negro. 1910. Wikimedia Commons vocó. A partir de 1911, cuando ya expuso en solitario, el pintor dio luz verde a sus pinturas con sexo explícito entre mujeres y escenas de masturbación. Hoy Viena, la ciudad de la que huyó, le ha hecho un hueco en su cultura y presume del que es considerado el máximo exponente del expresionismo austriaco.
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LA BATIDORA
En portada, el cuadro que muchos consideran como el “Autorretrato” del Greco. No se ha podido demostrar a ciencia cierta si el protagonista es el propio pintor.
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EL AÑO DEL GRECO 18
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Este año Toledo conmemora el IV centenario de la muerte de uno de sus artistas fetiche. 2014 Año Greco es una iniciativa plagada de exposiciones, conciertos y un sinfín de actividades que tienen como objetivo acercar la obra del pintor al gran público. POR JUAN PÉREZ LÓPEZ
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00 años se cumplen de la muerte de “El griego de Toledo” y para conmemorarlos, la ciudad castellana rinde homenaje durante todo este 2014 a uno de los artistas más grandes e importantes que ha dado la pintura universal. El comienzo del año fue el pistoletazo de salida de un sinfín de actividades programadas que incluyen exposiciones, talleres, charlas, teatro, danza y conciertos de música para celebrar este centenario y acercar la obra del prodigioso pintor a todos los públicos. Pero, ¿tanta importancia tiene el Greco como para que Toledo le dedique todo un año de alabanzas? Lo cierto es que cuando éste llegó a Toledo en 1577, conoció una ciudad cosmopolita y con una rica actividad cultural. Tras la salida definitiva de la Corte, el Greco participó de manera muy activa en la promoción de Toledo en el resto de España y del mundo. Gracias a esto, el ambiente cultural de antaño volvió a resurgir y pasó de ser la ciudad imperial que gozaba del favor de la monarquía, a la ciudad de Dios que gozaba de protección de los santos que reflejó en sus cuadros el pintor cretense. Pero el reconocimiento definitivo le llegó hace ahora 100 años, coincidiendo con el tercer aniversario de su muerte, cuando los primeros viajeros románticos que llegaron a Toledo en el siglo XIX se encargaron de
difundir la existencia del Greco como un artista precursor de las vanguardias, que pintaba con una increíble modernidad. Fue a comienzos del siglo XX cuando los críticos e intelectuales de la época le hicieron un hueco en el grupo de los grandes genios del pincel. Los inicios del pintor
Doménico Theotocópuli nació en Candía, Creta, en 1541, aunque esta fecha es un poco incierta, pues se basa fundamentalmente en declaraciones del pintor, ya que los investigadores no han podido encontrar documentos que la confirmen. Sí se sabe a ciencia cierta cuándo murió. Fue en Toledo, el 7 de abril de 1614 y se cree que la edad fue 73 o 74 años.Comenzó a pintar en su ciudad natal, realizando iconos al estilo bizantino, muy demandados por la sociedad cretense. Al parecer a los 20 o 22 años se encontraba ya en Venecia, atraído sin duda por la fama de los pintores que trabajaban en dicha ciudad, entre los que se encontraban Tiziano, Tintoretto, Pablo El Veronés y Clovio, entre otros. Tal fue su éxito entre estos artistas que existe incluso una carta de Tiziano al rey Felipe II, fechada en 1567, donde recomienda al Greco, indicando que es un joven “discípulo suyo” y otra de 1570 donde el miniaturista Julio Clovio escribe
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al cardenal Alejandro Farnesio recomendando a “un joven candiota, discípulo de Tiziano”. Varios cuadros pintados durante su estancia en Venecia han sido catalogados, con mucha controversia, por parte de sus biógrafos, ya que todos no se encuentran firmados, y se supone que o había colaborado en ellos o eran dirigidos por sus maestros, sobre todo por Tintoretto, ya que la influencia de éste se aprecia de forma notable. En Roma, bajo la protección del cardenal, tuvo que relacionarse con artistas, nobles, embajadores extranjeros y sobre todo conocer a fondo la obra de Miguel Ángel, que ya por aquel entonces era considerado el mejor. Es aquí cuando aparece la apuesta española por el Greco. El embajador de Felipe II en Roma, don Luís de Requesens, fue encargado por el monarca para que reclutase pintores a fin de decorar el monasterio de El Escorial. El diplomático envió una remesa de artistas de segunda fila, de los que abundaban en la ciudad eterna, ocasión que fue aprovechada por Doménico, al que casualmente le unía amistad con don Diego de Castilla, deán de la catedral de Toledo, lo que pudo ser deter-
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“La visitación de la Virgen a Santa Isabel” es una de las últimas obras del pintor. Realizada para la capilla de Isabel de Orballe no llegó a ser colocada por razones desconocidas. No deja de admirarse la valentía del Greco al realizar esta composición, tan alejada de los cánones de la pintura. Dos masas azuladas, jugando con luces y sombras, acentuando el resplandor en el contorno de la Virgen, hacen considerar al artista como visionario del impresionismo.
Una gran mancha roja de la túnica domina toda la composición, irradiando su luz por todo el cuadro. Los rostros están maravillosamente realizados, con expresiones de asombro, de ira o de indiferencia. “El Expolio” fue rechazado, pues se argumentaba que las tres mujeres de la parte inferior no se correspondían con la lectura del evangelio, pero el Greco se negó a modificarlo. Llama la atención el cabello de María Magdalena, sin manto, pues su condición de mujer ligera y soltera, le permitía este acicalamiento. REVISTA WILLCO
minante para que nuestro pintor se decidiese a venir a España. Sin quitarse humildad, el Greco consideró que su arte estaba muy por encima de los que ya habían iniciado la aventura. La llegada a Toledo
En 1575 desembarca el cretense en Toledo. La corte ya había abandonado la ciudad imperial, no así la poderosa iglesia metropolitana, que luchaba en la Contrarreforma, alentada y protegida por el rey. El Greco encontró una ciudad bastante tranquila
pero muy rica, llena de palacios, de sinagogas, lo que parece más exacto es que el pintor sólo ruinas romanas, templos góticos, mezquitas y atendiese a los gustos y encargos de la propia una arquitectura que en conjunto, le recordarían iglesia y de una clientela entregada al misticismo, tanto a su Creta natal como a Venecia o Roma. lo que propiciaba que los encargos siempre esLos primeros encargos conocidos fueron el re- tuviesen orientados a testimoniar la religiosidad tablo de Santo Domingo el Antiguo y El Expolio, de sus compradores. Sus trabajos para las iglesias de Santo Dode la catedral. En Toledo nuestro joven pintor encuentra también el amor. De su unión con doña mingo el Antiguo, el colegio de doña María de Jerónima de las Cuevas nace en 1578 su hijo Aragón, la capilla de San José, el hospital de Illescas, el hospital Jorge Manuel, sin que se de Tavera más los haya encontrado docucuadros destinados mento alguno que certifia las mismas como que su matrimonio. el Entierro del Según los investigadores Conde de Orgaz, el y diversos documentos, Expolio, San Mauriel Greco, en su testacio, numerosos San mento, menciona que el Franciscos, Nacicitado Jorge Manuel era mientos, la Adorahijo suyo y de doña Jeróción de los nima, sin indicar que pastores, etc. testifuera legítimo, como era monian que su arte usual en este tipo de defue muy apreciado claraciones. durante su vida en En sus años en la ciuToledo. dad castellana la producAdelantado a su ción pictórica de época, precursor Doménico fue cuantiosa, del impresionismo, y le debieron de llover los maestro del color y encargos, sobre todo de de la luz, obsermotivos religiosos y revando sus cuadros tratos, pues de otro tipo como paisajes (sólo se “El entierro del Conde de Orgaz” es una de las obras cumbre puede apreciarse conocen dos, el plano y de la pintura española. Su composición en dos partes como la iluminación muestran el mundo terrenal y el divino, entrelazados ambos vista de Toledo) no se magistralmente por las llamas, las llaves de San Pedro y la procede de un punto y ésta enencuentran en ninguno túnica del ángel. vuelve toda la esde los aproximadamente cena dando un aire 400 catalogados. Casi todos están firmados por el pintor, aunque no se de irrealidad y levedad hasta el punto que parece descarta que encontrase colaboración de su hijo se encuentra suspendida en el espacio. El Greco o de Francisco de Preboste, su amigo, criado y ha obtenido el lugar que se merece en la historia quizá artista, que puede le acompañase desde y aunque no creó escuela ya que su pintura no Roma. No hay documento alguno que garantice fue estimada durante sus años de vida, las siaprendices o alumnos en su taller, como era fre- guientes generaciones sí supieron ver el soplo cuente entre los pintores de Venecia o Roma, de genialidad que se respiraba en cada una de donde se ejecutaban obras dirigidas y retocadas sus pinceladas. Su ciudad de adopción ahora le por los maestros, que son consideradas como rinde homenaje con la misma acogida que le producción propia. ofreció el día que llegó por primera vez. Todos Algunos autores apuntaron que el Greco cam- los estudiosos del genial pintor coinciden en afirbió su forma de pintar para distanciarse de los mar que “Creta le dió la vida, y los pinceles Tocuadros de la escuela veneciana. Sin embargo, ledo”. REVISTA WILLCO
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8 MM
Cursilerías de cine
No apto para antirománticos. Éstas son las escenas del cine más ñoñas que hemos encontrado. Habrá algunos a los que se les caiga la lagrimilla cuando las vea, otros suspirarán por un amor de película y a algunos otros se les escapará alguna risa. Sea como fuere, tienen que existir escenas de este tipo para que, efectivamente, seamos conscientes de que hay cosas que sólo ocurren en el cine y de que nunca, en toda nuestra vida, vamos a vivir una historia de amor así. Y menos mal. por María Ramos 22
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TITANIC . La tabla
NIVEL de ÑOÑERÍA: bajo, pero
determinante.
Introducimos esta escena en la lista como el grito de la adolescente traicionada que éramos entonces y que no aguantamos tres horas de peli para ver cómo Jack Dawson moría de hipotermia. Maldita sea, James. Todos sabíamos que estaba destinado a ser un amor trágico, pero cabía en la tabla. CABÍA EN LA TABLA. Si, Aunque no flotase con los dos. efectivamente, cometiste un error y deberías haberla hecho más pequeña, y tú y todos Tantas combinaciones posibles para salvarse los dos. habríamos sentido que todo era más lógico. ¿Escena cursi? No excesivamente. Pero por ahondar en la herida del tierno corazón de las jóvenes, se merece una posición en esta lista.
NOTTING HILL . “Sólo una chica delante de un chico”
NIVEL de ÑOÑERÍA: Hello Kitty montada en un poni mientras se come un
cupcake y llueve purpurina. Vamos, el number 1 de lo cursi.
Bien, veamos. Una película con Julia Roberts y Hugh Grant tiene de por si bastantes posibilidades de entrar en cualquier clasificación de películas de sentimiento fácil que se haga. Podríamos pensar en momentazos de Julia en Pretty Woman, Novia a la fuga o La boda de mi mejor amigo. O de Hugh, que también lleva lo suyo en forma de Nueve meses, Cuatro bodas y un funeral o incluso sus titubeos en Sentido y Sensibilidad. Pero todas estas entran dentro de la normalidad de comedia romántica. No así Notting Hill. Toda la película rezuma cierta melosidad, pero la escena en el que Julia le pide a Hugh que la quiera ha provocado más hiperglucemias que la Coca-Cola. No sabemos si la escena final (la de la foto) supera a la escogida.
CREPÚSCULO I. El amor en los tiempos del brillibrilli
NIVEL de ÑOÑERÍA: No tan alto como sería con actores expresivos, pero bastante elevado.
Que me perdonen los fans sinceros. Hay otros momentos grandiosamente cursis en esta película, o que serían grandiosamente cursis si la hubieran hecho Jennifer Aniston y Chris O’Donnell o dos actores con un mínimo de vida. Pero no hay nada como esa escena en el bosque, que mezcla infocomercial con planos locomía para culminar de manera magistral con el resplandor del vampiro. Chúpate esa, Coppola.
Vampiro trepaárboles y muerta en vida. Relación perfecta.
CITY OF ANGELS . La crueldad del destino NIVEL de ÑOÑERÍA: Sale Meg Ryan.
Esto va de un ángel (pauta de partida ya de por si complicada) que se encarga de acompañar a los que se están muriendo, los únicos que pueden verle, al más allá (y sigue complicándose) y conoce a una cirujana entregadísima a su trabajo que ¡oh, cielos! ¡Puede verle! Y claro, se enamoran. Y claro, no pueden estar juntos, que uno es de allá y la otra de acá. Pero siempre hay un camino para el amor, y tras sus dimes y diretes él decide volverse humano para estar con ella. Y la va a buscar a lo más profundo del bosque. Y, porque a estas alturas de la película alguien creyó que no habían ya pasado suficientes cosas, al día siguiente de encontrarse y declararse su amor, ella es atropellada. Un día juntos. UN DÍA. Por Dios bendito, este hombre ha renunciado al angelismo. ¿Y ELLA SE MUERE AL DÍA SIGUIENTE? Por si no fuera suficiente melodrama, él llega a tiempo para verla morir. Si es que te las ganas, Meg. Larga y solitaria vida a Nicholas.
GHOST . La luz al final del túnel NIVEL de ÑOÑERÍA: Épico
Épico por lo mítico que es, ojo, que no porque llegue a los niveles de Notting Hill. Cuando Demi Moore era mucho menos mona de lo que es ahora, pero hacía pelis, se catapultó a la fama entre los brazos de Patrick Swayze. Y aunque la película se movía en aguas pantanosas, desdibujando la delgada línea entre tórrido y ridículo, no entraría en esta lista de no ser por la escena del final. Con sinceridad: hemos llorado, sí. Pero entre esas lagrimillas disimuladas fuimos capaces de percibir que esa luminescencia de Patrick yendo hacia la luz, ese beso robado transparentoso, esa frase de despedida, eran un Que levante la mano a quien no se le hayan caído lágrimas como macarrones viendo esta escena. poco demasiado. También hay que añadir que por mucho óscar que se llevase, Whoopi Goldberg genera cierto anticlímax en esta historia de amor.
MEMORIAS DE ÁFRICA . Voooolareeee NIVEL de ÑOÑERÍA: En el límite del bien y del mal
Esta es una de esas películas que encontraréis en otros fueros como paradigma de la cursilada suprema. No aquí. Es verdad, hay flamencos y hogueras en la playa, lavados de pelo junto al río, Meryl Streep hablando raro… ¿Y qué? Es un peliculote y punto. Pero es verdad que hay ciertos momentos en los que sí tenemos que admitir que se queda cerquita de lo gazmoño. Y como no nos gusta hacer leña de ninguna película en la que salga Robert Redford, sólo vamos a señalar uno: Meryl, extasiada. cuando se cogen de la mano en la avioneta. A ver, que ya estáis en el aire, con un paisaje de ensueño y una música de anuncio de café estupenda. No hace falta subrayar nada. Si total, todos sabemos que la verdadera historia de amor de la película es entre Karen y Farah.
STAR WARS EP. II Y III . “Siento que algo crece”
NIVEL de ÑOÑERÍA: Sith con sable rosa. A su lado Danielle Steel es Bukowski.
La peor historia de amor del mundo o, al menos, una de las más cursis que se hayan visto en la gran pantalla. Y encima en dos fascículos. Quiere decirse que no es que no sean buenas comparadas con la trilogía original o comparadas con cualquier otra película, de ciencia ficción o de amor. Es que en sí mismas son malas a rabiar. Un exceso en todos los sentidos, pero sobre todo, en el sentimental. Para qué darnos el coñazo con tanta introspección de Anakin; qué falta nos hacía Hayden Christensen, que no hay quien se lo crea. Pero por encima de todo, con el Guiness de la ñoñez, están los diálogos entre Padmé y Anakin. Son absolutamente ridículos. Como muestra, la peor declaración de amor del mundo (…o la más pícara). "Desde el momento en que te vi, hace ya tantos años, no he dejado de pensar en ti un sólo día. Y ahora que vuelvo a estar contigo sufro una agonía. Cuanto más cerca estoy de ti, más ¿Salvados por la campana? No, Lord crece; el hecho de pensar que no estoy contigo me impide Vader y señora. respirar. Soy prisionero del beso que nunca debiste haberme dado; mi corazón late esperando que ese beso no deje cicatriz alguna. Estás muy dentro de mi alma, atormentándome." Pues eso: puag.
LA PRINCESA PROMETIDA . “La felicidad está ahí fuera” NIVEL de ÑOÑERÍA: Como desees.
Esto es, es una película para niños. Y le tenemos cierta estima. No seamos crueles. Todos nos lo hemos pasado piruleta con ella, aunque los cuentos de besos tampoco fuesen los que más nos apasionaban. Si está aquí es por una fuente anónima consultada en la elaboración de este artículo, que ante las dudas sobre si era poco ñoña para meterla en esta clasificación totalmente arbitraria, rebatió: “Si tú tienes claro que un día escaparás de la infelicidad lanzándote para que te recoja un mozo a caballo pues yo ahí no me meto”. Y ese, señores, es un buen argumento para entrar en esta lista. ¡Buttercup va!
3 MINUTOS CON...
CARLOS BARDEM
“Cuando hay menos pan, lo que nos dan es cada vez más circo”
Entrevista de Redacción Willco Fotografía de María Ramos 28
REVISTA WILLCO
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on voz cálida pero firme, Carlos Bardem demuestra una vez más que no tiene pelos en la lengua. Siempre le enseñaron a protestar por lo que no estaba de acuerdo y a luchar por aquello en lo que cree firmemente, como es que sin cultura, un pueblo no puede sostenerse. Sobre cine, literatura, fútbol, recortes, jóvenes cineastas y cortometrajes hablamos con uno de los actores más reconocidos de nuestro país. REVISTA WILLCO
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Willco: Carlos, eres el embajador del Premio Jameson Triple Destilación que premia el mejor corto de 30 segundos en el Notodofilmfest. Pero… ¿en 30 segundos se puede contar una historia?
Carlos Bardem: En 30 segundos se pueden contar muchas cosas. En la web del Jameson Notodofilmfest ya pueden consultar cortos de 30 segundos de otros años. Me viene a la cabeza uno que se llama 5.25 que invito a que la gente lo vea. Es una buena referencia de lo que estamos buscando. Igual que Monterroso escribía en dos líneas un cuento, se puede hacer un corto estupendo en 30 segundos.
W: Llevamos años hablando de que no hay suficiente público en las salas pero iniciativas como la Fiesta del Cine, que establecieron las entradas a 3 euros, demuestran que la gente quiere ver películas, que apoya a esta industria. ¿Estás de acuerdo con medidas como esta?
C.B: Yo creo que, en el caso del cine, se han
W: ¿Hace ilusión ver cómo todos los jóvenes que se quieren hacer un hueco en este mundo no han perdido la esperanza a pesar de cómo está la situación?
C.B: Pues sí, esta iniciativa del NoTodoFilmFest se hace pensando en la oportunidad de democratización que dan las nuevas tecnologías. Realmente se ha abierto la puerta a todo aquél que tenga inquietud o talento para crear algo en cualquier formato, sea en 30 segundos en el caso del Jameson Triple Destilación o tres minutos en el caso de otros cortos… y sí, es bonito ver que cada año se reciben más cortos. Y no sólo del lado del que los crea, sino de la magnífica recepción que tienen luego estos cortos de visionado en Internet. Es maravilloso incorporar gente nueva al cine.
HA C I F
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DEM R A B 963 AS 1 N E I ZO D ENC R S A O ISTA M L N R O E I D CA R , GU D, 7 R I IL A O R P T D Y C E MA LOS DIR R , A R O ÉC RIA S O ACT O T J 1 IS A 21 NH O DE D E J L I O H IAD R CE C O N P CIÓN LICE O GOYA N E M MI AL. D DO A PRE A N R O U MI EL J D PRE L ECIA P S E
dado unas condiciones que han provocado una especie de tormenta perfecta. El cine tiene que cambiar y hacer autocrítica, en especial hay que revisar el modelo de exhibición y distribución, adaptarlo a los nuevos tiempos. Hay que acabar con esos proteccionismos que hacen que tú no puedas estrenar al mismo tiempo en salas y en plataformas de descarga legal en internet y abrirse y aceptar que la cultura visual del público más joven viene del videojuego, del videoclip, de gente que está acostumbrada a ver películas en pantalla de ordenador. Evidentemente los que amamos el cine sabemos que está concebido y diseñado para verse en pantalla grande y sala oscura. Creo
que perder el rito de ir al cine es un empobrecimiento pero tiene que adaptarse a los nuevos tiempos y tiene que encontrar fórmulas para articular esto. Dicho esto, abaratar las entradas del cine es una medida que tenemos que considerar. Vivimos en un país que hay seis millones de parados. Si tenemos un gobierno que lo primero que hace es convertir una entrada de cine -de teatro, de danza, de cualquier espectáculo cultural- en
contar historias. Eso no va a desaparecer.
W: A raíz de lo que decías del mundo del fútbol, ahora estás metido de lleno en ese… C.B: En ese charco! (Ríe)
W: Diamantes Negros, que es una historia de cómo las mafias buscan a niños en África para llevarlos a clubes de fútbol a cambio de dinero. ¿Cómo ha ido ese proyecto? Por ahora está cosechando buenas críticas…
C.B: La película ya se exhibió en el último Festival de Málaga, donde fue premio de público. Es una película apabullante, conmovedora, muy bonita, muy entretenida. Es de esa parte del cine que cuando te puedes dar el lujo de participar es siempre gratificante, que es el cine que, para mi, es cultura, es el cine que retrata una realidad. En este caso es una historia terrible, pero real, y que tiene mucho que ver con otros tipos de tratas de personas, como la trata de blancas. Hay gente que busca rentabilizar la miseria y llegan a traficar con niños, niños a los que exigen dinero a cambio de que puedan acceder a unas supuestas pruebas que en el mejor de los casos pueden salir bien, y en el
un bien de lujo, mal vamos. Tenemos el IVA cultural más alto del mundo, un 21%. Sin embargo, los toros o el fútbol tienen un 8 o un 10. Dice mucho sobre qué tipo de sociedad quiere generar el gobierno de este país. Habría que luchar por diversificar el precio de las entradas. Tú no puedes pagar lo mismo por ver una película como “Los Vengadores” doblada al castellano y que vale millones de dólares, que por ver una película española que ha costado miles de euros. Debería haber precios distintos en función de lo que vas a ver. La gente, por supuesto, sigue interesada en ver cine. El cine no es más que una expresión industrial que cubre una necesidad atávica: la necesidad de que te cuenten historias y la necesidad de otras personas de
“PERDER EL RITO DE IR AL CINE ES UN EMPOBRECIMIENTO PERO HAY QUE ADAPTARSE A LOS NUEVOS TIEMPOS”
peor de los casos, acaban con el abandono de esos niños en las calles de ciudades europeas. Sería bueno que también sometamos a crítica todo este circo en que se ha convertido el fútbol. Cuando cada vez hay menos pan, lo que nos dan es cada vez más circo. Yo soy un gran amante del fútbol. Soy
del Atlético de Madrid, pero vivo en un conflicto. No entiendo cómo no hay una crítica hacia este entramado del fútbol, deudas milmillonarias de los clubes de fútbol con la hacienda pública, que el gobierno no ejecuta porque no interesa que ese circo se detenga. Ese circo es el nuevo opio del pueblo. W: Y que ganes un mundial…
C.B: Que ganes un mundial y salgan a la calle millones de personas. Te quitan la sanidad, te quitan la educación, y no sale esa misma gente, que debería defender a muerte esas conquistas sociales, a protestar. W: ¿Por qué crees que hay un sector de la sociedad a la que le molesta tanto que la gente del cine, como tú, hable tan claro?
C.B: En el fondo es un problema sociológico profundo, de falta de calidad democrática en nuestra sociedad en la que no se admiten las voces discrepantes. Nosotros somos una democracia muy peculiar diseñada desde el franquismo, encarnada por un rey puesto por un dictador, donde nunca realmente se pidió responsabilidad a nadie, se pasó página y ya está. ¿Qué es lo que les molesta de los actores? Los actores, a unos más, a otros menos, se nos presta más atención a lo que podamos decir, algunos son figuras públicas, y ellos detestan eso. Lo que no entiendo es la gente que critica, que dice “¿por qué os metéis?”, porque los actores ante todo somos ciudadanos y como tal tenemos todo el derecho del mundo a protestar.
W: Tú has mamado ese sentimiento reivindicativo en tu casa…
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sociales, penando a un señor por darle un tartazo a un cargo público… Pero tú, en cambio, puedes hundir un petrolero o saquear una comunidad autónoma y no entrar en la cárcel. Contra eso hay que rebelarse, ya seas actor, fontanero, médico, docente o lo que sea. Es contra eso contra lo que hay que pelear.
W: Carlos, si fueras ministro de cultura, ¿cuál sería la primera medida que tomarías?
C.B: Mi primera medida sería hacer honor al nombre de mi cargo y hacer cosas por la cultura, no intentar destruirla. En el caso del cine, imitaría políticas muy exitosas de países cercanos, como en Francia, que dedican un porcentaje mínimo de las recaudaciones de las grandes películas americanas a crear un fondo de producción de cine español, con lo cual desaparecerían esas odiosas subvenciones. Y haría políticas de acercamiento de la cultura a los más jóvenes. Yo me acuerdo que cuando era joven, en mi colegio había cine todos los fines de semana. Llevar el cine a los niños, crear cultura, crear espectadores o consumidores de cultura y me pelearía con el ministro de Hacienda para que quitaran una medida tan absurda como el 21% de IVA cultural.
W: Has escrito libros, eres guionista, actor… ¿en qué campo te sientes más cómodo, en cine o literatura?
C.B: Van de la mano, yo no podría separarlos. En el fondo todas son distintas caras de una
C.B: Sí, evidentemente, en mi casa nos han criado con una cultura democrática, nos han enseñado a no callar, a protestar contra lo que es aberrante e injusto y a intentar escapar de ese manto de miedo que se está extendiendo sobre la ciudadanía. Nos están intentando acobardar, están criminalizando las protestas
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“LOS ACTORES SOMOS ANTE TODO CIUDADANOS Y TENEMOS TODO EL DERECHO A PROTESTAR”
misma necesidad, la necesidad de expresar mi visión del mundo y de compartirla con la gente. Cuando escribo soy más dueño de mis pensamientos y cuando actúo intento poner toda la honestidad del mundo en defender los pensamientos de otros -con los que sí estoy de acuerdo, evidentemente-.
W: Has recibido muchos reconocimientos a nivel laboral… ¿dónde está el techo? ¿Qué te queda por hacer?
C.B: Los actores nunca llegamos hasta el
techo porque somos tan buenos como nuestro último trabajo. Puedes llevar 40 películas, que si la última no gustó tienes que empezar casi desde abajo otra vez, pero eso es lo maravilloso también de esta profesión. Actuar es algo totalmente vocacional, es una profesión muy dura, donde el 90% de mis compañeros están sujetos a un paro crónico, trabajan, como mucho, una o dos veces al año. Es algo que haces por pasión. Si tienes la suerte de que luego tu trabajo se reconozca, es una consecuencia, no debe ser nunca un objetivo.
INSTANTÁNEA EN...
Martínez fotos de Alfonso
Un lugar alucinante. No nos extraña que los monjes se retiren aquí a rezar. Se respira paz. Se pueden visitar 6 monasterios. Las subidas requieren paciencia y mucha energia!
Meteora, Grecia
Es Patrimonio terior se cons Cultural de la UNESCO. E er con frescos m van capillas de estilo biz n su inu antino lt ic ol or es e iconogra reliquias de gr fía ortodoxa an valor. y
rtín fotos de Miriam Ma
rtugal. La tre España y Po a pie en l ra tu na ra Es la fronte ante y complicada si se va as desde subida serpente ltado unas maravillosas vist tiene como resu la cima.
El Castro de Santa 2000 años de anti Tecla es un poblado con más de restos de las viviengüedad. Se pueden observar los das y los grabados rupestres.
Santa Tecla, A Guarda, Pontevedra
S
TENTEMPIÉ
eamos sinceros. La mayoría de vetas infiltradas, que ofrecen una jugosidad ininosotros, por muy de sibaritas gualable. Pero hay algún que otro truco fácil y que vayamos, no sabríamos muy determinante. Nos lo enseña Arturo Sándistinguir un buen jamón ibérico de un chez, director de la compañía del mismo nombuen jamón serrano. Aunque desde pe- bre: “sin miedo, coge el plato y ponlo en posición queños estemos acostumbrados a probar vertical. Si las lonchas no caen, ese jamón es de este manbellota”. jar, aunque El siguiente llevemos el nivel de cata le sabor del jamón corresponde a en las venas y los dedos. Toaunque presuquemos la grasa mamos de haber para saber si es degustado más suave al tacto y de una vez este presionemos un bocado de diopoco para comses, ¿podríamos probar si ésta se estar seguros de hunde fácilsaber, en una mente. Si ocucata, cuál es rre, es buena cuál? Para que señal. no nos den gato Pasamos al olpor liebre, o fato. El aroma de mejor dicho, se- “ Coge el plato y ponlo en posición vertical. Si las un buen jamón rrano por ibérico, es intenso y no he aquí una serie se olvida facillonchas no caen, ese jamón es de bellota” de pautas fundamente, hasta el
QUE NO TE DEN SERRANO POR IBÉRICO por Gracia Granados
mentales para enseñarnos a distinguir una buena loncha de jamón de bellota. En primer lugar, y si podemos ver la pieza de la que va a salir nuestro plato, tenemos que observar que la pezuña sea fina y la caña larga, rasgo común de todo cerdo ibérico de raza pura. Seamos pacientes y sigamos con el análisis visual para apreciar el brillo y el color de la loncha que está a punto de entrar en nuestra boca. El jamón debe tener una fina capa de grasa alrededor, que es la que determina la alimentación que ha llevado el animal durante los años que ha estado en el campo y que se ha basado única y exclusivamente de bellota y hierbas. Ésta debe ser de un color amarillento un poco oscuro. Si es demasiado blanquecina puede significar que el tiempo de curación no ha sido el adecuado o que no es un jamón de bellota. No nos olvidemos además de que el cuerpo de la loncha debe tener
punto de que, la próxima vez que estés ante él tan sólo oliéndolo podrás reconocerlo. Ahora sí, démosle caña al gusto. Las lonchas deben ser finas y pequeñas para que entre en un sólo bocado, hay que masticar despacio para que se funda en la boca y así al tragarlo nos quede lo que se llama un “retragusto” en el paladar, explica Sánchez, que además nos advierte de que “el jamón siempre hay que tomarlo solo. Todo alimento que se mezcle con él desvirtúa su sabor”. Después de este recorrido gourmet, quedaría irreverente hasta hablar de dinero. Podemos imaginar que este bocado no va a estar en nuestra mesa a diario y tan sólo podremos reservarlo para ocasiones especiales. Como apunte personal, la guinda podría ponerla una buena compañía y una banda sonora: mientras escribo este artículo suena de fondo “Manhattan”, de Lee Wiley. Más quisieran en la isla.
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Y la guitarra se quedó sin genio
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por Antonio Granados
ayo de nacimiento pero gitano de alma, Francisco Sánchez Gómez, “Paco de Lucía”, ha dejado un hueco en el panorama artístico mundial que va a ser muy difícil de ocupar. Y quizá nunca se pueda, porque no hubo ni habrá nadie como él. Flamenco universal, genio de la guitarra, en sus manos el toque se reinventó. Se hizo más grande y llegó más lejos que nunca. Su pasión por la música le llevó a amar la mezcla de estilos. Fue el primero que se atrevió a romper las férreas y estrictas normas del flamenco para fusionarlas con otros ritmos como el jazz, el blues o la bossa nova. Su postura para tocar la guitarra se asemejaba a un abrazo. La mimaba como si fuera una parte de él y con esa sensibilidad especial que sólo Paco poseía, rasgaba las cuerdas de tal manera que dejaba sin habla a cualquiera que lo escuchase. El guitarrista Jan Akkerman, después de tocar con él, reconocío “haberse sentido arrollado por un avión a reacción. Tenía la técnica de un Dios”. El dúo Lucía-Camarón fue un antes y un después para la historia moderna del flamenco. Juntos consiguieron llevar este estilo hasta las más altas cotas de creación artística. Los dos gaditanos grabaron, entre 1969 y 1979, nueve discos llenos de creatividad con los que han conseguido pasar a la historia no sólo del arte jondo, sino de la música en general. 1979 fue el año de su separación. Camarón siguió su camino con Tomatito para grabar el disco La leyenda del tiempo. Paco, por su parte, retomaría su carrera de concertista tanto en solitario como en colaboración con otros históricos de las seis cuerdas como John MacLaughlin o Al di meola. Así, el niño nacido en Algeciras consiguió pisar los teatros de medio mundo. En cualquier
auditorio al que acudiese, Paco de Lucía conseguía poner al público en pie. También lo hizo con su Paco de Lucía Sextet, una formación musical que hizo de la fusión del flamenco y otros estilos su bandera. Doctor honoris causa por la Universidad de Cádiz y el Berklee College of Music, en 2004 el Premio Príncipe de Asturias de las Artes le reconoció su "honradez interpretativa" y su capacidad de trascender "fronteras y estilos" que le convirtieron en "un músico de dimensión universal". "Todo cuanto puede expresarse con las seis cuerdas de la guitarra está en sus manos", destacó el fallo del Jurado. Primero y único de la historia concedido a un artista flamenco, Lucía no se olvidó de su amigo Camarón tras la concesión del premio. “Si estuviera vivo, hubiera impuesto que él viniera a compartirlo conmigo”, expresó. Un maestro de la música, un genio del flamenco, un virtuoso de la guitarra, Paco de Lucía ha sido reconocido por todos sus colegas. Su muerte ha sacado a la luz los sentimientos más hondos que Paco ha dejado en todos los que le conocieron y tuvieron la suerte de trabajar junto a él. Manolo Sanlúcar, Vicente Amigo (que agarraba el féretro de Paco como si no quisiera separarse de él), Gerardo Núñez, han dedicado palabras maravillosas a su recuerdo. Paco de Lucía pensaba que “el éxito con mayúsculas es que te reconozca la gente de tu profesión”. En este caso, se puede decir que el gaditano llegó a la cumbre del triunfo. Pero él era mucho más que eso. En el comunicado que su familia remitió a los medios tras su muerte señalaron que “Paco vivió como quiso y murió jugando con sus hijos al lado del mar”. Al fin y al cabo fue un hombre de pequeñas cosas que no se merecía un final mejor.
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“No existen más que dos reglas para escribir: tener algo que decir y decirlo” Oscar Wilde (1854-1900) Dramaturgo y novelista irlandés