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Editorial
¿Q ué es una buena película y una mala película?, sencillo, las buenas películas son aquellas que nos gustan, solventan los vacíos que tenemos o nos generan emociones diversas. Las malas son lo contra-
rio, así de simple. Desde luego existe una serie de reglas y cánones que determinan, desde el punto de vista de una elite autodenominada “expertos” lo que es bueno o malo en el cine. Por suerte, también existe una gran variedad de gustos y claro una enorme variedad de producciones diseñadas para satisfacer cada una de las necesidades visuales, estéticas y de entretenimiento. Basta con no afligirse en ignorar los comentarios desdeñosos de quienes califican una cinta por un par de detalles técnicos; que al final, el cine, en su calidad de séptimo arte, no deja de ser un medio de expresión y entretenimiento y todas las películas que veamos nos aportarán algo, aunque sea la forma en cómo no se debe hacer una película. Ninguna información es desdeñable, ni en el cine ni en ningún otro ámbito, para saber hay que conocer y para nuestra fortuna ni todas las vidas del mundo bastarían para que lo conociéramos todo, pues como bien lo señalaba Albert Einstein “todos somos ignorantes, sólo que no todos ignoramos las mismas cosas” y el secreto para seguir sorprendiéndonos es igno-
rar y conocer, pues “quien no se sorprende está muerto”.
Esperamos tus críticas y comentarios en Facebook
Contenido
En portada: Ninfomanía
El cine también se escucha: Luis Eduardo Aute 2
Tesoros fílmicos: Ninfomanía 8
La mente maestra: Ryan Gosling 12
El extra Alex De la Iglesia 21
Para conocer: El alcance del documental 16
Además Super 8 Número38
Editor: Azucena Mecalco Redactores: @AMAURY1984, Cristóbal Torres, Ettel Alvarado, Jorge Alonso Espíritu, Estefania Hipólito Arte y Diseño: Azucena Mecalco México Distrito Federal 15 de julio de 2014
Había una vez: DC y MARVEL 24 Top Five: Productores que decaen 30 En cartelera 33
EL CINE TAMBIÉN SE ESCUCHA
Un niño, un basilisco y un perro llamado d
el cine de Luis Edua M
anila, 1945: Una ciudad en ruinas descansa de los incesantes bombardeos que por un mes han destruido la arquitectura de la capital filipina en medio de la Segunda Guerra Mundial. Los restos de los edificios permanecen en el paisaje, en un paralelismo simbólico y terrible del baño de sangre que la batalla ha regado. Dando la espalda a la ciudad, de frente al mar, un niño mira al horizonte… Aún resuena en su cabeza el bombardeo de una guerra de dra-
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gones sin cuartel,
perseguirán el resto de su vida, no ya como una tragedia béliEn su línea horizontal no ca, sino como una campaña que percibe que las explosiones lo habrá de cruzar contra la bar-
dolor:
ardo Aute Por Jorge Alonso Espíritu barie, enarbolando la bandera de la Belleza con las herramientas del arte siendo arte en la poesía. Ese niño ajeno al paso de las horas y que está poniendo en marcha su reloj no es consciente de que incuba el mal de aurora ese mal del animal que ya soy yo. Habrá de convertirse en un animal obsesivo, un basilisco que lo mira a los ojos y mira la inocencia que fue. La degradación y la muerte. Ambas, sentadas al lado, en el mismo lugar, dormitando en el interior, en el lugar donde los sueños convierten los deseos en representaciones de un trágico mundo: el sueño de la razón, produce monstruos. Y el insomnio, más animales. Animal, hito. Se convertirá en un artista multifacético, uno de los más celebrados y respetados de los tiempos que le toco vivir. Un músico comprometido con el amor, contra el odio; un poeta,
un pintor. Un cineasta que observa, acompaña, y sin avisar se hace parte de la vida íntima de los humanos convertidos en ficción. Su nombre: Luis Eduardo Aute.
y vuelven a trazar sus caminos independientes, como calzadas de una ciudad que eventualmente provoca que vuelvan a converger.
Así lo ha mostrado Aute, por ejemplo, en las diferentes canciones que declaran su amor a la pintura y a los diferentes exponentes de la plástica. Y se percibe en las caratulas de sus discos, hechas, la mayoría, a partir de piezas que conservan La búsqueda de Luis Eduardo su independencia y han mereAute, reconocido compositor cido lugares en salas de exposifilipino con residencia españo- ción de España, Roma, Quito o la, ha quedado bien clara, es la México. Se puede constatar en belleza. Menos conocidas son su colección autobiográfica de las otras facetas artísticas que lo 100 canciones: Auterretratos, acompañan siempre como complemento de un quehacer narrativo basado en la estética de lo instintivo. No es casualidad que su palabra favorita sea “animal”, que encierra en su etimología la palabra “alma”, como ha dicho en defensa de la palabra hispana para el Instituto Cervantes. Esas facetas, la poesía, la cinematografía y la pintura, se encuentran
Artista de cruces disciplinarios
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donde el autorretrato introduce la narrativa personal que cuenta y canta desde sus Aleluyas de tímido compositor que no pretendía hacer música, hasta sus últimos trabajos, cada vez más sólidos y autobiográficos. Y en medio queda su repertorio pictográfico, identificado en la corriente figurativa en contraposición con un abstraccionismo que se aleja de la narrativa. “En algún momento rocé la abstrac-
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ción pero la abandoné porque necesito contar cosas con mi arte, y la pintura por la pintura no me convence”. Se trata, claro, de un artista de referentes, que explicita, acaso por el natural exhibicionismo que acompaña a la canción, su marco formativo, sus amores y amantes. Por eso es natural escuchar canciones del tipo de Hemingway delira, o Bllí (El perro andaluz), homenajes al proceso creativo de los hombres que transformaron el arte en el siglo XX. Aute es cercano al surrealismo, sin embargo, aunque él mismo reconoce la influencia que este movimiento ha tenido, “dejando su impronta en casi todo su trabajo”, también ha expresado que hay: “una influencia muy fuerte del expresionismo alemán, así como del fauvismo”.
Soñando que soñaba m e e nco nt ré al lado de un e xtraño pe rsona j e , un v ie jo e ntre el Capricho y el D esastre f undido a una p ale ta y a un pi ncel . Pintaba, e nsi m i sm ado, e n la p a re d un f re sco con lo s locos m ás infa m e s re v ueltos e n un sórdido aquela r re a m odo de e n salada Baudelaire . Quinta del So rdo , casa de locos, el Sue ño de la Razón produce m onstruos.
Un perro llamado dolor La industria editorial tampoco ha sido ajena a la obra de Luis Eduardo, musical, cinematográfica, poética, o pictográfica, desde que en 1975 la editora Edició Ángel Caffarena publicara el poemario La matemática de espejo, 15 años después de su primera exposición de pintura en la Galería Alcón de Madrid, 14 después de la publicación de su primer cortometraje, Senses, y siete después del éxito que significó su primer long play: Diálogos de Rodrigo y Gimena. Pero un vuelco significativo en su carrera se dio a partir de la elogiada aparición del filme Un perro llamado dolor (El artista y su modelo), en el 2001; película hecha íntegramente
con lustraciones que Luis creó como un proyecto unitario que derivó en la narrativa contemplativa, oscura, e irónica de la relación de los artistas con el dolor –a partir de un perro que alude a la mascota de Frida Kahlo. La cinta, construida casi en su totalidad por el propio artista (música, guion, ilustración y dirección), se revela como un experimento creativo lúcido, a pesar de abordar la locura; y de un gran impacto emocional, a pesar de la lentitud con que se desarrolla. Se trata, como declara la película al inicio, de “una fantasía libertaria a partir de la obra y los hechos de las vidas de los artistas re-tratados”. Así, desfilan en capítulos, los siete retratos que construye el autor : “Haberlas... haylas”, sobre Goya, la
Maja Desnuda y Luis Buñuel “La estrellada luz de Rose Sédavy o Can-con-quinqué” sobre Marcel Duchamp, Picasso y Man Ray “Un perro llamado Dolor (el artista y su modelo)” de Frida Kahlo, Diego Rivera, Trotsky y Sergei Eisenstein “Strip-tease o caracruz andaluz” en donde repite Picasso junto a Julio Romero de Torres “Un espejismo inmortal, Falso” donde retrata a Sorolla y Orson Welles “Cada quien es... en Cadaqués” sueño
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vislumbra ya en su música y sus exposiciones. Así habría de comentar Ernesto Sabato: “Un perro llamado Dolor contiene momentos de una belleza intensa en los que se advierte el riesgo, pero también la grandeza de los hombres que se han entregado al arte con auténtica pasión”
El niño y el basilisco
de Salvador Dali y Federico García Lorca, y Gala y “Entre bastidores”, retrato de su admirado Velázquez y la Venus del Espejo. A lo largo de este delirio, que bien podría ser una serie de canciones de amor, un perro observa y hace ante las paletas en un juego de seducción hecho a través de un lápiz de grafito: el elemento más sencillo en cuanto su costo, su representación, a contracorriente de las grandes producciones que dominan la cinematografía actual. El resultado
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es una insólita unión narrativa de más de 5 mil dibujos realizados con la mayor de las calmas, y el mayor de los cuidados, durante cinco años de trabajo. Así, los protagonistas comparte relevancia con la propia técnica: el dibujo, y las metáforas visuales se vuelven punzantes: un humor duro, sexo violento y el erotismo que caracteriza la totalidad del trabajo artístico de Luis Eduardo Aute. No es, entonces, una incursión al cine erótico; sino, por el contrario, una continuación del trabajo erótico del artista. No es una pieza de animación, sino la continuación de un trabajo poético y plástico, que se
Un proceso más integral y cercano al Luis Eduardo más conocido, es el que Aute realizó con El niño y el basilisco, y El niño que miraba el mar, hermanos gemelos que se complementan en su tránsito por la mayoría de las artes que practica su autor: se trata de un CD de 12 canciones que giran alrededor de una fotografía tomada en Manila, durante la infancia del compositor, recreada a partir de la ficción en el cortometraje contenido en DVD disponible en el mismo paquete; de nuevo, la cinta ha sido creada con ilustraciones y música original de Aute, y según expresa, en coautoría con el azar: Según va pasando el tiempo, cada vez soy más consciente de que el azar es un elemento absolutamente a tener en cuenta en cualquier propuesta creativa. Ese mágico y siempre inesperado «accidente» (por llamarlo de alguna manera) acaba siendo el coautor de eso que llamamos necesidad de expresar lo que, sin saber cómo manifestarse, acaba descubriendo su manera de tomar forma. Así me ha sucedido con este El niño y el Basilisco que en ningún
momento estaba previsto que naciera. Para la construcción del cortometraje se ha valido de una técnica similar a la de su largometraje, con la excepción de la tonalidad en que fue realizada, esta vez en tonos sepias: ‘’Creo que la animación es el trabajo de mi vida y ahora estoy encantao.” En un sueño menos experimental, más autobiográfico, Aute imagina un encuentro imposible entre él y el niño que fue, mientras observaba el mar en ese malecón de Manila, poco después de la destrucción de la ciudad. La anécdota sirve para introducir un viaje corto de simbolismos a los que los seguidores del cantautor están ya acostumbrados: el animal y la bestia, la belleza y la barbarie, la inocencia y la decadencia. Como viene sucediendo desde la publicación del álbum A día de hoy, se trata de un mirar atrás, y contemplar los actos de
la razón y el delirio con pesado pesimismo, pero también con una fe infinita en la belleza. Es la historia del autor, pero también la de Filipinas, la de España, y si se pone atención, la historia del sistema de un mundo que ha colapsado y sigue haciéndolo. Pero hay en este cortometraje una sentida nostalgia, que se apuntala con la madurez de las canciones que incluye el álbum. La muerte, otra de las obsesiones del autor, se muestra ya no con el escalofrío de obras anteriores, sino con una fuerte calma que envuelve al espectador. Me apresura la inaplazable sed De volver al agua, Al origen del mismo donde se fraguara El hierro de la vida Con la firme intención de revivir,
Desde las húmedas pavesas de lo vivido, Tiernos de olas
incendios
En tus sueños, Y en los míos, Feroces océanos de luz Entre humos de espumas olvidadas, Con el soplo apenas De mi latido Más ávido de ti. Pero antes, Tendré que quemar, con lágrimas, Todas las fotografías.
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TESOROS FÍLMICOS
NINFOM
Cuando el sexo no e
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MANÍA
es el tema principal P
or lo menos en lo que a conceptos se refiere existe una muy delgada línea que separa al sexo del amor y es conocida como moral. Nos desenvolvemos en un mundo en donde los instintos primarios más naturales son juzgados por la sociedad, es decir por nosotros mismos, en tanto los instintos más salvajes son siempre justificados.
viviendo en pequeños micro universos regidos por cánones que se ajustan a estereotipos inexistentes, buscamos nombres y excusas para casi todo comportamiento que ha sido descrito como amoral o antiético. El amor se vuelve un concepto puramente burocrático y el sexo la recompensa de éste. Pese a que el sexo es algo tan natural como beber agua, para lograr mantener relaciones sexuales sin ser juzgado hay que seguir una vorágine de siniestros pasos disfrazados con el nombre de “relación”, o someterse al escrutinio del mundo. Flores, chocolates, palabras cursis, citas obligadas y otra serie de parafernalias burocráticas terminan por demeritar por completo el acto sexual transformándolo, casi, en un requisito obligatorio tras una serie de rituales sociales.
El oponerse al sistema burocrático-amoroso-sexual establecido, viene acompañado de una serie de implicaciones sociales T e r m i - que en ocasiones impiden el linamos con- bre desarrollo de una persona
en ámbitos laborales, escolares, afectivos, etc. Ello lo sabe perfectamente Joe, protagonista de Ninfomanía, quien a raíz de su exacerbado gusto por el sexo termina hundida hasta el cuello en un pozo en el que ella misma es incapaz de aceptarse como es. La cinta, que fue dividida en dos partes para su estreno en cines (no hay que olvidar que esto es un negocio), comienza con la proyección de un desolado paisaje nocturno en donde, luego de recibir una golpiza brutal, una todavía más desolada mujer es encontrada por Seligman, un anciano de la zona. La mujer, Joe, se niega a ir al hospital o llamar a la policía por lo que el buen Seligman la lleva consigo. Ya en su casa ella decide narrarle la historia que la condujo a tan deplorable situación… Esta es a grandes rasgos la trama que sigue Von Trier en su cinta, aunque desde luego el argumento es un tanto más complejo, entretenido e interesante. Enormes posters en tonos rosados, las más diversas caras del
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gigantesca entre lo que el público esperaba encontrar en la película y lo que el director pensaba proyectar.
placer, un nombre morboso y atrayente, y una serie de mini cortos a manera de tráiler fueron los precedentes de Ninfomanía, del multifacético y controvertido director danés. La película se estrenó este año en las salas de cine y las opiniones encontradas surgieron de inmediato. Ya desde el anuncio de su producción había generado polémica, lo cual ayudó en
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gran medida a crear un hálito de misterio que funcionó de forma perfecta para enarbolar una de las más grandes campañas publicitarias de expectativa en torno a una cinta. Los afiches en donde Willem Dafoe, Charlotte Gainsbourg, Stellan Skarsgård, Stacy Martin, Shia LaBeouf o Christian Slater aparecían luciendo rostros por demás sugerentes fue una verdadera bomba publicitaria; sin embargo existe una brecha
Sí, es cierto que las escenas de desnudos prevalecen en la pantalla, que hay felaciones, penetraciones, y demás situaciones que a más de un buen ciudadano le pueden provocar un infarto o una convulsión; sin embargo, lejos de ser una película en cuyo argumento el sexo juegue el papel principal, Ninfomanía es una cinta diseñada y producida de forma por demás inteligente para hablar de algo totalmente diferente al sexo utilizando este elemento simplemente como método para atraer al cliente a las salas. La película narra, a través de
sus ocho capítulos, precisamente esa parte oscura que hemos construido y solventado como sociedad y como individuos, ese circo en el que nos incrustamos diariamente disfrazados de seres asexuales para poder movernos libremente; ¡vaya ironía más grande!, sobre todo cuando los más de 7 mil millones que somos procedemos nada menos que del acto sexual. Von Trier se encarga de lanzar un grito en medio de las producciones cinematográficas y mostrar, aunque quizá de una forma exagerada como es costumbre suya, la doble moral prevaleciente, la discriminación e incluso la falta de aceptación propia.
Desde luego que la película cuenta con errores de racord garrafales, como los múltiples cambios en el color de ojos de la protagonista a lo largo de las dos pelícu-
las, sólo por mencionar alguno; también es verdad que la segunda parte decae mucho en comparación con los primeros 130 minutos, y ciertamente hay un par de secuencias sexuales exageradas al estilo Penthouse en Calígula (Tinto Brass, 1979), pero con todo y los errores y la visión hiperbólica de Von Trier, la película sigue siendo una gran producción, con una fotografía excelente y musicalización encomiable. Desde mi punto de vista, una obra maestra que vale la pena analizar, si eso es lo que se desea; y si no, basta con verla y apreciar los detalles técnicos y argumentales por encima de los errores y las tendencias morales.
FICHA TÉCNICA Título: Ninfomanía Director: Lars Von Trier Guión: Lars Von Trier Fotografía: Manuel Alberto Claro Protagonistas: Willem Dafoe, Charlotte Gainsbourg, Stellan Skarsgård, Stacy Martin, Shia LaBeouf, Christian Slater, Christian Slater, Uma Thurman
País: Dinamarca, Alemania, Francia, Bégica Año: 2013
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LA MENTE MAESTRA
Ryan Gosling o de como Disney hace que la gente se vuelva loca
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Por @AMAURY1984 Puede que no muchos fanáticos del actor Ryan Gosling sepan que inició su carrera actoral como Britney Spears, Justin Timberlake, Selena Gomes o Myley Cyrus. Así es, era un chico Disney del club de Mickey Mouse sucursal Canadá. Y mejor aún, también fue chico Nickelodeon en la popular serie ¿Le temes a la oscuridad?. De ahí que cuando ya estaba demasiado grandecito para los shows de la televisoras infantiles, buscó un proyecto que lo sacara del molde de niño Disney para convertirse en todo un loco.
ideología Ne o - N a z i que en las enseñanzas de la Torá. El proyecto de nombre T h e Believer, se estrenó en el festival de Sundance del 2001, de donde salió laureada. Gosling disfrutó de muy positivas críticas respecto a su desempeño post Disney; A sus 19 años empezó a buscar pasado que no salió a relucir proyectos de cine independiente, hasta el estreno comercial. de esos que consagran nombres o queman carreras. En el 2000 El éxito de Gosling en The pudo asegurar el papel de un Believer le abrió las puertas a la joven judío de mente privilegiada producción de Barbet Schroeder: que por alguna razón esta Murder by Numbers. Al lado de convencido de creer mas en la Sandra Bullock, el joven actor interpretó al amigo de un joven que abusa de su inteligencia para ocultar un asesinato. Entonces, la detective Cassie Mayweather se ve enredada en una serie de pistas sembradas que la hunden en la confusión. Gosling adoptó muy bien los personajes de jóvenes problemáticos y
descarriados. Además tomó un ritmo de producción bastante masivo. En siete años participó en 10 filmes. El siguiente en su lista forma parte del misterioso género de las películas de pérdida de la inocencia: The Slaughter Rule. Un drama sobre un chico que al enterarse de que su desaparecido padre en realidad se suicido, cae en el consumo de alcohol y el olvido del futuro. El personaje de nombre Roy encuentra los rieles de su vida nuevamente cuando conoce a Gideon, un hombre que entrena a un grupo de jóvenes en fútbol americano. Su carrera en el mundo del cine independiente lo llevó a la
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producción de Kevin Spacey y el director Matthew Ryan Hoge de nombre The United States of Leland. Un drama sobre un joven que no recuerda cómo es que termina asesinando a otro. El inestable muchacho acaba en un enredo que no puede entender gracias a un cierto nivel de autismo.
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Su carrera y su nombre saltaron a las grandes producciones con el drama romántico del director Nick Cassavetes The Notebook. La historia de amor que un hombre deja escrita en un cuaderno. El filme alcanzó un gran éxito en las salas, pero a pesar de eso Gosling prefirió permanecer bien cerca del mundo del cine independiente, del que no
prometía mucho dinero pero si gran reconocimiento. Es por eso que su siguiente proyecto fue Stay, del director alemán Marc Forster. Aunque un fracaso comercial, Stay se convirtió en una de las películas insignia de las capacidades de Gosling, que nuevamente abordaba al papel de un joven involucrado en un suceso que lo hace inestable. En 2006 Ryan participó el proyecto Half Nelson, del director Ryan Fleck, otro drama independiente sobre un joven maestro en los suburbios de Brookyln que se vale de la dialéctica para enseñar e interesar a sus alumnos en lo que se ve en la escuela. Irónicamente el maestro ejemplar sufre de una severa adicción a la cocaína que poco a poco se la va saliendo de control, llegando inclusive a necesitar de una buena aspirada dentro de las instalaciones de su trabajo. Su
relación con una alumna lo lleva a adentrarse en su adicción, pero también lo levanta de ella. Gosling regresó a los romances súper taquilleros con Blue Valentine del director Derek Cianfrance. Un experimento sobre la historia de una pareja que vemos en un serie de flashbacks hasta el presente. Blue Valentine contó con múltiples nominaciones en la corrida de festivales estadounidenses e inclusive obtuvo una nominación para la protagonista femenina. Tras el éxito de Blue Valentine Ryan siguió por la línea de las producciones un poco más costosas con títulos como All good things del director Andrew Jarecki, y su primer comedia romántica: Crazy Stupid Love. En esta comedia Gosling protagoniza, al lado del comediante Steve Carell, una historia sobre un hombre que se divorcia tras enterarse de que su esposa le es infiel con uno de sus colegas de trabajo. Así pues Cal (personaje interpretado por Carell) conoce a un galán arrasa mujeres de nombre Jacob (Gosling). Jacos siente pena por Cal y le enseña la técnica del cortejo en los bares de la gran ciudad. Lo que lleva a Cal a meter en un embrollo con mujeres. En 2013 Gosling participó en un de sus proyecto mas polémicos, la producción del director Nicolas Winding Refn, Only God Forgives. No sólo porque la cinta se vale de grandes nombre que el director pudo juntar para elaborar una historia que raya en el estilo de Quentin Tarantino sin tener el Carisma, en Only God Forgives Gosling interpreta a Julian un delincuente estadounidense que llega Bangkok e instala un supuesto club de boxeo que sirve de pantalla para traficar drogas. El ilícito negocio se ve en problemas cuando el hermano mayor de Julian, Billy, decide contratar a una menor de edad
para tener sexo y matarla. Pero la justicia recta e intachable, encarnada en el personaje del teniente Chang, está dispuesta a terminar con el mal que emana de las hediondas instalaciones del negocio de Julian y Billy, que, aunque muy lejos de casa, aún se mantienen bajo el yugo de su madre que maneja el tráfico de las sustancias desde los EE.UU.
primer proyecto de Gosling. Inclusive comparando el trabajo del novato con los inicios del gran director David Lynch. Lo que creo que podemos esperar de Gosling es probablemente una serie de participaciones en proyectos redituables que le dejen para financiar sus propios proyectos. Es bien sabido que además de la actuación y ahora la dirección y la escritura, Gosling Pero lo que se ve en el 2014 ha tomado muy en serio su de Gosling es su consagración carrera en el mundo de la música o caída como su propio agente con proyectos como su banda de y productor con su primer rock indie Dead Man’s Bones que proyecto escrito y dirigido por el lanzó su primer albúm en 2009. mismo: Lost River. La historia de dos hermanos que al ser dejados a https://www.youtube.com/ la deriva por su madre adentrada watch?v=k022p_VPUbM en oscuros negocios, se meten en problemas con el jefe de una banda de delincuentes. El filme ya fue p re s e nt ado en el festival de Cannes de este año y a pesar del b o mb a rdeo de críticas negativas por parte un sector de la prensa hubo quien salió en defensa del
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El alcance del
y sus posibles
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PARA CONOCER
l d o c u m e n ta l
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no de los males más grandes que encarna el documental es el de la narcotización, en el sentido que exponían Merton y Lazarsfeld: “El ciudadano interesado e informado puede felicitarse por la magnitud de sus intereses e información, o m i t i e n d o advertir que se ha abstenido de decidir y actuar”. Es decir, cuando vemos documentales cuya intención principal es denunciar la asquerosidad del mundo posmoderno, nuestra reacción como espectador no va más allá de la espontánea indignación misma que se diluye conforme nuestra vida continúa.
Por Cristóbal Torres El económico estadounidense Douglas North habló a principios de los noventa de algo llamado Neoinstitucionalismo, que en pocas hablas dice que los verdaderos cambios en el mundo (políticos, económicos
y sociales) radican en las instituciones; sus estudios le valieron el Premio Nobel de Economía en 1993, demostrando que los grandes cismas en la historia de la humanidad fueron provocados
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por esos pocos que manejaban las instituciones.
La película cuenta una historia real: una mujer tiene un feto muerto en el vientre Con todo lo anterior, la pero al no tener dinero para ecuación es muy sencilla: no pagar el hospital le niegan importa cuántos documentales atención médica. El desgarrador se hagan, el mundo seguirá argumento lo hizo merecedor al pudriéndose. Esta postura se premio. ”Dejaré de ser pobre y vuelve más terrorífica cuando podré tener una vida mejor para vemos casos como el de Nazif que mis hijos puedan estudiar Mujic, un pepenador de Bosnia y yo pueda pagar un seguro Herzegovina que ganó el Oso de médico para toda la familia”, dijo Plata a Mejor Actor en la Berlinale el pepenador, pero nada de eso del 2013 por su “actuación” en la ocurrió. película Epizoda u zivotu beraca zeljeza. De regreso a su hogar la vida seguía siendo miserable, sin
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mejores opciones económicas, y peor aún: la gente de por ahí lo creía rico, siendo objeto de burlas y discriminación. El actor decidió buscar una vida mejor en Alemania; se mudó pero al no conseguir asilo fue devuelto a las ruinas de su país. Las buenas intenciones del Festival de Berlín y la indignación de todos los que vieron la película no sirvieron de nada. Muy a pesar de eso, existen algunos casos aislados donde el documental consiguió ciertos cambios, algunos se quedaron
en el terreno de la imagen, de la ilusión, y otros sí repercutieron en la vida de las personas. Un ejemplo de lo primero fue el del documental The Act of Killing, que el año pasado se puso en boca de todos por la forma en la que Joshua Oppenheimer (su director) se acercó a la Juventud de Pancasila, un grupo paramilitar que perpetró un genocidio en Indonesia de enormes escalas que por no tener víctimas judías no trascendió en el imaginario colectivo. Hoy en día la dictadura continúa, y nadie se atreve a hablar de aquel genocidio; la idea impuesta es que la Juventud de Pancasila salvó al país de los malvados comunistas. Su aversión a los rojos no se debía a posturas político-económicas, sino a su fobia por Marx, que a ojos de Pancasila era una persona que no creía en dios.
censurada pero a través de copias y exhibiciones clandestinas el documental fue visto en varias partes de Indonesia.
que pasó fue malo y necesitamos reconciliación’. Es la primera vez que el gobierno admite que pasó algo grave”.
En una entrevista para El Clarín, Joshua Oppenheimer declaró: “El arte puede abrir espacios para que la gente hable de los problemas que no hemos tenido el coraje de abordar o de mencionar. Y eso ha pasado El documental puso de en Indonesia. El documental nuevo el tema del genocidio abrió un espacio para que los en la opinión pública. Después medios dijeran que el genocidio de muchas previsiones en fue un genocidio y para que se la realización, donde varios investigue. La nominación al involucrados prefirieron guardar premio Óscar ha logrado que el su identidad, la obra intentó ser gobierno de Indonesia diga ‘esto
El problema es que este cambió se redujo simplemente a la forma. El hecho de que el gobierno finalmente le pusiera la palabra “genocidio” al acontecimiento, no quitó la bota de la cara de todo el pueblo de Indonesia, quienes hasta la fecha siguen viviendo igual. Las palabras no son las cosas, pero para muchos sí. Otro ejemplo más palpable es el de Blush of Fruit, un
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trabajo muy loable desde su nacimiento. Completamente autofinanciado por su director Jakeb Anhvu, el documental tardó siete años en tomar forma y diez en financiarse. Retrata el ambiente de un orfanato que en los medios de comunicación es puesto como una especie de tierra Disney que abre sus desinteresados brazos a madres embarazadas, que en un intento por evitar que ejerzan su libertad de abortar, recibe a los infantes a cambio de que ellas trabajen algunos meses ahí.
por trabajadoras que llegaron ahí por necesidad, desesperadas por una vida rutinaria rodeada de 20 infantes; a su vez, todo es organizado por un señor cuya intención es brindar un servicio a su comunidad, pues sabe que los servicios de salud en su país son más que insuficientes.
Muchos ya habían lanzado denuncias de maltrato infantil, pero la figura de Tong Phuoc Phuc en los medios era intachable, pues lo consideraban un prócer caritativo de la comunidad. Más de un año tuvo que El documental Blush of Fruit pasar Jakeb en el Orfanato Tong consiguió que la comunidad Phuoc Phuc para darse cuenta abriera los ojos, permitió de lo que realmente sucedía que cuerpos de voluntarios ahí. Es una historia donde acudieran a brindar un mejor sorprendentemente no hay servicio y ahora muchos de victimarios, sólo víctimas: hay esos bebés son niños que viven bebés cruelmente maltratados lejos del maltrato.
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Un último ejemplo de cómo el documental pudo lograr un cambio palpable está en México, en el ejido de Cuates de Australia, en la sierra de Coahuila. Everardo González se lanzó a ese lugar para grabar a una comunidad en donde la modernidad no llegó del todo; tienen objetos de plástico y cuentan con vehículos pero el agua no está disponible. Los habitantes deben de hacer largas peregrinaciones en busca de agua, pues no pueden depender de las lluvias debido a que no es una fuente segura, no siempre llueve. El documental hizo que el gobierno del estado abriera un pozo haciendo que varias generaciones vieran por primera vez agua en sus casas. Es difícil pensar que esto hubiera pasado sin el documental.
EL EXTRA
El esperpento cine de
Álex de la Iglesia Ettel Alvarado
C
uando lo grotesco y lo irrisorio se combinan en un formato 35 mm, bien podríamos estar hablando del cine de Álex de la Iglesia, director español quien en su época de academia se decidió por el amor a la sabiduría, o sea, cursó una licenciatura en filosofía, aunque su primer acercamiento con las artes plásticas fue dibujando historietas y colaborando en diversas publicaciones como algunos fanzines, para después abrirse paso en el séptimo arte, dirigiendo “Mirindas asesinas”, un cortometraje que atrajo la mirada de curiosos y especialistas y que ya le confería a De la Iglesia un estilo particular, empezando por el título de este trabajo cinematográfico. Es cierto que sus películas no son las grandes obras maestras, sin embargo, su gran fuerte se encuentra en imprimirle a los guiones esa particularidad que hace que los largometrajes tengan su sello de identidad, su opera prima Acción mutante (1993)
así lo refleja, las armas de fuego que descargan balas en un s a nt i a mé n , la paraplejía y las atmósferas espaciales son sólo algunos de los elementos que componen esta producción, aunque inequívo c a m e n te sabemos que su producción más reconocid a y mejor lograda es El día de la bestia (1995), con una historia que podría interpretarse de muchas
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casi todas sus producciones con las mismas plantillas de actores, así que no es extraño ver a Carolina Bang interpretando algún protagónico en las películas de Álex, por ser una actriz con gran trabajo escénico y trayectoria y también por ser esposa del director.
y muy heterogéneas maneras, la película cuenta la insufrible travesía por la que pasa un sacerdote cuando ha descubierto que el fin del mundo se acerca y el nacimiento del Anticristo será el acontecimiento encargado de inaugurar el final de la vida como se conoce.
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El cine de De la Iglesia trata un humor ácido, con fuertes contenidos muy expresivos, recuerda ciertos tintes del La matriz actoral dentro de cine negro de los 40 pero obesta cinta juega un papel de gran viamente en una sociedad acrelevancia, las actuaciones son tual, en una España contempoatinadas y cada personaje es tan ránea. distinto uno del otro, pero se juntan y logran complementarse Su trayectoria como cineasmuy adecuadamente, otra carac- ta es amplia y lo respaldan proterística de Álex (nada original, ducciones que han quedado por cierto) es que es uno de los como películas de culto, aundirectores que suelen trabajar que los fans no siempre opi-
nan lo mismo acerca de su trabajo, las opiniones convergen y causan controversia cuando se trata de algunos filmes del cineasta, Balada triste de trompeta (2010), es una de las películas que ha generado opiniones diversas y es que pareciera ser una cinta inclasificable, es excesiva, grosera, hilarante,
pero tiene momentos de brillantez, las imágenes en pantalla impactan, los efectos especiales son fabulosos y el vestuario le otorga otro punto a favor, por otro lado se le presta demasiada atención a los aspectos ornamentales que pareciera que en momentos no existe un hilo narrativo bien definido que pueda sostener toda la parafernalia con la que el espectador es bombardeado al ver esta cinta, se tiene una vaga sensación de que el resultado final no es más que un cúmulo de ideas no muy aterrizadas que lograron convergen en cierto punto y convertirse en una película, pero muy a pesar de esto, hay una cierta genialidad que envuelve a Álex de la Iglesia y que encanta, atrae y te mantiene como con su última película Las brujas de Zugarramurdi (2013), es muy divertida y disparatada, en esta produc-
ción se puede notar lo mejor y lo no tan afortunado del cineasta español, una vez más los protagonistas encuentran un equilibrio y complementariedad que rayan en la perfección permitiendo momentos de gloria a otros personajes minúsculos pero decisivos para la trama, aunque el final no es el mejor y abusan de los efectos especiales que salen sobrando, el final no pudo sostener el argumento que ofrecieron la introducción y el desarrollo. Independientemente de que Álex de la Iglesia tenga desaciertos en sus producciones es claro que su trabajo siempre será esperado y causará intriga, ya sea por las colaboraciones profesionales con las que cuentan algunos de sus largometrajes como las de Jorge Guerricaechevarría, que viene a pulir y enriquecer las ideas a veces enredadas de Álex o por las historias y los recursos visuales y perdurables que el cineasta español aún tiene para ofrecer.
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HABÍA UNA VEZ
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MARVEL Y DC
Dos universos llevados al cine C
uando veo el programa de televisión de la Teoría del Big Bang, no puedo evitar sonreír e identificarme con los personajes y su gusto por los cómics. Quizás es un poco extremista la forma en que retratan a los coleccionistas de cómics; pero aun así los cómics fueron para algunos, aliados y compañeros de aventuras, que con ayuda de tu imaginación te llevaban a viajar a lugares distantes, lejos del mundo y las cuestiones terrenales.
Por Estefania Hipólito de mercadotecnia que se mueve alrededor de los cómics.
DC Y Marvel son dos de los universos más conocidos, si bien no los únicos, sí los que más tiempo tienen en el mercado, para ser mas exactos DC Comics surgió primero como la National Allied Publications en 1934, para después tomar el nombre con el que la conocemos en el año de 1937; y como muchos saben DC son las siglas de uno de los primeros seriales que editaron, Detective Comics; mientras ¡Cómics, cómics, cómics! que Marvel Comics surgió en En el siglo pasado en los años 1939 con el nombre de Timely 30, 40 y 50 disfrutaron de su Publication; sin embargo, ambas época dorada, son un formato se han caracterizado por la narrativo dentro de viñetas que creación de superhéroes. se volvió parte de una cultura de masas. En algún tiempo sólo El éxito que tuvo cada uno diversión para nerds, en el que de los personajes de estas eran pocos los que sabían cuales editoriales, hizo que poco a eran las tramas y secuencias de poco se creara una maquinaria cada una de las historias y como de mercadotecnia que incluiría se relacionaban entre sí; pero juguetes, series animadas y por las cosas han cambiado y pocos supuesto películas. Superman son los que desconocen a los dos fue el primer personaje de cual universos de DC y Marvel, y esto se filmaron cuatro películas. se debe en su mayoría al aparato
Superman es un personaje mítico, por todas las características que posee, con el tiempo se ha convertido en un símbolo de la identidad estadounidense, incluso en una de sus aventuras aparece el mismísimo Adolf Hitler después de que Superman frustrara sus planes. Su contraparte en Marvel es el Capitán América, quizás por eso sea tan popular hasta hoy en día. La primer saga, del año 1978, fue dirigida por Richard Donner y estuvo protagonizada por Christopher Reeve, este actor marco el ideal del personaje; y desde entonces los actores que han vuelto a interpretar a el superhéroe tienen ciertos aspectos que lo recuerdan, pero no sólo el actor, en las nuevas adaptaciones también se retoman aspectos de la primera saga, ya sea el modo de volar, la fortaleza de la soledad, etc. Después, en 1989, con motivo de los 50 años de la creación de Batman, se filmó una película bajo la dirección de Tim Burton, en ésta se relata cómo surge The
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Jocker, interpretado por Jack Nicholson, ésta toma como base el cómic La Broma Asesina de Alan Moore, el mismo director se encargaría de dirigir la secuela, donde nos relata el surgimiento de Catwoman, interpretada por Michael Feifer, en ambas películas la ambientación de Ciudad Gótica estaba basada en diseños Art Deco que definitivamente le agregaban un toque más oscuro.
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Posteriormente se continúo con la producción de películas que no siguieron con la línea temporal de las dos primeras. Hasta que en 2005 Christopher Nolan decidió dirigir lo que seria la nueva saga de Batman, donde Christian Bale fue el actor que se encargó de darle vida a Bruce Wayne. Estas películas son consideradas por algunos como las que respetan más la esencia del cómic, además se pretende que para 2016 por primera vez
Superman y Batman estarán reunidos en la pantalla grande. Con la llegada del nuevo milenio y el avance de los efectos especiales por computadora, las producciones de superhéroes comenzaron a tomar más fuerza, en esta ocasión los héroes de Marvel aparecieron en el panorama cinematográfico. Así en el año 2000 los X-Men cobraron vida con personajes de
Past, aunque tiene bastantes inconsistencias en relación con la trama de la primera saga, da las justificaciones suficientes para un reboot que permite acomodar todas las situaciones en una línea temporal mas lógica. Otro personaje de Marvel que ha tenido gran éxito en la pantalla grande es Spider man, quien en realidad es Peter Parker, un joven estudiante que después de ser mordido por una araña radioactiva obtiene poderes sobrenaturales. El primer actor encargado de interpretarlo fue Tobby Maguire bajo la dirección de Sam Raimi, quien dirigió tres cintas de este personaje en los años 2002, 2004 y 2007; y si bien la interpretación de Tobby se acercaba muchos al personaje del cómic, las películas comenzaron a caer en absurdos y en demasiadas inconsistencias. Así que diez años después, en 2012, se reinició la serie bajo la dirección de Marc Webb, con Andrew Garfield como el arácnido. En esa ocasión el argumento se apegó más al cómic, incluso introduciendo por primera vez a Gwen como la novia de Petter Parker antes que Mary Jane, pero el adolescente aparece como alguien muy sofisticado alejándose del nerd que en realidad era en el cómic.
carne y hueso. Bajo la dirección de Bryan Singer, pudimos ver al grupo de mutantes que viven en una mansión para niños superdotados, donde ayudan a otros, pero que además buscan que los acepten por lo que son. Más allá de que los superhéroes cobren vida, también es el mensaje que se transmite, sin embargo en la tercer entrega de la saga el argumento se desgastó y terminó por decepcionar a algunos.
A pesar de todo, Bryan Singer encontró la fórmula que le permitiría mantener vivos a los X-Men en la pantalla grande, sin hacer variaciones en el cuadro de actores, ésta se convirtió en la primer saga de personajes de Marvel y daría paso a una saga sobre Wolverine que inicio en 2009, para que en 2011 Singer regresara con otra saga más que relataría el origen de los X-Men, la última entrega se estrenó este año, X-Men: Days of Future
Posteriormente, en 2008, se estrenó Iron Man interpretado por Robert Downey JR. Este personaje parece haberle quedado como anillo al dedo al actor y significó un resurgimiento en su carrera. La película tiene dos secuelas, además en este mismo año se estrena El increíble Hulk dirigida por Louis Leterrier y protagonizada por Edward Norton como el Dr. Bruce Banner. El argumento de esta última y el de Iron Man suceden al mismo tiempo y comenzarían con el fenómeno curioso de los trailers al final de las películas, esto seguiría en 2011 cuando apareció en escena el Dios del trueno, Thor, la cual cuenta con
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una secuela, y en el mismo año Captain America, la cual también tiene una secuela, todos estos personajes se unirían después en la versión cinematográfica de los Avangers de 2012.
que se crean ciudades y mundos que sólo existen en los cómics, en particular del universo DC, puesto que las ciudades en las que habitan no existen en los mapas que conocemos, mientras que los personajes de Marvel Hablando de la relevancia de viven en ciudades como Nueva estas películas para la industria York. fílmica, son casi nulos los aportes que han hecho, aunque los efectos Ambos universos son infinitos especiales siempre terminan y poseen a muchos superhéroes, impactando al espectador, ya pero Marvel es el que ha sacado
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más provecho de las producciones cinematográficas; DC sólo ha retomado a tres personajes, pero curiosamente sólo las cintas basadas en Superman y Batman han obtenido un Óscar. Por último no podemos dejar de mencionar a Watchmen que es una novela gráfica creada por el escritor Alan Moore, considerado por muchos como “El cómic”, e incluso catalogado como una obra maestra dentro de los cómics, muchos libros hacen referencia a éste, debido a que los personajes son complejos, humanos y no sólo son buenos, sino que también son malos y cometen errores. El cómic es casi perfecto, por esta razón la adaptación cinematográfica, aunque es bastante fiel a la original, resulta complicada y
tediosa si no conoces el cómic; el director Zack Snyder intenta mostrar la complejidad de la personalidad de los personajes, pero se queda corto y más con el final alternativo, diferente al de la historia original. Al final quizás Alan Moore tenía razón
cuando dijo “Mi libro es un cómic. No una película, no una novela. Un cómic. Se creó de un modo determinado y se diseñó para leerse de cierta manera: en un sillón, cómodamente ubicado junto a un fuego, con una taza de café caliente”
Otros de los superhéroes que han llegado al cine son: Daredevil, The Punisher, Elektra, Los 4 Fantásticos, Ghost Rider, Captain America, Guardians of the Galaxy y de DC Linterna Verde. Con el paso del tiempo las películas basadas en cómics han dejado de ser un producto d e s t i n a d o para niños y su mercado se ha movido al de los adultos, pero debemos reconocer que estas películas nos hacen sentir la misma emoción que cuando leíamos un cómic, cada una tiene un mensaje y permiten que los espectadores sueñen y sean parte de estos u n i ve r s o s maravillosos aunque sea por unos instantes.
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TOP FIVE
Los productores que decaen Por @AMAURY1984
E
l mundo de Hollywood esta lleno de brillantes y talentosos personajes que saben lo que la audiencia desea de un buen drama, comedia u cualquier otro género. En recientes tiempos, una figura del equipo de producción ha tomado mayor impulso: El Productor. En parte debido a que grandes directores, actores y actrices de la industria han decidido operar su propios proyectos y manejar sus presupuestos. Ahora escuchamos de productores como Tom Cruise, Will Smith, Brad Pitt; y eso desde luego genera productos pensados específicamente en preservar la imagen del productor, que de seguro tendrá el protagónico. Pero hay días que todo sale mal… Y no siempre se puede explicar que fue lo que pasó. Que si la historia no gustó, el marketing falló, la distribución estuvo pésima. Cientos de posibles explicaciones, pero hay alguien que tiene que pararse enfrente de los inversionistas y explicarlo: El Señor Productor. A lo largo de la historia del cine han existido tremendas catástrofes que han sacudido la carrera de varios personajes; muchas veces la calamidad surte efecto y alguien termina patitas en la calle. Ya lo que sigue después depende mucho del temple del productor. ¿Se levantará o no? Este es un Top 5 de los productores con monumentales tropiezos en su carrera.
5. Dino de Larentiis: Este nombre fue sinónimo de cine en mas de 10 lenguas. Empezó su carrera de muy joven como actor de relleno en las producciones del cine italiano y construyó su camino a Hollywood con la llegada de la Segunda Guerra Mundial. Su carrera abarca mas de 160 producciones entre las que destacan King Kong, Conan, Flash Gordon, Mandingo, Bocaccio y Waterloo. El gran descalabro de su carrera vino en 1970, con su terquedad de llevar a la pantalla la novela de Frank Herbert, Dune. De Laurentiis veía en el proyecto al gran hito del cine de ciencia ficción.
Su primer acercamiento para elaborar el proyecto lo llevó a contratar a Alejandro Jodorowski que concibió un proyecto sumamente ambicioso, no tanto en términos fílmicos, sino en términos de producción. Jodorowski pidió se juntaran a un grupo de artistas que el denomino los 5 Samurai en el que estaban Orson Welles, Salvador Dalí, H.R. Giger, Chris Foss y la banda Pink Floyd. La nómina costaba miles de dólares y la producción avanzaba tan lento como que en 5 años realmente no llevaban mucho. De Laurentiis botó el proyecto dejando a todo el staff atónito. No fue sino hasta 1980 que su hija Raffaella lo convenció de retomar el proyecto que quedó en manos del director David Lynch. El joven director tomó el proyecto en sus manos y concibió una obra de casi ocho horas, que tras un buen corte en la sala de edición quedó en cinco. El productor enfureció y tomó el filme y lo redujo sin pudor a poco más de tres horas. La película fue un rotundo fracaso y termino con la relación del productor con David Lynch quien juró (y ha cumplido) nunca más volver a trabajar con alguien que se diga “Gran Productor de Hollywood”.
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4. Jerry Bruckheimer E l titán del Hollywood moderno empezó su carrera de producción en el mundo de la pu-
blicidad. Durante su primeros 10 años en el mundo del cine anduvo de aquí para allá produciendo para la Fox, Columbia y Universal. Tras el éxito del filme Flashdance, concretó con la Paramount uno de los contratos más importantes de la historia del cine; para más tarde conseguir uno aún mejor con el imperio Disney. Bruckheimer ha trabajado con directores de grandes vuelos y ha catapultado a otros, como es el caso del amo de las explosiones, el señor Michael Bay. Es también parte del Hollywood conservador que no apoya a los candidatos demócratas. El éxito de Bruckheimer ha sido tal, que se ganó el apodo de Mr. Blockbuster. Pero hay una piedra en el camino de este brillante productor: The Lone Ranger. Ante la brutal necesidad de Mickey Mouse por películas de Los piratas del caribe, el actor Johnny Depp se sentía frustrado, por lo que sugirió a Bruckheimer hacer otra historia pero con personajes y planteamientos muy similares a los de la franquicia de los piratas. Jerry Bruckheimer aceptó la idea y la producción de The Lone Ranger arrancó costando la asquerosa y obscena cantidad de 375 millones de dólares. Disney no puso objeción a soltar tan brutal cantidad de dinero gracias al aval que representaba Bruckheimer, o por lo menos hasta que empezó a recibir los números del llanero solitario en taquillas. Durante su periodo de exhibición en los EE.UU. The Lone Ranger no logró recaudar mas que 90 millones de dólares y tras su difusión al rededor del mundo la taquilla tan solo llegó a 260 millones globales. El fracaso de Bruckheimer fue un escándalo mayor para el productor y para Disney, que no traía muy buenos números. Inclusive intentaron por mutuo acuerdo maquillar la cifras. El desenlace era inminente, Bruckheimer y Disney se reunieron para optar por terminar su relación de 16 años. El productor aún tiene que entregar otra película de piratas en el 2016.
3. Esta
Joann Carelli
La señora Carelli fue víctima de la circunstancias. Inició en 1976 como productora asociada en la gran cinta The Deer Hunter; proyecto que catapultó a su director Michael Cimino a la sala de los Óscar. Tras su victoria en la entrega de premios nadie le podía negar nada, y fue así como consiguió que produjeran un proyecto fallido que Cimino insistía en realizar. Heaven’s Gate se inició a filmar en 1979 con Carelli en la producción. Ella muy amiga de Cimino creía que el director tenía todo bajo control, además el director tenía un cheque en blanco de parte de la United Artists. El presupuesto inicial era de 12 millones de dólares pero los constantes cambios y repeticiones que Cimino insistía en realizar consiguieron que el costo subiera hasta los 25 millones de dólares. Cimino fue amenazado varias veces con ser reemplazado por la gran cantidad de críticas que emanaban de su equipo de producción que tenía que ser apaciguado por Carelli. La versión final de Heaven’s Gate según Cimino, tenía que durar cinco horas y media. La United Artists se rehusó a lanzar un filme tan largo y Cimino cortó dos horas sin mucho gusto. Heaven’s Gate fue un fracaso desde su gran premier, en la que media audiencia se salió y la crítica terminó el trabajo. Carelli sólo produjo un filme más de Cimino y luego dejó la industria.
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2. Will Smith Ya saben que lo de hoy es fundar tu productora, conseguir tus guiones y protagonizar tus propios
proyectos; claro, si eres un actor de Hollywood. Brad lo hizo, Tom lo hizo, Jennifer lo hizo y Will lo hizo. Al estar a cargo de todo es de esperar que pongas especial cuidado en qué produces. Y hasta la fecha el príncipe del rap no lo había hecho tan mal. The pursuit of Happiness, Hancock, I Robot no son épicas producciones que se quedan en la mente del colectivo, pero les fue bien en taquilla y consagraron a Smith como su propio jefe. El problema vino cuando el productor decidió meter su fe y credo en la chamba. Smith consiguió que le armaran el guión ideal para profesar la santa palabra de la cienciología con After Earth y convenció a SONY de meter la nada despreciable cantidad de 130 millones de dólares. Smith metió a su hijo en el protagónico y se lanzó a las salas de cine. After Earth fue rodeada de malas críticas; pero, parece ser que lo que alejó al público en general del filme fue la descarada promoción de los preceptos de la religión de los actores. La cinta arrancó con un fin de semana en los EE.UU. de 27 millones de dólares y para la tercera semana de exhibición era claro que el público no llenaría más salas. Tras la exhibición internacional After Earth logró salir de atolladero, sin ganancias. Claro que Will Smith no se dará por vencido, tiene en planes la secuela de I reboot, de Karate Kid, Hancock y posiblemente algo de I am Legend.
1.
1. Walter Wanger
Era todo un prodigio de la producción fílmica estadounidense que manejó los proyectos de grandes
directores. Su primer proyecto a cargo fue la legendaria The Sheik estelarizada por el gran Rudolph Valentino. 46 éxitos al bateo lo avalan y lo dejan como piedra angular del Hollywood mudo, blanco y negro y a color. Todo fue muy bien hasta aquellos primeros días de 1960. Wanger tenía uno de los proyectos mas ambiciosos de su carrera: llevar la vida de Cleopatra VII a la pantalla grande. El rodaje de la cinta inició aquel año bajo la dirección de Rouben Mamoulian en Londres. Tras cinco millones de dólares e inútiles meses de filmación Mamoulian renunció porque según él la producción no estaba a su altura. El problema no era perder al director el problema era la protagonista: Elizabeth Taylor. Su contrato de un millón de dólares tenía fecha de vencimiento y al terminar La Taylor le estaría costando a la Productora FOX carretadas de dinero por día. Wanger consiguió convencer a Joseph Mankiewics de que tomara las riendas y la producción fue movida en su totalidad a Roma, donde el clima ayudaba a la salud de la protagonista y a la producción. Cleopatra costó a la FOX 44 millones de dólares (algo así como 350 millones de hoy día) y casi la deja en la quiebra. Para colmo, el éxito de Cleopatra, a pesar de grande, no alcanzó a cubrir los gastos de la película. Walter Wanger dijo adiós al mundo del cine con este filme, la tensión lo apabullo y prefirió dejar la industria en manos de las nuevas generaciones.
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Por Estefania Hipólito
EN CARTELERA
LOS GUARDIANES DE LA GALAXIA E n una galaxia muy lejana existen unos seres que se hacen llamar Los Guardianes de la Galaxia, son un equipo de superhéroes integrados por: Peter Quill un cazarrecompensas; Rocket, un mapache
armado con un rifle; Groot, un humanoide con forma de árbol; la letal Gamora y el vengativo Drax the Destroyer . La historia comienza cuando Peter Quill roba una esfera, la cual es codiciada por el villano Ronan, entonces es llevado a una prisión con sus compañeros y descubre cuál es el verdadero poder de la esfera, ésta puede poner en peligro a la galaxia, así que los Guardianes tendrán que salvar el día. Los Guardianes de la Galaxia fueron publicados por Marvel Comics en 1969 en la revista Marvel Super-Heroes, creados por Arnold Drake y dibujados por Gene Colan. El director James Gunn, participó como escritor y productor en las películas Scooby-Doo y Scooby-Doo 2: Monsters Unleashed Título original: Guardians of the Galaxy Año: 2014 Duración: 122 min. País: E.U.A. Director: James Gunn Guión: James Gunn, Nicole Perlman (Cómic: Dan Abnett, Andy Lanning) Reparto: Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Bradley Cooper, Vin Diesel Trailer https://www.youtube.com/watch?v=uvUMGJ66IfU
BAJO EL PLANETA DE LOS SIMIOS
Qmios uien haya visto la versión original de El planeta de los Sicon Charlton Heston, recordará la imagen del final donde aparece la estatua de la libertad semienterrada y él comprende qué fue lo que pasó con la especie humana, pero nunca vemos la batalla que se libró entre las dos razas, Bajo el planeta de los simios nos muestra esa batalla épica. Bajo el planeta de los simios, trata de como los simios evolucionados y comandados por César se convierten en raza dominante, ya que la mayoría de los humanos han sucumbido a un virus devastador, pero un grupo de humanos han sobrevivido y los simios se sienten amenazados, esto desatará una guerra que decidirá cuál de las dos razas es la dominante. Secuela de la película El origen del planeta de los simios, Andy Serkis volverá a interpretar al papel de Cesar. Título original: Dawn of the Planet of the Apes Año: 2014 Duración: 130 min. País: E.U.A. Director: Matt Reeves Guión: Rick Jaffa, Amanda Silver, Mark Bomback Reparto: Andy Serkis, Jason Clarke, Gary Oldman Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=2vc6M_m293U
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EN CARTELERA AVIONES
Uvida n mundo donde los carros como el Rayo Mcqueen cobran y se comportan como personas, pero no sólo los automóviles, también los aviones.
Dusty es un avión que sueña con participar en una competencia de aviones, pero no está diseñado para vuelos muy altos y además le da miedo volar, sin embargo buscara la ayuda de otro avión, para demostrarse a sí mismo y a otros que puede competir y hasta ganar. Spin-off de Cars, protagonizado por vehículos aéreos, pero Pixar no es la responsable del film. Título original: Disney’s Planes Duración: 92 min. País: E.U.A. Director: Klay Hall Guión:Jeffrey M. Howard (Historia: John Lasseter, Klay Hall, Jeffrey M. Howard) Música: Mark Mancina Fotografía: Animation Año: 2013
Trailer https://www.youtube.com/watch?v=3KumjBXHdzY
BUENOS VECINOS Amar a alguien es maravilloso y más si eres correspondido, pero
la muerte de uno de los amantes representa enfrentarse a situaciones muy duras y hasta a escenarios que nunca imaginaste afrontar. Tom vive feliz con su pareja, pero de pronto éste muere en un accidente automovilístico, entonces decide trasladarse al lugar de origen de su difunto novio, pero se encuentra con que la familia de este ha vivido creyendo que él vivía enamorado de una mujer llamada Sarah, que en realidad es Tom, por lo que él se presenta como su amigo, pero el hermano de su novio sí sabe quién es, y se dedicará a acosar a Tom hasta un punto casi aterrador. Título original: Tom à la ferme (Tom at the Farm) Año: 2013 Duración: 105 min. País: Canadá Director: Xavier Dolan Guión: Xavier Dolan (Obra: Michel Marc Bouchard) Música: Gabriel Yared Fotografía: André Turpin Reparto: Xavier Dolan, Pierre-Yves Cardinal, Lise Roy, Evelyne Brochu, Manuel Tadros, Jacques Lavallée, Anne Caron, Olivier Morin, Johanne Leveillée, Mathieu Roy Trailer:
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https://www.youtube.com/watch?v=KH-I2ta24x8
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