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Editorial

Alo largo de la historia, el cine ha sido la ventana de la sociedad ante el mundo. Es culpable, en gran medida, de la creación de

estereotipos y la formación de ideales. Gracias al cine James Dean se convirtió en símbolo de la rebeldía juvenil y Marilyn Monroe en ícono sexual. Pero, las grandes producciones, y las pequeñas también, no sólo han moldeado generaciones y conceptos; han sido también un reflejo de los cánones sociales establecidos, los formatos familiares que nos rigen y los cambios de éstos a través del tiempo.

Dentro de la extensa gama de cintas que se han realizado el papel de la madre ha quedado plasmado en sus muy distintas vertientes, de forma directa o indirecta, consolidando su imagen como un prototipo dentro de las diferentes culturas, con muy variadas formas de pensamiento.

Las madres como símbolo de la unidad familiar, protectoras y formadoras de conciencia representan un papel preponderante en todos los países. Pese a que en muchos lugares se vive bajo un esquema patriarcal y en muchas ocasiones las mujeres han sido víctimas de la discriminación al ser consideradas endebles e inferiores, no por ello su papel ha carecido de importancia. Es en ellas que descansan todas as ideas de formación, conducta y educación. Sin importar de que país hablemos, la figura de la madre en la cinematografía demuestra la importancia del rol materno para la sociedad.

De esta manera, hemos visto películas y personajes como Sara García en el cine mexicano, en una época en la que la sumisión y la ternura desempeñaban las principales características del ícono materno, se atrevía a desafiar la figura dominante del macho para defender a los hijos por encima de todo. Pero éste no ha sido el único personaje que ha demostrado la trascendencia materna en la sociedad reflejada a través del cine. Países como Corea del sur, Colombia, Arabia Saudita o Estados Unidos le han otorgado un papel por demás importante a este personaje que figura dentro de la vida de cada ser humano como molde, ejemplo y otra serie de acepciones otorgadas a su figura. Es por ello que en este número de Super 8 presentamos una serie de cintas que muestran la versatilidad e influencia de las madres en su paso por la industria cinematográfica.

Contenido

En portada: Pietá

Colombia: De La estrategia del caracol a Ciudad delirio 2 La mente maestra: Angelina Jolie 10 Tesoros Fílmicos: Pietá 6 Arabia: La bicicleta verde 20

E.U.A: La madres más eclécticas de la industria 14 Super 8 Número 29

Además Corea: Eomma 24

Editor: Azucena Mecalco Redactores: @AMAURY1984, Ettel Alvarado, Jorge Alonso Espíritu, Estefania Hipólito, Tatiana Serna Arte y Diseño: Azucena Mecalco México Distrito Federal 1 de mayo de 2014

Top Five: Travestis maternales En cartelera 33

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COLOMBIA

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De La estrategia del Caracol a Ciudad Delirio La figura materna en el cine colombiano

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Por Tatiana Serna Castrillón

uando se habla de cine colombiano suelen haber muchos estigmas e imaginarios; la figura femenina tiende a ligarse a lo sexual, la mujer al servicio del hombre y en constante búsqueda de un estereotipo que se pierde en la vanidad y las cirugías plásticas. Pero hay una figura femenina que resalta menos y es quizás por la familiaridad misma que nos inspira a los colombianos y no es otra que la de la madre, aquella mujer, en su mayoría, aguerrida y dedicada al hogar.

Desde los inicios del cine colombiano se le ha visto a las madres desde una concepción muy tradicional y que fue cambiando con la realidad misma; en la Estrategia del Caracol

vemos el dolor de una madre que pierde a su pequeño hijo en el cruce de fuego que se da a causa de un desalojo. El dolor es una constante, al igual que el

conflicto que suele atravesar la narrativa colombiana, como se ratifica en Crónica de una muerte anunciada, a propósito del fallecimiento del nobel de literatura,

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se ve a una madre que termina junto con su pequeña sumida en un rencor traumático Simona, de algo que le ha dejatras la muerte de su hijo. do su esposo, para ello deberá adentrarse en áreas bastante En Soñar no cuesta nada ve- complicadas, de la ya invadida mos a Carolina Ramírez inter- por la guerra, selva colombiana. pretando a una madre de bajos No sólo es latente el conflicto, si recursos que va en búsqueda, no la realidad de gran parte de

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la sociedad colombiana a lo largo de la historia, madres que quieren casar a sus hijos con el mejor partido, se ven en varios filmes desde el clásico El taxista Millonario, Rosario Tijeras o la ya mencionada Crónica de una muerte anunciada.

La sociedad cambió y así se ve en las cintas, ahora hay madres solteras por cantidades, madres despreocupadas que dejan a sus hijos con sus abuelas quienes terminan convirtiéndose en la madre misma, ricas o pobres siempre expresan un mínimo afecto por su(s) criatura(s).

En Rosario Tijeras su madre sobrepone el “amor” por un hombre sobre el de su hija, la injusticia y el abuso tuvieron que ser resueltos de forma sangrienta por la misma Rosario, y hablando de sangre, cómo dejar de lado la bipolar relación materna que Eliseo tiene con Blanca,

su anciana madre en Satanás, abandonos maternos o descuidos como se reflejan verazmente en La Vendedora de rosas de Víctor Gaviria que logra sacar de la oscuridad la cotidianidad de los barrios más pobres de la

ciudad de la eterna prima- ción que ver cómo l o g r a vera, Medellín. sacar adelante a sus hijos, el interés económico que rompe con Se puede afirmar que el papel la maternidad tradicional de la de la madre en el cine de Co- cultura familiar en Colombia o lombia es tan diverso como lo es la sobreprotección y dominio de la vida misma y sus contextos, madres como la del protagonisdesde el estrato socio-económi- ta de El Taxista millonario, hasta co más bajo hasta el más alto, llegar a la actual Ciudad delirio desde una que expresa con claridad la mah i s t o r i a dre joven y divorciada, llena de triste y esfuerzos, amor y orgullo. Una v i o l e n t a amplia gama de roles y pensahasta una mientos frente a este importante light y có- papel que requiere estar presenmica tipo te en una sociedad machista y El paseo, aun así regida por las matronas una abue- del hogar. la rezandera que asume la cabeza de hogar o una joven que no tiene otra op-

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TESOROS FÍLMICOS

PIE E

l amor es sentimiento indefinible cuya existencia es imposible manifestar con palabras. Para saber que el amor se encuentra presente hay que tener en cuenta los actos y las conductas. El amor es incitador de emociones incomparables, pasionales y sobre todo viscerales. “Existen diferentes tipos de amor”, yo no lo creo el amor es amor y punto.

Sin embargo, sea que se denomine así o no, el aprecio materno es uno de los sentimientos más vehementes de los que se tiene cuenta ya sea en la literatura, la pintura y desde luego en el cine.

Haciendo un excelso uso de este ya muy explotado tema, Kim Ki Duk creó en el año 2012 una cinta que no sólo plasma contundentemente la idea del amor materno como la sublime y exaltada emoción cliché a la que nos han acostumbrado; sino que al mismo tiempo transmite una serie de historias naturalistas que en sí mismas traducen la realidad que el director percibe en su propio contexto.

Pietá narra la historia de un hombre que se dedica al bien re-

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Por Azucena Mecalco munerado negocio de los cobros.

Y es tan buen trabajador que no tiene reparo en arrancarle a otros sus formas de vida, imposibilitando algún miembro de su cuerpo para que puedan cobrar el seguro y saldar su deuda. Un buen día una extraña mujer se presenta ante él, le confiesa que es su madre y le pide perdón por haberlo abandonado. Él no está dispuesto a aceptar la disculpa; sin embargo, ella está decidida

a ganarse el cariño del joven sin importar el precio a pagar…

Aunque la piedad, y sus múltiples acepciones, es el tema central de la película, es imposible ignorar que el hilo conductor de ésta no es otro que la historia de la madre en busca de, ¿venganza?, no lo creo, quizá, en busca de saciar el vacío que deja tras de sí la pérdida. La historia del cobrador carente de compasión,

ETÁ que repentinamente recupera el amor materno y se transforma en un ser lleno de temores, angustias, pero también con miras a obtener un anhelado ideal de felicidad, pudiera parecer sencilla en una primera lectura; sin embargo, como es recurrente en los trabajos del director, existe una espiral de interpretaciones que adentra al espectador a un mundo sórdido y gris que es, tal vez, en el que nos desenvolvemos con mayor frecuencia en la actualidad.

inferiores. Kim Ki Duk lo deja ver en su filme de forma desgarradora, alimentando la compasión en la medida en la que el personaje principal es despojado de todo cuanto tiene. El miedo se hace presente en cada escena, mas, ¿qué puede generarte mie-

do sino tienes nada que perder?

“Peligroso es el hombre que ya no tiene nada que perder”, aseguraba Goethe, pero, una vez que se hace presente la posibilidad de ser limitado de aquello que poseemos, aun de manera utópica, el miedo surge de forma

Como principio, las concepciones nietzscheanas del término piedad dejan en claro que éste, lejos de ser un sentimiento loable, es uno de las más mezquinos, puesto que sólo se siente piedad por aquellos que se consideran

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inevitable, la piedad desaparece Mas, el alcance dejando tras de sí sólo los resqui- del argumento se cios para la paranoia y el temor. evidencia también en la magistral diLa técnica naturalista con la rección actoral. No que Kim Ki Duk dio vida al uni- sólo los personajes verso del filme se caracteriza están bien estrucprincipalmente por recrear una turados psicológiatmósfera desoladora, que, sin camente, sino que embargo, genera empatía en el los actores captapúblico al hacer visibles una se- ron la esencia real rie de problemas que van mucho de éstos otorgándoles credibilidad, tanta que en algún punto resultan mucho mejor configurados que en la vida real, lo cual se puede apreciar en los close up a los rostros de los actores en los momentos clave de la historia, en donde sus expresiones, al ser la única imagen que capta la cámara, son las más allá del hilo conductor de la encargadas de transcinta. Cada toma en las calles de mitir toda la progrela ciudad, nos muestra la foto- sión de sensaciones grafía de una Corea gris y mar- impresa en el guión. ginada, muy lejana a los suburbios y edificios a los que nos ha Por otra parte, los acostumbrado la reciente Korean cambios de cámara Wave, encabezada por los dra- se adecuan a la esmas y comedias románticas que tética versátil con la llegan a raudales a través del in- que fluye la trama. Y, ternet. Aunado a ello, la asocia- aunque en un princión de las imágenes en la pan- cipio la cinta parece talla con la miseria, las escasas avanzar con lentitud, oportunidades y los crecientes te envuelve poco a problemas económicos que ge- poco hasta que te neran una espiral de contrastes, captura por completo dentro del salta a la vista golpeando la con- mundo del personaje. Tal como ciencia del espectador que per- le ocurre a él dentro de la histocibe una realidad que no resulta ria, en la que lentamente se deja ajena a ninguna cultura. seducir por los encantos de una vida que nunca pensó poseer, hasta que cae bajo los influjos de la relativa comodidad obtenida, lo mismo le pasa al espectador.

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Tanto el personaje como el público son atrapados, relajados, conmovidos y des-

pués traicionados. Los múltiples y sorpresivos virajes de la trama te arrastran de una historia de matices grises a una completamente oscura y siniestra en donde no existe ninguna escapatoria, porque todos los actos conllevan consecuencias inevitables y tal como ocurre en la física, es imposible correr el tiempo en reversa. Cada acción conduce a un nuevo y más tenebroso recoveco de la conciencia humana y al mismo tiempo del

filme. Pues así como la luna, los personajes al ser “humanos, demasiado humanos”, cuentan con una cara oculta detrás de la máscara visible, ninguno de ellos es enteramente malo o enteramente bueno.

Así como lo planteaba Goethe, “actuar es fácil, pensar es difícil; actuar según se piensa es aún más difícil” y Kim Ki Duk aprovecha ese recurso para mostrar los más diversos rostros de un mismo sentimiento, instalándose en un universo donde la dicotomía es inexistente o mejor dicho, queda velada por los ma-

tices y niveles emocionales de las situaciones en las que se desenvuelven los personajes, en un contexto que, al igual que en la vida real, la bondad y la maldad están sometidas al escrutinio de la conciencia particular, en un juego de máscaras en el que se olvida por completo las convenciones sociales que nos rigen para dar pie al instinto por encima de la razón.

A todo lo anterior se suman los aspectos técnicos. La cinta plasma por sí sola, toda la pasión de la naturaleza humana desde sus representaciones más descarnadas. Los movimientos de cámara consiguen la finalidad primordial del guión técni-

co ideal, enarbolar una historia con imágenes, al mismo tiempo que transmiten desesperación, angustia, tristeza, y en muy aislados casos hasta la felicidad.

Incluso los momentos en los que la calidad de la cámara parece disminuir, se obedece a la necesidad de mostrar, mediante recursos fotográficos, la exaltación y visceralidad de las sensaciones. Del mismo modo que las tomas cerradas se encargan de generar aprensión en el espectador, la cámara se posiciona siempre desde el punto en el que el director quiere que aprecies las escenas, manipula por completo la composición y sitúa al público no como un observador omnisciente; sino como un curioso voyerista.

De esta manera cada uno de los temas que en un principio parecían ajenos y particulares se tornan universales. Basta con observar el póster, replica de la estatua de Miguel Án-

gel, para comprender que Kim Ki Duk estructuró un filme profundo en una espiral de significados que inician desde la primera impresión, y concluyen con un final contundente y sobrecogedor.

Pietá es una cinta que se presta a la reflexión o a la crítica, pero jamás a la indiferencia.

FICHA TÉCNICA Título: Hangul Director: Kim Ki Duk Guión: Kim Ki Duk Música: Park In-young Fotografía: Cho Yeong-jik Reparto: Min-soo Jo, Jung-Jin Lee, Ki-Hoo Woo, Eujin Kang, Jae-ryong Cho, Myeong-ja Lee País: Corea Duración: 104 min.

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LA MENTE MAESTRA

Construyendo a

Angelina Jo Por @AMAURY1984

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e pueden decir miles de cosas totalmente irrelevantes de la señorita Angelina Jolie, y es lo que más solemos escuchar de ella. Y por irrelevantes entiéndase desde si su pareja le es fiel hasta su participación como embajadora de la ONU. La verdad es que desde que decidió dejar a su ex marido el actor Billy Bob Thorton, Jolie se dedicó a construirse a sí misma. No como una súper actriz ultra taquillera, sino como un estandarte del nuevo modo de vida moderno.

Angelina Jolie nació en 1975 en el seno de una familia de la farándula hollywoodense, hija del actor Jon Voight y la actriz Marcheline Bertrand. Cuando la pareja se separó, sus hijos Angelina y James quedaron a cargo de Marcheline, que asediada por el trabajo se veía obligada a traer a los niños de set en set.

Ahí fue donde se fascinaron con el mundo de la actuación y ya teniendo la herencia, porqué desaprovecharla.

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Su primer participación en un largometraje fue a lado de Voight en la cinta de 1982 Lookin’to get Out. Pero, no sería hasta que Jolie cumplió 18 que regresaría a las pantallas en el filme de 1993 Cyborg 2. Su primer protagónico involucró un presupuesto de 6 millones de dólares a cargo del director Michael Schroeder. En el filme, Jolie actúa de cyborg espía

seductor en un plan para matar a la junta de una corporación tecnológica.

En 1995 Jolie obtuvo los papeles en dos producciones bastante pobres en contenido; la primera fue la película Hackers, en donde su personaje y tres más se dedican a violar redes del gobierno y corporaciones

olie por diversión hasta que un hábil hacker los mete en problemas con la ley. La segunda fue Without Evidence del director Gill Dennis; basada en la vida del director del sistema reclusorio del estado de Oregón, EE.UU. antes de ser asesinado.

Para 1996 los estudios hollywoodenses ya habían etiquetado a Jolie, la encontraban perfecta para los papeles que requiriesen a la joven rebelde y fácil de encuerar. Ese año obtuvo los protagónicos de Foxfire, basada en la novela de una pandilla de chicas escrita por Joyce Carol, de la directora Annette Haywood-Carter. Y de Mojave Moon una comedia sobre un hombre en los 50 que busca aventuras con jóvenes mujeres.

Su primer reconocimiento llegó con el proyector de John Frankenheimer para realizar una TV movie de la vida de George Wallace, un político estadounidense cuya vida, y forma de acceder al poder,

destaca todos los puntos que el american way of life quiere exhibir y presentar para que su población no se olvide de que el sueño americano está al alcance de sus aspiraciones. Jolie obtuvo en 1998 el Globo de Oro a mejor actriz de reparto en una película para la TV por su rol como la esposa de Wallace. Ese mismo año ingresó a la producción de otra TV movie que le generaría reconocimientos; la vida de la famosa modelo estadounidense Gia Carangi. La cinta, producida por HBO, mostraba los excesos del mundo de la moda y los grandes riesgos que trajo continuamente para la vida de la modelo. Jolie obtuvo por su interpretación el Globo de Oro a mejor actriz para película de TV y el Screen Actors Guild Award (SAC) en la misma categoría.

se le había encasillado, además la amplia exposición que tuvo durante dos años gracias a las nominaciones le abrió las puertas a producciones más importantes. En 1999 el director Phillip Noyce presentó The Bone Collector, un thriller sobre un asesino que aterroriza a la ciudad de New York retando a uno de los mejores detectives forenses del NYPD, interpretado por Denzel Washington. Angelina interpreta a una joven oficial de policía cuyos talentos la acercan a ser la pupila del detective interpretado por Washington.

Ese mismo año, de mano del director James Mangold, Jolie daría una de sus mejores interpretaciones y la más reconocida hasta la fecha.

Sería co-protagonista del filme Girl Interrupted. Oficialmente La fragilidad mostrada en el reconocido como un papel de personaje de Gia en los momentos reparto, el personaje de Susanna más depresivos de su historia Kayse fue reconocido con un convencieron a la industria de Óscar, un Globo de Oro y un SAC, que el espectro actoral de Jolie todos como actriz de reparto. era más amplio que en el que Y cuando eres actor y te llevas

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que decide buscarse una novia por correspondencia. Un buen día la pareja se reúne y Luis, el protagonista, descubre que esta perdidamente enamorado de una mujer peligrosa y llena secretos. Aunque en general la idea parezca buena, la realización final dejó mucho que desear y Original Sin paso sin gloria alguna.

el carro completo en el circuito llevar al celuloide la historia de de premios hollywoodenses, ya Tomb Raider, pero dada la nefasta puedes pedir mucho dinero. relación de los videojuegos con el cine Sony decidió abandonar ese En 2000 Jolie apareció proyecto. La Paramount Pictures en la producción de Jerry se acercó al desarrollador de Bruckheimer Gone in 60 seconds Tomb Raider y le dieron forma a junto al “versatil y camaleónico” Lara Croft: Tomb Raider. El papel Nicholas Cage. Un pobre remake de la voluptuosa arqueóloga fue de un filme de 1974, en el que la descartado por muchas actrices prensa de cine acordó se había y casi por último llego a las desaprovechado totalmente manos de Angelina Jolie. el boom de la actriz y sus capacidades. A partir de aquí La producción de Lara vendría un severo aumento de Croft: Tomb Raider costó a la la crítica al trabajo de Angelina; Paramount 115 millones de en parte porque los papeles que dólares y estaba convencida de llegaron a sus manos no ofrecían que sería un gran éxito. Durante el reto que tuvieron sus trabajos el rodaje Jolie conoció la vida en de 1999.

Camboya, y reconstruyo cierta visión que tenía del mundo. Fue A finales de los 1990 cuando inició con la adopción de Hollywood tenía una pésima huérfanos del país asiático. La historia con sus intentos de película fue un éxito moderado, llevar videojuegos al cine. Por recaudando mas de 250 millones aquellos días Sony se levantaba de dólares y probó un punto: con su Playstation de entre todas cuando se trata de jalar la las compañías de videojuegos y audiencia de los videojuegos al junto con ella EIDOS interactive cine se necesita estructurar un y su franquicia Tomb Raider. En buen proyecto para que llame, 1998 Eidos negoció con Sony mínimo la atención de ese público cautivo, máximo de la audiencia que no sabe nada del juego.

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Con el fin de aprovechar el empuje que traía consigo Tomb Raider y la posible salida del primer videojuego de Lara Croft en la mas nueva generación de consolas, la Paramount puso mano a la obra para lanzar una secuela. Así que bajo la dirección de Jan de Bont y la pluma de Dean Georgaris, la producción se puso a trabajar. Esto debía de ser bueno, Jan de Bont puede ser no muy conocido como director; pero bajo su nombre reside la dirección de Die Hard y Basic Instinct. Simultáneamente la compañía Eidos estaba por dar lo primeros detalles de la nueva secuela de Tomb Raider y anunció un espectacular lanzamiento en junio de 2003, tan sólo un mes antes de la fecha que Paramount puso a Lara Croft Tomb Raider: The cradle of life, todo parecía brillar para que la Lara-manía desatara grandes ventas para varias compañías, pero llegó ese trágico 20 de junio de 2003.

Eidos lanzó Lara Croft Tomb Raider: The angel of darkness… la peor entrega realizada por el desarrollador en años.

Paramount se preocupó por la pésima recepción del juego y congeló el gasto promocional de la película. La cuenta Su carrera continuó con final terminó a favor un proyecto de Michael de la casa productora, Cristofer, con quien había pero a diferencia de trabajado en Gia. Esta vez el primer filme The Cristofer decidió llevar a la cradle of life tuvo muy pantalla su novela Original modestas ganancias. A Sin. En la que cuenta la pesar de que ya habían historia de un hombre solo anunciado una tercer

eso durante su estancia en la salas.

Curiosamente el hecho de tener malas taquillas o malas reseñas no debilitó la imagen de Angelina Jolie. Ha sabido cumplir sus propias expectativas y seleccionar sus papeles.

película de Lara Croft y de que Jolie había expresado su interés en seguir con el personaje, la Paramount decidió congelar el proyecto para el futuro venidero.

El siguiente proyecto de Jolie involucró la ópera prima más ostentosa que yo haya visto en la historia del cine. El novato Kerry Conran, egresado del California Institute of the Arts movió las palancas de Hollywood y del productor Jon Avnet para producir su guión Sky Captain and the world of Tomorrow.

Convenció al productor después de mostrarle gráficos en tiempo real de los que sería una aventura filmada en un solo set cubierto de pantallas verdes lo que permitió que el presupuesto se fuera completamente en actores.

Para su próximo proyecto Jolie ingresó al elenco épico de Alexander, a cargo del director Oliver Stone.

La actriz interpretó el papel de la misteriosa madre del conquistador, que cuenta la leyenda gozaba de gran famas como bruja. Alexander fue mal recibida entre la crítica y la audiencia.

De los 155 millones de dólares que costó no se vio ni la mitad en el primer fin de semana, ni siquiera alcanzó a recaudar

en que el protagonista fuera interpretado por Tom Cruise, pero al ofrecerle el papel se rehusó por las similitudes entre Salt y su personaje en la saga Mission Imposible. Noyce se reunió con la cabeza de Columbia: Amy Pascal, le hizo notar las similitudes; Pascal rápidamente salió con un cuestionamiento que cambió para siempre el guión de Salt: ¿Y que tal si Salt es una mujer? ¿Y si le ofrecemos el papel a Angelina Dos años Jolie? esta interesada en una saga después, en 2005, de acción. Así fue como Pascal Angelina dio un golpe de los casi puso a cargo a Jolie para buenos a la taquilla y al mito de crear la saga de acción que tanto que las rubias o las tiernas se había buscado. Salt fue un éxito llevan el mejor paquete. Tras en taquillas, recaudando casi 300 casi año y medio de trabajo millones de dólares. la Fox estaba lista para lanzar una comedia romántica poco Jolie ha sabido presentar su común con dos famosos actores: persona a la industria, como Angelina Jolie y Brad Pitt, Mr. habrán visto a lo largo de este & Mrs. Smith la historia de texto no existe fidelidad de su una pareja enfrascada en la parte o exclusividad para una monotonía de levantarse, ir al compañía. Ha sabido tomar las trabajo y tratar de convivir un oportunidades más brillantes rato. Ambos se mienten ya que su antes sus ojos; claro, no siempre trabajo no es el que el otro cree; han salido del todo bien. Pero ambos son asesinos y tras recibir ahora espera iniciar el rodaje su última misión descubren que de la secuela de Salt y de Mr. & han sido asignados para matarse Mrs. Smith. Y todos podremos el uno al otro. ver en algunos días su más reciente apuesta; esta vez bajo la La comedia llena de producción del imperio Disney, explosiones y peleas fue todo en una ambiciosa apuesta para un éxito taquillero con casi una de las más ambiciosas 500 millones de dólares en las temporadas: el verano. Desde carteras de la Fox. luego estoy hablando de Maleficent una apuesta de 200 Otro gran éxito de la carrera millones de dólares que Disney de Jolie llegó de manos de no esta dispuesta a perder.

Columbia Pictures, que en 2007 intentó lanzar una franquicia de acción sobre un agente infiltrado en la inteligencia estadounidense.

En un principio Columbia puso el proyecto en manos Peter Berg, quien abandonó el proyecto intempestivamente. En 2008 Columbia asignó el guión sobre el agente / espía Edwin A. Salt al director Phillip Noyce.

Noyce estaba interesado

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E.U.A

LAS MADRES MÁS ECLÉCTICAS DE LA INDUSTRIA U

Por Ettel Alvarado

sualmente el retrato que corresponde a la figura materna dentro del cine está fuertemente ligado al contexto cultural en el cual se encuentra adaptado el guion, pero, ¿qué sucede cuando el país de origen de una producción cinematográfica es posiblemente el lugar donde coexisten la mayor y más heterogénea variedad de culturas como Estados Unidos, por ejemplo? Esta condición plantea el tema de la integridad y convivencia, las culturas que no atienden mucho a la manera en la que interactúan suelen tener representaciones híbridas de las mismas historias que cuentan las películas de otros lugares, entonces, será lógico decir que nos enfrentamos a una cuestión polisémica cuando hablamos de la imagen de la madre en el cine estadounidense.

Dentro de las producciones de Estados Unidos en las que recae el argumento sobre el rol de la

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madre, hace aparición la comedia dramática Quédate a mi lado (Stepmom) 1998 bajo la dirección de Chris Columbus, Julia Roberts interpreta a Isabel, una fotógrafa joven y exitosa que es pareja de Luke (Ed Harris), un

hombre divorciado con dos hijos, un niño de siete y una niña de doce, Isabel intenta llevar una buena relación con los hijos del que será su futuro esposo, pero la resistencia de éstos y la de Jackie, su madre biológica,

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siendo madre, y su actitud vital gira en torno a establecer una relación sólida con su actual pareja. La historia nos deja ver claramente un viejo paradigma que se encarga de afianzar las ideas tradicionales sobre el desempeño y ocupaciones de la madre/ mujer. Es una fórmula que funciona bastante bien para las producciones gringas, habrá que recordar lo que hizo Marc Cherry con su éxito de televisión Esposas desesperadas que utiliza el mismo modelo para crear la matriz actancial de su famosa serie.

Recordando lo dicho en líneas anteriores acerca de la importancia que tiene el contexto en la narrativa de una historia, viene a figurar en la lista la madre yonqui por excelencia, la que interpreta Ellen Burstyn en Réquiem por un sueño (2000) bajo la dirección de Aronofsky. Sara Goldfarb, sí, esa viejecita amable y dócil adicta a la televisión que viendo cómo se derrumba su pequeño y tedioso mundo al perder a su marido y con un hijo adicto a la heroína, no tiene más razón de vivir que la de entrar en su vestido rojo que le recuerda mejores épocas. La ingenua mujer presa de una insoportable melancolía se ve sumergida en un mundo de terribles consecuencias de las que nunca buscó ser presa. El pretender la aceptación social y el abandono por parte de los seres amados, fueron factores clave para el desarrollo de este singular personaje, lo cierto es que eso puede ocurrirle a otros en cualquier parte del mundo aunque el manejo del factor “drogas” en este relato ha sido lo que le ha brindado al personaje su particularidad. interpretada meritoriamente dre “perfecta”, obsesionada con por Susan Sarandon, le dificulta- la puntualidad, el orden, la limrá un tanto su cometido. pieza y los buenos modales, vive en un mundo sincronizado que Lo relevante de esta cinta, sabe dirigir perfectamente, este aparte de la actuación de Saran- mundo de esmero colapsa cuandon, es el perfil psicológico de do entra Isabel, una mujer encada una de las protagonistas, tregada, creativa, impulsiva pero Jackie es mostrada como la ma- despistada que jamás se imaginó

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Estados Unidos y la relación cultural con otros países Es bien sabido que Estados Unidos se mete en todos lados, y el cine resulta ser un móvil de representación bastante eficaz para mostrar cómo el mundo percibe a la nación norteame-

ricana y cómo ellos mismos se distinguen.

Siendo una co-producción de E.U.A con Reino Unido, Chocolat es una película del 2000 dirigida por Lasse Hallström. Toda ella es un cuento, en medio de un vendaval se ve llegar a Vianne Rocher (Juliete Binoche) y su hija, vestidas al más puro estilo caperucita roja, a un pueblecito francés de tradiciones ortodoxas, Vianne llega hasta ahí gracias a su espíritu nómada que le impide estar en un solo sitio por un tiempo prolongado; su papel es el de una madre independiente y segura de sí misma, dispuesta a ayudar a los demás con los dulces de chocolate que prepara en su respectiva chocolatería, tiene una hija soñadora e imaginativa. Pronto se verá en situación de enemistad con el alcalde del pequeño poblado que intentará a toda costa que los provincianos moralistas y reprimidos se vean tentados por sus chocolates.

Dentro de esta “guerra” aparecerá Caroline Clairmont, mano derecha del alcalde y madre escrupulosa, recta y preocupada por la imagen social, la cual representará el antagónico de Vianne (he aquí de nuevo la formula usada en Stepmom). Los personajes entrarán en conflicto y será entonces cuando Vianne emprenda una lucha en pro de la libertad, tratando de romper con esquemas predispuestos en una sociedad conservadora que rechaza todo lo concebido como nuevo, en un final retóricamente feliz la protagonista entenderá que como madre debe velar por el bienestar de su hija, ahora su vida no es tan de ella, llegó al lugar donde ya la estaban esperando.

musulmana. Betty es ciudadana norteamericana al igual que su hija Mahtob, el marido de ella Moody, interpretado por Alfred Molina, que por cierto también interpretó al alcalde en Chocolat, les promete que sólo serán dos semanas y después regresarán a casa.

Pasado este lapso de tiempo Moody le confiesa a su esposa que ha perdido su empleo en E.U.A y ha resuelto que la familia se quede a vivir en Irán en pleno conflicto bélico de relevancia internacional.

enaltece el nombre de América, es decir, de Estados Unidos al querer regresar a como dé lugar, no permitirá que su hija crezca en un país al que ella considera retrogrado y conflictivo, por ende, Estados Unidos es refleja-

El instinto de madre protectora de Betty sale al fin cuando Moody comienza a actuar como un fundamentalista en potencia, ya que la mantiene secuestrada junto con su hija, Betty hará cualquier La que no es un cuento es la cosa para salir de producción No sin mi hija (1990) Irán y poder regresar de Brian Gilbert, basada en he- a América, su “casa”. chos reales, en 1984 Betty (Sally Field) su hija y su esposo iraní Resulta ser una viajan hasta el país de éste para historia interesante conocer a su familia de religión y realista, la madre

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do como el país de la libertad y el raciocinio.

Continuando con esta corriente de enaltecimiento a los Estados Unidos, se cuela una película de 1999: Las cenizas de Ángela, de Alan Parker (basada en el libro de memorias del autor irlandés-estadouniden-

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se Frank McCourt). En esta historia el personaje principal es Frank, él es quien nos lleva de la mano a través de lo ocurrido, pero es innegable la influencia de su madre Ángela (Emily Watson) en todo el relato, Franky (como es llamado a lo largo de la trama) nació en Estados Unidos, unos cuantos años después la situación económica de la familia no era buena por lo cual toman la decisión de regresar a Irlanda, ya en Irlanda las cosas no van mejor; su padre, un alcohólico, no consigue mantener un empleo, Ángela enfadada por esta situación le dice a su marido que vaya a trabajar en una planta de defensa en Coventry (Inglaterra), después de eso no lo volvieron a ver. Ángela representa a la madre abnegada que da y hace todo por sus hijos, son la única razón para que ella siga adelante, la vida de Frank siempre estuvo fuertemente influenciada por las decisiones de su madre, en un acto de solidaridad para con su madre, Franky comienza a traba-

jar desde muy pequeño lo cual le acarrea enfermedades, pero ellos son inseparables, el momento de quiebre llega cuando la familia decide irse a vivir con un pariente que no tiene nada de simpatía por ellos y trata a Ángela como a una sirvienta, además de usarla para satisfacer sus imperativos sexuales, tras estas actitudes por parte de Ángela, Frank decide marcharse y trabajar hasta conseguir el suficiente dinero para embarcarse hacia América donde pretende continuar estudiando y así obtener una mejor calidad de vida, esta película es una clara representación de la relación madre-primogénito.

El choque de culturas presente en Estados Unidos hace que personas de diferente nacionalidad retomen y revaloricen sus propios conceptos. Por ejemplo las madres extranjeras en un país de locos, El club de la buena estrella película de 1993 dirigida por Wayne Wang, nos muestra cómo es la relación de un grupo de madres originarias de China que emigraron a Estados Unidos a causa de conflictos en su país y sus hijas chinas-americanas.

Las mujeres adultas se reúnen frecuentemente para jugar mahjong (juego de mesa chino), comer, y contar historias; tienen costumbres y tradiciones muy arraigadas que intentan transmitir a sus hijas nacidas ciudadanas americanas, pero el contraste de ambas culturas siempre está presente lo cual deriva en conflictos. La historia está contada en forma de recuerdos que surgen de las tres mujeres mayores

(originalmente cuatro pero una ha fallecido y este suceso funciona como parte elemental del argumento), recuerdan su vida en China y los sucesos que las llevaron a trasladarse a Estados Unidos siempre sucesos infortunados, tratan con todos los recursos que tienen a la mano de que los hechos desventurados que ellas vivieron no se repitan con sus hijas, cosa que parece estar sucediendo, cada una con un

problema específico y una ma- tanto en la vida real como en la nera distinta de resolverlo. ficción, es decir, en la cinematografía puede ser que en las Son varias historias que com- películas se usen fórmulas ya binan fantasía poética, además conocidas, probadas y efectivas de tristeza y nostalgia, todos pue- pero también muy gastadas que den hallar su tema particular en muestran producciones con aila película puesto que hay espa- res “americanoides”; mas no cio suficiente para las narracio- quiere decir que este país sea la nes individuales, una cinta que panacea de todos los males, es nos enseña la integridad de las un lugar que mantiene una culmadres para romper las barreras tura viva por el simple hecho de de las costumbres y tradiciones albergar una cantidad impresioc u a n d o nante de personas de diferentes de pro- nacionalidades incluyendo a las teger a madres, claro está. los hijos (as) se Parte de esta multiculturatrata. lidad le ha dado razón de ser a su cinematografía y el efecE n to social de la convergencia de un país tantas culturas es tan ávido que c o m o representarlo en el cine es una E s t a d o s tarea ardua que a veces termiU n i d o s na sobrepasando a la industria, el enri- que se imbrica en la capacidad q u e c i - de integración de las diferencias m i e n t o proporcionando más riqueza a en los las producciones cinematográfiroles que cas en sus argumentos, pues el d e s e m - intentar definir un papel especípeña la fico para las madres es una tarea m a d r e complicada, más cuando se cos u p o n e noce a Estados Unidos como un ventajas país que desborda idiosincrasias y des- por todos sus vértices. ventajas

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ARABIA

LA BICICLETA VERDE Por Jorge Alonso Espíritu

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ás que por los escritorios de los funcionarios públicos, más que en por los cubículos y las facultades, el centro de la discusión del papel de la mujer en la cultura se encuentra en la subjetiva experiencia personal, en los deseos cotidianos, en el amor y el desamor, en las esperanzas y las obsesiones.

La película Wadjda: La bicicleta verde, es una inevitable reflexión sobre el género: sobre el Islam y ser mujer. Una niña, Wadjda, crece de las fuertes restricciones que danos. Las reglas son complejas en Arabia Saudita entre y a pesar un gobierno monárquico-teo- y sobre todo limitantes, apuntacrático impone sobre sus ciuda- ladas por una policía religiosa,

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pero que residen en las creencias del mundo árabe: “la voz de las mujeres es su desnudez”, “las mujeres decentes entran a donde no las pueden ver los hombres”, “cuándo has visto a una mujer andar en bicicleta”. Pero Wadjda quiere una bicicleta, tan simple como eso, si se tratara de nuestro mundo occidental acostumbrado a la intrascendencia, pero con implicaciones profundas en un lugar donde la posi-

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ción del cuerpo alaba u ofende a to como se trata de la historia de Allah. Donde cada parte del de- su madre sarrollo femenino está enfocado a contraer matrimonio… y a ser “¿Crees que quiero mantener madre. dos familias? Dame un hijo y todo saldrá bien. Pero sabemos Los tenis gastados, la burka, que eso no va a pasar”. Es una corretear por las calles de Arabia de las frases determinantes de la Saudita, elementos que aparecen película. La dice, claro, el padre una y otra vez en la narrativa y de Wadjda a su esposa, mientras se vuelven redundantes de un la mamá de aquel está en busca mensaje: querer ser más. de una segunda esposa. Los sueños pequeños. Los sueños en los Hay que es- que se va la vida. Conservar el tar claros, sin matrimonio. Cuidar la tradición embargo, de y no permitir que nadie dañe a que la vida de su hija. Quizá tener un trabajo una persona que no devoré el tiempo. Ser feno es sólo su liz, lo que al fin y al cabo querevida, sino la mos todos. vida de las personas que la Es muy fácil caer en la tentaquieren. Tengo ción intervencionista de criticar una impresión el régimen islámico que predosobre La bici- mina en los países árabes. La bicleta verde, y es cicleta verde no trata de eso. Por que no se trata el contrario, es una muestra de de la historia una sociedad que avanza en un de Wadjda tan- tímido cambio de paradigmas, en medio de un entorno interna-

cional de revoluciones violentas.

Una contribución, sí, al intercambio de ideas desde una posición extrañamente privilegiada: la de su directora, Haifaa AlMansour, que recibió todos los apoyos gubernamentales para filmar esta historia e incluso representara a Arabia en la carrera para los premios Óscar.

Y es que el discurso predominante de la cinta cobra un valor inédito por los eventos y personas que hicieron sinergia para lograr su grabación y producción. Se trata por tanto de la primera película filmada por una mujer en Arabia Saudita y además, la primera película grabada totalmente en el país.

Al respecto, Haifaa menciona en entrevista concedida a medios de comunicación: “A veces es la madre la que tiene más determinación para decidir el destino de su hija. Así que me siento bendecida porque mi padre no sólo me dejara, sino que me animara a seguir mis sueños y de que mi madre fuera una persona tan fuerte y no le importara lo que la gente pensaba”.

Es lógico considerar que Wadja no es sino un compendio de anécdotas propias y de las personas que rodean a su directora, escrita por unos ojos conscientes de los roles femeninos, pero también de sus posibles transformaciones: la madre que espera, pero que puede no esperar. La madre que no debe comprar una bicicleta a su hija, pero que puede trabajar para hacerlo. La madre que sueña con el vestido rojo que mira tras un aparador, que mira cubierta por una burka. Una madre que es, y también, una madre que puede ser.

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COREA

EOM-MA Por Estefania Hipólito

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as mujeres tienen muchos riamente y uno de ellos es la ma- para su llegada, algunas lo han retos a los que se enfrentan dia- ternidad. No todas están listas deseado casi toda su vida, mientras que a otras les llegó por sorpresa, un accidente, descuido, una fatalidad u alguna otra razón. Sin embargo cuando una mujer decide que quiere ser madre se enfrenta a una responsabilidad enorme, ya que de la buena crianza y los valores que inculquen en sus hijos dependerá qué decisiones tomen ellos en el futuro.

Quizás de ahí la frase “La educación se mama”, porque las madres tienen mucho que ver en lo que somos de adultos, para bien y para mal.

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Criar a un hijo siempre ha sido bastante difĂ­cil y las madres siempre se enfrentan a diferen- hacerse cargo de los hijos, las calor que logra calmar todas tus tes retos, aunque en algunas oca- madres tienen ese feeling que inquietudes. siones es el padre quien debe de logra consolar a sus hijos, ese

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El día de las madres en México se celebra el 10 de mayo, pero en otros países se festeja en otras fechas y en algunos no existe la festividad como tal, pero el festejo es el intento de agradecer a nuestra progenitora por todo lo que nos ha dado en la vida, aunque sinceramente esto no sólo debería de hacerse en esa fecha.

Esta celebración puede variar con respecto a los países y las culturas, por ejemplo en Corea

del Sur no existe como tal sino que en ese país el 8 de mayo se festeja el Eobeoinal, Oboi Nal, o día de los padres.

Hablando de las madres la industria cinematográfica también retoma este tema como argumento principal o secundario y la industria cinematográfica de Corea del Sur no es la excepción y el tema es abordado en diferentes géneros como el drama, romance, comedia o thriller, además nos muestra madres: amorosas y comprensivas o rudas y temibles.

En la sociedad coreana las madres viven bajo el estereotipo de la mujer abnegada al cuidado de sus hijos y al de su marido, la cual casi siempre está sujeta a la opinión de su esposo y de los suegros.

de una madre que cuida a su hijo pequeño el cual está enfermo; y la última la de un jefe de la mafia que cuida a su madre con una enfermedad terminal, aquí muestra como la relación de los hijos con Además las sus madres se mantiene, se debimadres solteras lita o crece, además nos muestra son etiquetadas a tres tipos de madres diferentes como inmorales la que abnegadamente cuida de y fracasadas. Sin su hijo, la que opina que su hija embargo en las es un estorbo, y por último la películas se retrata a las madres casi siempre solas y muy pocas veces aparece la figura paterna.

En la película de comedia Madres del director Choi Ik-hwan, nos muestra tres historias, una la de una hija con su madre la cual es cantante de ópera pero que ve como su carrera va en caída por su edad, mientras que la hija trabaja casi como su sirvienta; la segunda es la relación

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que ya casi al final de su vida depende de su hijo.

Por otro lado están las madres que harán todo lo posible por proteger a sus hijos, sin importar qué se ponga en su camino, como en el thriller Mother del director Bong Joon-Ho, en donde una jovencita es encontrada muerta en un edifico abandonado, y un joven un poco retraído es

culpado y llevado a prisión; sin embargo su madre buscará al verdadero culpable para lograr que su hijo salga libre.

Sympathy for Lady Vengeance de Park Chan-wook nos muestra como la protagonista decide culparse de la muerte de varios niños para proteger a su hija, pero cuando decide cobrar venganza contra el verdadero culpable, ella les da la oportunidad a los padres para que hagan lo mismo con el asesino y uno de los padres no puede hacerlo y la madre es quien venga a su hijo.

Un ejemplo más es la película Dont cry Mommy del director Kim Yong Han, que nos muestra cómo una joven se suicida al verse expuesta y acosada después de una violación, entonces su madre al verse desamparada por las autoridades, decide buscar la forma de castigar al culpable.

Las películas surcoreanas muestran también la fuerza de espíritu que tienen las madres en ese país, ya que a pesar de las adversidades logran salir adelante, como en la película Secret Sunshine de Chang Dong Lee, donde una mujer se enfrenta ante la pérdida de su esposo y queriendo rehacer su vida se muda a otro lugar junto con su hijo, entonces otra tragedia la sacude, su hijo desaparece y ella se tiene que

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enfrentar ante el sentimiento de la pérdida.

Incluso la cárcel no puede romper su voluntad como nos lo enseña la película Harmony del director Kang Dae-kyu don-

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por un lado algunas son sumisas a sus esposos y familia política, por otro lado también detestan de dos mujeres cansadas de los ser así, pero tiene un sentido abusos familiares deciden termi- protector sobre sus hijos, el cual nar con estos, una es sentenciada les permite llegar hasta el límia muerte y sufre porque su hija te, y no se dejan doblegar por el no quiere saber de ella, mientras miedo o el peligro, además comque la otra tuvo un hijo en la cár- parten muchos rasgos con las cel pero se acerca el día en que madres de otros países. tendrá que darlo en adopción, aun así se mantienen firmes y Si bien el contexto sociocultudeciden formar un coro musical. ral de la mujer surcoreana sigue estando dominado por algunas En general las películas surco- ideas machistas, las mujeres ya reanas muestran los diferentes no son consideradas como un matices de las madres coreanas, objeto que sólo sirve para tener

y criar niños, cada días aspiran a superarse y siguen ocupando un lugar importante en las familias quizás por esta razón sea más común encontrar historias que sólo muestran a la madre.

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TOP FIVE

TravestIs Maternales Por @AMAURY1984

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as madres, a ojos de sus queridos vástagos, son un templo de pureza inmaculada, son su puerto de entrada a este mundo; y por lo tanto, la máxima prioridad a proteger en cualquier caso de difamación… Pero, ¿son acaso las madres la única figura maternal con la que contamos como mamíferos?, ¡desde luego que no! Está también el caballero que sutilmente escoge a la que será su esposa a toda imagen y semejanza de su progenitora… Pero, ¿acaso son las mujeres la única forma de tener una figura maternal a tu lado, a nuestro lado? Según este respetable ocioso, no. Según yo la figura maternal se basa en características muy específicas que seguiremos buscando en la gente a nuestro al rededor: estima, asesoría y clarividencia. Esa imagen que nos diga: “Te quiero, por eso te digo que tengas cuidado con esa largatona, que al rato te va a dejar por el primer galán que le guiñe el ojo”.

El cine a lo largo de su historia a hablado de montones de madres… padres, hijos e hijas. Y también a abordado un particular y usualmente cómico modelo maternal aterrizado en la figura del caballero travestido. No siempre como madre, pero si como figura de asesoría y familiaridad. Es por eso que este Top 5 esta dedicado a las figuras maternales en los hombres travestidos.

5. LOLA Por años los herederos de la familia Price han tomado las riendas de una renombrada fabrica de zapatos ubicada en un pequeño pueblo estadounidense, y lo han hecho tal y como les fue enseñado por generaciones. Pero los nuevos tiempos adoran los tenis y los encantadores diseños de artistas del calzado en la gran ciudad de New York. Y las ventas de los zapatos Price vienen en franco declive ahora que la fábrica esta en manos del joven Charles Price, que no entiende bien a bien cómo llevar una empresa.

En vísperas de un despido masivo, una sugerencia llega a sus oídos desde la boca de una de sus empleadas: “Cambie el producto”. Y es así como Charles parte a la gran ciudad para ver qué es lo que la gente compra. Una visita a un peculiar bar con show travestí le da la idea de fabricar zapatos femeninos en tallas y para caballeros. Así que busca la asesoría de Lola, un travesti afroamericano cuyo estilo destaca de los demás. Charles y Lola emprenden una aventura que los lleva hasta las pasarelas con su nueva línea de Kinky Boots, título de la película de Julian Jarrold, basada en una historia de la vida real que abrió el festival de Sundance del 2006 y que inspiró un musical en Broadway.

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4. EDNA TURNBLAD La película Hairspray de 1988 cuenta la vida de una joven con sobrepeso en la dedada de 1960, que

quiere participar en un concurso de baile. Desde luego la altamente discriminante sociedad estadounidense le pone el pie. La historia inspiró más tarde un musical muy exitoso que llevó el mismo nombre. En 2005 Adam Shankman retomó la vida de Tracy Turnblad y la llevó a la pantalla con todo el poder del musical.

En la historia la madre de Tracy, Edna, intenta persuadirla de participar en el concurso sabiendo que podrían herir sentimentalmente a su hija. Pero más tarde la impulsa a seguir sus sueños. Hasta aquí todo muy normal. Pero como en el filme de 1988 el director John Waters optó por utilizar a un famoso travestido de mote Divine para el papel de Edna, los productores del musical decidieron respetar esa característica del personaje y Shankman decidió que continuaría así, esta vez interpretado por el actor John Travolta.

3. MRS. EUPHEGENIA DOUBTFIRE Daniel Hillard es un niñote adulto que se dedica a prestar su voz para dibujos animados. Está casado con Miranda y tiene tres hijos; mas, a pesar de ser un gran padre es un pésimo marido. Así que tras una discusión mientras celebran el cumpleaños de su hijo Chris, Miranda le pide el divorcio y lo corre de la casa. En el juicio de divorcio y custodia, la autoridad falla a favor de Miranda y le otorgar visitas semanales a Daniel. Desesperado por todo el tiempo que perderá de la vida de sus hijos, idea como verlos, y al descubrir que Miranda busca apoyo doméstico se le ocurre convertirse en la nana que su esposa anda buscando.

Así se convierte en Mrs. Doubtfire, que es tan responsable con los niños que toda la familia se empieza a encariñar con ella. Todos menos el nuevo novio de Miranda.

Mrs. Doubtfire de 1993 del director Chris Columbus no aborda el hecho del travestí en la casa. De hecho espera y consigue que la audiencia no lo cuestione, sino que lo vea cómico como Bugs Bunny vestido de mujer sin poner en tela de juicio el personaje en el fondo del personaje.

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2. DOROTHY MICHAELS

Michael Dorsey es un renombrado actor radicado en

New York, y por renombrado entiéndase conocido, mas no admirado. Los directores y productores están hartos de sus desplantes y su problemático temperamento y así las puertas se le van cerrando una a una. Pasa meses en audiciones donde ni siquiera le permiten mostrar sus capacidades y un buen día se entera de las audiciones para una nueva telenovela llamada Southwest General, ambientada en un hospital.

El único problema es que el papel faltante dentro del casting es para una mujer. Apoyado por su compañero de departamento de viste de mujer y se presenta a la audición bajo el nombre de Dorothy Michaels. Dorothy consigue el papel y se vuelve la nueva sensación de la TV. En la producción conoce a la joven actriz Julie Nichols, una madre soltera que necesita el trabajo para mantener a su pequeño hijo; razón por la cual tolera al sexista y acosador director de la telenovela.

Gracias al apoyo de Dorothy, Julie siente que ha crecido como persona y forman un vínculo tan fuerte que Julie piensa seriamente en posibilidad de que exista algo más entre ella y Dorothy. Aunado a ésto, el personaje de Dorothy en la novela se convierte en un ejemplo de fortaleza femenina para su audiencia que la admira. El filme Tootsie del director Sydney Pollack está considerado entre las 10 mejores comedias de todos los tiempos dentro del cine estadounidense y casi le consigue a Dustin Hoffman el Óscar como mejor “actor”.

1. ALBIN MOUGEOTTE1 Conocido

artista travestido del club gay SaintTropez en la ciudad de París, lugar que administra su pareja sentimental Renato Baldi. Albin se presenta como Zaza Napoli en su show. Albin y Renato criaron al hijo del segundo, Laurent. Ya adulto Laurent regresa graduado de la Universidad con una gran noticia: conoció a una hermosa joven y están tan enamorados que planea pedir su mano. La idea de Laurent es reencontrar a Renato con su pareja Simone y que ambos reciban a los conservadores padres de la joven Andrea.

Albin se da cuenta de lo que planea Laurent y se deprime ya que él se considera la verdad madre de Laurent. Todo parece que saldrá bien para Laurent, hasta que su madre biológica no se presenta a la reunión. Con el fin de ayudar a Renato y a Laurent; Albin se aparece frente al Sr. diputado Simon Charrier y su esposa vestido como toda una Sra. de sociedad. La reunión transcurre asediada por hilarantes situaciones por mantener la caracterización de Albin. La Cage aun Folles es todo un clásico desde la primera vez que fue puesto en escena, la película llegó en 1973 de mano del director Édouard Molinaro con un gran elenco y es de la mejores comedias de situación del cine francés. En 1996 Hollywood la trajo de vuelta con su propia versión llamada The birdcage, bajo la dirección de Mike Nichols.

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Por Estefania Hipólito

EN CARTELERA

FADING GIGOLO N unca es tarde para intentar nuevas cosas o iniciarse en una nueva profesión y más si te encuentras en apuros económi-

cos, además si cuentas con la compañía de un gran amigo, las cosas resultaran más divertidas.

Dos amigos judíos Fioravante (Turturro) y Murray (Allen), quienes ya tienen bastantes añitos encima, se encuentran en una difícil situación económica, por lo que deciden probar suerte uno como gigoló y el otro como representante, pero su nuevo empleo no será bien visto en la comunidad judía en la que viven.

Es la quinta película que dirige John Turturro, su último trabajo fue Passione de 2010, pero también es conocido por sus trabajos de actuación en películas como Transformers.

Título original: Fading Gigolo Dirección y Guión: John Turturro Reparto: John Turturro, Woody Allen, Sharon Stone, Sofia Vergara, Vanessa Paradis, Liev Schreiber País: E.U. A. Año: 2013 Duración: 98 min.

Pulse aquí para ver el trailer: http://youtu.be/DuKoub-Sy9k

JUSTIN Y LA ESPADA DEL VALOR

Udren

joven decide contradecir las ordenes de su pay no seguir el camino que éste le ha indicado, él tratara de oponerse a los tiempos modernos e intentará revivir las pasadas glorias del lugar donde vive.

Justin vive en un mundo gobernado por burócratas, pero este lugar un día estuvo lleno de caballeros, los cuales han sido desterrados, aunque él quiere seguir los pasos de su abuelo Sir Roland, su padre tiene planeado otro futuro para él como abogado, al encontrarse perdido decide visitar a su abuela, quien le contara una historia que él desconocía, por lo que decide salir en busca de sus sueños y en el camino se le unirán Talía, al mago Melquíades y Sir Antoine.

El director Manuel Sicilia ha realizado otros trabajos de animación como El lince perdido del año 2008.

Título: Justin y la espada del valor Título original: Justin and the Knights of Valour Dirección: Manuel Sicilia Guión: Manuel Sicilia, Matthew Jacobs País: España Año: 2013 Duración: 90 min Pulse aquí para ver el trailer: http://youtu.be/rrzX5kKHFYo

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EN CARTELERA OBEDIENCIA PERFECTA Dcreer icen que la fe mueve montañas y que el hombre necesita en algo, pero cuando la religión en que tanto confiaste defrauda esa fe, es muy difícil que vuelvas a creer.

Obediencia perfecta, se desarrolla entre las décadas de 1960 y 1970, y muestra la manipulación psicológica que el padre Ángel de la Cruz (Juan Manuel Bernal), quien pertenece a la congregación los Cruzados de Cristo, ejerce sobre el seminarista Sacramento Santos, y de los otros seminaristas, así como los castigos y practicas a los que se ven expuestos dentro de la congregación.

Obediencia perfecta de Luis Urquiza, es su ópera prima y está basada en el libro Perversidad (2007) de Ernesto Alcocer y se también se inspira en la historia de Marcial Maciel.

Dirección: Luis Urquiza Guión: Luis Urquiza, Ernesto Alcocer Reparto: Juan Manuel Bernal, Alfonso Herrera, Alejandro de Hoyos Parera, Juan Ignacio Aranda, Claudette Maillé, Juan Carlos Colombo, Sebastián Aguirre País: México Año: 2013 Duración: 90 min.

Pulse aquí para ver el trailer: http://youtu.be/pe9KmtGcLJ4

SILENCIO DEL MÁS ALLÁ No es bueno abrir puertas a dimensiones desconocidas, ni aun en el nombre de ciencia.

Un grupo de los mejores alumnos de una clase es invitado a participar en la creación de un poltergeist y utilizarán como base la teoría de la actividad paranormal, además utilizarán como conejillo de indias a una joven, pero durante los experimentos se darán cuenta que cosas extrañas y espeluznantes comenzarán a ocurrir y no sabrán cómo frenar esas fuerzas.

La película es de los realizadores de La mujer de negro y es del director John Pogue cuyo trabajo conocido es Quarantine 2: Terminal, además los sucesos están basados en un hecho que ocurrió en 1971.

Titulo original: The Quiet Ones Dirección: John Pogue Guión: John Pogue, Craig Rosenberg, Oren Moverman Reparto: Sam Claflin, Jared Harris, Olivia Cooke, Erin Richards, Rory Fleck-ByrneCunningham País: Reino Unido Año: 2014 Duración: 90 min.

Pulse aquí para ver el trailer: http://youtu.be/OnhjJROjxs8#aid=P9-

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