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Editorial
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n este número
de Super 8 presentamos algunos de los rostros que los cineastas le han dado al miedo a lo largo de la historia del cine... Esperamos tus críticas y comentarios en Facebook
Contenido En portada: The curse of Frankenstein
Clásicos del cine: Ghostbusters 2
La mente maestra: Shion Sono 11 Tesoros fílmicos: 7 Cold Fish
La caja de Pandora: Terror español 15
Super 8 Número 45 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Fafner Svern/Manuel Pineda Ettel Alvarado, Alma Ricardo, Héctor A. Benita Arte y Diseño: Azucena Mecalco México Distrito Federal 1 de noviembre 2014
Para conocer: Hammer Films 20
Había una vez: Hasta los huesos 24
En cartelera 30
CLÁSICOS DEL CINE
El b
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blockbuster contemporáneo más celebre
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Por Ettel Alvarado
os años ochenta fueron del cine hollywoodense suntuoso, el público asistía a las salas para ver películas con deslumbrantes efectos especiales, producciones con pretendida espectacularidad aunque no siempre alcanzada, se buscaba desesperadamente los éxitos comerciales con grandes presupuestos y claro, copiosa publicidad, ya lo sabrá Spielberg que hizo lo propio con E.T. Aunque no sólo Spielberg la supo hacer dentro de la época en la que los géneros
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cinematográficos funcionaban (más acentuadamente) como etiquetas para la venta del producto; hoy podemos hablar de la encomiable labor que Ivan Reitman realizó en 1984 al dirigir la que posiblemente es la película sobre fantasmas más representativa del cine contemporáneo; y no importa que los fantasmas o espectros no den nadita de miedo ya que es ahí donde reside la particularidad de Ghostbusters, que intenta reinventar el género
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de terror para convertirlo en una comedía de aventura, tratando de ser una gran espectáculo aunque con claras limitaciones visuales.
y encerrar a los espectros más asidos para así proteger a Nueva York de las amenazas de los mundos de otras dimensiones, como la amenaza de una antigua deidad sumeria que está a punLa historia es más que cono- to de despertar con toda su furia cida: después de ser echados de contenida por miles de años. la universidad donde trabajaban, tres científicos de lo paranormal Son muchos los factores que se ven obligados a montar su pro- han hecho de Ghostbusters una pio negocio para conseguir re- película icónica, entre éstos pocursos y continuar con su labor; demos mencionar el de las aclabor muchas veces merecedora tuaciones, con un reparto que de miradas descon- integraba a Dan Aykroyd con el fiadas y recelosas por papel de Ray (el sabelotodo de parte de los más es- lo paranormal), Harold Ramis cépticos, aunque sin como Egon, Ernie Hudson era prestar gran atención Winston (el incauto que llegó a a los desconfiados, completar la formación del cuarellos continúan con teto de lo paranormal más exisu trabajo. El gran toso de la historia del cine), el interés que muestran papel de Winston originalmente por su campo de es- fue pensado para Eddie Murphy, tudio los lleva a dise- sin embargo, por la carga de trañar herramientas ca- bajo que éste tenía le fue imposipaces de neutralizar ble aceptar el proyecto, lo cual le
con cariño al Ecto 1, que será por siempre uno de los vehículos más recordados en la historia del cine, es una respuesta lógica y hasta predecible en su momento. Suerte de producción la que lograron con las pistolas de protones, trampas fantasmales, vino bien a la película pues le habría restado mérito al personaje que se colocó fácilmente como el líder: Peter Venkman interpretado por Bill Murray, tan eminente fue el papel del doctor Venkman que el mismo Murray se parodió en otra película que va de una tierra infestada de zombies, seguro saben cuál es… spoiler. No existen las cosas originales, cierto es que Ghostbusters fue el refuerzo que le hacía falta a las películas y cómics de ciencia ficción de años pretéritos y si tienes más de veinte años, seguro hubo un momento en el que jugaste a ser un cazafantasmas (que probablemente era el traba-
jo más envidiado en ese entonces) tratando de neutralizar a un malvavisco gigante en el juicio final con el tema de Ray Parker Jr. de fondo. Para entender a Ghostbusters habrá que conocer su contexto, recordemos que eran los años 80 y la gente tenía cosas que hacer y en qué pensar, no se les puede culpar porque alguien con “imaginación” y presupuesto les mostró su ciudad atestada de conflictivos y verdosos espectros, entonces, conmemorar
detectores de baba (eufemísticamente denominada “ectoplasma”), pues fueron estos artefactos los que comenzaron la enorme franquicia que se ha convertido por derecho propio en ícono cultural, pero debemos admitir que la monetización excesiva de Ghostbusters terminó abatiéndola, no obstante, la condescendencia del público, el consciente colectivo y las nostálgicas memorias le han permitido envejecer con dignidad.
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TESOROS FÍLMICOS
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COLD
FISH
What drives an ordinary man to murder? Por Azucena Mecalco
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l señor Shamoto es un respetable ciudadano japonés que vive con su hija y su muy joven y sexy esposa, con quien se casó tras la muerte de su primera mujer. Es dueño de un acuario y vive sin estrecheces. Siempre intenta solucionar sus problemas de forma lógica y está dispuesto a escuchar a su familia ayudarla en todo lo que sea posible. Sin embargo su vida dista mucho de ser tan tranquila y apacible como se percibe a simple vista.
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Los problemas entre Taeko, su esposa, y Mitsuko, su hija adolescente, se acrecientan cada día, creando una terrible barrera entre padre e hija y al mismo tiempo entre Taeko y él. Su matrimonio va en picada y para colmo Mitsuko ha adquirido la terrible manía de hurtar pequeños artículos en las tiendas departamentales.
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Un buen día Shamoto y Taeko son llamados por el encargado del centro comercial que pilla a Mitsuko robando. En vista del escaso control que ambos parecen tener sobre la chica, que ni siquiera les dirige la palabra, el encargado del centro comercial amenaza con dejarlo todo en manos de la policía. Por fortuna Murata, el dueño del acuario más grande e importante de
la ciudad se da cuenta de lo que está ocurriendo y decide ayudar a su «camarada en el negocio de los peces» intercediendo por su hija para evitar que la lleven a prisión. Así Murata le ofrece trabajo a la chica dentro de su acuario, y al mismo tiempo le sugiere a Shamoto convertirse en su socio y ayudarlo en una nueva tarea: criar a un pez exótico cuyo valor haciende a una cifra considerable. Shamoto duda pues acaba de conocer al buen samaritano y no sabe si sus negocios rendirán frutos. Pero instigado por su mujer, termina por ceder a la petición de Murata. Por desgracia las apariencias siempre resultan engañosas y Shamoto terminará sumergido en un abismo de crímenes y violencia sin siquiera proponérselo. Pez mortal (Tsumetai nettaigyo; Japón, 2010), es la segunda
que los envuelve se transforma en un indescifrable deseo por saber más acerca de ellos, personajes que con todo y su evidente normalidad esconden oscuras pasiones y deseos mórbidos que figuran como parte de los tabús de la sociedad. cinta dirigida por Shion Sono como parte de su «Trilogía del odio», una serie de películas que si bien no tienen relación directa sí desarrollan los mismo temas: la violencia, la cotidianeidad, el sexo y las emociones más viscerales de una sociedad consumida por las tendencias actuales. Al igual que El romance y la culpa (Koi no tsumi, 2011), con la cual finalizaría la trilogía de Sono, Pez mortal utiliza como punto de partida una historia verídica, tomada de una nota roja, para desarrollar su argumento. Con esta premisa Sono creó una universo cotidiano en el que la violencia se encuentra enraizada como situación universal. Asimismo dio vida a una serie de personajes seductores. El atractivo de éstos, exceptuando a la hermosa Megumi Kagurazakaba, no radica en el aspecto físico; sino en el emocional. El misterio
Cada uno de ellos avanza lentamente dentro de una espiral de enajenación de la que no parecen conscientes ni siquiera en el momento en el que están a punto de consumirse en sí mismos. Y aunque ésta sigue siendo una película de crímenes y asesinatos en serie, sobrepasa por completo al género, entretejiendo complejas y bien elaboradas situaciones que van desde el punto más normal al más excéntrico. Los mejores elementos de las producciones de Nikkatsu, compañía cinematográfica japonesa que durante los años 70 y 80 promovió la creación del Roman Porno (filmes sádico-eróticos) y que con ello dio pie al surgimiento de toda una gene-
ración de cineastas, se encuentran reunidos en esta película. Las escenas sangrientas y/o sexuales son explícitas hasta en los más turbios detalles sin que ello demerite el argumento y haga que se pierda de vista el tema central de la historia. Pero Sono no se conforma con mostrar escenas violentas de forma arbitraria. Cada una de ellas desmenuza sin miramientos las reglas sociales, su ejecución y sus múltiples contradicciones. Los estereotipos y las normas son tratados sin cautela, quizá incluso de forma agresiva, pero es de esta manera que logran su cometido: impactar visual y mentalmente a espectador, y en el mejor de los casos conducirlo a reflexionar.
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Esta película de Sono es una refrescante y novedosa visión de los temas más tratados por los naturalistas del cine. Su enfoque y la creación de sus escenarios, cargados en colores brillantes –especialmente rojo-, contribuyen a general una atmosfera opresiva que por momentos hace
creer que los escenarios son demasiado pequeños o demasiado amplios para ser reales. Las actuaciones, como de costumbre en los trabajos de director, son impecables y creíbles y cada una de ellas logra cautivar al público con su bien consolidada interpretación.
Pez mortal es una producción sumamente recomendable, y aunque pertenece a una trilogía no es necesario conocer las otras dos cintas, ni siquiera es necesario conocer trabajos anteriores del director para disfrutarla, siempre que se vea con la mente abierta y la mejor disposición a acercarse a algo diferente. Ficha técnica Título: Tsumetai nettaigyo Director: Shion Sono Guión: Yoshiki Takahashi y Shion Sono Fotografía: Shinya Kimura Música: Tomohide Harada Interpretes: Mitsuro Fukikoshi, Denden, Asuka Kurosawa, Megumi Kagurazakaba, Hikari Kajiwara Año: 2010 País: Japón Duración: 146 min.
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LA MENTE MAESTRA
SHION SONO El terror de lo cotidiano
Por Azucena Mecalco
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i en la actualidad existe un director que japonés que se encargue de retratar los aspectos más sórdidos de la vida ese es Shion Sono. Sus películas plagadas de violencia y sangre son también una mezcla de emociones: la nostalgia, el anhelo, la monotonía y el desasosiego al que hacemos frente diariamente son algunos de los temas recurrentes en sus filmes; asimismo lo son las historias compuestas de detalles que aunque pudieran calificarse de imperceptibles transforman sus historias de micro a macro universos. Esas minucias que hacen que la gente vea trastocado su mundo y se deje llevar por los más oscuros caminos de la zozobra. Shion Sono nació en el año de 1961. Ya en 1978 su inclinación por el arte era más que evidente, sus trabajos en publicaciones
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como The Modern Poem Book comenzaron a popularizarlo, por lo menos entre la sociedad de los poetas en Japón. Y aunque Sono decidió matricularse en la universidad, pronto se dio cuenta que su vocación era el cine. Debido a la escases de escuelas cinematográficas en su país, Sono decidió empezar por su cuenta a filmar utilizando una cámara de 8 mm, el formato casero de la época.
ticipando como concursante en festivales y muestras con sus cortometrajes, en los que además agregaba trozos de su poesía. En 1987 finalmente obtuvo el Gran premio del Festival de Cine PIA, con la película Otoko no Hanamichi, gracias a la cual obtendría posteriormente una beca de la misma institución.
Su primer largometraje en 16 mm, Jitensha Toiki fue bien recibido tanto en festivales como por Lentamente se inmiscuyó en el público japonés y se posicioel ámbito cinematográfico par- nó rápidamente como uno de los más taquilleros de aquel país. Esta cinta, que narra las aventuras y desventuras de un par de chicos que se buscan qué camino seguir, fue dirigida, protagonizada y co-escrita por el mismo Sono.
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A partir de este momento su carrera fue en ascenso; no sólo dirigió sus propias cintas, sino que al mismo tiempo participó en producciones de otros directores dentro y fuera de Japón, a través de su poesía o como actor. A la par del avance de su carrera y el aumento de su popularidad, la polémica con respecto a sus trabajos también se hizo más intensa, especialmente después de su participación en el proyecto Tokyo Gagaga (1997), en el que Sono y su equipo realizaron una protesta a través de la pintura y la poesía instalando mantas
con fragmentos en las principales estaciones de Tokio. Un año más tarde Sono regresó al cine con la cinta Dankon: The Man, cuyo protagonista era nada menos que un asesino serial. A este trabajo le seguiría Utsushimi (2000), un falso documental de estilo cómico. En 2001 el director se consolidó como uno de los exponentes más importantes del cine japonés contemporáneo al escribir y dirigir un proyecto filmado en tiempo récord: Jisatsu Saakuru conocido en occidente como Suicide Club. La siniestra historia de un grupo de estudiantes que se lanza a las vías del metro, suceso que es, en apariencia, el detonante para desencadenar una serie de suicidios masivos, conmocionó al cine mundial con sus escenas sangrientas y sus muy bien trabajadas tomas, así como el inquietante argumento de la historia, que remite por momentos a ideas como las planteadas por Kiyoshi Kurosawa en Pulse. A raíz éxito engendrado por la cinta Sono publicó Jisatsu Saakuru: kanzenban, una novela que fungió como secuela de su propia cinta. En el año 2005, después de un par de trabajos menos populares, llegó la que se considera una nueva versión de Bicycle Sights, debido al tratamiento que el director le dio y a que el tema principal vuelve a ser la búsqueda del yo: Yume no Naka e (Dentro de los sueños). A ésta le seguiría Noriko no Shokutaku, que no es otra cosa que la segunda parte de Suicide Club, basada por completo en la novela Jisatsu Saakuru: kanzenban. Gracias a este trabajo Sono se hizo acreedor al Premio Don Quijote y una Mención Especial de cine a nivel mundial y pronEse mismo año el director inien el Festival de Karlovy Vary, to se convirtió en una cinta de ció con una etapa de su filmograademás de que la cinta circuló culto para el público. fía en la que mezclaba los propor los principales festivales blemas cotidianos con otra serie
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de temas tabú aderezado todo con enormes cantidades de gore. Kimyô na Sâkasu fue la película encargada de dar inició a esta nueva era en la vida fílmica del director. Y aunque es verdad que el director ha tenido algunos deslices en su carrera como la celebre Ekusute (2007), una película en donde el malo de la historia es el cabello, (sí, como se lee, el cabello del mal), tam-
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bién es cierto que cuenta con filmes excelentes como la conocida «Trilogía del odio», compuesta por los filmes: Ai no mukidashi (Love Exposure, 2008), Tsumetai Nettaigyo (Pez mortal, 2010) y Koi no tsumi (El romance y la culpa, 2011), cintas que si bien no son una protesta como tal, por lo menos sí una evidencia de la corrupción que el director percibe en su propia cultura. Otras cintas que lo han hecho acreedor al reconocimiento internacional son Himizu (2011), Kibō no Kuni (2012), y más recientemente Jigoku de naze warui del 2013, esta última una comedia negra sumamente entretenida y absurda que plasma la euforia y pasión de un joven deseoso de convertirse en director de cine. Los trabajos de Sono, aunque conserven su estilo particular e identificable, resultan siempre novedosos, impactantes y entretenidos. Shion Sono es un director que se ha atrevido a replantear los esquemas del cine japonés dando apertura a una nueva ola dentro de la vida fílmica de su país y del mundo.
LA CAJA DE PANDORA
El despertar del terror español Por Héctor A. Benita
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icole Kidman camina por un caserón con el apoyo de una lámpara de petróleo. Belén Rueda encuentra a Tomás mientras busca en un viejo orfanato a su hijo Simón. Álex Angulo indaga en Madrid sobre el lugar de nacimiento del hijo del diablo. Todos buscan algo, todos tienen motivos. ¿Quién lo empezó? Este “renacimiento” del terror español quizás tenga sus orígenes en El día de la bestia, aclamadísimo filme de Álex de la Iglesia. Intensa, emocionante, y por momentos fársica, ésta película de 1995 abre el panorama para lo que han sido casi dos décadas de producciones españolas de terror imper-
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dibles para cualquier cinéfilo. Considerada por muchos como un clásico adelantado a su tiempo (lo cual la convierte automáticamente en obra de culto) ganó seis premios Goya y algunos otros premios de festivales europeos, aunque su mérito no recae en eso. Nos mostró que el español, quizás en su naturaleza, tiene habilidad para contar historias poco comunes, de una manera sencilla, honesta y original. Sólo así se puede relatar la vida de un sacerdote en Madrid que cae en el mal banal con tal de llamar la atención del “maligno”. Un padre, con sotana
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y todo, haciendo travesuras, ju- a contar como géneros. Con una gando el juego del enemigo, con historia llena de mensajes, que todo y sus reglas tergiversadas. Todo sea por evitar el nacimiento del anticristo. Junto a ésta, con diferencia de un año, se estrenó Tesis, ópera prima del ahora famoso Alejandro Amenábar, y que, como El día de la bestia, cambiaría la percepción de lo que el terror y el suspenso podrían llegar
no recurre a trucos baratos (y típicos, dicho sea de paso), Tesis nos habla de una estudiante, que en su búsqueda de conocimiento descubre una red de producción de películas snuff (videos que representan asesinatos y torturas reales). La película misma se convierte en lo que medianamente critica, con un final que promueve la reflexión en el espectador, después de haber sido sacudido por la persecución de un asesino. ¿Reflexión en una película de terror? ¿Qué es esto? ¿Una película de Terrence Malick? Pues
sí, el cine español, con este filme, logró algo que no se había visto: llevarnos del susto al análisis, todo en un paso. Y ese fue sólo el comienzo. ¿Quién no se sorprendió Pasarían algunos años hasta con ese final? Te pueque volviera Amenábar, ahora de gustar o no, pero en deficon una película protagonizada nitiva es una película de la cual por Nicole Kidman: Los otros. Los se habló durante bastante tiemcinco años de vacío serían justi- po, y aún hoy se recuerda como ficados con un filme que coloca- una obra peculiar y genial. ría al director en boca de todos en Hollywood, y que sacaría al Ese espacio de cinco años tenterror español de su ostracismo dría algunos trabajos de Jaume y “cultismo”. Cronológicamente, Balagueró, como Los sin nombre. fue la primer película que vi de Sin embargo, Balagueró alcaneste subgénero, y que marcaría zaría renombre hasta el 2007 a mi ser fílmico intensamente. con [Rec], película del género
zombie que de nuevo iría abriendo brecha en terreno hasta el momento desconocido. Basado en el mismo estilo estético de muchas otras producciones, Jaume le añadiría profundidad y realismo al género, provocando
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en el espectador terror y desorientación, apoyado además en unos efectos especiales que, si bien no eran maravillosos, no desmerecían en comparación con el resto de los elementos del filme.
habitación de Fermat, pasaría desapercibido para el público internacional, pero traería (de nuevo) un tono fresco sobre una fórmula ya conocida. La habitación de Fermat representó para Saw lo que [Rec] había representado para filmes como El proyecEl mismo año se estrenarían to de la bruja de Blair: una visión otros dos filmes. El primero, La renovada y mejor ejecutada de
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una idea que en su momento había sido original pero que ya estaba sobreexplotada. El segundo, El Orfanato, de J.A. Bayona, sería otra historia. Fresca y a la vez nostálgica, llena de un misticismo con el que los mexicanos nos podríamos sentir profundamente identificados. Es, sin lugar a dudas, una de las piedras angulares de este subgénero, cada vez más reconocido. Sería hasta 2010 que se pudiera tener un año tan lleno de talento fílmico. A pesar de que en 2009 Balagueró había dirigido la secuela de [Rec], ésta no había funcionado tanto como su predecesora, al menos para la crítica. En cambio, producciones como Buried, de Rodrigo Cortés, llamarían la atención por lo simple y a la vez complejo de su trama. El mismo año se estrenaría Los ojos de Julia, de Guillem Morales, con opiniones mezcladas en la audiencia; y Balada triste de trompeta, filme parcialmente histórico y totalmente perturbador, de Álex de la Iglesia. El mismo que había mezclado religiosidad, os-
curantismo y comedia regresaba, para ahora presentarnos el circo, historia y perversión, con resultados increíbles. Cabe mencionar a El espinazo del diablo, del mexicano Guillermo del Toro. Enclavado en ese universo donde lo sobrenatural puede relacionarse de distintas maneras, el filme producido en España es, de nuevo, una “vaca sagrada” que pocos se atreverían a criticar. Directa y ensoñada, representa muchas cosas de ésta época fílmica. El terror español ha demostrado su habilidad para contar historias, para hacernos estremecer con elementos sencillos. Historias probablemente ya vistas se logran apreciar desde nuevas perspectivas. Lo sobrenatural tiene permiso a sentirse humano, lo cual lo hace más real. La línea entre la vida y la muerte, lo bueno y lo malo, lo real y lo imaginario se rompe a cada momento. Han tomado un montón de ideas ya existentes, les han quitado lo cliché, y lo que ha quedado lo han hecho filmes. Y lo han hecho de manera genial. Bayona, Del Toro, Amenábar, De la Iglesia, e incluso Balagueró, han pasado a la fama a través de hacer lo que saben hacer. Confían en generar atmósferas tenebrosas, en provocar tensión en el espectador, en crear personajes humanos, que se sienten reales, que pueden perecer en cualquier momento. Nadie está a salvo en sus filmes, ningún personaje es la típica rubia, típico afroamericano o típico atleta. Realmente son filmes con la disposición a sorprenderte, no sólo a base de terror. Construyen una historia y dejan que naturalmente se desarrolle. Promueven un mejor cine, un cine de ideas. ¿Qué nos queda a los espectadores? Sólo disfrutar, asustarnos y admirar. Nos queda estar dispuestos a sorprendernos.
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PARA CONOCER
Hammer
El terror tam
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l cine de terror ha tenido múltiples vertientes desde su creación, uno de los ejemplos más emblemáticos es la película silente del expresionismo alemán: El gabinete del doctor Caligari, del director Robert Wiene. Fue la primera película expresionista y por crear una atmosfera agresiva junto a sus decorados distorsionados (generando opresión y angustia), se considera una de las mejores películas de terror. Durante la década de los 30 existió una serie clásica de películas de terror, ésta es conocida como la franquicia de películas Universal Monsters, producida por los Estudios Universal. Los personajes que caracterizaron a dicha franquicia fueron Drácula,
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Frankenstein, The Invisible Man (El hombre invisible), La momia, El hombre lobo, entre otros. Fue muy exitoso este periodo ya que otras compañías productoras siguieron los pasos de Universal, empresas como MGM que produjo Freaks con Tod Browning dirigiendo, y el estudio RKO que produjo The Body Snatcher (Los usurpadores de cuerpos). Sin embargo, la sobreexplotación del género provocó que sólo se pro-
dujeran películas de bajo presupuesto para conseguir mucho dinero, descuidando así su contenido. Con base en las últimas malas películas surgió la necesidad de producir películas de terror inimaginables para los espectadores. Así James Carreras y Anthony Hinds, tomaron las riendas de la productora Hammer, que había sido fundada en
r Films
mbién toma té
Por Manuel Pineda
1932 en Reino Unido, para desarrollar películas de suspenso a bajo costo pero sin descuidar el contenido. Se instalaron en los estudios Bray, un edificio del siglo XVIII, que fue usado como escenario en varias de sus obras. Evidentemente Hammer Films tuvo algunos tropiezos para lograr sus objetivos; sin embargo hubo un giro inesperado pero necesario para producir cine de terror. La primera película de
temática fantástica que abrió el camino de Hammer fue El Experimento Quatermass, obra de ciencia ficción y terror que fue el primer proyecto de la productora para incursionar en el terreno de lo terrible.
extraterrestre pero con un enfoque diferente: los alienígenas son una amenaza biológica. Este film está basado en un serial de la BBC Televisión, y se dice que fue la primera serie de ciencia ficción escrita para un público adulto. Al estrenarse la película, recibió una restricción “X”, que sólo permitía el acceso a mayores de 16 años; era el doceavo film que recibió esa restricción desde que se instauró dicho mecanismo en 1951. Su violencia era tan explícita que las comunidades de observadores locales solicitaban que se le cortaran las escenas de las víctimas del monstruo. La película recaudó £45,000.
El Experimento de Quatermass, dirigida por Val Guest, se estrenó el 26 de agosto de Debido al éxito de Quatermass 1955, y tratá sobre el contacto decidieron continuar en el camino del ser humano con una especie del terror, así la literatura gótica
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del Siglo XVIII encontró un camino más en el cine a través de Hammer Films. Produjeron una película del monstruo Frankenstein, filmada en 1957, dirigida por Terence Fisher y escrita por Jimmy Sangster quien aceleró la narrativa del filme, con Christopher Lee como el ser mítico junto a Peter Cushing como el barón Von Frankenstein. Como la productora no quería tener problemas legales con los estudios Universal de Estados Unidos, tuvieron que innovar en la realización de la película: el aspecto principal del monstruo fue más realista y fiel a la descripción de la novela, el barón (Cushing) era un villano imponente, además era la primera película en color de los estudios dándole importancia al uso del color rojo de la sangre; la violencia era más perturbadora comparada a
las otras películas de la época, y la actuación de Peter Cushing era única, ya que interpretaba a un barón insensible ante sus víctimas. El éxito fue tan grande,
mente inestable. También fue dirigida por Terence Fisher y se tituló Horror of Drácula para evitar que el espectador se confundiera con la película estadounidense Drácula de 1931. Este film se caracterizó por el gore primigenio además de la insinuación sexual que se manifestó a través de la obsesión del conde por la sangre, lo que generó un problema con los censores de la época ya que tenían un mayor problema con la sexualidad implícita que con la violencia explícita del filme. tanto en Reino Unido como en América, que generó en taquilla 70 veces lo de su presupuesto (aproximadamente 270,00 dólares), lo que le abrió las puertas a la productora para seguir con su plan de elaborar películas de terror diferentes con un presupuesto bajo. La siguiente película que produjo Hammer fue Drácula, con Peter Cushing interpretando al Dr. Abraham Van Helsing junto a Christopher Lee representando a un Conde Drácula mental-
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del Demonio y a Roger Corman para que dirigiera las películas que lo convertirían en el Rey de las B-movies. Otros directores han homenajeado en sus producciones a Hammer, como Spielberg, Burton, Peter Jackson, John Carpenter, entre otros. Sin duda el legado de Hammer Films es único, además ahora que se tiene ese gusto por lo clásico es una gran opción para pasar estas fechas de celebración a los muertos y de replicar las tradiciones perdido de seres fantásticos perteneciende la exhibi- tes a otros pueblos. ción del filme original que se había llevado a cabo en Las mejores diez películas de Japón en 1958; a partir de este Hammer para aquel que quiera material recuperado se inició acercarse a este maravilloso cine una restauración y transferencia de terror son: a telecine en alta definición. En diciembre del 2012 se anunció que este material estaría disponible al público en una edición en bluray.
Este film tuvo una inversión de £81,000 y se estrenó el ocho de mayo de 1958. También tuvo que ser desarrollada como algo innovador ya que Hammer Films quería evitar problemas de derechos de autor porque Estudios Universal tenía los derechos del personaje. En septiembre del 2011, Hammer anunció que en el National Film Hammer Films introdujo un Center del Museo Nacional de nuevo y energético horror, neArte Moderno de Tokyo se en- cesario para un país que estaba contró material que se creía recuperándose de la segunda guerra mundial; posee una belleza teatral, las mujeres (sobre todo las mujeres vampiro) dejaron de ser decorativas, con sus tonos grises recordaban a las películas de Universal, y su relación del sexo con la muerte era un sello distintivo de sus producciones. Su trabajo inspiró un nuevo boom del género que influyó a las nuevas generaciones produciendo desde obras cinematográficas, pasando por la televisión y terminando en las historietas. La violencia y sensualidad que caracterizaban al sello de Hammer alentó a Mario Bava para que hiciera La Máscara
1.- The Quatermass Experiment (1955). 2.- Horror of Dracula (1958). 3.- The Curse of Frankenstein (1957). 4.- Twins of Evil (1971). 5.- The Devil Rides Out (1968). 6.- The Gorgon (1964). 7.- The Plague of the Zombies (1966). 8.- Curse of the Werewolf (1961). 9.- Dr. Jekyll & Sister Hyde (1971). 10.- Demons of the Mind (1972).
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HABÍA UNA VEZ
Hasta los Huesos
De dulce
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icen que en la vida solo estamos seguros de una cosa, de la muerte que llegará en la fecha que ella tiene programada y de la que no escaparemos. La muerte es temida por muchos, otros la reciben con gozo, algunos con tristeza, pero para otros es la única forma de reunirse con sus seres queridos.
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El mexicano no le teme a la muerte, se burla de ella, la venera, la conmemora y tiene la creencia que en una fecha especial, 1 y 2 de noviembre, los vivos pueden convivir con los muertos, y para alegrar su visita llenan de festines las tumbas, que incluyen cigarros, tequila, comida, juguetes, dulces, etc.
Los dulces representan a la muerte misma, quizás una yuxtaposición con la muerte que debe de ser amarga para algunos, pero mientras la calaca aparece nos burlamos de ella comiéndonos su calavera y sus huesos en el pan.
es huesos de la muerte Por Alma Ricardo La catrina es la muere misma que con sus brazos huesudos intenta alcanzarnos, y con sus trajes coloridos nos intenta seducir, ella es una asistente privilegiada a nuestras fiestas de muertos. No hay hogar en el que nos se le conozca y en el que sea bien recibida, hasta los
niños le cantan a la muerte y es que por esos dos días la muerte no es una enemiga, se convierte en amiga que permite el regreso de las personas que se han ido y aunque sólo su espíritu regresa es más que suficiente para que todos sintamos que otra vez la familia está completa.
La Catrina también invade la pantalla Grande y, por lo menos en el cortometraje Hasta los Huesos, es uno de los personajes principales. En el cortometraje Hasta los Huesos, vemos a figuras creadas de plastilina que acuden al
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entierro de una persona, una viuda que se duele por la perdida del ser querido y al propio muerto que se niega a morir, pero el hecho es que ya no puede regresar y al final llega al mundo de los muertos cual Alicia en el país de las Maravillas a través de un túnel.
estaremos junto a nuestros seres queridos, algunos creen en eso, otros en la resurrección y otros mas en la reencarnación, pero la puerta de entrada a éstos es definitivamente la muerte misma.
de las almas que vagan porque dejaron asuntos pendientes.
En su huida llega a una cantina, lugar donde calacas vestidas con trajes de colores tienen una fiesta, acompañadas de tequila y baile, al igual que en las cantinas El personaje del cortometraje de los vivos, ya que la fiesta para huye de los gusanos, se resiste el mexicano no termina ni con la Este personaje llega a una a estar muerto, pero es mejor muerte. vida mas allá de la vida, que aceptar que condenarse a vagar Entonces aparece en el continúa después de la muerte, sin reposo por una eternidad, un lugar al que iremos y como algunos mexicanos creen escenario La Catrina, la osamenta
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de la que alguna vez fue mujer y la dama distinguida comienza a cantar, canto que con la ayuda de la voz de Eugenia León se transforma en una tonadilla que seduce, que convence, que mata ¡Hay de mi llorona, llorona!
con un gran sobrero lleno de flores, que quizás provengan de las tumbas de los muertos, en los hombros lleva una estola con cola de cascabel, para hipnotizar al hombre y así él se convenza y acepte a la muerte.
Este personaje le debe la vida, paradójicamente, en el imaginario del mexicano al grabador José Guadalupe Posada y en el cortometraje está vestida al igual que en muchos grabados
Una última lucha para resistirse a la muerte, en la que no bebe su tequila, hasta que algo le indica que ya se ha separado de su amada que está en el mundo de los vivos; para
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terminar con esta pelea La Catrina se acerca y le canta al oído, con esa voz que lo embeleza y al final termina por convencerlo, así él decide unirse a la fiesta y al baile de los muertos. Mientras arriba en el mundo de los vivos, los vivos continúan viviendo. La industria de la animación no se encuentra tan desarrolla en nuestro país, por eso es de destacar que este pequeño cortometraje fue multipremiado en diferentes festivales entre los que están: Premio de la Crítica Nacional, Premio de la
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Asociación Cinemared al Mejor Cortometraje, México 2001; Premio al Mejor Cortometraje de Animación, Palm Spring International Short Film Festival, California, EUA 2001; Premio a la Mejor Animación en el Festival Internacional de Cine de Animación, Canadá 2002., entre otros.
El cortometraje animado Hasta los huesos muestra al mundo una parte de nuestra idiosincrasia y de nuestra particular manera de convivir y celebrar a la muerte.
HASTA LOS HUESOS Año: 2001 País: México Duración: 11 min. Dirección: René Castillo
Además el costo de este cortometraje fue de tres millones de pesos, la producción duró más de tres años, y la filmación fue de año y medio. La técnica con la que se realizó fue la de Stop Motion y se necesitaron alrededor de 15 mil movimientos de todos los personajes que interviene. La música estuvo a cargo de Café Tacuba, con la interpretación de Eugenia León.
Super 8 29
EN CARTELERA
Por Alma Ricardo
UNA BUENA MENTIRA L a guerra deja cicatrices dolorosas y más en los niños, quienes aprenden a sobrevivir en este mundo esperando una oportunidad.
Tres hombres refugiados de la guerra civil sudanesa consiguen asilo en Estados Unidos y tras conocer a Carrie (Reese Witherspoon) comienzan a desenvolverse en la sociedad americana, pero uno de ellos no está tranquilo ya que su hermana, única familiar viva, se encuentra aún en Sudan, entonces con la ayuda de Carrie buscarán la manera de que todos se reúnan y vuelvan a ser una familia.
Título original: The Good Lie Año: 2014 Duración: 110 min. País: E.U.A. Director : Philippe Falardeau Trailer https://www.youtube.com/watch?v=u2X1zZIGtmE
BIRDMAN
E n Brodway el actor Riggan Thompson, empieza una lucha contra su ego y la puesta en escena de una obra. Riggan Thompson (Michael Keaton) por muchos años interpretó a un superhéroe famoso, Birdman, este personaje aún es recordado por las personas, y por la misma razón él comienza a añorar sus glorias pasadas; y en un intento de regresar a la cúspide, montará una obra en Brodway, pero en el camino se encontrará con que también quiere recuperar a su familia, pero primero deberá vencer a su ego. Es la primera comedia que dirige el director Alejandro González Iñárritu, la fotografía corre a cargo del ganador del Óscar Emmanuel Lubezki. Título original: Birdman (or The Unexpected Virtue of the Ignorance) Año. 2014 Duración: 118 min. País: Estados Unidos Estados Unidos Director: Alejandro González Iñárritu Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=uJfLoE6hanc
30 Super 8
EN CARTELERA INTERESTELAR
Eexplorado, l espacio es un lugar infinito que nunca dejará de ser además existe una vasta cantidad de planetas que podrían ser habitados por el hombre.
En la época actual pareciera que los hombres han olvidado que conquistaron el espacio, pero un grupo de exploradores no lo ha hecho y ellos encontraran un agujero de gusano que les permitirá llevar los viajes espaciales más allá de lo imaginable y así llegar a lugares muy lejanos del universo y lograr un viaje Interestelar. La dirección esta a cargo de Christopher Nolan y cuenta con las actuaciones de los ganadores del Óscar Matthew McConaughey y Anne Hathaway
Título original: Interstellar Año: 2014 Duración: 169 min. País: E.U.A. Director: Christopher Nolan
Trailer https://www.youtube.com/watch?v=f8bn8es1aYM
CANÍBAL
Un hombre que tiene una naturaleza diferente a los demás,
que lo vuelve técnicamente inhumano, podría cambiar por amor. En Granada Carlos (Antonio de la Torre) es un sastre que cuenta con gran prestigio, además es un hombre respetable; pero no es perfecto ya que tiene un gusto particular por la carne humana y más específicamente por comer carne de mujeres desconocidas, hasta que un día conoce a Nina (Olimpia Melinte) una mujer de la que se enamora y por quien estará dispuesto a cambiar, pero esta mujer esta buscando a su hermana que ha desaparecido. La película está dirigida por Manuel García Cuenca, quien ha dirigido anteriormente La mitad de Óscar y La flaqueza del bolchevique. Título original: Caníbal Año: 2013 Duración: 116 min. País: España España Director: Manuel Martín Cuenca Trailer https://www.youtube.com/watch?v=NGZf7EMtZAM
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