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Editorial
Por sí sola la música es una alegoría de imágenes que transmiten emociones, percepciones e historias. Describir la música con palabras resulta un tanto inocuo, la música se describe a sí misma a través de sonidos y colores. Es parte fundamental de la vida, cada uno de nosotros construye su propio sound track a lo largo de su historia, canciones y melodías acompañadas de una tremenda carga emocional de asociaciones que nos remiten a momentos, lugares y personas específicas.
La generación de empatía que provoca ha llevado a millones de artistas a utilizarla como recurso complementario de otras artes. Haciendo uso de la música como guía del argumento y principal herramienta, el cine creó el género musical que con el paso del tiempo a evolucionado en las más diversas formas para adaptarse a las nuevas exigencias de la industria.
Contenido Había una vez: El artifico del cine es muy sencillo, se llama musical 2
En portada: El mago de Oz
La mente maestra: Milos Forman 10
Tesoros fílmico: El detective cantante 6 Punto de vista: A favor y en contra de Bailando en la oscuridad 20
Para conocer: Cine o teatro e ahí el dilema 14 Super 8 Número 34
Además Divas: Debbie Reynolds 24
Editor: Azucena Mecalco Redactores: @AMAURY1984, Ettel Alvarado, Jorge Alonso Espíritu, Estefania Hipólito, Amy Madai Hidalgo, Evelin Montiel Arte y Diseño: Azucena Mecalco México Distrito Federal 15 de mayo de 2014
Top Five: Musicales disfrazados de películas 30 En cartelera 33
HABÍA UNA VEZ
El artificio en el cine es muy se se llama m Por Ettel Alvarado
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asta este instante, la vista ha abarcado un amplio campo de la vida, es cierto que el cine es para verse, pero también para escucharse, el cine es el arte por excelencia de nuestro tiempo, pero cuando se combina con algo eté-
reo e inaprensible que no vemos, pero que conocemos y denominamos –música- puede espolear la imaginación hasta el punto en el cual se presenten ambos en perfecta armonía, dando como resultado los musicales. En el cine musical se hacen interrupciones para que la siguiente sección sea cantada y bailada, en él se mezclan el teatro, música, canciones, diálogos y baile. Esta libertad artística permite a los actores abrir el canal de actuación y “soñar” cuando están cantando-actuando. En un principio se ponía más énfasis en el hecho de entretener sin tener mayor cuidado de mantener la conexión con el desarrollo
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narrativo, en tanto fue desarrollándose adquirió más precisión. Imposible sería hablar del musical sin tener en cuenta la cinta El cantante de jazz (1927) de Alan Crosland, la cual hizo explotar al cine sonoro y ya para la década de los 30 el público tenía como género favorito al musical. Estos años y las siguientes décadas serían consideradas como la época de oro de este género, dentro de esta forma de hacer cine surgirían algunos de los talentos más representativos e ilustres de la pantalla grande, Gene Kelly, Stanley Donen, Bing Crosby o Julie Andrews se encargarían de darle sentido y significado al cine musical. Hablar de musicales es hablar de Busby Berkeley quien fue director y coreógrafo hollywoodense, él dotó al musical con un lenguaje cinematográfico distintivo que lo alejaba de lo teatral, el movimiento en la cámara y las escenas grabadas desde ángulos difícilmente perceptibles para el ojo del humano común, hicieron de Berkeley una figura de importancia dentro del género.
encillo, musical Gene Kelly supo hacerla dentro del cine en su respectiva época de esplendor, ya que se la jugó como actor, bailarín, coreógrafo, productor y director, como director trabajó al lado de Stanley Donen en Un día en Nueva York (1949), musical que posiblemente daría a conocer este género en el mundo entero, pues indiscutible es que el musical tiene la etiqueta de “hecho en E.U.A.”; después de esa producción codirigió también con Donen y actuó en Cantando bajo la lluvia (1952) y su actuación donde canta enamorado empapándose ha quedado guardada en la indeleble presencia de la cinematografía. Desde su creación este género supo satisfacer a los espectadores, en su mayoría adultos jóvenes, en cada producción que se realizaba; sin embargo, si es preciso considerar una época en la que el musical ofreció su máximo esplendor siendo amo y señor de la pan-
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talla grande, esta época serían los años 50 y 60, durante estos años se vieron grandes obras que pasarían a formar parte de la historia del cine, ya sea por el argumento, la música, la escenografía, las actuaciones o todo junto, viene a la memoria un rey, o al menos así llamado por los fanáticos, el cantante y actor Elvis Presley con sus actuaciones en El barrio contra mí (cuyo título original es King Creole 1958) o Viva Las Vegas (1964). Pero no sólo Presley apareció en los musicales más famosos de esos tiempos, en Alta sociedad (1956) dirigida por Charles Walters, hizo aparición un trío muy singular de talentos indiscutibles ya que sus protagonistas fueron Frank Sinatra, Bing Crosby y Grace Kelly que de actriz pasó a ser princesa de Mónaco por su casamiento con el príncipe Raniero III de Mónaco.
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Para 1970 el género ya se mostraba un tanto debilitado, aun así, hubo cintas que supieron defenderlo, Hair, Grase, Ha nacido una estrella, Cabaret y Jesucristo superestrella, de esta pequeña lista seguramente más de uno sonará familiar o popular (porque lo es), ya para los 80 el musical recae en Annie y la comedia musical en Los Blues Brothers de John Landis.
El musical evidentemente estaba perdiendo terreno, pero esto no debía suponer su fin, pues para la década de los 90 (y hasta la fecha) encontró en los dibujos animados otro gran apoyo para seguir con el género y llegar a un público que antes pasó desapercibido: los niños, Disney aprovechó esta situación y nos ofreció La bella y la bestia (1991) entre otras muchas de sus adaptaciones de cuentos musicalizados. Se puede hablar de un regreso del musical, no es que en algún momento se haya ido, pero es cierto que su presencia no se notaba mucho, comenzando el siglo XXI el danés Lars von Trier dirige Bailando en la oscuridad un musical lleno de drama y devastadora, pero bueno, es von Trier, otro de los preferidos es Moulin Rouge
(2001) hay quienes dicen que con esta película se abrió la nueva oleada del musical, aunque justo un año después aparece Chicago de Rob Marshall, grande y ambiciosa que se defiende con todo. La lista de musicales que figuran en los anales de la cinematografía es sumamente abundante, elegir los mejores es tarea deshonesta pues lo que uno encuentra maravilloso, al otro le causa reconcomio, como el sin-
gular y obligado de mencionar The Rocky Horror Picture Show. Haciendo alusión a los musicales que son obligación mencionar, hay uno muy particular de 2006, su particularidad reside en que ha sido un éxito entre el público adolescente, se mencionó a un público maduro en los 30, al público infantil en los 90, ¿pero para los adolescente qué hay? Pues para ellos existe High School Musical y más allá del argumento de la cinta, habrá que prestar atención, pues es otra vez Disney quien colo-
ca al género dentro de una esfera que antes nadie o pocos habían concebido. Después de estos exitazos se puede pensar en una posible bonanza del género, pero hasta el momento no se han hallado los recursos para sostener esos argumentos, salvo casos aislados y esporádicos y tampoco es que los propios musicales estén ayudando a concretar una tendencia, ya que desde hace muchos años, se ha venido trabajando el género, el trabajo que tienen aquellos que dirigen musical no es fácil pues tienen en sus manos la labor de marcar un renacimiento del interés hacia éste y no permitir que se vea forzado al ostracismo.
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TESOROS FÍLMICOS
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un musica Por Jorge Alonso Espíritu
-Debemos hacerlo cantar primero -¿Otra jodida canción?
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a primea escena es oscura. No se observan muchos detalles, sólo un par de personajes y música de fondo. No aparece ningún tipo de crédito, ni una introducción, sólo el título como un anuncio luminoso: The Singing Detective. El 7 de junio de 1994 falleció Denis Potter, un dramaturgo Inglés de televisión, guionista y periodista que estableció muchos de los parámetros en los que la televisión británica crecería y viviría su apogeo en la segunda mitad del siglo XX. Su genio artístico, siempre lleno de humor negro y una burla a las contradicciones de la sociedad inglesa, lo llevarían a crear una de las obras más valoradas en la historia de la televisión mundial: El detective cantante. Historia nacida
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detective cantante:
al oscuro sin banda sonora como un libro, la miniserie estrenada en enero de 1986, y con sólo seis capítulos supondría un homenaje al cine negro de los años 40.
El traslado a la pantalla grande, llevado por Keith Gordon en 2003, conserva la esencia de la serie británica de los 80, y respeta aún más el guion cinematográfico de Potter, aunque en algunos momentos, como es natural, el director dé ligeros o grandes cambios a los propósitos iniciales del guionista. No es esto malo, pues en todo caso se trata de un director que entiende el lenguaje cinematográfico, el teatral –disciplina donde el género musical tiene su arraigo- y el televisivo, como lo demostró en la aclamada serie Dexter, de 2006. Así es como se obtuvo a principios de los años 2000 una cinta que cumple su doble función de sátira y homenaje; homenaje al cine negro y al propio Denis Potter, con guiños al teatro del absurdo de Samuel Beckett, y sátira a los musicales y a los dramas optimistas que después de la obvia catarsis encuentran el final feliz.
El éxito de la serie, pero también las obsesiones y el curso que la vida de Potter tomaría en los años siguientes a la primera aparición del detective, lo motivarían a trabajar, alrededor del año 1992 en la adaptación de la obra a un guión cinematográfico que estaría listo sólo un par de días antes de su deceso. El guión, que fue adquirido por un buen número de estudios, y anunciado con relativo escándalo otro número de veces, permaneció sin un proyecto sólido durante el tiempo que su escritor vivió, y todavía unos años más hasta que El escritor de novelas poliMel Gibson y su produc- ciacas Dan Dark se encuentra tora, Icon, compraran hospitalizado con una terrible los derechos en 1999. psoriasis, ocupando su tiempo planificando una historia en su cabeza, que protagonizaría el
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personaje que ya utilizó en su novela: El detective cantante. Su personaje poco a poco se verá implicado en la intriga de una investigación de una prostituta en Los Ángeles de los años cincuenta.
mundo oscuro donde todo tiene significado en el dolor, la enfermedad, el sexo como trauma, y el propio sentido de la vida, todos estos temas que estaban presentes en la vida de Potter, y que al final de ella lo acompañaron.
En el desarrollo de la historia, el equipo de Gordon hará alusiones –pocas, pero significativas- a filmes de los años 50, llenando la pantalla de simbolismos para llevarnos del sinsentido a un
En efecto, Denis Potter padecía psoriasis: “una enfermedad inflamatoria crónica de la piel que produce lesiones escamosas engrosadas e inflamadas, con una amplia variabilidad clínica y evolutiva”. Y el personaje principal la sufriría de una forma extrema, para lo cual, en el caso de la película, el director y el protagonista, Robert Downey Jr., utilizarían la imagen del guionista para puntualizar en los signos de la enfermedad, que en uno de sus puntos más trágicos, afectó las
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articulaciones del dramaturgo al grado de llegar a escribir atando lápices a su mano, como lo hace Robert Downey en una secuencia de la cinta. Es importante fijar la atención en el actor principal, elegido por recomendación de Gibson, pues encaja de alguna forma en el perfil psicológico de Dan Dark, pues Robert se encontraba también en un proceso de recuperación física y legal, por el consumo de estupefacientes, que lo había tenido, además de imposibilitado para actuar, privado de su libertad. Así la cinta, pensada para filmarse en Chicago, había cambiado su locación a Los Ángeles, ya que éste se encontraba en libertad condicional y no podía abandonar el estado. El resto de los personajes, con un elenco extraño por tratarse de actores reconocidos trabajando en papeles pequeños de una cinta de bajo presupuesto,
complementan a la perfección el mundo oscuro del Detective cantante: Mel Gibson, en el papel de un divertido psiquiatra; Jon Polito y Adrien Brody interpretando dos absurdos gangsters (Brody no ganaba aún el Oscar, aunque había estrenado ya El Pianista) Jeremy Northam, Carla Gugino, Robin Wriht Penn y hasta Katie Holmes, en personajes con cargas simbólicas importantes a pesar de su breve aparición. Pero el filme no deja de ser extraño. Lo que Dan Dark escribe es una novela, no una película, así que todo aparece confuso en la pantalla: la idea es mostrar escenas sin terminar en su cabeza. Se presentan así cuatro escenarios: el primero, oscuro, el que recuerda al cine negro, es la conspiración en la que el cantante se enfrenta a los demonios de Dark, que permanece tumbado en la cama del hospital. Ese ambiente es el segundo: un ambiente lleno de luz blanca, desquiciante, lleno de doctores y enfermeros, con un personaje decadente y tomas que lo dejan como al centro de una caja, como un insecto atrapado, y allí, hasta el minuto 11 de la cinta, aparece el primer número musical, acompañado de las palabras: “librium, valium, barbitúricos”. El tercer escenario es el desierto, un lugar lleno de luz cálida, pero que también asfixia, (en un momento los gánsteres legan allí desde su oscuro
mundo y se preguntan: ¿Es ese el Los números musicales se presol? O una enorme luna, si no lo sentan en playback. Ello con un es. propósito fundamental: demostrar la falsedad de las canciones y El cuarto escenario es más montajes alegres y en apariencia breve. Dark, en la cama, imagi- sinsentido. Denis Potter las conna una intriga entre su esposa cibió de tal forma: Los actores y un oportunista, Jeremy Nor- no debían cantarlas. La visión tham, quien también pertenece alegre de la idea que producen es al mundo oscuro y al desértico, falsa, se satirizan los musicales y para apropiarse del guión del De- la cultura pop. Dan Dark no puetective Cantante y hacer dinero a de evitar cantarlas, pero no es su sus espaldas. Y todo comienza propia voz, son emociones ima girar en torno a la infidelidad puestas. No se trata de un bello y al sexo. El personaje principal número musical, sino por el concrece de golpe con el sexo como trario, de una comedia oscura y algo aterrador, terrible, que lo a ratos dolorosa. “Dan que vas transforma en un ser misógino y con todo este odio, este enojo”, misántropo. Es justo eso lo que le pregunta su esposa, “Escribir desencadena su enfermedad, literatura seria, supongo” que según sus características se suele manifestar En un camino lleno de pistas, a través de un que fiel al género absurso, a motrauma y hacer mento no conducen a nada, los grave a partir diferentes mundos de Dan Dark del estrés. Se se entremezclan y colapsan. La vuelve prisione- alegría de las canciones se vuelro, de su pasado, ve triste y de pronto, irónica. y la cárcel es su Cada número musical es parte propia piel. Con de una narrativa que no se contodo el humor, y cebiría separada una de otra. el erotismo, Dan Por ello la producción decidió Dark no puede no publicar una banda sonora, dejar de produ- pues, en opinión de Keith Gorcir lástima. don, sería una mezcla de grandes piezas musicales, con canciones Y entonces terriblemente burdas. En la osadquieren lógi- curidad se ve muy poco, pero la ca las canciones. luz también abruma.
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LA MENTE MAESTRA
Cine a fuego lento
Milos Forman Por @AMAURY1984
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hecoslovaquia fue un país de 1918 a 1992, ahí nació Jan Tomás Forman. Tras los difíciles años de la Segunda Guerra Mundial Checoslovaquia se encontraba parcialmente de pie,
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para más tarde entrar a la Academia de Artes Escénicas de Praga a estudiar escritura de guión. Ahí conoció a grandes maestros del teatro checoslovaco como Alfréd Radok y Josef Svoboda. De su generación salieron además los miembros mas destacados de lo que se le conocería a partir de 1960 como la nueva ola del cine checoslovaco. Formada por artistas del celuloide como Juraj Herz, Evald Schorm, Ivan Passer y Jan Tomás Forman que para efectos de ser recordados decidió utilizar el seudónimo Milos Forman. al ser ocupada por el régimen Nazi no puso resistencia. Misma acción que llevó a cabo cuando los rusos hicieron retroceder a los alemanes. Forman cursos la educación media superior
Su carrera fílmica inició con su guión para una comedia a la que llamó Lásky Jedné plavovlásky, que en castellano quiere decir algo así como Amores de un rubia. La historia
n habla de una fabrica rural en tiempo de guerra. Dado que todos los hombres jóvenes han sido llamado al frente, la fabrica de llena de hombre maduros, casados en su mayoría, que tiene que convivir con las jovencitas trabajadoras dentro de la fabrica. Andula, una hermosa joven de cabello rubio, se ve abordada por muchos de estos caballeros; pero ella solo tiene ojos para el nuevo y flamante pianista del bar local. Andula cae perdidamente enamorada pero el pianista no tiene intención de quedarse ahí y regresa a Praga. Andula no piensa perder al amor de su vida y deja todo por ir a buscar al joven a la gran ciudad. La ópera prima de Forman fue laureada tras su estreno e inclusive llegó a la sala del Óscar nominada a mejor película extranjera. En 1967 Forman llevó al celuloide un guión producto de su colaboración con Jaroslav Papousek. Horí, ma Panenko es la historia del departamento de bomberos de un pueblo pequeño.
En ese preciso momento celebran el cumpleaños 86 del jefe de bomberos y todos los de la comunidad se encuentran celebrando. Los festejos se vienen abajo cuando los premios de la lotería han sido robados. Peor aún para el jefe de bomberos, las chicas inscritas en el certamen de belleza para ser Miss Bombera no son nada agradables a la vista. Horí, ma
Panenko involucra además el primer acercamiento de Forman al color. Solo dos filmes bastaron para que Forman pudiera darse a conocer a nivel internacional. En 1968 se dirigió a Paris para concretar la filmación de su guión Taking off en los Estados Unidos. Mientras él se encontraba en la capital francesa, Checoslovaquia
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estalló en p r o t e s t a s sociales. Forman decidió tomar de pretexto su estadía en los EE.UU. para tramitar su naturalización. Taking off de 1971, aborda la rebeldía juvenil representada por la joven Jeannie que no aguanta el yugo paterno, por lo que decide huir de su casa. Sus padres angustiados buscan a la joven y en el proceso conocen un grupo de padres que han pasado por lo mismo. Los padres entonces deciden que si la juventud no desea de cuidado paterno, los padres no tienen por que seguir preocupándose y disfrutan de la libertad. Taking off quedó muy mal en los EE.UU. pero salió victoriosa de la taquillas europeas y del festival
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de Cannes, haciéndose con el reconocimiento del Gran Prix. Forman tuvo otra oportunidad para caer bien en el mercado estadounidense cuando llegó a sus manos el proyecto de llevar a la pantalla la novela de Kenn Kesey: One flew over the Cuckoo’s nest. Presentada en 1975 narra la historia del delincuente McMurphy que al verse al borde de caer de nuevo en prisión finge demencia y es llevado a un hospital psiquiátrico. En donde establece empatía con muchos de los pacientes atormentados por el yugo de la enfermera Ratched. One flew over the Cuckoo’s nest forma para de un selecto grupo de películas que han salido de la entrega del Óscar con los galardones a Mejor director, Mejor actor protagónico, Mejor actriz protagónica y Mejor película. El éxito del filme puso a Forman en la cumbre de la industria, que para muchos directores significaría proyectos a carretadas. Pero el mundo no supo de otro filme del
director hasta 1979. Se pasó esos años planeando la versión fílmica de un musical ícono de toda una generación: Hair. Creado por James Rado, Gerome Ragni y Galt Macdermot; Hair es un musical que retoma los estilos musicales de los 1960 con guitarras estridente y grandes coros. La historia narra la vida de una joven campesino de nombre Claude en su camino a la gran ciudad de Nueva York para enlistarse en el ejercito y servir a su país en la guerra contra Vietnam. Cuando llega a la gran metrópoli del norte conoce a un grupo de pintorescos e independientes Hippies. Claude se enamora de Sheila, pero el deber llama y Claude parte al desierto de Nevada para recibir entrenamiento. Los hippies deciden sacar a su amigo del
ejercito a como de lugar y roban un uniforme por la libertad. Hair fue todo un éxito y a pesar de gozar de prestigio por la puesta en escena, muchas de las canciones saltaron a la fama internacional con el filme. Como la gran Let the sunshine https://www.youtube.com/ watch?v=dPxRcEugOPw con la que cierra.
similar a One flew over the Cuckoo’s nest arrasó en la entrega del Óscar saliendo de la sala con ocho estatuillas incluyendo Mejor director, Mejor película y Mejor actor.
V a l m o n t , adaptación de la obra Los cinco años siguientes al literaria de Pierre éxito de Hair, Milos Forman se Chordelos: Les dedicó a una nueva adaptación. Liaisons dangereuses, Esta vez la novela de Peter Se estrenó a finales de 1989 y casi pasó desapercibida ya que el director Stephen Frears le había ganado a lanzar su propia versión un año antes. Entonces llegó a manos de Forman un guión sobre la vida del polémico fundador de la revista HUSTLER, Larry Flint. The people Vs. Larry Flint retoma momentos clave del Shaffer, Amadeus, sería la que proceso que llevó al editor, llegaría a las salas de cine, fotógrafo y directo de porno a presentada en 1984 y tomando ser adorado por un sector de la novela muy literal. El proyecto la población que no estaba tan de Forman se enfocaba en eso, dispuesto a dar la cara por él; y es por ello que fue severamente odiado por todos aquellos que criticada por los historiadores veían en el trabajo de Flint la por dejar totalmente de lado total decadencia de la sociedad los hechos reales de la vida del y las buenas costumbres de la músico Austriaco. Amadeus familia estadounidense. fue un gran éxito de taquillas y
The people Vs. Larry Flint además marca el inicio de una trilogía biográfica que continuó con la vida del comediante Andy Kaufman. Conocido por los excesos y excentricidades de su vida personal, Man on the Moon se estrenó en 1999 y no tuvo el éxito con el que contó la vida del Sr. Flint. La trilogía biográfica terminó en 2006 con el estreno de Goya’s Ghosts; que como su nombre lo refiere, aborda la vida del pintor español. Particularmente aborda su problema con la Inquisición española cuando su joven musa es acusada de herejía. La vida de Milos Forman tomó un giro hacia el mundo de la academia cuando pasó a formar parte de la plaza docente de la Universidad de Columbia donde se le ha dado el doctorado Honoris Causa. Esto detuvo casi por completo su producción fílmica. Su siguiente y ultimo filme llegó hasta 2009. Dobre Placená procházka hecha en la ahora República Checa es una colaboración con su hijo Petr Forman. Se sabe que tenía pensado llevar a la pantalla otra adaptación de una novela pero Milos Forman ha tomado un camino mucho mas encaminado al retiro en la academia.
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PARA CONOCER
Cine o teatro, he ahí el H
Por Evelin Montiel
ace algunas semanas, se dio a conocer la noticia de que una de las historias más famosas del cine de los años noventa, Pretty Woman, volverá a brillar pero esta vez en la escena musical de Broadway, después de más de diez años de intentos. Desde 2001 se buscó colocar en el teatro esta historia que catapultó la carrera de Julia Roberts, sin embargo tras años de intentos se ha llegado a un acuerdo para poder realizar un guión teatral basándose en el original cinematográfico. De esta manera, la exitosa película Pretty Woman que emocionó a medio mundo, se sumaría así a la tendencia actual de adaptar películas de Hollywood para Broadway, como ha sucedido con Rocky, que se estrenó recientemente, The Bridges of Madison County o Bullets over Broadway.
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Y es que estos ejemplos no son los primeros de los que se tiene registro. Desde que el cine sonoro hizo su aparición, la música logró ocupar un papel sumamente importante que sólo podía verse dentro de los espectáculos en vivo. Una de las principales cintas que marcó un hito del cine musical, sin duda es Singing in the rain de 1952.
Este filme de Stanley Donen y Gene Kelly fue uno de los más brillantes y fructíferos del cine musical, que contiene una de las escenas más encantadoras que se ha visto en el género: al enamorado personaje de Kelly cantando y celebrando su éxtasis de amor bajo la lluvia.
l dilema Otra cinta que revolucionó el cine gracias a los musicales, y sobre todo a la técnica del technicolor, fue El mago de Oz de 1939, que vio la luz tras varias versiones de su guión. Fueron un sinnúmero de directores y colaboradores quienes dieron forma a este clásico de la literatura basado en el cuento de Frank Baum y W.W. Denslow, en el cual finalmente se acreditó Víctor Fleming como director. Esta adaptación a todo te ch n i colo r tendría un impacto insoslayable en
la cultura popular y elevaría la figura de Judy Garland al máximo del género, especialmente gracias a su emotiva, tierna e hipnótica interpretación del tema Somewhere over the rainbow. Pero es que además los méritos de la
película de Fleming son incontables, desde el mismo momento en que estableció una iconografía visual cálida y al tiempo inquietante que ninguna otra adaptación ha logrado sustituir como definitiva. Y eso gracias entre otras cosas a ese camino de baldosas amarillas, al Espantapájaros de Ray Bogler, al baile del Hombre de Hojalata de Jack Haley, al León Cobarde incorporado por Bert Lahr o al omnipresente Frank Morgan. En tanto, en teatro,
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bella Milla Kunnis interpretando a la bruja malvada de piel verde. Retomando la época de oro del cine musical, no podemos dejar atrás a grandes figuras que agasajaron al público con sus representaciones y su voz, con lo que contribuyeron como artífices de los años gloriosos del musical. Vicente Minnelli fue uno de ellos. Un año más tarde del estreno de Cantando bajo la lluvia, se estrenaría esta obra en teatro: Melodías de Broadway.
esta historia también logró tener un gran éxito. Luego del estreno cinematográfico, se lanzó en Broadway el musical titulado Wicked, basado en El mago de Oz y el libro Wicked, Memorias de una bruja mala de Gregory Maguire donde se narran las aventuras de Elphaba, una niña de piel verde que nace en
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Bien, pues Minelli retomó aquella historia 20 años después y la convirtió en una extraordinaria cinta que logró conjugar el mito de Fausto en el seno del reuna región independiente de la lato sobre el acto en decadencia tierra de Oz y que se transforma- que acepta un papel en el musirá posteriormente en la malvada cal que quizá le devuelva la fama. Bruja del Oeste. Las situaciones vividas con su enemiga y amiga La obra de Minelli puede que Glinda (Bruja Buena del Norte) no haya logrado tanta popularipondrán en duda las ideas pre- dad como lo hicieron los anteconcebidas sobre el bien y el riores trabajos mencionados, sin mal. embargo es tanto o más capaz de Así esta historia se ha colo- reportar toneladas de felicidad cado como una de con actores en estado de gracia los mayores y ju- en un metraje salpicado de excegosos éxitos de la lentes canciones y coreografías. historia del teatro no sólo de Nueva Dentro de esta cinta, cabe York, sino en todos destacar la presencia del númelos países donde ro Shine on your shoes, el cual ha sido montada. fue considerado por el crítico Ejemplo de ello es y escritor Carlos Losilla, “como la reciente tempo- la que podría ser una de las esrada que cumple la cenas clave en la transición del obra en México en cine clásico al moderno, uno de donde ha superado los signos de la autoconsciencia por mucho las ex- de una parte de Hollywood que pectativas. empezaba a entender que todo empezaba a cambiar en algún Casi al mismo sentido”. tiempo del estreno de la puesta en Durante los años 60, la salud escena en México, del cine musical empezaría a una versión remas- debilitarse, pero dos títulos lleterizada del Mago garían a enmendar la situación. de Oz se estrenaba Nos referimos a Mary Poppins de en pantallas. Allí Robert Stevenson y My fair lady pudimos ver a Ja- de George Cukor. Ambas estremes Franco en el nadas en 1964 ofrecerían resisprotagónico y a la tencia antes de que el género aca-
bara definitivamente avasallado lidad y situaciones más reales por otro tipo de propuestas. Los en donde el amor y la traición dos, además, estaban íntima- fueron los protagonistas. mente vinculados al nombre de la afamada actriz Julie Andrews. Ese es el caso de Cabaret y Grease, grandiosos éxitos en Julie venía de una consolida- Broadway. da experiencia teatral en la que había destacado en los escenaCabaret, es el resultado musirios con su papel en My fair lady. cal basado en el obra de teatro I Cuando llegó la hora de adap- Am a Camera de John Van Drutar la obra a la gran pantalla, sin ten, que a su vez es una adapembargo, Jack Warner prefirió tación de la novela corta Gooa Audrey Hepburn para el papel dbye to Berlin de Christopher y sería así como Andrews acaba- Isherwood. La primera versión ría debutando en el medio cine- fílmica de Cabaret vio la luz en matográfico como la niñera más 1972 grafamosa del cine. Mary Poppins cias a Bob mezclaba acción real y anima- Fosse quien ción, integraba fabulosos efectos colocó en especiales y desplegaba un re- la escena a pertorio de canciones peligrosa- Liza Minnemente pegadizas, a saber el Chim lli en el proChim Cher-ee de Dick van tagónico. Dyke, A spoonful of sugar como Esta mutema ideal para las labores del jer, hija de hogar y el trabalenguas cantado V i n c e n t e que era Supercalifragilisticexpia- Minnelli y lidocious. Judy Garland sin Ya en la década de los años duda lleva70, los musicales cinemato- ba el talento gráficos sufrirían una trans- artístico en formación en la que pudo los genes y verse una investidura más lla- lo demostró mativa, luces, colores, sensua- como nunca
en Cabaret, quizá la cumbre en la corta filmografía de un Bob Fosse que practicó el musical cuando ya comenzaba a ser un género en vías de extinción. Ésta, su gran película, se desarrollaba en el Berlín nazi de 1931, en el que el Kit Kat Club y las actuaciones de su estrella Sally Bowles (Minnelli) se convertían en el refugio nocturno de una realidad más gris. El resultado: un éxito total en taquilla y ocho estatuillas de la Academia.
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El caso de Grease no es diferente. Esta obra marcó un hito en el cine musical, a menudo el más celebrado por adolescentes y contemporáneos de los protagonistas. Y es que el impacto que logró causar Grease puede verse no sólo en el éxito taquillero que obtuvo, sino en el mito cultural que generó. No podemos negar que este es el tema recurrente para las fiestas de disfraces o en los Karaokes, aún 36 años después de su estreno. Y es que probablemente a muchos y muchas de los que alguna vez se peinaron el tupé hacia atrás o se colocaron una peluca rubia no advirtieron que, en realidad, el filme de Randal Kleiser no era tanto un producto de la época presto a ser consumido desde la nostalgia, sino una parodia de ese tiempo pasado y sus valores ya obsoletos. Esto puede verse en el tema Beauty school dropout, que el mismísimo Frankie Avalon canta a una embelesada Didi Conn, o ese descarado y deliberado final tantas veces criticado. Grease se basaba en un musical de 1971 de Warren Casey y Jim Jacobs, y buena parte de su triunfal salto al cine se de-
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bió a unos estupendos John Travolta y Olivia Newton John que demostraron extraordinaria química con sus respectivos personajes. Con la llegada del nuevo siglo, un musical abrió las puertas a una nueva era del musical. Moulin Rouge de Baz Luhrmann, resultó ser un polémico, apasionado y sentimental largometraje que traslada al París de principios de 1900. Las decisiones estéticas y el nivel de histeria de Moulin Rouge podrán ser objeto de debate, pero lo que es seguro es que nos hallamos ante una obra vertiginosamente libre, capaz de encontrar su propia épica emocional en los grietas de su locura visual. Su soberbia y anacrónica banda sonora en donde bien se incluyen Madona como David Bowie, todo en buena parte, responsabilidad del genio mezclador de Marius de Vries. Su imaginería del exceso no sería lo mismo sin la complicidad de unos actores completamente entregados a la causa, desde los protagónicos Ewan McGregor y Nicole Kidman, a los secundarios hiperbólicos de Jim Broad-
bent y John Leguizamo. A esta obra, le seguiría Chicago de Rob Marshall en 2002. Esta adaptación no hubiese sido posible sin Marshall, quien comenzó en televisión con una adaptación de Annie, musical de 1977 sobre una pequeña huérfana que ya había tenido su versión cinema-
tográfica en 1982 de la mano de John Huston. No es de extrañar, pues, que su salto al cine fuera para desempeñar el género en una producción más grande y más ambiciosa como era Chicago, adaptación de la obra teatral de 1926 escrita por Maurine Dallas Watkins. Los protagónicos corrieron a cargo de Richard Gere, Catherine Zeta-Jones y Renée Zellweger, quienes narraron atinadamente la historia de unas bailarinas de vodevil, abogados y asesinatos
capaces de acaparar y diluir géneros con notable destreza. Esto por supuesto le llevó a obtener un gran triunfo en la ceremonia de los premios Óscar en 2003, donde se coronó como Mejor Película, con ello se convertía en el primer musical desde 1969 en ganar este galardón. Logró en total seis estatuillas y su éxito hizo que muchos señalaran a Marshall como el sucesor de Bob Fosse, sin embargo, el propio Marshall decidió optar por otro tipo de proyectos en los que figuran Memorias de una Geisha (2005), Nine (2009), Piratas del Caribe en aguas misteriosas (2011). Sin duda, esta última década ha visto resurgir el género musical en el cine gracias a las obras teatrales y ¿Quién no apostaría por una cinta cuando la historia ha sido multipremiada no sólo en Broadway sino en todo el mundo? De esta manera, a cintas como Moulin Rouge y Chicago, le siguieron otras como El fantasma de la Ópera de Joel Schumacher en 2004, la ganadora del Óscar, Dreamgirls de Bill Condon en 2006; el remake Hairspray de Adam Shankman
en 2007; Sweeney Todd, el barbero demoniaco de la calle Fleet del laureado Tim Burton en 2007; el musical de los Beatles titulado Across de Universe de Julie Taymor en 2007 y Mamma mia de Phyllida Lloyd de 2008. El último gran ejemplo es Los Miserables, este dramático musical remasterizado en 2012 por Tom Hooper se coronó como Mejor Película en 2012 y dio a Anne Hathaway el triunfo tan anhelado.
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A favor y en contra de:
Bailando en la
A favor: Su belleza radica en la fatalidad
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os musicales cinematográficos suelen ser sumamente exagerados, los números musicales hacen que los actos estén, simplemente, muy alejados de la realidad. Las emociones en extremo dramatizadas y un discurso musicalizado en el que el final es miel sobre hojuelas resultan algo inertes, esto es en lo genérico, mi opinión acerca de ellos. De inclinarse hacia uno en específico, prefiero abismalmente los musicales teatrales por la cercanía que hay entre el espectador y el artista. Uno puede recoger gestos e impresiones con mayor fidelidad, los cuales producen una mayor impresión estética.
o necios prejuicios […], en mejores condiciones se encontrará para comprender y apreciar la obra de arte en cuestión. Eso fue lo que pasó, cuando tuve la oportunidad de ver Dancer in the Dark, fue gracias a una recomendación, así que llegué y sin atender a la reseña por no arruinarme la emoción, comencé la proyección.
Como bien decía Oscar Wilde, “la obra de arte debe dominar al espectador”; cuando veo un musical teatral, atiendo con disciplina y gusto las indicaciones de Wilde: “el espectador debe ser receptivo, sensible. […] Lars Von Trier es un persoY mientras más capaz sea de su- naje destacado en el mundo del primir sus opiniones personales cine por ser controvertido, des-
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de su ideología cinematográfica con Dogma 95, hasta su fatídica aparición en Canes en el 2011, por la que fue considerado “persona no grata”. Pese a ello es un personaje que sigue despertando interés en el ambiente internacional y su manera de hablar es por medio de sus películas. Aunque la obra de Lars dista de mantenerse firme en los estatutos establecidos en el movimiento Dogma 95, lo cierto es que dejó muy buenas impresiones fílmicas del director que son apreciables también en este tra-
PUNTO DE VISTA
a oscuridad, de Lars Von Trier Por Amy Madai Hidalgo Barrera bajo. Para mi sorpresa Dancer in the Dark resultó ser un drama musical, dejando un tanto contrariada mi opinión acerca de género. La protagonista, la cantante y compositora islandesa Björk, es un personaje asombroso, multifacético y espontáneo, lo cual permitió que el filme no fuese de exaltada ridiculez (como algunos) y brindó un toque particular por su voz única. Puede apreciarse que la islandesa hace una interpretación emocional del papel de Selma Yesková, su actuación fue sumamente expresiva y rica en su evocación sentimen-
tal. El danés escoge tan escrupulosamente a los actores que participan en sus largometrajes, pues en su mayoría desempeñan papeles bien ejecutados, que da la impresión de que el personaje no podría ser interpretado por otro actor. A pesar de la misoginia que entinta la personalidad de Lars, sus protagónicos femeninos concluyen profesionalmente su trabajo, esta producción tampoco fue la excepción.
suerte y pueda ser operado. El único escape de Selma es soñar despierta, ella baila y canta para hacer un poco menos angustiosa su vida. Es una historia librada en la década de los 60, en la que la guerra fría es un reflejo que encierra con ironía la percepción de los inmigrantes que van a América en busca de cumplir un sueño, y por otro lado el socialismo considerado por los norteamericanos como “extraño” y conspirador.
El argumento es sencillo: la vida de una mujer que tiene una enfermedad congénita que poco a poco va quitándole la vista. Emigró hasta los Estados Unidos para que su hijo Gene Las intervenciones musicales no corra con la misma entonces, están bien justifica-
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En c Lo que importa
Por Jorge Alonso Espíritu dad y la fragilidad humana presentes en un discurso visual, donde las escenas y tomas encierran efusividad y angustia, las ay algo que no me cuadra: cuales describen a la perfección ¿por qué una madre que prefielas impresiones sensibles re arriesgar la vida todos los días de los personajes. por su hijo, se molesta cuando al chico le obsequian una bicicleta? Lars es un cineasta que Bien, los humanos y sus sinsenha insertado dentro de sus tidos, problema de cada quien, películas características pero, ¿por qué un director de del discurso teatral, lo cual cine que enarbola un manifiesto hace a sus rodajes más llamado “Dogma”, y enérgicos y dinámicos, que en sugieriendo al espectador una forma diferente de interpretar el cine. Parte de la trilogía Golden Hearts, Dancer No es musical donde los actos in the dark (2000), fue galardomelódicos atiborren la pelícu- nada con el premio Palma de Oro la dejándolo a uno fastidiado de y con el premio a Mejor actriz. tanto número musicalizado, éstos se encuentran en momentos Este musical es, en suma, una específicos que dan al público propuesta diferente para quienes efecto, se trata una liberadora conmoción mu- no disfrutamos de las películas de un decálogo de lo más dogsical en la historia de una mujer de ese tipo. Deja el mensaje de mático, de pronto lo abandona que está consciente de su deses- que lo que importa no es el géne- para hacer una película que deperanzador futuro, la muerte. ro, si es musical o no, sino la for- pende en mucho de algunos de ma y el contenido que se plantea. sus postulados? Fácil: porque ese Su belleza radica en la fatalidirector se llama Lars Von Trier y puede hacer lo que quiera. das ya que representan el escape para el espíritu de una obrera desesperanzada con un objetivo bien definido: salvar a un hijo de la fatalidad de su mismo destino.
H
Lo de Lars es la provocación como forma de discurso. Romper con las directrices del cine, del espectador y de sus propios postulados, asombrar y romper esquemas, ir contra la corriente, excepto en sus juicios –o prejuicios-, bien marcados en cada una de sus cintas: su antiyanquismo, su misoginia, su misantropía.
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De esto da fe su (anti) musical Bailando en la oscuridad, un melodrama que gira en torno al mundo de una joven madre sol-
contra: es la provocación tera checa que vive para salvar a su hijo. Para ello se traslada a los Estados Unidos y trabaja día y noche para evitar que la ceguera total que la acecha alcance algún día al pequeño. Claro, esta extraña, extrañísima, improbable enfermedad cada día limita más su visión, lo que complica no sólo la vida de Selma, la protagonista, sino también su objetivo principal: pagar la operación del vástago.
Así estamos ante un musical apuntalado por la innovación, ner lugar don- más que nada por el estilo, pero de la película tiene lugar). que en cuanto a su historia, se queda sin muchas armas. Las jusAsí tenemos una película difí- tificaciones no estéticas se concil de ver, no por su complejidad, tradicen y son difíciles de creer. sino por el mareo que produce la cámara móvil, porque usar Evidentemente, Lars leyó toun tripié es algo demasiado ar- das las tragedias griegas. Como tificial, tecnologizado e impuro todo un clásico, Von Trier recrea para la castidad del cine.
El otro problema de la historia es que Selma es buena. Exageradamente buena. Y por ser tan buena, tan ingenua, es que no puede vivir en un mundo real y tiene que hacerlo en uno lleno de fantasías y de ritmo y de z a pateos .
Pero no se piense que se trata de un desacierto porque en todo caso, es parte de los sustentos del filme. La fotografía arrogante, de mala calidad, desencuadrada, asfixiante, es también un cómplice simbólico de la miopía de Selma, no sé si intencional.
En ese ejercicio que ridiculiza la imaginación y la industria –en el segundo caso, empresa en la que Lars ha invertido su trabajo-, el director ocupa más de 100 cámaras de grabación digital en cada número musical, renunciando a algunos postulados del Dogma 95, pero sin renunciar, desafortunadamente, al postulado número tres en el resto de las escenas: Se rodará cámara en mano. Cualquier movimiento o inmovilidad debido a la mano está permitido. (La película no debe tener lugar donde esté la cámara, el rodaje debe te-
La transgresión de Lars es el plato fuerte: Bjork y las extrañas piezas que forman el soundtrack de la película, canciones compuestas por la islandesa, que en su conjunto según la crítica musical especializada, no alcanzan la brillantez de sus mejores obras.
los géneros y hace con ellos lo que quiere, con el beneplácito de su gran audiencia cautiva. El resultado es importante, pero nunca lo principal, porque la provocación es lo que más vale.
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DIVAS
UN TALENTO Por Estefania Hipólito
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a música siempre es un elemento i nte re s a nte en el cine, puede provocar diferentes sentimientos o que el ambiente cambie de un momento a otro, además H o l l y wo o d siempre le ha tenido un especial afecto al género de los musicales, el cual tuvo gran apogeo a fines de 1930 y hasta principios de los 1960.
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El género musical toma muchos elementos del teatro ya que con un ritmo imparable siempre mezcla comedia, amor y números musicales, además los actores que participan en ellos deben de poseer características integrales, en las que sean capaces de bailar, cantar y actuar. En la época de oro de cine en Hollywood muchos actores destacaron en este género, unos más que otros, como Gene Kelly , Fred Astaire, Ginger Rogers y Debbie Reynolds. Debbie Reynolds, cuyo nombre verdadera es Mary Frances Reynolds, nació el 1 de abril de 1932. Desde pequeña tenía mucha energía y un talento natural que con el paso de los años le sería de gran ayuda para los diferentes papeles que inter-
O NATURAL
pretaría. A la edad de 16 años ganó el concurso de belleza Miss Burbank y un contrato cinematográfico con la Warner, donde realizo pequeños papeles en películas como June Bride de 1948, la cual era una co-
media protagonizada por Bette más relevantes, sin llegar a ser Davis y Robert Montgomery. aún la protagonista, en producciones musicales, como Three Con la llegada de los años 50, little words (1950) de Richard Debbie firmó un nuevo contrato Thorpe protagonizada por Fred con la Metro-Goldwyn-Mayer, Astaire y Red Skelton, en el misdonde comenzó a tener papeles mo año actuó en Two Weeks with
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pués de haber sido reprimida por el director por la forma en que bailaba ella rompió en llanto ya que creía que no lo lograría, y el mismo Fred Astaire fue quien la ayudó en el baile.
Love de Roy Rowland estelarizada por Jane Powell y Ricardo Montalbán, donde Debbie Reynolds actúa de la hermana de la protagonista, en esta película su actuación recibió muy buenas críticas, y Mr. Imperium (1951) de Don Hartman, con Lana Turner y Ezio Pinza. En el año de 1952, por fin, estelariza su primera película, la
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Un dato curioso de la película es que si bien Debbie Reynolds canta algunos de los temas de la película, en otros momentos fue doblada por la actriz Betty Noyes quien paradójicamente interpreto a cual la lanzaría al estrellato, esta Lina Lamont cuya voz es supueses Cantando bajo la lluvia de Stan- tamente doblado por el personaley Donen y Gene Kelly, donde je de Reynolds. coprotagonizó con Gene Kelly y Donald O’Connor. Esta película Cantando bajo la lluvia fue una representó un gran reto para ella, de las películas más taquilleras en primer lugar no creía encajar de su tiempo y la misma Debbie en el papel, además todos sabían Reynolds la considera, junto con lo duro que era Gene Kelly como el trabajo de parto, como una de director, el cual en ocasiones se las experiencias más difíciles de convertía en un tirano dentro de su vida. los sets y en segundo lugar desAl siguiente año estelarizó la película Tres chicas con suerte de Stanley Donen, donde participaron Debbie Reynolds, Margie Champion y Helen Wood. El argumento de esta cinta es la búsqueda de una estrella en un nuevo proyecto musical, de entre muchas candidatas quedan tres al final, pero sólo una podrá ser la protagonista, en esta película se pueden observar las aptitudes que Reynolds había adquirido en la película anterior. Además es impresionante ver como las tres actrices bailan los diferentes números musicales casi como si flotaran, haciéndolo parecer muy fácil. En El solterón y el amor (1955) de Charles Walters, actuó junto a Frank Sinatra, él interpreta a un mujeriego agente de Nueva York y ella a una joven actriz que no le presta la atención que
él desea, en esta película una de los números musicales más memorables es cuando ella primero interpreta el tema de la película The Tender Trap y después el sube al escenario y le muestra cómo se debe de cantar correctamente esa canción. En ese mismo año contrajo matrimonio con el cantante Eddie Fisher, con quien tendría dos hijos la actriz Carrie Fisher y el director Eddie Fisher. Junto con Eddie estelarizaría Bundle of Joy (1956) de Norman Taurog, comedia musical que trata de cómo una empleada de una tienda comercial encuentra a un niño abandonado y se hace cargo de él y del embrollo que resulta cuando las demás personas
creen que es niño es de ella. En el mismo año actuó en The catered affair (1956) de Richard Brooks, una película de drama que fue protagonizada por Bette Davis, Ernest Borgnine, Barry Fitzgerald y Rod Taylor. En esta película Reynolds interpreta a una joven que anuncia su compromiso y subsiguiente boda; pero su madre, en un intento de
forzar la fantasía que tiene sobre lo que debería de ser su familia, trata de realizar una boda que no puede pagar, en esta película Reynolds no baila o canta, pero su actuación muestra lo angustiada que una mujer puede estar ante la presión que representa una boda costosa que ella no desea. Tammy, la muchacha salvaje (1957) de Joseph Pevney es una película romántica casi comparable a un cuento de hadas, Debbie Reynolds estelarizó la película junto con Leslie Nielsen, el argumento trata de cómo una joven campesina encuentra a joven herido y cuida de él hasta que se restablece, entonces por alguna razón ella entra en el mundo de él lleno de lujos, donde ocasionara algunos problemas. Esta película ganó el Óscar en la categoría de Mejor canción. Después de ello actuó en comedias románticas como Un muerto recalcitrante (1959), de George Marshall donde comparte escenario con Glenn Ford. Si bien esta película no es un musical y el argumento gira en torno a una pareja de casados, donde el esposo trata de detener a un hombre que intenta chantajear a su esposa por unas fotos de su pasado, planeando asesinarlo, en
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algún momento de la trama se puede ver a Debbie Reynolds interpretando un número musical tras bambalinas. Junto al mismo director también estelarizó otras dos películas Empezó con un beso
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(1959) y Cómo atrapar un marido (1959), pero sólo eran comedias románticas donde los bailes y canciones ya no eran el ingrediente principal.
En The Unsinkable Molly Brown (1964) de Charles Walters, actuó al lado de Harve Presnell y Ed Begley, la trama es un relato de ficción sobre la vida de Margaret Brown, una sobre-
viviente del hundimiento del RMS Titánic , por esta película fue nominada al Óscar de Mejor actriz, pero perdió frente a Julie Andrews con Mary Poppins . En 1966 protagonizó la comedia musical The Singing Nun de Henry Koster, la película toma como base a la monja Jeanine Deckers quien grabó la canción Dominique, en la vida real.
Quizás una de sus actuaciones más conmovedoras dentro de los musicales es la participación que tuvo en la película That’s Entertainment! (1974) de Jack Haley Jr. película con la que la MetroGoldwyn-Mayer celebró su 50 años. También ha participado en otros géneros cinematográficos, así como en el doblaje o ha hecho apariciones especiales como ella misma en algunas películas como Pepe (1960) y El guardaespaldas (1992). Debbie Reynolds es una de las leyendas vivientes de la época de oro del cine de Hollywood y aun sigue activa, además ha participado en más de 80 películas
hasta el momento y sin duda las personas siempre recordara a su personaje de Kathy Selden de la película Cantando bajo la lluvia, así como la energía, el buen humor y la gran sonrisa que la caracterizan.
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TOP FIVE
Los mejores musicales disfrazados de película... E
Por @AMAURY1984
l género musical en la industria del cine le viene heredado de su abuelo y constante generador de ideas: el teatro. Éste a su vez lo tomó prestado de la puesta en escena de las obras de bel canto. El musical es actualmente el género más exitoso en el teatro, casi 65% de los proyectos de teatro comercial recaen en éste. El cine empezó desde muy joven a retomar el género, le vino como anillo al dedo gracias al uso previo de música en vivo para dar algo más junto con las proyecciones de cine mudo. Curiosamente junto con la ola de fanáticos que carga el género, lo acompaña un séquito similar de indiferentes; es tan odiado como amado. Lo que desde luego genera cierto escepticismo entre los realizadores a la hora de elaborar un proyecto musical. Existen ejercicios que considero magistrales ejemplos de como meterle a toda la audiencia en general un musical por la fuerza y que los tomen positivamente, y de eso se trata este TOP 5, de los musicales disfrazados de películas, ejercicio tan sutil que hasta a ese odioso que le hartan las “películas cantadas” salen tarareando.
5. Frozen (2013. Dir. Chris Buck, Jennifer Lee) El imperio Disney ha dedicado enteramente su vida a la producción de musicales. Lo han sabido ocultar muy bien poniendo de pretexto que hacen películas para niños, y a los niños les gusta cantar. En 1989 inició el boom de los musicales de Disney con The Little Mermaid. Y cayó en picada al rededor de 1999 tras el estreno de Tarzán. Disney dejó la animación a terceros como Pixar y se pasó los 2000 reconstruyendo lo que renacería en 2010 con el estreno de Tangled. La misma fórmula de las princesas y el musical construida años atrás renació acompañada de hermosos gráficos en 3D y la voz de cantantes del momento. Considero personalmente que Disney ve en Frozen, adaptación del cuento The snow Queen, de Hans Christian Andersen, el renacer de su éxito en los musicales. Ya que como lo hiciese con The Lion King en 1994, Frozen conquistó la entrega del Óscar.
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4. Moulin Rouge (2001. Dir. Baz Luhrmann) El entonces novato director
Baz Luhrmann había tenido gran éxito con su versión actualizada de Romeo & Juliet en 1996 y no fue hasta el 2001 que regresó a las salas de cine con un drama ambientado en el famoso cabaret parisino Moulin Rouge en 1899. El romance entre un joven escritor y la mas famosa bailarina del cabaret suelta a los 10 minutos de iniciada la cinta la verdadera intención de Luhrmann: hacer un musical escrito y dirigido por él en su totalidad; claro que como no es músico se valió de música popular que de manera un poco trunca, une la historia.
3. Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (2007. Dir. Tim Burton) Aunque el primer guión sobre la histo-
ria de Benjamin Barker fue concebido como un musical por Hugh Wheeler, no deja de ser curioso que un musical narre tan siniestra historia. Tim Burton decidió que para su versión fílmica el asesino seria interpretado por Johnny Depp cuya voz áspera le da cierta vida al personaje. La historia inicia con Benjamín perdiendo todo después de ser enviado a la cárcel por un crimen que no cometió. Tras su salida decide retomar su antiguo oficio con el fin de vengarse de todos los hipócritas burócratas en Londres. Lo que le genera una cantidad brutal de cadáveres de lo que deshacerse. Aunque esto no le quita el sueño a él, sí despierta la creatividad Mrs. Lovett que decide abrir un negocio muy redituable debajo de la barbería de Sweeney Todd.
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finales de los 90 la serie animada creada por Trey Parker
Así que es hora de acabar con la peste norteña de una vez
1. Dancer in the Dark (2000. Dir. Lars von Trier) Selma
Jeskova es una joven madre e inmigrante checoslovaca que busca sacar a su hijo de los rieles que la perversa genética tiene deparado para su vista. Es por esto que a pesar de su pésima visión Selma acepta un peligroso trabajo en una fabrica de aluminio. Ante la realidad que agrede su estar en el mundo, Selma busca refugio en un de sus hobbies favoritos: ver musicales clásicos estadounidenses. Su escasa visión no le permite ver lo que pasa en pantalla, pero si le permite hundirse en una realidad alterna en la que su vida en un gran musical. Con música de la cantante islandesa Björk, que además actúa en el protagónico; el director Lars von Trier crea el más grande musical disfrazado de película. Dancer in the Dark, a diferencia de la mayoría de los musicales conocidos, no tiene un final feliz, pocas cosas salen como lo esperaba la protagonista y termina en un gran drama.
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Por Estefania Hipólito
GODZILLA
EN CARTELERA
G odzilla, es uno de los primeros monstruos japoneses que llegaron a occidente y su creación está vinculada con la ra-
diactividad de la bomba atómica, en esta película se muestra lo que pasa con el progreso científico y las consecuencias que pueden ocurrir al jugar con la naturaleza. En esta ocasión el monstruo japonés vuelve a cobrar vida después de que el científico Joe Brody (Bryan Cranston) descubre que una serie de tsunamis a las costas anticipa la llegada de numerosos monstruos de gran tamaño. La película se sitúa antes de la cinta dirigida en 1998 por Roland Emmerich, y nos muestra los orígenes del monstruo japonés, además dentro del reparto cuenta con Aaron TaylorJohnson (Los Vengadores: La era de Ultrón) y Elisabeth Olsen (Oldboy). Título original: Godzilla Director: Gareth Edwards Guión: Max Borenstein, Dave Callaham, Frank Darabont (Argumento: David S. Goyer) Año: 2014 Duración: 123 min. País: E.U.A Reparto: Aaron Johnson, Ken Watanabe, Elizabeth Olsen, Juliette Binoche, David Strathairn, Bryan Cranston Trailer: http://youtu.be/I-EEqJ9HyTk
X-MEN: DÍAS DEL FUTURO PASADO
Lbíaa saga de las películas de los X-MEN, parecía que se haroto, pero en un vuelta de tuerca, en esta ocasión se re-
toma una historia, para lograr que se liguen entre sí las películas previas y así obtener una línea más balanceada. La película se ubica 10 años después de la última entrega X-Men: The Last Stand, en este tiempo los mutantes ya no son libres y muchos de los X-Men originales han sido capturados o han muerto, por esta razón viajarán en el tiempo con la ayuda de Kitty Pryde quien usará sus poderes con el fin de enviar la mente de Wolverine a su cuerpo del pasado para que encuentre a las versiones jóvenes de Charles Xavier, Magneto, Beast y Mystique, pero algo le ocurrirá a Kitty y las cosas se complicarán. La película está basada en el cómic del mismo nombre escrito en 1981 por John Byrne y Chris Claremont. Título original: X-men: days of future past Dirección: Bryan Singer Guion: Simon Kinberg, Matthew Vaughn , Jane Goldman, Bryan Singer (Argumento) Protagonistas: Hugh Jackman, James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Halle Berry, Nicholas Hoult, Ellen Page, Peter Dinklage, Ian McKellen, Patrick Stewart Trailer: http://youtu.be/-fzkF-oOKS8
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EN CARTELERA MALÉFICA Ldosos cuentos de hadas hacen que las niñas sueñen con munllenos de bondad, donde la verdad y la justica siempre triunfan; pero sólo nos cuentan una parte de la historia y nunca llegamos a saber qué paso antes o después. Sin embargo, hasta algunos de los personajes más temibles alguna vez fueron buenos y en el camino se fueron retorciendo.
Maléfica es conocida por muchas personas como la villana que, al no ser invitada a la fiesta de Aurora, decide vengarse embrujando su destino, disponiendo que en el momento que la aguja de una rueca pinche su dedo ésta caerá en un sueño eterno, sin embargo Maléfica alguna vez fue una bellísima joven con un corazón puro, que vivía en paz en el bosque, hasta que los humanos rompieron con la harmonía de su país, por lo que se convierte en la protectora de su reino, pero al final una traición convertirá su corazón en piedra. Título original: Maleficent Director: Robert Stromberg Guión: Linda Woolverton, Paul Dini, John Lee Hancock Año: 2014 Duración: 135 min. País: E.U.A Reparto: Angelina Jolie, Elle Fanning, Juno Temple, Sharlto Copley, Kenneth Cranham, Lesley Manville, Imelda Staunton, Miranda Richardson, Sam Riley, Purnell
Trailer: http://youtu.be/XDKDW1Wn0WA
TRASCENDER En la era de la tecnología los avances de diferentes programas y plataformas no parecen sorprendernos, cada día la evolución de la tecnología se vuelve más rápida, y los programadores intentan que sus creaciones piensen por sí solas, pero los cálculos a veces no suelen ser exactos. El Dr. Will Caster (Johnny Depp) junto con su esposa Evelyn y Max tratan de crear un ordenador que piense por sí mismo, pero un grupo de terroristas asesina a Will, ante esto, su esposa carga un prototipo del programa en el cerebro de él para después comenzar a comunicarse mediante una cámara y un micrófono. Intentando proteger y difundir su descubrimiento empieza a propagar sus logros por medio de otros ordenadores, pero las personas que lo asesinaron intentarán detenerlo por todos los mediosJohnny Depp en esta ocasión sale de los roles que acostumbra a interpretar y muestra una faceta diferente de su actuación Nombre Original: Transcendence Dirección: Wally Pfister País:E.U.A. Duración: 119 min. Reparto: Johnny Depp, Paul Bettany, Rebecca Hall, Kate Mara, Cillian Murphy, Morgan Freeman Trailer: http://youtu.be/EEx2zlhQtuw
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