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Editorial “El propio sinsentido de la vida fuerza al hombre a crear su propio sentido. Y si ese sentido puede ser escrito o pensado, también puede ser llevado a una película”, Stanley Kubrick

Esperamos tus críticas y comentarios en Facebook

Contenido Para conocer: El castillo vagabundo 2

Tesoros fílmicos: 81/2 6

La caja de Pandora: Sugar Man 16 Super 8 Número39 Editor: Azucena Mecalco Redactores: @AMAURY1984, Cristóbal Torres, Jorge Alonso Espíritu, Estefania Hipólito, Ettel Alvarado Arte y Diseño: Azucena Mecalco México Distrito Federal 1 de agosto de 2014

La revista SUPER 8 felicita a su editora por su próximo cumpleaños (8 de agosto) y presenta un número especial con sus cintas, personajes y temas favoritos.

En portada: Anita Ekberg

La mente maestra: Stanley Kubrick 10

Había una vez: Fando y Lis 20

Además La diva: Anita Ekberg 24 Top Five: Top cumpleañero 30 En cartelera 33


PARA CONOCER

EL increíble CASTILLO VAGABU

Un corazón es una pesada L

o que es, lo que se es, está en el corazón. Es el corazón. El corazón es una llama desbocada, difícil de controlar, de proteger, de alimentar. El corazón es un viajero constante, de puertas mágicas que nos transportan a los más lúgubres parajes, y a las más bellas nostalgias. El corazón es el motor de los huesos, los músculos y las alas. Metrónomo de las danzas sobre el aire, sobre el agua y en los sueños. Es los pilares de casas vueltas ruinas. La columna de los cuerpos que atestados de escombros caminan, llevando a cuestas los vidrios rotos de las vidas pasadas, que eran cuando el futuro era promesa, y el presente la confirmación anticipada de un destino deseable.

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¿Cuánto calor necesita una llama? ¿Cuántas llamas se necesitan para incendiar una casa, una ciudad, una vida? La pasión crea, pero también destruye. En todo caso, arrebata, al yo, al nosotros, al ellos. La misma fuerza que sirve para despertar de un sueño al amor verdadero se engrandece para matar, para destruir y enarbolar guerras estúpidas. Guerras de hombres que luchan por un lugar entre la humanidad y la bestialidad. La magia es menos peligrosa que los impulsos. Los personajes de El increíble Castillo Vagabundo, han caído en la desgracia de ser despojados de su cuerpo. Son almas atrapadas en cárceles corpóreas que los vuelven creaturas a veces fantásticas, úni-

cas, poderosas; otras frágiles, cansadas, casi inmóviles; pero siempre solas, o destinadas a la búsqueda de su soledad, para poder solventarla, deconstruirla, transformarla. Pero los corazones no saben de destinos. Y saben bien poco de riesgos. Buscar la vida es apostarla en cada movimiento, dejándose seducir por las fantasías del poder, la gloria, la atracción, la compañía. Y entonces los cuerpos traicionan, pierden la vista, el oído, los sentidos, la conciencia de lo que es y la memoria de lo que se fue. Ya no conocen a la persona detrás de los disfraces, las ropas, las caras, las formas. Y lo que es peor, ya no reconocen a la persona en el espejo.


UNDO

a carga Por Jorge Alonso EspĂ­ritu

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Entonces, viene la tragedia. Perderse para siempre. Después de la soberbia, nada. Después de quemar el fuego, nada. “Después de la guerra no volverán a recordar que eran hu-

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manos”, dice el temido y para entonces entrañable mago Howl. A veces es el corazón el que resiste. Aunque duela. Cami-

nar sobre el aire no es algo tan difícil, pero aterrizar es doloroso. ¿Quién nos va a tomar de la mano para practicar el descenso? ¿Qué inesperada mujer, qué madre, que espantapájaros nos va a regalar la caricia necesaria para no precipitarnos en caída libre hacia nuestra propia extinción? Un corazón es una carga pesada. Y el cuerpo es frágil. Pero el mismo corazón, como una armadura difícil de cargar, nos hace fuertes, valientes. Héroes. El corazón nos transforma y se transforma. Y transforma. Planta flores. Hace llover. Detiene el tiempo. Y el tiempo luego se va. Nos deja, desfasados en una vida difícil de

entender, difícil de ejercer. Difícil de amar. Es difícil amar. Pero amamos. Citó Hayao Miyazaki al final de su carrera los versos del Cementerio Marino de Paul Valery: “Se levanta el viento / hay que intentar vivir”. Así entonces, así siempre.

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TESOROS FÍLMICOS

El filme catártico de la cr Por Azucena Mecalco

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abía una vez un director que dirigió una película, sobre un director que dirigía una película, de un director que dirigía una película; su nombre, Federico Fellini, la película 8 ½. El cine de Fellini siempre se caracterizó por mostrar las condiciones

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humanas más naturales y viscerales, tomando como referentes situaciones cotidianas de índole particular, tan particular que terminaban por transformarse en preceptos universales. 8 ½ no fue la excepción.

talla, logran empatía desencadenando toda clase de sentimientos de identificación, desde la angustia hasta la sensación de liberación que permite respirar al personaje principal, arrancando al público de la realidad y transportándolo al mundo de los reCon la magis- cuerdos, la nostalgia, la añoranza tral actuación de y la desesperación. Marcello Mastroianni, su actor La película, que inicia con una ícono, Federico secuencia onírica, narra la hisFellini creó una toria de Guido Anselmi, un afaobra maestra de mado director cinematográfico, la cinematogra- que sufre una crisis existencial fía. La fotografía, y profesional al verse sumergimúsica, actuacio- do en un estancamiento creativo nes y argumento que le impide concluir uno de toman forma e sus trabajos. impregnan la pan-


risis artística

La vida de Guido se ha ido transformando poco a poco en un barullo de situaciones absurdas que él mismo es incapaz de controlar. Entre los encuentros furtivos con su amante, los problemas con su esposa que amenaza con la separación definitiva, y la presión de sus productores, el estrés comienza a consumirlo. Ello, acompañado de sus múltiples traumas e ideas fijas que se repiten constantemente, lo incapacita para dirigir; pues, al parecer, se ha vuelto incapaz de materializar sus propias ideas de forma artística y convincente. Frente al problema Guido intenta utilizar sus frustraciones como motor para poner en movimiento sus película, dejando al

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descubierto frente a las personas que menos imagina el tormento de sus confusas emociones; mas su mente se encuentra tan enmarañada que no puede poner pies y cabeza a su filme. Sin embargo, su fama lo precede y todo el mundo, incluidos los productores que aportan el dinero para su película, su esposa, colaboradores e incluso su amante, está a la expectativa de la nueva obra maestra del director, sin sospechar siquiera los problemas mentales que lo atormentan en sueños y que lentamente se apropian de su realidad, hasta que ésta colapsa dejándolo

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sin escape frente a la inmensidad y, peor aún, frente a sí mismo, de las expectativas ajenas y las conseguir una proyección de la propias, y de su propio espíritu frustración que surge ante este creativo. Quizá como una proyección de sus propias frustraciones, Federico Fellini construyó este filme de belleza exuberante y provocadora en blanco y negro, una mezcla de la fantasía, onirismo y realidad, una cinta que refleja la crisis creativa y de identidad a la que se enfrentan las personas ante la mirada acusadora, expectante y siempre inquisidora de sus círculos sociales, acompañada de la música del genio Nino Rota, que dota a la producción de una atmósfera que complementa las intenciones del director. Los recuerdos son un pesado lastre, sobre todo cuando éstos deciden transformarse en pesadillas, que después transmutan hasta apoderarse de la propia realidad, amotinándose y dejando al individuo al descubierto frente a otros

hecho es desde luego un reto; mas la capacidad actoral de Mastroianni, no sólo definió perfectamente las emociones explícitas en el argumento, si no que, como de costumbre, fue más allá en la acción, y configuró su propio personaje atribuyéndole vida y un universo propios. Sin demeritar, claro, las actuaciones del resto del reparto


La mancuerna Fellini-Mas- escribía. troianni ha sido una de las más prolíficas del cine y, a diferencia de otros duetos directoractor como el tan conocido BurtonDepp, Fellini y Marcello lograron construir y reconstruir personajes diversos y carismáticos sin encasillar al actor en un rol específico pese a que en todas sus participaciones Mastroianni protagonizó a personajes con características similares entre sí. Otro personaje que es necesario destacar es Ennio Flaiano, que colaboró en la creación del guión y quien fue participe además en otras

producciones del director italiano como Lo sceicco bianco (1952), I vitelloni (1953), La strada (1954), Il bidone (1955), Le notti di Cabiria (1957), La dolce vita (1960), entre otras, y que siempre logró condensar las ideas de Fellini en los guiones que

En la época de su estreno, este filme catártico consiguió posicionarse en los gustos de la crítica y el público, y obtuvo una serie de premios entre los que se encuentra el Óscar a Mejor película extranjera. Y aunque la cantidad de premios no diga nada de una producción, excepto quizá cuán rentable es; este filme, con o sin premios, es una obra artística en cada uno de sus componentes, y aunque no es la historia más popular del director, sí es una de sus mejores producciones.

FICHA TÉCNICA Título: Otto e mezzo 8 ½ Dirección: Federico Fellini Guión: Ennio Flaiano, Tullio Pinelli, Brunello Rondi y Federico Fellini basado en el argumento original de Federico Fellini Música: Nino Rota Fotografía: Gianni Di Venanzo Protagonistas: Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale, Anouk Aimée, Sandra Milo, Barbara Steele, Rosella Falk, Madeleine LeBeau, Mario Pisu País: Italia/Francia Año: 1963 Duración: 138 min.

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LA MENTE MAESTRA

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ST A NLEY K UBR I C K P e r f e c c i o n i s t a c i n e m a t o g r áf i c o Por @AMAURY1984

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ay nombres en la industria del cine que uno preferiría dejar a un lado cuando se trata de escribir sobre ellos; no porque no valgan la pena, sino porque significan demasiado en el gremio. Uno de esos nombres es Stanley Kubrick. No hay uno solo de sus filmes que no cuente con una monumental escena que se ha quedado grabada en la memoria colectiva. No hay un solo director de su generación, o de todas las generaciones subsiguientes, que pueda decir algo negativo del aporte de Kubrick al mundo del cine; de

hecho es considerado por casi todos como inspiración pura a la hora de crear. Prácticamente no hay departamento dentro de una producción fílmica en el que no haya tenido una participación amplia y valiosa. Kubrick decidía por sobre todos los aspectos de sus proyectos como todo un para crear un portafolio de buen fanático del control. trabajo que lo llevó a participar en la revista anglosajona Look, Kubrick empezó en el mundo dedicada a difundir las grandes de arte visual por su deseo de obras plasmadas en la plata. convertirse en un gran fotógrafo. En la educación media destacó Kubrick se convirtió en con amplias participaciones fotógrafo de planta de Look, en tomando fotos. Pero, hasta ahí, donde destacó por su fascinación Kubrick era catalogado por la a contar historias por medio de mayoría de sus tutores escolares secuencias fotográficas. Entre como un alumno mediocre muchos otros grandes proyectos fascinado con su cámara que para Look. Más tarde, al desposar no vería en su futuro aulas a su novia Toba Metz, Kubrick académicas de las grandes se convirtió en un asiduo universidades estadounidenses. espectador de las exhibiciones Resignado tomo su cámara y fílmicas de una galería de arte. fotografió todo lo que pudo Se volvió fanático de trabajos

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Kubrick inició una seria investigación sobre compañías que rentaban equipo, staff, además de cotizaciones sobre revelado de cintas y equipo de post producción. Generó rápidamente su propio catálogo de proveedores diversos para la industria del cine, lo que le ayudó a planear su primera incursión en el mundo del filme, con un cortometraje basado en una de sus historias fotográficas para la revista Look.

lo aprendido de sus errores. Sin una cantidad de dinero para producir algo Kubrick optó por pedir prestado a la familia para llevar otro guión de Sackler al celuloide. Al obtener 40 mil dólares de un tío suyo, se juntó con Sackler para pulir un guión atrasado y presentar el proyecto para filmar Killer’s Kiss, la historia de un boxeador neoyorkino que al ver a su vecina ser agredida por una conocido suyo se lanza a protegerla del agresivo agente. Con este proyecto terminado, Kubrick fue a tocar puertas a las distribuidoras para que exhibieran Killer’s Kiss. La United Artists aceptó comprarle el filme siempre y cuando cambiara el a su equipo qué era lo que quería final por uno “románticamente y eso era lo que recibía. aceptable”. Tras cambiar el final Kubrick vendió el filme en 100 Cierto día llegó de la mano mil dólares y un contrato por de su amigo Howard Sackler el 100 mil más para su próximo guión Fear and Desire. La historia proyecto. de una guerra cualquiera que lleva a un grupo de soldados al Era 1955 y Kubrick tenía territorio enemigo en donde la asegurado su próximo proyecto. prioridades de supervivencia u Por aquellos días se encontraba honor salen a flote entre ellos. leyendo la novela de Lionel A Kubrick le entusiasmó tanto el White, Clean Break, que para él, escrito que dejó su trabajo como haría un gran filme. Así que junto fotógrafo y puso todo su esfuerzo con su amigo Jim Thompson en impulsar Fear and Desire. inició la adaptación de la obra a Para el financiamiento recurrió guión. Con lo obtenido de la UA a una pequeña distribuidora que inició la pre producción y parte le había comprado los derechos del rodaje. El material llamó de exhibición de varios de mucho la atención en la oficinas sus cortos. Kubrick pidió un de la distribuidora y pusieron presupuesto ridículo para un a disposición de Kubrick y su largometraje, de tan solo 30 mil compañero en la producción, dólares. El proyecto llegó directo James Harris, un presupuesto de a la televisión de manos del distribuidor, quien por cierto recibió con buenos ojos el filme.

El éxito de Kubrick en el mundo de los cortometrajes creció exponencialmente, y la gente que participaba con el en sus proyectos era su mejor carta de presentación ante los grandes de la industria. Sabía perfectamente como comunicar

Kubrick no quedó muy satisfecho con lo obtenido por lo que deseaba iniciar un nuevo proyecto para poner en práctica

europeos como Load de Max Ophüls y su polémica cinta Liebelei. Así pues, dedicó mucho de su tiempo libre estudiando textos sobre producción fílmica y guión. De la mano de un amigo suyo se hizo de papeles de producción en los que el podía notar amplias fallas; costos innecesarios que bien podían ser removidos del presupuesto, o posiciones dentro del equipo de producción que estaban demasiado desaprovechadas.

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200 mil dólares. The Killing fue el nombre que pusieron al filme y fue estrenado en 1956 con amplias recomendaciones de parte de la crítica. A pesar de esto The Killing fue recibida con gran escepticismo por la audiencia. Tras su periodo de exhibición la recaudación en taquillas quedó por debajo de lo gastado. Esto probablemente se dio por una audiencia estadounidense que no quería ver violencia tras una guerra, pero que defendía mucho los preceptos que los llevaron a participar en la Segunda Guerra Mundial. Kubrick deseaba llevar a la pantalla algo del pasado y presente bélico de los EE.UU. Así que adaptó para el cine la novela de Humphrey Coob, Paths of Glory. La novela cuenta la historia de un trinchera francesa durante la Primera Guerra Mundial. En ella el general a cargo quiere mandar a sus subordinados a tomar una posición alemana bien resguardada. El segundo al mando entiende que eso sería un suicidio y se rehúsa a llevar a todo el grupo a morir. Pero la seducción de una ascenso cambia las cosas. Paths of Glory se estrenó en diciembre de 1957, y a pesar de su buena producción fue recibida como una ofensa por la sociedad estadounidense que veía como un insulto a los valores de las fuerzas armadas la insurrección del soldado francés. El filme tuvo un éxito moderado y al llegar a Europa creó un revuelo en la sociedad. Una nueva novela llegó a manos de Kubrick en 1958. The Authentic death of Hendry Jones de Charles Neider. La Paramount puso en manos del director este proyecto ya con una adaptación a guión elaborada. Kubrick insistió en reescribir el guión a pesar de que el actor y protagonista del proyecto, Marlon Brando, pidió que se dejara tal cual. La asperezas entre Brando y

Kubrick no terminaron ahí. Cuando el rodaje inició, Brando no se presentaba a los ensayos ni discutía con el resto del elenco o de la producción el guión. Sólo llegaba a la hora de rodar y hacía lo suyo. Brando retaba al director a tal grado que Kubrick prefirió abandonar el proyecto y ponerse a trabajar en otra cosa. Como era de esperar del gran Brando, tomo la riendas del proyecto como director. Y fue la única vez que lo hizo.

A pesar del éxito obtenido Stanley Kubrick no se encontraba cómodo dentro del ambiente Hollywoodense. Tras llegar a sus manos la novela Lolita de Vladimir Nabokov, partió a Inglaterra para iniciar la pre producción de la versión fílmica de la novela. El primer gran problema al abordar la historia del profesor obsesionado con una bella adolescente era la gran carga de erotismo con la que contaba la novela. Kubrick trabajó hombro a hombro Ante la repentina con Nabokov para realizar el disponibilidad en 1958, Kubrick guión, pero la adaptación sufrió fue abordado por el actor y tantos cambios que terminaron productor Kirk Douglas con construyendo una comedia un proyecto sobre la tercera negra que poco tenía que ver guerra griega de los esclavos y el con lo erótico y dramático de personaje de Spartacus. El guión la novela. Se volvió una historia había sido elaborado por Dalton por sí sola. Lolita se estrenó en el Trumbo, un conocido miembro verano de 1962 y contó con una de la lista negra de Hollywood buena recaudación en taquillas. tras negarse a testificar en contra de otros miembros de la sociedad Durante su estadía en Europa, Hollywoodense tachados de Kubrick tuvo oportunidad de Comunistas. Douglas le ofreció vivir desde fuera la paranoia a Kubrick el crédito de guionista comunista de los estadounidenses como un extra a su pago. Pero durante la Guerra fría. Vivió El director se negó e insistió en desde otro ángulo la gran tensión respaldar a Trumbo si el decidía de una posible guerra nuclear agregar su nombre a los créditos. que llevara a la humanidad a su Trumbo terminó firmando como perdición. Por aquel entonces Sam Jackson. Spartacus fue la leyó la novela de Peter George, primer gran producción de Two hours to doom, que aborda Kubrick; costando 12 millones un posible holocausto nuclear y de dólares la producción redituó la infinidad de estupideces que en grande recaudando más de podrían desatarlo. Así fue como 60 millones. empezó a escribir el guión de Dr. Strangelove or: How I learned

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to stop worrying and love the bomb. Una polémica comedia sobre un general a cargo de una base militar, que inicia por frustración propia un ataque nuclear directo a la URRS. Ante la inminente guerra los líderes de los EE.UU. se reúnen en el cuarto de guerra para ver que es lo que pueden hacer para evitar el conflicto. El embajador de la URSS es citado y le hace saber que cualquier ataque de los americanos a suelo soviético desatara la furia de la Maquina del Juicio. A pesar del tema Dr. Strangelove fue todo un éxito en las taquillas estadounidenses de 1964 y es una de las más memorables comedias del cine estadounidense. Su siguiente proyecto llegó como inspiración de un pequeño cuento de Arthur C. Clarke llamado El Centinela. Kubrick conectó con Clarke para plantearle la posibilidad de llevar a la pantalla la historia y juntos crearon el guión que llevó por nombre 2001: A Space Odysey. Una historia que lleva a la audiencia por cuatro aceleradas etapas de avance tecnológico hasta la concepción misma de un nuevo ente construido en la tecnología. La obra pasó por casi cuatro años de planeación tomando en consideración todo lo que Clarke aportaba.

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A lo largo de la etapa previa al ro d a j e Clarke escribió un diario en el que relata lo fascinante que fue trabajar en tan ambicioso p r oye c t o al lado de Kubrick. En este diario también comenta la brutal retroalimentación que ambos buscaron de científicos y teóricos en torno a viajes en el espacio, tecnología computacional y vida extraterrestre. Cuando el rodaje por fin inició aún existían detalles del guión que no habían sido terminados. Pero eso no detuvo la masiva producción de escenografías, vestuarios y diseños de artes que se desataron en Inglaterra. 2001: A Space Odyssey se estrenó en el verano de 1968 y tras costar mas de 10 millones de dólares llegó a ser un brutal éxito con una recaudación en taquillas de mas de 190 millones de dólares. Es claro ejemplo de una gran producción construida con eficiencia y que forma parte del culto a la figura de Kubrick, es por mucho uno de los más grandes clásico del cine. Durante algún tiempo Kubrick estuvo muy entusiasmado con realizar una película sobre Napoleón Bonaparte y realizó una amplia investigación acompañada de bocetos, fotografías, y tratamientos de un guión. Realmente se encontraba muy entusiasmado por este proyecto. Se tomó como proyecto personal sacar un guión y presentarlo para su evaluación a la MGM. En principio la productora aceptó iniciar la pre producción con algunas limitantes sobre los

costes. Pero un buen día la MGM canceló todo. Kubrick se encontraba muy involucrado en este proyecto y el balde de agua fría que le habían echando lo perturbó. Retomó el guión y replanteó los gastos pero la MGM no se molestó ni en echar un ojo a la gran pulida que el director había dado a su proyecto. Simplemente dijo no y cortó el tema. Kubrick quedó devastado tras la negativa de MGM e intentó buscar financiamiento por otros medios, pero hasta el más austero de los posibles escenarios era bastante riesgoso, en términos financieros, para cualquier productora. Por aquel entonces tenía entre sus lecturas la novela de Anthony Burgess, A Clockwork Orange. Y con el fin de sacar de su mente a Napoleón y regresar a trabajar lo más pronto que pudiese, decidió adaptar la obra de Burgess, que narra la historia de Alex, un sociópata amante de la leche con cocaína, las violaciones tumultuarias y la música de Beethoven. Él y sus amigos Georgie, Pete y Dim se dedican a esparcir el terror por donde se suelen pasear hasta que un buen día son capturados por la represora mano del Estado que los pone bajo un régimen de control mental. Enojado como


estaba con la MGM, decidió ir a buscar apoyo en la Columbia donde sin chistar le soltaron los tres millones de dólares que pidió. A Clockwork Orange fue un éxito sumamente polémico por lo visceral de su violencia y marcó un género para siempre la “ultra-violencia” en el cine. Tras el éxito de A Clockwork Orange en las salas Kubrick se enfrascó en un proyecto que muchos consideran el “Y sin embargo se mueve” de su biografía. Al no poder hacer su filme histórico sobre Napoleón, pudo haber visto en la novela de William Makepeace, The luck of Barry Lyndon, la forma de enseñarle a Hollywood que los filmes históricos bien realizados pueden ser un poco caros pero con excelentes resultados. Con una adaptación a guión propia, Kubrick fue a presentar el proyecto del cazafortunas Barry Lyndon. Para su suerte la Warner aceptó el proyecto con base en un presupuesto estimado de 12 millones de dólares. Barry Lyndon fue de éxito moderado cuando se estrenó en diciembre de 1975, recaudando mas de 25 millones de dólares en taquillas. Después de eso sólo fue a plantarse en la MGM con una gran sonrisa para demostrarles que lo bien hecho vende mucho.

Durante mucho tiempo Stanley Kubrick se enfrascó en su próximo proyecto; deseaba algo que retara sus capacidades como director y que lo mostrara ante la industria como un vendedor masivo. Optó por un género no explorado por él, el suspenso. Tomó montones de libros en busca de una novela que le gritara dentro de su primer capitulo: “Ey aquí hay algo grande”. Pero no fue hasta decenas de libros después que dio con The Shinning de Stephen King. Curiosamente el entrometido de King por aquel entonces no veía necesidad de participar en la versión fílmica de su obra, así que la adaptación corrió a cargo de Kubrick y Diane Johnson. The Shinning contó con un soberbio trabajo de producción, pero no así con un gran guión. Kubrick decidió hacer un guión mucho más pensado en asesorar al elenco para que pusiera lo mejor de sí en las escenas. Muchas de las grandes líneas de la cinta como la clásica entrada con hacha por la puerta fueron obra de la improvisación y la confianza que se creó entre los actores y el director. The Shinning llegó a las salas en verano de 1980 y consiguió respetables ganancias. Regresó al tema de la guerra con la novela de Gustav Hasford, The short Timers. Sobre cómo un grupo de jóvenes es enrolado en las filas del ejército estadounidense para ir a defender Vietnam. Y de cómo esto los cambia a un nivel de trastorno de la voluntad. Kubrick trabajó con Hasford en el guión y tras su exitosa exhibición fueron galardonados por la adaptación. El filme fue estrenado en 1987 y pretendía ser de lo último en su carrera. Kubrick vivió gran parte de su carrera obsesionado por un nuevo proyecto sobre la novela de Arthur Schnitzler Traumnovelle.

Pero no tuvo la oportunidad de llevarlo a la pantalla, el abierto libro sobre la sexualidad de una pareja entorno a algo parecido a una fantasía parecía demasiado para la industria del cine. Desde 1958 calló su obsesión por el proyecto. Casi en el retiro, ya a mediados de la década de 1990, entrado ya en sus 70 Kubrick decidió concebir la obra de Schnitzler como Eyes Wide Shut. Y encargó a Frederic Raphael la adaptación a los nuevos tiempos. Desde 1995 y hasta 1998 Kubrick pasó revisiones y revisiones de guión. Y cuando por fin estuvo todo listo para iniciar el rodaje de Eyes Wide Shut, Kubrick se tomó tan en serio el desarrollo que tardo 15 meses en filmarla. Encerrado muchas veces con sus protagonistas. Cuando el proyecto estaba ya prácticamente terminado y estaba siendo presentado para ejecutivos y personas cercanas Stanley Kubrick falleció. El gran trabajo realizado en Eyes Wide Shut se vio opacado por la trágica noticia de su muerte y el misterio de la filmación. Kubrick dejó un gran legado para la historia del cine que además sabemos quedó trunco ya que siempre hubo proyectos en el escritorio del talentoso Señor Director.

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Sugar Ma

una gran histor Por Cristóbal Torres

A

tención: es difícil escribir sobre esta obra sin arruinar la película a quienes no la han visto. Si aún no ven: Buscando a Sugar Man, háganlo ahora mismo, es garantía, no hay más.

hombro por África para conocer historias interesantes que le puedan servir para un documental. Se enteró aproximadamente de seis, pero una le llamó más la atención que todas: un músico pocho (mexica-gringo), coAburrido de trabajar en la te- nocido simplemente como Rolevisión sueca, Malik Bendjelloul driguez, se vuelve muy famoso realiza un viaje con mochila al en Sudáfrica, pero éste nunca

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LA CAJA DE PANDORA

an

ria, bien contada

se entera, y abatido por su falta Malik no pensó en un docude popularidad en el continente mental como tal, apuntaba más a americano se suicida prendién- una cápsula de algunos minutos dose fuego en el escenario. para la televisión sueca, pero la historia creció hasta el punto de

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de Rodriguez fue conocida por Malik en el 2006, y no fue sino hasta el 2008 cuando comenzó a grabar el documental, aunque con algunos altercados.

ganar un Óscar. Nunca antes había hecho un largometraje, por ahí se le conoce una serie documental sobre heavy metal, pero no trascendió más allá de la televisión sueca (donde allá se escucha metal como aquí cumbias),

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Una de las cosas más brillantes de esta obra, además de la historia per se, es su puesta en serie, es decir, la forma en la que el director acomodó los sucesos para contar todo. No obstante, esta secuencia fue producto de la necesidad y no tanto porque así lo haya ¿cómo consiguió entonces tal pensado el director hazaña? Analicemos las posibles desde el principio. respuestas. Cuando Malik Aunque Buscando a Sugar conoció la historia Man se estrenó en el Festival de completa de RoSundance del 2012, la historia driguez, consideró necesario entrevistarlo; para su desgracia éste se mostró todo el tiempo reacio. Malik tuvo que hacer varios viajes, esperando semanas y semanas, en las que Rodriguez le decía: “mañana, tal vez mañana”, para finalmente tenerlo frente a una cámara. Y aún así, cuando lo consiguió, se dio cuenta que era una persona monosilábica, no se prestaba a dar muchas palabras, menos si él era el tema de conversación. Por lo anterior, Malik se dio cuenta que la historia debía contarse de una manera diferente; una que le permitiera poner a Rodriguez como la cereza de un pastel, pues las discretas intervenciones de sus entrevistas


no le daban para mucho. El resultado fue excelente. ¿Cuántos documentales con grandes historias se apagan por no saberlas contar? Varios.

*** A pesar de la buena investigación, hay detalles que escapan en la historia, como por ejemplo el tema del dinero. Hasta la fecha, las ganancias obtenidas por la venta de discos no van a Rodriguez. Aunque Malik siguió investigando ese aspecto (que lo llevó hasta un lugar en Inglaterra), decidió no ponerlo en el film por dos razones: no tuvo pruebas contundentes para señalar culpables, y la más importante, “es algo que a él (Rodriguez) nunca le importó”, mencionó en una entrevista. Esto nos remite al personaje en sí: Rodriguez. Más allá de la historia narrada en el documental, el otro gran mérito que tiene Buscando a Sugar Man es la posibilidad que nos da de conocer a una persona como él: alguien desentendido de los atavismos modernos, ajeno al interminable círculo de consumo en el que muchos han caído y por el que se someten a una tremenda explotación laboral. “Puedes creer que está loco, pero cuando piensas al respecto tiene sentido. Nunca se dedicó a gastar. Y cuando no gastas, hay muchos sacrificios, por supuesto… pero también ganas algo.

Ganas cierta libertad. Nadie le puede decir qué es lo que tiene que hacer, porque él puede decir: no lo haré porque no nece- Una historia todavía más sorsito tu dinero”, dijo Malik sobre presiva fue saber que, a poco Rodríguez en una entrevista. más de un año de recibir el Óscar a mejor documental, Malik Otro tema reservado en el Bendjelloul murió. La policía no documental es el racismo; el aclaró las causas de su muerte, director asegura que muchos le pero su hermano dijo que fue un pidieron a Rodriguez cambiarse suicidio. ¿Cómo? Te cansas de el nombre pues le estorbaba so- la monotonía del trabajo, huyes nar tan mexicano. “Robert Zim- mochila al hombro a Sudáfrica; merman se cambió el nombre conoces una gran historia, ganas a Bob Dylan, pero Rodriguez un Óscar con primer tu docuno”. Si bien pudo ser una razón mental, ¿y te matas? Tiene senque lo alejó del éxito, Malik no tido. lo puso en el documental escudándose en la personalidad de “O me voy otra vez de viaje Rodriguez, remarcando que a él en busca de una historia de la nunca le ha importado la fama y misma forma que encontré esta, el dinero. o iré con la mejor oferta de Hollywood… o seré una simple caAmbos huecos no tratados en sualidad”, dijo el director pocos el documental se vuelven, a mi días antes de ganar el Óscar. Es entender, señales de la gran no- difícil saber qué lo motivó a dejar bleza de Rodriguez de vivir. Probablemente se dio cuenta que el mundo se dirigía a un colapso de proporciones bíblicas y ni él ni todos los documentales del mundo podrían evitarlo. Si esa fue la razón, ¡de la que se salvó!

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HABÍA UNA VEZ

FANDO

Lo irracional no es argument “El performance ‘Fando y Lis’ es un misterio total para mí, nunca lo entendí, ni quiero. El día que lo entienda lo querré menos.” Fernando Arrabal.

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O Y LIS

to en contra de la existencia “J

uguemos. Si eres un gran pianista y te corto un brazo, ¿qué haces? Me dedico a pintar. Si eres un gran pintor y te corto el otro brazo, ¿qué haces? Me dedico a bailar. Si eres un gran bailarín y te cortan las piernas, ¿qué haces? Me dedico a cantar. Si eres un cantante y te corto la garganta, ¿qué haces? Como estoy muerto, pido que con mi piel se fabrique un hermoso tambor. Y si quemo el tambor, ¿qué haces? Me convierto en una nube que tome todas las formas. Si la nube se disuelve, ¿qué haces? Me convierto en lluvia, y hago que nazcan las hierbas. Ganaste. Me sentiré muy solo el día que no estés. Si algún día te sientes solo busca la maravillosa ciudad de Tar.” El diálogo anterior forma parte del primer largometraje de Alejandro Jodorowsky (antes obra teatral de F. Arrabal), aunque no es necesario esperar hasta que salgan las líneas anteriores para saber que estamos frente a una obra sombría, extraña y visceralmente fría, Fando y Lis

Por Ettel Alvarado se estrenó en 1968 en la Reseña de Acapulco, festival de cine que ya no existe, y siendo coherentes coincidiremos en que para la época ésta película era agresiva e inclusive ofensiva para una audiencia mexicana que, en tiempos pretéritos, estaba acostumbrada a un cine sumamente digerible y con argumentos fácilmente reconocibles, como María Isabel (1967), por ejemplo. Estas líneas no están aquí para intentar describir de qué trata la cinta, injusto sería asignarle una temática, el sentido y la intencionalidad no ostentan un lugar destacado, predomina el lenguaje de la imagen, da la sensación de ser una combinación entre el humor y el horror sin tener perfectamente definido cuál es cuál, lo convencional se encuentra olvidado y si se trata de dar una explicación más o menos racional, podría decirse que la película cuenta la historia de una pareja, ella (Lis) paralítica y él (Fando) hombre infantil y violento, que intentan llegar a Tar, lugar que se entiende y representa como una

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utopía, no corresponde al terreno de lo tangible, el carácter simbólico de ésta ciudad puede representar la libertad, la felicidad o la esperanza, cada espectador

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se toma el albedrío de ligar las Al recorrido del metraje Fanescenas y conferirle a Tar el sen- do y Lis se encontrarán con pertido que encuentre más próximo sonajes estrambóticos que jugay adecuado. rán diferentes papeles, algunos grotescos y nauseabundos, enigmáticos sólo por existir, habitando ruinas, dando a entender en sentido recto o figurado que la vida social es muy superficial, que los adultos destruyen la existencia, escenas cargadas de alegorías, un piano incendiándose y resistiendo la caída, obstinado pero vulnerable. Los protagonistas parecen buscar de forma dramática su infancia, tratan de recuperarla, Lis no logra desprenderse de la malicia de los hombres que cuando niña la ultrajaron, la corrompieron y le arrebata-


ron su niñez, Fando pretende preservar celosamente el único recuerdo bondadoso de su infancia, es decir, el de su padre, lleva consigo un viejo tambor como intentando perpetuar el recuerdo de su progenitor, buscan inconsciente-

mente imitar la inocencia que han perdido. El camino a Tar sigue y nada en su travesía parece anunciar que la desconcertante pareja se acerca a su destino, cada experiencia en su viaje es nueva

pero no representa ningún avance, Fando confiriéndole ínfima utilidad a la violencia arremete contra Lis, dejando una Lis desprotegida y constantemente humillada, la muerte es tema constante y la mofa a ésta también, pues qué bonito es un entierro, más si es el de Lis con una flor y un perro. Ella funge como la infalible compañía que el agobiado y escocido Fando necesita para aliviar sus penas y lidiar con sus fantasmas, como penitencia empuja el carrito que transporta sus momentáneos alivios. Ambos buscan en la otredad algo de lo que infaliblemente carecen. Una película sin dirección fija pero excéntrica, que sigue los estándares del Movimiento Pánico, del cual Jodorowsky es fundador y que intenta trascender y sembrar en sus seguidores/espectadores nuevas perspectivas, la cinematografía de lo extraño encontró en Fando y Lis un contundente filme para seguir escribiendo su particular historia.

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LA DIVA

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DOLCE E SEXY ANA La diva de Fellini D

icen que si vas a Roma no puedes dejar de visitar La Fuente de Trevi, monumental fuente con diseño barroco, que es una de las más famosas de ese país; pero cuando la terminaron de construir en 1792, nunca imaginaron que se formaría una leyenda en torno a ella y que sería el escenario de una película y de una escena en particular en la que una mujer desbordaría sensualidad. Anita Marianne Ekberg nació el 29 de septiembre de 1931 en Malmo (Suecia), cuando contaba con 19 años su belleza ya era notable, tanto que ganó el certamen Miss Suecia en 1951 y esto le permitió participar en el concurso de Miss Universo, donde quedo entre las seis finalistas lo cual le proporcionó la oportunidad de firmar un contrato con Universal Pictures. Anita Ekberg no era una mujer común, ella desbordaba sensualidad por cada uno de sus poros, piernas, sonrisa, labios, ojos de mirada profunda, exuberan-

Por Estefania Hipólito tes caderas, la melena rubia, todo encajaba perfec t a me nte en ella y la convirtió en una representación de la belleza y sensualidad de la época. D e b u tó en 1953 en la película Abbott And Costello Go To Mars del director Charles Lamont, cinta cómica donde Abbott y Costello viajaron al planeta Marte, pero en su lugar llegan a Venus en el que se ven rodeados de

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reportero de crónicas sociales, quien tiene un sinnúmero de relaciones con diferentes mujeres entre ellas Silvia, interpretada por Anita . La dolce vita fue dirigida por Federico Fellini y es considerada

un sinnúmero de bellezas entre ellas Anita Ekberg.

es que definitivamente ninguna otra actriz hubiera sido capaz de interpretar el papel como lo hizo Su carrera continúo con par- Anita. ticipaciones en cintas de corte cómico y musical como: Artistas En 1958 protagonizó otra coy modelos (1955) y Loco por Ani- media, Paris Holiday con Bob ta (1956), en ambas compartió Hope, de nueva cuenta en ésta créditos con Jerry Lewis y Dean película utiliza sus encantos al Martin. interpretar a una agente de una organización criminal francesa, En 1956 ganó un Globo de Zara Brown, los cuales le perOro y en el mismo año obtuvo miten despistar a Bob Hunter, un papel en la superproducción mientras ella busca un docuWar and Peace de King Vidor, los mento en la habitación de él. créditos principales pertenecían a Henry Fonda y Audrey HepEl año de 1960 representó burn. En esta película Anita in- para Anita Ekberg un año importerpretó a Helene Kuragina una tante, ya que interpretó su papel mujer que se valía de la atracción más recordado en la película La sexual que sentían los hombre dolce vita. La película estaba cenpor ella para allegarse al poder, y trada en la vida de Marcello, un

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como uno de sus mejores trabajos; fue premiada con la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes de 1960 y con el Óscar al mejor diseño de vestuario. Además la película fue prohibida en España por el régimen franquista y solo llegaría a

las salas españolas hasta el año de 1980. Aunque Marcello era el personaje principal, actualmente es más recordada Silvia por su escena en la Fuente de Trevi, con respecto de ésta la propia Anita en alguna ocasión comento que ella no se resbaló ni una vez, pero Mastroianni se cayó tres veces al agua, se tomo una botella de whisky por el frío y al final se puso unas botas de pescador bajo los pantalones. L a escena de la fuente es retomada en otras películas como Bajo el sol de la Toscana de 2003 o Elsa y Fred de 2005. Quizás porque la Ekberg siempre lució despampanante en cada una de las películas que participó, pero Fellini con el blanco y negro logro que destacaran cada uno de sus matices y la convirtió en una musa, además el vestido negro que portaba la elevo al punto del éxtasis para los ojos de los espectadores. En 1962 volvió a ser dirigida por Federico Fellini y protagonizó una de las historias de Boccaccio 70, Las tentaciones del doctor Antonio. En esta cinta el doctor, interpretado por Peppino De Filippo, desea que quiten un cartel con la imagen de la exuberante Anita Ekberg, el cual habla de las propiedades nutritivas de la leche; sin embargo en sus sueños él es protagonista de fantasías con ella. En esta película Anita se transforma en algo onírico, eso que todos podían

ver y desear pero que sólo en sus sueños se volvía realidad Anita Ekberg participo en otras películas como La Espada de Damasco (1953), El Caballero del Mississippi (1953), Take me to town (1953) , Zarak (1957) , Bajo el signo de Roma (1959) , Los mongoles (1961), Cuatro tíos de Texas (1963), El Amo de la selva (1963), Detective con rubia (1966), Un chalado en órbita (1966), Siete veces mujer (1967), Si hoy es martes, esto es Bélgica(1969), Entrevista (1987) y Bámbola (1997) de Bigas Luna. Después de retirarse del cine Ekberg se dedico más a su trabajo como modelo. Realizó diversos reportajes para la revista Playboy, los cuales incluían desnudos de cuerpo entero, donde se podía apreciar el esplendor de

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su cuerpo y la perfección de su figura femenina. Estuvo casada en cuatro ocasiones y se le atribuyen romances con actores como Tyrone Power, Marcello Mastroianni, Errol Flynn, Frank Sinatra y con Gianni Agnelli presidente del Grupo Fiat. Desde el principio destacó su belleza y sensualidad en cada una de sus apariciones, la cual era remarcada por el tecnicolor y los atuendos que usaba, en general vestidos con escote palabra de honor, los cuales le sentaban muy bien y le permitían lucir sus encantos, además tenía una posición particular que adoptaba cuando estaba tendida en una cama, es quizás de las poses más sensuales del cine. A pesar de haber sido encasillada en papeles como símbolo sexual y que su trabajo sea recordado más por eso que por su actuación, Anita Ekberg

en su juventud fue una mujer que sabía exactamente lo que quería, tanto es así que cuando el productor Howard Hughes le propuso cambiar de nombre ella le respondió así: “Si me hago famosa, el público aprenderá a pronunciar mi apellido;

y si no, no me importa”, al final todos aprendimos a pronunciar su nombre, ella se hizo famosa conservando su identidad y así su belleza quedo inmortalizada en las pantallas, esa belleza onírica que permanecerá imperturbable dentro de las películas, esa belleza con la que muchos aun se sienten en el éxtasis tan sólo con verla.

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TOP FIVE

TO P C U M P L E A Ñ E R O Por @AMAURY1984

A

que alguna vez han tenido un amigo o amiga con el que jalan para ir a ver una película. Apoco no es lindo tener a ese alguien con quien seleccionar una gran película que disfrutarán y comentarán al salir de la sala… Pues no. Es un infierno, terminas detestando cada minuto que se te escapa viendo las sugerencias de ese otro, en mi caso LA EDITORA DE ESTA REVISTA. ¡SÍ! Porque que detrás de esos rebuscados textos académicos que pintan a una personita interesada en el cine, se esconde la cosa más extraña que me haya topado con el seudónimo “cinefilo”. Nuestra benemérita editora ama ver películas de terror, gore, suspenso, etc. Pero no cualquier tipo de película de esos géneros; no señor. Ama ver nefastas creaciones que te chupan la vida directo de los ojos, que te hacen cuestionar tu propia cordura al no oponer resistencia a la hora de entrar en la sala de cine. Y hoy que se acerca el cumpleaños de la Señorita editora y no tengo ni clips de colores para regalarle, me dediqué a escribir este bonito Top de las más grandes joyas que he entrado a ver en una sala de cine gracias a su insistencia.

5. Emergo (Dir. Carles Torrens. Guión: Rodrigo Cortes) Conocido en los bajos mundos con el nombre de Aparta-

mento 143. Este extraño proyecto de un grupo de producción español, narra la historia de una familia estadounidense “White”. Tras dejar su antigua casa al presenciar fenómenos paranormales las Familia White se muda a un pequeño departamento. Todo parece ir bien hasta que eventos paranormales llegan a la nueva residencia. Es entonces cuando el Sr. Alan White decide solicitar la ayuda de “profesionales” en el área de la parapsicología. Así pues el Dr. Helzer y sus estudiantes llegan cargados de equipo técnico para descubrir a la presencia maligna que atormenta a los White. Más tarde la historia de la misteriosa muerte de la Sra. White sale a flote, de como sufría de supuestos episodios psicóticos que de hecho eran otra cosa. Ahora todo parece indicar que la madre de familia ha dejado un legado que no los aban-

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4. The Unborn (Dirección y Guión de David S. Goyer) El

señor Goyer goza de una gran reputación en Hollywood; planteó la historia que desarrollaría Christopher Nolan en Batman Begins y las posteriores The Dark Knight y The Dark Knight Rises. Escribió la saga Blade y además es súper amigo de Michael Bay. Pero todo eso no garantiza que tu proyecto personal vaya a mantener la calidad que Nolan le puede dar. Es por eso que el desastre cayó sobre él con su guión The Unborn. La historia aborda la vida de la joven Casey que es atormentada por apariciones de un misterioso niño. Pronto Casey se ve envuelta en el pasado de sus padres y la misteriosa muerte de su gemelo no nato. Todo apunta a que el niño que atormenta a Casey es un “dybbuk” ya que al ser judía pues es atormentada por un espíritu judío. Casey se ve obligada a someterse a un exorcismo judío para posiblemente terminar con el espíritu que la atormenta. Desde luego que para llamar la atención de público Goyer se valió de sexys protagonistas que le dan ese toque de vulgaridad necesaria. Sospecho que asugerencia de su buen amigo Michael Bay.

3. The Devil Inside (Dirección y Guión de William Brent Bell) En 1989 Maria Rossi mató a tres individuos que presenciaban su

exorcismo. Ante las circunstancias que rodeaban este caso la Sra.Rossi fue diagnosticada con un severo problema de psicosis y enviada a un recinto psiquiátrico en Italia especializado en casos como el suyo. 20 años después, su hija decide realizar un documental sobre la condición de su madre. Ella y sus colegas conocen a unos sacerdotes interesados en el caso y el grupo se dispone a adentrarse en el perverso pasado de la señora Rossi. Mire usted, querido lector, si el argumento suena muy parecido al de cientos de filmes similares, es porque así es. De hecho esta pifia se vale de los mismos trucos baratos para asustar, ruidos estridentes. La imágenes del exorcismo ya están demasiado quemadas y no aportan absolutamente nada nuevo.

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2. Deseo (Dirección y adaptación de Antonio Zavala Kugler) Una de las pocas, sino es que la única sugerencia de la señorita editora de cine mexicano y que no tiene que ver con terror. Una película adaptada de la obra teatral “La ronda” del gran dramaturgo austriaco Arthur Schnitzler.

Ya existía una gran versión dirigida por el alemán Max Ophüls en la decaía de 1930. Pero el buen Antonio Zavala estaba convencido de poder construir su propia versión con todo el espíritu de la obra de Schnitzler, ahora tropicalizada al contexto cultural del pueblo mexicano. Zavala consiguió todo el apoyo y financiamiento de Grupo Salinas; lo que incluía actores de TV Azteca, instalaciones de la misma televisora y escenografías, autos e insumos de Elektra. El resultado es un extraño ejemplo de lo que uno suele hacer cuando no tiene idea la obra que adapta. Una famosa actriz conoce a la gente indicada de un misterioso pueblo que aplica aquel refrán del infierno grande. Drogas y fiestas reúnen las distintas historias que terminan por llevar a ninguna conclusión.

1 .El edificio( Dir. Ulises Puga. Guión: Jorge Molina) Miren, aquí la editora tiene un fetiche con un particular sector de películas de terror al que me gusta llamar “los triques del mal”. Si es de terror y tiene un objeto inanimado perverso, seguro la editora me hará ir a verla al cine. Usted nómbrelo pelucas, escaleras, violines, casas y desde luego como ha de suponer por el título de la cinta: Edificios. En este filme mexicano, la protagonista de nombre Miranda, encuentra un pequeño y cómodo departamento en un antiguo edificio de la Ciudad de México. Miranda se encuentra en franca huida de su marido Alejandro. Pero lo que no sabe es que para salir de un pesadilla se fue a meter a otra. Misteriosos ruidos llevan a Miranda a conocer al portero del edificio en donde vive y las misteriosas historias que el edificio preserva. Esta es a grandes rasgos la trama, y de hecho no es una sinopsis en donde debo de dejar información escondida. Esto bien podría se una síntesis fiel ya que la cinta mexicana nunca nos aclara qué es lo que lleva a Miranda a este condominio o cuál es la relación entre la protagonista y el edificio, o porqué es que se supone que el edificio está poseído. La cinta, que casi llega a las dos horas, y su director deciden intentar asustar a la audiencia, con el único fin de que olviden que no hay historia alguna. Pongo esta cinta en el número uno porque a diferencia de la ocasiones en que fuimos a ver las otras cuatro, esa fecha sí había una película que me interesaba ver. Pero gracias a nuestra querida editora eso fue imposible. ¿Osh!

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Por Estefania Hipólito

EN CARTELERA MÁS NEGRO QUE LA NOCHE

Una casa antigua y tétrica, undegatomisterio negro, y un ama de llaves anciana y rodeada de un halo son los ingredientes para poner los pelos de punta. Un grupo de jovencitas acompaña a una amiga para escuchar que ella ha heredado la antigua casa de su tía después de que ésta muriera, la única condición es que debe cuidar a la mascota de la difunta mujer: un gato negro. En un afán de camarería, las cuatro amigas se mudan a la casona que aparenta estar en total calma, hasta que el gato aparece muerto y una serie de eventos terroríficos comienzan a pasar. Remake de la película con el mismo nombre de 1975, la cual había sido dirigida por Carlos Enrique Taboada, y protagonizada por Claudia Islas, Susana Dosamantes, Helena Rojo y Lucía Méndez, en esta ocasión, con ayuda de los efectos especiales más modernos y realistas, intentarán aterrarnos. Año: 2014 País: México Director: Henry Bedwell Guión: Henry Bedwell (Historia: Carlos Enrique Taboada) Reparto: Zuria Vega, Adriana Louvier, Eréndira Ibarra, Ona Casamiquela, Josemaría Torre Hütt, Miguel Rodarte, Hernán Vera, Trailer https://www.youtube.com/watch?v=Mg4__TF569c

LAS TORTUGAS NINJA

NnosuevaShredder York se ha sumido en la oscuridad debido a que los villay Foot Clan han tomado el control de la ciudad, ini-

ciando con la policía y terminando con los políticos. Ante esta grave amenaza Leonardo, Michelangelo, Donatello y Raphael, cuatro hermanos, se dedicaran a detener el crimen, aunque estos cuatro jóvenes no son seres humanos comunes, sino que son unas tortugas ninja, que viven bajo las alcantarillas. En una de su batallas se encontrarán con la reportera April (Megan Fox) y decidirán trabajar con ella para derrotar a los villanos. El cómic original de Las Tortugas Ninja apareció en 1984, después se creó una serie de animación y también se han lanzado películas, pero esta versión pretende ser un reinicio de la serie y dejar de lado los personajes estilizado y dotando a las tortugas de unas texturas más reales. Título original: Teenage Mutant Ninja Turtles Año: 2014 Duración: 87 min. País: E.U.A. Director: Jonathan Liebesman Guión: Josh Applebaum, Andre Nemec Reparto: Megan Fox, Alan Ritchson, Jeremy Howard, Pete Ploszek, Noel Fisher, Will Arnett, Danny WoodburnMéndez Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=N0_PnI-ps88

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EN CARTELERA SÓLO AMIGOS

Tmediatamente, odos hemos encontrado a alguien con quien hacemos clic iny en algunos casos se experimenta eso que se llama “amor a primera vista”, el problema surge cuando ese amor es unilateral y tienes que guardar todo eso que sientes por una amistad que has decidido conservar a costa de lo que sientes.

La película gira alrededor de Wallace (Daniel Radcliffe), quien se considera poco atractivo y listo, pero que posee un gran encanto, él conoce en una fiesta a Chantry (Zoe Kazan) una chica muy diferente, desde el primer momento que interactúan se dan cuenta que existe química entre los dos; pero ella tiene novio, así que él tendrá que decidir si la quiere sólo como amiga o como algo más y enfrentarse a las consecuencias de intentarlo. Ésta la adaptación de la obra de teatro Cigars and Toothpaste, de T.J. Dawe y Michael Rinaldi. Además Daniel Radcliffe sigue actuando en papeles que lo desliguen de Harry Potter. Título original: The F Word (What If) Año: 2013 Duración: 99 min. País: Canadá Director: Michael Dowse Guión: Elan Mastai (Obra: T.J. Dawe, Michael Rinaldi) Reparto: Daniel Radcliffe, Zoe Kazan, Adam Driver, Rafe Spall, Amanda Crew, Jemima Rooper

Trailer https://www.youtube.com/watch?v=-CuAGFDpVpU

EL PASADO Cuando

los matrimonios terminan es necesario poner un punto final, y el divorcio es el paso más lógico a dar. La película expone como terceras personas son afectas cuando una pareja decide separarse e iniciar una nueva relación. Cuatro años después de haberse separado de su mujer, Ahmad viaja a París ya que su esposa Marie quiere que firmen el divorcio. Durante su estancia, él se dará cuenta de la conflictiva relación que existe entre su esposa y su hija, además de la oposición de la ultima con respecto a la nueva relación que mantiene su madre, además se enterará de la existencia de un secreto. El pasado es la más reciente película de Asghar Farhadi, su trabajo anterior es La separación, con esta película gano un Óscar. Título original: Le passé (The Past) Año: 2013 Duración:130 min. País:Francia Director: Asghar Farhadi Guión: Asghar Farhadi Reparto: Bérénice Bejo, Tahar Rahim, Babak Karimi, Ali Mosaffa, Pauline Burlet, Elyes Aguis, Trailer https://www.youtube.com/watch?v=CMa2ST6UW_4

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