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Contenido El cine es... poesía: El soundtrack de Secreto en la montaña 2
Tesoros fílmicos: Apocalipsis Now 6
La caja de Pandora: Alien 15 Super 8 Número 43 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Fafner Svern/Manuel Pineda Jorge Alonso Espíritu, Estefania Hipólito, Ettel Alvarado Arte y Diseño: Azucena Mecalco México Distrito Federal 1 de octubre de 2014
Editorial
l cine es el arte de las artes. En un filme se aglomeran la literatura, la fotografía, la música, el teatro… y crean en conjunto un universo expresivo que se presenta frente al espectador y manifiesta una realidad alterna y creíble de la que éste puede ser partícipe. Las realidades en el cine son tan vastas y variadas que al introducirnos en ellas nos permiten, no escapar; sino, por el contrario, crear nuevas perspectivas, con las cuales podemos visualizar nuestra realidad externa al filme…
En portada: Alien
La mente maestra: La ventana indiscreta 10
Había una vez: Plaga de perros 21
Además Para conocer: Sherlock Holmes 24 En cartelera 30 Cartelera Cinenautas 32
EL CINE ES... POESÍA
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Notas para la soledad El soundtrack de Secreto en la montaña Por Jorge Alonso Espíritu
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n par de notas solitarias, casi abandonadas suenan en un paraje lejano. Algo falta en la inmensidad, allí donde las montañas y
los bosques se levantan imponentes rodeadas por la niebla y vestidas del frío que anticipa la tormenta. Un par de notas que
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de inmediato mueren, dando paso al silencio en el silencio, al sonido que se ahoga: la costumbre de morir. El miedo a morir. También a vivir.
de dos personas que podrían ser cualquiera. Hombres o mujeres. Mujeres u hombres. Así inicia la interpretación de Gustavo Santaolalla, responsable de la banda sonora de la adaptación cinemaUn par de notas y el vacío. Así tográfica del relato Brockeback inicia la historia. La de Ennis Del Montain, adaptado por Ang Lee Mar y Jack Twist. O la historia al cine:
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En 1963, dos jóvenes vaqueros se conocen al ser contratados para cuidar un rebaño en medio de las montañas de Wyoming, Estados Unidos. Conviviendo a cuentagotas, entre lo que no se confiesa y los recuerdos que duelen, inician un romance que es interrumpido por las condiciones atmosféricas y la voluntad del dueño del rebaño. Lejos de perderse en la distancia en la que confinan sus ganas, sus vidas, en adelante, seguirán espirales de nostalgia donde al rehacer sus vidas –o intentarlo- se
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ven eternamente marcados por la presencia en la memoria del verano en que se conocieron. Esta historia es narrada entre acordes melancólicos y paisajes imponentes. El músico y productor argentino provee notas exactas de una épica lenta y dolorosa. Mientras las vidas de los protagonistas se decantan por cumplir la normalidad heterosexual, las notas de la música transitan a la narrativa del oeste, yendo al folk más íntimo y también a canciones más rítmicas, como de un rodeo que se lleva a cabo entre vítores a la valentía, a la resistencia. Como una road movie, donde la carretera no es otra sino la vida, las canciones acompañan cada intento, cada paraje en la vida de Ennis y Jack. En medio
de ella, la canción A Love That Will Never Grow Old, interpretada por Emmylou Harris, marca en unos segundos un punto de ruptura, acaompañando el llanto de Jack: Cause I know a love that will never grow old/ And I know a love that will never grow old. Yo sé de un amor que nunca envejecerá. El tiempo pasa y lo sigue haciendo. ¿Por qué sujetarse, como en un rodeo, a un momento que dura unos pocos segundos? Ennis sigue con sus planes. En los ojos de una de sus hijas, ve su vida, a pedazos, y ella ve la vida de su padre. Ve su lucha. Y los nervios, y la alegría, y la fuerza destrozada por el anhelo de un fantasma que eventualmente se hace visible, palpable, pero que pertenece al lugar de donde provienen los recuerdos más dramáticos: no hay nada nuevo bajo el sol, no existen los finales felices y no serían ellos los primeros
en ser atacados por la intolerancia de quienes no saben nada del amor. Mejor no intentarlo. Sólo hay algo más grande que el amor. Se llama miedo. Pero uno y otro son insistentes. Se instalan en la conciencia y se aferran como si en ello fuera la vida. Y en ello va la muerte. Pensar de día. Imaginar por la tarde. Soñar de noche. ¿Cómo se aprende a no tener miedo? ¿Cómo se olvida lo que se ama? No, I don’t want to say goodbye/ all I want to do is live with you. Yo no quiero decir adiós. Todo lo que quiero es vivir contigo. Vale más lo vivido que mil sueños. No toda la vida está en nuestras manos. Pero sí el no perder nuestra felicidad en el agua que corre tras la tormenta. Una voz arrastrada y suave, Rufus Wainwright, lo recuerda en la pieza The maker makes. Al final, las notas de Santaolalla lo dicen todo: notas solitarias, como a cuentagotas, calando en la soledad, mientras el mundo se aleja siguiendo su propio curso y nos deja en medio del camino.
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TESOROS FÍLMICOS
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largo de su historia, uno de ellos es desde luego el estándar de «victoria». La lista de cintas en las que el bien triunfa por encima del mal en cualquiera de sus múltiples presentaciones es tan antigua como el cinematógrafo mismo. Incluso las cintas animadas como Blanca Nieves y los siete enanos (David Hand, 1937), ya lanzaban el mensaje de la vic«Victoria», palabra misteriosa toria como un concepto que imque encierra millones de signifi- plicaba, segregación, derrota e cados. Y pese a que cada ente so- inclusive muerte. Mas, regularbre la tierra cuenta con su propia mente, la victoria, hecho subsedefinición, existe una universal aceptada por las personas como base, concepto y acción: la «victoria» no indica necesariamente superación, implica que alguien más ha sido derrotado, superado, y por lo tanto el victorioso es «mejor», aun sin saber precisamente porqué o en qué es «mejor» es aceptado e incluso galardonado. ué delicia oler napalm por la mañana!. Un día bombardeamos una colina y cuando todo acabó, subí. ... Napalm, hijo; nada del mundo huele así. Amo el olor ... No encontramos ni un cadáver de esos chinos de mierda. ... Que pestazo el de la gasolina quemada,... aquella colina... olía a... a Victoria.»
El cine y sus creadores han diseñado y reforzado una serie de conceptos y estereotipos a lo
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cuente de una lucha descarnada, conlleva una doble cara, “el fin justifica los medios” planteaba Maquiavelo en El príncipe; sin embargo, tanto en el cine como en la vida real, exista o no un fin último, obtener la hegemonía sobre otro lo justifica todo. En el año 1991, Fax Bahr, George Hickenlooper y Eleonor Coppola lanzaron al mercado fílmico una película sobre una película que rompía con los estándares de la época, sus defini-
orazón de las tinieblas Por Azucena Mecalco altercados durante la producción de su cinta.
ciones y conceptos sobre la guerra, su finalidad y claro, sobre la «victoria». Hearts of Darkness: A Filmmaker’s Apocalypse es un documental en el que se narran las terribles experiencias y la odisea que implicó realizar una de las cintas más importantes de la filmografía bélica, Apocalypse Now del director, guionista y productor Francis Ford Coppola.
El rodaje de Apocalipsis Now inició en el año de 1976, época de apogeo para las cintas bélicas. Y aunque en un principio Coppola no estaba seguro de dirigir la cinta, finalmente decidió tomar el proyecto en sus manos y materializar su adaptación de Hearts of Darkness, novela de Joseph Conrad, guión en el que había trabajado a lado de su amigo John Milius. Mas Coppola no esperaba encontrarse con tantos
Para empezar el rodaje resultó más caro de lo esperado, tantas explosiones y efectos no podían ser costeados y el presupuesto se elevó de forma exorbitante. Pero el dinero no era el único problema, en realidad podría decirse que era uno de los problemas menores, puesto que los actores, especialmente Marlon Brando, quien ya había trabajado con Coppola en proyectos anteriores y para ese momento se encontraba en la cima de su carrera, complicaban el desarrollo del rodaje. Por principio Brando se negaba a participar con todos los actores en el set e incluso exigía un sueldo más elevado de lo normal. Otro problema comenzó cuando el Martin Sheen, quien encarnaba al capitán Willard, sufrió un infarto; aunque por fortuna logró recuperarse y terminar la cinta. Pero las desgracias no terminaban para Coppola,
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incluso los sets tuvieron que ser reconstruidos debido a las condiciones climáticas… ello sumado a otra serie de pequeñas complicaciones hicieron del rodaje de Apocalypse Now un tormento. Pero al mismo tiempo, dotaron a la cinta e una oscura magia capaz de envolver al espectador en el ambiente de frustración que surge en los personajes; no solamente en estado físico, sino también mental.
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La cinta, que tiene como protagonista al capitán Willard, narra el viaje que emprende éste, como parte de una misión secreta del ejército, en busca del Coronel Kurtz, un militar que decidió abandonar a la milicia y crear su propio ejército. El viaje que Willard inicia como una esperanza de reencontrar en la guerra, el único ambiente
en el que se siente protegido y apto, una vida; se vuelve cada vez más retorcido y oscuro, y al mismo tiempo que observa el desastre, la miseria, crueldad y el sin sentido que se abate sobre las fuerzas militares, explora, sin darse cuenta, la oscuridad que se cierne sobre él mismo. Cada uno de los elementos de esta película son una obra de arte, la música se encarga de crear un ambiente casi onírico. Así podemos observar la primera escena, el fuego, la selva, el ruido de las hélices al girar, el close up a los ojos del abatido capitán Willard difuminándose con las escenas de guerra, mientras la voz de Jim Morrison susurra profundamente ilustrando los pensamientos del confundido capitán al ritmo de la música:
This is the end, beautiful friend This is the end, my only friend, the end Of our elaborate plans, the end Of everything that stands, the end No safety or surprise, the end I’ll never look into your eyes, again... Pero basta mencionar la épica escena del ataque aéreo en donde los aviones se hacen acompañar por la música de Wagner, para saber que Walter Munch, encargado de sonido, contribuyó en gran medida con la creación de la atmósfera sofocante, enrarecida y al mismo tiempo mágica de la cinta.
tras las llamas se ven a lo lejos, es generador de impotencia frente a la magnificencia de los paisajes y escenas capturados.
Otro artista sumamente importante del equipo que dirigió Coppola fue Vittorio Storaro, que al estar a cargo de la fotografía, le regaló al mundo de la cinematografía algunas de las escenas más hermosas que se han visto en un filme. Cada uno de sus encuadres, sobre todo aquellos en los que las lanchas se reflejan sobre el oscuro río mien-
La película fue estrenada en el año de 1979, y 22 años después Coppola presentó un nuevo corte Apocalypse Now Redux, en la que alargaba el filme hasta los 200 minutos de duración. Y aunque después de esta cinta se realizaron montones de películas en las que Vietnam era el tema principal, ninguna de ellas alcanzó el impacto que
Apocalypse Now generó, la crítica, insatisfacción y todos los elementos integrados para darle forma al perturbado universo surrealista en el que la victoria es el fin último en una guerra en la que no se sabe por qué o para qué se pelea, crearon un filme mítico que junto con Full Metal Jacket (Kubrick, 1987), replantearon por completo los elementos bélicos, puesto que en estas cintas, aunque con muy diferentes visiones, los actores fungen como elementos y no como protagonistas. Y quizá como lo dijo el mismo Coppola: «Mi película no trata sobre Vietnam. Mi película es Vietnam».
FICHA TÉCNICA: Título: Apocalypse Now Dirección: Francis Ford Coppola Guión: Francis Ford Coppola, John Milius Sonido: Fotografía: Vittorio Storaro Reparto: Martin Sheen, Marlon Brando, Robert Duvall, Dennis Hooper, Harrison Ford Año: 1979 País: E.U.A. Duración: 153/200 min.
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La ventana indiscreta Por Fafner Svern
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stados Unidos, años 50, el fotógrafo profesional L. B. Jefferies ha sufrido un accidente que le obliga a estar en casa por seis semanas, inhabilitado en una silla de ruedas por su pierna fracturada, se dedica a mirar a través de la ventana de su pequeño departamento y conocer la rutina de sus vecinos, una actividad que le generará un conflicto donde la curiosidad del personaje se antepone al respeto a la privacidad. La ventana indiscreta, película dirigida por Alfred Hitchcock, fue el segundo filme que vi de este mítico cineasta, que sin duda alguna se ha ganado ese y demás títulos, por su larga filmografía caracterizada por el suspenso como herramienta narrativa. La cinta inicia con la imagen de la fachada de un edificio, en el que se muestran distintas
ventanas; mientras tanto los créditos iniciales avanzan y la música se hace acompañar de sonidos ambientales de los lugares públicos más comunes de una zona residencial.
Enseguida hay un corte de escena e inmediatamente inicia una nueva: un plano magistralmente coreografiado, donde la cámara recorre cada una de las ventanas que se
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encuentran en la línea de visión del personaje principal. El fotógrafo profesional L. B. Jefferies, interpretado por James Stewart, observa detenidamente las acciones en un día común para sus vecinos. En el departamento destaca un decorado detallado de diversos momentos en la vida de Jefferies, que delata la profesión del dueño y su desenfrenada pasión por hacer fotografías con contenido, imágenes que plasman sentimientos, emociones que conectan con el público. Así podemos ver finalmente la razón por la cual se encuentra sometido a una silla de ruedas: tiene la pierna izquierda rota, y su único entretenimiento es mirar, violar la privacidad de cada uno de sus vecinos a través de su telefoto.
Hitchcock usa el voyeurismo, cada dinámica de los vecinos de Jefferies es distinta pero íntima, el compositor buscando la melodía perfecta, la pareja de esposos durmiendo en las escaleras de evacuación debido al
calor sofocante (que se transmite al público), la mujer de corazón solitario, un esposo cuidando a su mujer enferma, otra mujer solitaria tomando el sol, una bella mujer haciendo sus ejercicios matinales, etc., actividades tan cotidianas que quien las realiza no se imagina a un tercero observándolas con detenimiento, absorto en lo que aprecia. Nuestro personaje es un hombre soltero, ejemplo de hombre moderno, que no desea casarse y siente la necesidad de estar ejerciendo su trabajo sin importar que está sometido a una silla de ruedas, sin embargo no puede, así que dirige su atención al mundo que mira a través de su ventana. Realmente es un mundo vasto aunque la película se realice en dos escenarios: el departamento y el exterior (el patio trasero del conjunto departamental). Lo cual, técnicamente, es maravilloso porque son escenarios pequeños, en el
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departamento sólo se aprecia la habitación principal, se deduce que hay un sanitario y una cocina a través de unas escenas, esto genera una sensación de claustrofobia sobre todo al final de la película añadido por la dificultad de movilidad de Jefferies.
vemos desde el personaje, somos Jefferies, somos los voyeuristas, la audiencia es quién se convierte en el fisgón, el que violenta la privacidad del otro y que es descubierto por el sr. Thornwold.
Thornwold es un vecino que vive con su esposa en uno de los La sensación de claustrofobia departamentos con vista al patio es reforzada por la perspectiva trasero; la vida de esta pareja de la cámara, ya que siempre no la conocemos a detalle, sólo la percibimos a la lejanía, ya que no podemos escuchar los diálogos que hay entre la pareja, al igual que los demás inquilinos (Hitchcok es muy claro en esto, no escuchamos diálogos porque estamos mirando desde lejos).
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que creemos, realmente no vimos un asesinato, oímos un grito o creemos que así fue y vimos actitudes inusuales pero realmente no observamos el homicidio, sin embargo nuestro sentido común dice que así fue. Jefferies le pide a un viejo amigo que investigue al vecino, un detective de la policía de Nueva York, lo hace para pagar un favor y al traer los resultados no son satisfactorios para la curiosidad de nuestro personaje, ya que resultan justificadas sus actividades. ¿A quién hacemos caso? ¿A nuestros sentidos o los argumentos lógicos del detective?
La ventana indiscreta o mejor dicho The rear window, es una obra cinematográfica magistral, la puesta en escena es congruente con lo que dice: eres el espectador y te gusta mirar, eres el personaje principal y T h o r n w o l d te hace pagar, ¿cómo se siente asesina a su ahora que te han descubierto? esposa, o es lo
LA CAJA DE PANDORA
El proceso Por Fafner Svern
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n sueño, un sueño hecho realidad, fue lo que pensó Dan O´bannon el 25 de mayo de 1979 en la sala de proyección del cine Grauman’s Egyptian Theatre; no pudo contener las lágrimas al observar cómo su guión se había materializado al lenguaje cinematográfico. La gente hacía enormes filas que cubrían varias calles para entrar al cine, era la primer producción de ciencia ficción con una gran inversión desde el estreno de Star Wars en 1977; la campaña publicitaria fue sencilla pero con eslóganes acertados: en el espacio nadie podrá oír tus gritos, una palabra de advertencia… alien alien alien. O’bannon había colaborado en la filmación de la película Dark Star de John Carpenter, con esta experiencia decidió escribir un guión que combinara sus principales gustos: el terror y la ciencia ficción. Él quería hacer una película donde predominara el miedo porque es una característica humana desde tiempos inmemoriales, que se desarrollara en el espacio profundo con personajes comunes y que se desmarcara
completamente de la comicidad del filme que realizó con Carpenter. El primer borrador lo escribió con apoyo de Ronald Shusett, su amigo, que terminó siendo casi igual a lo exhibido en cine. Shusett tenía los derechos de filmación de We can remember It for
you wholesale (Podemos recordarlo todo por usted, que conocimos a finales de los años ochenta como Total Recall, en Latinoamérica Vengador del Futuro) de Philip K. Dick, pero como amigo de O’bannon decidió que era más barato filmar Alíen, ya que se tenía contemplada como una película de bajo presupuesto.
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Sin embargo, Dan O’bannon recibió una llamada telefónica del artista Alejandro Jodorowsky para que lo visitara en París, Francia. El chileno se encontraba en la preproducción de uno de los grandes filmes de ciencia ficción jamás filmado: Dunas. O’bannon asistió a París, donde Jodorowsky estaba juntando al equipo de artistas que participarían en la adaptación de la obra de Frank Herbert a cine, entre ellos se encontraban H.R. Giger y Chris Foss. Desafortunadamente el proyecto fue cancelado por el presupuesto excesivo que solicitaba Alejandro Jodorowsky, 9.5 millones de dólares de los cuales ya había gastado alrededor de dos millones en la preproducción. Después de seis meses, O’bannon regresó a Estados Unidos sin ningún dólar, lo único que podía hacer era vender un guión.
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Viviendo en la casa de Shusett, O’bannon se dedicó a finalizar el guión que originalmente se llamaba Star Beast, finalmente decidió cambiar el nombre a Alien porque era una palabra que se repetía constantemente en la obra literaria; además, en palabras de él, “es una palabra perfecta porque es un sustantivo y adjetivo al mismo tiempo”. Una vez terminado lo ofrecieron en distintas productoras que lo rechazan, hasta que la empresa de Roger Corman (conocido como el rey de las películas de bajo presupuesto) aceptó el proyecto, aunque por consejo de un amigo decidieron esperar una propuesta mejor. El guión llegó con Brandywine films que estaba asociada con Alan Ladd Jr., quien a su vez estaba a
cargo de la Twenty Century Fox y fue el responsable de producir Star Wars. Como buscaban repetir el éxito obtenido por la obra de George Lucas, aceptaron el proyecto porque era el único guión que tenía una nave espacial en la historia y se lo dieron a los responsables de Brandywine: Gordon Carroll, David Giler y Walter Hill. Éstos no estaban satisfechos con el escrito y sin consentimiento de O’bannon lo modificaron distintas veces, esta situación generó un descontento por parte del autor puesto que sentía que se querían apropiar de su trabajo. O’bannon cuenta que en una reunión en la oficina de Brandywine films estaba en el escritorio un guion que decía «Alien por Walter Hill, basado en un argumento de Dan O’bannon». Sin embargo, en palabras de Dan y Ronald, Walter y David dieron dos aportaciones significativas a la historia: la incorporación de un androide (Ash) y que el personaje principal fuera una mujer (Ripley). Dan O’bannon asumió que dirigiría la película pero la Twenty Century Fox quería darle el proyecto a Walter Hill aunque lo rechazó por que tenía en su agenda otro compromiso fílmico, además que se sentía inseguro para el desarrollo de los efectos visuales. La producción se ofreció a otros directores como Peter Yates, Jack Clayton y Robert Aldrich que rechazaron
porque no le daban credibilidad y la juzgaban como una película tonta. Finalmente se ofreció a Ridley Scott, quien aceptó inmediatamente, y a quien conocían por su ópera prima Las Duelistas; los relacionados estaban impresionados por su control en la dirección y el montaje cinematográfico. Al aceptar el proyecto, Ridley Scott se puso a trabajar de inmediato en un guión gráfico que impresionó a la 20th Century Fox a tal punto que decidió duplicar el presupuesto de 4.2 millones a 8.4 millones de dólares; en palabras de Scott, ésto demuestra la importancia de un guión gráfico bien desarrollado. Las principales influencias del artista visual fueron 2001 a space odissey, el artista francés Jean Giraud Moebius, Star Wars (aunque lo considera un cuento de fantasía) y su principal comparación para describir la película era La masacre de Texas aplicada a la ciencia ficción. Lo que más le importaba a Scott era el aspecto visual del monstruo, este sería conforme al estilo de un libro que le proporcionó Dan O’bannon: Necronomicon ilustrado por H. R. Giger. Jodorowsky le presentó a Dan O’bannon, cuando estuvo en Francia, a Hans Ruedi Higer; un artista Suizo principal expositor del estilo visual conocido como Biomecanico, un diseño en el que se combina lo orgánico con lo mecánico con una gran referencia a la sexualidad. Cuando se conocieron, Higer le ofreció opio a O’bannon, y se desarrolló un dialogo inolvidable para Dan:
noció en su trabajo lo que sería la imagen del Alien. Cuando Ridley Scott le presentó las ilustraciones a los ejecutivos de la Fox, ellos rechazaron el arte por considerarlo repulsivo y terrible, afortunadamente cedieron. Scott solicitó la participación directa de H. R. Giger en la producción, encargándole el diseño exclusivo de todo lo relacionado al extraterrestre porque él lo definió como un humanoide bonito, un insecto biomecánico con una connotación sexual maravillosa. Mientras Giger crearía lo alienígena, Ron Cobb haría todo lo relacionado a la nave Nostromo, y el elemento humano. Scott consideró pertinente que dos artistas con un estilo distinto crearan universos diferentes, el humano y alienígena.
Ridley Scott quería trabajar con actores profesionales para no lidiar con ellos, él solo quería concentrarse en el aspecto visual de la película: el decorado, la iluminación, los accesorios para los actores, desarrollar el elemento del espacio en la ciencia ficción dentro de una realidad atemporal que podría desarrollarse en cualquier mundo. Por lo tanto los actores sufrieron durante la filmación en los estudios Shepertoon, en Londres; tuvieron que esperar horas para filmar las escenas, se desesperaban fácilmente ya que el director se concentraba mucho en la escenografía y sus detalles. El reparto se componía de actores con experiencia pero que no eran identificables por su popularidad: Ian Holm (Ash), Yaphet Kotto (Parker), Tom Skerrit (Dallas), Harry Dean Stanton (Brett), Veronica Cartwright (Lambert), John Hurt
O’bannon -¿Por qué lo usas? Giger- Tengo miedo de mis propias visiones. O’bannon –Están sólo en tu mente. Giger –Eso es a lo que le tengo miedo. O’bannon revisó las ilustraciones de Giger en el Necronomicon le parecían perturbadoras pero hermosas, en ese momento reco-
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(Kane), Sigourney Weaver (Ripley) y Bolaji Badejo (Alien). Mientras bebía en un pub al oeste de Londres, un integrante de la producción conoció a Bolaji Badejo, nigeriano, estudiante de la carrera de Diseño; al ver su altura (2.18 m) a la par de su complexión delgada le ofreció trabajar en una película. Cuando Ridley lo miró le
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pareció perfecto porque sus brazos y piernas eran tan largos que daban la impresión de que no era humano, sólo le pidió que tomara clases de Tai Chi para mejorar su postura e hiciera movimientos similares a la mantis para la interpretación del Alien. Fue la única producción cinematográfica en la que participó, murió de anemia en 1992. Ian Holm, británico, era el único actor con mayor experiencia en el ámbito actoral; interpretó al androide Ash, imprimiendo una personalidad magistral al demostrar una obsesión-ambición producto de sus directrices por conservar al espécimen alienígeno. Además de sufrir un éxtasis casi sexual al atacar a uno de sus compañeros, otorgó
esa paranoia corporativa que se volvió elemental en la franquicia del extraterrestre. Para Sigourney Weaver, estadounidense, fue su primera producción cinematográfica aunque ya tenía experiencia en obras menores de Broadway. Fue la última persona en ser elegida para actuar en la película; su altura y compostura para esconder su nerviosismo fueron elementos fundamentales para su asignación al personaje de Ripley, que originalmente se había otorgado a Veronica Cartwright. Por ser la última actriz, su test en pantalla fue realizado en los sets originales mientras eran construidos y sufrió mucho durante el rodaje porque era presionada por los demás actores junto con el director; ésto generó una actuación maravillosa que se incrustó en la consciencia colectiva y fortaleció la idea de Walter Hill y David Giler al convertir al personaje principal en
un ser femenino: la mujer puede ser el personaje principal de una película de ciencia ficción, género predominantemente masculino. La música fue compuesta por Jerry Goldsmith, quien ya había hecho bandas sonoras para diversas películas. Creó composiciones musicales originales que son sumamente intimidantes pero hermosas, de misterio y deseo por lo desconocido, reflejando el alma de una sociedad distante conforme a su interpretación del guión. Sin embargo, no se usaron todas las piezas que él creó, los productores y el director eligieron piezas musicales que ya había creado para otras películas; Goldsmith ha declarado su desacuerdo porque considera que la música creada especialmente para una película no se puede usar en otro filme, ya que son visiones diferentes. Además Ridley Scott (que era su segunda película) sólo piensa en términos visuales y la música no puede reproducir lo visual, no es su función; quería que como compositor fuera visual no emotivo. Era el año de 1978, un año antes se había estrenado Star Wars que fue un parteaguas para los efectos especiales en la cinematografía, y Alien se filmaba en dos estudios en Inglaterra: el estudio Shepertoon donde se filmaba el rodaje principal y el estudio Bray donde se filmaban los efectos especiales. En este último se realizaban los modelos y miniaturas de las naves humanas junto a la nave extraterrestre y el
planetoide. El supervisor de efectos especiales era Brian Johnson, que tuvo que retirarse de la filmación para trabajar en el rodaje de la secuela de Star Wars, The Empire Strikes Back, lo que generó problemas porque él y su equipo habían trabajado con base en los guiones gráficos de Ridley Scott y los bocetos conceptuales de Cobb; pero cuando llegó Scott a supervisar hizo varios cambios que tuvieron la consecuencia de iniciar la filmación desde cero. Se hicieron tres maquetas de la refinería espacial de distintos tamaños para las necesidades de la filmación. La única pantalla verde que se utilizó fue para la escena del funeral de Kane, todo lo demás fue a través de viejos trucos de filmación como el uso de collages fotográficos o mantas oscuras con estrellas superpuestas simulando el espacio profundo. Para darle un tamaño
mayor a la nave Nostromo o al cadáver del viajero se vistió a los hijos de Ridley y de un camarógrafo con los trajes de astronauta de los actores, así tanto la nave como el cadáver doblaron su tamaño. Los detalles de la nave extraterrestre fueron hechos con huesos de un matadero cercano, con plastilina y yeso. En la construcción de la nave junto a los accesorios se usaron restos de aviones además de las sobras de otras producciones cinematográficas. El traje de Alien fue construido por Carlo Rambaldi, artista italiano de efectos especiales que trabajó en la creación de los extraterrestres de Encuentros cercanos del tercer tipo y posteriormente en la construcción de E.T. El extraterrestre. Desarrolló el traje de Alien con base en los modelos de plastilina creados por Higer, se hizo un traje de látex que se adaptara al cuerpo de Bolaji Badejo, sólo con ligeras modificaciones para que
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el actor tuviera mayor movilidad y el diseño del sistema mecánico de la doble mandíbula perteneciente al cráneo del Alien (sistema mecánico que se encuentra en exhibición en el instituto Smithsoniano). Una de las escenas más memorables de la película es el nacimiento del alienígena, que hizo reaccionar a la gente de forma increíble, se dice que mucha gente salió horrorizada al presenciar el evento, incluso los dueños de los cines decidían cortar ese momento para que el espectador soportara la obra completa. Fue filmada de una forma espectacular, los actores sabían por el guion que nacería la bestia pero no sabían cómo sería; la escena se grabó en dos partes: la primera, mientras desayunan hasta el momento en el que Kane empieza a convulsionarse; la segunda, el nacimiento. Al momento de llevarse el surgimiento se usó un cuerpo “falso” con unas bombas de aire para expulsar sangre a chorros mientras un asistente impulsaba por debajo de la mesa al Alien en estado prematuro; la sangre a presión la desconocía Veronica Cartwright que al llevarse a cabo
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la filmación le sorprendió tanto y fue tan asqueroso que su expresión era única, esta situación le dio mayor credibilidad a la escena. Alien es una historia que se alimenta de muchas, el propio O’bannon declaró que se inspiró en todo lo que había leído y visto de ciencia ficción y terror, ese era su sueño. Creó una historia de personas comunes, obreros, trabajando en el espacio profundo; sus temas de conversación eran los problemas sindicales, de la corporación, sus salarios y la repartición de utilidades, por eso la mejor definición que le pudieron dar sus creadores fue “una película de camioneros en el espacio”. Un futuro en donde lo único que cambia es el escenario pero las actitudes de las personas y las políticas laborales siguen siendo las mismas, un lugar en donde pareciera que se tiene control de todo; sin embargo no se ha explorado ese profundo mar espacial. Y es ahí donde radica el terror que produce el Alien, que es una posibilidad en este vasto universo.
El alienígena es un ser vivo que consume todo lo que hay a su paso, que con paciencia va cazando a su presa, su esqueleto es externo y su piel es dura, su sangre es acido, no tiene ojos así que uno nunca sabe a donde está mirando, su color lo mimetiza en los lugares oscuros, su razonamiento es diferente al del humano, es la insensibilidad materializada. Para los ambiciosos es una oportunidad, para los demás es el miedo a lo desconocido. El ser humano tiende a consumir todo lo que tiene bajo su control pero no está consciente del daño que le produce al universo, por lo tanto a sí mismo. Reporte final de la nave comercial Nostromo, reportando el tercer oficial. Los otros miembros del equipo, Kane, Lambert, Parker, Brett, Ash y el Capitan Dallas, están muertos. La nave y su carga están destruidas. En alrededor de seis semanas espero llegar a la frontera. La red me rescatará, con un poco de suerte. Este es Fafner Svern, ultimo sobreviviente del Nostromo… Fafner Svern - Manuel Pineda
HABÍA UNA VEZ
El empobrecimiento del espíritu humano:
Por Ettel Alvarado
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l hombre de todas las tierras y de todas las épocas, ese hombre de grandes guerras, no ha podido ganar la guerra más dolorosa, ardua y vergonzosa: la guerra contra sí mismo. Cuando responder a los intereses propios se vuelve tarea que no permite treguas y los afectados al paso de este cumplimiento no representan más cosa que un simple medio, es cuando menos debemos permanecer como un objetivo vano de cotidiano delirio. ¿Será acaso que la crueldad y el salvajismo son características inherentes a la especie humana, vienen ya incluidas o son adoptadas? Quizá las fabrique el ser humano para atenuar u ocultar los rasgos de su mezquina exis-
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tencia, sin lograr siempre su ob- fuertes dentro de la industria de jetivo, quizá. animación, la historia está contada a modo de diario, dos perros Plaga de perros (1982) dirigida son los protagonistas de este dopor Martin Rosen es una adapta- loroso relato, Rowf y Snitter dos ción del libro escrito por Richard caninos que se encuentran enceAdams, una de las películas más rrados dentro de un laboratorio donde experimentan con animales logran escapar tras un descuido del velador.
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Snitter es un pequeño terrier que conserva un estado de ánimo optimista a pesar
de todo el daño que le han hecho los “batas blancas” (los científicos encargados de los experimentos), es él quien anima al gran labrador negro Rowf a escapar, ya sin ánimos ni esperanza y con una terrible hidrofobia causada por los experimentos a los que fue sometido, Rowf duda en un principio de las palabras de aliento y las promesas que su vecino de jaula Snitter le dice, aunque está decidido a no regresar jamás al laboratorio. Ambos perros logran salir sin ser descubiertos, el plan es buscar un “amo” que los cuide, alimente y proteja, pues Snitter aún recuerda con gran afecto al amo que tuvo en alguna ocasión, aquel que fue capaz de arriesgar su vida por salvar la de él. Las cosas no marchan del todo bien, pues al buscar comida, los habitantes del poblado cercano
enfurecida y pavorosa de hombres que se vale de todos sus medios para encontrarlos y acabar con ellos a como dé lugar.
parecen no estar muy contentos con la llegada de dos perros “callejeros” que hurgan entre la basura, pronto Rowf y Snitter se cansan de buscar comida en sitios donde no los quieren y comienzan a matar animales para sobrevivir, a la vista de los humanos, ya no son perros, son asesinos de ovejas.
Plaga de perros es una cinta corta, cosa que le va muy bien pues no da cabida a tiempos muertos, no ofrece descansos por lo que las dosis de tragedia y drama vienen una tras la otra, pero no son entregas exageradas, inclusive ésta es una característica que se le agradece a Rosen, quizá la animación no sea la mejor, pero contrario a lo que se pudiese pensar, es gran punto a favor, le confiere un cierto realismo que crea Después de ver en sus cuellos en el espectador la complicidad el collar verde que distingue a necesaria para que argumento los animales del laboratorio de experimentos, la gente comienza a perseguir a los dos canes, ya que temen que puedan estar infectados (situación que no es así), la cacería es salvaje y desalmada, Rowf y Snitter día a día tratan de sobrevivir a una horda
y público se encuentren en una misma sintonía. El mundo está repleto de hombres, quizá esa sea la verdadera plaga, la resistencia al dolor y la necesidad de afecto siempre serán parte inseparable de la condición humana, aunque hay ciertos tipos de dolor que no pueden ser tratados de manera convencional, así que aquellos que lo sufren hacen lo que pueden para curarse por su cuenta, pero tristemente siempre habrá algunos que no pueden curarse porque comprenden que aún les queda por sufrir más dolor.
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PARA CONOCER
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LA REINTERPETACIÓN DEL DETECTIVE
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uando Arthur Conan Doyle tenía 28 años de edad había terminado sus estudios de medicina, estaba lejos de pertenecer a una élite de médicos británicos, en cambio estaba redactando lo que sería su primera novela, Estudio en Escarlata, esta novela representó el principio de una carrera prolifera como escritor, y entre 1887 y 1927 escribió sesenta historias de ficción sobre este personaje.
Por Estefania Hipólito detective inglés de finales del siglo XIX, que destaca por su inteligencia, su hábil uso de la observación y el razonamiento deductivo para resolver casos difíciles, existe un antecedente literario de este
personaje Auguste Dupine de Edgar Allan Poe, pero en definitiva Holmes es la principal influencia para otros detectives posteriores y aún se le sigue retomando en series y películas.
Sherlock Holmes es un
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Watson lo describe más o menos así: Holmes pasaba días enteros en el laboratorio de química, era lector de literatura sensacionalista, aunque alguna vez llegó a mencionar a Goethe, no poseía conocimientos de filosofía
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y astronomía, sin embargo conocía de política, botánica geología, química, leyes británicas, sabia tocar el violín y era experto boxeador y esgrimista de palo y espada.
La figura de Sherlock Holmes ha sido representada muchas veces en el cine, empezando por un pequeño gang de 1900, se considera que la adaptaciones más celebre es la serie de 13 películas que inició en 1942, teniendo como protagonista a Basil Rathbone como Holmes y Nigel Bruce como Watson. Con el tiempo se realizaron otras cintas como Asesino por decreto (1978), El joven Sherlock Holmes (1986), Sin pista (1988) y las más recientes adaptaciones Sherlock
Holmes (2009) y su segunda parte Sherlock Holmes: Juego de sombras (2011), ambas fueron dirigidas por Guy Ritchie y protagonizadas por Robert Downey Jr. como Holmes y Jude Law como Watson. Robert Downey Jr. es un actor, cantante y compositor estadounidense; ha actuado en de 60 películas y ha sido nominado dos veces a los Óscar: la primera en 1993 por su papel en Chaplin y la segunda en 2009 por Tropic Thunder, y ganador de dos Globos de Oro y un BAFTA. Entre las películas en las que ha participado están Golpe al sueño americano (1987), Natural Born Killers (1994), Jóvenes prodigiosos (2000), Kiss Kiss Bang Bang (2005), Fur: An Imaginary Portrait of Diane (2006), Zodiac (2007), Iron Man (2008, 2010 y 2013), Sherlock Holmes (2010 y 2011), Salidos de cuentas (2010), Los Vengadores (2012), entre otras. Cuando su carrera parecía estar en declive dos papeles fueron definitivos para que su carrera no se fuera a la basura, estos son Tony Stark, creador del traje de Iron Man y Sherlock Holmes. Muchos actores estadounidenses tiene problemas al interpretar personajes británicos, pero en el caso de Robert Downey Jr. impresionó a muchos con su interpretación de Chaplin y su perfecto acento inglés, quizás esa sea la razón para que haya sido elegido para interpretar a el famoso detective Sherlock Holmes, en cuanto a características físicas, Arthur Conan Doyle describe al detective como un personaje muy alto, delgado y
con una nariz fina y larga, pero el actor parecería un poco corto de estatura, en comparación con Jude Law quien interpreta a Watson. Sin considerar el tema de la altura Robert Downey Jr. reinterpretó al personaje de Holmes, integrándole tintes de humor, que nunca habíamos leído en las novelas, puesto que el detective no es alguien que muestre seguido sus emociones, pero si nos
deja ver ese aspecto desgarbado de Sherlock cuando está realizando experimentos en su casa y la habilidad que tiene para pasar desapercibido entre la multitud con sus disfraces. En estas versiones cinematográficas el director Guy Ritchie retrata un detective mucho mas bohemio y moderno que en ocasiones anteriores, además muestra sus habilidades en boxeo, asimismo el espectador se da
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que parecen ser la consecuencia de una conspiración. En esta cinta se retoma el personaje de Irene Adler, el único personaje femenino al que el detective denominaba como La cuenta de cómo trabaja la mente mujer, quién aparece en la node Holmes al momento de anali- vela Escándalo en Bohemia, esta zar las pistas. mujer era capaz de disfrazarse al igual que Holmes, pero en la En la primera película titula- película se le retrata como una da Sherlock Holmes, Holmes y ladrona, lo que dista mucho del el doctor Watson investigan una personaje original, el detective serie de extrañas desapariciones siempre muestra admiración por dicha mujer, pero no otro tipo de sentimiento, aunque en la película se retrata cierta tensión sexual entre ambos personajes. En la segunda película Sherlock Holmes: Juego de sombras, repiten en su papel los mismos actores, pero en el argumento de la historia muere Irene Adler, hecho que nunca ocurre en el libro, además en esta ocasión Holmes se enfrentara con el profesor Moriarty, hecho que se relata en la publicación El problema final, en el Arthur Conan Doyle mata al detective, aunque al final, ni
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en la película, ni en la literatura, unas cascadas pueden con el detective más conocido del mundo. En ambas películas y al igual que en libro el Doctor Watson
aparte de ser el compañero de Holmes, también es su biógrafo, quien escribe con minuciosidad cada uno de sus relatos y los da a conocer, pero a diferencia de la película el debe su matrimonio al detective y la esposa de Watson trata de que ambos sigan teniendo su relación de amistad. En esta nueva versión de las aventuras de Sherlock Holmes se hace una reinterpretación del detective, donde se utilizan elementos que antes no se habían introducido. Se realiza una interpretación menos dura del carácter del personaje, sin que se
deje de lado el método deducti- problemas podría hacerse pasar vo que utiliza en cada uno de los por un británico. casos, Robert Downey Jr. le impregna un poco de carisma al detective y lo convierte una persona más humana y menos mental, además el actor se adapta muy bien al personaje porque es un estadounidenses que sin
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EN CARTELERA
Por Estefania Hipólito
UN PASEO POR LAS TUMBAS E n Nueva York un ex do en un café relatando
policía se encuentra sentaa un joven cómo una bala que dio un mal giro termino con su carrera policiaca. Matt Scudder (Liam Neeson) es un ex policía que ahora trabaja como detective privado sin licencia, él hace favores y las personas a cambio le dan regalos, así que decide aceptar el caso del secuestro y asesinato de la esposa de un hombre, quien le pide encontrar a los secuestradores de su esposa, pero descubre que esta no es la primera vez, ni la última, que estos hombres han cometido este tipo de crímenes. Entonces decidirá recorrer las calles de Nueva York para detener a los asesinos antes de que vuelvan a matar.
Titulo original: A Walk Among the Tombstones Año: 2014 Duración: 114 min. Director: Scott Frank
Trailer http://youtu.be/BQEUDBRB-7I
ALEXANDER Y UN DÍA TERRIBLE, HORRIBLE, MALO …
Hnosay esopersonas que siempre tienen malos días o por lo mecreen y se dan cuenta que en realidad no son tan malos hasta que realmente tienen el peor día de sus vidas.
Alexander escucha lo maravillosa que es la vida de su familia mientras que él cree que su vida es horrible, hasta que un día todo se vuelve horrible para todos, iniciando cuando sus padres se quedan dormidos, su papá tiene una entrevista de trabajo en un lugar donde todos son mucho más jóvenes que él, su hermano choca en su prueba para obtener la licencia de conducir, y así las cosas siguen empeorando, todos entran en caos hasta que Alexander les dice que algunas veces todos necesitamos días malos, así que todos en familia deciden que ese día no terminará con ellos. Título original: Alexander and the Terrible, Horrible, No Good, Very Bad Day Año: 2014 Duración: 81 min. Director: Miguel Arteta Trailer: http://youtu.be/6wBpzW3v4AU
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EN CARTELERA DRÁCULA LA LEYENDA JAMÁS CONTADA
Aunveces el mundo no necesita un héroe, lo que necesita es monstruo. Un hombre lo bastante fuerte para combatir ejércitos, pero al final es un mortal que no puede proteger del todo a su familia.
Vlad (Luke Evans) es un hombre muy fuerte, pero al enfrentarse con los deseos del sultán quien quiere reclutar a su pequeño hijo para formar el ejército, buscará una forma para poder proteger a su familia, así sea uniéndose al mal mismo, convirtiéndose en el Conde Drácula y condenando su alma por una eternidad La película cuenta la historia original sobre Vlad el Empalador, el príncipe rumano en el que se inspiró Bram Stoker para crear al vampiro más famoso de todos los tiempos en su novela de 1897. Titulo original Dracula Untold Año: 2014 Director: Gary Shore Trailer http://youtu.be/iCz17A-DEpA
CABALLEROS DEL ZODIACO: LA LEYENDA DEL SANTUARIO
Muchos años después de la lucha Holy War, Saori Kido es una
niña preocupada por sus poderes y en un ataque repentino es salvada por Seiya, en ese momento descubre quién es y decide ir al Santuario, con los caballeros de bronce, quienes han jurado proteger a la diosa Atenea, aun cuando esto signifique ir en contra del Santuario y como consecuencia tengan que enfrentar a los caballeros dorados, pero Seiya no descansará ni se rendirá hasta lograr poner a salvo a la Diosa. Es la primera película en 3D que contará las aventuras del los Caballeros del zodiaco. Título original: Saint Seiya: LEGEND of SANCTUARY (Knights of the Zodiac) Año: 2014 País: Japón Director: Keiichi Sato
Trailer http://youtu.be/ln728oDT6FU
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CARTELERA cinenautas - OCTUBRE A TIRO DE PIEDRA Director: Sebastian Hiriart País: México Duración: 95 min. Jacinto Medina, un joven de 21 años, aburrido de su vida como pastor en el norte de México. Un día encuentra un llavero en el suelo, viéndolo como una señal, emprenderá un viaje que lo hará recorrer miles de kilómetros.
Horario Lunes 18:30 \ 20:00 hrs. Domingo 18:00hrs.
H2OMX Director: José Cohen País: México Duración: 80 min.
Horario
H2Omx registra puntualmente el desabasto, el desperdicio y los graves problemas de contaminación del agua, y hace un urgente llamado a la acción y al compromiso de los ciudadanos.
Sábado 16:00,hrs
Martes 16:00,hrs
EL GIGANTE EGOÍSTA Director: Clio Barnard País: Gran Bretaña Duración: 91 min. Basada en el clásico de la literatura infantil ‘El gigante egoísta’ de Oscar Wilde, cuenta la historia de la amistad entre un par de adolescentes desarraigados, habitantes de un entorno marginal.
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Horario Míércoles 16:00 / 18:00 \ 20:00 hrs Domingo: 16:00 hrs
TOM EN EL GRANERO Director: Xavier Dolan País: Canada / Francia Duración: 102 min. Sumido en una profunda angustia tras la pérdida de su novio en un accidente, Tom viaja de Montreal hasta la casa de campo de la familia del fallecido, donde se entera que ni la madre ni el hermano de éste sabían de su homosexualidad.
Horario Jueves 16:00 | 18:00 \ 20:00 hrs
FILOSOFÍA NATURAL DEL AMOR Director: Sebastian Hiriart País: México Duración: 77 min.
Horario
Una reflexión sobre sobre cómo nace, se desarrolla y muere el amor erótico, que yuxtapone conductas sexuales de insectos con las conductas sexuales humanas.
Sábado 18:00
Viernes 16:00 \ 18:00 \ 20:00 hrs
Presidente Carranza #93 Col. Del Valle Coyoacan México, D.F. C.P. 04000 Tels: (55) 63-885-509 (55) 63-885-503 http://salacinenautas.wix.com/cinenautas
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