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Editorial
Lacreación cinematográfica carece de nacionalidad. Las expresiones fílmicas engloban un todo emocional que nos repre-
senta en tomas, ángulos, sonidos y guiones; una serie de signos que se aglutinan y forman oraciones visuales que traducen la realidad en imágenes paradójicamente ficticias. Estas imágenes hacen parte de una evolución no sólo técnica sino también cultural a través de la cual podemos ver el impacto de los cambios que quizá no somos capaces de percibir sino hasta observarlos de forma externa. El cine, como medio de expresión es un archivo histórico visual de las pérdida o conservación de las costumbres, tradiciones y avances de un todo social.
Contenido
En portada: Koi no tsumi
Del papel a la pantalla: De carne y hueso 2 La mente maestra: Yasujiro Ozu 10 Tesoros Fílmicos: Koi no tsumi 6
Punto de vista: Naturalismo japonés 20
Había una vez: Del kabuki a la pantalla 14
Además
Maestros del terror: Gore japonés Super 8 Número 29 Editor: Azucena Mecalco Redactores: @AMAURY1984, Ettel Alvarado, Jorge Alonso Espíritu, Estefania Hipólito, REDRUM Arte y Diseño: Azucena Mecalco México Distrito Federal 15 de marzo de 2014
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La caja de Pandora: El viaje de Toshiro 28 Top Five: Tesoros de la animación 32 En cartelera 35
DEL PAPEL A LA PANTALLA
Por: Estefania Hipólito
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l hombre ha tratado de dar movimiento a las imágenes fijas desde tiempos muy remotos y creó artefactos como el taumatropo. Después con la invención de la cámara cinematográfica, Georges Méliès en Paris y J. Stuart Blackton en Nueva York mezclaron animación con actores reales para crear un efecto casi mágico para los ojos de los espectadores. Con el avance del cine el hombre no sólo registró hechos de la vida cotidiana, además dejó que su imaginación creara nuevos mundos tomando imágenes caricaturescas fijas, dándoles secuencias para que tuvieran movimiento, así nació la animación; y en 1906, Blackton hizo la pri-
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mera película animada completamente dibujada a mano, Humorous Phases of Funny Faces. Aunque la animación solo sería el comienzo, ya que después la mente creativa del hombre intentaría darle vida con personajes de carne y hueso, con el tiempo nacería algo que actualmente conocemos como Live−Action. El Live−Action, como concepto, generalmente se utiliza para referirse a la adaptación con personajes reales de series o películas de dibujos animados, la mayoría de personas que están familiarizadas con el concepto creen que se refiere sólo al cine japonés que toma como base los argumentos de los ánimes, a su
vez basados en los mangas, pero el concepto también se puede aplicar a producciones de otros países, por ejemplo: Los picapiedra, Scooby Doo y Los 101 dálmatas, también son Live−Action. Cuando un manga tiene el suficiente éxito, por lo general se realiza una versión animada
Existen muchas películas basadas en ánimes, quizás una de las más antiguas que puedes rastrear en la red es la primera versión de Hana Yori Dango de 1995, basada en el manga con el mismo nombre de la mangaka Yoko Kamio, la cual fue la primera versión realizada con actores reales. (si bien también puede pasar lo contrario, primero es un anime y después se convierte en manga) y después dependiendo de la aceptación del público se realizan las producciones con personajes reales, aquí cabe una aclaración, los Live−Action pueden ser películas o series de hasta 12 capítulos,
Así como lo diversos géneros del maga y del ánime, también los Live−Action pueden tratar de diferentes temas, quizás los que tienen temática romántica son más fáciles de producir ya que no requieren de efectos especiales como Kimi ni Todoke donde Sawako Kuronuma, al ser demasiado tímida, es apodada como el personaje de la película de
El Aro, hasta que conoce a Shota Kazehaya quien la impulsa a cambiar, la película sólo muestra el principio del ánime, pero respeta bastante bien la trama original; también del mismo género está Paradise Kiss donde Yukari Hasayaka conoce a un grupo de jóvenes estudiantes del Instituto de Artes Yazawa, ellos la invitan a ser su modelo pero se niega al principio, después conocerá a George de quien se enamorará. Esta película se enfrentó a la complicación de reproducir los diseños que la autora del manga dibujo, a pesar de esto logra de una manera bastante aceptable reproducir casi toda la historia en dos horas además de cambiar totalmente el final de la obra original.
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Akari es quien le daba la voz al personaje del anime en 2006, es una historia sobre viajes en el tiempo, visualmente es muy convincente ya que realmente nos transporta al pasado además utiliza colores vibrantes, una buena iluminación y un hermoso paisaje Por otro lado están histo- de complementos en cada escerias un poco más complejas na. El final está muy bien atado y como Ranma ½, ya que trata de no le pide nada a sus predecesocómo un joven después de caer ras ni al ánime. en unas aguas termales encantadas se convierte en mujer al Otro ejemplo pero del genero contacto del agua fría, mientras bélico es Library Wars que trata que su padre se convierte en un oso panda. Esta película usa el humor exagerado, al igual que la historia original, y trata de llegar a la conclusión del problema de Ranma en las dos horas de la película, utiliza algunos efectos especiales para las transformaciones y en el caso del panda el actor usa un traje poco convincente. Otro ejemplo es Toki wo Kakeru que ha tenido diferentes adaptaciones al cine y la más reciente es la del año 2010, en esta versión la actriz que interpreta a
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sobre los peligros de la censura, cuando el gobierno decide cuáles libros están prohibidos y por esta razón las personas se unen para librar una batalla. A diferencia del original en el Live se alargan los enfrenta-
mientos y los protagonistas son capaces de enfrentarse al enemigo; el último ejemplo es Nodame Cantabile la cual trata sobre un violinista y director de orquesta prodigioso que es incapaz de salir de Japón por su miedo a volar, pero esto cambia cuando conoce a Nodame una pianista despreocupada que le cambia la vida, este Live−Action es una producción muy compleja ya que es grabado en París, e introduce muchas piezas de música clásica, así como orquestas sinfónicas y en cada momento explica a que se refiere cada pieza musical, además retrata de forma bastante fiel a sus originales. Sin embargo estas producciones son como lanzar una moneda al aire, ya que al igual que las adaptaciones de libros al cine, los Live−Action no siempre satisfacen a sus espectadores puesto que en ocasiones es complicado narrar en dos horas la historia de 50 tomos de manga o de 20 capítulos de ánime, siempre se tendrán que recortar aspectos de la trama para que se ajusten a los tiempos cinematográficos y depende de la capacidad del director para lograr que la esencia de la historia se conserve y que siga teniendo el mismo sentido, sin que la falta de elementos se llegue a notar demasiado. Antes era sólo el público japonés el que tenía el privilegio de gozar de estas adaptaciones, pero ahora con la ayuda de la red de redes muchas personas alrededor del mundo tienen acceso a estas películas, que quizás siempre se enfrentarán al obstáculo de superar las expectativas de los espectadores que ya conocen de antemano la historia a través del manga y del ánime. Sin embargo los Live−Action pueden proporcionar el placer de ver convertido en un personaje real a tu personaje favorito de animación, pero esto también es un problema porque no todas las personas son tan estéticamente
perfectas como los dibujos animados. En 2011 el portal japonés GOO realizó una encuesta entre sus lectores sobre cuáles eran los mejores Live−Action, a continuación se muestran los diez primeros lugares:
1. Death Note de 2006 (Tsugumi Ohba y Takeshi Obata) 2.Umizaru de 2004(Shuho Sato) 3.Rookies TV drama de 2008 (Masanori Morita) 4.Nana de 2005 y 2006 (Ai Yazawa) 5.Ge Ge Ge no Kitaro de 2007 (Shigeru Mizuki) 6.Kaiji: The Ultimate Gambler de 2009 y 2011 (Nobuyuki Fukumoto) 7.Gantz de 2011 (Hiroya Oku) 8. Ping Pong de 2002 (Taiyo Matsumoto) 9.Yatterman de 2009 (Tatsuo Yoshidan) 10.Dororo de 2007 (Osamu Tezuka)
Sin embargo, no sólo Japón ha decidido llevar a la pantalla grande, con actores de carne y hueso, las historias de sus cómics, también Estados Unidos ha realizado versiones cinematográficas, aunque al querer adaptarlas y tropicalizarlas al ambiente sociocultural americano terminan por quitarles la esencia principal de la historia, y hasta suelen terminar con resultados amorfos que no satisfacen a los espectadores, un ejemplo de
original, ya que en esta se toma como base del conflicto el asesinato del abuelo adoptivo de Goku a manos del despiadado Piccolo, pero en otros casos la esencia de la historia es conservada como en el caso de la película, Speed Racer basada en Match GoGoGo, de Tatsuo Yoshida, quizás la única objeción contra ésta es la sobrecarga de colores chillantes y giros rápidos de la historia que a veces si no se conoce la historia original pueden confundir al espectador. A nivel internacional los Live− Action no sólo son historias basadas en ánimes, ya que al tener buenas historias de respaldo los directores que deciden llevarlas a la pantalla grande pueden obtener un buen producto que sea capaz de competir con otras películas, un ejemplo es la participación en el festival de Cannes en la categoría Un certain Regard en 2009 de la película Kuki Ningyo (Air Doll) del director Kore−Eda Hirokazu basada en el manga Kuuki Ningyo de Yoshiie Gôda, no ganó el premio pero fue un gran logro tanto para el cine japonés como para la industria del manga el haber participado en este certamen
Los Live−Action cada vez son más populares y parece que las producciones de este tipo seguirán aumentado, aunque no son exclusivos de Japón son los de este país los que más llaman la atención, el gran reto de estas películas siempre será ser mejores o estar al nivel de sus originales y tratar de que el publico quede maravillado con la forma de introducir en dos horas una historia convincente y bien llevada, el esto es Dragon Ball Evolution, público los seguirá consumiendo basada en Dragon Ball de Aki- quizás como un gusto culposo, ra Toriyama, que si bien reto- porque no siempre quedamos ma a los personajes principales, satisfechos y deseamos más. se aleja totalmente del contexto
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TESOROS FÍLMICOS
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El romance y la culpa: “Si no es por amor, ¡cobra!” Por Azucena Mecalco Volviendo a casa
La resonancia resplandeciente Del brillo de la puesta de sol de Nunca debí aprender palabra este mundo? alguna Nunca debí aprender palabra Oh, por un mundo sin palabras alguna. Viviría en un mundo en el que los Solo porque sé Japonés y un poco significados no importen de una lengua extranjera Si las palabras hermosas se cobran Me paralizo en tus lágrimas venganza contra ti Y vuelvo solo No es de mi incumbencia Al interior de tu sangre Si significados pacíficos te hacen sangrar Ryuichi Tamura Tampoco es de mi incumbencia A las lágrimas en tus gentiles ojos Al dolor que gotea de tu lengua silenciosa a filmografía de Shion Sono Les echo un vistazo y me marcho se compone por una extensa Si en nuestro mundo no tuvieran lista de filmes que van desde el cabida las palabras terror hasta el drama. Sus pelí¿En tus lágrimas habría tanto sig- culas cuentan con características nificado determinantes que definen su Como en el corazón de una pieza estilo naturalista y novedoso. En de fruta? 2011, el prolífico director le re¿Habría en una gota de tu sangre galó al mundo del cine una cinta
que no sólo resultaba innovadora; sino que culminaba con una faceta de su carrera que le valió un sin fin de reconocimientos internacionales, con los que logró posicionarse como uno de los más importantes exponentes del cine japonés actual. Pero, lejos de la cantidad de premios que le otorgó su “trilogía del odio”, que inició en 2008
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con Love Exposure, ésta representa el aglutinamiento de una serie de críticas y perspectivas que presentan la visión inconforme e hiperbólica del director frente a su contexto actual. Tokio, Japón, Kazuko Yoshida, una detective criminalista, intenta resolver un brutal asesinato en la zona roja de la capital. El caso resulta por demás escabroso, el cadáver fue hallado incompleto y no hay pistas de quién podría ser el asesino.
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En otro punto de la ciudad, en un tiempo relativamente anterior al homicidio, se encuentra Izumi, una ama de casa que vive día a día de acuerdo con las normas establecidas por su sociedad. Tiene un esposo afable y cariñoso y estabilidad económica, además de una perfecta rutina: se levanta temprano, prepara el desayuno, espera a que su marido despierte con todo listo para que no se fatigue en absoluto, lo ve marchase y después consagra su día a preparar el regreso de éste. Desde luego, pese a su actitud de sumisa pasividad, algo en su interior comienza a moverse de forma inevitable, pues su vida no es tan satisfactoria como pudiera parecer dentro del canon de “ideal” establecido para la mujer promedio.
Pronto, hastiada de su monótona vida, comienza a sentir que no ha logrado nada de forma individual y decide entrar a trabajar. Tras conseguir la autorización de su esposo ingresa como demostradora en una tienda de grandes almacenes y allí se le presenta una magnífica oportunidad: ingresar a una agencia de películas pornográficas casi caseras.
Izumi descubre entonces que ella es mucho más que una ama de casa reprimida, máscara con la que ha adornado su vida cotidiana, y comienza a despojarse de todos los tabúes que la invadían para sumergirse en los peligrosos terrenos de la ninfomanía. Así, cada vez que ejecuta un nuevo acto que rebasa sus propias fronteras morales se siente deseosa de avanzar a un nivel más alto. Es en este apogeo de hedonismo que conoce a Mitsuko, una maestra de literatura que juega a tener una doble vida. Mientras FICHA que por las mañanas transmite sus conociDirecció mientos a sus alumProducción nos, por las noches Nobu se transforma en una Idea origina mujer fatal, prototipo Guión que Izumi desea emuFotografía lar. Reparto: Me Mik En compañía de Mako Mitsuko, quien le enKan seña que si el sexo Ryo Iwamatsu no se hace por amor se debe cobrar pues implica un esfuerzo y
desgaste, Izumi se irá transfor- pero, por encima de todas estas mando hasta ser incapaz de re- características se encuentran los conocerse a sí misma o, por el diálogos. contrario comenzará a identificar finalmente su personalidad… Shion Sono construyó una sátira perfecta haciendo uso de los niveles lingüísticos utilizados por los japoneses, por desgracia este elemento que magnífica el impacto de cada escena, no se aprecia en su totalidad debido a que es simplemente imposible capturar la esenEl romance y la culpa es una cia del lenguaje japonés aplicado poesía cinematográfica de be- a su traducción en otro idioma. lleza incomparable. No sólo las Mas no por ello la cinta deja de tomas y el mon- ser impresionante, mostrando taje están perfec- los contrastes entre la pasiviA TÉCNICA tamente cuidados dad y la rebelión llevando al espec- del propio yo, ón: Sion Sono tador a sentir cada las costumbres y n Yoshinori Chiba, una de las emo- manierismos que uhiro Iizuka ciones presentes constituyen una al: Mizue Kunizane en las intrincadas sociedad y los n: Sion Sono personalidades de artificios que se a: Sohei Tanigawa sus protagonistas, utilizan de foregumi Kagurazaka, y los lugares por ma autónoma, ki Mizuno, los que se mueven; como pretexto oto Togashi, la trama, el argu- para mermar la nji Tsuda, mento y la divi- personalidad.y u, Ryuju Kobayashi sión en capítulos mantenerse en le otorgan fluidez un estado de apay movimiento; rente confort.
Otro punto a favor de la cinta es la constante intromisión de elementos literarios que le otorgan más de un nivel de profundidad que se aleja de la superficialidad y el intento de muchos otros directores por contar una historia simplificada dirigida a un público pasivo. Sono, por el contrario, obliga al público a ir siempre más allá de lo presentado en una primera lectura, apostando a la identificación y la empatía no con las situaciones, sino con los personajes y sus conflictos internos que se rebelan como una hipérbole de sensaciones vejatorias del ser. Muy alejada de otros trabajos del director como Ekusute (2007), El romance y la culpa es una obra maestra en todos los sentidos que vale la pena ver una y otra vez.
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LA MENTE MAESTRA
YasuJiro
Ozu A
Por @AMAURY1984
sí a grandes rasgos podríamos decir que Yasujirô Ozu es el más grande en la industria del cine japonés. Nació en Tokio en el círculo de una familia de clase media conservadora. Su padre, con el fin abrir los horizontes del muchacho, lo mandó a vivir a provincia, en donde él mismo se crió. Su niñez y juventud nunca lo acercaron al cine, aspiraba a ser un economista académico pero falló en sus múltiples intentos por ingresar a la universidad o como maestro.
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Con el fin de tener un trabajo decentemente pagado, uno de sus tíos movió sus influencias para que entrara de tiempo completo en la Shochiku Film Company (SFC) como asistente del departamento de fotografía, trabajo que realmente no emocionó ni a
y se han perdido para siempre. La película más longeva del director japonés que pudo sobrevivir fue la comedia de 1929 Gakusei Romansu Wakaki Hi, una comedia sobre dos jóvenes u n i ve r s i t a r i o s que pelean por el amor de una chica.
Ozu ni a su familia. En la SFC trabajó por un periodo que intercaló con sus obligaciones sociales del servicio militar. En 1927 ya trabajaba como asistente del director, durante ese año Ozu tuvo una pelea con un compañero de trabajo por lo que fue llamado a la oficina del director de producciones de la SFC, aprovechando el momento y para suavizar un poco la situación le comentó a su jefe que tenía un guión escrito y que le gustaría presentarlo para su consideración. La historia sorprendió al jefe, así que con el fin de pulir aquel trabajo primerizo creó un equipo que por el resto de sus vidas no se separaría. Yasujirô Ozu y Kogo Noda terminaron presentado el guión de Zange no yaiba. Hay que entender a Ozu como un curioso antropólogo que ve un grupo de sujetos juntos y los estudia creando alrededor de ellos una historia verosímil. Zange no yaiba cuenta la historia de un joven delincuente que, tras cumplir su condena, sale de prisión con la idea de dejar su pasado atrás y evitar que su hermano menor sea arrastrado a una vida de crimen como le sucedió a él.
A partir de 1928 la SFC se enfocó en producir comedias cortas y sencillas, muy al estilo de las comedias de Charles Chaplin. Una de las primeras que pusieron bajo la dirección de Ozu fue Wakado no yume, realizada en su totalidad con actores novatos. Le siguieron Nyôbô funshitsu, Kabocha, Hikkoshi Fûfu, Nikutaibi y Takara no Yama. Todas ellas producidas y presentadas en tan sólo un año. Lamentablemente ninguna de esta películas pudo sobrevivir la catástrofe que vino con la Segunda Guerra Mundial
De las 11 películas que Ozu dirigió durante 1929 y 1930 ninguna sobrevivió al conflicto bélico. Sabemos gracias a las carpetas de producción de la SFC los títulos de comedias como Tokkan Kozô, Hogaraka ni ayume y Sono yo no tsuma. De 1932 a 1936 la producción de filmes disminuyó considerablemente, en parte por una disminución en el interés de la población por el cine como entretenimiento y crecimiento exponencial del interés en la actividad política y los conflictos en el entorno asiático, dominado desde luego por el Imperio Japonés. De esa
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época destacan cintas como Tokyo no Onna, Dekigokoro y Tokio no yado. Aunque el cine con sonido había llegado al mundo desde 1900, no fue hasta 1936 que la SFC decidió realizar sus primeras producciones con este formato. Desde luego el tener la capacidad de poner sonido en la pantalla implica que tengas algo que decir, que requiera necesariamente de las palabras, no como la comedia muda que se solía acompañar con música en vivo. El primer filme con sonido realizado por Ozu fue Hitori Musuko, la historia del hijo único de una madre obrera que se esfuerza por pagar su educación hasta la universidad, después de que el maestro de primaria del muchacho le pide que haga un esfuerzo. En 1937 presentó Shukujo wa nani wo wasureta ka, la historia de una pareja sin hijos que recibe la visita de una sobrina cuyos hábitos la ubican dentro de lo que podríamos denominar
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juventud descarriada. Como ven Ozu cambió el rumbo, con el sonido regresó a ver a la sociedad japonesa. 1941 vio un nuevo filme de Ozu, Todake no kyodai. Los hijos de la familia Toda se reúnen para una foto familiar en el cumpleaños de su padre. Poco después del evento el padre muere y la familia se desintegra y se separa sin mayores consecuencias. La Segunda Guerra Mundial acercó a Ozu mucho más a la cultura de familia nuclear japonesa. Durante esa época se estreno Chichi Ariki, la historia de una maestro y padre abatido por la tragedia de perder un hijo. En un Japón demasiado mermado por los costes de la guerra Ozu presentó Nagaya Shinshiroku durante 1947. La historia aborda, como era de esperarse, la vida de la sociedad japonesa tras le rendición frente a los aliados. En específico la
de dos hombres, uno dedicado a la clarividencia y el otro a vender los que encuentra en las zonas destruidas por los bombardeos durante el conflicto bélico. Y ahí no terminó la revisión del tema, en 1948 presentó Kaze no naka no mendori, que aborda la historia de una madre sola con sus cuatro hijos que esperan impacientemente tener noticias del padre de familia que está por ser repatriado de la zonas que Japón invadiese. Ya en los años de ocupación, la SFC tuvo que responder directamente a los controles impuestos por los aliados. Para aquel entonces Ozu tenía en mente llevar a la pantalla otra visión, tratar la guerra pintaba para ser algo complicado con los Aliados controlando prácticamente el desarrollo social, económico y político del país asiático. Además estaba la ola de la cultura occidental que llegó con lo ocupantes. El director decidió voltear la vista
a la tradición japonesa y tratar, aunque fuese de una manera muy sutil, casi subliminal de transmitir ese malestar que le causaba el “american way of life”. Así es como concibió las historia que forman la conocida trilogía Noriko, compuesta por los filmes Banshum de 1949, Bakushu de 1951 y Tokio Monogatari de 1953. Ozu nunca explicó si realmente esto pretendía ser un trilogía sobre algo. Hay quien considera que el compendio Noriko estaría formado también por Sôshun de 1957 y concluiría con la gran cinta Tôkyô Boshoku de mediados de 1957. Esta historia habla sobre una familia de dos hermanas y su padre, tres personajes enfrascados en sus problemas personales. La película, además, culminaría con una etapa muy dramática del director y con los filmes realizados en cintas de blanco y negro. En 1958 de mano de la ocupación llegaría a Japón el material fílmico a color y con este el primer proyecto de Ozu que dejaba el drama de lado y volteaba a ver a una sociedad levantada de los escombros de la guerra. El filme Higanbana de 1958 aborda la vida de un empresario muy respetado, que tras una larga relación y una unida familia es consultado por jóvenes y adultos. Casi a manera de comedia el personaje principal tiende a ser muy laxo en sus recomendaciones con los hijos de otros, pero cuando un romance juvenil nace dentro de su familia la tradición y el control salen a flote como en los padres de los otros jóvenes. Y digo que casi a manera de comedia porque sospecho que no era mucho su intención. Me parece que la historia pretende
de manera muy clara reflejar Al igual que muchos de sus ese bonito refrán de “candil de personajes en esta última etapa la calle, oscuridad de la casa”. de su trabajo y vida. Ozu regresó al núcleo familiar, a vivir con su Su siguiente proyecto, madre y su hermana e ingresó presentado en 1959, siguió la a la academia de cine japonés misma línea. Presentando la vida en 1955. Fue considerado parte de una joven comunidad nacida importante de la historia del cine encima del pasado. El filme nipón, así como un productor Ohayô trata la vida de jóvenes de cine demasiado japonés familias de los suburbios, de como para ser presentado mas niños que lidian con niños, de allá de las fronteras. Ozu retó madres de familia lidiando con al estándar en producción con las intrigas de otras madres y sus conversaciones 180º, en de jóvenes buscando conocerse. las que un personaje se dirige La hilarante vida de este directamente a la cámara y diminuto ecosistema japonés posteriormente se toma al es una muestra clara de que las otro también de frente. Otro relaciones en una comunidad particular uso de la cámara en no suelen ser tan distintas a las su trabajo fue el tiro sobre el de otras. tatami, en el que el camarógrafo tomaba al actor a ras de suelo. En 1960 Ozu siguió con la línea que llevaba y presento Ozu murió solo en 1963 Akibiyori, fuera de la comedia y y en su testamento pedía ser lejos de ser una drama la historia enterrado junto a su madre. aborda la vida de una viuda que Además pidió que la lapida vive con su hija. Al ver que la llevase grabada el kanji 無 joven no pretende abandonar a que en castellano apostólico su madre, ésta busca la ayuda romano podría traducirse de los caballeros para que le como “no tener” o “la ausencia encuentren un buen partido a la de”. Hasta donde este humilde muchacha; como la joven dama colaborador pudo investigar y usa de pretexto a la madre los dada la constante necedad con caballeros deciden re casar a la el tema de la familia sospecho viuda para que no esté sola y la que su petición tuvo que ver con hija se enfrente al amor que toca su vida evaluada tras su trabajo, incansablemente a su puerta. nunca hubo una continuidad. El último filme realizado por Ozu, Sanma no aji de 1962 empieza a dejar la impresión de que las historias de Ozu urgen a la juventud a no quedarse sola. La familia ultra nuclear está bien para la primera mitad del siglo XX, pero cuando los padres alcanzan cierta edad necesitan saber que el ciclo continua de alguna manera. Al igual que previas películas Ozu aborda en esta la historia la de un padre exitoso con tres hijas que no pintan para alcanzar los deseos de su padre.
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HABÍA UNA VEZ
del kabuki a la p Por Azucena Mecalco
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apón siempre se ha caracterizado, desde un punto de vista cultural, por ser un país conservador en cuanto a costumbres se refiere. Sin embargo, sus estrechas fronteras, característica preponderante durante la época feudal anterior a la Era Meiji (1868-1912), no impidieron que la globalización hiciera presa de su nación, aunque quizá, con mayor lentitud o desde una
perspectiva diferente que otros países que ya mantenían relaciones comerciales voluntarias con Europa y Estados Unidos.
grafía japonesa, que a lo largo de los años ha causado una fuerte impresión en occidente al mostrar ángulos e ideas, que si bien son novedosos para los extranFue así que en el año de 1896 jeros, poco o nada tienen de inel cinematógrafo llegó a la nación novador para los habitantes de del sol naciente; y tres años más Japón. tarde dio inició la producción de obras cinematográficas en el Pese a la filmación de cintas país, comenzando así la contro- como el corto-documental Geivertida historia de la cinemato- sha no teodori (1899), considerada la primera película rodada en el país, la historia real de la industria japonesa del cine comenzó a gestarse alrededor de 1908, año a partir del cual comenzaron a producirse hasta 900 filmes anuales. El crecimiento desmesurado de la industria se produjo, en cierta medida, por la imposibilidad de los japoneses de comprender los argumentos de la cintas occidentales debido a las barreras del idioma. Aunado a ello las ideas tradicionalistas del público, y sobre todo de los productores, hici-
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pantalla narrador de la acción que acontecía en pantalla.
eron nacer una cinematografía inspirada en el teatro kabuki, de donde se heredaron importantes figuras que construyeron, en un primer plano, los cánones de las estructuras del cine japonés. Dentro de estas figuras se encon-
traba el onnagata (oyama), actor travestido que representaba el papel de una mujer y el benshi, un narrador que se paraba a lado de la pantalla y no solamente prestaba su voz a los personajes; sino que también fungía como
Aunque la costumbre de utilizar un narrador no fue privativa de Japón, sí fue éste uno de los países en los que su uso de extendió hasta los años 30, cuando ya era considerada por otras naciones como una técnica obsoleta. Mas, fue gracias al uso prolongado de la figura del benshi que los directores japoneses pudieron, hasta cierto punto, dejar de lado la parte argumental y enfocarse en mostrar una construcción visual mucho más compleja y detallada. Además, la figura del narrador limitaba la desvinculación
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del público con la realidad adyacente, al mostrar las fronteras entre e entorno y la acción del filme.
y perseverancia como forma de vida, encaminada a conseguir un ideal superior, siguiendo el código bushido del samurái (justicia, coraje, benevolencia, resUna vez que la industria se peto, honestidad, honor y lealconsolidó se hizo inevitable la tad), siempre dejando el amor aparición y división de los gé- y el individualismo en favor del neros cinematográficos, buscan- señor feudal y un objetivo de do la identificación del público con los personajes y sobre todo con los argumentos de los filmes. De acuerdo con Tadao Sato en Current of japanese cinema, el cine japonés importó figuras míticas a sus argumentos, así surgió el tateyaku cinematográfico, que figuró como personaje principal de un sin fin de filmes y que encapsula las ideas tradicionalistas del hombre ideal, noción que dista mucho del concepto occidental del romanticismo y heroísmo. El tateyaku fue una personaje determinado por mostrar los valores encomiables de la cultura japonesa feudal, retrataba aquellas cualidades que el escritor Yukio Mishima se encargó de plasmar en sus libros: la nobleza
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índole colectivo. Quizá, el representante más importante de este tipo de personaje fue Toshiro Mifune, quien realizó más de 120 filmes dentro de los cuales las escenas de amor eran nulas, de hecho, entre su filmografía se pueden contar solamente tres escenas de este tipo.
El ideal del romanticismo japonés rompía por completo los paradigmas occidentales del amor y la interacción de pareja, las pasiones se desencadenaban en la pantalla dando origen al nimaime (segundo), personaje de contraste con el tateyaku que, sin embargo, continuaba en línea paralela con el esquema clásico del galán hollywoodense. El nimaime se reconocía por ser atractivo, noble y frágil, no necesariamente inteligente u osado, pero siempre dispuesto a morir por amor. Después del boom del nimaime como personaje principal, que culminó en los años 20 causado por los contenidos repetitivos, llegó el shingeki (drama moderno), que contaba con influencia occidental y toques de realismo. Todavía en el año 1916, las aportaciones tecnológicas a la cinematografía por parte del cine japonés eran inexistentes, mas fue en esta época que un grupo de cineastas con Kaeriyama Norimasa a la cabeza comenzaron a crear producciones que logaron alcanzar un momento cinematográfico cumbre, alrededor de los años 20. Esta etapa se caracterizó por utilizar la técnica naturalista además de incorporar a la mujer a las pan- principales del jidai-geki eran las tallas. espadas, elaboradas luchas entre samuráis y los encuentros por De esta man- honor, dentro de los primeros y era comenzaron más importantes directores este a producirse los género se encuentran Makino filmes pertene- Masahiro y Futagawa Buntarô. cientes al jidaigeki, películas Posterior al jidai-geki nació situadas en el el gendai-geki, cintas situadas período anterior a partir de 1868, es decir, tras a la Era Meiji, el final de la era Meiji. El direcque avasallaron tor más prolífico de este género por completo los y mejor conocido en occidente filmes de estilo no es otro que Kenji Mizoguchi, occidental que quien contaba con una fuerte inse producían. fluencia del cine alemán. Los elementos
Con la llegada de la guerra apareció una corriente vanguardista de cineastas que retrataban, a través de sus filmes, una visión universal de la sociedad, basándose por completo en la observación naturalista de las costumbres japonesas. Fue entonces que brotaron estrellas como Yasujiro Ozu, quien con sus filmes estilo shôshimin, (dramas en torno a la pequeña burguesía) proyectó, de forma quizá involuntaria, una visión cosmopolita del Japón decadente de la posguerra. Asimismo se dio a conocer, aunque de forma un tanto velada, la obra de Teino-
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suke Kinugasa, cuya cinta Carreteras cruzadas (1928), contó con amplia difusión en Europa. El cine japonés estaba mutando, pero los gustos eran tan variados y las necesidades de consumo tan amplias que pronto nacieron, de forma casi obligada, los géneros que envolverían al cine japonés en un estereotipo del
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que no ha logrado librarse hasta tores pinku-eiga, cintas de corte el día de hoy. erótico, entre otros. Éste último, producto de la enorme demanda, Además de los géneros men- fue el género que más directores cionados aparecieron las seis- le ha otorgado al cine puesto hun-eiga, películas con temáticas que muchos de los mejores juveniles; haha-mono, cintas con directores de la actualidad se las madres como figura principal; iniciaron filmando pinku-eiga kaiju-eiga, cintas de monstru- como una forma de producir y os, el género creador de direc- aprender al mismo tiempo. Ello produjo una nueva oleada de cineastas capaces de crear obras a bajo costo proyectando nuevas visiones, ya no de una renovada cinematografía japonesa; sino, de un Japón completamente divergente, en el que las tradiciones, los monstruos e incluso el amor adquieren nuevos y más sutiles significados. Puede ser que, como señalan algunos especialistas, no estemos frente
a una nueva época del cine japonés, por el contrario, estamos iniciando la exploración a un cine viejo que como el resto de la cinematografía a mutado a su tiempo siguiendo su contexto, solamente que es hasta fechas recientes que el mundo lleva su atención hacia el cine de esta nación. En la actualidad nombres como el Akira Kurosawa, Yasujiro Ozu o Nagisa Oshima son reconocidos a nivel internacional y sus filmes, obras maestras de la cinematografía, representan aún una innovación a las técnicas argumentales y fílmicas, basta recordar la iluminación de cintas como Rashomon, para saber que hablamos indudablemente de genios cinematográficos. Más recientemente nacieron figuras como Takeshi Miike, amo y señor
del gore; Hirokazu Korêda, famoso por su cinta Kûki Ningyô (2009); Shion Sono y sus cintas naturalistas o el gran Kiyoshi Kurosawa, referente imprescindible del cine de terror y ficción. Igualmente aparecieron personajes como Hideo Nakata, director de Ringu, o Kôiji Shiraishi, famoso por cintas como Carved y Noroi. Sin embargo, pese a que gracias a la propagación del án-
ime y el manga el cine japonés está llegando a más países, lo cierto es que aquello que observamos no es sino un trozo diminuto de una prolífica industria que cuenta con una historia compleja de renovaciones constantes, contrastadas con una paradójica crisis argumental de estancamiento y nociones repetidas de las mismas fórmulas remasterizadas.
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PUNTO DE VISTA
N at u r a l i s m o japonés
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Por Azucena Mecalco
A
la par de la popularización del ánime y el manga, la divulgación del cine japonés se incrementó. Al mismo tiempo, como si las estrellas se alinearan, los filmes de directores como Takashi Miiike, Takeshi Kitano o Hirokazu Koreeda finalmente comenzaron a llamar la atención de las audiencias a través de festivales internacionales como el Festival Internacional de Cine de Berlín o el Festival de Cannes, sólo por mencionar los más populares. Los reflectores internacionales posaron sus ojos sobre Japón y la controversia surgió.
tria hollywoodense una visión refrescante, que se contraponía a la carencia argumental en la que se encuentra estancada desde hace años; por otra parte, la falta de identificación con los patrones utilizados en las cintas hizo aparecer una serie de teorías sobre la pérdida de identidad del japonés, la contaminación cultural y la globalización creciente.
La globalización es tema de nunca acabar, aunque carente de nombre, ha existido desde épocas remotas y continuará su avance, la única diferencia es que en la actualidad existen muchas Por una parte los argumen- más facilidades para fomentar la tos utilizados por los cineastas multiculturalidad y con ello la japoneses contemporáneos le pérdida de las tradiciones como brindaba a la ya gastada indus- se conocían en un principio. Sin
embargo, ¿será que realmente se pierde la identidad?, ¿acaso no nos han enseñado que la diversidad de pensamientos y recursos enriquecen la vida de las personas y las naciones? Ciertamente existe un desfase ideológico entre el concepto la “identidad” y el uso que se le da a esta palabra. Entre las múltiples acepciones del concepto se encuentra la que lo define como un “conjunto de rasgos propios de un individuo o de una colectividad que los caracterizan frente a los demás”. Desde esta perspectiva la tan mencionada idea de la “pérdida de identidad” se desvanece por completo. Si la identidad es una serie de rasgos que componen a un individuo,
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blaba de la pérdida de identidad posguerra, la autentificación de las tradiciones y la escasa apreciación de los padres por parte de los hijos. Hoy en día, las quejas continúan siendo las mismas, Si echamos una mirada al lo único que ha cambiado es el pasado, veremos que ya en contexto. Mientras que Ozu, en los filmes del gran Ozu, se ha- su mítica Ohayô hacia una severa es lógico que éste los adquiera mientras se desenvuelve en un contexto, por lo tanto la “pérdida de identidad” se resume en “adquisición de identidad”.
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reflexión sobre la introducción de las nuevas tecnologías (televisión) en una sociedad en la que las palabras, más que comunicar, resultaban parte de un protocolo establecido para interactuar con los demás sin que éstas acercaran realmente a las personas, en años resientes el amo del terror Kiyoshi Kurosawa desarrolló una cinta con temática similar, “somos como puntos en un sistema, estamos todos solos”, decía uno de sus personajes en la memorable Pulse, en donde nuevamente las tecnología (esta vez los computadores), dejaba al descubierto la escasa comunicación que existe entre las personas, en una época en donde la cercanía resulta paradójica. Estamos todos conectados, mas nos alejamos irremediablemente. Por otra parte, David Desser mencionaba que “la identidad es una función de relaciones, una tensión entre uno mismo y su yo interno en interacción con los demás”, por lo tanto la mutación de intereses, reflejada ampliamente en el cine japonés, sobre todo en cintas de terror, en donde el fantasma ha decidido hacer uso de teléfonos (Una llamada pérdida, Takashi Miike, 2003), video casetes (Ringu, Hideo Nakata, 1998), computadoras (Pulse, Kiyoshi Kurosawa, 2001), y otra serie de artefactos,
obedece por completo a la necesidad de hacer que el público se identifique con los filmes y el universo que en ellos se crea. Sin embargo, los miedos, las quejas, y las emociones en general continúan siendo los mismos. Como bien lo decía Jun Ichikawa, “la tecnología cambia, las emociones no”.
japoneses contemporáneos, tal como González Iñárritu o Amat Escalante han decidido utilizar el cine como una vía para denunciar su inconformidad frente a las nuevas formas de vida, en todo el mundo el naturalismo cinematográfico ha hecho presa de la industria mostrando historias descarnadas y, hasta cierto punto, exageradas, que plasman Así mismo, cada vez es más el lado más sórdido de las emofrecuente ver el latente natura- ciones humanas, Wong Kar-Wai lismo en las cintas de cineastas en China, Kim Ki-Duk en Corea
o Gaspar Noé con sus trabajos en Francia son sólo algunos ejemplos de la mutación general de las tendencias cinematográficas mundiales. Es en este apartado en donde surgen los nombres de personajes como Shion Sono, quien podría encabezar la lista de cineastas naturalistas. De esta manera, el cine nos vuelve a mostrar que las sociedades no pierden personalidad, simplemente mutan para adaptarse a las nuevas necesidades, si éstas son o no creadas o inoculadas eso ya es otro tema, la realidad es que las leyes de la física dicen que siempre nos encontramos en movimiento y por ello es imposible parar la evolución en cualquier sentido, sea para bien o para mal.
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MAESTROS DEL TERROR
Gore japonés
el lado inquietante del cine Por: Ettel Alvarado
“…Y sin embargo el corazón estalla repentinamente, y los cuerpos vuelan en pedazos sueltos, y la sangre se sorprende de verse libre…”, dice Bradbury en alguna par-
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te de su novela Fahrenheit 451, y pareciera que de manera no planeada, pero muy atinada, intentaba dar una descripción general de una escena cualquiera de las películas de Noburo Igu-
chi, sí, ese director japonés que junto con varios colegas están revolucionando el cine nipón, y es que no hay lugar para la duda cuando se dice que Japón es uno de los países que cuenta
con la más variada producción fílmica del género gore, con el uso de los efectos especiales enormemente detallados, la violencia gráficamente explícita, los delirantes títulos de sus películas, mezclas raras de ciencia ficción y comedia absurda. Iguchi conocido por sus producciones exageradas que combinan la acción, el terror, comedia negra y por supuesto el gore, ha ofrecido al mundo del cine, cintas como Kataude mashin gâru (The Machine Girl, 2008), que cuenta la historia de Ami, una jovencita que se enfrenta a La yakuza –y si el lector es curioso sabrá que la yakuza es el equivalente del crimen organizado, es decir, una mafia japonesa– por haber matado a su hermano y amigo, en un primer enfrentamiento contra el clan de ninjas yakuza, Ami pierde el brazo, por lo cual se refugia en casa de los padres de su amigo fallecido, éstos, a su vez, son unos habilidosos mecánicos que le construyen una prótesis para su brazo
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que consiste en una súper arma de fuego con la cual encarará nuevamente a los yakuza buscando venganza. Entre los filmes producidos por Iguchi, e ncont r a mos también la quimérica Robogeisha (2009), dos hermanas geishas son abducidas por un fabricante de acero llamado Kageno, que intentará transformarlas en dos muy dispuestas asesinas. En la mayoría de las veces, el gore suele tener una estructura formal rudimentaria, las secuencias de muertes absurdas se convierten en el clima del filme, las escenas de mutilación están enlazadas por alguna excusa argumental; argumentos que la mayoría de las ocasiones son poco desarrollables y es que en el gore, lo que importa es la sangre, litros y litros de ella.
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Dentro de las mentes maestras del gore japonés, hallamos al artista de efectos y maquillista del terror Yoshihiro Nishimura, que desde sus sueños (su principal inspiración según él), nos ofrece la extravagante, sangrienta, perversa y rara cinta Tôkyô zankoku keisatsu (Tokyo Gore Police, 2008) que ya su nombre nos adelanta bastante de lo que se va a tratar, un Tokio ambientado en un futuro caótico, las personas están mutando a consecuencia de un virus inventado por un científico loco (claro, no podía faltar esta figura tan entrañable y recurrente dentro del cine), el virus convierte a las personas en “Ingenieros”, criaturas capaces de crear armas donde antes había una herida o lesión, la policía de Tokio es la encargada de aca-
bar con estas monstruosidades, la principal cazadora se llama Ruka, ella irá tras la persona que está generando las mutaciones, y obviamente en esta persecución la sangre se mostrará como figura ornamental principal y apocalíptica. Esta obra nos muestra una decoración extrema, carne, sangre y vísceras, se pone a lo grotesco en primer plano, hay bastante movimiento de cámara, los colores son vivos aunque en ciertas partes del filme la iluminación parece plana, imágenes que nos muestran las más novedosas maneras de morir y causar daño. La épica Vampire Girl vs Frankestein Girl (2009), también de Nishimura, muestra un guion más simple, la historia de una ca la decadencia del cuerpo, la pelea por un amor, el gran acier- corrupción de la muerte, enseña la maleabilidad de la carne humana, dejando al hombre como simple materia intrascendente, sin pretender entrar demasiado en el argumento, la película cuenta la historia de Kakihara un yakuza psicópata sado-masoquista que busca a Anjo, su jefe desaparecido, en su incansable to de esta producción es la mu- búsqueda tortura a un miembro sicalización que logra contrastes del clan rival. Frente a una obra bien equilibrados con las imáge- como esta no se puede estar innes que se muestran, logrando diferente, es de un alcance largo que el contenido no llegue a sa- y profundo por lo que se puede turar al espectador. observar en la pantalla, las consY si de prodigios japoneses se trata, resulta obligado hablar del prolífico Takashi Miike, es preciso mencionar que dentro de su carrera ha dirigido decenas de películas de todos los géneros, la que aquí nos concierne es una en específico, Ichi the Killer (2001), posiblemente uno de los mayores baños de sangre de la historia del cine. Esta película es una adaptación de un manga en 10 volúmenes de Hideo Yamamoto, el filme muestra una extrema violencia y sadismo, ejemplifi-
trucciones de imágenes sanguinolentas y crudas la hacen aún más terrorífica. Todas estas muestras de cine extremo nos brindan un panorama más amplio acerca de la constante evolución de la cinematografía japonesa, inclusive podemos llegar a decir que compite con la ola de películas de occidente, Japón cuenta con una industria fílmica capaz de avanzar al nivel de la tecnología de la época, como en todos los géneros, la fórmula del gore suele desgastarse al paso del tiempo y la misión de estas mentes maestras será encontrar en el lenguaje de la sangre el camino ideal para ir redescubriendo el género.
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LA CAJA DE PANDORA
El viaje de Toshiro Por REDRUM
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ace 400 años en las costas del puerto de Acapulco, desembarcó un hombre con aspecto exótico, vestía una especie de falda, un saco largo, dos espadas a la cintura y una coleta. Se trataba de Tsunenaga Hasekura, vasallo de Masamune Date, señor feudal de Sendai, Japón. Primer samurái visto en México. La razón del viaje de Hasekura a costas mexicanas era el establecimiento de un intercambio comercial entre Japón y Nueva España; 180 personas zarparon del puerto Tsukinoura acompañando a Hasekura en el barco San Juan Bautista en 1613. Hasekura y compañía cruzaron el territorio nacional hasta el puerto de Veracruz dónde zarparon para Europa. La epopeya de Hasekura duró siete años y llegó hasta Roma, sin embargo, para cuando el samurái regresó
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a su lugar de origen, Japón había de su nuevo proyecto, la película cerrado sus fronteras a occiden- Ánimas Trujano (1962). te y los intercambios comerciales se disolvieron. Ismael Rodríguez, realizador de importantes películas como Siglos más tarde de la misión Los hermanos del hierro (1961), Hasekura, a finales del mes de Pepe el toro (1952), Tizoc (1956), abril y principios de mayo de Nosotros lo pobres (1947) por ci1961, un samurái bajó de las tar algunas, había quedado enpantallas de plata orientales y cantado por la actuación de Miaterrizó en la ciudad de México; fune en la cinta El hombre del su misión: interpretar un borra- carrito (1958) del director nipón cho, jugador, supersticioso, vago Hiroshi Inagaki y de inmediato y megalómano indio zapoteca. pensó en el actor para el papel Su viaje no había durado más de principal. 11 horas. Rodríguez estaba en busca de Toshiro Mifune, actor-ícono su próximo trabajo como realisamurái de las cintas de Akira zador; tiempo antes de firmar a Kurosawa, estaba en el país gra- Toshiro, consultó al escritor Juan cias a el gran dispendio de recur- Rulfo para que le proporcionara sos de Ismael Rodríguez, que, a algún buen argumento, empero consejo del acaudalado produc- el escritor dijo: tor Gregorio Walerstein, voló -no, ahorita nada: pero te voy hasta el Japón para firmar a Mi- a prestar dos libros1. fune con el propósito de que in- 1 García Riera, Emilio. Historia Documenterpretara al personaje principal tal del Cine Mexicano. Tomo.11. 2da. Edición, p. 67.
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Los libros fueron Tomochic y La mayordomía de los escritores Heriberto Frías y Rogelio Barriga Rivas, respectivamente. Al final Rodríguez se decidió por el último, el personaje central Ánimas Trujano le pareció terriblemente negativo al punto de causarle risa, por lo que se lo mencionó a Walesrtein que contesto sin preocupación alguna: -Oye Ismael, ¿Pues qué te pasa?, mira quítate de cosas, tomas un avión y estás allá en once horas.
Así fue como Ismael emprendió el viaje hacia el oriente con la misión de traer a Toshiro Mifune para su filme. La estancia del director en el país nipón duró cinco semanas, debido a que la productora cinematográfica Toho no permitió el encuentro del actor con Rodríguez hasta que no se firmara el contrato. Una vez acordados los términos con la productora se hizo el contacto. “Toshiro es muy disciplinado, como actor es lo máximo, su profesionalismo y humil-
dad son impresionantes: nunca consintió sentarse en la mesa y que le sirvieran, sino que hacía cola con todos los miembros del staff” declararía Rodríguez acerca de su trabajo con Mifune. Toshiro no hablaba inglés, mas el realizador mexicano se valió de Luis Kasuga, estudiante mexicano en Japón para comunicarse, no obstante el reto sería cómo conseguir que Mifune actuara en español, en un principio se acordó que el actor diría sus párrafos en japonés para después doblarlo en español. Pero, el impedimento del idioma se solucionó por medio del actor de doblaje Narciso Busquets, que imitó el timbre del actor japonés para insertar los diálogos en la cinta. Sin embargo, el director mexicano comenta que días antes de la llegada de Mifune a México, Luis Kasuga le informó sobre una sorpresa por parte del actor japonés. Toshiro, había aprendido todas sus líneas en español, empero con un acento horrible. Ánimas Trujano, relata la historia de una indio za-
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poteca mediocre con problemas de grandeza, por lo que la única solución para que el pueblo lo tome en cuenta y le aprecie es ser mayordomo. Ser mayordomo connotaba prosperidad económica y un lugar importante en los festejos de la mayordomía del pueblo, pues él costea los gastos de la fiesta.
riamente in situ la disposición de elementos dentro de la toma se notan limpias, con un excelente trabajo de composición.
Por otra parte, la actuación de Mifune resultó extravagante, la fisonomía del actor se adecuaba con las de los indios zapotecas, pero los ademanes trasladan a las películas samuráis de KuroNo obstante, Ánimas se pasa sawa, por lo que resultaba un el tiempo bebiendo y apostando, poco risible. mientras que su mujer e hijos trabajan. Para cuando Ánimas La película se estrenó el 18 de consigue su propósito, se da enero de 1962 en los cines Rocuenta que de igual forma nadie ble y Ariel con cinco semanas lo toma en cuenta por lo que de- en exhibición. Fue nominada a cide sacrificar su libertad para los premios Óscar y los Golden proteger a su mujer. Globes en la categoría de Mejor película extranjera. Ganó el La película se rodó en la sie- Silver Globe por Mejor pelícurra oaxaqueña, con la magnífica la extranjera, Mejor actor (Tofotografía de Gabriel Figueroa y shiro Mifune) en los premios el estupendo trabajo de esceno- Blue Ribbon y Mejor película en grafía de Edward Fitzgerald, y si los San Francisco Internacional bien la cinta se grabó mayorita- Film Festival.
FICHA TÉCNICA Ánimas Trujano Director: Ismael Rodríguez. Duración: 100 min. Guión: Ismael Rodríguez, Ricardo Garibay sobre la novela La mayordomía de Rogelio Barriga Rivas. Fotografía: Gabriel Figueroa Música: Raúl Lavista, sobre motivos populares con el coro Xochiquétzal. Escenografía: Edward Fitzgerald. Edición: Jorge Bustos. Reparto: Toshirô Mifune (Ánimas Trujano) / Columba Domínguez (Juana) / Flor Silvestre (Catalina) / Pepe Romay (Pedrito) / Titina Romay (Dorotea) / Amado Zumaya (Compadre)/ José Chávez (Brujo) / Luis Aragón (Tendero)
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TOP FIVE
TESOROS DE LA Por @AMAURY1984
E
l ánime de hoy ya no es lo que era, ya no es lo que era, ya no es lo que era... Se ha vuelto un panfleto de conflictos románticos de púberes. Cientos y cientos de uniformes escolares llenados con los personajes estériles y desagradables, en el mejor de los casos. Si no es que los personajes carecen de personalidad alguna y de vez en cuando de definición sexual. Hace algunos días de este 2014 el gran realizador japonés Hayao Miyazaki, entrevistado por la web Golden Times, detectaba un serio problema en el manga y ánime producido en Japón, decía mientras dibujaba: «¿Sabes?, que puedas dibujar o no, ser capaz de crear diseños como este, depende de si se pueden decir a ustedes mismos: Oh, sí, en la vida real existen chicas como esta (...)” Si no pasas observando gente real, no podrás hacer esto, porque no has visto gente real. (...) Algunas personas se pasan la vida viendo por ellos mismos. Casi toda la animación japonesa se realiza sin echar un ojo al mundo. Está producida por sujetos que no soportan el contacto social. (...) ¡Y es porque la industria esta llena de OTAKUS!» Y analizando el contenido a mi alcance no dejo de añorar los días jóvenes de Gainax y Neon Genesis Evangelion o de producciones que proponían a la audiencia guiones de calidad cinematográfica envidiables. Hoy día los refritos están de moda, los mal hechos. El rellenar y rellenar el argumento de las series con MILES de capítulos sin sentido con el único fin de mantener el producto a la vista del consumidor. Este Top 5 pretende, más que recomendar las cinco mejores películas de ánime, recordar lo agresiva, creativa y retadora que solía ser la industria que generó millones de fanáticos al rededor del mundo y que hoy día, a decir de Miyazaki, cayó víctima de los éstos.
5. Paprika パプリカ (2006 Satoshi Kon) Gracias a la terapia de aparición de sueños lúcidos, la joven
psiquiatra Atsuko Chiba trata a algunos pacientes adentrándose en aquellas imágenes de sus sueños que podrían estar causando un problema. A pesar de aún ser un método experimental, fuera del radar del gobierno y los medios de comunicación, la Dra. Chiba se adentra en las mentes por medio de su Alter-ego, Paprika. Cierto día desaparecen de las instalaciones del investigador en jefe, el Dr. Tokita, tres de los dispositivos aún en una etapa de desarrollo que permite entrar en la mente de cualquier persona. Con el fin de conocer el paradero de los dispositivos y la identidad del ladrón Paprika se adentra en búsqueda de pistas.
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A ANIMACIÓN 4. Kôkaku Kidôtai 攻殻機動隊 (1995 Mamoru Oshii) Considerada
las obra más grande de cyberpunk de animación, es mejor conocida por el mundo como Ghost in the Shell. El director Mamoru Oshii tomó el manga originalmente creado por Masamune Shirow para presentar la historia de Motoko Kusanagi una cyborg policía conectada a la red que está detrás de los pasos del delincuente virtual conocido como el Puppet Master, perverso personaje que se hace del control de los seres humanos conectados a la red. Aunque son múltiples la secuelas, series y videojuegos la película original se mantiene como el ícono que es.
3.Akira アキラ (1988 Katsuhiro Ohtomo) La gran película causó tanto revuelo que logró llegar a occidente con una excelente distribución. Al terminar la Tercera Guerra Mundial las ciudades del mundo se levantan encima de la destrucción. A pesar de que millones de personas murieron; los problemas sociales como el desempleo, el hambre y la delincuencia están peor que nunca. En tanto el gobierno represor y autoritario hace de su población lo que desea. En la Nueva Tokio, Kaneda y Tetsuo viven compitiendo con pandillas de motociclistas; hasta que un día, un accidente cambia a Tetsuo y lo envuelve en un perverso proyecto gubernamental que terminará por cambiarlo para siempre. En su tiempo, Akira fue para el mundo de la animación japonesa lo que para la animación norteamericana implicó llevar el clásico cómic Heavy Metal a la pantalla grande.
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2.Steamboy スチームボーイ(2004 Katsuhiro Ohtomo) Allá, por la mitad de los 1800, un inventor y su padre se
encuentran realizando experimentos con el vapor como energía. Gracias a su trabajo se encuentra la forma de construir un dispositivo capaz de albergar un poder casi ilimitado, lo que facilitaría y abarataría la producción de energía. Lamentablemente la compañía para la que trabajan se rehúsa a que su descubrimiento vea la luz y sabotean uno de sus experimentos. El joven inventor muere pero su padre esconde el invento enviándolo a las manos de su pequeño nieto, con el fin de que “La esfera de vapor” se aleje de las manos de la comparación O’Hara. Steamboy es el producto de 10 años de arduo trabajo en manos del departamento de arte que fue sumamente presionado por el director para entregar paisajes y personajes muy detallados, al grado de mostrar en pantalla detalles tan pensados como la textura en las rocas o todo lo que estaría de fondo en una escena determinada.
Tonari no Totoro となりのトトロ (1988 Hayao Miyazaki) Ya sé qué deben de estar pensando: “¡Pero si este top debería ser un catálogo de puras de
Miyazaki!” Sí, pero prefiero sólo incluir la que a mi gusto es la mejor. La historia gira entorno a las dos hijas de un joven profesor que tiene que vivir en el Japón rural hasta que su esposa se recupere de una grave enfermedad. Al llegar a la pequeña casa de campo, la niña más pequeña empieza a percibir en la casa curiosas entidades que le juegan algunas bromas. Así la pequeña decide seguir a estas entidades espirituales para encontrar al espíritu del bosque, Totoro. Fuera de algunos países de Europa y Asia, Totoro no gozó de buena distribución internacional hasta que empezó la Miyazakimanía que dio inicio con el estreno de Sen to Chihiro no kamikakushi. Entonces todo mundo conoció de dónde había salido el pachoncito mapache en el logo de Studio Ghibli.
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EN CARTELERA
Por Estefania Hipólito
EXTRAÑAS APARICIONES 2 B ajo la premisa de estar basada en una historia real Extrañas apariciones 2, no es la secuela de su predecesora,
es una película de terror, sobre una casa embrujada y posesiones fantasmales de una niña. Una familia decide mudarse a Georgia y ocupa una vieja casa, todo parece ir bien hasta que la hija del matrimonio comienza a tener terroríficas apariciones de fantasmas, además de que intentaran adueñarse de su cuerpo. Al parecer los espíritus provienen de esclavos negros, las cosas comienzan a empeorar cuando la familia se entera de que la casa era utilizada para ayudar a escapar a los esclavos y que la persona que era dueña de la casa murió de una forma horrible, aunque la pequeña niña está convencida de hay algo más. Título: Extrañas apariciones 2 Tiíulo original: The Haunting in Connecticut 2: Ghost in Georgia País: USA Director: Tom Elkins
NOE
Ajol Hollywood, puro estilo de las superproducciones bíblicas del viecomo Los Diez Mandamientos, la pelícu-
la Noé revivirá la historia del Arca de Noé y con ayuda de los efectos especiales promete llevarnos al centro del diluvio, aunque con una nueva perspectiva. Noe (Russell Crowe) recibirá la orden de Dios para construir un arca donde deberá llevar a un par de cada especie de seres vivientes de la tierra. Junto con su familia se dará a la tarea de construirla antes de que el gran diluvio termine con ellos, pero deberá de enfrentarse a un grupo numeroso de hombres que han decidido adueñarse del arca. Es la segunda vez que Russell Crowe y Jennifer Connelly actúan juntos en un papel protagónico la primera vez fue en Una mente brillante, en el reparto también encontramos a Emma Watson y Anthony Hopkins. Título: Noé Titulo original: Noah País: USA Director: Darren Aronofsky
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EN CARTELERA DIVERGENTE
Ddivididos ivergente retrata un futuro donde los seres humanos son en grupos según las características que poseen, las cuales son determinadas por algunas pruebas a las que son sometidos.
Beatrice (Shailene Woodley) vive en una sociedad dividida por cinco categorías Verdad, Abnegación, Osadía, Cordialidad y Erudición. A los dieciséis años descubrirá que es diferente a los demás ya que puede controlar su miedos y hacer frente a ellos, lo cual no permitirá que sea parte de ninguna de las categorías, aunque si será catalogada como una divergente una especie que amenaza a la sociedad, por esta razón decidirá ir a Osadia, un lugar donde los diferentes se preparan para luchar y romper las reglas de una sociedad que los aprisiona. Divergente es una película basada en el libro del mismo nombre de la escritora Veronica Roth y dirigida por Neil Buger, realizador del título El ilusionista. Título: Divergente Titulo original: Divergent País: USA Director: Neil Burger
CAPITÁN AMÉRICA: EL SOLDADO DEL INVIERNO Capitán
Ameéica: El soldado del invierno, es la secuela de primera parte y se ubica después de los hechos ocurridos en la película de Los vengadores. Steve Roger (Chris Evans), mejor conocido como el Capitan America , después de su última batalla en Nueva York intentara acoplarse a la vida moderna viviendo en Whashington DC, pero se encontrara renuente con la forma de operar de S.H.I.E.L.D.; sin embargo se verá involucrado en una serie de intrigas y descubrirá una conspiración por lo que unirá fuerzas con Black Window (Scarlett Johansson) y Falcon (Anthony Mackie), además tendrá que enfrentarse con alguien que nunca imaginó. Chris Evans anteriormente interpreto a Human Torch otro superhéroe del Universo Marvel, en esta ocasión regresa por segunda ocasión como el Capitán América, además Anthony Mackie interpretara al primer superhéroe afro-americano. Titulo original: Captain America: The Winter Soldier País: USA Director: Anthony y Joe Ruso
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