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Editorial
Vivimos en un mundo de estereotipos. Encasillamos a la vida misma por un par de características preconcebidas en nues-
tro cerebro. No es de extrañarse, somos individuos de miras cortas que analizan todo con respecto a una perspectiva única e individual, aunque a veces sometida por los esquemas de la colectividad. Personas, películas, literatura, todo cabe para nosotros en un diminuto cuadro de tipologías, siendo así era de esperarse que los países no se libraran de este yugo al que los condenamos al amoldarlos de acuerdo con una característica predominante. Así los mexicanos son los machos soeces de sombrero, los colombianos los narcos, los árabes terroristas, y si seguimos los parámetros del cine estadounidense a ellos les toca el papel de salvadores, y, ¿los franceses?, a ellos no les va tan mal, puesto que siempre les ha tocado ser los románticos. Sí, Francia es la tierra del romance eterno, de los Campos Elíseos, la torre Eiffel, del Louvre y las góndolas, ah no, esa es Italia… Sin embargo, lejos de toda la parafernalia mercadológica e idealista que se ha tejido en torno a Francia, o cualquier otro país, existe una visión distinta, un contexto del que sólo son parte quienes viven dentro de él y que algunos directores han intentado plasmar a través de historias, sound tracks, animaciones y demás recursos cinematográficos y reflexivos que conduzcan a un entendimiento mucho más amplio de un país que como todos se encuentra lleno de contrastes, porque ya lo sabemos todos, no puede existir el Dr. Jekyll sin su propio Mr. Hyde...
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Contenido
En portada: Brigitte Bardot
El cine también se escucha La môme 2 La mente maestra: Michel Gondry 10 Tesoros Fílmicos: El planeta salvaje 6
Para conocer: La torre de Babel francesa 20
Había una vez: La identidad y el contraste del cine francés 14
Además Super 8 Número 29
Editor: Azucena Mecalco Redactores: @AMAURY1984, Ettel Alvarado, Jorge Alonso Espíritu, Estefania Hipólito Arte y Diseño: Azucena Mecalco México Distrito Federal 15 de abril de 2014
Divas del cine: Brigitte Bardot 25 Top Five: Los mejores sound tracks del cine francés 30 En cartelera 32
EL CINE TAMBIÉN SE ESCUCHA
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La môme: la vie en rose «Car ma vie, car me joies, aujourd’hui ça commence avec toi...» Por Azucena Mecalco
«Quand il me prend dans ses bras, il me parle tout bas, je vois la vie en rose...»
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a biopics son un género bastante utilizado en el cine. No es un fenómeno extraño, sobre todo si tenemos en cuenta las facilidades que brinda tomar la vida de un personaje famoso y trasladarla a la pantalla. En primer lugar la audiencia estará garantizada, por lo menos con los fanáticos del personaje en cuestión. En segundo lugar se ahorran la molestia de conseguir un guión netamente original. No todas las películas de este tipo son bien recibidas por el pú-
blico. El tema de las adaptaciones es un debate de nunca acabar y el público, en su mayoría, espera encontrarse, no con una versión realista de las historias, sino con la versión que ellos mismos han generado en sus cabezas. Sin embargo, existen cintas que logran cumplir las expectativas del público al que van dirigidas y, mejor aún, atrapan inclusive al público que desconoce al personaje y lo adentran en el mundo de éste, llegando incluso a conseguirle nuevos adeptos. Dentro de la producción fílmica del cine francés existe una cinta que cumplió con esta última característica, y no sólo alcanzó una enorme popularidad; sino que catapultó a la protagonista del filme a la fama, al mismo tiempo que consolidó a una ya afamada cantante francesa como figura mítica de la cultura popular: La Môme, conocida en los países de habla hispana como La vie en rose.
Esta película, dirigida por Olivier Dahan, narra la trágica historia de Édith Giovanna Gassion, conocida en el mundo con el mote de Edith Piaf. La trama se centra en mostrar a grandes rasgos los diferentes periodos en la vida de la artista francesa. Todo comienza con la escena de un concierto en Nueva York, 1959, en donde una ya desgastada Edith Piaf intenta presentarse frente al público, la cantante interpreta una de sus canciones, en tanto afuera todo su staff se moviliza con un equipo médico. En pleno concierto la cantante se desvanece… Al instante siguiente la cámara nos transporta a las calles de París, Belleville en el año de 1918, donde la pequeña Edith llora mientras su madre, una mujer de clase baja, y más bajo concepto de la responsabilidad, canta en las calles para conseguir dinero. La madre de la pequeña obtiene
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lo que piensa es una increíble oportunidad para obtener fama y dinero, por lo que decide abandonar a su pequeña hija y marcharse en busca de sus sueños. A partir de ese momento Edith deambula en todos los ámbitos, desde el prostíbulo de su abuela, en donde se encariñó profundamente con las chicas del tugurio, quienes la cuidaban como si de una hija se tratase, hasta los circos ambulantes donde su padre, contorsionista callejero, la llevaba a trabajar, y en donde descubrió que contaba con un talento nato para la música, todo antes de que un hombre de la ciudad la descubriera y le brindara su primera oportunidad para alcanzar la fama. La vida de Edith Piaf es una dramática historia de contrastes, su infancia, adolescencia y ascenso a la popularidad del snob mundo musical internacional del siglo pasado, sus romances sentimentalmente infructuosos, amistad con grandes estrellas y escándalos son elementos que logran cautivar al público y generar un tremendo grado de empatía. Su vida fue una búsqueda eterna para librarse de la insatisfacción, la tristeza, la nostalgia y la estigmatización de poseer un talento único e inigualable, elemento que la hizo llegar a creer que ella, en su totalidad, no era nada sin su capacidad musical. La historia de Edith Piaf estuvo llena de altibajos, de pobreza, desamor y remordimientos, que logró canalizar únicamente a través de su voz y el magnetismo que ésta ejercía sobre las personas.
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Manipulada y manipuladora, arrogante, engreída y con un terrible complejo de inferioridad, Edith Piaf fue y sigue siendo un ícono de la cultura musical contemporánea. Sus diversas anécdotas, que no tuvo reparo en
Gracias a su actuación, la actriz se hizo merecedora al premio de Mejor actriz en los festivales de cine más importantes a nivel internacional, entre ellos los Óscares, Globos de oro, Premios BAFTA o el Premio del Sindicato de Actores. Desde luego el resto del elenco no se quedó atrás, incluso Gérard de Pardieu tuvo una destacada participación en el filme pese a la brevedad de ésta. El ritmo de la trama y el manejo de la fotografía, que estuvo a cargo de Tetsuo Nagata, conocido por su participación en filmes como Paris Je t´aime, le otorgan fluidez al filme, que pese a contar con más de dos horas de duración no se torna aburrido o pesado. En definitiva esta es una cinta bastante recomendable para aquellos seguidores de la Môme Piaf, de la música, las biopics, las historias de romance y drama o simplemente para quien quiere ver una historia interesante.
FICHA TÉCNICA
ocultar, no hicieron sino mitificarla y enaltecerla ante los ojos del público, y ello quedó perfectamente plasmado en el trabajo de Olivier Dahan. La cinta está narrada en tiempo sicológico más que lineal, y toma como hilo conductor los momentos más representativos
de la vida de la cantante acompañados siempre por sus canciones, lo cual le brinda a la trama un doble sentido estético. Y ni hablar de la actuación de Marion Cotillard, quien captó por completo la esencia del personaje y la plasmó con cada uno de sus gestos frente a la cámara.
Título: La Môme (La Vie en Rose) Director: Olivier Dahan Guión: Olivier Dahan, Isabelle Sobelman Música: Christopher Gunning Fotografía: Tetsuo Nagata Elenco: Marion Cotillard, Sylvie Testud, Pascal Greggory, Emmanuelle Seigner, Gérard Depardieu, Jean-Paul Rouve, Clotilde Courau, Jean-Pierre Martins, Catherine Allegret, Marc Barbe Duración: 140 min. País: Francia, República Checa, Reino Unido Año: 2007
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TESOROS FÍLMICOS
El planeta salvaje L
a animación como género cinematográfico brinda posibilidades inconmensurables. No sólo permite al autor/director escoger a los personajes directamente de los confines de su cerebro para llevarlos a las pantallas, sino que al mismo tiempo ayuda a materializar mundos que difícilmente podrían crearse sin la ayuda de presupuestos titánicos.
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brinda este género, todavía es nidad fílmica debido a la muy Sin embargo, y pese a las menospreciado en muchos paí- gastada idea de que los dibujos enormes oportunidades que ses y dentro de la misma comu- suelen ser para niños.
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No ha bastado con que personajes como Hayao Miyazaki o Juan Padrón se aventuren a llevar historias con diversas perspectivas al cine por medio de la animación. Pues, aunque las películas como Nausicaä del Valle del viento, transmiten mensajes profundos que satisfacen a niños y adultos por igual, la creación de cintas animadas todavía se encuentra marginada con respecto al cine convencional. Sin embargo, en el año de 1973, el cineasta francés René Laloux se aventuró a crear un filme de una envergadura impresionante para su tiempo, con un guión soberbio y un mensaje penetrante que removía las entrañas de la sociedad misma, el
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nombre del filme La planète sau- un pequeño que forma parte de vage (El planeta salvaje). la raza casi extinta de los oms (derivado del francés l´hommehombre), en un futuro en el que los draags, una raza de humanoides gigantes que ven a los diminutos oms como una estirpe de salvajes incivilizados que contaminan el mundo y son incapaces de aprender, doEl guión estuvo a cargo de minan el planeta Ygam. René Laloux y Roland Topor basado en Oms en Série, novela del El pequeño Terr es rescatado escritor francés Stefan Wul. por Tiva la hija de Sinh, maestro de los draags, luego de que La trama gira en torno a Terr unos pequeños draags, asesinen a su madre por accidente mientras juegan con ella.
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Tiva se compadece de Terr, y como muchos otros draags, lo toma como mascota obligándolo a obedecer por medio de un collar en su cuello. Mas la pequeña se encariña con el om y
comienza a mostrarle los secretos de los draags a través de una misteriosa diadema con la que éstos son educados. Pero los padres de Tiva, renuentes a la idea de que los oms puedan asimilar la información, le prohíben a Tiva mostrarle los secretos draags. Desesperado Terr escapa llevando consigo la diadema del conocimiento.
Es allí, en medio de desolados paisajes, donde conoce a los oms salvajes, quienes lo discriminan por su condición de om doméstico, por lo cual se verá obligado a encontrar una forma de comunicarse con ellos y hacerles entender que son iguales. Al mismo tiempo, los draags comienzan a creer que los oms son una amenaza pese a que éstos viven mucho más tiempo que ellos y cuentan con un nivel de desarrollo mucho más bajo. Así que deciden realizar una desomiza-
ción, lanzando gas venenoso con discos para eliminarlos. Sin embargo, Terr no está dispuesto a permitir que los draags eliminen a su especie del planeta, por lo que decide educar a los salvajes y reagruparlos para formar ejércitos que combatan para subsistir en Ygam. Esta es a grandes rasgos la historia de El planeta salvaje, un argumento que encierra una serie de enseñanzas acerca de la discriminación, adaptación, espiritualidad, convenciones sociales, prejuicios, falta de organización y cooperación y muchos otros temas englobados de forma amena e interesante. La idea de dejar de sobrevivir y comenzar a vivir se encuentra patente en el argumento. De forma simple el director encamina al público a hacer una reflexión sobre el lugar que ocupamos en un mundo en donde, por encima de la condición humana que poseemos, se alzan los tabúes, la intolerancia y la discriminación racial incluso dentro de individuos de la misma etnia.
vicisitudes del personaje principal. Sumado a ello se encuentra el nivel lingüístico que utilizó el director haciendo uso de juegos de palabras para dar vida a las razas y fenómenos dentro de la historia.
ma clásico en la creación de sus cintas usando lo menos posible las computadoras, han evolucionado hasta crear paisajes y personajes por demás estilizados y realistas. Mas ello no demerita el impresionante trabajo de esta La musicalización, que utiliza película, que sin importar que tintes nostálgicos y por compleDesde luego la animación no tan vieja sea continúa vigente en to desalentadores, sumada al for- resulta sorprendente en la época todos los sentidos. mato de narrador para explicar actual, sobre todo si tenemos en la cinta, logra una combinación cuenta que en los últimos años La película se encuentra disperfecta que ayuda a mantener incluso los estudios Ghibli, que ponible en internet y realmente al espectador sumergido en las abogan por mantener el siste- es un trabajo que vale la pena ver y compartir. FICHA TÉCNICA Título: La planète sauvage Dirección: René Laloux Guión: René Laloux y Roland Topor, basado en la Novela de Stefan Wul Música: Alain Goraguer Fotografía: Dick Elliot Elenco: Alain Goraguer, Dick Elliot País: Francia, Checoslovaquia Duración: 72 min
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LA MENTE MAESTRA
MICHEL GONDRY El genio visual de la industria
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engo la teoría de que Michel Gondry, sin una cámara a la mano, se habría convertido en un gran artista plástico. Pero no fue sí y se convirtió en todo un Director. Uno bastante peculiar de hecho, ya que su mejor trabajo nos lo brinda en probadas pequeñas.
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Por @AMAURY1984 Nacido en Versailles Francia, dentro de una familia ávida de saciar sus curiosidades, lo de diseñar y construir se le fue inculcando por un abuelo dedicado a la invención. Decidió dedicarse al cine a muy corta edad, según el, inspirado por el legendario Viaje a la luna de
George Méliés. Aunque suene un poco trillado Gondry explicó que la transmisión de las emociones que logró Méliés en aquel cortometraje era magnifica y lograda sin grandes o rebuscadas producciones. Otro punto del trabajo de Méliés que influyó en Gondry es la puesta en escena de la escenografía y los efectos especiales. En sus años de juventud Gondry no tenía grandes planes profesionales; había pasado la mayor parte de su temprana juventud dedicado a la batería, por lo que esperaba formar una banda o participar en una. Sin la certeza de algo, ingresó a una escuela de artes es París, ahí conoció al aficionado de la guitarra Ètienne Charry, ambos fundaron una banda de rock-pop que nombraron Oui Oui. En 1983 iniciaron con el proyecto de un álbum
Gondry para difundir el álbum. El director también participó realizando vídeos con otros artistas franceses como Les Objects y Original MC.
completo junto con el tecladista Gilles Chapat y el bajista Nicolas Dofournet. La banda se presentó en pequeños lugares de la capital francesa para financiar la producción del álbum. Gondry además tomó un trabajo en una agencia de publicidad en el área de creatividad, realmente de ese trabajo no salió nada realizado por él. A paso de tortuga la banda pudo sacar por fin un álbum completo en 1989 y junto con él una serie de coloridos y creativos videos que acompañaban varias de las canciones de la banda. Todos ellos visualizados por
Su salto a las grandes ligas del Rock llegó primero con el estadounidense Lenny Kravitz y su Odisea especial para la canción Believe; y más tarde con la islandesa Björk, posiblemente la relación mas fructífera y duradera entre un músico y un director de cine. Tras ver los videos de Oui Oui, Björk buscó Oui Oui no al director para que dirigiera un fue una proyecto video de su álbum solista Debut. duradero, la El resultado fue el mejor video banda decidió musical del álbum; en el que romper en 1992. Año en el que Björk, un cazador, un roedor, la mítica banda de Punk francés una polilla y un oso viven en Les Wampas le pidió realizara un pequeño planeta y cuando el video de la canción Comme se encuentran, la artista le sirve un ange. El video realizado en de merienda al oso; el oso mata celuloide blanco y negro, con al cazador y la polilla golpea un curiosas superposiciones de foco. diversos ángulos de los músicos, llamó la atención de un montón El video se volvió tan popular de artistas. Gondry se convirtió que cantantes como Belinda en 1992 en el artista videoclipero Carlisle, Sinéad O’Connor y al cuál contratar para estar de Stina Nordenstam buscaron a moda. Y no sólo en Francia, Gondry para ofrecerle colaborar bandas británicas como Inspiral en sus respectivos videos. Sinéad Carpets y el cantautor Thomas O’Connor específicamente Dolby se acercaron al director. pidió algo muy similar al video de Björk para su canción Fire on
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mágicamente el libro va escribiendo lo que va pasando en el momento, convirtiéndolo una gran biografía que lleva a la cantante vivir lo pasado dentro de lo presentado.
Babylon. En el que la cantante y una niña pequeña tienen el mismo rol en una especie de mundos paralelos metidos en casas vecinas. En 1995 Björk lanzó su álbum Post en el que nuevamente pidió a Gondry colaborar con los vídeos para las canciones Isobel y Army of Me. La primera inspiró un video en blanco y negro en el que personaje Isobel canta interpretando la canción en un piano que permite ver la historia; mientras que Army of Me es una viaje en un inmenso camión para sacar a un joven expuesto como obra en un museo. Y parece que Björk se convertiría en su amuleto para atraer el trabajo. Este mismo año los Rolling Stones le encargaron el video de su canción Like a rolling stone. Y en 1997 las bandas Daft Punk y los Foo Fighters también participarían para que Gondry acrecentara su portafolio de artistas. Björk regresó también en 1997 con su álbum Homogenic. Ahora serian dos vídeos las canciones que servirían de lienzo para el trabajo del director. En la canción Joga, vistas aéreas de paisajes son deformados por la música. Mientras que en Bachelorette, Gondry se luce de nueva cuenta con un video magistral de Björk que encuentra un libro enterrado en el bosque,
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retomar sutilmente el estilo que éste a lo largo del filme. Ese mismo año colaboró con la banda británica Radiohead haciendo el video de la canción Knives Out. Los Chemical Brothers también se acercaron con otra canción que consiguió un gran video. Star Guitar suena al ritmo de lo que como audiencia podemos ver a través de la ventana de un tren, las imágenes y el ritmo de los Chemical Brothers compaginan magistralmente haciendo de algo tan irrelevante como voltear a la ventana en un viaje, algo bello. No se ustedes pero yo desde que vi el video suelo poner la canción en mis viajes en carretera para ver si es chicle y pega. Curiosamente el trabajo de los Chemical Brothers nunca queda mal.
Durante 1998 y 1999 redujo la su producción de vídeos. Trabajó nuevamente para los Rolling Stones y realizó el video de la canción Let forever be de la banda Chemical Brothers. En dicho videoclip seguimos el día de una joven pelirroja; los visuales caleidoscópicos son toda una obra maestra que mezcla tomas estériles con simpáticos En 2002 Charlie Kaufman bailes que se van mezclando con había terminado un guión que la realidad. tenía trabajando años, Eternal Sunshine of the Spotless Mind. En 2000 el guionista y Decidió compartirlo con Gondry escritor estadounidense Charlie dada la buena relación laboral Kaufman se acercó a Gondry que mantuvieron durante la para presentarle un guión viejo producción de Human Nature. que tenía reservado. En 2001 El escritor también compartió el Gondry presentó si primer guión con el actor Jim Carrey que largometraje, Human Nature. se apuntó para participar en el Un comedia negra en la que casting. La historia gira entorno tres personajes cuyas vidas nos a un hombre que despierta tienen relación alguna se van sin recordar mucho de lo que encadenando en una narración a recientemente ha pasado en su manera de flashback. La historia vida, hasta que se encuentra con aborda la vida de una joven con una joven de cabello azul. Ambos problemas hormonales que hacen se agradan y gradualmente se van que tenga pelo por todos lados, enamorando. Paulatinamente un científico que le enseña modales a animales y un hombre de la selva que es capturado. Aprovechando que la película tenía el mismo nombre que el primer video que Gondry hizo para Björk, decidió
su pasado va a saliendo a flote a si como la relación que tiempo atrás tuvieron y cuyos recuerdos fueron anulados por medio de un dispositivo que borra ciertos recuerdos de la cabeza de las personas. Gondry se encontraba un poco preocupado durante la realización; consideraba que el guión de Kaufman era demasiado bueno como para experimentar sobre él, así que el director decidió ir a la segura y no arriesgar demasiado en términos visuales. Ese mismo 2002 la joven y popular banda de Detroit, The White Stripes, se acercaron al director para colaborar con tres videos musicales muy distintos el uno del otro. En la canción Fell in love with a girl, Gondry utiliza legos y stop motion para pintar
a la banda mientras toca. En la canción Dead leaves and the dirty ground un personaje llega a una casa destrozada mientras que las paredes cuentan lo sucedido por medio de proyecciones. P e r o probablemente el video más impresionante que Gondry realizó para The White Stripes es el de la acción The hardest button to button, en la que el ritmo es marcado por la sucesiva aparición de instrumentos musicales s ó l o utilizados para producir una nota. El video es tan bueno que como m u c h o s productos visuales que marcan época fue retomado por Los Simpsons en el capitulo en el que Bart Simpson aprende a tocar la batería. O t r o proyecto mas llegó en 2002 con la cantante Kylie Minogue que le pidió hiciera el video de su canción Come into my world. Otro deleite visual en loop como muchos de
los vídeos de Gondry en el que la cantante camina por la calle encontrando con ella misma e interactuando con todo lo que la rodea. En tanto que su legado cinematográfico reside en los vídeos musicales que ha realizado su trabajo en largometrajes dista de tener la relevancia mostrada cuando de visualizar música se trata. En 2006 Gondry presentó su primer largometraje escrito y dirigido por él. La sicencees rêves cuenta la historia de un joven creativo y soñador encerrado parcialmente por los cuadrado del trabajo que le consigue su madre. En 2008 la curiosa historia de un
hombre que magnetiza un club de vídeos en cinta magnética en Be kind rewind termina llevando a la audiencia en un viajes por la historia del cine y por la lucha de preservar los muertos clubes de películas. Michel Gondry ha sido un gran trabajador del efecto visual “análogo”, por decirlo de alguna manera. De conseguir bellas imágenes con el mínimo uso de la tecnología. Es esa clase de trabajo el que se puede ver en su último largometraje L’ecume e jours, donde retoma el estilo utilizado en los vídeos de The Chemical Brothers.
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HABÍA UNA VEZ
La identidad del cine
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e qué va?” Probablemente hemos o nos han hecho esta pregunta cuando de mirar el séptimo arte se trata, las respuestas quizá no van tan lejos al momento de contar la historia,
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la carcajada tendida. Es común que se asocie una temática con la nacionalidad de la película que se está mirando, como si existiese la obligación de que por ser un filme francés la historia tenga que ir con el hilo conductual del romance, venga, la historia del sujeto que encuentra el verdadero amor y es algo extraordinario, el tipo y es que en el cine es mejor ver que antes fue un insolente precon ojos propios. tendiendo el querer de muchas mujeres, que bebe mucho y se Hay historias de amor, de rodea de pintores y poetas, que terror, otras tantas son tristes escucha de manera insistente a y algunas más provocan echar Lou Reed y Serge Lama, el tipo
d y contraste francés Por Ettel Alvarado que en ocasiones se porta como to bueno y como espectadores un cínico, pero aun así, en el esperamos que se quede con fondo sabemos que es un suje- la chica, esto último tal vez ni
parezca romance, pero estas líneas no están aquí para discutir lo contrario.
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Es como si por puro juego mental nuestra memoria, ya de por si desgastada, apelara al romance, sexo, locura, pasión, ilusión, intensidad y un largo etcétera cuando se pronuncia la frase “cine francés”, una cuestión de identidad cultural, si se quiere buscar una respuesta rápida y escueta, la suma de toda una serie de características, tradiciones y rasgos que definen y fundamentan a un grupo social y a sus móviles de representación, aunque es innegable que buena parte de la identidad nos la inventamos porque hasta cierto punto la identidad es predecible, así como lo que pensamos cuando se discute acerca del cine de Europa occidental, en específico, el francés.
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Películas como La vida de Adele (2013) de Abdellatif Kechiche, se encargan de reforzar esta temática del romance en el cine francés, aunque esta producción es parte de ese grupo de historias que tratan de amor pero sin caer en la cursilería, puede ser que pertenezca a una tradición que comenzó con la corriente bien diferenciada de las propuestas cinematográficas francesas encarriladas en el ro-
mance, misma tradición que so- industria, ya mediatizada, que brevive en nuestros días y que es el cine. se ha sabido adaptar a las diferentes épocas como persistenUn sentencioso refrán pocia de SER ante los demás. pular reza que “dos caras tiene la moneda”, y siendo que estos Usualmente la temática sue- enunciados representan cierta le ser de carácter histórico y sabiduría, debe existir la otra esta característica histórica es cara del cine francés, una que la que anuncia los cambios den- eventualmente no resulta tan tro del argumento de las cintas conocida, una cara que intenta cinematográficas, en el cine, la identidad se consolida con base en estructuras narrativas y muchas de las ocasiones son de representación simbólica, la colec t iv i d ad se ha encargado de ofrecernos una idea genérica sobre el cine de Francia. Por supuesto que sus películas no los validan ni desacreditan, pero son i m p o r t a n te s para entender la presencia de este país dentro de la gran
reforzar su todavía inconsistente identidad, la cara que refuerza su identidad con el “no”, la corriente cinematográfica que se forma y se cimenta rechazando lo que hay de común con “el otro”. Un cine francés donde encontramos que los personajes no son por fuerza agentes cau-
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sales de la narrativa, donde las imágenes y diálogos redundantes no se hacen presentes en un esfuerzo por ayudar al espectador a comprender lo que está sucediendo, el cine donde
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los cuadros no tienen siempre un mensaje o propósito claro y por tanto no se preocupa en explicar claramente la forma en la que cada elemento encuentra su lugar preciso para encajar.
La película que nos lleva de la mano a conocer la otra cara del cine francés es, sin duda, Irreversible (2002) de Gaspar Noé, una producción muy controversial desde su estreno. El argu-
mento nos deja ver París en un día, comenzando por la noche, la historia de Marcus (Vincent Cassel) y Pierre (Albert Dupontel), dos chicos que se lanzan en búsqueda de venganza, después de que se han percatado de que Alex (Mónica Bellucci) quien es novia de Marcus y ex novia de Pierre, fue violada y severamente golpeada al salir de la fiesta en la que los tres se encontraban.
Al inicio de la película el manejo de la cámara se caracteriza por mostrar sucesiones rápidas y movimientos confusos que incitan al caos, la historia es contada en una línea cronológica que va en reversa, comenzando con la venganza hasta desmenuzar la trama completa de la cinta, los episodios resultan complicados y representan un reto para los espectadores, asi-
milar una escena donde Pierre golpea codiciosamente el rostro de un sujeto con un extintor hasta arrancarle la vida puede ser interpretada de distintas maneras por el público, habrá quienes consideren inmoral la disposición de mostrar primero la venganza y después el hecho que la produce. La escena de la violación también ha sido rígidamente criticada por su recargada aspereza y mezcla de violencia, recordemos que para el fin de la película resulta efectivo retratar a sus personajes otorgándoles un estado psicológico más “real”, para muchos resulta una agresión u ofensa, mientras que otros lo suponen como una forma de narración diferente: abyecta, desalmada y cruda que se acerca mucho a lo natural, a la realidad, la otra cara que entre más real, más mundana.
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PARA CONOCER
La torre de babel francesa Por Jorge Alonso Espíritu
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na verdad: es difícil pen“Dejé París y hasta Fran- acababa por aburrirme desar en Francia sin llevar la im- cia, porque la Torre Eiffel masiado”, escribió el escritor aginación a uno de los íconos a r q u i tectónicos más famosos del mundo. La Torre Eiffel. Sin embargo, su pasado no siempre fue del todo glorioso, y la magnificencia que ahora la caracteriza fue el resultado de la apropiación artística en la que la locura del cine influyo bastante.
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encajaban su descontento:
Guy de Maupassant en su diario de viaje La vie errante en 1890. Hacía no muchos meses que la gran estructura de acero había hecho su aparición irrumpiendo en la vida de los parisinos. Apenas avanzar en su construcción, la polémica surgió desde la trinchera de los artistas, encabezados por el cuentista francés. Nosotros, escritores, pintores, escultores, arquitectos, apasionados aficionados por la belleza de París hasta ahora intacta, venimos a protestar con todas nuestras fuerzas, con toda nuestra indignación, en nombre
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del gusto francés anónimo, en nombre del arte y de la historia francesa amenazadas, contra la erección en pleno corazón de nuestra capital, de la inútil y monstruosa torre Eiffel, a la que la picaresca pública, a menudo poseedora de sentido común y espíritu de justicia, ya ha bautizado con el nombre de Torre de Babel.
Parecía que la reacción inicial, acontecida antes incluso de arrancar la construcción de estructura, marcaría la recepción de la torre. En la virulenta misiva, los artistas
El alma de Francia, creadora de obras maestras, resplandeció entre esta floración augusta de las piedras de Italia, Alemania, Flandes, tan orgullosas, y con razón, de su legado artístico, pero no poseen nada que sea comparable a las nuestras y desde todos los rincones del universo, París ha atraído la curiosidad y la admiración. ¿Vamos a permitir profanar todo eso? ¿La ciudad de París va a relacionar los más antiguos edificios barrocos con las mercantiles imaginaciones de un constructor de máquinas, para afearse irreparablemente y deshonrarse? Pues la torre Eiffel, que incluso la capitalista América no querría, es sin dudar ¡la deshonra de Paris! Todo el mundo lo sabe, todo el mundo lo dice, todos se afligen profundamente, y nosotros no somos más que un débil eco de la opinión universal y legítimamente alarmada.
Por supuesto, la rabia de la comunidad artística no frenó las intenciones del gobierno francés de hacerse de la construcción más alta planificada por el hombre hasta entonces. Por esos años, también, las formas artísticas evolucionaban de manera gigante. En 1895, un lustro después de aquella carta, los Hermanos Lumiere, también franceses, patentarían el cinematógrafo. Más inclinados hacia el esplendor paisajístico de los ingenieros, que hacia la poesía y narrativa de los literatos, los Lumiere filmaron entre sus archivos, en 1897, el Panorama durante la ascensión de la Torre Eiffel. Con esta cinta la torre comenzaba una forma de renacimiento que la volvería uno de los sitios más simbólicos para el celuloide. Georges Méliés, el creador de la fantasía cinematográfica, pondría sus ojos en ella al filmar Imágenes de la exposición, en 1990. El nuevo siglo exigía nuevas representaciones, y levantada más arriba que las cúpulas de Notre Dame, la Torre
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Eiffel fue la modernidad de la ciudad luz. En 1923 René Clair filma en 23 minutos una fábula de ciencia ficción titulada Paris Duerme, donde la Torre se vuelve la protectora que evita que los protagonistas sucumban ante el somnífero experimento de un científico. El personaje central no podía ser otro que el guardia de la Torre Eiffel.
En los años 40, la capital de la industria de la diversión, Hollywood, volteó a ver el esplendor de la torre. Ninotchka, de Ernst Lubitsch, y L’homme de la tour Eiffel (El hombre en la Torre Eiffel) de Burgess Meredith sitúan al espectador norteamericano en Francia a través de ella. Entonces se populariza la estructura metálica como el símbolo de un país. Medio centenar de filmes, según la página oficial del monumento, la han utilizado como escenario. Estamos seguros que los números, sin embargo, llegan mucho, mucho más lejos. Un café, lluvia, los Campos Eliseos, Torre Eiffel. Basta un segundo de ella para saber que estamos en París. Si el fin del mundo destruye la poco gloria de los humanos, destruirá la Torre, así lo vemos en las apocalípticas La guerra de los mundos, El día de la independencia, Marcianos al ataque, Armageddon, Alien,o G.I. Joe. Marco para el amor o la creación, foto cliché y misterio de siglos, Francia, Paris, la Torre Eiffel se han convertido en todo lo que Maupassant y los firmantes de la carta negaban: un destino que llama a millones de personas cada año. La ciudad más filmada por el cine de Hollywood. Desde Un americano en Paris, hasta El código Da Vinci. Se equivocaron los intelectuales. Porque pese a sus pesimistas profecías, como le decía Humphrey Bogart a Ingrid Bergman en la famosa escena final de Casablanca: “Siempre nos quedará París”. Y levantada sobre el paisaje, también estará ella.
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DIVAS DEL CINE
Brigitte Bardot El Sex symbol del cine francés
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Por Estefania Hipólito
rigitte Bardot es un ícono del cine francés, muchas personas retoman su nombre como ejemplo, hasta el mismo Quino nos muestra como Guille, el pequeño hermano de Mafalda, desearía que ella fuera su madre y la emoción que le causa verla en el periódico. La chica francesa, rubia y sensual que se convirtió en los años 50 y 60 en un símbolo sexual, es Brigitte Bardot, quien filmó 48 películas en la cuales su físico era casi siempre el estelar y, precisamente éste, la convirtió en un mito erótico del cine. Brigitte Bardot nació en París el 28 de septiembre de 1934, desde pequeña le gustaba jugar y actuar, pero a sus padres les parecía algo ridículo, además desde su infancia mostró un gran afecto hacia los animales. Su madre, intentando proveerla de aptitudes para que destacara en la sociedad, la inscribió en clases de danza, y su belleza
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era tan notable que en 1949 apareci贸 en la portada de la revista de modas ELLE , durante esta 茅poca conoci贸 a quien se convertir铆a en su primer esposo el director de cine Roger Vadim, quien era totalmente diferente a sus padres. Aunque Brigitte y Roger Vadim no estaban casados ambos comenzaron a trabajar juntos,
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así ella aparecía en muchas portadas y fotos, hasta que en 1952 tomó parte en su primera película Crazy for love con un pequeño papel. En el mismo año protagonizó La chica del bikini (Manina, la fille sans voiles), del director Willy Rozier que muestra como un estudiante, Gérard Morere, cree saber dónde se encuentra un tesoro y sale en su búsqueda, en el camino se encuentra con Manina de quien se enamora. En esta película Brigitte Bardot aparece con diminutos bikinis mostrando toda la sensualidad que ya poseía a sus 18 años. En 1953 ya era multi fotografiada con sus atuendos en bikini. En 1955 participó en la película Doctor at sea del director Ralph Tomas, ésta trata sobre un médico que de soltero va al mar escapando de las intenciones amorosas de la hija de su jefe, pero en el barco conoce a Hélène Colbert (Bardot) una joven cantante de cabaret. Así fue como Bardot comenzó a filmar películas del mismo género como That naughty girl, donde siempre lucía atuendos diminutos que hacían
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tuvo un hijo lo cual haría que su vida se convirtiera por primera vez en un asunto estresante porque no estaba lista para la maternidad y la fama.
lucir su cuerpo y la consolida- que la lanzó al estrellato internaban cada vez más como un sím- cionalmente. bolo sexual. Tanta era la carga sexual de Brigitte Bardot disfrutaba la película Y dios creo a la mujer cada uno de los papeles que in- que grupos religiosos y la Liga de terpretaba y decía que ella pre- la decencia se movilizaron para fería ese tipo de películas y que, tratar de parar la película, adequizás, los personajes más serios más Bardot era constantemente vendrían con el tiempo. En 1956 vigilada, fotografiada y criticada actuó uno de los papeles que la por las personas, pero en esos terminó por consagrar como momentos de su vida ella se desímbolo sexual, esta vez de la finía como una persona feliz y mano de su esposo Roger Vadim: que no le pedía nada a la vida. Y dios creo a la mujer, donde existe una escena en particular En 1959 actuó en la comedia que hasta la fecha es considera- Babette goes to war donde interda como una de las más eróticas, preta a una chica de francesa esta es cuando Brigitte baila des- campo quien, durante la ocupacalza sobre una mesa. El argu- ción Alemana en Francia, ayumento es sobre tres hombres ob- da a secuestrar a un importante sesionados por una misma mujer general alemán. En esta película que harán todo lo posible por conoció a su segundo marido el conseguirla. Esta película fue la actor Jacques Charrier con quien
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En 1960 filmó la película La verdad que trata sobre el juicio de Dominique Marceau por el asesinato de Gilbert Tellier, y las razones que la llevaron a realizar ese acto. En esta película el director Henri-Georges Clouzot utilizó todos los métodos que tenía al alcance para lograr que Brigitte Bardot mostrara toda la desesperación posible que requería el personaje, pero lo hizo sin pensar en el bienestar de ella. Lo cual la llevó a que se agravara su depresión. Finalmente no resistió y ese mismo año intentó suicidarse tomando un frasco de píldoras. Al recuperarse del intento de suicidio actuó en la película El desprecio de Jean-Luc Godard que trata sobre un escritor, Paul, al que se le encomienda una versión comercial de Ulises y su Odisea que será dirigida por Fritz Lang , pero durante el proceso el escritor descuida su matrimonio el cual termina. Su historia se entrelazará con la de Penélope y Ulises en la Odi-
sea, las aspiraciones artísticas de tadounidense en recibir un beso Paul y la evolución de los senti- de la Bardott. mientos de Camille. En 1968 protagonizó, al lado En 1965 protagonizó, jun- de Sean Conery, el western Shato con Jean Moreau, la película lako en esta película el atractivo Viva Maria! del director Louis principal era ver reunidos al enMalle, esta cinta cuenta la histo- tonces James Bond y al ícono seria de dos mujeres con el mismo xual Brigitte Bardott nombre que deciden unirse a un circo, inventan el striptease y deBrigitte Bardott decidió reciden al final unirse a una revo- tirarse en 1973, a pesar de esto lución. En esta película Brigitte seguiría siendo asediada por foBardott compitió constantemen- tógrafos y personas que incluso te con la otra protagonista. se atrevería a invadir su casa. Después de un tiempo decidió Brigitte siempre se negó a dedicar su vida a la defensa de realizar películas de Hollywood los animales, para esto y no fue hasta 1965 que aceptó realizó subastas de sus participar en Dear Brigitte, pe- objetos personales con lícula que retrata como un pe- el fin de recaudar fonqueño niño estadounidense está dos, y en 1976 creó enamorado de Brigitte Bardott, la Fundación Brigitte así que su padre lo acompaña a Bardot para la protecFrancia para conocerla. Como ción de los animales dato curioso el pequeño actor en peligro. Bill Mumy fue el primer actor es-
Jean Cocteau dijo de ella: “Posee algo desconocido que atrae a los idólatras en un tiempo sin dioses” Brigitte Bardott representa uno de los grandes íconos del cine francés, es quizás de las pocas actrices que ha envejecido con dignidad y que no sólo ha dedicado su vida a la actuación sino a ver por seres más indefensos y ha utilizado la fama que aún tiene a favor de los animales. Actualmente vive en Paris con su cuarto esposo Bernard d›Ormale.
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TOP FIVE
Los mejores soun tra Por @AMAURY1984
H
ubo una época de 1950 a 1970 en que los franceses conquistaron al mundo con LA CHANSON FRANÇAISE. Grandes interpretes como Charles Aznavour, Edith Piaf, Gilbert Bécaud, Serge Gainsbourg, Sylvie Vartan, etc., etc., etc., conquistaron el lado de la audiencia que los británicos no conquistaron con su rock lleno de guitarras y baterías; esa audiencia romántica y guapachosa, la audiencia que más tarde voltearía a los EE.UU. gracias a la masificación de la música POP. Gracias a la imágenes del cine de la época y las interpretaciones de la música francesa, nacieron fanáticos a nivel mundial que imaginaban los cafés y bares parisinos, calles como Champ Elysees y barrios tan representativos como Montparnasse, con parejas enamoradas un momento y peleando al siguiente, sólo para regresar a como estaban. Todas esas bellas imágenes acompañadas de grandes obras musicales me llevaron a recordar el boom que tuvo la venta de bandas sonoras en los 90. Uno podía conseguir el soundtrack de cuanta película estadounidense le hubiera gustado. ¿Cuáles son los mejores soundtracks de la historia del cine francés? ¿Se pueden conseguir? Este es el TOP 5 de las mejores Bandas Sonoras del cine francés:
5. La Haine (1995. Dir. Mathieu Kassovitz. No disponible) La vida dentro de los suburbios de París es complicada, como en todas las grandes metrópolis del mundo. En el filme de Kassovitz (a quien ubican como el tipo del que se enamora Amelie) seguimos la vida de tres jóvenes en un ambiente de pobreza, violencia y un amplio abanico cultural y racial. La película muestra que la juventud no es muy diferente de una nación a otra, y para llenar de sonido las imágenes, el director se acercó a músicos franceses como DJ Assassin y el rapero DJ Cut Killer. Ambos crearon un sin fin de mezclas y versos de hip-hop que terminan por mostrar las nada sutiles semejanzas entre la vida en ciudades ultra urbanizadas como Detroit y las antiguas y oscuras ciudades europeas. La piezas cuentan con el uso de tornamesas y vinilos, que por aquellos días pedían mas talento de parte de los pincha discos, algo que realmente impresionaba del mundo de los DJ’s. c Pulse aquí para ir a la página: http://youtu.be/f_7NhAEqmCA
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acks del cine francés 4. Les Choristes (2004. dir. Christophe Barratier. Súper disponible) Una historia antigua como el origen mismo del chisme. Barratier
retoma el filme de 1945 La Cage aux rossignols, reescribe la ya de por si adaptada historia y nos presenta en un inicio a un consagrado director de orquesta que, tras ser informado de la muerte de su madre, nos lleva en un viaje a su pasado infantil en una escuela para chicos problemáticos; y la llegada del profesor Mathieu que consigue cultivar en los niños un deseos de crecer en el mundo de la música. Dado el tema de la película era crucial acompañar las imágenes con una gran banda sonora. El compositor francés Bruno Coulais, encargado del trabajo, se adentró en una búsqueda casi antropológica por la historia de los coros infantiles franceses, y con el apoyo de uno de los coros mas reconocidos en Europa dio nueva vida a la música coral. A pesar de mi frustrante pasado con los coros de la escuela (el horror...) considero magistral el trabajo de Barratier y Coulais. Y no soy el único, debido al gran éxito de la película, el coro de niños Les Petits Chanteurs de Saint-Marc, se lanzó en gira mundial abarrotando todo lugar en el que se presentaban. Pulse aquí para ir a la página: http://youtu.be/ZfQLaKS8yJY http://youtu.be/5hS9rnn5-_c
3. Une femme est une femme (1961 dir. Jean-Luc Godard. No disponible) Lights, Camera, Action! Y el gran Charles Aznavour empieza
a interpretar Tu T’laisses Aller para presentarnos a una joven y sensual francesa que deambula por la calles en búsqueda de su amado, poco antes de tener que ir a su trabajo como bailarina exótica. La pareja pelea por que ella desea tener hijos pronto, mientras que para él dicho tema esta fuera de sus planes. Esta peculiar comedia experimental de Godard suele no estar considerada dentro de sus más grandes trabajos. La banda sonora le fue encargada al titán de la música para filmes, el francés Michel Legrand que en sus buenos días llegó a entregar hasta siete bandas sonoras en un año. El multi nominado a un montón de premios entregó piezas para ser interpretadas por los actores, interludios musicales y cortinillas musicales. Desafortunadamente para él, Godard realizó un montón de cortes al audio que se sienten muy a destiempo, además de cambios radicales de volumen y fondos que aparecen y desaparecen sin razón aparente. Aun así es una de las más grandes bandas sonoras representativas del cine francés. Pulse aquí para ir a la página: http://youtu.be/DeYjA-yBBqA
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2. La vie en rose (2007 Dir. Olivier Dahan. Disponible) Es
fácil entender porque uno DEBE de considerar la banda sonora de esta película, es la gran ¡Môme Piaf! La vida de la gran Edith esta llena de tortuosos pasajes que crearon toda una leyenda en el mundo de la música. El filme de Dahan retoma pasajes de toda la vida de La Piaf hasta la legendaria presentación en el Salón Olympia, en donde presentó por primera vez una de sus más grandes canciones Non, je ne regrette rien. La banda sonora corrió a cargo del compositor británico Christopher Gunning y Edith Piaf que, remasterizada y lista para sonar en estéreo, usó de puente con esta época a la bella Marion Cotillard, quien por cierto ganó el Óscar a mejor actriz por un papel completamente interpretado en francés. Además de que si usted no conoce a la gran interprete francesa, la banda sonora sirve como uno de los mejores greatest hits disponibles.
Pulse aquí para ir a la página: http://youtu.be/7I7u_XLtFa0
1.Amelie (2001 Dir. Jean-Pierre Jeunet. Disponible) Los franceses han aprendido sabiamente que
las comedias románticas venden y vende un montón; y hoy día producen algo así como 20 al año. Pero la gran comedia del cine francés es la que nos entregó en 2001 el señor Jeunet. Amelie. La vida de una joven francesa en búsqueda de la felicidad apoyando a terceros a encontrar eso que les regrese la fe en el otro. La gran historia de Amelie se acompañó de lo que yo considero una banda sonora estandarte, una de la mejores de la historia. El gran músico Yann Tiersen construyó París y sus habitantes por medio de sonidos. Piano, acordeón, guitarra y percusiones transmiten más que sonido, transmiten emoción pura. Algo que personalmente sólo he llegado a ver en trabajos icónicos de las vacas sagradas como John Williams, Ennio Morricone, Michel Legrand y Hans Zimmer. Si no ha visto Amelie, sin imágenes, no sabe de lo que se esta perdiendo. Pulse aquí para ir a la página: http://youtu.be/4SRj-av79Ts
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Por Estefania Hipólito
EN CARTELERA
OCULUS A lgunos creen que los espejos son puertas a otras dimensiones u otros mundos y por eso las creencias dicen que debes de evitar tenerlos dentro de tu cuarto o que tienes que cubrirlos durante la noche para que los espíritus no salgan de ellos. Esta historia se centra en un asesinato que dejó a dos niños huérfanos, Tim (Brenton Thwaites) y Kaylie (Karen Gillan), el culpable según las autoridades fue Tim pero Kaylie cree que el culpable es un antiguo espejo maldito. 20 años después Tim cree estar rehabilitado y sale de la institución mental donde fue recluido, así que quiere olvidar ese episodio de su vida, pero Kaylie está decidida a demostrar que el espejo fue el responsable que destrozo a su familia, para ello localizará el espejo, pero al abrirlo desatara una nueva pesadilla. En 2006 Mike Flanagan dirigió Oculus: Chapter 3 - The Man with the Plan, que al parecer seria la secuela de esta película. Direccion: Mike Flanagan Guion: Mike Flanagan, Jeff Howard Protagonistas: Katee Sackhoff, Rory Cochrane, James Lafferty duración:1hr 45min Pulse aquí para ver el trailer: http://youtu.be/tKVANjViHq8
That Awkward Moment
Ldasas yrelaciones nunca son fáciles siempre tienen subibajadas, pero en ocasiones parecen estancarse, no se mueven y cuando esto pasa se deben de tomar decisiones, acerca de volverlo serio, seguir adelante o detenerse.
Jason (Zac Efron) se enfrenta al momento que algunos hombre y mujeres temen, volver seria una relación, por lo cual él considera que es tiempo de terminar porque no está listo para una relación formal, pero casualmente sus dos amigos Mikey (Michael B. Jordan) yDaniel (Miles Teller) se encuentran en una situación parecida. Comedia romántica que en esta ocasión no se encuentra centrada en el punto de vista femenino y nos muestra lo que ellos piensan de las relaciones. Direccion: Tom Gormincan Guion: Tom Gormican Fotografia: Brandon Trost Protagonistas: Zac Efron, Miles Teller, Michael B. Jordan
Pulse aquí para ver el trailer: http://youtu.be/JE_bE_kswEw
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EN CARTELERA ILUSIÓN NACIONAL
Upaíses n deporte que se ha convertido en la religión de algunos y que sirve para ilusionar y unir a las masas es el Futbol, en el cual más de 270 millones de personas participan directamente.
Ilusión Nacional es un documental que muestra la felicidad, la victoria pero también la derrota, la tristeza y la desesperación por la pérdida de un partido, el país protagonista es México, el director nos muestra, mediante el uso de collage, imágenes tanto de jugadores como aficionados que intervienen en esta celebración, y los distintos matices que pueden existir del futbol, desde imágenes antiguas hasta las más actuales. Olallo Rubio ha dirigido anteriormente This is Not a Movie y Gimme the Power . Título original: Ilusión Nacional País: México Director: Olallo Rubio Pulse aquí para ver el trailer: http://youtu.be/OaMdAgx919c
El Sorprendente Hombre Araña 2: la amenaza de Electro Ser adolecente ya es difícil, pero si además debes de ocultar tu
identidad secreta, luchar con villanos y al mismo tiempo proteger a la persona que amas de ti mismo, entonces todo se vuelve complicado. Peter Parker (Andrew Garfield) vive tratando de salvar a la ciudad de Nueva York como Spider Man y al mismo tiempo intenta pasar más tiempo con su novia Gwen (Emma Stone), pero tiene como cargo de conciencia la promesa que le hizo al padre de ésta antes de morir, la cual no ha podido cumplir y para complicarlo todo aparecerá un nuevo villano Electro (Jamie Foxx) además su viejo amigo Harry Osborn (Dane DeHaan) reaparecerá , ambos tienen una cosa en común Oscorp. Existen bastantes adaptaciones del Hombre Araña, en esta ocasión llega los cines la secuela de la nueva saga, donde algunos de los aspectos del cómic original son retomados nuevamente, como el personaje de Gween Stacy. Direccion: Marc Webb Guion: Alex Kurtzman, Roberto Orci, Jeff Pinkner Fotografia:Daniel Mindel Protagonistas: Andrew Garfield, Emma Stone, Jamie Foxx y Dane DeHaan Pulse aquí para ver el trailer: http://youtu.be/1B1TJlJLRfc
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